vertixe sonora ensemble - COMPOSTELA

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No ano 2012, e tras 13 anos sen actividade, renacen
en Santiago de Compostela as Xornadas de Música
Contemporánea co obxectivo de fomentar e difundir as últimas tendencias e a innovación en música
contemporánea. Este ano celebramos a terceira edición desta segunda etapa (o Auditorio de Galicia e o
Centro Galego de Arte Contemporánea, CGAC, foron
sedes durante unha década nos anos noventa do
pasado século daquelas primeiras xornadas), na que
se mantén a mesma liña de traballo e colaboración
institucional con que arrincaron froito da iniciativa,
coordinación e promoción da Universidade de Santiago, o CGAC e o Concello de Santiago. Dende o 2013,
as Xornadas de Música Contemporánea de Santiago
manteñen o determinante apoio para a súa organización, programación, crecemento, difusión e proxección do Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM, e
do Instituto Nacional das Artes Escénicas e a Música,
INAEM. A iniciativa conta ademais coa colaboración
da Fundación Cidade da Cultura e coas substanciais
achegas do Consorcio de Santiago e do Consorcio
para Promoción da Música da Coruña, sen cuxa xenerosidade non sería posible a presenza das dúas
magníficas orquestras galegas: Real Filharmonía de
Galicia e Orquestra Sinfónica de Galicia protagonizan
os tres concertos sinfónicos desta edición que terán
lugar no Auditorio de Galicia. A encargada de inaugu-
En el año 2012, y tras 13 años sin actividad, renacen
en Santiago de Compostela las Xornadas de Música
Contemporánea con el objetivo de fomentar y difundir
las últimas tendencias y la innovación en música contemporánea. Este año celebramos la tercera edición de
esta segunda etapa (el Auditorio de Galicia y el Centro
Gallego de Arte Contemporáneo, CGAC, fue sede durante una década en los años noventa del pasado siglo
de aquellas primeras jornadas), en la que se mantiene
la misma línea de trabajo y colaboración institucional
con que arrancó fruto de la iniciativa, coordinación y
promoción de la Universidad de Santiago, el CGAC y
el Ayuntamiento de Santiago. Desde el 2013, las Xornadas de Música Contemporánea de Santiago cuentan con el determinante apoyo para su organización,
programación, crecimiento, difusión y proyección del
Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM, y del Instituto Nacional das Artes Escénicas y la Música, INAEM.
Las Xornadas cuentan además con la colaboración de
la Fundación Ciudad de la Cultura y las sustanciales
aportaciones del Consorcio de Santiago y del Consorcio para Promoción de la Música de A Coruña, sin cuya
generosidad no sería posible la presencia de las dos
magníficas orquestas gallegas: Real Filharmonía de Galicia y Orquesta Sinfónica de Galicia protagonizan los
tres conciertos sinfónicos de esta edición que se celebran en el Auditorio de Galicia. La encargada de inau-
rar as xornadas coa estrea dunha nova obra de Mauro
Montalbetti é a orquestra compostelá Real Filharmonía, que nos seus dous contrastados programas dirixidos por Jonathan Webb e Christoph König alterna
obras de grandes clásicos e sinaladas figuras do século XX como Beethoven e Haydn ou Carter e Schoenberg. Diego García Rodríguez, novo e emprendedor
director galego que fixo da música contemporánea
un dos sólidos piares da súa prometedora carreira,
estará á fronte da coruñesa Sinfónica de Galicia nun
variado programa no que Galicia e Polonia comparten protagonismo e que inclúe a recuperación dunha
composición do brigantino Carlos López García-Picos, a primeira interpretación en Galicia dunha nova
obra de Tomás Marco inspirada no Códice Calixtino
e cadansúa obra de dous grandes nomes polacos da
composición do século XX, Penderecki e Lutoslawski.
gurar las jornadas con el estreno de una nueva obra de
Mauro Montalbetti es la orquesta compostelana Real
Filharmonía, que en sus dos contrastados programas
dirigidos por Jonathan Webb y Christoph König alterna
obras de grandes clásicos y señaladas figuras del siglo
XX como Beethoven y Haydn o Carter y Schoenberg.
Diego García Rodríguez, joven y emprendedor director
gallego que ha hecho de la música contemporánea
uno de los sólidos pilares de su prometedora carrera,
estará al frente de la coruñesa Sinfónica de Galicia en
un variado programa en el que Galicia y Polonia comparten protagonismo e incluye la recuperación de una
composición del brigantino Carlos López García-Picos,
la primera interpretación en Galicia de una nueva obra
de Tomás Marco inspirada en el Códice Calixtino y sendas obras de dos grandes nombres polacos de la composición del siglo XX, Penderecki y Lutoslawski.
A de Mario Montalbetti será a primeira das oito estreas
absolutas (fundamentalmente froito dos encargos
do CNDM) destas xornadas na que por primeira vez
se escoitarán novas composicións de Antón García
Abril, Oliver Rappoport, David Figols, Lula Romero,
Ramón Souto e Germán Alonso. Os variados escenarios esparexidos por toda a cidade (teatros, igrexas,
auditorios, museos e outros espazos singulares) acollerán ademais numerosas estreas en Galicia e en España (como a significada primeira interpretación no
noso país de Freude, composición para dúas arpas
e electrónica de Karlheinz Stockhausen a cargo das
arpistas Frédérique Cambreling e Bleuenn Le Friec).
Experiencia e categoría atesouran dúas agrupacións
de cámara como o Wiener Klaviertrio e o Cuarteto
Vogler, con 20 e 30 anos de sólida traxectoria respectivamente, que se presentan por primeira vez en
Galicia con variados programas que alternan autores
españois e internacionais. A mezzosoprano irlandesa Zandra McMaster acompaña ao cuarteto berlinés
El de Mario Montalbetti será el primero de los ocho
estrenos absolutos (fundamentalmente fruto de los
encargos del CNDM) de estas jornadas en la que por
primera vez se escucharán nuevas composiciones de
Antón García Abril, Oliver Rappoport, David Figols, Lula
Romero, Ramón Souto y Germán Alonso. Los variados
escenarios esparcidos por toda la ciudad (teatros, iglesias, auditorios, museos y otros espacios singulares)
acogerán además numerosos estrenos en Galicia y en
España (como la significada primera interpretación en
nuestro país de Freude, composición para dos arpas y
electrónica de Karlheinz Stockhausen a cargo de las
arpistas Frédérique Cambreling y Bleuenn Le Friec).
Experiencia y categoría atesoran dos agrupaciones de
cámara como el Wiener Klaviertrio y el Cuarteto Vogler,
con 20 y 30 años de sólida trayectoria respectivamente, que se presentan por primera vez en Galicia con
variados programas que alternan autores españoles
e internacionales. La mezzosoprano irlandesa Zandra
McMaster acompaña al cuarteto berlinés en el estreno
na estrea de tres cantigas do aragonés Antón García
Abril. A rica oferta de cámara a completa o dúo de novos talentos formado pola madrileña Leticia Moreno
e o francés Bertrand Chamayou, que inclúen no programa a estrea dunha nova obra para violín e piano
do malagueño Oliver Rappoport. Nos últimos anos
un nutrido grupo de músicos galegos apostou pola
creación actual, e exemplo da calidade e compromiso destes conxuntos é Vertixe Sonora Ensemble,
que propón a catro novos compositores españois a
inspiración na figura do Greco para a creación de catro novas obras que servirán unha ponte de conexión
entre pintura e música. A Banda Municipal de Música
de Santiago achega un programa dedicado a compositores dos séculos XX e XXI que escribiron obras
específicas para orquestra de ventos que inclúe unha
estrea do compositor valenciano Juan Alborch.
de tres cantigas del aragonés Antón García Abril. La
rica oferta de cámara la completa el dúo de nuevos
talentos formado por la madrileña Leticia Moreno y el
francés Bertrand Chamayou, que incluyen el programa
el estreno de una nueva obra para violín y piano del
malagueño Oliver Rappoport. En los últimos años un
nutrido grupo de músicos gallegos ha apostado por la
creación actual, y ejemplo de la calidad y compromiso de estos conjuntos es el Vertixe Sonora Ensemble,
que propone a cuatro jóvenes compositores españoles
la inspiración en la figura de El Greco para la creación
de cuatro nuevas obras que servirán un puente de conexión entre pintura y música. La Banda Municipal de
Música de Santiago propone un programa dedicado
a compositores de los siglos XX y XXI que escribieron
obras específicas para orquesta de vientos que incluye
un estreno del compositor valenciano Juan Alborch.
A música contemporánea achegarase á rúa o sábado 4 de outubro nunha xornada especial chea de
música que comeza e remata na histórica Praza das
Pratarías compostelá: comezando pola mañá coa
interpretación dunha obra representativa do minimalismo de Terry Riley a cargo do Ensemble IXOR
e rematando, á chegada da noite, cunha singular,
variada e escenográfica proposta na que participan
unha representativa parte dunha activa e decidida
xeración de músicos e agrupacións que dende Galicia miman a difusión da música actual. Durante a
tarde a acción trasládase ao Centro Galego de Arte
Contemporánea para unha nova intervención dos
mozos compoñentes do Ensemble IXOR e unha
viaxe ao tradicional e innovador afastado Oriente
conducidos polo piano de Elisa Vázquez Doval.
La música contemporánea se acercará a la calle el sábado 4 de octubre en una jornada especial llena de
música que comienza y termina en la histórica Plaza
de Platerías compostelana: comenzando por la mañana con la interpretación de una obra representativa
del minimalismo de Terry Riley a cargo del Ensemble
IXOR y terminando a, la llegada de la noche, con una
singular, variada y escenográfica propuesta en la que
participan una representativa parte de una activa y
decidida generación de músicos y agrupaciones que
desde Galicia miman la difusión de la música actual.
Durante la tarde la acción se traslada al Centro Galego
de Arte Contemporánea para una nueva intervención
de los jóvenes componentes del Ensemble IXOR y un
viaje al tradicional e innovador Lejano Oriente conducidos por el piano de Elisa Vázquez Doval.
OFF_Contemporánea engloba as propostas máis
alternativas das Xornadas: outras músicas, outras
visións, outros espazos... A música contemporánea,
OFF_Contemporánea engloba las propuestas más alternativas de las Xornadas: otras músicas, otras visiones, otros espacios... La música contemporánea, el jazz
o jazz e a improvisación libre danse a man en estrea
dos novos proxectos de dous talentosos músicos
como o pianista ferrolán Pablo Seoane (que presenta
o seu novo pablo_seoane_trem e un programa de improvisación inspirado en Francesco d’Assisi, de cuxa
peregrinación a Compostela se conmemora este ano
o oitavo centenario) e do cubano, afincado en Galicia, Alejandro Vargas. Zoar Electric, quinteto de vento, únese ao premiado beatboxer Lytos para achegarnos os beats dalgúns dos creadores de electrónica
máis representativos da actualidade. E na atmosfera
do cabaré de principios do século XX inspírase outra
agrupación transcendental da escena galega actual,
o Taller Atlántico Contemporáneo, para pechar esta
edición das Xornadas na Sala Capitol.
y la improvisación libre se dan la mano en el estreno
de los nuevos proyectos de dos talentosos y músicos
como el pianista ferrolano Pablo Seoane (que presenta
su nuevo pablo_seoane_trem y un programa de improvisación inspirado en Francesco d’Assisi, de quien
este año se conmemora el octavo centenario de su
peregrinación a Compostela) y del cubano, afincado
en Galicia, Alejandro Vargas. Zoar Electric, quinteto de
viento, se une al premiado beatboxer Lytos para acercarnos los beats de algunos de los creadores de electrónica más representativos de la actualidad. Y en la
atmósfera del cabaret de principios del siglo XX se inspira otra agrupación trascendental de la escena gallega
actual, el Taller Atlántico Contemporáneo, para cerrar
esta edición de las Xornadas en la Sala Capitol.
E por último e non por iso menos importante, o
apartado didáctico dunhas xornadas que coidan especialmente o fundamental achegamento aos máis
novos a música contemporánea e a creación actual, a
través de catro variadas propostas en forma de concertos para nenos, novos e familiares. O quinteto de
vento Zoar Ensemble e o pianista Nicasio Gradaille,
utilizando como vehículo a música de György Ligeti, mostrarán dunha forma amena os piares básicos
da composición contemporánea. Con similares fins
divulgativos, a Orquestra do Espazo de Cámara da
Universidade de Santiago que dirixe Mario Diz toma
como base a música experimental no deseño un programa participativo titulado Experimenta coa música. Outra proposta participativa é a CactusWorkestra,
instalación sonora do artista plástico e musical portugués João Ricardo de Barros Oliveira que estará
durante todo un fin de semana no CGAC. As Xornadas
acollen tamén a interesante estrea de George’s Odissey, unha creación videográfica de Ana de Alvear para
a que once compositores escribiron outras tantas pezas orixinais que interpreta en directo o Trío Arbós.
Y por último y no por ello, ni mucho menos, menos importante es el apartado didáctico de unas jornadas que
cuidan especialmente el fundamental acercamiento a
los más jóvenes la música contemporánea y la creación actual, a través de cuatro variadas propuestas en
forma de conciertos para niños, jóvenes y familiares. El
quinteto de viento Zoar Ensemble y al pianista Nicasio
Gradaille, utilizando como vehículo la música de György Ligeti, mostrarán de una forma amena los pilares básicos de la composición contemporánea. Con similares
fines divulgativos, la Orquesta del Espacio de Cámara
de la Universidad de Santiago que dirige Mario Diz
toma como base la música experimental en el diseño
un programa participativo titulado Experimenta con la
música. Otra propuesta participativa es la CactusWorkestra, instalación sonora del artista plástico y musical
portugués Joao Ricardo de Barros Oliveira que estará
durante todo un fin de semana en el CGAC. Las Xornadas acogen también el interesante estreno de George’s
Odissey, una creación videográfica de Ana de Alvear
para la que once compositores han escrito otras tantas
piezas originales que interpreta en directo el Trío Arbós.
DOMINGO 5 OUTUBRO 20.00
CGAC CENTRO GALEGO
DE ARTE CONTEMPORÁNEA
WindBox
LYTOS beatbox
ZOAR ELECTRIC
quinteto de vento
VENRES 3 OUTUBRO 21.00
AUDITORIO DE GALICIA
XOVES 9 OUTUBRO 21.00
inauguración
Codex Calixtinus
REAL FILHARMONÍA
DE GALICIA
SERGEI YEROKHIN piano
JONATHAN WEBB director
ORQUESTRA SINFÓNICA
DE GALICIA
DIEGO GARCÍA
RODRÍGUEZ director
SÁBADO 4 OUTUBRO
unha xornada contemporánea
aperitivo minimalista e unha velada
[didáctica] cas vangardas
PRAZA DAS PRATARÍAS 21.30
PABLO COELLO
ALEJANDRO VARGAS
ZOAR ENSEMBLE
PABLO SEOANE
BLEUENN LE FRIEC
ELISA VÁZQUEZ DOVAL
VERTIXE SONORA ENS.
TAC Taller Atlántico Contemporáneo
CUARTETO VOGLER
MICHAEL McHALE piano
ZANDRA McMASTER
mezzosoprano
SÁBADO 18 OUTUBRO 20.30
PARANINFO DA UNIVERSIDADE
FACULTADE DE XEOGRAFÍA E HISTORIA
Tendencias XXI:
Austria_España
pablo_seoane_trem
ELISA VAZQUEZ DOVAL
Cantigas e outras
fontes de inspiración
Festas do erro
CGAC 18.30
CGAC 20.00
WIENER KLAVIERTRIO
visións_improvisacións
sobre Francesco dÁssisi
Ensemble IXOR
CGAC CENTRO GALEGO
PRAZA DAS PRATARÍAS 13.00
Ensemble IXOR
MARTES 14 OUTUBRO 20.30
IGREXA DA UNIVERSIDADE
Freude_Stockhausen:
“alegría” para dúas arpas
FRÉDÉRIQUE
CAMBRELING arpa/voz
BLEUENN LE FRIEC arpa/voz
ÁNGEL FARALDO
dispositivo electro-acústico
TEATRO PRINCIPAL
Wind Band
BANDA MUNICIPAL
DE MÚSICA DE SANTIAGO
JUAN MIGUEL ROMERO director
sonata_violín_piano
LETICIA MORENO violín
BERTRAND CHAMAYOU piano
CGAC CENTRO GALEGO
AMa AZa LaNdo, paisaxes sonoras
ALEJANDRO VARGAS
piano/frauta/percusión/voz
TEATRO PRINCIPAL
Visións do Greco
VERTIXE SONORA
ENSEMBLE
BALDUR BRÖNNIMANN director
FERNANDO REYES tiorba
De Brandemburgo a Viena
REAL FILHARMONÍA
DE GALICIA
CHRISTOPH KÖNIG director
AdesTempo
programación didáctica, infantil, xuvenil e familiar
“a música contemporánea para todos os públicos”
SÁBADO 11 OUTUBRO 18.30
CGAC CENTRO GALEGO
George’s Odyssey
unha introducción á música de vangarda
creación videográfica de Ana de Alvear
TRÍO ARBÓS
SÁBADO 1 NOVEMBRO 22.00
SALA CAPITOL
Cabaret contemporáneo
INGRIDA GÁPOVÁ soprano
DIEGO GARCÍA
RODRÍGUEZ director
CIDADE DA CULTURA
Portrait_György Ligeti
unha aproximación [pedagóxica]
á música contemporánea
ZOAR ENSEMBLE
quinteto de vento
NICASIO GRADAILLE
piano
SÁBADO 18 OUT. 12.30/17.30/19.00
DOMINGO 19 OUT. 12.30/17.30
CGAC CENTRO GALEGO
CactusWorkestra
instalación sonora
JOÃO RICARDO
DE BARROS OLIVEIRA
CGAC CENTRO GALEGO
Experimenta coa música
ORQUESTRA DO ESPAZO
DE CÁMARA DA USC
MARIO DIZ director
inauguración
REAL FILHARMONÍA
DE GALICIA
Parte 1
Mauro Montalbetti (1967)
Cantos de los granos de arena * (2014)
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Concerto para piano núm. 5
en Mi bemol maior, op. 73 “Emperador” (1811)
Allegro
Adagio un poco mosso
Rondo: Allegro ma non troppo
Parte 2
21.00
VENRES 3 OUTUBRO
Elliott Carter (1908–2012)
Sinfonía núm. 1 (1942)
Moderately, wistfully
Slowly, gravely
Vivaciously
* estrea absoluta,
obra encargo da RFG
Mauro Montalbetti estudou no Conservatorio de Milán, composición con Antonio Giacometti e con Gerars Grisey, Marco Stroppa, Franco Donatoni, Magnus
Lindberg e Luca Francesconi desenvolveu a súa vocación e o seu talento. En 1988 foi finalista do premio
Valentino Bucchi coa súa primeira composición para
violín e violoncello Fahrt ins staublose e actualmente é recoñecido como un dos compositores italianos
máis prometedores. Ademais gañou o Premio Gaudeamus en 1999 e o Johan Fux Opera 2006 (Graz) con
Lies and sorrow, unha ópera con libreto do poeta Giovanni Peli. Mauro Montalbetti é un compositor versátil que escribiu música para as propostas da compañía de danza Lyria e da coreógrafa londiniense Tessa
Wills, para as instalacións do escenógrafo e artista
Domenico Franchi e música de escena para o teatro
en colaboración co actor Carlo Rivolta.
Mauro Montalbetti estudió en el Conservatorio de
Milán, composición con Antonio Giacometti y con Gerars Grisey, Marco Stroppa, Franco Donatoni, Magnus
Lindberg y Luca Francesconi desarrolló su vocación y
su talento. En 1988 fue finalista del premio Valentino
Bucchi con su primera composición para violín y violonchelo Fahrt ins staublose y actualmente es reconocido como uno de los compositores italianos más
prometedores. Además ha ganado el Premio Gaudeamus en 1999 y el Johan Fux Opera 2006 (Graz) con Lies
and sorrow, una ópera con libreto del poeta Giovanni
Peli. Mauro Montalbetti es un compositor versátil que
ha escrito música para las propuestas de la compañía
de danza Lyria y de la coreógrafa londinense Tessa
Wills, para las instalaciones del escenógrafo y artista
Domenico Franchi y música de escena para el teatro
en colaboración con el actor Carlo Rivolta.
Ludwig van Beethoven comezou a escribir o Concerto
para piano núm. 5 en Mi bemol maior, op. 73 cando a
súa acentuada xordeira xa lle provocaba unha gran
vida interior cun interesante mundo sonoro que expresaba en obras como este concerto. O horror que
supuxo a entrada do exército napoleónico en Viena,
en maio de 1809, inspira este último concerto para
piano que se afasta da tradición concertística e está
concibido máis como unha sinfonía que inclúe a participación dun piano. Beethoven rompe as normas e
deixa a introdución en mans do solista a través das
cadencias escritas que revelan o valor de escalas e
trilos durante toda a obra. O Adagio un pouco mosso
parece un compromiso musical que roza a máis absoluta espiritualidade cun coral debuxado pola corda, unha breve intervención das trompas e un final
no que o piano suxire o motivo principal do terceiro
movemento, un Allegro ma non troppo en forma de
rondó que presenta un irresistible arranque que rapidamente toma aire de danza popular. O pianista con
Ludwig van Beethoven comenzó a escribir el Concierto
para piano núm. 5 en Mi bemol mayor, op. 73 cuando
su acentuada sordera ya le provocaba una gran vida interior con un interesante mundo sonoro que expresaba
en obras como este concierto. El horror que supuso la
entrada del ejército napoleónico en Viena, en mayo
de 1809, inspira este último concierto para piano que
se aleja de la tradición concertística y está concebido
más como una sinfonía que incluye la participación de
un piano. Beethoven rompe las normas y deja la introducción en manos del solista a través de las cadencias
escritas que revelan el valor de escalas y trinos durante
toda la obra. El Adagio un poco mosso parece un compromiso musical que roza la más absoluta espiritualidad con un coral dibujado por la cuerda, una breve intervención de las trompas y un final en el que el piano
sugiere el motivo principal del tercer movimiento, un
Allegro ma non troppo en forma de rondó que presenta
un irresistible arranque que rápidamente toma aire de
danza popular. El pianista con algunos tutti orquesta-
algúns tutti orquestrais mostran unha enerxía enlouquecedora e antes da conclusión, o compositor pinta
unha nítida contemplación do piano acompañado
polos timbais que conflúe no grandioso final da obra.
les muestran una energía enloquecedora y antes de la
conclusión, el compositor pinta una nítida contemplación del piano acompañado por los timbales que confluye en el grandioso final de la obra.
O americano Elliott Carter descubriu a música clásica grazas ao seu amigo e mentor Charles Ives e
estudouna, máis tarde, con Walter Piston na Universidade de Harvard e en París con Nadia Boulanger,
quen o inflúe na súa etapa neoclásica inicial. Entre
os seus numerosos premios destacan os Pulitzer polos seus Cuarteto de corda núm. 2 (1959) e Cuarteto
de corda núm. 3 (1973). A simplicidade emparentada
coa escola populista norteamericana de Aaron Copland marcou tamén o seu primeiro período compositivo (ata 1948), etapa na que compón os ballets
Pocahontas e The Minotaur, a Sinfonía núm. 1 ou a
Sonata para piano que xa permite enxergar a súa
futura etapa, de maior complexidade, relacionada
coas vangardas europeas (Debussy, Bartók e Berg)
e os norteamericanos ultramodernos (Charles Ives,
Henry Cowell, Conlon Nancarrow). A partir de 1959,
o seu estilo maduro, inspirado na vangarda musical
europea con Pierre Boulez e Luigi Nono á cabeza,
posúe unha maior complexidade rítmica e a estrutura formal fragméntase. A Sinfonía núm. 2 é un bo
exemplo da súa música xuvenil, enérxica e extrovertida, accesible pola súa tonalidade aberta e estruturas tradicionais, considerada en ocasións, como un
ensaio melódico, case pastoral.
El americano Elliott Carter descubrió la música clásica gracias a su amigo y mentor Charles Ives y la
estudió, más tarde, con Walter Piston en la Universidad de Harvard y en París con Nadia Boulanger,
quien le influye en su etapa neoclásica inicial. Entre
sus numerosos premios destacan los Pulitzer por
sus Cuarteto de cuerda núm. 2 (1959) y Cuarteto de
cuerda núm. 3 (1973). La simplicidad emparentada
con la escuela populista norteamericana de Aaron
Copland marcó también su primer período compositivo (hasta 1948), etapa en la que compone los
ballets Pocahontas y The Minotaur, la Sinfonía núm.
1 o la Sonata para piano que ya permite vislumbrar
su futura etapa, de mayor complejidad, relacionada
con las vanguardias europeas (Debussy, Bartók y
Berg) y los norteamericanos ultramodernos (Charles
Ives, Henry Cowell, Conlon Nancarrow). A partir de
1959, su estilo maduro, inspirado en la vanguardia
musical europea con Pierre Boulez y Luigi Nono a la
cabeza, posee una mayor complejidad rítmica y la
estructura formal se fragmenta. La Sinfonía núm. 2
es un buen ejemplo de su música juvenil, enérgica
y extrovertida, accesible por su tonalidad abierta y
estructuras tradicionales, considerada en ocasiones,
como un ensayo melódico, casi pastoral.
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, onde presenta a súa
temporada estable de concertos. O seu primeiro director titular foi Helmuth Rilling (1996-2000), a quen
sucedeu Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013,
Paul Daniel é o seu director titular e artístico. O com-
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de Galicia,
en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su primero director titular fue Helmuth Rilling (1996-2000), a quien sucedió
Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es su director titular y artístico. El compostelano
postelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra
dende o seu nacemento, é director asociado, e Christoph König o principal director convidado. Ademais
da temporada de concertos en Santiago mantén
unha activa presenza no resto de cidades galegas e
realizou varias xiras internacionais por Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente,
Portugal. Paralelamente, potencia a súa actividade
en Santiago cun ciclo de cámara e cos concertos didácticos que dende 1996 organiza co Auditorio de
Galicia e polos que pasan máis de 7.000 escolares
galegos cada ano. En 2009 presentou dous traballos
discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla e
Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco dedicado
a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a Escola
de Altos Estudos Musicais que imparte o Curso Avanzado de Especialización Orquestral, cos músicos da
orquestra como profesores. Forma parte da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta desde
su nacimiento, es director asociado, y Christoph König el principal director invitado. Además de la temporada de conciertos en Santiago mantiene una activa presencia en el resto de ciudades gallegas y realizó
varias giras internacionales por Austria, Alemania,
Francia, Brasil, Argentina y, especialmente, Portugal.
Paralelamente, potencia su actividad en Santiago con
un ciclo de cámara y con los conciertos didácticos
que desde 1996 organiza con el Auditorio de Galicia
y por los que pasan más de 7.000 escolares gallegos
cada año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic
Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado a Ravel.
Estrechamente vinculada a la RFG está la Escuela de
Altos Estudios Musicales que imparte el Curso Avanzado de Especialización Orquestal, con los músicos de
la orquesta como profesores. Forma parte de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
Graduado pola University of Manchester, é un dos
directores máis versátiles da súa xeración, cun ampla experiencia tanto en ópera, dirixiu máis de setenta producións, como en concerto. Debutou con
vinte e un anos dirixindo West Side Story na Opera
House de Manchester. Foi director musical da Ópera de Irlanda, mestre de coro do Wexford Festival
e director residente na Nova Ópera Israelí de Tel
Aviv. É invitado habitualmente por teatros de ópera europeos, entre os cales se pode destacar Berlín
(Deutsche Oper), Lisboa (Teatro São Carlos), Sevilla
(Teatro da Mestranza), Colonia, Dublín, Tenerife,
Roma, Nápoles (Teatro San Carlo), Venecia (La Fenice), Palermo (Teatro Massimo), Xénova (Teatro
San Carlo), Reggio Emilia, Bari (Teatro Petruzzelli),
Bolonia, Parma, Catania, Calgiari, Verona, Rávena,
Pisa, Lucca, Livorno, Trento, Cremona, Como, Bres-
Graduado por la University of Manchester, es uno de
los directores más versátiles de su generación, con un
amplia experiencia tanto en ópera, ha dirigido más
de setenta producciones, como en concierto. Debutó con veintiún años dirigiendo West Side Story en la
Opera House de Manchester. Ha sido director musical
de la Ópera de Irlanda, maestro de coro del Wexford
Festival y director residente en la Nueva Ópera Israelí
de Tel Aviv. Es invitado habitualmente por teatros de
ópera europeos, entre los cuales se puede destacar
Berlín (Deutsche Oper), Lisboa (Teatro São Carlo),
Sevilla (Teatro de la Maestranza), Colonia, Dublín,
Tenerife, Roma, Nápoles (Teatro San Carlo), Venecia
(La Fenice), Palermo (Teatro Massimo), Génova (Teatro San Carlo), Reggio Emilia, Bari (Teatro Petruzzelli),
Bolonia, Parma, Catania, Calgiari, Verona, Ravenna,
Pisa, Lucca, Livorno, Trento, Cremona, Como, Brescia,
cia, Ferrara, Módena etc. Ten traballado co director
escénico Daniele Abbado e colaborado con moitos
outros como Goetz Friedrich, Hugo de Ana, Robert
Carsen, Graham Vick, David Poutney e David Alden.
Convidado por Valery Gergiev dirixiu Lady Macbeth
do distrito de Mtsensk nunha coprodución entre o
Kirov e a Nova Ópera Israelí. Dirixiu á Orchestra di
Santa Cecilia de Roma, Kings Singers, Orchestra da
Rai Torino, Sinfónica de Xerusalén, Sinfonietta de Israel, Orquestra de Cámara de Israel, Camerata Strumentale dei Prato etc., e colaborado con solistas de
primeiro nivel: Shlomo Mintz, Vadim Repin, Fazil
Say, Arabella Steinbacher, Louis Lortie e Alexander Toradze, entre outros. Presentouse en festivais
como o Maggio Musicale Fiorentino, Caesarea, A Coruña, Wexford, Caracalla, Settembre Musica, Liturgica Festival (Xerusalén), Saito Kinen Festival (Xapón,
invitado por Seiji Ozawa). Apaixonadamente comprometido cos músicos novos, dirixiu á Orchestra
Giovanile Italiana, a Nova Orquestra Filharmónica
de Israel, a Orchestra e Coro Giovanili di Santa Cecilia e o Proxecto Opera Studio nos teatros de Pisa
e Livorno. Recibiu o Premio Internazionale Ultimo
900 Pisa 2000 Nel Mondo e a medalla da Associazione Pisana Amici della Lirica.
Ferrara, Módena, etc. Ha trabajado frecuentemente
con el director escénico Daniele Abbado y colaborado con muchos otros como Goetz Friedrich, Hugo
de Ana, Robert Carsen, Graham Vick, David Poutney y
David Alden. Invitado por Valery Gergiev dirigió Lady
Macbeth del Distrito de Mtsensk en una coproducción
entre el Kirov y la Nueva Ópera Israelí. Ha dirigido a
la Orchestra di Santa Cecilia de Roma, Kings Singers,
Orchestra de la Rai Torino, Sinfónica de Jerusalén,
Sinfonietta de Israel, Orquesta de Cámara de Israel,
Camerata Strumentale di Prato, etc., y colaborado
con solistas de primera nivel: Shlomo Mintz, Vadim
Repin, Fazil Say, Arabella Steinbacher, Louis Lortie y
Alexander Toradze, entre otros. Se ha presentado en
festivales como el Maggio Musicale Fiorentino, Caesarea, A Coruña, Wexford, Caracalla, Settembre Musica, Liturgica Festival (Jerusalén), Saito Kinen Festival
(Japón, invitado por Seiji Ozawa). Apasionadamente
comprometido con los músicos jóvenes, ha dirigido
a la Orchestra Giovanile Italiana, la Joven Orquesta
Filarmónica de Israel, la Orchestra e Coro Giovanili di
Santa Cecilia y el Proyecto Opera Studio en los teatros
de Pisa y Livorno. Ha recibido el Premio Internazionale Ultimo 900 Pisa 2000 Nel Mondo y la medalla de la
Associazione Pisana Amici della Lirica.
Laureado en máis de quince concursos internacionais, é recoñecido como un dos máis brillantes pianistas da súa xeración e actuou en prestixiosas salas
de concerto como Wigmore Hall (Londres), Herkulessal (Múnic), Teatro Colón (Bos Aires), Gran Sala Verdi
(Milán), Gran Sala do Conservatorio e International
Perfomance Arts Center de Moscova, Filharmónica
de San Petersburgo etc., e nos principais auditorios,
sociedades filharmónicas e teatros de España. Como
solista, traballou coas orquestras filharmónicas de
Moscova, San Petersburgo, Minsk, Krasnoyarsk, Sa-
Laureado en más de quince concursos internacionales, es reconocido como uno de los más brillantes
pianistas de su generación y ha actuado en prestigiosas salas de concierto como Wigmore Hall (Londres),
Herkulessal (Munich), Teatro Colón (Buenos Aires),
Gran Sala Verdi (Milán), Gran Sala del Conservatorio y
International Perfomance Arts Center de Moscú, Filarmónica de San Petersburgo, etc., y en los principales
auditorios, sociedades filarmónicas y teatros de España. Como solista, ha trabajado con las orquestas filarmónicas de Moscú, San Petersburgo, Minsk, Krasno-
ratov, Irkutsk, Baku, Sinfónica de Bos Aires, Sinfónica
de Puerto Rico, Filharmónica de Bogotá, Filharmónica de Santo Domingo, Sinfónica de Panamá, Sinfónica Nacional da Radio e Televisión Polaca, Sinfónica
Municipal de Caracas, Sinfónica de Sidney, Orquestra de Cámara de Sidney, Orquestra de Cámara de
Escocia etc. En España actuou coa Sinfónica RTVE,
Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Valencia, Sinfónica
do Principado de Asturias, Filharmónica de Málaga,
Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica
de Castilla y León etc. Colaborou con directores de
orquestra entre os que destacan nomes como os de
N. Alexeev, S. Bishop-Kovacevich, M. Baszczyk, E. Colomer, S. Comisiona, A. Chesnokov, P. I. Calderon, J.
Furst, E. Garcia Asensio, A. Gulianitskiy, A. Joo, V. Jurowski, J. Kochnev, J. López Cobos, T. Mikkelsen, M.
Pijarowskiy, V. Ponkin, A. Rahbari, C. Riazuelo, A. Ros
Marbà, I. Shpiller, V. Sinayskiy, V. Sutek, A. Vederenikov, A. Wit, V. Ziva etc.
yarsk, Saratov, Irkutsk, Baku, Sinfónica de Buenos Aires, Sinfónica de Puerto Rico, Filarmónica de Bogotá,
Filarmónica de Santo Domingo, Sinfónica de Panamá,
Sinfónica Nacional de la Radio y Televisión Polaca,
Sinfónica Municipal de Caracas, Sinfónica de Sidney,
Orquesta de Cámara de Sidney, Orquesta de Cámara
de Escocia, etc. En España ha actuado con la Sinfónica RTVE, Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Valencia,
Sinfónica del Principado de Asturias, Filarmónica de
Málaga, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao,
Sinfónica de Castilla y León, etc. Ha colaborado con
directores de orquesta entre los que destacan nombres como los de N. Alexeev, S. Bishop-Kovacevich,
M. Błaszczyk, E. Colomer, S. Comisiona, A. Chesnokov,
P.I. Calderon, J. Furst, E. Garcia Asensio, A. Gulianitskiy, A. Joo, V. Jurowski, J. Kochnev, J. Lopez Cobos, T.
Mikkelsen, M. Pijarowskiy, V. Ponkin, A. Rahbari, C. Riazuelo, A. Ros Marbà, I. Shpiller, V. Sinayskiy, V. Sutek, A.
Vederenikov, A. Wit, V. Ziva, etc.
UNHA XORNADA CONTEMPORÁNEA
aperitivo minimalista e unha velada
[didáctica] coas vangardas
SÁBADO 4 OUTUBRO
13.00 PRAZA DAS PRATARÍAS / MUSEO DA CIDADE
piano X-perience
ENSEMBLE IXOR piano a 8 mans
18.30 CGAC CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA
Escenas_ combinacións para
saxofóns, piano e electrónica
ENSEMBLE IXOR piano a 8 mans, saxofóns, electrónica
Asia contemporánea, China_Xapón_Corea
ELISA VÁZQUEZ DOVAL piano
13.00 / 18.30 / 20.00 / 21.30
SÁBADO 4 OUTUBRO
PRAZA DAS PRATARÍAS / CGAC
21.30 PRAZA DAS PRATARÍAS / CASA DO CABIDO / MUSEO DA CIDADE
PABLO SEOANE piano
PABLO COELLO saxofóns
ALEJANDRO VARGAS piano
ZOAR ENSEMBLE quinteto de vento
BLEUENN LE FRIEC arpa
NICASIO GRADAILLE e DIEGO GARCÍA RODRÍGUEZ toy piano
LUÍS SOTO frauta
JOSÉ VICENTE FAUS percusión
VERTIXE SONORA ENSEMBLE
13.00 PRAZA DAS PRATARÍAS / MUSEO DA CIDADE
piano X-perience
Ensemble IXOR
ROSALÍA BECOÑA
DANIEL CHAVES
IAGO HERMO
ELENA RODRÍGUEZ piano a 8 manos
PABLO COELLO * idea e dirección
* profesor do Conservatorio
Superior de Música da Coruña
Tierry Riley (1935)
In C (1964)
In C, a emblemática obra do minimalismo do americano Tierry Riley, nunha orixinal versión para
piano a 8 mans. Minimalista é tamén a versión de
Ensemble IXOR, cunha sinxela manipulación do piano acorde á inmediatez e simplicidade da partitura,
conseguindo suxestivas combinacións tímbricas
que, xunto ás decisións de cada un dos músicos durante a interpretación, exploran o amplo abano de
posibilidades sonoras da obra.
In C, la emblemática obra del minimalismo del americano Tierry Riley, en una original versión para piano a 8 manos. Minimalista es también la versión de
Ensemble IXOR, con una sencilla manipulación del
piano acorde a la inmediatez y simplicidad de la partitura, consiguiendo sugerentes combinaciones tímbricas que, junto a las decisiones de cada uno de los
músicos durante la interpretación, exploran el amplio
abanico de posibilidades sonoras de la obra.
Ensemble IXOR
Ensemble IXOR
Agrupación formada por alumnado do taller de música contemporánea e das aulas de saxofón e música de cámara do Conservatorio Superior de Música
da Coruña, a cargo do profesor Pablo Coello. Xorde
como unha experiencia educativa en torno á interpretación de repertorio clásico contemporáneo e actual con formatos e proxectos que se definen curso a
curso. Dende 2011 desenvolven o ciclo Espazo IXOR
na cidade da Coruña (edicións 2011 e 2012 en NORMAL, espazo de intervención cultural da Universidade, e edicións 2013 e 2014 no Museo de Belas Artes).
Agrupación formada por alumnos del taller de música contemporánea y de las aulas de saxofón y música
de cámara del Conservatorio Superior de Música de A
Coruña, a cargo del profesor Pablo Coello, surge como
una experiencia educativa en torno a la interpretación
de repertorio clásico contemporáneo y actual con formatos y proyectos que se definen curso a curso. Desde
2011 desarrollan el ciclo Espazo IXOR en la ciudad de
A Coruña (ediciones 2011 y 2012 en NORMAL, espacio
de intervención cultural de la Universidad, y ediciones
2013 y 2014 en el Museo de Bellas Artes).
Escenas_ combinacións para saxofóns, piano e electrónica
Ensemble IXOR
ROSALÍA BECOÑA
DANIEL CHAVES
IAGO HERMO
ELENA RODRÍGUEZ piano a 8 máns
ANNE TOOMING piano
MOISÉS BARREIRO
TIAGO M. BRANDAO saxofóns
PABLO COELLO * idea e dirección
* profesor do Conservatorio
Superior de Música da Coruña
Karlheinz Stockhausen (1928-2007)
Pierre Jodlowski (1971)
François Rossé (1945)
Germán Alonso (1984)
Acuario (1975) piano a 8 máns
Lombric (1978) 2 saxofóns altos e piano
Iago Hermo (1992)
Serie Bleue (2013) piano e electrónica
El Gran Cabrón (2012) saxofón barítono
e electrónica en vivo
Esceas (2013-14) piano a 8 máns
Con Acuario, primeira melodía do zodíaco de Karlheinz Stockhausen da comezo o programa Escenas.
Séguelle Lombric, obra cun marcado carácter improvisatorio da música de François Rossé. A música
deste compositor alsaciano ten un compoñente de
enerxía case visceral, cunha implicación física no
xesto musical que se traslada ao sonoro. Esta enerxía estará presente, aínda que con características
Con Acuario, primera melodía del zodíaco de Karlheinz Stockhausen da comienzo el programa Escenas.
Le sigue Lombric, obra con un marcado carácter improvisatorio de la música de François Rossé. La música de este compositor alsaciano tiene un componente de energía casi visceral, con una implicación física
en el gesto musical que se traslada a lo sonoro. Esta
energía estará presente, aunque con características
Leo (1975) piano a 8 máns
musicais diferentes en El gran cabrón, do madrileño
Germán Alonso, unha partitura e un son ‘tremendamente físicos’. Entre elas, a exploración do piano
extendido en Esceas, do membro do Ensemble IXOR
Iago Hermo, e o refinamento electrónico do francés
Pierre Jodlowski. Para rematar, melodía do zodíaco
correspondente ao signo Leo tratada novamente
desde un piano a oito mans.
musicales diferentes en El gran cabrón, del madrileño
Germán Alonso, una partitura y un sonido ‘tremendamente físicos’. Entre ellas, la exploración del piano
extendido en Esceas, del miembro del Ensemble IXOR
Iago Hermo, y el refinamiento electrónico del francés
Pierre Jodlowski. Para finalizar, melodía del zodíaco
correspondiente al signo Leo tratada nuevamente
desde un piano a ocho manos.
Ensemble IXOR
Ensemble IXOR
Agrupación formada por alumnado do taller de música contemporánea e das aulas de saxofón e música de cámara do Conservatorio Superior de Música
da Coruña, a cargo do profesor Pablo Coello. Xorde
como unha experiencia educativa en torno á interpretación de repertorio clásico contemporáneo e actual con formatos e proxectos que se definen curso a
curso. Dende 2011 desenvolven o ciclo Espazo IXOR
na cidade da Coruña (edicións 2011 e 2012 en NORMAL, espazo de intervención cultural da Universidade, e edicións 2013 e 2014 no Museo de Belas Artes).
Agrupación formada por alumnos del taller de música contemporánea y de las aulas de saxofón y música
de cámara del Conservatorio Superior de Música de A
Coruña, a cargo del profesor Pablo Coello, surge como
una experiencia educativa en torno a la interpretación
de repertorio clásico contemporáneo y actual con formatos y proyectos que se definen curso a curso. Desde
2011 desarrollan el ciclo Espazo IXOR en la ciudad de
A Coruña (ediciones 2011 y 2012 en NORMAL, espacio
de intervención cultural de la Universidad, y ediciones
2013 y 2014 en el Museo de Bellas Artes).
Asia contemporánea, China_Xapón_Corea
Chou Wen-Chung (Yantai, China, 1923)
Jo Kondo (Toquio, Xapón, 1947)
Joji Yuasa (Koriyama, Xapón, 1929)
Toru Takemitsu (Toquio, Xapón, 1930-1996)
Younghi Pagh-Paan (Cheongju, Corea do Sur, 1945)
Maki Ishii (Toquio, Xapón 1936 - Kashiwa, Xapón 2003)
The Willows Are New * (1957)
Cosmos Haptic II - Transfiguration * (1986)
I Thirst * (2008)
High Window * (1996)
Rain Tree Sketch I (1982)
Black Intention III (piano étude for breath) (1977)
* estrea en España
Chou Weng-Chung (Yantai, China 1923) é un compositor chinés que emigrou aos Estados Unidos, onde
foi alumno e asistente de Edgar Varèse. Foi pioneiro en adaptar melodías e ritmos orientais á música
contemporánea occidental, e serviuse da caligrafía
e da poesía chinesas como fontes de inspiración.
The willows are new (1957) está baseada nunha peza
tradicional chinesa para cítara atribuída ao poeta e
músico Wang Wei (689-759). Wen-Chung comenta
sobre a súa obra: “Mutacións do material orixinal
son tecidas sobre todo o rango do piano e bordadas
con sonoridades que son os reflexos magnificados de
movementos semellantes ao de pinceis. A emoción
contida do poema e os sutís matices da técnica da cítara chinesa son proxectados e amplificado mediante o mesmo principio que marca a arte da caligrafía
Chou Weng-Chung (Yantai, China 1923) es un compositor chino que emigró a los Estados Unidos, donde
fue alumno y asistente de Edgar Varèse. Fue pionero
en adaptar melodías y ritmos orientales a la música
contemporánea occidental, y se sirvió de la caligrafía
y la poesía chinas como fuentes de inspiración. The
willows are new (1957) está basada en una pieza tradicional china para cítara atribuida al poeta y músico
Wang Wei (689-759). Wen-Chung comenta sobre su
obra: “Mutaciones del material original son tejidas sobre todo el rango del piano y bordadas con sonoridades que son los reflejos magnificados de movimientos semejantes al de pinceles. La emoción contenida
del poema y los sutiles matices de la técnica de la cítara china son proyectados y amplificados mediante
el mismo principio que marca el arte de la caligrafía
chinesa, no cal o fluxo controlado de tinta - a través
da interacción de ritmo e densidade, a modulación
de liña e a textura - crea un continuo de movemento
e tensión en equilibrio espacial.
china, en el cual el flujo controlado de tinta - a través
de la interacción de ritmo y densidad, la modulación
de línea y textura - crea un continuo de movimiento y
tensión en equilibrio espacial”.
Joji Yuasa (Koriyama, Xapón 1929) pertenceu ao colectivo de artistas xaponeses coñecido como Jikken
Kobo (Taller Experimental). Estes artistas foron os
primeiros en Xapón en estudar a música de compositores europeos e en sintetizar características desta
música con aspectos da cultura tradicional xaponesa. Cosmos Haptic II (1986) está baseada nun arranxo
modal de doce notas, un tipo de “dodecafonía” á medida, e comprende seis partes de diferentes caracteres. A intención de Joji Yuasa foi a de: “Escribir unha
música que puidese cobrar vida só no piano, desenvolvendo ata o extremo as características deste instrumento, especialmente a sonoridade do seu gran
corpo reverberante. Nesta obra, a transformación
da reverberación, mesturada mediante o uso de pedais, deberá ser o continuo foco de atención - xunto
co paso do tempo”. En canto ao título, o cosmos representa para Yuasa: “non só o espazo exterior senón
o total ámbito existencial”. E Haptic é unha palabra
empregada para explicar o xeito en que entendían o
cosmos os pintores de pinturas rupestres.
Joji Yuasa (Koriyama, Japón 1929) perteneció al colectivo de artistas japoneses conocido como Jikken
Kobo (Taller Experimental). Estos artistas fueron los
primeros en Japón en estudiar la música de compositores europeos y en sintetizar características de esta
música con aspectos de la cultura tradicional japonesa. Cosmos Haptic II (1986) está basada en un arreglo
modal de doce notas, un tipo de “dodecafonía” a
medida, y comprende seis partes de diferentes caracteres. La intención de Joji Yuasa fue la de: “Escribir
una música que pudiera cobrar vida sólo en el piano,
desarrollando hasta el extremo las características de
este instrumento, especialmente la sonoridad de su
gran cuerpo reverberante. En esta obra, la transformación de la reverberación, mezclada mediante el uso
de pedales, deberá ser el continuo foco de atención
“junto con el paso del tiempo”. En cuanto al título, el
cosmos representa para Yuasa: “no sólo el espacio exterior sino el total entorno existencial”. Y Haptic es una
palabra empleada para explicar la manera en que entendían el cosmos los pintores de pinturas rupestres.
Younghi Pagh-Paan naceu en 1945 en Cheongju (Corea do Sur) e aos 26 anos recibiu unha bolsa para
estudar en Alemaña, onde viviu ata a data. As súas
obras buscan renovar a natureza da cultura musical
coreana a través de diversas técnicas de composición occidentais. I Thirst (2008) está inspirada nunha traxedia que tivo lugar en 1948 na illa de Jeju
en Corea do Sur. Os habitantes desta illa iniciaron
unha revolta contra o goberno e este enviou soldados para que queimasen os poboados, ocasionando
ducias de miles de mortos. O goberno coreano ocul-
Younghi Pagh-Paan nació en 1945 en Cheongju (Corea del Sur) y a los 26 años recibió una beca para estudiar en Alemania, en donde ha vivido hasta la fecha.
Sus obras buscan renovar la naturaleza de la cultura
musical coreana a través de diversas técnicas de composición occidentales. I Thirst (2008) está inspirada en
una tragedia que tuvo lugar en 1948 en la isla de Jeju
en Corea del Sur. Los habitantes de esta isla iniciaron
una revuelta contra el gobierno y éste envió soldados
para que quemasen los poblados, ocasionando decenas de miles de muertos. El gobierno coreano ocultó
tou toda a información sobre esta traxedia ata 1999.
O título desta obra está tomado das palabras que
Cristo dixo na cruz. Segundo a compositora: “cando
Xesús di ‘teño sede’, a súa sede non é só física senón
tamén espiritual... no momento da traxedia, os superviventes clamaban a súa sede pola verdade e a
xustiza... o que quero expresar a través desta música
é que o espírito dos antepasados da illa de Jeju permanece vivo a través das xeracións”.
toda la información sobre esta tragedia hasta 1999. El
título de esta obra está tomado de las palabras que
Cristo dijo en la cruz. Según la compositora: “cuando
Jesús dice ‘tengo sed’, su sed no es sólo física sino
también espiritual... en el momento de la tragedia, los
supervivientes clamaban su sed por la verdad y la justicia... lo que quiero expresar a través de esta música
es que el espíritu de los antepasados de la isla de Jeju
permanece vivo a través de las generaciones”.
Jo Kondo vive e da clases en Toquio, a súa cidade
natal. Ao longo da súa vida impartiu clases en varias
universidades estadounidenses e a súa música foi interpretada amplamente en Xapón, Estados Unidos e
Europa. Igual que todos os compositores deste programa, a súa música sintetiza a sensibilidade da estética xaponesa coa música contemporánea occidental.
High Window (1996) está composta por progresións de
acordes cun gran número de notas e nun rexistro relativamente pequeno do piano. O carácter desta obra
é sereno e contemplativo, e reflicte certa influencia
do compositor estadounidense Morton Feldman. Jo
Kondo comenta sobre a súa propia música: “Cada son
debe ter a súa propia entidade e vida. O que estou a facer nas miñas composicións é crear unha rede de relacións intertonais, tratando de protexer a posibilidade
de percibir auditivamente a entidade individual e vida
de cada unha das notas nesta relación”.
Jo Kondo vive y da clases en Tokio, su ciudad natal. A
lo largo de su vida ha impartido clases en varias universidades estadounidenses y su música ha sido interpretada ampliamente en Japón, Estados Unidos y Europa.
Al igual que todos los compositores de este programa,
su música sintetiza la sensibilidad de la estética japonesa con la música contemporánea occidental. High
Window (1996) está compuesta por progresiones de
acordes con un gran número de notas y en un registro
relativamente pequeño del piano. El carácter de esta
obra es sereno y contemplativo, y refleja cierta influencia del compositor estadounidense Morton Feldman.
Jo Kondo comenta sobre su propia música: “Cada sonido debe tener su propia entidad y vida. Lo que estoy
haciendo en mis composiciones es crear una red de
relaciones intertonales, tratando de proteger la posibilidad de percibir auditivamente la entidad individual y
vida de cada una de las notas en esta relación”.
Aos catorce anos, cando finalizou a Segunda Guerra
Mundial, Toru Takemitsu (Toquio, 1930-1996) traballou nunha base militar estadounidense e aí, a través da radio, tivo o seu primeiro contacto coa música occidental, que o impresionou profundamente.
Takemitsu foi autodidacta e a súa música reflicte
unha forte influencia dos compositores franceses
Claude Debussy e Olivier Messiaen. As súas obras
caracterízanse pola riqueza tímbrica que obtén dos
A los catorce años, cuando finalizó la Segunda Guerra
Mundial, Toru Takemitsu (Tokio, 1930-1996) trabajó
en una base militar estadounidense y ahí, a través de
la radio, tuvo su primer contacto con la música occidental, la cual le impresionó profundamente. Takemitsu fue autodidacta y su música refleja una fuerte
influencia de los compositores franceses Claude Debussy y Olivier Messiaen. Sus obras se caracterizan
por la riqueza tímbrica que obtiene de los instrumen-
instrumentos e polo coidado co que traballa os detalles. Nun principio Takemitsu evitou a influencia
da música xaponesa; foi nos anos sesenta cando
empezou a incorporar na súa música instrumentos
tradicionais xaponeses, como a biwa ou o sho. Rain
Tree Sketch I (1982) está baseada na descrición que
o escritor xaponés Kenzaburo Oé fai dunha alfarrobeira nunha das súas novelas: “árbore de follaxe tan
abundante que despois do orballo da noite as gotas
continúan caendo das súas follas ata o mediodía”.
tos y por el cuidado con el que trabaja los detalles. En
un principio Takemitsu evitó la influencia de la música japonesa; fue en los años sesenta cuando empezó
a incorporar en su música instrumentos tradicionales
japoneses, como la biwa o el sho. Rain Tree Sketch I
(1982) está basada en la descripción que el escritor
japonés Kenzaburo Oé hace de un algarrobo en una
de sus novelas: “árbol de follaje tan abundante que
después del rocío de la noche las gotas continúan cayendo de sus hojas hasta el mediodía”.
Maki Ishii (Toquio, Xapón 1936 - Kashiwa, Xapón
2003) viviu entre Toquio e Berlín. Na década dos 50
a súa música estaba totalmente influenciada polo
serialismo europeo e nos anos 60 fixou a súa atención na música tradicional xaponesa. Dende esta
época, o seu foco creativo foi a sincretización nas
súas obras destes dous mundos sonoros. O subtítulo de Black Intention III (1977) é “estudo para piano
para respiración”: cada unha das respiracións que o
intérprete debe facer ao tocar esta obra están indicadas na partitura, e a duración destas respiracións
determinan a lonxitude de cada unha das frases.
Deste modo, as respiracións contribúen á formación
da estrutura temporal da peza e producen un achegamento á interpretación dende un ángulo diferente ao de calquera outra obra escrita para piano.
Maki Ishii (Tokio, Japón 1936 - Kashiwa, Japón 2003)
vivió entre Tokio y Berlín. En la década de los 50 su
música estaba totalmente influenciada por el serialismo europeo y en los años 60 fijó su atención en la
música tradicional japonesa. Desde esta época, su
foco creativo fue la sincretización en sus obras de estos dos mundos sonoros. El subtítulo de Black Intention III (1977) es “estudio para piano para respiración”:
cada una de las respiraciones que el intérprete debe
hacer al tocar esta obra están indicadas en la partitura, y la duración de estas respiraciones determinan la
longitud de cada una de las frases. De este modo, las
respiraciones contribuyen a la formación de la estructura temporal de la pieza y aportan un acercamiento
a la interpretación desde un ángulo diferente al de
cualquier otra obra escrita para piano.
Nacida en Mugardos (A Coruña), conta cunha ampla traxectoria como solista e músico de cámara, foi
invitada a tocar en prestixiosos auditorios, como o
Concertgebouw en Amsterdam e o Vredenburg en
Utrecht, e ofreceu concertos en varios países de
Europa. O seu especial interese pola música contemporánea levouna a investigar e interpretar o
repertorio para piano das últimas décadas. As súas
actividades máis recentes inclúen concertos na Fun-
Nacida en Mugardos (A Coruña), cuenta con una
amplia trayectoria como solista y músico de cámara
y ha sido invitada a tocar en prestigiosos auditorios,
como el Concertgebouw en Amsterdam y el Vredenburg en Utrecht, y ha ofrecido conciertos en varios
países de Europa. Su especial interés por la música
contemporánea le ha llevado a investigar e interpretar el repertorio para piano de las últimas décadas.
Sus actividades más recientes incluyen conciertos
dación Juan March, Xornadas de Música Contemporánea de Santiago de Compostela, Fundación Caixa
Galicia e o Festival Espazos Sonoros, así como recitais en varios auditorios de España. Realizou estudos de piano no Conservatorio Superior de Santiago de Compostela e no Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid, ampliando a súa formación na
Escola de Música de Barcelona e no Conservatorio
de Rotterdam. En 2006 recibiu un máster en piano
do Conservatorio de Utrecht e recibiu apoios e bolsas de entidades como o Ministerio de Asuntos Exteriores, Fundación Caixa Galicia, Deputación da Coruña, Comunidade de Madrid, Hein Fonds (Holanda) e École de Musique de Niza. Os seus principais
mestres foron Klára Würtz, Michael Davidson, Manuel Carra, Julián López-Gimeno e Albert Atenelle.
en: la Fundación Juan March, las Xornadas de Música
Contemporánea de Santiago de Compostela, la Fundación Caixa Galicia y el festival Espazos Sonoros, así
como recitales en varios auditorios de España. Realizó estudios de piano en el Conservatorio Superior de
Santiago de Compostela y en el Real Conservatorio
Superior de Música de Madrid, ampliando su formación en la Escola de Música de Barcelona y en el Conservatorio de Rotterdam. En 2006 recibió un máster
en piano del Conservatorio de Utrecht y ha recibido
apoyos y becas de entidades como el Ministerio de
Asuntos Exteriores, Fundación Caixa Galicia, Diputación de A Coruña, Comunidad de Madrid, Hein Fonds
(Holanda) y Ecole de Musique de Niza. Sus principales maestros han sido Klára Würtz, Michael Davidson,
Manuel Carra, Julián López-Gimeno y Albert Atenelle.
21.30 PRAZA DAS PRATARÍAS / CASA DO CABIDO / MUSEO DA CIDADE
PABLO SEOANE piano
Pablo Seoane (1968)
Sobre Gubbio (2014)
Festas do Erro é unha composición escrita para violín, piano e contrabaixo. O que vai interpretar o seu
autor Pablo Seoane é unha redución ou glosa para
piano só dunha das partes da obra, Sobre Gubbio,
inspirada nas conversas de Francesco dÁssisi coas
bestas, ou, notras palabras, nos principios elementais da etiqueta.
Festas do erro es una composición escrita para violín,
piano y contrabajo. Lo que va a interpretar su autor
Pablo Seoane es una reducción o glosa para piano
solo de una de las partes de la obra, Sobre Gubbio, inspirada en las conversaciones de Francesco dÁssisi
con las bestias, o, en otras palabras, en los principios
elementales de la etiqueta.
PABLO COELLO saxofóns / electrónica
Bernard Carlosema (Francia, 1949)
Clepsydre (1998)
O goteo regular dun reloxo de auga (a longa espera),
o ruído dunha locomotora (a fuxida), o canto dos
paxaros e das baleas (a liberdade), xunto á exploración extrema do virtuosismo, serven de argumento
sonoro ao compositor para confrontar o home coa
natureza, co cosmos. Esta obra foi escrita en homenaxe a catro reféns franceses retidos no Líbano durante 10 anos.
El goteo regular de un reloj de agua (la larga espera),
el ruido de una locomotora (la huida), el canto de los
pájaros y de las ballenas (la libertad), junto a la exploración extrema del virtuosismo, sirven de argumento
sonoro al compositor para confrontar al hombre con
la naturaleza, con el cosmos. Esta obra fue escrita en
homenaje a cuatro refenes franceses retenidos en el
Libano durante 10 años.
Alejandro Vargas (1980)
AleGrias
Pequena peza improvisada sobre as impresións do folclore africano en translación coa estética minimalista
europea. Nestes tempos tan complexos, Alegrías, na
súa pequena dimensión, non só aproveita para simplificar os efectos do traballo, senon para aboar en gratitude as circunstancias e o esforzo de todos.
Pequeña pieza improvisada sobre las impresiones del
folklore africano en traslación con la estética minimalista europea. En estos tiempos tan complejos, Alegrías,
en su pequeña dimensión, no solo aprovecha para
simplificar los efectos del trabajo, sino para abonar en
gratitud las circunstancias y el esfuerzo de todos.
JOAN IBÁÑEZ
DAVID VILLA
ANTONIO SUÁREZ
BENJAMÍN IGLESIAS
ÁLEX SALGUEIRO
Stephen Montague (1943)
Thule Ultima (1999)
“Thule Ultima” é o termo que na xeografía romana e
medieval fai referencia a un lugar moi distante, máis
alá das fronteiras do territorio coñecido. Nesta peza
de Stephen Montague o descoñecido son os sons
que poden emitir os cinco instrumentos de vento do
quinteto utilizándoos de forma pouco convencional.
“Thule Ultima” es el término que en la geografía romana
y medieval hace referencia a un lugar muy distante, más
allá de las fronteras del territorio conocido. En esta pieza
de Stephen Montague lo desconocido son los sonidos
que pueden emitir los cinco instrumentos de viento del
quinteto utilizándolos de forma poco convencional.
Toru Takemitsu (1930-1996)
Rain Tree Sketch I (1982)
Henry Cowell (1897-1965)
The Banshee (1925)
The Tides of Manaunaun (1917)
Ao principio da súa carreira, Toru Takemitsu evitou
a influencia da música xaponesa; foi nos anos sesenta cando comezou a incorporar na súa música
instrumentos tradicionais xaponeses, como a biwa
ou o sho. Rain Tree Sketch I (1982) está baseada na
descripción que o escritor xaponés Kenzaburo Oé
fai dun alfarrobeira nunha das súas novelas. Henry
Cowell foi un compositor estadounidense coñecido
polas súas innovacións e a súa gran variedade de
tendencias. Musicólogo comparativo e interesado
nas culturas orientais, buscou bases comúns entre
a música de Oriente e Occidente. O seu novidoso
linguaxe aparece, sobre todo, nas obras para piano
escritas entre 1912 e 1930. Buscando novas sonoridades, que el denominou armonías secundarias,
desenvolveu coros que se producen ao tocar ao
mesmo tempo varias teclas adxacentes do piano
con todo o antebrazo; estas armonías aparecen nas
súas primeiras pezas para piano como The Tides of
Manaunaun. Noutras composicións como The Banshee, as cordas do piano son golpeadas, fregadas ou
tocadas coas mans ou calquera outro obxecto.
Al principio de su carrera, Toru Takemitsu evitó la
influencia de la música japonesa; fue en los años sesenta cuando empezó a incorporar en su música instrumentos tradicionales japoneses, como la biwa o el
sho. Rain Tree Sketch I (1982) está basada en la descripción que el escritor japonés Kenzaburo Oé hace
de un algarrobo en una de sus novelas. Henry Cowell
fue un compositor estadounidense conocido por sus
innovaciones y su gran variedad de tendencias. Musicólogo comparativo e interesado en las culturas
orientales, buscó bases comunes entre la música de
Oriente y Occidente. Su novedoso lenguaje aparece,
sobre todo, en las obras para piano escritas entre
1912 y 1930. Buscando nuevas sonoridades, que él
denominó armonías secundarias, desarrolló coros
que se producen al tocar al mismo tiempo varias
teclas adyacentes del piano con todo el antebrazo;
estas armonías aparecen en sus primeras piezas para
piano como The Tides of Manaunaun. En otras composiciones como The Banshee, las cuerdas del piano
son golpeadas, frotadas o tocadas con las manos o
cualquier otro objeto.
21.30
PRAZA DAS PRATARÍAS
CASA DO CABIDO
MUSEO DA CIDADE
Luciano Berio (1925-2003)
Sequenza II (1963)
As Sequencias de Luciano Berio son un ciclo de trece pezas para diversos instrumentos compostas ao
longo de cuarenta anos: comezando coa primeira
Sequenza para frauta de 1958 ata a última da serie,
Sequenza XIV para violoncello (2002), escrita un ano
antes da súa morte. Na Sequenza II para arpa (1963),
Berio desenvolve un diálogo musical entre instrumentista e instrumento explorando en profundidade aspectos técnicos específicos e desafiando a idea
convencional da arpa, deixando a un lado a visión
do impresionismo francés e destacando o son máis
agresivo e forte do instrumento que, en certos momentos, soa como un bosque azoutado polo vento.
Las Sequencias de Luciano Berio son un ciclo de trece piezas para diversos instrumentos compuestas a lo
largo de cuarenta años: comenzando con la primera
Sequenza para flauta de 1958 hasta la última de la serie, Sequenza XIV para violonchelo (2002), escrita un año
antes de su muerte. En la Sequenza II para arpa (1963),
Berio desarrolla un diálogo musical entre instrumentista e instrumento explorando en profundidad aspectos
técnicos específicos y desafiando la idea convencional
del arpa, dejando a un lado la visión del impresionismo
francés y destacando el sonido más agresivo y fuerte
del instrumento que, en ciertos momentos, suena
como un bosque azotado por el viento.
TAC TALLER ATLÁNTICO CONTEMPORÁNEO
LUÍS SOTO frauta
Kaija Saariaho (1952)
Dolce tormento (2004)
En Dolce tormento, a compositora finlandesa Kaija
Saariaho proponse un dobre reto: recitar este texto italiano de Petrarca e á vez integrar diferentes sons vocais
na súa música coa axuda dunha frautiña. Para poder
afrontar esta obra, o intérprete (en caso de ser necesario) deberá ser instruído por un (ou unha) cantante
para abordar as melodías cantadas e terá que concentrarse ademais nos sons periféricos que se producen
ao falar ou murmurar dentro do instrumento.
En Dolce tormento, la compositora finlandesa Kaija
Saariaho se propone un doble reto: recitar este texto
italiano de Petrarca y a la vez integrar diferentes sonidos vocales en su música con la ayuda de un flautín.
Para poder afrontar esta obra, el intérprete (en caso de
ser necesario) deberá ser instruido por un (o una) cantante para abordar las melodías cantadas y tendrá que
concentrarse además en los sonidos periféricos que se
producen al hablar o susurrar dentro del instrumento.
Frederic Rzewski (1938)
To the Earth (1985)
Frederic Rzewski foi o precursor de obras musicais
nas que os intérpretes teñen que recitar un texto escrito cun ritmo preciso que se adapta ao que soa nos
instrumentos. Nesta obra, o percusionista, mentres
toca, recita un texto de Homero, que é un himno á terra. E para iso o compositor escolle como instrumentos macetas afinadas feitas de barro, material que
simboliza o que sae da terra, e todo o que esta nos dá.
Frederic Rzewski fue el precursor de obras musicales en
las que los intérpretes tiene que recitar un texto escrito
con un ritmo preciso que se adapta a lo que suena en los
instrumentos. En esta obra, el percusionista, mientras
toca, recita un texto de Homero, que es un himno a la
tierra. Y para eso el compositor escoge como instrumentos macetas afinadas hechas de barro, material que simboliza lo que sale de la tierra, y todo lo que ésta nos da.
NICASIO GRADAILLE e DIEGO GARCÍA RODRÍGUEZ toy piano
John Cage (1912-1992)
Suite for Toy Piano
Music for Toy Piano (1948-1960). No mundo sonoro
de John Cage, as estruturas musicais poden estar
constituídas por sons, ruídos ou silencios, coa mesma función xerárquica. Sons ou ruídos da vida cotiá (o silencio absoluto non existe) ocupan un lugar
importante nas súas obras. Para el a música tiña
un compoñente visual moi forte, que a igualaba ao
teatro. Como ademais, á vida mesma a consideraba
teatro, todos os sons da vida diaria eran música. Así,
utiliza os sons de diversos instrumentos de xoguetes (como é o caso do toy piano, ou piano de xoguete) e equipáraos aos instrumentos convencionais.
Despois de Cage, moitos compositores escribiron
obras para este peculiar instrumento.
Music for Toy Piano (1948-1960). En el mundo sonoro
de John Cage, las estructuras musicales pueden estar constituidas por sonidos, ruidos o silencios, con la
misma función jerárquica. Sonidos o ruidos de la vida
cotidiana (el silencio absoluto no existe) ocupan un
lugar importante en sus obras. Para él la música tenía
un componente visual muy fuerte, que la igualaba al
teatro. Como además, a la vida misma la consideraba
teatro, todos los sonidos de la vida diaria eran música. Así, utiliza los sonidos de diversos instrumentos de
juguetes (como es el caso del toy piano, o piano de
juguete) y los equipara a los instrumentos convencionales. Después de Cage, muchos compositores han
escrito obras para este peculiar instrumento.
21.30
CASA DO CABIDO
MUSEO DA CIDADE
DIEGO GARCÍA RODRÍGUEZ (toy) piano cerrado
John Cage (1912-1992)
The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942) voz e piano cerrado
The Wonderful Widow of Eighteen Springs é unha
canción inspirada nun texto do Finnegans Wake de
James Joyce. Está escrita para ser cantada sen vibrato, coma se dunha canción popular se tratase. O
acompañamento é percusivo. Os dedos e cotenos
do pianista golpean a madeira da estrutura externa
do piano (neste caso Toy Piano) para reproducir os
ritmos exactamente escritos na partitura. Cage foi
un pioneiro en extraer do piano os timbres máis insospeitados. Así, ademais de utilizar o Piano Pechado, na súa música tamén utilizou o Piano Preparado
(con gomas, parafusos e outros obxectos inseridos
entre as cordas) e o Piano Fregado (fréganse as cordas do instrumento con tiras de sedela de pesca ou
coas cerdas dun arco de violín).
The Wonderful Widow of Eighteen Springs es una canción inspirada en un texto del Finnegans Wake de James Joyce. Está escrita para ser cantada sin vibrato,
como si de una canción popular se tratara. El acompañamiento es percusivo. Los dedos y nudillos del
pianista golpean la madera de la estructura externa
del piano (en este caso Toy Piano) para reproducir
los ritmos exactamente escritos en la partitura. Cage
fue un pionero en extraer del piano los timbres más
insospechados. Así, además de utilizar el Piano Cerrado, en su música también ha utilizado el Piano Preparado (con gomas, tornillos y otros objetos insertados
entre las cuerdas) y el Piano Frotado (se frotan las
cuerdas del instrumento con tiras de sedal de pesca
o con las cerdas de un arco de violín).
21.30
CASA DO CABIDO
MUSEO DA CIDADE
PABLO COELLO saxofón
RUBÉN BARROS guitarra eléctrica
DAVID DURÁN piano
DIEGO VENTOSO percusión
Malin Bang (Suecia, 1974)
Kobushi Burui (2012) saxofón tenor, percusión, piano, guitarra eléctrica e obxectos eléctricos
En Kobushi Burui, Malin Bang utiliza catro instrumentos convencionalmente recoñecidos como tales
xunto a obxectos da vida cotiá: aparellos eléctricos
como unha máquina de coser, aspirador, ventilador,
secador de pelo ou similares. A manipulación dos
instrumentos musicais dun xeito non convencional súmase á utilización de diferentes obxectos na
busca dunha sonoridade complexa que interaccione con igual cos sons dos obxectos eléctricos utilizados. Malin Bang consegue unha nova sonoridade
froito de accións imprevisibles e contrastantes, que
van dende o íntimo e caseque inaudible ata o áspero e obstinado.
En Kobushi Burui, Malin Bang utiliza cuatro instrumentos convencionalmente reconocidos como tales
junto a objetos de la vida cotidiana: aparatos eléctricos como una máquina de coser, aspirador, ventilador, secador de pelo o similares. La manipulación de
los instrumentos musicales de una manera no convencional se suma a la utilización de diferentes objetos en la búsqueda de una sonoridad compleja que
interaccione con igual con los sonidos de los objetos
eléctricos utilizados. Malin Bang consigue una nueva
sonoridad fruto de acciones imprevisibles y contrastantes, que van desde el íntimo y casi inaudible hasta
el áspero y obstinado.
WindBox
LYTOS beatbox
ZOAR ELECTRIC quinteto de vento
Could out there (2001) - Jon Hopkins (1979)
Right In (2011) - Skrillex (1988)
Vessel (2009) - Jon Hopkins (1979)
Circle pit (2008) - Venetian Snares (1975)
One-armed bandit (2010) - Jaga Jazzist
Airborne (2001) - Jaga Jazzist
Cliffs (1994) - Aphex Twin (1971)
Li2CO3 (2004) - Venetian Snares (1975)
20.00
CGAC CENTRO GALEGO
DOMINGO 5 OUTUBRO
Vacuum Garden (2006) - Squarepusher (1975)
Feel the love (2013) - Rudimental
Avaritia (2014) - Deadmau5
Summit (2011) - Skrillex (1988)
Do vento que “zoa” con forza nos instrumentos clásicos como a frauta, o corno inglés, o clarinete baixo,
a trompa e o fagot, e do vento que rompe e corta no
micrófono de Lytos, vai nacer un sopro conxunto,
contundente. Sentiremos suaves brisas que emerxen da música de Jon Hopkins, a fría cifra do drum
and bass de Venetian Snares ou o ciclón dos beats
de Skrillex... A versión electrónica do quinteto coruñés Zoar Ensemble explorará ademais as correntes en forma coral de Squarepusher, o choque de
refachos na música de Deadmau5 ou os remuíños
de Jaga Jazzist. WindBox achéganos aos principais
creadores de electrónica na actualidade.
Del viento que “zoa” con fuerza en los instrumentos
clásicos como la flauta, el corno inglés, el clarinete
bajo, la trompa y el fagot, y del viento que rompe y
corta en el micrófono de Lytos, va a nacer un soplo
conjunto, contundente. Sentiremos suaves brisas que
emergen de la música de Jon Hopkins, la fría ventisca
del drum and bass de Venetian Snares o el ciclón de
los beats de Skrillex... La versión electrónica del quinteto coruñés Zoar Ensemble explorará además las
corrientes en forma coral de Squarepusher, el choque
de ráfagas en la música de Deadmau5 o los remolinos
de Jaga Jazzist. WindBox nos acerca a los principales
creadores de electrónica en la actualidad.
ZOAR ELECTRIC quinteto de vento
ZOAR ELECTRIC quinteto de viento
JOAN IBÁÑEZ frauta
DAVID VILLA corno inglés
ANTONIO SUÁREZ clarinete baixo
BENJAMÍN IGLESIAS trompa
ÁLEX SALGUEIRO fagot
JOAN IBÁÑEZ flauta
DAVID VILLA cuerno inglés
ANTONIO SUÁREZ clarinete bajo
Sempre con propostas musicais orixinais, frescas
e rechamantes, e intentando escapar dos canons
máis tradicionais, Zoar Ensemble emerxe como un
dos conxuntos de música de cámara con instrumentos de vento máis activos do panorama musical galego. Dende a súa creación en 2009, ten realizados
máis dunha vintena de concertos en Galicia, Euskadi e Cataluña e participou en tres concursos internacionais onde recibiu diferentes galardóns. Unha das
súas apostas principais é apoiar a creación actual,
achegando novidades ao repertorio tradicional. Entre as súas estreas destacan The elephant and the
clown de Paquito d’Rivera, Bufonesques de Òscar Àlvarez, Quintetto de fiati de Gabriel Bussi, Sos e Tons
de gris baixo ou ceo de Xabier Mariño (con Manuel
Rivas como narrador), Parafrase do nihilismo de Òscar Àlvarez e Luces de Alén de Juan Durán. Proxima-
Siempre con propuestas musicales originales, frescas y llamativas, e intentando escapar de los cánones más tradicionales, Zoar Ensemble emerge
como uno de los conjuntos de música de cámara
con instrumentos de viento más activos del panorama musical gallego. Desde su creación en 2009,
ha realizados más de una veintena de conciertos en
Galicia, Euskadi y Cataluña y ha participado en tres
concursos internacionales donde ha recibido diferentes galardones. Una de sus apuestas principales
es apoyar la creación actual, aportando novedades
al repertorio tradicional. Entre sus estrenos destacan The elephant and the clown de Paquito d’Rivera,
Bufonesques de Òscar Àlvarez, Quintetto de fiati de
Gabriel Bussi, Sos e Tons de gris baixo o ceo de Xabier
Mariño (con Manuel Rivas como narrador), Parafrase
do nihilismo de Òscar Àlvarez y Luces de Alén de Juan
mente estrearán obras de Federico Mosquera, Fernando Buide e Óscar Navarro. Gravaron dous discos
dentro do programa “Outra+Outra” que organizan
a Fundación Paideia e a Deputación da Coruña e é
grupo residente do Auditorio Gustav Mahler do conservatorio de Culleredo.
Durán. Proximamente estrenarán obras de Federico
Mosquera, Fernando Buide y Óscar Navarro. Han grabado dos discos dentro del programa “Outra+Outra”
que organizan la Fundación Paideia y la Deputación
da Coruña y es grupo residente del Auditorio Gustav
Mahler del conservatorio de Culleredo.
LYTOS beatbox
LYTOS beatbox
Carlos Vidal, máis coñecido como “Lytos”, é un polifacético artista nacido en Mallorca. Con 16 anos empezou a actuar como beatboxer en pequenos pubs de
praia e dende entón a súa carreira levouno a actuar
en numerosos países en Europa, Asia e América. Pola
súa participación en diferentes competicións nacionais e internacionais foi nomeado, entre outros
galardóns, campión de España de beatbox en 2009
e campión de Europa de beatbox en 2010. Participa
con regularidade en programas de televisión e de radio. Actúa como solista, colabora con distintos grupos de música vocal e instrumental e completa o seu
traballo como responsable dun estudo de gravación
en Palma de Mallorca, onde realiza tarefas de produción e masterización e desenvolve a súa creatividade
como compositor, escritor, cantante e produtor.
Carlos Vidal, más conocido como “Lytos”, es un polifacético artista nacido en Mallorca. Con 16 años empezó
a actuar como beatboxer en pequeños pubs de playa
y desde entonces su carrera le ha llevado a actuar
en numerosos países en Europa, Asia y America. Su
participación en diferentes competiciones nacionales e internacionales le han llevado a ser, entre otros
galardones, campeón de España de beatbox en 2009
y campeón de Europa de beatbox en 2010. Participa
con regularidad en programas de televisión y de radio. Actúa como solista, colabora con distintos grupos
de música vocal e instrumental y completa su trabajo
como responsable de un estudio de grabación en Palma de Mallorca, donde realiza tareas de producción y
masterización y desarrolla su creatividad como compositor, escritor, cantante y productor.
Codex Calixtinus
ORQUESTRA SINFÓNICA DE GALICIA
DIEGO GARCÍA RODRÍGUEZ director
Parte 1
Tomás Marco (1942)
Codex Calixtinus (Cantus Iacobi)* (2013)
Krzysztof Penderecki (1933)
Anaklasis
Parte 2
Carlos López García-Picos (1922-2009)
21.00
XOVES 9 OUTUBRO
Sindy (1979)
Witold Lutoslawski (1913-1994)
Sinfonía núm. 4 (1988-92)
* segunda audición, estrea en Galicia,
obra encargo da Orquesta Nacional de España
Tomás Marco compón o seu Codex Calixtinus (Cantus
Iacobi) por encarga da Orquesta e Coro Nacional con
motivo do 80º aniversario de Rafael Frühbeck de Burgos, a quen está dedicada. Baseada no Dum paterfamilias ou Canto de Ultreia del Codex Calixtinus usa
este tema xacobeo como unha modelización da que
extrae elementos por diversos procedementos de
proporcións numéricas, de autosemellanza etc, para
compoñer unha obra moi compacta en tres seccións,
sendo a primeira e a última variantes desta. En cada
sección tamén hai subseccións contrastantes e recorrentes, aínda que xamais se producen exactamente
igual. O tema orixinal produce un ambiente predominantemente modal e fortemente diatónico no que a
obra se desprega con abundante sonoridade. Non se
trata dunha modernización do canto xacobeo, senón
dunha obra de hoxe a partir do seu impulso.
Tomás Marco compone su Codex Calixtinus (Cantus
Iacobi) por encargo de la Orquesta y Coro Nacional
con motivo 80º aniversario de Rafael Frühbeck de
Burgos, a quien está dedicada. Basada en el Dum
paterfamilias o Canto de Ultreia del Codex Calixtinus
usa este tema jacobeo como una modelización de la
que extrae elementos por diversos procedimientos de
proporciones numéricas, de autosemejanza, etc, para
componer una obra muy compacta en tres secciones,
siendo la primera y la última variantes de la misma.
En cada sección también hay subsecciones contrastantes y recurrentes, aunque jamás se producen exactamente igual. El tema original produce un ambiente
predominantemente modal y fuertemente diatónico
en el que la obra se despliega con abundante sonoridad. No se trata de una modernización del canto jacobeo, sino de una obra de hoy a partir de su impulso.
Anaklasis é unha obra de Krzysztof Penderecki encargo da Radio de Baden-Baden, para un conxunto
orquestral inusual de 42 cordas, celesta, arpa, piano e
seis percusionistas. Estreada no Festival de Donaueschingen en 1960, situou o compositor polaco na vangarda internacional. Anaklasis presenta unha estrutura aberta como ensaio de novos sons e a súa escritura
mostra gran variedade de articulacións e técnicas que
varían cores e texturas. Estruturada en tres seccións, a
primeira de cordas ábrese cun ton extremadamente
baixo e agudas picadas continuando cun misterioso
trémolo con lentos deslizamentos sostidos ata conformar un campo harmónico crecente. Unha transición
leva a segunda sección, de percusión, de complexas
microestruturas rítmicas, caracterizadas por acentos
retrógados, canons e outras unidades de procedemento. Na última parte, combina cordas e percusión
utilizando sons percutivos, trémolos e glissandos con
técnicas non convencionais como a caída dun lapis sobre as cordas do piano.
Anaklasis es una obra de Krzysztof Penderecki encargo de la Radio de Baden-Baden, para un conjunto
orquestal inusual de 42 cuerdas, celesta, arpa, piano
y seis percusionistas. Estrenada en el Festival de Donaueschingen en 1960, situó al compositor polaco en
la vanguardia internacional. Anaklasis presenta una estructura abierta como ensayo de nuevos sonidos y su
escritura muestra gran variedad de articulaciones y técnicas que varían colores y texturas. Estructurada en tres
secciones, la primera de cuerdas se abre con un tono
extremadamente bajo y agudas punzadas continuando con un misterioso trémolo con lentos deslizamientos sostenidos hasta conformar un campo armónico
creciente. Una transición lleva a la segunda sección,
de percusión, de complejas microestructuras rítmicas,
caracterizadas por acentos retrógados, canons y otras
unidades de procedimiento. En la última parte, combina cuerdas y percusión utilizando sonidos percutivos,
trémolos y glissandos con técnicas no convencionales
como la caída de un lápiz sobre las cuerdas del piano.
No seu exilio arxentino, Carlos López García-Picos
mantivo un compromiso coa comunidade galega
que reflicte nas súas obras, a súa actividade nas
asociacións de compositores e a dirección dalgúns
coros en Bos Aires e París, onde o seu contacto coa
vangarda musical determinou a súa obra posterior
e, a pesar da súa formación americana, a súa estética é maracadamente europea. Premiada pola
Tribuna Nacional de Compositores en 1979, Sindy,
nome do can que o acompañaba cando a escribiu,
representou a Arxentina internacionalmente e o autor descríbea como ‘un día no campo’. Amence co
comezo do canto dos paxaros que van crecendo ata
que todos cantan con diferentes comportamentos
nun bloque aleatorio que se repite dúas veces máis
con variantes e ao atardecer van desaparecendo ata
os últimos cantos suaves. Só contén unha pequena
célula temática que anuncia a trompeta ao comezo
da obra e durante esta se despraza alternativamente entre as diferentes familias orquestrais e é exposta polos cellos como recapitulación.
En su exilio argentino, Carlos López García-Picos
mantuvo un compromiso con la comunidad gallega
que refleja en sus obras, su actividad en las asociaciones de compositores y la dirección de algunos coros
en Buenos Aires y París, donde su contacto con la vanguardia musical determinó su obra posterior y, a pesar de su formación americana, su estética es maracadamente europea. Premiada por la Tribuna Nacional
de Compositores en 1979, Sindy, nombre del perro
que le acompañaba cuando la escribió, representó a
Argentina internacionalmente y el autor la describe
como ‘un día en el campo’. Amanece con el comienzo del canto de los pájaros que van creciendo hasta
que todos cantan con diferentes comportamientos en
un bloque aleatorio que se repite dos veces más con
variantes y al atardecer van desapareciendo hasta los
últimos cantos suaves. Sólo contiene una pequeña
célula temática que anuncia la trompeta al comienzo
de la obra y durante la misma se desplaza alternativamente entre las diferentes familias orquestales y es
expuesta por los chelos como recapitulación.
Corenta e cinco anos separan a primeira e a cuarta
sinfonías de Witold Lutoslawski, obras que reflicten
o seu desenvolvemento como un dos grandes compositores individualistas do século XX. Tras o éxito
da súa Terceira Sinfonía, a Filharmónica de Los Ángeles pídelle unha cuarta e o compositor responde
que non compón baixo prazos nin admite pagamentos anticipados pero que lles mostrará algunhas
ideas; Esa-Pekka Salonen, director musical de Los
Ángeles sorprendeuse cando, tres anos despois, se
encontrou coa sinfonía rematada sen un contrato
asinado. A Sinfonía núm. 4 (1992) resultou outro fito
na produción do compositor e na historia da sinfonía do século XX. O seu primeiro movemento alterna
melodías desenvolvidas lentamente sobre escuros
e rápidos acordes, episodios que soan espontáneos.
Cuarenta y cinco años separan la primera y la cuarta
sinfonías de Witold Lutoslawski, obras que reflejan su
desarrollo como uno de los grandes compositores individualistas del siglo XX. Tras el éxito de su Tercera
Sinfonía, la Filarmónica de Los Ángeles le pide que
una cuarta y el compositor responde que no compone bajo plazos ni admite pagos anticipados pero que
les mostrará algunas ideas; Esa-Pekka Salonen, director musical de Los Angeles se sorprendió cuando, tres
años después, se encontró con la sinfonía terminada
sin un contrato firmado. La Sinfonía núm. 4 (1992) resultó otro hito en la producción del compositor y en
la historia de la sinfonía del siglo XX. Su primer movimiento alterna melodías desarrolladas lentamente
sobre oscuros y rápidos acordes, episodios que suenan espontáneos. El segundo movimiento introduce
O segundo movemento introduce un novo tema lírico exuberante que é interrompido, complementado
e, ás veces, eclipsado por unha música cegadora e
máis rápida. Ao final, a música diminúe a unha soa
frase nas violas e logo estala de novo nunha repentina e brillante coda que leva á sinfonía ao seu final.
un nuevo tema lírico exuberante que es interrumpido,
complementado y, a veces, eclipsado por una música
deslumbrante y más rápida. Al final, la música disminuye a una sola frase en las violas y luego estalla de
nuevo en una repentina y brillante coda que lleva a la
sinfonía a su final.
ORQUESTRA SINFÓNICA DE GALICIA
ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA
Creada en 1992 polo Concello da Coruña, cidade en
cuxo Palacio da Ópera ten a súa sede, é unha das
agrupacións orquestrais de maior proxección en España. A OSG, cuxo director titular desde a tempada
2013-14 é Dima Slobodeniouk e Víctor Pablo Pérez
o seu director honorario, foi orquestra residente do
Festival Rossini de Pésaro de 2003 a 2005 e do Festival Mozart da Coruña desde a súa creación en 1998.
Despois de varias xiras por Europa, en 2007 realizou
a súa primeira xira por América do Sur, con concertos en Chile, Arxentina, Brasil e Uruguai, e a finais de
2009 presentouse na histórica sala do Musikverein
de Viena. Traballa con solistas como Anne-Sophie
Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil
Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas
Kavakos, Arcadi Volodos, Maria João Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky, Christian Lindberg etc.
Con ela cantaron Alfredo Kraus, Teresa Berganza,
Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan
Diego Flórez, Simon Lestes, Mirella Freni, Ann Murray, Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard
Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip
Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel
Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez ou Giuseppe
Sabbatini entre outros moitos, e sempre baixo a batuta de mestres como Lorin Maazel, Daniel Harding,
Guennadi Rozdestvenski, Maurizio Pollini, James
Judd, Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski,
Libor Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo
Vänskä, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav
Creada en 1992 por el Ayuntamiento de A Coruña, ciudad en cuyo Palacio de la Ópera tiene su sede, es una
de las agrupaciones orquestales de mayor proyección
en España. La OSG, cuyo director titular desde la temporada 2013-14 es Dima Slobodeniouk y Víctor Pablo
Pérez su director honorario, ha sido orquesta residente del Festival Rossini de Pesaro entre 2003 y 2005 y
del Festival Mozart de A Coruña desde su creación en
1998. Después de varias giras por Europa, en 2007 realizó su primera gira por América del Sur, con conciertos en Chile, Argentina, Brasil, Uruguay y Montevideo,
y en 2009 se presentó en la histórica sala del Musikverein de Viena. Trabaja con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil
Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas Kavakos, Arcadi Volodos, Maria Joao Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky o Christian Lindberg entre otros.
Con ella han cantado Alfredo Kraus, Teresa Berganza,
Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan
Diego Flórez, Simon Estes, Mirella Freni, Ann Murray,
Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez o Giuseppe Sabbatini,
entre otros muchos, y siempre bajo la dirección de
maestros como Lorin Maazel, Daniel Harding, Guennadi Rozdestvenski, Maurizio Pollini, James Judd,
Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski, Libor
Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo Vänskä,
Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav Talmi, Ray-
Talmi, Raymond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda, Ron Goodwin ou Manfred Honeck. Financiada polo Concello da Coruña, a Deputación da
Coruña e a Xunta de Galicia, foi premiada coa Medalla de Ouro da Real Academia Galega de Belas Artes e
é Premio Cultura Galega da Música 2010.
mond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda,
Ron Goodwin o Manfred Honeck. Financiada por el
Ayuntamiento de A Coruña, la Diputación de A Coruña
y la Xunta de Galicia, ha sido premiada con la Medalla
de Oro de la Real Academia Galega de Belas Artes y es
Premio Cultura Galega de la Música 2010.
Traballa regularmente con orquestras en España,
Inglaterra, Polonia e Francia. Os seus compromisos máis recentes inclúen programas sinfónicos coa
Real Filharmonia de Galicia, Orquestra Sinfónica de
Galicia, Orquesta de Extremadura, Orquestra Académica e Coro de Bydgoszcz (Polonia) e da Orquestra
Nova da Orquestra Sinfónica de Galicia. Realizará o
seu debut no Teatro Real (Madrid) coa produción
Hänsel e Gretel de Humperdinck, en xaneiro do 2015.
Dirixiu a estrea mundial de It makes no Difference...
de Spagnolo no Festival Tête á Tête en Londres e encargouse da dirección musical de Carmen de Bizet
na Opera Baltykca en Gdansk (Polonia) e da produción do Centro Dramático Galego A ópera dos tres
reás de Weill. É director artístico do Taller Atlántico
Contemporáneo (TAC) ensemble co que desenvolve
unha intensa actividade a prol da música contemporánea e de colaboración con outras disciplinas
artísticas. Na tempada 2010-2011 do Teatro Real de
Madrid foi director asistente de Josep Pons en The
turn of the screw de Britten e de Paul Daniel en Król
Roger de Szymanowski.. En Inglaterra traballou con
Diego Masson e dirixiu Madama Butterfly de Puccini
e As vodas de Fígaro de Mozart.
Trabaja regularmente con orquestas en España, Inglaterra, Polonia y Francia. Sus compromisos más recientes incluyen programas sinfónicos con la Real Filharmonia de Galicia, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de Extremadura, Orquesta Académica y Coro
de Bydgoszcz (Polonia) y de la Orquesta Joven de la
Orquesta Sinfónica de Galicia. Realizará su debut en el
Teatro Real (Madrid) con la producción Hänsel y Gretel
de Humperdinck, en enero del 2015. Dirigió el estreno
mundial de It makes en el Difference... de Spagnolo en
el Festival Tête a la Tête en Londres y se encargó de
la dirección musical de Carmen de Bizet en la Opera
Baltykca en Gdansk (Polonia) y de la producción del
Centro Dramático Gallego A ópera dos tres reás, de
Weill. Es director artístico del Taller Atlántico Contemporáneo (TAC) ensemble con el que desenvuelve una
intensa actividade a favor de la música contemporánea y de colaboración con otras disciplinas artísticas.
En la temporada 2010-2011 del Teatro Real de Madrid
fue director asistente de Josep Pons en The turn of
the screw de Britten y de Paul Daniel en Król Roger de
Szymanowski. En Inglaterra trabajó con Diego Masson
y dirigió Madama Butterfly de Puccini y Las bodas de
Fígaro de Mozart.
Festas do erro
visións_improvisacións sobre Francesco dÁssisi
pablo_seoane_trem*
ELENA VÁZQUEZ violín
SAÚL PUGA contrabaixo
PABLO SEOANE piano
Pablo Seoane (1968)
20.00
CGAC CENTRO GALEGO
DOMINGO 12 OUTUBRO
pombal 15
sobre gubbio
quetzalcoátl
cobra coral
flora e paga
madonna das harpías
* estrea absoluta e presentación
do conxunto pablo_seoane_trem
Espectáculo musical onde corda e madeira –un violín, un piano e un contrabaixo– exploran, ao fío da
vida ou as vidas desta figura proverbialmente anómala, os seus timbres máis desusados nunha trama
de improvisacións baseada en seis composicións
orixinais de Pablo Seoane. Un xogo de voces na procura de certos lugares ou criaturas. Nunha excursión
polas imaxes e os ecos dun viaxeiro entre o son e o
sentido, entre o humano e a marca incerta do seu
límite, Francesco d’Assisi inspira o primeiro traballo
e presentación do novo proxecto do pianista, compositor e músico de jazz ferrolán Pablo Seoane.
Espectáculo musical donde cuerda y madera –un
violín, un piano y un contrabajo– exploran, al hilo
de la vida o las vidas de esta figura proverbialmente
anómala, sus timbres más desusados en una trama
de improvisaciones basada en seis composiciones
originales de Pablo Seoane. Un juego de voces en la
búsqueda de ciertos lugares o criaturas. Una excursión por las imágenes y los ecos de un viajero entre el
sonido y el sentido, entre lo humano y la marca incierta de su límite. Francesco d’Assisi inspira el primer trabajo y presentación del nuevo proyecto del pianista,
compositor y músico de jazz ferrolano Pablo Seoane.
pablo_seoane_trem
pablo_seoane_trem
Pablo Seoane naceu en Ferrol en 1968 e estudou música e filoloxía inglesa en A Coruña, Salamanca e Estados
Unidos (Wake Forest, NC). Desde hai máis de quince
anos desenvolve unha intensa actividade como pianista e compositor en distintas formacións, xeralmente vinculadas ao jazz e á improvisación libre. Ten composto música para teatro e levado a cabo tarefas docentes en diversas institucións (recentemente no Conservatorio de Ferrol). Entre as súas últimas actividades
figuran a xestión xunto a LAR Legido das jam-sessions
semanais de improvisación libre no Café El Puente
(Santiago) e a dirección, en colaboración con Javier
Turnes, duns multidisciplinares Encontros de Filosofía
e Música. Pensar a voces (Cee, 2012). Cabe salientar
tamén, en 2014, a publicación do seu último traballo
discográfico co Pablo Seoane Trio, Inópia, xunto a José
Manuel Díaz e LAR Legido. Agora, se cadra máis afastado do jazz, mais non da improvisación, estrea novo
proxecto baixo o nome de pablo_seoane_trem: unha
agrupación de formación variable e con vocación de
futuro que, nesta primeira oportunidade, estará formada polo seu creador e dous excelentes músicos de
recoñecido prestixio na escena experimental ou de
vangarda galega (e non só galega), a violinista Elena
Vázquez Ledo e o contrabaixista Saúl Puga.
Pablo Seoane nació en Ferrol en 1968 y estudió música
y filoloxía inglesa en A Coruña, Salamanca y Estados
Unidos (Wake Forest, NC). Desde hace más de quince
años desarrolla una intensa actividad como pianista y
compositor en distintas formaciones, generalmente vinculadas al jazz y a la improvisación libre. Ha compuesto
música para teatro y llevado a cabo tareas docentes en
diversas instituciones (recientemente en el Conservatorio de Ferrol). Entre sus últimas actividades figuran la
gestión junto a LAR Legido de las jam-sessions semanales de improvisación libre en el Café El Puente (Santiago) y la dirección, en colaboración con Javier Turnes, de
unos multidisciplinares Encuentros de Filosofía y Música.
Pensar a voces que (Cee, 2012). Cabe destacar también,
en 2014, la publicación de su último trabajo discográfico
con el Pablo Seoane Trio, Inópia, junto a José Manuel
Díaz y LAR Legido. Ahora, probablemene más alejado
del jazz, aunque no de la improvisación, estrena nuevo
proyecto bajo el nombre de pablo_seoane_trem: una
agrupación de formación variable y con vocación de futuro que, en esta primera oportunidad, estará formada
por su creador y dos excelentes músicos de reconocido
prestigio en la escena experimental o de vanguardia gallega (y no sólo gallega), la violinista Elena Vázquez Ledo
y el contrabajista Saúl Puga.
Freude_Stockhausen
‘alegría’ para dúas arpas
FRÉDÉRIQUE CAMBRELING arpa / voz
BLEUENN LE FRIEC arpa / voz
ÁNGEL FARALDO dispositivo electro-acústico
César Franck (1822-1890)
Prélude, fugue et variation, op. 18 (1860-62)
transcrición para dúas arpas de Fabrice Pierre
Freude, op. 82 * (Alegría) (2005)
20.30
MARTES 14 OUTUBRO
IGREXA DA UNIVERSIDADE
segunda hora do ciclo Klang, Die 24 Studen des Tages
(Son, as 24 horas do día)
para dúas arpas e dispositivo electrónico
* estrea en España
Stockhausen e os sons das
24 horas do día
Stockhausen y los sonidos de las
24 horas del día
Klang, die 24 Studen deas Tages (Son, as 24 horas do
día) é un ciclo no que o compositor Karlheinz Stockhausen estivo a traballar dende o ano 2004 ata o seu
falecemento en 2007. O ciclo, que o seu autor non puido rematar, tiña que constar de 24 pezas de música de
cámara. Cada unha das pezas representa unha hora do
día e Freude (Alegría) é a segunda hora do ciclo. A súa
estrea tivo lugar o día de Pentecoste de 2006 na catedral de Milán. Freude baséase nun famoso texto relixioso: Veni Creator Spiritus. As dúas arpistas teñen que
cantalo e recitalo á vez que tocan. Este himno está dividido en 24 frases sobre as cales Stockhausen compuxo 24 momentos musicais. Polo tanto, a segunda hora
do ciclo é como un día enteiro dentro dunha hora do
día. Stockhausen imaxinou dúas arpas diatónicas que
ao reunírense formarían unha soa “macro-arpa” cromática. Esta idea permitiulle liberarse das restricións
do xogo de pedais e aproveitar os recursos sonoros do
instrumento do mellor modo posible. O dispositivo
electro-acústico avala toda a expresión instrumental e
vocal e permite especializar o son para que todo o público poida gozar da obra de xeito equilibrado. A través
deste “himno da alegría” onde escoitamos unhas técnicas instrumentais moi variadas xunto con voces que
cantan, murmuran e berran, descubrimos unha das
obras fundamentais do repertorio escrito para arpa no
século XX. Frédérique Cambreling e Bleuenn Le Friec
fanse cargo nestas Xornadas de Música Contemporánea da estrea en España de Freude.
Klang, die 24 Studen des Tages (Sonido, las 24 horas del
día) es un ciclo en el que el compositor Karlheinz Stockhausen estuvo trabajando desde el año 2004 hasta su
fallecimiento en 2007. El ciclo, que su autor no pudo acabar, tenía que constar de 24 piezas de música de cámara. Cada una de las piezas representa una hora del día y
Freude (Alegría) es la segunda hora del ciclo. Su estreno
tuvo lugar el día de Pentecostés de 2006 en la catedral
de Milán. Freude se basa en un famoso texto religioso:
Veni Creator Spiritus. Las dos arpistas tienen que cantarlo
y recitarlo a la vez que tocan. Este himno está dividido en
24 frases sobre las cuales Stockhausen compuso 24 momentos musicales. Por lo tanto, la segunda hora del ciclo
es como un día entero dentro de una hora del día. Stockhausen imaginó dos arpas diatónicas que al reunirse
formarían una sola “macro-arpa” cromática. Esta idea le
permitió liberarse de las restricciones del juego de pedales y aprovechar los recursos sonoros del instrumento
del mejor modo posible. El dispositivo electro-acústico
respalda toda la expresión instrumental y vocal y permite especializar el sonido para que todo el público pueda disfrutar de la obra de manera equilibrada. A través
de este “himno de la Alegría” donde escuchamos unas
técnicas instrumentales muy variadas junto con voces
que cantan, susurran y gritan, descubrimos una de las
obras fundamentales del repertorio escrito para arpa en
el siglo XX. Frédérique Cambreling y Bleuenn Le Friec se
hacen cargo en estas Xornadas de Música Contemporánea del estreno en España de Freude.
FRÉDÉRIQUE CAMBRELING arpa
FRÉDÉRIQUE CAMBRELING arpa
Actualmente compaxina a súa actividade como solista
e o posto de arpista no Ensemble Intercontemporain,
ao que pertence dende 1993. En música de cámara
cabe destacar a súa dedicación ao Trio Salzedo, do que
é membro fundador. Cursou os seus estudos musicais
Actualmente compagina su actividad como solista y el
puesto de arpista en el Ensemble Intercontemporain,
al que pertenece desde 1993. En música de cámara
cabe destacar su dedicación al Trio Salzedo, del que
es miembro fundador. Cursó sus estudios musicales en
en Francia e obtivo varios premios internacionais antes de ser nomeada primeira arpa da Orquestra Nacional de Francia, onde traballou de 1977 e 1986. Entre
2002 e 2011 impartiu clases en Musikene (San Sebastián) e actualmente ensina didáctica instrumental no
Conservatorio Nacional Superior de Música de París. A
súa paixón pola diversidade de expresións inherente
ao seu instrumento permitiulle participar en numerosos acontecementos musicais a nivel internacional.
Nos últimos anos ten sido convidada a tocar como solista con formacións como SWR Freiburg, Konzerthaus
Orchester Berlin, Bayerische Rundfunk, Orquestra de
Cámara de Noruega, Orquestra de Picardía, Orchestre
National de Lyon, Orquestra de Euskadi, Orquestra Filharmónica de Turín etc. Como solista estreou un considerable número de composicións de autores como
Wolfgang Rihm, Philippe Boesmans, Luis de Pablo,
Andreas Dohmen, Philippe Schoeller, Ton That Thiet,
Frédéric Pattar, Gérard Buquet e Philippe Boesmans.
Realizou varias gravacións que cobren gran parte do
repertorio artístico para arpa.
Francia y ha obtenido varios premios internacionales
antes de ser nombrada primera arpa de la Orquesta
Nacional de Francia, donde trabajo entre 1977 y 1986.
Entre 2002 y 2011 impartió clases en Musikene (San
Sebastián) y actualmente enseña didáctica instrumental en el Conservatorio Nacional Superior de Música
de París. Su pasión por la diversidad de expresiones
inherente a su instrumento le ha permitido participar
en numerosos acontecimientos musicales a nivel internacional. En los últimos años ha sido invitada a tocar
como solista con formaciones como SWR Freiburg,
Konzerthaus Orchester Berlin, Bayerische Rundfunk,
Orquesta de Cámara de Noruega, Orquesta de Picardía, Orchestre National de Lyon, Orquesta de Euskadi,
Orquesta Filarmónica de Turín, etc. Como solista ha estrenado un considerable número de composiciones de
autores como Wolfgang Rihm, Philippe Boesmans, Luis
de Pablo, Andreas Dohmen, Philippe Schoeller, Ton
That Thiet, Frédéric Pattar, Gérard Buquet y Philippe
Boesmans. Ha realizado varias grabaciones que cubren
gran parte del repertorio artístico para arpa.
Nacida en Bretaña en 1984, aos seis anos empeza a
tocar a arpa celta. En 2003 licenciouse en musicoloxía
e comezou o estudo da arpa clásica. En 2004 inicia a
carreira de arpa en Musikene (San Sebastián) con
Frédérique Cambreling e completou a súa formación
nos conservatorios de Detmold e Frankfurt con Godelieve Schrama e Françoise Friederich. Foi integrante
da JONDE, da Gustav Mahler Jugend Orchester e da
Verbier Festival Orchestra. En 2009 foi seleccionada
para tocar Répons de Pierre Boulez baixo a dirección
do propio compositor. Entre 2011 e 2013 foi arpa solista da Neubrandenburger Philarmonie. Actualmente combina a súa actividade docente como profesora
de arpa na Escola Municipal de Música de Santiago
de Compostela con frecuentes colaboracións con
Nacida en Bretaña en 1984, a los seis años empieza a
tocar el arpa celta. En 2003 se licenció en musicología
y comenzó el estudio del arpa clásica. En 2004 inicia la
carrera de arpa en Musikene (San Sebastián) con Frédérique Cambreling y completó su formación en los
conservatorios de Detmold y Frankfurt con Godelieve
Schrama y Françoise Friederich. Ha sido integrante de
la JONDE, de la Gustav Mahler Jugend Orchester y de
la Verbier Festival Orchestra. En 2009 fue seleccionada
para tocar Répons de Pierre Boulez bajo la dirección
del propio compositor. Entre 2011 y 2013 fue arpa
solista de la Neubrandenburger Philarmonie. Actualmente combina su actividad docente como profesora
de arpa en la Escuela Municipal de Música de Santiago de Compostela con frecuentes colaboraciones
orquestras (Sinfónica de Castilla y León, Orquesta
de Las Islas Baleares, Sinfónica de Galicia, Gran Teatre del Liceu, Ópera de Frankfurt, Opéra National de
Bordeaux, Bremen Philarmoniker) e con ensembles
de música contemporánea (Ensemble Intercontemporain, Ensemble Interface).
con orquestas (Sinfónica de Castilla y León, Orquesta
de Las Islas Baleares, Sinfónica de Galicia, Gran Teatre del Liceu, Ópera de Frankfurt, Opéra National de
Bordeaux, Bremen Philarmoniker) y con ensembles
de música contemporánea (Ensemble Intercontemporain, Ensemble Interface).
Nacido en Ferrol en 1980, é un músico experimental
comprometido coa creación, a promoción e o ensino
da música actual. Activo como compositor e improvisador, a súa obra complétase con instalacións sonoras,
accións site-specific e deseño de son para teatro, danza e ópera. Está interesado na exploración sistemática
de procesos que maximizan recursos mínimos, como
se materializa no seu ciclo The Feedback Study Series
(2010-2013), o seu sintetizador dixital MISS (2009) ou a
súa concepción da no-input mixer. Ten colaborado con
colectivos como POW Ensemble, Opera2day ou Modelo62 e artistas do talle de Ana Ladas, Matteo Marangoni,
Ezequiel Menalled, Tanja Smit, Yolanda Uriz ou Raoul
van der Weide. O seu traballo teno levado a festivais e
centros de Europa e Norteamérica, como Deep Wireless
(Canadá), Spark (Estados Unidos), Audio Art (Polonia),
Gaudeamus Muziekweek, November Music, STEIM,
Bimhuis y Koninklijke Schouwburg (Holanda), Biennial
of Contemporary Music Koper (Eslovenia), SINKRO,
In-Sonora, Festival Via Stellae y CGAC (España), ElectroMediaWorks (Grecia), Le104 (Francia) ou The Vortex
(Gran Bretaña). Ademais, desenvolve un intenso labor
como intérprete e realizador de música electrónica en
vivo e de asesoramento e desenvolvemento de ferramentas dixitais para instrumentistas e compositores.
Dende 2010 conduce o Instituto Galego de Sonoloxía.
Estudou no Real Conservatorio de Música de Madrid e
no Instituto de Sonoloxía da Haia. Actualmente é candidato de doutoramento no Music Technology Group
da Universidade Pompeu Fabra (Barcelona).
Nacido en Ferrol en 1980, es un músico experimental
comprometido con la creación, la promoción y la enseñanza de la música actual. Activo como compositor
e improvisador, su obra se completa con instalaciones
sonoras, acciones site-specific y diseño de sonido para
teatro, danza y ópera. Está interesado en la exploración
sistemática de procesos que maximizan recursos mínimos, como se materializa en su ciclo The Feedback
Study Series (2010-2013), su sintetizador digital MISS
(2009) o su concepción de la no-input mixer. Ha colaborado con colectivos como POW Ensemble, Opera2day
o Modelo62 y artistas de la talla de Ana Ladas, Matteo
Marangoni, Ezequiel Menalled, Tanja Smit, Yolanda Uriz
o Raoul van der Weide. Su trabajo le ha llevado a festivales y centros de arte de Europa y Norteamérica, como
Deep Wireless (Canadá), Spark (Estados Unidos), Audio
Art (Polonia), Gaudeamus Muziekweek, November Music, STEIM, Bimhuis y Koninklijke Schouwburg (Holanda), Biennial of Contemporary Music Koper (Eslovenia),
SINKRO, In-Sonora, Festival Via Stellae y CGAC (España),
ElectroMediaWorks (Grecia), Le104 (Francia) o The Vortex (Gran Bretaña). Además, desarrolla una intensa labor
como intérprete y realizador de música electrónica en
vivo y de asesoramiento y desarrollo de herramientas
digitales para instrumentistas y compositores. Desde
2010 conduce el Instituto Gallego de Sonología. Ha estudiado en el Real Conservatorio de Música de Madrid y
en el Instituto de Sonología de La Haya. Actualmente es
candidato doctoral en el Music Technology Group de la
Universidad Pompeu Fabra (Barcelona).
Cantigas e outras fontes de inspiración
CUARTETO VOGLER
ZANDRA McMASTER mezzosoprano
Parte 1
Samuel Barber (1919-1981)
Dover Beach, op. 3, para mezzosoprano e cuarteto de cordas (1931)
Charles Ives (1874-1954)
Hallowe’en, S 71, para cuarteto con piano (1907)
Antón García Abril (1933)
Tres cantigas, para mezzosoprano e piano * (2014)
Al alba venid, buen amigo (anónimo)
Gritos daba la morenica (anónimo)
Muy graciosa es la doncella (Gil Vicente)
Giacomo Puccini (1858-1924)
Crisantemi, para cuarteto de cordas (1890)
Parte 2
Ernest Chausson (1855-1899) / Antón García Abril (1933)
Le temps des lilas, de Poème de l’amour et de la mer, op. 19 * (1882/90-2014)
20.30
XOVES 16 OUTUBRO
Ottorino Respighi (1879-1936)
Il Tramonto, P 101, para mezzosoprano e cuarteto de cordas (1914)
Claude Debussy (1862-1918)
La soirée dans Grenade, de Estampes para piano, núm. 2 (1903)
Jardins sous la pluie, de Estampes para piano, núm. 3 (1903)
Antón García Abril (1933)
Canciones del jardín secreto ** (2001)
* estrea absoluta
** estrea en España
Ausente de mis ojos (Baha Al-Din Zuhayr)
Los dos amores (Rabia Al-Adawiyya)
Elegía a la pérdida de la Alhambra (Boabdil)
Te seguiré llorando (Al-Farzdaq)
El jardín de Al-Andalus (Ben Jafacha)
Sen eles todo sería diferente
SIn ellos todo sería diferente
Samuel Barber, Premio Pulitzer en dúas ocasións e
compositor obstinadamente tradicionalista, adoraba
a voz. A súa tía Louise Homer foi unha célebre contralto
e el mesmo un barítono nada desdeñable. O ciclo
neorromántico para voz e cuarteto de cordas Dover
Beach con texto do poeta vitoriano Matthew Arnold
sintoniza perfectamente co ton elexíaco dos versos,
firmemente ancorados na estética decimonónica dun
país do que xurdiron autores tan diferentes como o
propio Barber ou Charles Ives. En Halloween, este,
dende logo, non se cortou un pelo e creou unha páxina
ecléctica e cacofónica non destinada ás salas de
concerto, senón (o título dío todo) á fantasmagórica
festa que os norteamericanos celebran ao grande
ano tras ano. “Sempre sentín unha gran predilección
pola poesía clásica do noso cancioneiro anónimo,
dende aqueles autores tan afastados no tempo e tan
próximos na beleza que sentimos ao escoitar as súas
obras. Eles foron os que propiciaron os primeiros
impulsos da poesía dos grandes poetas de todas as
épocas da nosa historia. España foi e segue sendo
terra de poetas. Con estas Tres cantigas (as dúas
primeiras do Cancioneiro anónimo e a terceira de Gil
Vicente), quixen ofrecer a miña homenaxe, crendo
que a mellor forma de expresalo é convertendo os
poemas en cancións, e, dende esa fusión lograr a
nova emoción que a música nos brinda ao aparecer
cada palabra unida á beleza do canto”. Así é como
Antón García Abril describe as súas Tres cantigas, de
quen ademais se interpretarán as Canciones del jardín
secreto para voz y piano, dedicadas ao que antano fora
o director da Real Academia de Belas Artes de San
Fernando, Ramón González de Amezúa. A versión para
voz, cuarteto de cordas e piano débese á petición da
propia McMaster, para a cal García Abril fixo tamén a
adaptación que hoxe se estrea de Le Temps des Lilas,
Samuel Barber, Premio Pulitzer en dos ocasiones y
compositor obstinadamente tradicionalista, adoraba
la voz. Su tía Louise Homer fue una célebre contralto
y él mismo un barítono nada desdeñable. El ciclo
neorromántico para voz y cuarteto de cuerdas Dover
Beach con texto del poeta victoriano Matthew
Arnold sintoniza perfectamente con el tono elegíaco
de los versos, firmemente anclados en la estética
decimonónica de un país del que surgieron autores
tan diferentes como el propio Barber o Charles Ives.
En Halloween, éste, desde luego, no se cortó un pelo
y creó una página ecléctica y cacofónica no destinada
a las salas de concierto, sino (el título lo dice todo) a
la fantasmagórica fiesta que los norteamericanos
celebran por todo lo alto año tras año. “Siempre he
sentido una gran predilección por la poesía clásica de
nuestro cancionero anónimo, desde aquellos autores
tan lejanos en el tiempo y tan cercanos en la belleza
que sentimos al escuchar sus obras. Ellos fueron los
que propiciaron los primeros impulsos de la poesía
de los grandes poetas de todas las épocas de nuestra
historia. España ha sido y sigue siendo tierra de
poetas. Con estas Tres cantigas (las dos primeras del
Cancionero anónimo y la tercera de Gil Vicente), he
querido ofrecer mi homenaje, creyendo que la mejor
forma de expresarlo es convirtiendo los poemas en
canciones, y, desde esa fusión lograr la nueva emoción
que la música nos brinda al aparecer cada palabra
unida a la belleza del canto”. Así es como Antón García
Abril describe sus Tres cantigas, de quien además se
interpretarán las Canciones del jardín secreto para voz
y piano, dedicadas al que antaño fuera el director de la
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Ramón
González de Amezúa. La versión para voz, cuarteto
de cuerdas y piano se debe a la petición de la propia
McMaster, para la cual García Abril hizo asimismo la
parte do ciclo Poème de l’Amour et de la Mer para voz
e orquestra que Chausson compuxo entre 1882 e
1892. Outra homenaxe distinta brindou Puccini ao
duque Amadeo de Saboya, chamado El Electo. O
seu falecemento en xaneiro de 1890 sorprendeu o
compositor, quen de inmediato e nunha soa noite
escribiu o seu cuarteto para cordas Crisantemi (a flor
dos defuntos), cuxo tema principal aparece na escena
final de Manon Lescaut. Antes do último interludio
instrumental da reunión con dúas das Estampes
para piano de Debussy, aínda haberá ocasión
para oír un novo cuarteto con voz, concretamente
Il Tramonto de Respighi. Baseado no poema The
sunset de Percy Bysshe Shelley, a palabra e a música
entoan aquí un canto profundamente romántico.
A excepción de Ernest Chausson que morreu en 1899,
todos os compositores mencionados naceron ou
faleceron no século XX, pero ningún, nin tan sequera
o iconoclasta Ives, se adscribiu ás novas tendencias
impulsadas por Schoenberg. Por outra parte, sería
absurdo cuestionar a orixinalidade de cada unha
destas potentes voces que deixaron ou seguen
deixando a súa pegada na historia da música. Sen eles,
todo sería diferente. – Antonio Gómez Schneekloth
adaptación que hoy se estrena de Le Temps des Lilas,
parte del ciclo Poème de l’Amour et de la Mer para
voz y orquesta que Chausson compuso entre 1882 y
1892. Otro homenaje distinto brindó Puccini al duque
Amadeo de Saboya, llamado El Electo. Su fallecimiento
en enero de 1890 sorprendió al compositor, quien de
inmediato y en una sola noche escribió su cuarteto
para cuerdas Crisantemi (la flor de los difuntos), cuyo
tema principal aparece en la escena final de Manon
Lescaut. Antes del último interludio instrumental de la
velada con dos de las Estampes para piano de Debussy,
aún habrá ocasión para oír un nuevo cuarteto con voz,
concretamente Il Tramonto de Respighi. Basado en el
poema The sunset de Percy Bysshe Shelley, la palabra
y la música entonan aquí un canto profundamente
romántico. A excepción de Ernest Chausson que
murió en 1899, todos los compositores mencionados
nacieron o fallecieron en el siglo XX, pero ninguno,
ni tan siquiera el iconoclasta Ives, se adscribió a las
nuevas tendencias impulsadas por Schoenberg. Por
otra parte, sería absurdo cuestionar la originalidad de
cada una de estas potentes voces que dejaron o siguen
dejando su impronta en la historia de la música. Sin
ellos, todo sería diferente. – Antonio Gómez Schneekloth
CUARTETO VOGLER
CUARTETO VOGLER
TIM VOGLER violín
FRANK REINECKE violín
STEFAN FEHLANDT viola
STEPHAN FORCK violoncello
TIM VOGLER violín
FRANK REINECKE violín
STEFAN FEHLANDT viola
STEPHAN FORCK violonchelo
Tan só un ano despois de formarse en Berlín Leste
en 1986 obtiveron o seu primeiro éxito ao gañar o
primeiro premio do Concurso de Cuartetos de Corda
1986 en Evian (Francia) que supuxo o lanzamento
dunha carreira internacional que os levou a
actuar nas cidades e salas máis importantes de
Tan solo un año después de haberse formado en Berlín
Este en 1986 obtuvieron su primer éxito al ganar el
primer premio del Concurso de Cuartetos de Cuerda
1986 en Evian (Francia) que supuso el lanzamiento
de una carrera internacional que los ha llevado a
actuar en las ciudades y salas más importantes de
Europa, América, Xapón, Australia e Nova Zelandia.
Posicionado entre os mellores grupos de cámara do
mundo, o cuarteto Vogler celebra o seu 30º aniversario
na tempada 2014-15. O seu repertorio abrangue
obras clásicas, de Haydn a Bartók e a Segunda Escola
Vienesa, e de autores contemporáneos, como Karl
Amadeus Hartmann, Morton Feldman e Wolfgang
Rihm. Estrearon obras de Frank Michael Beyer, Ian
Wilson, Jörg Widmann, Mauricio Kagel e Erhard
Grosskopf. A versatilidade do cuarteto reflíctese
nas súas colaboracións con outros músicos como o
clarinetista Chen Halevi e o pianista Jascha Nemtsov
(cos cales gravaron en 2008 un disco dedicado á nova
escola xudía) ou a cantante Ute Lemper, con quen
ofreceron concertos por todo o mundo. Gravaron
para BMG/RCA, Nimbus, CPO integral dos cuartetos
de Dvorák) e Hänssler. O Cuarteto Vogler ten a súa
propia serie de recitais no Konzerthaus de Berlín,
actúa anualmente no Festival de Sligo (Irlanda) e
ademais son responsables da dirección artística do
Festival de Homburg/Saar e, dende 2005, do Festival
de Música para nenos de Kassel, co que obtiveron
varios premios polos seus compromisos educativos.
Dende 2007 ocupan a praza do Cuarteto Melos no
Conservatorio de Stuttgart.
Europa, América, Japón, Australia y Nueva Zelanda.
Posicionado entre los mejores grupos de cámara
a nivel mundial, el cuarteto Vogler celebra su 30º
aniversario en la temporada 2014-15. Su repertorio
abarca obras clásicas, de Haydn a Bartók y la Segunda
Escuela Vienesa, y de autores contemporáneos, como
Karl Amadeus Hartmann, Morton Feldman y Wolfgang
Rihm. Han estrenado obras de Frank Michael Beyer,
Ian Wilson, Jörg Widmann, Mauricio Kagel y Erhard
Grosskopf. La versatilidad del cuarteto se refleja
en sus colaboraciones con otros músicos como el
clarinetista Chen Halevi y el pianista Jascha Nemtsov
(con quienes grabaron en 2008 un disco dedicado a
la nueva escuela judía) o la cantante Ute Lemper, con
quien han ofrecido conciertos por todo el mundo.
Han grabado para BMG/RCA, Nimbus, CPO integral de
los cuartetos de Dvorak) y Hänssler. El Cuarteto Vogler
tiene su propia serie de recitales en el Konzerthaus
de Berlín, actúa anualmente en el Festival de Sligo
(Irlanda) y además son responsables de la dirección
artística del Festival de Homburg/Saar y, desde 2005,
del Festival de Música para niños de Kassel, con el que
han obtenido varios premios por sus compromisos
educativos. Desde 2007 ocupan la plaza del Cuarteto
Melos en el Conservatorio de Stuttgart.
Nacido en 1983 en Belfast, destacou como un
dos pianistas irlandeses máis relevantes da súa
xeración. Dende que finalizou os seus estudos na
Universidade de Cambridge e na Royal Academy
of Music desenvolveu unha intensa carreira como
solista en recital e concerto e en música de cámara.
Tocou en importantes festivais como Ushuaia e
Tanglewood e salas de concerto como o Suntory
Hall de Tokyo, Lincoln Center de Nova York, Sala
Sinfónica de Boston, Konzerthaus de Berlín e Pesti
Vigadó de Budapest. Protagonizou retransmisións
Nacido en 1983 en Belfast, ha destacado como uno
de los pianistas irlandeses más relevantes de su
generación. Desde que finalizó sus estudios en la
Universidad de Cambridge y en la Royal Academy
of Music ha desarrollado una intensa carrera como
solista en recital y concierto y en música de cámara.
Ha tocado en importantes festivales como Ushuaia y
Tanglewood y salas de concierto como el Suntory Hall
de Tokyo, Lincoln Center de Nueva York, Sala Sinfónica
de Boston, Konzerthaus de Berlín y Pesti Vigadó de
Budapest. Ha protagonizado retransmisiones para
para televisión e radio en Europa, Asia e América.
Como solista tocou xunto á Orquestra Hallé,
Sinfónica de Bournemouth, Sinfónica de Moscova,
Orquestra do Teatro Colón, London Mozart Players e
coas cinco orquestras principais de Irlanda. Os seus
máis recentes compromisos na tempada 2013-14
inclúen unha serie de concertos coa Orquestra do
Ulster (Concerto núm. 2 de Liszt), a RTÉO (Gershwin)
e a Orquestra de Cámara de Irlanda estreando o
concerto de Garrett Sholdice. Gañador do primeiro
premio e do premio do público no Concurso
Terence Judd (Achei, 2009), recibiu anteriormente
o Premio Brennan e varios galardóns no Concurso
Internacional de Piano AXA 2006 de Dublín e nos
Premios Camerata Ireland/Accenture 2005. Entre os
seus profesores e mentores inclúense John O’Conor,
Réamon Keary, Christopher Elton, Ronan O’Hora
e Barry Douglas. Colabora a miúdo en recitais con
James Galway, Michael Collins, Ensemble Avalon
e Ensemble Cappa e a súa discografía inclúe
gravacións para Chandos, RTÉ Lyric FM, Louth CMS,
Lorelt e Nimbus Alliance.
televisión y radio en Europa, Asia y América. Como
solista ha tocado junto a la Orquesta Hallé, Sinfónica
de Bournemouth, Sinfónica de Moscú, Orquesta del
Teatro Colón, London Mozart Players y con las cinco
orquestas principales de Irlanda. Sus más recientes
compromisos en la temporada 2013-14 incluyen
una serie de conciertos con la Orquesta del Ulster
(Concierto núm. 2 de Liszt), la RTÉO (Gershwin) y
la Orquesta de Cámara de Irlanda estrenando el
concierto de Garrett Sholdice. Ganador del primer
premio y del premio del público en el Concurso
Terence Judd (Hallé, 2009), recibió anteriormente el
Premio Brennan y varios galardones en el Concurso
Internacional de Piano AXA 2006 de Dublín y en los
Premios Camerata Ireland/Accenture 2005. Entre sus
profesores y mentores se incluyen John O’Conor,
Réamon Keary, Christopher Elton, Ronan O’Hora y
Barry Douglas. Colabora frecuentemente en recitales
con James Galway, Michael Collins, Ensemble
Avalon y Ensemble Cappa y su discografía incluye
grabaciones para Chandos, RTÉ Lyric FM, Louth CMS,
Lorelt y Nimbus Alliance.
Nacida en Irlanda do Norte e residente en Madrid,
cantou como solista coa maioría das orquestras
españolas e coa Sinfónica da BBC, Nacional de Lyon,
Filharmonía de Praga, Sinfónicas de Berlín, Budapest,
Edmonton, Radio Noruega, NDR Hannover, Colorado,
Gulbenkian (Lisboa), Israel Sinfonietta, Salzburg
Chamber e Filharmónica Eslovaca, entre outras,
baixo a dirección de Jiri Belohlávek, Colin Davis,
Támas Vásáry, Juanjo Mena, John Nelson, Adam
Fischer, Josep Pons, Miguel Harth-Bedoya, Lawrence
Foster, Uri Segal, Jun Märkl, Friedrich Haider, Junichi
Hirokami, George Pehlivanian, Ari Rasilainen etc.
En ópera cantou en producións do Covent Garden
Nacida en Irlanda del Norte y residente en Madrid, ha
cantado como solista con la mayoría de las orquestas
españolas y con la Sinfónica de la BBC, Nacional
de Lyon, Filarmonía de Praga, Sinfónicas de Berlín,
Budapest, Edmonton, Radio Noruega, NDR Hannover,
Colorado, Gulbenkian (Lisboa), Israel Sinfonietta,
Salzburg Chamber y Filarmónica Eslovaca, entre otras,
bajo la dirección de Jiri Belohlávek, Colin Davis, Támas
Vásáry, Juanjo Mena, John Nelson, Adam Fischer, Josep
Pons, Miguel Harth-Bedoya, Lawrence Foster, Uri Segal,
Jun Märkl, Friedrich Haider, Junichi Hirokami, George
Pehlivanian, Ari Rasilainen, etc. En ópera ha cantado
en producciones del Covent Garden de Londres, Opera
de Londres, Ópera de Hamburgo, London Opera
Ensemble e Fundación Gulbenkian. Cantou en Gran
Bretaña, Alemaña, Bélxica, Francia, Austria, Holanda,
Italia, Suíza, Hungría, Polonia, Chequia, Eslovaquia,
Portugal, Grecia, Israel, Eslovenia, Dinamarca, Suecia,
Noruega, Finlandia, Armenia, Chipre, Estados Unidos
e Canadá. En 2002 ofreceu cinco concertos en Suíza,
xunto ao tenor Neil Schicoff e cantou en numerosas
ocasións coa soprano Edita Gruberova (Lucia de
Lammermoor en Colonia e Baden-Baden, gala de
dúos no Festival de Schleswig-Holstein 2003, Beatrice
di Tenda en Hamburgo). Cantou na estrea mundial da
Misa Solemne de Leopold Mozart coa Sinfónica de
Budapest (2006) e da cantata Mater Amabilis de Carles
Guinovart (2012). Os seus próximos compromisos
inclúen concertos coa Filharmónica de Yereván,
Filharmónica de Helsinqui, Sinfónica de Fort Worth,
BBC Philharmonic e Orquestra Sinfónica do Estado de
Moscova en Yereván, Helsinqui, Irlanda, Manchester,
Madrid, Santiago, Berlín, Viena e Moscova. Gravou
para Nightingale (Lucia di Lammermoor), Altus
(Novena Sinfonía de Beethoven coa Orquestra
Nacional de Lyon), A&B Máster (cancións de García
Abril) e Deutsche Grammophon (Oitava Sinfonía de
Mahler coa Orquestra Nacional de España).
de Hamburgo, London Opera Ensemble y Fundación
Gulbenkian. Ha cantado en Gran Bretaña, Alemania,
Bélgica, Francia, Austria, Holanda, Italia, Suiza, Hungría,
Polonia, Chequia, Eslovaquia, Portugal, Grecia, Israel,
Eslovenia, Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia,
Armenia, Chipre, Estados Unidos y Canadá. En 2002
ofreció cinco conciertos en Suiza, junto al tenor Neil
Schicoff y ha cantado en numerosas ocasiones con la
soprano (Lucia de Lammermoor en Colonia y BadenBaden, gala de dúos en el Festival de SchleswigHolstein 2003, Beatrice di Tenda en Hamburgo). Ha
cantado en el estreno mundial de la Misa Solemne de
Leopold Mozart con la Sinfónica de Budapest (2006) y
de la cantata Mater Amabilis de Carles Guinovart (2012).
Sus próximos compromisos incluyen conciertos con
la Filarmónica de Yereván, Filarmónica de Helsinki,
Sinfónica de Fort Worth, BBC Philharmonic y Orquesta
Sinfónica del Estado de Moscú en Yereván, Helsinki,
Irlanda, Manchester, Madrid, Santiago, Berlín, Viena
y Moscú. Ha grabado para Nightingale (Lucia di
Lammermoor), Altus (Novena Sinfonía de Beethoven
con la Orquesta Nacional de Lyon), A&B Master
(canciones de García Abril) y Deutsche Grammophon
(Octava Sinfonía de Mahler con la Orquesta Nacional
de España).
Tendencias XXI: Austria_España
WIENER KLAVIERTRIO
BOGDAN BOŽOVIC violín
MATTHIAS GREDLER violoncello
STEFAN MENDL piano
Parte 1
Reinhard Fuchs (1974)
Tox * (2012/13)
Jesús Torres (1965)
Trío (2001)
Johannes Maria Staud (1974)
10 miniatures* (2007/10)
Parte 2
Mauricio Sotelo (1961)
Michael Maria Gredler (1984)
Funk * (2011)
20.30
SÁBADO 18 OUTUBRO
Venta Varga (2007)
Hans Werner Henze (1926-2012)
Kammersonate (1948)
Allegro assai
Dolce, con tenerezza
Lento
Allegretto
Epilogo
* estrea en España
Homenaxes
Homenajes
O compositor austríaco Reinhard Fuchs non quixo
facer un xogo de palabras en Tox, pero si aproveitar as analoxías do termo que en finlandés quere
dicir veleno e en francés rebato de alarma (tocsin),
antano executado por campás. Tox baséase precisamente na noción de similitude: “ideas, figuras ou
sons recorrentes que cambian de aparencia, unhas
veces máis, outras menos, recordándonos mesmo
o afastado repique das campás...“ Para comentar o
Trío de Jesús Torres que mellor que reproducir parte
do que Juan Carlos Garvayo deixou escrito ao respecto: “Os escasos doce minutos de duración deste
trío transcorren vertixinosamente a través dun virtuosismo individual e de conxunto verdadeiramente irresistible. Trátase dun só trazo luminoso, que
expón de xeito contundente unha poética persoal
de perfís refinados e visionarios. Un achegamento
máis detallado revela unha tensa arquitectura formal tripartita, sustentada por un complexo tecido
melódico, harmónico e tímbrico, que descompón
ese feixe primixenio en fugaces corpúsculos de infinitas gamas cromáticas, claroscuros e irisacións”.
Dedicadas a Bálint András Varga, as 10 miniatures de
Johannes María Staud non foron tarefa doada. Subdivididas en catro bloques, sondan o amplo abano
expresivo que oscila entre momentos delicados e
enérxicos. Tamén Mauricio Sotelo afirma ter arrincado pedras cos dentes antes de concluír Venta Varga: “A principios de 2007 pedíusenos a varios compositores da UE escribir un pequeno trío que servise
de despedida a quen durante moitos anos foi o seu
director de vendas. A min ocorréuseme compoñer
un festivo scherzo, ou sexa, unha bulería, e axiña recordei o noso primeiro encontro en Viena. O Sr. Varga dixo: Chámome Varga, son húngaro: vostedes teñen un apelido similar: Vargas. Si, chámome Vargas,
pero sen a ese final´. Naquel momento asociei o seu
El compositor austríaco Reinhard Fuchs no quiso jugar un albur en Tox, pero sí aprovechar las analogías
del término que en finlandés quiere decir veneno
y en francés rebato de alarma (tocsin), antaño ejecutado por campanas. Tox se basa precisamente
en la noción de similitud: “ideas, figuras o sonidos
recurrentes que cambian de apariencia, unas veces
más, otras menos, recordándonos incluso el lejano
repique de las campanas...” Para comentar el Trío
de Jesús Torres qué mejor que reproducir parte de
lo que Juan Carlos Garvayo dejó escrito al respecto: “Los escasos doce minutos de duración de este
trío transcurren vertiginosamente a través de un virtuosismo individual y de conjunto verdaderamente
arrollador. Se trata de un solo trazo luminoso, que
expone de manera contundente una poética personal de perfiles refinados y visionarios. Un acercamiento más detallado revela una tensa arquitectura
formal tripartita, sustentada por un complejo tejido
melódico, armónico y tímbrico, que descompone
ese haz primigenio en fugaces corpúsculos de infinitas gamas cromáticas, claroscuros e irisaciones”.
Dedicadas a Bálint András Varga, las 10 miniatures
de Johannes María Staud no fueron tarea fácil. Subdivididas en cuatro bloques, sondean el amplio abanico expresivo que oscila entre momentos delicados
y enérgicos. También Mauricio Sotelo afirma haber
sudado la gota gorda antes de concluir Venta Varga:
“A principios de 2007 se nos pidió a varios compositores de la UE escribir un pequeño trío que sirviera
de despedida a quien durante muchos años fue su
director de ventas. A mí se me ocurrió componer un
festivo scherzo, o sea, una bulería, y en seguida recordé nuestro primer encuentro en Viena. El Sr. Varga dijo: `Me llamo Varga, soy húngaro: ustedes tienen un apellido similar: Vargas. Sí, me llamo Vargas,
pero sin la ese final´. En aquel momento asocié su
nome á famosa Venta de Vargas en San Fernando
de Cádiz onde cantou o aínda novo Camarón de la
Isla”. A Michael Maria Gredler parece preocuparlle a
vasta cantidade de ondas electromagnéticas á que
nos vemos expostos diariamente. Non en van emprega en Funk tres transceptores controlados polos
músicos que emiten sons de alta frecuencia. Os devanditos walkie-talkies interfiren no decurso musical, aludindo precisamente á problemática exposta.
Unha problemática afastada a un Henze que a finais
dos corenta, xa en período de posguerra, compuxo
a súa Kammersonate. Aqueles foron tempos dunha
fereza xuvenil que demandaba “liberdade absoluta
para os belos e salvaxes sons novos”. Non obstante, e malia o feito de que as alturas da súa sonata
xorden dunha formulación serial, Henze non rompe
coa tradición. – Antonio Gómez Schneekloth
nombre a la famosa Venta de Vargas en San Fernando de Cádiz donde cantó el aún joven Camarón de la
Isla”. A Michael Maria Gredler parece preocuparle la
vasta cantidad de ondas electromagnéticas a la que
nos vemos expuestos diariamente. No en vano emplea en Funk tres transceptores controlados por los
músicos que emiten sonidos de alta frecuencia. Dichos walkie-talkies interfieren en el decurso musical,
aludiendo precisamente a la problemática expuesta.
Una problemática lejana a un Henze que a finales de
los cuarenta, ya en período de postguerra, compuso
su Kammersonate. Aquellos fueron tiempos de una
fiereza juvenil que demandaba “libertad absoluta
para los bellos y salvajes sonidos nuevos”. No obstante, y pese al hecho de que las alturas de su sonata
surgen de un planteamiento serial, Henze no rompe
con la tradición. – Antonio Gómez Schneekloth
WIENER KLAVIERTRIO
WIENER KLAVIERTRIO
STEFAN MENDL piano
Durante máis de 20 anos, tocou regularmente en case
todas as mellores salas de concertos en Europa, América, Australia e Oriente. O trío foi fundado en 1988
polo violinista Wolfgang Redik, o violoncellista Marcus
Trefny e o pianista Stefan Mendl e, tras unha intensiva
preparación con destacados músicos, en moi pouco
tempo ábrense camiño a unha carreira internacional.
Entre os seus profesores e mentores cabe destacar a
Isaac Stern, Ralph Kirschbaum, Joseph Kalichstein
(membro do Trio di Trieste, Beaux Arts Trio, Guarnieri Quartet e Lasalle Quartet). Matthias Gredler substituíu en 2001 a Marcus Trefny como cellista en 2001 e
en 2012 Bogdan Božovic pasa a ser o novo violinista.
Actuaron regularmente en festivais como Schwarzenberg Schubertiade, Aix-en-Provence, Salzburg Mozartwoche, Beethovenfest, Kammermusikfestival de Ku-
STEFAN MENDL piano
Durante más de 20 años, ha tocado regularmente en
casi todas las mejores salas de conciertos en Europa,
América, Australia y Oriente. El trío fue fundado en 1988
por el violinista Wolfgang Redik, el violonchelista Marcus Trefny y el pianista Stefan Mendl y, tras una intensiva preparación con destacados músicos, en muy poco
tiempo se abren camino a una carrera internacional.
Entre sus profesores y mentores cabe destacar a Isaac
Stern, Ralph Kirschbaum, Joseph Kalichstein (miembro del Trio di Trieste, Beaux Arts Trio, Guarnieri Quartet
y Lasalle Quartet). Matthias Gredler reemplazó en 2001
a Marcus Trefny como chelista en 2001 y en 2012 Bogdan Božovic pasa a ser el nuevo violinista. Han actuado
regularmente en festivales como Schwarzenberg Schubertiade, Aix-en-Provence, Salzburg Mozartwoche, Beethovenfest, Kammermusikfestival de Kuhmo, Ottawa y
hmo, Ottawa e Lanaudiere. Ademais foron invitados a
actuar en cidades como Londres, París, Nova York, Bos
Aires, Bogotá, Toronto, Montreal, Cidade de México, Toquio, Sidney, Bruxelas, Barcelona e Berlín. Entre 1997
e 2006 o Wiener Klaviertrio creou o seu propio ciclo de
concertos no Wiener Musikverein. Interpretaron o triplo concerto de Beethoven coa Orchestre Philharmonique de Bélxica, English Chamber Orchestra, Capella
Istropolitana, Orchestre Metropolitain de Montreal e
Múnic Chamber Orchestra, entre outras. Na tempada
2006/07 foron por primeira vez ensemble residente
na Wiener Konzerthaus, e dende entón ofrecen catro
concertos cada tempada na Mozartsaal. Na tempada
2011/12 foi o ensemble residente do Wigmore Hall
de Londres e na 2012/13 ofreceron 4 concertos para a
BBC Raio 3 en LSO St. Luke’s en Londres. A súa discografía abrangue obras de Haydn, Mozart, Beethoven,
Mendelssohn, Dvorák, Shostakovich e Schnittke, todas
elas para o selo inglés Nimbus Records e merecedoras
do aplauso da crítica e galardóns (Gramophone Editor’s Choice, BBC Raio 3 Record of the Month, The London Times Classical Album of the Year). Dende 2002 o
Wiener Klaviertrio grava para a MDG (MusikprodukNon
Dabringhaus & Grima) e os seus discos máis recentes
inclúen os tríos para piano de Schubert (2002), Dvorák
(2004), Schoenberg, Zemlinski e Mahler (2005), Chaikovski, Smetana (2008), Haydn (2009), Saint-Saëns
(2012) etc. Recentemente o trío gañou premios da
Asociación de Críticos Musicais de Arxentina (2009)
e Echo-Klassic 2010. Ademais, o Wiener Klaviertrio
imparte con frecuencia clases maxistrais: Wigmore
Hall e Royal College of Music de Londres, Conservatorio de Sidney, Universidade de Wellington, Toronto
Summer Festival, Finlandia, Francia e Estados Unidos.
Bogdan Boovic toca un violín Antonio Stradivari “ex
Arma Senkrah” de 1685, cedido pola Fundación Ruggeri-Stiftung. Matthias Gredler toca un violoncello de
J. B. Guadagnini de 1752.
Lanaudiere. Además han sido invitados a actuar en ciudades como Londres, París, Nueva York, Buenos Aires,
Bogotá, Toronto, Montreal, Ciudad de México, Tokio,
Sidney, Bruselas, Barcelona y Berlín. Entre 1997 y 2006
el Wiener Klaviertrio creó su propio ciclo de conciertos
en el Wiener Musikverein. Han interpretado el triple
concierto de Beethoven con la Orchestre Philharmonique de Bélgica, English Chamber Orchestra, Capella
Istropolitana, Orchestre Metropolitain de Montreal y
Munich Chamber Orchestra, entre otras. En la temporada 2006/07 fueron por primera vez ensemble residente
en la Wiener Konzerthaus, y desde entonces ofrecen
cuatro conciertos cada temporada en la Mozartsaal. En
la temporada 2011/12 ha sido el ensemble residente
del Wigmore Hall de Londres y en la 2012/13 ofrecieron
4 conciertos para la BBC Radio 3 en LSO St. Luke’s en
Londres. Su discografía abarca obras de Haydn, Mozart,
Beethoven, Mendelssohn, Dvorák, Shostakovich y Schnittke, todas ellas para el sello inglés Nimbus Records
y merecedoras del aplauso de la crítica y galardones
(Gramophone Editor’s Choice, BBC Radio 3 Record of
the Month, The London Times Classical Album of the
Year). Desde 2002 el Wiener Klaviertrio graba para la
MDG (MusikprodukNon Dabringhaus & Grima) y sus
discos más recientes incluyen los tríos para piano de
Schubert (2002), Dvorák (2004), Schoenberg, Zemlinsky y Mahler (2005), Chaikovski, Smetana (2008), Haydn
(2009), Saint-Saëns (2012), etc. Recientemente el trío
ha ganado premios de la Asociación de Críticos Musicales de Argentina (2009) y Echo-Klassic 2010. Además,
el Wiener Klaviertrio imparte con frecuencia clases
magistrales: Wigmore Hall y Royal College of Music de
Londres, Conservatorio de Sidney, Universidad de Wellington, Toronto Summer Festival, Finlandia, Francia y
Estados Unidos. Bogdan Božovic toca un violín Antonio Stradivari “EX Arma Senkrah” de 1685, cedido por la
Fundación Ruggeri-Stiftung. Matthias Gredler toca un
violonchelo de J. B. Guadagnini de 1752.
Wind Band
BANDA MUNICIPAL DE
MÚSICA DE SANTIAGO
Juan Alborch (1973)
Obertura Inversemblant * (2014)
Johan de Meij (1953)
La Quintessenza (1998)
Hidas Frigyes (1928-2007)
Suite for Wind Band (1981)
Paul Hindemith (1895-1963)
March, de Metamorfosis Sinfónica
12.30
TEATRO PRINCIPAL
DOMINGO 19 OUTUBRO
sobre temas de Carl Maria von Weber (1940)
Dmitri Kabalevski (1904-1987)
Os comediantes, op. 26 (1938-40)
Alberto Ginastera (1916-1983)
Malambo (1942)
* estrea absoluta
Moitos compositores actuais están a dirixir a súa
mirada á banda de música ou, como se denomina
actualmente, wind band. Cada vez son máis frecuentes os programas de concerto de bandas nos
que os autores están en plena actualidade compositiva. Este programa da Banda Municipal de Música
de Santiago ofrece unha selección de compositores
dos séculos XX e XXI, como o holandés Johan de
Meij (Voorburg, 1953) cuxa composición La Quintessenza céntrase nun motivo de cinco notas que expresa unha proposta musical da esencia, do miolo
da natureza da materia musical; o núcleo da obra é
un lírico Arioso precedido por unha fanfarra, Introdución, e unha burlesque variante do mesmo tema
que unicamente se utiliza como un motivo ambiental no cuarto movemento. O húngaro Frigyes Hidas
(1928-2007) é un prolífico compositor que cría firmemente na melodía e a harmonía no sentido tradicional, sempre compoñendo nunha linguaxe moi
accesible chegando a ser un dos principais autores
contemporáneos para instrumentos de vento como
esta Suite for Wind Band. En 1950, Paul Hindemith
(1895-1963) colocou unha pedra angular e cambiou
o rumbo para as orquestras de ventos coa súa Sinfonía en si bemol para banda de música. Marcha é o título do cuarto movemento da súa obra Metamorfoses sinfónicas sobre temas de Carl Maria von Weber,
un obra desbordante con estilo de suite composta
en 1943 cando vivía en Estados Unidos e volve recuperar o seu matiz subversivo dos axitados anos
vinte. Unha das figuras do nacionalismo soviético,
Dmitri Kabalevski (1904-1987) seleccionou en 1941
dez dos números musicais dunha obra teatral para
nenos inspirada en Gutenberg o inventor da imprenta e titulada O inventor e os comediantes que se
estreou en Moscú con grande éxito. Esta selección
conforma Os Comediantes, op. 26, unha suite orquestral de ritmo frenético e timbres variados para
Muchos compositores actuales están dirigiendo su
mirada a la banda de música o, como se denomina
actualmente, wind band. Cada vez son más frecuentes los programas de concierto de bandas en los que
los autores están en plena actualidad compositiva.
Este programa de la Banda Municipal de Música de
Santiago ofrece una selección de compositores de
los siglos XX y XXI, como el holandés Johan de Meij
(Voorburg, 1953) cuya composición La Quintessenza
se centra en un motivo de cinco notas que expresa
una propuesta musical de la esencia, del meollo de la
naturaleza de la materia musical; el núcleo de la obra
es un lírico Arioso precedido por una fanfarria, Introducción, y una burlesque variante del mismo tema
que únicamente se utiliza como un motivo ambiental en el cuarto movimiento. El húngaro Frigyes Hidas (1928-2007) es un prolífico compositor que creía
firmemente en la melodía y la armonía en el sentido
tradicional, siempre componiendo en un lenguaje
muy accesible llegando a ser uno de los principales autores contemporáneos para instrumentos de
viento como esta Suite for Wind Band. En 1950, Paul
Hindemith (1895-1963) colocó una piedra angular y
cambió el rumbo para las orquestas de vientos con
su Sinfonía en si bemol para banda de música. Marcha es el título del cuarto movimiento de su obra
Metamorfosis sinfónicas sobre temas de Carl Maria
von Weber, un obra desbordante con estilo de suite
compuesta en 1943 cuando vivía en Estados Unidos
y vuelve a recuperar su matiz subversivo de los agitados años veinte. Una de las figuras del nacionalismo
soviético, Dmitri Kabalevsky (1904-1987) seleccionó
en 1941 diez de los números musicales de una obra
teatral para niños inspirada en Gutenberg el inventor
de la imprenta y titulada El inventor y los comediantes
que se estrenó en Moscú con gran éxito. Esta selección conforma Los Comediantes, op. 26, una suite orquestal de ritmo frenético y timbres variados para la
a orquestra. A música de Alberto Ginastera (19161983) combina a música popular arxentina coa busca de novas técnicas de expresión musical, cada vez
máis radicais. Malambo é a danza final da Suite de
danzas Estancia, op. 8a, unha mostra da exuberancia musical e rítmica do folclore crioulo que representa unha competición de baile entre os gauchos
gañando o último que queda en pé. O resultado é
unha explosión de enerxía cun ritmo ostinato que
crece en intensidade, complexidade e tempo.
orquesta. La música de Alberto Ginastera (1916-1983)
combina la música popular argentina con la búsqueda de nuevas técnicas de expresión musical, cada vez
más radicales. Malambo es la danza final de la Suite
de danzas Estancia, op. 8a, una muestra de la exuberancia musical y rítmica del folklore criollo que representa una competición de baile entre los gauchos
ganando el último que queda en pie. El resultado es
una explosión de energía con un ritmo ostinato que
crece en intensidad, complejidad y tempo.
BANDA MUNICIPAL DE
MÚSICA DE SANTIAGO
BANDA MUNICIPAL DE
MÚSICA DE SANTIAGO
É unha das máis antigas de Galicia (1849). Durante
os primeiros anos foi unha agrupación de afeccionados, ata que en 1876 o Concello decide facerse
cargo dela e comeza a profesionalizarse. Na actualidade realiza os seus concertos no Teatro Principal
e na Rúa do Vilar, praza da Quintana, Alameda e
outros lugares e barrios da cidade na temporada de
verán. A súa actividade baséase fundamentalmente
nos concertos dominicais ao longo de todo o ano,
concertos de verán os xoves e os domingos, concertos didácticos en período lectivo nos que participan
centos de escolares de Santiago e da bisbarra, intercambios e actos culturais e protocolarios.
Foi director titular da Banda Musical “La Lira” de
Monforte del Cid, a Agrupación Musical Santa Cecilia de Castalla e a Orquesta Sinfónica de San Vicente
del Raspeig e director asistente da Banda Municipal
de Barcelona durante catro tempadas. Acompañou
a solistas internacionais como Ara Malikian, Ionut
Podgoreanu, Ximo Vicedo, ou Marta Matheu etc., e
espectáculos con artistas como o coreógrafo Cesc
Gelabert ou a bailaora flamenca Eva a “Yerbabuena”, entre outros. Ocupou a cátedra de Dirección
Es una de las más antiguas de Galicia (1849). Durante
los primeros años fue una agrupación de aficionados,
hasta que en 1876 el Ayuntamiento decide hacerse
cargo de ella y comienza a profesionalizarse. En la actualidad realiza sus conciertos en el Teatro Principal
y en la Rúa del Vlilar, plaza de la Quintana, Alameda y
otros lugares y barrios de la ciudad en la temporada
de verano. Su actividad se basa fundamentalmente
en los conciertos dominicales a lo largo de todo el
año, conciertos de verano los jueves y domingos, conciertos didácticos en período lectivo en los que participan cientos de escolares de Santiago y comarca,
intercambios y actos culturales y protocolarios.
Ha sido director titular de la Banda Musical “La Lira”
de Monforte del Cid, la Agrupación Musical Santa Cecilia de Castalla y la Orquesta Sinfónica de San Vicente
del Raspeig y director asistente de la Banda Municipal
de Barcelona durante cuatro temporadas. Ha acompañado a solistas internacionales como Ara Malikian,
Ionut Podgoreanu, Ximo Vicedo, o Marta Matheu etc.,
y espectáculos con artistas como el coreógrafo Cesc
Gelabert o la bailaora flamenca Eva la “Yerbabuena”
entre otros. Ha ocupado la cátedra de Dirección de
de Orquestra no Conservatorio Superior de Música
“Manuel Massotti Littel” de Murcia ata 2013, momento no que gaña a praza de director titular da
Banda Municipal de Santiago de Compostela.
Orquesta en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Massotti Littel” de Murcia hasta 2013, momento
en el que gana la plaza de director titular de la Banda
Municipal de Santiago de Compostela.
sonata_violín_piano
Parte 1
Krzysztof Penderecki (1933)
Sonata para violín e piano núm. 1 (1999)
Allegro
Andante
Allegro vivace
Enrique Granados (1867-1916)
Sonata para violín e piano, H. 127 (1912?)
Parte 2
20.30
MARTES 21 OUTUBRO
Oliver Rappoport (1980)
Dúo para violín e piano * (2014)
Richard Strauss (1864-1949)
Sonata para violín e piano en Mi bemol maior, op. 18 (1887-88)
Allegro, ma non troppo
Improvisation: Andante cantabile
Finale: Andante - Allegro
* estrea absoluta, encarga do CNDM
Unha peza tardía, un exercicio de clase,
unha estrea e o fulgor dun xenio
Una pieza tardía, un ejercicio de clase,
un estreno y el fulgor de un genio
Antes de chamar internacionalmente a atención e
ser aclamado como un dos compositores máis orixinais da vangarda musical alá polos sesenta, e moito
antes de conquistar o gran público co seu neotonalismo de finais dos setenta, Penderecki xa compuxera toda unha serie de obras que el mesmo cualifica
de rutineiras: “Durante tres anos, o meu primeiro
profesor esixíame cada semana que escribise unha
obra de estilo diferente: unha peza para piano ao
estilo de Brahms, Debussy, Beethoven, Honegger,
Chopin etcétera. Nunca escribín nada propio”. Entre
estas áchase a súa Sonata núm. 1 para violín e piano,
cuxos tres movementos fan pensar en Shostakovich
e nas súas ásperas harmonías, non poucas veces
cargadas de dobre sentido.
Antes de llamar internacionalmente la atención y ser
aclamado como uno de los compositores más originales de la vanguardia musical allá por los sesenta,
y mucho antes de conquistar al gran público con su
neotonalismo de finales de los setenta, Penderecki
ya había compuesto toda una serie de obras que él
mismo califica de rutinarias: “Durante tres años, mi
primer profesor me exigía cada semana que escribiera una obra de estilo diferente: una pieza para piano
al estilo de Brahms, Debussy, Beethoven, Honegger,
Chopin, etcétera. Nunca escribí nada propio”. Entre
estas se halla su Sonata núm. 1 para violín y piano, cuyos tres movimientos hacen pensar en Shostakovich
y en sus ásperas armonías, no pocas veces cargadas
de doble sentido.
A sonata dun só movemento de Granados manifesta a exquisita sensibilidade que este posuía para a
conxunción entre melodía e harmonía. Dentro da súa
linguaxe polo xeral neorromántica, na súa Sonata para
violín, publicada postumamente en 1971, domina claramente a voz do instrumento solista percorrendo
practicamente todo o seu rexistro. O piano limítase a
imitar os melismas en breves pasaxes, como comentándoos, cando non divaga en arpexos arroupando ao
violín. Característicos do seu estilo son os constantes
vaivéns de ambos os dous que parecen mexerse en augas mansas. Só cara ao final da obra aparecen algunhas turbulencias que pronto quedan resoltas, dando
paso a un intenso final no que, unha vez máis, o violín
alza o voo despregando toda a súa intensidade lírica.
La sonata de un solo movimiento de Granados manifiesta la exquisita sensibilidad que éste poseía para
la conjunción entre melodía y armonía. Dentro de su
lenguaje por lo general neorromántico, en su Sonata
para violín, publicada postumamente en 1971, domina
claramente la voz del instrumento solista recorriendo
practicamente todo su registro. El piano se limita a
imitar los melismas en breves pasajes, como comentándolos, cuando no divaga en arpegios arropando al
violín. Característicos de su estilo son los constantes
vaivenes de ambos que parecen mecerse en aguas
mansas. Solo hacia el final de la obra aparecen algunas
turbulencias que pronto quedan resueltas, dando paso
a un intenso final en el que, una vez más, el violín alza el
vuelo desplegando toda su intensidad lírica.
Se ben nas dúas obras anteriores o piano exercera
funcións de acompañamento, na obra encarga do
CNDM ao compositor malagueño Oliver Rappoport
isto cambia. Sobre o seu Dúo comenta en poucas
Si bien en las dos obras anteriores el piano había
ejercido funciones de acompañamiento, en la obra
encargo del CNDM al compositor malagueño Oliver
Rappoport esto cambia. Sobre su Dúo comenta en
palabras: “Obra contemplativa de escasos materiais, sutís cambios tímbricos transformados no
transcurso do tempo onde ambos os dous instrumentos teñen funcións complementarias. Accións
que crean reaccións nun discurso inicialmente calmo, coa incorporación de contrastes dinámicos”.
pocas palabras: “Obra contemplativa de escasos materiales, sutiles cambios tímbricos transformados en
el transcurso del tiempo donde ambos instrumentos
tienen funciones complementarias. Acciones que
crean reacciones en un discurso inicialmente calmo,
con la incorporación de contrastes dinámicos”.
Igual que no caso de Penderecki, a única sonata para
violín de Strauss foi creada nos anos de xuventude,
dentro da dilatada vida artística do compositor muniqués que tamén acabou por compaxinar a actividade
compositiva coa de director de orquestra. O primeiro
escribiu a súa sonata aos vinte anos de idade, o segundo aos vinte e tres. Pero aquí rematan as similitudes! A sonata de Penderecki foi un encargo didáctico
para completar a súa formación; a de Strauss mostra
claramente o xenio que se prepara para facer grandes cousas nun futuro moi próximo. Con razón, a súa
Sonata para violín é considerada como “a” sonata
alemá máis significativa do fin de siècle, unha peza
“brillante, enchida de enxeño”, segundo o musicólogo Wilhelm Altmann; ou anticipando o novo sinfonismo, segundo o musicólogo Fritz Schuh, “totalmente
distinta a todo o anterior polas liberdades que toma
nas modulacións cromáticas, anunciando algo que
aínda está por chegar”. – Antonio Gómez Schneekloth.
Al igual que en el caso de Penderecki, la única sonata
para violín de Strauss fue creada en los años de juventud, dentro de la dilatada vida artística del compositor
muniqués que también acabó por compaginar la actividad compositiva con la de director de orquesta. El
primero escribió su sonata a los veinte años de edad, el
segundo a los veintitrés. ¡Pero aquí se acaban las similitudes! La sonata de Penderecki fue un encargo didáctico para completar su formación; la de Strauss muestra
claramente al genio que se prepara para hacer grandes
cosas en un futuro muy próximo. Con razón, su Sonata
para violín es considerada como “la” sonata alemana
más significativa del fin de siècle, una pieza “brillante,
plagada de ingenio”, según el musicólogo Wilhelm
Altmann; o anticipando el nuevo sinfonismo, según el
musicólogo Fritz Schuh, “totalmente distinta a todo lo
anterior por las libertades que se toma en las modulaciones cromáticas, anunciando algo que todavía está
por llegar”. – Antonio Gómez Schneekloth
Aclamada internacionalmente pola súa exquisita musicalidade e expresividade, foi galardoada
co prestixioso premio Príncipe de Girona e elixida
Echo Rising Star pola Comunidade Europea. A póxima tempada realizará unha xira de vinte concertos
que a levará ás salas máis importantes de Europa:
Musikverein de Viena, Barbican Centre de Londres, Concertgebouw de Amsterdam, Théâtre des
Champs Elysées de París etc. Gañadora de varios
concursos internacionais (H. Szeryng, Concertino
Aclamada internacionalmente por su exquisita musicalidad y expresividad, ha sido galardonada con el
prestigioso premio Príncipe de Girona y elegida Echo
Rising Star por la Comunidad Europea. La póxima
temporada realizará una gira de veinte conciertos
que la llevará a las salas más importantes de Europa:
Musikverein de Viena, Barbican Centre de Londres,
Concertgebouw de Amsterdam, Théatre Champs
Elysées de París, etc. Ganadora de varios concursos
internacionales (H. Szeryng, Concertino Praga, No-
Praga, Novosibirsk, Sarasate ou Kreisler), recibiu
outros galardóns como o Emily Anderson Prize de
la Royal Philharmonic Society, Martin Musical Scholarship de la London Philharmonia Orchestra, Asociación de Intérpretes Españois e Xuventudes Musicais, Lotto Förder Preis del Festival de Rheingau
etc. Ten actuado con recoñecidos directores como
Zubin Mehta, Yuri Temirkanov, Krzysztof Penderecki, Vladimir Spivakov, Maxim Vengerov, Ivor Bolton,
John Axelrod, John Nelson, Walter Weller, Pinchas
Steinberg, Gunther Herbig, Eiji Oue, Josep Pons,
Víctor Pablo Pérez, Jesús López Cobos etc., e con
orquestras da importancia da Wiener Symphoniker,
Mozarteum, St. Petersburg Philharmonic, National
Philhamonic de Rusia, Maggio Musicale Fiorentino,
Sinfonía Varsovia, Sinfónica de Besançon, Essener
Philharmoniker, Sinfónica de Taipei, Orquestra
Simón Bolívar e é un invitada habitual das principais orquestras españolas. Actuou en salas como
Wiener Konzerthaus, Concertgebouw de Amsterdam, Wigmore Hall de Londres, Rudolfinum de
Praga, Bayreuth Opernhaus, filharmónicas de San
Petersburgo e Moscova, National Concert Hall de
Taipei, Carnegie Hall etc., e en festivais como Lockenhaus, Rheinghau, Colmar, Besançon, Ravinia,
Musical Olympus de San Petersburgo, Beethoven,
Passau, Davos etc. Na tempada 2014/15 realizará
o seu debut coa Washington National Symphony
Orchestra no Kennedy Center da man de Christoph
Eschenbach e coa Houston Symphony dirixida Andrés Orozco Estrada. Estudou con Zakhar Bron na
Escola Superior de Música Reina Sofía e na Musik
Hochschule de Colonia (sendo a bolseira máis nova
da historia da prestixiosa Alexander von Humboldt Stiftung), na Saarlandes Musik Hochschule e na
Guildhall School of Music de Londres. Tivo o privilexio de recibir consello de Mstislav Rostropovich,
quen foi o seu mentor nos últimos anos da súa vida.
vosibirsk, Sarasate o Kreisler), ha recibido otros galardones como el Emily Anderson Prize de la Royal
Philharmonic Society, Martin Musical Scholarship
de la London Philharmonia Orchestra, Asociación
de Intérpretes Españoles y Juventudes Musicales,
Lotto Förder Preis del Festival de Rheingau, etc. Ha
actuado con reconocidos directores como Zubin Mehta, Yuri Temirkanov, Krzysztof Penderecki, Vladimir
Spivakov, Maxim Vengerov, Ivor Bolton, John Axelrod, John Nelson, Walter Weller, Pinchas Steinberg,
Gunther Herbig, Eiji Oue, Josep Pons, Víctor Pablo
Pérez, Jesús López Cobos, etc., y con orquestas de la
importancia de la Wiener Symphoniker, Mozarteum,
St. Petersburg Philharmonic, National Philhamonic
de Rusia, Maggio Musicale Fiorentino, Sinfonía Varsovia, Sinfónica de Besançon, Essener Philharmoniker, Sinfónica de Taipei, Orquesta Simón Bolívar y
es un invitada habitual de las principales orquestas
españolas. Ha actuado en salas como Wiener Konzerthaus, Concertgebouw de Amsterdam, Wigmore
Hall de Londres, Rudolfinum de Praga, Bayreuth
Opernhaus, filarmónicas de San Petersburgo y Moscú, National Concert Hall de Taipei, Carnegie Hall,
etc., y en festivales como Lockenhaus, Rheinghau,
Colmar, Besançon, Ravinia, Musical Olympus de San
Petersburgo, Beethoven, Passau, Davos, etc. En la
temporada 2014/15 realizará su debut con la Washington National Symphony Orchestra en el Kennedy
Center de la mano de Christoph Eschenbach y con
la Houston Symphony dirigida Andrés Orozco Estrada. Estudió con Zakhar Bron en la Escuela Superior
de Música Reina Sofía y en la Musik Hochschule de
Colonia (siendo la becada más joven de la historia
de la prestigiosa Alexander von Humboldt Stiftung),
en la Saarlandes Musik Hochschule y en la Guildhall
School of Music de Londres. Tuvo el privilegio de recibir consejo de Mstislav Rostropovich, quien fue su
mentor en los últimos años de su vida. Ha grabado
Gravou a Sinfonía española de Lalo para Verso e as
Pezas caprichosas de Bernaola para Claves. Toca un
violín Nicola Gagliano de 1762.
la Sinfonía española de Lalo para Verso y las Piezas
caprichosas de Bernaola para Claves. Toca un violín
Nicola Gagliano de 1762.
Nacido en Toulouse, é unha das personalidades máis
famosas e solicitadas da escena musical actual. Coñecedor dun amplísimo repertorio, implicado na
composición contemporánea, é capaz de pasar dun
estilo a outro cunha facilidade desconcertante, impón unha seguridade e unha imaxinación asombrosas, así como unha destacada coherencia nas súas
propostas artísticas. Na tempada 2014/15 actuará
na Philharmonie de Berlín coa Deutsche Sinfonie
Orchester, na Alte Oper de Frankfurt coa Hessischer
Rundfunk Orchester e será invitado de numerosas
orquestras como a Sinfónica de Oregón, Orquesta
de París, Filharmónica de Radio France, Orquestra
Nacional de Lyon, Sinfónica de Québec, Orquestra
de La Monnaie (Bruxelas), Filharmónica de Poznan
e NDR Sinfonie Orchester de Hamburgo. Foi artista
residente durante a tempada 2013/14 no Auditorio de Bordeos invitado pola Orquestra Nacional
de Bordeos-Aquitania. En 2014 asinou un contrato
exclusivo co selo Erato que deu como primeiro froito un disco dedicado a Schubert, repertorio co que
está a ofrecer recitais en escenarios de todo o mundo
como o Théâtre des Champs-Elysées, Wigmore Hall,
Alice Tully Hall do Lincoln Center, Schubertiade de
Schwarzenberg, Festival de Rheingau, Konzerthaus
de Viena e Festival Internacional de Piano de Tallin.
As súas anteriores gravacións para Naïve recibiron
numerosos premios: Editor’s Choice de Gramophone, Choc de Classica, Diapason d’Or etc. Recibíu
premios Victoire de la Musique Classique ao mellor
solista instrumental en 2012 e ao artista revelación
en 2006. Foi invitado a actuar nos principais escenarios e festivais internacionais: (Sala Pleyel, Théâtre
des Champs-Elysées, Wigmore Hall, Lincoln Center
Nacido en Toulouse, es una de las personalidades
más famosas y solicitadas de la escena musical actual.
Conocedor de un amplísimo repertorio, implicado en
la composición contemporánea y capaz de pasar de
un estilo a otro con una facilidad desconcertante, impone una seguridad y una imaginación asombrosas,
así como una destacada coherencia en sus propuestas artísticas. En la temporada 2014/15 actuará en
la Philharmonie de Berlín con la Deutsche Sinfonie
Orchester, en la Alte Oper de Frankfurt con la Hessischer Rundfunk Orchester y será invitado de numerosas orquestas como la Sinfónica de Oregón, Orquesta de París, Filarmónica de Radio Francia, Orquesta
Nacional de Lyon, Sinfónica de Québec, Orquesta de
La Monnaie (Bruselas), Filarmónica de Poznan yNDR
Sinfonie Orchester de Hamburgo. Fue artista residente
durante la temporada 2013/14 en el nuevo Auditorio
de Burdeos invitado por la Orquesta Nacional de Burdeos-Aquitania. En 2014 firmó un contrato exclusivo
con el sello Erato que ha dado como primer fruto un
disco dedicado a Schubert, repertorio con el que está
ofreciendo recitales en escenarios de todo el mundo
como el Théâtre des Champs-Elysées, Wigmore Hall,
Alice Tully Hall del Lincoln Center, Schubertiade de
Schwarzenberg, Festival de Rheingau, Konzerthaus
de Viena y Festival Internacional de Piano de Tallin.
Sus anteriores grabaciones para Naïve han recibido
numerosos premios: Editor’s Choice de Gramophone,
Choc de Classica, Diapason d’Or, etc. Recibió premios
Victoire de la Musique Classique al mejor solista instrumental en 2012 y al artista revelación en 2006. Ha
sido invitado a actuar en los principales escenarios
y festivales internacionales: (Sala Pleyel, Théâtre des
Champs-Elysées, Wigmore Hall, Lincoln Center de
de Nova York, Herkulessaal de Múnic, Philharmonie
de Colonia, Concertgebouw de Amsterdam, Palais
des Beaux-Arts de Bruxelas, Auditori de Barcelona,
Conservatorio Chaikovski de Moscova, Auditorio da
Cidade Prohibida de Beijing etc.) e en festivais como
Piano do Ruhr, Mostly Mozart, Rotterdam, Lucerna,
Mecklenburg-Vorpommern, Musikfest de Bremen,
Schubertiade de Schwarzenberg, Schwetzingen,
Toulouse, Roque d’Anthéron, Chaise-Dieu, Besançon,
Côte Saint-André, Radio France, Montpellier etc. Actuou xunto a directores como Pierre Boulez, Andris
Nelsons, Leonard Slatkin, Neville Marriner, Yutaka
Sado, Semyon Bychkov, Philippe Herreweghe, Emmanuel Krivine, Michel Plasson, Stéphane Denève,
Fabien Gabel, Ludovic Morlot, Jérémie Rohrer, Fayçal
Karoui, Tugan Sokhiev, Lawrence Foster, Evelino
Pido, Louis Langrée, Christian Arming, Paul Daniel e
Joshua Weilerstein, con orquestras de renome como
a Orquestra de París, Filharmónica de Londres, Sinfónica da WDR de Colonia, Deutsche Kammer Philharmonie (Bremen), Sinfónica da Radio de Stuttgart, Orquestra Nacional de Francia, Real Orquestra
Nacional de Escocia, Orquestra Sinfónica Nacional
de Dinamarca etc. A música contemporánea ocupa
unha parte importante da súa actividade e traballou
con lendas vivas da creación como Henri Dutilleux ou
György Kurtág. A súa actividade na música de cámara é esencial na súa carreira e actúa con músicos da
categoría de Sol Gabetta, Renaud Capuçon, Daishin
Kashimoto, Agustin Dumay, Antoine Tamestit, Gautier Capuçon, Nicolas Baldeyrou, Alexeï Ogrintchouk,
David Guerrier, Paul Meyer, Emmanuel Pahud e cos
cuartetos Ebène, Belcea e Ysaÿe.
Nueva York, Herkulessaal de Múnich, Philharmonie
de Colonia, Concertgebouw de Ámsterdam, Palais des
Beaux-Arts de Bruselas, Auditori de Barcelona, Conservatorio Chaikovski de Moscú, Auditorio de la Ciudad
Prohibida de Pekín, etc.) y en festivales como Piano del
Ruhr, Mostly Mozart, Festival de piano del Ruhr, Rotterdam, Lucerna, Mecklenburg-Vorpommern, Musikfest
de Bremen, Schubertiade de Schwarzenberg, Schwetzingen, Toulouse, Roque d’Anthéron, Chaise-Dieu, Besançon, Côte Saint-André, Radio France, Montpellier,
etc. Ha actuado junto a directores como Pierre Boulez, Andris Nelsons, Leonard Slatkin, Neville Marriner,
Yutaka Sado, Semyon Bychkov, Philippe Herreweghe,
Emmanuel Krivine, Michel Plasson, Stéphane Denève,
Fabien Gabel, Ludovic Morlot, Jérémie Rohrer, Fayçal
Karoui, Tugan Sokhiev, Lawrence Foster, Evelino Pido,
Louis Langrée, Christian Arming, Paul Daniel y Joshua
Weilerstein, con orquestas de renombre como la Orquesta de París, Filarmónica de Londres, Sinfónica de
la WDR de Colonia, Deutsche Kammer Philharmonie
(Bremen), Sinfónica de la Radio de Stuttgart, Orquesta
Nacional de Francia, Real Orquesta Nacional de Escocia, Orquesta Sinfónica Nacional de Dinamarca, etc. La
música contemporánea ocupa una parte importante
de su actividad y ha trabajado con leyendas vivas de
la creación como Henri Dutilleux o György Kurtág. Su
actividad en la música de cámara es esencial en su
carrera y actúa con músicos de la categoría de Sol Gabetta, Renaud Capuçon, Daishin Kashimoto, Agustin
Dumay, Antoine Tamestit, Gautier Capuçon, Nicolas
Baldeyrou, Alexeï Ogrintchouk, David Guerrier, Paul
Meyer, Emmanuel Pahud y con los cuartetos Ebène,
Belcea e Ysaÿe.
AMa AZa LaNdo, paisaxes sonoras *
ALEJANDRO VARGAS piano/frauta/percusión/voz
Alejandro Vargas (1980)
20.00
CGAC CENTRO GALEGO
DOMINGO 26 OUTUBRO
MaLaZa
JOcOSiDAdes
CaNtOs ALeGóricOs
áMe
COinCidenCias
AleGrias
AMefriKa
NOdaa
BLUe
MANsorO
AGUaceROs
OdO
* estrea absoluta,
presentación do seu novo disco AMa AZa LaNdo
O pianista cubano afincado en Galicia Alejandro Vargas estrea a súa última creación. AMa AZa LaNdo é un
fulgor de figuracións representativas de paisaxes sonoras onde se recrean ambientes do minimalismo, o
orientalismo, a improvisación libre e o jazz. É unha vista panorámica de recolección e preguntas a través da
composición e a improvisación: o lirismo, o carácter
“CosmoBarroco” da arquitectura sonora contemporánea, a natureza, o tránsito, a política, a razón... é un
traballo de alumeamentos sonoros onde a participación instrumental adquire un valor orquestral a través
de distintas posturas, étnicas, folclóricas, populares,
conceptuais, políticas... é unha reflexión da técnica
pianística na amplificación de rexistros posibles cara á
fantasía libre comprometida.
El pianista cubano afincado en Galicia Alejandro Vargas estrena su última creación. AMa AZa LaNdo es un
destello de figuraciones representativas de paisajes sonoros donde se recrean ambientes del minimalismo, el
orientalismo, la improvisación libre y el jazz. Es una vista panorámica de recolección y preguntas a través de la
composición y la improvisación: el lirismo, el carácter
“CosmoBarroco” de la arquitectura sonora contemporánea, la naturaleza, el tránsito, la política, la razón...
Es un trabajo de alumbramientos sonoros donde la
participación instrumental adquiere un valor orquestal
a través de distintas posturas, étnicas, folklóricas, populares, conceptuales, políticas... Es una reflexión de la
técnica pianística en la amplificación de registros posibles hacia la fantasía libre comprometida.
Pianista e compositor nacido en Holguín (Cuba) en
1980, graduado na Universidade de Artes de Cuba.
Formou o seu primeiro trío de jazz en 2001 e nese
ano recibiu o primeiro premio no concurso Cuba
JoJazz 2001 e foi Premio ao mellor disco de Jazz no
Certamen Cubadisco en 2008 con Trapiche e Premio
Especial no Certamen Cubadisco 2013 con Miniaturas
de Eugenio Granell. En 2003 crea a súa agrupación
musical Alejandro Vargas e Oriental Quartet, coa que
realiza xiras internacionais e gravou o compacto Vir
ao mundo (mellor disco de jazz de Cubadisco 2009).
Co seu New Trío gravou o disco Oceanía en 2010. Participou en festivais de jazz de Ecuador, Brasil, España,
Noruega, Portugal, Cuba, Trinidad e Tobago, Suíza
etc. E actuou con Irakere, Pupi e os que son Son, Chucho Valdés, o saxofonista Donald Harrison, o trombonista Steve Turre, José Luis Gutiérrez ou as cantantes
Ugia Pedreira e Lucrecia. En decembro de 2012 presentou Miniaturas de Eugenio Granell. Música revelada producido pola Central Folque con un elenco de
reconocidos artistas; un traballo polo que recibiu o
Premio Especial no Certamen Cubadisco 2013.
Pianista y compositor nacido en Holguín (Cuba) en
1980, graduado en la Universidad de Artes de Cuba.
Formó su primer trío de jazz en 2001 e en ese año recibió el primer premio en el concurso Cuba JoJazz 2001.
También recibió el Premio al mejor disco de Jazz en el
Certamen Cubadisco en 2008 con Trapiche y el Premio
Especial en el Certamen Cubadisco 2013 con Miniaturas de Eugenio Granell. En 2003 crea su agrupación
musical Alejandro Vargas y Oriental Quartet, con la que
realiza giras internacionales y grabó el compacto Venir
al mundo (mejor disco de jazz de Cubadisco 2009). Con
su New Trío grabó el disco Oceanía en 2010. Participó
en festivales de jazz de Ecuador, Brasil, España, Noruega, Portugal, Cuba, Trinidad y Tobago, Suiza, etc. E actuou con Irakere, Pupi y los que son Son, Chucho Valdés,
el saxofonista Donald Harrison, el trombonista Steve
Turre, José Luis Gutiérrez o las cantantes Ugia Pedreira
y Lucrecia. En diciembre de 2012 presentó Miniaturas
de Eugenio Granell. Música revelada producido por la
Central Folque con un elenco de reconocidos artistas;
un trabajo por el que recibió el Premio Especial en el
Certamen Cubadisco 2013.
Visións do Greco
Lula Romero (Palma de Mallorca, 1976)
El contento de la especulación * (2014), para doce instrumentos e electrónica
Ramón Souto (Vigo, 1976)
Muchacho encendiendo una candela * (2014), para ensemble
Daniel Figols (Barcelona, 1980)
Blanc cassé * (2014), para doce instrumentos
Germán Alonso (Madrid, 1984)
Quando cœli movendi sunt et terra
(Cyanide Office for a New Millenium) * (2014), para doce instrumentos
Giovanni Girolamo Kapsberger (c.1580-1651)
Libro primo d’intavolatura di chitarrone (Venecia, 1604)
Toccata I / Toccata II “Arpeggiata”
Tenore del Kapsberger
Ruggiero
Folía
20.30
TEATRO PRINCIPAL
MARTES 28 OUTUBRO
Fernando Reyes tiorba
* estrea absoluta encarga do CNDM
e das Xornadas de Música Contemporánea de Santiago
CHARLA INTRODUTORIA / ATENEO DE SANTIAGO
VISIÓNS DO GRECO
Juan Manuel Monterroso / Ramón Souto / Daniel Figols
Germán Alonso / Lula Romero / Baldur Brönnimann
Centro Cultural Afundación (rúa do Vilar, 19)
LUNS 27 OUTUBRO 20.00
Visións do Greco
Visiones de El Greco
Vertixe Sonora tivo dende os seus inicios unha
directa vinculación coas artes plásticas; mediante a súa colaboración co Centro Galego de Arte
Contemporánea estableceu un diálogo entre a
creación musical e a obra de moi variados artistas como Jeff Wall, Esther Ferrer, Fernando Casás,
James Welling, Grahan Gussim etc., que supuxo a
creación de máis de 30 obras de toda unha nova
xeración de compositores. Se estas experiencias
se desenvolveron exclusivamente no conxunto
das artes contemporáneas, transcéndese agora o
ámbito temporal cun programa no que a creación
musical actual terá como punto de referencia a
tradición pictórica representada na figura do Greco no ano no que se conmemora o cuarto centenario da súa morte. A conexións entre os mundos
musical e pictórico faranse visibles e audibles en
Visións do Greco a través das novas obras de catro
novos compositores españois que ofrecerán a súa
persoal mirada á obra e á persoa de Doménikos
Theotokópoulos.
Vertixe Sonora ha tenido desde sus inicios una directa vinculación con las artes plásticas; mediante su
colaboración con el Centro Gallego de Arte Contemporáneo ha establecido un diálogo entre la creación
musical y la obra de muy variados artistas como Jeff
Wall, Esther Ferrer, Fernando Casás, James Welling,
Grahan Gussim, etc., que ha supuesto la creación de
más de 30 obras de toda una nueva generación de
compositores. Si estas experiencias se han desarrollado exclusivamente en el conjunto de las artes contemporáneas, se trasciende ahora el ámbito temporal con un programa en el que la creación musical
actual tendrá como punto de referencia la tradición
pictórica representada en la figura de El Greco en el
año en el que se conmemora el cuarto centenario de
su muerte. La conexiones entre los mundos musical
y pictórico se harán visibles y audibles en Visiones
del Greco a través de las nuevas obras de cuatro jóvenes compositores españoles que ofrecerán su personal mirada a la obra y a la persona de Doménikos
Theotokópoulos.
Obras paralelas, Kapsberger e O Greco
Obras paralelas, Kapsberger y El Greco
A cidade de Venecia foi decisiva para a formación da
técnica e do carácter de dous dos máis recoñecidos
xenios da humanidade. O Greco e Giovanni Girolamo Kapsberger foron, respectivamente, mestres da
pintura e da música recoñecidos e admirados na
súa época. Despois terían que pasar séculos para
que ás súas obras foran recoñecidas indiscutible e
definitivamente. Ás técnicas de restauración, para
o primeiro, e o asentamento da práctica de instrumentos antigos, para o segundo, contribuiron a
ese recoñecemento. A obra de tiorba-chitarrone de
Kapsberger é presentada aquí como unha das máis
posibles correspondencias musicais da obra do pin-
La ciudad de Venecia fue decisiva para la formación
de la técnica y del carácter de dos de los más reconocidos genios de la humanidad. El Greco y Giovanni
Girolamo Kapsberger fueron, respectivamente, maestros de la pintura y de la música reconocidos y admirados en su época. Después tendrían que pasar siglos
para que sus obras fueran reconocidas indiscutible y
definitivamente. Las técnicas de restauración, para el
primero, y el asentamiento de la práctica de instrumentos antiguos, para el segundo, contribuyeron a
ese reconocimiento. La obra de tiorba-chitarrone de
Kapsberger es presentada aquí como una de las más
posibles correspondencias musicales de la obra del
tor de Felipe II. Emocións, climas contrastados, liñas
impredicibles, cores e mesmo temáticas de ambos
os dous artistas poden facerse coincidir encaixando
de xeito case natural. Pintor e músico son estranxeiros na terra onde triunfan, Kapsberger, de orixe alemá, en Venecia, e O Greco, cretense, en España (e
antes en Venecia e Roma). Ás obras seleccionadas
de Kapsberger son dúas toccatas (maior expresión
do manierismo musical), un autorretrato musical
(Tenore del Kapsberger), Ruggiero (precioso tenor
con partitas de variacións que exemplifica o personaxe do aventureiro artístico, que tanto O Greco
coma Kapsberger foron) e unhas partitas da Folía (a
danza da loucura, probablemente a mesma que canalizada en forma de pintura e de música motivou
parte da obra destes dous grandes mestres).
pintor de Felipe II. Emociones, climas contrastados,
líneas impredecibles, colores e incluso temáticas de
ambos artistas pueden hacerse coincidir encajando
de manera casi natural. Pintor y músico son extranxeiros en la tierra donde triunfan, Kapsberger, de origen
alemán, en Venecia, y El Greco, cretense, en España
(y antes en Venecia y Roma). Las obras seleccionadas
de Kapsberger son dos toccatas (mayor expresión del
manierismo musical), un auto-retrato musical (Tenore
del Kapsberger), Ruggiero (precioso tenor con partitas
de variaciones que ejemplifica el personaje del aventurero artístico, que tanto El Greco como Kapsberger
fueron) y unas partitas de la Folía (la danza de la locura, probablemente la misma que canalizada en forma
de pintura y de música motivó parte de la obra de estos dos grandes maestros).
ALESSANDRA ROMBOLÀ frauta
ALEJANDRO VÁZQUEZ trompeta
IAGO RÍOS trombón
CELIA ADRIÁN acordeón
MARTA SOUTO violín
THOMAS PIEL violoncello
CARLOS MÉNDEZ contrabaixo
DAVID DURÁN piano
RAMÓN SOUTO director artístico
PABLO COELLO director musical
ALESSANDRA ROMBOLÀ flauta
ALEJANDRO VÁZQUEZ trompeta
IAGO RÍOS trombón
CELIA ADRIÁN acordeón
MARTA SOUTO violín
THOMAS PIEL violonchelo
CARLOS MÉNDEZ contrabajo
DAVID DURÁN piano
RAMÓN SOUTO director artístico
PABLO COELLO director musical
Colectivo flexible que integra destacados solistas
de música contemporánea de Galicia e Portugal,
Vertixe Sonora Ensemble está formado por artistas
sonoros, artistas plásticos, músicos de jazz, intérpretes clásicos e xente do teatro e a danza. A par-
Colectivo flexible que integra a destacados solistas
de música contemporánea de Galicia y Portugal, Vertixe Sonora Ensemble está formado por artistas sonoros, artistas plásticos, músicos de jazz, intérpretes
clásicos y gente del teatro y la danza. A partir de una
tir dunha conciencia da multiplicidade no achegamento ao sonoro establece un constante diálogo e
interacción co pensamento, a ciencia, a tecnoloxía e
outras formas artísticas dende unha óptica cosmopolita, integradora e transcultural, para favorecer
un espazo aberto á reflexión, á discusión e ao intercambio no campo da música contemporánea, que
non renuncia nin ao rigor, nin á transgresión nin ao
espírito de vangarda. Integra o Instituto Galego de
Sonoloxía (IGS), unha plataforma para a investigación e a experimentación do son con novos medios
e para a creación de tecnoloxía racional do futuro.
Dende a súa aparición converteuse nun referente
para a última xeración internacional de compositores do noso continente que encontra nas súas producións a oportunidade de desenvolver propostas
musicais cunha perspectiva artística global e en permanente busca da excelencia artística. Dende 2011
escribiron obras expresamente para Vertixe Sonora
os españois Fran MM Cabeza de Vaca, Teresa Carrasco, Jacobo Gaspar, Lula Romero, Oriol Saladrigues
e Ramón Souto; os mexicanos Javier G. Compeán,
Hernández Ramos, Víctor Ibarra e Hugo Morales; os
brasileiros Bernardo Barros e Martin Herraiz; os gregos George Dousis e Zesse Seglias; os italianos Hannes Kerschbaumer e Simone Movio; os turcos Fusun
Koksal e Cem Özçelik, ademais de Sivan Cohen-Elias
(Israel), Alireza Fargang (Irán), Miguel Farías (Chile),
Santiago Díez Fischer (Arxentina), Charles-Antoine Frèchette (Canadá), Esaias Järnegard (Suecia),
Alexander Khubeev (Rusia), Matthias Kranebitter
(Austria), Mauricio Pauly (Costa Rica) e Diana Rotaru
(Romanía). Colabora co Centro Galego de Arte Contemporánea, onde desenvolve o ciclo Música e Arte:
Correspondencias Sonoras, os Talleres de Creación
Dixital do IGS e Causal, Encontro Internacional de
Música Contemporánea. Tamén organiza o festival
conciencia de la multiplicidad en el acercamiento a
lo sonoro establece un constante diálogo e interacción con el pensamiento, la ciencia, la tecnología y
otras formas artísticas desde una óptica cosmopolita, integradora y transcultural, para favorecer un
espacio abierto a la reflexión, la discusión y al intercambio en el campo de la música contemporánea,
que no renuncia ni al rigor, ni a la transgresión ni al
espíritu de vanguardia. Integra el Instituto Galego
de Sonoloxía (IGS), una plataforma para la investigación y la experimentación del sonido con nuevos
medios y para la creación de tecnología racional del
futuro. Desde su aparición se ha convertido en un
referente para la última generación internacional de
compositores de nuestro continente que encuentra
en sus producciones la oportunidad de desarrollar
propuestas musicales con una perspectiva artística
global y en permanente búsqueda de la excelencia
artística. Desde 2011 han escrito obras expresamente para Vertixe Sonora los españoles Fran MM Cabeza
de Vaca, Teresa Carrasco, Jacobo Gaspar, Lula Romero, Oriol Saladrigues y Ramón Souto; los mejicanos
Javier G. Compeán, Hernández Ramos, Víctor Ibarra
y Hugo Morales; los brasileños Bernardo Barros y
Martin Herraiz; los griegos George Dousis y Zesse Seglias; los italianos Hannes Kerschbaumer y Simone
Movio; los turcos Fusun Koksal y Cem Özçelik, además de Sivan Cohen-Elias (Israel), Alireza Fargang
(Iran), Miguel Farías (Chile), Santiago Díez Fischer
(Argentina), Charles-Antoine Frèchette (Canada), Esaias Järnegard (Suecia), Alexander Khubeev (Rusia),
Matthias Kranebitter (Austria), Mauricio Pauly (Costa Rica) y Diana Rotaru (Rumanía). Colabora con el
Centro Galego de Arte Contemporánea, donde desarrolla el ciclo Música y Arte: Correspondencias Sonoras, los Talleres de Creación Digital del IGS y Causal,
Encuentro Internacional de Música Contemporánea.
vertixeVIGO e é ensemble residente de sonUTopias,
festival do proxecto campUSCulturae da Universidade de Santiago.
También organiza el festival vertixeVIGO y es ensemble residente de sonUTopias, festival del proyecto
campUSCulturae de la Universidad de Santiago.
Nacido en Suíza, estudou na Academia de Música
de Basilea e no Royal Northern College of Music en
Manchester, onde posteriormente foi nomeado profesor visitante de dirección de orquestra. Recoñecido
como director de orquestra pola súa gran flexibilidade, a súa ampla visión da creación musical e unha
particular afinidade polas obras contemporáneas
máis complexas, reparte o seu tempo entre salas de
concertos e teatros de ópera, sen descoidar o labor
educativo e de divulgación do seu traballo. Durante
moitos anos foi escollido polos mellores compositores para dirixir os seus proxectos e traballou estreitamente con John Adams, Saariaho, Birtwistle,
Chin e Ades, entre outros. Tamén é solicitado para
dirixir o repertorio habitual das principais orquestras
de todo o mundo: Filharmónicas de Oslo, Helsinqui,
Copenhague e Estrasburgo, Royal Scottish National,
Danish National Chamber Orchestra, Ópera de Noruega, Britten Sinfonia, Philharmonia Orchestra and Choir,
London Sinfonietta, Royal Stockholm Philharmonic,
Sinfónica de Islandia, Sinfónica de Porto Casa da Música, Klangforum Wien etc. Realizou o seu debut operístico con Lost Highway de Olga Neuwirth en 2008 na
English National Opera, onde regresou con producións
de John Adams como Death of Klinghoffer e Le Grand
Macabre de Ligeti (produción de La Fura dels Baus
que tamén dirixiu no Teatro Colón de Bos Aires e na
Komische Oper Berlin); tamén dirixiu a primeira ópera
de Kaija Saariajo L’Amour de Loin (Oslo), Prometeo de
Nono (Bos Aires) etc. Foi director musical durante catro anos, ata 2012, da Orquestra Sinfónica Nacional de
Colombia e en 2011 foi nomeado director artístico do
ensemble contemporáneo noruegués BIT20.
Nacido en Suiza, estudió en la Academia de Música de
Basel y en el Royal Northern College of Music en Manchester, donde posteriormente fue nombrado profesor
visitante de dirección de orquesta. Reconocido como
director de orquesta por su gran flexibilidad, su amplia
visión de la creación musical y una particular afinidad
por las obras contemporáneas más complejas, reparte
su tiempo entre salas de conciertos y teatros de ópera,
sin descuidar la labor educativa y de divulgación de su
trabajo. Durante muchos años ha sido escogido por los
mejores compositores para dirigir sus proyectos y ha
trabajado estrechamente con John Adams, Saariaho,
Birtwistle, Chin, Ades, entre otros. También es solicitado para dirigir el repertorio habitual de las principales
orquestas de todo el mundo: Filarmónicas de Oslo,
Helsinki, Copenhague y Estrasburgo, Royal Scottish
National, Danish National Chamber Orchestra, Ópera
de Noruega, Britten Sinfonia, Philharmonia Orchestra
and Choir, London Sinfonietta, Royal Stockholm
Philharmonic, Sinfónica de Islandia, Sinfónica de Porto Casa da Música, Klangforum Wien, etc. Realizó su
debut operístico con Lost Highway de Olga Neuwirth
en 2008 en la English National Opera, a donde ha regresado con producciones de John Adams como
Death of Klinghoffer y Le Grand Macabre de Ligeti (producción de La Fura dels Baus que también ha dirigido
en el Teatro Colón de Buenos Aires y en la Komische
Oper Berlin); también ha dirigido la primera ópera de
Kaija Saariajo L’Amour de Loin (Oslo), Prometeo de
Nono (Buenos Aires), etc. Fue director musical durante
cuatro años, hasta 2012, de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y en 2011 fue nombrado director
artístico del ensemble contemporáneo noruego BIT20.
Iniciou a súa formación musical como neno cantor
na Escolanía da Catedral de Santiago de Compostela e especializouse nos instrumentos antigos de corda pulsada no Conservatorio de Toulouse (Francia)
e na Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen
(Alemaña). Fundou e dirixe Resonet, agrupación
compostelana especializada na interpretación de
música antiga que dedica unha gran atención á música relacionada con Galicia e o Camiño de Santiago. Como instrumentista ten ofrecido unha intensa
actividade de concertos e gravacións, tanto como
solista como acompañante, por toda Europa. Alén
diso, compuxo e dirixiu a música de diversas obras
teatrais e publicou varios artigos sobre música antiga, guías musicais e libros-cd. Impartiu numerosos
seminarios, cursos e conferencias en diferentes universidades e centros de ensino europeos.
Inició su formación musical como niño cantor en la
Escolanía de la Catedral de Santiago de Compostela
y se especializó en los instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Conservatorio de Toulouse y en la
Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen. Fundó
y dirige Resonet, agrupación compostelana especializada en la interpretación de música antigua que dedica una gran atención a la música relacionada con
Galicia y el Camino de Santiago. Como instrumentista
ha ofrecido una intensa actividad de conciertos y grabaciones, tanto como solista cómo acompañante, por
toda Europa. Además de eso, ha compuesto y dirigido
la música de diversas obras teatrales y ha publicado
artículos sobre música antigua, guías musicales y libros-cd. Ha impartido numerosos seminarios, cursos
y conferencias en diferentes universidades y centros
de enseñanza europeos.
De Brandemburgo a Viena
Parte I
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Concerto de Brandemburgo núm. 3
en Sol maior, BWV 1048 (1721)
Allegro
Adagio
Allegro
Arnold Schoenberg (1874-1951)
Sinfonía de cámara núm. 2
en mi bemol menor, op. 38 (1940)
Adagio
Con fuoco
Parte II
Benet Casablancas (1956)
21.00
XOVES 30 OUTUBRO
Obertura festiva (2013)
Franz Joseph Haydn (1732-1809)
Sinfonía núm. 99 en Mi bemol maior, Hob.I:99 (1793)
Adagio - Vivace assai
Adagio
Menuet: Allegretto
Finale: Vivace
Os seis Concertos de Branderburgo foron publicados en 1721, sendo Johann Sebastian Bach mestre
de capela e director de música na Corte de Cöthen,
onde escribiu música para clave (o primeiro libro do
Clave ben temperado) e música instrumental con trazos vivaldianos, especialmente no estilo de concerto
italiano. Estes concertos están dedicados a Christian
Ludwig, margrave de Branderburgo, que comentou
a Bach que lle gustaría engadir a súa música á súa
colección musical. En 1721, recibiu unha copia titulada Concertos para varios instrumentos. O Concerto
de Brandemburgo núm. 3, en tres movementos (rápido-lento-rápido), está escrito para tres violíns, tres
violas e tres violoncellos con partes independentes
para todos eles, creando unha estrutura de gran riqueza. Sen movemento lento como tal, Bach escribe
dous acordes de cadencia que suxiren unha improvisación do primeiro violín ou, mesmo, do clave. Os
movementos rápidos son profusos en seccións imitativas e vivificados por unha forza permanente. Bach
compuxo o segundo Allegro de modo pouco habitual
nel, case ao xeito dun moto perpetuo, e presenta
unha forma binaria de danza barroca.
Los seis Conciertos de Brandenburgo fueron publicados en 1721, siendo Johann Sebastian Bach maestro
de capilla y director de música en la Corte de Cöthen,
donde escribió música para clave (el primer libro de
El clave bien temperado) y música instrumental con
rasgos vivaldianos, especialmente en el estilo de
concierto italiano. Estos conciertos están dedicados
a Christian Ludwig, margrave de Brandemburgo, que
comentó a Bach que le gustaría añadir su música a
su colección musical. En 1721, recibió una copia titulada Conciertos para varios instrumentos. El Concierto
de Brandenburgo núm. 3, en tres movimientos (rápido-lento-rápido), está escrito para tres violines, tres
violas y tres violonchelos con partes independientes
para todos ellos, creando una estructura de gran riqueza. Sin movimiento lento como tal, Bach escribe
dos acordes de cadencia que sugieren una improvisación del primer violín o, incluso, del clave. Los movimientos rápidos son profusos en secciones imitativas
y vivificados por una fuerza permanente. Bach compuso el segundo Allegro de modo poco habitual en él,
casi a la manera de un moto perpetuo, y presenta una
forma binaria de danza barroca.
Benet Casablancas é compositor, musicólogo, autor
de estudos como Haydn o progresivo e director de
cursos de especialización como A modernidade de
Haydn. A súa música, enraizada na tradición modernista, destaca pola súa gran personalidade, complexidade estrutural e extraordinaria riqueza en detalles de textura. A crítica destaca a súa inquietude
por harmonizar rigor construtivo e forza expresiva,
lirismo, dramatismo e rexistros orixinais. Dedicada
á Orquestra de Cámara de Múnic, a Abertura festiva
explora a riqueza de planos sonoros do ente orquestral e a claridade e conivencia minuciosa do xogo camerístico. A obra, homenaxe a Xavier Montsalvatge,
consta de tres partes sen solución de continuidade
Benet Casablancas es compositor, musicólogo, autor de estudios como Haydn el progresivo y director
de cursos de especialización como La modernidad
de Haydn. Su música, enraizada en la tradición modernista, destaca por su gran personalidad, complejidad estructural y extraordinaria riqueza en detalles
de textura. La crítica destaca su inquietud por armonizar rigor constructivo y fuerza expresiva, lirismo,
dramatismo y registros originales. Dedicada a la Orquesta de Cámara de Munich, la Obertura festiva explora la riqueza de planos sonoros del ente orquestal y la claridad y connivencia minuciosa del juego
camerístico. La obra, homenaje a Xavier Montsalvatge, consta de tres partes sin solución de continuidad
–Danza, Canción e Celebración– nas que vivacidade
rítmica e virtuosismo, así como os acentos lúdicos
das seccións extremas, contrastan co lirismo e o carácter contemplativo da parte central. As constantes
intervencións dos solistas, próximos ao estilo concertante, evocan algunhas páxinas de Montsalvatge
como a Canción de berce para durmir a un negro ou
O gato con botas.
–Danza, Canción y Celebración– en las que vivacidad
rítmica y virtuosismo, así como los acentos lúdicos
de las secciones extremas, contrastan con el lirismo
y el carácter contemplativo de la parte central. Las
constantes intervenciones de los solistas, cercanos
al estilo concertante, evocan algunas páginas de
Montsalvatge como la Canción de cuna para dormir
a un negrito o El gato con botas.
Arnold Schoenberg empezou a compoñer a Sinfonía
de cámara núm. 2 en mi bemol menor, op. 38 uns días
despois de rematar a Sinfonía de cámara núm. 1, op.
9, a principios de agosto de 1906; pero non foi ata
1939 cando decidiu rematala, o que lle formula serias dúbidas pois a súa linguaxe compositivo avanzara significativamente. Finalmente, rematouna co
espírito tonal no que fora concibida e evocando, en
certo modo, ás orixes. Composta en dous tempos
iníciase cunha tema elocuente e fluído nun ambiente triste e nostálxico, un desenvolvemento rico en
elementos melódicos e unha orquestración matizada que causa unha coloración tímbrica efectiva.
O discurso lento, relaxado e sensual mantén certo
aire elexíaco. O segundo movemento, Con fuoco, é
máis resolto, unha especie de scherzo vivaz e atrevido inicialmente que regresa á penumbra para recordarnos constantemente o primeiro movemento.
A trompa volve presentar o tema inicial e o discurso
leva á coda final sentimental e escura con gran forza
dramática e expresionista.
Arnold Schoenberg empezó a componer la Sinfonía
de cámara núm. 2 en mi bemol menor, op. 38 unos
días después de terminar la Sinfonía de cámara núm.
1, op. 9, a principios de agosto de 1906; pero no fue
hasta 1939 cuando decidió terminarla, lo que le plantea serias dudas pues su lenguaje compositivo había
avanzado significativamente. Finalmente, la remató
con el espíritu tonal en el que había sido concebida y
evocando, en cierto modo, a los orígenes. Compuesta en dos tiempos se inicia con una tema elocuente y
fluido en un ambiente triste y nostálgico, un desarrollo rico en elementos melódicos y una orquestación
matizada que causa una coloración tímbrica efectiva.
El discurso lento, relajado y sensual mantiene un cierto aire elegíaco. El segundo movimiento, Con fuoco,
es más resuelto, una especie de scherzo vivaz y atrevido inicialmente que regresa a la penumbra para recordarnos constantemente el primer movimiento. La
trompa vuelve a presentar el tema inicial y el discurso lleva a la coda final sentimental y oscura con gran
fuerza dramática y expresionista.
A Sinfonía núm. 99 en Mi bemol maior é a primeira das
seis sinfonías que Joseph Haydn escribiu na súa segunda viaxe a Londres e rematou en 1793. A pesar de
non ser das máis interpretadas das súas Sinfonías Londres é unha das súas obras de orquestración máis orixinal, que inclúe por primeira vez clarinetes cuxo especial timbre combinado coa clave de Mi bemol recordan
certas pasaxes da Frauta máxica de Mozart. A partitura,
La Sinfonía núm. 99 en Mi bemol mayor es la primera de
las seis sinfonías que Joseph Haydn escribió en su segundo viaje a Londres y terminó en 1793. A pesar de no
ser de las más interpretadas de sus Sinfonías Londres
es una de sus obras de orquestación más original, que
incluye por primera vez clarinetes cuyo especial timbre
combinado con la clave de Mi bemol recuerdan ciertos
pasajes de La flauta mágica de Mozart. La partitura, que
que comeza cunha das lentas introducións do autor,
é unha sucesión de alegría, dramatismo, comicidade
e tenrura cuxo centro emocional é o Adagio que aínda que se inicia de modo convencional contén sorprendentes xiros harmónicos. O tema principal deste
movemento é presentado polas cordas e repetido en
eco por frautas e óboes; ademais Haydn fai intervir ás
trompetas, algo inaudito nos tempos lentos das sinfonías do Clasicismo. Todo parece indicar que este melancólico Adagio xorde como resposta do compositor
á morte da súa grande amiga Marianne von Genzinger.
Un final de ritmo vivace, combinación de rondó, forma
sonata e maxistral estudo contrapuntístico, é unha demostración de dominio total de timbre e sonoridade.
comienza con una de las lentas introducciones del autor,
es una sucesión de alegría, dramatismo, comicidad y ternura cuyo centro emocional es el Adagio que aunque se
inicia de modo convencional contiene sorprendentes giros armónicos. El tema principal de este movimiento es
presentado por las cuerdas y repetido en eco por flautas
y oboes; además Haydn hace intervenir a las trompetas,
algo inaudito en los tiempos lentos de las sinfonías del
Clasicismo. Todo parece indicar que este melancólico
Adagio surge como respuesta del compositor a la muerte de su gran amiga Marianne von Genzinger. Un final de
ritmo vivace, combinación de rondó, forma sonata y magistral estudio contrapuntístico, es una demostración de
dominio total de timbre y sonoridad.
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, onde presenta a súa
temporada estable de concertos. O seu primeiro director titular foi Helmuth Rilling (1996-2000), a quen
sucedeu Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013,
Paul Daniel é o seu director titular e artístico. O compostelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra
dende o seu nacemento, é director asociado, e Christoph König o principal director convidado. Ademáis
da temporada de concertos en Santiago mantén
unha activa presenza no resto de cidades galegas e
realizou varias xiras internacionais por Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente,
Portugal. Paralelamente, potencia a súa actividade
en Santiago cun ciclo de cámara e cos concertos didácticos que dende 1996 organiza co Auditorio de
Galicia e polos que pasan máis de 7.000 escolares
galegos cada ano. En 2009 presentou dous traballos
discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla e
Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco dedicado
a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a Escola
de Altos Estudos Musicais que imparte o Curso Avan-
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de Galicia,
en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su primero director titular fue Helmuth Rilling (1996-2000), a quien sucedió
Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es su director titular y artístico. El compostelano
Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta desde
su nacimiento, es director asociado, y Christoph König el principal director invitado. Además de la temporada de conciertos en Santiago mantiene una activa presencia en el resto de ciudades gallegas y realizó
varias giras internacionales por Austria, Alemania,
Francia, Brasil, Argentina y, especialmente, Portugal.
Paralelamente, potencia su actividad en Santiago con
un ciclo de cámara y con los conciertos didácticos
que desde 1996 organiza con el Auditorio de Galicia
y por los que pasan más de 7000 escolares gallegos
cada año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic
Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado a Ravel.
Estrechamente vinculada a la RFG está la Escuela de
Altos Estudios Musicales que imparte el Curso Avanza-
zado de Especialización Orquestral, cos músicos da
orquestra como profesores. Forma parte da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
do de Especialización Orquestal, con los músicos de
la orquesta como profesores. Forma parte de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
Estudou dirección orquestral, piano e canto na súa
cidade natal, Dresde, e recibiu o premio da Fundación Herbert von Karajan (Berlín). Dende 2013
é o principal director invitado da Real Filharmonía
de Galicia, director titular da Orquestra Sinfónica
do Porto-Casa da Música e director musical da Orquestra de Solistas Europeos de Luxemburgo. Moi
solicitado como director invitado en toda Europa
e América, o seu debut nos Estados Unidos coa
Sinfónica de Nova Jersey desembocou en novos
compromisos coas orquestras de Indianápolis, Colorado e Houston. Tamén debutou coas orquestras
de Pittsburg, Radio Danesa, Orquestra de París e
a Filharmónica dos Países Baixos. Os seus compromisos inclúen a Royal Philarmonic de Londres,
as filharmónicas de Dresde, Stuttgart e Bonn, así
como as orquestras da BBC de Escocia e de Gales.
A súa reputación como director de ópera aumentou
rapidamente tras dirixir en 2003 en Zúrich O rapto
no Serrallo de Jonathan Miller. As súas gravaciónes
inclúen obras de Schoenberg, Prokofiev, Saariaho
e Sibelius coa Orquestra Nacional do Porto, Melcer
coa Sinfónica Escocesa da BBC, sinfonías de Beethoven coa Sinfónica de Malmö e Prokofiev e Mozart
coa Orquestra de Solistas Europeos de Luxemburgo.
En 2009 a BBC Music Magazine dedicoulle a portada
á súa gravación do Concerto para piano núm. 1 de
Brahms á fronte da Sinfónica Escocesa de la BBC.
Estudió dirección orquestal, piano y canto en su ciudad natal, Dresde. Recibió el premio de la Fundación
Herbert von Karajan (Berlín). Desde 2013 es el Principal
Director Invitado de la Real Filharmonía de Galicia y
director titular de la Orquesta Sinfónica do Porto-Casa
da Música y director musical de la Orquesta de Solistas
Europeos de Luxemburgo. Está muy solicitado como
director invitado en toda Europa y América y su debut
en Estados Unidos con la Sinfónica de Nueva Jersey
desembocó en nuevos compromisos con las orquestas
de Indianápolis, Colorado, Houston. También debutó
con las orquestas de Pittsburg, Radio Danesa, Orquesta de París y la Filharmónica de los Países Bajos. Sus
compromisos también incluyen la Royal Philarmonic de Londres, las orquestas filarmónicas de Dresde,
Stuttgart y Bonn, así como las orquestas de la BBC de
Escocia y la BBC de Gales. Su reputación como director de ópera creció rápidamente tras dirigir en 2003 en
Zúrich El rapto en el Serrallo con la dirección escénica
de Jonathan Miller. Sus grabaciones incluyen obras
de Schoenberg, Prokofiev, Saariaho y Sibelius con la
Orquesta Nacional do Porto, Melcer con la Sinfónica
Escocesa de la BBC, sinfonías de Beethoven con la Sinfónica de Malmö y Prokofiev y Mozart con la Orquesta
de Solistas Europeos de Luxemburgo. La BBC Music
Magazine le dedicó en 2009 la portada a su grabación
del Concierto para piano núm. 1 de Brahms al frente de
la Sinfónica Escocesa de la BBC.
Cabaret contemporáneo
TAC TALLER ATLÁNTICO CONTEMPORÁNEO
Arnold Schoenberg (1874-1951)
Nachtwandler (de Brettl-Lieder) (1901)
Kaija Saariaho (1952)
Dolce tormento (2004)
Frederic Rzewski (1938)
Les Moutons de Panurge (1968)
22.00 (APERTURA PORTAS 21.30)
SALA CAPITOL
SÁBADO 1 NOVEMBRO
Tom Johnson (1939)
Scene for piano and tape (1969)
Benjamin Britten (1913-1976)
Cabaret Songs * (1937)
Tell me the truth about love
Funeral Blues
Johnny
Calypso
* estrea en España da versión para grupo instrumental
O Taller Atlántico Contemporáneo inspira o seu concerto na atmosfera do cabaré de principios do século
XX, no que música e acción escénica se unen co ambiente dun local de época. A obras de clásicos modernos que se sentiron fascinados polas posibilidades
expresivas deste xénero, como Schoenberg [Brettl-Lieder] e Benjamin Britten (coa estrea en España da versión para grupo instrumental dos seus Cabaret Songs)
únense unha obra de carácter “performático” do compositor norteamericano Tom Johnson, Scene for piano
and tape; a misteriosa composición Dolce tormento,
para frautín só amplificado, na que Kaija Saariaho se
inspira nun texto da Divina Comedia de Dante...
El Taller Atlántico Contemporáneo inspira su concierto
en la atmósfera del cabaret de principios del siglo XX, en
el que música y acción escénica se unen con el ambiente
de un local de época. A obras de clásicos modernos que
se sintieron fascinados por las posibilidades expresivas
de este género, como Arnold Schoenberg (Brettl-Lieder)
y Benjamin Britten (con el estreno en España de la versión para grupo instrumental de sus Cabaret Songs), se
unen una obra de carácter “performático” del compositor norteamericano Tom Johnson, Scene for piano and
tape; la misteriosa composición de Dolce tormento, para
flautín solo amplificado, en la que Kaija Saariaho se inspira en un texto de la Divina Comedia de Dante…
NICASIO GRADAILLE piano
LUÍS SOTO frauta
RAMÓN LLÁTSER trompeta
ALFONSO MORÁN contrabaixo
SAÚL CANOSA clarinete
JAMES DAHLGREN violín
LUIS SOTO frauta
RAMÓN LLÁTSER trompeta
ALFONSO MORÁN contrabaixo
SAÚL CANOSA clarinete
JAMES DAHLGREN violín
Iniciou a súa andaina en 2010 na praza do Obradoiro de Santiago de Compostela coa obra Eine Brise
de Mauricio Kagel, para 111 ciclistas, e colocando un
piano de cola no faro de Fisterra para interpretar integramente a obra de Erik Satie Vexations, 18 horas
de piano ininterrompidas e 27 pianistas. Abordou no
Centro Galego de Arte Contemporánea dous ciclos
de concertos dedicados á música dende mediados
do século XX ata a actualidade, interpretando obras
de Crumb, Schnittke, Donatoni, João Pedro Oliveira,
Berio etc., e realizando numerosas estreas de compositores galegos: Fernando Buide, Octavio Vázquez,
Jacobo Gaspar, Eduardo Soutullo, Juan Eiras etc. En
2011 actuaron no Festival Via Stellae de Santiago co
Inicio su andadura en 2010 en la Praza do Obradoiro de
Santiago de Compostela con la obra Eine Brise de Mauricio Kagel, para 111 ciclistas, y colocando un piano de
cola en el faro de Fisterra para interpetar íntegramente
la obra de Erik Satie Vexations, 18 horas de piano ininterrumpidas y 27 pianistas. Abordó en el Centro Gallego
de Arte Contemporáneo dos ciclos de conciertos dedicados a la música desde mediados del siglo XX hasta la
actualidad, interpretando obras de Crumb, Schnittke,
Donatoni, Joao Pedro Oliveira, Berio, etc., y realizando
numerosos estrenos de compositores gallegos: Fernando Buide, Octavio Vázquez, Jacobo Gaspar, Eduardo
Soutullo, Juan Eiras, etc. En 2011 actuaron en el Festival Via Stellae de Santiago con el grupo Siniestro Total
grupo Siniestro Total nun concerto conxunto onde estrearon a Suite Suicida “Land of Opportunity”. Ao longo
de 2011 e 2012 organizaron na Cidade da Cultura de
Santiago un proxecto multidisciplinar denominado Os
seráns do TAC e que incluían música contemporánea,
humor e gastronomía. Merecedor do Premio da Crítica
de Galicia ao mellor proxecto artístico de 2012, Os seráns do TAC contaron con artistas como Carlos Blanco,
Quico Cadaval, Julián Hernández, os directores Diego
Masson e Paul Daniel, os solistas David Villa e Álex Salgueiro; os cantantes Carmen Gurriarán, Josep Miquel
Ramón, Elena de la Merced, Humberto Ayerbe, Cristina Barriga, Eliseu Mera e Mónica de Nut; colaboracións
con grupos como Odaiko, organizacións sociais como
Implicadas no Desenvolvemento e os restaurantes
Pepe Solla, Eirado da Leña, Abastos 2.0, Culler de Pau e
Yayo Daporta. En 2013 o TAC recibiu o primeiro premio
na categoría de música clásica e contemporánea na
primeira edición dos Premios Galegos da Música. En
2014 actuou no ciclo Fronteras do Auditorio Nacional
de Madrid e no Festival de Música Relixiosa de Cuenca.
O TAC é un grupo estable, de formación aberta, e ten
como director artístico a Diego García Rodríguez.
en un concierto conjunto donde estrenaron la Suite
Suicida “Land of Opportunity”. A lo largo de 2011 y 2012
organizaron en la Ciudad de la Cultura de Santiago un
proyecto multidisciplinar denominado Os seráns do TAC
y que incluían música contemporánea, humor y gastronomía. Merecedor del Premio de la Crítica de Galicia al
mejor proyecto artístico de 2012, Os seráns do TAC contaron con artistas como Carlos Blanco, Quico Cadaval,
Julián Hernández, los directores Diego Masson y Paul
Daniel, los solistas David Villa y Alex Salgueiro; los cantantes Carmen Gurriarán, Josep Miquel Ramón, Elena
de la Merced, Humberto Ayerbe, Cristina Barriga, Eliseu
Mera y Mónica de Nut; colaboraciones con grupos como
Odaiko, organizaciones sociales como Implicadas en el
desarrollo y los restaurantes Pepe Solla, Eirado da Leña,
Abastos 2.0, Culler de Pau y Yayo Daporta. En 2013 el
TAC recibió el primer premio en la categoría de música
clásica y contemporánea en la primera edición de los
Premios Gallegos de la Música. En 2014 ha actuado en el
ciclo Fronteras del Auditorio Nacional de Madrid y en el
Festival de Música Religiosa de Cuenca. El TAC es un grupo estable, de formación abierta, y tiene como director
artístico a Diego García Rodríguez.
Traballa regularmente con orquestras en España,
Inglaterra, Polonia e Francia. Os seus compromisos
máis recentes inclúen programas sinfónicos coa Real
Filharmonia de Galicia, Orquestra Sinfónica de Galicia, Orquesta de Extremadura, Orquestra Académica e
Coro de Bydgoszcz (Polonia) e da Orquestra Nova da
Orquestra Sinfónica de Galicia. Realizará o seu debut
no Teatro Real (Madrid) coa produción Hänsel e Gretel
de Humperdinck, en xaneiro do 2015. Dirixiu a estrea
mundial de It makes no Difference... de Spagnolo no
Festival Tête á Tête en Londres e encargouse da dirección musical de Carmen de Bizet na Opera Baltykca en
Gdansk (Polonia) e da produción do Centro Dramático
Trabaja regularmente con orquestas en España, Inglaterra, Polonia y Francia. Sus compromisos más
recientes incluyen programas sinfónicos con la Real
Filharmonia de Galicia, Orquesta Sinfónica de Galicia,
Orquesta de Extremadura, Orquesta Académica y Coro
de Bydgoszcz (Polonia) y de la Orquesta Joven de la
Orquesta Sinfónica de Galicia. Realizará su debut en el
Teatro Real (Madrid) con la producción Hänsel y Gretel
de Humperdinck, en enero del 2015. Dirigió el estreno
mundial de It makes en el Difference... de Spagnolo en
el Festival Tête a la Tête en Londres y se encargó de la
dirección musical de Carmen de Bizet en la Opera Baltykca en Gdansk (Polonia) y de la producción del Cen-
Galego A ópera dos tres reás de Weill. É director artístico do Taller Atlántico Contemporáneo (TAC) ensemble
co que desenvolve unha intensa actividade a prol da
música contemporánea e de colaboración con outras
disciplinas artísticas. Na tempada 2010-2011 do Teatro
Real de Madrid foi director asistente de Josep Pons en
The turn of the screw de Britten e de Paul Daniel en Król
Roger de Szymanowski.. En Inglaterra traballou con
Diego Masson e dirixiu Madama Butterfly de Puccini e
As vodas de Fígaro de Mozart.
tro Dramático Gallego A ópera dos tres reás, de Weill. Es
director artístico del Taller Atlántico Contemporáneo
(TAC) ensemble con el que desenvuelve una intensa
actividade a favor de la música contemporánea y de
colaboración con otras disciplinas artísticas. En la temporada 2010-2011 del Teatro Real de Madrid fue director asistente de Josep Pons en The turn of the screw de
Britten y de Paul Daniel en Król Roger de Szymanowski.
En Inglaterra trabajó con Diego Masson y dirigió Madama Butterfly de Puccini y Las bodas de Fígaro de Mozart.
Nacida en Eslovaquia, obtivo o seu máster artístico en
canto no Conservatorio Superior F. Nowowiejskiego
(Bydgoszcz, Polonia) coa profesora Hanna Michalak.
A pesar da súa xuventude posúe un amplo repertorio,
cantatas, oratorios, lied e ópera, dende o barroco temperán ata a música contemporánea. É regularmente
convidada nos principais teatros de ópera de Polonia.
Debutou como Barbarina en As vodas de Fígaro no
Teatro Nacional de Varsovia, onde tamén cantou Boris
Godunov de Mussorgski (Xenia) e protagonizou a estrea mundial de The sudden rain do compositor polaco
A. Nowak. Na Opera Balticka (Gdansk) interpretou os
papeis de Pamina (A frauta máxica), Susanna e Barbarina (As vodas de Fígaro), Micaela (Carmen) e Annina (A
Traviata). Na Opera Nova Bydgoszcz interpretou Gretel (Hansel e Gretel de Humperdinck), Hanna (A casa
enmeigada de Moniuszko) e Belinda (Dido e Eneas de
Purcell). Foi premiada en varios concursos en Polonia
e recentemente obtivo o terceiro premio na categoría
de ópera e o de mellor interpretación de Mozart no
Concurso Internacional Antonin Dvorák 2013 en Karlowy Vary (República Checa). No campo da música
contemporánea foi convidada a realizar a estrea mundial de Spoon River de A. Nowak e o artista multimedia
A. Dudek, proxecto que inaugurou o prestixioso Festival de Outono de Varsovia 2013.
Nacida en Eslovaquia, obtuvo su master artístico en canto en el Conservatorio Superior F. Nowowiejskiego (Bydgoszcz, Polonia) con la profesora Hanna Michalak. A pesar de su juventud posee un amplio repertorio, cantatas,
oratorios, lied y ópera, desde el barroco temprano hasta
la música contemporánea. Es regularmente invitada
en los principales teatros de ópera de Polonia. Debutó
como Barbarina en Las bodas de Fígaro en el Teatro Nacional de Varsovia, donde también cantó Boris Godunov
de Mussorgski (Xenia) y protagonizó el estreno mundial
de The sudden rain del compositor polaco A. Nowak. En
la Opera Balticka (Gdansk) ha interpretado los papeles
de Pamina (La flauta mágica), Susanna y Barbarina (Las
bodas de Fígaro), Micaela (Carmen) y Annina (La Traviata). En la Opera Nova Bydgoszcz ha interpretado Gretel
(Hansel y Gretel de Humperdinck), Hanna (La casa embrujada de Moniuszko) y Belinda (Dido y Eneas de Purcell). Ha sido premiada en varios concursos en Polonia
y recientemente ha obtenido el tercer premio en la categoría de ópera y el de mejor interpretación de Mozart
en el Concurso Internacional Antonin Dvorák 2013 en
Karlowy Vary (República Checa). En el campo de a música contemporánea ha sido invitada a realizar el estreno
mundial de Spoon River de A. Nowak y el artista multimedia A. Dudek, proyecto que inauguró el prestigioso
Festival de Otoño de Varsovia 2013.
PROGRAMACIÓN DIDÁCTICA,
INFANTIL, XUVENIL
E FAMILIAR
“a música contemporánea
para todos os públicos”
CGAC
CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA
SÁBADO 11 OUTUBRO
recomendado: a partir de 8 anos
18.30
GEORGE’S ODYSSEY (2010-2013)*
unha introdución á música de vangarda
creación videográfica de Ana de Alvear (España, 1962)
Episodio 1
Episodio 2
Episodio 3
Episodio 4
Episodio 5
Episodio 6
Interstellar Sound
Episodio 7
Prime Sounds
Episodio 8
(Son interestelar) (2010)
Jorge Fernández Guerra (España, 1952)
(Sons primarios) * (2014)
María de Alvear (España, 1960)
Liquid Murmur
(Murmurio líquido) * (2014)
Klaus Lang (Austria, 1971)
Humming Tune
(Zunido tonal) * (2014)
Eduardo Polonio (España, 1941)
Hiperspace Sound
(Son hiperespacial) * (2014)
Jo Kondo (Xapón, 1947)
Vegetable Rustling
(Cruxido vexetal) * (2014)
Antoine Beuger (Alemaña, 1955)
TRÍO ARBÓS
MIGUEL BORREGO violín
JOSÉ MIGUEL GÓMEZ violoncello
JUAN CARLOS GARVAYO piano
Smooth Peace Resonance
(Suave resonancia pacífica) * (2014)
Ernstalbrecht Stiebler (Alemaña, 1934)
Leeward Sighing
(Suspiro de sotavento) **
Tom Johnson (EEUU/Francia, 1939),
adaptación da peza Predictables (1984)
Episodio 9
Dreamer Murmuring
(Murmurio do sono) * (2014)
Linda Catlin Smith (Canadá, 1957)
Episodio 10
Icy Sound
Episodio 11
Suborbital Whisper (Murmurio
(Son glacial) * (2013)
Walter Zimmermann (Alemaña , 1949)
suborbital) * (2014)
Miguel Ángel Tolosa (España, 1969)
* estrea absoluta, encarga do CNDM
A Odisea de Xurxo
La Odisea de Jorge
Xurxo, un amable e cariñoso robot, viaxa nun foguete percorrendo galaxias descoñecidas. No camiño
encóntrase con todo tipo de dificultades que debe
superar e que poñen a proba a súa autonomía. Si,
Xurxo é un robot que aprende! Na súa viaxe iniciática enfróntase a distintos retos e vive aventuras que
lle axudan a vencer o medo. Caerá na conta de que
os problemas sempre aparentan ser máis grandes
do que son en realidade cando se lles planta cara.
Tamén salvará os seus colegas, tal como sucede no
primeiro dos once breves episodios titulado Son interestelar, con música de Jorge Fernández Guerra.
O seu valse evoca o do Danubio azul, a ese outro
valse que Stanley Kubrick empregou na súa mítica fita 2001, unha odisea no espazo. En Murmurio
líquido, ao compás do escrito polo austríaco Klaus
Lang, Xurxo aterra nun planeta acuático e decátase
de que a auga salgada corroe a súa pintura. Achada
a solución a este problema, prosegue a súa marcha
ata chegar a un planeta xélido onde loita contra as
adversidades ao son da música de Walter Zimmermann (Son glacial). En Estalo vexetal intérnase nunha selva de inusitada beleza. Non obstante, unhas
lianas atraparon outros robots. O compositor neerlandés Antoine Beuger acompaña sonoramente
este intrigante capítulo que precede ao de Suave
resonancia pacífica (Ernstalbrecht Stiebler), onde
o simpático homiño mecánico entra nunha cova de
diamantes custodiada por un dragón. Máis adiante
encontrarase cun astro cheo de xogos (Murmurio do
Jorge, un amable y cariñoso robot, viaja en un cohete recorriendo galaxias desconocidas. A su camino
se encuentra con todo tipo de dificultades que ha
de superar y que ponen a prueba su autonomía. ¡Sí,
Jorge es un robot que aprende! En su viaje iniciático
se enfrenta a distintos retos y vive aventuras que le
ayudan a vencer el miedo. Caerá en la cuenta de que
los problemas siempre aparentan ser más grandes de
lo que son en realidad cuando se les planta cara. Asimismo salvará a sus colegas, tal como sucede en el
primero de los once breves episodios titulado Sonido
interestelar, con música de Jorge Fernández Guerra.
Su vals evoca al del Danubio azul, a ese otro vals que
Stanley Kubrick empleó en su mítica cinta 2001, una
odisea en el espacio. En Murmullo líquido, al compás
de lo escrito por el austríaco Klaus Lang, Jorge aterriza en un planeta acuático y se percata de que el
agua salada corroe su pintura. Hallada la solución a
este problema, prosigue su marcha hasta llegar a un
planeta gélido donde lucha contra las adversidades
al son de la música de Walter Zimmermann (Sonido
glacial). En Crujido vegetal se adentra en una selva
de inusitada belleza. Sin embargo, unas lianas han
atrapado a otros robots. El compositor neerlandés
Antoine Beuger acompaña sonoramente este intrigante capítulo que precede al de Suave resonancia
pacífica (Ernstalbrecht Stiebler), donde el simpático
hombrecito mecánico entra en una cueva de diamantes custodiada por un dragón. Más adelante se
encontrará con un astro lleno de juegos (Murmullo del
sono, Linda Catlin Smith) ou de flores xigantes e perigosas abellas de peluche (Zunido tonal, Eduardo
Polonio); ou se verá atrapado nun burato de verme
(Son hiperespacial, Jo Kondo), ou tratará de sobrevivir en paraxes inhóspitas, castigadas por constantes
tornados e terremotos (Suspiro de sotavento, Tom
Johnson). Tamén se lle poderá ver visitando uns
cavernícolas asustados en Sons primarios (María de
Alvear), e por último en Murmurio suborbital, onde a
partitura de Miguel Ángel Tolosa acompaña unhas
imaxes intergalácticas.
sueño, Linda Catlin Smith) o de flores gigantes y peligrosas abejas de peluche (Zumbido tonal, Eduardo
Polonio); o se verá atrapado en un agujero de gusano
(Sonido hiperespacial, Jo Kondo), o tratará de sobrevivir en parajes inhóspitos, castigados por constantes
tornados y terremotos (Suspiro de sotavento, Tom
Johnson). También se le podrá ver visitando a unos
cavernícolas asustados en Sonidos primarios (María
de Alvear), y por último en Susurro suborbital, donde
la partitura de Miguel Ángel Tolosa acompaña unas
imágenes intergalácticas.
La Odisea de Jorge é unha proposta interdisciplinar
cun claro fin pedagóxico. Trátase dunha obra audiovisual cuxo obxectivo consiste en achegar a nenos
e adultos á música contemporánea, combinando
esta coas imaxes para que o público descubra por
si mesmo ata que punto a música é capaz de xerar
asociacións. Para iso, a artista visual Ana de Alvear
escribiu o guión dunha historia subdividida en once
episodios, cuxa “banda sonora” foi especificamente
creada por once compositores provenientes de sete
países diferentes. Nada máis e nada menos que o
Trío Arbós, Premio Nacional de Música en 2013, se
encarga de dar vida a este proxecto didáctico en
cuxo centro se acha o espectador mesmo, e ao que a
conmovedora historia pretende asombrar coas súas
suxestivas imaxes e sons nada habituais.
La Odisea de Jorge es una propuesta interdisciplinar
con un claro fin pedagógico. Se trata de una obra audiovisual cuyo objetivo consiste en acercar a niños
y adultos a la música contemporánea, combinando
ésta con las imágenes para que el público descubra
por sí mismo hasta qué punto la música es capaz de
generar asociaciones. Para ello, la artista visual Ana
de Alvear ha escrito el guión de una historia subdividida en once episodios, cuya “banda sonora” fue
específicamente creada por once compositores provenientes de siete países diferentes. Nada más y nada
menos que el Trío Arbós, Premio Nacional de Música
en 2013, se encarga de dar vida a este proyecto didáctico en cuyo centro se halla el espectador mismo, y al
que la conmovedora historia pretende asombrar con
sus sugerentes imágenes y sonidos nada habituales.
ANA DE ALVEAR
Nacida en Madrid en 1962, é unha artista visual en
cuxas obras se produce un diálogo que transforma a
percepción física e emocional do espectador, cuestionando os seus sentimentos e arquetipos ao desvincular os elementos da realidade á que pertencen
e cambiar o seu sentido intrínseco. Axustándose especificamente a cada espazo, nas súas instalacións
multimedia xogan un papel fundamental a experimentación de novos materiais, soportes e medios,
considerándoos parte do diálogo. Dende 1997 colabora coa súa irmá María de Alvear, compositora,
polo que parte da súa obra está relacionada con producións de música de vangarda nun labor pioneiro
en concertos multidisciplinares, participando no
Sound Symposium 2000 (St. John’s, Newfoundland,
Canadá), o Festival Frau Música Nova W.D.R. (Colonia), Festival Internacional de Darmstadt, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Semana
de Música Relixiosa de Cuenca etc. En 2006 fundou
VIVA (Vital Internacional Video Art) concibido como
espazo de encontro itinerante, onde artistas internacionais poidan encontrar un punto de reunión para
o seu discurso intelectual, creando unha rede expositiva en todo o globo en colaboración con comisarios, galerías, institucións, fundacións e coleccións
privadas. Os seus videos e instalacións foron expostos en Oroon Gallery (Seúl), Hara Museum, Aoyama
Cultural Salon e Instituto Cervantes (Toquio), Kunstvlaai (Ámsterdam), Stedelijke Academie loor Beeldende Kunsten (Antwerpen), Confluencias (Huelva),
ANA DE ALVEAR
Nacida en Madrid en 1962, es una artista visual en cuyas obras se produce un diálogo que transforma la
percepción física y emocional del espectador, cuestionando sus sentimientos y arquetipos al desvincular los elementos de la realidad a la que pertenecen
y cambiar su sentido intrínseco. Ajustándose específicamente a cada espacio, en sus instalaciones multimedia juegan un papel fundamental la experimentación de nuevos materiales, soportes y medios, considerándolos parte del diálogo. Desde 1997 colabora
con su hermana María de Alvear, compositora, por lo
que parte de su obra está relacionada con producciones de música de vanguardia en una labor pionera
en conciertos multidisciplinares, participando en el
Sound Symposium 2000 (St. John’s, Newfoundland,
Canadá), el Festival Frau Música Nova W.D.R. (Colonia), Festival Internacional de Darmstadt, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Semana
de Música Religiosa de Cuenca, etc. En 2006 fundó
VIVA (Vital Internacional Video Art) concebido como
espacio de encuentro itinerante, donde artistas internacionales puedan encontrar un punto de reunión
para su discurso intelectual, creando una red expositiva en todo el globo en colaboración con comisarios,
galerías, instituciones, fundaciones y colecciones privadas. Sus videos e instalaciones han sido expuestas
en Oroon Gallery (Seúl), Hara Museum, Aoyama Cultural Salon e Instituto Cervantes (Tokio), Kunstvlaai
(Ámsterdam), Stedelijke Academie loor Beeldende
Kunsten (Antwerpen), Confluencias (Huelva), Water-
Waterman’s Art Centre (Londres), SAFE Fundation
(Zwollen), Alte Feuerwache (Berlín), Museo da
Ciencia e o Cosmos, (Tenerife), MoCA (Shangai),
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid),
Centre Pompidou (París) etc.
man’s Art Centre (Londres), SAFE Fundation (Zwollen), Alte Feuerwache (Berlín), Museo de la Ciencia
y el Cosmos, (Tenerife), MoCA (Shangai), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centre
Pompidou (París), etc.
TRÍO ARBÓS
TRÍO ARBÓS
JOSÉ MIGUEL GÓMEZ violoncello
JOSÉ MIGUEL GÓMEZ violonchelo
Fundouse en Madrid en 1996, tomando o nome do
célebre director, violinista e compositor español Enrique Fernández Arbós (1863-1939). Na actualidade
é un dos grupos de cámara máis prestixiosos do panorama musical español e en 2013 foi galardoado
co Premio Nacional de Música. O seu repertorio
abrangue dende as obras mestras do Clasicismo e o
Romanticismo (Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann) ata a música do noso tempo.
Dende a súa formación en 1996, un dos principais
obxectivos do Trío Arbós ten sido a contribución ao
enriquecemento da literatura para trío con piano a
través do encargo de novas obras e compuxeron
para eles autores do talle de Luis de Pablo, Tomás
Marco, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, José Luis Turina, José María Sánchez Verdú,
César Camarero, José Manuel López López, Hilda Paredes, Aureliano Cattaneo, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Marisa Manchado, Miguel Gálvez Taroncher,
Harry Hewitt, Roberto Sierra, Marilyn Shrude, Jorge
E. López e German Cáceres, entre outros. Actúa con
Se fundó en Madrid en 1996, tomando el nombre del
célebre director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós (1863-1939). En la actualidad es
uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical español y en 2013 fue galardonado
con el Premio Nacional de Música. Su repertorio abarca desde las obras maestras del Clasicismo y el Romanticismo (Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann) hasta la música de nuestro tiempo.
Desde su formación en 1996, uno de los principales
objetivos del Trío Arbós ha sido la contribución al
enriquecimiento de la literatura para trío con piano a
través del encargo de nuevas obras y han compuesto
para ellos autores de la talla de Luis de Pablo, Tomás
Marco, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, José Luis Turina, José María Sánchez Verdú, César Camarero, José Manuel López López, Hilda Paredes, Aureliano Cattaneo, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Marisa Manchado, Miguel Gálvez Taroncher, Harry
Hewitt, Roberto Sierra, Marilyn Shrude, Jorge E. López
y German Cáceres, entre otros. Actúa con regularidad
regularidade nas principais salas e festivais internacionais de máis de 30 países: Konzerthaus de Viena,
Conservatorio Chaikovski de Moscova, Academia Sibelius de Helsinqui, Wittener Tage fur neue Kammermusik, Teatro Colón de Bos Aires, Auditorio Nacional
de Madrid, Festival de Kuhmo, Festival Time of Music
de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival
de Ryedale, Quincena Musical Donostiarra, Festival
de Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Granada etc. Ten realizado gravacións
para os selos Naxos, Kairos, Col Legno, Fundación
Non Profit Music, Verso, Ensaio e Fundación Autor,
dedicadas a Joaquín Turina, Jesús Torres, César
Camarero, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Roberto
Sierra e outros moitos compositores españois e iberoamericanos. Recentemente gravou o triplo concerto Duración invisible de César Camarero coa Orquestra Nacional de España. O seu proxecto Triple Zone
para a ampliación e difusión da literatura para trío
con piano foi patrocinado pola Ernst von Siemens
Musikstiftung e actualmente colabora coa Fundación
BBVA nun proxecto de encargos internacionais.
en las principales salas y festivales internacionales de
más de 30 países: Konzerthaus de Viena, Conservatorio Chaikovski de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Wittener Tage für neue Kammermusik, Teatro
Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Madrid,
Festival de Kuhmo, Festival Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival de Ryedale,
Quincena Musical Donostiarra, Festival de Música
Contemporánea de Alicante, Festival Internacional
de Granada, etc. Ha realizado grabaciones para los
sellos Naxos, Kairos, Col Legno, Fundación Non Profit
Music, Verso, Ensayo y Fundación Autor, dedicadas a
Joaquín Turina, Jesús Torres, César Camarero, Luis de
Pablo, Mauricio Sotelo, Roberto Sierra y otros muchos
compositores españoles e iberoamericanos. Recientemente ha grabado el triple concierto Duración invisible de César Camarero con la Orquesta Nacional de
España. Su proyecto Triple Zone para la ampliación
y difusión de la literatura para trío con piano ha sido
patrocinado por la Ernst von Siemens Musikstiftung y
actualmente colabora con la Fundación BBVA en un
proyecto de encargos internacionales.
CIDADE DA CULTURA
DOMINGO 12 OUTUBRO
12.30
PORTRAIT_GYÖRGY LIGETI
unha aproximación [pedagóxica] á música contemporánea
György Ligeti (1923-2006)
Musica Ricercata (1951/53) + Sechs Bagatellen für Blaserquintett (1953)
1. Sostenuto piano
8. Presto ruvido quinteto de vento
2. Mesto, rigido e cerimoniale piano
9. Adagio. Mesto (Béla Bartók in memoriam)
quinteto de vento
3. Allegro con spirito quinteto de vento
10. Molto vivace. Capriccioso. Presto
4. Tempo di Valse piano
strepitoso quinteto de vento
5. Rubato Lamentoso quinteto de vento
11. Andante misurato e tranquilo piano
6. Allegro molto capriccioso piano
7. Allegro grazioso quinteto de vento
Artikulation (1958)
Zehn Stücke für Blaserquintett (1968)
1. Molto sostenuto e calmo
2. Prestisimo minaccioso e burlesco
3.Lento
4 Prestissimo leggero e virtuoso
5. Presto staccatissimo e leggero
6.
7.
8.
9.
10.
Presto staccatissimo e leggero
Vivo energico
Allegro con delicatezza
Sostenuto stridente
Presto bizzarro e rubato
A música do compositor húngaro György Ligeti, de
aparente complexidade, baséase en piares moi sinxelos e familiares tanto para amantes da música como
para descoñecedores. Algo tan primitivo como o ritmo, a repetición, a música popular ou unhas matemáticas moi sinxelas aparecen na súa música. Ademais
coñeceremos como Ligeti descubriu e xogou coa música electrónica para crear paisaxes case extraterrestres!
Con todos estes conceptos xogaremos neste concerto
en familia no que seguro o pasarás ben.
La música del compositor húngaro György Ligeti, de
aparente complejidad, se basa en pilares muy simples
y familiares tanto para amantes de la música como
para desconocedores. Algo tan primitivo como el ritmo, la repetición, la música popular o unas matemáticas muy sencillas aparecen en su música. Además conoceremos como Ligeti descubrió y jugó con la música
electrónica para crear paisajes casi extraterrestres! Con
todos estos conceptos jugaremos en este concierto en
familia en el que seguro lo pasarás bien.
ZOAR ENSEMBLE
ZOAR ENSEMBLE
JOAN IBÁÑEZ frauta
DAVID VILLA óboe
ANTONIO SUÁREZ clarinete
JOAN IBÁÑEZ flauta
DAVID VILLA oboe
ANTONIO SUÁREZ clarinete
Sempre con propostas musicais orixinais, frescas e
rechamantes, e intentando escapar dos canons máis
tradicionais, Zoar Ensemble emerxe como un dos
conxuntos de música de cámara con instrumentos de
vento máis activos do panorama musical galego. Dende as súas creación en 2009, teñen realizado máis dunha vintena de concertos en Galicia, Euskadi e Cataluña
e participou en tres concursos internacionais onde
recibiu diferentes galardóns. Unha das súas apostas
principais é apoiar a creación actual, achegando novidades ao repertorio tradicional. Entre as súas estreas
destacan The elephant and the clown de Paquito d’Rivera, Bufonesques de Òscar Àlvarez, Quintetto de fiati
de Gabriel Bussi, Sos e Tons de gris baixo ou ceo de Xa-
Siempre con propuestas musicales originales, frescas
y llamativas, e intentando escapar de los cánones más
tradicionales, Zoar Ensemble emerge como uno de los
conjuntos de música de cámara con instrumentos de
viento más activos del panorama musical gallego. Desde sus creación en 2009, ha realizados más de una veintena de conciertos en Galicia, Euskadi y Cataluña y ha
participado en tres concursos internacionales donde
ha recibido diferentes galardones. Una de sus apuestas principales es apoyar la creación actual, aportando
novedades al repertorio tradicional. Entre sus estrenos
destacan The elephant and the clown de Paquito d’Rivera, Bufonesques de Òscar Àlvarez, Quintetto de fiati de
Gabriel Bussi, Sos e Tons de gris baixo o ceo de Xabier
PORTRAIT_GYÖRGY LIGETI
unha aproximación [pedagóxica] á música contemporánea
bier Mariño (con Manuel Rivas como narrador), Parafrase do nihilismo de Òscar Àlvarez e Luces de Alén de
Juan Durán. Proximamente estrearán obras de Federico Mosquera, Fernando Buide e Óscar Navarro. Gravaron dous discos dentro do programa “Outra+Outra”
que organizan a Fundación Paideia e a Deputación dá
Coruña e é grupo residente do Auditorio Gustav Mahler do conservatorio de Culleredo.
Mariño (con Manuel Rivas como narrador), Parafrase
do nihilismo de Òscar Àlvarez y Luces de Alén de Juan
Durán. Proximamente estrenarán obras de Federico
Mosquera, Fernando Buide y Óscar Navarro. Han grabado dos discos dentro del programa “Outra+Outra”
que organizan la Fundación Paideia y la Deputación da
Coruña y es grupo residente del Auditorio Gustav Mahler del conservatorio de Culleredo.
Estudou piano con Natalia Lamas (A Coruña), Cecilio Tieles (Vilaseca) e Peter Efler (Basilea, Suíza).
En Basilea obtén o Konzertreifediplom (Diploma de
Concerto). Obtivo o primeiro premio no Concurso
Internacional de Piano “Xavier Montsalvatge” de
Girona (1989), no Concurso Nacional de Piano “Gregorio Baudot” de Ferrol (1985) e o Premio Galicia no
mesmo concurso (1991). Na actualidade é profesor
de Piano no Conservatorio Superior de Música de
Vigo. Desenvolve a súa faceta profesional principalmente non eido dá música contemporánea. Doutor
pola Universidade de Vigo, cunha tese sobre a obra
pianística de John Cage, compositor de quen ten
gravado, para a Radio Galega, ás Sonatas and Interludes para piano preparado.
Estudió piano con Natalia Lamas (La Coruña), Cecilio Tieles (Vilaseca) y Peter Efler (Basilea, Suiza). En
Basilea obtiene el Konzertreifediplom (Diploma de
Concierto). Obtuvo el primer premio en el Concurso
Internacional de Piano “Xavier Montsalvatge” de Girona (1989), en el Concurso Nacional de Piano “Gregorio Baudot” de Ferrol (1985) y el Premio Galicia en el
mismo concurso (1991). En la actualidad es profesor
de Piano en el Conservatorio Superior de Música de
Vigo. Desarrolla su faceta profesional principalmente
en el campo de la música contemporánea. Doctor por
la Universidad de Vigo, con una tesis sobre la obra pianística de John Cage, compositor del que ha grabado,
para la Radio Galega, las Sonatas and Interludes para
piano preparado.
CGAC
recomendado: 8-14 anos
SÁBADO 18 OUTUBRO 12.30/17.30/19.00
DOMINGO 19 OUTUBRO 12.30/17.30
CACTUSWORKESTRA / instalación plástico-sonora
CactusWorkestra é unha creación plástico-sonora. Oír
partindo dunha instrumentación de 20 cactos preparados e sonorizados (out of tune), en diversas constelacións, e con 20 participantes (nen@s ou moz@s).
CactusWorkestra é unha experiencia baseada na performance e na acción directa: cada participante busca
a mellor unión sonora e visual e axusta novos tons e
sons. João Ricardo de Barros Oliveira motiva aos rapaces para desenvolver a sensibilidade sonora e valorar
o espazo envolvente e intenta espertar a curiosidade
sobre sons perdidos que non se espera encontrar.
CactusWorkestra es una creación plástico-sonora. Oír
partiendo de una instrumentación de 20 cactus preparados y sonorizados (out of tune), en diversas constelaciones, y con 20 participantes (niñ@s y jóvenes). CactusWorkestra es unha experiencia basada en la performance y en la acción directa: cada participante busca
la mejor unión sonora y visual y ajusta nuevos tonos y
sonidos. João Ricardo de Barros Oliveira motiva a los
chic@s para desarrollar la sensibilidad sonora y valorar
el espacio envolvente e intenta despertar la curiosidad
sobre sonidos perdidos que no se espera encontrar.
JOÃO RICARDO DE BARROS OLIVEIRA
JOÃO RICARDO DE BARROS OLIVEIRA
Nacido en Viana do Castelo, traballa entre Portugal e
Alemaña, onde centraliza o desenvolvemento da súa
actividade de músico-escultor plástico-sonoro. Dende
hai máis de dúas décadas dedícase á experimentación
estética e sonora, na busca de novas linguaxes nas que
a escultura e os obxectos sonoros, que constrúe a partir de elementos recuperados do lixo, se transforman
en arte sonora: obxectos capaces de producir sons con
identidade propia, sempre inconclusos e evolucionando cara a novas e inusitadas sonoridades. Colaborou
con artistas portugueses e internacionais, participou
en numerosos festivais de música, dirixiu talleres para
diversos colectivos e presentou a súa música en radios
e televisións de Noruega, Portugal, España, Alemaña,
Inglaterra, Austria e Estados Unidos. Compuxo música
para películas de Anna Hoegh Krohn, nas que tamén
actuou como protagonista. www.lixoluxo.com
Nacido en Viana do Castelo, trabaja entre Portugal y
Alemania, donde centraliza el desarrollo de su actividad
de músico-escultor plástico-sonoro. Desde hace más de
dos décadas se dedica a la experimentación estética y
sonora, en la búsqueda de nuevos lenguajes en los que
la escultura y los objetos sonoros, que construye a partir
de elementos recuperados de la basura, se transforman
en arte sonoro: objetos capaces de producir sonidos con
identidad propia, siempre inconclusos y evolucionando
hacia nuevas e inusitadas sonoridades. Ha colaborado
con artistas portugueses e internacionales, ha participado en numerosos festivales de música, ha dirigido talleres para diversos colectivos y ha presentado su música
en radios y televisiones de Noruega, Portugal, España,
Alemania, Inglaterra, Austria y EEUU. Ha compuesto
música para películas de Anna Hoegh Krohn, en las que
también actuó como protagonista. www.lixoluxo.com
CGAC
DOMINGO 26 OUTUBRO
12.30
EXPERIMENTA COA MÚSICA
A través de diferentes técnicas experimentais trataranse diversos obxectivos para poder achegar a música aos máis pequenos. Partindo do tratamento da
música contemporánea experimental, os nenos non
só coñecerán a música contemporánea de primeira
man, senón tamén o funcionamento dunha orquestra e os instrumentos que a compoñen. O material
musical constará, por unha parte, de obras xa preparadas previamente nas que o público participará de
forma activa na súa interpretación. Por outra parte, a
base de musicogramas (técnica compositiva con debuxos) elaboraranse unhas pezas curtas totalmente
compostas in situ... Nenos e nenas serán os principais
compositores... experimentando coa música.
A través de diferentes técnicas experimentales se tratarán diversos objetivos para poder acercar la música
a los más pequeños. Partiendo del tratamiento de la
música contemporánea experimental, los niños no
sólo conocerán la música contemporánea de primera
mano, si no también el funcionamiento de una orquesta y los instrumentos que la componen. El material musical constará, por una parte, de obras ya preparadas previamente en las que el público participará
de forma activa en su interpretación. Por otra parte,
a base de musicogramas (técnica compositiva con
dibujos) se elaborarán unas piezas cortas totalmente
compuestas in situ... Niños y niñas serán los principales compositores... experimentando con la música.
ORQUESTRA DO ESPAZO DE CÁMARA
DA UNIVERSIDADE DE SANTIAGO
MARIO DIZ director
ORQUESTA DEL ESPACIO DE CÁMARA
DE LA UNIVERSIDAD DE SANTIAGO
MARIO DIZ director
O Espazo de Cámara da USC naceu co obxectivo de
impulsar nos mozos universitarios e, por extensión
na cidadanía de Compostela, un proxecto educativo
e cultural onde o eixo fundamental é a música. Co
patrocinio da Vicereitoría de Cultura, o grupo que
conforma a Orquestra da Universidade de Santiago,
dirixida por Mario Diz, procura de maneira prioritaria a formación musical dos seus membros que, semana tras semana, adquiren un maior compromiso
El Espacio de Cámara de la USC nació con el objetivo
de impulsar en los jóvenes universitarios y, por extensión en la ciudadanía de Compostela, un proyecto educativo y cultural donde el eje fundamental es la música. Con el patrocinio de la Vicerrectoría de Cultura, el
grupo que conforma la Orquesta de la Universidad de
Santiago, dirigida por Mario Diz, busca de manera prioritaria la formación musical de sus miembros que, semana tras semana, adquieren un mayor compromiso
co estudo e a difusión dos valores da música. Para
este fin, conta e agradece todo tipo de colaboracións
como as de membros da Real Filharmonía de Galicia
e outros mestres salientables da música en Galicia.
Dende 2010 afondou en proxectos como o aniversario de Debussy (Concerto para arpa e orquestra interpretado coa solista Reyes Gómez), monográfico
sobre Astor Piazzolla, o Concerto en Re maior para
cello de Haydn (xunto a Carlos García Amigo), un
programa sobre a música galega (Gregori Nedobora
interpretou o concerto do violinista Manuel Quiroga) e participa tamén nas Xornadas de Música Contemporánea de Santiago de Compostela.
con el estudio y la difusión de los valores de la música.
Para este fin, cuenta y agradece todo tipo de colaboraciones como las de miembros de la Real Filharmonía
de Galicia y otros maestros destacados de la música
en Galicia. Desde 2010 ahondó en proyectos como el
aniversario de Debussy (Concierto para arpa y orquesta
interpretado con la solista Reyes Gómez), monográfico
sobre Astor Piazzolla, el Concierto en Re maio para chelo de Haydn (junto a Carlos García Amigo), un programa sobre música gallega (Gregori Nedobora interpretó
el concierto del violinista Manuel Quiroga) y ha participado también en las Jornadas de Música Contemporánea de Santiago de Compostela.
ENTRADAS
HORARIO DE DESPACHO DE BILLETES
Teatro Principal (19 e 28 outubro)
CGAC (5, 12 e 26 outubro)
Paraninfo da Universidade (16, 18 e 21 outubro)
Igrexa da Universidade (14 outubro)
Sala Capitol (1 nov.)
gratuíto previa retirada da entrada
no despacho de billetes do Teatro Principal
entradas gratuítas dispoñibles
a partir do 12 de setembro
Auditorio de Galicia (3, 9 e 30 de outubro): 10 euros
entradas.abanca.com / 902 434 443
“Unha xornada contemporánea…”
(4 de outubro, CGAC e Praza das Pratarias):
acceso libre ata completar o aforo
AdesTempo
programación didáctica, infantil, xuvenil e familiar:
> 11 outubro (CGAC), 12 out. (Cidade da Cultura)
e 26 out. (CGAC):
gratuíto previa retirada da entrada no
despacho de billetes do Teatro Principal
> 18 e 19 outubro (CGAC):
gratuíto previa inscrición no email
[email protected] para os nenos
participantes activos na CactusWorkestra
(entrada libre ata completar aforo
para o resto do público)
Teatro Principal:
de 18.00 a 21.00 h, de martes a sábado.
CGAC:
entradas gratuítas para os concertos do CGAC
(5, 11, 12 e 26 de outubro) en horario de 11.00 a 20.00 h.
Cidade da Cultura (Punto On):
entradas gratuítas para o concerto
familiar do Zoar Ensemble
(12 de outubro, Cidade da Cultura) en horario de 10.00
a 14.00 h. e de 16:00 a 20.00 h.
Paraninfo da Universidade /
Igrexa da Universidade / Sala Capitol:
o día do concerto dende 1 hora antes do inicio.
Auditorio de Galicia:
os días de concerto a partir das 18.00 h.

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