campus central guatemala de la asunción, septiembre

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UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO
LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO
El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman. Material digital para Fundación Way-Bi.
PROYECTO DE GRADO
ANDREA GISELLE PÉREZ VILLATORO
CARNET11563-09
GUATEMALA DE LA ASUNCIÓN, SEPTIEMBRE DE 2013
CAMPUS CENTRAL
UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO
LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO
El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman. Material digital para Fundación Way-Bi.
PROYECTO DE GRADO
TRABAJO PRESENTADO AL CONSEJO DE LA FACULTAD DE
ARQUITECTURA Y DISEÑO
POR
PREVIO A CONFERÍRSELE
EL TÍTULO DE DISEÑADORA GRÁFICA EN EL GRADO ACADÉMICO DE LICENCIADA
GUATEMALA DE LA ASUNCIÓN, SEPTIEMBRE DE 2013
CAMPUS CENTRAL
AUTORIDADES DE LA UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
RECTOR:
P. ROLANDO ENRIQUE ALVARADO LÓPEZ, S. J.
VICERRECTORA ACADÉMICA:
DRA. MARTA LUCRECIA MÉNDEZ GONZÁLEZ DE PENEDO
VICERRECTOR DE INVESTIGACIÓN Y PROYECCIÓN: DR. CARLOS RAFAEL CABARRÚS PELLECER, S. J.
VICERRECTOR DE INTEGRACIÓN UNIVERSITARIA:
DR. EDUARDO VALDÉS BARRÍA, S. J.
VICERRECTOR ADMINISTRATIVO:
LIC. ARIEL RIVERA IRÍAS
SECRETARIA GENERAL:
LIC. FABIOLA DE LA LUZ PADILLA BELTRANENA DE LORENZANA
AUTORIDADES DE LA FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO
DECANO:
MGTR. HERNÁN OVIDIO MORALES CALDERÓN
VICEDECANO:
ARQ. ÓSCAR REINALDO ECHEVERRÍA CAÑAS
SECRETARIA:
MGTR. ALICE MARÍA BECKER ÁVILA
DIRECTORA DE CARRERA:
MGTR. ANA REGINA LÓPEZ DE LA VEGA
NOMBRE DEL ASESOR DE TRABAJO DE GRADUACIÓN
LIC. CLAUDIA MARIA AQUINO AREVALO
TERNA QUE PRACTICÓ LA EVALUACIÓN
MGTR. KARIN LUCRECIA ABREU LISCUTIN
LIC. JOSE ALEJANDRO RAMIREZ PINEDA
LIC. SERGIO JOSE DURINI SERRANO
CARTA DE ASESORES
CARTA DE AUTORIZACIÓN
PARA IMPRESIÓN
ÁREA DE INVESTIGACIÓN
PORTAFOLIO ACADÉMICO
El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes
visuales en las ilustraciones de Clint Tillman
Carné 1156309
Resumen ........................................................................................ 8
Introducción .................................................................................... 9
Planteamiento del problema ........................................................... 10
Objetivos de investigación .............................................................. 11
Metodología .................................................................................... 12
Sujetos de estudio ..................................................................... 12
Objetos de estudio ..................................................................... 14
Instrumentos .............................................................................. 16
Procedimiento de investigación ................................................. 17
Contenido teórico y experiencias desde diseño ............................. 18
Ilustración .................................................................................. 18
¿Qué es ilustración? ............................................................. 18
Tipos de ilustración ............................................................... 19
Técnicas de ilustración ......................................................... 25
Mezcla de técnicas ............................................................... 36
Proceso de ilustración ............................................................... 37
Proceso general de ilustración ............................................. 37
Proceso de ilustración en acuarela ...................................... 40
Comunicación visual ................................................................. 41
Signo .................................................................................... 41
Teoría del proceso ............................................................... 44
Semiótica ............................................................................. 45
Mensaje visual ..................................................................... 46
Componentes de un mensaje visual .................................... 46
Retórica en el mensaje visual .............................................. 48
Herramientas o elementos visuales ..................................... 55
Experiencias desde diseño ....................................................... 67
Descripción de resultados .............................................................. 72
Entrevista realizada a Clint Tillman ........................................... 72
Entrevista realizada a Luis Pinto ............................................... 85
Entrevista realizada a Juan Carlos Calderón ............................ 88
Entrevista realizada a Silvia Barrientos ..................................... 96
Guías de observación ............................................................... 104
Interpretación y síntesis ................................................................ 136
Proceso creativo que Clint Tillman utiliza al ilustrar con la técnica
mixta de acuarela y tinta .......................................................... 136
Contribución de la técnica mixta análoga a la representación de
mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman ........... 144
Definición del estilo gráfico de las ilustraciones de Clint Tillman y
como éste refuerza los mensajes visuales .............................. 152
Conclusiones y recomendaciones ................................................. 156
Referencias ................................................................................... 160
Anexos .......................................................................................... 166
Anexo 1: Guía de entrevista a Clint Tillman ............................. 167
Anexo 2: Guía de entrevista a Juan Carlos Calderón .............. 169
Anexo 3: Guía de entrevista a Luis Pinto ................................. 170
Anexo 4: Guía de entrevista a Silvia Barrientos ....................... 171
Anexo 5: Guía de observación ................................................. 172
Anexo 6: Resultados de entrevista de Clint Tillman (Inglés) ..... 174
Anexo 7: Artículo Marca cromática y semántica del color por
Norberto Chaves ...................................................................... 183
Anexo 8: Lyrics Falling Snow ................................................... 185
A través de esta investigación se buscó documentar y analizar el proceso
creativo de Clint Tillman para el desarrollo de sus ilustraciones. Se
hizo un particular énfasis en determinar la influencia de la técnica mixta
de acuarela y tinta y del estilo particular de Tillman en la comunicación
visual y en la eficaz transmisión de los mensajes visuales en sus
proyectos, con el fin de enriquecer el conocimiento de los diseñadores
en cuanto al tema de comunicación visual. Cada característica, tanto
de la técnica como del estilo tiene un porqué y cumplen con una función
específica para completar el mensaje, dándole características únicas.
8
La ilustración y el diseño son dos disciplinas estrechamente unidas. La
ilustración puede trabajarse tanto bajo un objetivo de diseño como un
objetivo artístico. Sin embargo, sea cual sea el objetivo, la ilustración
no puede separarse de la comunicación.
La ilustración busca combinar tanto técnica como estilos para poder
transmitir ideas o mensajes logrados a partir de un proceso creativo.
Cada técnica pictórica tiene tanto ventajas como desventajas y
características que pueden reforzar o debilitar los mensajes visuales.
Clint Tillman es un diseñador e ilustrador estadounidense que
ha incursionado profesionalmente en la ilustración desde hace
aproximadamente 5 años. Tillman trabaja sus proyectos de ilustración
utilizando una técnica mixta de acuarela y tinta con un gran énfasis en
la comunicación visual y los mensajes que busca transmitir, a pesar de
su carácter artístico.
Es por esto que se realiza una profundización en la manera en que
Tillman genera los conceptos o mensajes a transmitir y cómo la técnica
mixta de su preferencia y su estilo personal refuerzan la transmisión de
estos mensajes visuales.
Con el fin de recabar información sobre el tema y obtener opiniones
específicas sobre el trabajo de Tillman se realizaron entrevistas tanto
a expertos cuya área de interés se relaciona con la temática trabajada,
como al propio Clint Tillman.
Como expertos, se entrevistó a Juan Carlos Calderón, artista plástico
experto en la técnica de acuarela, Luis Pinto, diseñador gráfico e
ilustrador que radica en Guatemala y a Silvia Barrientos, diseñadora
gráfica, experta en comunicación visual, quienes colaboraron en el
desarrollo de la investigación aportando argumentos, comentarios y
opiniones en base a su propia experiencia y conocimientos.
Para tener un acercamiento más completo a la temática y a los objetos
de estudio, también se aplicó una guía personal para observar y
analizar una muestra de las ilustraciones de Tillman evaluando ciertos
elementos acorde a varios criterios pertinentes a la investigación.
Teniendo una recolección más completa de la información y los recursos
suficientes se pasó a desarrollar la investigación y análisis sobre la
manera en que la técnica mixta y el estilo de Tillman influencian en la
transmisión de mensajes visuales determinando qué es aquello que
completa el mensaje y hace su representación gráfica única y llamativa.
Así finalmente se logró documentar y analizar el proceso creativo que
el ilustrador utiliza. Así como determinar la forma en que la técnica
de acuarela y tinta y el estilo gráfico propio de Tillman representa y
refuerza los mensajes visuales en sus ilustraciones.
9
digital acapara la mayor parte de las ilustraciones y poco a poco las
técnicas manuales se van extinguiendo.
La técnica de la acuarela es una técnica aguada, en la cual se diluye
la pintura con agua y se pinta capa por capa hasta lograr el tono
deseado. Según Luengo (2003) la verdadera grandeza de la acuarela,
en comparación con otras técnicas, reside en la transparencia de sus
aguadas. Es esta característica la que hace de esta técnica una de
gran dificultad.
De acuerdo con Dalley (1992), la ilustración y el diseño son dos materias
que tienen un lazo muy estrecho. Sin embargo definir el concepto de
ilustración no es tan sencillo. De acuerdo con Zeegen (2009), no es
arte ni tampoco es diseño gráfico. Como disciplina, la ilustración se
sitúa entre el arte y el diseño, pero para ciertos profesionales de la
ilustración se puede sentir más cerca de uno u otro extremo.
Dalley (1992) comenta que la ilustración, a diferencia de la pintura,
siempre debe realizar una función concreta. Zeegen (2009) asegura
que la esencia de una ilustración está en el pensamiento, idea o
concepto que forman la base de lo que la imagen está tratando de
comunicar.
Hoy en día, la ilustración moderna busca combinar un estilo o expresión
personal con la representación pictórica a fin de transmitir ideas
complejas y mensajes luego de haber finalizado un proceso creativo.
En Guatemala la ilustración es un campo que día a día se amplía,
gracias a la globalización y por tanto al más fácil acceso a recursos
gráficos y la posibilidad de conocer sobre nuevas tendencias y
personajes que traen nuevas técnicas e ideas, las cuales se pueden
aprender y aplicar, mejorando el nivel de ejecución.
Las técnicas más comunes para ilustrar son la técnica de crayón,
acrílico, óleo, pastel, aguada y digital. En esta nueva era la técnica
Clint Tillman es un diseñador e ilustrador estadounidense que
actualmente reside en Colorado. Sus obras se distinguen por el
uso de su técnica de preferencia, una mezcla entre acuarela y tinta,
manteniendo una paleta de colores orgánica en la mayoría de sus
ilustraciones y representando mensajes visuales y metáforas que se
relacionan directamente con sus emociones y eventos de su vida.
Tillman ha sido parte de la exposición en colaboración de & “Art. Ideas.
Progress.”, ha tenido la oportunidad de exponer su trabajo de ilustración
en dos ocasiones con sus exposiciones “Algorithms” y “Perspective” y
ha colaborado con la revista HAHA que apoya y a veces financia el
trabajo de nuevos artistas.
Siendo así, es importante documentar el proceso en que Tillman
aplica una técnica de un nivel de dificultad tan alto como la acuarela
en su ilustración, así como el analizar los mensajes que el ilustrador
comunica a través de su trabajo.
A partir de lo anterior, se llega a las siguientes interrogantes:
• ¿Cuál es el proceso creativo que Clint Tillman utiliza al ilustrar con su
técnica de preferencia?
• ¿La técnica utilizada por Tillman contribuye a transmitir efectivamente
los mensajes visuales de sus ilustraciones?
• ¿Cuál es el estilo gráfico que utiliza Clint Tillman en sus ilustraciones
y como apoya la transmisión de mensajes visuales?
10
• Documentar y analizar el proceso creativo que Clint Tillman utiliza al
ilustrar con la técnica mixta de acuarela y tinta.
• Determinar cómo la técnica mixta análoga contribuye a la
representación de mensajes visuales en las ilustraciones de Tillman.
• Identificar el estilo gráfico de las ilustraciones de Clint Tillman y como
éste refuerza los mensajes visuales que el ilustrador quiere transmitir.
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4.1 Sujetos de Estudio
A continuación se presentan los sujetos de estudio del proyecto de
Investigación. Éstos se seleccionaron en base a su experiencia en los
diferentes ámbitos que intervienen en el análisis de las ilustraciones de
Clint Tillman, tanto en el área visual como de comunicación.
Clint Tillman
Juan Carlos Calderón
DISEÑADOR GRÁFICO E ILUSTRADOR
www.tillmanproject.com
[email protected]
ARTISTA PLÁSTICO
[email protected]
Diseñador gráfico e ilustrador estadounidense actualmente establecido
en Durango, Colorado. Ampliamente reconocido en su región con
varias exposiciones en galerías locales. Es el sujeto principal de la
investigación, elegido por el gran papel que los mensajes visuales
toman en sus ilustraciones y su particular forma de representarlos.
El sujeto brindó toda la información necesaria para el desarrollo de
la investigación así como piezas gráficas para analizar como el uso
de la técnica de acuarela y su estilo visual apoyan la transmisión de
mensajes.
Juan Carlos Calderón es un artista plástico, ampliamente reconocido
por su trabajo con la técnica de la acuarela, más recientemente por
su exposición El Despegue del Toro. El sujeto aportó su conocimiento
y experiencia con la técnica de acuarela que permitió el análisis del
modo y proceso en que el ilustrador Clint Tillman aplica dicha técnica.
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Luis Pinto
Silvia barrientos
DISEÑADOR GRÁFICO E ILUSTRADOR
http://www.behance.net/luispintos
[email protected]
DISEÑADORA GRÁFICA
[email protected] / [email protected]
Luis Pinto es un Diseñador gráfico pero se dedica mayormente al arte
y a la ilustración. Le gusta experimentar con herramientas modernas
y tradicionales y la mayoría de sus ilustraciones parten de conceptos
personales. Ha laborado en BBDO Guatemala y 4AM Saatchi &
Saatchi, entre otros. Pinto aportó su conocimiento y experiencia
con el desarrollo de ilustraciones para apoyar en la resolución de
las interrogantes del proyecto de investigación, especialmente en la
transmisión de mensajes visuales y la definición del estilo gráfico de
las ilustraciones de Clint Tillman.
Graduada en el 2010 de la Universidad Rafael Landívar. Grandemente
interesada el tema de Retórica y Semiótica, llevó a cabo su
investigación académica sobre la aplicación de la Retórica en el
proceso creativo publicitario y a partir de ahí continuó investigando
al respecto, asistiendo a talleres y conferencias sobre el tema. Ha
impartido durante dos años el curso de Comunicación Visual de la
carrera de Diseño Gráfico de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la
Universidad Rafael Landívar. Actualmente labora como la Coordinadora
Académica del Departamento de Diseño Gráfico y como docente del
mismo departamento. Barrientos aportó su conocimiento sobre el
tema de Comunicación Visual para apoyar en la resolución de las
interrogantes de la investigación, especialmente en la determinación
de la contribución del estilo gráfico y la técnica aplicada por Tillman en
la transmisión de mensajes visuales.
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4.2 Objetos de Estudio
Los objetos de estudio elegidos son 15 ilustraciones realizadas por
Clint Tillman en los años 2012 y 2013. A partir de ellos se analizará el
proceso en que se aplica y el uso de la técnica de acuarela y tinta, así
como la intervención de la técnica en la comunicación de mensajes
visuales y el estilo gráfico que se utiliza en las ilustraciones.
14
15
4.3 Instrumentos
Para los sujetos de estudio se realizaron distintas guías que facilitaron
sus entrevistas, con preguntas abiertas acorde al aporte que brinda
cada uno según se describió en el punto 4.1 Sujetos de estudio.
Guía de entrevista a Clint Tillman
Guía de entrevista a Luis Pinto
En el caso de Clint Tillman, siendo el sujeto principal para el proyecto
de Investigación, se realizó una entrevista estructurada integrando
preguntas abiertas que permitió recolectar información sobre su
trabajo, su experiencia como ilustrador, el proceso creativo aplicado
por el sujeto, la generación de mensajes o conceptos a transmitir, el
desarrollo de mensajes visuales en sus ilustraciones, los signos que
los conforman, así como su estilo gráfico y su técnica de preferencia y
cómo estos apoyan la transmisión de los mensajes visuales.
En el caso de Luis Pinto, la entrevista se compuso de preguntas
abiertas, buscando su apoyo en el tema de los procesos creativos y en
el análisis de los mensajes visuales y el estilo gráfico que Clint Tillman
aplica en el desarrollo de sus ilustraciones.
VER ANEXO 1
El instrumento fue implementado via skype debido a que el sujeto de
estudio reside en Durango, Colorado, Estados Unidos.
Guía de entrevista a Juan Carlos Calderón
VER ANEXO 2
Para Juan Carlos Calderón se realizó una entrevista, compuesta
de preguntas abiertas, que permitió recolectar información sobre
el manejo de la técnica de acuarela y su colaboración para analizar
específicamente el uso de dicha técnica en las ilustraciones de Clint
Tillman.
VER ANEXO 3
Guía de entrevista a Silvia barrientos
VER ANEXO 4
Se utilizó una entrevista compuesta de preguntas abiertas que permitió
recabar información así como realizar un análisis de los mensajes
visuales y signos que se identifican en las ilustraciones de Clint
Tillman. Así como identificar las figuras retóricas que Tillman aplica en
sus ilustraciones.
Guía de observación
VER ANEXO 5
Con el objetivo de determinar e identificar el proceso creativo, así
como el papel de la técnica de acuarela para transmitir los mensajes
visuales y el estilo gráfico utilizado en las ilustraciones de Clint Tillman,
se estableció una guía de observación donde a través de preguntas
cerradas y abiertas se analiza una muestra significativa del trabajo de
sujeto de estudio principal.
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4.4 Procedimiento de Investigación
• Planteamiento del problema del proyecto
Se identifica una problemática relacionado al tema de la ilustración, se
establecen interrogantes que surgen del planteamiento del problema.
• Objetivos de la Investigación
Se definieron los objetivos que guían el proyecto de Investigación
• Referencias
Se enlistaron las referencias bibliográficas según la normativa APA.
• Introducción
Se redactó una introducción al proyecto.
• Metodología
Se definen los sujetos y objetos de estudio así como los objetos de
estudio, instrumentos de investigación y el procedimiento que debe
seguirse para cumplir los objetivos propuestos.
• Contenido teórico y experiencias desde diseño
Se realizó un contenido teórico desarrollado de la temática general
hasta llegar a lo específico. Ésta información fue complementada
con una sección de experiencias desde diseño la cuál describe la
experiencia de otros ilustradores.
• Aplicación de Instrumentos
Se utilizaron los instrumentos para la recaudación de información por
parte de los sujetos de estudio mientras que se analizaron los objetos
de estudio aplicando una guía de observación.
• Descripción de resultados
Se presentaron los resultados obtenidos por medio de los instrumentos.
• Interpretación y síntesis
Se interpretó la información obtenida realizando un resumen y síntesis
de la investigación confrontando tanto el contenido teórico, como los
resultados de las guías de observación, entrevistas y las experencias
desde diseño.
• Conclusiones y recomendaciones
Se colocaron las conclusiones y recomendaciones de acuerdo a los
objetivos propuestos y a la información obtenida en el proyecto.
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1. ILUSTRACIÓN
1.1 ¿Qué es ilustración?
El objetivo de todo arte visual es la producción de imágenes. Dalley
(1992) comenta que cuando éstas imágenes se emplean para
comunicar información concreta, el arte suele llamarse ilustración.
El definir el concepto de ilustración no es tan sencillo. De acuerdo
con Zeegen (2009), no es arte ni tampoco es diseño gráfico. Como
disciplina, la ilustración se sitúa entre el arte y el diseño gráfico, para
ciertos profesionales de la ilustración se puede sentir más cerca de
uno u otro extremo. Dalley (1992) comenta que desde sus inicios la
ilustración ha servido como complemento narrativo en manuscritos y
libros. La ilustración, a diferencia de la pintura, siempre debe realizar
una función concreta, siempre debe tener una razón para existir,
aunque la ilustración se basa en las técnicas artísticas tradicionales.
Los ilustradores deben de estar dispuestos a aceptar y aprovechar las
oportunidades que se van generando a partir del desarrollo de nuevos
medios y técnicas por la tecnología, etc. para mejorar sus habilidades
y ampliar sus conocimientos.
Las ilustraciones están asociadas con palabras, conllevan siempre un
mensaje. Zeegen (2009) asegura que la esencia de una ilustración
está en el pensamiento, idea o concepto que forman la base de lo que
la imagen está tratando de comunicar. Representar visualmente y dar
vida a un texto o mensaje es el principal papel de un ilustrador.
Las imágenes contenidas en una ilustración son lo que capta la
imaginación del receptor. Estas imágenes ayudan al público a captar
una idea y la función de la ilustración es proporcionar un significado
visual. Las imágenes pueden ser sencillas, complejas, emotivas,
esquemáticas o documentales, pero su principal objetivo es presentar
un punto de vista y hacer pensar al receptor. Las ilustraciones deberían
ser únicas y ofrecer al receptor la visión de algo en un modo diferente
al habitual.
Hoy en día, la ilustración moderna busca combinar un estilo o
expresión personal con la representación pictórica a fin de transmitir
ideas complejas y mensajes. En los inicios, la ilustración se limitaba
a documentar de forma gráfica o adornar un texto, con el tiempo, se
identificaron las ventajas de la ilustración y su gran aporte, por lo que
ésta fue tomando fuerza en otros ambientes. La ilustración sigue siendo
actualmente una de las formas más directas de comunicación visual.
La ilustración nunca ha sido más diversa, constantemente cruzando
las fronteras entre disciplinas y rompiendo tradiciones.
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1.2 Tipos de ilustración
A. ILUSTRACIÓN CONCEPTUAL
Las ilustraciones conceptuales son aquellas que no se ciñen a un texto,
un argumento literario o alguna información específica, sino aquellas
que desarrollan una idea personal. De acuerdo a Sanmiguel et. al.
(2003) la ilustración conceptual es esencialmente creativa y su éxito se
debe a la originalidad del estilo del ilustrador. En este tipo de ilustración
la idea o concepto es el aspecto más importante. En el proceso, todos
los planes y decisiones se toman previamente. El objetivo es hacer que
la obra sea mentalmente interesante para el espectador. Las ideas no
precisan ser complejas, la mayoría de las ideas exitosas son simples.
Una ilustración conceptual representa ideas generales y no hechos en
particular.
Según Sanmiguel et.al. (2003) una imagen conceptual debe ser
gráficamente atrevida y captada con mucha rapidez, pero no tiene
que condicionarse ofreciendo un enfoque demasiado personal. Es
por esto que se puede dar que el observador no entienda o entienda
de una manera distinta el concepto del artista al ver el material. Una
vez que se publica, el ilustrador no tiene control sobre el modo que el
observador percibirá su trabajo y cada persona puede comprenderlo
de una manera distinta.
HOME SWEET HOME / THOMAS BURNS / 2013
http://www.behance.net/gallery/Home-Sweet-Home/7631501
Este tipo de ilustración permite una mayor libertad creativa y un margen
más amplio para aplicar un estilo personal.
INTERMODAL TRANSPORTATION / THOMAS BURNS / 2013
http://www.behance.net/gallery/Intermodal-Transportation/6939473
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B. ILUSTRACIÓN PUBLICITARIA
Las ilustraciones publicitarias son aquellas que complementan o
dan cierta personalidad a un producto o una marca o aquellas que
anuncian un acontecimiento. Vargas (2010) comenta que la ilustración
publicitaria sirve para llamar la atención sobre un producto, anunciar su
existencia así como enfatizar sus características. Tanto grandes como
pequeñas empresas han utilizado la ilustración como una herramienta
para promover o vender sus productos y servicios. Algunas ilustraciones
han sido tan exitosas que han pasado a ser íconos de la cultura popular
de su época.
De acuerdo a Vargas (2010) la ilustración debe cumplir con uno o
varios objetivos específicos. Uno de estos objetivos será adentrarse
en el subconsciente del público, presentando una idea y una imagen
del producto que sean rápidamente reconocibles. La publicidad
está constantemente sujeta a imágenes que se basan en nociones
poco realistas, por su capacidad de llamar la atención por medio de
la incongruencia. Presentar un producto fuera de contexto causa
sorpresa, intriga, etc. llamando la atención. Es por esto que en la
ilustración publicitaria las posibilidades son ilimitadas y, para el
ilustrador que trabaja en una campaña publicitaria, el efecto de esta
proyección puede ser muy beneficioso. Junto con el reconocimiento de
marca o de producto se logra una asociación directa con estos al estilo
particular del ilustrador, logrando su reconocimiento personal.
Las ilustraciones publicitarias buscan ser adaptables y ajustarse a
diferentes formatos y medios según se utilicen en las campañas y esto
es lo que llama la atención de muchos ilustradores y lo que los hace
adentrarse en el área publicitaria.
COCA COLA CONTEST / SEBASTIEN CUYPERS / 2010
http://www.behance.net/gallery/Coca-Cola-Contest/880011
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C. ILUSTRACIÓN NARRATIVA
De acuerdo a Zeegen (2009) el libro fue, probablemente, el primer
medio en que se inició el trabajo de los ilustradores. Comenzó con los
manuscritos religiosos ilustrados creados entre los siglos VII y IX, y con
la invención de la imprenta en 1455 se ampliaron las posibilidades de
la ilustración de textos y de la reproducción de las ilustraciones.
Este tipo de ilustraciones son aquellas que se producen con base en
una narración, tomándola como insumo de gran valor para el desarrollo
de las propuestas visuales.
De acuerdo a Galán (2012) las ilustraciones que narran una historia se
clasifican, a grandes rasgos, en dos grupos principales: las que sirven
de apoyo o puntuación en un texto, y las que forman parte integrante
de la narración.
En este tipo de proyectos, el ilustrador puede encontrarse con diversas
situaciones. En algunos casos los lectores prefieren formar sus propias
ideas sobre la apariencia de los personajes, ambientes, situaciones,
etc. como es el caso más común de adolescentes y adultos. En
otros casos, el ilustrador debe proporcionar esta traducción visual,
representando fielmente con base en la descripción literal.
En esta tipo de ilustración, las áreas que han mostrado un mayor
interés por el trabajo de los ilustradores son los libros infantiles, los
títulos de ficción, etc.
IN THE PENAL COLONY / ALAN MCNAMARA / 2012
http://www.behance.net/gallery/In-The-Penal-Colony-Narrative-Illustration/3872173
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D. ILUSTRACIÓN INFANTIL
Debido a que el primer acercamiento a la ilustración se da a través
de libros infantiles, para muchos ilustradores la creación de piezas o
material para libros infantiles es particularmente importante.
Según García (2004), la ilustración sirve para despertar el interés
del joven receptor así como también para estimular y enriquecer su
capacidad de comprensión. Este tipo de ilustración puede llegar a ser
uno de los medios visuales más influyentes. Puede llegar a transformar
historias y permanecer en la conciencia de generaciones.
Hoy en día se contrata a los ilustradores para crear cuentos infantiles
completos, no solamente el ilustrar las historias sino escribirlas, así como
también producir las ilustraciones de las cubiertas o sobrecubiertas. Si
se encarga el desarrollo de la cubierta de un libro, se provee suficiente
tiempo para leer el manuscrito y producir bocetos iniciales antes de
crear el trabajo final.
El bocetaje requerido para libros ilustrados infantiles es muy específico.
Se exige la creación de versiones muy definidas de lo que podría ser
la obra final, detallando la posición de cada elemento en una imagen
así como representaciones muy fieles al texto de cada uno de los
personales centrales del libro.
En la actualidad, debido a la cultura y educación prominentemente
visual en el mundo entero, la producción de material con gran contenido
visual como las ilustraciones, reforzando textos, se ha hecho cada vez
más importante y necesario, especialmente para niños y jóvenes.
Cerrillo, Cañamares y Sánchez (2007) concuerdan con García al
comentar que a través de la lectura de imágenes, los niños pueden
desarrollar habilidades que facilitan la comprensión lectora. Debe
existir un equilibrio entre texto e ilustración y es esta interacción entre
ambos que permite introducir elementos complicados de la trama
que únicamente de forma verbal son muy difíciles tanto de explicar
como de entender. Esta unión de texto e ilustración favorece la
comprensión, la imagen ayuda a recordar la historia y la enriquece e
inicia el conocimiento de un lenguaje visual, identificando significados
y significantes.
DRAGUN / STEVE SIMPSON / 2012
http://www.behance.net/gallery/Dragun-Childrens-Book/3659119
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E. ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA
Uno de los principales campos de la ilustración ha sido siempre el dibujo
analítico y descriptivo, especialmente en los campos de la ciencia, la
topografía, la medicina y la arquitectura. Para los científicos hasta el día
de hoy la ilustración es de gran importancia por su afán de demostrar
todos sus descubrimientos de la manera más fiel. Sanmiguel et.al
(2003) comentan que a pesar de todos los avances tecnológicos, la
ilustración científica no ha llegado a ser reemplazada por la fotografía.
Desde entonces ha crecido la demanda de ilustraciones, aumentando el
nivel de complejidad, especialmente desde el desarrollo industrial. Sin
embargo hoy en día, durante la época de la tecnología y la electrónica,
etc. el ilustrador necesita las mismas habilidades que en sus inicios: la
capacidad de observar y de transformar lo que se ve, en una acertada
representación bidimensional de un objeto tridimensional.
SCIENTIFIC MEDICUAL ILLUSTRATIONS / DANA HAMERS / 2011
http://www.behance.net/gallery/Scientific-medical-illustrations/2031847
F. ILUSTRACIÓN TÉCNICA
Los avances tecnológicos, científicos, etc., exigen la actualización de la
ilustración y la representación verídica y clara, que sea una referencia
fiable del mecanismo, los componentes y las funciones específicas
de una máquina o un sistema natural. En la actualidad estos medios
constituyen una gran ayuda para el profesional, se sigue empleando el
medio tradicional en que cuenta más la pericia del ilustrador.
Según Lambert (1996) el dibujo despersonalizado ha sido siempre
una herramienta importante para describir y cualificar y así entender el
entorno. Hoy en día la ilustración técnica se usa cuando se requiere del
dibujo para expresar algo de una manera más clara y dirigir la atención
con más concentración que lo que es capaz de hacer una fotografía
como por ejemplo en los manuales de instrucciones.
TECHNICAL ILLUSTRATIONS / DANNIS CHAN / 2012
http://www.behance.net/gallery/Technical-Illustrations/4228687
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G. ILUSTRACIÓN EDITORIAL
En este tipo de ilustración, el ilustrador absorbe y sintetiza el contenido
de un texto, historia, noticia, etc. y genera una idea principal, la cuál
procede a plasmar en imágenes gráficas.
Zeegen (2009) comenta que el trabajo editorial es una vertiente
fundamental de la ilustración. Cada día aumenta el numero de revistas
dirigidas a segmentos muy variados y específicos del mercado y la
prensa es de gran importancia y oportunidad para los ilustradores.
La importancia de la ilustración crece ya que para el editor tanto
de periódico como de revista, una fotografía representa un hecho,
mientras que la ilustración representa un punto de vista personal, una
idea, un concepto.
La mayoría de ilustradores siguen prefiriendo la libertad creativa que
ofrece trabajar en un periódico o en una revista, ya que en este campo
de la ilustración, se tiene permiso para ser imaginativo y original. Se
tiene la libertad para probar nuevos métodos de trabajo en un proyecto
y desarrollar nuevas ideas y tendencias sin demasiado control por
parte del un director o superior.
Aquellos ilustradores que reciben el encargo de ilustrar un espacio
fijo en una publicación semanal o mensual, el crear y desarrollar
tan regularmente nuevas ideas para un mismo tema puede ser muy
estimulante y suponer un gran reto.
EDITORIAL ILLUSTRATION / GONCALO VIANA / 2011
http://www.behance.net/gallery/Editorial-Illustration/2686073
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1.3 Técnicas de ilustración
La ilustración es un medio expresivo que ofrece un gran abanico de
posibilidades técnicas, que a pesar de ser tan versátil no todos logran
aprovecharlo. De este gran abanico de técnicas pueden aplicarse
varias en un mismo material, no es necesario aplicar solamente una
en una ilustración.
Las técnicas más comunes para ilustrar son la técnica de crayón,
acrílico, óleo, pastel, aguada y digital. En esta nueva era la técnica
digital acapara la mayor parte de las ilustraciones y poco a poco
las técnicas manuales se van extinguiendo. Sin embargo algunos
ilustradores y artistas han logrado retomar estas técnicas y volverlas
a la vigencia, aprovechando cada una de sus mejores características.
Esta técnica consiste en pintar en la dirección correcta logrando
volumen, a través de luces y sombras. Se puede trabajar en distintos
lienzos con textura, tales como el papel cáscara de huevo y el papel
lino.
Sanmiguel et. al. Comentan que existen diferentes tipos de lápices,
clasificados principalmente por su dureza. A partir de esta clasificación
se llega a los lápices duros y los blandos. Los lápices duros permiten
mayor precisión porque su punta puede afilarse más. Los blandos
aparecen principalmente con forma de minas gruesas, más parecidos
a los crayones pastel.
A. TÉCNICA DE CRAYÓN
La técnica de crayón es una técnica para dar color. Existen diferentes
tipos de crayón como por ejemplo el crayón de madera, el crayón de
cera, así como una mezcla con otras técnicas como crayones pastel o
crayones óleo pastel. Sin embargo en esta investigación se toma como
técnica de crayón, los crayones de madera.
La técnica de crayón de madera es un medio pictórico que se basa
utilizando los grafito de colores dentro de cilindros de madera. Con
estas herramientas se pueden combinar tonos y crear nuevas y
únicas tonalidades. De acuerdo a Sanmiguel et.al. (2003) la principal
característica de los lápices de color es la facilidad e inmediatez de
su utilización. Se manejan de la misma manera en que se maneja un
lápiz convencional, ofreciendo un acabado más suave y satinado y no
requiere de ningún otro medio o equipo además de los lápices y papel.
A diferencia de las técnicas húmedas, esta técnica seca permite el
dejar de trabajar el material por un largo tiempo y retomarlo sin ninguna
dificultad. También permite elaborar la ilustración con un alto grado de
detalle.
HAPPY RAINY DAY / SUSAN BATORI / 2013
http://www.behance.net/gallery/Happy-rainy-day/7246039
25
B. TÉCNICA DE ACRÍLICO
Según Valero (2011) la pintura acrílica son pigmentos diluidos en un
aglutinante acrílico conformado por una resina sintética, una emulsión
de un polímero acrílico o látex. Es soluble en agua pero una vez seco
es resistente a ella. Midgley (1993) comenta que pueden encontrarse
en cuatro formas distintas: en placas, en bloques, en varillas o en tubos.
De acuerdo a Smith (1996) los acrílicos son uno de los medios de pintura
más flexibles que existen en la actualidad. Su rapidez de secado, y la
posibilidad de rebajarlos hasta una consistencia semejante a la de las
acuarelas, los hacen ideales para la técnica de superponer finas capas
de color, una sobre la otra.
Entre sus ventajas destacan:
• Secado rápido sin cambiar de color y sin oscurecerse con el tiempo,
ni presentar amarillez.
• Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada.
• Las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil.
• Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente.
• Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a
cuartearse.
ILUSTRATIONS / FRANCESCA ASSIRELLI / 2011
http://www.behance.net/gallery/Illustrations/2385472
26
C. TÉCNICA DE ÓLEO
El óleo es un procedimiento pictórico que utiliza un medio aceitoso,
opaco, denso y de secado lento. Éste material no se disuelve con
agua, sino con esencia de trementina o aguarrás puro. Es importante
mencionar que no existe un método correcto para pintar al óleo y que
cada quién elabora sus métodos propios a medida que se familiariza
con el medio. El modo de aplicar la pintura contribuye decisivamente
a modificar el aspecto final de cualquier cuadro y el artista genera su
propio estilo.
Para pintar con óleo se puede utilizar cualquier tipo de superficie,
siempre que esté debidamente preparada. Según Monahan (1999)
una de las principales características de la pintura al óleo es que puede
producir veladuras transparentes, capas finas y opacas o densos
empastes, y el artista goza de libertad para alterar la consistencia del
pigmento añadiendo diferentes aceites, barnices y vehículos.
UN DESPERTAR CON DOS FELINOS / MARA HITTERS / 2012
http://www.behance.net/gallery/Un-despertar-con-Dos-felinos-2012/5401343
27
D. TÉCNICA DE PASTEL
El pastel es lo más cercano a un color puro, casi sin intervención de
elementos ajenos al pigmento. Es una técnica en base a la aplicación
de estos pigmentos sobre un fondo más o menos áspero sobre el cual
los pigmentos se agarran por adherencia y no mediante un aglutinante.
El llamado “aglutinante” de los lápices para pastel sólo tiene la función
de proporcionar a los pigmentos una forma práctica que permita
pintar con ellos. El pastel está compuesto por pigmento de color y
una pequeña cantidad de yeso o creta blanca, empastados con goma
arábiga.
El pastel es un medio pictórico que se puede tratar como cualquier
otro procedimiento habitual de dibujo. Por lo general, se pinta con
pastel sobre papel. Sin embargo esto no es una imposición técnica,
ya que con este medio se puede pintar sobre cualquier material. Se
puede tomar en consideración otros soportes sobre los que también se
pueden obtener atractivos resultados.
Según Sanmiguel et. al. el pastel permite obtener una coloración más
profunda y saturada, no obstante es necesario rociar con un medio
fijador la obra terminada para que el resultado sea duradero.
ORGAN TRIO / FABIO CORAZZA / 2010
http://www.behance.net/gallery/Pastel/631369
28
E. TÉCNICA DE ACUARELA
La acuarela es un medio pictórico formado con pigmentos en polvo
muy fino, goma arábiga y glicerina. Su disolvente es agua y cuando
la acuarela se moja con el pincel, la goma arábiga que contiene el
pigmento se reblandece, impregna el pincel y permite su pintura.
Pino (2005) comenta que si bien la acuarela es una técnica pictórica
de muchas posibilidades y gran rapidez de ejecución, se necesita
dedicarle mucho tiempo de estudio y experimentación para llegar a
dominarla. Los atributos que se le da a un trabajo de acuarela son
como la personalidad de una persona, y estos atributos son lo que
hacen a la pintura, diferente y única. Cada artista crea un estilo propio
en base a su conocimiento y experimentación con la técnica.
Según Thomson y Hewison (1996) la principal característica, la
cuál hace de esta técnica una de un alto nivel de dificultad, es la
transparencia. Al aplicar esta técnica se puede obtener una infinidad
de gradaciones de tono, desde el más claro al más oscuro, mediante la
acumulación de lavados. Esta transparencia significa que no se puede
aplicar un color claro sobre uno oscuro por lo que se necesita tener una
idea completa de lo que será la composición gráfica antes de empezar
a trabajar. La acuarela es un medio imprevisible y difícil de dominar,
pero es fácil obtener interesantes efectos con técnicas sencillas. Lo
primero es llegar a conocer la idiosincrasia de cada color de la paleta.
NOT TODAY / DIMA REBUS / 2011
http://www.behance.net/gallery/Illustrations-3/6285349
29
HERRAMIENTAS PARA LA APLICACIÓN DE ACUARELA
Pinturas: Como se mencionaba antes se pueden utilizar pastillas
secas, tubos de pinturas semilíquidas y frascos de acuarela líquida
concentrada. De acuerdo al artículo Pluma y aguada de la revista
Megazine.co la acuarela está disponible en dos calidades: calidad de
artista de grado y calidad de estudiantes de grado. Las acuarelas de
grado de artista son de mayor calidad por la presencia de más pigmento
y menos carga por lo que los colores son más vivos. Las acuarelas de
grado de estudiante son más efectivas al momento de experimentar y
descubrir la acuarela. Éstas tienen un precio menos ya que cuentan
con menos pigmento, sin embargo es por esto que la intensidad del
color no es tan fuerte. Algunas acuarelas son permanentes, lo que
significa que no se desvanecen fácilmente cuando se expone a la luz
con el tiempo. La pintura no es 100% permanente, por lo que tampoco
es recomendable que reciban luz directa del sol durante demasiado
tiempo. Algunos colores son fugitivos, es decir que se desvanecen con
facilidad cuando se expone a la luz.
PINTURAS
Fuente: http://papelerialacomuna.com
Pinceles: El ideal para la pintura en acuarela son los pinceles de pelo
de marta y los de meloncillo los cuales permiten un trazo perfecto.
Estos pinceles deben reunir ciertas características que permitan una
pincelada muy líquida y un trazo preciso. Los mejores pinceles para
acuarela son aquellos que cuando se mojan mantienen su forma a
pesar de estar cargados de líquido. Los más adecuados por versatilidad
son los redondos, que terminan en una punta afilada. Su pelo debe ser
suave, elástico, con capacidad de recuperación estado húmedo, con
una buena absorción pero que permita el máximo depósito de la carga
sobre el papel.
PINCELES
Fuente: http://www.aiba.es/
30
Papel: El papel es el principal material al ser el soporte de la técnica.
La elección de un papel adecuado es primordial para obtener un buen
resultado en la acuarela. Los papeles pueden ser lisos o texturados.
Por lo general, el papel de acuarela más utilizado es el de grano medio.
Este se elabora a mano con trapos de lino puro partidos finamente y
que es blanqueado al sol, sin recursos químicos; se le reconoce por
sus bordes irregulares sin huellas de corte mecánico. La acuarela es
un medio completamente transparente, que adquiere luminosidad
gracias al color blanco del papel; por este motivo es necesario que el
papel utilizado sea el correcto.
Tableros: los tableros son necesarios para fijar el papel.
PAPEL
Fuente: http://us.123rf.com/
TWO TOWERS / DAVIDE MAGLIACANO / 2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Two-Towers/7701187
Recipientes para agua: se debe contar por lo menos con dos
recipientes para agua, uno con agua para lavar los pinceles y el otro
con agua limpia para mezclar con los colores.
Paletas: las paletas son de metal, de porcelana o de material plástico
con compartimientos para mezclar los colores. Se puede usar también
platos o hueveras blancas.
Pincel esponja: es usado en acuarela y se forma con un trozo de
esponja natural, colocado sobre un mango de pincel.
31
Como se mencionaba anteriormente la principal característica de la
acuarela es su transparencia y ésta característica debe de explotarse
al máximo. De acuerdo al profesorado del departamento de dibujo en
I.E.S. Jorge Juan en su artículo sobre la acuarela y temperas, los tonos
más claros los da el papel y a partir de este el acuarelista inicia de los
tonos más claros a los oscuros.
Existen diferentes maneras de aplicar las pinturas en la técnica de
acuarela:
•
Lavados planos: Este tipo de lavado es uniforme, sin variaciones
de tono. Para lograrlo se humedece primero la zona que se va a
pintar, se utiliza un pincel grande y se aplica la pintura.
De acuerdo a Alfiery (2010) los errores típicos cometidos al momento
de trabajar con acuarela son:
•
Lavado gradual: Este lavado es similar al lavado plano, pero el
color se va haciendo progresivamente más oscuro.
•
El pintar todo muy rápido en húmedo y nunca dejar que seque por
etapas
•
•
El quemar con demasiados colores sin fundir
Lavado variegado: Es un lavado en que intervienen diferentes
colores. Los colores se aplican sobre el papel humedecido, uno
junto a otro, dejando que se fundan y encuentren sus propias
formas en la zona que se va a cubrir.
•
Usar mucha pintura y muy poca agua en el pincel
•
•
Matar la luz natural del papel blanco con demasiado color
Punteado: Este procedimiento consiste en aplicar puntos de color
sobre la superficie del papel húmedo o seco, y suele usarse para
realizar texturas.
•
Usar negro para sombrear
•
•
Delinear con negro los contornos estando húmedo el papel
Restregado: Se aplica pintura con un mínimo de agua en el pincel,
generalmente para añadir detalles finales.
•
Insistir en querer corregir errores o borrar con mas color y mas
pinceladas lo que causa la ruptura del papel
•
Lavado y línea: La línea se puede emplear sobre lavado húmedo o
seco, para acentuar las formas. También se puede aplicar lavados
sobre línea ya secas, para atenuar su intensidad.
•
No saber trabajar con el fondo
Para aplicar la acuarela se debe aplicar capas finas de color. Estas
capas reciben el nombre de lavados. Cuando éstas se secan se cubren
con más lavados hasta llegar a los tonos de color deseados. Como se
mencionaba anteriormente es necesario tener una clara idea de cómo
será la composición, para aplicar la técnica con seguridad. Si no se
tiene una idea clara se puede llegar a sobre trabajar la pintura. Si al
finalizar la pieza se considera que los tonos deben reducirse se puede
aplicar agua con un pincel esponja y luego absorberla, absorbiendo
también un poco de color.
32
F. TÉCNICA DE TINTA
De acuerdo a Dalley (1992) los ilustradores han usado la pluma y la
tinta durante muchos siglos. Sin embargo actualmente su empleo está
condicionado a las distintas técnicas de reproducción. Smith (1996)
comenta que el dibujo a tinta y pluma tiene una larga tradición: su
carácter particularmente incisivo ha demostrado ser muy conveniente
para plasmar detalles minuciosos.
El artista solo necesita una hoja de papel, una pluma y algo de tinta
para practicar esta técnica y esta permite una enorme variedad de
expresión individual.
MATERIALES PARA APLICAR LA TÉCNICA DE TINTA
Tintas: Hasta cierto punto el tipo de pluma y el soporte que se
utilizarán determinan la elección de tinta. Existen distintas tintas y tintas
especiales para superficies especiales. En cuanto a tintas específicas
de dibujo, son a prueba de agua ya que su densidad hace más fácil
la reproducción y se fabrican en una amplia gama de colores. Estas
tintas se secan rápidamente y tienen un acabado brillante, permitiendo
superponer otros colores. Se pueden aplicar encima lavados, pues la
tinta, una vez seca, ya no se corre ni altera.
Las tintas especiales solubles en agua actúan de un modo similar a
la acuarela y se usan a veces en combinación con tinta a prueba de
agua. Otras tintas de uso corriente son las que se empelan en los
bolígrafos y en los rotuladores.
Papel: El soporte o papel utilizado influye mucho en la técnica y para
esta en específico se recomienda experimentar. Si el papel es muy
fino o de textura muy blanda, es fácil saturarlo de tinta, estropeando
la superficie y atascando la plumilla. Como regla general, cuanto más
fina sea la plumilla, más lisa debe ser la superficie del papel. Cuando
se quiere combinar un dibujo de línea con lavados de tinta o acuarela,
hay que emplear un papel adecuado para ambos medios.
NSTINCTIVE / DZO OLIVIER / 2012
http://www.behance.net/gallery/INSTINCTIVE/5953575
33
Tipos de pluma: Existen plumas de muy distintos tamaños y estilos
sin embargo la elección es cuestión de preferencia personal, aunque
existen plumas especialmente recomendadas para determinados
efectos.
Plumillas: La plumilla va encajada en un palillero. Una de las ventajas
de la plumilla es la gran variedad de cormas existentes: gruesas, finas,
cuadradas, biseladas, flexibles y rígidas. La anchura, la forma y la
flexibilidad determinan el carácter de la línea. Otra ventaja es que la
misma plumilla puede usarse con tinta impermeable o con tinta soluble.
Plumas fuente o estilográficas: Tienen un depósito que se llena
por succión. Su mayor ventaja es que son portátiles, sin embargo la
mayoría de estas plumas no sirven para tinta impermeable.
Plumas técnicas con depósito: El depósito de tinta se llena a mano,
con un recipiente de forma especial. Estas plumas funcionan mejor con
sus propias tintas y la mayoría tienen puntas tubulares intercambiables,
de distintos calibres.
PLUMA CON DEPÓSITO
Fuente: http://www.departamentodedibujo.es/Dibujo_Tecnico_Primero/UD1/dt1_UD1_
tema1_v04/24_estilgrafos_y_rotuladores.html
BEHIND THE LINES / LINSEY LEVANDALL / 2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Behind-the-Lines/7071319
34
G. TÉCNICA DIGITAL
Según Bonilla (2011) la ilustración digital es aquella que depende de
una interfaz virtual para su realización. Existen varios programas para
su realización y se eligen según el estilo de ilustración que se busca.
De acuerdo a Zeegen (2009) ninguna herramienta o proceso ha influido
tanto en los métodos empleados por el ilustrador como el ordenador. El
ordenador capacita al ilustrador para transformar el trazo del lápiz en
un surtido de nuevos trazos.
El ordenador ha contribuido a nivelar la ilustración con otras disciplinas
y la amplia gama de posibilidades digitales, unida a los conocimientos
técnicos adquiridos por la mayoría de ilustradores, ha asegurado una
relación más igualitaria con el diseño.
Los nuevos programas utilizados para la ilustración digital son una
herramienta más como los materiales en las técnicas análogas. Bonilla
(2001) comenta que así como en la ilustración análoga ésta depende
de las capacidades del ilustrador, en la ilustración digital ésta depende
del conocimiento del programa del ilustrador. Hay que adquirir práctica
y familiarizarse con los programas para obtener los mejores resultados
y generar un estilo propio.
WHALE / ZUTTO / 2013
http://www.behance.net/gallery/various-works-2012/7053423
Con estas nuevas herramientas se puede simular las técnicas
análogas. La tecnología digital ayudó a cambiar el papel asignado a
los ilustradores, ofreciéndoles la oportunidad de elegir los métodos de
reproducción o la publicación en medios totalmente digitales como la
web o la televisión. La posibilidad de utilizar la ilustración digital en
proyectos de diseño abrió las puertas a un nuevo enfoque de creación
de imágenes.
WE UP NORTH / THERESE LARSSON / 2013
http://www.behance.net/gallery/We-Up-North/7694873
35
1.4 Mezcla de técnicas
De acuerdo a Zeegen (2009) la ilustración no es una disciplina limitada
al uso de medios específico y el ilustrador siempre ha sido libre para
explorar una gran variedad de medios, creando imágenes a partir de
cualquier cosa o sobre cualquier material que pueda parecer apropiado.
La mezcla de técnicas o técnica mixta se refiere a la utilización de
dos o más técnicas análogas o digitales combinadas en una única
composición. Aunque cada técnica tiene características muy peculiares
y propias, el añadir distintas técnicas puede crear una mayor riqueza
de texturas y sensaciones visuales. Es frecuente que lo que destaque
en una obra sea el amplio espectro de medios utilizados. Sin embargo,
también en algunas ocasiones esta mezcla puede parecer imperceptible
a primera vista.
El mezclar técnicas ofrece a los ilustradores un nuevo e infinito rango
de posibilidades.
THE AIRSHIP / CARK KOCH / 2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/The-Airship/6734825
GRAPHICS TEES ENERGIE / ANTONIO PALANZA / 2012
Fuente:
http://www.behance.net/gallery/Graphics-Tees-ENERGIE-FW12-13-INKPack/6041975
36
2. Proceso de ilustración
2.1 Proceso General de ilustración
Existe un proceso general para generar una ilustración propuesto por
Zeegen (2009). Independientemente del tipo de ilustración o técnica
que se utilice, éste puede ser aplicado y lograr buenos resultados,
aunque, si es necesario, éste puede modificarse según el tipo y técnica
de ilustración.
•
BRIEF
En algunas ocasiones el proceso de ilustración y el proceso creativo
inicia con un brief de un proyecto. El brief es un documento que
reúne la información básica sobre el proyecto. Es de gran importancia
entender bien que es lo que se pide, así como también contar con toda
la información relevante para llevarlo a cabo. Si no se cuenta con toda
la información y no se comprende en su totalidad el proyecto desde el
inicio puede llevar a multiplicar la cantidad de trabajo y crear disgustos
y desacuerdos con el cliente.
Un brief provee información como el lugar donde aparecerá la
ilustración, impresa o digital, las medidas y especificaciones de color
(publicación en blanco y negro o a color). Se establecen plazos de
entrega y el tiempo disponible para la entrega de un arte final.
Un brief puede entregarse de manera electrónica o en una reunión
personal al ilustrador. Si se tiene la oportunidad de reunirse
personalmente con el cliente es importante resolver toda duda que se
presente, anotar cada uno de los detalles que el cliente comente ya
que puede ser de importancia, aún si no está escrito en el brief que se
entrega. Es también importante anotar todas las ideas que se generen
en el momento en que explican el proyecto, ya que estas ideas pueden
servir al iniciar el proceso creativo para generar la ilustración.
•
CONCEPTUALIZACIÓN
Un proceso de conceptualización puede ser el segundo paso luego de
recibir un brief informativo por parte del cliente. Sin embargo también
puede ser utilizado como primer paso en el proceso creativo de la
generación de una ilustración.
Es de gran importancia el crear las ilustraciones con base en un
pensamiento creativo fuerte que las refuerce y proporcione ideas
realistas y al mismo tiempo creativas para resolver una problemática o
transmitir un mensaje. Si la ilustración se inicia con base en un concepto
definido, ésta puede empujar al receptor a analizarla y pensar, y buscar
obtener más información y conocer y comprender el tema que trata
más a fondo. Las grandes ilustraciones son como grandes historias
que requieren que el receptor se involucre para poder comprender el
mensaje completo.
De acuerdo a Zeegen (2009) el concepto puede parecer escondido al
inicio, pero logra transmitirse con éxito cuando el receptor desglosa la
imagen. Una ilustración es efectiva en el momento en que logra unir
una excelente técnica con un pensamiento creativo definido.
Las técnicas de conceptualización son técnicas utilizadas para estimular
la producción de ideas y su evaluación, sirven para desarrollar las
habilidades creativas ya sea individualmente o en grupo.
37
En su presentación de “Técnicas creativas”, Retamal (2009) comenta que
conceptualizar es el emitir conceptos, expresar ideas, representaciones
mentales. No se llega a definir algo, a decir expresamente lo que ese
algo es, sino generar un contexto, un significado y una valoración.
Según Margheritis y Santangelo (S.F.) las técnicas de creatividad
o conceptualización son métodos que implican determinadas
acciones que sirven como estímulo, como un entrenamiento creativo.
Estos métodos permiten direccionar el pensamiento en etapas o
procedimientos concretos, dan guías y crean un orden para lograr un
objetivo pero también ayudan a liberarse de un pensamiento vertical
habitual y generan ideas originales.
DOCUMENTACIÓN
Al iniciar cualquier proyecto de ilustración ya sea a partir de un brief o
de la conceptualización, es recomendable investigar a profundidad el
tema del que trata el proyecto. Cuanta más información se reúna sobre
el tema, mejor pueden visualizarse nuevas ideas, nuevos caminos y
soluciones. A menudo las mejores ideas aparecen inesperadamente
pero esto ocurre cuando el proyecto ya ha sido estudiado o mínimo
leído sobre el tema. El empezar la documentación y empaparse de
cuanta información relacionada con el tema sea posible ayudará a
iniciar la generación de ideas.
Dependiendo de la temática pueden variar los métodos más efectivos
para reunir la información pero generalmente podrá utilizarse el
Internet como principal herramienta, así como libros, diccionarios de
sinónimos, etc.
INSPIRACIÓN
La inspiración para desarrollar un proyecto o generar ideas no proviene
únicamente de la investigación del tema. Un ilustrador debe estar
constantemente buscando la inspiración, materiales de referencia y
recursos. La mayoría de ilustradores crean sus propios archivos de
imágenes y objetos. La inspiración se puede encontrar en todas partes
y aunque preparar este archivo de referencia puede tomar tiempo, vale
la pena ya que puede llegar a ser un elemento muy útil durante el
proceso creativo.
DESARROLLO DE IDEAS
Esta etapa consiste en recopilar todas aquellas ideas iniciales,
notas que se han hecho en los pasos anteriores para poder llegar
a un conjunto de ideas y pautas más claramente definidas. En esta
etapa el brainstorming es muy útil, siendo una generación de ideas y
pensamientos masiva. Luego se van evaluando las ideas, explorando
posibles uniones de ideas, significados, pensamientos logrando nuevas
y más complejas ideas y descartando aquellas que no son efectivas.
POSTER DHUB / CLASE BCN / 2013
Técnica de conceptualización - Mapa mental
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Poster-DHUB/8122387
38
Para llegar a una idea final es importante ser realistas pero creativos.
Así se pueden llevar los resultados del brainstorm a un concepto
completamente formado. Con un equilibrio entre el realismo y la
creatividad.
BOCETAJE
Un boceto es un esbozo de los elementos del trabajo o proyecto
perfilados vagamente. En los primeros bocetos son estudios rápidos
y sirven como un método más para generar ideas a través de una
exploración visual ya que en esta fase todo se vale y no se ha decidido
ni descartado nada. Luego se pasa a una siguiente fase de bocetaje
ya creando una serie de composiciones de prueba, a partir de los
primeros bocetos, uniendo elementos, o composiciones completas
de los primeros esbozos. En este paso se puede repartir el espacio
disponible y definir más detalles concretos para proporcionar un
enfoque más dinámico.
En algunas ocasiones, generalmente al haber partido de un brief, al
tener ya un boceto más definido, con detalles más concretos se envía
este boceto al cliente para ser evaluado y puesto a prueba. Este debe
de enviarse con un texto que explique las decisiones tomadas y la
propuesta a partir de las indicaciones obtenidas en el brief.
SKETCHNOTES / TIMOTHY REYNOLDS / 2011
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Sketchnotes/2582191
De acuerdo a Zeegen (2009) en estas situaciones el cliente puede
tener observaciones y pedir cambios que deberán presentarse una
segunda vez. Al tener ya una propuesta final, con la aprobación
del cliente o al estar conforme el ilustrador, se pasa a la fase de la
realización. Dependiendo del estilo y técnica que el ilustrador desea
implementar va cambiando el proceso para aplicarlas, ya que cada
una de las técnicas tiene características particulares que requieren de
un uso especial.
REINDEER SKETCHS / CORINNE MASSACRY /2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Reindeer-sketchs-Croquis-de-rennes/6537379
39
2.2 Proceso de ilustración en acuarela
Al tener ya una boceto final de una ilustración se puede proceder a
aplicar la técnica de preferencia. El proceso de ilustración con acuarela
no es igual al proceso para crear una pintura tradicional con la técnica
de acuarela.
El proceso de ilustración con acuarela comienza con el elegir el
soporte en que se realizará. Luego se realiza sobre este el dibujo final
bien acabado. Puede realizarse con suaves trazos con un lápiz común,
aunque se recomienda utilizar lápices acuarelables.
De acuerdo a Sanmiguel et al (2003) al tener el boceto final se procede
a aplicar la técnica iniciando con los tonos claros, diluyéndolos con
bastante agua. Se pintan todas las zonas de la ilustración aplicando
degradados en los fondos amplio y humedeciendo las zonas que se
van a pintar antes de aplicar el color en sí.
Se van aplicando tonalidades claras de baja intensidad, y logrando
intensificar los tonos poco a poco superponiendo capas de color, en
las áreas que se requiera.
Al finalizar, se deja secar y pueden hacerse retoques ya sea con la
misma técnica o mezclando técnicas como por ejemplo con tinta o
crayones.
LA LOTERIA DE LOS MONTAÑESES 2011 / JORDI SELLES PASCUAL / 2012
Fuente:
http://jordisellespascual.blogspot.com/2012/03/proceso-de-ilustracion-de-laacuarela.html
40
3. Comunicación visual
3.1 Signo
De acuerdo a Baldwin y Roberts (2007), la comunicación es la base
de nuestras relaciones y de nuestra forma de comprender el mundo.
Se llama comunicación al proceso por el cuál se transmite información
entre un emisor y un receptor.
Se inicia con el signo. Según Crow (2008) un signo es una cosa que
representa a otra ante alguien en alguno de sus aspectos. Se dirige a
alguien y por esto crea en la mente de esa persona un signo equivalente
o quizás un signo más desarrollado.
La comunicación visual es un término muy amplio, y puede ser entendido
desde varias perspectivas diferentes. Según Baldwin y Roberts (2007)
actualmente la comunicación visual está en todas partes y es por esto
que se tiende a no darle importancia, sin embargo es vital entender
nuestro entorno visual, porque las imágenes que nos rodean son el
medio que más nos influye.
Elementos
Existen dos perspectivas de la teoría de la comunicación que no son
fruto de un estudio de lo visual, sino que nacen de la tecnología y de
la lingüística. Esto se debe a que las artes y los oficios visuales toman
prestadas muchas teorías propias de la psicología, la sociología, la
política, los medios y los estudios sobre la comunicación.
Existen tres elementos fundamentales que componen el signo:
• El significante: la forma que adopta el signo.
“Bicicleta”
• El significado: a qué se refiere el signo
Para poder entender lo que es la comunicación visual se deben de
entender ciertos conceptos que conforman los mensajes que se
transmiten a través de ésta.
BICICLE / BALAM CREAK / 2012
http://www.behance.net/gallery/bicicle/5605003
• La persona que utiliza el signo.
El signo se crea por la unión de todos sus elementos.
41
Requisitos
Los signos deben cumplir tres requisitos:
• Índice: Existe una relación directa entre el signo y el objeto. Por
ejemplo el humo es un índice de fuego.
1. El significante debe ser una cosa y no un concepto. El significante
suele describirse como un objeto físico que incluye sonidos y letras.
Las cosas que se pueden tocar y también las marcas visuales, como
los logos y los dibujos son significantes.
2. Deben referirse o significar algo distinto a lo que son. En otras
palabras, el concepto al que se refiere el significante es el significado.
3. Finalmente todos los que utilicen el significante para comunicarse
deben entender que se refiera al significado. Suele ser específico de
un nivel social o cultural, ya que los signos forman parte de los códigos
que utiliza un grupo para comunicarse.
Categorías
Charles Sanders Pierce, reconocido como fundador de la escuela de
semiótica norteamericana, definió tres categorías de signos:
• Ícono: Un signo icónico es aquel que se parece físicamente a
aquello que representa, como por ejemplo una fotografía. También
existen palabras icónicas, en las que el sonido se parece a la cosa
representada.
{SMOKE // FIRE} 2 / BENJAMIN LOZNINGER / 2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/-SMOKE-FIRE-/7782479
FRIGOR - NOVELTY / FERNAN BONSERIO / 2013
Fuente: http://www.behance.net/gallery/Frigor-Novelty/6717277
42
• Símbolo: En esta clase de signos no hay conexión lógica entre el
signo y su significado. Para funcionar dependen exclusivamente de
que la persona que los percibe haya aprendido la relación entre el
signo y su significado. La relación entre significante y significado es
arbitraria, funcionan según normas acordadas.
Niveles de propiedades
Crow (2008) indica que Pierce además de definir las tres categorías
de signos también identificó tres niveles de propiedades de signos, la
primariedad, secundariedad y terceriedad.
• Primariedad: Es una sensación de algo. Podría describirse como un
sentimiento o estado de ánimo.
• Secundariedad: Es el nivel de los hechos. La relación física entre una
cosa y otra.
• Terceriedad: Este nivel es un nivel mental. Es el nivel de las reglas
generales que reúnen a los otros dos en una relación. Vincula el signo
al objeto mediante una convención.
El significado que se obtiene de un signo puede funcionar en más de
un nivel a la vez.
Convención
Es el acuerdo con respecto a cómo debemos responder ante el signo.
El significado procede de la convención hasta tal punto que los signos
con poca convención deben ser muy icónicos para llegar a un público
amplio. Dicho de otro modo, un signo con poca convención necesita
ser altamente motivado.
Motivación
MOÑA NEGRA
Fuente:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Black_Ribbon.
svg/200px-Black_Ribbon.svg.png
MOÑA ROSA
Fuente: http://www.pinklacewigs.com/assets/images/pink_cancer_ribbon.jpg
El término se emplea para denotar en qué grado el significante
describe el significado. Un signo muy motivado es muy icónico. Un
signo simbólico puede describirse como inmotivado. Cuanto menos
motivado esté el signo más importante es que el lector conozca las
convenciones que ayudan a descifrar la imagen.
Crow (2008) menciona que sean cuales sean los términos empleados,
las categorías no son incompatibles y pueden funcionar en conjunto,
por ejemplo un ícono y un símbolo al mismo tiempo.
43
Según Baldwin y Roberts (2007) en la comunicación visual se trabajan
dos ángulos principales. El primero derivado de la tecnología de la
información, considera la comunicación como un proceso lineal en el
que el mensaje o la idea pasa de A a B. El segundo enfoque con base
en la lingüística, considera la comunicación como la producción de un
significado y sugiere que dos personas pueden interpretar un mismo
mensaje de formas distintas.
Al primer enfoque, aquel que se basa en la tecnología de la información,
se le llama teoría del proceso. Por esto se pone mayor acento en el
emisor y en el canal o medio utilizado para transmitir el mensaje. El
segundo se conoce como semiótica y este se centra en el destinatario
y en su entorno social, político y económico.
Baldwin y Roberts comentan que aunque ambos suelen verse como
modelos de comunicación rivales, en realidad tienen mucho en
común, por lo que vale la pena considerar que ambos esquemas son
complementarios, en lugar de opuestos.
3.2 Teoría del proceso
Este proceso puede aplicarse a todos los métodos de comunicación
humana. De la forma más simple y general, la fuente de información
transmite un mensaje a través de un canal. El emisor convierte el
mensaje en una señal que posteriormente el receptor vuelve a convertir
antes de llegar a su destino
Fuente de
Información
EMISOR
RECEPTOR
DESTINO
FUENTE DE
RUIDO
De acuerdo a Baldwin y Roberts (2007) en una versión de diseño
o ilustración de este proceso, el mensaje o idea del cliente son
codificados por el diseñador o ilustrador y el destino se convierte en el
público. En este proceso el ámbito del diseñador o ilustrador es en gran
medida a nivel semántico de la comunicación. Su papel es transmitir el
significado deseado, sin cambiarlo, solamente reforzarlo.
La principal característica de este enfoque es que el significado se
produce antes de que llegue al receptor.
44
3.3 Semiótica
convenciones cambian de cultura en cultura se deduce que las reglas
para leer las imágenes varían también según comunidades.
Baldwin y Roberts (2007) comentan que a diferencia de la teoría del
proceso, el primer enfoque de la comunicación visual, la semiótica
sugiere que la comunicación no es un proceso en el que el mensaje
pasa de un punto a otro, sino que consiste en la propia producción de
ese mensaje.
POLISEMIA
La comunicación y la cultura visual son áreas de estudio relativamente
nuevas. Anteriormente, la teoría del arte y del diseño se concentraba
en aspectos técnicos, en elementos como el cuadriculado, la
tipografía, la sección áurea, el color, el proceso de impresión o los
tejidos. Actualmente también se pone gran énfasis en la semántica y
la efectividad del diseño, sin embargo se ha tenido que sacar ideas de
otras disciplinas. La semiótica empezó como una manera de estudiar
la lingüística, intentando explicar cómo nos comunicamos verbalmente.
Pero cuando se analizan muchos aspectos de la semiótica, que
aparentemente no tienen ningún sentido, rápidamente se descubre
que es una parte importante de la comunicación visual.
Toda asociación o convención depende de un contexto, ya que
algunos colores o símbolos significan cosas completamente distintas
en diferentes lugares del mundo. Es por esto que independientemente
del significado que el emisor tenga en mente, los mensajes pueden
leerse de maneras inesperadas, por lo que los signos tienen dos
niveles de significado el intencionado o denotación y el que entiende la
otra persona o connotación.
Según Baldwin y Roberts (2007) otro concepto importante en la
comunicación visual es la idea de polisemia o de varios significados.
El significado puede cambiar a medida que se va pensando en él, y
cuando descubre uno nuevo se van pensando en otros a continuación,
algo conocido también como cadena de significantes.
Hay que tener en cuenta también que un texto puede fijar un significado.
En el momento en que se añade un texto a una imagen, esta queda
cerrada, deja de estar abierta a la interpretación, sin embargo pueden
aplicarse varios y diferentes textos, y a partir de este es que se crea el
significado.
A menudo, los signos pueden interpretarse dependiendo no sólo del
contexto inmediato, sino también de las experiencias de quienes
los leen. Cuando los signos representan conceptos se dice que son
ideológicos, lo que los convierte en sumamente poderosos.
De acuerdo a Moreno (2006) denotación es una definición objetiva,
es la relación entre un signo y su referente, es decir aquello a lo que
se refiere. Connotación se refiere a el conjunto de valores subjetivos
que tiene el signo y que varía según el observador. La connotación
es la interpretación del significado del signo según el concepto de los
observadores, según los signos y valores de la cultura.
Según Crow (2008) la connotación es arbitraria por cuanto los
significados aportados a la imagen en este nivel se basan en
reglas o convenciones que el lector ha aprendido. Debido a que las
45
3.4 Mensaje visual
• Mensaje icónico no codificado: Este tipo de mensaje funciona en el
plano de la denotación.
Según Crow (2008) Roland Barthes desarrolló un sistema de lectura
de combinaciones de texto e imagen que comprende tres tipos de
mensaje
• Mensaje lingüístico: Es el propio texto, usualmente utilizado en forma
de slogan o lema que acompaña la imagen. La lectura de este tipo de
mensaje requiere el conocimiento previo de la lengua utilizada.
MENSAJE DECODIFICADO
Fuente:
http://4.bp.blogspot.com/_cy2MUCchaV0/TTyEhOtOIFI/AAAAAAAAABU/
BnFRzBCjUGs/s1600/mensaje+decodificado.JPG
3.5 COMPONENTES DE UN MENSAJE VISUAL
ANUNCIO NEW BALANCE
Fuente:
http://1.bp.blogspot.com/_w7S249KBZso/TIZvpFxY8qI/AAAAAAAAACI/
kNgeso5OEvw/s1600/2114890404_c5d98e5f93.jpg
• Mensaje icónico codificado: Es un mensaje simbólico que funciona
en un plano de connotación. El lector participa de la lectura al aplicar
su conocimiento del código sistemático de la imagen.
El texto y la imagen, de acuerdo a Ambrose y Harris (2006), han sido
durante mucho tiempo la base de la comunicación visual. Comentan
que esta potente relación permite crear multitud de significados
diferentes. Sin embargo es posible utilizar una sin la otra y de igual
manera comunicar mensajes impactantes.
TEXTO EN UN MENSAJE VISUAL
La adición de texto en una imagen puede ser un método para modificar
su significado. Cuando un texto se asocia con una imagen puede tener
dos funciones:
•
MENSAJE CODIFICADO
F ue n te :h t t p : / / 3 . b p . b l o g s p o t . c o m / _ c y 2 M U C c h a V 0 / T T y E X 6 q A - y I /
AAAAAAAAABM/0kU4RhqmHEw/s1600/mensaje+codificado.jpg
Anclaje: El anclaje dirige al observador a través de ciertas posibles
lecturas de la imagen. En cuanto a un mensaje icónico codificado,
el texto ayuda al lector a interpretar los significantes que se
le presentan. En cuanto a la imagen denotada el texto añade
reconocimiento. El texto anclado tiene un valor represivo en la
contemplación de una imagen.
46
LA IMAGEN EN UN MENSAJE VISUAL
De acuerdo a Almanza (2010) una imagen es una representación
figurativa de una cosa u objeto en la mente, la figura de un objeto
formada en un espejo, pantalla, placa fotográfica, etc. Una imagen
puede ser tanto bidimensional como tridimensional, así como generada
en la mente, motivada por ciertos estímulos.
EJEMPLO DE ANCLAJE
LA NOCHE ES DE LOS TOROS
h t t p : / / w w w. a l o j . u s . e s / g a l b a / D I G I TA L /
C U AT R I M E S T R E _ I I / I M A G E N - PA G I N A /
imagenes/5.jpg
•
Relevo: El texto es usualmente un fragmento de diálogo y funciona
como complemento de la imagen. El texto de relevo se adelanta
a la lectura de las imágenes y proporciona significados que no se
encuentran en las propias imágenes.
Según Ambrose y Harris (2006) una imagen juega un papel esencial en
la comunicación de un mensaje, ya sea si se utiliza como el elemento
principal o como uno secundario, por lo que son un factor clave en el
establecimiento de la identidad visual de una obra. Estas imágenes
pueden ser tanto fotografías como ilustraciones. De acuerdo a los
autores, las imágenes son efectivas porque establecen una comunicación
inmediata o una idea o instrucción, son información detallada o una
sensación que el lector puede comprender inmediatamente. El uso de
la imagen queda determinado por muchas consideraciones, incluido el
impacto que se desea dar, a quién va dirigida, la estética del proyecto,
la función que debe tener la imagen y lo audaz o conservador que deba
ser el diseñador. Las imágenes pueden tener un profundo impacto en
el resultado y en el éxito de una obra debido a la reacción emocional
que provocan en el observador. Sin embargo si se usan mal pueden
provocar una retracción o contrarrestar el efecto del mensaje.
EJEMPLO DE RELEVO
COMIC
Fuente: http://productionoftexts.blogspot.com/2010/10/trabajo-autonomo-semana-8_05.
html
47
3.6 Retórica en el mensaje visual
La retórica es la ciencia de hablar bien. La retórica consiste en una
técnica específica de argumentación y exposición para la persuasión
mediante figuras retóricas. Según Regalado (2006) la retórica es la
sintaxis del discurso connotativo, la forma de organizar los elementos
clave de significación de una imagen.
MUESTRA DE FIGURAS RETÓRICAS
Metáfora
La metáfora es una figura retórica que aplica un concepto o expresión
relacionada a un objeto o idea particular a otra palabra o frase dando a
entender que hay similitud entre ellas.
Ricupero (2007) asegura que la retórica puede aportar un método de
creación a la comunicación visual. El proceso creativo se facilita y se
enriquece si los diseñadores toman plena conciencia de un sistema
que utiliza de modo intuitivo. A través de la retórica visual se logra
potenciar el mensaje y frente a este el receptor toma una posición
activa y podría incluso llegar a modificar hábitos en su conducta.
Moles y Costa (2005) comentan que en términos generales la retórica
visual se trata de el modo de decir, mas o menos independientemente
de lo que se dice.
De acuerdo a Escudero (1994) se entiende figura retórica como el uso
lingüístico que diverge del corriente por adjunción (acumulación de
elementos), supresión, permutación (cambio de lugar) o sustitución de
uno por otro. Por lo tanto, la utilización de la figura parece suponer un
desvío del uso lingüístico normal que se atribuye generalmente a la
lengua especial de la oratorio o de la creación literaria.
El uso de figuras retóricas a través del lenguaje visual consiste en
emplear ciertos elementos del código icónico para transmitir un sentido
distinto del que propiamente les corresponde y una imagen puede
contener varias figuras retóricas.
A continuación se presenta una muestra de las figuras retóricas más
comunmente aplicadas en los mensajes visuales.
Fuente: http://tamara-narrativadigital.blogspot.com/2012/06/la-imagen.html
48
Metonimia
Es una figura retórica relacionada con la Metáfora que consiste en no
utilizar la palabra formal de un objeto o sujeto y en su lugar referirse
a éste con el nombre de otra basándose en la relación de proximidad
existente entre el objeto real y el objeto representado. Los casos más
frecuentes de metonimia son las relaciones tipo causa-efecto y las del
todo por la parte.
Doble sentido
Es una figura que consiste en que una frase puede ser entendida
de dos maneras, usualmente como una forma de humor o también
(mediante el uso de metáforas) como poesía.
Fuente: http://extremisimo.com/curiosiades-de-internet-en-general/
Fuente: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia
49
Hipérbole
Hipérbole es una Figura retórica que consiste en ofrecer una visión
desproporcionada de una realidad, exagerando un aspecto de la
realidad (situación, característica o actitud), ya sea por exceso o por
defecto. La Hipérbole tiene como fin conseguir una mayor expresividad.
Alusión
Figura retórica que consiste en hacer referencia a un hecho o realidad
sin nombrarlo.
Fuente: http://danhdelarge.blogspot.com/
Fuente: http://lysanconsulting.blogspot.com/2009/11/recursos-visuales-en-grafica.html
50
Elipsis
Es una Figura retórica que consiste en omitir alguno de los elementos
de la frase con el objetivo de conseguir un mayor énfasis.
Fuente:http://yocomunicador.wordpress.com/2009/01/21/figuras-retoricas-enpublicidad-ejemplos/
Ironía
La ironía consiste en dar a entender lo contrario de lo que se dice, pero
que por el contexto el receptor puede reconocer la verdadera intención
del emisor. La Ironía utiliza un tono de expresión a menudo burlesco.
Fuente: http://unaformadeinterpretar.blogspot.com/2010/04/intuicion-descubrimiento-einnovacion.html
51
Onomatopeya
La onomatopeya consiste en la utilización de palabras para imitar
sonidos naturales.
Oxímoron
El oxímoron consiste en reunir dos conceptos de sentido opuesto que
se complementan para resaltar el mensaje que se quiere transmitir.
Fuente: http://blogvecindad.com/buen-poster-utilizando-las-onomatopeyas/
Fuente: http://morfologiadelolivo.wordpress.com/2011/05/11/a-proposito-de-las-figurasretoricas/
52
Prosopopeya
La prosopopeya consiste en atribuir a seres inanimados o abstractos,
cualidades propias de los seres animados.
Repetición
La Figura retórica de repetición consiste en la reiteración de palabras o
de otros recursos expresivos que genera una relevancia poética.
Fuente: http://josephlucas.blogspot.com/2012/10/imagenes.html
Fuente:http://vi.sualize.us/calle13_38_572_800_pixeles_sin_fin_publicidad_
perspective_repeticion_picture_35ao.html
53
Sinécdoque
Sinécdoque es un tipo de metonimia que consiste en expresar la parte
de un objeto por el todo o el todo por la parte.
Fuente: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia
54
3.7 HERRAMIENTAS O ELEMENTOS VISUALES
Un mensaje visual se compone a partir de un lenguaje visual y los
principales componentes de un mensaje visual son, como se mencionaba
antes, el texto y la imagen. Sin embargo estos componentes están a
su vez compuestos por herramientas de configuración o elementos
visuales. Estas herramientas o elementos son el tamaño, la tipografía,
las figuras o formas que conforman una imagen, el color y la textura.
TAMAÑO
De acuerdo a Acaso (2009) lo primero que se debe de considerar como
un profesional del lenguaje visual son las dimensiones físicas de un
producto visual. El tamaño se selecciona en relación con la escala
del espectador, a través de un sistema de comparación, produce una
relación física, con la representación visual: o es más grande o más
pequeña que el que analiza la imagen.
El tamaño es relativo si lo describimos en términos de magnitud y
pequeñez, pero sí es físicamente mesurable.
La tipografía establece un tono, por lo que se debe escoger la opción
apropiada acorde al mensaje que se quiere transmitir y al público al
que va dirigido.
Samara (2008) comenta que sea cual sea su forma, los caracteres
tipográficos conllevan mensajes más allá de las palabras que
representan, por lo que se pueden lograr respuestas emocionales y
asociaciones en el espectador a partir del tipo de letra.
La respuesta que se obtiene en los espectadores es subjetiva y se
basa en su experiencia y en su transfondo cultural. A través de una
elección de tipografía acertada con trazos y detalles específicos se
puede conectar efectivamente con determinado grupo. Esto es parte
del proceso de comunicación.
Aunque no hay reglas estrictas e inamovibles para este proceso de
selección, existen algunos aspectos técnicos que se deben tener en
cuenta como el estilo, el grosor, etc. que facilitan la selección.
TIPOGRAFÍA
Según Ambrose y Harris (2006) la tipografía es el medio por el que se
le da una forma visual a una idea escrita. La selección de la tipografía
puede afectar de forma drástica a la legibilidad de la idea escrita y la
sensación que despierte en el lector.
La tipografía puede llegar a producir un efecto neutro, simbolizar
movimientos artísticos, políticos o filosóficos, expresar la personalidad
de una persona o una organización. Los tipos de letra varían desde
las letras más claras y legibles que fluyen fácilmente y son funcionales
para grandes bloques de texto, hasta tipografías más decorativas y
atractivas que llaman la atención.
Muchas tipografías utilizadas hoy en día se basan en diseños creados
durante épocas históricas anteriores. Sin embargo éstas siguen
evolucionando constantemente resultando en cientos de tipos distintos.
55
Anatomía
Cuerpo
Según Ambrose y Harris (2006) el cuerpo de letra es el tamaño vertical
del cuerpo de un carácter, incluido el espacio que queda por encima
y por debajo de sus astas. El término cuerpo de letra surge por el
cuerpo sólido que servía de soporte a la cara de impresión de un
carácter cuando se utilizaba una imprenta de tipos. Es por eso que los
caracteres siempre son ligeramente más pequeños a la medida de su
cuerpo.
Fuente;
http://articulo.mercadolibre.com.ar/MLA-449010138-tipografias-antiguas-enmadera-de-5-cms-letras-de-imprenta-_JM?redirectedFromParent=MLA447085228
ANATOMIA
http://profesorasanemeterio.blogspot.com/2012/09/practicando-la-plumillapaciencia.
html
Las medidas más comunes que resultan efectivas para la lectura son
entre 8 y 10 puntos. El uso de diferentes cuerpos de letra en un mismo
texto genera jerarquía, por lo que se comprende que el texto de mayor
cuerpo es de mayor importancia y se lee antes.
Sistema de puntos
De acuerdo a Ambrose y Harris (2006) tradicionalmente para
especificar dimensiones tipográficas se utiliza el sistema de puntos. En
este sistema las unidades de medida son puntos y picas. El cuerpo de
texto se especifica en puntos, que equivalen a 1/72 de pulgada.
12 puntos = 1 pica
1 punto = 0.35 mm
1 pica = 4.22 mm
ANATOMIA
Ambrose y Harris (2003) Fundamentos del diseño creativo. Barcelona, España. Parramón
Una pica tiene 12 puntos y una pulgada tiene aproximadamente 6
picas. La pica se utiliza más comúnmente para las medidas tipográficas
lineales por lo que la longitud de una línea de texto se mide en picas.
56
Familias tipográficas
Una familia tipográfica consiste en todas las variaciones de una
tipografía. Incluye todos los grosores, anchos y cursivas. Ambrose y
Harris (2006) comentan que estas son una útil herramienta de diseño
porque ofrecen al diseñador una gama de variaciones que se pueden
combinar de forma limpia y simple.
ALLER
Aller Light
Aller Light Italica
Aller Regular
Aller Italica
Aller Bold
Aller Bold Italica
Estructura
De acuerdo a Samara (2008) la forma de las letras en todas las
tipografías varia según seis aspectos: caja, peso, contraste, anchura,
postura y estilo.
• Caja: Cada letra del alfabeto occidental se presenta en un formato
grande (mayúscula) y un formato pequeño, más informal (minúscula).
La mayúscula requiere más espacio entre las letras para facilitar la
lectura. Las minúsculas presentan más variaciones y se reconocen
con mayor rapidez en el texto.
• Peso: El peso se refiere a el grosor, una tipografía puede ser fina,
redonda, negrita y supernegra (aumentando el peso del trazo).
Cuando se trata de una misma tipografía con los diferentes pesos,
estas variaciones definen una familia tipográfica. Las variaciones del
peso ayudan tanto a añadir contraste visual, como a distinguir entre los
elementos dentro de una jerarquía.
Interletraje
El interletraje es el espacio que separa las letras o caracteres. Algunas
tipografías tienen combinaciones en que se nota demasiado espacio
intermedio, lo que puede resultar en que algunas palabras resulten
difíciles de leer. La acción de ajustar el interletraje se conoce como
kerning. El kerning logra conseguir un equilibrio en el aspecto de la
tipografía ya sea porque cuenta con mucho o muy poco espacio entre
sus caracteres.
Fuente: http://www.creativosonline.org/blog/que-es-la-justificacion.html
Fuente: http://disenopreimpresionpastorrebeca.wordpress.com/page/2/
57
• Contraste: Las astas de una letra pueden ser uniformes en cuanto al
grosor o pueden variar de forma significativa. Cuanto mayor sea esta
variación, mayor será el contraste que la letra mostrará.
• Estilo: Estilo se refiere a las dos clases principales de letras romana
y palo seco. También puede referirse al período histórico en el que
el carácter tipográfico era dibujado y la relativa neutralidad o calidad
decorativa de un carácter tipográfico.
Romana Palo Seco
Clasificación
Fuente: http://manjoleteira.wordpress.com/2010/09/08/entender-la-tipografia/
• Ancho: El ancho proporcional de las letras se basa en la anchura de la
M mayúscula. Las letras más estrechas se dice que están condensadas,
mientras que las más anchas están extendidas o expandidas.
Mabc
• Postura: Las letras romanas son aquellas cuyo eje vertical forma un
ángulo de 90 grados con la línea base. Las letras cursivas, desarrolladas
por eruditos humanistas durante el Renacimiento, se inclinan 12 a 15
grados a la derecha, para imitar el trazo de la letra manuscrita.
MMnnNN
La clasificación de familias tipográficas se basa en las apariencias.
En un sentido más general las fuentes se clasifican según sus
características. De acuerdo a Samara (2008) la clasificación es una
forma de organizar los estilos y a ayudar a elegir más efectivamente el
tipo de letra adecuado para cada proyecto. A lo largo de los años se han
desarrollado varios sistemas de clasificación y éstos van cambiando
según van apareciendo nuevos estilos, sin embargo ciertas categorías
se mantienen constantes.
Las diferencias entre las tipografías sirven como un buen elemento
para evaluar todas las opciones y elegir aquella que ayuda a transmitir
un tipo de mensaje específico.
Las tipografías constantes en la actualidad son las siguientes:
• Antigua
Garamond
ABCDEFGHIJKLM
NOPQRSTUVWXYZ
abcdefghijklmnopqrstuvwxyz
58
• Palo seco
Franklin Gothic Book
ABCDEFGHIJKLM
NOPQRSTUVWXYZ
• Caligráfica
HaloHandletter
ABCDEFGHIJKLM
NOPQRSTUVWXYZ
• Manuscrita
Amatic SC
ABCDEFGHIJKLM
NOPQRSTUVWXYZ
Tipografía como imagen
Además de su función principal, el comunicar palabras, la tipografía
también puede utilizarse como un símbolo y comunicar a través de
su representación visual algo más que lo que los significados de las
letras.
La tipografía como imagen, tiene una gran fuerza ya que aprovecha
el significado que se asocia con un estilo gráfico determinado más el
elemento comunicativo de lo que dice o representan los caracteres.
• Decorativas
barlow by thunderpanda
ABCDEFGHIJKLM
NOPQRSTUVWXYZ
• Simbólica
Entypo
HaloHandletter
ABCDEFGHIJKLM
WHOLE LOTTA LOVE
http://www.behance.net/gallery/Wholelotta-love/7790199
EAT MY BRAIN
h t t p : / / w w w. b e h a n c e . n e t / g a l l e r y /
TYPOGRAPHY/3279125
59
COLOR
Según Ambose y Harris (2006) el color se ha convertido en un elemento
básico en la comunicación visual. El color provee un mayor dinamismo,
atrae la atención y puede utilizarse para despertar respuestas
emocionales. Además puede servir como un código contribuyendo a
la organización de elementos, dirigiendo la atención de un elemento al
siguiente o agrupando elementos de naturaleza similar ayudando así
al receptor a obtener información más ordenada y precisa.
Luminosidad: Dabner comenta que es la mayor o menos luminosidad
de un color. Un color con blanco añadido se llama pastel, un color con
negro añadido se llama oscuro.
El color tiene diferentes valores emotivos o simbólicos según la
experiencia personal del espectador así como su trasfondo cultural.
El poder que tiene el color para alterar un mensaje es una de las
principales razones por las que se utiliza y se le da una gran importancia
en la composición.
Samara (2008) comenta que el color se define a partir de cuatro
cualidades básicas: tono, saturación, luminosidad y temperatura.
Tono: De acuerdo a Dabner (2005) el tono es un término que se utiliza
para indicar lo que distingue un color de otro. Es el nombre genérico
para el color, por ejemplo: rojo, naranja, etc.
Rojo
Amarillo
Verde
Fuente: http://pintarcrearpensar.blogspot.com/2010/01/teoria-del-color-1.html
Azul
Naranja
60
Temperatura: La temperatura es una cualidad subjetiva y empírica.
Un color cálido evoca el calor, un color frío evoca frialdad. Los colores
parecen más calidos a medida que disminuye el amarillo y aumenta el
rojo.
Círculo cromático
Fuente: http://estodoarte.blogspot.com/2012_04_01_archive.html
Saturación: Equivale más o menos a la intensidad del color. Hace
referencia a si el color es vibrante o apagado. Una línea de alta
intensidad es un color vivo, mientras que una de baja intensidad es un
color apagado.
FRANCESC SUBIRATS
http://sobrecolores.blogspot.com/2010/12/que-es-el-circulo-cromatico.html
Fuente: http://www.caborian.com/lab22-armonia-y-contraste-de-colores-saturacion-decolor/
61
Psicología del color
Según Samara (2008) el color tiene un componente emocional, el cuál
está relacionado con la experiencia del receptor, a un nivel instintivo y
biológico. Los colores de distintas longitudes de onda tienen diferentes
efectos sobre el sistema nervioso del receptor. Los colores cálidos,
como por ejemplo rojo y amarillo, tienen amplias longitudes de ondas,
es por esto que para procesarlos es necesario un mayor nivel de
energía. Este aumento de energía se traduce en excitación, mientras
que, al procesar un color frío, con una longitud de onda menos, resulta
en un efecto sedante y calmante.
Así mismo las propiedades psicológicas del color dependen de la
cultura y la experiencia personal del individuo.
amarillo
De acuerdo a Ricupero (2007) el color amarillo es el color de la
plenitud, de la juventud y los niños. Suele interpretarse como activo,
animado, jovial, excitante. Puede significar también egoísmo, celos,
envidia, adolescencia, risa, placer, iluminación, alegría, etc. El color
amarillo siempre empuja hacia delante, hacia lo más moderno y nuevo,
encaminando hacia el futuro. Según Navajas (2011) el color amarillo
es cálido pero en menor medida que el rojo. Es un color optimista que
invita a la actividad. Puede indicar peligro así como representar dinero
y avaricia.
rojo
Ricupero comenta (2007) que el color rojo significa vitalidad, es el
color de la pasión, de la fuerza y del fuego. De acuerdo a Navajas
(2011) el rojo es el color más cálido, en ciertas ocasiones puede ser
contradictorio y tiene un gran peso en el contexto en que se expresa.
Éste color se relaciona con el amor, la pasión, la energía, así como
también con la cólera, agresividad, odio, violencia, placer, etc.
emociones intensas. En los países orientales se relaciona con la suerte
y no tiene connotaciones negativas como en occidente. Visualmente
ocupa las posiciones más cercanas.
naranja
El color naranja es hipnótico. De acuerdo a Ricupero (2007) el naranja
posee fuerza activa, radiante, con un carácter acogedor, cálido y
estimulante. Refleja optimismo, diversión y dinamismo. De acuerdo a
Navajas (2011) es un color que se relaciona grandemente con el sabor
y la comida. Es muy llamativo, por lo que se utiliza como advertencia
y refleja peligro.
azul
El color azul es un color que refleja tranquilidad y conlleva una
profundidad solemne. Según Ricupero (2007) el azul transmite una
sensación de placidez y tranquilidad. Es un color frío, y reservado que
expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, confianza, etc. Se
relaciona el color azul con la inmensidad y divinidad así como con el
agua, por lo que se considera un color frío, transparente y profundo.
verde
De acuerdo a Ricupero (2007) el color verde es un color tranquilo y
sedante. Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general.
Es un color que transmite una calma indiferente no transmite una
sensación de gran impacto como alegría o pasión. El color verde
en el que predomina la tonalidad amarilla es activo, a diferencia del
verde en que predominan las tonalidades azules el cual es sobrio y
sofisticado. Principalmente el color verde es el color de la esperanza.
Simboliza salud, vitalidad, frescura por su relación con la naturaleza, la
naturaleza sana y viva.
El color rojo tiene un poderoso simbolismo, transmitiendo pasiones y
62
negro
El color negro es el color del misterio, de lo malicioso. Es un color
elegante y fuerte, noble, especialmente cuando es una tonalidad
brillante. Igualmente representa la noche, la muerte, como las
características positivas. Destaca sobre otros colores y sirve como un
delimitador. A pesar de la predominancia de su connotación negativa,
el significado varía según el color que lo acompañe.
blanco
El color blanco expresa paz, felicidad, pureza e inocencia. Así también
expresa infancia, divinidad, estabilidad y calma. El blanco es el color de
la luz, de la nada sobre el cuál cualquier otro elemento puede destacar.
Todo lo blanco está limpio y da la sensación de amplitud y comodidad.
TEXTURAS
La textura es un elemento visual que sirve como un doble como un
remplazo visual de las cualidades táctiles, aunque es posible que una
textura sea solamente óptica y no táctil.
La textura es un elemento visual necesario para la comprensión de la
percepción espacial, al igual que la luz, y la visión de la profundidad
depende de la textura en gran medida ya que ésta es el producto de
la conjunción de dos imágenes dispares; si no existe disparidad, la
percepción es más difícil.
Tipos de texturas
• Visuales: Las texturas visuales son las que podemos percibir sólo a
través del sentido de la vista.
gris
El color gris sirve como un color neutral, al igual que el color negro y
blanco. Simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda
y melancolía.
café
El color café es un color que se asocia con los estados de monotonía,
tranquilidad y seriedad. Es un color clásico, antiguo y noble que
infunde respeto por la jerarquía y que se asocia al paso del tiempo. El
color café es severo, masculino, confortable que evoca imágenes de
naturaleza y que refleja la tierra.
Fuente:
htm
http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/TECNICAS/textura.
63
• Táctiles: Las texturas táctiles son aquellas que podemos percibir a
través del tacto.
• Artificiales: Las texturas artificiales son aquellas superficies que
tienen los objetos fabricados por el ser humano: la superficie de una
pared, la superficie de un automovil, etc.
Fuente: http://disenartelpardo.blogspot.com/2012/11/textura.html
• Naturales: Las texturas naturales son aquellas que existen en la
naturaleza, son aquellas que tienen las superficies y cuerpos de la
naturaleza: el tronco de un árbol, la piel de un animal, etc.
Fuente: http://es.123rf.com/photo_10515273_textura-de-cuero-artificial.html
• Orgánicas: Las texturas orgánicas son aquellas texturas aleatorias.
Fuente: http://iesvallvera3b04.blogspot.com/2009/03/textura-natural_7285.html
Fuente: http://www.deviantart.com/art/Stock-Texture-Cracked-Earth-326936540
64
• Geométricas: Las texturas geométricas son aquellas relacionadas
con un orden matemático.
PUNTOS FOCALES
Un punto focal es el centro de interés, un espacio dentro de una
composición gráfica que sobresale y llama más la atención. Puede o no
ser el centro real de una pintura, fotografía o ilustración, pero siempre
será la parte más importante. Al momento de trabajar una composición
es importante definir éste punto focal y trabajarlo creando un énfasis
y buscando que el usuario o espectador quiera ver más y saber más
del tema que se está presentando. El punto focal añade una idea más
específica para el diseño o en una imagen y actúa como un punto de
partida para la mayoría de los visitantes.
De acuerdo a Swenson (S.F.), el contraste, tamaño, formas y color son
elementos que pueden ayudar a definir el punto focal.
Fuente: http://es.123rf.com/photo_14547907_perfecta-textura-geometrica-en-el-disenodel-op-art-vector-de-arte.html
Los ojos son naturalmente atraídos al contraste, la diferencia entre la
oscuridad y la luz, oscuro y brillante. Para crear un punto focal, muchos
artistas, ilustradores colocan al sujeto principal en la zona de mayor
contraste.
Punto focal por contraste
Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1f/El_Palacio_Municipal_en_
alto_contraste.JPG
65
Los colores complementarios crean un gran interés visual cuando se
colocan uno al lado de otro. El utilizar colores complementarios para
cualquier objeto en una composición atrae la atención a los objetos en
que se apliquen estos colores. Además los colores cálidos parecen
atraer la vista, mientras que los colores fríos ceden.
También se pueden crear puntos focales a través del tamaño y
ubicación. Usualmente el objeto más grande en una composición se
toma como el elemento más importante. También se tiende a observar
primero a los objetos que están aislados especialmente si el resto de
objetos en la composición están agrupados.
Punto focal por color
Fuente: http://static.reflejandome.com/wp-content/uploads/tres-colores.jpg
Punto focal por tamaño
Fuente:
http://www.canonistas.
com/galerias/data/1912/medium/
contrastes1_ej_32.jpg
Cualquier elemento que se destaca de entre los demás nos llaman
la atención. Una forma o línea vertical entre un formas o líneas
horizontales se convierte en un punto focal. Una forma geométrica
entre formas orgánicas llama la atención.
66
Experiencias deSDE diseño
ENTREVISTA ESTRUCTURADA DIRIGIDA GRAND CHAMACO
Entrevista realizada por Maria Beatriz Villagrán a Grand Chamaco, un
joven Mexicano que ilustra Twits de usuarios reales en el año 2012.
Fuente: “La ilustración del Grand Chamaco, las características
gráficas que destacan en su ilustración y los signos que utiliza en la
interpretación de los Twits”. Tesís inédita. Universidad Rafael Landívar.
Guatemala. 2012.
1. ¿Cuándo iniciaste a ilustrar tweets?
Fue hace más o menos 1 año con la explosión de twitter, cuando
en realidad lo empecé a ver como una herramienta de insight.
2. ¿Qué te motivó a hacerlo?
Uff, qué no, la red es demasiado grande, sigues a muchas
personas y muchas personas te siguen, muchos escriben
cosas que no sirven para nada, pero otros escriben cosas muy
interesantes y partiendo de ahí es que comencé a tomar esos
chistes y esas frases llamativas y las ilustré, además que nunca
había visto que alguien ilustrara twits.
3. ¿Cuánto tiempo inviertes en las ilustraciones que realizas?
Igual que los twits, es algo práctico y espontáneo. Entre que se
me ocurre qué ilustrar y entre que lo dibujo pueden pasar entre
1 y 4 horas. Máso.
4. ¿Qué ventajas te ofrecen las redes sociales cuanto a la
promoción personal y elección?
Que en las redes sociales tengo todo a mi alcance, en las redes
sociales puedo buscar lo que a mí me gusta leer y me permite
interactuar con mis amigos y así sacar información o ideas que
me ayuden a ilustrar algo interesante, además, las redes sociales
me ayudan a promocionar mi arte ya que es por medio de ellas
que publico mis nuevos trabajos y mis amigos y las personas
que me siguen son los primeros en entrar y después ingresan
sus redes, creando un miniviral por así decirlo. Hay un chingo
de talento en México. El internet propicia que sea más fácil darlo
a conocer masiva y explosivamente. Independientemente de
los que hacemos cosas visuales, hay un montón de gente que
escribe increíble. Un día quiero ser como ellos.
5. ¿Obtienes alguna retroalimentación del autor de las frases?
Cuando se enteran sí, muchas de las frases que encuentro no
son necesariamente de mi red pero si se dan cuenta y les parecen
muy graciosas, además en cada pieza que hago siempre pongo
el nombre del autor lo cual las hacen más especiales para ellos,
imagínate tú que escribieras algo y alguien hiciera un dibujo de
lo que tu escribes, ¿no te sentirías feliz y orgullosa?, creo que
eso es lo más bonito de lo que hago, que las personas pueden
ver en papel una frase plasmada que se convierte en algo muy
gracioso.
6. ¿El elemento del color tiene algún significado en función a cada
frase?
La verdad no lo sé, creo que el color es algo que nace con cada
ilustración, no lo pienso demasiado, simplemente si siento que
algo tiene que ser rojo y no azul lo pinto rojo, trato de balancear
los colores y hacerlos más digeribles para el observador, pero
no es algo muy pensado, pienso el balance del color cuando la
miro y tengo la oportunidad de cambiarlo, pero no es mucho, tal
vez es el fondo el que más cambio, es el más difícil por cierto,
porque es el fondo el que resalta o apaga los colores, y es en
este en el que más me enfoco para poder resaltar mis dibujos y
balancearlos, por ejemplo si uso mucho blanco y negro en una
ilustración creo que me iría con un fondo más vivo, como un rojo
o un verde, pero si en mis dibujos hay mucho color, utilizo fondos
grises, blancos y opacos para resaltar más los colores. Creo que
los colores se aprenden con la práctica y en las ilustraciones
son muy libres, yo busco lo que se mire bien, pero no los pienso
mucho, si pruebo con un color y no me gusta simplemente lo
cambio para balancearlo y con eso soluciono el problema. No es
un método de selección exactamente.
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7. ¿Los utilizas como carteles?
Solo cuando los expongo, pero pertenecen más a la web, aunque
su formato es más de cartel, un cartel web por así decirlo.
8. ¿Qué papel juega la tipografía?
La tipografía juega un papel muy importante, yo amo
experimentar con la tipografía y en mis ilustraciones de tweets,
la tipografía es tan importante como la ilustración, ya que este es
el hilo conductor entre la ilustración y el mensaje, la ilustración
carece de sentido sin la tipografía y su mensaje y viceversa,
juego mucho con ella y busco muchas maneras de comunicar
lo mismo con diferentes tipografías hasta encontrar la que me
gusta y la que le da el mejor sentido estético a la composición.
Busco que la tipografía siempre balancee la composición y
apoye la línea de dibujo que utilicé en el dibujo.
9. ¿Cómo decides que familia tipográfica utilizar?
La analizo con cada ilustración y miro si se combinan bien, si
mi ilustración es muy recta me iría por una sansserif, y si mi
ilustración es muy curva utilizo una tipografía curveada, más
caricaturesca, algunas veces la ilustro yo mismo porque siento
que tiene que ser con alguna que tengo en mente y que no le
encuentro un parecido con ninguna que yo tengo, pero más
que todo es a prueba y error, cuando hago una ilustración no
tengo en mente al mismo tiempo que tipografía voy a utilizar,
solo empiezo a pensar con qué familia se puede ver mejor,
experimento y si no estoy satisfecho intento con otra familia.
10. ¿Cuál es el uso que le das al color dentro de la tipografía?
El mismo que a la ilustración, es un comunicador y me doy la
libertad de usar el que sea, pero siempre busco con el color de la
tipografía utilizar el menos predominante de mi ilustración para
así resaltarlo de toda la composición.
Fuente: Sitio oficial de Grand Chamaco. Series se dibujan tuits 1 y 2
http://www.grandchamaco.com/
11. ¿Qué ventajas encuentras en la ilustración digital?
La facilidad de edición, estoy acostumbrado al ctl+z y cada
vez que hago algo que no me gusta lo vuelvo a repetir, si el
color no me gusta lo puedo cambiar, y si la tipografía no me
gusta la puedo volver a elegir, creo que la ilustración digital es
una herramienta muy versátil y permite hacer lo que sea más
68
fácilmente, pero eso no significa que cualquiera de las técnicas
a mano sean malas, cada técnica es buena y yo simplemente
elegí la ilustración digital porque es la que más se adecúa a mí.
12. ¿Utilizas alguna otra técnica aparte de la digital?
Si, sigo utilizando el lápiz y el papel, es ahí donde empiezan
varias de mis piezas, también sé pintar con pincel y con tinta y
muchas otras, pero es la digital la que más me apasiona.
13. ¿Consideras que tu propuesta es creativa?
Sí, sí lo es porque es algo que no se mira en la web, y también
lo es porque es la forma en que yo lo miro, las frases no las
inventé yo, pero la perspectiva que cada una lleva si y eso las
hace creativas.
14. ¿Utilizas jerarquías visuales en función del recorrido visual?
Sí, siempre nivelo las composiciones y lo que más quiero resaltar
es lo que tiene el color más predominante o el mayor espacio en
la composición.
15. ¿Cómo decides cual es el punto focal?
Lo decido según lo que a mí me llama más la atención, la verdad
no lo tengo mucho en mente pero una vez plasmada la idea
analizó que es lo que quiero resaltar más y lo resalto, en la
mayoría de veces es la ilustración por encima de la tipografía y
es en específico el punto del mensaje que trato de resaltar más
que todo.
16. ¿Qué programas utilizas para realizar tus ilustraciones?
Photoshop, ilustrator y algunas veces corel, también utilizo
zbrush para las ilustraciones en 3d.
17. ¿Qué características gráficas definen tu estilo?
Mi estilo lo definen más que todo las curvas y la simpleza de los
elementos, tomé mucho de referencia el estilo de pictoplasma
y la línea de dibujo de mcbess y partiendo de ahí evolucioné a
lo que yo hago, me caracterizo creo yo por la simpleza de mis
ilustraciones y los detalles de volúmenes y color que le agrego a
las ilustraciones más simples.
69
18. ¿Cómo decides qué twit vas a ilustrar?
Lo decido según el que me haya dado más risa, grabo muchos
twits pero siempre hay más de alguno que me enamora desde
la primera vez que lo leo y según eso empiezo a trabajar en él.
19. ¿Qué decides representar del twit?
Todo, siempre represento toda la frase que dice el twit, si no
modifico el twit original y pierde su autor.
20. ¿Qué elementos utilizas para representar las frases?
Utilizo los íconos gráficos que mejor representan al
twit, por ejemplo, si el twit habla de personas, utilizo
personas, tal vez uno de los más representativos es el de:
“hastaquelabarraespaciadoranossepare”, allí utilicé las letras de
un teclado porque habla de la barra espaciadora y eso solo lo
encuentras en un teclado, si lo ilustraba de otra forma perdía el
sentido, así que siempre trato de ilustrar lo que la frase dice, tal
cual como viene.
21. ¿Cuál es tu proceso creativo?
No creo que sea un proceso creativo tal cual, primero elijo el twit
que más me guste, después lo visualizo y de último lo realizo,
así de simple.
22. ¿Cuál es tu proceso técnico?
Primero comienzo bocetando la pieza, algunas veces lo hago
a lápiz y papel, y otras veces lo hago directamente en la
computadora, al tener mi boceto listo, empiezo a redibujar su
contorno con detalles de línea o lo vectorizo si es muy simple, al
tener la figura inicial de la composición comienzo a colorearlo con
colores base, después paso a sus detalles, degrades, sombras
y brillos, para pasar a la elección de la tipografía y el espacio
que va a utilizar el mensaje, por último elijo el fondo final, porque
siempre trabajo con un fondo neutro y por último lo firmo.
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23. ¿Por qué eliges la plataforma de la red social cómo medio de
comunicación o distribución de las ilustraciones?
Porque es por mi red social donde saco mis ideas para ilustrar y
es en la misma red que las muestro para que sea primero mi red
la que las observe y después le sigua la red de cada uno de mis
contactos y amigos de mi red para que se expandan las visitas
de mis piezas, lo hago así y no en una galería porque en una red
social es más fácil el acceso, mucho más fácil, mis ilustraciones
siempre están ahí y cualquiera puede ingresar a verlas cuando
quiera.
24. ¿Qué importancia tienen las redes sociales en tu trabajo?
Es mucha, es por medio de ellas que me he dado a conocer y
es allí donde tengo contactos que le interesa mi trabajo y me
ofrecen proyectos a realizar con la referencia que tienen ahí,
para mí las redes sociales me sirven como un portafolio que se
expande en la red y me consigue nuevos clientes, networking
por así decirlo, es ahí donde trabajo mis relaciones laborales y
creo nuevos contactos.
25. ¿Te basas en referencias para ilustrar?
Me baso en la estructura de las cosas cuando son cosas muy
complejas, pero por lo general proviene de mi imaginación y ella
quien me dice cómo hacerla.
26. ¿Tus ilustraciones posibilitan varias interpretaciones o solo
una?
Yo diría que solo una, pero siempre hay algo a lo que se le
puede sacar provecho y si se analizan muy de cerca a la par con
la psicología puedes encontrar otros significados que no están a
la vista de un ojo común, depende de cómo lo mires.
27. ¿Qué signos son recurrentes en tus propuestas de ilustración?
La gente, los zapatos, las calaveras, los cuchillos y pistolas y
la ropa que encuentre interesante, creo que estos son los más
recurrentes pero siempre utilizo muchos íconos, por ejemplo los
corazones y las manos de juguetes, pero siempre trato de variar,
aunque los íconos son una gran influencia en mi estilo y son
lo que le dan ese carácter distintivo que me diferencia de los
demás.
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A continuación se presentan los resultados obtenidos tanto de las
entrevistas realizadas a los sujetos de estudio así como de las guías
de observación aplicadas a la muestra de ilustraciones del sujeto
principal Clint Tillman.
1/ entrevista realizada a CLINT TILLMAN
(VER ANEXO 1: GUÍA DE ENTREVISTA A CLINT TILLMAN /
VER ANEXO 6: ENTREVISTA DE CLINT TILLMAN EN INGLÉS)
1. ¿Para usted qué es ilustración?
Um, para mí, todo esto es subjetivo por supuesto. Para mí la
ilustración es crear una imagen para expresar una o varias
palabras o conjunto de emociones que… generalmente tú
haces una ilustración cuando las palabras no son suficientes.
Necesitas un medio para transmitir esos sentimientos. Ese es el
fin para el cual yo utilizo las ilustraciones.
2. ¿En cuál categoría cree usted que podría clasificar sus
ilustraciones y por qué?
Yo me atrevería a decir que entro en todas esas categorías
dependiendo de lo que esté haciendo. La mayor parte de lo
que hago es conceptual, simplemente porque uso mucho
simbolismo y metáforas, todo significa algo diferente. Realizo un
poco de ilustración publicitaria a través de mi trabajo de diseño.
Ilustración narrativa, todo lo que hago básicamente narra una
historia, comunica ese mensaje que intento sacar. También
realizo algunas ilustraciones para niños, tengo un par de libros
que están en sus etapas iniciales y que están esperando que
pueda dedicarles tiempo. En cuanto a ilustración científica,
estirando un poco el concepto, hago mucha anatomía como
huesos y órganos, recientemente hice una serie sobre el
corazón. Así que es científico en su naturaleza aunque no es
increíblemente riguroso, sabes, no querrías ponerlo en un libro
de texto científico y decir que así es como un verdadero corazón
luce porque algo estará fuera de su lugar correcto. Hago un
poco de asuntos técnicos. No mucho en los últimos años. De
ilustración editorial, realizo una ilustración cómica a la semana
para el periódico semanal, no es precisamente editorial pero de
alguna manera cabe dentro de esa categoría.
3. Basado en su experiencia como ilustrador, ¿puede mencionar
una diferencia entre pintura e ilustración?
Esa es una pregunta difícil. Te responderé con mi opinión
personal. En esta última muestra de arte… tuve una muestra de
arte en enero en la galería donde trabajo, y realicé muchas piezas
de gran tamaño, nunca había trabajado a esa escala antes, aún
en la universidad nunca llegué a esas dimensiones tan grandes,
quería tomar el estilo de ilustración que hago en papel pequeño
y ver si podía transferir eso a una superficie grande. Pero en
el momento en que lo puse en una superficie grande, a pesar
de estar utilizando la misma técnica básica, a pesar de usar las
mismas plumas rosa para el delineado del corazón y todo eso, tú
sabes, ya no clasificaba necesariamente como una ilustración,
sino quizás más como una pintura. Mi conjetura es, que para mí
cuando ilustro el objetivo principal es pasar el mensaje, lo que
la ilustración significa, mientras que en la pintura generalmente
72
el enfoque es más en… supongo que es función versus forma.
La ilustración tiende a centrarse en la función y la pintura parece
centrarse más en la forma.
4. ¿Cuándo empezó a ilustrar?
Um, técnicamente, no sé… a los tres o cuatro años. Cuando
era niño dibujé muchas tiras cómicas, particularmente todo lo
relacionado con Batman o Spiderman, cualquier cosa que tuviera
que ver con Mario, definitivamente, un poco de Garfield por aquí
o por allá. Pero no empecé realmente a ilustrar profesionalmente
hasta hace cuatro o cinco años. Y todo empezó… tengo
preparación académica en diseño gráfico así que he hecho
bastante diseño de impresión, desarrollo de logos, por lo que
bosquejaba y dibujaba solamente para esos temas, más como
un tipo de herramienta, sin embargo nunca me enfoqué en ello
realmente, luego me mudé a este pequeño pueblo turístico en
la montaña cuando cumplí veinticuatro años creo y ummm...
sí creo que tenía veinticuatro, eso fue hace mucho tiempo, así
que empecé a dibujar allá y quería hacer t-shirts por lo que
aprendí por mí mismo cómo imprimir de la pantalla y empecé a
dibujar más enfocándome en ilustración para vestimenta y así
fue más o menos como empecé. Involucrándome más y más
en la ilustración y luego llevándolo a tinta y papel y acuarela, y
enfocándome solamente en la ilustración por la ilustración en sí
misma.
5. ¿Cuánto tiempo invierte en la realización de sus ilustraciones?
Toda mi vida la paso ilustrando. ¡Es broma! Sabes, el tener un
concepto desarrollado algunas veces es algo que normalmente
no toma mucho tiempo, es algo que simplemente salta en mi
mente, ilustrar es como un tipo de terapia, básicamente, así que
dibujo cualquier cosa que está ocurriendo en el momento y por
ello están siempre allí, las ideas simplemente van siempre a
saltar. De vez en cuando me encuentro con un proyecto al cual
le he dedicado un poco más de tiempo e intentando… tú sabes
y es normalmente en diseño de t-shirts y cosas como esas en las
que invierto un poco más de tiempo trabajando el concepto. Sí,
normalmente la realización de las ilustraciones se da de forma
muy rápida. Algo sucede y tengo que dibujarlo.
6. ¿Lleva consigo un cuaderno para hacer bocetos mientras está
fuera?
Sí, cuando viajo. Tengo una agenda bastante ajustada, donde me
encuentro ahora trabajo por las mañanas, luego voy al estudio
en las tardes y siempre estoy haciendo algo. Pero cuando salgo
o cuando estoy planificando o corriendo a la cafetería y quizás
cuando voy a quedarme un ratito, siempre me aseguro de llevar
conmigo mi cuaderno de bocetos, tengo mi propia maleta de
viaje con lápices y plumas.
7. ¿Cómo inicia la realización de sus ilustraciones?
Muchas veces viene de alguna frase o la letra de una canción
o simplemente de palabras al azar que…, supongo, creo, que
siempre pongo los títulos primero. La mayoría de las veces.
Tengo una frase o algo que quiero expresar y entonces imagino
lo que debería dibujar para expresarlo, algunas veces es fácil, tú
sabes, concluir en lo que quiero expresar y lo que quiero dibujar
para hacerlo. Porque algunas veces, no tengo idea y voy en
diferentes direcciones y experimento un poco. Pero supongo
que son sencillamente cosas al azar que flotan en el aire y yo
solamente atrapo una. Es verdaderamente técnico, ¡jaja!.
8. ¿Cuál es el proceso creativo que sigue para crear sus
ilustraciones?
Siempre inicio haciendo bocetos. Tengo una idea, un título que
quiero dibujar y entonces tomo mi cuaderno de bocetos y hago
muchos bocetos, luego los voy ajustando, y umm generalmente
tengo que hacer el boceto de inicio a fin de una sola vez, no
me gusta detenerme, quiero tener toda la idea desarrollada,
al menos al punto donde esté lo suficientemente formada y
completa y solamente necesite un poco de detalle.
9. ¿ Son sus ilustraciones basadas en un concepto?
Sí. Sí, la idea viene generalmente de primero. Yo no dibujo
realmente, quiero decir, hicimos mucho de eso en la universidad,
había una mesa con un poco de fruta sobre ella y teníamos que
dibujarla para que pareciera lo que estábamos viendo, así que…
supongo que es… ¿que hace que la fruta se sienta bien quizás?
Así que ciertamente la mayoría de mis ilustraciones inician con
73
un concepto y las imágenes parece que evolucionan a partir
de lo que creo que funcionará mejor para comunicar… Por
ejemplo una serie en la que he estado trabajando últimamente
que incluye una serie de ilustraciones con tema náutico, de
manera que si las cosas se ponen realmente difíciles tú puedes
comparar la depresión con el mar. Sube y baja, tumultuoso y
oscuro y gris y es bastante sobrecogedor. El hecho de que haya
tanta destrucción a tu alrededor y que tengas que surcar las
olas o hundirte, así que generalmente cuando toco el tema de
la depresión gravito hacia el agua. Y luego el espacio, estuve
en una especie de fase espacial por un tiempo también, y eso
es como el lado escénico de la depresión donde no hay altos y
bajos sino solamente algo plano, todo quieto y tú realmente no
sabes qué hacer y sientes que estás flotando por la vida, así que
uso el espacio para denotar esas cualidades del concepto. Así
que la respuesta es sí.
10. ¿Sigue usted algún proceso o utiliza una técnica para definir
un concepto para sus ilustraciones?
Yo, umm. Supongo que siempre estoy pensando sobre cómo
visualizar las cosas. Así que mi proceso está siempre en marcha.
Sí, todo es de esa forma. Supongo que se trata de estar siempre
atento. Tú sabes, si alguien que diseña tipografía, que le gusta
hacer mucho trabajo sobre tipos de fuente, cuando revisa los
boletines con todos los pósters de bandas y cosas como esas
te aseguro que no está viendo qué banda va a tocar y cuándo,
está observando cuál tipo de fuente escogió el diseñador para
el póster y pensando porqué la utilizaría, al menos eso es lo
que yo hago. Me siento en una cafetería y señalo los portavasos
y grito porqué utilizaron esa fuente para la letra, es terrible e
inapropiado y nadie se da cuenta. Así es más o menos como
mi proceso se desarrolla, realmente nunca se detiene. Estoy
siempre buscando cosas para dibujar y cómo expresar las
diferentes emociones con diferentes tipos de imágenes y temas
y cosas como esas.
11. ¿Hace varios borradores o bocetos antes de llegar a la
ilustración final?
Tengo el boceto y el final y normalmente solamente esos dos.
12. ¿Durante su proceso de ilustración busca referencias?
Um, busco referencias cuando estoy haciendo algo un poco
más del lado técnico. Por ejemplo, hice una serie recientemente
sobre el esqueleto de un pájaro, entonces examiné muchos
huesos supongo, ese fue mi punto de inicio pero no me apego
a él, agrego cosas que no están allí y elimino cosas que
probablemente deberían estar. Pero me gusta expandirme a
partir de una referencia buena y sólida. Si es algo más como…
hago mucho desarrollo de personajes y cosas similares. Uno
de mis personajes principales es un chico con barba y sombrero
a quien me refiero simplemente como el hombre de la barba.
Soy muy descriptivo con los nombres, ¡jaja!, así que no busco
muchas referencias con él, es más conceptual como todo lo
demás.
13. Por favor explique paso a paso cómo aplica su técnica usual
de acuarela y tinta para ilustrar.
Empiezo con el cuaderno de bocetos, hago un borrador preliminar
en lápiz azul y luego añado sobre este con lápiz rojo y obtengo
líneas un poco más definidas y las pongo donde deberían estar
y luego cuando ya he hecho esto con el lápiz rojo tomo un lápiz
regular de grafito y dibujo las líneas del bosquejo final sobre
este. De manera que lo dibujo, lo bosquejo tres veces pero es
todo sobre el mismo dibujo hasta que lo tengo justo y detallado
y luego aplico mucho sombreo.
BOCETO DE LA ILUSTRACIÓN YOURE NEVER ALONE WHEN YOURE HAUNTED BY
SELF DOUBT / CLINT TILLMAN / PROCESO PARA APLICAR SU TÉCNICA.
74
No lo hacía siempre, acostumbraba solamente dibujar
directamente a tinta en mi cuaderno de bocetos y luego
colorearlo con resaltadores y cosas así porque era divertido y
diferente y todo el acabado final… pero durante los últimos dos
años me he apegado a usar solamente lápiz en mi cuaderno
de bocetos y luego hago el sombreo para definir cómo voy a
aplicar la acuarela a la pieza final. Imagino las profundidades,
lo que quiero realmente saturar con color y lo que quiero aclarar
o iluminar delicadamente. Y, um…luego de esto escaneo la
imagen a la computadora y la imprimo en blanco y negro y luego
la pongo en el lightbox y luego coloco mi papel de acuarela sobre
el boceto y realizo mi trabajo final a tinta. En oportunidades
anteriores he realizado el dibujo a lápiz directo en el papel, en
el papel para acuarela, y luego he borrado las líneas azules y
todo, pero cada vez que llevas el borrador al papel lo arruina y
las partes que se borraron no absorben la acuarela de la misma
manera que las partes que no fueron borradas y soy un poco
obsesivo compulsivo sobre esto así que no quiero borrar en el
papel, solo quiero tinta. Por eso aplico la tinta y los contornos,
luego quito el papel y añado todo el detalle y por último añado la
acuarela sobre todo esto.
APLICACIÓN DE ACUARELA / TINBEARD II: I’VE MADE A GRAVE MISTAKE, THIS
HEART OF MINE ONLY CAUSES ACHE 2013 / CLINT TILLMAN
Y generalmente aplico lavados suaves así que aplico encima
un lavado muy ligero y luego añado un poquito de pigmento
al lavado y entonces empiezo a trabajar las áreas realmente
saturadas de pintura, y a lavar algunas de las capas también si
es necesario.
APLICACIÓN DE TINTA / TURNKEY 2013 / CLINT TILLMAN
14. Basado en su experiencia, ¿cuáles son las principales ventajas
de la técnica de acuarela?
Es rápida. No tengo mucha paciencia. Me encantaría trabajar
con óleo pero al mismo tiempo tienes que tener una estación
instalada y el óleo toma tanto tiempo en secar y lo que yo quiero
es iniciar algo y terminarlo.
Así que esa es una técnica y también me gusta jugar mucho
con las profundidades y empujar y halar las luces y sombras y
me gusta mantener una paleta de colores simple, los lavados
suaves de la acuarela me permiten hacer eso, así que usando
solamente un color pero añadiendo los lavados para hacerlo
75
más oscuro y obtener la profundidad que deseo. Por eso me
gusta la acuarela.
15. ¿Cuál es su preferencia en pinceles para aplicar la técnica de
acuarela?
Pequeños. Tengo un pincel que está cayéndose a pedazos y
que he tenido por años. Ni siquiera recuerdo ahora qué marca
es, no me preocupa mucho siempre que sea pequeño y redondo
y que tenga una punta fina para poder llegar a los detalles.
Tengo un par de pinceles planos pequeños si estoy haciendo
áreas grandes de saturación pero esos también son pequeños.
PREFERENCIA EN PINCELES DE CLINT TILLMAN / ILUSTRACIÓN TURNKEY 2013
16. ¿Cuál es su preferencia en cuanto a plumas?
Utilizo Microns y de ellos uso los dos más pequeños 0.005 y 0.1
en negro y rojo, tengo uno azul también que quizás he utilizado
un par de veces.
17. ¿Cómo o por qué decide mezclar la acuarela con la tinta?
Surge creo, de esa naturaleza obsesiva-compulsiva. Me
gusta la estructura, me gustan las cuadrículas, me gustan los
contenedores que están bien organizados, tú sabes, en los
cuales cada cosa tiene su lugar. Y así es como en mi arte, tú
sabes, lo que realmente admiro es el libre fluir de la acuarela, que
es pesada en el agua, la técnica húmedo sobre húmedo y cosas
como esa con las cuales me encantaría experimentar. Pero eso
me enloquece, me gustan las cosas contenidas dentro de límites.
Y no lo digo necesariamente en el sentido de “nunca coloree
fuera de las líneas”, pero en lo personal toda mi creatividad y
desafío está dentro de esas líneas. Verdaderamente me gusta
la dominación, ¡jajajaja!.
18. ¿Cómo apoya o realza los mensajes de sus ilustraciones la
técnica de la acuarela?
Um, tú sabes, muchos de los conceptos en los que me enfoco
son emociones o conjuntos de emociones que son… Que
pueden realmente interpretarse en diferentes formas por
diferentes personas y todo es como una historia metafórica, por
lo que tener la acuarela… que no es muy sólida, no es muy…
Tú sabes, no vas a pintar una manzana y listo, la superficie
simplemente se ve como una manzana, tiene que haber mucho
más que eso, puedes tener mucho más que una interpretación
de ella, puedes experimentarla, hacerla, usar la acuarela y el
sentimiento de que las lavadas de la acuarela permanecen,
usar una paleta lavada realmente poco saturada en algo que es
realmente sombrío pero a la vez poder aumentar realmente el
pigmento y hacerla un poquito más saturada si intento lograr un
sentimiento más fuerte de cierta emoción o de una cierta parte.
19. ¿Cuáles son los mensajes que quiso transmitir en las
siguientes ilustraciones?
THE POLICY.
La mayoría de los mensajes que he querido transmitir son
ridículamente personales por lo que uso muchas metáforas
y símbolos y cosas como esas, de manera que escondan
básicamente lo que… pone lo que intento transmitir de una
manera tal que logra enviar la idea y el mensaje, solamente el
conjunto general de emociones que atraviesan mi mente en ese
momento, sin escribir el nombre de nadie y decir “eres horrible”
o algo como eso, así que es siempre muy bueno porque otras
personas se pueden relacionar y aplicar el mensaje a sus
propias vidas, personalmente, así pueden tomar lo que yo
76
estaba sintiendo y no tienen que admitir necesariamente de lo
que se trataba.
En The Policy estaba luchando con… Um, soy muy firme en
siempre ser muy directo y honesto y si a alguien no le gusta
lo que hago está bien, siempre que me lo digan. Así que
estaba como en ese punto en donde estaba siendo sincero
pero no abierto, supongo, pero simplemente les decía a las
personas cómo me sentía cuando ellos preguntaban, y… dado
que preguntaban, me comportaba educado y complaciente y
resulta que a muchas personas no les gustó, se dieron cuenta
muy pronto de que quizás no querían saber cómo me sentía
realmente porque era demasiado sincero, fue como, The Policy
se trataba de honestidad o silencio. Decirle a las personas cómo
te sientes realmente o mantenerte callado. Así que…
BLACK SHEEP BOY.
Esta es como, es simplemente la metáfora ya conocida de la
oveja negra, como la oveja negra de la familia. También me
gusta hacer mezclas, tomo algunas de mis referencias favoritas
y las incorporo en mis dibujos, como una especie de tributo,
así que esta es de la película de Guillermo del Toro llamada
Hellboy, las imágenes principales estaban basadas en la escena
de la película al final cuando él está arrancando sus cuernos y
tomando la decisión de hacer lo que quería que era ser bueno y
no seguir lo que todos pensaban que estaba supuesto a ser que
era malo, tú sabes. Eso era lo central, y luego también incorporé
esta canción de la banda Okkervil River llamada Black sheep boy
y fue como la pista sonora y lo visual, y entonces simplemente
entró el hombre de la barba. Así que fue una especie de tributo
a un par de mis favoritos.
THE POLICY / 2012 / CLINT TILLMAN
BLACK SHEEP BOY / 2012 / CLINT TILLMAN
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I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS.
Creo que este es del tipo de dejarse llevar… Cuando uno batalla
con decir “no” a las personas y supongo que no necesariamente
ser como una alfombra tú sabes que las personas caminan
sobre ti, pero simplemente intentar complacer a todo el mundo
y asegurarte de que le das un lugar a todos… y como permitir
que todos te enganchen en un gancho y que te usen de carnada
y luego a la mitad del camino empiezas a darte cuenta de para
qué es la carnada y que estás a punto de salir muy dañado.
Estás ayudando a alguien pero resulta que es para su juego
egoísta y tu seguridad y tu salud no les interesan.
SEAT BELT HANDS
Esa era simplemente… el cinturón de seguridad solamente
funciona con ambos lados, tú sabes, tienes que tener el gancho y
la hebilla. Así que es como… decir a alguien que tú extiendes tu
mano y si ellos extienden la suya y se agarran fuerte no saldrán
volando por el vidrio del parabrisas metafóricamente hablando.
SEAT BELT HANDS / HOLD ME TIGHT, ILL HOLD YOU TIGHTER / 2013 / CLINT
TILLMAN
IVE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS / 2012 / CLINT TILLMAN
78
GUARD YOUR HEART
Esa es una de mis favoritas. Fue una colaboración con mi amigo
Cody Ike, quien es un artista del tatuaje y vivía en Durango y
siempre dibujábamos, íbamos a la cafetería y dibujábamos,
ahora está en Canadá. Pero hay una banda, estos dos chicos,
se llaman The Listener y probablemente tienen algunas de las
letras de canciones más prolíficas, bien pensadas y con sentido
que se hayan escrito, tú sabes, los escuchábamos una y otra
vez, y hay una canción que habla de ser una casa en llamas
y se trata realmente de la depresión y dejar que estas cosas
empiecen dentro de ti, que te quemen desde dentro de manera
que es difícil distinguir desde fuera qué está pasando, como qué
tan mal las cosas están en el interior y así el corazón tiende a
ser uno de esos lugares donde los fuegos pueden iniciar muy
fácilmente, y supongo que se tiene la tendencia a cerrar mientras
estas cosas arden y antes de que te des cuenta estás consumido
y quemado, y no le sirves a nadie. El hizo los pergaminos y yo
hice la casa y el texto y todo lo demás y terminamos tatuándolo
en mis costillas justo al lado de mi corazón.
LANTERN / 2013 / CLINT TILLMAN
GUARD YOUR HEART / 2012 / CLINT TILLMAN
Antes de continuar quisiera preguntarle. Por ejemplo, en la que
se denomina linterna hay círculos y formas geométricas, ¿tienen
estas formas algún significado?
Sí, mucha geometría… Um, supongo, la linterna en sí misma
es un símbolo de la familia, empezó como un diseño para un
tatuaje, es una lámpara de aceite porque cuando estábamos
creciendo el frío en invierno era realmente fuerte y no podíamos
costear el subir el aire acondicionado así que mi mamá nos
decía que nos pusiéramos otro suéter y si tienen frío traigan
una manta y ella encendía estas lámparas de aceite, y cuando
íbamos de campamento, mi papá llevaba estas viejas lámparas
y de esta forma, la linterna es un símbolo debido a esto. Y
luego las figuras son disparejas… no son más vagas, pero son
simplemente… son representativas de sentimientos acerca de
la familia y se asemejan a la forma de un diamante, es como
79
usado para la familia o los seres queridos que te apoyan, que
son como un cimiento, que te permiten crecer, mamá y papá
hicieron un buen cimiento que me dio un punto sólido en donde
poner mis pies, crecer, así que eso es lo que significa. Los
círculos son normalmente… algunas veces yo… me gustan
los números, uso ciertos números de cosas, como 7 u 11 o 13,
están allí muchas veces, el 6 si es algo malo, tú sabes, son
pequeñas cosas para mí. Así que las formas, la geometría
son cosas vagas, conceptos ambiguos que van más allá del
punto principal. Algunas veces interactúan con el dibujo, con
la ilustración principal; algunas veces solamente están detrás
de ella. Así que si ves muchas flechas, todas las flechas están
en ese estilo sagrado de la geometría también, las flechas
significan normalmente decepción y desencanto. Fantasmas,
yo acostumbraba usar muchos más fantasmas, los fantasmas
son remordimientos del pasado, alguna pequeña cosa que
te persigue constantemente. Y los pájaros son generalmente
personas que existen actualmente.
20. ¿De dónde surgen los mensajes transmitidos en sus
ilustraciones?
Sí, vienen de la vida, de lo que sucede a mi alrededor, de lo que
está en mi mente, no puedo realmente parar de pensar. Lo cual
creo que es bueno, a veces. Pero a la vez es muy frustrante
y la ilustración se desarrolla para tratar de lidiar con todo esto
y sacarlo de mi cabeza en forma pictórica de la cual pueda
hacer algún sentido, tú sabes, un poco más, así que todos los
mensajes provienen de la locura dentro de mi cabeza.
21. ¿Cómo define los elementos que forman parte de sus
ilustraciones?
Um, ya hablé un poco sobre esto así que lo resumiré muy
brevemente. Uso un conjunto de símbolos que aparecen
repetidamente, como fantasmas para obsesiones y
arrepentimientos, flechas para angustia y decepción causada
por otras personas, hachas, hay muchas hachas y normalmente
son el símbolo del trabajo duro. Existe este tema tan importante
del retiro, en Estados Unidos al menos, los fondos de retiro
estarán allí y no lo comprendo porque tú trabajas hasta que
ya no puedes trabajar más, yo visualizo estas hachas viejas,
oxidadas y gastadas que han sido reparadas y rotas de nuevo
y reparadas otra vez, como un simple símbolo de una vida de
dedicación y trabajo duro. Um, y luego como tú sabes, están las
figuras principales, luego la geometría que viene tras de esto y
que de algún modo acentúa los significados que están allí, todo
lo que hay que acentuar. Así que es como… puedo decir que
hay un fantasma emergiendo del pecho de un hombre barbado y
um obviamente hay algo en su corazón que lo está molestando.
Pero, ¿sabes?, realicé una obra en la que el fantasma tiene una
de estas flechas rojas y la está clavando en el pecho del hombre
de la barba, así que utilicé la geometría para capturar realmente
toda la complejidad tras de esto, no es la historia, tú sabes, una
cosa produce todos estos “¿qué pasa si?”, ¿qué debería haber
hecho?, ¿podrían las cosas haber sido diferentes?, y luego a la
vez, ¿cómo le hago frente a esto?, ¿por qué me lastima ahora
cuando no debería?, cosas como esa, así que la geometría es
otro elemento separado que ayuda a enfocarse realmente en
construir la historia detrás del símbolo.
22. ¿Cuál es su grupo objetivo? ¿Realiza usted sus ilustraciones
para un grupo específico?
Intento colocar la mayor cantidad de ilustraciones en el
refrigerador de mi mamá porque es un lugar muy popular.
¡Jajaja!. No. No, no lo hago, es verdaderamente interesante
observar… Como sabes, el show que realicé en enero se tituló
Perspective y realmente se enfocaba en el hecho de que todas
estas ilustraciones y pinturas tienen que ver con conjuntos de
emociones y cosas que me han pasado pero contadas de tal
manera que deja ese aspecto real y honesto pero sin la historia
personal, así que puede recogerse y aplicarse a la vida de
cualquiera. Um, es como si voy a dibujar algo realmente muy
triste y eso me hace sentir mejor porque lo estoy expresando
en papel y al lidiar con ello de alguna forma, siempre tiendo
a respirar un poco más fácil cuando dejo salir lo que siento,
y luego alguien más lo ve y es algo muy positivo para ellos,
les recuerda algo bueno. Y entonces no me interpondré en
el camino, así que mi grupo objetivo es básicamente… no es
una edad, es gente que está buscando relacionarse con algo
80
y tomar el significado de algo en lugar de solamente pretender
interpretarlo y decir que es una imagen excelente, lo cual es
bueno, tú sabes, lo que quiero decir es que los artistas necesitan
ganar dinero, y si alguien compra una de mis t-shirts porque
es una imagen excelente o porque les gustan los entintados,
para mí está muy bien, pero la gente con la que disfruto siempre
hablar y conocer es la gente que puede captar la honestidad en
la obra, y detectar si la emoción es tristeza, pena o alegría, o
sentimiento o angustia, o añoranza o amor o algo parecido, que
ellos pueden captar y entender, que significa algo para ellos. Así
que ellos son mi grupo objetivo. Los imagino como un grupo de
gente realmente especial.
23. ¿Cómo sabe usted si el mensaje que quiso comunicar llegó a
su grupo objetivo?
Um, una manera de obtener esa métrica ha sido por medio de
Tumblr. Y ha sido una forma de… no sé, inclusive la uso para
juzgar el nivel de honestidad o de emoción que puse en una
pieza. Parece que al compartir las cosas, éstas duelen más al
salir. Así que ha sido realmente un proceso y una prueba, y
una lucha el poner algo en papel y contar una historia acerca de
mí mismo, eso realmente parece ser lo que más se comparte,
mucho más que otras cosas. Son redes sociales, para compartir
cosas que les gusta, cosas que los afecta de una u otra forma,
sin importar qué tan superficiales o profundas, así que esa ha
sido la forma que he usado para medirlo.
24. ¿Cómo ha sido la respuesta que ha obtenido de su grupo
objetivo?
Um, muchos ¡choca esos cinco!... eh no. ¡jajaja!. Me siento bien
con eso. Recibo bastante… no sé, retroalimentación positiva
pero no necesariamente es como “¡Ey, tu arte es bueno!, o algo
similar, mucho de lo que recibo es más como “¡Ey, esto realmente
significa algo para mí!”. O, “me impactó de cierta manera, así
que gracias”, es muy agradable recibir retroalimentación positiva
tú sabes es como si la obsesión y la depresión que coexisten
al mismo tiempo, y con las que he estado lidiando y puse en el
papel significan algo para otros y que pueden decírmelo de vez
en cuando, es muy bueno contar con esto.
25. ¿Qué figuras retóricas utiliza en la mayoría de sus ilustraciones?
¿Por qué?
Utilizo muchas metáforas, es decir, todo tiene una simbología
en un dibujo. Así es, como el que discutimos previamente, The
Policy. Tienes…Si te fijas en todos los dibujos del hombre de la
barba estoy seguro de que hay siempre un 13 en alguna parte,
quizás omití uno o dos especialmente en los dibujos antiguos,
pero está en una manga, en el sombrero, el zapato, siempre
hay un 13 en alguna parte. Y… ahí tienes al ave, que es una
silueta y es negra y normalmente está volando alrededor y sin
preocuparse de lo que hacen a los demás. Así que el ave es un
símbolo de alguien que se encuentra allí, alguien… esa relación
que no fue rota pero en realidad… que ha cambiado o se ha
transformado en algo más, no real y presente pero… y luego
tienes la flechas que obviamente significan la decepción y luego
tienes la parte de la honestidad, que tú sabes es real y vive, y en
silencio te sientes muerto por dentro porque no eres capaz de
expresar cómo te sientes en realidad y no te sientes como una
persona real. Y luego la línea roja que atraviesa la honestidad
y el silencio que creo que solamente simboliza… el significado
es que es real, una emoción real, como la sangre que corre por
nuestros corazones, que básicamente es la razón por la cual
estamos vivos, para comunicarnos.
26.
¿Sabe usted qué significa polisemia? ¿Cree que aplica a
sus ilustraciones?
Lo busqué en Google, ¡jaja! Lo busqué en Wikipedia. Justo antes
de la entrevista. Y pensé ¡diantres!, no sé que significa eso. De
acuerdo con Wikipedia, la enciclopedia libre, es la capacidad
que tienen uno o varios signos de tener múltiples significados
relacionados. Así que, sí eso creo, aplico la polisemia en mis
ilustraciones, simplemente por las figuras que uso que son
recurrentes como los fantasmas, pero también hay diferentes
tipos de fantasmas. Existe este tipo de pequeños fantasmas de
apariencia extraña que son como restos del pasado que siguen
regresando y te acosan, como eventos específicos o tragedias
o personas, tú sabes. Y luego está el fantasma que es un poco
más aterrorizante y le llamo el fantasma barbado, generalmente
aparece del pecho de hombres barbados y obviamente
81
también tiene barba, así que se parecen, ese fantasma es más
como… es la duda o el subconsciente que algunas veces está
bien intencionado, algunas veces es como un niño pequeño
persiguiendo cosas, como por ejemplo, no es una buena idea
intentar poner un tenedor en el enchufe eléctrico, como si
estuviera solamente jugando y divirtiéndome y tú sabes, no es
una buena idea, ¿por qué haces eso?, así que es como este
acoso constante, el miedo, por este ser que contiene múltiples
niveles de duda, excesiva esperanza y cosas como esa y eso
es lo que más asusta, al menos a mí. Así que sí, los fantasmas
tienen múltiples significados. Incluso las flechas, las rojas versus
las azules, existen diferencias. En conclusión puedo afirmar que
aplico la polisemia.
¿Qué significan las flechas rojas y azules?
Um, las flechas azules son asuntos que están congelados, no
necesariamente tranquilos pero quizás no tan dolorosos sino
solamente reales. Y…así como una flecha roja sería como la
decepción y luego la flecha azul también sería decepción pero
relacionada con algo que sabías que tenía que suceder y estabas
bien con ello, entendiste su significado y aceptaste el hecho de
que está allí pero no dejas que te consuma, es solamente parte
de la vida, sabes, porque al menos de forma personal nunca
estarás libre de la decepción o la pena y cosas como esas, y
algunas de ellas son necesarias para crecer. Así que las flechas
azules son como eso, me siento bien con eso. Preferiría tener
más flechas azules que rojas pero parece que es al contrario.
¡jajaja!
27. ¿Qué signos son recurrentes en sus ilustraciones?
Sí, los fantasmas, flechas, temas oceánicos o relacionados con
el tiempo, astronautas. No he dibujado muchos astronautas
recientemente pero estuve en esa fase por algún tiempo. Hay
una banda llamada Rosetta, son una especie de banda post
post-metal. Y su música es realmente espacial y flotante. Pero
todas sus letras tienen un tema y me encantan los temas y
cantan acerca de este hombre del espacio que… detesta la vida
en la Tierra y quiere escapar de todo el drama y de toda la gente
en su vida que le hacen las cosas difíciles así que hace un plan
para ir a Europa. Pienso que es Júpiter pero es una luna, y
está completamente cubierta de hielo y es una de esas que los
científicos observan y dicen que quizás hay agua y qué hay bajo
el hielo y tonterías como esas, que tiene curiosidad y misterio a
su alrededor, quizás hay algo allá afuera, un lugar donde vivir
que no existe aquí, así que el astronauta… la mitad del álbum es
sobre ir a Europa, flotando en el espacio y lejos de todos. Luego
llega a Europa y al fin lo ha logrado, esto es lo que siempre ha
querido, y luego se da cuenta de que la vida no se trata de estar
feliz todo el tiempo, que se trata de las personas y todo lo que
sucede y se da cuenta de que gastó muchos años viajando a
Europa y que nunca podrá regresar y que todo lo que realmente
amó se ha ido y que morirá en soledad. Bastante deprimente.
Pero dibujé muchos hombres del espacio y astronautas por un
tiempo, arrancando de esa idea general, el espacio como un
escape y una trampa a la vez. Así que hubo muchos dibujos
recurrentes con astronautas. Y el espacio es fantástico,
honestamente me encanta. El hecho de que hay tú sabes, un
billón de tiempos, un billón de estrellas en la Vía Láctea y un
billón de galaxias como la Vía Láctea. Hay mucho allá afuera y
luego estamos nosotros.
28. ¿Los colores en sus ilustraciones significan o representan
algo en particular?
No mucho. Personalmente reflejan simplemente mi gusto
personal, tú sabes como que uso jeans grises… Hoy estoy
usando jeans grises y una t-shirt negra. Y um… mañana usaré
jeans negros y una t-shirt gris. Tú sabes, tengo t-shirts divertidas y
de colores vivos también así como tengo ilustraciones divertidas
y brillantes pero la mayoría son solo colores que me gustan.
29. ¿Cuál cree usted que es su estilo gráfico?
Extraordinario. ¡Jajaja! Pero no lo sé. Tiene un poco de todo.
En lo que se refiere a ilustración, no creo que pueda realmente
describirme dentro de un estilo en particular. Es sólo que…
no es que sea etéreo tú sabes, porque no es tan cargado de
fantasmas porque hay muchas líneas duras con tinta. Podría
decir que es… cuenta cuentos. No creo que ese sea un estilo
gráfico realmente. ¡Jajaja!
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30. ¿Qué características gráficas o visuales definen su estilo?
Manos temblorosas, ¡jajaja!. Tengo que asegurarme de que
tengo a mano un sándwich de mantequilla de maní, porque si
no como, mi azúcar se altera y tú puedes notarlo. ¡Jajaja! Así
que me gusta el papel para acuarela que es rústico, no utilizo
el suave y satinado en prensa caliente, me gusta usar el rústico
prensado en frío. Se come los micrones especialmente los
pequeños pero verdaderamente esconde los temblores muy
bien. No sé, quizás es como ingenioso el que haya desarrollado
mi estilo alrededor de esto, hay algunas personas que hacen
un trabajo sorprendente con estas líneas largas y lisas y súper
fluidas y suaves y bellas, pero no puedo hacerlo y me encanta
y lo aprecio y lo deseo en mis paredes pero supongo que para
mí simplemente no es lo que debería hacer. Así que líneas
temblorosas, que reflejen incertidumbre de una forma en la que
a la vez, quiero decir, solamente uso tinta, así que hago una
línea, lo he hecho tres veces una sobre la otra en el cuaderno
de bocetos antes de pasarlo a tinta, así que el dibujo lo he
construido y lo he practicado y pensado sobre él y realmente
me he sintonizado con él de manera que me siento confiado
sobre cómo quiero que se vea aunque aún haya una fragilidad
e incertidumbre tras él. Y luego las acuarelas me permiten
resaltarlo, las lavadas y las capas y cosas como esa.
31. ¿Cuál ha sido su mayor satisfacción desde que empezó a
ilustrar?
Um, no poseo un carro muy veloz así que ese es como mi
objetivo. No, ¡jajaja!. Supongo que tuve una grandiosa
experiencia en este último show, um, en enero. Muchas cosas
que sucedieron en ese show fueron… no era un buen momento,
muchas cosas en ese show estaban ligadas a situaciones
que no eran precisamente alentadoras para mí, que eran algo
desalentadoras. Me encontraba en un punto donde ya no quería
dibujar más. No sabía lo que debía hacer, básicamente, cuál era
mi meta, si debería estar haciendo t-shirts o arte o si debería
dejarlo todo y ser un diseñador Web, cosa que no me gusta
en lo más mínimo. Así que decidí poner todo a un bajo precio,
no para venderlo sino solamente para hacerlo accesible para
que las personas se lo pudieran llevar a casa. Y las personas
llegaron y fue uno de los mayores y más visitados shows que he
tenido en tres años. Básicamente lo vendí todo. Y estar allí y ver
a las personas llevarse mi arte a su hogar, tú sabes, porque una
cosa es tener a las personas conectándose y diciendo “sí, esto
es… esto significa algo para mí” y otra es ver a las personas
comprarlo y llevarlo a casa y que esa… que esa emoción honesta
que expresé, sea apreciada y que luego la lleven a casa y que la
incluyan en sus vidas, um, fue realmente alentador y edificante
saber que estaba causando estos pequeños impactos positivos.
De manera que las personas pasan frente a la ilustración,
caminan frente a ella, sonríen y se conectan con ella y dicen
“esto me hace sentir realmente bien” y ahora está en su casa y
confío en que aún caminen frente a ella y los haga recordar lo
bien que se sintieron la primera vez que la vieron.
32. ¿Cuál es su lugar favorito para ilustrar?
Generalmente el papel. ¡Jajaja! Algunas veces dibujo en mis
manos. Acostumbraba ir a la cafetería casi todos los días y
ese es aún mi lugar favorito para ilustrar. Cuando me mudé a
Durango hace tres años me tomó como tres meses encontrar un
trabajo, es un pueblo turístico pequeño y es solamente, es una
de esas cosas de las que debes estar atento todos los días. Así
que apliqué en varios lugares, realmente no estaba buscando
trabajo como lavaplatos o como barista, es decir, yo amo el
café y hago un late fabuloso pero estaba ya cansado de estar
de ese lado del mostrador así que… invertí dos o tres meses
presentando solicitudes de trabajo a varios lugares, yendo a
entrevistas y luego sentándome en la cafetería por 3 o 4 horas
a dibujar. Y mi compañero de cuarto… él hace tiras cómicas,
dibujos tipo cartoon y cosas similares, nosotros simplemente nos
sentamos en la cafetería por horas y dibujamos. Luego nuestro
amigo Cody, el artista del tatuaje, empezó a acompañarnos y de
pronto cosas o estilos míos o que estaba explorando empezaron
a aparecer en el cuaderno de bocetos de Cody y cosas que
él estaba haciendo aparecieron en el cuaderno de bocetos de
George y fue maravilloso, transferir motivación e inspiración,
y mucho café. Así que bebimos mucho hasta que mis manos
empezaron a temblar por sobredosis de cafeína y supe que era
el momento de ir a casa.
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33. ¿Cuál de las ilustraciones que realizó entre el 2012 y el 2013 es
su favorita y cuál es la historia detrás de ella?
Todas son mis favoritas. Todas son acerca de gatitos. Se tratan
de cuánto extraño a mi gato The Cat. ¡No! ¡Jajaja! Veamos… Es
como preguntarle a mi mamá cuál de sus hijos es su favorito,
¡jajaja!. ¿Puedo escoger un tema?
Sí.
Este ha sido un tema muy… bastante consistente por los
últimos dos meses. Se llama o yo le llamo Quick notes. Son
solamente breves notas que extraigo y me encanta… no tengo
buena caligrafía, mi escritura a mano es terrible. Las personas
dicen que… dicen ¡no! Mira eso, tu escritura a mano es hermosa
y yo les digo que eso es dibujo a mano, yo dibujo esas letras
no las escribo. Las notas breves son letras dibujadas a mano.
Por ello son realmente personales y muy directas para algunos
individuos. Es una de esas situaciones que son increíblemente
anecdóticas y positivas a la vez y en retrospectiva, los últimos
meses del 2012 y los primeros del 2013 fueron más o menos
deprimentes y es una de esas situaciones en los que debo
obligarme a no… quiero decir, es saludable expresarte y sacar
las cosas fuera pero no quedarse allí. Y yo estaba… no quería
llegar a ese punto.
Así que las notas breves son probablemente mi obra favorita
de este año, el ser capaz de escribir esas notas a alguien
basándome en conversaciones o bromas personales y hacer
que signifiquen algo para muchas otras personas también. Se
convierte en arte con un propósito, un propósito más grande que
yo, más grande que una terapia, e intentar lidiar con todo eso que
tengo en mi cabeza. Así que sabes, eventualmente voy a hacer,
tengo unas tarjetas ordenadas en serie que están basadas en
las notas breves. Quiero hacer notas breves sugeridas, aceptar
encargos, muy baratos, trozos de papel de 3 por 3 pulgadas,
añadir una buena acuarela y obtendrás una frase de 3 a 5
palabras. Eso es lo que deseo hacer con las notas breves.
34. ¿Cómo percibe usted su evolución como ilustrador?
Físicamente, no tengo alas ni superpoderes. No he evolucionado
mucho a ese respecto. Mis manos me duelen mucho más.
Especialmente cuando dibujo miles de pequeños puntos y líneas
y cosas como esas. No lo sé, ha sido una evolución natural.
Siento que… veo hacia atrás y… si retrocedes (en tumblr) hasta
el 2009 todo era digital. Tengo una tablet Wacom. Hice mucho
dibujo y coloreado digital y ¿aún lo haría?, digitalmente. Así que
he pasado mucho más tiempo lejos del computador, no porque
no me guste, es una herramienta grandiosa, pero es… supongo
que si he evolucionado de alguna forma, ha sido enfocándome
en el proceso tanto o más que en el resultado final. Sí, tengo
esta emoción o este sentimiento que quiero dejar salir, y quiero
captarlo en forma de un dibujo o pintura, pero cómo lo hago para
lograr que capte todo su significado. Solamente calmándome
y pensando acerca del proceso. Creo que esa es la manera en
que evolucionado.
QUICK NOTE 2013 / CLINT TILLMAN
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2/ entrevista realizada a Luis Pinto
(VER ANEXO 3: GUÍA DE ENTREVISTA A LUIS PINTO)
1. Define para ti que es ilustración.
Ilustración para mi es realizar gráficas con un mensaje.
2. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar
alguna diferencia entre pintura e ilustración?
La pintura por lo general se basa o se incluye en los campos del
arte. Muchas veces la pintura puede ser una pintura abstracta,
puede ser una pintura realista, una pintura que se adecue a un
estilo o movimiento artístico. La diferencia entre una pintura y la
ilustración es que posiblemente esa pintura pueda comunicar
y se vuelva una ilustración, mientras que la ilustración nace
principalmente para comunicar.
3. ¿Como inicia la realización de tus ilustraciones?
Inicia propiamente desde el boceto. Toda idea por más
preconcebida que este, nace de un soporte donde pueda yo
plasmarla ya sea papel, madera, cualquier superficie o soporte
que me ayude a plasmarla. La computadora realmente podría
servir en dado caso que se bocetara a nivel digital pero por lo
general siempre… toda ilustración empieza de un boceto.
4. ¿Cuál es el proceso creativo que sigues para generar tus
ilustraciones?
Tomo una taza de café… jajajaja. Inicialmente agarro
primeramente un brief, lo que se me pide que ilustre. En base a
eso me agarro de insumos gráficos ya sea referencias de libros,
eh… referencias digitales, mensajes, ideas, incluso contenido
literario que yo pueda utilizar para inspirarme para poder crear
algo. Una vez ya tengo eso, ya empiezo por la etapa de bocetos
donde hago sketches preliminares, que no necesariamente son
definitivos sino que me ayudan a explorar en diferentes estilos
gráficos que pueda utilizar yo. Ya una vez elijo el estilo gráfico
que voy a trabajar ya empiezo a pulir la idea y posiblemente
paso a lo digital si es que el cliente lo solicita. De otra manera
todo es a mano.
5. ¿Tus ilustraciones parten de un concepto?
Si. Por lo general, aunque, dependiendo del tipo de comisión
que yo haga… si es proyecto personal posiblemente el concepto
lo pueda dejar a un lado, para experimentar, para ser lúdico.
Mientras que si es con cliente, sí, siempre tiene que ir amarrado
a más de un concepto.
6. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a
realizar tus ilustraciones?
Si. Por lo general me agarro de metáforas, figuras retóricas que
podría utilizar. Ayudan mucho a optimizar la composición gráfica
que va a tener la ilustración. Hago lluvia de ideas, que muchas
veces no son lluvias de ideas escritas sino gráficas para mas o
menos visualizar que cara va a tener la ilustración.
7. ¿Consideras que las ilustraciones de Clint Tillman parten de un
concepto?
Posiblemente. Creo que con el caso de Tillman tiene que ver
mucho, que la mayoría de ellas tienen que ver mucho con su
propia visión de la ilustración y algunas obviamente con la
intención de poderle mostrar al público. Entonces, dependería
de ver que tipo de pieza se expone para saber si tiene o no un
concepto.
8. ¿Realizas varios bocetos de propuestas antes de llegar a la
ilustración final?
Si. Casi que es un must a menos que me guste mucho la idea.
Pero es muy difícil, por lo general… siempre una idea va a
dirigirte a otra, entonces, mis bocetos de ideas siempre son
importantes.
9. Cual es tu preferencia, ¿técnicas análogas o técnicas digitales?
¿Porque?
Análogas. En principio. No discrepo de la digital, porque ayuda a
concretar muchas cosas. Yo prefiero la análoga siempre porque
85
te ayuda a pensar, te ayuda a poder armar las cosas conectando
realmente el cerebro con la mano, en cambio la digital te permite
el error. Entonces, le resta tal vez autenticidad o no se vuelve tan
genuina la ilustración.
10. ¿Que beneficios consideras que tienen las técnicas análogas?
Ver respuesta de la pregunta 9.
11. ¿Como defines el estilo de Clint Tillman?
Yo lo definiría como un estilo apegado mucho a una tendencia
grunge, a una tendencia donde la textura esta muy metida dentro
de la composición gráfica, tomando en cuenta que también le
gusta obrar o realizar sus ilustraciones a mano lo que le da esa
naturalidad, esa sinceridad en el trazo. Ya si habláramos de un
estilo digital posiblemente si le quitaran esa alma que tienen las
ilustraciones de este ilustrador.
12. ¿Qué estilos consideras que influencian las ilustraciones de
Clint Tillman?
Ver pregunta 10.
13. ¿Consideras que el estilo de Tillman apoya la transmisión de
los mensajes visuales?
SÍ. Muchas veces hablando de lo que el hace y viendo sus
referencias se puede notar que todo lo que el realiza, incluso las
gráficas que el realiza muchas veces vienen acompañadas de
texto o de un tratado tipográfico, que se une muy bien a veces a
lo que esta transmitiendo gráficamente.
14. ¿Crees que las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener
mas de una interpretación?
Posiblemente si. Es lo más seguro. Por lo mismo de que el
no esta manejando siempre un mismo tema. Está agarrando
diferentes elementos, diferentes situaciones y obviamente uno
como espectador, a menos que el mensaje sea demasiado claro,
uno como espectador puede agarrar diferentes significados de
la gráfica.
15. ¿Que signos recurrentes puedes encontrar en las ilustraciones
de Tillman?
Signos a lo que es actividades, siento yo. Cosas que tienen que
ver con… Como leñadores, la cuestión del mar, por ejemplo,
todo lo que tenga que ver con como trabajos arduos del hombre,
por ejemplo. Todo lo que tenga que ver con como se llama,
cazadores, leñadores, personas dedicadas al mar, todo lo que
tenga que ver con una conexión a la naturaleza.
16. ¿Cómo crees que Clint Tillman utiliza el color en sus
ilustraciones? ¿Consideras que la paleta de colores que utiliza
tiene un significado?
Si, tiene que ver mucho con, obviamente, lo que acabo de
exponer que es las actividades que realizan en relación a la
naturaleza. Posiblemente toda la paleta de color que utiliza tiene
que ver con colores tierra, colores que tengan que manejarse
aunque sean todos fríos, que tengan un pigmento cálido, para
que se empiecen a unir. De esa manera el hace que no existan
colores cyanes, no exista una paleta más enfocada al diseño
pop sino que tenga que ver… enfocada al diseño grunge.
17. ¿Crees que la aplicación de color apoya a la comunicación
visual en las ilustraciones?
Si. Definitivo. La paleta de color es la que siempre nos va a
dar… nos va a transportar, nos va a guiar a ciertos mensajes
gráficos, porque obviamente, en parte, el diseño nos ha educado
a ubicar ciertas cosas. Entonces depende del tipo… de la paleta
de colores que utilices, tu puedes denotar si un cartel está hecho
para, no sé, para precaución o peligro de algún tipo, o si va a
ser por ejemplo para una invitación para una persona, para un
evento por ejemplo. Pero la paleta de color siempre va a servir
para transportarnos o ubicarnos en que situación se encuentra
la composición gráfica.
18. ¿Consideras que la técnica de la acuarela apoya la transmisión
de mensajes en las ilustraciones de Clint Tillman?
Si apoya porque, en parte el está dando ese distintivo. Esta
utilizando la técnica como su base o su sello artístico. Como
ilustrador siempre es importante mantener tanto técnicas como
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estilos visuales sólidos para poder ser reconocido en el gremio,
por lo menos por la gente que se dedica a trabajar contigo.
19. ¿Crees que Tillman utiliza figuras retóricas en sus
ilustraciones?
Si utiliza figuras retóricas. Utiliza la personificación, utiliza la
hipérbole. Creo que metástasis, creo que utiliza también. Por
lo general la hipérbole la utiliza muy bien porque lleva a otro
nivel a veces las cosas o trata de brindarte cualidades que se
extienden o se exageran. Mientras que la personificación la
utiliza cuando los elementos se adecuan al tratado tipográfico.
Osea la tipografía asume también el papel del elemento gráfico
que está ilustrando.
20. ¿Qué figuras retóricas identificas en sus ilustraciones?
Ver pregunta 19.
21. ¿Como ha influenciado en tu vida la ilustración?
Ha influenciado desde que soy muy pequeño. Obviamente la
palabra ilustración no vino a tener sentido hasta que me metí en
la universidad. Yo siempre he dibujado, siempre me ha gustado
la gráfica, pero la ilustración, este, siempre ha estado conmigo
en cuanto a la cuestión gráfica. Ahora bien para comunicar, ha
sido todo a través de mi carrera. Y se ha vuelto un estilo de
vida porque todos los días ando pensando en ideas y mensajes
gráficos que puedo plasmar. Más allá de que este trabajando o
no con un cliente, es la necesidad de estar preparando cosas,
para que sea más interesante, siento yo, la vida misma.
23. ¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que has tenido desde que
empezaste a ilustrar?
Poder trabajar con clientes de fuera, así como también conocer
profesionales de fuera. Lo que me ha brindado que también mi
ilustración evolucione y por lo menos que no se quede en un
punto. Es por ello que soy ecléctico me gusta manejar diferentes
estilos, a partir de la necesidad de poder abarcar cuanto más
pueda a nivel gráfico.
24. ¿Cómo consideras que has evolucionado como ilustrador?
He evolucionado básicamente desde la comunicación. Porque
tal vez en principio un ilustrador pueda encontrarse de que
siempre está comunicando algo desde la gráfica, siempre vas
a comunicar algo. Pero la evolución que experimentado es
ahora detenerme y sopesar los mensajes que voy a dar osea
realmente no quedarme con una primera idea del mensaje sino
tratar de que ese mensaje desde la gráfica sea lo mejor posible.
Entonces realmente la evolución ha sido en cuanto a como ir
generando o construyendo ese lenguaje gráfico
22. ¿Cuándo empezaste a ilustrar?
Bueno, ilustrar ilustrar obviamente desde la carrera. Pienso que
dibujar, desde que soy muy pequeño. La ilustración la maneje
desde primer año, obviamente empecé a trabajar ya en el
segundo año, con ese tipo de cosas. Y ya para cuando termine
la carrera, ya supe también que a pesar de haberme graduado
de diseñador, que mi campo de especialización… lo que siempre
quiero hacer es ilustrar.
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3/ entrevista realizada a JUAN CARLOS CALDERÓN
(VER ANEXO 2: GUÍA DE ENTREVISTA A JUAN CARLOS CALDERÓN)
1. ¿Qué es la acuarela?
La acuarela es una técnica utilizada en la pintura, que es a
base… los pigmentos son a base de… En todas las técnicas
de la pintura los pigmentos son los mismos lo que sucede es
que aquí uno de los medios que utiliza es la glicerina y la goma
arábiga. Fue empezada a usar por los orientales y en occidente
introducida principalmente por los ingleses.
2. ¿Desde cuando trabaja la técnica de la acuarela?
Mire trabajo la técnica de acuarela desde que era niño y
principalmente me empecé a meter de lleno en ella a partir de
los 12 o 13 años que fui a una academia Ríos a aprender a
pintar.
3. Explique paso a paso como se aplica la técnica análoga de la
acuarela.
Bueno la acuarela, digamos difiere de las demás técnicas, en
que se va del claro al oscuro. Por ejemplo el óleo se va del
oscuro al claro, porque son técnicas opacas en la cual uno va
cubriendo. En la acuarela se tiene el cuidado de preservar ciertos
blancos, que son los blancos naturales del papel. Entonces, por
lo general, la mayor parte de las personas dibujamos, y cuando
ya se tiene un mapa de que es lo que hay que hacer se procede
ya a pintar. La dificultad de la acuarela en relación a las otras
técnicas es que requiere una mayor planeación, porque se
tiene que saber cuales blancos se van a dejar y eso es algo
complicado para algunas personas.
¿Hay algún método para guardar esos blancos?
Lo que sucede es que cuando se dibuja se tiene que saber
que los blancos van a ser ciertas áreas. Otra cosa con la
acuarela, es que se va aplicando… la pintura se va mezclando
con agua y se van aplicando los colores claros, las primeras
capas claras hasta llegar a los oscuros. En mi caso yo utilizo
una técnica que se llama alla prima. Alla prima quiere decir que
cuando Ud. pinta, lo más que se va a pasar por un área son 2 o
3 veces, esto requiere de más agilidad para pintar, porque hay
pintores que trabajan por medio de veladuras o capas, y se van
yuxtaponiendo colores transparentes para crear ciertos efectos
el problema de ese método es que es bastante lento y digamos
hay que tener extremada paciencia. Lo complicado del método
que yo utilizo es que hay que ser muy veloz, hay que ser muy
rápido y digamos la planeación es muchísimo más grande.
4. Según su experiencia, ¿cuales son las principales ventajas de
la técnica de acuarela?
Lo más bonito de la acuarela es que es una técnica muy portable,
osea es portátil, por ejemplo, yo pinto mucho en las calles,
entonces es relativamente sencillo es una técnica limpia, la ropa
no se ensucia, se limpia con agua, se trabaja sobre papel. El
problema de trabajar, por ejemplo con óleo es que se tiene que
montar la tela, el traslado de la tela, fácilmente se mancha uno.
Entonces la acuarela es una técnica muy amigable, que con
solo un poco de agua uno trabaja, con una paleta sencilla, se
diluyen los colores y se hace la mezcla de color. Entonces es
una técnica práctica. Es una técnica que muchos la aprenden
como primera técnica para poder hacer bocetos y esquemas
para luego proyectar a cuadros de mayor dimensión en otras
técnicas.
acuarela?
Bueno, yo utilizo unos pinceles bastante finos, un poco
complicados de utilizar. Son hechos a mano. Es un pincel que
utiliza el pelo de una ardilla, entonces son muy absorbentes,
son grandes, pero igualmente se pueden trabajar detalles y la
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gran versatilidad de estos pinceles es que absorben grandes
cantidades de agua, porque el problema cuando uno esta
pintando en acuarela con pinceles muy sencillos es que tiene
que estar recargando el agua constantemente, entonces se
aburre uno.
Entonces las pinturas de artistas son más caras, los colores son
más profundos y dan excelentes resultados. Las liquidas, que
parecen tintas, son muy bonitas de utilizar, y son muy prácticas
porque dan unos colores profundos. El problema con este tipo
de pintura es que tiende a desvanecerse con la luz del sol,
digamos a los años. Para lo que son técnicas de ilustración son
muy útiles porque recuerde que el ilustrador va a tomar una
fotografía, osea no estamos pensando como el artista. El artista,
su trabajo se va a exponer se va a ver y va a quedar colgado
en algún lugar para la posteridad, mientras que el trabajo de la
ilustración es un trabajo que se realiza para algún tipo de trabajo
pero se va a tomar una fotografía. Osea que el trabajo al final no
es tan importante porque es solamente un medio.
7. En su trabajo, ¿mezcla diferentes técnicas con la técnica de
acuarela?
He experimentado bastante. Por ejemplo con las acuarelas
líquidas hice algunos experimentos y digamos eran pinturas
de tipo creativo y realmente la gente al final no lograba incluso
reconocer que eran acuarelas. Les fui mezclando otras cosas.
Cuando trabajo paisajes, que es lo que estoy haciendo ahorita,
casi no. Porque me siento muy cómodo con la acuarela y para
mi el reto es ver todas las posibilidades que puede lograr ese
medio. Pero se puede hacer, definitivamente.
Pinceles utilizados por Juan Carlos Calderón
Biblioteca personal
6. En su opinión, que tipo de pinturas funcionan mejor,
¿semilíquidas o líquidas?
Bueno mire, a mi me gusta en particular utilizar las pinturas…
osea los tubos. En la acuarela hay varios tipos de pintura.
No confundamos que hay pinturas muy escolares que hasta
se pueden comprar en el supermercado o en alguna librería
o una tienda, que son aquellas famosas a las que llaman de
“pastilla”, pero el problema con esas es que los resultados son
limitados porque tienden a dejar la mezcla. La composición que
tienen es muy pobre. Hay también grados de estudiante y en
el caso… o ya cuando se es profesional, los grados de artista.
8. ¿Qué otras técnicas funcionan de mejor manera con la técnica
de la acuarela?
Bueno cualquier técnica que no tenga problema con la base de
agua. Es decir en la pintura hay una regla que es… que no se
puede mezclar agua y aceite. Por ejemplo si se pinta con óleo,
no se puede aplicar acrílico encima. Pero sobre el acrílico sí se
puede aplicar óleo. ¿Por qué? Porque si se pinta óleo y luego
acrílico encima los secados no son inmediatos, pero como el
aceite seca muy despacio y a veces pasa hasta un año para
que realmente seque, esto tiende a rajar el acrílico. Entonces
con la acuarela, cosas que quedan muy bien son el pastel, el
carboncillo, las tintas. Obviamente no aplicadas cuando uno
tiene la humedad sobre el papel a no ser que esa sea el efecto
deseado.
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9. ¿La técnica de la acuarela tiene un modo específico de empleo
o puede aplicarse de varias maneras?
Yo creo que se puede aplicar de muchas maneras porque
realmente… Recuerde que uno como artista está buscando
formas creativas de aplicarla. Lo normal, lo tradicional es ir de lo
más claro a lo más oscuro, en el óleo es de lo más delgado a lo
más grueso. Pero realmente la técnica es tan noble, que permite
muchos resultados. Yo lo que siempre le digo a la gente que se
interesa es que lo más complicado de la técnica es aprender a
dejar que ella haga su parte. Porque lo que sucede es que uno
tiende a quererla llevar a hacer ciertas cosas pero los mejores
resultados se logran cuando la técnica que tiene sus propias
propiedades porque es a base de agua… el agua corre, el agua
se mueve por gravedad, el agua tiende a expanderse dentro de
un espacio, entonces si uno permite que la técnica haga su parte,
realmente se logran resultados excepcionales. Porque a veces
uno esta tratando de controlarla todo el tiempo y realmente la
técnica, el agua al final para haciendo lo que desea. Por eso lo
que yo recomiendo es aprovecharse de esos resultados porque
entonces crean efectos realmente interesantes.
van a quedar sobre el papel y entonces el color tiende a quedarse
más cerca de estos granos. Entonces realmente tiene mucho
que ver la química, con esto. Estas son algunas cosas que yo
he probado. Otra cosa es que como el agua tiende a moverse,
Ud. agarra el tablero y lo puede mover, entonces si Ud. quiere
que la veladura quede más plana o la quiere digamos, hacer que
el color vaya disminuyendo, se puede usar... por ejemplo entre
mis herramientas yo utilizo mucho un spray de agua porque
eso me ayuda a que… como toda la lógica de la acuarela es el
agua y el color por eso su nombre acuarela, entonces entender
como funcionan esos dos elementos sobre el papel. Y el papel
también hay que entender que tiene… el papel no es plano y
hay papeles con distintas texturas, entonces uno también la
textura la tiene que utilizar a su favor. Entonces a eso le llaman
valles, ya que hay pequeños valles que se podrían ver con un
microscopio. Entonces cuando… por ejemplo si ud, quiere que
quede el grano de papel entonces se utiliza una pincelada en
seco, rápidamente con muy poco agua se agarra el pincel se le
aplica más pigmento que agua, y cuando se raya queda… se
utiliza para crear ciertos efectos.
Otra cosa que no le había mencionado, es que dentro de la
técnica se puede mezclar con otras cosas experimentales, se
puede mezclar con azúcar, se puede mezclar con sal, si uno
quiere que la acuarela le de más tiempo para que se seque,
entonces se le hecha un poco de glicerina, o un poco de azúcar
al agua. Si se quiere que seque más rápido, digamos que es un
día de mucho frío y se necesita ir un poco más rápido entonces
al agua se le aplica un poco de alcohol, porque como el alcohol
tiende a evaporarse más rápido. Yo hice experimentos, por
ejemplo de pintar con alka Seltzer, pintar con café, pintar con
té, con coca cola, entonces realmente uno va encontrando
otros resultados porque como el agua va a buscar… digamos
se puede crear cierta granulación, que se le llama. Hay colores
que de por sí, por ejemplo el azul ultramarino. Si se utiliza con
bastante agua, el color bastante profundo y se moja para hacer
el cielo, va a crear cierta granulación, que precisamente la sal y
ese tipo de cosas sirven para provocar. Porque recuerde que al
usar granos de sal y al entrar el agua, estos se van a expander y
10. ¿Qué desventajas tiene la técnica de acuarela?
Bueno las desventajas es que crea muchísima frustración a las
personas, porque aparentemente es algo tan simple, y entonces
las personas lo ven tan simple y cuando Ud. ve la acuarela de
alguien muy bueno puede decir hay que simple, que fácil hacerla
porque como es papel. Entonces las personas empiezan a tomar
las cosas como muy enserio y tienden a frustrarse. Porque la
acuarela tiene como ciertas reglas y es fácil romperlas, pero
en un principio cuando hay desconocimiento, ¿que sucede?
Por ejemplo, Ud. aplica una veladura y aplica otra veladura
encima de la misma, si las veladuras son de la misma intensidad
tienden a chocar y volverse grisáceas entonces la segunda
veladura por lo general tiene que aplicarse con mayor fuerza
que la primera. Otra cosa es cuando está, como decimos los
acuarelistas, oreando, que no es un término técnico pero para
poder entender, entonces cuando la pintura está oreando osea
casi está seca, pero no está seca y uno aplica otra capa lo que
va a suceder es que quedan las famosas nubes, los americanos
90
le llaman Butterfly (mariposa) osea el efecto mariposa. Y este
efecto mariposa por ejemplo en un cielo limpio tiende a verse
horrible o tal vez uno tiene algo que es muy plano. Entonces
lo que sucede es que si no se sabe utilizar... la mayor parte de
personas no sabe utilizar esos efectos a su favor, si no que se le
van en contra, porque como las personas están acostumbradas
y quieren dictarle a la técnica, entonces no entienden que Ud. al
agua no le puede dictar. Lo que sucede es que la mayor parte de
acuarelas, Ud. puede predecir hasta cierto punto pero la técnica
tiene que hacer su parte.
más importante es que Ud. crea que cuando va a pintar va a
transmitir algo especial y hay una belleza en cada pincelada. Yo
soy de esa corriente filosófica en que cada pincelada cuenta, por
eso no se dan más pinceladas de las que hay que dar. ¿Porqué?
Entonces una pieza con un pincel grande, y va disminuyendo
hasta llegar al detalle, entonces la primera etapa sería hacer su
dibujo y pinta un fondo. Una vez pinta un fondo, hay que dejar
que se seque, y entonces ya analiza, dónde me hace falta y que
partes de ese fondo que son preciosas, que precisamente es el
agua que las logró, va a dejar.
¿Cuáles son estas reglas de la acuarela?
Bueno la primera regla sería que Ud. tiene que tener su plan
de ataque, verdad. Cómo va a enfrentar esto. Número dos,
tiene que tener un esquema y si no lo tiene… lo más sencillo
es hacer un dibujo, un dibujo muy simple. Se recomienda que el
dibujo sea lo más simple posible, porque lo que sucede es que
si Ud. hace un dibujo demasiado elaborado, en lugar de pintar
Ud. va a tender a rellenar colores, como hacen los niños en los
libros de pintar por números y la gracia de la acuarela es que
fluya. La tercera regla debe ser que toda la pintura tiene que
fluir, porque como es una técnica fluida porque es a base de
agua, entonces debería… yo pienso que hay algo que tal vez
no es una norma pero hay que entenderlo. La acuarela es tal
vez la técnica más apegada, es muy espiritual. Porque como
acuérdese que la pintura se está evaporando. Ud aplica un
color, y esto si es una regla, cuando el papel está en blanco y
se aplica un color bastante oscuro, cuando se seca el color va
a rebajar casi en un 30%, entonces se tiene que planear, si Ud.
sabe que el color va a rebajar tiene que subir un poco más los
tonos. También demasiado blanco molesta. La clave sería hacer
un plan de trabajo, balancear la pintura, osea hacer una buena
composición, formas grandes, formas pequeñas, distintos tipos
de pincelada para que, variación dentro de la misma pincelada,
bordes duros, bordes suaves, la acuarela se presta mucho para
suavizar los bordes pero hay que dejar ciertos bordes duros,
para poder hacer la lectura y la clave es que tiene que haber una
composición excelente y un centro de interés claro y preciso.
Manejar bien sus volúmenes y sus sombras, pero creo que lo
11. ¿Qué errores son comunes al aplicar la técnica de acuarela?
Las personas, la mayor parte, tienden, y nos pasa a todos, a
sobre trabajar las cosas, entonces se pierde la simplicidad, se
pierde la magia, la acuarela tiene una gran magia. La magia es
en poder ver esas transparencias y ciertos lugares que queden
opacos. Otra cosa es que no todo el cuadro tiene que ser lindo,
porque entonces no hay variedad, a veces pueden haber partes
horribles, pero es para que lo lindo… Por ejemplo una mujer,
una mujer tal vez es preciosa, pero un lunar, va a hacer que
se vea más precioso porque tiene ese contraste. La acuarela
tiene que tener contraste. Los errores más grandes es la gente
tiende a hacer su fondo y no respeta las partes del fondo y cubre
después todo eso entonces no logra… otro gran error es no
trabajan la lejanía, porque la lejanía desde la primera pasada
que ya dejó su tercer plano, ya casi que así se va a dejar. Dibujar
demasiado es uno de los grandes problemas. Otro error sería,
uno de los problemas, es que la gente tiende a usar pinceles
muy pequeños dada su inseguridad para pintar, entonces
¿qué pasa? Se va a reflejar en las pinceladas. Otra cosa es
que, digamos hay técnicas que sí Ud. quiere que se vean las
pinceladas pero realmente uno decide que es lo que quiere que
se mire y que es lo que no quiere que se mire. Entonces a mi me
agrada mucho que ciertas pinceladas se noten, pero no todas,
porque sino marea.
12. ¿Cómo se pueden minimizar estos errores al aplicar la técnica?
Mire, a mi me dieron un consejo muy bonito y muy bueno.
Cuando uno termina un cuadro, después analizarlo, y decir si
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yo lo volviera a hacer una próxima vez, ¿cómo lo haría mejor?
Entonces uno se vuelve su mismo crítico y su mismo maestro.
Entonces analizar y decir que hice bien aquí, porqué esto se ve
sobre trabajado, cómo lo simplifico. Entonces todo el tiempo uno
está auto mejorándose.
13. En su opinión, ¿cómo puede apoyar la técnica de acuarela a
Bueno lo que sucede es que como le digo la acuarela es bellísima
en el sentido en que puede manejar muy bien esa parte como
espiritual. Entonces le diría que es, de todas las técnicas, para
mí, es la que más se acerca a eso, entonces realmente, en el
mensaje visual con esa parte espiritual yo creo que hace un gran
clic verdad.
14. ¿De que manera ha impactado en su vida el uso de la técnica
de acuarela?
¡Ah imagínese! A mi me cambió desde niño pues. Fue una
técnica que yo la aprendí. Como le cuento estuve en esa
Academia Ríos y cuando llegamos a la acuarela, yo ya no
quería nada más, entonces, ahí preparaban a la gente para que
pintara óleo y realmente digamos uno estaba en una técnica
dos, tres semanas o un mes pero cuando llegue ahí yo pedí.. yo
quería volverme experto en eso. Me ha impactado al punto que
vivo de eso, vivo de la acuarela. Yo no puedo pensar en ir a un
lugar sin empacar mis acuarelas. He conocido muchos lugares
del mundo por la acuarela. Mis amistades, osea por el arte en
general. Pero la acuarela me ha abierto muchas puertas, porque
como yo trabajo en la calle, entonces la gente se acerca y me
pregunta siempre. Muchas veces no creen que lo que yo estoy
trabajando es acuarela, lo confunden que si es óleo o es otra
cosa. Y realmente es una filosofía, a mi me gustan dos cosas
mucho, la acuarela y las ciudades, lo urbano. Entonces, me ha
cambiado completamente la vida. La vez pasada le contaba que
yo a la acuarela la veo como una dama, para mi es femenina no
es masculina entonces por eso tiene… las personas tienden a
ver a la acuarela como algo muy débil, yo no lo veo, al contrario
lo veo como una filosofía entera fuertísima. Porque a veces es
más fuerte un susurro que un grito. Y realmente la acuarela
tiene esa flexibilidad puede susurrar y puede llegar a gritar y
todo dentro de una obra. ¿Cómo ha impactado en mi vida? Mire
hace mucho tiempo yo tuve una crisis muy fuerte. Me quede
sin trabajo y no sabía que hacer. La economía estaba muy mal,
entonces descubrí que podía buscar el arte de regreso. Cuando
me enfrenté con el papel y uno está componiendo, yo partía el
papel en cuatro, osea hacia una grilla de 4. Entonces empecé a
descubrir que lo que yo estaba pintando en realidad era mi vida
no era un ejercicio simplemente. Y de la manera en que mis
pinturas empezaron a ordenarse, a tener como más carácter y
más forma, yo me fui dando cuenta que era una tremenda terapia
para mi vida y se volvió también algo muy espiritual porque en
algún punto yo estaba pintando, y como pasaba horas ante una
escena verdad, días, empecé a tener una plática con el Todo
Poderoso. Y empecé a tener un encuentro muy personal con mí
mismo. Y me cambió completamente la vida. Yo me dedicaba a
la arquitectura, ahora me dedico completamente al arte entonces
mucha gente dice “¿pero eres arquitecto?” sí, pero realmente
me dedico al arte, aunque pinto mucho la arquitectura, pero
yo pienso que la pintura es una terapia tremenda y en ese
momento también fue clave, porque yo no tenía un centavo para
pagar una terapia o para unas clases, entonces yo lo empecé a
hacer y me cambio la vida, me volcó la vida. Y al día de hoy, me
la sigue cambiando verdad. He hecho cantidad de amistades
por esto. Entre los artistas me han abierto un espacio y ha sido
precisamente por la acuarela.
15. ¿Considera que la acuarela tiene un gran poder de
comunicación? ¿Por qué?
Sí. ¿Es que sabe que sucede con la acuarela? Es muy directa.
Directa en el sentido que hay gente que la puede llegar a
manejar y crear resultados casi inmediatos. Yo lo veo cuando
estoy pintando en la calle y logro plasmar algo que la gente lo ha
tenido enfrente por años o incluso ellos viven ahí y se sorprenden
de la belleza que los artistas pueden lograr al ver el lugar donde
ellos trabajan o viven de una manera distinta, de una manera
exquisita, porque realmente lo que uno esta tratando en esto de
pintar y sobre todo cuando se va al aire libre es la exquisitez.
Me atrevería a sostener que la acuarela… Había un amigo muy
92
culto que era publicista y un día platicando con el me decía que
las instituciones financieras y bancos internacionales tienen
tremendas colecciones de acuarela, lo que sucede es que es
muy difícil de encontrar acuarelas de nivel. Entonces por eso
es que mucha gente se frustra porque la acuarela, se le llama
la técnica más difícil de dominar. Es una técnica celosa, osea
quiere muchísima dedicación, como cualquier cosa en la vida,
pero yo he probado el óleo y el acrílico pero si se confunde, puede
hacer correcciones, algunas veces se notan, otras no. Pero la
acuarela, la dificultad está en que si Ud. lo arruinó el papel ya no
sirve, punto. Es más fácil hacer otra. Yo antes pensaba que se
podrían componer, no. Prefiero empezar otra vez desde cero. Y
también a la gente le cuesta un poco el concepto, entender, es
que solo es un pedazo de papel. Lo lindo es que el artista lo está
transformando en algo más. Me entiende, es como un orfebre,
que toma un pedazo de metal y puede hacer un collar exquisito
o puede hacer un dije que nadie ha visto pero es un pedazo,
osea en sí el pedazo de metal no tiene un tremendo valor, es el
trabajo verdad, es la creatividad de él. Y lo mismo sucede con
la acuarela.
16. En su experiencia, ¿cuáles son las respuestas más comunes
del público ante un trabajo de acuarela?
Bueno en el caso mío, la gente se sorprende de como con una
técnica tan sencilla se puede transmitir el mensaje de lugares
que ellos han conocido, verdad. Eh… la gente digamos le gusta
mucho, he visto, cuando la gente ve acuarela en general, lo fluido,
cuando una acuarela es fluida verdad, cuando una acuarela es
sentida, por eso le decía que es tan espiritual porque refleja su
estado anímico. Digamos el óleo, Ud. tuvo un mal día, lo pintó, lo
dejó ahí, a los dos, tres días, Ud. ya se siente mejor y lo mejora.
La acuarela no. La acuarela si su estado anímico, Ud. está
negro por dentro, le va a salir horrible pues, ¿porque sabe que
sucede? El fondo es clave para todo, entonces si Ud. no hace un
fondo exquisito, lo demás no sirve. Eso es lo que yo he visto en
el caso mío. Osea he visto que a la gente le agrada una acuarela
fluida, una acuarela bien hecha, cuando ven una acuarela mal
hecha ni siquiera la comentan. Con los cuadros en general así
es, verdad. Pero cuando la gente ve una acuarela buena, se
detiene. Y disfruta mucho, la gente me ha dicho, cuando hay
ciertas transparencias, sobre todo en un paisaje, en los fondos.
La gente, veo que les gusta mucho como el color se puede llevar
de un lugar al otro. Cómo pasa del cálido al frío y de regreso y
como el ojo se va moviendo. Y realmente la gente la disfruta. A
veces la gente tiene un poquito de, un concepto de, les da un
poco de problema que es papel. Cuando yo empecé a pintar
acuarela hace muchos años, a exponer y todo, yo miraba que
había un poquito de resquemor, un poquito como de. La gente
me preguntaba “¿mirá pero es papel?”. Entonces las personas
pensaban que por ser papel no tenía durabilidad. Entonces yo
me puse a investigar y logré encontrar que la acuarela como,
tanto la acuarela y el óleo tienen casi, osea la acuarela está
garantizada en un buen papel y con pigmentos de primera, por
500 años. Fui con la experta del arzobispado, la conservadora.
Ella se dedica a conservar papel, documentos. Entonces me
explico que media vez el papel tuviera algodón. Entonces esa
era una gran limitante. Ahora lo que ha dado problema es que,
hay gente que no es experta digamos, en la técnica de acuarela
y de alguna manera la han bajado de nivel. En el caso mío me
he preocupado mucho de subir los niveles, los estándares y he
procurado digamos mantenerme internacionalmente, sabiendo
que es lo que está pasando en otros lugares. O digamos en viajes
para ir a ver que es lo que está pasando y me he especializado
en la técnica de la acuarela. Pinto con otras técnicas pero para
mí la acuarela es mi pasión, es mi vida. Cuando empecé a
pintar yo probé acuarelar de distintas maneras, con comida, con
tintes comestibles, con otro tipo de pinturas para poder entender
las propiedades, probando otros tipos de papel, papeles que
digamos no eran aptos para eso pero yo quería ver los niveles
de dificultad y así encontré algunas cosas, verdad. Eh, pero
cuando la gente ve algo bueno, definitivamente le va a gustar.
17. ¿Considera que la técnica de la acuarela es adecuada para la
ilustración?
Definitivamente. ¿Por qué? Porque como es tan portátil y hoy en
día los lugares de trabajo son cada vez más pequeños, entonces
eh. Es muy versátil, porque en una caja pequeña puede tener
cuantos colores quiera. Es muy noble, se aplica sobre papel,
93
entonces digamos el costo… Es muy rápida. Digamos para un
ilustrador muy diestro puede trabajar rápidamente un concepto,
algo terminado. Y he visto gente.. he visto ilustraciones hechas
en acuarela fantásticas, de gente con mucha capacidad.
Entonces creo que sí. La témpera es otra técnica que se aplica
también muy bien con la ilustración. Eh. Porque la acuarela Ud.
la puede trabajar plana digamos, para llenar espacios o bien
puede mezclar los colores tiene esa tremenda flexibilidad.
18. ¿Considera que la técnica de la acuarela apoya a los mensajes
que Clint Tillman busca transmitir en sus ilustraciones?
Si creo que sí. Por ejemplo el aquí utilizó la técnica a un solo color
y fue aprovechando digamos, llegar a los claros y a los oscuros.
(Black Sheep boy) Sí, definitivamente. Hay unas ilustraciones
de él que me gustan más que otras. Estas que Ud. me está
mostrando me gustan más por la paleta limitada que él utilizó, la
TÉCNICA A UN SOLO COLOR.
BLACK SHEEP BOY 2012 /
CLINT TILLMAN
gama, el color es muy cálido, muy agradable al ojo. Y creo que
sí el lo está aplicando, no como artístico sino como ilustración.
Porque el mensaje ahí tiene que ser claro, simple, directo.
19. ¿Cómo es su proceso para realizar una obra con la técnica de
acuarela?
Mire lo primero que hago es me inspiro en qué es lo que voy
a pintar. Entonces, tengo digamos varias maneras, pero por
ejemplo, si va a ser algo creativo trato como primero de meterme,
pensar, tener un poco de contacto con la naturaleza, verdad y
desde ahí sacar la inspiración para crear algo. Una vez ya lo
tengo, pues hago un dibujo o un esquema básico. A veces hago
bocetos que no los voy a usar de inmediato sino que los voy a
utilizar tal vez semanas o meses después y que cuando tal vez
no estoy inspirado, busco en ese cuaderno de bocetos, qué me
puede servir verdad. Mozart decía que la inspiración nunca va a
llegar así de la nada, sino que decía que 90% transpiración 10%
creatividad. Ud. tiene que estar ejercitándose todo el tiempo.
Si voy a pintar en la calle lo que pasa es que ahí es distinto.
He caminado por lugares, y hay lugares que me van gustando
entonces los dejo como marcados, yo digo poner bandera.
Entonces, por ejemplo, ayer fui al Centro, caminamos con un
amigo y cuando pasamos vi una esquina con una fachada
en la parte de atrás al cruzar la calle e incluso tomé una foto.
Entonces ese lugar ya lo estoy investigando. Cuando ya venía
manejando la volví a ver, entonces es un lugar que me está
llamando. Entonces los lugares los caminos los empiezo a ver.
Me ayuda mucho perderme dentro del Centro. Tratar de buscar
algo distinto y tengo lugares donde tengo frecuencia. Ahora el
proceso específico de la pintura es, hacer el dibujo, en el caso
mío yo trato de hacer algún tipo de pequeña meditación antes
de empezar, luego tratar de ver esa imagen dentro de mi papel,
entonces lo encuadro, hago un encuadre, y parto del centro para
las orillas y dibujo mi perspectiva, rechequeo el dibujo porque
fácilmente uno se tuerce o lo trato de ver de otra distancia. Luego
aplico el fondo, muy suelto y con pincel muy grande. Dejo que
seque y después ya sobre eso ya empiezo a trabajar entonces
ya digo, voy a respetar estos blancos, voy a respetar estos
colores que están en el fondo y sobre eso empiezo a construir.
94
Muchas veces no termino la pintura en la calle, es muy raro.
Entonces regreso a mi estudio. Al día siguiente o después de un
par de días sigo trabajando. Cuando es demasiado complicada,
la guardo unos días y la volteo. Porque fácilmente uno se satura.
Si es pequeña la traigo a mi estudio y la termino de trabajar.
Después invito a mi familia a que la vea, porque ellos me ayudan
a ver si algo no está en su posición correcta o si realmente es
una pintura que vale la pena. Si no vale la pena, no la saco, no
la muestro. Si realmente es de primera entonces la saco y ya la
muestro. Entonces… y si no me gusta, antes la rompía, ahora no
la rompo, sino la vuelvo a hacer. Ese es mí proceso.
20. ¿Cómo difiere el proceso de pintura con el proceso de
ilustración con la técnica de acuarela?
Yo creo que el proceso de ilustración es más cuidadoso. Los
ilustradores tienen que presentar una idea más clara, entonces
no es tan importante la técnica como el mensaje. Osea está
supeditado al mensaje que quieren transmitir. Mientras que
la pintura tiene más libertad, porque el mensaje talvés no es
un mensaje tan específico. Por ejemplo hay ilustraciones
arquitectónicas, entonces la ilustración arquitectónica es más
precisa, todo tiene que quedar en su lugar mientras que la
pintura da mayor licencia para cambiar, mover, a romper un
poco más las normas y realmente se necesita romper algunas
normas para ser más audaz. Yo siento que la acuarela desde
el punto de vista de la pintura requiere ser más audaz, empujar
más, mientras que en la ilustración yo creo que se vuelve solo
una técnica para transmitir un mensaje. Y esa es una de las
diferencias más grandes. El nivel de detalle en la ilustración
tiene que ser más grande que lo que puede exigir la pintura.
95
4/ entrevista realizada a SILVIA BARRIENTOS
(VER ANEXO 4: GUÍA DE ENTREVISTA A SILVIA BARRIENTOS)
1. Brevemente, ¿qué es la comunicación visual?
Bueno yo soy de las personas que cree que comunicación
visual no solo se trata desde el diseño sino en todos lados,
desde pequeños. Porque comunicación pues está dentro de
la naturaleza del ser humano y se basa en códigos, en signos
entonces todo lo que está alrededor nuestro son signos y
desde ahí se debería de partir para entender la comunicación
visual aplicada en el diseño. Osea el analizar el día a día de la
comunicación, te sirve para después tener un mejor concepto y
entender mejor la teoría y aplicarla cuando se diseña. Eso es lo
primero que yo diría de la comunicación visual. Que no es una
definición que solo en diseño la veas sino que es una definición
que la trabajamos y la ponemos en práctica día a día y que se
trata de intercambiar información entre dos personas o más y
que todos estemos entendiendo lo que se está diciendo.
2. ¿Qué signos recurrentes identifica en las ilustraciones de Clint
Tillman?
Bueno lo primero que me llamó la atención de sus ilustraciones
fue el uso de círculos, líneas, flechas y puntos que están en
muchas de las ilustraciones. Incluso normalmente en el mismo
color. Además también la barba es un punto clave y que igual
leí en lo que él cuenta de sí mismo en su página, es un punto
clave en sus ilustraciones. Y muchas de sus ilustraciones lo
tienen a él ahí. Porque asumo que es su personaje, que es él, lo
que se nota por la barba que él menciona. También veo mucho
uso de texturas, osea la forma en que él ilustra la barba, las
texturas que le aplica a cualquier elemento que él usa se ven
bastante peculiares, se ven como de él, de su estilo, son signos
que lo representan. Y también veo, me imagino que ha de ser
por la temática de la exposición o de donde elegiste tu muestra
de ilustraciones, que si tienen cierto tema, veo cosas como de
barco… y cosas naturales como palos o cosas así que son de
la naturaleza.
USO DE GEOMETRÍA
LANTERN 2013 / CLINT TILLMAN
3. ¿Qué elementos o características influyen en una mejor
comunicación visual?
Yo te diría que no es tanto definir qué elementos o qué
características sino que lo que influye en una mejor, o en una
comunicación visual que sí funcione y que si sea eficaz es el
análisis que tu llegues a hacer de esos elementos y de esas
composiciones. Osea las características que tu elijas deberían
de ser en base a una profundización de… si yo estoy poniendo
por ejemplo las líneas y flechas y puntos que el pone… si él las
está poniendo, porqué las está poniendo… qué significan, que
implican en cuanto a color, textura, posición, forma, estilo que el
utiliza. Todos esos parámetros, él los tuvo que haber evaluado.
Entonces la comunicación se basa, más que en lugar de los
elementos, en que tan bien está armada la composición. Pero
insisto que no es solo algo técnico sino que va muy de la mano
con lo conceptual y lo analítico que fuiste tú para decidir qué
signos implican que y qué signos comunican que.
96
4. ¿Considera que el color es utilizado como signo en las
ilustraciones?
Sí. Osea el color siempre es un signo por sí solo. Porque mucha
gente piensa que es sólo una característica de un elemento que
tenemos en la composición, pero cuando te vas a la teoría y la
comparas con la práctica te das cuenta que el color por sí solo
tiene ya cierto significado, le dan cierta significación siempre
como color, como elemento. Entonces sí es un signo que él
definitivamente ha de usar. Ahora la diferenciación que creo que
valdría la pena hacer es que sí sus ilustraciones no tienen un
objetivo de diseño entonces ese signo puede que sea elegido
por gusto propio y no para complacer y persuadir a un grupo
objetivo en específico. Ahí si hay una leve diferenciación pero
sigue siendo un signo.
5. ¿El color refuerza los mensajes visuales de las ilustraciones?
Sí. Te quería mencionar este artículo de Norberto Chavez (VER
ANEXO 7) escribe increíble sobre estas teorías. Es un artículo
reciente de ForoAlfa y habla de la significación del color y dice que
la significación del color está motivada por códigos preexistentes
y lo más relevante sería por la progresiva convencionalización
de la relación arbitraria entre signo y referente. Qué quiere decir
todo esto. Es que por ejemplo, veamos la ilustración “Come
down from your mountain (You’ve been gone way too long)”.
COLOR EN LOS MENSAJES VISUALES / COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN
(YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG) 2013 / CLINT TILLMAN
En cuanto a color, al principio yo vi todas sus ilustraciones y
noté que maneja mucho el naranja. Qué significación le dé el al
color naranja, específicamente no lo sé porque es cuestión de
él, es la significación que él le está dando. Pero, en este artículo
se habla de una progresiva convencionalización de la relación
arbitraria. Relación arbitraria significa que cada quién decide
que significa realmente un signo. Entonces los signos siempre
van a ser arbitrarios, siempre que tu veas … por ejemplo esta
ilustración cada quien le va a dar cierta interpretación en base a
sus propias experiencias, a sus propios gustos y a su forma de
ver las cosas. Pero nosotros como diseñadores tenemos que ver
que tipo de convencionalización ha tenido este color, este signo,
este elemento para descubrir si funciona para el grupo objetivo,
si o no, porque por más arbitraria que sea la comunicación, tu
te empiezas a valer de lo que encuentras en común dentro de
tu grupo objetivo. Entonces para él, la significación de este color
por ejemplo ha de ser, puede ser… “es mi color favorito y a mi
el azul a mi me inspira naturaleza por el mar” por ejemplo. Pero
la convencionalización tal vez más clara en cuanto a el azul en
todas las culturas te diría… aquí me refleja frío. Entonces es
algo que tal vez el no estaba pensando conscientemente pero
inconscientemente el sabe que el azul esta convencionalizado
como un signo de frío. Ahí, nuevamente habría que hacer la
diferenciación entre la significación del signo es arbitraria, osea
el significado de un signo es arbitrario, pero existen ciertas
convencionalizaciones que pueden moldear y medir lo eficaz de
tu mensaje.
6. ¿Considera que la técnica de acuarela apoya la transmisión de
los mensajes de las ilustraciones de Clint Tillman?
Si, también. Nuevamente, lo que sea que tu metas o dejes de
meter dentro de tu composición va a afectar a la comunicación
y va a significar algo. Por eso nosotros siempre somos muy
enfáticos en decirte “¿y por qué estas poniendo este puntito?
Y ¿por qué lo estas poniendo de la manera en que lo estas
colocando? Y ¿por qué estás escogiendo el color?”. En el caso
de él, independientemente de que tenga un objetivo de diseño,
una textura te transmite algo porque ya está convencionalizada.
Entonces por eso es que si tu ya manejas alguna técnica, esa
97
técnica te refleja tal vez algo más natural, te refleja algo más
suave, pero sí trae un significado dentro de lo que esa técnica
puede llegar a mostrar en una composición. Entonces insisto en
que la técnica apoya la composición y te transmite algo. Apoya a
transmitir el mensaje y cerrarlo por así decirlo. Como generar un
significado único y completo de la composición.
7. ¿Cree que las texturas de las ilustraciones apoyan la transmisión
de los mensajes visuales?
Sí, y es que va muy de la mano con la técnica. La técnica por lo
general es la que va a definir la textura que tenga la composición.
Porque si es digital, automáticamente las texturas ya tienen
ciertos rasgos específicos o tienen ciertas limitantes, tal vez,
entonces te pasas a acuarela porque no quieres ese tipo… ese
estilo sino que quieres algo que refleje más naturalidad.
En este caso si te das cuenta, en los comentarios de Clint en
su entrevista, el te habla de cosas técnicas y todavía habla un
poco de lo personal en cuanto a su preferencia por la técnica
de la acuarela. Es por eso que yo te mencionaba que… Osea
independientemente de que su objetivo sea comunicar, igual las
texturas van a comunicar. Entonces puede que tu lo selecciones
creyendo que no es comunicación y que es “yo hago lo que yo
quiero” o “yo hago lo que técnicamente mejor me parece” pero
a la hora de ya ver el resultado, sí comunica algo. Entonces es
que puede ser que conscientemente o inconscientemente igual
se está comunicando.
pero de igual manera el color me va a decir algo. Por ejemplo
yo te diría cuando empecé a ver, supuse que su color favorito
es el color naranja, pero me di cuenta que él, aunque no se si lo
hizo intencional. Pero en esta ilustración (come down from your
mountain) sí lo cambió y para mí aquí el azul sí significa algo.
Entonces sé que por más que el diga que lo escogió porque le
gusta… entiendo que tal vez a nivel general el maneja el color
por gusto propio pero hay ciertos detalles que el sí considera…
si quiero transmitir frío voy a elegir tal color, pero es ni siquiera
se hace consciente. Automáticamente, tu mente te regresa a
lo que tu conoces, a tu experiencia, entonces ahí es donde la
decisión es medio escondida.
Lo que él si comentó sobre el color, como signo, fue al momento
de preguntarle sobre los elementos más repetitivos en sus
ilustraciones y me mencionó las flechas, que aparecen casi en
todas sus ilustraciones.
Espera, antes de que me menciones que significan, para que
veamos ese análisis o esa comparación. Yo las flechas… Es
que para mí por ejemplo, yo te diría dos cosas que reflejan…
que según he visto como lo que el quiere comunicar con
sus ilustraciones o la significación que se le podría dar a las
ilustraciones, en general, yo detecto dos cosas. Una, dirección
o como decisión o como su punto de vista por decirlo así, eso
reflejaría una flecha. Y la otra sería, relación. Osea, como una
unión de conceptos o sentimientos que en la composición él
coloca. Eso es lo que yo leo a partir de lo que es una convención
social de lo que las flechas podrían implicar y cómo las he visto
colocadas en sus ilustraciones. ¿No sé que fue lo que el te dijo
que significan las flechas?
Es igual que con la paleta de colores, ya que al hacerle la entrevista
yo le pregunte sobre el porqué de su paleta de colores, debido
a que noté que mantiene una paleta de colores que relaciono
con la tendencia orgánica. Sin embargo el me dijo que era
preferencia personal. Pero hablándolo con otro sujeto de estudio,
él me confirmaba que nota que la paleta tiene colores naturales,
orgánicos y que nota una relación con los mensajes que transmite
Clint al hablar de la naturaleza, etc.
Clint en su entrevista dijo: “Si vez, muchas de las flechas... Éstas
flechas están trabajadas bajo el estilo de la geometría sagrada,
y en base a esto, las flechas usualmente representan dolor de
corazón y decepción.”
Exactamente a esto me refiero con que es algo convencionalizado.
Osea tu puedes elegirlo a tu gusto. Tu objetivo no es comunicar
Ahí está, dime tu cuando tu ves una flecha, cabal,
automáticamente piensas en dirección. Yo lo leo así. Pero lo
98
que el dice de angustia y eso, si lo entiendo, pero a la hora
de ver la composición completa. Porque por ejemplo hay una
ilustración en que el tiene una flecha metida en el pecho, y ahí
definitivamente se notaba que él estaba dolido y entonces si se
ve la flecha definitivamente representa dolor.
acá: “honesty or silence” y que ambos te duelen. Porque el ser
honesto a veces afecta en las relaciones y de igual manera
como que te causa cierto dolor. Estos dos (personajes), osea
se ve como si fuera un reflejo y cuando los veo y el de silence
está como más demacrado, más deprimido, más dolido. Casi
pareciera como si estuviera muerto, se me hace que más vale
ser honesto que callar lo que estas pensando y muestra de
alguna manera como que la gente lo ve igual que ambas cosas
duelen pero no se dan cuenta que al fin y al cabo el silencio te
mata más que la honestidad. Todo eso leo de la ilustración y
si te das cuenta me valí de signos e incluso, las texturas y las
formas y la composición son las que valen… porque yo veo que
está comparando dos conceptos al ver que parte, que se ve un
centro y se ve un reflejo. Eso me dice algo. Lo oscuro de la cara
del silencio también me dice, que el silencio es más sombrío que
la honestidad.
(Después de leer la explicación del sujeto principal. VER
ENTREVISTA REALIZADA A CLINT TILLMAN)
THE POLICY 2012 / CLINT TILLMAN
Por ejemplo. Si tu ves “The Policy”… te la voy a leer. Porque
toda imagen se lee, al fin y al cabo tiene lectura visual. Entonces
tu haces la lectura visual y al final casi podrías sacar una frase
o un texto de lo que lees tú de la imagen y eso es interpretarlo,
eso es comunicación. Por eso es que en comunicación visual…
se mezcla un poco de todo. Entonces acá lo tengo a él, con su
barba, como elementos. Tengo esto del centro que la verdad,
no te sabría decir que tanto, no le logro sacar un significado tan
profundo a eso, pero yo al ver estos dos, sentí que su principal
idea a comunicar era que tu cuando estas relacionándote con
las personas o puedes ser honesto o puedes callar como dice
Ves que si se relaciona con lo que leí. Yo te lo estoy explicando
muy de una manera en que estoy interpretando algo, entonces
le busco como el significado a todo. Pero él lo explica un poco
más personal, a nivel de “bueno es que en esa etapa yo estaba
sintiendo tal cosa”. Pero obviamente porque estamos analizando
algo que es artístico pero que igual comunica.
8. ¿A su criterio las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener
varias interpretaciones?
Si. Pero no se cierra en él. Otra vez toda comunicación es arbitraria
y todo signo es arbitrario y el signo es polisémico, que tiene
diferentes significados. Entonces automáticamente siempre vas
a tener diferentes interpretaciones. La diferencia entre que si eso
es bueno o malo está en que si estas haciendo un diseño… Si el
hace una ilustración como diseñador gráfico, eso es malo. Osea
que su ilustración tenga diferentes interpretaciones no debería
de suceder. Pero si él está exponiendo y sólo quiere expresarse
y quiere llegar al público de una manera muy personal y es
un encargo artístico, un trabajo artístico, ahí el tener varias
99
interpretaciones es lo que va, debe y siempre ha sucedido y
siempre va a suceder porque el arte no se basa en que todos
tienen que ser… en que la interpretación sea unánime, se basa
en realmente provocar algo en ti, ya sea bueno o malo o lo que
tu quieras. Pero según lo que yo leí en su blog… él cabal hasta
tiene interacción en Facebook, con gente que comenta. Y esta
gente que comenta le dice “Yo sentí justo eso”. Y tal vez no
dice como la interpretó, pero el está interpretando en base a su
propia experiencia porque te está diciendo que yo sentí justo
eso que me ilustraste. Entonces no se trata de yo la entendí,
sino se trata de yo sentí eso mismo, que tu ilustras.
Por ejemplo otra vez, la ilustración de “Come down from your
mountain”. Yo en su página vi que menciona la canción de dónde
el saco esto. Entonces me puse a leer la canción y ahí es donde
uno se da cuenta de cómo sintió la necesidad de comunicar o
de plasmar gráficamente lo que para él esa canción significaba.
Eso es comunicación osea el tiene esa necesidad de expresarse
entonces lo hace a través de sus ilustraciones y obviamente lo
hace desde su punto de vista y desde lo que está sintiendo y
desde su propia interpretación. Incluso para comunicar tu tienes
que interpretar por decirlo así. Si quieres buscamos la letra de la
canción. (VER ANEXO 8)
Hay un párrafo que el tiene que me gusto, en que él explica
como es su trabajo, cómo trabaja él y menciona que a él lo que
más le gusto fue que el comenzó a expresarse a través de sus
ilustraciones y se dio cuenta que mucha gente le daba cierto
significado totalmente diferente al que él había pensando y que
le llamaba la atención eso y que le gustaba provocar eso en la
gente. Entonces ahí si te das cuenta que cumple una función
artística de que surjan varias interpretaciones pero no puedes
dejar a un lado el hecho de que está comunicando. Eso no se
puede separar. Entonces va de la mano.
Sólo con el título… “Falling Snow”… Desde ahí se comprende
el porque del color azul. El se centró en comunicar esta parte
de “come down from your mountain, you´ve been gone way too
long” si no tengo el resto de contexto, porque un signo parte
del contexto en el que se encuentra, osea la significación de
cualquier elemento que tu pongas también se vale obviamente
de su contexto, entonces el contexto aquí es el resto de las lyrics.
Por ejemplo para mí es una pelea, entiendo que el contexto
winter (invierno) es como por lo depresivo y frío que fue, dice
como que yo me hubiera quedado pero tu decidiste que yo me
debería de haber ido, y la frase de come down…. Esta persona
que se había ido se fue a encerrar o está como encerrado y se
ha vuelto una persona fría, se acabó el amor, ya no hay como
que lo warm en la relación y la otra persona le dice que regrese
de donde quiera que este, si decide regresar, que se lo diga,
para dejar de analizar si va a regresar o no. “Out from the open
window I could hear you breathing” por ejemplo acá la “open
window” significa el hecho de que esta abierta la oportunidad
de que regrese y todo eso lo va traduciendo él gráficamente. Tal
vez no cuenta la historia completa pero cuenta una buena parte.
Agarra el mensaje concreto y eso es lo que el decide ilustrar. Por
eso se ven las flechas congeladas porque su amor se congeló,
y el frío que lo representa a través del azul, esto que parece
un iceberg… Esto me pareció muy interesante, cómo plasmo
gráficamente la canción.
COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG)
2013 / CLINT TILLMAN
100
9. El que las ilustraciones tengan más de una interpretación, ¿es
una ventaja o desventaja?
No se puede ver como una ventaja o desventaja. Y especialmente
si nos enfocamos en el arte. En el arte prácticamente ese es
el objetivo, llegar a la gente, sea como sea y todo es llegar a
la gente. Que supongo que prácticamente entonces sería una
ventaja. Pero si lo que estamos diciendo ilustración con objetivo
de comunicación osea diseño gráfico, ahí si es una desventaja.
Más bien ni siquiera es desventaja, es tu composición no funciona,
punto. Insisto yo como diseñador si me voy a preocupar de que…
yo codifico un mensaje, armo mi composición. A la hora de ya
tenerla armada, la tengo que releer literal. Una composición
visual la leo. Yo leo los signos y si cuando yo la leo no leo lo
que yo quise representar, ahí hay un problema. Porque si ni yo
mismo estoy leyendo lo que quise decir mucho menos el resto
de gente. Yo tengo que basarme en parámetros del lenguaje
de las demás personas no del mío. Entonces al fin y al cabo lo
que uno va buscando en el diseño gráfico es sí encontrar signos
claves pero también cerrar la cantidad de interpretaciones que
pueden existir del mensaje. ¿Como lo cierro? Agregando signos
o haciendo que ciertas cosas específicamente tengan cierta
forma, cierto color, ciertos trazos, cierta textura porque eso me va
a cerrar el mensaje. También busca el término anclaje… Anclar
el mensaje significa cerrar el mensaje y lograr que sea concreto
y que la gente realmente comprenda el punto, el mensaje clave
o el mensaje concreto que tu querías dar.
que es eso… Pero sí definitivamente estoy segura de que utiliza
figuras retóricas por el hecho de que todo lo que sea conceptual
y tenga una carga emotiva significa que tuvo que haber existido
una relación.. un análisis y una relación entre un referente y un
signo. Tuviste que analizar y decir “¿Cómo relaciono esto con
esto?” Y empiezas a conceptualizar y sacar conceptos diferentes
a lo que concretamente quieres decir.
La retórica es el hecho de hablar un mensaje con carga emotiva
y una ilustración siempre va a tener carga emotiva, a menos
que sea una ilustración descriptiva. Si tu me estas simplemente
ilustrando el paisaje que ves y no vas más allá de lo descriptivo
entonces no es retórica. Pero cuando tu ves que el le pone un
título, hay un concepto detrás y cada signo tiene una relación
específica con algo a lo que el se refiere, definitivamente hay
retórica. Consciente o inconscientemente pero hay retórica.
Cuando empiezas a analizar retórica, lo primero que tienes que
hacer es analizar la composición y definir qué lees tu de esa
composición. Cuando tu te das cuenta de todo lo que estas
viendo y todo lo que significa cada elemento entonces te das
cuenta de lo que el está hablando realmente. Porque a simple
vista lo ves con una carga emotiva y cada cosa te dice otra cosa
y vas sacando el significado y construyéndolo e interpretándolo.
Pero al fin y al cabo toda esta interpretación te lleva a qué
exactamente quiso decir él. Por ejemplo en Shipwrecked.
10. ¿Cree que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?
Yo creo… ¿Esa se la preguntaste a él?
Sí. El me comentó que sí usa y él en lo que ha hecho reconoce que
utiliza más las metáforas. Luego me dio una explicación de que
signos usa y éstos qué representan en sus ilustraciones.
Eso estoy segura que surge... Porque una figura retórica es
eso. La retórica es relaciones. Entonces el automáticamente
relacionó y te explicó las relaciones que el encuentra entre este
elemento que el usa y lo que significa, a lo que él se refiere. Yo
la verdad hubiera pensado que el te diría que es eso… no se
SHIPWRECKED 2013 / CLINT TILLMAN
101
Acá yo diría que aplica metáfora y de alguna forma podría
haber influencia de sinécdoque, por decirlo así. Porque el quiso
transmitir esto de keep your ship together e hizo una metáfora
de lo que implica manejar un barco. El barco sería tu vida, tu
eres quien maneja o dirige el rumbo de ese barco y siempre
ha existido eso que el capitán del barco es quien mantiene al
barco completo o funcional. Sería una metáfora, uno, porque
esta representando algo bastante abstracto. Osea el mantener
tu vida entera, mantener una vida enfocada y completa o de
alguna manera una vida como… Entonces ante lo que él habla
es esto… la vida bien llevada. Eso es a lo que el se refiere y
eso es algo abstracto, que no puedes fácilmente representar
en una ilustración. Entonces el vino y lo analizó y comparó
e hizo una analogía y gráficamente se convirtió en metáfora.
Porque no está comparando una vida a la par de un barco sino
que representó la vida, que es algo abstracto a través de unos
signos que lo refieren… que refieren a eso. Una ancla se refiere
a que vas a mantener los pies en la tierra osea que tu vida
va a estar centrada o va estar como con una base. Y esto de
together automáticamente con agregar esta cuerda… la cuerda
siempre ha sido símbolo de unión, de alguna manera de enlazar,
entonces no se realmente que más connotaciones pueda tener
esta composición. Pero el ancla mencionaba que es sinécdoque
porque es una parte del barco y solo con esa parte me dice todo
el concepto del barco y todo el concepto de vida. Y la metáfora
me dice todo esto que te digo que se basa… se refiere a algo
abstracto y al final encierra todo un significado… es todo un
simbolismo el que él maneja aquí.
Pero insisto, muchos artistas no la usan… a ti no te van a decir
voy a usar metáfora en mi ilustración. Simplemente sucede.
Pero la relación que él logra manejar… ahí es donde está la
clave de la retórica.
11. ¿En general, qué figuras retóricas identifica en sus
ilustraciones?
En general sería metáfora. Porque es que todas sus ilustraciones
son muy simbólicas. De igual manera si tu te pones a indagar
más obviamente encontrarías… más específico que tipo de figura
retórica es… que figura retórica es. Pero igual… la metáfora es
como la más general. Y la metáfora se basa en símbolos y lo
que él está generando aquí cabal son símbolos, porque para él
una flecha significa tal cosa y para él esta rama atravesada en
el corazón significa tal otra. Una llama de una linterna significa
una alegría dentro de un contexto triste. Entonces esto siempre
te refiere a metáfora.
12. ¿Cómo se puede evaluar objetivamente si el mensaje llega a
un grupo objetivo?
Primero te preguntaría yo si él realmente tiene un grupo objetivo.
El me comentó que no lo había pensando así. De tener un grupo
objetivo. Que no me podía decir según edades.. sino que el se
dirige a las personas que quieren interpretar sus ilustraciones.
Que es lo que pasa en el arte. Y esta bien. Insisto, él no va
a tener un grupo objetivo porque no es diseño gráfico lo que
esta haciendo. Ahora, en arte, no existe un grupo objetivo
por lo tal no se puede evaluar. Y por eso es que se acepta la
subjetividad por decirlo así. En diseño gráfico lo evalúas… Si
tienes estadísticas, etc. entonces lo puedes evaluar según la
respuesta que tuvo el mensaje con el g.o. Si es un plan piloto y
esta en una etapa de validación, de validar si el mensaje está
bien construido en ese caso te basas en los parámetros que
van con el proyecto. Tienes que analizar el grupo objetivo. Yo
automáticamente. Suponte que el hubiera lanzado la ilustración
de la montaña, supongamos que si tiene un grupo objetivo. Lo
primero que hubiera preguntado es… ¿su grupo objetivo conoce
esa canción? Yo me voy a basar en características del grupo
objetivo, del contexto y del tema para poder evaluar si funciona
o no. Y regreso a convenciones. Ahí es donde me doy cuenta
de las convenciones que existen. Si el grupo objetivo ya viajó a
Europa por ejemplo entonces ellos van a tener el concepto de
un avión, de las ciudades de allá, de los idiomas… y pueden
entender… y si el hubiera usado signos que tienen que ver esto
por ejemplo, se van armando los parámetros para definir si si
funciona el mensaje o no.
102
13. Clint Tillman tiene un estilo muy particular, ¿considera que
éste estilo apoya la transmisión de mensajes?
¿Cómo explicarlo? Es que el estilo… nuevamente si fuera diseño
gráfico… el estilo debe apoyar el mensaje. No significa que si tu
dices juvenil tiene que verse juvenil. Puede que quieras usar una
figura retórica y quieras usar ironía y se vea algo de antaño o
vintage y pero de alguna manera lo estas usando para reforzar
el mensaje que quieres decir porque quieres decir lo juvenil
ha existido desde siempre y por eso usas un estilo vintage por
ejemplo. Osea ahí el estilo tiene que ir de la mano con cómo y
qué quieres comunicar. En arte siento yo que el estilo refleja o
transmite la personalidad del artista más que el mensaje. Porque,
igual si el cambia de estilo no me deja de lanzar mensajes solo
que ahora el evolucionó como artista. Osea el estilo si me dice
algo, sí es comunicativo pero la comunicación que genera o el
mensaje que lanza es en base al artista y no al mensaje de la
ilustración.
14. En cuanto comunicación visual, ¿la ilustración análoga tiene
un mayor valor que la ilustración digital?
Yo diría que no. Que cada una tiene su forma de ser y su forma
de comunicar, por decirlo así. Casi que analizándolas como si
fueran personas cada una tiene algo que decir. Entonces no
puedes hacer una comparación y al final recae en: si es arte,
el gusto personal del artista o de la persona que genere los
proyectos y en diseño gráfico recae en qué quieres comunicar
y cómo lo quieres comunicar. Entonces no significa que una
comunique más que otra. Una comunica ciertas cosas y la otra
comunica otras. Por default, por el estilo que generan. Si traen
cierta significación consigo. Pero no habría manera de definir si
una es mejor que otra.
103
GUÍA DE OBSERVACIÓN 1
• Nombre de ilustración:
YOU’RE NEVER ALONE WHEN YOU’RE HAUNTED BY SELF DOUBT
(NUNCA SE ESTÁ SOLO CUANDO SE ES PERSEGUIDO POR LA
DUDA)
3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración?
Se identifican como signos la cama, el sujeto o persona y la aparición
o fantasma.
4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales
signos de la ilustración?
SIGNOSIGNIFICANTE
• Autor:
CLINT TILLMAN
Cama
• Fecha de elaboración:
20 ENERO 2013
Sujeto
Fantasma (duda)
5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
6. ¿Qué mensaje se percibe?
Se percibe el mensaje de la duda siempre presente.
1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones?
Técnica de acuarela y tinta (pluma)
2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?
_____ Si
_____ No
7. ¿Qué tipo de mensaje visual es?
____ Mensaje lingüístico
____ Mensaje icónico codificado
____ Mensaje icónico no codificado
104
8. Significado Denotativo
Ilustración de hombre recostado.
9. Significado Connotativo
La presencia de un fantasma o de tristeza en una persona que
se presenta en los momentos de soledad y silencio.
16. ¿Se utiliza la retórica?
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
10. ¿La ilustración contiene texto?
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Simbólica ____ Manuscrita
12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?
____ Cálidos
____ Análogos
_____ No
17. ¿Qué figura retórica se aplica?
18. ¿Cómo se aplica la figura retórica?
Se aplica la metáfora al representar a la duda como un ser, en
este caso como un fantasma o ente que acompaña a la persona.
19. ¿Cuál es el punto focal en la composición?
El rostro del personaje principal.
____ Relevo
13. ¿Qué gama de colores aplica?
____ Fríos
_____ Si
____ Otra:
____ Anclaje
___ Complementarios
20. ¿Cómo se logra el punto focal?
Se logra a través de la saturación de color en esa área.
14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones?
Según la psicologia del color, a través del color gris se transmite
indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía mientras que el
color verde es un color tranquilo y sedante y transmite calma indiferente.
15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
105
TO PUT IT BLUNTLY
• Autor:
CLINT TILLMAN
5 DICIEMBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo el hacha y el texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
Hacha
Texto (This axe is dull
and rusty)
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje del descuido y antiguedad.
106
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Un hacha opaca y oxidada.
El descuido de los objetos comunes de la vida cotidiana, el
paso del tiempo y el desgaste de los objetos.
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Relevo
____ Fríos
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Otra:
____ Anclaje
___ Complementarios
___
La cabeza del hacha.
Se logra por el encuadre que le dan las formas circulares entre
las formas más rectas de la composición.
14.
Según la psicología del color, ¿qué transmiten las
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través del color naranja se
transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante, mientras que a
través de las tonalidades cafés se transmite con tranquilidad y seriedad,
así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.
107
THE POLICY (LA POLÍTICA)
• Autor:
CLINT TILLMAN
Se identifica como signo a ambos personajes, el ave como
escudo, ambas flechas, y el texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
10 DICIEMBRE 2012
Personajes
Escudo
Flechas
Texto
_____ Si
_____ No
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de las consecuencias de ser honesto o
mantenerse callado y como debe de ser un modo de vida.
108
del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia
de energía.
____ Visuales
____ Táctiles
Dos personajes similares, siendo atravezados en el pecho por
una flecha, un escucho con un ave y una leyenda que dice “honestidad
y silencio”.
No importa si se es honesto o se mantiene callado siempre se
resulta en alguna herida.
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Otra:
Se aplica la metáfora al representar los efectos de la honestidad
y el silencio a través de los personajes.
El área del escudo.
____ Fríos
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través del color naranja se
transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante, mientras que a
través de las tonalidades cafés se transmite con tranquilidad y seriedad,
así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. Finalmente a través
A través del color y contraste, ya que se nota primero el ave
por el uso de un color oscuro y plano sobre un fondo claro y el área roja
o naranja por ser una tonalidad cálida
109
SHIPWRECKED (NAUFRAGADO)
• Autor:
CLINT TILLMAN
8 ENERO 2013
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo al ancla, así como al lazo y el texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
Ancla
Lazo
Texto
110
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de mantener el control, de tener un
punto de anclaje.
Ilustración con un ancla y un trozo de cuerda, con una bandera
que tiene la leyenda “Keep your ship together” (mantén tu barco unido).
Mantener todo unido, en orden, no entrar en pánico.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Relevo
____ Fríos
____ Cálidos
____ Análogos
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
____ Anclaje
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través del color amarillo
se transmite plenitud, empujando hacia adelante, hacia lo nuevo,
encaminando hacia el futuro y a través de las tonalidades cafés se
transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el
paso del tiempo.
___ Complementarios
Se aplica la figura retórica del doble sentido al comprender la
ilustración literalmente como un barco o entenderlo como la vida.
El ancla.
El punto focal se logra a través del contraste con el resto
de elementos y por tamaño siendo el elemento más grande en la
composición.
111
Se identifica como signo el cinturón de seguridad y el texto.
SEAT BELT HANDS / HOLD ME TIGHT, I’LL HOLD YOU TIGHTER
(MANOS DE CINTURÓN DE SEGURIDAD / SOSTÉNME
FIRMEMENTE YO TE SOSTENDRÉ AÚN MÁS FUERTE)
• Autor:
CLINT TILLMAN
14 ENERO 2013
Cinturón
SIGNOSIGNIFICANTE
Texto
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de sostenerse fuerte, de seguridad.
Ilustración de un cinturón de seguridad a punto de ser cerrado
junto con el texto “Hold tight” (sostente firmemente).
_____ Si
_____ No
112
Sujetarse fuertemente para mayor seguridad.
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
____ Otra:
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
La hebilla del cinturón de seguridad.
____ Relevo
____ Fríos
____ Cálidos
Se aplica la metáfora al sustituir las manos con un cinturón de
seguridad, sugiriendo que con ambos pueden sujetarse firmemente.
____ Análogos
___ Complementarios
Por su uso del color rojo o naranja, una tonalidad cálida en el
centro de la composición.
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través del color amarillo
se transmite plenitud, empujando hacia adelante, hacia lo nuevo,
encaminando hacia el futuro y con la tonalidad naranja se transmite un
carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de las tonalidades
cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad,
nobleza y el paso del tiempo.
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
113
LEFTY (ZURDO)
• Autor:
CLINT TILLMAN
2 DICIEMBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo las tijeras y el texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
Tijeras
Texto
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de a pesar de las diferencias siempre
hay un punto de unión.
114
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de unas tijeras abiertas con un banderín con la
leyenda “I’m on your side” (estoy de tu lado).
Siempre hay apoyo entre las personas a pesar de tener
diferencias.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Relevo
____ Fríos
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
____ Anclaje
___ Complementarios
Se aplica la figura retórica de la metáfora al representar a las
personas a través de las dos partes de la tijera. 19. ¿Cuál es el punto focal en la composición?
La cabeza de la tijera.
Se logra a través del color, utilizando una tonalidad cálida
predominando la ilustración.
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través de la tonalidad naranja
se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de
las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como
antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. A partir del color gris se
transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.
115
KEEP SHARP (MANTENTE AFILADO/ASTUTO)
• Autor:
CLINT TILLMAN
23 OCTUBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo las hachas y el texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
Hachas
Texto
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de mantenerse afilado o astuto.
116
Ilustración de un par de hachas con un banderín con la leyenda
“Keep sharp” (Mantente afilado/astuto).
Siempre hay que practicar y tener la mente abierta para
mantenerse astutos y sagaces.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Cálidos
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
Se aplica la figura retórica del doble sentido ya que puede
comprenderse la ilustración tanto literalmente como mantenerse afilado
hablando de las hachas representadas o como mantenerse astuto.
Las cabezas de las hachas.
____ Relevo
____ Fríos
_____ Si
____ Otra:
____ Anclaje
____ Análogos
___ Complementarios
Se logra a través del color, por la saturación de color en esa
área.
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través de la tonalidad naranja
se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de
las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como
antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
117
I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS (TENGO UN MAL
PRESENTIEMIENTO SOBRE ESTO)
• Autor:
CLINT TILLMAN
3 DICIEMBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo el personaje y el anzuelo.
SIGNOSIGNIFICANTE
Personaje
Anzuelo
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de estar atrapado, de haber sido
pescado.
118
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de una persona que ha sido pescada, atravezada
por un anzuelo.
Hay un dolor que atraviesa el corazón.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
Se aplica la metáfora al comparar el haber pescado un pez
al haber sido atrapado como una persona y estar en una mala y
complicada situación.
El rostro del personaje.
____ Fríos
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés
se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza
y el paso del tiempo. A partir del color gris se transmite indecisión,
duda, melancolía y la ausencia de energía y a partir del color azul se
transmite una sensación de placidez y tranquilidad. Es un color frío, se
relaciona el color azul con la inmensidad y divinidad así como con el
agua.
Por la saturación de color en esa área.
119
GUARD YOUR HEART (CUIDA TU CORAZÓN)
• Autor:
CLINT TILLMAN
8 DICIEMBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo la casa, el fuego, humo y texto.
SIGNOSIGNIFICANTE
Casa
Fuego
Humo
Texto
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
120
Se percibe el mensaje de mantener resguardado y cuidar el
corazón.
se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y
el paso del tiempo. A partir del color gris se transmite indecisión, duda,
melancolía y la ausencia de energía y a través de la tonalidad naranja
se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante.
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de una casa en llamas con un banderín con la
leyenda “guard your heart” (cuida tu corazón).
La casa es el corazón de una familia y se debe de cuidar y
proteger.
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
____ Otra:
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
El techo de la casa.
A través de la saturación de color.
____ Fríos
Se aplica la metáfora sustituyendo el corazón, a la familia y
representándolo con la casa.
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
121
COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOUVE BEEN GONE WAY
TOO LONG) (BAJA DE TU MONTAÑA, HAZ ESTADO AUSENTE
MUCHO TIEMPO)
• Autor:
CLINT TILLMAN
18 ENERO 2013
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo la el hielo, las flechas y el personaje.
SIGNOSIGNIFICANTE
Hielo
Flechas
Personaje
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
122
Se percibe el mensaje de que se es impenetrable, frío y duro.
paso del tiempo. A partir del color azul se transmite una sensación de
placidez y tranquilidad. Es un color frío, se relaciona el color azul con
la inmensidad y divinidad así como con el agua.
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de un hombre encerrado en frío hielo y atravezado
por flechas congeladas.
Una persona que se encierra en su fría soledad, se aleja de los
demás.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
Se aplica la figura retórica de la metáfora al representar la
frialdad de una persona o la separación a través del hielo, de estar
encerrado en hielo.
Las flechas.
____ Fríos
____ Otra:
____ Anclaje
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
Se logra por el encuadre que le dan las formas circulares a las
flechas así como el uso del color azul un poco más saturado que en el
resto de la composición.
se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el
123
STICKS AND YARN AND NO ONE TO BLAME IT ON (PALOS E HILO
Y NADIE A QUIEN CULPAR)
• Autor:
CLINT TILLMAN
4 ENERO 2013
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo el personaje, las aves, los hilos y las
ramas.
SIGNOSIGNIFICANTE
Personaje
Aves
Hilos
Ramas
124
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de que se es muy frágil y simple.
14.
ilustraciones?
y el paso del tiempo. El color verde es un color tranquilo y sedante.
Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general. Es un color
que transmite una calma indiferente no transmite una sensación de
gran impacto como alegría o pasión.
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de un hombre formado por palos y varios pájaros
deshilándolo, desarmándolo.
Todos venimos de la naturaleza.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
Se aplica la metáfora al representar la fragilidad del cuerpo
humano a través de ramas y palos.
Los hilos.
____ Fríos
___ Complementarios
Se logra el punto focal por la forma orgánica que tienen los
elementos, en un área plana y de color neutro.
125
NOW YOURE JUST SOME BUNNY THAT I USED TO KNOW (AHORA
ERES SOLO UNA CONEJITA QUE SOLÍA CONOCER)
• Autor:
CLINT TILLMAN
9 ENERO 2013
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo el conejo, la daga y la rama.
SIGNOSIGNIFICANTE
Conejo
Daga
Rama
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
126
Se percibe el mensaje de satirizar a una persona identificándola
con un conejo.
Ilustración de un conejo con un parche y una daga unidos con
una enredadera.
Es una persona que hirió a la otra y ahora es tan insignificante
como un conejo.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra: sátira.
Se aplica la ironía y la sátira al representar a una persona que
hizo daño con un conejo.
El conejo y la daga.
____ Fríos
gran impacto como alegría o pasión. A partir del color gris se transmite
indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
Se logra el punto focal por el contraste al utilizar texturas en
color negro en la composición.
127
Se identifica como signo el personaje, la lámpara y el texto.
MOST WOULD CALL IT HOPELESS WANDERING (LA MAYORÍA LO
LLAMARÍA DEAMBULANDO SIN ESPERANZA)
SIGNOSIGNIFICANTE
• Autor:
CLINT TILLMAN
Personaje
9 DICIEMBRE 2012
Lámpara
Texto
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de perderse en los ojos de un ser
querido haciendo un largo viaje .
_____ Si
_____ No
128
indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.
Ilustración de un personaje viajero, con una mochila y una
linterna con la leyenda “I could get lost in your eyes” (Podría perderme
en tus ojos).
Perderse viajando en los ojos de una persona especial.
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Cálidos
____ Análogos
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
Se aplica el doble sentido al hablar sobre perderse en los ojos
de una persona o viajar literalmente para representar el enamorarse y
dejarse llevar por esos sentimientos.
La frase.
____ Fríos
____ Visuales
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
gran impacto como alegría o pasión. A partir del color gris se transmite
Por la forma que tiene la tipografía.
129
“You see, I feared I needed my sadness,
and my sadness needed its shadows,
but shadows don’t stick
when your dark has been lit.”
-c. tillman reid
• Autor:
CLINT TILLMAN
19 ENERO 2013
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo la lámpara y la llama.
SIGNOSIGNIFICANTE
Lámpara
Llama
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de una luz encendida en la oscuridad.
130
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Relevo
____ Análogos
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
Se utiliza metáfora como figura retórica al representar talvés a
una persona o un suceso positivo que lo guía como una lámpara o una
luz en la oscuridad, en un momento difícil.
Los elementos geométricos y la llama.
____ Cálidos
____ Orgánicas
____ Otra:
____ Fríos
____ Artificiales
____ Anclaje
____ Naturales
_____ Si
____ Táctiles
Ilustración de una lámpara encendida.
Luz que guía e ilumina en la oscuridad.
____ Visuales
___ Complementarios
Se logra por el uso de un color cálido.
14.
ilustraciones?
se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y
el paso del tiempo. A través de la tonalidad naranja se transmite un
carácter acogedor, cálido y estimulante.
131
BLACK SHEEP BOY (OVEJA NEGRA)
• Autor:
CLINT TILLMAN
4 NOVIEMBRE 2012
_____ Si
_____ No
Se identifica como signo al personaje y los cuernos.
SIGNOSIGNIFICANTE
Personaje
Cuernos
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
Se percibe el mensaje de la búsqueda de ser parte de una
sociedad, acomodarse a las expectativas de la comunidad.
132
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
Ilustración de un personaje quitándose unos cuernos de la
frente.
Persona que se deshace de lo que lo hace diferente o
inaceptado.
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
_____ Si
_____ No
____ Otra:
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
____ Relevo
____ Fríos
____ Cálidos
____ Análogos
___ Complementarios
Se utiliza la metáfora representando las diferencias de una
persona a través de la cualidad de los cuernos en su frente.
Los cuernos.
Por su forma y saturación de color un poco más rojiza al resto
de la composición.
14.
ilustraciones?
se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el
paso del tiempo.
133
RESULTADOS / GUÍAS DE OBSERVACIÓN
Técnica de acuarela y tinta (pluma) 100%
___53%__ Si
__0%__ Antigua
_100%_ Si
__0%__ Decorativa __0%__ Simbólica __40%__ Manuscrita
_0%_ No
-------4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales
SIGNIFICANTESIGNIFICADO
-------------
___47%__ No
__0%__ Palo seco
__13%__ Caligráfica
__53%__ Anclaje
__0%__ Relevo
_7%_ Fríos _13%_ Cálidos _87%_Análogos _0%_ Complementarios
ilustración?
14.
ilustraciones?
---------------------
_40%_ Ícono
_0%_ Índice
_60%_ Símbolo
__87%__ Visuales
__87%__ Táctiles
__0%__ Naturales
__100%__ Artificiales
__100%__ Orgánicas
__0%__ Geométricas
__53%__ Mensaje lingüístico
__67%__ Mensaje icónico codificado
___93%__ Si
__33%__ Mensaje icónico no codificado
-----
------
___7%__ No
__67%__ Metáfora
____ Metonimia
__20%__ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
__7%__ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
__7%__ Otra: Sátira
134
-----------19. ¿Cuál es el punto focal en la composición?
-----------20. ¿Cómo se logra el punto focal?
__20%__ Contraste
__7%___ Tamaño
__33%__ Formas
__67%__ Color
135
PROCESO CREATIVO QUE CLINT TILLMAN UTILIZA AL ILUSTRAR
CON LA TÉCNICA MIXTA DE ACUARELA Y TINTA.
Para iniciar con la documentación y análisis del proceso creativo
implementado por el sujeto de estudio Clint Tillman, es necesario crear
un contexto previo sobre qué es la ilustración. Según Dalley (1992)
cuando las imágenes son empleadas para comunicar información
concreta, esto es ilustración. Se sitúa entre arte y diseño y de acuerdo
a Zeegen (2009) la esencia de una ilustración está en el pensamiento,
idea o concepto que es la base de lo que se quiere comunicar.
A partir del contenido teórico investigado y las experiencias desde
diseño, junto con las entrevistas respondidas por los Sujetos de
Estudio y los resultados de los instrumentos implementados como
Guía de observación, se presenta a continuación una interpretación
que responde a los objetivos propuestos con respecto al trabajo del
ilustrador Clint Tillman.
Dicha interpretación se segmenta en 3 temas tomados a partir de los
3 objetivos.
El sujeto principal y el ilustrador Luis Pinto concuerdan en ambas
entrevistas en que la ilustración es una imagen o gráficas que buscan
transmitir un mensaje. Tillman comenta que para él la ilustración
es crear una imagen para expresar una palabra o palabras o un
conjunto de emociones. Se realiza una ilustración cuando las palabras
no son suficientes y se necesita de un medio para transmitir esos
sentimientos. En base al análisis y lectura realizada de los mensajes
en las ilustraciones a través de las guías de observación se determina
que la mayoría de las ilustraciones de la muestra elegida transmiten
emociones o sentimientos como la tristeza, pesar, decepción, soledad,
dolor, etc. y se notan que muchas de estas ilustraciones son o se basan
en mensajes personales.
Tipo de ilustración
Dentro de la ilustración se distinguen varios tipos que varían según su
función y aplicación. Entre éstos se encuentran las siguientes:
• La ilustración publicitaria: aquella que complementa o da personalidad
a un producto o marca o que anuncia un acontecimiento.
• La ilustración narrativa: toma como insumo de gran valor una
narración y en base a ésta se desarrollan las propuestas visuales, las
cuales narran una historia.
• La ilustración infantil: según García (2004) sirve para despertar el
interés del joven receptor así como para estimular y enriquecer su
capacidad de comprensión.
136
• La ilustración científica: un dibujo analítico y descriptivo para los
campos de la ciencia, en la que se demuestran los descubrimientos de
la manera más fiel.
Técnica de ilustración
• La ilustración técnica: aquella que es una referencia fiable del
mecanismo, los componentes y las funciones específicas de una
máquina o un sistema natural.
Las ilustraciones pueden desarrollarse aplicando diferentes técnicas o
en algunos casos varias técnicas en un mismo proyecto. Cada técnica
tiene características particulares y modos de aplicación que resultan
en ciertos efectos en las ilustraciones que pueden apoyar ciertos
mensajes visuales.
• La ilustración editorial: aquella que sintetiza el contenido de un texto,
historia, noticia, etc.
Las técnicas existentes para la realización de ilustraciones son las
siguientes:
• Finalmente la ilustración conceptual: aquella que, según Sanmiguel
et al (2003), no se ciñe a un texto o información específica, sino que
se desarrolla a partir de una idea personal. Es esencialmente creativa
y el concepto es lo más importante, sin embargo no es necesario que
la idea sea compleja, muchas ideas exitosas son ideas simples. Una
vez que se publica, el ilustrador no tiene control sobre el modo que el
observador percibirá su trabajo y cada persona puede comprenderlo
de una manera distinta. El éxito de este tipo de ilustración se debe a la
originalidad del estilo del ilustrador.
• La técnica de crayón es una técnica para dar color. De acuerdo a
Sanmiguel et.al. (2003) la principal característica de los lápices de
color es la facilidad e inmediatez de su utilización. Ésta técnica ofrece
un acabado más suave y satinado y no requiere de ningún otro medio
o equipo además de los lápices y papel.
Clint Tillman comenta en su entrevista que ha trabajado casi todos
los tipos de ilustración mencionados anteriormente según el trabajo
que realice. Sin embargo la mayor parte de su trabajo se compone
de ilustraciones conceptuales en las que trabaja mucho simbolismo,
metáforas y en las que todo representa algo más. Esto pudo notarse
fácilmente al aplicar una guía de observación para el análisis de una
muestra de sus ilustraciones, al identificar en ellas el uso de figuras
retóricas. Sus ilustraciones pueden clasificarse como conceptuales ya
que parten de ideas personales. Tillman menciona que sus ilustraciones
comienzan con una frase, letra de canción o simplemente una palabra
que el quiere expresar. También menciona que está consciente que
los signos que el utiliza pueden tener varios significados y que cada
persona puede comprender sus ilustraciones de diferentes maneras.
El uso de simbolismo y figuras retóricas en las ilustraciones de Tillman
se tratará más a profundidad en el siguiente tema.
• Para la técnica de acrílico las pinturas son solubles en agua pero una
vez secas son resistentes a ella. Su rapidez de secado, y la posibilidad
de rebajarlas hasta una consistencia semejante a la de las acuarelas,
los hacen ideales para la técnica de superponer finas capas de color,
una sobre la otra.
• En la técnica de óleo las pinturas no se disuelven con agua, sino con
esencia de trementina o aguarrás puro. No existe un método correcto
para pintar al óleo y cada quién elabora sus métodos propios a medida
que se familiariza con el medio.
• En la técnica de pastel la principal herramienta es lo más cercano a un
color puro. Es una técnica en base a la aplicación de estos pigmentos
sobre un fondo más o menos áspero sobre el cual los pigmentos se
agarran por adherencia y no mediante un aglutinante. El pastel permite
obtener una coloración más profunda y saturada.
• La ilustración digital es aquella que depende de una interfaz virtual
para su realización. Existen varios programas para su realización y se
eligen según el estilo de ilustración que se busca.
137
• Según Juan Carlos Calderón en su entrevista comenta que la acuarela
es una técnica que mezcla pigmentos con glicerina y goma arábiga,
empezada a utilizar por los orientales y en occidente introducida
principalmente por los ingleses. El disolvente de las acuarelas es
agua y cuando la acuarela se moja, la goma arábiga se reblandece,
impregna el pincel y permite su pintura. Calderón menciona que la
acuarela difiere de las demás técnicas en que se va del claro al oscuro,
se debe de tener cuidado para guardar el color blanco del papel. Según
Thomson y Hewison (1996) la principal característica, la cuál hace de
esta técnica una de un alto nivel de dificultad, es la transparencia. Al
aplicar esta técnica se puede obtener una infinidad de gradaciones de
tono, desde el más claro al más oscuro, mediante la acumulación de
lavados.
• En cuanto a la técnica de tinta, Smith (1996) comenta que el dibujo
a tinta y pluma ha demostrado ser muy conveniente para plasmar
detalles minuciosos. El artista solo necesita una hoja de papel, una
pluma y algo de tinta para practicar esta técnica y esta permite una
enorme variedad de expresión individual.
Mezcla de técnicas
De acuerdo a Zeegen (2009) el ilustrador siempre ha sido libre para
explorar una gran variedad de medios. La mezcla de técnicas se refiere
a la utilización de dos o más técnicas análogas o digitales combinadas
en una única composición. Aunque cada técnica tiene características
muy peculiares y propias, el añadir distintas técnicas puede crear una
mayor riqueza de texturas y sensaciones visuales.
El sujeto principal Clint Tillman hace uso de una mezcla de técnicas
en el desarrollo de sus ilustraciones. En sus proyectos se evidencia la
unión de la técnica de acuarela y la técnica de tinta. Calderón comenta
en su entrevista que cualquier técnica que no tenga problema con la
base de agua de la acuarela funciona correctamente al mezclarlas.
Tillman menciona que decidió mezclar la técnica de acuarela con la
técnica de tinta debido a su gusto por la estructura y el orden. Indica
que admira la acuarela que fluye al utilizar mucho agua, sin embargo
prefiere mantener las cosas contenidas dentro de ciertos límites y en
esto radica su creatividad y el desafío de su trabajo, manteniendo
aquellas líneas.
En base a las guías de observación se observa el uso de ambas
técnicas, utilizando la técnica de acuarela para aplicar color y lograr
efectos de trasparencia mientras que la técnica de tinta se utiliza para
crear contornos y detalles en las ilustraciones.
Pino (2005) comenta que si bien la acuarela es una técnica pictórica
de muchas posibilidades y gran rapidez de ejecución, se necesita
dedicarle mucho tiempo de estudio y experimentación para llegar a
dominarla. Calderón explica que de acuerdo a su experiencia una
de las principales ventajas de la técnica de acuarela es que es una
técnica muy portable, muy limpia y que se trabaja sobre un soporte
tan simple como el papel. Comenta que es una técnica muy amigable
que puede trabajarse sólo con un poco de agua, una paleta de colores
sencilla. Tillman indica que aplica la técnica de acuarela por su rapidez.
Comenta que le agrada trabajar con profundidades y contrastes y
luces mientras mantiene una paleta de colores muy simple y el uso
de lavados logrados con la acuarela le permite hacer eso, a veces
utilizando un solo color aplicando lavado sobre lavado para crear tonos
más oscuros y generar profundidades. Estos lavados son capas finas
de color, resultantes de la mezcla de un poco de pigmento con una
gran cantidad de agua.
Cada artista crea un estilo propio en base a su conocimiento y
experimentación con sus técnicas de preferencia. Más adelante
se explicará más detalladamente como Tillman aplica la mezcla de
técnicas de su preferencia.
Proceso de ilustración
Independientemente del tipo de ilustración o técnica que se utilice,
puede aplicarse de forma general un proceso para la generación de una
ilustración propuesto por Lawrence Zeegen (2009). Sin embargo, cada
persona puede modificarlo y aplicarlo según su preferencia debido a
que cada persona trabaja y genera ideas de maneras diferentes.
Si se trabaja con un cliente o una comisión, se inicia con un brief
creativo que indica todas las generalidades y especificaciones de la
realización del proyecto.
138
Luego se continúa al proceso de conceptualización. Si se trabaja un
proyecto personal este paso puede ser el primero en el proceso de
ilustración. Una ilustración es efectiva cuando logra unir una excelente
implementación de una técnica con un pensamiento creativo definido.
Para desarrollar estos pensamientos creativos pueden utilizarse
técnicas de conceptualización que estimulan la producción de ideas.
Como tercer paso se tiene la documentación. Al iniciar un proyecto
es importante investigar el tema del que trata y reunir suficiente
información para poder visualizar nuevas ideas y soluciones.
Luego se tiene la inspiración. La inspiración para proponer ideas y
soluciones no viene solamente de la documentación. Un ilustrador
debe buscar la inspiración constantemente.
En la etapa de desarrollo de ideas, se llega a un conjunto de ideas
más claramente definidas. Luego de generar ideas, éstas se evalúan
descartando aquellas que no son efectivas, llegando a una idea final.
Con una idea final se pasa a la etapa de bocetaje. Un boceto es
un sketch, estudios rápidos para generar más ideas, explorando
visualmente hasta generar composiciones más completas y llegar a
una propuesta final.
De acuerdo a la entrevista realizada a Clint Tillman, y tomando en
cuenta que la mayoría de sus proyectos son ilustraciones conceptuales
y personales, el sujeto menciona que, efectivamente, inicia con un
concepto, y los elementos visuales se generan y evolucionan en base
a lo que considera que funcionaría de mejor manera para transmitir
el mensaje. A partir de las respuestas de Tillman se concreta que sus
conceptos o ideas son también o parten de citas, dichos o letras de
canciones, de bandas que manejan letras de canciones bien pensadas
y con un gran significado. El sujeto comenta que define los títulos de
sus ilustraciones primero, llegando a una frase que se quiere expresar.
A partir de los análisis realizados con las guías de observación, se nota
que en una gran parte de las muestras, el título tiene un gran peso en
la lectura de los mensajes visuales de las ilustraciones de Tillman y
éstos influyen en el significado connotativo que se lee.
INFLUENCIA DE TITULO EN LECTURA VISUAL / TITULO: YOU’RE NEVER ALONE
WHEN YOURE HAUNTED BY SELF DOUBT / 2013 / CLINT TILLMAN
En la entrevista realizada, Tillman comenta que no utiliza un proceso
de conceptualización específico, sino que siempre está pensando
en como visualizar y representar mensajes, así que es un proceso
que nunca termina, en el que siempre se está al pendiente de cosas
nuevas que ilustrar y formas nuevas de representar ciertas emociones,
con diferentes elementos visuales, temas, etc.
Similar a la forma en que se generan los conceptos de Tillman es que
Grand Chamaco, cuyo trabajo es analizado como Experiencia desde
el diseño, llega a los mensajes que transmite. Sin embargo, en su caso
no se manejan ideas personales o letras de canciones o frases que se
presentan repentinamente sino hace uso de la red social Twitter, en la
que encuentra o se le presentan frases o ideas de los usuarios de la red
que funcionan como idea o concepto para generar sus ilustraciones.
En el caso de Luis Pinto, él comenta en su entrevista que inicialmente
estudia el brief que se le entrega y analiza qué es lo que se le pide
que ilustre. Pinto menciona que, al igual que Tillman, sus ilustraciones
también parten de un concepto, aunque dependiendo del proyecto, si
es personal puede dejar a un lado el concepto y experimentar, mientras
que si trabaja con un cliente su trabajo siempre va unido a un concepto.
Por lo general, como proceso de conceptualización, Pinto se vale de
figuras retóricas, las cuales ayudan a optimizar la composición gráfica.
139
Así también utiliza la lluvia de ideas, que usualmente no es de forma
escrita sino una lluvia de ideas gráfica para poder empezar a visualizar
cómo se verá la ilustración.
en su entrevista con Villagrán, que boceta a veces a lápiz y otras veces
directamente en la computadora, antes de llegar a aplicar el medio de
su preferencia, que es el digital, principalmente utilizando vectores.
Durante la entrevista, Tillman no menciona la etapa de documentación
en su proceso de ilustración, sin embargo, de forma indirecta menciona
la siguiente etapa, de inspiración, a través del comentario anterior sobre
su proceso de conceptualización, que consiste en buscar inspiración
a su alrededor, siempre buscando nuevas maneras de representar
emociones. También comenta que durante su proceso de ilustración
busca referencias solamente cuando hace algo un poco más técnico,
sin embargo las utiliza solamente como punto de partida, sin apegarse
a ellas, realizando cambios y modificaciones. A su vez Pinto, tampoco
menciona la etapa de documentación, sin embargo comenta que
luego de analizar el brief que le es entregado, busca insumos gráficos
tanto de referencias de libros, referencias digitales, mensajes, ideas y
contenido literario en base al cuál el puede inspirarse para llegar a la
generación de ideas.
Tillman menciona que en su cuaderno de bocetos, inicia el boceto
preliminar en lápiz azul y luego trabaja sobre este mismo boceto con
un lápiz rojo obteniendo líneas un poco más definidas y cuando ya
logra ponerlas donde desea que estén, toma un lápiz regular de grafito
y dibuja las líneas finales. Por lo que boceta la misma ilustración tres
veces una sobre otra logrando un solo boceto justo y detallado. Luego
con el lápiz de grafito aplica sombras que utiliza para definir como
aplicar la acuarela a la pieza final. Al finalizar el boceto puede continuar
a aplicar su técnica de preferencia, terminando así su proceso de
ilustración.
En cuanto a la siguiente etapa, la etapa de desarrollo de ideas, Tillman
menciona que para la mayoría de proyectos a partir de la frase o
concepto, él define los elementos que utilizará para comunicarlo. Son
muy pocas las veces en que no sabe como representarlo y experimenta
e investiga en diferentes direcciones hasta llegar a una idea final.
Pinto no menciona esta etapa, sin embargo se deduce a partir de sus
comentarios que, en donde realmente desarrolla ideas es en la etapa
de bocetaje. En cuanto a Grand Chamaco, su proceso es similar al de
Tillman, que a partir de la frase, o en este caso twit, él visualiza el modo
en que transmitirá dicha frase y define los elementos que utilizará.
En la entrevista realizada, Tillman indica que usualmente solo tiene un
sketch o boceto detallado de la ilustración y la ilustración final. A partir
de la idea o título que quiere transmitir, inicia el boceto, detallándolo
poco a poco. El sujeto comenta que usualmente inicia y termina el
boceto de una sola vez. No se detiene hasta que tiene toda la idea
desarrollada, al menos al punto en que sólo le falta un poco de detalle.
Pinto difiere de Tillman en este punto, comentando que el bocetaje casi
es una etapa obligatoria ya que siempre una idea dirige a otra, por lo
que los bocetos son siempre importantes. Grand Chamaco comenta,
1ERA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ AZUL / BOCETO DE
ILUSTRACIÓN BLACK SHEEP BOY / CLINT TILLMAN
140
2DA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ ROJO / BOCETO DE
ILUSTRACIÓN LEFTY / CLINT TILLMAN
3RA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ DE GRAFITO /
BOCETOS DE THE POLICY / CLINT TILLMAN
3RA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ DE GRAFITO /
BOCETO VARIAS ILUSTRACIONES / CLINT TILLMAN
141
Proceso de ilustración con acuarela
El proceso de ilustración con acuarela no es igual al proceso para crear
una pintura tradicional con la técnica de acuarela.
Tillman menciona que sobre su boceto coloca el papel acuarela y aplica
la técnica de tinta, realizando contornos y detalles previo a aplicar la
técnica de acuarela.
El proceso de ilustración comienza eligiendo el soporte en que se
trabajará. Luego se realiza sobre éste el dibujo final bien acabado.
Puede realizarse con suaves trazos con un lápiz común, aunque
se recomienda utilizar lápices acuarelables. Se procede a aplicar la
técnica iniciando con los tonos claros, diluyéndolos con bastante agua.
Se pintan todas las zonas de la ilustración aplicando degradados en
los fondos amplio y humedeciendo las zonas que se van a pintar antes
de aplicar el color en sí. Se aplican tonalidades claras, intensificando
poco a poco los tonos sobreponiendo capas de color. Al finalizar se
pueden realizar retoques con la misma técnica o mezclando técnicas.
En la entrevista realizada, se deduce que Tillman ha modificado este
proceso y ha cambiado su cronología. Tillman comenta que al finalizar
su boceto, lo escanea y vuelve a imprimirlo todo en blanco y negro para
colocarlo en un lightbox o caja de luz. De acuerdo a Tully (2011) lightbox
es una caja de plexiglass o vidrio esmerilado con retroiluminación
sobre la cual pueden trazarse imágenes. Esta luz ilumina un pedazo
de papel con una imagen o dibujo haciendo más fácil poder verlo sobre
un nuevo papel en blanco al colocarlos uno sobre otro.
LIGHTBOX (CAJA DE LUZ)
FUENTE: HTTP://WWW.GAGNEINC.COM/IMAGES/LP-WOOD.GIF
APLICACIÓN DE TÉCNICA DE TINTA PARA ILUSTRACIÓN TURNKEY
/ CLINT TILLMAN
APLICACIÓN DE TÉCNICA DE TINTA PARA ILUSTRACIÓN SHIPWRECK
/ CLINT TILLMAN
142
Al haber terminado de aplicar la técnica de tinta procede a aplicar
sobre ella la acuarela, aplicando lavados suaves, y sobre éstos más
capas de color para trabajar las áreas que desea saturar, hasta
finalizar sus ilustraciones. En base a los comentarios de Tillman y lo
observado en base a las guías de observación aplicadas a la muestra
de ilustraciones se deduce que el sujeto principal aplica un lavado
gradual. Este tipo de lavado se logra humedeciendo primero la zona
que se va a pintar, luego utilizando un pincel grande y aplicando la
pintura, haciendo el color progresivamente más oscuro. Como se
mencionaba anteriormente a través de estos lavados Tillman puede
utilizar solamente un color manejando varias tonalidades y aplicando
cuantas capas sean necesarias para lograr el efecto que desea y
lograr profundidades.
APLICACIÓN DE TÉCNICA DE ACUARELA PARA ILUSTRACIÓN TURNKEY
/ CLINT TILLMAN
A partir de la síntesis realizada a partir de toda la información
recolectada se define que Clint cuenta con un proceso creativo
informal, con modificaciones personales que pueden variar según
la idea que esté trabajando. Tillman aplica el proceso propuesto por
Zeegen (2009), utilizando o eliminando ciertos pasos según lo requiera
para la realización de una ilustración determinada, como por ejemplo
incluyendo la etapa de documentación buscando referencias para
ciertas ilustraciones que tienen cualidades más técnicas. Clint comenta
que, por ejemplo para algunas ilustraciones que incluyen esqueletos
y elementos biológicos busca referencias aunque no siempre se
mantiene un cien por ciento apegado a ellas.
ILUSTRACIONES EN BASE A REFERENCIAS / ELEMENTOS BIOLÓGICOS /
CLINT TILLMAN
APLICACIÓN DE TÉCNICA DE ACUARELA PARA ILUSTRACIÓN YOU’RE NEVER
ALONE WHEN YOU’RE HAUNTED BY SELF DOUBT / CLINT TILLMAN
Tillman también tiene cierta manera de aplicar una técnica de
ilustración. Eligió una mezcla de técnicas de ilustración en base a
preferencia personal, creando un estilo personal.
143
CONTRIBUCIÓN DE LA TÉCNICA MIXTA ANÁLOGA A LA
REPRESENTACIÓN DE MENSAJES VISUALES EN LAS
ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN
Para poder determinar cómo es que la técnica mixta de acuarela y tinta
que Clint Tillman aplica en sus ilustraciones refuerza o contribuye a la
representación de los mensajes visuales se debe regresar a las bases
de la comunicación visual para comprender lo que son los mensajes
visuales y la forma en que éstos se transmiten.
La comunicación visual
La comunicación visual es un término muy amplio, y puede ser entendido
desde varias perspectivas diferentes. Según Baldwin y Roberts (2007)
actualmente la comunicación visual está en todas partes y es por esto
que se tiende a no darle importancia, sin embargo es vital entender
nuestro entorno visual, porque las imágenes que nos rodean son el
medio que más nos influye.
De acuerdo a Silvia Barrientos, experta en comunicación visual, la
comunicación no se presenta sólo en el diseño sino en todos lados
y se nos presenta desde que somos pequeños. La comunicación es
parte de la naturaleza humana. La comunicación visual la trabajamos
y ponemos en práctica en el día a día y se trata de intercambiar
información y comprender lo que se nos presenta. Ésta comunicación
se basa en códigos, en signos, todo lo que nos rodea son signos y
esto debe tomarse en cuenta para entender lo que es la comunicación
visual aplicada al diseño.
De acuerdo a la experta, no hay ciertas características o elementos
específicos que influyan en una mejor comunicación visual o que
faciliten el lograr una mejor comunicación visual. Lo que influye y logra
que la comunicación visual sea eficaz es el análisis que se realiza
sobre las composiciones que se desarrollan. Las elementos que se
decide incluir en una composición deben de elegirse en base a una
profundización y análisis de lo que se quiere transmitir y una evaluación
de qué implicaría cada elemento y sus características.
Según Baldwin y Roberts (2007) en la comunicación visual se trabajan
dos ángulos principales. El primero es la teoría del proceso que
considera la comunicación como un proceso lineal en el que el mensaje
o la idea pasa de un punto A a un punto B. El segundo enfoque con
base en la lingüística es la semiótica.
Semiótica
La semiótica sugiere que la comunicación no es un proceso en el que
el mensaje pasa de un punto a otro, sino que consiste en la propia
producción de ese mensaje. Este enfoque se centra en el destinatario y
en su entorno social, político y económico. Toda asociación o convención
depende de un contexto, ya que algunos colores o símbolos significan
cosas completamente distintas en diferentes lugares del mundo. Es
por esto que independientemente del significado que el emisor tenga
en mente, los mensajes pueden leerse de maneras inesperadas, por
lo que los signos tienen dos niveles de significado: el intencionado
(denotación) y el que entiende la otra persona (connotación). El
significado denotativo es de un carácter más objetivo mientras que el
significado connotativo es de carácater subjetivo. En el caso de las
ilustraciones deTillman se nota que se dan significados denotativos
muy simples y directos. Sin embargo el significado connotativo, al
establecerse de acuerdo a la experiencia y a los conocimientos de la
persona que lee el mensaje, se vuelve personal y varía de persona en
persona. Es por esto también que al comparar el significado connotativo
de algunas de las guías de observación con los comentarios de Tillman
durante su entrevista, éste no concuerda completamente con con el
mensaje que el ilustrador quería transmitir.
Por ejemplo, al analizar la ilustración I’ve got a bad feeling about this
con la guía de observación desarrollada, el significado connotativo
que se identifica es la presencia de un dolor que atraviesa el corazón.
Sin embargo al consultarlo con el sujeto principal, él comenta que la
ilustración quería representar aquella situación en que se busca ayudar
a alguien pero esa persona toma ventaja y busca solo complacer su
interés personal.
144
Polisemia
Según Baldwin y Roberts (2007) esto es un concepto importante en la
comunicación. Polisemia es la capacidad de un signo de tener múltiples
significados relacionados. El significado puede cambiar a medida que
se va pensando en él, y cuando descubre uno nuevo se van pensando
en otros a continuación.
va a suceder, sea intencional o no, ya que este enfoque se basa en
provocar una reacción, no busca que la interpretación sea unánime.
Basados en lo expuesto anteriormente, es evidente que en el caso
de Clint, sus ilustraciones cumplen una función artística. Su lenguaje
y mensajes son de carácter personal pero siendo su enfoque uno
artístico, naturalmente surgen varias interpretaciones, sin dejar a un
lado la función de comunicación.
En su entrevista, Tillman comenta que considera que la polisemia
sí aplica en sus ilustraciones. El sujeto comenta que utiliza signos,
figuras recurrentes que pueden tener varios significados, por ejemplo,
los fantasmas. En sus ilustraciones hace uso de los fantasmas como
signos que pueden representar eventos del pasado que vuelven
continuamente o en otras ocasiones pueden representar dudas, duda
en uno mismo o el subconsciente que trata de decir algo.
La polisemia en las ilustraciones de Tillman pudo notarse también,
como se comentaba anteriormente, al momento de comparar los
resultados de las guías de observación con los comentarios del sujeto
principal. Al analizar algunas de las ilustraciones con base en la guía de
observación se llegó a cierta interpretación que, a pesar de compartir
ciertos elementos, era fundamentalmente diferente a la explicación
proporcionada por el sujeto durante su entrevista.
Luis Pinto, ilustrador y diseñador gráfico, comenta que considera que las
ilustraciones de Clint Tillman pueden tener más de una interpretación,
debido a que no siempre maneja un mismo tema y toma distintos
elementos, situaciones, etc. y uno como espectador puede encontrar
diferentes significados, a menos que el mensaje que se presenta en
la ilustración sea muy específico y claro. De acuerdo a Barrientos, las
ilustraciones de Tillman sí pueden tener varias interpretaciones, sin
embargo se debe en mayor medida a que todo en la comunicación es
arbitrario y polisémico.
Hay que tener en cuenta también que un texto puede fijar un
significado. En el momento en que se añade un texto a una imagen,
esta queda cerrada en alguna medida, deja de estar completamente
abierta a la interpretación. Esto puede evidenciarse en el trabajo
de Grand Chamaco, analizado como experiencia del diseño. Grand
Chamaco comenta en su entrevista con Villagrán que considera que
sus ilustraciones cuentan solamente con una interpretación, que
se cierra debido al texto del que parten sus ilustraciones y que las
acompañan gráficamente. A diferencia del caso de Tillman, en que se
nota que el texto, cuando es aplicado, no siempre cierra los mensajes
de sus ilustraciones y al contrario puede llevar a nuevas y diferentes
interpretaciones.
Sin embargo es necesario hacer una aclaración. El que una ilustración
tenga varios significados o pueda tener varias interpretaciones no
es una ventaja ni una desventaja. De acuerdo a las respuestas de la
experta en comunicación visual en su entrevista, si se está trabajando
una ilustración como diseño gráfico, para enviar o reforzar un mensaje
específico, el que la ilustración pueda tener varias interpretaciones se
reduce simplemente a que la pieza no funciona. En esta situación el
ilustrador debe centrarse en el objetivo de comunicación y basarse
en ciertos parámetros, como el lenguaje del grupo objetivo al que
se dirige y no uno personal, encontrando signos convencionalizados
dentro del grupo objetivo que funcionen al momento de transmitir
el mensaje. Mientras que si se está trabajando la ilustración con un
enfoque artístico, el que tenga varias interpretaciones es algo que
Mensaje visual
Un mensaje visual es un sistema que emplea imágenes como medio
de expresión. Roland Barthes desarrolló un sistema de lectura de
combinaciones de texto e imagen que comprende tres tipos de
mensaje:
• Mensaje lingüístico: Es el propio texto, usualmente utilizado en forma
de slogan o lema que acompaña la imagen.
145
• Mensaje icónico codificado: Es un mensaje simbólico que funciona
en un plano de connotación.
• Mensaje icónico no codificado: Este tipo de mensaje funciona en el
plano de la denotación.
En base a los resultados de las guías de observación aplicadas a la
muestra de ilustraciones de Tillman se define que el sujeto principal
maneja los tres tipos de mensaje, sin embargo predomina el mensaje
icónico codificado seguido por el mensaje lingüístico.
Como comentaba Barrientos en su entrevista, la comunicación se basa
en códigos y en signos y todo lo que nos rodea son signos y esto es la
base de la comunicación visual. Todo mensaje visual está compuesto
de signos. Según Crow (2008) un signo es una cosa que representa a
otra ante alguien en alguno de sus aspectos. Se dirige a alguien y por
esto crea en la mente de esa persona un signo equivalente o quizás un
signo más desarrollado. Un signo está compuesto por tres elementos:
el significante que es la forma que adopta el signo, el significado que
es a lo que se refiere el signo y la persona que utiliza el signo.
En los mensajes visuales, éstos signos son elementos visuales base.
Dependiendo del mensaje que se quiere transmitir y la forma en que se
quiere transmitir, la aplicación de éstos elementos varía y se les otorga
diferentes niveles de prioridad. Estos elementos incluyen la tipografía,
el color, las texturas y las figuras.
Tipografía
Según Ambrose y Harris (2006) la tipografía es el medio por el que se
le da una forma visual a una idea escrita. La selección de la tipografía
puede afectar de forma drástica a la legibilidad de la idea escrita y la
sensación que despierte en el lector. Los tipos de letra varían desde
las letras más claras y legibles que fluyen fácilmente y son funcionales
para grandes bloques de texto, hasta tipografías más decorativas y
atractivas que llaman la atención. Grand Chamaco en su entrevista
con Villagrán comenta que la tipografía juega un papel muy importante
en sus ilustraciones, ya que conecta la ilustración con el mensaje o
twit. Le gusta experimentar buscando muchas maneras de comunicar
lo mismo con diferentes tipografías hasta encontrar la que le da el
mejor sentido estético a la composición, aquella que crea balance en
la composición y apoye la línea gráfica trabajada en la ilustración.
A partir de las guías de observación aplicadas a las ilustraciones de
Clint Tillman se nota que el sujeto utiliza principalmente una tipografía
manuscrita y en algunas ocasiones una tipografía manuscrita pero con
un estilo caligráfico, siempre buscando trazos naturales.
En todas las ilustraciones analizadas la tipografía mantiene rasgos
similares, al igual que un mismo peso. Estos rasgos son logrados
debido al uso de la técnica de tinta por parte del sujeto principal. El
sujeto comentó durante su entrevista que utiliza la técnica de tinta para
crear contornos y marcar detalles en sus ilustraciones por su gusto al
orden y estructura que el tener límites genera. Sin embargo al aplicar
la técnica sigue manteniendo trazos naturales y fluidos reforzando los
mensajes de las ilustraciones, que siempre se relacionan a temáticas
naturales, como náuticas, forestales, etc.
Sin embargo en base a las guías de observación no se puede notar un
patrón que determine las razones de su elección para aplicar ya sea la
tipografía manuscrita o la tipografía caligráfica.
Color
Según Ambrose y Harris (2006), el color se ha convertido en un elemento
básico en la comunicación visual. El color provee dinamismo, atrae la
atención y puede utilizarse para despertar respuestas emocionales.
El color tiene diferentes valores emotivos o simbólicos según la
experiencia personal del espectador así como su trasfondo cultural.
Así mismo, de esto dependen las propiedades psicológicas del color.
146
De acuerdo a Clint Tillman, los colores que él utiliza en sus ilustraciones
no tienen un significado en especial y solamente reflejan su preferencia
personal y su paleta de colores personal. Sin embargo, Pinto en su
entrevista comenta que considera que la paleta de colores de Tillman
sí tiene un significado ya que se relaciona con las temáticas naturales
de las ilustraciones del sujeto principal. Pinto comenta que a través
de la observación nota que la paleta de colores utilizada usualmente
por Tillman es a base de colores tierra y en aquellas ocasiones en
que maneja una paleta de colores fríos siempre mantiene al menos
una tonalidad cálida. Grand Chamaco, sujeto de la Experiencia desde
diseño, comenta que para él, el color es algo que nace con cada
ilustración. Es principalmente una elección por gusto personal, al igual
que el sujeto de estudio principal. A través del color busca crear un
balance, haciendo mayor énfasis en el color del fondo, que es el que
logra resaltar o apagar el resto de la composición. Grand Chamaco
considera que los colores en las ilustraciones son muy libres, puede
evaluarlo según lo que él considera que se mira bien, experimentando
según sea necesario.
preexistentes y la progresiva convencionalización de las relaciones
arbitrarias entre signo y referente. Chaves expone que el significado de
un color no es intrínseco sino determinado por los códigos operantes
en el contexto en el que aparece. Un color no significa lo que a uno le
plazca. Para poder escoger un color, o cualquier signo y generar una
composición gráfica es necesario detectar asociaciones conscientes o
inconscientes que existen en el contexto en que se utilizan.
Barrientos explica que los signos siempre van a ser arbitrarios, cada
espectador da cierta interpretación a las ilustraciones según sus
experiencias, sus gustos y su forma de ver las cosas. Sin embargo al
ser expuestos a ciertas circunstancias y representaciones visuales se
van creando convenciones alrededor de los elementos visuales que
pueden llegar a modificar o predisponer significados en un mensaje. Por
ejemplo, en una de las ilustraciones de Tillman, “Come down from your
mountain (You’ve been gone way too long)”, la experta en comunicación
visual comenta que es posible que el ilustrador elija las tonalidades
azules por preferencia personal, sin embargo la convención tal vez más
A partir de las guías de observación utilizadas para el análisis de una
muestra de ilustraciones de Tillman se define que en la mayoría de las
ilustraciones de la muestra se utilizan colores análogos, principalmente
colores cálidos y, a pesar del comentario inicial del sujeto principal,
de utilizar colores en base a una preferencia personal, de acuerdo a
la psicología del color y al análisis realizado, la selección de colores
utilizados en la mayoría de ilustraciones refuerzan los mensajes
interpretados.
En su entrevista, Barrientos comenta que el color es siempre un signo
por sí solo. Es importante hacer esta aclaración, debido a que Barrientos
menciona que mucha gente percibe el color como una característica de
otro elemento en la composición. Sin embargo el color por sí solo tiene
ciertos significados como elemento. A pesar de ser una elección por
gusto personal este elemento sigue siendo un signo, que refuerza todo
mensaje visual. Al igual que Pinto, Barrientos considera que el color en
las ilustraciones de Tillman refuerza el mensaje visual que se busca
transmitir. La experta hace referencia a el artículo “Marca cromática y
semántica del color” de Norberto Chaves (VER ANEXO 7) en que se
habla de la significación del color y que ésta está motivada por códigos
COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG) /
CLINT TILLMAN
147
clara en cuanto al azul en la mayoría de culturas es la representación
del frío. Entonces puede ser que al momento de elegir la tonalidad azul
para su ilustración Tillman no consideró conscientemente su elección,
sin embargo inconscientemente elige el color al saber que el azul es
una convención como un signo de frío. Es por esto que a pesar de que
la selección de colores por Tillman es por preferencia personal debido
a las convenciones relacionadas al color y la elección consiguiente de
éstos colores se refuerzan los mensajes visuales.
Tillman comenta que el aplicar la técnica de acuarela le permite
mantener una paleta de colores simple, al poder aplicar varios tonos
de un mismo color solo variando la saturación. Esto mismo le permite
también realizar proyectos utilizando solamente un color. Pinto comenta
que el uso de ésta técnica y por consiguiente ésta paleta de color,
crea un estilo único del sujeto principal que refuerza sus mensajes
visuales y al mismo tiempo genera nuevas convenciones alrededor de
las ilustraciones de Tillman y entre los espectadores de sus obras, en
cuanto a la significación de los colores específicamente aplicados en
sus proyectos.
Pinto concuerda con Barrientos al comentar que considera que la
aplicación de color apoya la comunicación visual en las ilustraciones
de Tillman. Según este sujeto la paleta de color siempre transporta y
guía al observador a ciertos mensajes gráficos.
En cuanto a la textura en la comunicación visual, Barrientos, en su
entrevista, comenta que las texturas apoyan la transmisión de los
mensajes visuales de las ilustraciones de Tillman. La experta expone
que la textura va de la mano con la técnica, ya que la técnica muchas
veces define la textura que tendrá la composición. Según cada técnica,
las texturas tienen rasgos específicos o limitantes y ya sea que el
objetivo principal del ilustrador sea el de comunicar o no, de igual
forma las texturas comunican un mensaje o idea, a pesar de hacer una
elección por gusto personal.
A partir de la guía de observación aplicada a la muestra de las
ilustraciones del sujeto de estudio principal se nota que Tillman utiliza
tanto texturas visuales como táctiles, en base a la técnica mixta que
él utiliza. Debido a su uso de la técnica de acuarela, él trabaja sus
ilustraciones sobre un tipo específico de soporte que tiene cierta
textura táctil y es por esto que la textura se mantiene siempre presente
en sus ilustraciones, mientras que a través de su uso de la técnica
de tinta logra ciertas texturas visuales aplicadas de forma consciente.
Ambas texturas son al mismo tiempo, texturas orgánicas ya que son
aleatorias, sin un orden específico.
Texturas
La textura es un elemento visual que sirve como un reemplazo visual
de las cualidades táctiles, aunque también es posible que una textura
sea solamente óptica y no táctil. La textura es un elemento visual
necesario para la comprensión de la percepción espacial. Existen
diferentes tipos de textura dependiendo de la cualidad que se evalúa.
Una textura puede ser visual o táctil, cuya diferenciación es obvia por
su nombre, siendo una percibida por el sentido de la vista y la otra por
el sentido del tacto. Una textura puede ser natural o artificial, la natural
siendo aquella que existe en la naturaleza, que tienen las superficies y
cuerpos de la naturaleza, mientras que la artificial es aquella que tienen
los objetos fabricados por el ser humano. Y finalmente una textura
puede ser orgánica o geométrica, orgánica aquella que es aleatoria y
geométrica aquella que sigue un patrón matemático.
TEXTURA TÁCTIL / PAPEL DE ACUARELA
148
Figuras
En cuanto a figuras o formas, cada persona decide, a partir del mensaje
que se quiere transmitir, qué figuras o formas son las más adecuadas
para efectivamente transmitirlo. Al igual que con el resto de elementos,
cuando se parte de una necesidad u objetivo de diseño, esta elección
debe hacerse según las convenciones en común presentes en el
grupo objetivo, su percepción, el contexto y el cliente. Sin embargo
cuando se tiene un objetivo más artístico, se da una mayor libertad
al elegir. Tillman indica que durante su proceso creativo, analizado
anteriormente, luego de llegar a una frase o idea que se quiere
transmitir, él decide qué figuras son las que debería de dibujar para
expresar aquella frase o idea. También menciona que maneja varios
signos que son recurrentes en su trabajo, que ya tienen un significado
específico en sus ilustraciones, por lo que al momento de transmitir
cierta idea, utiliza aquellos signos, si es que aplican en el mensaje. En
el caso de Grand Chamaco, analizado como experiencia de diseño,
comentó a Villagrán que elige las figuras que mejor representan al twit
que ilustra.
TEXTURA VISUAL / TÉCNICA DE TINTA
Usualmente ésta textura visual se aplica a ciertos elementos en
específico en las composiciones de Tillman. Principalmente y más
continuamente a lo largo de sus ilustraciones el sujeto principal
aplica una textura visual determinada a el elemento de la barba en su
personaje “beard man” o chico de la barba. El sujeto también utiliza la
textura para crear áreas de sombra, enfasis en la ropa y en metales.
Estas texturas, en especial aquella lograda por la técnica de tinta,
tienen un gran valor en las ilustraciones de Tillman ya que, sin éstas,
las obras se notarían incompletas por falta de detalle. Clint pone un
gran énfasis en generar contornos y detalles, a través de la técnica
de tinta, como se mencionaba anteriormente, logrando reforzar los
mensajes visuales siempre relacionados a temáticas naturales, a
través de las texturas aplicadas a ciertos elementos, logrando simular
texturas naturales y orgánicas y dando un toque final a la esencia de
sus proyectos.
Tillman menciona que los signos recurrentes mencionados
anteriormente son principalmente los fantasmas, cuyos significados
fueron explicados anteriormente; las flechas; y en este momento,
figuras relacionadas a el tema náutico. El ilustrador Pinto identifica
como signos recurrentes en las ilustraciones de Tillman elementos
que se relacionan con trabajos arduos del hombre como por ejemplo
los cazadores, leñadores, marineros, todo lo que tenga que ver con
una conexión a la naturaleza. En el caso de Barrientos, ella identifica
como principales signos recurrentes elementos geométricos como
círculos, líneas, flechas y puntos, además del personaje que Tillman
reconoce como “Beard man” o el hombre de la barba, texturas, y al
igual que Pinto, identifica elementos náuticos y naturales. Sin embargo,
de acuerdo al concepto de polisemia, algunos de estos signos son
leídos de formas diferentes por los sujetos de estudio. Por ejemplo, al
realizar un análisis, la experta en comunicación visual considera que
las flechas reflejan dirección, decisión o el punto de vista de Tillman,
como también reflejan una relación, como una unión de conceptos o
sentimientos que el coloca en la composición, sin embargo Tillman
menciona que trabaja las flechas basado en la geometría sagrada por
149
lo que las flechas usualmente reflejan dolor de corazón y decepción.
En base a esto Barrientos comenta que cada signo puede interpretarse
de forma diferente según su contexto. Si se presenta un signo por su
cuenta puede dársele cierto significado, sin embargo si se presenta en
un cierto contexto su significado puede cambiar, al igual que cambia
dependiendo de la persona que lo lee.
Las figuras no son definidas en base a la técnica aplicada. A diferencia
de la textura, la elección de las figuras representadas y la técnica no
van estrictamente de la mano. Sin embargo la técnica influye en la
apariencia de las figuras y cómo éstas apoyan o refuerzan los mensajes
visuales. Las figuras en sí, tienen un gran peso en la transmisión
de mensajes o ideas, sin embargo sus cualidades visuales, osea la
aplicación de los elementos explicados anteriormente, como el color
y la textura, logrados a través de la técnica influyen en el valor de
la figura en la composición y por lo tanto, influyen también de gran
manera en la transmisión de mensajes visuales.
Técnica mixta aplicada por Clint Tillman
Como se comentaba en el desarrollo del primer tema, la técnica de la
acuarela es una técnica análoga aguada, es decir que su disolvente es
agua. Es una técnica de muchas posibilidades y rapidez de ejecución.
La principal característica de esta técnica es la transparencia y la
infinidad de gradaciones de tono que se pueden lograr mediante
lavados, siendo éstos la aplicación de finas capas de color en la
técnica de la acuarela. En cuanto a la técnica de tinta su carácter
particularmente incisivo es muy conveniente para plasmar detalles
minuciosos. No son necesarias muchas herramientas para lograr una
gran variedad de formas y expresión. El mezclar técnicas ofrece a los
ilustradores un nuevo e infinito rango de posibilidades.
Técnica mixta y mensajes visuales de Clint Tillman
La experta en comunicación visual comenta que todo lo que se incluya
o deje de incluir en una composición afecta la comunicación y tiene un
significado. Es por esto que la técnica que se aplica también apoya
una composición y transmite una idea o sensación. Apoya a transmitir
el mensaje y a cerrarlo, generando un significado único y completo en
la composición. Se busca el aplicar una técnica específica en base a lo
que se quiere transmitir.
Tillman comenta que la técnica de la acuarela, por su forma fluida
y aguada y los sentimientos que transmiten por sí solos los lavados
en la acuarela, le permiten transmitir aquellas emociones o grupos
de emociones que componen los conceptos o mensajes que busca
transmitir en sus ilustraciones. La técnica le permite utilizar una paleta
de color en tonalidades desaturadas para comunicar algo triste y
nostálgico pero ésta misma técnica le permite lograr un efecto más
fuerte y llamativo para ciertas emociones de sus mensajes con la
misma paleta de color, solamente aplicando más pigmento y logrando
tonos más saturados.
Se logra reforzar los mensajes también en base a el o los puntos
focales de las ilustraciones, dando un mayor énfasis a ciertos
elementos generando un centro de interés en la composición. Un
punto focal puede lograrse por contraste, tamaño, formas o color. En
base a la guía de observación aplicada a la muestra de ilustraciones
de Tillman se definió que los puntos focales se logran principalmente
a través del color. La técnica de acuarela permite al sujeto principal,
como se mencionaba antes, utilizar una misma paleta de color y lograr
tanto tonalidades saturadas como desaturadas. Es así como aquellas
áreas en que Tillman aplica más lavados aumentando la pigmentación,
se convierten en puntos focales, reforzando los mensajes visuales a
través de la aplicación de la técnica de acuarela.
Pinto considera que la técnica apoya a la transmisión de mensajes
en las ilustraciones de Clint Tillman debido a que crea un distintivo o
una característica que lo diferencia de los demás. Indica que Tillman
utiliza la técnica como una base o sello artístico, y como ilustrador
es importante mantener tanto técnicas como estilos visuales para
poder ser reconocido. A su vez el experto en la técnica de acuarela,
Juan Carlos Calderón, comenta que en efecto la técnica apoya los
mensajes de las ilustraciones y más específicamente su modo de
aplicarlas. Comenta que Tillman aprovecha la técnica y logra transmitir
un mensaje claro, simple y directo utilizando una paleta de colores
limitada y en algunos casos a un solo color valiéndose de la principal
característica de la técnica, las transparencias.
150
Calderón explica que la acuarela tiene un gran poder de comunicación.
Sin embargo el verdadero valor radica en la creatividad del artista. El
ilustrador o artista puede tomar ciertos mensajes, y luego transmitirlos
de una manera original y creativa a través de una composición de
ciertos elementos. La técnica suele definir ciertos elementos visuales
que conforman una composición. La textura, la aplicación del color,
la tipografía, pueden definirse a partir de la técnica. Es por esto que
las técnicas que el sujeto principal utiliza en su trabajo refuerzan sus
mensajes debido a que todos los signos dependen de ella. La textura
que se genera va de la mano con la técnica y esta textura transmite en
sí un significado. Las tonalidades de los colores dependen del modo
en que se aplica la técnica y por lo tanto afectan el mensaje visual. Y la
tipografía, que tendrá ciertos rasgos en base a la técnica que se utilice
para crearla.
151
DEFINICIÓN DEL ESTILO GRÁFICO DE LAS ILUSTRACIONES
DE CLINT TILLMAN Y COMO ÉSTE REFUERZA LOS MENSAJES
VISUALES
Para poder identificar el estilo del sujeto principal de la investigación
así como identificar cómo es que refuerza los mensajes visuales de las
ilustraciones de Clint Tillman, se retoma la información presentada en
el desarrollo del tema anterior sobre los mensajes visuales.
Mensaje visual
Como se mencionaba anteriormente un mensaje visual es un sistema
que emplea imágenes como medio de expresión. Roland Barthes
desarrolló un sistema de lectura de combinaciones de texto e imagen
que comprende tres tipos de mensaje: mensaje lingüístico (texto);
mensaje icónico codificado (plano de connotación); y el mensaje
icónico no codificado (plano de la denotación).
Todo mensaje visual está compuesto de signos y éstos signos son
elementos visuales. Estos elementos incluyen la tipografía, el color,
las texturas y las figuras y dependiendo del mensaje que se quiere
transmitir y la forma en que se quiere transmitir, la aplicación de éstos
elementos varía.
Estilo gráfico
De acuerdo al blog Aprendiendo Historia del Arte (2012) comenta que
un estilo se define como un conjunto específico de características tanto
de forma como de contenido que permiten agrupar a una serie de
obras o autores que comparten estos elementos o características de
forma estable, permitiendo afirmar que dicho autor u obra pertenecen
a uno u otro estilo.
visual. Un estilo puede definirse por la aplicación de ciertos colores,
texturas, tipografías y formas en sus propuestas visuales, sin embargo
como se mencionaba anteriormente, las características que definen un
estilo no solo se limitan a éstos elementos visuales o características de
forma sino también a aquellas características del contenido.
En cuanto al estilo de Clint Tillman, el sujeto comenta en su entrevista
que no clasifica su trabajo dentro de ningún estilo gráfico establecido.
Sin embargo define algunas características constantes o que definen
su estilo particular. El sujeto menciona que no trabaja sus técnicas
de manera etérea sino mantiene muchas duras líneas de contorno
y detalles muy definidos, sin embargo siempre se notan algunas
líneas un tanto temblorosas. Tillman prefiere utilizar un áspero papel
prensado en frío, que disimula un poco aquellas líneas demasiado
temblorosas y al aplicar la técnica de acuarela permite mostrar cierta
transparencia e incertidumbre a través de los lavados. Pinto indica que
considera que el estilo de Tillman se apega a una tendencia Grunge,
una tendencia donde la textura tiene un papel principal dentro de la
composición gráfica. Menciona que también se relaciona con éste
estilo por la realización de sus ilustraciones de forma análoga, lo que
le da naturalidad y sinceridad en sus trazos.
Grunge o grungy se traduce como sucio o descuidado. Un estilo
grunge en diseño o ilustración se maneja una apariencia desgastada
o manchada, vieja y oxidada. En este estilo las texturas siempre están
presentes de una manera u otra, texturas como madera, tela y papel.
Un estilo gráfico es razonablemente flexible debido a que cada autor
introduce sus propios elementos pero debe permanecer una esencia
que vincule su trabajo a un estilo determinado.
En el estilo grunge se manejan colores tenues como grises, beige,
verde y café. A menudo los colores brillantes son remplazados por
colores más naturales como marrón, naranja oscuro, etc. Se aplican
muchas texturas, como se mencionaba anteriormente. Puede utilizarse
texturas de paredes sucias, papeles rasgados o papel viejo. En los
proyectos con estilo grunge se utilizan muchas líneas irregulares y
marcos, elementos como papel rasgado o fotos rasgadas, esquinas
dobladas o sucias y desgastadas, y elementos hechos a mano, como
tipografías manuscritas, etc.
Algunas características o elementos que pueden definir un estilo
gráfico son los elementos que componen los signos de un mensaje
Se encuentran algunas similitudes entre las características de
las ilustraciones de Tillman y las características del estilo grunge,
152
presentadas anteriormente. Clint utiliza una paleta de colores muy
simple con colores análogos cálidos. Aplica colores tenues como
el beige y el gris, sin embargo también aplica colores brillantes
dependiendo del mensaje que busca transmitir.
PALETA DE COLOR ESTILO GRUNGE
PALETA DE COLOR USUAL DE ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN
También tiene acabados naturales con líneas irregulares y hace uso
de tipografía manuscrita para la transmisión de las ideas escritas.
Sin embargo aunque las ilustraciones de Tillman si se enfocan en un
acabado análogo no tienen una apariencia desgastada o sucia.
Tillman tiene un estilo muy particular de ilustrar sus personajes y demás
figuras, al igual que otras características que definen lo que puede ser
un estilo personal. Clint maneja una paleta de color en que es constante
un color rojo-naranja brillante, también maneja los contornos de sus
elementos únicamente con la técnica de tinta, utilizando solamente el
color negro. Se explicó anteriormente que de acuerdo a la experta en
comunicación visual todo lo que se incluya o deje de incluir en una
composición afecta la comunicación y tiene un significado. Es por esto
que la técnica que se aplica al realizar una ilustración también apoya
una composición y transmite una sensación o idea. Se busca el aplicar
una técnica específica en base a lo que se quiere transmitir. La técnica
apoya a transmitir el mensaje y a cerrarlo, generando un significado
único y completo en la composición. Varias de las características
que definen su estilo personal provienen de la técnica que aplica y
más específicamente en la forma en que aplica dicha técnica. Cada
ilustrador, artista o diseñador tiene una manera de aplicar una técnica,
luego de haberla practicado, así como experimentado con ella. En base
a la forma en que aplica la técnica de acuarela, se definen los colores,
las tonalidades, etc. que él aplica en sus ilustraciones. El estilo va de la
mano con la explicación de la técnica presentada en el desarrollo del
tema anterior.
Además del uso de la técnica mixta de acuarela y tinta utilizada por
Clint Tillman otras características que definen su estilo son el uso de
retórica visual en sus proyectos así como el uso de algunos signos
recurrentes.
USO DE TIPOGRAFÍA MANUSCRITA Y LINEAS IRREGULARES / ILUSTRACIONES
DE CLINT TILLMAN
Según Regalado (2006) la retórica es la sintaxis del discurso
connotativo, la forma de organizar los elementos clave de significación
de una imagen. A través de la retórica visual se logra potenciar un
mensaje utilizando figuras retóricas. Esto consiste en emplear ciertos
elementos del código icónico para transmitir un sentido distinto del que
propiamente les corresponde. En su entrevista, Tillman comenta que
utiliza principalmente la figura retórica de la metáfora, consistente con
los resultados de las guías de observación aplicadas a la muestra de
ilustraciones seleccionada. Barrientos en su entrevista menciona que
153
las ilustraciones sí aplican figuras retóricas ya que son de carácter
conceptual. De acuerdo a Barrientos todo lo que sea conceptual y tenga
una carga emotiva debe de haber tenido un análisis y relación entre
un referente y un signo. Se realiza un análisis para identificar como
relacionar lo uno con lo otro y generar conceptos que se relacionen con
lo que se quiere transmitir. Barrientos concuerda con Tillman y con los
resultados de las guías de observación comentando que en general
la figura retórica que identifica en las ilustraciones de Tillman es la
metáfora. La metáfora se basa en símbolos y todas las ilustraciones
del sujeto principal son muy simbólicas. Éste uso de simbolismo
y el análisis para relacionar un concepto con otro permite a Tillman
representar situaciones y emociones personales sin necesariamente
colocarlas literalmente, señalando exactamente qué es lo que pasó
o las personas involucradas. Las figuras retóricas y los símbolos le
permiten transmitir la idea general de lo que siente y ésto permite que
los diferentes espectadores de su trabajo se relacionen con su mensaje
aplicándolo a su vida personal y sus propias situaciones.
En el proceso de comunicación llamado semiótica existen tres
categorías de signos: ícono, índice y símbolo. Un símbolo es un tipo
de signo en que no hay conexión lógica entre el signo y su significado
para funcionar, un símbolo depende de que la persona que los percibe
haya aprendido la relación entre el signo y el significado. Tillman utiliza
un conjunto de símbolos recurrentes en sus proyectos de ilustración y
éstos, por su uso constante, se van convirtiendo en características del
estilo personal del sujeto principal.
Durante la entrevista el sujeto comentó que algunos de los elementos
que coloca en las composiciones tienen una base en la geometría
sagrada, y aquellos que usa continuamente tienen ya designado cierto
significado. Algunos de los símbolos más recurrentes en su trabajo son
las flechas, figuras geométricas, ciertos números, fantasmas, pájaros y
un personaje que él llama “chico de la barba” o “Beard man” en inglés.
Las flechas representan dolor de corazón y decepción y son trabajadas
usualmente en azul y rojo. Las flechas azules son situaciones que ya
se han calmado un poco que ya no son tan dolorosas pero siguen
presentes, mientras que las flechas rojas son aquellas situaciones
que son recientes o que todavía duelen igual que en el momento que
ocurrieron.
SÍMBOLOS RECURRENTES / FLECHAS AZULES Y ROJAS
Tillman utiliza figuras geométricas generalmente en base al concepto
de geometría sagrada, como por ejemplo una forma de diamante que
representa a la familia.
SÍMBOLOS RECURRENTES / FORMAS GEOMÉTRICAS / DIAMANTE
Los fantasmas usualmente son arrepentimiento o pesares del pasado,
cosas que nos persiguen y los pájaros son usualmente personas. En
cuanto a los números, Tillman comenta que utiliza números como el 7,
el 11 y el 13, ya sea directamente el numero escrito en las ilustraciones
o como la cantidad de ciertos elementos, por ejemplo 13 puntos
alrededor de un elemento o 13 círculos en total. Éstos números tienen
un significado personal y usualmente sólo el sujeto principal conoce
dicho significado sin embargo a pesar de no conocer el significado
exacto éstos símbolos siguen comunicando un mensaje y se convierten
en parte del estilo de Tillman.
154
Pinto menciona en su entrevista que considera que el estilo de Tillman
apoya la transmisión de los mensajes visuales. Indica que a partir de
la observación puede notarse que da un tratado especial tanto a sus
gráficas como, cuando aplica, al texto que las acompaña logrando
una particular unión con lo que se está transmitiendo gráficamente.
Barrientos explica que, de ser un trabajo de diseño gráfico, el estilo
debe de apoyar el mensaje, debe de ir de la mano con cómo y qué
se quiere comunicar. Comenta que cuando se trabaja bajo un objetivo
más artístico, el estilo refleja o transmite la personalidad del artista más
que el mensaje en sí. Barrientos aclara que el estilo sí dice algo, es
comunicativo y transmite una idea pero la comunicación que genera
o el mensaje que lanza es en base al artista y no al mensaje de la
ilustración. En su entrevista Pinto comenta que como ilustrador es
importante el estilo, en mayor medida debido a que es un elemento
que permite ser reconocido en el gremio así como entre espectadores.
SÍMBOLOS RECURRENTES / NÚMERO 13
El personaje “chico de la barba” complementa el estilo del ilustrador,
convirtiéndose en un elemento representativo de su trabajo.
Otra característica de contenido que define el estilo de Tillman es la
relevancia de los títulos de las ilustraciones. El sujeto inicia su proceso
de ilustración definiendo el mensaje o concepto que quiere transmitir, el
cual se traduce en una frase que utiliza como el título de su ilustración.
Sin embargo tomando en consideración el hecho de que el uso de la
técnica de preferencia del ilustrador, como la forma en que la aplica,
algunos símbolos recurrentes y el uso de la retórica visual son parte del
estilo que maneja, se define que el estilo juega un papel importante al
momento de transmitir los mensajes visuales. En base al estilo que el
sujeto principal maneja se pueden definir qué elementos funcionan de
mejor manera para transmitir los mensajes, o la aplicación de colores,
el tipo de figuras que se utilizarán, etc.
Aunque esta frase es la idea central de la imagen, muy pocas veces
es el mensaje lingüístico en la composición del mensaje visual. Sin
embargo el título tiene gran importancia en la lectura del mensaje.
Como se comentaba en el desarrollo del primer tema, un texto puede
fijar o modificar el significado al momento de añadirlo a una imagen.
En el caso de Tillman, él maneja 2 textos, el mensaje lingüístico que
forma parte de la composición y el título de la ilustración. En algunas
ocasiones las ilustraciones no cuentan con un mensaje lingüístico
sino solamente un título pero éste sigue cerrando en alguna medida la
interpretación del mensaje.
155
Conclusiones
1/ DOCUMENTACIÓN Y ANÁLISIS DEL PROCESO CREATIVO QUE
CLINT TILLMAN UTILIZA AL ILUSTRAR CON LA TÉCNICA MIXTA
DE ACUARELA Y TINTA.
El sujeto principal no aplica un proceso estricto al momento de
desarrollar sus ilustraciones por lo que se realizó una documentación
de los pasos realizados por Tillman así como un análisis de los mismos.
Tillman inicia sus ilustraciones a partir de una idea o concepto
específico, sin embargo no tiene un proceso para generar estos
conceptos, sino obtiene sus ideas iniciales para las ilustraciones de
acontecimientos que ocurren a su alrededor, frases que escucha,
música, etc. por lo que siempre está al pendiente de nuevas ideas
o mensajes que transmitir. Sin embargo es posible que Clint aplique
ciertas técnicas de conceptualización sin percatarse o considerarlas
como técnicas, aunque no las aplique como un proceso como tal, a
través de pasos, etc. sino de una forma más fluida y libre. Por ejemplo,
Clint mencionó que en algunas ocasiones sus mensajes provienen
de letras de canciones que el ha escuchado y existe una técnica de
conceptualización llamada Técnica Rockola en que se escucha una
canción y a partir de su letra se van generando o eligiendo palabras o
frases que al final llevan a una frase conceptual.
El sujeto principal omite el paso de documentación y no aplica de
forma estricta el paso de inspiración. Tillman únicamente comenta,
como se mencionó anteriormente, que encuentra la inspiración
inconscientemente al estar al pendiente de su entorno. Para la etapa de
desarrollo de ideas, Tillman usualmente explora solamente una idea,
eligiendo los elementos de sus ilustraciones a partir de su concepto.
Para la etapa de bocetaje, Tillman maneja un solo boceto detallado
a partir de la idea que busca transmitir. Inicia trabajando el boceto
superficialmente con un crayón de color azul para luego iniciar a definir
y detallar poco a poco la ilustración con un crayón de color rojo. Cuando
el boceto ya está bastante definido y detallado utiliza un lápiz de grafito
y dibuja las líneas finales sobre las ya trabajadas en azul y rojo. Luego
con el mismo lápiz aplica sombras para definir cómo aplicar la acuarela
más adelante.
Para finalizar Tillman aplica su técnica de preferencia, una mezcla
de la técnica de acuarela y la técnica de tinta. Inicia trasladando el
boceto final al papel de acuarela utilizando la técnica de tinta para
crear los contornos y los detalles. Luego procede a aplicar la técnica
de acuarela, utilizando lavados suaves para llegar a las tonalidades
que desea hasta finalizar la ilustración.
156
A partir de lo mencionado anteriormente se define que Clint sigue un
proceso creativo informal, no uno técnico en que se proceda paso a
paso cumpliendo con ciertos estándares o reglas sino más bien un
proceso creativo personal que puede variar de idea en idea, concepto a
concepto. Sin embargo Tillman sí aplica de manera un poco más suelta
y personal algunos pasos del proceso propuesto por Zeegen, aplicando
o eliminando ciertos pasos según lo requiera para la realización de una
ilustración determinada.
2/ DETERMINAR CÓMO LA TÉCNICA MIXTA ANÁLOGA
CONTRIBUYE A LA REPRESENTACIÓN DE MENSAJES VISUALES
EN LAS ILUSTRACIONES DE TILLMAN.
Tillman aplica una técnica mixta uniendo la técnica de acuarela y de
tinta. La técnica de acuarela es una técnica análoga aguada y de gran
rapidez de ejecución. Su principal característica es la transparencia
y la gran variedad de tonos que se pueden lograr. La técnica de tinta
es conveniente para plasmar detalles y también debido a que no
necesita de muchas herramientas para aplicarla. Cada técnica tiene
características que la hacen única y que pueden aprovecharse al
máximo al momento de trabajar la comunicación visual. Es por esto
que mezclar técnicas ofrece nuevas posibilidades para quien las aplica.
Los elementos de una composición visual pueden definirse a partir de
la técnica que se utiliza, elementos como el color, la tipografía, las
texturas y las formas o figuras. Por la técnica análoga de tinta que
Tillman aplica en sus ilustraciones para realizar el texto, se maneja una
tipografía manuscrita con trazos muy naturales y orgánicos reforzando
los mensajes visuales muchos de los cuales manejan temáticas
naturales.
La técnica de acuarela permite al sujeto principal mantener una paleta
de color simple por su facilidad para generar una gran variedad de
tonos a partir de un solo color aumentando la pigmentación. Esta
característica es aquella que más contribuye a la transmisión de los
mensajes visuales al aplicarla para generar centros de interés o puntos
focales en las composiciones. A través de la cantidad de lavados
aplicados y por ende la saturación de color en ciertas áreas, se crea
énfasis en ciertos elementos que son de mayor importancia en el
mensaje.
La posibilidad de crear varias tonalidades también permite al ilustrador
poder trabajar composiciones con un solo color modificando solamente
la saturación del pigmento transmitiendo ciertas sensaciones o
mensajes que se reflejan de mejor manera al utilizar únicamente un
color.
El elemento de la textura va siempre de la mano con la técnica que se
aplica. La técnica puede definir tanto texturas táctiles como visuales.
De acuerdo a cada técnica, la textura que la acompaña o se logra
tiene rasgos específicos. En el caso de la técnica mixta de acuarela
y tinta aplicada por Tillman, se manejan dos texturas, la textura táctil
del soporte que se utiliza para aplicar la técnica y las texturas visuales
logradas con la técnica de tinta simulando ciertas texturas táctiles y
creando una sensación de profundidad. Éstas texturas refuerzan los
mensajes visuales dando un aspecto natural y en el caso de las texturas
visuales creando contornos y delimitaciones y por tanto énfasis en
aquellos elementos y figuras que componen el mensaje.
Todas las figuras utilizadas en una composición buscan representar un
mensaje visual. La técnica que se utilice influenciará de gran manera
a estas figuras, ya que estas son modificadas por los elementos
anteriores como el color y las texturas. El uso de éstos elementos en
las figuras influyen en su valor en la composición y por tanto en la
transmisión de los mensajes.
Las técnicas por sí solas transmiten ciertos mensajes o sensaciones.
Por ser técnicas análogas transmiten naturalidad, originalidad y
espontaneidad. La fluidez y transparencia de la técnica de acuarela
permite transmitir ciertos sentimientos mientras que el contraste, peso
y dureza de la técnica de tinta transmite otros.
Las técnicas apoyan la transmisión de un mensaje generando ciertas
interpretaciones o significaciones en la composición. En algunas
ocasiones se busca aplicar ciertas técnicas para ciertos mensajes o
tipos de mensaje de acuerdo a lo que se quiere transmitir.
En el caso de Tillman la técnica de acuarela y sus características
particulares le permiten transmitir las emociones o grupos de emociones
que componen los conceptos o mensajes de sus ilustraciones. La
157
técnica le permite lograr tonos desaturados de una paleta de colores
simple para la transmisión de mensajes tristes o nostálgicos pero
al mismo tiempo permite generar tonalidades más saturadas para
emociones más fuertes y positivas.
La unión de técnicas le permite a Tillman unir tanto la fluidez y
transparencias de la acuarela con el peso y definición de la tinta para
transmitir un mensaje claro, simple y directo complementando el
trasfondo natural y el carácter de sus mensajes personales con las
principales características de las técnicas.
3/ IDENTIFICACIÓN
DEL ESTILO GRÁFICO DE LAS
ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN Y COMO ÉSTE REFUERZA
LOS MENSAJES VISUALES QUE EL ILUSTRADOR QUIERE
TRANSMITIR.
Un estilo es un conjunto de características tanto de forma como de
contenido. Estas características permiten la agrupación de ciertas
obras que comparten estas características o elementos de forma
constante. Cada artista, ilustrador o diseñador añade o modifica ciertos
elementos visuales en sus proyectos pero mantiene la esencia de un
estilo.
Evaluando la aplicación de estas características iniciales se identifica
que el estilo de Tillman se asemeja al estilo grunge por su carácter
análogo, natural el uso de tonalidades neutrales o tenues y el uso de
texturas. Sin embargo también se notan algunas diferencias. Tillman
no sólo se limita al uso de colores tenues sino también aplica colores
cálidos y brillantes, y aunque mantiene su característica análoga no
tiene un acabado desgastado o maltratado.
Por esto se concluye que Tillman aplica un estilo más personal y
propio que se mantiene en sus proyectos y no un estilo determinado
y establecido. Este estilo personal se basa en un aspectos de forma
y tres aspectos de contenido: en la aplicación de la técnica mixta de
tinta y acuarela como característica de forma, el uso de retórica visual,
el uso de algunos símbolos recurrentes y la importancia del texto que
acompaña a las imagenes.
Tanto el uso de la técnica mixta como la manera en que refuerza los
mensajes visuales fue explicado con anterioridad.
El uso de retórica consiste en potenciar los mensajes de las ilustraciones.
Las ilustraciones de Tillman tienen un gran contenido simbólico por
lo que la mayoría de ilustraciones manejan una figura retórica de la
metáfora. La mayoría de los símbolos representan algo más. Esta
aplicación de la figura retórica permite al ilustrador representar sus
situaciones o emociones de una manera figurativa y no literal pero
igualmente efectiva. Es por esta razón que las ilustraciones transmiten
un mensaje general sobre los sentimientos o emociones en base a la
situación en la que el sujeto principal se encuentra. Este acercamiento
permite que los espectadores que observen los proyectos de Tillman
puedan llegar a relacionarse ya sea con la situación que es el trasfondo
de la ilustración o con los sentimientos o emociones que Clint buscaba
transmitir, en algún nivel, a pesar de que la situación del espectador no
sea la misma en la que se encontraba el ilustrador.
En cuanto a los símbolos recurrentes, existen ciertos elementos que
al aparecer más constantemente en las ilustraciones se convierten en
parte del estilo gráfico del artista. Estos elementos se van estableciendo
como símbolos en base al trabajo del ilustrador. El sujeto le asigna
cierta significación a estos elementos y es así como los espectadores
empiezan a leer estos significados al observarlos más constantemente
en las ilustraciones.
Así como el artista define aquellos elementos que serán parte de la
composición visual también define el título de su proyecto, usualmente
al momento de iniciar el proceso de ilustración. Este título llega a cerrar
en alguna medida la interpretación que puede darse a la ilustración,
por lo que refuerza el mensaje que Tillman desea transmitir, por lo que
se le da gran importancia a pesar de no aparecer visualmente en la
composición.
El estilo entonces tiene gran repercusión en los mensajes visuales
ya que en base a este se seleccionan los elementos visuales que
componen una ilustración y puede llegar a modificar completamente la
lectura de sus mensajes.
158
Recomendaciones
1. Se recomienda al diseñador gráfico interesado en documentar los
pasos del proceso creativo utilizado para ilustrar, se de un mayor
énfasis a la observación e información proporcionada por los sujetos
de estudio ya que cada persona puede llegar a manejar un proceso
creativo diferente según su enfoque creativo o preferencias personales,
siempre con una referencia de un proceso preestablecido que pueda
crear ciertos parámetros para evaluar el proceso creativo personal del
ilustrador. Para obtener mayor información, así como información más
específica sobre el proceso creativo, también se recomienda realizar
preguntas específicas sobre cada paso del proceso creativo estándar
tomado como referencia para evaluar la medida en que el sujeto de
estudio se apega o se separa de él.
2. Al analizar o evaluar la aplicación de una técnica y su influencia en
la transmisión de mensajes visuales se recomienda analizar más a
profundidad las características particulares de las técnicas en cuestión
y por ende las sensaciones o mensajes que transmiten por su cuenta
para poder comprender de mejor manera la relación entre las técnicas
y los mensajes visuales. También se recomendaría, si es posible,
realizar una evaluación en cuanto a la percepción de una muestra del
grupo objetivo sobre la relación entre la técnica y la correcta lectura de
los mensajes visuales midiendo la similitud entre la lectura realizada
por el grupo objetivo y el mensaje que el ilustrador quería transmitir.
3. Para la definición de un estilo y la evaluación de su influencia en la
transmisión de mensajes visuales se recomienda utilizar las guías de
observación aplicadas a los objetos de estudio para determinar aquellos
elementos o características constantes en las muestras gráficas y que
por ende componen o definen el estilo gráfico. También se recomienda
realizar un listado de estilos con sus respectivas muestras gráficas
para poder preguntar a los sujetos de estudio entrevistados y poder
más fácilmente determinar a que estilo se relacionan más directamente
los objetos de estudio.
159
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• EXPERIENCIAS DESDE DISEÑO GRAND CHAMACO: SITIO
OFICIAL DE GRAND CHAMACO. SERIES SE DIBUJAN TUITS 1 Y 2:
•IRONÍA: http://unaformadeinterpretar.blogspot.com/2010/04/intuiciondescubrimiento-e-innovacion.html
• INSTINCTIVE / DZO OLIVIER / 2012: http://www.behance.net/gallery/
INSTINCTIVE/5953575
• LA LOTERIA DE LOS MONTAÑESES 2011 / JORDI SELLES
PASCUAL / 2012: http://jordisellespascual.blogspot.com/2012/03/
proceso-de-ilustracion-de-la-acuarela.html
• FRIGOR - NOVELTY / FERNAN BONSERIO / 2013: http://www.
behance.net/gallery/Frigor-Novelty/6717277
• MENSAJE CODIFICADO: http://3.bp.blogspot.com/_cy2MUCchaV0/
T Ty E X 6 q A - y I / A A A A A A A A A B M / 0 k U 4 R h q m H E w / s 1 6 0 0 /
mensaje+codificado.jpg
• GRAPHICS TEES ENERGIE / ANTONIO PALANZA / 2012: http://
www.behance.net/gallery/Graphics-Tees-ENERGIE-FW12-13-INKPack/6041975
•MENSAJE
DECODIFICADO:
http://4.bp.blogspot.com/_
cy2MUCchaV0/TTyEhOtOIFI/AAAAAAAAABU/BnFRzBCjUGs/s1600/
mensaje+decodificado.JPG
• HAPPY RAINY DAY / SUSAN BATORI / 2013: http://www.behance.
net/gallery/Happy-rainy-day/7246039
• METÁFORA: http://tamara-narrativadigital.blogspot.com/2012/06/laimagen.html
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• METONIMIA: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia
•PROSOPOPEYA:
imagenes.html
• MOÑA NEGRA: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/
thumb/0/0a/Black_Ribbon.svg/200px-Black_Ribbon.svg.png
• PUNTO FOCAL POR COLOR: http://static.reflejandome.com/wpcontent/uploads/tres-colores.jpg
• MOÑA ROSA: http://www.pinklacewigs.com/assets/images/pink_
cancer_ribbon.jpg
• PUNTO FOCAL POR CONTRASTE: http://upload.wikimedia.org/
wikipedia/commons/1/1f/El_Palacio_Municipal_en_alto_contraste.
JPG
• MUESTRA DE ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN: http://
chechitout.tumblr.com/
• NOT TODAY / DIMA REBUS / 2011: http://www.behance.net/gallery/
Illustrations-3/6285349
• ONOMATOPEYA: http://blogvecindad.com/buen-poster-utilizandolas-onomatopeyas/
• ORGAN TRIO / FABIO CORAZZA / 2010: http://www.behance.net/
gallery/Pastel/631369
• OXIMORON: http://morfologiadelolivo.wordpress.com/2011/05/11/aproposito-de-las-figuras-retoricas/
• PAPEL PARA ACUARELA: http://us.123rf.com/
• PESO DE TIPOGRAFÍA: http://www.creativosonline.org/blog/que-esla-justificacion.html
• PINCELES PARA ACUARELA: http://www.aiba.es/
• PLUMA CON DEPÓSITO: http://www.departamentodedibujo.es/
Dibujo_Tecnico_Primero/UD1/dt1_UD1_tema1_v04/24_estilgrafos_y_
rotuladores.html
• POSTER DHUB / CLASE BCN / 2013 / TÉCNICA DE
CONCEPTUALIZACIÓN - MAPA MENTAL: http://www.behance.net/
gallery/Poster-DHUB/8122387
http://josephlucas.blogspot.com/2012/10/
• PUNTO FOCAL POR TAMAÑO: http://www.canonistas.com/galerias/
data/1912/medium/contrastes1_ej_32.jpg
• REINDEER SKETCHS / CORINNE MASSACRY /2013: http://www.
behance.net/gallery/Reindeer-sketchs-Croquis-de-rennes/6537379
• REPETICIÓN: http://vi.sualize.us/calle13_38_572_800_pixeles_sin_
fin_publicidad_perspective_repeticion_picture_35ao.html
• SCIENTIFIC MEDICAL ILLUSTRATIONS / DANA HAMERS / 2011:
http://www.behance.net/gallery/Scientific-medical-illustrations/2031847
• SINÉCDOQUE: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia
• SKETCHNOTES / TIMOTHY REYNOLDS / 2011: http://www.behance.
net/gallery/Sketchnotes/2582191
• TECHNICAL ILLUSTRATIONS / DANNIS CHAN / 2012: http://www.
behance.net/gallery/Technical-Illustrations/4228687
• TEXTO COMO IMAGEN
TYPOGRAPHY/3279125
2:
http://www.behance.net/gallery/
• TEXTO COMO IMAGEN: http://www.behance.net/gallery/Wholelotta-love/7790199
• TEXTURA ARTIFICIAL: http://es.123rf.com/photo_10515273_texturade-cuero-artificial.html
164
• TEXTURA GEOMETRICA: http://es.123rf.com/photo_14547907_
perfecta-textura-geometrica-en-el-diseno-del-op-art-vector-de-arte.
html
• TEXTURA NATURAL: http://iesvallvera3b04.blogspot.com/2009/03/
textura-natural_7285.html
• TEXTURA ORGANICA: http://www.deviantart.com/art/Stock-TextureCracked-Earth-326936540
• TEXTURA TACTIL: http://disenartelpardo.blogspot.com/2012/11/
textura.html
•
TEXTURA
VISUAL:
http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/
CUATRIMESTRE_II/TECNICAS/textura.htm
• THE AIRSHIP / CARK KOCH / 2013: http://www.behance.net/gallery/
The-Airship/6734825
• TWO TOWERS / DAVIDE MAGLIACANO / 2013: http://www.behance.
net/gallery/Two-Towers/7701187
• UN DESPERTAR CON DOS FELINOS / MARA HITTERS /
2012:
http://www.behance.net/gallery/Un-despertar-con-Dosfelinos-2012/5401343
• WE UP NORTH / THERESE LARSSON / 2013: http://www.behance.
net/gallery/We-Up-North/7694873
• WHALE / ZUTTO / 2013: http://www.behance.net/gallery/variousworks-2012/7053423
165
Anexo 1: Guía de entrevista a Clint Tillman
Anexo 2: Guía de entrevista a Juan Carlos Calderón
Anexo 3: Guía de entrevista a Luis Pinto
Anexo 4: Guía de entrevista a Silvia Barrientos
Anexo 5: Guía de observación
Anexo 6: Resultados de entrevista de Clint Tillman (Inglés)
Anexo 7: Artículo Marca cromática y semántica del color por Norberto Chaves
Anexo 8: Lyrics Falling Snow
166
ANEXO 1: GUÍA DE ENTREVISTA A CLINT TILLMAN
2. ¿En que clasificación consideras que entran tus ilustraciones?
_____ Ilustración conceptual
_____ Ilustración publicitaria
_____ Ilustración narrativa
_____ Ilustración infantil
_____ Ilustración científica
_____ Ilustración técnica
_____ Ilustración editorial
14. Según tu experiencia cuales son las principales ventajas de la
técnica de acuarela?
15. ¿Cuál es tu preferencia en pinceles para aplicar la técnica de
acuarela?
16. ¿Cuál es tu preferencia en plumas para complementar tus
ilustraciones con la técnica de tinta?
3. ¿Por qué?
17. ¿Cómo decidiste mezclar las técnicas de acuarela y tinta?
4. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar alguna
diferencia entre pintura e ilustración?
18. ¿Como apoya la técnica de acuarela a los mensajes que transmites
en tus ilustraciones?
5. ¿Cuando empezaste a ilustrar?
19. ¿Cuales son los mensajes que quería transmitir en las siguientes
ilustraciones?
6. ¿Cuánto tiempo inviertes en la realización de tus ilustraciones?
ilustraciones?
10. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a realizar
tus ilustraciones?
ilustración final?
12. ¿En tu proceso para ilustrar buscas referencias?
13. Explica paso a paso como aplicas la técnica análoga de la acuarela
y tinta para ilustrar.
20. ¿De donde salen los mensajes que transmites en tus ilustraciones?
21. ¿Como defines los elementos que forman parte de tus ilustraciones?
22. ¿Cuál es tu grupo objetivo? ¿A quién diriges tus ilustraciones?
23. ¿Cómo sabes si el mensaje que tu querías transmitir ha llegado a
tu grupo objetivo?
24. ¿Que respuesta has tenido por parte del grupo objetivo?
25. ¿Qué figuras retóricas usas más en tus ilustraciones? ¿Por qué?
26. ¿Sabes lo que es polisemia? Crees que se aplica a tus ilustraciones?
27. ¿Qué signos son recurrentes en tus ilustraciones?
28. ¿Las tonalidades de los colores que usas representan algo en
especial?
167
29. ¿Cuál consideras que es tu estilo gráfico?
30. Si no hay uno específico, ¿qué estilos crees que influencian más
tus ilustraciones?
31. ¿Qué características gráficas definen tu estilo?
33. ¿Cuál es tu lugar favorito para ilustrar?
34. ¿Cuál es tu ilustración favorita hecha en el 2012 y el 2013 y cuál
es la historia detrás de ella?
168
ANEXO 2: GUÍA DE ENTREVISTA A JUAN CARLOS CALDERÓN
1. ¿Qué es la acuarela?
2. ¿Desde cuando trabaja la técnica de la acuarela?
3. Explique paso a paso como se aplica la técnica análoga de la
acuarela.
4. Según su experiencia, ¿cuales son las principales ventajas de la
técnica de acuarela?
acuarela?
6. En su opinión, que tipo de pinturas funcionan mejor, ¿semilíquidas
o líquidas?
7. En su trabajo, ¿mezcla diferentes técnicas con la técnica de
acuarela?
15. ¿Considera que la acuarela tiene un gran poder de comunicación?
¿Porqué?
16. En su experiencia, ¿cuáles son las respuestas más comunes del
público ante un trabajo de acuarela?
17. ¿Considera que la técnica de la acuarela es adecuada para la
ilustración?
18. ¿Considera que la técnica de la acuarela apoya a los mensajes
que Clint Tillman busca transmitir en sus ilustraciones?
19. ¿Cómo es su proceso para realizar una obra con la técnica de
acuarela?
20. ¿Cómo difiere el proceso de pintura con el proceso de ilustración
con la técnica de acuarela?
8. ¿Qué otras técnicas funcionan de mejor manera con la técnica de
la acuarela?
9. ¿La técnica de la acuarela tiene un modo específico de empleo o
puede aplicarse de varias maneras?
10. ¿Que desventajas tiene la técnica de acuarela?
11. ¿Qué errores son comunes al aplicar la técnica de acuarela?
12. ¿Cómo se pueden minimizar estos errores al aplicar la técnica?
13. En su opinión, ¿como puede apoyar la técnica de acuarela a los
mensajes visuales?
14. ¿De que manera ha impactado su vida el uso de la técnica de
acuarela?
169
ANEXO 3: GUÍA DE ENTREVISTA A LUIS PINTO
2. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar alguna
diferencia entre pintura e ilustración?
ilustraciones?
6. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a realizar
tus ilustraciones?
7. ¿Consideras que las ilustraciones de Clint Tillman parten de un
concepto?
ilustración final?
16. ¿Que signos recurrentes puedes encontrar en las ilustraciones de
Tillman?
17. ¿Cómo crees que Clint Tillman utiliza el color en sus ilustraciones?
¿Consideras que la paleta de colores que utiliza tiene un significado?
18. ¿Crees que la aplicación de color apoya a la comunicación visual
en las ilustraciones?
19. ¿Consideras que la técnica de la acuarela apoya la transmisión de
mensajes en las ilustraciones de Clint Tillman?
20. ¿Crees que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?
21. ¿Qué figuras retóricas identificas en sus ilustraciones?
22. ¿Como ha influenciado en tu vida la ilustración?
23. ¿Cuándo empezaste a ilustrar?
9. Cual es tu preferencia, ¿técnicas análogas o técnicas digitales?
10. ¿Porque?
11. ¿Que beneficios consideras que tienen las técnicas análogas?
12. ¿Como defines el estilo de Clint Tillman?
13. ¿Qué estilos consideras que influencian las ilustraciones de Clint
Tillman?
14. ¿Consideras que el estilo de Tillman apoya la transmisión de los
mensajes visuales?
15. ¿Crees que las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener mas de
una interpretación?
170
ANEXO 4: GUÍA DE ENTREVISTA A SILVIA BARRIENTOS
1. Brevemente, ¿qué es la comunicación visual?
2. ¿Qué signos recurrentes identifica en las ilustraciones de Clint
Tillman?
3.
¿Qué elementos o características influyen en una mejor
comunicación visual?
4. ¿Considera que el color es utilizado como signo en las ilustraciones?
5. ¿El color refuerza los mensajes visuales de las ilustraciones?
6. ¿Considera que la técnica de acuarela apoya la transmisión de los
mensajes de las ilustraciones de Clint Tillman?
7. ¿Cree que las texturas de las ilustraciones apoyan la transmisión de
8. ¿A su criterio las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener varias
interpretaciones?
9. El que las ilustraciones tengan más de una interpretación, ¿es una
ventaja o desventaja?
10. ¿Cree que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?
11. ¿En general, qué figuras retóricas identifica en sus ilustraciones?
12. ¿Cómo se puede evaluar objetivamente si el mensaje llega a un
grupo objetivo?
13. ¿Existen diferentes maneras? ¿De que depende cuál se aplica?
14. Clint Tillman tiene un estilo muy particular, ¿considera que éste
estilo apoya la transmisión de mensajes?
15. En cuanto comunicación visual, ¿la ilustración análoga tiene un
mayor valor que la ilustración digital?
171
ANEXO 5: GUÍA DE OBSERVACIÓN
•
Nombre de ilustración:
•
Autor:
•
Fecha de elaboración:
_____ Si
_____ No
____ Antigua
____ Palo seco
____ Caligráfica
____ Decorativa
____ Anclaje
_____ Si
_____ No
____ Relevo
____ Fríos
SIGNIFICANTESIGNIFICADO
ilustración?
____ Ícono
____ Índice
____ Símbolo
____ Cálidos
____ Análogos
___ Complementarios
14.
ilustraciones?
____ Visuales
____ Táctiles
____ Naturales
____ Artificiales
____ Orgánicas
____ Geométricas
_____ Si
_____ No
____ Metáfora
____ Metonimia
____ Doble sentido
____ Hipérbole
____ Alusión
____ Elipsis
____ Ironía
____ Onomatopeya
____ Oxímoron
____ Prosopopeya
____ Repetición
____ Sinécdoque
____ Otra:
172
173
ANEXO 6: RESULTADOS DE ENTREVISTA DE CLINT TILLMAN
(INGLÉS)
1. In your own words, what is illustration?
Um, for me, all of this is subjective of course. For me illustration
is creating an image to express a word or words or set of
emotions that… You usually make an illustration when words
aren’t enough. You need something to convey those feelings.
That’s what I use illustrations for.
2. In what type do you think you can classify your illustrations?
Why?
I would probably venture out and say that I touch on all of those
categories, just depending on what I’m doing. Most of what I
do is conceptual, just because there’s a lot of symbolism and
metaphors, everything means something else. I do a little bit of
advertising illustration just through my design work. Narrative
illustration, everything I do basically tells a story, it’s conveying
that message that I’m trying to get out. I do some children’s
illustrations, I’ve got a couple of books that are in the beginning
stages that are just waiting for time. Scientific illustration, this is
probably stretch I do a lot of anatomy like bones and organs, I
did a heart series recently. So its scientific in nature, although
it’s not incredibly accurate, you know, you wouldn’t want to put
it in a science text book and say this is what a heart really looks
like cause something is gonna be out of place. I do a little bit of
technical stuff. Not so much in the past few years. And editorial,
I do a comic illustration once a week for the weekly paper, so
it’s not necessarily editorial but it kinda falls into that different
category.
3. Based on your experience as an illustrator, can you mention a
difference between painting and illustrating?
That’s a difficult one. I’m gonna answer personally. In this last
art show… I had an art show in January at the gallery where I
work, and I did a lot of larger pieces and I hadn’t work that big
before, even in college I never went that big and I wanted to
take the illustration style that I did on small paper and see if I
could transfer that to a large surface, but once I put it in a large
surface, even though I was still using the same basic technique
still using pink pens for the heart outlines, and everything, you
know, it didn’t necessarily classify as an illustration, maybe more
a painting, and my guess is because, for me when I illustrate
the main goal is giving a message across, what the illustration
means, whereas painting generally is focusing more on, I guess
is function versus form. Illustration tends to focus on function,
and painting seems to focus more on form.
4. When did you start to illustrate?
Um, technically, I don’t know maybe 3 or 4. When I was a kid I
drew lots of comics, particularly anything batman or spiderman
related, anything Mario related, definitively, a little bit of
Garfield here and there. But then, I didn’t really start illustrating
professionally until 4 or 5 years ago. And it started… I have a
background in graphic design so I did a lot of print design, logo
development so I would sketch and draw just for those things,
sort of as a tool, but I never really focused, and I moved to this
little mountain resort town when I was 24 maybe and um yeah
I think I was 24, it was a long time ago, so I started drawing
there, and I wanted to make t-shirts, so I taught myself how to
screen print and started drawing more, focusing on illustrating
for apparel, and then that kind of how I started. Getting more
and more into illustrating and then taking it to pen and paper and
watercolor, and focusing just on illustration for illustration sake.
5. How much time do you invest in the realization of your
illustrations?
I spend my life illustrating. Just kidding. You know, having a
concept developed, sometimes it’s something that normally
it doesn’t take much time at all, it’s something that just kinda
jumps into my mind, illustration is sort of a therapy, basically,
so whatever I draw is whatever is going on currently, and so it’s
always there, ideas are always just gonna jump up, every once
in a while I come across a project that I end up spending a little
more time on, and trying to… you know and that’s usually on
174
tshirt design and things like that that’s when I spend a little bit
more time working on the concept. Yeah, normally the realization
of the illustrations happen really quick. Something happens and
I have to draw it.
Do you carry around a notebook to sketch while you’re out?
Yeah, when I travel. I have a pretty set schedule, where I’m at
now, I work in the mornings, then go to the studio in the afternoons
and evenings, and so I’m always doing something. But when I’m
out and about or planning on running to the coffee shop and
maybe staying for a little bit, I always make sure that I have my
sketch book, I have my own travel case with pencils and pens.
6. How do you start the realization of your illustrations?
A lot of the times it comes from quotes or song lyrics or just kind
of random words that…, so I guess, I mean, I always make tittles
first. For the most part. I’ll come up with a phrase or something
that I want to express and then I figure out what should I draw
to express that, sometimes it’s easy, you know, to kinda wind
up what I wanna express and what I want to draw to express it.
Cause sometimes I have no idea, and go in different directions
and experiment a little bit. But I guess it’s just random stuff floating
through the air and I just kinda grab one. It’s real technical, haha.
7. What is the creative process that you follow to create your
illustrations?
I always start sketching. I’ll have and idea, a tittle, that I wanna
draw and then I get my sketch book and I kinda sketch it out
widely, tighten it up a little bit, and um usually I have to start and
finish the sketch on one sitting, I don’t like stopping, I wanna
get the whole idea developed, at least to the point to where it’s
complete enough and just needs a bit of detail work.
8. Are your illustrations based on a concept?
Yes. Yes, the idea usually comes first. I don’t really draw, I mean,
we did that a lot in college, there was a table with a bunch fruit
on it, and we had draw fruit to make it look like what we were
seeing, so. Which I guess is important, makes the fruit feel good
maybe. So yeah most of my illustrations start with a concept and
the imagery sort of evolves from what I think would work best
to convey… Like a lot of it’s I‘ve been doing a lot of nautical
themed illustrations lately so if things are really rough you kind
of, equate depression to the sea. It’s up and down, tumultuous
and dark and gray and its kind of overwhelming. The fact that
there’s just so much havoc around you and you just have to ride
the waves or sink, so normally when I’m touching on that concept
on depression I kind of gravitate towards water. And then space,
I was kind of in a space phase for a while too, and that’s sort of
the scenic side of depression where it’s not really up and down
it’s just kind of flat, everything is quiet and you really don’t know
what to do you feel you’re just kind of floating through life, so I
use space to kind of bring up those qualities of the concept. So
yeah.
9. Do you follow any process or use a technique to reach a concept
for your illustrations?
I um. I guess I’m always thinking about how to visualize things.
So my process is kind of always going. So yeah, everything is
like that. I guess it’s always just looking out I guess. You know, if
somebody who designs type, who likes to do a lot of font work,
when they go through and look at bulletin boards with all the
posters for bands and things like that I guarantee you they’re not
looking to see what band is playing and when they’re looking to
see what font choice the designer used for the poster and why
would they use that font, at least that’s what I do. So I sit at the
coffee shop and point at coasters, and yelling why would they
use this font, it’s terrible and it’s not appropriate at all and nobody
else gets it. So that’s kind of how my process goes, it just doesn’t
really stop. So I’m always looking for things to draw and how can
I express different sets of emotions with different sorts of imagery
and themes and stuff like that.
10. Do you make several drafts or sketches before reaching your
final illustration?
I have the sketch and then the final, and there’s usually just
those two.
175
11. During your illustration process, do you search for references?
Um, I search for references if I’m doing something a little bit more
on the technical side. Like I did a bird skull series recently, so I
looked through a lot of bones I guess, that was kind of my starting
point but I don’t stick with it, you know I add things that aren’t
there and take away things that should probably be there. But
I like to spread out with a good solid reference. If its something
more like… I do a lot of character development and things like
that. One of my main characters is a guy with a beard and a hat
who I just kinda refer to as beard man. I’m very descriptive with
names haha, so I don’t really do much reference with him, that’s
more conceptual, and everything, so.
12. Please explain step by step how you apply your usual technique
of watercolor and pen to illustrate.
So I start out in the sketch book, and I’ll sketch out the rough
draft in blue pencil and then I add on top of that with red pencil
and get the lines a little bit tighter and get them where they need
to be and then once I get that done with the red pencil, I take just
a regular graphite pencil and I draw the final sketch lines on top
of that. So I kinda draw it, I sketch it three times but it’s all over
the same drawing until I get it really tight and detailed, and then
I do a lot of shading. I didn’t always, I used to just draw straight
in pen in my sketchbook and color it with highlighters and stuff
like that cause it was fun and it was different and all the final
stuff… but over the last couple of years I’ve stuck with just pencil
in my sketch book and then I use the shading to figure out how
I’m gonna apply the watercolor in the final piece so I kinda figure
out the depths what I want to really saturate with color and what
I wanna wash out pretty lightly. And um so after that I scan the
image in, to the computer and I print it out in black and white and
then I put it in the lightbox and then I put my watercolor paper
over the top the sketch and then I do my final pen work. I’ve done
it before where I’ve drawn pencil straight on the paper, on the
watercolor paper, and then erase the blue lines and everything,
but it, anytime you take the eraser to the paper, it messes the
paper up and the parts that have been erased won’t hold the
watercolor the same way than the parts that weren’t erased, and
I’m kind of obsessive compulsive about that so, I don’t want any
erasing on the paper, I just want pen. So I put the pen down and
the outlines and then I take it off and I add all the detail after that,
and then I add the watercolor on top of that. And I usually have
light washes, so I go over in a really light wash and then I’ll add a
little bit more pigment to the wash and then start building up the
really tart saturated areas, and washing out some of the layers
too if I need to.
13. Based on your experience, what are the main advantages of
the watercolor technique?
It’s fast. I don’t have a lot of patience. I would love to work with
oil but at the same time you gotta have your station set up and
that stuff takes so long to dry and I just want to start something
and finish it. So that’s one technique and also I like to really play
around with depth and pushing and pulling the lights and darks
and I like to keep a simple color palate, and so the light washes
of the watercolor allow me to do that, so just using one color but
just adding on to the washes to make it darker and get the depth
that I want. That’s why I like watercolor.
14. What is your preference in brushes to apply the technique of
watercolor?
Small. I have a brush that’s falling apart that I’ve had for years, I
don’t even know what brand it is anymore I’m not too concerned
as long as it’s small and round, and has a fine point to it, so I can
really dial in the detail. I have a couple of small flat brushes if I’m
doing large areas of saturation but they’re small too, so.
15. What is your preference in pens?
I’ve been using microns, and I use the two smallest microns .005
and .01 in black and red, I have a blue one too that I’ve used
maybe twice.
16. How did you decide or why did you decide to mix the watercolor
technique with pen?
It kind of stand from that obsessive-compulsive nature. I like
structure, I like grids, I like storage containers that are organized
well where everything has a place, you know. And so that sort
of, in my art, you know what I really admire the free flowing
176
watercolor, that’s just heavy on the water, wet on wet technique,
and stuff like that and I would love to maybe experiment with that.
But it drives me crazy, I like things to be contained. And I don’t
necessarily mean that in a “don’t ever color outside of the lines”
sort of way, but for me all of my creativity and challenge goes on
inside those lines. So I really like the domination, hahaha.
17. How does the watercolor technique support or enhance the
messages of your illustrations?
Um, you know a lot of the concepts that I focus on are emotions or
sets of emotions that are… That can really be interpreted different
ways by different people and it’s kind off all a metaphorical story,
and so to have the watercolors… It’s not very solid, it’s not
very… You know you’re not gonna paint an apple and have it,
the surface of it look like an apple, it’s gonna be a lot more, you
can have a lot more of an interpretation on it, you can just kind
of experiment, kinda make it, kinda use the watercolor and the
feeling that the watercolor washes lay down, like I use a really
desaturated washed out palate in something that’s really bleak
but at the same time I can also really increase the pigment and
make it a little bit more saturated if I’m trying to get a more heavy
feel on a certain emotion or a certain part of that so.
18. What are the messages that you wanted to convey in the
following illustrations?
THE POLICY.
Most of the messages that I’ve been wanting to convey are
ridiculously personal which is why I use a lot of metaphors and
symbols and things like that, so it basically hides what… puts me
what I’m trying to convey in a way that it still gets the point across
and the message across, just the general set of emotions that’s
running through my head at the time, without writing somebody’s
name down and saying “you suck” or something like that, and so
also it’s always nice because other people can relate to it and
apply that message to their own lives, personally, so they can
take how I was feeling and not have to take in what it was about
necessarily.
So in the policy I was wrestling with… Um, I’m kind of big on
just always being up front and honest and if somebody doesn’t
like what I’m doing that’s fine, as long as they just tell me. And
so I was kind of at this point where I was being very truthful not
outspoken, I guess, but just kinda letting people know how I felt
when they asked, and… because they asked, just being polite
and accommodating and turns out a lot of people didn’t like it,
they realized quickly that maybe they didn’t want to know how I
really felt cause it was too truthful so, that was, kinda, the policy
was about honesty or silence. And letting people know how you
really feel or keeping your mouth shut. So.
BLACK SHEEP BOY.
This one is kind of, it’s just the standard black sheep metaphor,
like black sheep of the family. Also I like to do mash ups, that’s
where I take some of my favorite references and incorporate
those into my drawings, kind of like a tribute, so this one was
this movie by Guillermo del Toro called Hellboy, so that the main
imagery was based of the scene of the movie at the end where
he’s breaking his horns off, and making the decision to do what
he wanted which was good, not to follow what everybody thought
he was supposed to be which was bad, you know. That was
kind of main, and then it also incorporated this song by this band
Okkervil River and is called Black sheep boy and so that was
kind of the soundtrack and the visuals, and then just walked in
beard man. So that was kind of my tribute to a couple of favorites.
I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS.
So I guess, this one is sort of going along with... When you
struggle with saying “no” to people and I guess not necessarily be
like a doormat to you know let people walk all over you, but just
trying to accommodate everybody and kinda letting somebody
hook you in a hook and use you for bait and then halfway down
the ride you start realizing what the bait is for and you’re about
to get really messed up. You’re helping somebody out but it’s
turning out to be for their selfish game, with your safety and your
health not really their concern.
SEAT BELT HANDS
That one was just… The seat belt only works with both sides,
you know, you gotta have the hook and the clasp. So that’s sort
177
of like… Just telling somebody that you’ve got your hand out and
if they put their hand out and hold tight they’re not gonna fly out
a metaphorical windshield.
GUARD YOUR HEART
That’s one of my favorites. That one was a collaboration with my
friend Cody Ike, he’s a tattoo artist that lived in Durango and we
would always do draw, go to the coffee shop and draw, he’s up
in Canada now. But there’s this band, this two guys, and they’re
called The Listener and probably they have some of the most
prolific, well thought out, meaningful lyrics ever written so you
know, we just listened to their stuff over and over and over again,
and there’s this song that talks about being a house on fire and
it’s really dealing with depression and letting things start inside
you, that just burn you up from the inside and so its hard to tell
from the outside what’s going on, like how bad things are on the
inside and so the heart tends to be one of those places where
fires can start really easy, and so I guess if you’re like me you
have the tendency to close up while those things smolder before
you know it you’re just gutted and burned up, really not use to
anybody. He did the scrolls and I did the house and the text and
everything else and we ended up tattooing that on my ribs next
to my heart.
Before we move on I wanted to ask. For example, in the one that’s
called lantern it has circles and geometrical shapes, do those
shapes mean something?
Yes, a lot of the geometry... Um, I guess, the lantern in itself is
a symbol of family, it started out as a tattoo design, it’s an oil
lamp cause when we were growing up it would get really cold
in winter and we couldn’t really afford to turn the heat up and so
mom would say put on another sweater and if you’re cold get a
blanket and she would light this oil lamps around, and whenever
we would go camping, dad would have this old lanterns and so
like, the lantern in itself is a symbol for that. And then the shapes
are even… they’re not more vague, but they’re just… they’re
representative of feelings about family and so like the diamond
kind of shape that’s sort of, kind of, used a lot for family or loved
ones that hold you, that are about foundation, that allows you to
grow from, mom and dad set up a really good foundation there
that kind of gave me that solid point to put my feet on, to kinda
grow out so that’s what that means. The circles are usually just…
sometimes I do… I like numbers, I use certain numbers of things,
like 7 or 11 or 13 is in there a lot, 6 if it’s something bad, you
know, it’s all little things for me. And so the shapes, the geometry
kind of are those vague, kind of ambiguous concepts that go
even further than what the main point is. Sometimes they interact
with the drawing, the main illustration; sometimes they’re just
behind it. So if you see a lot of arrows, all the arrows are in that
sacred geometry style, too, arrows are usually heartache and
disappointment. Ghosts, I used to do a lot more ghosts, ghosts
are regrets of the past, a few thing that haunt you constantly.
And birds are usually people, like existing currently.
19. Where do the messages that you convey in your illustrations
come from?
Yeah, they come from life, what’s happening around me, what’s
going on in my head, I can’t really stop thinking. Which I guess is
good, sometimes. But at the same time it’s really frustrating and
so the illustration really developed out of a way to cope with all
that and get it out of my head and into a picture form that I can
make sense of, you know, a little bit more, so all the messages
just kinda come from al the craziness inside my head.
20. How do you define the elements that form part of your
illustrations?
Um, I talked a little bit about that, so I’m gonna go over it real
quick. I’ve got a lot of the same symbols that recur like ghosts
for haunts and regrets, arrows for heartache and disappointment
from other people, axes, there’s a lot of axes, and they usually
are a symbol for working hard. There’s this whole big deal of
retirement, in the U.S. at least, retirement funds are gonna be
there, and I don’t understand that cause you work, until you can’t
work anymore, and so like I picture this old, rusty worn axes, that
have been repaired and broken again and repaired again just
as a symbol for just a life of hustling and hard work. Um, and
then you know there’s the main figures, then the geometry that
comes in behind that and just kinda accentuates the meanings
178
that are going on, all the underlines. So it’s like… I can say that
there’s a ghost coming out of beard man’s chest and um there’s
obviously something in his heart that’s bothering him. But you
know what, I did a piece where this ghost has one of this red
arrows and he’s like sticking it, metaphorically of course, into
beard man’s chest, so I used the geometry to really try to capture
all the complexity that’s behind it, it’s not the story, you know
there’s one thing spawns all this what ifs, what should I have
done, how would things be different, and then also at the same
time like how do I cope with this, how is it hurting me now and it
shouldn’t, you know things like that, so the geometry comes in
as a separate element to really focus on building out the story
behind the symbol.
21. What is your target group? Do you make your illustrations for
a certain group?
I try to get as many illustrations as I can on my mom’s
refrigerator, cause it’s a pretty hotspot. Hahaha. No. No, I don’t,
it’s really interesting to see… You know the show in January it
was called Perspective and it really focused on the fact that all
this illustrations and paintings are about sets of emotions and
things that happened to me but told in a way where it leaves that
real honest aspect in there without the personal story, so it can
be picked up and applied to somebody else’s life. Um, where it
needs to reach them you know so it’s like I’ll draw something
really, really sad and it makes me feel better because I’m getting
it out on paper and dealing with it and kind of, I always tend
to breathe a little bit easier once it’s out, and then somebody
else will see it, and it’ll be like a really positive thing for them, it
reminds them of something good. And so I’m not gonna stand
on the way of that, so my target group it’s basically… it’s not an
age it’s people who are looking to relate to something, to take
the meaning of something, instead of just glossing over it, and
saying that’s a really cool image, which is fine, you know, I mean
artists do need to make money, and if somebody buy’s one of
my shirts cause it’s a really cool image, or hey they like inkers,
that’s completely fine with me, but the people that I always enjoy
talking to and meeting are the people who can pick up on the
honesty in it, and either the honesty in whether it’s the emotion
of sadness, pain or joy, or sentiment, or heartache, or longing
or love or something like that, that they can kind of pick it up
and understand, it means something to them. So that’s my target
group. I imagine they’re a bunch of really cool people.
22. How do you know if the message that you wanted to convey
has reached your target group?
Um one of the ways that I’ve been judging that metric is through
tumblr. And it’s kind of a way… I don’t know, I almost use it to
judge the level of honesty or the level of emotion that I put into a
piece. It seems like things get shared, the more they hurt coming
out. So it was really a process, and really a trial, and a struggle
to get something on paper, and to tell a story for me, that really,
that seems to get shared, a lot more than a lot of other stuff. It’s
social media, for sharing things they like, things that affect them
one way or the other, no matter how shallow or deep so that’s
kind of the metric that I’ve been using.
23. What kind of response have you had from the target group?
Um, lot of high fives… ehh no. haha. I’d be ok with that. But I get
a lot of… I don’t know, positive feedback but not necessarily like,
“Hey your art is good!”, or something, a lot of it is “Hey, this really
meant something to me!” And “It affected me in a certain way, so
thanks!” and so it’s nice to get positive asfronation to know that
like the manic and the depression that kinda coexist at the same
time, that I have trouble dealing with that, and I have to put it in
paper, that it means something to other people and that they will
tell me once in a while it’s just nice to have that.
24. What rhetorical figures you use most in your illustrations?
Why is that?
I use a lot of metaphors, I mean everything is a symbol for
something in a drawing. Yeah so like the one we talked about
before, the policy? You’ve got… If you look at all the beard man
drawings, I’m sure I missed a couple, especially in the older ones,
but there’s always a 13 somewhere, if it’s on a sleeve, if it’s in
his hat, if it’s on his shoe, there’s always a 13 somewhere. And…
so you’ve got the bird that’s in there, and the bird is a silhouette
and it’s black and normally they’re like flying around and kind of
179
oblivious of what they’re doing to everybody else. So the bird is
a symbol for somebody who was there, who… that relationship
was not severed but it just really… it changed and transition into
something more, not real and present but… and then you’ve got
the arrow’s obviously signifying heartache and then you’ve got
on the honesty part, it’s you know, it’s real and it’s living, and in
silence you feel dead inside because you know you’re not being
able to express how you really feel and you don’t feel much like a
person. And then the red line going through honesty and silence
that just really I guess symbolizes the… the significance of it, it
is real, is a real emotion, like the blood that goes through our
hearts, that’s why we’re alive basically, to communicate.
25. Do you know what is polysemy? Do you think that it applies to
your illustrations?
I googled it. Haha. I looked it up on Wikipedia. Right before the
interview. I was like holly crap I don’t know what that means.
According to Wikipedia, the free encyclopedia, it’s the capacity
for a sign or signs to have multiple related meanings. So, yes
I believe, I do apply polysemy in my illustrations, just because
of the figures that I have that are so reacurring, like ghosts, but
then there’s different kinds of ghosts too. There’s this really weird
looking tiny ghosts and they’re just like junk from the past that
still comes back, and haunts you, more of like specific events or
tragedies or people, you know. And then there’s a ghost that’s a
little bit more terrifying and I call it beard ghost, it usually comes
out of beard mans chest and it also has a beard, so he looks
like beard man, so that ghost is more like a… it’s self-doubt
or subconscious basically that sometimes it’s well intentioned,
sometimes it’s like a little kid chasing after things, that you know,
it’s not a good idea like trying to put a fork in a light socket you
know, like I’m just playing around and having fun and you know,
it’s not a good idea, why are you doing this, so it’s just like this
constant haunting, fear, for this being that contains multiple
levels of self doubt, inflated hope and things like that, and that’s
the scariest to me at least. So yeah the ghosts have multiple
meanings. Even the arrows, red arrows versus blue arrows,
there’s a difference. So yeah I think I could say that I apply
polysemy.
What do the red and blue arrows mean?
Um, the blue arrows, are things that are iced over, not necessarily
cooled off but maybe not as painful but just as real. And… Like
a red arrow would be like the heartbreak, and then a blue arrow,
would still be heartbreak but it would be something that you knew
had to happen and you were totally ok with, you understood it’s
significance, and you accept the fact that it’s there but you’re not
letting it burn you up, it’s just a part of life, you know, because at
least personally you’re never gonna be without heartache and
pain and stuff like that, and some of it is necessary to grow. So
the blue arrows are kind of that, you know, I’m ok with that. I’d
rather have more blue arrows than red arrows, but there’s a lot
more red arrows it seems like. Haha.
26. What signs are recurrent in your illustrations?
Yeah, the ghosts, arrows, ocean themed, space themed,
astronauts. I haven’t drawn a lot of astronauts recently but I was
in that fase for a while. There’s this band called Rosetta, they’re
sort of like a really post post metal band. I don’t know it’s really
spacey and um floaty music. But all their lyrics are really themed
and I love themes and they sing about this space man who… he
hates life on earth and he wants to get away from all the drama,
and all the people in his life that are making things difficult for him,
so he makes this plan to go to Europa. I think it’s Jupiter, but it’s a
moon, and it’s completely covered in ice, and so it’s one of those
that scientist look at and say hey maybe there’s water, what’s
underneath the ice, and junk like that, it’s got that curiosity and
mystery around it, maybe there’s something out there, a place
to live that’s not here, so the astronaut… half the album is going
to Europa, floating through space, and be away from everybody.
Then he gets to Europa, and he’s like finally made it, this is what
I always wanted, and then, he realizes that life wasn’t about
being happy all the time, it was about the people, and everything
that was going on, and then he realizes that he already spent so
many years traveling to Europa that he would never make it back
and everything he truly loved is gone and he’s gonna die alone.
Kind of a downer. But I did a lot of spacemen and astronauts for a
while, starting with that whole idea, space being either an escape
or a trap at the same time. So there were a lot of recurents with
180
astronauts. And space is cool, honestly I love it. The fact that
there’s, you know, a billion times, billion stars in the milky way,
and a billion galaxies like the milky way. So there’s so much stuff
out there, and then there’s us.
27. Do the colors you use in your illustrations mean or represent
something in particular?
Not too much. Personally they reflect just like, my personal
palate, you know like I wear gray jeans… I’m wearing gray jeans
and a black shirt today. And um… tomorrow I’ll wear black jeans
and a gray shirt. You know, I’ve got fun bright shirts too as I have
fun bright illustrations, but for the most part they’re just colors
that I like.
28. Which do you think is your graphic style?
Awesome. Haha. But I don’t know. So it’s kinda all spread out. As
far as illustration goes, I don’t know if I can really describe myself
with a style. It’s just… It’s not ethereal you know, because it’s
not super ghostly because there are lots of hard lines, with the
pen. I would almost say it’s… storytell. I don’t think that’s really a
graphic style, but. Haha.
29. What graphic or visual characteristics define your style?
Shaky hands, hahaha. I have to make sure I’ve got like a
peanut butter sandwich handy, because if I don’t eat my blood
sugar messes up, and you can really tell. Haha. So I like rough
watercolor paper, I don’t use smooth, hotpress, I like to use rough,
cold press. It eats up the microns especially the small ones, but it
really hides shakes very well. So, I don’t know, maybe it’s genius
that I’ve kinda developed my style around that, and, there’s some
people that do amazing work with this long smooth lines, and just
super flowing and soft and beautiful, but I can’t do it, and I love it
and appreciate it and want it on my walls, but I guess for me it’s
just not, it’s not what I should be doing, so. So, Shaky lines, so
there’s uncertainty, in a way, but at the same time, I mean, I only
use pen so I make the one line, I’ve done it three times on top of
each other on the sketch book before I take it to pen, and so I’ve
built it up and I’ve practiced this drawing, and thought about it
and really dialed it in and so I’m confident of what I want it to look
like but there’s still that fragile, uncertainty behind it all. And then
the watercolors allow me to really bring that out, the washes and
layers and things like that.
30. What has been the greatest satisfaction that you’ve had since
you started to illustrate?
Um, I don’t have a really fast car, so that’s kind of my goal. No.
haha. I guess, I’ve had a really great experience at this last show,
um, in January. A lot of things that went in that show were… it
wasn’t a really good time, so a lot of things that were put in that
show were tied to things that weren’t really encouraging to me, it
was kind of like a downer to me. I was kind of at the point were I
was done drawing. I didn’t know what I should be doing, basically,
like what was my goal, should I be making tshirts, or making art,
or should I just quit and be a website designer, which I don’t want
that… at all. So, I decided to price everything low, not to sell it,
but just to make it affordable for people to take home. And people
showed up and it was one of the highest, engrossing shows that
we’ve had in 3 years. And I basically sold out. I sold just about
everything. And to stand there and watch people take art home,
you know, cause it was one thing to have people connect with
it and say “yeah, this is… this means something to me” but to
actually see people take it home, and have that... to take that
honest emotion that I cut out, appreciate it, and then take it home
and include it in their lives, um, that was really encouraging and
uplifting to know that I was making this little positive impacts. So
people would go buy the illustration, like walk by the illustration,
smile and connect to it, and say “this makes me feel really good”
and now it’s at their house, and hopefully they still walk by it and
let it remind them how they felt the first time about it.
31. What is your favorite place to illustrate?
Usually on paper. Hahaha. Sometimes I draw on my hands. I
used to go to the coffee shop almost every single day, that’s still
my favorite place to illustrate. When I moved to Durango, three
years ago, it took me about three months to find a job, it’s a small
turist town, and it’s just, one of those things you have to be on
it everyday. So I applied at a bunch of places, I really wasn’t
looking for a dishwashing job or a barista job, I mean I love
181
coffee and I make a really mean latte but I was just done being
on that side of the counter so. I spent 2 or 3 months just going
applying places, going to interviews and then sitting at the coffee
shop for 3 or 4 hours just drawing. And my roommate would… he
does a lot of comics, cartoon kinda drawings and stuff like that,
and so we would just sit at the coffee shop forever and draw.
And then our friend Cody the tattoo artist he started joining us
and then things I was doing or styles I was exploring would show
up in Cody’s sketch book and things that he was doing would
show up in George’s sketch book, so it was awesome, transfer
of motivation and inspiration, and a lot of coffee. So we just drank
so much, until my hands would shake from caffeine overdose,
and it was time to go home.
32. Which of the illustrations you have made in 2012 and 2013 is
your favorite and what is the story behind it?
They’re all my favorite. They’re all about kittens. About how much
I miss my cat The Cat. No! Hahaha. Let’s see… It’s like asking my
mom which kid is her favorite, hahaha. Can I pick a topic? Yeah.
This is a pretty… it’s been a pretty consistent theme for the last
2 months. It’s called or I call it Quick notes. So it’s just little notes
drawn out, and I love… I don’t have good handwriting, I have
terrible handwriting. People say… They’re like no! Look at that,
your handwriting is beautiful, and I’m like no that’s hand drawing,
I’m drawing those letters, I’m not writing them. The quick notes,
are hand drawn letters. So they’re really personal and really
direct to a specific individual. It’s one of those deals that are
incredibly relatable and positive as well and you know looking
back, the last few months of 2012 and the first of 2013 were kind
of a downer, and it’s kind of those deals in which I have to force
myself to not… I mean, I think it’s healthy to express yourself,
and to get things out there and stuff, but not to dwell on it. And I
was … I didn’t want to get to that point. So the quick notes, are
probably my most favorite thing from this year, being able to write
notes to somebody based on conversations or inside jokes that
we have but have it mean a lot to so many other people too. So
it’s art with a purpose, a purpose bigger than me, like bigger than
therapy and trying to deal with all the crap that’s in my head. So
you know I’m eventually gonna make, I’ve got a series of cards
lined up that are based on the quick notes. And I wanna do quick
notes suggestions, so take commissions, like really cheap, a 3
inch by 3 inch piece of paper, add nice watercolor that I use, and
you get a 3 to 5 word phrase. That’s what I want to do with quick
notes.
33.
How do you feel you’ve evolved as an illustrator?
Physically, I don’t have wings, or any superpowers. I haven’t
evolved much on that end. My hands hurt a lot more. Especially
when I’m drawing tons and tons of tiny dots and lines and things.
I don’t know, it’s been a really natural progression, I feel like... I
look back and… If you scroll (on tumblr) all the way to like 2009,
and everything was digital. I have a Wacom tablet. I did a lot
of digital drawings and coloring, and I would even ?? digitally.
So I’ve spent more time away from the computer, not because I
don’t like it, it’s a great tool, but it’s… I guess, if I’ve evolved at all,
it’s been really focusing on the process, just as much, if not more
than the final result. Yes I have this emotion or this feeling that I
wanna get out, and I want it to be in picture form, but I want how
I do that to mean just as much. Just slowing down and thinking
about the process. That’s how I’ve evolved I guess.
182
ANEXO 7: ARTÍCULO MARCA CROMÁTICA Y SEMÁNTICA DEL
COLOR POR NORBERTO CHAVES
Fuente: http://foroalfa.org/articulos/marca-cromatica-y-semantica-delcolor
La significación del color motivada por el anclaje del signo en
códigos preexistentes, y la significación del color por la progresiva
convencionalización de la relación arbitraria, no motivada, entre el
signo y su referente.
En el manual de identificación gráfica de una red internacional de
centros educativos se lee lo siguiente: «El azul representa el ardiente
deseo de conocimientos del joven. El rojo remite al fuego regenerador
de la institución». Este tipo de verbalización del significado de los
colores prolifera en manuales y presentaciones orales del diseño de
marcas. El carácter arbitrario de esas atribuciones de sentido salta a la
vista: el significado de aquellos colores podría haber sido igualmente
explicado mediante cualquier otro argumento. Intentémoslo: «El azul
corresponde al color del planeta en cuyos cinco continentes ejercemos
la docencia, color internacional por excelencia, y el rojo alude al color
de la bandera del país de origen de nuestro grupo».
En ambos casos se trata de asignaciones de significados unilaterales
y arbitrarios; o sea, significaciones inventadas por el emisor
independientemente de los códigos sociales que permiten una
decodificación directa, inmediata, unánime por los receptores. Por otra
parte, si el emisor debe explicar el significado de un color, ello significa
que tal significado no es evidente. Lo cual es sinónimo de decir que
ese no es su significado real.
El significado de un color sólo es unánime, o sea, comunicacionalmente
eficaz, cuando su uso lo asocia de un modo unívoco a un contexto
determinado, en el cual dicho color ya está socialmente codificado.
Si yo veo, en Barcelona, a una persona con una camiseta verde y
amarilla en la semana de los mundiales de fútbol, no tendré la menor
duda de que estoy ante un brasileño: camiseta + mundiales + verde/
amarillo = futbolero brasileño. Fuera de ese contexto puede significar
simplemente «persona poco elegante».
El significado de un color no es intrínseco sino determinado por los
códigos operantes en el contexto que aparezca. El rojo —el color de los
colores— puede significar: peligro, fuego, pasión, sangre, comunismo,
el mismísimo diablo… y vete a saber cuántas cosas más. Y puede
utilizarse eficazmente con función identificadora por Coca-Cola, Avis,
Marlboro, el Partido Comunista, Perú, Canadá, o por los «diablos
rojos» del club Independiente de Avellaneda.
En síntesis, cuando un manual de marca dice que «el rojo remite al
fuego regenerador de la institución» la único que está sosteniendo es:
«Hemos decidido unilateralmente asignarle ese significado al color
rojo; si ustedes lo captan o no, nos importa un bledo». O sea, el color
en ese caso carece de toda utilidad comunicacional. Sólo funcionará
como identificatorio recién cuando se haya convencionalizado por su
uso intensivo, infalible y prolongado. Y, a partir de entonces, el receptor
tampoco verá «el fuego regenerador» sino simplemente, dirá: «es rojo
porque éste es el color institucional de esa entidad». Y es esto lo que
hay que lograr cuando se asigna un color a una marca, y desechar
toda pretensión narrativa… a menos que el anclaje esté ya socialmente
implantado y, por lo tanto, acelere el proceso de decodificación o
lectura.
Hay gente que considera que el color verde significa unívocamente
«ecología» y, en la bandera de Greenpeace, efectivamente lo significa.
Pero en épocas pre-catastróficas, el verde era el color de la esperanza.
Por lo tanto hoy podríamos leer en él «la esperanza de que el planeta
se salve» (mera esperanza). Aún así, en un cartón de leche, el verde
significa «parcialmente descremada»; y, en los semáforos, «puede
Ud. avanzar». O sea, no estamos sosteniendo que los colores no
transmitan significados sino que transmiten los significados dictados
por el contexto y las convenciones en él operantes.
Utilizar el azul para crear la marca «Japón» sería meterle un gol en
contra al cliente. Por cierto, es increíble la cantidad de goles en contra
observables en la tarea creativa de experto en branding. En una de las
marcas «Alemania», un célebre diseñador internacional recurrió a la
bandera (sensata opción) pero sustituyó el negro por el azul: era más
«amable» (flagrante insensatez).
El simple sentido común nos dirá que una fiesta de aniversario del
Barça no puede ambientarse con otros colores que la combinación
blau-grana. Sin ir más lejos, «blau-grana» es sinónimo coloquial
183
de «Barça», así como «azul y oro» suele utilizarse para referirse al
Boca Juniors. En síntesis, existiendo una cromática instituida, toda
«originalidad» es vana. La «falta de originalidad», auténtico tabú de
los creativos, es en estos casos lo correcto.
El color de una marca comercial puede llegar a justificarse simplemente
por ser el único color disponible en un sector ultracompetitivo. Razón
más que valedera en ese caso. Pero esta libérrima atribución de
significados no se agota en el campo de los colores: la tipografía,
la iconografía, todo signo gráfico es víctima de la compulsión
semantizadora.
Vale entonces repetir (aunque de nada sirva): no es que esos signos
no signifiquen (no es casual que los llamemos «signos»). Simplemente
se trata de tener claro que no significan lo que a uno le dé la gana. Para
escoger un signo (color, letra, dibujo…) y con él construir una pieza
gráfica es, precisamente, indispensable detectar las asociaciones —
conscientes o inconscientes— que, en su contexto de uso, despertará
en el imaginario social. No es fácil.
184
ANEXO 8: LYRICS FALLING SNOW
“Falling Snow” - Lotte Kestner
When you fell, you fell so hard
Reaching for me in the falling snow
I should have stayed, you said I should go
How will you make it home, oh
Leaving your way
I heard you got lost
Losing your voice to the ground below
And I stayed awake until you were home
It was days and days and days and oh
Come down from your mountain
You’ve been gone too long
If you will then you should say so
Don’t leave me hanging on
Out from the open window
We could hear you breathing
Hold on but it does not hold on
Every mountain falls
Somebody said you would be gone
185

campus central guatemala de la asunción, septiembre

Transcription

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