photo. art. editions.

Transcription

PHOTO. ART. EDITIONS.
DISCOVER & ORDER CONTEMPORARY ART.
AFFORDABLE WORKS BY 160 RENOWNED INTERNATIONAL ARTISTS.
52%(57/(%(&.'(7$,/
LUMAS CLASSICS
EDITOR IAL
OBJECTS BY PORRO.
¬ Welcome, Bob! He counts among the greatest photojournalists of the twentieth century. In 2007 he was the first photographer ever to receive the coveted Henri Nannen Prize for
his life’s work. Today, in 2010, we are delighted to welcome
Robert (Bob) Lebeck as a “Master” at LUMAS. Join us in discovering three extraordinary editions that are simultaneously
familiar and as yet unseen. We also welcome architect and
designer Matteo Thun, student of Kokoschka and member of
the design collective Memphis, to the Masters group. Editions
of Werner Herzog film stills offer intimate access to five of the
director’s most important works and for the first time present
his “best fiend,” Klaus Kinski. New works by LUMAS artist
Farin Urlaub enrich the contemporary photography portfolio,
while the unseen cityscapes of new artists Mareen Fischinger,
Christian Ruhm, and Alfonso Zubiaga should also not go
unmentioned. You will find a selection of our coveted “Last
Prints” on page 58, all of which are still available as affordable
originals in limited editions – true to our credo. We suggest
visiting one of our 14 galleries to see the works for yourself
and perhaps pick a favorite. But first, we hope you enjoy the
new issue of the LUMAS magazine and perhaps even make a
discovery of your own.
H. HEIDERSBERGER | A. EISENSTAEDT | M. MUNKACSI | E. STEICHEN | W. EVANS | E. MUYBRIDGE | F. SEIDENSTÜCKER AND OTHERS.
MORE WORKS AT LUMAS.INFO
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¬ Welcome, Bob! Er zählt zu den herausragendsten
Reportage-Fotografen des 20. Jahrhunderts. 2007 erhielt er
als erster Fotograf überhaupt den begehrten Henri NannenPreis für sein Lebenswerk. Heute – 2010 – begrüßen wir
Robert (Bob) Lebeck als „Master“ bei LUMAS. Endecken
Sie mit uns drei außergewöhnliche Editionen – vertraut
und ungesehen zugleich. Als weiteren „Master“ heißen wir
den Architekten und Designer Matteo Thun, KokoschkaSchüler und Mitglied der „Memphis-Designgruppe“,
willkommen. Mit Werner Herzogs Edition werfen wir einen
intimen Blick auf fünf Hauptwerke des bedeutenden Regisseurs und präsentieren erstmals seinen „liebsten Feind“:
Klaus Kinski. Im Bereich der zeitgenössischen Fotografie
bereichert Farin Urlaub mit neuen Arbeiten das LUMAS
Portfolio. Und mit ihren ungesehenen Stadtansichten
sollten die neuen Künstler Mareen Fischinger, Christian
Ruhm und Alfonso Zubiaga nicht unerwähnt bleiben. Ab
Seite 58 finden Sie wieder unsere begehrten „Last Prints“
– allesamt unserem Credo folgend als erschwingliche
Originale in limitierten Editionen. Am besten machen Sie
sich in einer unserer 14 Galerien Ihr eigenes Bild von Ihrem
persönlichen Lieblingswerk. Doch jetzt erst einmal herzlich
Willkommen beim neuen LUMAS Magazin und viel Freude
beim Entdecken.
¬ Bienvenue, Bob! Il compte parmi les meilleurs reporters
photographes du 20e siècle. En 2007, il a été le premier photographe à obtenir le Prix Henri Nannen, très convoité, pour
l’ensemble de son œuvre. Aujourd’hui, en 2010, nous saluons
Robert (Bob) Lebeck comme un « maître » chez LUMAS.
Découvrez avec nous trois éditions extraordinaires – à la fois
familières et inédites. Nous souhaitons la bienvenue également
à Matteo Thun, architecte et styliste, disciple de Kokoschka
et membre du groupe de stylistes « Memphis ». Avec l’édition
de Werner Herzog, nous jetons un regard intime sur les cinq
principaux ouvrages du célèbre metteur en scène et présentons
d’abord son « ennemi préféré » : Klaus Kinski. Dans le domaine
de la photographie contemporaine, Farin Urlaub enrichit le
portfolio LUMAS de ses récents ouvrages. N’oublions pas
les nouveaux artistes Mareen Fischinger, Christian Ruhm
et Alfonso Zubiaga avec leurs vedute, encore inconnues du
public. A partir de la page 58, vous trouverez à nouveau nos «
Last Prints » convoités – tous des originaux en tirages limités,
comme le veut notre crédo. Nous vous invitons cordialement
à choisir votre tableau préféré dans l’une de nos 14 galeries.
Mais avant, nous vous proposons de découvrir notre nouvelle
revue LUMAS.
Heike Dander & Gunnar Wagner
Gallery Portfolio Directors
DISCOVER LUMAS AT
FACEBOOK & TWITTER
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ROBERT LEBECK _ NEW MASTER
OBJECTS BY PORRO.
SMILING BOB
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¬ Henri Nannen, for whose magazine ROBERT LEBECK
traveled the world for three decades, gave him the nickname
“Smiling Bob.” Henri Nannen also had reason to smile:
Lebeck delivered such first-class images that Stern magazine
soon became one of the most important magazines for
photojournalism. Ask Lebeck how he was so often able
to be at the right place at the right time and release the
shutter at precisely the right moment and his eyes will
shine, his mouth bending into that mischievous “Smiling
Bob” smile. He likes to chalk it up to his outrageous luck
or simple intuition. Should those answers not suffice, he
likes to quote Robert Doisneau: “Photographing means
breaking the rules.” In contrast, however, Lebeck has
never bent or broken the rules of truth and reality. “I am
a journalist,” he states self-evidently. Meanwhile he has
added artistic works to his almost inexhaustible repertoire
of journalistic images. He has not, however, relinquished
his basis of reality and truth. Quite the contrary. Even his
photojournalism represents more than just moments of
outrageous luck. A selection of three of Lebeck’s images
from the monograph of the same name – Unverschämtes
Glück, or outrageous luck – are now included in LUMAS’s
editions portfolio. These images, full of emotional and
compositional perfection, reveal Lebeck less as a king of
the snapshot than as a photographer who understands
how to imbue singular moments with essential truths.
The images are timeless – and yet full of time. They are
themselves like the leaping ballerina at Moscow’s Bolshoi
Theater: beauty, goodness, and truth seem to be freed from
the gravity of life for more than just a moment, seemingly
floating for an eternity above the parquet of history. The
series Unverschämtes Glück provides unusual insight into
the second half of the twentieth century in particular,
which Lebeck has captured intensively in his photographic
life’s work. The pictures have been compiled from multiple
single slides, whose original inscriptions deliver revealing
information about the location, time, and publication
“NO. I”
NO. RLE28: LTD. ED. 100 SIGNED 115 X 150 CM | 45 X 59“
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Glück“ ist nun als eine von drei Robert-Lebeck-Editionen
bei LUMAS erschienen. Es sind Bilder voller emotionaler
und kompositorischer Perfektion, die weniger den Schnappschussjäger Lebeck zeigen als einen Fotografen, der der
Wirklichkeit einen herausgehobenen Augenblicksmoment
zu schenken versteht. Obwohl zeitlos wirkend, sind diese
Aufnahmen voller Zeit. Mit ihnen ist es wie bei dem Bild
der springenden Ballerina des Moskauer Bolschoitheaters:
Für mehr als einen Moment scheint das Schöne, Gute und
Wahre von allen Schwerkräften des Lebens befreit – endlos
über dem Parkett der Geschichte zu schweben. Dass Robert
Lebecks Lebenswerk eine intensive fotografische Bebilderung
insbesondere der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts
darstellt, davon vermittelt die Serie „Unverschämtes Glück“
einen außergewöhnlichen Eindruck. Die Bilder sind aus
mehreren verschiedenen Einzeldias zusammengesetzt, deren
originale Beschriftung aufschlussreiche Informationen über
den jeweiligen Entstehungsort, die Zeit und das Veröffentlichungsmedium liefern. Der Betrachter kann somit der
journalistisch-bildlichen Zeitachse folgen, wie er auch einen
Einblick in das Privatarchiv des Fotografen gewinnt und
nebenbei gern über die Zeiten der analogen Fotografie ins
Schwärmen geraten mag. Die sind für Robert Lebeck noch
gar nicht vorbei, auch wenn er zuletzt selbst zur digitalen
Kamera gegriffen hat. „Preußisch Blau“ heißt die Serie,
die über einen längeren Zeitraum in Berlin jeweils zur
blauen Stunde entstanden ist. Die Bilder zeigen signifikante
historische Gebäude der Stadt. Lebeck war sich nicht zu
schade, dafür in einen Bus zu steigen, um wie ein typischer
Berlin-Tourist von der oberen Plattform aus die Stadt zu
fotografieren. Das Ergebnis mutet jedoch alles andere als
amateurhaft an. Nun, wir wissen ja: Unverschämtes Glück!
“NEW YORK 1967”
NO. RLE18: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 120 CM | 32 X 47“ | NO. RLE19: LTD. ED. 100 SIGNED 34 X 49 CM | 13 X 19“
medium. These allow us to follow Lebeck’s journalistic
timeline, give us a glimpse into the photographer’s private
archive, and perhaps inspire a new appreciation for the era
of analog photography. For Lebeck, this era is still current,
even though he has now taken up digital photography.
The series Prussian Blue was created in Berlin at twilight over
a longer period of time. The images depict some of the city’s
significant historical buildings, which Lebeck unabashedly
shot from atop a double-decker bus like so many tourists
before him. The result, however, is anything but amateur.
But, yes, we know: it was outrageous luck.
¬ Henri Nannen, für dessen Magazin ROBERT LEBECK
drei Jahrzehnte durch die Welt streifte, gab ihm den
Spitznamen „Smiling Bob“. Gelächelt hat auch Henri Nannen
viel. Denn Robert Lebeck lieferte so erstklassige Bilder ab,
dass der Stern bald als eines der wichtigsten Magazine für
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Reportagefotografie galt. Fragt man Robert Lebeck, wie es
ihm so oft gelingen konnte, im entscheidenden Moment
am richtigen Ort zu sein und auf den Auslöser zu drücken,
dann strahlen seine Augen und er setzt sein verschmitztes
„Smiling Bob“-Lächeln auf. Gern verweist er dann auf sein
unverschämtes Glück oder er bringt Intuition ins Spiel.
Sollte das alles nicht hinreichen, zitiert er gern noch Robert
Doisneau: „Fotografieren heißt die Regeln verletzen.“
Im Gegensatz zu diesem hat Lebeck die Wahrheit und
Wirklichkeit nie verletzt. „Ich bin Journalist“, lautete sein
Selbstverständnis. Mittlerweile sind zu seinem schier
unerschöpflichen Bilderfundus auch freie künstlerische
Arbeiten hinzugekommen. Den Bezug zur Wahrheit und
Wirklichkeit hat er deshalb nicht aufgegeben. Im Gegenteil.
Schon seine Reportagefotos waren mehr als nur Augenblicke
eines unverschämten fotografischen Glücks. Eine Auswahl
Bilder aus dem gleichnamigen Bildband „Unverschämtes
“BOLSCHOI-THEATER, MOSKAU 1976”
NO. RLE20: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 120 CM | 32 X 47“ | NO. RLE21: LTD. ED. 100 SIGNED 34 X 49 CM | 13 X 19“
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entend à cerner et mettre en valeur un instant de la réalité.
Bien qu’intemporelles, les photos s’inscrivent dans leur
temps. Ainsi la photographie de la ballerine du Théâtre
du Bolchoï en train de danser : c’est un moment où la
beauté, la bonté et la vérité semblent libérés de la gravité,
comme suspendues pour l’éternité au-dessus du parquet
de l’histoire. La série « Unverschämtes Glück » est une
illustration photographique notamment de la deuxième
moitié du 20e siècle. Les images sont des assemblages de
plusieurs diapositives individuelles et dotées d’inscriptions
originales renseignant sur le lieu et l’heure de prise et sur
le média de publication. L’observateur peut donc suivre
l’axe temporel pictographique et journalistique, et avoir un
aperçu des archives privées du photographe. Par ailleurs,
il pourra se passionner pour l’époque de la photographie
analogique. Cette époque n’est pas encore révolue pour
Robert Lebeck, même s’il se sert depuis peu d’une caméra
numérique. « Preußisch Blau » (« Bleu de Prusse ») :tel est
le nom de cette série qui a mis du temps à prendre forme
à Berlin, pendant les heures bleues. Les photos montrent
des bâtiments historiques importants de la ville. Lebeck a
même accepté de monter dans des bus pour prendre des
photos de la ville à partir de la plateforme supérieure, tout
comme le fait le touriste type de Berlin. Le résultat n’est
pourtant pas celui d’un amateur. On comprend tout de
suite : une chance inouïe, une de plus !
“RUSSISCHE BOTSCHAFT” | “SYNAGOGE” | “VOLKSBÜHNE”
NO. RLE08 | 06 | 10: LTD. ED. 100 SIGNED 90 X 68 CM | 35 X 27“ | NO. RLE09 | 07 | 11: LTD. ED. 100 SIGNED 44 X 34 CM | 17 X 13“
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“NEUE NATIONALGALERIE”
OBJECTS BY PORRO.
¬ Pendant trois décennies, ROBERT LEBECK a traversé
le monde pour la revue d’Henri Nannen, qui appelait
son photographe « Smiling Bob ». Henri Nannen était
toujours content, car les photos prises par Robert Lebeck
étaient si excellentes que le Stern fut bientôt considéré
comme l’une des revues les plus importantes du photojournalisme. Si vous voulez savoir comment Robert
Lebeck a réussi à être au bon endroit au bon moment,
il vous suffit d’appuyer sur le déclencheur, il va répondre
par une lueur dans ses yeux et par un sourire « Smiling
Bob » coquin. Il lui arrive également de parler de chance
inouïe, ou encore d’intuition. Et si tout cela ne suffit pas,
il a recours à Robert Doisneau : « Prendre des photos
veut dire trahir les règles ». Contrairement à ce dernier
pourtant, Lebeck n’a jamais trahi la vérité ou la réalité. « Je
suis journaliste », dit-il. Entretemps son inventaire inépuisable de photos a été complété par des ouvrages d’art. Il
n’a pas pour autant renoncé à sa relation à la vérité et à la
réalité. Au contraire : déjà ses photos-reportages étaient
bien plus que le fruit du hasard ou de la pure chance. Un
choix de photos tirées du livre de photographies intitulé
« Unverschämtes Glück » (« Chance inouïe ») est paru
récemment chez LUMAS dans une nouvelle édition
Robert Lebeck. Ce sont des photos parfaites du point de
vue de l’émotion et de la composition, et qui montrent
moins le chasseur d’instantanés que le photographe qui s’y
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LANDSCAPE
NATURE´S DIARY
¬ Nature does just fine on her own. She changes her
wardrobe according to the season and can play with the
clouds and weather patterns at her own will. She might
be considered a great artist for the creative diversity with
which she can transform a distant mountain ridge or an
undiscovered atoll into something tremendous. But it is the
photographer who provides nature a vehicle for her beauty,
and it is the photographer who determines the shape and
form of nature’s loveliness. This is Hamburg photographer
RALPH HARGARTEN’s perspective on powerful images
of nature and landscape that require no additional message
to have a unique effect. It is Hargarten’s exact and intense
observations that reveal the intense existence of these
natural beauties to the eye. Be it a fog crossing through
a rainforest, a dreamy cloud formation rising with a
yawn from its heavenly bed, or a sparkling spray from a
monumental waterfall cooling the air around it, the viewer
is always acutely aware in Hargarten’s pictures of nature’s
grandeur, almost as if the viewer were experiencing it
firsthand. OLIVIER FÖLLMI stalwartly searches for the
deeper meaning that connects humanity to the landscape.
He learns how to empathize with the landscapes and
cultures he encounters on his travels before photographing
them, a process that guides him to the singular aspects of
particular relationships. His humanitarian point of view not
only hones in on eloquent moments of interpersonal interactions but also lends landscapes overarching aesthetic forms.
The visual language of the great landscape photographer
Ansel Adams is everlasting. His former assistant, American
photographer ALAN ROSS, is now congenially following in
his mentor’s footsteps. Ross manages to sidestep the purist
tendencies of Adam’s style, charging the classic elements
instead with new visual energy. Like a river shifting course
and thus reshaping the landscape, Ross’s images feel more
contemporary than Adams’s and yet retain the timelessness
RALPH HARGARTEN
“WATERFALLS V”
NO. RHR17: LTD. ED. 100 SIGNED 75 X 120 CM | 30 X 47“
NO. RHR18: LTD. ED. 100 SIGNED 50 X 80 CM | 20 X 32“
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ALAN ROSS
“HALF DOME FROM WASHBURN POINT, YOSEMITE NATIONAL PARK”
NO. ARO03: LTD. ED. 75 SIGNED 64 X 77 CM | 25 X 30“
NO. ARO04: LTD. ED. 150 SIGNED 34 X 40.5 CM | 13 X 16“
ALAN ROSS
“ISLAND OF TREES, PRESCOTT, WASHINGTON”
OLIVIER FÖLLMI
“HUANG SHAN”
NO. OFO35: LTD. ED. 100 SIGNED 120 X 160 CM | 47 X 63“ | NO. OFO36: LTD. ED. 100 SIGNED 75 X 100 CM | 30 X 39“
of the land. The hard-edged zigzags of Alpine deep-snow
skiers in Austrian photographer PETER MATHIS’s aerial
images are eye catching. They look like artificial fissures in
the otherwise untouched snowy landscape of the Voralberg
region. At second glance, the viewer quickly senses the
compositional balance and graphic integrity of the Skiers'
paths in the image as a whole. The daring athletes are
transformed to unwitting sketch artists as they explore
the landscape. If you give a landscape enough time and
dare to walk an extra mile, then you, like renowned travel
photographer PETER ADAMS, are also sure to discover
more than one uniquely beautiful moment or perspective.
The beguiling panoramic view of a Tuscan landscape, which
Adams shot multiple times, proves that every hour, every
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morning, every evening is worth seeing for yourself. The
practically imperceptible shift of perspective challenges us to
intensively compare the details within each picture. A truly
successful trait of the series. Not only untouched nature but
also landscape’s conscious design by the human hand can
be seen in HORST AND DANIEL ZIELSKE’s Stourhead
image from their Modern Turner series. The elements nature
provides as ornamentation are consciously combined,
arranged, and composed in landscaped English gardens
as though in a painting. Czech artist JURAJ LIPSCHER
poetically roams the landscape, an idyllically hidden bank of
a small town’s river. The series Enchanted Waters enraptures
the viewer with the magical power of a fairytale forest.
Frothy crest coronets reflect on the water’s surface; colors
PETER MATHIS
“KALTENBERG-VERWALL, ÖSTERREICH”
NO. PMA07: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 120 CM | 32 X 47“ | NO. PMA08: LTD. ED. 100 SIGNED 40 X 60 CM | 16 X 24“
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everywhere are pulled into the rapids and small whirlpools;
reflections scurry elf-like across dark shadows. Blurry
lines obviate clear forms. The images’ painterly aesthetic
gambols with the photographic. Lipscher’s magical world is
a naturalistic promise in the eye of the beholder. CAROLIN
WOLF also plays with the poetry and aesthetics of nature
in her images. By rotating the camera, she creates an effect
that makes the leafy branches look as though being bustled
by an artificial storm. Limbs and leaves swirl around one
another in geometric patterns that simultaneously enhance
the artificial nature. Two photographs of a single motif
are framed side by side. Fall lends its colors, while spring
blooms with luscious abundance. Singer FARIN URLAUB
has proven a keen grasp of East Asian cultures and seasonal
landscapes and, through his travels, has captured the face
of Japan in photographs. This face sometimes tenderly
smiles, sometimes blushes, and sometimes seems lost in a
daydream of leaves, water, and Japanese woods. But the
images never lose sight of their conscious perspective and
of a reality beyond the moment of epiphany.
¬ Die Natur genügt sich selbst. Sie wechselt ihre Garderobe
je nach Jahreszeit und kreiert in einem fort neue Wolkenund Wetterspiele. Man könnte sie für eine großartige
Künstlerin halten aufgrund der kreativen Vielfalt, mit der
sie einen fernen Gebirgszug oder ein unentdecktes Atoll
in etwas Wunderbares verwandelt. Doch erst der Blick des
Fotografen setzt die Natur ins Werk. Er bestimmt über die
Form und Gestalt des Naturschönen. So versteht sich der
Hamburger Fotograf RALPH HARGARTEN auf kraftvolle
Natur- und Landschaftsmotive, die keiner zusätzlichen
Botschaft bedürfen, um einmalig zu wirken. Das intensive
Wesen des Naturschönen, das dem Betrachter in seinen
Bildern vor Augen tritt, ist dabei Ergebnis einer genauen
und intensiven Beobachtung. Sei es, dass ein Nebel einen
Regenwald durchstreift, eine verträumte Wolkenformation
sich langsam aus dem Bett des Himmels hebt oder die
sprühende Gischt eines monumentalen Wasserfalls die
umgebende Luft abkühlt – immer spürt der Betrachter
die Erhabenheit der Natur in Hargartens Bildern, als
befände er sich selbst mitten im lebendigen Geschehen.
Unentwegt auf der Suche nach einem tieferen Grund, ist
der Fotograf OLIVIER FÖLLMI, der eine Landschaft mit
dem menschlichen Leben verknüpft. Bevor er auf seinen
Reisen zu fotografieren beginnt, fühlt er sich ausgiebig
in Landschaft und Kultur vor Ort ein. So kommt er
dem Eigentümlichen des Verhältnisses auf die Spur. Sein
humanistisch geprägter Blick findet dabei nicht nur beredte
Augenblicke des Zwischenmenschlichen, sondern er vermag
einer Landschaft insgesamt eine ästhetische Form zu geben.
Unsterblich ist der Bildstil des größten aller Landschaftsfotografen: Ansel Adams. Sein ehemaliger Assistent, der
Amerikaner ALAN ROSS, folgt dem Meister auf kongeniale
Weise. Ross gelingt es, dem Puristischen von Adams Stil zu
entgehen, das Klassische daran aber mit neuer Bildenergie
aufzuladen. Als hätte ein Fluss über die Zeit seinen Lauf
verändert und damit auch die Gestalt der Landschaft, so
wirken auch Ross` Bilder im Vergleich zu denen Adams
PETER ADAMS
“PIENZA GOLD”
NO. PAD07: LTD. ED. 100 SIGNED 53 X 180 CM | 21 X 71“ NO. PAD08: LTD. ED. 100 SIGNED 26.5 X 90 CM | 10 X 35“
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HORST & DANIEL ZIELSKE
“STOURHEAD”
NO. HDZ49: LTD. ED. 100 SIGNED 120 X 180 CM | 47 X 71“ NO. HDZ50: LTD. ED. 150 SIGNED 60 X 90 CM | 24 X 35“
zeitgemäßer, wenngleich das Zeitlose des Motivs nie aus
den Augen verloren wird. Förmlich ins Auge springen die
harten Zickzack-Spuren alpiner Tiefschneefahrer, denen
der Voralberger PETER MATHIS aus der Luft nachspürt.
Sie wirken wie eine künstliche Naht in der unberührten
Schneelandschaft. Auf den zweiten Blick spürt der Betrachter
rasch die kompositorische Ausgewogenheit und grafische
Integrität der Spuren innerhalb des Bildganzen. So werden
wagemutige Tiefschneefahrer zu unbewussten Zeichenkünstlern jener Landschaften, die sie befahren. Gibt man
einer Landschaft genügend Zeit und scheut die Extrameile
Fußweg nicht, dann kann man ihr, wie der renommierte
Reisefotograf PETER ADAMS, mehr als einmal einen
außergewöhnlich schönen Augenblick abgewinnen. Das
betörende Panorama eines toskanischen Landschaftszuges,
das Adams mehrfach ablichtete, beweist, dass jede Stunde,
jeder Morgen, jeder Abend eine eigene Erkundung wert ist.
Man möchte nicht in Verlegenheit geraten, die schönste
dieser Stimmungen auswählen zu müssen. Eine kaum
wahrnehmbare Veränderung des Aufnahmepunktes regt
nebenbei zu einem intensiven Vergleich der Bilder untereinander an. Ein wahrlich gelungener inszenatorischer Zug der
Serie. Nicht die unberührte Natur, sondern die bewusste
Gestaltung der Landschaft durch den Menschen zeigt sich in
HORST UND DANIEL ZIELSKES „Stourhead“-Bild aus
der Serie „Modern Turner“. Was die Natur an Ornamenten
zur Verfügung stellt, wird im englischen Landschaftsgarten
wie in einem Gemälde bewusst kombiniert, arrangiert und
komponiert. Auf eine ganz poetische Weise durchstreift der
Tscheche JURAJ LIPSCHER eine Landschaft – es ist die
idyllisch verborgene Landschaft eines kleinen städtischen
Flusses. Die Serie „Enchanted Waters“ umfängt den
Betrachter dabei mit der Zauberkraft eines Märchenwaldes.
Auf den Wassern spiegeln sich schäumende Laubkronen.
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Überall geraten Farben in den Sog von Stromschnellen und
kleinen Wirbeln. Reflexionslichter huschen elfenhaft über
dunkle Schattengründe. Schärfen werden von Unschärfen
zerrieben. Das Malerische der Bilder umspielt das Fotografische. Lipschers Zauberwald ist eine naturalistische
Verheißung im Auge des Betrachters. Poetisierung und
Ästhetisierung von Natur sind auch Stilmittel in den Bildern
von CAROLIN WOLF. Sie erzeugt durch eine Rotation
der Kamera einen Effekt, der belaubte Zweige wie von
einem künstlich erzeugten Sturm heimgesucht erscheinen
lässt. Äste und Laub wirbeln durcheinander – auf geometrischen Bahnen, die wiederum dem artifiziellen Natureindruck zuarbeiten. Jeweils zwei Aufnahmen eines Motivs
stehen nebeneinander. Herbst und Frühling spenden je
unterschiedlich viel Blattfülle und Farbe. Ein feines Gespür
für fernöstliche Kulturen und jahreszeitliche Landschaften
offenbart der Sänger FARIN URLAUB. Er hat einer Reise
nach Japan ein fotografisches Gesicht gegeben. Dieses
Gesicht lächelt zart, es errötet und zuweilen scheint es in
einen Tagtraum aus Blättern, Wassern und japanischen
Hölzern überzugehen. Aber nie vergessen die Bilder, über
den Augenblick der Erleuchtung hinaus die Rückreise zur
bewussten Wahrnehmung und Wirklichkeit anzutreten.
¬ La nature se suffit à elle-même. Elle change d’habit
selon les saisons et ne cesse de créer des jeux de nuages
et de temps. On pourrait la considérer comme une artiste
excellente étant donné la force créatrice par laquelle elle
CAROLIN WOLF
“PIECES OF AUTUMN I”
NO. CWO01: LIMITED EDITION 100 SIGNED 2 MAL 80 X 80 CM | 2 PART 32 X 32“
NO. CWO02: LIMITED EDITION 100 SIGNED 2 MAL 40 X 40 CM | 2 PART 16 X 16“
JURAJ LIPSCHER
“ENCHANTED WATERS III”
NO. JLP09: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 120 CM | 32 X 47“ | NO. JLP10: LIMITED EDITION 100 SIGNED 40 X 60 CM | 16 X 24“
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transforme une chaîne de montagnes ou un atoll en miracles.
Mais il faut l’œil du photographe pour mettre en scène la
nature. C'est lui qui met en forme la beauté naturelle. Le
photographe hambourgeois RALPH HARGARTEN est
expert en matière de motifs puissants de la nature et du
paysage, motifs qui se passent tout à fait de message et
qui sont uniques en leur genre. L’essence profonde de la
beauté naturelle apparaissant sur les images est pourtant
le résultat d’une observation précise et intensive. Qu’une
nappe de brouillard traîne dans une forêt sous la pluie,
qu’une formation nuageuse se détache lentement dans le
ciel ou que l’eau écumeuse d’une cascade rafraîchisse l’air
environnant, les photos de Hargarten reflètent toujours le
sublime de la nature, ce que l’observateur perçoit comme
si lui-même faisait partie de l’événement photographié. Le
photographe OLIVIER FÖLLMI est toujours à la recherche
d’un lien entre les paysages et la vie des hommes. Lors de
ses voyages, avant de prendre des photos, il s’imprègne des
paysages et de la culture d’un lieu. Ainsi il découvre ce qui est
sous-jacent aux conditions du milieu. Son regard est humain
et il capte non seulement les moments les plus expressifs
des relations entre les humains, mais nous révèle également
l’esthétique d’un paysage par exemple. Le style photogra-
phique du plus grand de tous les photographes paysagers
est éternel. Il s’agit d’Ansel Adams, l’ancien assistant de
l’américain ALAN ROSS et qui est aussi génial que sont
maître. Ross a réussi à éluder le purisme d’Adams, afin de
n’en retenir que les traits classiques auxquels il confère une
nouvelle énergie picturale. Comme si au cours du temps,
une rivière changeait de lit, modifiant la morphologie du
paysage, les photos de Rosse paraissent plus modernes que
celles d’Adams, même si l’intemporel du motif n’est jamais
perdu de vue. Les traces zigzagantes des skieurs dans la
neige profonde, captées par le photographe du Vorarlberg,
PETER MATHIS, vous sautent littéralement aux yeux. Ce
sont des perspectives à vol d’oiseau, et les traces paraissent
comme des sutures artificielles dans un paysage vierge,
enneigé. Ce n’est qu’à deuxième vue que l’observateur se
rend compte de l’équilibre de la composition, ainsi que
de l’intégrité graphique des traces à l’intérieur de l’image
totale. Les skieurs audacieux deviennent ainsi malgré eux,
des artistes dessinateurs de leurs paysages. Si vous vous
consacrez entièrement à un paysage et que la marche ne
vous effraie pas, vous apprécierez comme le fait le célèbre
photographe-voyageur PETER ADAMS, plus d’un moment
de grâce esthétique. Le panorama envoûtant d’un paysage
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FARIN URLAUB
“ADASHI” (DETAIL)
NO. JVE24: LTD. ED. 100 SIGNED 160 X 59 CM | 63 X 23“
NO. JVE25: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 29.5 CM | 32 X 12“
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JOSH VON STAUDACH _ NEW WORKS
“ICELAND #1 SKJÁLFANDAFLIÓT”
NO. JVS27: LTD. ED. 75 SIGNED 60 X 240 CM | 24 X 94“ | NO. JVS28: LTD. ED. 100 45 X 180 CM | 18 X 71“
NO. JVS29: LTD. ED. 150 SIGNED 25 X 100 CM | 10 X 39“
“ICELAND #6 JÖKULGILSKVISL”
NO. JVS34: LTD. ED. 100 SIGNED 45 X 180 CM | 18 X 71“ | NO. JVS35: LTD. ED. 150 SIGNED 25 X 100 CM | 10 X 39“
OBJECTS BY PORRO.
toscan, capté plusieurs fois par Adams, prouve que toute
heure, tout matin, tout soir vaut bien une exploration. Un
changement à peine perceptible de l’angle de prise de vue,
invite à comparer les photos entre elles. Une mise en scène
particulièrement réussie de la série. Sur la photo « Stourhead
» de la série « Modern Turner », HORST ET DANIELS
ZIELSKE ne montrent pas la nature intacte, mais le paysage
transformé par l’intervention humaine. Ce que la nature
met à disposition sous la forme d’ornements est regroupé,
arrangé et composé dans les jardins anglais comme sur une
toile. Le photographe tchèque JURAJ LIPSCHER parcourt
les paysages à sa propre manière. Il s’agit du paysage caché,
idyllique, d’une petite rivière urbaine. La série « Enchanted
Waters » envoûte l’observateur comme par la magie d’une
forêt enchantée. Les eaux reflètent le feuillage moussant,
partout les couleurs sont entraînées par la force des rapides
et des petites turbulences. Des reflets de lumière brillent
au-dessus d’abîmes noirs. Les contours clairs sont écrasés
par des flous. L’aura picturale des images flotte autour du
photographique. La forêt enchantée de Lipscher est une
promesse naturaliste pour l’œil de l’observateur. Poétisation
et esthétisation de la nature sont également des figures
de style dans les images de CAROLINE WOLF. Par une
rotation de sa caméra, elle crée un effet qui fait apparaître les
branches feuillues d’un arbre comme si elles étaient agitées
par une tempête. Les branches et les feuilles sont entraînées
par un tourbillon – mais sur des orbites géométriques
tributaires d’une impression artificielle de la nature. Chaque
motif est présenté sous la forme de dyptique. L’automne et
le printemps donnent des feuillages et des couleurs plus ou
moins denses. Le chanteur FARIN URLAUB a beaucoup
de sensibilité pour les cultures de l’Extrême-Orient et les
paysages des différentes saisons. Comme photographe, il a
donné un visage à un voyage au Japon. Ce visage sourit avec
beaucoup de tendresse, rougit ou semble inondé par des
feuilles, des eaux et des bois japonais, comme dans un rêve
éveillé. Pourtant, jamais les images n’oublient de retourner
à la perception lucide et à la réalité au-delà des moments
d’inspiration.
19
KLAUS D. FRANCKE _ NEW ARTIST
¬ These images could hardly be more captivating and
yet simultaneously intangible! KLAUS D. FRANCKE
has been boarding a Cessna 172 for over twenty years
to gain a view of earth from the skies. What he sees and
captures with this camera will take your breath away.
From this vantage point – and thanks to Francke’s compositions – we are able to see the earth as a series of abstract
paintings. Recognition follows astonishment: salt flats in
the Makgadikgadi Pan, the Oponono Seas in Namibia, the
foot of a glacier west of Höfn, Iceland. Even the names of
these places sound nearly as marvelous as the images of
them, which incite both enraptured curiosity and visual
emotions.
¬ Bilder, die kaum fesselnder und unfassbarer sein
könnten! Seit 20 Jahren steigt KLAUS D. FRANCKE in
eine Cessna 172 und blickt aus luftiger Höhe auf die Erde.
Was er dort sieht und mit der Kamera festhält, verschlägt
einem den Atem. Abstrakte Erd-Gemälde, die sich dem
Auge nur aus der Luft und durch die Bildkomposition
des Fotografen öffnen. Das Gewahren des eigentlichen
Motivs ist dem Staunen nachgeordnet: Salinen in der
Makgadikgadi-Pfanne, der Oponono-See in Namibia,
ein Gletscherfuß westlich von Höfn – die Orte klingen
kaum weniger fantastisch, als sie im Bild anmuten. Das
Sehen wird zur berauschenden Spirale aus Neugierde und
optischer Berührung.
¬ Voilà des images extrêmement captivantes et hallucinantes ! Depuis 20 ans, KLAUS D. FRANCKE monte dans
son Cessna 172 et regarde la terre d’en haut. Ce qu’il voit
et ce que capte l’œil de sa caméra vous coupe le souffle :
des vues quasi-abstraites de la terre qui ne s’expliquent que
par la perspective à vol d’oiseau et par la composition du
photographe. Ce n’est qu’après l’étonnement que l’on se
rend compte du motif : les salines dans le creux de l’ancien
lac Makgadikgadi, le lac Oponono en Namibie, le pied d’un
glacier à l’ouest de Höfn – les noms des lieux semblent
aussi fantastiques que les images. Regarder devient alors
une spirale enivrante entre curiosité et contact visuel.
“ARTWORK EARTH I”
NO. KFR01: LTD. ED. 75 SIGNED 110 X 137,5 CM | 43 X 54“
NO. KFR02: LTD. ED. 100 SIGNED 60 X 75 CM | 24 X 30“
20
21
ILLUSTRATION _ PAINTING
THE COLOR OF MAGIC
¬ America’s most important magazine editors have long
coveted good illustrators as artists. Their kind is attributed
great importance, as these illustrations are more than simple
accompaniment. Entire magazine issues are now also being
entrusted to illustrators in Europe as their individual visual
languages fascinate an increasingly wider audience. The pasteltoned fashion illustrations of New York-based EDUARD
ERLIKH shine with captivating magic. It is surprising how he
can create a strikingly beautiful moment of feminine beauty
with a simple brushstroke, an implied line, or lightly smudged
color. Breathtaking gracefulness, expressive elegance, and
seductive lasciviousness – even without facial features, his
figures retain individuality. The lines of their bodies arouse
them to life. Yet again we see that a smart innuendo of a line
can evoke strong emotions. We can hardly tear our eyes from
the images. German artist OLAF HAJEK is a magician of
colors and shapes, a fabulous storyteller. His visual language
stems from his great passion for sampling, a technique that
manifests how even disparate elements from different epochs
and styles can harmoniously come together in a new and
distinct whole. Hajek’s work graces the pages of magazines
such as Architectural Digest, Financial Times Magazine, and
Rolling Stone. The detailed intricacy of his subjects invites us
delve into the works to discover clues for ourselves, but we
will never be able to piece the whole puzzle together. The
images always seem to retain a few secrets of their own. Even
as a child Brazilian artist EDUARDO RECIFE drew trees
not like cloud outlines but rather gave each individual branch
a billow of leaves. Influenced by everyday life in Brazil – the
unsettling synthesis of joie de vivre, beauty, and violence –
Recife’s works are multi-layered entities in which painterly
and graphic elements court semantic hegemony. Integrated
written passages counter layers of images – a surreal gesture
reminiscent of René Magritte. Recife’s affinity for remnants
of old, especially graphic elements and fonts, is immediately
recognizable.
¬ Alle drei neuen Spartengänger arbeiten als Illustratoren noch
vornehmlich mit Stiften, Pinseln, Schabern und ausgesuchten
grafischen Versatzstücken. Erst der publizistische Veröffentlichungsprozess verwandelt ihr Werk in eine digitalisierte
22
Kopie. Das Original bleibt original – in Größe und Materialität.
Schon als Kind zeichnete der Brasilianer EDUARDO RECIFE
einen Baum nicht nur als wolkigen Umriss, sondern malte
jedem Ast eine Woge Blätter an. Geprägt vom Lebensalltag
Brasiliens, dieser verstörenden Synthese aus Schönheit und
Gewalt, sind auch Recifes Arbeiten mehrschichtige Gebilde,
in denen malerische und grafische Elemente um die semantische Vorherrschaft buhlen. Integrierte Schriftzüge kontern
Bildebenen – eine surrealistische Geste, die an René Magritte
erinnert. Recifes Vorliebe für alte Versatzstücke, insbesondere
Grafiken und Schriften, ist den Bildern unmittelbar abzulesen.
Ein Magier der Farben und Formen, ein fabulöser Geschichtenerzähler ist auch der Deutsche OLAF HAJEK. Seine
Bildsprache zeugt von großer Leidenschaft fürs Sampling,
wobei augenfällig ist, wie ausgesucht und harmonisch selbst
disparate Elemente aus verschiedenen Epochen und Stilen zu
einem neuen und unverwechselbaren Ganzen finden. Olaf
Hajek bespielt so unterschiedliche Magazine wie den Architectural Digest, die Financial Times und den Rolling Stone; sie
alle schwärmen von seinen Ideen. Die detailreiche Verschlungenheit seiner Sujets lädt zum Spurenlesen ein. Doch nie
glaubt man an ein Ziel zu gelangen. Die Bilder scheinen dem
Betrachter immer ein Geheimnis voraus zu sein. In bannender
Zauberkraft strahlen die pastellfarbenen Modezeichnungen
des Wahl-New-Yorkers EDUARD ERLIKH. Erstaunlich, wie
er mit einem schlichten Pinselstrich, einer angedeuteten Linie
oder einer leicht verwischten Kolorierung einen bestechend
schönen Moment weiblicher Schönheit kreiert. Atemraubende Grazie, expressive Eleganz und verführerische
Laszivität – seine Modelle wirken auch ohne Gesichtszüge
sehr individuell. Die Körperlinie allein erweckt sie zum Leben.
Wieder einmal zeigt sich: Eine kluge zeichnerische Andeutung
evoziert starke Gefühle. Der Betrachter mag den Blick kaum
von den Bildern lösen.
¬ Dans les rédactions des plus grandes revues américaines, les
bons illustrateurs sont depuis longtemps considérés comme
des artistes. Le genre est très considéré. C’est beaucoup plus
que de la musique d’accompagnement. Même en Europe,
des illustrateurs professionnels se chargent désormais de la
conception de revues entières. Leurs langages graphiques
EDUARD ERLIKH
“YSL SAFARI LEOPARD CAFTAN”
NO. EER13: LTD. ED. 100 SIGNED 140 X 118 CM | 55 X 46“ | NO. EER14: LTD. ED. 100 SIGNED 84 X 71.6 CM | 33 X 28“
23
dans des revues et des journaux aussi différents que Architectural Digest, Financial Times ou Rolling Stones. L’enlacement,
riche en détails, de ses sujets, invite à une recherche intensive
de traces. Mais on n'atteint jamais un but définiti. Les images
semblent toujours avoir un secret d’avance sur l’observateur.
Dès son enfance, le Brésilien EDUARDO RECIFE a dessiné
un arbre non comme un contour flou, mais il a fait pousser un
feuillage dense à chaque branche. Sous l’influence du quotidien
brésilien, cette synthèse troublante de joie de vivre, beauté et
violence, les ouvrages de Recife se présente comme des formes
à plusieurs couches, dans lesquelles des éléments de peinture
et de graphisme rivalisent pour la dominance sémantique. Des
écritures intégrées se heurtent aux niveaux picturaux – un geste
surréaliste qui rappelle René Magritte. L’amour de Recife pour
les objets trouvés, notamment pour des ouvrages graphiques et
des écritures, devient directement visible dans ses images.
OLAF HAJEK
“EVA I”
NO. OHA09: LTD. ED. 100 SIGNED 120 X 89 CM | 47 X 35“
NO. OHA10: LTD. ED. 100 SIGNED 54 X 41 CM | 21 X 16“
EDUARDO RECIFE
“BRAZIL INSPIRED 01”
NO. ERE07: LTD. ED. 100 SIGNED 88 X 63.4 CM | 35 X 25“
NO. ERE08: LTD. ED. 100 SIGNED 44 X 32.3 CM | 17 X 13“
24
FREDDY REITZ _ NEW ARTIST
“CRAZY KETCHUP”
NO. FRE05: LIMITED EDITION 100 SIGNED 2 MAL 120 X 56 CM | 2 PART 47 X 22“
NO. FRE06: LIMITED EDITION 100 SIGNED 2 MAL 60 X 28 CM | 2 PART 24 X 11“
OBJECTS BY PORRO.
sont de plus en plus fascinants. Les dessins de mode aux
couleurs pastelles de l’artiste EDUARD ERLIKH qui a choisi
New York comme domicile, brillent comme par miracle.
Par un trait de pinceau, une ligne à peine esquissée ou une
coloration légèrement brouillée, il crée un moment exquis de
beauté féminine. Grâce, élégance expressive et lascivité séductrice – ses modèles sont très individuels même sans visage.
La ligne du corps les anime. Et se rend compte une fois de
plus que même l’allusion à un trait est capable de provoquer
de forts sentiments. En tant qu’observateur, on a du mal à
détacher le regard des images. L’Allemand OLAF HAJEK
est un magicien des couleurs et des formes, un conteur et
affabulateur. Son langage témoigne d’une grande passion pour
l’échantillonnage. L’harmonie de ses choix est extraordinaire.
Même des éléments disparates d’époques et de styles différents
forment ainsi une entité nouvelle, singulière. Olaf Hajek publie
25
MATTEO THUN _ NEW MASTER
¬ A redesigned, colorful, freshly painted farmhouse nestles
gently among the steep cliffs of Capri. Milan’s star architect
and designer MATTEO THUN, the mastermind behind the
house, has opened his portfolio to share with us a wonderful
small series of architectural aquarelles. His visual language is
almost laconic and yet full of poetry. Each line, every blot of
color, optically harmonizes with the other color fields, lines,
and omissions in contrapuntal relationships. For Thun, the
dialogue with the genius loci is essential to architecture. At the
same time he advocates for reductionist forms that emphasize
the human: a stance that emanates from his aquarelles.
¬ Sanft schmiegt sich ein umgestaltetes, farblich aufgefrischtes
Bauernhaus in die steilen Felsen von Capri. Der Mailänder StarArchitekt und Designer MATTEO THUN, der es entworfen
hat, öffnet seine Mappe und zeigt uns eine wunderbare kleine
Serie mit architektonischen Aquarellen. Fast lakonisch mutet
die Bildsprache an, und doch ist sie voller Poesie. Jeder Strich,
jeder Farbtupfer stimmt einen visuellen Akkord an, der zu
anderen Farbflächen, Linien und Auslassungen im kontrapunktischen Verhältnis steht. Für Matteo Thun ist der Dialog mit
dem Genius Loci wesentlich in der Architektur. Gleichzeitig
plädiert er für reduzierte Formen, die das Menschliche betonen.
Eine Haltung, die förmlich aus seinen Aquarellen strahlt.
¬ La ferme transformée, nouvellement peinte, est collée aux
rochers escarpés de Capri. L’architecte-vedette de Milan, le
styliste MATTEO THUN, qui a conçu la ferme, ouvre son
portfolio la chemise et nous montre une petite série exquise
d’aquarelles d’architecture. La langue des images nous paraît
presque banale, pourtant, elle est pleine de poésie. Chaque trait,
chaque tache de couleur entonne un accord visuel qui forme
un contrepoint par rapport aux surfaces de couleurs, aux lignes
et aux mises en abîme. Pour Matteo Thun, c’est le dialogue
avec le génie du lieu qui est essentiel dans l’architecture. Il
plaide aussi la cause des formes réduites soulignant l’humain.
Une attitude qui émane de ses aquarelles.
“VILLA CAPRI”
NO. MTH07: LTD. ED. 100 SIGNED 64 X 88 CM | 25 X 35“
NO. MTH08: LTD. ED. 100 SIGNED 34 X 46 CM | 13 X 18“
26
27
MAARTEN BAAS _ NEW ARTIST
“LI RIVER, GUILIN , STUDY 2” _ “LI RIVER, GUILIN , STUDY 6”
NO. JCR21 / : LTD. ED. 100 SIGNED 125 X 125 CM | 49 X 49“
NO. JCR22 / : LTD. ED. 100 SIGNED 60 X 60 CM | 24 X 24“
“SMOKE CLOCK” I – III, UNIQUE, PRICE ON REQUEST
28
OBJECTS BY PORRO.
JONATHAN CHRITCHLEY _ NEW ARTIST
EFREN ISAZA _ NEW ARTIST
“BLACK GIRL IN ORIGAMI DRESS WITH ROOSTER”
NO. EIS03: LIMITED EDITION 100 SIGNED 110 X 185 CM | 43 X 73“ | NO. EIS04: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 135 CM | 32 X 53“
¬ In the works by Colombian fashion photographer EFREN
ISAZA, a seductive eclecticism of modern styles light-handedly
directs the scene. It is as if Isaza had asked no less than Hans
Bellmer, Oskar Schlemmer, and Frida Kahlo to contribute
individual designs copying the styles of the others – only then
to transport them to an entirely new visual realm. Thus we
encounter graceful models – puppet-like Olympias and triadic
ballerinas – looking up at the queen with her red lips and deep
black eyebrows.
¬ In den Arbeiten des kolumbianischen Modefotografen
EFREN ISAZA führt ein verführerischer Eklektizismus
moderner Stile leichthändig Regie. Es ist, als hätte Isaza keine
Geringeren als Hans Bellmer, Oskar Schlemmer und Frida
Kahlo gebeten, individuelle Vorlagen zu stiften, die den Stil
der anderen kopieren, um diese dann in neue Bildwelten zu
überführen. So treffen wir auf grazile Modelle, die wie puppen30
hafte Olympias und triadische Ballerinen hinaufschauen zur
Königin mit den roten Lippen und tiefschwarzen Augenbrauen.
¬ Dans les ouvrages du photographe de mode colombien,
EFREN ISAZA, un éclectisme séducteur semble diriger les
styles modernes. C’est tout comme si Isaza avait demandé à
Hans Bellmer, Oskar Schlemmer et Frida Kahlo de lui faire
cadeau de patrons individuels permettant de copier le style
des autres, afin de les transporter vers de nouveaux mondes
d’images. Ainsi nous rencontrons des mannequins gracieux
qui telles, des poupées ou des ballerines triadiques élèvent leur
regard sur la reine aux lèvres carmin et aux sourcils d’un noir
profond.
“FRIDA WITH CROWS”
NO. EIS11: LTD. ED. 100 SIGNED 140 X 105 CM | 55 X 41“
NO. EIS12: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 60 CM | 32 X 24“
31
PORTRAIT
SENSE AND SENSIBILITY
BARBARA COLE
“COURTHOUSE LADIES”
NO. BCO01: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 80 CM | 32 X 32“ | NO. BCO02: LIMITED EDITION 150 SIGNED 40 X 40 CM | 16 X 16“
32
¬ Intense interaction between a model and her surroundings can help create an atmospheric portrait. Over the years
American artist BARBARA COLE has become familiar with
fluid forms in her photography. Her “Painted Ladies” in particular glide into their painterly backgrounds like photographic
Ophelias. While in Cole’s works the female nude and painted
background exist in a sensual relationship to one another, in
the images of Korean artist DALLAE BAE they converge in
one layer. Traditional Korean body painting, the female body,
and backdrop unite in a unique texture that grapples with
space in a distinctly sensual manner. Iconic cinematic scenes
often exemplify the importance of interior spaces to visual
ideas, fashionable props to film-stars’ portraits. Such details
have helped Greta Garbo’s Queen Christina (1933) maintain
her regal composure as she struggles with the dichotomies
of royal responsibility and personal love. Looking at her
throne, she reveals the tragedy of her tangled fate. Set before
a positively architectural scene, Garbo proved herself as
Mata Hari (1931). The expressive coloring of the image as
well as the combination of the seductive gaze, lascivious
gesture, and resplendent jewels transform´s the goddess into
an electrifying sphinx whose glance averts the viewer. No
other actress more effortlessly usurped and feminized the
exuberant sex appeal of the 1950s than Audrey Hepburn. In
How to Steal a Million (1966) her daintiness and wardrobe
merged to become a symbol of seeming innocence. Billy
Wilder once joked, “This girl single-handedly could make
bosoms a thing of the past.” Jane Fonda as Barbarella (1968),
however, brought bosoms back unreservedly. The film not
only gave Henry Fonda’s daughter her breakthrough role but
also launched fashion designer Paco Rabanne, who created
her skintight catsuits, to instant fame.
RUBEN MAMOULIAN
“QUEEN CHRISTINA (GRETA GARBO)”
NO. EVE110: OPEN EDITION 60 X 46 CM | 24 X 18“
NO. EVE111: OPEN EDITION 44 X 34.6 CM | 17 X 14“
WILLIAM WYLER
“NICOLE BONNET (AUDREY HEBURN)”
33
¬ Ein atmosphärisches Porträt entsteht vor allem durch
intensives Zusammenwirken von Modell und Dekor.
Die Amerikanerin BARBARA COLE versteht sich seit
Jahren auf fließende Formen in ihrer Fotografie. Insbesondere ihre „Painted Ladies“ gleiten wie fotografische
Ophelias in den malerischen Hintergrund hinein. Stehen
bei Cole weiblicher Akt und malerischer Hintergrund
34
in einem sinnlichen Verhältnis, so verschmelzen diese
in den Arbeiten der Koreanerin DALLAE BAE zu einer
Bildebene. Traditionelle koreanische Körperbemalung,
weiblicher Akt und Hintergrund bilden eine einzigartige
Textur, die auf höchst sinnliche Weise den Raum ergreift.
Wie bedeutend ein Interieur, eine bildnerische Idee oder
ein modisches Detail für die Wirkung eines Porträts ist,
beweisen insbesondere die zu Ikonen gewordenen Szenen
von Filmstars. So bewahrt Greta Garbo als „Queen
Christina“ (1933) ihre Haltung, als sie in den Zwiespalt
königlicher Verantwortung und persönlicher Liebe gerät.
Den Blick auf den Thron gerichtet, wird die Tragik ihres in
Staatsgeschicke verstrickten Schicksals offenbar. Geradezu
architektonisch in Szene gesetzt, erweist sich die Garbo
als Mata Hari (1931). Die effektvolle Nachkolorierung des
Bildes, das Zusammenwirken von verführerischem Blick,
lasziver Geste und prächtigem Geschmeide verwandelt die
DALLAE BAE
“BLUE WHITE PORCELAIN 01”
NO. DBA25: LTD. ED. 100 SIGNED 60 X 121.7 CM | 24 X 48“
NO. DBA26: LTD. ED. 100 SIGNED 30 X 60.8 CM | 12 X 24“
35
GEORG FRITZMAURICE
“MATA HARI (GRETA GARBO)”
Cole, les nus et le fond pictural entretiennent des relations
sensuelles, les deux pôles fusionnent dans les ouvrages de la
Coréenne DALLAE BAE pour créer un niveau pictural. La
peinture coréenne traditionnelle du corps, les nues et le fond
viennent tisser une entité unique qui s’approprie l’espace
d’une manière très sensuelle.Les scènes des vedettes du
cinéma, devenues des icônes, sont la preuve de l’importance
des intérieurs, des idées picturales ou des détails de mode
pour l’effet d’un portrait. Ainsi, Greta Garbo garde sa contenance comme Reine Christine (1933), lorsqu’elle se retrouve
dans un dilemme entre sa responsabilité de reine et son
amour. Le regard tourné vers le trône révèle le tragique de
son destin lié à celui de son état. Dans Mata Hari (1931),
Garbo est mise en scène de manière quasi-architecturale.
La colorisation théâtrale, ultérieure, de l’image, la concomitance du regard séducteur, des gestes lascifs et la parure
de bijoux font de La Divine une sphinge électrisante qui
conjure le regard curieux de l’observateur. Aucune autre
actrice n’a détrôné et apprivoisé aussi facilement le Sex
appeal opulent des années 50 qu’Audrey Hepburn. Dans «
Comment voler un million de dollars » (1966), délicatesse
et garde-robe fusionnent donnant l’impression d’innocence.
Un jour, Billy Wilder a plaisanté : « Cette fille va mettre les
gorges opulentes au rancart! » Jane Fonda dans Barbarella
(1968) nous l’a pourtant ramenée, la gorge opulente. Le film
n’a pas seulement fait de la fille d’Henry Fonda une vedette,
mais également rendu célèbre d’un jour à l’autre le couturier
Paco Rabanne qui avait conçu les tout-en-un moulants.
PHILIPP SCHUMACHER _ NEW ARTIST
¬ Un portrait atmosphérique est le produit de la coopération
étroite entre mannequin et décor. L’Américaine BARBARA
COLE est, depuis plusieurs années, experte en matière de
formes flottantes, dont témoignent ses photos. Ses « Painted
Ladies » (« Dames peintes ») flottent telles des Ophélies
photographiques dans l’arrière fond pictural. Tandis que chez
36
ROGER VADIM
“BARBARELLA (JANE FONDA)”
“LICHTBILD NO.7”
NO. PSC09: LTD. ED. 100 SIGNED 90 X 180 CM | 35 X 71“
NO. PSC10: LTD. ED. 100 SIGNED 45 X 90 CM | 18 X 35“
OBJECTS BY PORRO.
Göttliche in eine elektrisierende Sphinx, deren Blick den
Betrachter bannt. Keine andere Schauspielerin entthronte
und feminisierte den üppigen Sexappeal der 50er Jahre
leichter als Audrey Hepburn. In „Wie klaut man eine
Million“ (1966) verschmelzen Zierlichkeit und Garderobe
zum scheinbar unschuldigen Zeichen. Billy Wilder scherzte
einmal: „Das Mädchen wird den Busen noch völlig aus
der Mode bringen.“ Der kam mit Jane Fonda als Barbarella (1968) sehr freizügig zurück. Der Film verhalf nicht
nur Henry Fondas Tochter zum Durchbruch. Auch der
Modedesigner Paco Rabanne, der die hautengen Catsuits
entwarf, wurde mit einem Schlag berühmt.
37
WERNER HERZOG _ NEW MASTER
¬ Eminent film director WERNER HERZOG is considered in the US to be one of the most well-known and
best-loved Germans. At home, however, the public usually
falls into two camps: enthusiastic return fans or consistently
enthusiastic fans. There was a time when the two groups did
not see eye to eye as the former considered Herzog to be
second-best to actor Klaus Kinski. That era is now over, and
Herzog also enjoys great fame in Germany. Fans follow his
films with curiosity and interest. From the five movies that
Herzog filmed with Klaus Kinski in the 1970s and 1980s,
we have selected 16 film stills that not only present the
diversity of Herzog’s cinematographic work but also give an
overall impression of the ideas behind the images. Aguierre,
The Wrath of God, Fitzcarraldo, Cobra Verde, Nosferatu,
and Woyzeck are considered the most important and wellknown movies in Herzog’s oeuvre. His experiences with
Kinski on set, especially during the filming of Fitzcarraldo,
took on a meaning of their own and inspired the director
decades later to make the documentary film My Best Fiend.
Working with Klaus Kinski meant total physical exhaustion
as well as absolute physical captivation. The artist’s moods
hardly took a backseat to his acting talents. The fascination
that surges unceasingly through Herzog’s films is one of
a grand transformation of sheerly unbelievable ideas and
dreams into cinematic reality. Just the thought of the logistical complexity of heaving a multi-ton steamboat onto
an overgrown South American mountain underscores the
story’s impressive images portraying the delusional opera
lover’s obsession with a cultural idea. There is something
in these images that seems to emanate unswervingly from
within and that animates us in engaging ways to contemplate whether these cinematic images truly originated in
this world or not, rather, from a whole other, completely
unknown, never-seen sphere of humanity. Though anchored
in our collective memory, they are surely some of the most
beautiful, visible phantoms captured – at least for the
duration of the film – on celluloid, moments in film history
that affect our senses and emotions.
“FITZCARRALDO 2”
NO. WHE13: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 150 CM | 32 X 59“ | NO. WHE14: LTD. ED. 100 SIGNED 100 34 X 60 CM | 13 X 24“
38
NO. WHE17: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 150 CM | 32 X 59“ | NO. WHE18: LTD. ED. 100 SIGNED 34 X 60 CM | 13 X 24“
¬ Der bedeutende Filmregisseur WERNER HERZOG –
das mag erstaunen – gehört in den USA zu den bekanntesten
und beliebtesten Deutschen. In seiner Heimat hingegen
zerfällt das Publikum in zwei Lager: In wieder Begeisterte
und immer noch Begeisterte. Es gab eine Zeit, in der die
einen den anderen nicht folgen mochten. Sie meinten,
in Werner Herzog nur den zweitbesten aller Selbstdarsteller, gleich hinter Klaus Kinski, zu erkennen.
Diese Zeit ist vorüber. Und so genießt Herzog auch in
Deutschland wieder große Zustimmung. Seine Filme
werden mit Neugier und Interesse verfolgt. Aus den
insgesamt fünf Filmen, die Herzog mit Klaus Kinski in den
70er und 80er Jahren drehte, haben wir eine Serie von 16
Filmstills ausgewählt, die nicht nur die Vielfalt des herzogschen Filmwerks zeigen, sondern auch einen Eindruck
seiner genuinen Bildideen vermitteln. „Aguirre, der Zorn
Gottes“, „Fitzcarraldo“, „Cobra Verde“, „Nosferatu“
und „Woyzeck“ zählen zu den wichtigsten und bekanntesten Spielfilmen im Oeuvre Herzogs. Die Erfahrungen
mit Kinski am Set, insbesondere dem von „Fitzcarraldo“,
besaßen ihren ganz eigenen Wert und animierten den
Regisseur Jahrzehnte später zu einem Dokumentarfilm mit
dem sprechenden Titel: „Mein liebster Feind“. Mit Klaus
Kinski zu arbeiten, das bedeute totale physische Verausgabung wie auch absolute psychische Gefangennahme.
Die Launen des Künstlers standen seiner Schauspielkunst in nichts nach. Das Faszinosum, das ungebrochen
aus Herzogs Filmen strömt, ist das einer grandiosen
Umsetzung schier unglaublicher Vorstellungen und Träume
in filmischer Realität. Allein der Gedanke an den logistischen Aufwand, das tonnenschwere Dampfschiff „Fitzcarraldos“ über einen wild bewachsenen südamerikanischen
Berg zu hieven, bewirkt ein Aufsteigen der eindrucksvollen Bilder um die Geschichte dieses wahnhaft von einer
kulturellen Idee besessenen Opernliebhabers. Es ist etwas
in und an diesen Bildern, das unentwegt und wie von
selbst aus ihnen hervorzuströmen scheint und auf einnehmende Weise darüber zum Nachdenken animiert, ob diese
Filmbilder wirklich aus dieser Welt stammen oder nicht
doch aus einer ganz anderen, noch völlig unbekannten, nie
zuvor gesehenen Sphäre des Menschlichen. Sie gehören,
obwohl fest im kollektiven Gedächtnis verankert, zu den
schönsten aller sichtbar gewordenen Phantome, die die
Filmgeschichte je auf ihren Streifzügen durch die Welt der
Sehnsüchte und Gefühle getroffen und für die Dauer einer
Spielfilmlänge auf Zelluloid gebannt hat.
3939
NO. WHE15: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 150 CM | 32 X 59 “ | NO. WHE16: LIMITED EDITION 100 SIGNED 34 X 60 CM | 13 X 24“
40
41
“NOSFERATU 1”
NO. WHE03: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 146 CM | 32 X 57“
NO. WHE04: LIMITED EDITION 100 SIGNED 34 X 59 CM | 13 X 23“
42
de Fitzcarraldo, avaient leur propre valeur et ont poussé
le metteur en scène à tourner, des décennies plus tard, un
documentaire intitulé « Mon meilleur ennemi ». Tourner
avec Kinski, cela voulait dire se dépenser physiquement et
se faire prisonnier psychiquement. Les caprices de l’artiste
étaient à la hauteur de son génie d’acteur. L’atmosphère
fascinante dans tous les films d’Herzog est due au fait qu’il
a réussi a mettre en œuvre des idées et des rêves jamais
vus auparavant. L’effort logistique qu’il a fallu pour traîner
le bateau à vapeur sur une montagne boisée sud-américaine évoque des images impressionnantes de l’histoire
de cet amateur d’opéras obsédé par l’idée culturelle. Il y a
quelque chose dans ces images qui semble émaner spontanément et de manière continue, et qui nous fait réfléchir sur
l’ambiguïté des images : proviennent-elles de ce monde ou
bien d’une autre sphère tout à fait inconnue de l’humanité ?
Bien que fortement ancrées dans la mémoire collective, elles
font partie des plus belles manifestations dans l’histoire du
cinéma, de ses balades à travers le monde des désirs et des
sentiments, qui aient été figées pendant la durée d’un long
métrage.
JAMES HIGGINSON _ NEW ARTIST
“RECOLLECTION 1” _ “RECOLLECTION 3”
NO. JHI01 / JHI05: LIMITED EDITION 100 SIGNED 100 X 75 CM | 39 X 30“
NO. JHI02 / JHI06: OPEN EDITION 50 X 37.5 CM | 20 X 15“
OBJECTS BY PORRO.
¬ Aux Etats-Unis, l’éminent metteur en scène allemand,
WERNER HERZOG, fait partie des Allemands les plus
connus et les plus appréciés. En Allemagne, par contre,
son public se divise en deux camps : ceux qui sont moins
enthousiastes et ceux qui sont toujours enthousiastes.
Il y a eu un temps où les uns ne voulaient pas suivre les
autres, parce qu’ils pensaient que Werner Herzog n’occupait
que le deuxième rang parmi ses deux représentants qui
se vendaient très bien, le meilleur étant Klaus Kinski. Ce
temps est révolu, et Herzog est à nouveau approuvé par
le grand public qui attend ses films avec impatience et
les suit avec intérêt. Des cinq films au total qu’Herzog a
tourné avec Klaus Kinski dans les années 70 et 80, nous
avons choisi une série de 16 photos de plateau qui n'illustre
pas seulement la diversité de l’œuvre cinématographique
d’Herzog, mais donne aussi une impression de ses idées
picturales. « Aguirre, la colère de Dieu », « Fitzcarraldo
», Cobra Verde », « Nosferatu, phantôme de la nuit » et
« Woyzeck » comptent parmi les films les plus importants
et les plus célèbres de l’œuvre d’Herzog. Les expériences
avec Kinski sur le plateau, notamment lors du tournage
43
ARCHITECTURE
SIGHTLINES. INSIGHTS
¬ The photographic perspective of and in the world’s
cities often affords us a new and surprising view of their
architecture. Stylistic reductionism, digital omissions,
unusual perspectives can all greatly influence the appearance
of a building or skyline. Today we are able to see what was
once invisible. Sometimes the heightened perception is so
effective that a building can become strikingly individual.
The photograph distinguishes it from the dreary everyday
routines and frees it from the burden of its dense surroundings. One complex method of seeing architecture is
revealed in MAREEN FISCHINGER’s panographs. Her
images comprise multiple single perspectives of a place or
significant building: a photographic mosaic. The process
is particularly notable because each individual photograph
is taken from the same vantage point. The resulting
composition is a technically brilliant and sensuously
enticing unfolding of a three-dimensional structure in two
dimensions. Architecture photographer H.G. ESCH follows
a contrary approach. His work is monoperspectival, the
wide-angled camera focused deep in the middle of the dense
city. The lighted buildings, which in reality stand staggered
behind one another, appear to be aligned through the
lens’s perspectival reduction of spatial depth. The buildings
unite in an enormous wall of apartments and offices. The
photographic gaze is by nature both aesthetic and critical.
Here, urban density – both horizontal and vertical – takes an
impressively sensual form. Fleeting perceptions of historical
landmarks in accelerated time – this is the starting point
for CHRISTIAN RUHM’s series Landmarks. How can you
represent a “landmark” so as to stimulate both fleeting and
intense observation? Can the duration of a perception be
represented in the image? The landmarks in Ruhm’s images
seem to be spinning around invisible anchors. Towers’
peaks look like the hands of a clock, architectural details
MAREEN FISCHINGER
“LALELI CAMII, ISTANBUL”
NO. MFI17: LTD. ED. 100 SIGNED 95 X 120 CM | 37 X 47“
NO. MFI18: LTD. ED. 100 SIGNED 56 X 70 CM | 22 X 28“
44
45
the finely accentuated minute marks. The works of Spanish
photographer ALFONSO ZUBIAGA play with perspectives that simultaneously zoom to great depths while
two-dimensionally encompassing great spaces. The images
in his New York series center around particular details from
which the city radiates out like a star. A tiny taxi driving
through the depths of a city street becomes the heart of an
exciting narrative in the dizzying urban realm.
¬ Der fotografische Blick auf und in die Städte der
Welt lässt deren Architekturen oftmals neu und überraschend erscheinen. Stilistische Reduktionen, digitale
Verwischungen, ungewöhnliche Perspektiven – all das
kann die Erscheinungsweise eines Gebäudes oder einer
Skyline stark beeinflussen. Zutage tritt mit einem Mal, was
46
vorher unsichtbar blieb. Manchmal fällt die Zuspitzung
so wirkungsvoll aus, dass sich ein Gebäude auf eindrückliche Weise individualisiert. Die Fotografie hebt es aus der
trüben Gewohnheit des Alltags und befreit es von der Last
verbauter Umgebung. Eine komplexe Form architektonischer Sichtbarkeit zeigen die Panografien von MAREEN
FISCHINGER. Ihre Bilder bestehen aus vielen miteinander
kombinierten Einzelperspektiven eines Ortes oder eines
signifikanten Gebäudes. Es sind fotografische Mosaike.
Die Besonderheit ist, dass jede Einzelperspektive von
einem einzigen Standort aus aufgenommen wurde. Die
anschließende Gesamtkomposition stellt eine technisch
brillante und sinnlich verführerische Auffaltung des dreidimensionalen Baukörpers im Zweidimensionalen dar. Genau
anders herum verfährt der Architekturfotograf H.G. ESCH.
Er blickt monoperspektivisch mit einem Objektiv großer
Brennweite mitten hinein in die Weiten der Stadt. Durch
die perspektivische Reduktion der Raumtiefe im Objektiv
wirken die beleuchteten Gebäude, die eigentlich räumlich
gestaffelt stehen, wie auf einer einzigen Linie angeordnet.
Sie werden zu einer gigantischen Wohn- und Bürowand.
Der fotografische Blick ist sowohl ästhetischer-, als auch
kritischer Natur. Die enorme urbane Verdichtung von
menschlichem Lebensraum sowohl in der Horizontalen als auch in der Senkrechten wird auf eindrückliche
Weise sinnfällig. Flüchtige Wahrnehmung von historischen
Sehenswürdigkeiten in beschleunigter Zeit – dies steht als
Beobachtung am Anfang der Bilderserie „Landmarks“ von
CHRISTIAN RUHM. Wie kann man ein Wahrzeichen
so abbilden, dass an ihm beides – ein flüchtiges und ein
intensives Hinsehen – simuliert wird? Kann die Dauer
der Wahrnehmung mit abgebildet werden? Die abgebildeten Sehenswürdigkeiten in Ruhms Bildern scheinen wie
um einen unsichtbaren Achspunkt der Wahrnehmung zu
kreisen. Turmspitzen werden zu rotierenden Stundenzeigern, architektonische Details zu feinen Minutenschatten. Einen zugleich in die Tiefe zoomenden wie sich
auch flächig ausbreitenden Blick üben die Fotografien des
Spaniers ALFONSO ZUBIAGA aus. Die Bilder der NewYork-Serie bestechen durch die perspektivische Zentrierung
eines bestimmtes Bilddetails, um das herum sich die Stadt
H.G. ESCH
“MEGACITIES I”
NO. HES54: LTD. ED. 100 SIGNED 60 X 170.5 CM | 24 X 67“
NO. HES55: LTD. ED. 100 SIGNED 30 X 85 CM | 12 X 33“
47
L’approche du photographe d’architecture H.G. ESCH
est exactement inverse. Il a une seule perspective sur
la ville, utilisant un objectif à large focale. La réduction
visuelle de la profondeur grâce à l’objectif fait apparaître
les bâtiments en réalité échelonnés, sur une seule ligne, de
sorte qu’ils deviennent un « mur » géant d’habitations et
de bureaux. L’œil du photographe est donc esthétique et
critique. Il témoigne d'une forte concentration des espaces
d’habitations humains en ville tant sur l’horizontale que
sur la verticale. Une perception éphémère de monuments
historiques dans un temps accéléré – voilà ce qui caractérise
la série de photos « Landmarks » de CHRISTIAN RUHM.
Comment représenter un monument pour attirer les
CHRISTIAN RUHM
“FERNSEHTURM, BERLIN”
NO. CRU01: LTD. ED. 100 SIGNED 100 X 67 CM | 39 X 26“
CHRISTIAN RUHM
“FLAT IRON BUILDING, NEW YORK”
als Kulisse sternförmig ausbreitet. Ein vorbeifahrendes,
winziges Taxi in der Tiefe einer Straßenschlucht wird zum
spannungsreichen Narrativ eines an sich schon schwindelerregenden Stadtraums.
impressionnante. La photographie fait qu’il se découpe du
train-train quotidien et le libère des constructions environnantes qui pèsent sur lui. Les panographies de MAREEN
FISCHINGER montrent une forme complexe de visibilité
architecturale. Ses images se composent de plusieurs
perspectives individuelles, combinées, d’un lieu ou d’un
bâtiment important. Ce sont des mosaïques photographiques. Ce qu’elles ont de particulier, c’est que chaque
perspective individuelle a été prise d’un point de vue unique.
La composition qui en découle représente un déploiement
sophistiqué du point de vue technique, sensuel et séducteur
du corps du bâtiment tridimensionnel en deux dimensions.
¬ Le regard du photographe sur et dans les villes du monde
fait que leurs architectures paraissent souvent neuves et
surprenantes. Le style réduit, le brouillage numérique, les
perspectives inhabituelles – tout peut influer sur l’aspect
d’un bâtiment ou d’une ligne d’horizon. Ce qui était
invisible se manifeste subitement. Parfois la culmination est
tellement forte qu’un bâtiment se singularise de manière
48
regards sommaires et les regards fixes ? Peut-on représenter
également la durée de la perception ? Les monuments
pris en photos par Ruhm semblent tourner autour d’une
ville-coulisses. La pointe d’une horloge devient l’aiguille
des heures, des détails architectoniques jetant l’ombre des
minutes. Le regard qui zoom en profondeur et balaie les
surfaces est caractéristique des photographies de l’Espagnol
ALFONSO ZUBIAGA. Les photos de sa série de New
York convainquent par la concentration sur certains détails
picturaux, autour desquels la ville s’étend et rayonne comme
une étoile. Un taxi minuscule qui passe tout au fond d’une
rue devient porteur d’une narration captivante d’un espace
urbain déjà vertigineux.
ALFONSO ZUBIAGA
“CENTRAL PARK 8 A.M., NY”
NO. AZU01: LTD. ED. 100 SIGNED 90 X 120 CM | 35 X 47“ | NO. AZU02: LTD. ED. 100 SIGNED 60 X 80 CM | 24 X 32“
49
SVEN VOELKER & KAY MICHALAK _ NEW ARTIST
¬ Ein Formel-1-Rennen mit lauter weißen Boliden? Wären
nicht alle Wagen gleich schnell? SVEN VOELKER UND
KAY MICHALAK zeigen, welche Wirkung das Farbdesign
von Rennwagen auf die Wahrnehmung von Geschwindigkeit hat. „War Painting“ wurde die entfesselte Bemalung
der Rennautos in den 70er Jahren genannt. Streifen, Farben,
50
Muster, Embleme signalisierten Tempo, Mut und Stärke. Zur
Freude einer fotografischen Gegenüberstellung heute!
¬ Une course de formule 1 avec des bolides tous blancs ? Les
voitures n’iraient-elles pas toutes à la même vitesse ? SVEN
VŒLKER ET KAY MICHALAK montrent l’impact des
concepts chromatiques sur la perception de la vitesse. On a
nommé « War Painting » les peintures déchaînées des voitures
de course dans les années 70. Rayures, couleurs, dessins,
emblèmes signifient vitesse, courage et puissance. Et l’on se
réjouit de la comparaison avec les photos d’aujourd’hui !
“PORSCHE 908/3 1970”
NO. SVO01: LTD. ED. 100 SGD. 2 MAL 80 X 53.3 CM | 2 PART 32 X 21“
NO. SVO02: LTD. ED. 100 SGD. 2 MAL 40 X 26.6 CM | 2 PART 16 X 10“
“SAN FRANCISCO, GRANT ST. #1”
NO. LYU143: LTD. ED. 100 SIGNED 36.4 X 180 CM | 14 X 71“
NO. LYU144: LTD. ED. 150 SIGNED 20.2 X 100 CM | 8 X 39“
OBJECTS BY PORRO.
¬ A Formula 1 race of only white cars? Wouldn’t they all
be equally fast? SVEN VOELKER AND KAY MICHALAK
reveal what effect the racecars’ color design can have on our
perception of their speed. “War paint” was the nomenclature
for the wild racecar painting of the 1970s. Stripes, colors,
patterns, and emblems then symbolized speed, courage,
and power, and today they make for exciting photographic
comparisons.
LARRY YUST _ NEW WORKS
51
PORTFOLIO _ NEW WORKS
¬ SABINE WILD hat sich der Expo-Metropole Shanghai
genähert und ist ihrem Bildstil treu geblieben. Wird die
Stadt einmal von einer verschwenderischen Fülle roter
Kirschblüten heimgesucht, so erscheint sie auf anderen
Bildern wie von einem grausilbrigen Firnis überzogen. Das
fein ausdifferenzierte Flirren und optische Vibrieren des
urbanen Bildraums, wird begleitet von kräftigen, flächigen
Materialzonen am Boden und hellen, überstrahlten Spitzen
in der Höhe. In dieser nuancierten Dualität der Farbflächen
kommt das alte und neue Shanghai kongenial zum
Ausdruck. DAVID BURDENY hat einen Blick eingeübt,
der heutzutage selten ist. Er nähert sich Dubai, Venedig
und einer grönländischen Siedlung wie ein Seefahrer vom
Meer aus. Die Stadtsilhouetten erscheinen als schmaler
Streifen in der Bildmitte. Wasser und Himmel, die bewusst
nicht durchgezeichnet sind, bilden ein natürliches Passepartout. Auf den ersten Blick wirken alle Orte gleich.
Auf den zweiten Blick lädt die Serie zum intensiven
Vergleichen ein.
¬ SABINE WILD s’est approchée de la métropole de
l’exposition mondiale, Shanghai, et est restée fidèle à son
style photographique. Alors que la ville semble envahie, sur
certaines photos, par une pléthore de fleurs de cerisiers,
d’autres la montrent comme revêtue d’un vernis grisargenté. Le bourdonnement fin, les vibrations visuelles de
l’espace pictural urbain sont accompagnés par de puissantes
surfaces matérielles se dessinant sur le sol et brillant dans les
hauteurs claires du ciel. Cette dualité nuancée des champs
de couleur exprime brillamment l’ancien et le nouveau
Shanghai. DAVID BURDENY s’est approprié un regard
qui est devenu rare aujourd’hui. Il s’approche de Dubaï,
de Venise et d’une agglomération du Grœnland comme
les marins : par la mer. Les silhouettes des villes forment
une bande mince au centre de la photo. La mer et le ciel
qui ne traversent pas toute la surface, forment comme un
passe-partout naturel. A première vue, tous les lieux se
ressemblent. A voir de plus près, la série vous invite à la
comparaison.
DAVID BURDENY
“MACON, LOIRE VALLEY, FRANCE”
NO. DBU27: LIMITED EDITION 100 SIGNED 100 X 125 CM | 39 X 49“ | NO. DBU28: LIMITED EDITION 150 SIGNED 48 X 60 CM | 19 X 24“
¬ SABINE WILD got to know the World Expo in Shanghai –
all while remaining loyal to her own visual style. While in some
images the city seems to be overwhelmed by a cape of red
cherry blossoms, in others it seems to be blanketed in a silvery
gray varnish. The finely differentiated shimmers and visual
vibrations of the urban space are accompanied by powerful,
two-dimensional surfaces on the ground and bright, shining
pinnacles in the sky. New and old Shanghai find ingenious
52
expression in the nuanced duality of tonal surfaces. The
perspective DAVID BURDENY has assumed is uncommon
today. He approaches cities such as Dubai and Venice or settlements in Greenland like a sailor from the sea. The cities’ silhouettes appear only as narrow bands that traverse the middle
of the images. Water and sky, intentionally without detail,
create a natural passe-partout. At first glance, all of the cities
look the same; but a closer look invites intense comparison.
SABINE WILD
“SHANGHAI PROJECTIONS IV”
NO. SWI103: LIMITED EDITION 100 SIGNED 80 X 180 CM | 32 X 71“ | NO. SWI104: LIMITED EDITION 100 SIGNED 40 X 90 CM | 16 X 35“
53
PORTFOLIO _ ANIMALS
ALEXANDER VON REISWITZ (ABOVE)
“BONNIE” / “BORANI”
NO. ARE23/26: LTD. ED. 100 SIGNED 120 X 120 CM | 47 X 47“
NO. ARE21/24: LTD. ED. 100 SIGNED 40 X 40 CM | 16 X 16“
FRANK STÖCKEL (OTHER SIDE / BELOW)
“PRIDE OF DEER #2”
NO. FST17: LTD. ED. 150 SIGNED 60 X 154 CM | 24 X 61“
NO. FST18: LTD. ED. 150 SIGNED 30 X 77 CM | 12 X 30“
MICHAEL POLIZA (BELOW / LEFT / THIS SIDE)
“CROCODILES ON LAKE CHAMO, ETHIOPIA”
NO. MPO43: LTD. ED. 150 SIGNED 98 X 147 CM | 39 X 58“
MICHAEL POLIZA (BELOW / RIGHT / THIS SIDE)
“GEMSBOK HERD, NORTHERN SKELETON COAST, NAMIBIA”
TARIQ DAJANI (OTHER SIDE / LEFT / ABOVE )
“SAKER HUNTING FALCON I”
NO. TDJ01: LTD. ED. 100 SIGNED 120 X 85 CM | 47 X 33“
TARIQ DAJANI (OTHER SIDE/RIGHT / ABOVE )
“ARABIAN RACING STALLION”
54
55
PORTFOLIO _ PORTRAITS
MICHEL COMTE (ABOVE / LEFT SIDE)
“PENÉLOPE CRUZ”
NO. MCO41: LTD. ED. 150 SIGNED 80 X 100 | 32 X 39“
NO. MCO42: LTD. ED. 150 SIGNED 50 X 62.5 CM | 20 X 25“
DAVID HAMILTON (ABOVE / RIGHT SIDE)
“RÊVES DE JEUNES FILLES”
NO. DHA03: LTD. ED. 100 SIGNED 150 X 100 CM | 59 X 39“
NO. DHA04: LTD. ED. 100 SIGNED 94 X 64 CM | 37 X 25“
BILLY & HELLS (BELOW)
“SOPHIE-CHRISTIN”
NO. BHE41: LTD. ED. 100 SIGNED 100 X 75 CM | 39 X 30“
NO. BHE42: OPEN EDITION 50 X 37.5 CM | 20 X 15“
RALPH UELTZHOEFFER (OTHER SIDE / ABOVE)
“KATE SAMPLE”
NO. RUE35: LTD. ED. 100 SGN. 5 MAL 60 X 43 CM | 5 PART 24 X 17“
NO. RUE36: LTD. ED. 100 SGN. 5 MAL 30 X 21.5 CM | 5 PART 12 X 9“
JACQUES OLIVAR (OTHER SIDE / BELOW)
“AUTUMN PROMENADE”
NO. JOL16: LTD. ED. 150 SIGNED 80 X 99.6 CM | 32 X 39“
56
57
PORTFOLIO _ LAST PRINTS
¬ Exclusive LUMAS editions enrich not only the eye. Original,
signed art editions are also lucrative investments. Particularly
when you decide to purchase one of the last works in a limited
edition. Numerous sold-out LUMAS artworks have already
greatly increased in value at auction. To us, that seems like
reason enough always to present a few particularly popular
“last prints” here. You can find all last prints pieces online.
¬ LUMAS Editionen bereichern nicht nur das Auge. Kunst
Editionen können durchaus eine lukrative Wertanlage darstellen.
Insbesondere dann, wenn man sich für eines der letzten Werke
einer limitierten Edition entscheidet. So erzielten bereits etliche
LUMAS Werke nach Editionsschluss bei Auktionen enorme
Wertsteigerungen. Grund genug, Ihnen immer an dieser Stelle
einige der besonders nachgefragten Letzten Exemplare vorzustellen. Alle Werke dieser Rubrik finden Sie selbstverständlich
auch im Internet.
¬ Les éditions de LUMAS ne sont pas seulement un plaisir
pour les yeux. Les éditions d’art sont aussi de bons placements
lucratifs. Notamment lorsqu’on se décide pour l’un des derniers
exemplaires d’une édition limitée. Un certain nombre d’œuvres
LUMAS issues d’éditions épuisées ont déjà bénéficié d’une
énorme augmentation de valeur lors de ventes aux enchères.
Raison suffisante pour vous présenter ici quelques uns de nos
derniers exemplaires particulièrement demandés. Vous retrouverez également sur internet l’intégralité des œuvres de cette
rubrique.
MICHEL COMTE
“RIZZOLI NUDES”
NO. MCO01: LTD. ED. 150 SIGNED 80 X 100 CM | 32 X 39“
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WOLFGANG UHLIG
“SEA #1”
NO. WUH01: LTD. ED. 100 SIGNED 123.2 X 178 CM | 49 X 70“
DAVID BURDENY
“PACIFIC OCEAN, MENDOCINO, CA, USA”
NO. DBU18: LTD. ED. 150 SIGNED 60 X 60 CM | 24 X 24“
PENELOPE DAVIS
“SPINE (YELLOW/RED/GREEN)”
NO. PDA09: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 60 CM | 32 X 24“
BERNHARD EDMAIER
“ALLIGATOR RIVER”
NO. BED03: LTD. ED. 100 SIGNED 100 X 100 CM | 39 X 39“
RAFAEL NEFF
“ALB13”
NO. RNE81: LTD. ED. 150 SIGNED 80 X 102.4 CM | 32 X 40“
WOLFGANG JOOP
“BLACK MEN´S FASHION - BACK FROM N.Y.”
NO. WJO29: LTD. ED. 100 SIGNED 140 X 100 CM | 55 X 39“
59
PORTFOLIO _ LAST PRINTS
REINHARD GÖRNER (ABOVE / LEFT SIDE)
“ALTE NATIONALGALERIE”
NO. RGO04: LTD. ED. 100 SIGNED 100 X 150 CM | 39 X 59“
KAI STUHT (ABOVE / RIGHT SIDE)
“FROM HAUNTED CASTLE”
NO. KSU16: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 120 CM | 32 X 47“
H.G. ESCH (MIDDLE / LEFT SIDE )
“HONG KONG 06”
NO. HES09: LTD. ED. 100 SIGNED 80 X 100 CM | 32 X 39“
GERO GRIES (MIDDLE / RIGHT SIDE )
“ALFARALFA”
NO. GGR19: LTD. ED. 75 SIGNED 120 X 180 CM | 47 X 71“
HIEPLER & BRUNIER (BELOW)
“BIG TANK III”
NO. HBR32: LTD. ED. 150 SIGNED 58 X 77 CM | 23 X 30“
JOERG MAXZIN (OTHER SIDE / ABOVE)
“CROSSING VI”
NO. JMA28: LTD. ED. 100 SIGNED 45 X 90 CM | 18 X 35“
CHRISTOPHER PILLITZ (OTHER SIDE / BELOW)
“THE SPIRIT OF TANGO III, BUENOS AIRES”
NO. CPI20: LTD. ED. 100 SIGNED 55 X 85 CM | 22 X 34“
60
61
LUMAS MINIS
The LUMAS Minis series offers you works of art in a small
and attractive format. Collect any number of LUMAS
motifs in miniature format or even decorate an entire wall
with your own individual combinations. LUMAS Minis also
make perfect gifts.
THE BEST-SELLING WORKS BY 17 ARTISTS IN SMALL FORMATS
VIEW THEM ALL AT WWW.LUMAS.INFO
DIE BESTSELLER VON 17 KÜNSTLERN IM KLEINEN FORMAT
EINE ÜBERSICHT FINDEN SIE AUF WWW.LUMAS.INFO
LE BEST-SELLER DE 17 ARTISTES DE LUMAS EN PETIT FORMAT
LE SITE WEB WWW.LUMAS.INFO VOUS DONNE PLUS DE VUE D’ENSEMBLE
Mit den LUMAS Minis bietet LUMAS kleine, attraktive
Bildformate an – fertig gerahmt oder kaschiert. Sie können
beliebte LUMAS Motive im Miniaturformat sammeln
und sogar ganze Wände mit individuellen Kombinationen
gestalten. LUMAS Minis eignen sich auch als besonderes
Geschenk.
SABINE WILD (TOP)
“VERTIKALE XII | VERTIKALE VII”
NO. SWI504 | SWI505: SMALL OPEN EDITION 23.8 X 23.8 CM | 9.1 X 9.1“
DAVID BURDENY (TOP)
“DRIFT TRIPTYCH II”
NO. DBU601: SMALL OPEN EDITION 3 x 15 X 15 | 5.9 X 5.9“
WOLFGANG JOOP (MIDDLE)
“BLACK BEAUTY - RED DRESS”
NO. WJO500: SMALL OPEN EDITION 23 X 18.2 CM | 9 X 7.1“
MICHAEL WISSING (BELOW)
“AURUM VI | AURUM II”
NO. MWS505 | MWS501: SMALL OPEN EDITION 16 X 12 CM | 6.3 X 4.7“
PENELOPE DAVIS (BELOW)
“CATALOGUE”
NO. PDA503: SMALL OPEN EDITION 8 X 21 CM | 3.1 X 8.2“
62
OBJECTS BY PORRO.
Avec les LUMAS Minis, nous proposons d’attractifs petits
formats d’image, encadrés ou bien contrecollés. Vous
pouvez ainsi collectionner les motifs très prisés de chez
LUMAS en format réduit et décorer des murs entiers par
vos propres agencements. Les Minis de chez LUMAS font
aussi de parfaits cadeaux.
63
MOUNTING & FRAMING
Our frames are made of solid German and Canadian wood or
of aluminum. All frames are constructed down to the exact
millimeter in our workshop, then professionally assembled in a
dust-free environment.
PASSE-PARTOUT FRAME
SHADOW GAP FRAME
Solid wood frame, 21 mm width (aluminum, 13 mm).
Passe-partout: museum-quality Hahnemühle matting paper; offwhite, pH-neutral, PAT-tested, extremely light-resistant, beveled
inner edge.
The photograph is mounted on a 3 mm mounting board under
UV-protective film, then placed in a 14 mm-wide solid wood
frame with an additional 7 mm shadow gap between frame and
image.
LUMAS editions are printed at WhiteWall’s professional photo
lab on Fujicolor’s Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type
DP II (guaranteed for 75 years) with a Lambda exposure system
and then developed using traditional photochemical processes. The works are custom framed or mounted: mountings at
WhiteWall are finished by hand to assure museum quality. This
form’s edgeless simplicity suits any environment, and thanks to
the mounting system, images seem to float only centimeters
from the wall. Our solid wood frames are custom made for
every piece – down to the exact centimeter – in the WhiteWall
workshop.
LUMAS Editionen werden im Fachlabor WhiteWall mit einem
Lambda-Belichter auf das beste Galerie-Papier von Fujicolor,
das Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II (75 Jahre haltbar), belichtet und traditionell fotochemisch entwickelt.
Die Werke werden sodann auf Wunsch gerahmt oder kaschiert:
64
Kaschierungen werden bei WhiteWall in Handarbeit auf Museumsniveau gefertigt. In ihrer randlosen Schlichtheit fügen sie
sich perfekt in jedes Umfeld ein. Durch die Aufhänger scheinen
sie wenige Zentimeter vor der Wand anmutig zu schweben.
Rahmen Massivholz, 21 mm breites Profil (Aluminium 13 mm).
Passepartout: Museumskarton von Hahnemühle, altweiß, pHneutral, da PAT-getestet, extrem lichtbeständig, mit Schrägschnitt an das Motiv angesetzt.
Die Fotografie ist auf eine 3 mm starke Trägerplatte und unter einer UV-Schutzfolie kaschiert. Dann wird sie mit einer sichtbaren,
7 mm breiten Schattenfuge in einen 14 mm breiten Massivholzrahmen eingesetzt.
Dans le laboratoire professionnel WhiteWall, les éditions
LUMAS sont tirées sur le meilleur papier de Fujicolor, le Fujifilm
Crystal Archive Digital Paper Type DP II (dont la durée de
vie est de 75 ans). Le papier est exposé et traditionnellement
développé chimiquement. Les œuvres sont ensuite encadrées ou
contrecollées au choix : les contrecollages sont réalisés artisanalement par WhiteWall, pour une qualité digne des plus grands
musées. Ce style épuré sans rebord s’intègre parfaitement dans
chaque environnement. Par le biais du système d’accrochage, les
œuvres sont à quelques centimètres du mur et semblent ainsi
planer sur celui-ci. Le laboratoire WhiteWall confectionne sur
mesure pour chacune des œuvres un cadre en bois massif.
Cadre en bois massif, 21 mm de profondeur (cadre aluminium
: 13 mm). Passe-partout: carton qualité muséale de la société
Hahnemühle, blanc cassé, pH-neutre, extrême résistance à la
lumière, coupe biseautée.
La photographie est contrecollée sur une plaque rigide de 3 mm
et protégée par un film anti-UV. Elle est ensuite intégrée dans un
cadre de bois massif construit sur mesure. La bordure du cadre
mesure 14 mm. L’espace ajouré entre la bordure du cadre et la
photographie mesure 7 mm.
LUMABOND
Mounting on aluminum under UV
protective foil
LUMASEC
Mounting on aluminum plate under
acrylic glass
Kaschierung auf Aluminium-Platte unter
UV-Schutzfolie
Kaschierung auf Aluminium-Platte
unter Acrylglas mit dauerelastischem Silikon
Montée sur une plaque d‘aluminium et
recouverte d‘un voile protecteur UV
Montée sur une plaque d‘aluminium et
recouverte de verre acrylique
OLIVER KRÖNING & DENNIS OREL
OBJECTS BY MORE.
Unsere Rahmen werden aus deutschem und kanadischem
Massivholz oder aus Aluminium gefertigt. Alle Rahmen werden
in unseren Werkstätten auf den Millimeter genau für das von
Nos cadres sont en bois massif canadien et allemand ou bien en
aluminium. Tous nos cadres sont préparés dans nos ateliers, sur
mesure, au millimètre près et en fonction de l’œuvre que vous avez
choisie. L’encadrement est assuré par des spécialistes et garanti
sans poussière.
PEP VENTOSA
Our photo lab partner: WhiteWall.com
Ihnen gewählte Kunstwerk gefertigt, gefolgt von der fachmännischen und staubfreien Einrahmung.
Our photo lab partner: WhiteWall.com
65
ABOUT LUMAS EDITIONS
LUMAS was established in 2004 by art collectors in Berlin. Today
in 14 galleries around the world, as well as on the website
www.lumas.info, LUMAS offers hand-signed original artwork
by over 160 international artists, primarily in editions of 75 to
150. These limited editions are higher in number than those of
traditional galleries, which enables LUMAS to offer more affordable prices ranging from $170 to $1100. LUMAS editions are
traditional photo prints on Fujifilm Crystal Archive Digital Paper
Type DP II with a 75-year guarantee. WhiteWall, the renowned
professional photo lab for fine art
photography, exclusively produces
all LUMAS editions and provides
mounting or framing according to
the artists’ wishes. The five- and
six-figure works sold by traditional galleries often see the largest
increases in value on the art market;
however, as a number of specialized auctions have shown, larger
editions such as those sold at LUMAS hold great potential as well
– especially considering the original relatively small investment.
LUMAS is dedicated to its limited edition policy: once a motif has
sold out, no amount of demand will reopen the edition. Sometimes
a work’s value may increase only slightly, but sometimes five or
ten fold. The best advice remains to purchase a piece of art not
as a calculated investment but rather for the joy and love of the
work itself.
LUMAS wurde im Jahr 2004 von Kunstsammlern in Berlin
gegründet. In heute 14 Galerien weltweit und auf der Website
www.lumas.info bietet LUMAS in Zusammenarbeit mit mittlerweile über 160 internationalen Künstlern handsignierte Originalarbeiten von meist 75 bis 150 Exemplaren. Diese streng limitierten
Auflagen sind höher als die Auflagen der klassischen Galerien und
ermöglichen so im Gegenzug günstigere Preise – meist zwischen
½120 und ½800. LUMAS Editionen sind klassische Fotoabzüge
auf Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II, das
75 Jahre haltbar ist. WhiteWall,
das renommierte Fachlabor für
künstlerische Fotografie, fertigt
exklusiv alle LUMAS Editionen
an und kaschiert oder rahmt sie
nach den Vorgaben der Künstler.
Die größte Wertsteigerung am
Kunstmarkt versprechen Spitzenangebote von Galerien mit fünf- oder sechsstelligen Kaufpreisen.
Aber auch Editionen mit höheren Auflagen haben, wie hierauf
spezialisierte Auktionen zeigen, überraschendes Potenzial –
gerade gemessen am geringen „Einsatz“. Einmal ausverkauft,
steht der regen Nachfrage kein Angebot gegenüber. Der Preis
steigt manchmal nur geringfügig, zuweilen aber auch um das
Fünf- bis Zehnfache. Am besten ist aber derjenige beraten, der
ein Kunstwerk auch ohne diese Überlegung besitzen möchte:
aus Freude und Liebe zum Werk.
“To collect photographs
is to collect the world.”
Susan Sontag
En 2004, LUMAS a été fondé par des collectionneurs d’art à
Berlin. A travers 14 galeries dans le monde entier et sur son site
web www.lumas.info, LUMAS offre aujourd’hui, en coopération
avec plus de 160 artistes internationaux, des travaux originaux et
signés avec un nombre de tirages limités entre 75 à 150 exemplaires. Ces éditions restreintes dépassent, par leur nombre, les
éditions des galeries classiques. Par conséquent, elles sont moins
chères et coûtent en moyenne entre ½120 et ½800. Les éditions
LUMAS sont des reproductions classiques sur du papier photographique Fujifilm crystal Archive Digital Paper Type DP II dont
la durée de vie est de plus de 75 ans. Toutes les éditions LUMAS
sont produites par WhiteWall, laboratoire technique renommé
pour la photographie artistique. Les experts de WhiteWall
font aussi la finition et encadrent les éditions selon la volonté
des artistes. Sur le marché de l’art, ce sont les propositions des
galeries à un prix d’achat qui comportent cinq ou six chiffres qui
promettent la plus grande augmentation de la valeur. Comme le
montrent les ventes aux enchères spécialisées, les éditions à un
plus grand nombre d’exemplaires ont, elles aussi, un potentiel
surprenant, mesuré par rapport au prix d’achat. Une fois que
tous les tirages ont été vendus, aucune production supplémentaire n’est possible. Parfois, le prix augmente peu, parfois, il est
multiplé par cinq et même par dix. Celui qui ne veut posséder une
œuvre d’art qu’à cause de son enthousiasme pour le travail particulier et sans arrière-pensée financière, se retrouve, après tout,
dans la meilleure position.
66
Artist
Page
Artist
Page
P. Adams
14-15
J. Maxzin
61
M. Baas
29
R. Neff
59
D. Bae
34
J. Olivar
57
Billy & Hells
56
C. Pillitz
61
D. Burdeny
52/58
M. Poliza
54
J. Chritchley
28
E. Recife
24
B. Cole
32
A. von Reiswitz
54
M. Comte
56/58
F. Reitz
25
T. Dajani
55
A. Ross
13
P. Davis
59/62
C. Ruhm
48
B. Edmaier
58
P. Schumacher
37
E. Erlikh
23
J. v. Staudach
19
H.G. Esch
46-47
F. Stöckel
55
M. Fischinger
44-45
K. Stuht
60
O. Föllmi
12
M. Thun
26-27
K. D. Francke
20-21
R. Ueltzhoeffer
57
G. Fritzmaurice
36
W. Uhlig
59
R. Görner
60
F. Urlaub
18
G. Gries
60
S. Voelker &
O. Hajek
24
K. Michalak
50
D. Hamilton
56
R. Vadim
36
R. Hargarten
10/11
S. Wild
53/62
W. Herzog
38/42
M. Wissing
62
Hiepler & Brunier
60
C. Wolf
33
J. Higginson
43
W. Wyler
17
E. Isaza
30-31
L. Yust
51
W. Joop
59/62
H. & D. Zielske
15
R. Lebeck
4-9
A. Zubiaga
49
J. Lipscher
16
R. Mamoulian
33
Author:
P. Mathis
13
Stephan Reisner
67
LUMAS GALLERIES
Created by art collectors, brought to life by 160 renowned artists
and promising talents from major academies, LUMAS is passionate
about offering you original, inspiring art in affordable editions.
LUMAS Berlin
Hackesche Höfe – Mitte
030 – 28 04 03 73
LUMAS Berlin
Fasanenstraße 73 – Nähe Ku´damm
030 – 88 62 76 01
LUMAS Düsseldorf
Grünstraße 8
0211 – 82 82 622
LUMAS Frankfurt
Kaiserstraße 13
069 – 90 02 85 40
LUMAS Hamburg
ABC-Straße 51
040 – 38 90 48 60
LUMAS Köln
Mittelstraße 15
0221 – 31 06 871
LUMAS München
Brienner Straße 3
089 – 25 54 88 30
LUMAS Stuttgart
Königstraße 26 – Königsbau Passagen
0711 – 229 61 51
LUMAS London – NEW
50 Conduit Street
207 – 4344 43 1
LUMAS Paris
40 Rue de Seine, 6e
01 – 43 29 10 29
LUMAS Wien – NEW
Praterstraße 1 – Stilwerk (opening Dec. 4)
LUMAS Zürich
Marktgasse 9 – (Niederdorf)
043 – 268 03 30
LUMAS New York
77 Wooster Street – SoHo
212 – 219 9497
LUMAS New Jersey
The Mall at Short Hills
973 – 376 3210
LUMAS Key Accounts
Please contact our Art Consultants for major projects and
corporate collections.
LUMAS ONLINE
All artists, works, and details are available on our website
www.lumas.info, where you can easily place orders online – simply
select the photograph of your choice and even its framing or
mounting. We will send your order in our Art Security Packaging
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