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DeModernen
LesModernes
TOUR DE TOUR
DE FRANCE
FRANCE S
H
oewel het Koninklijk
Museum voor Schone
Kunsten Antwerpen vooral
Zuid-Nederlandse en
Belgische kunst verzamelt,
heeft het best veel internationaal werk in zijn bezit.
Onder de buitenlanders
zijn de Fransen sterk
vertegenwoordigd met oude
meesters van topkwaliteit
als Jean Fouquet en Jean
Clouet naast een hele stoet
van moderne kunstenaars.
Sommigen met grote naam
en faam en anderen eerder
onbekend maar zeker het
ontdekken waard. Voor de
collectietentoonstelling Tour
de France hebben we de
mooiste Franse kunstwerken
uit de voorbije twee eeuwen
bijeengebracht. Zestig
schilderijen, sculpturen,
tekeningen, pastels en
aquarellen van veertig
kunstenaars vertellen het
Franse museumverhaal.
Paul Signac, Saint-Paul de Vence
3
i le Musée Royal des BeauxArts d’Anvers (KMSKA)
collectionne principalement l’art
des Pays-Bas méridionaux et de
Belgique, il possède aussi beaucoup d’œuvres d’artistes d’autres
pays. Parmi eux, la France est
particulièrement bien représentée avec des maîtres anciens
de grande qualité comme Jean
Fouquet et Jean Clouet et toute
une pléiade d’artistes modernes,
certains de grande renommée,
d’autres moins connus, mais tout
aussi intéressants à découvrir.
Nous avons rassemblé pour
l’exposition de collection Tour
de France les plus belles œuvres
françaises des deux derniers
siècles. Soixante tableaux, sculptures, dessins, pastels et aquarelles
de quarante artistes mettent en
lumière le volet français du musée.
TheModerns
TOUR
DE FRANCE
A
lthough the Royal Museum
of Fine Arts Antwerp
(KMSKA) collects mainly
Southern Netherlandish and
Belgian art, it also possesses a
fair number of pieces by foreign
artists. French art is particularly
well represented, with pieces by
prominent Old Masters such as
Jean Fouquet and Jean Clouet as
well as work by a variety of modern artists, some of great renown,
others far less well-known but
most definitely worth discovering. The collection exhibition
Tour de France showcases the
best of the museum’s French art
from the past two centuries. Sixty
paintings, sculptures, drawings,
pastels and watercolours by forty
different artists tell the fascinating story of KMSKA’s French
collection.
DieModerne
TOUR
DE FRANCE
Z
war konzentriert sich das
Königliche Museum für
Schöne Künste Antwerpen
(KMSKA) bei seiner
Sammlungspolitik vor allem auf
Kunstwerke aus den ehemaligen
Südlichen Niederlanden und aus
Belgien; jedoch besitzt es auch
zahlreiche Werke ausländischer
Künstler. Darunter sind französische umfangreich vertreten,
wobei das Spektrum von den
großen Malern der Vergangenheit
– wie Jean Fouquet oder Jean
Clouet – bis zur französischen
Moderne, von Berühmtheiten bis
zu weniger bekannten Künstlern
reicht, die zu entdecken es sich
aber unbedingt lohnt.
Die Präsentation Tour de France
umfasst die schönsten Werke
französischer Künstler aus dem
Museumsbesitz. Sechzig Gemälde,
Skulpturen, Zeichnungen,
Pastelle und Aquarelle aus den
vergangenen zwei Jahrhunderten
illustrieren die Geschichte der
Museumssammlung „Kunst aus
Frankreich“.
Een kleine geschiedenis van de Franse collectie
D
e vroegste Franse modernen doen
rond het midden van de negentiende eeuw hun entree in het KMSKA.
Belangrijke aanhangers van het academisme
als Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph
Nicolas Robert-Fleury, Alexandre Cabanel en
William Adolphe Bouguereau verwerven een
opmerkelijke plaats in de verzameling.
Dankzij gulle schenkingen, maar ook door
een aantal gerichte aankopen groeit de Franse
collectie uit tot een heel aantrekkelijk ensemble. De aanvankelijke voorkeur voor het
academisme evolueert in het begin van de
twintigste eeuw naar belangstelling voor
de vernieuwende stromingen van de negentiende eeuw. Er wordt een inhaalbeweging
ingezet om werk van kunstenaars aan te
kopen, die deel uitmaken van realisme,
impressionisme en hun uitlopers. Manet,
Renoir en Cézanne zijn intussen onbetaalbaar
geworden, maar toch slaagt het museum
er in mooie werken te verwerven van onder
anderen Emile Auguste Carolus-Duran,
Gustave Courbet, Henri Fantin-Latour,
Auguste Rodin, Edgar Degas en Paul Signac.
De invloedrijke vereniging Kunst van
Heden brengt ook heel wat werken van eigentijdse buitenlandse meesters naar Antwerpen.
Veel Franse modernen die getoond worden
bij Kunst van Heden vinden op deze manier
hun weg naar het museum. De verzameling
twintigste-eeuwse kunst wordt verder
verrijkt met belangrijke namen uit de Franse
kunstgeschiedenis: Marc Chagall, Georges
Rouault, Ossip Zadkine, Maurice de Vlaminck
en Raoul Dufy. In 1975 koopt het museum
Accumulatie met scheerapparaten en hiermee
sluit assemblagekunstenaar Arman de parade
Franse meesters in het KMSKA af.
4
Emile Auguste Carolus-Duran
Gravin Rattazzi, geboren Maria-Laetitia Bonaparte-Wyse
Comtesse Rattazzi, née Maria-Laetitia Bonaparte-Wyse
Countess Rattazzi, born Maria-Laetitia Bonaparte-Wyse
Gräﬁn Rattazzi, geb. Maria-Laetitia Bonaparte-Wyse,
1872
Petit historique de la
collection française
L
es premiers modernes font
leur entrée au KMSKA au
milieu du dix-neuvième siècle. De
grandes figures de l’académisme
comme Jean Auguste Dominique
Ingres, Joseph Nicolas RobertFleury, Alexandre Cabanel et
William Adolphe Bouguereau
acquièrent une place notable dans
la collection du musée.
Grâce à de généreuses donations,
mais aussi des achats bien ciblés,
la collection française devient un
ensemble très riche. La préférence
marquée pour l’académisme évolue au début du vingtième siècle
vers un intérêt pour les courants
nouveaux du dix-neuvième. Le
musée comble son retard en la
matière en achetant des œuvres
de représentants du réalisme, de
l’impressionnisme et des courants
annexes. Manet, Renoir et Cézanne
sont devenus hors de prix, mais
le musée parvient quand même à
acquérir de belles pièces d’Emile
Auguste Carolus-Duran, Gustave
Courbet, Henri Fantin-Latour,
Auguste Rodin, Edgar Degas et
Paul Signac.
L’influente société Kunst van
Heden (L’art contemporain) fait
aussi venir à Anvers quantité de
toiles de maîtres étrangers de
l’époque. Beaucoup de modernes
français exposés par Kunst van
Heden se retrouvent ainsi au
musée. La collection d’art du vingtième siècle s’enrichit encore de
grands noms de l’histoire de l’art
française: Marc Chagall, Georges
Rouault, Ossip Zadkine, Maurice
de Vlaminck et Raoul Dufy. Le
musée fait en 1975 l’acquisition
de l’assemblage de l’artiste Arman
Accumulation de rasoirs, qui clôture la parade de maîtres français
au KMSKA.
A Little History
of the French Collection
K
MSKA’s earliest acquisitions
of work by French moderns
5
date from around the middle of the
nineteenth century. Leading representatives of academic art such as
Jean Auguste Dominique Ingres,
Joseph Nicolas Robert-Fleury,
Alexandre Cabanel and William
Adolphe Bouguereau would come
to occupy a prominent place in the
museum collection.
Thanks to some generous donations and targeted purchases, the
French collection soon grew into an
attractive ensemble. The museum’s
initial preference for academic art
shifted in the early twentieth century towards the avant-garde movements of previous decades. A concerted effort was made to purchase
work by exponents of Realism and
Impressionism and their offshoots.
Manet, Renoir and Cézanne had
already become unaffordable, but
the museum did succeed in acquiring quality pieces by, among others,
Emile Auguste Carolus-Duran,
Gustave Courbet, Henri FantinLatour, Auguste Rodin, Edgar Degas
and Paul Signac.
The influential art circle Kunst
van Heden/L’art contemporain
also brought many contemporary
French artists to Antwerp. Quite a
few French moderns who were featured in its exhibitions eventually
made their way into the museum
collection. Over the years, the twentieth-century collection was further
enhanced with work by prominent French artists such as Marc
Chagall, Georges Rouault, Ossip
Zadkine, Maurice de Vlaminck and
Raoul Dufy. In 1975, the museum
purchased Accumulated Razors
by assemblage artist Arman, who
concludes the parade of French
masters at KMSKA.
Die Geschichte der
Sammlung „Kunst aus
Frankreich“
M
itte des 19. Jahrhunderts
zogen die ersten der frühen französischen Modernen ins
Museum ein. Berühmte Anhänger
der akademischen Malerei wie
Jean Auguste Dominique Ingres,
Joseph Nicolas Robert-Fleury,
Alexandre Cabanel und William
Adolphe Bouguereau eroberten
sich einen prominenten Platz in
der Sammlung.
Dank großzügiger Schenkungen
und gezielter Ankäufe entwickelte sich die Sammlung „Frankreich“
zu einem besonders attraktiven
Ensemble. Hatte sich das Interesse
des Museums zunächst auf die
akademische Malerei konzentriert,
so war Anfang des 20. Jahrhunderts eine neue Entwicklung
zu beobachten: Die Sammlung
wurde um Werke ergänzt, die die
erneuernden Strömungen des
19. Jahrhunderts wie Realismus
und Impressionismus sowie ihre
Ausläufern vertraten. Manet, Renoir und Cézanne waren damals
bereits beinahe unerschwinglich
geworden. Dennoch gelang es dem
Museum, eindrucksvolle Werke
von unter anderem Emile Auguste
Carolus-Duran, Gustave Courbet,
Henri Fantin-Latour, Auguste Rodin, Edgar Degas und Paul Signac
zu erwerben.
Dank der Ausstellungen von
Kunst van Heden (Kunst der
Gegenwart), einer 1905 in
Antwerpen gegründeten einflussreichen Vereinigung von
Künstlern und Mäzenen, gelangten auch Werke zeitgenössischer
Künstler aus dem Ausland nach
Antwerpen. Dazu gehörten zahlreiche Kunstwerke französischer
Moderner, die bei Kunst van Heden
ausgestellt hatten. Weiter wurde
die Sammlung „20. Jahrhundert“
um große Namen der französischen Kunstgeschichte wie Marc
Chagall, Georges Rouault, Ossip
Zadkine, Maurice de Vlaminck und
Raoul Dufy ergänzt. 1975 erwarb
das Museum Akkumulation mit
Rasierapparaten. Damit schloss der
Objektkünstler Arman die Reihe
großer französischer Künstler im
KMSKA vorerst ab.
Het Museum
van de Academiekers
H
et KMSKA – opgericht door
Napoleon in 1810 als dependance
van de academie – was initieel een
museum voor oude kunst. Pas na 1850 werden de eerste stappen gezet om een eigentijdse kunstcollectie uit te bouwen.
De academie nam het voortouw en vroeg
aan vooraanstaande binnen- en buitenlandse
leden van haar bestuur om een representatief
kunstwerk en een portret te leveren voor
haar verzameling. Opvallende namen in het
Museum van de Akademiekers zijn Ingres,
Robert-Fleury, Cabanel en Bouguereau. Stuk
voor stuk vurige verdedigers van de grote
academische waarden. Ze zetten mythologische onderwerpen en Bijbelse en historische
gebeurtenissen in scène: op groot formaat,
scherp omlijnd, technisch verfijnd, en met
oog voor detail.
Ingres vindt het een hele eer om lid te
zijn van de befaamde Antwerpse academie.
De hoogbejaarde en zieke kunstenaar schenkt
als blijk van erkentelijkheid een zelfportret.
Het is verbazend om te zien hoe hij zich aan
de wereld toont: niet als kunstenaar, maar
als gearriveerd bourgeois met de ordetekens
fier op de borst gespeld. De stukken van
Robert-Fleury, Cabanel en Bouguereau zorgen voor spektakel. Robert-Fleury verbluft
het Antwerpse publiek met het monumentale doek De dode Titiaan opgebaard in het
Palazzo Barbarigo. Titiaans biograaf Antonio
Palomino dacht dat de meester 99 jaar was
geworden. Daaraan voegde hij toe dat de
Dood zelf niet sterk genoeg was gebleken om
de kunstenaar te verslaan, maar dat hij de
Pest ter hulp had moeten roepen.
Cabanel schildert een tafereel met
Cleopatra in de hoofdrol. Hij vindt het zelf
een van zijn beste werken. De gruwelijk
koelbloedige wijze waarop de Egyptische
koningin zich op haar zelfmoord voorbereidt,
6
brengt hij met academische flair in beeld.
Bouguereau kiest met De heilige vrouwen bij
het graf voor een Bijbels historiestuk. Maar
op dat moment loopt de grote historieschilderkunst al op haar laatste benen. De conservatieve kritiek prijst het schilderij als een
volmaakt meesterwerk, maar de progressieven verwijten Bouguereau zijn zin voor
traditie en vakmanschap.
William Adolphe Bouguereau
De heilige vrouwen bij het graf van Christus – Les
saintes femmes au tombeau du Christ – The Holy
Women at the Tomb of Christ – Die heiligen Frauen am
Grab Christi, 1890
Le Musée des
Académiciens
F
ondé par Napoléon en 1810
comme dépendance de l’Académie, le KMSKA est initialement un musée d’art ancien. Ce
n’est qu’après 1850 que s’élabore
progressivement une collection
d’art contemporain. L’académie
prend l’initiative et demande à des
membres éminents de son conseil
d’administration de proposer pour
la collection du musée une œuvre
d’art représentative et un portrait.
Le Musée des Académiciens
compte des membres illustres
comme Ingres, Robert-Fleury,
Cabanel et Bouguereau, tous de
fervents défenseurs des valeurs
académiques qui mettent en scène
des thèmes mythologiques et des
épisodes bibliques et historiques :
grands format, lignes marquées,
technique raffinée et sens du détail.
Ingres est très honoré d’être
membre de la célèbre Académie
d’Anvers. En signe de reconnaissance, l’artiste âgé et malade offre
au musée un autoportrait. Il est
étonnant de voir comment il se
représente lui-même: non pas en
artiste, mais en bourgeois aisé qui
arbore ses médailles avec fierté.
Les toiles de Robert-Fleury,
Cabanel et Bouguereau sont plus
spectaculaires.
Robert-Fleury impressionne
le public anversois avec sa toile
monumentale Titien mort exposé
au Palazzo Barbarigo. Selon le
biographe de Titien Antonio
Palomino, le maître avait atteint
l’âge de 99 ans. L’historien de la
peinture ajoute que la Mort ellemême n’était pas assez forte pour
terrasser l’artiste et qu’elle avait dû
appeler la Peste à la rescousse.
Cabanel peint un tableau dont le
personnage central est Cléopâtre.
Il le considère comme une de ses
meilleures toiles. Il rend avec une
parfaite maîtrise académique le terrible sang-froid avec lequel la reine
égyptienne prépare son suicide.
Bouguereau peint une scène
biblique: Les saintes femmes au
7
tombeau. Mais la grande peinture historique connaît alors ses
dernières heures. La critique
conservatrice voit dans cette toile
un véritable chef-d’œuvre ; pas
les progressistes, qui reprochent à
Bouguereau son penchant pour la
tradition et des règles de l’art.
The Museum of the
Academicians
E
stablished by Napoleon in 1810
as an annex to the Antwerp
Academy of Fine Arts, KMSKA was
initially conceived as a museum for
old art. It was only after 1850 that
the first steps were taken towards
the acquisition of a contemporary
collection. The Academy took the
lead by asking prominent Belgian
and foreign members of its board
to contribute a representative
work of art and a portrait to the
museum collection. Among the
most notable names to be inducted
into the so-called Museum of the
Academicians were Ingres, RobertFleury, Cabanel and Bouguereau,
all of whom were champions of
the great principles of academic
art. They shared a preference for
mythological, biblical and historical subjects, rendered on a monumental scale and in a technically
refined style, with sharp outlines
and an eye for detail.
Ingres felt honoured to be a
member of the famed Antwerp
Academy. As a mark of his gratitude, the ailing elderly artist donated a self-portrait, in which he represented himself in a quite remarkable fashion, not as an artist, but as
a settled bourgeois, with badges of
honour pinned to his chest.
The pieces by Robert-Fleury,
Cabanel and Bouguereau were
quite spectacular.
Robert-Fleury stunned viewers
in Antwerp with his monumental
rendering of Titian Lying in State
at the Palazzo Barbarigo. Titian’s
biographer Antonio Palomino,
who believed that the Master had
lived to the age of 99, asserted that
Death had been unable to defeat
the artist on its own and had called
for assistance from the Plague.
Cabanel contributed a scene
featuring Cleopatra, a composition
he considered to be among his best.
The chillingly unemotional fashion
in which the Egyptian queen prepares her suicide is rendered with
great academic flair.
Bouguereau produced a
biblically-inspired painting of
The Holy Women at the Tomb of
Christ, at a time when history
painting was already on its last
legs. Traditionalists praised the
painting as the perfect masterpiece,
while more progressive critics condemned Bouguereau’s exaggerated
sense of tradition and craftsmanship.
Das Museum der
Akademiker
D
as KMSKA, 1810 von Napoleon
Bonaparte als Dependance
der Antwerpener Kunstakademie
gegründet, war ursprünglich
ein Museum für Alte Kunst.
Erst nach 1850 begann man mit
dem Sammeln zeitgenössischer
Kunstwerke. Die Initiative ging
von der Akademie aus: Sie bat
führende Vorstandsmitglieder aus
Belgien und dem Ausland, je ein
repräsentatives Gemälde und ein
Porträt zur Sammlung beizusteuern. Auffallende Namen in diesem
„Museum der Akademiker“ waren
Ingres, Robert-Fleury, Cabanel
und Bouguereau. Sie alle waren
überzeugte Anhänger des akademischen Kunststils und malten großformatige mythologische, biblische
und historische Darstellungen,
deren Merkmale präzise Konturen,
technische Raffinesse und die
Liebe zum Detail waren.
Ingres betrachtete es als große
Ehre, Mitglied der berühmten
Antwerpener Akademie zu sein.
Der betagte und bereits kranke
Künstler schenkte ihr als Ausdruck
seine Dankbarkeit ein Selbstporträt.
Es erstaunt, auf welche Weise er
sich der Welt präsentiert: nicht als
Künstler, sondern als arrivierter
Bourgeois, der stolz sein Orden
an der Brust trägt.
Für Aufsehen sorgten die Werke von Robert-Fleury, Cabanel
und Bouguereau.
Robert-Fleury verblüffte das
Antwerpener Publikum mit dem
großformatigen Der tote Tizian,
aufgebahrt im Palazzo Barbarigo.
Nach Tizians Biografen Antonio
Palomino war der Maler 99 Jahre
alt geworden. Der Tod selber
sei nicht stark genug gewesen,
Tizians Leben zu beenden, weshalb er die Pest zu Hilfe rufen
musste.
Im Mittelpunkt des Gemäldes
von Cabanel steht die ägyptische
Königin Kleopatra. Der Maler
betrachtete es als eines seiner
besten Werke. Die grausige
Kaltblütigkeit, mit der Kleopatra
ihren Selbstmord vorbereitet, ist
mit akademischem Flair dargestellt.
Bouguereau schuf mit Die heiligen Frauen beim Grab eine Art
von biblischem Historiengemälde.
Das Genre der Historienmalerei
war jedoch schon beinahe überholt. Konservative Kunstkritiker
priesen das Gemälde als vollkommenes Meisterwerk; progressive
Rezensenten warfen dem Maler
seine Vorliebe für die Tradition
und das Metier vor.
8
Burgerlijke
smaak
D
e negentiende eeuw is de tijd van de Salons.
Deze grote officiële tentoonstellingen van
eigentijdse kunst zijn de ontmoetingsplek van
de kunstenaars met hun burgerlijke publiek. Grote doeken
met heroïsche taferelen uit de geschiedenis, sentimentele
onderwerpen of erotiserende voorstellingen uit de klassieke mythologie voeren de boventoon. Maar niet alles wat
in de Salon wordt getoond valt onder de noemer ‘salonkunst’. Er is ook ruimte voor minder verheven onderwerpen als het portret, het landschap en het genrestuk, meestal
op kleiner formaat.
Hoewel Ingres en later Ernest Meissonnier en Edouard
Hamman zich vooral “peintre de haute histoire” noemen,
beoefenen zij ook het historische genretafereel. Geen
belangrijke gebeurtenissen, maar vermakelijke en ontroerende voorvalletjes uit het leven van de groten der aarde
genieten de voorkeur. Het salonpubliek is er alleszins dol op.
Ook jonge kunstenaars dromen van succes op de Salon,
maar hun vooruitstrevende en vernieuwende kunst wordt
heel dikwijls geweigerd. Geen wonder dat de ontwikkeling van de moderne kunst in de negentiende eeuw nauw
samenhangt met het verzet tegen de conservatieve smaak
van de Salons. Veel van die vernieuwers nemen toch deel
aan de Salons, maar dan met meer behoudend werk.
In een zelfportret uit 1858 stelt Henri Fantin-Latour
zich voor als een jonge ambitieuze kunstenaar. Vlug en
trefzeker heeft hij met snelle borstelstreken zijn markante kop vormgegeven. Drie jaar later debuteert FantinLatour op de Parijse Salon. De Rijselse schilder Emile
Auguste Carolus-Duran maakt vooral met zijn imposante
damesportretten furore. Het portret van Maria-Laetitia
Bonaparte-Wyse, achternicht van Napoleon I, lijkt heel
traditioneel, maar de uitvoering heeft iets los en informeels,
naar de stijl van Edouard Manet.
Ook het eigentijdse leven in al zijn facetten kwam aan
bod. James Tissot voert de mondaine burgervrouw op
in haar vrije tijd, terwijl Virginie Demont-Breton vooral
aandacht heeft voor het gewone vissersvolk aan de Franse
Noordzeekust. Het zijn moderne onderwerpen in een
klassieke stijl.
Le goût bourgeois
L
e dix-neuvième siècle est
l’époque des Salons.
Ces grandes expositions
officielles d’art contemporain sont le lieu de rencontre des artistes avec leur
public bourgeois et sont
dominées par les grandes
toiles d’épisodes historiques, les sujets sentimentaux ou les scènes érotiques
de la mythologie classique.
Mais tout ce qui est présenté au Salon n’est pas de
‘l’art de salon’. Il y a aussi
place pour des sujets plus
modestes comme le portrait, le paysage et la scène
de genre, généralement de
plus petit format.
Bien que Ingres et plus
tard Ernest Meissonnier
et Edouard Hamman se
considèrent surtout comme
des ‘peintres de haute
histoire’, ils s’essayent
aussi au tableau de genre
historique : plutôt que
des grands évènements,
des scènes charmantes et
émouvantes de la vie des
grands de ce monde. Le
public des Salons en raffole.
De jeunes artistes rêvent
de percer au Salon, mais
leur art d’avant-garde y est
très souvent refusé. Pas
étonnant donc que le développement de l’art moderne
au dix-neuvième siècle aille
de pair avec la résistance
au goût conservateur des
Salons. Bon nombre de
ces artistes du renouveau
participent néanmoins
aux Salons, mais avec des
œuvres plus classiques.
Dans un autoportrait de
1858, Henri Fantin-Latour
se peint en jeune artiste
ambitieux. Il brosse sa tête
à traits rapides mais assurés. Fantin-Latour débute
au Salon de Paris trois ans
plus tard. Le peintre lillois
9
Ernest Meissonnier
Huzaar – Hussard – Cavalry Man – Husar
Emile Auguste Carolus-Duran fait
fureur avec ses imposants portraits
féminins. Le portrait de MariaLaetitia Bonaparte-Wyse, la petitenièce de Napoléon Ier, semble très
traditionnel, mais son exécution
est fluide et informelle, dans le
style d’Édouard Manet.
La vie de l’époque est également mise en scène sous toutes
ses facettes. James Tissot peint la
bourgeoise mondaine se divertissant, tandis que Virginie DemontBreton s’intéresse surtout aux gens
simples de la côte de la Mer du
Nord. Ce sont des sujets modernes
traités dans un style classique.
Bourgeois Tastes
T
he nineteenth century is the
era of Paris Salon. These major
official exhibitions of contemporary art were a meeting place for
artists and their bourgeois audiences. Among the most favoured
artistic themes were heroic historical compositions, sentimental
scenes and eroticising representations of characters from classical
mythology. However, not all pieces
shown at the Salon qualified as
typical ‘Salon art’. There was also
room for less lofty subject matter,
including portraits, landscapes and
genre painting, usually on a more
modest scale.
Although Ingres, and subsequently Ernest Meissonnier and
Edouard Hamman, liked to call
themselves “peintres de haute
histoire”, they also produced historical genre scenes, representing
not so much momentous historical events as amusing or moving
anecdotes from the lives of great
historical figures. Visitors to the
Salon adored such paintings.
Many young artists also yearned
for success at the Salon, but their
progressive and innovative art was
often rejected. No wonder, then,
that the rise of modern art in the
nineteenth century coincided
with resistance to the conservative Salon taste. Many innovators
would nonetheless participate in
10
the Salon with more traditionalist work.
In his 1858 self-portrait, Henri
Fantin-Latour represents himself as an ambitious young artist,
capturing his striking features in
bold, quickly applied brushstrokes.
Three years later, the artist would
nonetheless make his debut at the
Salon. Lille-born painter Emile
Auguste Carolus-Duran caused a
furore mainly with his imposing
portraits of women. The portrait
of Maria-Laetitia Bonaparte-Wyse,
great-niece of Napoleon I, may
seem rather traditionalist, but the
loose painterly style infuses it with
an informal quality that is reminiscent of Edouard Manet.
Another favourite theme was
contemporary life, in all its facets.
James Tissot shows a fashionable bourgeois woman spending
her leisure time, while Virginie
Demont-Breton’s focus was mainly
on fisherfolk on France’s North
Sea coast: modern subject matter
rendered in a classical style.
Der Geschmack der
Bourgeoisie
D
as 19. Jahrhundert war die
Epoche der „Salons“. Diese
großen, offiziellen Ausstellungen
zeitgenössischer Kunst waren
Treffpunkte der Künstler und
ihres bürgerlichen Publikums.
Gezeigt werden vor allem großformatige Gemälde mit historischen oder sentimentalen Sujets
sowie erotisch angehauchte
Darstellungen von Szenen aus
der antiken Mythologie. Aber
nicht alles, was auf den Salons
ausgestellt wird, fiel unter den
Nenner „Salonkunst“. Es gab
auch Raum für weniger erhabene,
meist kleinere Werke wie das
Porträt, die Landschaft oder das
Genregemälde.
Obwohl Ingres und später
Ernest Meissonnier und Edouard
Hamman sich gerne „peintre de
haute histoire” (Maler der großen
Geschichte) nannten, übten sie
sich auch im historisierenden
Genregemälde. Diese Bilder stellen
keine bedeutenden Ereignisse dar,
sondern amüsante und anrührende kleine Begebenheiten aus dem
Leben der Großen der Erde. Das
Publikum der Salons war hingerissen.
Auch junge Künstler träumten
davon, auf den Salons auszustellen,
aber ihre fortschrittlichen und
erneuernden Werke wurden häufig
abgewiesen. Es erstaunt also nicht,
dass die Entwicklung der modernen Kunst im 19. Jahrhundert
eng mit dem Widerstand gegen
den konservativen Charakter der
Salons zusammenhing. Viele der
Erneuerer nahmen dann doch
noch an den Salons teil, aber reichten eher traditionelle Werke ein.
Auf seinem Selbstporträt (1858)
stellte sich Henri Fantin-Latour
als junger, ehrgeiziger Künstler dar.
Rasch und treffsicher hat er mit
schnellem Pinselstrich sein markantes Haupt wiedergegeben. Drei
Jahre später debütierte FantinLatour auf dem Pariser Salon.
Emile Auguste Carolus-Duran aus
Lille machte vor allem mit seinen
imposanten Frauenporträts Furore.
Das Bildnis der Maria-Laetitia
Bonaparte-Wyse, einer Großnichte
von Napoleon Bonaparte, scheint
auf den ersten Blick traditionsverhaftet, aber die Ausführung hat
etwas Leichtes und Informelles im
Stil von Edouard Manet.
Auch der Alltag in all seinen
Facetten wurde künstlerisch
umgesetzt. James Tissot malte
mondäne Damen beim Müßiggang,
Virginie Demont-Breton vor allem
einfache Fischer an der französischen Nordseeküste: aktuelle
Themen, dargestellt im traditionellen Stil.
Naar buiten
I
n de negentiende eeuw ontwikkelt het
eeuwenoude genre van het landschap
zich tot onderwerp van experiment en
vernieuwing. Kunstenaars nemen geen genoegen meer met een opgesmukt, klassiek landschap en gaan op zoek naar waarachtigheid
via een nauwkeurige natuurobservatie. Voor
het eerst in de geschiedenis zetten ze hun
schildersezels in de open lucht want ze willen
alle wisselende aspecten van de natuur beleven en weergeven. De strenge academische
regels worden aan de kant geschoven en eenvoudige landschapcomposities worden in een
schetsmatige schilderstechniek uitgevoerd.
In Frankrijk ontstaat deze nieuwe visie op
de landschapschilderkunst bij Camille Corot
en bij schilders van de zogenaamde school
van Barbizon. Alleen de zuivere kleuren en de
nerveuze toets ontbreken nog om dan al over
impressionisme te kunnen spreken.
Corot – een schilder van formaat – is ook
een verwoed tekenaar. Het KMSKA heeft een
late houtskooltekening van hem in zijn bezit:
een sfeervol landschap beheerst door beweeglijk wazige struiken en bomen. Rond 1850 is
Gustave Courbet de meest toonaangevende
onder de progressieve kunstenaars.
Hij beoefent de landschapschilderkunst,
vooral in zijn geboortestreek in de omgeving
van Ornans. Hij zoekt naar ongewone motieven in de natuur en ontwikkelt een eigen
manier om met zijn paletmes rotsen, rivier en
vegetatie te suggereren. Op het einde van de
negentiende en het begin van de twintigste
eeuw herleiden kunstenaars het landschap
meer en meer tot een zuiver vormelijk en
picturaal motief en transformeren de natuur
tot kunst.
Ze experimenteren volop met kleur en
vorm. Othon Friesz bijvoorbeeld componeert
strakke en ritmische havengezichten, terwijl
Maurice de Vlaminck breedgeschilderde
landschappen aflevert, met een voorkeur voor
onheilspellende luchten.
Gustave Courbet
Rotsen in Ornans – Les roches à Ornans – Rocks near Ornans – Felsen bei Ornans
11
La peinture en plein air
L
e genre ancestral du paysage
devient au dix-neuvième siècle
l’objet de nouveauté et d’expérimentation. Les artistes ne trouvent
plus de satisfaction dans le paysage classique idéalisé et partent
en quête d’authenticité à travers
une observation minutieuse de la
nature. Pour la première fois dans
l’histoire, ils posent leur chevalet
en plein air, soucieux d’observer
et de capter tous les changements
dans la nature. Les strictes règles
académiques sont balayées et les
compositions de paysages épurées
sont réalisées dans une technique
picturale schématique. Cette
nouvelle vision se manifeste en
France par la peinture paysagiste
de Camille Corot et des membres
de la fameuse École de Barbizon. Il
ne manque que des couleurs pures
et les touches légères pour qualifier
leur art d’impressionniste.
Le grand peintre Corot est
aussi un dessinateur accompli. Le
KMSKA possède de lui un fusain :
un paysage dominé par des buissons et arbres mouvants baignant
dans la brume. Vers 1850, Gustave
Courbet est une figure de proue
des artistes progressistes. Il exerce
la peinture paysagiste, particulièrement dans sa région natale d’Ornans. Il recherche les motifs singuliers dans la nature et développe
sa propre manière de suggérer à la
spatule les rochers, les rivières et
la végétation. Les artistes de la fin
du dix-neuvième siècle, début du
vingtième ramènent le paysage à
un motif formel et pictural pur et
élèvent la nature au rang de l’art.
Ils expérimentent avec la couleur
et la forme. Othon Friesz par
exemple compose des vues portuaires sobres et rythmiques, tandis
que Maurice de Vlaminck produit
des paysages solides, avec un goût
marqué pour les ciels tourmentés.
Out-of-doors
I
n the nineteenth century, the
age-old genre of landscape painting became an area of experimenta-
12
tion and innovation. Artists would
no longer settle for idealised classical landscapes, but set out in search
of veracity through the meticulous
observation of nature. For the
first time in the history of painting, they set up their easels out in
the open in order to experience
and be able to capture the everchanging aspects of nature. They
discarded the strict academic rules
and began to render landscapes
sketchily, in plain compositions.
In France, this new approach to
landscape painting was pioneered
by Camille Corot and the so-called
Barbizon school of painting. All
that distinguishes these paintings
from Impressionism is the absence
of pure colours and nervous brushstrokes.
Corot – a painter of great
distinction – was also an avid
draughtsman. KMSKA possesses a
late charcoal drawing by the artist,
featuring an atmospheric landscape dominated by dynamically
vague bushes and trees. Around
1850, Gustave Courbet was arguably the most prominent of the progressive artists. He devoted himself
to landscape painting, particularly
in his native region near Ornans.
Courbet sought unusual motifs in
nature and he developed a palette
knife technique for rendering rockery, rivers and vegetation. Around
the turn of the nineteenth and
twentieth centuries, artists increasingly strove to reduce landscapes to
a purely formal and pictorial motif,
thereby effectively transforming
nature into art. They experimented
fully with colour and form. Othon
Friesz, for example, produced
tightly composed, rhythmic port
views, while Maurice de Vlaminck
created broadly painted landscapes
with typically dramatic skies.
Ins Freie!
I
m 19. Jahrhundert entwickelte
sich das Jahrhunderte alte
Genre der Landschaftsmalerei zum
Gegenstand des Experiments und
der Erneuerung. Künstler gaben
sich nicht mehr mit der reich
ausgeschmückten, klassischen
Landschaften zufrieden, sondern
begaben sich auf der Grundlage
präziser Naturbeobachtung auf
die Suche nach Wahrhaftigkeit.
Erstmals in der Geschichte zogen
sie mit der Staffelei ins Freie:
Sie wollten die Natur in all ihren
wechselnden Schattierungen erleben und wiedergeben. Die strengen
Regeln des Akademismus‘ werden
beiseite gelegt, in skizzenhafter
Maltechnik entstanden schlichte
Kompositionen. Die Begründer
dieser neuen Landschaftsmalerei
waren in Frankreich Camille Corot
und die Maler der Schule von
Barbizon. Fast könnte man schon
von Impressionismus sprechen; es
fehlen nur noch die reinen Farben
und der nervöse Pinselstrich.
Der begnadete Maler Corot
war auch ein besessener Zeichner.
Das KMSKA besitzt eine späte
Holzkohlenzeichnung Corots: eine
stimmungsgeladene Landschaft
mit windgepeitschten, flüchtig
dahingeworfenem Bäumen und
Sträuchern. Um 1850 gab Gustave
Courbet den Ton in der progressiven Szene an. Vor allem in
seiner Heimat, die Umgebung von
Ornans, malte er Landschaften. Er
suchte in der Natur ungewöhnliche Motive und entwickelte
eine eigene Technik: Mit dem
Palettmesser „meißelte“ er Felsen,
Fluss und Vegetation. Ende des 19.
und Anfang des 20. Jahrhunderts
reduzierten Maler die Landschaft
zunehmend auf ein durch die Form
bestimmtes, pikturales Sujet und
verwandelten die Natur in Kunst.
Sie experimentierten vollauf mit
Farbe und Form. Othon Friesz beispielsweise malte Hafenansichten
mit klaren und rhythmischen
Linien und Maurice de Vlaminck
breit angelegte Landschaften mit
oft unheilkündendem Himmel.
Rodin & co
H
et KMSKA bezit een klein en fijn
ensemble Franse moderne sculptuur. In 1857 koopt de academie
voor het Museum van de Academiekers een
marmeren versie van Het meisje met de kinkhorens van Joseph De Bay. Het elegante beeld
met zijn verfijnde uitvoering en sentimentele
toets valt bijzonder in de smaak bij het kunstminnend publiek van toen. In 1908 wordt met
de opmerkelijke salonaankoop van Pierre de
Wissant, een van de zes burgers van Calais
van Auguste Rodin, een nieuwe richting ingeslagen. Het meer dan levensgrote beeld illustreert op schitterende wijze Rodins moderne
sculpturale benadering, waarin emoties heel
direct worden uitgedrukt door krachtige
volumes, expressieve gebaren en sterk gemodelleerde oppervlakken. Later verwerft het
museum nog acht werken van deze geniale
beeldhouwer, onder meer Bronzen tijdperk
en Honoré de Balzac die nu opgesteld staan in
het Middelheimmuseum.
Voor een vroeg portret van Rodin, De
man met de gebroken neus, staat Bibi, een
oude klusjesman uit de buurt van zijn atelier,
model. Ook in zijn naakttekeningen duiken
modellen zonder enige ervaring op. Geen academisch poseerjargon dus, maar originele en
nieuwe houdingen die Rodin heel raak in één
vloeiende potloodlijn weet vast te leggen en
daarna met aquarel verlevendigt. Van Rodins
tijdgenoot Edgar Degas heeft het museum
een pastel en een beeldje in zijn bezit: allebei
naaktfiguren. De twee kunstwerken tonen
vrouwen in intieme scènes met veel aandacht
voor hun toevallige, kleine gebaren.
Auguste Rodin
Pierre de Wissant
13
In Torso van een vrouw uit 1929 van Ossip
Zadkine gehoorzaamt de bouw van het
vrouwenlichaam niet aan organische, maar
aan sculpturale wetten. Zadkine put uit de
vernieuwing van het kubisme frisse inspiratie
en reduceert de figuur tot haar meest
summiere en sprekende vorm.
Rodin & Co
Rodin & Co
Rodin & Co
L
MSKA possesses a small
as KMSKA besitzt eine kleibut fine ensemble of French
ne, aber exklusive Sammlung
modern sculpture. In 1857, the
moderner französischer Skulpturen.
Academy purchased a marble ver1857 erwarb die Akademie für das
sion of Joseph De Bay’s Girl with
Museum eine Marmorversion von
Conch Shells for the Museum of the
Das Mädchen mit dem Kinkhorn
Academicians. This elegant sculpvon Joseph De Bay. Die elegante,
ture, with its air of refinement and
raffiniert ausgeführte und sentisentimental touch, was very much
mentale Skulptur entsprach genau
to the taste of the art-loving public
dem Geschmack des kunstliebenden
of the day. Half a century later, in
Publikums jener Zeit. 1908 konnte
1908, the notable purchase at the
mit Pierre de Wissant, einem der
Salon of Pierre de Wissant, one of
sechs „Bürger von Calais“ von
Auguste Rodin’s six burghers of
Auguste Rodin, auf einem Salon ein
Calais, marked a change of direction bemerkenswerter Ankauf getätigt
in the museum’s acquisitions policy.
werden. Die mehr als lebensgroße
The more-than-life-sized figure
Statue markierte den Beginn einer
is a wonderful example of Rodin’s
neuen Richtung der Sammlungsmodern approach to sculpting,
politik. Sie illustriert auch hervorwhereby emotions are captured very ragend Rodins moderne skulpturale
directly through forceful volumes,
Herangehensweise: Gefühle erhalten
expressive gestures and expertly
durch kräftige Volumen, expressive
modelled surfaces. The museum
Gebärden und stark modellierte
would subsequently add eight more
Flächen einen klaren Ausdruck.
pieces by the master sculptor to its
Später erwarb das Museum weitecollection, including The Bronze Age re acht Werke des genialen Bildhauand Honoré de Balzac, both of which ers, darunter Die Bronzezeit und
are now on display at Middelheim
Honoré de Balzac. Beide befinden
Museum.
sich heute im Antwerpener MiddelBibi, an elderly odd-jobs man
heimmuseum.
who used to live near Rodin’s stuDas Modell des frühen Werks Der
dio, served as a model for an early
Mann mit der gebrochenen Nase von
portrait entitled The Man with the
Auguste Rodin war Bibi, ein altes
Broken Nose. Rodin also used inexFaktotum, das in der Nähe seines
perienced amateur models for his
Atelier wohnte. Auch für seine Aktdrawings of nudes. This explains
zeichnungen standen Menschen
why they do not assume academic
Modell, die darin keine Erfahrung
poses, but original new postures,
hatten. Die Posen waren nicht
captured by Rodin in a single flu„akademisch“, sondern original
ent pencil line and subsequently
und neu. Rodin fertigte zunächst
heightened with watercolours. The
Bleistiftzeichnungen, denen er dann
museum also possesses a pastel
mit Wasserfarbe Plastizität verlieh.
and a statuette, both representing a
Von Rodins Zeitgenossen Edgar
nude figure, by Rodin’s contempoDegas besitzt das Museum zwei Akte,
rary Edgar Degas. The two pieces
ein Pastell und eine Statuette - intishow women in an intimate scene
me Frauenbildnisse, mit besonderer
with close attention to their small
Betonung der zufälligen, kleinen
random gestures. Ossip Zadkine’s
Geste. Der Aufbau des Frauenkörpers
Woman’s Torso from 1929 adheres
bei Torso einer Frau (1929) von
not so much to anatomical as to
Ossip Zadkine ist nicht organischen,
sculptural laws. Zadkine draws
sondern skulpturalen Gesetzen
inspiration from the innovations
unterworfen. Zadkine schöpfte aus
introduced by Cubism and reduces
dem erneuernden Kubismus frische
the figure to its most summary and
Inspiration und reduzierte die Figur
essential form.
auf die Essenz, auf die bündigste und
ausdrucksstärkste Form.
K
D
e KMSKA possède un petit
ensemble de sculpture
moderne française de toute beauté.
L’Académie achète en 1857 pour le
Musée des Académiciens une version en marbre de La jeune fille aux
coquillages de Joseph De Bay. La statue raffinée et sentimentale est particulièrement appréciée des amateurs
d’art de l’époque. En 1908, l’achat
très remarqué de Pierre de Wissant,
un des six bourgeois de Calais par
Auguste Rodin, ouvre un nouveau
chapitre d’acquisitions au musée.
La statue plus grande que nature
illustre à merveille l’approche
sculpturale moderne de Rodin, qui
exprime de manière très directe les
émotions dans des volumes puissants, des poses expressives et des
surfaces fortement modelées. Le
musée acquiert ultérieurement huit
autres œuvres du génial sculpteur,
dont L’âge de bronze et Honoré de
Balzac, aujourd’hui exposées au
Musée Middelheim.
Pour un de ses premiers portraits,
L’homme au nez cassé, Rodin fait
poser Bibi, un vieux bricoleur des
environs de son atelier. Il utilise
également pour ses dessins de nus
des modèles sans aucune expérience.
Pas de jargon académique donc,
mais des poses originales et nouvelles que Rodin rend parfaitement
d’un trait de crayon et relève ensuite
à l’aquarelle. Le musée possède
un pastel et une statuette d’Edgar
Degas, contemporain de Rodin. Les
deux nus montrent des femmes
dans leur intimité, avec un soin
minutieux pour leurs gestes naturels.
Dans le Torse d’une femme de 1929
d’Ossip Zadkine, la construction du
corps féminin ne répond pas à des
lois organiques, mais sculpturales.
Zadkine exploite la nouveauté de
l’inspiration cubiste et réduit son
sujet à sa forme la plus simple et la
plus expressive.
14
Ecole de Paris
D
e bakermat van de moderne kunst
ligt in Frankrijk. Parijs is de kunsthoofdstad van de negentiende en
de eerste helft van de twintigste eeuw. Bijna
alle ontwikkelingen die ten grondslag liggen
aan de moderne kunst spelen zich af in de
lichtstad. Vanuit heel de wereld trekken schilders en beeldhouwers naar Parijs om er in de
leer te gaan in academies en bij kunstenaars
én om in contact te komen met gelijkgestemden. Rond 1900 belanden onder anderen
Picasso, Gris en Miró uit Spanje, Modigliani
uit Italië, Van Dongen uit Nederland, Pascin
uit Bulgarije, Chagall uit Rusland, Brancusi
uit Roemenië en Rivera uit Mexico in de stad
aan de Seine. De buitenlanders zullen een
prominente rol spelen in de Parijse kunstscene
en sommigen ontpoppen zich tot toonaangevende vertegenwoordigers van nieuwe
stromingen als fauvisme en kubisme. Na de
Eerste Wereldoorlog groeit het verlangen naar
orde en rust. De radicale en experimentele
avant-garde wordt getemperd. De autonomie
van de beeldende middelen wordt gekoppeld
aan de meer natuurgebonden voorstelling
en aan het herstel van de traditie. In de jaren
1920 wordt de groep buitenlandse kunstenaars
in Parijs Ecole de Paris genoemd, later wordt
de term gebruikt voor alle kunstenaars – de
Franse incluis – die in Parijs werken tijdens
het interbellum. De Ecole de Paris kent ook
in Antwerpen heel veel bijval. Deze ‘school’
wordt niet alleen op diverse Salons van Kunst
van Heden getoond maar ook gretig verworven
door het museum. Chagall, Rouault, Zadkine,
Segonzac, Vlaminck, Dufresne, Le Fauconnier,
Dufy, Friesz, Lurçat, Modigliani, Pascin, Prax,
Urtrillo en Van Dongen, ze zijn allemaal vertegenwoordigd in de verzameling.
In 1927 schenkt de Belgische overheid
Zittend naakt van Amedeo Modigliani. Het is
een van de meest bewonderde werken in het
André Dunoyer de Segonzac
Liggende vrouw – La tunique rose – Lying Woman – Liegende Frau © Sabam
15
museum. Modigliani vermengt
de gestileerde vormen van de
Afrikaanse sculptuur met de
sierlijke lijnen van de Italiaanse
trecento kunst. Het gelaat is strak
en lineair opgevat, terwijl in het
lichaam het ronde en golvende
overheerst. De blik is bedeesd en
melancholisch; het lichaam met
volle borsten zinnelijk en weelderig. Het naakt zweeft tussen
kwetsbaarheid en sensualiteit.
In 1931 stelt Kunst van
Heden veertig werken van Marc
Chagall tentoon. Een jaar later
schenken museumvrienden
Chagalls Bij het raam. Een poëtisch sprookje in kakelbonte
kleuren. Een spel met uitzicht
en inkijk. Buiten heerst de
winter maar binnenskamers
is de lente al teruggekeerd. In
1933 koopt het museum op een
veiling een bekorend werk van
André Dunoyer de Segonzac.
Segonzac schildert naakte vrouwen in allerlei houdingen, hier
ligt ze bijna naakt te zonnen in
de tuin. Details zijn achterwege
gelaten, het gezicht is wazig.
Alle aandacht gaat uit naar de
vormen van het lichaam. De
schilder zet de vrouw aangrijpend aanwezig in de verf.
16
L’École de Paris
L
a France est sans conteste
le berceau de l’art moderne.
Paris est la capitale artistique du dix-neuvième siècle
et de la première moitié du
vingtième. Presque tous les
mouvements à la base de l’art
moderne se produisent dans
la Ville Lumière. Des peintres
et sculpteurs du monde entier
affluent à Paris pour se former
dans les académies et auprès
d’artistes et entrent en contact
avec des artistes de leur temps.
Vers 1900, Picasso, Gris et Miró
débarquent à Paris d’Espagne,
Modigliani d’Italie, Van Dongen
des Pays-Bas, Pascin de Bulgarie,
Chagall de Russie, Brancusi de
Roumanie et Rivera du Mexique.
Les étrangers vont jouer un rôle
essentiel sur la scène artistique
parisienne et certains seront des
figures de proue de nouveaux
courants artistiques comme le
fauvisme et le cubisme. Après
la Première Guerre mondiale,
le monde aspire à l’ordre et au
calme. L’avant-garde radicale
et expérimentale perd du terrain. L’autonomie des supports
plastiques est mise au service
d’une représentation plus naturelle et du retour à la tradition.
Dans les années 1920, se forme
un groupe d’artistes étrangers
qu’un critique d’art désigne
par l’École de Paris, terme qui
sera appliqué à tous les artistes,
parisiens inclus, qui travaillent
à Paris à l’entre-guerre. L’École
de Paris est suivie avec attention
à Anvers. Elle est représentée
non seulement à divers salons
de Kunst van Heden, mais aussi
largement introduite au musée,
qui acquiert pour sa collection
des toiles de Chagall, Rouault,
Zadkine, Segonzac, Vlaminck,
Dufresne, Le Fauconnier, Dufy,
Friesz, Lurçat, Modigliani,
Pascin, Prax, Urtrillo et Van
Dongen.
Les autorités belges offrent
en 1927 au musée le Nu assis
d’Amedeo Modigliani. C’est une
des œuvres les plus admirées
du musée. Modigliani combine les formes stylisées de la
sculpture africaine et les lignes
gracieuses de l’art italien du
trecento. Le visage est pur et
linéaire, tandis que le corps est
rendu dans des formes rondes et
fluides. Le regard est timide et
mélancolique, le corps aux seins
lourds sensuel et exubérant.
Le nu oscille entre fragilité et
sensualité.
Kunst van Heden expose en
1931 quarante toiles de Marc
Chagall. Un an plus tard, des
amis du musée offrent la
gouache de Chagall À la fenêtre,
un conte poétique dans des couleurs gaies. Un jeu de vue extérieure et intérieure. Dehors c’est
l’hiver mais dans la chambre, le
printemps est déjà de retour.
Le musée achète en 1933 dans
une vente aux enchères une
belle toile d’André Dunoyer de
Segonzac. Segonzac peint des
femmes nues dans toutes sortes
de poses. Le modèle presque
dénudé de cette toile prend le
soleil au jardin. Les détails sont
négligés, le visage est flou. Toute
l’attention se concentre sur les
formes du corps, et la présence
de la femme est poignante.
Ecole de Paris
F
rance was the cradle of
modern art. Throughout the
nineteenth and early twentieth
centuries, the artistic epicentre
lay in Paris. Almost all trends
that preceded the emergence
of modern art took shape in
the City of Light. Painters and
sculptors from across the world
flocked to Paris to study at its
academies or to apprentice
with a French artist, as well as
to meet kindred spirits. Among
the newcomers to the city on
the Seine around the turn of the
century were Picasso, Gris and
Miró from Spain, Modigliani
from Italy, Van Dongen from the
Netherlands, Pascin from Bulgaria,
Chagall from Russia, Brancusi from
Romania and Rivera from Mexico.
The foreigners would come to play
a prominent role in the Paris art
scene and some would become
leading exponents of avant-garde
movements such as Fauvism and
Cubism. After the Great War, the
world was craving for peace and
order. The more radical and experimental strands of the avant-garde
were tempered. The autonomy
of the visual arts was redirected
towards a more truthful representation of nature and a restoration
of tradition. In the 1920s, the group
of foreign artists residing in Paris
came to be known as the Ecole
de Paris, a name that would later
come to refer to all artists – including the French – who worked in
Paris between world wars I and II.
It was not long before the Ecole de
Paris developed a strong following in Antwerp. Not only did the
‘school’ feature at various exhibitions organised by L’art contemporain, but it also became a favourite
acquisitions target for the Museum.
Chagall, Rouault, Zadkine,
Segonzac, Vlaminck, Dufresne, Le
Fauconnier, Dufy, Friesz, Lurçat,
Modigliani, Pascin, Prax, Urtrillo
and Van Dongen are all represented
in the collection.
In 1927, the Belgian state
donated Sitting Nude by Amedeo
Modigliani. It is one of the most
widely admired works in the museum collection. Modigliani combines the stylised forms of African
sculpting with the elegant lines of
Italian trecento art. The face is rendered in an angular, linear fashion,
while the body is expressed with
mainly curved, undulating lines.
The gaze is coy and melancholic,
while the full-breasted body is
lush and voluptuous. This nude
balances between vulnerability and
sensuality.
In 1931, L’art contemporain
exhibited forty pieces by Marc
Chagall. A year later, friends of
the museum donated Chagall’s
At the Window, a poetic fairy tale
17
in vibrant colours that plays with
interior and exterior view. Outside,
winter reigns, but inside spring
already seems to have arrived.
In 1933, the museum purchased
a charming work by André
Dunoyer de Segonzac. Segonzac
specialised in female nudes in varying poses. Here, the semi-nude figure is enjoying the sunshine in her
garden. There are no details and
the face is blurry, so that all attention is focused on the shape of the
body. The painter has captured the
woman in a strikingly present way.
École de Paris
F
rankreich ist die Wiege der
modernen Kunst. Im 19. und
in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts war Paris das künstlerische Zentrum Europas. Fast alles,
was sich später als Grundlage
der modernen Kunst erweisen
sollte, entwickelte sich in der
Lichterstadt. Künstler aus der
ganzen Welt zogen nach Paris, um
an den Akademien zu studieren,
von anderen Künstlern zu lernen
und Gleichgesinnten zu begegnen.
Um 1900 hielten sich unter anderen Picasso, Gris und Miró aus
Spanien, Modigliani aus Italien,
Van Dongen aus den Niederlanden,
Pascin aus Bulgarien, Chagall aus
Russland, Brancusi aus Rumänien
und Rivera aus Mexiko in der Stadt
an der Seine auf. Ausländische
Künstler spielten eine bedeutende
Rolle in der Pariser Kunstszene
und manche von ihnen wurden
zu führenden Vertretern neuer
Strömungen wie Fauvismus und
Kubismus. Nach dem 1. Weltkrieg
verlangte man jedoch wieder
nach Ordnung und Ruhe, was
die radikale und experimentierfreudige Avantgarde erheblich
abbremste. Die Autonomie der
künstlerischen Mittel wurde an
eher realistische Darstellungen
und die Wiederherstellung der
Tradition gekoppelt. In den 1920er
Jahren wurde nur die Gruppe ausländischer Künstler in Paris École
de Paris genannt; später wurde
dieser Begriff auf alle Künstler
einschließlich der französischen
ausgedehnt, die zwischen den
beiden Weltkriegen in Paris wirkten. Die École de Paris stieß auch
in Antwerpen auf Beifall. Werke
dieser „Schule“ wurden nicht
nur auf den Salons von Kunst
van Heden ausgestellt, sondern
auch eifrig vom Museum erworben. Chagall, Rouault, Zadkine,
Segonzac, Vlaminck, Dufresne, Le
Fauconnier, Dufy, Friesz, Lurçat,
Modigliani, Pascin, Prax, Urtrillo
und Van Dongen, sie alle sind in
der Sammlung vertreten.
1927 schenkte die belgische
Regierung dem Museum Sitzender
Akt von Amedeo Modigliani,
eines der berühmtesten Werke
des KMSKA. Modigliani kombinierte die stilisierten Formen
afrikanischer Skulpturen mit den
zierlichen Linien des italienischen
Trecento. Das Antlitz der Frau
ist straff und linear aufgefasst,
während beim Körper runde und
geschwungene Formen dominieren. Der Blick ist still und
melancholisch, der Leib mit den
vollen Brüsten sinnlich und üppig.
Die Nacktheit schwebt zwischen
Verletzlichkeit und Sensualität.
1931 stellte Kunst van Heden
vierzig Werke von Marc Chagall
aus. Ein Jahr später schenkte die
Museumsvereinigung „Freunde
der modernen Kunst“ dem KMSKA
Chagalls Am Fenster, ein poetisches
Märchen in kunterbunten Farben.
Chagall jongliert mit Ein- und
Ausblicken. Draußen ist es noch
Winter, aber drinnen ist bereits der
Frühling eingezogen.
1933 ersteigerte das Museum ein
bezauberndes Gemälde von André
Dunoyer de Segonzac. Segonzac
malte Frauen in den unterschiedlichsten Körperhaltungen. Hier
sonnt sich eine Frau fast nackt in
einem Garten. Es gibt kaum Details
und das Gesicht ist verschwommen.
Der Schwerpunkt liegt auf den
Formen des Körpers. Der Künstler
malte eine Frau von ergreifender
Präsenz.
Dingen van alledag
V
oor wie aandachtig kijkt worden
ook de meest banale dingen
bezienswaardig. Het stilleven – de
voorstelling van een arrangement alledaagse
dingen – blijft ook de moderne kunstenaar
boeien.
Narcisse Virgile Diaz de la Peña schildert
zijn zeldzame bloemstukken precies zoals zijn
landschappen. Hij legt de kleuren, vormen
en het licht met losse penseelstreken vast op
het doek. Het resultaat is een uiterst gevoelig
Charles-Georges Dufresne
Stilleven – Nature morte – Still Life – Stillleben
18
geschilderde ruiker. Anemonen zijn de lievelingsbloemen van Raoul Dufy. Hun uitbundige
kleuren stemmen perfect overeen met het
palet van de schilder, waar het blauw in al
zijn tonaliteiten prominent aanwezig is. Een
bont boeket, losjes gepenseeld op een donkere
achtergrond, daar word je nu echt vrolijk van.
Kleur gloeit in beide bloemstukken: bij Diaz
rood, wit en oranje en bij Dufy blauw, wit en
rood. In de stillevens van Henri Le Fauconnier
en Charles Dufresne primeert de vorm.
Le Fauconnier is een vernieuwer. Hij dweept met
het fauvisme, het kubisme
en het expressionisme
om ten slotte in de jaren
1920 tot een gematigde
stijl te komen waarin de
herkenbaarheid van het
onderwerp essentieel blijft.
In een sombere kamer
staan de rekwisieten van
het stilleven opgesteld: aan
het raam een bloemenvaas,
in de hoek een beeld en
als meest opvallend object
op de voorgrond een buste
van een man met gesloten
ogen. Bij Dufresne is het
uitzicht van de kamer ook
het onderwerp van het
schilderij. De kunstenaar
combineert een tafelstilleven met een stadsgezicht,
maar bekijkt elk onderdeel
vanuit een ander gezichtspunt.
De gewone dingen van
alledag als kunst presenteren en geen schilderijen
van de voorwerpen, maar
de dingen zelf. In 1959
stelt Arman voor de eerste
keer accumulations of stapelingen van industrieel
vervaardigde consumptiegoederen tentoon. Als
Nouveau Réaliste verleent
hij de banale werkelijkheid
een poëtische dimensie.
De verrassende schoonheid van een boel scheerapparaten opgetast in een
plexi box.
19
Les objets du quotidien
L
es choses les plus banales
prennent de l’intérêt pour
l’œil avisé. La nature morte – la
représentation d’un arrangement
d’objets ordinaires – continue à
passionner l’artiste moderne.
Narcisse Virgile Diaz de la Peña
peint ses précieux arrangements
floraux comme ses paysages. Il
fixe sur la toile les couleurs, les
formes et la lumière d’un tracé
léger du pinceau, traçant ses bouquets avec une grande sensibilité.
Les anémones sont les fleurs
préférées de Raoul Dufy. Leurs
couleurs vives conviennent parfaitement à la palette du peintre,
dominée par le bleu dans toutes
ses tonalités. Un bouquet aux
couleurs vives, finement peint sur
un fond de toile sombre, est un
véritable symbole de joie de vivre.
La couleur est souveraine dans les
deux arrangements floraux; rouge,
blanc et orange chez Diaz, bleu,
blanc et rouge chez Dufy.
La forme prime en revanche
sur les natures mortes d’Henri Le
Fauconnier et Charles Dufresne.
Le Fauconnier est un novateur. Il
s’enthousiasme pour le fauvisme,
le cubisme et l’expressionnisme,
pour revenir finalement dans les
années 1920 à un style plus modéré, mais où l’identification du sujet
reste essentielle. Les éléments de
la nature morte sont disposés dans
une pièce sombre : à la fenêtre un
bouquet de fleurs, dans un coin
une statue et, objet central de la
scène au premier plan, le buste
d’un homme aux yeux fermés. La
vue sur laquelle donne la chambre
est aussi un sujet du tableau pour
Dufresne. L’artiste combine une
nature morte sur une table avec
une vue urbaine, mais considère
chaque élément sous un autre
angle de vue.
Présenter des objets du quotidien comme de l’art en soi, non
pas des peintures d’objets, mais les
objets eux-mêmes. Tel est le principe des accumulations d’Arman
présentées pour la première fois
en 1959, des assemblages d’objets
de consommation de fabrication
industrielle. Ce Nouveau Réaliste
donne à la réalité la plus banale
une dimension poétique. Son amas
de rasoirs dans une boîte en plexi
est d’une beauté surprenante.
Everyday Things
T
o the attentive viewer, even the
most mundane objects can be
worth looking at. The genre of the
still-life – paintings representing
arrangements of commonplace
objects – continued to fascinate
modern artists.
Narcisse Virgile Diaz de la
Peña approaches his rare flower
arrangements in precisely the
same manner as his landscapes.
The colours, forms and light are
captured on the canvas in a series
of loose brushstrokes. The result
is a delicately painted bouquet.
Anemones were Raoul Dufy’s
favourite flowers. Their exuberant
colours are a perfect match with
the artist’s palette, where blue, in
all its tonalities, is prominently
present. A colourful bouquet,
loosely painted against a dark
background, makes for a cheerful spectacle. The colours in both
floral paintings are vibrant: red,
white and orange dominate in the
case of Diaz, blue, white and red in
the work by Dufy.
The still-life paintings by
Henri Le Fauconnier and Charles
Dufresne are all about form. Le
Fauconnier was an innovator.
He experimented with Fauvism,
Cubism and Expressionism before
eventually arriving in the 1920s
at an altogether more moderate
style in which the recognisability
of the subject was essential. The
objects in the still-life are arranged
in a sombre room: a vase of flowers by the window, a statue in the
corner, and – highlighted in the
foreground – the bust of a young
man, eyes closed. The view of the
room is at once the subject of the
painting. Dufresne, for his part,
combines a table-top still-life with
a city view, but each component is
seen from a different perspective.
Arman presents everyday things
as art: rather than to represent
objects, he arranges them in
iterative compositions. Arman first
exhibited his accumulations, collections of industrially produced
consumer goods, in 1959. As a
Nouveau Réaliste he infuses the
mundane with a poetic dimension.
He reveals the unexpected beauty
of razors by stacking them in an
acrylic glass box.
Alltägliche Objekte
F
ür einen aufmerksamen
Betrachter werden auch die
banalsten Gegenstände zu etwas
Besonderem. Das Stillleben –
Darstellungen arrangierter
Alltagsobjekte – faszinierten auch
die Künstler der Moderne.
Narcisse Virgile Diaz de
la Peña schuf seine wenigen
Blumenstillleben auf die gleiche
Weise wie seine Landschaften:
Farben, Formen und Licht wurden
mit losen Pinselstrichen auf die
Leinwand geworfen. Das Ergebnis
ist hier ein außerordentlich sensibel gemalter Blumenstrauß. Die
Lieblingsblumen von Raoul Dufy
waren Anemonen. Ihre überschwängliche Farbigkeit entsprach
präzise der Palette des Malers, auf
der Blau in all seinen Nuancen
eine prominente Rolle spielte. Der
bunte Strauß, mit leichter Hand
vor einen dunklen Hintergrund
gemalt, stimmt jeden Betrachter
fröhlich. Die Farben leuchten auf
beiden Gemälden: auf dem von
Diaz Rot, Weiß und Orange und
auf dem von Dufy Blau, Weiß und
Rot.
Auf den Stillleben von Henri Le
Fauconnier und Charles Dufresne
ist die Form das Entscheidende.
Le Fauconnier war ein Erneuerer.
Er flirtete mit dem Fauvismus,
dem Kubismus und dem
Expressionismus, um schließlich,
Ende der 1920er Jahre, zu einem
gemäßigten Stil zu finden, bei dem
die Erkennbarkeit der Formen
20
wesentlich ist. In einem dunklen
Raum sind die Requisiten eine
Stilllebens aufgestellt: am Fenster
eine Vase mit Blumen, in der Ecke
eine Statue und im Vordergrund
– das am meisten ins Auge springende Objekt – die Büste eines
Mannes mit geschlossenen
Augen. Für Dufresne war auch
die Aussicht durchs Fenster Sujet
des Gemäldes. Er kombinierte ein
Stillleben mit einer Stadtansicht,
aber betrachtete jedes Element aus
einer anderen Perspektive.
Die einfachen Objekte des
Alltags sollten als Kunst präsentiert, nicht Abbildungen geschaffen, sondern die Dinge selber dargestellt werden. 1959 stellte Arman
erstmals Akkumulationen aus,
Anhäufungen industriell hergestellter, identischer Konsumgüter.
Als Nouveau Réaliste verlieh er der
banalen Wirklichkeit eine poetische Dimension. Er verblüfft uns
mit der Schönheit eines Haufens
von Rasierapparaten, eingepfercht
in einer Plexiglasbox.
PRAKTISCH
31 januari – 30 augustus 2015
Locatie: Koningin Fabiolazaal,
Jezusstraat 28,
2000 Antwerpen
Dinsdag tot zondag:
10 – 17 uur,
zaterdag: 10 – 18 uur
Gesloten: op maandagen
en op 14 mei
De Koningin Fabiolazaal is
toegankelijk voor andersvaliden.
Prijzen
¤4
¤ 3 studenten, groepen
(> 14 pers.), 60+
¤ 1 19 tot en met 25 jaar
¤ 0 tot en met 18 jaar,
Vrienden van het KMSKA
31 januari op www.kmska.be
of vraag ernaar op de tentoonstelling.
Activiteiten
Erfgoeddag, Schatten van Vlieg,
Museumnacht, Cultuurmarkt
Extra
Voor meer informatie over
de verbouwingen van het
museum, het programma
en de verschillende locaties van
de tentoonstellingen kan u
terecht op www.kmska.be.
COLOFON
Curatoren: Siska Beele, Bob Daems
Siska Beele
Houbrechts & Hautekiet
Druk: Claes-Roels
Tekst:
Vormgeving:
Ontwerp tentoonstellingsarchitectuur:
Rondleidingen
Groepen
Maximaal 20 personen.
Een rondleiding kost ¤ 75 +
toegang (¤ 50 voor een klas)
en duurt 90 min.
Individuele bezoekers
Instaprondleidingen op
15 februari, 15 maart, 19 april,
17 mei, 21 juni, 19 juli en
16 augustus om 14.30 uur.
Maximaal 20 personen.
Zonder inschrijving
Blinden en slechtzienden
Gratis rondleiding voor
individuele bezoekers op 25
maart om 10.30 of 15 uur
Info & reservatie:
online reservatieformulier
op www.kmska.be
of +32(0)3 224 95 61
Bezoekersgids
Download de gratis bezoekersgids vanaf 31 januari op
www.kmska.be of vraag ernaar
op de tentoonstelling.
Kijk-en doeboekje
Download het gratis kijk- en
doeboekje voor gezinnen vanaf
OFFICE Kersten Geers,
David Van Severen
Info & réservations:
formulaire en ligne sur
www.kmska.be
ou +32 (0)3 224 95 61
Guide du visiteur
Téléchargez le guide du visiteur
gratuit à partir du 31 janvier
sur www.kmska.be ou prenez-le
à l’exposition.
Extra
Pour plus d’informations portant
sur les travaux de rénovation
du musée, le programme et les
différents lieux des expositions,
vous pouvez consulter le site
www.kmska.be.
ACHEVÉ D’IMPRIMER
Commissaires: Siska Beele, Bob Daems
Texte: Siska Beele
Elisabeth Cluzel
Imprimeur: Claes-Roels
Traduction:
Realisatie tentoonstellingsarchitectuur:
Mise en pages:
Christoph Van Damme
Beelden: KMSKA – Lukasweb
Concept scénogwraphie de l’exposition:
David Van Severen
Réalisation scénographie de l’exposition:
PRATIQUE
31 janvier – 30 août 2015
Lieu: Koningin Fabiolazaal,
Jezusstraat 28,
2000 Anvers
Du mardi au dimanche:
10 – 17 h, le samedi: 10 – 18 h
Fermé: le lundi et le 14 mai
Koningin Fabiolazaal est
accessible aux personnes
autrement valides.
Prix
¤4
¤ 3 étudiants, groupes
(> 14 personnes), 60+
¤ 1 19 jusqu’à 25 ans compris
¤ 0 jusqu’à 18 ans,
Amis du KMSKA
Visites guidees
Groupes
Maximum 20 personnes
Une visite guidée dure 1 h ½ et
coûte ¤ 75 (¤ 50 pour une classe).
Christoph Van Damme
Images: KMSKA – Lukasweb
PRACTICAL
31 January – 30 August 2015
Venue: Koningin Fabiolazaal,
Jezusstraat 28,
2000 Antwerp
Tuesday to Sunday:
10am – 5pm,
Saturday: 10am – 6pm
Closed: on Monday and
on 14 May
Koningin Fabiolazaal has
disability access.
Admission Rates
¤4
¤ 3 students, groups
(> 14 persons), 60+
¤ 1 ages 19 to 25
¤ 0 ages 18 and under,
Friends of KMSKA
Guided Tours
Groups
20 persons max. The guided tour
takes approximately 90 minutes
and costs ¤ 75 (¤ 50 for school
groups).
Info & reservations:
online form on www.kmska.be
or +32 (0)3 224 95 61
Visitors Guide
Free visitors guide downloadable
from 31 January at www.kmska.be
or available at the exhibition.
Extra
For further information about
the renovation of the museum,
the exhibition programme and
the various exhibition locations,
please visit www.kmska.be.
COLOPHON
Curators: Siska Beele, Bob Daems
Siska Beele
Stephen Windross
Design: Houbrechts & Hautekiet
Printing: Claes-Roels
Text:
Translation:
Exhibition design conceived by:
David Van Severen
PRAKTISCHES
31. Januar – 30. August 2015
Ort: Koningin Fabiolazaal,
Jezusstraat 28, 2000 Antwerpen
Dienstag bis Sonntag: 10 – 17
Uhr, Samstag: 10 – 18 Uhr
Geschlossen: am Montag
und 14. Mai
Koningin Fabiolazaal ist
Rollstuhlfahrern zugänglich.
Eintrittpreise
¤4
¤ 3 Studenten, Gruppen
(> 14 Personen), 60+
¤ 1 19 bis 25 Jahre
¤ 0 bis 18 Jahre,
Förderkreis des KMSKA
Führungen
Gruppen
Teilnehmerzahl: höchstens
20 Personen
Eine Führung dauert 1 ½ Std.
und kostet ¤ 75 (¤ 50 für
Schulklassen).
Auskunft & Anmeldung
[email protected]
oder +32 (0)3 224 95 61
Realisation of exhibition design by:
Christoph Van Damme
Images: KMSKA – Lukasweb
Besucherbroschüre
Auf www.kmska.be steht ab
dem 31. Januar eine Besucherbroschüre zum kostenlosen
Download bereit. Eine
gedruckte Version gibt es
auf der Ausstellung.
Weitere Auskünfte
Weitere Auskünfte über die
Renovierung des Museums,
die externe Ausstellungen und
die einzelnen Ausstellungsorten
finden Sie auf der Website
www.kmska.be.
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IMPRESSUM
Kuratoren: Siska Beele, Bob Daems
Text: Siska Beele
Übersetzung: Marion Schmitz-Reiners
Layout:
Claes-Roels
Drucker:
Entwurf Ausstellungsarchitektur:
David Van Severen
Realisierung Ausstellungsarchitektur:
Christoph Van Damme
Bilder: KMSKA – Lukasweb
Onder de titel DE MODERNEN presenteert het Koninklijk Museum,
in samenwerking met de Provincie Antwerpen, geregeld nieuwe
opstellingen, die steeds een ander licht werpen op de collectie 19deen 20ste-eeuwse kunstwerken van het museum.
VOLGENDE TENTOONSTELLING
De Modernen. Uitverkoren
19 september 2015 – 3 januari 2016
Sous le titre LES MODERNES , le Musée Royal, en collaboration avec
la Province d’Anvers, présente régulièrement de nouveaux ensembles,
dont chacun illustre un aspect de la collection du XIXe et du XXe siècle.
PROCHAINE EXPOSITION
Les Modernes. Pièces de choix
19 septembre 2015 – 3 janvier 2016
THE MODERNS is a series of exhibitions, organised by the Royal
Museum in association with the Province of Antwerp, highlighting
different aspects of the museum’s collection of art from the 19th
and 20th centuries.
FORTHCOMING EXHIBITION
The Moderns. Choice Art
19 September 2015 – 3 January 2016
Unter dem Titel DIE MODERNEN präsentiert das Königliche Museum
in Zusammenarbeit mit der Provinz Antwerpen regelmäßig neue
Ausstellungen, die immer wieder ein anderes Licht auf die Sammlung
„Kunst aus dem 19. und 20. Jahrhundert“ des Museums werfen.
NÄCHSTE AUSSTELLUNG
Die Modernen. Auserkoren
19. September 2015 – 3. Januar 2016
V.U.: M. Sellink, Lange Kievitstraat 111-113 bus 100, 2018 Antwerpen
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