MENDELSSOHN`S VIOLIN CONCERTO LE CONCERTO POUR

Pinchas Zukerman
Directeur musical/Music Director
Mario Bernardi, C.C.
Chef d’orchestre lauréat/Conductor Laureate
Boris Brott, O.C.
Premier chef des concerts jeunesse et famille/
Principal Youth and Family Conductor
Jack Everly
Premier chef des concerts Pops/Principal Pops Conductor
Mark Motors Audi Signature Series/Série Signature Mark Motors Audi
Mendelssohn’s Violin Concerto
Le Concerto pour violon
de Mendelssohn
PINCHAS ZUKERMAN
VIVIANE HAGNER
conductor/chef d’orchestre
violin/violon
February 1–2 février 2012
Salle Southam Hall
Peter A. Herrndorf
President and Chief Executive Officer/Président et chef de la direction
Program/Programme
The ideal union of
form and function
2012 Audi A4 Avant
WEBER
Overture to Der Freischütz, Op. 77
10 minutes
Ouverture de l’opéra Der Freischütz, opus 77
MENDELSSOHN
Violin Concerto in E minor, Op. 64
27 minutes
Concerto pour violon en mi mineur, opus 64
I. Allegro molto appassionato —
II. Andante —
III. Allegretto non troppo — Allegro molto vivace
(played without pause/enchaînement sans pause)
Viviane Hagner violin/violon
I n t e r missio n / E n t r a c t e
SIBELIUS
Symphony No. 2 in D major, Op. 43
44 minutes
Symphonie no 2 en ré majeur, opus 43
I. Allegretto
II. Andante, ma rubato
III. Vivacissimo
IV. Finale: Allegro moderato
Viviane Hagner will greet the audience and sign CDs in the main foyer after the concert.
Viviane Hagner dédicacera des CD dans le Foyer principal après le concert.
markmotorsofottawa.com
/MarkMotorsAudi
AUDI, THE OFFICIAL CAR OF THE NATIONAL ARTS CENTRE ORCHESTRA
2
Behind the scenes at the National Arts Centre: blog.nac-cna.ca
Dans les coulisses du Centre national des Arts : blogue.cna-nac.ca
3
CARL MARIA VON WEBER
CARL MARIA VON WEBER
Overture to Der Freischütz, Op. 77
Ouverture de l’opéra Der Freischütz, opus 77
Der Freischütz, the third of Weber’s five
complete, extant operas, marked the first
important instance of a national German
opera. In form, it descended from the Singspiel
tradition — stage works with passages of
spoken German dialogue alternating with
musical numbers — but in content, it set itself
apart from its illustrious predecessors like
Mozart’s Magic Flute and Beethoven’s Fidelio
through the use of specifically German subject
matter. In this respect, it set the example for
later operatic expressions of national feeling:
Smetana’s Bartered Bride, Mussorgsky’s
Boris Godounov, Britten’s Peter Grimes and
Copland’s Tender Land. One writer observed
that the Overture to Der Freischütz could easily
be the overture to one of the Grimm’s fairy
tales, for the heart and soul of German folklore
is embodied in this opera, involving as it does
a dark mysterious forest, huntsmen, a friendly
hermit, ghosts, evil spirits, a devil and a pair
of lovers.
Der Freischütz, le troisième des cinq opéras
complets et existants de Weber, est le premier
opéra national allemand d’envergure. Par
sa forme, il est apparenté à la tradition du
Singspiel — œuvre scénique dans laquelle
les dialogues parlés en allemand alternaient
avec les passages musicaux — mais, par
son contenu, il se distingue de ses illustres
prédécesseurs que furent La Flûte enchantée
de Mozart et Fidelio de Beethoven, puisque
Born in Eutin (near Lübeck), Germany,
November 18, 1786; died in London, June 5, 1826
Weber selected the story from a collection
of supernatural tales, the Gespensterbuch (Ghost
Stories) of Apel and Laun. Friedrich Kind fashioned
the libretto, working closely with Weber. The
complete opera had a highly successful premiere
in Berlin on June 18, 1821, but the overture
alone had first been heard nine months earlier
in Copenhagen, and was published separately
under its own opus number.
Eutin (près de Lübeck, en Allemagne),
18 novembre 1786; Londres, 5 juin 1826
l’intrigue est purement allemande. À ce titre,
Der Freischütz a tracé la voie à d’autres œuvres
lyriques d’inspiration nationale telles que La
Fiancée vendue de Smetana, Boris Godounov
de Moussorgski, Peter Grimes de Britten et
The Tender Land de Copland. Un auteur a
écrit que l’ouverture du Freischütz pourrait
servir d’introduction à un conte de fées des
frères Grimm, puisqu’on retrouve toute l’âme
du folklore allemand dans cet opéra dont le
décor est campé dans une forêt sombre et
mystérieuse où se côtoient des chasseurs, un
ermite bienveillant, des fantômes, des mauvais
esprits, un diable et un couple d’amoureux.
Weber s’est servi pour son opéra d’une
histoire provenant du Gespensterbuch
(Histoires de fantômes), un recueil de contes
fantastiques d’Apel et Laun. Le livret est de
Friedrich Kind, qui avait travaillé en étroite
collaboration avec Weber. L’opéra connut un
grand succès lorsqu’il fut présenté pour la
The NAC Orchestra has played the Overture to Weber’s Der Freischütz many times. They first performed the
work in 1970, under the direction of Franz-Paul Decker, and their most recent performance was in 2003,
with Pinchas Zukerman at the podium.
L’Orchestre du CNA a interprété l’ouverture de l’opéra Der Freischütz de Weber à de nombreuses reprises,
la première fois en 1973 sous la direction de Franz-Paul Decker et le plus récemment en 2003, avec
Pinchas Zukerman au podium.
4
Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC
The overture is a synthesis of the opera
that follows. The slow introduction features
a horn quartet, softly and gently evoking
the peaceful, romantic forest. A dark shadow
crosses the sylvan setting — the evil Samiel
lurks about, portrayed by a string tremolo
and soft throbs from the timpani. The music
of the allegro section is at first stormy and
restless, representing the events of the wild,
and the macabre Wolf’s Glen scene, replete
with ghosts, goblins, eerie winds and a
host of supernatural occurrences. This leads
into a long solo for the clarinet, Weber’s
favourite instrument. Then comes the heroine
Agathe’s theme — a soaring, graceful melody
in the clarinet and strings. Throughout the
symphonic development, the forces of good
and evil engage in a dramatic conflict. But, as
in most fairy tales, good triumphs in the end.
Following a long, pregnant pause, fortissimo
chords for the full orchestra lead to a return
of Agathe’s theme, and the overture ends
joyously.
By Robert Markow
première fois dans son intégralité, à Berlin, le
18 juin 1821, mais l’ouverture avait déjà été
entendue neuf mois plus tôt à Copenhague
et fut publiée séparément sous son propre
numéro d’opus.
L’ouverture fait la synthèse de l’opéra qui
va suivre. La lente introduction fait appel à
un quatuor de cors qui évoque avec douceur
la forêt paisible et romantique. Une ombre
traverse le décor sylvestre lorsque le méchant
Samiel vient rôder, représenté par un trémolo
des cordes et de sourdes pulsations des
timbales. La musique de la section allegro est,
au départ, tumultueuse et agitée, illustrant
la scène débridée et macabre de la Vallée
du Loup, remplie de fantômes, de lutins, de
vents étranges et d’événements surnaturels.
Cette section mène à un long solo pour la
clarinette, l’instrument préféré de Weber.
Vient ensuite le thème de l’héroïne Agathe
— un air gracieux et éthéré interprété par
la clarinette et les cordes. Pendant tout le
développement symphonique, on assiste à
une lutte dramatique entre les forces du bien
et du mal. Mais, comme dans la plupart des
contes de fées, le bien finit par l’emporter.
Après une pause longue et éloquente, des
accords fortissimo de l’orchestre au complet
annoncent le retour du thème d’Agathe et
l’ouverture prend fin sur une note joyeuse.
Traduit d’après Robert Markow
FELIX MENDELSSOHN
FELIX MENDELSSOHN
Born in Hamburg, February 3, 1809;
died in Leipzig, November 4, 1847
Hambourg, 3 février 1809;
Leipzig, 4 novembre 1847
Violin Concerto in E minor, Op. 64
Concerto pour violon en mi mineur, opus 64
One of the first tasks to which Mendelssohn
applied himself after his unhappy sojourn in
Berlin (1842-44) was the completion of the
violin concerto he had begun six years earlier.
L’une des premières tâches auxquelles s’attela
Mendelssohn après son malheureux séjour à
Berlin (1842-1844) fut d’achever le concerto
pour violon qu’il avait entrepris d’écrire six
Suivez-nous sur twitter : twitter.com/CNAduCanada
5
This was written for his friend Ferdinand David,
concertmaster of the Leipzig Gewandhaus
Orchestra, which Mendelssohn had conducted
before going to Berlin. Back in July of 1838,
Mendelssohn had written to David: “I’d like to
write a violin concerto for you next winter; one
in E minor sticks in my head, the beginning of
which will not leave me in peace.” One year
later Mendelssohn wrote again, saying that he
needed only “a few days in a good mood” to
write the concerto.
Mendelssohn finally completed the
concerto in September of 1844. The sense
of facility and effortless grace, its polish and
eternal freshness, and the amiable, genteel
mood it generates totally belie Mendelssohn’s
effort to compose it. This concerto, his last
major composition save the oratorio Elijah,
has become one of the half dozen or so most
popular of all violin concertos, and one of the
foundation stones of almost every violinist’s
repertoire.
David was of course the soloist at the
premiere, which took place at a Gewandhaus
concert in Leipzig on March 13, 1845.
Surprisingly though, Mendelssohn did not
conduct; this honour went to Niels Gade,
the Danish composer who had become the
orchestra’s conductor during Mendelssohn’s
Berlin sojourn.
Although trained in the classical manner,
Mendelssohn possessed a romantic streak as
well, which manifested itself in the air of poetic
fantasy that infuses his music, and in liberties
he took with regard to formal construction.
There is no opening orchestral introduction,
for instance — the soloist enters with the
main theme almost immediately. All three
movements are joined, with no formal pauses
to break the flow. (Beethoven had written
concertos with two movements joined — the
Violin Concerto and the Fifth Piano Concerto —
but not all three.) A cadenza normally appears
6
ans plus tôt. Il destinait cette œuvre à son ami
Ferdinand David, violon solo de l’Orchestre
du Gewandhaus de Leipzig, qu’il avait dirigé
avant son départ pour Berlin. Dès juillet 1838,
Mendelssohn écrivait à David : « J’aimerais
écrire un concerto pour violon à ton intention
l’hiver prochain; j’en ai un en mi mineur qui
me trotte dans la tête, et dont le début ne
cesse de me hanter. » Un an plus tard, dans
une autre lettre, Mendelssohn confiait à David
avoir seulement besoin de « quelques jours
dans les bonnes dispositions » pour écrire ce
concerto.
Mendelssohn acheva finalement le
concerto en septembre 1844. L’impression
d’aisance et de grâce naturelle qui s’en
dégage, son poli, sa fraîcheur sans cesse
renouvelée, et le climat aimable et raffiné
qu’il installe ne laissent rien transparaître des
efforts considérables que Mendelssohn mit
à le composer. Ce concerto, dernière œuvre
majeure du compositeur hormis l’oratorio
Élias, est devenu l’un des cinq ou six concertos
pour violon les plus populaires, pierre d’assise
du répertoire de la plupart des violonistes.
David en fut bien entendu le soliste à
sa création, au Gewandhaus de Leipzig, le
13 mars 1845. Étonnamment, Mendelssohn
ne le dirigea pas lui-même; cet honneur revint
à Niels Gade, le compositeur danois qui était
devenu le chef attitré de l’orchestre pendant
le séjour de Mendelssohn à Berlin.
Musicien
classique
de
formation,
Mendelssohn n’en possédait pas moins
une veine romantique certaine, qui se
manifeste dans l’atmosphère de fantaisie
poétique qui imprègne son œuvre et dans les
libertés qu’il prenait par rapport aux formes
conventionnelles. Par exemple, la pièce qui
nous occupe est dépourvue d’introduction
orchestrale — le soliste expose le thème
principal presque d’entrée de jeu. Les trois
mouvements s’enchaînent d’un trait, sans
Behind the scenes at the National Arts Centre: blog.nac-cna.ca
Mendelssohn’s violin concerto was the first “serious, grown-up” concerto that I
was given the opportunity to perform with an orchestra. That by itself puts this
piece in a special place within my repertoire, and it is attached with many fond
memories. Back then, in my very early teens, I immediately fell in love with
the most beautiful tunes of the first and second movements. Drama and almost
exuberant passion are elegantly intertwined with lyrical and, at other times, very
light, almost fen-fire-like passages. Numerous performances later, I cannot claim
that I like any aspect of this masterwork any less. Rather the opposite, in fact.
I can only join the crowd of many of my colleagues cherishing Mendelssohn’s
violin concerto as probably “the perfect” concerto for our instrument.
Le concerto pour violon de Mendelssohn est le premier concerto
« sérieux, d’envergure » que j’ai joué avec orchestre. Cela suffit à expliquer la
place particulière qu’il occupe dans mon répertoire, et les nombreux doux souvenirs
qu’il évoque chez moi. Alors à ma tendre adolescence, je suis instantanément
tombée en amour avec les sublimes mélodies des premier et deuxième
mouvements de la pièce. Des passages tantôt lyriques, tantôt aériens, jaillissant
telles des étincelles, font s’entremêler le drame et une passion presque déchaînée.
De nombreuses prestations plus tard, il m’est impossible de trouver un seul
aspect de cette œuvre que j’affectionne moins qu’avant. Au contraire. Je ne peux
qu’ajouter ma voix à celle de nombre de mes collègues pour qui ce concerto chéri
pour violon de Mendelssohn constitue sans doute l’œuvre « par excellence » écrite
pour cet instrument.
— Viviane Hagner
Dans les coulisses du Centre national des Arts : blogue.cna-nac.ca
7
near the end of a concerto’s first movement,
halting the momentum of the music and
leaving the field open for the soloist to give
a virtuosic improvisation of his own design.
But in this concerto Mendelssohn places the
cadenza much earlier, at the juncture of the
development section and the recapitulation,
with the soloist continuing on as accompanist
after the orchestra reenters. Thus, the cadenza
assumes a more important dramatic and
structural role within the movement’s design.
The term “well-bred” is often invoked to
describe this concerto, and nowhere better
does it serve than for the quiet rapture and
poetic beauty of the second movement’s
principal theme. A moment of sweet
melancholy in A minor intrudes briefly, with
trumpets and timpani adding a touch of
agitation. The principal theme then returns
in varied repetition and a gently yearning
passage, again in A minor, leads to the finale.
Two brief fanfares from horns, trumpets and
timpani announce the final movement. As
in the two previous movements, the soloist
gives the first presentation of the principal
theme, one of elfin lightness and gaiety.
The mood of this movement has often been
compared to that of the fairyland world of
an earlier Mendelssohn score, his music for
A Midsummer Night’s Dream.
By Robert Markow
aucunes pauses. (Beethoven avait déjà écrit
des concertos dans lesquels deux mouvements
s’enchaînaient ainsi — le Concerto pour
violon et le Concerto pour piano no 5 — mais
jamais les trois mouvements.) Une cadence
apparaît habituellement vers la fin du premier
mouvement d’un concerto, freinant l’élan du
flux musical et laissant le champ libre au soliste
pour offrir une interprétation virtuose de son
cru. Dans ce concerto, toutefois, Mendelssohn
fait intervenir la cadence beaucoup plus tôt, à
la charnière de la section de développement
et de la reprise, le soliste poursuivant ensuite
dans un rôle d’accompagnement après le
retour de l’orchestre. La cadence assume ainsi
une fonction beaucoup plus importante, sur les
plans dramatique et architectonique, dans la
conception même du mouvement.
On qualifie fréquemment ce concerto de «
bien élevé », et nulle part ce terme n’est mieux
choisi que pour décrire le calme ravissement
et la beauté lyrique du thème principal du
second mouvement. Un moment de douce
mélancolie en la mineur est introduit alors
que les trompettes et les timbales ajoutent
une touche d’agitation. Le thème principal
revient ensuite à plusieurs reprises avec de
légères variations, et un passage plein de
tendresse, à nouveau en la mineur, mène
au finale. Deux brèves fanfares des cors, des
trompettes et des timbales annoncent le
dernier mouvement. Comme dans les deux
mouvements précédents, le soliste donne la
première exposition du thème principal, d’une
Roland Leduc led the NAC Orchestra’s first performance of Mendelssohn’s E-minor Violin Concerto in 1969,
with Steven Staryk as soloist, and the Orchestra played this work most recently in 2009, with Gil Shaham on
violin and Pinchas Zukerman at the podium. Soloists who have performed this work with the Orchestra over
the years include Sarah Chang, Walter Prystawski and Isaac Stern.
Roland Leduc dirigeait l’Orchestre du CNA à la première prestation qu’a donnée l’ensemble du Concerto
pour violon en mi mineur de Mendelssohn en 1969, avec Steven Staryk comme soliste. La plus récente
interprétation de cette œuvre par l’Orchestre a été offerte en 2009 avec Gil Shaham au violon et Pinchas
Zukerman au podium. Au nombre des solistes qui ont joué ce concerto avec l’ensemble au fil des ans figurent
Sarah Chang, Walter Prystawski et Isaac Stern.
8
Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC
légèreté et d’une gaieté délicates. Le climat
de ce mouvement a souvent été comparé à
l’univers féerique d’une partition antérieure de
Mendelssohn, celle de la musique qu’il écrivit
pour Le Songe d’une nuit d’été.
Traduit d’après Robert Markow
JEAN SIBELIUS
JEAN SIBELIUS
Symphony No. 2 in D major, Op. 43
Symphonie no 2 en ré majeur, opus 43
So many people have read so many things into
Sibelius’s Second Symphony that its purely
musical argument sometimes gets lost. To
Finns searching for nationalistic connotations
in anything their compatriots wrote, the
Second Symphony, with its broad scale and
heroic gestures, provided a perfect vehicle.
The composer’s own avowal that “I am a
poet of Nature. I love the mysterious sounds
of the fields and forests . . . ” has been used
to detect nature imagery in the Symphony,
but composition of the work preceded this
statement. Folk material? Some of Sibelius’s
themes may sound like popular tunes, but
the composer himself asserted that “I have
never used a theme that was not of my own
invention.” And what about geographical
implications — those darkly brooding Finnish
forests, silent lakes and wintery landscapes?
The Second Symphony was composed mostly
in warm, sunny Italy during the spring of 1901.
The first performance took place a year later in
Helsinki, with Sibelius conducting.
The success and popularity of this work
have not depended on the imaginative minds
that devised the foregoing theories. As a
structure in sound, the symphony stands on its
own as one of the most magnificent creations
in the orchestral repertoire. In the tensions
On a cru lire tellement de messages dans la
Deuxième symphonie de Sibelius qu’on en
a oublié son intérêt purement musical. Pour
les Finlandais soucieux de rechercher des
connotations nationalistes dans toutes les
œuvres de leurs compatriotes, la Deuxième
symphonie offrait un terreau idéal, en raison
de ses grandes dimensions et de ses gestes
héroïques. « Je suis un poète de la nature. J’aime
les sonorités mystérieuses des champs et des
forêts... » Cette affirmation du compositeur a
encouragé certains à rechercher des images
de la nature dans la symphonie, même si
la composition de cette œuvre est antérieure
à ce commentaire du compositeur. Cette
symphonie
contient-elle
du
matériau
folklorique? Certains thèmes de Sibelius ont
l’allure d’airs populaires, mais le compositeur
lui-même s’en défendait : « Je n’ai jamais
utilisé un thème qui n’était pas de ma
propre invention. » Et que dire de l’influence
géographique des ténébreuses forêts
finlandaises, des lacs silencieux et des paysages
hivernaux? La vérité est que Sibelius composa
sa deuxième symphonie en grande partie
sous le ciel chaud et ensoleillé de l’Italie, au
printemps 1901. La création eut lieu un an plus
tard à Helsinki, sous la direction du compositeur.
Cette œuvre ne doit pas son succès et sa
Born in Hämeenlinna (formerly Tavastehus),
Finland, December 8, 1865; died in Järvenpää,
near Helsinki, September 20, 1957
Suivez-nous sur twitter : twitter.com/CNAduCanada
Hämeenlinna (autrefois Tavastehus),
Finlande, 8 décembre 1865;
Järvenpää, près d’Helsinki, 20 septembre 1957
9
arising from opposing elements of the score,
the contrasts of mood, the continuous control
of pace, the fusion of its component parts into
an organic whole, and the vast sweep of its
trajectory from humble beginnings to mighty
apotheosis, the Second Symphony embraces
a true symphonic world of towering strength.
The first movement opens with softly
throbbing chords in the lower strings. This and
several motifs heard in rapid succession make
up the first theme group. Sibelius is concerned
not so much with long, broadly-arched themes
as he is with arranging small fragments into a
coherent whole as the movement unfolds. A
second, contrasting group begins with an oboe
solo consisting of a sustained note followed
by a flourish at the end. The commentaries
of numerous distinguished musical analysts
differ widely in their interpretation of this
movement’s form; perhaps it is best simply
to let Sibelius’s own comment serve to work
on a subliminal level. He once described the
symphonic process as follows: “It is as if the
Almighty had thrown down pieces of a mosaic
from Heaven’s floor and asked me to put them
together.” The listener might also consider
how often the three-note rising figure of the
very opening motif is integrated, in both the
ascending and descending forms, into most of
the other motifs as well.
The second movement is drawn in
sombre colours. A chant-like theme given
initially to two bassoons in octaves over a
pizzicato bass accompaniment is answered
by a complementary theme for oboes and
clarinets. Among the many themes and
fragments Sibelius uses in this movement is a
highly characteristic effect consisting of a loud
10
popularité aux hypothèses imaginatives des
théories évoquées plus haut. En tant que
structure sonore, la Symphonie no 2 s’impose
d’elle-même comme une des créations les plus
magnifiques du répertoire orchestral. L’œuvre
propose un véritable monde symphonique
d’une puissance majestueuse, caractérisé
par des tensions entre différents éléments
contraires de la partition, des atmosphères
contrastées, un contrôle continu du rythme,
une fusion des différentes composantes en
un tout organique et une trajectoire au vaste
parcours atteignant, après d’humbles débuts,
une apothéose irrésistible.
Le premier mouvement commence sur
les doux accords palpitants des cordes graves.
Ce motif et plusieurs autres présentés en
enchaînement rapide constituent le groupe
du premier thème. Sibelius cherche moins
à présenter de longs thèmes en arche
qu’à juxtaposer de petits fragments pour
constituer un tout cohérent à mesure que
le mouvement progresse. Un deuxième
groupe contrastant commence par un solo
de hautbois qui se présente sous la forme
d’une note soutenue ponctuée à la fin par une
fioriture. Les commentaires de nombreux et
distingués analystes varient énormément dans
l’interprétation de la forme de ce mouvement;
il vaut peut-être mieux laisser le propre
commentaire de Sibelius exercer son influence
subliminale. Voici en effet comment il décrivit
un jour le processus de création symphonique :
« C’est comme si le Tout-Puissant avait jeté sur
la Terre des morceaux de mosaïque provenant
du sol des cieux et m’avait demandé de les
remettre ensemble. » On pourra également
observer combien de fois le compositeur
The NAC Orchestra first performed Sibelius’s Symphony No. 2 in 1984 under the direction of
Vladimir Ashkenazy, and Arild Remmereit led the Orchestra’s most recent performance of the work in 2006.
intègre la figure ascendante de trois notes
du motif d’ouverture, à la fois sous forme
ascendante et descendante, dans la plupart des
autres motifs.
Le deuxième mouvement est paré de
couleurs sombres. À un thème semblable à une
mélopée, énoncé tout d’abord par deux bassons
jouant en octaves sur un accompagnement
pizzicato des basses, fait écho un thème
complémentaire pour les hautbois et les
clarinettes. Parmi les nombreux thèmes et
fragments qu’il utilise dans ce mouvement,
Sibelius a recours à un effet extrêmement
caractéristique, composé d’un accord puissant
(souvent entonné par les cuivres) qui diminue
en puissance avant de faire place à un
formidable crescendo qui atteint une intensité
sonore encore plus grande.
La meilleure façon de décrire le scherzo
serait de le qualifier de tourbillon de sonorités.
Avec sa mélodie idyllique et pastorale chantée
par le hautbois, la section centrale en trio offre
le plus grand contraste possible. Le furieux
scherzo est ensuite repris sous forme modifiée
et suivi par un retour du trio, cette fois abrégé,
qui sert de long passage de transition vers le
finale. Comme dans la Cinquième symphonie de
Beethoven, les deux derniers mouvements sont
directement reliés. Le matériau de transition
donne naissance au premier thème noble et
majestueux du finale. Dans ce mouvement,
Sibelius explore à peu près toutes les émotions.
En contraste avec l’atmosphère optimiste et
positive du début, les volutes sombres des
ostinatos produits par les cordes graves créent,
à plusieurs endroits, une atmosphère distincte
de turbulence lugubre. Les puissantes dernières
pages de la symphonie apportent la résolution,
le triomphe et la gloire, tandis que les cuivres
entonnent pour la dernière fois le magnifique
thème choral.
L’Orchestre du CNA a interprété pour la première fois la Symphonie no 2 de Sibelius en 1984 sous la baguette
de Vladimir Ashkenazy, et la dernière fois en 2006 avec Arild Remmereit comme chef.
Traduit d’après Robert Markow
Behind the scenes at the National Arts Centre: blog.nac-cna.ca
chord (often in the brass) which diminishes in
strength and ends with a mighty crescendo to
even greater volume than before.
The Scherzo might best be described as
a whirling blizzard of sound. The central Trio
section provides the greatest possible contrast
in its idyllic, pastoral melody sung by the
oboe. The furious Scherzo is then repeated
in modified form, followed by a return of
the Trio, now shortened, which acts as an
extended bridge passage to the Finale. As in
Beethoven’s Fifth, the two final movements
are directly connected; out of the transition
material arises the Finale’s noble, majestic
first theme. Sibelius covers much emotional
territory in this movement. In contrast to
the optimistic, affirmative opening, a distinct
mood of gloomy turbulence is created at
several points by darkly swirling ostinatos in
the lower strings. Resolution, triumph and
glory inform the massive final pages of the
symphony as the brass intone the magnificent
chorale theme for the last time.
By Robert Markow
Dans les coulisses du Centre national des Arts : blogue.cna-nac.ca
11
Viviane Hagner
conductor/chef d’orchestre
violin/violon
Photo © Paul Labelle
Pinchas Zukerman ­— equally respected as
violinist, violist, conductor, pedagogue and
chamber musician and known for prodigious
technique and unwavering artistic standards
­— has remained a music phenomenon for four
decades.
Maestro Zukerman is in his 13th season as
Music Director of the NAC Orchestra, where he
has heightened the calibre and reputation of
the ensemble and developed the prestigious
NAC Summer Music Institute. In 2009 he
was appointed Principal Guest Conductor
of London’s Royal Philharmonic Orchestra,
and he also guest conducts the world’s top
ensembles. This season Mr. Zukerman will
perform over 100 concerts in 17 different
countries.
An innovative pedagogue, Zukerman
chairs the Pinchas Zukerman Performance
Program at the Manhattan School of Music.
His discography contains over 100 titles ­—
earning 21 GRAMMY® nominations and two
12
GRAMMY® awards ­— including five recordings
with the NAC Orchestra. In 2003 he formed the
Zukerman ChamberPlayers, which performs in
the world’s most prestigious concert halls to
international critical acclaim.
Born in Tel Aviv, Pinchas Zukerman came
to America in 1962, where he studied at
The Juilliard School. He has been awarded a
Medal of Arts and the Isaac Stern Award for
Artistic Excellence, and was appointed as the
Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative’s first
instrumentalist mentor.
Phénomène de la musique depuis 40 ans,
Pinchas Zukerman est renommé autant
comme violoniste que comme altiste, chef
d’orchestre, pédagogue et chambriste, et
reconnu pour sa technique prodigieuse et son
inébranlable rigueur artistique.
Il en est à sa 13e saison comme directeur
musical de l’Orchestre du CNA, ensemble dont
il a su élever le calibre et la réputation, en
plus de fonder le prestigieux Institut estival de
musique du CNA. Nommé premier chef invité
du Royal Philharmonic Orchestra de Londres
en 2009, M. Zukerman est aussi invité à
diriger les meilleurs ensembles du monde. À
son calendrier pour la présente saison figurent
plus de 100 représentations dans 17 pays.
Pédagogue novateur, il dirige le Pinchas
Zukerman Performance Program de la
Manhattan School of Music. Sa discographie
comprend plus de 100 titres qui lui ont valu
21 nominations et deux prix aux GRAMMYMD.
Il a gravé cinq albums avec l’Orchestre du
CNA. En 2003, il a formé l’ensemble Zukerman
ChamberPlayers, dont les prestations dans les
salles les plus prestigieuses du monde sont
chaudement saluées par la critique.
Né à Tel Aviv, Pinchas Zukerman est
arrivé en 1962 en Amérique pour étudier à
la Juilliard School. Il a reçu la Medal of Arts
et le Isaac Stern Award for Artistic Excellence,
et a été choisi comme premier mentor
d’instrumentistes dans le cadre du Programme
Rolex de mentorat artistique.
Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC
Born in Munich, violinist Viviane Hagner has
won exceptional praise for her highly intelligent
musicality and passionate artistry. She has
appeared with the world’s great orchestras,
including the Berlin Philharmonic, New York
Philharmonic and Leipzig Gewandhaus,
in partnership with conductors such as
Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy and
Daniel Barenboim.
Highlights of Ms. Hagner’s 2011-2012
season include her debut with the Cleveland
Orchestra, performances with the Orpheus
Chamber Orchestra in Carnegie Hall, and
a re-invitation to Gürzenich-Orchester
Köln. She appears at prestigious festivals
including Edinburgh, Festspiele MecklenburgVorpommern and Lucerne, and performs
chamber music at venues such as Amsterdam’s
Concertgebouw and London’s Queen Elizabeth
Hall. She made her debut at the NAC in 2002,
and her most recent appearance was in 2009
as soloist in Chausson’s Concerto in D, for
violin, piano and string quartet.
Viviane Hagner is an ardent advocate of
new, neglected and undiscovered music. The
Hyperion label has recorded her performances
of the Vieuxtemps Violin Concerti 4 & 5 and
Analekta has recently released her recording
of Unsuk Chin’s Violin Concerto.
Viviane Hagner plays the Sasserno
Stradivarius built in 1717, generously loaned
to her by the Nippon Music Foundation. In
2004 Ms. Hagner was awarded the BorlettiBuitoni Trust Award.
Suivez-nous sur twitter : twitter.com/CNAduCanada
Née à Munich, la violoniste Viviane Hagner a
reçu les plus grands éloges pour l’intelligence
et la passion qui animent son talent artistique.
Elle s’est produite avec les plus grands
orchestres du monde, notamment l’Orchestre
philharmonique de Berlin, l’Orchestre
philharmonique de New York et l’Orchestre
du Gewandhaus de Leipzig, aux côtés de chefs
tels que Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy
et Daniel Barenboïm.
Parmi les faits saillants de son calendrier
2011-2012 figurent des débuts avec l’Orchestre
de Cleveland, des prestations avec l’Orchestre
de chambre Orpheus au Carnegie Hall et un
retour au Gürzenich-Orchester de Cologne.
Elle se produit dans de prestigieux festivals
comme ceux d’Édimbourg, de Lucerne, ainsi
qu’au Festspiele Mecklenburg-Vorpommern,
et donne des prestations de musique de
chambre notamment au Concertgebouw
d’Amsterdam et au Queen Elizabeth Hall de
Londres. C’est en 2002 qu’elle a effectué ses
débuts au CNA, où sa plus récente prestation
remonte à 2009; elle était alors soliste dans le
Concert pour violon, piano et quatuor à cordes
de Chausson.
Viviane Hagner est une ardente défenseure
de la musique nouvelle, non connue ou tenue
dans l’ombre. Elle a gravé les concertos
nos 4 et 5 de Vieuxtemps sous étiquette
Hyperion et, tout récemment, le Concerto
pour violon d’Unsuk Chin chez Analekta.
Elle joue sur le violon Stradivarius
« Sasserno » de 1717 que lui a généreusement
prêté la Nippon Music Foundation. En 2004,
elle a reçu le prix du Borletti-Buitoni Trust.
Photo © C. Steiner
PINCHAS ZUKERMAN
13
NAC INSTITUTE FOR ORCHESTRAL STUDIES
INSTITUT DE MUSIQUE ORCHESTRALE DU CNA
The NAC Institute for Orchestral Studies (IOS) is
L’Institut de musique orchestrale (IMO) du CNA en
in its fifth year. Established under the guidance
est à sa cinquième saison. Créé sous l’impulsion
of NAC Music Director Pinchas Zukerman, the
du directeur musical du CNA Pinchas Zukerman,
IOS is an apprenticeship program designed to
l’IMO est un programme de formation qui vise à
prepare highly talented young musicians for
préparer de jeunes interprètes très talentueux à
successful orchestral careers, and is funded by
une brillante carrière de musiciens d’orchestre. Il
the National Arts Centre Foundation through
est financé par la Fondation du Centre national
the National Youth and Education Trust. During
des Arts par l’entremise de la Fiducie nationale
selected main series weeks of the 2011-2012
pour la jeunesse et l’éducation. Durant des
season, IOS apprentices rehearse and perform
semaines prédéterminées des séries principales
with the NAC Orchestra.
de la saison 2011-2012, les participants répètent
et se produisent avec l’Orchestre du CNA.
Astral Radio is proud to support the young artists performing in these concerts.
Astral Radio est fière d’appuyer les jeunes artistes qui se joignent à nos musiciens ce soir. THE NATIONAL ARTS CENTRE ORCHESTRA
ORCHESTRE DU CENTRE NATIONAL DES ARTS
Pinchas Zukerman Music Director/Directeur musical
Mario Bernardi, C.C. Conductor Laureate/Chef d’orchestre lauréat
Boris Brott, O.C. Principal Youth and Family Conductor/Premier chef des concerts jeunesse et famille
Jack Everly Principal Pops Conductor/Premier chef des concerts Pops
First Violins/
Premiers violons
Yosuke Kawasaki
(concertmaster/violon solo)
Jessica Linnebach
(associate concertmaster/
violon solo associée)
Noémi Racine Gaudreault
§ Sally Benson
Elaine Klimasko
Leah Roseman
Manuela Milani
Karoly Sziladi
**Lynne Hammond
*Martine Dubé
*Andréa Armijo Fortin
*Annie Guénette
*Paule Préfontaine
‡ Emily Nenniger
Second violins/
Seconds violons
NAC WINTER SALE
SOLDE HIVERNAL DU CNA
2
tickets for
billets pour
$
39
*
on select NAC
performances
sur certains
spectacles du CNA
JANUARY 31–FEBRUARY 21
31 JANVIER–21 FÉVRIER
nac-cna.ca/wintersale
cna-nac.ca/soldehivernal
*Tickets are limited to certain dates and sections of the hall and are subject to availability. Some service charges may apply.
*Billets limités à certaines dates et sections de la salle, et sous réserve des disponibilités. Des frais de service peuvent s’appliquer.
14
Behind the scenes at the National Arts Centre: blog.nac-cna.ca
**Donnie Deacon
(principal/solo)
*Ramsey Husser
(guest principal/solo invité)
Winston Webber
(assistant principal/
assistant solo)
Susan Rupp
Mark Friedman
Edvard Skerjanc
Lev Berenshteyn
§Richard Green
Jean-Hee Lee
Brian Boychuk
*Lauren DeRoller
‡ Teodora Dimova
Violas/Altos
Oboes/Hautbois
Tuba
Jethro Marks
(principal/solo)
David Goldblatt
(assistant principal/
assistant solo)
§ David Thies-Thompson
Nancy Sturdevant
Peter Webster
*Guylaine Lemaire
‡ Chensi Tang
Charles Hamann
(principal/solo)
**Francine Schutzman
*Anna Hendrickson
Nicholas Atkinson
(principal/solo)
Cellos/
Violoncelles
Amanda Forsyth
(principal/solo)
David Hutchenreuther
(assistant principal/
assistant solo)
Leah Wyber
Timothy McCoy
§Carole Sirois
*Wolf Tormann
*Thaddeus Morden
‡ MinJee Yoon
Double basses/
Contrebasses
Clarinets/
Clarinettes
Feza Zweifel
Percussions
Kimball Sykes
(principal/solo)
Sean Rice
Jonathan Wade
Kenneth Simpson
Bassoons/Bassons
Manon Le Comte
(principal/solo)
Christopher Millard
(principal/solo)
Vincent Parizeau
Horns/Cors
Lawrence Vine
(principal/solo)
Julie Fauteux
(associate principal/
solo associée)
Elizabeth Simpson
Jill Kirwan
*Lauren Robinson
*Louis-Pierre Bergeron
Joel Quarrington
(principal/solo)
§ Marjolaine Fournier
(assistant principal/
assistante solo)
Vincent Gendron
Murielle Bruneau
Hilda Cowie
‡ Travis Harrison
Trumpets/Trompettes
Joanna G’froerer
(principal/solo)
Emily Marks
Bass Trombone/
Trombone basse
Flutes/Flûtes
Timpani/Timbales
Karen Donnelly
(principal/solo)
Steven van Gulik
*John Ellis
Trombones
Donald Renshaw
(principal/solo)
Colin Traquair
Harp/Harpe
Librarians/
Musicothécaires
Nancy Elbeck
(principal librarian/
musicothécaire principale)
Corey Rempel
(assistant Librarian/
musicothécaire adjoint)
Personnel Manager/
Chef du personnel
Nelson McDougall
Assistant Personnel
Manager/
chef adjointe
du personnel
Meiko Lydall
Douglas Burden
*Additional musicians/Musiciens surnuméraires
** On Leave/En congé
§ NAC Institute for Orchestral Studies mentors/Mentors pour l’Institut de musique orchestrale du CNA
‡ Apprentices of the Institute for Orchestral Studies/Apprentis de l’Institut de musique orchestrale
The National Arts Centre Orchestra is a proud member of Orchestras Canada, the national
association for Canadian orchestras./L’Orchestre du Centre national des Arts est un fier membre
d’Orchestres Canada, l’association nationale des orchestres canadiens.
Dans les coulisses du Centre national des Arts : blogue.cna-nac.ca
15
Music Department/Département de musique
Christopher Deacon
Daphne Burt
Louise Rowe
Shannon Whidden
Stefani Truant
Meiko Lydall
Renée Villemaire
Managing Director/Directeur administratif
Manager of Artistic Planning/Gestionnaire de la planification artistique
Manager of Finance and Administration/Gestionnaire des finances et de l’administration
Orchestra Manager/Gestionnaire de l’Orchestre
Associate Artistic Administrator/Administratrice artistique associée
Orchestra Operations Associate/Associée des opérations de l’Orchestre
Artistic Coordinator/Coordonnatrice artistique
Geneviève Cimon
Director, Music Education and Community Engagement/
Directrice, Éducation musicale et rayonnement dans la collectivité
Douglas Sturdevant
Manager, Artist Training and Outreach/
Gestionnaire, Formation des artistes et médiation culturelle
Ryan Purchase
Music Education Coordinator, Artist Training and Showcasing/
Coordonnateur de l’Éducation musicale, Formation et présentation des artistes
Christy Harris
Manager, Summer Music Institute/Gestionnaire, Institut estival de musique
Kelly Abercrombie
Education Associate, Schools and Community/
Associée, Services aux écoles et à la collectivité
Natasha Harwood
Coordinator, Music Alive Program/Coordonnatrice, Programme Vive la musique
Diane Landry
Natalie Rumscheidt
Christian Bisson
Gerald Morris
Melynda Szabototh
Camille Dubois Crôteau Odette Laurin
Director of Marketing/Directrice du Marketing
Senior Marketing Manager/Gestionnaire principale du marketing
Senior Marketing Professional/Professionnel principal en marketing
Communications Officer/Agent de communication
Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing
Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing
Communications Coordinator/Coordonnatrice des communications
Alex Gazalé
Pasquale Cornacchia
Production Director/Directeur de production
Jean-Guy Dumoulin
President, Friends of the NAC Orchestra/Président des Amis de l’Orchestre du CNA
Technical Director/Directeur technique
Audi, the official car of the National Arts Centre Orchestra / Audi, la voiture officielle de l’Orchestre du Centre national des Arts
16
Join the Friends of the NAC Orchestra
in supporting music education.
Joignez-vous aux Amis de l’Orchestre du CNA
pour une bonne cause : l’éducation musicale.
Telephone: 613-947-7000 x590
FriendsOfNACO.ca
Téléphone : 613-947-7000 x590
AmisDOCNA.ca
Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC