ESSMAA_Panorama2_lefest

Essmaa ★02
| 2010 |
HÖREN - TO LISTEN - ASCOLTARE - ESCUCHAR - LUISTEREN - POSLOUCHAT - KIKU - ESCUTAR - SÉ - NGHE
[PANORAMA DES PRATIQUES MUSICALES ÉLECTRONIQUES ET ATYPIQUES]
E-FEST bénéficie du soutien financier de la Commission Européenne
Essmaa ★02
ÉDITO
Le Silence, les couleurs du prisme et la mécanique du temps qui passe (*)
Daniel Caux... « activiste musical »
Daniel Caux, musicologue, essayiste, programmateur et producteur radio, disparu en juillet
2008, fut l’un des prestigieux agitateurs de l’ACR dans les années 70-80. Un passeur
d’inconnu, un heureux passionné de l’Avant-garde et des musiques expérimentales, instigateur
d’essais radiophoniques anthologiques notamment aux côtés de Steve Reich et Terry Riley,
Michael Snow et Luc Ferrari, Michael Snow et Peter Greenaway, La Monte Young et Charlemagne
Palestine, Meredith Monk, Nina Hagen…
(*) titre de l’ouvrage qui regroupe ses textes essaimés dans les nombreuses revues
et quotidiens dans lesquels il a écrit pendant près de 40 ans (Éditions de L’éclat, 2009).
a
Essmaa ★02
SOMMAIRE
05__ ÉMISSION / n°09-16
09__ OUVERTURE / Invité. Joseph Ghosn – Repérages. Nathaniel Mayer, Blockhead.
13__ FOCUS / Gangpol und Mit, Hypo, ICASEA, Lokai.
33__ PROFIL(S) / Labels. Bee, Frozen Elephant, Jarring Effects, Karaoke Kalk, LEEP,
Loaf, Mouthwatering Records, Optical Sound – Radio. W-h-y.org (podcast)
Artistes. EDH, DJ Elephant Power, GoGooo, Will Guthrie, Maga Bo, Mokuhen,
Paral-lel, Spartman Lover, Subjex
73__ (RÉ)ÉCOUTES / Autechre, EDH, September Collective, Nick Cave & Warren Ellis,
Hypo, SoulSavers, Sister Iodine, Sébastien Roux & Sogar
& 45 sorties récentes et moins récentes
__
86 CRÉDITS
» EMISSION
Essmaa ★02
N° 09-16
Podcast hebdomadaires disponibles sur
http://www.lefest.org/
Artiste | Track | Album | Année | Label
Émission 09
Kaktus Hunters
Audiopixel
Dj Elephant Power
Hypo & Edh feat. Davide Balula
Laika
Material
Masters Of Illusion
Black Star Liner
Wang inc.
Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
Philippe Mion
Keiichiro Shibuya
Jasper TX
Israel_m
Andrea Belfi & Machinefabriek
Hulk
Sebastien Roux & Sogar
Walls
Afropixel
Elepha and Electric Dragon Chopsticks Vibration 2
Boca Boca Dub
If You Miss (Laika Virgin Mix)
Praying Mantra
The Bay-Bronx Bridge (Bhongra Remix)
Harmon Dub
Chrome Bubbles
Particle 1
Léone
5’18
Help Them Die
Niza
Pulses & Places I
Elephant Memory
The art of conversation
Unlimited Land
2003
Pain Perdu
2006
Noodles Discotheque volume 7
2004
Let’s Kiss and Make Up (Slow & Fast) - Promo CD1
2009
Macro Dub Infection: Vol. 1 (1)
1995
Mantra
1993
All Tomorrows Parties 3.0 [Disc 1]
2003
Eastern Uprising. Dance Music From The Asian Underground
1997
Plastic Miracle
1999
Ensemble Modern
2008
Leone
1996
untitled
2004
I’ll Be Long Gone Before My Light Reaches You
2005
Nareah
2008
Pulses & Places
2009
The Map is not the Territory
2005
Rücksitz
2009
Fat Recordings
Effervescence
Sonig / Noodles Discotheque
Tsunami Addiction
Caroline Records
Axiom
ATP Recordings
Sony Music Entertainment
Sonig
Raster-Noton
Empreintes DIGITALes
Atak
Lampse
Aagoo
Korm Plastics
Frozen Elephants Music
Tsuku Boshi
Émission 10
Bernard Parmegiani
Dorine_Muraille
Hoahio
Ekkehard Ehlers
Red
Fennesz, O’Rourke, Rehberg
Coh
Lauriez, Martel, Myhr, Tétreault
Broadcast
Wevie de Crepon
Lemur
Bernhard Günter
Lokai
Dynamique de résonance
La Règle
Happy Mail
Shut/Zu
She is in War
Fenno’berg Theme
Crazy
Électro-Polissage
Come on Let’s Go
Chips with Everything
Duo
Untitled 1/92
Roads (Reprise)
De Natura Sonorum
Untitled
Happy Mail
Betrieb
Felk
The magic Sound of Fenno’berg
COH plays Cosey
Disparition de l’usine Éphémère
The Noise Made by People
The Age Old Age of Old Age
IIIII II
Un Peu de Neige Salie
Transition
INA/GRM
Fat Cat
Amoebic
Mille Plateaux
Rectangle
Mego
Raster-Noton
Ambiances Magnétiques
Warp Records
Sonig
+3dB
Trente Oiseaux
Thrill Jockey
1975
2001
1997
2000
2000
1999
2008
2008
2000
2003
2008
1992
2009
Essmaa ★02 | 06
ÉMISSION
Émission 11
The Stuf Nuglasis
Otomo Yoshihide
Otomo Yoshihide New Jazz Orchestra
Jaga Jazzist
Wechsel Garland
Dark Captain Light Captain
Jimi Tenor / Tony Allen
Femi Kuti
Hudson Mohawke
Ikue Mori
Will Guthrie
Peter Prautzsch
Diskjokke
Phil Kieran
LFO
Made
Goathook
Citizen
Good Morning
One Armed Bandit (Radio Edit)
Waves
They Be Under Water
Selfish Gene
Eh Oh
Rising 5
Bamboo Battle
Taken
Kind Things Sing
Cold Out
Cut Copy Waste
Simon from Sydney
Type Tactical
Tunalfiguss
The Night Before the Death of the Sampling Virus
Dreams
One Armed Bandit
Easy
Circles EP
Inspiration Information
Day By Day
Butter
Garden
Cathnor Recordings
I Want Beauty
Staying In
Shh
Frequencies
All Tomorrows Parties 3.0 [Disc 1]
2009
1993
2002
2010
2006
2008
2009
2008
2009
1996
2005
2004
2008
2009
1991
2003
Colin Johnco Records
Extreme
Tzadik
Sysyphus Records
Karaoke Kalk
LoAF Recordings
Strut
Wrasse Records
Warp Records
Tzadik
Body and Limbs Still Lock to Light
Palac Music
Smalltown Supersound
Cocoon Recordings
Warp Records
ATP Recordings
Émission 12
E.D.H
Ben Sharpa
Jahdan Blakkamoore
Malente & Dex feat. New Kidz
Filastine / Maga Bo (is Sonar Calibrado)
Dizzee Rascal
Skepta
Caustic Window
Reuter’n’Belter
Glovitch
Check the evidence
Dem A Idiot (Featuring 77Klash)
Lions (Douster Remix)
3_E Daí (featuring Speak Freaks)
Can’t Tek No More
Love Is Here To Stay (Terror Danjah Remix)
Cunt
M&C’s Cyton subskim relief
(R’n’B remix by Mortal & Chemist)
Prédature
The Sharpaganda Theory Lesson 1
Buzzrock Warrior
Bangkok
Sonar Calibrado shock19
Tongue N’Cheek
Gremlinz (The Instrumentals 2003-2009)
Trance Europe Express 3 [Disc 1]
Do
2010
2009
2009
2009
2008
2009
2009
1995
2010
Lentonia
Jarring Effects
Gold Dust Media
Exploited Records
Shockout
Dirtee Stank Recordings
Planet Mu
Rephlex
Tsuku Boshi Records
Pjusk
Pomassl
Anthony Pateras & Robin Fox
Sister Iodine
AIDS Wolf
Nice Nice
Liars
Nick Cave & Warren Ellis
Lullatone
El Fog
Him
Christophe Bailleau
E.D.H
Stadig
Antenna Atoll
Apocalypse Now & Then
Black Trauma Delice
Tied Up in Paper
One Hit (7 inch Edit)
Scissor
Song for Jesse
Wake Up Wake Up
Maerz
Other Echos (Touch)
I’ll be there
Damned song
Sart
Spare Parts
Flux Compendium
Flame Desastre
Cities Of Glass
One Hit
Sisterworld
White Lunar
Little Songs About Raindrops
Rebuilding Vibes
H
Lights Out in the Ghosting Hour
Prédature
2007
2007
2006
2009
2008
2009
2010
2009
2004
2009
2009
2009
2010
12K
Raster-Noton
Editions Mego
Editions Mego
Skin Graft Records
Warp Record
Mute Records Ltd.
Mute Records Ltd.
Audio Dregs
Flau
Hip Hip Hip
Optical Sound
Lentonia
Essmaa ★02 | 07
ÉMISSION
Émission 13
Émission 14
Seb El Ezin
Beans
Playdoe
Talen
Buraka Som Sistema
King Midas Sound
Nils Petter Molvaer
Paral-Lel
Luke Vibert
Skinnerbox
Si Begg
Samiyam
Expectore Gadjo
Hypnose scandée
Win Or Lose You Lose
Now Soon Someday [EP]
Fish Gut
Sibot And Spoek Are Playdoe
The Morning Rush - An Oddateee Tale (Bit-Tuner rmx) New York Book
New Africas pt. 2
Black Diamond
Meltdown
5: Five Years of Hyperdub [Disc 1]
Axis of Ignorance (Funkstörung remix)
Appendix
Freak Beat
Freaks Rock !
Cash ’N’ Carry Acid
Lover’s Acid
Discounter
King of spades and marmalades
I Thunk Therefore I Am
24Bit Error Collection
Swamp Tarts
Beat Dimensions Vol. 2
compiled by Cinnaman & Jay Scarlett
2008
2003
2008
2009
2008
2009
2007
2008
2005
2009
2009
2009
LEEP
Warp Records
Jarring Effects
Mouthwatering Records
Fabric (London), Enchufada
Hyperdub
!K7
Bee Records
Warp Records
Doxa Records
–
Rush Hour Recordings
Bibio
Klement
Cylob
Apparat
SKNDR
Gangpol und Mit
Dwrcan (Eskmo Remix)
Rock Dat Bit
Smack ’em Up Sharp
Bolz
Adrenaline
Along a Holy Riverside
The Apple and the Tooth
Contre 02
Rephlexions
Mutek 05 [Disc 1]
Rituals
–
2009
2007
2003
2005
2008
2010
Warp Records
Contre Cœur
Rephlex
Mutek_Rec
Bee Records
–
Mokuhen
Ennio Morricone
Nurse With Wound
Yagi Michiyo
Sun Plexus
Chris Watson
Erkki Kurenniemi
Goediepal
Ryoji Ikeda
Gescom
September Collective
Atagoshita and Yabu Lane
Astrazione Con Ritmo
Rock’n Roll Station
Nenrin
Silure 2000
Spyder Monkeys
Nimetön
Mainpal Inv
Can(n)on
Mag (Ae remix)
Terzian
Kazagumo
Crime and Dissonance
Rock'n Roll Station
Shizuku
Or ou Ferraille ? À Quelle Profondeur ?
Outside the Circle of Fire
Äänityksiä / Recordings 1963-1973
Mort aux Vaches
0°C
All Tomorrows Parties 3.0
Always Breathing Monster
2009
1973
1994
1999
2004
1998
1971
2004
1998
2003
2009
Stembogen
Ipecac
United Dairies
Tzadik
Ronda
Outside the Circle of Fire
Love Records
Staalplaat
Touch
Skam
Mosz
Essmaa ★02 | 08
ÉMISSION
Émission 15
Spartan Lover
Kelpe
Oorutaichi
Hypo
Pigeon Funk
Potlatch
Longstone
V.L.A.D.
Robot Koch
Reverse Ingineering
Mikkel Meyer
Vex’d
Scorn
Karras
September Collective
Pau Torres
GoGooo
Palac
Polka Grease
Microscope Contents (Subjex Remix)
Jimaji
Yo Kalabi (Hypo & O.Lamm & Kyoka)
The Blue Bus
Kwakwaka’wakw
Kabuki (edit).
Redpikeefireinit (Reuter’n’Belter remix by VLAD)
Death Star Droid
Dttr Total Terror Mix
Tatar
3rd Choice
Glugged
Brisa Nocturna
Terzian
John Leo Crow 18
Matin calme
Old Cassette
Museum Of Future Sound 2
Microscope Contents
Drifting my folklore
Coco Douleur
The Largest Bird In The History Of The Planet
Live at Fábrica
Kabuki
Do
Death Star Droid
Compile Riddim Collision 9
Bacon
Sacred Symbols Of Mu (Disc 2)
Compile Riddim Collision 9
Night Breeze
Always Breathing Monster
The John Leo Crow Album
Simple
Tsuku Boshi Label Compilation (2006-2007)
2008
2009
2007
2010
2008
2009
2008
2010
2009
2007
2009
2006
2007
2006
2009
2006
2009
2006
Flogsta Danshall
DC Recordings
Okimi Records
Tsunami-Addiction
Musique risquée
Insubordinations
Ochre Records
Tsuku Boshi
Project: Mooncircle
Jarring Effects
Statler & Waldorf
Planet mu
Jarring Effects
Rain Music
Mosz
Frozen Elephant
Tsuku Boshi
Tsuku Boshi
Émission 16
Gol
Norscq
Eglantine Gouzy vs Hauschka
Hans Appelqvist
Takeo Toyama
Yamori Kota
Four Tet
Mike Slott
A Bridge Far Away
Numan
Frikstailers
Detboi
Daedelus
Nouveau Yorican
Mr Oizo
OOIOO
Jerome Pergolesi
Gol
12D.
Les clochards sont les millionnaires du soleil
Mr. Spoon
Naima Tecknar I Ditt Skrev: Kärlek Ger Vila
Bobbin
CDG, into the water
Wolf Cub
23 Halfs
Drift feat. Indi Kaur (Grievous Angel remix)
Skull Crusher
Baile Frik (Original Mix)
Get Low
Fair Weather Friends (The Death Set Reset)
Boriqua (Harvard Bass Remix)
Gay Dentists (JFK edit)
OOIOO-OOIAH
To run after Okapi
02A.
Chants et musique concrète du Morvan (3-CD-Box)
Gelatinosa Substancia
Versions Of The Prepared Piano
Naima
Etudes
Wet dreams
Moth / Wolf Cup
LuckyMe 1 (compilation)
Drift Remixes
Numan / Sduk
Baile Frik EP
Cheap Thrills Volume 1
Fair Weather Friends
Boriqua
Lambs Anger
Armonico Hewa
Restless dreams of one Koala
Chants et musique concrète du Morvan (3-CD-Box)
2007
2009
2007
2006
2009
2009
2009
2009
2009
2010
2008
2009
2007
2009
2008
2009
2007
2007
Stembogen
Optical Sound
Karaoke Kalk
Häpna
Karaoke Kalk
Tsuku Boshi
Text Records
LuckyMe
Methodology Recordings
Slit Jockey
Revolt Into Style
Cheap Thrills Records
Ninja Tune
Institubes
Because Music, Ed Banger Rec.
Thrill Jockey
Frozen Elephants
Stembogen
OUVERTURE
Essmaa ★02
Invité. Joseph Ghosn
Repérages. Nathaniel Mayer
Blockhead
10
11
12
Essmaa ★02 | 10
10
OUVERTURE
INVITÉ JOSEPHGHOSN.COM (France)
CHAQUE JOUR
HTTP://JOSEPHGHOSN.COM
Année de lancement. Mars 2008
Géré par Joseph Ghosn
Périodicité. Quotidien, instantané – je mets en ligne au moins un post
par jour, le matin en général, avant 8h.
Identité artistique / identité musicale. «Nous ne sommes plus nous-mêmes»
Actuellement, musicalement qu’est-ce qui t’animes ? Là, je suis à Beyrouth
et je viens de trouver une pile de 45 tours libanais et turcs très usés
– je ne sais pas ce qu’ils contiennent, mais ça m’anime beaucoup
de le découvrir. Sinon : Maurizio Bianchi, King Midas Sound, Expo 70,
Oneohtrix Point Never, James Agee... Et la musique que je fais sous le nom
de Discipline, aussi.
La mise en place de ce blog. En quittant les Inrocks début 2008, j’ai eu
envie de prolonger le blog que je faisais sur le site du journal en continuant
à partager mes coups de cœur, en musique, en bandes dessinées, etc. Très
vite, j’ai trouvé un ton, notamment dans la manière d’exprimer les choses :
en utilisant le «je» de manière quasi systématique, j’en finissais avec un
interdit que je m’étais fixé inconsciemment lorsque j’écrivais pour les Inrocks.
Le blog a libéré pas mal de choses de ce point de vue là...
J’ai aussi pu me consacrer à une écriture différente, de plus longue haleine :
j’ai écrit deux livres sortis ces mois-ci, Romans graphiques (anthologie
de bandes dessinées) et La Monte Young (une biographie de ce compositeur
qui m’intéresse notamment pour son influence virale au sein de musiques
et groupes que j’aime).
Comment ressens-tu la place de la «créativité» dans le monde musicale
d’aujourd’hui ? Je n’ai jamais vu autant de disques, de labels surgir
de toutes parts, je ne me suis jamais senti plus intéressé par la musique
et autant débordé par elle. C’est une période très excitante pour qui aime
la musique et pas uniquement la musique formatée, attendue.
Distinction / caractéristiques de la revue. Aucune idée... Je tiens le blog
au gré des mes envies, en m’imposant un rythme, mais jamais un sujet.
Je refuse de céder à l’actualité, aux nouveautés pour elles-mêmes :
je ne parle que de choses que j’ai envie de partager, aussi pointues soient-elles.
Et ça marche comme ça : malgré les références, malgré les groupes souvent
encore inconnus, les internautes suivent, reviennent, commentent
et mon «lectorat» est nombreux : il m’apprend beaucoup de choses.
Le blog est plus qu’un autre média pour moi, il est l’extension permanente
d’une discussion avec d’autres moi-mêmes (je crois).
Comment imagines-tu l’évolution de la consommation de musique ? Quelles
sont les initiatives intéressantes ? Les manques ? Il me manque un magazine
(imprimé) de musique aussi fidèle à ses lecteurs que The Wire en Angleterre :
un magazine dans lequel j’aimerais autant écrire que me plonger en tant que
lecteur. Un magazine qui me raconte la musique et le monde qui va avec,
un magazine que je puisse emmener partout avec moi, que j’attende plusieurs
jours avant sa sortie. Je rêve de cela, chaque jour.
Est-ce que tu peux nous parler un peu de tes débuts, du déclic,
de tes influences musicales ? Il y a tellement de choses que j’aime : ça va
de My Bloody Valentine à Omar Khorshid, de Fennesz à la musique indienne...
Ça change en permanence, les choses s’ajoutent, les disques passent,
restent, se soustraient les uns les autres. Certains, très peu, changent ma vie
et mes oreilles, rendent tout un pan de ma discothèque obsolète : c’est
le moment que je préfère...
La façon de consommer de la musique a changé énormément et rapidement
dans la dernière moitié de la décennie. Comment cela a-t-il impacté ta vision,
ta démarche ? J’écris sur la musique, le format m’importe peu. Mais il est
évident qu’aujourd’hui trois formats demeurent, qui définissent l’époque :
le vinyle, le MP3, le CD : ils ont chacun une fonction, chacun un rôle
dans ma manière d’écouter.
Comment imagines-tu l’évolution de ton blog ? Je voudrais qu’il garde la ligne.
_Romans graphiques et La Monte Young, éditions Le mot et le reste, http://atheles.org/lemotetlereste
_Discipline : www.myspace.com/disciplinedrone
Essmaa ★02 | 11
11
OUVERTURE
REPÉRAGES NATHANIEL MAYER
«WHY WON’T YOU LET ME BE BLACK ?»
TEXTE PATRICK PEIFFER
Detroit, Michigan, plus connue sous le nom de Motor City, est plus
connue encore pour être la ville où fut fondé le label Tamla Motown par l’ambitieux Berry Gordy. Écrasée sous le poids d’or des nombreuses success stories
de l’entreprise soul pop (the sound of young America), Detroit reste aussi la ville
de clubs et de petits labels qui vont perpétuer au début des années 60 une
soul crue et sauvage qui inspire encore actuellement les meilleurs groupes de
la ville, Gories, Dirtbombs, Von Bondies, Hentchmen : les labels Correct-Tone
et Amon avec Gino Washington, Ric Tic avec JJ. Barnes, Karen avec les Capitols
(l’incontournable Cool Jerk en 66 dans la lignée des Contours), D-Town avec
Lee Rogers ou les Fabulous Pep’s, ou Fortune avec les Five Dollars, André
Williams, Nolan Strong et Nathaniel Mayer.
Co-signé par Devora Brown co-fondatrice de Fortune Records, Village of Love
en 1962 de Nathaniel Mayer & The Fabulous Twilights est vraisemblablement
l’une des sources du son de Detroit. Seul hit de Nathaniel Mayer, repris sur le
premier single des Detroit Cobras, «Village of Love» est une pierre d’angle du
chitlin’circuit entre doo wop 50’s, blues, R’n’B et proto-funk. Primitif et électrique, le single ne correspond guère aux normes imposées sur le marché par
les tubes pop de chez Motown et la carrière de Nate Dog, le soul screamer, fut
brève, le temps d’une autre douzaine de singles entre 1962 et 1964.
Nathaniel Mayer sort encore un single en 66 chez Fortune, I Want Love and
Affection (not The House of Correction) en référence à un séjour qu’il passa
en prison à DeHoCo, la maison de correction de Detroit, arrêté par la police à
bord d’une voiture volée par son ami, membre des Capitols, puis les émeutes
de la ville en juillet 1967 eurent presque raison du label, sur le déclin. Cette
nuit-là, Nathaniel Mayer s’envivre, cloué dans son canapé, alors que les quartiers
sont livrés au feu et au pillage. La ville ne sera plus la même, les affaires
deviennent dures pour les soulmen et nombreuses sont les sessions d’enregistrements qui finissent au panier. I don’t want no bald headed woman telling
me what to do, un single dans le style de Joe Tex, enregistré en 68, produit
avec l’aide de son ami Gino Washington, ne voit pas le jour (c’est finalement
Norton Records qui le publiera en 2002).
Nathaniel Mayer continuera à se produire dans les clubs et attendra 1980
pour retourner en studio enregistrer une paire de titres disco. Puis de drames
en banqueroutes, Fortune Records dépose le bilan. Le petit immeuble au
3942 sur Third Avenue est vendu. Le stock de disques est liquidé et le studio
désossé. Nathaniel Mayer, alors totalement démodé, est expédié en à peine
deux ou trois lignes dans l’un ou l’autre bouquin relatant l’histoire de la musique
à Detroit, avant de sombrer dans la drogue, l’alcool et les cachets misérables
de cabarets. C’est Gino Washington en 2002 qui le débusque de la zone avec
un chèque des royalties du single Bald Headed Woman édité sur Norton, et le
recrute pour un show réunissant quelques légendes soul de Detroit. Un show
durant lequel il reprend son titre de meilleur performer de Detroit. La tournée
qui suit fait un tabac.
Accompagné du garage rock band The Shanks monté par le guitariste, et exDetroit Cobras, Jeff Meier, il joue à Ottawa, Toronto, Memphis, Cleveland, New
Orleans ou Brooklyn (pour le Norton Records Holiday Soul Spectacular, aux côtés
de Mighty Hannibal et Rudy Ray Moore) et enregistre en 2004, à l’initiative
de Jeff Meier, un album pour le label Fat Possum, I Just Want to be Held,
contenant une reprise corrosive du «I found out» de Lennon, dans la veine
d’un André Williams, l’autre flambeur de Motor City.
Trois ans plus tard, c’est Dan Auerbach le guitariste des Black Keys qui le
convie à enregistrer l’album Why don’t you give it to me ? pour Alive Natural
Sound, label californien de Burbank, en compagnie de musiciens issus des
rangs des Outrageous Cherry, Dirtbombs et SSM. Le cru est un mélange live
de garage rock, de blues psychédélique et de soul 70’s qui imagine le lien
entre Jackie Wilson et le MC5.
Nathaniel Mayer décèdera l’année suivante, le 1er novembre 2008, trois jours
avant l’élection d’Obama, des suites d’alertes cardiaques répétées. Why won’t
you let me be black ? (reprenant une expression de Nay à propos de la french
food servie au catering de la tournée française) qui réunit 6 titres des sessions
de l’album précédent et 2 sessions acoustiques enregistrées pour une radio,
est un disque posthume célébrant le grondement de sa voix de baryton brisé
par les ans (il est mort à 64 ans en en paraissant dix à quinze de plus) où il
chante le manque d’amour et d’argent sur une série de jams psyché soul rock,
lourdes et poisseuses, renvoyant l’histoire aux zones les plus noires de la ville
de Detroit.
Essmaa ★02 | 12
OUVERTURE
12
OUVERTURE
REPÉRAGES BLOCKHEAD
THE MUSIC SCENE (Ninja Tune)
TEXTE PING-PONG
Le producteur hip-hop new-yorkais Tony Simon, alias Blockhead, revient avec son troisième et meilleur album instrumental pour Ninja Tune.
Blockhead a longtemps élaboré sa musique, belle et émotive, autours de templates hip-hop, mais sur The Music Scene il élève son art à un autre niveau.
Tony s’est mis à l’utilisation de Ableton Live : plutôt que de travailler sur un
beat basique, il a ficelé de nombreux rythmes entre eux, tissant ainsi des pièces musicales incroyablement élaborées, surprenantes et généreuses. Comme
il le dit lui-même, «j’ai fait de chaque titre un voyage musical, comme je ne
l’avais jamais fait auparavant !»
L’ambition de Blockhead de «raconter des histoires sans mots» est évidente
dès le premier morceau, «It’s Raining Clouds», qui commence très downtempo, pour terminer presque drum’n’bass. Une épopée dans un album
d’épopées.
Au cœur de l’album, le remarquable «The Daily Routine», basée sur l’enregistrement d’un débat de drogués, explore les addictions ; «c’est la chanson la
plus saisissante que j’ai faite» selon Blockhead. «Four Walls» dégomme la
vague actuelle de l’autotune. «Which One Of You Jerks Drank My Arnold
Palmer» tend vers le space rock ambiance hip-hop. «The Prettiest Seaslug» lie
opium et beats brésiliens. «Tricky Turtle» commence très blaxploitation, tourne
orgie voodoo et finit quelque part dans le Moyen Orient. «Farewell Spaceman»
démarre comme un extrait de Ma Sorcière Bien Aimée et se clôture sur un
voyage dans les étoiles des plus extatiques.
Bien que The Music Scene représente une évolution dans l’œuvre de
Blockhead, ses convictions profondes au sujet de la musique et du rythme restent les mêmes. D’ailleurs, pendant qu’il ne travaillait pas sur son album,
Blockhead proposait des productions pour Aesop Rock, DJ Signify, Joanna
Erdos et plein d’autres, sans compter les remixes, pour Yameen et Chin Chin
par exemple. Tandis que la scène musicale actuelle n’est qu’une version batardisée de ce qui a existé par le passé, le Music Scene de Blockhead, c’est tout
le contraire, comme sa carrière. En retravaillant, redécoupant et mélangeant
les samples, Blockhead restaure plus qu’il ne dilue leur pureté.
Rééditions
Why won’t you let me black ? (Alive)
(I want) love and affection (not the House of Correction), compilation 1961-1980 (Vampisoul)
FOCUS
Essmaa ★02
GANGPOL und MIT
HYPO
ICASEA
LOKAI
14
18
23
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FOCUS
ARTISTES GANGPOL & MIT (France)
ON A APPROFONDI UNE VISION INDÉPENDANTE, INTERNATIONALE,
HISTORIQUE ET DÉTACHÉE.
INTERVIEW SYLVAIN QUÉMENT & GUILLAUME CASTAGNÉ
Voix synthétisées, ours brun et limace à tête de corbeau,
l’univers de Gangpol und Mit est une apothéose numérique
réunissant Tex Avery et Pierrot lunaire...
Le duo allie la ritournelle obsédante, les gimmicks breakbeat,
le graphisme à la typographie scintillante pour une déclinaison
vrillée de la J-Pop, espèce d’eurodance occidentale réinterprétée
sous speed par des Japonais.
Comment parleriez-vous de votre dernière objet, «livre, Dvd...» ?
_On attendait depuis longtemps de réaliser quelque chose pour
ce support nous permettant d’unir musique et images. Sur le
fond, le projet a été de longue haleine, notre état d’esprit a évolué au fil du temps et de nos expériences.
C’est une compilation de nombreux aspects de notre travail, avec
un aspect patchwork, présentant un ensemble de petites pièces
à la fois isolées et cohérentes.
Sans définir un sujet, on espérait simplement gagner un peu en
maturité, et répondre à quelques contraintes : que le résultat
résiste à des visionnages multiples, qu’on sorte de l’aspect clip
pour aller vers plus de cartoon, de cinématique, de dialogues...
L’origine du titre «Faits Divers»
_On s’est retrouvés avec un assemblages de clips, de scènes cartoonesques, une très grande multiplicité de lieux, personnages
et actions, souvent avec une dimension dramatique sous-jacentes.
Le titre est simple et finalement transparent.
Le groupe Gangpol & Mit
_On pensait pouvoir proposer quelque chose de personnel en
terme d’association live entre image et son. Quand on a commencé, on s’est volontairement positionnés contre à peu près
tout ce qu’on voyait en terme de VJing : le sampling de sources
extérieures, l’utilisation de toute une palette d’effets, et le résultat qui finit par faire tapisserie sans qu’on retienne d’image forte.
Notre objectif est d’imaginer une façon de faire les choses que
l’on espère spécifique et personnelle.
On cherchait à monter un projet à la fois exigeant et accessible,
énergique et sensé, faire le pont entre des genres et des contenus qui à l’époque semblaient peu conciliables.
Nos intentions de départ ont beaucoup évolué, en même temps
que le paysage autour de nous a complètement changé. Depuis
six ans que l’on travaille ensemble, le monde musical a énormément évolué, les modes d’écoute également, les laboratoires évoluent et nous aussi.
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FOCUS
On conserve une formule spécifique : on connaît aujourd’hui une
ribambelle d’excellents graphistes, des musiciens extraordinaires,
des réalisateurs de vidéo sidérants, mais peu de projets qui finalement mélangent ces éléments dans une formule live. Ou alors
dans des esthétiques, avec des finalités souvent très éloignées
des nôtres.
Le projet «Faits Divers !!»
_Dès le début on savait que ce projet serait aux antipodes de l’improvisation, c’est peut-être même sa caractéristique première
finalement, un peu freak-control.
Chaque nouvelle vidéo qu’on met en chantier a sa propre logique,
son contenu. On peut partir d’un synopsis (Holy Green Jelly), de
quelques images, d’une mélodie courte ou d’une idée de sounddesign (un morceau balinais digital). Souvent, on débute sur une
idée simple : faisons une vidéo sexuelle chamanique, un générique de série haineux, ou une samba jouée par les employés d’un
call-center. Puis on développe.
Tout a été intégralement produit de façon domestique. Il y a quelques invités mentionnés (Norman Bambi, Sgure, Thiaz Itch) pour
les voix et quelques instruments sur un morceau.
Quand on a fait la conférence Pictoplasma à New York, on a réalisé qu’on était un peu les seuls à travailler en caleçon à la maison pour de l’animation, pendant que les autres mecs avaient des
studios avec 10 assistants. Pour la musique ça va, mais je laisse
Guillaume faire le travail de trois personnes : graphisme, animation, réalisation...
Appartenance à une scène
_Oui, mais dans un sens spécifique absolument pas lié aux genres musicaux, encore moins à l’outil électronique.
Ce qui nous inscrit dans un réseau, c’est je pense une certaine
idée de la musique.
Récemment on a monté quelques dates avec des musiciens japonais, Oorutaichi et Kishino Yuichi, on voyait la cohérence en
terme à la fois artistique et en terme de scène : des dates à
Grrrnd Zero, l’Embobineuse, au Café pompier, Cartilage qui organise une date parisienne, Shoboshobo qui en fait le flyer, puis les
Japonais qui partent à Cologne grâce à Sonore et A-musik, à
Rotterdam au Worm... On joue bientôt avec Max Tundra à Paris,
qui tournera ensuite au Japon par le biais de Kishino... Tout cela
fait sens, il y a une vraie cohérence à la fois quant au contenu,
mais aussi quant à la manière de faire les choses.
Collaboration
_En ce moment, on aimerait collaborer plutôt avec des gens officiant dans d’autres disciplines : danse ou théâtre par exemple.
Des domaines où il y a beaucoup de choses que l’on n’aime pas,
d’ailleurs.
La suite
_Les prochains projets sont déjà en chantier, on continue simplement notre chemin, en essayant de se renouveler.
MUSIQUE
Sylvain Quément
L’ambiance générale
_On peut la définir a posteriori mais je veux surtout qu’elle ne soit
jamais figée. Je ne peux que regarder les anciennes productions
et dire : là, c’est ludique et électronique, là c’est gore et catchy,
là c’est plus lyrique et cinématique...
J’espère que les gens perçoivent qu’on développe avec le temps
une dimension plus ambigüe et moins légère, et j’espère que cela
va encore évoluer au fil des sorties futures, qu’on ne tournera pas
en rond.
Les sources sonores
_Je n’ai pas de règles. Tous types de sources sont utilisés, mais
il y a peu de samples. Au maximum je vais prendre une note de
trompette standard quelque part.
Je m’efforce simplement que le résultat soit composé.
Le déclic
_Le projet Gangpol & Mit a démarré courant 2001, avec la
volonté de lancer un projet spécifiquement dédié au rapport son
/ image, le plus personnel possible.
Avant ça, il y a eu une préhistoire, et les premiers déclics musicaux viennent de là : je faisais une émission de radio, des collages sur radiocassette avec des bruitages faits à la bouche et un
synthé Yamaha de grenier, le tout enregistré via le micro de 2 cm
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intégré et monté en rec/play. Je manquais de culture musicale, et
m’intéressais simplement à ce qui me semblait hors normes, hors
format, sans comprendre que je mélangeais des trucs qui n’ont
rien à voir.
À l’époque, il y a 12 ans, j’habitais Clermont-Ferrand, internet
balbutiait, je fonctionnais avec des mailing lists physiques, faisais mes courses à Bimbo Tower quand je pouvais.
Je tombais sur des disques qui comportaient de plus en plus
d’esprit DIY : les morceaux de Dragibus sur les compilations du
Dernier Cri, les vieux Psychic TV, et même les premiers CD de
Costes, contenu maximum avec moyens minimum. C’est ce qui
m’a poussé à commencer à bricoler sur cassettes.
J’ai rencontré un ami plus âgé, qui signait Benway en référence
à Burroughs. Il a pris du temps pour jouer avec moi, j’ai commencé à comprendre ce que c’était qu’un séquenceur.
Puis à Bordeaux une compagnie de spectacles (Fracas), qui m’a
sorti de ma chambre et m’a formé à la scène et au métier : des
concerts dans des lieux complètement incongrus, des rencontres
avec des musiciens indiens, avec Jac Berrocal, des ateliers avec
des ados en banlieue... Une très bonne école du tout-terrain.
Plus tard, quand on a rencontré Wwilko (label de Kap Bambino),
ça a fait catalyseur. On a approfondi une vision indépendante,
internationale, historique et détachée.
J’ai aussi creusé un peu plus le créneau de la musique indépendante japonaise, qui m’avait toujours intéressée, pendant que
mes amis creusaient plus l’Europe, les États-unis, l’Afrique...
L’évolution «du métier»
_Je ne crois pas vraiment que la place de la créativité change
avec le temps, il y a toujours une oscillation entre jaillissement
créatif et standardisation.
La question de l’évolution du métier me semble plus intéressantes, car ce sont les contraintes économiques qui encadrent la
créativité.
Aujourd’hui c’est devenu impossible pour beaucoup de monde de
réunir un orchestre dans un véritable studio.
On voit un nouveau métier s’inventer. Les gens sont à la fois bien
plus connectés par le net, et plus isolés dans la pratique musicale, concrètement parlant. On produit à la maison de façon plus
solitaire. On va tourner plus facilement si on n’est peu nombreux
et pas lourds techniquement...
La méthode...
_Je fais en fait tout ce qu’il ne faut pas faire :
Je compose sur ordinateur car je manque de technique instrumentale. Je l’utilise comme un studio classique au lieu de faire
des patch sous Max/msp. Je fais un solo de sax midi au lieu de
l’enregistrer, j’imite des sons acoustiques de façon synthétique.
Je travaille de façon linéaire et démodée.
J’essaie de faire en sorte que toutes ces choses deviennent créatives
quand on les aborde d’une certaine façon. C’est mon approche
pour le moment, qui est d’ailleurs éloignée de mes goûts personnels.
Les rencontres
_Ce qui est important pour nous c’est la multiplicité des activités.
C’est fondamental pour nous d’avoir notre totale liberté de
contrôle dans Gangpol & Mit mais aussi d’aller faire des ateliers,
des concerts pour enfants, des collaborations ou même des travaux de commande. Dans ces contextes, il faut s’adapter, répondre à des attentes, être à l’écoute des autres qui ont parfois des
visions très différentes. On a besoin de mener les deux aspects
de front pour trouver notre équilibre.
Les influences
_Pour moi je pense que ce sont les influences de l’enfance.
Les dessins animés, c’était des créations d’univers monstrueux,
des épopées sans fin, des mondes à la Jodorowsky, et les musiques qui vont avec. Les disques pour enfant de folk hippie français, d’expression corporelle au moog...
Dans les années 90 ça s’est recentré sur le quotidien, les parents
divorcés, la récré, le frigo. Ça ne peut pas ne pas avoir d’impact
direct sur la psychologie des gamins.
D’une façon générale, j’ai toujours eu une sensibilité plus proche
des musiques de producteur, de compositeur ou d’arrangeur,
moins des musiques «de groupes».
Je suis sensible à l’arrangement, à l’orchestration, et les structures trop fixes peuvent parfois me lasser plus rapidement.
...
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FOCUS
GRAPHISME
Guillaume Castagné
L’influence la plus décisive
_Claude Closky. J’ai découvert son travail jeune et j’ai été tout de
suite sous le charme. Il utilisait un peu toutes les techniques, travaillait dans différents réseaux et avait un rapport efficacité /
moyen utilisé très au-dessus de la moyenne.
attention sur l’essentiel, dans un domaine où je suis complètement à l’aise.
Cependant je ne veux pas m’endormir et ressasser éternellement
les formes et couleurs, je fais souvent des tentatives, des apports,
des remises en question.
Les méthodes & les techniques
_Je passe presque ma vie devant Illustrator, et pourtant je n’utilise que 12 % des outils proposés. J’ai un style à base de formes
géométriques et d’aplats de couleurs, donc je pourrais faire
grosso modo la même chose avec beaucoup de logiciels différents
ou même avec des gommettes, tout ça n’est pas très important.
Si je me retrouve du jour au lendemain au milieu du désert je
crois que je ferais des dessins avec ma main dans le sable.
Le livre, l’objet
_On sort régulièrement des objets, CDs, vinyles, tee-shirts... plus
récemment un livre pour enfant et enfin un DVD-livre. En 2009,
on peut vraiment se poser la question de l’objet en effet ... Nos
vidéos par exemple pourraient être toutes en ligne et en très
bonne qualité. Seulement voila, sortir un objet, ça veut dire faire
partie d’une réalité concrète, cela implique des interlocuteurs,
un dialogue avec les éditeurs. J’aime réfléchir à une couverture,
un type de papier, discuter avec des libraires, faire des dédicaces, donc oui l’objet est encore important.
La musique
_Dans le cadre du duo Gangpol & Mit évidemment que la musique est importante. Mais d’une manière générale, j’écoute beaucoup de musique en travaillant. Quand je travaille sur un clip, j’ai
une écoute analytique mais j’essaie quand même de me laisser
imprégner par le morceau, en relâchant un peu l’attention.
Ton style propre
_Je pense que j’ai un style identifiable, comme une grosse boîte
de Lego toujours disponible pour de nouveaux assemblages. Cela
fait 3 ans qu’il est assez défini, c’est venu petit à petit en me perdant d’abord dans des influences multiples, pour recentrer mon
Discographie sélective
The Hopelessly Sad Story Of The
Hideous End Of The World
(12”, Wwilko, 2007)
Music Hall, Building Fall
(CD, Out One Disc, 2007)
Tournent En Rond
(LP, Wwilko, 2005)
Disque Compact, Pièces
Détachés (CD, G.U.M., 2004)
collaborations
Carton Park, Carton Park Box
(CD, Ponpoko, 2008)
Online
www.gangpol-mit.com
www.myspace.com/gangpolundmit
www.pictoplasma.com
www.guillaumit.free.fr
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ARTISTE HYPO (France)
MOI AUSSI «SAGA AFRICA, ATTENTION LES SECOUSSES» !
INTERVIEW ANTHONY KEYEUX
Rien ne manque dans l’univers d’Anthony... Ni les
fulgurances libertaires ni les références pop. Encore moins
l’humour champêtre et la maturité électronique. Les habiles
lignes shoegazer s’insèrent dans le phrasé fluide des invités...
Appuyé par le poids d’une rythmique bubble-gum pop ou laissant
libre cours aux expressions débridées d’un easy listening pour
animalerie exotique, le parisien batifole dans le pollen et s’impose
avec succès leurs harmonies rayonnantes entre Pram, Cornelius,
His Name is Alive et V/VM...
Coco Douleur LP, le disque
_C’est un bon disque ! C’est un disque qui m’a demandé du
temps. Random Veneziano datait de 2004, l’album de «Hypo &
EDH» de 2006 et c’était un projet à part, un vrai travail en duo.
Et donc ce nouvel album de Hypo, que j’ai fait avec 12 personnes, m’a demandé du temps. Ce qui ne signifie pas qu’il y a 4
ans de travail dessus. Mais j’ai préféré attendre d’être sûr de mon
coup avant d’ouvrir la bouche. Il y a 10 ans, je t’aurais dit que
«ce n’est pas parce qu’on n’a rien à dire qu’il faut fermer sa
gueule», je t’aurais dit qu’il est important de produire, quitte à se
planter. Mais en 2010, il y a tellement de gens qui ont des choses à dire (en tous cas tellement de gens qui disent des choses),
que j’avais envie de savoir parfaitement où j’en étais avant de
sortir un disque. Et puis, je pense que j’étais allé au bout de
quelque chose, à titre personnel, avec Random Veneziano. Et ce
disque avait d’ailleurs été globalement accueilli dans ce sens.
Comme un truc qu’on ne sait par quel bout prendre, qui pourrait
être une sous merde prétentieuse, mais qui est finalement un
chouette bon disque. Et c’est vrai qu’en 2004 j’avais envie de
faire chier le monde. J’avais mis une sorte de manifeste en guise
de bio pour les envois promo. Un truc super remonté contre la
musique. Que j’assume encore, mais que je n’ai plus du tout
envie de scander car il me semble obsolète. Nous vivons une époque très complexe, totalement différente de ce qui se passait en
2004. Nous sommes maintenant dans une époque en mille-feuilles
ou tout cohabite de manière déconcertante. Le système est tellement à la fois bien huilé et grippé, qu’il est très difficile d’être
critique sur sa globalité. Il y a six ans, on pouvait encore essayer
de déstabiliser des choses de manière frontale. Aujourd’hui tous
les sons, toutes les mises en porte-à-faux, toutes les distanciations, tous les hybrides, toutes les références sont parfaitement
intégrés et digérés par tout le monde. Et je ne peux pas dire si
c’est bien ou mal, c’est un simple état de fait. V/vm, en tant que
fauteur de troubles, est au chômage ! Il a d’ailleurs brillamment
changé son fusil d’épaule. Sur scène, il ne se roule plus dans la
bière avec un nez de cochon sur fond de «Britney passée dans
la disto». Il n’y a plus lieu de faire ça puisque ça ne gène plus
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personne. Et donc il fait une musique très sérieuse et néanmoins
intéressante. Cette situation est sans doute transitoire, mais
actuellement, je pense qu’il faut être dans le premier degré le
plus total. Ne pas chercher à trop faire le malin. Tout le monde
fait déjà le malin. Tout le monde fait de la musique, tout le
monde fait de l’art, tout le monde fait le DJ, tout le monde fait
des disques avec dessus : un morceau rock, un reggae, un grime,
un slow, un truc new wave et surtout un ou deux morceaux ouvertement variété, genre «c’est cool aussi la soupe, souvenez vous
des tubes de votre jeunesse» ! À la Santogold, par exemple ! – et
j’aime bien en plus, j’ai acheté le disque. Rien à dire, y a des
chouettes de tubes dessus. Mais tout le monde fait dans la foirefouille sans le moindre scrupule.
Donc j’en arrive à ce nouvel album, Coco Douleur, c’est son titre :
Mon idée première était simplement de faire un bon disque de
Hypo, qu’on s’amuse avec plein de gens. Je me suis dit que si j’y
arrivais, ce serait déjà pas mal. Et au final ça va bien au-delà de
ça. Je pense même que l’air de rien, derrière son abord «premier
degré», il soulève implicitement toutes les questions dont j’ai
parlé en introduction et ça, je n’étais vraiment pas sûr d’y parvenir.
Donc c’est aussi un disque qui parle de musique, de la musique
actuelle, de cette foire d’empoigne où les Américains de 2010
font de la musique d’Anglais de 1982, où le folk poilu est vendu
comme un truc sexy.
Mais mon album est avant tout un beau disque, fait avec des
gens que j’estime. Des gens que j’admire depuis longtemps (Carl
Stone, Warren Defever, ADK, Julian Tardo), des nouvelles têtes
(Yama Boy, Kyoka, Nobuko Hori, Kumisolo), mes coéquipiers
habituels qui comprennent tout de suite où on va et qui te livrent
des perles que tu n’osais même pas espérer (EDH, Sawako,
Midori Hirano, Davide Balula). Je prends beaucoup de plaisir à
écouter ce disque et je me demande si ce n’est pas mon meilleur
disque. Tous les gens avec qui j’ai travaillé ont tout de suite compris qu’on allait s’amuser et faire des trucs bizarres et qu’on verrait
bien à la fin si ça tient la route ou pas. Et je pense que c’est
réussi. Et ça m’est égal d’avoir l’air prétentieux vu que si je ne
trouvais pas ça bon de bout en bout, je ne le sortirais pas. Et puis
l’avantage de faire de la musique avec plein de gens, c’est qu’on
peut écouter le résultat comme si c’était la musique des autres
et on a une distance immédiate sur ce qu’on fait. Donc oui, je
crois que c’est un très bon disque.
Et il y a aussi un 6 titres qui sort en vinyle au Japon en même
temps que l’album. 6 titres inédits qui ne sont donc pas sur l’album. Il y a des morceaux avec Carl Stone, EDH, Pirandelo,
Kumisolo et La Chatte. Celui-ci s’appelle Dodo Couleur. Et il est
très bien aussi.
Coco Douleur LP, le titre
_À l’origine il y avait cette volonté de faire quelque chose de
léger, de s’amuser, d’envoyer tout chier, de partir sous les cocotiers. De dire allez, moi aussi je veux faire du pôle dance avec des
plumes dans le cul. Moi aussi les synthés fluos ! Moi aussi «saga
africa, attention les secousses» ! Rien à foutre, je n’ai plus de
label, ça fait 10 ans qu’on rame alors qu’on essaye de faire des
trucs un peu différents, on a tous des boulots de merde à côté,
alors au moins, amusons nous !!! Mais bien entendu et fort heureusement, les choses ne se sont pas passées aussi bêtement.
Au fur et à mesure que la matière arrivait, je me rendais bien
compte que le fun n’était pas si fun et qu’il y avait de bonnes
sous-couches de pathos et de tensions qui pointaient leur nez. Et
donc je cherchais un titre de travail, pour orienter les choses dans
cette direction. Un titre mixte. Mais je n’avais que des jeux de
mots bien lourds qui me venaient, trop potaches à mon goût. Et
puis j’ai repensé à cette expression «Coco Douleur», inventée par
Damien Poncet (My Jazzy Child) pour désigner un coup de poing
sur la tête. Tu vois ces coups bien placés avec l’articulation de
l’index qui sort un peu du poing pour faire plus mal. Bien sur le
haut du crâne. Comme si tu te prenais une noix de coco. Et
comme le disque devenait de plus en plus tordu, à mi-chemin
entre légèreté absolue et dépression totale, ça cadrait vraiment
bien. Et au final, il y a vraiment de la noix de coco et de la douleur dans cet album.
Et puis ça sonne assez con, «Coco Douleur», j’ai assez honte en
le disant, juste ce qu’il faut, pour que ça cadre avec du Hypo. Et
du coup, pour enfoncer le clou, j’ai demandé à ma mère de faire
la pochette. Comme elle est «peintre du dimanche», je lui ai
demandé de me faire une plage cocotiers selon sa griffe, et elle
m’a fait un super truc. Elle a compris que c’était parce que je
voulais une croûte que je lui demandais ça mais elle ne s’est pas
vexée et elle a assuré.
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Une ligne directrice…
_J’ai du mal à faire de la musique sans vouloir prendre parti. Pour
moi c’est un acte esthétique qui rejoint forcément un peu la sociologie, la politique. Disons que je fais les choses «en réaction à».
Consciemment ou non d’ailleurs. Et la plupart du temps, le sens
vient sur le tard, vers la fin du travail. Mais j’essaye de me mettre dans une optique de «tu as forcément un truc à dire sur ce
qui se passe». Alors il faut un peu de temps, parce que je ne suis
pas toujours très fin dans l’immédiateté. Au début je m’emporte,
je me trompe de cible. J’ai tendance à m’énerver sur des trucs
dont au fond je me fiche complètement. Comme quand je
m’énervais sur Émilie Simon en 2004. Aujourd’hui tout le monde
s’en fout d’elle. Elle a fait son truc, elle a pris les sous, elle a disparu et basta. Mon énervement était légitime, mais c’est juste
que si on s’énerve sur toutes les arnaques on va juste se faire un
ulcère et on ne changera rien. À la fin, tu restes sur le bas côté,
tu n’as pas été entendu, mais Ed Banger a cassé la baraque dans
tous les campings. Donc, j’ai envie de te dire que maintenant, je
veux juste me consacrer à ma musique, mais ce n’est pas si simple puisque ce sont souvent des trucs qui m’énervent qui me
poussent à prendre une direction. Et peut-être qu’il faut des
rabats-joies de service aussi. Je veux bien faire mon Jean-Pierre
Coffe de l’electronica et gueuler «c’est de la merde». Peut-être
qu’il en faut un, que ça fait du bien à d’autres personnes aussi.
Et je ne suis pas le seul, dDamage le font très bien aussi. Mais
ce n’est pas sans risque et on se grille certaines entrées en faisant ça.
La créativité dans le magma musical actuel
_C’est un peu flou pour moi. Mais j’aime bien ce flou. Je lui laisse
tout le bénéfice du doute. Quand je dis que les Americains de
2010 font de la musique d’Anglais de 1982, c’est vrai et ce n’est
pas vrai. Et en plus ce n’est même pas une critique négative.
Tellement de choses sont en train de changer à tous les niveaux,
la notion d’artiste en tant que métier, la notion d’œuvre, la gestion des droits, l’écoute, les médias, tout est en train de changer
et je pense qu’on n’a pas le temps actuellement de comprendre
parfaitement ce qui se passe du point de vue de la création
même. Mais de toute manière je ne suis pas inquiet. Je découvre
des choses qui m’intriguent, des choses au sujet desquelles je
me dis «merde comment c’est fait ?» Ça m’arrive encore. Moins
souvent qu’avant, mais ça m’arrive. Donc c’est dur de savoir si
c’est parce que je vieillis ou s’il y a vraiment moins de trucs bluffants, ou bien s’il y en a plein et que je n’y ai simplement pas
accès parce que je ne passe pas ma vie sur Myspace. Il y a forcément un peu de tout ça à la fois. Mais je n’ai nullement envie
de te dire «c’était mieux avant» parce que ce n’est pas du tout ce
que je pense. Je trouve qu’on est dans une époque où plus que
jamais on a envie d’être en alerte, et on a la dalle. Et en soit,
c’est rassurant. Moi j’ai la dalle plus que jamais ! Et ça, ça me
rassure. Et puis il y a une énergie qui est palpable. EDH me fait
plaisir à organiser des soirées dans le sous-sol d’une pizzeria, le
Rigoletto à Porte des Lilas ! Ça fait 5 ou 6 concerts qu’elle organise là-bas, ça fait un bien fou ! Il y a de nouveaux lieux où il se
passe des choses ! Et on commence à faire vétérans mine de rien.
Quand tu enfonces le clou depuis dix ans et que tu n’es «même
pas mort», on commence à te regarder comme un mec qui fait
partie des meubles. Tu gagnes en crédibilité, juste parce que tu
ne lâches pas le morceau. Ce qui m’a fait prendre conscience de
ça, c’est aussi de recevoir des mails de plus vieux, qui te parlent
comme à des gens «crédibles». J’ai été contacté par Albert
Marcœur, qui m’a juste dit en gros «j’aime bien ce que tu fais».
Marcœur, ce n’est pas du tout mon univers, même si on peut
trouver des passerelles, mais je le respecte infiniment. Et ça me
fait quelque chose d’exister aux yeux d’artistes de sa génération.
Même chose quand je bosse avec Carl Stone qui est un des premiers musiciens à avoir eu un ordinateur sur scène dans les
années 70. Ça me fait un truc. Mais je ne me dis pas que je suis
passé chez les vieux. Et d’ailleurs, Carl Stone est tout sauf vieux.
Et je bosse aussi avec Yama Boy, un Australien de 21 ans qui est
bien plus productif et inventif que je ne l’étais à son âge (Oh ça
c’est vraiment une phrase de vieux, ce que je viens de dire, attention !!!).
Donc pour en revenir à ta question, la créativité est l’affaire de
chacun. Tout dépend de ce que tu veux faire. Je pense que si tu
sens que tu es dans le creux, que tu as moins de trucs à dire,
alors il faut attendre un peu et observer, parler avec des gens qui
ne sont pas dans le même domaine de création que toi. Ou alors
il faut travailler 10 fois plus, dans la douleur, malgré la sensation
d’impasse, insister, mais surtout attendre d’être sûr de son truc
avant de crier «ayé c’est fini». Quand je doutais de mon travail
sur ce nouveau disque, j’en parlais avec mon amie Nathalie Bles
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qui me disait «Je ne veux pas entendre que tu vas faire un disque «correct”, c’est inacceptable, si tu n’es pas certain que c’est
ton meilleur disque, alors ne le sors pas». C’est cash, mais elle
avait raison. Et je suis content parce qu’effectivement pas mal de
mes amis me disent que c’est leur album de Hypo préféré.
La façon de travailler
_Oh ça, je pense que ça n’a jamais été un problème. Software ou
accordéon, c’est bon ou c’est pas bon (une bonne accroche ça
non ?). C’est sûr que quand je suis super déprimé, je ne me mets
pas devant mon ordinateur pour pondre un morceau qui sortirait
instantanément de mes tripes, mais sans doute que c’est mieux
comme ça. Ça oblige à garder un minimum de pudeur. Ça m’angoisse tellement les gens qui ont l’air de mourir sur leur guitare.
Enfin, ça me fout mal à l’aise, j’ai honte à leur place. J’ai envie
de leur dire «ça suffit maintenant, va te rhabiller et file dans ta
chambre, tu es privé de dessert». Mais c’est aussi le problème du
live. Et même avec des machines ça peut donner ça. L’autre jour
j’ai vu une vidéo d’un live de Hypo & EDH où on était déjà complètement bourrés avant même le concert, et donc sur scène ça
fait sauter quelques verrous en termes de pudeur. Et autant
Manue reste raide comme Toutankhamon que moi, je me lâche et
je fais des têtes où j’ai l’air d’avoir vu la vierge. Mais bon, ça n’a
rien à voir avec la créativité, juste avec la spontanéité. Et sans
doute qu’en live on peut se permettre un peu plus de choses pour
que le show soit un minimum rock’n’roll. C’est aussi pour ça
qu’on a un batteur maintenant, Stéphane Bellity qui joue habituellement avec le groupe La Féline. Il apporte beaucoup de
spontanéité. Et on ne répète pas avec lui puisqu’il joue pardessus nos rythmes enregistrés. On le laisse faire ce qu’il veut et il
le fait très bien.
Les rencontres et les projets en parallèle
_Je ne veux plus travailler seul. Je ne sais plus le faire. Ce qui
m’intéresse, et le parallèle concerne uniquement la technique de
travail, c’est de faire une sorte de «Björk équitable». Je dis Björk
parce qu’elle pille toujours le talent des autres pour se l’approprier. Mais le problème c’est que ce n’est pas équitable et à
cause de sa notoriété, elle vole la vedette à ses partenaires. Ce
qui ne peut pas arriver avec moi, forcément. D’autre part, je sais
très bien que j’ai une certaine paresse et une certaine angoisse
de la page blanche qui m’incitent à solliciter de la matière de
toutes parts. Mais je pense que tout le monde s’y retrouve à la
fin. Et que c’est aussi ce procédé qui m’intéresse et me permet
de me renouveler. Confronter ma camelote à celle des autres.
Dernièrement j’ai rencontré Jean-Luc Verna au festival Le Vent
des Forêts et on s’est dit qu’il y avait un truc à faire ensemble.
Au moins un morceau. J’aime bien l’idée de travailler avec Midori
Hirano et ses comptines de Sainte Vierge et d’enchaîner avec une
tête de diable comme Verna. D’autant qu’il a une voix incroyable
dans un registre que je ne connais pas du tout. Même chose
quand je bosse avec Nathalie Bles qui travaille autant la sculpture et la peinture, que le sound art et la performance. Des
domaines qui sont forcement plus «monstratifs» que les miens.
Mais je prends beaucoup de plaisir à travailler avec elle, à ne pas
tout maîtriser, à me laisser guider. Il en découle toujours des
«objets» dont le contrôle m’échappe. Mais comme je sais qu’elle
est talentueuse, je me laisse faire en toute confiance.
Et puis, on va refaire un album de Hypo & EDH avec Manue. Elle
sort beaucoup de disques de son côté, je suis toujours très fan de son
travail, et je pense qu’on a encore des choses à dire ensemble.
Les collaborations
_J’adorerais sortir Robert Smith de sa lose. J’adorerais l’avoir en
face de moi et lui dire «Non tu ne chantes pas mieux que jamais,
Essmaa ★02 | 22
FOCUS
ta voix est devenue insupportable, tu la sur-mixes bien trop, et
oui tes 4 derniers albums sont très très mauvais, tu ne sais plus
écrire une chanson. Viens chez moi, tu vas prendre de la drogue
et moi un peu de vodka, et on va essayer d’arranger ça». Mais il
prendrait son air de diva et me dirait «Pour qui te prends tu avec
tes bricolages de merde ?» Et il aurait bien tort !
Mais plus concrètement, je ne sais pas, je vois ça au fil des rencontres. Actuellement je commence aussi à travailler avec Jon
Sheffield qui avait sorti de magnifiques albums chez Tomlab il y
a quelques années. Je ne sais pas ce que ça va donner, car je sais
que nos travaux peuvent être très proches par moments, ce qui
dans notre cas, n’est pas un atout pour une collaboration. Mais
je ne peux pas résister à l’envie d’essayer puisqu’il a composé au
moins trois morceaux que je peux écouter en boucle des journées
entières sans m’en lasser. Voilà, voilà !
Les influences...
_En premier je dirais The Cure période Japanese Whispers / The Top.
Quand Robert Smith prenait beaucoup de drogues et qu’il faisait
tout seul à la maison, qu’il ne maîtrisait pas tout, qu’il se permettait de jouer faux, de chanter en yaourt, qu’il laissait les trucs
partir en couille.
Ensuite His Name Is Alive qui a définitivement changé mon
approche de la musique en 1993 en m’apprenant l’imperfection,
la noise, le folk, la pop, le blues et qui m’a surtout appris qu’on
avait le droit de mélanger tout ce qu’on voulait sur un même disque et au sein d’un même morceau.
New Order pour les découpages de rythmes et les mélodies.
Mais plein d’autres sont déterminants. Stereolab, Aphex Twin et
Rephlex, Colin Newman. Voilà pour «les plus profondes», dans le
sens où je sais que je pique consciemment des trucs à ces artistes.
Mais j’en ai aussi pas mal piqué dans le grime ces dernières
années, dans le hip-hop et chez plein de vieux gothiques honteux.
La plupart des musiciens deviennent rapidement blasés. As-tu
du mal à rester fan ?
_Je suis très fan de plein de trucs. Fan au premier degré.
Travailler avec Warren Defever (His Name Is Alive) était inespéré
et je n’ai pas réussi à me défaire de mon fanatisme. Je l’ai fait
jouer à Paris il y a des années, j’ai hébergé son groupe, on a parlé
d’égal à égal, il m’a remercié dans son album suivant, je ne
devrais plus avoir de complexe vis-à-vis de lui. Et je n’en ai pas
tant que ça d’ailleurs. Mais je reste impressionnable. Je lui dois
beaucoup musicalement et je suis du genre à traquer ses moindres démos, même si certaines sont forcement très dispensables.
Et d’ailleurs je sens que c’est moi qui ai volontairement mis une
certaine barrière entre nous du fait de mon fanatisme. Parce que
j’ai envie d’avoir ce rapport «élève-maître». C’est un truc un peu
maso aussi. Hmmm, je vais en parler à ma psy.
Discographie sélective
Coco Douleur (Tsunami Addiction,
2010)
Hypo, Dodo Couleur EP (Moelleux
Records, 2010)
Deluxe Edition, Archival Recordings
2000-2007 (IntikRec, 2008)
Hypo & EDH, The Correct Use Of
Pets (Active Suspension, 2006)
Random Veneziano (Active
Suspension / Afterhours, 2004)
Karaoke A Capella
(Active Suspension, 2002)
Jingles & Singles
(Active Suspension, 2001)
Kotva (Spymania, 2001)
Websites
www.hypomusic.net
www.myspace.com/hypohypohypo
http://hypo.bandcamp.com
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FOCUS
LABEL ICASEA (Japon / Angleterre)
IN VARIOUS LOCATIONS ACROSS THE GLOBE
INTERVIEW SATOSCHI AIZAWA, TOM KNAPP, ALEX PEVERETT
ICASEA est une plate-forme fondée en 2008 par
Satoshi Aizawa, Tom Knapp et Alex Peverett, afin de proposer
des œuvres physiques et digitales d’artistes sonores et musiciens
électroniques œuvrant dans différents endroits du globe.
Entre Japon et Angleterre, blog et podcast... Interview croisée
avec les trois fondateurs…
For anyone unfamiliar with your work, how would you describe it?
_Satoshi Aizawa: We have published some information through
our website, blog and continually growing series of podcasts. The
brief statement that has accompanied our online activities reads
like this «ICASEA was established in 2008 by Satoshi Aizawa,
Tom Knapp and Alex Peverett as a platform for physical and digital domain releases from sound artists and electronic musicians
working in various locations across the globe», that pretty much
includes our intention as a label. The blog is a good source to
understand the world we inhabit, our interests and our influences. We will start releasing electronic music on both physical
items and as digital downloads very soon (from the writing of this
interview) and they will explain best to people our work. I describe my ideas very little through language, so, the best way is to
keep checking our activities to know us.
_Tom Knapp: I’m a Dj and producer, and I co run the label ICASEA.
The music I make is Synthetic / hip-hop / techno / abstract / futurist / électro / beat music. It’s hard to describe, I try to change it
up as much as possible as its more fun that way. I don’t have a
preferred bpm or rhythm or style. I have got a pretty defined aesthetic going on but its also pretty flexible.
_Alex Peverett: I make electronic music and electronic art. I
mainly use computers, synthesizers & drum machines but also
other hardware and software. I record and collaborate under
various names including Team Doyobi (Skam, ICASEA, Fat-cat,
Alku, etc.), Vend (L-ine/12k), Powerbooks for Peace (Alku,
Alienation) and Mortal & Chemist (ICASEA, Skam, 33). There are
a variety of artists on ICASEA and most of them we have known
for a long time, although their musical output could be seen as
very different I think there are several strong threads that connect
what each artist produces. Unfortunately the best descriptions we
have for what we release through ICASEA are «electronic music»
and «computer music».
Artists
Collapsoft
Cygnus
Fitz Ambro$e
Konx-Om-Pax
M&C
Poborsk
S>>D
Seesaw
Skeksi
Team Doyobi
The Midnight Episode
The Wyrding Module
Ynys Enlli
Zero Charisma
Websites
www.icasea.net
http://icasea.blogspot.com
www.myspace.com/icasea
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FOCUS
Being at the same time in England and in Japan, how do you
work?
_SA: We work either face to face (in reality) or through the Internet
and are often online to collaborate or to discuss about ICASEA.
_TK: It depends really, we have various methods of getting around
the physical distance... Obviously its more immediate when we
are in the same room and when we can we will get together to
jam. This is a great way of working as you get into zones that
you’d never achieve if you were recording alone just because you
bounce off each others decisions and get some immediate feedback... but we can do a lot now over the internet, swap files, add
stuff to each others tracks, big each other up… and we keep in
regular contact so the distance isn’t that much of a problem
really. But when we can get together to record in person it is more
of a buzz.
_AP: I am constantly working on several projects at a time, and
although most of my work is produced alone from my studio in
Japan it is often in collaboration with other people, either collaborators that live locally or those situated around the world. If we
are unable to meet face to face then we file share and maintain
constant communications through the net. Aside from the time
difference between countries this way of working has little drawback and to be honest regular day jobs interfere more than time
difference. When I have the chance to work together with people
in the same physical location it is often more enjoyable.
Could you describe the recording process? Is it all laid in stone
before you enter the studio, or do things tend to evolve as you go
along?
_TK: I haven’t got any set way of approaching a track, although
more often than not a track will start with some rhythmic elements.
I tend to try to mix it up a bit... rearrange the configuration of kit,
use different combinations of elements and various different processes... I can’t think of a time when I have thought «I want to
make a track like ——» and then made it, normally it grows out
of just starting with some sounds and then letting it develop, programming beats, arranging and rearranging, improvising, processing,
effecting, editing, it’s really process based – I’ll start over here,
and end up over there.
_AP: I have several different approaches to recording, it really
depends on what I’m feeling at each moment. It could be triggered
by an idea, concept or some other source of inspiration or it is
more usual that it just evolves from spending time in the studio
with certain pieces of tech. I try to keep a sense of freedom and
experimentation in my work but most of all it has to be a pleasurable time. If it is not fun then I don’t really see the point.
During the entire recording process do you try to avoid listening
to other people’s work, or is it something you welcome?
_TK: I don’t know, I mean, if I’m working on a track I’ll just be
listening to that track... The weather and things like that are probably more of an immediate influence, I wont break off from
doing a tune to listen to other music to get ideas or anything like
that. I try not to think about it too consciously when I’m actually
doing it... that’s sort of the whole point.
_AP: This isn’t really something I think so much about. When I
am producing computer graphics or video work I will be listening
to music that I enjoy at the same time, often checking new recordings that friends have sent to me. This is usually recordings by
Fitz Ambro$e, Poborsk or Collapsoft as they are particularly prolific at the moment. When I’m making music its obviously difficult
to listen to other peoples tracks at the same time. A huge amount
of my time at home is spent producing music so most of my listening time is when I’m out of my home, traveling in the city or out
in the countryside and listening to my ipod. Saying that though,
when I’m outside I like to balance my time between listening to
music and listening to the rich natural sound-worlds of the city or
countryside. As I have been using computers and electronics to
make sound for over two decades now I don’t feel that listening
to other peoples work really makes that much of a change on what
I produce any more, it may sometimes get in there somehow subconsciously but not in any way that I’m aware of.
I think a lot of the music that influences me most is music that I
heard a long time ago and continue to listen to, not that I dislike
new music, I just think that when I was younger it had a different
effect on me which still resonates today. 1980s Hip-Hop and
Electro, Sci-Fi movies or Synthesizer pop of that time still bring
me a whole lot of joy. Often it’s the sound design or production
technique that inspires me, the quality or feel of a sound or the
way the producer has used a particular piece of kit. I could really
love a piece of music just because it contains a certain sound
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FOCUS
that I get really into like a clap, stab or blip, getting off on the
texture of the sound like a Marley Marl snare or something using
GRM tools. Also, I often find that inspiration may come from the
stylistic attitude of a tracks composition as well, last week I was
listening to «Bamboo Houses» by Sylvian and Sakamoto and they
reminded me to respect space in my tracks again and ease off on
the CPU a little bit. Its like listening to traditional Japanese
music or early Timbaland beats and the funk of Cameo, it reminds
me that a real important part of musical structure is about what
events are left out as much as what events are included. This idea
sounds simple and was second nature to me when I was producing albums using 512k of RAM but its easy now to get carried
away with several Gigabytes of RAM and multiple processors.
What sound sources do you use and how do you treat them?
_SA: Recording under the name Collapsoft I use several sound
sources in my music. Mainly, I use computer and software to
manage, process and manipulate natural sound that I had (field-)
recorded or sounds that I had synthesized myself.
_TK: All kinds, field recorded / found sound type stuff, drum
machine samples, loops, synthesized sounds... anything that
sounds good to me. I don’t have a massive library of samples, but
I have got a few favorite methods of achieving certain sounds...
I’ll tend to make sounds on the fly and build up a track as I go
along. When I first started making tracks I used to just use samples and I would dig to find samples on records at the same time
as I was building the rhythms, so it was an integral part of making
the tune, going and digging for a sound... sampling it up, throwing
it in and seeing where it took the track... and I’ve sort of carried
that approach on although I now use synthesis to make the
sounds from scratch instead of sampling / cutting up other peoples recordings. Having said that sometimes I will sample one of
my old tunes, or get an old track and take a bit out of context and
see what other directions it will go in... I used to play noise guitar when I was a teenager and I think a lot of my taste in synth
sounds is related to that, the mad harmonics and odd overtones
you can get from overdriven guitars are similar in to the feel you
get from brutal FM synth sounds... I’ve always had my ears prick
up when I’ve heard oddly effected sounds, I remember being well
into the way Gary Numan had treated his voice and Chuck D’s
voice on the first P.E. album used to really get me…
_AP: For a sound source it could really be anything, depending
on what sound I’m looking for or stumble across through playing
with my tech. I tend not to use technology to replicate real world
sounds as their complex timbres can be quickly recorded and
added to a track and manipulated through sampling. But to be
honest, for the most part, I’m really into all kinds of synthesis and
different sampling techniques, the different qualities of different
bits of gear and the results of different synthesis techniques.
Both analogue and digital FM synthesis is incredibly fun, whether
separately or together like sending a TX81Z through a CS30.
When I’m using drum boxes my favourite machines are EPROM
based sample boxes like the Linn, DMX and Juggbox or drum synthesizers. Ideally a combination of both like some of the
Simmons SDS series. A lot of my early works were created using
hand drawn waveforms or creating new sounds by copy and pasting small parts from different samples to create new samples,
the original sources could’ve been anything really, from a record
or a public domain sample disc or often my voice, it was really
just to get certain shapes into the sample window that I could cut
and construct with and make new shapes from. I still do this a lot
but combine it with subtractive, wavetable, FM, and other forms
of synthesis.
How did the rhythms of Detroit and Chicago inform your music
making?
_SA: As Collapsoft I don’t make rhythm tracks but I like to listen
to them very much.
_TK: I like the sparseness of early house and acid, also the
momentum of the early acid tracks is something I really like, and
I like how you can hear that its a human interacting and making
decisions, twisting knobs and so on, it reminds me of what I like
about dub... people playing the gear and the studio... moving the
sounds around in a space... I like listening to a sound get all twisted up a lot and I like the repetition… those sort of tracks influenced me a lot when i first moved away from using a computer and
started making stuff with hardware units that a more hands on
real time interface.
_AP: I really love the physicality of music. Whether it’s the
rhythms of world music or the «motion» and «mass» of an
Acousmatic composition, I really dig the physicality of those
sounds and rhythms. A lot of talented producers came out of the
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FOCUS
Detroit and Chicago scenes and there’s some great sequencing I
really feel in a lot of those records and I listen a lot to early house
and techno. But just to be clear, when I think of the rhythm of
my favorite Chicago house, Detroit techno tracks and of course
the UK electronic music of the early 90s (B12, AFX, Sweet
Exorcist and Black Dog Productions), its clear to hear that the
rhythm is contained in the whole track and not just in what the
drum machines have been programmed to do, a real obvious classic example would be how the bassline sits in «can you feel it»,
of course. It goes without saying but the magic is in the whole
track.
How did the rhythms of Hip-hop inform your music making?
_SA: (As above).
_TK: Completely, listening to hip-hop is what inspired me to start
making tracks... The ideas of transforming and flipping sounds is
still the basis of what I’m into, I much preferred breakbeat based
stuff to more 4/4 rhythms back then... and I probably still do. I
used to really be into dark jungle stuff aswell, No U turn and all
those labels. As major influences on me personally I would cite
Bomb Squad, Ultramagnetic’s, Schoolly D, Mantronix, Wutang, J.
Dilla, Mf. Doom, El-p... actually this could go on all day.
_AP: For rhythms I’m really into listening to traditional music
from around the world, those rhythms excite me and move me the
most. Outside of «Hip-hop» it would be the music of Autechre,
Made, 5K3K51, Dynamix II, Pretty Tony, Latin Rascals, Drexciya,
Robert Hood to name just a few, but I feel a lot of what they do
is Hip-hop. Anyway, its confusing for me to explain but I would
say that most of my favourite rhythms are in hip-hop tracks. But
there are too many great beatmakers in the world of hip-hop to
mention here, today I was just enjoying looping the end break of
microphone fiend for a long time, maybe too long. Hahaha.
When constructing a track for «the floor», where does your primary sensibility lie? in the making of rhythm or melody?
_SA: My music is not for floor.
_AP: Its like I said, it’s real hard for me to see a clear difference
between the rhythm and the melody, I don’t think in those terms
so much. I guess that I love tuned percussion or percussive melodies but I think they are all pretty much the same thing. Even
when I make releases to be released only on 12” vinyl and although
I’m conscious of how it could be played in a club environment I
don’t really manufacture music for the function of «the floor», if
I’m thinking about a club track I’m more thinking about how the
production and the frequencies could translate on a good club
system and how much I would enjoy hearing it played out loud.
Anyway, I think it’s rare that my records are played in clubs. I
think if I set out to make «club» tracks it could lead to the dangers of tried and traditional typical dance music traps and overused techniques, although they are fun to mess up and mess about
with I think its nice not to deliberately rely on and reuse those
ideas and to generously try to provide alternatives for listeners
and dancers. I think a lot of my productions are dance music but
there are many interesting contexts to think about where music
could be listened to not only in a club, at home or on someones
commute but also planetariums, Coventry cathedral, parks, pools
and other spaces.
Do you consider it important for music to have an overt thematic
structure?
_SA: I think music is more important than «thematic». But sometimes I like to think of some concepts.
_TK: No.
_AP: That really depends on what type of theme we are talking
about. Personally I don’t use music in the way that a lyricist would
write a song, to convey ideas and feelings that could be expressed
very well in written or spoken word or to draw attention through the
music to the artist. Music is something else for me. On that note
I’m sometimes confused about how public music events have
changed from men and women looking at each other or dancing
with each other at a concert to just looking at the performers and
watching what they do. I don’t really think live music is about
several parallel connections between the performer and individual
audience members, I think it should be more social than that.
What is your favourite musical score?
_SA: Bernard Parmegiani’s electronic music.
_TK: Do you mean a film soundtrack? Ahhh... theres loads... John
Carpenter Prince of Darkness, Wendy Carlos Clockwork Orange,
Tron, The Shining soundtrack is amazing... Fantastic Planet OST,
Angelo Badalamenti’s stuff he does with David Lynch is amazing,
Loads of good Tangerine Dream soundtracks... I used to listen to
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FOCUS
my Dad’s tape of the soundtrack to 2001 when I was really little,
I think one of my first musical memories is looking at the tape
cover with the circular spacestation and the old MGM lion logo
while listening to that and thinking it was amazing.
_AP: Score? Like written notation? I think Terry Riley wrote a nice
score called «Keyboard study #2» (1967) that was circular and
therefore infinite, that looked real nice on paper but I’ve not yet
heard it performed in its entirety. ;)
Who would you consider the main influences on your work?
_SA: Nature. Every thing that I touch. Its not only a music.
_TK: My friends and collaborators. The people who designed the
gear I use. All my experience, and my brain / ears – probably the
most important one.
_AP: My friends and family, nature, the technology I use, my kit,
computer and video art that I feel and my daily life would be my
main influences. I would say my friends and especially those people that I’m lucky enough to collaborate with inspire me the
most... I like visiting islands and I’m really productive after some
island time, the more tropical the better.
Sendai & Leeds... your «city». Has this given you a different
perspective with which to approach your work?
_TK: I have heard a lot of music since I have lived in Leeds, I worked in record shops for 10 years so I was like a sponge soaking
things up for all of that time... I’ve tended to come at things from
a bit of an oblique angle though so I wouldn’t say I’m part of any
Leeds Scene, if such a thing even exists...
_AP: When I lived in Leeds I had the chance to meet a lot of good
people, see many good events and buy lots of music from record
stores, not just in Leeds but also Sheffield and Manchester. The
«Test One» event in Sheffield was particularly great as were the
Skam «Schizm» parties in Manchester, great times with great
people. Sendai is real different. The scenes in the UK and Japan
are very very different but that is more to do with business than
audiences I think. There are far fewer people musically active
around me in Sendai and it’s more creatively isolating than where
I lived in the UK, but that has its pros and cons.
How did the place impact on your approach to music?
_SA: Natural place. Trees, forest, rain, rand, insect, etc. Earth thing.
_TK: I met some great people, both in Leeds and Manchester that
really inspired me... The best thing abut Leeds as a city is that
its fast and relatively easy to get out of the city and be in nature,
something I would imagine is much harder for people in London
or Paris or similar. There’s some good Dub sound systems in
Leeds... that’s something I would never get in Hull where I grew
up.
_AP: After making some electronic music on my own as a kid met
Chris Gladwin whilst I was at school in the Wolds, a rural part of
the English countryside. It was good to meet another person with
similar interests doing similar things with sound, so it wasn’t long
before we started producing cassettes and videos together and
eventually started recording under the name «Team Doyobi».
Moving to Leeds really built on this, meeting more people and
seeing that there was other people doing electronic music and
putting it out there and doing things with it. It didn’t really
change the kind of music I made but what it did give me was the
confidence to try giving the music to other people and let other
people listen to it, not just the two close friends who received our
cassettes when we were making music back in the Wolds.
Is there anyone you’d love to collaborate with?
_SA: Analog Wood (she is also ICASEA artist).
_TK: Not really... The people I work with already are so good and
we have such a good understanding and shared vision of what we
like that I can’t imagine it working out that well with other collaborators... I’d do a track with El-p rapping, but I’d need to invent
a time machine to get back to the El-P from 1998-2001 ish as I
think he was a bit better back then. I’d like to sit in the studio
with Artimiev just to see how he worked, again time machine
would be required... I’d like to do some tracks with S>>D, maybe
this will happen in the future.
_AP: I’m real happy with the people I collaborate with and would
just like to get more studio time together in the same country. But
I do like remixing or working with vocalists, so in that respect in
a fantasy world it would be great to work with Kate Bush, Anne
Briggs or Morita Doji and for male voices it would be RZA, Neville
Marcano or MF Doom, for example. That’s just to name a few of
the people I think have really great voices. Just recently I was
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FOCUS
thinking it would be interesting to do a record with Yukihiro
Takahashi, he made some incredible pop music back in the day.
Or I would love to make a video game with Eric Chahi. Actually,
maybe my honest number one would be to have worked for Jim
Henson, that would’ve been top.
What have you been listening to recently?
_SA: Demo songs that sent to ICASEA...
_TK: Erm, all sorts... recently played on my iTunes is : Popol Vuh
Aguirre OST, MF Doom Operation Domsday, an amazing old
Tommyboy comp with Keith LeBlanc and Latin Rascals on called
Masters of the Beat, Dam-Funk, Collapsoft, S>>d, Poborsk,
Cygnus, Wyrding Module, Rapeman 2 nuns and a pack mule,
Raekwon Cuban Linx 2, Boris Smile, VHS Head (latest Skam),
Zoviet France, Horacio vaggione...
_AP: Wow, tricky question, just too much to mention. I’ve been
enjoying the ICASEA select podcasts that several of the artists on
the label have generously made, they get a lot of play on my travels. Checking the recently played list on my ipod I can say that
I just listened to tracks by Logic System, Software, Oneohtrix
Point Never, Super Kids, Cygnus, Horracio Vaggione, GZA,
Francis Dhomont, Analog Wood, Slick Rick, Roland Kayn, The
Future, Kenji Yamamoto and Simon Mashoko... Maybe it’s best if
I stop there as my recently played list seems to be endless.
Are you still a keen consumer of new music? If so, any new artists
that have caught your eye?
_SA: There are many amazing musicians in the world. We are
happy to release some of them on ICASEA.
_TK: Yeah I still check stuff out, but normally its just new to me,
meaning it can be old music and more often than not, it IS old...
I don’t avidly follow this weeks new releases or anything like that,
but I am still always dead excited when I discover something I
like that is new to me. The last NEW artists I got into were Omar S,
Redshape, Moss and Dam Funk, although I’m sure all of these
artists have been active for ages, they are just have more media
profile at the moment.
_AP: Skam’s new signing VHS Head is real good.
Do you ever buy CDs or are you a vinyl head?
_SA: Yes I buy those as well as digital.
_TK: Both. Vinyl I prefer but it takes up so much room... but I
think it sounds better for certain types of music.
_AP: I still buy both often, I like both formats and it really
depends on the content. Some types of music I prefer to have on
CD and other types on Vinyl, MP3, AAC, MD, LD, WC, DCC, etc.
It depends on what is available and what music I enjoy most on
which format.
Have you bought many downloads?
_SA: Yes I usually buy music through the iTunes store but I also
use paypal for other web shops.
_TK: Yeah, quite a few over this last year, although I prefer to get
things physically if possible.
_AP: Yeah, I love listening to music and unless it’s given to me
for free then I pay to download it and not use soulseek or torrents
or illegal blogs. It’s simple ethics really and as someone that
makes music I feel better doing the right thing. I really agree with
the idea that if the music is not worth paying for to support the
artist then its really not worth listening to or for that matter to
have taking up space on your hard drive.
What was the first record you bought?
_SA: When I was kid I saw Kubrick’s 2001: a space odyssey, then
I bought the soundtrack.
_TK: Flash Gordon OST by Queen, I still have it.
_AP: I don’t recall, but the first cassette I remember co-owning
with my older brother was Off The Wall.
Do you read many reviews?
_SA: Yes, I check reviews online and in magazines but I mostly
listen to music more than read music reviews.
_TK: Nah.
_AP: Not so many, I don’t have the time and I usually get my
news and reviews from friends.
Do you use the Internet much to find new music?
_SA: Yes. I sometimes find interesting and interesting unknown
music through the internet, from online friends, personal website
and other net routes.
FOCUS
_TK: I like Discogs for getting old vinyl, blogs are good for finding
obscure old music, then I’ll go on Discogs and get it second hand,
its great. I don’t go on myspace looking for new artists or anything
like that though.
_AP: Again, friends put me in touch with stuff through the net but
I do check a few select blogs, online magazines and shops.
Towards what do you think of aiming now?
_SA: Interesting electronics music.
_TK: Making more music and keeping it interesting and fun.
_AP: Just keep doing what I’m doing, continue trying to make
better work, work more with my collaborators and hopefully get
more time out to swim in Okinawan coral reefs or England’s rain,
that would be real nice.
What have you got coming up in 2010?
_SA: Several releases.
_TK: Too much to list. Releases, Shows... Maybe I will get to go
on holiday... I really like travelling.
_AP: Lots of digital EPs, more podcasts, some shows, a short tour…
I’ve got a list somewhere, where did I put it ?…
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FOCUS
ARTISTE LOKAI (Autriche)
BI-POLAR
INTERVIEW STEFAN NÉMETH
Le projet Lokai de Stefan Németh (membre de Radian
et cofondateur de Mosz Records), accompagné de Florian Kmet
guitariste (membre de Superlooper), murmure une petite
musique mélancolique à la la superposition subtile
et la granularité certaine. Notes sourdes en errance entre
matériaux électroniques et batteries scintillantes, dans les airs
de musique du duo se mêlent et divergent la guitare
et les effets numériques. Un post-rock de bitume développé
autour de ces deux pôles «analogique» et «numérique».
How would speak you of your last album? The music often evokes
a feeling of melancholy... unsettled in a very quiet way. But the
mix is a counterpoint to this, facing it, telling a story (sparkling
elements, acoustique sound), responds to it?
_I can agree with you that the music on Transition can be melancholic on a few pieces or passages. That’s also the way we see it.
At least that’s one aspect.
But the counterpart to it is the rhythm, the noise, a-melodic elements. Some parts of this album tend to open a space beyond the
formal structure. More in the sense of atmospheres or landscapes? «There is something, but I don’t know exactly what it is».
Maybe something like a panoramic view, where you have a wide
angle, but some details are simply too small to really see them,
but you can guess.
However, you will always have an impression of the entire picture.
For some of the tracks we had this feeling, while we did it. A good
example is «Panarea», which is an island close to the stromboli
volcano. The name was found afterwards, but it had this panoramafeeling to us. It builts up to chaos and noise first and becomes
quiet in the end with just a view guitar notes. It has both, harsh
elements and the quiet, bit tender melody. Probably we are also
ambigous persons, who knows.
Your music is always in movement. Elements appear for disappear quickly. It’s very low-key, but moving too. It lends the disk a
strange sense of very organic, alive, animal though, since in the
end so much depends on very small decisions about intonation
(mix). And in the end this is part of the music’s power, that sense
of struggle at the level of your sound elements.
_That the music is always in movement maybe has the simple
reason that we both like to have changes and transitions in the
music. It just makes it alive and more enjoyable to us. Also the
idea to condense the material, was important to us.
Each part of the music has its time and if you overdo it, then it
might loose its meaning a bit.
You also talked about the struggle of our sound elements. In fact
it took us a long time to find out what approach fits us best. We
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FOCUS
are just a duo in the studio, so it was clear that we also want to
sound like a duo and not like an orchestra. But we wanted to
bring in some depth of course and rhythm – rhythm, which is
generated by the means we basically use: guitars, the rhodes
piano and a few analogue synthesizers. To be honest it was not
always easy to find the right balance. We needed this intimacy of
the duo and the richness of a production with a lot of musicians.
So we started to keep our main instruments in the front and tried
to build a three-dimensional room with a lot of tiny, often very
quiet sounds in the back.
In addition, the heart of each track was based on spontanious
recordings (maybe that’s the organic part) we did together and
around that we constructed a solid form, which is closer to written
or composed music. This is also bi-polar.
I don’t imagine this was an easy disk to make, and the time right
now makes it almost impossible to move forward, but you’ve
found a way. Which is the driving guideline?
_I hope this doesn’t sound arrogant, but actually the record was
not so hard to do.
In fact it was a lot of fun and also we never had a more enjoyable recording and mixing process. But it is true, it took a long
time to find out what we want to do together – before we had
done the first piece. Mainly because we are very different persons
when it comes to music.
One driving force is that we look into the combination of traditional and non-traditional elements. Some parameters in music stay
the same over history, but the combinations and the use of it are
different over time. It is also about the context, the social or geographical context, and there is a lot to learn in music, which does
not have the roots in our so called western culture, which is
mainly influenced by a very few countries. This should not be
misunderstood as mimicry. That’s not the point. It’s about the
function a sound can have within a song or composition and not
the aesthetics or the exotic feeling.
The improvisition seems to be an essential base of your work,
even if the work of additional studio is also important. Are you
writing the songs in response to the improvisations?
_Yes, as pointed out before, for a lot of tracks there was a little
improvisation in the beginning. You can see it as some kind of
sketch or note. There was never a long psychedelic session or an
endless repetitive riff. Most of the time it was a little loop on the
electronics or a few notes with the guitar and if we liked the feeling
we had with it, then it served as a kind of guide-line or core-element.
The other, more abstract, approach was to experimentate with the
guitar / rhodes and sample a few seconds and combine or transpose these sample in a way you could hardly do in reality.
But also here, you need at least a bit of improvisation. The following steps involved much more compositional tools.
How the recordings relate to the sessions whether you’re using
them as material
_On «Panarea» and in the end of «Tik» there are longer continuous recordings of sessions, which haven’t been changed – with
a lot of sounds around it, which were done one after the other in
the process. In most other pieces the sessions served as a guideline or sample material, but there is not so much left in the final
version.
How feel you the place of the creativity in the world musical current. Something that resonates in «many» records is an odd
sense of disillusionment with spiritual/cultural paths. I’m not
sure whether disillusion is the right sense for it, but just skepticism about the community, media? I have the feeling that the
ditch between products on mediatized and culture «underground» is definitively validated. Bridges still existing some years
ago are henceforth cut. We can notice a kind of multiculturalism,
without the other will than make things for one and for a micropublic. It can be sad as report, but at the same time we can
notice more sincerity in the current productions. We also notice
more experiments, less divided up. In a way, the «path» becomes
truly open, but often I don’t see any path at all. So maybe the
whole universe becomes «improv» at that point?
_It looks like a co-existence of all kinds of expressions in music
these days.
Plus it has become much easier to produce music in your living
room on a relatively high level. For sure there are much more persons who make music and also release it and publish it. Maybe
this also goes hand in hand with a shift of values, which means
that it can be sufficient for some to just share their music with
friends on the internet. That’s different from a «classic» career
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FOCUS
involving a label, a distribution, studio facilities – with the hope
to be present in the public.
However, this might be just one aspect, but in the end there is
huge amount of music being published these days. Logically the
signal-to-noise ration becomes a bit unbalanced and as a listener
of music it’s becoming more difficult to find what one is really
looking for. From the musician’s side this could mean, that one
has to sharpen his/her profile even more, which could lead to
some sort of specialization and the micro-public might be a result
of it. So, there are paths for sure, but maybe they are very ramified.
We’re talking a lot about «deflation» recently, and the bubble not
only in the financial markets, but in values, practices, activities,
ideas in general. And the sense that all of these bubbles are bursting or deflating. I think it’s true in music, and we can find some
«musical» response/proposal to this problem. I have the feeling
that your music is a proposal too? that melody, song, noise, etc.
themselves have become sites of a bubble that makes it almost
impossible to listen to them, since all one hears is their «importance», their value as capital, as gesture in a marketplace saturated with gestures...
_Probably there are mechanisms, which keep certain music scenes and gestures alive. Wether this is a new or old phenomenon
is hard to tell. Maybe it is more a problem of each system, which
reaches a certain degree of saturation after the pioneer-phase? It
can get exhausted or exist for a longer time on a high level. But
in each case there is an end. And if it is only an end for a couple
of years to come back – maybe even refreshed. On the other hand
new activities can happen in the meanwhile.
And if some music becomes just a gesture over time, it can also
provoke a fresh antithesis. Isn’t that positive – seen from this
point of view?
Towards what do you think of aiming now?
_Oh! We are not sure yet. Maybe it would be cool to do an acoustic album and a harsh electric album at the same time. We don’t
know yet.
LOKAI
Florian Kmet
Born in 1973, Innsbruck, Austria. Change of residency to
New York from 1991 to 1994. Several engagements in rock-bands.
Since 1994 Florian Kmet lives and works in Vienna (A) as a
classical trained guitarist and singer with a wide range of activities
including solo-works within composed music and projects with
improvising musicians. Permanent member of Lokai and
Superlooper. Collaborations with Wolfgang Mitterer, Gunter
Schneider, Max Nagl, Franz Hautzinger, Martin Brandlmayr,
Ludwig Bekic, Jorge Sanchéz-Chiong...
Stefan Németh
Born in 1973, Baden, Austria. Studies in biology at the university
of Vienna from 1992 to 1999. Activities at the borderline
between acoustic and electronic music as a guitarist / electronic
musician since 1996. Live-Performances, Installations, Filmscores.
Permanent member of Radian, Lokai, Synapsis (by Oskar
Aichinger). Co-director of Mosz records. Lives and works in
Vienna (A). Collaborations (live/studio) with Martin Brandlmayr,
John Norman, Florian Kmet, Martin Siewert, Werner Dafeldecker,
Oskar Aichinger, Franz Hautzinger, John Butcher, Dean Roberts,
Christian Fennesz, Otomo Yoshihide, Sachiko M., Toshimaru
Nakamura, Florian Hecker, Hanno Leichtmann, Nicholas
Bussmann, Hannes Löschel, Paul Skrepek, Achim Tang...
Cooperations with video-artists like Norbert Pfaffenbichler,
Lotte Schreiber, Maia Gusberti, nja, Michaela Schwentner,
Nik Thoenen, Michaela Grill, Dariusz Krzeczek, Manfred Grübl,
Sigrun Appelt...
Discographie
Lokai
Transition (Thrill Jockey, 2009)
7 Million (Mosz, 2005)
Florian Kmet
_Superlooper, Construct Me
(Superlooper Records, 2008)
Stefan Németh
_Radian
Chimeric (Thrill Jockey, 2009)
Juxtaposition (Thrill Jockey, 2004)
Rec.extern (Thrill Jockey, 2002)
TG11, (Mego / Rhiz, 2000)
Radian EP (Rhiz, 1998)
_Németh
Film (Thrill Jockey, 2008)
_Brandlmayr / Dafeldecker /
Németh / Siewert,
Die Instabilität Der Symmetrie
(dOc recordings, GROB, 2003)
_Oskar Aichinger, Synapsis
(Between the Lines, 2003)
Websites
www.lokai.at
www.myspace.com/lokai
Photo. Lukas Beck
PROFIL(S)
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Labels. Bee, Frozen Elephant,
Jarring Effects, Karaoke Kalk, LEEP,
Loaf, Mouthwatering Records,
Optical Sound,
Radio. W-h-y.org (podcast)
Artistes. EDH, DJ Elephant Power,
GoGooo, Will Guthrie, Maga Bo,
Mokuhen, Paral-lel, Spartman Lover,
Subjex.
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PROFIL(S)
LABEL BEE (France)
... C’EST DANS UNE CLAIRIÈRE DES MONTS LYONNAIS QU’EST NÉE
L’IDÉE AINSI QUE LE NOM DU LABEL
INTERVIEW BENJAMIN ANCEL
2005… Le collectif BEE anime la nuit électronique
lyonnaise depuis déjà quelques années. Responsable du Off
des Nuits Sonores avec les «PI Days», organisateur de nombreuses
soirées où l’on croise le crew Rephlex et autres énergumènes
d’une electronica explosée et curieuse. BEE c’est aussi un label
avec quelques maxis collectifs... Depuis le label s’est développé,
confirmant ses choix et ses convictions. Une panoplie de jeunes
artistes français élevés aux sonorités warpiennes et habitués
des bidouillages de la scène Braindance, qui n’ont plus peur
des grands frères, demandant notamment à Chris Clark de venir
en qualité de remixeur... Entre mélodies simples et les textures
rêches signées, les effets dancefloors de Ceephax ou les ambiances
organiques de Skam, toute la richesse du label est dans la diversité
et dans la cohérence artistique…
Le nom
_C’est dans une clairière des monts du lyonnais qu’est née l’idée
ainsi que le nom du label. À l’époque (été 1999) nous faisions
des sortes d’alter-free party : un groupe électrogène, une sono,
des platines, quelques lumières et surtout des musiciens qui performaient live dans des styles variés du mouvement électronique
(trip hop, electro, breakbeat, techno ou ambient) ! C’est de là
qu’est venu le nom de Bucolic Eclectic Electronic, qui plus tard,
avec la production de disques deviendra BEE Records.
Le lancement
_L’association B.E.E. a été créée en 2000, à la base, pour sortir
des champs est avoir un statut légal qui permettait d’organiser
des soirées «officielles» dans les salles lyonnaises. On a très vite
réuni un certain nombre de musiciens locaux autour d’une esthétique musicale commune qui, à l’époque, trouvait ses marques
du côté des labels anglais tell que Skam, Warp ou Rephlex. De
cette activité événementielle, il a semblé logique de passer à la
production de disque. En 2002 est parue la première production
du label, un split vinyle sur lequel se côtoient Private Eye et le
duo Paral-lel (fondateur du label). Pour ce qui est des étiquettes,
on peut dire que BEE Records est un label electronica/IDM/électro,
sans réelles frontières musicale si ce n’est l’électronique et les
goûts des deux responsables artistiques que sont Slush et Praktisch
(Paral-lel).
L’objet disque
_Depuis 2002, BEE Records a sorti près d’une vingtaine d’opus,
en commençant par le vinyle que nous avons un peu laissé de
côté (pour le moment) puisque nos productions tiennent plus de
l’écoute attentive que du formaté mixable à l’attention des DJs.
On a préféré se tourner vers le CD, un format plus long et approprié aux productions electronica de certains de nos artistes. On
est aussi présent en numérique (l’ensemble de la discographie du
label) et depuis deux ans on a fait quelques sorties uniquement
numériques, on a aussi sorti des séries limitées à 200 ex dans
des boîtiers un peu spéciaux avec une ligne graphique très forte.
On a depuis le début fait des séries, ça a commencé avec la série
de trois splits en vinyle dans laquelle on retrouve deux artistes se
partageant le 33T avec chacun sa face qu’on a simplement nommés Ep1, Ep2 et Ep3, avec une identité graphique identique
pour les trois évoluant selon le numéro du disque, et on a fait de
même sur les CDs avec la série limité. On a toujours attaché de
l’importance au visuel, que ce soit dans nos soirées avec la déco
et les flyers ou dans le disque. Depuis le début de l’histoire du
label, on a souvent collaboré avec des crews de graphistes (Le
33, la Funkyteamwork, KRNS, Akroe, Multiply…), mais on laisse
aussi de la liberté aux artistes pour ce qui est du choix de leur
pochette ou de leur collaboration avec des graphistes ou plasticiens.
Le choix des artistes
_Le choix des artistes est un peu le même pour tout label je crois,
on aime ou on n’aime pas. Chez BEE Records, ça dépend donc
de Slush et Praktisch qui écoutent les démos reçues au label. Ils
sont aussi constamment en veille pour découvrir des sons qui les
Essmaa ★02 | 35
PROFIL(S)
intéressent, vont prendre contact et étudier le projet. On retrouve
beaucoup de Lyonnais qui ont toujours gravité dans la sphère du
label, c’est aussi plus facile de produire des artistes que l’on peut
voir régulièrement, pour pouvoir avancer, ça facilite les choses.
Pour ce qui est de la «demo policy» comme on le dit sur notre
site web, il faut surtout et d’abord écouter nos productions et être
un peu sur que ça pourrait coller avec l’identité sonore que l’on
défend jusqu’a présent. Pour nous, c’est assez surprenant de voir
qu’aujourd’hui des groupes ont assez d’argent pour envoyer des
disques à des labels (comme le notre) sans savoir ce qu’ils produisent ! C’est vrai que si vous faites de la techno minimale ou
de la chanson française par exemple, ça ne sert a rien de nous
contacter puisque ce ne sont pas des projets qui nous intéressent.
Par ailleurs, c’est vrai que le label est assez ouvert musicalement,
des pop-songs féeriques de Cosmos70 à l’acid de Paral-lel il y a
pas mal de choses qui sont cohérentes. On affectionne la précision dans le son, qu’un artiste propose un univers bien à lui et
des mélodies inspirées.
Les Poulains du label
_Paral-lel, composé de Slush et Praktisch. La locomotive électro
break de BEE Records avec trois EP et deux LP plus une flopée
de dates partout en France et aussi autour du monde. En ce
moment ils préparent un maxi et un album pour 2010 !!
Cosmos70, un trio composé de Michel Robiche, Didier Blanché
et Aurélien Pescher. La crème du trip-hop - pop - electronica avec
une véritable image scénique puisque Aurélien travaille sur les
vidéos qui apportent un extra dimension à leurs productions très
cinématiques. Ils sont actuellement en studio pour composer leur
nouvel album prévu pour l’automne 2010.
Noone lui est un artiste complet et multi-tâches puisqu’il assure
à lui seul ses productions et ses graphismes. Après son maxi
Fragments, il a sorti son premier album Grenadine l’année dernière et prépare déjà un nouveau maxi pour janvier 2010. Il touche à tout : de l’electronica mélodieuse à l’électro en passant par
la techno avec toujours une touche personnelle mélodique et
ludique.
Skndr, un artiste tunisien que l’on connaît et suit depuis un long
moment, qui a sorti son album Rituals il y a deux ans. Il est à la
base très inspiré par l’IDM, mais touche aujourd’hui beaucoup
plus à l’électro et au break. Il travaille aussi sur un album pour
2010.
NTH Synthesis, un duo composé par Romain Seratte et Pierce
Warnecke. Ils ont sorti un maxi il y a deux ans Prône. Leur univers est focalisé sur l’expérimentation qu’elle soit visuelle ou
sonore.
Bien sûr la liste est longue car il y a encore EBS les Tourangeaux,
Treacle, Phasme, Basscad et Freddypogo. Une grande famille !
Les prochaines sorties
_Très bientôt il y aura la sortie du nouveau maxi de Noone Maybe
The Last qui pourrait bien créer une énorme surprise, ensuite le
nouveau maxi de Paral-lel Monkey Money, une tuerie. 2010 sera
aussi l’occasion de fêter les 10 ans de BEE donc il y aura aussi
une compilation avec… (secret).
La scène locale «près de chez vous»
_On a toujours été en relation avec quelques labels autour de
nous... Je pense à Jarring Effects, BRK, Polygohm, Ultimae,
AADN, Airflex… C’est pour cette raison que depuis deux ans on
travaille ensemble sur le développement de la scène électro à
Lyon en organisant de gros concerts pour la fête de la musique.
L’année dernière c’était Blow Stuff Up au marché de gros et cette
année on a fait Bass & Breakfast au parc de Gerland. Un beau
Pic-nic de 14h non-stop. Respect le 69 !!
Coming soon
Paral-lel, Monkey Money (EP)
› March 2010
NTH Synthesis, Correlation (EP)
› April 2010
Last Released
Noone, Maybe the last (EP)
› January 2010
Pierce Warnecke, The Electronic
Heart › October 2009
Artists
Paral-lel
Cosmos 70
Noone
Phasme
Nth Synthesis
SKNDR
Paral-lel
E.B.S
Pierce Warnecke
Websites
www.beerecords.com
www.myspace.com/beerecs
www.facebook.com/beerecords
www.twitter.com/beerecords
Pour acheter nos disques soit
www.beerecords.com/eng/shop_e
ng.htm ou encore mieux
la boutique de CD1D
www.cd1d.com/bee-records-m25.html, qui au passage est
le moins cher de tous les shops
online et vpc.
BEE Records
46, rue Paul Bert
69003 Lyon
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PROFIL(S)
LABEL FROZEN ELEPHANT (Allemagne)
WE’LL TAKE THE SLOW ROAD TO SUCCESS.
INTERVIEW PETER PRAUTZSCH
Frozen Elephants Music est un net label. Non profit !
Distiler d’œuvres audio en mettant l’accent sur de nouvelles
approches de la composition électronique. À l’écoute
des expériences, mettant en vedette une gamme International
d’artistes, Peter Prautzsch propose une sélection pointue, variée
et cohérente. À l’image des visuels, vous invitant à vous perdre
sur cette plateforme en ligne.
Le format
_We basically do things digitally, however we’ve had a special CD
release in 2007. We’d like to do more physical releases, maybe
DVD someday but it’s a matter of time and money.
Le nom
_Frozen Elephants Music was founded in 2005 by Moritz Fehr &
Peter Prautzsch. The name «Frozen Elephants Music» reflects
the idea of searching and finding, so to dig deeper for something
that might be lost or hidden from our daily life. It’s not that we
tend to find big things all the time, however once in a while we’re
amazed of what’s out there and has not recieved any attention.
This image works perfect with our idea of music.
We now both live in Berlin, however I would strictly deny to call
us a Berlin netlabel.
La consommation
_Since music went digital it has lost some of it’s secrets. At the
same time, due to the intense amount of music that now gets
published online, I do enjoy the search for great new stuff even
more.
Le lancement
_In 2004/2005 Moritz and I had worked on a CD release at
Bauhaus-University, Weimar, Germany, some sort of Open-Call
compilation. We got quite disappointed with the fact that we
could’nt really choose the pieces that we thought were the best,
simply due to the amount of people working on this project. So
we decided to start our own little label that would feature the sort
of music that we would enjoy. It took some time until we finally
started the project and a few other people were involved in the
early discussions.
Le style
_Interesting… We are as critical as we need to be to assure some
sort of ongoing quality in our releases. I’d say 1 in 50 demos
sounds fitting so we do take our time.
Le choix des artistes
_We sometimes search the internet or accidentally come across
some great music. Sometimes we actually meet people.
La suite
_We’re pretty busy so right now we’re on hold for a little while.
We’ll see where this takes us. Maybe we take some time off to
collect new releases and come back bigger, brighter and of
course, better. ;)
We’ll take the slow road to success.
Frozen Elephants Music
Creative Commons Netlabel
Artists
Akihiko Taniguchi
Claudia
Pau Torres
Miwa Momo Hojo & Yuichi Nagao
Mike Hansen & Tomasz Krakowiak
Jerome Pergolesi
Sebastian Peter
Étienne Michelet
Jonathan Zorn
Rachel Thompson
Stephane Leonard
Son Clair
Félicia Atkinson
Elise Ladoué
...
Website
www.frozenelephantsmusic.com
e-mail
[email protected]
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PROFIL(S)
LABEL JARRING EFFECT (France)
SANS DIRECTEUR ARTISTIQUE
INTERVIEW JÉRÔME
Label basé à Lyon, connu initialement comme référent
de la scène dub hexagonale Jarring Effect sautille désormais
dans les santiags de bricolo breaker pour des turbulences
électroniques, invite une pléiade de Mc’s pour une incroyable
collection de slams vocaux sur hip-hop disloqué... Ouverture
d’esprit et volonté d’indépendant...
Le nom
_Jarring Effects est initialement né d’un local de répétition situé
sur la Croix Rousse où des groupes lyonnais comme Mei Tei Shô,
High Tone et le Peuple de l’Herbe répétaient. En 1995 l’idée est
venue de créer une association pour structurer tout ce petit
monde et organiser des concerts. Puis les choses se sont accélérées notamment en 2000 lors de la sortie du premier album
d’High Tone. Parallèlement à l’activité label, le local de répétition
s’est transformé en studio d’enregistrement (le JFX studio) puis
d’autres activités sont ensuite venues se greffer comme notre festival, Riddim Collision ainsi que l’activité booking.
Initialement le nom Jarring Effects provient d’un groupe marocain (Aisha Kandisha’s Jarring Effects) qui combinait dans les
années 90 musiques ethniques et électro. Littéralement, «jarring
effects» signifie effet dissonant et déstabilisateur que peut avoir
une foule qui manifeste sur le pouvoir en place. On a choisi ce
nom voilà 15 ans car il symbolisait bien notre implication alternative et sociale ainsi qu’une certaine réflexion contestataire
contre toutes les uniformisations notamment dans la culture, trop
souvent acoquinée avec le business.
Cet état d’esprit s’est traduit par des actions concrètes comme
l’organisation d’un festival à Mostar (Bosnie) en 2003 dans une
ville à l’époque encore en ruine, notre support technique lors de
l’anti-G8 d’Annemasse également en 2003, ou encore les manifs
contre les lois anti-teufs ou anti-squats en 2001. Depuis on s’est
un peu «assagi», pour autant, notre engagement perdure au travers de projets tel que le développement de la plateforme de
vente en ligne CD1D, autogérée par une bonne partie des labels
qui l’ont initiée, et qui propose une véritable alternative de distribution pour les labels adhérents.
L’intention
_Pour ce qui est de l’ambition du label, je crois qu’elle n’a pas
changé depuis nos débuts. On souhaite accompagner nos artistes
vers le développement et la professionnalisation tout en préservant notre indépendance et notre survie dans un secteur mal en
point. Depuis ses débuts, Jarring Effects soutient des projets
variés. Même si on nous a très vite été estampillés «label dub»,
du fait d’avoir dans nos rangs High Tone ou Brain Damage je
dirais que nous sommes plus largement un label de musiques
électroniques avec un goût prononcé pour les hybridations, la
bass, le hip-hop et un penchant pour le côté sombre de la musique... Il faut aussi savoir que nous fonctionnons sans Directeur
Artistique, chaque personne qui travaille dans le label est force
de proposition. C’est ensuite qu’on prend une décision collective.
C’est sans doute pourquoi la ligne artistique du label peut paraître pour certains difficilement identifiable, les projets ne naissant
pas tous d’une même tête ! Tout ce que je peux dire c’est que le
style en tant que tel ne constitue pas véritablement un critère. On
souhaite juste que la musique soit sincère, sans concession et
convaincante sur scène. Notre actualité discographique reflète
d’ailleurs très bien cet esprit puisque sortent à quelques semaines d’intervalle l’album hip-hop du sud africain Ben Sharpa et et
le live d’Ez3kiel VS Hint clairement rock noise.
Les formats
_On sait que les jours du CD sont comptés mais Jarring Effects
reste encore attaché à ce média.
Depuis 2004, on a néanmoins anticipé cette mutation du marché
dû à la dématérialisation en développant avec d’autres labels la
plateforme de vente en ligne CD1D qui propose de la VPC et du
téléchargement comme je l’expliquais plus haut. Cet outil permet
à l’ensemble des labels fédérés de pallier aux carences de la distribution classique. Même si pour l’instant on constate que les
ventes digitales ne compensent pas pour autant la baisse des
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PROFIL(S)
ventes physiques, toutes nos sorties sont bien entendu disponibles sur les sites légaux de téléchargement. En parallèle, on
expérimente certaines sorties exclusivement en digital tout en
continuant à développer le vinyle qui reste un support digne d’intérêt pour notre public. Pour exemple la «Dub Box» et le triple
vinyles «Dub Invaders» de High Tone se sont écoulés à une
vitesse hallucinante.
Les artistes
_Les rencontres avec les artistes ont chacune leur propre histoire.
Elles se font par le biais de notre réseau, lors de concerts, et de
façon plus marginale via la réception de démos au bureau.
Historiquement et de par sa nature associative, Jarring Effects a
longtemps été ancré dans le réseau local en produisant des artistes qui gravitaient autour du collectif. C’est le cas d’High Tone,
L’Œuf Raide, Mr Orange, Brain Damage, Ez3kiel. Néanmoins
depuis 4 ans, le label s’est profondément ouvert sur l’international par le biais de licences et de coproductions avec des labels
étrangers (Ant Zen, Ohm Resistance, Soot Records, African
Dope...). L’arrivée au sein du catalogue de Filastine, Scorn, Ben
Sharpa, Oddateee, Playdoe résulte de cette nouvelle tendance.
Pour autant, le studio d’enregistrement reste la pierre angulaire
du label et nous restons clairement attachés à la production.
Les artistes qui ont contribué à l’essor et à la reconnaissance du
label sont entre autres High Tone, EZ3kiel et Brain Damage. Ces
formations ont en majorité plus d’une dizaine d’années d’existence et se sont constituées un véritable réseau de fans en écumant les salles de France. Bien qu’ils se soient plus ou moins largement éloignés de leur style de prédilection, le dub, ils ont en
quelques sortes donné au label cette couleur artistique. Pour
autant, le catalogue s’est considérablement ouvert à d’autres styles comme le hip-hop et les musiques électroniques qu’on pourrait qualifier de déviantes. Parmi nos poulains, on peut citer les
Américains Oddateee et Filastine, les Sud Africains Ben Sharpa
et Playdoe ou encore Grosso Gadgetto.
Les sorties récentes
_L’actualité du label a été plutôt chargée en cette fin d’année
2009. Outre le live de Brain Damage dans les bacs depuis octobre,
on vient également de sortir le premier album de Ben Sharpa, un
MC originaire de Cape Town. Cet artiste déjà star sur la scène rap
indé sud africaine propose une savante synthèse aux confins du
hip-hop US et du grime anglais. Dans un registre beaucoup plus
rock, le live d’EZ3kiel VS Hint sera quant à lui disponible le 14
novembre prochain.
Près de chez vous
_Bien que l’on vive ici dans la troisième ville de France, Lyon
manque cruellement de salles de concerts alors même que cette
agglomération regorge d’associations, de collectifs, de labels et
d’artistes qui ont beaucoup de chose à proposer. Pour vous en
convaincre, allez visiter les sites de Grrrrnd Zero, Polyghom,
Galacticut, BRK ou du Sonic. Pour ce qui est des relations avec
les labels locaux, Jarring Effects reste à mon sens fidèle à ses
valeurs associatives en restant proche des structures lyonnaises
qui l’entourent. Cela s’est traduit dernièrement par l’organisation
de la fête de la musique au travers de l’association Bass &
Breakfast qui fédère quelques labels locaux dont Bee Records,
BRK, Polygohm, Ultimae...
Websites
_Pour nous suivre et acheter nos
disques, il y a encore et toujours
le site CD1D qui met à disposition
notre catalogue de façon quasi
exhaustive (CD/Vinyles/MP3/FLAC).
On peut bien entendu aussi acheter
nos nouveautés dans les réseaux
classiques de disquaires.
_Site du label
www.jarringeffects.net
_Site de vente en ligne
http://cd1d.com
_Free compilation à télecharger
www.jarringefefcts.net/jfxbits
www.jarringefefcts.net/jfxbits2
www.jarringefefcts.net/jfxbits3
_Réseaux Sociaux :
www.myspace.com/jarringeffects
www.twitter.com/JarringEffects
www.facebook.com/group.php?gid
=4804343543
www.vimeo.com/jarringeffects
Essmaa ★02 | 39
PROFIL(S)
JARRING EFFECTS / LES ARTISTES DU LABEL
BEN SHARPA
Né dans les quartiers populaires de Johannesburg il y a
une trentaine d’années, Ben Sharpa quitte son Afrique du
Sud natale à l’âge de 8 ans pour suivre son père parti travailler à Chicago. C’est alors qu’il commence à se frotter
à la culture hip-hop, traînant dans les clubs qui fleurissent dans la capitale de l’Ilinois. Il n’oublie pas pour
autant les townships de Soweto qui l’ont vu naître et
décide en 1993 de rentrer en Afrique du Sud – Cape
Town - à l’occasion des premières élections libres organisées à la chute de l’Apartheid.
Il profite alors du retour au pays et de la liberté d’expression
enfin retrouvée pour affirmer son amour pour le hip-hop
et dénoncer avec réalisme les inégalités et le cloisonnement qui régissent encore la société sud-africaine. C’est
alors qu’il commence véritablement à se faire un nom.
Freestyler, producteur et lyricist de renom il fédère et
ouvre rapidement la voie à de nombreux producteurs et
MC’s au travers de crew comme ie, Groundworks et Audio
Visual. Au début des années 2000, sa réputation franchit
logiquement les frontières sud-africaines, il se retrouve
alors sur des scènes prestigieuses en compagnie
d’Immortal Technique, Jonzi-D, Black Thought, et Mr.
Len (Company Flow). En 2007, tout s’accélère. Remarqué
par l’animatrice de la BBC1, Mary Anne Hobbs, il bénéficie alors d’une visibilité inespérée sur les ondes de la
radio anglo saxonne et poursuit sa percée européenne aux
festivals de Dour et de Glastonbury en compagnie du
beatmaker Milanese.
Parallèlement, Jarring Effects qui se fait l’écho de cette
jeune scène sud africaine depuis 2006 met alors en
avant Ben Sharpa au travers du coffret -Cape Town Beats(2007 ) suivi d’un EP vinyle (2008) et d’un album dans
les bacs depuis quelques jours. Sur des productions vénéneuses issues des turbulents beatmakers Sibot, D Planer
et Milanese, Ben Sharpa confirme son assise dans un
style atypique, synthétisant avec panache hip-hop US et
grime anglais. Si bien que ce prodige représente une nouvelle génération de MC qui, à cheval sur trois continents,
synthétise un hip-hop cosmopolite et terriblement actuel.
http://myspace.com/bensharpa
HIGH TONE
Véritables apprentis sorciers quant au sampling vinylique
de masse, à l’alchimie dub en matière de sound effects,
aux néo-bidouillages électroniques et au hip scratching
hop en cascade, les frangins High Tone parcourent semble-t-il nonchalamment et (surtout) librement depuis
l’aube du numérique, les chemins de traverse des musiques dites actuelles toujours à la recherche des bonnes
fréquences. De fait, les aventures du «club des cinq»
musiciens des pentes de la Croix Rousse ont débuté en
1997. Alors que dans les sous-bois de toute l’Europe les
free parties battaient leur plein, la solidaire nouvelle
scène lyonnaise commençait à décrasser nos oreilles
dans une joyeuse effervescence sonore avec les compères
de Kaly, Meï Teï Shô et du Peuple de l’Herbe pour ne
citer qu’eux.
Après plusieurs maxis autoproduits, le groupe s’est
arrangé du bug de l’an 2000 pour sortir son 1er album
baptisé Opus Incertum, déjà sur le label indépendant
Jarring Effects qui jusqu’à aujourd’hui accompagne intelligemment la destinée High Tone sur la route de la liberté
artistique totale. Une musique d’emblée auto qualifiée
d’Ethno Dub pour éviter le catalogue de questions d’ordre
métaphysique ou simplement médiatique… et High Tone
directement catapulté fer de lance de la «scène dub hexagonale» (avec Improvisators Dub et Zenzile). Une scène
qui allait enfoncer le clou en redonnant une nouvelle jeunesse au dit «dub» en version direct live, à l’inverse de sa
grande sœur britannique ayant porté au firmament le
règne des machines dans les studios avides de remixes
(voir la fameuse écurie On U Sound et consorts).
D’escapades électroniques en vibrations roots soniques,
mises en valeur par des projections vidéo sans pareil,
High Tone a depuis réinventé continuellement sa musique
qui dépasse aujourd’hui allègrement le simple cadre du
dub pour ainsi pérenniser cette envie irrépressible d’aller
musicalement toujours plus loin, quitte à parfois déboussoler son auditoire devenu pourtant exponentiel, attendu
que les bougres ont déjà vendu plus de 100.000 disques,
tous supports confondus…
High Tone, c’est un métissage unique issu d’oreilles affûtées et curieuses, élaborant, plus que du dub, un groove
tribal abouti comme rarement. On pense parfois au My
Life In The Bush Of Ghosts, ce mythique disque de David
Byrne & Brian Eno, passé par la moulinette du Black Ark
Studio de Lee Perry et assombri par un feeling scornien.
Car c’est un fait, l’univers High Tone est loin d’être innocent, naïf et tout coloré de rose bonbon. L’esprit est plutôt
post-punk que baba cool. Chez High Tone, toujours, des
cris stridents ou des basses râpeuses se greffent – et
viennent rappeler que la planète est en guerre, que l’avenir n’est pas un tapis de pétales de roses, mais parsemé
d’épines. High Tone, sans paroles mais pas sans
conscience, sait par ses samples et ses sonorités traduire
un état d’esprit, évoquer un monde pluriel où les cultures, toutes les cultures, peuvent cohabiter.
(Laurent Zine)
www.hightone.org
BRAIN DAMAGE
Depuis une dizaine d’années, Martin Nathan et Raphaël
Talis produisent une musique très personnelle, approche
transversale du dub, de ses origines à ses formes les plus
contemporaines. Fondateurs de la scène dub hexagonale
qui explosa durant les années 90 aux cotés de High Tone,
Kaly Live Dub, Improvisators Dub et autres Zenzile, le
duo apparaît pourtant plus «cérébral», avec une touche
sombre et torturée qui tempère leur côté «électrique». En
atteste un premier 5 titres Bipolar Disorder (Bangarang,
1999) suivi en 2002 de leur premier album Always
Greener, qui vient logiquement confirmer la singularité
du duo. En parallèle, Brain Damage fera cause commune,
l’espace d’un disque, avec les propagandistes du dub
anglais, Alpha & Omega, puis des collaborations aussi
diverses que prestigieuses : Disciples, Scorn, Zion Train,
Lab°, Spectre, preuve de leur aura sur l’échiquier international. En 2004, mariant toujours instruments et
machines, Brain Damage renoue avec l’esprit «vocal
dub» des pionniers au travers du superbe Ashes To Ashes
/ Dub To Dub sorti chez Hammerbass. Une démarche qui
culmine en 2006 puis en 2007 avec les sorties successives de Spoken Dub Manifesto et de Short Cuts, deux
albums conceptuels avec pléthore d’invités prestigieux
tels que Black Sifichi, Mark Stewart, Sam Clayton, Hakim
Bey, Emiko Otta, Giovani «Subtitle» Marks, propulsant
Brain Damage au firmament du dub expérimental et
mutant.
Essmaa ★02 | 40
PROFIL(S)
C’est donc armé d’une discographie aussi riche qu’innovante que le duo a sorti le 28 septembre dernier dix titres
live issus de leur dernière tournée. Cet enregistrement ne
déroge pas à la règle et retranscrit de manière fidèle l’expérience sonore dans laquelle le public est im-mergé. Si
les efforts studios des Stéphanois restent en effet davantage cérébraux, c’est sur scène que le duo basse/ machine
accentue délibérément le côté frontal de son univers pour
ainsi délivrer un live puissant et pourtant d’une infime
précision où leurs titres phares, développés sur la longueur et soutenus par un kick techno diabolique, mutent
en de véritables tubes épileptiques. Et c’est bien là toute
la force de Brain Damage, proposer des titres à la fois
subtiles et percutant à l’image de leur parcours discographique sans cesse en quête de renouvellement. De quoi
espérer le meilleur pour leur prochain album studio à
venir début 2010.
fabrique du trio. Ez3kiel s’est également forgé une solide
réputation sur scène déclinant leur monde imaginaire lors
des concerts. Envisageant les nouvelles technologies
comme des outils au service de leur art, ils projettent
images animées et vidéos sur des miroirs robotisés
contrôlés par la régie lumière, permettant de décentrer
les visuels et de les faire apparaître à plusieurs endroits
de la salle. Ce dispositif permet alors au groupe de
s’approprier tout l’espace, de faire oublier au public la
frontalité de la scène et de proposer un véritable show, où
musique et univers graphique ne font qu’un.
http://myspace.com/braindamagedub
Artiste underground parmi les plus prolifiques d’Afrique
du Sud, Sibot est à la fois musicien, producteur-arrangeur,
DJ et turntablist de renom. Découvert par le légendaire
label African Dope Records ses productions attestent d’un
univers foisonnant fait de mélodies simples et entêtantes
mariées à des rythmiques hip-hop syncopées rappelant
celles de Prefuse 73, d’electronica, de scratchs millimétrés
et ambiances jazzy. Doté d’un appétit créatif insatiable,
il participe à de nombreux projets discographiques et
scèniques : The Real Estate Agents, Max Normal, The
Constructus Corporation et Fuck’n’Rad avec le fameux MC
Waddy Jones... Sur scène, Sibot manie laptop, platine,
sampler et table de mix comme Jimi Hendrix sa guitare
et enflamme le dance-floor tout pareil. D’autant plus qu’il
est désormais accompagné de Spoek Mathambo, MC de
Johanesburg, poulain sauvage de Waddy Jones et officiant actuellement dans Sweat X. Connu pour ses performances scèniques, son flow puissant et décalé, posé sur
les beats de Sibot, vous emmènera au cœur d’un électro
hip-hop tourbillonnant.
EZ3kiel
Affilié trop rapidement à la scène Dub française, l’univers
d’Ez3kiel s’est pourtant bien éloigné de ce courant musical. En atteste Naphtaline leur œuvre multimédia et leur
tout dernier album Battlefield sorti en janvier 2008. Le
style de cette formation reste inclassable, mariant avec
élégance, inspirations acoustiques et électroniques dans
une démarche singulière, qui consiste à confronter la
«modernité» et le «révolu». Ez3kiel déroute, surprend et
charme forcément. «Nous aimons confronter des atmosphères différentes, mélanger naïveté et dureté» rappellent souvent les quatre membres du groupe. Et la magie
opère. Entre plages mélancoliques émaillées de crépitements électro et envolées lyriques brutales soutenues par
les machines, Ez3kiel explore, défriche, effraie avant
d’apaiser. Un fabuleux voyage chargé d’anachronismes,
de violence et de féerie. À ces différents climats, Ez3kiel
juxtapose un graphisme emprunt d’un véritable univers
personnel que le bassiste du groupe a su développer tout
au long des années. Cette démarche consiste notamment
à combiner avec habilité et un souci extrême du détail,
peintures, étoffes, bibelots anciens avec des techniques
actuelles venues des nouvelles technologies. Cet univers
graphique si particulier constitue d’ailleurs la marque de
www.ez3kiel.com
http://myspace.com/ez3kielmyspace
SIBOT & SPOEK ARE PLAYDOE
http://myspace.com/fuckplaydoe
www.jarringeffects.net/sibot
www.myspace.com/sibot
www.myspace.com/spoek
Essmaa ★02 | 41
41
PROFIL(S)
LABEL KARAOKE KALK (Allemagne)
«KARAOKE» LIKE THE JAPANESE GAME AND «KALK» IS A PART
OF COLOGNE
INTERVIEW THORSTEN
Tout a commencé dans le quartier de Kalk à Cologne
en 1997. Pour toute l’autonomie ou l’indépendance de la
musique publiée par Karaoke Kalk, il est difficile de formuler
une définition précise et permanente de l’essence et la convivialité
de ce label. Généreux et curieux comme le contraste musical
de Senking et Wunder, Jens Massel, pilier du label allemand
Karaoke Kalk, est un apôtre dévoué de l’expérimentation sonore.
Manipulateurs éclectiques explorant les facettes de l’electronic
dans de longues nappes cycliques, touche pop répondant
à la froideur des machines avec des climats éthérés du début
des années 90, le catalogue est l’expression sonore d’un véritable
rêve éveillé au-delà des frontières.
La fondation
_The name Karaoke Kalk is a kind of word game. «Karaoke» like
the japanese game and «kalk» is a part of Cologne where I lived
nearly 7 years.
I started the label 1997 in Cologne. It was a great time for electronic music specially in Cologne. A bunch of friends of mine starts
producing music apart from their usual band context and they
were looking for someone who might be intersted in to release
their work. In fact I was a DJ at that time and I wasn’t interested
in producing music by myself. Therefore I had the idea to start
the label to release the music from my friends. There wasn’t any
business ideas behind that. I start the label just for fun.
I have a sub-label called «kalk pets». When I am djing I prefer
playing club/dance music. I am really into this kind of music. The
idea was to release music which I could play during my dj-sets.
«Kalk pets» is more an individual label and have not so much to
do with «Karaoke Kalk». I would say it is more a label by his own
than a sub-label.
L’identité
_Concerning Karaoke Kalk there are no musical boundaries. I
would release everything what I like from an ambient/electronica
record till to a indie-pop whatever record. I have to like the music.
That’s all. For Kalk Pets I would say that it have to be danceable
in a way but it doesn’t have to be this kind of «prime-time»
music. It could be even more sophisticated.
I release my music on every format but MP3 and even CD’s are
formats which I am not really into it. I am an oldschool guy and
prefer still vinyl.
La distribution
_I am running a webshop together with my friends from Morr
Music and CCO. It called anost (a number of small things) –
www.anost.net.
An own shop is very important. Specially in these times. People
should have the possibility to buy the records. Doesn’t matter
where they are living.
But I am also working with some different distributions who distribute the music worldwide.
Les choix des artistes
_ Very difficult. Mostly I working together with friends who producing music. I prefer that.
99% of the music which I received from different and unknown
artist sounds not interesting for me.
The label is an artist determinate label. I would say that the artist
who released their music on Karaoke Kalk are more well known
as the label itself. But that is ok with me.
I think it is characteristic for the label that everything could happend in a musical way. Every record is different to the record
before. There is no musical central theme for the label and sometimes I think this is what the people like.
La satisfaction de...
_At the moment the most satisfying part is when I realize that a
record became a success. When a record get attention from people. The least satisfying thing at the moment is to listen to all the
demo music which I received. It is very disappointing sometimes.
Releases by
Donna Regina
Eating2
Fumble
Kandis
Kuchen
Hauschka
Hausmeister
Leichtmetall
Le Rok
März
Takagi Masakatsu
Motel
Pluramon
Poto & Cabengo
Ritornell
Roman
Saucer
Pascal Schäfer
Senking
Toog
Takeo Toyama
Wechsel Garland
Websites
www.karaokekalk.de
www.kalkpets.de
myspace.com/karaokekalk
myspace.com/kalkpets
PROFIL(S)
PROFIL(S)
Specially when you receiving 5-6 demos a day.
I am able still running the label after 12 years.
42
La suite
_Next on the label is a record from Bill Wells, Stefan Schneider,
Anne Whitehead and Barbara Morgenstern. This record called
Paper of pins.
End of january 2010, I will release a kind of remix record from
Dakota Suite whose album The end of trying was released on
Karaoke Kalk beginning this year (2009).
The record contains versions of Dakota tracks from Hauschka,
Peter Broderick, Swod, Loscil, Tape to name only a few. The
album called The night just keeps coming in.
Next to it there will be albums from Toog, Tolouse Low Trax (one
member from Kriedler), Sstatic, Roman, Donna Regina...
Besides on Kalk Pets will be a new Antonelli, Vsq, Paul Frick next
year.
I think everything will be very exciting the next years. Nobody
knows how the future of music will look like. But I believe that
people needs music anyway and I am very curious how it will
works that artist as well as promoters, labels, etc. Can still live
from that.
Essmaa ★02 | 42
LABEL LEEP / CJC RECORDS (France)
... SUR MESURE
INTERVIEW COLIN JOHNCO
Les éditions Les Enregistrements de l’Europe Parisien
et Colin Johnco Records sont fabriquées «de façon artisanale
en respectant la nature, les hommes et les animaux». Elles
présentent un important catalogue de musique électronique
expérimentale, construit de rencontres multiples, pour un
patchwork de croisements tous azimuts et décalés...
Le nom
_Le nom «Les Enregistrements de l’Europe Parisien» reflète un
aspect institutionnel que nous n’avons pas, cette ambiguïté permettant une distance entre l’interface et ses acteurs.
Le Lancement
_En 2005 Camille Blatrix, Colin Johnco et Camille Blin imaginent LEEP ou Les Enregistrements de l’Europe Parisien. Un net
label expérimental sans aucun but lucratif. Un moyen pirate de
proposer des productions inédites en MP3 via le site http://leuropeparisien.free.fr
Colin Johnco s’était enfermé depuis des mois quand Camille
Blatrix lui propose de regrouper toutes ses identités musicales
sous un label. Camille présente LEEP en projet de fin d’année de
B.T.S Com comme projet personnel. Un an de recherche, pour
arriver à une identité graphique, une cohérence esthétique et
musicale. Sur mesure.
Le label est diplômé, le site est lancé. Rapidement le fonctionnement et la quantité de sorties vont permettre plus de collaborations artistiques. Théo Mercier rejoint Camille Blatrix et Camille
Blin, ensemble ils réaliseront l’essentiel de l’artwork de LEEP.
Faisant appel régulièrement à d’autres étudiants en art, illustration
et en design (Paris Strasbourg, Lyon, Lausanne) : Mr Georges,
MFB, Arno Zhorn, Mr Piningre, Adrien Zammit, William Jame,
Armand Lepeltier, Damien Gouviez...
Début 2008 après 60 disques mis en ligne il n’y a plus de sortie
sur LEEP. Le catalogue est toujours disponible. Des heures et
des semaines de MP3 en téléchargement libre (sous Creative
Commons).
Les contacts
LEEP/CJC records
http://colinjohncorecords.free.fr
http://leuropeparisien.free.fr
Black Byzance
81 rue du Chemin Vert
75011 Paris
[email protected]
PROFIL(S)
Essmaa ★02 | 43
Entre temps il y a Colin Johnco Records qui reste actif. Avec la
même démarche et plus l’édition de CD-R. (http://colinjohncorecords.free.fr)
La démarche
_C’est l’humain que nous cherchons derrière sa musique. Une
rencontre... La virtualité du site nécessite de provoquer des
échanges entre les artistes.
Multiplier les réseaux et se découvrir dans l’autre. La démarche
demande une forte implication.
La représentation
_Un village expérimental proposant en téléchargement libre des
montagnes musicales.
LEEP/CJC fonctionne comme une interface de mise en ligne et
non comme un éditeur.
C’est aussi ce qui nous a permis de travailler avec autant d’artistes de l’Europe parisien que de plus loin...
Le style
_Futuriste et antique. Collages à contre courant. Nos oreilles sont
sensibles à trop d’univers musicaux. Impossible de ne retenir
qu’un type de mammouth sonore ou d’exclure quiconque. L’entité
sonore LEEP/CJC records s’articule autour de multiples courants
artistiques.
Des mouvements punks, abstract hip-hop, ambiant, noise, post
rock, psyché, rock prog, dark folk, electronica, world, free jazz,
krautrock, gothic, cold wave, lo fi, chiptune, poésie sonore... De
la musique concrète, expérimentale, minimaliste, avant-gardiste,
improvisée. De la danse contemporaine à la mode. De l’art
contemporain à la musique.
Le catalogue des artistes
1/2 Moon (Fr)
Aka_Bondage (Fr - Wallace, Ronda)
Alphabet (Ita - Selvaelettrica)
Andrew Howes (UK)
Choc Orange (Chi - Fruity Shop)
Colin Johnco (Fr. - Vaatican
Records, Classwar Karaoke)
Courtaud (Fr)
Dr(Dr)One (Fr)
D’incise (Suisse - Insubordination,
Audioactivity)
DJ Dee / Dickson Dee (Chine Tzadik)
Electric Electric (Fr - Herzfeld)
Elisa Point (Fr - Rym)
Farewell Poetry (Fr)
Fervent (Grèce - More Mars Team)
Frédéric D Oberland (Fr - Ootb,
Lowave)
Gnod (UK - Slowtapes, Box recs)
Gryn Brvs (UK - Rottenslushy)
Hopen (Suisse - Arbouse, Creaked)
K-the-i??? (USA - Mush Records,
Fat Cat)
King Rythm (USA - Quatermass)
Larmes Magnétiques (Fr)
Lezet (Serbie - Ambolt, A Cell)
Medecine Music (Fr)
Murmurists (UK - Classwar
Karaoke)
Ogniqualvolta (Fr)
Olélé Brut (Espagne)
Prison Food Sucks (Fr)
Seb El Zin (Fr - Sub Rosa)
Sifir (Turquie - Ada Records)
Sinner DC (Suisse - Ai REcords)
The Stuf (Irlande)
Szbutä Soröh, Monobloc Sound
Fidelity (Brésil / Fr)
Textbeak (USA - Philtre Records)
Tellemake (Fr - Angstrom)
TFG (Allemagne)
Tracy Lee Summers (Fr - More
Mars Team)
UM (Fr)
undRess Béton (USA - SuRRismphonoethics)
Essmaa ★02 | 44
PROFIL(S)
LEEP/CJC RECORDS / DERNIÈRES SORTIES
LEEPILATION III - La vie antique ne fût que silence
Made in LEEP/CJC records. July 2009. JOHNCO038 [LP]
Art work: Arno Zhorn
LEEP/Colin Johnco records.
http://colinjohncorecords.free.fr/leepilation.html
Mixed @ Black Byzance - July 2009
This compilation contains tracks from various artists not
only from LEEP/CJC records. It was compiled between
winter and summer 2009 at Black Byzance.
The third compilation from LEEP/CJC records.
Feat: King Rhythm, Nicolas Laferrerie, Chevo Légé, Sad
Latch, Gnod, Farewell Poetry, Andrew Howes, PANPANPAN, Cicerobuck, K-the-i???, Tracy Lee Summers, Sinner
DC, Van Hai, Kaelteloesung, Ian Breno, Agoostus,
LVDLM, Aka_bondage, The Stuf, Ogniqualvolta.
1/2 MOON - 1/2 Moon
Made in France. September 2009. JOHNCO027 [LP]
Artwork: Théo Mercier.
LEEP/CJC records.
http://colinjohncorecords.free.fr/half-moon.html
Projet mené par Nicolas Lafferrerie que nous avions déjà
rencontré à travers Medecine Music.
«En ouverture, l’envol raffiné d’un pur moment classique.
Puis comme une rupture, une suite de piano hypnotique
relayée par les guitares insomniaques de Frédéric D
Oberland, Dave Olliffe et Patrick Delattre. L’album traverse alors une sorte de désert électrique fait de silence
contrarié, de confessions volées à la mélancolie d’un paysage qu’on écouterait de sa chambre sans jamais éprouver le besoin d’en sortir.» [Elisa Point]
PRISON FOOD SUCKS - Kirsten Libre
Made in France. March 2009. JOHNCO037 [LP]
Artwork: PFS
LEEP/CJC records.
http://colinjohncorecords.free.fr/prison-food-sucks.html
«Nan mais comment il m’ parle lui ?
Prends ta respiration. Écarquille tes yeux d’un strabisme
divergent extérieur / intérieur. T’as ton épée, ton amour et
ta barre de vie au maximum, alors on y va. Pas le choix,
pas appuyer sur start, dans la vie tu t’essouffles, tu cries,
et puis c’est derrière et puis c’est revenu et puis ça te
quitte pas. Souviens-toi que même si tu meurs trois fois
tu n’auras vécu qu’une seule vie. Bouge ta tête, tourne,
tourne, pas en rond, surtout pas en rond*. C’est qu’au
milieu du désert t’entends encore rugir le tonnerre, au
creux de tes babines, là où tu sais. Te méprends pas, on
ne sort pas de notre sujet, l’amour, la mort, la vie, la désarticulation ; aime, aime, on te demande que ça.»
[J. Piningre]
«Fréquences singulières d’un bestiaire hypnotique ou
luna park lynchien pour promener nos curiosités les plus
inavouées. Dans la mélodieuse attraction de l’écoute, la
nudité des morceaux presque brute. Paysage d’insectes
percussifs encore dans la fabrication de l’air. Et l’on se
reprend à être surpris par cet imaginaire qui sans jamais
chercher à nous plaire nous séduit.»
[Miss Point]
FRÉDÉRIC D OBERLAND, COLIN JOHNCO - Ombrages
Made in France. May 2008. JOHNCO021 [LP]
Artwork: Théo Mercier.
LEEP/CJC records.
http://colinjohncorecords.free.fr/ombrages.html
Soundtrack of Le Sursaut, Realised by Jonathan Desoindre.
«Couches et tensions harmoniques mi-liquides mi-solides. Ombrages est un disque aux substances subtiles qui
vous rappellera probablement votre dernier séjour dans
l’aether, dans la pureté des sono-strates, &agrve ; la frontière de l’hostilité, vous vibrez.
Les rayons d’un soleil finissent par percer la transparence
de ce ciel sans nuage et une douce ballade chargée de
psychédélisme vous ramène sur Terre.
A pure glowing sounds! Clean your ears before.»
[Darby Mullins]
À venir : Blousno, Brian Lewis Saunders, TFG, The Stuf &
Nuglasis, Lem Preo, Hommage à Altagor, Andrew Howes,
DR(DR)ONE...
ANDREW HOWES - Carrion hors d’œuvre
Made in UK. March 2009. JOHNCO032 [LP]
Artwork: Théo Mercier.
LEEP/CJC records.
http://colinjohncorecords.free.fr/andrew-howes.html
Sombre, brumeux, énigmatique, ambiant et frénétique.
Andrew Howes a plus d’un instrument dans son placard.
Au fur et à mesure les différentes parties s’imbriquent
avec un brin de nostalgie krautrock. Incontournable pour
les adeptes de rock progressif, psychédéliques et autre
merveilles.
HOPEN, COLIN JOHNCO - Save from the flames I kissed
at Halloween
Made in France. March 2009. JOHNCO030 [LP]
Artwork: Hopen.
LEEP/CJC records.
http://colinjohncorecords.free.fr/flames.html
Essmaa ★02 | 45
45
PROFIL(S)
LABEL LOAF (GB)
GRECO-ROMAN STYLE
INTERVIEW UDI RADOMSKY & VINCENT OLIVER
LoAF recordings est de retour en 2010, avec encore
quelques surprises sonores dans les bagages ! Le label a réussi
à se placer dans le cercle privilégié d’une certaine musique
expérimentale, à la fois tribale et pop, électronique et harmonique.
Un exercice pour oreilles curieuses…
Le nom
_Udi: LOAF is an acronym of Lo Alternative Frequencies. It started as a off-shoot of Lo Recordings, a vehicle to develop new acts
that we liked. However after almost five years, we were able to
develop organically as a sister label rather than an off-shoot.
_Vincent: I’m a bit embarrassed by the term «alternative frequencies». I tend not to reveal that detail. Besides, as Udi says, we’ve
developed and I don’t see LOAF as an «Off-Shoot» of Lo, anymore.
It is LOAF, rather than «Lo’s baby».
L’intention
_Udi: We were asked. I’ve been working in music for a long time
now and I never thought of doing anything else.
_Vincent: Udi says «we were asked» but actually I wasn’t there at
the beginning. I used to make music and was the first release on
LOAF. When I moved to London I became good friends with my
label manager Udi and found myself hanging around the Lo/LOAF
office to keep out of the rain. I helped around the office to pass
the time and we soon found that our musical tastes and general
ethos of music coincided quite well... so I joined the team and
shared the vision of LOAF with Udi.
Les labels de référence
_Udi: Tough question. At the moment, I’m a bit obsessed with the
early period of Object Music. They released some great DIY post-punk
in the late 70’s – early 80’s. I especially like that they focused on
the pop-side of the post punk scene. Also, Tomlab’s aesthetic is
pretty groovy, I feel that we share the same love for pop music.
_Vincent: I’ve never found one label to be completely flawless.
There are aspects of other labels that I think I/we can be inspired
by but I’d never say that we take much influence from others.
You’ll find that this attitude is reflected by our eclectic catalogue... LOAF does many things... I used to work for Border
Community and when I really respect their attitude. They have
developed a family and treat their artists really well. This was
something I took with me when I left them, although we have
entirely different priorities in other areas... and a completely different sound, obviously.
Le premier disque acheté
_Udi: Probably, Super Dance 4, or something of that sort. It had
a «Bananarama» song on it that I really liked.
_Vincent: How embarrassing. I’m quite young... I got all my best
music when my older brother switched to CDs and threw out all
his cassettes... directly into my bedroom. I think the first album
I paid for was Crossroads by Bon Jovi. Damn you for asking this
question!
Les choix artistiques
_Udi: We just talk about it. If we don’t agree, we fight each other
(Greco-Roman style) and the winner gets his way. It’s all very erotic.
_Vincent: True story. Sometimes I pretend to hate an artist so that
Udi will pounce on me. We can spend hours on the office floor,
with a CD on repeat. Eventually we end in a deep embrace... in
agreement of the music that provided the soundtrack of the
battle.
La découverte de nouveaux artistes
_Vincent: It happens in many different ways. An artist called
«After After After», who we’d really like to work with was someone
I just happened to stumble upon on myspace... Sometimes we
receive a nice demo CD... Sometimes a friend or one of our bands
recommends someone else. Once a very good friend of mine was
seeing a girl called Sarah Boulley, who handed me a CD of her
brother’s band called Gablé. I’m very proud to have «discovered»
them for the label.
Essmaa ★02 | 46
PROFIL(S)
Quel titre de votre catalogue pourrait le mieux vous représenter ?
_Vincent: Um... City by Strapping Young Lad and Hard Ni Sasette
by Tojiko Noriko. That might give a good idea of what we do.
_Udi: I agree with Vincent. We don’t really see ourselves as belonging to any scene, I reckon a community is a better term.
However, if you go and check out the new Compilation we just released, called Domestic Pop you might get an idea of what we’re on
about.
Le graphisme
_Vincent: We try to keep a consistent mood and find it important
to reflect the atmosphere of the individual release. Excuse me if
I’m not answering your question but we put a lot of emphasis on
good music packaging and find that both of the elements in your
question are very important. As important as each other. We are
really lucky to hae a world-class design team working with us
(www.non-format.com). They have a vision for the aesthetic direction of the label as much as we do with the musical direction. We
work very hard to keep a coherent look for the label as well as present the atmosphere of each release.
Le format
_Udi: CDs are pretty standard, but you can always find great CD
packaging that will surprise you. We recently did a cassette tape
release that I really liked. Would be nice to do more of those, but
I don’t think it’ll be feasible in the long run. We usually release
our music on CDs/MP3s and Vinyl.
_Vincent: This is a tough one... For years Lo/LOAF has had a reputation for producing ground-breaking and award-winning media
that has helped shape the landscape of music packaging... But it
has become so difficult to produce interesting things that we find
ourselves abandoning new ideas. The original LOAF packaging
was applauded by artists, designers and consumers of music
world-wide... but shops just would not accept them... This meant
that it was unfair to keep releasing music in this way as it was
impossible to give the artists the distribution that their music
deserved. Fuck you shops!
When it comes to online media... This should be very exciting...
There are so many possibilities... but it will take a while to be
able to adopt them.
Le téléchargement
_Udi: I think it already changed the music business. People are
expecting music to be free now. Music is much more disposable
than it was when I was growing up. It has its good sides and it
has it’s bad sides. I think today the record label’s role is much
more important than ever before, it acts as a filter/promoter to the
audience who is bombarded by hundreds of thousands of bands.
_Vincent: I agree with Udi... and would add that free downloading
will change the record industry further by forcing it to find other
sources of income. Maybe record labels will have to be mobile
phone companies and internet service providers, in future.
L’économie d’un label
_Vincent: Oh god, I don’t know. It’s a difficult situation for labels
because people argue that to make them want to by physical products we need to make more interesting and beautiful CDs/LPs.
But the decrease in sales also means that there are smaller budgets to spend on interesting and beautiful CDs/LPs. Nobody wins.
I think the question is more ‘How do we make enough money from
music to keep making music’. It’s not necessarily that people
must buy physical products or even buy music, at all. Having said
that... we’re quite old fashioned and we love our CDs/LPs... I really
wish we knew the answer.
La suite
_Vincent: White beards and Space holidays. Perhaps we’ll decide
that we’d like to earn some money and start releasing the same
fucking trash that people like Ed Banger and Kitsuné do so that
people will throw their money at us in the streets.
Artists
Vincent Oliver
Motohiro Nakashima
Charlie Alex March
Spectac
Barbed
Batfinks
Charlie Alex March
Andrea’s Kit
Kid Twist
Dark Captain Light Captain
Chap
Gablé
Websites
www.l-o-a-f.com
www.l-o-a-f.com/free for free
downloads.
Essmaa ★02 | 47
PROFIL(S)
LAOF / SORTIES RÉCENTES
CHARLIE ALEX MARCH HOME/HIDDEN
février 2010
EXTRA LIFE MADE FLESH
mars 2010
Le premier album de Charlie Alex March est une merveilleuse affaire mélodique et plaisante, glorieusement
anglaise mais sans prétention, comme du thé accompagné de muffins, ou une promenade un jour d’automne.
Telle une douce collision entre Aphex Twin à ses heures
les plus mélodiques, la finesse des cordes de Nick Drake
ou quelques arrangements hybrides de Steve Reich et
Syd Barrett pour un film de Tim Burton, la musique de
Charlie Alex March a une persistante, une beauté délicate qui marquera les esprits pour un long moment.
Remarquablement ciblé et mature, c’est un mélange
éclectique de cordes, de pianos préparés et toutes sortes
de claviers électroniques créant une vision musicale
étonnamment cohérente et confortable. Home/Hidden
poursuit l’association entre Charlie et Sean O’Hagan et
Dominic Murcott des High Llamas (respectivement arrangements de cordes et vibraphone), auxquels viennent
s’ajouter les talentueux Andy Ramsay de Stereolab à la
batterie, Jo Apps au chant et Gabriel de Metronomy à la
basse guitare. Après deux EPs acclamés – dont un qui a fait
dire à David Bowie : «Un bel instrumental de glockenspiel et de cordes qui vient doucement et disparaît en
moins de trois minutes. Délicieux.» – Charlie est maintenant prêt à déployer son univers musical afin que le
monde sache qu’il est bon d’aimer la mélodie, de se
détendre, de tomber amoureux, de se sentir bien dans sa
peau.
Moins d’un an après la sortie européenne de leur premier
album Secular Works, EXTRA LIFE nous revient en 2010
avec Made Flesh. Mené par le charismatique Charlie Looker,
longtemps membre leader de Zs, et chanteur, guitariste,
compositeur devenu l’une des voix les plus intenses et
respectée dans l’underground expérimental new-yorkais,
le groupe mélange des éléments de la musique vocale du
moyen-âge, du math rock agressif, de la pop sombre et
romantique et de la composition classique contemporaine. Cette musique, c’est du cosmique sur grand écran,
le mariage alchimique et sacré de la lourdeur sombre de
la terre à vif, et de la lumière éthérée venue des cieux. À
la fois plus accessible et plus sévère que leurs travaux
précédents, le nouvel opus va de ballades acoustiques
fragiles en agressions indus symphoniques. Ce spectre
dramatique invite à une méditation lyrique sur les thèmes
de la masculinité, la puissance, l’érotisme, le corps, la
mort et le mysticisme. Enregistré par le gourou de l’art
métal Colin Marston (Krallice, Behold the Arctopus), en
collaboration avec Caley Monahon-Ward, le son de Made
Flesh approfondit la signature intense du groupe, tout en
explorant également un travail studio plus psychédélique,
des textures électroniques avec synthétiseurs. Le premier
single Head Shrinker sera accompagné à la fois d’une
vidéo de Peking (Ghost Glass, Here We Go Magic) et d’un
remix de Tyondai Braxton (Battles) pour Sockets Records.
Et pour notre plus grand plaisir, cette sortie sera accompagnée d’une tournée américaine en mars et européenne
en mai !
www.myspace.com/charliealexmarch
www.myspace.com/extralifetheband
Essmaa ★02 | 48
48
PROFIL(S)
LABEL MOUTHWATERING RECORDS (Suisse)
THERE IS A COOKBOOK...
INTERVIEW ANDREAS RYSER
Au programme hip-hop et Dubhouse, Breakbeat et
Soul-Jazz. L’équipe suisse distille aussi bien une pop électronique
proche des productions de Moloko que du rififi ragga bass avec
Talen. Cuisine variée, avec depuis 2005, Andreas (Filewile) et
Kevin (DJ Kev the Head) aux fourneaux.
Le nom
_There is a Cookbook wich is called «A 100 Mouthwatering
Menues», so from there we have our Name.
Le lancement
_We are based in Bern, Switzerland, we were working at the
Reitschule Bern as promoters for years, and we had a monthly
Clubnight at this place called Mouthwatering Clubnight, so after
a while we decide to not only to organize Events. So we started
our Label.
1st Release was a Compilation called Home Delivery, then a
2x12” by Filewile called Barbarella. First of all we wanted to
release our own (Filewile) Music. We wanted to be free, not trying
to find a label wich releases us, this takes time and is frustrating
somehow. We wanted to own everything from our Music. So we
started a label. After a while we started to release other artists.
We run sub label called Wankdorf Recordings, there we release
more Indie Music. As example «Electric Blanket». We started 3
years ago with Wankdorf Recordings. Just because we wanted to
release more music wich didn’t fit into the already very open profile of Mouthwatering Records.
Le style
_We are very openminded, so a lot is possible. Sure our musical
taste is changing so the label changes too. Maybe we’re too openminded, this makes it very difficult to place us in a Genre. Each
Release ist totally different somehow... So we do not have a big
crowd who buy all of our releases. Each release we have to promote in different ways and to different people, this is not easy at
all...
Le format
_Most of the releases are available on vinyl, the albums are available on CD. MP3 of course also. We now started to put a downloadcode into the vinyl releases as we think the people who buy
vinyl should receive the MP3 for free.
La distribution
_We have a own web-shop. We do not sell a lot music over our
store. We sell more merchandising there...
We are distributed Worldwide by OUR DISTRIBUTION. They are
based in Germany. A small distributor with who we work already
since the beginning. OUR of course works with a lot of other distributiors, as example Kudos and Shellshock in the UK.
Distribution these days is a nightmare! I think it’s not the fact
that nobody is buying music anymore... there is too many music
available... thats one of the problems...
Le choix des artistes
_It depends, as example Algorythm & Blues we met on our
Mexico Tour with Filewile, so I really loved his live set when he
played in Puebla (Mexico) with us.
New music is always welcome.
La consommation
_Mhhhe, we release whatever we want, never thinking about if
somebody likes it or not. Good music will always survive. How the
artists and labels get paid for their work, this will change for sure.
We gonna start selling our T-shirts wich contains a downloadcode
for the music for example. We also have an own publishing company,
I think this is a must have for a label these days. Most of the income
in the future will come from streamings, radio, flatrates, etc.
La suite
_Working on the promotion for Filewile’s album Blueskywell and
Talen EP’s. And preparing the Filewile Tour in Africa starting end
of november.
Artists
Talen
Filewile
Algorythm & Blues
The Tape vs RQM
MCD
Melody and Rider
Websites
www.mouthwateringrecords.com
www.myspace.com/mouthwateringrecords
Essmaa ★02 | 49
49
PROFIL(S)
LABEL OPTICAL SOUND (France)
WHAT YOU SHOULD KNOW ABOUT OPTICAL SOUND...
INTERVIEW PIERRE BELOÜIN
A l’ère de la postmodernité, le champ de l’art est
régulièrement traversé par des objets qui interrogent son espace
et l’élasticité de ses limites. L’œuvre de Pierre Beloüin pourrait
être un de ces objets aux contours flous et à l’appréhension
fuyante. Revendiquant la pratique de l’art comme moyen
de collaborations, l’artiste devient le cœur d’un réseau ouvert
multipliant les ramifications et le développement de projets
en tout genre (du partenariat au commissariat en passant par
l’édition de disques, l’organisation de concert...).
Ce qui signe d’emblée le travail de Pierre Belouin, c’est le désir
affirmé de multiplier les champs plutôt que de les soustraire
et d’inscrire ainsi sa pratique au sein du label Optical Sound
(dont il est le créateur) dans sa production plastique. Qu’elle soit
jouée ou citée (les références se rencontrent avec une certaine
érudition), la musique, son actualité et son histoire, ses codes
et ses croisements, y constitue donc le socle à partir duquel tout
s’élabore. Se mêle alors, sur une même vibration, l’expérience
sonore et la sensation visuelle.
Guillaume Mansart
Le nom
_Le nom du label Optical Sound provient de la piste optique
sonore des films 16 ou 35 mm (par exemple), cette piste est visible à l’œil nu, et des cinéastes expérimentaux comme Len Lye ont
beaucoup travaillé sur le mode du grattage de cette piste pour
créer leur propre bande sonore.
Optical Sound est donc une référence au cinéma, cinéma pour
l’oreille (cf. label Metamkine) et aussi un nom référent à toutes
les images mentales qui peuvent être générées lors d’une écoute.
J’ai récemment produit selon les plans de Brion Gysin et Ian
Sommerville une Dreamachine finalisée tel un véritable objet de
design, elle trouvera sa place dans une chambre d’hôtel, Gysin
rêvait que les Dreamachines puissent prendre la place des
téléviseurs afin que les gens ne soient plus passifs mais créent
leur propre programme télévisé.
Le lancement
_Le lancement a été animé par la rencontre avec Rainier Lericolais,
puis Olivier Huz, et encore plus récemment dans un renforcement avec Norscq, Christophe Demarthe, P. Nicolas Ledoux ou
encore Black Sifichi.
En 1997 à Paris alors que j’étais aux Beaux-Arts et membre fondateur de la galerie Glassbox, la toute première édition est un
vinyl 12” : Programme Radio (OS.000) composée avec Rainier
Lericolais, et s’intègre à une pièce qui porte le nom du label.
L’intention
_La direction artistique du label tente de mettre sur le même
plan mon travail de production, de plasticien, celui de l’ingénieur
du son, du graphiste et du musicien, tout ceci dans une alchimie
qui la plupart du temps fonctionne sans contrainte ou commande
d’exécutions spécifiques.
Chacun fait confiance à l’autre et se sent prêt à lâcher son bébé
entre d’autres mains.
Je souhaite présenter principalement le type de musique que
j’aime écouter au quotidien ou dans des contextes particuliers, il
s’agit donc de productions aussi éclectiques que mes goûts ou
mes humeurs du moment. J’ai du mal à croire que certains labels
puissent véritablement se spécialiser dans une niche et y rester,
enfermés... sans s’ennuyer eux-mêmes.
Commercialement cela pourrait avoir une explication, encore
qu’actuellement cela ne tient plus, mais quand on se réclame
indépendant à quoi bon singer les «feues majors» ?
Je cherche depuis le début à travailler en réseau et coproductions,
cela commence à porter ses fruits avec quelques structures, mais
on se rend vite compte que toutes les tentatives d’unité, de cartels,
initiées depuis le début des années 80 en France continuent à
tomber à l’eau. C’est un esprit très français qui fait que chacun
se tire dans les pattes...
Les styles
_Styles ou frontières musicales c’est difficile à définir, quand on
me pose la question je demande souvent d’écouter pour éviter à
Artistes
Clair Obscur
Cercueil
Robin Guthrie
Palo Alto
Sébastien Roux
Lionel Marchetti
Rainier Lericolais
Cocoon
The Grief
Norscq
.TAPE.
Blue Baboon
EHB (Lt-No)
Bidibop
Servovalve
Cécile Babiole
Wild Shores
Fréderic Nogray
Heller
SFC 750
Vale Poher (v/s Saâdane Afif)
That Summer (v/s Saâdane Afif)
Skoltz Kolgen
Tsé
Mathias Delplanque
Christophe Bailleau
Olivia Louvel
The Garçon
2Kilos&More
...
Essmaa ★02 | 50
PROFIL(S)
avoir à poser une ou des étiquettes, quand on insiste je parle
d’expérimental, de cold wave, electronica, musique concrète, pop,
spoken words, etc. C’est très large mais à la fois tout est lié.
L’objet disque
_MP3, le CD, le vinyl... Les trois supports existent depuis le début,
mais j’aurais tendance à privilégier le vinyl et plus particulièrement
les picture-discs. Mais aussi les modules de musiques infinies
développés par Servovalve qui pourraient servir très vite d’ossatures à des albums concepts sans fin ni durée sous forme d’objets
sonores compacts et portables.
Le disque physique… Primordial et fétichiste, ce qui reste (en
tout cas l’imprimerie ;)
Les sorties digitales... J’envisage de les renforcer, principalement
quand il s’agit de sessions ou de live comme j’ai pu en programmer
au Centre Georges Pompidou dans le cadre du Nouveau Festival,
et parfois comme des brouillons ou recherches ouvertes aux artistes.
Je travaille pour le moment principalement avec Marie d’Ototoï
sur ce mode de diffusion (www.ototoimusic.com).
L’identité visuelle, les pochettes... Essentiel ! Et depuis le début
avec Olivier Huz puis aussi P. Nicolas Ledoux et Pascal Béjean,
ils font un travail très puissant en toute liberté qui construit
l’identité du label et des éditions.
Le choix des artistes
_En général cela se fait de fil en aiguille par famille, mais pas
toujours, il m’est arrivé de solliciter moi-même des groupes que
j’aimais beaucoup, par contre j’ai très rarement édité une démo
reçue, du premier coup en tout cas... J’écoute une fois puis deux
puis trois à quelques jours d’intervalle, et si ça ne me plaît pas,
ça ne va pas plus loin.
Les coproductions... Principalement les projets autour de la cold
wave ou ce que l’on nomme parfois French New Wave, avec donc
Infrastition par exemple pour Echo Location, Rvb Transfert,
Complot. Mais j’entame aussi des projets avec Hervé Zenouda de
Traces Records, ou encore Thierry Weyd des Éditions Cactus.
Les Poulains du label
_Ça va être long ! Mais je citerais Rainier Lericolais avec qui j’ai
sorti pas mal de choses au début, puis Christophe Demarthe pour
Cocoon ou Clair Obscur, ainsi que Norscq et Black Sifichi on va
dire qu’il s’agit du noyaux dur sur les sorties.
Focus sur les dernières sorties
_Simon Fisher Turner, Music From Films You Should Have Seen
(OS.054), une excellente édition qui rassemble une bande
sonore pour Un chant d’amour de Jean Genet, une autre pour
Derek Jarman ainsi qu’un titre avec Nathalie Clein.
_Servovalve, Temps Fixe - Time Creatures (OS-DVD.003), une double édition DVD et CD-ROM qui a mis presque 6 ans à voir le jour,
un énorme travail qui rassemble la plupart des travaux des
Servovalves, qui ont l’habitude de travailler sur le mode aléatoire
et infini en ré-introduisant de la chaleur et de l’organique dans
les outils informatiques.
_Sébastien Roux, Wallpaper Music (OS.057), une édition avec un
format très particulier agrémenté d’un livret complet relatant toutes
les bandes sons crées par Sébastien pour ces projets d’installations que sont les Wallpaper Music.
_Les Échos de l’étale vol.1, en co-édition avec les Éditions Cactus,
avec Leif Elggren & Carl Michael von Hausswolff, Edward Graham
Lewis et B. J. Nilsen & Hildur Gudnadóttir ; collection coordonnée par Thierry Weyd, en collaboration avec Pierre Beloüin.
Les adresses utiles
L’idéal et le plus rapide pour
les objets physiques, règlement
sécurisé en ligne par paypal :
www.optical-sound.com
Pour le digital :
www.ototoimusic.com
Pour la grande distribution (Fnac,
Amazon, Virgin, Gibert, etc.) :
distribution Season of Mist.
Pour les boutiques et mail order :
Souffle continu, Bimbo Tower,
Infrastition...
Essmaa ★02 | 51
51
PROFIL(S)
RADIO W-H-Y ? (France)
SELECTED MODERN MUSIC
INTERVIEW OLIVIER LE FUR
Podcast hebdomadaire, W-H-Y ? est comme le jus
d’orange du matin… L’annonce de la nouvelle diffusion atterrissant souvent dans la nuit de dimanche, le mail de W-H-Y ? avec
son esthétisque simple et efficace lance les actualités de la
semaine en fanfare… Sélection / sans / œillière
Année de lancement & emplacement. 2002
Géré par O:liv aka Olivier Le Fur – [email protected]
Site Web. www.w-h-y.org
Périodicité. hebdomadaire
L’origine du nom w-h-y ? - selected modern music
_Anglaise
Identité musicale
_Indie electro / indie rock / indie folk / indie hip-hop / noise / field
music / kraut / doom / techno...
Volonté animant cette émission
_Partager mes découvertes musicales / soutenir l’industrie musicale indépendante
Caractéristiques de l’émission
_One man website / totalement indépendant / totalement subjectif / je suis seul, et donc je décide de tout.
Mes podcasts sont ce qui remplace le contenu rédactionnel de
w-h-y? Je n’ai pas le temps ni le talent d’écrire des chroniques.
Le fait de choisir un titre en ouverture ou fermeture de podcast,
le fait de choisir telle ou telle pochette pour l’illustrer est ma
façon de faire du journalisme.
Déclic & influences musicales
_Né à Hennebont (56) en 1977 / lycée à Lorient (56) / découverte de l’émission de Bernard Lenoir vers 16 ans / découverte du
magazine Les Inrocks / plonger vers l’indie-rock Radiohead, PJ
Harvey, The Auteur, Sonic Youth, Pavement, Grandaddy / 1er choc
avec le monde electronique et Aphex Twin vers 18 ans, et
Windowlicker un plus tard / 1996 arrivé de l’internet dans ma vie
/ 2 ans perdu à Blois (41) en IUT / découverte des free party, de
l’ecstasy / Leftfield / Underworld / Warp / 1997 première Route
du Rock / 1999 premier site internet sur un site free / première
photos mise en ligne de la Route du Rock - M83, Lift To Experience,
etc. / 1999 arrivé à Paris / Antipop Consortium @ Batofar / Aphex
Twin @ Mains d’œuvres / Le Pulp / etc. etc. / 2002, www.w-h-y.org
est né / 2004, 1er DJ set au Chéri(e) Café / 2004-2007, Production
et organisation de concerts : Sunn O))) + Portradium + Soft Circle
+ Sic Alps + Climax Golden Twins + Pillooski + Jason Edwards +
Matt Elliott + Manyfingers +... / 2007 DJ set pendant 3 jours à
la Route du Rock + DJ set dans la prog officielle des Bars en
trans /... etc. Aujourd’hui www.w-h-y.org a 1600 abonnés.
L’actualité musicale
_Des choses plutôt brutes comme Nisennenmondai, Sunn O))),
Health ou Fuck Buttons. Des choses plutôt dansantes comme les
sorties des labels I’m a cliché, DFA, Versatile, tout ce que sort
Andrew Weatherall. Des choses plutôt à base de synthétiseur
comme Étienne Jaumet, Subway, le label DC Recordings,
BEAK>... Des choses carrément plus techno comme le dernier DJ
Hell, Louderbach, Piemont, Gui Boratto.
La «créativité» musicale d’aujourd’hui
_Je découvre de nouveaux artistes tous les jours et de plus en
plus. J’écoute une quarantaine d’albums de nouveaux artistes par
mois en moyenne. Le choix et la diversité musicale n’a jamais été
aussi large. C’est un peu une banalité que de dire cela mais tous
les styles musicaux se mélangent. Beaucoup de choses qui m’intéressent sont à base d’hybridations... La créativité est à l’origine
de mon site internet. La créativité est la modernité. Le sous-titre
de mon site vient de là : «selected modern music».
La façon de consommer de la musique et son impact
_Un exemple assez parlant : mon ancien Ipod de 30 Go a cramé
il y a quelques semaines. Je m’en suis acheté un nouveau mais
Essmaa ★02 | 52
PROFIL(S)
beaucoup plus petit cette fois ci, 8 Go. Car comme ça, une fois
rempli je suis dans l’obligation de supprimer tous les jours des
artistes que j’ai découverts il y a à peine quelques semaines. Ce
simple exemple est à l’image de la consommation actuelle. Est-ce
un mal ? Je n’ai pas la réponse. Le fait est que le tri se fait plus
sélectif. La masse actuelle de musique est gigantesque.
L’Internet a démultiplié l’accès à la musique et tout autre média.
On se retrouve face à l’infini !!!!!! À chacun de trouver sa façon
de s’y déplacer en essayant de ne pas s’y perdre.
L’évolution de la consommation de musique
_C’est la question fondamentale que se pose aujourd’hui toutes
les maisons de disques. Qu’elles soient majors ou indépendantes.
Personne n’a la réponse. Cela fait maintenant 10 ans que
l’Internet a fait son entrée dans ce système et l’a entièrement
déstabilisé. PUNK IS NOT DEAD et ça fait bien plaisir.
Les initiatives intéressantes
_Radiohead et le lancement de son dernier album au prix que tu
souhaitais / les vouchers ou codes que tu trouves de plus en plus
à l’intérieur des vinyles / à part ça pas grand chose de révolutionnaire depuis l’arrivé du MP3... Chaque média fait son temps. Le
vinyle, la K7, le CD, le MP3...
Les manques
_Un système de rémunération de l’artiste équitable.
L’évolution de ton podcast ?
_Rien n’est planifié. Je ne fais aucun travail de communication
et tous les jours j’ai de nouveaux abonnés. C’est qu’un certain
nombre de personnes s’y retrouvent... Des gens du monde entier
tombent sur lui, le télécharge, l’écoute...
Tu es également DJ. Est-ce complémentaire comme approche ?
_Oui. Je ne mixe pas la même chose face à un public que seul
chez moi devant mon ordinateur. J’aime énormément les musiques de danse. Elles existent plus sur un dance floor que seul à
l’écoute au casque.
PLAYLIST
LABELS
_ATP Recording
_DC Recrodings
_DFA
_LOAF
_Paw Tracks
ARTISTES
_Black Dice
_Ben Frost
_DJ Hell
_Fucks Buttons
_Health (+ Thop)
PLAYLIST 2009
_Ben Frost, By The Throat (Bedroom Community)
_Black Dice, Repo (Paw Tracks)
_Circlesquare, Songs about Dancing and Drugs (!K7)
_Clark, Totems Flare (Warp Records)
_DJ Hell, Teufelswerk (Gigolo Records)
_Dominique A, La musique / La matière (Cinq 7)
_Étienne Jaumet, Night Music (Versatile Records)
_Fuck Buttons, Tarrot Sport (ATP Recordings)
_Health, Get Color (Lovepump United)
_Jim O’Rourke, The Visitor (Drag City)
_Mi Ami, Watersports (Quarterstick)
_Nisennenmondai, Destination Tokyo (Smalltown Supersound)
_Oneida, Rated O (Jagjaguwar)
_Shackleton, Three EPs (Perlon)
_Sister Iodine, Flame Desastre (Premier Sang / Editions Mego)
_Subway, Subway II (Soul Jazz Records)
_Sunn O))), Monoliths & Dimensions (Southern Lord)
_The Flaming Lips, Embryonic (Warner)
_Turzi, B (Record Makers)
_White Rainbow, New Clouds (Kranky)
Essmaa ★02 | 53
53
PROFIL(S)
ARTISTE EDH (France)
J’AIME QUAND C’EST DOUX ET LÉGER, J’AIME LES MÉLODIES
SÉDUISANTES. MAIS ÇA NE PEUT PAS ÊTRE AUSSI SIMPLE.
INTERVIEW EMMANUELLE DE HÉRICOURT
Emmanuelle de Héricourt (EDH), compose une musique
à la fois légère et sombre, confrontant sa voix fragile et désincarnée
à des mélodies imparables. Exilée à New York au début des
années 2000, elle y compose et enregistre inlassablement,
sans jamais chercher à se faire éditer. Depuis son retour à Paris
en 2003, elle s’est décidée à nous livrer quelques trésors :
son premier album officiel (Morgen) a vu le jour sur le label
japonais IntikRec (dDamage, Aonami…). En 2006, c’est son
album The Correct Use Of Pets, collaboration avec Hypo...
En 2008, le rappeur américain Subtitle qui dirige le label Matte
Black Editions, la persuade de publier sa production new-yorkaise
et nous offre l’album d’EDH le plus sombre à ce jour, New York
Tracks 2001-2002. En 2010 EDH intègre le nouveau label
parisien Lentonia, esthète du vinyle, spécialiste de la pop
féminine déviante (A&E, Elmapi…) et nous livre Prédature,
son nouvel album.
Le déclic
_J’ai commencé la musique un peu par hasard (il me semble).
Grace à la machine. J’ai découvert cette approche du son spécifique à l’informatique. Très visuelle et intuitive. Et juste le plaisir
d’agencer des bruits, de superposer des sons. C’était vers le
milieu des années 90. Et puis j’ai habité quelques années à
Cologne. J’y ai découvert beaucoup de choses, surtout dans le
champ des musiques électroniques. L’horizon semblait dégagé.
Les choses semblaient faciles. J’avais l’impression de trouver de
l’or un peu partout. J’ai passé beaucoup de temps à écouter des
disques dans une certaine boutique appelée A-musik. Tout me
semblait intéressant, nouveau et souvent beau.
Les références
_C’est un peu compliqué les références. Les références sont de
plus nombreuses avec le temps. J’essaye plutôt de m’en détacher.
Mais elles sont bien là et elles agissent à mon insu. D’une manière
moins générale, en Allemagne, à mes débuts donc, j’ai surtout
écouté de la musique électronique. Mes deux pôles d’attractions
étaient A-musik, la boutique et le label. Ils produisaient une electronica très sensible et plutôt mélodique (Schlammpeitziger,
Holosud, L@n, F.X. Ramdomiz, Felix Kubin…) et la boutique de
Kompakt aussi. Là j’y est retenu surtout la minimal techno bien
caractéristique de Cologne. Ensuite j’ai habité quelques années à
New York et là j’ai un peu perdu tous repères musicaux. J’ai énormément produit en abandonnant toute ambition technique. Je
me suis retrouvé dans un mode d’expression assez brut. Avec le
recul je pense à Daniel Johnston et Kimya Dowson qui aurait pu
être mes influences. Du moins il s’agissait là de faire musique
d’une manière évidente, vitale, proche de la survie. Ça c’est un
peu l’histoire de mes «New tracks 2001-2002» que j’ai finis par
sortir il y a quelques mois. Pour en arriver à mon dernier album
Prédature, j’y vois des références plus diverses et plus confuses.
Le climat actuel est plus étrange. J’écoute beaucoup de choses.
Souvent des trucs assez inconnus glanés sur internet. Je manque
encore de recul pour en parler.
Les influences
_Mes influences les plus profondes sont peut-être des émotions
que j’ai pu avoir en écoutant de la musique ou certaines choses
qui n’ont rien à voir avec la musique. C’est un grand chaos que
j’essaye de mettre en ordre.
Le cheminement
_J’ai choisi de faire de la musique. Peut-être aussi parce que je
parle difficilement. Il m’est donc difficile de parler de ma musique. «Écoute si tu as deux minutes !».
Faire de la musique me semble maintenant une évidence et un
besoin. Au départ je produisais plutôt des images, de la vidéo et
j’ai doucement basculé dans les sons. Si j’ai pu aborder la musique c’est qu’au départ elle m’a paru visuelle. Des courbes sur des
logiciels, à assembler, mixer et découper. Ce moyen s’est petit à
petit substitué aux autres. J’y ai trouvé une plus grande liberté.
En partie parce que je n’ai aucune formation musicale. Je persiste d’ailleurs à ne pas vouloir «apprendre» et recherche plutôt
Essmaa ★02 | 54
PROFIL(S)
des états et des intuitions. J’ai aquis une certaine technique malgré moi avec le temps. Mais ca ne m’intéresse pas vraiment. Le
minimun syndical de technique ! Le travail pour moi est ailleurs.
La méthode de travail
_Je suis très impliquée dans mon travail et j’ai souvent du mal à
prendre du recul. Je pourrais peut-être dire qu’il y a une certaine
mélancolie et une certaine légèreté dans mes morceaux souvent
comprimées par quelque chose de plus tendu et réaliste. Il y a
une certaine dérision aussi. Si je parle de mon dernier album, je
pense que son unité est faite de contradictions. Du moins il y a
une certaine tension qui rend l’agréable inquiétant je crois.
Je compose souvent mes morceaux dans un temps assez réduit.
En fait, ce sont des périodes intensives et totalement obsessionnelles où je produis énormément. Je passe par des états différents,
j’essaye d’oublier. Je n’ai pas de méthode et je ne peux pas en
avoir. Parfois je ne comprends plus rien. Je ne sais souvent pas
ce que je fais. Il y a bel et bien une direction, mais elle se crée
au fur et à mesure. Rétrospectivement je la vois, mais il n’y a rien
devant moi. Lorsque je projette quelque chose ou tente d’aller
quelque part, c’est souvent une erreur.
Les sources sonores et la technologie
_Je me sers essentiellement d’un synthétiseur. Presque toujours
le même d’ailleurs. J’en ai changé il y a trois ans et c’était une
expérience un peu douloureuse. Il fallait que je change mes sons.
J’ai eu peur de m’enterrer vivante avec mon vieux synthé analogique des années 80. Par ailleurs j’utilise ma voix et une basse.
Le tout est enregistré par couches successives dans mon ordinateur. Puis parfois retraité (ou pas). J’aime bien garder les erreurs
et accidents de mes enregistrements. Ça peut devenir parfois
l’élément crucial d’un morceau. Il y a également une part de
découpage et d’assemblage de samples divers et variés, de provenances plus ou moins douteuses. J’enregistre dans mon petit
studio. Parfois il y a la cours de récréation de l’école d’à-côté, les
voix de mes voisins ou la sonnerie de mon téléphone qui viennent
se greffer dans mes enregistrements. Ce sont des prises de son
dans un contexte vivant. J’aime assez l’idée d’enregistrer dans un
lieu signifiant. Je ne comprends pas bien la démarche d’aller en
studio. Pour moi il s’agirait d’une grande «javélisasion» du son.
J’aime beaucoup la technologie. L’ordinateur est l’un de mes
principaux centres vitaux. Je reste facilement une dizaine d’heures par jour collé à mon écran. Si je devais choisir entre la réalité et un monde virtuel, je choisis le monde virtuel. J’ai toujours
eu un ordinateur. Depuis les tous premiers dans les années 80.
Et si je fais de la musique c’est uniquement parce que je l’ai vu
au travers d’un écran d’ordinateur.
L’utilisation d’internet
_D’autres manières que celles déjà existantes ? Je ne les connais
pas toutes et il y en a sans doute de nouvelles chaque jour. Audelà de son utilisation, je pense qu’internet a changé la manière
d’écouter la musique et forcément de la créer. Il y a beaucoup
d’opinions défavorables sur la question. On se retrouve face à une
avalanche de musiques et de propositions. De quoi se perdre. Les
repères se brouillent. Il n’y a plus d’échelle de valeur. Un MP3
en valant un autre. J’aime bien cet état des choses. Ça oblige une
totale remise en question. Des producteurs comme des musiciens. Il faut penser les choses autrement. Retrouver un sens. Je
trouve ça très stimulant. Un peu comme si les choses avaient été
remises à plat.
Le monde musical
_J’ai du mal à cerner «le monde musical». J’imagine qu’il y a
beaucoup de mondes musicaux. Je vis dans un monde musical
que beaucoup de monde ignore et j’ignore un grand nombre de
mondes musicaux. Je ne comprends pas bien ta question. Mais
j’imagine que tu as une idée en tête.
Les lives
_Mes lives en solo ou avec Hypo sont des adaptations des morceaux «studio». Nous faisons tourner une bande qui fait office de
«squelette» et nous y ajoutons un maximun d’éléments live. Nous
intégrons également des passages totalement improvisés. En solo
je suis à la basse, chant et effets. Avec Hypo nous sommes sur
un mode plus électro avec beaucoup de bidouillages sonores.
Nous jouons maintenant avec un batteur, Stéphane Bellity qui
ajoute une bonne énergie à l’ensemble. D’une manière générale
je considère les lives comme une approche différente d’un travail
«studio». C’est un acte scénique qui inclut les personnes physiques. L’importance est moins portée sur la finesse des détails que
sur l’énergie et l’échange qui peut être créé.
...
Websites
http://edhnet.net
http://www.myspace.com/
emmanuelledehericourt
http://www.lentonia.com
Essmaa ★02 | 55
Les rencontres et les projets en parallèles
_Les rencontres, beaucoup. Je n’en fais pas tant que ça, mais elles
sont très importantes. Quant aux projets parallèles, je collabore
souvent avec Hypo. J’ai également tenté quelques collaborations
qui m’ont beaucoup enthousiasmées. Par exemple, avec Nicolas
Jorio. Mais je ne m’éparpille pas trop. Je peux difficilement participer à des projets qui ne soient pas en totale adéquation avec
mon propre travail. Je n’aime pas bien les compromis. Je ne suis
pas très souple et j’aime travailler seule.
55
PROFIL(S)
ARTISTE DJ ELEPHANT POWER (Belgique)
DÉTERMINÉE, DISCIPLINÉE, DE DÉSIR, DE TENSION...
INTERVIEW NICOLAS BAUDOUX
Avec Non Si, Ni So, son premier album solo sorti sur
le label Sonig fin 2004, DJ Elephant Power présentait bien plus
qu’un album... une démarche, un personnage, un style. Nicolas
est le parfait anti-perfectionniste. Il se dit DJ et vous présente
avec humour le travail d’un platiniste doué ayant inventé son
propre langage musical. Miami bass, dub step, grooves vicieux,
bidouillages et influences R’n’b, la quantité des ingrédients est
impressionnante... La qualité ne fait pas défaut, non plus !
Structurellement bordélique, foisonnant de trouvailles drôles,
voilà le résultat d’une fausse plaisanterie .
Déclic
_Mon premier déclic a été la batterie. J’ai monté un band avec
mon frère et quelques potes du quartier où l’on habitait. On faisait
du rock progressif à tendance skate punk. J’écrivais les paroles
des chansons.
Et puis quelques années plus tard arriva le premier disque de
Scratch Pet Land. Avec mon frère, on avait migré vers la capitale.
C’était l’époque qui marquait pour moi le début d’une exploration
des sons électroniques avec un engouement sans limite. Alors, au
hasard d’une interview qu’un ami réalisa sur AIR, on a rencontré
Nicolas Godin. On lui a fait écouter quelques morceaux. Il était
super cool, il a bien aimé... On lui a donné une démo et il nous
a mis en contact avec Marc Teissier du Cros qui était directeur
artistique du label Source à Paris. On a très vite sorti un premier
mini-lp.
Les références qui jalonnent le cheminement musical
_Dans un ordre aléatoire :
Dizzee Rascal : après avoir entendu Boys in the corner, premier LP,
c’est la claque, j’adore le son, grime. Son flux vocal est surhumain !
Anti-Pop Consortium, le top du hip-hop avec une production futuriste !
Lee «Scratch» Perry, sa période du Black Ark studio (de 74 à 79).
Timbaland et les Neptunes, parmi les producteurs r’n’b les plus
aventureux au sommet de la musique commerciale !
Essmaa ★02 | 56
PROFIL(S)
D.R.I, Napalm Death... J’étais un grand fan de «trash» et de
«grindcore».
Skream, Benga : la production dubstep !! À écouter avec un gros
«sound system» et des «subs» ultra puissants ! j’adore le tempo...
Le bailey funk, le UK funky et le skweee... le nouveau funk !
Invisible Skratch Piklz, j’ai surtout été marqué par les improvisations radio : «The Shiggar Fraggar Show» enregistrées fin 90 en
5 volumes. Le concentré d’ingéniosités et de techniques parfois
hasardeuses qui pour moi résume le mieux la deuxième période
la plus forte du mouvement «scratch»...
De Albert Ayler à l’Art Ensemble Of Chicago. Toute la période
freejazz 60.
L’ambiance générale
_Déterminée, disciplinée, de désir, de tension... urbaine.
La technique «Elephant Power» présentée online
_Pour obtenir une qualité de production, un son précis, pour moi
l’impact de la technologie est très importante. Elle est indispensable. Ainsi que pour la composition et la création des morceaux.
Avec le programme DJ (TraktorScratchPro, de chez NI) permettant aussi de manipuler ses propres fichiers directement enregistrés sur l’ordinateur depuis les platines vinyle. J’ai développé une
technique basée sur l’impro, l’instant et les techniques de
scratch. Le résultat que l’on peut voir sur ses vidéos (appelées
«Impro series») explique l’essentiel de la démarche. Mais la
magie du «sampling» et de l’arrangement ajoutée à ses forments
sonores donnent de super résultats en post-prod.
L’impact de la technologie ?... d’abord c’est un outil qui permet
d’être à la pointe des sons, des nouveautés. Ensuite, cela m’accompagne dans tout le processus de création, que ce soit en studio ou en concert !
Les sources sonores
_J’utilise énormément de plug-in et de VSTi (synthé virtuel) pour
trouver et créer ce que je cherche. J’enregistre aussi différents
instruments acoustiques pour trouver un premier groove. Souvent
la partie rythmique de mes morceaux est la première chose que
je cherche. Celle-ci donne une signature temporelle de chaque
mouvement musical, alors c’est un point que je travaille beaucoup.
Les parties basses viennent ensuite, elles sont super importantes.
Là, j’utilise le faderboard comme clavier maître et je joue avec
des synthés virtuels comme Massive ou Abl pro. J’obtiens les harmonies du track, le squelette. Ensuite, je cherche les mélodies.
Mais le tout trouve sa place quand je fais le mixage final, que je
joue avec toutes les pistes écrites pour trouver l’ultime énergie du
tracks.
La méthode
_D’abord, je pense au style d’album que j’aimerais faire, c’est-àdire quel message j’aimerais qu’il apporte. Ensuite je travaille sur
les morceaux de façon brute, spontanée. Puis, après avoir créé de
nouvelles matières, je travaille plus profondément le son, le mixage
et l’arrangement de chacun... jusqu’à trouver l’impact final...
Dans le choix de la matière sonore, il y a également une volonté
de «reprise» des choses populaires, celles qui créent des mythes,
des légendes.
Une sorte de «marque de fabrique» ludique, que l’on retrouve
souvent dans la scène locale ; due sans doute à ce mélange d’influences et de cultures. La scène belge, bruxelloise «rock» ou
«électronique» développe toujours un peu plus une forme de surréalisme et d’avant-gardisme brut dans ses réalisations.
Vers quoi tendre maintenant ?
_Une nouvelle dimension.
PLAYLIST (5 RÉF.)
Terror Danjah, Gremlinz (Planet µ)
Boys Noize, Power (Boys Noize Records)
MF Doom, Born Like This (Lex Records)
Joker, 1_4 inc Solid State (Kapsize)
Nirvana, Nervermind
Websites
www.djelephantpower.com
www.myspace.com/djelephantpower
vidéos «Impro series» sur youtube
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57
PROFIL(S)
ARTISTE GOGOOO (France)
ÉTRANGEMENT CALME, COMME EN SUSPEND
INTERVIEW GABRIEL HERNANDEZ
Le Grenoblois Gabriel Hernandez accumule les sorties
sur divers netlabels, se lançant lui-même dans l’aventure en
créant Rain Music. Le passage au format CD était inévitable, et
c’est le label français Baskaru qui en a le privilège en 2007...
On le retrouve aujourd’hui sur Tsuku Boshi pour deux mini albums,
deux faces de son univers. Entre chansons folk post-électronique
et drones caressés par le givre.
Ton dernier disque
_Vaste question... Pour être plus juste, il faut parler de deux disques puisque je sors deux albums en même temps chez Tsuku
Boshi – Entre les arbres et le lit et Simple. Ces deux albums sont
assez différents et je suis heureux qu’ils sortent en couplet parce
qu’ils sont comme deux portes d’entrées à mon travail. Simple
est l’évolution naturelle de ma musique. Un élan vers quelque
chose de très acoustique avec quelques retouches informatiques.
Entre les arbres et le lit est un heureux accident. Il est très électronique alors que je l’ai composé dans une période où je tends
à me détacher des textures informatiques.
Les titres
_Les titres sont toujours très importants pour moi. J’aime les penser
comme des petits haïkus où l’auditeur peut y mettre beaucoup de lui.
Simple c’est aussi lié avec la manière dans les morceaux sont
composés. Les sons y sons agencés très simplement et presque
sans retouches.
Entre les arbres et le lit c’est aussi parce que ce projet a été composé avec des sons pris en forêt et des mélodies jouer avec un
laptop en tailleurs sur mon lit.
Ambiance
_Étrangement calme, comme en suspend... J’attache beaucoup
d’importance à la notion d’attente. Dans mon travail en général
ça se ressent. Que ce soit dans un dessin, une vidéo ou une pièce
musicale il y a toujours quelque chose qui est de l’ordre de l’attente. Comme l’avant ou l’après d’un moment dramatique.
Il n’y a pas de sujet précis dans ces albums... des préoccupations
plutôt. Mais je n’intellectualise pas au moment de la conception
d’un travail, les choses se font au fur et à mesure. Je laisse mûrir
mes envies un long moment et puis quand je sents que c’est le
moment d’enregistrer tout se fait de manière simple et naturelle.
On peut dire que c’est de l’improvisation mûrement pensée...
Simple est un ensemble de morceaux créés dans des moments
plutôt sereins au contraire de Entre les arbres et le lit qui a plutôt était fait d’un bloc dans un moment difficile. Je crois que cela
se ressent à l’écoute de l’album. Il s’agit d’un ensemble de pièces
assez sombres.
Méthode
_J’enregistre mes morceaux toujours de manière domestique.
Avec du matériel léger et à la maison. Un micro d’ambiance, un
mini-disc, un laptop. Je dois beaucoup à l’ordinateur c’est certain, mais je tends à m’en décrocher peu à peu.
J’utilise beaucoup de field recordings et des mélodies de pas mal
d’instruments ; guitare, mélodica, harmonica, orgue électrique,
petit componium, etc. Je joue tout cela en direct sur Bidule, un
logiciel qui met les sons en boucle et qui peut appliquer des
effets ou de plugins vst en direct.
Entre les arbres et le lit diffère un peu dans sa conception car je
l’ai composé entièrement sur un logiciel que je n’utilisais plus
Websites
http://gogooo.free.fr
www.myspace.com/gogooomusic
http://cd1d.com/fr/artist/gogooo
Essmaa ★02 | 58
depuis 3 ans. Il s’agit de Lloopp qui fonctionne sous Max-msp et
qui fonctionne sur le même principe que Bidule. La différence
étant que l’on peut encore plus distordre les sons et les transformer de manière très souple.
Personnellement je n’aurais jamais pu commencer la musique
sans ordinateur. Je me suis créé tout un process qui me permet
d’arriver à faire ce que je souhaite tout en gardant une part de
surprise. Aujourd’hui je tends à être moins dépendant du laptop
mais il reste quand même mon principal instrument... J’aimerais
arriver à faire une musique complètement acoustique soulignée
par moment seulement avec quelques effets. Et ponctuellement
composer de longues pièces électroniques sur laptop.
La créativité
_Je ne pense pas qu’il y ait ni plus ni moins de créativité aujourd’hui
qu’hier.
L’aspect commercial de la musique a pris certes beaucoup de
place mais les choses sont en train de changer je crois.
Les influences
_Je reste toujours impressionné et admirateur du travail de bon
nombre de musiciens et de groupes. En vrac : David Lynch, Les
frères Quay, Michel Gondry, Spike Jonze, Andrei Tarkovski, Bjork,
Radiohead, Jim O’Rourke, Steve Roden, Yuichiro Fujimoto, Greg
Davis, Kafka, Robert Walser, Emily Dickinson, Taiyou Matsumoto,
Myrzik & Moriceau, Frédéric Poincelet...
J’en oublie sûrement beaucoup. Mais ma plus grande influence
reste ce qui se passe autour de moi, la vie de tous les jours.
Je ne sais pas trop ce qui a influencé mes dernières compositions. J’ai redécouvert le duo d’artiste Fischli & Weiss pendant la
création de Simple alors peut-être que ça a joué un petit rôle
mais je n’en suis pas certain.
Collaborations
_J’ai déjà réalisé de bien belles collaborations, que ce soit avec
Daisuke Miyatani, Félicia Atkinson, Alain Basso ou bien Dale
Berning. Je n’envisage jamais à l’avance les collaborations auxquelles je participe, c’est plutôt l’envie du moment. Cela dit, je
tenterais bien de faire quelques morceaux avec Haruki ou Anne
Laplantine ou bien un album avec Dale Berning.
58
PROFIL(S)
ARTISTE WILL GUTHRIE (France)
PIECE RUNS FOR 8 MINS 27 SECONDS
INTERVIEW
Musicien australien installé à Nantes Will Guthrie
se distingue par sa pratique du détournement ainsi qu’un travail
autour de la matière sonore. Batteur, percussionniste, manipulateur
d’objets électroacoustiques il se produit régulièrement en solo
ou avec des musicien dont Jean-Philippe Gross, Helmut Schafer,
Keith Rowe, Jérôme Noetinger, Jean-Luc Guionnet, Erell Latimier...
Il est également producteur au sein du label Antboy Music
et organisateur de concerts avec l’association CABLE#.
Le dernier disque
_Spike-s was made specifically to be released as a 7” single. The
main elements are two sound sources: a melody I ripped from an
LP of tradional Breton music, and some recordings of my drums,
which I then treated in different ways for Side-A, and Side-B.
For Side-A I wanted to make a kind of noise ‘anthem’, with a spider-web constructed melody trying to rise above the noise, trying
to fight it’s way to be heard and in the end winning the battle.
Like a hysterical melody that demands to be heard within density.
It is the first time I have constructed a piece that deliberately
deals with melody and harmony.
Side-B uses snippets of that same melody, and also some of the
same recordings of the drums, however the melody is used more
as an image, like a photographic image returning to the piece
several times.
Le titre
_I released another short piece in 2005 entitled Spear, this piece
runs for 8 mins 27 seconds. Spike-s is a continuation of the work
I started with Spear in that they are all very short pieces, short
and sharp (like a spear or spike)!
L’état d’esprit
_The main subject is the melody from Brittany.
Each of my projects I try to have a very different approach, a language that I develop for the project, and hopefully a language
that is different from all my other projects. Solo work is obviously
photo. Cees Van de Ven
Essmaa ★02 | 59
PROFIL(S)
really different to playing with others, and recording is obviously
very different to playing live. In my solo work over the last few
years I am trying to be as clear as possible, to work with specific
ideas and sounds that I work on with all my other projects, but
solo brings all these elements together.
Honest music. By this I mean people who have followed their
heart, who don’t respect musical rules, who don’t make music to
try to be succesfull, but just try to honestly express what is in
their head.
L’enregistrement
_The pieces are not improvised at all. The pieces were composed
in the studio.
The drums were recorded by Miguel Constantino at his studio in
Brittany, Miguel records the drums beautifully so I wanted to work
with him on this recording. We recorded the drums with good
microphones, for a clean sound, and we also recorded the drums
amplified by cheap microphones and contact mics which was diffused through guitar amps for a more distorted sound.
The idea was to have two options for the same take, one being
very clear, and the other sounding very cheap, and to be able to
mix the two together. We also worked together on some of the
treatments of the melody, and the editing of Side-A. The rest was
done on my computer at home. Then it was mixed by myself and
Miguel at his studio.
Les sources sonores
_Drums, LP of breton music, a broken delay pedal, record noise,
bells, cheap microphones, contact microphones, amps.
Rester fans ?
_It is not always easy to continue, but I can’t think of any other
work that would be easy if one is trying to advance, not repeat
oneself (too much), and keep things fresh. Sometimes the music
itself can be hard to continue, to keep moving forward but more
often for me but it is not so often the music itself that is hard to
continue, but all the bullshit around the music, trying to find gigs,
labels to release my music, etc. That element can be frustrating.
Also a lack of time to really develop projects, most of the musicians
I work with don’t live in Nantes or even close, so it is not always
easy to get to together to work on developing the music.
Les influences
_Music that is multifaceted, with several layers, meanings, juxtapositions, beautiful, ugly, violent, calm, gentle music...
Dernier disque
Spike(s) (7”, Pica Disc, 2009)
Websites
www.antboymusic.com
www.antboymusic.com/cable
Artistes du label Antboy Music
Adam Sussmann
Charlie Charlie
Ernie Althoff
Fages / Gross / Guthrie
Greg Kingston
Helmut Schäfer
Matt Earle
Uncle.E
Will Guthrie
Essmaa ★02 | 60
60
PROFIL(S)
ARTISTE MAGA BO (Brésil)
TRANSNATIONAL BASS
INTERVIEW STEPHEN BOWEN ANDERSON JR.
Maga Bo est un producteur / DJ basé à Rio de Janeiro,
Brésil. Son travail se déploie entre lhip-hop et kwaito, baile
funk et ragga jungle, grime et dubstep. Samba, raï, bhangra...
sont ici autant d’influences biaisées par les beats électroniques
provenant de cassettes pirates achetées dans la rue ou de fichiers
MP3 téléchargés sur Internet... La mondialisation dans le bon
sens du terme...
First of all, can you introduce yourself to our readers and tell us
about your past as a musician?
_I am a musician / producer / sound engineer /DJ originally from
Seattle, USA based in Rio de Janeiro, Brazil since 1999. I produce and play bass and drum heavy music from all over the
world.
I started out playing piano and drums while in junior high school
and eventually began working as an engineer in recording studios.
This led to building my own home studio, recording local bands
and producing electronic music combined with live instrumentation. After moving to Rio de Janeiro, I began working with sound
for film and video. This work led to traveling all over the world and
I have been able to combine my location sound work with my
music production. I tend to take jobs in locations which interest
me musically, then stay on by myself after the initial production
to collaborate with local musicians.
With the evolution of recording technology, music production has
become completely democratized – from recording and producing
to distributing and promoting. Many «traditional» musics all over
the world are now being produced electronically. Electronic music
has been around for many years now – at what point does something become «traditional?». Electronic music is certainly ritualized...
You are often presented as a representative musician/producter of
the «globalist» music, or «ghetto sounds». Can you explain us
what it represents? What are the common characteristics between
ghetto sounds from everywhere?
_Whether music originates in a ghetto or not has absolutely no
importance to me. I believe that using the term ghetto to describe
music is meaningless. It reinforces separatist, classist and racist
stereotypes of «the other». I work to connect with people on a
personal level via collaboration and direct communication.
What are the references that punctuate your musical evolution?
_Black Flag, Public Enemy, Fela Anikulapo Kuti, Dead Kennedys,
Lee Scratch Perry, Kraftwerk, Alpha Blondy, Einstürzende Neubauten,
El General, NWA, Ravi Shankar, Oum Kalthoum, Zeca Pagodinho,
James Brown, Augustus Pablo...
Why has there been so much exposure and interest for these
types of sounds?
_The markets where the so-called «global ghettotech» (a joke
term created by my friend Wayne Marshall) is cultivated are generally in «developed» countries – principally Europe and North
America – which have long histories of appropriation of marginalized culture. Exoticism and the romantization of sex and violence
as a way of proving street credibility are being popularized.
Meanwhile, the internet and music production technology have
grown exponentially enabling nearly anyone and everyone to
create and distribute their music. That music can be shared so
quickly and easily has helped cultivate a very fertile new international music scene.
How do you judge the evolution of this connection between
«Popular» music or «traditional» music and electronic music?
_That’s a complicated question – popular music can be traditional
and / or electronic and vice versa. I believe that the computer has
become the most universal folk music instrument in existence.
This movement exists henceforth for some years (DJ/Rupture,
Soot, Schock, Filastine, Brooklynbeats). It had in particular a lot
of visibility in the alternative scene (the free party, breakcore)...
What is your feeling with regard to this evolution? How imagine
you the future?
Essmaa ★02 | 61
PROFIL(S)
_Our approach to mixing many genres, tempos and languages was
openly accepted within the the breakcore scene exactly because
they are interested in the hardcore breakdown of barriers. The
breakcore / free party / squat culture was receptive and supportive of what we wanted to do from the very beginning. We still
actively participate in this scene while at the same time, things
are opening up and we are being invited to play at events which
ordinarily wouldn’t have invited us (I just played an official showcase at WOMEX for example).
The scene hip-hop also seized the style. Diplo, Ghislain Poirier...
does «global ghettotech» sometimes run the risk of being just a
«exotic» thing?
_Yes, of course it runs this risk... of course, that depends on the
artist as well as the listener. Exotic is entirely relative. Music is
deep – many lifetimes of experience, reflection and thought have
gone into it. As artists, it is up to us to capture and distill this
depth of experience. Or not... As listeners, it is our responsibility
to inform ourselves about the music, its history, social conext,
lyrics, etc. Or not. The more ignorance and lack of curiosity, the
more exotic.
You live henceforth in Bresil. Can you speak to us about the local
scene?
_In the 10 years that I’ve been living in Rio de Janeiro, the music
scene has been undergoing a slow, but steady evolution – away
from a dependence on the major record labels and toward a completely independent system of production and distribution.
However, the local music scene for live and club music continues
to be insular and resistant to change. There is a serious lack of
opportunities for performing artists – both a lack of suitable
venues as well as the tendency for promoters to book only music
proven to produce income. On the flip side, there are tons of
active musicians who are really open to all different kinds of
music. So, it’s a great place to create music, but not such a good
place to make money from it.
What is your vision of the French and Tunisian scene?
_The French music scene is very interesting to me. The infrastructure of the French music scene is impressive – from how artists
are looked after by the government to the network of venues and
booking agencies. The music scene seems to be really fertile –
lots of new ideas and collaborations that are really pushing some
boundaries that music elsewhere doesn't even touch. That said,
it’s been really difficult for me to break into the French music
scene. I know very little about the Tunisian music scene, but am
very curious!!
What new stuff (styles / artists / producers) have you discovered
recently that has really impressed you?
_I’ve been listening to quite a bit of organic drum / voice based
music lately... researching jongo and coco rhythms in Brazil,
music from the palenques in Colombia, Gagá from the Dominican
Republic. I love call and response singing, the sound of a choir
of voices, the quality of a group of hand drums. Jongo da
Serrinha, Jongo do Quilombo de São José, Petrona Martinez, etc.
On a more synthetic tip, I’ve been really liking Stagga, Frikstailers,
Timeblind...
What is your opinion on the music business and the actual music
scene?
_We are in an exciting time on a creative level. Never before have
we had such access to music of all types from all over the world.
However, we are also in a difficult moment economically. The
only viable ways to make money with music are from doing shows
or via licensing. The music scene is completely oversaturated
– there is so much music that it’s impossible to stay up to date –
but, perhaps this is a good thing for DJs and people in the business
of filtering cultural material.
What are your plans for 2010?
_First and foremost, I’m finishing my new record, which will be
much more Brazil oriented. After years of travelling and focusing
on things outside of my home, I made a conscious decision to
work locally and to finally put out some music that represents my
experiences within the Rio de Janeiro music scene. I’ll also be
touring – Europe and Brazil. I’m also looking at gigs in Reunion
Island, South Africa, Ethiopia, North America and perhaps Argentina.
Aside from touring and production, I’ve got tracks and remixes
coming up on several different labels. It’ll be a busy year!
Websites
www.magabo.com
www.myspace.com/magabo
www.sootrecords.com
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62
PROFIL(S)
ARTISTE MOKUHEN (France)
VENT ET NUAGES QUI ANNONCENT LA PLUIE...
INTERVIEW LAURENT GUÉREL PAR JOSEPH GHOSN *
La pochette est belle et l’intérieur plus encore : le disque
du Français Mokuhen 1 est une belle surprise, reprenant quelques
leçons d’une musique électronique que l’on pensait disparue
ou vieillie prématurément : une sorte d’ambient tour à tour
contemplative et narrative, comme une BO en plein air, qui
donne l’impression d’avoir été composée comme l’on jouerait
un blues répétitif, un motif inlassable et prenant. Pour comprendre
cette jolie peinture, j’ai envoyé quelques questions par mail à son
auteur, Mokuhen alias Laurent Guérel, dont voici les réponses.
Dans quel état d’esprit as-tu réalisé ce disque ? En quoi diffère-t-il
de tes autres projets ?
_Je pense que d’une certaine façon j’ai été assez «inconscient»
lorsque j’ai construit ces morceaux. Je veux dire que je n’avais
jamais vraiment envisagé de sortir ces compositions. J’ai commencé ce projet courant été 2006 ; avant l’arrivée de ma fille. Je
crois que c’est venu assez naturellement, comme un besoin. Je
devais chercher quelque chose de plus calme, par rapport aux
rythmiques déstructurées du projet Dowo_kun mené avec Thomas
(Wanker’s United et membre de Reuter’n’Belter).
Quelque soit le projet, j’aime me mettre en situation de chercher
sans savoir ce que je vais trouver. C’est une bonne méthode
quand on n’est pas musicien… Je n’ai pas vraiment de méthode
pour composer, parfois j’ai une idée de structure, mais le plus
souvent j’expérimente sans savoir vraiment où je vais. Je laisse
toujours une porte ouverte au hasard, aux petits incidents, et à
l’ambiance du moment...
Le projet Mokuhen est né de cette volonté de recherche mais
aussi comme une réponse à un besoin de faire des cartes postales sonores que je laisse traîner, sans forcément donner une clé
d’interprétation évidente. Sans forcément avec l’idée de faire des
disques... C’était sans doute une réaction à la «lenteur» de la
création en groupe qui ne convenait pas pour ce besoin précis...
Parce qu’il faut des semaines pour faire des morceaux ensemble
(on travaille tous en dehors de la musique, la vie de famille, les trajets...), et ce n’est pas le rythme que je souhaitais avoir... J’avais
besoin d’un «espace» disponible que je pouvais gérer au quotidien ou le laisser en standby pendant des semaines (et beaucoup
plus parfois).
Où et comment l’as-tu enregistré ? À la maison ?
_La nuit, ou très tôt le matin, à la maison. Il y a toujours comme
facteur premier une part d’urgence. Cela peut être un besoin de
«défoulement», ou la deadline d’un projet... Il faut qu’il y ait des
émotions ressenties, un besoin «immédiat», une nécessité. Il faut
que ça jaillisse tout seul. Ce n’est jamais vraiment par le travail,
ça vient dans la facilité ou ça ne vient pas. J’écris les morceaux
de manière très furtive. La première étape consiste donc à jeter
dans un fichier le squelette du morceau. Cela peut s’arrêter là.
J’essaye ensuite de trouver un équilibre entre l’expérimentation,
la matière sonore et la trame initiale, sans dénaturer le premier jet.
La maison, cela veut dire mon ordinateur, le casque sur les oreilles. Branché parfois sur la chaîne du salon pour voir comment
cela sonne...
Quelles sources sonores utilises-tu et comment les traites-tu ? Ce
disque marque-t-il une évolution de ta pratique musicale ? En
quoi ?
_J’ai voulu avoir accès à d’autres types de sons aussi par rapport
à l’aspect très électronique de Dowo_kun. J’essaye de trouver une
formule qui mélange des sonorités d’instruments organiques, des
vagabondages aléatoires d’effets et des enregistrements bruts...
Des aplats sonores ; des travellings pour une danse «interne».
Il y a une volonté de faire quelque chose de plus acoustique,
mais forcément très électronique aussi. Ne sachant jouer d’aucun
instrument, il y a forcément des samples, des sons acoustiques
triturés... Ce n’est pas par faute de moyens. Cela fait partie de
ma pratique musicale. Utiliser des sources multiples découpées
dans ma collection de disques, c’est un peu apporter des photos
du décor réel dans le dessin en construction.
La pratique reste la même, la méthode aussi, j’écoute beaucoup
de musique. Je travaille la matière des disques. Je joue avec ma
platine, je coupe, copie, allonge, recolle, c’est de l’artisanat.
* http://josephghosn.com (été 2009)
1. Mokuhen, Kazagumo
(Stembogen, 2009)
Essmaa ★02 | 63
PROFIL(S)
C’est une façon de présenter son interprétation de l’original dans
ton univers. Extraire et en faire quelque chose d’autre dans un
autre contexte, cela m’intéresse beaucoup. C’est comme la chorégraphie. Par le geste, par la gestion de l’espace, tu donnes ton
interprétation de la musique que tu utilises. Dans la danse, il y a
aussi cette première étape de travail de la matière... et puis cela
se met en place, de façon instinctive.
Comment en as-tu construit le tracklisting ? Quelle histoire voulais-tu raconter en particulier ?
_Le tracklisting c’est Denis (qui a sorti le disque sur son label
Stembogen) qui l’a effectué. Cela rejoint justement l’idée précédente. Je lui ai donné 3 albums complets, pour lesquels je proposais un tracklisting, des albums «bouclés», sauf le mastering !
Denis m’a fait une contre proposition, piochant à droite et à gauche.
Il s’est fait sa propre histoire. J’ai trouvé cela intéressant de travailler ainsi, «mes morceaux dans son univers, avec sa perception».
Je voulais quelque chose de direct, un univers dans lequel on
puisse se plonger intégralement et que l’émotion procurée soit
quasiment la même sur toute la longueur tout en jouant sur les
nuances. J’ai porté beaucoup d’importance à trouver un juste
équilibre dans la narration. Évoquer assez de choses sans dépasser la limite du «trop» qui referme des portes. Denis a eu cette
perception, et m’a parlé tout de suite du côté «narratif» de ma
musique. Ce qui m’a mis en confiance pour lui confier la «copie».
Une sorte de conclusion sous forme de travail collectif...
Quant au thème de l’album, le titre peut donner une indication.
«Kazagumo» veut dire «vent et nuages qui annoncent la pluie».
C’est quand même un disque assez triste, sombre. J’espère qu’on
ressent tout de même la petite lueur d’espoir égrainée ici et là.
Pourquoi avoir fait une référence au film Demon Seed sur la
pochette ? Quel lien fais-tu avec ton album ?
_Il en est de même avec la pochette et donc la référence au film
Demon Seed. Une proposition de Denis. Ce disque est accessible
ou inaccessible selon l’humeur, la fatigue du jour, selon ce que
l’on a l’habitude d’écouter aussi. Pour la pochette, nous avons
lancé des «pistes». Quand tu regardes à l’intérieur c’est encore
une autre proposition… La notion de narration… Que mes disques
soient porteurs de cet élément narratif est tout ce qui m’importe.
Une narration muette, mais pas indolore. J’ai commencé à m’investir
dans la musique quand j’ai dû arrêter de danser et j’essaye de
passer l’énergie et la précision du geste dans la forme et la présentation du morceau.
Qu’est-ce qui t’a inspiré en faisant ce disque ? Livres, disques,
films…
_J’ai composé la musique de deux lectures des livres de Philippe
Fusaro : Palermo Solo et Capri et moi sortis chez La fosse aux Ours.
On retrouve certaines parties de Palermo Solo dans le disque. En
dehors de la composition, l’exercice a été très constructif dans le
travail de perception de la musique. Dans ce qu’elle peut entraîner. Philippe et Olivier Rey m’ont laissé carte blanche (j’arrivais
le jour même avec ma perception du livre... les acteurs avaient
très peu ou pas entendu). Le volume, la gestion de l’espace, le
timing avec des lectures que l’on ne peut jamais reproduire à
l’identique. Une mise en scène sonore, une autre translation
d’univers et de perception, de lecture de public. Les livres de
Velibor Colic m’ont marqué également, l’homme aussi.
Côté musical, Paquet surprises de Greg Davis et Sébastien Roux
a sans aucun doute déclenché les choses pour ce projet. J’y
retrouvais beaucoup de références diverses et pourtant une homogénéité indéniable. Un bol d’air pour l’époque (2005/2006),
où l’on croulait sous la sclérose de genres, l’étiquetage des scènes et la «sur»-méthodologie… Certains disques d’electronica
ressemblaient plus à des exercices pratiques pour passage du
brevet Ableton ou du troisième cycle Max-msp. Une respiration
que l’on retrouve également chez Leafcutter John.
Mon «moteur» c’est avant tout mon quotidien… sa trace, son empreinte physique et morale, le hasard, comme mon Ipod écouté
en random dans les couloirs du métro ou le bus... Il y a David
Sylvian, Seefeel, Suboko, Moonshake, Sakamoto, Leafcutter John,
Radian, Anthony Pateras, Robin Fox, AKM, Lodz, Dorine Muraille,
Jazzkammer, Kapital Band 1, Lasse Marhaug, Lithops, Stereolab,
Sonic Youth, Analog… des labels comme Small city Supersound,
Sonig, Mosz, Frozen Elephant... la pollution sonore.
Vers quoi penses-tu tendre maintenant ?
_Poursuivre mon travail artisanal comme un compagnon du devoir,
préparer le second disque, We gaan naar het bos, prévu en 2010
que l’on pourra intégrer dans la pochette de celui-ci, trouver un
axe d’approche du live ou plutôt de la diffusion en public.
Dernier disque
Mokuhen, Cpri_
(digital, Tsuku Boshi, 2009)
Websites
www.myspace.com/mokuhen
www.tsukuboshi.com
www.myspace.com/tsukuboshirecords
www.myspace.com/stembogen
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64
PROFIL(S)
ARTISTE PARAL-LEL (France)
«TROP DE PLUGIN TUE LE PLUGIN !»
INTERVIEW SLUSH & PRAKTISCH
On a déjà dit, et plutôt deux fois qu’une, tout le bien
que l’on pensait de Paral-lel. Tout ceci ne fait que se confirmer
avec ce nouveau maxi. Beats à bloc, petites comptines musicales
sur fond de chuintements électroniques, steppes analogiques
et artillerie lourde. Pour Freaks Rock ! les sons se font plus
immédiats. Le duo mixe son amour pour les tempos froissés
et son goût pour les fréquences scintillantes d’acides, dope
ses mélodies d’un groove tech’ impeccable avant de s’immoler
dans les bouillonnements crépitant des flammes de SKNDR.
Et comme on ne se refuse rien dans l’équipe Bee ; on invite Clark
pour un remix aux sonorités proches de son album Body Riddle.
La présentation
_Slush : On fait de la musique électronique. D’aspect cela ressemble à une occupation de geeks. On passe beaucoup de temps
sur des machines ou un ordinateur pour écrire, composer des
morceaux.
_Praktisch : Avec une mise à jour quotidienne sur les milliers de
softwares qui existent et sortent tous les jours pour le design
sonore, et la recherche de nouvelles textures.
_S : En fait notre travail ressemble à mon avis à celui d’un plasticien. On «taille» des pièces en essayant de faire selon une idée.
Si «ça marche», on garde la pièce sinon on la met de côté et il
se peut qu’elle nous serve plus tard.
La méthode
_S : Pour notre part on travaille dans notre studio. Aujourd’hui
avec la musique électronique le mode de production qui obligeait
un groupe à passer par un studio pour mixer et enregistrer chaque piste séparée est plus ou moins révolu sans vouloir dire obsolète. Disons que cela dépend de la configuration de chaque
groupe. Quoi qu’il en soit le déroulement des opérations reste le
même, on écrit et boucle chaque morceau avant de passer à la
phase d’enregistrement et de mastering.
_P : En fait on a plusieurs démarches créatives, on fonctionne
aussi beaucoup sur le test en live de nos morceaux, ou, à partir
d’une base, on va faire évoluer le morceau selon le ressenti et
feedback du public lors du concert pour ensuite finaliser le morceau au studio.
L’enregistrement
_S : Pour moi c’est toujours un moment où je me sens boulimique de son... Bizarrement. Peut-être pour arriver à oublier nos
boucles qui tourne sans cesse dans le studio toute la journée et
aussi m’inspirer parfois.
_P : Moi c’est l’inverse, je me ferme un peu sur notre travail et
écoute énormément nos morceaux en travaux. Il m’arrive d’écouter quelques morceaux d’autres personnes en période de mixage
pour rafraîchir mes oreilles et comme en général il s’agit de morceaux de référence pour aussi trouver le même équilibre sonore.
Les sources
_S : On travaille rarement à partir de sample ou enregistrement
que l’on a fait. On utilise surtout des machines et pour traiter le
son un ordinateur est largement suffisant.
_P : oui beaucoup de générateurs de son, des synthés. Les quelques
Essmaa ★02 | 65
PROFIL(S)
samples que l’on utilise sont principalement les voix que l’on tire
la plupart du temps de films ou séries plus ou moins obscurs.
La rythmique, la mélodie
_S : On travaille en binôme donc il y a de multiples manières de
faire. Cela peut être de l’improvisation totale pendant des heures.
Dans ce cas, nous travaillons sans distinction les mélodies, les
rythmes, les basses. Parfois l’un de nous amène un bout de morceaux que l’on retravaille à deux ensuite.
L’impact de la technologie
_S : La technologie n’influence pas vraiment notre manière de
composer car nous avons tous des synthés que l’on utilisera toujours ou des plug-ins ou des boîtes à rythmes favorites. En revanche,
cela joue beaucoup sur le live car les contrôleurs d’aujourd’hui
nous permettent de changer nos attitudes «geek» sur scène.
_P : C’est vrai que nous avons nos machines de prédilection mais
nous sommes aussi des férus de nouveautés technologiques. Le
milieu des freewares (surtout sur PC) est si vaste et évolue tous les
jours... Cela fait partie de notre boulot de nous tenir au courant des
nouveautés sans tomber dans la surcharge de technologie qui peut
servir ou desservir la musique, «trop de plugin tue le plugin !».
Structure, thématique
_S : Si tu entends par là un message explicite je ne trouve pas
que cela soit primordial. Cela n’apporte pas plus d’intérêt à un
projet. Cela me fait penser à un message de Si Begg «Music Is
Stupid».
_P : Alors si effectivement tu parles du message comme on n’a
pas trop de textes dans nos morceaux on essaie via la pochette et
le nom du disque de dire quelque chose. C’était le cas avec notre
album Upgrade to mutant sheep où on en avait franchement
mare de la consommation de masse invitant ainsi tout un chacun
à se rebeller ! À muter !
Style musical
_S : J’écoute énormément d’electronica-IDM car j’ai mon émission «The Greed» sur Sol Fm une radio de la Ferarock depuis plus
de dix ans.
_P : J’en ai plusieurs : Electronica / Post-rock / Experimental
Les influences
_S : Vaste question, je dirais Plaid, Mr Oizo, Clark, The Prodigy,
Chemical Brothers, Cursor Miner, Kettel, Tipper…
_P : J’en ai beaucoup en commun avec Slush, j’ajouterais Mouse
on mars, Tortoise, To Rococo Rot ou Console...
Artistes écoutés dernièrement
_S : Tim Exile, Pierce Warnecke, Kettel, Few Nolder...
_P : Je suis en pleine rétrospective Mille Plateaux avec les compiles Cliks’n’cuts.
Les artistes qui ont attiré votre attention
_S : Dernièrement je dirais sans hésiter NTH Synthesis qui sont
sur BEE Records. En live c’est hallucinant.
_P : Oui, mais je ne suis pas un consommateur de masse en
musique ; je préfère écouter de façon intense une dizaine de disques que d’en survoler une centaine.
La suite
_S : On travaille en ce moment sur un nouvel album qui devrait
sortir l’année prochaine avec aussi un maxi en début d’année et
puis une année bien occupée aussi puisque qu’on fêtera les dix
ans du label donc je pense des lives et toujours plus de lives !!
Jusqu’à l’overdose.
_P : Pas mieux ! De la scène ! Ceux sont les meilleurs moments
de notre musique, avec plus de machines pour un plus gros son !
Websites
www.paral-lel.org
www.myspace.com/pll
http://cd1d.com/en/artist/paral-lel
photo. A.Iracane
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66
PROFIL(S)
ARTISTE SPARTAN LOVER (Finlande)
... WE ARE LIVING THE FUTURE. IT’LL ALWAYS GOT IT’S PROS
AND CONS
INTERVIEW PETTERI TURTIAINEN
Skweee... Un style qui réchauffe les âmes des
électroniciens du grand Nord. Sous infusion techno-jazz-funk,
Spartan Lover combine breakbeats élémentaires, caviar de basses
lourdes, white funk abstrait et propose des compositions presque
entièrement synthétiques. Soit une musique en apesanteur,
qui intègre avec une fluidité imparable les trois passions de
son auteur, à savoir le hip-hop, le jazz et l’électronique made
in Detroit pour une ballade en vaisseau spatial dans un monde
de gommettes lumineuses.
Présentation
_My name is Petteri Turtiainen, 30 yrs. I have lived my whole life
in Helsinki, Finland. I have been into hip-hop culture all my life.
My first favorite music was oldschool electro. I started producing
music in late 90’s; Breakbeat, electro and everything in between.
I produced a breakbeat album, Svanström for Exogenic Breaks
Records in 2006 as PJVM.
Les influences
_Biggest influences for me are not that much musical, some
artists just seem to have the whole package better put up that
others Bukowski, Diego Maradona, Matti Pellonpää...
I respect the old masters a lot: Kraftwerk, Egyptian Lover, early
Tommy Boy stuff... Production-vice my biggest influences of
all-time are Luke Vibert, Pavan (Flogsta Danshall) and Jyrkkä
Pajulaakso (Finland).
The liberating feeling of Hellsinki is definitely present in Spartan
Lover’s music. Helsinki is the mecca of post-ironic clubs and
humour disco.
La méthode
_I use an Akai mpc1000 to sequence my Akai samplers S-3000XL
and S-5000 and synths Clavia Nord Modular and Roland Juno-106.
I also have a SL1210 and little gadgets like effects, etc.
I record everything with Mackie Onyx soundcard onto Macbook. I
sample from anything, no restrictions really. Most my skweee
tracks however are produced with almost 100% synthetic sounds.
Les collaborations souhaitées
_Edith Piaf, Elvis Presley, Kid Koala or M.A. Numminen.
La suite
_I’m trying to finish my skweee album in the end of this year
(2009). After the release I’d like to play as many gigs and visit as
many places as possible. I am also starting my own label «Mässy»
soon with the debut release from V.C.
Skweee...
_The biggest differencies in skweee-music are not geographical.
To me it seems that skweee-music means different thing to different people nowadays. As I understand the meaning of «skweee»
is not about making music to dance to, there’s plenty of that kind
of music already. As Randy Barracuda once put it: «Skweeemusic is something slow and complex», to me, it still is. Skweeemusic needs to evolve and go to new places, but the direction is
still to be seen. The latest skweee releases are pretty close to
other musical styles that have been around before (hip-hop, electro, r’n’b, funk...).
Skweee explore a large range of sounds and influences, from jazz
to electronic music to dub and funk. What do you like in those
musics of today?
_I try to avoid new music as much as I can. My thing is more
about exploring the possibilities in rhytm and details in sound
than actual music. Electro has got rotten these days and jazz is
jazz is jazz. Funk is always the ultimate form of music and / or
culture.
I am very pleased to see that it keeps spreading around the world
quite rapidly. It is also good that it gets more attention in the
press and the releases sell pretty good. The recognition from the
dubstep scene is also very welcome. Even though skweee and
Websites
www.myspace.com/thespartanlover
http://nationofskweee.com
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dubstep don’t have too much in common besides the tempo in
my humble opinion.
What is your opinion on the music business and the actual music
scene?
_The music business does not effect my life in any way. The
music scene would exist without the business-side of it. People
who work for the business have usually no love nor passion
towards new and creative stuff (in Finland at least). Digital distribution and internet as a marketing tool is definitely a good thing
for smaller circles.
67
PROFIL(S)
ARTISTE SKINNERBOX (Allemagne)
A WHOLE NEW MUSICAL FREEDOM
INTERVIEW
C’est un peu comme une ballade en poney dans une
campagne recolorisée après une soirée arrosée «à la beer».
Mélange d’audace et d’inconsistance, de «je-m’en-foutisme»
bienvenu et de superficialité déconcertante, Skinnerbox pourrait
être un espion de Wevie Stonder infiltré dans la scène Skweee.
Une bande-son désinvolte pour vacanciers tombés sur une drôle
de destination... Ces drôles d’Allemands font une sorte de cabaret
saugrenu fanfaronnant des mélodies funky pour cavaliers allumés...
Electronica burlesque de Mouse on Mars, breakbeat pour freak
cowboys de Finlande, électro-bleep téléphonée par Randy
Barracuda... Tout un programme, à suivre !
La présentation
_It is electronic music. To the unfamiliar listener it might be described as a colorful, slightly overloaded collage of musical styles
and elements. This goes in general. When performing live we
improvise and rave. But our upcoming album King Of Spades And
Marmalades is rather a detailed and more evolved cross-style listening experience that differs from our previous releases as it is
beyond the limits of dance music.
La méthode
_It happens often that we approach composing/producing with an
abstract idea, sometimes not even musical but rather sound oriented. This is the base. As we go more and more into it, it evolves
and involves a great deal of trial and error. We love to experiment
as much as we love to follow a concrete idea.
We were not phobic to recreate and luckily enough, during the
production of King Of Spades... we had plenty of inspiration.
There was a lot to try out and to mess around with. Because
we had such an intense time making this album, at the end of a
production day it was actually VERY welcome to put some nice
records on in order to «clean» our ears from the studio madness...
Websites
www.openskinnerbox.blogspot.com
www.myspace.com/myskinnerbox
www.doxa.de/?c=skinnerbox
Essmaa ★02 | 68
PROFIL(S)
Les sources
_We use everything we can lay our hands on. From DIY instruments/
software, acoustic, electroacoustic instruments and field recordings to analog and digital synths. Analog synthesis plays a big
role in our musical behavior. The intuitive «interface» of the instrument allows us to use it in a rather «classical» musical fashion
for harmonic-melodic content. Also, the fact that you can directly
access everything that has influence on the sound makes these
old-fashioned machines to proper expressive instruments capable
of the finest nuances.
As for DIY, new media tools such as Max/MSP have given us a whole
new musical freedom. Sometimes we just need to program a computer in order to explore the «less conventional» soundscapes. We
involve piece dependent software which is written on the fly to
help us realizing a musical/sound idea which otherwise could not
be realized. We also record acoustic instruments. Sometimes we
use them as they are, and sometimes we use them as a bare sound
source.
In any kind of music we keep finding catchy elements and behaviors. Since we grew up in the 80’s where the development of
rhythms found new life in electronic gear, we came to listen to a lot
of electronically produced music. In the end we «take» from this
pool of influences and play with the pieces of a puzzle (monkey
puzzle)... Obviously, a certain funk is evident in our performance
and productions – we just love it. The same goes for the laid back
and untight feeling of hip-hop.
When constructing a track, where does your primary sensibility
lie? in the making of rhythm or melody?
_During the process of producing we always get fascinated by a
certain element which can be both. Then we start adding the
other until we find something like «completion» or «complementarity». But it turns out that we are rather attracted to melodies
without rhythm than vice versa.
La thématique
_This depends upon the definition of «thematic structure». The
human mind naturally gets hooked up on patterns. This is literally
anything that somehow repeats. In a «music» that appeals to you,
therefore exists an «overt» thematic structure because it is leading
you from here to there and – this way – creates a familiar feeling
that you can relate to. In this sense the answer is, substantially
yes.
In the «classical» meaning we tend to overtly break up this structure if it becomes too evident.
Music that thrills us ranges from non-thematic to pop-music, as
long as it manages to generate this particular ancient sensation
that you experience when something really hits (touches) you.
Nevertheless, if one is to ask us if it is important for a pop song
to have this structure, the answer of course would be yes, otherwise it wouldn’t be a pop song.
Essmaa ★02 | 69
Les références, les influences
_Ligeti’s Clocks and Clouds or Amériques by Varèse are good
examples.
There are definitely several different. Some examples are Ornette
Coleman, Daedelus and Captain Beefheart.
La collaboration souhaitée
_Laura Darlington!
Les disques récemment écoutés
_Serge Gainsbourg, Hudson Mohawke, Ann Steel, Depeche Mode...
We love to discover new stuff around. We never get tired of it, as
long as it turns us on. The west-coast scene is really fascinating
for us, lots of what came out from L.A after 2007, there are just
to many artists to name... But also what goes on in and around
Berlin – our homebase – is often quite thrilling. We keep track of
acts like Pilocka Krach – a one woman stunning live show – or
Lonski & Classen who can really cut you in half with just an electric guitar, drumset and vocals.
L’utilisation d’Internet
_The internet is surely the fastest and easiest way to get familiar
with new stuff, but radio shows such as the «Mary Anne Hobbs»
show at BBC One have also been a big source for new discoveries. Other than that, we find it important to go out and listen to
live music!
La suite
_We have been going through a certain musical change in the past
year, so apart from our «dancy» aspect we’re going to put more
weight on producing music which is rather listening material than
being made for the legs.
We’ve just launched a new blog called «OpenSkinnerbox». It is
meant to share our usage of technology with other enthusiasts. As we
are big fans of open-source philosophy, we use it to expose our ideas
of small new software-snippets, instruments or any useful tool related to sound that we make for ourselves when we are in need.
As our debut album is coming out we are working on a new performance which differs from our usual live sets in terms of instrumentation and musical approach. We got a busy tour schedule coming
up, and we got several EPs planned.
69
PROFIL(S)
ARTISTE SUBJEX (France)
A WHOLE NEW MUSICAL FREEDOM
INTERVIEW MATT
Sur ressort le Lillois ! Terrain piégé de jeux complexes
où les références à Janson Forest et Otto Von Schirach tombent
sur un beat électro pur dancefloor, une rythmique jungle,
un break dub gonflé d’acide 90’s ou un entêtant 8bit. Car voilà
la force de Subjex ; contrairement à beaucoup de productions
sombres et malades, il propose une version ludique et festive
du breakbeat déchiqueté.
Une belle réussite «Electrofunkytechnodrill’n bass» (dixit son site
internet) où s’entrechoque Doormouse et Paraone, Teamtendo
et Modeselektor, Ovuca et Jake Mandell…
Présentation
_Plutôt branché hip-hop à la base j’ai été détourné des chaînes
en or et des chemises de baseball vers le début/milieu des 90’s
après m’être fait retourné la tête dans une soirée tech en
Belgique (ma première) avec Jeff Mills, etc. S’en est suivi des
années de mixes et de recherches de vinyles dans un registre
techno Detroit, hardcore/breakcore et electronica «experimentale». Beaucoup d’heures et d’argent investis dans des vinyles
qui ont tous été volés un triste dimanche d’automne, avec une
platine et une table de mixe… De quoi remettre légèrement en
question mes ambitions de DJ :) Mais c’est en quelque sorte un
mal pour un bien puisque cela m’a poussé à lâcher le mixe pour
la prod, ma copine venant d’acquerir un joli PC d’une puissance
phénoménale de 450 Mhz… quelques tortures de «warez» plus
tard j’avais mes premiers essais fixés sur k7.
Vers 2000 je quitte la campagne flamande pour une colloc à Lille
avec d’autres nerds professionnels. Par diverses connections je
fait la rencontre de promoteurs belges qui me font jouer mes premiers lives avec Otto, Baseck, Doormouse, Hellfish et Mike
Paradinas (µ-ziq) qui m’ont donc conduit à un 7’’ sur Planet-mu
(ziq078) et à un split avec Doormouse. À peu près à la même
période je rencontre les gars du label Somia, des potes de la
troupe Schematic, sur Soulseek et me retrouve à jouer 2 années
d’affilée à Miami pendant le WMC. 2 fois 1 semaine inoubliables
entouré d’une grosse poignée d’artistes dont je suis fan (Devine,
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PROFIL(S)
Phoenecia, Jimmy Edgard, Otto Von, Dino, Doormouse, Dkymal,
Soft Pink Truth, Basek, etc.)… J’étais super impressionné, j’ai eu
un accueil de rêve et j’ai jeté toutes mes affaires pour blinder ma
valise de T-shirts, vinyles et affiches Schematic ! C’est là que
Rom et Josh de Phoenecia m’ont proposé de sortir un LP sur
Schematic, et de faire ce remixe de Glen Velez… Cela aura pris
un temps considérable étant donné ma forte propension à
repousser les choses au lendemain, suivi par une période d’inactivité totale de Schematic, mais il arrive cette fois, pour de vrai…
Ce qui me permettra de fêter le come back d’un des labels qui
m’a le plus influencé.
Pendant ce temps sur Lille avec mes potes de colloc on décide
de créer notre propre label, Bedroom Research.com.
L’ambiance générale
_Je ne la définis pas clairement, j’aime passer du coq à l’âne que
ce soit dans un même track ou d’une release à l’autre. Je cherche toujours à chasser la routine de prod et l’ennui, je n’aime pas
trop me répéter et surtout j’estime que tout le temps où je ne ressentirai pas un total recul sur mes influences, ma technique et
mes envies je continuerai à explorer toutes les voies et les idées
qui me viennent. Je préfère être réputé imprévisible tout en gardant une «patte» que l’inverse. J’espère que j’y parviens. Parfois
le manque de confiance en mes prods me pousse à caricaturer un
peu le propos, faire comme si je ne prenais pas vraiment tout ça
au sérieux. Tu l’as sans doute remarqué dans mes releases ça part
un peu dans tous les sens et pour l’instant je n’ai principalement
sorti que mes trucs ironiques, dansant, un peu comiques et irrévérencieux. Mon prochain LP pour Schematic sera beaucoup plus
axé sur mes recherches sonores perso, celles qui correspondent à
mes reflexions et ambitions en terme de sounddesign et d’esthétique : froid, abstrait, sons processés à outrance, c’est une release
qui pour la première fois pour moi à une vraie continuité entre les
thèmes et la recherche sonore (morphing, technologie, espace,
science, abstraction, fusion, fractales, etc.) : «Ceci n’est pas un
kick» ! En gros, comme je l’ai écrit dans ma bio une fois : parfois
c’est gai, parfois c’est morbide… c’est la vie. :)
La méthode
_Mon attrait principal réside dans la déformation du son, le traitement, les morphismes etc.
Dans la compo j’ai beaucoup travaillé à me créer un setup qui me
permet de mettre les idées à plat le plus vite possible, pour ne
rien oublier. Mais aussi d’une manière qui me permet de créer
des accidents et laisser le logiciel et les sons me proposer quelque chose : je fais ensuite le tri et mets en forme pour que ça
sonne sans chercher à conditionner le résultat à une esthétique
particulière : techno, funk, ambient, break, 1 mn ou 10 mn, ce
n’est pas le genre de questions qui m’intéressent vraiment. Donc
peut-être que c’est de l’impro, de toute façon l’impro, comme
dans le free jazz par exemple, comporte des lignes directrices,
sinon on appelle ça le bordel ;).
Je bosse avec Fruityloops et Reaktor principalement, pas mal de
VSTS aussi, et j’adore m’amuser avec les softs plus obscures
comme Cecilia, Coagula, Buzz et tous les trucs bizarres qu’on
peut trouver. Souvent ces softs exploitent les dernières innovations en matière de synthèse ou d’interface. En bon nerd je me
tiens au courant de ce genre de choses.
Les sources sonores
_J’ai des centaines de presets et d’ensembles Reaktor customs
prêts à bosser ! En général c’est page blanche, un kit de sons qui
me bote sur le moment et c’est parti. La plupart du temps quand
je travaille sur un ensemble Reaktor ça aboutit également sur un
track.
Et il m’arrive aussi d’utiliser des méthodes génératives ou semigénératives qui me «proposent» des choses dans lesquelles je
fais ensuite le tri pour les utiliser dans de prochains projets.
L’impact de la technique dans la façon de travailler
_Une nouvelle technologie, c’est souvent de nouveaux sons possibles, qui deviennent eux-mêmes une source d’inspiration. Le
workflow des softs est super important pour mettre ses idées à plat
le plus vite possible et maintenir le flux d’idées et l’envie. Il faut
vraiment choisir l’environnement avec lequel on est à l’aise sans
se soucier des apriori et des conneries qu’on entend souvent dans
le milieu du son (par exemple la réputation de Fruityloops, utiliser Logic et Protools n’est pas une garantie en soi).
Rester fans ?
_Blasé ça m’arrive de l’être surtout pour les musiques qui manquent de tripes, d’engagement. Je trouve qu’on sent quand c’est
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PROFIL(S)
forcé. Je n’aime pas trop ressentir quand le gars essaye de «make
it big», tu sais un peu comme quand tout le monde a voulu faire
du Headbangers après avoir reniflé le succès. C’est trop con je
trouve ; le meilleur moyen d’exploser, pour peu qu’on fasse un truc
qui a ce potentiel, c’est d’être soi-même (bon évidement avoir
plein de potes bien placés ça aide hmm).
Sinon je suis un fan boy par excellence ; quand je joue avec des
gars dont je suis fan je vais les soûler en backstage pour tailler le
bout de gras, boire une bière et leur dire «j’adore ce que vous faites» ;))). On peut trouver ça ridicule mais je ne lèche aucune
botte, tout ce que je veux c’est vivre ma passion (à defaut d’en
vivre), rencontrer, parler, etc. Et tu te rends compte que des gars
qui ont tout cassé sont souvent 10 fois plus humble qu’un gars,
même le DJ local, qui a un peu de hype dans son environnement.
Les plus cons ne sont pas forcément les plus connus. Mais bon
c’est anecdotique, ce qui compte c’est la musique. Je suis à la
fois sans pitié et super ouvert, j’écoute plein de trucs. Je préfère
quand même quand il y a un bon grain de folie (pas simulé).
Les influences
_Le hip-hop m’a appris le funk (grâce aux infos relatives aux samples dans les livrets CD et Olivier Cachin : Rapline !!!!), le groove.
La techno le design sonore, l’ambience, l’abstraction et l’impact.
La musique contemporaine et concrète une attention pour les
timbres et la recherche. Le funk est vraiment le truc qui me rend
gaga, surtout quand il est bien électronique, je deviens dingue
dès que j’entends une cowbell, des claps et un gros stab. Pour
moi c’est LA recette : dancefloor, barré et accessible, riche, décalé,
comique, sexué et en perpétuel progression (cf. le skweee, le
wonky, etc.).
Et toutes les musiques m’apprennent tous les jours l’absurdité
des notions de genre, de scène... Il y a des choses incroyables
quelque soit le genre et l’époque. 4 gros kicks ne font pas le
hardcore, comme un chanteur ne fait pas l’émotion, un orchestre
n’est pas un gage de richesse, etc.
Il y a pas mal de médiocrité mais également beaucoup de
richesse, le tout c’est de savoir chercher les petites perles… j’ai
gardé mes reflexes de DJ ;).
Mes influences ont leur propre histoire et leur propre psycho et
sociologie (le boulot de mes parents, mes potes, les cours de musicologie à la fac, etc.). Mais l’important pour moi c’est ce que j’en
fais… Les trucs que je rejette conditionnent autant le résultat
que ceux que je valorise. Cette éducation sert aussi à se forger
une identité j’imagine.
Collaborations souhaitées
_Je crois que la plupart sont morts, hahaha. Je ne sais pas trop,
je ne suis pas à l’aise dans une collab, même si j’aime bien remixer.
Mais comme ça je dirais : Phoenecia, Eero Johannes, Cristian
Vogel, des instrumentistes pour créer un groupe dub-funk expé.
Forcément je pourrais ajouter Aphex, Autechre ou Jeff Mills, mais
bon…
Ton actualité
_Je viens de faire un remix pour le formidable Kelpe (DC Recordings)
qui vient de sortir un album vraiment vraiment excellent. Le track
est dispo gratos d’ailleurs, le lien est sur mes profils facebook et
myspace.
Je bosse donc à la finalisation de mon album pour Schematic.
J’ai un remixe pour «Jean-Jacques Perrey et Cosmic Pocket» qui
sort début 2010. C’est le plus gros projet sur lequel on a bossé
pour Invitro : l’album donc de ces 2 merveilleux gars, suivi d’une
compile de remixes hallucinante avec 25 artistes que j’adore.
Remixer J-J Perrey ce n’est pas une occase qu’on a tous les jours.
En plus j’ai pu le rencontrer au studio, vu que je m’occupe
d’Invitro Records maintenant. Donc : :D :D :D :D
Je trifouille des tracks, si j’arrive à me bouger et à les finir j’ai de
quoi faire au moins 2 maxis encore. On verra si je ne m’en suis
pas lassé d’ici-là.
La suite
_J’ai bien envie de faire un maxi techno, un truc sombre, super
binaire un peu entre Detroit et Birmingham, un truc mental et
dancefloor, histoire de renouer avec mes premiers amours électroniques.
Websites
www.myspace.com/subjex
http://subjex.free.fr
www.invitrorecords.com
(RÉ)ÉCOUTES
Essmaa ★02
Autechre, EDH, September Collective,
Nick Cave & Warren Ellis, Hypo,
SoulSavers, Sister Iodine,
Sébastien Roux & Sogar,
Curse Ov Dialect, Robot Koch, Clues,
Castanets, Mikkel Meyer, Chairlift,
Grischa lichtenberger, Aoki Takamasa,
Yamori Kota, Wild Beasts, Andrea Belfi
& Machinefabriek, Royal Bangs,
Philipp Quehenberger, Port O’Brien,
Torso, Talen, Jay Reatard, The Dodos,
DJ Elephant Power, Vex’D, Hypo & EDH,
Ensemble, Machinefabriek, Audiopixel,
Hint, Étienne Michelet, Oddateee,
Filewile, Israël M, Fredo Viola,
Machinefabriek, General Elektriks,
Playdoe, Filastine, Ben Sharpa,
Aaron Martin & Machinefabriek, Scorn,
Cylob, Carton Park, Sébastien Roux,
NTH Synthesis, Galaxie 500,
Félicia Atkinson, Broadcast and
The Focus Group, Simon Fisher Turner.
²
74
78
4
Essmaa ★02 | 74
(RÉ)ÉCOUTES
AUTECHRE
OVERTSTEPS
Warp
_Comment savoir quel est le bon moment pour partir ? La dernière fois que je chroniquais un disque
d’Autechre, leur précédent album, j’étais en partance, sur le seuil et je me revois dans l’appartement
de la rue Eugène Carrière en train de l’écouter un
matin pour savoir ce qu’il me faisait, ce que j’écrirais : mon dernier texte, je crois, pour le journal.
Deux ans plus tard, Autechre me revient comme
jamais, même si je savais bien ne pas les avoir quittés. Le nouvel album du duo est simplement, follement, merveilleux, d’une incroyable délicatesse.
Empli de mélodies douces, il donne cette impression rare d’assister au temps qui se déroule, d’être
le spectateur d’un moment qui évolue lentement,
se déploie pas à pas. Instinctivement, aux première
écoutes, surgit cette idée que cet album est améthyste, c’est-à-dire empreint d’un calme qui protège contre l’extérieur, contre l’esprit qui fatigue.
Un album comme celui-là, je n’en entends plus
beaucoup depuis quelques années, parce que j’ai
l’impression que l’époque est plutôt à la surenchère, aux beats qui tapent, démonstratifs pour se
faire remarquer dans un océan de plus en plus fréquenté. Au fond, l’effet produit par Oversteps est à
peu près le même que celui de There Is Love In
You, récent album de Four Tet : j’ai l’impression de
revoir et écouter des amis qui ont grandi avec moi
et laissé derrière eux tous nos malaises de jeunesse, toute velléité de trop en faire. L’essence est
là : être au plus juste, au plus près de la musique,
sans forcer, mais en jouant, en jouant sur la corde.
Dans Oversteps, j’entends des échos de clavecins,
des mélodies qui tournoient largement, des boucles
très humaines. Le morceau «Known», troisième du
disque, déroule un ondoiement troublant qui se
répercute ailleurs sur l’album. Un ami me faisait
remarquer que cet album était comme un vieux disque du label Ocora, qui sortait des enregistrements
de musiques africaines, asiatiques avec un entêtement fécond : on y entend des gens jouer une musique faussement familière, des morceaux qui sont
autant de variations sur les mêmes instruments, les
mêmes sentiments. Plus proche de nous, Oversteps
m’a fait penser, à la première écoute, au Music For
Films de Brian Eno. Un disque que j’adore sans le
comprendre, possède la même qualité mélodique,
musicale, rythmique, s’impose sans rien forcer. J’ai
eu la chance de parler à Autechre au téléphone et
je leur ai fait part de ce rapprochement et je me
suis souvenu que nous avions déjà évoqué ensemble cet album d’Eno, si impénétrable. Pendant
notre discussion téléphonique, je prenais des notes
et les regardant, je me rends compte que nous
avons beaucoup parlé de Google, de la manière
dont l’internet affectait leur vie, leur pratique et
que, pour la première fois, ils avaient composé chacun dans son studio mais en étant connectés en
permanence, en temps réel : chacun chez soi, chacun chez l’autre, en même temps. Et cela se reflète
bien dans l’album, qui a cette sorte d’étrange ubiquité ; comme s’il était avec soi, très présent dans
les oreilles, et en même temps, parvenant d’ailleurs,
existant dans une dimension différente, inaccessible
dans son intégralité. Dans mes notes, il y a aussi
cette phrase, à propos d’Oversteps : «same as ever,
move forward, don’t care which direction». Plus
loin, ces mots : «space between real and dream».
Ailleurs : «rhythm and tone are the same things».
Enfin, cette phrase à propos d’un autre groupe, Coil :
«They are the masters, at exploring both spaces,
heaven and hell. We’ve always aimed at that».
Difficile de ne pas comprendre que tout Oversteps,
le plus bel album d’Autechre (et je mesure chaque
mot, chaque phrase, chaque prise de parole), réussi
dans son ambiguïté, sa dualité, sa gémellité, presque :
Essmaa ★02 | 75
(RÉ)ÉCOUTES
on n’y est jamais là où l’on s’attendrait à être, on
finit toujours là où l’on ignore se trouver. Ce disque
pourrait me dévorer avec ses sons de clavecin, de
mellotron, d’électronique qui paraît sortir des
années les plus primitives, mais estampillées d’un
futurisme si fragile qu’il parait s’effriter là. «The
aggression is in the ideas more than in the sound» :
une autre phrase notée durant le coup de fil
d’Autechre, qui me dit où et comment avancer. Cet
album est un exemple de vie. Changeons vite tout
ce qui ne lui correspond pas, tout ce qui ne nous
pousse pas à aller de l’avant. Autechre, depuis 20
ans, ne fait rien d’autre et sa musique est du ressort
de compositeurs comme Parmegiani, Stockhausen,
Messiaen, Schaeffer, Henry, Partch, Young, Feldman.
On les reconnaîtra pour cela. Pas moins.
(Joseph Ghosn)
nique et pop... Sur cet album elle étale sur quatorze
morceaux, les preuves irréfutables de la maturité
galopante d’une demoiselle hautement intéressante
et qui, au fil des ans, semble de moins en moins
préoccupé par ses influences. EDH se forge, au fil
des disques, des collaborations essentiellement
avec Hypo, une identité. Ici la pop se nourrit d’instruments aux riches sonorités, de samples et d’une
solide assise bassline. Les mélodies s’enveloppent
donc d’ambiances mystérieuses et de paysages
sonores brumeux. L’équivalent sonore des contes
d’Alice à la fois charmeur et étrange. On chute, on
s’enfonce dans un labyrinthe inextricable d’atmosphères feutrées et interlopes, de poésie toxique
faussement naïve, abusé par l’effet apaisant de la
douce voix d’Emmanuelle. On vogue au son de cette
pop astrale. Tête de lézard et musée des groupes
imaginaires, sa musique se niche aujourd’hui quelque part entre celle de O.Lamm et Stereolab, à la
différence près qu’elle est aussi hantée par les
effluves de Pram. Bel album.
(Laurent Guérel)
EDH
PRÉDATURE
Lentonia Records
_Persévérants, Margaret Fiedler et Guy Fixsen de
Laïka l’étaient assurément. Ils furent l’un des premiers groupes indie à mélanger l’électronique, des
rythmiques quasi drum’n’bass, des atmosphères inspirées par le meilleur du jazz et un chant féminin
murmuré presque hip-hop par moments. Ils doivent
être heureux de savoir que la relève est là... Elle
s’appelle EDH. La sympathie avouée pour son travail
trouve ici, une fois encore, de quoi être confortée :
synthétisant krautrock, jazz modal, musique électro-
SEPTEMBER COLLECTIVE
ALWAYS BREATHING MONSTER
Mosz
_Parmi les membres du groupe September Collective,
il y a notamment Stefan Schneider de To Rococo
Rot ainsi que Barbara Morgenstern et Paul Wirkus.
Après un premier album sur la structure Geographic
Records, le trio de musique électronique revient en
2007 avec un nouvel opus, All The Birds Were
Anarchists sur le label autrichien Mosz. C’est sur
cette même structure que nous les retrouvons pour
un nouvel album conçu comme les précédents à
base de musiques électroniques improvisées et
d’electronica contemplative. Nouvelles rencontres
méditatives où les drones et les nappes grésillantes
rédigent une correspondance avec les estampes
électroacoustiques, la musique de Septembre
Collective est organique, vivante. Crissements synthétiques, mélodies improbables, textures tour à
tour râpeuses et sensuelles, édifices sonores instables mais pourtant si familier. Le trio développe ses
«impressions sonores», évocatrices et étonnamment
maîtrisées, malgré la liberté constante dont leur musique fait preuve. Voilà l’âme et le secret même de la
matière sonore estampillée September Collective.
Disséquée et reconstruite en même temps qu’elle
est vaporeusement dessinée, la musique est à la
fois mélancolique et apaisée, minimaliste et foisonnante. L’album pourrait bien ressemblé à une invitation au voyage dans le monde de «chez soi». Le
trio fait usage de quelques ricochets électroniques,
de guitares, de moog et d’une harpe. La musique se
veut volontiers méditative et dépouillée, une dérive
sonore vers un monde forcément horizontal et intrigant. Un ailleurs auditif et apaisant perturbé par
des apparitions acoustiques improvisées. Désarticulé
certes, et pourtant inexorablement, Always breathing
Monster mène vers un infaillible dispositif dans lequel Pierre Bastien, Steve Jansen et Pan America
sont à l’honneur. (LG)
Essmaa ★02 | 76
(RÉ)ÉCOUTES
NICK CAVE & WARREN ELLIS
WHITE LUNAR
Mute
_Fils de parents anglicans (son père est professeur
de littérature, sa mère est bibliothécaire), enfant de
chorale et collégien indiscipliné, l’australien Nick
Cave ne cesse depuis la création du groupe de rock
The Bad Seeds, de nourrir les obsessions les plus
noires, thèmes bibliques et murder ballads, Cash et
Cohen, de Melbourne à Londres, puis de Berlin à
São Paulo au Brésil, entre Wenders, Einstürzende
Neubaten et la résurrection de Lazare. Chantre de
l’expressionnisme gothique et crooner de l’hallali,
Nick Cave est aussi l’auteur de deux romans (Et
l’âne vit l’ange en 1989 et The Death of Bunny
Munroe en septembre dernier), de scénarios et de
musiques de films pour son compatriote et ami
John Hillcoat, réalisateur de Ghosts... of the Civil
Dead (un film carcéral tourné à la fin des années
80 dans une prison dans le désert australien, dans
lequel Nick Cave joue l’un des premiers rôles), du
western gothique dans l’Australie du XIXe siècle,
The Proposition (qui ressort en France ce mois de
décembre) et de The Road un conte post-apocalyptique adapté d’un roman de Cormac McCarthy (sortie
également en décembre) avec Viggo Mortensen et
le fidèle Guy Pearce. Pour tout dire, son prochain
scénario, The death of a ladies’ man, s’inspire
d’une chanson de Leonard Cohen, une comédie
(oui, une comédie !) réalisée par Hillcoat. Le double CD White Lunar qui vient de paraître, réunit
quelques-unes des musiques de films qu’il a composées avec Warren Ellis, son compère barbu de
Grinderman. À travers les thèmes de The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford, une
production de Ridley Scott, réalisé par Andrew
Dominik et pour lequel Brad Pitt décrocha la coupe
Volpi du meilleur acteur à la Mostra de Venise en
2007 (Nick Cave y joue le rôle d’un chanteur de
saloon), et ceux des films de John Hillcoat, mais
aussi du film de Matthew Watson, The Girls of
Phnom Penh (actuellement en post-production), de
The English Surgeon de Geoffrey Smith et d’archives précieuses où l’on recense des atmosphères
sombres, hantées de folklore ancien, habitées de
chants chamaniques, parcourues de murmures ou
taillées de riffs et dissonances punk, de l’ambient
au goût de cendre, entre de volupteuses musiques
de chambre et de l’americana pur. Une magnifique
B.O. lunaire. (Patrick Peiffer)
rester hors sentiers balisés. Car Anthony connaît
son patrimoine musical (aussi bien Pram, Cornelius,
His Name is Alive que DMX Krew et V/VM) et nous
offre aujourd’hui un univers foisonnant et unique.
(LG)
The Road, film de John Hillcoat avec Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee,
Guy Pearce. – The Proposition, film de John Hillcoat avec Guy Pearce,
Emily Watson, Ray Winstone.
SOULSAVERS
BROKEN
V2
HYPO
COCO DOULEUR
Tsunami Addiction
_Hypo fait partie de cette fière famille de trublions
de l’électro française au côté de Kumisolo, O.Lamm
ou Domotic... 2010, nouvelle année et nouvel album
Coco Douleur, pour le label Tsunami-Addiction
(dDamage, Milkymee, La Chatte…), sur lequel il
collabore avec de nombreux musiciens dont Sawako,
O.Lamm, Kumisolo et naturellement EDH. À la fois
ironique et parsemé de tension, simple mais restant
toujours audacieux, Hypo malmène les codes du
genre synthétique pour mieux les réinventer, s’appropriant et malaxant avec la même ferveur la new
wave, la pop, le r’n’b et la musique expérimentale.
Il n’est cependant pas question ici d’éclectisme
électronique sur-abondé, ou de volonté obsessionnelle d’un aventurier «de principe» s’efforçant de
_Josh Haden de Spain chantait sur le premier
album en 2003, ils reprenaient le No Expectations
des Stones sur le second en 2007. C’est Mark
Lanegan qui tient le premier rôle sur celui-ci,
Broken, le troisième disque des Soulsavers, duo de
producteurs anglais anglais (Rich Machin et Ian
Glover seront les producteurs du prochain album de
Spain). Mark Lanegan arpente les ténèbres cinéphiles
des Soulsavers, secondé dans sa tâche de baryton
de l’Ancien Testament, par Mike Patton, Richard
Hawley, Gibby Haynes des Butthole Surfers, Jason
Pierce de Spiritualized, le bassiste de Jane’s
Addiction et une chanteuse du nom de Red Ghost,
version australienne de Lisa Germano. Un casting
de luxe pour un répertoire noir et hanté, balayé par
la tempête et frappé de foudres rock et de visions
bibliques. Gibby Haynes sur «Death Bells» y chante
comme l’âme noire d’Iggy Pop, dans le larsen poisseux et la distortion glacée (le titre a été également
remixé par Mogwai), Richard Hawley enroule son
timbre dans le refrain du country gothique «Shadow
Falls», suave comme du Tindersticks produit par Lee
Essmaa ★02 | 77
(RÉ)ÉCOUTES
Hazlewood, Lanegan est le crooner du magnifique
«You will miss me when I burn», reprise de Will Oldham,
et Rosa Agostino alias Red Ghost enchante la fin de
l’album, en deux ou trois titres de cabaret lunaire
évoquant Tricky et Elysian Fields. Du Shakespeare
résonnant comme du Nick Cave ou bien encore la
version John Huston de Stagger Lee, sur des arrangements de cordes de Daniele Luppi, collaborateur
cinéphile de Gnarls Barkley, de Mr Bungle et de
l’association Dangermouse et Sparklehorse pour
«The Dark Night of the Soul» où David Lynch signe
quelques parties vocales. On parle même d’éditions
différentes de Broken, dont l’une avec le bonus d’une
reprise de Townes Van Zandt. Superbe disque. (PP)
la musique est physique. Une musique de pyromanes. Dans les profondeurs d’un tunnel sans fin de
la musique bruitiste. Dérives noisy chères au
groupe, ce disque arpente sous hypnose des territoires calcinés, rugissements organiques et susurrements arty. Cycle bruitiste, suite d’instantanés
oscillant entre des instrumentaux à la tension
démesurée et des plages somnambuliques, Flame
desastre vient comme un concentré de ces dernières années de bruit blanc influencé par la no
wave, Sonic Youth, The Ex, Faust ou Pluramon...
Physique. (LG)
SÉBASTIEN ROUX & SOGAR
SISTER IODINE
FLAME DESASTRE
Editions Mego
_Rock bruitiste et expérimental français, originaire
de Paris et formé en 1992, Sister Iodine creuse le
sillon du vinyle noir pour en extraire l’essence même
de sa musique : le bruit... Structures circulaires
mêlant hurlements, les guitares rugissent et couinent comme par étranglement, le batteur ânonne
quelques rythmiques à la dissonance free jazz.
Sister Iodine dévoile le temps de cet album, sorti
en version CD sur Editions Mego (précédemment en
vinyle sur le label parisien Premier Sang), sa face la
plus intransigeante et animale. Tornade... Ils plongent l’auditeur dans un effroi sans nom... Excès de
grincements, larsens et autres rythmes concassés,
RÜCKSITZ
Tsuku Boshi
_La facilité pourrait rapidement nous cataloguer
Sebastien Roux et Sogar comme des «ingénieurs»
de Max/MSP, priorisant la technicité et la programmation à l’émotion et la narration. Mais voilà, les
deux musiciens sont avant tout des compteurs
d’histoire, dans leurs projets solo ou ici pour cette
première collaboration. Inventant une pop folk au
bord du précipice, extrapolant la musique contemporaine ou acousmatique dans les univers d’Oval ou
de Microstoria, chaque morceau présente une nouvelle facette d’un travail fait de rencontre et d’essais
individuels… Nappes traitées, bruits naturels du
vent ou de la rue, froissement de harpe ou mélodie
de guitare bucolique, la musique fait grand bruit ou
écoute le monde qui tourne. Des désirs par bourras-
ques mêlés à des sons synthétiques microscopiques,
ils laissent la musique se transformer en une œuvre
protéiforme et sauvage, calme et scintillante. En
suivant, les sillons des cultures mélodiques et les
traités des grandes écoles de l’électro-acoustique,
les deux musiciens apportent leurs contributions
aux musiques bancales, intemporelles et recherchés. La six-cordes est taillée dans les essences de
bois les plus rares et se font rayer par des griffes
bruitistes, les voix chantent les beauté de la nature
dans les méandres des surexpositions numériques.
L’espace et le silence. On se laisse totalement
happer par ces mécanismes sonores aux courbes
métalliques ou d’ébène. Soupir et bourasque. Un
magnifique album qui s’inscrit dans cette tendance
récente de nombreux musiciens contemporains à
rechercher une inspiration folk intimiste et noisy
dans la nature et notre quotidien urbain. (LG)
8
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(RÉ)ÉCOUTES
CURSE OV DIALECT CRISIS TALES (Staubgold)
opus de Kelpe, Mikkel Meyer ou Hudson
Mohawke, Robot Koch vient compléter la
palette avec son mélange de hip-hop et de
dubstep polyvalent. Il s’agit de s’engouffrer dans la jungle électronique pour y tracer
des chemins de traverse à grands coups de
machette, avec l’espoir de découvrir quelques trésors d’émotion que les architectes
de Warp auront oublié de déterrer. Pour
cela, le Berlinois n’hésite pas à recourir à
tous les artifices que les machines offrent
à sa disposition. Qu’il opte pour des titres
aux sonorités tranchantes ou qu’il arrondisse les angles, les pièces du puzzle se
rassemblent. Taillant le coton electronica
pour ne garder que des tiges sèches, il regonfle le tout de basses des plus chaudes.
Après l’exercice de la mixtape (avec Flying
Lotus récemment), cette ode à la science
du beat, Robot Koch revient en février avec
un EP avec des remixes de Death Star
Droid par fLAKO, Blue Daisy, Shlohmo,
Body language et Phon.o. (LG)
Curse Ov Dialect, c’est un groupe de hiphop australien composé de cinq gaillards
d’origines diverses tous dans des costumes pour spectacle de rue… ça recrute...
Les rappeurs de la Macédoine, l’Allemagne,
la Pologne, l’Indonésie, la Suisse et les USA,
les empiler pour un tour de force lyrique. Imagination foisonnante… Quelques
anciens échantillons de folk, échantillonnage inventive en provenance des clubbing. Tout au long de cet album, la production reste habile et punchy. Beats
entraînants partant dans tous les sens, rap
décalé et énergie rappelant les «fous-fous»
hébergés chez le label Sonig. Synthétiseurs à gratter, booty dance égratignée,
hit-parade loufoque et petit bain noise, ils
hystérisent les plateaux. Crisis Tales est un
monstre bâtard carbonisant sur le bûcher
de la dépravation chimique Max Turner,
Puppetmastaz, TTC, Patric Catani... Suées
poisseuses pour robots sous psychotropes,
les compères sont les héros d’un Las Vegas
CLUES CLUES (Constellation)
Parano ripé dans les décors du Mars
Attack de Tim Burton. Voilà des gars qui
Avec ses changements de tempo, ses apefont plaisir. (LG)
santeurs harmoniques et sa tendance à la
schizophrénie, le premier album de Clues
ROBOT KOCH DEATH STAR DROID (Mooncircle)
a l’écho d’une installation artistique plantée dans le blizzard, mélangeant la joie et
Membre clé du trio allemand Jahcoozi aux la mélancolie, à l’image de son livret et de
côtés de Sasha Perera et Baba Massive, ces cerfs-volants rouges aperçus dans le
Robot Koch avait en 2009 participé à pas froid hivernal du Grand Nord Canadien.
mal de projets, du Namedropper EP (batty Fondé par Alden Penner, ex-Unicorns, et
bass) de Jahcoozi à Robot Koch vs Cerebral Brendan Reed le membre des Angles
Vortex (Aftershocks EP). Le producteur ber- Morts qui fut l’un des premiers batteurs
linois continue sa lancée electro-satinée d’Arcade Fire, Clues a enregistré son disde jazz et dub avec un premier album, que avec Ben Borden, Lisa Gamble et Nick
Death Star Droid. Une belle rasade de bas- Scribner, multi-instrumentistes recrutés
ses et de glitches, son premier album solo respectivement chez Les Automates de
qui s’intègre logiquement dans une grosse Maxime de la Rochefoucauld, Hrsta et
actualité electronica. En effet, après les Chaotic Insurrection Ensemble, dont les
noms seuls suffisent à noyer définitivement toute tentative d’approche et d’analyse de l’exubérante scène de Montréal,
lieu-dit de collisions multiples, météores
punk et troupes rock d’un hallali du rock
canadien entretenant le feu sous la glace.
Paru sur Constellation, emblématique
label indé de la ville, l’album de Clues se
définit dans une somme et contradiction
des genres, associant fracas et légèreté,
énergie solaire et noirceur post-punk. En
plus d’évoquer ici et là dans la contorsion
et la distorsion, quelques grands noms de
la pop (on avancera l’idée d’un grand
écart, aïe, entre Arcade Fire et Television)
et autres frères d’armes (Handsome Furs,
Wolf Parade), Clues réinvente le songwriting/entertaining, joyeux et exubérant.
Post-psychédélique ? (PP)
CASTANETS CATHEDRAL (Asthmatic Kitty)
Raymond Raposa, fils de journalistes
expatriés, a fait son éducation en parcourant les États-Unis en long et en large à
bord d’un Greyhound. Cathedral, le premier disque de ses Castanets à San Diego,
témoigne du chemin parcouru, des paysages défilant derrière la vitre sale et des
rêves bercés par le ronronnement du moteur. Au fond du sac, une carte routière
redessinée par Kerouac, un bouquin écorné
de Richard Brautigan, une cassette audio
de Leadbelly et des marshmallows qui sentent encore le feu de bois. À l’arrivée, un
disque embrouillant les rêves et les kilomètres comme une mixtape de Greyhound,
possédant sa propre géographie de villes
fantômes et de forêts enchantées, de pièges à ours et de cadavres enfouis. Une
sorte d’Americana aux instrumentations
protéiformes, voluptueuses ou convulsives,
nues ou bruitistes, nourries de cuivres et
Essmaa ★02 | 79
(RÉ)ÉCOUTES
de jouets, de guitares acoustiques et de
piano de saloon, comme dans les disques
de Califone, de Six Organs of Admittance
ou de Black Heart Procession, avec ses
ballades rurales et ses mid-tempos ploucs
libérés des genres, entre echymose noisy
et abcès free jazz, qui feraient passer My
Morning Jacket pour les Flying Burritos
Brothers et Beck pour un chanteur de variétés. (PP)
MIKKEL MEYER BACON (Statler & Waldorf)
Mikkel Meyer ne fait pas forcément dans
la finesse, mais son album ne manque
jamais de tempérament. Le Danois, après
avoir travaillé sur des installations sonores
que l’on peut retrouver sur son site, est
revenu fin 2009 à l’heure du «Bacon».
Encart d’apéro costaux entre électro, jazz
et dubstep lourd. Son electronica sombre
et minimale est un puissant remède contre
la mollesse et la mélancolie. Break-beats
dépouillés, mélodies dilatées et vocaux
élastiques deviennent les matières premières d’un tracklisting imparable customisé
dans les méandres de certaines productions
d’ANAEROBIC ROBOTS et de l’underground
londonien... Les infrabasses ronronnent.
Dub is good to me... (LG)
les blogs de la toile. Le premier single,
Evident Utensil, a été remixé par Sinden,
Juan MacLean et MGMT, entre version tropicale, remix électro et relecture hippie, et
l’un des deux nouveaux titres est chanté
en français. On parle même d’un inédit
qui circule sur le net, monté sur un sample de la voix de David Lynch. Et c’est évidemment aux frontières des genres que ça
se passe, dans des odeurs de bougies antitabac et de cuisine tibétaine, dans un mélange de sucre et d’électricité, de songes
pop et de claviers eighties, avec des chansons réversibles pour maisons hantées, évoquant Twin Peaks, Yeah Yeah Yeahs, Sofia
Coppola et CSS. Caroline Polachek, Aaron
Pfenning et Patrick Wimberly seraient-ils
les gens les plus cool du moment ? (PP)
GRISCHA LICHTENBERGER TREIBGUT (Raster Noton)
Treibgut est le deuxième acompte de la nouvelle série «Unununium» de Raster Noton...
Fragmenté serti dans le goudron pure
souche le breakbeat rustre de GRISCHA
LICHTENBERGER joue au ricochet entre
Kero, Funkstörung, Autechre et Richard
Devine. Il joue avec les gimmicks familiers
de l’old school avant de laisser la place à
un exercice cut-up de fréquences noisy.
Break-beats aux basses profondes, mélodies
dilatées et vocaux numériques élastiques
CHAIRLIFT DOES YOU INSPIRE YOU (Columbia)
deviennent les matières premières d’une
relecture d’un back catalogue de Warp et
Depuis l’automne de l’an dernier, l’histoire
Schematic ou Detroit Underground. Rien de
a fait un sacré bond en avant. Le titre
nouveau, mais nous n’allons pas bouder
«Bruises» a été choisi pour illustrer la
notre plaisir... (LG)
campagne publicitaire de l’iPod nanochromatic chez Apple et l’album du trio de
Brooklyn, paru alors chez l’indé Karine AOKI TAKAMASA RN RHYTHM VARIATIONS
(éditeur justement de la compile NY: The (Raster Noton)
Next Wave avec Grizzly Bear, Oxford
Collapse, Chairlift...), est l’objet d’une 25 minutes et des percussions... Variations
nouvelle sortie chez Columbia, augmentée d’une rythmique phat et propres à l’exde deux titres. En moins de six mois, l’af- trême, le japonais Aoki Takamasa entre par
faire a surgi à la vitesse de la lumière sur la grande porte dans la famille Raster Noton
dans le cadre de la série «Unun». Funk
autiste, écho hip-hop, cyber-rafales de distorsion, il marche dans les traces de Frank
Bretschneider, s’accommode des affiliations mixées avec Autechre, Alva Noto ou
Pan Sonic. Un disque à écouter à plein
volume pour en percevoir son efficacité
abrupte. (LG)
demi-douzaine de hits parallèles (l’addictif
«All the king’s men» mariant Edwyn Colins
et Arcade Fire) qu’on évoquera entre l’album rouge des Talking Heads et les idées
noires de Joy Division... Très beau disque.
(PP)
ANDREA BELFI & MACHINEFABRIEK
PULSES AND PLACES (Korm Plastics)
YAMORI KOTA WET DREAMS (Tsuku Boshi / CD1D)
Motifs de piano répétitif, effets de guitare,
sons granuleux, pour une danse avec Carolyn
Carlson. Yamori Kota avait été repéré par
le label Fatcat recommandant sur son site
sa démo. Délicate musique du vent, virevoltant entre emprunts classiques et jeux
de matières fuzziènnes, maturités du conservatoire et expériences micro-électronique,
on pourrait craindre les épanchements
entre romantisme de gare et un recyclage
un peu limite de Sakamoto. La crainte est
furtive car on découvre une réelle recherche musicale où se mêlent et divergent les
références et les effets numériques. À
écouter attentivement. (LG)
WILD BEASTS TWO DANCERS (Domino)
Ils sont de Kendal, au Nord de l’Angleterre,
entre la mer d’Irlande et le parc national
du Lake District, entretenant la résonance
onirique de leurs contes new wave,
empreints de légendes et de voluptés.
Hayden Thorpe, le guitariste falsetto, le
visage en creux dans la capuche de son
sweet et la voix haute, s’élevant au-dessus
de la lande et du brouillard, s’abandonne
dans les visions noires et les images crues
d’un texte surréaliste. Version Brecht d’un
Jimmy Sommerville pris dans un flagrant
délit de dancefloor aux frontières de l’obscurité, les Wild Beasts s’identifient dans le
décalage, la pop schizo et l’opéra postpunk, la psalmodie et l’indie rock, avec une
Duo pour cette belle série au packaging
soigné. Extrapool (lieu alternatif de
Nijmegen) et Frans de Waard proposent
des rencontres entre musiciens, et leur
donnent la possibilité de travailler en studio. Une quinzième référence pour
laquelle Andrea Belfi et Rutger Zuydervelt
(Machinefabriek) ont soigneusement mixé
leurs univers. Percussions et l’électroacoustique pour le premier. Effets et jeux
de matières pour le second. Le résultat est
un tableau ultra soigné d’abstractions
électroniques. Musique fragile, brumeux
mais chaud des sonorités acoustiques.
Belfi à la batterie et petites percussions et
Zuydervelt à la guitare et l’orgue, le duo
part à la rencontre de Kapital Band,
Nemeth ou September Collective. (LG)
ROYAL BANGS LET IT BEEP (City Slang)
Let It Bleed, l’album des Rolling Stones,
est paru un 28 novembre 1969, quelques
mois après la mort de Brian Jones, quelques jours avant le désastre d’Altamont.
Quarante ans plus tard, à quelques jours
près d’une date anniversaire, et partageant
sans aucun doute quelque sympathie pour
le diable, Let It Beep, second disque de
Royal Bangs se revendique dans la nouba
3D et l’élasticité des genres. Fracas punk
et dissonances pop sont livrées à la frénésie rythmique, au fuzz de la basse et aux
claviers coulés dans le sirop. Le plan qui
réveille la créature dance chez le nerd indie
Essmaa ★02 | 80
(RÉ)ÉCOUTES
du coin, s’abandonnant sur la piste avec sa
barbe clairsemée et son pull qui bouloche.
La réédition du premier album (We Breed
Champions) accompagne l’édition de ce
Let It Beep sur Audio Eagle Records, le
label de Patrick Carney, le batteur et moitié
des Black Keys. On en parle comme d’une
version garage de Passion Pit ou comme
d’une rencontre Strokes vs The Rapture.
Pour tout dire, ces gars de Knoxville,
Tennessee, ont décidé de jouer dans le
chaos, riffant punk dans les matières disco
ou fuzzant comme des malades dans la
dance eighties. Un peu comme si les
Friendly Dires avaient décidé de réinterpréter les standards de Pavement. (PP)
PHILIPP QUEHENBERGER HAZARD (Laton)
Monsieur s’est fait repéré sur Mego... non
pas pour des raisons d’extravagance noisy
ou de noirceur extrémiste, mais car son
Phantom in Paradise est pour le moins
radicalement différent des autres productions du label. Même sensation ici. Placez
le disque dans votre lecteur CD et vous
serez absorbé dans un déluge de beats
électro-pop virevoltant dans les tourbillons
de bruit et soutenue par une basse électronique caoutchouteuse. Il s’agit ici d’EBM
(electronic body music), style déployé
dans les années gothiques entre musique
industrielle avec une torsion au néon (judgement) vers les dancefloors. Ça pulse, en
rythme, et soutenu, plus heavy qu’easy,
dans une polyrythmie de claviers qui louchent parfois sur la disto. (LG)
PORT O’BRIEN THREADBARE (City Slang)
Quand il n’est pas sur le bateau de son
père à pêcher le saumon dans l’archipel
des îles Kodiak en Alaska et quand elle ne
travaille pas à la boulangerie de Larsen
Bay pendant la même saison de pêche, ils
forment avec deux de leurs camarades
Port O’Brien, une sorte d’appellation géographique indie folk pop remontant le long
des côtes californiennes, entre un bouquin
de Richard Brautigan et une caisse de vins
de la vallée, jusqu’aux clubs de Seattle.
M. Ward en parle comme l’un de ses groupes préférés du moment et Conor Oberst
les a sollicités pour assurer la première
partie de Bright Eyes. Les chansons de
Port O’Brien ? Isolées du monde, avec du
banjo, des chœurs élégiaques, de la
mélancolie (le très beau «My will is good»)
et cette sorte d’hymne à la beauté des saisons se jouant en fanfare, entre le soleil et
la glace. À vrai dire, ça sonne comme une
version Arcade Fire des Pixies, lors d’une
fête au bout d’un ponton, avec des guitares en bois et des petits fours au saumon...
(PP)
TORSO RIEN DE NOUVEAU (EN QUELQUE SORTE)
(Factotum)
À la une, l’idée d’un torso fleuri dévoré par
les flammes, survolé par les canadairs.
Rien de nouveau ? Hmm, pas sûr. Il fait
très chaud sur ce Torso-là. On y mélange la
poésie et l’incandescence. Ce troisième
disque tiendrait presque de l’installation
sonore, une sorte de Thalassa au pays
d’Haroun Tazieff, un week-end aux portes
de l’enfer. L’histoire de Torso tient dans
ses mises en scène, ses obsessions et ses
utopies, mettant dos-à-dos The Cure et
Hubert-Félix Thiéfaine pour une relecture
de Maïakovski ou de Primo Lévi et où les
boîtes à rythmes répondent à l’expression,
au riff de guitare électrique et à l’appel du
vide. Dernier volet d’une trilogie explorant
les vertiges et les arcanes de la folie et du
surréalisme, ce Rien de nouveau (en quelque sorte) sonne comme la BO d’un jeu
vidéo, où le joueur suicidaire tenterait le
contact avec quelque fantôme de la cold
wave. Une sorte d’Eldorado de l’after punk,
où l’on croiserait, tout en suçant des piles
au lithium, Conrad Veidt, Alain Bashung et
Ian Curtis. (PP)
TALEN KINGSTON BOOK & NEW YORK BOOK
(Mouthwatering Records)
Cocktail drum balancé dans la cohue de
basses gonflées à bloc, Talen aligne les
morceaux mariant la pneumatique dance,
le claquant du revival dub, les références
éthniques et le ragga martial. Entre le vertige de la danse des grands arbres, les
ambiances marabout, les boucles dubstep
digitalisées, on glisse dans le catalogue
des références de The Bug à Distance, de
Rocker Hifi à Ragga Twins. Côté MC, une
préférence pour Cutty Ranks, Sizzla étant
pour le moins poussif... En revanche, à michemin entre ouvrage d’ethnologie et récit
d’initiation, ce second maxi New York
Book est pour le moins une bonne surprise. Une balade nocturne commencé à la
fermeture d’un club New Yorkais.
Oddateee (protégé of Dälek) et Sensational
(album avec Spectre) aiguisent leurs flows
sur deux grumeaux nu-skool-breaks. Entre
beat insolent d’évidence et apparat des
cultures crunk et dubstep, ce second maxi
ne bouleverse pas le paysage mais présente le potentiel des deux producteurs
cachés sous Talen. (LG)
de jangle pop et de glam punk directement
inspiré de la kiwi pop de Nouvelle-Zélande
et de manière générale des disques de The
Clean et des Tall Dwarfes de Chris Knox sortis sur le label Flying Nun. Jay Reatard, Jay
l’attardé, cheveux trop longs (et frisés !),
guitare Flying V et nouvel album à la clé
(avec une pochette qui fait explicitement
référence au Jack Torrance de Shining),
pourrait passer aujourd’hui pour un rejeton
de Frank Black pétant les plombs dans
une sorte de Supergrass Tribute Band. Un
entertainer punk doublé d’un vrai personnage pop. Un Memphis de pute ! (PP)
THE DODOS TIME TO DIE (Wichita)
L’album de l’an dernier, l’étonnant Visiter,
s’était retrouvé classé parmi les meilleurs
disques de l’année. Meric Long, chanteur
guitariste, et le batteur Logan Kroeber s’y
livraient à une suprenante communion de
rythmes et d’harmonies. Le duo est devenu trio, rejoint par le vibraphoniste Keaton
Snyder et les 9 compositions du nouveau
disque ont été confiées à Phil Ek, un ancien assistant de Jack Endino, producteur
des Shins, Modest Mouse, du Fleet Foxes
et du Everything all the time des excellents
Band of Horses. L’album conjugue ainsi harmonies vocales et combustion rythmique,
définissant entre les ruades de la guitare
acoustique et les accents contemporains du
vibraphone, une sorte de vertige post-folk
mariant pression rythmique, pop ligne claire
JAY REATARD WATCH ME FALL (Matador)
et géométries progressives, évoquant l’intriguante rencontre de XTC, de Vetiver et des
Le gars est prolifique. Déjà au sein de ses
Shins. (PP)
anciens groupes, Lost Sounds ou The
Reatards, puis en solo à raison d’un single
par mois pour le label new-yorkais Matador DJ ELEPHANT POWER ATLAS ANTHEM (Sonig)
(réédités sous forme d’album l’an dernier).
Jimmy Lee Lindsey alias Jay Reatard (29 ans, À la fois groovy et expérimental, le Belge
de Memphis, Tennessee), joue les trouble- confirme qu’il faut compter sur lui pour
fêtes du coin avec une lo-fi noise pop fabri- régulièrement remuer la fourmilière élecquée maison, un mélange de college rock, tronique. Rien ne manque sur ce nouveau
Essmaa ★02 | 81
(RÉ)ÉCOUTES
maxi de Dj Elephant Power dont la réputation n’est plus à faire. L’anti-perfectionniste
parfait ! Nicolas Baudoux a construit sa réputation avec des tracks et une technique
non académique... Alors il continue avec
de nouvelles productions dansantes ! Un
tour de force ? Face A : Sans aucun doute,
avec cette basse bad-dubstep chahutée par
ses scratchs fantaisistes, ses samples bucoliques et ses cuts de cartoon ! Face B :
une face pour vous rafraîchir le ciboulot,
ou vous retourner le neurone. De l’expérimentation platiniste affolant les armées de
circuits imprimés. Visite en terrain instable,
loufoque et véritablement revigorant.
(LG)
VEX’D DEGENERATE (Planet Mu)
Vex’d, c’est deux londoniens : Jamie et Roly.
Deux B-boys ayant usé leurs pantalons sur
les mêmes bancs du collège de Bristol et
responsables des deux premières références du label Subtext : Pop Pop et Lion.
Suffisant pour Mike Paradinas ? Et bien
oui et à l’écoute de ce double album cela
se comprend. Handclaps caverneux, basses
de gusto–psycho, écho de radar, la grime
de ces deux chérubins se pare de ses couleurs les plus sombres, carbonisant Dizzee
Rascal sur un bûché confectionné avec les
patriotes de The Bug. Car le duo préfère
les méandres originelles de Virus, les
sonorités métalliques des productions de
Moving Shadow et le souffre de la fratrie
Techno Animal, aux paillettes d’un grime
version edit. Restant sous la ligne de flottaison, Degenerate souille les dancefloors,
enfume les feutrines. Rythmiques lourdes
et effets sonores d’un loosely dubstep, les
douze compositions déversent leurs surplus graisseux, comme autant de rouleaux
denses d’une marée noire abandonnant
sur la plage emprunts breakbeat, hardcore,
gabber et two-step et références à un
tracklisting redoutable regroupant Photek, musique s’invita alors comme une compaTechnical Itch, Gunshot et Fever... Un futur gne fragile, douce et envoûtante. Délicate
classique. (LG)
musique du vent, virevoltant entre emprunts
classiques et jeux de matières fuzziènnes,
maturités folk-pop et expériences microHYPO & EDH THE CORRECT USE OF PETS
électronique, Disown, Delete se découvre
(Active Suspension)
comme un ondée de lumière. Ébloui, on
devine les silhouettes de Leafcutter John,
Rien ne manque dans The correct use of
Red House Painthers, Sanso-Xtro, The
pets, nouvelle production d’Hypo dont la
Field Mice ou encore celle de Fennesz. On
réputation n’est plus à faire. Rien donc ! Ni
ferme les yeux et l’on se lave de tout.
les fulgurances libertaires ni les références
Superbe. (LG)
pop. Encore moins l’humour champêtre et
la maturité électronique. Dès l’intro de
«Plastic Bag» le ton est donné. Les habiles MACHINEFABRIEK DAWU (Dekorder)
lignes shoegazer s’insèrent dans le phrasé
fluide d’Emmanuelle de Héricourt rappe- Face A : mi-chemin entre sources électrolant Lætitia de Stereolab. Appuyé par le acoustiques, structures ambient et sampoids d’une rythmique bubble-gum pop ou ples classiques, ce nouveau disque de
laissant libre cours aux expressions débri- Machinefabriek évolue dans un univers
dées d’un easy listening pour animalerie labyrinthique de boîtes et de cloisons, tête
exotique, le duo batifole dans le pollen. en bas, pieds en l’air. Il n’y a rien à expliEntre travaux post-rock et collages electro, quer, rien à comprendre, seulement à
son univers est un subtil télescopage. Jeu écouter. En mouvement perpétuel les drôd’electronica vintage virevoltant entre nes se frottent contre les murs, les nappes
deux marées pop au sucre ou new-wave, enivrent et vous plongent dans les méanbreak lunaire caqueté par les paons, beat dres d’un parterre de mousse. Face B :
ricochant sous les sabots d’un troupeau «Singel», morceau de 25 minutes, cisèle
d’ânes, Hypo et EDH imposent avec succès les apparitions de guitares gorgées de nosleurs harmonies rayonnantes entre Pram, talgie, les effluves post-rock de Mogwai
Cornelius, His Name is Alive, DMX Krew et emmitouflées dans une coton expérimenV/VM... (LG)
tal, avant de prendre son envol vers le
sommet de la cathédrale. Sans doute l’un
des meilleurs disques de sa discographie
ENSEMBLE DISOWN, DELETE (Fat Cat)
impressionnante. (LG)
Il pleut un crachin pop sur les textures en
équilibre d’Olivier Alary. Alors apparaît
dans le scintillement des gouttes Chan
Marshall (Cat Power)… Après un premier
album en 2000 sur Rephlex, puis un remix
pour Björk, Olivier s’est retiré dans les
grandes herbes d’une clairière, se laissant
happer peu à peu dans un lit de mousse
fripé comme un vieux matelas fatigué. Là,
au milieu de nulle part, oublié de ces
congénères, la tête à la cime des arbres, sa
AUDIOPIXEL MEMENTO RUMORI (Effervescence)
Bâti comme une chambrette au milieu de
nulle part, avec de la paille dans les chansons et des paillettes en guise d’étoiles,
avec des électrons digitaux fumés au feu
de bois et des passages pop crépitant à la
lueur du crépuscule, voilà Memento Rumori,
premier mini-album d’Audiopixel. Un disque au charme étrange, sonnant comme
une musique «de laptop sans laptop».
Regorgeant d’effets numériques, d’interférences, la musique d’Audiopixel joue à
l’équilibriste sur le fil d’Ariane, plonge les
bruissements de l’electronica de Mego pour
s’envoler rapidement vers des mélodies
évanescentes d’un apprentissage classique.
Jeux de cordes et atmosphères rugueuses,
voix féminine entre chant et murmure, un
piano, une ou deux guitares, quelques pédales d’effets, Menmento s’évapore dans
des phrases mélodiques rappelant Fennesz,
Smog, Codeine et Braille. Une musique
simple et authentique dépouillée de ses
accessoires de pacotille, pour un disque
que l’on sait pour longtemps sur la platine.
(LG)
HINT 93-99 (Jarring Effects)
Le retour de HINT... sous le format de la
«comémoration» en format réédition sur
deux CDs des meilleurs titres de l’artiste
augmentés de faces B de 45 T jamais sorties en CD, de morceaux inédits et autres
raretés. Originaire d’Angers et formé en
1993, influencé tant par la noise que la
musique expérimentale et ambient, le
groupe fait tourner à l’obsession la ritournelle de la boucle se désarticulant entre
rythmiques indus, guitares dissonantes, et
saxos hurlés. Jazz électronique torturé,
alliage de la noirceur des influences noise
et des collages sonores rappelant aussi
bien The Young Gods que Prohibition, Hint
tourne comme un disque sans fin sur des
structures répétitives lui donnant cet aspect
à la fois tribal et inquiétant. Aigu piquant
les yeux, guitare ripant la gorge, électro
empruntée à Nine inch Nails mais projetée
dans un crépitement de guitares tremblantes devant Unsane, la musique du groupe
couine, mute. Une musicalité transversale
que l’on trouvait souvent à l’époque de
Bretagne à Strasbourg, fief de nombreux
Essmaa ★02 | 82
(RÉ)ÉCOUTES
ou encore Earthling ; scratchent les sonorités actuelles sur une ligne de basse guerrière sans oublier les quelques clins d’œil
à ces amis de Dälek (venus en amis pour
assister à la production)… Oddateee réveille
nos souvenirs, en craque le vernis et les
ÉTIENNE MICHELET CALENDAIRES III
remet au centre de l’actualité musciale, en
(Frozen Elephants)
complément idéal à notre playlist comprenant Sofa Surfers, Mike Ladd, DJ Spooky,
Disponible en téléchargement gratuit sur
Def Tex ou Antipop Consortium... (LG)
le site du label Frozen Elephants, se baladant entre Allemagne et Japon. Face A :
répétitive et lancinante, la flûte flotte sur FILEWILE NUMBER ONE KID EP
des drones rapides et des cuts au vent (Mouthwatering Records)
ciselant la structure à la fois complexe et
efficace, intriguante et bucolique. Face B : Les deux producteurs bernois Dustbowl
Etienne nous propulse dans le vertige de (Andreas Ryser) et Dejot (Daniel Jakob)
sa musique répétitive, un cauchemar tribal continuent leur chemin et reprennent à
acoustique à connotation vaudou. Vision leur compte l’électro-pop de Moloko ou
noire et tentaculaire, chants scandés et Ruby, inspiré d’un hip-hop soigneux et
fresques noires, sonorités traumatiques et d’effluves dub. Number One Kid est préarchitectures chaotiques, ciel gris et pous- senté ici dans sa version originale et
sière de terre battue. Un grondement lourd décliné en quatre remixes. Le «Roland
et profond. Les dieux de la forêt sortent du Space-Echo» que l’on retrouve au détour
bosquet avec pour parure des colliers de de chaque titre est ici malaxé en version
«deep and soulful» dub-step par les prolisortilèges. (LG)
fiques Robot Koch, dont on vous a déjà
vanté les mérites. La version electroODDATEEE HALFWAY HOMELESS (Jarring Effects)
nic’hap d’Algorythm & Blues trop proche
de la version initiale passe inaperçue
Le rythme lourd, les gimmiks hip-hop, l’arridevant la déferlante dark techno aux soufvée d’Oddateee résonne comme un sursaut
fles acides de Mercury. Rien d’original
d’orgueil de la scène old school. Souvent
pourtant, mais efficace pour être propulsé
décrit comme un des MCs et performer hipen club. (LG)
hop des plus impressionnants aperçus ces
dernières années dans l’underground américain, Ricardo Galindez alias Oddateee nous ISRAËL M NAREAH (Aagoo)
prouve avec ce nouvel et second album,
Halfway Homeless que cette réputation Israel Martinez est un artiste sonore, né en
n’est absolument pas usurpée. Son flow paie 79, revendiquant une électronique pointilcache, allongeant les billets sur les feutri- leuse, rugueuse et expérimentale. Sa musines d’un Dj mixant hip-hop old school east que est une collection d’insectes et de
coast, musique hispano, l’électro hip-hop papillons de nuits. Nareah se transforme
noisy de NY. Avec ce nouvel album gravé en une escapade sombre à la lueur d’une
dans l’impertinence de B-boys gourmands nuit sans lune. Introspectif désert nocturne
et curieux, il chahute l’héritage de l’âge d’or dans lequel les basses crépitent comme
de Silvah Bullet, Gunshot, The Brotherhood des lucioles fondant dans la discographie
groupes du genre... Une rétrospective intéressante pour les curieux souhaitant
découvrir les ambiances post-rock-noise
de l’époque. (LG)
de Svarte Greiner. À la levé du soleil, il
plisse les yeux et se remémore les images
furtives de ses voyages sans fin. Field
recordings, enviromental sounds, Nareah
nous fait découvrir un homme rêveur mais
inquiet sous une multitudes de drones, de
couches harmoniques s’évanouissant dans
des vertiges lumineux. Une descente souterraine avant une ultime montée vers les
nuages comme des paysages mentaux...
(LG)
FREDO VIOLA THE TURN (Because)
Garçon soprano jusqu’à la mue et étudiant
à la Tisch School of the Arts à New York
jusqu’à la réalisation de films, Fredo Viola
vient d’être sollicité pour participer au prochain album de Massive Attack, entre une
tournée avec le trio élégiaque mancunien I
am your Autopilot et la sortie très remarquée
de son premier album, The Turn, réinventant la roue dans un cycle d’harmonies
vocales, des tramés électroniques et une
lumière de vitrail, réconciliant Benjamin
Britten, Harry Nilsson et Boards of Canada.
Fredo Viola s’est mis en voix avec un batteur du Midwest, un bassiste enseignant
new-yorkais et un guitariste cinéphile, a
invité le flûtiste de Inpravda, un groupe
polymorphe proposant une fusion de jazz
et d’opéra, un professeur de harpe celtique, une paire de cuivres affranchis, des
chœurs et le beatmaker Deltasleep de
Nashville (le fond d’écran du blog décalé
de ce dernier est la pochette d’un disque
de Bob Azzam) pour mettre en scène ses
chansons sur une série de «Cluster vidéos»
(huit d’entre elles sont offertes sur le DVD
bonus de l’édition), dans un mélange de
rêve et d’électricité interprété comme dans
une phase de sommeil paradoxal, inventant d’incroyables hits pop de chorale sur
fond de ciel vénitien. Du Gerschwin a
capella, avec du doo wop et des mouettes
dans le «Pagan Lament» de The Turn et
une version quasi Brill Building du splendide «The Original Man» pour un zig zag
jazzy entre des handclaps et des vagues de
cuivres. Du grand art. (PP)
MACHINEFABRIEK RUSLAND (Machinefabriek)
Format mini-CD 3”, et en MP3 (agrémenté
d’un live de 25 minutes). Machinefabriek
reprend sa démarche de carte postale
auditive combinant compositions et des
enregistrements divers faits pendant son
voyage en Russie le mois dernier. Aérien.
Sonorités s’envolant rapidement vers des
mélodies évanescentes. Jeux de cordes et
atmosphères rugueuses, entre chant et
murmure, un piano, une ou deux guitares,
quelques pédales d’effets, le morceau se
structure pour gagner en intensité et profondeur avant de laisser place à un chant
acappella. (LG)
GENERAL ELEKTRIKS GOOD CITY FOR DREAMERS
(Discograph)
On dit qu’il tourne avec Seb Martel, le gars
frisé de Fancy, un programmateur endimanché et un xylophoniste punk. Lui, c’est
Hervé Salters, dit RV, un fondu des claviers, un «vintage keyboard player» qui a
fait ses gammes et ses classes entre Paris,
avec Dj Mehdi et Vercoquin, et Berkeley
avec Blackalicious ou Lyrics Born du
Quannum crew, avant de fonder le trio
Honeycut avec un chanteur et un batteur,
et de publier deux albums sous le nom de
General Elektriks ? Le récent Good City for
Dreamers s’enchaîne bien comme dans le
rêve d’une métropole scénarisée dans un
ballet d’âmes perdues et de filles fatales,
entre le film noir, le ghetto funk et la soft
pop californienne. Une nuit américaine
mélangeant le gin et la lumière, la soie
blanche et la peau noire, entre Michael
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(RÉ)ÉCOUTES
Franks et Larry Blackmon, évoquant du
Steely Dan repris par Jimi Tenor («Engine
Kickin’ In»), la version Bay Area d’un thème
de John Carpenter (l’addictif «You Don’t
Listen»), invoquant l’esprit du «Walrus»
des Beatles (le suave «Cottons of Inertia»)
ou sonnant tour à tour psychédélique,
freakbeat, poppy ou pompant éhontément
le «Sweet Dreams» d’Euryhtmics (l’électro
«David Lynch Moments»). Et on leur prête
forte réputation sur scène. (PP)
et Brooklyn, entre Barcelone et Le Caire, le
tout forgé par des convictions de métissages. Grey Filastine a fait ses classes dans
diverses formations, dont sa fanfare percussive Infernal Noise Brigade, battucada
noise des manifestations anti-G8. Sampling
du bled, flow hispanique, tempo ragga claquant et basses lourdes, il malaxe les
ambiances et les sonorités locales pour les
intégrer dans un monde grésillant, slamant
ces photos musicales aux quatre vents...
Filastine aime frotter ses machines et ses
beats complexes de maître percussionPLAYDOE SIBOT & SPOEK ARE PLAYDOE
niste à une diversité de langues (français,
(Jarring Effects)
espagnol, arabe, portugais...) et une combinaison imparable de dubstep carbonisé,
À base de hip-hop, de dancehall et de pop, promettant des suées entre Fundamental,
l’eski-beat de ce duo ne peut que finir en Kode9, Asian Dub Foundation et Burial...
haut de notre playlist. Face A : Beats fer- (LG)
mes et mini-8bit, basse booty et saturation
du master, Sibot dégomme les standards
du booty bass et livre une imparable com- BEN SHARPA THE SHARPAGANDA THEORY: LESSON 1
binaison de TTC, Spank Rock et Sweat X. (Jarring Effects)
Face B : Power garage funk, électro freestyle, run’n’scratching vicieux, une déton- Figure du hip-hop sud-africain, Ben Sharpa
nante fusion pour un premier maxi plus se caractérise par son flow et son accoinque convainquant. (LG)
tance avec les beats grondants et lourds.
Parfait adage entre ambiances sombres et
déferlantes hip-hop, electronica épaisse et
FILASTINE DIRTY BOMB (Jarring Effects)
structures démoniaques. «Hegemony» et
«Check The Evidence»... le rythme lourd,
Nouvelle recrue pour le label Jarring les gimmiks électro et la grimefever du
Effects, Filastine n’en est pourtant pas à samedi soir, le retour des vétérans dans le
son coup d’essai puisqu’il s’agit là de son rétroviseur, résonne comme un sursaut
second album pour lequel le label lyonnais d’orgueil. Scratchant les sonorités actuelassure la sortie française. On avait derniè- les sur une ligne de basse guerrière sans
rement retrouvé l’homme sur le label de oublier les quelques clins d’œil à Roots
Kid606 Shockout. Irrépressible global Manuva, TY... La clique londonienne paie
ghetto bass, la musique tourne à donner le cache, se faisant un nouveau copain de
vertige sur les terres rouges du label jeu. Avec «Off The Rails» gourmands et
Agriculture d’un certain Jace Clayton aka curieux, il chahute le grime UK de sa verve
DJ/Rupture qui avait déniché l’artiste et made East Coast. À craquer le vernis de
lui avait proposé un album sur son label Dizzee Rascal, pour un contest avec Virus
Soot Records. Filastine fait partie de cette Syndicate. Enfin «Calli It Quits» en compagénération d’artistes électroniques sans gnie de Milanese ; dont il partage souvent
œillère... Le grand mix entre le Zimbabwe les lives. Il laisse se faire valdinguer d’une
fureur électronique à une mélodie pernicieuse au pied lourd. Mix sans fausse note
de rythmes electro-hip-hop, de verbe aiguisé
et defreestyle old school... (LG)
rouleaux denses d’une litanie noire et oppressante. Sous la ligne de flottaison, Mick
Harris attise la colère des pythons, aiguise
à la dent les roseaux. Yeux globuleux, peau
blafarde, crochets plantés n’importe comment, comme des pierres enlisées dans la
AARON MARTIN & MACHINEFABRIEK
vase, la bestiole est là... Sur le Net, Mick
CELLO CELLO & RECYCLING NOYADE (Type)
montre ses derniers trophées de pêche. Sa
prochaine prise pourrait bien le bouffer.
Prolifique Monsieur Machinefabriek, cette Énorme ! (LG)
fois en collaboration avec le multi-instrumentiste américain Aaron Martin, dont les
CYLOB BOUNDS GREEN
performances violoncelle sont la source
(WéMè Records / Cylob Industries)
sonore de ce projet. Ce maxi reprend les
grands principes de l’ambiante, mixant
Il est minuit, le Londres des bords de
drône et tourbillon de mélancolie... Les
Tamise s’éveille. Dans la nuit et la gridébuts sont murmurés, s’éssouflent entre
saille, sortant d’une session du studio
deux vagues d’air de minuscules particules Rephlex... Cylob. Au milieu de cette ronde
glitch et, par transparence, le violoncelle. nocturne, sa musique tourne doucement
Le second morceau marie les sonorités de sur elle-même. De quoi donner le vertige
Aaron Martin avec une ambiance aquati- aux nostalgiques des débuts 90. Depuis
que... Gouttes et écoulement d’eau sub- longtemps considéré comme un classique
merge peu à peu dans un jeu de vagues pour avoir marqué les esprits avec Lobster
apaisé. (LG)
Tracks ou encore Cut The Midrange, Cylob
s’était fait depuis un témoin discret. La
sortie en CD sur son label et en vinyl sur
SCORN STEAL (Ad Noiseam / Jarring Effects)
Wémè de Bounds Green, compile de productions effectuées en 1994-1995, sonBasse frontale et brouillard de rigueur, nerait-il comme l’annonce d’un retour en
Mick Harris a bien l’intention de foutre la force ? Visiblement «oui», deux albums
pétoche aux grimeux de tout poil. À sont sortis cet été...
l’écoute du titre introduisant l’album
«Stripped Back Hinge» le ton est donné...
Les basses grattent, s’entrechoquent dans CARTON PARK CARTON PARK BOX (Ponpoko)
la cadence d’un pied lourd. Sombre et (GANGPPOL & MIT - JUICY PANIC)
fumeux, boueux et couleur de marécage,
Stealth est liquide, rampant, gluant... Une L’équipe Carton Park est sur la route. Sur
matière visqueuse dont on n’arrive plus à toutes les routes. Le sac sur le dos comme
se défère. Une humidité chronique qui les Guides du routard avec pour mission
décolle le papier peint, détériore votre d’inonder de bonnes humeurs et de power
moquette, ronge les fils électriques avant festif les dancefloors des maternelles et
de s’insinuer sous votre épiderme. Les des écoles primaires. Juicy Panic et
effets néfastes d’un loosely hop-step de Gangpol & Mit sont deux groupes qui partroisième sous-sol... Les huit compositions tagent des univers proches où se mêlent
déversent leurs surplus de terres grasses, pop et électronique, musique et grareviennent à la charge comme autant de phisme. Combinaison idéale pour créer un
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(RÉ)ÉCOUTES
spectacle pour le jeune public. Ils déboulent tous avec la banane et dépensent
toute leur énergie dans l’action... Entre
attractions en carton, fête foraine en
papier, un Viking au nez cassé, une princesse éméchée, des robots robotisés... le
tout sur des manèges sonores. Du Polux
versus Dragibus, sous le nom de Carton
Park... Gangpol (et ses amis) nous invite,
comme à son habitude, à jouer à son jeu
d’arcade. Électro-pop, confectionnée sur
une petite mélodie simple. Ritournelle
obsédante enfantine rapidement pilonnée
par des ambiances sombres, au final une
douche froide aux résonances de hits
dance à rendre fou Tex Avery. Moulé dans
le pure style Gangpol fusion instrumentale
d’un gimmick kitch et d’un bidouillage
électro... (LG)
SÉBASTIEN ROUX PRÉCISION SUR LES VAGUES #2
(Optical Sound)
Version CD de l’installation de Célia
Houdart présentée lors de l’édition 2008
du festival d’Avignon. Lecture en façade.
Des textes de Marie Darrieusecq lus par
Valérie Dréville. Les mots se glissent dans
les interstices liquides procédant des
effets des houles micro-phoniques. Compositions en forme de roulis de vagues
digitales composés par Sébastien Roux.
Au bord de l’eau, une dame à moitié transparente vacille en robe légère. Regorgeant
d’effets numériques, d’interférences, la
musique joue à l’équilibriste sur une planche de surf, plonge les bruissements de
l’electronica pour s’évaporer rapidement
dans le houle du grand large. (LG)
NTH SYNTHESIS PRÔNE (Bee Records)
Pierce Warnecke et Romain Serrate sont
les deux compositeurs attirés par les technologies et allient leur force pour une har-
monieuse combinaison musique et vidéo.
Face A sonore : La musique est fortement
influencée Rephlex. Dès les premières minutes et sa série de claps crépités d’acide,
les envolées sourdes et mélodies ténébreuses, on pense irrésistiblement à la recette
maison du grand rouquin... entre Cylob,
µ-ziq, The Tuss, Richard Devine. Face B
vidéo : Paysages étranges, références ludiques et acidités visuels de rigueur, les vidéos
confortent tous les espoirs que l’on s’aime
à mettre dans ce projet. (LG)
GALAXIE 500 ON FIRE (Domino)
Vous n’avez pas encore 20 ans et puis,
soudain, vous en avez presque 40 et l’on
réédite les disques que vous pensiez
encore à peine sortis, si neufs et vifs dans
votre esprit qu’ils n’ont pas encore tout à
fait atteint votre mémoire, vos souvenirs.
Voir arriver un paquet de rééditions des
trois albums de Galaxie 500 procure une
étrange sensation, comme si je n’avais
jamais cessé de goûter à la même madeleine de Proust depuis 20 ans et que d’un
coup son goût érodé revenait, violent. La
première fois que j’ai acheté un disque de
Galaxie 500, c’était parce que ce groupe
jouait calmement, tristement. C’était «du
Sonic Youth en plus lent» m’avait-on affirmé
et je n’en suis jamais tout à fait revenu. La
cassette de leur deuxième album, On Fire,
passait en boucle dans ma chambre et le
moment du dernier morceau, «Isn’t it a pity»
(reprise de George Harrison), était d’un
effet magique. La face A de leur premier,
Today, en vinyle, était la plus parfaite que
j’avais jamais entendue, avec sa reprise de
Jonathan Richman en plein milieu, «Don’t
Let Our Youth Go To Waste» – un programme
auquel nous nous sommes tenus, fidèlement. Le troisième album, This Is Our
Music, était moins emballant, plus hivernal et fermé. Mais, revoir la pochette d’On
Fire, avec la boucle d’oreille de Naomi en
spirale hypnotique me rappelle à quel point
je portais fièrement le T-shirt où était reproduite la même image. Domino réédite les
albums du groupe, avec quelques faces B
en plus : cette musique, dans mes oreilles,
est toujours, encore, céleste au possible.
(Joseph Ghosn)
FÉLICIA ATKINSON LAKES AND LOSSES (Kaugummi)
Félicia Atkinson sort un CD, Lakes and
Losses, et un petit livre, Dream Sequence,
chez Kaugummi : belle addition de talents,
qui donne naissance à deux petits objets
très désirables et, surtout, hautement fragiles. Sur le disque, accompagné lui-même
par un joli petit livret de photos prises la
nuit, on entend Félicia chanter de longues
rengaines tristes, évoquant en lointains
échos la musique de Palace lorsqu’elle était
encore dénudée. Ici, tout est mis à nu, jusqu’à l’enregistrement qui laisse passer souffle du micro, respiration, bruits ambiants.
Tout cela vient renforcer le sentiment fantomatique qui habite la voix et les maigres
instruments présents (une guitare, un banjo,
peut-être). Le livre, à l’italienne, est tout
aussi joliment évanescent : imprimés sur
du papier calque, tout aux crayons de couleurs abstraits, se superposent à travers
les pages et créent une multiplicité de
sens et de séquences, tout en demeurant
toujours bruts, naïfs. Ceux que ça intéresse peuvent se procurer ces petits objets
chez Kaugummi. (JG)
BROADCAST AND THE FOCUS GROUP
INVESTIGATE WITCH CULTS OF THE RADIO AGE (Warp)
Depuis que je l’ai, impossible de me défaire
de ce disque. J’adore Broadcast depuis
longtemps, et chaque nouvel album me
rapproche un peu plus de ma compréhension d’eux, de ma connaissance de mon
amour pour le groupe, ses mélodies, son
dérèglement, sa manière d’agencer et dispenser le monde, d’en faire un miroir où se
reflètent en cohabitant toutes les fantaisies m’ayant jamais traversées l’esprit, le
cœur. Ce nouvel album est fait avec The
Focus Group (du label Ghost Box, très prisé
des amateurs de Hauntology – pour ceux
qui ne savent pas ce que c’est, voir le dossier de Chronic’art #61). On y entend des
vignettes plutôt sans paroles, oniriques,
électroniques, réverbérantes de l’intérieur,
souvent ambient, parfois déséquilibrées.
Lorsque le chant est là, je le trouve si
lumineux et perdu en même temps que j’ai
l’impression de l’avoir toujours connu là,
pas loin. Il y a dans tout cela quelque
chose de cinématographique, comme une
utopie des années passées capturées en
musique : ces musiciens-là doivent vivre
dans un autre espace-temps, leur monde
est celui qui me parvient dans des vieux
films de la Hammer, de Tigon, de ces années
étroites entre la fin du Flower Power, du
Swingin’ London et les premiers attentats
terroristes, le premier choc pétrolier, les
années du plastique qui était beau, avant
de perdre la trace de Steve Ditko, les années
où nous sommes nés. (JG)
SIMON FISHER TURNER MUSIC FROM FILMS
YOU SHOULD HAVE SEEN (Optical Sound)
Depuis que j’écoute de la musique et que
j’achète des disques, le nom de Simon
Fisher Turner est toujours là, quelque part.
Ce musicien anglais m’est d’abord apparu
lorsque je me suis intéressé au label El
Records : il y publiait des disques de pop
extravagante sous le nom de King Of
Luxembourg. Il faisait aussi des compositions plus atmosphériques sous son propre
nom, pour des labels comme Mute ainsi
que pour le réalisateur Derek Jarman.
Récemment, il publiait un texte d’une page
(RÉ)ÉCOUTES
dans un numéro de The Wire à propos de
son amour pour les magnétophones portables. Et puis là, après quelques erreurs de
la Poste, son dernier disque est arrivé :
Music From Films You Should Have Seen,
publié par le label français Optical Sound,
qui maintient une belle qualité discographique depuis ses débuts. Comme souvent
avec les compositions de SFT, tout ne me
plaît pas immédiatement, mais l’ensemble
est porté par de belles idées. Trois morceaux
longs composent ce disque et chacun correspond à un film dont il a été la bande-son
d’un soir ou d’un moment : Un Chant
d’Amour (1950) de Jean Genet, It Happened
by Chance – une exposition consacrée aux
films Super 8 (1970-82) de Derek Jarman,
The Invisible Frame de Cynthia Beatt
(2009). Le premier morceau, qui recrée
une musique pour le film de Genet est
porté par des instruments à vent et une
mélodie évoquant Pierre et le Loup : l’ambiance est jolie, mais trop polie pour moi.
La pièce centrale du disque est plus belle,
plus mystérieuse : elle a été composée
pour l’exposition des Super 8 de Jarman et
j’aurais adoré la voir avec les films : elle
est bourdonnante, mais sinueuse, tout en
volutes et élévations, planante et idolente,
tendue et, par moments, désenchantée.
Elle devient très vite dévorante, emplissant l’espace avec métronomie. Le dernier
morceau est tout aussi hypnotique : il
semble ondoyer sur lui-même, comme pour
charmer un serpent, le rendre amoureux
de son propre sommeil, avant de devenir
plus classique, évanescent et porté par
des boucles de violoncelle presque romantique. L’objet, au-delà de la musique, est
beau, et comme la plupart des bons disques sortis dernièrement, sa pochette est
ornée d’un palmier, d’un bout de soleil,
mais gris. (JG)
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Essmaa ★02
CRÉDITS
Essmaa, initiative commune de l’association Gummi Gumi et du projet E-FEST,
action se déroulant sur 13 mois à Tunis englobant plusieurs manifestations
en rapport avec les créations numériques.
coordinateur du projet. Afif Riahi
FEST
Festival Échos Sonores Tunis
Tunis - Tunisie
http://www.lefest.org
Essmaa
directeurs de publication. Laurent Guérel & Olivier Meyer
graphisme. Denis Chevalier
participations. Denis Chevalier, Philippe Fusaro, Joseph Ghosn, Patrick Peiffer.
«émission». selected music by Laurent Guérel & Olivier Meyer
remerciements. Afif, Joseph Ghosn, Benndorf @ Dense, Virgine @ Modulor, Sandra
& Marie @ Stars-and-heroes et chacun des participants à ce numéro.
Réalisée avec le concours de PPT (www.e-ppt.net)
adresse. 52 rue Maurice Arnoux - 92120 Montrouge - France
[email protected] - http://www.lefest.org
info pratique. Le format d’Essmaa est conçu pour être un fichier léger, consultable à
l’écran (liens actifs vers les sites), facilement imprimable (recto/verso) et reliable.
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