Link zu unserem Katalog 2013 - European Media Art Festival

Transcription

EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2013
CONTENT
Imprint
Words of Welcome
Filmfestspezial
Film- & Videokommission 2013
MAPPING PERCEPTION
Activated Landscapes
Bestiaire
Computer Chess
Continental Drift
Count To Zero
Echoing Walls
Ghostly Matters
Infinite Loops
The Island of Saint Matthews
Kaleidoscopic Spaces
Leviathan
Nitewatch
Stage Devices
Transcalar Investment Vehicles
Transmission Attempts
Versions of I
Visual Music
Film Specials
NEW CHINESE VIDEO ART
N-Minutes Festival Shanghai
RETROSPEKTIVE
Konstrukt Film oder filmischer Konstruktivismus
Die Anfänge / The Beginning
Die Zeit Danach / The Days after
Digital Times
WERKSCHAU KERRY LAITALA
22
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34
34
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39
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48
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56
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66
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76
76
80
80
84
90
96
102
The Muse of Cinema
Journeys Into Darkness
Muse of Cinema Series
Chromatic Cocktails in 3d
102
104
107
110
MEDIA CAMPUS
114
Alienation
Chains of Habit
The Forsaken
Inside/Outside
In The Dark
Metamorphosis
Point of View
You Talking to Me?
Media Campus Hochschultag
BTK - Hochschule für Gestaltung, Berlin
HBK Braunschweig
Royal Institute of Technology (KTH), Stockholm
Media Campus Exhibition
Workshops
20
116
118
120
122
124
128
130
132
134
134
138
142
146
160
PERFORMANCE
Der Audiovisuelle Salon
Lux
Special Effect
Nightride
Inside
Aftershow
EXHIBITION
Parallele
And all watched over by machines of loving grace
Triangular Stories
500
Kyosei - Coexistence
Vanished Forest
American Europe Africa
Aesop
Nadal
Mécaniques Discursive
Versus
Manifesto
Microscopic Opera
Nah dran mittendrin
CONGRESS MAPPING MEDIA
Mécaniques Discursives Projection Mapping - Video im Raum
Crowdsourcing Sesign: The Good, the Bad and the Ugly
Crowdfunding: was es ist und was es bringt
Omissive Art a=tF2
3D-Printing
The role of media in Egypt in present time
Webformate, Games, App's: Interaktives Erzählen in den Neuen Medien
Google, iPhone live & Dear Jeff Bezos
MEET THE ARTIST - ARTIST TALK
Walking the Walk
Vanished Forests
Triangular Stories
IN MEMORIAM HEIKO DAXL
Media in Motion
REGISTER
List of Titles
List of Authors
List of Distributors
162
162
163
164
165
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168
170
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191
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193
194
195
195
195
195
196
196
200
200
202
204
21
IMPRINT
ORGANISATION
SCHIRMHERR
Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V.,
Osnabrück
Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert,
Ralf Sausmikat
Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl:
Alex Gerbaulet, Katrin Mundt,
Ralf Sausmikat, Peter Taylor
Jury des Verbands der Deutschen Filmjournalisten:
Dr. Thomas Rothschild, Bodo Schönfelder,
Carolin Weidner
Jury des EMAF Awards, des arte Creative Newcomer
Awards und des Dialogpreises des Auswärtigen
Amtes: Julia Draganovic, Caspar Stracke, n.n.
Kongress: Alfred Rotert
Ausstellung: Hermann Nöring
Performances: Alfred Rotert, Ralf Sausmikat
Retrospektiven: Ralf Sausmikat,
Einführung: Prof. Ingo Petzke
Media Campus: Victoria Gentsch und Bastian Ott
(Koordination), Franziska Becker, Gesa Bonnke,
Julia Breit, Maria Daskevic, Franziska Finke,
Livia Frevert, Jan Giebel, Sarina Gronemeier,
Birte Hehemann, Miriam Heidemann, Vanessa
Kliesch, Michael Müller, Ronja Patzer, Christina
Martin-Sanabria, Patricia Vordenbäumen
Ausstellungsführungen: Olesja Nein, Hanjo Volke,
Maren Blume
Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Kerstin Kollmeyer
(Leitung), Kerstin Rupprecht
Finanz- und Hotel-Organisation: Andrea Gehling
Disposition Film/Video: Gunther Westrup,
Thorsten Alich
Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup,
Ralf Sausmikat
Recherche: Katharina Lohmeyer, Tobias Sunderdiek
Parties und Audiovisueller Salon: Melvin Neumann,
Mario Schoo
Technik: Thorsten Alich, Christian Löwrick,
Michael Rosbeck, Hans-Jürgen Thünemann,
Reinhard Westendorf, Gunther Westrup
Ausstellung Bau & Technik: Andreas Zelle,
Stefan Hestermeyer
Schülertag: Antje Goltermann (Leitung),
Kerstin Rupprecht, Robert Lejeune
Übersetzungen: Teresa Gehrs + Stephanie Brouwers,
Lingua Connect
Fotografie: Angela von Brill, Kerstin Hehmann
Festival-Trailer: Thorsten Alich
Webdesign: Hüben und Drüben Heimat für
Kulturkommunikation Berlin, Oldenburg, Zürich
Webmaster: Stefan Hestermeyer
Web-Pflege: Kerstin Kollmeyer, Stefan Hestermeyer
Grafische Gestaltung: Holger Risse (und ich), Köln
Satz: www.dieter-lindemann.de
Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück
Schirmherr des European Media Art Festivals 2013
ist der Ministerpräsident des Landes
Niedersachsen, Stephan Weil
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FÖRDERER
FUNDED BY
nordmedia Fonds GmbH, Hannover
Stadt Osnabrück
Europäischer Fonds für regionale Entwicklung (EFRE)
Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin
Auswärtiges Amt, Berlin
Stiftung Niedersachsen
Botschaft von Kanada, Berlin
European Union – CIP-ICT Policy Support Programme
Initiative Kultur- und Kreativwirtschaft der
Bundesregierung
IMPRESSUM
Herausgeber: Alfred Rotert, Hermann Nöring,
Ralf Sausmikat
European Media Art Festival
Lohstraße 45a
D-49074 Osnabrück
Tel. ++49(0)541/21658
Fax ++49(0)541/28327
[email protected]
www.emaf.de
isbn: 978-3-926501-35-6
KOOPERATIONSPARTNER
COOPERATION-PARTNERS
AGENCIA – Portuguese Short Film Agency
Argos Centre for Arts and Media, Brussels
Arsenal, Berlin
ARTE Creative
Asta der Universität Osnabrück
Auguste Orts, Brussels
Autour de Minuit, Paris
AV-arkki, Helsinki
Berliner Technische Kunsthochschule btk,
Berlin
Cal Arts, Valencia, CA
cybob communication, Osnabrück
Duncan of Jordanstone College of Art &
Design, Dundee
Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück
Film & Medienbüro Niedersachsen e.V.,
Osnabrück
Filmakademie Baden-Württemberg
Filmgalerie 451, Berlin
Filmwelt Verleihagentur, München
Filmtheater Hasetor, Osnabrück
Geißendörfer Film- und Fernsehproduktion,
Köln
Goethe Institut, München
Haus der Jugend, Osnabrück
HBK Braunschweig
Hochschule für Gestaltung, Offenbach
Hochschule Osnabrück, Medienlabor
ikosom, Berlin
KHM, Köln
Lagerhalle e.V., Osnabrück
Le Fresnoy, Tourcoing
Light Cone, Paris
LUX, London
Marilyn I. Walker School of Fine & Performing
Arts, Ontario
N-Minutes, Shanghai
Picture Palace Pictures, New York
Rapid Eye Movies, Köln
Reversehead, Genf
Royal Institute of Technology, Stockholm
sixpackfilm, Wien
Skatehall, Osnabrück
Stadtbibliothek Osnabrück
UDK Berlin
UnBox Festival, New Delhi
Universität Osnabrück
Video Data Bank, Chicago
Vtape, Toronto
Winnipeg Film Group
Zimmertheater, Osnabrück
Medienpartner:
Kulturpartner:
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES MINISTERPRÄSIDENTEN DES LANDES NIEDERSACHSEN
Ende April ist es wieder soweit: Fünf Tage lang bietet das EUROPEAN MEDIA ART
FESTIVAL (EMAF) der internationalen Medienkunst mit seinem umfangreichen Programm aus Kurz- und Langfilmen, Dokumentationen, Ausstellungen, Performances
und multimedialen Installationen sowie digitalen Medien ein internationales Forum.
Die Veranstalter haben sich zum Ziel gesetzt, Medien als Kunst, Medien als Kult, Medien der Reflexion und Medien mit Spaßfaktor zu präsentieren. Dazu haben sie aus über 2400 Einreichungen 180 Beiträge von renommierten Künstlern und Newcomern für die 26. Ausgabe des EMAF ausgewählt. Das war sicher keine leichte Aufgabe.
Das EMAF ist das größte Multimediaereignis in Norddeutschland. Gezeigt wird eine internationale Auswahl experimenteller Film- und Videoproduktionen, die zum Teil erstmals in Deutschland zu sehen sind. Innerhalb des
großen EMAF gibt es zugleich als kleines Festival den Media Campus. Er bietet dem kreativen Nachwuchs ein
bedeutendes Forum zur Präsentation seiner aktuellen Arbeiten und dient als Kontakt- und Projektbörse.
Das Herzstück des Festivals bildet die hochkarätige Ausstellung internationaler Medienkunst in der Kunsthalle Osnabrück. Alljährlich wird hier die breite Vielfalt des aktuellen internationalen medienkünstlerischen
Schaffens vorgestellt. Die internationale Ausstellung zeigt in diesem Jahr kinetische und interaktive Projekte,
sozialkritische Positionen und Licht- und Klanginstallationen. Sie soll ein Erlebnis des Sehens, der Aktion und
Reflexion ermöglichen.
Ein weiterer wesentlicher Bestandteil des EMAF ist der Kongress. Er thematisiert entscheidende Fragen zum
kulturellen Selbstverständnis unserer mediatisierten Gesellschaft und verschafft Einblicke in die neuesten
Medienentwicklungen und -projekte.
Der gute Ruf des European Media Art Festival als bedeutendes medienkulturelles Ereignis reicht weit über die
Landesgrenzen hinaus; es bringt alljährlich ein kulturell und wissenschaftlich herausragendes Programmangebot nach Niedersachsen und Osnabrück. Das Festival zählt zu den ambitioniertesten deutschen Kulturveranstaltungen im Medienbereich. Es erfreut sich seit seiner Gründung im Jahre 1988 einer großen internationalen Ausstrahlung, Akzeptanz und Resonanz. Dies zeigt sich auch an immer weiter wachsenden Besucherzahlen. Die Niedersächsische Landesregierung engagiert sich daher gerne bei der Finanzierung dieses kulturellen
Kleinods.
Ich wünsche den Veranstaltern gutes Gelingen und einen erfolgreichen Verlauf der 26. Ausgabe des European
Media Art Festivals und allen Gästen und Besuchern anregende, spannende, unterhaltsame und abwechslungsreiche Festivaltage in Osnabrück.
Hannover, im März 2013
Stephan Weil
Niedersächsischer Ministerpräsident
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WORD OF WELCOME BY THE FIRST MINISTER OF LOWER SAXONY
Towards the end of April, it’ll once again be time for the five-day EUROPEAN MEDIA
ART FESTIVAL (EMAF) to offer media art an international forum with an extensive
programme consisting of short and feature-length films, documentaries, exhibitions,
performances, multimedia installations and digital media.
The organisers have set themselves the goal of presenting media as art, cult media, media for reflection and
media with a fun factor. To this end, they have selected 180 contributions from over 2,400 entries submitted by
renowned artists and newcomers for the 26th EMAF. That must have been a challenging task.
EMAF is the biggest multimedia event in North Germany. An international selection of experimental film and
video productions will be screened, sometimes for the first time in Germany. As part of the larger EMAF, a small
festival by the name of Media Campus is additionally hosted. This offers creative young artists an important forum to present their latest work; it also acts as a contact and project exchange point.
The centrepiece of the festival is the high-calibre exhibition of international media art at the Kunsthalle in Osnabrück, where a wide variety of contemporary international media art creations is presented every year. This
year, the international exhibition presents kinetic and interactive projects, socially critical positions and
light/sound installations, creating an experience of vision, action and reflection.
Another main element of EMAF is the Congress where crucial issues are broached concerning the cultural selfconception of our mediatised society, offering insight into the latest media developments and projects.
The European Media Art Festival’s excellent reputation as an important media-cultural event is well known beyond state boundaries; an outstanding cultural and scientific programme is brought to Lower Saxony and Osnabrück every year. The festival is one of the most ambitious German cultural events in the area of media. Ever
since it was launched in 1988, the festival has enjoyed considerable international standing, acceptance and response. This is apparent in the ever-growing number of visitors it attracts. For this reason, Lower Saxony federal state government is pleased to help finance this cultural gem.
I wish the organisers great success, and hope that the 26th European Media Art Festival will run smoothly. I also
wish all guests and visitors to the festival a few inspiring, exciting and varied days in Osnabrück.
Hannover, March 2013
Stephan Weil
First Minister of Lower Saxony
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT OSNABRÜCK
Die Friedensstadt Osnabrück ist seit 1988 Veranstaltungsort für das mittlerweile
26. European Media Art Festival, einem der wichtigsten Foren der internationalen
Medienkunst.
Unter dem Begriff ›Mapping‹ kartiert das EMAF die Landschaft der aktuellen Medienkunst neu, lotet sie aus,
überschreitet Grenzen oder definiert diese neu. Dabei präsentieren die Kunsthalle Osnabrück und weitere Ausstellungsorte kinetische und interaktive Projekte, sozialkritische Positionen sowie Licht- und Klanginstallationen und sind internationaler Treffpunkt für Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und Publikum.
Das Festival bezieht sich mit einem ausführlichen Filmprogramm auch auf das diesjährige VordembergeGildewart-Jahr. Die Stadt Osnabrück würdigt zum 50. Todestag des Künstlers Friedrich Vordemberge-Gildewart
dessen Bedeutung als Grafiker, Maler und Bildhauer in Entwicklungen von Kunst und Design und als Pionier der
konstruktiv-konkreten Kunst. Das EMAF nimmt dies zum Anlass, einen Bogen mit historischen Filmen der 20er
Jahre über Experimentalfilme der 50er und 60er Jahre aus der Nachkriegszeit bis hin zur abstrakten Computer- und Medienkunst der Gegenwart zu spannen.
Dem niedersächsischen Ministerpräsidenten Stephan Weil, der die Schirmherrschaft übernommen hat, und
den Förderern des Festivals möchte ich für ihre Unterstützung herzlich danken.
Den Veranstaltern wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern eindrucksvolle Medienerlebnisse und den auswärtigen Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in der Friedensstadt Osnabrück.
In Vertretung des Oberbürgermeisters
Burkhard Jasper
Bürgermeister
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WORD OF WELCOME BY THE LORD MAYOR OF THE CITY OF OSNABRUECK
Osnabrück - the City of Peace, has hosted the European Media Art Festival, one of the
most important forums of international media art, since 1988. It is now being held for
the 26th time.
Under the term ›mapping‹, EMAF remaps the landscape of contemporary media art and sounds it out, crossing
or redefining boundaries. In this connection, the Kunsthalle Osnabrück and additional exhibition venues present kinetic and interactive projects, socially critical positions and light/sound installations. As such, they act as
international meeting points for artists, curators, lenders, gallery owners and visitors.
The festival also refers to this year’s Vordemberge-Gildewart Year, with an extensive film programme. To mark
the 50th anniversary of the death of the artist Friedrich Vordemberge-Gildewart, the City of Osnabrück is honouring his significance as a graphic designer, painter and sculptor in developments of art and design and as a
pioneer of constructive-concrete art. EMAF takes this as an opportunity to forge a bridge from the historic films
of the 1920s via experimental films of the 1950s and 1960s to today’s abstract computer and media art.
I would very much like to thank the First Minister of the Federal State of Lower Saxony, Mr. Stephan Weil, who
has assumed the patronage of the festival, as well as the festival’s sponsors for their support.
I wish the organisers great success; may the visitors have an impressive media experience, and may our guests
have a pleasant, eventful stay in Osnabrück - the City of Peace.
On behalf of the Lord Mayor
Burkhard Jasper
Mayor
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FOREWORD
WILLKOMMEN!
Zum 26. European Media Art Festival möchten wir Sie an dieser Stelle herzlich
begrüßen. Wir freuen uns mit den beteiligten Künstlern und Künstlerinnen, Ihnen wieder einen spannenden Blick auf die gegenwärtigen internationalen
Trends in der Medienkunst zu präsentieren.
›Mapping‹ ist zum einen eine Videotechnik, zum anderen meint ›mapping‹ aber auch ›kartieren‹, ›vermessen‹ oder auch ›Grenzen definieren‹. Das EMAF kartiert mit seinem Programm den aktuellen
Stand der Medienkunst, lotet Grenzen aus und definiert sie neu. So ergeben sich die Titel der einzelnen Programmsparten aus den jeweiligen Schwerpunkten.
Das diesjährige Filmprogramm zeigt fast 200 Filme und Videos, darunter zahlreiche Premieren. Unter
dem Titel ›Mapping Perception‹ betrachten die Filme in der diesjährigen Auswahl die heutige Wahrnehmung von Bewegtbildern, die sich in den letzten Jahren dank Smartphones und Internet rasant
verändert hat. Filme sind inzwischen überall und jederzeit verfügbar, können ‚en passant‘ gemacht
und direkt online veröffentlicht werden. Die Künstler nehmen sich in ihren Werken die Zeit, sich mit
Gesehenem näher zu beschäftigen und es zu hinterfragen und geben sie so an uns weiter. Entschleunigen statt Beschleunigen ist in diesem Jahr das Rezept der Filme.
Zudem bietet das Filmprogramm in diesem Jahr zwei Retrospektiven:
Wir präsentieren eine Werkschau der kalifornischen Film-Alchemistin Kerry Laitala, die ihre Filme
zum Teil ohne Kamera produziert, indem sie Objekte auf dem Filmstreifen platziert und diesen dann
direkt belichtet. Zudem haben ihre Filme durch pulsierende Farben und psychedelische Chrominanz
eine ganz besondere, fast halluzinatorische Wirkung auf die Zuschauer.
Als Hommage an den vor 50 Jahren verstorbenen Konstruktivisten Friedrich Vordemberge-Gildewart
zeigt das EMAF eine Retrospektive mit dem Titel ›Konstrukt Film oder filmischer Konstruktivismus‹.
In drei Filmprogrammen spannen wir den Bogen von der klassischen Film-Avantgarde über den Experimentalfilm der 50er bis 70er Jahre und Neo-Klassiker bis zu brandneuen abstrakten Filmen.
Der Kongress des EMAF bietet mit einem neuen Vortrags- und Workshop-Programm ein spezielles
Qualifizierungsangebot für Medienkünstler und Fachpublikum an. Experten und renommierte Künstler aus Hochschulen und der Kreativwirtschaft vermitteln neue Ideen und stellen innovative Medienprojekte vor. ›Crowdsourcing‹ und ›-funding‹ werden hier ebenso thematisiert wie 3D-Druck oder interaktives Erzählen mit den neuen Medien.
Die Installationen der Ausstellung ›Mapping Time‹ bieten den Besuchern ein Erlebnis des Sehens, der
Aktion und Reflexion. Die Künstler setzen sich mit dem aktuellen Zeitgeschehen aber auch der analytischen Betrachtung von Zeit als Grundlage von Film und Bewegung auseinander. Neben kritischen
Positionen zu sozio-ökonomischen und politischen Themen zeigen wir auch spielerisch-unterhaltende Werke wie zum Beispiel ›singende‹ Würmer, Tennisball-schießende Schränke und flirtende Roboter.
›Mapping New Terrains‹ ist Titel und auch Ziel des EMAF-Media Campus. Filmprogramme, Installationen und Workshops zeigen junge, internationale Medienkunst und bieten den Nachwuchstalenten die
Möglichkeit sich selbst medial zu orientieren und positionieren.
Wir freuen uns, dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, Stephan Weil, die Schirmherrschaft des 26. EMAF übernommen hat. Zudem danken wir der nordmedia (Hannover), der Stadt
Osnabrück und den zahlreichen weiteren Förderern und Sponsoren.
Wir wünschen allen Gästen und Besuchern gute Unterhaltung und inspirierende Diskussionen auf
dem European Media Art Festival 2013.
Das Festival-Team
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WELCOME!
We would like to take this opportunity to welcome you to the 26th European
Media Art Festival. Together with the participating artists, we are delighted to
be able to offer you an exciting insight into current international trends in media art.
›Mapping‹ is not only a video technique; ›mapping‹ also means ›drawing charts,‹ ›measuring‹ or ›defining boundaries.‹ With its programme, EMAF maps the current state of media art, sounds out boundaries, and redefines them. The titles of the individual programme themes therefore evolve out of the
respective key areas.
This year’s film programme will screen almost 200 films and videos, including numerous premiers. Under the heading ›Mapping Perception‹, the films in this year’s selection reflect on today’s perception
of moving images which, in the wake of smart phones and the internet, have changed rapidly in recent
years. Films are now available anywhere at any time; they can be made ‘en passant’ and published
straight away online. In their work, artists take the time to explore in depth what they have seen, to
question it and forward it on to us. The recipe for this year’s films calls for slowing down, rather than
speeding up.
In addition, this year’s film programme offers two retrospectives:
We present a visual showcase of Californian film alchemist Kerry Laitala, who made some of her films
without a camera by placing objects on the film strip and projecting them directly. What’s more, her
films have a very special, almost hallucinatory effect on viewers, thanks to their pulsating colours and
psychedelic chrominance.
As a tribute to constructivist Friedrich Vordemberge-Gildewart, who died 50 years ago, EMAF is
screening a retrospective entitled ›Film as a construct or filmic constructivism.‹ In three film programmes, we forge a bridge from the classic cinematic avant-garde, through experimental films from
the 1950s to the 1970s and neo-classics, to brand new abstract films.
EMAF’s Congress enables media artists and the interested public to acquire special skills in a new
programme of lectures and workshops. Experts and renowned artists from universities and creative
industries will convey new ideas and present innovative media projects. The issues of ‘crowd sourcing’ and ‘crowd funding’ are broached, as well as 3D printing and interactive narration using new media.
The installations shown at the ›Mapping Time‹ exhibition offer visitors an experience of vision, action
and reflection. The artists not only explore current affairs, but also analytically consider time as the
foundation of film and motion. In addition to critical positions on socio-economic and political topics,
we also exhibit playful/entertaining works, such as ›singing‹ worms, tennis ball-shooting cabinets and
flirtatious robots.
›Mapping New Terrains‹ is both the title and objective of EMAF’s Media Campus. Film programmes, installations and workshops present young, international media art, giving talented young artists the
opportunity to orientate and position themselves medially.
We are delighted that the First Minister of the Federal State of Lower Saxony, Stephan Weil, has assumed patronage of the 26th EMAF. We would also like to thank nordmedia (Hannover), the City of Osnabrück, and our many other patrons and sponsors.
We wish all our guests and visitors an entertaining time and inspiring discussions at the 2013 European Media Art Festival.
The Festival Team
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›FILMFESTSPEZIAL-TV‹ BERICHTET 90 MINUTEN VOM EMAF 2013
Dagan Cohen ›Banned Videos‹
Alfred Rotert (Festivalleitung) und
Gerhard Johann Lischka
Jasmina Metwaly ›Direct from
Kairo‹. Fotos: Kerstin Hehmann
Das European Media Art Festival flimmert über die Bildschirme. In zwei 45-minütigen Sendungen zeigt ›FilmFestSpezial-TV‹ Highlights des Festivals, spricht mit RegisseurInnen und KünstlerInnen und wirft einen Blick
hinter die Kulissen, stellt die FestivalmacherInnen, Jurys und PreisträgerInnen vor.
Die Filme des Wettbewerbsprogramms, der Retrospektive mit Filmen von Kerry Laitala, ein Gang durch die Ausstellung MAPPING TIME, Berichte vom Kongress, Besuche bei den Performances und weitere Programmpunkte stehen im Mittelpunkt der Sendung.
Das ›FilmFestSpezial-EMAF 2013‹ wird ab 9. Mai 2013 bei folgenden 12 TV-Sendern ausgestrahlt und ist bei
den meisten Sendern auch als Stream im Internet zu sehen: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38
Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen/Delmenhorst/Nordenham, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg,
rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg, OK Kassel, Fernsehen aus Schwerin und Open.web.tv Münster.
Weitere Infos und aktuelle Sendetermine: www.filmfestspezial.de
>FilmFestSpezial-TV< broadcasts a 90-minute report on EMAF
Again the European Media Art Festival flickers on the TV screen. >FilmFestSpezial-TV< will report with two
broadcast 45min. about the festival highlights, talks with film directors, producers, authors and artists, to gain
a view behind the scenes, and interviews the festival team, jury members and award-winners.
The broadcast will concentrate on the films in the competition programmes and the retrospective Kerry Laitala, shows a guided tour through the exhibition MAPPING TIME and reports from the Congress, visits performances and more special events.
>FilmFestSpezial-EMAF 2013< will be broadcast on the following 12 citizens' TV channels from 9 May 2013 onwards and can also be viewed on the web as stream on most channels: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38
Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen/Delmenhorst/Nordenham, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg,
rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg, OK Kassel and Open.web.tv Münster.
For more information and current broadcast dates visit: www.filmfestspezial.de
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MAPPING PERCEPTION
FILM- & VIDEOKOMMISSION 2013
Alex Gerbaulet, * 1977, Künstlerin, Filmemacherin, Kuratorin; lebt in Berlin. Sie hat Philosophie, Medienwissenschaften und Freien Kunst in Wien und Braunschweig studiert. 2008 Meisterschülerpreis der
Hans-Böckler-Stiftung, 2012 Stipendium des Berliner Senats. Sie hat u.a. ausgestellt im Centre d’Art Contemporain Genf, im Museum auf Abruf (MUSA) Wien, im Kunstverein München, der NGBK Berlin und dem ZKM in
Karlsruhe. Ihre Filme wurden auf diversen Festivals im In- und Ausland gezeigt. Daneben Lehraufträge, sowie
Tätigkeit als selbstständige Kuratorin für Kunstinstitutionen und Festivals. 2007-2011 künstlerisch-wissenschaftliche Mitarbeiterin an der HBK Braunschweig. Seit 2012 künstlerische Mitarbeiterin an der Kunsthochschule Kassel.
Katrin Mundt, Freie Kuratorin und Autorin. Sie realisierte Filmprogramme und Ausstellungen u.a. für den Württembergischen Kunstverein Stuttgart, den Hartware MedienKunstVerein, Dortmund, die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, PACT Zollverein, Essen, [plug.in], Basel und Intermediæ, Madrid. Sie schreibt regelmäßig
für Springerin und Camera Austria und trägt zu Ausstellungskatalogen bei - zuletzt zum Werk von Michaela
Schweiger und Katarina Zdjelar. Sie hatte Lehraufträge an der Merz Akademie Hochschule für Gestaltung,
Stuttgart und der Ruhr-Universität Bochum und war Wissenschaftliche Assistentin an der HEAD Hochschule
für Kunst und Design, Genf.
Peter Taylor arbeitet seit 2006 beim Internationalen Film Festival Rotterdam (IFFR) und im WORM, Rotterdams
›Institute for Avant-Gardistic Recreation‹. Als Programmgestalter für Kurzfilm beim IFFR kuratierte er auch die
Ausstellung ›Memory is a Motherfucker‹, die 2007 Luke Fowler, Keith Rowe und Peter Todd zeigte. Am WORM ist
Peter für über 300 Filmprogramme und Performances verantwortlich gewesen, die man wohl am besten als eine
Mischung von Künstlerfilmen, Slow-Action und radikaler Grenzüberschreitung bezeichnen kann. Aktuelle Programme enthalten Serien für das Piet Zwart Institut, Rotterdam, und dem OFFOff Cinema, Gent.
Ralf Sausmikat, Studium der Medien- und Literaturwissenschaften (Magister Artiun), Mitgründer des Int. Experimentalfilm Workshop e.V., Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung des EMAF, Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent des Goethe-Institut München. Kuratierte ›From
Analog Dreams to Digital Visions‹, HongKong 2001, und ›Turbulent Screen‹ Edith-Ruß-Haus für Medienkunst,
Oldenburg 2003.
Alex Gerbaulet
Katrin Mundt
Peter Taylor
Ralf Sausmikat
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Alex Gerbaulet, * 1977, artist, filmmaker, curator; lives in Berlin. Studied Philosophy, Media Studies and
Liberal Arts in Vienna and Braunschweig. She was awarded the Meisterschülerpreis by the Hans Böckler Foundation in 2008, and received a scholarship from Berlin Senate in 2012. She has exhibited in
places such as the Centre d’Art Contemporain Geneva, Museum auf Abruf (MUSA) Vienna, Kunstverein
München, NGBK Berlin and ZKM in Karlsruhe. Her films have screened at festivals in Germany and
abroad. She has also completed teaching assignments, and works freelance as a curator for art institutions and festivals. 2007-2011 artistic research assistant at Braunschweig University of Art. She is artistic assistant at Kunsthochschule Kassel since 2012.
Katrin Mundt, Independent curator and writer. She has realised film programmes and exhibitions for,
among others, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Hartware MedienKunstVerein, Dortmund, the
International Short Film Festival Oberhausen, PACT Zollverein, Essen, [plug.in], Basel and Intermediæ,
Madrid. She regularly writes for Springerin and Camera Austria and contributes to exhibition catalogues
– most recently on the work of Michaela Schweiger and Katarina Zdjelar. She has taught at the Merz
Akademie University of Applied Arts, Stuttgart and Ruhr University Bochum and was a Research Assistant at the HEAD University of Art and Design, Geneva.
Peter Taylor has been working at the International Film Festival Rotterdam (IFFR) and WORM, Rotterdam’s ›Institute for Avant-Gardistic Recreation‹ since 2006. A short film programmer for IFFR, he also
curated the ›Memory is a Motherfucker‹ exhibition featuring Luke Fowler, Keith Rowe and Peter Todd in
2007. At WORM, Peter’s been responsible for over 300 film programmes and performances best characterised as a mix of artists’ film, slow action and radical in-between-ness. Current programming also includes series for Piet Zwart Institute, Rotterdam and OFFOff cinema, Ghent.
Ralf Sausmikat, studied Media Sciences and Literature, and graduated with Magister Artium. Founding
member of International Experimentalfilm Workshop e.V.. Since 1988 artistic director of EMAF for exhibitions, films, videos and retrospectives. Consultant for the Goethe-Institute Munich, for the German
Experimental Film of the 80' and 90's programmes. Curator of ›From Analog Dreams to Digital Visions‹,
HongKong 2001 and ›Turbulent Screen‹, Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg 2003.
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MAPPING PERCEPTION
ACTIVATED LANDSCAPES
THE WAVE
Sarah Vanagt, Katrien Vermeire
In ›The Wave‹ wird der archäologische Blick des Zuschauers in Bewegung gesetzt: ein Massengrab aus dem
Spanischen Bürgerkrieg (1936-1939) öffnet und schließt sich von selbst. 2011 positionierten wir eine Kamera
an der Stelle, an der neun Opfer nach deren Hinrichtung durch Anhänger Francos im Juni 1939 begraben wurden. Am ersten Tag der Ausgrabungen lockerte ein Bagger vorsichtig die oberste Bodenschicht, bis die Archäologen auf einen Schädel mit einem Schussloch stießen. Danach setzten die Archäologen ihre Arbeit mit den
Händen fort. Die Skelette kamen zum Vorschein, verschwanden dann, als ob ein starker Wind blies, der den
Sand entfernte und den Tod freilegte, eine Urwahrheit.
In ›The Wave‹ the archaeological gaze of the viewer is set in motion: a mass grave from the Spanish Civil War
(1936-1939) opens and closes itself. In 2011 we placed a camera above the spot where nine victims were buried
after their execution by Franco’s supporters in June 1939. On day one of the excavation, a digging crane gently
loosened the top layer of soil, until the archaeologists came across a skull with a bullet hole. Then the archaeologists continued their work by hand. The skeletons appeared, then disappeared, as if a strong wind blew that
removed the sand and uncovered death, a primal truth.
Sarah Vanagt, *1976, lives in Brussels. Studied History and Film, and combines these two fields of interest in her
work. In her more recent works, which often take the form of video installations, Vanagt pursues her search for
an audiovisual historiography, with a growing interest in a tactile approach of cinema.
Katrien Vermeire, *1979 in Ostend, Belgium, lives and works in Brussels. The Flemish Community has been
awarding her grants since 2003.
ÆB 2012, Video, 20:00
ÆDirector, concept, camera Sarah Vanagt, Katrien Vermeire
ÆEditing Inneke Van Waeyenberghe
ÆSound Design Larry Sider, Gary Sanctuary
ÆProduced by Balthasar. Coproduced by Michigan Films, Brussels.
ÆDistribution Argos
34
ACTIVATED MEMORY I
UNA CIUDAD EN UNA CIUDAD /
Eine Stadt in einer Stadt
Sabrina Ratté
cylixe
›Activated Memory‹ ist eine Reise durch eine
ruhige Gegend, in der Bäume und Felder
gleichzeitig unwirklich und vertraut erscheinen. Durch die Anwendung von Videofeedback, 3D-Animation und Farbmanipulationen,
erzeugen die Bilder eine neue Art von Raum,
eine virtuelle Welt, in der nur Fragmente der
›Realität‹ existieren.
Eine Heterotopie ist ein Ort, der symptomatisch ein gesellschaftliches Verhältnis reflektiert. Als vor über 20 Jahren der
Bau an einem Hochhaus in Caracas, Venezuela abgebrochen
wird, ahnt niemand, dass dieses Gebäude einmal das höchste
besetzte Haus der Welt werden würde. Ein empirisch, fraktaler
Blick in den Alltag, die Struktur und die Gedankenwelt der Einwohner führt einen Dialog mit der Architektur des Turms, der
einst als Finanzzentrum konzipiert worden war und nun einer
Parallelgesellschaft Unterkunft bietet.
›Activated Memory‹ is a journey through a
serene landscape where the trees and fields
are at once surreal and familiar. Through the
use of video feedback, 3D animation and
colour manipulations, the pictures render a
new kind of space, a virtual world where only
fragments of ›reality‹ subsist.
Sabrina Ratté, *1982 in Canada is a Montreal-based visual artist, mainly working in the
field of video. She completed a BFA and a
MFA degree in the Film Production Programme of Concordia University in Montreal.
Her video work mixes digital and analogue
tools (video synthesiser, video feedback, basic 3D animation, etc.) in order to explore the
limits between what is considered ›real‹ or
›artificial›. This video was created for The
Download Program of Rhizome.org.
ÆCDN 2011, Video, 6:28
ÆDirector, camera, editing Sabrina Ratté
ÆMusic Roger Tellier-Craig
ÆDistribution Sabrina Ratté
A heterotopy is a space, symptomatically reflecting upon a social netting. When over 20 years ago the construction was interrupted for a skyscraper in Caracas, Venezuela, no one could
have guessed that this building would once become the tallest
squat on earth.An empiric, fractal view of the everyday life, the
structure and thoughts of the inhabitants holds a dialogue with
the architecture of the tower, which had once been conceived as
a financial centre and now gives shelter to a parallel society.
cylixe is a video artist living in New York, who works all over the
world. Born in 1985, she attended University of Arts, Braunschweig, Universidade des Lisboa, Berlin University of the Arts
and SVA New York. Besides international festivals, her work has
been shown in multiple group and solo exhibitions. She works as
a videographer, photographer, VJane and web designer.
ÆD 2012-2013, Video, 18:22
ÆDirector cylixe
ÆKamera Manuel Albor, cylixe
ÆMusik Chris Arkenberg
ÆDistribution cylixe
35
MAPPING PERCEPTION
ACTIVATED LANDSCAPES
RITOURNELLE
TWO ISLANDS
Christopher Becks & Peter Miller
Jan Ijäs
›Mit Ritournelle, haben Becks und Miller ein
Miniatur-Juwel mit der corps exquis Methode, einer 16mm Kamera und einem Experiment des Inside-Out Filmemachens geschaffen, das mit einem im Vorfeld bereits
erfolgreich anmutenden Soundtrack begann.‹ - Andrea Picard, Toronto International
Film Festival
Der Film handelt von zwei gigantischen Mülldeponien in New
Yorks Stadbezirk Staten Island bzw. auf der zu New York
gehörenden Insel Hart Island. Erstere war einst die größte Mülldeponie der Welt, wurde aber inzwischen geschlossen. Letztere
ist ein Friedhof für die Unbekannten und wird noch immer genutzt. ›Two Islands‹ fragt ganz direkt, was erzählt uns die Existenz dieser beiden riesigen Berge wirtschaftlichen und sozialen Abfalls und weggeworfenem Überflusses über unsere Zivilisation und über die ›reichste Nation der Welt›, und welche Art
von Hinterlassenschaft werden zukünftige Archäologen darin
finden?
›With Ritournelle, Becks and Miller have
fashioned a miniature gem from a 16mm
corps exquis exercise and an experiment in
inside-out filmmaking, which began with a
surreptitiously prestruck soundtrack.‹ - Andrea Picard, Toronto International Film Festival
Christopher Becks makes films, installations, sounds, and things that are happy to
not appear on a website. He received his BFA
from the School of the Art Institute of Chicago and MA in Philosophy from EGS in SaasFee, Switzerland.
Peter Miller completed his MFA at the School
of the Art Institute of Chicago, is originally
from Vermont and apprenticed to be a silversmith. His films are distributed by Lightcone,
Paris and are in the collection of the University of Wisconsin, Milwaukee. His film and photographic work is preoccupied with magic,
and generally investigates the phenomena of
cinema and its constituent.
ÆD 2012, 16mm, 3:40
ÆDirector, camera Christopher Becks
ÆMusic Peter Miller
ÆDistribution Christopher Becks
36
The film is about two enormous rubbish dumps in New York’s
Staten Island and Hart Island. The former was once the world’s
largest rubbish dump but is now closed. The latter is a cemetery
for unknowns and still in use. ›Two Islands‹ bluntly asks, what
does the existence of the two huge mountains of economic and
social waste and rejected surplus tell us about our civilisation
and about the ›richest nation in the world›, and what kind of
legacy will the future archaeologists find in them?
Jan Ijäs, *1979 is an artist of lens-based art, both still and moving. His films tend to break the traditional boundaries of fictive
and documentary films. Ijäs’s work is often displayed as gallery
installations rather than in traditional movie venues incorporated with still images and text works. His works deal with serious
and difficult social themes, such as migration to foreign and hostile societies, and have been shown widely abroad at movie festivals (over one hundred) and art museums.
ÆFIN 2012, Video, 5:51
ÆDirector, script Jan Ijäs
ÆCamera Cristian Manzutto
ÆEditing Okko Nuutilainen
ÆMusic Vilunki 3000
ÆDistribution AV-Arkki
MAPPING PERCEPTION
BESTIAIRE
A DAY FOR CAKE AND ACCIDENTS
Steve Reinke, Jessie Mott
A Day for Cake and Accidents zeigt ein Ensemble von Tiercharakteren – jeder von einer anderen Art, einige nicht
zu bestimmen, – die mit drohender astrologischer Verzweiflung kämpfen und absurde Dialoge führen, sich zu
verschiedenen melancholischen Sehnsüchten und grenzüberschreitenden Geheimnissen in poetischer Cartoon-Unterwürfigkeit bekennen. Dies ist der Dritte in einer Reihe von kurzen gemeinsam produzierten Animationsfilmen.
A Day for Cake and Accidents features a cast of animal characters – each of a different, though often indeterminate, species – who struggle with impending astrological despair and engage in absurdist dialogues, confessing various melancholic desires and transgressive secrets in poetic cartoon abjection. The work is the third
in a series of short collaborative animations.
Jessie Mott is a visual artist who currently lives in Chicago. Her practice encompasses painting, drawing, collage,
sculptural objects, video and installation that speak to a dream-like or nightmarish quality of fantasy and the
grotesque. She earned an MFA from Northwestern University and a BFA from New York University.
Steve Reinke, *1963, is an artist and writer best known for his videos. His work is screened widely and is in several collections, including the Museum of Modern Art (New York), the Pompidou (Paris), and the National Gallery
(Ottawa). His tapes typically have diaristic or collage formats, and his autobiographical voice-overs share his desires and pop culture appraisals with endearing wit. He is currently associate professor of Art Theory & Practice
at Northwestern University.
ÆUSA 2013, Video, 4:09
ÆDirector, script, camera, editing, music Steve Reinke, Jessie Mott
ÆDistribution Video Data Bank
ÆImages copyright of the artist, courtesy of Video Data Bank, www.vdb.org
37
MAPPING PERCEPTION
BESTIAIRE
FROG SPIDER HAND HORSE HOUSE
Shelly Silver
Gefilmt während eines Studienaufenthalts in New Hampshire, beobachtet Shelly Silver mit
der Kamera das tägliche Leben in einer amerikanischen Kleinstadt. Als visuelle Klammer
dienen die Makroaufnahmen von Frosch, Spinne, Hand, Pferd, Haus, die immer wieder zwischen die Szenen auftauchen, in denen Frühsport treibende Rentner, malende Schulkinder
und sonstige alltägliche Aktivitäten zu beobachten sind, wie um die Kapitel dieses Bildermärchens zu markieren.
Shelly Silver hat sich Zeit für diese filmische Collage von Dingen und Beobachtungen genommen, und gibt sie dem Betrachter in wohl komponierten Bildern weiter. In der Provinz
scheint Zeit keine Bedeutung zu haben, sie ist zwar nicht stehen geblieben, aber scheinbar
keinen Einfluss auf das individuelle und soziale Leben in der Gemeinschaft zu haben. Hier
gilt immer noch, ist die Natur im Takt, sind es auch die Menschen.
Filmed during a study visit to New Hampshire, Shelly Silver uses the camera to observe daily life in a small American town. The macro-shots of frog, spider, hand, horse and house act
as visual markers and keep popping up in between scenes, showing pensioners doing earlymorning sports, schoolchildren painting and other daily activities, as if to mark the chapters
of this picture fairytale.
Shelly Silver has taken her time to make this filmic collage of objects and observations, and
passes them on to the viewer in well-composed images. In the province, time seems to have
no significance; although it has not stood still, it seems to have no impact on personal or societal life in the community. Here it still holds true that, if nature is in sync, then so are the
people.
Shelly Silver, New York-based artist utilising video, film and photography. Her work, which
spans a wide range of subject matter and genres, explores the personal and societal relations
that connect and restrict us; the indirect routes of pleasure and desire; the stories that are
told about us and the stories we construct about ourselves. Silver attended Cornell University, graduating in 1980 with a B.A. in Intellectual History, and a B.F.A. in Mixed Media and subsequently attended the Whitney Museum of American Art Independent Study Program. She is
an associate professor in Visual Arts, School of the Arts, Columbia University.
ÆUSA 2013, Video, 52:00
ÆDirector, script Shelly Silver
ÆPianists Nathan Currier, Michael Rose
ÆAnimal organizers Andrew Ginzel, Andrew Prayzner, Shane Cassidy,
Mike Hazard, Kirstin McQuaid
ÆDistribution Shelly Silver
38
MAPPING PERCEPTION
COMPUTER CHESS
COMPUTER CHESS
Andrew Bujalski
1980, irgendwo in einem ziemlich abgewrackten texanischen Hotel treffen sich die frühen Computer-Nerds um
ihre Computer mit selbstentwickelten Programmen gegeneinander Schach spielen zu lassen. Der Regisseur
versetzt uns ästhetisch und thematisch zurück in diese Epoche, denn was so aussieht wie dumpfes Archivmaterial aus VHS Zeiten, stellt sich als der clevere Coup Andrew Bujalski’s dar, der mit uralter Videotechnik eine
Burlesque kreiert, in der Computerfreaks der ersten Stunde auf eine sexuell entspannte Selbstfindungsgruppe treffen die zeitgleich denselben Konferenzraum beanspruchen. Als sich die Aufnahmen wie von Zauberhand
irgendwann färben, Bilder und Töne sich psychedelisch überlagern, einer der Experten in einer Zeitschlaufe gefangen ist, ein anderer mit seinem Rechner philosophische Debatten beginnt, wird aus dem herrlichen Unernst
heiliger Ernst. Bei Marijane und Jimmy B. kommen sich zwei Denkuniversen näher, die aber alle letztendlich alle
nur den amerikanischen Traum träumen. Das Ergebnis dürfen wir uns heute alle getrost auf dem Tablet anschauen.
Some time in 1980, some place in a pretty run-down hotel in Texas, the original nerds meet up to have their computers play chess against each other using programs they’ve written. What looks like dull archival material from
the times of VHS turns out to be Andrew Bujalski’s clever coup, he catapults us back to that time in both aesthetic and thematic terms. Using ancient video technology, he creates a burlesque in which this group of geeks
– computer freaks from the outset – encounter a sexually laid back self-discovery group whose meeting clashes with theirs in the same conference room. Yet when the images at some point switch to color as if by magic,
sound and image are overlaid in psychedelic manner, one of the experts gets caught in a time warp and another enters into philosophical debates with his computer, all this marvelous frivolity turns deadly serious. With
Marijane and Jimmy B. two universes of thinking converge, and yet ultimately they’re all just dreaming the
American dream. The result can safely be watched on tablets today.
Andrew Bujalski, born in Boston, 1977, studied film at Harvard's Department of Visual and Environmental Studies, where Chantal Akerman was his thesis advisor. He shot his first feature, Funny Ha Ha, in 2002, and followed
it with Mutual Appreciation in 2003. Bujalski wrote both screenplays, and appears as an actor, playing a major
role in both films. Beeswax and Computer Chess, his third and fourth independent films, were filmed in Austin,
where he lives now. Computer Chess premiered at the Sundance Film Festival 2013 and won the Alfred Sloan
Feature Film Price. It is edited digitally but is shot almost exclusively with original Sony 1968 AVC-3260 B&W
video cameras.
ÆUSA 2013, Video, 92:00
ÆDirector, script, editing Andrew Bujalski
ÆCamera Matthias Grunsky
ÆProduction design Michael Bricker
ÆProducers Houston King, Computer Chess LLC, Alex Lipschultz
ÆCast Patrick Riester, Myles Paige, James Curry, Robin Schwartz,
Gerald Peary, Wiley Wiggins, Chris Doubek and others
ÆDistribution The Bully Project Houston King
39
MAPPING PERCEPTION
CONTINENTAL DRIFT
ONE ROLL IN THE
BLACKNESS
TRESPASS
Chris Kennedy
Paul Wenninger
Die Aufnahme eines Live-Konzertes von Keiji Haino in Toronto am 22. Juni 2011 mit nur
einer einzigen Filmrolle, gefilmt in Einzelbildschaltung. Unser besonderer Dank geht
an Keiji Haino und Adam Rosen.
Trespass meint im Englischen ›Übertretung‹, aber auch ›unbefugtes Eindringen‹ und im juristischem Umfeld auch ›Hausfriedensbruch‹. Paul Wenningers filmische Pixilation greift all diese
Bedeutungen auf und spielt im Verlauf des Films mit ihnen. Als
eigener Protagonist unternimmt Wenniger eine rasante Reise
um die halbe Welt, obwohl er dabei immer am selben Punkt
›verhaftet‹ zu sein scheint.
Grabbing a concert of Keiji Haino, live in
Toronto, on 22 June 2011 with a single roll of
film, shot one frame at a time. With special
thanks to Keiji Haino and Adam Rosen.
Chris Kennedy is an independent filmmaker,
film programmer and writer. He programmed
for the Images Festival from 2003-06 and
Pleasure Dome from 2000-06. He co-founded
and co-programmes Early Monthly Segments
and programmes TIFF Cinematheque’s The
Free Screen. His short experimental films
have screened at over one hundred film festivals worldwide.
ÆCDN 2012, 16mm, 3:00
ÆDirector, script, camera, editing
Chris Kennedy
ÆDistribution Chris Kennedy
40
In English, to trespass means to ›breach›, to ›intrude‹ and, in legal jargon, to ›commit trespass›. Paul Wenninger’s filmic pixilation takes up all of these meanings and plays with them in the
course of the film. As his own protagonist, Wenniger undertakes
a journey half way around the world, although he always appears to be ›stuck‹ in the same place.
Paul Wenninger, *1966 in Vienna. Freelance dancer, author of
choregraphical pieces, stage designer and musician. Collaborations with various choreographers and companies, e.g. with Cie.
Catherine Diverrès at Centre Choreographique National de
Rennes et Bretagne and Theatercombinat Vienna, Claudia
Bosse. Together with choreographer Loulou Omer, he founded
Kabinett ad Co. in 1999, a working platform for artist of various
art disciplines.
ÆA 2012, Video, 11:00
ÆDirector, script, editing Paul Wenninger
ÆCamera Paul Wenninger, Nik Hummer
ÆDistribution sixpackfilm
LAGOS ISLAND
UNTITLED BRAZIL PROJECT
Karimah Ashadu
Christoph Rainer
Die Kamera filmt, in ständiger Bewegung, während sie
in einem ›Camera Wheel Mechanism‹ eingbaut ist, einer Vorrichtung, die permanent rollt. Das sich ständig
verändernde Bild der Küste von Lagos Island erzählt
deren Bewohnern eine ergreifende Geschichte. Einwanderer hocken in ängstlicher Unruhe in der Nähe
des Wassers. Sie errichten sich ein provisorisches
Heim, das die Regierung von Lagos schon bald zunichte machen wird, in einem Versuch, die Stadt zu ›säubern‹. Die Atmosphäre ist gespannt und belastet.
Auch wenn die ›Camera Wheel‹ Vorrichtung ein spielerisches Element einbringt, deren flüchtiger Charakter
ist äußerst emotional und vielsagend.
Ein Film im Film: Ein junger Mann will gegen den Willen seines Vaters Filmemacher werden. Während er für
seinen ersten Film in Rio de Janeiro einige Männer von
der Strasse für die Figur des Vaters castet, bricht er
mit dem eigenen Vater am Telefon. Als die Filmcrew
auch noch ausgeraubt wird, droht alles aus dem Ruder
zu laufen. Eine surreal angehauchte Vater-Sohn-Geschichte, die schliesslich in der virtuellen Welt endet.
The camera records in a state of flux while encased
within the ›Camera Wheel Mechanism‹. The constantly changing image of the Lagos Island coast offers a
poignant narrative for its occupants. Immigrants
perch near the water in trepidation. They build fleeting
homes which the Lagos government will soon force
down in a bid to clean the City. The atmosphere is
tense and fraught. Although the Camera Wheel Mechanism brings an element of play, its ephemeral nature
is highly emotive and telling.
Karimah Ashadu is a British/Nigerian Video Artist and
Spatial Designer. She obtained a Masters in Interior
and Spatial Design at Chelsea College of Art and Design, London in 2011. Prior to this, she trained as a
painter at The University of Reading School of Arts and
Communication Design, graduating with a Bachelor of
Art in Fine Art and History of Art and Architecture in
2007. She has exhibited internationally such as in
Berlin, Croatia and Bulgaria, and lives and works in
London and Lagos.
A film within a film: a young man wants to become a
filmmaker against his father’s wishes. While casting
for the figure of his father for his first film, using men
off the street in Rio de Janeiro, he breaks contact with
his own father on the phone. And when the film crew is
robbed, everything threatens to get out of hand. A father/son story with a surreal touch, that ultimately
ends in the virtual world.
Christoph Rainer, *1985 in Klosterneuburg, Austria.
Studied Filmmaking at Vienna Film School from 2003
to 2004 . Has worked at Ruth Mader since 2005. Studied at Vienna Film Academy, in the class of Michael
Haneke, from 2006 to 2010. Has directed the Shortynale Festival since 2009. Gained his MFA at New York
Columbia University in 2010.
ÆA 2012, Video, 11:50
ÆDirector, script, editing, animation Christoph Rainer
ÆCamera Javier Loarte, Johnny Ma, Thiago da Costa,
Stian Hafstad
ÆCast Carlos Veiga, Mineirinho do Riacho
ÆDistribution Christoph Rainer
ÆNGR/GB 2012, Video, 4:44
ÆDirector, script, camera, editing Karimah Ashadu
ÆDistribution Karimah Ashadu Art/Design
41
MAPPING PERCEPTION
CONTINENTAL DRIFT
DAS TIER DAS LÜGEN KANN /
The Animal That Can Lie
LE SPECTRE SILENCIEUX DU MOUVEMENT
The soundless spectre of motion
David Jansen
Bridget Walker
Am Anfang war das Wort. Das widerspricht
jeder Logik, so wie Du mir, wenn ich sage, wir
sind frei. Für diese Hände übernehme ich
keine Verantwortung. Die hab ich nämlich
geerbt, gute Gene. Am Ende die Unschuld.
›Das Tier das lügen kann‹ beschreibt eine
Welt, auf der das Schweigen Gottes lastet
und die vielleicht jeden Sinnzusammenhang
verloren hat.
Die Gestaltung eines erfundenen Raumes, der in einen biographischen Raum eindringt, ermöglicht eine wahrnehmbare
Schwelle zwischen Illusion und Gewissheit – oder nicht? Wenn
sie nicht wahrnehmbar ist, resultiert diese Ungewissheit dann
von dem Versäumnis der Existenz der Schwelle, wahr oder
falsch zu sein, oder einfach von unserer Unfähigkeit , sie zu erkennen? Was sind die Folgen des Versäumnisses, zwischen Tatsache und Fiktion zu unterscheiden? Und wie beeinflusst uns
diese Ungewissheit darin, wie wir uns verhalten sollten und was
wir glauben?
In the beginning was the Word. This is inconsistent with any kind of logic, just as you’d
disagree with me if I told you we were free.
For these hands of mine I take no responsibility. Because I’ve inherited them, good
genes. At the end, innocence. ›The Animal
That Can Lie‹ describes a world that carries
the silence of God on its shoulders and that
may have lost all significance.
David Jansen, *1981 in Wipperfürth. Studied
at the Academy of Media Arts Cologne from
2006 to 2013. Graduated with a Diplom in
Television/Film in 2013.
ÆD 2012, 35 mm, 13:00
ÆDirector, editing, animation David Jansen
ÆScript Sophie Biesenbach, David Jansen
ÆCamera David Jansen
ÆDistribution KHM
42
The construction of an imaginary space that invades a biographical space permits a discernible cut-off point between illusion and certainty – or does it? If it is not discernible, does this
unclarity result from the failure of a cut-off point’s existence to
be true or false, or simply from our inability to locate it? What
are the consequences of failing to discriminate between fact
and fiction? And how does this uncertainty implicate how one
should behave, as well as what one believes?
Bridget Walker, *1983 in Melbourne, Australia, trained at the
Victorian College of the Arts in Fine Art, Drawing and Animation.
Since 2009 she has been living and working in Paris, France. In
July 2012 she was awarded the support of the Australia Council
for the Arts for the development of ‘The Eclipse Bureau’, a fictional research organisation whose mission is to map and
process phenomena that demonstrate multiple properties or
states that appear contradictory.
ÆF 2012, Video, 6:22
ÆDirector, script, camera, editing, animation Bridget Walker
ÆCast Antoine Rosenfeld, Virgile Biechy
ÆDistribution Bridget Walker
HALLOWEEN 1977
RED:UX
ON-OFF CLIP II
Greg Jackson
Andreas Gogol
Anna Anders
Halloween 1977 zeigt gefundes Super-8mm Material, das, Bildausschnitt für Bildausschnitt, auf
35mm zusammengefügt wurde. Jeder einzelne 35mm-Bildausschnitt
hat ein 8mm großes Loch, das mit
einem Lötkolben hineingeschmolzen wurde. Das 8mm-Bild wird
dann in den 35mm-Bildausschnitt
geklebt und gescannt. Ein Unheil
verkündender Soundtrack begleitet ein dunkles und stimmungsvolles Experiment in der Gegenüberstellung mit Ton.
Eine experimentelle, stimulierende audio – visuelle Reise in die Vergangenheit oder in die Zukunft – möglicherweise in
die eigene Betrachterwelt. Ein Found Footage
Mix aus Super 8, TV
Screens, 16mm Film und
DV Material.
30 Tischlampen werden im rhythmischen
Wechsel ein- und ausgeschaltet. Es handelt
sich dabei vorwiegend um Exemplare aus einem Film- und Theaterfundus der ehemaligen DDR, durchmischt mit Lampen neueren
Datums. Man kann das kurze Video als Ritt
durch die Designgeschichte der Tischlampe
verstehen, aber auch als ›Lichtinstallation‹
im wahrsten Sinne des Wortes. Die virtuellen
Lampen erleuchten den realen Raum.
An audiovisual & experimental stimulating trip to
the past or the future –
maybe to your own mental world. A mixture of
found footage Super 8, TV
sreens, 16mm and DV
manipulation.
Thirty table lamps are switched on and off
rhythmically. Most of them were borrowed
from a pool of film and theatre props from
the former German Democratic Republic,
mixed with contemporary examples. The
short video can be seen as a journey through
the design history of table lamps, but also
literally as a light installation. The virtual
bulbs illuminate the real space. At the same
time, the monitor or video projector itself is
addressed as a light-transmitting media.
Halloween 1977 features Super
8mm found footage that has been
spliced, frame by frame into 35mm.
Each individual 35mm frame has a
8mm size hole melted into it with a
soldering iron. The 8mm frame is
then taped into the 35mm and
scanned. A foreboding sound track
accompanies a dark and moody experiment in the juxtaposition of
tone.
Greg Jackson is an award-winning
filmmaker from Halifax NS Canada.
ÆDirector, script, editing Greg
Jackson
ÆCamera Kevin Fraser
ÆDistribution Greg Jackson
Andreas Gogol is an active experimental filmmaker, photographer and
musician who works in all
kinds of musical partnerships, while also being involved in several other
fields of fine arts.
ÆD 2012, Video, 6:15
ÆDirector, script,
camera, editing, music
Andreas Gogol
ÆDistribution Andreas
Gogol
Anna Anders has been working with video
since 1986. Her videos and installations have
been shown at numerous festivals, exhibitions and art fairs worldwide. She graduated
from the Academy of Fine Arts Munich and
completed a postgraduate degree at the
Academy of Media Arts Cologne (KHM) in
1995. She was assistant professor at the
Academy of Media Arts Cologne from 1997 to
2001. She has held a professorship at the
Faculty of Design of Berlin University of the
Arts (UdK) since 2005.
ÆD 2012, Video, 1:16
ÆDirector, script, camera, editing,
animation Anna Anders
ÆDistribution Anna Anders
43
MAPPING PERCEPTION
COUNT TO ZERO
ATEMBERAUBEND / Breathtaking
ASLEEP
Pim Zwier
Paulo Abreu
Wie können wir uns Tiere ansehen oder an sie erinnern, wenn sie bereits ausgestorben sind? Die einzigartige zoologische Sammlung der Martin-Luther Universität in Halle bietet die Möglichkeit der Naturgeschichte und den Tieren direkt in das (Glas)auge zu sehen. Diese Sammlung wird ständig erweitert, aber
auch restauriert. Der Film begleitet Taxidermisten und
Entomologen bei ihrer Arbeit: der Transformation von
Insekten und Säugetieren zu wissenschaftlichen zoologischen Exponaten.
Asleep, auf Super 8 gedreht, ist ein experimenteller
und poetischer Dokumentarfilm über den Vulkan Capelinhos auf der Azoreninsel Faial. Der Film beinhaltet
auch Archivmaterial, das weitere Ausbrüche aus den
Jahren 1957 und 1958 zeigt.
How can we remember or view animals that have become extinct? The unique zoological collection at Martin Luther University Halle-Wittenberg enables us to
look at natural history and to look straight into the
(glass) eyes of extinct animals. This collection is constantly expanding and being restored. By following
taxidermists and entomologists at work, the film reveals how insects and mammals are transformed into
scientific specimens for the zoological collection.
Pim Zwier obtained his MFA at the Piet Zwart Institute
in Rotterdam. He makes short films and installations.
Beside being a visual artist / filmmaker, he has curated
several film programmes for Filmbank and the Starting
from Scratch Festival.
ÆD/NL 2012, Video, 27:13
ÆDirector, script, editing Pim Zwier
ÆCamera Alexander Decker
ÆSound Christian Schunke
ÆProducers Peter Zorn, Marcie K. Jost
ÆDistribution Pim Zwier
44
Asleep, shot in Super 8, is an experimental and poetic
documentary about Capelinhos Volcano on the Azorean island of Faial. It also includes some archival
footage of the successive eruptions during 1957 and
1958.
Paulo Abreu, *1964. Director and cinematographer,
lives and works in Lisbon. Experimental film director.
›Silent films are my main influence and inspiration.‹
Super 8 lover.
ÆP 2012, Video, 12:20
ÆDirector, script, camera, editing, music Paulo Abreu
ÆDistribution Light Cone
SINAIS DE SERENIDADE POR COISAS SEM SENTIDO /
Signs Of Stillness Out Of Meaningless Things
Sandro Aguilar
Im immerwährenden Mondkalender heißt es: ›Wenn die Glut oder die Funken des Feuers den Wassertopf erreichen, so bedeutet das Wind. Wenn die Hügel sehr laut widerhallen und die See großen Lärm verursacht, bedeutet das tosenden Wind und Stürme auf See. Wenn sich bei Morgendämmerung dichter Nebel bildet, so bedeutet das zwei Tage Ruhe.‹ Warten wir ab und schauen was passiert.
According to the perpetual lunar calendar: ›When the embers or fire sparks catch to the pot of water, it signifies wind. When the hills echo very loudly and the sea creates great noise, it signifies tempestuous winds and
storms at sea. When, at dawn, dense fog is formed, it signifies serenity for two days.‹ Let’s wait and see.
Sandro Aguilar, *1974 in Portugal, studied Film at the Escola Superior de Teatro e Cinema. In 1998, he founded
the production company O Som e a Fúria. His films have won awards at festivals, such as La Biennale di Venezia,
Locarno, Vila do Conde, and have been screened in Rotterdam, Belfort, Montreal, Clermont-Ferrand, and so on.
ÆP 2012, Video, 28:00
ÆDirector, script, editing Sandro Aguilar
ÆCamera Rui Xavier
ÆCast Isabel Abreu, Albano Jerónimo, Gustavo Sumpta, Cristóvão Campos, Eva Aguilar, Eduardo Aguilar
ÆDistribution AGENCIA - Portuguese Short Film Agency
45
MAPPING PERCEPTION
ECHOING WALLS
DAS ANDERE KAP /
The Other Heading
IIIII
A MINIMAL
DIFFERENCE
Martin Gerner
Deborah S. Phillips
Jean-Paul Kelly
Die Kriegszone Kabul in einer Überlagerung von Begegnungen. Ein Selbstmordattentat vor der Kulisse eines Swimming Pools. Punk-Rock aus dem Untergrund,
der auf den Koran schwört. Ein Supermann, der von irgendwoher auftaucht. Ernst und satirisch. Das überraschende Spektrum der afghanischen Hauptstadt
zwischen interventionsgesteuerter Ökonomie und einer Vielzahl von Konditionierungen.
›Welche blinden Flecke gibt es in unserer Wahrnehmung? Wo begegnen wir unseren eigenen Vorurteilen
über den Anderen? Wie und warum verformt sich der
Hindukusch in unseren Augen? Und was, wenn Europa
lediglich der Rand des asiatischen Kontinents ist?‹
Wegen einer ostoepathischen Behandlung fuhr
ich mehrmals zum Neuen
Kranzlereck am Kudamm.
Die Reflektionen, wie die
Menschen sich dort beweg(t)en, hat mich fasziniert…
Sich beziehend auf Bilder
aus Kellys laufendem Archiv an Fotografien und
Ausschnitten, gesammelt
aus Google, flickr und Fotojournalismus, verbindet
A Minimal Difference die
Materialstruktur von Bildern mit der Abstraktion
einer persönlichen Erfahrung des Sehens.
Kabul, the complicity of war and its daily life. Reflected in episodes of the unexpected. Echoes of a suicide
bombing embedded in a swimming pool setting. Urban
punk rock that calls Islam its legitimate twin. A superman who appears out of nowhere. Serious and satirical, the work illustrates the Afghan capital between
new economy and conditioned conflicts of all sorts at
the wake of the international withdrawal.
›Which of our notions apply: Is the Hindukush about
bells for a funeral or about a new brand of post-interventionist culture? Where do our prejudices about ‘the
other’ originate from? And what if Europe was only the
edge of the Asian continent?‹ (Martin Gerner)
Martin Gerner, film director, journalist and author of
the award-winning documentary www.generationkunduz.com. As a longtime senior editor for German TV
ARD and as an Afghanistan correspondent for German
national radio, he has been a trainer and mentor for a
new generation of Afghan journalists and filmmakers
with international media NGOs since 2001. Curator of
special ›Afghanistan from Inside‹ at Dok-Leipzig 2008.
ÆD 2012, Video, 8:30
ÆDirector, script, camera Martin Gerner
ÆEditing Martin Gerner, Katharina Kreutz
ÆMusic Shahrokh
ÆCast Rockband and citizens of Kabul
ÆDistribution MG Film
46
The reflections in this
complex, where I was
treated by an osteopath,
as well as how people
moved therein, fascinated me...
Deborah S. Phillips works
in a number of fields, including as a visual artist,
translator & curator in
Berlin. She often realises
projects in several media
at once, such as 16mm,
artists’ books/on paper,
and slide collages, which
are also often used to
make installation pieces.
Her PROJEKTIONEN-series at an artists-run
space, kunstraum t27, has
developed into a unique
forum for showing analogue artworks using light.
ÆD 2012, 16mm, 2:00
ÆDirector, script,
camera, editing
Deborah S. Phillips
ÆMusic Ruth Wiesenfeld
ÆDistribution Deborah S.
Phillips
Referencing
pictures
from Kelly’s ongoing
archive of photographs
and clippings culled from
Google, flickr, and photojournalism, A Minimal Difference conflates the material structure of images
with the abstraction of a
personal experience of
seeing.
Jean-Paul Kelly, *1977 in
London, Canada, creates
drawings, photographs,
videos and animation that
are often displayed together. His works engage
with issues of representation and subjectivity, focusing on the gap between a material relation
to the world and lived experience. He holds a Masters of Visual Studies from
the University of Toronto.
ÆDirector, script,
camera, editing, sound
design Jean-Paul Kelly
ÆDistribution Vtape
COLD OPEN
TEMPER CLAY
Seamus Harahan
Sung-Hwan Kim
Seamus Harahans genau beobachtende Linsen zeigen die Gesten,
den Männlichkeitswahn und das
Kräftemessen beim Arm-Punching
der Jugendlichen Nordirlands. Intuitiv schauend, filmend, aufnehmend, bevor Gedanken eingreifen,
enthüllt er unerwartete Bereiche
des Absurden, führt uns dortin, wo
›innere und äußere Realitäten sich
kreuzen‹. (IFF Rotterdam 2013)
Hauptsächlich in S/W gedreht, kehrt ›Temper Clay‹ zurück zur Geschichte von Kim rund um die Hyundai Appartements, die auf einer Geländeauffüllung am Ufer des Han-Flusses errichtet wurden. Dem Bau dieses modernen Architekturkomplexes folgte das Scheitern des staatlich geförderten Wohnungsbaus mit dem Einsturz des Wawu Citizens Appartementgebäudes in Mapo-gu 1970, bei dem 33 Menschen starben.
Die Geschichte wird aus der Sichtweise des Kindermädchens von Kim erzählt, die bereits im Alter von gerade mal 17 Jahren in den 1970er Jahren
auf ihn aufpasste und den Haushalt erledigte. Mit einer verzerrten, seltsam elektronischen Stimme berichtet sie von ihrem kurzen Aufenthalt in
den Appartements: ›Es war ziemlich beschämend›, keine Zeit für andere
Dinge, schon gar nicht zum Lernen. Wir sehen Hände einer Frau, die in einem Hausflur verschüttete Milch aufwischt. Sie putzt mit runden Bewegungen, und dann hört sie auf zu wischen, ohne ihre Arbeit zu beenden;
ein anderes Paar Hände übernimmt ihre Aufgabe…
Seamus Harahan’s scrutinising
lens reveals the gestures, machismo and arm-punching dynamics of
Northern Irish youth. Intuitively
looking, shooting, recording before
thought intervenes, he exposes unexpected slices of the absurd, ushering us to where ›inner and outer
realities intersect‹. (IFF Rotterdam
2013)
Seamus Harahan, * 1968, in the
UK, graduated with an MA in Fine
Art from the University of Ulster in
Belfast. He works primarily with
video and sound, and always works
intuitively. His films take the form of
experimental documentaries. In
2005, Harahan represented North
Ireland at the Venice Biennale and
in 2009 he received the Paul Hamlyn Foundation Award for Artists.
His work is held in both public and
private collections. He lives and
works in Belfast.
ÆGB 2012, Video, 12:00
ÆDirector, camera, editing, sound
design Seamus Harahan
ÆDistribution Seamus Harahan
Shot largely in b/w, ›Temper Clay‹ returns to Kim’s theme around the
Hyundai Apartments, which were built on landfill on the banks of the Han
River. The construction of this modern achitecture complex followed the
failure of government-funded housing with the collapse of the Wawu Citizens Apartment building in Mapo-gu 1970, where 33 people died.
The narrative is conceived from the viewpoint of Kim’s nanny who, at the
age of just 17, looked after him and did the household chores in the
1970s. With a distorted strange electronic voice, she talks about her brief
stay in the apartments: ›It was rather embarrassing›, no time for anything, least of all studying. We see footage of a woman’s hands mopping
up spilt milk in a corridor of what might be a high school. She wipes in circular motion, and she stops mopping without finishing the job; another
pair of hands takes her place…
Sung-Hwan Kim, *1975, in Seoul, lives and works in New York, where he
makes films, radio plays and performances. His work has been shown at
film festivals and solo and group exhibitions in museums such as the Tate
Modern in London and the Queens Museum in New York. In 2007, he was
awarded the Hermès Prize for Contemporary Art and a Prix de Rome.
ÆSouth Korea/USA 2013, Video, 24:00
ÆDirector, script, camera, edting Sung-Hwan Kim
Æin musical collaboration with dogr aka David Michael DiGregorio
Æconceived and commissioned for the Oil Tanks at Tate Modern, 2012
ÆCast Misoon Huh, Daseul Song, Boram Moon,
Hyoduck Hwang, Namsik Ji
ÆDistribution Sung-Hwan Kim
47
MAPPING PERCEPTION
GHOSTLY MATTERS
EXPERIENCE IN MATERIAL
NO. 52 DUBHOUSE
WALK-THROUGH
Kei Shichiri, Ryoji Suzuki
Redmond Entwistle
Das Vermischen zweier verschiedener Visionen: der Architekt als Verursacher der Dunkelheit und der Filmemacher als Überbringer
des Lichts. Der Film hat einen dunklen Teil,
mit Bildern der vom Tsunami am 11. März
2011 angerrichteten Schäden, verborgen in
der Emulsion, und einen Teil, in dem der Projektor die von der Architektur eingefangene
Dunkelheit erhellt. (IFF Rotterdam 2013)
Führung über den Campus des California Institute of the Arts, in
der die Geschichte des Gebäudes und der Ursprung von dessen
demokratischen Ethos analysiert wird. Ein Off-Kommentar beschreibt deutlich die Rhetorik des Gründungsauftrags, der eine
frühe Form von kulturellem Kapital festlegt. Langsam bewegt
sich die Führung zu einer zweiten Reihe von Szenen, in denen
sich Studierende in einem Klassenraum versammeln, um an einer fiktiven Nachstellung von Michael Ashers ›Post-Studio Art‹
Kursen teilzunehmen. Im weiteren Verlauf der Diskussion fangen wir langsam an zu verstehen, dass das was aufgeführt wird
eine Übung zur Beurteilung der Parameter der Rechtmäßigkeit
der Institution ist, und die Rechtmäßigkeit eines Klassenraums,
als einen Raum, in dem gesprochen wird so wie auch die individuelle Rede an sich als wichtigstes Instrument der Demokratie.
Mingling of two distinct visions: the architect
as the instigator of darkness and the filmmaker as the bringer of light. The film has a
dark part with drawings of the 11/3/2011
tsunami damage hidden in the emulsion, and
a part in which the projector illuminates the
darkness captured by architecture. (IFF Rotterdam 2013)
Kei Shichiri, *1967 in Japan, is a filmmaker
and playwright, after having been an assistant director for some 10 years. He has created a wide range of works, including a video
with a live chamber orchestra and the art film
Hottentot Apron - A Sketch (shown at EMAF
in 2006).
Ryoji Suzuki, *1944 in Japan, studied Architecture at Waseda University, Tokyo. In 1973,
he started an eclectic series called Experience in Material, a mix of film, architecture,
books, photography and art. He also wrote
several architecture books. Suzuki has won
several awards, including the Architectural
Institute of Japan Prize.
ÆJ 2012, 35mm, 16:00
ÆDirector, script Kei Shichiri, Ryoji Suzuki
ÆCamera Takahashi Tetsuya, Kei Shichiri
ÆEditing, sound design Kei Shichiri
ÆMusic Takumi Ikeda
ÆDistribution Kei Shichiri
48
The film explores the site, design and philosophy of the California Institute of the Arts in Los Angeles. On one level we are presented with a tour of the CalArts campus, analysing the history
of the building and the origins of its democratic ethos. A studied voiceover articulates the rhetoric of its founding mission
which pinpoints an early form of cultural capital. Slowly the tour
starts to shift to a second series of vignettes in which students
gather in a classroom to attend a fictional recreation of Michael
Asher’s ›Post-Studio‹ class. As the discussion progresses we
begin to understand that what is being staged is an exercise in
assessing the parameters of the institution’s legitimacy and the
legitimacy of the class as a space within which to speak, as well
as individual speech itself as a principal tool of democracy.
Redmond Entwistle, *1977 in London, was educated at the California Institute of the Arts and followed the Whitney Independent
Study Programme. Entwistle employs documentary and abstract
modes of filmmaking, often investigating histories of social displacement. His film Monuments (EMAF 2010) was nominated for
a Tiger Award for Short Films in Rotterdam.
ÆUSA/GB 2012, Video, 18:00
ÆDirector, script Redmond Entwistle
ÆCamera Lee Daniel
ÆEditing Redmond Entwistle, David Rogow
ÆMusic Christopher McIntyre
ÆCast Sara Bahr, Nate Clark, Nate Larson, Jeremy Mascia,
Rasika Mathur
ÆDistribution LUX
BANN
UNSUPPORTED TRANSIT
Nina Könnemann
Zachary Formwalt
Sie kommen von hinter der Wand: sogenannte Smokers. Nina Könnemanns Kamera beobachtet sie wie letzte – oder neuerdings
entdeckte – Exemplare einer Art; ihre Schuhe, ihre Verstecke, die Art und Weise, Glut
und Asche zu trennen und den Abfall zu entsorgen. Die Spuren, die sie im Stadtbild hinterlassen; ein Stadtbild, in dem sie selbst als
nicht viel mehr erscheinen denn als Spuren.
Die Kulisse von Unsupported Transit ist eine Baustelle in Shenzhen, die erste Sonderwirtschaftszone Chinas, wo derzeit eine
neue vom Architekturbüro Office for Metropolitan Architecture
des Architekten Rem Koolhaas entworfene Börse gebaut wird.
Auf dieser Baustelle wird eine Geschichte erzählt, die mit
frühen aufeinanderfolgenden Fotografien von Eadweard Muybridges und einer Auftragsarbeit, die er für Leland Stanford
ausführte, beginnt, bevor die berühmten Pferdebilder produziert wurden. Die Technik, mit der die Bilder in den Filmen produziert wurden, wird deutlicher, wenn die Geschichte sich fortsetzt zu einer Beschreibung der Zeitraffer-Fotografie und was
Karl Marx als die ›verkürzte Form von Kapital‹ beschrieb — eine
Form, die das Kapital so erscheinen lässt, als würde es sich aus
eigenem Antrieb bewegen.
They come from behind the wall: so-called
smokers. Nina Könnemann observes them as
if they were the last – or newly discovered –
specimens of their kind. Their shoes, their
lair, the way in which they separate ash from
ember and how they dispose of waste. The
traces that they leave behind in the
cityscape; a cityscape in which they themselves appear only in traces.
Nina Könnemann, *1971 in Bonn, studied at
the University of Fine Arts of Hamburg from
1998. Her video works have recently screened
at exhibitions in Grazer Kunstverein,
Pinakothek der Moderne, Munich, the Camden Arts Centre, London and Portikus, Frankfurt. In 2010, she had a solo presentation in
the cinema of the Museum of Modern Art in
New York. A retrospective of her work is
planned at Kölnischer Kunstverein, Cologne
for 2014.
ÆD 2012, Video, 7:27
Nina Könnemann
ÆDistribution Nina Könnemann
Unsupported transit is set on a construction site in Shenzhen,
the first of China’s Special Economic Zones, where a new stock
exchange designed by Rem Koolhaas’s Office for Metropolitan
Architecture is now being built. On this site, a story is told that
begins with Eadweard Muybridge’s early sequential photographs and a commissioned work he carried out for Leland
Stanford before the famous horse pictures were produced. The
mechanism by which the images in the film were produced becomes clearer as the story moves on to a description of timelapse photography and what Karl Marx described as the ›abbreviated form of capital›—a form that makes capital appear to
move of its own accord.
Zachary Formwalt, *1979, USA, went to the School of the Art Institute of Chicago and is an artist and filmmaker based in Amsterdam. Among other places, his work has been shown at Kunsthalle Basel and Casco - Office for Art, Design and Theory in
Utrecht. The world economy is a recurrent theme in his photographs and videos. In 2012, Formwalt won the Illy Prize in Rotterdam.
ÆNL 2011, Video, 15:00
ÆDirector, script, camera, editing, sound design
Zachary Formwalt
ÆDistribution Zachary Formwalt
49
MAPPING PERCEPTION
INFINITE LOOPS
RESTLESS LEG SAGA
GIRLS LOVE HORSES
Shana Moulton
Jennifer Reeder
Eine New Age-Seifenoper, die Pastellfarben,
hysterisch optimistische Ästhetik von Arzneimittelwerbung und elysische Erinnerungen von Enya in pures Gold verwandelt. Elektrische Zahnbürsten und kitschige Haushaltsdekorationen werden zu Gegenständen
mit mysteriösen und möglicherweise gar
magischen Eigenschaften. Dies ist ein visuelles Gedicht auf höchstem Niveau.
Es handelt es sich um eine kleine, bruchstückhafte Geschichte,
die von einer Geschäftsreise erzählt, einem Blutfleck und davon, okay zu sein. Eine Geschäftsfrau, allein auf Reisen, erinnert
sich an einen Vorfall aus ihrer Jugendzeit und spielt diesen noch
einmal durch, nachdem sie sich selbst, außerhalb des Kamerablickfelds, verletzt hat. Diese experimentelle Erzählung entwirrt
allmählich ein Melodrama und weist auf ein solches als eine
mögliche Form des Plots hin. Eine Erwachsene und das Geistermädchen aus ihrer Vergangenheit erscheinen und verschwinden wieder in Echtzeit und in früher gefilmten Szenen. Die Linearität der Handlung wird von einem ständigen Wechsel zwischen dem Wirklichen und dem Imaginierten unterbrochen.
A new-age soap opera that transforms pastel colours, the hysterically optimistic aesthetic of drug commercials, and Elysian
memories of Enya into pure gold. Electric
toothbrushes and kitschy household decorations become items with enigmatic and possibly magical properties. This is visual poetry
of the highest order.
Shana Moulton, *1976, studied at the University of California, Berkeley and Carnegie Mellon University, Pittsburgh, where she received
her MFA. Moulton has also attended the
Skowhegan School of Painting and Sculpture
in Skowhegan, Maine, and studied at De Ateliers in Amsterdam. Moulton lives and works
in Brooklyn, New York.
Shana Moulton creates evocatively oblique
narratives in her video and performance
works. Combining an unsettling, wry humour
with a low-tech, Pop sensibility, Moulton
plays a character whose interactions with the
everyday world are both mundane and surreal, in a domestic sphere just slightly askew.
ÆDirector, script, cast Shana Moulton
ÆDistribution Shana Moulton
50
This is a fractured little story about a business trip, a bloodstain
and being okay. A professional woman, travelling alone, recalls
and re-enacts an incident from her adolescence after injuring
herself off-camera. This experimental narrative unravels patiently and points to melodrama as a potential form of plot
structure. An adult female and the girl ghost from her past
emerge and retreat within real-time exchanges and previously
recorded footage. The linearity is disrupted by magical b-roll
and a constant shift between the actual and imagined.
Jennifer Reeder is a filmmaker and visual artist from Ohio. She
constructs very personal narratives about landscapes, coincidence and trauma. She has made 40 film/video projects and
written 11 scripts.
ÆUSA 2013, Video, 12:35
ÆDirector, script Jennifer Reeder
ÆCamera, editing Mike Olenick
ÆMusic Jeremy Boyle
ÆCast Tatiana Suarez Pico, Natalie Cornish,
Christina Ritter, Hannah Blau
ÆDistribution Jennifer Reeder
HOLE
CONTINUITY
Wouter Venema
Omer Fast
Hole entstand dadurch, dass auf
halbtransparentem Papier gezeichnet wurde, das über einen
LCD-Bildschirm liegt, auf dem Filme mit natürlichem Licht laufen:
Morgenröte, Blitze, Sonnenaufgang. Bild für Bild fotografiert, vereinigen sich diese beiden Schichten. Intuitiv verbindet Hole diese
Landschaften mit filmischen Elementen: die Höhle wird zur Lochkamera, der Mond zu einer Lochblende, die Sonne wird zum Projektor.
Torsten und Katja, verheiratet, mittleren Alters, bereiten einen festlichen
Empfang in ihrem Haus vor. Sie fahren zum Bahnhof und holen Daniel ab,
einen schlaksigen junger Mann in Bundeswehruniform. Das Treffen ist
unbeholfen: die Eltern sind emotional, während der Sohn immer distanzierter, passiver, sich unsicherer und merkwürdiger verhält. Auch zuhause erwidert er die elterliche Zuneigung nicht, was diese höchst verstört
und aufwühlt. Katja macht einen letzten Versuch, ihren Sohn zu erreichen, indem sie ihn leidenschaftlich streichelt, als er schon im Bett liegt.
Er stellt sich aber schlafend und sie gibt schließlich auf. Am nächsten
Tag sitzen Torsten und Katja wieder im Auto und fahren zum Bahnhof. Die
Stimmung zwischen ihnen ist angespannt. Sie sprechen kaum. Ein anderer junger Mann in Bundeswehruniform wartet an der gleichen Stelle…
Hole is made by drawing on half
transparent sheets which were
placed above an LCD screen –
showing films of natural light: aurora, lightning, sunrise. By photographing the set-up frame for
frame, these two layers came together. Intuitively, Hole connects
these landscapes with cinematic
elements: the cave becomes a
camera obscura, the moon a pinhole, the sun a projector.
Wouter Venema, *1985 in Groningen, NL. Works and lives in Rotterdam. He studied Fine Arts at ArtEZ,
Arnhem and at the Sandberg Institute, Amsterdam. His work consists
of short films, drawings, animations
and books. The sense of simultaneity – the layering of places and
time, of earth and memories – is a
central theme of his work.
Æ
Torsten and Katja, married and middle aged, are preparing a festive reception at their house. They drive to the train station to pick up Daniel, a
lanky young man in German armed forces uniform. The meeting is awkward: the parents are emotional, while the son becomes increasingly distanced and passive, behaving more and more insecurely and strangely. At
home, too, he fails to respond to his parents’ affection, which very much
disturbs and agitates them. Katja makes a final attempt to reach her son
by fervently stroking him while he lies in bed. But he pretends to be
asleep and she finally gives up. The next day, Torsten and Katja are sitting
in the car again, driving to the train station. There is a tense atmosphere
between them. They hardly speak. Another young man in German armed
forces uniform is waiting at the same place…
Omer Fast, *1972 in Jerusalem. He holds a BA in English from Tufts University, a BFA in Visual Arts from the Boston Museum School of Fine Arts
and an MFA from Hunter College, City University of NY. He has participated in over 150 international exhibitions, including solo shows at the Whitney Museum in NY, the Moderna Museet in Stockholm, the Dallas Museum
of Art and Museum of Modern Art in Vienna. Group exhibitions include Documenta 13, the Venice Biennale, the Guggenheim Museum in New York and
the Centre Pompidou in Paris. He has been living in Berlin since 2001.
ÆD 2012, Video, 41:00
ÆDirector, script Omer Fast
ÆCamera Bernhard Keller
ÆEditing Heike Parplies, Omer Fast
ÆSound Samuel Schmidt
ÆCast André M. Hennicke, Iris Böhm,
Josef Mattes, Lukas Steltner, Niklas Kohrt
ÆDistribution Filmgalerie 451, Berlin
51
MAPPING PERCEPTION
THE ISLAND OF SAINT MATTHEWS
THE ISLAND OF SAINT MATTHEWS
Kevin Jerome Everson
Ein Feature, mit 16mm-Kamera gedreht, über den Verlust einer Familiengeschichte in Form von Erbstücken
und Fotografien. Der Filmemacher fragte seine Tante vor Jahren nach alten Familienfotos. Ihre Antwort: ›Wir haben sie in der Flut verloren‹ war der Auslöser für diesen Film, ein Gedicht und ein Tribut an die Bürger von Westport, einer Gemeinde etwas westlich von Columbus, Mississippi, der Heimatstadt der Eltern des Filmemachers.
Bewohner, jung und alt, erzählen von der Überflutung des Tombigbee River im Jahr 1973. Die Interviews und Gespräche, gefilmt vor einer Kirche, in einer Kosmetikschule, auf Verandas und in Hinterhöfen, werden mit Sequenzen, die einen Wasserskiläufer auf dem gefürchteten Fluss zeigen, kombiniert.
A feature film shot in 16mm about the loss of family history in the form of heirlooms and photographs. Years
ago filmmaker Kevin Jerome Everson asked his aunt about old family photographs. Her reply: ›we lost them in
the flood‹ was the catalyst for this film, a poem and paean to the citizens of Westport, a community just west
of Columbus, Mississippi, the hometown of the filmmaker’s parents. Residents, young and old, reminiscing
about the 1973 flood of the Tombigbee River. The interviews and conversations, filmed in front of a church, at a
beauty school, on porches and backyards, are combined with sequences of a water-skier on the feared River.
›With a sense of place and historical research, my films combine scripted and documentary elements with rich
elements of formalism. (…) This new work still embraces the similar condition but I am increasingly interested
in interrupting documentary scenes with abstract, formal scenes, those situations where necessity collides
with coincidence. The coincidence is the scene that looks as if it was culled from archival footage, an accident
or mistake in the actual film material, while necessity is the plot or character that drives the film. I am pleased
when these qualities collide in terms of form, because it plays with this ambivalent relationship between art
and narrative, fact and fiction. Eventually, I trust that by working in this manner, years from now, I will see my
work as achieving pure form.‹ Kevin J. Everson
Kevin Jerome Everson, *1965, raised in Mansfield, Ohio. He has a MFA from Ohio University and a BFA from the
University of Akron. He is currently a Professor of Art at the University of Virginia, Charlottesville. He was awarded the prestigious 2012 Alpert Award for Film/Video and was the subject in spring 2012 of a mid-career retrospective at Visions du Reel, Nyon, Switzerland and a solo exhibition at the Whitney Museum of American Art in
2011. His feature film Quality Control (EMAF 2011) was included in the 2012 Whitney Biennial.
ÆUSA 2013, Video, 70:00
ÆDirector, script, editing Kevin Jerome Everson
ÆCamera Kevin Jerome Everson, Lindsey Arturo, Taka Suzuki
ÆSound Rachel Lane, Elizabeth Webb
ÆMusic Bonnie Gordon
ÆProducer Madeleine Molyneaux
ÆProduction Companies Picture Palace Pictures, Trilobite-Arts-DAC
ÆCast Jimmy J. Johnson, Octavious Hinton, Rosalee Harris, Charlie Smith, Raymond Griggs,
Marie Whitfield, Prisicilla King, Major Andrews, Latoya Andrews, Landon Williams,
Marco Harrison, Juanita Everson, Colby Williams, Jawan Hopson
ÆDistribution Kevin Jerome Everson
52
MAPPING PERCEPTION
KALEIDOSCOPIC SPACES
IMPLAUSIBLE THINGS #1
DIE ARBEITERINNEN VERLASSEN DIE
FABRIK / Workers Leaving The Factory (Again)
Rita Macedo
Katharina Gruzei
Die Vorstellung, die wir von uns selbst und
der Welt haben - und die von unserer Beziehung zur Welt - scheint, ob wir es zugeben
wollen oder nicht, dem Gesetz zu entsprechen, dass alles eine Ursache oder einen
Grund dafür haben muss, dass es so ist wie
es ist und nicht anders. Was, wenn wir den
Blickwinkel, aus dem wir die Dinge sehen,
ändern und ein unlogisches und irrationales
Prinzip zulassen?
Die Architektur eines Korridors blitzt nur in Teilstücken im surrenden Neonlicht auf.
Langsam kommen die Rücken der ersten ArbeiterInnen ins Bild,
die Kamera begleitet sie, dabei werden immer mehr, die den
dunklen flackernden Gang entlanggehen. Spätestens jetzt wird
die Unheimlichkeit des Raumes und die Bedrohlichkeit einer
Masse, die sich zum Widerstand formieren könnte (?!), spürbar.
Wenn alle ProtagonistInnen sich kurz wie für ein Foto formieren
und frontal in die Kamera blicken, fragt man sich, wie ein Kampf
um menschengerechte Arbeit heute aussehen müsste, damit er
erfolgreich ist. Das automatische Eingangsgitter öffnet und
schließt sich lautlos, um die anonyme Menge zu entlassen. (Brigitta Burger-Utzer)
The conception we have of ourselves and the
world - and that of our relation to the world appears, admittedly or not, to obey the stipulation that everything must have a cause or
a reason to be as it is and not otherwise.
What if we reverse this perspective on things
and admit an illogical and irrational principle
instead?
Implausible things #1 is the first volume of a
serial that seeks to reflect upon human existence, the absurd, randomness and pure
contingency.
Rita Macedo, *1983 in Lisbon, Portugal. After
living in Macau, Portugal and Canada, the
filmmaker is now based in Berlin, where she
pursues her art and media studies at Berlin
University of the Arts. Her work overlaps film
and visual language, poetry and literature. In
unexpected form ideas, a few of her thematic
obsessions include existentialist issues, as
well as power structures, humanity and society’s inherent absurdity, death and nonsense.
ÆD 2012, Video, 11:45
ÆDirector, script, editing Rita Macedo
ÆCamera found footage
ÆMusic Yair Elazar Glotman
ÆCast Nigel Farrelly (voice over)
ÆDistribution Rita Macedo
The architecture of a hallway is seen in fragments from time to
time through the flickering neon lights. The backs of the first
workers gradually enter the picture, and the camera accompanies these individuals as they leave their place of work. More
and more down the dark, flickering hallway. By these scenes the
weirdness of the space and the menacing quality of a mass of
people who could form a resistance movement becomes increasingly evident.
When all the protagonists briefly gather as if for a photograph
and look straight into the camera, it makes you wonder what a
fight for humane labor would have to be like at present to be
successful. The automatic gate opens and closes silently to release the anonymous crowd. (Brigitta Burger-Utzer)
Katharina Gruzei, *1983 in Austria. Studied Experimental Art
and Cultural Studies at the University of the Arts in Linz, Austria.
Visual Cultural Studies at the Art Department of the Universtiy of
California Santa Barbara and Berlin University of the Arts. She
works with photography, film, video, installations, media-performances, sound and objects. Working conceptually, she experiments between these disciplines and arrives at a unique
crossover language.
ÆA 2012, 35mm on Video, 11:00
ÆDirector, script, editing Katharina Gruzei
ÆCamera Renate Bauer
53
MAPPING PERCEPTION
KALEIDOSCOPIC SPACES
GONDA
Ursula Mayer
Gonda bezieht sich auf das Stück ›Ideal‹ der umstrittenen russisch-amerikanischen Autorin Ayn Rand aus dem
Jahr 1937, indem es eine kritische Interpretation der Aspekte des revolutinären Modernismus vertritt, der weiterhin Auswirkungen auf unsere heutige Gesellschaft hat. Der Film Gonda steht im Gegensatz zu Rands altruistischem Standpunkt. Der Film beabsichtigt, filmische und sprachliche Räume bis an deren Grenzen zu bringen, indem er ‚Kaleidoskopische Räume‘ schafft, in denen Bilder, Texte und Klänge ihre Position ändern, um bereits voraussgesetzte Ideale hinsichtlich Identität und Existenz zu beeinflussen. Gonda ist ein performativer
›Film von Stimmen›. Das Drehbuch von Maria Fusco erschafft und interpretiert Gonda neu durch eine polyvocale Stimme und der Film zeigt, neben anderen, das niederländische transsexuelle Model Valentijn de Hingh.
Gefördert von FLAMIN, Film London Artists' Moving Image Network BMUVK, Österreich und The Elephant Trust.
Gonda responds to controversial Russian-American writer Ayn Rand’s play ›Ideal‹ 1937 through a critical reading of aspects of revolutionary modernism, which continue to impact our society today. The film Gonda stands
in counter position to Rand’s altruistic standpoint. It aims to take cinematic and linguistic space to their limits
by creating 'kaleidoscope spaces' in which images, texts and sounds change position to affect presupposed
ideals of identity and existence. Gonda is a performative ›film of voices›. The script by Maria Fusco rebuilds and
re-imagines Gonda through a polyvocal voice and the film features, next to others, Dutch transgender model
Valentijn de Hingh.
Funded by FLAMIN, Film London Artists' Moving Image Network BMUVK, Austria and The Elephant Trust.
Ursula Mayer, * in Austria, lives and works in London. Graduated in 1996 from the Academy of Fine Arts, Vienna.
Also studied at the Royal College of Art, London in 1995 and completed her MA in Fine Art at Goldsmiths College
in London in 2006. Since 1996 she has exhibited internationally. She works across a range of media including film,
video and photography. Her films show the interweaving of space and time as well as the seduction of the image
as the essence of film and cinema.
ÆGB 2012, Video, 30:00
ÆDirector, editing Ursula Mayer
ÆScript Maria Fusco
ÆCamera Margaret Salmon
ÆMusic Sullom Voe, Sebastian Schlecht, Charlie Looker
ÆCast Valentijn de Hingh, Nina Braunsteiner, Joachim Gram, Carson McColl, Nova
ÆDistribution LUX
54
MAPPING PERCEPTION
LEVIATHAN
LEVIATHAN
Lucien Castaing-Taylor & Véréna Paravel
Lucien Castaing-Taylor und Véréna Paravel verbrachten fast ein Jahr an Bord eines Fischtrawlers, um diese unglaubliche Dokumentation zu drehen, die sie im Rahmen ihrer Studien am Harvard’s Sensory Ethnography Lab
machten. Herausgekommen ist eine visuelle Achterbahnfahrt, die mit dutzenden von Mini-Kameras, angebracht an den unmöglichsten Positionen über und unter Wasser, fest oder als Handkameras, jede Aktion dieser
schwimmenden Fischfabrik dokumentiert. Daraus ist eine Symphonie von dichten, düsteren, körnigen, teils zitternden Bildern, untermalt mit dem Klirren, Surren und Dröhnen der Maschinen entstanden, die im besten Sinne ein fast abstrakt-visuelles Seherlebnis erzeugt, aber trotzdem den Wahnsinn eines profitorientierten Abfischens der Weltmeere wertfrei observiert.
Lucien Castaing-Taylor and Véréna Paravel spent almost a year on board a fishing trawler in order to make this
unbelievable documentary as part of their studies at Harvard’s Sensory Ethnography Lab. The result is a visual
roller coaster ride that, with the help of dozens of mini cameras placed in all kinds of position above and below
the water – fixed or as handheld cameras – documents every single action taken on this floating fish factory. A
symphony of dense, sombre, grainy, and some shaky images evolves, accompanied by the sound of the clanking, humming and roaring of machinery that, in the best sense of the word, creates an almost abstract/visual
viewing experience that nevertheless neutrally observes the madness of the for-profit harvesting of fish from
the oceans.
Véréna Paravel and Lucien Castaing-Taylor are filmmakers, artists, and anthropologists, who work at the sensory ethnography lab at Harvard University. their work is in the permanent collection of the Museum Of Modern
Art, New York, and The British Museum, and has been screened at the Afi, Bafici, Berlin, CPH:Dox, Locarno, New
York, Toronto, and Viennale Film Festivals, and exhibited at London’s Institute Of Contemporary Arts, The Centre
Pompidou, the Berlin Kunsthalle, Marian Goodman Gallery, The X-Initiative, And Elsewhere.
ÆGB/USA/F 2012, Video, 87:00
ÆDirectors, script, camera Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
ÆSound composition, edit and mix Ernst Karel
ÆSound design and re-recording mix Jacob Ribicoff
ÆWith Captain Brian Jannelle, Adrian Guillette, Arthur Smith, Asterias Vulgaris, Callinectes Sapidus,
ÆChristopher Swampstead and others
ÆDistribution arsenal – institut für film und videokunst e.V.
55
MAPPING PERCEPTION
NITEWATCH
BUCK FEVER
HOLLYWOOD MOVIE
NEOZOON
Volker Schreiner
Eine YouTube Collage von Amateuraufnahmen von Jägern und zeigt die Anspannung
der Jäger vor und den befreienden Moment
nach dem Abschuss eines Tieres. Danach
positionieren sich die Großwildjäger mit
ihrem erlegten Wild vor der Kamera und geben ihren Emotionen Ausdruck. Dies entspricht jedenfalls nicht dem Bild des naturverbundenen umsichtigen Waidmannes, wie
er im Märchen beschworen wird.
Eine Transformation von Nam June Paik’s Text ›film scenario‹ in
einen Film. Hollywood-Stars sprechen Paik: ›You can make any
Hollywood movie interesting, if you cut the movie several times
...‹ Michael Caine, Humphrey Bogart, Elizabeth Taylor, John Torturro, Katharine Hepburn und andere Protagonisten des Mainstream Cinema sprechen einen Text über die Dekonstruktion
des Filme-Schauens.
A YouTube collage of hunter amateur videorecordings which document the hunters tension before and its release after shooting an
animal. Afterwards the big game hunter were
posing in front of the camera and expressing
their emotions. Thus it does not fit to the picture of a careful huntsman and his closeness
to nature, how the fairy tale tells it.
NEOZOON is an art collective from Berlin and
Paris. NEZOON was founded in 2009, and presented a lecture entitled ›The Human/Animal
relation in the art work of NEOZOON‹ at Humboldt University Berlin in 2012.
ÆD/F 2012, Video, 5:51
ÆDirector, script, editing NEOZOON
ÆDistribution NEOZOON
56
A transformation of Nam June Paik's text ›film scenario‹ into a
movie. Hollywood stars speak Paik: ›You can make any Hollywood movie interesting, if you cut the movie several times ...‹
Michael Caine, Humphrey Bogart, Elizabeth Taylor, John Torturro, Katharine Hepburn and other protagonists of mainstream
cinema are assembled to speak a text about deconstructing
film watching.
Volker Schreiner has been working since 1988 with / grants at
the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie
Villa Massimo Rome / lectureships at the HfG Karlsruhe and
Braunschweig University of Art / visiting professorships at
Braunschweig University of Art and Johannes Gutenberg University Mainz / works owned a.o. by NBK Berlin, ZKM Karlsruhe,
Ludwig Museum Cologne, Museum für Neue Kunst Karlsruhe,
Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and
Light Cone Paris.
ÆD 2012, Video, 7:00
ÆDirector, script, camera, editing Volker Schreiner
ÆDistribution Volker Schreiner
DAS BADEZIMMER
WALT DISNEY'S
›TAXI DRIVER‹
LONELY BONES
Bjørn Melhus
Bryan Boyce
Rosto
In Referenz an die von Alfred Hitchcock selbst deutsch eingesprochene Fassung des Trailers zu Psycho
(USA 1960), führt uns ein Gärtner
mit Kettensäge 51 Jahre später
durch das Anwesen der HerbertGerisch-Stiftung in Schleswig-Holstein. Der Besuch endet, wie auch
schon im Original-Trailer..., in einem Badezimmer. (transmediale)
Der von Walt Disney neu
aufgelegte Filmklassiker
›Taxi Driver‹ von Martin
Scorsese folgt dem von
Mickey Mouse besessenen Travis Bickle, der in
der sich rasant verwandelnden Stadt New York
auf der Suche nach Liebe
ist. Eine ›Fair Use‹ Parodie von Bryan Boyce.
Albtraumartige, Halluzinationen hervorrufende Animation, die von Träumen und Opfern handelt, mit einem großartigen Soundtrack untermalt. Produziert vom namhaften
und vielseitigen niederländischen Regisseur
Rosto, einer der extravagantesten und
berühmtesten Animatoren der Niederlande,
der diesen Film in Frankreich finanzieren
lassen musste. ›Seid gegrüßt! All ihr Seelenoh. Die sich verborgen halten, auf fauligen
Böden. Sie wussten kaum, was sie heute tun
würden.‹ (Rosto)
As a reference to the German version of the trailer to Psycho (USA
1960), spoken by Alfred Hitchcock
himself, 51 years later a gardener
with a chain-saw leads us through
the grounds of the Herbert Gerisch
Foundation in Schleswig-Holstein.
The visit ends, as in the original
trailer..., in a bathroom. (transmediale)
Bjørn Melhus, *1966, is a GermanNorwegian media artist. In his work
he has developed a singular position, expanding the possibilities for
a critical reception of cinema and
television. His practice of fragmentation, destruction, and reconstitution of well-known figures, topics,
and strategies of the mass media
opens up not only a network of new
interpretations and critical commentaries, but also defines the relationship of mass media and viewer anew.
ÆD 2011, Video, 5:00
Bjørn Melhus
ÆDistribution Bjørn Melhus
Walt Disney's re-imagineering of Martin Scorsese's classic film ›Taxi
Driver‹ follows Mickey
Mouse-obsessed Travis
Bickle as he looks for love
in a rapidly transforming
New York City. A 'fair use'
parody by Bryan Boyce.
Bryan Boyce, *1969 in
San Francisco, is a film
and video artist whose
work skewers American
culture through appropriation and perversion of
found footage. His work
has screened at film festivals internationally.
ÆDirector, script, editing
Bryan Boyce
ÆImage copyright of the
artist, courtesy of
Video Data Bank
ÆDistribution Video Data
Bank
Nightmarish hallucinogenic animation with a
great soundtrack, about dreams and sacrifice. By well-known Dutch multitalented director Rosto, one of the most extravagant
and famous animators from the Netherlands, who had to finance this film in France.
›Hail! To all the souls-oh. Hiding on rotting
floors. Little did they know that they would
make today.‹ (Rosto)
Rosto studied at the School of the Arts in
Utrecht. Since 1992, he has owned an independent film studio for media and design,
called Studio Rosto A.D. He combines different techniques in his work such as live action,
3D and cell and photo animation. Rosto also
designs graphic novels (some of them online)
and music videos, including some prize-winning videos for the Dutch singer Anouk.
ÆF/NL 2013, Video, 10:00
ÆDirector, script, camera, editing Rosto
ÆMusic The Wreckers
ÆDistribution Autour de Minuit
57
MAPPING PERCEPTION
NITE WATCH
WINGDINGS LOVE
LETTER
THE WHITE COAT
PHENOMENON
SHOULD I STAND AMID
YOUR BREAKERS OR
SHOULD I LIE WITH
DEATH MY BRIDE
Scott Fitzpatrick
Kristin Reeves
Marcy Saude
Substantiv -'wi?-?di?1. Eine üppige oder wilde Party oder
Feier.
2. Ein wirklicher oder gespielter
Anfall oder Ausbruch; ein Wutanfall.
Eine Ode an eine missverstandene
Schriftart wird durch Laserdruck
direkt auf 16mm-Film gebracht.
Mit MS Paint gestaltet.
Finding Sex in der Arztpraxis erfordert eine gewisse Prüfung.
Eine Zeile aus einem Song von Tim
Buckley schafft einen äußerst
wortgetreuen Film. Gestalten in einer verwunschenen Landschaft,
erzeugt von der Natur und dem einzelnen Bild, begleitet von Feldaufnahmen, die von einem defekten
Kassettenrekorder abgespielt werden.
noun -'wi?-?di?1. A lavish or lively party or celebration.
2. A real or pretended fit or seizure;
a rage.
An ode to a misunderstood font is
rendered by laser printing directly
onto 16mm film. Made in MS Paint.
Scott Fitzpatrick is a visual artist
from YWG. He studied Film and Theory at the University of Manitoba,
and began working with experimental film and video in 2010. Primarily
a filmmaker, he is also interested in
photography, re-photography and
collage, and has a growing obsession with obsolescence, technological or otherwise.
ÆCDN 2011, 16mm on Video, 2:00
ÆDirector, editing, animation
Scott Fitzpatrick
ÆDistribution Scott Fitzpatrick
58
Finding sex in the doctor's office
requires some examination.
Kristin Reeves investigates the poetic [mis]translations between
physical and virtual bodies. She has
been contributing to performances
in Chicago, IL since 2004 including
the Steppenwolf Theater as well as
showing solo works across the US.
Currently she can be found in
Muncie, IN where she is an Assistant Professor of Intermedia Art.
Kristin holds an MFA in Art & Technology from the University of Florida.
ÆDirector, script, editing Kristin
Reeves
ÆMusic found vinyl record
ÆDistribution
Kristin Reeves
A line from a Tim Buckley song
spawns an extremely literal film.
Figures in a haunted landscape,
mediated by nature and the individual frame, accompanied by field
recordings from a broken tape
recorder.
Marcy Saude’s work involves subjects such as marginal histories, the
landscape, and counterculture. She
is interested in DIY aesthetics, appropriation, homesteading, the relationship between the natural and
built environments and politics, and
expanded notions of non-fiction.
She recently received an MFA from
the University of Colorado at Boulder and is currently working in the
Netherlands.
ÆNL 2012, Video, 4:30
ÆDirector, editing Marcy Saude
ÆCamera Mike Dakan
ÆDistribution Marcy Saude
RETURN TO THE WORLD OF DANCE
PLASTIC RAP WITH FRIEDA
Dan Boord, Marilyn Marloff, Luis Valdovino
Tom Rubnitz, Barbara Lipp, Tom Koken
Eine Art Lehrfilm für all diejenigen, die verwirrt sind
von der postmodernen Welt. Es geht nicht um Tanz,
sondern es ist eine Hommage an Fernand Légers Ballet Mécanique. Return to the World of Dance ist das
letzte in einer Reihe von Videoarbeiten, die für Liebhaber des Tanzes gemacht wurden, das Workout-Video
von Jane Fonda und das Spiel Twister. Diese Reihe
stellt die Frage ›Wenn es groß ist, orange und hässlich
— ist es dann zeitgenössische Kunst?‹ Die World of
Dance-Reihe bietet all denen Selbsthilfe, die den Tanz
lieben, und nicht die Mittel haben, in großem Stil ›Le
Sacre du Printemps‹ zu produzieren.
In dieser frühen Zusammenarbeit von Tom Rubnitz,
Barbara Lipp und Tom Koken perfomt ›Frieda‹ ihren
Rap-Song mit einer Schar von Puppen, die als Background-Sängerinnen und Tänzerinnen fungieren. Diese Arbeit wurde mit geringstem Budget produziert und
enthält Songtexte von Barbara Lipp und Tom Koken.
An instructional guide for those perplexed by the postmodern condition. It is not about dance but a tribute to
Fernand Léger’s Ballet Mécanique. Return to the
World of Dance is the last in a series of videos made
for the lovers of dance, the Jane Fonda workout video,
and the twister game. This series ask the question, ›If
it is big, if it is orange and if it is ugly--is it contemporary art?‹ The World of Dance series provide self-help
for those who love dance and are without the means to
produce a full-scale ›Le Sacre du Printemps.‹
Tom Rubnitz, a quintessential New York underground
film/video artist, who took a bite out of the Big Apple
and spat it out in a wild kaleidoscope of unequivocal
camp and hallucinogenic colour and treated the sexydruggy-wiggy-luscious-desserty qualities of the ’80s
downtown club scene with the loving care only a true
hedonist could show. Rubnitz died from an AIDS-related illness in 1992.
Barbara Lipp & Tom Koken, from the late 1970s and
throughout the 1980s they performed as the character
›Frieda‹, in clubs and other venues in New York City.
›Frieda‹ was a larger-than-life, singing, oddly-proportioned, living doll. Besides singing and dancing, her
many ›talents‹ included ventriloquism, air guitar, rapping, and solving difficult math problems.
Dan Boord & Luis Valdovino are Professors at the University of Colorado, Boulder. Exhibitions: The Museum
of Modern Art, New York, Venice Biennale, Venice, Italy,
Centre Georges Pompidou, Paris, France, and Stedelijk
Museum, Amsterdam, Holland.
Marilyn Marloff is an Associate Professor in the Dance
Department at Old Dominium University, Norfolk, VA.
Exhibitions: The Museum of Modern Art, New York, OH,
European Media Art Festival, Osnabrück, Germany.
ÆDirector script Dan Boord, Marilyn Marloff,
Luis Valdovino
ÆCamera, editing, animation Dan Boord,
Luis Valdovino
ÆMusic Tom Wells, Francis Poulenc
ÆCast Michelle Ellsworth, Marilyn Marloff,
Stephanie Tuley
ÆDistribution Boord, Valdovino
In this early Tom Rubnitz, Barbara Lipp and Tom Koken
collaboration, ›Frieda‹ performs her rap song with a
bevy of dolls as back-up singers and dancers. Features rock-bottom production values and song lyrics
by Barbara Lipp and Tom Koken.
ÆDirector Tom Rubnitz, Barbara Lipp, Tom Koken
ÆDistribution Video Data Bank
ÆImage copyright of the artist, courtesy of Video
Data Bank, www.vdb.org
59
MAPPING PERCEPTION
STAGE DEVICES
YOU ARE HERE
BÜHNE / Stage
Leslie Supnet
Daniel Kötter
Wie spricht man zu den Toten, und wie sprechen diese
zu uns? Ein Experimentalvideo, in dem ich mich Animation und gefundenem Material bediente, um Botschaften aufzuzeigen, die sonst unbemerkt bleiben.
Produziert für das Projekt Remembering Helen Hill
Residency der Toronto Animated Image Society.
›Bühne‹ inszeniert den Ort Theater selbst, nicht als
eine Kunstform unter vielen (mit ihren institutionellen
Bedingungen, Marktgesetzen oder lokalen und historischen Bestimmungen) sondern als Name für den allegorischen Ort der Begegnung. Der Palast für Kultur
und Sport im bulgarischen Varna galt als Prestigeobjekt modernistischer kommunistischer Architektur.
Während die Innen-Architektur seit der Eröffnung
1968 unverändert geblieben ist, wechselt der Saal
jede Woche seine soziale Funktion. ›Bühne‹ widmet
sich den fundamentalen Veränderungen beim Verständnis von öffentlichem Raum im postkommunistischen Bulgarien.
How does one speak to the dead, and how do they
speak to us? An experimental video using animation
and found footage to illustrate the messages that go
unseen. Made for the Toronto Animated Image Society's Remembering Helen Hill Residency.
Leslie Supnet is an artist whose moving image and
drawing aims to express sincerity, lived experience, and
the multiplicity of human emotion. Her animations
have screened at various international festivals such
as EMAF, International Film Festival Rotterdam, Signal
& Noise, Image Forum Festival, Japan, and LA Film Forum.
ÆDirector, script, camera, animation Leslie Supnet
ÆEditing Clint Enns
ÆMusic Donovan Quinn
ÆDistribution Leslie Supnet
The film stages the ›theatre‹ itself, not as yet another
art form (with its specific institutional conditions,
market rules and local aesthetic and historic limitations), but as a name for the allegoric space of encounter. The Palace for Sports and Culture in the Bulgarian Black Sea coastal town Varna was built as a
prestige project of modernist architecture for the
communist understanding of theatre and sport. While
no changes were made to the interior design since its
opening in 1968, every week the main hall changes its
architectural and social function. Thus ›Bühne‹ examines a moment of fundamental change in the understanding of public space in post-communist Bulgaria.
Daniel Kötter, *1975, his works oscillate deliberately
between different media and institutional contexts
combining the techniques of structuralistic experimental film and documentary/spatial design approaches. His works have been shown in numerous galleries, video festivals, concert halls and theatres all
over Europe, USA, Canada, Mexico and Nigeria.
ÆD 2012, Video, 17:59
Daniel Kötter
ÆMusic Daniel Teige
ÆDistribution Daniel Kötter
60
ORNITHES / Birds
THE TIGER'S MIND
Gabriel Abrantes
Beatrice Gibson
Gabriel Abrantes versetzt ›Die Vögel‹ von Aristophanes aus dem Jahre 414 v. Chr. in das
melancholische heutige Haiti; ein Film gedreht auf leuchtendem 16mm-Film. Die dramatische Struktur eines typischen Stückes
von Aristophanes widerspiegelnd, wird Abrantes seinem einzigartigen Markenzeichen
von Prunk und textlicher Verschmelzung gerecht, belebt von der Schönheit seiner Bilder.
Wo sich eine Prise von Rivette in Piñeiro befindet, gibt es einen Tropfen Pasolini in Abrantes!
Ein abstrakter Krimi vor dem Hintergrund einer brutalistischen
Villa. Sechs Charaktere, der Schauplatz, die Musik, der Geräuschemacher, die Spezialeffekte, der Erzähler und der Autor
wetteifern um die Kontrolle des Films, während dessen Geschichte sich auf der Leinwand langsam entwickelt. Der Film
untersucht die Beziehungen zwischen diesen Charakteren,
während diese ins Spiel kommen und sich entfalten: sie raufen,
ringen und träumen miteinander.
Entwickelt als Teil eines Verlagsprojekts initiiert von Holder und
Gibson, die sich der erzählenden Filmmusik The Tiger’s Mind
des Komponisten Cornelius Cardew aus dem Jahre 1967 als
Mittel für Erzeugung von Sprache bedienen, präsentiert der fertige Film das Dokument seines eigenen Entstehens in fiktiver
Form, und erweitert Erzählung und Charakter bis zum Produktionsprozess selbst.
Gabriel Abrantes transposes Aristophanes'
The Birds from 414 B.C. to a mournful, present-day Haiti shot in luminous 16mm. Echoing the dramatic structure of a typical Aristophanes play, Abrantes furthers his unique
brand of pageantry and textual conflation,
enlivened by the beauty of his images. Where
there’s a dose of Rivette in Piñeiro, there’s a
drop of Pasolini in Abrantes!
Gabriel Abrantes, *1984, in the USA, studied
at The Cooper Union in New York, L’ENSBA in
Paris and Le Fresnoy in Tourcoing. His work
has been shown in several important exhibitions, among which in Palais de Tokyo and
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and
was awarded a number of prizes. He lives and
works in Lisbon.
ÆP 2012, Video, 17:00
ÆDirector, script, editing, sound design
Gabriel Abrantes
ÆCamera Natxo Checa, Gabriel Abrantes
ÆDistribution A Mutual Respect
Productions
An abstract crime thriller set against the backdrop of a brutalist villa. Six characters, the set, the music, the foley, the special
effects, the narrator and the author battle one another for control of the film as it unfolds on screen. The film explores the relationships between these characters as they emerge and unfold: grappling, wrestling, and dreaming with one another.
Developed as part of a publishing project initiated by Holder
and Gibson, which deploys composer Cornelius Cardew’s 1967
narrative score The Tiger’s Mind as a means for producing
speech. The final film presents a document of its own making in
fictional form, extending narrative and character to the production process itself.
Beatrice Gibson, *1978, artist and filmmaker based in London.
Her films explore the utterances that make up people and place.
Influenced by avant-garde musical composition, graphic notation and open scores, her scripts are often developed collectively with her subjects through open-ended structures.
ÆGB 2012, Video, 23:00
ÆDirector, script, editing Beatrice Gibson
ÆCamera Nick Gordon
ÆMusic John Tilbury
ÆCast Laura Bartlett, voice of Cara Tolmie, Beatrice Gibson
ÆDistribution LUX
61
MAPPING PERCEPTION
TRANSCALAR INVESTMENT VEHICLES
TRANSCALAR INVESTMENT VEHICLES
Hilary Koob-Sassen
›Ein metaphorischer und biologisch-ökonomischer Thriller, der sich zwischen den Filmsprachen bewegt, um einen Vorschlag zur Schaffung einer neuen Wirtschaftsstruktur, der Solar Sea Economy, zu unterbreiten – ein
Weg für die lebendige Kultur, sich ihr eigenes Instrument zum Geschichtenschreiben zu schaffen und ihre Autorenschaft von der Katastrophe zurückzufordern. Ein Financier erwacht aus einem Albtraum und merkt, dass
das Disaster von Fukushima einen Run auf das Anlageinstrument mit Namen ‘Prometheus’ ausgelöst hat.‹
In dieser Geschichte über die Beziehung zwischen Generationen und Nationen, Visionen und Investitionen, das
Finanzielle, das Nationale und das Formale, wird die Story einer neuen Ökonomie basierend auf dem ›Funked
Out‹ ihrer professionellen Sprachenspiele erforscht. Im Versuch, einen radikalen Vorschlag von dauernder, historischer Tragweite zu kreieren, legt der Film die Machtmechanismen offen, die alternative Realitäten suggerieren.
Hilary konstruiert seine kreuz und quer verlaufende Reality-Fiction aus Musik, Performance, animierten Sequenzen, skulpturalen Elementen und Textfragmenten, um aktuelle Fragen über unsere persönliche, soziale,
wirtschaftliche und politische Zukunft zu stellen.
62
›A metaphoric and bio-economic thriller, which moves between filmic languages to propose the creation of a
new Solar Sea Economy – a way for living culture to build its story-writing apparatus and reclaim its authorship
from catastrophe. A financier is awoken from a nightmare to learn that the disaster of Fukushima has triggered
the investment vehicle called ‘Prometheus’.›
In this tale of the relationship between generations and nations and visions and investments, the Financial, the
National and the Formal, the story of a new economy with the funked-out radar of their professional language
games is sought. Seeking to build a radical proposal from a static historical marker, the film lays bare the mechanisms of power to suggest an alternative reality.
Hilary constructs his criss-cross reality-fiction by using music, performance, animated sequences, sculptural
elements and text fragments to ask current questions about our personal, social, economic and political future.
Hilary Koob-Sassen, *1975 in New York, and studied at Yale University. He is based in London. His artworks encompass film, performance, sculpture and text. In 2011 Hilary was nominated for the Jarman Award, which
toured UK venues including Whitechapel Gallery and CCA, Glasgow. Performance’s and screenings include Wysing Arts Centre (2012), Barbican Art Gallery (2011) Sketch Gallery (2009) and Serpentine Gallery (2008). His films
Paraculture/Future Garden Structure and The Square and The Round God: An Idea for a Universal Trajectory in
12 German Popsongs‹ have been shown at past EMAF.
ÆGB 2012, Video, 65:00
ÆDirector, script, camera, editing, sound design Hilary Koob-Sassen
ÆMusic, composer The Errorists
ÆCast The Artist, The Financier, The Hippie, The Speechwriter, Dr Nishikawa/Huitle Huatle,
The Confidence Fairy, The Bridge Engineer, The Farmer, The Farmhand, The Son Euro-Gardeners
ÆProducer Film London Artist’s Moving Image Network (FLAMIN)
ÆDistribution Hilary Koob-Sassen
63
MAPPING PERCEPTION
TRANSMISSION ATTEMPTS
LISTEN
AL FINAL: LA ULTIMA CARTA /
At The End: The Last Letter
Monteith Mccollum
Tiziana Panizza
Listen untersucht das Funkmedium Kurzwelle als
Technologie, die man nicht nur für die Kommunikation
nutzen kann, sondern auch zur Erzeugung abstrakter
Tonkunst. Ingvar Loco Nordin, schwedischer
Tonkünstler, Autor und Student des renommierten
Komponisten Karlheinz Stockhausen, schlüsselt
Kurzwellentöne als ein poetisches, elektronisches
Medium auf. Er versetzt die Zuschauer in eine Welt
vergessener und verborgener Übertragungen: summende Morsezeichen, abstraktes Brummens von Funkrufen und verschlüsselte Nachrichten von Fliegern,
die über uns hinwegfliegen.
Als ich ein Kind war, empfand ich das Bild eines Briefes in einer Flasche als mysteriös: eine Nachricht auf
den Wellen treibend, schwimmend ohne Eile. Meine
Großmütter, die sich nicht mehr erinnern können, leben in einer Zeit ohne Erinnerungen, wohingegen mein
Sohn seine Erinnnerungen nicht für sich behalten
kann. Dies ist ein Brief, der in die Zukunft gerichtet ist,
ein Protokoll der Gegenwart, ein Versuch, ein altes Familienritual aufrechtzuerhalten.
Listen examines shortwave radio as a technology that
can be utiliszed not only for communication, but also
abstract sound art. Ingvar Loco Nordin, a Swedish
sound artist, writer and student of renowned composer Karlheinz Stockhausen, breaks down the sounds of
shortwave as a poetic electronic medium. Bringing
viewers into a world of forgotten and hidden transmissions, buzzing morse code, the abstract hum of
pagers, and coded transmission of airlines flying overhead.
Monteith Mccollum has completed a number of films
and sound work in the last 15 years. He's screened at
Festivals and Museums including The Hirshorn, The
Museum of Modern Art, Wexner Center for the Arts and
Film Festivals including South by Southwest, Los Angeles, Slamdance, Hot Docs, and Jeonju in Korea. His
films have garnered over a dozen awards internationally.
ÆDirector, script, camera, editing, animation, music
Monteith Mccollum
ÆCast Ingvar Loco Nordin
ÆDistribution Monteith Mccollum
64
When I was a child, the image of a letter inside a bottle was mysterious: a message adrift, sailing without
urgency. My grandmothers, who cannot remember
anymore, inhabit a time without memory, while my little son cannot keep his memories still. This is a letter
towards the future, with the record of this time, an attempt to keep an old family ritual.
Panizza has been working a series of trilogies of creative short documentaries. Her works have been selected and some awarded at Torino Film Festival, European Media Art Festival, Fidmarseille, Biennale of
Video and New Media, and recently she obtained the
Residency Program of the Rockefeller Foundation. She
is a professor at the Universidad de Chile.
ÆRCH 2012, Video, 28:32
ÆDirector, script, camera, editing Tiziana Panizza
ÆMusic Sebastian Vergara
ÆDistribution Tiziana Panizza
ICH AUCH, AUCH, ICH AUCH /
Me too, too, me too
MEMENTO MORI
Friedl vom Gröller
Dan Browne
Vorbei an der Trafik, am Frisör, an der Kleiderreinigung. Eine Tür öffnet sich, und es
geht hinein in ein Krankenzimmer. Eine sehr
alte Frau liegt dort in ihrem Bett. Ihr Körper
ist matt und hager. Aber ihr fester Blick hält
jenem der Kamera stand.
Eine Meditation über die (Un-)sterblichkeit, wie sie in den Bildern eines ganzen Lebens erfahren wurde. Memento mori ist
eine schrittweise Entdeckungsreise im Zeitraffer durch sämtiche Fotografien, die im Laufe eine Lebens gemacht wurden –
insgesamt über 100.000. Diese Bilder sind miteinander in verschiedenen Varianten und Zusammenstellungen kombiniert,
geordnet nach Themen, Dingen, Empfindungen, Träumen und
Erfahrungen, um ein enzyklopädisches Verzeichnis möglicher
Sichtweisen zu schaffen.
Past the newsstand, the hairdressers, by the
dry cleaners. A door opens into a sick room. A
very old woman lies there in her bed. Her
body is lusterless and haggard. But her gaze
is firm, withstanding that of the camera.
Friedl vom Gröller, *1946 in London, spent
her childhood in Vienna and Berlin. From
1965-1969 she studied Photography at the
School of Graphic Arts. 1968 first films. 1971
Masters certificate and commercial atelier
for photography. 2005 National award for
photography. 1990 Founder and director of
School for Artistic Photography, Vienna until
2010. 2006 Founder and director of School for
Independent Film, Vienna.
ÆA 2012, 16mm, 2:00
Friedl vom Gröller
A meditation on (im)mortality, as experienced through a lifetime
of images, memento mori is a layered time-lapse exploration of
the total photographs captured over the course of a lifetime -over 100,000 in total. These images are blended with each other in permutations and combinations ranging in subjects, objects, percepts, dreams, and experiences, to form an encyclopedic index of the possibilities of sight.
Dan Browne is a Toronto-based filmmaker, videographer, photographer and multimedia artist who holds a BFA in film from Ryerson University's School of Image Arts and an MA from the
York/Ryerson Joint Program in Communication and Culture,
where he is currently pursuing his PhD. His MA thesis media
project, ›memento mori,‹ was awarded Jury Prize for Best Canadian Work at the 2012 WNDX Festival of Moving Image. He is also
curator and organizer with the Loop Collective, a Toronto-based
group that promotes an interdisciplinary approach to cinema
through examining its connections with other artistic forms.
ÆCDN 2012, Video, 28:30
ÆDirector, script, camera, editing Dan Browne
ÆSound Dan Browne, Dan Driscoll, Steve Richman
ÆDistribution Winnipeg Film Group
65
MAPPING PERCEPTION
VERSIONS OF I
NOT BLACKING OUT,
JUST TURNING THE LIGHTS OFF
COLIN IS MY REAL NAME
James Richards
Benny Nemerofsky Ramsay
›Looking So Hard At Something It Distorts Or Becomes
Obscured (Not Blacking Out, Just Turning The Lights
Off)‹ untersucht die Rolle, die Intimität im Verhältnis
zu Begehren und physischer Nähe spielt. Bilder und
Töne als Platzhalter für den flüssigen oder porösen
Zustand des Körpers – innen und außen zugleich –
changierend zwischen sinnlichem Bild und dessen
Abstraktion.‹ – Isla Leaver-Yap
›Als meine Jugendliebe und ich aufflogen, konnte keiner von uns mit den sozialen Auswirkungen dieser
Bloßstellung umgehen. Ich wurde still. Mein Liebhaber
änderte seinen Namen in Colin.‹ Der Künstler greift erneut auf Colin Campbells bahnbrechendes Video
True/False aus dem Jahr 1972 zurück, das Campbell
zeigt, wie er im Wechsel delikate Aussagen über sich
und sein Privatleben bekräftigt und dann wieder leugnet. Ursprünglich als Remake geplant, lässt das Video
jedoch erneut die Stimme Campbells sprechen; ein
zerbrechliches und neu aufgedecktes Palimpsest.
›Looking So Hard At Something It Distorts Or Becomes
Obscured (Not Blacking Out, Just Turning The Lights
Off)‹ is a video that examines the role of intimacy in relation to desire and physical proximity. Presenting images and sounds that are surrogates for the liquidity
or porosity of the body, of being inside and outside,
Not Blacking Out slips between the sensual image and
its abstraction.‹ – Isla Leaver-Yap
James Richards, *1983 in Cardiff, lives and works in
London. His practice transcends the usual constraints
of film and video projection by accumulating imagery in
a manner that resists completion. Recent solo exhibitions include CCA Kitakyushu, Japan, Chisenhale
Gallery, London and Tramway, Glasgow. Richards shifts
the form of presentation of his material by moving between formats associated with the public realm – the
screening, or the live VJ mix – and the suggestively private and devotional form of the mixtape.
ÆGB 2012, Video, 16:10
ÆDirector, script James Richards
ÆDistribution LUX
›When my teenage lover and I were found out, neither
of us could cope with the social ramifications of the
exposure. I went silent. My lover changed his name to
Colin.‹
The artist revisits Colin Campbell’s pioneering 1972
video True/False, which features Campbell alternately
affirming and negating delicate statements about
himself and his private life. Initially intended as a remake, the video instead summons Campbell’s voice to
speak once more; a fragile, reversed palimpsest.
Benny Nemerofsky Ramsay is a Montréal-born artist
and diarist. His creative gestures in video, sound, print
and textiles contemplate the history of song, the rendering of love and emotion into language, and the resurrection and manipulation of voices. His work has exhibited in diverse contexts across Canada, Europe and
Asia and has won prizes at festivals in Canada, Germany, Poland and Portugal.
ÆCDN 2012-2013, Video, 6:00
ÆDirector, script Benny Nemerofsky Ramsay
ÆDistribution Benny Nemerofsky Ramsay
66
ERIS
Claire Hooper
Eris handelt von Stärke und begibt sich auf die Spuren von Danielle Marie Shillingford und
den Erfahrungen einer Frau, die das Sorgerecht für ihre Kinder verloren hat und darum
kämpft, es wiederzubekommen. Im Film führen die Reibungen zwischen Danielle und ihrem
gottähnlichen Alter Ego Eris, der Göttin der Zwietracht und des Streites, zu einem ständigen
Verschwimmen zwischen dem Fantastischen, dem Übermenschlichen und dem völlig Banalen.
Eris is an exploration of strength, tracing the experiences of Danielle Marie Shillingford, a
woman who has lost, and struggles to regain custody of her children. In the film, the slippages between Danielle and her god-like alterego Eris, the goddess of strife and discord,
creates a continuous blurring between the fantastical, the superhuman and the absolutely
mundane.
Claire Hooper; *1978, lives and works in London. She has participated in numerous exhibitions and screenings internationally and recent and forthcoming shows include Time Machine
and Anywhere Door, IT Park, Taipei; Art Statements, ArtBasel 41, Basel; Hollybush Gardens,
London; The Blessing, Sketch, London; An Archaeology, Zabludowicz Collection at 176, London; Galerie Kamm, Berlin; A New Stance for Tomorrow, Sketch, London, Bidoun Artists Cinema, Dubai & Tribeca Grand Screen, New York. She is the 2010 winner of The Baloise Art Prize
2010, and is presented at the Art Statements’ sector of the International Art Basel fair by a
jury of renowned experts.
ÆGB 2012, Video, 35:50
ÆDirector, script Claire Hooper
ÆCamera Claire Hooper, Jaime Felliu-Torres
ÆEditing Claire Hooper, Paul Simon Richards
ÆAnimation Paul Simon Richards
ÆMusic Beatrice Dillon
ÆCast Danielle Marie Shillingford, Marlon Shillingford,
Tyler Shillingford, Krustyo Peev, a. o.
ÆDistribution LUX
67
MAPPING PERCEPTION
VISUAL MUSIC
NANANAAU
PEOPLE AGO
Christina von Greve
Joe Merrell
Manipuliertes Super8 und 16mm
Material verarbeitet zu einer komplexen Studie aus Licht, Bewegung,
Architektur.
Music-Video für die neue Single des L.A. Hip Hop Künstlers Def Sound's
aus seinem aktuellen Album (Anything: Thee.Idea.Machine). Inspiriert von
den orchestralen Samples und Lyrics – einer Mischung von Nostalgie und
Optimismus -, eine Animation, die in Teilen auf die Collage-Arbeiten von
Terry Gilliam und Peter Blake fußen.
Manipulated Super8 and 16mm
filmmaterial woven into a complex
study of light and architecture.
Christina von Greve, *1968 in Bonn.
1996-2001 she studied at the Academy of Media Arts Cologne (Diploma). 1999 Trimester with Prof. Tony
Hill at the University of Derby,
School of Art & Design, England.
2002-2003 artist in residence: MAP
programme set up by the Pépinières
européennes pour jeune artistes,
Madrid, Spain. Lives and works in
Berlin, Germany.
ÆD 2012, Video, 5:20
ÆDirector Christina von Greve
ÆCamera, editing Christina von
Greve & C-Schulz
ÆMusic The Allophons
ÆDistribution Christina von Greve
68
This is a music video for ›People Ago‹ - an upcoming single from Los Angeles-based hip hop artist Def Sound's most recent album (Anything:
Thee.Idea.Machine). I was inspired by the orchestral samples and lyrics a mix of nostalgia and optimism - to make an animation which draws in
part from the work of collage artists like Terry Gilliam and Peter Blake. A
stereoscopic 3D version of the piece will be posted on the web in the near
future.
Joe Merrell was born in Seattle and grew up in Olympia, Washington. He
studied philosophy and history at the Evergreen State College in Olympia
and later received his Master's Degree in film from CalArts in Valencia,
California. He currently lives in Los Angeles where he makes various sorts
of media art (video, installation, stills) for exhibitions in galleries, festivals
and museums.
ÆDirector, script, editing, animation Joe Merrell
ÆMusic Def Sound
ÆDistribution UHOY, Joe Merrell
LORD CRY CRY - BLIND
LIGHTNIN' FLOOR
TIMOTHY BLACKMAN WOLVES
AMERICAN SOLDIERS
Francis Kamprath
Alistair Cheyne
Thomas Galler
Für sein neues Video lässt der bühnenscheue Musiker Lord Cry Cry
eine Blumenband performen. Jedes Instrument wird durch eine andere Blume in ihrer Hochblüte repräsentiert: Vocals: Narzisse, Guitar: Guernseylilie, Bass: Hyazinthe,
Percussion: Nelke & Freesie, Synthesizer: Japanische Quitte &
Schachblume.
Die Cassette mit der aufgenommen
Stimme Vaters widerhallt in den
Winden der Vergangenheit und dem
Heute. Timothy Blackman - Wolves
ist eine abstrakte, angstgefärbte
Geschichte des Erwachsenwerdens. Erstarrt in der isolierten arktischen Landschaft Norwegens.
American Soldiers basiert auf einer
Sammlung von YouTubeclips und
zeigt Coverversionen von Toby Keiths American Soldier (USA/2003)
publiziert von Jeffery, Joe, Zack,
Debbie, The Scillan Family, Colin,
Patrizio, Tasia, Shanda, Stephany,
Kathy und einigen Unbekannten.
The cassette of a fathers voice
echoes in the winds of the past and
present. Timothy Blackman Wolves is an abstract, angst tinged,
coming of age story. Set in the isolated arctic landscape of Norway.
American Soldiers features a collection of cover versions of Toby
Keith's
American
Soldier
(USA/2003) based on appropriated
YouTube footagepublished by Jeffery, Joe, Zack, Debbie, The Scillan
Family, Colin, Patrizio, Tasia, Shanda, Stephany, Kathy and some unknown.
For his new track ›Blind Lightnin'
Floor‹ Lord Cry Cry ordered a special band to perform live on stage,
each instrument represented by a
particular flower: vocals: daffodil,
guitar: guernsey lily, bass: hyacinth,
percussion: sea thrift & freesia,
synthesizer: japanese quince &
snake's head.
Francis Kamprath, *1983 in Great
Britain, grew up near Kassel, Germany. After abitur doing various interships in different departments of
filmproduction in Munich, London
and finally Berlin - where he choose
to stay after 2004. After doing an
apprenticeship in film- and videoediting and visiting ›filmarche
berlin‹ he is now a freelance filmmaker.
Alistair Cheyne, *1983 in New
Zealand. An avid drawer, at the age
of 10 Alistair first began his foray
into the moving image with flip
books constructed from unused supermarket coupon books. Alistair is
now directing and art directing
broadcast profiles in Norway for
clients such as NRK, TV2 and TV3.
ÆN 2011, Video, 3:26
animation Alistair Cheyne
ÆMusic Timothy Blackman
ÆCast Joni Pain, Ollie Fairclough
ÆDistribution Alistair Cheyne
Thomas Galler, *1970 in Baden,
Switzerland, lives in Zurich. 19951998 Bildende Kunst, HGK Luzern.
1999/2009 Citè Internationale des
Arts, Paris. 2004-2005 New York
City. 2010 Artist in Residence, Pro
Helvetia, Cairo.
ÆCH 2012, Video, 5:22
Thomas Galler
ÆDistribution Thomas Galler
ÆD 2012, Video, 4:15
animation Francis Kamprath
ÆMusic Lord Cry Cry /
Christopher Donaghue
ÆDistribution, production
Francis Kamprath
69
MAPPING PERCEPTION
VISUAL MUSIC
GHOSTRIDERS
IN THE SKY
GUIDO MÖBIUS FEAT.
GO:GOL – JUDGMENT
ROBO D'AMOUR /
Love Robot
Philipp Eichholtz
Andreas Gogol
Una Husebrink
Das tragische Ableben eines Tuba
Spielers.
Music Video performed von Guido
Möbius & Andreas Gogol - track
›JUDGMENT‹ vom Album Guido Möbius / Spirituals 2012 / Karaoke
Kalk.
Wir alle sind Cyborgs, Wesen zwischen Technik und Natur, unerklärbar und doch stets unter Definitionszwang. Robo D'amour kommt
auf die Erde, um Liebe zu finden,
gleich welcher Art. Doch der auf der
Erde herrschende Zwang das eigene Selbst und seine Sexualität definieren zu müssen, führt zur Frage:
›Bin ich ein Monster?!‹
The tragic passing of a Tuba musician.
Philipp Eichholtz, *1982 in
Hildesheim, Germany, grew up in
Osnabrück. Finished his training as
editor in 2005. Since that he is busy
in conception, directing and editing
in music video productions.
ÆD 2012, Video, 3:15
ÆDirector, script Philipp Eichholtz
ÆCamera Fee Scherer
ÆEditing Philipp Eichholtz,
Markus Morkötter
ÆAnimation Oliver Jerke
ÆMusic da blechhaufn
ÆCast da blechhaufn, Heiko
Pinkowski, Ruth Bickelhaupt,
Sonja Polligkeit
ÆDistribution Philipp Eichholtz
Music Video performed by Guido
Möbius & Andreas Gogol - track
›JUDGMENT‹ from the album Guido
Möbius / Spirituals 2012 / Karaoke
Kalk
Andreas Gogol, *1968 in Braunschweig, Germany. Filmmaker and
musician, lives in Berlin.
ÆD 2012, Video, 3:52
Andreas Gogol
ÆMusic Guido Möbius
ÆCast Guido Möbius
& Andreas Gogol
ÆDistribution Andreas Gogol
We all are Cyborgs, beings between
technology and nature, unexplainable but always under pressure to
define ourselves. Robo D'amour
comes to earth, to find undefined
love. But the constraint of self-definition and specification of sexuality leads to the question: ›Am I a
monster?!‹
Robo D'amour is a collaboration by
Laura Eggert, Sonja Risse and Nele
Stuhler from the collective ›Una
Husebrink‹, which consists of multiple, changing artists from different
fields.
ÆD 2012, Video, 5:39
ÆDirector, script Una Husebrink
ÆCamera, editing Laura Eggert
ÆDistribution Una Husebrink
70
INTERMEZZO
(NOTES ON FILM 04)
THE TELEGRAPHIST
ART OF STUNTIN
Norbert Pfaffenbichler
Florian Kläger, Lisa Sperling
Joe Merrell
Eine furiose Szene, virtuos neu
montiert, sich immer mehr steigernd und doch nicht von der Stelle kommend. Ein kurzer Ausschnitt
aus Charlie Chaplins The Floorwalker (Der Ladenaufseher, 1916) dient
als Ausgangssequenz für INTERMEZZO.
›The Telegraphist sold all my
secrets, put them on show, put
them on show‹. Ein Musikvideo
über das alte und neue Informationschaos.
Music-Video für ›Art of Stuntin‹, der
ersten Single des L.A. Hip Hop
Künstlers Def Sound's aus seinem
aktuellen
Album
(Anything:
Thee.Idea.Machine). Die höchst
kontrastierten Animationen sind
von Vector-basierten Videospielen
und Platos Philosophien inspiriert.
A furious scene, virtuously reassembled, continuously intensifying, yet never moving. A brief excerpt from Charlie Chaplin’s The
Floorwalker (1916) serves as starting sequence for INTERMEZZO.
Norbert Pfaffenbichler, *1967 in
Steyr, Austria. 1994- 2001 Study of
Mediadesign at the University of
Applied Arts, Vienna. Artist, filmmaker and curator, various participations in festivals and exhibitions,
founding member of VIDOK and
lanolin.
ÆA 2012, Video, 2:00
›The Telegraphist sold all my secrets, put them on show, put them
on show‹. A Music-video about the
old and the new communication
chaos.
Florian Kläger, *1987 in Freudenstadt. Film-projectionist, community service in the areas animation
and editing. Now editor for several
films at Filmakademie BadenWürttemberg.
Lisa Sperling, * in Stuttgart. After A
levels six month stay in New
Zealand. Trainee for several filmand theatre-productions. Since
2010 film-studies at the HfBK Hamburg.
ÆD 2012, Video, 3:07
ÆDirectors, script, camera,
animation Florian Kläger,
Lisa Sperling
ÆEditing Florian Kläger
ÆMusic Max and Laura Braun
ÆDistribution Filmakademie
Baden-Württemberg
Music video for ›Art of Stuntin‹ the first single from L.A. based hip
hop artist Def Sound's most recent
album (Anything: Thee.Idea.Machine). The high contrast animated
visuals were inspired by sources
ranging from vector-based video
games to Platonic philosophy.
Joe Merrell, biography see People
Ago
animation Joe Merrell
ÆMusic, cast Def Sound
ÆDistribution UHOY, Joe Merrell
71
MAPPING PERCEPTION
VISUAL MUSIC
UP
SWITCH
Scott Fitzpatrick
Overlap
Ein spektrales Rennen zum oberen Ende einer dekonstruierten Kaufhaus-Rolltreppe.
Ein Music-Video das Synchronität als binäres Ergebnis formuliert, in dem es simple Lichtschalter für die
Zuordnung des Einsatzes der Instrumente benutzt.
A spectral race to the top of a deconstructed department store escalator.
Scott Fitzpatrick is a visual artist from YWG. He studied film and theory at the University of Manitoba, and
began working with experimental film and video in
2010. primarily a filmmaker, also interested in photography, re-photography and collage, and has a growing
obsession with obsolescence, technological or otherwise.
ÆDirector, editing Scott Fitzpatrick
ÆMusic Lower Dens
ÆDistribution Scott Fitzpatrick
72
A music video that takes synchronicity to a binary conclusion, allocating a simple switch for the arrival of
each instrument.
Overlap (Michael Denton, Anna McCrickard) have
gained a reputation for atmospheric audiovisual
shows, installations and VJ performances on the international festival/ arts circuits. In 2012 Overlap staged
an audiovisual performance in the British Ambassador’s Residence in Beijing.
ÆGB 2012, Video, 2:43
ÆDirector Michael Denton
ÆEditing, animation Anna McCrickard
ÆDistribution Overlap
IF WE HAD
ONLY TRIED
Reinhold Bidner
If we had only tried ist ein Stop Motion Animations-Video, das sich auf
ironische und spielerische Art und
Weise mit Ungerechtigkeiten,
Gro¨ßen- und Machtverha¨ltnissen,
Gegensa¨tzen und Wertigkeiten
auseinandersetzt.
If we had only tried is a Stop Motion
Animation/Music Video that tries to
deal with topics such as Inequities,
Contradictions, Dependencies and
Balance of Power in an ironic and
playful way.
Reinhold Bidner, *1975 in Salzburg.
Currently he lives and works in
Salzburg, where he teaches at University for Applied Sciences and
Technologies in the field of mediaand post-production; and in Vienna,
where he continues his experiments
in Music Visualisation, Performance, Video, Music and Photography.
THAT SOUND
SIRG'A
Stephan Köperl,
Sylvia Winkler
Wörtliche
Umsetzung
berührenden Liedtextes.
Murodjon Kholikov
eines
Touching lyrics literally taken.
Since the beginning of their collaboration Sylvia Winkler (*1969/Austria)
and
Stephan Koeperl
(*1966/BRD) are realising site- and
context specific interventions in
various places around the globe.
ÆD 2012, Video, 2:10
cast Stephan Köperl, Sylvia
Winkler
ÆMusic Winkler & Köperl nach
Simon&Garfunkel
ÆDistribution Stephan Köperl,
Sylvia Winkler
Ein Lied von Bobur Obidov, das er
am 10.10.2012 sang. Die Leute lieben das Lied und respektieren ihn
dafür. Wir wollen dieses Lied allen
Menschen nahebringen.
The music is a song by Bobur
Obidov. He sang it on 10.10.2012.
People like his song and they respect him. We want to introduce his
song to all countries.
Murodjon Kholikov, *1991 is director of the ›Dono‹ music club. He
graduated in high school, 2008, and
studies at the musical school in
Tajikistan 2009-12. He is eager to
improve his abilities in media an
music!
ÆTJ 2012, Video, 4:08
ÆDirector, camera, editing
Murodjon Kholikov
ÆMusic Bobur Obidov
ÆDistribution Dono
ÆA 2012, Video, 3:00
Reinhold Bidner
73
MAPPING PERCEPTION
FILM SPECIALS
MARINA ABRAMOVIC: THE ARTIST IS PRESENT
Matthew Akers
Verführerisch, furchtlos und unverschämt: Seit fast 40 Jahren definiert Marina Abramovic´ ständig
neu, was Kunst heute bedeutet. Als Werkzeug benutzt sie ihren eigenen Körper – dabei überschreitet
sie immer wieder Grenzen, oft riskiert sie sogar ihr Leben. Ihre Performances provozieren, schockieren und bewegen uns. In seinem Film begleitet Regisseur Matthew Akers die Künstlerin bei den Vorbereitungen auf den wohl bedeutendsten Tag ihres Lebens: Die Eröffnung einer großen Retrospektive
ihres Werks im Museum of Modern Art in New York. Jeder Künstler würde diese Ausstellung in einem
der wichtigsten Museen der Welt als extrem motivierenden Meilenstein empfinden. Für Marina Abramovic bedeutet sie viel mehr – denn vielleicht verstummt jetzt endlich die Frage, die sie seit 40 Jahren immer wieder zu hören bekommt: ›Aber warum ist das Kunst?‹
(In Kooperation mit Freunde der Kunsthalle Dominikanerkirche e.V.)
Seductive, fearless, and outrageous, Marina Abramovi´c has been redefining what art is for nearly
forty years. Using her own body as a vehicle, pushing herself beyond her physical and mental limits
–and at times risking her life in the process – she creates performances that challenge, shock, and
move us. The feature-length documentary film Marina Abramovi ´c The Artist Is Present takes us inside Marina’s world, following her as she prepares for what may be the most important moment of her
life: a major retrospective of her work, taking place at The Museum of Modern Art in New York. To be
given a retrospective at one of the world’s premiere museums is, for any living artist, the most exhilarating sort of milestone. For Marina, it is far more: it is the chance to finally silence the question she
has been hearing over and over again for four decades: ›But why is this art?‹
Matthew Akers, director and director of photography. He was the cinematographer of the award winning documentary film LEMON, about the pioneering poet, three-time felon, and one-time Tony award
winner Lemon Andersen. Akers produced and was the cinematographer of CIRCUS, a six-part documentary series that aired in November 2010 on PBS. Matthew was a producer and a camera operator
on CARRIER, the 10-part Emmy Award-winning PBS television series that premiered in April 2008. In
addition, he has been the cinematographer of numerous other feature documentaries including BACK
IN THE HOOD: GANG WAR II, HEIR TO AN EXECUTION and ELAINE STRITCH: AT LIBERTY, all for HBO.
ÆUSA 2012, DCP, 105:00
ÆDirector, camera Matthew Akers
ÆCo-director, producer Jeff Dupre
ÆEditing E. Donna Shepherd
ÆMusik Nathan Halpern
ÆProducer Maro Chermayeff
ÆCo-Production Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Francesca von Habsburg; AVRO Television
ÆDistribution Filmwelt Verleihagentur
74
BERBERIAN SOUND STUDIO
LO STRANO VIZIO DELLA SIGNORA
WARDH / Der Killer Von Wien
Peter Strickland
Sergio Martino
Eine Hommage an die Hochzeit des italienischen Horror und Giallo-Thriller-Kinos der 70er Jahre von Regisseur Peter Strickland, und zugleich ein wunderschöner Film über das Handwerk des analogen Filmemachens. Ein britischer Tontechniker (Toby Jones) soll
1976 in einem italienischen Synchronstudio für einen
Horrorfilm für Soundeffekte sorgen. Doch allmählich
verschwimmen die Grenzen zwischen Realität und
Fiktion. In einer Nebenrolle: Giallo-Ikone Suzy Kendall.
Ein klassischer Giallo-Thriller, ein Meisterwerk des
Genres: Die schöne Julie Wardh (Eurokult-Star Edwige
Fenech) wird von einem bestialischen Frauenmörder
verfolgt. Doch wer ist der geheimnisvolle Killer? Als sie
zusammen mit ihrem Liebhaber George (ItalowesternHeld George Hilton) nach Portugal flieht, wartet der
Mörder bereits auf sie. Raffinierter Reißer von Sergio
Martino (›Die Säge des Teufels‹), einem Meister seines
Fachs! Quentin Tarantino ist ein großer Fan dieses
erotischen Kult-Thrillers und verwendete Teile des
grandiosen Soundtracks von Nora Orlandi in seinem
›Kill Bill 2‹.
Homage to the union of Italian horror and giallo thriller
cinema of the 1970s by director Peter Strickland, and
at the same time a beautiful film about the craftsmanship of making analogue films. A British sound
technician (Toby Jones) is purported to have been
asked to make the sound effects for a 1976 horror film
in an Italian dubbing studio. Yet the boundaries between reality and fiction gradually become blurred. In
a supporting role: giallo icon Suzy Kendall.
Peter Strickland, *1973 in Reading, UK. Strickland's
first feature film Katalin Varga was shot entirely independently in 2006 and later went on to win many
awards including a Silver Bear in Berlin and The European Film Academy's Discovery of the Year award in
2009. Katalin Varga screened at festivals throughout
the world and was sold in many territories. Prior to
Katalin Varga, Strickland made a number of short films
and produced several records of abstract music, field
recordings and spoken word.
ÆGB 2012, 35mm, 92:00
ÆDirector, script Peter Strickland
ÆCamera Nicholas D. Knowland
ÆEditing Chris Dickens
ÆCast Toby Jones, Cosimo Fusco, Antonio Mancino,
Fatma Mohamed, Antonio Mancino, Salvatore Li
Causi, Chiara D'Anna, Tonia Sotiropoulou a. o.
ÆDistribution Rapid Eye Movies
A classic 1971 giallo thriller, a masterpiece of the
genre: the beautiful Julie Wardh (European cult star
Edwige Fenech) is being pursued by a bestial ripper.
But who can the mysterious killer be? When she flies
to Portugal with her lover George (Spaghetti Western
hero George Hilton), the murderer already awaits
them! Ingenious thriller by Sergio Martino (›Torso›), a
master of his trade! Quentin Tarantino is a huge fan of
this erotic cult thriller, and used parts of Nora Orlandi’s terrific soundtrack in his film ›Kill Bill 2›.
Sergio Martino, *1938 in Rome, Italy, is an Italian film
director and producer, notable for his contributions to
the giallo genre. ›Giallo is an Italian 20th-century genre
of literature and film, which in Italian indicates crime
fiction and mystery. The word ›giallo‹ is Italian for ›yellow‹ and stems from the origin of the genre in Italy as a
series of cheap paperback mystery novels which all
had trademark yellow covers.‹ (Wikipedia)
ÆI/E 1971, 35mm, 96:00, dt. Fassung
ÆDirector Sergio Martino
ÆCamera Emilio Foriscot
ÆEditing Eugenio Alabiso
ÆMusic Nora Orlandi
ÆCast George Hilton, Edwige Fenech, Conchita
Airoldi, Manuel Gil, Carlo Alighiero, Ivan Rassimov,
Alberto De Mendoza, Bruno Corazzari a. o.
75
N-MINUTES FESTIVAL SHANGHAI
1971 - 2000
GHOST/HAMLET
Cheng Ran
Cheng Ran
Mit ›1971 – 2000‹ öffnet sich ein Fundus an Kino-Erinnerungen, die auf Chen Ran einen großen Einfluss hatten. Mit starken Bildelementen von ›A Clockwork
Orange‹ (St. Kubrick, 1971) und ›The Million Dollar Hotel‹ (W. Wenders, 2000) schafft der Künstler einen neuen Film um einen jungen Mann, der sich von einem
Hochhaus stürzt und überbrückt so die widersprüchlichen Ansätze und Standpunkte der beiden Filmklassiker.
Zwei Tänzer, ein Mann und eine Frau in westlicher
Kleidung, reagieren mal betont langsam, mal leidenschaftlich aufeinander. Der Raum der Performance ist
nur erfüllt von den Geräuschen ihrer Bewegungen. Willentlich oder unabsichtlich fallen sie in ein Wasserbassin, in dem sie in dem gleichen Bühnenbild wie
vorher ihre Performance fortsetzen.
›1971 - 2000‹ opens up a box of memories of the cinematic classics that have made an enormous impact on
Cheng. Appropriating iconic elements from ›A Clockwork Orange‹ (St. Kubrick, 1971) and ›The Million Dollar Hotel‹ (W. Wenders, 2000), the artist created a new
film of a young man throwing himself off the rooftop
which, however, reconciles the contradicting beliefs
and viewpoints in these two classics.
ÆChina 2012, Video, 7:47
ÆDirector: Cheng Ran
curated by
Ningchun Li, founder of N-Minutes
76
Dressed in modern Western attire, a man and a woman
respond to each other in body language by dancing
passionately or slowly. Completely removed of all other sounds, the spaces in the video are filled with
sounds created through the dancing bodies alone. The
dancers jump in the water either voluntarily or involuntarily. The space in the water is staged in the same
setting as the space out of the water, and the dancers
continue on with their gestures in the water.
ÆChina 2012, Video, Video-Installation, 21:54
ÆDirector: Cheng Ran
PHANTOM LANDSCAPE
SWAN FLOWERING
TOOLS
Yang Yongliang
Jiang Zhi
Li Ming
Orientiert an der chinesischen Tradition der Landschaftsmalerei
komponiert Yang Yongliang eine
digital zusammengestellte Landschaft aus Hochhäusern, Kränen
und vielspurigen Straßen. Wie die
schwarz-weissen Tuschezeichnungen ist diese extreme urbane Verdichtung eingebettet in Berge und
Wasserfälle und dient weniger zur
exakten Wiedergabe der Landschaft als vielmehr der Darstellung
von Entwicklungen und zur Erzeugung von Stimmungen.
Das Aufblühen des Schwans als
Kurzzeit-Performance:
Zwei
Schüsse zerreißen ein Daunenkissen und transformieren es in eine
gänzlich andere Form.
In einer Trainingshalle beobachten
wir Trampolinspringer, deren Bewegungen sich ständig steigern und
perfektionieren. Die Sprünge gewinnen an Höhe, so dass zum Ende
eine chinesische Flagge ins Bild
kommt.
Following the Chinese tradition of
landscape painting, Yang Yongliang
composes a digitally constructed
landscape
with
skyscrapers,
cranes and multi-lane roads. Like
those black-and-white ink drawings this urban compaction is embedded in mountains and waterfalls and is an exact reproduction
of the surroundings rather than an
illustration of the developments
and an evocation of atmospheres.
The blossoming of the swan as a
brief performance: two shots rip to
shreds a down pillow, transforming
it into a completely different
shape.
ÆDirector: Yang Yongliang
In a training hall we observe trampoline athletes whose movements
become increasingly higher and
perfect. The jumps get higher and
higher, ultimately displaying a Chinese flag on the screen.
ÆDirector: Li Ming
ÆDirector: Yang Yongliang
77
N-MINUTES FESTIVAL SHANGHAI
SOUND OF THE CITY
TWILIGHT IS THE
ASHES OF DUSK
MY BEAUTIFUL
ZHANGJIANG
Lou Nanli
Ma Qiusha
Song Tao
In seiner neusten Arbeit fängt der
bekannte Elektronikmusiker und
Klangkünstler Lou Nanli (aka B6)
Ansichten und Sounds von Shanghai and Hangzhou ein. Seine hypnotisierende audio-visuelle Komposition sollte man mit Kopfhörern,
aufgedrehtem Volumepegel und im
Vollbild-Modus erleben.
Eine Stadt erwacht in der Morgendämmerung:
menschenleere
Straßen, überbelichtete Leuchtquellen, zwei Polizisten, die beginnen, eine Strasse abzusperren.
Wie in einem Ritual einer selbstverständlichen Handlung tragen Kollegen, Passanten und Spaziergänger die schlafende Zhangijang
durch die Stadt bis sie in einer SBahn aufwacht.
The latest work by renowned electronic musician and sound artist
Lou Nanli (aka B6) captures the
sights and sounds of Shanghai and
Hangzhou in a mesmerising way
that is best appreciated by putting
on headphones, cranking up the
volume, and watching the video in
full-screen mode.
ÆChina 2011, Video, VideoInstallation, 5:09
ÆDirector: Lou Nanli
78
A city awakens at dawn: streets
void of people, overexposed
sources of light, two police officers
who start cordoning off a road.
ÆDirector: Ma Qiusha
As in a ritual of a self-evident act,
colleagues,
passers-by
and
strollers carry the sleeping Zhangijang through the city until she
wakes up in a suburban train.
ÆDirector: Song Tao
FACEBOOK
SOME ACTIONS WHICH
HAVEN’T BEEN DEFINED YET
IN THE REVOLUTION
BEYOND –ISM
Zhang Lehua
Sun Xun
Sun Xun
Zhang Lehua belegt in Facebook, dass das soziale
Netzwerk bereits vor
Jahrhunderten in China
entwickelt wurde.
Sun Xun kommentiert in den surrealen Bildern seiner Holzschnitt-Animation absurde
politische Entscheidungen und ideologische
Verkrustungen.
Indem er die Gewohnheiten und
Standards des alltäglichen Lebens
hinterfragt, unterstreicht Sun Xun
ebenso auch die Wichtigkeit von
Tradition, von Geschichte und Geschichten. Sun Xun ist einer der
wenigen jungen Künstler des heutigen Chinas, die eine Reihe von politisch motivierten Arbeiten vorweisen. Seine auf traditioneller Tuschezeichnungen, Kaligrafien und
Holzschnitttechniken basierenden
Animationen spannen ein facettenreiches Panorama politischer Cartoons, gebrochener Narration und
des improvisierten Theaters auf.
Zhang Lehua proves on
Facebook that the social
network was developed
centuries ago in China.
ÆChina 2012, Video,
11:27
ÆDirector: Zhang Lehua
In the surreal images of his wood engraving
animation, Sun Xun comments on absurd political decisions and ideological rigidities.
ÆDirector: Sun Xun
By questioning the habits and
standards of everyday life, Sun Xun
equally underscores the importance of tradition, history and stories. Sun Xun is one of the few
young artists in modern-day China
who show a series of politically
motivated works. His animations
based on traditional ink drawings,
caligraphy and wood engraving
techniques span a multifarious
panorama of political cartoons,
broken narration and improvised
theatre.
ÆDirector: Sun Xun
79
RETROSPEKTIVE
KONSTRUKT FILM ODER FILMISCHER KONSTRUKTIVISMUS
›Heute Abend kommt der Film zu Ihnen so ohne Fix und Fax und so ganz ohne gefühlvolle Szenerie.‹
Mit diesen Worten beginnt der in Osnabrück geborene Konstruktivist Friederich Vordemberge-Gildewart seine
Einführung des Programms ›Der Absolute Film‹, die er im Rahmen der Kestner Gesellschaft Ende 1925 in den
Palast - Lichtspielen in Hannover organisierte. Zu diesem Zeitpunkt gab es bereits eine Reihe von Künstlern,
die das neue Medium Film als Material für ihre konstruktivistische, abstrakte oder konkrete Kunst nutzten.
Im Programm waren neben der aus ca. 6700 Einzelbildern animierten ›Diagonal Symphonie‹ von Viking Eggeling
auch ›Rhythmus 21 & 23‹, die unter dem Titel ›Film ist Rhythmus‹ firmierten, des Berliner Konstruktivisten Hans
Richter zu sehen. Beide Filme sind aus ständig wachsenden, schrumpfenden, sich schneidenden und verdrängenden geometrische Formen animiert. Vertreten war mit ›Opus 2, 3 und 4‹ der Frankfurter Maler und Architekt
Walther Ruttmann, der 1927 mit ›Berlin – Die Sinfonie der Großstadt‹ Weltruhm erlangen sollte.
Während die deutschen Filme formal abstrakte Animationen von statischen Bildern und Zeichnungen waren,
gingen die französischen Künstler gegenständlicher mit wie zufällig wirkenden Collagen aus Fotos, Filmfragmenten und Animationen vor. In Rene Clairs ›Entr'acte‹ und ›Ballet Mecanique‹ von Fernand Leger und Dudley
Murphy eröffnete sich ein absurdes Spiel filmtechnischer Möglichkeiten: Zeitlupe, Überblendung, rückwärts
gespielte Sequenzen ohne narrativen Zusammenhangs zelebrierten Dada in Reinkultur.
Mit der Dada Bewegung, den Überlegungen der De Stijl Gruppe, der Eröffnung des Bauhaus etc. entwickelte
sich die Avantgarde Bewegung der 20er und 30er Jahre, deren abstrakte, formale, konstruktivistische Ansätze
und Ideen, Auslöser für eine Vielzahl filmisch innovativer Projekte in u.a. in Belgien, Deutschland, Frankreich,
Niederlande, Spanien war.
Das Medium Film als Transporteur im zeitlichen Ablauf bewegter Bilder, als Dokumentation kinetischer Kunst
und Licht-Performance, als Zeit-Raum Transformator, also Medium den Raum in eine zeitliche Dimension zu
überführen und schließlich die Möglichkeit mit Tönen und Musik die Bilder zu begleiten, schuf nahezu unendliche Variationsmöglichkeiten für die moderne Filmkunst. Oskar Fischinger, der als Vater des Musik-Videos gilt,
war einer der ersten, der das Bild punktgenau auf den Ton anlegte und damit eine erstaunliche Perfektion seines Ideals einer visuellen Musik erreichte.
Mit dem durch die Nazis bedingten Exodus von Künstlern aus Deutschland, war die Entwicklung abstrakter
künstlerischer Arbeit nicht nur in Deutschland zunächst beendet. Als sich der II. Weltkrieg ankündigte emigrierte wie zuvor Richter auch Fischinger in die USA. Der eine fand eine neue Heimat an der Ostküste in New
York, der andere in Kalifornien. Nach einem kurzen unrühmlichen Intermezzo in Hollywood und den Disney Studios, gelang es Fischinger an seine früheren Arbeiten anzuknüpfen, und mit seiner Berufung ans Californian
Center of Arts, einen immensen Einfluss auf die Arbeitsweisen junger Filmemacher auszuüben. Harry Smith, Hy
Hirsh und Jordan Belson darf man durchaus zu seinen ›Jüngern‹ zu nennen.
In der Zeit danach begann bei den amerikanischen Künstlern eine Suche nach Spiritualität und Bewusstseinserweiterung. Anders als in den Filmen im Dada- oder Surrealismus, die eher schockierten und provozierten,
ging es Ihnen mehr um das visuelle Experiment nach Innen. Die Brüder James und John Whitney, Jordan Belson entwickelten optische Printer, mit denen sie die Filmbilder kopieren und in mehreren Schichten und Umkehrungen überlagern konnten, um in teils akribischer Perfektion völlig neue abstrakte, psychedelische Bildwelten zu schaffen.
In dieser Zeit begannen auch wieder Europäer sich an strukturellen filmischen Experimenten zu versuchen, der
Österreicher Marc Adrian, der mit Röntgenapparaten seine Filme belichtete, oder Peter Kubelka, der aus Werbeaufträgen heraus, (wie Len Lye 20 Jahre vor ihm für das General Post Office in England), seine filmischen
80
Ideen umsetzte und seine metrischen Filme ADEBAR und Schwechater für die gleichnamige Bierbrauerei entwickelte. Seine serielle Schnittmethode: Positiv/Negativ, an/aus, +/- oder auch 0/1 nimmt quasi den digitalen
Code vorweg. Die Versuche innovative Bilderwelten mit analogen Computern zu schaffen beginnen mit John
Whitney, Mary Ellen Bute, Stan Vanderbeek, Hy Hirsh, John Stehura teilweise sogar früher.
In den frühen 60er Jahren startet die Entwicklung des magnetischen Bildaufzeichnung, die beim ›Endkunden‹
aber erst in den 70ern als die zweite Medienrevolution unter dem Namen Video ins Wohnzimmer einbrach. Aber
es waren ausrechnet Künstler wie Stan Vanderbeek, Aldo Tambellini, Otto Piene, die in trial+error-Experimenten z.B. für IBM den Weg für die Alltagstauglichkeit in der Fernsehbranche ebneten.
Trotzdem blieb Film vor allem im 16mm Format, aus Kosten- und technischen Gründen, das Material No. 1 für
mediales, künstlerisches Arbeiten. Pat O’Neill, David Rimmer und vor allem Al Razutis laborierten mit ihren optischen Printern am ›offenen Bild‹. Dabei gelang O’Neill diese Technik zu einer meisterhaften Perfektion zu entwickeln, und generierte mit seinen Filmen quasi eine Blaupause, für die spätere Chroma-Key Videotechnik.
0/1, s/w, Flicker also Reduktion auf die beiden wesentlichen Elemente des Film Licht/Schatten, war die provokante Antwort auf das zunehmend diktatorische System des Hollywoodkinos. Tony Conrad’s gleichnamige Film
gilt als Apologet einer ganzen Reihe von Flickerfilmen, der aber im Vergleich zu denen von Paul Sharits und Lis
Rhodes fast harmlos wirkt: ihre Filme graben sich tatsächlich in die Retina ein, und evozieren unglaubliche
Nachbildeffekte.
Während das Medium Video sich als künstlerisches Werkzeug zunehmend etablierte, waren Bilder aus dem
Nichts, also aus der Rechnerleistung eines Computers eher selten zu sehen, Larry Cuba, einer der Pioniere der
Computerkunst, hatte zu Beginn keine Möglichkeit seine Randombilder zu speichern, daher filmte er seine virtuellen Welten mithilfe einer 16mm Filmkamera, und behielt dies bis in die 90er bei, weil er dem Video als nichtverlustfreies Speichermedium wohl wissend nicht traute.
Wie solide Architektur, statische Räume sich in Achterbahnfahrten und rotierende Flächen verwandeln, zeigen
die strukturalen Filme von Takashi Ito und Martin Arnold, während der eine Bild für Bild aufnimmt, um es in der
Projektion in einer tour de force zu präsentieren, nimmt der andere gefundene Filmstreifen, um sie in einem
elaborierten filmischen(!) Schnittprozess über und unter, seitenverkehrt, auf dem Kopf stehend durcheinander
zu wirbeln.
Die rhythmische, konstruktivistische Formsprache der Avantgarde ist deutlich in den Filmen von Bart Vegter
und Joost Rekveld zu spüren, wobei der erste formal mehr an Richter, Ruttmann, aber auch an Mondrian erinnert, spürt Rekveld den frühen Entdeckungen eines Muybridge oder Marey nach und untersucht z. B. die optische Veränderungen des Lichts und die Farbverschiebungen durch reflektierende Materialien wie Spiegel, Prismen, Kaleidoskope.
Die Jahrtausendwende bedeutet auch eine Wende in der abstrakten Medienkunst, der Computer wird zum üblichen Handwerkszeug für das ›Malen mit Zahlen‹, in Österreich entwickelt sich eine virulente digitale Szene,
bemerkenswerter Weise sind es mehr Frauen, die ihre Computerbilder oft als VJs live in elektronische Soundscapes einbetten. Karø Goldt, Michaela Schwentner, Michaela Grill, lia, Billy Roisz gehören zur aktuellen Avantgarde in der elektronischen Kunst. Auch Anouk de Clercq hat sich früh mit elektronischer Bilderzeugung beschäftigt. Ihre neue Arbeit ›Swan song‹ fragt, was ein Pixel empfindet, wenn es im virtuellen Äther verschwindet.
Die aktuellen Arbeiten von Keitaro Oshima, Simon Payne, Max Hattler, Oliver Franken im dritten Teil dieser Retrospektive bezeugen, der filmische Konstruktivismus oder das Konstrukt Film ist nicht im digitalen Äther verschwunden, er hat vielleicht nur einen anderen Namen.
Ralf Sausmikat
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RETROSPEKTIVE
Film as a Construct or Filmic Constructivism
›This evening, film comes to you without the characters Fix and Fax, and without any emotive scenery.‹
With these words, Osnabrück-born constructivist Friederich Vordemberge-Gildewart ushered in his screening
of the programme ›The absolute film,‹ which he organised within the Kestner Society at the Palast-Lichtspielen in Hannover at the end of 1925. Back then, a number of artists were already using the new medium of film
as a material for their constructivist, abstract or concrete art.
The programme included Viking Eggeling’s ›Symphonie diagonale‹, animated using some 6,700 single images,
and ›Rhythmus 21 & 23‹ by Berlin constructivist Hans Richter, known by the title ›Film is Rhythm‹. Both films
are created using constantly growing and shrinking, overlapping and displacing geometric figures. Frankfurt
painter and architect Walter Ruttmann, who became famous in 1927 for his ›Berlin - Die Symphonie der Großstadt‹, was also represented with ›Opus 2, 3 and 4‹.
While German films were formally abstract animations of static pictures and drawings, French artists adopted
a more representational approach with apparently random collages composed of photos, film fragments and
animations. In Rene Clair’s ›Entr’acte‹ and ›Ballet Mecanique‹ by Fernand Leger and Dudley Murphy, an absurd
game of filmmaking possibilities developed: slow motion, superimposition and sequences played backwards
without a narrative context celebrate Dada in its purest form.
With the Dada movement, the reflections of the De Stijl Group, the launch of Bauhaus, etc., the avant-garde
movement of the 1920s and 1930s developed their abstract, formal, constructivist approaches and ideas, triggering a multitude of innovative cinematic projects in Belgium, Germany, France, the Netherlands and Spain,
amongst other places.
The medium film as a transporter in the timeline of moving images, as documentation of kinetic art and light
performance, as a transformer of time and space, i.e. as a medium to transform space in a temporal dimension
and, finally, the possibility to accompany images with sounds and music created a virtually endless array of
variations for modern cinematic art. Oskar Fischinger, considered the father of the music video, was one of the
first people who applied images very precisely to sound, achieving an astonishing perfection of his ideal of visual music.
Following the exodus of artists from Germany, owing to the Nazis, the development of abstract artistic work initially came to an end, not only in Germany. When World War Two broke out, Fischinger immigrated to the USA,
as Richter before him. One of them settled down on the East Coast in New York, the other in California. After a
short inglorious intermezzo in Hollywood and at Disney Studios, Fischinger managed to build on his earlier
works and, following his appointment to the Californian Center of Arts, was able to have a huge impact on how
young filmmakers produce their work. Harry Smith, Hy Hirsh and Jordan Belson can by all means be called his
›disciples‹.
Later, American artists began searching for spirituality and an expansion of the mind. In contrast to Dadaist or
Surrealist films, which tended more to be shocking or provocative, they were more about inward visual experimentation. Brothers James and John Whitney, and Jordan Belson developed optical printers that could be used
to copy film frames and superimpose them in several layers and inversions in order to create completely new
abstract, psychedelic pictorial worlds, some in meticulous perfection.
At this time, Europeans started dabbling in structural cinematic experiments again: the Austrian Marc Adrian,
who exposed his films using X-ray equipment, or Peter Kubelka, who realised his cinematic ideas from advertising commissions (as Len Lye 20 years before him for the General Post Office in England), creating his metric
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films ADEBAR and Schwechater for the brewery of the same name. His serial method of editing: positive/negative, on/off, +/- or 0/1 anticipated the digital code, as it were. Attempts to create innovative pictorial worlds
using analogue computers were first made by John Whitney, Mary Ellen Bute, Stan Vanderbeek, Hy Hirsh, and
even earlier by John Stehura.
In the early 1960s, the image recording on magnetic tape started to be developed, only reaching consumers’ living rooms in the 1970s as the second media revolution named Video. But it was artists such as Stan Vanderbeek, Aldo Tambellini and Otto Piene, of all people, who paved the way for its suitability for everyday use in the
television industry in trial-and-error experiments, e.g. for Sony, IBM.
Nevertheless, film – mostly in 16mm format – remained the No. 1 material for media, artistic work – for cost
and technical reasons. Pat O’Neill, David Rimmer and, above all, Al Razutis laboured on the ›open image‹ with
their optical printers. In the process, O’Neill managed to develop this technique to superb perfection, generating a kind of blueprint, as it were, for later chroma key and other video technology with his films.
0/1, b/w, flicker, i.e. reduction to the two main elements of film – light/shadow – was the provocative response
to the increasingly dictatorial system of Hollywood cinema. Tony Conrad’s film of the same name (Flicker) is regarded as an apologist of a whole series of flicker films, but appears virtually harmless compared to those by
Paul Sharits and Lis Rhodes: their films really do penetrate the retina, evoking incredible after effects.
Whilst the medium of video increasingly became established as an artistic tool, images created out of nothing,
i.e. from the processing power of a computer, were quite rare. Larry Cuba, one of the pioneers of computer art,
had no way of saving his random images at the beginning, which is why he filmed his virtual worlds using a
16mm movie camera, and continued to do so into the 1990s because he – rightly – distrusted video as a nonloss-free storage medium.
The structural films by Takashi Ito and Martin Arnold show how solid architecture and static rooms are transformed into roller coaster rides and rotating areas; one of them records frame by frame in order to present the
images in a tour de force in the projection, while the other takes found film strips in order to jumble them all up
in an elaborate cinematic(!) editing process above and below, mirror-inverted, upside down.
The rhythmic, constructivist form language of the avant-garde can clearly be felt in the films by Bart Vegter and
Joost Rekveld, whereby the former is formally more reminiscent of Richter, Ruttmann, or even Mondrian, and
Rekveld traces the early discoveries of Muybridge or Marey and explores such aspects as the optical alterations of light and colour shifts created by reflective materials such as mirrors, prisms and kaleidoscopes.
The turn of the millennium also ushered in a change in abstract media art; the computer now becomes the standard tool of the trade for ›painting by numbers‹; a virulent digital scene emerges in Austria – remarkably, the
majority are women who often embed their computer images live in electronic soundscapes as VJs. Karø Goldt,
Michaela Schwentner, Michaela Grill, lia and Billy Roisz belong to the contemporary avant-garde in electronic
art. Anouk de Clercq also explored electronic image generation at an early stage. Her new work ›Swan song‹
asks what a pixel feels when it disappears in the virtual ether.
The latest works by Keitaro Oshima, Simon Payne, Max Hattler and Oliver Franken in the third part of this retrospective testify that filmic constructivism or film as a construct has not disappeared in the digital ether, but
has perhaps just assumed a new name.
(R.S.)
83
DIE ANFÄNGE / THE BEGINNING
DIAGONAL SYMPHONIE
(LICHTSPIEL) OPUS I
Viking Eggeling
Walther Ruttmann
Eine Filmkomposition wiederkehrender bewegter
Lichtstreifen, Linien und Diagonalen. Aus 6700 Einzelbildern gefilmt, deren Formen mit Zirkel und Lineal
entstanden, entsteht ›bewegte Kunst‹, denn was die
Malerei nicht erreichen kann - zeitliche Verläufe und
Veränderungen geometrischer Figuren direkt darzustellen - gelingt dem Regisseur, der selbst die Uraufführung seines Films nicht erlebte, in imposanter Weise: Ein mobiles Gemälde.
Ruttmanns 1921 uraufgeführtes ›Opus 1‹ ist das erste
abstrakte bzw. ›absolute‹ Werk der Filmgeschichte. Es
enthält keine Abbilder der Realität, sondern besteht
nur aus Farben und Formen, so wie Ruttmann es
schon zuvor in seinem Manifest zu einer ›Malerei mit
Zeit‹ formuliert hatte. Er schreibt 1919, dass er erst
nach fast zehn Jahren ›der technischen Schwierigkeiten Herr geworden‹ sei, die sich der Ausführung seiner
schon ab 1913 formulierten Idee entgegenstellten,
man müsse mit Film ›arbeiten können wie mit Pinsel
und Farbe‹. Diese künstlerisch motivierte Notwendigkeit neuer technischer Mittel führt Ruttmann bis zu
dem 1920 erteilten Patent zur Herstellung der abstrakten, malerischen Bildfolgen seiner Filme.
A film composition of recurrent, moving streaks of
light, lines and diagonals. Filmed from 6,700 singleframes, the shapes of which were created using a
compass and ruler, ›moving art‹ emerged. After all, the
director (who did not live to experience his film being
screened) managed to achieve what painting cannot –
the ability to directly portray chronologial sequences
and how geometric figures change – in an imposing
manner: a mobile painting.
ÆD, 1921-23, 16mm, mute, b/w, 8:00
Ruttmann‘s ›Opus 1‹, shown for the first time in 1921,
is the first abstract or ›absolute‹ work in film history. It
contains no images of reality, consisting only of
colours and shapes, formulated previously as ›painting with time‹in Ruttmann’s manifesto. In 1919, he
wrote that he had taken almost ten years to ›master
the technical difficulties‹ encountered in the execution of the idea he had formulated as early as in 1913
that one ought to be able to ›work with film as with
paint and brush‹. This artistically motivated need for
new technical means led Ruttmann to produce the abstract, pictorial image sequences of his films, up until
the granting of his patent in 1920.
ÆD, 1919-21, 16mm, b/w, 11:00
84
OPUS II, III, IV
RHYTHMUS 21 & 23
Walther Ruttmann
Hans Richter
An seinem selbst konstruierten und patentierten Tricktisch entstand ›Lichtspiel Opus
I‹, aufgenommen im Stoptrick-Verfahren.
Ruttmann produzierte drei weitere Kurzfilme
nach demselben Verfahren: ›Opus II‹, ›Opus
III‹ und ›Opus IV‹, in denen er seine Technik
fortentwickelte und mit denen er sich als einer der wichtigsten Vertreter der filmischen
Avantgarde der 1920er Jahre etablierte.
Der Berliner Konstruktivist Hans Richter betrachtete seine Rhythmus-Filme als Experiment, weniger im Bereich des Films, sondern
vielmehr auf der Ebene der Malerei. Im Programm ›Der Absolute Film‹ war Richter mit
›Rhythmus 21 & 23‹, die wie zufällig wachsende, schrumpfende, sich schneidende und verdrängende geometrische Figuren zeigen, unter dem Titel ›Film ist Rhythmus‹ vertreten.
Richter erinnert sich an die Uraufführung in
Berlin: ›Das Publikum war schon so ärgerlich
über die Kamel-Beerdigung René Clairs und
die tanzenden Küchentöpfe von Léger, dass
es auf meinen Film Rhythmus, der nur Rechtecke und Quadrate zeigte, mit Violenz reagierte und den Klavierspieler verprügelte, der vom
Theater angestellt war, meinen Film zu begleiten.‹
›Lichtspiel Opus I‹ was created on his homemade, patented rostrum bench, shot using
the freeze effect. Ruttmann produced three
more short films using the same technique:
›Opus II‹, ›Opus III‹ and ›Opus IV‹, in which he
developed his technique further, making
himself a name as one of the main exponents
of the 1920s filmic avant-garde.
ÆD, 1923-24, 16mm, b/w, 12:00
Berlin constructivist Hans Richter considered
his rhythm films as an experiment, not so
much in the area of film, but more on the level of painting. In the programme ›Der Absolute Film‹, Richter
was represented with ›Rhythmus 21 & 23‹, showing randomly
growing, shrinking, overlapping and displacing geometric figures, under the title ›Film ist Rhythmus‹.
Richter remembers the first time it was screened in Berlin: ›The
audience was already so upset about René Clair‘s funeral of a
camel and Léger‘s dancing pots and pans that they reacted violently to my film ‹Rhythmus‹, showing only squares and rectangles, and beat up the pianist who had been commissioned by
the theatre to accompany my film.‹
ÆHans Richter, D, 1921-24, 16mm, b/w, 8:00
85
ÉTUDE CINÉMATOGRAPHIQUE
SUR UNE ARABESQUE
REFLEKTORISCHE
FARBLICHTSPIELE
Germaine Dulac
Kurt Schwerdtfeger
Kino, visuell sensibilisiert, mit dem tiefen Gespür für
Orchestrierung, unterlegt die Geschichte ausschweifend wie flüchtige Musik.
Germaine Dulac (1882–1942) wählte das Filmemachen
zunächst weder als bevorzugte Karriere noch glaubte
sie, dass die Regiearbeit ein Job für Frauen ist. Und
trotzdem machte sie ca. 30 Filme, hatte ihre eigene
Produktionsfirma, gründete und publizierte ein Kinomagazin heraus und war Mitgründerin und Präsidentin der French Federation of Ciné-Clubs. Dulacs
Filme wechselten zwischen kommerziellen Erzählungen aus feministischer Sicht und einigen der wohl offiziell innovativsten avantgardistischen Werke der
zwanziger Jahre.
Am Weimarer Bauhaus entwickelte Kurt Schwerdtfeger (1897-1966) seine Reflektorischen Farblichtspiele,
die – nach einer Vor-Premiere im Hause Kandinsky –
1922 auf einem der berühmten Laternenfeste uraufgeführt wurden. Schon bald gerieten er und sein Werk
in den Schatten von Ludwig Hirschfeld-Mack, der –
aufbauend auf Schwerdtfegers Arbeit – das Prinzip
der Abbildung bewegter abstrakter Kunst gekonnt
weiterentwickelte. Wegen dessen Geheimniskrämerei
und Rivalität verließ Schwerdtfeger das Bauhaus und
nahm eine Professur an der Akademie Stettin an.
Nach Berufsverbot in der Nazi-Zeit wurde er Professor
an der Pädagogischen Hochschule Alfeld, einer Vorläuferin der Universität Hildesheim. Kurz vor seinem
Tode 1966 überwachte er die Wiederaufführung der
Farblichtspiele im Kunstverein Hannover.
Cinema visually sensitised with the deepest sense of
orchestration extends below the story like elusive music.
Germaine Dulac (1882–1942) didn't choose filmmaking as her first career, nor did she believe that directing was a job for women. Nevertheless, she made approximately thirty films, had her own production company, founded and edited a cinema journal, and was
cofounder and president of the French Federation of
Ciné-Clubs. Dulac's filmmaking alternated between
commercial narratives with a feminist perspective and
some of the most formally innovative avant-garde
works of the twenties.
ÆF, 1929, 16 mm, b&w, sil, 18 ips, 7:00
Though the Bauhaus wasn’t directly involved in all art
forms, it definitely exerted interesting impulses nevertheless. A particular point in case is Kurt Schwerdtfeger’s 1922 Reflektorische Farblichtspiele [Reflecting Colour-Light-Play]. Originally conceived as a play
for one of the famous Bauhaus Lantern Festivals, it
premiered at the Kandinsky home and kind of revolutionised the spatial aspect of 20th century sculpture.
One of Schwerdtfeger’s predicaments for his full acceptance into art history’s ›Hall of Fame‹ to this day is
the fact that Ludwig Hirschfeld-Mack, also a Bauhaus
student, staged a similar Play that for several reasons
overshadowed Schwerdtfeger’s pioneering achievements early on.
Due to this conflict he left the Bauhaus, and was immediately appointed Professor for Sculpture at the
Stettin Academy. Unable to exhibit during the Nazi
years, he educated budding teachers in the arts in
Alfeld/Hildesheim until his death in 1966, just days
before the re-staging of his Play at the Hannover Arts
Society.
ÆD, 1922, 16mm, b/w, 15:00
86
CINQ MINUTES DE CINÉMA PUR
SPIRALEN
Henri Chomette
Oskar Fischinger
Die Forderung nach einem cinéma pur war Mitte der
1920er Jahre ein avantgardistischer Schlachtruf. Es
war aber Henri Chomette, der Bruder René Clairs, der
den Begriff prägte: ›Filmrhythmus ist eine Potenz, die
jenseits von Tatsachenlogik und Realität Visionen erzeugt, wie sie nur im Verein von Linse und Filmband
zustande kommen.‹ Seiner Konzeption, reale Aufnahmen nach den Regeln des abstrakten Films zu behandeln, entsprechend drehte Henri Chomette Jeux des
reflets et de la vitesse (1923-25) und Cinq minutes de
cinéma pur (1925).
Für ›Spiralen‹ filmte Fischinger durch bemalte Glasscheiben um wunderbare optische Effekte zu erzielen.
Im Mittelpunkt steht das von ihm häufig verwendete
Motiv der Spirale. Die Überschneidungen und die jeweiligen Farbabstufungen der Spiralen verursachen
beim Betrachter ein Gefühl schwindelnder Tiefe. Obwohl die Spiralen auf den Betrachter zukommen, wirken sie durch die farbperspektivischen Mittel, bedingt, als ob sie nach innen implodieren würden.
The call for cinéma pur was an avant-garde battle cry
in the mid 20s. But it was Henri Chomette, brother of
René Clair, who coined the term: ›Film rhythm is a
power that creates visions beyond factual logic and
reality that can only evolve in the union of lens and
film‹. Based on his concept of treating real shots according to the rules of abstract film, Henri Chomette
filmed Jeux des reflets et de la vitesse (1923-25) and
Cinq minutes de cinéma pur (1925).
For ›Spiralen‹, Fischinger filmed through painted glass
panes to generate fantastic optical effects. It centres
on the spiral – the motif he often likes to use. The
overlapping and different shades of the spirals create
a feeling of dizzying depth in the viewer. Although the
spirals approach the viewer, they appear as though
they would implode inwards, induced by the colour
perspectives.
ÆD, 1926, 16mm, col, 4:00
ÆF, 1925-26, 16mm, b/w, sil, 5:00
87
LICHTSPIEL SCHWARZ-WEISS-GRAU
Lazlo Moholy-Nagy
Seine Skulptur ›Licht Raum Modulator‹ ist das Motiv,
das Moholy-Nagy für den Film als Darsteller benutzt.
Dieses kinetische metallische Objekt wird von allen
Seiten und Blickwinkeln gefilmt, während es sich dabei
auch selbst bewegt. Dabei entsteht eine visuelle Partitur sich ständig verändernder Schattengebilde, die zudem im Film mehrfach-belichtet, sich gegenseitig
überlagern: Light flashes, moving, blinding. Whirling
spirals, which always return. All solid shapes dissolve
into light.
His sculpture ›Light Space Modulator‹ is the motif that
Moholy-Nagy uses as a performer for the film. This kinetic metallic object is filmed from all sides and angles,
whilst it, too, keeps moving. In the process, a visual
score of ever-changing shadow objects emerges which,
multiply exposed in the film, also superimpose each
other: light flashes, moving, blinding. Whirling spirals,
which always return. All solid shapes dissolve into light.
Æ D, 1930, 16mm, b/w, 5:30
88
ALLEGRETTO
ANEMIC CINEMA
Oskar Fischinger
Marcel Duchamp
›Diese auf Zelluloid gebrachten
Zeichnungen sind in der Tat der erste ungegenständliche Film, der jemals mit dieser Technik gemacht
wurde.‹ - Oskar Fischinger, aus einem Brief an Hilla Rebay, Juli 1944.
Dieser typisch dadaistische Film von Marcel
Duchamp enthält eine Reihe von visuellen und verbalen Wortspielen, wobei
sinnlose Sätze auf rotierenden Spiralmustern verewigt einen nahezu hypnotischen Effekt verursachen.
›These celluloid drawings are in
fact the very first Non objective
Film ever made in this technik.‹ Oskar Fischinger, from a letter to
Hilla Rebay, July 1944
ÆUSA, 1936-43, 16mm, sound,
col, 3:00
This
characteristically
dada film by Marcel
Duchamp consists of a series of visual and verbal
puns
with
nonsense
phrases inscribed around
rotating spiral patterns,
creating an almost hypnotic effect.
ÆF, 1926, 16mm, b/w, 8:00
89
DIE ZEIT DANACH / THE DAYS AFTER
EARLY ABSTRACTIONS
FREE RADICALS
Harry Smith
Len Lye
›Sie sollten dies nicht als Kontinuität ansehen. Einzelne Filmbilder sind Hieroglyphen, selbst wenn sie wirklich erscheinen.
Sie sollten sich auf das einzelne Bild konzentrieren, immer, als
Hieroglyphe, erst dann werden Sie verstehen, worum es beim
Kino geht.‹– Harry Smith
Anfänglich ohne Ton aufgenommen, wurde dann doch im Nachhinein ein Medley der Beatles hinzugefügt. Da die Lieder jedoch
nicht genau mit jedem einzelnen Film übereinstimmen, meinen
einige Kritiker, dass es den Film nicht gerade verbessert hat und
empfehlen, diesen ohne Ton anzuschauen.
Der ›Multimedia Künstler‹ Len Lye schuf direkte Filme, die er ohne Kamera machte. In
Free Radicals benutzte er belichtetes Filmmaterial und kratzte direkt in die Filmschicht. Das Ergebnis ist ein tanzendes Muster aufleuchtender Linien und Strukturen,
die an dramatische Blitze in nächtlichen
Himmel erinnern.
›You shouldn’t be looking at this as a continuity. Film frames are
hieroglyphs, even when they look like actuality. You should think
of the individual frame, always, as a glyph, and then you’ll understand what cinema is about.‹– Harry Smith
Initially recorded with no sound, a medley of music by The Beatles was added retrospectively. Because the songs do not exactly sync up with each individual film, some critics have opined
that this does not enhance the film, and recommend watching it
in silence.
ÆUSA, 1946-56, 16mm, sound, col, 18:00
90
›Multimedia-Artist Len Lye created direct
films, which he made without camera. In
Free Radicals he used black film stock and
scratched designs into the emulsion. The result is a dancing pattern of flashing lines and
marks, as dramatic as lightning in the night
sky.
ÆGB, 1957/79, 16mm, sound, b/w, 4:00
COME CLOSER
ADEBAR
Hy Hirsh
Peter Kubelka
›In Adebar werden nur ausgewählte Szenenstücke verwendet und das Bildmaterial im
Film ist nach bestimmten Regeln montiert.
Beispielsweise gibt es einen stetigen Wechsel
zwischen Positiv und Negativ. Die Filmbilder
sind extrem kontrastreiche Schwarzweißaufnahmen von tanzenden Figuren; die Bilder
werden auf ihre Schwarzweißessenz reduziert, um sie für eine beinahe erschreckend
genaue Konstruktion von Bild, Bewegung und
wiederholtem Ton einzusetzen.‹ Fred Camper
Der Experimentalfilmer Hy Hirsh
nutzte die oszillografische Bildsprache in Come Closer. Hirsh produzierte seine Filme mit einem
selbst hergestellten optischen
Printer und einem System ähnlich
dem der Brüder Whitney.
Experimental filmmaker Hy Hirsh
used oscilloscope imagery in Come
Closer. Hirsh made his films with a
homemade optical printer and a
system similar to the one of the
Whitney Brothers.
›In Adebar, only certain shot lenghts are used
and the image material in the film is combined according to certain rules. For instance,
there is a consistent alternation between
positive and negative. The film’s images are
extremely high contrast black-and-white
shots of dancing figures; the images are
stripped down to their black-and-white essentials so that they can be used in an almost
terrifyingly precise construct of image, motion, and repeated sound.‹ Fred Camper
ÆA, 1956-1957, 35mm, sound, col, 2:00
ÆUSA, 1952, 16mm, sound, col,
5:00
91
ALLURES
CIBERNETIK 5.3
Jordan Belson
John Stehura
›Ich empfinde Allures als eine Kombination aus molekularen Strukturen und astronomischen Vorgängen,
gemischt mit unterbewussten und subjektiven Phänomenen – und alles ereignet sich gleichzeitig. Der
Anfang ist beinahe rein sinnlich, das Ende vielleicht
gänzlich ideell. Es scheint, als bewegt sich dieser Film
irgendwie vom Materiellen hin zum Spirituellen.‹ Jordan Belson
Der spektakuläre Cybernetik 5.3 verbindet Computergrafiken mit organischer Live-Action Fotografie, um so
eine neue Realität zu schaffen, die sowohl eindringlich
als auch außerordentlich schön ist. Stehura bedient
sich der realistischen Bildsprache für die ungegenständlichen Qualitäten, und erreicht damit direkt die
Emotionen um einiges erfolgreicher als jeder andere
Computerfilm der heutigen Zeit.
›I think of Allures as a combination of molecular structures and astronomical events mixed with subconscious and subjective phenomena - all happening simultaneously. The beginning is almost purely sensual,
the end perhaps totally nonmaterial. It seems to move
from matter to spirit in some way.‹ Jordan Belson
The spectacular Cybernetik 5.3 combines computer
graphics with organic live-action photography to create a new reality, that is both haunting and extraordinarily beautiful. Stehura uses realist imagery for its
nonobjective qualities and thus impinges directly
upon the emotions more successfully than any computer film nowadays.
ÆUSA, 1961, 16mm, sound, col, 7:00
ÆUSA, 1961-65, col., sound, col, 8:00
92
PIECE MANDALA / END WAR
DRESDEN DYNAMO
Paul Sharits
Lis Rhodes
›Danke für diesen Streifen ... es IST
das/dieses Verkürzen einer Sache,
was mich wirklich beschäftigt: wie
ein Mann und eine Frau, nackt, inmitten der Farben, direkt aufeinander stoßen ... wunderschön: Ich
kann es kaum erwarten, die ganze
Vision zu sehen ....‹ - Stan Brakhage
›Thanks for the strip ... it IS that/cut
to the bone of some matter that
does really concern me: how a man
and a woman meet nakedly head-on
among the colors ... lovely: I can
hardly wait to see the entirety of
that vision ....‹ - Stan Brakhage
Æ USA, 1966, 16 mm, mute, col, 5:00
Æ Soundtrack by Bob Grimes
›Die andauernde Bedeutung von Lis
Rhodes als Künstlerin und Filmemacherin ist ihrem ruhigen und
kraftvollen Radikalismus zuzuschreiben. Rhodes Arbeit verbindet
eine künstlerische und in der Theorie rigorose Praktik mit leidenschaftlichem Engagement. Sie hat
eine Art des Filmemachens entwickelt, die zwar nicht vom Feminismus besessen ist, jedoch von
diesem stark beeinflusst wurde,
was sich gehalten hat und weiter
wächst, ungeachtet der neuartigen
Trends im Bereich Kunst und Repräsentation‹. Gill Henderson, A Directory of British Film and Video
Artists, 1996
›The enduring importance of Lis
Rhodes as artist and film-maker is
attributable to her quiet and powerful radicalism. Rhodes' work juxtaposes an artistically and theorically rigorous practice with passionate commitment. She has developed a mode of film-making
inspired but not enslaved by feminism, which has sustained and
grown regardless of fashionable
trends in art and representation‹.
Gill Henderson, A Directory of
British Film and Video Artists, 1996
ÆGB, 1971, 16mm, sound, col,
5:00
93
98.3 KHZ: BRIDGE AT ELECTRICAL
STORM
RUMBLE
Al Razutis
Jules Engel
Eine sich wiederholende Fahrt über die San Francisco
Bay Bridge wird zu einer Reise, gezeigt in sich auflösenden Bildern, Videotransformation und mit dem begleitendem Soundtrack aus ›40 Jahre Radio‹. Als Film
ahnt es das Ende des Mediums Film und den Aufbruch
des Mediums Video voraus. Als einziger Teil von AMERIKA, 98.3 KHz: (...) gewann es die meisten FestivalPreise und wurde am häufigsten präsentiert.
›Meine Arbeiten sind abstrakt, sie enthalten jedoch
ein organisches Element, das die Menschen ihren inneren Gefühlen nahe bringt. Es ›erklärt‹ nicht direkt; in
den Gefühlen erkennt man die Antworten. So wie in
meinem Film RUMBLE, in dem das Bild in unserer Vision eingeprägt ist, die die durchdringende Wirkung beibehält, auch nachdem wir uns umgedreht haben.‹ Jules Engels
A repeating journey across the San Francisco Bay
Bridge becomes a journey into disintegrating visuals,
video transformation, with an accompanying sound
track taken from ›40 years of Radio‹. As a film, it anticipated the end of the film medium, and the emergence of the video medium. As a single element of
AMERIKA, 98.3 KHz: (...) has garnered the most festival awards and exposure.
›My work is abstract, but it contains an organic element that brings people close to their inner feelings. It
doesn't ›explain‹; within feeling, one can discover answers. In my film RUMBLE, the picture is imprinted in
our vision which retains the penetrating impact after
we've turned away. ‹ Jules Engels
ÆUSA, 1968-73, 16mm, sound, col, 10:00
94
ÆF, 1975, 16mm, sound, b/w, 3:00
FOREGROUNDS
Pat O'Neill
O’Neill kombiniert gefundenes Filmmaterial mit experimentellen Montage- und Gestaltungstechniken, um
eine neue grafische Sprache zu schaffen, die mit häufig grundverschiedenen, in einem Bildausschnitt zusammengestellten Elementen, arbeitet, die sich jedoch perfekt verbinden. Seine innovativen Optical
Printer-Techniken erahnten die digitale Landschaft
noch weit vor ihrer Zeit.
O’Neill combined found footage with experimental
montage and compositing techniques to create a new
graphic language that deals with often disparate elements assembled in one frame but relate to one another perfectly. His innovative optical-printer techniques anticipated the digital landscape well before
its time.
ÆUSA, 1979, 16mm, sound, col, 13:00
95
DIGITAL TIMES
3/78
SPACY
FOUR MOVES
Larry Cuba
Takashi Ito
Bart Vegter
Eine eindrucksvolle Erkundung von
Perspektive, Mustern und visueller
Wahrnehmung. Eine ungewöhnlich
feine Computeranimation, die nicht
länger dauert, als das eigene Interesse an den Verwandlungen anhält.
Ein Film, dessen Inhalt ein Ort (eine
Sporthalle), die Zeit, (die 10 Minuten, in denen der Film läuft), die
Diskordanz der Realität (eine
Sporthalle), sowie die Illusion (die
Darstellung der Sporthalle) ist. All
diese Bestandteile werden in einem unendlichen Zyklus genau
miteinander kombiniert, ein Möbius`sches Band, ein Film wie ein
endlos geflochtenes Band von Escher in japanischem Tempo, von
Schnell zu Langsam, von Pianissimo zu Fortissimo.
Cut-Out-Animation, die aus vier
Teilen besteht, von dem jeder seine
eigene abstrakte Variante hinsichtlich Farbe und Bewegung zeigt.
A striking exploration of perspective, pattern, and visual perception.
Unusually fine computer animation
which doesn't last longer than
one's interest in the transformations.
ÆUSA, 1978, 16mm, Sound, b/w,
5:00
A film whose subject is the place, (a
gymnasium), the time, (the 10 minutes the film runs), and the unconformity of the reality (the gymnasium), and the illusion (the representation of the gymnasium). All the
components are strictly combined
in an endless cycle, a Möbius strip,
an Escher's film in a Japanese tempo, from Slow to Fast, from Pianissimo to Fortissimo.
ÆJ, 1982, 16mm, Sound, b/w,
10:00
96
Cut-out animation consisting of
four parts, each of which depicts
its own abstract variation on the
themes of colour and movement.
ÆNL, 1987, 16mm, Sound, col, 7:00
ÆMusic Floris Kolvenbach
PIÈCE TOUCHÉE
#23.2 BOOK OF MIRRORS
Martin Arnold
Joost Rekveld
Das Originalmaterial ist ein nur 18 Sekunden dauernder Ausschnitt aus gefundenem Filmmaterial der 50er
Jahre. Arnold verlängert die Sequenz auf 15 Minuten.
Bild für Bild entsteht ein Tanz von Bewegungen, der
das starre, unflexible System des Filmemachens in
Hollywood widerspiegelt.
Der Film beschäftigt sich mit der Multiplikation von
Lichtstrahlen durch Spiegel und Kaleidoskope. Die
Struktur des Film wurde in enger Zusammenarbeit mit
der Komponistin Rozalie Hirs entwickelt, die die Musik
dafür schrieb. Die Komposition basiert auf Symmetrien und Umkehrungen von Proportionen und Gesten innerhalb des Films.
The original material is an exerpt of just 18 seconds
from a found-footage film from the 50s. Arnold extends the sequence up to 15 minutes. Frame by frame
it becomes a dance of movements, which reflects the
stiff, inflexible filmmaking system of Hollywood.
ÆA, 1989, 16mm, Sound, b/w, 15:00
The film deals with the multiplication of light beams
through mirrors and kaleidoscopes. The structure of
the film has been developed in close cooperation with
composer Rozalie Hirs who wrote the music for it. The
composition is based on symmetries and inversions of
proportions and gestures throughout the film.
ÆNL, 2002, 35mm, Sound, col, 12:00
Æimages: Joost Rekveld
Æmusic: Rozalie Hirs
Æperformed by: Asko Ensemble
conducted by Stefan Ashbury
97
DIGITAL TIMES
G.S.I.L.XXII/+
FALCON
lia
Karø Goldt
Die Künstlerin bearbeitet externe Sound- Inputs direkt am Computer visuell, das bedeutet ihre Videos
sind quasi ›Nebenprodukte‹ ihrer Live Auftritte. Elektronische Feedbacks und Obertöne werden,- je nach
musikalischem Input-Level in mehr oder weniger
dichte - Bildschraffuren übersetzt.
Eine orangerote Farbfläche mit einer nicht sofort zu
dechiffrierenden Grafik, dazu elektronische Soundflächen auf der Tonspur: ›falcon‹ beginnt mit einem
starren, visuell fesselnden Bild. Bald verändert sich
dieses: die Farbe wechselt zu Rosa, über Weiss, Gelbgrün zu Orange und Rot, parallel zum vibrierenden Soundtrack.
LIA‘S work method is that she manipulates external
sound inputs directly on computer. Electronic feedback and overtones are translatable into crosshatching which is more or less closely arrayed depending on
the musical input level, and vice versa.
ÆA, 2002, video, Sound, col, 3:00
An orangeish red field of colour with a graphic which is
not immediately recognisable, accompanied by the
soundtrack's electronic fields: ›falcon‹ begins with a
static and visually arresting image which is soon
transformed. The colour turns to white and then pink,
yellowish green changes to orange and red. This takes
place parallel to the vibrating soundtrack.
ÆD, 2003, video, Sound, col, 3:00
98
THINKING DOT
SWAN SONG
Keitaro Oshima
Anouk De Clercq, Jerry Galle, Anton Aeki
›Obwohl Dot ein Grundelement zur Darstellung eines
grafischen Bildes ist, existiert es nicht unbedingt als
Objekt, an dem ein Mensch in realem Raum Hand anlegen muss. Jeder kann verstehen, dass der Dot wirklich existiert. Es ist äußerst konzeptionell. Ich stellte
Dot als Grundelement, als Hauptthema in diesem Film
vor, indem ich verschiedene Arten von Punkten auf einem Kinofilm fixierte und montierte.‹ Keitaro Oshima
Ein ›Schwanengesang‹ ist eine metaphorische Redewendung für eine letzte Geste, eine Leistung oder eine
Performance, die kurz vor dem Tod oder dem Ruhestand gemacht wird. Die Redewendung bezieht sich
auf einen alten Glauben, dass der Schwan Zeit seines
Lebens ganz ruhig ist, bis kurz vor seinem Tod, wenn er
ein wunderschönes Lied singt. Was für ein Lied singt
ein Pixel bevor es verblasst?
›Although Dot is a basic elements for constituting a
graphical image, it doesn't necessarily exist as an object which is touched by the hand in actual space.
Everybody can understand that the Dot actually exist.
It's extremely conceptual. I represented Dot as a basic
element as main matter in this movie by fixing various
kinds of dots on a cinema film and montaging.‹ Keitaro
Oshima
A ›swan song‹ is a metaphorical phrase for a final gesture, effort, or performance given just before death or
retirement. The phrase refers to an ancient belief that
the swan is completely silent during its lifetime until
the moment just before death, when it sings one beautiful song. What song does a pixel sing before if fades?
Keitaro Oshima, *in Hokkaido, Japan. Lives in Cologne,
Germany. Active as a scholar in Visual Media and as an
artist who focuses mainly on the theme of dissecting
and reconstructing the composition of moving images.
2011 fellowship Academy of Media Arts Cologne, Germany.
ÆJ, 2012, 16 mm, Sound, b/w, 8:00
Anouk De Clercq, *1971 in Ghent, studied Piano in
Ghent and Film at the Hoger Sint-Lukas Instituut in
Brussels. Her films explore the audiovisual potential of
computer language to create possible worlds, many of
which have a strongly architectonic character.
Jerry Galle, *1969 in Belgium. His work revolves around
the sometimes difficult relationship between digital
technology and contemporary culture. He uses recent
software and digital imagery in an unconventional way.
Anton Aeki is a sound artist from Brussels who composes electronic sounds for art videos. He also participates in Martiensgohome, a four-man collective that
realises a weekly radio programme of improvised electronic sounds and various performances.
ÆB, 2013, video, Sound, b/w, 4:00
99
DIGITAL TIMES
TWICE OVER
SHIFT
Simon Payne
Max Hattler
In ›Twice Over‹, drehte Simon Payne, off the screen, mit
einem Camcorder eine Originalsequenz digital erzeugter, farbiger Rechtecke. Die neu gefilmte Schicht sowie
eine Originalvariante davon wurden dann aufeinander
gelegt, so dass deren Unterschiede ein drittes Element erzeugen: verschiedenfarbige, schmale Rechtecke, die zwischen den Haupt-Farbblöcken vibrieren.
›…ein Versuch, höhere Dimensionen und das Überirdische zu visualisieren, wobei die erhöhte Wahrnehmung dieser Konzepte in dem Versuch, das Ende der
Welt zu thematisieren und vorherzusagen, berücksichtigt werden…‹
In ›Twice Over‹ Simon Payne, has filmed off the screen,
with a hand held camcorder, an original sequence of
digitally generated coloured rectangles. The re-filmed
layer and an original variation of it are then superimposed on themselves, so that the discrepancies between them generate a third element: differently
coloured slender rectangles that judder between the
main blocks of colour.
Simon Payne, *1975, has shown work in numerous festivals and venues including: the Rotterdam International Film Festival, EMAF, Osnabrück; Media City,
Windsor, Ontario; the Edinburgh Film Festival; the Serpentine Gallery and Whitechapel Galleries in London;
and at Tate Modern for whom he curated a series of
programmes entitled ›Colour Field Films and Videos‹ in
2008. He teaches at Anglia Ruskin University, in Cambridge, and lives in London.
ÆGB, 2012, video, Sound, col, 11:00
100
›…an attempt to visualise higher dimensions and unearthliness, taking into account these concepts'
heightened awareness when attempting to process or
predict the end of the world…‹
Moving image artist Max Hattler studied at Goldsmiths
and the Royal College of Art in London. He teaches Animation at Goldsmiths, and is studying towards a Professional Doctorate in Fine Art at the University of East
London.
ÆGB, 2013, video, Sound, col, 3:00
M.A.C.R.O.
ZOUNK!
Oliver Franken
Billy Roisz
15 Minuten einer Nachrichtensendung werden hier in
ihre visuellen Bestandteile zerlegt und zu einem
ästhetischen Video verarbeitet. Dem Betrachter werden die Inhalte vorenthalten, somit ist der Betrachter
frei in der Interpretation und der Zuordnung der gezeigten Inhalte.
›Zounk!‹ spielt in vielfältiger Weise auf die Geschichte
der nichtgegenständlichen Kunst an, birgt Anspielungen auf Hans Richters mobile Geometrien der zwanziger Jahre ebenso wie auf Piet Mondrians rechtwinkelige Farbkompositionen und Oskar Fischingers abstrakte Musikfilme.
15 minutes of a news broadcast are broken down here
into their visual components and made into an aesthetic video. The content is withheld from the viewer,
making him free to interpret and classify the content
shown as he wishes.
In a variety of ways, Zounk! plays on the history of abstract art, harbouring references to Hans Richter’s
geometries of motion from the 1920s, Piet Mondrian’s
right-angled colour compositions, and Oskar
Fischinger’s abstract music films.
Oliver Franken, *1964, Diplom communications Designer.
Billy Roisz, *1967, lives and works in Vienna. Currently
video and sound experiments in the context of performance, installation and cinema. Specialist in feedback video and video/sound interaction.
ÆD, 2013, video, Sound, col, 3:00
ÆA, 2013, Video, Sound, col, 6:00
101
THE MUSE OF CINEMA
THE MUSE OF CINEMA
Ganz in der Tradition der klassischen Experimentalfilm-Avantgarde steht die kalifornische Film-Alchemistin Kerry Laitala. Ihre
Filme, die sie teils ohne Kamera macht, indem sie reale Objekte
auf dem Filmstreifen platziert und direkt belichtet, sind mehr als
visuelle Experimente. Dadurch, dass sie das Material auch selbst
entwickelt und mechanisch behandelt, verändert sich das Filmmaterial physisch und ästhetisch und bekommt dadurch seinen
ganz speziellen Look. ›I like hand-processing my films because
there's a lot more physicality to working the material‹.
Kerry Laitala ist eine Zauberkünstlerin, selbst mit spärlichen
Bildresten aus alten Filmen gelingt es ihr unter äußerst geschickter Anwendung ihrer einzigartigen Fähigkeiten, die fantastische Welt zerklüfteter Träume, verblasster Wirklichkeiten und
geheimnisvoller Märchen hervorzurufen. Mit dem gefährdeten
Material Zelluloid schafft sie von Hand gefertigte Juwelen, die
mit fantastischen Assoziationen explodieren. Es sind gerade die
großen Widersprüche in ihren Werken, die sie zu einer solch einzigartigen, bedeutenden Künstlerin machen: Unermüdlich widmet sie Stunde um Stunde ihrer Zeit in die Arbeit, um vergängliche, zeitweilige Kinoerlebnisse zu schaffen. Laitala wird niemals
von einer der modernen Animationsgesellschaften vereinnahmt
oder eingeschränkt werden. Was verstehen die denn auch schon
von Film?
Aber auch Videoexperimente mit 3D gehören mittlerweile in den
Kanon ihres experimentell-visuellen Schaffens. Die ›Chromatic
Cocktails‹ sind Licht-Bewegung-Farbexperimente und nehmen
uns mit auf eine halluzinatorische Entdeckungsreise in 3D mit
pulsierenden Farben und psychedelischer Chrominanz. Der Zuschauer taucht ein in eine Traumwelt aus fluoreszierenden Farben mit unglaublicher Tiefenwahrnehmung und frappierenden
Nachbildeffekten.
Einige dieser Arbeiten sind schon auf dem EMAF auffgeführt worden und zur Zeit arbeitet sie an Live ChromaPerformances und Installationen mit mehreren Projektoren und der 3D Chromadepth Technologie. Als Highlight
führt Kerry ›Velvet of Night‹ in Osnabrück auf, eine ihrer magisch, psychedelische Filmperformances, die als
›eye-popping‹ und ›feverish dreamlike‹ beschrieben werden.
102
Californian film alchemist Kerry Laitala is fully in keeping with the tradition of the classic experimental film
avant-garde. Her films, some of which she makes without a camera by placing real objects on the film strip and
projecting them directly, are more than just visual experiments. By hand-processing the material and treating
it mechanically, it changes physically and aesthetically, giving it that special ›look‹. ›I like hand-processing my
films because there’s a lot more physicality to working the material‹.
Kerry Laitala is a conjurer, summoning vestigial image-remnants from ancient films and, applying her singular
skills in divine manipulation, evoking the fantastical world of jagged dreams, faded realities, and shadowy fairy
tales. Working with the endangered material of celluloid, she constructs handcrafted gems that explode with
fantastical associations. The great contradiction embodied in her oeuvre is precisely what makes her such a
singular, important artist: She devotes endless, painstaking hours to works for transient, temporal movie-going
experiences. Laitala will never be co-opted or corralled by any latter-day animation companies. After all, what
do they know about film?
In the last years Laitala has expanded her canon of work in a series of light/ motion/color experiments called
›Chromatic Cocktail Series‹. These are video experiments with 3D which take us on a hallucinatory voyage of
discovery in three-dimensional spaces, with pulsating colours and psychedelic chrominance. The viewer delves
into a dream world of fluorescent colours with incredible depth perception and striking after-effects.
Several of these works have screened in Europe and she is currently working on live chroma performances and
installations involving multiple projectors and 3D chromadepth technology. As a Highlight she is staging ›Velvet
of Night‹, one her magical, psychedelic film performance at EMAF, which have been described as ›eye-popping‹
and ›feverish dreamlike‹.
Kerry Laitala grew up on the Maine coast, while developing a chronic passion for old things. She attended Massachusetts College of Art studying Photography and Film and received her Masters degree from the San Francisco Art Institute in Film. She has been awarded the Princess Grace Award in 1996, and the Special Projects Grant
from PGF in 2004 and 2007. Awards have also been received from the Black Maria Film Festival and Big Muddy
Film Festival and the San Francisco International Film Festival as well as residency at the Academie Schloss
Solitude near Stuttgart, Germany.
One can call Laitala a media archeologist who investigates the past and retrieves cultural artifacts from the limbo of forgotten things. Her penchant for medical imagery and artifacts of decay springs from occupations in medical and dental institutions where she works during the day when she is not teaching film classes at the San
Francisco Art Institute. Laitala is deeply invested in the process of working directly with the film medium, and is
involved in all aspects of production: shooting, developing, editing and sound design as well as optically printing
much of the material to transform it into celluloid gems of uncanny resonance. San Francisco-based Kerry Laitala is unquestionably one of the most inventive and original experimental filmmakers on the American scene today.
http://kerrylaitala.net/
103
JOURNEYS INTO DARKNESS
AWAKE, BUT
DREAMING
A FRAGMENT
FROM A LOST FILM
STAG PARTY MOVIE
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Kerry Laitala
To proceed from the Dream Outward....
Dieser völlig manuell bearbeitete
16mm Film, im Hirschgang Oberer,
einer ausgedehnten Säulenhalle in
der Akademie Schloss Solitude gedreht, evoziert das Gefühl einer
endlosen zyklischen Traumlandschaft, die aus den tiefsten Tiefen
der Vorstellungskraft heraufbeschworen wird.
Einführung in den wandelnden
Anachronismus.
Optisch gedruckte, auf 16mm-Film
gedrehte Pornofilme zappeln sich
ihren Weg über den Bildschirm, begleitet von einem Collage-Soundtrack.
Introduction to a walking anachronism.
ÆUSA, 1992, 16mm, silent, 3:00
Optically printed 16mm Black and
white stag films jiggle their way
across the screen accompanied by
a collage soundtrack.
ÆUSA, 1991, 16mm, sound, 13:00
This completely hand processed
16mm film was shot in the
Hirschgang Oberer, an extended
arched hallway at the Akademie
Schloss Solitude. ›Awake, but
Dreaming‹ recreates a sense of an
endless cyclical dreamscape that
is conjured up from the deep recesses of the imagination.
ÆD, 2000, 16mm, sound, 8:00
104
RETROSPECTROSCOPE
HALLOWED
Kerry Laitala
Kerry Laitala
›Retrospectroscope‹ ist ein Instrument aus dem Bereich ›Paracinema‹, das den Spuren einer evolutionären Reise nachgeht und den Zuschauer mit einer
Reihe flackernder Fantasien fragmentierter Lyrik umzingelt. ›Retrospectroscope‹ ist eine Neuerfindung,
die die Illusion der Bewegungsanalyse simuliert, um
frühe Mysterien bei der Suche nach genau dieser Entdeckung in Erinnerung zu rufen, die heute als selbstverständlich gilt.
Das Porträt einer bewusstlosen Frau, die in den Fängen ihres kataleptischen Zustandes gefangen, sich
auf einer mystischen Reise befindet. Dabei findet sie
sich in Platos Höhle wieder, in der flackernde Flammen einen prähistorischen, cineastischen Traum auslösen, eine Erfahrung mit magischen Proportionen. Sie
wird zu einem Spektralwesen, das von innen heraus
transformiert wird, während die Zuschauer den Abgrund zwischen dem körperlichen und geistigen
Selbst erleben.
The ›Retrospectroscope‹ is a paracinematic device, it
traces an evolutionary trajectory, encircling the viewer
in a procession of flickering fantasies of fragmented
lyricism. The ›Retrospectroscope‹ is a reinvention that
simulates the illusion of the analysis of motion to recall early mysteries of the quest for this very discovery
now taken for granted.
ÆUSA, 1997, 16mm, silent, 5:00
Hallowed is a 16mm film that portrays a mystical voyage made back in time by an unconscious woman in
the throes of a cataleptic state. She finds herself in
Plato’s cave where flickering flames incite prehistoric
cinematic reverie evoking an experience of magical
proportions. She is a spectral being who is transformed from within as viewers witness a chasm between the physical self and psychical self become
one.
ÆUSA, 2002, 16mm, sound, 11:00
105
JOURNEYS INTO DARKNESS
CONQUERED
TORCHLIGHT TANGO
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Die Filmemacherin vereinigte ihr eigenen
Bilder mit gefundenem Material aus deutschen Industriefilmen. Diese Bilder wurden
mit Szenen aus einem amerikanischen Film
mit dem Titel ›The Epic of Everest‹ vermischt,
der den Versuch von George Mallory und
Sandy Irvine in Jahr 1924 zeigt, den Gipfel
des Mount Everst zu erklimmen. Laitala vermischte Materialien: Zelluloidbasis mit alchimistischer, manipulierter Oberfläche, und
fand einen Weg, die Emulsionen aufzubrechen, um eine äußerst empfindliche Fläche
freizulegen- ein wahres Zeugnis für die Kräfte organischer Katalysatoren in Bewegung.
Ein Film über das Filmemachen. ›Torchlight Tango‹ rafft die Zeit
und dehnt die Lichtbrechung, um zwischen hektischen und
starren Momenten hin und her zu schwanken und zu zeigen,
welch einsames Unterfangen das Filmemachen ist und wie viel
Geschick es erfordert. Laitala belichtet das Filmmaterial, mit
einer Taschenlampe, entwickelt es manuell und lässt es brutal
durch einen uralten handbetriebenen Projektor laufen. Dabei
spürt man förmlich ihre Hände, wenn sie das lichtempfindliche
Material untersucht. Bei Belichtung und Entwicklung des Films,
filmte die Filmemacherin sich mit einer 16mm-Bolex mithilfe
eines Intervalometers, um den Herstellungsprozess ihrer ausdrucksstarken, persönlichen Filme festzuhalten. ›Torchlight
Tango‹ zeigt welche Art magischen Kinos möglich ist, sogar mit
beschränkten finanziellen und technischen Mitteln‹.
The filmmaker incorporated her own imagery
with found material from German industrial
films. These images were fused with images
from an American film entitled ›The Epic of
Everest‹ summarizing an attempt to reach
the mountain's summit by George Mallory
and Sandy Irvine in 1924. Laitala merged the
materials: celluloid base with alchemically,
manipulated surface and found a way to
crack the emulsion to yield a fragile, encumbered palate- a veritable testament to the
forces of organic catalysts in motion.
›A film about making a film, ›Torchlight Tango‹ compresses time
and expands light refractions to teeter between frantic and
frozen moments revealing the filmmaking process to be a solitary endeavor of intimate tactility. Using ›red blind‹ film exposed
with a flashlight, hand processed and sent raucously through an
ancient hand crank projector, the hands of the maker are succinctly felt as the light sensitive medium is investigated. During
the film exposure and hand processing the filmmaker shot herself using a Bolex and intervalometer to record the processes
that go into making this kind of expressive personal cinema.
›Torchlight Tango‹ shows what kind of cinema is possible with
limited resources.‹ Scott Stark
ÆUSA, 2000, 16mm, sound, 14:00
ÆUSA, 2005, 16mm, sound, 20:00
106
MUSE OF CINEMA SERIES
OUT OF THE ETHER
MUSE OF CINEMA
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Ein manuell bearbeiteter 16mm-Film, optisch gedruckt und verstärkt, um sickernde,
pulsierende Grün- und Gelbtöne zu schaffen,
überwältigt ein ahnlungsloses Publikum mit
septischen Träumereien voller Angst, in der
Gestalt mikrobieller Bedrohung und Chaos.
Laitala belichtete den Film direkt mit einer Lichtquelle. Das Projekt begann, als sie auf einem Flohmarkt einen Kasten mit
Lichtbildern einer Laterna Magica aus dem frühen 20. Jahrhundert entdeckte. Lichtbilder wie diese wurden verwendet, um das
Publikum während technischer Probleme zu unterhalten und
dem Filmvorführer somit die Möglichkeit zu geben, das Problem
mit dem Projektor zu lösen. Laitala übertrug diese Dias auf
35mm-Film, und hatte somit das erste Material für ihr Projekt.
Der Rest des Films wird, zur Verwendung in einer Röntgenkamera, auf orthochromatischem Film gedreht. Diese Art von Film
ist nicht rotlichtempfindlich.
A hand crafted 16mm film composed on the
optical printer and toned to bring out pulsating hues of oozing greens and yellows and
unleashes upon an unsuspecting audience
septic musings about fear in the guise of microbial menace and mayhem.
ÆUSA, 2003, 16mm, sound, 11:00
Laitala exposed the film directly with a light source. The project
began when she found a box of early-20th-century magic
lantern slides at a flea market. Slides such as these were used
to entertain audiences during technical difficulties, giving the
projectionist a chance to solve a problem with the projector.
Laitala transferred these slides onto 35mm film, which became
the first footage for her project. The rest of the film is being shot
on orthochromatic film intended for use in an X-ray camera, a
type of film that is not sensitive to red light.
ÆUSA, 2006, 35mm, stereo sound, 20:00
107
MUSE OF CINEMA SERIES
THE ESCAPADES OF MADAME X AFTERIMAGE: A FLICKER OF LIFE
Kerry Laitala
Kerry Laitala
The Escapades of Madame X ist ein Film, der
sich an das frühe Hollywood- Kino wendet
und dessen Komplizenschaft bei der Etablierung der passiven Rolle der Frau. Die Protagonistin transponiert ihre passive Rolle in
eine, die sexuell, intellektuell und physisch
kräftig ist, eine, welche die Leitung übernimmt und Bedeutung schafft über Gesten
und Handeln.
Der Film bedient sich Radierungen, Archivfotos, Zwischentiteln,
gefundenem Material und Live-Action Material, um filmische
Sequenzen der Bewegungsanalyse zu erzeugen. Zu Beginn sieht
man einen animierten Holzschnitt eines schlagenden Herzens,
dann begibt man sich unter der Verwendung ihrer hinterlassenen Artefakte auf die Spuren der Werke des Fotografen Eadweard Muybridge und des Wissenschaftlers Étienne-Jules Mareys aus dem 19. Jahrhundert. Indem man die zweideimensionalen bewegten Bilder in 3D-Bilder umwandelte, nutzte ›Afterimage ...‹ die Technik der Stereoskopie, die mehr als 50 Jahre
erfunden wurde bevor bewegte Bilder, so wie wir sie zur Erzeugung eines größeren Gespürs für Formen, die im Raum neu animiert werden, kennen.
›The Escapades of Madame X‹ is a film that
addresses early Hollywood cinema and its
complicity in helping to establish the
woman’s passive role. The female protagonist transposes her passive role with one
that is sexually, intellectually and physically
empowered; one who takes control and creates meaning through gestures and actions.
ÆUSA, 2000, 16mm, Collaboration w/Isabel
Reichert, sound, 11:00
The flick incorporates etchings, archival photographs, inter-titles, found footage and live action material to create cinematic
sequences of motion analysis. Beginning with an animated
wood-cut of a beating heart, it traces a trajectory of 19th Century photographer Eadweard Muybridge and scientist ÉtienneJules Marey's works using the artifacts that they left behind. By
expanding the two-dimensional moving images into three dimensions, ›Afterimage ...‹ also uses the technology of stereoscopy which was invented more than 50 years before motion
pictures as we know them to create a greater sense of forms reanimated in space.
ÆUSA 2009, Film, Video Hybrid, in Chromadepth, sound, 11:00
108
SPECTROLOGY
CONJURES BOX
Kerry Laitala
Kerry Laitala
In Spectrology werden
Geister in einem farbenfrohen Spiel mit der Filmemulsion wieder zum Leben
erweckt. Es ruft die Hexenmeister aus der Vergangenheit und ihr geheimes Repertoire an magischen Instrumenten an, um eine moderne Version des Trugbildes zu simulieren. Das Medium Kino wird genutzt, um den
Betrachter anzulocken und aufzufordern, über die faszinierende Präsenz verschiedener, wieder neu gezeigter Illusionen,
nachzudenken.
Durch den Spiegel begibt man sich
auf eine Reise und taucht ein in
eine glühende Scheibe von Hand
gezeichneter Wunder.
Through the Looking glass one
travels, and becomes immersed in
a fiery pane of hand-painted wonders.
ÆUSA 2011, 16mm, 6:00
In Spectrology, ghosts are brought back to life in a colourful play
with film emulsion. It calls upon conjurors of the past and their
secret repertoire of magical devices to simulate a modern rendition of the phantasmagoria. The medium of cinema is harnessed to entice the viewer and ruminate on the mesmerizing
presence of various illusions made anew.
ÆUSA, 2009 16mm, sound, 11:00
109
CHROMATIC COCKTAILS IN 3D
PIN –UP IN 3D
CHROMATIC FRENZY
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Die Silhouette einer skurrilen und heiteren Burleske
verzaubert den Voyeur mit ihren hypnotisierenden Bewegungen. Pin-Up in 3D wurde als Einzelkanalarbeit
sowie als Installation in einem voyeuristisch anmutenden viktorianischen Apparat im Steampunk-Ambiente gezeigt; der Titel dieser Arbeit lautet Pin-Up
peep Show in 3D.
Gedreht in meinem Studio, durchdringen wilde Farblichter die Atmosphäre. Vibrierende Farbschwaden
penetrieren die Dunkelheit meines Ateliers; Scheinwerferspektren schwebender kristalliner Formen, inspiriert von Menschen wie Goethe, Fischinger, Albers,
Belson, und die Unsterblichen: Sharits und Smith. Ein
bunter Kessel, in dem Primärfarben gemischt werden,
um eine Fülle von schwebenden Lichtspektren zu
schaffen.
A whimsical and light-hearted burlesque in silhouette
entrances the voyeur with her mesmerizing moves.
Pin-Up in 3D has been exhibited as a single channel
work and also as an installation in a peep show steampunk Victorian apparatus; this work is called Pin-Up
peep Show in 3D.
ÆUSA, 2009, Film/Video hybrid, sound, 5:00
Shot in my studio, frantic colored lights permeate the
atmosphere. Vibrating swathes of color, penetrate the
darkness; searchlight spectrums of suspended crystalline forms inspired by the likes of Goethe, Itten, Albers, Belson, Fischinger, and the ever immortal Sharits and Smith. A colorful cauldron where primaries are
mixed to create a cornucopia of suspended spectrums
of light.
ÆUSA, 2009, Film/Video Hybrid, sound, 7:30
110
ORBIT-(CHROMADEPTH VERSION)
SPARKLE PLENTY
Kerry Laitala
Kerry Laitala
›Orbit‹ entführt uns in den Bereich Fehler …. Ein spielerisches Pulsieren von ungenau gesetzten Bildern,
die entstanden, als ein Labor den Film versehentlich
von 16mm auf reguläre 8mm teilte. Dieses Format
wurde dann auf dem Optischen Printer wiederhergestellt, wodurch das Verpuffen der Farben und Kontraste in die Atmophäre verstärkt wurde. Kodachrome
Farbfelder erzeugen zitternde Vibrationen dessen
Flimmern hypnotisiert.
An einem Flughafen gedreht, als ich mal wieder die
Zeit totschlagen musste, ist Sparkle Plenty ein kleines
Selbstporträt, dessen Titel durch den Spitznamen,
den mein Großvater mir als Kind gab, entstand.
›Orbit‹ takes one into the realm of the mistake…. a
playful pulsation of mis-registered images made when
a lab accidentally split the film from 16mm to regular
8. This format was then reconstituted on the optical
printer making the colors and contrast further blow
out into the atmosphere. Kodachrome color fields create tremulous vibrations whose flickerings hypnotize.
Shot in an airport when I had a lot of time to kill,
Sparkle Plenty is a small self-portrait, whose title
comes from a nickname my grandpa had for me when
I was quite young.
111
CHROMATIC COCKTAILS IN 3D
UNCLE ERNIE'S HOME
MOVIE
MERCURIAL MADNESS
CHROMATASTIC
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Kerry Laitala
›Ein lümmelhafter hardcore Scherz
zwischen den Bettlaken in denen
das Fleisch aufeinander prallt und
aus der Leinwand herausspringt,
Uncle Ernie's Home Movie gefällt
mit Sicherheit jedem.‹
Licht/Farb Taffys biegen und ziehen sich in einem Strudel voll geschmeidigem Vergnügen; Formen
mutieren im Raum und bahnen sich
drehend und wirbelnd ihren Weg in
die Netzhaut der Betrachters.
Eingetaucht in ein molekulares
Meer von leuchtendem Gestirn,
wird eine menschliche Gestalt von
der lichtbrechenden Atmosphäre
verschluckt.
›A Rowdy hardcore frolic between
the sheets as flesh collides and
protrudes from the screen, Uncle
Ernie's Home Movie is sure to
please.‹
Light/Color Taffy bends and pulls in
a vortex of sinuous delight; forms in
space mutate and spin their way
into the retinas of the viewers.
ÆUSA, 2009, Film/Video Hybrid,
sound, 9:00
112
ÆUSA, 2010, Film/Video Hybrid,
sound, 7:30
Immersed in a molecular sea of
light orbs, a human form becomes
absorbed into the refractive atmosphere.
ÆUSA, 2010, Digital Video in
Chromadepth, sound, 2:00
CHROMATIC COCKTAIL
TERRA INCOGNITA
THE BLOOM
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Lieblich linsende Ladies winken
dem Publikum zu, schütteln und
zwinkern sich ihren Weg ins Bewusstsein der Zuschauer. Aber sind
es nur ihre Gesichter, in die wir
schauen?
Künstliche Landschaften, entstanden durch Technologie, verschmelzen auf diesem imaginären Gelände mit der Wirklichkeit, als eine
Reihe von Transmutationen stattfindet. Wissenschaft und Natur
treffen auf-einander. Glow Cat,
teils Landtier, teils Meerestier, erscheint als Fabelwesen, das der
Kulisse verworrener Permutation
eine heilende Wirkung verleiht.
›The Bloom‹ – ein Sprengsatz voll
anti-apokalytischem Rock mit langer Zündschnur – taucht ins tiefe
Meer ein.
Lovely Lenticular Ladies beckon to
the audience shaking & winking
their way into the consciousness of
the viewer. But is it just their faces
we're looking at?
Æ180 Proof, USA, 2011, Digital
Video in Chromadepth,
Soundtrack by Kenneth Atchley,
7:30
›The Bloom‹ – a long-fused charge
of anti-apocalypse rock – dives
into the deep sea.
ÆUSA, 2012, 3D music video, a
commission by the band The
Lumarians, 5:30
Man-made landscapes, mediated
through technology, merge with the
realm of the real in this imaginary
terrain, as a series of transmutations take place. Science and the
natural world collide. Glow Cat,
part land animal and part sea creature makes an appearance as a
chimera bringing a healing presence in this realm of sinuous permutations.
ÆUSA, 2011, Digital Video in
Chromadepth, 16:9, Soundtrack
by Neal Johnson, 2011, 9:00
113
MEDIA CAMPUS
MAPPING FUTURE TERRAINS
WE ARE THE MEDIA CAMPUS!
Unter dem Titel Mapping Future Terrains präsentiert der Media Campus junge internationale Medienkunst in
Form von 8 Filmprogrammen und zahlreichen studentischen Ausstellungsbeiträgen aus insgesamt 16 Nationen. Mehrere Hochschulen haben zudem im Format des Hochschultags die Möglichkeit sich und ihre Studiengänge zu präsentieren.
Fristen und Termine wurden über den Haufen geworfen, eisern um Filme gekämpft. Nach mehreren Schweißund Tränensturzbächen war es endlich geschafft: Der Media Campus hat nach Sichtung der über 250 eingesendeten studentischen Arbeiten der Nachwuchskünstler/innen internationaler Hochschulen mit viel Herzblut
8 Filmprogramme zusammengestellt, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Das Spektrum reicht von kurzen dokumentarischen und experimentellen bis hin zu längeren Filmen. Neben den alltäglich zu bewältigen
Kämpfen um die eigene Identität findet sich hier eine bunte Mischung zwischen Tragik, Komik, Weltschmerz
und Pathos. Nach jedem Filmprogramm besteht direkt im Anschluss die Möglichkeit für das Publikum Fragen
zu stellen und die studentischen Filmemacher/innen näher kennen zu lernen, welche sich und ihren Film präsentieren.
Mit insgesamt zwei Workshops fordert der Media Campus auch dieses Jahr wieder zum Mitmachen auf.
Henrike Naumann wirft mit ihrem Workshop >Homevideos – generierte Realität mit VHS< mit dem vermeintlich
veralteten Format VHS Fragen über die Bilder unserer Vergangenheit auf. Hier vermittelt die Künstlerin Methoden der Homevideodramaturgie.
Im Workshop >Raspberry Pi< von Nikolas Schmid-Pfähler entwickeln die Teilnehmer einen Einplatinencomputer. Dieser ist ein interessantes Werkzeug für angehende InstallationskünstlerInnen. Ausgehend von solch
einem Einplatinencomputer haben Nikolas Schmid-Pfähler und Carolin Liebl ihre Installation >Vincent und
Emily< entwickelt.
Apropos Media Campus Ausstellung: Es wird eine Auswahl an aktuellen und jungen künstlerischen Positionen
gezeigt. Nationale und internationale Beiträge ermöglichen einen Blick auf die facettenreiche Auseinandersetzung mit Medienkunst an kreativen Hochschulen. Verschiedene Soundarbeiten begleiten die Besucher in der
Ausstellung sowie im urbanen Raum. Der Innenhof der Kunsthalle Osnabrück wird zum Resonanzkörper einer
mechanischen audiovisuellen Installation. In der zweiten Etage des Turms Bürgergehorsam werden die Vier
Jahreszeiten neu vertont. Um Interaktion geht es im Foyer der Kunsthalle und im Erdgeschoss des Turms Bürgergehorsam. Während der Besucher im Foyer auf zwei Roboter trifft, die ihm ihre Zuneigung kundtun, gehen
im Turm kleine Apparate auf Tuchfühlung. Der Kreuzgang wird zum Aufführungsort einer humorvollen Kettenreaktion, die den Lauf der Dinge zitiert. Einen Kontrast hierzu bilden zwei Arbeiten im Seitenschiff, die mit unterschiedlichen ästhetischen Strategien Fragen der jüngeren deutschen Geschichte sowie der ökologischen
Katastrophe Fukushimas aufarbeiten.
Zu guter Letzt stellen sich beim diesjährigen Hochschultag drei hochkarätige Hochschulen vor. Aus Deutschland werden zum einen Professoren und Professorinnen sowie stellvertretende Studierende der Technischen
Kunsthochschule Berlin in Osnabrück zu Besuch sein. Diese stellen zu Beginn unseres Tagesprogramms ihren
Studiengang >Motion Design< vor. Nach einer kurzen Verschnaufpause wird zum anderen die HBK Braunschweig die Besucher des Hochschultages mit ihrem eigens zusammengestellten Filmprogramm in ihren Bann
ziehen. Aus Schweden dürfen wir das Royal Institute of Technology Stockholm begrüßen. Die Studierenden und
ihre DozentInnen präsentieren die Arbeit >Metaphone<, welche sich mit >Researches in Media Technologys and
Interaction Design< befasst. Der Hochschultag bietet eine sehr gute Gelegenheit Kontakte mit den Professoren
und Professorinnen und auch mit anderen Studierenden zu knüpfen. Wir können also gespannt sein auf frische,
kreative Arbeiten der jungen aufstrebenden Studenten und Studentinnen!
Wir freuen uns auf ein spannendes und unterhaltsames Programm.
Das Team des Media Campus
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Under the title Mapping Future Terrains, Media Campus presents recent international media art in the form of
8 film programmes, two workshops and numerous student exhibits from a total of 16 nations. In addition, a
number of universities are given the opportunity to present themselves and the degree programmes they offer
on University Day.
Deadlines and dates were thrown to the wind; battles were waged for films. After several outbreaks of sweat
and tears, we had finally succeeded: after viewing over 250 student works entered by young artists from international universities, Media Campus put all its energy into compiling eight film programmes that could not be
more different. They range from experimental shorts to longer documentary films. In addition to the daily battle for one’s identity, we also find here a colourful mixture of tragedy, comedy, world-weariness and pathos. After each film programme, members of the audience are invited to ask questions and to become acquainted with
the student filmmakers, who will be presenting themselves and their films immediately after the screening.
With a total of two workshops this year, the Media Campus asks again to get involved. Henrike Naumann presents her workshop >Home Video - Generated Reality Using VHS<, where the supposedly obsolete VHS format
proposes questions on the images of our past. Furthermore, the artist conveys methods of home video dramaturgy.
In the workshop >Raspberry Pi< with Nikolas Schmid-Pfähler, participants will develop a single board computer. This is an interesting tool for future installation artists. Starting from such a single-board computer, Nikolas
Schmid-Pfähler and Carolin Liebl have developed their installation >Vincent and Emily<.
Apropos Media Campus Exhibition: There will be a selection of contemporary, new artistic positions. National
and international contributions that pave the way for the multifarious examination of media art at creative universities. Various audio works accompany the visitor to the exhibition, as well as to urban spaces. The inner
courtyard of the Kunsthalle Dominikanerkirche is transformed into the sound box of a mechanical audio-visual installation. The Four Seasons is recomposed on the second floor of the Turm Burgergehorsam. Interaction is
the name of the game in the Kunsthalle foyer and on the ground floor of the Turm Burgergehorsam. Whilst the
visitor encounters two robots in the foyer that declare their affection for him, small devices in the tower get
physical. The cloister is converted into a venue for an amusing chain reaction that quotes the course of events.
Contrasting to this are two works in the side aisle that deal with issues of recent German history and the ecological disaster of Fukushima using different aesthetic strategies.
Last but not least: At this year's University Day three high-calibre universities will be given the chance to present themselves: Professors and representative students from the BTK University of Applied Sciences, Berlin,
will be visiting Osnabrück. They will kick off the day’s programme by presenting their ›Motion Design‹ degree
programme. Following a short break, Braunschweig University of Art will then captivate visitors to University
Day with the film programme that they have put together specially for the occasion. From Sweden, we welcome
the Royal Institute of Technology Stockholm. Students and their professors will present their work ›Metaphone‹,
which deals with ›Research in Media Technology and Interaction Design‹. University Day offers you a great opportunity to establish contacts with professors and other students. We look forward to being inspired by the
fresh, creative works produced by the young, aspiring students!
We are looking forward to an exciting and entertaining programme.
The Media Campus Team
115
MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM
ALIENATION
THE PUPPET MAKER
POD NIEBEM - UNTER EINEM
HIMMEL / Pod Niebem - Under a Sky
Badri Skhirtladze
Christopher Stöckle
1940er-Jahre und zweiter Weltkrieg: ein kleines
Mädchen versucht ihre Zuflucht und ihren Vater wiederzufinden. Eine Geschichte über einen Puppenmacher und seine Tochter, die schwedische Emigranten
sind und in Paris in einem kleinen Puppenladen wohnen.
Ein kleines Drama über Erwartung, Enttäuschung, Liebe und über die Sorgen, die wir alle in uns haben, tragen und damit leben.
Jedes Jahr kommen Tausende Arbeiter aus Osteuropa
nach Deutschland um den Landwirten bei der Ernte zu
helfen. Für einen Zeitraum von ungefähr drei Monaten
bauen sie sich ein zu Hause fern der eigenen Heimat
auf. Der Film nähert sich auf poetische Art und Weise
dieser Problematik und den Gefühlen der Arbeiter.
1940s and World War II period: A little girl is trying to
find her refuge and dad again. The story is about a
puppet maker and his daughter, Swedish emigrants,
who live in Paris where they reside in a small puppet
shop. A dramatic story of expectation, disappointment, love and distress.
Badri Skhirtladze was born 27.05.1984 in Georgia.
From 1999-2002, he studied Orthopaedic Dentistry at
the Tbilisi Medical University No 3. and became a dental technician. Then he studied Stage and Film Design
at the Institute of Fine Arts and Media Art University of
Applied Arts Vienna from 2006-2012
ÆAustria 2012, Video, 23:28
ÆDirector, screenplay, camera, editing, animation
Badri Skhirtladze
ÆMusic Andreas Baumeister
ÆDistribution Universität für Angewandte Kunst
Wien
116
Every year, thousands of seasonal workers come to
Germany from Eastern Europe to help with the harvest. For approximately three months they build themselves a kind of home there, far away from their own
homes. The movie examines this difficulty in a poetic
way.
Christopher Stöckle was born in Karlsruhe in 1985. After completing a voluntary social year at a rehabilitation center for drug-addicted youths in the Czech Republic, he worked for one year as a intern at various
film production companies. In 2009, Christopher completed an internship with the television station arte. He
has been studying at the Filmakademie Baden-Württemberg in Ludwigsburg since October 2010. 2011 EVVIVA FUTURISTA I HOCH LEBE DER FUTURIST 2012
POD NIEBEM I UNTER EINEM HIMMEL 2012 PHASE
ZWEI
ÆD 2012, Video, 11:13
ÆDirector, script Christopher Stöckle
ÆCamera Stefan Sick
ÆEditing Ina Tangermann
ÆMusic Marc Stöckle
ÆDistribution Filmakademie Baden-Württemberg
CO RAZ ZOSTALO
ZAPISANE / Written in Ink
PARVANEH
Martin Rath
Talkhon Hamzavi
Ein Körper, der Geschichten erzählt. Janusz will nach 14 Jahren
des Schweigens Kontakt zu seiner
Schwester aufnehmen. Kann er
noch etwas in seinem Leben ändern? Oder ist nicht schon alles mit
Tinte auf seinem Körper verewigt?
Parvaneh ist eine junge, afghanische Migrantin, die seit Kurzem in einem
Durchgangszentrum in den Schweizer Bergen lebt. Das Einzige, was sie
von der Schweiz kennt, ist die ländliche Region und die Zivilschutzanlage.
Als sie per Telefon vom Gesundheitszustand ihres Vaters erfährt, will sie
ihr mühsam erspartes und illegal erworbenes Geld in ihre Heimat überweisen. Zu diesem Zweck muss sie erstmals in die Stadt Zürich. Dort angekommen, ist Parvaneh überfordert von der Hektik der Grossstadt, dem
Schillern der Werbetafeln, dem Rattern der Trams. Da Parvaneh keinen
gültigen Ausweis besitzt, kann sie das Geld nicht überweisen. In gebrochenem Deutsch bittet sie verschiedene Passanten um Hilfe. Einzig ein
Punkmädchen erklärt sich bereit, ihr zu helfen.
Written in Ink is a documentary
about hope. The poignant story of a
man trying to regain contact with
his sister after 14 years of silence.
But can one change what has already been written in ink?
Martin Rath grew up in East Berlin.
He graduated from Edinburgh College of Art and is currently studying
at the Polish National Film School
in Lodz. Written in Ink is his first
film.
ÆPL 2011, Video, 11:30
ÆDirector, script
Martin Rath
ÆCamera Yori Fabian
ÆEditing
Boguslawa Furga
ÆAnimation keine
ÆMusic Max Richter
ÆCast Janusz Czech
ÆDistribution
Martin Rath
Parvaneh is a young, immigrant from Afghanistan who has been living for
a short while in a transit centre in the Swiss mountains. The only thing
she knows about Switzerland is the rural area and the civil defence centre. When she hears about the state of her father’s health on the phone,
she wants to transfer the illegal money she has taken great pains to save
to her family. To do this, she first has to travel to the city of Zurich. When
she gets there, Parvaneh is overwhelmed by the hectic of the city, the glittering billboards, the clattering of the trams. Since Parvaneh is not in
possession of valid identity papers, she is unable to transfer the money.
In broken German, she asks various passers-by to help her. Only a punk
girl agrees to assist.
Talkhon Hamzavi, *1979 in Tehran, Iran. In 1986, she and her parents
moved to Switzerland. After completing an apprenticeship to become a
medical practice assistant and after two years of work experience, she attended a preparatory design course in Aarau in 2003. After completing creative school in Zurich, she therefore started to study Film at Zurich University of the Arts in 2006, where she completed her Bachelor of Arts in
Film. In order to further her skills in the field of direction and screenplay,
she studied for a Master’s in Direction/Screenplay at Zurich University of
the Arts from 2010 to 2012.
ÆCH 2012, Video, 24:25
ÆDirector Talkhon Hamzavi
ÆCamera Stefan Dux
ÆEditing Hannes Rüttimann
ÆMusik Dominik Blumer
ÆCast Nissa Kashani, Cheryl Graf, Brigitte Beyeler, Albert Tanner a. o.
ÆDistribution Zürcher Hochschule der Künste
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CHAINS OF HABIT
WILDNIS / The Wild
OUT OF NOWHERE
MEYER
Helena Wittmann
Maayan Tzuriel, Isca Mayo
Sascha Quade
Kartoffeln müssen geschält, vertrocknete Blütenblätter von Orchideen gezupft werden. Dann ist alles in Ordnung.
Ein alter Bademeister kommt jeden
Morgen zur Arbeit, obwohl das zu
beaufsichtigende Schwimmbecken
schon seit Jahren leer ist. Eines Tages erscheint jedoch ein unerwarteter Gast aus dem Nichts, der den
Bademeister an seiner alltäglichen
Realität zweifeln lässt.
Mit dem Alter kommt auch Veränderung. Dieser Film erzählt die Geschichte zweier Menschen, die verstehen müssen, dass Veränderung
ein Prozess ist, den man nicht immer beeinflussen kann.
Potatoes have to be peeled, withered orchid blossoms must be
plucked. Then everything is in order.
Helena Wittmann, born in Neuss,
Germany, in 1982. Studied Theatre
and media studies and Spanish in
Erlangen and Hamburg. Has been
studying at the University of Fine
Arts of Hamburg since 2007. Lives
and works in Hamburg. 2013 Wildnis (HD, 13’) 2010 Kreisen (16mm,
16’) 2008 Mimikry (miniDV, 11’) 2008
Heute war die Luft (miniDV, 5’) 2004
Alles ist leise (miniDV, 7’)
ÆD 2013, Video, 13:00
Helena Wittmann
ÆCast Barbara Nüsse,
Peter Maertens
ÆDistribution
Helena Wittmann
Every morning, an old lifeguard arrives for another day of work, when
in fact the swimming pool he
guards has been empty for years.
One day an unexpected guest appears out of nowhere, filling him
with doubts about his everyday reality.
In 2011, Isca Mayo and Maayan
Tzuriel won first prize at the ›Maratoon‹ short animation competition
held by the Holon cinematheque
and the Polish Institute with their
film ›Keep Pace‹. The movie also
won first prize at the international
competition Choreographic Captures. In 2012, their thesis film ›Out
of Nowhere‹ won first prize at the
national Israeli Animation Competition ASIF, and also participated in
the Haifa Film Festival.
ÆIL 2012, Video, 6:11
animation Maayan Tzuriel,
Isca Mayo
ÆMusic Yehu Yaron
ÆDistribution Bezalel Academy
of Arts and Design
118
Change comes with age. This film
tells the story of two people who
need to understand that change is
a process that can’t always be controlled.
Whether as a trainee at Toronto International Film Festival or as a
production assistant in the commercial and music video production
company Katapult – Berlin-born
Sascha Quade is drawn to film. In
2008, he started realising his own
productions, holding his own with
work for BBC 2, BBC 4, Universal
Music and Microsoft at both national and international level. In his
studies, he concentrates on the
strategic planning of communication.
ÆD 2012, Video, 7:30
ÆDirector, script Sascha Quade
ÆCamera Cedric Retzmann
ÆEditing Robert Dost
ÆDistribution aug&ohr medien
VELOCITY
NACH HAUSE
Karolina Glusiec
Janos Menberg
Ich dachte immer, ich hätte ein gutes Gedächtnis. Ich wollte
euch diese Zeichnungen zeigen.
Ich zeichne. Das habe ich schon immer gemacht, glaube ich. Für
mich ist das Zeichnen die aufrichtigste Art der Kommunikation,
und die ehrlichste Darstellung der eigenen Gedanken und Gefühle. Und zugleich ist es eine Form, die ihre unbewusste und
unbekannte Bedeutung entwirren kann, obwohl es niemals nur
eine Bedeutung gibt. Ich und Du könnten die selbe Zeichnung
betrachten und würden doch Unterschiedliches darin erkennen.
Vincent will nach Hause, um seine Frau
zurückzugewinnen. Sein Alzheimerleiden
macht es ihm jedoch nicht einfach, denn in
seiner Welt ist nicht alles so, wie es scheint.
I always thought I had a perfect memory. I wanted to show these
drawings to you.
I draw. I’ve always drawn, I think. It was always important for me
to draw. To me, drawing is the most sincere form of communication, and the most honest representation of one's thoughts and
feelings. And at the same time, it is a form that can unravel all
the unconscious and unknown meaning from it, although it never has one clear meaning. You and I could look at the same
drawing, but we would see it differently.
Janos Menberg studied towards a Master of
Arts in Film (Screenplay/Direction) at Zurich
University of the Arts until 2012. ›Nach
Hause‹ is his graduation project.
Vincent wants to go home to persuade his
wife to come back to him. His Alzheimer’s,
however, does not make it easy for him, as
everything is not as it appears.
ÆCH 2012, Video, 17:50
ÆDirector Janos Menberg
ÆCamera Daryl Hefti
ÆDistribution Zürcher Hochschule der
Künste
Karolina Glusiec was born in Lublin, Poland, in 1986. She graduated from RCA MA Animation Course in London, UK in 2012. She
is currently living in London.
ÆGB 2012, Video, 6:00
ÆDirector, script, camera, editing, animation Karolina Glusiec
ÆMusic Krzysztof Matysiak, Tadeusz Kulas
ÆCast Narrator: Dougie Hastings
ÆDistribution Karolina Glusiec
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THE FORSAKEN
DOMOJ / Home
ZABAWKA / Favourite Thing
Simona Feldman
Piotr Iskra
Juri wächst in ärmlichen Verhältnissen in einem russischen Dorf auf. Als sein Vater nach Deutschland geht,
um Geld zu verdienen, muss der Junge sich auf die
neue Situation, ohne Vater zu sein, einlassen.
Juri grows up in poor circumstances in a russian village. When his dad moves to Germany to earn money,
the boy has to get used to the new situation of being
without his father.
Igor träumt von einem schönen Spielzeug bekommt
aber stattdessen ein Sparschwein. Zunächst mag er
das Schwein nicht, aber allmählich wird es sein
Freund wie eine Art MacGuffin, dank dessen entdecken wir Igors innere Welt und lernen seine Eltern
aus einer näheren Perspektive kennen. Als ein Resultat besonderer Zufälle, ist der Junge überraschenderweise gezwungen eine dramatische und harte Entscheidung zu treffen.
Simona Feldman was born in Rehovot/ Israel in 1980.
She has been living in Germany since 1985, where she
graduated from Bremen High School in 2000.
After studying for two years at university (Film Sciences/ Jewish Studies/ German Language and Literature Studies), she did various work experiences in journalism (print/radio/TV). Then started working in the
film business.
Igor dreams of a beautiful toy but he gets a piggy bank
instead. He initially dislikes the Piggy but it gradually
becomes his friend as well as a sort of MacGuffin,
thanks to which we are able to discover Igor's inner
world and to get to know his parents from a closer perspective. As a result of a particular coincidence, the
boy is surprisingly forced to make a dramatically hard
decision.
ÆD 2012, Video, 9:00
ÆDirector, script Simona Feldman
ÆCamera Julian Landweer
ÆEditing Simona Feldman, Carolin Haberland
Piotr Iskra was born in Siedlce in 1978. He gratuated in
Psychology from Jagiellonian University in Cracow and
Cracow Screenplay School. Favourite Thing is his first
production as director, producer and screenwriter.
ÆPL 2012, Video, 29:52
ÆDirector Piotr Iskra
ÆScript Piotr Iskra, Olga Surma
ÆCamera Piotr Pawlus
ÆEditing Tomek Krzeszowiec
ÆMusic Marcin Oles
ÆCast Mikolaj Strusinski, Dominik Stroka,
Joanna Niemirska
ÆDistribution Rondo Picture
120
TRIMBELTEN
KELLERKIND
Sebastian Kuehn
Julia Ocker
Nach Jahren des selbstgewählten Exils begibt sich der gebrochene Ex-Polizist TRIMBELTEN auf seine letzte Reise. Diese
Reise hat nur ein Ziel: Rache für den Tod seiner Tochter.
Abseits von einem Dorf wohnt eine Frau,
ganz alleine. Und ganz alleine bringt sie ein
Kind zur Welt. Doch dann sieht sie, dieses
Kind ist nicht normal.
After years spent in his self-imposed exile, the broken ex-cop
TRIMBELTEN embarks on his last journey. This journey has only
one purpose: revenge for his daughter’s death.
Sebastian Kuehn was born in Perleberg in 1983. He started
studying at the Academy of Media Arts in Cologne in 2006. He
graduated in 2012 with his film TRIMBELTEN.
ÆD 2012, Video, 14:59
ÆDirector, script Sebastian Kühn
ÆCamera Eugen Hecht
ÆEditing Nils Schomers, Sebastian Kühn
ÆMusic Moritz Laßmann
ÆCast Axel Siefer, Johanna Reinderns
ÆDistribution Kunsthochschule für Medien Köln
A woman lives all alone, outside a village.
And she gives birth to a child all alone. But
then she realises that this child is strange.
Julia Ocker, born in Pforzheim, Germany, in
1982. After gaining her Abitur, she studied Visual Communication at FHG Pforzheim. She
has been studying Animation at Filmakademie Baden-Württemberg since 2006.
Kellerkind is her graduation film.
ÆD 2012, Video, 9:45
ÆDirector, script, animation Julia Ocker
ÆDistribution Filmakademie BadenWürttemberg
121
INSIDE/OUTSIDE
COLD STAR
POSH
Kai Stänicke
Simon J. Paetau
In einem Hallenbad trifft ein Junge auf einen älteren
Mann. Die merkwürdige Begegnung weckt neue
Sehnsüchte in dem Jungen, bleibt aber auch den restlichen Badegästen nicht verborgen. Von einer Gruppe
Jugendlicher wird der junge Mann auf den Sprungturm
getrieben, als er unerwartet Hilfe bekommt.
›Cold Star‹ ist ein Plädoyer für die Akzeptanz der sexuellen Identität – der eigenen, aber auch der Anderer.
Posh, Künstler aus Berlin, der mit dem Leben als
Außerirdischer experimentiert, wird Zeuge eines Mordes an einer Prostituierten und verwandelt sich in einen mutierten Femme Fatale Rächer.
In a swimming pool, a boy meets an older man. The
strange encounter awakens new desires in the boy,
which the other swimmers notice. A group of
teenagers force the young man to the diving board,
where he gets unexpected help.
›Cold Star‹ is a plea for the acceptance of sexual identity – of your own as well as that of others.
Simon J. Paetau was born in Bonn in 1986, as the son of
a German father and a Colombian mother. His last
shortfilm MILA CAOS was invited to several International Film Festivals including Cannes, MoMA and Rotterdam. He studied at the International Film School
Cuba, EICTV and is graduating with POSH from the
Academy of Media Arts Cologne (KHM). He recently
participated in the Résidence du Festival de Cannes /
Cinéfondation.
Born on 22.06.1986 in North Rhine-Westphalia, Kai
Stänicke began his studies after completing his matriculation at the Advertising and Media Academy Marquardt (WAM) in Dortmund. Numerous short films were
created under his direction as part of his Film and Television Business degrees.
ÆD 2011, Video, 7:03
ÆDirector, script Kai Stänicke
ÆCamera Thomas Schneider
ÆEditing Johannes Hilser
122
Posh, a Berlin artist experimenting with life as an extraterrestrial, witnesses the murder of a prostitute
and transforms into a mutant femme-fatale avenger.
ÆD 2012, Video, 23:30
ÆDirector Simon Jaikiriuma Paetau
ÆScript Movimiento Cinemachete
ÆCamera Charlotte Michel
ÆEditing Tim Travers Hawkins
ÆCast POSH aka Ronique Veira, Ignazio Caporrimo,
Simone Ogunbunmi, Friederike Hirz, Tali de Mar,
Ariadna del Carmen
ÆDistribution Martin Backhaus
HEILIGE & HURE / Saint & Whore
Anne Zohra Berrached
Gero (39) lebt in einem Reihenhaus in der schwäbischen Provinz, mit seiner Frau, seiner
Mutter und zwei Kindern. Er ist Personalmanager eines Automobilherstellers, hat einen
Hobbykeller und Sex mit Männern.
Seine Frau Claudia (28) ist Hausfrau und Mutter. Sie weiß alles, spricht aber nicht mit Gero
darüber. Sie trainiert hart im Fitnessstudio, um für ihren Ehemann attraktiv zu bleiben. Sex
hatten sie schon seit fast zwei Jahren nicht mehr. Beiden ist bewusst, Gero kann nichts anderes leben als das, was er ist: Ein liebender Familienvater und ein bisexueller Liebhaber in
Frauenkleidern. Die Ehe scheint an diesem Paradoxon zu zerbrechen.
Gero (39) lives in a terraced house in the Swabian countryside with his wife, his mother and
two children. He is human resources manager of an automobile manufacturer, has a basement hobby room and sex with men.
His wife Claudia (28) is a housewife and mother. She knows everything about Gero but does
not talk to him about it. She works out hard in the gym to remain attractive for her husband.
However, they have not had sex for almost two years. Both are aware that Gero cannot live
another life: he is a devoted father of a family and a bisexual man in drag. The marriage
seems to break up because of this paradox.
Anne Zohra Berrached was born in Erfurt. She has been studying Directing at the Filmakademie Baden Württemberg since 2009. Her fictional and documentary shorts are shown
at festivals nationally and internationally.
ÆD 2012, 16mm on Video, 28:00
ÆDirector, script Anne Zohra Berrached
ÆCamera Tony Kopec
ÆEditing Nadine Müller
ÆDistribution Filmakademie Baden-Württemberg
123
IN THE DARK
SENSE OF MEASURE
ANALEMMA
Áine Belton
Ikumi Aihara
Der Film ›Sense of Measure‹ zeigt einen Gasbrenner,
der eine Kerze auslöscht. Ich frage mich, wie eine Person die natürliche Zeitabfolge unterbrechen kann. Es
ist eine Metapher für Geduld. Das Andauern von Licht,
eigentlich die Grundfunktion einer Kerze, verschwindet in der Dunkelheit. Es soll die ›Gegenwart‹ eines
Moments betont werden, die Übertragung und das Bewusstsein einer vorübergehenden Gegenwart.
Dies ist ein kurzer Animationsfilm über die vage Existenz unserer selbst, mit gedruckten kontinuierlichen
Foto erzeugt, um die Grenze zwischen dem Standbild
und dem Film, dem Anhalten und der Variation zu verwischen.
The film ›Sense of Measure‹ is of a blowtorch extinguishing a candle. I question how a person can interrupt the natural sequence of time, it is a metaphor for
patience. The durational measure of light that is the
basic function of a candle disappears into the darkness. There is an emphasis on the ‘presentness’ of a
moment, the negotiation and awareness of a presence
of passing.
Áine Belton was born in Dublin in 1986. She has been
living and working from Canterbury, UK since leaving
Ireland in September 2011. Áine finished her BA in the
Visual Arts Practice course in I.A.D.T., in 2009. Alongside visual art, she has a keen interest in creating music, zines, exhibition reviews, collage poetry and collecting scraps/found objects. Áine has recently completed her M.A. in Fine Art in UCA Canterbury.
ÆGB 2012, Video, 2:10
ÆDirector, editing Áine Belton
ÆDistribution Áine Belton
124
This is a short animation film about the vague existence of ourselves, made of printed continuous photograph in order to blur the borderline between the still
picture and movie, the halt and the variation.
Ikumi Aihara, born in Miyagi prefecture, Japan. she
embarked on postgraduate studies majoring in Experimental Film and Animation at Tsukuba University,
Japan, and joined the university exhibition programme
at Ars Electronica 2011, in Linz, Austria. Currently an
exchange student in Sweden.
ÆS 2012, Video, 7:50
ÆDirector. script, camera, editing, animation
Ikumi Aihara
ÆDistribution Ikumi Aihara
ENDLESS DAY
SE-WEEP
NAO DURMO
/ Ich schlafe nicht
Anna Frances Ewert
Seo Jung Hee
Vivian Oliveira
›Endless Day‹ ist eine poetische
Reise durch die Nacht, die einen
Einblick in die Gefühlswelt und Erfahrungen einer schlaflosen Person ermöglicht. Der Film wird aus
der Perspektive einer betroffenen
jungen Frau erzählt und schildert
den vergeblichen Versuch zu schlafen, sowie die veränderte Wahrnehmung, wenn man sich, wie in einem
Trance-Zustand zwischen Schlaf
und Wachsein befindet.
Ein junges Mädchen kämpft mit
ihren unterdrückten Wünschen, indem sie Räume gestaltet, in denen
Realität und Fantasie sich überschneiden und verschmelzen.
Das Video ist eine Interpretation
des Gedichts ›Insônia‹ von dem
brasilianischen Dichter Fernando
Pessoa. Der Text bezieht sich auf
die Schlaflosigkeit. Pessoa beschreibt in jedem Vers Details einer
unangenehmen Nacht aufgrund
von Schlafstörung. Details, die ich
selber lange Zeit erlebt habe. Ich
selbst könnte es nicht besser in
Worte fassen, da seine Worte meine Gefühle so nah ausdrücken,
dass ich diesen Text für mein Video
ausgewählt habe.
The film is about an insomniac’s inner journey through a sleepless
night. It explores what it’s like to be
awake against one’s own will. The
story is told through the protagonist’s eyes as we are drifting in a
state between wakefulness and
sleep through the city at night.
Anna Frances Ewert studied at Edinburgh College of Art from 2007 to
2010, focusing on making documentaries. Since October 2011, has
been studying at the University of
Television and Film Munich, continuing to specialise in documentary
filmmaking.
ÆD 2012, Video, 10:16
ÆDirector. script, editing
Anna Frances Ewert
ÆCamera Pius Neumeier
ÆDistribution Isabelle Bertolone
A young girl struggles with her inhibited desire by deriving the space
where reality and fantasy intersect
and merge.
Seoul/Paris-based artist and videographer Seo Jung Hee graduated
from Hong-Ik University and Le
Fresnoy National Studio of Contemporary Arts. Memory and oblivion,
sacred imagery and body are the
main themes of her work. In between non-narrative film and video
art, these enigmatic works explore
an intimistic and singular visual
language, which is mixed with refined aesthetics and choreographic
research.
ÆF 2011, Video, 14:00
Seo Jung Hee
ÆCamera Patrick Dehalu
ÆMusic SCANNER
(Robin RIMBAUD)
ÆCast Philippin Martinot,
Carmelo Carpenito,
Remi Hollant, Julia Kerbiche,
Alice Miellet, Camille Vaille
ÆDistribution Le Fresnoy
This video is an interpretation of
the poem ›Insônia‹ by a famous
Brazilian poet called Fernando
Pessoa. The text is all about lack of
sleep. In each and every verse, Pessoa describes the details of an uncomfortable sleepless night. For a
while I also suffered from insomnia
and his poem described what I
went through so well that I decided
to use it as text for my video.
Vivian Oliveira, 1983 in Petópolis,
Rio de Janeiro, Brazil. Has been
studying Liberal Arts at Braunschweig University of Art since
2009, currently under the supervision of Professor Michael Brynntrup.
ÆD 2012, Video, 07:02
ÆDirector Vivian Oliveira
ÆDistribution HBK Braunschweig
125
IN THE DARK
AM ENDE VOR DEM ANFANG /
At The End Before The Beginning
ŠOK HORIZONTALE /
Horizontal Shock
Matthias Winckelmann
Enya Belak
Nach dem Suchen der Empfindsamkeit und der Erwartung zweifelhafter Perspektiven, verliert sich der
Mensch in bedeutungsloser Aufmerksamkeit. Aufmerksamkeit einem Film gewidmet, der sich Verständnis verschließt und Interpretation erwartet. Die
ruhelose Rationalität eines jeden Zuschauers versagt
im Versuch der Aufklärung und endet in einer unbefriedigten Sehnsucht nach Sinn. Wenn wir doch nur
verstehen würden, dass es nicht der Film ist den wir
nicht verstehen, sondern das Leben selbst.
Träume: Horror, traumatisch, stressvoll… Gefühle, die
ich während eines Albtraums durchlebe, sind die visuellen Bilder, die beim Betrachter Assoziationen hervorrufen, die eine Geschichte erzählen und versuchen,
Gedanken zu bilden und im Unterbewusstsein traumatische Gefühle wieder hervorholen, die körperlich
Spuren hinterließen und sehr persönlich sind. Der
Film ist eine Art Experiment mit spannungsgeladener
Atmosphäre und Paranoia, die bei jedem Einzelnen ein
Gefühl entfacht, unter dem sie psychisch und physisch in horizontaler Position leiden.
At The End Before The Beginning everything is unexpected. We expect a story taken from life, instead we
see a movie philosophising about life itself. In a surreal collage ›At The End Before The Beginning‹breaks expectations of role, society and reality. A short film that
doesn't want to tell a story, but describe life in poetical images. Not a dictatorship of coherency, but a glorification of interpretation.
Born in the early ‘80s in Southern Germany, Matthias
Winckelmann completed his academic career with a
Diplom at Offenbach University of Art and Design.
Winckelmann is currently based in Frankfurt am Main
and Los Angeles, USA.
ÆD 2012, Video, 7:20
ÆDirector, script, editing, animation
ÆCamera Ivan Robles Mendoza
ÆMusic Alan Pring
ÆCast Tebo Gabriel, Christian Harting,
Tanja Brechmann, Ole Driever, Swantje Maue,
Artan B. Doyle, Wolfgang Gutschmidt
ÆDistribution Matthias Winckelmann
126
Dreams: horror, traumatic, stressful… Feelings that I
experience through the nightmare are the visual images that trigger associations in viewers, tell a story
and try to initiate reflection and subconsciously recall
traumatic feelings that are physically marked and personalised. The film is a kind of experiment; the atmosphere of tension and paranoia in the individual awakens a feeling that they suffer mentally and physically
in a horizontal position.
Enya Belak is a student of Visual Communication at
The Academy of Design. She is interested in combining
and mixing different arts. Her basic field of work is contemporary dance. This year she co-created The Daddy
Project, an original dance and theatrical performance.
During her developing career she has also worked as an
actor in movies and in the theatre. Her latest project
was a short movie, made as a part of Choreographic debut A Day after in cooperation with choreographer and
performer Veronika Valdés.
ÆSLO 2012, Video, 2:43
ÆDirector, script, camera, editing, cast Enya Belak
ÆMusic Jocelyne Pook (The dream),
The Horrors (Train roars)
ÆDistribution Enya Belak
TRIANGLE
SLEEP DEPRIVATION
Grace Nayoon Rhee
Omnia ElAfifi
Was würden Sie tun, wenn ein Fremder Ihre tägliche
Routine unterbrechen würde? Die Wahl besteht darin,
ihn als Freund zu akzeptieren oder als Außenseiter
zurückzuweisen.
Das Abschlussjahr an der Universität steckt voller Verantwortungen. Diese fordern bei den Studierenden auf
unterschiedliche Art und Weise ihren Tribut, aber was
mir am meisten auffiel, war der Schlafmangel. Es
schien, als hätten sie Tag für Tag, Woche für Woche
weniger Schlaf, ohne Möglichkeit, diesen wieder nachzuholen. Der Bewegungsablauf zeigt die Phasen des
Schlafentzugs während eines kurzen Zeitraums der
alltäglichen, der morgendlichen Routine. Der psychische und der physische Zustand wird beschrieben.
What would you do if a stranger disrupted your daily
routine? The choice is whether to accept this person
as a friend, or reject him as an outsider.
Grace Nayoon Rhee, born in Pennsylvania, USA 1986.
Graduated with a BFA in Animation at HONGIK UNIVERSITY, SOUTH KOREA 2005-2008. Has been studying
for an MFA in Experimental Animation at CALIFORNIA
INSTITUTE OF THE ARTS, USA since 2010
ÆDirector, script, camera, editing, animation
Grace Nayoon Rhee
ÆMusic Erik Lehman
ÆDistribution Grace Nayoon Rhee
Senior year at university is packed with responsibilities. These responsibilities took their toll on students
in several different ways, but the one I noticed the
most was sleep deprivation. It seemed like every day,
every week; they got less and less sleep with no
chance of catching up on their sleep. The motion sequence shows the stages of sleep deprivation during a
small stage of everyday, morning routine. Explaining
the mental and physical state.
Omnia ElAfifi is an Egyptian filmmaker based in Dubai.
She studied Multimedia Design with a minor in Film.
Her first short was screened at the Cannes Film Festival in the short film corner and won first prize at the
Habib Media Innovation Awards. Since then she has
screened various other shorts at several venues including the Abu Dhabi Film Festival.
ÆUAE 2012, Video, 1:41
ÆDirector, script, camera, editing, cast Omnia ElAfifi
ÆDistribution Ainmo Productions
127
METAMORPHOSIS
GRADUALLY
SIPPING THE JUICE OF
MEMORY SILENTLY
LIE ON KING
Benjamin Ramirez Perez
Der-Lu Chan
Linda Perthen
Auf Monitoren und Glasplatten im
Dunkeln werden Bilder einer Zugreise sichtbar: Innen- und Außenraum, Bewegung und Stillstand,
Rhythmus und Abstraktion sowie
Wahrnehmungsprozesse werden
zwischen filmischer Illusion und
deren Dekonstruktion erforscht.
Gefilmt mit einer 16mm BOLEX. Ein
Mädchen, dass mit einer Zeichentafel durch die Straßen läuft, trifft
auf ein Mädchen, das ihr ähnlich
ist, und dann tanzen sie in einem
Wald. Eine Malerin, die nach Rot
sucht und sich gleichzeitig selbst
sieht; die Emotionen zwischen den
beiden Mädchen fließen; ein Traum
usw. Interaktionen ohne Dialog.
Tanzen im Wald, der Versuch, die
Beziehung zweier Mädchen allein
durch die Körpersprache auszudrücken.
Hinein, hinein in den Wald der keinen Namen kennt. Der Experimental- und Animationsfilm ›Lie On
King‹ ist im Künstlerhaus Lukas in
Ahrenshoop bei einem Arbeitsstipendium entstanden. Er zeigt in
schwarz-weißer Manier die Abgründe des menschlichen Lebens,
welches sich in Irrwegen und Lügen
verstrickt. Episodenhaft durchdringen sich abstrakte und konkrete Sequenzen, die im Nichts verschwinden.
On monitors and glass surfaces in a
dark room, scenes of a train journey appear: interior and exterior
space, stasis and movement,
rhythm and abstraction as well as
processes of perception are explored between cinematic illusion
and its deconstruction.
Benjamin Ramirez Perez, born in
Hutthurm, Germany, in 1988. Studies at the Academy of Media Arts
Cologne since 2009.
ÆD 2012, Video., 6:25
ÆDirector, script, editing,
animation Benjamin R. Perez
ÆCamera B. R. Perez, Nora
Daniels
ÆMusic Wadim Halter
ÆCast Ileana Florentina Tautu
ÆDistribution KHM, Köln
128
Made mainly with 16mm BOLEX. A
girl with a drawing board wanders
in the street. She meets a girl who
is similar to her, and then they
dance in a forest. A painter who
looks for red and sees herself at
the same time; the emotion flowing
between two girls; a dream……etc.
In this film, the director uses interaction forms without dialogue.
Dancing in the forest, trying to express the relationship between two
girls by body language, which is the
most direct way.
Into the woods that know no
names. The experimental and animation film ›Lie On King‹ originated
in the artist's house Lukas in
Ahrenshoop with a working scholarship. The film shows in blackand-white the abysses of human
life, which becomes entangled in
wandering paths and lies. Abstract
and concrete sequences appear
and disappear in nothingness.
Chan Der-Lu, graduated from the
Department of Clinical and Counseling Psychology, National Dong
Hwa University. Now studying MFA
at the Department of Radio, Television and Film, Shih Hsin University.
Linda Perthen, *1981 Neubrandenburg, Germany 2006-2012 studied
Art (Caspar-David-Friedrich-Institut) and Philosophy at the University of Greifswald; 2008/09 Faculté
des Arts, Université de Picardy
Jules Verne, Amiens; 2012 working
scholarship in artist's house Lukas,
Ahrenshoop; has been living and
working in Berlin since 2012.
ÆTW 2012, Video, 9:41
Der-Lu Chan
ÆMusic Guang Bai
ÆCast I-Chi Lin, I-Shi Lin
ÆDistribution Der-Lu Chan
ÆD 2012, Video, 1:19
animation Linda Perthen
ÆMusic Udo Moll / György Ligeti /
Alva Noto (remix)
ÆDistribution Linda Perthen
EAT
FRÜHLINGSGEFÜHLE /
Spring Fever
SING UNDER
TEILCHENBESCHLEUNIGUNG /
Particle Acceleration
Moritz Krämer
Murat Haschu
Seo Jung Hee
Simone Catharina Gaul
Ein Fotoshooting. Das
Model Helen ist genervt
von ihrem Job. In der Garderobe entdeckt sie, dass
alles um sie herum essbar ist - der Stuhl, der
Fernseher, die Wände…
Ein subtil ironischer,
größtenteils mit Tusche
gezeichneter Film, der ein
kannibalistisches Mehrgänge-Menü durchspielt.
Eine schwarze Flüssigkeit, Symbol für Verunreinigung unbekannten Ursprungs, strömt aus dem
Körper eines Mädchens,
verzerrt das von Krankheit geprägte Bild in einen poetischen, unwirklichen Zustand.
Mehr Erfolg. Mehr Geld.
Mehr Leistung. Mehr Party.
Immer
mehr,
immer
schneller, bis der Atem
stockt und einer aus der
Kurve fliegt. Experimentelle Visualisierung der kontinuierlichen Beschleunigung unseres Lebens.
A black liquid, symbol of
contamination of unknown origin, emanates
from the girl’s body, distorting the morbid sensations into a poetical visionary state.
More success. More Money. More power. More partying. More and more. Until
finally we are out of
breath, and then someone
misses the turn. Experiencing feelings in a world
of concrete and steel,
dominated by performance and success. An experimental visualisation of
our daily life acceleration.
A photo shoot. Model Helen is fed up with her job.
In the dressing room, she
discovers that everything
around her is edible - the
chair, the TV set, the
walls…
Moritz Krämer, born in
Basel, Switzerland, on
16.03.1980, grew up in the
High Black Forest. After
completing his Abitur in
Freiburg, he moved to
Berlin. He earned a degree
in Video and Text at Berlin
University of the Arts, and
works as a video artist,
composer, songwriter and
musical director at various theatres, including
Berlin’s Volksbu¨hne. ‘Eat’
was created at the German Film and Television
Academy dffb in 2012.
ÆD 2012, Video, 6:30
ÆDirector, editing
Moritz Krämer
ÆScript Ines Berwing
ÆCamera Patrick Jasim
ÆDistribution
aug&ohr medien
A subtly ironic film drawn
largely in ink, in which a
cannibalistic menu with
several courses is acted
out.
Murat Haschu, born in
Nalchik, Russia, in 1969;
1990–1995 Vladikavkaz
College of Arts; 2005-2012
Studied at Burg Giebichenstein KHS, Halle
(Saale) with Professor Ulrich Müller-Reimkasten,
degree: Diplom; 2006 / 07
video course at Burg
Giebichenstein KHS Halle
with Professor Michaela
Schweiger; has been a
member of the Association of Russian Artists
since 2006
ÆD 2012, Video, 12:45
ÆDirector, script,
camera, editing,
animation
Murat Haschu
ÆDistribution
Murat Haschu
Seo Jung Hee see ›Seweep‹, page 125.
ÆSouth Korea 2012,
Video, 10:40
Seo Jung Hee
ÆCamera Sylvain Briend
ÆAnimation Mihai Grecu
ÆMusic
Yannick Delmaire
ÆCast Pauline Delahaye,
Mathieu Dumont, Tim
Moreau, Sang Granzer
ÆDistribution Le Fresnoy
Simone Catharina Gaul,
*1984 in Stuttgart, studied Romance Studies and
Political
Science
in
Stuttgart and Paris, and
has been working as a
freelance journalist since
2004. She has been pursuing postgraduate studies in Direction at Filmakademie Baden-Württemberg since 2009.
ÆD 2012, Video, 8:19
ÆCamera Jan Bormann
ÆDistribution
Filmakademie BaWü
129
POINT OF VIEW
ACHILL
PRZYPOWIESC
/ The Parable
IN THE MIDDLE OF THE
DESERT / Mitten in der Wüste
Gudrun Krebitz
Aleksandra Godlewska
Hristina Vadreva
Die ganze Aufregung liegt
leider in der Unschärfe.
Im flüchtigen Wahrnehmen und im blinden
Rausch liegt das ganze
Glück. Ich hab mir deswegen nie die Augen Lasern
lassen.
Diese Arbeit verwendet stereotypische Sichtweisen der westlichen
Kultur auf die muslimische Kultur.
Insbesondere konzentriert sich
diese Arbeit auf das Leben der afghanischen Frauen. Es ist ein persönlicher Eindruck der muslimische Kultur.
Real excitement is always
kind of out of focus. Unfortunately. All joy lies
burried in a blind rush
and hasty perceptions.
That's why I never got my
eyes lasered.
This work uses stereotypical perspectives of Western culture on
Muslim culture. It particularly focuses on the lives of Afghan
women. It is a personal impression
of Muslim culture.
›Mitten in der Wüste‹ ist eine Cinepoem über
die existenzielle Leere in einer modernen
Welt. Umgeben von industriellen Landschaften und verloren in einem Labyrinth von
Strassen und Hochhäusern, fühlt sich Phoenix immer mehr entfremdet und hoffnungslos. Ihre Verbindung zur Realität reißt ab und
sie begibt sich auf eine surreale Reise. Dort,
wo der Horizont sich öffnet, scheint es auch
wieder Hoffnung zu geben für eine mögliche
Veränderung.
Gudrun Krebitz lives in
Berlin, studied at the Vienna Art School and at the
University of Film and
Television ›Konrad Wolf‹
Po t s d a m - B a b e l s b e r g ,
specialicing in: Animation
Filmography
ÆD 2012, Video, 9:00
ÆDirector, script,
editing, animation
Gudrun Krebitz
ÆCamera
Moana Vonstadl
ÆMusic Marian Mentrup
ÆDistribution HFF
Potsdam-Babelsberg
130
Aleksandra Godlewska, 22 years
old, a second-year Intermedia student at the University of Arts in Poznan (Poland). After that, student at
Art College in Suprasl. Favourite
fields of interest include performance art, video art and installation.
Likes to combine experience and
create interdisciplinary and experimental works. Likes to talk about
topics that impact on her and her
enviroment. Talks about things
which she thinks are important.
ÆPL 2012, Video, 3:38
music Aleksandra Godlewska
ÆDistribution
›In the middle of the desert‹ is a cine poem
about the existential emptiness and the human alienation in today’s postmodern world,
in which we wake up and fall asleep with the
images of total destruction and death. This
monstrous reality resembles a vast lifeless
desert, where no one can see beyond the
endless horizon.
Hristina Vadreva was born in Sofia, Bulgaria,
on 28 June 1984. In 2012, she graduated in Visual Arts and Film at the University of Fine
Arts of Hamburg. Currently living in Bulgaria,
where she studies Journalism and Production. Her desire is to work as a visual anthropologist and to continue being an active part
of inspiring social and cultural movements.
ÆBG 2012, Video, 30:00
ÆDirector, editing Hristina Vardeva
ÆScript Hristina Vardeva, Harry Halpin
ÆCamera Michael Steinhauser, Jytte Hill,
David Tena, Marcus Hoffmann
ÆAnimation Luciana Bencivenga
ÆMusic Pawel Wieleba, Rannigg Fflow
ÆDistribution Hristina Vardeva
O DE OBATALÁ 2
SISTERS
Daniela Libertad
Marta Abad Blay
›O de Obatalá 2‹ ist eine Darbietung, die mit bewegten
Bildern und Sounds zu Ehren der Orisha Obatalá
(Gottheit der Religion der Yoruba) vorgeführt wird.
Obatalá ist bekannt als Schöpfer des Planeten, als Erschaffer des Menschen. Besitzer von allem, was weiß
ist. Besitzer des Kopfes, der Gedanken und der Träume.
Nilin sucht nach ihrer Zwillingsschwester Ana, die in
den Wäldern verschwand. Ein mysteriöser Geist hilft
ihr, Ana zu finden.
›O de Obatalá 2‹ is an offering made with moving images and sounds for the Orisha Obatalá (deity of the
Yoruba religion). Obatalá is known as the creator of the
planet, sculptor of the human being. Owner of everything that is white; owner of the head, the thoughts
and the dreams.
Marta Abad Blay studied Fine Arts in Spain. She then
attended a European Master Class in Traditonal Animation in Halle Salle, Germany, where she directed and
animated ›En la cuerda de tender la ropa‹ in 2004.
Started a two-year artist’s residency at NIAf, Netherland Instituut voor Animatie Film, in 2005, where she
directed and animated ›My Dear Grandma‹ in 2008. In
2008, she applied for a place at the Film Academie in
Amsterdam where she directed ›Sisters‹.
.
ÆNL 2012, Video, 14:00
ÆDirector Marta Abad Blay
ÆScript Jereoen Magry
ÆCamera Sanna Mensonides
ÆEditing Marijke de Noordegraaf
ÆMusic Alekos Vuskovic
ÆCast Elke and Frauke Leenhouwers
ÆDistribution Marta Abad Blay
Daniela Libertad (Mexico, 1983) Graduated from New
York University’s MFA Program in 2010. The National
School of Painting and Sculpture ›La Esmeralda‹ Mexico City 2007. In addition, she studied at the Kunstakademie Karlsruhe in Germany from 2006 to 2007.
Her main creative platforms include video, drawing and
photography. Libertad’s work shows fragments of rituals that she has invented, in order to allow her to explore the relationship between the ancestral and
everyday life.
Nilin is looking for her twin sister Ana who disappeared in the woods. A mysterious spirit helps her to
find Ana.
ÆMEX 2012, Video, 5:00
ÆDirector, script, camera, editing Daniela Libertad
ÆDistribution Daniela Libertad
131
YOU TALKING TO ME?
GIRL AND BOY
ON THE ROCKS!
REMAIN
DER FREMDE FOTOGRAF
UND DIE EINSAMKEIT
Maria Sigrist
Pauline Galtié
Jan Eichberg, Willy Hans
An einer Party junger Künstler und
Lebemenschen wird das Übliche
und doch immer Aussergewöhnliche behandelt. Auf ihrer Suche
nach Leben und Liebe reden sie
sich um Kopf und Kragen, tanzen
wild im farbigen Licht der Nacht...
alle zusammen und jeder für sich.
Larry, ein einsamer und alternder
Baukranführer, geht durchs Leben
ohne jegliche Verbindung zur
Außenwelt oder Hoffnung auf etwas anderes. Sein monotones Dasein wird durcheinandergebracht,
als das Buch, das er liest, auf geheimnisvolle Weise verschwindet.
Thierry läd Isabelle zu einem Getränk ein. Schnell wird klar, dass
seine vorgefertigten Phrasen nicht
die gewünschte Wirkung erzielen.
Vorlage zu dem ›Boy meets girl‹
-Plot bot ein französischer AudioSprachtrainer für Anfänger.
At a party teeming with young
artists and bonvivants, the everyday, and yet the extraordinary, is
happening. On their quest to experience love and life, they talk carelessly, risking everything, and
dance on in the neon lights of the
night... all together, and each by
themselves.
Larry, a lonely and aging cherry
picker operator, goes through life
without any connection to the world
around him, nor hope for anything
else. His monotonous existence is
disturbed when the book he is reading mysteriously disappears.
Maria Sigrist: Born in Switzerland
in 1985. Graduated from high school
and the School of Arts in Bern Biel
in 2005. 2007 to 2010 BA in Film at
Zurich University of the Arts. Semester abroad in 2009 at the Rhode
Island School of Design in the United States. 2010 to 2012 Master of
Arts in Film Directing and Writing at
Zurich University of the Arts. Has
been working part-time as a programmer of the Opening Night cinema and as a film reviewer for Cineman since 2011.
ÆCH 2012, Video, 12:15
ÆDirector Maria Sigrist
ÆCamera Gabriela Betschart
ÆEditing Natascha Cartolaro
ÆDistribution
Zürcher Hochschule der Künste
132
Pauline Galtié, *1986 in Paris. After
studying Humanities and Art History, she was accepted onto the MA
Filmmaking programme of the London Film School, where she happily
put an emphasis on writing, directing and editing. She wrote and directed two short films shot in 16
mm: Alteration and The Secret of
the Egyptians. Based between Paris
and London, she's currently writing
her graduation project.
ÆGB 2012, Video, 15:32
ÆDirector, script Pauline Galtié
ÆCamera Yiannis Manalopoulos
ÆEditing Benjamin Bee
ÆMusic Sebastian
Barner-Rasmussen
ÆCast Benji Ming, Steev Cornwall,
Ian Cuddy, Stephen Fawkes,
Maria Rita Salvi
ÆDistribution London Film School
›The strange fotographer and the
solitude.‹ Thierry asks Isabelle for a
date. She agrees. Soon Thierry realises that his stereotype phrases
will not achieve the results he
wants. The model for this ›boy
meets girl‹ plot was a French audio
trainer for beginners.
Jan Eichberg was born in Groß-Umstadt on 1.10.1984. Has been studying Film at the University of Fine
Arts of Hamburg since 2007.
Willy Hans, *1982 in Freiburg. Environmental technology engineer.
Has been studying Film at the University of Fine Arts of Hamburg
since 2009.
ÆD 2012, Video, 5:21
Willy Hans, Jan Eichberg
ÆCamera Willy Hans
ÆCast Eva Löbau, Marc Zwinz
ÆDistribution HfbK Hamburg
NARRATOMAT
BOOGODOBIEGODONGO
Daniel Jaroschik, Rouven Köhnen
Peter Millard
Maurice dämmert langsam, dass seine Idee eine Erzählmaschine zu bauen, deren Worte Wirklichkeit werden, sich nicht so entwickelt, wie er sich
das vorgestellt hatte. Kreaturen, die sein Narratomat herbei erzählt, entpuppen sich als plumpe Mechanik und geben innerhalb kürzester Zeit
den Geist auf.
Als dann auch noch eine mechanische Version der großen Liebe seines
Bruders Teddy auftaucht und der Narratomat beim Versuch diese vor dem
sofortigen Zerfall zu retten, das Haus der Brüder zerstört, wird ihnen klar,
dass sie aus dieser Geschichte nicht mehr ohne Hilfe heraus kommen.
Also machen sie sich mit dem Pechvogel Olaf auf, um den Schöpfer ihrer
Welt zu finden, der sich jedoch ins Exil zurückgezogen hat. So wird die
Reise der drei schrägen Typen ein Ausflug von einem Desaster ins nächste.
Ich lebte einst in einem Boogodobiegodongo und ich fühlte mich
besser.
It slowly dawns on Maurice that his idea to build a narrative machine, in
which words become reality, did not quite develop as he imagined. Every
creature that was created by the Narratomat turns out to have mechanical failures, which causes them to fall apart shortly after their creation.
A mechanical version of Teddy's one true love shows up and in order to
stop the expected destruction of her, the Narratomat destroys the brother’s house. It became pretty clear to them that they need help to put an
end to the story. So the two of them and the unlucky fellow Olaf set out to
find the creator of their world, so that he could help them fix this mess
they created. Thus, the three crazy bums’ journey leads from one disaster
to the next.
I once lived in a Boogodobiegodongo and I felt better.
Peter Millard is an animation filmmaker who is based in London and
is a recent graduate from the Royal
College of Art where he completed
an MA in Animation. He has a large
back catalogue of bizarre colourful
hand drawn and painted animations that have been screened all
around the world at various festivals and galleries.
ÆGB 2012, Video, 4:08
animation Peter Millard
ÆMusic Antonio Zimmerman,
Mike Wyeld, Peter Millard
ÆDistribution Peter Millard
Daniel Jaroschick, *1978 in Baden-Baden, Germany. Has been studying
Communication Design (Film /Photo ) at FHWS Würzburg since 2007.
Rouven Köhnen, *1983 in Celle, Germany. Has been studying Communication Design (Film / Graphic Design) at FHWS Würzburg since 2006.
ÆD 2012, Video, 22:30
ÆDirector, editing, animation Daniel Jaroschik, Rouven Köhnen
ÆScript Daniel Jaroschik
ÆCamera Matthias Wiebusch, Steffen Boseckert, Gregoire Faurobert
ÆMusic Viktor Aslund
ÆCast Jürgen Thormann, David Nathan, Siegfried Krockert,
Volker Baumann, Dominik Meder, Bettina Seufert, Gerd Eickelpasch,
Lilly Jaroschik
ÆDistribution Daniel Jaroschik
133
MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULTAG
BTK - HOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG, BERLIN
Studiengänge: Motion Design (Bachelor of Arts), Mediale Räume (Master of Arts)
Prof. Christian Mahler, Prof. Claudia Rohrmoser, Lea Nagano
Motion Design hat sich als Ergänzung zu klassischen Kulturtechniken und Gestaltungsgebieten wie Grafikdesign, Film, Fernsehen, Fotografie, Illustration, Literatur, Musik und Architektur etabliert. Zugleich vereint es
eine Vielzahl bestehender Berufe und Tätigkeitsfelder unter einem neuen Fokus – dem Fokus der zeitbasierten
Gestaltung unserer mehrdimensionalen, digitalen Medien, in dem sich die Ästhetiken und Genres zu endlos
neuen Formen vereinen. Die Vielfalt unserer Medien spiegelt sich in der Vielfalt der Aufgabengebiete eines Motion Designers: typografische Gestaltung, Animation, Filmschnitt, Kamera- und Lichtführung, 3D-Modelling,
Sounddesign, Medien- und Rauminszenierungen. Ein Motion Designer agiert interdisziplinär und fühlt sich in
nahezu allen gestalterischen Ausdrucksformen zu Hause, beherrscht ihre grundlegenden technologischen Zusammenhänge und kann sie kulturell verorten und ethisch gewichten.
Die Aufgabe heutiger GestalterInnen
und Kulturschaffenden besteht in
erster Linie darin, Formsprachen
und Ästhetiken zu entwickeln, die
den immer neuen Möglichkeiten unserer digitalen Medien entsprechen,
um sie im Sinne einer globalen, audiovisuellen Kommunikation nutzbar und erlebbar zu machen. Um
dieser komplexen Aufgabe konzeptionell und gestalterisch gerecht
werden zu können, ist der Bachelor-Studiengang Motion Design der
BTK in seiner Konzeption zukunftsweisend ausgerichtet. Motion Design wird hier nicht nur als Erweiterung des Grafikdesigns mit filmischen Mitteln verstanden, sondern
in einem ganzheitlichen Gestaltungsanspruch vertreten und gelehrt. So werden sowohl einzelne
Teilbereiche des Fachs wie Animation, filmisches Gestalten, Motion Graphics oder medial erweiterte Räume in projektorientierten, interdisziplinären Seminaren nahegebracht als auch Konzepte für das Zusammenspiel der verschiedenen Medienebenen entwickelt. Das intensive, praxisorientierte Studium ebnet unseren Studierenden den Weg in einen kreativen und abwechslungsreichen Beruf, der vielseitige Entfaltungsmöglichkeiten und Arbeitsperspektiven auf
dem internationalen Markt bietet. Unsere AbsolventInnen sind bestens auf die Ansprüche der Branche vorbereitet und in allen Bereichen tätig, in denen wir unsere Art zu kommunizieren und zu denken durch audiovisuelle Medien erweitern.
Die Präsentation der Hochschule wird von Studiengangsleiter Prof. Christian Mahler eröffnet. Als Initiator war
er wesentlich an der Implementierung des Studiengangs Motion Design in das Lehrangebot der BTK beteiligt
und hat damit die Hochschule in der deutschen Hochschullandschaft bewusst positioniert. Anhand von ausgewählten Studentenarbeiten gibt er einen Einblick in das vielseitige Lehrangebot des Studiengangs.
Prof. Claudia Rohrmoser stellt den konsekutiven Masterstudiengang Design/Mediale Räume (M.A.) vor. Der
multidisziplinäre Ansatz des Masterstudiums ist besonders auf Studierende mit unterschiedlichen gestalterischen Kompetenzen und Hintergründen ausgerichtet, die die Möglichkeiten der Kommunikation im digitalen
wie analogen Raum erforschen und Kommunikation zu einem erlebbaren, interaktiven Ort erweitern wollen.
Lea Nagano, Absolventin des Studiengangs Motion Design, stellt ihre Bachelorarbeit »Kyosei« vor. Die panoramatische Videoinstallation setzt sich mit den Ereignissen in Tokio und Fukushima im Jahr 2011 auseinander,
die Lea vor Ort miterlebte. Die Installation ist im Rahmen des Festivals zu erleben.
Die Vortragenden stehen im Anschluss für Fragen und detailliertere Informationen zur Verfügung.
134
BTK University of Applied Sciences
Degree programmes: Motion Design (Bachelor of Arts), Media Spaces (Master of Arts)
Professor Christian Mahler, Professor Claudia Rohrmoser, Lea Nagano
Motion design has established itself as a supplement to classic cultural techniques and areas of design such
as graphic design, film, television, photography, illustration, literature, music and architecture. At the same
time, it combines a plethora of existing professions and fields of activity under one new focus – the focus of the
time-based design of our multidimensional digital media, in which aesthetics and genres unite to make an endless array of new forms. The diversity of our media is reflected in the diversity of the areas of responsibility assumed by motion designers – typographic design, animation, film editing, camerawork and lighting, 3D modelling, sound design, media and room settings. Motion designers undertake interdisciplinary work, and feel at
home in virtually all forms of creative expression. They master fundamental technical interrelations, and are
able to locate them culturally and ethically weight them.
The main task performed by today’s designers and creative artists is primarily to devise form languages and
aesthetics that comply with the constantly new possibilities of our digital media, enabling them to be exploited and experienced within the meaning of global, audiovisual communication. In order to do conceptual and
creative justice to this complex challenge, the Bachelor programme in Motion Design at BTK is conceived in a
forward-looking manner. Here, Motion Design is not purely seen as an extension of graphic design using cinematic means; instead, a holistic design approach is represented and taught. For example, in addition to individual areas of the subject such as animation, cinematic design, motion graphics and media expanded spaces
being taught in project-oriented interdisciplinary seminars, concepts for the interplay between different media
levels are also devised. The intensive, practice-oriented programme enables our students to embark on a creative, varied profession, offering a wide range of opportunities for development and work prospects on the international market. Our graduates are excellently prepared for the challenges of the industry, and work in all areas in which we expand our manner of communicating and thinking using audiovisual media.
Programme director Professor Christian Mahler will start by presenting the university. As its initiator, he was instrumental in implementing the Motion Design degree programme into the range of courses offered at BTK,
consciously positioning the university in the German landscape of higher education. Using selected students’
work as examples, he offers an insight into the degree programme’s versatile range of courses.
Professor Claudia Rohrmoser will present the consecutive Master’s programme in Design/Media Spaces (M.A.).
The multidisciplinary approach of the Master’s programme is particularly suitable for students with a variety of
creative abilities and backgrounds, who wish to explore the possibilities of communication in digital and analogue space and to expand communication into an interactive place that can be experienced.
Lea Nagano, graduate of the Motion Design degree programme, will present her Bachelor thesis ›Kyosei‹. The
panoramatic video installation explores the events that occurred in Tokyo and Fukushima in 2011, which Lea experienced first hand. The installation can be experienced at the festival.
After their presentations, the speakers will be available to answer any questions you may have and provide detailed information about the university.
135
MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULTAG
FILMKLASSE DER HOCHSCHULE FÜR BILDENDE KÜNSTE BRAUNSCHWEIG
Prof. Michael Brynntrup
Die Filmklasse der HBK Braunschweig besteht seit 1972 und ist damit die älteste Film-Fachklasse im Bereich
der Freien Kunst an einer deutschen Kunsthochschule. Von Anfang an war die Arbeit in der Filmklasse ›Teamwork‹, die nicht darauf zielte, isolierte Kunst-Konkurrenten zu produzieren, sondern ›nichtautoritäre, kollektive
Formen der Aneignung von Fähigkeiten zu entwickeln‹, so Gerhard Büttenbender, Professor der Filmklasse von
1972-2003. Eine ganz entscheidende Prägung erhielt die Filmklasse durch Birgit Hein, die Professorin der Filmklasse von 1990-2007. - Viele bedeutende und international renommierte Experimentalfilmer/innen und Videokünstler/innen sind aus der Filmklasse hervorgegangen (z.B. Christoph Girardet, Christoph Janetzko, Hille Köhne, Bjørn Melhus, Matthias Müller, Volker Schreiner, Caspar Stracke, Ute Ströer, Uli Versum, um nur einige zu
nennen). Auch Michael Brynntrup, der jetzige Professor seit 2006, hat selbst in der Filmklasse studiert.
An der HBK wird FilmVideo (mit einer eher installativen Ausrichtung) auch noch in anderen Fachklassen gelehrt, so z.B. in den Klassen von Prof. Corinna Schnitt und Prof. Candice Breitz, oder auch am Institut für Medienforschung (IMF) durch Prof. Uli Plank. Das IMF bietet den Studierenden Technik und KnowHow im digitalen
HighEnd-Bereich (digitale Kinematographie). - Die Filmklasse mit der angegliederten Filmwerkstatt verfügt
über ein Filmstudio, das auch als Kino benutzt wird, und bietet ein breites Spektrum verschiedenster Aufnahme- und Postproduktionsmedien: von analogen und digitalen Kameras über Systeme zur Filmentwicklung bis
hin zu Super8-/16mm-Schneidetischen und zahlreichen Computer-Schnittplätzen.
Die FilmVideo-Arbeiten, die hier entstehen, sind originäre künstlerische Werke, gleichwertig und vergleichbar
mit z.B. einer Skulptur, einem Gemälde oder einem Musikstück. Es geht dabei immer um die Auseinandersetzung mit der eigenen Persönlichkeit, aber auch um die Reflexion des audiovisuellen Mediums und seiner Möglichkeiten bis hin zu einer kritischen Auseinandersetzung mit der aktuellen (allgegenwärtigen) Medienrealität.
Jede Form und jedes Ausdrucksmittel ist willkommen: vom inszenierten Film, über den Dokumentar- und Animationsfilm bis hin (natürlich) zum ›klassischen‹ Experimentalfilm oder (sogar) zu aktuellen, interaktiven Webfilm-Arbeiten.
Film Class at Braunschweig University of Art
The Film Class at Braunschweig University of Art was established in 1972, making it the oldest specialist film
class in the area of liberal arts at a German art academy. From the very beginning, work in the Film Class was
carried out in teams. The objective was not to produce isolated art rivals, but to ›develop non-authoritarian, collective forms of acquiring skills,‹ according to Gerhard Büttenbender, Professor of the Film Class from 1972 to
2003. The Film Class was decisively shaped by Birgit Hein, professor of the Film Class from 1990 to 2007. - Many
important and internationally renowned experimental filmmakers and video artists emerged from the Film
Class (including Christoph Girardet, Christoph Janetzko, Hille Köhne, Bjørn Melhus, Matthias Müller, Volker
Schreiner, Caspar Stracke, Ute Ströer and Uli Versum, to name just a few). Michael Brynntrup, who has been the
current professor since 2006, also once studied in the Film Class.
At HBK, film video (with a more installative outlook) is still also taught in other specialised classes, e.g. in classes of Professor Corinna Schnitt and Professor Candice Breitz, or also by Professor Uli Plank at the Institute of
Media Research (IMF). IMF offers students technology and know-how in the digital high-end area (digital cinematography). - The Film Class, with affiliated film workshop, has its own film studio that is also used as a cinema, and offers a broad spectrum of recording and post-production media: from analogue and digital cameras
to film development systems and super8/16mm cutting benches and numerous editing suites.
The film video works created here are original artistic works, equal to and comparable with a sculpture, a painting or a piece of music, for example. It is always a matter of exploring one’s personality, as well as of reflecting
upon the audiovisual medium and the possibilities it offers, culminating in a critical examination of contemporary (omnipresent) media reality. Every form and every means of expression is welcome: from staged film
through documentary and animation film to (of course) the ›classic‹ experimental film or (even) the latest interactive web film works. (MB)
ÆHochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK Braunschweig)
-Filmklasse- Prof. Michael Brynntrup
Æcopyright HBK, Filmklasse und bei den Autoren
Æwww.hbk-bs.de/filmklasse
136
FOCUS
DAS MÄDCHEN
FACE LOVIN' HAPPY
PILLS
Meike Redeker
Mira Amadea Breuer
Jennifer Kurbjuweit
Im Fokus der Kamera, die
Kamera im Fokus.
In the focus of the camera, the camera in focus.
›Wann werde ich sie loswerden, diese Angst
davor und die Gedanken darüber, dass irgendetwas passieren könnte, bevor es überhaupt passiert?‹ Das Mädchen ist oft bei ihrer Großmutter. Beeinflusst von ihr hat sie
Angst vor den kleinen Situationen des Lebens. Im Rückblick auf ihre Kindheitserfahrungen visualisiert der Film ihre Gedanken
und Empfindungen.
›...ooh baby don't stop, don't stop,
go deeper, baby deeper, you feel so
good, i'm gonna cry...‹ - Melancholy
victim, Drag, fetischisierter Körper,
male gaze, Parodie, Inszenierung
weiblicher Mimik, self destruction,
Genderstereotypen, Sexobjekt...? Ein
experimentalselfexploringsongcovervideo über die Liebe,
Gender, Pop – und Drogen.
Meike Redeker, *1983,
has been studying Fine
Arts since 2010 at Braunschweig University of
Arts, previously studied
Communication Design.
Æ11:33 min | 2012 | video
(HDV) | silent
›When will I lose it, the lingering fear, the
constant apprehension, that something will
happen, long before it actually does?‹ The
girl spends a lot of time with her grandmother. She is the reason why the girl is afraid of
the little things in life. The film uses flashbacks to illustrate how the girl’s childhood
shapes her thoughts and feelings.
Mira Amadea Vasconcelos, *13.12.1987 in
Wolfenbüttel/GER; has been studying Fine
Arts at Braunschweig University of Art since
2007. 2007-2008 Fine Art Class of Professor
Anna Gollwitzer; since 2008, Fine Art Class of
Professor Michael Brynntrup, specialising in
Film/Video Studies; 2009-2010 additional
Fine Art Class of Professor Corinna Schnitt,
specialising in Film/Video and Photography;
2010/2011 studied at Uniwersytet Artystyczny/ UAP, Poznan/ Poland
www.miraamadea.de
›...ooh baby don't stop, don't stop,
go deeper, baby deeper, you feel so
good, i'm gonna cry...‹ - Melancholy
victim, Drag, fetishised body, male
gaze, parody, staging of female facial play, self destruction, gender
clichés, sex object...? – an experim e n t a l s e lf ex p l o r i n g s o n gc o v ervideo about love, Gender, pop –
and drugs.
Elektra Stoffregen, born in a smalltownculturekaff, now living with * in
* and in poor conditions, trying to
make art. Or confetti.
Æ4:55 min | 2012 | video (HDV) |
sound (Sprachfassung: englisch)
Æ12:53 min | 2012 | video (HD) | sound
(Sprachfassung: deutsch)
ÆDirector, Edit, Camera, Script
Mira Amadea Vasconcelos
ÆAdditional Camera Sascha Dettbarn
ÆCamera Assist Jaime Vasconcelos,
Tassos Oz
ÆCast Henriette Bötel, Matthias Bötel
137
MEDIA CAMPUS
HBK BRAUNSCHWEIG
THE WORLD IS A DREAM
(1ST PART OF A TRILOGY)
REST IN PEACE
Erik Pauhrizi
Yizhong Chen
›The world is a dream‹ ist ein experimenteller Kurzfilm
über Freiheit und das damit verbundene Risiko, das
ich während meines dreijährigen Aufenthalts in
Deutschland erfahren habe. Wie schaut diese Freiheit,
durch die Augen eines Menschen mit muslimischem
Namen, aus einem Dritte Welt-Land stammend, aus?
›Rest in Peace‹ ist nicht nur eine Redewendung, es
sind auch 3 für sich stehende englische Worte. Angesichts dieser getrennten Sichtweise entstehen Missdeutung, Vermutungen und Unklarheit, die den Hintergrund dieses Videos bilden. Tauben, von den Einheimischen ›Fliegende Ratten‹ genannt, leben in dieser normalen europäischen Stadt. Man weiß nie, welche man
als nächstes treffen wird.
The film called ›The world is a dream‹ is an experimental short film about freedom and risk, which I experienced during my three-year stay in Germany. What really is freedom through the eyes of a man with a Muslim name who comes from a third world country? I
come from Indonesia and grew up in a culture with
very strict rules. After having lived in Berlin and
Braunschweig for three years, I experienced the
biggest conflict in my life. It is a clash of dreams, visions and desires.
Erik Pauhrizi is a visual artist, currently residing and
working in Berlin, *1981 in Bandung, Indonesia. From
1999 to 2001, he studied at Indonesian University of
Education, majoring in Mechanical Engineering. In
2005, he received his BA from the Faculty of Art and
Design, Bandung Institute of Technology. He graduated
cum laude in Textile Art. He is currently an experimental film/video art student at Braunschweig University
of Art under Professor Michael Brynntrup.
[ www.erikunderika.com ]
Æ9:11 min | 2012 | video (HD+16mm) | sound
Æ(Sprachfassung: indonesisch; englische Untertitel)
| (Diplomarbeit 2012)
138
›Rest in Peace‹, is not only a phrase, but 3 isolated
English words. Along with this separation, misreading,
guessing and haze are turned on, forming the background of this video. Pigeons, called ›Flying Rats‹ by
local people, live in this normal European city. You never know which one you will meet next.
Chen Yizhong, *1986 Chongqing, China, has been
studying at Sichuan Fine Arts Institute, China, since
2009 (MFA). He mainly works in video, but also in painting and installation. His work challenges the social reality and pays attention to details in social life. He is
currently an exchange student at Braunschweig University of Art, Germany, in the Film Class of Professor
Michael Brynntrup.
Æ4:20 min | 2012 | video (HD) | sound (no dialog)
DAS ÜBERFLUSSPARADOXON
AM WASSER /
By the Water
BENZINFILM (EIN
RENDEZVOUS MIT DER
UNVERNUNFT)
Deborah Uhde
Martina Gromadzki
Enrico Viets
Diese Collage ist eine filmische Reflexion von Wachstumsprozessen.
Verschiedene Dimensionen der
Wahrnehmung von Kreisläufen kollidieren, rücken voneinander ab
und stellen dann wieder Bezüge
zueinander her.
Ein Fachmann analysiert die globale Wirtschaftslage, ein anonymes
Individuum sucht die Verbindung
mit seiner Umgebung.
Für einen Moment lassen
Gedanken das Seeufer
seltsam und fremd erscheinen.
Es ist das Licht, welches den Film möglich
macht, es ist das ständig brennende innere
Feuer welches ihn zum Leben erweckt, aber
das hier ist ganz und gar kein Film, der nur
die technischen oder fanatischen Standpunkte des Films an sich beleuchtet, sondern eine introspektive Selbstanalyse. Es ist
ein Film darüber wie das Feuerwerk der Realität mich als Filmemacher beeinflusst.
This compilation is a cinematic reflection of growth processes – taken from different perceivable dimensions.
The film is opened in a subjectivelike perspective with intervals of
verbal expressions, followed by
several parts revolving around circuits. An expert is giving an abstract on globality, an anonymous
individual tries to connect with its
surrounding.
Deborah Uhde, born in Braunschweig in 1982. Studied Philosophy, History of Arts and Journalism
in Leipzig. She joined the Film Class
with Professor Michael Brynntrup
in 2010.
Æ5:40 min | 2012 | video (HDV) |
sound
Æ(Sprachfassung: deutsch,
englisch; deutsche Untertitel)
A strange moment by the
lakeside.
Martina
Gromadzki,
*1990, Bad Hersfeld, has
been studying Fine Art at
Braunschweig University
of Art since 2009. She has
been in classes under
Professor Michael Brynntrup and Professor
Corinna Schnitt since
2010. Her main medium is
video. She likes to experiment with different media
for her films, especially
with music and sounds.
Æ5:07 min | 2012 | video
(HDV) | sound (no
dialog)
ÆMartina Gromadzki
(Film, Schnitt,
Komponist, etc.) (film,
cut, composer, etc.)
›Petrolfilm‹ (rendezvous with the imprudence). It is light that makes films possible,
it is the inner burning fire that makes films
come to life, but this is not just a film about
technical and/or biblical/theological standpoints, but about a very intimate process of
self-analysis, I am taking the fire to bring
light to the darkness, my dark (sides). It’s a
film about how the firework of reality keeps
affecting me as an artist. It’s a very prosaic
work, but also speechless, having only German subtitles, I kept it German only to keep
it ›simply pure‹. I hope these pictures are
strong enough to speak their own language.
Enrico Viets, *1984 in Hanover, has been
studying Fine Arts at Braunschweig University of Art since 2007. His films have screened
at various festivals since he started to study:
EMAF, Braunschweiger Filmfest, KLEX Festival, Filmsalat, FKX 2012, 12. Grande Filiale Internationales Filmfest in Speyer, Kinetika!
Filmfest, 9th Director Lounge Berlin. He
mainly makes Experimental Films, Self Films
and movies close to cinematic limits.
Æ7:17 min | 2012 | video (HD) | sound
(Sprachfassung: englisch; deutsche
Untertitel)
139
MEDIA CAMPUS
HBK BRAUNSCHWEIG
VIRTUAL REALITV
WATER IDENTITY
EINMAL AM TAG
Rico Chibac
Jie Jie Ng
Alice Angeletti
Dieses Video schockiert die User
des World Wide Web. Es ist vor einiger Zeit auf YouTube erschienen
und zeigt die grausame Brutalität
des Krieges in Afghanistan. Das Video stammt von einer Wärmebildkamera, dessen Aufnahmen von
dem dazugehörigen Monitor abgefilmt wurden.
Wir werden ein Teil unserer Erfahrungen. Unsere Identitäten sind
wie flüssige Einheiten und sie werden durch unsere Erfahrungen verändert, sogar wenn wir uns dessen
nicht bewusst sind.
Es passiert einmal am Tag. Wenn
keiner sieht und keiner gesehen
wird.
We become part of our experiences. Our identities are like fluid
entities, and they are changed by
these experiences, even when we
are not aware of it.
Alice Angeletti, born in La Spezia,
Italy, in 1978. She studied Egyptology and Ancient Literature at Pisa
and Tübingen Universities. She
moved to Germany in 2007, and has
been attending Braunschweig University of Arts since 2011, where
she studies Fine Arts in the classes
of M. Brynntrup and C. Schnitt.
www.alice-angeletti.de
This video shocks users of the
world wide web. It was published
on YouTube some time ago and
shows the immense brutality of the
war in Afghanistan. The video was
made using an infrared camera,
whose broadcast images were
recorded from a computer screen.
Rico Chibac was born in Flensburg
in 1984. He studies ›Free Arts‹ at
Braunschweig University of Art, focusing on Film, and works as a musician, artist and filmmaker.
Æ4:13 min | 2011 | video (HDV) |
sound
ÆSprachfassung: deutsch,
englisch
140
Jie Jie Ng, born in Singapore, I have
always been interested in reading.
Later I studied Comparative Literature at the University of Michigan,
USA. Upon graduation, I discovered
video making as a medium of expression and story telling and am
now doing Fine Arts at Braunschweig University of Art, Germany,
majoring in Video.
Æ6:09 min | 2012 | video (HD) |
sound
ÆSprachfassung: chinesisch;
deutsche Untertitel
It happens once a day. When nobody is looking and nobody is seen.
Æ1:46 min | 2012 | HD (16:9) | col |
sound
ÆTeil des Projekts ›Meine liebste
Perversion‹
DAILY REQUIREMENT
EIS
ARE YOU SERIOUS?!
HsiaoHan Lan
SzuYing Hsu
Lukas Hofmann
Dai-ly [adjektiv]: Ta-ges- In Bezug
auf einen einzelnen oder bestimmten Tag
Re-quire-ment [nomen]: -be-darf,
Verwendet, um die Dinge oder Personen zu bezeichnen, die jemand
für einen bestimmten Zweck
braucht
Froh? Wunderbar? Auf welche Weise wollen Sie zusammen mit Ihrem
Liebsten ein Eis geniessen?
Ausgewählte Spezialisten, Universal-Wissenschaftler, urbane Schamanen und professionelle Gesellschaftskritiker berichten über jenes, über das nicht berichtet werden kann...
Dai-ly
[adjective]: Happening,
done, made, used, or existing every
day; of or relating to one day.
Re-quire-ment [noun, plural: require-ments]: Something that is
needed or that must be done;
something that is necessary for
something else to happen or be
done.
HsiaoHan Lan, born in Taiwan, currently lives and studies in Germany.
Gained a Bachelor of Fine Art from
ENSA in Dijon in 2012, followed by a
one-year formation at photography
school in Paris in 2010. Has mainly
been working with video and photography as forms of expression
since 2011.
Happy? Wonderful? Which way do
you want to share the ice cream
with your lover?
SzuYing Hsu, born in Taipei, Taiwan,
currently works mainly with digital
image, specialising in making
videos, photography and ink and
wash painting. Now studies and
lives in Braunschweig, Germany.
Æ1:54 min | 2012 | DV (16:9) | col |
silent
Perversion‹
Professionals, universal-scientists,
urban shamans and social critics
report about that which can’t be reported about...
Lukas Hofmann, born in Limburg
Lahn in 1986, Libra & Leo, has been
studying Film/Video since 2009, and
calls himself an ›ambassador of the
invisible‹.
Æ10:18 min | 2012 | video (HD) |
sound (Sprachfassung: deutsch,
englisch)
Æ2:44 min | 2012 | HD (16:9) | col |
sound (no dialog)
Perversion‹
141
MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULTAG
ROYAL INSTITUTE OF TECHNOLOGY (KTH), STOCKHOLM
Forschungsgruppe Medientechnik und Interaktionsdesign
Wir sind eine interdisziplinäre Forschungsgruppe, die aus zwei vorherigen Forschungsgruppen, Medientechnik
und Grafische Produktion sowie Mensch-Computer-Interaktion, zusammengestellt wurde.
Die Wurzeln unserer Gruppe liegen in der Informatik und den Verhaltenswissenschaften sowie der Grafischen
Technik und der Medientechnik und sie verfügt heute über Wissenschaftler, die Bereiche wie Anthropologie und
Psychologie, Informatik und Medientechnik, Interaktionsdesign, Film- und Literaturwissenschaften sowie Medien- und Kommunikationswissenschaften vertritt.Unser Team besteht mittlerweile aus ca. 90 Personen, von
denen ungefähr 50 % Doktoranden sind. Unser Bereich kann zusammengefasst als innovatives Design, Anpassung und Verbesserung vorhandener Systeme und Prozesse beschrieben werden, mit dem Ziel, Computerund Mediennutzung sowie Medienproduktion zu vereinfachen. Wir verwenden Techniken und Methoden, die die
menschliche Kommunikation über zeitliche und räumliche Entfernungen hinweg unterstützen soll.
http://www.kth.se/en/csc/forskning/mid
Vorstellung des Metaphone Projekts
Das Metaphone ist ein interaktives Kunstwerk, das biosensorische Daten von Teilnehmern in farbige, evokative, wahrnehmbare, visuelle Muster auf einer großen Leinwand umwandelt. Die Biosensoren registrieren Bewegung, Puls und Hautleitfähigkeit, wobei die beiden zuletzt genannten mit emotionaler Erregung zu tun haben.
Die Maschine schafft eine traditionelle Kunstform, d.h. farbige Malereien werden erzeugt, die mit den pulsierenden, lebendigen Körpern der Teilnehmer und den maschinenähnlichen Bewegungen des Metaphones einen
Kontrast bilden. Die Teilnehmer, die mit der Maschine interagieren, erhalten ihr ganz persönliches, für sie gezeichnetes Bild – eine äußerst involvierende Aktivität, die eine ganze Reihe von Fragen rund um BiosensorTechnologien aufwirft. Die Teilnehmer am Projekt müssen sich damit einverstanden erklären, ihre persönlichen
Daten preiszugeben, wodurch der interaktive Diskurs bei gleichzeitiger Infragestellung der Ausweitung des
Körpers durch die Maschine und der beteiligten Teilnehmer durch die öffentliche Zurschaustellung ihrer inneren Welten, erweitert wird.
Das Metaphone-Projekt entstand durch eine Zusammenarbeit zwischen Vygandas und zwei weiteren Studenten der KTH: Anders Lundstrom, verantwortlich für Sound und den musikalischen Teil des Projekts sowie Jordi
Solsona, zuständig für den Bereich Biosensor-Technologie.
http://www.kth.se/en/csc/forskning/mid/2.52188/a-machine-that-paints-your-feelings-1.380557
142
Royal Institute of Technology (KTH), Stockholm
Research Group Media Technology and Interaction Design
We are an interdisciplinary research group consisting of two previous research groups Media Technology and Graphical Production, and Human
Computer Interaction.
The group has its roots in computer and behavioral science, graphic technique and media technology, and currently has faculty representing, e.g.
Anthropology and Psychology, Computer Science and Media Technology,
Interaction Design, Film and Literature Studies and Media and Communication Science.The group currently consists of 90 people; around 50% of
us are PhD students. We conduct education, research and the third mission within our topics. Our area can briefly be described as innovative design, adjustment and improvements of existing systems and processes to
facilitate computer and media use and media production. We work with
techniques and methods in order to support human communication over
distances in time and space.
http://www.kth.se/en/csc/forskning/mid
Presentation of The Metaphone Project
The Metaphone is an interactive art piece that transforms biosensor data
extracted from participants into colourful, evocative perceivable visual
patterns on a big canvas. The biosensors register movement, pulse and
skin conductance, the latter two relating to emotional arousal. The machine creates a traditional art form – colorful paintings – which can be contrasted with the pulsating, living
body of the participants and the machine-like movements of the Metaphone. Participants interacting with the
machine get their own painting drawn for them – a highly involving activity spurring a whole range of questions
around bio-sensing technologies. The participants engaging with Metaphone have to agree to share their personal data, thereby expanding the interactive discourse while questioning the extension of the body with the
machine and involving participants with public exposition of their inner worlds.
The Metaphone project was a collaboration between Vygandas and two other KTH students: Anders Lundstrom
for the sound and musical part of the project and Jordi Solsona for bio-sensing technologies.
http://www.kth.se/en/csc/forskning/mid/2.52188/a-machine-that-paints-your-feelings-1.380557
Vygandas Simbelis is an artist and researcher; he has a background in fine arts. His creative experience covers
media art, film and photography as well as a solid background in design and graphic art.
Vygandas is currently employed full time as a PhD candidate, being supervised by Professor Kristina Höök, with
teaching duties at the Media Technology and Interaction Design Department of the Royal Institute of Technology
(KTH) in Stockholm, Sweden, and constantly joins creative processes at the Mobile Life Centre in Kista, Sweden.
His field of research covers affective computing, visualization of emotions, physical interaction design and new
media art, taking a perspective from bodily experiences and phenomenology.
Read more on: http://metaphone.net
http://simbelis.com/project/metaphone/
143
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
THE WAYS THINGS MAY GO
Alberto de Campo, Hannes Hoelzl, Julian Rohrhuber u. a.
Eine Meditation über Zufälligkeit in einer vernetzten Welt.
Nach einer Sichtung des Videos von Fischli / Weiss’ »Der Lauf der Dinge« bauten Alberto de
Campo, Hannes Hoelzl, Julian Rohrhuber und Studierende kleine prozessgesteuerte Apparate, die zu zwei oder mehr möglichen Resultaten führen. So kann zum Beispiel eine Serie
fallender Dominosteine mehrere unterschiedliche Verläufe annehmen und eine zufällige
Folge weiterer Prozesse in der physikalischen Welt auslösen. Das Ende eines Verlaufs bestimmt, welcher Prozess anschließend startet. Durch die mehr als zwölf Module dieser
hochkomplexen Landschaft kleiner kinetischer, klangerzeugender Maschinen entsteht ein
offenes, dynamisches Feld der Möglichkeiten. ›The Ways Things May Go‹ ist ein Gemeinschaftsprojekt der UdK Berlin (Alberto de Campo), HfK Bremen (Hannes Hoelzl), IMM Düsseldorf (Julian Rohrhuber) und Angewandte Wien (Nico Kirisits, Klaus Filip) sowie der FH Basel.
Die folgenden 13 Arbeiten sind Bestandteile des Projekts ›The Ways Things May Go‹.
A meditation on randomness in a networked world.
After viewing the video ›Der Lauf der Dinge‹ by Fischli /Weiss, Alberto de Campo, Hannes
Hoelzl, Julian Rohrhuber and students constructed small process-controlled devices that
lead to two or more possible results. For example, a series of toppling dominoes can take
several different courses and a random consequence can trigger other processes in the
physical world. The end of a course determines which process shall then begin. Thanks to
the over twelve modules of this highly complex landscape of small kinetic sound-generating
machines, an open dynamic field of possibilities arises. ›The Ways Things May Go‹ is a joint
project of Berlin University of the Arts (Alberto de Campo), University of the Arts Bremen
(Hannes Hoelzl), IMM Düsseldorf (Julian Rohrhuber) and the University of Applied Arts Vienna (Nico Kirisits, Klaus Filip) as well as FH Basel.
The following 13 works are parts of the project ›The Ways Things May Go‹.
ÆD / CH / A 2012
144
HAMSTERGESTÜT /
Hamster Stud Farm
SPEAKERPENDULUM
Alberto de Campo
Hannes Hoelz
Drei Spielzeug-Hamster laufen in einem polygonalen
Areal, und ändern ihre Richtung, wenn sie auf ein Hindernis stoßen. Wenn ein Hamster einen anderen
rammt, bleiben alle Hamster stehen; die Identität des
›Täters‹ bestimmt, welches Element der Kette als
nächstes aktiviert wird.
Ein elektrisch leitendes Pendel wird durch die schwingende Membran eines Lautsprechers in Bewegung
versetzt. Das Pendel kann eines von drei möglichen
Pads treffen, das einen entsprechenden output generiert.
Three toy hamsters begin to move around within a
polygonal area, turning in a new direction when they
hit an obstacle. When a hamster runs into another,
they all stop; the identity of the ›offending‹ hamster
determines which element of the causal chain is activated next.
Alberto de Campo, born in Graz, Austria. Studied composition and jazzguitar. Since 2001 he is working in the
field of Art and Media Sience at KHM Cologne. As a Visiting Professor for electronic music at TU Berlin he developed a software for soundsynthesis in cooperation
with Curtis Roads.
An electrically conductive pendulum is set in unpredictable motion by the movement of a loudspeaker
membrane. It can hit one of three possible pads, generating corresponding output.
Hannes Hoelzl, * 1974 in Bolzano, Italy, guest professor
for Computational Art, Berlin University of the Arts,
Lecturer for Sound in the Media, University of the Arts
Bremen.
ÆD, 2012-13
ÆProject >The Ways Things May Go<
ÆD 2012/13
145
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
TIME TO SAY GOODBYE
ATMOSPHERE / Atmosphäre
Constantin Engelmann
Eva Pedroza
Die chaotischen Bewegungen eines Doppelpendels
werden erkannt und in klangliche Ereignisse übersetzt. Die nicht vorhersehbaren Überschläge des Pendels bestimmen wiederum, welche Installation als
nächstes zum Leben erweckt wird.
Rauch quillt aus zwei Vulkanspitzen. Der Wind trägt
ihn zu zwei Rauchmeldern. Der Detektor, der zuerst
den Rauch erfasst, bestimmt welches Element der
Kausalkette als nächstes aktiviert wird.
The chaotic movements of a double pendulum are being tracked and sonified. The unpredictable rollovers
of the pendulum define which installation is to be chosen as the next iteration of the installation.
Constantin Engelmann, * 1987 Frankfurt am Main, Visual Communication, Generative Art Class, Berlin University of the Arts since 2007. Master of Fine Arts, City
University Hunter College New York 2010
146
Smoke rises from two volcano peaks; the wind carries
it toward two smoke detectors. The detector that triggers first determines which element of the causal
chain is activated next.
Eva Pedroza, * 1982, is from Buenos Aires, where she
graduated with a degree in Fine Arts. She is now studying Art and Media at Berlin University of the Arts. She
has exhibited her work internationally. For more information visit: evapedroza.com
ÆD 2012
MUSIC SEARCH
POEMA SOLO
Ljupcho Temelkovski
Monai de Paula Antunes
In einer Kette von CD-Laufwerken öffnet jedes die
Schublade des nächsten. Das letzte Laufwerk löst das
Abspielen eines beliebigen Tracks in einem CDWechsler aus; der Song wird akustisch von einer Webseite erkannt. Der Titel des erkannten Songs bestimmt, welches Element der Kette als nächstes aktiviert wird.
In Poema Solo kreuzen sich Werte von Rot, Grün und
Blau während sich die Glas/Aluminium/Stoffe Struktur dreht, einzig beschränkt durch die Topographie.
Die Arbeit generiert Sounds und Formen, die nach einer Weile das Output definiert, abhängig vom höchsten Wert zwischen R, G und B.
In a chain of CD-drives, each one opens the next one's
tray. The last one triggers random playback of one of
the tracks in a CD-changer; the song is recognized
acoustically by a web site. The title of the recognized
song determines which element of the chain is activated next.
Ljupcho Temelkovski, * 1979 in Macedonia, is a media
artist living and studying in Berlin. His interest in expressing himself using different media accompanied
him throughout his Bachelor studies in Bulgaria, focusing on Photography and Video Art. He is currently
studying ›Art and Media‹ at Berlin University of the
Arts, focusing on Film, Sound and Computational Art.
His work has been presented in numerous solo and
group exhibitions all over Europe.
In Poema Solo, values of Red, Green and Blue interlace
each other while the glass/aluminium/fabric structure
moves, constrained only by the suspended topography
- generating shapes and sounds that, after a while, assign the highest momentary value between R, G and B
as output.
Monai de Paula Antunes, * 1983 in Brasilia, Brazil,
studies in the Generative Art Class of Professor Alberto de Campo on the Bachelor programme in Visual
Communication at Berlin University of the Arts. With
experience in set design, mainly for the film and advertising industry, she has increasingly become dedicated
to investigating the performativity of objects, systems
and processes.
ÆD 2012
147
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
IDANCEALONE
ASSEMBLY LINE
Philipp Klein
Sascha Hanse
Ein Saxofonintro ertönt und Finger mit rot lackierten
Nägeln ziehen rhythmisch an den Lamellen einer
Jalousie. Die Bewegung der Finger folgt einer Formel
mit Pseudo-Zufallszahlen und kontrolliert zugleich
live die Tonhöhe des Saxophons. Am Ende des Ablaufs
simuliert ein Mechanismus eine erotisch aufgeladene
Geste.
Zwei Elektromagnete magnetisieren zwei Handvoll
Metallkugeln für eine kurze Zeit. Das induzierte Magnetfeld der Metallkugeln wird gemessen und als Indikator für die Wahl des nächsten Objekts genutzt.
A saxophone sample starts playing and fingers with
red painted nails pull rhythmically to the blades of a
blind. The movement of the fingers follows a pseudorandom formula, which also controls live the pitch of
the saxophone. At the end of the process, a mechanism simulates an erotically charged gesture.
Philipp Klein, * 1986, Dachau, Germany. Student in the
Generative Art / Computational Art Class, Berlin University of the Arts, with Alberto de Campo
ÆD 2012/13
148
Two electromagnets magnetise two handfuls of metal
balls. After the activation period, a sensor determines
the strength of the magnetic field retained by the balls
and passes the result on.
Sascha Hanse, * 1987, Berlin, Berlin University of the
Arts, Generative Art.
ÆD 2012
SINPONG
KAIN KNIFFAL! BOOHOO!
Tobias Purfürst
Katharina Hauke, Dominik Hildebrand Marques Lopes
Eine Lautsprechermembran lässt gelbe und weiße
Tischtennisbälle innerhalb eines Zylinders tanzen.
Wenn ein Ball in die umliegende Spur springt, wird
dessen Farbe ermittelt. Das Ergebnis bestimmt, welches Element aus der Kausalkette als nächstes aktiviert wird. Am Ende der Spur bringt eine gezielte Bewegung jeden Ball wieder in seine ursprüngliche Position zurück.
In der Kniffel-Simulation spielt der Computer mit sich
selbst. Das Video wird entsprechend der ›erwürfelten‹
Ergebnisse zusammengesetzt, die Sounds sind computergeneriert.
Kniffel, große Straße und Full House führen zum Ausgang.
A loudspeaker membrane makes yellow and white
pingpong balls dance within a cylinder. When a ball
jumps into the surrounding track, its colour is detected, and deter-mines which element of the causal
chain is activated next. At the end of the track, an
aimed shot brings each ball back into the starting position.
Tobias Purfürst, *1983 in Berlin, works and lives ibidem. After studying Architecture at Berlin University of
the Arts and spending an exchange year in Iceland, including an internship at Greenhouse Music Studios, he
started focusing on sound design, experimental and
film music production (including work for the AK Ludwigsburg, Expo Shanghai 2010, lem-studios). He has
been studying ›Art and Meida‹ at Berlin University of
the Arts since 2011.
In this simulation the computer plays Yahtzee with itself. The video is constructed retroactively to match
the current result. The sounds are generated by the
computer to somewhat match the picture.
Yahtzee, the Large Straight and the Full House will
pass on to the next element of the installation.
Dominik Hildebrand Marques Lopes see ›Horses on
Fire‹.
149
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
HORSES ON FIRE
MEOWSCHES PENDEL
Sara & Dominik Hildebrand Marques Lopes
Sara & Dominik Hildebrand Marques Lopes
Inspiriert von einem bekannten Kirmes-Wurfspiel, liefern sich
bei dieser Installation drei Pferde, die an einem Seil befestigt
sind, ein Rennen. Ein Computerprogramm berechnet dazu für
jedes Pferd einen Geschwindigkeitsverlauf aus verschiedenen
Parametern wie Geläuf, Form und Wetter. Der eigentliche Rennverlauf wird dabei jedoch von einer Selbstschussanlage beeinflusst: mittels einer Kamera werden die Pferde ins Visier genommen und abgeschossen. Trifft ein Holzkugelgeschoss eines
der Pferde, bleibt dieses für kurze Zeit stehen, wodurch sich der
berechnete Zieleinlauf entscheidend verändert. Das Gewinnerpferd eines Rennens bestimmt, welche der vorhandenen Installationen innerhalb der gesamten Topologie im folgenden gestartet wird.
? moi avec jouer wool et wool et wool et wool
et wool jouer avec moi?
Zwei Glückskatzen spielen mit ihrem Newtonschen Wollependel. Einerseits reine Energieunterhaltung. Doch es geht auch um
was! Wer trifft schubst das virtuelle Glücksrad in seine Richtung. Die finale Zahl auf
dem Rad entscheidet darüber, welche der
vorhandenen Installationen innerhalb der
gesamten Topologie im folgenden gestartet
wird.
As in a game at a fun fair, three horses on ropes run a race. A
program calculates different speed curves for each horse in
each race. The race is influenced by a device that can fire wooden balls at the horses: this happens automatically by camera
tracking. When a horse is hit by a wooden ball, it stalls briefly,
thus potentially changing the outcome. Which horse wins determines which element of the causal chain is activated next.
? moi avec jouer wool et wool et wool et wool
et wool jouer avec moi?
Two cats of fortune play with their Newton's
wool cradle. A virtual wheel of fortune accelerates whenever a cat hits one of the wool
balls. Which number the wheel of fortune
shows at the end determines which element
of the causal chain is activated next.
Biography: see >Horses on Fire<.
Dominik Hildebrand Marques Lopes, *1980 in Karlsruhe. He
holds a degree in Audio and Video Engineering from the Institute
for Music and Media Düsseldorf and is currently studying Arts
and Media (Meisterschüler) at Berlin University of the Arts.
Sara Hildebrand Marques Lopes, *1980 in Mönchengladbach.
1998-2001 apprenticeship to become a stablehand, focusing on
trotting races, 2003-2006 apprenticeship to become a medical
assistant, 2009-2011 Design at Düsseldorf University of Applied
Sciences. Has been studying Arts and Media at Berlin University
of the Arts since 2011.
150
DAS MILLENIUM ZWISCHEN
SONNENLICHT UND REGEN
VINCENT UND EMILY
Elisa Storelli
Nikolas Schmid-Pfähler & Carolin Liebl
Die Arbeit liegt an der Schnittstelle zwischen digitalem Prozess und natürlichem chaotischen Ereignis.
Sonne und Regen, beide notwendig für das Leben auf
der Erde, sind die Merkmale dieser Maschine. Beide
Prozesse sind umgewandelt in Signale, die im Zyklus
der Installation wiedergegeben werden.
›Vincent und Emily‹ sind zwei eigenwillige Roboter, die
dem Betrachter die Abgeschiedenheit einer Paarbeziehung und gleichzeitig die Eingebundenheit in die
Gesellschaft und deren Impulse zeigen. Über Sensoren erfassen sie Bewegungen und Geräusche und reagieren auf diese durch eigene Äußerungen. Die Bewegung der Roboter wird durch ein Zugsystem aus drei
Motoren realisiert, deren Rotation über Zahnräder und
Zahnstangen in eine lineare Bewegung übersetzt wird.
The Millenium between sunlight and rain
This piece is situated at the interface of digital
processes and natural chaotic events. Sun and Rain,
both essential to life on earth, are the main features of
this machine. Both processes are being translated
into control signals and fed back into the installation
cycle.
Elisa Storelli, * 1986, Brissago, Switzerland. Student in
the Generative Art/Computational Art Class, Berlin
University of the Arts
ÆD 2012/13
›Vincent and Emily‹ are two self-willed robots demonstrating to the viewer the seclusion of a couple relationship and, at the same time, how it is integrated in
society and the impulses it creates. They capture
movements and noises via sensors, and respond to
them by making their own utterances. The robots’
movements are realised by a pulling system consisting of three engines, the rotation of which is translated into linear movement via cogs and racks.
Carolin Liebl, * 1989 in Lichtenfels, Germany. Studies
visual communications at the Offenbach University of
Art and Design since 2010.
Nikolas Schmid-Pfähler, * 1987 in Gießen, Germany.
Studies visual communications at the Offenbach University of Art and Design since 2010.
ÆD 2012
ÆMaterials: Raspberry PI, Arduino, Motors, Camera,
Speakers, Microphon, Python
151
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
THEY UPPED THEIR GAME
AFTER THE ORANGES
TUCHFÜHLER
Jane Cassidy
Christoph Kilian
›They Upped Their Game After The Oranges‹ ist ein
durch Projection Mapping erzeugtes visuelles Musikstück für eine Ecke. Die langsame, harmonische Musik
wird synchron zu den Bildern lauter, um den Betrachter in ihren meditativen Bann zu ziehen. Das Stück
nimmt an Umfang, Komplexität und Bewegung zu, um
etwas zu schaffen, das wie eine sehr organische Form
erscheint. Mit dem Mapping wird eine Illusion erzeugt,
Raum wird undeutlich, Licht spielt eine große Rolle.
Die Kombination von Musik, Animation und Projection
Mapping erweckt die Ecke zum Leben und ermöglicht
es dem Publikum, visuelle Musik auf eine neue Art und
Weise zu erleben.
Eine Gruppe elektromechanischer Einheiten ertastet
ein Seidentuch, das sich mit der Luft und den Besuchern im Raum bewegt. Jede Bewegung des Tuches
regt die kleinen Apparate an, mit ihren filigranen Tentakeln die Form des Tuches weiter zu verändern und
die Raumsituation zu transformieren.
›They Upped Their Game After The Oranges‹ is a projection mapped visual music piece for a corner. The
slow, harmonic music swells in synchrony with the visuals to draw the viewer into it's meditative allure. The
piece grows in scale, complexity and movement to
create what appears to be a very organic form. With
the mapping, illusion is created, space is confused
and great weight is attributed to the light. The combination of music, animation and projection mapping
brings the corner to life and allows audiences to experience visual music in a novel manner.
Jane Cassidy is a New Orleans based multi disciplinary
artist and educator from Galway, Ireland. Primarily
trained in music composition and animation, Jane
earned a Masters in Music and Media Technologies
from Trinity College Dublin in 2008. Jane's main interests lie in visual music, installations, live Vjing, electroacoustic composition and multi-channel work.
ÆIRL / USA 2012
ÆMaterials: Projector, Laptop, Stereo Speakers,
Corner, 5.49 Min., Loop
152
A group of electro-mechanical units touches a silk
scarf, which moves with the air and the visitors in the
room. Every movement of the cloth stimulates the
small appliances to change the situation in the room
with their thin carbon fibre rods.
Christoph Kilian, * 1983 in Bad Kreuznach, Germany.
Lives and works in Cologne. Since 2011 he is postgraduate student in Media and Fine Art at KHM, Academy of
Media Arts Cologne.
ÆD 2012
ÆMaterials: light, silk scarf, copper cable, modules,
1100 W spotlight, magic arm, power supplies,
weights
STATUS QUO
O.T.02/012
Christian Lohre
Christian Lohre
Eine unter Spannung stehende Schachtel. Das von der
Skulptur ausgehende Rauschen kalibriert sich durch
die vom Betrachter eingenommene Entfernung. In einem bestimmten Abstand zur Skulptur wird das Material identifizierbar.
Gläser mit davorliegenden Solaranschlagsapparaturen sind in einer Bodenformation der Energie eines
Baustrahlers ausgesetzt. Immer dann wenn ein Energiezustand sein Maximum erreicht hat, schlägt die
Apparatur in kleinen Salven die mit Wasser gefüllten
Resonanzkörper an. Die Installation rhythmisiert sich
somit in Klangabfolge / Klangfarbe autonom.
A box under pressure. The noise that emanates from
the sculpture will be calibrated by the recipient’s distance from it. At a certain distance from the object,
the material can be identified.
Christian Lohre, * in Paderborn, has been studying
Sound Studies / Sculpture with Ulrich Eller / Bogomir
Ecker at Braunschweig University of Art since 2011.
2010 Erasmus scholarship holder for Braunschweig
University of Art. 2008-2010 studied Art at the Faculdas de Bellas Artes Tenerife.
www.christianlohre.blogspot.de
ÆD 2011
ÆMaterials: Microcontroller, sound sample, plastic
box, clamp
Solar gadgets are placed in front of water-filled glasses. The formation is placed under a construction lamp.
Whenever a unit has reached its maximum energy level, the apparatus strikes the glasses in tiny bursts. The
sound sequence / timbre is rhythmised by the actual
installation.
Biography: see ›Status Quo‹.
ÆD 2012
ÆMaterials: glasses, water, modified e-motors with
solar cells, construction lamp
153
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
O.T.03/012
O.T.01/013
Christian Lohre
Christian Lohre
In dieser Aufführungssituation stehen baugleiche Elemente in einer lockeren Setzung im Raum. Jedes dieser Elemente beschreibt eine Einheit von Klangerzeuger und Resonanzkörper. Schwarze Kugeln bewegen
sich kontinuierlich, diskontinuierlich auf Zinkeimerböden. Das sich ausbreitende, räumliche Klangfeld
wird als Multiplikation singulärer Vorgänge identifizierbar. Dialogische Sequenzen zwischen einzelnen
Baugruppen werden freigestellt. Im Zeitverlauf wird
die qualitative Dimension, unterschiedlicher, rhythmischer Abfolgen durch tonal zufällige Zusammensetzungen erfahrbar. Durch die Möglichkeit des Umlaufens der Skulptur wird die veränderbare Position Teil
der akustischen Rezeption. Diese verändert sich je
nach Beschaffenheit des Präsentationsortes.
Fünf baugleiche Mediaplayer, sind in einer Reihung in
Augenhöhe angebracht. Kollabierende Luftballons in
ihren unterschiedlichen tonalen Sequenzuständen
sind zu sehen. Diese Clips laufen als Schleifen auf allen Playern in unterschiedlicher Lautstärke ab. Durch
Verschiebung der Spielfolgen wird fortlaufend eine
neue Zusammenstellung der Vorgänge erfahrbar gemacht. Die Multiplikation audiovisueller Vorgänge
markiert hier ein akustisches Konzept. Die qualitative
Dimension unterschiedlicher, rhythmischer Abfolgen
wird als Klangfeld in den Raum eingeschrieben werden.
In this performance situation, identically structured
elements are casually placed around the room. Each
element describes a unit consisting of a sound generator and a sound box. Black balls continually move, intermittently on the bottom of zinc buckets. The unfolding spatial sound field can be identified as the
multiplication of singular processes. Dialogic sequences between individual assemblies are released.
In the course of time, the qualitative dimension of different rhythmic sequences becomes audible through
random tonal combinations. Being able to walk around
sculpture, the changeable position becomes part of
the acoustic reception, which alters, depending on the
nature of the venue.
ÆD 2012
ÆMaterials: moving balls on zinc buckets
154
Five identically structured media players are attached
in a row at eye level. Collapsing balloons in their different tonal sequence states are visible. These clips
resound at different volumes as loops from all five
players. Shifting the playing sequences enables a continuously new composition of the processes to be experienced. The multiplication of audiovisual processes marks my acoustic concept here. The qualitative dimension of different rhythmic sequences will be enlisted in the room as a sound field.
ÆD 2013
ÆMaterials: media players, video samples, looped,
variable size
BLOCKPARTY
Studierende der Medieninformatik an der Hochschule Osnabrück
Der Besucher baut gemeinsam mit anderen Nutzern und auf spielerische Weise neue architektonische Welten. Über Tablet oder Smartphone werden virtuelle Blöcke im Raum platziert um neue Bauwerke zu erschaffen. Die Nutzer passen außerdem die Oberflächen der Bauelemente an, wodurch das Bauwerk noch individueller gestaltet werden kann. Gebaut wird gleichzeitig mit den anderen Nutzern des Systems. Jeder Nutzer sieht
alle Änderungen auf dem eigenen Gerät. Die wachsenden virtuellen Welten werden live auf einer Leinwand und
als 3D-Modell dargestellt. Das Projekt wurde von Studierenden der Medieninformatik an der Hochschule Osnabrück entwickelt und soll mit seinem spielerischen Zugang bei jedem Besucher für kreativen Bau-Spaß sorgen.
The visitors team up with other users to playfully build new architectural worlds. Using tablets or smart phones,
virtual blocks are placed in the room, creating new structures. What’s more, users can also adapt the surfaces
of the construction elements, enabling the even more individual design of the structures. Construction takes
places simultaneously with other users of the system. Each user can view all of the changes on his own device.
The growing virtual worlds are presented live on a screen and displayed as a 3D model. With its playful approach, the project, developed by Media Informatics students at Osnabrück University of Applied Sciences,
aims to give visitors the opportunity to enjoy creative construction work.
Danyel Kemali, a 24-year-old student of Media Informatics at Osnabrück University of Applied Sciences, implemented the server realisation as project leader of the BlockParty project and, together with Jenny Molske, the 3D
visualisation. He is currently in his final semester, after which he plans to embark on a Master’s programme.
Jennifer Molske, 21 years of age, is studying Media Informatics at Osnabrück University of Applied Sciences. She
is currently completing her final semester, after which she expects to start a Master’s programme. In the BlockParty project, she was involved in developing communication between the server and the client, and in the 3D visualisation.
Steffen Gruschka is 23 years of age, and was born in Bielefeld. He is studying Media Informatics at Osnabrück
University of Applied Sciences. At the moment, he is completing his practical phase, after which he will be able
to prepare his Bachelor thesis. His task within the BlockParty project was to plan and implement the BlockParty texture drawers, which can be used to draw individual textures for the BlockParty.
Klaus Bleck, 23 years of age, is studying Media Informatics at Osnabrück University of Applied Sciences. He is
currently in his final semester, after which he plans to embark on a Master’s in Mobile and Distributed Systems.
His task within the EMAF BlockParty project was to develop the visualisation of the incoming and outgoing block
data on the terminal on the basis of Open GLES 2.0.
Jülide Meyer is 22 years of age and is studying Media Informatics at Osnabrück University of Applied Sciences.
She is presently in her final semester, after which she plans to complete a Master’s in Mobile and Distributed
Systems in Osnabrück. In the BlockParty project, she was tasked with developing a mobile android application,
focusing on user interfaces.
David Markstädter is 24 years old and studies Media Informatics at Osnabrück University of Applied Sciences.
He is currently in his sixth semester, and intends to write his Bachelor thesis in web development. In the BlockParty undertaking, he was involved in developing the control of the Kinect and implementing the graphics.
ÆD 2013. Date: October 2012 – February 2013
ÆMaterials: tablets, flat-screens. Android Clients, Server in C# and 3D-Visualization programmed with the
Unity-Engine, Kinect program for texture painting, MySQL Database
155
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
PROJEKT 4
FRIEND
Mona Beer
Mari Socolova
In der ortsbezogenen Klanginstallation ›Projekt 4‹ erlebt der Hörer vier jahreszeitliche Kulissen: Frühling,
Sommer, Herbst und Winter als individuelle, unsichtbare Szenarien.
Der Klang von jeder Jahreszeit breitet sich strahlenförmig um den unsichtbaren Soundspot aus. Entfernt
sich der Hörer, ebbt die Jahreszeit ab. Eine andere
Jahreszeit schreitet voran und zieht die Aufmerksamkeit des Hörers auf sich, je nachdem wo er sich im
Raum befindet.
›Friend‹ ist im Durchgang von der großen Kirchenhalle
zum Kreuzgang installiert. Der Passant begegnet einem unsichtbaren Wesen, dessen induzierte Herkunft, Absicht und Motivation ihm nicht bekannt sind.
Der Hörer nimmt die Kreatur einzig über ihre Stimmungsäußerungen und Bewegungen wahr.
In the side-specific sound installation ›Projekt 4‹, the
listener experiences four seasonal settings: spring,
summer, autumn and winter as individual, invisible
scenarios.
Every season’s sound radiates around the invisible
sound spot. When the listener walks away the season
decreases. Another season increases and attracts the
listener's attention, depending on where in the room
he is positioned.
Mona Beer, *1990, has been studying Media and Interaction Design at University of Applied Sience, Osnabrück.
ÆD 2013
ÆSite-specific sound installation (ortsbezogene
Klanginstallation)
ÆMaterials: 4 Abspielstationen, mp3 Player, Boxen,
Endlos-Loop, 2 bis 3-5 Minuten je Station
156
›Friend‹ is installed in the passage of the large church
hall to the cloister. Passers-by encounter an invisible
being whose induced origin, intention or motivation
they know nothing about. The listener can only perceive the creature via its expressions of mood and motions.
Mari Socolova, * 1990, has been studying Media and
Interaction Design at University of Applied Sience, Osnabrück.
ÆD 2013
ÆSite-specific sound installation
ÆMaterials: sound sampler, looped
DER DICHTER
SENSIBILISIERTE WAHRNEHMUNG
Mari Socolova
Merle Miethig
›Der Dichter‹ ist im Toilettenvorraum der Dominikanerkirche installiert. Gitarrenklänge und Vierzeiler kollaborieren, kontrastieren und begleiten den Toilettenbesucher auf seinem Weg ins ›stille Örtchen‹.
Die Mixed Media Installation ›sensibilisierte Wahrnehmung‹ setzt sich mit der ›multiplen Chemikalien
Unverträglichkeit (MCS)‹ auseinander. Die Bearbeitung des Themas ist aus persönlichen Gründen entstanden. Die Filmsequenzen spiegeln die Emotionen,
Empfindungen und Wahrnehmungen wieder, wie sie
die Künstlerin zur intensivsten Zeit erlebt hat.
Die ständige Angst, sich verloren und verzweifelt
fühlen, sich selbst beruhigen zu müssen, weil niemand helfen kann, isoliert zu sein und einfach Überforderung und Bedrückung zu verspüren. Diese Emotionen möchte die Künstlerin mit ihrer Arbeit für den
Besucher erfahrbar machen.
›Der Dichter‹ is installed in the anteroom of the toilets
at the Dominican Church. Guitar sounds and quatrains
collaborate and contrast, accompanying visitors on
their way to the bathroom.
Mari Socolova, * 1990, has been studying Media and
Interaction Design at University of Applied Sience, Osnabrück.
ÆD 2013
ÆSite-specific sound installation
ÆGuitar: Dario Armbruster, vocals: Dietz Ulrich von
Czettritz
ÆMaterials: sound sampler, looped
The mixed media installation ›sensitised perception‹
deals with ›multiple chemical sensitivity (MCS)‹. The
reason for exploring this topic was a personal one. The
film sequences reflect the emotions, sentiments and
perceptions that the artist experienced during the
most intensive period.
The constant fear of feeling lost and desperate, having
to calm yourself because no one else can help, being
isolated and simply feeling overwhelmed and despondent. The artist would like to enable visitors to experience these emotions through her work.
Merle Miethig, *1984 in Lübeck, Germany. Studies Art/
Teaching Art/ Spanish since 2007, University Osnabrück.
ÆD 2012
ÆMaterials: tube television, speaker, headphones,
flour, foil
157
MEDIA CAMPUS
EXHIBITION
SOUND WALK OSNABRÜCK
Gruppe Sound Design der Hochschule Osnabrück
Innerhalb der Applikation ›art·sounds‹ ist der neue City Walk ›Osnabrueck
2013‹ von Studierenden der Hochschule Osnabrück entstanden. Er beinhaltet die drei Innenstadt-Soundspots ›Narrenkönig‹, ›Jenseits‹ und
›Strom‹.
Dario Armbruster und Daniel Niemann haben für das langfristige Kunstprojekt ›art·sounds‹ den ›City Walk Osnabrueck 2013‹ mit drei sehr unterschiedlichen ortsbezogenen Kompositionen kreiert: atmosphärisch, hörspielartig, geheimnisvoll. Die drei virtuellen Soundspots werden über GPS
mit dem Smartphone vom Hörer am realen Ort gefunden und nur dort und
dann zum Hören ausgelöst. Es entsteht eine ortsbezogene Klanginstallation. Ort, Sound und Hörer werden zu gleichberechtigten Akteuren im
Wechselspiel. Ohne logistische oder technische Eingriffe in den Ort. Der
Zeitpunkt und die Dauer werden vom Hörer gesteuert. Das langfristige
Kunstprojekt ›art·sounds‹ wurde 2011 von Tanja Hemm initiiert und thematisiert den Begriff ›öffentlicher Raum‹ im Kontext zunehmender virtueller Verschränkungen und einer Verschiebung zwischen privatem und öffentlichem Raum.
The new ›Osnabrueck 2013‹ city walk was created by students of Osnabrück University of Applied Sciences
within the ›art·sounds‹ application. It includes three inner-city sound spots: ›Narrenkönig‹, ›Jenseits‹ and
›Strom‹.
For the long-term art project ›art·sounds‹, Dario Armbruster and Daniel Niemann created the ›City Walk Osnabrueck 2013‹ comprising three very different site-specific compositions: atmospheric, radio play-like, secretive. The listener uses a smart phone to find the three virtual sound spots at the real locations via GPS. Only
there and then can the sounds be heard. A site-specific sound installation arises. Place, sound and listener become equal actors, interacting with one another. Without any logistical or technical intervention at the site. The
time and duration are controlled by the listener. The long-term art project ›art·sounds‹ was initiated by Tanja
Hemm in 2011, and breaches the issue of ›public space‹ in the context of increasing virtual entanglement and
a shift between private and public space.
Dario Armbruster, *1990 in Worms, studies Musikerziehung/Pop-Gitarre at the Institut für Musik
Daniel Niemann, *1993 in Cloppenburg, studies Media & Interaction Design at the Institut für Informatik
ÆD 2013
ÆSite-specific sound installation via app, controlled via GPS
158
EMOTIVE EXPERIENCE
TRANSPARENZ.
Inga Marggraf
Friederike Korfmacher
Die Installation ›Emotive Experience‹ setzt sich mit einem großen Spektrum an persönlichen Empfindungen
und Wahrnehmungen auseinander. Diese werden in Videosequenzen visualisiert. Verwirrt und rastlos,
gleichzeitig so ruhig und sanft, doch beeinflusst und
kontrolliert von außen – einzig in der Harmonisierung
von Intimität und Konvention sich findend – wird eine
sinnlich mystische Atmosphäre geschaffen. In ihr
spiegelt sich die Unberechenbarkeit des Gefühlslebens wieder – aufwühlend, anregend, umhüllend, erdrückend, im gleichen Moment so beruhigend und zart.
Die Arbeit ›transparenz.‹ spielt mit der Doppeldeutigkeit dieses Wortes. Die Künstlerin begegnet dem
Wunsch nach Transparenz im Sinne von detaillierteren
Informationen indem sie Fotografien tatsächlich
transparent macht: Auf dünnen Folien werden die Bilder durchsichtig. Dreidimensional in Kuben angeordnet, erzeugen sie so vielmehr das Gegenteil des Gewünschten. Das gezeigte Selbstporträt wird durch
Überschneidungen, Verdichtungen und Auflösungen
fragmentiert und verschlüsselt. Bei genauerer Überlegung gibt aber auch diese Taktik etwas preis, wenngleich anders als vielleicht zunächst erwartet …
The installation ›Emotive Experience‹ explores a wide
range of personal feelings and perceptions, which are
visualised in video sequences. Confused and restless,
at the same time calm and gentle, yet influenced and
controlled from outside – finding oneself only in the
harmonisation of intimacy and convention – a sensually mystic atmosphere is created. The unpredictability of our affective world is reflected in it – disturbing,
stimulating, enveloping, stifling, yet at the same time
so calming and tender.
Inga Marggraf, * 1988 in Uelzen, Germany. Studies Art/
Teaching Art/ Spanish at Universiy Osnabrück.
ÆD 2012
ÆMaterials: beamer, DVD-Player, speaker, foil, moss
The work ›transparenz.‹ plays with the ambiguity of
this word. The artist meets the desire for transparency in the sense of more detailed information by actually making photographs transparent: on thin films,
the images become transparent. Ordered threedimensionally in cubes, they actually create the opposite of
the desired effect. The presented self-portrait is fragmented and encrypted by overlapping, compression
and dissolution. When scrutinised, however, this tactic
also reveals something, albeit something different to
what was initially expected …
Friederike Korfmacher, *1989 in Bielefeld, Germany,
has been studying Art Education/History of Art at Osnabrück University since 2009.
ÆD 2012
ÆMaterials: installation, digital photographie on foil,
wood
159
MEDIA CAMPUS
WORKSHOPS
RASPBERRY PI
HOMEVIDEOS – GENERIERTE
REALITÄT MIT VHS
Nikolas Schmid-Pfähler
Henrike Naumann
Der ›Raspberry Pi‹ ist ein kreditkartengroßer Einplatinencomputer. Trotz der geringen Größe bietet das Board viele Möglichkeiten eines normalen Computers
und ist somit ein interessantes Tool für viele Installationen und Skulpturen. Während des Workshops werden wir das Raspberry Pi unter die Lupe nehmen, gemeinsam für alle Teilnehmer das Grundsystem einrichten und über mögliche Einsatzgebiete diskutieren.
Was passiert, wenn man Found Footage nicht als Ausgangspunkt experimenteller Filmarbeit nimmt, sondern selbst generiert? Was passiert dann mit unserem
Bild der Vergangenheit? Das Format VHS ist ein obsoletes Medium, doch für die Generation der heutigen
jungen FilmemacherInnen ist es das Medium ihrer
Kindheit. Der Workshop setzt sich mit der Bedeutung
dieses Mediums auseinander. Mit der Lust an Kontroll- und Qualitätsverlust sollen Methoden der Homevideodramaturgie praktisch ausprobiert werden. Es
wird gedreht, gespult, überspielt und geloopt, Fernseher angeschlossen, Videorekorder programmiert – bis
zum erlösenden PLAY.
The ›Raspberry Pi‹ is a single board computer the size
of a credit card. Despite its small dimensions, the
board has many options offered by a normal computer, making it an interesting tool for numerous installations and sculptures. During the workshop we will
scrutinize the Raspberry Pi, set up the base system
together for all participants, and discuss possible areas of application.
160
What happens when, rather than taking found footage
as a starting point for experimental film work, you actually generate it yourself? What happens to our image
of the past? The VHS format is an obsolete medium,
and yet for today’s generation of young filmmakers, it
is the medium of their childhood. In Henrike Naumann’s workshop, we explore the significance of this
medium. Willing to accept the inherent loss of control
and quality, participants will get to practically try out
the methods of home video dramaturgy. They will film,
rewind, re-record and loop, connect up the TV, programme the video recorder and, at last, press PLAY.
MOBILE DEVICE FORENSICS
FOR ARTISTS
PROJECTION MAPPING VIDEO IM RAUM
Johannes P. Osterhoff
Yannik Jacquet (Legoman, AntiVJ)
Immer mehr persönliche Informationen werden auf
Smartphones gespeichert. Dabei sind diese immer
einfacher zu benutzen und so verschwindet hinter den
glänzenden Oberflächen der mobilen User-Interfaces
immer mehr die komplexe Technologie dieser Geräte.
Viele der gespeicherten Daten sind nur noch mit forensischen Methoden abzurufen.
Dieser Workshop richtet sich an all diejenigen, die einen Blick unter die Oberfläche von iPhone und Kindle
werfen wollen und direkt mit deren Dateien und Datenbanken arbeiten wollen.
Wir verlassen die traditionellen Videoformate. In dem
Workshop wird von den Teilnehmern eine Videoanimation erstellt, die auf ebenfalls gemeinsam geschaffenen Objekten und Skulpturen aus Zeichnungen, Origami-Faltungen, Holzschnitten, Gravuren oder Papierschnitten projiziert wird. Angelegt an seine installative Arbeit MECHANIQUES DISCURSIVES vermittelt
Yannik Jacquet (Legoman) humorvoll und spielerisch
neue Formate des Video-Mappings und der raumbezogenen Projektion.
Ever greater quantities of personal information are
saved on smart phones.This goes hand in hand with
increasingly simple application; more and more of the
device’s complex technology disappears behind the
shiny surfaces of the mobile user interfaces. Much of
the data saved requires forensic methods to retrieve
them.
This workshop is aimed at all those who wish to take a
look behind the surface of iPhones and Kindles, working directly with files and databases.
We leave behind traditional video formats. In the
workshop, participants will create a video animation
which will be projected onto objects and sculptures
they’ve also created together from drawings, origami
figures, wood engravings, engravings or paper-cuts.
Based on his installative work ›Mécaniques Discursives‹, Yannik Jacquet (Legoman) will humorously and
playfully talk about new formats of video mapping and
spatial projection.
Foto Credit: Mi Sun Lee
161
PERFORMANCE
DER AUDIOVISUELLE SALON / The Audiovisual Salon
TROUM, Jürgen Reble, Pepijn Caudron
Die Initiative ›Der Audiovisuelle Salon‹ versteht sich als Forum für Klangkunst in Verbindung mit visuellen oder
performativen Elementen und bietet im Anschluss an den Hochschultag die Gelegenheit zwei audiovisuelle
Live Performances zu erleben. Eingeleitet wird der Salon von einer exklusiven Kooperation zwischen den Drone-Musik-Pionieren TROUM und dem Multimedia-Künstler Jürgen Reble. Zusammen präsentieren sie eine Verschmelzung aus bewegten Bildelementen, die Jürgen Reble in einem aufwendigen Prozess aus chemisch behandelten Dias entstehen lässt, und Troums organischen Klanglandschaften. Im Anschluss erzeugt der belgische Künstler Pepijn Caudron alias ›Kreng‹ mit dem Projekt ›Arcanum‹ eine experimentelle Mischung aus Film
Noire Bildästhetik, Theaterelementen und einem Klang der zwischen Kammermusik, Avantgarde Jazz und modernen Horrorfilm Soundtrack pendelt.
The ›Audiovisual Salon‹ initiative sees itself as a forum for sound art combined with visual or performative elements, offering visitors the opportunity to watch two audiovisual live performances after University Day. The
Salon will kick off with an exclusive cooperation between drone music pioneers TROUM and multimedia artist
Jürgen Reble. Together they will present a fusion of moving picture elements created by Jürgen Reble in an
elaborate process from chemically treated slides and Troum’s organic sound landscapes. This performance is
followed by the ›Arcanum‹ project by Belgian artist Pepijn Caudron alias ›Kreng‹, an experimental mixture of
film-noire visual aesthetics, theatre elements and a sound somewhere between chamber music, avant-garde
jazz and modern horror film soundtrack.
162
LUX
Paul & Menno de Nooijer / LIVE-Cinema
LUX beginnt als Tribut an die Geburt des Adam von Michelangelo. Die Macht von Gottes Hand nimmt eine Reihe von Handlungen durch die Körper der Bühnenprotagonisten vor, während gleichzeitig die Anwesenden im
Raum beginnen durchs Universum zu schweben. Obwohl der Computer nicht als Projektionsmaschine gedacht
war, ist es schwierig, Wirkliches und Irreales auseinanderzuhalten. Am Ende singen fünf Engel als Tribut an David Lynch den Eraserhead-Song ›In Heaven Everything Is Fine‹.
LUX begins with a tribute to Michelangelo's birth of Adam. The power of God's hand starts a series of activities
inside the bodies on stage. Meanwhile everyone is floating through the universe. Although the computer wasn't used to make projections, it is hard to tell what is real and what isn't. At the end of LUX five angels sing a
tribute to David Lynch: ›In Heaven Everything Is Fine‹ (Eraserhead).
Paul and Menno de Nooijer - as father and son - work on the exploration of the visual possibilities of the media
photography, analogue film, video and the digital since more than two decades, often combining the moving image with theatrical and performing elements.
163
PERFORMANCE
SPECIAL EFFECT
Peter Burr
Live-Cinema von Underground-Animationen mit Originalmusik von den Lucky Dragons und Seabat.
Video und Performancekünstler Peter Burr präsentiert ›Special Effect‹, eine imaginäre Live- TV- Show. Die Performance zeigt 18 Kurzanimationsfilme des Underground- Videolabels Cartune Xprez sowie Live-Performances
von Burr in denen er mit Laserstrahlern, Green Screen und einer Live-Webcam arbeitet.
Die experimentellen Kurzanimationen scheinen gegen den Sonntag-Morgen-Cartoon zu rebellieren und ihn
gleichzeitig anarchisch zu erweitern. Peter Burr bringt ein Site-Specific Event auf die Bühne, welches teils Livetheater und teils psychodelischer Trip ist. Die Videos als auch Burrs Performance nehmen Bezug auf ›The
Zone‹, dem Hauptschauplatz in Tarkovskys Film Stalker aus dem Jahr 1979. Von diesem verbotenen Ort der
Hoffnungen und Möglichkeiten wird gesagt, dass er die sehnlichsten Wünsche wahr werden lässt.
Live presentation of underground animations featuring original music by Lucky Dragons and Seabat
Video and performance artist Peter Burr presents ›Special Effect‹, a live television show . The performance features screenings of 18 short animations from underground video label Cartune Xprez and live performances by
Burr involving laser beams, green screens, and a live webcam.
Peter Burr creats a site-specific event, part live theater, part psychedelic insurrection, and part roadshow, his
work is a touchstone for an experimental genre that animates its way out of Sunday morning cartoons to the
extent of anarchy. The videos as well as Burr’s performance were inspired by ›The Zone,‹ an off-limits place of
hope and possibility rumored to make one's deepest desires come true that is the central setting in Tarkovsky’s
film.
Peter Burr, *1980 in Brooklyn, NY, USA. He is one half of the cartoon group Hooliganship and the founder of Cartune Xprez, an animation project that is part video label, part live theater, part weird gang, and part touring road
show. His work has been presented in a variety of spaces including Le Centre Pompidou, Paris, FR; Reina Sofia
National Museum, Madrid, ES; and the International Film Festival, Rotterdam.
http://www.peterburr.org/
ÆPeter Burr / USA / 2013
ÆContributors include James Duesing, Amy Lockhart, Yoshi Sodeoka, Billy Grant, Michael Bell Smith,
Ola Vasiljeva, Jacob Ciocci, Andrew Benson, Jeff Kriksciun, Chad VanGaalen, Philippe Blanchard, E*Rock,
Luke Painter, Brandon Blommaert, Stu Hughes, Devin Flynn, Michael Robinson, Sabrina Ratté,
and Brenna Murphy
ÆWritten by Peter Burr, Maya Lubinsky, and PFFR
ÆCostumes by Diana Joy
ÆComputer programming by Mike Heavers.
164
NIGHTRIDE
Colorist, THE VON DUESZ, Rearviewradio, Locoto, Mario Schoo
Colorist schaffen live einen Sound, der das Publikum nach innen kehrt. Eine fragile Aura implodierender Tanzmusik. Die Kölner Band um Caroline Kox, Fridolin Körner und Antonio de Luca avancierte im Rahmen von Kunstshows wie dem Düsseldorfer Single-Club oder Hug me, heimlich zum gefeierten Geheimtipp. Sie spielten auf
dem Weekend Fest, für Intro und Arte sowie mit Bands wie Future Islands und Chromatics. Selbstgebaute Synthesizer, E-Drums und eine Ukulele rezitieren Werner Herzog, entfalten voodooesque Rhythmen - und verbreiten einen seligen Glanz. Du wirst zum Kolorist und Regisseur deines eigenen Films.
Mit ihrer Musik voller Drang trifft das Trio THE VON DUESZ den Nerv der Zeit. Sie beleben die Monotonie minimalistischer elektronischer Musik mit Fehlern, Improvisationen und physischer Energie, und ihr Tanzkraut wird
der ultimative Soundtrack zum abtauchen, umdrehen, lostanzen.
Abgerundet wird der Abend mit den DJ´s Rearviewradio, Inhaber des Düsseldorfer Labels Themes for Great Cities, dem jungen Produzenten und Wahl-Osnabrücker Locoto sowie Mario Schoo, Mitbegründer der Konzertagentur Fundament.
Live, Colorist create a sound that makes the audience turn inwards. A fragile aura of imploding dance music.
Cologne-based group around Caroline Kox, Fridolin Körner and Antonio de Luca secretly advanced to a celebrated insiders’ tip in art shows such as Düsseldorf’s Single Club or Hug me. They have played the Weekend
Fest, for Intro and Arte and with bands such as Future Islands and Chromatics. Handmade synthesisers, edrums and a ukulele recite Werner Herzog, develop voodooesque rhythms – and radiate a blissful gleam. You’ll
become colourist and director of your own film.
With their music full of drive, the trio THE VON DUESZ has their finger on the pulse. They break the monotony of
minimalistic electronic music with imperfection, improvisation and physical energy; their Tanzkraut is now the
ultimate soundtrack for submerging and hitting the dance floor.
The evening is rounded off by DJs Rearviewradio, owner of the Düsseldorf label ›Themes for Great Cities‹, the
young producer and Osnabrück citizen-by-choice Locoto, and Mario Schoo, co-founder of concert agency ›Fundament‹.
165
PERFORMANCE
INSIDE_
JAGO (Jagoda Chalcinska)
Individuen sind allein, verwaist, unfahig zu lieben und verloren in einer modernen Welt, gefangen in sich selbst.
Jago konfrontiert in ihren Bildern einen Mann mit seinen Angsten und Damonen. Jago arbeitet mit dem Komponisten Pleq zusammen, der Laptop-Musikelemente mit tiefer Downtempo-Musik verbindet. Ein lyrisches
Spektakel.
Individuals are alone, orphaned, unfit for love, lost in modern world and imprisoned in their own being. Confronting a man with his fears and demons is what Jago does using images. In this performance in which music
and images complement each other, Jago collaborates with a composer, Bartosz Dziadosz (Pleq), who combines
elements of laptop music with drone, down tempo and abstract glitch. The result of this fusion is a lyrical spectacle.
JAGO VJ (Jagoda Chalcinska), visual artist, VJ, video designer and producer with a diploma in film studies and
screenwriting who lives and works in Poznan, Poland. Her live performances are exclusively based on video
footage of her own authorship. She had the opportunity to present her work at renowned festivals, galleries and
events in Poland, Germany, Switzerland, France, Italy, Ukraine, Chech Republic, Hungary and Belgium such as:
Mapping Festival (Geneva), Pluto Audio Visual Art Festival (Belgium), Electrode Festival (Rome), Kazantip Festival (Crimea), Center of Contemporary Art (Torun), Live Performers Meeting (Rome), Audioriver Festival (Plock),
Narracje Festival (Gdansk,Poland) and many more. For almost two years she cooperated with Polish Radio 4
HDTV, creating real-time VJ sets for music programs. She is the winner of the 2011 Videozone VJ Contest.
www.jagovj.com
ÆVisuals: JAGO (Jagoda Chalcinska),
ÆMusik:PLEQ (Bartosz Dziadosz)
ÆAV Perfo / 30:00
166
AFTERSHOW - EMAF PARTY
Alex Smoke + div. DJ´s
Der schottische DJ und Produzent Alex Smoke präsentiert sein
neues audiovisuelles Projekt
›Wraetlic‹.Mit einer Kombination aus hallenden Stimmen, ausufernder Elektronik und einer reaktiv visuellen Live-Show die in
Kooperation mit dem japanischen Videokünstler Arch Project
entwickelt wurde, betritt er komplexe Wege der Live-Performance. Der Sound des Künstlers pendelt zwischen stimmungsvoller Melancholie und einnehmender Atmosphäre und lotet so
Grenzpunkte experimenteller und tanzbarer Electronica aus.
Speziell in Deutschland hat sich der in Berlin lebende Alex Smoke durch Auftritte im Berghain oder dem Kater Holzig längst einen Namen gemacht haben.
Scottish DJ and producer Alex Smoke presents his new audiovisual project called ›Wraetlic‹. With a combination of reverberating voices, ecstatic electronics and a reactive visual live show,
developed in cooperation with Japanese video artist Arch Project, he pursues the complex paths of live performance. The
artist’s sound ranges from atmospheric melancholy to a captivating atmosphere, exploring the limits of experimental and
danceable electronica.
Berlin resident Alex Smoke may well already have made a name
for himself, particularly in Germany, with his performances in
clubs such as Berghain and Kater Holzig.
167
EXHIBITION
MAPPING TIME
›Parallele‹ © Harun Farocki, 2012
Welche Fragen bewegen die junge internationale Szene der Medienkunst? Welche Bilder nutzen die Künstlerinnen und Künstler und wie formen sie ihre Aussagen? Welchen Stellenwert haben technologische Neuerungen für sie und welche Themen untersuchen sie in ihren Werken? Inwieweit reflektieren sie ihre persönliche Situation und erweitern die Welt der Kunst um weitere Perspektiven? Dieser und anderen Fragen geht die diesjährige Ausstellung des European Media Art Festival nach. Sie versammelt aktuelle Positionen, die beispielhaft
für die Tendenzen der gegenwärtigen internationalen Medienkunst stehen.
Die Interaktion zwischen Werk und Besucher - vor Jahren ein Schwerpunkt der Medienkunst - hat sich zur
autarken Beziehung der Maschinen untereinander weiterentwickelt. Unter dem Stichwort ›M to M - Machine to
Machine‹ schreitet die digitale Industrie voran. In autonomen Netzwerken kommunizieren Automaten miteinander und sammeln Informationen. Als Teil von ›Big-Data‹ kontrollieren sie Produktionsprozesse, strukturieren
Verkehre, und überwachen die Menschen. Algorithmen und Apparate erkennen selbstständig, wenn sich Menschen im städtischen Raum, im Flugverkehr und an Grenzen ungewöhnlich bewegen und senden Eingreifstrupps aus, um Verdächtige zu neutralisieren. Dies ist kein Szenario eines Orwellschen Überwachungsstaates.
Es geschieht täglich in unserer unmittelbaren Umgebung. Künstler und Künstlerinnen machen bereits seit Jahren auf die Überwachung der Menschen durch Maschinen und damit auf die Kehrseite des ›Internet der Dinge‹
aufmerksam.
In einer zunehmend multipolaren Welt fordern in den aufstrebenden Gesellschaften der einstigen ›Entwicklungs‹-Länder auch deren KünstlerInnen selbstbewusst ihren Anteil an der Kunstwelt. So wie diese Geltungsansprüche steigen, haben sich die Formulierungen einer global dominierenden ›westlichen‹ Kunst, revidiert.
Die Absolutheit ihrer Aussagen ist eher einem Denk-Angebot gewichen, was nicht verwundert angesichts einer
Welt, deren wirtschaftliche Zentren sich verschieben und in der sich neue kulturelle ›Player‹ melden.
Die Reflexion über problematische Entwicklungen und der Spaß an den Möglichkeiten innovativer Technologien gehen in der Medienkunst parallel. So ist die Nähe der Medienkunst zu Formen der Unterhaltungsindustrie
nicht nur der gemeinsamen technischen Basis geschuldet. Häufig zitieren oder ›kapern‹ die medienkünstlerischen Arbeiten populäre Medienformate. Vor einiger Zeit war die Verwendung von ›Found-Footage‹, von Ausschnitten aus Hollywood- oder Wissenschaftsfilmen, eine sehr verbreitete künstlerische Praxis. Gegenwärtig
werden eher Facebook-Postings, Games-Visualisierungen oder Youtube-Referenzen benutzt. Oder es ist der intelligente Wortwitz und der Hang, nicht biederernst mit politischen Fragen umzugehen, die eine Nähe zur PopKultur markieren. Geblieben ist die Lust auf das offene Spiel, auf das Auf und Ab von Spannung und Entspannung, auf die Verwendung ungewöhnlicher Materialien, auf das Herbeiführen unerwarteter Ereignisse und auf
den Spaß an unsicheren Lösungen. Auch die Entdeckungsfreude wird geweckt. Soundwalks regen an, ungewöhnliche Orte aufzusuchen und interessante Hörstücke zu finden.
Medienkunst als zeitbasierte Kunst umfasst im weitesten Sinn alle ›bewegten Bilder‹. Auch Werke der Kinetik,
des Klangs oder der Musik, Performances und selbstverständlich Film, Video und Animationen beschreibt dieser Begriff. ›Mapping‹ ist zum einen eine Technik der aktuellen Videoproduktion, bei die den Videoinhalt den
Oberflächen einer Projektionsfläche anpasst. Zum anderen meint Mapping ›kartieren‹ oder ›vermessen‹. In diesem Sinne zeigt MAPPING TIME künstlerische Arbeiten, die sich mit analytischen Betrachtungen des Zeitgeschehens und der Zeit als Grundlage von Film und Bewegung auseinandersetzen.
Hermann Nöring
168
Which issues move the young international media art scene? Which images do artists use, and how do they
shape their statements? What role do technological innovations play for them, and which topics do they explore
in their works? To what extent do they reflect their personal situation and expand the world of art with further
perspectives? These, and many more questions are explored at this year’s exhibition of the European Media Art
Festival. It collects current positions that stand exemplarily for tendencies in contemporary international media art.
Interaction between the work and the visitor – a key area of media art many years ago – has advanced to the
autarkic relationship between machines. The digital industry forges ahead under the motto ›M to M – Machine
to Machine‹. In autonomous networks, automatons communicate with one another and collect information. As
an element of ›big data‹, they check production processes, structure traffic and monitor people. Algorithms and
devices independently recognise when people move in an unusual manner in urban spaces, in air traffic and at
borders, and send out response modules to neutralise suspicious persons. This is not a scene from an Orwellian
Big Brother state. It happens on a daily basis in our immediate surroundings. For years now, artists have been
drawing attention to the fact that people are being monitored by machines – the downside to the ›Internet of
Things‹.
In an increasingly multipolar world, artists in the emerging societies of former ›developing‹ countries are now
also self-confidently demanding their share of the art world. And as these claims to validity increase, the formulations of globally dominating ›western‹ art have been revised. The absoluteness of its statements has given way to an offer of thought, which comes as no surprise in a world whose economic centres are shifting and
new cultural ›players‹ are making themselves known.
Reflection about problematic developments and enjoyment in exploiting the possibilities offered by innovative
technologies go hand in hand in media art. For example, the proximity of media art to elements of the entertainment industry is not purely owing to their common technical basis. Often, media art works cite or ›seize‹
popular media formats. Some time ago, it was a very common artistic practice to use ›found footage‹, or excerpts from Hollywood films or scientific films. Facebook posts, game visualizations or You Tube content are
more likely to proximity to pop culture. What remains is the desire to play an open game, to experience the ups
and downs of tension and relaxation, to use unusual materials, to bring about unexpected events and to enjoy
uncertain solutions. The joy of discovery is also stimulated. Sound walks motivate us to visit unusual locations
and to find interesting sound-art compositions.
As time-based art, media art embraces all ›moving images‹ in the broadest sense of the word. The term also describes works involving kinetics, sound or music, performances and, of course, film, video and animations.
›Mapping‹ is a technique currently used in video production where the content of a video is adapted to the surfaces of a projection area. However, ›mapping‹ also means drawing charts or measuring. With this in mind,
MAPPING TIME presents artistic works that explore analytic considerations of current events and time as the
foundation of film and motion.
Hermann Nöring
›Versus‹
© David Letellier 2011
›Manifesto‹
© N. Mosquito 2010
›Mecaniques Discursives‹
© F. Penelle + Y. Jacquet 2011
169
EXHIBITION
MAPPING TIME
PARALLELE
Harun Farocki
Harun Farocki, einer der bedeutendsten deutschen Essayfilmer, vergleicht die ersten stark abstrahierten Bilder der Computerspiele mit den ausgefeilten, fast hyper-realistischen Darstellungen der heutigen Gamesindustrie. Erneut arbeitet er in dieser Videoarbeit mit der Doppelprojektion als erweitertes Montageverfahren, das
den Vergleich zwischen den Bildtechniken stärkt.
Wir kennen noch die Bild-Umgebungen der ersten Computerspiele wie ›Super Mario‹. Ihre reduzierten Naturdarstellungen nimmt Farocki zum Anlass zu fragen, welche Konsequenzen die ›nachgebaute‹ Realität auf unsere Wahrnehmung hat. Wie leitend bzw. manipulativ sind die Bilder der Medien? Wie schreibt sich das Hierachie-, Leistungs- und Wirtschaftssystem in ihnen ein? Was geschieht im Kopf des Zuschauers oder Spielers,
der sich innerhalb dieser hoch-abstrahierten Landschaften bewegt? Farocki geht diesen Fragen der Wahrnehmung und der menschlichen Beziehung zur Technologie nach, und findet erstaunliche Bedeutungen, ohne seine Meinung als die einzig geltende zu präsentieren. Im Gegenteil, er lässt dem Zuschauer viel Raum für die Auseinandersetzung mit der Geschichte der Bilder, den Bedingungen ihrer Entstehung und für die eigene Reflektion über den Umgang mit diesen visuellen Darstellungen. Wie in seinen anderen Arbeiten, die sich wiederholt
mit den militärischen Interessen an Bildmaschinen beschäftigen, schafft Farocki auch mit ›Parallele‹ eine Atmosphäre der Sensibilität für die verschiedenen Ebenen der Bedeutungen, die mit Bildern unweigerlich verbunden aber eher in ihnen versteckt sind. (HN)
170
Harun Farocki, one of the most important German essay filmmakers, compares the first highly abstract computer game images with the sophisticated, almost hyper-realistic portrayals of the contemporary games industry. Once again, in this video he works with double projection as an extended montage process that reinforces the comparison between the image technologies.
We still remember the image environments of the first computer games, such as ›Super Mario‹. Farocki takes
their reduced depictions of nature as an occasion to ask: What consequences does ›recreated‹ reality have on
our perception? How guiding or manipulative are the media-generated images? How does the hierarchical, performance and economic system become inscribed in them? What happens in the viewer’s or player’s mind when
they move within these highly abstract landscapes? Farocki explores these questions of perception and the human relationship to technology, and finds astonishing meanings, without presenting his opinion as the only acceptable one.On the contrary, he leaves the viewer a great deal of space to examine the history of the images,
the conditions under which they evolved, and to reflect on how we deal with these visual portrayals. As in his
other works, which are preoccupied with military interests in imaging devices, in ›Parallele‹ Farocki also creates an atmosphere of sensitivity to the different levels of meaning that are inevitably associated with images,
but often concealed within them. (HN)
Harun Farocki, *1944, Nový Jicin, Czech Republik. The film-maker Harun Farocki, living in Berlin, produced more
than 100 films and video installations in the last 50 years. Since the 90s he develops works for exhibit rooms. His
works were shown at Tate Modern, Jeu de Paume, MoMA in NYC, Sprengel Museum, Museum Ludwig, Kunsthaus
Bregenz.
ÆGermany 2012
Æ2-channel HD video installation, color, sound, 17:00 min, loop
171
EXHIBITION
MAPPING TIME
AND ALL WATCHED OVER BY MACHINES OF LOVING GRACE
Donna Szoke & Ricarda McDonald
Zwei Augen verfolgen den Besucher, der die Ausstellung betritt. Kinect-Sensoren erfassen die Bewegungen der
Personen im Durchgangsbereich und steuern die Videoaugen, so dass sie auf die Besucher gerichtet bleiben.
Der Titel der Arbeit ›and all watched over by machines of loving grace‹ ist dem eines kleinen Buches des amerikanischen Autors Richard Brautigans von 1967 entliehen. Er suggerierte damals ein freundlich-umsorgendes
Motiv der Maschinen, das im Gegensatz zur heutigen Allgegenwart der Kontrollapparate, des Stehlens persönlicher Daten und des entgrenzten Konsumismus steht. Die Installation von Szoke & McDonald möchte das undurchdringliche Dickicht der Überwachung hinterfragen. (HN)
Two eyes follow the visitor as he enters the exhibition. Kinect sensors capture people’s movements in the passage area and steer the video eyes, making them rest on the visitors.
The title of the work ›and all watched over by machines of loving grace‹ is borrowed from a small book by American author Richard Brautigan from 1967. Back then, the title suggested that the machines have a friendly/caring motive, which contrasts to today’s omnipresence of monitoring structures, theft of personal data and borderless consumerism. Szoke & McDonald’s installation seeks to question the impenetrable growth of surveillance. (HN)
Donna Szoke is a Canadian media artist whose practice includes video, animation, writing, installation, and collaboration.
Ricarda McDonald is a Canadian artist whose practice includes computer-manipulated photography, video,
sound, light and computer mediated installations and collaboration.
ÆCanada 2012
ÆInteractive video installation, computer, software, 2 monitors and a Kinect sensor.
172
TRIANGULAR STORIES
Henrike Naumann
1992. Zwei Homevideos tragen das gleiche Datum. Beide Videos geben Intimes preis aus dem Leben dreier Teenager. Während die Einen kaum erwarten können, das erste Mal Ecstasy zu nehmen, hört für die Anderen die
Welt hinter Jenas Plattenbauten auf.
Die Regisseurin Henrike Naumann (Jahrgang 1984) stammt aus Zwickau, wo Beate Zschäpe, Uwe Böhnhardt
und Uwe Mundlos unentdeckt im bürgerlichen Untergrund lebten und ihre rechtsextremistischen Morde planten. Die Videoarbeit ist für sie eine sehr persönliche Auseinandersetzung sowohl mit den faschistischen Tendenzen in ihrer alten Heimat als auch mit dem hedonistischen Selbstoptimierungstrieb ihrer Generation. Das
Medium VHS wird in seiner Vergänglichkeit zum Spiegel dieser Generation.
Der Nationalsozialistische Untergrund (NSU), in den Medien auch als Zwickauer Terrorzelle bezeichnet, ist eine
rechtsextreme terroristische Vereinigung. Die Gruppe ging aus der Jenaer Neonaziszene der 90er-Jahre hervor.
Bisher konnten ihnen 10 Morde nachgewiesen werden. Böhnhardt und Mundlos begingen nach einem missglückten Banküberfall im vergangen Jahr Selbstmord, Zschäpe legte in der gemeinsamen Wohnung in Zwickau Feuer und stellte sich der Polizei. Im Herbst findet der Prozess statt, bei welchem sie auch der Mittäterschaft an den Morden angeklagt werden soll. (Henrike Naumann)
1992. Two home videos bear the same date. Both videos reveal intimate details about the lives of three
teenagers. Whilst one of them can hardly wait to dabble with ecstasy for the first time, for the others, the world
ends beyond Jena’s prefabricated buildings.
Director Henrike Naumann (born in 1984) comes from Zwickau, where Beate Zschäpe, Uwe Böhnhardt and Uwe
Mundlos lived undiscovered, in the civil underground, planning their right-wing extremist murders. For her, the
video is a very personal examination not only of fascist tendencies in her old home, but also of her generation’s
hedonistic drive for self-optimisation. In its transience, the medium of VHS becomes a reflection of this generation.
The National Socialist Underground (NSU), also called the Zwickau terrorist cell by the media, is a right-wing
extremist terrorist association. The group emerged from Jena’s 1990s neo-Nazi scene. So far, there is evidence
that they committed 10 murders. Böhnhardt and Mundlos committed suicide following a bungled bank robbery
last year; Zschäpe set fire to the apartment they shared in Zwickau and surrendered to the police. The court
case, in which she is to be accused of complicity in the murders, is set to take place in autumn. (Henrike Naumann)
Henrike Naumann, *1984 in Zwickau, Germany. Studied stage design in Dresden and scenography in Potsdam,
before she moved on to her first experiences in directing.
ÆGermany 2012
Æ2 TV Sets, 2 VHS players, furnitures, misc., 17:24 Min, loop
ÆA production of Hochschule für Film und Fernsehen ›Konrad Wolf‹ Potsdam Babelsberg
173
EXHIBITION
MAPPING TIME
500
Bianca Patricia
Ein kleines Kind spielt in einer Endlos-Schleife mit einem 500-Euro-Schein, hat aber anscheinend wenig Spaß
daran. Der Geldschein ist ein eher langweiliges Spielzeug, es schmeckt nicht, zerreißen lässt es sich auch nicht
so einfach. Der durchaus beträchtliche symbolische Wert des Scheins ist ohne Bedeutung. Für das Baby besitzt
er wenig Gebrauchswert, denn die Banknote repräsentiert nur einen Wert - eine Schein-Welt. Das Versprechen
ihres Tauschwerts ist für das Kind nicht relevant.
Aber nicht nur das Wissen um den Tauschwert des Geldes auch der Gegenwert des Scheins ist je nach Kontext
sehr unterschiedlich. Wie berichtet wurde, kann man in Nairobi für 500 Euro einhundert Menschen töten lassen, in manchen Ländern bedeutet die abgebildete Banknote vielleicht das Einkommen einer Familie für mehrere Monate und an wieder anderen Orten lässt sich mit diesem Schein nur eine kleine Flasche Sekt erwerben.
Es wird gesagt, als universelles Tauschmittel habe Geld seit der Einführung von Münzen vor 2700 Jahren den
Handel beschleunigt, zu mehr materiellen Ausgleich in den Gesellschaften und zwischen den Gesellschaften
geführt und die Abstraktion des Denkens gefördert.
Für Viele ist das Finanzsystem allerdings auch die Quelle des global marodierenden Kapitalismus und wird mit
Entfremdung, Ausbeutung und Unterdrückung gleichgesetzt. Eine geldlose Gesellschaft bleibt daher seit Jahrhunderten als utopische Alternative in der Diskussion.
Geld ist mit Emotionen aufgeladen, denn es repräsentiert im starken Maß Wünsche und Wunscherfüllung. Wie
in der Werbung mit ihrem Versprechen, Glück durch Konsum zu erreichen, ist die Licht- und Farbstimmung des
Videos eher kühl, schick und steril gehalten. Die 150.000 kupfernen Ein-Cent-Münzen unter der Projektionsfläche glitzern hingegen warm in ihrer ganz anwesenden Materialität im Licht der Beamer. Auf der Leinwand
herrscht Entrückung und Entfremdung, im Raum darunter sind die Dinge fassbar und präsent. Der Haufen der
Münzen ist ein Angebot an das Publikum, eine Interaktion zu entwickeln, und sein persönliches Verhältnis zu
dem ihm zu Füßen liegenden Material zu definieren. Die Einen werden es als Teil des Kunstwerks, als Kunst betrachten, die Anderen vielleicht als Geldstücke mit konkretem Tauschwert. Am Ende der Ausstellung wird sich
zeigen, wie viel von der Ursprungssumme geblieben ist, oder ob sie sich sogar vergrößert hat. (Bianca Patricia
/ HN)
174
An infinite loop shows a toddler playing with a 500 Euro note, but apparently not much enjoyment is got out of
it. The banknote is rather a boring toy – it doesn’t taste of anything, and it’s not that easy to tear either. The considerable symbolic value of the note is insignificant. For the baby, it is of little use; after all, the banknote merely represents a value – an illusory world. The pledge of its exchange value is irrelevant to the child.
And yet it is not only the knowledge about the exchange value of the money – the counter value of the note is
also very different, depending on the context. It is said that you can have one hundred people in Nairobi killed
for 500 euros; in some countries the portrayed banknote perhaps signifies a family’s income for several months;
and in yet other places, only a small bottle of sparkling wine can be purchased with this note.
Ever since coins were introduced 2700 years ago as a universal means of exchange, money is said to have accelerated trade, to have created a greater material balance in societies and between societies, and promoted
the abstraction of thought. For many, however, the financial system is also the source of marauding global capitalism, and is equated with alienation, exploitation and repression. For this reason, a money-free society has
been mooted as a utopian alternative for centuries.
Money is charged with emotions; after all, it clearly represents wishes and the fulfilment of those wishes. Like
in advertising, with its promise of achieving happiness through consumption, the light and colour mood of the
video is kept cool, stylish and sterile. The 150,000 copper one cent coins under the projection surface, on the
other hand, sparkle warmly in their very present materiality in the light of the projector. Rapture and alienation
dominate the screen; in the space below, the objects are tangible and present. The heap of coins is an offer to
the audience to develop an interaction, and to define their personal relationship to the material lying at their
feet. Some will see it as part of a work of art, as art; others, perhaps, as coins with a specific exchange value.
At the end of the exhibition, we will see how much of the original amount remains or whether, perhaps, it has
even increased. (Bianca Patricia / HN)
Bianca Patricia, *1975 in Breslau, Poland. 2009 she graduated at Academy of Media Arts Cologne (KHM). Her
works are constantly conceptual. Using new visual techniques, she is concerned with society as a organism
analysed from a observer’s perspective.
ÆGermany 2013
ÆDouble projection on Alu-Dibond, 16:9, 2 projectors, media player, 39:00 Min, Loop,
150.000 1-Euro-Cent-Coins
175
EXHIBITION
MAPPING TIME
KYOSEI - COEXISTENCE
Lea Nagano
›Am 11. März 2011 ereignete sich im Nord-Osten Japans das schwere Erdbeben, das unter anderem den Reaktorunfall in Fukushima zur Folge hatte. Zum Zeitpunkt des Geschehens, wusste niemand, was passiert war.
Wurden die Atomkraftwerke beschädigt? Wo ist es sicher? Kommt ein erneutes Erdbeben? Ich befand mich zum
Zeitpunkt des Bebens in Tokio und kehrte, da die Situation ungewiss war, nach Deutschland zurück. Auch Wochen und Monate darauf, widersprechen sich verschiedene Informationsquellen über das tatsächliche Ausmaß
dieses Vorfalls und man kann keine zuverlässigen Aussagen treffen. Ist es sicher in Japan, oder nicht?‹ (Lea Nagano) Die Deutsch-Japanerin war in Tokio in jenen Tagen, die sie in einer Gleichzeitigkeit unterschiedlicher, fast
gegensätzlicher Welten erlebte.
Kyosei / Coexistence ist ein Film für das Medium Video-Panorama. Die Gestalterin vermittelt dem Betrachter
ihre nachwirkenden persönlichen Eindrücke des Erdbebens mit seinen Folgen und macht sie audiovisuell erlebbar. Der Titel der Installation ›Kyosei‹ bedeutet Koexistenz und verweist auf den existierenden Widerspruch
ein normales Leben zu führen – trotz der ungewissen Angst vor Strahlung nach dem Reaktorunfall.
›On 11 March 2011, the violent earthquake that caused the nuclear accident in Fukushima struck north-east
Japan. At the time of the event, nobody knew what had happened. Were the nuclear power stations damaged?
Where is it safe? Will another earthquake occur? When the quake struck, I was in Tokyo and, because the situation was uncertain, I returned to Germany. Even weeks and months later, the various sources of information
about the actual scale of the event are contradictory; no reliable statements can be made. Is it safe in Japan or
not?‹ (Lea Nagano) The German-Japanese artist happened to be in Tokyo when disaster struck, which she experienced in a concurrence of different, almost contrasting worlds.
Kyosei / Coexistence is a film for the video panorama medium. The designer portrays her lasting personal impressions of the earthquake to the viewer, along with its consequences, enabling them to be experienced audiovisually. The title of the installation ›Kyosei‹ means coexistence, and refers to the existing contradictoriness
of leading a normal life – despite the uncertain fear of radiation following the nuclear accident.
Lea Nagano studied Motion Design 2008-2012 at the Berlin Technical Art University and graduated with a Bachelor of Arts with honours in Motion Design. 2007-2008 she had a private stay in Tokyo, Japan.
ÆJapan / Germany 2012
ÆVideo-Panorama, 700 x 700 cm, 4 projectors, multiscreener, audio-system
ÆA production of BTK University of Applied Sciences / Berliner Technische Kunsthochschule, Berlin
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VANISHED FOREST
Tviga Vasilyeva & Igor Line
Die Arbeit ›Vanished Forest‹ ist eine interaktive Videoinstallation. Die Einzelbilder der Installation sind statisch.
Was sich aber bewegt, ist der Cursor, mit dem der Besucher die Möglichkeit bekommt, zwischen den Bildern
und den unzähligen Bäumen umher zu wandern.
Hier erschließt sich eine neue akustische Dimension, denn man hört das Innere der Bäume. Hinter jedem Baum
verbirgt sich eine ganz eigene, faszinierende Klangwelt. Um die inneren Geräusche der Bäume für Menschen
wahrnehmbar zu machen, wurden diese mit Kontaktmikrofonen aufgenommen und um das 250-fache verstärkt. Doch in der Installation geht es der Künstlerin nicht um den bloßen akustischen Effekt. Ihr Anliegen ist
es, die Aufmerksamkeit auf ein umweltpolitisch relevantes Thema zu lenken. Denn die Stimmen der Bäume ergeben zusammengenommen den Gesang eines der ältesten Urwälder Russlands. Dieser ›Seliger Wald‹ in der
Region Nowgorod wurde wegen seines ertragreichen Holzes abgeholzt. Über die auf der Soundebene individualisierten Bäume versuchen die Künstler Vasilyeva und Line die Distanz zwischen dem Betrachter und den Bäumen der letzten Urwälder Nordeuropas aufzuheben. (Kerstin Rupprecht)
The work ›Vanished forest‹ is an interactive video installation. The single images of the installation are static.
But what can be moved is the cursor,which gives visitors the opportunity to wander between the images and
through the endless trees. Here we tap into a new acoustic dimension – what we are hearing is the inside of
trees. The fascination is generated from the fact that a whole new soundscape is concealed behind each tree.
In order to make noises from within trees audible to humans, the sounds were recorded via contact microphone
and amplified 250 times. And yet the artist is not just interested in the acoustic effect created by the installation. It is her intention concern to draw attention to a topic relevant to environmental policy. Since, taken together, the trees’ voices reveal the song of one of Russia’s oldest primeval forests. This primeval forest, in the
region of Novgorod, called Blessed Forest, was cleared because of its high-yield timber. By individualising the
trees at the sonar level, the interactive installation attempts to close the distance between the viewer and the
trees from one of northern Europe’s last primeval forests. (Kerstin Rupprecht)
Tviga Vasilyeva, *1983, in Russia. She works with technology, sound, video and sculpture. For the last 5 years she
has been working on deforested areas in Russia and Finland. Education University For Creative Arts 2007-2010/
Farnham, Uk University of Art and Design (Taik) 2009/ Helsinki, Finland Institute of Contemporary art 2003/
Moscow, Russia.
Igor Line is an interactive artist.
ÆRussia 2012
ÆInteractive online installation, computer, projector
177
EXHIBITION
MAPPING TIME
AMERICA EUROPE AFRICA
Nástio Mosquito
Mit seiner multimedialen Arbeitsweise bewegt sich der angolanische Künstler und Slam-Poet Nástio Mosquito in den Bereichen Musik, Performance, Spoken Word, Fotografie, Film, Fernsehen und Video. In einer Mischung aus Entertainment und Performance kommentiert Mosquito die aktuelle globalisierte Gegenwart und
untersucht Identitätsfragen sowie die Auswirkungen von Imperialismus, Postkolonialismus, (Kaltem) Krieg und
Migration. Gleichzeitig aus unterschiedlichen Perspektiven agierend – sei es aus der eines Afrikaners, eines
Diasporakünstlers aus Luanda, eines politischen Aktivisten, eines Migranten, eines freien Individuums und
Weltbürgers oder aus derjenigen seines Alter Egos Nástia –, konfrontiert er die Betrachterinnen und Betrachter über Ironie, scharfen Wortwitz und bissigen Humor sowie die präzise Verwendung von Sprache und Bild mit
schwierigen Themen und unbequemen Fakten und Zusammenhängen.
In den hier gezeigten Videoarbeiten greift Mosquito postkoloniale Themen und die globale Dominanz des westlichen Kapitalismus auf und richtet diesen zurück auf seinen Urheber: ›I bought Europe. Your pride of a Europe
that no longer belongs to you.‹ In der Rolle des afrikanischen Unternehmers führt er Strategien der kulturellen
wie territorialen (Wieder-)Aneignung vor und konfrontiert den alten Kontinent gleichzeitig mit seiner bis heute
beibehaltenen imperialistischen Haltung, Ignoranz und Abschottungspolitik. (Antonia Marten)
Angolan artist and slam poet Nástio Mosquito is a multimedia artist whose works include music, performance,
the spoken word, photography, film, television, and video. Combining entertainment and performance, Mosquito comments on the current globalized present and analyzes questions of identity and the effects of imperialism, postcolonialism, The Cold War, war as such, and migration. Acting simultaneously from different perspectives – as an African, a diaspora artist from Luanda, a political activist, a migrant, a free individual and world
citizen, or as his alter ego Nástia – with a strong sense of irony and satire together with a precise use of language and vision, Mosquito confronts viewers with difficult issues and uncomfortable facts and associations.
In the video works shown here, Mosquito addresses topics of postcolonialism and the global dominance of
Western capitalism by pointing this back at its originator: ›I bought Europe. Your pride of a Europe that no longer
belongs to you.‹ In the role of an African businessman, he showcases strategies of both cultural and territorial
(re-)appropriation while at the same time confronting the Old World with its continuing imperialistic posture,
ignorance, and isolationist policies. (Antonia Marten)
Text: ›The Global Contemporary. Art Worlds after 1989‹, ZKM Karlsruhe
Nastio Mosquito, *1981, in Haumbo, Angola. Lives and works in Luanda. He studied in Lisbon and in London. As a
multimedia artist and slam poet his works include music, performance, the spoken word, photography, film, television and video. His works were shown at Venice Biennial, in São Paulo, New York, Dubai, Germany, Brazil, as
well as at Tate Modern and at Luanda Triennial.
ÆAngola 2010
ÆVideo, 3:32 Min, 3:17 Min, 1:57 Min, loop, computer, projector
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AESOP
Nigel Johnson
Auf neun LED Displays laufen RSS-Feeds und Schlagzeilen der Medien, die weltweit irgendwo ins Netz gestellt
werden. Diese Displays - zu einem kleinen Nachrichtenwald zusammengestellt - sind ständig in Bewegung, da
sie sich jeweils nach dem Herkunftsort der Messages ausrichten. Mit seiner Installation AESOP schlägt Nigel
Johnson vor, die Bruchstücke der weltweiten medialen Kommunikation als Teile der modernen Form des Geschichtenerzählens zu betrachten. Die Textnachrichten und Postings entsprechen den Ritualen des Erzählens,
das als wichtiger Teil der Kultur den Menschen geschichtlich begleitet hat. Ob am Lagerfeuer, im Lesekreis, am
Radio oder vor dem TV, wie die Fabeln Aesops vermitteln Erzählungen und Geschichten unterhaltende, belehrende, soziale und politische Botschaften. Sie formen ein Gemeinwesen, bestätigen die Werte und das Wissen
der Gemeinschaft und definieren die Grenzen zu anderen Gruppen und Gesellschaften. In dem Johnson die
Nachrichtenteile zufällig nebeneinander setzt, untersucht er den Nachrichtenstrom nach verborgenen Bedeutungen, die sich erst in der Neu-Kombination der Textfragmente offenbaren. Er fragt auch, in wieweit der einzelne Mensch als Leser dieser Textkürzel daraus sinnvolle Aussagen und eigene Geschichten konstruiert und
so seine Welt ordnet. (HN)
Nine LED displays show RSS feeds and media headlines that are posted on the web somewhere across the
globe. These displays – which together make up a thicket of messages – are constantly in motion because they
align themselves to the places from which the messages originate. In his installation AESOP, Nigel Johnson suggests considering fragments of global media communication as parts of the modern form of story-telling. The
text messages and postings correspond to the rituals of narration, which has historically accompanied humans
as an important part of our culture. Whether around the camp fire, in reading circles, on the radio or in front of
the TV, like Aesop’s fables, tales and stories convey entertaining, educational, social and political messages.
They shape a community, confirm the community’s values and knowledge, and define the boundaries to other
groups and societies. By placing the message parts next to one another randomly, Johnson examines the
stream of messages for hidden meanings that are only disclosed when these fragments of text are newly combined. He also asks to what extent an individual person, as the reader of these snippets of text, can make sensible statements and construct his own stories from them, putting his world into order. (HN)
Prof. Nigel Johnson is an artist and Chair of Interactive Arts at Duncan of Jordanstone College of Art and Design
(DJCAD), Scotland, U.K. His work focuses on the development of real-time, interactive installations and digital
artworks. His areas of practice encompass software and hardware development and the application of contemporary technologies to creative visual practices.
ÆUnited Kingdom 2013
ÆOnline media installation, 9 LED panels, computer, motors, misc.
179
EXHIBITION
MAPPING TIME
NADAL
Paul Destieu
Tennisbälle zeichnen auf ›luftige‹ Weise die Bögen und Gewölbe der gotischen Kunsthalle in der Dominikanerkirche nach. Vier Ballmaschinen schicken die gelben Kugeln durch den Kirchenraum. Ihre Flugbahnen korrespondieren mit der architektonischen Konstruktion der Klosterkirche, um eine ›physische Aktivierung der baulichen Strukturen‹ (P. Destieu) und die dynamischen Aspekte der Immobilie zu unterstreichen. Die Wurfmaschinen senden die Bälle auf gebogene Bahnen in den Auffang der nächsten Maschine, die sie darauf in den Fangkorb einer weiteren schießt. Das symmetrische Bewegungsmuster des ortsspezifischen Projekts NADAL
erkundet die Grenzlinien zwischen Bewegung und Statik, zwischen dem dynamischen Sport, der Maschinenkultur, der Kunst und der Architektur. In endlosen Kreisläufen interagieren Maschinen mit Maschinen und
transformieren die steingewordenen Kultur der Gotik in die Dynamik der industriellen Epochen.
Allerdings sind die Maschinen nicht perfekt kalibriert. Dank der Unterschiede zwischen den Werfern und den
Unregelmäßigkeiten der Bälle verlassen einige die vorgesehenen Bahn und landen im Raum. ›Es ist alles ein Teil
des Plans‹ sagt Destieu, ›denn die umfunktionierten Tennis-Robots besitzen eine gewisse Fehlertoleranz, die
sie, wie jede Maschine, auch gerne ausüben. Damit artikulieren sie im Grunde ihren Unterschied zu dem perfekt konstruierten Gebäude.‹ (HN)
Tennis balls trace the arches and vaults of the Gothic Kunsthalle in the Dominican Church in an ›airy‹ manner.
Four ball machines shoot yellow balls across the church hall. Their flight paths correspond to the architectural design of the monastery church, emphasising a ›physical activation of the building’s structure‹ (P. Destieu)
and the dynamic aspects of the building. The throwers send balls on curved trajectories to the next machine’s
catcher, which then shoots them into the basket of another machine. The symmetrical movement patterns of
the location-specific project NADAL explores the boundaries between motion and statics, between dynamic
sport, machine culture, art and architecture. In endless cycles, machines interact with machines, and transform
the stony Gothic culture into the dynamics of the industrial ages.
But the thing is, the machines are not perfectly calibrated. Due to the differences between the throwers and the
irregularities of the balls, some leave the intended path and land elsewhere in the room. ›It is all part of the
plan,‹ states Destieu, ›because the converted tennis robots have a certain fault tolerance which, like all machines, they like to exercise. Essentially, they therefore articulate how they differ to the perfectly constructed
building.‹ (HN)
Paul Destieu's researches question technology and its impact on our environment. His production focuses on the
virtual and physical territories of our society in order to stress affinities between emergence and collapsing of a
system through media or installation works. Since several years his work is exhibited in France and abroad.
ÆFrance 2010 – 2013
Æ4 tennis robots, balls, wood
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MÉCANIQUES DISCURSIVE
Fred Penelle & Yannick Jacquet
Dieses Installationsprojekt stellt eine ungewöhnliche Kombination von Videoprojektion, Zeichnungen und Holzschnitt dar. Der Videokünstler Yannick Jacquet (Legoman) und der Graveur Fred Penelle schaffen mit ›Mécaniques Discursives‹ ein Universum absurder, poetischer Maschinen, die permanent sich fortsetzende Kettenreaktionen starten. Mit der Technik des Video-Mapping werden die Holzschnitte, Zeichnungen und Objekte an
den Wänden und auf dem Boden des Ausstellungsraumes bewegt und spielerisch in Beziehung gesetzt. Eine
groteske schwarz-weiße Traumwelt entsteht als Perpetuum Mobile. Surreale Kombinationen und Reaktionen
sind zu sehen, die die Physik und die Wirklichkeit außer Kraft setzen und eine Sphäre des Phantastischen eröffnen, irgendwo angesiedelt zwischen Jules Verne und Marcel Duchamp.
Die Belgier Penelle und Jacquet improvisieren mit den örtlichen Gegebenheiten der Ausstellung. Diese Arbeit
entsteht immer neu und immer anders am jeweiligen Ort der Präsentation. (HN)
This installation project is an unusual combination of video projection, drawings and wood engravings. With
›Mécaniques Discursives‹, video artist Yannick Jacquet (Legoman) and engraver Fred Penelle create a universe
of absurd, poetic machines that permanently set off continuing chain reactions. Using the technique of video
mapping, the wood engravings, drawings and objects are moved along the walls and on the floor of the exhibition hall and playfully related to one another. A grotesque black-and-white dream world emerges as a perpetuum mobile. Surreal combinations and reactions come to light that suspend physics and reality, and open up a
fantasy sphere, located somewhere between Jules Verne and Marcel Duchamp.
Belgians Penelle and Jacquet improvise with the local conditions surrounding the exhibition. The work is recreated differently at each venue. (HN)
Yannick Jacquet (aka Legoman), *1980, in Geneva, Switzerland, lives and works in Brussels, Belgium. Originally
trained as a graphic designer, now devotes his time to developing a personal language using video and a wealth
of projection techniques. His work is characterised by a desire to break out of the traditional formats of videoprojection and finding ways to integrate video into the performance space. Yannick Jacquet collaborates with
Fred Penelle.
ÆBelgium 2011 - 2013
ÆIn Situ installation, objects, video, computer, dual head graphic board, 2 projectors
181
EXHIBITION
MAPPING TIME
VERSUS
David Letellier
Die Soundinstallation Versus besteht aus zwei kinetischen Skulpturen, die an gegenüber liegenden Wänden befestigt sind. Die beiden schwarz glänzenden Objekte messen zwei Meter zwanzig im Durchmesser. In ihrem
Zentrum befinden sich jeweils ein Lautsprecher und ein Mikrophon. In vorher festgelegten Intervallen, gibt eine
der Skulpturen ein Geräusch von sich, dieses wird simultan von der gegenüberliegenden analysiert und aufgenommen. Abgestimmt auf die Frequenzen der analysierten Geräusche folgt eine Bewegungsperformance. Daraufhin werden die aufgenommenen Geräusche wieder abgespielt.
Durch die Größe der Skulpturen und ihre Bewegungen entsteht eine auf den Besucher bedrohlich wirkende räumliche Situation. Er wird hier zum Störfaktor, denn er befindet sich zwischen den Objekten und spricht doch
nicht ihre Sprache. Innerhalb dieser Installation bringt der Mensch als Akteur den Zufall als kompositorisches
Element ins Spiel. Schritte und Stimmengewirr werden von den Objekten aufgenommen und zu unvorhersehbaren Soundscapes verarbeitet. Das wiederholte Überschreiben der Soundergebnisse verweist auf unsere eigene Vergänglichkeit und auf die Dystopie, nach der die künstliche Intelligenz die Menschheit überleben wird.
Der Mensch kann innerhalb dieser Installation einer Spiegelung seiner selbst nicht entkommen, weder akustisch noch visuell. Zurückgeworfen auf seine fragmentierten Spiegelungen erkennt er die sterile Maschinenwelt als eine von ihm selbst erschaffene Realität. (Kerstin Rupprecht)
The sound installation Versus consists of two kinetic sculptures attached to opposite walls. Both of the shiny
black objects,whose insides house a loudspeaker and a microphone, are two metres twenty high and wide.One
of the sculptures emits a noise at predetermined intervals. This noise is simultaneously analysed and received
by the opposite sculpture. A movement performance follows, aligned to the frequencies of the analysed noises. The received noises are then replayed.
Due to the size of the sculptures and the movements they make, a spatial situation is created that appears
menacing to the visitor. Here, the visitor becomes the disruptive factor, because he finds himself between the
two sculptures, and yet is unable to speak their language. In this installation, humans bring coincidence into
play as a compositional element, by becoming actors. Steps and the murmur of voices are given a stage, enabling unpredictable sound objects to be created. The repeated overwriting of the sound results can be interpreted as a reference to our own transience and to the dystopia that humans will be outlived by a form of artificial intelligence. In this installation, people are unable to escape from a reflection of the self, neither acoustically nor visually. Thrown back to his fragmented reflections, the visitor recognises this artificial sterile machine world as a reality he himself has created. (Kerstin Rupprecht)
David Letellier, *1978, in France. Lives and works in Berlin. Studied and graduated in architecture in Rennes (FR)
and Berlin (DE). David Letellier focuses on the perception of sound and space, on the edge of architecture, sound
and art. His work, ranging from audiovisual performances, sound installations, to autonomous machines or conceptual drawings, can be defined as ›an attempt to express sound as a form in movement‹.
ÆFrance 2011
ÆInteractive sound installation, computer, software, two kinetic sculptures, each 220 x 110 x 220 cm
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MANIFESTO
Nástio Mosquito
Mit viel Sinn für Ironie stellt der angolanische Video-Künstler und Slam-Poet Nástio Mosquito in seinem VideoManifest 17 Thesen der guten Lebensführung vor. Bunt, frech und mit einem ausgeprägtem Sprachgefühl, das
auch den Slang der Straße und den Jargon der Pop-Kultur einschließt, drückt er das Selbstbewusstsein der
jungen Generation Afrikas aus. In seinem dem Rap angelehntem Manifest propagiert er ein Leben zwischen Hedonismus, Erfolgsstreben, Innovation, Gemeinschaft und historischer Verwurzelung, ohne das Diktat der
Selbstfindung, dem man in unseren Gesellschaften des materiellen Überflusses nicht entgehen kann. Sein
spitzer Humor und die klare Sprache lassen den Zuschauer in einer Minute lachen und in der anderen betreten
schweigen, während er noch darüber nachdenkt, ob Mosquitos Manifest für ein anderes Leben auch dem
›westlichen‹ Rahmen der Political Correctness entspricht. (HN)
With a great sense of irony, Angolan video artist and slam poet Nástio Mosquito presents 17 hypotheses on
good lifestyle in his video manifesto. Colourful, brash and with a distinct feeling for language that also includes
street slang and pop culture jargon, he expresses the self-confidence of Africa’s young generation. In his raplike manifesto, he preaches a life between hedonism, pursuit of success, innovation, community and historical
deep rootedness, without the dictates of self-discovery, which is impossible to evade in our societies of material abundance. His biting wit and clear language make his audience laugh one minute and sit in embarrassed
silence the next while they contemplate whether Mosquito’s manifesto for another life also corresponds to the
›western‹ frame of political correctness. (HN)
Nastio Mosquito, *1981, in Haumbo, Angola. Lives and works in Luanda. He studied in Lisbon and in London. As
a multimedia artist and slam poet his works include music, performance, the spoken word, photography, film, television and video. His works were shown at Venice Biennial, in São Paulo, New York, Dubai, Germany, Brazil, as
well as at Tate Modern and at Luanda Triennial.
ÆAngola 2010
ÆVideo, 4:11 Min, loop, computer, projector
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EXHIBITION
MAPPING TIME
MICROSCOPIC OPERA
Matthijs Munnik
›Sind Mikroorganismen auch Performer? Verändern sich unsere Beziehungen zu diesen Lebewesen, wenn wir
sie in einem künstlerischen kreativen Bereich verorten? Als ich nach Mikroorganismen suchte, die das Zeug zu
einem Performer haben, stellte man mir C. elegans vor, einem winzigen Wurm, weniger als ein Millimeter lang,
der sich sehr elegant bewegt, wie sein Name schon bezeugt und der das erste Lebewesen war, dessen Genom
komplett sequenziert wurde.‹
›Neugierig wurde ich, als ein Forscher mir berichtete, dass er verschiedene Mutationsformen des Wurms mit
unterschiedlichen Bewegungsverhalten nutzte, um sie unter dem Mikroskop auseinanderhalten zu können. Einige bewegen sich in einer Art Spirale, andere rollen oder zucken und wieder andere werden auf Grund ihrer
Mutationen lebensgefährlich dickleibig. In meiner Installation befinden sich fünf unterschiedlich mutierte und
sich bewegende Würmer in je einer Petrischale. Diese fünf Gruppen der Performer werden mit einer Mikroskopkamera gefilmt und live auf fünf Bildschirmen präsentiert. Ich schrieb eine spezielle Software, die es erlaub, die Würmer zu verfolgen, ihre Bewegungen in Töne zu übertragen und sie zu, von ihnen leider nicht wahrgenommenen, Musik-Künstlern in der makroskopischen Welt über ihren Köpfen zu machen. Während Forscher
ihren Lebensweg gottähnlich von der ersten bis zur letzten Zellteilung kontrollieren und manipulieren, hoffte
ich, die Würmer in die Lage zu versetzen, auch unsere Welt zu beeinflussen.‹ (Matthijs Munnik)
›Are micro-organisms also performers? Do our relationships to these creatures change if we locate them in an
artistic, creative area? When I was in search of micro-organisms that had the potential to be performers, I was
introduced to C. elegans, a tiny worm, less than a millimetre long, that moves very elegantly, hence its name,
and which was the first creature whose entire genome was sequenced.‹
›I became curious when a researcher told me that he used various mutants of the worm with different movement patterns in order to be able to tell them apart under the microscope. Some of them move in a spiral-like
manner, others roll or jerk and other still become life-threateningly overweight due to their mutations. My installation contains five differently mutated and moving worms each per Petri dish. These five groups of performers are filmed using a microscope camera, and presented live on five screens. I wrote a special software
programme that enables the worms to be followed, their movements to be converted to sounds, making them
music artists in the macroscopic world above their heads, despite unfortunately being unable to perceive this.
While researchers control and manipulate their life in a god-like manner from the first to the last cell division,
I hoped to put the worms in a position to also influence our world.‹ (Matthijs Munnik)
Matthijs Munnik, studied at Academie Minerva in Groningen and the Royal Academy of Arts in The Hague,
Netherlands. Currently he is living and working in The Hague. His work consists of performances and installations, that often play with the perception of the visitor.
ÆThe Netherlands 2011
ÆAudio-visual installation, nematodes ›C. elegans‹, Petri dishes, microscopes, monitors
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NAH DRAN MITTENDRIN
Angela von Brill, Kerstin Hehmann
Kerstin Hehmann ›Norimichi Hirakawa‹, 2011
Angela von Brill ›EPIZO‹, 1995
Angela von Brill dokumentiert seit 1986 das EMAF mit ihren Fotografien. Seit 1996 zusammen mit Kerstin Hehmann. Für die Ausstellung sichteten die beiden ihre Archive, um die Highlights der vergangenen Jahre zusammenzustellen. Kerstin Hehmann präsentiert Künstlerportraits und Angela von Brill Fotografien der EMAF-Performances. Auf den frühen Performancefotos ist der Akteur selbst Gegenstand der Inszenierung. Die Künstler
schlüpften in verschiedene Rollen und versuchten so die Grenze zwischen Kunst und Zuschauer zu überwinden. In der Chronologie der Bilder stellt man aber fest, dass im Laufe der Jahre der Mensch immer weniger im
Vordergrund steht. Projizierte Bilder mit live gemixtem Sound machen die aktuellen Performances zu visuellen
und akustischen Erlebnissen.
Kerstin Hehmann portraitiert seit 2007 Künstler überwiegend vor oder in ihren Installationen. So werden diese
oft eins mit ihren Arbeiten, bleiben aber dennoch als Individuum sichtbar. Die Künstler sind nicht (mehr) so sehr
interessiert sich selbst in den Blickpunkt zu rücken. Die Technik ist nicht nur in der Medienkunst, sondern auch
bei den Fotografinnen vorangeschritten. Die frühen analogen Schwarzweißbilder auf Negativfilm hat von Brill
direkt nach der Aufnahme im Labor entwickelt, um sie sofort auf dem Festival zu präsentieren. Fast so schnell
wie heute, wo digitale Bilder binnen Minuten auf die Webseite gestellt werden können. Jedoch, die Phase der
Arbeit mit Colornegativen war entspannter: Film abgeben – und später wieder abholen.
Angela von Brill has been documenting the EMAF with her photographs since 1986, together with Kerstin
Hehmann since 1996. For the exhibition, both delved into their archives to compile highlights from the past.
Hehmann presents portraits of artists and von Brill photographs of EMAF performances. In the early performance photos, people – as actors – form part of the act. Artists assumed different roles, often attempting to
overcome the boundary between art and the audience. If the photographs are considered chronologically, it becomes apparent that, over the years, people increasingly take the back seat in their works, the projected images with mixed live sounds make contemporary performances special visual and acoustic experiences
Kerstin Hehmann has been taking portraits of artists since 2007, mainly in front of or in their installations. This
way, the media artists are frequently at one with their works, yet remain visible as individual persons. Nowadays, artists no longer seem to be particularly interested in putting themselves in the focus. Technology has not
only progressed in the works of art, but also for the two photographers. Back then, Angela von Brill developed
her analogue black-and-white photos on negative film in the lab straight after she had taken them, and presented them immediately at the festival. It was almost as quick as today, where digital images can be posted
on the festival’s website in a matter of minutes. The phase in between – working with colour negatives – was
more relaxed. You simply had to hand in the film and pick it up again.
Angela von Brill completed a craftsmen’s apprenticeship to become a portrait photographer. She studied History of Art (majoring in Photography) at Osnabrück University. She works as freelance photographer specialized in
event and portrait photography. She lectures at a number of educational institutions in north Germany.
Kerstin Hehmann studied Art Education (majoring in Photography) and Literary Studies (majoring in Media) at
Osnabrück University and Vienna University, and attended Ostkreuzschule für Fotografie in Berlin. She works as
a freelance photographer specialized in film, media and Greece.
ÆPhotos: Germany 1986-2012
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CONGRESS
MAPPING MEDIA
Eine kritische und spannende Auseinandersetzung mit der aktuellen Medienkunst und -kultur bietet
der Kongress. Welche Veränderungen und Chancen ergeben sich für die Künstler im Zeitalter von
›Crowdsourcing‹, ›Crowdfunding‹ und ›Crossmedia‹, was ist die aktuelle Rolle der Medien im politischen Prozess in Ägypten und welche Strategien können gegen die Medienoligopole Google und Co.
entwickelt werden
Neben den klassischen Präsentationen auf Festivals, Museen und Galerien ist eine Vielzahl von neuen Einsatzmöglichkeiten entstanden, die es insbesondere den oftmals sehr individualisiert arbeitenden Medienkünstlern ermöglicht, mit eigenen Projekten neue Chancen zu nutzen. Hinzu kommen
neue mediale Strategien, mit denen heute Arbeiten vermarktet werden können.
Von besonderem Interesse, gerade für Künstler und Kreative, sind die neuen Modelle der Finanzierung
des Crowdfunding und hier ist eine ganze Reihe neuer Projekt entstanden. Die bekanntesten sind sicherlich Kickstarter.com und Startnext.de, die sich geradezu zu Marken entwickelt haben. Hinzu
kommt eine Vielzahl von Plattformen, wie z.B. pling.de, die auf bestimmte Projekt– oder Themenfelder ausgerichtet sind.
In der Produktion steht der Begriff ›Crossmedia‹ im Vordergrund, in dem nicht nur App’s, sondern auch
Games und interaktive Systeme, die in interaktiven Szenarien und Museen Anwendung finden, entwickelt werden.
Die Medienkunst zeichnet sich dabei aber dadurch aus, dass sie die mit der Entwicklung von Medien
und Technologien verbundenen gesellschaftlichen und politischen Implikationen beleuchtet.
Welche Rolle spielen die Medien in politischen Prozessen und welche Alternativen entstehen durch
die neuen Technologien und wie reagieren Künstler auf die neuen Medienoligopole Google und Co?
Alfred Rotert
The Congress offers a critical and highly exciting exploration of current media art and media culture.
What chances and opportunities emerge for artists in the era of ›crowdsourcing,‹ ›crowdfunding‹ and
›crossmedia‹; what is the current role played by the media in the political process in Egypt; and what
strategies can be developed against the media oligarchs google & Co.? These questions and many
more will be presented and discussed, together with artists‘ positions.
In addition to classic presentations at festivals and in museums and galleries, a vast array of new
fields of application have arisen, often enabling highly individually oriented media artists to exploit
new opportunities for their projects. Added to this are new media strategies that can be used to market contemporary works.
What is particularly interesting, especially for artists and creative minds, are the new funding models
of crowdfunding, which has led to the initiation of a whole series of new projects. The most wellknown projects are surely Kickstarter.com and Startnext.de, which have even developed into brands.
Then there are a multitude of platforms geared towards certain project or topic areas, such as
pling.de.
In production, the focus lies on the term ›crossmedia‹ where not only apps are developed, but where
games and interactive systems are also applied to interactive scenarios and museums.
However, media art is also noted for shedding light on the social and political implications associated with the development of media and technologies.
What is the role played by the media in political processes, what alternatives are created by the new
technologies, and how do artists react to the new media oligopolies Google und Co?
Alfred Rotert
186
MECANIQUES DISCURSIVES PROJECTION MAPPING - VIDEO IM RAUM
Yannik Jacquet (Legoman, AntiVJ)
Yannik Jacquet, Videokünstler aus Brüssel und Mitglied der Gruppe AntiVJ präsentiert Arbeitsweisen und Hintergründe zu seiner Mapping-Installation MECANIQUES DISCURSIVES (zu sehen in der Kunsthalle). Gemeinsam
mit dem Graveur Fred Penelle hat er für die In Situ Arbeit neue Umsetzungen der raumbezogenen Videoprojektion entwickelt, die für jeden Präsentationsort angepasst werden und so jeweils eigenständige Werke ergeben.
Darüber hinaus präsentiert Yannick Jacquet die Ergebnisse des Workshops ›Projection Mapping‹, der während
des Festivals stattfindet.
Yannik Jacquet, video artist from Brussels and member of the AntiVJ group, will present work styles and background information about his mapping installation Mécaniques Discursives (which can be seen at the Kunsthalle). Together with engraver Fred Penelle, he developed new realisations of the spatial video projection for
the in situ work, which is adapted for each individual venue, resulting in an independent work every time. In addition, Yannick Jacquet will present the results of the workshop, which happens during the festival.
187
CONGRESS
MAPPING MEDIA
CROWDSOURCING DESIGN: THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY
Florian A. Schmidt
Einst nur ein Buzzword unter vielen, hat sich Crowdsourcing zu einer rapide wachsenden globalen Industrie
entwickelt. Die Schwarmauslagerung zu Hungerlöhnen greift um sich und die Vielfalt der teils kuriosen, oft bedenklichen Projekte verlangt nach einer differenzierten Analyse und Kritik.
Am Crowdsourcing scheiden sich die Geister, was vor allem daran liegt, dass die Crowd für die unterschiedlichsten Aufgaben als Quelle herangezogen wird. Das Spektrum der Methoden ist breit und die Grenzen zwischen
Spiel und Arbeit sind fließend. Kompliziert wird es vor allem dann, wenn das gemeinnützige Prinzip der Wikipedia auf gewinnorientierte Unternehmungen übertragen wird. Wenn also die vielbeschworene Weisheit der
Vielen nur noch den Wenigen nützt und die kreative Nutzbarmachung ›geistiger Abwärme‹ umschlägt in die systematische Ausbeutung von Menschen ohne jede arbeitsrechtliche Absicherung.
Während ein großer Teil des kommerziellen Crowdsourcing abgewickelt wird nach dem Prinzip Micro-Payment
für Micro-Tasking, ist im Bereich des Designs der Wettbewerb die vorherrschende Methode. Die Betreiber entsprechender Plattformen behalten üblicherweise pro Wettbewerb vierzig Prozent des Honorars ein, für die Designer hingegen bleibt eine einprozentige Chance für die vorab geleistete Arbeit auch bezahlt zu werden. Doch
es gibt auch Plattformen, die um fairere Verhältnisse bemüht sind. Florian A. Schmidt untersucht die ethischen
und ästhetischen Abgründe und Lichtblicke der Branche mit besonderem Augenmerk auf das Crowdsourcing
im Design.
Crowdsourcing Design: The Good, the Bad and the Ugly
Once merely one of these buzzwords, crowdsourcing has developed into a rapidly growing global industry. Today’s sweatshops are ›in the cloud‹ and a plethora of crowd based projects reaching from the weird to the worrisome calls for a differentiated analysis and critique. Crowdsourcing is a very controversial concept, especially because it is now applied to so many fields. The crowd has become the source for a great variety of tasks and
the incentives are heterogenous as well. The lack of boundaries between work and play makes it so difficult to
evaluate crowdsourcing and it gets particularly tricky when the projects are profit-oriented. For some, crowdsourcing is ›like the Wikipedia, but with everything‹ – a seemingly utopian idea. However, when the so called
wisdom of the crowds turns into precarious crowd-labour, with all risks being outsourced to the workers, it becomes indistinguishable from exploitation.
While a large section of the crowdsourcing industry is organised the way that workers get micro-payment for
mirco-tasks, the crowdsourcing of design is characteristically organised through contests. In this model, the
platform providers take a forty percent cut upfront from the money paid by external clients while the designers
compete, with a chance of one in a hundred, to eventually get paid for the work they have done beforehand. But
there are also platforms that try to organise crowdsourcing in a way that is fair for all stakeholders. Florian A.
Schmidt looks at the ethics and aesthetics of the industry, its dark side and silver linings, with a focus on the
crowdsourcing of design.
Florian A. Schmidt is a researcher, journalist and designer. In his PhD thesis at the RCA in London he investigates
the methods of crowdsourcing in design. He has written for eye, form, design report and bauhaus, is author of the
award winning book Parallel Realitäten (2006) and co-author of the book Kritische Masse (2010).
www.florianschmidt.co
188
CROWDFUNDING: WAS ES IST UND WAS ES BRINGT!
Karsten Wenzlaff
Crowdfunding als alternative Finanzierungsform für Künstler, Filmemacher und andere kreative Projekte ist
derzeit ein viel diskutiertes Thema. Wie genau die Methode des Crowdfunding über die neuen Plattformen funktioniert, welche Vor- und Nachteile damit verbunden sind, wird in einem Impulsreferat dargestellt.
Weitere Künstler, die bereits Projekte über Crowdfunding realisiert haben, werden ihre Projekte vorstellen und
ihre praktischen Erfahrungen mit dieser Finanzierungsform vermitteln.
Crowdfunding: What is it and what are the benefits?
Crowdfunding as an alternative form of funding for artists, filmmakers and other creative projects is a much
discussed topic at present. Just how the method of crowdfunding via new platforms works, and the advantages
and disadvantages associated with it, are presented in an introductory speech.
Other artists who have already completed projects via crowdfunding will present their ventures and relay their
practical experience in tapping this form of funding.
Karsten Wenzlaff is co-founder and CEO of ikosom. ikosom is the leading research institute on Crowdfunding and
Crowdsourcing. He is also the co-author of the first Crowdsourcing-Report in Germany. He is a graduate of the
University of Cambridge and the University of Bayreuth.
http://www.ikosom.de
ÆModeration: Tania Breyer, Alfred Rotert
ÆIntroductory speech/ Impulsreferat: Karsten Wenzlaff
Æikosom- Institut für Kommunikation und soziale Medien
ÆIn cooperation: EMAF with Tania Breyer from the Cultural
and Creative Industries Initiative of the German government.
189
CONGRESS
MAPPING MEDIA
OMISSIVE ART A=TF²
Igor Štromajer
Seit 1989 zeigte Igor Stromajer (aka Intima) seine Arbeiten in mehr als 120 Ausstellungen in 60 Ländern und erhielt zahlreiche Preise. In seiner Lecture beschreibt Igor Stromajer seine radikale Position der ›Unterlassungskunst‹ und bezieht sich auf sein Projekt ›Expunction: deleting net art‹ in dem dargestellt ist, welche seiner Projekte er aus dem Netz entfernt hat.
›Omissive Art (Unterlassungskunst) ist ein aktiver kreativer Prozess des Passivseins. Die radikalste künstlerische Aktion, die ein Künstler heute unternehmen kann, ist die, etwas nicht zu tun. Deshalb ist es mein Ziel keine Kunst zu erstellen. Damit meine ich Kunst zu machen, indem sie nicht produziert wird. Der einzige künstlerische Wert meiner Kunst ist die Abwesenheit von Kunst. Deshalb sage ich: Make love, not art!‹
Since 1989, Igor Štromajer aka Intima has shown his artistic work at more than a 120 exhibitions in 60 countries and received a number of international awards.
In his lecture Igor Stromajer will focus on his radical position defined as ›Omissive Art‹ and relate to his project
›Expunction: deleting net art‹, in which he presents, which projects he has deleted from the net.
›Omissive Art is an active creative process of being passive. The most radical artistic action an artist can do today, is the one he/she does not do. Therefore, my basic mission is not to do art. That is, to do art, by not doing
it. The only artistic value of my art is the absence of art. Therefore I call: Make love, not art!‹
Igor Štromajer (www.intima.org) is an intimate mobile communicator. His awarded new media artworks form
part of the permanent collections of the art institutions, among them Le Centre Pompidou in Paris, the Museo
Reina Sofia in Madrid, the Moderna galerija in Ljubljana, the Computer Fine Arts Collection in New York.
Equation:
a=tF²
To find the art, you multiply the time by the square of the force.
Related Quotations:
›I don't want it to be essentially the same – I want it to be exactly the same. Because the more you look at the
same exact thing, the more the meaning goes away, and the better and emptier you feel.‹ Andy Warhol
›I have nothing to say and I'm saying it. The highest purpose is to have no purpose at all.‹ John Cage
›I have no special message. I wish I did. It would be great if I had one.‹ Andy Warhol
False Examples:
Expunction - deleting net art works
www.intima.org/expunction
Ego Massage:
www.intima.org/ego-massage
0§n 3Šé×F= Miá
www.intima.org/miat
190
3D-PRINTING
Niels Boeing & Axel Sylvester / Fablab Hamburg
Makers allerorten, 3D-printing für die Massen – ein neuer Hype ist da. Doch es geht um mehr: um neue Orte der
Produktion in der Stadt, um eine neue Form von Produktion. Fab Labs sind solche Orte, an denen Produktion,
technische Bildung und Kunst auf ganz neue Weise zusammenkommen. Fab Labs sind der Keim einer neuen Infrastruktur, die Hightech für alle bietet. Motto: Die Stadt ist unsere Fabrik!
Sechs Thesen zur Zukunft:
- Das Zeitalter der Industrie geht zuende - das neue alte Motto lautet: Small is Beautiful
- Die Menschen haben den Maschinen zugearbeitet. Jetzt arbeiten die Maschinen wieder für die Menschen.
- Eine neue Form von kleinen innerstädischen Fabriken breitet sich aus, in denen Handarbeit und Kopfarbeit
zusammengeführt werden.
- Es sind Orte der Inspiration, an denen eine ›kommunale Fabrikation‹ entsteht.
- In der Fabrikation kommen Kunst und Produktion zusammen.
- Es ist eine neue Bewegung für eine selbstbestimmte und freie Technik.
- Aber genau hinschauen: Ein 3D-Drucker ist nur ein Werkzeug von vielen - und schon gar kein Replicator.
Makers all everywhere, 3D printing for the masses – a new hype has hit the scene. But there is more at stake
than just this: new places of production in the city, a new form of production. Fab Labs are places where production, technical education and art come together in a completely new way. Fab Labs are the seed of a new infrastructure that offers high-tech for everyone. The motto is: the city is our factory!
Six Theses for the future:
- The age of big industry is fading away - small is beautiful, once more.
- People used to work for machines. Now machines work again for people.
- A new kind of small urban factories is arising where intellectual and manual work become reconciled.
- They are inspiring places of communal fabrication.
- In fabrication art meets production.
- It's a movement for technical empowerment and liberation.
- But don't get fooled: A 3D-printer is only one tool of many but not a replicator.
Niels Boeing is a physicist, technology writer and urban activist from Hamburg. Having written about personal
fabrication since 2002, he helped found Fab Lab Fabulous St. Pauli. His recent publications are ›Alles auf null‹
(99 theses to life in capitalism; 2011) and ›Rip, Mix & Fabricate‹ (an anarchist view on technology; 2012, in ›Anarchistische Welten‹), both published by Edition Nautilus.
Axel Sylvester is a self-employed IT consultant and independent researcher. He is working on the topics Internet, Fab Labs and Education, and the possibilities to combine technical requirements with human needs.
Sylvester has a master's degree in information systems from the University of Hamburg and is the FabLab manager of Fab Lab Fabulous St. Pauli in Hamburg.
ÆLinks:
http://www.fablab-hamburg.org/
http://www.fabfoundation.org/
http://wiki.fablab.is/
191
CONGRESS
MAPPING MEDIA
THE ROLE OF MEDIA IN EGYPT IN PRESENT TIME
Hala Galal
Hala Galal ist eine ägyptische Filmemacherin und kulturpolitische Aktivistin. ›Women Chit Chat‹ gehört zu den
bekanntesten ihrer insgesamt 18 Filme. Sie setzen sich vor allem mit Genderfragen und sozialen Themen auseinander. Als Produzentin von 15 Filmarbeiten engagiert sie sich für unabhängige Kulturszenen und als Mitglied
des Filmkomitees im ›Higher Council of Culture‹ hat sie am Diskussionsprozess in den staatlichen Kulturstrukturen des Landes mitgewirkt.
Halal Galal ist Geschäftsführerin der unabhängigen Filminitiative ›Semat Production and Distribution‹ und
zählt zu den aktivsten Diskutantinnen zu Themen wie Reform der Kulturpolitik und Demokratisierung der ägyptischen Gesellschaft nach den Revolten. Sie ist Gast auf zahlreichen internationalen Konferenzen und Podien.
Hala Galal is an Egyptian filmmaker and cultural politics activist. ›Women Chit Chat‹ is the most widely known
of her total of 18 films, which deal with gender issues and social topics. As the producer of 15 film works, she
advocates for independent cultural scenes, and as a member of the film committee of the ›Higher Council of
Culture,‹ she has had a hand in influencing Egypt’s state-run cultural structures.
She is the business manager of the independent film initiative, ›Semat Production and Distribution.‹ Hala Galal
is one of the most active women discussion participants on themes such as cultural policy reform and democratisation of Egyptian society following the revolts. She has participated in numerous international conferences
and panels.
Hala Galal El Sayed lives and works in Cairo. She is member of the Egyptian Documentary Filmmakers Association and of the Cinema committee in the Egyptian National Higher Council of Culture.
http://www.sematcairo.com
192
WEBFORMATE, GAMES, APP’S:
INTERAKTIVES ERZÄHLEN IN DEN NEUEN MEDIEN
Tanja Schmoller
Ein Werkstattbericht der Gebrüder Beetz Filmproduktion
Die Medienwelt ist nicht dabei sich zu verändern – sie hat sich in den letzen 20 Jahren bereits komplett verändert: Mit dem Internet ist das neue Leitmedium entstanden, die Games-Industrie setzt längst mehr um, als die
globale Filmindustrie und Film & Fernsehen wird heute anders konsumiert – Stichwort Second Screen.
Vor dem Hintergrund dieser Veränderungen hat die GBF vor fünf Jahren angefangen sich mit den erzählerischen
Möglichkeiten der Neuen Medien auseinanderzusetzen und hat diverse Projekte konzipiert und umgesetzt. In
einem Werkstattbericht stellt Cross-Media-Producerin Tanja Schmoller zwei erfolgreich abgeschlossene Projekte vor und gibt Einblick in die Finanzierung, das Storytelling und die Auswertung der Projekte.
Vorgestellt werden die Projekte Farewell Comrades! Interactive und Empire Me – Der Staat bin ich! sowie ein
kurzer Einblick in die aktuellen Projekte der GBF zum Wagner-Jubiläum im Mai 2013.
Webformate, Games, App’s: interactive storytelling in New Media
The media landscape is not in the process of changing – it has already completely changed in the last 20 years:
with the internet, we have a new key medium, the games industry already turns over more than the global film
industry, and film and television are consumed differently today – the catchword is: the second screen.
Against the backdrop of these changes, the GBF started five years back to look into the narrative possibilities
offered by the new media, and planned and realised various projects. In a progress report, cross media producer Tanja Schmoller presents two successfully completed projects and delivers insight into the financing,
storytelling and evaluation of the projects.
The projects Farewell Comrades! Interactive and Empire Me – Der Staat bin ich! are presented, and a brief insight is given into into current GBF projects related to the Wagner Jubilee in May 2013.
Tanja Schmoller studied Digital TV and MultiMediaArt Filmproducing at the University of Applied Sciences in
Salzburg, Austria. After her studies she produced the award-winning feature film ›Neben meinem Bruder‹. Since
December 2012 she is working as Cross-Media Producer at gebrueder beetz filmproduction.
Æwww.farewellcomrades.com
Æwww.empire-me.net
193
CONGRESS
MAPPING MEDIA
GOOGLE, IPHONE LIVE & DEAR JEFF BEZOS
Johannes P Osterhoff
Im Rahmen von drei Ein-Jahres-Performances veröffentlicht der Interface-Künstler Johannes P Osterhoff exemplarisch seine Nutzung der Google-Suche (2011), seines Apple iPhones (2012-2013) und seines Amazon
Kindle (2013-2014). Diese normalerweise exklusiven, den Betreibern und Benutzern vorenthaltenen, Informationen werden jeweils live im Web veröffentlicht. --> Suchanfragen, iPhone Screenshots und Lesefortschritt
werden ähnlich wie die Facebook Timeline oder der Twitter Stream präsentiert und so für jedermann zugänglich. In seinem Vortrag berichtet Osterhoff von aktuellen ›Controlled Consumption Interfaces‹ und zeigt, was
passiert, wenn man sie wider die beabsichtigte Nutzung verwendet und welche Verhaltensweisen sich durch
die rigorose Offenheit einstellen.
In three one-year performances, interface artist Johannes P Osterhoff exemplarily publishes his use of Google
Search (2011), his iPhone (2012–2013) and his Kindle (2013–2014). This information, usually withheld for operators and users only, will be published live on the web. Queries, iPhone screenshots and reading progress will
be presented, similar to Facebook’s Timeline or Twitter’s Stream, making them accessible to everyone. In his
lecture, Osterhoff reports about current ›controlled consumption interfaces‹, and demonstrates what happens
when you employ them against the intended use and which behaviours set in thanks to this rigorous openness.
Johannes P Osterhoff is not a media but an interface artist. In his work he focuses on the underlaying processes of controlled consumption interfaces to make their influence on culture a subject of discussion. Recently he
has documented his own user interaction in several public one-year performances.
ÆGoogle: google.johannes-p-osterhoff.com
ÆiPhone live: www.iphone-live.net
ÆDear Jeff Bezos: www.bezos.cc
ÆFoto Credit: Anke-Madelaine Jaeckel
194
MEET THE ARTIST
ARTIST TALKS
WALKING THE WALK
VANISHED FORESTS
TRIANGULAR STORIES
Gehen Sie mit Dario Armbruster,
Daniel Niemann und Tanja Hemm
zu den Plätzen ihrer Sound App und
hören dort die eigens für diese Orte
in der Osnabrücker Altstadt geschaffenen Klang-Stücke.
Die Künstler Tviga Vasilyeva und
Igor Line (RUS) sprechen über die
Hintergründe ihrer Installation, die
den abgeholzten Urwäldern Russlands und den verschwundenen
Bäumen im wahrsten Sinn eine
Stimme geben.
Henrike Naumann, geboren 1984 in
Zwickau, war 1992 acht Jahre alt
und verstand noch nicht, was die
Springerstiefel und Bomberjacken
bedeuteten. In einem Künstlergespräch berichtet sie über ihre Motivation, die Rauminstallation zu
schaffen, in der sie sich mit den
möglichen Ursprüngen der Terrorzelle NSU auseinandersetzt.
Accompany Dario Armbruster,
Daniel Niemann and Tanja Hemm
to the places of their sound app,
and listen to the sound pieces created especially for these locations
in Osnabrück’ Old Town.
Artists Tviga Vasilyeva and Igor Line
(RUS) will discuss background information about their installation,
which gives Russia’s felled
primeval forests and the trees that
have vanished a voice in the true
sense of the word.
Henricke Naumann, born in Zwickau in 1984, was eight years old in
1992, and was not yet able to comprehend the meaning of combat
boots and bomber jackets. In an
artist’s talk she will tell of her motivation to create the room installation in which she explores the potential origins of the NSU terrorist
cell.
195
IN MEMORIAM
HEIKO DAXL 1957-2012
MEDIA IN MOTION
präsentiert Arbeiten von Heiko Daxl und Ingeborg Fülepp
1990 gründeten Heiko Daxl und Ingeborg Fülepp gemeinsam das Label Media in Motion. Von dieser Zeit an arbeiteten sie gemeinsam als Künstler und Kuratoren an verschiedenen Medienkunst-Projekten. Einer ihrer
Schwerpunkte lag darin, internationale Künstler miteinander zu vernetzen und ihre Arbeiten international auszustellen, vor allem in Deutschland und Kroatien. Nach dem Tod von Heiko Daxl im Jahr 2012, führte Ingeborg
Fülepp ihre Arbeit selbständig fort.
Das Programm zeigt Videos von Heiko Daxl vor ihrer Zusammenarbeit sowie Produktionen, die sie anschließend
als Künstlerpaar durchführten.
Als er unsere Welt verließ, begabt sich Heiko auf eine Reise, um ein anderes, bisher unbekanntes Universum zu
entdecken. Zumindest hofft man, das es so ist, wenn man ihn kannte. Durch seine künstlerischen Arbeiten war
er ständig auf der Suche nach etwas jenseits unserer Realität.
›Erfahrung ist nichts anderes, als eine Änderung der Erinnerung … Durch die Manipulation von Bildern und
Montage im Verhältnis zur musikalischen Komposition, eröffnen sich Gelegenheiten für nachdenkliche Exkursionen, Karussellfahrten, Träume, Biegungen, Vorstellungen und verlorene Erinnerungen. Aber die immer weitergehende Vergänglichkeit bleibt ein wohlbekanntes Rätsel.‹ Heiko Daxl
›Die zahlreichen Werke die sie geschaffen haben zeugen von ihrer Freude daran zu experimentieren und bewegen sich immer auf der Grenze zum Unbekannten. Unter Anwendung innovativer Technologien untersuchen sie
verschiedene, bisher unbekannte optische und akustische Phänomene. Die Sinne des Beobachters, sein Gehör,
sein Sehvermögen, sein Tastsinn, werden ständig ganz bewusst angesprochen und einbezogen, wodurch dessen Wahrnehmung stets irritiert wird. Daxl und Fülepp zeigen neue Wege in der künstlerischen Erkundung technischer Möglichkeiten bei der Erzeugung von Sounds und abstrakten Bildern, was den Beobachter zu einer integrierten Aufnahme zwingt. Sie versuchen, den ›Empfänger‹ dazu zu veranlassen, über die Realität nachzudenken, die ihm auf künstliche und technische Art und Weise dargeboten wird‹.
Dr. Barbara Barsch, Leiterin, ifa-Galerie Berlin, Institute for International Relations, Mai 2005
196
Media in Motion
presents works by Heiko Daxl and Ingeborg Fülepp
In 1990 Heiko Daxl and Ingeborg Fülepp together founded the label Media in Motion. From that time on, they
worked together on various media art projects as artists and curators. One of their main tasks was to connect
international artists to one another and to show their works internationally, with particular focus on Germany
and Croatia. After Heiko Daxl passed away in 2012, Ingeborg Fülepp continued their work independently.
The program will show videos made by Heiko Daxl before they met as well as productions they subsequently
brought into being as an artistic couple.
In leaving our world, Heiko is on the way to discover another, as yet unknown universe. At least, having known
him, one might hope this to be true. Throughout his artistic works, he was always searching for something beyond our realities.
›Experience is nothing else than change of memory… By manipulation of images and montage in relation to the
musical composition, there are points for thoughtful excursions, roundabouts, dreams, curves, imaginations
and lost memories. But the continuance of transitoriness keeps its familiar riddle.‹ Heiko Daxl
›The numerous works they have created bear witness to their joy in experimenting, always moving on the borderline to the unknown. Employing new technologies, they investigate various, so far unknown optical and
acoustic phenomena. The observer’s senses, his hearing, his sight and his sense of touch, are always consciously engaged, unsettling his perception. Daxl and Fülepp demonstrate new ways in the artistic exploration
of the technical possibilities of creating sounds and abstract images which force the observer to an integrated
reception. They seek to make the recipient think about the reality which is imparted to him in an artificial and
technical manner‹.
Dr. Barbara Barsch, Director, ifa-Galerie Berlin, Institute for International Relations, May 2005
Heiko Daxl, *1957 in Oldenburg, Germany. From 1994 until his death in 2012 lived and worked in Berlin and Zagreb. 1980-1992 founder, organizer and curator of European Media Art Festivals, Osnabrück (International Experimentalfilm Workshop 1990/91 curator, editor and producer of INFERMENTAL 10, international video artmagazine (Osnabrück-Skopje-Budapest). Since 1978 work on various film and video productions, photo- and
computer graphics, installations, CDROM and DVD projects. Participation on international exhibitions and festivals worldwide. Published numerous articles on media art in books, catalogues and magazines. Various grants
and awards. 1991 - 2012 collaboration with Ingeborg Fülepp as mediainmotion, Berlin.
www.mediainmotion.de
197
IN MEMORIAM
HEIKO DAXL 1957-2012
APEIRON
LE CINÉMA - LE TRAIN
Heiko Daxl
Heiko Daxl
›Das es nicht um die Wissenschaft der Entstehung
geht, selbst aus der Geschichte der frühesten Philosophen, ist klar. Denn es ist ihrem Wunder zu verdanken,
dass die Menschheit sowohl nun beginnt als auch
zunächst begann zu philosophieren; anfänglich wunderten sie sich über deutliche Unterschiede, schritten
dann Stück für Stück voran, stellten Schwierigkeiten
bei den größten Fragen fest, z. B. hinsichtlich des Phänomens Mond und dem der Sonne und der Sterne und
in Bezug auf die Entstehung des Universums.‹
Aristoteles, Metaphysics 1.1-2, (982b)
Erfahrung ist nichts anderes als eine Änderung der Erinnerung.
Filmvorspanne und Aufnahmen von Eisenbahnen bilden das Rohfilmmaterial dieser Arbeit. Durch die Manipulation von Bildern und Montage im Verhältnis zur
musikalischen Komposition, eröffnen sich Gelegenheiten für nachdenkliche Exkursionen, Karussellfahrten, Träume, Biegungen, Vorstellungen und verlorene
Erinnerungen. Aber die immer weitergehende Vergänglichkeit bleibt ein wohlbekanntes Rätsel. Eine
Bahnreise als kinematographische Erfahrung.
›That it is not a science of production is clear even
from the history of the earliest philosophers. For it is
owing to their wonder that men both now begin and at
first began to philosophise; they wondered originally
at the obvious difficulties, then advanced little by little and stated difficulties about the greater matters,
e.g. about the phenomena of the moon and those of
the sun and of the stars, and about the genesis of the
universe.‹ Aristotle, Metaphysics 1.1-2, (982b)
Experience is nothing else than change of memory.
Film-leaders and takes of railways are the raw footage
of the work. By manipulation and montage in relation
to the musical composition there are points for
thoughtful excursions, roundabouts, dreams, curves,
imaginations and lost memories. But the continuance
of transitoriness keeps its familiar riddle. A railway
journey as a cinematographic experience.
ÆD 2009, Video, 2:38
ÆVideo Heiko Daxl
198
ÆD 2003, Video, 14:00
ÆVideo Heiko Daxl
ÆMusic Tobias PM Schneid
ÆSounddesign Markus Lehmann-Horn
CHANGES, SONGS AND INBETWEENS AVANT / GARDE / ROBE
Ingeborg Fülepp, Heiko Daxl
Heiko Daxl, Ingeborg Fülepp
Schwarzweiß-Aufnahmen einer aktiven Stadt bei
Nacht. Änderungen der Perspektiven und dazwischen
kleine Geschichten und Eindrücke bilden gemeinsam
mit der Musik einen Song über das Stadtleben.
Ein Garderobenraum mit Schließfächern. Die Türen
der Spinde öffnen und schließen sich in wechselnden
Rhythmen und erzeugen ein audio-visuelles Klangbild, welches üblicherweise in solch einen Raum nicht
zu erleben ist. Tür auf / Tür zu - eine Instrumentierung
für Schränke.
Black and white shots of an urban activity at night.
Changes of the points of view and inbetween little stories and impressions form together with the music a
song of city-life.
ÆD/HR 2004-2008, Video, 14:00
ÆVideo, sound Ingeborg Fülepp & Heiko Daxl
ÆMusic Tobias PM Schneid
A cloakroom with lockers. The doors of the wardrobes
open and close in changing rhythms and produce an
audio-visual pattern, which usually cannot be experienced in such a space. Door open / Door closed - an
orchestration for lockers.
ÆD 2001-2003, Video, 5:00
ÆVideo Heiko Daxl, Ingeborg Fülepp
ÆProduction media in motion - Berlin, FreundeAktueller-Kunst, Zwickau
199
LIST OF TITLES
97
76
96
191
174
94
#23.2 Book of Mirrors
1971 - 2000
3/78
3D-Printing
500
98.3 KHz: Bridge at Electrical
Storm
141
71
44
148
44
146
162
199
104
A
Achill
Activated Memory I
Adebar
Aesop
Afterimage: A Flicker of Life
Aftershow - EMAF Party
Al Final: La Ultima Carta / At The
End: The Last Letter
Allegretto
Allures
Am Ende vor dem Anfang / At The
End Before The Beginning
Am Wasser / By the Water
America Europe Africa
American Soldiers
Analemma
And all watched over by machines
of loving grace
andere Kap, Das
Anemic Cinema
Apeiron
ArbeiterInnen verlassen die
Fabrik, Die / Workers Leaving The
Factory (Again)
Are you serious?!
Art of Stuntin
Asleep
Assembly Line
Atemberaubend / Breathtaking
Atmosphere / Atmosphäre
Audiovisuelle Salon, Der
Avant / Garde / Robe
Awake, but Dreaming
57
49
139
75
79
155
113
133
56
60
B
Badezimmer, Das
Bann
Benzinfilm
Berberian Sound Studio
Beyond –ism
BlockParty
Bloom, The
Boogodobiegodongo
Buck Fever
Bühne / Stage
130
35
91
179
108
167
64
89
92
126
139
178
69
124
172
46
89
198
53
C
Changes, Songs and Inbetweens
Chromatastic
Chromatic Cocktail
Chromatic Frenzy
Cibernetik 5.3
Cinéma, Le / Le Train
Cinq Minutes De Cinéma Pur
Co Raz Zostalo Zapisane / Written
in Ink
47 Cold Open
122 Cold Star
66 Colin Is My Real Name
199
112
113
110
92
198
87
117
200
91
39
109
106
51
189
Come Closer
Computer Chess
Conjures Box
Conquered
Continuity
Crowdfunding: was es ist und was
es bringt!
188 Crowdsourcing Design: The Good,
the Bad and the Ugly
141
37
84
157
120
93
D
Daily requirement
Day for Cake and Accidents, A
Diagonal Symphonie
Dichter, Der
Domoj / Home
Dresden Dynamo
E
Early Abstractions
Eat
Einmal am Tag
Eis
Emotive Experience
Endless Day
Eris
Escapades of Madame X, The
Étude Cinématographique Sur Une
Arabesque
48 Experience in Material No. 52
Dubhouse
90
129
140
141
159
125
67
108
86
137
79
98
82
137
95
96
104
90
132
156
38
129
F
face lovin' happy pills
Facebook
falcon
Film as a Construct or Filmic
Constructivism
focus
Foregrounds
Four Moves
Fragment from a Lost Film, A
Free Radicals
fremde Fotograf und die
Einsamkeit, Der
Friend
frog spider hand horse house
Frühlingsgefühle / Spring Fever
G
G.S.I.L.XXII/+
Ghost/Hamlet
Ghostriders in the Sky
Girl And Boy On The Rocks!
Girls Love Horses
Gonda
Google, iPhone live & Dear Jeff
Bezos
128 Gradually
70 Guido Möbius feat. go:gol –
Judgment
98
76
70
132
50
54
194
H
105 Hallowed
43 Halloween 1977
145 HamsterGestüt / Hamster Stud
Farm
123 Heilige & Hure / Saint & Whore
51 Hole
56 Hollywood Movie
160 Homevideos – generierte Realität
mit VHS
150 Horses on Fire
I
65 Ich auch, auch, ich auch / Me too,
too, me too
148 IDanceAlone
73 if we had only tried
46 iiiii
53 implausible things #1
130 In the Middle of the Desert /
Mitten in der Wüste
166 Inside_
71 Intermezzo (Notes on Film 04)
52 Island Of Saint Matthews, The
K
149 kain kniffal! boohoo!
121 Kellerkind
80 Konstrukt Film oder filmischer
Konstruktivismus
176 Kyosei - Coexistence
L
Lagos Island
Leviathan
(Lichtspiel) Opus I
Lichtspiel Schwarz-Weiss-Grau
Lie On King
Listen
Lo strano vizio della Signora
Wardh / Der Killer Von Wien
57 Lonely Bones
69 Lord Cry Cry - Blind Lightnin' Floor
163 Lux
41
55
84
88
128
64
75
M
m.a.c.r.o.
Mädchen,.Das
Manifesto
Marina Abramovic: The Artist Is
Present
181, 187 Mécaniques Discursive
196 Media in Motion
65 memento mori
150 Meowsches Pendel
112 Mercurial Madness
118 Meyer
184 Microscopic Opera
151 Millenium zwischen Sonnenlicht
und Regen, Das
46 Minimal Difference, A
161 Mobile Device Forensics for Artists
102, 107 Muse of Cinema, The
147 Music Search
78 My beautiful Zhangjiang
101
137
183
74
119
180
185
68
125
133
165
66
131
154
153
154
190
43
40
85
111
61
46
118
107
170
117
68
77
93
97
110
59
116
147
122
161
156
130
116
N
Nach Hause
Nadal
Nah dran mittendrin
Nananaau
Nao durmo / Ich schlafe nicht
Narratomat
Nightride
Not Blacking Out, Just Turning The
Lights Off
O
O de Obatalá 2
o.T.01/013
o.T.02/012
o.T.03/012
Omissive Art a=tF²
On-Off Clip II
One Roll in the Blackness
Opus II, III, IV
Orbit-(Chromadepth Version)
Ornithes / Birds
Other Heading, The
Out of Nowhere
Out of the Ether
P
Parallele
Parvaneh
People Ago
Phantom Landscape
Piece Mandala / End War
Pièce Touchée
Pin –up in 3D
Plastic Rap with Frieda
Pod Niebem - Unter einem Himmel
Poema Solo
Posh
Projection Mapping - Video im
Raum
Projekt 4
Przypowiesc / The Parable
Puppet Maker, The
R
Raspberry Pi
Red:ux
Reflektorische Farblichtspiele
Remain
Rest in Peace
Restless Leg Saga
Retrospectroscope
Return to the World of Dance
Rhythmus 21 & 23
Ritournelle
Robo D'amour / Love Robot
role of media in Egypt in present
time, The
94 Rumble
160
43
86
132
138
50
105
59
85
36
70
192
125
124
157
100
58
S
Se-Weep
Sense of Measure
Sensibilisierte Wahrnehmung
Shift
Should I Stand Amid Your Breakers
Or...
45 Sinais de Serenidade Por Coisas
Sem Sentido / Signs Of Stillness
129 Sing Under
149 SinPong
128 Sipping the Juice of Memory
Silently
73 sirg'a
131 Sisters
127 Sleep Deprivation
126 Šok horizontale / Horizontal Shock
79 Some actions which haven’t been
defined yet in the revolution
78 Sound Of The City
158 Sound Walk Osnabrück
42 soundless spectre of motion, The
96 Spacy
111 Sparkle Plenty
145 SpeakerPendulum
164 Special Effect
42 spectre silencieux du mouvement,
Le
109 Spectrology
87 Spiralen
104 Stag Party Movie
153 Status Quo
77 Swan Flowering
99 Swan song
72 Switch
177
195
119
182
151
140
V
Vanished Forest
Vanished Forests
Velocity
Versus
Vincent und Emily
Virtual Reality
48
195
57
140
34
144
114
193
58
118
58
138
W
Walk-Through
Walking The Walk
Walt Disney's ›Taxi Driver‹
Water Identity
Wave, The
Ways Things May Go, The
We are the Media Campus!
Webformate, Games, App’s
White Coat Phenomenon, The
Wildnis / The Wild
Wingdings Love Letter
world is a dream, The
Y
60 You Are Here
Z
120 Zabawka / Favourite Thing
101 zounk!
T
129 Teilchenbeschleunigung / Particle
Acceleration
71 Telegraphist, The
47 Temper Clay
113 Terra Incognita
73 That Sound
152 They Upped Their Game After The
Oranges
99 Thinking Dot
42 Tier das lügen kann, Das / The
Animal That Can Lie
61 Tiger's Mind, The
146 Time to say Goodbye
69 Timothy Blackman - Wolves
77 Tools
106 Torchlight Tango
62 Transcalar Investment Vehicles
159 Transparenz.
40 trespass
127 Triangle
173, 195 Triangular Stories
121 Trimbelten
152 Tuchfühler
100 Twice Over
78 Twilight is the Ashes of Dusk
36 Two Islands
U
139 Überfluss-Paradoxon, Das
35 Una Ciudad En Una Ciudad / Eine
Stadt in einer Stadt
112 Uncle Ernie's Home Movie
49 Unsupported Transit
41 Untitled Brazil Project
72 Up
201
LIST OF AUTHORS
131
61
44
99
45
124
74
43
140
97
41
A
Marta Abad Blay
Gabriel Abrantes
Paulo Abreu
Anton Aeki
Sandro Aguilar
Ikumi Aihara
Matthew Akers
Anna Anders
Alice Angeletti
Martin Arnold
Karimah Ashadu
36
156
126
92
124
123
73
191
59
57
137
65
136
39
164
B
Christopher Becks
Mona Beer
Enya Belak
Jordan Belson
Áine Belton
Anne Zohra Berrached
Reinhold Bidner
Niels Boeing
Dan Boord
Bryan Boyce
Mira Amadea Breuer
Dan Browne
Michael Brynntrup
Andrew Bujalski
Peter Burr
152
55
162
128
138
69
140
87
165
96
35
C
Jane Cassidy
Lucien Castaing-Taylor
Pepijn Caudron
Der-Lu Chan
Yizhong Chen
Alistair Cheyne
Rico Chibac
Henri Chomette
Colorist
Larry Cuba
cylixe
196
144f.
99
163
147
180
89
86
84
132
70
127
94
146
48
52
125
202
D
Heiko Daxl
Alberto de Campo
Anouk De Clercq
Paul & Menno de Nooijer
Monai de Paula Antunes
Paul Destieu
Marcel Duchamp
Germaine Dulac
E
Viking Eggeling
Jan Eichberg
Philipp Eichholtz
Omnia ElAfifi
Jules Engel
Constantin Engelmann
Redmond Entwistle
Kevin Jerome Everson
Anna Frances Ewert
F
Harun Farocki
Omer Fast
Simona Feldman
Oskar Fischinger
Scott Fitzpatrick
Zachary Formwalt
Forschungsgruppe
Medientechnik und
Interaktionsdesign
101 Oliver Franken
196ff. Ingeborg Fülepp
170
51
120
87ff.
58, 72
49
142
G
Hala Galal
Jerry Galle
Thomas Galler
Pauline Galtié
Alex Gerbaulet
Martin Gerner
Beatrice Gibson
Karolina Glusiec
Andreas Gogol
Karø Goldt
Martina Gromadzki
Gruppe Sound Design
der Hochschule
Osnabrück
53 Katharina Gruzei
192
99
69
132
129
32
46
61
119
130
43, 70
98
139
158
191
117
132
148
47
129
100
149
125, 129
185
150
149f.
91
144f.
141
67
141
70
H
Fablab Hamburg
Talkhon Hamzavi
Willy Hans
Sascha Hanse
Seamus Harahan
Murat Haschu
Max Hattler
Katharina Hauke
Seo Jung Hee
Kerstin Hehmann
Sara Hildebrand
Marques Lopes
Dominik Hildebrand
Marques Lopes
Hy Hirsh
Hannes Hoelzl
Lukas Hofmann
Claire Hooper
SzuYing Hsu
Una Husebrink
I
36 Jan Ijäs
120 Piotr Iskra
96 Takashi Ito
J
43 Greg Jackson
161, 181, 187 Yannick Jacquet
166 JAGO
42 David Jansen
133 Daniel Jaroschik
179 Nigel Johnson
69
46
40
73
152
47
71
148
133
59
49
62
73
159
60
129
130
91
121
137
K
Francis Kamprath
Jean-Paul Kelly
Chris Kennedy
Murodjon Kholikov
Christoph Kilian
Sung-Hwan Kim
Florian Kläger
Philipp Klein
Rouven Köhnen
Tom Koken
Nina Könnemann
Hilary Koob-Sassen
Stephan Köperl
Friederike Korfmacher
Daniel Kötter
Moritz Krämer
Gudrun Krebitz
Peter Kubelka
Sebastian Kuehn
Jennifer Kurbjuweit
104ff.
141
79
182
76
98
131
151
177
59
165
153f.
90
L
Kerry Laitala
HsiaoHan Lan
Zhang Lehua
David Letellier
Ningchun Li
lia
Daniela Libertad
Carolin Liebl
Igor Line
Barbara Lipp
Locoto
Christian Lohre
Len Lye
53
134
159
59
75
54
118
64
172
57
119
68, 71
157
133
36
77
88
M
Rita Macedo
Christian Mahler
Inga Marggraf
Marilyn Marloff
Sergio Martino
Ursula Mayer
Isca Mayo
Monteith Mccollum
Ricarda McDonald
Bjørn Melhus
Janos Menberg
Joe Merrell
Merle Miethig
Peter Millard
Peter Miller
Li Ming
Lazlo Moholy-Nagy
178, 183
37
50
32
184
Nástio Mosquito
Jessie Mott
Shana Moulton
Katrin Mundt
Matthijs Munnik
N
Lea Nagano
Lou Nanli
Henrike Naumann
Benny Nemerofsky
Ramsay
56 NEOZOON
140 Jie Jie Ng
168f. Hermann Nöring
134, 176
78
160, 173
66
95
121
125
99
161, 194
72
122
64
55
174
138
100
146
181
128
71
46
149
O
Pat O'Neill
Julia Ocker
Vivian Oliveira
Keitaro Oshima
Johannes P Osterhoff
Overlap
P
Simon J. Paetau
Tiziana Panizza
Véréna Paravel
Bianca Patricia
Erik Pauhrizi
Simon Payne
Eva Pedroza
Fred Penelle
Linda Perthen
Deborah S. Phillips
Tobias Purfürst
Q
78 Ma Qiusha
118 Sascha Quade
41
128
76
117
35
94
165
162
137
50
58
37
97
143
127
93
66
85
R
Christoph Rainer
Benjamin Ramirez Perez
Cheng Ran
Martin Rath
Sabrina Ratté
Al Razutis
Rearviewradio
Jürgen Reble
Meike Redeker
Jennifer Reeder
Kristin Reeves
Steve Reinke
Joost Rekveld
Research Group Media
Technology and
Interaction Design
Grace Nayoon Rhee
Lis Rhodes
James Richards
Hans Richter
144
134
101
57
186
59
84f.
58
32, 81
151, 160
188
193
165
56
86
93
48
132
38
116
90
167
156f.
71
122
92
116
151
75
190
60
48
191
172
78
32
147
162
118
Julian Rohrhuber
Claudia Rohrmoser
Billy Roisz
Rosto
Alfred Rotert
Tom Rubnitz
Walther Ruttmann
S
Marcy Saude
Ralf Sausmikat
Nikolas Schmid-Pfähler
Florian A. Schmidt
Tanja Schmoller
Mario Schoo
Volker Schreiner
Kurt Schwerdtfeger
Paul Sharits
Kei Shichiri
Maria Sigrist
Shelly Silver
Badri Skhirtladze
Harry Smith
Alex Smoke
Mari Socolova
Lisa Sperling
Kai Stänicke
John Stehura
Christopher Stöckle
Elisa Storelli
Peter Strickland
Igor Štromajer
Leslie Supnet
Ryoji Suzuki
Axel Sylvester
Donna Szoke
42
40
189
126
73
118
W
Bridget Walker
Paul Wenninger
Karsten Wenzlaff
Sylvia Winkler
Helena Wittmann
X
79 Sun Xun
Y
77 Yang Yongliang
Z
77 Jiang Zhi
44 Pim Zwier
T
Song Tao
Peter Taylor
Ljupcho Temelkovski
TROUM
Maayan Tzuriel
U
139 Deborah Uhde
130
59
34
177
96
51
34
139
65
185
165
68
V
Hristina Vadreva
Luis Valdovino
Sarah Vanagt
Tviga Vasilyeva
Bart Vegter
Wouter Venema
Katrien Vermeire
Enrico Viets
Friedl vom Gröller
Angela von Brill
THE VON DUESZ
Christina von Greve
203
LIST OF DISTRIBUTORS
A
Abad Blay, Marta
[email protected]
www.martabadblay.com
AGENCIA - Portuguese Short Film Agency
[email protected]
www.curtas.pt/agencia
Aguilar, Sandro
[email protected]
Aihara, Ikumi
[email protected]
Ainmo Productions, Omnia ElAfifi
[email protected]
www.omniaelafifi.com
A Mutual Respect Productions,
Gabriel Abrantes
[email protected]
http://mutualrespectproductions.blogspot.de
Anders, Anna
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www.anna-anders.de
Argos Centre for Art and Media
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www.argosarts.org
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[email protected]
www.arsenal-berlin.de/distribution
Ashadu, Karimah Art/Design
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Auguste Orts
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Autour de Minuit
[email protected]
www.autourdeminuit.com
AV-arkki
[email protected]
www.av-arkki.fi
B
Backhaus, Martin
[email protected]
www.martinbackhaus.com
Becks, Christopher
[email protected]
Belak, Enya
[email protected]
Belton, Aine
[email protected]
www.ainebelton.wordpress.com
Berrached, Anne Zohra
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Bertolone, Isabelle
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Bezalel Academy of Arts and Design
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C
California Institute of the Arts/CalArts
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cylixe
http://cylixe.net/
204
D
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Dono, Murodjon Kholikov
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E
Eichholtz, Philipp
[email protected]
Entwistle, Redmond
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Everson, Kevin Jerome
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[email protected]
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Filmwelt Verleihagentur
[email protected]
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Formwalt, Zachary
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www.zacharyformwalt.com
G
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Galtié, Pauline
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[email protected]
Gerner, Martin
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Gibson, Beatrice
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Glusiec, Karolina
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www.karolinaglusiec.com
Godlewska, Aleksandra
[email protected]
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Gogol, Andreas
[email protected]
H
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Harahan, Seamus
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HBK Braunschweig, Filmklasse
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HFF Potsdam-Babelsberg, Cristina Marx
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J
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www.t-r-i-c-k-s-f-i-l-m-e-r.com
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http://jungheeseo.tumblr.com/
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Koob-Sassen, Hilary
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www.winkler-koeperl.net
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L
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O
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Overlap, Michael Denton
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R
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Reeder, Jennifer
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Reeves, Kristin
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www.reevesmachine.com
Reinke, Steve
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www.myrectumisnotagrave.com
Rhee, Grace Nayoon
[email protected]
http://vimeo.com/nayoon1212
Roisz, Billy
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Rondo Picture, Piotr Iskra
[email protected]
Rosto
www.rostoad.com
S
Saude, Marcy
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www.threecolorsallblack.org
Schreiner, Volker
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Shichiri, Kei & Suzuki, Ryoji
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Silver, Shelly
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www.shellysilver.com
sixpackfilm
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www.sixpackfilm.com
Skhirtladze, Badri
[email protected]
Stöckle, Christopher
[email protected]
Supnet, Leslie
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www.lesliesupnet.com
V
Valdovino, Luis & Boord, Dan
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Vanagt, Sarah
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www.balthasar.be
Vardeva, Hristina
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www.zonafreeart.blogspot.com
Venema, Wouter
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www.woutervenema.nl
Vermeire, Katrien
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www.katrienvermeire.com
Video Data Bank
[email protected]
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[email protected]
von Greve, Christina
[email protected]
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W
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[email protected]
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Wenninger, Paul
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Winckelmann, Matthias
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Z
Zürcher Hochschule der Künste,
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Zwier, Pim
[email protected]
T
Tzuriel, Maayan & Mayo, Isca
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www.maayantzuriel.com
U
UHOY, Joe Merrell
[email protected]
www.uhhuhohyeah.com
Una Husebrink
[email protected]
Universität für Angewandte Kunst Wien
[email protected]
www.uni-ak.ac.at
205
EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2014
23. April - 27. April 2014
Ausstellung 23. April - 25. Mai 2014

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