catalogo PDF - kanalidarte

Transcription

italian
ZERO
/cross
reference
italica ars ab ovo incipit
“A me, tutte le riduzioni a zero mi interessano
e mi rallegrano per vedere cosa ci sarà dopo lo zero,
cioè come riprenderà il discorso.”
Italo Calvino
“Corrispondenza con Angelo Guglielmi
1
a proposito della ‘Sfida al labirinto’, 1963
Introduction
4
(en/it/de)
Italian Zero_Cross reference italica ars ab ovo incipit_invicem spectantes
8
(en/it/de)
What paper can do: or How to read Azimut (Group) through Azimuth (magazine)
28
(en/it/de)
The Meanings of Movement in the Work of Zero, Gruppo T, and Gruppo N
58
(en/it/de)
Zero/Projected monochrome
84
(en/it/de)
Works_Opere_Kunstwerke
109
(it)
New Tendencies... New materials
198
(en/it/de)
Interview with Anna Canali_Artestruktura
216
(en/it)
Timeline
(it)
236
Introduction
Introduzione
4
Einführung
_
object of art as the seat of and vehicle for aesthetic value.
this catalog, which is such an intense synthesis of the work
With Italian Zero/Cross reference we have tried to frame and
Therefore Azimut (Manzoni, Castellani, Bonalumi), Gruppo T
I carried out in the past few years, to be a homage to her immense
photograph a historic/artistic moment of great relevance in the
(Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) and Gruppo N
work, especially to a great passion and love for art.
history of contemporary art of the last century. We don’t want to
from Padua (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi) are included.
So close to most of the artists in the exhibit, she was a true
presume to be exhaustive in any case, since there there are too
It is an indisputable scenario of the intellectual reflections and
witness to a moment of creativity which even today is unique,
many artists who should be spoken about.
artistic bouts in the old Brera, where there still lingers a whiff
consisting of sensitive and rich relationships.
Spanning from the end of the 50s to the beginning of the 60s,
of a world made of encounters, escapes, research, sketches and
I have been fortunate to be able to be an attentive listener to
the new phenomenon of the group union (whose working
projects, not less than of a clear ideological commitment.
unusual anecdotes which are able to enrich and make more
procedure has as its basic goal critical control and verification
CROSS REFERENCE
personal, closer and tangible, a photograph which otherwise
during the course of an aesthetic operation, thus eliminating any
And here we find, alongside the research projects of the unions
would only remain black and white.
margin of discretion from programmed methodological choices,
of groups active mostly in the area of Milan and surroundings,
while keeping the research and experimentation themselves
that we witness the unstoppable spread of a creativity which
_
individualized) involved many European countries from its
finds true expressive concreteness on multiple fronts.
Con Italian Zero/Cross reference si è cercato di inquadrare,
inception (Zero Group in Germany, Motus then Grav in France,
It is a phenomenon which would make Italy synonymous with the
fotografare un momento storico/artistico di assoluta rilevanza
Nul in Holland, Equipo 65 in Spain...).
artistic excellence which today is internationally recognized.
nella storia dell’arte contemporanea del secolo scorso.
Alongside them, many artists share their sentiment, the founding
Some of the characters who contributed actively to shape the
Non si vogliono tuttavia avanzare pretese di esaustività, troppi
impetus, the substrate, even while not being married to the
greatness are thus on display.
essendo gli artisti di cui si dovrebbe parlare.
programmatic declarations.
Getulio Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino, Francesco Lo Savio,
A cavallo tra la fine degli anni ‘50 e gli inizi dei ‘60 il fenomeno
On the one hand, therefore, the programmed visual research
Scaccabarozzi, Turi Simeti, Nanda Vigo.
nuovo della compagine di gruppo (la cui prassi operativa ha lo
projects which move from the hypothesis that the aesthetic fact
Fontana and Munari also, as absolute points of reference for the
scopo essenzialmente di controllo e verifica critica nel corso
does not exist in itself, as a value stably connected with specific
development of one or another direction of research.
dell’operazione estetica cosi da eliminare, attraverso accordi
objects, art objects, but starts to exist with the image which is
Accompanying the reading of the works are the historical/
collegiali, ogni margine di arbitrio da scelte metodologiche
formed in the subject which receives, through perception, certain
critical texts of Melania Gazzotti and Marina Isgrò, respectively
programmate, pur rimanendo la ricerca e la sperimentazione di
visual and psychological stimuli.
associated with the Guggenheim in Venice and New York, the
per sè individuali), interesserà, sin dal suo nascere, gran parte
On the other hand, and more generally, is an art of renewal, of
brilliant text of Riccardo Venturi (critic and art historian who
dei Paesi europei (gruppo Zero tedesco, Motus poi Grav francese,
resetting to zero with regard to a past which is too recent and
works at the Institut national d’histoire de l’art in Paris) on the
Nul in Olanda, Equipo 65 in Spagna...).
humiliating for the being of man.
contrary effects created by a resetting to zero which perhaps
Accanto ad essi molti artisti ne condividono il sentimento,
It is a clean slate which renounces communicating,
was not so effective, and a very curious close examination on
la spinta fondativa, il sustrato, pur non sposandone le
recommending, imposing values from the start, a democratic
monochrome and cinema.
dichiarazioni programmatiche.
and lay art which is immune from external pressures.
There is also another analysis of restoration techniques regarding
Da un lato quindi le ricerche visive programmate che muovono
ITALICA ARS AB OVO INCIPIT
the use of new materials.
dal postulato che il fatto estetico non esiste in sè come valore
At the end of the catalog, but not least in importance, “those
stabilmente connesso con determinati oggetti, gli oggetti
On display, therefore, on the one hand, are the players in 3 of
magnificent sixties”, notes by my aunt Anna Canali, historic
d’arte, ma comincia ad esistere con l’immagine che si forma nel
those groups who, starting at the end of the fifties, have known
founder and director of the Arte Struktura gallery focused
soggetto che riceve, attraverso la percezione, certi stimoli visivi e
how to translate the common feeling of a new thought into
on constructivist and cinevisualist trends.
psicologici. Dall’altro e, più in generale, un’arte del rinnovamento,
extreme innovation, an art breaking with the past, an abandonment
Active in Milan beginning in the early ‘70s and a devoted constant
dell’azzeramento rispetto ad un passato troppo vicino e umiliante
of traditional artistic techniques, through the elimination of the
presence in the Brera of artists starting in the ‘60s, we wanted
per l’essere uomo. Una tabula rasa, che rinuncia in partenza
5
Afra Canali
a comunicare, raccomandare, imporre valori.
di nuovi materiali. In chiusura di catalogo, ma non per importanza,
programmatischen Erklärungen nicht zu Eigen machen.
künstlerischen Exzellenz macht.
Un’arte democratica e laica immune da pressioni esterne.
“Quei magnifici anni 60”, appunti di mia zia Anna Canali, storica
Auf der einen Seite also die geplanten visuellen Suchen, die
Präsentiert werden daher einige dieser Persönlichkeiten,
ARS AB OVO INCIPIT
fondatrice e direttrice della galleria di tendenza a stampo
von der Prämisse ausgehen, dass das ästhetische Ereignis in
die aktiv zur Gestaltung dieser Größe beigetragen haben.
costruttivista e cinevisualista Arte Struktura.
sich nicht als permanent mit einem bestimmten Objekt – den
Marina Apollonio, Alviani, Nanda Vigo, Turi Simeti, Dadamaino,
In mostra quindi, da un lato, gli operatori di tre di quei gruppi
Attiva a Milano sin dai primi anni ‘70, ma assidua frequentarice
Kunstobjekten – verbunden existiert, sondern mit dem Bild
Scaccabarozzi, Francesco Lo Savio.
che dalla fine degli anni’ 50 hanno saputo tradurre in estrema
della Brera degli artisti sin dal decennio precedente, abbiamo
entstehen, das sich im Gegenstand herausbildet, der durch den
Außerdem Fontana und Munari als vollkommene Referenzen
innovazione il sentire comune di un pensiero nuovo, di un’arte
voluto che questo catalogo, tanto impegnativo ed al contempo
Bezug bestimmte visuelle und psychologische Reize aufnimmt.
für die Entwicklung der einen bzw. anderen Suche.
di rottura rispetto al passato, di un abbandono delle tecniche
sintesi del lavoro da me svolto negli ultimi anni, fosse innanzitutto
Auf der andere Seite und allgemeiner eine Kunst der Erneuerung,
Zur Unterstützung der Interpretationen der Werke dienen
artistiche tradizionali, attraverso l’eleminazione dell’oggetto
un omaggio al suo immenso lavoro, ma soprattutto ad una grande
der Nullstellung in Bezug auf eine für das Menschsein zu nahe
historische/kritische Texte von Melania Gazzotti und Marina
d’arte come sede e veicolo del valore estetico.
passione ed amore per l’arte.
liegende und demütigende Vergangenheit.
Isgro’, jeweils in Verbindung mit dem Guggenheim in Venedig
E quindi Azimut (Manzoni , Castellani, Bonalumi), Gruppo T
Lei, così vicina a gran parte degli artisti presenti in mostra, è reale
Eine Tabula rasa, die vom Start weg darauf verzichtet, Werte
bzw. in New York; der brillante Text von Riccardo Venturi
(Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) e il Gruppo N
testimone di un momento dalla creatività a tutt’oggi irripetibile,
zu verdeutlichen, nahezulegen oder aufzudrängen. Eine
(Kunstkritiker und -historiker am Institut national d’histoire de
padovano (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi).
fatto di sensibili e ricche relazioni.
demokratische und bekenntnislose Kunst, die immun gegen
l’art in Paris) über die gegensätzlichen Auswirkungen, die durch
Scenario indiscusso delle riflessioni intellettuali e delle bevute
Ed ecco quindi la grande fortuna per me di poter essere un’attenta
Druck von außen ist.
eine vielleicht nicht ganz effektive Nullstellung erzeugt werden
artistiche, la vecchia Brera, in cui aleggia un mondo fatto di
ascoltatrice di aneddoti curiosi che, tanto sanno arricchire e render
ITALICA ARS AB OVO INCIPIT
und eine sehr interessante Untersuchung zum Schwarzweiß
incontri, di scampi , di ricerca, di bozzetti e progetti, non meno che
personale, più vicina e tangibile una fotografia che altrimenti
di chiaro impegno ideologico.
rimarrebbe solo in bianco e nero.
CROSS REFERENCE
und dem Kino. Zudem eine Analyse der Restaurierungstechnik
Gezeigt werden folglich einerseits die Mitwirkenden von 3 dieser
gegenüber der Verwendung von neuen Materialien.
Gruppen, die zum Ende der 50er-Jahre in der Lage waren, die
Am Ende des Katalogs – last but not least – finden sich Auszüge
Verbundenheit im neuen Denken in eine extreme Erneuerung
aus einem Interview, das ich mit meiner Tante, Anna Canali,
attive perlopiù nell’area milanese o poco lontano, si assiste al
Italian Zero/Cross reference haben versucht, einen historischen/
zu übertragen. Das gemeinsame Gefühl in einer Kunst, die mit
geführt habe, jener historischen Gründerin und Leiterin
dilagare inarrestabile di una creatività che trova su più fronti reale
künstlerischen Moment von großer Bedeutung in der Geschichte
der Vergangenheit bricht und die traditionellen künstlerischen
der modernen Galerie mit konstruktivistischer und cine-
concretezza espressiva. Fenomeno che farà dell’Italia sinonimo di
der zeitgenössischen Kunst des vergangenen Jahrhunderts zu
Techniken hinter sich lässt, indem sie das Kunstobjekt als Träger
visualistischer Prägung: Arte Struktura.
eccelenze artistiche ad oggi riconosciute internazionalmente.
erfassen und zu fotografieren. Allerdings wollen sie nicht den
des ästhetischen Werts beseitigt.
Sie war seit den frühen 70er-Jahren in Mailand aktiv. Für sie, als
In mostra alcune quindi di quelle personalità che hanno contributo
Anspruch auf Vollständigkeit erheben, da man dafür über zu viele
Diese Gruppen sind Azimuth (Manzoni, Castellani, Bonalumi),
eifrige Besucherin der Brera und der Künstler ab den 60er-Jahren,
attivamente a plasmarne la grandezza.
Künstler sprechen müsste.
Gruppo T (Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) und
wollten wir jedoch, dass dieser aufwendige Katalog,
Getulio Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino, Francesco Lo Savio,
Zwischen dem Ende der 50er- und dem Beginn der 60er-Jahre
Gruppo N aus Padua (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi).
der gleichzeitig die Zusammenfassung meiner Arbeit der letzten
Scaccabarozzi, Turi Simeti, Nanda Vigo.
betraf die neue Erscheinung von Gruppenstrukturen (deren
Ein unbestrittenes Szenario intellektueller Reflexionen und
Jahre darstellt, vor allem eine Hommage an ihre immense Arbeit
Fontana e Munari poi come riferimenti assoluti per lo svilupparsi
operative Vorgehensweise in erster Linie eine Überwachung und
künstlerischer Gelage ist die alte Brera, die eine Welt der
und eine große Leidenschaft und Liebe für die Kunst sein soll.
dell’una o altra ricerca.
kritische Überprüfung im Laufe der ästhetischen Aktion zum Ziel
Begegnungen, des Austauschs, der Suche, der Entwürfe und
Sie, die vielen der in der Ausstellung vertretenen Künstler so
Ad accompagnare la lettura delle opere i testi storico/critici di
hatte, um so durch gemeinschaftliche Absprachen jede willkürliche
Projekte in sich birgt und nicht zuletzt auch ein deutliches
nahe steht, ist eine reale Zeugin eines bis heute einzigartigen
Melania Gazzotti e Marina Isgrò, associate rispettivamente al
von methodologischen Entscheidungen geplante Begrenzung zu
ideologisches Engagement.
kreativen Moments, der aus wahrnehmbaren und wertvollen
Guggenheim di Venezia e di New York, il testo brillante di Riccardo
beseitigen, obgleich die Suche und das Experimentieren an sich
CROSS REFERENCE
Beziehungen gemacht ist.
Venturi (storico e critico dell’arte, attivo presso l’INHA Institut
individuelle Prozesse blieben) seit seiner Entstehung die meisten
Und so erleben wir neben der Suche der Künstlergruppen,
Und so habe ich das große Glück, eine aufmerksame Zuhörerin
National d’Histoire de l’Art di Parigi) sugli effetti contrari creati da
Länder Europas (die deutsche Gruppe Zero, die französische
die vor allem im Raum Mailand oder in der Nähe tätig sind, die
interessanter Anekdoten sein zu können, die eine Fotografie, die
un azzeramento forse non così effettivo ed una disamina molto
Gruppe Motus spätere Grav, Nul in Holland, Equipo 65 in Spanien
unaufhaltsame Ausbreitung einer Kreativität, die auf mehr realen
sonst nur schwarz-weiß geblieben wäre, so sehr bereichern und
curiosa sul monocromo ed il cinema.
usw.) Neben diesen teilen auch zahlreiche Künstler die Gesinnung,
Gebieten ausdrucksvolle Sachlichkeit findet. Eine Erscheinung,
persönlich gestalten, sie näherbringen und greifbarer machen.
Ancora una analisi della tecnica del restauro rispetto all’utilizzo
den zugrundeliegenden Impuls, das Substrat, obwohl sie sich die
die Italien zum Synonym der heute international anerkannten
AC
7
_
6
Ed ecco quindi che accanto alle ricerche delle compagini di gruppo
ITALICA ARS
AB OVO INCIPIT
INVICEM SPECTANTES
to interact with other forms of
Getulio Alviani’s Le Superfici a
placed among some extremely
knowledge, like the written word,
testura vibratile instantly drew
important museum events.
science and technology.
in the attention of all: the artist’s
The inauguration of Azimuth:
Zero Group’s role as a pioneer well
treatment of steel surfaces gives
Continuity and the New
established, Italy was no less of a
life to structures that change in line
(20th September 2014) at Venice’s
trendsetter with N Group founded
with the refraction of life. Marina
Guggenheim museum; the collection
in Padova in 1960 and active up
Apollonio shared the desire for a
Zero. Countdown to Tomorrow,
until 1964 with Alberto Biasi, Ennio
depersonalised form of art opposed
the first major American exhibition
Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi
to the concept of expressive
dedicated to the famous Zero
and Manfredo Massironi.
abstraction with other exponents of
Group formed in Germany, set to
All attention was focused on Milan.
programmed art.
open on the 10th of October at
In addition to Azimut (Bonalumi,
She used modern industrial materials
New York’s Guggenheim and, at
Castellani and Manzoni), it hosted
to create carefully calculated
exactly the same time, at Marcon’s
T Group made up of Gabriele
structures, which, in the eyes of
Padiglione delle Arti, Around Zero,
Devecchi, Davide Boriani, Giovanni
the viewer, transform into dynamic
a thorough exhibition of all of the
Anceschi, Gianni Colombo and, in
and fluctuant spaces. Sicilian artist
languages influenced by the German
its second phase, Grazia Varisco.
Turi Simeti followed on from the
experiment.
Next autumn, as well as throughout
8
Afra Canali
poster del gruppo n_1963
learnings of Bonalumi and Castellani,
creating his own predominantly ovoid
2015, there will be a broad range
extroflexion.
of exhibitions dedicated to kinetic
Paolo Scheggi takes us back to ’61,
and programmed art, in the style of
making this movement coincide
zero, analytical painting, the new
with the key phase of his expressive
geometry and the optical.
maturity.
A genuine rediscovery of a world,
From ’59 onwards, Nanda Vigo was
both critic- and market-led, having
already frequenting Lucio Fontana’s
too long been overshadowed by
studio. That same year, the planning
pure conceptual art and partly by
of Milan’s ZERO House began, which
American Pop Art, which influenced
was not finished until 1962.
the tastes of a decade and some of
Then, of course, came Fontana and
whose main players are still active
Bruno Munari, the artist/designer
today. In both Italy and Europe there
Enzo Mari, Calderara, Luigi Veronesi
was a cultural climate organised
and Franco Grignani, to remember
into various mobile groups keen
just a few of the best known names.
9
italian zero
CROSS REFERENCE
The present exhibition is quite rightly
Over the course of those crucial
and would, for him, become the key
tastes and voices, with barely
artist’s most significant work.
thus appear, with Enrico Baj, Lucio
Tomasello and Victor Vasarely.
years for Italian and international art,
contacts in his poetic redefinition of
a mention of the works exhibited.
Line m. 11,40 was sent on the very
Fontana, Piero Manzoni, Bruno
That same year, the international
their paths intertwined, animated
what the second edition of Azimuth
The artist’s spirit invaded the gallery’s
day of the exhibition’s closure to the
Munari and Jean Tinguely.
movement Nouvelle Tendence
by meetings, debates and joint
magazine would define as “the new
room, almost overshadowing the
artist’s German friend Otto Piene. The
Once again in 1960, at Rome’s La
came into being, an essential point
exhibitions, demonstrating the
artistic conception”.
canvasses.
letter sent along with the parcel even
Salita gallery, T Group’s Miriorama 10
of dialogue for artists developing
extent to which the urgency of
Ever more conspicuous, from 1959
Dadamaino’s approach closely recalls
says: “Uecker wrote to me to say
presented by Lucio Fontana.
research in the programmed and
different methods and post-informal
onwards, is the documentation of
that of Manzoni and his confreres
that he will be in Italy. I have almost
Spurred on by the experience in
visual arts fields, on the occasional
measures gave rise to a new life in
constant proposals for collaboration
for the reception of the opening of
organised 2 group exhibitions: do
Milano, in December 1960, Alberto
of Zagabria’s Nove Tendencije 1
their work.
on individual exhibitions in private
the Bonalumi Castellani Manzoni
you want to send me some of your
Biasi alongside Manfredo Massironi,
exhibition.
exhibition opened just a few months
paintings and those of other artists’?
Edoardo Landi, Toni Costa and
In Italy, too, the need for comparison
earlier in February 1959 at the same
Uecker can transport them. I suggest
Ennio Chiggio, N Group was founded
In May the 20th 1961 Dadamaino
years of the ‘50s and the first half
and the urgent desire to broaden its
Prisma gallery. There, amongst
we do an exhibition of: Fontana,
in Padova. Compared with the
chose to exhibit the Volumi a moduli
of the following decade, incredibly
field of action to clearly determine
bread and salami, fries and bottles
Castellani, Manzoni, Piene, Mack,
various Italian groups and those
sfasati for the first time at N Group’s
vibrant interchanges took place.
the scope of this new feeling was
of Barbera, Piero Manzoni presented
Uecker, Mavigner, Yves Klein”.
from the other side of the Alps,
exhibition space, a laboratory-
The artists shared the condition
exceptional.
the Achromes, unleashing the irony
the Padova group developed an
gallery, a site of experimentation and
of wanderers, comrades on the
Thus a constant flow of exhibitions,
of certain critics who compared
Over the next few years the
autonomous programme and line of
provocation, where the relationship
adventure of defining a new artistic
studies, research, collaborations and
the Prisma event to a typical soirée
effervescent interchange of
research, above all oriented towards
with the public is placed ahead of
situation, and that of actual travellers
dissolutions, awards, collections,
amongst the Milan Scapigliature,
exhibitions among the various
investigating the psychological
simply selling works. The invitation
throughout Europe in the seventies,
comparisons, manifestos, missives,
where “sheets painted in white”
exponents of the new European art
phenomena of visual perception,
to the exhibition featured a text by
in search of widespread artistic
public demonstrations, conferences
were exhibited.
would continue.
aiming to involve the observer
Piero Manzoni. From 1961 onwards
contacts and opportunities to exhibit
and on-screen declarations was seen.
In Leverkusen, 1960, with
rather than amazing him/her with
the XII Premio Lissone Internazionale
internationally.
Europe saw and participated in a
In 1959, the Milan Group Azimut
Monochrome Malerei at Stadtiche
technological/spectacular feats.
per la pittura was held, featuring
In Italy, it was certainly the Azimut
radically new artistic geography!
was formed. It would establish close
Museum (8 March - May the 8th),
Group, particularly through the
And so it was that even in Azimut’s
relations with the German Zero
featuring a very long list of artists
In March 1961, the important
alongside T and N.
unwavering figure of Manzoni,
infancy, in 1959, the Prisma Gallery in
Group in Germania, Holland’s Nul
such as Fontana, Castellani, Dorazio,
Bewogen Beweging exhibition
In 1961, Klein and the Zero artists
that fostered and promoted close
Milano opened a personal exhibition
and the Motus Group (later Grav)
Manzoni, Lo Savio, Scarpitta, Yves
was held at Amsterdam’s Stedelijk
organised an exhibition at Rome’s
relationships among the key players
dedicated to the artist Edoarda Maino
in France.
Klein, Yayoi Kusama, Heinz Mack,
Museum where the T Group (now
La Salita Gallery, with Francesco
in the new language of art, both
(Dadamaino). For the young artist,
From the 18th to the 24th of August
Otto Piene, Gunther Uecker, Antoni
complete following the entry of
Lo Savio within the collective Mack +
in Italy and with various European
the exhibition represented her entry
1959, Manzoni presented his first
Tapies, and Mark Rothko.
Grazia Varisco) members were
Klein + Piene + Uecker + Lo Savio = 0.
cousins. His relationship with German
into the Milan art scene, following
true exhibition of Linee at the
Again in 1960, at Milan’s Galleria
confronted with, amongst others,
In 1962, Paolo Scheggi exhibited his
artists Heinz Mack and Otto Piene
on from her beginnings having wan
Pozzetto Chiuso in Albisola Mare.
Pater, Miriorama 1 was opened
Alexander Calder, Marchel Duchamp,
Intersuperfici curve a zone riflesse
(whom he had met in 1957) were
a few provincial art prizes. It clearly
One of the works was purchased
(the first in a series of exhibitions
Frank Malina, Cruz Diez, Robert
in a personal exhibition at Bologna’s
certainly very intense. They were the
shows how all of the journalists were
by Lucio Fontana, who would then
run by the exponent’s of Milan’s new
Rauschenberg, Man Ray, Niki de
Galleria Il Cancello, presented by
founders of Düsseldorf’s Zero Group
struck by the event, telling of its
define the Linee as the Soncino
T group). The Group’s exponents
Saint-Phalle, Jean Tinguely, Luis
Lucio Fontana.
Bonalumi, Castellani, Dadamaino
11
10
galleries and institutional spaces.
At the intersection of the final
dadamaino _ 1977
Dadamaino, Fontana, Manzoni and
in addition to stints in Saint Louis
the first and only official Italian
Kunsthalle, again in 1965, as well as
Munari on the Italian side, alongside
(City Art Museum), Seattle (Art
exhibition of ZERO, with Nobuya,
Weiss Auf Weiss at Galerie Schmela
Aubertin, Bury, Goepfert, Holwek,
Museum), Baltimore (Museum of Art),
Abe, Armando, Bernard Aubertin,
in Düsseldorf.
Klein, Mack, Mavigner, Morellet,
Pasadena (Art Museum). Enzo Mari,
Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico
And again exhibition in London,
Piene and Soto amongst others.
given the task of choosing the works
Castellani, Lucio Fontana, Hermann
Rotterdam, Philadelphia and
From the 26th of April to the 7th
to represent T Group, decided on
Goepfert, Oskar Holweck, Yves Klein,
Washington.
of October 1963, an important
Davide Boriani’s Ipercubo.
Yayoi Kusama, Francesco Lo Savio,
This little opportunity to convey,
exhibition was organised at Milan’s
Again in ‘65 — following on from
Adolf Luther, Heinz Mack, Piero
on the one hand, the meaning of
Galleria Cadario, Oltre la Pittura Oltre
sudden self-exclusions — N Group
Manzoni, Henk Peeters, Otto Piene,
an extraordinary time in history,
la Scultura (Beyond Painting, Beyond
was renamed ENNE65: Biasi,
Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Paul
in which the widespread desire to
Sculpture). Bruno Munari created
Massironi and Landi remained and
Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo and
break with pre-existing structures
the exhibition’s affiche, which
individual members began to put
Hermann de Vries.
was clear and tangible, accompanied
reproduced all of the works shown.
their signature to individual works.
Another important exhibition held
by unconditional optimism in the
The artists involved were Adrian,
that year was Aktuel 65. neue
infinite possibilities of technological
Anceschi, Boriani, Boto, Colombo,
On the 27th of March 1965, Nanda
tendenzen. arte programmata,
advances and new materials.
Costa, Cruz-Diez, Debourg, Devecchi,
Vigo organised the opening of a Lucio
anti-peinture, ZERO, null, recherche
The artist takes a step back: over
a second edition shown in several
Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi,
Fontana studio, Zero avantgarde 1965,
d’art visuelle, recherche continuelle
a large portion of mid-European
with Arman, Armando, Aubertin,
museums and university institutions
Getulio, Kammer, Le Parc, Mack, Dada
at Berna’s Galerie Aktuell, featuring,
territory, shared ideas would inspire
Bury, Castellani, Dadamaino,
in the United States).
Maino, Mari, Mavignier, Morellet,
amongst others, Alviani, Marina
works virtuously shrouded in
Dorazio, Fontana, Goepfert, Haacke,
In ’63, at the 4th San Marino Biennial
Munari, N Group, Peeters, Picelj,
Apollonio, Dadamaino, Scheggi and
anonymity or results of the spreading
Henderikse, Holweck, Kusama,
presided over by Giulio Carlo Argan
Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino,
Simeti, alongside Cruz Diez, Armando,
need for creative collisions, which
Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier,
and with a judges committee having
Staudt, Talman, Tomasello, Varisco,
Kusama, Leblanc and Schonhoven to
thus had very little in common with
Megert, Peeters, Piene, Pohl,
suggested limiting participation
Von Graevenitz, Yvaral and Zehringer.
mention just a few.
the traditional art dominant up until
Schoonhoven, Uecker, Verheyen,
to the “most renowned artists,
But above all the collection Nul 65.
that time.
de Vries.
painters and sculptors working
At Venice’s famous International
at Amsterdam’s Stedelijk Museum,
Great Masters were interspersed
It would be remiss not to mention the
outside the informal” (146 artists
Biennial of art, 1964, works by
in which we wil remember the
with just as many ‘minor’ genius
famous exhibition Arte programmata
were accepted), the first prize was
Alviani, Mari, Castellani, N and T
participation of Getulio Alviani,
researchers in a Europe defined by
(a definition that appears in
awarded ex aequo to N Group and
appeared.
Anceschi, Arman, Boriani, Castellani,
works that were open, permeable
Umberto Eco’s text), subtitled Arte
Zero Group, triggering much debate.
The cinevisualist artists were swept
Colombo, Devecchi, Dorazio, Lucio
and born out of a shared urgent
cinetica - Opere moltiplicate - Opera
Another exhibition of great scope
away by American Pop Art!
Fontana and Nanda Vigo, alongside,
desire for a total renovation, a
aperta. Created under the impetus
was held at Berlin’s Galerie Diogenes:
The following year, one of the
amongst others, Klein, Yayoi Kusama,
rebirth, a new language of ZERO art.
of Adriano Olivetti and curated by
in March 1963, Zero. Der neue
emblematic exhibitions of the 60s
Saburo Murakami and Zero....
AC
Bruno Munari, in 1962 it occupied
idealismus brought together
was held, The responsive eye, at New
And there was the incredibly famous
the company’s showrooms in Milan,
Alviani, Boriani, Castellani, Colombo,
York’s Museum of Modern Art,
Licht und Bewegung at Berna’s
copertina del catalogo the responsive eye, museum
of modern art, new york _ febbraio - aprile 1965
13
Venice, Rome, Trieste (and there was
Amsterdam’s Stedelijk Museum
12
The 1962 exhibition Nul at
ITALICA ARS
AB OVO INCIPIT
INVICEM SPECTANTES
Afra Canali
In Italia, come in Europa, è una
e fluttuanti. Il siciliano Turi Simeti
titolo tra alcuni importantissimi
temperie culturale organizzata in
ha proseguito la lezione di Bonalumi
appuntamenti a carattere museale.
diversi gruppi, peraltro mobili, attenti
e Castellani, creando una sua
L’inaugurata Azimuth: Continuity
ad interagire con altre forme del
estroflessione prevalentemnete
and the New (20 settembre 2014)
sapere, come la parola scritta,
ovoidale; Paolo Scheggi vi si
presso il Guggenheim di Venezia;
la scienza e la tecnologia.
trasferisce nel ’61, facendo
la rassegna Zero. Countdown to
Stabilito il ruolo di precursore del
coincidere questo spostamento con
Tomorrow, prima grande mostra
Gruppo Zero, l’Italia non è certamente
il momento chiave dell’approdo alla
americana dedicata al celebre Gruppo
da meno con il Gruppo N fondato a
sua maturità espressiva. Nanda Vigo
Zero formatosi in Germania, che
Padova nel 1960 e attivo fino al 1964
frequenta già dal ’59 lo studio di Lucio
il 10 ottobre prossimo inaugurerà
con Alberto Biasi, Ennio Chiggio,
Fontana. Nello stesso anno inizia la
al Guggenheim di New York ed,
Toni Costa, Edoardo Landi e
progettazione della ZERO House a
in assoluta contemporanea, al
Manfredo Massironi.
Milano, terminata solo nel 1962.
Padiglione delle Arti di Marcon, sulla
Su Milano tutta la grande attenzione:
Certo poi Fontana e Bruno Munari,
terraferma veneziana, Around Zero,
oltre ad Azimut (Bonalumi, Castellani
Enzo Mari, Calderara, Luigi Veronesi
un’ampia rassegna su tutti i linguaggi
e Manzoni) gravitano il Gruppo T
e Franco Grignani, solo per ricordare
influenzati dall’esperienza tedesca.
di Gabriele Devecchi, Davide Boriani,
alcuni dei nomi conosciuti ai più.
Giovanni Anceschi, Gianni Colombo e,
Il prossimo autunno, non meno che
in un secondo momento,
In questi anni cruciali per l’arte
tutto l’arco del 2015, si annuncia
Grazia Varisco.
italiana e internazionale, i loro
con un ventaglio ampissimo di
Le Superfici a testura vibratile di
percorsi si intrecciano, si animano
mostre dedicate all’arte cinetica e
Getulio Alviani si impongono subito
di incontri, di dibattiti e di occasioni
programmata, allo zero, alla pittura
all’attenzione di tutti: il trattamento
espositive congiunte, dimostrando
analitica, alla nuova geometria,
dei piani di acciaio dà vita a strutture
quanto l’urgenza di differenti metodi
all’optical.
cangianti a seconda della rifrazione
e misure post-informale, abbia dato
Una vera e propria riscoperta di un
della luce. Marina Apollonio condivide
vita ad un nuovo essere dell’opera.
mondo, in chiave sia critica, sia di
con altri esponenti dell’arte
Nello snodo di passaggio tra gli
mercato, rimasto troppo a lungo
programmata il desiderio di un’arte
ultimissimi anni ’50 e la metà del
schiacciato dal concettuale puro e
depersonalizzata, in opposizione al
decennio successivo gli scambi sono
in parte dalla Pop Art americana,
concetto di astrazione espressiva.
vivacissimi. Si condivide la comune
che pure influenzarono il gusto
Utilizza materiali industriali moderni
condizione di viandanti, compagni
di un decennio e di cui alcuni dei
per creare strutture calcolate che
di avventure nella definizione di
protagonisti sono ancora attivi.
nella visione dello spettatore si
una nuova situazione artistica, e
trasformano in spazi dinamici
viaggiatori effettivi nell’Europa degli
14
gruppo t (anceschi, boriani, devecchi, colombo)
1960
15
italian zero
CROSS REFERENCE
La presente mostra si colloca a pieno
missive, pubbliche dimostrazioni,
l’evento del Prisma a una tipica
(18 marzo - 8 maggio), l’elenco di
Del marzo 1961 è l’importante
ricerche in ambito programmato e
artistici allargati e di possibilità
conferenze e dichiarazioni
serata della Scapigliatura milanese,
artisti è lunghissimo. Con Fontana,
rassegna Bewogen Beweging allo
visuale, in occasione dell’esposizione
espositive internazionali.
programmatiche.
dove venivano però esposte delle
Castellani, Dorazio, Manzoni, Lo
Stedelijk Museum di Amsterdam in
Nove Tendencije 1 a Zagabria.
Sarà in Italia certamente Azimut,
L’Europa assiste e partecipa ad una
“lenzuola dipinte di bianco”.
Savio, Scarpitta figurano, tra gli altri,
cui gli esponenti di T al completo
Il 20 maggio 1961 Dadamaino sceglie
in particolar modo nella persona
geografia artistica radicalmente
Nel 1959 si costitusce il gruppo
Yves Klein, Yayoi Kusama, Heinz
dopo l’entrata di Grazia Varisco,
di esibire per la prima volta
dell’instancabile Manzoni, a curare
nuova!
milanese Azimut. Esso stabilirà
Mack, Otto Piene, Gunther Uecker,
si confrontano, tra gli altri, con
i Volumi a moduli sfasati nello spazio
e favorire gli stretti rapporti tra i
È così quindi che Azimut ancora
stretti contatti con il Gruppo Zero in
Antoni Tapies, Mark Rothko.
espositivo dei colleghi del Gruppo
protagonisti del nuovo linguaggio
nel nascere, la galleria del Prisma
Germania, il Nul in Olanda e il gruppo
A Milano alla Galleria Pater, sempre
Frank Malina, Cruz-Diez, Robert
N, una galleria-laboratorio, luogo di
artistico, sia in Italia che con i
di Milano inaugura, nella primavera
Motus poi divenuto Grav in Francia.
nel 1960, si apre Miriorama 1
Rauschenberg, Man Ray, Niki
sperimentazione e di provocazione,
cugini di diversi Paesi Europei.
del 1959, una mostra personale
Dal 18 al 24 agosto 1959 Manzoni
(prima di una serie di esposizioni
de Saint-Phalle, Jean Tinguely,
dove il rapporto con il pubblico si
Certamente intensissimi i rapporti
dedicata all’artista Edoarda Maino
presenta la sua vera prima mostra di
in cui primi protagonisti sono gli
Luis Tomasello, Victor Vasarely.
antepone alla semplice vendita delle
con gli artisti tedeschi Heinz Mack e
(Dadamaino). Per la giovane artista
Linee al Pozzetto Chiuso di Albisola
esponenti del nuovo Gruppo T
Nasce nello stesso anno il movimento
opere. L’invito alla mostra è con testo
Otto Piene (da lui conosciuti già nel
l’esposizione costituisce l’ingresso
Mare; una di queste viene acquistata
milanese). Compaiono quindi gli
internazionale Nouvelle Tendence,
di Piero Manzoni.
1957), fondatori del Gruppo Zero di
nel milieu artistico milanese, dopo
da Lucio Fontana, che in seguito
esponenti del gruppo con Enrico Baj,
fondamentale punto di dialogo per
Del 1961 è il XII Premio Lissone
Düsseldorf, che diventeranno per lui
gli esordi in alcuni premi d’arte
definirà le Linee come l’opera più
Lucio Fontana, Piero Manzoni, Bruno
quegli artisti che portano avanti
Internazionale per la pittura: vediamo
tra gli interlocutori privilegiati della
provinciali. Appare chiaramente
significativa dell’artista di Soncino.
Munari, Jean Tinguely.
ridefinizione poetica di quella che il
come tutti i giornalisti rimangano
La Linea m. 11,40 fu inviata, lo
Ancora nel 1960, alla galleria La Salita
secondo numero della rivista
colpiti dall’evento, riportando sapori
stesso giorno della chiusura della
di Roma, è Miriorama 10 del Gruppo
Azimuth definirà “la nuova
e voci, con minimi accenni alle
mostra, all’amico tedesco Otto Piene.
T ideata e presentata in catalogo da
concezione artistica”.
opere esposte. Lo spirito dell’artista
Nella lettera che accompagna la
Lucio Fontana.
Sempre più cospicua, dal 1959
invade le sale della galleria quasi
spedizione si legge anche: “Uecker mi
Stimolato dall’esperienza milanese,
in avanti, la documentazione
adombrando le tele.
ha scritto che sarà in Italia. Ho quasi
nel dicembre del ’60, insieme a
di continue proposte di
L’approccio di Dadamaino ricorda
organizzato 2 mostre di gruppo: vuoi
Manfredo Massironi, Edoardo
comparticipazione a singole mostre in
esattamente quello adottato
mandarmi quadri tuoi e degli altri?
Landi, Toni Costa e Ennio Chiggio
gallerie private e spazi istituzionali.
da Manzoni e compagni per il
Uecker li può trasportare. Propongo
viene fondato il Gruppo N a Padova.
Anche in Italia il bisogno di confronto
ricevimento d’apertura della mostra
una mostra così: Fontana, Castellani,
Rispetto ai vari gruppi italiani e
e l’urgenza di diffondere il raggio
Bonalumi Castellani Manzoni
Manzoni, Piene, Mack, Uecker,
d’oltralpe, quello padovano elaborò
d’azione per determinare con
avvenuto pochi mesi prima, nel
Mavigner, Yves Klein”.
un programma e una linea di ricerca
fermezza la portata del nuovo sentire
febbraio 1959, presso la stessa
Negli anni appena a seguire continuo
autonomi, orientati soprattutto
fu eccezionale.
galleria del Prisma. Qui, tra pane e
è l’effervescente scambio di mostre
ad indagare i fenomeni psicologici
Si assiste, così, ad una rete
salame, patatine fritte e bottiglie di
tra i vari esponenti della nuova
della percezione visiva, puntando a
ininterrotta di esposizioni, studi,
Barbera, Piero Manzoni presentava
arte europea. A Leverkusen, 1960,
coinvolgere l’osservatore, piuttosto
ricerche, collaborazioni e scioglimenti,
gli Achromes, scatenando l’ironia di
con Monochrome Malerei presso lo
che a stupirlo con esiti tecnologico-
premi, rassegne, confronti, manifesti,
alcuni cronisti che paragonavano
Stadtiche Museum
spettacolari.
gruppo n (massironi, chiggio, landi, biasi), padova _ 1963
17
16
anni sessanta, alla ricerca di contatti
Bonalumi, Castellani, Dadamaino
seconda edizione, portata in vari
polemiche. Alla Galerie Diogenes di
la Pittura Oltre la Scultura. Bruno
Biasi, Massironi e Landi, e le opere
Boriani, Castellani, Colombo,
accanto a T ed N. è in questa
musei e istituti universitari degli
Berlino un’altra esposizione di grande
Munari realizza l’affiche della mostra,
cominciarono ad essere firmate
Devecchi, Dorazio, Lucio Fontana,
occasione che N annuncia il proprio
Stati Uniti).
portata: nel marzo 1963 vediamo
dove vengono riprodotte tutte le
anche con il nome dei singoli.
Nanda Vigo accanto, tra gli altri, a Klein,
manifesto programmatico.
Nel ‘63 alla IV Biennale di San Marino,
uniti in Zero. Der neue idealismus,
opere esposte.
Nel 1961 saranno Klein e gli artisti di
presieduta da Giulio Carlo Argan e
Alviani, Boriani, Castellani, Colombo,
I lavori sono di Adrian, Anceschi,
Il 27 marzo 1965, organizzata da
Ed ancora la famosissima Licht und
Zero ad esporre, alla Galleria La Salita
con una commissione giudicatrice
Dadamaino, Fontana, Manzoni,
Boriani, Boto, Colombo, Costa,
Nanda Vigo, si apriva nell’atelier di
Bewegung al Kunsthalle di Berna,
di Roma, con Francesco Lo Savio nella
che aveva proposto di limitare la
Munari, per gli italiani, e poi Aubertin,
Cruz-Diez, Debourg, Devecchi, Equipo
Lucio Fontana, Zero avantgarde
sempre nel 1965, così come Weiss Auf
collettiva Mack + Klein + Piene +
partecipazione soltanto ai “più
Bury, Goepfert, Holwek, Klein, Mack,
57, Gerstner, Garcia Rossi, Getulio,
1965, la prima e unica mostra
Weiss presso la Galerie Schmela
Uecker + Lo Savio = 0.
rinomati artisti, pittori e scultori che
Mavigner, Morellet, Piene, Soto
Kammer, Le Parc, Mack, Dada Maino,
ufficiale in Italia di ZERO, con Nobuya
di Düsseldorf. E di nuovo esposizioni
Yayoi Kusama, Saburo Murakami, Zero.
ed altri ancora.
Mari, Mavignier, Morellet, Munari,
a Londra, Rotterdam, Philadelphia
accolti 146 artisti), il primo premio
Dal 26 aprile al 7 ottobre del 1963
Gruppo N, Peeters, Picelj, Piene, Pohl,
e Washington.
Intersuperfici curve a zone riflesse
venne assegnato ex aequo al Gruppo
è l’importante mostra organizzata
Reinhartz, Sobrino, Staudt, Talman,
Questa piccola occasione per dare, in
in una personale alla Galleria
N e al Gruppo Zero, scatenando aspre
alla Galleria Cadario di Milano, Oltre
Tomasello, Varisco,Von Graevenitz,
parte, il senso di un momento storico
Yvaral, Zehringer.
straordinario in cui evidente e tangibile
Nella famosa Biennale Internazionale
è la volontà diffusa di rompere con
Del 1962 la mostra Nul allo Stedelijk
d’arte di Venezia, 1964, figurano
strutture pre-esistenti, forti di un
Museum di Amsterdam con Arman,
opere di Alviani, N e T. Gli artisti
ottimismo incondizionato nelle infinite
Armando, Aubertin, Bury, Castellani,
programmati vengono sbalzati via
Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo
possibilità del progresso tecnologico e
Dadamaino, Dorazio, Fontana,
dalla Pop Art americana!
e Hermann de Vries.
dei nuovi materiali.
Goepfert, Haacke, Henderikse,
L’anno dopo fu la volta di una delle
Dello stesso anno è l’importante
L’artista fa un passo indietro: idee
Holweck, Kusama, Lo Savio, Mack,
mostre simbolo degli anni ‘60,
Aktuel 65. neue tendenzen. arte
comuni inspirano, in gran parte dell’area
Manzoni, Mavignier, Megert, Peeters,
The Responsive Eye, allestita al
programmata, anti-peinture,
mitteleuropea, lavori virtuosamente
Piene, Pohl, Schoonhoven, Uecker,
Museum of Modern Art di New York
ZERO, null, recherche d’art visuelle,
avvolti dall’anonimato o come risultati
Verheyen, de Vries.
e itinerante a Saint Louis (City Art
recherche continuelle presso
del dilagante bisogno del confronto
Non si può non citare poi la celebre
Museum), Seattle (Art Museum),
la Galerie Aktuell di Berna cui
creativo, che ben poco hanno in
rassegna Arte programmata
Baltimore (Museum of Art),
partecipano, tra gli altri, i nostri
comune con l’arte tradizione fino ad
(definizione che compare in catalogo
Pasadena (Art Museum). Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino,
allora dominante.
nel testo di Umberto Eco) con
Enzo Mari, investito del compito di
Scheggi e Simeti insieme a Cruz
Grandi Maestri si alternano ad altrettanti
sottotitolo Arte cinetica - Opere
scegliere le opere a rappresentazione
Diez, Armando, Kusama, Leblanc,
‘piccoli’ geniali ricercatori in una
moltiplicate - Opera aperta. Voluta
del gruppo T, decide per l’Ipercubo
Schonhoven solo per citarne alcuni.
Europa dell’opera aperta, attraversata,
da Adriano Olivetti e curata da Bruno
di Davide Boriani.
Ma soprattutto la rassegna Nul 65.
assediata dall’urgenza comune di un
Munari, occupò nel 1962,
Sempre nel ‘65 — in seguito a
allo Stedelijk Museum di Amsterdam
rinnovamento totale, di una rinascita,
gli showroom dell’azienda a Milano,
improvvise autoesclusioni — il Gruppo
in cui ricordiamo la presenza di
di nuovo linguaggio dell’arte ZERO.
Venezia, Roma, Trieste (ed ebbe una
N fu ribattezzato ENNE65: rimasero
Getulio Alviani, Anceschi, Arman,
AC
da Lucio Fontana.
gruppo n (massironi, chiggio, landi, biasi), padova _ 1963
18
Il Cancello di Bologna presentata
19
agiscono oltre l’informale” (furono
Nel 1962 Paolo Scheggi espone le
Die aktuelle Ausstellung gehört
von der amerikanischen Pop Art,
im vollen Umfang zu einem der
die den Geschmack eines ganzen
wichtigsten Ereignissen mit
Jahrzehnts beeinflusste und deren
Museumscharakter.
Protagonisten teilweise noch aktiv
Die Azimuth Einweihung: Continuity
sind, unterdrückt wurde.
and the New (20. September 2014)
italian
italianzero
zero
CROSS
CROSSREFERENCE
REFERENCE
ITALICA
ITALICAARS
ARS
AB
ABOVO
OVOINCIPIT
INCIPIT
INVICEM
INVICEMSPECTANTES
SPECTANTES
im Guggenheim Museum Venedig;
In Italien, wie in Europa herrschte
Die Ausstellung Zero Countdown
ein in verschiedenen Gruppen
to Tomorrow, die erste große
organisiertes kulturelles Klima,
amerikanische Ausstellung, die sich
das vorsichtig mit anderen
der berühmten, in Deutschland
Wissensformen, wie dem
gegründeten Gruppe Zero widmet,
geschriebenen Wort, der
die am kommenden 10. Oktober im
Wissenschaft und der Technologie
New Yorker Guggenheim Museum im
interagierte.
Pavillon der zeitgenössischen Kunst
In seiner Vorreiterrolle der Gruppe
von Marcon auf dem Venezianischen
Zero, lag Italien mit Azimuth
Festland Around Zero eröffnet, eine
(Bonalumi, Castellani e Manzoni),
umfassende Ausstellung über alle
der N-Gruppe, der 1960 in Padua
Sprachen, die durch die deutsche
gegründeten und bis 1964 aktiven
Erfahrung beeinflusst wurden.
Gruppe N mit Alberto Biasi, Ennio
Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi
Der nächste Herbst oder besser
und Manfredo Massironi sicherlich
gesagt, das gesamte Jahr 2015,
nicht weit dahinter.
kündigt sich mit einer breiten
In Mailand zog, neben Azimuth, die
Palette von Ausstellungen an, die
Gruppe T von Gabriele Devecchi,
der kinetischen und programmierten
Davide Boriani, Giovanni Anceschi,
Kunst, dem Nichts, der analytischen
Gianni Colombo und Grazia Varisco
Malerei, der neuen Geometrie, dem
große Aufmerksamkeit auf sich.
Optischen gewidmet sind.
Künstler/Designer Enzo Mari,
Die echte Wiederentdeckung
Bruno Munari Von Le Superfici
einer Welt, die im Grunde kritisch
a testura vibratile (Oberflächen
und ein wichtiger Markt war,
mit schwingender Textur) von
die jedoch zu lange von der rein
Getulio Alviani fühlten sich sofort
konzeptionellen Kunst, teilweise
alle angezogen: die Behandlung
21
20
Afra
AfraCanali
Canali
von Stahlflächen schaffte
In diesen entscheidenden
förderte. Die Beziehungen zu den
Prisma in Mailand im Frühjahr 1959
verglichen, wo jedoch „weiß bemalte
erfrischende Austausch von
Strukturen, die abhängig von der
Jahren verflochten sich
deutschen Künstlern Heinz Mack
eine persönliche, der Künstlerin
Laken “ ausgestellt wurden.
Ausstellungen zwischen den
Lichtbrechung, unterschiedlich
durch lebhafte Tagungen,
und Otto Piene (die er bereits 1957
Edoardo Maino (Dadamaino)
1959 wurde die Mailänder Gruppe
verschiedenen Exponenten der
waren. Marina Apollonio teilte
Diskussionen und gemeinsamen
kannte), Gründer der Zero-Gruppe
gewidmete Ausstellung eröffnete.
Azimuth gegründet. Durch diese
neuen europäischen Kunst weiter.
mit anderen Exponenten der
Ausstellungsmöglichkeiten, die Pfade
Düsseldorf, waren sicherlich sehr
Für die junge Künstlerin bedeutete
wurden enge Kontakte zur Gruppe
programmierten Kunst den Wunsch
der italienischen und internationalen
intensiv und für ihn privilegierte
die Ausstellung nach einigen Provinz-
Zero in Deutschland, der Gruppe Nul
1960 war bei der Ausstellung
nach einer entpersönlichten
Kunst und demonstrierten die
Gesprächspartner der poetischen
Kunst-Auszeichnungen, den Eintritt
aus Holland und der Gruppe Motus,
Monochrome Malerei im Städtischen
Kunst als Gegensatz zum Konzept
Dringlichkeit der verschiedenen
Neudefinition, welche die zweite
in das Mailänder Künstlermilieu.
aus der später die Gruppe Grav in
Museum von Leverkusen die Liste
der expressiven Abstraktion. Mit
Methoden und Maßnahmen der
Ausgabe der Zeitschrift Azimuth als
Es war deutlich zu sehen, wie alle
Frankreich wurde, hergestellt.
der Künstler lang. Neben Fontana,
modernen industriellen Materialien,
post-informalen Kunst, indem sie ein
„die neue künstlerische Konzeption“
Journalisten von der Tatsache
schaffte sie Strukturen, die in der
neues Werk schufen.
definierte.
beeindruckt waren, dass bei den
Vom 18 – 24. August präsentierte
gehörten unter anderem Yves Klein,
Castellani, Dorazio, Manzoni,
Immer auffälliger ist ab 1959 die
ausgestellten Werken Vielfalt und
Manzoni seine wahre erste
Yayoi Kusama, Heinz Mack, Otto
fluktuierende Räume transformiert
In dem Zwischenraum der letzten
Dokumentation der dauernden
Nuancen durch minimale Akzente
Ausstellung „Linee” am Pozzetto
Piene, Gunther Uecker, Antoni Tapies
wurden.
Jahre der 50er Jahre und der ersten
Vorschläge für Einzelausstellungen
dargestellt wurden. Der künstlerische
Chiuso von Albisola Mare; Eines
und Mark Rothko dazu.
Der Sizilianer Turi Simeti hat die
Hälfte des nachfolgenden Jahrzehnts
in Privatgalerien und institutionellen
Geist nahm die Räume der Galerie
der Werke wird von Lucio Fontana
In der Galerie Pater in Mailand
Lektion von Bonalumi und Castellani
folgte ein sehr lebhafter Austausch.
Räumen.
quasi durch Überschatten der
gekauft, der daraufhin die Linee
eröffnet, ebenfalls 1960
durch die Erschaffung seiner
Sie teilten den gemeinsamen
Auch in Italien war die Notwendigkeit
Leinwände ein.
als das bedeutendste Werk des
Miriorama1 (die erste einer Serie
vorwiegend ovalen Extrovertiertheit
Status des Reisenden, Abenteuer-
und Dringlichkeit der Erweiterung
Der Ansatz von Dadamaino erinnert
Künstlers Socino bezeichnet.
von Ausstellungen, in denen erste
weiterentwickelt; In diesen Bereich
Gefährten in der Definition einer
des Betätigungsfelds zur eindeutigen
genau an den von Manzoni und
La Linea m 11,40 wurde am gleichen
Protagonisten die Aussteller der
zog es 1961Paolo Scheggi, indem
neuen künstlerischen Situation und
Ermittlung des Geltungsbereichs
Begleiter für die Vernissage der
Tag, an dem die Ausstellung
neuen Mailänder Gruppe T sind).
er diese Verschiebung mit dem
tatsächlichen Reisende im Europa
außergewöhnlich.
Ausstellung Bonalumi Castellani
geschlossen wurde, an den
Dann erschienen die Exponenten der
wichtigen Schlüsselmoment
der 60er Jahre, immer auf der
Es gab daher ein kontinuierliches
Manzoni, die wenige Monate zuvor
deutschen Freund Otto Piene
Gruppe mit Enrico Baj, Lucio Fontana,
seiner ausdrucksstarken Reife
Suche nach neuen künstlerischen
Netzwerk von Ausstellungen,
im Februar 1959 in der gleichen
geschickt. In dem Begleitschreiben
Piero Manzoni, Bruno Munari,
zusammenfallen ließ. Nanda Vigo
Kontakten und internationalen
Studien, Forschungen,
Galerie Del Prisma stattfand.
der Spedition liest man auch: „Uecker
Jean Tinguely.
besuchte bereits 1959 das Atelier
Ausstellungsmöglichkeiten.
Kooperationen und Entlassungen,
Hier präsentierte Piero Manzoni,
hat mir geschrieben, dass er nach
Noch im Jahr 1960, wurde in der
Preise, Bewertungen, Vergleiche,
zwischen Brot und Salami, Pommes
Italien kommt. Ich habe quasi 2
Galleria La Salita in Rom Miriorama
Vision des Zuschauers in dynamische
von Lucio Fontana. Im gleichen
Plakate, Briefe, öffentliche
Frites und Flaschen Barbera ,
Gruppenausstellungen organisiert:
10 der Gruppe T konzipiert und
House in Mailand, die erst 1962
die in Italien, vor allem in der Person
Demonstrationen, Konferenzen und
Achromes, und entfesselte damit
Würdest Du mir bitte Bilder von
im Katalog von Lucio Fontana
abgeschlossen wurde.
des unermüdlichen Manzoni, die
Erklärungen.
die Ironie einiger Journalisten, die
Dir und anderen schicken? Uecker
präsentiert. Angeregt durch die
Natürlich kamen danach Fontana
engen Beziehungen zwischen
Europa unterstützte und beteiligte
den Event in der Galerie Prisma mit
kann sie transportieren. Ich schlage
Mailänder Erfahrung, wurde im
und Bruno Munari, Calderara, Luigi
den Protagonisten der neuen
sich an eine radikal-neuen
einem typischen Abend der Mailänder
folgende Ausstellung vor: Fontana,
Dezember 1960, zusammen mit
Veronesi und Franco Grignani,
künstlerischen Sprache, sowohl in
künstlerischen Geografie!
Scapigliatura (Bezeichnung für eine
Castellani, Manzoni, Piene, Mack,
Manfredo Massironi, Edoardo Landi,
um nur ein paar der bekanntesten
Italien, also auch bei den Vettern der
So war Azimuth noch in der
Gruppe vorwiegend lombardischer
Uecker, Mavigner, Yves Klein”.
Toni Costa und Ennio Chiggio in
Namen zu nennen.
verschiedenen europäischen Länder
Entstehung, als die Galleria del
Künstler und Schriftsteller)
In den Folgejahren ging der
Padua die Gruppe N gegründet.
23
Natürlich war es die Azimuth-Gruppe,
22
Jahr begann die Planung der ZERO
In Bezug auf die verschiedenen
Dadamaino entschied sich,
im Katalog im Text von Umberto Eco
und dann Aubertin, Bury, Goepfert,
Museum of Modern Art in New York
italienischen und ausländischen
zum ersten Mal in den
erscheint) mit Untertitel Arte cinetica
Holwek, Klein, Mack, Mavigner,
und auf Tour in Saint Louis (City Art
Gruppen, erarbeitete die Gruppe aus
Ausstellungsräumlichkeiten der
- Opere moltiplicate - Opera aperta
Morellet, Piene, Soto und noch
Museum), Seattle (Kunstmuseum),
Padua ein Programm und eine Reihe
Kollegen der Gruppe N, einer
(kinetische Kunst- multiplizierte
andere.
Baltimore (Kunstmuseum) und
von autonomen Forschungsarbeiten,
Forschungs-Galerie, die Ort von
Werke offene Arbeit). Von Adriano
Vom 26 April bis zum 7. Oktober 1963
Pasadena (Kunstmuseum).
die sich in erster Linie darauf
Experimenten und Provokation
Olivetti gewünscht und von Bruno
wurde eine wichtige Ausstellung in
Enzo Mari, der die Aufgabe hatte,
konzentrierten, die psychologischen
zugleich war, Volumi a moduli sfasati
Munari kuratiert, fand sie 1962 in
der Galleria Milano Cadario mit dem
die Werke zur Repräsentation der
Phänomene der visuellen
auszustellen, wobei die Beziehung
den Ausstellungsräumen der Firma
Titel Oltre la Pittura Oltre la Scultura
Gruppe T zu wählen, entschied sich
Wahrnehmung zu untersuchen,
zum Publikum einfach im Verkauf
in Mailand, Venedig, Rom und Triest
(neben Malerei und Bildhauerei)
für den Ipercubo (Hyperwürfel)
mit dem Ziel, den Beobachter
der Werke bestand. In der Einladung
statt (und hatte eine zweite Auflage,
veranstaltet. Bruno Munari realisierte
von David Boriani. Auch 1956 – als
mit technologisch spektakuläre
zur Ausstellung stand ein Text von
die in verschiedenen Museen und
die Ausstellung, bei der alle
Folge eines unvorhergesehenen
Ergebnisse miteinzubeziehen,
Manzoni.
Hochschulen der Vereinigten Staaten
ausgestellten Werke reproduziert
Selbstausschlusses – wurde die
anstatt ihn zu überraschen.
Ab 1961 gab es in der Malerei den
stattfand).
wurden.
Gruppe in Enne 65 umgetauft: Es
Preis XII Premio International Award
Die Arbeiten sind von Adrian,
blieben Biasi, Massironi und Landi
Ab März 1961 war es die wichtige
Lissone : Wir sehen Bonalumi,
1963, bei der IV Biennale in San
Anceschi Boriani, Boto, Colombo,
und die Arbeiten wurden nun auch
Ausstellung Bewogen Bewegin im
Castellani, Dadamaino neben T und N.
Marino, unter dem Vorsitz von
Costa, Cruz-Diaz, Debourg, Devecchi,
mit dem Namen der Einzelnen
Stedelijk Museum von Amsterdam,
1961 waren es nur Klein und die
Giulio Carlo Argan und mit einem
Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi,
signiert.
bei der die Exponenten von T, die
Künstler von Zero, die in der Galleria
Preisgericht, das vorgeschlagen
Getulio, Kammer, Le Parc, Mack, Dada
nach dem Hinzukommen von Grazia
La Salita in Rom mit Francesco Lo
hatte, die Teilnahme nur auf „die
Maino, Mari, Mavignier, Morellet,
Am 27. März 1965 eröffnete im
Varisco vollständig waren, die
Savio in Mack, kollektive mit Klein
renommiertesten Künstler, Maler
Munari, Gruppe N, Peeters, Picelj,
Atelier von Lucio Fontana die von
Konfrontation mit unter anderem
+ Pieno + Uecker + Lo Savio = 0
und Bildhauer zu beschränken, die
Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino,
Nando Vigo organisierte Ausstellung
ausstellten.
jenseits des Informellen handeln”
Staudt, Talman, Tomasello,
Zero Avantgarde mit Nobuya,
Varisco,Von Graevenitz, Yvaral
1962 stellt Paolo Scheggi
erhielten die Gruppe N und die
und Zehringer.
Saint-Phalle, Jean Tinguely, Luis
Intersuperfici curve a zone
Gruppe Zero den ersten Preis Ex
Bei der berühmten internationale
Tomasello, Victor Vasarely suchten.
riflesse in einer von Lucio Fontana
Aequo , was heftige Kontroversen
Kunst Biennale in Venedig
Im selben Jahr entstand die
präsentierten Einzelausstellung in
auslöste.
wurden 1964, Werke von Alviani,
internationale Bewegung Nouvelle
der Galleria Il Cancello in Bologna aus.
In der Galerie Diogenes in Berlin
N und T gezeigt. Die Künstler der
Tendence, Fundamentalpunkt des
Ab 1962 die Ausstellung Nul im
fand eine weitere groß angelegte
programmierten Kunst waren hin und
Dialogs für jene Künstler, die die
Stedelijk Museum von Amsterdam
Ausstellung statt: Im März 1963
weg von der amerikanischen Pop Art!
Gelegenheit der Ausstellung Nove
mit (siehe Liste aus der Chronologie).
sehen wir in Zero vereint Der Neue
Ein Jahr später kam die Wende bei
Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo
Tendencije 1 in Zagreb nutzten, um
Es ist unmöglich, nicht die berühmte
Idealismus, Alviani, Hess, Castellani,
einer der Ausstellungen in den 60er
und Hermann de Vries, die 1965 die
Recherchen im programmierten und
Ausstellung der programmierten
Colombo, Dadamaino, Fontana,
Jahren, The responsive eye (das
einzige offizielle Ausstellung von
visuellen Bereich voranzutreiben.
Kunst zu erwähnen (Definition, die
Manzoni, Munari, für die Italiener,
reagierende Auge), ausgerichtet im
ZERO in Italien war.
25
(146 Künstler wurden angenommen)
Rauschenberg, Man Ray, Niki de
Frank Malina, Cruz Diez, Robert
24
gruppo di artisti al dibattito di crispolti durante
la mostra di sabatini _ milano, 1977
Aus demselben Jahr stammen
außergewöhnlichen historischen
wichtige Ausstellungen, wie
Moments zu vermitteln, in dem
Aktuel 65, neue Tendenzen. arte
die weitverbreitete Bereitschaft
programmata, anti-peinture,
mit bereits vorhandenen
ZERO, null, recherche d’art visuelle,
Strukturen zu brechen, deutlich
recherche continuelle in der Galerie
und greifbar wird ebenso wie
Aktuell in Bern unter Mitwirkung
ein starker bedingungsloser
u.a von unseren Alviani, Marina
Optimismus hinsichtlich unendlicher
Apollonio, Dadamaino, Scheggi e
Möglichkeiten des technischen
Simeti insieme a Cruz-Diez, Armando,
Fortschritts und der neuen
Kusama, Leblanc und Schonhoven ,
Materialien.
um nur einige zu nennen.
Der Künstler tritt einen Schritt
Aber vor allem die Auststellung
zurück: Gemeinsame Ideen
Nul 65. Im Stedelijk Museum in
inspirieren große Teile Mitteleuropas,
Amsterdam, bei der wir uns and
virtuose Arbeiten aus der Anonymität
die Teilnahme von Gelulio Alviani
genommen oder Ergebnisse
Anceschi, Arman Boriani, Castellani,
der grassierenden kreativen
Colombo, Devecchi, Dorazio, Lucio
Auseinandersetzung, die mit der bis
Fontana, Nanda Vigo neben, unter
heute dominierenden traditionellen
anderem, Klein, Yayoi Kusama,
Kunst wenig gemein hat.
Saburo Murakami, Zero erinnern ...
Große Meister wechseln sich in
Und auch noch die äußerst berühmte
einem Europa der offenen Arbeit
Licht und Bewegung in der
mit ebenso „kleinen“, wie brillanten
Kunsthalle von Bern, ebenfalls 1965,
Forschern über die Dringlichkeit
mit Weiß auf Weiß, in der Galerie
einer Rundumerneuerung, einer
Schmela in Düsseldorf.
Wiedergeburt der neuen Sprache
Dies ist eine kleine Gelegenheit,
der ZERO-Kunst, ab.
teilweise das Gefühl eines
AC
27
26
nul65, stedelij museum, amsterdam _ 1965
made Milan an ideal place for the
creation of ambitious architectural
projects, like the Torre Velasca
and the Pirelli Tower, as well as for
dedicating a true identity for Italian
design. On the artistic side, the city
offered a lively scene, animated by
Melania Gazzotti
28
copertina del primo numero della rivista Azimuth
figures like Enrico Baj, who founded
one could choose to tell the complex
the Nuclear Art movement in 1950,
and passionate story of Gruppo
and Lucio Fontana, who upon
Azimut, certainly reading about it in
returning to Italy from Argentina
one of the many key events that has
in 1947 brought with him the idea
marked its short but intense season:
of Spatialism.
the publication of the eponymous
Working and exhibiting in the city
journal. In September 1959, the
were also a numerous amount of
first issue of Azimuth was released
young artists, most of whom were
in Milan under the care of Enrico
searching for alternatives to the
Castellani and Piero Manzoni.
dominant informal painting. Many
The two creators’ idea was to create,
of them saw in Fontana a true
on one hand, a space for dialogue and
master, able to show them the path
diffusion for new artistic expressions,
of experimentation; a generous
and on the other hand, a toolfor
guide who not only gave them
promoting their work group and
moral support, but also helped them
connect them with contemporary
financially with the purchase of their
international experiences.
artwork. The events that interested
The initiative began in a city that
the Milanese art community took
precisely during those years was
place for the most part on the
successfully turning itself around
streets of the Brera neighborhood,
after the disastrous consequences
where one could find the majority
of World War II, offering the
of galleries, studios (including
entire country a model for a rapid
Manzoni’s) and hangouts, like the
and efficient economic rebirth.
legendary Bar Jamaica, where a great
Furthermore, relentless industrial,
part of Azimuth’s story would take
commercial and demographic growth
place.
29
What paper can do:
or How to read Azimut
(Group) through Azimuth
(magazine)
Among the many different ways that
In fact, it is in this environment that
character: poet, critic, artist, and
Villa - who not much earlier dedicated
project: Azimuth. Appia Antica
holes designed by Fontana, before
group in September 1957 at the end
Manzoni and Castellani’s friendship
translator (of ancient languages),
a writing to Manzoni4 - invited him
nevertheless remained an interesting
his final departure from the Nuclear
of the fourth evening of a series
grew during the first few months of
Villa was gifted with a great
along with Bonalumi to actively
example of an avant-garde journal
Group.
of events organized in the form of
1958. The collaboration between
sensitivity and of a cosmopolitan
collaborate5 on the journal that
for the Milanese group, just as its
Castellani and Manzoni had different
shows/happenings9 (exhibitions that
the two artists initially led to some
vision of art that allowed him to
he wasto soon publish; the journal
contemporaries like, Esperienza
viewpoints even outside of the
would last for the entire evening
exhibitions1, in which Agostino
identify some of the top talents on
would have the same name as the
moderna (‘Modern Experience’)
country: the Zero journal, founded
in during which performances and
Bonalumi also contributed. Along
the both the Italian and international
gallery. The first issue of Appia Antica
(1957-1959; 4 issues), founded by
in Düsseldorf in April 1958 by
conferences took place) born in the
with him, Castellani and Manzoni
stage. Manzoni had a particular
was published in July 19596 and fully
Achille Perilli and Gastone Novelli,
Heinz Mack and Otto Piene was
Piene studio on GladbacherStraße in
had the idea to create the journal
liking for him, shown by the gift of
reflected Villa’s international artistic
and Gesto (‘Gesture’) (1955-1959; 4
an important cue for the Milanese
Düsseldorf.
that supported their work, choosing
the artist’s book entitled PMP3, i.e.,
vision7.
issues), managed by Enrico Baj and
even if, as we will see, the two
The word was selected inasmuch as a
the title, “Pragma” – that is, “fact,”
Piero Manzoni Pirla (“Piero Manzoni
Manzoni did not contribute at all
Sergio Dangelo. The same Manzoni8
projects developed in different
universal expression able to respond
Jerk”), most likely an ironic reference
to the Roman journal, probably
in 1958 would actively contribute to
ways. The title of the newspaper
to the transnational ambitions of
to his humble Milanese origin. The
preferring to save his own ideas
the third issue of this latter, which
corresponded with that chosen by
the two artists’ endeavor, as well
feeling was mutual, so much so that
in order to create the editorial
was also noted for its cover full of
the two German artists for their own
as synthesize, in a few letters, their
invito per la mostra in cui compaiono i futuri tre
componenti di azimut, galleria pater,
milano _ 13 settembre 1958
apprehension towards overcoming
crashed and burned, even before
taking its final shape, when Bonalumi
decided to follow his artistic path on
his own. One of the final times that
the group exhibited together was
in April 1959 at the Galleria Appia
Antica2. The space was supervised
by Emilio Villa, a brilliant and erratic
regeneration of art. Zero, therefore,
did not want to be a nihilist denial,
but, on the contrary, represent a
“zone of silence” in which new and
infinite possibilities could develop.
These aspirations were fully
reflected in the non-programmatic
structure of the group, opened to
contaminations, to collaborations and
to exchanges with other European
experiences.
Manzoni represented contact with
Italy for the group, when in July
195910 he went to Düsseldorf to
meet Mack and Piene, then also
favoring contact between the
Germans and some Dutch artists,
31
and of the group’s work. The project
informal trends preferring a
esempio di incontro tra alcuni esponenti di zero e alcuni italiani
concrete character of the initiative
30
“event” – wanting to underscore the
copertina del primo numero della rivista appia antica, roma _ 1959. opera di alberto burri
the predominantly tachiste and
heinz mack model cover per il numero 3 della rivista
zero, düsseldorf _ 1961
met, in addition to Castellani: Lucio
chosen theme for the exhibition,
The choice was clearly in homage
When Azimuth came out in
Fontana, Nanda Vigo, Piero Dorazio,
that collected the works of many
to the movement’s moral guide and
September 195914, Castellani and
Dadamaino, Arnaldo Pomodoro
artists, was red monochrome. The
a statement of the enormous debt
Manzoni had the opportunity to only
e Francesco Lo Savio. From this
journal, a humble publication created
that many of the artists in the group
leaf through the first issue of Zero.
point on began a full exchange
with lowly means, also served as
felt towards him. Then Yves Klein,
In comparing the graphics and the
between the German Group and
the exhibition’s catalogue. In the
another iconic figure for the Zero
contents of the two journals, it is
the many Italian artists with which
few pages that made up Zero’s first
group’s development was presented.
immediately clear that the Milanese
many exponents of Milan’s GruppoT
issue were collected critics’ essays
His section contained two handmade
publication came about with many
and Padova’s Gruppo Enne also
and artists’ statements, without
pieces: a page that was torn and
more ambitious propositions and
participated. Despite this, Manzoni
providing any images. This structure
one that was burned. Following
with a greater awareness of the
remained the primary Italian contact
was repeated in the second release
were: Tinguely, Piene, Mack, Arman,
chosen mediumright from the start.
for Piene and Mack, later on Günther
in October 1958, with the addition
Soto, Dorazio, Castellani, Manzoni,
Right from the first issue,
Uecker who arrived between 1961
of some reproductions of artworks;
and 1962, and was already ready to
on this occasion the journal was
travel to from one part of Europe to
connected to the group’s eighth
the other in order to promote both
evening, in which five artists
his and his colleagues’ works, make
exhibited (Holweck, Mack, Mavignier,
contacts, opportunities, partnerships
Piene and Zillmann) on the theme of
or even just stoke moments of
vibration.
exchange and comparison, so much
However, Zero’s most interesting
so that Piene nicknamed him “Zero’s
issue is undoubtedly its third and
Mercury13”. Instead, Lucio Fontana
last, not just for its content – there
was a spiritual father for the two
were many images and texts – but
Spoerri, Uecker, Rot, Holweck,
in fact, Azimuth was more graphically
German artists. Mack first chanced
also for its graphic setting that
Bury, Adrian, Pomodoro, Lo Savio,
refined. Castellani and Manzoni
serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 2 ottobre 1958.
In quest’occasione uscirà anche il 2 numero della rivista zero
upon the Argentine maestro’s works
indulged in particularly interesting
Mavigner, Salentin, Van Hoeydonck,
involved graphic designer Cecco Re in
always united under the name
movement12. Zero’s third issue
at the Biennale di Venezia in 1956
experimentation from the beginning
Moldow, Pohl, Kage, Aubertin,
the project, who, at the time, worked
Zero, with which he had already
would serve as a catalogue of the
and was left deeply moved to the
to the end of the publication. The
Peeters, Schoonhoven, Rainer, and
at Max Huber’s studio. Re - who also
point of considering that viewing as a
volume, edited in July 1961, focused
Kleint. At the center of the journal,
suggested the name “Azimuth,”
In autumn of 1959, it was Mack
true turning point in his own artistic
primarily on the theme nature/
other artists’ texts were included,
which immediately appealed to the
quickly included in the Dynamo 1
who came to Milan to visit his Italian
career.
man/technology and was divided
among whom Totalità nell’arte d’oggi
two editors - authored the cover
exhibit that took place in Wiesbaden
colleague. Manzoni introduced him
The first issue of Zero journal was
into sections, each dedicated to an
(“Totality in art today”) by Castellani
page, and the journal’s logo - a
in July 1959, a crucial event that
to the city’s artistic environment,
published in April 1958, on the
artist and collected photographs of
and Progetti immediati (“Instant
complex design and compositionally
presented different protagonists
organizing a full program of
occasion of seventh evening event
works, texts, portraits and projects;
Projects”) by Manzoni, all of which
elegant – as well as the clean and
in the rising European avant-garde
meetings. In just a few days, Mack
organized by Mack and Piene. The
the first regarding Lucio Fontana.
totaling 216 pages.
simple internal page layout.
33
exhibition.
32
collaborated and exhibited11. Thanks
to this first meeting, Manzoni was
nell’arte d’oggi (‘Consumption in
Castellani created and how at
Among the foreign contributors are
of manifesto for the group. Joining
and particularly Dadaism, with the
Art Today’), Vincenzo Agnetti’s
that stage, they were still open
Charles Estienne, Zoltan Kemeny,
these are Udo Kultermann’s16 Una
related technical skills – this is
contribution of Francis Picabia and
1°: non commettere atti impuri
to different experiences. Besides
Silvano Lora, Fernando Peña,
nuova concezione di pittura (‘A New
demonstrated by his works, like
Kurt Schwitters; a tribute to Fontana
(‘1st: Don’t Commit Impure Acts’),
works by German artists Mack and
Christian Megert and Carl Laszlo,
Concept of Painting’) and Piene
Tavole di accertamento (‘Tables of
with text by Guido Ballo entitled Oltre
and Bruno Alfieri’s Automatismo,
Piene and by different exponents
the latter contributing the text,
with L’oscurità e la luce (‘Darkness
Assessment’) and the series Linee
la pittura (‘Beyond Painting’);
sperimentalità, circoequestre
of the Dutch group, works by Italian
Avanguardia? (‘Avant-garde?’). Also
and Light’). The presence of texts
(‘Lines’), and by his relation with
an entire page in monochromatic blue
(‘Automatism, Experimentation and
artists such as Franco Angeli,
making the first issue particularly
in Italian, French, English and
Milanese typographer, Antonio
was dedicated to Klein’s contribution;
Equestrian Circus’) are dedicated to
Sergio Dangelo, Piero Dorazio,
interesting are connections
German, in addition to the selection
Maschera – undoubtedly takes a lot
and the reproduction of works by
contemporary debate.
Gillo Dorfles, Gastone Novelli, Giò e
with some representatives of
of published works, consecrated
to this aspect. From the point of view
Neo-Dada artists Jasper Johns and
However, it is from the works
Arnaldo Pomodoro, Mario Rossello
contemporary experimental poetry;
Azimuth not only as an international
of content, the journal seemed to
Robert Rauschenberg.
published in the issue that one
and Mimmo Rotella have been
that is, with the future exponents of
avant-garde journal, but also as
want to show the group’s different
Texts by Gillo Dorfles Communicazione
can have an idea of how vast the
reproduced, obviously in addition
that which would be called Novissimi
the most authoritative voice in that
points of reference: one could find
(‘Communication’) and Consumo
network of contacts Manzoni and
to those by Castellani and Manzoni.
and then Gruppo 63. Poems by Leo
moment to represent the various
Paolazzi’s (then known as Antonio
souls of Zero Group. The journal is
Porta15), who had already written
closely tied to the exhibition
the introductive text for the Galleria
La nuova concezione artistica
Appia Antica’s exhibition catalogue,
(‘The New ArtisticConcept’), third
by Elio Pagliarani and by Nanni
exhibition organized by Castellani
Balestrini are published in the
and Manzoni in their exhibition space.
magazine.
The gallery, found in the basement
Leafing through Azimuth’s second
of a store in the Brera neighborhood,
and final issue (January 1960), it
was called Azimut (like the journal
is extremely clear how the field of
but without the “h” at the end) and
possibilities left open in the first issue
for the brief time in which it was
was reduced here, in order to only
open (from December 1959 to July
give space, with great awareness,
1960), operated a frenetic and
to those experiences that Castellani
forward-looking exhibition17.
and Manzoni felt were truly close by.
In fact, Castellani and Manzoni
The two artists exposed themselves
managed to anticipate many of the
personally with two seminal writings
tendencies of the 1960s. Like the
– Castellani published Continuità e
gallery, the journal published by
nuovo (‘Continuity and New’) and
the two Milanese artists also was
Serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 2 ottobre 1958.
In quest’occasione uscirà anche il 2 numero della rivista zero
Manzoni’s Libera dimensione (‘Free
forerunner in trends, not only from
Dimension’) – that became a type
an artistic point of view, but also
35
a homage to historical avant-garde,
by the press and also had the
34
Manzoni, who was fascinated
In fact, Azimuth, along with a few
other Italian magazines like the
Genoan Ana Eccetera (1958-1971,
11 issues) and the Neapolitan
Documento sud (1959-1961,
6 issues), opened the way for what
would then in the 1960s and 1970s
become a common practice in the
art world, namely that of the avantgarde magazines: newspapers
founded, manages, edited and often
printed by the artists themselves.
MG
The exhibitions feature the three artists,
taking place in the following order: Galleria Pater,
Milan; Galleria del Prisma, Milan; Galleria Appia
Antica, Rome e Galerie Kasper, Lausanne.
2
On 24 October, the gallery will host the Italian
stop of the Zero exhibition that was also viewed
in Rotterdam and Antwerp; artwork by Kees van
Bohemen, Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz,
Ian Pieters, Jan Sanders, Jan Schoonhoven,
Emil Schumacher, Shinkichi Tajiri and Jaap
Wagemacher will be exhibited. It was Manzoni who
favored contact between the Roman gallery and the
Dutch artists.
3
The book was made up of eight monochromatic
pages and a cover with the title “PMP.”
4 The essay was the added in Attributi dell’arte
odierna (“Attributes to Present-day Art”) published
by Feltrinelli in the Materiali (“Materials”) series
in 1970 and recently reprinted by Le Lettere
(Florence, 2008).
5
The fact was witnessed in a letter from Emilio
Villa to Piero Manzoni sent from Rome and dated
13 June 1959.
6
The journal’s second and final issue came out in
June 1960.
7
In the journal, there are contributions
dedicated to Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert
Motherwell, Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai
Haber and Toti Scialoja, accompanied by images of
works by Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli, Joseph
Sima, Lorri Whiting, Francesco Lo Savio, Cy Twombly
and Arnaldo Pomodoro.
8
During the same period, Manzoni also
contributed to the journal Direzioni (‘Directions’)
edited by Mondadori.
9
The events developed in the course of one
evening, except in the case of the fifth evening in
which the exhibition was left on display for a week.
10 Manzoni stopped at Düsseldorf while traveling
to Rotterdam, where he was for the first exhibition
at Kunstkring, in Kassel, when he was going to visit
Documentata II.
11 We remember the Zero exhibition inaugurated
at Kunstkring in Rotterdam In July 1959.
12 Contributing to the exhibition in addition
to Manzoni: Pol Bury, Oskar Holweck, Yves Klein,
Heinz Mack, AlmirMavignier, Herbert Oehm, Otto
Piene, Dieter Rot, Raphael Soto, Daniel Spoerri
and Jean Tinguely.
13 Lawrence Alloway, Viva Zero, in Zero,
The Massachusetts institute of Technology,
Cambridge 1973, p. ix
14 Attached to the journal was a drawing
by Tinguely,created with one of his automatic
machines.
15 Porta was perhaps one of those among the
Novissimi who had the closest relationship with
Manzoni. The poet, in fact, composed a visual poem
the day after the artist’s death entitled “Zero,”
which was presented at the Galleria Blu in Milan
in October 1963 and was published the following
month in linear form in the first issue of the journal,
Marcatré.
16 During this period, Kultermann was working
on preparations for the exhibition “Monochrome
Malerei,” which opened in March 1960 and was
entirely dedicated to monochrome painting.
17 Le Linee di Piero Manzoni, 4-21 December
1959; Mostra collettiva (Anceschi, Boriani,
Castellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni,
Mari, Massironi, Zilocchi), 22 December 1959-3
January 1960; La nuova concezione artistica,
4 January-1 February 1960; Enrico Castellani,
5-22 February 1960; Massironi, Moldow, Oehm,
Uecker, 23 February-10 March 1960; Heinz Mack,
11-28 March 1960; Almir Mavignier, 5-15 April
1960; Motus, 15 April-2 May1960; Corpi d’aria
di Piero Manzoni 3-9 May 1960; Alberti, Sordini,
Verga, 11–24 May 1960; Mostra collettiva (Biasi,
Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi, Mack,
Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow,
Pisani, Santini), 25 May-18 July 1960;
Mostra collettiva (Biasi, Breier, Castellani,
Dadamaino, Landi, Mack, Manzoni, Massironi,
Mavignier, Motus, Pisani, Santini) inauguration
24 June 1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte,
21 July 1960.
37
of view.
1
36
from a more strictly editorial point
38
Melania Gazzotti
dalle conseguenze disastrose
scegliere per raccontare la complessa
della Seconda Guerra Mondiale,
e appassionante vicenda del
proponendo all’intero Paese un
Gruppo Azimut c’è senz’altro quella
modello per una rapida ed efficace
di leggerla attraverso uno degli
rinascita economica. L’incalzante
avvenimenti fondamentali che
crescita industriale, commerciale e
hanno segnato la sua breve ma
demografica rende inoltre Milano
intensa stagione: la pubblicazione
un luogo ideale per la realizzazione
dell’omonima rivista. Nel settembre
di progetti architettonici ambiziosi,
del 1959 esce a Milano, a cura di
come la Torre Velasca e il Pirellone,
Enrico Castellani e Piero Manzoni,
e per la consacrazione di una vera e
il primo numero “Azimuth”: l’idea
propria identità del design italiano.
dei due curatori è quella di creare
Sul versante artistico la città offre
da una parte uno spazio di dialogo e
una scena molto viva, animata da
diffusione per le nuove espressioni
figure come Enrico Baj, fondatore
artistiche e dall’altra uno strumento
nel 1950 del Movimento nucleare,
per promuovere il lavoro del gruppo
e Lucio Fontana, che tornando
e metterlo in relazione con le coeve
in Italia dall’Argentina nel 1947
esperienze internazionali.
aveva portato con sé l’idea dello
L’iniziativa prende vita in una
Spazialismo. Lavorano ed espongono
città che si sta proprio in quegli
in città anche numerosi giovani
anni risollevando con successo
artisti, buona parte dei quali alla
39
Quello che può
la carta.
Ovvero come
leggere Azimut
(gruppo) attraverso
“Azimuth” (rivista)
Fra le molteplici vie che si possono
bar jamaica negli anni sessanta, via brera, milano
naufraga ancora prima di prendere
dedicato uno scritto a Manzoni4,
una forma definita quando Bonalumi
lo invita insieme a Bonalumi a
decide di proseguire il proprio
collaborare attivamente5 alla rivista
percorso artistico autonomamente.
che da lì a breve pubblicherà: la
I tre espongono insieme una delle
testata avrà lo stesso nome della
ultime volte nell’aprile del 1959 a
galleria. Il primo numero di “Appia
Roma presso la Galleria Appia Antica2.
Antica” esce nel luglio del 19596
Lo spazio è diretto da Emilio Villa,
e rispecchia appieno la visione
personaggio geniale e irregolare:
internazionale dell’arte di Villa7.
poeta, critico, artista, traduttore
Manzoni non manda alcun contributo
(da lingue antiche), Villa è dotato
alla rivista romana, preferendo
di una grande sensibilità e di una
probabilmente conservare le proprie
visione cosmopolita dell’arte che
idee per la realizzazione di un
gli permette di individuare alcuni
progetto editoriale personale, cioè
tra i migliori talenti nel panorama
“Azimuth”. “Appia Antica” rimane
italiano e internazionale. Manzoni
comunque per il gruppo milanese
ha per lui una particolare simpatia
un esempio interessante di rivista
che è testimoniata dal dono di un
d’avanguardia come lo sono anche
libro d’artista dal titolo PMP3, cioè
le coeve “Esperienza moderna”
Lo stesso Manzoni8 nel 1958
Piero Manzoni Pirla, probabilmente
(1957-1959; 4 numeri), fondata
contribuirà attivamente al terzo
un ironico riferimento alle comuni
da Achille Perilli e Gastone Novelli,
numero di quest’ultima, noto anche
origini milanesi. La stima è reciproca,
e “Gesto” (1955-1959; 4 numeri),
per la copertina a buchi disegnata
tanto che Villa, che aveva poco prima
diretta da Enrico Baj e Sergio Dangelo.
da Fontana, prima del suo definitivo
le strade del quartiere Brera dove
e Castellani. La collaborazione tra
alle dominanti istanze informali. Molti
si trovano la maggior parte delle
i due artisti porta inizialmente ad
di questi vedono in Fontana un vero
gallerie, degli studi (tra i quali anche
alcune mostre1, alla quali partecipa
e proprio maestro, capace di indicare
quello di Manzoni) e dei luoghi di
anche Agostino Bonalumi. Insieme
la rivista “Zero” nata a Düsseldorf
loro la strada della sperimentazione,
ritrovo, primo fra tutti il mitico Bar
a lui, Castellani e Manzoni hanno
nell’aprile del 1958 per opera di
e una guida generosa che non
Jamaica, e dove avrà anche luogo
l’idea di realizzare una rivista che
Heinz Mack e Otto Piene è per i
solo li sostiene moralmente, ma li
buona parte della vicenda
supporti il loro lavoro: il titolo
milanesi un importante spunto anche
aiuta anche economicamente con
di “Azimuth”.
prescelto, “Pragma” - cioè “fatto”,
se, come vedremo, i due progetti
l’acquisto di opere. Gli avvenimenti
E’ proprio in questo ambiente
“avvenimento” - vuole sottolineare
che interessano la comunità artistica
infatti che si stringe nei primi mesi
il carattere concreto dell’iniziativa e
milanese si consumano per lo più tra
del 1958 il sodalizio tra Manzoni
dell’operato del gruppo. Il progetto
copertina del terzo numero della rivista il gesto
diretta da enrico baj e sergio d’angelo, nota anche
per la copertina a buchi disegnata da fontana _ 1958
allontanamento dal Gruppo nucleare.
Castellani e Manzoni hanno punti di
riferimento anche al fuori dal Paese:
si svilupperanno con modalità
manifesto per la mostra bonalumi castellani
manzoni, galleria del prisma,
milano _ 16 / 28 febbraio 1959
41
40
ricerca di vie operative alternative
differenti. Il nome della testata
corrisponde a quello scelto dai due
T di Milano e del Gruppo Enne di
Il contatto con l’Italia per il gruppo è
Padova. Nonostante ciò il principale
rappresentato proprio da Manzoni
contatto con l’Italia per Piene e
che nel luglio del 195910 si reca
Mack, ai quali si aggiunge tra il 1961
a Düsseldorf a conoscere Mack
e il 1962 Günther Uecker, rimane
e Piene, favorendo poi anche i
Manzoni, sempre pronto a viaggiare
artisti tedeschi per il proprio gruppo
contatti fra i tedeschi e alcuni
da una parte all’altra dell’Europa per
nel settembre del 1957 al termine
artisti olandesi, sempre riuniti
promuovere il proprio lavoro e quello
della quarta di una serie di serate
sotto il nome di Zero, con i quali lui
dei colleghi, per creare contatti,
organizzate sotto forma di mostra/
aveva già collaborato ed esposto11.
occasioni, collaborazioni o anche
happening9 (esposizioni che durano
Grazie a questo primo incontro,
solo per alimentare momenti di
il tempo di una serata nel corso delle
Manzoni viene tempestivamente
scambio e confronto, a tal punto che
quali si realizzano performance
incluso nella mostra Dynamo 1 che
lo stesso Piene gli dà il soprannome
e conferenze) nate nello studio
si tiene a Wiesbaden nel luglio del
di Mercurio di Zero13. Lucio Fontana
di Piene in Gladbacher Straße a
1959, evento cruciale che presenta
è invece per i due artisti tedeschi un
Düsseldorf.
diversi protagonisti delle nascenti
padre spirituale: Mack si imbatte per
La parola viene scelta in quanto
avanguardie europee12. Il terzo
la prima volta nelle opere del maestro
espressione universale capace
numero della rivista “Zero” fungerà
argentino alla Biennale di Venezia
di rispondere alle ambizioni
da catalogo della mostra.
del 1956 e ne rimane profondamente
transnazionali dell’impresa dei
Nell’autunno del 1959 è Mack a
colpito, al punto da considerare
due artisti, nonché di sintetizzare
recarsi a Milano per visitare il collega
quella visione un vero punto di svolta
in poche lettere la loro ansia di
italiano. Manzoni lo introduce
nel proprio percorso artistico.
superamento delle predominanti
nell’ambiente artistico della città,
Il primo numero della rivista “Zero”
tendenze tachiste e informali in
organizzando un fitto programma di
esce nell’aprile del 1958 e viene
favore di una rigenerazione dell’arte.
incontri: in pochi giorni Mack riesce
pubblicato in occasione della settima
Zero non vuole essere quindi una
a conoscere, oltre ovviamente a
serata organizzata da Mack e Piene.
negazione nichilista, ma al contrario
Castellani, Lucio Fontana, Nanda
Il tema prescelto per la mostra, che
rappresentare una “zona di silenzio”
Vigo, Piero Dorazio, Dadamaino,
raccoglie le opere di numerosi artisti,
nella quale si possono sviluppare
Arnaldo Pomodoro e Francesco Lo
è il monocromo rosso. La rivista,
nuove e infinite possibilità. Queste
Savio. Da questo momento in poi
una pubblicazione esile e realizzata
aspirazioni si riflettono appieno nella
inizia un fittissimo scambio fra il
con mezzi poveri, serve anche da
struttura non programmatica del
Gruppo tedesco e numerosi artisti
catalogo per l’esposizione. Nelle
gruppo, aperta alle contaminazioni,
italiani al quale parteciperanno
poche pagine che costituiscono il
alle collaborazioni e agli scambi con
anche diversi esponenti del Gruppo
primo numero di “Zero” sono raccolti
43
42
altre esperienze europee.
Serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 24 aprile 1958
fotografie di opere, testi, ritratti
Schoonhoven, Rainer, Kleint. Al
e progetti: la prima riguarda Lucio
centro della rivista vengono raccolti
Fontana. La scelta vuole essere
altri testi, sempre di artisti, tra i quali
chiaramente un omaggio alla
Totalità nell’arte d’oggi di Castellani e
guida morale del movimento e una
Progetti immediati di Manzoni, il tutto
dichiarazione del grande debito che
per un totale di ben 216 pagine.
molti artisti del gruppo sentono nei
Quando nel settembre del 1959 esce
saggi di critici e dichiarazioni di artisti,
è però senza dubbio il terzo e ultimo,
sui confronti. Viene poi presentato
“Azimuth”14 Castellani e Manzoni
senza alcuna immagine a corredo.
non solo per i contenuti - vi sono
Yves Klein altra figura emblematica
hanno avuto l’opportunità di sfogliare
La struttura si ripete nella seconda
presentate molte immagini e diversi
per lo sviluppo del gruppo Zero. La
solo il primo numero di “Zero”.
uscita dell’ottobre del 1958, con
testi - ma anche per l’impostazione
sua sezione contiene due interventi
Mettendo a confronto la veste grafica
l’aggiunta di alcune riproduzioni di
grafica che si lascia andare a
a mano: una pagina strappata e
e i contenuti delle due riviste appare
opere; in quest’occasione la rivista
sperimentazioni particolarmente
una bruciata. Seguono Tinguely,
subito chiaro come la pubblicazione
è legata all’ottava serata del gruppo
interessanti all’inizio e alla fine della
Piene, Mack, Arman, Soto, Dorazio,
dei milanesi nasca fin da subito con
nella quale viene proposta una
pubblicazione. Il volume, edito nel
Castellani, Manzoni, Spoerri,
propositi molto più ambizioni e con
mostra di cinque artisti (Holweck,
luglio del 1961, verte principalmente
Uecker, Rot, Holweck, Bury, Adrian,
una maggiore consapevolezza del
Mack, Mavignier, Piene e Zillmann) sul
sul tema natura/uomo/tecnologia
Pomodoro, Lo Savio, Mavinger,
media prescelto. “Azimuth” è infatti
tema della vibrazione.
ed è suddiviso in sezioni: ognuna
Salentin, Van Hoeydonck, Moldow,
dal primo numero graficamente
Il numero più interessante di “Zero”
è dedicata a un artista e raccoglie
Pohl, Kage, Aubertin, Peeters,
molto curata. Castellani e Manzoni
coinvolgono nel progetto il graphic
designer Cecco Re, che all’epoca
di accertamento e la serie delle Linee
monocroma blu, e la riproduzione di
lavora nello studio di Max Huber.
e la frequentazione della tipografia
opere degli artisti Neo-Dada Jasper
Re, che suggerisce anche il nome
milanese di Antonio Maschera - tiene
Johns e Robert Rauschenberg.
“Azimuth” che piace immediatamente
senz’altro molto a questo aspetto.
Al dibattito contemporaneo sono
ai due redattori, è l’autore sia della
Dal punto di vista dei contenuti la
dedicati i testi di Gillo Dorfles
copertina, interamente occupata
rivista sembra voler mostrare i punti
“Comunicazione” e “consumo”
dal logo della testata, un disegno
di riferimento del gruppo: vi si trova
nell’arte d’oggi, di Vincenzo Agnetti
complesso e di grande eleganza
un omaggio alle avanguardie storiche
1°: non commettere atti impuri
compositiva, sia dell’impaginazione
e in particolare al Dadaismo con la
e di Bruno Alfieri Automatismo,
interna molto pulita e sobria.
presenza di Francis Picabia e Kurt
sperimentalità, circo equestre.
Manzoni, che subisce il fascino della
Schwitters, un tributo a Fontana
E’ tuttavia dalle opere riprodotte che
stampa e ha anche delle conoscenze
con il testo di Guido Ballo, intitolato
si può avere un’idea dell’ampiezza
tecniche a riguardo - ne sono una
Oltre la pittura, la presenza di Klein,
della rete di contatti che Manzoni e
dimostrazione lavori come le Tavole
al quale è dedicata un’intera pagina
Castellani sono riusciti a intessere e
45
44
piero manzoni mentre realizza una delle sue linee
di come in questa fase siano ancora
il campo delle possibilità lasciato
luglio 1960) un’attività espositiva17
aperti a esperienze differenti. Oltre
aperto nella prima uscita qui si
frenetica e lungimirante: Castellani e
ai lavori dei tedeschi Mack e Piene
restringa, per dare unicamente
Manzoni riusciranno infatti a cogliere
e di diversi esponenti del gruppo
spazio, con grande consapevolezza,
molti di quelli che saranno poi gli
olandese sono riprodotte opere degli
a quelle esperienze che Castellani
indirizzi dei successivi anni Sessanta.
italiani Franco Angeli, Sergio Dangelo,
e Manzoni sentono realmente
Come la galleria anche la rivista
Piero Dorazio, Gillo Dorfles, Gastone
vicine. I due artisti si espongono
edita dai due artisti milanesi è stata
Novelli, Giò e Arnaldo Pomodoro,
personalmente con due scritti
anticipatrice di tendenze non solo dal
Mario Rossello e Mimmo Rotella, oltre
seminali - Castellani pubblica
punto di vista artistico, ma anche più
ovviamente a quelle di Castellani e
Continuità e nuovo e Manzoni Libera
strettamente da quello editoriale.
Manzoni. Tra le presenze straniere vi
dimensione - che fanno diventare la
“Azimuth” infatti, insieme a poche
sono anche Charles Estienne e Zoltan
pubblicazione una sorta di manifesto
altre testate italiane come la
Kemeny, Silvano Lora e Fernando
del gruppo. A questi si uniscono
genovese “Ana Eccetera” (1958-
Peña, Christian Megert e Carl Laszlo,
Udo Kultermann16 con Una nuova
1971, 11 numeri) e la napoletana
quest’ultimo partecipa con il testo
concezione di pittura e Piene con
“Documento sud” (1959-1961,
“Avanguardia?”.
L’oscurità e la luce. La presenza di
6 numeri), ha aperto la strada verso
A rendere particolarmente
testi in italiano, francese, inglese e
quella che poi negli anni Sessanta
interessante l’esperienza del
tedesco, oltre alla scelta delle opere
e Settanta sarebbe diventata una
primo numero di “Azimuth” sono
pubblicate, consacra “Azimuth” non
pratica molto diffusa nel mondo
anche le sue connessioni con
solo come una rivista d’avanguardia
dell’arte: cioè quella delle riviste
alcuni rappresentati della poesia
internazionale ma anche come la
d’avanguardia: giornali fondati,
sperimentale coeva, cioè con i
voce in quel momento più autorevole
diretti, redatti e spesso anche
futuri esponenti di quello che sarà
per rappresentare le varie anime
stampati dagli stessi artisti.
chiamato Gruppo dei Novissimi e poi
del Gruppo Zero. La rivista è
MG
ancora Gruppo 63. Sono pubblicate
legata strettamente alla mostra
nella rivista poesie di Leo Paolazzi
La nuova concezione artistica,
(poi conosciuto come Antonio
terza esposizione organizzata da
1
Le mostre che vedono protagonisti i tre artisti
si svolgono in ordine presso: Galleria Pater, Milano;
Galleria del Prisma, Milano; Galleria Appia Antica,
Roma e Galerie Kasper, Losanna.
12 Partecipano alla mostra oltre a Manzoni:
2
Il 24 ottobre la galleria ospita la tappa italiana
della mostra Zero che ha luogo anche a Rotterdam
e ad Anversa; vengono esposte opere di Kees van
Bohemen, Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz,
Ian Pieters, Jan Sanders, Jan Schoonhoven,
Emil Schumacher, Shinkichi Tajiri e Jaap
Wagemacher. E’ Manzoni che favorisce i contatti
fra la galleria romana e gli artisti olandesi.
3
Il libro è costituito da otto fogli monocromi
e da una copertina con l’intestazione PMP.
4 Il saggio sarà poi inserito in Attributi dell’arte
odierna pubblicato da Feltrinelli nella collana
Materiali nel 1970 e recentemente ridato alla
stampa dall’editore Le Lettere (Firenze, 2008).
5
Il fatto è testimoniato da una lettera di Emilio
Villa a Piero Manzoni inviata da Roma e datata
13 giugno 1959.
6
Il secondo e ultimo numero della rivista esce
nel giugno del 1960.
7
Nella rivista sono raccolti interventi dedicati
a Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert Motherwell,
Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai Haber e Toti
Scialoja, accompagnati da immagini di opere di
Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli, Joseph Sima,
Lorri Whiting, Francesco Lo Savio, Cy Twombly
e Arnaldo Pomodoro.
8
Nello stesso periodo Manzoni partecipa anche
alla rivista “Direzioni” edita da Mondadori.
9
Gli eventi si sviluppavano nel corso di un’unica
serata, tranne che nel caso della quinta serata in
cui la mostra viene lasciata in esposizione per una
settimana.
Castellani e Manzoni nel loro spazio
espositivo. La galleria, che si trova
mostra alla galleria Appia Antica, di
nel seminterrato di un negozio in
Elio Pagliarani e di Nanni Balestrini.
zona Brera, si chiama Azimut (come
10 Manzoni si ferma a Düsseldorf mentre sta
viaggiando da Rotterdam, dove era stato per la
mostra al Kunstkring, a Kassel, dove si sta recando
per visitare Documenta II.
Sfogliando il secondo e ultimo
la rivista ma senza la h finale) e avrà
numero di “Azimuth” (gennaio 1960)
nel breve periodo nel quale che sarà
11 Ricordiamo la mostra Zero inaugurata al
appare con estrema chiarezza come
operativa (dal dicembre del 1959 al
Kunstkring di Rotterdam nel luglio del 1959.
47
46
Porta15), che aveva già scritto il testo
introduttivo per il catalogo della
Pol Bury, Oskar Holweck, Yves Klein, Heinz Mack,
Almir Mavignier, Herbert Oehm, Otto Piene, Dieter
Rot, Raphael Soto, Daniel Spoerri e Jean Tinguely.
14 Allegato alla rivista c’è un disegno di Tinguely
eseguito con una delle sue macchine automatiche.
15 Porta è forse quello fra i Novissimi che ha un
legame più stretto con Manzoni. Il poeta compone
infatti l’indomani della scomparsa dell’artista
un poemetto visivo intitolato Zero, che viene
presentato alla Galleria Blu di Milano nell’ottobre
del 1963 e pubblicato il mese seguente, in forma
lineare, sul primo numero della rivista “Marcatré”.
16 In questo periodo Kultermann, sta lavorando
alla preparazione della mostra Monochrome Malerei,
che aprirà nel marzo 1960 e sarà interamente
dedicata alla pittura monocroma.
17 Le Linee di Piero Manzoni, 4-21 dicembre 1959;
Mostra collettiva (Anceschi, Boriani, Castellani,
Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari,
Massironi, Zilocchi), 22 dicembre 1959-3 gennaio
1960; La nuova concezione artistica, 4 gennaio1 febbraio 1960; Enrico Castellani, 5-22 febbraio
1960; Massironi, Moldow, Oehm, Uecker,
23 febbraio-10 marzo 1960; Heinz Mack,
11-28 marzo 1960; Almir Mavignier, 5-15 aprile
1960; Motus, 15 aprile-2 maggio 1960; Corpi d’aria
di Piero Manzoni 3-9 maggio 1960; Alberti, Sordini,
Verga, 11–24 maggio 1960; Mostra collettiva (Biasi,
Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi, Mack,
Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow,
Pisani, Santini), 25 maggio-18 luglio 1960;
Mostra collettiva (Biasi, Breier, Castellani,
Mavignier, Motus, Pisani, Santini) inaugurazione
24 giugno 1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte,
21 luglio 1960.
enrico baj, lucio fontana, piero manzoni con elio
mainini, proprietario del bar jamaica, milano, 1960
48
Melania Gazzotti
idealen Ort für die Verwirklichung
die man wählen kann, um die
anspruchsvoller Architekturprojekte,
komplexe und spannende Geschichte
wie z. B. den Pirelli-Turm und den
der Azimut-Gruppe zu erzählen,
Torre Velasca und für die Weihe
ist es sicherlich am besten, sie
einer wirklichen und eigenen
im Zusammenhang einer der
Identität des italienischen Designs.
wichtigsten Ereignisse zu lesen, die
Künstlerisch gesehen, bot die
ihr kurzes, aber intensives Bestehen
Stadt eine lebhafte Szene, die von
geprägt haben: die Veröffentlichung
Persönlichkeiten wie Enrico Baj, dem
der gleichnamigen Zeitschrift.
Gründer der Atomkraft-Bewegung
Im September 1959 erschien in
im Jahre 1950 und Lucio Fontana,
Mailand die von Enrico Castellani
der 1947 aus Argentinien nach
und Piero Manzoni kuratierte
Italien zurückgekehrt die Idee des
Erstausgabe von „Azimuth“: Die
Spatialismus aufbrachte, inspiriert
Idee der beiden Kuratoren war,
wurde. Auch zahlreiche junge
einerseits einen Raum des Dialogs
Künstler, von denen die meisten auf
und der Verbreitung für neue
der Suche nach alternativen Wegen
künstlerische Ausdrucksformen
zu den dominanten informellen
zu schaffen und andererseits ein
Instanzen waren, arbeiteten in der
Instrument zur Förderung der Arbeit
Stadt und stellten ihre Werke aus.
der Gruppe und diese in Relation zu
zeitgenössischen, internationalen
Viele von ihnen sahen in Fontana
Erfahrungen zu bringen.
einen wahren Meister, der in der
Die Initiative wurde in einer Stadt
Lage war, ihnen den Pfad des
zum Leben erweckt, die genau
Experimentierens zu weisen und
in jenen Jahren erfolgreich die
ihnen dank einer großzügigen
katastrophalen Folgen des Zweiten
Anleitung nicht nur moralisch,
Weltkriegs überwunden hatte und
sondern auch wirtschaftlich
für das gesamte Land zum Modell
Unterstützung bot und dabei half,
für einen schnellen und effizienten
ihre Werke zu verkaufen.
wirtschaftlichen Aufschwung wurde.
Die Events, welche die Mailänder-
Das expandierende industrielle,
Kunst-Gemeinschaft vor allem in
demografische und wirtschaftliche
den Straßen des Brera-Viertels
Wachstum machte Mailand zu einem
veranstaltete, wo sich die meisten
49
Was Papier vermag
Oder wie man
Azimut (Gruppe)
über „Azimuth“
(Zeitschrift) liest.
Unter den vielen Möglichkeiten,
Zeitschrift mitzuarbeiten, die kurz
eine große Sensibilität und eine
darauf veröffentlicht wurde: Der
kosmopolitische Sichtweise der
Titel sollte den gleichen Namen
Kunst gegeben, die Villa ermöglichte,
wie die Galerie tragen. Die erste
einige der größten italienischen
Ausgabe von „Appia Antica“ erschien
und internationalen Talente zu
im Juli 19596 und spiegelte die
entdecken. Manzoni hegte für
internationale Vision Villas7 von der
ihn eine besondere Sympathie,
Kunst vollkommen wider. Manzoni
die sich darin zeiget, dass er ihm
steuerte dem römischen Magazin
ein Kunstbuch mit dem Titel
keinen einzigen Beitrag bei, da er es
PMP3, also Piero Manzoni Pirla,
wahrscheinlich vorzog, seine eigenen
schenkte, wahrscheinlich sollte
Ideen für die Verwirklichung eines
dies eine ironische Bezugnahme
persönlichen redaktionellen Projekts,
auf Kommunen mit Mailänder
nämlich „Azimut“ zurückzuhalten.
Ursprung sein. Die Wertschätzung
„Appia Antica blieb jedenfalls für die
Mailänder Gruppe ein interessantes
Beispiel einer avantgardistischen
Galerien, Ateliers (einschließlich
zur Unterstützung ihrer Arbeit zu
hatte und ihn zusammen mit
Zeitschrift, ebenso wie das
eines von Manzoni) befanden und
gründen: Der in den Vorab gewählten
Bonalumi einlud, aktiv5 an der
zeitgenössische Magazin „Esperienza
Veranstaltungsorte, darunter
Titel Pragma – d.h. zielorientiert“,
vor allen anderen die mythischen
Event“ - sollte die Initiative und Arbeit
moderna“ (1957-1959); 4 Zahlen),
Mack und Otto Piene im April 1958
Bar-Jamaika, in der sich auch ein
der Gruppe unterstreichen. Das
gegründet von Achille Perilli Gastone
in Düsseldorf gegründet und
großer Teil der „Azimut“ Geschichte
Projekt erlitt Schiffbruch, noch bevor
Novelli und „Gesto“ (1955-1959;
für die Mailänder ein wichtiger
abspielte.
es eine definitive Form annahm,
4 Zahlen), unter der Regie von Enrico
Anfang, auch wenn, wie wir sehen
Es ist genau dieses Ambiente, in
sodass Bonalumi sich entschloss,
Baj und Sergio Dangelo.
werden, die beiden Projekte sich
dem sich in den ersten Monaten des
seinen künstlerischen Werdegang
Der gleiche Manzoni8 arbeitete vor
unter verschiedenen Bedingungen
Jahres 1958 die Bindung zwischen
individuell zu verfolgen. Im April
seiner endgültigen Abkehr von der
entwickelten.
Manzoni und Castellani festigte.
1959 stellen die Drei ein letztes Mal
Kerngruppe aktiv an der dritten
Die Titelzeile entspricht dem, was
Die Zusammenarbeit zwischen den
in der Galerie Appia Antica2 in Rom
Ausgabe von Letzterer mit, die auch
die beiden deutschen Künstler im
beiden Künstlern führte zunächst
aus. Die Räumlichkeiten wurden
wegen ihres gelöcherten Einbands
September 1957 am Ende des 4.
zu einigen Ausstellungen1, an denen
von Emilio Villa, einer ebenso
bekannt war, einem Design Fontanas.
Abends einer Serie von organisierten
auch Agostino Bonalumi mitwirkte.
genialen wie außergewöhnlichen
Castellani und Manzoni hatten auch
Abenden in Form eines Happening/
Mit ihm zusammen hatten Castellani
Persönlichkeit verwaltet: Dem
außerhalb des Landes Bezugspunkte:
einer Ausstellung9 (Ausstellungen,
und Manzoni die Idee, eine Zeitschrift
Poeten, Kritiker, Künstler, Übersetzer
Die Zeitschrift „Zero“, von Heinz
die einen Abend lang dauern und
51
war gegenseitige, da Villa Manzoni4
kurz zuvor einen Aufsatz gewidmet
50
manifesto per la mostra bonalumi castellani manzoni, occasione in cui i tre
artisti espongono insieme una delle ultime volte. galleria appia antica,
roma _ 3 / 15 aprile 1959
(für altertümliche Sprachen) war
primo numero della rivista zero, fondata da heinz mack e otto piene a düsseldorf _ aprile 1958
und anderen europäischen
fungierte als Ausstellungskatalog.
Künstler ein geistiger Vater: Bei der
Gespräche stattfinden) für ihre
Erfahrungen aufgeschlossen war.
Im Herbst 1959 war es Mack,
Biennale 1956 in Venedig stieß Mack
eigene Gruppe gewählt hatten.
Der Kontakt zur italienischen
der sich nach Mailand begab, um
zum ersten Mal auf die Werke des
Das Wort wurde gewählt, da es ein
Gruppe wurde tatsächlich von
den italienischen Kollegen zu
argentinischen Meisters und verblieb
universaler Ausdruck war, der den
Manzoni aufrechterhalten, der
besuchen. Manzoni führte ihn in
derart tief beeindruckt, dass er diese
transnationalen Unternehmungen
sich im Juli 195910 nach Düsseldorf
den Künstlerkreis der Stadt ein,
Vision als einen wahren Wendepunkt
der beiden Künstler entsprach
begabt, wo er Mack und Piene
indem er eine Vielzahl von Treffen
in seiner künstlerischen Entwicklung
und mit wenigen Buchstaben
kennenlernt und auch Kontakte
organisierte: In wenigen Tagen lernte
empfand.
ihre Angst ausdrückte, dass die
zwischen den deutschen und
Mack neben Castellani auch Lucio
Die erste Ausgabe der Zeitschrift
vorherrschenden tachistischen
einigen niederländischen Künstlern
Fontana, Nanda Vigo, Piero Dorazio,
„Zero“ erschien im April 1958 und
und informellen Tendenzen zu
förderte, immer vereint unter
Dadamaino, Arnaldo Pomodoro
wurde anlässlich des siebten von
Gunsten einer Regeneration
dem Namen Zero, mit denen er
und Francesco Lo Savio kennen.
Mack und Piene organisierten Abende
der Kunst Überhand gewinnen
bereits zusammengearbeitet und
Von diesem Moment an begann
publiziert. Das für die Ausstellung
könnten. Zero wollte demnach
ausgestellt hatte11. Dank dieses
ein reger Austausch zwischen der
gewählte Thema, in der die Werke
keine nihilistische Verneinung,
ersten Treffens, wurde Manzoni
deutschen Gruppe und einer Vielzahl
zahlreicher Künstler vereint waren,
sondern ganz im Gegenteil eine
umgehend in der Ausstellung
italienischer Künstler, an dem auch
war das monochrome Rot. Die
„Zone der Stille“, in der sich neue und
Dynamo 1 aufgenommen, die in
verschiedene Exponenten der Gruppe
Zeitschrift, eine mit wenigen Mitteln
unendliche Möglichkeiten entwickeln
Wiesbaden im Juli 1959 stattfand
T aus Mailand und der Gruppe Enne
verwirklichte, dünne Ausgabe, diente
könnten. Diese Bestrebungen
und ein entscheidendes Ereignis
aus Padua teilnahmen. Dennoch blieb
der Ausstellung auch als Katalog.
spiegelten sich vollständig in der
war, aus dem mehrere Protagonisten
für Piene und Mack der Hauptkontakt
Die wenigen Seiten der ersten
nicht programmatischen Struktur
der entstehenden europäischen
in Italien Manzoni, zu dem zwischen
Ausgabe der „Zero“ bestanden aus
Ohne Zweifel ist jedoch die
Jedem Künstler wurde ein Abschnitt
der Gruppe wieder, die gegenüber
Avantgarde hervorgingen12. Die
1961 und 1962 Günther Uecker
einer Sammlung kritischer Essays
interessanteste Ausgabe der „Zero“
gewidmet und beinhaltete Fotos von
Kontaminationen, Kooperationen
dritte Ausgabe der Zeitschrift „Zero“
hinzukam, immer bereit, von einem
und Stellungsnahmen der Künstler,
die dritte und letzte, nicht nur wegen
Werken, Texte, Porträts und Projekte:
Teil Europas zum anderen zu reisen,
ohne irgendwelche Bilder. Die zweite
der dort dargestellten Inhalte – es
Im ersten Abschnitt geht es um
um seine eigenen Arbeiten und die
Ausgabe vom Oktober 1958 bedient
wurden viele Bilder und verschiedene
Lucio Fontana.
Werke von Kollegen zu fördern, um
sich der gleichen Struktur mit einigen
Texte gezeigt – sondern auch wegen
Die Wahl ist eindeutig eine Hommage
Kontakte zu erstellen, Chancen zu
hinzugefügten Reproduktionen
der experimentellen, grafischen
an die moralische Führung der
ergreifen und Kollaborationen zu
von Werken. Die Zeitschrift widmet
Darstellungen, die besonders am
Bewegung und eine Feststellung des
vereinbaren oder auch nur, um sich
sich dieses Mal dem achten Abend
Anfang und Ende der Ausgabe
großen Defizits, das viele Künstler
auszutauschen und zu vergleichen,
der Gruppe, bei dem das Thema
sehr interessant sind. Die im Juli
der Gruppe im Vergleich mit ihm
in einem solchen Maße, dass Piene
Vibration im Zusammenhang mit
1961 veröffentlichte Ausgabe
fühlten.
ihm den Spitznamen „Merkur von
einer Ausstellung von fünf Künstlern
konzentrierte sich hauptsächlich auf
Danach wurde Yves Kleins anderes
Zero13 verlieh. Lucio Fontana war
(Holweck, Mack, Mavignier, Piene e
das Thema Mensch/Natur/Technik
Sinnbild für die Entwicklung der
stattdessen für die beiden deutschen
Zillmann) behandelt wurde.
und ist in Abschnitte unterteilt:
Zero-Gruppe vorgestellt.
53
52
dynamo 1, galerie renate boukes, wiesbaden _ 10 luglio / 7 agosto 1959
dynamo 1, galerie renate boukes, wiesbaden _ 10 luglio / 7 agosto 1959
während derer Vorstellungen und
und der Vervielfältigung von Werken
den Grafik-Designer Cecco Re,
der Neo-Dada-Künstler Jasper Johns
eine verbrannte Seite.
der damals im Atelier von Max
und Robert Rauschenberg.
Es folgen Tinguely, Full, Mack, Arman,
Huber arbeitete. Re, von dem
Soto, Dorazio, Manzoni, Castellani,
auch der Vorschlag für den Namen
Der Debatte sind die Texte
Spoerri, Uecker, Rot, Holweck, Bury,
„Azimuth“ stammte, der den beiden
„Comunicazione“ (Kommunikation)
Adrian, Tomate, Lo Savio, Mavinger,
Redakteuren sofort gefiel, ist der
von Gillo Dorfles und „Consumo
Salentin, Van Hoeydonck, Moldow,
Autor der Titelseite, die gänzlich
nellárte dóggi“ (Konsum in der
Pohl, Kage, Aubertin, Peeters,
vom Logo eingenommen wird, ein
Kunst der Gegenwart) von Vincenzo
Schoonhoven, Rainer, Kleint.
komplexes Design mit eleganter
Agnetti 1°gewidmet:
Komposition, das auch in seiner
Non commettere atti impuri
In der Mitte der Zeitschrift gibt es
internen Paginierung sauber und
(Du sollst nicht ehebrechen)
eine Sammlung weiterer Texte, zu
nüchtern wirkt. Manzoni, der der
von Bruno Alfieri Automatismo,
Unter den ausländischen
denen auf insgesamt 216 Seiten
Faszination des Druckens erlag und
sperimentalità, circo equestre
Künstlern befanden sich auch
Totalità nell‘arte d‘oggi (Ganzheit in
in dieser Hinsicht über technische
(Automatismus, Experimente,
Charles Estienne und Carl Laszlo,
der heutigen Kunst) von Castellani
Kenntnisse verfügte - wie seine
Zirkus).
Zoltan Kemeny, Silvano Lora und
und Progetti immediati (Sofortige
Arbeiten Tavole di accertamento und
Über die gesamte Bandbreite des
Fernando Peña, Christian Megert,
Projekte) von Manzoni gehören.
die Serie der Linien und die Besuche
Kontakt-Netzwerks, das Manzoni
und Carl Laszlo, Letzterer beteiligte
Als im September 1959 „Azimuth“14
in der Mailänder Druckerei von
und Castellani, die in dieser Phase
sich mit dem Text „Avanguardia?“
erschien, hatten Castellani und
Antonio Maschera deutlich machen –
verschiedenen Erfahrungen
(Avantgarde?). Um die erste
Mazoni nur die Gelegenheit
gefiel dieser Aspekt natürlich.
noch offen gegenüberstanden,
Ausgabe der „Azimut“ besonders
gehabt, die erste „Zero“ Ausgabe
Unter dem Gesichtspunkt des
aufbauen konnten, erhält man
interessant zu gestalten, gab es auch
durchzublättern. Durch den
Inhalts schien das Magazin auf
durch die reproduzierten Werke eine
Verbindungen mit experimenteller
Vergleich der Grafiken und des
die Bezugspunkte der Gruppe zu
Vorstellung. Neben den Werken
zeitgenössischer Dichtung, d.h.
Inhalts der beiden Magazine wurd
verweisen:
der Deutschen Mack und Piene
mit den künftigen Mitgliedern der
schnell deutlich, dass die Mailänder
Es war eine Hommage an die
und mehreren Mitgliedern der
Gruppe, die später als Gruppo die
Publikation von Anfang an mit
historischen Avantgarde und
niederländischen Gruppe gab es
Novissimi (Gruppe der Neuen) und
weit ehrgeizigeren Absichten und
besonders an den Dadaismus mit
reproduzierte Werke der Italiener
dann noch als Gruppe 63 bezeichnet
einem größeren Bewusstsein für
Francis Picabia und Kurt Schwitters,
Franco Angeli, Sergio Dangelo,
wurde. In der Zeitschrift wurden
die ausgewählten Medien erstellt
eine Hommage an Fontana mit Text
Piero Dorazio, Gillo Dorfles, Gastone
Dichtungen von Leo Paolazzi
worden war.
von Guido Ballo, mit dem Titel Oltre
Novelli, Giò und Arnaldo Pomodoro,
(später bekannt als Antonio Porta15)
„Azimuth“ wies in der Tat ab der
la pittura (mehr als Malerei), die
Mario Rossello und Mimmo Rotella,
veröffentlicht, der zuvor bereits den
ersten Ausgabe ein sehr präzises
Präsenz von Klein, dem eine ganze
ebenso wie Werke von Castellani und
einleitenden Text für den Katalog
Design auf. Für das Projekt
Seite monochrom blau gewidmet ist,
Manzoni.
der Ausstellung in der Galerie Appia
55
beauftragen Castellani und Manzoni
Interventionen: Eine zerrissene und
54
Sein Abschnitt enthält zwei manuelle
Antica von Elio Pagliarani und Nanni
tatsächlich nahe fühlten.
das h am Ende), konnte in der kurzen
Balestrini geschrieben hatte.
Die beiden Künstler setzten sich
Zeit, die sie geöffnet war (von
Beim Durchblättern der zweiten
persönlich mit zwei wegweisenden
Dezember 1959 bis Juli 1960) eine
und letzten Ausgabe von „Azimuth“
Schriften ein - Castellani
rasante und zukunftsorientierte
(Januar 1960) wird sehr deutlich, wie
veröffentlichte Continuità e
Ausstellungstätigkeit vorweisen17.
der Bereich der Möglichkeiten, der in
nuovo (Kontinuität ist neu) und
Es gelang Castellani und Manzoni
der ersten Ausgabe offengelassen
Manzoni Libera dimensione
in der Tat viele der Adressen zu
wurde, hier reduziert wurde, um
(freie Abmessung) – die aus der
nutzen, die in den nachfolgenden
mit großer Bewusstheit lediglich
Publikation eine Art Manifest der
sechziger Jahren wichtig waren.
den Erfahrungen Raum zu geben,
Gruppe machten. Hinzugefügt
Wie die Galerie, so war auch die von
denen sich Castellani und Manzoni
wurde Udo Kultermann16 mit Una
den beiden Mailänder Künstlern
nuova concezione di pittura (einem
veröffentlichte Zeitschrift nicht nur
neuen Konzept der Malerei) und
aus künstlerischer, sondern auch aus
Piene con L‘oscurità e la luce (Piene
redaktioneller Sicht tendenziell einen
mit der Dunkelheit und dem Licht).
Schritt voraus.
Das Vorhandensein von Texten in
„Azimuth“ hat in der Tat, zusammen
Italienisch, Französisch, Englisch
mit wenigen anderen Zeitschriften,
und Deutsch, zusätzlich zu der
wie z. B. „Ana Eccetera“ aus Genua
Auswahl der veröffentlichten
(1958 -1971, 11 Ausgaben) und das
Werke, macht „Azimuth“ nicht nur zu
Magazin „Documento sud“ (159-
einer wegweisende internationale
1961, 6 Ausgaben) aus Neapel,
Zeitschrift, sondern auch zur
den Weg für das geebnet, was
autoritären Stimme, um zu diesem
später in den 60er und 70er Jahren
Zeitpunkt die verschiedenen Seelen
eine weit verbreitete Praxis in der
der Zero-Gruppe zu vertreten. Die
Kunstwelt werden sollte, nämlich die
Zeitschrift ist eng mit der dritten
avantgardistische Zeitschrift: Direkt
Ausstellung La nuova concezione
gegründete Zeitungen, oft direkt von
artistica (Das neue künstlerische
den gleichen Künstlern bearbeitet
Konzept) von Castellani und
und gedruckt.
Manzoni in ihrem Ausstellungsraum
MG
verbunden. Die Galerie, die sich im
Untergeschoss eines Geschäfts im
56
hieß, (wie die Zeitschrift, aber ohne
2
Am 24. Oktober fand in der Galerie den
italienischen Teil der Ausstellung statt, die auch in
Rotterdam und Antwerpen gezeigt wurde;
Es wurden Werke von Kees van Bohemen,
Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz, Ian Pieters,
Jan Sanders, Jan Schoonhoven, Emil Schumacher,
Shinkichi Tajiri und Jaap Wagemacher gezeigt.
Und es war Manzoni, der die Kontakte zwischen
der römischen Galerie und den niederländischer
Künstler förderte.
3
Das Buch bestand aus acht einfarbigen
Blättern und einem Deckblatt mit dem PMP-Header.
4
Das Schriftstück wurde anschließend im
Jahr 1970 von Feltrinelli in Attributi dell’arte
odierna veröffentlicht und vor kurzem an den
Verlag Le Lettere (Florenz, 2008) zum Drucken
zurückgegeben.
5
Die Tatsache wird durch einen Brief belegt,
der von Emilio Villa am 13. Juni 1959 aus Rom an
Piero Manzoni geschickt wurde.
6
Die zweite und letzte Ausgabe der Zeitschrift
erschien im Juni 1960.
7
In der Zeitschrift sind Arbeitsprojekte zu
sehen, die Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert
Motherwell, Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai
Haber und Toti Scialoja gewidmet sind, begleitet
von Bildern von Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli,
Joseph Sima, Lorri Whiting, Francesco Lo Savio,
Cy Twombly und Arnaldo Pomodoro.
8
Gleichzeitig beteiligte sich Manzoni auch
an der Zeitschrift “Direzioni” die von Mondadori
herausgegeben wurde.
9
Die Events fanden im Laufe eines einzigen
Abends statt, außer im Falle des fünften Abends,
ab dem die Ausstellung eine Woche lang gezeigt
wurde.
10 Manzoni verweilte in Düsseldorf nachdem
er aus Rotterdam, wo er sich auf dem Weg zur
Documenta II wegen der Ausstellung al Kunstkring
in Kassel aufgehalten hatte.
11 Wir erinnern uns an die Ausstellung Zero,
die im Juli 1959 in „al Kunstkring“ in Rotterdam
eröffnet wurde
12 An der Ausstellung nahmen außer Manzoni
folgende Künstler teil: Pol Bury, Oskar Holweck,
Yves Klein, Heinz Mack, Almir Mavignier, Herbert
Oehm, Otto Piene, Dieter Rot, Raphael Soto,
Daniel Spoerri und Jean Tinguely.
secondo numero della rivista azimuth pubblicata in
occasione della mostra la nuova concezione artistica
presso la galleria azimut, milano _ gennaio 1960
57
Viertel Brera befand und die Azimut
1
Die Ausstellung, bei denen die drei Künstler
Protagonisten sind, finden an nachfolgenden Orten
in dieser Reihenfolge statt: Galerie Pater, Mailand;
Galerie del Prisma, Mailand; Galerie Appia Antica,
Rom und Galerie Kasper, Lausanne.
14 Anhängend an der Zeitschrift ist eine
Zeichnung, die Tinguely mit einer seiner
automatischen Maschinen angefertigt hat.
15 Porta ist vielleicht einer unter den „Novissimi“,
der eine engere Verbindung mit Manzoni hatte.
Der Dichter schrieb in der Tat nach dem Verschwinden
des Künstlers ein visuelles Gedicht mit dem Titel
Zero, das im Oktober 1963 in der Mailänder Galerie
Blu vorgestellt und einen Monat später in linearer
Form in der Erstausgabe der Zeitschrift „Marcatré“
veröffentlicht wurde.
16 Während dieser Zeit arbeitete Kultermann
an der Vorbereitung der Ausstellung Monochrome
Malerei, die im März 1960 eröffnet wurde
und vollständig der monochromen Malerei
gewidmet war.
17 Le Linee von Piero Manzoni, 4.-21. Dezember
1959; Gruppenausstellung (Anceschi, Boriani,
Castellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni,
Mari, Massironi, Zilocchi), 22. Dezember 19593. Januar 1960; La nuova concezione artistica,
4. Januar – 1. Februar 1960; Enrico Castellani,
5.- 22. Februar 1960; Massironi, Moldow, Oehm,
Uecker, 23. Februar – 10. März 1960; Heinz Mack,
11.-28. März 1960 Almir Mavignier, 5. – 15. April
1960; Motus, 15. April – 2. Mai 1960; Corpi d’aria
von Piero Manzoni 3. – 9. Mai 1960; Alberti, Sordini,
Verga, 11. – 24. Mai 1960; Gruppenausstellung
(Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi,
Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier,
Moldow, Pisani, Santini), 25. Mai – 18. Juli 1960;
Gruppenausstellung (Biasi, Breier Castellani,
Mavignier, Motus, Pisani, Santini) Eröffnung 24. Juni
1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte, 21. Juli 1960.
Anceschi recalls first viewing Mack’s
work that December in the group
The Meanings
of Movement in
the Work of Zero,
Gruppo T,
and Gruppo N
exhibition Stringenz. Nuove tendenze
tedesche, held at the Galleria Pagani
del Grattacielo.3 Alberto Biasi of
Gruppo N, meanwhile, remembers
first encountering Zero in La nuova
concezione artistica—held at Azimut
from January to February 1960—in
Marina Isgrò
History
which Mack was also represented.4
European artists beginning their
Piero Manzoni’s Azimut gallery and
Mack would have a solo show
careers in the late 1950s and early
its associated publication provided
at Azimut in March, and other
1960s benefitted from a growing
the initial setting for interactions
exhibitions that year mixed members
atmosphere of internationality.
among the artists of the Zero Group,
of the Italian and German groups: one
As Otto Piene wrote, in the decade
Gruppo T, and Gruppo N, even while
included Massironi alongside Günther
after the end of WWII, “what had
the latter two groups were still in
Uecker, while two group shows in
been banged apart and closed
the process of forming. Manzoni,
before was now opening up”: artists
having met Heinz Mack and Otto
increasingly traveled across borders,
Piene in July 1959, printed work
exchanged ideas through journals,
by both artists in the first issue of
and participated in international
Azimuth that September, exposing
exhibitions.1 This essay examines the
them to a broader Italian audience.
relations between the artists’ groups
Three months later, the future
Zero, N, and T, providing a brief
members of T and N showed their
history of early contacts between
work at Azimut: the gallery’s second
the German and Italian groups before
exhibition, opening on December 22,
taking a closer look at the ways each
1959, included the work of Giovanni
approached the theme of movement.
Anceschi, Davide Boriani, Gianni
Invito per la seconda mostra della galleria azimut,
milano _ 22 dicembre 1959
the summer included Mack alongside
Biasi, Massironi, and Edoardo Landi
of Gruppo N.5
Colombo, and Gabriele Devecchi of
Gruppo T, and Manfredo Massironi
of Gruppo N.2
A second early site of interaction
between Zero and the Italian
groups was the left-wing Circolo del
encountered Zero’s art in person
Pozzetto in Padua, the home city
during the same period.
of Gruppo N.
59
58
The Italian groups would have first
Invito per l’esposizione massironi moldow oehm
uecker galleria azimut milano
23 febbraio - 10 marzo 1960
The relationship between the two
the artists’ work is frequently similar
in it, “time cannot be actualized.”11
movement of the viewer, giving rise
close relationship with Azimut,
and Gruppo T deepened at the IV
in material and form, Zero’s writings
Mack further theorizes his
to an ever-shifting play of form with
the members of N participated in a
San Marino Biennial of 1963—titled
frequently reveal an idealism that
conception of aesthetic movement
no discernable beginning or end—a
Padua-based version of La nuova
Beyond Informale—in which all three
is absent from the more rationalist,
in the second issue of Zero, aptly
vibration that, in Mack’s word, “stirs
concezione artistica at the Circolo
collectives showed, and Zero and N
quasi-scientific philosophies of T and N.
titled “Vibration.” Here, he defines
our souls.”13
that included the work of Biasi, Mack,
jointly won first prize.8
Light, for example, might stand for
vibration as “resting restlessness,”
Massironi, and others. An installation
Biasi recalls discussions and meetings
Zero as “the opposite of darkness,”
or “the expression of continuous
photograph shows three works
during the exhibition, primarily
but for the Italian groups as “an
movement.” This last point, stressing
by Mack, apparently examples of
with Mack, while Piene spoke in
electromagnetic frequency.”10
the sheer endlessness of vibratory
his aluminum “light reliefs,” hung
an interview of his friendship with
The remainder of this essay will
motion, is particularly important.
alongside one of Biasi’s punched-hole
Gruppo N and his gratitude for the
examine the treatment of another
Why might one seek motion that has
reliefs or Trame, making clear the
hospitality of Boriani and Colombo
central theme—movement—in the
no beginning or end? Mack gives a
artists’ common interests in light
of T during his time in Italy.9
three groups’ early writings, in order
poignant answer: endless movement
and space.6
Although Zero was expelled from
to elucidate the differences among
allows one to avoid “die Trauer
Despite these early intersections,
the New Tendencies group during
their approaches in greater detail.
des Endlichen”—“the sadness of
Biasi does not recall a substantial
its second exhibition, the Italians
In their initial statements in the
finality.”12
A very different conception of
in-person meeting with the German
and the Germans went on to show
Zero journal, Mack and Piene argue
Mack’s two statements thus reflect
movement appears in the work and
artists until the first edition of Nove
at several more exhibitions together
for the necessity of a particular
an almost naive kind of optimism: the
early writings of Gruppo T.
tendencije, a pan-European exibition
during the remainder of the 1960s.
kind of movement—which they call
idea that one may stave off endings
For the members of Zero writing in
of kinetic and perceptual art held in
In a particularly fitting case, Zero’s
“vibration”— in contemporary art.
by simply moving forever.
1958, vibration was in some sense
Zagreb in 1961, which included Zero
work returned to Italy for a 1965
In “The New Dynamic Structure,”
In “Resting Restlessness,” Mack
detached from the world; it existed
and Gruppo N.7
exhibition at the Atelier Fontana in
published in issue one in April 1958,
gives his reflective aluminum Light
in an aesthetic realm where standard
Milan, reuniting many figures who
Mack writes that the interactions
Reliefs as examples of artworks
notions of space and time could
had felt the older artist’s influence
among pictorial elements like line
that produce vibration. The reliefs
not apply. For the members of T,
over the preceding decade.
and color ideally create “virtual
consist of metal foil stamped with
however, the inclusion of movement
vibration, i.e., pure, perceptually
repetitive—though hand-shaped and
in art was in the service of a kind
creative movement.” This vibration
slightly irregular—patterns of curves
of realism: kineticism was meant
“cannot be found in nature,” is “free
and lines. (The artist specified that
to mirror, and to take part in, the
of all suggestive illusion,” and is
he did not want the patterns to be
conditions of the outside world.
the international art scene, it is
“directionless and therefore never
mechanically produced.)
Gruppo T’s first statement on
somewhat surprising to note just
finalized.” Because this abstract
Light reflecting on the surface of the
movement appeared on the occasion
how different their conceptual
notion of movement is unmoored
aluminum produces bright spots and
of their exhibition Miriorama 1,
approaches were. As Marco
from natural space, it is also removed
shadows that change according to
which opened on January 15, 1960,
Meneguzzo has argued, although
from our standard concepts of time;
environmental conditions and the
at Milan’s Galleria Pater.
61
Approaches to Movement
Given the groups’ proximity in
60
copertina catalogo nove tendecije,
zagabria - 1961
In April of 1960, as a result of their
while Zero produced a combination
share elements with those of their
of works in real motion and in virtual
colleagues in Düsseldorf and Milan.
or perceptual motion.) Existing in real
Like Gruppo T, the artists of N denied
time, the artworks even take on a life
the separateness of the aesthetic
of their own. As Boriani writes,
realm and rarely spoke of “beauty”
“In its real duration the work
and “feeling” as Mack and Piene did in
constantly reveals that which—
In a text written on the occasion of
the Zero journal; they too considered
through the initial input I have given
Miriorama 10, Lucio Fontana aptly
motion a constitutive part of reality.
it—will be its concrete, disquieting, or
summarized the work of the young
Yet they were much less literal than
artists of T: they “propose an art
Gruppo T in their conception of
that in its variation is continually
movement, sharing a strong interest
sorrowful presence.”16
These works, that is, take part in the
world, even to the point of seeming
il gruppo t al completo dopo l’adesione al movimento di grazia varisco
miriorama 2, mostra personale di davide boriani,
opera esposta in mostra: superficie magnetica
diametro 60 cm, galleria pater, milano
19 / 27 gennaio 1960
immersed in the present,” he wrote,
in virtual or perceptual movement
to lead their own lives and possess
“an art [...] that abandons evocation
with the German artists.
their own unique attitudes. Colombo,
for concreteness, that destroys
What stands out in the group’s early
too, reflects something of this
form and finds it again in organic
statements is their pronounced
movement.”19
scientific tone. Although Gruppo T
Gruppo N’s ideas on movement
and Zero, too, made references
sentiment when he writes that the
unpredictable succession of images
i componenti del gruppo n nello studio di piazza
duomo, padova _ 1964
in his work “can represent a true and
to contemporary developments in
as a constitutive part of reality,
preestablished”; but this desire
proper surprising drama.”17
science, Gruppo N took this rhetoric
which they define as “the continual
ignores the unstable, changing, fluid
Unsurprisingly, the group’s
much further. Their first official
becoming of phenomena which we
nature of the world and can only lead
production during this early period
statement, released on the occasion
perceive in variation.” Art should not
to disappointment.15
expresses an organic, animate
of the XII Premio Lissone in 1961,
be set apart from this world—it is
Additional statements published
quality. In Boriani’s Superfici
declared that the artists “deny the
itself “a reality made with the same
in connection with the Miriorama
magnetiche, hidden magnets,
spatial and temporal dimensions in
elements that constitute that reality
exhibitions explicitly relate these
powered by an electric motor, slowly
which man has lived deterministically
which surrounds us.”14
ideas to the group’s artworks. In
lift and drop heaps of iron dust into
until today,” instead choosing to
Alongside this realist impulse,
his Miriorama 2 pamphlet, Boriani
changing configurations, recalling
explore the “indeterminacy of inter-
Gruppo T expressed an ethical
reiterates that his understanding
bacteria under a microscope or an
phenomena,” a term that may be
one: they found it imperative to
of reality as “becoming” requires
underwater landscape. A critic would
taken from quantum mechanics.20
acknowledge the uncertainty of
him to give his works “an objective
later write of Colombo’s kinetic
The first writings from the group to
daily life, and thought that putting
temporal value.”
sculptures that they “wink,” “babble,”
address movement explicitly appear
art in motion could be part of
(Indeed, Gruppo T primarily produced
and “palpitate,” and often “seem
in 1962. In a series of collected
this project. As Anceschi wrote,
objects that truly moved—powered
to be absurd, sly creatures from
notes, they write, “The distinction
humans naturally want to “set our
by hand manipulation or by motors—
another world.”18
between real movement and
63
bourgeois feet on something solid,
62
Here the group named movement
inspiration from the tenets of
becoming.”
20th-century science.
1
Lee argues for the “obsession
with time” in the art of the 1960s,
a moment in which artists found
themselves confronted with new
technologies and social changes
that upended conventional notions
manifesto del gruppo n _ 1970
of time’s passage. Kinetic artists
were part of this trend, turning
to movement to advance their art
beyond the spatial dimension.
Yet, as we have seen, movement in
kinetic art may have many different
philosophical valences. In Zero’s early
writings, movement via “vibration”
serves to produce aesthetic feeling.
For Gruppo T during their “Miriorama”
“Otto Piene in Conversation with João Ribas,”
in Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011), 51.
2
Gruppo T’s formation began in 1959, and
the group officially showed together for the first
time in mid-January, 1960. Gruppo N’s founding is
sometimes also dated to 1959. However, according
to Alberto Biasi, Gruppo Enne—later called Gruppo
N—was formally constituted between late December
1960 and January 1961. Previously, Biasi and
Massironi had been involved in another group called
Enne-a or Ennea. See “An Interview with Alberto
Biasi” in Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere
scelte (Milan: Silvana Editoriale, 2013), 49.
3
Conversation with artist, April 16, 2014. Even
before this time, Fontana owned a relief by Mack,
which he purchased from the artist’s 1958 show at
Iris Clert. See “ZERO e Azimuth. Un pozzo artesiano.
Intervista di Stephan von Wiese a Heinz Mack,”
in Meneguzzo, Zero 1958-1968: Tra Germania
e Italia (Milan: Silvana Editoriale, 2004), 165.
11 Heinz Mack, “The New Dynamic Structure,”
translated and reprinted in Lawrence Alloway, Zero
(Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15.
12 Mack, “Resting Restlessness,” translated and
reprinted in ibid., 40-41.
13 Ibid., 40.
14 Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni
Colombo, and Gabriele Devecchi, “Miriorama 1:
Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater,
Milan, January 1960. Reprinted in Italo Mussa,
Il Gruppo Enne: La situazione dei gruppi in Europa
negli anni 60 (Rome: Bulzoni, 1976), 58.
Mussa’s volume contains facsimiles of all the major
texts released by the N and T groups.
15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milan,
February 1960. Reprinted in Mussa, 60.
16 The italics are mine.
4
“Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto
Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170.
For a deeply researched history of Azimut’s
exhibitions, see Francesca Pola, ed., Manzoni:
Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan:
Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker became
a “core” member of Zero between 1960 and 1961.
For a history of Zero, see Renate Wiehager, ZERO
aus Deutschland 1957-1966. Und heute
(Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York: D.A.P., 2000).
17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milan,
February 1960. Reprinted in Mussa, 60.
5
apparent movement is admissible as
through motors, their best-known
phase, movement grounds art in lived
a hypothesis, but void of meaning.”
work operates through optical
reality; and Gruppo N complicates
From the standpoint of human
effect.22
the terms of this reality through the
perception, they argue, these types
In their Optical-Dynamic reliefs,
insights of modern science.
of movement are indistinguishable.
produced by Biasi, for example,
Of course, these statements
6
Instead, it is more precise “to speak
twisted and superimposed strips
represent only one moment in the
of changes in relation to the essential
of plastic create the uncanny
development of the respective
variables: position, luminous
impression of shifting colors and
groups. The artists evolved and
intensity, perception time.”21
shapes as the spectator moves.
changed their perspectives as the
This argument is in clear conflict with
The works are more complicated than
years passed.23 Still, viewing them
7
Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. For a comprehensive
account of the Nove Tendencije shows, see Valerie
Lynn Hillings, “Experimental artists’ groups in
Europe, 1951-1968: Abstraction, interaction and
internationalism,” PhD diss., Institute of Fine Arts,
New York, 2002.
the statements of Gruppo T, who had
simple embraces of standardized
together reveals the diversity of
advocated for literal motion in art
forms and modern materials—the
approaches within the context of
two years earlier. Although Gruppo
artist made the works by hand
their common goal: to create art
N did produce some art objects that
through painstaking labor—but their
that was never finished but rather,
moved through spectator handling or
embrace of indeterminacy takes clear
in Gruppo T’s words, in “continual
64
10Meneguzzo, Zero, 45.
The image appears in Meneguzzo, Biasi, 11.
8
Meneguzzo refers to this occasion as the
“pinnacle” of relations between Zero and the Italian
groups. Meneguzzo, Zero, 45.
9
For Biasi’s comments, see “Intervista di Marco
Meneguzzo ad Alberto Biasi” in Meneguzzo, Zero,
170. For Piene’s comments, see Otto Piene, “L’Italia
di Fontana” in Meneguzzo, Zero, 163.
18 “Mostra d’arte. Gianni Colombo,” Corriere della
sera, Milan, October 16, 1968.
19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria
La Salita, Rome, April 1961. Reprinted in Mussa, 62.
20 Statement of Gruppo N on the occasion
of the XII Premio Lissone, Lissone, 1961.
Reprinted in Mussa, 300.
21 Collected writings of Biasi and Landi for
Gruppo N, 1962. Reprinted in Mussa, 304.
22 Unlike their fellow groups, for most of their
existence Gruppo N signed their work collectively
rather than attributing it to any individual member.
23 For instance, the artists of Zero were not
always unanimous about the correct path for the
group. See Dieter Honisch and Heiner Stachelhaus,
“Assertions: A discussion about ZERO: Heinz Mack,
Otto Piene, Günther Uecker,” in Wiehager, 55-57.
65
In her book Chronophobia, Pamela
MI
La concezione del
movimento nelle opere
di Zero, Gruppo T,
e Gruppo N
questi ultimi due gruppi erano ancora
I gruppi italiani avrebbero conosciuto
in fase di formazione. Manzoni, dopo
per la prima volta l’arte Zero, in
aver incontrato Heinz Mack e Otto
maniera diretta, durante lo stesso
Piene nel luglio 1959, stampò delle
periodo. Anceschi ricorda la prima
opere di entrambi gli artisti nel primo
volta che vide l’opera di Mack nel
numero di Azimuth del settembre
dicembre di quell’anno alla mostra
di quell’anno, facendoli conoscere
collettiva Stringenz. Nuove Tendenze
a un pubblico italiano più vasto. Tre
Tedesche, tenutasi presso la Galleria
mesi più tardi, i futuri membri del T
Pagani del Grattacielo.3 Alberto Biasi
e N mostrarono le loro opere presso
del Gruppo N, nel frattempo, ricorda
la galleria Azimut; nella seconda
di aver scoperto Zero durante La
Storia
mostra della galleria, che inaugurò il
Nuova Concezione Artistica, tenutasi
Gli artisti europei che iniziarono la
La galleria Azimut di Piero Manzoni
22 dicembre 1959, furono esposte
alla galleria Azimut dal gennaio al
loro carriera alla fine degli anni ‘50
e la sua pubblicazione associata
anche le opere di Giovanni Anceschi,
febbraio del 1960, in cui, anche in
e i primi anni ‘60 beneficiarono di un
fornirono le premesse per le
Davide Boriani, Gianni Colombo e
questa occasione, furono esposte
crescente clima di internazionalità.
interazioni tra gli artisti del Gruppo
Gabriele Devecchi del Gruppo T, e
alcune opere di Mack.4
Come scrisse Otto Piene, nel
Zero, Gruppo T e Gruppo N, anche se
Manfredo Massironi del Gruppo N.2
decennio dopo la fine della seconda
Marina Isgrò
guerra mondiale, “ciò che era stato
messo da parte e nascosto ora si
stava ripresentando”: gli artisti
iniziavano a viaggiare sempre di più
attraverso le frontiere, scambiandosi
le idee attraverso riviste e
partecipando a mostre internazionali.1
Questo saggio esamina i rapporti
tra gli artisti dei gruppi Zero, N e T,
fornendo una breve storia dei primi
incontri tra i gruppi tedeschi e italiani,
concludendo con una disamina più
specifica sui diversi approcci
di ciascun gruppo al tema
invito per la mostra la nuova concezione artistica
galleria azimut milano _ gennaio/febbraio 1960
67
66
del movimento.
due mostre collettive nell’estate di
altre mostre nel corso degli anni ‘60.
Piene sostengono la necessità di un
personale presso Azimut a marzo e,
quell’anno presentavano le opere
In una situazione particolare,
particolare tipo di movimento,
sempre in quell’anno, altre mostre
di Mack insieme a quelle di Biasi,
il lavoro di Zero venne ripresentato in
da loro chiamato “vibrazione”,
che esponevano congiuntamente
Massironi e Edoardo Landi del
Italia per una mostra del 1965 presso
nell’arte contemporanea.
opere sia del gruppo tedesco che di
Gruppo N.5
l’Atelier Fontana a Milano, riunendo
Nello scritto “La Nuova Struttura
quello italiano: una presentava le
Un secondo luogo in cui si svolsero
molti appassionati che avevano
Dinamica”, pubblicato nel numero
opere di Massironi accanto a quelle di
i primi incontri tra Zero e i gruppi
sentito l’antica influenza di Fontana
uno del mese di aprile 1958, Mack
Günther Uecker, mentre altre
italiani fu il circolo di sinistra chiamato
nel corso del decennio precedente.
scrive che le interazioni tra elementi
Circolo del Pozzetto a Padova, la
città natale del Gruppo N. Nel mese
di aprile del 1960, grazie alla loro
stretta relazione con la galleria
Azimut, i membri di N parteciparono
alla versione padovana de La Nuova
Concezione Artistica presso il Circolo,
durante la quale vennero esposte
le opere di Biasi, Mack, Massironi, e
altri. Una fotografia mostra tre opere
di Mack, apparentemente esempi
dei suoi “rilievi di luce” in alluminio,
appese accanto a uno dei rilievi
perforati di Biasi o Trame, rendendo
evidente l’interesse comune degli
artisti per la luce e lo spazio.6
copertina catalogo oltre l’informale, IV biennale internazionale d’arte di san marino _ 1963
Mack avrebbe poi tenuto una mostra
pittorici come la linea e il colore
creano idealmente “vibrazione
virtuali, vale a dire, puro movimento,
al movimento
percettivamente creativo”. Questa
Data la vicinanza dei gruppi nel
vibrazione “non può essere trovata in
panorama artistico internazionale,
natura”, è “libera da tutte le illusioni
è piuttosto sorprendente notare
suggestive”, ed è “senza direzione, e
quanto fossero diversi i loro approcci
quindi mai finalizzata”. Poiché questa
concettuali. Come ha sostenuto
nozione astratta di movimento è
Marco Meneguzzo, anche se il lavoro
scollegata dallo spazio naturale,
degli artisti è spesso simile nei
viene rimossa anche dalla nostra
materiali e nelle forme, gli scritti di
normale concezione del tempo;
Zero spesso rivelano un idealismo
in essa, “il tempo non può essere
che è assente dalle filosofie più
attualizzato”.11
razionaliste, quasi-scientifiche,
Nonostante questi primi incroci, Biasi
di T e N. La luce, per esempio,
Mack continua a teorizzare sulla
potrebbe rappresentare per Zero
sua concezione del movimento
non ricorda un incontro rilevante
alla IV Biennale di San Marino del
il Gruppo N e della sua gratitudine per
“l’opposto dell’oscurità”, mentre
estetico nel secondo numero di Zero,
di persona con gli artisti tedeschi
1963, chiamata Oltre l’informale,
l’ospitalità di Boriani e Colombo del
per i gruppi italiani “una frequenza
giustamente intitolato “Vibrazione”.
fino alla prima edizione della Nove
in cui tutti e tre i gruppi esposero
gruppo T durante la sua permanenza
elettromagnetica”.10 Il resto di
In uno scritto presente all’interno
tendencije, una mostra pan-europea
le proprie opere, e Zero e N vinsero
in Italia.9
questo saggio tratterà un altro tema
di questo numero egli definisce
di arte cinetica e percettiva tenutasi a
insieme il primo premio.8
Sebbene il gruppo Zero fu espulso
centrale, il movimento, nei primi
la vibrazione come “irrequietezza
Zagabria nel 1961, che esponeva
Biasi ricorda le discussioni e gli
dal gruppo Nuove tendenze durante
scritti dei tre gruppi, al fine di chiarire
a riposo”, o “espressione di un
incontri durante la mostra, in primo
la sua seconda mostra, gli italiani
le differenze tra i loro approcci
movimento continuo”. Quest’ultimo
luogo con Mack, mentre Piene parlò
e i tedeschi continuarono a esibire
più nel dettaglio. Nelle loro prime
punto, che sottolinea l’infinità
Gruppo T divenne ancora più solido
in un’intervista della sua amicizia con
insieme le proprie opere in diverse
dichiarazioni sulla rivista Zero, Mack e
assoluta del moto vibratorio,
69
le opere di Zero e Gruppo N.7
Il rapporto tra questi due gruppi e il
68
inviti a mostre presso la galleria azimut in cui
esponenti del gruppo t e n figurano accanto ad
alcuni artisti del gruppo zero _ estate 1960
Approcci concettuali
è particolarmente importante.
Una diversa concezione del
Perché si dovrebbe cercare un
movimento appare nel lavoro e nei
movimento che non ha inizio, né fine?
primi scritti del Gruppo T.
Mack dà una risposta pertinente:
Per i membri di Zero che scrivevano
il movimento infinito permette di
nel 1958, la vibrazione era in un certo
evitare il “Trauer des Endlichen”
senso distaccata dal mondo; esisteva
– “la tristezza della finalità”.12
in un regno estetico dove non si
Le due affermazioni di Mack
potevano applicare le concezioni
riflettono quindi una sorta di ingenuo
standard di spazio e di tempo.
ottimismo: l’idea che si possa
Per i membri di T, tuttavia, l’inclusione
scongiurare la fine semplicemente
del movimento nell’arte era al servizio
muovendosi continuamente.
di una sensazione di realismo:
il cinetismo aveva lo scopo di copiare
Nello scritto Irrequietezza a riposo
le condizioni del mondo esterno,
Mack mostra i suoi “rilievi di luce” in
prendendone parte.
alluminio riflettente come esempi
di opere d’arte che producono
La prima dichiarazione del Gruppo T
vibrazioni. I rilievi sono costituiti da
sul movimento apparve in occasione
una lamina di metallo stampato con
della sua mostra Miriorama 1,
modelli ripetitivi, sebbene plasmati
inaugurata il 15 gennaio 1960, presso
dalla mano e leggermente irregolari,
la Galleria Pater di Milano.
di curve e linee (l’artista precisò di
Qui il gruppo definì il movimento
non volere dei modelli da produrre
come parte costitutiva della realtà;
meccanicamente). La luce che si
gli esponenti del gruppo
riflette sulla superficie dell’alluminio
concepiscono il movimento come un
produce punti luminosi e ombre
“continuo divenire di fenomeni che
che cambiano secondo le condizioni
noi percepiamo nella variazione”.
ambientali e il movimento dello
L’arte non deve essere scollegata da
spettatore, dando luogo ad un gioco
questo mondo, essa stessa è “una
di forme mutevoli senza inizio né
realtà fatta con gli stessi elementi
fine percepibili; una vibrazione che,
che costituiscono quella realtà che
nelle parole di Mack, “agita le nostre
ci circonda”.14
anime”.13
Accanto a questo impulso realista,
primo manifesto del gruppo t in occasione
di miriorama 1, galleria pater, milano
15 gennaio 1960
71
70
il Gruppo T ne espresse uno etico:
per esso era imperativo riconoscere
ribadisce che la sua comprensione
Queste opere, cioè, diventano
raramente parlarono di “bellezza”
scrivono: “La distinzione tra
l’incertezza della vita quotidiana,
della realtà come “divenire” gli
parte nel mondo, anche al punto da
e “sentimento” come fecero Mack e
movimento reale e movimento
e pensò che mettere l’arte in
richiede di dare alle sue opere “un
sembrare di condurre una vita propria
Piene sulla rivista Zero; anche loro
apparente è ammissibile per ipotesi,
movimento potesse essere parte
oggettivo valore temporale” (infatti,
e possedere degli atteggiamenti
consideravano il movimento come
ma priva di significato”. Dal punto
di questo progetto. Come scrisse
il Gruppo T produsse principalmente
unici. Anche Colombo sembra essere
una parte costitutiva della realtà.
di vista della percezione umana,
Anceschi, gli esseri umani vogliono
oggetti che si muovevano veramente,
in sintonia con questo sentimento
Eppure erano molto meno letterali
sostiene il gruppo, questi tipi di
naturalmente “poggiare i nostri piedi
mossi a mano o meccanicamente,
quando scrive che la successione
del Gruppo T nella loro concezione
movimento sono indistinguibili.
borghesi su qualcosa di solido, di
mentre Zero produsse una
imprevedibile di immagini nella sua
di movimento, condividendo un forte
Invece, è più preciso “parlare di
precostituito”; ma questo desiderio
combinazione di opere in movimento
opera “potrà rappresentare un vero
interesse per il movimento virtuale
mutamenti in relazione alle variabili
ignora la natura instabile, mutevole
reale e in movimento virtuale o
e proprio sorprendente dramma”.17
o percettivo con gli artisti tedeschi.
essenziali: posizione, intensità
e fluida del mondo e non può che
percettivo). Esistenti nel tempo reale,
Naturalmente, la produzione del
Ciò che risalta nelle prime
luminosa, tempo di percezione”.
portare alla delusione.15
le opere d’arte hanno una vita propria.
gruppo durante questo primo periodo
dichiarazioni del gruppo è il
Questa posizione è in chiaro
Come scrive Boriani, “Attraverso
esprimeva una qualità organica
tono scientifico prominente.
contrasto con le dichiarazioni del
Altre dichiarazioni pubblicate in
la sua reale durata, l’opera rivela
e animata. Nelle opere intitolate
Sebbene anche il Gruppo T e
Gruppo T, che aveva sostenuto una
connessione con le mostre Miriorama
costantemente quella che, attraverso
Superfici Magnetiche di Boriani,
Zero avessero fatto riferimento
concezione letterale del movimento
collegano esplicitamente queste
l’impronta iniziale data da me, sarà la
dei magneti nascosti, alimentati
a sviluppi contemporanei nel
nell’arte durante i due anni
idee alle opere del gruppo. Nel suo
sua concreta, inquietante o dolorosa
da un motore elettrico, sollevano
campo della scienza, il Gruppo N
precedenti.
pamphlet Miriorama 2, Boriani
presenza.”16
e rilasciano lentamente mucchi di
sviluppò ulteriormente questa
Sebbene il Gruppo N abbia
polvere di ferro dalle forme mutevoli,
In un testo scritto in occasione
idea. Nella sua prima dichiarazione
prodotto alcuni oggetti d’arte
ricordando quelle dei batteri visti
del Miriorama 10, Lucio Fontana
ufficiale, rilasciata in occasione
che si muovevano attraverso la
al microscopio o un paesaggio
sintetizzò giustamente il lavoro
del XII Premio Lissone nel 1961,
manipolazione dello spettatore o
sottomarino. Successivamente,
dei giovani artisti di T, scrivendo:
il gruppo dichiarò che gli artisti
meccanica, la sua opera più nota si
un critico scriverà che le sculture
essi “propongono un’arte che
“negano le dimensioni spaziali e
basa sull’effetto ottico. Ad esempio,
cinetiche di Colombo “ammiccano”,
nella variazione è continuamente
temporali in cui l’uomo è vissuto
nei loro rilievi Ottico-dinamici,
“barbugliano” e “palpitano” e spesso
immersa nel presente, un’arte […]
fino ad oggi deterministicamente”,
prodotti da Biasi, dei nastri di plastica
“sembrano assurde sornione creature
che abbandona l’evocazione per la
scegliendo invece di esplorare
intrecciati e sovrapposti creano
animali di un altro mondo.”18
concretezza, che distrugge la forma e
la “indeterminazione degli
l’impressione inquietante di colori
la ritrova nel movimento organico”.19
interfenomeni”, un termine che
e forme che cambiano quando
Le idee del Gruppo N sul movimento
deriva dalla meccanica quantistica. 20
lo spettatore si muove. Le opere
hanno degli elementi in comune con
sono più complicate di semplici
quelle dei loro colleghi di Düsseldorf e
I primi scritti del gruppo che
adozioni di forme standardizzate e
Milano. Come quelli del Gruppo T,
affrontano il tema del movimento
materiali moderni. Infatti, l’artista
gli artisti di N negavano la
appaiono esplicitamente nel 1962.
creò le opere a mano attraverso un
separatezza del regno estetico e
In una serie di appunti raccolti,
lavoro scrupoloso, ma il loro accento
73
mostra del gruppo t di milano (giovanni anceschi,
davide boriani, gianni colombo, gabriele devecchi,
grazia varisco). presentazione di bruno munari.
le opere: “oggetti miriorama”, studio enne, padova
17 febbraio / 1 marzo 1962
72
mostra miriorama 10 con interessante scritto di lucio
fontana sul lavoro dei giovani artisti del gruppo t,
galleria la salita, roma _ aprile 1961
sull’indeterminatezza trae una
rivela la diversità di approcci nel
chiara ispirazione dai principi della
contesto del loro obiettivo comune:
scienza del 20° secolo. Nel suo libro
creare un’arte che non fosse mai
Chronophobia, Pamela Lee sostiene
finita ma, piuttosto, nelle parole del
la “ossessione del tempo” nell’arte
Gruppo T, in “continuo divenire”.
degli anni ‘60, un periodo in cui gli
MI
artisti iniziarono a confrontarsi con
le nuove tecnologie e i cambiamenti
sociali, provocando un cambiamento
radicale nella nozione convenzionale
del passaggio del tempo.
Artisti cinetici facevano parte di
questa tendenza, rivolgendosi al
movimento per creare una loro arte
che andasse al di là della dimensione
spaziale. Eppure, come abbiamo
visto, il movimento nell’arte cinetica
può avere tante valenze filosofiche
differenti. Nei primi scritti di Zero,
il movimento tramite “vibrazione”
serve per produrre un senso estetico.
Per il Gruppo T, durante la loro fase
di “Miriorama”, il movimento ancora
l’arte nella realtà vissuta; infine, il
Gruppo N complica i termini di questa
realtà attraverso le intuizioni della
scienza moderna.
Ovviamente, queste dichiarazioni
rappresentano solo un determinato
momento dello sviluppo dei rispettivi
gruppi. Gli artisti si evolverono e
cambiarono i loro punti di vista nel
corso degli anni.
8
Meneguzzo si riferisce a quest’occasione come
al “culmine” delle relazioni fra Zero e i gruppi italiani.
Meneguzzo, Zero, 45.
“Otto Piene in Conversation with João Ribas,”
in Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011),
51.
9
Per i commenti di Biasi, vedere “Intervista di
Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi” in Meneguzzo,
Zero, 170. Per i commenti di Piene, vedere Otto
Piene, “L’Italia di Fontana” in Meneguzzo, Zero, 163.
2
10
1
La formazione del Gruppo T iniziò nel 1959,
ed il gruppo si presentò insieme per la prima volta
nella metà di gennaio del 1960. Anche la fondazione
del Gruppo N è, a volte, datata 1959. Tuttavia,
secondo Alberto Biasi, il Gruppo Enne, più tardi
chiamato Gruppo N, fu costituito formalmente fra
la fine di dicembre del 1960 ed il gennaio del 1961.
Precedentemente, Biasi e Massironi erano stati
coinvolti in un altro gruppo chiamato Enne-a
o Ennea. Vedere “Intervista con Alberto Biasi”
in Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere scelte
(Milano: Silvana Editoriale, 2013), 35.
3
Conversazione con l’artista, 16 aprile 2014.
Anche prima di questa data, Fontana possedeva un
rilievo di Mack, che aveva acquistato nel 1958 presso
una mostra dell’artista all’Iris Clert. Vedere “ZERO e
Azimuth. Un pozzo artesiano. Intervista di Stephan
von Wiese a Heinz Mack,” in Meneguzzo, Zero
1958-1968: Tra Germania e Italia (Milano: Silvana
Editoriale, 2004), 165.
4
5
Per una cronologia dettagliata delle mostre
tenutesi presso Azimut, vedere Francesca Pola,
Manzoni: Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan:
Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker divenne
un esponente “di punta” di Zero fra il 1960 e il
1961. Per conoscere la storia di Zero, vedere Renate
Wiehager, ZERO aus Deutschland 1957-1966.
Und heute (Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York:
D.A.P., 2000).
6
Nonostante ciò, la visione d’insieme
75
74
dichiarazione del gruppo n in occasione del XII
premio lissone, lissone _ 1961
7
Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Per un resoconto
dettagliato delle mostre Nove Tendencije, vedere
Valerie Lynn Hillings, “Experimental artists’ groups
in Europe, 1951-1968: Abstraction, interaction and
internationalism,” PhD diss., Institute of Fine Arts,
New York, 2002.
L’immagine appare in Meneguzzo, Biasi, 11.
Meneguzzo, Zero, 37.
11 Heinz Mack, “The New Dynamic Structure,”
tradotto e ristampato su Lawrence Alloway, Zero
(Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15.
12
Mack, “Resting Restlessness,” tradotto e
ristampato su ibid., 40-41.
13
Ibid., 40.
Colombo, e Gabriele Devecchi, “Miriorama 1:
Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater, Milano,
gennaio 1960. Ristampato in Italo Mussa, Il Gruppo
Enne: La situazione dei gruppi in Europa negli anni
60 (Roma: Bulzoni, 1976), 58. Il volume di Mussa
contiene dei facsimile di tutti i testi principali
prodotti dai gruppi N e T.
15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milano,
febbraio 1960. Ristampa in Mussa, 60.
16
I caratteri in corsivo sono miei.
17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milano,
febbraio 1960. Ristampa in Mussa, 60.
sera, Milano, 16 ottobre 1968.
19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria La
Salita, Roma, aprile 1961. Ristampa in Mussa, 62.
20 Dichiarazione del Gruppo N in occasione del XII
Premio Lissone, Lissone, 1961. Ristampa in Mussa,
300.
manifesto per la mostra personale di heinz mack galleria
azimut milano _ 11 marzo 1960
Geschichte
76
Marina Isgrò
Galleria del Pagani Grattacielo.3
die entsprechende Veröffentlichung
Alberto Biasi von der Gruppo N
schafften eine erste Basis für die
erinnert in der Zwischenzeit an die
Zusammenarbeit zwischen den
erste Begegnung mit Zero in La
Künstlern der Gruppe Zero, Gruppo
nuova Concezione artistica, die in
T und Gruppo N, während die beiden
der Azimut-Galerie von Januar bis
letztgenannten Gruppen sich noch
Februar 1960 gezeigt wurde, in
bildeten. Nachdem Manzoni Heinz
der Mack ebenfalls vertreten war.4
Europäische Künstler, die ihre
Mack und Otto Piene im Juli 1959
Mack würde im März in der Azimut-
Karriere in den späten 1950er und
getroffen hatte, wurde das Werk
Galerie eine Einzelausstellung haben,
frühen 1960er Jahren begannen,
beider Künstler in der ersten Ausgabe
andere Ausstellungen in diesem Jahr
profitierten von einer zunehmend
des Azimuth in diesem September
mischten Mitglieder der italienischen
internationalen Atmosphäre. Wie
gedruckt, damit wurden sie einem
und deutschen Gruppen: bei einer
Otto Piene in den zehn Jahren nach
breiteren italienischen Publikum
Gruppe war Massironi und Günther
dem Ende des Zweiten Weltkrieg
bekannt gemacht. Drei Monate
Uecker dabei, während bei zwei
schrieb „was auseinander knallte und
später präsentierten die zukünftigen
Gruppenausstellungen im Sommer
davor geschlossen wurde, öffnete
Mitglieder der Gruppen T und N
Mack, Biasi, Massironi und Edoardo
sich jetzt“: Künstler überschritten
ihre Arbeiten in der Azimut Galerie:
Landi von der Gruppo N dabei waren.5
zunehmend die Grenzen, tauschten
die zweite Ausstellung, die am 22.
Ein zweiter früher Interaktionsort
Ideen in Fachzeitschriften aus
Dezember 1959 eröffnet wurde,
zwischen Zero und den italienischen
und nahmen an internationalen
enthielt Arbeiten von Giovanni
Gruppen war der linke Circolo del
Ausstellungen teil.1 Dieser Aufsatz
Anceschi, Davide Boriani, Gianni
Pozzetto in Padua, der Heimatstadt
untersucht die Beziehungen
Colombo, und Gabriele Devecchi der
der Gruppo N. Im April 1960 nahmen
zwischen den Künstlergruppen
Gruppo T und Manfredo Massironi
die Mitglieder der Gruppo N als
Zero, N und T und erzählt eine kurze
der Gruppo N.2
Ergebnis ihrer engen Beziehung zu
Geschichte der frühen Kontakte
Die italienischen Gruppen hätten
Azimut an einer Version des
zwischen den deutschen und
im gleichen Zeitraum Zeros
La nuova concezione artistica
italienischen Gruppen, bevor ein
Kunst persönlich hervorgebracht.
aus Padua am Circolo teil, sie
genauerer Blick auf die Art und
Anceschi zeigt in diesem Dezember
enthielt Arbeiten von Biasi, Mack,
Weise geworfen wird, wie sie sich
zuerst Macks Arbeit in der
Massironi und anderen. Eine
jeweils dem Thema der Bewegung
Gruppenausstellung Stringenz.
Installationsfotographie zeigt drei
annäherten.
Nuove Tendenze tedesche, in der
Arbeiten von Mack, offensichtlich
77
Bedeutung der
Bewegung im den
Arbeiten von Zero,
Gruppo T und Gruppo N
Piero Manzonis Azimut Galerie und
manifesto per la mostra la nuova concezione artistica,
circolo del pozzetto, padova _ aprile 1960
Beispiele seiner „Lichtreliefs“ aus
Ausstellung aus der New Tendencies
Ansätze der Bewegung
Der Rest dieses Essays untersucht
Aluminium, aufgehängt neben
Gruppe ausgeschlossen wurde,
Angesichts der Nähe der Gruppen
die Behandlung eines anderen
einer von Biasis gelochten Reliefs
stellten Italiener und Deutschen
zur internationalen Kunstszene
zentralen Themas -Bewegung- in
oder Trame. Diese zeigen klar das
auf mehreren Ausstellungen im
ist es etwas überraschend, wie
frühen Schriften der drei Gruppen,
generelle Interesse an Licht und
verbleibenden Teil der 1960er
unterschiedlich ihre konzeptionellen
um die Unterschiede zwischen den
Raum.6
Jahre aus. In einem besonders
Ansätze waren. Wie Marco
Ansätzen im Detail aufzuklären.
Trotz dieser frühen Begegnungen
passenden Fall kehrte Zeros
Meneguzzo argumentierte, obwohl
In den ersten Aussagen in der
erinnert sich Biasi bis zur ersten
Arbeit für eine Ausstellung 1965
die Arbeit der Künstler in Material
Zero Zeitschrift sprechen Mack
Ausgabe des Nove tendencije,
in das Atelier Fontana in Mailand
und Form häufig ähnlich ist, zeigen
und Piene über die Notwendigkeit
einer pan-europäischen
nach Italien zurück. Dabei wurden
die Arbeiten der Gruppe Zero
einer besonderen Art Bewegung,
Ausstellung von kinetischer und
viele Persönlichkeiten, die den
häufig einen Idealismus, der nicht
die sie - in der zeitgenössischen
wahrnehmungsgeprägter Kunst,
Einfluss des älteren Künstlers im
dem Rationalismus und den quasi-
Kunst - „Vibration“ nennen. In
welche 1961 in Zagreb abgehalten
vorangegangenen Jahrzehnt erlebt
wissenschaftlichen Philosophien
„Die Neue Dynamische Struktur“,
wurde und die Gruppe Zero und
hatten, wieder zusammengeführt.
der Gruppe T und N entspricht.
deren erste Ausgabe im April 1958
Gruppo N umfasste nicht an
veröffentlicht wurde, schreibt Mack,
wesentliche persönliche Beziehung
dass die Wechselwirkungen zwischen
zu den deutschen Künstlern.7
Bildelementen, wie Linien und Farben
Die Beziehung zwischen den beiden
idealerweise „virtuelle Vibrationen, d.
und der Gruppo T vertiefte sich an
h., reine, wahrgenommene, kreative
der IV San Marino Biennale 1963 —mit
Bewegung schafft.“ Diese Vibration
Titel „Vibration“. Hier definiert
Optimismus: die Idee, dass man
dem Titel Beyond Informale—in der
„ist in der Natur nicht zu finden“,
er Vibrationen als „ruhende
Enden abwehren kann, indem man
alle drei Kollektive ausstellten und
sie ist „frei von jeder suggestiven
Unruhe“ oder „den Ausdruck der
sich einfach immer bewegt.
Zero und die Gruppo N gemeinsam
Illusion“, sie ist „richtungslos und
kontinuierlichen Bewegung“.
In „ruhende Unruhe“ zeigt Mack
den ersten Preis gewannen.8
deshalb nie fertig“, weil dieser
Dieser letzte Punkt, der die schiere
seine reflektierenden Lichtreliefs
Biasi, erinnert sich an Diskussionen
abstrakte Begriff der Bewegung
Endlosigkeit der Vibrationsbewegung
aus Aluminium beispielhaft als
und Treffen während der
losgelöst vom Naturraum ist, ist er
betont, ist besonders wichtig. Warum
Kunstwerke, die Vibrationen
Ausstellung, vor allem mit Mack,
auch aus unserem Standard-Konzept
sollte man eine Bewegung suchen,
schaffen. Die Reliefs bestehen aus
während Piene sprach in einem
der Zeit darin entfernt, „Zeit kann
die keinen Anfang und kein Ende hat?
Metallfolie mit wiederkehrenden—
Interview von seiner Freundschaft
nicht aktualisiert werden.”11
Mack gibt eine ergreifende Antwort:
von Hand geformten und etwas
Licht könnte zum Beispiel für die
Mack theoretisiert weiter
endlose Bewegung erlaubt es „die
unregelmäßigen— Mustern aus
Dankbarkeit für die Gastfreundschaft
Gruppe Zero „das Gegenteil von
seine Konzeption der
Trauer des Endlichen“ zu vermeiden
Kurven und Linien. (Der Künstler hat
Dunkelheit“ bedeuten, aber für
ästhetischen Bewegung in
– „die Traurigkeit der Endgültigkeit“.12
festgelegt, dass er nicht wollte, dass
die italienischen Gruppen eine
der zweiten Ausstellung von
Beide Aussagen von Mack spiegeln
die Muster mechanisch hergestellt
„elektromagnetische Frequenz“.10
Zero, passenderweise mit dem
somit eine fast naive Art von
werden.)
von Boriani und Colombo von T
Obwohl Zero während der zweiten
mostra gruppo zero presso l’atelier di lucio fontana a
milano poi alla galleria il cavallino di venezia _ primavera
1965
78
während seiner Zeit in Italien.9
79
mit der Gruppo N und seiner
Licht, das auf der Oberfläche des
Hier bezeichnete die Gruppe
Projekts sein könnte. Wie Anceschi
„einen objektiven zeitlichen Wert“
ihr scheinbar eigenes Leben führen
... die Evokation für Konkretheit
Aluminium reflektiert, erzeugt helle
Bewegung als konstitutiven Teil der
schrieb, wir Menschen wollen
haben, (in der Tat schaffte vor
und ihre eigenen, einzigartigen
aufgibt, die Form zerstört und
Flecken und Schatten, die sich je
Wirklichkeit, den sie als „das ständige
natürlich „unsere bürgerlichen
allem die Gruppo T Objekte, die sich
Einstellungen besitzen. Colombo
sie in organischer Bewegung
nach äußeren Bedingungen und der
Entstehen von Phänomenen, die
Füße auf etwas festes, vorher
wirklich bewegten - angetrieben
reflektiert auch etwas von dieser
wiederfindet.”19
Bewegung des Betrachters ändern,
wir in Variation wahrnehmen“
Festgelegtes setzen“; aber dieser
durch Hand oder durch Motoren-
Stimmung, wenn er schreibt, dass die
Die Ideen der Gruppo N in Bezug auf
was zu einem ständigen Spiel der
bezeichnen. Kunst sollte nicht als
Wunsch ignoriert die instabile, sich
während Zero eine Kombination von
unvorhersehbare Abfolge von Bildern
Bewegung entsprechen teilweise
Form ohne erkennbaren Anfang oder
getrennt von der Welt angesehen
ändernde, fließende Natur der Welt
Arbeiten in echter und in virtueller
in seinem Werk „ein wahres und
den Elementen ihrer Kollegen aus
Ende führt, einer Schwingung, die
werden, sie ist die Welt selbst“,
und kann nur zu Enttäuschungen
oder wahrnehmender Bewegung
eigentliches Drama überraschend
Düsseldorf und Mailand. Wie die
laut Mack „unsere Seelen aufrührt.“13
eine Realität, die aus den gleichen
führen.15
schuf.) Die Kunstwerke, die in
vertreten können.“17
Gruppo T verweigerten die Künstler
Elementen besteht, wie die Realität,
Weitere Stellungnahmen, die im
Echtzeit bestehen, haben selbst ein
Es überrascht nicht, dass die
der Gruppo N die Trennung des
Eine ganz andere Auffassung
die uns umgibt.“14
Zusammenhang mit den Miriorama
Eigenleben. Wie Boriani schreibt „in
Produktionen der Gruppe in dieser
Ästhetischen und sprachen von
von Bewegung erscheint in den
Neben diesem realistischen Impuls
Ausstellungen veröffentlicht
seiner realen Dauer zeigt die Arbeit
frühen Phase Ausdruck einer
„Schönheit“ und „Gefühl“, wie Mack
frühen Arbeiten und Schriften der
drückte die Gruppo T etwas Ethisches
wurden, beziehen diese Ideen auf die
ständig – durch die erste Eingabe, die
organischen, belebten Qualität
und Piene es im Zero-Journal taten;
Gruppo T. Für die Mitglieder der
aus: sie fanden es zwingend
Kunstwerke der Gruppe. In seinem
ich ihr gegeben habe – ihre konkrete,
auch sie sprachen von Bewegung als
magnetiche heben und senken
konstitutivem Teil der Wirklichkeit.
aus dem Jahr 1958, Vibrationen in
versteckte Magnete, die von einem
Doch waren sie in ihrer Vorstellung
einem gewissen Sinne losgelöst
Elektromotor angetrieben sind,
von Bewegung nicht so wortgetreu
von der Welt; sie existierten in
langsam Häufen von Eisenstaub
wie die Gruppo T, sie teilten ein
einem ästhetischen Bereich, in dem
in wechselnden Konfigurationen.
starkes Interesse an virtueller oder
Sie erinnern an Bakterien unter
wahrnehmender Bewegung mit den
dem Mikroskop oder an eine
deutschen Künstlern
miriorama 1, grande oggetto pneumatico, galleria pater,
milano _ 15 gennaio 1960
ausdrücken. In Borianis Superfici
Gruppe Zero waren laut Schriften
Standard-Vorstellungen von Raum
und Zeit nicht anwendbar sind. Für
die Mitglieder der Gruppo T war die
Einbeziehung der Bewegung in der
Kunst jedoch im Dienst einer Art
von Realismus: Kinetismus war zur
Spiegelung vorgesehen und um an
den Bedingungen der Außenwelt
teilzunehmen.
Unterwasserlandschaft. Ein Kritiker
miriorama 4, mostra personale di gianni colombo, opera
esposta in mostra: strutturazione pulsante, galleria
pater, milano _ 9 febbraio 1960
schrieb später über Colombos
Was in den ersten Aussagen der
kinetischen Skulpturen, dass sie
Gruppe auffällt, ist der ausgeprägte
„winken“, „plappern“ und „pochen“
wissenschaftliche Ton. Obwohl auch
und oft „absurde, schlaue Wesen aus
die Gruppo T und die Gruppe Zero
einer anderen Welt zu sein scheinen.“18
sich auf aktuelle Entwicklungen
In einem Text anlässlich der
in der Wissenschaft bezog, nahm
Miriorama 10 fasste Lucio Fontana
die Gruppo N diese Rhetorik viel
weiter auf. In der ersten offiziellen
notwendig, die Unsicherheit des
Miriorama-2-Pamphlet bekräftigt
beunruhigende oder traurige
Gruppo T treffend zusammen: sie
Stellungnahme, welche anlässlich
ihrer Ausstellung Miriorama 1, die
täglichen Lebens zu erkennen
Boriani, dass sein Verständnis der
Gegenwart.“16
„schlagen eine Kunst vor, die in ihrer
des XII Premio Lissone 1961
am 15. Januar 1960 an der Mailänder
und dachten, dass die Technik der
Wirklichkeit des „Entstehens“ von
Diese Arbeiten nehmen an der Welt
Variation ständig in die Gegenwart
veröffentlicht wurde, wurde deutlich,
Galleria Pater eröffnete.
beweglichen Kunst Teil dieses
ihm verlangt, dass seine Werke
teil, auch bis zu dem Punkt, wo sie
eintaucht“, schrieb er, „eine Kunst
dass die Künstler „die räumlichen
80
81
die Arbeit der jungen Künstler der
Thema Bewegung erschien anlässlich
Die erste Aussage der Gruppo T zum
und zeitlichen Dimensionen, in denen
aus, so argumentieren sie, sind
In ihrem Buch Chronophobia plädiert
im Rahmen ihres gemeinsamen Ziels:
der Mensch bis heute lebt, leugnet,“
diese Arten von Bewegung nicht
Pamela Lee für die „Obsession
Kunst schaffen, die nie fertig wird,
anstatt die „Unbestimmtheit von
zu unterscheiden. Stattdessen
mit Zeit“ in der Kunst der 1960er
oder in den Worten der Gruppo T
Interphänomenen“ zu erforschen, ein
ist es genauer „von Änderungen
Jahre, ein Moment, in dem Künstler
sich im „ständigen Werden“ befindet.
MI
in Bezug auf die wesentlichen
sich mit neuen Technologien und
Variablen zu sprechen: Position,
gesellschaftlichen Veränderungen
Bezug auf Bewegung erschienen
Lichtstärke, Wahrnehmungszeit.“21
konfrontiert sahen, die herkömmliche
im Jahr 1962. In einer Reihe von
Dieses Argument steht in klarem
Vorstellungen von der Zeit
gesammelten Notizen schreiben sie:
Widerspruch zu den Aussagen der
umwarfen. Kinetische Künstler waren
„Die Unterscheidung zwischen realer
Gruppo T, die Bewegung in der Kunst
Teil dieses Trends. Sie wandten sich
Bewegung und Scheinbewegung
2 Jahre früher befürwortet hatte.
der Bewegung zu, um ihre Kunst über
ist als Hypothese zulässig, hat aber
Obwohl die Gruppo N einige
die räumliche Dimension zu fördern.
keine Bedeutung. „Vom Standpunkt
Kunstobjekte produzierte, die sich
Doch wie wir gesehen haben, kann
der menschlichen Wahrnehmung
durch Bedienung von Zuschauern
Bewegung in der kinetischen Kunst
oder Motoren bewegten, bewegt
viele verschiedene philosophische
sich das bekannteste Werk über die
Valenzen haben. In den frühen
optische Wirkung.22
Schriften von Zero, dient die
In seinen Optisch-Dynamischen
Bewegung per „Vibration“ dazu, ein
Reliefs, produziert von Biasi,
ästhetisches Gefühl zu erzeugen.
zum Beispiel verdrehte und
Für die Gruppo T, gründet Bewegung
überlagerte Streifen aus Kunststoff
in der Kunst in der „Miriorama-Phase“
den unheimlichen Eindruck von
gelebte Wirklichkeit, während die
wechselnden Farben und Formen,
Gruppo N die Bedingungen dieser
wenn der Zuschauer sich bewegt.
Wirklichkeit durch die Erkenntnisse
Die Arbeiten sind komplizierter
der modernen Wissenschaft
als einfache Umfassungen von
erschwert. Natürlich stellen diese
standardisierten Formen und
Aussagen nur einen Moment in
modernen Materialien-der Künstler
der Entwicklung der jeweiligen
erstellte die Werke in mühsamer
Gruppen dar. Die beteiligten Künstler
Arbeit mit der Hand, aber ihre
entwickelten sich weiter und
Umfassung der Unbestimmtheit
veränderten ihre Perspektiven,
als die Jahre vergingen.23
Lehren der Wissenschaft des 20.
Die gemeinsame Betrachtung
Jahrhunderts.
offenbart die Vielfalt der Ansätze
82
miriorama 12, esposizione del gruppo t, galleria del
cavallino, venezia _ aprile 1962
nimmt klare Inspirationen aus den
„Otto Piene im Gesprach mit João Ribas,“ in
Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011), 51.
2
Die Bildung der Gruppo T’ begann 1959 und
die Gruppe stellte erstmals gemeinsam Mitte
Januar, 1960 aus. Die Gründung der Gruppo N
wird manchmal auch auf 1959 datiert. Jedoch
wurde gemäß Alberto Biasi, Gruppo Enne—später
auch Gruppo N genannt—formell zwischen Ende
Dezember 1960 und Januar 1961 konstituiert.
Vorher waren Biasi und Massironi an einer anderen
Gruppe mit dem Namen Enne-a oder Ennea
beteiligt. Siehe “Ein Interview mit Alberto Biasi” in
Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere scelte (Milan:
Silvana Editoriale, 2013), 49.
3
Konversation mit dem Künstler, 16. April 2014.
Schon vor dieser Zeit besaß Fontana ein Relief von
Mack, welches er von der Ausstellung des Künstlers
1958 in Iris Clert kaufte. Siehe “ZERO e Azimuth. Un
pozzo artesiano. Intervista di Stephan von Wiese a
Heinz Mack,” in Meneguzzo, ed., Zero 1958-1968:
Tra Germania e Italia (Milan: Silvana Editoriale,
2004), 165.
4
5
Für eine genau untersuchte Geschichte der
Azimut Ausstellungen, siehe Francesca Pola, ed.,
Manzoni: Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan:
Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker wurde
zwischen 1960 und 1961 Kern-Mitglied von Zero.
Die Geschichte von Zero, siehe Renate Wiehager,
ed., ZERO aus Deutschland 1957-1966. Und heute
(Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York: D.A.P., 2000).
6
Das Bild erscheint in Meneguzzo, Biasi, 11.
7
Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Ein umfassender
Bericht der Nove Tendencije Ausstellungen
siehe Valerie Lynn Hillings, “Experimentale
Künstlergruppen in Europa, 1951-1968: Abstraktion,
Interaktion und Internationalismus,” PhD diss.,
Institut der Feinen Künste, New York, 2002.
8
Meneguzzo bezieht sich auf diese Gelegenheit
als „Gipfel“ der Beziehungen zwischen Zero und den
italienischen Gruppen. Meneguzzo, Zero, 45.
9
copertina catalogo nouvelle tendance, con i simboli del
gruppo t e n, musée des arts décoratifs, parigi _ 1964
Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto
Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Ein umfassender
Bericht der Nove Tendencije Ausstellungen
83
Begriff aus der Quantenmechanik.20
Die ersten Schriften der Gruppe in
1
siehe Valerie Lynn Hillings, “Experimentale
Künstlergruppen in Europa, 1951-1968: Abstraktion,
Interaktion und Internationalismus,” PhD diss.,
Institut der Feinen Künste, New York, 2002.
10Meneguzzo, Zero, 45.
11 Heinz Mack, “Die Neue Dynamische Struktur,
Übersetzung und Neudruck in Lawrence Alloway,
Zero (Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15.
12 Mack, “ruhende Unruhe” Übersetzung und
Neudruck in ibid., 40-41.
13 Ibid., 40.
Colombo, and Gabriele Devecchi, “Miriorama 1:
Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater, Milan,
Januar 1960. Neudruck in Italo Mussa, Il Gruppo Enne:
La situazione dei gruppi in Europa negli anni 60
(Rome: Bulzoni, 1976), 58. Mussas Band umfasst
Reproduktionen aller größeren Texte, welche von
den Gruppen N und T freigegeben wurden.
15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milan,
Februar 1960. Neudruck in Mussa, 60.
16 The italics are mine.
17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milan,
Februar 1960. Neudruck in Mussa, 60.
sera, Milan, 16. Oktober 1968.
19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria
La Salita, Rom, April 1961. Neudruck in Mussa, 62.
20 Aussage der Gruppo N zur XII Premio Lissone,
Lissone, 1961. Neudruck in Mussa, 300.
21 Gesammelte Schriften von Biasi und Landi für
Gruppo N, 1962. Neudruck in Mussa, 304.
22 Im Gegensatz zu vielen anderen Gruppen
unterschrieb die Gruppo N ihre Arbeit gemeinsam
und schrieb diese keinem einzelnen Mitglied zu.
23 Die Künstler der Gruppe Zero waren sich in
Bezug auf den richtigen Weg der Gruppe nicht immer
einig. Siehe Dieter Honisch und Heiner Stachelhaus,
“Erklärungen: Eine Diskussion über ZERO: Heinz Mack,
Otto Piene, Günther Uecker,” in Wiehager, 55-57.
“Our white rectangle is not
‘nothing at all’. In fact, it is, in the end, all
we have. That is one of the limits
of the art of film”
Hollis Frampton, A Lecture, 1968
84
Riccardo Venturi
itself it could reach this point once
Resetting to zero is a work, an action
and for all, which believed in the
of the negative, the negative at work.
regenerating power of destruction,
Not a carnival which momentarily
on the artistic plane (raze cities,
suspends the governing laws in a
museums, monuments to the
space which is rigidly regulated,
ground), anthropological (focus on
like that of the easel canvas; not a
the regeneration of man), not to
mystical state in which one is silent
mention political.
Zero
about that about which one cannot
Let us imagine pictorial abstraction
The zero of Fontana, the zero of
speak; not a tabula rasa which rose
as a gesture which draws the line on
Manzoni, the zero of Lo Savio,
to become an artistic program; not a
the last lines of the artistic tradition;
the zero of Castellani, the zero of
back to square one (let’s get rid of the
it draws a line, line by line, and when
Schifano, the zero of Fabio Mauri:
Art Informel and look to the future).
it gets to the bottom turns the page.
how many zeroes has Italian postwar
Resetting to zero is, on the other
Instead of finding itself facing the
art known in such a short timespan!
hand, a point which has the strange
zero degree, an immaculate page, it
Our history of art, accustomed to
ability to reproduce itself, to present
finds itself with the back of a sheet
thinking of works and artists within
itself once again in the same way:
on which appear the erasures of the
schools and movements, has often
an eternal return of painting to the
front, on which one can make out in
considered such resetting to zero
same problems. It is a repetition
negative the hard work of negation.
of painting as a reaction to the Art
compulsion. Zero and repetition, zero
Or, let us imagine the artists intent
Informel. We have therefore not
as repetition. The zero manifests
on passing an eraser over the history
questioned the manner in which this
itself through repetition, it is the
of painting and on the surface
crazy desire for zeroes constituted
gesture of repetition itself, one of its
of the canvas. The blackboard
a compositional strategy—more
most brilliant manifestations.
never becomes black because the
complex and articulated than one
The zero point doesn’t only close
whiteness continues to accumulate
might believe—instead of a reaction
with the Art Informel, which after all
on its surface, creating spots, illegible
to informal drunkenness. The zero
was an easy prey, with its existential
nebulae which are loaded with the
is not a gesture that returns to the
falls and a language emptied of
past over which the eraser passed.
origin, but a placing into the cycle
sense for a generation of artists who
In other words, the zeroing out
of history, the same circularity of
lived at the time of the making of
as a repetition responds to a neo
the zero as a graphical sign. It is not
the social and aesthetic sphere into
avant-garde logic which we will try
a historically determined artistic
a spectacle. Instead, the zero point
to develop here by examining more
style as much as a cultural dominant
definitively ends the relationship
closely the destiny of a privileged
theme, as Fredric Jameson comments
with the futurist model which illuded
object such as the monochrome.
85
_
ZERO
_
Projected
monochrome
regarding post-modernism.
Monochrome reloaded
It is not easy to trace the extent
monochrome, for example the need
On actor-free film. Malevič
In parallel to this, attention has been
Though Malevič never completed
Monochrome holds no secrets
of the relations between the
to uproot the dominant conception
Whom else could we start with but
paid to Malevič’s four essays on film
the film and the project disappeared
for us. Reaching back to the most
two. Artists like Rodchenko
within the history of art, that claims
Malevič? He is an essential case in
in the twenties, in which he does
from circulation only to re-emerge
revolutionary trends of the first half
used monochrome to declare
that monochrome is nothing more
so far as he lived at a time when the
not hesitate to criticise the work
in the fifties, it may lead us to
of the 20th century, monochrome
the end of painting and its final
than a subgenre of painting, on a par
relationship between painting and
of Ejzenštejn (who responded with
reconsider the role played by moving
represents the backbone of abstract
reduction to pure colours with no
with landscape or still life, portraits
film was still subject to the values of
animosity) for its residual pictorial
images in the historic trajectory
painting, no doubt the most
further transcendental meaning
or nudes. Specifically, this reading
the fine arts, in a world yet to fully
quality and for the persistance of the
from impressionism to suprematism.
emblematic format of the modernist
nor psychological or spiritual
has impeded the consideration of
realise the revolution of the gaze
actor’s faces in close-up.
Other works in the same vein include
movement. We know its origins,
associations. What more could the
the relations between monochrome
held by cinema – that dynamite of
A tendency far removed from that
Storia suprematista di due quadrati
key works, exhibitions, reception,
artists of the fifties and sixties
and cinema. Now, what affinity
the tenth of a second that blew the
realm of “non-objective” film – the
(Suprematist history of two squares),
historical development, agenda
offer? Neo-avant-garde was thus
could possibly exist between the
world to pieces, to borrow Walter
correlate of post-cubist painting – in
an avant-guard masterpiece of
and messages communicated, and
undervalued and largely understood,
most iconoclastic surface ever
Benjamin’s expression.
which Malevič’s productions can be
graphic design created by El Lissitzky
the artists’ written programmes
reduced to a mere reproduction
designed in the history of painting
By then, for around twenty years,
placed, intent on pulverising the
in 1920 (and published by Van
of monochrome, as well as its
of the original. This break with
and film’s ability to showcase the
the supremacist painter had been
residual objects of reality.
Doesburg in 1922). Set within a red
decline and burn-out once the
tradition was repeated for a second
most outlandish of stories, between
engaged in an in-depth revision of
Neglected in the Soviet Union, this
circle (Earth), it tells the symbolic
historical conditions having given
his black and white squares. For
intuition was first realised by Hans
story of a red and a black square
of institutionalising the original
and leave nothing but silence on the
most (and not only in textbooks),
Richter, who played a crucial role.
fighting against chaos.
Monochrome has starred in
subversive movement that had
one hand and the desire to combine
these remain the very first abstract
Displayed in the same rooms of the
Projected monochrome would
courageous exhibitions (showing
essentially transformed avant-garde
heterogeneous moving elements,
paintings or – more subtly put and
retrospective on Mondrian in the
be unthinkable without the full
nothing but monochromes is risky for
creativity into museum art.
such as sounds and moving images
betraying the background and
Parisian Pompidou Centre in 2010,
fruition of the non-objective and
a museum), such as Lyon’s La couleur
Criticizing this parti pris, among
on the other? Nonetheless, the
expectations of today’s art historians
his films represent a prototype of
actor-free cinema that Malevič
seule. L’expérience du monochrome
others, of Peter Bürger (Theory of
history of monochrome painting runs
– the abstract icons of the 20th
projected monochrome. Malevič
dreamt of. Curiously, this trend was
(1988) and well-documented studies
the Avant-Garde) Benjamin Buchloh1,
in parallel to that of the blank screen
century. But some Malevič experts
met Richter in Berlin in 1927 and
combatted with an anti-modernist
such as that of Denys Riout
once again reflected on the meeting
of cinematographic projection. And
such as Alexandra Shatskikh, Oksana
was so struck by the encounter
stance by T.W. Adorno who, in
(La peinture monochrome. Histoire
of painting with the cultural industry
not just that; these two figures are
Bulgakowa and Margarita Tupitsyn2
that shortly after he would draft
“Filmtransparente” (1966), would
et archéologie d’un genre, 1996).
typical of the neo-avant-garde,
encountered multiple times, giving
now recognise the influence of
the screenplay for a film whose
reproach film for its photographic
Broadly speaking, one of the unique
placing the concept of authenticity in
rise to what I will call, for want of a
the silver screen on these aniconic
protagonists were not actors but
realism and resistance to totally
features of monochrome is the fact
opposition with that of seriality and
better name, projected monochrome.
paintings. These are not, or, better,
geometric shapes (indistinct squares,
renouncing the remains of
that it arose in line with two different
repetition, and that of the auratic
no longer function as painted
circles, crosses, rectangles). Its
representation.
historical movements: the avant-
experience of the work of art with
surfaces, but as screens. Such is the
title was programmatic: An artistic
garde and the post-war movement
that of ready-made models and
case, for example, of the black square
and scientific film: painting and
(from Yves Klein to the abstract
a de-mystified aesthetic experience.
enlivened by rays of light in the
the problems of the architectonic
expressionists to minimal art
There are further reasons to
scenography for the play Victory over
approach to the new classical-
and so on).
reconsider the second movement of
the sun, 1913.
architectonic system.
87
the impetus to reduce, to take away
86
time leading to the consequence
rise to its emergence disappeared.
as precisely as Leonardo
On the chromatic screen.
as freely as Picasso
Nam June Paik
I will attempt an initial definition:
On the slow inception
exhibition of twenty canvas and
of yellow. Tony Conrad
more the simultaneous projection
as colourfully as Renoir
Ok, Tony Conrad. If only he had read
of twenty films. Nonetheless, the
as profoundly as Mondrian
Paik’s text before creating his Yellow
Yellow Movies were later displayed
at the intersection of a form of
as violently as Pollock and
Movies. American experimental
in museums and to a contemporary
monochrome having abandoned the
as lyrically as Jasper Johns.
film-maker, pioneer in minimalist
art audience, that is, generally, as
music and active member of the
paintings.
projected monochrome occurs
exclusive realm of painting and a
form of film having abandoned the
These few lines effectively
underground New York music
The Yellow Movies are made up of
exclusive realm of representation.
demonstrate the need to refine our
scene alongside LaMonte Young
one or more coloured squares held
With regard to the first phase of
analytical tools, raising them to the
and John Cale, in the realm of film
within a thick black frame, similar to
monochrome’s history, the names
level of those of the history of art
he is primarily known for The
the frames of a film. This likeness is
Malevič and Richter are of key
allowing us to explain, for example,
Flicker (1965). The Yellow Movies
also suggested by the fact that the
importance.
why a monochrome by Robert Ryman
were shown at the Millennium, a
support sometimes continues onto
But it was in its second phase –
is not the same as a monochrome
multi-functional alternative New
the ground, like a roll of film unrolling.
which extended, broadly speaking,
by Olivier Mosset. It will not be until
York space, in March 1973 for just
The frames are covered in cheap
from the second post-war period
art historians and film historians
one day, or, as the artist elegantly
varnish, creating a shiny whitish
onwards, peaking in the sixties and
each work on their own side in line
writes, “the only time the Yellow
finish that slowly evolves over time.
seventies, as a counter-trend to
with an agenda appropriate to their
Movies were shown in the twentieth
Conrad had the idea when he was
the mushrooming of information
discipline and no other, will this jump
century”. With regard to the 21st
lying in bed, staring at the ceiling
circulation and communication-that
in quality be possible. In this regard,
century, ten were shown at the
painted the year before and noticed
its multiple manifestations were
an anecdote on the American critic
2005 Lyon Biennial (Expérience de
that it was already yellowing.
seen. The work of Nam June Paik is
Annette Michelson springs to mind:
la durée), while others were shown
Or when he noticed the ghostly
pivotal, from Zen for Film (1964) to
in 1974, she had to choose an image
in Cologne and New York in 2007
imprint of a piece of furniture on
TV-Buddha (1974), to the cathode
emblematic of an independent
and, lastly, at the 2009 Venice
a wall. Conrad finally found the
ray tubes of the television set which
contemporary director for the cover
biennial. These showings say a lot
property he was looking for in
emanate light and produce a kind
of a book. Somebody suggested that
about the complexity of Conrad’s
emulsion paint, an “environmental
of de-materialized pictorialism. This
a blank screen would do the job, to
work: the first time round, in 1973,
responsiveness over a very, very long
is brilliantly described in a 1969
which Michelson replied: “But which
they were shown as cinema screens
scale of time”. But how slowly did the
text entitled Versatile Color TV
blank screen? That of Frampton,
before an audience largely made up
painted image change colour? Very
Synthesizer3.
Sharits, Brakhage, Breer, Conrad or
of avant-guard directors. For them,
– more slowly than Conrad imagined
By transducing electrical impulses
Kubelka?”4.
the screening was a fun occasion,
– since when the Yellow Movies were
into optical signals, the television
with the exception of Jonas Mekas,
exhibited in 2007 he deemed them
screen is modelled
for whom the installation made up
“pretty white for movies that are
supposed to turn yellow”.
tony conrad_yellow movies
89
88
of painting-screens was less an
Not too slowly though, given his
Or at least occurs in more conceptual
On projection as exhibition
her agency, rather than the formal
screens of Alfredo Jaar (Lament of
intentions, that is, producing a film
than chromatic fashion. It is not
Conrad’s rage is understandable: as
representation occurring at its
the images, 2002 or The Sound of
able to last a lifetime – an extension
accessible to experience, not in a
late as the seventies, people did not
surface. Thus the turn-around
Silence, 2006); what David Batchelor
precisely covering our existence
physical plane, nor during a single
know that a projected monochrome is
suggested by none better than
– author of Cromophobia – has called
where art and life exist in a 1:1 ratio.
visit, nor during the average length
above all an exhibited monochrome.
Ad Reinhard in his 1946 vignette
“found monochromes”, showing that
Referring to them as “movies” and
of a temporary exhibition.
Set up within a museum space,
is completed: a visitor points at an
even the urban space of today’s cities
not “paintings”, Conrad placed the
Faced with the acceleration of time
it takes on a sculptural presence,
abstract painting and exclaims
is brimming with monochromes.
emphasis on movement and duration,
provided by technological devices,
that of the screen itself or the
“Ha Ha. What does this represent?”;
The list continues to be updated.
however imperceptible their
the Yellow movies challenge our
projector. Both types were recently
suddenly the painted signs take
RV
sensitivity to light was. Reviewing
desire to capture, control, measure,
experienced by Rosa Barba. The
on the features of a wicked face
the Yellow Movies,
record and “customise” time.
first, for example, in Stating the
overlooking the space of the canvas,
a journalist ironically pointed out that
And they challenge rigid definitions
Real Sublime (2009), made up of
which turns against the spectator:
it was perfectly fitting to review a
of monochrome and cinema. Let us
a projector suspended from the
“What do you represent?”
film just when its projection was still
not forget Conrad’s rage when he
ceiling by the 16mm film and a light
(How to Look At Modern Art).
in progress. They are the antithesis
realised that at the 1972 document
projection on the wall. The second in
It is not surprising that, in his last year
of the American movie theatres
of life, 1967, Reinhard confessed
work was exhibited “in the palace”
a metaphor? (2010), an impressive
his intention to abandon painting
where the film’s unfolding is captured
(the Friedericianum), while the film-
work in need of specific reflection,
in favour of making films made
in a single shot, with the camera
makers were relegated to the local
where it is the museum itself with
up of a sequence of monochrome
shutter left open throughout the
cinema.
its oblong structure (the Centre
and colour-effect frames to Lucy
film’s duration. Sugimoto was the
internationale ‘art paysage’ on Ile
Lippard. Though he did not have time
first to be surprised by the result:
Vassivière) that acts as the projector.
to attempt this project, I am sure
all of the film’s images left nothing
In a paroxysmal development of the
it would form an integral part of a
but a dazzling light – nothing but a
sculpture-film – the term generally
genealogy of projected monochrome
projected monochrome.
used to describe Richard Serra’s
yet to be written.
The Yellow Movies are films created
videos from the seventies – the
It would include the works and
with no recording equipment, no
museum’s architecture becomes a
writings of Fernand Léger and
projector and no film, but not without
vast viewing device.
Moholy-Nagy; the American
a plot, though elementary:
The result of a hybrid between
structural films of the seventies;
the story of a rectangle (and not of
painting and film, between frame
the chromatic atmospheres invading
two squares as in El Lissitzky) turning
and screen, of a surface acting
architectonic spaces from James
yellow. Only that the process of
within a specific device, projected
Turrell to Veronica Jenssens; films
yellowing – an unequivocal sign of
monochrome directly questions
like Blue (1993) by Derek Jarman;
the passage of time – is invisible.
the role of the spectator and his/
the blinding white of the traumatic
1
Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors
for the Second Time: A Paradigm Repetition of the
Neo-Avant-Garde”, in October, 37, Summer 1986,
pp. 41-52.
2
Alexandra Shatskikh, “Malevich and Film”,
in The Burlington Magazine, 135/1084, July 1993,
pp. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle.
Writings on Film, care of Oksana Bulgakowa,
Potemkin Press, Berlin-San Francisco 1997, 2002;
Margarita Tupitsyn, Malevich and Film,
Yale University Press, New Haven-London 2002.
Nam June Paik, Versatile Color TV Synthesizer
[1969], cit. in Judson Rosebush (edited by).
Videa’n’Videology 1959-1973, Everson Museum
of Art, Syracuse 1973.
3
4
Related in Annette Michelson, “Hollis Frampton:
poïésis et mathésis”, in A. Michelson, Jean-Michel
Bouhours (care of), Hollis Frampton. L’écliptique
du savoir. Film, Photographie, Video, Centre Georges
Pompidou, Paris 1999, pp. 11-23, cit. p. 23n14.
91
in Is it a two-dimensional analogy of
90
5 to which he was invited, the artists’
photographed by Hiroshi Sugimoto,
“Our white rectangle is not
‘nothing at all’. In fact, it is, in the end, all
we have. That is one of the limits
of the art of film”
92
Riccardo Venturi
col modello futurista che s’illudeva
esprime Fredric Jameson a proposito
di raggiungere una volte per tutte
del postmodernismo.
questo punto, che credeva nel potere
L’azzeramento è un lavoro, un’azione
rigenerante della distruzione, sul
del negativo, il negativo all’opera.
piano artistico (radere al suolo città,
Non un carnevale che sospende
musei, monumenti), antropologico
momentaneamente le leggi vigenti
(puntare alla rigenerazione
in uno spazio rigidamente regolato
dell’uomo) se non politico.
come quello del quadro; non uno
Immaginiamo l’astrazione pittorica
Zero
stato mistico in cui si tace su ciò
come un gesto che tira la linea
Lo zero di Fontana, lo zero di
di cui non si può parlare; non una
sulle ultime righe della tradizione
Manzoni, lo zero di Lo Savio, lo zero
tabula rasa assurta a programma
artistica; tira una linea rigo per rigo e
di Castellani, lo zero di Schifano,
artistico; non un punto e accapo
quando arriva in fondo volta pagina.
lo zero di Fabio Mauri: quanti zeri
(sbarazziamoci dell’Informale e
Anziché trovarsi davanti al grado
ha conosciuto l’arte italiana del
guardiamo al futuro).
zero, a una pagina immacolata, si
dopoguerra in un lasso temporale
L’azzeramento è al contrario un
ritrova con il verso di un foglio in cui
così circoscritto! La nostra storia
punto che ha la strana capacità di
traspaiono le cancellature del recto,
dell’arte, abituata a pensare opere
riprodursi, di ripresentarsi tale e
in cui s’intravede in negativo il lavoro
e artisti all’interno di scuole e
quale, un eterno ritorno della pittura
faticoso della negazione.
movimenti, ha spesso considerato
agli stessi problemi. Una coazione
Oppure, immaginiamo gli artisti
tale azzeramento della pittura come
a ripetere. Zero e ripetizione, zero
intenti a passare ogni tanto una
una reazione all’Informale. Non ci
come ripetizione. Lo zero si manifesta
mano di cancellino sulla storia della
si è così interrogati sul modo in cui
attraverso la ripetizione, è il gesto
pittura e sulla superficie della tela.
questa voglia pazza di zero abbia
stesso della ripetizione, una delle sue
La lavagna non diventa mai nera perché
costituito una strategia compositiva
manifestazioni più lampanti.
il bianco continua ad addensarsi sulla
– più complessa e articolata di
Il punto zero non chiude soltanto
sua superficie, a creare macchie,
quanto si possa pensare – piuttosto
con l’Informale, che era una preda
nebulose illeggibili ma cariche
che una reazione all’ubriacatura
facile in fondo, con i suoi cascami
del passato su cui si è passato il
informale. Lo zero non è un gesto
esistenzialisti e un linguaggio
cancellino. Insomma l’azzeramento
che torna all’origine, ma una messa
svuotato di senso per una
come ripetizione risponde a una
in circolo della storia, la stessa
generazione di artisti che viveva ai
logica neo-avanguardista, che qui
circolarità dello zero in quanto
tempi della spettacolarizzazione della
proveremo a sviluppare guardando
segno grafico. Non uno stile artistico
sfera sociale ed estetica. Il punto
più da vicino il destino di un oggetto
storicamente determinato quanto
zero chiude invece definitivamente
privilegiato quale il monocromo.
93
_
ZERO
_
Il monocromo
proiettato
una dominante culturale, come si
Monocromo reloaded
art e così via). Misurare le relazioni
Ci sono tuttavia altre ragioni per
Del cinema senza attori.
Il monocromo non ha segreti per noi.
che intercorrono tra le due non è
riconsiderare il secondo tempo del
Malevič
Spingendo agli estremi le tendenze
facile. Artisti come Rodchenko si
monocromo, ad esempio la necessità
Cominciamo – come potrebbe essere
più rivoluzionarie della prima metà del
erano serviti del monocromo per
di sradicare l’idea dominante, propria
altrimenti? – da Malevič.
XX secolo, il monocromo rappresenta
dichiarare la fine della pittura e la
della storia dell’arte, secondo
Un caso cruciale in quanto vive in un
la spina dorsale dell’astrazione
sua ultima riduzione ai colori puri,
cui il monocromo non è altro che
periodo in cui i rapporti tra pittura
pittorica, senza dubbio la forma
senza più significati trascendentali né
un sottogenere della pittura, al
e cinema sono ancora sottoposti al
più emblematica della vicenda
associazioni psicologiche
pari del paesaggio o della natura
sistema delle belle arti, in un mondo
modernista.
o spirituali. Cosa mai potevano
morta, del ritratto o del nudo.
che non ha ancora pienamente
Del monocromo conosciamo le
aggiungere gli artisti degli anni
Nello specifico, questa lettura ha
realizzato la rivoluzione dello sguardo
origini, le opere chiave, le occasioni
cinquanta e sessanta?
impedito di considerare i rapporti tra
di cui il cinema era portatore – quella
espositive, la ricezione, lo sviluppo
La neo-avanguardia fu quindi
il monocromo e il cinema. Ora, quale
dinamite dei decimi di secondo che
storico, l’agenda e i messaggi
sottovalutata e sostanzialmente
affinità vi sarà mai tra la superficie più
manda a pezzi il mondo, secondo
veicolati, gli scritti programmatici
incompresa, ridotta a una mera
iconoclasta che la storia della pittura
l’espressione di Walter Benjamin.
degli artisti, così come il declino e
riproduzione dell’originale. Una
abbia concepito e l’abilità del cinema
Da una ventina d’anni è in corso una
l’esaurimento una volta venute meno
profonda revisione dei quadrati neri
una seconda volta che aveva
più stravaganti, tra la spinta alla
e bianchi del pittore suprematista.
segnato l’emergenza. Il monocromo
avuto, come conseguenza, quella
sottrazione, al venir meno, al silenzio
Per lo più sono ancora considerati,
è stato protagonista di mostre
d’istituzionalizzare quel gesto
da una parte e la spinta a combinare
non solo nei manuali scolastici, come
coraggiose (esporre nient’altro
originale ed eversivo, di aver
elementi eterogenei quali suoni e
i primissimi dipinti astratti o – in modo
che monocromi è un azzardo per
contribuito insomma a trasformare
immagini in movimento dall’altra?
più sottile che tradisce la formazione
un museo) come La couleur seule.
l’avanguardia in un’arte da museo.
Nondimeno, la storia del monocromo
e l’orizzonte d’attese dei nostri storici
L’expérience du monochrome di
Criticando questo parti pris proprio
pittorico corre parallela a quella dello
dell’arte – come icone astratte del XX
Lione (1988), così come di studi
tra gli altri di Peter Bürger (Teoria
schermo bianco della proiezione
secolo. Ma alcune studiose di Malevič
ben documentati come quello
dell’avanguardia), Benjamin Buchloh1
cinematografica.
quali Alexandra Shatskikh, Oksana
di Denys Riout (La peinture
è tornato a riflettere sull’incontro
Non solo, queste due figure si sono
Bulgakowa e Margarita Tupitsyn2
monochrome. Histoire et archéologie
della produzione pittorica con
incontrate diverse volte, dando vita a
concordano ormai nel riconoscere
di luce nella scenografia dello
per quell’insistenza sui primi piani
d’un genre, 1996).
l’industria culturale tipico delle neo-
quello che, faute de mieux, chiamerò
l’influenza che lo schermo
spettacolo teatrale Vittoria sul sole
dei volti degli attori. Un’inclinazione
In grande sintesi, una delle peculiarità
avanguardie, opponendo al concetto
monocromo proiettato.
cinematografico ha esercitato su
(1913). Parallelamente ci si è rivolti
lontana da quel cinema “non-
del monocromo è di aver conosciuto
di autenticità quello di serialità e di
questi dipinti aniconici. Questi non
ai quattro scritti che Malevič ha
obiettivo” – corrispettivo della pittura
due distinte occorrenze storiche:
ripetizione, all’esperienza auratica
sono, o meglio non funzionano più,
consacrato al cinema negli anni venti
post-cubista – nel cui solco Malevič
quella delle avanguardie e quella
dell’opera d’arte il modello del
come superfici pittoriche ma come
e in cui non esita a criticare i film
inscriveva la sua produzione, tesa a
del dopoguerra (da Yves Klein agli
readymade e la demistificazione
schermi; è il caso, ad esempio, del
di Ejzenštejn (che gli rispose per le
polverizzare gli oggetti residui della
espressionisti astratti alla minimal
dell’esperienza estetica.
quadrato nero animato dai raggi
rime) per il loro residuo pittorialista,
realtà.
95
el lissitzky_storia di due quadrati
a mettere in immagine le storie
94
rottura con la tradizione ripetuta
le condizioni storiche che ne hanno
Ignorata in Unione Sovietica,
terra), racconta la storia simbolica
circolazione dell’informazione e
non sarà possibile. Al proposito
century”. Riguardo al XXI secolo, dieci
col tempo. Conrad ha l’idea quando,
quest’intuizione trovò una prima
di un quadrato rosso e uno nero in
della comunicazione – che le sue
mi viene in mente un aneddoto
sono stati installati alla Biennale
disteso a letto, fissa il soffitto dipinto
realizzazione con Hans Richter, il cui
lotta contro il caos. Il monocromo
manifestazioni si moltiplicano.
sulla critica americana Annette
di Lyon nel 2005 (Expérience de la
l’anno precedente e si rende conto
ruolo è cruciale. Installati nel 2010
proiettato è impensabile senza
Il lavoro di Nam June Paik s’impone,
Michelson: nel 1974, doveva scegliere
durée), altri a Colonia e New York nel
che stava già ingiallendo. O quando
nelle stesse sale della retrospettiva
il pieno raggiungimento di quel
da Zen for Film (1964) a TV-Buddha
un’immagine emblematica di un
2007 e infine alla biennale veneziana
scopre il segno fantasmatico lasciato
su Mondrian al Pompidou di Parigi,
cinema non-oggettivo e senza
(1974), fino ai tubi catodici della
regista indipendente contemporaneo
del 2009. Queste occasioni espositive
da un mobile sul muro retrostante.
i suoi film sono uno dei prototipi
attori vagheggiato da Malevič.
televisione che emanano luce e
per la copertina di un libro. Qualcuno
rivelano bene la complessità del
Nella pittura a emulsione Conrad
del monocromo proiettato. Malevič
Curiosamente, questa tendenza
producono una sorta di pittorialismo
le suggerì che uno schermo vuoto
lavoro di Conrad: la prima volta, nel
trova finalmente la proprietà
incontrò Richter a Berlino nel 1927
fu impugnata con intenti anti-
smaterializzato. Questo trova
avrebbe fatto l’affare, al ché
1973 sono esposti come schermi
di cui andava alla ricerca, un
e restò così colpito da abbozzare
modernisti da T.W. Adorno che,
una brillante descrizione in un
Michelson rispose: “Ma quale schermo
cinematografici, davanti a un
“environmental responsiveness over
poco dopo la sceneggiatura per un
in “Filmtransparente” (1966),
testo del 1969, Versatile Color TV
vuoto? Quello di Frampton, di Sharits,
pubblico composto in gran parte
a very, very long scale of time”.
film i cui protagonisti non erano
rimproverava al cinema il suo
Synthesizer3. Traducendo impulsi
di Brakhage, di Breer, di Conrad
di registi d’avanguardia. Presero lo
Ma quanto lentamente l’immagine
attori ma forme geometriche
realismo fotografico e la resistenza
elettrici in segnali ottici, lo schermo
o di Kubelka?”4.
screening per un divertissement,
dipinta cambiava colore? Molto
(quadrati, cerchi, croci, rettangoli
a sciogliere totalmente il suo residuo
televisivo viene modellato
a eccezione di Jonas Mekas, per cui
lentamente, più di quanto Conrad
sfumati). Programmatico il titolo:
rappresentativo.
l’installazione dei dipinti-schermi era
immaginasse, al punto che quando
Del lento divenire
meno una mostra di venti quadri che
gli Yellow Movies furono esposti
del giallo. Tony Conrad
la proiezione simultanea di venti film.
nel 2007 dichiarò che erano “pretty
Già, Tony Conrad. Chissà se aveva
Tuttavia in seguito i Yellow Movies
white for movies that are supposed
as precisely as Leonardo
Un film artistico e scientifico: la
as freely as Picasso
pittura e i problemi dell’approccio
architettonico al nuovo sistema
Dello schermo cromatico.
as colourfully as Renoir
as profoundly as Mondrian
letto il testo di Paik prima di
sono stati esposti in istituzioni
to turn yellow”.
Azzardo una prima definizione:
as violently as Pollock and
realizzare i suoi Yellow Movies.
museali e davanti al pubblico
Non troppo lentamente
mai e il progetto, scomparso dalla
il monocromo proiettato si produce
as lyrically as Jasper Johns.
Filmmaker sperimentale americano,
dell’arte contemporanea, ovvero,
pertanto, tenuto conto delle sue
circolazione, riemerse solo negli anni
all’intersezione tra un monocromo
pioniere della musica minimalista,
sostanzialmente, come quadri.
intenzioni, ovvero la produzione
cinquanta, ci spinge a riconsiderare il
che ha abbandonato il campo
Poche righe che mostrano bene
membro attivo della scena musicale
I Yellow Movies sono costituiti da
di un film che durasse una vita
ruolo che le immagini in movimento
esclusivo della pittura e un cinema
la necessità di affinare i nostri
underground newyorkese assieme
uno o più quadrati colorati trattenuti
intera – un’estensione che copra
hanno svolto in quella parabola
che ha abbandonato quello della
strumenti d’analisi, all’altezza di quelli
a LaMonte Young e John Cale, in
da una spessa cornice nera, simili
precisamente la nostra esistenza,
storica che va dall’impressionismo
figurazione. Riguardo al primo tempo
della storia dell’arte che permettono
campo cinematografico è conosciuto
a fotogrammi di una pellicola
in cui arte e vita siano in scala
al suprematismo. Nello stesso solco
della storia del monocromo, i nomi di
di spiegare, ad esempio, perché un
soprattuto per The Flicker (1965).
cinematografica. Una vicinanza
1:1. Chiamandoli “movies” e non
s’inscrivono altre opere come la Storia
Malevič e Richter s’impongono.
monocromo di Robert Ryman non
I Yellow Movies furono esposti al
suggerita tra l’altro dal fatto che a
“paintings”, Conrad insisteva sul
suprematista di due quadrati, un
Ma è nel secondo tempo – che
è un monocromo di Olivier Mosset.
Millennium, uno spazio alternativo
volte il supporto continua a terra,
movimento e sulla durata, non
capolavoro avanguardista di graphic
va grosso modo dal secondo
Finché storici dell’arte e storici del
multi-funzionale di New York, nel
come una bobina srotolata.
importa quanto impercettibile
design realizzato da El Lissitzky nel
dopoguerra in poi con un’apice
cinema lavoreranno ognuno per
marzo 1973 per una sola giornata
I quadrati sono ricoperti con una
fosse la loro sensibilità alla luce.
1920 (e pubblicato nel 1922 da Van
tra gli anni sessanta e settanta,
conto proprio, secondo un’agenda
o, come scrive elegantemente
vernice per interni a buon mercato,
Recensendo i Yellow Movies, un
Doesburg).
in controtendenza rispetto
propria alla loro disciplina e solo
l’artista, “the only time the Yellow
che crea una patina brillante e
giornalista notò ironicamente che
Ambientata in un cerchio rosso (la
all’accelerazione ipertrofica nella
a quella, questo salto qualitativo
Movies were shown in the twentieth
biancastra che evolve lentamente
capitava di rado di recensire un
97
Nam June Paik
Sebbene Malevič non lo realizzò
96
classico architettonico.
di catturare, controllare, misurare,
museo stesso con la sua struttura
Lippard l’intenzione di abbandonare
sua prima proiezione era ancora
registrare, “customizzare” il tempo.
oblunga (il Centre internationale
la pittura per realizzare dei film,
in corso. Siamo agli antipodi delle
E sfidano le definizioni legnose del
‘art paysage’ dell’Ile Vassivière) a
costruiti come una sequenza di
sale cinematografiche americane
monocromo e del cinema.
servire da proiettore. In uno sviluppo
fotogrammi monocromi e di effetti
fotografate da Hiroshi Sugimoto,
Non dimentichiamo la rabbia di
parossistico del film–scultura – con
cromatici. Se gli mancò il tempo di
in cui lo svolgimento del film viene
Conrad quando realizzò che, alla
cui s’indicano generalmente i video
abbozzare questo progetto, sono
catturato in un singolo scatto,
documenta 5 del 1972 cui era
degli anni settanta di Richard Serra
certo che farebbe parte integrante
con l’otturatore della macchina
stato invitato, gli artisti erano ben
– l’architettura diventa un’immensa
di una genealogia del monocromo
fotografica lasciato aperto per tutta
esposti “in the palace” (ovvero al
macchina di visione.
proiettato che resta da scrivere.
la lunghezza del film.
Friedericianum), mentre i filmmakers
Risultato di un’ibridazione tra pittura
In questa vi sarà spazio per le opere
Sugimoto fu il primo a essere
erano relegati nel cinema locale.
e cinema, tra quadro e schermo,
e gli scritti di Fernand Léger
sorpreso dal risultato: di tutte le
di una superficie che funziona
e Moholy-Nagy; per il cinema
immagini del film, non restava altro
all’interno di un dispositivo specifico,
strutturale americano degli
Della proiezione in quanto
il monocromo proiettato mette
anni settanta; per le atmosfere
luce – nient’altro che un monocromo
esposizione
direttamente in causa il ruolo dello
cromatiche che invadono lo spazio
proiettato.
La rabbia di Conrad è comprensibile:
spettatore, la sua agency (per
architettonico, da James Turrell a
I Yellow Movies sono film realizzati
ancora negli anni settanta s’ignorava
utilizzare un termine difficilmente
Veronica Jenssens; per un film come
senza macchina da presa, senza
che un monocromo proiettato è
traducibile), piuttosto che la
Blue (1993) di Derek Jarman; per
proiettore, senza pellicola ma non
anzitutto un monocromo esposto.
rappresentazione formale che si
il bianco accecante degli schermi
senza trama, sebbene elementare:
Installato in uno spazio museale,
dispiega sulla superficie. Si compie
traumatici di Alfredo Jaar (Lament
la storia di un rettangolo (e non di
assume una presenza scultorea, che
così appieno quella rotazione che
of the images, 2002 o The Sound
due quadrati come in El Lissitzky)
sia quella dello schermo stesso o
nessuno meglio di Ad Reinhard ha
of Silence, 2006); per quelli che David
che diventa giallo. Solo che il
del proiettore. Entrambe queste
suggerito in una vignetta del 1946:
Batchelor – autore del fortunato
processo d’ingiallimento – segno
tipologie sono state sperimentate
un visitatore punta il dito contro un
Cromofobia – ha chiamato “found
inequivocabile del trascorrere del
di recente da Rosa Barba. La prima,
quadro astratto esclamando “Ha Ha.
monochromes”, mostrando a che
tempo – è invisibile. O perlomeno è di
ad esempio, in Stating the Real
What does this represent?”; di colpo
punto lo spazio urbano delle nostre
natura più concettuale che cromatica.
Sublime (2009), costituita da un
i segni dipinti prendono le fattezze
metropoli rigurgiti di monocromi.
Non è accessibile all’esperienza, non
proiettore sospeso al soffitto dalla
di un volto malevolo prospiciente
La lista è in continuo aggiornamento.
su un piano fisico, non nel corso di
pellicola 16 mm, e da una proiezione
lo spazio della tela che si ritorce
RV
una singola visita né della durata
di luce sul muro. La seconda in
così contro lo spettatore: “What
media di una mostra temporanea.
Is it a two-dimensional analogy
do you represent?” (How to Look
Davanti all’accelerazione del tempo
of a metaphor? (2010), un’opera
At Modern Art). Non sorprenderà
dei dispositivi tecnologici, gli Yellow
impressionante che richiederebbe
che nel suo ultimo anno di vita, il
movies sfidano la nostra illusione
una riflessione a parte, in cui è il
1967, Reinhard confessava a Lucy
98
che un’abbagliante emanazione di
1
Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors
for the Second Time: A Paradigm Repetition of the
Neo-Avant-Garde”, in October, 37, Summer 1986,
pp. 41-52.
2
in The Burlington Magazine, 135/1084, July 1993,
pp. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle.
Writings on Film, a cura di Oksana Bulgakowa,
Potemkin Press, Berlin-San Francisco 1997, 2002;
Margarita Tupitsyn, Malevich and Film,
Yale University Press, New Haven-London 2002.
[1969], cit. in Judson Rosebush (a cura di).
Videa’n’Videology 1959-1973, Everson Museum
of Art, Syracuse 1973.
3
4
Raccontato in Annette Michelson, “Hollis
Frampton : poïésis et mathésis”, in A. Michelson,
Jean-Michel Bouhours (a cura di), Hollis Frampton.
L’écliptique du savoir. Film, Photographie, Vidéo,
Centre Georges Pompidou, Paris 1999, pp. 11-23,
cit. p. 23n14.
99
film nel momento stesso in cui la
_
ZERO
_
Der monochrome
Bildschirm
Riccardo Venturi
„Unser weißes Rechteck ist „
gar nichts“. In der Tat ist es
letztendlich alles, was wir haben.
Negativs, das Negativ der Kunst.
im Grunde eine leichte Beute war.
Kein Karneval, der die herrschenden
Der Nullpunkt schließt endgültig
Lo Savios Zero, Castellanis Zero,
Gesetze eines streng geregelten
mit dem futuristischen Modell,
Schifanos Zero, Fabio Mauris Zero:
Raumes wie dem des Gemäldes
das sich vormachte, diesen Punkt
Italiens Kunst der Nachkriegszeit
vorübergehend außer Kraft
ein für allemal zu erreichen und
hat in einem zeitlich so begrenzten
setzt; kein mystischer Zustand, in
das an die regenerierende Macht
Rahmen besonders viele
dem man das verschweigt, über
der Zerstörung auf künstlerischer
Nullstellen kennengelernt! Unsere
das man nicht sprechen darf;
(Städte, Museen, Denkmäler
Kunstgeschichte, die es gewohnt
keine Tabula rasa, die zu einem
dem Erdboden gleich machen),
war, Kunstwerke und Künstler als
Künstlerprogramm ‚emporgestiegen‘
anthropologischer (auf die
Teil einer Schule und verschiedener
ist; kein Punktsetzen und zum
Erneuerung des Menschen zielen)
Bewegungen anzusehen, hat eine
Zeilenanfang wechseln (lasst uns
und sogar politischer Ebene glaubte.
solche komplette Nihilierung der
des Informellen entledigen und in die
Stellen wir uns die malerische
Malerei oft als eine Reaktion auf
Zukunft schauen). Die Nullstellung
Abstraktion als eine Geste vor, die
das Informelle gesehen. So hat
ist ganz im Gegenteil ein Punkt, der
ihre Linie auf den letzten Zeilen der
man sich nicht danach gefragt, in
die eigenartige Fähigkeit besitzt,
künstlerischen Tradition zeichnet;
welcher Weise dieses verrückte
sich zu reproduzieren, sich als
sie zeichnet eine Linie Zeile für
Verlangen nach der Null eine
jenes oder solches vorzustellen,
Zeile und sobald sie am unteren
kompositorische Strategie – die
eine ewige Wiederkehr der
Rand angelangt ist, schlägt sie ein
sehr viel komplexer und sehr viel
gleichen Probleme der Malerei.
neues Kapitel auf. Anstatt den
durchdachter ist, als man glauben
Ein Wiederholzwang. Null und
Nullpunkt, eine makellose Seite
könnte – bildete und eher weniger
Wiederholung, Null als Wiederholung.
vorzufinden, findet sie sich vor der
als eine Reaktion auf den formellen
Die Null manifestiert sich durch
Rückseite eines Blattes wieder, auf
Rausch zu betrachten sei. Die Null ist
die Wiederholung, sie ist die Geste
der die Streichungen der Vorderseite
selbst der Wiederholung, eine
deutlich erkennbar sind und man
sondern ein Umlaufbringen der
ihrer auffälligsten Erscheinungen.
das Negativ der harten Arbeit der
in der Filmkunst.“
Geschichte, der Zirkularität der
Der Nullpunkt schließt nicht nur
Negation erblickt. Oder stellen wir
Null selbst als grafisches Zeichen.
mit dem Informellen, das wegen
uns die Künstler vor, die mit einer
Kein künstlerischer, historisch
seiner existenzialistischen
Hand hin und wieder die Geschichte
determinierter Stil einer kulturellen
Abfallprodukte und einer für die
der Malerei wegwischen und die
Dominante, wie es Fredric James
Künstlergeneration, welche in einer
Oberfläche der Leinwand reinigen.
in Bezug auf die Postmoderne
Zeit der Spektakularisierung der
Die Tafel wird nie schwarz, weil
ausgedrückt hat. Die Nullstellung
sozialen und ästhetischen Sphäre
das Weiß sich auf der Oberfläche
ist eine Arbeit, eine Tätigkeit des
lebte, bedeutungslosen Sprache
weiter verdickt und sich Flecken,
101
keine Geste zurück zum Ursprung,
Dies ist eine der Grenzen
100
Zero
Fontanas Zero, Manzonis Zero,
unleserliche Nebelflecken bilden,
gewagten Ausstellungen (die nichts
die Institutionalisierung dieser
Affinität gibt es nun zwischen den
der Zehntelsekunden, die die Welt in
zögert, die Filme von Ejzenštejn
die mit Vergangenheit getränkt
anderes als Monochromie zeigen und
ursprünglichen und subversiven
ikonoklastischen Oberflächen,
Stücke reißt, um es mit den Worten
wegen ihrer piktoralistischen
sind und über die hinweggewischt
für ein Museum ein Wagnis ist), wie
Geste zur Folge hatte, die zur
die die Geschichte der Malerei
von Walter Benjamin auszudrücken.
Rückständigkeit und dem Beharren
wurde. Die Nullstellung als
z. B. La couleur seule. Léxpérience
Umwandlung der Avantgarde in eine
entworfen hat und der Fähigkeit
In den letzten zwanzig Jahren hat
auf Nahaufnahmen der Gesichter
Wiederholung reagiert also auf eine
du monochrome von Lione (1988),
für Museen geeignete Kunst beitrug.
des Films, die extravagantesten
eine gründliche Überprüfung der
der Akteure zu kritisieren (was
neoavantgardistische Logik, die wir
ebenso wie die gut dokumentierten
Benjamin Buchloh1, der diese Teile
Geschichten darzustellen, zwischen
schwarzen und weißen Quadrate
die Reime beantwortet haben).
versuchen hier zu entwickeln. Hierfür
Studien, wie z. B. die von Denys Riout
der Theorien von Peter Bürger
dem Differenzwert bis zum
des vorherrschenden Malers
Ein sich Abwenden von diesem
betrachten wir das Schicksal eines
(La peinture monochrome. Histoire et
(Theorie der Avantgarde) kritisierte,
Verblassen, dem Schweigen auf der
stattgefunden. In den meisten
„nicht objektiven Film“ – unter
privilegierten Gegenstandes, das
archéologie dún genre, 1996).
kehrte zu seinen Gedanken bezüglich
einen Seite und andererseits dem
Fällen werden Sie weiterhin, nicht
Berücksichtigung der post-
Monochrome, aus nächster Nähe.
Ganz kurz gesagt ist eine der
des Aufeinandertreffens der
Bestreben, heterogene Elemente
nur in Schulbüchern, als die ersten
kubistischen Malerei – in deren
Besonderheiten der Monochromie
künstlerischen Produktion mit der
wie Sound und bewegte Bilder zu
abstrakten Gemälde betrachtet
Zeichen Malevič seine Produktion
Der monochrome Bildschirm
die Existenz zweier unterschiedlicher
typischen neoavantgardistischen
kombinieren? Dennoch verläuft
oder - in einer subtileren Art und
einordnete, eine Theorie, welche
Die Monochromie birgt keine
historische Ereignisse: die
Kulturindustrie zurück und
die Geschichte des monochromen
Weise, als Verrat an der Ausbildung
die verbleibenden Objekte der
Geheimnisse für uns. Durch Erweitern
Avantgarde und die Nachkriegszeit
widersprach dem Konzept der
Bildes parallel zu der des weißen
und den Horizont der Erwartungen
Wirklichkeit pulverisieren sollte.
aufs Äußerste der revolutionärsten
(von Yves Klein über die abstrakten
Authentizität von Serie und
Bildschirms von Kinoprojektionen.
unserer Kunsthistoriker - als
In der Sowjetunion ignoriert, wurde
Tendenzen der ersten Hälfte
Expressionisten zur Minimalkunst
Wiederholung, dem Erlebnis des
Nichtsdestotrotz sind sich diese
abstrakte Symbole des Zwanzigsten
diese Intuition zum ersten Mal durch
des Zwanzigsten Jahrhunderts,
usw.). Die Beziehung zwischen den
auratischen Kunstwerks, dem
beiden Figuren mehrmals begegnet,
Jahrhunderts. Aber einige Malevič-
Hans Richter verwirklicht, dessen
repräsentiert die Monochromie
beiden zu messen, ist nicht leicht.
Readymade-Modell und der
was ich, mangels einer besseren
Gelehrte wie Alexandra Shatskikh,
Rolle entscheidend war. 2010 in
in der Malerei das Rückgrat der
Künstler wie Rodchenko hatten
Entmystifizierung der ästhetischen
Bezeichnung, monochromen
Oksana Bulgakowa und Margarita
den gleichen Sälen vorgeführt,
Abstraktion und ist ohne Zweifel
die Monochromie genutzt, um das
Erfahrung.
Bildschirm nenne.
Tupitsyn2, stimmen darin überein,
in denen im Centre Pompidou in
das Wahrzeichen der Geschichte des
Ende der monochromen Malerei und
Es gibt allerdings andere Gründe,
Modernismus. Von der Monochromie
ihr endgültige Reduktion auf reine
die zweite Hälfte der Monochromie
kennen wir die Herkunft, die
Farben zu erklären, ohne mehrere
Hauptwerke, die Ausstellungen, die
transzendentale Bedeutungen
Entstehung, den geschichtlichen
Werdegang, die Agenda und die
stattfand, sind seine Filme einer
zu berücksichtigen, z. B. die
Malevič
hatte, anzuerkennen. Diese sind
der Prototypen der monochromen
Notwendigkeit, die beherrschende
Beginnen wir – wie könnte es
keine- oder vielmehr funktionieren
Bildschirme. Malevič traf Richter 1927
oder geistige oder psychische
Idee der Kunstgeschichte, nach der
anders sein? - Mit Malevič. Ein
nicht mehr als Maler-Leinwände,
in Berlin und war kurz darauf sehr
Assoziationen. Was konnten die
die Monochromie nichts weiter als ein
entscheidender Fall, da er in einer
sondern als Bildschirme; Das ist z. B.
von dem Drehbuch für einen Film
vermittelten Botschaften, die
Künstler der fünfziger und sechziger
untergeordnetes Genre der Malerei
Zeit lebte, als die Beziehungen
der Fall beim schwarzen animierten
beeindruckt, indem die Protagonisten
programmgemäßen Schriften der
Jahre hinzufügen? Die Neo-
ist, wie z. B. Landschaftsmalerei,
zwischen Malerei und Kino noch
Quadrat bis hin zu Lichtstrahlen in
keine Schauspieler, sondern
Künstler sowie den Niedergang und
Avantgarde wurde auf eine bloße
Stillleben, Porträt- oder Aktmalerei,
dem System der bildenden Kunst
der Szene des Theaterstücks Vittoria
geometrische Formen waren
das Verblassen nach dem Scheitern
Reproduktion des Originals reduziert
zu beseitigen. Insbesondere hat
untergeordnet waren, in einer
sul sole (1913).
(Quadrate, Kreise, Kreuze, nuancierte
der historischen Bedingungen,
und dementsprechend unterschätzt
diese Lektüre die Berücksichtigung
Welt, die noch nicht vollständig
Gleichzeitig zielt es auf vier
Rechtecke). Programmatisch ist
die den Ausnahmezustand
und gründlich missverstanden.
der Beziehung zwischen
die Weise realisiert hatte, in
Schreiben ab, die Malevič in
die Überschrift: ein künstlerischer
gekennzeichnet haben. Die
Ein Bruch mit der zum zweiten
der Monochromie und der
welcher der Film den Überblick
den zwanziger Jahre dem Film
und wissenschaftlicher Film:
Monochromie war Protagonist in
Mal wiederholten Tradition, der
Kinematografie verhindert. Welche
revolutionierte, jene explosive Macht
gewidmet hat und in denen er nicht
die Malerei und Probleme der
103
Paris die Mondrianretrospektive
auf diese anikonischen Gemälde
102
den Einfluss, den die Kinoleinwand
Der Film ohne Darsteller
architektonischen Annäherung
Realismus und sein Widerstreben,
Signale in optische Signale wird der
Bildschirm? Den von Frampton,
gezeigt, das zum größten Teil aus
fand Conrad schließlich die
an das neue System klassischer
seinen repräsentativen Rückstand
Bildschirm moduliert, und zwar
Sharits, Brakhage, Bree, Conrad oder
avantgardistischen Regisseuren
Eigenschaft, die er suchte, eine
Architektur. Obwohl Malevič es nie
vollständig aufzugeben, kritisierte.
von Kubelka?4“
bestand. Bis auf Jonas Mekas, für
„ökologische Reaktionsfähigkeit“
den die Installation der Gemälde-
über einen sehr langen Zeitraum
so genau wie Leonardo
verwirklicht hat und das Projekt von
so frei wie Picasso
Das langsame Vergilben
Bildschirme weniger eine Ausstellung
hinweg.
Bildschirm Nam June Paik
so bunt wie Renoir
Tony Conrad
von 20 Gemälden war, sondern
Aber wie langsam veränderte
auf und zwingt uns, die Rolle, die
Wagnis, eine erste Definition: Den
so tiefgründig wie Mondrian
Natürlich, Tony Conrad. Wer weiß,
vielmehr die gleichzeitige Projektion
das gemalte Bild die Farbe? Sehr
bewegte Bilder in der historischen
monochromen Bildschirm findet man
so heftig wie Pollock und
ob er vor der Verwirklichung seiner
von 20 Filmen wurde das Screening
langsam, viel langsamer, als Conrad
Parabel, die vom Impressionismus
an der Schnittstelle zwischen der
Yellow Movies die Texte von Paik
als Unterhaltung angesehen. Danach
angenommen hatte, sodass er im
zum Suprematismus geht, gespielt
Monochromie, die auf das Gebiet der
gelesen hatte. US-amerikanische
wurden die Yellow Movies jedoch
Jahr 2007, als die Yellow Movies
haben, zu überdenken. In die gleiche
Malerei verzichten und dem Film,
Ein paar Zeilen, die auch die
Experimentalfilmer, Pionier der
in Museen einem Publikum für
ausgestellt wurden, meinte, dass sie
Kategorie fallen andere Werke,
der ohne Darsteller auskommt. Zum
Notwendigkeit darlegen, unser
minimalistischen Musik, ein aktives
zeitgenössische Kunst im Prinzip als
für Filme, die gelb werden sollten,
wie z.B. die suprematistische
ersten Mal in der Geschichte der
Instrumente zur Analyse, mit
Mitglied der New Yorker Untergrund-
Gemälde gezeigt.
„ganz schön weiß“ wären. Nicht
Geschichte von zwei Quadraten,
Monochromie werden die Namen von
denen wir die Kunstgeschichte
Musik-Szene mit LaMonte Young
Die Yellow Movies bestehen aus
allzu lange, unter Berücksichtigung
ein avantgardistisches Meisterwerk
Malewitsch und Richter verbindlich.
erklären können, zu verfeinern,
und John Cale, im Kino ist vor allem
einem oder mehreren farbigen
seiner Absichten, der Produktion
des Grafik-Designs, das El Lissitzky
Es ist jedoch in der zweiten
weil z. B. ein monochromatisches
bekannt für The Flicker (1965).
Quadraten in einem dicken,
eines Films, die ein Leben lang
1920 verwirklichte (und 1922 von
Hälfte, – das geht in etwa ab
Kunstwerk von Robert Ryman
Die Yellow Movies wurden zum
schwarzen Rahmen, ähnlich wie
dauern sollte – eine Erweiterung,
Van Doesburg veröffentlicht wurde).
dem zweiten Weltkrieg bis, in
nichts mit einem monochromen
Millenium in einem alternativen
bei Frames in einem Kinofilm.
die sich genau mit unserer Existenz
Innerhalb eines roten Kreises (die
Anführungszeichen, in die sechziger
Bild von Olivier Mosset zu tun hat.
multifunktionalen Raum in New York
Eine Ähnlichkeit, die einem unter
deckt, in der Kunst und Leben in
Erde), wird symbolisch die Geschichte
und siebziger Jahre, im Gegensatz zur
Solange Kunsthistorikerinnen und
im März 1973 an einem einzigen
anderem in den Sinn kommt, ist die
einem Verhältnis von 1:1 stehen.
eines roten und schwarzen Quadrats,
hypertrophen Beschleunigung in der
Filmhistoriker jeder für sich basierend
Tag gezeigt, bzw. wie der Künstler
Filmspule, die sich manchmal auf der
Indem er sie „Filme“ und nicht
die gegen das Chaos kämpfen,
Verbreitung von Informationen und
auf einer eigenen Agenda in ihrem
elegant formulierte: “Das einzige
Erde abwickelt. Die Quadrate sind
„Gemälde“ nannte, bestand Conrad
erzählt.
Kommunikationen – dass sich seine
Bereich arbeiten und ausschließlich
Mal, dass die Yellow Movies im
mit einem preiswerten Außenlack
auf Bewegung und Dauer, egal wie
Der monochrome Bildschirm ist
Erscheinungsformen vermehren.
so, wird dieser qualitative Sprung
20. Jahrhundert gezeigt wurden.”
gestrichen, der eine weißlich
subtil ihre Lichtempfindlichkeit war.
ohne die volle Verwirklichung dieser
Die Arbeit von Nam June Paik
nicht möglich sein. Dazu fällt mir
Was das 21. Jahrhundert betrifft,
glänzende Patina hinterlässt, die
Bei der Rezension der Yellow Movies
nicht-objektiven Kinematografie
erstreckt sich von Zen for Film
eine Anekdote der amerikanischen
so wurden 10 Filme 2005 auf der
mit der Zeit stärker wird. Die Idee
bemerkte ein bekannter Journalist
und ohne die von Malewitsch in
(1964), ein TV-Buddha (1974) bis
Kritikerin Annette Michelson
Biennale in Lyon gezeigt (Expérience
kam Conrad, als er im Bett lag und
ironisch, dass es selten sei, einen
Betracht gezogen Schauspieler
zu den Kathodenstrahlröhren des
ein: 1874 sollte sie für das Cover
De La Durée), andere in Köln und New
die im Vorjahr angestrichene Decke
Film zu bewerten, dessen erste
nicht denkbar. Seltsamerweise
Fernsehens, die leuchten und eine
eines Buchs ein Sinnbild für einen
York im Jahr 2007 und schließlich
anschaute und bemerkte, dass sie
Ausstrahlung noch im Gange sei.
wurde dieser Trend durch die
Art entmaterialisierten Piktorialismus
zeitgenössischen unabhängigen
2009 auf der Biennale in Venedig.
schon vergilbte.
Kommen wir nun zum Gegensatz der
anti-modernistischen Absichten
produzieren. Dies ist eine brillante
Regisseur wählen. Jemand schlug ihr
Diese Ausstellungen zeigten die
Oder als er das schemenhafte
amerikanischen Kinematographie,
von T.W. herausgefordert. Adorno,
Beschreibung in einem Text von
vor, dass ein leerer Bildschirm das
Komplexität von Conrads Werk: Beim
Zeichen entdeckt, dass ein
fotografiert von Hiroshi Sugimoto,
der in dem Film “Filmtransparente”
1969, Versatile Color TV Synthesizer3.
Beste wäre, woraufhin Michelson
ersten Mal 1973 wurden die Filme auf
Möbelstück an der Wand dahinter
bei dem die Handlung des Films
(1966), seinen fotografischen
Durch Umwandlung elektrischer
antwortete: „Aber welchen leeren
Kinoleinwänden vor einem Publikum
hinterlässt. Bei der Dispersionsfarbe
in einer einzigen Aufnahme
So lyrisch wie Jasper Johns.
105
Über den chromatischen
es in den fünfziger Jahren wieder
104
der Bildfläche verschwand, tauchte
eingefangen wird und die Linse des
des Films. Nicht zu vergessen die
Bei einer paroxysmalen Entwicklung
die aus einer Reihe monochromer
Turrell bis Veronica Jenssens
Fotoapparats über die gesamte
Wut Conrads, als merkte, dass auf
der Skulptur – die in der Regel auf
Fotogramme mit Farbeffekten
eindringenden; für einen Film, wie
Länge des Films hinweg geöffnet
der Documenta 5 im Jahr 1972, zu
die Videos der siebziger Jahre von
bestehen. Hätte ihm nicht die Zeit
Blue (1993) von Derek Jarman; für das
bleibt. Sugimoto war der Erste, den
der er eingeladen worden war,
Richard Serra hindeuten – wird die
zum Entwurf dieses Projekts gefehlt,
blendende weiß der traumatischen
das Ergebnis überraschte: Von allen
die Künstler nun „im Palast”(bzw.
Architektur zu einer immensen
bin ich sicher, dass es integraler
Bildschirme von Alfredo Jaar (Lament
Aufnahmen des Films blieb nichts
im Friedericianum) ausstellten,
Visions-Maschine.
Bestandteil einer Genealogie des
of the images, 2002 o The Sound
anderes übrig, als eine Emanation
während die Filmemacher ins
Das Ergebnis einer Hybridisierung
monochromen Bildschirms sein
of Silence, 2006); für die, die David
des Lichts – nichts anderes als ein
örtliche Kino abgeschoben wurden.
zwischen Malerei und Kino, zwischen
würde, was noch zu schreiben wäre.
Batchelor – Autor des erfolgreichen
Bild und Bildschirm, einer Fläche,
Darin wäre Platz für die Werke
Cronofobia – „found monochromes“
monochromer Bildschirm.
Projektion als Exposition
die innerhalb eines bestimmten
und Schriften von Fernand
genannt hat und damit zeigte, in
ohne Kamera, ohne Projektor und
Conrads Ärger ist verständlich: In
Geräts funktioniert, übernimmt
Léger und Moholy-Nagy; für die
welchem Umfang der urbanen Raum
ohne Film aufgenommen wurden,
den 1970er Jahren war man sich
der monochrome Bildschirm die
kinematografische Struktur der
unserer Metropolen die Monochromie
aber nicht ohne Handlung, auch
dessen noch nicht bewusst, dass ein
direkte Rolle des Zuschauers,
70er Jahre; für die chromatischen
wieder aufleben lässt.
wenn diese elementar ist: die
Schwarzweiß-Bildschirm in erster
seiner agency (um einen schwierig
Atmosphären die in den
Die Liste wird ständig aktualisiert.
Geschichte eines Rechtecks (und
Linie ein monochromes-Display ist.
zu übersetzenden Begriff zu
architektonischen Raum von James
RV
nicht von zwei Quadraten, wie bei
In einem Museumsraum installiert,
verwenden), anstelle einer formellen
El Lissitzky), das gelb wird. Nur dass
nimmt er eine skulpturale Präsenz
Repräsentation, die sich auf der
die Gelbfärbung – ein untrügliches
ein, sei es der Bildschirm selbst oder
Oberfläche entfaltet. So schließt
Zeichen der vergangenen Zeit –
der Projektor.
sich der Kreis, den niemand besser
unsichtbar ist. Oder zumindest ist
Beide Typen wurden kürzlich von
dargestellt hat, als Ad Reinhard
sie mehr konzeptioneller Natur,
Rosa Barba ausprobiert. Der Erste,
in einem Cartoon von 1946: Ein
als chromatischer. Auf physischer
zum Beispiel in Stating the Real
Besucher zeigt mit dem Finger auf
Ebene ist sie nicht zugänglich, weder
Sublime (2009), bestehend aus
ein abstraktes Quadrat und schreit:
bei einem einzigen Besuch noch
einem auf die Decke gerichteten
„Ha ha, was stellt das dar? “; plötzlich
während der durchschnittlichen
Projektor für 16 mm-Film und einer
nehmen die Bildzeichen ein böses
Dauer einer temporären Ausstellung.
Lichtprojektion an der Wand. Der
Gesicht mit Blick auf den Raum der
Vor dem Hintergrund der schnellen
Zweite in Is it a two-dimensional
Leinwand an, die sich so gegen den
Entwicklung technischer Geräte,
analogy of a metaphor? (2010), ein
Betrachter stellt: “Was stellen Sie
trotzen die Yellow Movies unserer
beeindruckendes Werk, das eine
dar?” (Wie man moderne Kunst sehen
Illusion, die Zeit einfangen,
eigenständige Diskussion erfordert
sollte). Es ist nicht überraschend,
kontrollieren, messen, aufzeichnen
und in dem das Museum selbst mit
dass Reinhard 1967, in seinem
und „anpassen“ zu können. Und
seiner länglichen Struktur (Centre
letzten Lebensjahr, Lucy Lippard
sie widersetzen sich den starren
Internationale Kunst Paysage ‘ l ‘
seine Absicht beichtete, die Malerei
Definitionen der Monochromie und
ile Vassiviere) als Projektor dient.
aufzugeben, um Filme zu machen,
Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors for
the Second Time: A Paradigm Repetition of the NeoAvant-Garde (Die primären Farben zum zweiten Mal:
eine Paradigmawiederholung der Neo-Avantgarde)“,
im Oktober, 37, Sommer 1986, S.41-52.
2
in The Burlington Magazin, 135/1084, Juli 1993,
S. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle
(Das weiße Rechteck). Filmtheoretische Schrift von
Oksana Bulgakowa, Potekim Verlag,
Berlin-San Francisco 1997, 2002; Margarita
Tupitsyn, Malevich und Film, Yale Universitätsverlag,
New Haven-London 2002
[1969] (Vielseitiger Farb-TV Synthesizer [1969]),
Zitat in Judson Rosebush (von). Videań Videologie
1959-1973, Eversum Kunstmuseum, Syracuse 1973.
3
4
Erzählt in Annette Michelson, „Hollis Frampton:
poïésis et mathésis“, in A. Michelson, Jean-Michel
Bouhours (von), Hollis Frampton. L´écliptique du
savoir. Film, Fotografie, Video, George Pompidou
Center, Paris 1999, S.11-23, Zitat S.23n14.
rosa barba_stating the real sublime
107
106
Die Yellow Movies sind Filme, die
1
Works_Opere_Kunstwerke
Fontana
Manzoni
Azimut
Castellani
Bonalumi
Dadamaino
Lo Savio
Scheggi
Simeti
Munari
Alviani
Biasi
Costa
Landi
Massironi
Anceschi
Boriani
Colombo
Devecchi
Varisco
Vigo
Apollonio
109
Scaccabarozzi
108
gruppo N
Chiggio
gruppo T
Lucio Fontana
CONCETTO SPAZIALE
40x33 cm
idropittura su tela
111
110
1964/1965
“I tagli che ho fatto finora rappresentano soprattutto
Lucio Fontana
uno spazio filosofico. Ma quello di cui vado in cerca, oggi,
non è piu uno spazio filosofico, ma piuttosto lo spazio fisico.
CONCETTO SPAZIALE - TEATRINO
Sono bastati due o tre anni, infatti, e lo spazio non è più
un’astrazione, ma è diventato una dimensione nella quale
70x70 cm
l’uomo può addirittura vivere, violandola con i Jet, con gli
rilievo
Sputnik con le astronavi. è una dimensione umana capace
1968
di procurarci un’angoscia fisiologica, uno sbigottimento
dell’animo, e io, nelle mie tele, sto appunto cercando
di esprimere questa sensazione”.
113
112
Intervista a Lucio Fontana, su Vanità n. 13, 1962, pp. 53 sgg
115
114
Piero Manzoni > SENZA TITOLO, 55x37 cm, olio e catrame su tela, 1957
Piero Manzoni > IGITUR, 70x90 cm, olio su tela, 1957
“ Nell’estate del 1959 andai con Anceschi ad Albisola dove
Piero Manzoni
Manzoni esponeva la sua prima Linea, tracciata con un
pennello su di una lunga striscia di carta che percorreva le
LINEA m 11,94
quattro pareti della galleria; Piero felice di vederci, ne staccò
un pezzo dove uno spettatore indignato il giorno prima
tecnica mista
aveva sputato e ce la regalò.”
novembre 1959
Davide Boriani
In Marina Pugliese, Le tecniche e i materiali dell’arte contemporanea,
Atti dell’Accademia Nazionale dei Lincei. Memorie, serie IX, vol. XII,
fasc.II_Roma, 2000, p.223
Con il critico spagnolo Juan-Eduardo Cirlot trattiene una fondamentale
corrispondenza (durata poche lettere) utile per comprendere la poetica
dell’artista.
“... quello che più mi interessa sono le Linee: credo siano
il punto culminante di tutta la mia pittura, il punto che fa
anche comprendere i miei quadri bianchi, che per me non
sono quadri di materia, ma quadri antimateria, quadri
“achrome”. Per quanto riguarda i quadri, ora li realizzo con la
macchina da cucire, e posso ottenere effetti sorprendenti:
ora ho in progetto una serie di quadri in oro.”
Piero Manzoni
Per questa corrispondenza, cfr. Juan-Eduardo Cirlot. De la critica a la filosofia
del arte, a cura di Lourdes Cirlot, Quaderns Crema_ Barcelona, 1997,
117
116
pp. 105-124
Enrico Castellani
SUPERFICIE BIANCA -B150x120 cm
tela sagomata
119
118
1979
Enrico Castellani
SUPERFICIE BIANCA
60x60 cm
tela sagomata
121
120
2005
Agostino Bonalumi
BIANCO
190x190 cm
acrilico, tela estroflessa, gomma piuma
123
122
1968
125
124
Agostino Bonalumi > BIANCO, 100x80 cm, acrilico su tela estroflessa, 1979
Agostino Bonalumi > ROSSO, 60x73 cm, acrilico su tela estroflessa, 1989
Dadamaino
Piero Manzoni su Dadamaino
Secondo Manzoni, Dada “si stacca dalla terra con le ali”, non allude,
non esprime, non rappresenta, non astrae, ma libera la superficie:
VOLUME A MODULI SFASATI
A TRE STRATI SOVRAPPOSTI
“Dada Maino ha superato la ‘problematica pittorica’:
altre misure informano la sua opera: i suoi quadri sono
60x60 cm
bandiere di un nuovo mondo, sono un nuovo significato:
plastica fustellata a mano
non si accontentano di ‘dire diversamente’:
1960
dicono cose nuove”.
I quadri, a cui Manzoni allude, sono evidentemente i coevi cicli sui Volumi
e i Volumi a moduli sfasati.
Da “Libera dimensione” pubblicato sul secondo numero della rivista Azimuth.
Alberto Biasi sui moduli sfasati di Dadamaino
Alberto Biasi ricorda così la sua reazione di fronte ai Volumi a moduli sfasati:
“Nel maggio 1961 Dada fu invitata a Padova ad esporre
nel nostro atelier, lo Studio Enne. Presentò per la prima volta
i Volumi a moduli sfasati. Nel vedere questi ultimi lavori
di grande dimensione, con un’infinità di piccoli buchi,
fustellati a mano su fogli di plastica, le famose tende delle
docce, mi arresi alla grandiosità del suo lavoro e cessai
di produrre le Trame che io ottenevo sovrapponendo carte
forate di piccolo formato. [...] In sostanza le stratificazioni
di Dada mi sembrarono meno giocose, più impegnate
delle mie, lasciai a lei lo sviluppo del concetto e mi dedicai
al processo creativo dei Rilievi otticodinamici.”
Alberto Biasi in Dadamaino.
127
126
Gli anni ’50 e ’60, la capacita’ di sognare. Milano, Cortina Arte_2010
129
128
Dadamaino > VOLUME, 120x60 cm, idropittura su tela, 1958
131
130
133
132
Dadamaino > DISEGNO OTTICO DINAMICO, 26x26 cm, inchiostro su cartoncino, 1964/1968
135
134
Dadamaino > MOVIMENTO DELLE COSE, 116x150 cm, mordente su poliestere, 1990
Francesco Lo Savio
FILTRO
75x75 cm
tecnica mista, collage su tela
137
136
1960
“... abbandonare l’illusione e entrare nella realtà,
Paolo Scheggi
trasformare lo spazio virtuale in spazio reale,
spostare lo spazio reale in tempo visibile e vivibile,
INTERSUPERFICIE CURVA DEL BIANCO
rifiutare la contemplazione per l’azione,
lo statico per il dinamico.
50x50x5 cm
E ancora, la necessità di trasformare la parola, il gesto,
tele sovrapposte
il suono, il movimento in tempo-città-totale.”
1967
139
138
Paolo Scheggi
141
140
Paolo Scheggi > INTERSUPERFICIE CURVA DEL BIANCO, 41x41x11 cm, cartone, 1965
Paolo Scheggi > SENZA TITOLO, 57x67 cm, inchiostro su carta, 1967
Turi Simeti
12 OVALI NERI
70x50 cm
cartone, pittura acrilica, legno
143
142
1963
Turi Simeti
X CUBIC
35x35x43 cm
neon, metalacrilato
145
144
1969
147
146
Turi Simeti > DUE OVALI METALLIZZATI, 34x27 cm, cirè sagomato, 2006
Turi Simeti > DUE OVALI BLU, 50x50 cm, idropittura su tela, 2006
“Mentre i negativi-positivi sono costruiti con tinte sature
Bruno Munari
piatte, senza alcun segno “espressionista”, in uno spazio
geometrico organizzato da ritmi rigidi, e dove tutto lo spazio
NEGATIVO POSITIVO
è significante, i segni sono invece delle forme appoggiate
sul fondo, senza problemi di ambiguità percettiva,
34x34 cm
dove il valore è dato dall’energia, dal colore materico,
olio su masonite
dalle dimensioni, dai collegamenti, dagli spazi vuoti.”
1964
149
148
Bruno Munari
151
150
Bruno Munari > COMPOSIZIONE, 18x18 cm, tempera su cartone, 1970
Bruno Munari > COMPOSIZIONE, 18x18 cm, tempera su cartone, 1970
153
152
Getulio Alviani > SUPERFICIE A TESTURA VIBRATILE, 21x15 cm, alluminio, 1978
Getulio Alviani > SUPERFICIE A TESTURA VIBRATILE, 50x50cm, alluminio, laminato, 1972
Alberto Biasi
DINAMICA VISIVA
59,5x59,5x5 cm
doppia serigrafia su plexiglas
155
154
Gruppo Enne _ 1964
157
156
Alberto Biasi > POLITIPO, 48x48 cm, PVC, acrilico, 1975
Alberto Biasi > DINAMICA VISIVA 62, 50x50 cm, doppia serigrafia su plexiglas, telaio in legno, 1975
159
158
Ennio Chiggio > INTERFERENZA LINEARE 9 , 49x49x13 cm, tecnica mista, 1966
Ennio Chiggio > PIN-UP 2, 53x53x7 cm, spilli colorati su legno, 1959
161
160
Ennio Chiggio > DECOLLAGE A TESSERE - 4 QUADRATI, 45x45x3 cm ciascun elemento, collage, cartoncino, acrilico su tavola, 1990
163
162
Toni Costa > OPTICAL DYNAMIC STRUCTURE, 64x64 cm, pvc su legno, 1973
Toni Costa > ALTERNAZIONE, 45x45 cm, tela su fondo nero, 1964
165
164
Edoardo Landi > SUPERFICIE S.B.N., 50x50 cm, carta velina su cartoncino, 1962
Edoardo Landi > VERSO L’ALTO VERSO IL BASSO 1 2 3 4, 36,2x47,3 cm, inchiostro su carta, 1960
167
166
Edoardo Landi > CINORIFLESSIONE SFERICO VARIABILE, 82x82x11,5 cm, sfere, nylon, acrilico su legno, 1966/1967
Edoardo Landi > CINORIFRAZIONE CILINDRICA, 50x50 cm, legno, acrilico, perxpex, 1966/1968
169
168
Edoardo Landi > RIFLESSIONE CILINDRICA VARIABILE N.63, 60x60x6 cm, plexiglass, 1963
Edoardo Landi > SUPERFICIE A TRIANGOLI, 70x70 cm, cartoncino fustellato, 1961/1971
Manfredo Massironi
STRUTTURA DOPPIA
A QUADRATI RUOTATI
50x25x10 cm
metallo cromato, telaio in legno
171
170
1964
173
172
Manfredo Massironi > CERCHI PIÙ QUADRATI, 35x35x1 cm, serigrafia su cristallo, 1965
Manfredo Massironi > CERCHI PIÙ QUADRATI, 35x35x1 cm, serigrafia su cristallo, 1965
Manfredo Massironi
SFERA NEGATIVA
50x50x50 cm
fili di cotone, telaio in legno
175
174
1964/2007
Giovanni Anceschi
STRUTTURAZIONE POLICROMA
35x35x6 cm
plexiglas, impianto elettrico
177
176
1965
179
178
Davide Boriani > IPERCUBO ROTANTE, 42x42x42 cm, plexiglass, 1963/1965
Davide Boriani > SUPERFICIE MAGNETICA, 35x31 cm, assemblaggio, impianto elettrico, 1965
181
180
Gianni Colombo > STRUTTURAZIONE FLUIDA, 50x50x7 cm, metallo, cartone, apparato elettrico, 1960
Gianni Colombo > SPAZIO ELASTICO -DOPPIO PIÙ-, 20x20 cm, tecnica mista su tela, 1989/1990
183
182
Gabriele Devecchi > STRUTTURAZIONE TRIANGOLARE, 45x45x23 cm, specchi, metallo, apparato elettrico, 1963
Gabriele Devecchi > ZOOM, 53x50 cm, legno, apparato elettrico-luminoso, 1987
Grazia Varisco
SCHEMA LUMINOSO VARIABILE
51x51x9,5 cm
vetro serigrafato, legno, apparato elettrico
185
184
1965
Grazia Varisco
RETICOLO FRANGIBILE
54x54 cm
legno, vetro industriale
187
186
1967
189
188
Grazia Varisco > STUDI PER EXTRAPAGINA, 50x50 cm, inchiostro, collage su tela, 1975/1976
Grazia Varisco > EXTRAPAGINA, 50x50 cm, inchiostro su carta, 1976
Nanda Vigo
CRONOTOPO
30x30x8 cm
metallo, vetri smerigliati
191
190
1964
193
192
Marina Apollonio > GRADAZIONE N.42 15 N, 70x70 cm, acrilico su tela, 1966/72
Marina Apollonio > Dinamica Ellittica, 126x46,5 cm, smalto sintetico su legno, 1967/2011
195
194
Antonio Scaccabarozzi > LETTURA ORIZZONTALE OBBLIGATA, 80x80 cm, legno incavato, 1974
Antonio Scaccabarozzi > GIOCO SUL QUADRATO, 59x59 cm, tecnica mista, 1969
197
196
Antonio Scaccabarozzi > PREVALENZE, 60x60 cm, acrilico su tela, 1976
Antonio Scaccabarozzi > PREVALENZE, 60x60 cm, acrilico su tela, 1976
NEW MATERIALS IN ART
physicality of the work for the
With the beginning of the twentieth
purpose of the expressiveness
century, the modes of expression
testified by the polimateric
and techniques of the artists began
assemblies of Cubists, Futurists and
to be influenced by the discoveries
Dadaists, from Duchamp’s ready-
and innovations produced by
mades, from the assemblage of the
industrial development. The avant-
surrealists, from the building with the
garde currents, set a fundamental
new industrial constructivistic and
passage in understanding the art as
minimalistic materials. Even waste
perception of the reality, the art as
materials collected and assembled
conceptualization and intellectual
The radical mutation of the
by the neo-Dadaists, to arrive at
elaboration.
expressive needs of the
new techniques of reproduction of
The new vision of the historical
contemporary art has led to the
the images as the fotoserigrafia on
avant-garde artists leads to a
gradual abandonment of the
canvas, which is typical of Warhol,
complete renovation of works
traditional techniques and the
to Nauman holograms, to the video
that require new formal solutions
materials and the introduction of
installations, to finish with the
and techniques, such as the
completely new creative practices,
interactive installations done with
polymaterism, the colorfulness of the
Attilia Todeschini
free from the balance of material
digital devices.
assembly, the space and the blank,
Federica Picco
and preservatives, which for
The artist then learns the materials
seen as integral parts of the work.
centuries had overseen the creation
and techniques from the industrial
That’s why in the work it was started
of the artifacts.
progress, makes his own items
to use the foreign materials like
Since the early years of the
intended for everyday reality,
cardboard, wire, metal: everything
twentieth century, with the first
reinterpreting them in a creative and
that is part of everyday life can be
avant-gardes and the Cubism, the
anti-functional way.
means of artistic expression.
artist’s work is gradually liberating
Again, this is the big break from
The key point in this process is
from subordinate role to narrative
the tradition of contemporary art:
that Marcel Duchamp who, with
needs and wins the status of
the expressive intention exceeds,
the conception of the ready-made,
autonomous object with a specific
indeed, decisively omits, the balance
elevates the common object in art
aesthetics identity and with a new
of the materials used and the need
work, and opens the way to Dadaism,
choice and technical processing of
for conservation of artifacts for
through which the traditional logical
the materials used.
centuries, except for a few rare,
systems are condemned, reaching
This disruptive change in operating
brilliant, example, it was the basis
to a new conception of the meaning
logic has resulted in emphasizing
of the technical choices.
of the objects based on the replaced
198
New Tendencies...
New materials
199
the importance of the concrete
meaning and on the intrinsic value of
in the world of art must be tribute
to those traditional, characteristics
and improvement of the materials,
for an impersonal style. From the
Gabriele Devecchi, Giovanni Anceschi
the material.
to Naum Gabo for the construction
that do not delay in attracting artists,
responding to the demands put
fifties, the use of pictorial materials
and all the exponents of the T-group
At the same time for the
of his three-dimensional work, who,
especially for the faster drying
forward by the personal creativity
extends to resume the impersonal
(Davide Boriani, Gianni Colombo,
development of the avant-garde
between the Twenties and Thirties
and less yellowing compared to oil
of the artists.
style of advertising posters based on
Grazia Varisco) who make heavy
movements, make their entry into
exploited the power of the cellulose
painting.
However, acrylic colors have
flat surfaces without traces of brush
use of this type of material: their
the world of art, the plastics: since
esters, progenitors of the plastic
From the beginning of forties alkyd
a disadvantage: the paint film
strokes that mimic the color printing
works are composed of electrical and
1930 world saw the development of
materials, trying to explore all the
resins based paints were introduced.
remains soluble in turpentine and
on paper. The new synthetic paints
electronic equipment that create
the chemical industry which lead to
possible optical and luminous effects
Drying of these paints is similar to
other organic solvents, making it
possessed a range of colors on an
play of light and motion through
the production of new materials, with
which these compounds could
that of the oils, but occurs more
quite difficult to repaint and the
intensity never seen before: shiny or
which perceptual experiments and
different polymeric structures, such
obtain, preparing the way for the
rapidly. The alkyd resins soon
overlapping of successive layers,
matt, metallic or satin, with a strong
interactive environments take the
as polystyrene, polyvinyl chloride,
official entry of the materials such
became the standard components
which is why, during the fifties, an
covering power, new effects of
final form, as said earlier, to solicit the
polyethylene, nylon, and, in the 1940,
as plexiglas, polyester, expanded
of commercial paints for domestic
attempt was made to resolve the
brightness and optical variations with
viewer’s perception.
teflon, the first fluorinated polymer.
polystyrene, polyurethane resins,
use, being chosen by the artists
problem with the introduction of
the use of fluorescent colors.
Thanks to advances in research,
polychrome and carbon fibers in the
in replacement to the classical
water based acrylic paints. When
However, industrial development
cellulose nitrate, highly flammable,
world of art, which would take place
oil painting because of their easy
these are coated on the surface,
does not involve only the pictorial
is soon replaced by the acetate,
during the years of the second world
availability, the low cost, and the
after the evaporation of the water,
materials: in fact in the sixties, we
contemporary art
The deterioration of
possibility to obtain thick layers of
they form a solid, tenacious and
witnessed widespread of new media
used plastic for the next thirty years.
mention the Group N from padua,
pigment and wide variety of colors.
flexible film, on which subsequent
technology. These were the years
experienced all the materials that
For a long period the plastic materials
whose exponents (Alberto Biasi,
The widespread of alkyd enamels as
layers can be applied, retaining all the
in which the digitization is only in
the industrial production puts at
were used as imitations of traditional
Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo
art materials was promoted by the
properties of easy incorporation, the
its beginning - the rest, Giovanni
his disposal and his choice of the
materials at a low cost: in the form
Landi and Manfredo Massironi),
experiences in the United States
optical quality and rapid drying of the
Anceschi, exponent of the T-Group,
product, is solely based on functional
of fibers replacing silk and wool,
during the sixties, created the work
with the work of De Kooning and the
pigments that the originals acrylic
confirms that the kinetic artists
aesthetic criteria for the expression
for the characteristics of flexibility
using the materials such as PVC and
works of Frank Stella. In the same
solvents had shown.
and programmers work without
of the individual poetics and does not
and elasticity replaced by synthetic
plexiglass, materials that better
years, the first acrylic colors in tube
These colors had a significant impact
a computer, but as if computer
take into account, nor is interested
rubbers. The artists immediately
express the intent to recreate the
were made, whose properties have
on the most important artists of
existed - but the artists immediately
in the effects that time may cause.
identified their characteristics: they
optical-dynamic effects typical of the
a key role in the expressiveness
that time: Andy Warhol and all the
become aware of the strong impact
Now the mental-ideational aspect
are versatile, lightweight, easy to
kinetic art.
of great artists such as Barnett
other exponents of the Pop Art
that these tools would have on
that prevails over the concrete
cut and shape, can be printed in any
However, even greater impact
Newman or Roy Lichtenstein,
immediately adopted acrylics just
mass communication. There is still
and manual, matching of materials
form, obtaining the final effects
was done by the introduction
who would experiment their
because these allow to obtain a
no talk of interactivity but of open
responds to the expressive needs of
of all types. In the fifties, with the
of synthetic and semi-synthetic
potential by pushing towards more
painted surface flat and opaque,
work, to show the work of art that
the artist who ignores or however,
birth of acrylic paints, the polymers
polymeric materials such as pictorial
advanced solutions. The production
with no signs of brush strokes, very
gets completeness thanks to the
does not take into account the
became fundamental element for the
binders: industry required paint with
companies begin to establish a close
different from the one obtained with
intervention of the viewer by brining
possible harmful mechanisms that
contemporary painting.
characteristics of manageability,
collaboration with the artists, trying
the oils and ideal for those artistic
the art in contact of the public.
may also be caused by the co-
Pioneering the use of these materials
durability and stability, far superior
to pursue technological innovation
movements in the sixties seeking
A clear example are the work of
existence of different materials.
201
war. In this regard, we cannot fail to
As seen, the contemporary artist
200
which will become the most widely
give indication on the meaning of the
of his works. The artist takes the
of ruin. If paint irreversibly alters it
“[…] Just the knowledge of the
approaches, the introduction of
work are now fundamental, so as to
advantages of the characteristic of
or from the reflective sheets it gets
materials and mastering the
the term “mixed media” is used:
carry out a restoration compatible
the material to shrink and crack when
deformed, it is necessary to proceed
techniques of restoration is not
this definition comes from a
to the work, its physical, aesthetics
drying. The texture and thickness
step by step, constantly mediating
enough: now it is necessary to
progressive difficulty in collecting
and historical consistency. The
of these cracks may vary according
between the historical aspect of
penetrate the intellectual and
accurate information about the new
conservation status of a work is
to the dilution of the mixture and
testimonies and that of aesthetic,
philosophy of the artist, otherwise
techniques that they spread and
not ascertained by age but by the
the thickness of the dough which
linked to the fruition of artistic
the starting point of the same
the materials, which require more
parameters of durability, stability
constitutes the work. The artist was
message that must continue to
restoration would be wrong.
specific knowledge. The unlimited
and permanence, which may require
able to control the cracks, was able
transmit the artist’s intentions.
Now they are the same materials
artistic experimentation of the
a restoration even just after few
to guide their affect on the material,
In the absence of photographs of the
to be the expressions of the artistic
twentieth century has wiped out
years of execution of the work, in
by speeding up the drying process or
original work or consent of the artist
subjectivity: this is the condition
the differences between sculpture,
order to avoid abnormal situations
by blocking the process by applying
is no longer be possible to intervene,
of main importance, because if you
painting and environmental art; has
which were already at risk at the
the glue. However, this blocking is
ratify the irretrievable loss of the
don’t take it into account, the work
inaugurated the use of materials of
time of creation of the artifact. The
not definitive: in fact, the cracks may
original features of the work.
will be destroyed in its physical
new formulation; has implemented
deterioration of the materials can
continue and, at a time may grow in
From these conditions we are able
and spiritual existence […]”1.
an extreme search for new means of
sometimes be an integral part of the
the smooth areas or in high entity,
to understand how the restoration
AT_FP
expression and a break with the past.
language of the artist, it must be
and become the object of restoration.
of contemporary art requires a
The emergence of the ephemeral
therefore, respected and maintained,
The same applies to the works
very careful approach in the study
art, from the Sixties, has shown an
while controlling its evolution.
of Lucio Fontana: in his “Concetti
of the artist, his creative intent,
increasing disinterest for the life
In many cases the work has
Spaziali” practice holes or cuts in the
the diversity of materials used and
span of the products, entrusting the
already deteriorated at the time of
canvas, make the work very fragile.
the causes of degradation, and
transmission of the artistic language
execution with cracks, burns, tears,
The artist, in 1947, collaborated in
considerable flexibility in the choice
to the idea. In this context, lifeless
discolorations: further damage,
the drafting of the manifesto of
of mode of work.
materials are researched, which are
which develop on the work but
Spatialists enunciating “art is eternal
However, on the other hand the
characterized by their evolutionary
that does not disturb the artistic
but may not be immortal” where
main feature of contemporary art
conditions that give poetics value:
perception, which does not deviate
“eternal” means the gesture made by
is the multiplicity of its forms and
rusted iron, leaves, straw, wax, wood,
from the original, if not affecting
the artist, which can never be erased.
manifestations from which inevitably
rope are only some of the materials
areas originally undamaged, are
On the contrary, the work material
follows a wide variety of techniques
that may constitute to a work.
maintained within predetermined
will reach the moment of its total
and expressive materials used, as
Therefore, the knowledge and the
compositional choices, which in
destruction.
pointed out by Heinz Althöfer, one
meanings of materials becomes
some way were present from the
In the case of a significant
of the most respected restorers of
more and more important: interviews
beginning. One example among many
deterioration they lose the original
contemporary art:
with the artists (where possible),
is, the “Cretti” by Alberto Burri: the
aesthetic characteristics and lead
researches, in-depth analysis that
crack is the aesthetic element typical
the status of work to the condition
1
AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea Proceedings of Ferrara in 1991, Nardini, Florence,
1992”.
203
202
To define these heterogeneous
I NUOVI MATERIALI DELL’ARTE
conseguenza l’enfatizzazione
Con l’inizio del XX secolo i modi di
dell’importanza della fisicità concreta
espressione e le tecniche degli artisti
dell’opera ai fini dell’espressività
cominciano ad essere influenzati
testimoniata dagli assemblaggi
dalle scoperte e innovazioni prodotte
polimaterici di cubisti, futuristi e
dallo sviluppo industriale. Le correnti
dadaisti, dai ready-made di Duchamp,
avanguardistiche impostano un
dagli objets trouvés dei surrealisti,
passaggio fondamentale dall’arte
dalle costruzioni con i nuovi materiali
intesa come percezione della realtà,
industriali dei costruttivisti e dei
all’arte come concettualizzazione e
minimalisti. Oppure dai materiali
rielaborazione intellettuale.
di scarto raccolti e assemblati dai
La nuova visione degli artisti delle
neodadaisti, per arrivare a nuove
avanguardie storiche porta a un
La radicale mutazione delle esigenze
tecniche di riproduzione delle
rinnovamento completo delle
espressive dell’arte contemporanea
immagini come la fotoserigrafia su
opere che necessitano di nuove
ha comportato il progressivo
tela, tipica di Warhol, agli ologrammi
soluzioni formali e tecniche, come
abbandono delle tecniche e dei
di Nauman, alle videoinstallazioni, per
il polimaterismo, la policromia
materiali tradizionali e l’introduzione
finire con le installazioni interattive
degli assemblaggi, la spazialità e il
di pratiche creative assolutamente
realizzate con dispositivi digitali.
vuoto, intesi come parti integranti
nuove, libere dagli equilibri materici
L’artista assimila, quindi, i materiali e
delle opere. Ecco quindi che nelle
e conservativi che per secoli avevano
le tecniche provenienti dal progresso
opere cominciano ad essere inseriti
sovrinteso alla creazione dei
industriale, fa propri gli oggetti
materiali finora estranei come
Attilia Todeschini
manufatti artistici.
destinati alla realtà quotidiana
cartone, fil di ferro, metallo: tutto ciò
Federica Picco
Fin dai primi anni del Novecento,
reinterpretandoli in modo creativo e
che fa parte della quotidianità può
con le prime avanguardie e il
antifunzionale.
essere mezzo di espressione artistica.
Cubismo, l’opera dell’artista si va
Anche in questo sta la grande
Punto chiave in questo processo è
progressivamente liberando da
rottura dell’arte contemporanea con
Marcel Duchamp che, con l’ideazione
qualsiasi funzione subordinata a
la tradizione: l’intento espressivo
del ready-made, innalza l’oggetto
esigenze narrative e conquista lo
supera, anzi, tralascia decisamente,
comune a opera d’arte e apre la
statuto di oggetto autonomo,
l’equilibrio dei materiali utilizzati
strada al Dadaismo, attraverso
con una specifica identità estetica e
e l’esigenza di conservazione dei
cui si smantellano i sistemi logici
con una nuova scelta e elaborazione
manufatti che per secoli, tranne
tradizionali, approdando a una nuova
tecnica dei materiali utilizzati.
qualche raro, geniale, esempio, era
concezione del significato degli
Questo dirompente cambiamento
stata alla base delle scelte tecniche.
oggetti basato sullo spostamento
204
Nuove Tendenze...
Nuovi materiali
205
di logica operativa ha avuto come
maneggevolezza, durata e stabilità,
cominciano a instaurare una stretta
diversa da quella ottenuta con gli oli
contemporanea.
ben superiori a quelle tradizionali,
collaborazione con gli artisti,
e ideale per quelle correnti artistiche
In contemporanea allo sviluppo dei
L’utilizzo pionieristico di questi
caratteristiche che non tardano ad
cercando di perseguire l’innovazione
che negli anni Sessanta ricercano
movimenti delle avanguardie, fanno
materiali nell’arte si deve a Naum
attirare gli artisti, soprattutto per la
tecnologica e il miglioramento dei
uno stile impersonale. Dagli anni
il loro ingresso nel mondo dell’arte le
Gabo che, tra gli anni Venti e
maggiore rapidità di essiccamento e
materiali, rispondendo alle istanze
Cinquanta l’uso dei materiali pittorici
materie plastiche: dal 1930 si assiste
Trenta, per la costruzione delle
il minore ingiallimento rispetto alla
poste dalla personale creatività
si estende per riprendere lo stile
allo sviluppo mondiale dell’industria
sue opere tridimensionali sfrutta
pittura ad olio.
degli artisti.
impersonale della cartellonistica
chimica che porta alla produzione di
le potenzialità degli esteri della
A partire dagli anni Quaranta sono
I colori acrilici hanno, però, un
pubblicitaria basato su superfici
nuove materie con diverse strutture
cellulosa, progenitori delle materie
introdotte pitture a base di resine
inconveniente: il film pittorico rimane
piatte senza tracce di pennellate
polimeriche, come per esempio
plastiche, cercando di esplorare tutti
alchiliche. L’essiccamento di queste
solubile in trementina e in altri
che imitano la stampa a colori su
il polistirene, il policloruro di vinile,
i possibili effetti ottici e luminosi
pitture risulta simile a quello degli oli,
solventi organici, rendendo difficile
carta. Le nuove pitture sintetiche
il polietilene, nylon e, nel 1940,
che questi composti consentivano
ma avviene più rapidamente.
una ridipintura e la sovrapposizione
possedevano una gamma di colori di
il teflon, primo polimero fluorurato.
di ottenere, preparando la strada
Le resine alchiliche diventano presto
di strati successivi, motivo per cui,
un’intensità mai vista prima: brillanti
Grazie ai progressi della ricerca,
all’ingresso ufficiale nell’arte di
i componenti standard delle pitture
nel corso degli anni Cinquanta, si
o opachi, metallizzati o satinati, con
il nitrato di cellulosa, altamente
materiali come plexiglass, poliestere,
commerciali per uso domestico,
cerca di ovviare al problema con
forte potere coprente, nuovi effetti di
infiammabile, è presto sostituito
polistirene espanso, poliuretano,
essendo scelte dagli artisti in
l’introduzione delle pitture acriliche
luminosità e variazioni ottiche con
dall’acetato, che diverrà la materia
resine policrome e fibre di carbonio,
sostituzione alla classica pittura
in acqua. Quando queste sono
i colori fluorescenti.
plastica più diffusa per i successivi
che avverrà durante gli anni della
ad olio per la loro facile reperibilità,
stese sulla superficie, in seguito
Lo sviluppo industriale, però, non
trent’anni.
seconda guerra mondiale. A questo
il basso costo e la possibilità di
all’evaporazione dell’acqua, si forma
coinvolge soltanto i materiali pittorici:
Per un lungo periodo le materie
proposito non si può non menzionare
ottenere spessi strati di pigmento
un film solido, tenace e flessibile, su
negli anni Sessanta si assiste infatti
plastiche sono utilizzate come
il Gruppo N padovano, i cui esponenti
e ampia varietà di colori.
cui possono essere applicati strati
a una grande diffusione di nuovi
imitazioni a basso costo dei
(Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni
La diffusione degli smalti alchidici
successivi, mantenendo tutte le
media tecnologici. Sono anni in cui
materiali tradizionali: in forma di
Costa, Edoardo Landi e Manfredo
come materiali artistici fu promossa
proprietà di facile incorporazione dei
la digitalizzazione è solo all’inizio
fibre sostituiscono seta e lana, per
Massironi), nel corso degli anni
dalle esperienze negli Stati Uniti
pigmenti, le qualità ottiche e il rapido
- del resto, Giovanni Anceschi,
le caratteristiche di flessibilità ed
Sessanta, realizzano opere con
con i lavori di De Kooning e le opere
essiccamento che avevano mostrato
esponente del Gruppo T, afferma
elasticità sostituiscono le gomme
l’ausilio di materiali come PVC e
di Frank Stella. Negli stessi anni
gli originali acrilici a solvente.
che gli artisti cinetici e programmati
sintetiche. Gli artisti ne individuano
plexiglass, materiali che esprimono al
sono realizzati i primi colori acrilici
Questi colori hanno un notevole
lavorano senza computer ma come
subito le caratteristiche: sono
meglio l’intento di ricreare gli effetti
in tubetto le cui proprietà hanno un
impatto sui più importanti artisti
se il computer esistesse - ma gli
versatili, leggere, facili da tagliare e
ottico-dinamici tipici dell’arte cinetica.
ruolo fondamentale nell’espressività
del tempo: Andy Warhol e tutti gli
artisti prendono subito coscienza del
forgiare, possono essere stampate
Di impatto ancora maggiore è
di grandi artisti come Barnett
esponenti della Pop Art adottano
forte impatto che questi strumenti
in qualsiasi forma, ottenendo
l’introduzione di materiali polimerici
Newman o Roy Lichtenstein, che
immediatamente gli acrilici proprio
avrebbero avuto sulla comunicazione
effetti finali di tutti i tipi. Negli
sintetici e semisintetici come leganti
ne sperimentano le potenzialità
perché permettono di ottenere una
di massa. Non si parla ancora di
anni Cinquanta, con la nascita dei
pittorici: l’industria richiedeva
spingendo verso soluzioni sempre più
superficie dipinta piatta e opaca,
interattività ma di opera aperta, ad
colori acrilici, i polimeri diventano
vernici con caratteristiche di
avanzate. Le società di produzione
senza segni di pennellate, molto
indicare il manufatto artistico che
207
fondamentali anche per la pittura
materia.
206
di senso e sul valore intrinseco della
acquista completezza solo grazie
che ignora o, comunque, non tiene
Le conoscenze e i significati dei
scelte compositive prefissate, che
materiale giungerà al momento della
di tecniche e materiali espressivi
all’intervento dello spettatore
conto dei possibili meccanismi
materiali diventano, quindi, sempre
in qualche modo li prevedevano
sua distruzione totale.
utilizzati, come sottolineato da Heinz
facendo entrare l’arte in contatto con
dannosi che possono essere
più importanti: interviste agli
dall’inizio. Un esempio tra tanti,
Nel caso di un degrado rilevante
Althöfer, uno dei più accreditati
il pubblico. Un chiaro esempio sono le
provocati anche dalla coesistenza di
artisti (ove possibile), ricerche,
i “ Cretti” di Alberto Burri: il cretto
si perdono le caratteristiche
restauratori del contemporaneo:
opere di Gabriele Devecchi, Giovanni
materiali diversi.
approfondimenti che diano
è l’elemento estetico tipico delle
estetiche originali e si conduce lo
Anceschi e tutti gli esponenti del
Per definire questi accostamenti
indicazioni sul significato dell’opera
sue opere. L’artista sfrutta la
status dell’opera alla condizione
“[…] Non basta più conoscere
Gruppo T (Davide Boriani, Gianni
eterogenei si ricorre all’introduzione
sono ora fondamentali, in modo da
caratteristica del materiale di
di rudere. Se una vernice si altera
i materiali e padroneggiare le
Colombo, Grazia Varisco) che
del termine “tecnica mista”: questa
attuare un restauro compatibile
fessurarsi per ritiro in fase di
irreversibilmente o delle lastre
tecniche del restauro: ormai è
fanno largo utilizzo di questo tipo
definizione scaturisce da una
all’opera, alla sua consistenza
essiccazione. La trama e lo spessore
riflettenti si deformano è necessario
necessario penetrare nell’universo
di materiali: le loro opere sono
progressiva difficoltà a raccogliere
fisica, estetica e storica. Lo stato di
di queste crettature possono variare
procedere per gradi, mediando
intellettuale e nella filosofia
composte da apparati elettrici ed
puntuali informazioni circa le
conservazione di un’opera non si
a seconda della diluizione della
costantemente tra l’aspetto storico
dell’artista, altrimenti lo stesso
elettronici che creano giochi di luce e
nuove tecniche che si diffondono
valuta dall’età ma dai parametri di
miscela e dello spessore dell’impasto
di testimonianza e quello estetico,
punto di partenza del restauro
movimento attraverso cui prendono
e i materiali, che richiedono
durabilità, stabilità e inalterabilità,
che costituisce l’opera. L’artista
legato alla fruizione del messaggio
sarebbe sbagliato. Ora sono gli
forma esperimenti percettivi e
conoscenze sempre più specifiche.
che possono rendere necessario
riusciva a controllare le fessure,
artistico che deve continuare a
stessi materiali a essere espressione
ambienti interattivi finalizzati, come
L’illimitata sperimentazione artistica
un intervento di restauro anche
poteva guidarle incidendo nel
trasmettere le intenzioni dell’autore.
della soggettività artistica: si
detto poc’anzi, a sollecitare
del XX secolo ha spazzato via le
pochi anni dopo l’esecuzione
materiale, accelerando l’asciugatura o
In mancanza di fotografie dell’opera
tratta di premesse d’importanza
la percezione dello spettatore.
differenziazioni tra scultura, pittura e
dell’opera, per bloccare situazioni
bloccando il processo applicando colla
integra o di un assenso dell’artista
centrale, perché se non le si prende
arte ambientale; ha inaugurato l’uso
anomale che erano già a rischio nel
vinilica. Questo bloccaggio non è però
non sarà più possibile intervenire,
in considerazione l’opera sarà
di materiali di nuova formulazione;
momento stesso della creazione del
definitivo: infatti, i cretti possono
sancendo la perdita irrimediabile delle
annientata nella sua esistenza fisica
Il deterioramento dell’opera
ha attuato un’estrema ricerca
manufatto. Il deterioramento dei
continuare e, nel momento in cui si
caratteristiche originali dell’opera.
e spirituale […]”1.
AT_FP
materiali può essere a volte parte
sviluppano in zone concepite come
Da queste premesse si capisce come
rottura col passato. L’emergere
integrante del linguaggio dell’artista,
lisce o in elevata entità, diventano
il restauro dell’arte contemporanea
sperimenta tutti i materiali che la
dell’arte effimera, a partire dagli
va quindi rispettato e mantenuto, pur
oggetto di restauro.
necessiti di un approccio
produzione industriale gli mette
anni Sessanta, ha dimostrato
controllandone l’evoluzione.
Lo stesso discorso vale per le opere
particolarmente accurato nello studio
a disposizione e la sua scelta del
un crescente disinteresse per la
In molti casi l’opera si presenta
di Lucio Fontana: nei suoi “Concetti
dell’artista, del suo intento creativo,
prodotto si basa solo su criteri
durata dei manufatti, affidando la
già deteriorata al momento
Spaziali” pratica buchi o tagli nelle
della molteplicità dei materiali
estetici funzionali all’espressione
trasmissione del linguaggio artistico
dell’esecuzione con cretti, bruciature,
tele, rendendo l’opera molto fragile.
utilizzati e delle cause di degrado, e di
delle poetiche individuali e non tiene
all’idea. In questo contesto sono
squarci, alterazioni cromatiche: danni
L’artista, nel 1947, collabora alla
una notevole flessibilità nella scelta
conto, né spesso gli interessa, degli
ricercati materiali bruti, caratterizzati
ulteriori, che si sviluppano sull’opera
stesura del manifesto degli Spazialisti
della modalità di lavoro.
effetti che il tempo potrebbe causare.
dalle loro condizioni evolutive che
ma che non disturbano la percezione
enunciando “l’arte è eterna ma non
D’altro canto, però, la caratteristica
Ora l’aspetto mentale - ideativo
conferiscono valenza poetica: ferro
artistica, che non si discostano
può essere immortale” dove con
principale dell’arte contemporanea è
prevale su quello concreto e manuale,
arrugginito, foglie, paglia, cera, legno,
da quelle originali, se non vanno
“eterno” s’intende il gesto compiuto
proprio la molteplicità delle sue forme
l’accostamento dei materiali risponde
corda sono solo alcuni dei materiali
a intaccare zone originariamente
dall’artista, che non potrà mai essere
e manifestazioni da cui ne consegue
alle esigenze espressive dell’artista
che possono costituire un’opera.
integre, si mantengono entro
cancellato. Al contrario, l’opera
inevitabilmente un’ampia varietà
209
di mezzi espressivi nuovi e di
208
d’arte contemporanea
Come visto, l’artista contemporaneo
1
AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea – Atti
del convegno di Ferrara del 1991, Nardini, Firenze
1992”.
DIE NEUEN MATERIALIEN DER
Kubisten, Futuristen und Dadaisten,
KUNST
über die ready-mades von Duchamp,
Mit dem Beginn des zwanzigsten
den objets trouvés der Surrealisten
Jahrhunderts begannen die
bis zu den Industriematerialien der
Ausdrucksformen und Techniken
Die radikale Veränderung der
Konstruvisten und Minimalisten.
der Künstler von den Entdeckungen
Ausdrucksbedürfnisse der
Neo-Dadaisten verwendeten
und Innovationen der industriellen
zeitgenössischen Kunst, hat zur
gesammelte und zusammengebaute
Entwicklung beeinflusst zu werden.
schrittweisen Aufgabe traditioneller
um neue Techniken der
Die Avantgardistischen-Strömungen
Techniken und Materialen und der
Bildreproduktion zu erreichen,
legten einen Grundstein von der
Einführung völllig neuer kreativen
wie die Fotoserigraphie auf
Kunst als Perzeption der Realität
Praktiken geführt.
Leinwand, typisch für Warhol,
zur Kunst als Konzeptualisation und
Frei von der Balance zwischen
Nauman Hologramme, über
intellektueller Verarbeitung. Die neue
Material und Konservatismus, welche
Videoinstallationen, um die
Vision der historischen Avantgarde-
jahrhundertelang die Schöpfung
interaktiven Gebilde mit digitalen
Künstler beinhaltete eine komplette
von Kunstwerken bestimmte.
Geräten zu verbinden. Der Künstler
Überarbeitung der Werke, neue
Seit den Anfängen des 20.
gleicht sich also den Materialien
formale und materielle Lösungen,
Jahrhunderts, mit den ersten
und Techniken, die durch den
wie den Polymaterialismus,
Avantgardisten und dem Kubismus,
industriellen Fortschritt entstanden,
polychrome Bauteile, den Raum und
befreite sich die Arbeit des Künstlers
an und kreiert Objekte ausgerichtet
die Leere als integralen Bestandteil
fortlaufend von der Unterordnung
auf das tägliche Leben, in einer
der Werke. Mit der Entstehung
Attilia Todeschini
als Funktion des Ausdrucks und der
kreativen und anti-funktionalen
neuer Kunstwerke wurden neue
Federica Picco
Erzählung und gewann den Status als
Weise neu-interpretiert.
Fremdmaterialien eingearbeitet,
autonomes Objekt mit spezifischer
Auch hier sieht man den grossen
wie Karton, Draht, Metall: alles, was
Identität und Ästhetik und mit einer
Bruch der zeitgenössischen Kunst
Teil des täglichen Lebens ist kann
neuen Auswahl an Materialien und
mit der Tradition: die expressionelle
Mittel des künstlerischen Ausdrucks
verwendeten Techniken.
Absicht übersteigt, unterlässt
sein. Schlüsselfaktor in diesem
Diese brisante Veränderung
sogar bewusst, die Balance der
Prozess ist Marcel Duchamp der, mit
der Arbeitsabläufe hatte eine
verwendeten Materialien und die
der Erfindung des ready-made, das
Verschiebung des Schwerpunkts
Konservierung der Kunstwerke,
Gemeinschaftsobjekt zum Kunstwerk
von der Wichtigkeit der konkreten,
was während Jahrhunderten, bis
erhob und so dem Dadaismus
physischen Erscheinungsbildes
auf wenige geniale Beispiele, die
den Weg geebnet hat, wodurch
zugunsten des Ausdrucks des
Grundlage der Wahl der Technik
die traditionellen Logiksysteme
Kunstwerks zur Folge, bezeugt von
darstellte.
demontiert wurden, was zu einem
211
210
Neue Tendenzen...
Neue Materialien
den Mixed-Media-Assemblagen der
zum Ausdruck bringen.
als Kunst-Materialien wurde von
können. Die positiven Eigenschaften
Opazität, neuen Lichteffekten
finale Effekte erzielt werden.
Von noch grösserem Einfluss ist die
den Erfahrungen in den USA mit
der Original-Acrylfarben wie
und optischen Variationen mit
Verrückung des Sinns und inneren
In den fünfziger Jahren, mit
Einführung von synthetischen und
der Arbeit von De Kooning und
die einfache Einarbeitung von
fluoreszierenden Farben. Die
Werts der Materie führte.
der Geburt der Acrylfarben,
semi-synthetischen Materialien
den Werken von Frank Stella
Pigmenten, optische Eigenschaften
industrielle Entwicklung beinhaltete
Zur gleichen Zeit, mit der
erlangten die Polymere auch in
als Bindemittel in der Malerei: die
gefördert. In den gleichen Jahren
und der raschen Trocknungszeit
jedoch nicht nur Malmaterialen:
Entwicklung der Anvantgarde-
der zeitgenössischen Malerei an
Industrie verlangte nach Firnissen
wurden die ersten Acrylfarben
blieben dabei erhalten.
in den sechziger Jahren kam es zu
Bewegung, hielten die Kunststoffe
fundamentaler Wichtigkeit.
mit einfach zu handhabenden
in Tuben hergestellt, welche von
Diese Farben hatten einen
einer grossen Verbreitung neuer
Einzug in die Welt der Kunst: seit
Der Pionierseinsatz dieser
Charakteristika, Langlebigkeit und
fundamentaler Bedeutung in
wesentlichen Einfluss auf die
Medientechnologien. Es waren
1930 konnte die Chemie-Industrie
Materialien geht auf Naum Gabo
Stabilität, den traditionellen Firnissen
der Ausdruckskraft von grossen
wichtigsten Künstler der Zeit:
Jahre, in denen die Digitalisierung
mit deren Hilfe neue Materialien mit
zurück, welche zwischen den
weit überlegen. Charakteristika
Künstlern wie Barnett Newman,
Andy Warhol und alle Pop-Art
erst am Anfang stand – im übrigen,
unterschiedlichen Polymerstrukturen
zwanziger und dreissiger Jahren
die den Schaffensprozess nicht
oder Roy Lichtenstein waren, der
Vertreter verwendeten sogleich
bestätigt John Anceschi, Mitglied der
entwickeln, wie beispielsweise
Zelluloseester, ein Vorprodukt
verlangsamen und um Künstler zu
deren Potential für fortgeschrittene
die neuen Acrylfarben, besonders
Gruppe T, arbeiteten die Bewegungs-
Polystyrol, Polyvinylchlorid,
des Plastik, zur Konstruktion Ihrer
gewinnen, vor allem aufgrund der
Lösungen erprobte.
da diese es ermöglichen eine
und Programmier- Künstler ohne
Polyethylen, Nylon, und 1940 das
dreidimensionalen Werke nutzte und
schnelleren Trocknung und weniger
Die Produktionsunternehmen
flache, transparente Malfläche
Computer, aber so als ob er bereits
erste Fluorpolymer – Teflon-.
die verschiedenen erzielbaren Optik-
Gelbfärbung im Vergleich zur
begannen eine enge
ohne sichtbare Pinselstriche zu
existieren würde – aber die Künstler
Dank der Fortschritte in
und Lichteffekte untersuchte, welche
Öl-Malerei.
Zusammenarbeit mit den Künstlern
erreichen - ganz im Unterschied
verstanden sofort die Konsequenz
der Forschung konnte das
diese Mischungen erlaubten. Damit
zu schaffen, mit dem Bestreben,
zu den Öl-Farben -und ideal für
dieser Instrumente, der Wirkung die
leichtentzündliche Cellulosenitrat
ebnete Sie den Weg für Materialien
Ausgehend von den vierziger
technologischer Innovationen und
die künstlerische Bewegung der
sie auf die Massenkommunikation
durch Acetat ersetzt werden,
wie Plexiglas, Polyester, Polystyrol-
Jahren, wurden Farben auf Basis
der Verbesserungen der Materialien,
sechziger Jahre auf der Suche nach
haben würden.
welche der am meisten verwendete
Hartschaum, Polyurethanharze und
von Alkydharzen eingeführt. Das
zugunsten der persönlichen Freiheit
einem unpersönlichen Stil.
Man sprach noch nicht von
Kunststoff in den folgenden 30
polychrome Kunstharze, welche in
getrocknete Resultat dieser Farben
der Künstler.
Seit den fünfziger Jahren
Interaktivität, aber von offener Arbeit
Jahren sein sollte.
den Jahren des Zweiten Weltkrieges
ähnelt dem von Öl-Farben, der
Acrylfarben haben jedoch einen
dehnte sich der Gebrauch
um auf das Kunstwerk hinzuweisen,
Eine lange Zeit wurden Kunststoffe
offiziellen Einzug in die Welt der
Trocknungsprozess läuft jedoch viel
Nachteil: der Farbfilm bleibt löslich in
von Bildmaterialen, um den
welches nur dank der Intervention
als kostengünstiger Ersatz für
Kunst fanden.
schneller ab. Alkydharze wurden
Terpentin und anderen organischen
unpersönlichen Stil von Werbetafeln
des Betrachters Komplettierung
traditionelle Materialien verwendet:
In dieser Hinsicht darf die Gruppe-
schnell zu Standardkomponenten
Verbindungen, was das Neustreichen
aufzugreifen aus, welche auf einer
erreichte - indem die Kunst in
in Form von Fasern die Seide und
N-Padua nicht unerwähnt bleiben,
für handelsübliche Farben für den
und die Überlappung mehrerer
flachen Oberfläche ohne Spur von
Kontakt mit der Öffentlichkeit geriet.
Wolle ersetzen und als synthetischen
deren Exponenten (Alberto Biasi,
Hausgebrauch und von den Künstlern
Schichten erschwert. Aus diesem
Pinselstrichen basieren und den
Ein klares Beispiel sind die Werke von
Ersatz für Kautschuk mit gleicher
Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo
der klassischen Kunst als Alternative
Grund wurden in den fünziger
Aufdruck auf Papier nachahmen.
Gabriele Devecchi, Giovanni Anceschi
Flexibilität und Elastizität. Die
Landi und Manfredo Massironi) in
zu Öl-Farben gewählt, aufgrund der
Jahren Acrylfarben auf Wasserbasis
Die neuen synthetischen Farben
und allen anderen Mitgliedern
Künstler erkannten sofort die
den sechziger Jahren Werke mit
einfachen Beschaffung, den tieferen
entwickelt. Das Wasser in den Farben
besassen eine Variation an
der Gruppe T (Davide Boriani,
Charakteristiken der Kunststoffe:
Materialien wie PVC und Plexiglas
Kosten und der Möglichkeit dicke
verdunstet nach dem Auftragen
Farbintensität, wie man sie zuvor
Gianni Colombo, Grazia Varisco),
sie sind vielseitig, leicht, einfach zu
realisierten. Materialien, welche
Schichten von Pigmenten und einer
und es bleibt ein fester, zäher und
noch nicht kannte: glänzend
die umfangreich Gebrauch dieser
schneiden und in Form zu bringen,
dynamisch-optische Effekte, typisch
Vielfalt an Farben zu erzielen.
flexibler Film, auf den mehrere
oder matt, metallic oder satin,
Arten von Materialien machten: ihre
können in jede Form gepresst
für die bewegende Kunst, am besten
Die Verbreitung von Alkydlacken
Schichten aufgetragen werden
mit starker Deckkraft oder
Werke setzen sich aus elektrischen,
213
werden und somit verschiedenste
des Objekts basierend auf der
212
neuen Konzept der Bedeutung
der Materialen wird daher immer
Beginn vorausgesehen hat. Ein
des Künstlers gemeint ist, welche
Arbeitsmodalitäten voraussetzt.
fortschreitenden Schwierigkeit,
wichtiger: Interviews mit den
Beispiel unter vielen, die “Risse”
niemals ausgelöscht werden kann.
Auf der anderen Seite ist aber gerade
und Bewegung erzeugen, in Form
punktuelle Informationen über die
Künstlern (wenn möglich),
von Alberto Burri: die Risse sind
Anderereseits wird jedoch das
die Vielzahl der Erscheinungsformen
von Wahrnehmugsexperimenten
neuen Techniken zu sammeln, die
tiefgehende Recherchen zur
das typische Ästhetik-Element
materielle Werk den Moment seiner
und –manifestationen ein
und interaktiven Umgebungen, um
sich in Materialen unterscheiden,
Bedeutung des Werks sind
seiner Werke. Der Künstler nutzt die
totalen Zerstörung erreichen.
Hauptmerkmal der zeitgenössischen
die Wahrnehmung des Betrachters
welche spezifischeres Fachwissen
heute fundamental um eine dem
Materialeigenschaften die sich bei
Im Falle einer wesentlichen
Kunst, woraus unweigerlich eine
anzuregen.
verlangen.
Kunstwerk, seiner physischen
der Trocknung zusammenziehen.
Verschlechterung verlieren sie
reichliche Fülle an verwendeten
Die unlimitierten künstlerischen
Konsistenz, Ästhetik und Geschichte
Die Textur und die Dicke dieser
ihre ursprünglichen ästhetischen
Ausdruckstechniken und –materialien
Experimente des zwanzigsten
angepasste Restauration
Krakelüren können je nach
Eigenschaften und führen den Status
folgt, wie es Heinz Althöfer, einer der
Die Verschlechterung der
Jahrhunderts fegten die
durchzuführen.
Verdünnung und dicke der Masse
des Werks zum Zustand einer Ruine.
meist respektierten Restauratoren,
zeitgenössischen Kunst
Unterschiede zwischen Skulptur,
Der Erhaltungszustand eines Werks
variieren. Der Künstler könnte
Wenn sich ein Anstrich irreversibel
unterstreicht:
Wie gesehen wurde, experimentiert
Gemälde und Umgebungskunst
wird nicht anhand seines Alters
die Risse kontrollieren, könnte
verändert, oder sich die
der zeitgenössische Künstler mit
davon, eröffneten den Gebrauch
gemessen, sondern anhand von
sie bewusst auf dem Material
reflektierenden Plättchen der
“[…] Es genügt nicht, die
allen Materialien, die die industrielle
neu formulierter Materialien;
Parametern wie der Beständigkeit,
führen, den Trocknungsprozess
Farbe verformen, ist es notwendig
Materialien zu kennen und die
Produktion zur Verfügung stellt und
verwirklichten eine extreme Suche
Stabilität und Unveränderlichkeit,
beschleunigen oder blockieren indem
Schritt für Schritt vorzugehen, einen
Restaurationstechniken zu
seine Wahl der Produkte hängt allein
nach neuen Ausdruckswegen und
welche eine Restauration auch
er Vinyl-Kleber hinzufügt.
konstanten Mittelweg zwischen dem
beherrschen: vielmehr ist es
von ästhetisch-funktionalen Kriterien
dem Bruch mit der Vergangenheit.
kurz nach der Ausstellung des
Diese Blockade ist jedoch nicht
historischen und dem ästhetischen
notwendig, in das intelektuelle
ab, zum Ausdruck individueller
Die Entstehung von kurzlebiger
Werks nötig machen können um
endgültig: tatsächlich können die
Zeugnis zu finden. Falls Fotografien
und philosophische Universum
Poesie. Den Interessen, welche die
Kunst, seit den sechziger Jahren,
Ausnahmesituationen zu umgehen,
Risse sich in dem Moment fortsetzen,
des gesammten Kuntswerks
des Künstlers einzudringen. Sonst
Zeit mit sich bringen könnte, tragen
hat einen wachsenden Mangel
welche bereits Risikofaktoren bei der
wo sie Feuchtigkeit oder Höhe
fehlen, oder ohne Zustimmung des
wäre bereits der Anfangspunkt
sie keine Rechnung.
an Interesse für die Dauer der
Erstellung des Werks darstellten.
ausgesetzt werden und das Werk
Künstlers wird es nicht möglich
der Restauration fehlerhaft. Heute
Heute überwiegt der mentale,
Handwerke gezeigt, was die
In den meisten Fällen weist das
somit Restaurationsbedürftig
sein zu intervenieren, was zum
sind es die gleichen Materialien,
ideologische Aspekt gegenüber dem
Übertragung der Sprache des
Werk bereits bei der Ausstellung
machen.
unwiederbringlichen Verlust
die die Subjektiviät des Künstlers
konkreten, handwerklichen. Die
Künstlers der Idee überlässt. In
Qualitätsverluste auf, wie Risse,
Das gleiche gilt für die Werke
der Charakteristika des Original-
ausdrücken: Räumlichkeiten sind von
Anpassung der Materialien trägt dem
diesem Zusammenhang sind
Bruchstellen, chromatische
von Lucio Fontana: in seinen
Kunstwerks führt.
zentraler Bedeutung, denn werden
expressiven Ausdruck des Künstlers
hässliche Materialien gefragt,
Veränderungen: weitere Schäden
“Raumkonzepten” arbeitet er mit
Unter diesen Prämissen wird
diese nicht berücksichtigt, wird
Rechnung, welcher die möglichen
charakterisiert durch ihren
die sich auf das Werk auswirken,
Übungslöchern oder Schnitten in
klar, dass die Restauration
das Werk in seiner physischen und
schädlichen Mechanismen ignoriert,
evolutionsbedingten Zustand,
aber nicht die künstlerische
der Leinwand, welche das Werk
zeitgenössischer Kunst einen
spirituellen Existenz vernichtet […]”1.
oder nicht berücksichtigt, die durch
welcher ihnen poetische Werte
Wahrnehmung stören, nicht von
sehr zerbrechlich werden lassen.
spezielle, akuraten Ansatz benötigt,
AT_FP
die Koexistenz verschiedener
verleiht: rostiges Eisen, Blätter,
den Originalen abweichen, sich
Der Künstler, arbeitete 1947 bei
welcher das Studium des Künstlers,
Materialien verursacht werden
Stroh, Wachs, Holz, Seide sind nur
nicht in die Grundform einkerben,
der Ausarbeitung des Manifests
seiner kreativen Absicht, der Vielfalt
können. Um diese heterogenen
einige der Materialien die ein solches
sich innerhalb der vorgegebenen
der Spezialisten, “Kunst ist ewig,
der verwendten Materialien und der
Ansätze zu definieren, wurde der
Werk begründen können.
Zusammensetzung bewegen,
aber kann nicht unsterblich sein”
Ursachen des Zerfalls, sowie eine
Begriff der “Mischtechnik” eingeführt:
Die Kenntnis und die Bedeutung
welche in einer Weise diese zu
mit, wobei mit “ewig” die Geste
hohe Flexibilität bei der Wahl der
215
diese Definition entspringt der
zusammen, die ein Spiel von Licht
214
sowie elektronischen Apparaten
1
AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea – Atti
del convegno di Ferrara del 1991, Nardini, Florenz
1992”.
A thought to Anna Canali
_Arte Struktura
constructivist and
cinevisualist-oriented
gallerist in the ’70’s Milan
Arte Struktura, with the goal of promulgating this trend,
knew how to stimulate the approach to the reading
of works by offering an experience rich in ideas and
emotions, following the artists and maintaining with them
an uninterrupted dialogue, presenting their works by
organizing personal and group exhibits either on site
or in prestigious national and international spaces.
It has hosted countless exhibits conceived and organized
for the great masters of international contructivism
agostino bonalumi, rino sernaglia, anna canali,
zita vismara _ ottobre 1977
The Arte Struktura gallery was founded in Milan in 1970
and cinevisualism: from Joseph Albers (with a preface
by Anna Canali, and presented itself as a constructivist-
by Getulio Alviani) to Carmelo Arden Quin, Nicolay
and cinevisualist-oriented gallery working on the theme
Diulgheroff, Max Huber, Hans Jorg Glattfelder, Michel
of research and promotion of events which are
Seuphor, Luis Tomasello, hardly scratching the surface
completely experimental.
of the great panorama of twentieth century structural
Pioneers and protagonists of the Italian and international
art from its origins in the ‘70s of 1993 through the
constructivism-concretism and cinevisualist movements
constructivism of Natalie Gontcharova of (1912), and
participate in and collaborate on the artistic seasons
Ljuba Popova (1918), the neoplasticism of Theo van
of the gallery located at Via Mercato 1 in Brera: from
Doesburg (1918), the suprematism of Ilya Chasnick (1921),
Alberto Biasi to Marina Apollonio to Agostino Bonalumi,
the abstractivism of Victor Vasarely (1924), continuing
Gianni Colombo, Enrico Castellani, Gabriele De Vecchi,
with the Hungarian Lajos Kassak, the Poles Wladislaw
Edoardo Landi, Manfredo Massironi, Bruno Munari, Franco
Strzeminski, the French Andre’ Heurtraux (1951),
Grignani, Luigi Veronesi, Mario Ballocco, Edoarda Maino,
August Herbin (1947), Marcel Cahn (1960), and the
Marcello Morandini, Carlo Nangeroni, Mario Nigro, Lorenzo
Russian Sonia Delaunay.
Piemonti, Mauro Reggiani, Piero Risari, Paolo Scheggi,
Add to that the constructivist research from Hans Arp
Jorrit Torquist, Grazia Varisco, just to name a few...
(1962) to the concretism of the Swiss Max Bill (1967),
Antonio Calderara was present at every event at
Richard Paul Lhose (1972) and Camille Graeser (1968).
Arte Struktura, Piero Manzoni had rented a house with
Forty years of activity are a long time, but also the
Anna Canali on the Lake Iseo years before, Lucio Fontana
beginning of the definition of a cultural project
gave her works to be sold, chatting amicably in front
dedicated to a rational art in continuous expressive
of the Bar Jamaica.
and modal evolution.
217
216
arte struktura, proposta di manifestazione
Those magnificent sixties… some of my notes
“
With Piero Manzoni the friendship was longer,
particularly because he loved to spend hours on one of my
father’s properties, le Selve di Gaino on Lake Garda, where
a cellar full of choice wines kept us company.
Before returning to Milan, he would put some bottles
“
I used to go with the driver and my father’s workers
arte struktura, comunicato stampa _ 1993
antonio calderara alla galleria arte struktura
who were doing the furnishing work for the Council
one of these to my friend Castellani”.
Chamber of the Palazzo Marino in Milan, and in my free
With my friend Gualberto Colombo we decided to rent a
time I would go to Mamma Lina at the Jamaica or to listen
house on the Lake Iseo, a first floor house on the shore of
to lectures at the Accademia in Brera.
the lake which Piero liked a lot as well; he said that life was
It was there that I started to frequent the artists, some of
more peaceful there where—he said—he was forced to
whom treated me with reserve because they
drink, being far from a frenetic city like Milan.
said I was the daughter of an industrialist, especially
We spent many pleasant hours, talking and talking.
at the beginning of the relationship.
Even Nanda Vigo came a few times. We also would
Lucio Fontana was the first to confide in me, inviting me
go to Montisola to eat fish at the Archetti.
to sit next to him while sitting on the ground in front of
One day he called me to invite me to the opening of
the Jamaica trying to sell the drawings on sheets that he
one of his exhibits. I couldn’t go that day.
would take from a ream of paper, executing them and
The title was “Tocco d’artista” (the touch of the artist)
passing them to me saying “500 lire please”… also adding
they were hard boiled eggs that, after being touched
that if I sold ten he would give me one:
by Him, were passed to the visitor who had to eat them.
but it never happened.
The works ran out, and as a result the exhibit did too.
Another day he invited me to have an aperitif at
His works Sagome antropomorfe or the Achromes
Pino La Parete where he usually had lunch; on that
were not only the provocation which would lead
occasion he proposed that I buy one of his works, a steal
to Merda d’artista, but also the sign of the genius
at 15,000 Lire, for which I could have paid 500 Lire per
of a Great One. Brilliant and irreverent.
week… he entrusted the work to the owner Pino with the
Then, in February 1963, he passed away… he had given
task of collecting… I made some payments, then I had to
me some of this paintings as gifts, but they were never
be operated on for my crossed eyes.
given to me. He had put the works in a box with the label
”
219
I left Milan, and in the meantime Fontana died.
218
in a bag and say to me, “You know Anna, I have to take
”
“these are Anna’s”, but I never received them.
dadamaino alla galleria arte struktura
“
dadamaino, “un foglio, un contesto”_ 1976
The heated and stubborn discussions in the taverns
and in the nights of old Brera, with wines which were not
always good and meals that were often not paid for, were
intolerant of all traditions and conformities.
The nights were long and convivial, and we felt we were
owners of and actors in a Milan which was culturally
and humanly rich and full of hopes for the future.
It was there that I met Dadamaino, who used to frequent
at the Jamaica like all the other artists of the period.
She was, however, very snooty, unlike the others with
whom one quickly became friends. I organized two of
Dada’s exhibits in the gallery, the first one was in May
1976 and the second in 1977.
She is an artist who surely is eclectic, capable,
ever-present on the Milan scene, but the relationship
with her, unlike that with other artists, was not very
affectionate. Sometimes she would call me a “whore”
because of my decision to exhibit another artist instead
of her, and other times I would meet her and she would
”
embrace and flatter me.
“
My unauthorized presence at some of the lectures
at the Accademia, and my hanging out at the Bar Jamaica
gave me the cultural base I found again years later when
inaugurazione “arte struktura 76 - un foglio, un contesto”
I decided to open Arte Struktura in the ‘70s, and with
personal exhibitions and shows I was able to promote
and show the work, developing a path right in projects,
mystery and magic where each one of us drank from
the individual energy of the others, and where all of us
grew humanly and intellectually in friendship
”
221
220
and reciprocal respect.
“
Among the many artists I hung out with, studied
I know him personally because of an evening organized in
and exhibited, I especially remember the warmth,
the hills of Brescia
the human rapport, and the friendship of some of them.
by Armando Nizzi of Sincron Gallery. We sat next to each
Munari and Fontana, they would meet in Brera but
other and started seeing each other after that. In Milan,
Fontana went every day, Munari didn’t because Munari
we would eat together.
hung out with high society while Fontana liked to be with
I used my Dad’s car to accompany him. Then we slowly
the people; he would sit on the ground like when
became friends and started to spend more time together.
I met him, as I already mentioned before.
Once the gallery opened, he never refused to exhibit with
You would see him discussing things with a friend who
me, with personal exhibits or with other artists.
could be a house painter instead of a literary type.
He was a very pleasant man, elegant, open, joyful,
This didn’t bother him whereas Munari, on the other
generous, an enthusiast with a desire to do things and
hand… Two different ways of comparing themselves
to teach. He never said no, even when he was very tired
with the others.
and very sick.
Munari loved people too.
He still came to the opening of Victor Simonetti (one of
The young and children, he loved to explain how you could
his last official appearances), entering the gallery and
do a little drawing, collect a leaf, copy it, play with pencils,
saying: “Ladies and Gentlemen, I am happy to come to this
things like that.
opening because we are presenting a genius named Victor
To play just as he defined his theory: giocare con l’arte
Simonetti. Congratulations!!! I believe in him”, and… lots of
(play with art). Munari, the undisputed genius of design,
compliments…
who at the same time was connected to childrens’
It wasn’t as if Victor didn’t deserve these compliments
publishing, to childrens’ Workshops. He was a great artist,
but Munari was generous in judging others. Presenting
the only one really well-known at the time who produced
an exhibit of kids who did notebooks or drawings for
art to reveal, to educate through art.
workshops, he always had generous words for them.
The market doesn’t reward him because he made a clear
choice. Not the rare object, but rather a rich production
which is the fruit of wisdom and artistic skill, without
”
concern for the market.
It’s well known that collectors want rare works.
He was, among other things, a man of great elegance.
I remember meeting him through his art when I was
twenty, maybe younge because my father used to buy his
works edition from Danese.
223
222
bruno munari e edda canali
I, a young woman, not from Milan, opened my gallery
“
With the Group N people from Padua, I got in contact later
“
on Via Mercato and there I became close with the guys
on, when some of them weren’t artists anymore.
very very cultured. He knew all the greats and had
of gruppo T. With the elegant Colombo always present in
One day I called Alberto Biasi saying: “I am Anna Canali
relationships throughout Europe if not the world. He was
the gallery. I remember that at one of the many lunches,
and I’d like to come and see you”.
a great collector, organizer of art exhibits, a promoter of
he spilled a glass of wine on me after I complimented
We saw each other and the answer was: “I only do exhibits
art. He often got important works for me. He didn’t come
him—not for his art but for his charm—because he was
if they buy my works”. “All right”, I told him, “but I won’t buy
to the openings, we’d see each other before, he gave me
embarrassed. Colombo with his marvelous ambienti
them from you”. Then we made a nice catalogue together
suggestions on how to set up the exhibits, how to select
(environments)!
and a nice show. It took time to develop a friendship with
the artists. They say he has a difficult character, but we
Gianni used to come to the gallery every week: he never
Landi too, but since we’ve been in touch, we’ve been
can only say positive things about him. Arte Struktura
seeing each other for years and years.
has nothing bad to say about him, indeed we can only
In those years without the internet, everything was
“
I lived through a special period regarding art.
different. Lead times were longer, relationships broader.
missed an opening in addition to the many private
events… Gianni was famous long before he died, he was
surely the most well-known member of the group.
anna canali e davide boriani, inaugurazione berlewi e mansouroff _ 8 febbraio 1990
” “
With Boriani Anceschi, De Vecchi, Varisco,
”
Getulio deserves special mention.
He was a central figure of programmed art, at least in
Italy, a talented artist, a very good artist, very intelligent,
show him immense gratitude for the assistance and the
”
affection with which he treated us.
we were together a lot.
Davide (Boriani) was a crazy smoker, ignited a cigarette
alberto biasi nel suo studio di padova _ 1989
while having the other in his mouth still!
Devecchi participated often and calmly with its soothed
character, and Grazia as well who complained saying
“I’m the only woman, they don’t take me seriously…
and I’m outside the inner circle and they are more
and I am less...”.
“
In any case, what wonderful
I don’t know why she came to me happily, it wasn’t
as if I bought a lot, I couldn’t afford it, I don’t understand it
times, and what great company…
even today… But we held meetings and many discussions,
I am still proud of this Milanese
attended international events, we did something abroad…
experience that has found continuity
doing exhibitions in Basel, Paris, Cologne, but it’s not as if
over time starting from my naïve love
I bought a lot… Artists knew very well that Marconi was
of art through my activities as gallery
much richer and had money but they came to me too.
owner of Arte Struktura,
Grazia never missed my exhibitions, both group and
at via Mercato 1.
”
individual ones: she’s an eclectic artist of great value—I
”
have always held her in high regard!
225
224
da sinistra jorrit tornquist, grazia varisco, gianni colombo _ 1979
Antonio Calderara era presente in Arte Struktura ad ogni
occasione d’incontro, Piero Manzoni aveva con Anna Canali
preso in affitto una casa sul lago d’Iseo anni addietro,
Lucio Fontana le consegnò dei lavori da vendere
chiacchierando amichevolmente di fronte al Bar Jamaica.
Arte Struktura, nel prefiggersi di divulgare questa
tendenza ha saputo sollecitare l’approccio alla lettura
delle opere offrendo un’esperienza ricca di spunti ed
emozioni, ha seguito gli artisti mantenendo con loro un
dialogo ininterrotto, ha sempre suggerito le loro opere
organizzando mostre personali e di gruppo, in sede
o in spazi di prestigio nazionali e internazionali.
Innumerevoli le esposizioni pensate e organizzate per
i grandi maestri del costruttivismo e cinevisualismo
internazionale: da Joseph Albers (con prefazione di
Getulio Alviani) a Carmelo Arden Quin, Nicolay Diulgheroff,
Max Huber, Hans Jorg Glattfelder, Michel Seuphor, Luis
226
grazia varisco -1980
La galleria Arte Struktura nasce a Milano nel 1970 per
dell’arte strutturale del XXmo secolo dalle sue origini
volontà di Anna Canali proponendosi come galleria di
agli anni ’70 del 1993 attraverso il costruttivismo di
tendenza costruttivista, operante in chiave di ricerca
Natalie Gontcharova del 1912, e Ljuba Popova (1918),
e promozione di eventi compiutamente sperimentali.
il neoplasticismo di Theo van Doesburg (1918), il
Partecipano e collaborano alle stagioni artistiche della
suprematismo di Ilya Chasnick (1921), l’astrattismo di
galleria di Via Mercato 1 in Brera, pionieri e protagonisti
Victor Vasarely (1924), per proseguire con l’ungherese
del costruttivismo-concretismo e cinevisualismo italiano
Lajos Kassak, i polacchi Wladislaw Strzeminski, i francesi
ed internazionale: da Alberto Biasi a Marina Apollonio a
André Heurtraux (1951), August Herbin (1947), Marcel
Agostino Bonalumi, Gianni Colombo, Enrico Castellani,
Cahn (1960), la russa Sonia Delaunay.
Gabriele Devecchi, Edoardo Landi, Manfredo Massironi,
E ancora la ricerca costruttivista di Hans Arp (1962)
Bruno Munari, Franco Grignani, Luigi Veronesi, Mario
fino al concretismo degli svizzeri Max Bill (1967),
Ballocco, Edoarda Maino, Marcello Morandini, Carlo
Richard Paul Lhose (1972) e Camille Graeser (1968).
Nangeroni, Mario Nigro, Lorenzo Piemonti, Mauro
Quarant’anni di attività sono tanti, ma sono anche l’inizio
Reggiani, Piero Risari,Paolo Scheggi, Jorrit Torquist,
per definire un progetto di cultura dedicato ad un’arte
Grazia Varisco, solo per citarne alcuni...
razionale in continua evoluzione espressiva e modale.
227
Un pensiero ad ANNA CANALI
_ ARTE STRUKTURA
gallerista di tendenza
costruttivista e cinevisualista
nella Milano degli anni
Settanta
Tomasello sino non poter non citare la grande rassegna
Quei magnifici anni ’60 ... alcuni miei appunti
“
Con Piero Manzoni fu un’amicizia più lunga e
particolare perché lui amava molto passare alcune ore
in una proprietà di mio padre, le Selve di Gaino sul Lago
di Garda, dove una cantina di vini selezionati ci faceva
compagnia. Prima di ripartire per Milano metteva in una
borsa alcune bottiglie dicendomi: “Sai Anna, una di queste
devo portarla al mio amico Castellani”.
Consigliare di Palazzo Marino a Milano e, nelle ore di
Con il mio amico Gualberto Colombo decidemmo di
libertà, andavo a Brera da mamma Lina al Jamaica
prendere una casa in affitto sul Lago d’Iseo un primo piano
o ad ascoltare lezioni all’Accademia.
in riva la lago che piaceva molto anche a Piero; diceva che lì
Ed è lì che alla fine degli anni ’50 ho iniziato a frequentare
la vita, lontano da una città frenetica come Milano, dove lui
gli artisti, alcuni dei quali, specie all’inizio della conoscenza,
diceva di essere costretto a bere, era più tranquilla.
mi trattavano con un poco di distacco, perché dicevano
Si passavano ore piacevolissime, parlando e parlando...
che ero la figlia di un industriale.
anche Nanda Vigo venne alcune volte. Si andava anche a
Lucio Fontana fu il primo a darmi confidenza, che seduto
Montisola a mangiare il pesce dagli Archetti.
in terra davanti al Jamaica mi invitò a sederglisi vicino e
Un giorno mi telefonò per invitarmi all’inaugurazione di
cercare di vendere i disegni che da una risma di carta da
una sua mostra, non potevo andare in quel giorno - il titolo
ufficio prendeva, eseguiva e passava dicendomi:
era Tocco d’artista - erano uova sode che, dopo essere
”mi raccomando, 500 lire”... aggiungendo anche che,
state toccate da lui, venivano passate al visitatore che poi
se ne avessi venduto dieci, uno me lo avrebbe regalato,
le doveva mangiare. Le opere finivano e, di conseguenza,
ma non accadde.
la mostra. Le sue opere Sagome antropomorfe o gli
Un altro giorno mi offrì l’aperitivo da Pino La Parete dove
Achromes non erano solo provocazione che avrebbe
lui praticamente pranzava; in quell’occasione mi propose
portato alla Merda d’artista ma il segno del genio di un
l’acquisto di una sua opera, un taglio a 15.000 Lire, che
grande artista. Geniale e irriverente.
avrei potuto pagare 500 Lire la settimana.. consegnò
Poi nel febbraio del ’63 lui se ne è andato... mi aveva
l’opera al proprietario Pino con l’incarico di incassare,
regalato dei suoi quadri, ma mai nessuno me li consegnò.
pagai alcune rate, poi io feci l’operazione per lo strabismo,
Le opere le aveva messe in una cassetta con la scritta
fui assente da Milano e nel frattempo Fontana morì.
“sono di Anna”, ma non mi furono mai rese.
228
che stavano eseguendo i lavori di arredo per la Sala
”
”
grazia varisco, dadamaino, nanda vigo durante la mostra personale di grazia varisco _ 1977/1978
229
“
Con l’autista accompagnavo gli operai di mio padre
“
discussioni nelle osterie e nelle notti della vecchia Brera
“
con vini non sempre eccellenti e pasti non pagati.
Munari e Fontana si incontravano a Brera ma Fontana
Le notte erano lunghe e conviviali e ci si sentiva padroni
andava tutti i giorni, Munari no perché frequentava una
e attori di una Milano culturalmente e umanamente ricca
società altolocata mentre a Fontana piaceva stare con
e piena di futuro. Ed è lì che ho conosciuto Dadamaino.
il popolo, con la gente; si metteva in terra come quando
Frequentava il Jamaica come tutti gli artisti dell’epoca.
l’ho conosciuto io, come ho già raccontato altre volte.
Lei però era molto altezzosa, a differenza degli altri con
Lo vedevi discutere con un amico che poteva essere un
cui si diventava subito amici. Di Dada ho organizzato
pittore, un imbianchino, piuttosto che un letterato.
due mostre in galleria, la prima nel maggio del ’76 e la
A lui non dava fastidio questo mentre forse a Munari...
seconda nel ’77, un’artista sicuramente eclettica, capace;
Due modi diversi di confrontarsi con gli altri.
sempre presente sulla scena milanese ma il rapporto, a
Anche Munari amava la gente, i giovani e i bambini:
differenza di quello intrattenuto con altri artisti, non era
amava spiegare come si poteva fare un piccolo disegno,
così affettuoso. È capitato che mi desse della “puttana”
raccogliere una foglia, copiarla, giocare con le matite...
per la mia scelta di esporre un altro artista e non lei e
cose così.
successivamente incontrarla e trovarmi abbracciata e
Giocare, proprio come definì la sua teoria:
adulata.
giocare con l’arte. Genio indiscusso del design allo stesso
Insofferenti nei confronti di tutte le tradizioni e i
Di alcuni dei tanti artisti frequentati, studiati ed
conformismi erano soprattutto le accalorate e testarde
esposti ricordo il calore, il rapporto umano, l’amicizia
particolare che ci legava.
”
“
tempo legato anche all’editoria per bambini, ai Laboratori
per bambini. Un grande artista. L’unico all’epoca che
producesse arte per educare attraverso l’arte.
Il mercato non lo ha premiato, perché ha fatto una scelta
La mia presenza abusiva ad alcune lezioni
netta. Non l’oggetto raro, ma una produzione ricca, frutto
all’Accademia e la frequentazione al bar Jamaica mi hanno
di sapienza e estro artistico, ma senza attenzione al
dato quella base culturale ritrovata poi, dopo anni, quando
mercato. Si sa... il collezionista vuole l’opera rara.
decisi di aprire, nei primi anni ’70, Arte Struktura e con
Un uomo fra l’altro di grande eleganza. Ricordo di averlo
mostre personali e rassegne ebbi modo di promuovere
conosciuto attraverso la sua arte quando avevo vent’anni,
e divulgare il lavoro sviluppando un percorso ricco di
forse meno, perché mio padre andava a comprare da
impegni, mistero e magia, dove ognuno si abbeverava alle
Danese i suoi multipli. Lo conobbi di persona, invece, ad
energie individuali degli altri e tutti crescevano assieme
una serata organizzata sulle colline bresciane da Armando
umanamente e intellettualmente in amicizia e rispetto
Nizzi della Sincron: sedevamo accanto. Da allora abbiamo
cominciato a frequentarci; a Milano si mangiava insieme,
230
bruno munari alla mostra di arturo vermi
231
”
reciproco.
usavo la macchina di mio padre per accampagnarlo.
Poi piano piano siamo diventati amici, ci siamo frequentati
o con altri artisti.
“
Davide (Boriani) era un fumatore pazzesco, accendeva una
internazionale, facevamo qualcosa all’estero, esposizioni
Era un uomo simpaticissimo, elegante, disponibile,
sigaretta quando ancora aveva l’altra in bocca!!
a Basilea, Parigi, Colonia.
gioioso, generoso, un entusiasta con voglia di fare,
Devecchi partecipava spesso e tranquillamente, con il suo
Gli artisti sapevano benissimo che Marconi era molto
insegnare. Non diceva mai di no, anche negli ultimi tempi
carattere pacato e anche Grazia Varisco, che si lamentava
più ricco e con i soldi, ma, ad ogni modo, venivano
quando era molto stanco e malato. Venne comunque
dicendo “sono una donna, non mi considerano... e io sono
anche da me. Grazia non è mai mancata nelle mie mostre,
all’inaugurazione di Victor Simonetti (una delle sue
sempre fuori dal giro e loro sono più e io sono meno....”.
sia colletive che individuali.
ultime presenze ufficiali): entrò in galleria dicendo:
Non so perchè venisse volentieri da me, non è che
È un’artista eclettica e di grande valore, l’ho sempre
“Signore e Signori sono lieto di essere venuto a questa
comprassi molto, non potevo permettermelo...
stimata!
in modo più assiduo. Aperta la galleria non si è mai
rifiutato di esporre da me con mostre personali
Con Boriani, Anceschi, Devecchi, Varisco siamo stati
facevano riunioni e molti dibattiti, partecipazioni a livello
inaugurazione perché presentiamo un genio che si chiama
Victor Simonetti. Complimenti!!! Credo in lui”.. e giù... un
anna canali, cesare medail, miro cosumano, grazia varisco
sacco di complimenti... Non che Victor non meritasse
quest’attenzione ma Munari era un generoso nel giudicare
anna canali e gianni colombo, inaugurazione berlewi e mansouroff, catalogo
con testo introduttivo di getulio alviani _ 8 febbraio 1990
gli altri. Presentando una mostra di ragazzini che avevano
fatto dei quaderni o dei disegni per dei laboratori,
”
aveva sempre parole generose.
“
Io donna giovane, non milanese, ho aperto la galleria
in via Mercato, a Brera, e lì sicuramente la vicinanza con i
ragazzi del gruppo T è stata immediata.
Gianni Colombo, sempre elegante, veniva in galleria
continuamente. Ricordo, in uno dei tanti pranzi da me
organizzati, che dopo un mio complimento - non alla
sua arte ma al suo fascino - imbarazzato, mi rovesciò un
bicchiero di vino addosso.
Colombo con i suoi ambienti... stupendii!!! Frequentava
molto la galleria tutte le settimane... non mancava ad una
inaugurazione, oltre che alle molte occasioni private...
Gianni, sì, era famoso molto prima che lui morisse;
”
232
233
era sicuramente il più conosciuto del gruppo.
mostra personale di gabriele de vecchi _ 1988
veramente non mi è chiaro nemmeno ora... ma da me si
molto assieme...
”
“
In quegli anni, senza internet, era tutto diverso:
tempi più lunghi, relazioni più espanse.
Un giorno ho chiamato Biasi al telefono e gli ho detto:
“
“Sono la Anna Canali e voglio venirti a trovare”.
amore dell’arte fin nella mia attività di gallerista in Arte Struktura,
Ci vedemmo e la risposta fu: “Io faccio mostre solo se mi si
in via Mercato 1.
Comunque che bei tempi e che bella compagnia...
Ho avuto contatti con gli artisti del Gruppo N padovano
Ancora oggi mi sento orgogliosa di questa mia esperienza
quando alcuni non facevano più nemmeno l’artista.
milanese, che ha trovato continuità nel tempo dal mio ingenuo
”
comprano le opere”.
“Ah, va bene”, dissi, “ma io non te le compro”. Poi facemmo
insieme un bel catalogo e una bella mostra.
Landi dopo anni mi ha permesso di frequentarlo; ci volle
tempo prima di conquistare la sua amicizia e ora sono anni
”
che ci sentiamo e frequentiamo.
“
Una parola speciale devo riservare a Getulio.
Una figura centrale nello sviluppo dell’arte programmata
almeno in Italia, un bravo artista, un bravissimo artista,
molto intelligente, molto molto colto. Ha conosciuto tutti i
grandi, con rapporti in tutta Europa, se non nel mondo.
Un grande collezionista, organizzatore di mostre d’altri,
un promotore dell’arte.
Spesso mi ha procurato opere di grande rilievo.
Non veniva durante le inaugurazioni, ci si vedeva prima,
edoardo landi
mi dava suggerimenti su come allestire le mostre, su come
scegliere gli artisti. Dicono che abbia un carattere difficile
ma noi possiamo spendere solo parole positive.
Arte Struktura non ha nulla da rimproverargli anzi,
può dimostrargli sempre immensa gratitudine per l’aiuto
”
e l’affetto con cui ci ha trattati.
235
234
1992. 20 anni arte struktura. anna canali getulio alviani. 24/03/1992 “20 anni di arte
struktura in via mercato 1 a milano. anna canali - getulio Alviani
1957timeline
1958
Luogo (città), nome Galleria, data
Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento
Nomi artisti partecipanti
Milano, Galleria Pater
Mostra: Piero Manzoni
Espone per la prima volta gli Achrome
in una mostra personale
Piene e Mack avviano a Dusseldorf la serie
delle Abendaustellungen, mostre evento
che si svolgono nel corso di una serata
Düsseldorf
Rivista: “Zero”
Esce il primo numero, a cura di Piene
e Mack
Mostra: Manzoni, Verga, Sordini
dal 13 settembre
Mostra: Biasi, Bonalumi, Castellani,
Manzoni, Rumney, Swan
Milano
Manifesto: Contro lo stile
Manzoni è tra i firmatari. Insieme agli
esponenti del Movimento Nucleare, Baj
e Dangelo
Milano, Galleria del Prisma
Mostra collettiva
Biasi, Bonalumi, Calos, Castellani,
Dangelo, Fossati, Fraquelli, Scacchi Gracco,
Lavagnino, Manzoni, Orsenigo, Pignatelli,
Recalcati, Scuderi, Sordini, Verga
Milano, Galleria San Fedele
Mostra: Arte Nucleare 1957
Baj, Bemporad, Bertini, Dangelo, Jorn,
Klein, Manzoni, Pomodoro, Rossello,
Sordini
Roma, Galleria L’Appunto
febbraio
Mostra: Angeli, Festa, Uncini, De Bernardi,
Lo Savio, Schifano
Milano, Galleria del Naviglio
Mostra: Fontana
Mostra: Bonalumi, Castellani, Manzoni
Anversa, Hessenhuis
Mostra: Motion in Vision/Vision in Motion
Roma, Galleria Appia Antica
Mostra: Agostino Bonalumi,
Enrico Castellani, Piero Manzoni
Milano, Galleria Apollinaire
Mostra: Yves Klein. Proposte monocrome,
epoca blu
Düsseldorf
aprile
dal 29 maggio
settembre
12-30 ottobre
1958
Milano
Nasce il sodalizo tra Bonalumi, Castellani
e Manzoni
primi mesi dell’anno
Bergamo, Galleria Bergamo
4 - 17 gennaio
Mostra: Fontana, Baj, Manzoni
22 aprile - 4 maggio
aprile
1 - 10 dicembre
1959
10 - 23 febbraio
16 - 28 febbraio
21 marzo - 3 maggio
23 marzo - 8 aprile
Mostra: Baj, Fontana, Manzoni
3 - 15 aprile
236
Bologna, Galleria del Circolo di Cultura
237
2 - 12 gennaio
Fontana espone per la prima volta i “tagli”
Esposizione pioneristica che presenta
opere di Breer, Bury, Klein, Mack, Mari,
Munari, Necker, Piene, Rot, Soto, Spoerri,
Tinguely, Van Hoeydoncks
Rotterdam, Rotterdamse Kunstkring
Mostra: ZERO
van Bohemen, Fred, Dahmen, Manzoni,
Pieters, Romijn, Sanders, Schoonhoven,
Schumacher, Tajiri, Wagemaker
1 - 28 luglio
Wiesbaden, Galerie Boukes
10 luglio - 7 agosto
Mostra: Dynamo 1
Prima occasione di contatto diretto
tra Manzoni e gli esponenti tedeschi
del movimento Zero. Partecipano
all’esposizione: Bury, Holweck, Klein, Mack,
Manzoni, Mavignier, Oehm, Piene, Rot,
Soto, Tinguely
Milano
Rivista: ”Azimuth”
Esce il primo numero, a cura di Manzoni e
Castellani. Testi di Dorfles, Ballo, Pagliarani,
Agnetti, Schwitters, Alfieri, Paolazzi, Balestrini,
Picabia, Tono, Beckett, Galvano, Laszlo
Albisola Marina (Savona),
Pozzetto Chiuso
Mostra: Piero Manzoni
L’artista espone per la prima volta
le “Linee”
22 settembre – 10 ottobre
Mostra: Anceschi, Boriani, Colombo,
Devecchi
Prima mostra di gruppo, con opere
informali, dei fondatori del Gruppo T
Padova
Si costituisce il Gruppo Enne
Roma, Galleria Appia Antica
Mostra: Zero
Mostra: Agostino Bonalumi
Milano, Galleria Azimut
Mostra: Le linee di Piero Manzoni
Prima mostra della Galleria Azimut
Mostra collettiva
Anceschi, Boriani, Catellani, Colombo,
Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari,
Massironi, Zilocchi
settembre
ottobre
24 ottobre - 4 novembre
27 novembre - 7 dicembre
4 - 21 dicembre
22 dicembre 1959 - 3 gennaio 1960
238
18 - 24 agosto
1960
Milano
primi mesi dell’anno
Manzoni e Castellani stringono rapporti di
amicizia e collaborazione con i padovani
Massironi e Biasi del Gruppo Enne
Mostra: Miriorama 1
Prima di una serie di mostre intitolate Miriorama.
Vi partecipano: Anceschi, Boriani, Colombo
e Devecchi, a quali si unisce poi Varisco
Milano
Rivista: ”Azimuth”
Esce il secondo e ultimo numero, a cura
di Manzoni e Castellani, dedicato al tema:
“La nuova concezione artistica”.
Sono pubblicati testi di Castellani,
Kultermann, Manzoni, Piene, in italiano,
francese, inglese e, in parte, tedesco
Mostra: La nuova concezione artistica
Breier, Castellani, Holweck, Klein, Mack,
Manzoni, Mavignier
Mostra: Enrico Castellani
Prima personale dell’artista che espone
in quest’occasione le sue
“Superfici in rilievo”
Mostra: Massironi, Moldow, Oehm, Uecker
Berna, Galerie des Kleintheater
Mostra: Neue Malerei
Londra, New Vision Center Gallery
1 - 19 marzo
Mostra: Castellani Manzoni.
A New Artistic Concepition
Mostra: Miriorama 6
Seconda mostra collettiva del Gruppo T
al quale di unisce Grazia Varisco
Leverkusen, Städtisches Museum
Mostra: Monochrome Malerei
Importante ricognizione delle esperienze
monocrome internazionali. Vengono presentati
40 artisti, tra i quali Castellani, Fontana, Klein,
Manzoni, Rothko, Tàpies. Nel catalogo sono
inclusi scritti di Manzoni e Castellani
gennaio
gennaio
(con pubblicazione effettiva in maggio)
4 gennaio - 1 febbraio
5 - 22 febbraio
23 febbraio - 10 marzo
van Bohemen, Dahmen, Manzoni, Motz,
Ian Pieters, Sanders, Schoonhoven,
Schumacher, Tajiri, Wagemacher
25 febbraio - 7 marzo
3 - 6 marzo
18 marzo - 8 maggio
239
1959timeline
Armando, Bogart, van Bohemen, Bonalumi,
Bordoni, Castellani, Leuzinger, Manzoni,
Megert, Pieters, Schoonhoven, Schoendorf
Mostra: Heinz Mack
Mostra: Almir Mavignier
Padova, Circolo del Pozzetto
Mostra: La nuova concezione artistica
Esposizione in collaborazione con la
Galleria Azimut: Biasi, Castellani, Mack,
Manzoni, Massironi
Mostra: Motus
Demarco, Garcia Rossi, Molnar, Morellet,
Yvaral
Mostra: Corpi d’aria di Piero Manzoni
11 - 28 marzo
5 - 15 aprile
9 - 20 aprile
15 aprile -2 maggio
3 – 9 maggio
dal 25 maggio
24 giugno – 18 luglio
21 luglio
Albisola Mare (Savona),
Circolo degli Artisti
30 giugno – 5 agosto
1961
Amsterdam, Stedelijk Museum
Mostra: Bewogen Beweging
Agam, Anceschi, Boriani, Breer, Bury, Calder,
Colombo, Cruz-Diez, Devecchi, Duchamp,
Hains, Hamilton, Johns, Kaprov, Mack, Malina,
Munari, Le Parc, Piene, Rauschenberg, Man
Ray, Rickey, Rot, Niki de Saint-Phalle, Soto,
Tajiri, Talmann, Tarkis, Tinguely, Tomasello,
Ultveldt, Varisco, Vasarely, Yvaral
Padova, Studio Enne
dal 29 marzo
Mostre a puntate dei componenti
del Gruppo Enne
Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi
Roma, Galleria La Salita
Mostra: Miriorama 10
Roma, Galleria La Tartaruga
Mostra: Castellani & Manzoni
Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Gancio,
Landi, Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi,
Mavignier, Moldow, Pisani, Santini
Roma, Galleria La Salita
dal 15 giugno
Mostra: Mack + Klein + Piene + Uecker
+ Lo Savio = 0
Biasi, Breier, Castellani, Dadamaino, Landi,
Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Motus,
Pisani, Santini
Padova, Gruppo Enne
Mostra: Dada Maino
Düsseldorf
Rivista: ”Zero”
Esce il terzo e ultimo numero
Düsseldorf, Galerie Schmela
Mostra: ZERO – Edition, Exposition,
Demonstration (ZERO 3)
Adrian, Arman, Aubertin, Breier, Bury,
Castellani, Dorazio, Fontana, von Graevenitz,
Van Hoeydonck, Holweck, Kage, Klein, Kleint,
Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier, Moldow,
Peeters, Piene, Pohl, Pomodoro, Rainer,
Rot, Salentin, Schoonhoven, Soto, Spoerri,
Tinguely, Uecker
marzo
dal 14 aprile
dal 22 aprile
Mostra collettiva
Mostra collettiva
Performance: Piero Manzoni,
Nutrimenti d’arte
L’artista firma con l’impronta del pollice
alcune uova sode che vengono poi
consumate dal pubblico
dal 20 maggio
luglio
Mostra: Castellani, Dadamaino, Manzoni,
Pisani, Santini
dal 5 luglio
Mostra: Sculture da viaggio
Padova, Studio Enne
Mostra: Il Gruppo Enne espone a porte
chiuse
dall’8 ottobre
11 - 13 dicembre
240
Roma, Galleria Trastevere
Biasi, Bonalumi, Dadamaino, Manzoni,
Massironi, Santini
241
1960timeline
Zagabria, Galerija Suvremene Umjetnosti
Mostra: Nove tendencije
Alla grande collettiva organizzzata da Mavignier
partecipano: Adrian, Biasi, Castellani, Chiggio,
Christen, Costa, Dorazio, Gerstner, von
Graevenitz, Kämmer, Knifer, Landi, Le Parc,
Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Morellet,
Müller, Oehm, Picelj, Piene, Pohl, Rot, Stein,
Talman, Uecker, Wyss, Zehringer
3 agosto - 14 settembre
Wolframs-Eschenbach, Ordens-Schlolss
15 luglio – 24 settembre
Trier, Stadtisches Museum Trier
7 ottobre – 5 novembre
Lissone
dal 23 ottobre
Mostra: Internationale Malerei 1960-61
Mostra: Avantgarde 61
XII Premio Lissone
Armando, Bartels, Bischoffhausen, Bleckert, van
Bohemen, Bordoni, Castellani, Crippa, Dahmen,
Dorazio, Fontana, Geccelli, Geiger, Girke, Goepfert,
Henderikse, Honegger, Kleint, Kusama, Leblanc,
Luther, Manzoni, Megert, Peeters, Rainer, Rotella,
Saura, Lo Savio, Schoonhoven, Teshigahara,
Thieler, Uecker, Verheyen, Yoshihara, Zangs
Armando, Berner, Bartels, Castellani,
De Luigi, Dorazio, Fontana, Geiger, Girke,
Goepfert, Holweck, Honegger, Kleint,
Kusama, Jochism, Lo Savio, Mack, Manzoni,
Peeters, Piene, Quinte, Rainer, Sellung,
Schoonhoven, Uecker, Zangs
Partecipano tra gli altri Bonalumi, Castellani,
Dadamaino e Manzoni, sono invitati anche
esponenti del Gruppo T e del Gruppo Enne
1962
Antwerpen, Galerie Ad Libitum
Mostra: ZERO
Bury, Castellani, Dorazio, Fontana,
Holweck, Klein, Mack, Manzoni, Mavignier,
Piene, Soto, Uecker, Verheyen
Den Haag, Internationale Galerij OREZ
Mostra: Nieuwe Tendenzen
Arman, Armando, Aubertin, Bury, Castellani,
Colombo, Dorazio, Fischer, Fontana, Girke,
Goepfert, Holweck, Honegger, Klein, Kleint,
Kusama, Mack, Dadamaino, Manzoni,
Mavignier, Megert, Peeters, Piene, Pohl,
Rainer, Rot, Schoonhoven, Soto, Uecker,
de Vries, Weber
Mostra: Nul
Arman, Armando, Aubertin, Bury, Castellani,
Dadamaino, Dorazio, Fontana, Goepfert,
Haacke, Henderikse, Holweck, Kusama,
Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier, Megert,
eeters, Piene, Pohl, Schoonhoven, Uecker,
Verheyen, de Vries
Antwerpen, Hessenhuis
Mostra: G 58, Anti – peinture
Armando, Biasi, Boriani, Castellani, Chiggio,
Colombo, Costa, Cruz-Diez, Debourg, Devecchi,
Garcia-Rossi, Goepfert, Henderikse, Hiltmann,
Landi, Le Parc, Leblanc, Manzoni, Massironi,
Megert, Morellet, Peeters, Schoonhoven,
Sobrino, Stein, de Vries, Yvaral
Venezia, Galleria del Cavallino
Mostra: Miriorama 12
Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi,
Varisco
Milano, Negozio Olivetti
Mostra: Arte programmata – Arte cinetica,
opere moltiplicate, opera aperta
Esposizione itinerante, poi Venezia (luglio –
agosto) e Roma (ottobre), a cura di Munari.
Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Mari,
Munari, Gruppo N, Varisco.
Nelle tappe successive si uniscono il Groupe
de recherche d’art visuel e Alviani
Gent, St. Pietersabdij, Centrum voor
Kunstambachten
Mostra: Forum 62
Castellani, Dorazio, Fontana, Klein, Leblanc,
Mack, Manzoni, Mavignier, Megert, Piene,
Pohl, Soto, Uecker, Vasarely, Verheyen
Parigi
Muore Yves Klein
13 gennaio – 13 febbraio
10 gennaio – 18 febbraio
9 - 25 marzo
24 marzo – 30 aprile
7 – 17 aprile
1 – 31 dicembre
Arnhem, Galerie A
dicembre
Mostra: Exposition dato 1961
Mostra: ZERO
Aubertin, Bartels, Breier, Carlfriedrich,
Castellani, Claus, Fontana, Goepfert,
Henderikse, Holweck, Kiender, Klein, Mack,
Manzoni, Piene, Pohl, Rainer, Schmidt,
Schoonhoven, Uecker
Arman, Aubertin, Bury, Castellani,
Fontana, Holweck, Klein, Mack, Manzoni,
Mavignier, Peeters, Piene, Pohl, Rainer,
Rot, Schoonhoven, Soto, Spoerri, Tinguely,
Uecker
maggio
5 maggio – 3 giugno
6 giugno
242
Francoforte, Galerie Dato
243
1961timeline
Berna, Galerie Schindler
Mostra: ZERO
Arman, Aubertin, Bury, Castellani, Dufrene,
Fontana, Goepfert, Hains, Hiltmann,
Holweck, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni,
Mavignier, Merget, Piene, Peeters, Pohl,
Rainer, Rotella, Rot, Schoonhoven, Uecker,
Verheyen
Rotterdam, Galerie Delta
Mostra: Castellani Manzoni Schoonhoven
Albisola Mare, Galleria della Palma
Mostra: Punto 3
Trieste, Galleria La Cavana
Mostra: Arte programmata
9 – 30 giugno
4 – 25 agosto
20 – 30 agosto
19 dicembre 1962 – 8 gennaio 1963
Rotterdam, Kunstcentrum’t Venster
3 – 23 novembre
1963
Mostra: Anno 62, plastiek, grafiek en
tekeningen
Mostra: Mostra monocroma
Milano
Manzoni muore improvvisamente
6 febbraio
Berlino, Galleria Diogenes
Mostra: Zero - der neue Idealismus
244
Mostra: Castellani
marzo-aprile
Milano, Galleria Cadario
Mostra: Oltre Ia pittura, oltre Ia scultura
Mostra itinerante poi Torino. Opere di
Adrian, Anceschi, Boriani, Boto, Colombo,
Costa, Cruz-Diaz, Debourg, Devecchi,
Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi, Kammer,
Le Parc, Mack, Dadamaino, Mari, Mavignier,
Morellet, Munari, Gruppo N, Peeters, Picelj,
Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino, Staudt,
Talman, Tomasello, Varisco,
Von Graevenitz, Yvaral, Zehringer.
Amsterdam, Galerie Amstel 47
5 – 25 maggio
Mostra: Panorama van de niewe
tendenzen
Alviani, Armando, Aubertin, Calderara,
Castellani, Colombo, Cruz-Diez, Dadamaino,
Fontana, Klein, Le Parc, Mack, Manzoni,
Megert, Morellet, Peeters, Schoonhoven,
Sobrino, Soto, Stein, de Vries
Parigi, Galerie Denise René
Mostra: Esquisse d’un salon
Alviani, Baertling, Boto, Cruz-Diez, Equipo
57, Le Parc, Morellet, Nemours, Peeters,
Piene, Pohl, Sobrino, Stein, Tomasello,
Vardanega, Vasarely
San Marino
7 luglio - 7 ottobre
IV Biennale internazionale d’arte
Mostra: Oltre l’informale
Il Gruppo Zero e il Gruppo Enne ottengono
il primo premio ex aequo
Francoforte, Galerie d, Schwanehalle
des Romers
Mostra: Europaische Avantgarde.
Monochromie. Achromie. Kinetik
Alviani, Aubertin, Bury, Castellani, Dorazio,
Fontana, Holweck, Klein, Leblanc, Mack,
Manzoni, Megert, Munari, Oehm, Peeters,
Piene, Pohl, Schoonhoven, Soto, Tinguely,
Uecker, Vasarely, de Vries
Zagabria, Galerija suvreme umjetnosti
Mostra: Nove Tendencije 2
Adrian, Alviani, Anceschi, Biasi, Boriani,
Castellani, Colombo, Chiggio, Costa,
Cruz-Diez, Demarco, De Vecchi, Dorazio,
Equipo 57, Garcia-Rossi, Landi, Le Parc,
Mack, Mari, Massironi, Mavignier, Morellet,
Oehm, Peeters, Piene, Pohl, Sobrino,
Staudt, Stein, Tomasello, Uecker, Varisco,
Wilding
26 aprile – 7 ottobre
Armando, Aubertin, Calderara, Cruz-Diez,
Fischer, Fontana, Alviani, Dadamaino,
Morellet, Le Parc, Peeters, Schoonhoven,
Soto, Stein, de Vries
Baj, Bueno, Dangelo, Dorazio, Fontana,
Hartung, Klein, Loffredo, Manzoni,
Pomodoro, Scatizzi, Scheggi, Turcato
luglio
1 agosto – 15 settembre
Milano, Galleria dell’Ariete
dal 26 febbraio
maggio – settembre
Firenze, Galleria Il Fiore
16 - 19 gennaio
Alviani, Azuma, Bolognesi, Calderara,
Dadamaino, Fontana, Le Parc, Morellet,
Peeters, Pizzo, Rossello, Schoonhoven, Soto
1963
Tra gli italiani, sono presenti opere di
Alviani, Castellani, Colombo, Dadamaino,
Fontana, Manzoni
245
1962timeline
1963timeline
Milano, Galleria Cadario
Mostra dei contrasti
Abe, Alviani, Castellani, D’Arena, Piene,
Fontana, Lattanzi, Meylan, Meloni,
Nangeroni
Venezia, Palazzo Querini Stampalia
Mostra: Nuova Tendenza 2
dal 22 dicembre
14 dicembre 1963 - 15 gennaio 1964
1964
Mostra: Proposte strutturali plastiche
e sonore
Mostra itinerante, poi a Torino, Firenze
e Palermo. Partecipano Alviani, Anceschi,
Borella, Boriani, Castellani, Colombo,
Devecchi, Gelmetti, Grossi, Mari, Gruppo N,
Scheggi, Varisco
Parigi, Musée des Arts Decoratifs,
Palais du Louvre
Mostra: Nouvelle Tendance
Anceschi, Alviani, Boriani, Colombo,
Dadamaino, Devecchi, Varisco
Roma, Galleria Il Biblico
Mostra: Mack Piene
Kassel, Documenta III
27 giugno – 5 ottobre
Mack, Piene e Uecker allestiscono l’opera
Lichtraum. Hommage a Fontana
Venezia, XXXII Biennale lnternazionale
d’Arte di Venezia
Partecipano Alviani, Castellani, Mari,
Gruppo T e Gruppo Enne
Avezzano, XV Premio Avezzano.
Palazzo Torlonia
Mostra: Strutture di Visione
Aprile – Maggio
3 – 17 marzo
giugno – settembre
Padova, Galleria La Chiocciola
Mostra: Enne 65
Mostra itinerante.
Poi a Genova
New York, The Museum of Modern Art
Mostra: The Responsive Eye
Vasta partecipazione europea: Vasarely,
Gruppo Zero, Groupe de recherche
d’art visuel, Equipo 57. E quella italiana:
Castellani, Dorazio, Alviani, Mari, Gruppo T
e Biasi, Costa Landi. La rassegna è stata
ospitata anche nei musei di Saint Luis,
di Seattle, di Pasadena, di Baltimora
Milano, Studio di Lucio Fontana
Mostra: Zero Avantgarde
Abe, Armando, Aubertin, Bonalumi, Bury,
Bischoffshausen, Castellani, Dorazio,
De Vries, Fontana, Goepfert, Haacke,
Holweck, Klein, Leblanc, Luther, Mack,
Manzoni, Megert, Mees, Peeters, Piene,
Pohl, Soto, Schoonhoven, Simeti, Talmann,
Thorn, Uecker, Srheyen, Vigo
15 aprile – 8 giugno
Mostra: Nul65 - Negentien Honderd En Vijf
En Zestig
Alviani, Anceschi, Arman, Armando, Boriani,
Bury, Castellani, Colombo, Devecchi,
Dorazio, Fontana, Haacke, Kanayama,
Klein, Kusama, Mack, Manzoni, Motonaga,
Murakami, Peeters, Piene, Rickey,
Schoonhoven, Shimamoto, Soto, Tanaka,
Uecker, Varisco, Vigo, Yamazaki, Yoshihara
Roma, Galleria I’Obelisco
Mostra: Perpetuum Mobile
Albers, Anceschi, Bakic, Boriani, Biasi, Bury,
Calder, Carlucci, Colombo, Costa, Cruz-Diez,
Devecchi, Duchamp, Fasola, Alviani,
Le Parc, Landi, Lo Savio, Lupo, Mack,
Kramer, Massironi, Mari, Munari, Ramosa,
Richter. Soto, Scheggi, Srnerc, Tinguely,
Uecker, Varisco, Vasarely
Venezia, Galleria del Cavallino
Mostra: Zero Avantgarde
Abe, Armando, Aubertin, Bonalumi, Bury,
Bischoffshausen, Castellani, De Vries,
Fontana, Goepfert, Haacke, Klein, Yayoi,
Leblanc, Luther, Mack, Manzoni, Megert,
Peeters, Piene, Soto, Schoonhoven, Simeti,
Talmann, Thorn, Uecker, Verheyen, Vigo
18 – 27 febbraio
23 febbraio – 25 aprile
Genova, Galleria La Polena
novembre
1965
27 marzo
5 – 30 aprile
4 – 14 maggio
247
246
agosto
Berna, Kunsthalle Bern
Mostra: Licht und Bewegung
Agam, Anceschi, Biasi, Boriani, Bury, Calder,
Colombo, Cruz-Diez, Devecchi, Demarco,
Duchamp, Garcia-Rossi, Haacke, Leblanc,
Mack, Malina, Mari, Megert, Morellet,
Munari, Le Parc, Piene, Man Ray, Sobrino,
Soto, Tinguely, Uecker, Vardanega, Varisco,
Vasarely, de Vries, Zangs
Zagabria, Galerija Suvremene Umjetnosti
Mostra: Nova tendencija 3
Alviani, Anceschi, Apollonio, Barrese, Biasi,
Boriani, Colombo, Dadamaino, Devecchi,
Massironi, Molnar, Morellet, Munari,
Peeters, Piene, Scarpa, Scheggi, Simeti,
Staudt, Vardanega, Vigo, de Vries, Wilding
Torino, Galleria Il Punto
Mostra: Arte programmata
Padova
Si scioglie il Gruppo Enne
3 luglio – 5 settembre
8 agosto – 3 ottobre
7 – 27 settembre
1966
Roma, Galleria L’Obelisco
Mostra: Bianco + Bianco
Abe, Arboleda, Arp, Azuma, Bianco,
Bompadre, Bonalumi, Bowen, Burri,
Calderara, Calò, Capogrossi, Carrino,
A. Cascella, P. Cascella, Castellani, Ceroli,
Colombo, Coppola, Costa, Christo,
De Camargo, Del Pezzo, Dorazio, Drago,
Erben, Ernst, Festa, Fontana, Frascà,
Gentili, Guarnieri, Kounellis, Le Parc,
Levenson, Yven-Chia, Lo Savio, Lozach,
Manueli, Manzoni, Marotta, Nikos, Novelli,
Pascali, Peralta, Picasso, Pomodoro,
Savelli, Scarpitta, Scheggi, Schifano,
Scialoja, Simeti, Sordini, Soto, Stein,
Tacchi, Turcato, Twombly, Uecker,
Uncini, Van Hoeydonck, Warzecha
Roma, Galleria Il Segno
Mostra: Avant-garde Zero 1966
Abe, Aubertin, Bischoffshausen, Castellani,
Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Megert,
Piene, Santoro, Soto, Schoonhoven,
Talmann, Thorn, Uecker, Verheyen, Vigo
Brescia, Galleria Associazione Zen
Mostra: ZERO Avantgarde 1966
Aubertin, Bonalumi, Bischoffshausen,
Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Megert,
Peeters, Piene, Rickey, Schoonhoven,
Soto, Spindel, Talmann, Thorn, Uecker,
Verheyen, Vigo
Düsseldorf
Si scioglie il Gruppo Zero
febbraio
dal 1 giugno
15 ottobre – 4 novembre
ottobre
Mostra: ZERO: an exhibition of European
Experimental Art
248
Washington, The Washington Gallery
of Modern Art
Armando, Bury, Castellani, Dorazio,
Fontana, Haacke, Klein, Lo Savio, Luther,
Mack, Manzoni, Mavignier, Megert, Peeters,
Piene, Schoonhoven, Soto, Tinguely,
Uecker, Vigo
249
1965timeline
published in the occasion of the exhibition
ITALIAN ZERO/CROSS REFERENCE
italica ars ab ovo incipit
october 4th _ november 15th 2014
kanalidarte
via alberto mario 55
brescia _ italy
m. +39 333 3471301
[email protected]
www.kanalidarte.com
alviani
anceschi
apollonio
biasi
bonalumi
boriani
castellani
chiggio
colombo
costa
dadamaino
devecchi
fontana
landi
lo savio
manzoni
massironi
munari
scaccabarozzi
scheggi
simeti
varisco
vigo
errata corrige: pg. 184-185, Grazia Varisco - SCHEMA LUMINOSO VARIABILE
51x51x9,5 cm _ vetro serigrafato, legno, apparato elettrico _ 1965
exhibition manager
afra canali
project director
stefano crosara
exhibition manager assistant
federica picco
text
afra canali
anna canali
melania gazzotti
marina isgrò
federica picco
attilia todeschini
riccardo venturi
designed by
ubaldo righi _ esagono cremisi
a special thank for the underlying support to
getulio alviani
anna canali
maria rosa e nevio canali
piero cavellini
ennio e alberta chiggio
giorgio fogazzi
lillo marciano
enrico fumagalli
fernanda marzuttini
vittorio mongino
natascia rouchota
turi simeti
grazia varisco
many thanks to
archivio chiggio
archivio scaccabarozzi
collezione bonomi
collezione del monte
fondazione berardelli
translation
richard clark
thomas reuter
debbie ross
a special thank to
costanza lunardi
for the important and smart support given
photographers
bruno bani
fotostudio rapuzzi
many thanks to
arte struktura archive
for documental and photografic material to our use
printed by
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technical support
bruno benzoni and hany elcin (set up)
alessandro scalvenzi _ l’aura cornici (frames)
ciro zanetti _ sergen (printing and visual material)
centro di restauro zanolini paola, ravenna ida _ milano
laboratorio di restauro todeschini _ verona
and all those who has made this possible
252

catalogo PDF - kanalidarte

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