0 Cover.qxd - European Media Art Festival

Transcription

EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2014
CONTENT
Imprint
Words of Welcome
Filmfestspezial
Film- & Videokommission
FILMPROGRAMME
Afterimage
Behaviourism
Down Town
Everything That Rises Must Converge
Facing The Sun
Homework
Inventory
Late Night Watch
Observatory
Off-Stage
Open Your Eyes
Private View
Sexploitation (Hasekult)
Territorial Drift
The Futurists
The Order Of Things
Tonight And The People
Vanishing Points
Velka Noc
WeTube - Clips Around The World
We, The Enemy
We, The Enemy Too
WE, THE ENEMY
Brazil
The Conversation
THX 1138
RETROSPECTIVE CAROLEE SCHNEEMANN
Breaking The Frame
Where The Frame Breaks The Edge - The Artist Carolee Schneemann
SPECIAL SHIFTING CONSTELLATION
Experimentalfilme und Videos über den Islam in Indonesien
MEDIA CAMPUS
We, The Media Campus
Adventure World VI
Heteronomy
Level Of Expectation
Perfectly Out Of Time
Shifting Activities
Well, That Was That!
Hochschulpartner
Hochschule Osnabrück
Fachhochschule Mainz
FH Mainz Installationen
FH Mainz Film/Video
Kunsthochschule für Medien Köln
Ausstellung
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EXHIBITION WE, THE ENEMY - LEBEN UNTER VERDACHT 136
We, The Enemy
Comfortable Protest
Stalker 2
Ich glaubte Gefangene zu sehen
5.000 Feet is the Best
In Light of the Arc
TEN
black hole / first light
Policia (2007)
Low Definition Control - Malfunctions #0
eye could see
The Situation Room
fake account
Everyday Rebellion - The Art of Change
How Not To Be Seen. A Fucking Didactic Educational .Mov File
untitled (NSA Field Station, Berlin, Teufelsberg #05)
untitled (City TV [Berlin] #01)
The Google Trilogy
under surveillance | under the radar
Leben unter Verdacht / Living Under Suspicion
Can You See The Wind When It Blows
PERFORMANCE THERE IS NO ENEMY
The Diamond Road Show
Der Audiovisuelle Salon
Planet Utopia
Tonight There Is No Enemy
CONFERENCE WE, THE ENEMY - BURNING CLOUDS
We, The Enemy ›burning clouds‹
Whistleblowing, Journalism and Privacy
Sicherheitsforschung jenseits von Gut und Böse
Artist Talk
Überwachen und Sprache: How To Do Things With Words
Wir werden alle überwacht. Und nun?
Tweet Nadwa
Majority Report
Wollt ihr die totale Vernetzung?
REGISTER
List of Titles
List of Authors
List of Distributors
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IMPRINT
ORGANISATION
Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V.,
Osnabrück
Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert,
Ralf Sausmikat
Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl:
Joke Ballintijn, Katrin Mundt, Ralf Sausmikat,
Sebastian Schlicher
Jury des ›EMAF Awards‹, des ›arte Creative Newcomer
Awards‹ und des ›Dialogpreises des Auswärtigen Amtes‹:
Kathy Rae Huffman, Rizki Lazuardi, Claudia Löffelholz
Jury des ›EMAF-Medienkunst-Preis der Deutschen
Filmkritik‹: Toby Ashraf, Günter Beyer, Wilfried Hippen
Kongress: Alfred Rotert, Salvatore Vanasco,
Jan Lachenmayer, Timo Maier
Ausstellung: Hermann Nöring
Performances: Alfred Rotert
Retrospektiven: Ralf Sausmikat
Media Campus: Franziska Finke & Ronja Patzer (Leitung),
Franziska Beckmann, Julia Breit, Giulia Cramm,
Sarah Marie Caroline Dahm, Inga Kristin Frank,
Kai Jobusch, Mateja Kahmann, Sarah Opaitz,
Sebastian Quasinowski, Tabea Schüler
Ausstellungsführungen: Franziska Finke, Hanjo Volke
Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Kerstin Kollmeyer
Finanz- und Hotel-Organisation: Birgit Müller
Disposition Film/Video: Gunther Westrup, Thorsten Alich
Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup,
Ralf Sausmikat
Recherche: Katharina Lohmeyer, Tobias Sunderdiek
Parties und Audiovisueller Salon: Melvin Neumann,
Mario Schoo
Technik: Thorsten Alich, Christian Löwrick,
Michael Rosbeck, Hans-Jürgen Thünemann,
Reinhard Westendorf, Gunther Westrup
Ausstellung Bau & Technik: Andreas Zelle,
Stefan Hestermeyer
Media Art Camp/Schülertag: Antje Goltermann,
Monika Witte
Übersetzungen: Teresa Gehrs + Stephanie Brouwers,
Lingua Connect
Fotografie: Angela von Brill, Kerstin Hehmann
Praktikanten: Yasmin Behrens, Erika Morsbach,
Chiara Rolf, Anna Pröpper (Schülerpraktikantin)
Webdesign: Hüben und Drüben Heimat für
Kulturkommunikation Berlin, Oldenburg, Zürich
Webmaster: Stefan Hestermeyer
Web-Pflege: Kerstin Kollmeyer, Stefan Hestermeyer
Grafische Gestaltung: Holger Risse (und ich), Köln
Illustration: Jürgen Frost
Satz: www.dieter-lindemann.de
Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück
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SCHIRMHERR
Schirmherr des European
Media Art Festivals 2014
ist der Ministerpräsident
des Landes Niedersachsen,
Stephan Weil
FÖRDERER / FUNDED BY
nordmedia Fonds GmbH,
Hannover
Stadt Osnabrück
Europäischer Fonds für
regionale Entwicklung
Bundesministerium für
Bildung und Forschung,
Berlin
Auswärtiges Amt, Berlin
Stiftung Niedersachsen,
Hannover
Botschaft von Kanada,
Berlin
Schwedische Botschaft,
Berlin
IMPRESSUM / IMPRINT
Herausgeber: Alfred Rotert,
Hermann Nöring, Ralf
Sausmikat
European Media Art Festival
Lohstraße 45a
D-49074 Osnabrück
Tel. ++49(0)541/21658
Fax ++49(0)541/28327
[email protected]
www.emaf.de
ISBN-13
978-3-926501-37-0
GTIN
9783926501370
KOOPERATIONSPARTNER /
COOPERATION-PARTNERS
AG Kurzfilm, Dresden
ARTE Creative
ARGOS, Centre for Art and Media
AV-arkki, Helsinki
CaRTe bLaNChe, Paris
Canyon Cinema, San Francisco
Chronus Art Center, Shanghai
cybob communication, Osnabrück
Drop Out Cinema eG, Mannheim
Fachbereich Kinder, Jugendliche und
Familien, Stadt Osnabrück
Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück
HFMA / Fachhochschule Mainz
Film & Medienbüro Niedersachsen e.V.,
Osnabrück
Filmakademie Baden-Württemberg,
Ludwigsburg
Filmgalerie 451, Berlin
Filmtheater Hasetor, Osnabrück
Filmverleih im Nordseepark, Hüblingen
Goethe Institut, München
Golden Girls Filmproduktion, Wien
Haus der Jugend, Osnabrück
HBK, Braunschweig
Heure Exquise!, Mons en Baroeul
Hochschule für Gestaltung, Offenbach
Hochschule Osnabrück, Medienlabor
KHM, Köln
Kunsthalle Osnabrück
Kunstquartier des BBK, Osnabrück
Lagerhalle e.V., Osnabrück
Le Fresnoy, Tourcoing
Light Cone, Paris
LIMA, Amsterdam
LUX, London
-1 | MinusEins Experimentallabor, Köln
Picture Palace Pictures, New York
sixpackfilm, Wien
Stadtbibliothek Osnabrück
Studiocanal GmbH, Berlin
UDK Berlin
Universität Osnabrück
Video Data Bank, Chicago
Vidéographe, Montreal
Warner Bros. Entertainment GmbH, Hamburg
Winnipeg Film Group, Manitoba
Zimmertheater, Osnabrück
BESONDERER DANK AN /
SPECIAL THANKS TO
Andrea Gehling
KUNSTHALLE
OSNABRÜCK
Medienpartner:
Kulturpartner:
Mitglied bei:
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WORD OF WELCOME
Grußwort des Niedersächsischen Ministerpräsidenten
Das European Media Art Festival widmet sich auch in seiner 27. Ausgabe einem aktuellen gesellschaftlichen Thema: Unter dem Titel ›We, The Enemy – leben unter Verdacht‹ werden zwischen dem 23. und 27.
April verschiedene Programme geboten, die sich mit den Reaktionen der internationalen Kunstszene auf
die digitale Überwachung und ihren Strategien zur digitalen Selbstverteidigung auseinandersetzen. Wesentlicher Bestandteil des Festivals ist die begleitende Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück, die bis
zum 25. Mai besucht werden kann. Hier präsentieren Künstlerinnen und Künstler Klangkunst, Lichtinstallationen und Videoprojektionen zu obigem Thema, das die Beziehungen zwischen Macht, Wirtschaft,
Kunst, Individuum und der Gesellschaft intensiv beleuchten soll.
Gezeigt wird außerdem eine internationale Auswahl von Lang- und Kurzfilmen, Videoproduktionen, Animationen, Musik-Clips, Dokumentationen und Experimentalfilmen. Ein solches Feuerwerk an Videokunst
findet man bei vergleichbaren Festivals selten. Eine Bereicherung ist auch die Einbindung des Kinos. Das
EMAF hat dem Kunst begeisterten Gast ebenso viel zu bieten wie dem Fachbesucher. Es ist eine Plattform für außergewöhnliche Filme und Projekte.
Live-Performances, Partys und Soundprojekte runden das Programm ab. Ein Höhepunkt wird in diesem
Jahr der ›Audiovisuelle Salon‹ in der Osnabrücker Bergkirche sein. Die Veranstalter des Festivals bieten
auch in diesem Jahr mit dem Media Campus dem kreativen Nachwuchs eine Kontakt- und Projektbörse,
vor allem aber ein Forum zur Präsentation seiner aktuellen Arbeiten. Studierende werden in die Organisation der Veranstaltung eingebunden. Sie können so wichtige Erfahrungen für künftige berufliche Tätigkeit sammeln.
Das EMAF gehört zu den wichtigsten Medienkunstfestivals Europas und hebt sich als einziges Medienkunstfestival im Land mit seinem Konzept auch unter den niedersächsischen Festivals heraus. Die Landesregierung hat sich deshalb gerne auch in diesem Jahr mit einem namhaften Betrag an der Finanzierung des Festivals beteiligt.
Den Veranstaltern des EMAF wünsche ich den verdienten Zuspruch beim Publikum, allen Gästen und Besuchern spannende, unterhaltsame Stunden und anregende Gespräche beim Besuch des außergewöhnlichen Programms des European Media Art Festival.
Hannover, im März 2014
Stephan Weil
Niedersächsischer Ministerpräsident
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Word of Welcome by the Ministerpresident of Lower Saxony
The 27th European Media Art Festival is also dedicated to a current social issue: under the heading ›We, The
Enemy – living under suspicion‹, a range of programmes will be offered between 23 and 27 April that explore responses of the international art scene to digital surveillance and some of the strategies applied to defend themselves digitally. A key component of the festival is the accompanying exhibition at the Kunsthalle
Osnabrück, which is open to visitors until 25 May. At the exhibition, artists will present sound art, light installations and video projections about the above topic, shedding light on the relationships between power, business, art, the individual and society.
An international selection of feature-length and short films, video productions, animations, music clips, documentaries and experimental films will also be screened. Such an explosive display of video art is rarely encountered at comparable festivals. The involvement of cinema is an added asset. EMAF has plenty to offer
both art-loving guests and specialist visitors. It represents a platform for extraordinary films and projects.
Live performances, parties and sound projects round off the programme. One of this year’s highlights will be
the ›Audiovisual Salon‹ at Osnabrück’s Bergkirche. In the form of Media Campus, the organisers of this year’s
festival will provide creative young artists with a forum for presenting their current work, a forum that additionally serves as a contact and project exchange point. Students are involved in organising the event, enabling
them to gain the key experience required in their later careers.
EMAF is one of the most important media art festivals in Europe, managing with its concept to stand out
amongst Lower Saxony’s festivals, being the only media art festival in the federal state. For this reason, it is
with pleasure that the federal state government contributes a considerable sum towards the funding of the
festival again this year.
I hope that the organisers of EMAF will be given the reception they deserve, and wish all guests and visitors
an exciting, stimulating time, and inspiring conversations during their visit to the outstanding programme of
the European Media Art Festival.
Hannover, March 2014
Stephan Weil
Ministerpresident of Lower Saxony
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WORD OF WELCOME
Grußwort des Oberbürgermeisters der Stadt Osnabrück
Seit nunmehr 27 Jahren findet das European Media Art Festival in der Friedens- und Universitätsstadt
Osnabrück statt. Als Forum für internationale Medienkunst lockt es jedes Frühjahr zahlreiche Besucher
aus aller Welt nach Osnabrück.
Das EMAF zeichnet aus, dass die gezeigten künstlerischen Positionen immer auch einen politischen Hintergrund haben: Die Medienkünstler setzen sich stets mit gesellschaftlichen Konflikten und Problemen
auseinander. In diesem Jahr ist das Thema des Festivals aber brisant und aktuell wie selten: ›We, The
Enemy – leben unter Verdacht‹ widmet sich ganz dem Thema der allgegenwärtigen Überwachung – mit
allen Aspekten, die dazu gehören: Datenschutz, Handel mit persönlichen Daten, Drohnen-Einsatz, Mittäterschaft von Beobachtern hinter den Kameras und vor allem auch dem Protest gegen die Überwachung.
Zudem freue ich mich, dass das EMAF in diesem Jahr auch wieder einen Schülertag bzw. ein Media Art
Camp für die Osnabrücker Schulen anbietet. Hier geht es in diesem Jahr auch um den Datenschutz, ein
Thema, dass auch für Jugendliche eine immer größere Rolle spielt. Als Anwender von facebook, Twitter
und Co. machen sie sich meist zu wenig Gedanken darüber, was andere mit ihren Daten und Informationen anstellen können. Insofern leistet das Festival einen Beitrag zur Aufklärung der Jugendlichen.
Den Veranstaltern wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern eindrucksvolle Medienerlebnisse und den auswärtigen Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in der Friedensstadt Osnabrück.
Wolfgang Griesert
Oberbürgermeister
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Word of Welcome by the Lord Mayor of the City of Osnabrück
The European Media Art Festival has been hosted in the university city of Osnabrück – the City of Peace – for
27 years. As a forum for international media art, it attracts many visitors from all over the world to Osnabrück
each spring.
What distinguishes EMAF is that the artistic positions exhibited always have a political background: media artists are constantly exploring social conflict and problems. This year, the topic of the festival has rarely been
more serious and pressing: ›We, The Enemy – living under suspicion‹ is devoted to the issue of general surveillance – and all the aspects related to it: data protection, trade of personal data, the use of drones, the
complicity of observers behind cameras and, above all, protest against surveillance.
I am also delighted that EMAF is offering a Pupils’ Day and a Media Art Camp for the schools of Osnabrück
again this year. The topics explored concern data protection, an issue that plays an increasingly large role,
also for young people. As users of Facebook, Twitter & Co., they usually give too little thought to what others
can get up to with their data and information. As such, the festival helps to educate young people in this respect.
I wish the organisers great success; may the visitors have an impressive media experience, and may our
guests enjoy a pleasant, eventful stay in Osnabrück – the City of Peace.
Wolfgang Griesert
The Lord Mayor
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WORD OF WELCOME
Willkommen
Warum müssen wir – kollektiv als verdächtig eingestuft – umfassend überwacht und wie ›Feinde‹ behandelt werden, mutieren gleichzeitig aber auch zu überwachenden ›Feinden‹? Wie weit geht die totale
Kontrolle durch Überwachungskameras, GPS-Daten von Fahrzeugen und mobilen Endgeräten und Speicherung von Kommunikationsdaten? In seinem Roman ›1984‹ hat George Orwell vor 65 Jahren eine
Überwachungsdiktatur beschrieben, die heute längst in unserem Alltag angekommen zu sein scheint.
Zum Thema ›We, The Enemy – leben unter Verdacht!‹ reflektiert das EMAF mit seinem umfangreichen
Programm, wie die aktuelle internationale Kunstszene auf die digitale Überwachung reagiert und welche
Strategien der digitalen Selbstverteidigung gefunden werden können.
In Vorträgen, Workshops und Diskussionsrunden werden sich Experten der Medienkunstszene und investigative Journalisten damit auseinandersetzen, wie die Überwachung, ihre Sprache, mediale Inszenierung oder ihre Architektur überhaupt funktionieren und wem sie eigentlich nützt.
In der internationalen Filmauswahl gibt es neben einen breiten Spektrum an neuen experimentellen Filmen auch Arbeiten in allen Programmen, die sich auch auf das Thema beziehen sowie zwei Kurzfilmprogramme zum Motto ›We, The Enemy‹. Drei historische Langfilme zum Thema zeigen, dass Überwachung
und Kontrolle nicht erst seit Edward Snowden im Kino eine Rolle spielen.
Die Ausstellung präsentiert künstlerische Positionen, die Kommunikationsräume reklamieren, die frei von
Herrschaftsinteressen und kommerziellen Zugriffen sind. Sie zeigt aktivistische Widerstandsformen, humorvolle Ideen zum Versteck-Spiel, hintergründige Überlegungen zur verinnerlichten Beobachtung oder
künstlerische Interventionen im Überwachungsraum.
Umfassende Nachwuchsförderung betreibt das EMAF auch in diesem Jahr mit dem Media Campus, bei
dem Studierende deutscher und internationaler Kunst- und Medienhochschulen ihre Arbeiten präsentieren. Das Programm des Campus umfasst Workshops, einen Ausstellungsbereich sowie verschiedene
Film- und Videoprogramme.
Für Entertainment und ausgefüllte Abende während des Festivals sorgt in diesem Jahr ein abwechslungsreiches Spätprogramm mit Live Performances, Partys und Soundprojekten, die akustisch und visuell
für Stimmung sorgen werden. In diesem Jahr ist der ›Audiovisuelle Salon‹ in der beeindruckenden Kulisse der Osnabrücker Bergkirche dabei eines der Highlights!
Am Festivalsonntag findet die Preisverleihung des 27. EMAFs in der Lagerhalle statt. Hier werden der
›EMAF Award‹, der ›EMAF-Medienkunst-Preis der Deutschen Filmkritik‹, der ›Dialogpreis‹ des Auswärtigen Amtes und der ›arte Creative Newcomer Award‹ verliehen. Anschließend laden wir noch zu einem
›Best Of EMAF 2014‹ ein, dass die ausgezeichneten Filme sowie einige andere ausgewählte Arbeiten
zeigt.
Wir freuen uns dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, Stephan Weil, die Schirmherrschaft des diesjährigen EMAF übernommen hat. Wir möchten uns zudem bei der nordmedia, der Stadt
Osnabrück und den zahlreichen weiteren Sponsoren und Förderern herzlich bedanken.
Wir wünschen Ihnen viel Spaß, Anregung und Unterhaltung mit dem diesjährigen Festivalprogramm!
Das Festivalteam
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Welcome
Why are we suspect, subjected to mass surveillance and treated as ›enemies‹? How far does total control via
surveillance cameras, GPS data in vehicles and mobile end devices, and the storage of communication data
go? In his novel entitled ›1984‹, George Orwell described a surveillance dictatorship 65 years ago that seems
to have long become part of our everyday lives.
Concerning the topic ›We, The Enemy – living under suspicion‹, in its extensive programme EMAF reflects on
how the current international art scene responds to digital surveillance, and which digital self-defence strategies can be pursued.
Media art scene experts and investigative journalists will delve into the topic of social control – and above all,
how to escape it – in lectures, workshops and panel sessions.
The selection of international films includes not only a wide range of new experimental films, but also pieces
that relate to the topic in all programmes, in addition to two short film programmes on the theme of ›We,
The Enemy‹. Three historic feature-length films about the topic demonstrate that surveillance and control already played a role in cinema long before Edward Snowden's revelations.
The exhibition presents artistic positions which reclaim forums for communication that are free from power
interests and commercial access. It presents activist forms of opposition, witty ideas for playing hide and seek
and artistic interventions in the surveillance room.
Once again this year, EMAF is dedicated to promoting young artists in its Media Campus, where students
from national and international art and media academies are given the opportunity to present their work. The
Campus programme comprises workshops, an exhibition area, and film and video programmes.
At this year’s festival, a varied late-night programme will offer entertainment featuring live performances, parties and sound projects that will use acoustic and visual effects to create a great atmosphere. One of the highlights this year is the ›Audiovisual Salon‹, which will be staged in the impressive setting of Osnabrück’s Bergkirche.
On Sunday, the last day of the Festival, we cordially invite you to our Award Ceremony in the Lagerhalle, where the ›EMAF Award‹, the ›EMAF-Medienkunst-Preis of the German film critics‹, the ›arte Creative Newcomer
Award‹ and the ›Dialogpreis‹, awarded by the Federal Ministry of Foreign Affairs and the will be assigned to
outstanding films. Afterwards, we will show a ›Best of EMAF 2014‹, that will also feature the award winning
films.
We are delighted that the Ministerpresident of the Federal State of Lower Saxony, Stephan Weil, has assumed patronage of this year’s EMAF. We would also like to say a big ›thank-you‹ to nordmedia, the City of
Osnabrück, and our many other patrons and sponsors.
We wish you a great deal of fun, stimulation and entertainment with this year’s festival programme.
The Festivalteam
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FILMFESTSPEZIAL TV
›FilmFestSpezial-TV‹ berichtet 60 Minuten vom EMAF
Kerry Laitala - ›The Muse of Cinema‹
Moderatorenteam: Dr. Siegfried Tesche, Clara Beutler
Das European Media Art Festival Osnabrück ist Thema der 60-minütigen Sendung von ›FilmFestSpezialTV‹. Das Festivalmagazin berichtet über Highlights des EMAF, spricht mit Künstlern in der Ausstellung
und mit Filmemachern, wirft einen Blick hinter die Kulissen und stellt die Festivalmacher, Jurys und
PreisträgerInnen vor.
›We, The Enemy – leben unter Verdacht‹ ist einer der Schwerpunkte des EMAF. In seinem umfangreichen
Programm reflektiert das Festival, wie die aktuelle internationale Kunstszene auf die digitale Überwachung reagiert und welche Strategien der digitalen Selbstverteidigung gefunden werden können.
FilmFestSpezial vom EMAF wird ab 7. Mai 2014 bei folgenden 12 TV-Sendern ausgestrahlt und ist bei
den meisten Sendern auch als Stream im Internet zu sehen: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen/Delmenhorst/Nordenham, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg,
rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg, OK Kassel, Fernsehen aus Schwerin und Open.web.tv Münster.
Weitere Infos und aktuelle Sendetermine: www.filmfestspezial.de
›FilmFestSpezial-TV‹ broadcasts a 60-minute report on EMAF
Osnabrück’s European Media Art Festival is the topic of a 60-minute ›FilmFestSpezial-TV‹ broadcast. In addition to reporting about the EMAF highlights, the festival show will involve talks with filmmakers and artists at
the exhibition; it will offers a glimpse behind the scenes and present the festival’s organisers, juries and
award-winners.
›We, The Enemy – living under suspicion‹ is one of the key areas of EMAF. In its extensive programme, the
festival reflects upon how the contemporary international art scene responds to digital surveillance and which
digital defence strategies can be applied.
›FilmFestSpezial-EMAF‹ will be broadcast on the following 12 citizens’ TV channels from 7 May 2014 onwards and can also be viewed on the web as stream on most channels: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV
38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen/Delmenhorst/Nordenham, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg, rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg, OK Kassel and Open.web.tv Münster.
For more information and current broadcast dates visit: www.filmfestspezial.de
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FILM- & VIDEOKOMMISSION 2014
Joke Ballintijn, *1969, lebt in Amsterdam und arbeitete nach Abschluss ihres Filmstudiums als Produzentin, Programmer und Kuratorin im Bereich Kino und Medienkunst. Von 1999 bis 2012 war sie Mitarbeiterin der Abteilung Sammlung und Vertrieb des Niederländischen Institutes für Medienkunst/Montevideo in Amsterdam. Zurzeit arbeitet sie als freiberufliche Filmprogrammiererin, Kuratorin und Beraterin
und war unter anderem Mitglied der Programmausschüsse für das Impakt Festival, Utrecht (2012) und
den Bereich Kurzfilm des Internationalen Filmfestivals in Rotterdam (2014).
Joke Ballintijn, *1969, based in Amsterdam, after graduating in Film studies she worked as a producer, programmer and curator in the field of cinema and media art. From 1999 - 2012 she was a staff member of the
collection and distribution department of the Netherlands Media Art Institute/Montevideo in Amsterdam.
Currently working as a freelance filmprogrammer, curator and advisor, she was amongst others part of the
program-committees for the Impakt Festival, Utrecht (2012) and the short film section of the International
Film Festival Rotterdam (2014).
Katrin Mundt ist freie Kuratorin und Autorin. Ihre Ausstellungen und Filmprogramme wurden u.a. im
Württembergischen Kunstverein Stuttgart, dem HMKV Dortmund, PACT Zollverein, Essen, bei plug.in,
Basel und Intermediæ, Madrid sowie zahlreichen internationalen Film- und Medienkunstfestivals gezeigt.
Sie trägt regelmäßig zu Ausstellungskatalogen und Zeitschriften wie Camera Austria und Springerin bei
und unterrichtet derzeit Medien- und Kulturwissenschaften an der Ruhr-Universität Bochum und der Universität Düsseldorf. 2010/11 war sie als Gastwissenschaftlerin an der HEAD, Genf beschäftigt. Gemeinsam mit Christian Koch gründete sie das Produktionsbüro Passanten in Bochum, das an den Schnittstellen von Film, Bildender Kunst und Performance tätig ist.
Katrin Mundt is an independent curator and writer. Her curatorial projects have been shown, among others,
at the Württembergischer Kunstverein Stuttgart, HMKV Dortmund, PACT Zollverein, Essen, plug.in, Basel and
Intermediæ, Madrid, as well as numerous international film and media art festivals. She regularly contributes
to catalogues and art magazines, such as Camera Austria and Springerin, and currently teaches media and
cultural studies at Ruhr University Bochum and Düsseldorf University. In 2010/11 she was a visiting researcher
at HEAD Geneva. Together with Christian Koch, she runs the production office Passanten in Bochum, working
between film, visual art and performance.
Ralf Sausmikat, Studium der Medien- und Literaturwissenschaften (Magister Artiun), Mitgründer des Int.
Experimentalfilm Workshop e.V., Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung des EMAF,
Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent des Goethe-Institut München.
Kuratierte ›From Analog Dreams to Digital Visions‹, HongKong 2001, und ›Turbulent Screen‹ Edith-RußHaus für Medienkunst, Oldenburg 2003.
Ralf Sausmikat, studied Media Sciences and Literature, and graduated with Magister Artium. Founding member of International Experimentalfilm Workshop e.V.. Since 1988 artistic director of EMAF for exhibitions,
films, videos and retrospectives. Consultant for the Goethe-Institute Munich, for the German Experimental
Film of the 80's and 90's programmes. Curator of ›From Analog Dreams to Digital Visions‹, HongKong 2001
and ›Turbulent Screen‹, Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg 2003.
Sebastiaan Schlicher, NL, Kunststudium an der AKI, Enschede sowie an der Wimbledon School of Art,
London. Seine Arbeiten umfassen Zeichnen, Installation und Video und thematisieren extreme und romantisierte Darstellungen von Natur und Kultur. Schlicher ist Gründer des Multimedia-Künstlerkollektivs
Amerikan Teenager und hat Kunstausstellungen in Berlin und an anderen Orten kuratiert und hielt Vorlesungen am Wimbledon College in London, Grays School of Art, Aberdeen und Utrecht School of Arts.
2013 war er einer der Core Viewer für das IMPAKT Festival und Moderator für dessen Panorama Programm.
Sebastiaan Schlicher, NL, studied art at AKI, Enschede and Wimbledon School of Art, London. His works
comprise drawing, installation and video and thematise extreme and romanticised views of nature and
culture. Schlicher is the founder of multi-media artist collective Amerikan Teenager, and has curated art
exhibitions in Berlin and elsewhere. He has lectured at Wimbledon College in London, Grays School of art in
Aberdeen and HKU in Utrecht. In 2013 Schlicher was a core viewer for IMPAKT festival and moderator for its
Panorama Program.
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FILMPROGRAMME
AFTERIMAGE
Abstrakter Film / Abstract Film
Model Village
Der Film besteht aus kurzen Sequenzen, aus ›Raw
Videos‹ der Kämpfe in Libyen und Syrien, die von
den Betroffenen ins Netz gestellt wurden, um die
Welt über die Ereignisse zu informieren. Die Fragmente zeigen einen unkontrollierten Fluß von nahezu abstrakten Bildern, als Ergebnis des Schocks,
wenn der Filmmacher unter plötzlichem Beschuss
die Kontrolle über seinen Körper verliert und das
Handy angeschaltet bleibt, das manchmal sogar
den eigenen Tod filmt.
›Model Village‹ entstand in loser Anlehnung an
das nordkoreanische Propagandadorf Kijongdong. Kwon präsentiert einen Schauplatz und lädt
uns ein an einer fiktiven Geschichte teilzunehmen.
Sie unternimmt die Reise aus der Ferne. Dieser
Film zeugt von einer Geisterstadt wie sie wirklich
ist: ein Fiktionsmechanismus. Die Realität einer
Grenze, die mit ihrem inszenierten Dasein konfrontiert wird. Dieses Dorf ist nur über die Vorstellung
erreichbar.
The film is a compilation of short sequences of ›raw
videos‹ from the fighting in Libya and Syria, which
have been uploaded by people affected to inform
the world about the events. The series of fragments
shows the uncontrolled flow of nearly abstract images, as a result of the shock when the filmmaker loses control of his body during the shooting while the
mobile phone remains switched on, sometimes
even filming his own death.
›Model Village‹ is freely inspired by the North Korean
propaganda village, Kijong-dong. Kwon reveals a
setting and invites us into a fiction. Carrying out the
journey by proxy, this film testifies to this ghost town
in its true state as a mechanism of fiction. The reality
of a border confronted with its staging. This village
can only be reached within our imagination.
Birgit Hein
Birgit Hein, filmmaker and film historian. Has been creating experimental
films, performances and documentary
film essays since 1966. Since 1971,
many publications on experimental film
and film as art, a.o. ›Film im Underground‹ 1971 and ›Film as Film‹ 1977.
1990-2007 professor for film and video
at Braunschweig University of Art. Has
been a member of the ›Akademie der
Künste‹ Berlin since 2007.
D 2013, Video, 8:38
Director, script Birgit Hein
Camera Anonym
Editing Nina Hein
Distribution Birgit Hein
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Hayoun Kwon
Hayoun Kwon, *1981 in Seoul (South Korea), graduated from the Fresnoy –
Studio national des Arts contemporains
in 2011. Her work revolves mostly
around the notions of memory (individual or collective), boundaries and
limits, questioning the blurred lines
between intention and interpretation,
construction and fiction, recollection
and invention. Thus she examines the
ambivalent relationships between reality and fiction.
F 2014, Video, 10:45
Director, script, editing Hayoun Kwon
Camera, Animation Simon Gesrel
Music Hayoun Kwon, Balthazar Auxietre
Distribution FILMO
Dust Breeding
Sarah Vanagt
Welchen Wert haben Bilder als objektive Zeugen eines Konflikts? Können wir glauben was wir sehen? In
ihrer neuen Arbeit beschäftigt sich Sarah Vanagt mit einem wichtigen Kapitel der jüngsten europäischen
Geschichte: den Internationalen Strafgerichtshof für das ehemalige Jugoslawien in Den Haag. Die Künstlerin untersucht die Erschwernisse bei der Nachkonstruktion eines Krieges, der dennoch gut dokumentiert ist. Sie beginnt mit der einfachen Bewegung einer Hand – ein Bleistift wird auf einem Stück Papier
gerieben, das über einem Objekt liegt – und überträgt diesen ›enthüllenden‹ Reibungsprozess in den
Gerichtssaal.
Am Internationalen Strafgerichtshof für das ehemalige Jugoslawien in Den Haag findet zurzeit der Prozess gegen den früheren serbischen Politiker Radovan Karadzic statt. Äußerst ruhig, im Gewirr zahlreicher Simultanübersetzungen, lässt der Angeklagte an den Bilder zweifeln, die ihn jedoch unumstritten
verurteilen.
Der Film bietet eine eindringliche Darstellung ihrer Recherchen. Durch die Vermessung der Lücke zwischen Fakten, dem Wert dieser Fakten und den Bildern, die diese repräsentieren sowie deren Interpretation, unternimmt sie den Versuch, die geheime Sprache, die in den Spuren des Krieges verborgen ist, zu
entziffern. Indem sie ihre Augen schärft bis sie mikroskopische Stärke erreichen, enthüllt Vanagt eine
Landschaft von Details, die uns einlädt, die Dinge anders zu betrachten.
What is the value of images as objective testimonies of a conflict? Can we believe what we see? In her new
work, Sarah Vanagt turns her attention to an important chapter in recent European history: the International
Criminal Tribunal for the former Yugoslavia in The Hague. The artist examines obstacles to reconstructing a
war that is nevertheless well documented. She has started from a simple movement of the hand – a pencil
being rubbed on a sheet of paper placed over an object – and adapted this ›revelatory‹ rubbing process to
the courtroom.
At the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia in The Hague, the trial of the former Serb politician Radovan Karadzic is under way. Very calmly, in the middle of multiple simultaneous translations, the
accused questions the images that however condemn him without contest.
The film offers a penetrating account of her exploration. Measuring the gap between the facts, the material
proof of these facts, the images that represent them and their interpretation, she attempts to decipher the
secret language formed by traces of war. Sharpening her eye until it becomes a microscope lens, Vanagt reveals a landscape of details inviting us to look at things differently.
Sarah Vanagt, *1976, lives in Brussels and makes documentaries, video installations and photos, in which she combines her interest for history with her
interest for (the origins of) cinema. Her Film ›First Elections‹ won the EMAF
Dialog Award 2007.
B 2013, Video, 47:00
Director, script, camera Sarah Vanagt
Editing Effi Weiss
Distribution BALTHASAR
33
FILMPROGRAMME
BEHAVIOURISM
Corrections
Wine & Spirits
Wildcard Character
Die Geschichte eines Mannes,
der sich gezwungen sieht, seine
eigenen Eltern zu töten, da es
für ihn die einzige Möglichkeit
ist, das Fünfte Reich zu vernichten, Deutschland zu zerstören,
der Geschichte Einhalt zu gebieten. Jede Szene wiederholt sich
immer wieder wie zur Bestätigung der Tat.
In einer Mischung aus Beobachtungen aus dem wahren Leben
und Werbematerial, treffen sich
ein Mann und eine Frau auf einen Drink in einem Verlauf von 5
Szenen, in denen stilisierte körperliche Bewegungen und verbale Trennungen mangels Sound betont werden. Figuren und
Beziehungen ändern sich in
schlüpfrigen Dialogen, während
das Bier langsam schal wird.
Der Film beschreibt den Darstellungsmoment in MusicvideoÄsthetik, dem das Performative
flieht. Die langatmige Performance vor der Kamera dient
dem labilen Attribut von Glamour. Alles muss aktiv produziert und stetig reproduziert werden, um nicht ins Lächerliche
oder Nichtige zu kippen.
Keren Cytter
The affective story of a man seized by urgency to murder his
own parents as the only way to
demolish the Fifth Reich, destroy
Germany, stop history repeating
itself. Every scene repeats continuously as a confirmation of the
action, while the whole event is
represented as a party.
Keren Cytter, *1977 in
Israel, followed several
art courses, including
De Ateliers in Amsterdam. Her films show human relationships and
social realities in a
post-modern style.
B/D 2014, Video, 8:00
Realisation Keren Cytter
Music Tal Hefter
Cast Maria Hengge, Sylvia
Schwartz, Khan of
Finland, Isabelle Mann,
David Josephson
Courtesy: The artist and
Galerie Nagel Draxler,
Berlin/Cologne
34
Rachel Reupke
In a combination of real life observation and advertising image, a
man and a woman meet for a
drink in a series of 5 scenes in
which stylised physical gesture
and verbal disjuncture are emphasised by the absence of sound. Character and relationships
change in a slippery narrative as
we watch the beer go flat.
Rachel Reupke is an
artist from London. Recent exhibitions Wine &
Spirits, Cell Project
Space, ›Images Rendered
Bare. Vacant. Recognizable‹, New York, USA,
and ›Video, an Art, a
History: 1965–2010‹,
Singapore Art Museum.
GB 2013, Video, 20:00
Director, script R. Reupke
Camera Gabi Norland
Editing Lou McGregor
Cast Cyd Casados,
Griffin Stevens
Distribution LUX
Janina Arendt
The film describes the very moment of representation when performing labour is dissolving. The
long-winded performance in front
of the camera serves a fast–moving, grotesque imagery of glamour. Everything must be actively
produced and constantly reproduced so as not to collapse into
the ridiculous or senseless.
Janina Arendt, *1987,
lives & works in Vienna
and Frankfurt/M. 2003–06
has been studying in the
USA, 2006–11 Academy of
Fine Arts, Vienna. 2012
MA in Choreography and
Performance, Giessen.
A 2013, Video, 11:26
Realisation Janina Arendt
Camera Maren Wiese,
Clara Trischler
Music fullruhm, Don Dyzette
Cast Malika Fankha, Merel
Roozen, Anna Possarnig,
Nathalie Yagoub, Rahel
Pötsch, Ricarda Sowa,
Stefanie Knobel,J. Arendt
Distribution Janina Arendt
The Advice Shape
Airplane Dance
Ausgewählte Bilder von Naturkatastrophen, Papierbasteleien, mutierte Tiere, vergangene Schönheit und Völkermord formen einen idealen Rahmen für verblüffende Zusammenhänge. Soll das
ein Test sein? Das Verhältnis vom physischen Akt
des Zuschauens und der Entwicklung der entsprechenden Bedeutung wird verhöhnt. Sie werden
mit einer Lo-Fi Quizfrage aus einer Gameshow
konfrontiert, die keinerlei Chance bietet auf sie
einzugehen. ›Sie haben eine gespaltene Gefühlswelt,‹ wird Ihnen gesagt, ›wünschen Sie, dass ich
sie wieder zusammenfüge?‹
Die Spur einer misslungenen Zusammenarbeit zwischen zwei Künstlern, deren Beziehung über die
Jahre viele verschiedenen Formen annahm. Der
Film verdeutlicht diese Zusammenarbeit, indem er
den Schneidvorgang als alchemistischen Prozess
nutzt; die Umwandlung von Missverfolg in eine
Kostbarkeit, und die Schaffung neuer Rhythmen
aus altem Material. Der Film ist eine Betrachtung
der Relationalität, seltsamer Sehnsüchte und Begierden und der Beziehung zwischen Körper und
Landschaft.
Jennet Thomas
Appropriated imagery of natural disasters, paper
crafts, mutated animals, abject beauty and genocide
form an exquisite corpse of uncanny connectivity. Is
this a test? Teasing the relationship with the material
act of viewing and constructing meaning, you are faced with a lo-fi gameshow puzzle that provides no
opportunity to engage. ›You have a split emotional
register,‹ you are told, ›would you like me to reseal it?‹
Jennet Thomas makes films, performances and installations. Recent solo
shows include: ›School of Change‹
Matt’s Gallery 2012, ›All Suffering
SOON TO END‹ at Matt’s Gallery 2010,
›Return of the Black Tower‹ at PEER in
2007. A co-founder of the Exploding
Cinema Collective, her films have
screened widely including; Rotterdam,
New York Underground Film Festival
Tate Britain and MOMA New York.
GB 2013, Video, 6:11
Director, script, camera, editing,
animation, music Jennet Thomas
Cast Paul Tarrago
Distribution Video Data Bank
Image copyright of the artist, courtesy of
Video Data Bank, www.vdb.org
Amber Bemak
A trace of a failed collaboration between two artists
whose relationship takes multiple forms over a period of years. It pictures this collaboration by using editing as an alchemical process; transforming failure
into treasure, and making new rhythms out of scraps.
The film is a contemplation on relationality, queer
longing and desire, and the relationship between
body and landscape.
Amber Bemak is an artist who works
primarily in video, performance and
documentary film. Much of her work locates itself within the complexities
of travel, movement, desire, embodiment and notions of home. Amber’s work
has been seen both domestically and
internationally at venues including
the Brooklyn Museum, the Rubin Museum
of Art and dOCUMENTA 13. Amber has
taught Film Theory and Practice in India, Nepal, Kenya, Mexico and the
United States.
USA 2013, Video, 16:58
Director, script, camera, editing
Amber Bemak
Distribution Amber Bemak
35
FILMPROGRAMME
DOWN TOWN
Amassed
Songdo
Wenn jemand mit seinem Finger zum Himmel
zeigte, sah ich weder den Himmel noch den Finger, denn ich wusste, dass es mich nicht interessieren würde. Diese Arbeit ist das Ergebnis einer sehr
persönlichen visuellen Untersuchung, die möglicherweise eine paradoxe metaphysische Verbindung zwischen Zuschauern und dem Schauplatz
herstellt: Times Square.
Im Film werden zahlreiche Dimensionen von Zeit,
städtischer Einsamkeit und Entfremdung sichtbar.
Der Film spielt in New Songdo City, einer Planstadt, die auf 6 km² abgrungenem Land erbaut
wurde. Dieses Freihandelszonen-Projekt war ein
erfolgloser, utopischer Plan, der nie abgeschlossen wurde. Es war einer der kostspieligsten Entwicklungsprojekte, das je in Angriff genommen
wurde. Nun steht sie stumm da als Szenographie
für eine Geisterstadt.
Seoungho Cho
When somebody pointed at the sky with his finger, I
did not see the sky nor his finger because I knew
that there would be nothing to interest me. This
work is the result of a very personal visual investigation which creates a possibly paradoxical metaphysical connection between viewers and the place: Times Square.
Seoungho Cho, *1959 in South Korea. He
received his M.A. from NYU, as well as
a Rockefeller Foundation Fellowship.
Cho's solo exhibitions have included
The Museum of Modern Art, NY & Montevideo, Amsterdam. His installations
have been selected for the permanent
collection at such as the Museum of
Modern Art, NY; LeeUm Museum of Modern
Art, Korea and at the Los Angeles International Airport. In 2012, ›Buoy‹
was presented as a massive multi-channel installation in Times Square NY.
USA 2013, Video, 8:10
Director, camera, editing Seoungho Cho
Music Arvo Pärt
Distribution LIMA
36
Emilija Skarnulyte
In the film multiple dimensions of time, urban loneliness and alienation are visible. The film takes place
in Songdo International Business District, which is
constructed on 6 km² of reclaimed land. This freetrade zone project was an unsuccessful utopian plan
that was never completed. It was one of the most
expensive development projects ever undertaken.
Songdo free trade zone district silently stands as a
scenography for a ghost city.
Emilija Skarnulyte, *1987 Lithuanian
filmmaker and artist. Her films have
been screened at Edinburgh Film Festival, OFF & FREE International Film
Festival, Seoul, South Korea, Sao
Paulo Film Festival, Brazil, LUMEN
festival, New York. In 2009 she received the Italian National Prize of
Fine Arts for her video Limbic Systems.
LT 2013, Video, 11:00
animation, music Emilija Skarnulyte
Distribution Emilija Skarnulyte
The Fountainhead
Sound That
Eine Fantasie aus dem philosophischen Erbe der
Ayn Rand, bekannt als Objektivismus. Ihr für die
Öffentlichkeit bedeutendes Werk ›The Fountainhead‹ bediente sich der Sprache der Architektur. In den frühen 90ern übte laut der Bibliothek
des Kongresses eines ihrer Bücher den zweitmeisten Einfluss in den USA aus. Die Gruppe, die am
meisten von ihrem epischen Heldenmut und ihrer
von Eigennutz geprägten Moral beeinflusst wurde,
waren die Unternehmer des Silicon Valley, Schöpfer von Computern, Software und dem Internet.
›Sound That‹ ist ein auf 16mm gedrehter Film, der
sich mit Arbeitsritualen beschäftigt – in diesem Fall
bei den Mitarbeitern der Wasserbehörde in Cleveland, die auf der Suche nach Leckstellen in der Infrastruktur in Cuyahoga County sind.
Borja Rodríguez
It is a phantasy from the philosophical legacy of Ayn
Rand, known as objectivism. Her main outreach work
›The Fountainhead‹ borrowed the language of architecture. In the early nineties -according to the Congress Library- one of her books was the second most
influential book in the United States. The members
of the group highly influenced by her epic heroism
and morality based on selfishness, were the entrepreneurs of Silicon Valley, creators of computers,
software and internet.
Borja Rodríguez critically explores
the social dynamics that emerged from
new technologies, making them the reference for new contexts of his research and creative activity. His work
originates from artistic expressions
in the internet that are renewed in a
specific performance context, as the
subject of primal reflection.
Kevin Jerome Everson
›Sound That‹ is a 16mm film following rituals of labour ? in this case, employees of the Cleveland Water Department on the hunt for leaks in the infrastructure in Cuyahoga County.
Kevin Jerome Everson is Professor of
Art at the University of Virginia,
Charlottesville. Awarded the 2012
Alpert Award for Film/Video, Everson
was the subject of a mid-career retrospective at Visions du Reel, a solo
exhibition at the Whitney Museum and a
retrospective at Centre Pompidou. His
six features and 100 short films have
exhibited internationally.
USA 2014, Video, 11:40
Director, script, editing
Camera Lydia Hicks, Kevin Jerome Everson
Cast Kaulee Miller, Mark Pottinger,
Terrance Martin
Distribution Picture Palace Pictures
E 2014, Video, 4:40
animation, music Borja Rodríguez
Distribution Borja Rodríguez
37
FILMPROGRAMME
DOWN TOWN
Gowanus Canal
Madison Street
Direkt unter der Oberfläche einer der am meisten
verschmutzten urbanen Wasserwege in den USA
vermehren sich Mikroorganismen inmitten des giftigen Mülls.
Wir hören gleichgeordnete Parolen der Verneinung, der Enthaltung (›not for victory‹, ›not for the
poor‹, ›not for society‹, ›not for love‹ etc.) – einer
Verweigerung gegenüber jeglichem Telos, was immer dem unwägbaren Erleben als noch so hehres
Ziel aufgezwungen wird.
Sarah Christman
Just below the surface of one of the most contaminated urban waterways in the United States, microorganisms thrive amidst the toxic waste.
Sarah J. Christman's films have
screened widely, including MoMA Documentary Fortnight, Rotterdam International Film Festival, Toronto International Film Festival, New York Film
Festival, and Los Angeles Filmforum.
She received the New Visions Award
from the San Francisco International
Film Festival for her film Dear Bill
Gates, and Jury Awards from the Ann
Arbor Film Festival for Broad Channel
and As Above, So Below. She is an Assistant Professor in the Film Department at Brooklyn College.
USA 2013, Video, 6:40
Sarah Christman
Distribution Sarah Christman
38
Rebecca Llanos
We hear coordinated slogans of negation, of abstinence (›not for victory‹, ›not for the poor‹, ›not for
society‹, ›not for love‹ etc.) – of a denial of all telos,
which is always imposed on the vagiaries of experience as such a noble ambition.
Rebecca Llanos makes videos and multichannel installations.
USA 2013, Video, 14:03
Rebecca Llanos
Distribution Rebecca Llanos
FILMPROGRAMME
EVERYTHING THAT RISES MUST CONVERGE
Everything That Rises Must Converge
Omer Fast
Die neue Arbeit von Omer Fast ist eine Mischung aus Dokumentarfilm und Fiktion. Der Film folgt vier
echten Pornodarstellern, wie sie zu Hause ihren Tag beginnen, in ihre Autos steigen und zur Arbeit, in einem nicht weiter definierten Wohnhaus in San Fernando Valley in Southern California, fahren. Zwischen
den dokumentarischen Szenen begegnen wir auch verschiedenen fiktiven Figuren, deren Geschichten
sich im selben Wohnhaus abspielen, in dem die Darsteller arbeiten. In einem Raster aus vier simultanen
Bildern verwebt der Film Szenen des Alltags mit Momenten der Schönheit sowie seltsamen und absurden Momenten scheinbarer Konvergenz.
›Wieder einmal verwebt Omer Fast die Erzählstränge und schafft eine spezielle narrative Normalität,
denn die Pornodarsteller sind keine Schauspieler. Die Geschichten kreuzen sich, die Bilder synchronisieren sich, die Texte treten in einen Dialog, alle Elemente könnten jederzeit zusammenlaufen. Fast untersucht und entschlüsselt auch hier wieder den Moment, in dem die Erfahrung des Realen zur subjektiven
Erinnerung wird, dann zum Stoff einer ambivalenten Erzählung, eines Kunstwerks.‹ (gb agency)
A hybrid documentary/fiction film which follows four real-life adult film performers as they start their day at
home, get in their cars and drive to work in a nondescript residential house in the San Fernando Valley in
Southern California. In between documentary scenes, we also encounter several fictional characters whose
stories revolve around the same residential house where the performers work. Shown as a grid of four simultaneous images, the film weaves scenes of everyday life with moments of beauty, as well as the strange and
absurd moments of apparent convergence.
›Yet again, Omer Fast blurs storylines by orchestrating a special kind of narrative normalcy, for these are in
fact real porn actors acting out their lives in front of us. Stories overlap, images harmonize, sentences match
up, and every element converges at any given moment. Fast arranges his composition of multiple realities
down to the smallest detail. With Everything That Rises Must Converge, Fast continues to investigate and decode the moment when real experience turns into subjective memory, and then becomes material for an
ambiguous story, and finally art.‹ (gb agency)
Biography see page 141.
D/USA 2013, Video, 62:00
Director, script, editing Omer Fast
Camera Jason McCormick
Sound Design Jochen Jezussek
Cast Tommy Pistol, Allison Moore, Julia Ann, Dane Cross, Adrianna Luna,
Michael Vegas, Mike Quasar, Luchana Gatica, Whit Spurgeon, Adam Pilver,
Kai Soremekun, Ricco Ross, Christina Keller, Egan Escundero
Distribution filmgalerie 451, Berlin
39
FILMPROGRAMME
FACING THE SUN
Sun Song
Joel Wanek
Eine poetische Reise von der
Dunkelheit der Morgendämmerung in die Helligkeit der Mittagssonne im südlichen Amerika. Gedreht auf einer Buslinie
über einen Zeitraum von sechs
Monaten in Durham, North Carolina, ist Sun Song ein Fest des
Lichts und eine Betrachtung
über das Verlassen.
A poetic journey from the darkness of early dawn into the brightness of the midday sun in the
American South. Filmed on one
bus route over the course of six
months in Durham, North Carolina, Sun Song is a celebration of
light and a meditation on leaving.
Joel Wanek is a filmmaker, photographer and educator living in Oakland, California. Over
the years he has developed a creative documentary practice that often
blurs the line between
subject and maker. Wanek
is a recent graduate of
Duke University's new
MFA in Experimental and
Documentary Arts programme.
USA 2013, Video, 14:35
Director, camera, editing
Joel Wanek
Distribution Joel Wanek
40
Como crece la sombra
cuando el sol declina
Camilo Restrepo
Medellin, Kolumbien. Endloser
Autoverkehr. Am Rande einer
Gesellschaft, die sich blitzschnell
entwickelt, kommen einige umherfahrende Motoren zum Stehen, um sich etwas zu verdienen: Jongleure an Kreuzungen,
Arbeiter bei ihrer Pause, deren
genaue und sich stets wiederholende Arbeit den Fluss der Zeit,
tagaus, tagein, reflektiert.
›As the sun's shadow continues to
extend when it is setting‹
Medellin, Columbia. Tireless car
traffic. At the margins of a society
launched at top speed, some lurking engines shutdown to make a
living: jugglers at intersections,
employees on breaks, whose precise and repetitive work mark the
flow of time which is always repeated.
Camilo Restrepo, *1975
in Medellin, Colombia,
Member of the film lab:
L'Abominable. First
film: Tropic Pocket
(EMAF 2011)
F 2014, 16mm, 11:00
Director, script, camera,
editing Camilo Restrepo
Distribution 529 Dragons
The Everden
Clint Enns
Widersprüchliche Emotionen
über die Stadt. Ängste und Sorgen umgeben Bewegung und
Reise. Zerbrechliche Träume
werden zur beklemmenden Realität. Gedreht mit einer beschädigten PXL2000 in 5 Szenen.
Conflicted emotions about the
city. Fears and anxieties surrounding movement and travel. Fragile dreams become nightmarish
realities. Shot on a broken
PXL2000 in 5 movements.
Clint Enns is a video
artist and filmmaker
living in Toronto, Ontario, whose work primarily deals with moving
images created with broken and/or outdated
technologies. His work
has shown both nationally and internationally
at festivals, alternative spaces and microcinemas.
CDN 2013, Video, 16:33
editing Clint Enns
Distribution Clint Enns
Let's Face It - Extravios Mentales
Culebra Jr.
Psychedelische Animation mit geometrischen Mustern, speziellen Figuren und einer düsteren Vorstellungswelt.
Acht junge Menschen in einem Haus in einer
Großstadt. Die Zeit scheint still zu stehen, und es
herrscht eine leicht bedrückende Stimmung. Versuchung, Langeweile, mysteriöse Handlungen,
und hier und da verursacht ein Tanz eine unterschwellige Spannung und erweckt Neugierde auf
die Gruppe.
Miguel Jara
›Let's Face it - Mental Wanderings‹
Psychedelic animation with geometrical patterns,
special characters and dark mindscapes.
Miguel Jara, *1983 in Colombia. Mathematician, artist and psycho-perceptive
researcher. Lives and works in Mexico
City. His work has been shown at several venues since he started working
in animation in 2009. His main subjects have been related to animality,
overwhelming nature's strength, the
underworld, death, recently figurative
psychedelia and a differentiation between archetypes.
MEX 2013, Video, 8:00
Director, script, editing, animation
Miguel Jara
Music Elisa Luu, Jimmy Tamborello y Abel
Distribution Miguel Jara
Daniela Delgado Viteri
Eight young people in a house somewhere in a metropolis. Time seems to stand still and a slightly depressed atmosphere has taken hold. Seduction, boredom, mysterious activities and, here and there, a
dance provide subtle tension and raise curiosity about the group.
Daniela Delgado Viteri, *1987 in
Ecuador, education in Film and Anthropology, is a writer and director of
short films. 2013 she was appointed as
a representative of The Investigation
Center for the Arts in Buenos Aires.
RA/EC 2013, Video, 15:00
Director, script Daniela Delgado Viteri
Camera Jorge Rodriguez Mazzini
Editing Daniela Delgado Viteri, Pedro León
Music Riz Ortolani
Sound design Pedro León
Cast Ricardo Colmenares,
Catalina Berarducci, Angeles Pique,
Ignacio Huarte
Distribution Daniela Delgado Viteri
41
FILMPROGRAMME
HOMEWORK
House
Satul meu
In den vergangenen Jahren habe ich an einer Reihe von ›leeren‹ Filmen gearbeitet – Reduzierung
des Inhalts, so dass Formen, Stil und Qualität in
den Mittelpunkt gelangen, die bei inhaltlich orientierten Arbeiten nur schwer wahrgenommen werden. In ›House‹ bemühte ich mich dieses zu verwirklichen, indem ich der Logik des Fernsehens
folgte und sie gleichzeitig versuchte zu untergraben. Viele Inhalte im Fernsehen sind banal, aber
sie werden so präsentiert, dass sie dem Zuschauer
ein Gefühl von Energie und Spannung vermitteln.
›House‹ entspricht dieser Logik.
›Satul meu‹ bedeutet soviel wie: ›dies ist mein
Dorf‹. Es ist das abseits gelegene Dorf ›Radeln‹ in
den rumänischen Karpaten, in dem Mutter und
Großmutter des Autors geboren sind. Der Film ist
die Auseinandersetzung mit den Erinnerungen an
das Dorf aus seiner Kindheit und zeigt die Begegnung mit dem stark veränderten aber lebendigen
Dorf und seinen Bewohnern. Die Aufnahmen sind
im Frühjahr 1995 entstanden. Dabei wurde nur
eine Foto-Kamera verwendet und jedes Einzelbild
von Hand ausgelöst.
Andy Birtwistle
In recent years I have been working on a series of
›empty‹ films – reducing content so that focus might
be thrown on forms, styles and qualities that are
hard to perceive in content-driven work. In making
›House‹, I tried to achieve this by both following and
subverting the logic of television. Much of the content of television is banal, but is presented in ways
that aim to create a sense of energy and excitement
for the viewer. ›House‹ follows this logic.
Andy Birtwistle, *1962 in Nottingham,
UK, is an art historian, sound artist
and filmmaker. His work often explores
art historical issues of modernism
through creative production in sound
and moving image. Recent work in this
area includes video, sound installations, live performance and radio
broadcasts. His video work has been
screened in galleries and on television in the UK, and at international
and domestic film festivals.
USA 2013, Video, 3:45
Andy Birtwistle
Distribution Andy Birtwistle
42
Klaus Hamlescher
›Satul meu‹ has the meaning of: ›this is my village‹. It
is the outlying village ›Roades‹ in the Romanian Carpathians, where the filmmaker’s mother and grandmother were born. The film is a reflection on memories of the village from his childhood, and shows the
encounter with the changed but lively village and its
residents. The recordings were made in 1995, and
the film was completed in 2013. Every single frame is
exposed by hand, shot using a photo camera.
Klaus Hamlescher, filmmaker and soundartist. Studied and worked in architecture; also filmmaking with Peter
Kubelka and Ken Jacobs and sound studies with Sam Auinger. Works within the
topic of city sound and the cultural
aspects of sound. Works, sel. Grenzflächen; 2013 installation;
vierundzwanzig stunden schendelpark;
2012 multichannel sound installation,
Eine Winterreise; 2010 Video; Fahrt in
den Iran, 2007 Audio CD; filmobjekt,
2003 installation.
D/F/UA 2013, Video, 14:08
World Premiere
Director, conception, camera, editing
Klaus Hamlescher
Distribution Klaus Hamlescher
Stay the Same
Working to Beat the Devil
Gedreht am genau gleichen Ort, zur genau gleichen Zeit Tag für Tag, ist ›Stay the Same‹ ein experimenteller Dokumentarfilm über unsere Beziehung zur Zeit und dem Wunsch, Erfahrungen festzuhalten. Nichts steht still, alles befindet sich im
stetigen Fluss. Es geht um die Erinnerung, Gefühle, unsere Beziehung zur Umwelt und die tagtägliche Existenz.
›Es muss bei diesen Experimenten ein merkwürdiger Fehler unterlaufen sein, die Lösung muss zu
stark gewesen sein‹, murmelt der alternde Wissenschaftler, aufgewühlt und verwirrt durch die Erinnerungen aus seiner Vergangenheit, und plagt
sich Tag und Nacht, um Geheimnisse der Entstehung des Lebens (neu) zu entdecken. Diese stark
inszenierte Beschwörungsformel zeigt, dass nichts
falscher sein könnte als das. Um mit den Worten
Darwins zu sprechen, der Film hinterlässt ein leises
und dennoch äußerst starkes Gefühl bei der Wiederentdeckung wilder Naturformen. Die Kreatur,
die in der Natur um ihre Existenz kämpft, setzt ihre
Reise unablässig fort, um ihren Schöpfer zu finden.
Sam Firth
Filmed at exactly the same place, exactly the same
time every day, ›Stay the Same‹ is an experimental
documentary about our relationship with time and
the desire to capture experience. Nothing stands
still, everything keeps flowing. It is about memory,
emotion, our relationship to the environment and
day to day existence.
Sam Firth is a filmmaker and visual
artist based in Scotland. Her work explores the boundaries between documentary, fiction, science and art, personal experience and wider context.
She won awards internationally including The Human Condition prize at the
Chicago International Film Festival in
2011 and the DepicT Award at Encounters Film Festival 2010. The Worm Inside was selected by Sight & Sound in
its eight highlights of the London
Short Film Festival.
GB 2013, Video, 14:00
Director, camera, editing Sam Firth
Distribution Sam Firth
Chu-Li Shewring / Adam Gutch
›There must have been some strange error in these
experiments, the solution must have been too
strong‹, mumbles the ageing scientist, troubled and
confused by remembrances from his past, who toils
night and day to (re)discover secrets about the creation of life. This deeply cinematic incantation shows
that nothing could be more wrong. Speaking in the
words of Darwin, the film instils a quiet yet powerful
sense of wonder in rediscovering the wild shapes of
nature. The creature, struggling for existence in the
natural world, journeys unceasingly to find its creator.
Chu-Li Shewring, *1977, and Adam Gutch
were both educated at the National
Film and Television School in London.
In 2008, they founded the production
company Flying Ant Films. In 2014, the
duo received a nomination for a Tiger
Award for Short Films with Working to
Beat the Devil.
GB 2013, Video, 30:00
Director, script, camera
Chu-Li Shewring, Adam Gutch
Editing, sound design Chu-Li Shewring
Cast Guy Shewring
Distribution Chu-Li Shewring
43
FILMPROGRAMME
INVENTORY
Here Is Everything
Andoe
Der Film präsentiert sich als ›Message aus der Zukunft‹, denn er wird erzählt von einer Katze und einem Kaninchen, kleine Kontrollgeister, die erklären, dass sie sich dazu entschlossen haben,
über ein modernes Kunstvideo zu uns zu sprechen, weil sie der Meinung sind, dass dies die
höchste Form unserer Kommunikation ist. Ihre vorwitzige Einleitung täuscht jedoch über die komplexen Themen hinweg, die den Rest des Films ausmachen. Tod, Gott und das Streben und Aufrechterhalten eines Zustands der Gnade gehören zu
den thematischen Streifzügen, die sich ihren Weg
durch das Stück bahnen, das üppig mit Animationen, Stand- und Videobildern illustriert ist.
Ein Remake des Interviews von Radioproduzentin
Neda Pourang mit dem Maler Joe Andoe, der spät
in seiner Karriere die Entdeckung machte, dass jedes seiner Bilder eine Erinnerung aus seiner Jugend widerspiegelt. Im Film vollzieht Yuen einen
Rollentausch, indem sie die Rolle des Künstlers mit
einer weiblichen Stimme unterlegte und auch Konventionen brach, indem sie die Muse als Mann
darstellte. Sie unterbricht die Geschichte mit Textzeilen aus einer Nike Werbung und macht aus den
Ambitionen des Athleten die Ambitionen des Malers. Mit ihren Gesten, die als Silhouette auf einem
flachen Bildschirm zu sehen sind, schafft sie eine Illusion von Kontrolle über den Kosmos.
The film presents itself as a ›message from The Future‹, as narrated by a cat and a rabbit, spirit guides
who explain that they’ve decided to speak to us via a
contemporary art video because they understand
this to be our highest form of communication. Their
cheeky introduction, however, belies the complex set
of ideas that fill the remainder of the film. Death,
God, and attaining and maintaining a state of Grace
are among the thematic strokes winding their way
through the piece, rapturously illustrated with animation, still and video imagery.
A remake of radio producer Neda Pourang's interview with the painter Joe Andoe; who discovered
late in his career that every one of his paintings
depicted a single memory from his youth. In making
the work, Yuen performed a reversal by transferring
the role of the artist to a female voice, and broke
convention by casting the muse as male. She intercuts the story with the text from a Nike advertisement, changing the ambition of the athlete to the
ambition of the artist. With her gestures silhouetted
against a flat screen, she creates the illusion of control over the cosmos.
Emily Vey Duke / Cooper Battersby
Emily Vey Duke and Cooper Battersby
have become well known for wry, provocative and self-revealing video and
installation works. Theirs is a unique
vision that has as much to do with the
childhood mystique of witches and warlocks as it does with the pursuit of
personal grounding in the wilds of a
media-saturated environment.
USA 2013, Video, 14:00
Realisation Emily Vey Duke, Cooper Battersby
Image © the artists, courtesy of VDB
44
Nina Yuen
Nina Yuen, *1981 in Hawaii creates an
intimate world in which the ultra-personal comes together with the general
human condition. Yuen threads together
reflections that might be committed to
a diary, childhood memories, references to forgotten figures from art
and general history and philosophic
speculations.
USA 2013, Video, 5:52
Realisation Nina Yuen
Distribution LIMA
Cut Out
Dusty Stacks of Mom
Eine zum größten Teil handgemachte Arbeit im
Vergleich zu meinen letzten Videos. Cut Out bedient sich verschiedener farbiger Karten, aus denen kleine Öffnungen herausgeschnitten wurden,
übereinandergelegt in Kombinationen, beginnend
mit den gegenüberliegenden Enden eines einfachen Spektrums (von gelb zu blau). Diese Methode der Überlagerung ist komplizierter als man anfänglich denkt, trägt sie doch zu einer Instabilität
der verschiedenen Schichten, der Kanten der ausgeschnittenen Formen und der Farben bei.
Mit dem Vermischen in Form eines persönlichen
Filmemachens, abstrakter Animation und Elementen aus der Rockoper, widmet sich dieses animierte Musical-Dokument dem Aufstieg und Fall einer
vom Aussterben bedrohten Industrie des Posterund Postkartengroßhandels, der sich verändernden Bedeutung physischer Gegenstände und virtueller Daten im Handel sowie der Kluft (oder dem
Mangel einer solchen) zwischen Abstraktion in den
schönen Künsten und psychedelischem Kitsch. Unter Verwendung wechselnder Songtexte nimmt
der Film die Form eines bekannten Rockalbums
an, das als Filmperformance neu interpretiert wird.
Simon Payne
A largely hand-made piece in comparison to my
most recent videos. Cut Out involves different coloured cards, with apertures cut out of them, superimposed in combinations starting from opposite ends
of a simple spectrum (from yellow to blue). The method of superimposition is more complicated than it
might at first seem, adding to the instability of the
various planes, the edges of cut out forms, and
colours.
Simon Payne studied Time Based Media
at the Kent Institute of Art and Design, Maidstone and Electronic Imaging
at Duncan of Jordanstone, Dundee. He
received a PhD from the Royal College
of Art in 2008. His work has been
shown in numerous festivals and venues
worldwide. At Tate Modern he curated a
series of programmes, entitled Colour
Field Films and Videos, in 2008. He is
Senior Lecturer in Film and Media
Studies at Anglia Ruskin University,
and lives in London. Simon Payne is
also editor of Sequence published by
no.w.here
GB 2013, Video, 3:33
Director Simon Payne
Distribution LUX
Jodie Mack
Interweaving the forms of personal filmmaking, abstract animation and the rock opera, this animated
musical documentary examines the rise and fall of a
nearly-defunct poster and postcard wholesale business; the changing role of physical objects and virtual
data in commerce; and the division (or lack of) between abstraction in fine art and psychedelic kitsch.
Using alternate lyrics as voice over narration, the piece adopts the form of a popular rock album reinterpreted as a cine-performance.
Jodie Mack is an experimental animator
who received her MFA in Film, Video
and New Media from The School of the
Art Institute of Chicago in 2007 and
currently teaches Animation at Dartmouth College. Combining the formal
techniques and structures of abstract
animation with those of cinematic genres, her handmade films use collage to
explore the relationship between
graphic cinema and storytelling.
USA 2013, 16 mm, 41:00
animation Jodie Mack
Distribution Jodie Mack
45
FILMPROGRAMME
LATE NIGHT WATCH
Still Life (Betamale)
The Wapiti
Ein aufwühlender Film über exzessive Lust und
Verlangen in den Subkulturen des Internets. Jon
Rafman wirft uns in kalte Wasser, konfrontiert uns
mit Internetfetischisten; faszinierend und abstoßend zugleich. Schonungslos überkommt uns
ein undefinierbares Gefühl in dieser Welt vor dem
Niedergang.
Ein Lehrfilm über Wapitis und Elche: Low-tech,
low-def, low-budget pseudo Pastiche-Lehrfilm. Der
mystische ›Wapiti‹ Hirsch wird von Schauspielern,
die ein Elchkostüm tragen, gespielt, wie in einer
Schulaufführung von Kindern.
Jon Rafman
A disturbing film about excessive lust and desire in
online subcultures. Jon Rafman drops us in at the
deep end with internet fetishists; simultaneously fascinating and repellent. An undefined sense of this
world in decline ruthlessly overcomes us. (IFFR 2014)
Jon Rafman, *1981 in Canada, studied
Philosophy and Literature at the
McGill University. In 2008, he finished a Masters in Film, Video and New
Media and won a Research & Creation
Grant and an Artist Production Grant
that same year. Both where awarded by
the Council of Arts. Rafman exhibits
worldwide in solo and group shows.
CDN 2014, Video, 5:00
Jon Rafman
Music Oneogtrix Point Never
Distribution Jon Rafman Studios
46
Anssi Kasitonni
An educational film of wapiti and moose: low tech,
low def, low budget pseudo pastiche educational
film, the mystical ›wapiti‹ animal being represented
by actors wearing a moose skin as in a children's
school play.
Anssi Kasitonni, *1978, is a unique
artist, musician, filmmaker and a man
in love with his work and craft, as
well as with life itself. He is a
skateboarder and an award-winning
artist from Sahalahti, Finland. Beside
film, he has worked in music, drawing
and sculpture. Kasitonni won the Ars
Fennica 2011 prize, Finland’s most
prestigious prize for visual art.
FIN 2013, Video, 2:49
Director, script, editing, sound
Anssi Kasitonni
Cast Ville Pirinen, Kusti Vuorinen
Distribution AV-Arkki
Citizens Against Basswood
Blind date | MAMA
Gefundenes Audiomaterial aus den 80ern über
berunruhigte Bürger, die sich versammelt haben
und aufbegehren, um die geplante Anpflanzung
neuer Bäume in ihrem Block zu verhindern.
Der Film beginnt in der Kulisse der postsozialistischen Tristesse eines Plattenbaus, doch das Klischee des Szenarios wird rasch überwunden. Die
Fokussierung zielt auf die innige Beziehung eines
jungen Mannes zu seiner blinden Mutter. Der international gefeierte Tänzer Andrius bewegt sich
schwebend um seine blinde Mutter. Mit Hilfe von
›de- und rekonstruierender‹ Bewegungen begibt
sich der Film distanzlos in die Intimität dieses Mikrokosmos.
Jaimz & Karen Asmundson
Found audio of concerned citizen(s) rallying to prevent the nuisance of new trees scheduled to be
planted on their block in the 1980s.
Jaimz & Karen Asmundson are Winnipegbased media artists, musicians and
filmmakers working primarily in film &
video and most recently in expanded
cinema performance. Jaimz has also
contributed to many award-winning
shorts, features, documentaries and tv
productions as editor and graphic designer. Karen Asmundson studies Classical Voice and writes and performs
music.
CDN 2013, Video, 3:31
Director Jaimz & Karen Asmundson
Camera, editing Jaimz Asmundson
Distribution Winnipeg Film Group
Catrine Val
The film starts out in the drabness of a run-down tower block from the Soviet era, but this cliché scenario is rapidly overcome. The focus is on the intimate
relationship between a young man and his blind
mother, expressed by the dancing of internationally
highly acclaimed dancer Andrius, who levitates around his blind mother. Using ›de- and re-constructive‹
dancing movements, MAMA joins the intimacy of
this microcosm.
Catrine Val, 2005–2011 Assistant Professor at Kunsthochschule Kassel class
of Bjørn Melhus. 2001–2004 postgraduate studies, degree course in Media
Arts, tutor of Valie Export at the
Kunsthochschule für Medien, Cologne.
1994–2001 studied Art at the Kunsthochschule in Kassel with Urs Lüthi.
LT 2013, Video, 6:39
Director, script, editing Catrine Val
Camera Olaf & Catrine Val
Music Tilman Ehrhorn, Catrine Val
Cast Andrius & Victoria Strakele,
The Kaunas Dance Theatre, Gintare
Masteikai & Marius Pinigist
Distribution Catrine Val
47
FILMPROGRAMME
LATE NIGHT WATCH
The Strange Last Voyage
of Donald Crowhurst
Hugo Nadeau
›The Strange Last Voyage of Donald Crowhurst‹ ist
ein Performance-Video, das in Anlehnung an den
Künstler Bas Jan Ader produziert und in der Stadt
Percé, Québec, Kanada, im Jahr 2013 aufgenommen wurde. Das Video wurde nach dem Buch von
Nicholas Tomalin benannt und kommentiert auf
künstlerische Art und Weise die letzten Tage des
Seglers Donald Crowhurst, der 1969 auf See starb.
›The Strange Last Voyage of Donald Crowhurst‹ is a
performance video which has been made after the
artist Bas Jan Ader and recorded in the city of Percé,
Québec, Canada, in 2013. The video is titled after
the book of Nicholas Tomalin, and comments in an
artistic fashion the last days of the navigator Donald
Crowhurst, died at sea in 1969.
Hugo Nadeau is a visual artist, performer and poetry artist. His work
follows a path in which a lot of permanent projects are created and maintained, serving a hyperorganisation of
the conceptual and symbolic areas between them. Nadeau is based in Montreal where he lives and works.
CDN 2013, Video, 3:14
European Premiere
editing, cast Hugo Nadeau
Distribution Hugo Nadeau
The Illmannered Milkman
Willehad Eilers
Ein langer, 14-minütiger Film, der von Vertrauen
und Freundschaft handelt: Teddy Milks ist ein Motorradfahrer mit wenig bis nahezu gar keinem Talent. Das Besondere an ihm ist die merkwürdige
Tatsache, dass er Milch schwitzt. Er tut alles, um
diese Tatsache zu ignorieren und um den Mythos
eines Motoradchampions aufrecht zu erhalten. Mit
seinem Trainer Kent errichtet er sich ein Lager.
Weit weg vom Rummel um seine Person, am Rande der Stadt, wo die Industrie sich langsam in der
Natur auflöst. Sie leben einen Traum, aus dem sie
nicht mehr aufwachen wollen.
A long 14 minute movie about believe and friendship: Teddy Milks is a motorbike rider with little to no
talent. His claim to fame is the odd circumstance
that he sweats milk. He does his best to ignore this
fact and to keep the myth of a motorbike champion
alive. With his trainer Kent he set up camp. Away
from the buzz around his person, in the outskirts of
town where industry fades into nature. They are living the dream and trying to avoid waking up.
Willehad Eilers / Wayne Horse, *1981
in Germany, lives and works in Amsterdam. He graduated from the Royal Academy of Arts in Amsterdam. His work
ranges from video to drawing and performance, Horse experiments with different ways of exploring storytelling,
the aim being to provoke a story to
tell itself. Eilers deals with modern
day society, focusing on the absurdities and oddness of day-to-day life
and routines.
NL 2013, Video, 14:42
editing Willehad Eilers
Camera Rocco Pezella, Andrea Staiano
Music Hanno Klaenhardt, Nils Musik
Distribution EYE Film Institute Netherlands
48
Sharing Lazy Gains
Pixel Joy
In ›Sharing Lazy Gains‹ erscheint wiederholt der
Körper des Künstlers, performative Akte aufführend, während er Texte in Twitter-Länge aus
dem Internet vorträgt. Dieses Video handelt von
der Art und Weise, wie soziale Medien privaten
häuslichen Raum publik machen, wenn diese in
den öffentlichen Raum geschleudert wird. Man
hört Texte aus einer Vielzahl von Quellen, einschließlich Zitaten von fiktiven Cyborgs, Oversharers,
Spammer, Dichtern und Philosophen.
Wenn Pixel sich amüsieren …
Mores McWreath
In ›Sharing Lazy Gains‹ the artist's body is repeatedly
seen engaged in performative acts while reciting
twitter-sized pieces of text culled from the Internet.
This video focuses on the way that social media
turns private domestic space inside out as it expels it
into the public realm, it features text derived from a
vast array of sources including quotes from fictional
cyborgs, over-sharers, spammers, poets and philosophers.
Florentine Grelier
When pixels enjoy themselves …
Florentine Grelier studied Art at the
Parisian school Institut SainteGenevieve, and then went on to study
Cinema at ›Paris 8‹ University, where
she graduated in 2009. She organises
animation workshops and continues
working on her animated experimentations.
F 2013, Video, 2:09
Director, script, editing, animation
Florentine Grelier
Music Christine Webster
Distribution Mikhal Bak
Mores McWreath received a BFA from The
Cooper Union and an MFA from the University of Southern California and attended the Whitney Museum of American
Art Independent Study Program and the
Skowhegan School of Painting and
Sculpture. He currently teaches at The
Cooper Union, NY.
USA 2013, Video, 5:00
European Premiere
animation, cast Mores McWreath
Distribution Mores McWreath
49
FILMPROGRAMME
LATE NIGHT WATCH
Tokyo
e-ruqyah
20 Sekunden feinmetallische rituelle Perkussion,
als Vorspiel gesetzt, sind das Leitmotiv dieses
Films. Der hypnotische Klang wird wiederkehren,
immer wieder. Dazwischen: Stille. Der Brehm’sche
Röntgenblick prägt auch diesen Film: Das Negativbild eines androgynen Gesichts, in Zeitlupe bewegt, bildet die visuelle Eröffnung – weiße Augenhöhlen, schwarze Pupillen. (…) Interagierende, ineinander gespiegelte Leiber räkeln sich vor einer
schläfrig bewegten Kamera. Schwarzer Rauch
dringt aus einem Männermund, sehnende, tastende Bewegungen werden vollzogen, Gesten, deren
Sinn und Ziel nicht immer auszumachen sind. (…)
Trance as trance can. (Stefan Grissemann)
›e-ruqyah‹ ist der Prozess einer raum- und zeitlosen elektronischen Therapie, die sich der Verse
des Korans bedient. Die Koranverse werden als
Klingelton eingegeben und deren Vibrationen genutzt. Das Telefon wird an den Teil des Körpers
befestigt, der behandelt werden muss. Die mystischen Elemente der Verse, so glaubt man, können
physische, psychische und auch übernatürliche Beeinträchtigungen heilen. Ein Video von der Übertragung positiver Energie in der islamischen Kultur.
Dietmar Brehm
The film's leitmotif: twenty seconds of fine metallic ritual percussion set as prelude. The hypnotic sound
returns again and again. In between: silence. The
Brehmian x-ray view shapes this film, too: the negative image of an androgynous face, moving in slow
motion, forms the visual opening—white eye sockets,
black pupils. (…) Interacting bodies reflected in one
another loll before a languorously held camera.
Black smoke spews from a man’s mouth, longing,
tentative movements are enacted; gestures, whose
sense and aim cannot always be ascertained. (…)
Trance as trance can. (St. Grissemann / Transl.: Lisa
Rosenblatt)
Dietmar Brehm, *1947 in Linz, Austria.
1967-72 studied Painting at the University of Fine Arts/Linz, where he
now holds a professorship for drawing
+ painting, experimental films and
photography.
A 2013, Video, 10:00
Director, script, camera Dietmar Brehm
Videography Bertram Hellermann
Distribution sixpackfilm
50
Arya Sukapura Putra
›e-ruqyah‹ is a process of electronical therapy
beyond space and time which is based on the verses
of Quran. Insert the verses of Quran as a ring tone,
use its vibration tone, then stick the phone to the
part of body which needs to be treated. Then the
mystical element of those verses that are believed
may heal the illness of physical, psychological and
supernatural interferences. A video about transferring positive energy in Islamic culture..
Arya Sukapura Putra, * in Bandung West
Java; lives and works in Yogyakarta
Indonesia. He studied Fine Arts at
Sanggar Olah Seni Bandung. He is interested in socio-cultural, pluralism,
multicultural, tolerance/intolerance
issues for his exploration in video
and visual arts. Based on sensibility
and critical perspective, his works
also criticise and question the boundaries of interfaith relationships in
the context of modern religiosity.
RI 2013, Video, 2:08
European Premiere
Director, script, camera, editing Arya
Sukapura Putra
Distribution Arya Sukapura Putra
Tryna Keep They Eye On Me
The Serpent & The Mouse
Eine Betrachtung der ergebenen Hip Hop Verschwörungstheoretiker, die in den dunkelsten
Ecken von YouTube lauern. Fast ausschließlich aus
anderen Verschwörungsvideos zusammengetragen, ergibt sich so eine Zusammenfassung meiner
diesbezüglichen Recherche, dargestellt als eines
solcher Videos, die es untersucht.
Der Film handelt von dem Verständnis der Schlange als unausweichliche Verbindung zur Geschichte
aus der Bibel ›Der Sündenfall‹. Er geht spielerisch
mit Text um, um die Assoziationen rund um dieser
Metapher zu behandeln. Die Verteufelung der
weiblichen Figur in dieser Erzählung, nämlich Eva,
wird als absurd gewertet, sowohl aufgrund ihrer
konstruierten Gefügigkeit als auch der bizarren
Auffassung der alleinigen Verantwortung für ewigwährende Folgen. Es zeigt auch eine Maus, die
von einer Schlange gefressen wird.
jaymez
An exploration of the devote hip hop conspiracy
theorists who lurk in the darkest recesses of YouTube. Assembled almost exclusively from other conspiracy video, this creates an summary of much of my
research into the subject, told as one of the videos it
explores.
jaymez is a video artist, VJ, designer
and technician and who holds a BFA in
Video from the University of Manitoba
School of Art. He has created video
for theatre, composers, classical
singers, DJs and metal bands. His live
video performances have been featured
at dozens of events both locally and
nationally.
CDN 2013, Video, 6:24
European Premiere
Director, editing jaymez
Distribution jaymez
Nicole Rayburn
The film addresses the understanding of the serpent
as inescapably associated to the biblical story of The
Fall, and playfully uses text to problematise the associations of this metaphor. The demonisation of the
female position in this narrative, namely Eve, is shown to be absurd both through its constructed malleability and the bizarre notion of sole responsibility
for eternal implications. It also shows a mouse being
eaten by a snake.
Nicole Rayburn is a multi-media artist
whose practice includes video, performance and text-based work. Her work
has exhibited at artist-run centres
across Canada. Rayburn has a BFA from
the University of Alberta and a Masters of Fine Arts from the University
of Western Ontario and currently resides in Dawson City, Yukon.
CDN 2013, Video, 3:31
European Premiere
music Nicole Rayburn
Distribution Nicole Rayburn
51
FILMPROGRAMME
OBSERVATORY
Double Dawn
Apapa Amusement Park
Film wird in seine Grundelemente zerlegt: Licht,
Material, Bewegungsraum und Zeit. Die Natur wird
durch mechanische Reproduktion noch intensiviert. Lukas Marxt lässt das Licht sprechen. Er zieht
den Spannungsbogen bis an seine Grenzen, zeigt
auf atemberaubende Art und Weise in einer einzigartigen Momentaufnahme eine wüste Landschaft in der Morgendämmerung. (Joke Ballentijn)
›Apapa Amusement Park‹ bedient sich des ›Rotate
1 Mechanism‹ — einer sich drehenden Vorrichtung
aus der Architektur, die den Raum erkundet, indem es den Blickwinkel ändert. Einst ein üppig
ausgestatteter Spielplatz in Lagos, ist der Vergnügungspark heute ein verlassener Ort, seiner Attraktionen beraubt. Der Film zeigt eine Gruppe von
Jungs, die Fußball spielen – und für einen Moment
den Platz wieder mit Leben erfüllen. Ihr eifriges
Spiel lässt die einst freudvolle Atmosphäre des
Parks erahnen.
Lukas Marxt
Film is broken down into its basic elements: light,
material, movement-space and time. Nature is intensified by its mechanical reproduction. Lukas Marxt
lets light do the job. He stretches the tension span
to its limits, breathtakingly revealing a vast landscape
at the turn of night into day at a unique moment in
time. (Joke Ballentijn)
Lukas Marxt, *1983 in Schladming, Austria. 2009–2012 Postgraduate programme, Academy of Media Arts Cologne,
D. 2009–2010 Master pupil programme,
Academy of Visual Arts Leipzig, D.
2007–2008 Faculdade de Belas Artes,
University of Lisbon, P. 2004–2009
University of Arts and Industrial Design Linz, AT. He lives in Cologne.
A/D 2014, Video, 29:30
World Premiere
Director, script Lukas Marxt
Distribution Lukas Marxt
Karimah Ashadu
›Apapa Amusement Park‹ deploys the use of the
›Rotate 1 Mechanism‹ — a rotational architectural device that probes space by altering perception. Once
a fully operational playground in Lagos, the amusement park is now abandoned and devoid of its
thrills. The film captures a group of teenage boys
playing football – momentarily animating the blank
space as the eagerness of the game hints at the former fun-filled atmosphere of the park.
Karimah Ashadu is a British/Nigerian
multidisciplinary artist. Her practice
is research led, and investigates the
relationship between performance and
narration. Typically she considers experimental modes of moving image capture, with architectural mechanisms
made from found objects. She has exhibited internationally including Europe, America, Asia and Australia.
2012 Dialog Award at EMAF for ›Lagos
Island‹. She lives and works between
London, UK and Lagos, Nigeria.
GB 2013, Video, 2:38
editing Karimah Ashadu
Distribution Karimah Ashadu
52
Apicula Enigma
Marine Hugonnier
Eine atemberaubende Naturdokumentation über Bienen, aber so ganz anders wie wir es kennen, ohne
erklärenden Kommentar. ›Apicula Enigma‹ bedeutet so viel wie das Geheimnis der Bienen. Die ›Natur
erzählt keine Geschichten‹ wird zu Beginn des Films leise geflüstert – und Hugonnier und ihr Filmteam
versuchen auch gar nicht, eine geheime Geschichte über die Welt der Honigbienen zu lüften, sondern,
im Gegenteil, ihre Absicht ist es zu zeigen, wie Bilder aus der Natur ausgewählt, inszeniert und zu Geschichten zusammengefügt werden... Kribbelig schön!
Breathtaking nature documentary about bees, but in contrast to what we are accustomed to, without explanatory narration. ›Apicula Enigma‹ means the mystery of the bee. ›Nature doesn't tell stories,‹ is whispered at
the beginning of the film - and Hugonnier and her film crew do not try to reveal a secret story about the
world of honey bees, but, on the contrary, try to show how images of nature are selected, staged and formed
into stories... Buzzingly beautiful!
Marine Hugonnier, *1969 in Paris, lives and works in London. Her work comprises
films, photographs and print, and is exhibited internationally. In her short
films, Hugonnier plays with basic concepts such as time and nature.
GB/E/BR/B 2014, 35 mm, 26:00
Director, script Marine Hugonnier
Camera Attila Boa
Editing Martina Moor
Sound Henning Knoepfel
Distribution Marine Hugonnier
53
FILMPROGRAMME
OFF-STAGE
Stimme / Voice
Die Wüste wächst / The Desert Grows
›Stimme handelt von der Arbeit einer Stimmtrainerin und ihrer Patientin, einer jungen Dame, die mit
ihrer eigenen Stimme nicht sprechen kann.‹ Der
Film ›beschäftigt sich mit der Frage, wann die
Stimme zu unserem Eigentum wird, wo beginnt sie
und wo endet sie? Wer spricht, wenn wir sprechen
und wer hat das Recht zu sprechen?‹ Katarina Zdjelar
Stellen sie sich vor (...) Krieg (Die Kriegserklärung,
N. Chamberlain)
Katarina Zdjelar
›Stimme focuses on the training between a voice
coach and her client, a young lady who fails to speak
with her own voice.‹ The film ›considers when voice
becomes our personal property, where does the voice begin and where does it end? Who is speaking
when we speak and who is entitled to speak?‹ Katarina Zdjelar
Katarina Zdjelar, *1979 in Serbia, is
an artist based in Rotterdam. She completed her MFA at the Piet Zwart Institute and makes videos, sound
pieces, book projects and different
platforms. Her work investigates subjectivity and communication in a foreign language when a mental and physical struggle with language occurs. She
exhibits solo and in group shows, and
is selected regularly for international film festivals.
NL 2014, Video, 17:00
Director, editing Katarina Zdjelar
Camera Katarina Zdjelar, Ivan Zupanc
Sound design Maziar Afrassiabi
Distribution Katarina Zdjelar
54
Kai Welf Hoyme
You can imagine (...) war (The declaration of war, N.
Chamberlain)
Kai Welf Hoyme, *1979 in Mönchengladbach, D., has been producing artistic
work with audiovisual media since
1998. International screenings since
2003 include Images festival, Toronto;
Athens video art festival, Greece; KFT
Oberhausen, Germany; Invideo, Milano,
Italy. He holds an MA in Social and
Cultural Sciences and an MFA in Audiovisual Media from the Academy of Media
Arts Cologne (KHM).
D 2013, Video, 3:28
Director, script, editing Kai Welf Hoyme
Camera Justyna Feicht
Cast Janina Bobrowski
Distribution Kai Welf Hoyme
state-theatre #6 MÖNCHENGLADBACH
Daniel Kötter / Constanze Fischbeck
Die kleine westdeutsche Stadt Mönchengladbach, ehemals Zentrum der Textilindustrie, unternimmt den
Versuch, sich selbst eine neue Mitte zu verleihen: Das modernistische Stadttheater, seit 15 Jahren verlassen und ungenutzt, wird rückgebaut und weicht einem Einkaufs- und Erlebniszentrum. Dieser kontinuierliche Prozess der Produktion von städtischem Raum steht für einen Moment still, als eine Gruppe von
Bürgern die winterliche Leere betritt, um den öffentlichen Diskurs über die Aneignung ein letztes mal zu
inszenieren: ›Es darf kein Vakuum entstehen, dass dazu verführen könnte, sich die Leere als Potential vorzustellen.‹
›state-theatre‹ ist eine sechsteilige Reihe von experimentellen Dokumentarfilmen über die städtebaulichen Bedingungen des Performativen anhand der sechs Fallstudien Lagos, Teheran, Berlin, Detroit,
Beirut und Mönchengladbach. Sie untersucht jene Orte, die ihrem unmittelbaren gesellschaftlichen
Funktionszusammenhang entkleidet sind. Verlassene Orte, Baustellen, um- und ungenutzte Gebäude; urbane Leerstellen, ursprünglich konzipiert als Orte der Versammlung.
The small western German city of Mönchengladbach, a former textile industry hub, redefines its commercial
and cultural centre by removing the modernist theatre building, which has been unused for 15 years, and replacing it with a shopping mall. This constant process of producing urban space comes to a temporary halt
when a group of citizens enters the winterly void to claim and stage the public discourse on appropriation of
urban space for the last time: ›There must be no creation of a vacuum that might tempt us into imagining
the void as potential.‹
›state-theatre‹ is a six-part series of experimental documentary films about the urban planning conditions of
the performative using six case studies: Lagos, Tehran, Berlin, Detroit, Beirut and Mönchengladbach. It investigates places that are stripped of their immediate social functional context. Deserted places, building sites,
converted and unused buildings; abandoned urban areas, originally designed as places of encounter.
Daniel Kötter, *1975, director and video artist whose work oscillates between
different media and institutional contexts, combining techniques of structuralist film with documentary elements and experimental music theatre. Kötter's series of installations, films and discursive work on urban and socio-political
conditions of performativity has been under development since mid-2009 under
the title ›state-theatre‹ (with Constanze Fischbeck).
Constanze Fischbeck, *1968 in East Berlin, Constanze Fischbeck studied Stage
Design at Kunsthochschule Berlin-Weissensee from 1992 to 1997. Working as a
stage designer and video artist, she lives with her daughter Malia (*2009) in
Berlin. She has been working with Daniel Kötter on the art project ›state-theatre‹ since 2009. Her recent interest is the reciprocal impact and intersection
of both media theatre and film.
D 2013, Video, 46:09
Director, script Daniel Kötter, Constanze Fischbeck
Camera Daniel Kötter, Sirko Knüpfer
Editing Daniel Kötter
Distribution Daniel Kötter
55
FILMPROGRAMME
OPEN YOUR EYES
Man kann nicht alles... /
You cant do everything...
Marie Elsa Squaldo
Man kann nicht alles auf einmal tun, aber man
kann alles auf einmal lassen.
Alles begann auf einer Couch. Er schaute ihr beim
Entkleiden zu und sie liebten sich zum ersten Mal.
You cant do everything at once, but You can leave
everything at once.
It all began on a couch. He watched her undress
and they made love for the first time.
Marie Elsa Squaldo, *1986 in La
Chaux-de-Fonds, Switzerland, graduated
from the HEAD in Geneva (Film Dept.)
and is currently studying at the INSAS
in Brussels (screen-writing Masters).
Parallel to her work as a director,
she assists such directors as Christelle Lheureux (assistant-comedian),
Delphine Jacquet (director’s assistant), Ursula Meier (camera assistant
and assistant editor).
CH 2013, Video, 15:00
animation Marie Elsa Squaldo
Music Yanick Gerber
Cast Julia Perazzini
Distribution Salaud Morisset Production
Close The Lid Gently
Ariana Gerstein
›Close the Lid Gently, A Home; Document; Scan‹
ist ein Video, das mit zwei herkömmlichen Schreibtisch-Scannern gemacht wurde, einem Fotoscanner und einem einfachen überholten Dokumentenscanner. Jeder Scanner hat seinen eigenen Aufbau
und sieht die häusliche Umgebung auf seine eigene Art und Weise, ein Scan nach dem anderen.
Dieses Video handelt von bewusster Zweckentfremdung/Wiederverwendung herkömmlicher bilderzeugender Geräte zur behutsamen, individuellen, einfachen Annäherung an den Prozess des Filmemachens.
›Close the Lid Gently, A Home; Document; Scan‹ is
a video made entirely from two home desktop scanners, one a photo scanner, the other a refurbished
low end document scanner. Each has its own texture
and sees the domestic environment in its own particular way, one scan at a time. This piece deals with
the deliberate misuse/re-purposing of commercial
image producing machines for a slow, individual,
low end approach to the motion picture making
process.
Ariana Gerstein received her M.F.A.
from the School of Art Institute of
Chicago. She works in digital video,
sculpture, installation and performance. Her films have been screened
worldwide. Awards include the Gus Van
Sant Award for Best Experimental Film
from Ann Arbor Film Festival, Golden
Gate Award from San Francisco International Film Festival. amongst others
She is an Associate Professor at the
Binghamton University, State New York.
USA 2013, Video, 4:55
animation Ariana Gerstein
Distribution Ariana Gerstein
56
Merciful, Wonderful
Bu Ani Hisset / Feel This Moment
Die Ikone von Tinos ist ein starkes Symbol Griechenlands. Ihre andauernde Faszination geht von
ihrer Unerreichbarkeit aus; sie ist vollständig mit
Juwelen und Edelsteinen bedeckt, bildet somit
eine Haut vor dem Bild. Durch die Verschmelzung
verschiedener Filmquellen, reißen die Künstler die
Haut des Bildes/der Ikone auseinander und schaffen somit den Spalt von dem Huberman sprach,
aus dem verschiedenen Bedeutungen hervorgehen können. Es kann eine Parallele zu dem gezogen werden, was heute in der Gesellschaft Griechenlands passiert, wo die zerbrechliche Oberfläche der Zivilisation auseinanderbricht.
›Feel This Moment‹ stellt den Tourist Gaze infrage,
der alles, was er sieht dem Gesamtbild, das das
Auge des Touristen von der fremden Kultur gewonnen hat, hinzufügt, ein Bild das diese Kultur
nur oberflächlich wiedergibt und sie konsumiert.
Der Film erlebt diesen Blick über diese Kultur und
schafft somit eine Art Fantasieerfahrungen und
Möglichkeiten der Wahrnehmung.
Cecilia Järdemar / Loukia Alavanou
The Icon of Tinos is a powerful symbol of the Greek
State. Its enduring fascination is centered around unavailability; completely covered by jewellery and precious stones, creating a skin in front of the image. Interweaving different filmic sources, the artists tear
apart the skin of the image/Icon, creating the rend
Huberman speaks of, where alternative meanings
can emerge. A parallel can be drawn with what is
happening in Greek society today where the fragile
surface of civilization is rupturing.
Cecilia Järdemar studied Photography
at the Royal College of Art. Her work
has been shown, screened and published
internationally. She regularly takes
part in international residency programmes, such as Laspis and
Unidee/Midbar.
Loukia Alavanou works and lives between Athens and London. She won the
DESTE prize in 2007. Her work has been
shown in solo exhibitions.
Zafer Topaloglu
›Feel This Moment‹ questions the Tourist Gaze that
adds every point, it gazes, to the collective image
culture, which it shallowly reproduces and consumes, and experiences it via this culture and in this
way creates a sort of phantasy experiences and ways
of perceptions.
Zafer Topaloglu is a video artist
based in Istanbul, Turkey. He holds a
BA in Film/TV from Bilgi University,
and an MD in Media Design from the
Piet Zwart Institute. Over the last
four years his video works have been
screened at numerous international
festivals and galleries such as EMAF,
Videobrasil, Screen Festival, Instants
Video Arts Festival, Videoformes,
Darklight Film Festival, Timishort
Film Festival, DokumentART, Tent
Gallery, amongst others.
EAT/TR 2013, Video, 9:40
Director, script, editing Zafer Topaloglu
Camera Fatih Katenci, Zafer Topaloglu
Distribution Zafer Topaloglu
GR 2013, Video, 4:39
animation Cecilia Järdemar,
Loukia Alavanou
Distribution Cecilia Järdemar
57
FILMPROGRAMME
OPEN YOUR EYES
Patch
Black Rectangle
Ein experimenteller Animationsfilm der mit Hilfe
abstrakter Malerei das Spannungsfeld zwischen
Abstraktion und Erkennbarkeit erkundet.
Dieser Film dokumentiert den langwierigen Prozess des Zerschneidens und Wiederzusammenfügens von gefundenem 16mm-Filmmaterial. In Anlehnung an ein Gemälde von Kazimir Malevich,
imitiert die Film-Collage die Funktion eines Vorhangs, während der aufgenommene optische
Soundtrack die nachfolgende Vernichtung des
Films beschreibt.
Gerd Gockell
An experimental animated short film using abstract
painting to explore the tension field between abstraction and recognisability.
Gerd Gockell, *1960 in Darmstadt, Germany. He studied at the Academy of
Fine Arts in Brunswick from 1980 to
1987; he moved to London in 1989 and
worked on several film projects; various teaching appointments since 1992,
including HbK Braunschweig, Ngee Ann
Polytechnics in Singapore, HFF Potsdam, Academy of Fine Arts in Kassel
and 2002-2011 Head of the Animation
Dept. at the University of Applied
Sciences and Arts Lucerne, Switzerland. He lives and works in Hannover
and Lucerne.
D 2014, Video, 3:20
Director, camera, editing Gerd Gockell
Script, animation Gerd Gockell, Ute Heuer
Music Phil McCammon
Distribution ANIGRAF Gerd Gockell
58
Rhayne Vermette
This film documents a tedious process of dismantling and reassembling 16 mm found footage. Roused by Kazimir Malevich, the film collage imitates
functions of a curtain, while the recorded optical
track describes the film's subsequent destruction.
Rhayne Vermette is an artist and filmmaker from Winnipeg, MB. Her films
have played at various screenings and
theatres around the globe.
CDN 2013, 16 mm, 1:30
World Premiere
Director, editing, animation,
music Rhayne Vermette
Distribution Rhayne Vermette
Minimal Vandalism
Exterior Extended
Gemeinhin ist das Berühren von Kunstgegenständen in einem Ausstellungsraum nicht erlaubt.
Nicht so in Kay Walkowiaks ›Minimal Vandalism‹,
wo dieses Verbot geradezu mit Füßen getreten
wird. Das Setting ist jenes der Generali Foundation
in Wien, Inbegriff eines modernistischen Ausstellungsbaus, der – als neutrale, White-Cube-artige
Hülle – in den Akt der Kunstbetrachtung selbst so
wenig wie möglich intervenieren soll. (...) Aus der
Tiefe des Raumes kommend, nimmt ein Skateboarder auf drei übereinander gestapelten Brettern
Anlauf, um die Skulpturen einem Härte- bzw. Geschicklichkeitstest zu unterziehen. (Christian Höller)
Innen- und Außenraum verschwimmen im rasenden Stakkato digitaler Bildschichtung, ein dem
Film eigener, subjektiv erfahrbarer Raum entsteht.
Der/die Betrachter/in dringt in dieses imaginäre
Innere des Mediums vor – geleitet vom Sog epileptischen Bildflimmerns. Ein subtiles Spiel mit der
(Kino-)Wahrnehmung, montiert aus 36 photografischen Einzelbildern. Ein Paradebeispiel für die
künstlerische Strategie, aus einem Minimum an
Einzelelementen mittels Kombinatorik ein Maximum an Wirkung zu erzielen. ›Eine Essenz, die auf
den Reiz setzt, optische Erscheinungen nutzt und
zelebriert – pures Kino.‹ (Siegfried A. Fruhauf)
Touching art objects in an exhibition space is usually
not allowed. Not so in ›Minimal Vandalism‹, where
this prohibition is practically stomped on. The setting, the Generali Foundation in Vienna is the epitome of a modernist exhibition building, which — as
neutral White Cube-like shell — is meant to intervene
as little as possible in the act of viewing art. (…) In
one of the few calm takes, a surveillance camera becomes visible and the show begins: a skateboarder
coming from the depths of the room makes his approach on three boards piled on top of one another, to subject the sculptures to a test of endurance,
or skill. (Christian Höller); Translation: Lisa Rosenblatt
Interior and exterior space blur in a frenzied staccato
layering of digital imagery, creating the film’s distinctive sphere of subjective experience. The spectator
penetrates the medium’s imaginary interior – drawn
in by the undertow of glimmering pictures. A subtle
game of perception assembled from 36 individual
frames. A prime example of an artistic strategy whereby a maximum effect is achieved through the combination of a minimum of individual elements. ›An
essence relying on the thrill by using optical illuson
and celebrating pure Cinema.‹ (Siegfried A. Fruhauf)
Kay Walkowiak
Kay Walkowiak, *1980 in Salzburg,
lives and works in Vienna. He studied
Philosophy and Psychology at the University of Vienna, Photography and
Video Art at the Academy of Fine Arts,
Vienna and Art & Communication and
Sculpture & Multimedia Art at the University of Applied Arts, Vienna. He
received several grants and awards.
A 2013, Video, 4:00
Director, script Kay Walkowiak
Camera, editing Brett Novak
Cast Kilian Martin
Siegfried A. Fruhauf
Siegfried A. Fruhauf, *1976 in Grieskirchen, grew up in the small village
of Heiligenberg (Upper Austria). 1991–
1994 Trained to become a commercial
manager. Studied Experimental Visual
Design at the University of Artistic
and Industrial Design in Linz, where
he first came into contact with the
Austrian Film Avantgarde. Since 2009,
lecturer at the University of Artistic
and Industrial Design, Linz.
A 2013, Video, 9:00
Director, script Siegfried A. Fruhauf
Music Sound Jürgen Gruber
59
FILMPROGRAMME
OPEN YOUR EYES
Cremer
Fe26
end, end, end
Nach einem Brand im Studio, ist
dieser Film das Resultat von den
durch Rauch verursachten Schäden. Dieser hinterließ einen Negativ-Abdruck auf jeder Oberfläche, in jeder Schublade, in jedem Kasten. Beständige Abdrücke und Spuren blieben
›fixiert‹ und ›belichtet‹ als Fotogramm. Diese ›Negative‹ werden auf 16mm neu belichtet.
›Fe26‹ ist ein 16mm-Kurzfilm von
Kevin Jerome Everson, der zwei
Herren an der East Side von Cleveland, Ohio, folgt und die
Spannungen zwischen illegaler
Arbeit – in diesem Fall der Raub
von Kanaldeckeln und Kupferrohren – und den wichtigsten
Überlebenstaktiken in einer Region mit hoher Arbeitslosigkeit
unter die Lupe nimmt.
›end, end, end‹ ist ein Filmessay,
untermalt von gefundenen Tonaufnahmen, in dem es um den
Sterbeprozess eines geliebten
Menschen geht, die Unfähigkeit,
Kaffee zu kochen und den
Wunsch, sich an Dinge zu erinnern, die in Vergessenheit geraten sind.
Following a fire in the studio, this
film is a result of the after effects
of the smoke damage. The smoke left a negative imprint on every
surface, in every drawer, in every
box. Solid marks and traces remained ›fixed‹ as photographs,
›exposed‹ as photograms. These
›negatives‹ are re-exposed as a
16mm film.
›Fe26‹ is a 16mm short film by Kevin Jerome Everson that follows
two gentlemen around the East
Side of Cleveland, Ohio and examines the tensions between illegal work – in this case, the stealing
of manhole covers and copper piping – and the basic survival tactics that exist in areas of high unemployment.
David Leister’s films
take references from a
photographic background,
and explore the diversity of the 16mm medium.
Lucy Harris has worked
with film and video for
the last 15 years. Her
background in painting,
drawing and collage often form a basis for her
film work.
Kevin Jerome Everson see
›Sound That‹.
David Leister / Lucy Harris
GB 2013, 16 mm, 7:00
Realisation David Leister,
Lucy Harris
Distribution David Leister
60
USA 2014, Video, 7:21
European Premiere
Director, editing
Camera Lydia Hicks,
Distribution
Picture Palace Pictures
Jonathan Rattner
›end, end, end‹ is a cinematic essay, woven around a found audio
recording, about the dying of a
loved one, inability to make coffee, and the desire to remember
things that have been forgotten.
Jonathan Rattner is a
lens-based artist. He
holds M.F.A's in Film
Production and in Intermedia Art from the University of Iowa, and a
B.F.A. in Film and Television from N.Y.U. Currently, he is an active
member of Wildland Urban
Interface Artist Collective and is an Assistant
Professor of Film Studies and Art at Vanderbilt University.
USA 2013, Video, 8:46
editing, music
Jonathan Rattner
Distribution
Jonathan Rattner
FILMPROGRAMME
PRIVATE VIEW
Please Relax Now
Party
Bitte entspannen Sie sich jetzt, lieber Zuschauer!
Machen Sie es sich bequem ... der Platz auf dem
Sie sitzen ist für Sie gemacht, damit Sie sich wohl
fühlen. Lehnen Sie sich zurück! Ein unvergessliches
Ereignis erwartet sie, von mir für Sie inszeniert.
Glauben Sie mir, Sie werden es nie vergessen. Ist
das nicht großartig? Unvergesslich, stets erinnerungswürdig ... Mit ihrer Teilnahme, lieber Zuschauer, durchleben Sie mit diesem Stück eine
Verwandlung. Erlauben Sie mir aber, Sie zunächst
ein bisschen zu führen!
Eine Reihe von miteinander verbundenen Dingen.
Vika Kirchenbauer
Juan Jose Herrera
A serial of things interconnected.
Juan José Herrera, *1973.
MEX 2013, Video, 2:20
European Premiere
music Juan Jose Herrera
Distribution Juan Jose Herrera
Please relax now, dear spectator! Make yourself comfortable... the seat you sit in is designed for you to
feel just right. Lean back! This is going to be a memorable event, orchestrated by me for you. Believe
me, you will never forget this. Isn’t this great? Never
to forget, forever to remember... With your commitment, dear spectator, you will be transformed during
this piece. Just let me first guide you a little!
Vika Kirchenbauer is an artist currently working and residing in Berlin.
Core issues in her work centre around
ideas of collectivity in the context
of art displays, as well as the exploration of the theoretical concept of
opacity in relation to the representation of the ›othered‹ through ostensibly contradictory methods like exaggerated explicitness, oversharing and
perversions of participatory culture.
D 2014, Video, 12:10
World Premiere
Director, script, editing, cast
Vika Kirchenbauer
Camera Martin Sulzer
Distribution Vika Kirchenbauer
61
FILMPROGRAMME
PRIVATE VIEW
Wantee
The Buried Alive Group Videos
Laure Prouvost wurde 2013 für ›Wantee‹ mit dem
renommierten Turner-Preis ausgezeichnet. Es ist
des Großvaters atemberaubende Geschichte und
ein melancholisches Gegenstück zu ›Grandma's
Dream‹, ein weiterer Film, den die Künstlerin zum
Thema machte. ›Wantee‹ erzählt von einer fiktiven
Teestunde zwischen ihrem Großvater und Kurt
Schwitters und erteilt uns ›that’s real, that’s not‹
Lehren in der Darstellung, der Reflexion über die
Industrie des Kunsterbes und das freie Geschichtenerzählen, hinuntergespült mit der obligatorischen Tasse Tee.
Komar-Myshkin war das Pseudonym des fiktiven russischen Dichters Efim Poplavsky (1978-2011), der zu
Beginn des 21. Jahrhunderts nach Tel Aviv immigrierte. Dort gründete er die Buried-Alive-Group, ein Kollektiv ehemaliger sowjetischer Künstler, Schriftsteller
und Filmemacher, die von der Kultur um sie herum
abrückten und eine zombieartige künstlerische Existenz anstrebten. Das Ergebnis: Die Buried-AliveGroup und ihr gemeinsames Werk: ein Manifest und
Videos, angeblich Anfang 2000 produziert.
Laure Prouvost
Laure Prouvost was awarded the prestigious Turner
Prize in December 2013 for ›Wantee‹. The jury
praised the ›exceptional work‹ of the artist who skilfully combines images and objects with one another.
This is Grandad’s breathless story and a melancholic
counterpart to ›Grandma’s Dream‹, another film she
made on the subject. ›Wantee‹ is about a fictitious
afternoon tea enjoyed by her Grandad and the artist
Kurt Schwitters, and offers us ›that’s real, that’s not‹
lessons in representation, reflections on the art-heritage industry and freewheeling storytelling, all washed down with an obligatory cup of tea.
Laure Prouvost, *1978 in France, lives
and works in London. She was educated
at Central St. Martins College of Arts
and received an MFA at Goldsmith College. Her work includes painting,
video and sound works. Since 2003, she
has led tank.tv, an online platform
for moving images. Prouvost has received multiple awards, among which
the Turner Prize in 2013.
GB 2013, Video, 15:00
Realisation Laure Prouvost
Distribution LUX
62
Roee Rosen
Komar-Myshkin was the pseudonym of the fictitious Russian poet Efim Poplavsky (1978-2011), who immigrated
to Tel Aviv in the early 2000s. There, he founded the Buried Alive Group, a collective of ex-Soviet artists, writers
and filmmakers who disavowed the culture around
them and sought a zombie-like artistic existence. The
potentials of fictitious identities expand here to include
a small community: The Buried Alive and their collective
production: a manifesto and videos, supposedly produced throughout the 2000s.
Roee Rosen, *1963, is an Israeli artist,
filmmaker, writer, lecturer, educated at
the Art Academy, New York. His work is
known for its historical, theological
and psychological controversy. His installation Live and Die as Eva Braun
(1995-1997), developed from a scandal
into a groundbreaking work.
IL 2014, Video, 36:00
Director, script Roee Rosen
Camera Avner Shahaf
Editing Gal Katzir, Max Lomberg
Music Igor Krutogolov
Sound design Danny Shitrit
Cast Lucy Dubinchik, Igor Krutogolov,
Andrey Lev, Scandar Copti, Max Lomberg
Distribution Roee Rosen
HASEKULT
SEXPLOITATION
That's Sexploitation!
Frank Henenlotter
Die Geschichte von mehr als 40 Jahren Sex im Kino (1930 – 1970). Am Beispiel unzähliger erstklassig erhaltener Archiv-Clips erfährt man nahezu alles über die Entwicklung des Genres vom Sex-, Hygiene- und
Drogen-Aufklärungsfilm über Pin-Up Movies, FKK Camp Classics sowie Striptease und Burlesque Filmchen bis zum Arthouse Cinema, Sexy Psychedelics und Pre-Hardcore Filmen. Durch dieses selten ins
Licht gerückte Kapitel amerikanischer Filmgeschichte führen der ungekrönte König des Exploitation
Films, David F. Friedman und der Regisseur Frank Henenlotter (›Basket Case‹, ›Frankenhooker‹).
A visual history of over 40 years of sex in the cinema (1930-1970). It features rare and lost clips from vintage
›adults only‹ feature films, shocking short subjects, quaint coin drop arcade loops, naughty stags and smokers, and graphic sex educationals from days gone by! Archival footage shows the many genres that developed over the years; including the early sex hygiene and drug scare films, glamour, panties and pasties, pretty
pin-ups, goona-goona exotica, nudist camp classics, striptease and burlesque, art house sinema, nudie cuties, roughies, sexy psychedelia and tying things up with the pre-hardcore white coaters. Your guides for this
seldom seen side of American film history are The Mighty Monarch of Exploitation Film David F. Friedman
and cult movie director Frank Henenlotter (›Basket Case‹, ›Frankenhooker‹).
USA 2013, 136:00
Director, script, editing Frank Henenlotter
Camera Daniel Griffith, Brent Kerr, Anthony Sneed
Cast Albert Cadabra, Gal Friday, David F. Friedman,
Frank Henenlotter and others
Distribution Drop-Out Cinema
63
FILMPROGRAMME
TERRITORIAL DRIFT
Sea Series 9/11/12/13
Fort Morgan
Vier Teile einer Reihe von experimentellen Filmen,
gedreht mit einer 16mm-Kamera und unter Verwendung diverser Emulsionen, die das Element
Wasser formal und thematisch untersuchen. Ein
Zusammenspiel von Überlagerungen, Zeitraffer,
Slow-Motion, ungewöhnlichen Linsen, seltsamen
Emulsionen und Chemikalien, die Momente in und
um dieses magische Molekül zeigen.
›Fort Morgan‹ ist ein Kurzfilm, der auf der Grundlage der gleichnamigen Befestigungsanlage an der
Küste Alabamas basiert. Unter Verwendung einer
Mischung aus Live-Action-Material und gezeichneter Animation, entsteht die visuelle Sprache des
Films aus dem geometrischen Plan, den physikalischen Materialien und der Landschaft der 200 Jahre alten Festung.
Four parts of a series of 16mm camera and emulsion experiments that explore water formally and thematically. A convergence of superimpositions, timelapse, slow motion, odd lenses, odd emulsions and
chemistry record and re-present moments situated
in and around this magic molecule.
›Fort Morgan‹ is a short film inspired by a brick fort
of the same name on the Alabama coast. Using a
combination of live-action footage and drawn animation, the film’s visual language grows out of the
geometric plan, physical materials, and landscape of
the 200-year-old Fort Morgan.
John Price is a Canadian artist producing creative documentaries and
working as a freelance cinematographer
on artist driven dramatic, documentary
and music video projects who is living
in Toronto.
Alexander Stewart's short films have
screened internationally, including at
the International Film Festival Rotterdam, the Tribeca Film Festival, and
ImageForum in Japan. He curates a
screening series at Roots & Culture
Contemporary Art Center, and is co-director of the Eyeworks Festival of Experimental Animation. He teaches Animation at DePaul University’s School
of Cinema & Interactive Media.
John Price
CDN 2013, 35 mm, 11:00
editing John Price
Distribution 1273503 Ontario Ltd.
Alexander Stewart
USA 2014, Video, 23:00
World Premiere
Alexander Stewart
Camera Alexander Stewart, Peter Miller,
Christopher Becks
Animation Alexander Stewart, Kevin Eskew
Music George Monteleone
Distribution Alexander Stewart
64
Los Andes / The Andes Let Us Persevere in What We Have Resolved
Before We Forget
Cristóbal León /
Joaquín Cociña
Ben Russell
Ein Büro wird von einer göttlichen Kraft vereinnahmt, die erschienen ist, um den Aufstieg einer neuen goldenen Zivilisation
in Los Andes zu prophezeien.
Ein Stop-Motion Animationsfilm,
in dem sich eine fließende Masse an Müll, Papier und elektrischen Gegenständen durch einen Raum bewegt und dabei
fortwährend in riesige Teile eines gigantischen Körpers umgewandelt wird.
Mit diesem Titel, der sich auf eine Zeile aus Waiting for Godot bezieht, versetzt Russel uns auf die Insel Tanna, ein Teil von Vanatu, einer Inselgruppe in Melanesien. Seltsam anmutende Riten werden
vollzogen (das Hissen einer deplatzierten Flagge) und prophetische
Worte werden runtergebet. Am Horizont dieser Szenerie: das Praktizieren des ›Cargo-Kult‹. Diese etwas verdrehte Wiederaneignung
der angeblichen Stärke der westlichen Welt durch diese ethnischen
Stämme, die von ihren magischen Kräften überzeugt sind, findet im
Herzen einer indifferenten und üppigen Natur statt. Hier wird jedoch
nichts analysiert, es besteht kein Wunsch der Klärung — im Gegenteil, wir sollen einfach nur in diese fremde Welt eintauchen. Die Kamera fängt den Kult rund um die Frum-Bewegung ein, während Russell mit den Konventionen des anthropologischen Films spielt.
An office is possessed by a divine
force that has come to prophesy
the rise of a new golden civilization in Los Andes. A stop-motion
animation film in which a flowing
mass of waste, paper and electric
artifacts moves around a room,
being constantly transformed into
the colossal parts of a giant body.
With its title referring to a line in Waiting for Godot, Russel brings us on
the island of Tanna, a part of Vanatu, an archipelago in Melanesia.
Strange rites are performed (the hoisting of an incongruous flag) and
Sibylline words are trotted out. On the horizon of these scenes: the
practice of the ›cargo cult‹. This prevaricated re-appropriation, as we
know, of the supposed forces of the Western world by those ethnic tribes convinced of their magical powers, is placed in the heart of an indifferent and luxuriant nature. Yet no analysis is made here, no desire to
clarify — quite to the contrary, here we are just plunged into that universe. The camera observes the cult surrounding Frum, while Russell
plays with the conventions of anthropological films.
Cristóbal León, *1980 in
Santiago de Chile and
Joaquín Cociña, *1980 in
Concepción, live and
work in Santiago de
Chile. Their collaboration started in 2007
when they, together with
Niles Atallah, produced
the animation ›Lucía‹.
Their work have been
shown at numerous exhibitions and festivals.
RCH 2012, Video, 4:02
European Premiere
Realisation Cristóbal León
& Joaquín Cociña
Distribution CaRTe bLaNChe
Ben Russell, *1976, is an itinerant media artist
and curator whose films, installations and performances foster a deep engagement with the history and
semiotics of the moving image. Formal investigations
of the historical and conceptual relationships between early cinema, visual anthropology and structuralist filmmaking result in immersive experiences
concerned at once with ritual, communal spectatorship and the pursuit of a ›psychedelic ethnography.‹
USA/F 2013, Video, 19:57
Director, editing, sound design Ben Russell
Camera Ben Russell, Ben Rivers
Image © of the artist, courtesy of Video Data Bank
65
FILMPROGRAMME
THE FUTURISTS
Laborat
Handful of Dust
Eine Maus wird sediert, präpariert, im MRT dokumentiert, seziert. Sie stirbt. Ein standardisierter
Prozess im Labor, unzählige Male wiederholte
Routine der Datengewinnung. Eine kleine Filmcrew zeichnet die Arbeit auf. Auch hier gibt es ein
Protokoll, nach dem verfahren wird. Ein Film entsteht, der sich für die Arbeit der Forscher interessiert, aber ebenso, und vielleicht noch mehr, für
die eigene Komplizenschaft in diesem Gefüge.
Preußischblau kann verwendet werden, um Bilder
darzustellen und um Strahlenschäden zu behandeln. Dieser Nachruf besteht aus Sequenzen von
Cyanotypien, die unter Verwendung von Negativen aus einem Hollywoodfilm von 1954 im Sand
gezeigt werden. Krebserkrankungen bei Mitgliedern der Besetzung und der Filmcrew zeigen, dass
dieser in Windrichtung (downwind) gedreht wurde, in der Zeit, in der oberirdische Atomtests
durchgeführt werden. ›Handful of Dust‹, der in einem Canyon in Utah produziert wurde, wo der
Film 1954 auch gedreht wurde, soll als ›Gegenmittel‹ gegen das Vergessen der sogenannten
›Downwinders‹ wirken.
Guillaume Cailleau
A mouse is sedated, prepared, documented in MRI
and dissected. It dies. A standardised process in the
lab, the routine of data acquisition repeated a thousand times. A small film crew records the work. Here,
too, there is a protocol laying down the method of
procedure. A film is created that is concerned not
only with the work of the researchers, but also, maybe even more so, with one’s own complicity in this
structure.
Guillaume Cailleau, *1978 in France,
media artist, lives and works in
Berlin; his works span 16mm films, HD
videos, multimedia installations and
performances. Laborat, 2014; Austerity
Measures, 2012; H(I)J, 2009; Through,
2009; Blitzkrieg, 2008. Film Performances: #1.0x 2012; Resonator 2013.
Installations: Un Nuage 2010; Wild
Wild 2013.
D 2014, Video, 21:00
Director Guillaume Cailleau
Script Guillaume Cailleau, Hanna Slak
Camera Michel Balagué, Guillaume Cailleau
Editing Hanna Slak
Animation Guillaume Cailleau,
Sophie Watzlawick
Music Werner Dafeldecker
Distribution Guillaume Cailleau
66
Hope Tucker
Prussian blue can be used to render images and
counteract radiation poisoning. This obituary is composed of sequences of cyanotypes, exposed in the
sand using negatives from a 1954 Hollywood film.
Rates of cancer in the film’s cast and crew reflect that
it was shot downwind during the period of above
ground nuclear testing. ›Handful of Dust‹, produced
in the Utah canyon where the 1954 film was shot, is
designed as an antidote to recover the memory of
the downwinders.
Hope Tucker is director of THE OBITUARY PROJECT, a compendium of experimental salvage ethnography that transforms a quotidian form of narrative.
USA 2013, Video, 8:48
editing Hope Tucker
Cast John Wayne
Distribution Hope Tucker
The Sun Experiment (Ether Echoes)
Elise Florenty / Marcel Türkowsky
›Irgendwo in der Nähe des Schwarzen Meeres befindet sich eine post-sowjetische Bergarbeiterstadt.
Eine sehr junge Frau bereitet sich darauf vor, sich einem elektro-telepathischen Sonnenexperiment zu
unterziehen, über einen ›Stimulator‹, in einer Do-it-yourself Version von parapsychischen Experimenten
aus dem Kalten Krieg. Die Sonnenstrahlen werden in elektrische Energie umgewandelt, stimulieren die
Ebenen ihres Bewusstseins und verursachen eine Explosion von Erinnerungen, die sich in verschiedene
Figuren, Aktivitäten und Zeitfenstern multiplizieren. Kollektive Visionen verschachteln sich ineinander.‹
Wie auch in ihren früheren Filmen, geben die Worte den Ton an, werden zum das Ziel erhoben. Dieses
ist eine Betrachtung der Geschichte, aber mit bescheidenen Mitteln, unter Anwendung einfachster Materialien. Staub, Teppich, Salatschüssel, Sanduhr, Glasfläschchen, Tanzschritte, Kappen usw., lassen eine
greifbare Welt anklingen, aber sobald man versucht danach zu greifen, ist sie kurz davor zu verschwinden. Die Kamera ist immer nah dran und macht so die Dichte der Einzelelemente spürbar, als wenn sie
so labil sind wie der elektrische Strom oder der Stoff aus dem die Träume sind. Dieses Sonnenexperiment, das niemals blendet, nimmt uns eher mit zu einer Huldigung der Stille der Abgeschiedenheit als
zu einer Eroberung (the famous Victory over the Sun). Jean-Pierre Rehm
›Somewhere near the Black Sea, in a post-Soviet mining town. A very young woman prepares to undergo an
electro-telepathic solar experiment via an ‘excitator’, in a do-it-yourself version of Cold War parapsychic experiments. The sun’s radiation is transformed into electrical energy stimulating the layers of her consciousness
and causing an explosion of memories multiplying it into diverse characters, activities and timeframes.
Collective visions nested one inside the other.‹
As in their previous films, their words set the tone, the ambition is elevated. The aim is a meditation on History, but with small-scale means, dedicated to the most modest materiality. Dust, rug, salad bowl, hourglass,
glass vial, dance steps, caps, etc., chime out a tangible world, but one grasped as if on the verge of disappearing. The camera stays close to what it shoots, making felt the thickness of elements as if they were as labile as the electric current or the stuff of dreams, for example. This sun experiment, which is never blinding,
leads us to a celebration of the languor of abandonment rather than of conquest (the famous Victory over
the Sun). Jean-Pierre Rehm
Elise Florenty, *1978 Bordeaux, lives in Berlin and Paris. She studied Theory
and History of Cinema at the École Nationale Supérieure D’Arts De Paris Cergy,
Fine Art in Lyon and Animation in Paris. Her works discuss the incoherence of
those translations, which are ultimately the markers of our everyday life.
Marcel Türkowsky, *1978 in former East Berlin, artist, stage performer, composer, and writer combining the worlds of the eye and the ear. After studying
Philosophy/Musicology at Humboldt Universität, he received an MA from the Academy of the Arts (UDK) (Sound Studies), Berlin, Germany, 2008. In 2008, he
started introducing a poetic anthropologic/philosophical semi fiction by way of
installations, films, environments, music and sound/recording projects.
F/UA/D 2013, Video, 43:20, World Premiere
Director, script, camera, music Elise Florenty, Marcel Türkowsky
Distribution Marcel Türkowsky
67
FILMPROGRAMME
THE ORDER OF THINGS
Birds
Avant la nuit / Before night falls
Da steht er, der Geier. Majestätisch breitet er seine
Schwingen aus. Er bleibt stehen und blickt durchs
Freigelände. Auch die anderen Vögel beobachten
ihr Territorium. Quo vadis, bird? Ein Blick auf das
Leben der Vögel in urbanen Lebensräumen. Sie
applizieren ihre instinktiven Verhaltensweisen auf
die bebaute Umwelt. Welche Rolle spielt dabei der
Mensch? Tüten und Schirme werden zu Gebüsch,
Gebäude zu Monolithen und Personen zu Organismen. Die Vögel müssen sich mit einer Welt arrangieren, für die sie nicht verantwortlich sind.
Eine kurze Betrachtung über Gefängnis und Sonnenuntergang im Zentrum der europäischen
Hauptstadt, zu der Tageszeit, an der Dinge möglich zu sein scheinen. Bevor die Nacht hereinbricht
[Before night falls] werden Gefängnisinsassen
durch ihre Identifikationsnummer aufgerufen und
ihre Stimmen vermischen sich in einer neuen Dimension, die Raum für ein imaginäres neues Leben schafft. Sound, als einzig wahrnehmbarer Zeuge dieser Lebensgeschichten, überschreitet eine
physikalische Grenze zwischen dem Inneren und
dem Äußeren.
Ulu Braun
There it stands, the vulture. Majestically spreading its
wings. Holding its position, it scours the open area.
The other birds scrutinise their territory as well. Quo
vadis, bird? Ulu Braun’s latest film looks at the life of
birds in urban habitats. They apply their instinctive
behaviour to the developed environment. What role
do humans play therein? Bags and umbrellas become
bushes, buildings become monoliths and people
become organisms. The birds are forced to come to
terms with a world that they are not responsible for.
Ulu Braun, *1976 in Schongau, Germany,
studied Painting and Experimental Film
in Vienna and Helsinki followed by Animation at the ›Konrad Wolf‹ University of Film and Television in PotsdamBabelsberg. His video collages and
films are poised on the boundaries between contemporary art and narrative
film, and have been exhibited in museums and galleries and screened at various film festivals.
D 2014, Video, 15:00
Director, script, camera Ulu Braun
Sound Design Felix Andriessens
Distribution Ulu Braun
68
Chiara Caterina
A short reflection about prison and sunset in the
centre of the European capital city, in that time of
day during which things may seem possible. Before
night falls prisoners are called by identification numbers and their voices combine in a new dimension
giving space for an imaginary new life. Sound, as the
only perceptible witness of these lives, crosses a physical border between the inside and the outside.
Chiara Caterina. After a degree in
Film Studies at Rome University,
Chiara Caterina obtained a diploma in
cinematography at NUCT (Nuova Università del Cinema e della televisione).
Since then she has mainly been working
as a filmmaker and cinematographer for
short films and documentaries.
B 2013, Video, 2:48
editing Chiara Caterina
Distribution Chiara Caterina
Von der Ordnung der Gesellschaft /
Of The Order Of Society
Alexander Lorenz
Gefängnisse sind Orte menschlichen Zusammenlebens unter Extrembedingungen. Die Regeln, die
hier gelten lassen sich als Abstraktion der allgemeinen Verhaltensregeln der Gesellschaft verstehen. Dieses gefilmte Gefängnis verfällt – gilt das
auch für die Gesellschaft, die es einst baute und
betrieb? Und was haben Regeln überhaupt damit
zu tun?
Prisons are places of human social life in extreme
conditions. The rules that apply there can be understood as an abstraction of the general rules of conduct that seem necessary for the order of society.
The prison that is filmed here is decaying – does this
also apply for the society that once built and operated it? And what do rules have to do with all that?
Alexander Lorenz, Visual artist and
filmmaker, studied Photography and
Film Studies in Germany, Great Britain
and Spain. Exhibitions and screenings
of his work since 2005. Professional
in film and video since 2007. Cofounder and co-curator for Ausstellungsraum Volker Bradtke in Düsseldorf, Germany.
D 2013, Video, 12:30
Director, script, editing Alexander Lorenz
Camera Alexander Lorenz, Jörg Sven Pispisa
Distribution Alexander Lorenz
Sieben Mal am Tag beklagen wir
unser Los und nachts stehen wir
auf, um nicht zu träumen
Susann Maria Hempel
Als würde ein Bild gewordenes Andachtsbuch auf
der Basis von Interviews gestaltet, erzählt der Film
die Passionsgeschichte eines thüringischen EURentners, der 1989 sein Gedächtnis verlor und sich
seither in eine Reihe unglückseliger Ereignisse verstrickt hat.
›seven times a day we mourn our fortune & at night
we get up to avoid our dreams‹
A cinematic devotion book, based on interviews with
an incapacitated person from the East German province who lost his memory in 1989 and has since become entangled in a series of ill-fated events.
Susann Maria Hempel, *1983 in Greiz,
studied Media Design/Media Art at the
Bauhaus University Weimar, 2011 20th
Video Art Award Bremen, 2012 shortfilm
grant ›cast&cut‹, Hannover, 2012 authors and producers award Bremen.
D 2013, Video, 18:00
Director, script, editing,
music Susann Maria Hempel
Camera Berta Valin Escofet
Animation Susann Maria Hempel,
Philipp Herlt
Music Susann Maria Hempel
Cast Henning Kunze
Distribution Susann Maria Hempel
69
FILMPROGRAMME
THE ORDER OF THINGS
The Plastic Garden
Above them the world beyond
Indem ›The Plastic Garden‹ Bilder und Erinnerungen aus dem Atomzeitalter hevorruft, ruft der Film
die Geister einer vorgessenen Zukunft herbei, das
düstere Verhängnis eines totalen Atomkriegs, der
die Welt vor einem halben Jahrundert als Geiseln
hielt. Sich des Videospiels ›Call of Duty: Black Ops‹
bedienend, griff der Film die dunkle Vision und
Symbolik eines nuklearen Dramas wieder auf, das
eine vergessene Zukunft analysiert, die sich anfühlt
wie ein endloser Albtraum, oder wie ein kollektiver
Todeswunsch, der die moderne sozio-politische
Realität definiert.
Inspiriert von William Burroughs Cut-ups, Franz
Kafkas ›Die Verwandlung‹ und der wahren Geschichte der Elisabeth Fritzl, die 24 Jahre lang im
Keller des Hauses ihres Vaters, Josef Fritzl, gefangen gehalten wurde.
Isolation als Prozess oder Tatsache des Isolierens
oder des isoliert seins, einschließlich des sozialen
Mangels an Kontakt zwischen Personen, Gruppen
und ganzen Gesellschaften ... (Psychologie). Das
Scheitern eines Individuums, Kontakt zu anderen
zu halten oder wirkliche Kommunikation zu leben,
in der Interaktion mit anderen Spezies bestehen
bleibt... WARNUNG: Dieser Film ist nichts für
Klaustrophobiker.
Ip Yuk-Yiu
Evoking imagery and memories of the atomic age,
›The Plastic Garden‹ summons the ghost of a forgotten future, the grim fatality of a total nuclear war
that held the world hostage half a century ago. By
hacking and appropriating the video game ›Call of
Duty: Black Ops‹, the film revisited the dark vision
and symbolism of the nuclear drama, unravelling a
forgotten future that felt like an endless nightmare,
or else a collective death wish that comes to define
modern socio-political reality.
Ip Yuk-Yiu is an experimental filmmaker, media artist, art educator and independent curator. His works, ranging
from experimental films to live video
performances and media installations,
have been showcased extensively at international festivals. He is currently
Associate Professor at the School of
Creative Media, City University of
Hong Kong where his recent works explore real-time and computational
forms of cinema.
HK 2013, Video, 12:00, European Premiere
Director, editing Ip Yuk-Yiu
Distribution IP Yuk-Yiu
70
Andrew Kötting
Inspired by William Burrough’s cut-ups, Franz Kafka’s
Metamorphosis and the true story of Elisabeth Fritzl
who was held captive for 24 years in the basement
of her father, Josef Fritzl’s house.
Isolation as the process or fact of isolating or being
isolated, including the social lack of contact between
persons, groups, or whole societies... (Psychology).
The failure of an individual to maintain contact with
others or genuine communication where interaction
with other species persists... WARNING not recommended for claustrophobics.
Andrew Kötting, * in Elmstead Woods,
and went on to become a lumberjack in
the forests of Scandinavia. He trained
at the Slade in London specialising in
Performance with Film. He has made 4
feature films; the most recent,
Swandown, was made in collaboration
with the writer Iain Sinclair. He now
lives by the sea in St Leonards.
GB 2013, Video, 13:13, World Premiere
Director, script, editing,
music Andrew Kötting
Camera Nick Gordon Smith
Distribution Andrew Kötting
FILMPROGRAMME
TONIGHT AND THE PEOPLE
Tonight and the People
Neïl Beloufa
Los Angeles als fiktiver Ort, ein Haufen Cowboys, eine Gruppe von Aktivisten, drei Hippies, vier Teenager und ein paar Gangster warten auf ein großes Ereignis, das heute Nacht stattfinden soll. Während sie
warten sprechen sie über ihre Werte, ihre Träume, ihre Wunschliebhaber und darüber, wie Politik ihr Leben beeinflusst. Schlichte Sitcom-ähnliche Beleuchtung, bewusst künstliche Schauplätze, aufgezeichnete
flache Stimmen, die bearbeitete Dialoge aus früheren Interviews von sich geben, stereotype Besetzung
und mechanisches Schauspiel, nichts weicht von der starren Linie ab, das Leben hat diesen Ort verlassen, überlässt leere Körperhüllen ihrem Schicksal als willenlose Marionetten. Der Realismus wird zur Fantasie. Denn die Apokalypse, auf die die Figuren warten, fand bereits statt und wir befinden uns in der
Hölle.
In an imaginary Los Angeles, a bunch of cow-boys, a group of activists, three hippies, four teenagers and a
few gangsters are waiting for a major event that is supposed to happen tonight. In the meantime, they talk
about their values, dreams, ideal lovers, and about how politics affect their lives. With sitcom-like flat lights,
deliberately artificial settings, recorded depthless voices uttering edited dialogues from previous interviews,
stereotyped cast and mechanical acting, nothing strays out of line, life has deserted the place, leaving physical shells to their fate as puppets. Realism turns into fancy. Because the apocalypse all the characters are waiting for has already happened, and we are actually in Hell.
Neïl Beloufa, *1985, studied at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts
and in Le Fresnoy. His films were awarded in film festivals such as Clermont
Ferrand, IndieLisboa and Oberhausen. His work was shown in many solo exhibitions in Frankfurt, Los Angeles, Paris and New York, and selected for numerous
group exhibitions and projects since 2007. In 2012, he was awarded the Audi
Talent Awards for this feature-film project.In 2013, he was awarded the prix
Meurice.
F 2013, Video, 81:00
Director, script Neïl Beloufa
Camera Guillaume Le Grontec
Editing Ermanno Corrado
Music, sound design Arno Ledoux
Cast Tony Audin, Joseph Bastian, Willis Cooks,
Alexandra Godinez, Trip Langley, Alex Rotaru
Distribution Petit Film
71
FILMPROGRAMME
VANISHING POINTS
Acrobat
Hacked Circuit
Die Verletzlichkeit entfremdeter Individuen, die
sich verzweifelt wünschen, beachtet zu werden
und sich nach einer ehrlichen menschlichen Beziehung sehnen, wird in merkwürdig anmutenden
Szenen gezeigt, die sich an der Grenze zwischen
Intimität und voyeuristischen Fantasien bewegen.
Die Bindungen und die Folgen unseres Strebens
nach sofortiger Kommunikation und Trivialkultur
werden in einem Bild mit sechs Personen, die in
keiner Beziehung zueinander stehen, eingerahmt,
das zeigt, wie ihre täglichen Obsessionen, Wünsche und Identitäten ein Gefühl des allmählichen
Kontrollverlustes einfängt.
In diesen Zeiten der Enthüllungen durch Edward
Snowden, wird Gene Hackmans Darstellung des
Überwachungsexperten Harry Caul, ein Film, bei
dem Coppola Regie führte (siehe Seite 91), in die
entsprechende Resonanz mit der schwarzen Kunst
des Geräuschemachers Gregg Barbanell gebracht.
Vielschichtige Lügenkonstrukte und Täuschungen
werden offen gelegt durch diese flüssig choreografierte, in einer Einstellung gedrehten Darstellung absoluter Kontrolle. Wir werden unmissverständlich daran erinnert, dass Professionalität immer noch Unsichtbarkeit bedeutet, aber es reicht
nicht aus, unsere Räume auseinander zu nehmen,
um die Wanze zu finden.
Eduardo Menz
The vulnerability of alienated individuals who desperately desire to be noticed and crave for genuine human connection is exposed in rather strange scenes
on the edge between intimacy and voyeurish fantasies. The fixations and the consequences of our pursuit of instant communication and popular culture
are framed in a panorama of six unrelated characters
as their daily obsessions, desires and identities capture a sense of things slowly slipping out of control.
Eduardo Menz, *1977 in Canada, graduated in Film Production from Concordia
University. He is a member of the Double Negative Collective that showcases
international experimental filmmakers’
works and exhibits their own films
worldwide. He has directed several
short films including Mechanism/Organism (2006) and Time for Airports
(2009). Acrobat is his first ficition
short film.
CDN 2012, Video, 29:00
Director, script Eduardo Menz
Camera Philippe Roy
Distribution Videographe
72
Deborah Stratman
In these post-Snowden revelation times, Gene Hackman’s Coppola directed embodiment of surveillance
expert Harry Caul is brought into pertinent resonance with the black arts of Foley artist Gregg Barbanell.
Multiple layers of fabrication and imposition are laid
bare by this fluidly choreographed, single-shot embodiment of control. We’re unambiguously reminded that professionalism still means invisibility, but
we’ll need to tear more than our rooms apart to find
that bug. (IFFR 2014)
Deborah Stratman, *1967, USA, is based
in Chicago. She is a filmmaker and
visual artist, and teaches at the
University of Illinois, Chicago. Her
films blur the lines between experimental and documentary genres and emphasise issues about the relationship
between humans and the environment.
Stratman's work has been screened and
awarded regularly, worldwide.
USA 2014, Video, 15:10
Director, script, editing Deborah Stratman
Camera Norbert Shieh
Music David Shire
Cast Gregg Barbanell, Darrin Mann
Distribution Deborah Stratman
The Inner and Outer Vanishing Point
Cameron Gibson
Eine unbenannte Paranoia schwebt durch die amerikansche Landschaft wie ein giftiges Gas. Sich zwischen Dokumentation und Fiktion, Erinnerung und Realität bewegend, versucht der Film, diese unerklärliche Bedrohung am Horizont zu verfolgen und darzustellen.
An unnamed paranoia is flowing through the American countryside like
a noxious gas. Drifting between documentary and fiction, memory and
reality, the film attempts to trace and embody this inexplicable threat
on the horizon.
Cameron Gibson, *1987, is a Chicago based film and
video artist interested in the indefinite relationships between fiction, non-fiction and appropriation. His work often delves into personal histories
and the uncanny, both realising and critiquing a
fundamental voyeurism at the heart of filmmaking
(and film-watching!). He has presented work at the
International Film Festival Rotterdam, Chicago Underground Film Festival, MassArt Film Society, Echo
Park Film Center, The Nightingale Cinema, The Mission Projects, Gallery 400 and the Museum of Contemporary Photography among others.
USA 2013, Video, 20:00
European Premiere
Director, camera, editing Cameron Gibson
Distribution Cameron Gibson
73
FILMPROGRAMME
VELKA NOC
Velka noc / The Great Night
Petr Hátle
Eine dokumentarische Studie des heutigen Phänomens des Nachtlebens und der Schlaflosigkeit. Unter
Anwendung authentischer Porträts von Menschen, die in der dunklen ›Halbwelt‹ von Prag rund um die
Uhr geöffnete Bars, Spielhallen und Nachtclubs bevölkern, zeigen wir die Welt und die Gemeinschaft
von Menschen der ›ewigen Nacht‹.
Wie schon in seinem Kurzfilm ›Advent‹ (EMAF 2011) zeichnet Petr Hátle authentische Porträts von Nachtgestalten, die die dunkle Halbwelt der Prager Nachtbars, Diskotheken und den Straßenstrich bevölkern,
und begleitet sie auf der Suche nach einem anderen, besseren Leben.
Angesiedelt zwischen Dokumentation und Spielfilm kommt er seinen Protagonisten sehr nah, und arbeitet mit ihnen wie mit Schauspielern, dabei lässt ihnen Raum zur Selbstinszenierung. Szenisch erkundet er
ihren privaten Lebensraum und ihre ungewöhnliche Gemeinschaft, und spürt mit seiner direkten Kamera
dem Rhythmus des nächtlichen Umherstreifens und Schlafwandelns nach, dessen ständiges psychisch
und physisches Auf- und Ab allein durch regelmäßiges Aufputschen mit Amphetamin und Abtauchen in
Billigalkohol ertragbar scheint.
A documentary study of the modern-day phenomenon of night life and sleeplessness. Using authentic portraits of characters living in the dark ›half-world‹ of Prague non-stop bars, gambler houses and night clubs,
we map the living space and community of people of the ›eternal night‹.
As in his short film ›Advent‹ (EMAF 2011), Petr Hátle creates authentic portraits of night owls who descend
upon the dark seedy depths of Prague’s night bars, clubs and red light district, accompanying them in their
search of another, better life.
Ensconced between documentation and feature film, he gets very close to his protagonists, and works with
them as if he were working with actors and actresses, leaving them scope for self-enactment. Scenically, he
explores their private habitat and unusual community, tracing with his direct camera the rhythm of nocturnal
straggling and somnambulism, the constant psychological and physical ups and downs of which only appear
to be endurable with regular amphetamine highs and immersion in cheap alcohol.
Petr Hátle,*1983, studied at the Documentary Department of FAMU in Prague, one
of the best European film schools. During his studies he directed many short
movies about various topics, usually related to human rights and social issues
screened both at Czech and European festivals. He is currently working on a
part of a film based on Mariusz Szczygiel’s novel Gottland.
CZ 2013, Video, 72:07
Director, script Petr Hátle
Camera Prokop Soucek
Editing Simon Hajek
Distribution Nutprodukce
74
FILMPROGRAMME
WETUBE - CLIPS AROUND THE WORLD
Pick Up Motorz
The Lytics - We Said
Defender
›Pick Up Motorz‹ ist ein Video,
das als Antwort auf die Transportsituation in Jakarta gemacht
wurde. Pick Up Motorz zeigt, wie
die Menschen in Jakarta ihre
Motorräder überstrapazieren.
Pick Up Motors ist eine Art Satire
auf Fersehwerbung, die für die
Vorteile der Überstrapazierung
von Motorrädern beim Tranport
wirbt.
Im Hip-hop wie im Leben gibt es
wenig Dinge, die wichtiger sind
als Familie, und niemand verkörpert die Bruderschaft besser als
The Lytics, die 5-Mann Truppe
aus Winnipeg.
›Defender‹ ist das Musik- und
Filmdebut des Duos Gams. Diese Arbeit demonstriert die
Macht der Kunst als Schutzschild
– ein Verteidigungsapparat gegen gebrochene Herzen. Die
Idee der Anonymität spielt in
diesem Film eine große Rolle:
Verberge dich und du wirst niemals verletzt werden. Durch das
Wiederkehren von Elementen
wird die Identität der Hauptfigur
gegenüber dem Zuschauer geschützt.
The Youngrrr
›Pick Up Motorz‹ is a video made
as a response to the situation of
transportation in Jakarta. Pick Up
Motorz shows how people in Jakarta use their motorcycles exploitatively. Pick Up Motors is like a satire of a television commercial
promoting the benefit of exploited motorcycle uses.
The Youngrrr is a videomaker collaboration
project of Yovista Ahtajida (1992) and Dyantini
Adeline (1991). Both are
students majoring in
Communication at the
University of Indonesia.
›Pick Up Motorz‹ was officially selected at the
6th International Video
Festival Jakarta.
IDN 2013, Video, 1:08
European Premiere
Director, script
the Youngrrr
Camera Adeline Dyantini
Editing Yovista Ahtajida
Distribution the Youngrrr
Rhayne Vermette
In hip-hop, as in life, there are few
things more important than family, and no one embodies the
bonds of brotherhood better
than The Lytics, the five-man Winnipeg crew.
Rhayne Vermette is an
artist and filmmaker
from Winnipeg, Manitoba.
CDN 2013, Video, 2:53
World Premiere
Rhayne Vermette
Music The Lytics ›We Said‹
Distribution
Rhayne Vermette
Megan Mock / Adrian Avila
›Defender‹ is the music and film
debut of the duo, Gams. This piece demonstrates the power of art
as a shield – a defence apparatus
against heartbreak. The idea of
anonymity plays a great role in
the film: Hide who you are, and
you'll never get hurt. Through
reoccurring elements, the main
character’s identity is protected
from the viewer.
›Gams‹ is an American
electronic blues duo,
consisting of Megan Mock
(vocals and song writing) and Adrian Avila
(production and sound).
USA 2013, Video, 2:21
Director M. Mock, A. Avila
Script, music GAMS
Camera Megan Mock
Editing, animation A. Avila
Cast Megan Mock
Distribution Megan Mock
75
FILMPROGRAMME
Homme
Mario Ashkar
Clip für die Band Massage
Parlour, die von Moon Baby
(Griff Buell) und Zach Selekman
2012 als Crust-Pop-Band in Pittsburgh, Pennsylvania, gegründet
wurde. Die Mitglieder haben
mittlerweile ihre Band um Light
the Knight erweitert.
Clip for the band Massage
Parlour which was formed by the
moon baby, Griff Buell, and Zach
Selekman in 2012 as a crust pop
band in Pittsburgh, Pennsylvania.
The bands members have since
expanded to include Light the
Knight.
Mario Ashkar is a Queer
Rustbelt Photographer/
Filmographer collaborating with artists and
creatives from all over
the world. My focus is
on a poetic depiction of
a moment. I like to play
on colour, time, comfort
and proximity.
USA 2013, Video, 2:18
European Premiere
Director Mario Ashkar
Music Massage Parlour
Distribution
Mario Ashkar Film
76
The Awakening
Xavier Ameller /
Ghislain De Vaulx
In der Rolle des Voodoo DJs
zieht Musiker Freddy'Jay hinter
seinen Turn-Tables sämtliche Register und verzaubert seine Tänzerinnen in eine Trance unter
dem wohlwollenden Schutz undurchdringbarer Schönheit.
In the role of the voodoo dj, the
musician Freddy'Jay officiates behind his turn tables and bewitches his dancers up to trance under the benevolent protection of
an impenetrable beauty.
Xavier Ameller, *1969,
filmmaker, actor, lives
in Paris. Graduated from
the School of Fine Arts
(Paris) and School of
cinema (ESRA, Paris). He
realises clips and
videos of art for Mimetic (Ant-Zen), Mlada
Fronta, and movies for
live performances.
Ghislain De Vaulx, filmmaker, works in Paris
for cinema, television
and other projects.
F 2013, Video, 4:40
Director, editing
Xavier Ameller,
Ghislain De Vaulx
Script, camera X. Ameller
Music Freddy'Jay
Choreography Freddy'Jay,
Vanessa Ntaka
Dancers Madje et Zelda
Distribution Heure Exquise
Rinkaku
Keita Kurosaka
Musikclip für DIR EN GREY ›Rinkaku‹
Music clip for DIR EN GREY ›Rinkaku‹
Keita Kurosaka, *1956,
is active as an animator
and as Professor in the
Department of Imaging
Arts and Sciences at
Tokyo’s Musashino Art
University. Across his
career, Kurosaka has explored various methods
of animation including
drawing, photography and
sculpture, and has also
produced video clips,
installation pieces and
comics. Kurosaka’s films
have screened widely at
international festivals
including Rotterdam,
Berlin, Annecy and Hiroshima.
J 2012, Video, 6:47
Director, script, animation
Keita Kurosaka
Camera, editing Azusa Kaijo
Music DIR EN GREY
runtime error
Bookville
Videospiele sind aufstrebende Systeme mit ihren
ganz eigenen internen Zusammenhängen. Diese
Animation vermischt und zerlegt Spielelandschaften und nimmt zahlreiche verschiedene Formen
an, von Bewegungen um die eigene Achse bis hin
zu einzelnen Bildern. Die Plastizität der blockartigen 2D-Raster wird durch das reduzierte Farbspektrum noch betont, um der formalen Darstellung der frühen Videospiele gegenüber den fotorealistischen, logisch einheitlichen 3D-Spielelandschaften der letzten Jahre zu entsprechen.
Ein lyrisches Musikvideo und ein poetisches Porträt vom Stadtleben, von Büchern und vom Reisen.
Sandra Araújo
Video games are emergent systems with their own
particular internal relationships. This animation mashes up and deconstructs game spaces taking on a
multitude of forms, from scrolling on one axis to several separate screens. The blocky 2D grids’ plasticity
is emphasised through a reduced colour palette in
order to favour formal representation of early video
games against the photorealistic, logically consistent
3D game spaces of recent years.
Sandra Araújo is a visual artist who
spent endless hours shooting at monsters and strolling through mazes. So,
it only felt natural for her to evolve
through an experimental and explorative process of the visual culture
of video games and popular gif files
in her animations. She still plays old
school computer games.
P 2013, Video, 4:12
Director, editing, animation Sandra Araújo
Music Cheaphot
Distribution s-ara
Marjatta Oja / Dave Berg
A lyrical music video and a poetic portrait of city life,
books and travelling.
Marjatta Oja. The conflicting situations that are the starting point of
my work are communicated using different media, mainly photographs, videos
and objects. I use these elements so
as to create discrete levels or planes
behind or in front of the pictorial
surface. The aim is to infuse the image with depth, liveliness and threedimensionality so as to make it seem
more real both to me and its eventual
viewers; another aim is that it would
enable me to share the original conflicting situations with the viewer.
My term for the final works installed
in a gallery or some other venue is
›situation sculpture‹.
Dave Berg, visual artist and filmmaker.
FIN 2013, Video, 3:58
Director Marjatta Oja, Dave Berg
Script Riika Steven, Asko Keränen,
Marjatta Oja
Editing Dave Berg
Music, sound: Marjatta Oja, Asko Keränen
Cast Asko Keränen, Marjatta Oja,
Heli Meklin
77
FILMPROGRAMME
We Lost A Friend
To Religion
The Revolution Will
Not Be Televised
Zweites Video in einer 3 teiligen
Serie für die dänische Band 180
Virvar von dem Album ›coice is
[insert Words]‹
Seit 2011 sehen wir Bilder von
sogenannten Revolutionen - der
Westen nennt es den ›Arabischen Frühling‹. Während unsere Komplizen vom Thron gejagt
werden, setzen wir eine Miene
von Verständnis auf und verkünden: Wird ja auch langsam Zeit
für Demokratie! Die Bilder
ähneln denen der Werbung, sie
reizen unsere Sinne. Dabei hätten wir genug Gründe, uns vom
Monitor zu lösen oder YouTube
zu verlassen und Dinge vor unserer eigenen (virtuellen) Haustür in Angriff zu nehmen.
Valentin Farkasch
Second video in a 3-part series
for the Danish group 180 Virvar
from the album ›coice is [insert
Words]‹
Valentin Farkasch is an
Austrian cameraman and
director with international professional experience. He has been
working with cameras in
all kinds of media since
he was 12, and now specialises in creating individual concepts and
videos for indie bands
and artists.
A 2013, Video, 3:13
Director, camera, editing
Valentin Farkasch
Script, music 180° Virvar
Distribution
Valentin Farkasch
Jan Rehwinkel
Since 2011 we see images of socalled revolutions - called ›Arab
Spring‹ by the West. While our accomplices are being kicked from
the throne, we have nothing better to do than to put on an understanding face and to proclaim: It
was about time for democracy!
The images are similar to those
coming from advertising, they stimulate our senses. We have
enough reasons to get away from
the monitor or to leave YouTube
behind and to tackle things in
front of our own (virtual) door.
Jan Rehwinkel studied Visual Communication. Lives
and works as a director
and editor in Berlin.
D 2013, Video, 2:45
Realisation Jan Rehwinkel
Distribution Jan Rehwinkel
78
Abwesen
Gerald Zahn
Dieses performative Musikvideo
für die Band ›Bis eine heult‹
nutzt ein bekanntes Kinderspiel
um das Gefühl von Abwesenheit
zu visualisieren.
This performative music video for
the band ›Bis eine heult‹ uses a
well-known children’s game to visualise the feeling of absence.
Gerald Zahn, *1971 is a
media and video artist
currently based in Vienna/Austria. In many of
his films and video installations, Zahn slows
down the narrative by
using static photography
rather than traditional
film or by deciding
against the usual succession of fast cuts and
instead letting the story unfold in a tableau.
A 2013, Video, 3:04
editing Gerald Zahn
Music ›Bis eine heult‹
Cast Verena Dürr,
Ulla Rauter
Distribution Gerald Zahn
Fear & Delight
Goodbye
HEX
Ein Musikvideo für ›Fear & Delight‹ von The Correspondents,
unter Verwendung einer ›composited‹ Kamera (mehrere
Kameras fungieren als eine Kamera), um einen Raum zu beschreiben, in dem synchronisierte Multiples in einer rotationssymmetrischen, kaleidoskopischen Dimension existieren.
Ausgangsmaterial sind Filmszenen, in denen sich menschliche
Berührungen voneinander lösen.
Durch die Technik des Splitscreens werden Körper, Bewegung
und Zeitlichkeiten ineinander
verwoben. Der Raum zwischen
den Bildern und ausserhalb der
Kino-Leinwand wird zum eigentlichen Gegenstand des Films.
Ein Musikvideo für die Kölner
Band Xul Zolar.
A music video for ›Fear & Delight‹
by The Correspondents, using a
composited camera (multiple cameras acting as one) to describe
a space in which synchronised
multiples exist in a rotationally
symmetric, kaleidoscopic dimension.
Using split-screen technique and
alternating forward and reverse,
the music video made of found
footage creates a constantly flowing sequence of movement based on bodily touches and the resultant gestures. The most different states of emotion are elegantly related to one another in
barely three minutes. The concomitant soundtrack is also the artist’s work. (Jury Statement, Crossing Europe Festival Linz, 2013)
Naren Wilks
Naren Wilks, *1985 in
Yeovil, GB, is an artist
working with film,
video, photography and
interactive installation.
His obsession with symmetry and multiplication
led him to pioneer what
he terms a ›composited
camera‹ (multiple cameras acting as one), to
depict objects, places
and people from combined, rotationally symmetric, kaleidoscopic
viewpoints.
GB 2013, Video, 3:20
editing Naren Wilks
Distribution Naren Wilks
Karin Fisslthaler
Karin Fisslthaler, *1981
in Oberndorf, Austria.
Lives and works in Linz
and Vienna. Graduated in
Fine Arts, Experimental
Design from the University of Art and Design
Linz. Performs live as
›Cherry Sunkist‹.
Stefan & Benjamin Ramírez Pérez
A music video for Cologne-based
band Xul Zolar.
Benjamin Ramírez Pérez,
*1988 in Hutthurm, Germany. Lives and works in
Cologne. Has been studying at the Academy of
Media Arts Cologne since
2009.
Stefan Ramírez Pérez,
*1988 in Hutthurm, Germany. Lives and works in
Cologne. Has been studying at the Academy of
Media Arts Cologne since
2010.
D 2013, Video, 4:54
Stefan & Benjamin Ramírez
Pérez
Editing
Stefan Ramírez Pérez
Music Xul Zolar
(Tim Gorinski, Ronald
Röttel, Marin Geier)
Distribution
Kunsthochschule für
Medien Köln
A 2013, Video, 2:38
Realisation K. Fisslthaler
Music Cherry Sunkist
Distribution
Karin Fisslthaler
79
FILMPROGRAMME
Play this at my funeral
Blotto 649
Verschiedene Menschen in Helsinki und Berlin, die
zu Hause mit den Instrumenten posieren, die bei
ihrer Beerdigung gespielt werden sollen. Die Teilnehmer, zwischen 4 und 90 Jahren alt, meldeten
sich nach einem öffentlichen Aufruf in den sozialen
Medien. Das Video basiert auf dem Song ›Play this
at my funeral‹ von der schwedischen Band Blood
Music.
Eine fantastische Reise durch Farben unter Verwendung von 6490 Fotografien von Spin-Art Mikro-Bildern.
**WARNUNG** Flickerbilder!
Different people in Helsinki and Berlin are posing in
their homes with the instruments they wish to be
played at their funeral. The participants, aged between 4 and 90 years, were found through an open
call distributed within social media. The video is matched to the song ›Play this at my funeral‹ by Swedish
band Blood Music.
Mike Maryniuk, * in Winnipeg, but
raised in the rural back country of
Manitoba. A completely self-taught
film virtuoso, his film world is an
inventive hybrid of Jim Henson, Norman
McLaren and Stan Brakhage. Maryniuk’s
films are a visual stew of hand-made
ingredients and are full of home
cooked wonderfulness.
Tellervo Kalleinen / Niina Lehtonen-Braun
Tellervo Kalleinen, *1975, is a visual
artist based in Helsinki. Working with
video, performance, intervention and
events, she constructs slightly twisted situations in which interaction can
happen. Most of her works are participatory and are based on creative collaboration.
Niina Lehtonen-Braun graduated from
Fine Arts Academy, Helsinki, in 2000.
She moved to Germany in 2000, where
she lives with her artist husband Ulu
Braun. She has had several exhibitions
and creates her own aestethics true to
her vision. Her work includes paintings, video art, installations and
performance art.
FIN 2013, Video, 3:40
Tellervo Kalleinen, Niina Lehtonen-Braun
Editing Tellervo Kalleinen
80
Mike Maryniuk
A fantastic journey of colour using 6490 photographs of spin art micro paintings.
**WARNING** Strobing Images!
CDN 2013, Video, 2:34
European Premiere
Director, camera, editing Mike Maryniuk
Music Smokey Tiger
Distribution Winnipeg Film Group
guy not sure what he is doing
with his life playing accordion
MeTube:
August sings Carmen ›Habanera‹
Ein Typ, der nicht weiß, was er mit seinem Leben
anfangen soll, und der Akkordeon spielt und singt.
Zwischen Disco und Sadomaso-Darkroom inszeniert Regisseur Daniel Moshel einen minutiös choreografierten Trip ins Unterbewusste: Während die
›Habanera‹ in Schrams grandiosem Techno-Remix
dröhnt, überlappen und kollidieren Geschlechter
wie Realitäten, brechen sich unterdrückte Emotionen rauschhaft Bahn. (Sebastian Höglinger)
Sean Francis Conway
Guy not sure what he is doing with his life, playing
accordion and singing.
Sean Francis Conway, * at an early age
and is currently a San Diego-based
performer/sound artist. He earned his
B.A. in Jazz Composition from Berklee
College of Music (2007), was a Bang on
a Can Summer Music Fellow (2008), and
is the 2010 World Telekinesis Champion. Sean is the founder of the marching sound collective ›BOMBSHELL BOOM
BOOM (!)‹ and has performed with many
notable groups such as The Santa Clara
Vanguard, Gamelan Galak Tika, and The
Mobius Artists Group.
USA 2013, Video, 2:45
music, cast Sean Francis Conway
Distribution Sean Francis Conway
Daniel Moshel
In a combination of dance club and SM dungeon,
the director, Daniel Moshel, stages a minutely choreographed trip into the subconscious: while ›Habanera‹ booms in Schram’s magnificent techno remix,
genders and realities collide and overlap, and suppressed emotions noisily forge ahead.
Daniel Moshel, *1976 in Offenbach/M,
Germany. During his multi media studies he directed his first fictional
short film called komA, Metube is his
first (classical) music video, which
is a homage to thousands of ambitious
YouTube users and video bloggers.
Three months after the web release,
the video had been viewed more than
half a million times!
A 2013, Video, 4:00
Director, script Daniel Moshel
Camera Martin Bauer
Editing Christine Veith
Music Philip Preuss, George Bizet
Gesang Schram
Sound design, arrangement Bernhard Drax
81
FILMPROGRAMME
WE, THE ENEMY
Point of Influx
Aviary
Ein 10-minütiges HD-Video, das an eine Zeit wissenschaftlicher Forschung erinnert, einer Zeit, in
der unsere Wahrnehmung von Nähe und Zeit sich
für immer ändern sollte. In der kleinen Bucht von
Porthcurno in Cornwall befand sich einst einer der
weltweit bedeutensten Knotenpunkte der telegraphischen Kommunikation des 19. Jahrhunderts. Es
war zum ersten Mal möglich, eine Nachricht in wenigen Minuten über den Atlantik zu senden, was
sonst mit dem Schiff vier Wochen dauerte. Das Viktoriansiche Internet war geboren.
›Aviary‹ ist ein Collage-Film, der sich mit der wissenschaftlichen und militärischen Nutzung von
Tauben beschäftigt. Dreckig und klug, geheim und
allgegenwärtig, Passagier und Überbringer, graue
Tauben (oder weiße Tauben) sind eine Metapher
für die Kommunikation als Waffe und Kriegsopfer.
Ian Rudgewick-Brown
A 10min HD video that recalls a specific time of
scientific exploration, a period when our perception
of proximity and time changed forever. In the small
Cornish cove of Porthcurno was one of the most important nineteenth century telegraphic communication hubs in the world. It allowed for the first time to
send a message across the Atlantic in few minutes
compared to the four weeks it took by ship. This
gave birth to what is now referred to as the Victorian
Internet.
Ian Rudgewick-Brown is a UK lens based
visual artist based in Windsor, near
London.Ian’s artistic practice is concerned with perception, belief systems
and science, often using historical
research as a point of departure. His
current investigations have been looking at the impact Victorian communication technology had on our perception
of proximity and relativity.
GB 2013, Video, 10:00
Ian Rudgewick-Brown
Distribution Ian Rudgewick-Brown
82
Katherin McInnis
›Aviary‹ is a collage film that investigates the scientific and military uses of pigeons. Filthy and smart,
secret and ubiquitous, passenger and carrier, pigeons (or doves) are a metaphor for communication as
weapon and war casualty.
Katherin McInnis’ projects in video
and new media have been shown in film
festivals (including the New York Film
Festival, San Francisco International
Fim Festival, Ann Arbor Film Festival)
as well as in museums and galleries
(the Pompidou Center, San Francisco
Museum of Modern Art, Neue Gesellschaft für bildende Kunst).
USA 2013, Video, 5:15
European Premiere
Director, editing Katherin McInnis
Music Matthew Leonard
Distribution Katherin McInnis
Kingdom Come: Rituals
Vika Kirchenbauer / Martin Sulzer
Ein Projektion aus gefundenen Luftbildern, von
Tauben gemacht, an denen man ultraleichte Digitalkameras befestigt hatte. Bei starkem Wind und
nervösem Flügelschlagen, bekommt der Zuschauer nur einen flüchtigen Eindruck der Geschehnisse,
aber man erkennt doch sofort, dass es sich um
eine politische Demonstration handelt.
A projection of aerial footage that has been shot by
pigeons equipped with lightweight digital cameras.
With heavy wind and the nervous flapping of wings,
the viewer gets only a fractured impression, though
immediately identifiable, of a political demonstration
Vika Kirchenbauer and Martin Sulzer,
both live and work in Berlin. ›Kingdom
Come‹ is their first artistic collaboration. Their individual work has been
exhibited intensively worldwide.
D 2014, Video, 6:41
World Premiere
Director, script, editing Vika
Kirchenbauer, Martin Sulzer
Camera Pigeons
Distribution Vika Kirchenbauer
Crystal Computing
(Google Inc., St. Ghislain)
Ivar Veermäe
Das Video basiert auf Untersuchungen zu Googles
Rechenzentrum in St. Ghislain, Belgien. Es ist Googles größtes Rechenzentrum in Europa und dessen weltweit zweitgrößtes mit 296.960 Servern.
Nachdem mir ein offizieller Besuch des Rechenzentrums verweigert worden war, unternahm ich
eine kurze Forschungsreise nach Belgien. Ich war
an den architektonischen und technischen Gegebenheiten dieses Gebäudes und dessen Umgebung interessiert, sowie auch an den Aktivitäten
der Menschen vor Ort.
The video is based on an investigation about Google’s data centre in St. Ghislain, Belgium. It is Google’s biggest data centre in Europe and second biggest in the world, housing 296,960 servers. After my
official application to visit the data centre was rejected, I made a secret research trip to Belgium. I was
interested in the architectural, technological and environmental properties of this building, as well as in
human activities close to the data centre.
Ivar Veermäe,*1982 in Estonia, currently lives and works in Tallinn and
Berlin. He received a BA in Photography from the Estonian Academy of Arts
in 2009 and is continuing his MA studies at the Space Strategies Department
of Weissensee Kunsthochschule Berlin.
Most of his work deals with the issues
of public space (in the city and in
virtual space), networks, new media
and group behaviour. He has also
worked on several public space installations and performative projects.
D 2013, Video, 9:47
editing Ivar Veermäe
Distribution Ivar Veermäe
83
FILMPROGRAMME
WE, THE ENEMY
GHL
Lotte Schreiber
Ein verlassenes Strandbad an der Donau außerhalb der Saison, ein
Mann in einem Geschäftsanzug geht dort umher, augenscheinlich telefonierend. Der Protagonist versucht unaufhörlich, jemand anders
mit seinem Handy zu erreichen, was ihm nicht gelingt — er verliert
sich selbst in den Zwischenräumen der verschiedenen Gebäude .
Bruchstücke von Sätzen sind zu hören, eine Reihe leerer Phrasen, die
sich als philosophische und geschäftliche Äußerungen zur globalen
Wirtschaftskrise herausstellen. Der Hintergrundkommentar, anscheinend ein Telefongespräch, entpuppt sich mehr und mehr als ein
Wirrwarr von Zitaten aus den Bereichen Philosophie und Wirtschaft.
Eine Aneinanderreihung leerer Phrasen deuten auf eine Betrachtung
der globalen ›Krise‹ hin. Jeder scheint zu wissen was falschläuft, aber
letztendlich ändert sich nichts.
A deserted lido on the Danube in the off season, a man in a business
suit who wanders around it, an apparent telephone conversation. The
protagonist incessantly attempts, and fails, to reach another unidentified individual on his mobile telephone - and loses himself in the space
between the various buildings. Fragments of quotes can be heard, a
series of empty phrases that turn out to be philosophical and economic commentary relating to the global economic crisis. The voiceover,
apparently a phone conversation, gradually proves to be a miscellaneous jumble of quotes from the fields of philosophy and economics. A
string of empty phrases imply reflection on the global ›crisis.‹ Everyone
seems to know what’s going wrong, but in the end nothing changes.
Lotte Schreiber, *1971 in Austria. Lives and works
in Vienna. Filmmaker and artist. Her work has been
shown at exhibitions and film festivals, e.g. Galerie März, Linz, 2011; Fundacja Art Transparent,
Warzow, PL, 2010.
A 2012, Video, 16:00
Director, script, editing Lotte Schreiber
Camera Johannes Hammel
Editing Lotte Schreiber
Music Stefan Németh
Cast Michael Krassnitzer
84
Hotzanak,
For Your Own Safety
Izibene Oñederra
Ich sagte ihm, dass ich Filmproduzentin sei... und nichts hat sich
geändert. Durch diese Gegenden irrt die Seele, manchmal
sicher, manchmal unsicher ob
ihrer Existenz, während der Körper ist und ist und weiterhin sein
wird und nirgendwo Zuflucht
findet.
I told him I was a filmmaker... and
nothing has changed. Amid these
landscapes traipses the soul, at times certain, at others uncertain of
its own existence, while the body
is and is and is and has no place
of its own.
Izibene Oñederra, *1979
in Azkoitia. Studied
Fine Arts, creates and
produces animated films
by hand, as well as collaborating in the projects of other producers.
She is a member of the
MAPA collective, which
organises symposia on
contemporary cinema at
Arteleku in San Sebastian. She currently
teaches Animation and is
preparing a thesis on
the figure of the antihero.
E 2013, Video, 5:11
Director, animation
Izibene Oñederra
Script Xabier Gantzarain
Editing Eduardo Elosegi
Music DJ Amsia
Distribution KIMUAK
The Right of Passage
Oliver Ressler / Zanny Begg
›The Right of Passage‹ besteht zum Teil aus einer Reihe von Interviews mit Theoretikern zum Thema Migration: Ariella Azoulay, Antonio Negri und Sandro Mezzadra. Diese Interviews bilden den Ausgangspunkt für eine Diskussion in Barcelona, eine der am dichtest besiedelten und multikulturellsten Städte
Europas, mit einer Gruppe von Menschen, die ›ohne Papiere‹ leben. Der Film spielt in der Nacht, vor der
Skyline der Stadt, und bietet somit eine düstere Kulisse, in der diese am Rande der Gesellschaft lebenden und von dieser ausgeschlossenen Menschen ihre ganz eigene Beziehung zur Willkürlichkeit nationaler Identität und Staatsangehörigkeit schildern können. Spanien wurde für dieses Projekt ausgewählt,
weil es kurz vor dem finanziellen Ruin steht und Grenzen des Zusammenhalts in Europa testet.
›The Right of Passage‹ is partially constructed through a series of interviews with theorists of migration: Ariella
Azoulay, Antonio Negri and Sandro Mezzadra. These interviews form the starting point for a discussion in
Barcelona, one of Europe’s most densely populated and multicultural cities, with a group of people living
›without papers‹. The film is set at night, against a city skyline, providing a dark void from which those marginalised and excluded can articulate their own relationship to the arbitrary nature of national identity and citizenship. Spain was chosen for this project as it is teetering on the brink of financial meltdown and is testing
the limits of European cohesion.
The title refers to the stages, or ›rites of passage‹, that mark important transitions on the path to selfhood.
The exchange of ›rites‹ with ›rights‹ suggests that freedom of movement must become a right granted to
every person – regardless of his or her place of birth. The film explores how these journeys not only transform
those who embark upon them but also the places they visit.
Oliver Ressler is an artist and filmmaker who produces installations, projects
in the public space, and films on issues such as economics, democracy, global
warming, forms of resistance and social alternatives. Over the years, he has
collaborated with the artists Ines Doujak (Vienna), Martin Krenn (Vienna), Gregory Sholette (New York), David Thorne (Los Angeles) and the political scientist Dario Azzellini (Caracas/Berlin).
Zanny Begg lives and works in Sydney, Australia. Her work revolves around an
investigation of the politics of space, both in the broader globalised context
and a more specific local one: she is interested in both the architecture of
space and the social relationships that construct it. Zanny works in a crossdisciplinary manner as an artist, writer and curator.
A 2013, Video, 19:00
Director, script, editing Oliver Ressler, Zanny Begg
Camera Oliver Ressler
Animation Zanny Begg
Music Kate Carr
Distribution Oliver Ressler
85
FILMPROGRAMME
WE. THE ENEMY TOO
Stop the Show
Global Civil War
Der Film, der von Amnesty International in Auftrag
gegeben wurde, bezieht sich auf internationale
Beziehungen und Waffenhandel. Die Kampagne
wurde zur Unterstützung eines Vertrags der Vereinten Nationen ins Leben gerufen, der den Waffenhandel zwischen Ländern regeln und weltweites Töten durch Schusswaffen vermindern soll.
Im Gegensatz zum Bürgerkrieg, der den Zusammenbruch eines Staatsapparates bedeutet, ist der
soziale Krieg ein vom Staat angezettelter Krieg von
geringer Intensität gegen die sozialen Beziehungen der eigenen Bevölkerung, um deren weiteren
Bestand aufrecht zu erhalten. Lebendig sein heißt
heute im Krieg zu sein, nie richtig gut zu schlafen,
zu den unmöglichsten Zeiten zu arbeiten und ständig von Überwachung und Polizei umgeben zu
sein. Eine weitere Aufzählung der verschiedenen
Symptome ist wohl nicht nötig.
Max Hattler
The film, commissioned by Amnesty International, is
a reference to international relations and arms trade.
The campaign was created in support of a United
Nations treaty to regulate the arms trade between
countries and reduce worldwide killings through firearms.
Max Hattler, *1976, in Ulm/Germany,
was educated in London at Goldsmiths
and the Royal College of Art. His
films, video installations and audiovisual performances challenge the tensions between abstraction and figuration, aesthetics and politics, sound
and image, precision and improvisation. 2012-2013 works include abstract
sci-fi films Shift, X, Model Starship
and Unclear Proof, the Stop the Show
campaign film for Amnesty International, and the Kaleidobooth app.
GB 2013, Video, 1:00
Director, script, camera Max Hattler
Editing Aurora Hidalgo, Raul Lopez
Animation Victor Bregante
Music Oeo, Max Hattler
Distribution Max Hattler
Tasos Sagris
In contrast to civil war, which signifies the breakdown
of the apparatus of the state, social war is the low-intensity war by the state against the social relationships of its own population in order to maintain its
continued existence. To be alive today is to be at
war, to never sleep properly, to awaken at odd hours
to work, to be constantly surrounded by surveillance
and police. A further recital of the various symptoms
is unnecessary.
Tasos Sagris, *1972 in Athens. In 1990
he founded the band Horror Vacui and,
along with a multitude of political
activists, artists, anthropologists,
he created the political, philosophical and artistic movement ›Void Network‹, which continues to exercise its
multiform activity. He has published a
poetic collection under the title ›For
human love in western metropolises‹
and has directed three theatrical performances.
GR 2012, Video, 6:29
Director, script Tasos Sagris
Camera Alkistis Kafetzi, Mark Gounelas
Editing Alkistis Kafetzi
Music George Kouvaras
Distribution VOID NETWORK
86
Sans le Sens d’un Effet Absolu /
No Sense of Absolute Effect
Un truc formidable /
Something tremendous
Paul Wiersbinski
Isabelle McEwen
Dieses umfassende Werk handelt von den Diskursen um Architektur, Entomologie und Kybernetik,
um eine Sprache zu finden, die es uns ermöglicht,
die Geschichte und die Zukunft des menschlichen
Bildes und Geistes tiefer zu erforschen, wenn sie
von Superorganismen als mögliches Szenario wiedergespiegelt werden, wie unsere Gesellschaft in
einer Zeit organisiert werden könnte, in der alle
konservativen Optionen gescheitert zu sein scheinen, während historische und politische Themen
innerhalb eines fiktiven Szenarios verbunden werden.
Man hört zwei Frauen reden. Eine von ihnen fragt
die andere, was sie davon hält, dass ihre Telefonate und ihre E-Mails möglicherweise überwacht
werden. Es folgt ein ruheloser Fluss von Gedanken, mit denen ihre Gesprächspartnerin das Problem der Überwachung auf den Grund geht. Sie
spricht über die Hilflosigkeit aller. ›An wen willst
Du Dich wenden?‹, sagt sie. Nichts kann uns vor
dem Blick der anderen mehr schützen. Was ist verloren gegangen?
This encyclopedic work deals with discourses of architecture, entomology and cybernetics in order to
find a language that enables us to explore further
into the history and future of the human image and
mind, when mirrored by super organisms as a possible scenario of how our society could be organised
at a time when all conservative options seem to have
failed, while connecting historical and political themes within a fictitious scenario.
Paul Wiersbinski, * in Halle/Saale,
lives and works nomadically. He studied with Mark Leckey and Douglas Gordon and has taken part in international exhibitions (e.g. ZKM Karlsruhe /
Ludwig Forum Aachen / Neues Museum Weserburg Bremen / Mediations Biennale
Poznan / Alma Enterprises London) and
festivals (e.g. Berlinale Berlin / European Media Art Festival, Osnabrück)
and received several awards, such as
the videoartprize of the filmboard
Bremen and a project grand of the Federal Cultural Foundation of Germany.
CDN 2013, Video, 20:06
European Premiere
editing Paul Wiersbinski
Distribution Paul Wiersbinski
We hear the voices of two women, one of which asks
the other one what she thinks about the fact that someone might be listening in on their conversation.
What follows is a fierce stream of thoughts that digs
to the heart of the problem of surveillance. We hear
the woman’s anguish. She speaks about the helplessness of us all. ›Who do you want to turn to?‹, she
asks, knowing well that we are a mere toy of the
gaze of others. What got lost? What could still be saved?
Isabelle McEwen * in Montréal, Canada.
After doing a B.A. in Communication
Arts she went to Hamburg to study
Opera Direction. She has directed contemporary operas, worked on experimental art projects and installations and
now mainly creates multimedia performance works. In 2011 she did a PhD at
the University of Hamburg, where she
is now a lecturer.
D 2013, Video, 11:11
Director, editing Isabelle McEwen
Script Isabelle McEwen, Anne-Marie Siegel
Camera Michael Steinhauser
Cast Judith Newerla, Isabelle McEwen
Distribution Isabelle McEwen
87
FILMPROGRAMME
WE. THE ENEMY TOO
#THESELFIESONG
Totalitarian Nature
Menschen nannten Bilder von sich selbst GPOY—
Gratuitous Pictures Of Yourself. Aber diese Kennzeichnung wurde aus dem Sprachgebrauch gestrichen und durch Selfie ersetzt. Vielleicht deshalb,
weil den Menschen klar wurde, dass diese Bilder
gar nicht so überflüssig waren – sie waren sehr
wichtig für die Aufrechterhaltung des Kontakts mit
den Menschen in ihrem sozialen Umfeld. Oder ihnen ist einfach intuitiv bewusst geworden, wir
schwer es war, ein Bild von sich selbst zu machen –
ob nun überflüssig oder nicht – denn das Selbst ist
nicht wirklich vorhanden.
›Totalitarian Nature‹ erforscht und untersucht das
Thema Überwachung in der modernen Gesellschaft und Exhibitionismus im Zeitalter sozialer
Netzwerke. Die Internetseite http://totalitarianvids.com/ gilt als Erweiterung dieser Videoarbeit.
Marijke De Roover
People used to call pictures of themselves GPOY—
Gratuitous Pictures Of Yourself. But that tag has disappeared from the vernacular, displaced by selfie.
Maybe it was because people realised that these
pictures weren’t gratuitous – they were important for
sustaining contact with the people in their social environments. Or maybe they intuitively realised how
hard it was to take a picture of your self – gratuitous
or otherwise – because the self isn’t really there.
What can one write about when the
artist hides behind a mask and constructs fictional identities? Warhol
created his own public identity but
Marijke De Roover goes further and
gets lost in her multiple roles to
such a degree that it is unclear
whether she exists at all.
B 2013, Video, 7:35
Marijke De Roover
Music http://www.youtube.com/
watch?v=If5MF4wm1T8
Distribution Marijke de Roover
88
Cristine Brache
›Totalitarian Nature‹ explores and examines surveillance in contemporary society and exhibitionism in
the age of social networking. The website http://totalitarianvids.com/ exists as an extension of this video work.
Cristine Brache is an artist who lives
and works in Guangzhou, China. Her
videos have recently been screened in
places such as The Phillips Collection, the Museum of the Moving Image,
and at the Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris.
CN(PRC) 2013, Video, 3:38
Director, script, editing, music
Cristine Brache
Camera Piotr Bockowski
Editing Cristine Brache
Cast Cristine Brache, Piotr Bockowski
Distribution Cristine Brache
Hello World :)
Etienne Larragueta / Rafaël Mathé
In naher Zukunft entwickelte ein Privatunternehmen eine Technologie, die unsere Hirnleistung
erheblich steigern soll. Es verlangt jedoch von
seinen Kunden, dass sie ihre Speicherdaten auf
einem einziger Server speichern. In dieser so stark
kontrollierten Welt, hat eine junge Frau die Kraft,
Dinge zu ändern.
In a close future, a private company developed a
technology aimed at boosting our brain capacity.
But it requires from its clients to store their memory
data on one single server. In this highly controlled
world, a young woman has the power to change
things.
Rafaël Mathé and Etienne Larragueta
are two young directors. Being Brazilian and French, they are studying Production Design and Production at the
French school FEMIS (Ecole nationale
supérieure des métiers de l’image et
du son). ›Hello World :)‹ is their
thesis film, which was produced in
Paris.
F 2013, Video, 21:30
Director Etienne Larragueta, Rafael Mathé
Script Arnaud De Cazes, Etienne Larragueta
Camera Amine Berrada
Editing Avril Besson
Animation Thomas Colin
Music Vincent Girault
Cast Maya Peillon, Jean-Paul Bezzina,
Philippe Polet
Distribution La femis
89
WE, THE ENEMY
BRAZIL
Brazil
Terry Gilliam
Kleiner Fehler, große Wirkung: Als eine Fliege ein Behördenformular verschmutzt, löst das
unvorhergesehene Vorkommnisse in einem bizarr bürokratischen Überwachungsstaat aus,
weswegen ein kleiner Beamter schnell in absurde Situationen gerät. Terry Gilliams Hommage
auf George Orwell sollte zunächst ›1984 ½‹ heißen. Aber es wäre nicht das einzige Zitat geblieben. Zwischen Kafka und Monty Python, Aldous Huxley, Steampunk und Sergej Eisenstein, plündert der Film die halbe Kulturgeschichte und schuf daraus eine visuell betörende,
postmoderne Social Fiction-Komödie, bei der einem oft das Lachen im Halse stecken bleibt.
A minor error with a huge impact: a fly contaminates a government form, sparking unexpected
incidents in a bizarrely bureaucratic surveillance state, soon causing a low-level government employee to get into absurd situations. Terry Gilliam’s homage to George Orwell was originally
going to be called ›1984 1/2‹. It would not have been the only citation. Between Kafka and Monty Python, Aldous Huxley, Steampunk and Sergej Eisenstein, the film raids half of cultural history,
creating a visually captivating postmodern social fiction comedy in which the laugh often gets
stuck in your throat.
GB 1985, 142:00
Director Terry Gilliam
Script Terry Gilliam, Tom Stoppard
Camera Roger Pratt
Editing Julian Doyle
Music Michael Kamen
Cast Jonathan Pryce, Robert De Niro, Katherine Helmond,
Ian Holm, Michael Palin, Bob Hoskins, Kim Greist and others
Distribution Filmverleih im Nordsee-Park
90
WE, THE ENEMY
CONVERSATION / THX 1138
The Conversation / Der Dialog
THX 1138
Harry Caul ist einer der besten Abhörspezialisten
der USA. Sein Beruf ist ihm jedoch zur Obsession
geworden. Er lebt zurückgezogen und hat sich hinter eine Mauer abweisender Kälte verschanzt. Als
er in San Francisco einen Auftrag ausführt und die
Gespräche eines jungen Pärchens belauscht, weiß
er noch nicht, dass er in ein Mordkomplott verwickelt wird. Erst als er die Bänder bei seinem Auftraggeber abliefert, schöpft er Verdacht. Francis
Ford Coppolas mehrfach preisgekrönter Thriller
um einen Abhörspezialisten, der sich in einen
Mordfall verstrickt, zeigt Hollywood Ikone Gene
Hackman in einer seiner besten Rollen. Das dreifach Oscar®- nominierte und mit der Goldenen
Palme in Cannes ausgezeichnete Meisterwerk bewegt sich an der schwierigen Grenze zwischen
Technologie und Privatsphäre: ein Thema von aktueller Brisanz.
George Lucas goes ›1984‹: Entstanden als verlängerte Version eines Kurzfilm des Filmstudenten
George Lucas, erzählt der spätere Schöpfer von
›Star Wars‹ eine düstere Zukunftsvision von gleichgeschalteten Menschen, die von einem totalitären
Regime überwacht werden und denen der Sex
verboten ist. THX 1138 war 1971 übrigens der erste Spielfilm, den Francis Ford Coppola für seine
Firma ›American Zoetrope‹ produzierte. Am Drehbuch wirkte Walter Murch mit, mitverantwortlich
für ›Conversation‹, und für die Musik konnte Lalo
Schifrin gewonnen werden
Francis Ford Coppola
Harry Caul is an expert surveillance man in San Francisco. His routine wire tapping job turns into a nightmare when he hears something disturbing in his recording of a couple; he may have captured something a lot more important than adulterous goingson. His investigation of the tape and how it might be
used sends Harry spiraling into a web of secrecy,
murder and paranoia. ›The Conversation‹ is a harrowing psychological thriller that co-stars Cindy Williams, Frederic Forrest and Harrison Ford. It symbolises the uneasy line between technology and privacy
– a topic more relevant than ever today.
USA 1973, 114:00
Director, script Francis Ford Coppola
Camera Haskell Wexler, Bill Butler
Editing Richard Chew
Music David Shire
Cast Gene Hackman, John Cazale, Harrison
Ford, Robert Duvall, Frederic Forres,
Cindy Williams, Teri Garr and others
Distribution STUDIOCANAL GmbH
George Lucas
George Lucas goes ›1984‹: produced as an extended version of a short film by the film student George Lucas, who later went on to create ›Star Wars‹,
the film is a gloomy vision of the future of a uniform
populace monitored by a totalitarian regime where
sex is forbidden. Incidentally, ›THX 1138‹ was the first
feature film Francis Ford Coppola produced for his
company ›American Zoetrope‹ in 1971. Walter
Murch was involved in writing the script, and was
partly responsible for ›The Dialogue‹. The music was
in Lalo Schifrin’s hands.
USA 1971, 88:00
Director George Lucas
Script, editing George Lucas, Walter Murch
Camera David Myers, Albert Kihn
Music Lalo Schifrin
Cast Robert Duvall, Donald Pleasence,
Maggie McOmie, Don Pedro Colley,
Ian Wolfe and others
Distribution Warner Bros. Entertainment
GmbH
91
RETROSPECTIVE
CAROLEE SCHNEEMANN
Breaking The Frame
Marielle Nitoslawska
Ein dokumentarisches Filmporträt der New Yorker Künstlerin Carolee Schneemann. Als Pionierin der Performance und Body Art sowie dem Avantgarde-Kino, überschreitet Schneemann seit fünf Jahrzehnten
die Grenzen der Kunstwelt, dabei bedient sie sich einem breiten Spektrum an Medien und stellt provokante Thesen hinsichtlich Feminismus, Gender, Sexualität und Identität zur Diskussion.
Unter Verwendung einer Vielzahl an Film- und HD-Formaten, kann ›Breaking The Frame‹ als kinetische,
hyper-kinematische Intervention beschrieben werden, als eine kritische Betrachtung der Beziehung der
Kunst zu den physikalischen, örtlichen und konzeptionellen Aspekten des täglichen Lebens sowie den
Spezifika von Erinnerung. Dabei bedient der Film sich Schneemanns autobiographischem Material, um
von den historischen Umbrüchen in der westlichen Kunst im Nachkriegs-Amerika zu erzählen.
Der Film zeigt Schneemann mit ihren eigenen Werken, Bildern und Reflektionen, bei der Arbeit, zu Hause, im Studio, und verbindet Filmausschnitte ihrer bahnbrechenden filmischen Arbeiten in Super 8 und
16mm mit Dokumentationen von historischen Performances und neueren Auftragsarbeiten für Museen
und Ausstellungen.
›Breaking The Frame‹ is a feature–length documentary portrait of the New York artist Carolee Schneemann. A
pioneer of performance and body art as well as avant-garde cinema, Schneemann has been breaking the
frames of the art world for five decades, in a variety of mediums, challenging assumptions of feminism, gender, sexuality, and identity.
Utilizing a rich variety of film and hi-definition formats, ›Breaking The Frame‹ can be described as a kinetic,
hyper-cinematic intervention, a critical meditation on the relation of art to the physical, domestic and conceptual aspects of daily life and on the attributes of memory. It uses Schneemann’s autobiographical materials to
narrate the historic upheaval within Western art in post-war America.
The film captures Schneemann in her own words, images and reflections, at work, at home, in the studio, and
interweaves extensive film excerpts from her groundbreaking film work in both super 8 and 16mm, documents of her historic performances and more recent museum commissions and exhibitions.
Statement der Regisseurin: Ich sah den legendären Film ›Fuses‹ von Carolee Schneemann zum ersten
Mal durch Zufall, als ich Anfang zwanzig war. Ich verstand die Tiefe ihrer Arbeit erst Jahrzehnte später,
als ich für den Film ›Bad Girl‹ recherchierte, einer Filmstudie über Frauen und ihrer Darstellung von Sexualität. Ich begann mit der Erarbeitung einer Fortsetzung, wobei Schneemanns Werke den Schwerpunkt
bildeten. (…) Ich fing an, die zahlreichen Archive Schneemanns zu durchforsten, um schon bald festzustellen, dass diese Quelle wohl nie zu versiegen scheint. ›Breaking the Frame‹ nahm seinen Anfang. Ich
habe schon immer das Gefühl gehabt, dass der größte Vorzug des unabhängigen Filmemachens die Zeit
ist. Zeit, um sich mit einem Thema zu befassen und sich hineinzufühlen. Zeit, um all die Bedeutungsebenen zu verinnerlichen. Zeit, um den Film zusammenzusetzen, um dessen verinnerlichte Gesamtheit widerzuspiegeln. Dieser Prozess dauert oft Jahre; eine Art zu arbeiten, die nicht gerade praktisch ist, aber
zu einer unersetzlichen Authenzität führt. Du beobachtest und sammelst und fragst dich, wie du ›Vergangenes‹ im Fluß der stets virtuellen ›Gegenwart‹ des Kinos wieder hervorrufen kannst. Du ersetzt Raum
und zerteilst Zeit. Du hörst aufmerksam zu. Du folgst dem geistigen Auge.
92
Director’s Statement: I first saw Schneemann’s legendary film ›Fuses‹ by chance in my early twenties. I understood the depth of her work decades later, while researching ›Bad Girl‹, a survey film on women’s representations of sexuality. I began dreaming-up a sequel of sorts, with a focus on Schneemann. (…)
I began digging into Schneemann’s well of archives to realize that it perhaps has no bottom. And so ›Breaking the Frame‹ began. I’ve always felt that the greatest asset of independent filmmaking is time. Time to get
to know and feel the subject. Time to digest layers of meaning. Time to compose the film’s form to reflect
the absorbed entirety. This process often last years; a way of working that isn’t practical but yields irreplaceable authenticity. You observe and collect and wonder how to evoke the ›past‹ in the flow of cinema’s ever-virtual ›present‹. You displace space and fragment time. You listen. You follow the mind’s eye.
Marielle Nitoslawska, * in Canada, is a filmmaker, cinematographer and film
professor who lives and works in Montreal. She received her B.F.A. in Studio
Arts and Art History from Concordia University, Montreal and an M.F.A., magna
cum laude in Cinematography from the Polish National Film School in Lodz. Nitoslawska has made numerous film essays, both feature length and short form on
ground-breaking movements and artists such as Domingo Cisneros, Szczepan Mucha,
Jozef Robakowski, and Carolee Schneemann. Poetic and unconventional, her films
explore the ideas behind the work of these artists and their contemporary significance. Her films have received critical acclaim and extensive festival
play, and include ›Bad Girl‹ (2002), a groundbreaking documentary investigating
explicit representations of female sexuality.
CDN 2012, 100:00
Shooting Formats: 35mm, 16mm, 8mm, HD CAM, HDV
Directed, Written and Photographed by Marielle Nitoslawska
Produced In association with Possible Movements
Editor Monique Dartonne
Starring Carolee Schneemann with James Tenney
Music James Tenney
Sound design and mix Catherine Van der Donkt Benoît Dame
Assistant Editor/ On-Line Editor Benoît Thomassin
Assembly editor Taien Ng Chan
Additional camera Carlos Ferrand
Archival research Daichi Saito
Media manager Malena Szlam
Post production Supervisor Phil Hawes
Post production Consultant Gary Evans
Producer’s Rep / Distribution Picture Palace Pictures, Madeleine Molyneaux
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RETROSPECTIVE
CAROLEE SCHNEEMANN
Where The Frame Breaks The Edge - The Artist Carolee Schneemann
Carolee Schneemann ist eine interdisziplinär arbeitende Künstlerin, die die Definition von Kunst in den
sechziger Jahren entscheidend und auf bahnbrechende Art und Weise verändert hat. Die Geschichte ihrer Arbeiten ist geprägt von der Untersuchung archaischer visueller Traditionen, dem Genuss, der durch
das Brechen einengender Tabus entsteht, und dem Körper der Künstlerin in dynamischer Beziehung mit
dem Körper der Gesellschaft.
Ihre Pionierarbeit umfasst die Bereiche Malerei, Performance, Film und Videokunst. Ihre frühen und weit
vorausschauenden Studien zu Themen wie Gender und Sexualität, Identität und Subjektivität, sowie zu
kulturellen Vorurteilen der Kunstgeschichte, legten den Grundstein für zahlreiche Werke andere Künstler
in den 1980er und 90er Jahren. Ihre gewagte Anzweifelung von bestehenden Tabus und Traditionen haben eine ganze Reihe von Künstlerinnen wie Karen Finley, Valie Export, die Guerrilla Girls, Tracy Emin
und Marina Abramovic inspiriert und beeinflusst.
Im Zusammenhang mit der Dokumentation über Carolee Schneemann zeigen wir drei ihrer frühen Filme
im Original, sowie zwei Filme von Stan Brakhage, die sie für ihre eigene Arbeit inspiriert haben.
Carolee Schneemann is a multidisciplinary artist who transformed the definition of art in a fundamental and
groundbreaking way in the sixties. The history of her work is characterised by research into archaic visual traditions, pleasure wrested from suppressive taboos, and the body of the artist in dynamic relationship with the
social body.
Her pioneering work ranges across disciplines, encompassing painting, performance, film and video. Her
early and prescient investigations into themes of gender and sexuality, identity and subjectivity, as well as the
cultural biases of art history, laid the ground for much work of the 1980s and '90s. Her bold challenges to taboo and tradition can be seen as inspiring and influencing artists as varied as Karen Finley, Valie Export, the
Guerrilla Girls, Tracy Emin and Marina Abramovic.
In this context we will show three of her original film works as well as two films by Stan Brakhage that influenced her approach to filmmaking.
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Cat's Cradle
Window Water Baby Moving
Sexuelle Hexerei unter Beteiligung zweier Paare und dem
›Medium‹ Katze.
›…Brakhages Betrachtung der Geburt seiner Tochter. Hier entfesselt
er das ganze Potential seiner Technik, die so passend ist, dass sie
sich quasi selbst überlassen völlig abstrakt und unfassbar für das
Thema wirkt. Das Ergebnis ist ein Film, das so direkt ist, so voll mit
reiner Bewunderung und Liebe, so weit weg von Zivilisation in seiner
bloßen Akzeptanz, dass es zu einem Erlebnis wird …‹ (Archer Winston, NY Post)
Stan Brakhage
Sexual witchcraft involving two
couples and a ›medium‹ cat.
(Cinema 16)
Stan Brakhage, USA 1959,
16mm, colour, silent,
6:00
Distribution Canyon Cinema
San Francisco
Stan Brakhage
›... Brakhage's treatment of the birth of his daughter. Here he unleashes
the full power of his technique, so apt to become abstractly unintelligible when left to his own devices, on a specific subject. The result is a
picture so forthright, so full of primitive wonder and love, so far beyond
civilisation in its acceptance that it becomes an experience …‹ (Archer
Winston, NY Post)
Stan Brakhage USA 1959, 16mm, colour, silent, 12:00
Distribution Light Cone Paris
95
RETROSPECTIVE
CAROLEE SCHNEEMANN
Fuses
Viet Flakes
Ein Stummfilm bestehend aus gezeichneten und zusammengesetzten Liebeszenen von Schneemann und ihrem damaligen Partner,
dem Komponisten James Tenney; beobachtet von ihrer Katze, Kitch.
›... Dieser Film unterscheidet sich deutlich von allen pornographischen Arbeiten, die Sie jemals gesehen haben – das ist auch der
Grund, warum die Leute ihn sich immer noch anschauen! Und es erfolgt keine Vergegenständlichung oder Fetischisierung der Frau.‹
–Carolee Schneemann
Diese dichte und aggressive Arbeit besteht aus Kriegsbildern
aus Vietnam, untermalt von einer
Sound-Collage von James Tenney. Die Bilder hat Schneemann
über einen Zeitraum von fünf
Jahren aus ausländischen Zeitschriften und Zeitungen zusammengetragen.
Carolee Schneemann
A silent film of collaged and painted sequences of lovemaking between Schneemann and her then partner, composer James Tenney; observed by her cat, Kitch.
›... It is different from any pornographic work that you‘ve ever seen –
that‘s why people are still looking at it! And there‘s no objectification or
fetishisation of the woman.‹ –Carolee Schneemann
Carolee Schneemann, USA 1965
Self-shot S-8 film on 16mm, colour, silent, 25:00
Carolee Schneemann
This dense and aggressive work
consists of war images from Vietnam accompanied by a sound
collage by James Tenney. The
images were gathered by
Schneemann from foreign magazines and newspapers over a fiveyear period.
Carolee Schneemann, USA
1965
Colour, 16mm, sound, 10:00
Distribution Light Cone
Paris
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Plumb Line
Carolee Schneemann
Die Auflösung einer Beziehung wird gleichermaßen durch visuelle
und akustische Elemente gezeigt: Schneemann zerteilt die Aufnahmen der Liebenden und setzt sie in einer fließenden Montage ständiger Permutation wieder zusammen, sie friert Bilder ein, um sie sofort wieder aufzulösen, bis zu dem Punkt an dem der Film in Flammen aufgeht und sich damit selbst vernichtet.
The dissolution of a relationship unravels through visual and aural equivalences. Schneemann splits and recomposes actions of the lovers in a
streaming montage of disruptive permutations: 8 mm is printed as 16
mm, moving images freeze, frames recur and dissolve until the film
bursts into flames, consuming its own substance.
Carolee Schneemann, USA 1968-71
S-8mm on 16mm, colour, sound, 15:00 min
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SPECIAL
SHIFTING CONSTELLATION
Shifting Constellation
Experimentalfilme und Videos über den Islam in Indonesien
Kuratiert von Rizki Lazuardi
Obwohl Indonesien weltweit das Land ist, in dem die meisten Moslems leben, findet die Scharia, das Gesetz des Islam, dort keine Anwendung. In diesem Land findet man in den einzelnen Gebieten verschiedene Glaubensrichtungen und Traditionen, durch die sich der Islam zu einem synkretischen System entwickelt hat, im Gegensatz zum im Nahen Osten praktizierten Islam.
Vor einem Jahrzehnt wurden in Indonesien politische Reformen durchgeführt, fast zum gleichen Zeitpunkt, als die Kommunikations-Informationstechnologie in diesem Herstellerland, von Billiglohnarbeit
geprägt, demokratischer wurde. Das trug auch dazu bei, dass der Islam sich der Gesellschaft in einer
neuen Form präsentieren konnte. Der Islam ist das neue, wirksame Instrument für politische und wirtschaftliche Interessen. Er wird jedoch heute auch sehr stark von panarabischer Politik beeinflusst, die
auch viele Facetten hat.
›Shifting Constellation‹ zeigt neueste Bilder des Islam in Indonesien. Sechs Experimentalfilme und Videos
versuchen zu vermitteln, wie die Gesellschaft ihren Glauben mit den neuen Möglichkeiten und ›Bedrohungen‹ vereinbart. Einige Videos zeigen wie regionale Werte diese ausgereiften Technologien mit ihren
wunderbaren Funktionen übertragen. Einige andere Werke deuten jedoch auch darauf hin, dass diese
Werte angesichts des Vordringens der größeren Konstellation langsam ihre Identität verlieren.
Der größte Teil der Weltbevölkerung sieht den Islam in Indonesien durch audio-visuelle Medien, die
meist ein bestimmtes Bild von Terrorismus oder Intoleranz vermitteln, von Mobs, die Kufiyas tragen und
mit erhobenen Macheten drohen, während sie westliche Themen im Visier haben. Diese Bilder existieren
zwar, aber sie zeigen nur einen kleinen Teil der Menschen, von denen augenscheinlich eine große politische Macht ausgeht. All die anderen Menschen werden von den Medien als eine große schweigsame
Gruppe gezeigt. Die Künstler, die an diesem Programm teilnehmen, geben dieser Form der typischen
Darstellung ihre ganz persönliche Wendung.
›Shifting Constellation - Experimental films and videos about Islam in Indonesia‹
Curated by Rizki Lazuardi
Despite having the largest Moslem population in the world, Indonesia does not apply sharia law (Islamic
law). This country has many local beliefs and traditions, which means that Islam grows in a syncretic way, unlike that practiced in the Middle East.
A decade ago, Indonesia underwent political reforms at around the same time when the communications information technology became more democratic in this cheap labour manufacturing country. This also helped Islam to become re-exposed to society in a new form. Islam is the new effective instrument for political
and economic interests. This time, however, it is also heavily influenced by pan-Arab policy, which also has
may faces.
›Shifting Constellation‹ presents recent pictures of Islam in Indonesia. Six experimental films and videos attempt to depict how society reacts to new opportunities and threats, according to its beliefs. Some videos
show that local values translate ready-made technologies with a new divine function. Yet other works also
suggest that these values are slowly losing their identity as the bigger constellation penetrates society.
Most of what the world sees about Islam in Indonesia through audiovisual media usually concerns terrorism
or intolerant mobs wearing kefiyeh and wielding machetes while preaching about western matters. Although
such things do indeed exist, it is on a small scale, but appears to be politically powerful. All the others are
simply portrayed by the media as a huge mute group. The artists participating in this programme give their
own twist to this typical kind of depiction.
98
Jabal Hadroh
Doa Gajayana / Gajayana Prayer
›Jabal‹ bedeutet auf Arabisch ›Berg‹. Der in diesem Video gezeigte Hügel mit Zypressen im Nebel
stellt eindeutig keine typische Landschaft im Nahen Osten dar. Als die Figuren mit ihren Schleiern
und Burkas vorbeiziehen, bekommt die Beziehung
zwischen Raum und Personen etwas Besonderes.
Der Titel dieses Videos bezieht sich auf einen Hügel in Bogor, Westjava, Indonesien. Ein begehrtes
Reiseziel für Freizeitsex trotz geschlossener Ehe,
ein nach islamischem Gesetz legaler Geschlechtsakt, der vor allem bei Touristen aus dem Nahen
Osten Anklang findet.
Vier Zugunglücke ereigneten sich 2011 innerhalb
weniger Monate. Technische Verbesserungen, die
vom Transportministerium durchgeführt wurden,
konnten weitere Unfälle nicht verhindern. Das einzige, was der Eisenbahngesellschaft blieb, war, vor
der Abfahrt eines jeden Zuges ein Gebet für die
Sicherheit der Fahrgäste über die Lautsprecher
vorzutragen.
Otty Widasari
›Jabal‹ means ›mountain‹ in Arabic. The foggy cypress hill depicted in this video is definitely not a typical landscape in the Middle East. As figures in veils
and burqas pass by, the relevance between space
and the subjects starts to become peculiar.
The title of this video refers to a hill on Bogor, West
Java, Indonesia. A tourist destination that is popular
for recreational sex under contracted marriage, a legal sex act according to Islamic law, pursued mostly
by tourists from the Middle East.
Bayu Bergas
Four train accidents occurred within the space of a
couple of months in 2011. Technical improvements
by the transport ministry failed to prevent another
accident from happening. The only thing left for the
train company to do was to recite a prayer for the
passengers’ safety over the loudspeakers as soon as
each train departed.
2011 / Indonesia
With english sub / DV / 4:28
2013 / No dialogue / HD / 10:00
99
SPECIAL
SHIFTING CONSTELLATION
Videohijab
Displacement
Präsentation in Originalsprache: nahtlose Drei-Kanal-Installation. Der Künstler erklärte sich einverstanden, die Installation als dreiteilige Vorführung
zu zeigen. Frauen mit Schleier und Hidschab stehen in Reih und Glied und schauen in die Kamera,
und eine militärisch klingende Stimme ruft ein
Kommando, worauf die Frauen in die entgegengesetzte Richtung marschieren. Dieses Video stellt
eine Frage, die der Künstler sich selber hinsichtlich
der Intoleranz in Indonesien stellt. Schleier und
Hidschab, die Standardkleidung der Frau nach islamischem Gesetz, wurde von vielen Musliminnen
in Indonesien übernommen. Die Gesellschaft zeigt
offen, dass sie diejenigen schätzt, die sie tragen,
jedoch auch diejenigen toleriert, die es nicht tun.
Ironischerweise gibt es aber auch (noch) kleine, jedoch bereits mächtige Gruppen, die forcieren,
dass sich auch Nichtmuslime dem islamischen Gesetz unterwerfen.
Ein indonesicher Moslem spricht leise ein Gebet.
Aber er betet nicht in einer Moschee, sondern an
Orten in Deutschland mit jüdischem Bezug. Er
sieht es als einen Akt der Solidarität zu den panarabischen Ländern. Indonesien verbot das Judentum als Religion, unterbrach sämtliche diplomatischen Beziehungen zu Israel und untersagte jeglichen Zugang zu dessen Geschichte. Das führte
dazu, dass die Juden unter den indonesischen
Moslems total verhasst sind und diese dementsprechend auch kein Verständnis für das Judentum oder die Juden haben. Dieser performative
Film zeigt die Reaktion eines indonesischen Moslems bei seiner ersten Begegnung mit einer Religion, die den selben Ursprung wie die seine hat.
Krisna Murti
Native presentation: seamless three-channel installation. The artist agrees to have it presented as a triptych cinema screening. Women in veil and hijab
stood facing the camera, and as the military-like voice said a command, they march in another direction.
The video presents the artist asking himself about intolerance in Indonesia. The veil and hijab, as a standard outfit according to Islamic law, have been adopted by many female Moslems in Indonesia. Society openly appreciates those who wear them and is
tolerant towards those who do not, but ironically
there are still small yet powerful groups forcing Islamic law onto non-Moslems.
2012 / Indonesia
With english sub / HD / 5:00
100
B.W. Purba Negara
An Indonesian Moslem prayed silently. But instead
of praying in a mosque, he did so at Jewish-related
sites in Germany. As an act of solidarity for pan-Arab
countries, Indonesia banned Judaism as a religion,
cut off diplomatic relations with Israel, and prohibits
access to its history. This makes (Moslem) Indonesians blatantly hate Jews, whilst having no proportional understanding of Judaism or the Jews. This performative film shows the reaction of an Indonesian
Moslem during his first interaction with a religion
whose genesis they actually share.
2014 / No dialogue / Super 8 / 3:00
Pingitan / Seclusion
Lewat Sepertiga Malam
Flaneur #3
Ein Mädchen mit einem verrosteten Fahrrad trifft mitten in der
Nacht ihren zukünftigen Ehemann. Sie nutzen das Dunkel der
Nacht, um über Tabuthemen
des weltlichen Lebens und einen
mystischen Glauben zu sprechen. Eine banale Diskussion geführt von einem Paar vor ihrer
Hochzeit, eine Zeit, in der es ihnen eigentlich untersagt ist, sich
zu treffen. Dieser Film ist Teil der
Anthologie und dem Werk ›After
A Third of the Night‹, einer Geschichte über Frauen und die
Nacht, in einer von Religion geprägten Gesellschaft.
Nach dem Heiligen Koran ist ungefähr im ersten Drittel der
Nacht die heiligste Zeit, um ein
Gebet zu lesen. Aber nicht für
die drei Mädchen eines islamischen Internats. Für sie ist es die
ideale Zeit, in der sie sich fortschleichen, um sich dem weltlichen Vergnügen hinzugeben.
Dieser Film ist Teil einer Anthologie und dem Werk ›Pingitan‹,
einer Geschichte über Frauen
und die Nacht, in einer von Religion geprägten Gesellschaft.
Der Islam verbietet es den Menschen andere als Idol zu verehren. Andererseits werden Moslemführer häufig als direkte Vertreter des Propheten angesehen,
dem seine Anhänger nahe kommen wollen. Nach der politischen Reformation im Jahr 1998
entstanden einige neue islamistische Gruppierungen in Indonesien. Diese neue Bewegung entwickelte sich durch Indonesier,
die aus dem Nahen Osten stammen, und die zahlreiche Anhänger gewann. Ihr ethnischer Hintergrund spielt in der Tat eine
wichtige Rolle für die Gläubigen.
Orizon Astonia
A girl with his rusty bike met her
soon-to-be husband in the middle of the night. They spent the
dark hours discussing taboo
things about profane life and mystical belief. A flat conversation
carried out by a couple in the
seclusion time, a period before
the wedding day when they
should not meet. This film is part
of the anthology along with ›After
A Third of the Night‹, a story about females and the night in a religion-driven society.
2013 / HD / 14:00
Orizon Astonia
After A Third of the Night
According to the Holy Koran, around a third of the night is the
most sacred time to read a prayer. But not for three girls from Islamic boarding school. This is the
time where they escape to seek
mundane pleasures. This film is
part of the anthology along with
›Pingitan‹, a story about females
and the night in a religion-driven
society.
2013 / HD / 17:00
Aryo Danusiri
Islam forbids people to idolise
others as cults. Yet on the other
hand, Moslem leaders are often
seen as a close representation of
the now-missing prophet, who
their followers want to get close
to. After political reformation in
1998, seve ral new Islamic groups
emerged in Indonesia. This new
wave was brought by Indonesians
of Middle Eastern decent, gaining
a significant number of followers.
Their ethnic background indeed
has a major impact on believers.
2013 / No dialogue / HD /
4:40
101
MEDIA CAMPUS
WE, THE MEDIA CAMPUS
Es war ein klarer, kalter Tag im Februar, und die
Uhren schlugen gerade achtzehn, als sich erstmalig der Media Campus in den Räumen des EMAFs
traf, die Köpfe zusammensteckte, um der beschleunigten Zeit zu entgehen. Im Flur roch es
nach gekochtem Kaffee und Kühlschrank. Tür an
Tür arbeiten ›We, The Media Campus‹ mit dem
Blick des Großen Bruders — dem EMAF im Nacken.
It was a bright cold day in February, and the clocks
were striking eighteen when Media Campus met at
the EMAF premises for the first time, put their heads
together in an effort to escape accelerated time. The
hallway smelt of brewed coffee and the fridge. ›We,
The Media Campus‹ work door on door with the
eyes of Big Brother — EMAF — watching us.
FILMPROGRAMM
11. Februar 2014. Gestern Vormittag beim EMAF.
Lauter Kunstfilme. Ein sehr guter, über eine dickliche Frau — das ist doch ein Mann! — die eine
Bücherei eröffnete, um dort Rotkohl aus der Mikro
zu servieren. — Zu dokumentarisch und lang — raus.
Schade! — Media Campus höchst belustigt von einer Aufnahme einer jungen Frau, die sich auf dem
Bett räkelt zu aktueller Popmusik. Neben ihr der
Laptop mit dem Musikvideo, das sie versucht wie
eine müde Katze nach zu tanzen — Meint die das
ernst? — Als Ironie gut! Keine Studentin?? — Also
den nächsten Film an. Dafür mit mehr Kaffee! musik setzt ein, eine stimme aus dem off und schöne
FILMPROGRAMME
11 February 2014. Yesterday morning at EMAF. Nothing but art films. A very good one about a chubby
woman — but that’s a man! — who opened up a
bookshop to serve red cabbage from the microwave. — Too documentary-like and too long — out!
That’s a shame! — Media Campus highly amused by
a recording of a young woman writhing on a bed to
the latest pop music. Next to her the laptop with the
music video that she’s trying to dance to like a tired
cat. — Is she serious? OK as irony! Not a student?? —
On to the next film. With yet more coffee! music
starts to play, a voice from the off and beautiful landscapeshots flowerstreesmarinebirds flowers and t he
102
landschaftsaufnahmen: blumenbäumewasservögel
blumen und ein Einzelschicksal: die diagnose —
bänderriss ein kus s zwei lieben d e ein sü ß e s
Kind und Krieg Auch portraitaufnhmn von pro stitu
ier te n die tAxfhrer verführentraeume di pl tz n sowie sproedr ab r ehrl ch r Realität — Überzeugend!
Grün — Nein, für mich ist der Rot! Ein reiner Spielfilm!? Aber können wir nochmal über den Igel
sprechen?
Mit knapp dreihundertfünfundvierzig Filmen hat
sich der Media Campus dieses Jahr beschäftigt
und sie in einundvierzig Filme zu sechs Programmen verpackt.
Fate of an Individual: the diagnosis — a torn ligament
one kis s two lov e rs a cu te chld and war Also prtrats of pro stituts w h o sedce tAxidrivrs drms tht
come to not h i ng and ro u g h bt hon e st reality —
Convincing! Green — No, for me it’s red! A pure feature film!? But can we talk about the hedgehog
again?
This year, Media Campus had the pleasure of viewing three hundred and forty-five films, forty-one of
which have been packed into six programmes.
AUSSTELLUNG
Wenn Sie ein Bild von der Kunst haben wollen, so
stellen Sie sich eine Kamera, Monitor, Scanner vor,
der Sie verfolgt. Unaufhörlich. Ein Plakat klebte an
der unmittelbar gegenüberliegenden Hausfront.
›We, The Enemy‹ hieß auch hier die Überschrift,
und die dunklen Augen samt Nerdbrille starrten
den Besucher an. Aber das Bild des Entschleunigerhelms schien sich noch einige Sekunden auf
dem Bildschirm der Shy Camera zu behaupten, so
als sei der Eindruck auf der Netzhaut zu lebhaft geworden. Der kleine Mann hatte sich aus dem Fenster des mobilen Kompostaates nach vorne geworfen. Mit einem bebenden Flüstern, das wie ›Mein
Paranoides Zuhause!‹ klang, breitete er die Arme
dem Eingang entgegen.
EXHIBITION
If you want to have a picture of art, imagine a camera, monitor, scanner pursuing you. Constantly. A poster was plastered on the house-front immediately
opposite. ›We, The Enemy‹, the caption also said,
while the dark eyes with nerd glasses looked deep
into the visitor’s own. But the image of the deceleration helmet seemed to be distinguishable for a few
seconds on the screen of the Shy Camera, as if the
impression had become too lively on the retina. The
small man had thrown himself forward through the
window of the mobile Kompostaat. In a trembling
whisper that sounded like ›Mein Paranoides Zuhause!‹, he opened his arms to the entrance.
HOCHSCHULTAG
Jetzt stimmten alle Versammelten einen kraftvollen, langsamen und rhythmischen Sprechchor an:
›Hochschultag! Hochschultag! Hochschultag!‹ Vielleicht dreißig Sekunden fuhren sie damit fort. Zum
Teil war es eine Art Hymne auf die Projekte, Medien und die Präsentation der Hochschulpartner des
kleinen Bruders ›We, The Media Campus.
UNIVERSITY DAY
At this moment the entire group of people broke
into a deep, slow, rhythmic chant of: ›University Day!
University Day! University Day!‹ For perhaps as much
as thirty seconds they kept it up. Partly it was a sort of
hymn to the projects, media and the presentation of
the university partners of the Little Brother ›We, The
Media Campus‹.
Wenn Kunst überhaupt etwas bedeutet, dann vor
allem das Recht, anderen Leuten zu zeigen, was
sie nicht sehen wollen.
If art means anything at all, then it is above all the
right to show other people what they do not want to
see.
Euer Media Campus
Your Media Campus
103
MEDIA CAMPUS
ADVENTURE WORLD VI
Wind
Robert Löbel
›Wind‹ zeigt den Alltag der Bewohner in einem sehr windigen
Land. Scheinbar schutzlos dem
Wetter ausgesetzt schaffen sie
es dennoch, ihren Tag einfallsreich zu meistern.
›Wind‹ is a short animation about
the daily life of people living in a
windy area who seem helplessly
exposed to the weather. However,
the inhabitants have learned to
deal with their difficult living conditions. The wind creates a natural
system for living.
Robert Löbel, *1984 and
grew up in Dresden. He
studied Illustration in
Hamburg, completing his
studies in 2012. WIND is
his graduation film at
the University for Applied Sciences - HAW
Hamburg. He currently
lives and works in
Berlin.
D 2013, Video, 4:00
editing, animation
Robert Löbel
Distribution aug&ohr medien
104
Everything That Moves
Is Moved By Others
Alejandra Cano /
Stefano Caprile
Ein unabhängiger Kurzfilm über
Jemanden ohne Identität, der jeden Tag den gleichen Tag lebt.
Aber ein Flüstern unter einem
sich bewegenden Felsen lässt
ihn realisieren, dass jeder jedwedes bewegen kann. Wie der Geliebte den Liebhaber der Liebe
oder die Erde sich schwerelos
um die Sonne dreht.
Is an independent short film about someone without an identity
who lives every day in the same
day. But a whisper under a moving rock makes him realise that
anyone can give motion to everything else. As the beloved moves
the lover of love, or the earth gravitates around the sun.
Alejandra Cano studied
Interior Design at the
Polytechnic University
of Madrid.
Stefano Caprile studied
an MFA in Advertising at
the Academy of Arts, San
Francisco.
USA 2013, Video, 2:07
Stefano Caprile,
Alejandra Cano
Camera Stefano Caprile
Cast Alejandra Cano
Distribution
Stefano Caprile
Contrast
Carmen Büchner
Jeder kennt und liebt sie: eine
sommerliche Blumenwiese. Ein
Paradies für unzählige Tiere.
Manche leben unterirdisch, andere im Dickicht der Grashalme.
Jedoch ist die Wiese alles andere als ein friedlicher Ort. Bei genauem Hinsehen und Hören erkennt man den ständig tobenden Kampf um den farbenprächtigem Lebensraum. Ein Kampf
um Dasein und Erhaltung des
natürlichen Gleichgewichts.
Everyone knows and loves it: a
summer meadow. A paradise for
countless animals. Some live underground, others in the grass.
However, the meadow is not at all
a peaceful place. If you look closely you can see and hear the
constant raging battle. It is a
struggle for existence and maintaining natural balance.
Carmen Büchner, *1986 in
Cottbus, started training as a Media Designer
for Sound and Vision in
2005. She has been
studying Animation at
the Filmakademie BadenWürttemberg since October 2008.
D 2013, Video, 3:50
Carmen Büchner
Music Denise Barth
Distribution Filmakademie
Baden-Württemberg
Green Out
Elsa Fauconnet
›Green Out‹ nimmt uns mit auf
eine Reise durch einen künstlichen, tropischen Microkosmos:
Ein Mann verliert sich in einem
aquatischen Komplex – die ehemalige Luftschiffhalle Tropical Island. Ein Botaniker erzählt die
Geschichte der Entdeckung der
Orchidee und ihres Exports. Der
Film bringt uns in ein florales
Reich des Künstlichen. Mit Sicherheit ein Bildnis der zeitgenössischen Melancholie.
›Green Out‹ is a journey through
artificial tropical microcosms: a
man loses himself in an aquatic
complex – the former Aerium Tropical Island. A botanist tells the
story of the discovery of orchids
and how men exported them to
Europe. The film takes us to the
vegetal kingdom of the artifice,
certainly a sign of contemporary
melancholy.
Elsa Fauconnet, *1984 in
Paris, is an artist and
filmmaker. She gratuated
from both La Cambre
(Brussels) and BeauxArts in Paris. At Le
Fresnoy she filmed Green
Out.
F 2013, Video, 33:21
Elsa Fauconnet
Animation David Rodes
Music Vincent Henon,
Quentin Caille
Cast Antoine Liebaert
Distribution Le Fresnoy
Heute kann ich mir das
nicht mehr erlauben
Sukkavartaankatu 8 /
Sock Skewer Street 8
Eine junge Frau findet sich in einer Serie von fantastischen wie
absurd, surrealen Situationen,
die scheinbar traumartig miteinander verbunden sind. Während
sie die Orte durchwandert, setzt
sie sich in Form eines Monologs
mit lose zusammenhängenden
Ereignissen und Emotionen auseinander. Ein cineastischer Essay.
Sie findet immer wieder winzige
Socken. Und nun, wessen Füße
sind jetzt kalt? Zwischen den Bildern ist eine autobiografische
Geschichte versteckt. Viele kleine Einflüsse des Lebens helfen
den Ballast der Vergangenheit
loszulassen.
Siegmund Skalar
A young woman finds herself in
an episode of marvelously and
absurd surreal situations, which
seem to be connected in a dream-like way. While she walks
through these places, she deals
with vague emotions and events
in a monologue. A cineastic essay.
Siegmund Skalar, *1986
in Salzburg, studied at
the Academy of Fine Arts
Vienna and at the Filmakademie Baden-Württemberg.
D 2013, Video, 5:43
Director Siegmund Skalar
Script Elena Preine
Camera Jan David Günther
Editing Janina Kaltenböck
Music Marc Fragstein
Distribution
Siegmund Skalar
Elli Vuorinen
She keeps finding tiny socks.
Now, whose feet are feeling cold?
An autobiographical story can be
found between the frames. Many
little factors of life to help let go
of the baggage of the past.
Elli Vuorinen graduated
from the Animation Department of Turku Arts
Academy. Her latest film
Sock Skewer Street 8
started off as her graduation film, but was
completed in ›Animation
Artist in Residence
Tokyo 2012-2013‹, part
of the Japanese Agency
for Cultural Affairs
›International Invitation
Program for Animation
Artists 2013‹.
FIN 2013, Video, 6:30
editing, animation
Elli Vuorinen
Music, cast Jani Lehto
Distribution
Turku Arts Academy
105
MEDIA CAMPUS
HETERONOMY
Emil
Simon Steinhorst
Wenn stottern erlaubt wäre, würde ich laut und stolz stottern. Ich
ich ich ich bin der Emil, un un un
und ich stottere. Ich sto sto sto
stottere. Herr Stotter wohnt in
meinem Kopf und ich muss Frieden mit ihm schließen. Snake ist
mein selbstbewusstes Ich. Snake
kann sprechen. Emil ist dazwischen und kommentiert die
Lücken seiner Sprache.
If stuttering were allowed I would
stutter loud and proud. M m m
my name is Emil. An an an and I
stutter. I stu stu stu stutter. Mr.
Stutter lives in my head and I have
to make peace with him. Snake is
my outgoing self. Snake can talk.
Emil reflects the gaps in his
speech which represent the discrepancy between his thoughts
and the external world.
Simon Steinhorst, *1985
in Starnberg. Finished
the European Film School
Denmark in 2007 and studied at KHM Cologne.
›Emil‹ is his film degree.
D 2013, Video, 5:14
editing Simon Steinhorst
Animation Simon Steinhorst,
Hannah Stragholz
Music Antonio De Luca
Cast Emil Groth Larsen
Distribution KHM Köln
106
Sukupuolikas /
Genderless
Darwin's Dead
(Evolution in Chaos)
›Sukupuolikas‹ vereint digitale
2D Animation mit Video Footage. Es ist ein audiovisuelles Projekt, das das Alltägliche untersucht und mit einigen klassischen Geschlechtersymboliken
den Zwiespalt sowie das Gleichgewicht dieser aufzeigt. Sukupuolikas ist ein Kommentar auf
den unterschwelligen Separatismus, in dem jeder individuell kategorisiert wird für den Nutzen
der Konsumgesellschaft.
Charles Lindbergh Darwin starb
im April 1882 aufgrund von ›angina pectoris‹, eher bekannt als
Koronarthrombose: Herzkrankheit. Mit 73 Jahren hinterließ er
ein unvergleichbares Erbe der
Aufklärung durch seine Evolutionstheorie, Theorie zur natürlichen Selektion und der Abstammung des Menschen. Dieser
Film hat nichts mit ihm zu tun.
Auri Mäkelä
›Genderless‹ combines digital 2D
animation with video footage. It is
an audiovisual piece which examines the everyday street view featuring many classical symbols of
gender, dualism, balance and the
lack of it. It's a comment on the
subtle separatism of today, where
each individual is categorised for
the benefit of a consumerist
society.
Auri Mäkelä studied Visual Arts Education at
Repin-Institute in Finland, Summer University
of Kymenlaakso. Since
2010 she studies the Degree Programme of Fine
Arts at the Tampere University of Applied Sciences.
FIN 2013, Video, 3:20
editing Auri Mäkelä
Distribution Auri Mäkelä
Kevin Tobin
Charles Lindbergh Darwin died
April 1882 from ›angina pectoris‹, known today as coronary
thrombosis: Heart disease. At 73,
he had left behind a legacy of unparalleled enlightenment to endless generations through his theories of evolution, ›natural selection‹ and common descent. This
film has nothing to do with him.
Kevin Tobin, *1989 in
Boston, USA, studies at
the Northeastern University, Boston.
USA 2013, Video, 13:00
Director, editing K. Tobin
Script K. & Patrick Tobin
Camera Kiefer Gonzales,
Kevin Tobin, Christian
Munoz-Donoso
Music Mike Cavanaugh,
HiFadility, Michael John
Thomas III
Cast Rebecca Pace, Ryan
Adams, Tyler Simspon,
Brooke Corrigan, Kiefer
Gonzales, Kevin Tobin
Distribution 31 Productions
Priez Dieu qu’il m’envoie
un peu de génie […]
/ Pray to God that he will
send me a bit of genius [...]
Mein Sohn / My Son
Wenn einem die Worte fehlen,
wenn der Reiz und die Situation
alle möglichen Handlungen
übersteigt, weil es zu stark, zu
schmerzhaft, zu schön ist …
sucht man dabei nach abstrakten Ausdrucksformen innerer Regungen. Was einem dabei bleibt
ist ein anstarrender Blick und die
Gestik, in Hoffnung auf die Verständigung. ›Beten Sie zu Gott,
dass er mir ein wenig Talent
schickt.‹ - Albéric Magnard.
Leonard von Thiel hat Jura studiert und sollte die Kanzlei seines Vaters übernehmen. Stattdessen verkauft er tropische
Früchte in einem Bonbon-Outfit
und versucht damit andere Menschen glücklich zu machen. Ein
Doc-Fiction Film, der unveränderte Realität und inszenierte
Wirklichkeiten vermischt und die
Frage nach dem Richtig und
Falsch erst gar nicht zu stellen
vermag.
The gesture is what remains when
you are unable to speak, when
the stimulus and the situation exceed all actions, because it is too
strong, too painful, too beautiful
... so one looks for possible abstract expressions of inner feelings. ›Pray to God that he will
send me a bit of genius.‹ - Alberic
Magnard.
Leonard von Thiel studied Law
and was supposed to take over
his father’s chambers. Instead, he
sells tropical fruit on the street
dressed in a colourful outfit in an
attempt to cheer people up. A
Doc-Fiction film that blends unaltered reality with staged truth. It
doesn’t even try to ask about the
right and wrong way of life.
Kristina Paustian, *1985
in Omsk, Russia. Lives
and works in Berlin.
Studies Fine Art and Media at the Berlin University of the Arts.
Eliza Petkova, * in Bulgaria. After school she
moved to Germany, studied and gained a PhD in
Philosophy. She has been
studying Directing at
DFFB, Berlin since 2011.
David M. Lorenz grew up
in Freiburg, and lives
and works in Berlin.
2006 studied Theatre,
Film and Media Studies
in ViennaHas been studying Audiovisual Media /
Directing in Berlin
since 2008
D 2013, Video, 17:47
Director, script
Eliza Petkova
Camera Jakob Krüger
Editing Hannes Marget
Cast Claudia Balko, Michael
Danisch, Kim Schimmler
Distribution Eliza Petkova
D 2012, Video, 14:00
David M. Lorenz
Camera, script, cast
Nicole Y.
Kristina Paustian
D 2013, Video, 6:45
Director, editing, cast
Kristina Paustian
Script Kristina Paustian,
Anna Maysuk
Camera Anna Maysuk
Music Alberic Magnard
Distribution K. Paustian
Eliza Petkova
Entschuldigen Sie bitte
die kurze Störung /
Sorry to interrupt
David M. Lorenz
Die Berliner U-Bahn setzt sich in
Bewegung und eine Stimmer ertönt: ›Meine Damen und Herren,
entschuldigen Sie bitte die kurze
Störung…‹. Die Verkäuferin Nicole Y. der Obdachlosenzeitung
Strassenfeger ist den Blicken aller Mitfahrenden ausgesetzt.
Doch was sieht sie eigentlich?
Ein experimenteller Dokumentarfilm über ihre Sicht und über
die Hoffnung.
The Berlin tube train has just pulled out as a voice resounds: ›Ladies and gentlemen, excuse me
for interrupting…‹ A woman trying to sell a well-known street newspaper. Everybody is watching
the homeless Nicole Y. But what
does she actually see? An experimental documentary about her
point of view and about hope.
107
MEDIA CAMPUS
LEVEL OF EXPECTATION
a recipe for making camera-less
computational video American Style
Jolene Mok
Als Videomacher fällt es mir schwer zu akzeptieren, dass diese kreative Form aufgrund der Verfügbarkeit verschiedenster Hybridtechnologien
mittlerweile so einfach geworden ist. Ich hatte daher den Ehrgeiz, ein Video ohne das ‚Hilfsmittel‘ einer wirklichen Kamera zu machen.
As a video maker, I find it hard to accept that this
creative form has become so easy to engage in due
to the availability of various hybrid technologies. As a
result, I challenged myself to make video without the
‘crutch’ of an actual camera.
Jolene Mok was born and raised in Hong
Kong. Mok earned her M.F.A. in Experimental & Documentary Arts at Duke University in 2013. In 2013 she joined
The Arctic Circle for an Art & Science
expedition sailing across the intl.
territory of Svalbard, an Arctic archipelago just 10 degrees from the
North Pole.
HK 2012, Video, 3:45
Jolene Mok
Distribution Jolene Mok
108
The Gist
Christian Köhne
Ein arrangierter Dialog zwischen einer aus Funk
und Fernsehen bekannten Literaturkritikerin und
einem als Skandalautor gehandelten Schriftsteller.
Mit Camcorder und 8mm Found-Footage-Material
bebildert entsteht daraus eine widerspenstige
Komposition zum Umgang mit der Kunst und
ihrem Schöpfer.
A contrived dialogue between a literary critic of radio
and TV fame and a writer considered to be a ›scandal author‹. With a camcorder and illustrations of
8mm found footage material, a fractious composition emerges about how art and its creator are dealt
with.
Christian Köhne, *1981 in Großburgwedel. Completed his training as an
art therapist in 2008. Started
studyinig at Muthesius Academy of Fine
Arts and Design in 2009, and earned
his M.F.A. this year.
D 2013, Video, 6:57
Christian Köhne
Distribution Christian Köhne
Victory
Meyrick Kaminski
Eine einsame Figur wiederholt eine Geste in mehreren verschiedenen Kontexten. Diese Geste, mit
all ihren ausladenden, komischen und triumphalen
Andeutungen, steht den vielen sich widersprechenden Baudenkmälern Berlins gegenüber. Viele
dieser Baudenkmäler widersprechen sich, sie repräsentieren die Ideologien, die sie geschaffen haben. Heute werden nicht alle diese Baudenkmäler
in ihrem beabsichtigten Kontext geschätzt. Das
wirft interessante Fragen darüber auf, wie sie unterschiedlich betrachtet und genutzt werden können.
A lone figure repeats a gesture in a variety of different contexts. This gesture, with all of its ejaculatory,
comic and triumphal overtones, is juxtaposed
against the many conflicting monuments of Berlin.
Many of these monuments are in direct opposition
with each other. They speak for the ideologies that
created them. Today, not all of these monuments
are appreciated in their intended context. This raises
interesting questions about how they could be used
and viewed differently.
Meyrick Kaminski is a digital media
and performance artist, interested in
questioning how cultural meaning is
generated. After completing a B.F.A.
at the Victorian College of the Arts
in Melbourne, Australia, he moved to
Berlin in 2008. He studies Fine Arts
at the Braunschweig University of Art
under the tutelage of Candice Breitz.
a movie without the picture /
ein manifest für ein theater
ohne publikum
Fanti Baum
Begrüßung des Denkenden auf der Bühne - so formuliert Brecht seinen Versuch das kommende
Theater zu denken. Es treten auf: drei Denkende Wiedergänger - um die Mittel des Theaters zu befragen: rauchend mit rauchenden Köpfen. In einem Film ohne Bild treffen der scharfsinnigste Fragesteller des dt. Fernsehens und eine Philosophin,
die keine sein will, auf Textfragmente, die das herkömmliche Theater abbauen. Und am Ende steht
ein neuer Gedanke im Rauch: ein Theater ohne
Publikum.
Welcoming thinking people onto the stage – this is
how Brecht described his attempt to think about future theatre. The following appear: three thinkers –
revenants – to question the means used by theatre:
smoking with smoking heads. In a film without images, the most sharp-witted interviewer of German TV
and a involuntary philosopher come across fragments of text that have come to dismantle conventional theatre. And at the end, a new thought emerges in the smoke: a theatre without an audience.
Fanti Baum, *1982 in Berlin, is a theatre maker and works between scenic
practice, theory and film.
D 2013, Video, 13:04
Director, script, editing Fanti Baum
Distribution Fanti Baum
D 2013, Video, 1:41
Realisation Meyrick Kaminski
Distribution Meyrick Kaminski
109
MEDIA CAMPUS
LEVEL OF EXPECTATION
Ein Abenteuer /
An Adventure
masturbating in my
rapist(s) clothes
Roland Barthes Text ›Fragmente
einer Sprache der Liebe‹ ist
Grundlage der Arbeit. Eine verdichtete Form des Textes erzählt
eine Liebesgeschichte. Aus
Spielfilmen extrahierte archetypische Figuren werden der Narration folgend geordnet. Die
Szenen funktionieren, von ihrer
ursprünglichen Handlung gelöst,
beispielhaft. Durch die serielle
Verdichtung entstehen vergleichende Tableaus. Ein Versuch,
ein visuelles Vokabular zu schaffen, um eine Liebesgeschichte
zu erzählen,
1. ›I got abused for opening a
door for a lady.‹ 2. ›You just hate
men!‹ 3. ›Why did you walk
down that lonely alleyway?‹
4. ›Well, that's never happened
to me.‹ 5. ›I have a friend who is
a woman and she thinks you are
wrong‹
BULLSHIT! Bingo über Parkbankfield recordings. Von rape culture, victim blaming und anderen
sexistischen Ergüssen.
Olivia von Pilgrim
This work is based on Roland Barthes’ text ›A Lover’s Discourse:
Fragments‹. A compressed form
of the text tells a love story. Archetypal figures extracted from
feature films are arranged in line
with the narration. Detached from
their original storylines, the scenes
work exceptionally well. Comparative tableaux emerge from the serial compression. It is the proposal of a collection of a visual vocabulary for telling a love story.
Olivia von Pilgrim,
*1986, lives and works
in Berlin.
D 2013, Video, 13:21
Realisation Olivia von Pilgrim
Sprecher: Valentin Jeker
Distribution O. von Pilgrim
110
Jennifer Kurbjuweit
1. ›I got abused for opening a
door for a lady.‹ 2. ›You just hate
men!‹ 3. ›Why did you walk down
that lonely alleyway?‹ 4. ›Well,
that's never happened to me.‹
5. ›I have a friend who is a woman
and she thinks you are wrong‹
BULLSHIT! Bingo on park benchfield recordings. Of rape culture,
victim blaming and other sexist
emissions.
Elektra Stoffregen, * in
a smalltownculturekaff,
now living with * and *
in * and under poor conditions, trying to make
art. Or confetti.
D 2013, Video, 6:29
editing Jennifer
Kurbjuweit
Distribution J. Kurbjuweit
Uovo al pomodoro /
Scrambled egg with
tomato sauce
Alice Angeletti
Rührei mit Tomatensauce ist ein
sehr leckeres und einfaches italienisches Gericht. Es schmeckt
am besten, wenn frische Tomatensauce mit dem Ei verrührt
und alles ausreichend gesalzen
wird. Die Zubereitung ist schnell
und einfach. Lassen Sie es sich
schmecken!
Scrambled eggs with tomato sauce is a delicious and easy Italian
dish. It tastes best when fresh tomato sauce is mixed with an egg
and salted to taste. The preparation is fast and easy. Enjoy your
meal!
Alice Angeletti, *1978
in La Spezia, Italy. She
studied Classical Languages and Egyptology in
Pisa and Tübingen. Her
photography training includes courses with Rudy
Pessina in Pisa, Giuliana Traverso in Genoa
as well as with Tilman
Rösch and Gunter Weckwarth-Sänger in Tübingen. She has been studying in the class of M.
Brynntrup and C. Schnitt
at the University of Applied Arts Braunschweig
since 2011.
D 2013, Video, 6:00
editing Alice Angeletti
Distribution A. Angeletti
Bombay
Kathrin Dworatzek
Eine Rolle 16mm sind nur 10 Minuten fließender
Genuss. Schwarz-weiß ich, der Körper meiner
Nachbarn und meiner Kommilitonen gelten als
Container für eine Stimme, welche Bewegungen
unabschließbar macht, damit sie sich in Becken
und Betten schmeißen können. Die Kamera
schmeisst sich bald selber weg vor Lachen, wenn
ich oben stehe, um mehr zu sehen und ein Bild
drehe, welches immerzu ausschließt. Vanessa,
Johnny , irgendwo liegt Liebe rum.
A 16mm reel equates to just 10 minutes of flowing
pleasure. Black-and-white me, the body of my neighbours and my fellow students are a container for a
voice, know which movements render interminable
so that they can throw themselves in pools and
beds. The camera itself soon dies of laughter when I
stand on the top so as to see better but keep filming
an image that incessantly shuts off. Vanessa, Johnny,
somewhere love is lying around.
Kathrin Dworatzek, *1981 in Rastatt,
completed her Abitur in Bielefeld,
Trained as an actress in Hamburg 2008,
guest performances in Lübeck, Lüneburg, Thalia Theater Hamburg, freelance actress for the collective
cobratheater.cobra, has been studying
Film since 2012.
D 2013, Video, 9:06
Kathrin Dworatzek
Camera Benjamin Hassmann,
Kathrin Dworatzek
Distribution Kathrin Dworatzek
4 Grad kaltes Wasser /
Four Degree Water
Gabriel Studerus
Wer trägt die Schuld am Schiffsunglück der Costa
Concordia? In den anonymen Einträgen eines
Blogs entzündet sich eine hitzige Debatte über
Schuld und Verantwortung. Die Rechtsprechung
aus der Sofaperspektive mündet in einem emotionsgeladenen Durcheinander. Im Schlagabtausch
universeller Fragen wird die Katastrophe zur Nebensache.
Who is to blame for the Costa Concordia disaster?
Anonymous entries in a blog are the starting point
of a heated debate on blame and responsibility. It is
an armchair case law that ends in chaos and emotional upheaval, universal issues become more important than the actual accident.
Gabriel Studerus, *1976 in Switzerland. He graduated with a Bachelor of
Arts in Video from Lucerne School of
Art and Design in 2013. Prior to this
degree, he worked as an art teacher,
after having graduated in 2004 from
the Zurich University of the Arts. He
lives and works in Zurich.
CH 2013, Video, 8:03
Director, script Gabriel Studerus
Camera Lukas Gut
Editing Samuel Weniger
Music Andi Bissig
Distribution
Hochschule Luzern, Design & Kunst
111
MEDIA CAMPUS
PERFECTLY OUT OF TIME
Tanz Für Hanz - Eine Hommage
an Hans Fischinger
Thomas Kneffel
Alle tanzen für Hans. Keiner tanzt für Petra oder
Wolfgang. Inspiriert von Hans Fischingers Meisterwerk ›Tanz Der Farben‹, erlernen die Tänzer im Video ›Tanz für Hanz‹ ihre Farben zu wechseln, sich
selbst zu vervielfältigen und in voller Ekstase den
Klängen der Musik hinzugeben. Zu ihrer Freude
stellen die Tänzer fest, dass diese durch ihre Formationen selbst ein Teil des Kosmos werden, den
einst Hans Fischinger geschaffen hat.
Dance For Hans - A Tribute To Hans Fischinger
Everyone dances for Hans. Nobody for Petra or Wolfgang. Inspired by the masterpiece ›Tanz der Farben
(Dance of the Colors)‹ by Hans Fischinger, the dancers of the video ›Dance For Hans‹ learn how to
change their colours and to duplicate themselves.
Full of joy, the dancers realise that they have become part of the great cosmos that Hans Fischinger
once created.
Thomas Kneffel, *1986 in Hanau, has
been studying Film and Animation at
the University of Art and Design in
Offenbach since 2006. Besides studying, he works freelance in motion design and animation.
D 2013, Video, 1:56
animation Thomas Kneffel
Music Sergej Auto
Cast Hannah Dewor, Christoph Bahr, Anja
Arncken, Tina Binder, Annegret Freitag
Distribution HfG Offenbach
112
untitled_7
Daniel Dominguez Teruel
Der Interpret hörte verschiedene Aufnahmen über
Kopfhörer zum ersten Mal und versuchte sie in
Echtzeit zu imitieren. Diese waren: F.T. Marinettis
›La Battaglia di Adrianopoli‹, Russolos ›intona rumori‹ und Stravinskys ›Le sacre du Printemps‹. Zusätzlich las er, ebenso zum ersten Mal, Fragmente
aus Cages ›Lectures on Nothing‹.
The performer heard several recordings via headphones for the first time and tried to imitate them in
real-time. These were: F.T. Marinetti’s ›La Battaglia di
Adrianopoli‹, Russolo’s ›intona rumori‹ and Stravinsky’s ›Le sacre du Printemps‹. Aditionally he read fragments of Cage’s Lectures on Nothing at first sight.
Daniel Dominquez Teruel studied Computer Music and Musicology in Karlsruhe and Barcelona as well as Multimedia Composition in Hamburg. Has presented concerts and installations in
places such as Paris, New York, Hamburg, Barcelona and Shanghai.
D 2013, Video, 4:50
Camera Timmi Davis
Performer Gunnar Brandt-Sigurdsson
Distribution Daniel Dominguez Teruel
Trolley Case
Intelligent Falling
Ein Mann zieht einen Rollkoffer
über die eine Brücke. Wie es
weiter geht? Hören Sie selbst!
Primäre Raumkonzepte entstehen durch die Einführung neuer Ideen
in der städtebaulichen Planung. Eine andere Wiederbelebung des
Millennium-Parks in Zielona Gora, der einst als Friedhof diente,
bringt eine Veränderung, die nach einer öffentliche Umfrage stattfand, in der alle gehört werden mussten. Intelligent Falling ist eine
Betrachtung über das Verwischen von Vergangenheit und die Folgen der öffentlichen Stimme.
Moritz Hüttner
A man wheels his trolley case over
a bridge. What happens next?
Have a listen!
Moritz Hüttner started
studying for a Bachelor
in Photography and Media
at Bielefeld University
of Applied Science in
2009. Embarked on his
Master’s in 2012.
D 2013, Video, 3:52
editing Moritz Hüttner
Cast Gregor Herse
Distribution Moritz Hüttner
Mateusz Fabis
Primary spatial concepts have been arising with the advent of new urban planning ideas. Another revitalisation of Millennium Park in Zielona
Gora, which used to be cemetary, provides transformation, based on a
public consultation where they must all be heard. ›Intelligent Falling‹ is
a reflection on blurring the past and the results of the public's voice.
Mateusz Fabis (pseudonym: Matt Vintsch) completed
high school in Oborniki Wielkopolskie in 2011, then
spent a year abroad working as a sushi chef assistant. After returning to Poland, he embarked on a
degree in Intermedia at the Visual Comunication Department of Poznan University of Arts.
PL 2013, Video, 3:53
Director, script, camera, editing Mateusz Fabis
Distribution Mateusz Fabis
113
MEDIA CAMPUS
PERFECTLY OUT OF TIME
Laufzeit / Runtime
Minimal
Bild und Ton dieser elektrischen Geräte kommen
zusammen in einer rhythmischen Komposition. Separat betrachtet, hat jedes einzelne dieser Geräte
eine eigene Zeit zwischen Aktivierung und Deaktivierung. Werden diese verschieden Phasen des
aktiven Zustands gleichzeitig durchlaufen, scheinen sie zusammen zu arbeiten und kommunizieren. Die ursprünglichen separaten Laufzeiten wurden geändert und eine neue erstellt.
Die große Langeweile. Tag und Nacht gibt es hier
nicht. Nur wache Farben und müde Farben. Morde
passieren hier, wenn die Farben müde sind. Der
Mann ohne Namen hat diesen Auftrag. Er muss
herausfinden wer für die Morde verantwortlich ist.
Ob die Lovecats irgendetwas damit zu tun haben?
Nicolas Gebbe
The recorded sound and image of these electrical
devices come together in a rhythmic composition.
Viewed separately, every single one of these devices
has its own independent time between activation
and deactivation. Going through different parts of
their active state simultaneously, they seem to work
together and communicate. The original separate
runtimes were altered and a new one was created.
Nicolas Gebbe, *1986 in London. He
grew up and lives in Frankfurt am
Main. He has been studying Film at the
Hochschule für Gestaltung Offenbach
(HFG) since 2009.
D 2013, Video, 2:16
Nicolas Gebbe
Distribution HfG Offenbach
114
Alexander Nowak
The great boredom. Day and night do not exist in
the great boredom. There are only awake colours
and tired colours. When the colours are tired, murders take place here. The man without a name has
this mission. He has to solve the murders. Do the
lovecats have something to do with these murders?
Alexander Nowak, *1984. 2008-2010
Studied Experimental Film, class of
Heinz Emigholz/Thomas Arslan,UdK
Berlin. Started studying Art at the
Academy of fine Arts Karlsruhe, class
of John Bock in 2010, and graduated in
2013. 2013/2014 Meisterschüler of John
Bock. Was awarded a scholarship by the
Studienstiftung des deutschen Volkes
in 2011.
D 2013, Video, 25:00
Director, script, editing Alexander Nowak
Camera Benjamin Breitkopf
Music Rene Huthwelker, Alexander Nowak
Cast Matthias Lamp, Christine von
Bernstein, Alexander Nowak,
Julian Bisesi, Thomas Halle,
Simon Bauer, Roswitha & Manfred Nowak,
Frank Wiegard, Martin Heus
Distribution Alexander Nowak
Ketsujiru Juke /
Anal Juke ~anal juice~
Sawako Kabuki
In Japan traten am 11. März wieder und wieder
große Erdbeben sowie Nachbeben auf. Nicht nur
diese Erdstöße, sondern auch die Nuklearkatastophe wurde zu einem der bedeutungsvollen Problemen in unserem Land. Diese Animation basiert
auf einem Traum. Mir wurde das Herz gebrochen
und ich musste über ein neues Thema für meinen
kommenden Film nachdenken. Also nutze ich für
diesen Film meine persönlichen Erfahrungen und
die meines Landes. In dem Hintergrundlied flattert
methaphorisch das Wort ›ass‹.
In Japan, major earthquakes and aftershocks occurred over and over again on 11 March 2011. Not only
earthquakes, also nuclear power was one of the hottest issues in our country. This animation is based on
a dream. I was heartbroken, and had to think about
the theme for my next animation film. So I kind of remixed what I had in my mind. In this song, the word
›ass‹ is fluttering.
WipeOut
Amine Berrada
Trance erleben, einzeln und in einer Gruppe zu
dem Rhythmus der Elektromusik.
Experiencing trance, individually and in a group, to
the rhythm of electronic music.
Amine Berrada, * in Casablanca. He
joined the French film school La Femis
as a cinematographer student in 2009.
WipeOut is his graduate film.
F 2013, Video, 6:59
Director Amine Berrada
Script Vladilen Vierny, Amine Berrada
Editing Vladilen Vierny, Avril Besson
Music James Holden
Distribution Amine Berrada
Sawako Kabuki, *1990, Tama Art University Graphic Design, Tokyo, Japan
J 2013, Video, 02:57
animation Sawako Kabuki
115
MEDIA CAMPUS
SHIFTING ACTIVITIES
Journey Alpha
The Diver
Operation Castle
2D-Animationsprojekt und wahrscheinlich das weltweit erste
nicht-interaktive Videospiel. Der
Held stürzt auf einem einsamen
Planeten ab und stellt fest, dass
er eine Mission zu erfüllen hat.
Eine Mission, die voller Gefahren
und Spannung ist. D. h.: Schießen, Explosionen, Monster,
Schwertkämpfe und vielleicht
ein- oder zweimal Gelächter.
Das seltsame Leben eines Kunststoff-Spielzeug-Tauchers.
Eine linguistische Zusammenfassungen eines Films über die
Kernwaffentestserie ›Operation
Castle‹ von 1954, in dem das
Augenmerk auf die formalen Gestaltungsmerkmale des Films liegen. Der Fokus liegt allein auf
den Bildern, die Narration des
Originals wird nicht berücksichtigt oder kommentiert.
Patrick Poelchau
2D animation film. Probably the
world's first non-interactive video
game. The hero crashes on a desolate planet, to find out that he
has a mission to fulfil, a mission
that's full of danger and excitement. So, basically: shooting, explosions, monsters, sword fighting
and maybe a laugh or two.
Patrick Poelchau, *1985
in Hilden, completed his
apprenticeship at the
motion design company
UnitedSenses in Munich
in 2009, and joined the
Motion Design class at
the Filmacademy BadenWürttemberg in 2010.
D 2013, Video, 5:09
Patrick Poelchau
Music Christian Barth
Baden-Württemberg
116
Damon Mohl
The strange life of a plastic toy
diver.
Damon Mohl, *1974. He is
a filmmaker and multimedia artist. He received his B.F.A. in
Drawing and Painting
from the Pennsylvania
Academy of the Fine Arts
in Philadelphia and his
M.F.A. from the University of Colorado, Boulder.
USA 2013, Video, 13:40
editing, animation
Damon Mohl
Music Various composers
Cast Owen Whiting,
Ella Whiting
Distribution Damon Mohl
Filip Gabriel Pudlo
A linguistic summary of a film about the nuclear test series ›Operation Castle‹ from 1954. The film
focuses on formal aspects and
neglects of the narrative content,
which is only transmitted through
the pictures.
Filip Gabriel Pudlo,
*1976, and graduated
from Warsaw University
of Technology and The
Polish National Film,
Television and Theater
School in Lodz. He lives
and works in Warsaw.
PL 2013, Video, 4:20
Filip Gabriel Pudlo
Distribution
Filip Gabriel Pudlo
May On the Moon
Ein Yoga Video
Blast of Silence
Eine Ikone der Fotografie ist von
den Apollo-Missionen geblieben: Ein Astronaut steht im
gleißenden Sonnenlicht der
Mondoberfläche, seine Hand
berührt stolz die amerikanische
Flagge. Aber es existiert noch
eine fast vergessene mediale Erinnerung: hunderte Filmschnipsel profaner, alltäglich erscheinender Tätigkeiten, die während
des Aufenthaltes auf der Mondoberfläche gemacht wurden.
Ein Mann in Bundeswehruniform
im Wald scheint vorerst nicht
sehr ungewöhnlich (zu sein).
Wenn dieser Soldat jedoch Drillanweisungen von einer professionellen Yogalehrerin erhält,
verspricht dies ein noch nie gesehenes Bild für den Zuschauer
(zu sein).
›Blast of Silence‹ zeigt mit einem
schmunzelnden Blick die Gewalt
der Gefühle verschiedener Actionhelden aus Filmen. Gezeigt
wird hier ausschließlich, was in
den eigentlichen Filmen nebensächlich ist oder gar keine
Beachtung findet. Schwächen
werden sichtbar gemacht an den
sonst stählernen Helden dieser
Filme.
Thadeusz Tischbein
An icon of photographic history
remains of the Apollo missions:
standing in sun light in front of a
lunar landscape an astronaut is
proudly touching the American
flag. But there exists another memory of the events. There are
hundreds of videos on NASA servers showing astronauts carrying
out profane duties, almost from
everyday life, which can be explored freely.
Thadeusz Tischbein,
*1971, has been a freelance graphic designer,
video artist since 1993.
Graduated in Media Arts
from the Academy of Visual Arts Leipzig in
2008.
D 2013, Video, 4:48
Thadeusz Tischbein
Camera Thadeusz Tischbein,
Thomas Taube
Distribution T. Tischbein
Alexander Pascal Forré
A man in the woods dressed like
a German soldier doesn’t seem to
be very unusual at first. However,
when this soldier receives drill instructions from a professional
yoga teacher, it promises to provide the audience with a view never
been seen before.
Alexander Pascal Forré,
*1982 and lives and
works in Cologne. He has
been studying at the
Academy of Media Arts in
Cologne since October
2010. He completed his
training as a Media Designer for Sound and
Vision in 2008.
D 2013, Video, 20:08
editing
Alexander Pascal Forré
Cast Alexander Pascal
Forré, Hannah Brinkmann
Distribution
Kunsthochschule für
Medien Köln
Aurélien Doyen
›Blast of Silence‹ shows the power
of emotions of different action
heroes from several blockbusters.
Presented are marginal aspects
which are not considered in the
actual movies. The strong heroes
are not shown as such but their
weakness becomes visible.
›Blast of Silence‹ is
Aurélien Doyen’s first
film. *1989 in Brussel,
Aurélien graduated from
ERG, visual arts.
B 2013, Video, 7:45
Director,script, editing
Aurélien Doyen
Distribution AJC!
117
MEDIA CAMPUS
WELL, THAT WAS THAT!
Cristina
Claudia Sárkány
Cristina ist eine singende Kellnerin, die davon träumt, allein von
ihrer Musik zu leben. Als sie die
Chance bekommt, einen eigenen Song vorzutragen, legt sie
all ihre Hoffnung in diesen Auftritt.
Cristina is a singing waitress who
dreams of becoming a full-time
musician. When she is given the
chance to perform her own song,
she puts all her hopes into this
one show.
Claudia Sárkány studied
Filmmaking at the Arts
Institute Bournemouth in
England and at the Academy of Media Arts
Cologne in Germany.
D 2013, Video, 19:35
Director, script C. Sárkány
Camera Claire Jahn
Editing Géraldine Rod,
Rami Hamze
Music Claudia Sárkány,
Tom Ashforth
Cast Claudia Sárkány,
Mathias Bleier, Guido
Preuß, Cornelia Kramer,
Elias Stabentheiner, Tom
Ashforth, Daria Wergiles,
Emilia Fischer
Distribution KHM Köln
118
die blase –
das visuelle exposé
Shoko Hara / Arvid Klapper
Wie ist das Leben im Mutterleib?
Ist es dort tatsächlich so geborgen, wie man behauptet? Oder
ist man froh, wenn man endlich
draußen ist? Bedeutet draußen
zu sein wirklich Freiheit? Ein
Kurz-Experimentalfilm über die
Reise von der Befruchtung zur
Geburt.
›amnion - the visual abstract‹
What is life inside a woman's
womb like? Is it as secure and
comfortable as it is said to be? Or
is it a relief to finally be on the outside? Does being outside really
mean freedom? An experimental
short about the journey from fertilisation to birth.
Shoko Hara, *1988 in
Okayama, Japan, has been
living in Germany since
1998. She studied Media
Deisgn at DHBW in
Ravensburg from 2009 to
2012. She is now studying Motion Design the
Filmakademie Baden-Württemberg, which she will
complete in 2015.
D 2013, Video, 3:41
Director Shoko Hara,
Arvid Klapper
Script Shoko Hara, Arvid
Klapper, Jelena Ruzic
Camera Arvid Klapper
Editing Shoko Hara
Baden-Württemberg
Fortune Faded
Alexander Heringer
Jeder Moment führt zu einem
Weiteren. Um also einen Moment zu verstehen, muss man
dessen Geschichte kennen,
denn alles hat eine Ursache und
alles einen Effekt. ›Fortune Faded‹ beschreibt dieses Prinzip
im Flug durch die Momente,
und erzählt die Geschichte einer
schicksalhaften Verkettung, die
in Feuer und Asche endet.
Every Moment leads to another
one. Thus, to understand one moment one has to know about its
background, because everything
has a cause and everything has an
effect. ›Fortune Faded‹ describes
this principle with a journey
through these moments and tells
a story of a fateful concatenation,
that ends up in fire and ashes.
Alexander Heringer,
*1985 in Marktoberdorf.
He trained and worked as
a media designer. He has
been studying Audiovisual Media at Stuttgart
Media University (HdM)
since 2009.
D 2012, Video, 3:11
Director Alexander Heringer
Script Team Fortune Faded
Camera Johannes Krieger
Music David Lackovic
Cast Folkert Dücker,
Sarah Kempin, Stefanie
Kern, Kai Bäuerle
Der blinde Fisch /
The Blind Fish
Denis D. Lüthi /
Nuria Gomez Garrido
( NULL )
David Gesslbauer /
Michael Lange
Oskar und der leidende Jesus, Maria
und ihr leidenschaftlicher Liebhaber,
Paul und die wunderschöne Molina.
Ewige Liebe oder nur eine Einbildung? Dieser surreale Spielfilm gibt
den Blick auf das frei, was oft verborgen bleibt, vereint Unvereinbares und überrascht mit immer neuen
Wendungen.
Eine unbekannte Protagonistin
findet im Nachtleben die Möglichkeit, dem Alltagstrott zu entfliehen und erlebt einen intensiven, audiovisuellen Trip.
Oscar and the suffering Jesus, Mary
and her passionate lover, Paul and beautiful Molina. Is their love true or just
an illusion? Was ›the blind fish‹ not
blind at all or was it just a dream? A
surreal film that reveals what is often
concealed, surprising with ever new
twists.
David Gesslbauer, *1991
in Switzerland, grew up
in Austria. Education at
HTBLVA Ortweinschule
Graz in the field of Audiovisual Media Design.
He has been studying
Editing at the Filmakademie Baden-Württemberg since 2012.
Michael Lange, *1989 in
Kirchheim/Teck. After
school, he completed internships at various
film production firms.
He has been studying Animation at the Filmakademie Baden-Württemberg since 2012.
Denis D. Lüthi, *1980 in
Winterthur (CH). Professional photographer and
cinematographer.
Nuria Gómez Garrido, *1980
in Logroño (E), studied Audiovisual Communication in
Spain. Since 2006 both has
been studying cinematography at University of Television and Film Munich.
D 2013, Video, 20:00
Director Lüthi & Garrido
Script, camera, editing
Denis D. Lüthi
Music Verena Marissa
Cast Isolde Barth, Klaus
Münster, Sebastian
Knözinger, Lilly Gropper,
Herman van Ulzen, Frederik
Schmid
Distribution Denis D. Lüthi
An unknown girl breaks out of her
daily grind by undergoing an intense audio-visual trip.
D 2013, Video, 4:27
Director David Gesslbauer,
Michael Lange
Script, editing Michael
Lange, David Gesslbauer
Camera, music
David Gesslbauer
Animation Michael Lange
Cast Sylvia Bryjok
Baden-Württemberg
Das Katzenjammertal
Ara Jo
Eine Frau schlummert in einem
unendlichen Raum. Sie wacht
auf und schaut sich um. Plötzlich
wird ein Bild vor ihr projiziert.
Während sie das Bild anguckt,
nähert sich eine Katze. Die Katze
gibt ihr einen Schlag auf den
Rücken und die Frau fängt an,
ihr Innerstes zu erbrechen.
A woman dozes in infinite space.
She wakes up and looks around
her. Suddenly, a screen is projected in front of her. While she is
watching the screen, a cat approaches her. The cat hits her back
and she starts throwing up her innermost things.
Ara Jo, *1990 in Daegu,
South Korea, studied Animation at Kaywon School
of Art & Design in South
Korea, and has been
studying Animation at
the Filmakademie BadenWuerttemberg in Germany
since 2012. She started
making short animated
films in 2008.
D 2013, Video, 4:00
editing, animation Ara Jo
Music Anselm Pyta
Distribution Ara Jo
119
MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULPARTNER
Nothing to Hide
Hochschule Osnabrück Media & Interaction Design und Medieninformatik
Die Hochschule Osnabrück zeigt eine Auswahl von Projekten von Studierenden der Studiengänge
Media & Interaction Design und Medieninformatik. Die Projekte beschäftigen sich mit vielfältigen
Perspektiven auf das Thema ›Nothing to Hide‹, kritisch, überzogen, erklärend, humorvoll - und natürlich
interaktiv. Zu sehen und zu spielen gibt es Animationsfilme, Mapping Projekte und installative
Arbeiten. Die Besucher können erleben, was passiert, wenn das eigene Handy erwacht. Sie können ihr
Handy scannen lassen, werden selbst gescannt. Es gibt einen Wald mit einem Reh, einen Poller mit
Eigenleben, einen Raum, der sich verwandelt und gut verständliche Informationen über personalisierte
Werbung und Facebook. Und die Raucher draußen vor der Tür machen illuminativ auf sich aufmerksam.
Nothing to Hide
University of Applied Sciences Osnabrück
Osnabrück University of Applied Sciences presents a selection of projects by students pursuing Media & Interaction Design and Media Information Technology. The projects take all kinds of perspectives on the topic
Nothing to Hide, they’re critical, exorbitant, explanatory, humorous – and, of course, interactive. Animation
films, mapping projects and installation works can be viewed and played with. Visitors can experience what
happens when their mobile phones awake. They can have their mobile phones scanned, and are themselves
scanned, too. There’s a forest with a deer, a bollard with a life of its own, a room that undergoes a transformation, and easily comprehensible information about personalised advertising and Facebook. And the smokers outside, in front of the door, are illuminated, drawing attention to themselves.
Hochschule Osnabrück / D / 2013-2014
For more information visit: medienlabor.hs-osnabrueck.de
120
Die Studiengänge Zeitbasierte Medien B.A./M.A.
Fachhochschule Mainz
Film und Fernsehen, 2D- und 3D-Animation und Interaktives Gestalten – das sind die Schwerpunkte der
Bachelor- und Master-Studiengänge Zeitbasierte Medien. Die Stadt Mainz bildet im Zentrum des RheinMain-Gebiets mit einer ausgeprägten Werbebranche, zahlreichen TV-Auftragsproduzenten und den
Fernsehsendern ZDF, SWR und HR eine herausragende Berufsperspektive für die Absolventen des Studiengangs. Die gestalterische medialen Ausbildung an der FH Mainz basiert heute auf einer fast 20 jährigen Erfahrung mit einem grundständigen Studiengang im Fachbereich Gestaltung.
Das Bachelor-Studium bietet eine umfassende fachliche Basis, die neben einer fundierten Grundlagenvermittlung besonders auch konzeptuelle und gestalterische Kompetenzen entwickelt und fördert. Die
Gliederung in die Bereiche Film, Animation und Interaktion gibt den Studierenden die Möglichkeit, bei
weitgehender Wahlfreiheit innerhalb dieser Angebote, eine klare Profilbildung je nach Interessenlage zu
erreichen. Im 4-semestrigen Master-Studium werden die Studierenden zu eigenständiger, kreativer und
verantwortungsbewusster Anwendung künstlerischer, als auch wissenschaftlicher Erkenntnisse und Methoden, sowie gesicherter praktischer Erfahrungen befähigt, wie sie für die selbständige Ausübung in
Leitungspositionen gestalterischer Berufe heutiger und zukünftiger Fernsehmedien erforderlich sind.
Zentrale Studio-Umgebung ist ein portables HD-Studio mit stereoskopischen Komponenten. Gemeinsam
mit den Fernsehsendern vor Ort, Produktionsfirmen, Werbe- und Webagenturen etc. werden Projekte
entwickelt und möglichst bis zum Pilotprojekt durchgeführt. Ein wichtiges Bindeglied zwischen Industrie
und Hochschule stellt dabei das Institut für Mediengestaltung dar. Dessen jahrelange anwendungsorientierte Arbeit bietet externen Partnern die Gewähr für die erfolgreiche Abwicklung der gemeinsamen Projekte. Unsere Studierenden haben die Möglichkeit, an Forschungsprojekten mitzuarbeiten.
Die hier präsentierten Arbeiten wurden u.a. betreut durch die Dozenten Manfred Große, Stefan Falk,
Viola Löffler, Julian Hermann und die Hochschullehrer Anja Stöffler (Digitale Gestaltung), Tjark Ihmels
(Interaktive Gestaltung), Mike Orthwein (3D-Animation), Egon Bunne (Elektronisches Bild), Olaf Hirschberg (Kamera), Dr. Thomas Meder (Medientheorie), Julia Kühne (Gestaltung), Holger Reckter (Interaktive
Gestaltung ), Holger Schmidthuber (Typografie), Claude Werth (Compositing) und Hartmut Jahn (Film).
Study programs Time-based Media B.A./M.A
Mainz University of Applied Science
Film and television, 2D/3D animation and interactive design – these are the key aspects awaiting students on
the Bachelor and Master's study programmes Time-based Media. The City of Mainz, located in the heart of
the Rhine-Main area with its distinctive advertising industry, numerous television production companies and
television broadcasting companies ZDF, SWR and HR, offers excellent career prospects for graduates of this
study programme. Today, creative media training at Mainz University of Applied Sciences is based on almost
20 years of experience in an undergraduate degree programme in the School of Design.
The Bachelor degree offers a broad professional basis which includes both the acquisition of basic principles
and especially develops and fosters conceptual and creative competence. Classification into the areas of film,
animation and interaction enables students to develop a clear profile in their studies, depending on their
specific interests, whilst choosing freely within these subjects. On the Master's programme, lasting four semesters, students are taught the independent, creative and responsible application of artistic and scientific findings and methods as well as the proven practical experience required for working in management positions
of creative professions for today's and tomorrow's television media. The central studio environment is a portable HD studio with stereoscopic components. In cooperation with local television broadcasting companies,
production companies, marketing and web agencies, and so on, projects are devised and, if possible, developed into pilot projects. The Institute for Media Design constitutes an important link between industry and
the university. Its many years of experience in application-oriented work are a guarantee for external partners
that the joint projects will be a success. Our students are given the opportunity to work on research projects.
The works presented here were supervised by lecturers Manfred Große, Stefan Falk, Viola Löffler, Julian Hermann and university lecturers Anja Stöffler (Digital Design), Tjark Ihmels (Interactive Design), Mike Orthwein
(3D Animation), Egon Bunne (Electronic Image), Olaf Hirschberg (Camera), Dr. Thomas Meder (Media Theory), Julia Kühne (Design), Holger Reckter (Interactive Design), Holger Schmidthuber (Typography), Claude
Werth (Compositing) and Hartmut Jahn (Film), amongst others.
http://imgblog.fh-mainz.de/
121
MEDIA CAMPUS
FH MAINZ INSTALLATIONEN
Leise ist nicht Klein
Orm Finnendahl, Tjark Ihmels,
Gerhard Müller-Hornbach
Macintalk A Mac in dialog with itself
Erik Freydank & Kevin Röhl
Das neuste Projekt der Reihe Visualisierte Musik,
das bereits zum achten Mal stattfindet, hat das diesjährige Motto ›Leise ist nicht Klein‹. In Kooperation mit der Musikhochschule Frankfurt haben die
Studierenden des Studiengangs Mediendesign
der FH Mainz Visualisierungen zu fünf instrumentalen Solo- bzw. Duo-Werke des 20./21. Jahrhunderts kreiert.
Im medienkritischen Experiment geben wir einem
Computer Persönlichkeit und menschliche
Attidu¨de. Tim Macintalk kommuniziert u¨ber die
interne Sprachausgabe und -erkennung mit sich
selbst, sowie der Außenwelt und fu¨hrt automatisiert menschliche Arbeitsvorgänge aus, indem er
Mails schreibt, Programme nutzt und soziale Netzwerke betritt.
Quiet is not small – sound visualisation. The latest
project in the Visualised Music series, taking place
for the eight time, bears the motto ›Quiet is not
small ‹ this year. In cooperation with the Musikhochschule Frankfurt, students on the Media Design degree programme at Mainz University of Applied
Sciences created visualisations to five 20th/21st century instrumental solo or duo works.
Within a media critical experiment, we transfer personality and human attitude to a computer. Tim Macintalk is communicating with itself and its environment via internal functions of voice response and
speech recognition. Therefore Tim is simulating human workflows such as writing e-mails, using programs and entering social networks.
Led by: Professor Orm Finnendahl (HFMA),
Professor Tjark Ihmels (FH Mainz) and
Professor Gerhard Müller-Hornbach
(HFMA).
Erik Freydank, *1990 in Lutherstadt
Wittenberg. He studied Time-based Media at Mainz University of Applied
Sciences and ArtEZ — Institute of the
Arts graduating in January 2014.
Kevin Röhl, *1991 in Aachen. Studied
Media Design in Mainz, with a one-semester exchange to Swinburne University in Melbourne. Graduated in January
2014.
Installation / D / 2012
122
Stimmmaler – Paint with your Voice
Rearranging THX-1138
Die interaktive Installation wurde erstmals 2013 auf
dem Wissenschaftsmarkt in Mainz gezeigt und lässt Besucher mit ihrer eigenen Stimme auf einer
projizierten Leinwand malen. Dabei interagiert der
Besucher mit einem augmentierten Megaphon,
das den Pinsel auf der virtuellen Leinwand steuert.
Gleichzeitig nimmt es auch die Sprache auf und
beeinflusst damit sowohl Farbe als auch Strichstärke des Pinsels.
Rearranging THX-1138 ist ein interaktives, audiovisuelles Projekt, das den gleichnamigen Spielfilm
von George Lucas von 1971 (siehe Seite 91) benutzt, um die immanente musikalische Struktur des
Werks durch rhythmisches Neuarrangieren einzelner Elemente neu erfahrbar zu machen. Der Film
wird in kleine Teile geschnitten und mithilfe eines
Sequencers werden Bild und Ton synchron neu zusammen geführt. In diesem Zuge gestaltet Cornelius Koch einen Workshop zur Klangvisualisierung,
der sich thematisch mit dem Motiv des Überwachens auseinandersetzt. Durch externe Controller
wird ein direkter, intuitiver Zugang zur Software ermöglicht.
The interactive installation ›Stimmmaler – Paint with
your Voice‹ was first presented at Mainz Christmas
Market in 2013. It invites visitors to paint onto a projected screen with their own voice. In doing so, the
visitor interacts with an augmented megaphone that
controls the brush on the virtual screen. It simultaneously records the voice, influencing not only the
colour but also the thickness of the stroke.
Mainz / D / 2013
Idea and conception: Benjamin Böhm;
technical transfer: Julian Hermann;
creative advice: Tim Rizzo, Producer
IMG: Manfred Liedtke; artistic
direction: Prof. Anja Stöffler, Jochen
Huber (MIT Media Lab, USA und Singapore
University of Technology and Design)
http://stimmmaler.wordpress.com
Cornelius Koch
›Rearranging THX-1138‹ is an interactive audiovisual
project that uses the 1971 (see page 91) feature film
of the same name by George Lucas to enable participants to experience the immanent musical structure of the work in a new light by rhythmically rearranging single elements. In this context, Cornelius
Koch will host a Workshop on sound visualisation,
which will explore the motif of surveillance. Direct,
intuitive access to the software programme will be
facilitated via external controllers.
Cornelius Koch, *1988 in Berlin, is a
filmmaker, sound designer and musician. Having completed a Bachelor in
Film Studies and Philosophy, he is now
studying for a Master’s in Time-based
Media at Mainz University of Applied
Sciences.
123
MEDIA CAMPUS
FH MAINZ FILM / VIDEO
7 Köpfe für den Henker
Misguided
Vier Freunde begeben sich auf einen Wanderausflug. Hierbei tun sich nicht nur persönliche Abgründe auf, auch erwecken sie versehentlich einen
Henker aus dem finsteren Mittelalter zu neuem Leben. Dieser beginnt sogleich wieder mit der Arbeit
und schlägt jeden Kopf ab, der ihm vors Richtschwert kommt.
In dem Kurzfilm sitzen Wolle und Knut auf ihrer
Lieblingsparkbank, natürlich mit ein paar Bier. Sie
quatschen über Frauen, missverstandenen
Berührungen und Gefühle. Dummerweise werden
aber ihre Signale auch missverstanden.
Lukas Rinker
Four friends set out on a hiking trip. In the process,
not only personal abysses open – they also accidentally revive an executioner from the grim Middle
Ages. He immediately takes up his work again, chopping off each head that gets in the way of his executioner’s sword.
Regie Lukas Rinker
Darsteller Claudia Plöckl, Christian
Ihringer, Wolfgang Zarnack, Christian
Furrer, Dorothee Kahler, Michael Hain,
Oliver Wronka, Egon Bunne, Jannik Görger
www.lukasrinker.de
124
Lukas Rinker
In this short film, Wolle and Knut are sitting on their
favourite park bench with a few beers, of course.
They chat about women, and misunderstood touches and feelings. Unfortunately, however, their signals are also misunderstood.
2012, Video, 5:00
Buch und Regie Lukas Rinker
3D & Compositing Felix Schuch
Kamera Andreij Ktitarev
Schauspiel Jannik Görger
Wanderlust
Understand Music
Ein animiertes Musikvideo für die Band SIR TOBY.
Abgenabelt vom Vertrauten machst du dich auf in
die Fremde um das Fürchten zu lernen. Ein gespenstiger Wald mit unbekannten Kreaturen tut
sich vor dir auf und verschluckt dich. Du gerätst
von einer Gefahr in die nächste. Nur um festzustellen, dass du am Ende wieder bei dir selbst ankommst, denn erst in der Wildnis wirst du lebendig.
Der experimentelle Animationsfilm visualisiert die
unterschiedlichen Facetten der Musik. Die Arbeit
verbindet die Liebe zur Musik mit der zum bewegten Grafikdesign, sowohl thematisch als auch audiovisuell. Das Setting entspricht der Aufsicht auf
ein Schriftstück, das gleichermaßen als Lehrbuch
über Musik, sowie als kodierendes Notenheft interpretiert werden kann.
Jasmin Becela
An animated music video for the band SIR TOBY.
Having cut the cord from the familiar, you go out
into the unknown in order to learn about fear. A
ghostly forest with unknown creatures springs up in
front of you and swallows you up. You go from one
danger to the next. Only to realise that you have ended up with yourself again. After all, ›you only become alive in the wild‹.
Florian Geyer
The experimental animation film visualises the different facets of music. The work unites the love of music with that of moving graphic design – both thematically and audiovisually. The setting corresponds to
the supervision of a document that can equally be
interpreted as a music textbook and as a coding music book.
www.finally-studio.com
www.becela-design.de
125
MEDIA CAMPUS
Red Factory
Arkady Kravchouk
Der Animationsfilm des israelischen Ausstauschstudenten Arkady Kravchouk ist inspiriert von
einem Stück der Industrial-Band
Coil. Es wird ein ironischer Blick
geworfen auf industrielle Abläufe und Produktionsprozesse, auf
den Sinn oder die Sinnlosigkeit
des Seins geworfen.
The animation film by the Israeli
exchange student Arkady Kravchouk was inspired by a piece of
music by the industrial band Coil.
An ironic view is given of industrial sequences and production processes, the sense or senselessness
of being.
2013, DCP, 4:00
Regie Arkady Kravchouk
126
Schwarze Schafe
Tamar Inasaridze /
Maria Kirch
Philanthrop
Konstantin Enste
Der Dokumentarfilm zeigt eine
Realität in mittelgroßen deutschen Städten, wie z.B. Mainz, in
der sichMenschen finden, die ihr
Leben hauptsächlich auf der
Straße verbringen. Wie konnte
es dazu kommen und wie sieht
ihr Alltag aus?
Was tut man gegen Einsamkeit?
Man ist für die da, die noch einsamer sind. Der Kurzfilm Philanthrop erzählt die Geschichte eines Einzelgängers, der sich um
diejenigen kümmert, die von der
Gesellschaft vergessen worden
sind.
The documentary film pursues a
reality in medium-sized German
cities such as Mainz where people
can be found who spend much of
their lives on the streets. How did
it come to this, and what does a
normal day in their lives involve?
What does one do to fight loneliness? One is there for others
who are even lonelier. The short
film Philanthrop tells the story of a
loner who cares for all those who
have been forgotten by society.
D / 2013, Blue-ray, 6:00
OmeU
2013, Video, 6:00
Regie Konstantin Enste
Krampf
Konstantin Enste
Der Film erzählt die Geschichte
von Lukas, der mit einem Wohnwagen im Schlepptau durch die
Lande fährt und dabei die Anhalterin Anna aufgabelt. Ihr erklärt er, dass er auf dem Weg zu
Freunden ist, mit denen er einen
Roadtrip starten will. Durch einen kleinen Zwischenfall werden
die beiden allerdings unplanmäßig aneinander gebunden Lukas steckt in einer gehörigen
Zwickmühle.
The film tells the story of Lukas
who, with a caravan in tow, travels
through the country and picks up
hitchhiker Anna. He explains to
her that he is on his way to join
some friends who he wants to set
out on a roadtrip with. Due to a
minor incident, however, the two
are unwittingly bonded together –
Lukas is in a real quandary.
Kleinstadtleben
Johannes Furrer /
Timo Dicke
Der Film porträtiert die Stadt
Mainz als Miniaturdarstellung im
Zeitraum eines Tages von 0:00
bis 24:00 Uhr.
The film portrays the City of
Mainz in miniature in the space of
a day from 0:00 to 24:00.
2012, 4:00, DigiBeta, 3D
Film
Team Kseniya Flitschew,
Felix Schuch, Daniela Ulm
Droplets
Simon Fiedler
Droplets entstand als Diplomarbeit von Simon Fiedler. Konzept,
Animation, Visual Effects und
Produktion wurden durch Simon
Fiedler durchgeführt. Die Musik
stammt von Ben Krahl und Daniel Mauthe.
Droplets was created as Simon
Fiedler‘s Diplom piece. Simon
Fiedler was responsible for the
concept, animation, visual effects
and production. The music was
produced by Ben Krahl and Daniel Mauthe.
2011, 2:45
Konzept, Animation, Visual
Effects, Produktion
Simon Fiedler
Musik Ben Krahl,
Daniel Mauthe
127
MEDIA CAMPUS
Shopping Tour
Vera Zimmermann / Christian
Emmerke / Alexander Meier
Die wunderbaren Schauspieler
Maja Beckmann - bekannt aus
Stromberg - und Jan Sosniok bekannt aus BerlinBerlin und
Danni Lowinski - sind zu einem
gnadenlosen Kampf im Supermarkt gezwungen, um den Ort
des Überflusses verlassen zu
können. Doch die Produkte dieses Paradieses machen sich
selbständig, geben ihre besonders schädlichen Geheimnisse
preis. Aus diesem Labyrinth
kann nur ein Produkt herausführen...
The fantastic actors Maja Beckmann – known from Stromberg –
and Jan Sosniok – known from
BerlinBerlin and Danni Lowinski –
are forced into a fierce battle in
the supermarket so that they can
leave the place of surplus. But the
products within this paradise take
on a life of their own, revealing
their particularly harmful secrets.
Only one product can lead the
way out of this labyrinth...
2013, Video, 15:00
Buch und Regie Alexander
Meier, Vera Zimmermann
Kamera Christian Emmerke
Produktion Meier / RaumTV /
FH Mainz,
128
Hurdy Gurdy
Daniel Seideneder /
Daniel Pfeiffer
Eine Welt, gefangen wie in einer
Drehorgel, die immer wieder
von neuem ihr Lied zu spielen
beginnt. Im gemeinsamen Produktionsworkshop der Baltic Media School Tallinn und der FH
Mainz in Tallinn entstand der
Film ›Hurdy Gurdy‹.
A world, seemingly captured in a
hurdy gurdy, that keeps on playing its song, again and again. The
film ›Hurdy Gurdy‹ was created in
Tallinn at the joint production
workshop of the Baltic Media
School Tallinn and Mainz University of Applied Sciences.
Rette sich wer kann
Susanne May
Rettungssanitäter Schmidt und
sein Zivi haben sich eine Menge
Ärger bei ihrem Vorgesetzten
eingebrockt. Der nächste Einsatz
muss reibungslos laufen. Doch
den Beiden kommt eine Fliege
dazwischen. Als letztlich ein Defibrillator als Waffe zum Einsatz
kommt, wird es ernst. Eine Kurzfilm-Komödie mit Timo Dierkes,
Pit Bukowski und Klaus Schindler
über Kameradschaft, ungleiche
Gegner und unangemessene
Waffen.
Paremedic Schmidt and his civilian service assistant have got into
big trouble with their superior.
The next mission must not fail.
But a fly gets in their way. When at
last a defibrillator is deployed as a
weapon, the situation gets pretty
serious. A short comedy with
Timo Dierkes, Pit Bukowski and
Klaus Schindler about comradeship, unequal opponents and inappropriate weaponry.
2013, Video, 00:15
Drehbuch Daniel Seideneder
Kamera Harald Capota
Schnitt David Fabra
Darsteller Timo Dierkes,
Pit Bukowski, Klaus
Schindler
Produzentin Susanne May
http://seideneder.com/
What I Can Never Express
Traumfabrik
Ein junger Mann ist zur Ausrichtung eines steifen
Abendessens verdammt. Der Gedanke daran ist
ihm unerträglich. Edgar ist ein Gefangener in seinem eigenen Haus. Die Sehnsucht nach der Natur
bestimmt sein Denken, Einfallsreichtum bestimmt
sein Handeln. Er muss einen Weg finden, in den
unliebsamen Gästen den Wunsch zu wecken, von
sich aus das Haus zu verlassen. Das Gedicht ›There
Is a Pleasure‹ in the Pathless Woods von Lord George Gordon Byron ist Inspiration und zugleich Bestandteil dieses Filmes.
Verzweifelt ob der Unfähigkeit seine Ernährung sicherzustellen, reift in einem Vampir die Idee heran,
seinen Vorbildern aus Hollywoods Traumfabrik
nachzueifern. Die Klassiker der Filmgeschichte sollen ihm als Vorlage dienen, um bei seiner Auserwählten endlich zum Biss zu kommen.
Walter Stöhr
A young man is condemned to host a stiff dinner
party. He cannot bear the thought of it. Edgar is
trapped in his own home. A yearning for nature determines his thinking, ingenuity determines his actions. He must find a way to arouse a desire in his
unwelcome guests to leave the house of their own
accord. The poem There Is a Pleasure in the Pathless
Woods by Lord George Gordon Byron inspired this
film, and is also part of it.
Walter Stöhr
In despair about his inability to secure sufficient
food, a vampire has the idea of emulating his role
models from Hollywood‘s dream factory. The classics
of film history will show him how to take a bite from
his chosen ones.
Musik Tom Fahy
129
MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULPARTNER
-1/MinusEins/Experimentallabor
Kunsthochschule für Medien Köln
Das -1/MinusEins/Experimentallabor wurde 2007
mit Studenten und Mischa Kuball an der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) gegründet. ›Urban stage‹ untersucht in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen mit dem studentischen
Format -1/MinusEins. Leerstand und architektonische Fülle, Non-sites und institutionelle
Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu
beschrieben werden. Künstlerische Intervention,
sowie Aspekte des Performativen sollen methodisch zur Anwendung kommen. Konkrete Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt
und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen umgesetzt werden. Eine kontinuierliche Besprechung einzelner studentischer Projekte
wird ebenfalls angeboten.
-1/MinusEins/Experimental laboratory
Academy of Media Arts Cologne
The -1/MinusEins/Experimentallabor was founded
by students and Mischa Kuball at the Media Arts
Academy Cologne in 2007. 'Urban stage' uses practice to explore the issue of urban installations and
socio-political structures using the student format 1/Minus Eins/experimental lab. Vacancy and architectural richness, non-sites and institutional frameworks are analysed and rewritten. Artistic interventions and methodological aspects of the performative
are used. Concrete project ideas are developed in
seminars and implemented in specific exhibitions
and collaborative projects. Seminars also act as a
platform for discussing individual student projects.
Mobile Botschaft Kompostaat
Johannes Jensen
Am 3. September 2011 wurde in Mönchengladbach der Staat ›Kompostaat‹ gegründet, dessen
Idee u.a. die Autonomie und Selbstversorgung ist.
Der Gedanke des ›Kompostaats‹ lebt an verschiedenen Orten in Form von Botschaften fort. Die Besucher können sich dort einen Pass ausstellen lassen und erhalten so eine weitere Staatsbürgerschaft mit achtundneunzigjähriger Gültigkeit. Bisher wurden Botschaften in Hohenlockstedt,
Karlsruhe, Düsseldorf, Kornelimünster, Köln, Bochum und Osnabrück eröffnet, weitere sollen folgen.
The state of ›Mobile Embassy Kompostaat‹ was founded in Mönchengladbach on 3 September 2011.
One of the ideas behind it was to foster autonomy
and self-sufficiency. The idea of the › Kompostaat‹ lives on at various places in the form of messages. Visitors can have a passport issued there, enabling
them to gain an additional nationality that is valid for
98 years. So far, embassies have opened in Hohenlockstedt, Karlsruhe, Düsseldorf, Kornelimünster,
Cologne, Bochum and Osnabrück, with others to
come.
http://minus1.khm.de/current/
Johannes Jensen, *1981 in Hamburg
studied at the Art Academy in Düsseldorf, post-graduate at the Academy of
Media Arts in Cologne. Before studying, he worked as an Industial Electrician for special-purpose machinery.
Cologne / D / 2013 – 2111
Wood, tires, desk, flags, globe,
typewriter, stamps, machine gun
1,2m x 2m x 2m
www.johannes-jensen.de
130
Paranoides Zuhause
Paranoid Home
Vinylactites
Vinylagmites
Gleichzeitige Ebenen
Simultaneous layers
Das Paranoide Zuhause ist ein
idealer Ort für Menschen mit besonders hohem Sicherheitsbedürfnis. Aus kleinen Luken des
aus Pentagonen bestehenden
Dodekaeders ragen Gewehrläufe heraus – eine Verteidigung in
alle Richtungen ist jederzeit
möglich. Ob das Paranoide Zuhause bewohnt ist oder nicht,
bleibt offen – das Licht der Flutscheinwerfer brennt zu jeder
Tages- und Nachtzeit. Entworfen
wurde das Paranoide Zuhause
für eine Ausstellung auf dem
Gelände der ehemaligen amerikanischen Botschaft in Düsseldorf.
Vinyl-Schallplatten sind zu Hunderten übereinander geschichtet. Zu jeder Platte gibt es eine
Audio-Datei als klangliches Pendant. Ein riesiges skulpturales
Klang-Archiv, das Musik und
Rauschen neu strukturiert. Die
Platten wurden in einer d.i.y.CNC-Fräse bearbeitet: Die ›technofaktur‹ kann während des Fräsens, deren Klang per optischen
Tonabnehmer aufzeichnen.
Über eine Dauer von 10-Sekunden zeichneten Körper-Scans
menschliche Bewegungen auf.
Diese Daten wurden für den
3D-Druck aufbereitet, jedoch
nur in einem 2D-Print realisiert.
Die Abfolge der Bewegung löst
sich dabei in der Gleichzeitigkeit
aller Ebenen auf.
Johannes Jensen
The Paranoid Home is the perfect
place for people in great need of
safety. Gun barrels protrude from
small hatches of the dodecahedron – enabling defence in all directions at any time. We cannot
tell whether or not somebody lives in the Paranoid Home – at
least the beams of the floodlights
are illuminated all day and night.
The Paranoid Home was created
for an exhibition on the grounds
of the former US Embassy in Düsseldorf.
Jens Standke
Vinyl records are layered by the
hundreds as stalactites and stalagmites. Each single record has
an audio file as its counterpart.
Huge sculptural sound archives
which arrange music and noise in
a completely new way. All the records were processed in a DIY
CNC milling machine: the ›technofaktur‹ is able to record sound
while milling the vinyl records.
Cologne / D / 2013
Installation
www.jens-standke.de
Jens Standke
For a period of 10 seconds, a 3D
body scanner captures human
movements. This data was prepared for 3D printing, but is only
realised as a 2D print. In the process, the sequence of the movement is disintegrated in the simultaneousness of all layers.
Jens Standke, *1982 in
Georgsmarienhütte, studied at the Academy for
Media Arts Cologne 20082013. His works concentrate on analysing the
process of recording and
its reproduction. Lives
and works in Cologne.
Cologne / D / 2014
Installation
www.jens-standke.de
Cologne / D / 2011
Material: Wood, metal,
Tarpaint, searchlight,
steel cables
2m x 4m x 2m
www.johannes-jensen.de
131
MEDIA CAMPUS
AUSSTELLUNG
Der Entschleunigerhelm /
The Decelerator Helmet
Lorenz Potthast
›Der Entschleunigerhelm‹ bietet eine Wahrnehmung der Umwelt in Zeitlupe. Der Fluss der Zeit
als unveränderliche Konstante wird durchbrochen
und der Kontrolle des Nutzers unterstellt. Der
Helm funktioniert als eine Reflektionsblase in der
die Beziehungen zwischen Wahrnehmung, Umwelt
und Körperlichkeit verhandelt werden.
›The Decelerator Helmet‹ offers a perception of the
world in slow motion. Floating time as an apparently
invariant constant is broken and subject to the user’s
control. The helmet works as a ›reflection bubble‹ in
which the relations between sensory perception, environment and corporeality are disputed.
Lorenz Potthast, *1990, Achim, is a
designer with an artistical approach
and a technological interest. He
prefers working in an interdisciplinary, conceptual manner, and likes to
question what exists, rethink it, or
use it in a new context. He is fascinated by simple ideas and pretty much
everything else. At the moment, he is
studying Integrated Design at the University of Arts in Bremen.
Bremen / D / 2012
Installation
www.lorenzpotthast.de/me/
132
Evolution of Silence
Matthias Lohscheidt
›Evolution Of Silence‹ schafft eine virtuelle Umwelt,
in der künstliche Kreaturen existieren, die jeweils
einen genetisch festgelegten Ton von sich geben
können. Diese Kreaturen, jede sichtbar als Lichtstrahl in einer holographischen Projektion, erzeugen durch die evolutionäre Entwicklung ihrer Population eine sich selbst harmonisierende Klanglandschaft.
›Evolution of Silence‹ portrays a virtual world populated by artificial sonic creatures. Each creature produces a tone defined by its DNA. These creatures, visually represented by beams of light inside a holographic projection, procreate driven by an evolutionary algorithm. Thus the sonic population evolves in
a self-harmonising soundscape.
Matthias Lohscheidt, *1986 in Cologne.
Has been studying at Augsburg University of Applied Sciences since 2009.
Bachelor in ›Interactive Media‹ / Master in ›Design- & Communication
Strategies‹.
Augsburg / D / 2013
Mixed Media Installation
Klanglicht / Sound light
Machar (*Mosquito)
Die interaktive Installation ›Klanglicht‹ versucht
eine Verbindung zwischen dem Analogen und Digitalen herzustellen und befasst sich mit der Transformation, sowie Manipulation von Daten. Dabei
durchläuft das Medium (hier Sound) unterschiedlichste Aggregatzustände. Die Arbeit besteht aus
mehreren Leuchten, die jeweils ein spezifisches
Klangbild besitzen, und einer zentralen Station.
Machar untersucht die Komplexität der menschlichen Interaktion über den Bildschirm. Im Rückblick
auf die jüngsten Berichte über PTSD (Posttraumatische Belastungsstörung) unter Flugdronenpiloten,
hinterfragt die Arbeit wie wir andere Menschen auf
dem Monitor wahrnehmen. Die Künstlerin zeigt
uns den voyeuristischen Blick der Piloten auf die
Welt und demonstriert damit die Komplexität des
Eingriffs und die affektiven Reaktionen auf das,
was auf dem Screen zu sehen ist.
Philipp Kliem
The interactive sound installation ›sound light‹ attempts to connect the analog and the digital. It deals with the transformation and manipulation of data.
The medium (in this case sound) passes through a
wide variety of physical states. It consists of various
hanging lamps and a base station. Each of the
lamps contains its own particular sound or noise,
which are transmitted over the respective light of the
lamp.
Philipp Kliem, *1984 in Frankfurt
a.M., he studied Design from 2006 to
2012 at the University of Arts and Design Offenbach.
2012, University of Arts and Design
Offenbach
Further information, visit:
www.philippkliem.de
Sissel Marie Tonn
Machar investigates the complexities of human interaction as mediated through a screen. Reflecting
upon recent reports on PTSD among drone operators, the work questions how we perceive others
when they are mediated through a screen. The artist
re-enacts the voyeuristic and mundane viewing of
the operators and thus investigates the complexities
of the engagement and affective reactions to what is
displayed on the screen.
Sissel Marie Tonn is a Danish artist
studying Artistic Research at the Royal Academy of Art, The Hague. Her
practice inquires into social interactions through artworks that examine
the subjective experience of others.
2013, RAA The Hague
2 screen video projection - Zoetrope steel, plywood, paper
133
MEDIA CAMPUS
AUSSTELLUNG
The Shy Camera
Scanner Lines
Seit 2007 reichte Gregor Kuschmirz das Konzept
seiner schüchternen Kamera bei künstlerischen Institutionen ein, aber erst 2013, im Jahr der großen
Überwachungsskandale, war die Arbeit in der Ausstellung ›Vergüenza‹ in La Casa Encendida in Madrid erstmals zu sehen. Eine CCTV-Kamera hängt
von der Decke herab. Sie wendet sich stets von
Menschen ab. Kann sie sich diesen einmal nicht
entziehen, unterbricht sie das Videosignal, das auf
einem Monitor in der Nähe übertragen wird.
Die für den Turm modifizierte Installation ›Scanner
Lines‹ rückt den Betrachter ins Zentrum, der mit
seinem Spiegelbild und Schatten konfrontiert wird:
Während weiße Lichtlinien sowohl den Menschen
als auch die Umgebung zu scannen scheinen. Begleitet von maschinellen Sounds, konstruieren abstrakte Formen eine sich kontinuierlich wandelnde
Komposition, die sich immer wieder auflöst und
neu formiert.
Gregor Kuschmirz
Gregor Kuschmirz has been submitting his concept
of the shy camera to art institutions since 2007, but
first got the chance to instal it in 2013 as part of the
exhibition ›Vergüenza‹ at La Casa Encendida in
Madrid. A CCTV cam is mounted from the ceiling. It
turns away as people come close to it. Whenever it is
unable to escape from ›seeing‹ people, it interrupts
the video signal, which is transmitted to a monitor
nearby.
Gregor Kuschmirz, *1978 in Stuttgart,
studied at Fachhochschule München, and
Filmakademie Baden-Württemberg. His
works have been exhibited at La Casa
Encendida, Madrid, at Centre Pompidou,
Paris, and at Shanghai Art Museum.
Stuttgart/Madrid, 2007/2013
Interactive installation, mixed media
Materials: observation camera, motion
sensors, and various electronic
mechanical components, monitor
http://www.kuschmirz.com
134
Tim Roßberg
The installation called ›Scanner Lines‹, modified for
exhibition in the tower, lets the observer take central
stage. He is confronted with his reflection and shadows, whilst white lines of light appear to scan both
the person and his environment. Accompanied by
mechanical sounds, abstract forms construct an everchanging composition that keeps on disintegrating
and reforming.
Tim Roßberg, *1987, Osnabrück, Germany, studies Art and Frensh. Lives
and works in Osnabrück. Solo/Group Exhibitions in Osnabrück, Schöppingen,
Hamburg, Lille (FR), Metz (FR).
Material: 100 litres of water, pond foil,
steal platform, 180 degree projection
screen, Video projection
http://timrossberg.blogspot.de
Smile
Waxed
Bei der Selbstüberprüfung seiner Künstlerrolle bedient sich Walenzyk der Maskerade, dem Überzeichnen, der Verwandlung. Langsam, Strich für
Strich, vollzieht sich in diesem performativen Akt
die Transformation von einem natürlichen Antlitz,
hin zu einer erstarrten, abstrakten, künstlichen
Maske.
Sein eigenes Gesicht taucht Markus Walenzyk immer wieder in flüssiges Wachs und lagert so
Schicht für Schicht eine Wachsmaske an, die ihm
das Atmen erschwert und sein Äußeres verändert.
Nach und nach entsteht ein neues Porträt-Bild des
Mannes, das sowohl an eine Totenmaske als auch
an ein zeitloses marmornes Abbild einer klassischen antiken Figur erinnert.
Markus Walenzyk
At the self-check of his artist role, Walenzyk makes
use of mascarade, overstating, transformation. Line
by line with plaster and brush, with black and white,
reduced to the essential means of expression, in this
performance the natural countenance slowly emerges.
Mainz, 2011, Videoinstallation
Markus Walenzyk
While dipping his face into liquid wax, Markus Walenzyk is building up a mask, layer by layer. The wax
layering on his face changes his appearance and
makes it more and more difficult for him to breath.
Gradually, a portrait of a man arises that is reminiscent of a death mask as well as a timeless marble
image of a classic ancient figure.
Markus Walenzyk, *1976 in Wiesbaden.
Studied Media Arts at KHS Mainz from
2009 to 2013 and Media Design at Mainz
University of Applied Sciences from
2003 to 2008. Degree: Dipl. Medien-Design.
Mainz, 2013, Videoinstallation
135
EXHIBITION
WE, THE ENEMY - LEBEN UNTER VERDACHT
We, The Enemy
›We, the Enemy‹, der Titel des thematischen Schwerpunkts des EMAF 2014 und seiner Ausstellung ist
dem einleitenden Satz der amerikanischen Verfassung ›We the People of the United States ...‹ entlehnt,
die bereits 1789 mit ›The Bill of Rights‹ einen Katalog der Grundrechte formuliert und garantiert hat. Diese Grundrechte sind in den letzten Jahren stark herausgefordert worden, seit bekannt geworden ist, dass
staatliche und wirtschaftliche Institutionen flächendeckend in private und öffentliche Räume eindringen.
Dem Schutz der Grundrechte ist der Generalverdacht gewichen.
Mit der Ausstellung umkreist das Festival die seit den ersten Edward-Snowden-Unterlagen immer wieder
mit neuen Veröffentlichungen gestützten Diskussionen um das Themenfeld ›Surveillance und Big Data‹.
Dabei wird die Ambivalenz des Themas durchaus verhandelt, denn eine Gesellschaft wird kaum ohne
Gewährleistung einer zivilen Ordnung und die Verhinderung von Straf- und Gewalttaten auskommen.
Auffallend ist allerdings die Vielzahl und Bandbreite der künstlerischen Positionen, die sich mit der, alle
Grenzen überschreitenden, digitalen Überwachung auseinandersetzen und die Beziehungen zwischen
Macht, Wirtschaft, Kunst, Individuum und gesellschaftlichem Leben nicht erst in der jüngsten Vergangenheit intensiv betrachten. Aktivistische Widerstandsformen, humorvolle Vorschläge zum Versteck-Spiel,
Aktionen des zivilen Ungehorsams oder künstlerische Interventionen im Überwachungsraum sind ebenfalls Positionen der Ausstellung. Insgesamt ist die Auswahl aus der Motivation entstanden, sich eher assoziativ und differenziert den oben genannten Themenbereichen zu nähern, diese aber dennoch mit der
künstlerischen Praxis zu konfrontieren oder zu kontextualisieren.
So widmen sich einige Künstler und Künstlerinnen dem Themenbereich der Überwachung und DatenAbschöpfung - dieses allerdings ohne die in jeder Nachrichtensendung und jedem Elektronik-Ratgeber
angestimmte Larmoyanz über das umfassende Monitoring unserer Daten. Denkt man die Totalüberwachung eine Stufe weiter, kommt schnell die Erkenntnis, dass Kontrolle auch immer ein robustes Einschreiten nach sich ziehen muss, wenn die Kontrollierten gegebene Grenzen überschreiten. Folglich wird
aus dem vormals demokratisch gedachten Internet ein globales Waffensystem, mit dem man Unliebsames unschädlich machen und in der letzten Konsequenz eine Waffe, eine Drohne, als Vernichtungsgerät
einsetzen kann.
Die Ökonomisierung der Kontrolle, die Verquickung staatlicher und wirtschaftlicher Machtverhältnisse
bestimmt vermehrt die Debatte um die Datenüberwachung. Staatliche Hoheits- und Eingriffsrechte werden in die Hände der privaten Wirtschaft zur kommerziellen Verwertung von Persönlichkeitsdaten gegeben. Die Unternehmen der US-amerikanisch dominierten zweiten industriellen Revolution schicken sich
an, alle weltweit zirkulierenden Informationen für ihre Interessen zu nutzen. Die Debatte um die bedrohliche Datenkrake, die persönlichste Informationen ›absaugt‹, ist auch immer von der Verwunderung darüber geprägt, wie die elektronischen Medien willkommen geheißen und ob ihrer Hipness gefeiert werden. Nur Wenige schränken den Gebrauch der Kommunikationselektronik ein, obwohl sie von der
Gefahr der Verwertung ihrer Daten wissen. Wir sind Teil der systemischen Überwachung. Diese Wechselbeziehung von Spaß und Bedrohung drückt sich in einer Angst-Lust gegenüber den Surveillance- Apparaten aus.
Die Künstler und Künstlerinnen verhandeln das Verhältnis von Medien, Zeugenschaft und Verantwortung. Wer einen Bruch der Gesetze, zumal der Grundrechte, beobachtet – und sei es über die Medien –
wird Zeuge der Tat. Auf ihn überträgt sich eine Verantwortung, die ihn verpflichtet einzuschreiten bzw.
das Geschehen ›zu melden‹. Unterlässt er es, macht er sich einer Mitäterschaft schuldig. Aus diesem Begründungszusammenhang legitimieren sich viele Protest- und Aktivismusformen. Wo bleibt der Mensch
in der vernetzten Welt? Welche Rolle spielen weltumspannende technische Infrastrukturen des Datenverkehrs bei der Aufrechterhaltung unserer Gesellschaftsformen und ihres Wohlstands? Ist dieser riesige
Apparat der industrielle Produktion von Menschen abhängig oder sind wir nur noch Anhängsel eines
technologischen Systems, das sich im Grunde selbst nährt? Können wir ohne datenerfassende und bildgebende Maschinen noch etwas erkennen? (Hermann Nöring)
136
›We, the Enemy‹, the title of the thematic focal area of EMAF 2014 and its exhibition, is borrowed from the
first sentence of the Constitution of the United States, ›We the People of the United States ...‹, which, with the
›The Bill of Rights‹, added as early as in 1789, formulates and guarantees a catalogue of basic rights. These
basic right have been severely challenged in recent years, following the revelation that governmental and
commercial institutions extensively penetrate private and public spaces. The protection of basic rights has given way to general suspicion.
The festival’s exhibition revolves around discussions about the topic of surveillance and big data that have
been sparked and reignited following the successive disclosure of new documents by Edward Snowden. In
the process, the ambivalence of the topic is by all means addressed. After all, a society is very unlikely to be
able to manage without ensuring civil order and preventing the occurrence of crime and violence. What is
striking, however, is the plethora and scope of the artistic positions that explore mass digital surveillance,
which knows no boundaries, and that, for a long time now, have scrutinised the relationships between power,
business, art, the individual and social life. Activist forms of opposition, witty proposals for playing hide and
seek, acts of civil disobedience and artistic interventions in the surveillance room are also positions included
in the exhibition. On the whole, the exhibits were chosen bearing in mind the wish to approach the abovementioned subject areas in a more associative and differentiated manner, whilst at the same time confronting or contextualising them with artistic practice.
For example, a number of artists explore the subject area of surveillance and data – albeit without the sentimentality concerning the comprehensive monitoring of our data as skimming intoned in every news broadcast and every electronics guide. If we take the idea of total surveillance a step further, we soon realise that
control always necessitates strong intervention when the controlled cross certain boundaries. Consequently,
the internet, previously considered to be democratic, is transformed into a global weapon system that can be
used to render harmless that which is undesirable and, ultimately, a weapon, a drone that can be used as a
destruction device.
The economisation of control and the fusion of state and economic power relations are increasingly determining the debate on data monitoring. Governmental sovereign rights and powers of intervention in placed in
the hands of private business for the commercial exploitation of personality data. The enterprises of the USdominated second industrial revolution appear to be on the point of using all globally circulating data for
their interests. The debate on the menacing Datenkrake (data octopus) that ›sucks up‹ the most intimate pieces of information is also always marked by the astonishment about how the electronic media are welcomed
and their hipness celebrated. Only very few people restrict their use of communications electronics, despite
being aware of the risk of their data being exploited. We are part of the systemic surveillance. This interaction
between fun and threat is expressed in an angstlust vis-à-vis surveillance devices.
Artists explore the relationship between the media, bearing testimony and responsibility. Those who observe
a violation of rights, above all basic rights – even if it is via the media – become a witness to the offence. They
are entrusted with a responsibility that obliges them to intervene or to ›report‹ what has happened. If they fail
to do so, they are guilty of complicity. Many forms of protest and activism legitimise themselves on the basis
of this context of justification. What about the people in this networked world? What role do global technical
infrastructures of data traffic play in the maintenance of our social systems and their prosperity? Is this huge
apparatus of industrial production dependent on people, or are we only an appendage of a technological
system that essentially feeds itself? Are we still able to recognise anything without data-logging, imaging machines? (Hermann Nöring)
137
EXHIBITION
Comfortable Protest
Stalker 2
Als einzigartiges Ausrüstungsstück ist ›Comfortable Protest‹ ein wichtiger Gegenstand der ›Mitglieder der Opposition‹, der sich in ein wiederverwendbares Plastik-Plakat oder einen Klapphocker
verwandeln lässt. Leicht und einfach zu bedienen
vereinigt es Dinge, die man gerne während des
Protests zur Hand hat (Sturmhaube, Schirm, ErsteHilfe-Paket etc.).
Für ›Stalker 2‹ erzeugt ein Ultraschall-Cluster einen
sehr konzentrierten, starken Schallstrahl, der durch
einen großen Parabolspiegel in den Raum reflektiert wird: Alte Schule und Science-Fiction in Einem. Die Besucher machen die sehr irritierende
Erfahrung einer Art Phantomquelle, die aus dem
Spiegel kommt. Außerdem kann der Reflektor von
ihnen bewegt werden; sie werden aufgefordert,
die Sounds in den Raum zu lenken und auf die Besucher zu richten, und nehmen dabei die doppeldeutige Rolle eines Stalkers ein. (Anke Eckardt)
Elena Artemenko
The artwork ›Comfortable Protest‹ is a ›device for
members of the opposition‹ — a unique piece of
equipment that can be transformed into a reusable
plastic placard or a folding chair. This device is simple and easy to use, and includes things that may
come in handy during a protest (a balaclava, umbrella, first-aid kit, and so on).
Elena Artemenko, *1988 in Krasnodar,
Russia. Graduated from the Kuban State
University, Journalism Department
(2010) and the Rodchenko Moscow School
of Photography and Multimedia, New Media Department (2013). Lives and works
in Moscow.
Exhibitions at Random Gallery, Moscow
(solo exhibition), Kandinsky prize
›Young Artist. Project of the year‹
nomination, Udarnik, Moscow, RuArts
Gallery, Moscow, ARTPLAY, Moscow.
Russia 2013
Video, Object
http://artemenko.net
138
Anke Eckardt
For ›Stalker 2‹ an ultrasonic cluster creates a highly
focused, strong sound beam that is reflected in the
room via a large parabolic mirror; oldschool and
science fiction side by side. Visitors are confused by
the phantom source emanating from the mirror.
What is more, they are able to move the reflector.
They are invited to beam sounds into the room and
onto other visitors, playing with the ambiguous role
of a stalker. (Anke Eckardt)
Anke Eckardt. Since 2008 Anke
Eckardt’s work has encompassed installations and a theoretical discourse on
the topic of the phenomenology of
sounds and teaching. Within her artistic research projects, Anke Eckardt
intertwines her artistic and her theoretical work; she presents their results at internationally exhibitions
(Ars Electronica, NEMO, CTM,
Steirischer Herbst, European Media art
Festival etc.) and conferences.
Germany 2013
Concept / Composition: Anke Eckardt
Construction: hertzer GmbH, Berlin
Thanks to: Marcus Schmickler
Cluster of 8 ultrasonic loudspeakers,
parabolic mirror, 2.20m diameter,
movable
http://ankeeckardt.com
Harun Farocki
Bilder aus dem Maximum Security Gefängnis in Corcoran, Californien. Die Überwachungskamera zeigt
ein tortenstückförmigen Ausschnitt, den betongedeckten Hof, auf dem die Gefangenen in kurzen Hosen
und meist ohne Hemd eine halbe Stunde am Tag verbringen können. Ein Häftling greift den anderen an,
worauf die Unbeteiligten sich sogleich auf den Boden legen, die Arme über dem Kopf. Sie wissen, was
jetzt kommt: der Wärter wird eine Warnung rufen und danach eine Gummimunition abfeuern. Hören die
Häftlinge mit dem Kampf jetzt nicht auf, schießt der Wärter scharf. Die Bilder sind stumm, vom Schuss
zieht der Pulverrauch durch das Bild. Die Kamera und das Gewehr sind gleich nebeneinander, Blickfeld
und Schussfeld fallen zusammen... (Harun Farocki)
›I Thought I Was Seeing Convicts.‹ Images from the maximum-security prison in Corcoran, California. The surveillance camera shows a pie-shaped segment: a conrete-paved yard where the prisoners, dressed in shorts
and mostly shirtless, are allowed to spend a half an hour a day. A convict attacks another, upon which those
uninvolved lay themselves flat on the ground, their arms over their heads. They know what comes now: the
guard will call out a warning and then fire rubber bullets. If the convicts do not stop fighting now, the guard
will shoot for real. The picures are silent, the trail of gun smoke drifts across the picture. The camera and the
gun are right next to each other. The field of vision and the gun viewfinder fall together... (Harun Farocki)
Harun Farocki, *1944, Neutitschein, Czech Republic. Filmmaker Harun Farocki,
who lives in Berlin, has produced more than 100 films and video installations
over the last 50 years. He has been developing works for exhibit rooms since
the 1990s. His works have shown at Tate Modern, Jeu de Paume, MoMA in NYC,
Sprengel Museum, Museum Ludwig, Kunsthaus Bregenz.
Germany 2000, 23 min., BetaSP, col. single-channel-version, loop
director, scriptwriter Harun Farocki
editor Max Reimann
production Harun Farocki Filmproduktion, Berlin, Generali Foundation, Wien
With support from ZDF/3sat
http://www.farocki-film.de
139
EXHIBITION
5,000 Feet is the Best
Omer Fast
Die Arbeit basiert auf zwei Treffen mit dem Bediener einer Predator-Drohne, das in einem Hotel in Las
Vegas im September 2010 gedreht wurde. Vor der Kamera war er damit einverstanden, die technischen
Aspekte seines Jobs und seiner täglichen Arbeit zu erläutern. Nach Abschalten der Kamera und ganz
vertraulich, beschrieb er jedoch kurz die immer wiederkehrenden Vorfälle, in denen die unbemannten
Flugzeuge auf Kämpfer und Zivilisten schossen – und von den psychischen Problemen, unter denen er
als Folge litt – bevor er das Interview abbrach. Anstatt nach der angemessenen Berichterstattung oder
dem dokumentarischen Filmmaterial zu suchen, um seine redigierte Geschichte zu ergänzen, ist das Video ganz bewusst deplatziert und fehlbesetzt: Es zeigt einen Schauspieler, der den Bediener einer Drohne spielt, der nur wiederwillig in einem dunklen Hotel für ein Interview zu Verfügung steht. Das Interview
wird ständig durch das Abschweifen des Schauspielers unterbrochen, das den Zuschauer auf Streifzüge
durch Las Vegas mitnimmt. Erzählt in rasch erfolgenden Rückblenden, bilden die Geschichten einen geordneten Handlungsverlauf, der jedoch immer mal wieder zur Stimme und zum verzerrten Gesicht des
Drohnenpilots und seiner unvollendeten Geschichte zurückkehrt.
The work is based on two meetings with a Predator drone operator which were recorded in a hotel in Las Vegas in eptember 2010. On camera, the drone operator agreed to discuss the technical aspects of his job
and his daily routine. Off camera and off the record, he briefly described recurring incidents in which the unmanned plane fired at both militants and civilians and the psychological difficulties he experienced as a result before breaking the interview. Instead of looking for the appropriate news accounts or documentary
footage to augment his redacted story, the video is deliberately miscast and misplaced: it follows an actor
cast as the drone operator who grudgingly sits for an interview in a dark hotel. The interview is repeatedly interrupted by the actors digressions, which take the viewer on meandering trips around Las Vegas. Told in
quick flashbacks, the stories form a circular plot that nevertheless returns fitfully to the voice and blurred face
of the drone pilot and to his unfinished story.
140
Omer Fast, *1972 in Jerusalem, lives and works in Berlin.
Selected Solo Exhibitions: 2013: Musee d'art contemporain de Montreal, Moderna
Museet, Stockholm, Imperial War Museum, London, OK Zentrum, Linz. 2012: Power
Plant, Toronto, Wexner Center for the Arts, Columbus. 2011: La Caixa Forum,
Barcelona. 2010: Cleveland Museum of Art. 2009: Whitney Museum of American Art,
New York, Kunsthaus Baselland, Basel.
Selected Group Exhibitions: 2013: Museum of Modern Art, Moscow, Hammer Museum,
Los Angeles. 2012: Brighton Photo Biennial, dOCUMENTA (13), Kassel, Germany,
Made in Germany II, Sprengel Museum, Hannover, Hamburger Kunsthalle, Haus der
Kunst, Munich, International Film Festival, Rotterdam, Arnolfini, Bristol.
2011: 54th Venice Biennale, Guggenheim Museum, New York, Singapore Biennial.
2010: Kunstwerke, Berlin, San Francisco Museum of Modern Art, Kunstverein Medienturm, Graz. 2009: Sundance Film Festival, Park City, Utah, Hamburger Bahnhof,
Berlin ZKM Museum of Contemporary Art, Karlsruhe. 2008: The Whitney Museum, NY,
Centre Pompidou, Paris
D/USA 2011, digital film, 30 minute loop
Still by Yonn Thomas
© Omer Fast
Courtesy of the artist, Arratia Beer, Berlin and gb agency, Paris
Director. Script, Editor: Omer Fast
Production: Commonwealth Projects
http://www.filmgalerie451.de/filme/5000-feet-best/
141
EXHIBITION
In Light of the Arc
Zachary Formwalt
›In Light of the Arc‹ beleuchtet die Börse Shenzhen, ein Ort, der in Unsupported Transit (2011) nur von
außen gezeigt wurde. Hat man das Gebäude erst einmal betreten, erkennt man eine Reihe von Verbindungen zwischen der materiellen Infrastruktur, die so im heutigen Finanzsystem erforderlich ist, und der
Handelsplattform, die sich aus dieser Infrastruktur ergibt. Während die heutigen Märkte als reine Schauplätze für effiziente Preisbildung gelten, vermittelt In Light of the Arc die Ansicht, dass diese Kurse nur
eine Seite der Medaille sind. Von der entscheidenden Kehrseite dieser Medaille kann nicht so einfach
abgelenkt werden. Von einer Wirtschaft, die besessen ist von einer Effizienz, die an abstrakten Vorstellungen wie Liquidität und Risiko gemessen wird, Begriffe, die sich selbst auf eine technologischen Sprache
reduziert haben, die jegliche Bezugnahme auf die Bedeutung, die sie außerhalb der Börsenwelt haben,
vermeiden.
›In Light of the Arc‹ setzt sich durch andere Bilder fort, deren Entwicklung nie ganz abgeschlossen ist.
Diese unvollständigen Bilder unternehmen den Versuch, einen Prozess der Materialisierung festzuhalten,
an einem Ort, der schon bald von Dematerialisierung bestimmt sein wird. Der Film ist auf zwei Leinwände aufgeteilt, die sich gegenüber stehen und vom selben Winkel projiziert werden, von denen die Filmaufnahmen ursprünglich gemacht wurden. Einer dieser Winkel erzeugt den gewohnten rechteckigen
Sichtbereich, während der andere nach oben gerichtet ist, zum Dach der neuen Börse. Die übliche Verjüngung der Gebäudefassade nach oben hin wird hier durch den Winkel der Projektion korrigiert, so
dass das Gebäude unten und oben die gleiche Breite behält. Das was man auf dem Bild sieht, entspricht
einer aus der Architektur bekannten Aufrisszeichnung. Es ist die Ansicht, die man von einem idealen
Blickwinkel aus sehen würde, von dem der Blick auf die Fassade nicht durch perspektivischen Raum beeinträchtigt wird, eine ideale Ansicht, die nur möglich ist, wenn alles Umliegende stark entstellt wird.
(Zachary Formwalt)
142
›In Light of the Arc‹ goes inside Shenzhen's future stock exchange, a space that was seen only from the outside in Unsupported Transit (2011). Once inside, a series of relations appear between the material infrastructure required by today’s financial system and the surface of exchange that results from this infrastructure.
While today’s markets are touted as pure arenas for efficient price formation, In Light of the Arc suggests that
these prices are but one side of the equation. The material underbelly cannot be made to disappear simply
through the abstraction of an economics that has become obsessed with an efficiency measured through
abstract notions such as liquidity and risk, terms which have themselves been reduced to a technical language that avoids any reference to the meaning they have outside of this discipline.
›In Light of the Arc‹ proceeds by way of other images, the construction of which is never entirely complete.
These incomplete images attempt to capture a process of materialisation in a place that will soon be driven
by dematerialisation. The film is split between two screens positioned opposite each other and projected
from the same angle from which the shots were originally taken. One of these angles produces the familiar
rectangular viewing space, while the other is directed upwards toward the top of the new stock exchange.
The familiar tapering of the building facade as it stretches upwards is corrected here by the angle of the projection, so that the building remains the same width at the top and the bottom. This view of the image is
what an architectural elevation would present. It is what would be seen from an ideal point where the facade
would not be affected by perspectival space, an ideal view that is only achieved through a severe distortion
of all that surrounds it. (Zachary Formwalt)
Zachary Formwalt, *1979, Albany, GA (US), has been living and working in Amsterdam since 2008. He has presented solo projects at VOX Centre de l'image contemporaine, Montreal (2013); KIOSK, Ghent (2013); AR/GE Kunst, Bolzano (2011);
Casco—Office for Art, Design and Theory, Utrecht (2010); Wexner Center for the
Arts: The Box, Columbus, OH (2010); Kunsthalle Basel (2009). In 2013, his film
Unsupported Transit was awarded a Tiger Award for Short Films at the IFFR and
the Dialogpreis at EMAF.
USA, 2013, double channel HD video, sound, 30:00 looped
www.zacharyformwalt.com
143
EXHIBITION
TEN
Niklas Goldbach
Niklas Goldbach verdichtet das Erscheinungsbild der globalen, identitätslosen aber dadurch umso effektiveren Machtsysteme: Zehn geklonte Männer im uniformen Outfit vollführen die Rituale des weltweiten
Business in der sterilen Umgebung von absolut identischen Luxushotels: Meetings, Wartezeit, Selbstoptimierung, Machtspiele. Wie ausgestanzt leben die ent-individualisierten Eliten in der Ikonografie der
durch-designten Wirklichkeit. (HN)
›Zehn‹ (›Ten‹) war die Anzahl der Könige von Atlantis, aber seit dem das imaginäre Inselreich verschwand, so scheint Niklas Goldbach andeuten zu wollen, gibt es wenig Unterschiede zwischen König
und Diener, oder, um es angemessener auszudrücken, in einer globalisierten Welt zwischen Geschäftsmann und Kellner. Unter Anwendung einer genialen Technik multipliziert Goldbach die Rollen des Protagonisten innerhalb einer geschlossenen Welt, in der die Unterschiede zwischen Herr und Diener löcherig
und unbeständig sind. Goldbach spielt alle Rollen selbst, entwickelt Regeln und Figuren, die durch Gesten und Rituale transparent bleiben; das Modell einer Mikrogesellschaft, in der durch Schweigen und
nonverbale Kommunikation deren Härte noch betont wird, mit Blicken und langsamen Bewegungen, die
die Koexistenz dieser kleinen Welt von Symbolen am Ende der Zeit steuert.‹ (Julia Draganovic & Claudia
Löffelholz)
Goldbach condenses the appearance of global, faceless but effective power systems: ten cloned men in uniform outfits perform the rituals of worldwide business in the sterile surroundings of absolutely identical luxury
hotels: meetings, waiting time, self-optimisation, power games. With a punched-out appearance, the de-individualised elite live in the iconography of comprehensively designed reality.
›Ten‹ was the number of kings of Atlantis, but ever since the imaginary island disappeared, so Niklas Glodbach seems to imply, there is little difference between king and servant, or to put it more appropriately, in a
globalised age, between businessman and waiter. With an ingenious technique, Goldbach multiplies the roles of the protagonist within a closed world, in which distinctions between masters and servants are permeable and unstable. Goldbach plays all the roles himself, creating rules and roles that remain transparent
through gestures and rituals, the model of a micro-society strengthened in its rigour by silence and nonverbal communication, with glances and slow movements that organise the coexistence of this small world of
symbols at the end of time.‹ (Julia Draganovic & Claudia Löffelholz)
144
Niklas Goldbach, * in Witten, Germany, lives and works in Berlin. After he has
been studying Photography and Video at Bielefeld University of Applied Sciences, he was awarded a ›Meisterschüler‹ degree at the University of the Arts
Berlin in 2006. In 2005 he received the Fulbright Grant New York and majored
in the MFA programme of Hunter College, New York City.
Niklas Goldbach has received several sholarships (i.e. Stiftung Kunstfonds Bonn
2010, Arbeitsstipendium Bildende Kunst des Berliner Senats 2013) and has presented his works in numerous solo shows, group exhibitions and festivals in
venues such as the Reina Sofia National Museum Madrid, Mori-Art Museum Tokyo,
National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung, Museum der Moderne Salzburg, Galerie im Taxispalais Innsbruck, Centre Popidou, Paris and the European Media
Art Festival Osnabrück.
From 2012-13 he worked as a guest professor for ›Moving Image‹ at the University of the Arts Berlin.
Germany 2010, Video, Full HD, Stereo, 12:10 looped
www.niklasgoldbach.de
145
EXHIBITION
Mischa Kuball
Ein erstes Licht aus dem Dunkel, ein erster verwischter Blick auf ein aussen, ausserhalb des inneren Kern,
aus dem Dunkel eine Reflexion auf eine gestaltete Welt, aus Glas und Stahl, Stein und Beton; moduliert
aus dem leichten Flirren zwischen künstlichen Ästen - in der Achse die Lochblende auf einen alten Wolframfaden einer Glühlampe, glühend, im harten Kern einer Projektion. Eine ungesicherte Achse - ein transitorischer Raum - kurz vor dem Eintritt in das black hole eines inneren Kerns - kurz vor dem Austritt?
Zwischen dunkler Kammer und interstellarem Raum...
Ein Schwarzes Loch ist ein astronomisches Objekt, in dessen Nähe die Gravitation so extrem stark ist,
dass aus einem inneren Raumbereich mit hochgradig verzerrter Raumzeit nichts - auch kein Lichtsignal nach außen gelangen kann. Die Grenze, ab der die Fluchtgeschwindigkeit größer als die Lichtgeschwindigkeit ist, wird Ereignishorizont genannt. Sein Radius ist proportional zur Masse des Schwarzen Lochs.
Der Begriff ›Schwarzes Loch‹ wurde 1967 von John Archibald Wheeler geprägt und verweist auf den
Umstand, dass sich um eine Krümmungssingularität der Raumzeit ein durch den Ereignishorizont charakterisiertes Raumgebiet bildet, in das Materie nur hineinfallen, aber nicht wieder hinausgelangen kann
(›Loch‹) und das insbesondere auch eine elektromagnetische Welle, wie etwa sichtbares Licht, niemals
verlassen kann (daher ›schwarz‹). Je nach Literatur kann sich der Begriff aber auch auf die Singularität
selbst beziehen.
Hawkings Quantentheoretische Überlegungen zeigen, dass jedes Schwarze Loch auch Strahlung abgibt.
Es findet dabei kein Materie- oder Energietransport aus dem Inneren des Schwarzen Lochs statt. Tatsächlich entstehen Paare von virtuellen Teilchen in der unmittelbaren Umgebung (Casimir-Effekt), von denen
manchmal nur eines in das Schwarze Loch gerät und dort anschaulich als negative Energie verrechnet
werden muss und somit die Gesamtenergie des Schwarzen Lochs vermindert. (Mischa Kuball)
A first light from the dark, a first blurred view of an exterior, outside the inner core, from the dark a reflection
on a world shaped out of glass and steel, brick and concrete; modulated from the gentle shimmer between
artificial branches – in the axis the aperture on an old tungsten filament of a light bulb, glowing, in the hard
core of a projection. An unsecured axis – a transitory space – shortly before entering the black hole of an inner core – just before the exit?
Between a dark chamber and interstellar space...
146
A black hole is an astronomical object close to
which the gravitational pull is so great that nothing –
not even light signals – can escape from an inner
space region with highly distorted spacetime. The
boundary within which the escape velocity is greater
than the speed of light is called the event horizon.
Its radius is proportional to the mass of the black
hole.
The term ›black hole‹ was coined by John Archibald
Wheeler in 1967. It refers to the fact that a space region characterised by the event horizon is formed
around a curvature singularity of spacetime into
which material can only enter but not escape from
(›hole‹) and from which, in particular, an electromagnetic wave, such as visible light, can never escape
(hence the term ›black‹). Depending on the literature, however, the term can also refer to singularity itself.
Hawking's quantum theoretical reflections, however,
show that every black hole also emits radiation. No
material or energy is transported from within the
black hole in the process. In fact, pairs of virtual particles evolve in the immediate vicinity (Casimir effect), only one of which is sometimes captured by
the black hole, which illustratively has to be detracted as negative energy, reducing the total energy of
the black hole. (Mischa Kuball)
Mischa Kuball, *1959 in Düsseldorf,
taught Media Art at the University of
Arts and Design Karlsruhe from 2004
to 2008. Since October 2007 he has been professor for Media Art at the Academy
of Media Arts Cologne, where he founded the -1/MinusEins Experimentallabor.
Exhibition venues include São Paulo Biennial (1998), Jewish Museum, New York
(2002), Hamburger Kunsthalle (2007), NTT-Intercommunication Center Tokyo
(2008). Temporary installations have been exhibited at Kunstsammlung NRW Düsseldorf (2005), Neue Nationalgalerie, Berlin (1999), ZKM | Center for Art and
Media Karlsruhe (2005) and Centre Pompidou-Metz (2010), Caserma Cornoldi,
Venice (2009), Chinati Foundation, Marfa, Texas (2009), in Toronto, Canada
(2011), Christchurch, New Zealand (2013 and 2015). RUHR.2010 and the European
City of Culture. Since the beginning of 2011, his complex project platon’s mirror has been exhibited at ZKM | Museum of Contemporary Art Karlsruhe, Artspace
Visual Arts Centre Sydney, MNAC in Bucarest, Central St. Martin School London,
Kunsthalle Düsseldorf, and other places. Numerous publications accompany the
ephemeral, mostly time-based projects.
www.mischakuball.com
147
EXHIBITION
Policia
Bjørn Melhus
Nur zwei Video-Bilder stellen die Bewegung eines
auf der Stelle in der Luft schwebenden Polizeihubschraubers dar. Die Gleichzeitigkeit von Bewegung und Stillstand der Helikopter-Gesellschaft,
die sich selber mit fliegenden Augen kontrolliert,
ist kaum schlichter und gleichzeitig einprägender
ins Bild gesetzt.
Just two video images represent the movement of a
police helicopter hovering in the air. The concurrence of movement and stasis of the helicopter crew,
which controls itself with flying eyes, can hardly be
represented in a more elegant yet captivating manner.
Bjørn Melhus, *1966, is a German-Norwegian media artist. Originally rooted
in an experimental film context, Bjørn
Melhus's work has been shown and
awarded at numerous international film
festivals. He has held screenings at
Tate Modern and the LUX in London, the
Museum of Modern Art (MediaScope) in
New York, and the Centre Pompidou in
Paris, amongst others. His work has
been exhibited in shows such as The
American Effect at the Whitney Museum
New York, the 8th International Istanbul Biennial, solo and group shows at
FACT Liverpool, Serpentine Gallery
London, Sprengel Museum Hannover, Museum Ludwig Cologne, ZKM Karlsruhe and
Denver Art Museum, among others.
D 2007
Courtesy: Galerie Patrick Ebensperger
www.melhus.de
148
Low Definition Control –
Malfunctions #0
Michael Palm
Wo wir gehen und stehen, werden wir beobachtet:
In einer Gesellschaft, die Öffentlichkeit primär als
Ort von Risiken denkt, hängt von ständiger Beobachtung nahezu alles ab. Deswegen kann man
heute in den Innenstädten der entwickelten Länder in kein Sandwich mehr beißen (oder gar einen
Koffer herumtragen), ohne dass dies von Kameras
aufgezeichnet und von Rasterprogrammen decodiert würde.
Den Umstand, dass Risikoprävention und Sicherheit ›der politische Alleskleber‹ geworden sind,
nimmt Michael Palm zum Anlass, mit seinem Film
Low Definition Control über die Implikationen der
zunehmenden Technisierung der Wahrnehmung
im öffentlichen Raum und in der Medizin nachzudenken. Er tut dies, indem er zu immer wieder
durch Überhöhung verfremdeten Alltagsszenen
eine Theorie in Fragmenten ergänzt.
Aus dem Off sind die Stimmen von Wissenschaftlern und Intellektuellen aus allen möglichen Disziplinen (von der Neurologie über die Medienwissenschaft bis zur Theologie) zu hören, die darüber
debattieren, was durch den zunehmenden ›Panoptismus‹ und den gesellschaftlichen Verlust der Unschuldsvermutung am Horizont der Geschichte
sichtbar wird: eine ›völlige Evakuation des Realen‹
und eine Auflösung ›der Figur des Menschen in
seiner Naturalität‹.
Low Definition Control ist Science Fiction im buchstäblichen Sinn des Wortes - eine visionäre Vorwegnahme von längst im Gange befindlichen biopolitisch-gouvernementalen Prozessen, in denen
die Technik sich in das Verhalten der Menschen so
einschreibt, dass nach einer Disziplinar- und einer
Kontrollgesellschaft irgendwann eine Gesellschaft
körperloser, berechenbarer Schnittstellensubjekte
treten könnte. (Bert Rebhandl)
Regardless of where we walk or where we stand, we’re being watched: in a society in which the public space
is primarily regarded a source of risks, nearly everything depends on constant surveillance. And so the most
banal of activities (such as eating a sandwich or carrying a suitcase), when performed in inner cities of the developed world, are filmed and decoded by grid programs.
The fact that security and risk prevention now represent ›political superglue‹ prompted Michael Palm to reflect on the implications of the growing mechanisation of perception, in both the public space and the field
of medicine. The method Palm chose for his film Low Definition Control repeatedly expands upon a theory
in fragments by means of unreal, grainy images of everyday scenes.
From off-screen, scientists and intellectuals from a wide variety of disciplines (neurology to media sciences to
theology) can be heard discussing the question of what’s appearing on history’s horizon, which is a result of
increasing panopticism and the disappearance of the assumption of innocence in contemporary society: a
complete ›evacuation of the real‹ and loss of the ›idea of naturalism.‹
Low Definition Control is science fiction in a literal sense: a visionary anticipation of biopolitical/governmental
processes that began some time ago, in which technology is so deeply inscribed into human behaviour that
a disciplinary and control society could at some point be replaced by one comprising disembodied, predictable interface subjects. (Bert Rebhandl)
Michael Palm, *1965 in Linz, Austria, is an Austrian filmmaker and theoretician, cutter, film composer and sound designer. Palm studied Film Editing at
the Vienna Film Academy, complemented by studies in Philosophy, Journalism and
Film and Theatre Studies at the University of Vienna. He completed his studies
in 1993. He has been working as a freelance filmmaker since 1988, and has so
far been involved in creating over 20 short films and around 12 motion pictures
(as of: 2012). He was a film critic at Standard and Falter from 1990 to 1994.
He co-founded the publishing company PVS Verleger in 1991, and helped establish
Navigator Film in 1996. Palm won the Diagonale Award for Innovative Cinema in
2009 for Laws of Physics.
Austria 2011, Video, 95 min.
Director, Script, Camera, Editing, Sound Design: Michael Palm
http://members.inode.at/michaelpalm/
149
EXHIBITION
eye could see
Nora Peters
Im Auge spiegelt sich die Einzigartigkeit des Menschen wieder. Nicht umsonst ist der Iris-Scan der Fingerabdruck des digitalen Zeitalters. Das Auge ist verlässlich. Man glaubt einem Auge mehr als zwei Ohren. Der Vorgang des Sehens geschieht unbewusst und unbeobachtet. Vieles bleibt im Dunkeln, weil wir
nicht bereit sind, es zu sehen. Was könnten wir alles sehen? Holzauge, sei wachsam. Vier Augen sehen
mehr als zwei. In der Installation wird die Augen-Iris in den Fokus gerückt und steht symbolisch für den
blinden Fleck unserer Wahrnehmung. Die Augen sehen alles, nur sich selbst nicht.
Während des Festivals werden die Augen der Besuchern gescannt, gerastert und als digitales Strickmuster mit einer Strickmaschine gestrickt. Auge reiht sich an Auge. Im Kollektiv verschwimmen die Grenzen
zwischen Individualität und Anonymität. Die Wachsamkeit zieht ihre Kreise. In den Augen der Ausstellungsbesucher spiegelt sich die betrachtete Kunst. Die Installation spiegelt die Augen der Betrachter.
Der Kreis schließt sich.
The uniqueness of the individual is reflected in the eye. It is no coincidence that iris scans are the fingerprint
of the digital age. The eye is reliable. One eye is believed more than two ears. The process of seeing takes
place unconsciously and unobserved. Much remains in the dark because we are not willing to see it. What
would we be able to see if we wanted to? Wooden eye, watch out. Four eyes see more than two. This installation focuses on the iris, a symbol of our perception’s blind spot. Eyes see everything, apart from themselves. During the festival, visitors’ eyes will be scanned, screened and reproduced by a knitting machine as a
digital knitting pattern. Eyes are lined up. Collectively, the boundaries between individuality and anonymity
become blurred. Watchfulness has repercussions. The art viewed is reflected in the eyes of the visitors to the
exhibition. The installation reflects the eyes of the beholder. We’ve come full circle.
Nora Peters, *1984, grew up in the Ruhr district. She discovered textile techniques and materials as a field of work whilst studying Communication Design.
In her exam piece (2013) she developed the urban knitting project ›mythagorie‹,
for which she translated the messages of greeting by local residents from her
district into an image language similar to that of German folk art. She then
knitted these visually coded messages and affixed them to traffic lights and
lampposts. She was awarded a prize for this work by Sparkasse Essen. This was
followed by an exhibition on the topic ›eye could see‹ at the Contemporary Art
Ruhr (C.A.R.) on the Zeche Zollverein colliery.
http://norapeters.de/
150
The Situation Room
Franz Reimer
›The Situation Room‹ ist eine begehbare Closed Circuit Video-Installation. Sie besteht aus dem kulissenhaften Nachbau der Raumsituation in dem gleichnamigen Presse-Bild von Pete Souza, das er am 1. Mai
2011 im Situation Room des Weißen Hauses während der Tötungsaktion von Osama Bin Laden fotografiert hat.
Eine fest installierte Videokamera filmt die Kulisse exakt in gleichem Ausschnitt und gleicher Perspektive
wie seine Bildvorlage und überträgt das Bild auf einen Bildschirm genau dort im Raum, wo auch die USRegierung die Tötung von Osama Bin Laden verfolgen konnte. Der Besucher kann die Installation betreten und sich frei in ihr bewegen. In das Bild hinein und wieder aus ihm heraus. Die Installation ist eine
freie Bühne für das Reenactment durch den Betrachter. Das ›Public Viewing‹ im Bild wird zum Public Viewing in der Installation. Während jedoch die US-Regierung in der Bild-Vorlage den Tod Osama Bin Ladens betrachten konnte, erkennt sich der Besucher in der Installation wieder nur als Zuschauer der nicht
sichtbaren Exekution. Das Bild bleibt in sich geschlossen. Seine Problematik wird direkt erfahrbar: die Installation zeigt uns, das es uns nichts zeigt. Wie ein Spiegel wirft sie unseren Blick auf uns selbst zurück.
Hinter ihm bleibt das Versprechen der totalen Transparenz und Sichtbarkeit in einer digital vernetzten
Welt zurück. ›The Situation Room‹ zeigt eine bildpolitische Zäsur. Gegen die Macht der Bilder steht das
Bild der Macht. Der Macht über die Sichtbarkeit. (Franz Reimer)
›The Situation Room‹ is a walk-in closed circuit video installation. It consists of a backdrop-like replica of the
Situation Room that went round the world in the press image of the same name by Pete Souza, which he
shot in the White House Situation Room during the killing of Osama Bin Laden.
A permanently installed video camera films the setting in exactly the same sequence and from the same
angle as the original image, and transfers the image to a screen at the very place in the room where the US
government was able to follow the killing of Osama Bin Laden. Visitors are able to enter the installation and
move around it freely. Into the picture, and out of it again. The installation is a free stage for re-enactment by
the beholder. The ›public viewing‹ in the image becomes the public viewing in the installation. But whilst the
US government was able to watch Osama Bin Laden’s death in the original image, visitors to the installation
can only recognise themselves as viewers of the non-visible execution. The image remains self-contained. It
problematic nature can be experienced directly: the installation shows us that it doesn’t show us anything.
Like a mirror, it merely gives us a view of ourselves. Behind it, the promise of total transparency and visibility
in a digitally networked world is left behind. ›The Situation Room‹ portrays an image-political departure. The
image of power stands against the power of the images. Power over visibility. (Franz Reimer)
Franz Reimer, *1977 in Berlin, currently lives and works as a media artist
and designer in Berlin. Studied ART AND MEDIA at Berlin University of the Arts.
Attended Professor Maria Vedder’s Media Art class; Diplom in Communication Design, Fachhochschule Düsseldorf
Germany 2013, walk-in installation, closed circuit video, props
http://franzreimer.de/
151
EXHIBITION
fake account
Alexander Repp
Am 19. April 2013, vier Tage nach dem Bombenanschlag beim Boston Marathon, wurde eine Großfahndung nach den zwei Tatverdächtigen eingeleitet. Währenddessen überschlug sich die mediale Berichterstattung mit Hinweisen zu den Motiven bzw. den Identitäten der beiden Personen, manchmal auch aus
fraglichen Quellen. Parallel zu den Aussagen aus dem realen Umfeld des jüngeren Täters wurde nach
Spuren in sozialen Netzwerken gesucht. Mehrere Online-Plattformen intensivierten zur kollektiven Recherche Mechanismen und waren oft schneller dabei ein Täterprofil zu bilden als die traditionellen Medienkanäle. Diese übernahmen wiederum das Material und gaben so den meist anonymen dilettantischen Ermittlern die Aufmerksamkeit. Durch den Zuwachs an sozialen Medien unter solchen Umständen,
leitet sich ein neues, partikuläres Phänomen ab: Der Anreiz, zuerst Aufsehen zu erregen, führt dazu, dass
manch ein Twitterbenutzer sein Profil leichtfertig neu gestaltet, um die Identität des Täters online anzunehmen. Auf einmal hat ein Phantombild sich Gehör verschafft - der Täter war quasi online.
In einem besonderen Fall fand eine rasante Verbreitung einer Nachricht (›I will kill all of you, you killed
my brother‹) ohne einer Überprüfung des Quellprofils statt. Daraufhin wurde es in den ›großen‹ Nachrichtensendern ausgestrahlt. Obwohl die Falschmeldung schon nach mehreren Minuten dementiert wurde, war es über mehrere Stunden nicht möglich dieses perfide Spektakel zu revidieren.
›Fake account‹ erfasst einen fünfminütigen Live-Mitschnitt dieses Geschehens im Twitter Netzwerk und
setzt sich wie folgt zusammen: Jegliche Nachricht mit dem Wort ›killed‹, deren BenutzerIn und die beigefügten Url-Verknüpfungen, sowie integrierte hashtags (#), bilden einen Punkt. Die Linien sind direkte Verbindungen zwischen den Punkten, welche im Zusammenhang stehen. Vereinfacht gesagt, ist die Aufgabe der verwendeten Algorithmen, die Punkte wie Atome von einander abzustoßen, die Linien ziehen die
Punkte wie Sprungfedern zusammen und die Farben repräsentieren die Gemeinsamkeiten beider.
Mediale Berichterstattungen sind genauso Erfassungsmaschinen wie es Algorithmen sind, jedoch sind
die Letzteren weniger als ein ästhetischer Ausdrucksmodus zwischen Sein und Welt zu verstehen. Hingegen widmet sich die algorithmische Ästhetik der Bildung einer allgemeinen Sprache von maschinellen
Erfassungsmechanismen, die die nicht fassliche und nicht reduzierbare Heterogenität des Realen in sich
trägt. Heutzutage kann fast jeder Aspekt des Lebens, falls dafür Daten vorhanden sind, als ein Netzwerk
dargestellt werden. Terroristische Organisationen, soziale Netzwerke, biologische Ökologie, letztlich
wird alles auf Linien und Punkte abstrahiert. Es ist notwendig die Analyse der verschiedenen Netzwerke
auszudehnen um ein Verständnis für Subjektivierung Prozesse sowie Wissensproduktion zu bekommen.
(Alexander Repp)
152
On 19 April 2013, four days after the bombing at the Boston Marathon, a massive manhunt for the two suspects was initiated. Meanwhile the media reports drowned in information related to the motives and the
identities of the two people, sometimes from questionable sources. Parallel to the statements from the social
environment of the younger suspect the investigation expanded to a search for traces in social online networks. Several online platforms intensified and transformed to ›ollective research engines‹ Often they were
quicker forming a criminal profile than the traditional media channels. In turn, media channels the information and gave attention to anonymo investigators. The continious rise of social media under such conditions
creates a iculate phenomenon: the desire to be the irst to deliver the information, caused some Twitter users
to be careless with their profile, and take the identity of the perpetrator online. Suddenly a phantom image
produced a lot of attention - the suspect was virtually online.
In a particular case, a message (I will kill all of you, you killed my brother‹ the source profile was checked.
Then it t on the mainstream news channels. Although the hoax was denied after several minutes, for a few
hours it was impossible to reverse is insidious spectacle. ›Fake account‹ capture a 5-minute live recording of
this event on Titter,composed as follows: Any message with the word ›illed‹ the Titter user and the accompanying URLlink as well as the tegrated hashtag(#) generated a point on the graph. The lines are the direct
connections between the related points. To put it simply, the task of the algorithms is to rehe points, lik
atoms; thelines function as springs when they draw the points together; thecolours rpresent the similarities
between them.
Media reports are machines just algorithms, but are less an aesthetic mode of expression between being
and the world. Algoric aesthetics are dedicated to formation of a universal language of recording machines
not bear the intelligible and irreducible heterogeneity of the reality in it. Nowadays, almostry apect of life, if
the data exists, could be represented as a network. Terrorist organisations, social etworks, biological ecologies, ultimately everything is abstracted in lines and points. It is necessary to expand the analysis of thse networks towards an understanding of subjectivation processes and knowledge production. (Alexander Repp)
Alexander Repp, *1986 in Temirtau/Kazakhstan, has been studying since 2010 at
the Media Art Department of the Academy of Visual Arts Leipzig, from 2012 to
2013 in the ›mass media research and art in public media space‹ class of Professor Günther Selichar, since 2013 in the ›Expanded Cinema‹ class of Professor
Clemens von Wedemeyer. He lives and works in Leipzig, Germany.
Exhibitions: Cynetart Festival, Dresden, November 2013; The Supershow - an exhibition of the Mass Media Research and Art in Public Media Space class, curated by Kathy Rae Huffman, Leipzig, September 2013; Academy of Visual Arts
Leipzig Rundgang (annual school exhibition) 2011-2014
153
EXHIBITION
Everyday Rebellion - The Art of Change
Arash T. Riahi & Arman T. Riahi
›Everyday Rebellion‹ ist ein multimedialer Blog und eine Dokumentation über die kreativen Formen gewaltloser Proteste und zivilem Ungehorsam auf der ganzen Welt.
Was hat die Occupy-Bewegung in New York mit den Protesten der Spanish Indignados oder dem Arabischen Frühling gemeinsam? Gibt es eine Verbindung zwischen dem Kampf der iranischen Demokratiebewegung und den gewaltlosen Aufständen in Syrien und was ist das Bindeglied zwischen den ukrainischen barbusigen Aktivistinnen der feministischen Gruppe FEMEN und einer islamischen Kultur wie
Ägypten? Und um noch weiter zu gehen, was haben Serbien und die Türkei mit all dem zu tun?
Die Gründe für die Aufstände der Menschen in diesen Ländern können ganz unterschiedlicher Natur
sein, aber die erfinderischen gewaltlosen Taktiken, die sie in ihrem Kampf verwenden, sind stark miteinander verbunden. So wie auch die Aktivisten, die diese Strategien, neuen Ideen und bewährten Methoden teilen. ›Everyday Rebellion‹ ist eine Geschichte über die Kraft friedlicher Proteste, die tagtäglich von
den leidenschaftlichen Bürgern in Spanien, dem Iran, Syrien, der Ukraine, den USA, dem Vereinigten Königreich und Serbien geführt werden. Diese Methoden sind erfinderisch, witzig und manchmal sogar aggressiv. Und die Aktivisten, die sie anwenden, sind davon überzeugt, dass kreativer gewaltloser Protest
sich gegen gewaltsame Proteste durchsetzen wird – und sie haben recht. Gewaltlosigkeit, und das ist wissenschaftlich erwiesen, ist effektiver und erfolgreicher als gewaltsamer Protest. Und die Vertreter der Gewaltlosigkeit sind gefürchtet, weil sie die Welt schnell verändern und Diktaturen und Weltkonzerne die
Stirn bieten.
›Everyday Rebellion‹ ist ein Tribut an den Erfindungsreichtum des gewaltlosen Widerstands. Das Projekt
untersucht die Folgen einer modernen und sich rasant ändernden Gesellschaft, in der jeden Tag neue
Formen des Protests zur Anfechtung der Macht von Diktaturen und manchmal auch von Weltkonzernen
entstehen. ›Everyday Rebellion‹ möchte all denjenigen eine Stimme geben, die sich entschieden haben,
in dem Versuch das gewaltsame System zu ändern, keine Gewalt anzuwenden. Wie schon Gandhi sagte:
›Erst ignorieren sie dich, dann lachen sie dich aus, dann bekämpfen sie dich und dann gewinnst du.‹
154
›Everyday Rebellion‹ is a cross-media blog and documentary about creative forms of nonviolent protest and
civil disobedience worldwide.
What does the Occupy movement in New York have in common with the Spanish ndignados protests or the
Arab Spring? Is there a connection between the struggle of the Iranian democracy movement and the nonviolent uprising in Syria and what is the link between the Ukrainian topless activists of Femen and an Islamic
culture like Egypt? And to top it off, what do Serbia and Turkey have to do with all this?
The reasons for the various people’s uprisings in these countries may be diverse, but the creative nonviolent
tactics they use in their struggles are strongly connected to each other. So are the activists who share these
strategies, new ideas and established methods. ›Everyday Rebellion‹ is a story about the richness of peaceful
protest, acted out everyday by passionate people from Spain, Iran, Syria, Ukraine, USA, UK and Serbia. Theimethods are inventive, funny and sometimes even aggressive. And the activists who use them believe that
creative nonviolent protest will win over violent protest – and they are right. Nonviolence has scientifically
been proven to be more effective and successful than violent protest. And the users of nonviolence are feared because they are rapidly changing the world and challenging dictatorships as well as global corporations.
›Everyday Rebellion‹ is a tribute to the creativity of nonviolent resistance. The project studies the consequences of a modern and rapidly changing society where new forms of protest to challenge the power of dictatorships and sometimes also global corporations are invented everyday. ›Everyday Rebellion‹ wants to give
voice to all those who decide not to use violence to try chang a violent system. Because, as Ghandi said:
›First they ignore you, then they laugh at you, then they fight you, then you win.‹
Arash T. Riahi, *1972 in Iran, Director, Producer, Dramatic Advisor, lives in
Vienna since 1982. Writer, director & producer. Studied Film and the Arts.
Founded the film production company ›Golden Girls Filmproduktion‹ in 1997. His
films ›The Souvenirs of Mr. X‹, ›Exile Family Movie‹, ›Mississsippi‹ & ›For a
moment, freedom‹ have won more than 50 international awards. ›For a moment,
freedom‹ was the Austrian candidate for the Academy Awards 2010.
Arman T. Riahi * in Iran and grew up in Austria, is Author, Director. He studied edia echnologies and worked as a screen and graphic designer in London
(Less Rain Ltd.) & Vienna. Director of 25minTVshows, ›Sendung ohne Namen‹,
›Sunshine Airlines‹, ›Momentum‹ and ›Africa Race‹ for the ORF, Terra Mater and
Red Bull. is first cinema documentary ›Schwarzkopf‹ (Darkhead) release. The
work was the official opening fie documentary competition of the prestigious
Sarajevo Filmfestival in 201.
www.everydayrebellion.net
155
EXHIBITION
How Not To Be Seen. A Fucking Didactic Educational .mov file
Hito Steyerl
Subjekte als Bilder, Bilder als Objekte; in ihrem herrlich unaufgeräumten Film aus dem Jahr 2013 spielt
Steyerl verschiedene Optionen durch, wie man im Zeitalter der totalen Überwachung unbemerkt bleiben
kann. Dazu gehört die Option ›werde zu einem Bild, ›wie ein Chamäleon, und ›werde zu einem Pixel‹,
denn was die Größe eines einzelnen Pixels nicht übersteigt, kann auch nicht herangezoomt werden.
(›Glückliche Pixel verschwinden unbemerkt in der geringen Auflösung.‹) Verschiedene Szenen zeigen
Darsteller, die eine grüne Burka als eine Art Leinwand tragen, durch die sie Teil des Hintergrundes werden können, und wir sehen Menschen, die Pixelboxen über ihren Kopf gestülpt haben. Das sind natürlich
keine ernstzunehmenden Vorschläge, mit denen man die NSA oder Google aufs Glatteis führen könnte.
Aber sie sind nichtsdestotrotz eine Mahnung, die uns daran erinnert, dass wir inzwischen alle zu Datenobjekten geworden sind und wir dementsprechend handeln sollten.
In unserer angeblich ›visuellen Kultur‹ sind nicht die Bilder das wirklich Wichtige, sondern die Subjekte,
die in diesen Bildern stecken, die angeschaut, gelesen oder gescannt werden. Bilder sind mittlerweile
Fallen; sie sind es auf eine Art und Weise, die sich Lacan niemals hätte vorstellen können; sie locken uns
an um an unsere Daten zu kommen. Dadurch werden wir wiederum sichtbar und lesbar, jedoch nicht unbedingt für das menschliche Auge. Georges Didi-Huberman kritisiert seit langem den Hang (in der Ikonologie und anderen Bereichen) dazu, le visible für le lisible, also das Sichtbare für das Lesbare aufzugeben. Sowohl Texte als auch Bilder fungieren mittlerweile hauptsächlich als Daten, die gescannt werden;
das Sichtbare und das Lesbare werden ›abtastbar‹. (Sven Lütticken)
Subjects as images, images as objects; in her wonderfully messy 2013 film, Steyerl performs various options
for remaining unnoticed in the age of total surveillance; these include ›becoming an image,‹ chameleon-like,
and ›becoming a pixel‹, since what does not exceed the size of a single pixel cannot be zoomed in on.
(›Happy pixels hop off into low resolution.‹) Various scenes show performers wearing a kind of greens-screen
burqua, which would allow them to become part of the background, and we see people wearing pixel-boxes over their heads. These are not, of course, serious proposals for fooling the NSA or google, but they are
nonetheless reminders that we all are now data objects, and that we’d better start acting on that knowledge.
156
In our allegedly ›visual culture,‹ what really matters are not the images but the subjects that are entangled in
the images being looked at, or being read, or being scanned. Images now function as traps in a way that Lacan never envisaged; they lure us in and mine us for data. In turn, we become both visible and legible, but
not necessarily for human eyes. Georges Didi-Huberman has long criticized the tendency (in iconology and
elsewhere) to collapse le visible into le lisible, the visible into the legible. By now, both texts and images often
function primarily as data to be scanned; the visible and the legible become the scannable. (Sven Lütticken)
Berlin-based artist and writer Hito Steyerl, *1966 in Munich, is one of the
most critically acclaimed artists working in the field of video today. Steyerl’s work focuses on contemporary issues such as feminism and militarisation,
as well as the mass proliferation and dissemination of images and knowledge
brought on by digital technologies. She participated in documenta 12, Kassel
2007, Shanghai biennial 2008, Gwangju and Taipeh biennials 2010, Venice Biennial 2013, Istanbul Biennial 2013 and was the subject of numerous solo exhibitions throughout Europe. In addition, Steyerl holds a PhD in Philosophy, is a
professor for Media Art at the University of Arts Berlin and has taught Film
and Theory at amongst other institutions Goldsmiths College and Bard College,
Center for Curatorial Studies.
2013, HD video file, single screen, 14:00 looped
Director of Photography Christoph Manz, Kevan Jenson
Producer: Kevan Jenson
Educational Dummy: Hito Steyerl.
Commissioned by Massimiliano Gioni, Venice Biennale.
Supported by the International Production Fund (IPF) - 2013 partners: Outset England,
Dermegon Daskalopoulos Foundation for Culture and Development, Outset USA, Outset
Netherlands with Promoters Van Abbemuseum, Maurice Marciano Family Foundation
157
EXHIBITION
Frank Thiel
Sehr nüchtern und ohne jeden Anschein von Sentimentalität erfasst Frank Thiel mit seinen Fotografien
die technische Infrastruktur der Kontrollapparate und ihre Vergänglichkeit innerhalb der Stadtlandschaft
Berlins. Er untersucht die dialektischen Beziehungen zwischen Macht, Ideologie und Ästhetik in ihrer permanenten Veränderung, verhindert dabei aber sich dem Reiz des Morbiden zu ergeben. (HN)
Frank Thiel erlangte große Bekanntheit durch seine fast 20-jährige Aufarbeitung des architektonischen,
sozialen, politischen und kulturellen Wandel Berlins nach dem Mauerfall. Thiels Arbeiten sind zu einem
festen Bestandteil der sich entwickelnden Geschichte der Stadt geworden. Seine fotografischen Aufzeichnungen gehören zu den wichtigsten Zeitzeugen. Er zieht den Arbeits- und Übergangsprozess dem
fertigen Ergebnis vor und hält dementsprechend fortwährend die ästhetischen Erscheinungsformen von
Zeit und Veränderung fest. ›Die Stadt leidet an einer Überdosis Geschichte,‹ erklärt Thiel. ›Sie leidet nicht
unter ihren ›Ablagerungen‹ wie andere europäische Städte, sondern unter den Folgen der Ausbrüche.‹
In ihrer beeindruckenden Größe distanzieren sich Thiels Fotografien von den Makrovisionen der Stadt
und wenden sich den mikrokosmischen Darstellungen zu, die die Oberflächen verwitterter Gebäude in
einer abstrakten, malerischen Art und Weise einfangen. (Galerie-Information)
In a very sober manner and without any appearance of sentimentality, Frank Thiel’s photographs capture the
technical infrastructure of control devices and their transitory nature within the urban landscape of Berlin. He
explores the ever-changing dialectic relationships between power, ideology and aesthetics, without surrendering to the attraction of the morb. (HN)
Frank Thiel is best known for his almost 20-year preoccupation with the architectural, social, political, and cultural transformation of post-wall Berlin. Thiel’s works have become an integral part of the unfolding history of
the city and one of its most important photographic records. He prefers the process of construction and
transition over the finished results, and as such persistently documents the aesthetic manifestations of time
and change. ›The city suffers from an overdose of history,‹ he says. ›It does not suffer from its sediments like
other European cities, but from the consequences of its eruptions.‹ Monumental in scale, Thiel's photographs have moved away from macro visions of the city toward microcosmic depictions, capturing the surfaces of weathered buildings in an abstract, painterly fashion. (gallery-information)
158
Frank Thiel
Frank Thiel, *1966 in Berlin, Germany, 1987-1989 Training college
for photography, Berlin, lives in Berlin, Germany. He has exhibited
extensively in museums and galleries worldwide and his works are
included in the collections of many major international museums including the Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela, Spain; Museu National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid,
Spain; National Gallery of Canada, Ottawa, Canada; Fotomuseum Winterthur, Switzerland; and Moderna Museet, Stockholm, Sweden.
C-Print auf Alu Dibond, 175 x 233 cm, 2005
Courtesy: The artist amd Sean Kelly Gallery, New York, USA
C-Print auf Alu Dibond, 210 x 171 cm, 1998
Courtesy: Gallery Michael Fuchs
159
EXHIBITION
The Google Trilogy
Emillio Vavarella
Report a Problem
Emillio Vavarella
›The Google Trilogy‹ ist ein dreiteiliges Projekt über Die 100-teilige digitale Fotoserie mit dem Titel
die Beziehung zwischen Menschen, Macht und tech- ›Report a Problem‹ ist der erste Teil des Projekts
nischen Fehlern.
›The Google Trilogy‹ über die Beziehung zwischen
Menschen, Macht und technischen Fehlern. ›Re›The Google Trilogy‹ is a three-part project about the port a Problem‹ ist die Meldung, die am unteren
relationship between humans, power and technologi- Rand des Google-Street-View-Bildschirms ercal errors.
scheint und den Betrachtern ermöglicht, ein Problem zu melden, während sie einen Ort virtuell beEmilio Vavarella, *1989 in Monfalcone,
suchen: eine fehlende Zensur, falsche Farben, zuItaly, has worked with Google Street
fällige Aufnahmen. Ich begab mich auf die Reise
View, investigated the possibilities of durch Google Street View und fotografierte alle
error in Facebook’s facial recognition
›falschen Landschaftsbilder‹, auf die ich gestoßen
technology and has written memories
war bevor andere die Probleme melden und die
into the ASCII code of vintage family
Firma auffordern konnten, die Bilder anzupassen.
photos. His work is based on issues of
Gewöhnliche Landschaften werden durch Googles
political philosophy and technological
unerwartete technische Fehler in etwas ganz Neupower and has been shown international- es verwandelt.
ly. Most notably, he has recently exhibited at Bevilacqua La Masa, Mediter- The series of 100 digital photos called Report a Proranea16, FSMarangoni, GLITCH Festival,
blem is the first part of the project, The Google TriloBoston Cyberarts and at Eyebeam Art and gy, about the relationship between humans, power
Technology Center.
and technological errors. ›Report a Problem‹ is the
message that appears at the bottom of the Google
http://emiliovavarella.com/
Street View screen, which allows viewers to report a
problem during the viewing of the place they are virtually visiting: missing censorship, wrong colours,
random appearances. I travelled on Google Street
View photographing all the ›wrong landscapes‹ I encountered before others could report the problems
and prompt the company to adjust the images.
Common landscapes are transformed by Google’s
unexpected technical errors into something new.
(Emillio Vavarella)
One channel video projection of 100
digital photographs
Variable dimension / Variable duration
Colors. No audio
2012
160
Michele’s Story
The Driver and the Cameras
Google Street View bietet ein immenses öffentliches Archiv panoptischer Bilder, das Ergebnis systematischer Arbeit, die Aspekte des Lebens mechanisch aufzeichnen, während menschlicher Kontakt mit den fotografierten Objekten verhindert
wird. Ich begann, an einigen dieser Fotos mit Michele zu arbeiten, einem Mann, der 2007 infolge
eines Unfalls nahezu komplett gelähmt war und einen Gedächtnisverlust erlitt. Die Sammlung von
100 Fotografien, ein Ergebnis dieser Zusammenarbeit, besteht aus Details, die Google Street View
entnommen wurden, und versucht, durch die Aufdeckung von Fragmenten eines gestohlenen und
entmenschlichten Lebens eine individuelle
menschliche Reise zu rekonstruieren.
Jedes Google-Street-View-Auto ist mit einer Dodeca 2360 Kamera mit elf Linsen ausgestattet, die
360-Grad-Aufnahmen machen kann. Anschließend
werden die Fotos zusammengesetzt, wodurch eine
räumliche Ansicht entsteht, und ein von Google
entwickelter Algorithmus macht zum Schutz ihrer
Privatsphäre die Gesichter der versehentlich abgebildeten Menschen unkenntlich. Zur Erstellung dieser Serie von Fotografien habe ich nach Gesichtern gesucht, die vom Google-Street-View-Algorithmus nicht erfasst wurden und die elf Portraits,
die ich isoliert habe, verewigen die Fahrer des
Google Autos. Der Fahrer wird zu einer Art Phantom, er erscheint, wo er nicht erscheinen sollte
und seine Anwesenheit entkommt der Zensur. Sein
Gesicht ist das Sinnbild eines Fehlers und zeigt
dennoch zugleich eine menschliche Seite und,
möglicherweise, die Grenze der technischen
Macht. (Emillio Vavarella)
Emillio Vavarella
Google Street View offers an immense public archive of panoptic images, the result of a systematic
work which mechanically records aspects of life while
avoiding human contact with the subjects photographed. I started working with some of these photos
with Michele, a man who in 2007, as a result of an
accident, became almost completely paralysed and
had memory damage. The collection of 100 photographs, a result of this collaboration, is composed of
details taken from Google Street View and attempts
to precariously reconstruct a single human journey
by recovering snippets of stolen and dehumanised
life. (Emillio Vavarella)
Digital prints on photographic paper
100 elements. X:312cm; Y:60cm overall
2012
Emillio Vavarella
Each Google Street View car is equipped with a Dodeca 2360 camera with eleven lenses, capable of
photographing 360 degrees. Afterwards the photos
are assembled, creating a stereoscopic view, and an
algorithm developed by Google automatically blurs
the faces of people to protect the privacy of those
accidentally portrayed. To create this series of photographs, I went looking for faces that had escaped
Google Street View’s algorithm and the eleven portraits I isolated immortalie the drivers of the Google
car. The driver becomes a sort of phantom power;
he appears where he shouldn’t be and his presence
escapes censureship. His face is the symbol of an error yet at the same time shows a human side and,
perhaps, the limits of technological power. (Emillio
Vavarella)
Lambda print on aluminium
11 elements. X: 210cm; Y: 20cm overall
2012
161
EXHIBITION
Christoph Wachter & Matthias Jud
Längst sind wir im Zeitalter digitaler Kulturtechniken angelangt, das ebenso wie jedweder Informationsaustausch offene und unkontrollierte Kommunikationsbedingungen voraussetzt. Wachter & Jud stellen
die Einschränkungen und willkürlichen Eingriffe in die Rede- und Netzfreiheit dar, die diese Grundrechte
in Frage stellen und beschreiben alternative Kommunikationstechniken, die außerhalb der überwachenden Apparate funktionieren. Installationen und Wandzeichnungen erhellen, wie Kontrolle und Überwachung bis hin zur Zensur funktionieren. So werden mit ›Stillen SMS‹ Demonstrationsteilnehmer ausspioniert oder es lässt sich mit dem Abhörsystem ISIS, installiert in einer hochfliegenden Drohne, der gesamte mobile Telefonverkehr Deutschlands kontrollieren. Soziale Netzwerke werden in Staaten wie China,
Russland, Ägypten aber auch in dem NATO-Land Türkei gesperrt. Geheimdienste wie die NSA oder der
britische GCHQ erhalten direkten Zugriff auf Nutzerdaten und -inhalte von Google, Twitter, Facebook
und Co. Ausgelesene Mobiltelefone ermöglichen die Erstellung von Bewegungsmustern und die Ermittlung von Aufenthaltsorten. Diese Daten werden u. a. zur Vorbereitung von Drohnenangriffen genutzt.
In der Installation werden diese Maßnahmen der Polizei und der Geheimdienste mit alternativen Netzwerken und Gegenaktionen kontrastiert, die ›unter dem Radar‹ der Überwacher stattfinden. Wachter &
Juds Projekt ›qaul.net‹ zum Beispiel ist ein nachvollziehbares, unabhängiges, dezentrales und offenes
Kommunikationsnetz, das auch von Aktivistinnen und Aktivisten eingesetzt wird. Mit simplen Antennen
aus Konservedosen lassen sich weitverzweigte WLAN-Netze aufbauen, die völlig unabhängig vom bekannten Internet funktionieren. Ein schwer- oder nichteinsehbarer Datenaustausch ist auch durch Kryptografie (Verschlüsselung) möglich, deren verschiedene Varianten in der Installation vorgestellt werden.
Wachter & Jud stellen eindringlich dar, dass Einschränkungen und Blockaden der Kommunikation häufig
kreative Reaktionen hervorrufen, die Verbote unterlaufen und sich den Kontrollen sublim entziehen. (HN)
We have long since reached the age of digital cultural techniques, an age requiring not only any exchange
of information, but also open and uncontrolled communication conditions. Wachter & Jud present the restrictions and arbitrary interventions in the freedom of speech and network freedom that question these basic rights. They also describe alternative communication techniques that can be used to circumvent monitoring devices. Installations and wall drawings shed light on how control and surveillance function, culminating
in censorship. For example, ›Stillen SMS‹ (Sublime SMS) is used to spy out demonstrators, or it could monitor Germany's entire mobile telephone traffic by a high-flying drone with the interception system ISIS. Social
networks in countries such as China, Russia, Egypt and NATO member Turkey are being blocked. Secret services such as the NSA and the British GCHQ gain direct access to user data and contents from Google, Twitter, Facebook and Co. Data read out from mobile phones enables movement patterns to be created and
people’s whereabouts to be determined. Such data is used to prepare drone attacks, amongst other things.
162
In the installation, these measures by the police and secret services are juxtaposed against alternative networks and counteractions that take place ›under the radar‹ of monitors. Wachter & Jud’s project ›qaul.net‹,
for example, is a comprehensible, independent, decentralised and open communication principle also employed by activists. Extensive WLAN networks, constructed using simple tin can antennae, are able to function completely independently of the familiar internet. Cryptography (encryption) is another form of data
exchange that is difficult or impossible to access. A number of variants are presented in the installation.
Wachter & Jud emphatically portray the fact communication restrictions and blockades often bring about
creative responses that circumvent bans and subliminally escape from controls. (HN)
Christoph Wachter & Mathias Jud. Awards: (selection): Swiss Art Award Federal
Office of Culture, Switzerland; Prix Ars electronica [the next idea], 2012,
Linz, Austria; Stipendium Stiftung Niedersachsen für Medienkunst, 2012, Edith
Ruß Haus, Germany; Foerderpreis der Kunstministerin des Freistaates Sachsen,
2008, Germany; Transmediale Award 2008 (Honourable Mention); Werkbeitrag
Bildende Kunst, 2007, Kanton Zurich, Switzerland; Werkbeitrag Digitale Kunst
und Kultur 2007, Migros Kulturprozent, Switzerland; Prix Ars Electronica 2006
(Honourable Mention).
Exhibitions, Presentations 2011–2014 (selection): Museum der bildenden Künste,
Leipzig, Germany;Frascati Theater, Amsterdam, Netherlands; ZKM - Museum für
Neue Kunst, Karlsruhe, Germany; Kunstmuseum Thun, Thun, Switzerland; Capitale
européenne de la culture Marseille-Provence, La Penne s. H., France; EdithRuss-Haus, Oldenburg, Germany; Swiss Art Awards, Basel, Switzerland; Museum für
Kommunikation, Bern, Switzerland; Ars Electronica Festival, Linz, Austria;
Taipei Digital Art Center, Taipei, Taiwan; Connect, Shedhalle, Zurich, Switzerland; Allianz Kulturforum, Berlin, Germany.
Drawings, tin cans, wood, antennas, HD media player, monitor
163
EXHIBITION
Leben unter Verdacht
Das Abhören von Telefonen, das Erstellen von Bewegungs- und Konsumentenprofilen, die Überwachung
von öffentlichen und privaten Räumen: staatliche und privatwirtschaftliche Institutionen arbeiten eng zusammen, um die Menschen zu vermessen und möglichst alle Ereignisse in ihrem Leben zu erfassen. ›Sicherheit‹,
›Innovation‹ und ›Arbeitsplätze‹ sind die argumentativen Alleskleber, die diese massive Aufhebung der bürgerlichen Rechte übertünchen sollen.
Staatlicherseits wird die umfassende Datenabschöpfung durch NSA, BND oder FSB mit der pro-aktiven Abwehr von terroristischen Attacken legitimiert. Wirtschaftsunternehmen wie Apple, Google, Facebook oder
Amazon rechtfertigen den Bruch der Privatsphäre mit Kundenservice und technologischen Sachzwängen.
Wie die Snowden-Materialien zeigen, vereinen sich Geheim- und Wirtschaftsdienste zu einem mal autoritären, mal liberalen Komplex der Konsum-Kontrolle und der Steuerung menschlichen Verhaltens. Wie in
einem Game werden dem Einzelnen alle Freiheiten gelassen, so lange er die Regeln des Spiels einhält und
die Grenzen der Spielfläche nicht verlässt. Überschreitet er die vorgegebenen Normen, erfolgen drastischere Maßnahmen, um ihn wieder einzubinden oder zu eliminieren. Darüber hinaus bewirkt das web 2.0 die aktive Einbindung des Nutzers. Was ihm als Partizipation an der Festlegung der Regeln des Spiels erscheint,
ist faktisch allerdings seine Beteiligung an der Kontrolle der Leben der Anderen: Denn auch seine Postings
von Bewertungen, Rankings, Bildern und Videos weisen auf Norm-Abweichungen hin. Daraus und aus den
abgeschöpften Daten berechnen die filternden Algorithmen der Überwachungssoftware zukünftiges Handeln. Potentielle Störer, Gewalttäter, Terroristen werden per Mustererkennung identifiziert und die Situation
wird ›neutralisiert‹. Szenarien, wie die Abteilung ›PreCrime‹ im Film ›Minority Report‹, realisieren sich - man
verhindert Taten, die noch geschehen werden. Mit dem Einsatz von Drohnen in der Kriegsführung ist diese
letzte Konsequenz des Eingreifens zu beobachten, die auch durchaus auf innergesellschaftliche Konflikte
›westlicher‹ Staaten übertragbar ist.
Der weltumspannende Apparat der Netze und der Kommunikationsunternehmen wird immer weniger
durch Nutzungsgebühren aber vermehrt durch den Handel mit persönlichen Daten finanziert. Laut Mark
Zuckerberg werden in Zukunft die Nutzer nur noch ein Prozent der jetzigen Telekommunikationsgebühren
für Internetanschlüsse und -verbindungen zahlen. Dafür müssen sie sich als gläserne Konsumenten verkaufen und den Handel und die Bewirtschaftung ihrer personenbezogenen Daten zulassen. Profildaten werden
zur neuen weltweiten Leitware ähnlich dem Öl heute. Diesen Handel zu kontrollieren ist das Ziel der großen
Player wie Google, Facebook oder Amazon. Entsprechend sieht der Medienwissenschaftler Evgeny Morozov den Menschen als datenexponiertes Subjekt im fortschreitenden Kapitalismus, in dem kaum ein demokratisches, selbstbestimmtes Leben zu führen sei.
Dieser globale Preisstandard ist eng mit einem infrastrukturellem Standard verbunden. Informationen, Pläne, Bilder, Filme - die mediale Kultur basiert auf Software-Codes. Sie folgt einer universellen Sprache. Daher
sind die globalen Datenströme leicht kontrollier- und beherrschbar. ›Software takes Command‹, sie ist das
einzig übriggebliebene Medium, wie Lev Manovich sagt. Sie beherrscht unser Gedächtnis, unser Wissen
und unsere Imagination. Es ist zu befürchten, dass der Panoptismus – die von Michel Foucault beschriebene
Disziplinargesellschaft – im Zusammenspiel technologischer Entwicklungen, verschärfter staatlicher Überwachung und dem Verwertungsinteressen der Industrie bei der Konvergenz der globalen Standards eine neue
Stufe der Durchdringung erreicht. Parallel zur Kontrolle von außen erfolgt die Eigenkontrolle der Menschen.
Der panoptische Blick, die Technisierung der Wahrnehmung und die umfassende Sichtbarkeit aller Personen und Handlungen wird internalisiert und führt zur Effektivierung der Selbst-Kontrolle. Neue Normen werden antizipiert und gelebt. Selbstoptimierungen im Sinne der leistungsorientierten Körper- und Verhaltensideale werden erwartet und erlauben eine Optimierung der Verwertung der Menschen, ihrer Körper und
ihres Wissens. Die Eintaktung der Arbeits- und Freizeitverhältnisse durch Selbstvermessung und Selbstoptimierung mit Hilfe elektronischer Apparate und Programme wie Kalorienwatcher oder Body-Scans und durch
die Gamifizierung des Alltags erhöht die Leistungsbereitschaft und das Leistungsvermögen in Arbeits-,
Wettbewerbs- und Freizeitabläufen.
Platon hat vor knapp 2500 Jahren in der ›Politeia‹ die oligarchische, von einer parasitären Oberschicht beherrschte, Gesellschaft beschrieben, die ungehemmtes Bereicherungsstreben praktiziert. Thomas Hobbes
forderte vor 400 Jahren den autoritären Staat, der - dem Seeungeheur ›Leviathan‹ gleich – keine Rücksicht
auf die Rechte des Einzelnen nimmt, um die Interessen des Monarchen durchzusetzen. In ›1984‹ beschrieb
George Orwell vor knapp 70 Jahren eine Überwachungsdiktatur stalinistischer Prägung, die die willfährigen
Massen in mentaler Abhängigkeit hält. Das heutige Herrschaftsinstrumentarium kann weit smarter, effektiver
und konfliktfreier sein als diese groben top-down Varianten der Machtausübung. (Hermann Nöring)
164
Living Under Suspicion
Phone tapping, creating motion and consumer profiles, surveillance of public and private spaces: governmental and private sector institutions work closely together to record as many events as possible in people’s
lives. ›Safety‹, ›innovation‹ and ›jobs‹ are the argumentative ›all-purpose adhesives‹ that are supposed to cover up this massive disregard of civil rights.
The authorities have legitimated the comprehensive skimming of data by the NSA, BND and FSB by referring to proactive defence against terrorist attacks. Commercial enterprises such as Apple, Google, Facebook
and Amazon justify the violation of privacy stating customer service and technologically inherent necessities.
As the Snowden material shows, secret services and business-related services are joining forces to become a
sometimes authoritarian, sometimes liberal complex of consumption control and governing how humans
behave. As in a game, the individual is granted maximum freedom as long as he sticks to the rules of the
game and doesn’t stray from the boundaries of the playing board. If he oversteps the given boundaries,
more drastic action will follow to either include or eliminate him. In addition, web 2.0 brings about the user’s
active involvement. What appears to him to be participation in laying down the rules of the game is in reality,
however, his involvement in the control of others’ lives: after all, the ratings, rankings, images and videos he
posts point out deviations from the norm. The filtering algorithms of monitoring software calculate future action from these postings and the skimmed data. Potential troublemakers, perpetrators of violence and terrorists are identified via pattern recognition, and the situation is ›neutralised‹. Scenarios akin to ›PreCrime‹ in
the film ›Minority Report‹ come true – offences are prevented that are yet to happen. This final consequence
of intervention is already visible today in the use of drones in warfare, which can also by all means be transferred to internal social conflicts of ›western‹ states.
The global apparatus of networks and communications companies are financed less and less by user fees,
and increasingly by trading in personal data. According to Mark Zuckerberg, in the future users will pay only
one per cent of the current telecommunications charges for internet connections and communications. In
exchange, they must sell themselves as ‘glass consumers’ and permit their personal data to be traded and
managed. Profile data is set to become tomorrow’s global leading good, as is the case with oil today. It is the
objective of major players such as Google, Facebook and Amazon to control this trade. As such, media
scientist Evgeny Morozov views people as data-exposed subjects in advancing capitalism in which it will be
virtually impossible to lead a democratic, self-determined life.
This global price standard is closely connected to an infrastructural standard. Information, plans, images, films
– the media culture is based on software codes. It follows a universal language. For this reason, global data
flows are easy to control and command. ›Software takes command‹, it is the only remaining medium, as Lev
Manovich says. It dominates our memory, our knowledge and our imagination. There is reason to fear that
the panopticism – the disciplinary society described by Michel Foucault – will reach a new level of penetration
in the convergence of global standards in the interplay between technological developments, reinforced state surveillance and industry’s exploitation interests. And whilst external control takes place, people undertake
self-monitoring. The panoptic gaze, the mechanisation of perception, and the comprehensive visibility of all
people and actions become internalised, leading to the streamlining of self-control. New standards are anticipated and embraced. Self-optimisation in terms of performance-based physical ideals and ideals of behaviour is expected, facilitating the optimisation and exploitation of human beings, their bodies and their knowledge. The synchronisation of working and leisure time conditions through self-measurement and self-optimisation by means of electronic devices and programmes such as calorie watchers or body scans and
through the gamification of everyday life increases the willingness to perform and performance capability in
work, competition and leisure processes.
Almost 2,500 years ago, in ›Politeia‹ Plato described the oligarchic society, dominated by a parasitic upper
class, that practiced an unconstrained desire for enrichment. Some 400 years ago, Thomas Hobbes called for
the authoritarian state, that – like the sea monster ›Leviathan‹ – has no regard for the rights of the individual in
order to assert the monarch’s interests. Nearly 70 years ago, George Orwell described a surveillance dictatorship of a Stalinist nature in ›1984‹ that keeps the compliant masses in mental dependency. Today’s instruments of domination may be far smarter, more effective and conflict-free that these coarse top-down variants
of exercising power. (Hermann Nöring)
165
EXHIBITION
CAN YOU SEE THE WIND WHEN IT BLOWS
Can You See The Wind When It Blows
Johannes Langkamp
Es sind Szenen aus dem Alltag, spontane Ideen im Sehen oder zufällige Situationen, die der Künstler Johannes Langkamp zunächst in Skizzen festhält, um sie danach als bewegte Bilder zu realisieren. Wie
Aphorismen wirken seine Videos: kurze, rhetorisch und kompositorisch reizvolle Bildgedanken, oft mit
Witz, Ironie, einem Augenzwinkern und verblüffenden Effekten ausgestattet.
Die Bedeutung von Video für die veränderte Weltwahrnehmung begründet sich neben der realzeitlichen
Wiedergabemöglichkeit in der gleichzeitigen Möglichkeit der Manipulation, die einen Eingriff in die Bilder bereits während der Aufzeichnung erlaubt. Das Interesse an einer direkten Manipulierbarkeit von Bildern und damit der visuellen Interpretation und Erzeugung von Welt fordert Johannes Langkamp immer
wieder zu neuen Bildideen und suggestiven Experimenten heraus. Er spielt mit Realität und Konstruktion,
mit Wahrnehmung und Interpretation und weist mit ungewöhnlichen Perspektiven, statischen Einstellungen, Kamerabewegungen und tricktechnischer Bildbearbeitungen darauf hin, dass hier keine objektiven
Dokumentationen zu sehen sind, sondern inszenierte und montierte Videoarbeiten, in denen das Normale immer wieder kippt und die Realität ganz leise, unmerklich, bar jeder Thematik unterwandert wird. Seine Inspirationen findet er in seiner unmittelbaren Umgebung, es sind keine kompliziert – konstruierten
oder poetisch – narrativen Geschichten, die er in seinen Videosketches erzählt, vielmehr Dekonstruktionen alltäglicher, banaler oder vertrauter Gesten, der kleinen und wichtigen Erscheinungen unseres Lebens. Dabei geht es Johannes Langkamp um das Hinterfragen gewohnter Wahrnehmungserfahrungen.
Indem seine Videos zuweilen gezielt Assoziationen hervorrufen, spielen sie auf Wahrnehmungsmechanismen an, die zwar fast unweigerlich bestimmte Eindrücke auslösen, jedoch physisch nicht repräsentiert
werden. Das, was man wahrzunehmen glaubt, wird eigentlich nicht gezeigt, akustisch Wahrnehmbares
oder optisch Erklärbares suggerIeren Zwar eine Aktion, aber Johannes Langkamp versteht es in seinen
Videos, zwischen ›wahrer‹ Darstellung, Wissen, Vorstellung und Enttarnung dramaturgisch einen Spannungsbogen anzulegen. (Dr. Andrea Brockmann, Künstlerische Leiterin Galerie Münsterland e.V.)
They are scenes from everyday lives, spontaneous ideas viewed or random situations that the artist Johannes
Langkamp initially captures in sketches in order to then transform them into moving images. His videos seem
like aphorisms: short, rhetorically and compositionally exciting visual ideas, often accompanied with wit, irony,
a twinkle in the eye and bewildering effects.
The significance of video for the altered perception of the world is based not only on real-time playback
capability, but on the simultaneous possibility of manipulation, enabling images to be interfered with during
the recording process. An interest in the direct manipulability of images, and consequently in the visual interpretation and creation of the world, provokes Johannes Langkamp into creating new visual ideas and suggestive experiments time and again. He plays around with reality and construction, with perception and interpretation, using unusual perspectives, static settings, camera movements and film trick image processing to
emphasise that it is not objective documentaries that we are seeing, but staged and mounted videos in
which the normal tips over again and again, and reality is infiltrated very quietly, imperceptibly, devoid of any
theme. He gains inspiration from his immediate surroundings; they are not complicated – constructed or
poetic – narrative stories he relates in his video sketches, but deconstructions of everyday, banal or familiar
gestures, the small yet important occurrences in our lives.
In the process, Johannes Langkamp is concerned with questioning habitual perceptual experiences. By occasionally letting his videos specifically evoke associations, they allude to mechanisms of perception that almost
inevitably trigger certain impressions, but are not physically represented. That which one believes is being
perceived is never actually shown; although actions are suggested by acoustically perceptible or optically explicable things, Johannes Langkamp manages in his videos to dramaturgically create an arc of suspense between ›true‹ representation, knowledge, imagination and exposure. (Dr. Andrea Brockmann, Artistic Director
of Galerie Münsterland e.V.)
166
stairs
view
can you see the wind
Bei dieser Installation werden
die Besucher eingeladen, eine
deformierte Treppe zu besteigen. Auf der Treppe stehend
schaut der Betrachter auf eine
Videoaufnahme der Situation, in
der die Perspektive der Betacam
eine augenscheinlich normal geformte Treppe zeigt, die jedoch
umgekehrte Stufen hat.
Eine deformierte Form an einer
Mauer wird durch das Objektiv
der Kamera zu einem perfekten
Rechteck.
... wenn der Rotor einer Windkraftanlage über das Fensterbrett kriecht.
Johannes Langkamp
In the installation visitors are invited to enter a deformed stair construction. Standing on the staircase, perceivers look at a broadcasted video of the situation in
which the betacam’s perspective
shows an apparently normal shaped staircase but with conversed
treads.
Johannes Langkamp
A deformed shape on the wall
turns into a perfect rectangle
through the lens of the camera.
2011, videocamera, wideangle lens, wall drawing,
tripod
Johannes Langkamp
... when the rotor of a wind power
station crawls across the window
ledge
2011, Videosketch, 0:26
full HD color video, stereo
2012, timber stair
construction, video
camera
tripod flatscreen
167
EXHIBITION
CAN YOU SEE THE WIND WHEN IT BLOWS
balance the video
cessation
366.12
Ein ›Selfie‹ mit Perspektivwechsel: Der Künstler definiert mit
seiner aus der Vogelperspektive
gefilmten Performance den öffentlichen Raum als performativen Ort.
Cessation ist eine 60-sekündige
Videoschleife im Zeitraffer, das
den 24-stündigen ›Weg‹ der
Sonne zeigt. Entgegen unserer
üblichen Wahrnehmung bewegt
sich die Sonne nicht; sie scheint
in der Mitte des Bildes still zu
stehen. Diese inszenierte Videoarbeit versetzt den Zuschauer in
eine verwirrende Position, da sie
nicht die sich durch das Bild bewegende Sonne zeigt, sondern
den sich drehenden Planeten
Erde.
Als bewegter Aufsatz einer Bohrmaschine macht die Kamera
sehr interessante Bilder.
Johannes Langkamp
As a ›Selfie‹ from a different perspective, the video forms an invitation to reclaim and redefine public space as performative space.
2012, full HD videoloop
color, stereo, Beamer
mount, BluRay player
Johannes Langkamp
Cessation is a 60-second timelapse video loop showing a 24hour ›path‹ of the Sun. Contrary
to how we normally perceive it,
the Sun is not moving; appearing
to stand still at the centre of the
image. This staged video work
puts the viewer in a confusing position as it doesn't show the Sun
wandering through the image,
but the planet Earth revolving.
2013, video installation
mixed media, 1:00
Full HD video loop
Shanghai 31° 14° N, 121°
28° O
168
Johannes Langkamp
A camera creates interesting images as a rotating head of a power
drill.
2012, Videosketch, 0:39
Camcorder, wood drill
every day one video
videotape
Osnabrueck Videowalks
Im November 2011 drehte ich
jeden Tag ein Video und veröffentlichte dieses täglich in meinem Blog. Hier können Sie eine
Auswahl dieser Videos sehen.
Um sich alle dreißig anzuschauen, besuchen Sie
JLangkamp.blogspot.com
Diese Arbeit ist während des
Projektes ›Tangency – Stadtberührung‹, Osnabrueck, entstanden.
In November 2011, I made a video every day and published
them daily on my blog. Here is a
selection of them. To see all thirty
videos, go to JLangkamp.blogspot.com
2012, ink print
Für das Projekt ›Lichte Momente
2013‹ – einem Projekt von
Valérie Schwindt-Kleveman &
EMAF – verlagerte ich mein Studio in das historische Zentrum
von Osnabrück, Deutschland.
Eine Woche lang spazierte ich
durch die Altstadt, um einige sehenswerte Bilder zu kreieren
und zu sammeln. Das Ergebnis
sind acht Videoaufzeichnungen,
die man sich nun auf dem Smartphone oder auf dem Tablet anschauen kann (zu leihen bei der
Tourist-Information oder im BBKKunstquartier). QR-Codes sind
an den Originalschauplätzen installiert.
Johannes Langkamp
2011, video blog project,
2nd edition, 11:38
30 x full HD color video
stereo
Johannes Langkamp
This work was realised during
›Tangency – Stadtberührung‹,
Osnabrueck
Johannes Langkamp
For the project ›Lichte Momente
2013‹ – a project by Valérie
Schwindt-Kleveman & EMAF – I
relocated my studio to the historic
centre of Osnabrück, Germany.
For a week I walked around the
Old Town to create and collect visual friction. Eight video sketches
can now be found and accessed
by smartphone or tablet (can be
rented from the tourist information centre or BBK-Kunstquartier).
QR codes are installed at the scenes of origin.
www.johanneslangkamp.com
169
PERFORMANCE / PARTY
THERE IS NO ENEMY
The Diamond Road Show
Digger Barnes / Pencil Quincy
›The Diamond Road Show‹ bewegt sich zwischen
Konzert und Kino. Man geht auf eine Reise durch
Traumstrukturen, Ereignisse und Entwicklungen,
die auf fantasievolle Art und Weise die Ästhetik
von Roadmovies mit experimentellen Trickfilmtechniken verbindet. Die Bilder stammen vom
›Lowbrow‹-Künstler Pencil Quincy und seiner
Magic Machine. Quincy verbindet frühe Film- und
Animationstechniken mit seinem unnachahmlichen
Vaudeville-Stil.
Die Soundlandschaft wird erzeugt von Digger Barnes: Ein-Mann-Band, Geschichtenerzähler und
Outlaw. Jeder Song ist eine filmische und atmosphärische Reise für sich, die auf den urtypischen
amerikanischen Stil zurückgreift, Film-Soundtracks
und Folk aus allen Teilen der USA. Songs, die spät
in der Nacht im Autoradio gespielt werden, wenn
du auf einem mondbeschienen, menschenleeren
Highway unterwegs bist.
›The Diamond Road Show‹ wird seit 2009 als laufendes und sich ständig veränderndes filmisches
Musikprojekt gestaltet. Eine Geschichte, die immer
weiter geht ...
›The Diamond Road Show‹ sits inbetween concert and cinema. lt is a journey through dream structures,
events and unfoldings that inventively blend roadmovie aesthetics with experimental trickfilm techniques. The
visuals are created by low-brow artist Pencil Quincy and his Magic Machine. Quincy combines early cinematic
and animation technology with his inimitable, vaudeville style.
The soundscape is created by Digger Barnes: one-man band, storyteller and outlaw. Each song a cinematic
and atmospheric journey itself, drawing on influence from Americana, film soundtrack and folk music from all
over the place. Songs that play on the car radio late at night as you steer down the peaceful groove of a moonlit highway.
›The Diamond Road Show‹ has been constructed as an ongoing and changing cinematic music project since 2009. A story that is always unfolding …
Music Digger Barnes
Visuals Pencil Quincy
www.diamondroadshow.com
170
Der Audiovisuelle Salon
Origamibiro / Marsen Jules with Anders Weberg / Marcus Fjellström
Die Veranstaltungsreihe versteht sich als Forum für Klangkunst in Verbindung mit visuellen Medien. Eingeleitet wird das Programm in der eindrucksvollen Kulisse der Bergkirche mit dem britischen Audio-Visual Kollektiv Origamibiro. Getragen wird die Performance von einer Vielzahl von Instrumenten, ungewöhnlicher Apparaturen im Dialog mit Videozuspielungen. Marcus Fjellström studierte Komposition und
gehört zu der jungen Generation von Komponisten, die die visuellen Möglichkeiten des Films mit vielfältigen musikalischen Einflüssen von komplexer elektronischer Musik, Filmscores und impressionistischen
Kompositionen frei von Genrezwängen verbinden. Der deutsche Komponist und Ambientkünstler Marsen Jules präsentiert in Kooperation mit den schwedischen Videokünstler Anders Weberg eine audiovisuelle Performance, die auf dichterischem Minimalismus, visueller Abstraktion und tief emotionalen Melodien basiert.
This series of events sees itself as a forum for sound art in connection with visual media. The programme
kicks off with the British audiovisual collective Origamibiro against the impressive backdrop of the Bergkirche.
The performance is sustained by lots of instruments and unusual gadgets in dialogue with video feeds. Marcus Fjellström studied composition, and is one of a young generation of composers who combine the visual
possibilities of film with diverse musical influences of complex electronic music, film scores and impressionist
compositions, without being categorised into a genre. German composer and ambient artist Marsen Jules
presents an audiovisual performance in cooperation with Swedish video artist Anders Weberg, based on
poetic minimalism, visual abstraction and deeply emotional melodies.
Artists: Origamibiro, Marsen Jules with Anders Weberg, Marcus Fjellström
171
PERFORMANCE / PARTY
THERE IS NO ENEMY
Planet Utopia
Sølyst, Ilias Pitsios, Wolf Müller, Mario Schoo, VJ Yochee
Wer den Tanz beherrscht, beherrscht die Nacht – wir bevölkern ›Planet Utopia‹.
Thomas Klein, Schlagzeuger der Band ›Kreidler‹, prägt mit seiner Rhythmusarbeit den Sound der PostRock-Elektroniker Sølyst aus Düsseldorf. Unheilvolle Synth-Klänge, bedrohliche Basslinien, durchdringende Trommelrhythmen, hohl klingende Percussion-Effekte: Sølyst dringt mit seinem ›Tribal Kraut Dub‹ in
unbekannte Tiefen.
Die Legende Wolf Müller: Der Düsseldorfer Hippie hat in den 70ern die Welt bereist und überall mit den
Menschen getrommelt. Er lebt einen Traum – noch heute. Sein ›Balztanz‹ wurde zum Symbol einer Bewegung, das Aphrodisiakum einer ganzen Generation.
Und außerdem: Ilias Pitsios! Gleich zwei Labels betreibt der Mann aus Athen: Zum einen ›Into the Light‹
und das House-Label ›Echovolt‹. Seine DJ-Sets sind in klassischer, elektronischer Clubmusik verwurzelt
und übersäht mit vielseitigem, zeitgenössischen Twist.
The night belongs to those who can dance – let’s populate ›Planet Utopia‹!
Thomas Klein, drummer of the band ›Kreidler‹, defines the sound of post-rock electronic Sølyst from Düsseldorf with his rhythm work. Foreboding synth sounds, menacing bass lines, driving drum rhythms, cavernous
percussion effects: Sølyst delves into unknown depths with its ›Tribal Kraut Dub‹.
The legend Wolf Müller‹: the die-hard hippie from Düsseldorf travelled the world in the 1970s, drumming
with others all over the place. Nowadays though, ageing hippies have it hard. Especially in Düsseldorf. But
that didn’t stop label owner Arne Bunjes from listening to him – and he was immediately captivated!
Plus: Ilias Pitsios! The Greek answer to Rolf Ulrich Kaiser. The man from Athens owns not just one but two labels: ›Into the Light‹ and house reissue label ›Echovolt‹.
Artists: Sølyst, Ilias Pitsios, Wolf Müller, Mario Schoo, Visuals: VJ Yochee
172
Albert Tight / Cpt. Morgen & Das Ventil / David Rauer / Helena Hauff
Helena Hauff wird dieses Jahr auf der EMAF Campus Clubbing zur Peak-Time auflegen. Sie ist eine der
bekanntesten Djanes, die die Stadt Hamburg seit längerem hervorgebracht hat und bereits im ›Boiler
Room‹ die tanzende Menge überzeugte. Hauff nimmt euch mit auf eine Reise durch dreckigen Acid, Chicago, Electro und Wave, durchspielt mit düsteren Sounds und derben Beats. Unterstützt wird der Abend
durch klangvolle Housevariationen des Berliner DJs Albert Tight, der durch die Veranstaltungsreihe ›Upside Down/NAT‹ aus Hannover bekannt ist. Abgerundet wird der Abend mit den Locals Cpt. Morgen &
Das Ventil und dem Künstler und DJ David Rauer. Ihre Sets kompensieren Sehnsüchte jenseits des Alltags und kreieren eine ganz spezielle Vorstellung zwischen Raum und Zeit.
Helena Hauff sets the peak time tone at this year’s EMAF Campus Clubbing. She’s one of the best-known
Djanes Hamburg has produced in a long time, managing already to inspire crowds of dancers at the ›Boiler
Room‹. Hauff will take you on a journey through dirty acid, Chicago, electro and wave, accompanied by dark
sounds and heavy beats. The night will also be shaped by melodious house variations by Berlin DJ Albert
Tight, known from Hannover’s ›Upside Down/NAT‹. The night completes with locals Cpt. Morgen & Das Ventil and artist and DJ David Rauer. Their sets satisfy yearnings beyond the mundane, creating a very special
performance between space and time.
Artists: Albert Tight, Cpt. Morgen & Das Ventil, David Rauer, Helena Hauff
173
CONFERENCE
WE, THE ENEMY - BURNING CLOUDS
Konferenzkonzeption: Jan Lachenmayer, Timo Maier,
Alfred Rotert, Salvatore Vanasco
Die Aufdeckung des Schattenreichs der Überwachung hat die westliche Welt erschüttert und für ein kollektives wie individuelles Trauma gesorgt. Die digitale Revolution ist vollzogen und im Nachklang haben
auch ihre Hohepriester einsehen müssen, dass die neuen Herrschaftszentren den alten verblüffend ähnlich sind. Es scheint der Konsens zu gelten, dass Überwachung einem Verbrechen gegen die Bürgerinnen und Bürger gleichkommt, dass sie ohne unser Wissen (aber mit unseren Steuergeldern) etabliert
wurde, und dass es sich hierbei um eines der größten Bedrohungsszenarien für die westlichen Demokratien handelt - diesmal von innen heraus.
Doch trotz des medial zelebrierten Wissens um das allgegenwärtige Daten-Panopticon, trotz der Furcht
vor dem Schulterschluss zwischen den Googleplexen, Staaten und Geheimdiensten, trotz aller verkündeten Dystopien, treten wir freiwillig, tagtäglich, beinahe sekündlich in das düstere Reich der Überwachung
ein. Willfährig arbeiten wir am Konstrukt unserer eigenen Ängste mit, füttern als ›user‹ in ›communities‹
die ›cloud‹ mit ›content‹, den wir mit unseren ›friends‹ und ›followers‹ ›sharen‹, um ›likes‹ zu ernten und
zum ›influencer‹ zu werden. Warum machen wir uns freiwillig zu Datensendern in Dauerschleife, wenn
das Klagelied vom Überwachungsstaat mittlerweile allen zu Ohren gekommen ist? Am Ende gar, weil wir
die Überwachung insgeheim befürworten?
Gleichzeitig wurde die uralte Gut-Böse-Dichotomie neu erfunden, formatiert und cross-medial inszeniert.
Persönlichkeiten wie Edward Snowden, Julien Assange, Bradley Manning oder Glenn Greenwald betraten die Bühne, sind zu Publikumslieblingen im Kampf gegen die dunklen Machenschaften der Überwacher geworden. Auf allen Kanälen kann man die Entstehung neuer Mythen, neuer Helden, neuer Feindbilder und neuer politischer Metaphern mitverfolgen. Im Fahrwasser der heutigen, allseits gepredigten
sozialen Partizipationslogiken hat die ›crowd‹ auch sogleich Anteil an der Ausgestaltung des sich nahezu
in Echtzeit medial konstruierenden Spektakels um die neue Weltordnung im Internet.
Die diesjährige Konferenz bietet die Möglichkeit, psychologische und inszenatorische Mechanismen der
Überwachung auszuloten, Perspektiven für eine traumatisierte Gesellschaft zu entwerfen und zu verdeutlichen, wie die Sprache der Überwachung in Wort, Bild und Technologie funktioniert. Die Reaktion der
Medienkunst und die sich aus der künstlerischen Auseinandersetzung entwickelnden Positionen sind elementarer Bestandteil für die Suche nach Handlungsoptionen. Welche politischen Forderungen lassen
sich heute schon formulieren, um einer total vernetzten Zukunft zu begegnen, in der wir zwangsläufig
selbst zu unseren ärgsten Feinden werden?
174
Concept of conference: Jan Lachenmayer, Timo Maier,
Alfred Rotert, Salvatore Vanasco
Disclosure of the shady realm of surveillance has shocked the western world, generating collective and individual trauma. The digital revolution has taken place and, in retrospect, even its high priests must admit that
the new centres of power are remarkably similar to the old ones. There seems to be a consensus that surveillance is tantamount to a crime against citizens; that it was established without our knowledge (but with tax
payer’s money); and that it constitutes a major threat to western democracies – this time from the inside.
And yet despite the knowledge, celebrated in the media, about the omnipresent data panopticon, despite
the fear of an alliance between Google-plexes, states and secret services, despite all the proclaimed dystopias, we voluntarily enter the dark empire of surveillance day in, day out, almost every second. Compliantly,
we contribute to the construct of our own anxieties, feeding the cloud with content in communities as users,
then sharing it with our friends and followers to gain likes and become influencers. Why do we choose to
become data transmitters in a continuous loop if we are all aware of complaints about the surveillance state?
Perhaps because we secretly endorse surveillance?
At the same time, the ancient dichotomy of the good and the bad has been reinvented, reformatted and
cross-medially staged. Characters such as Edward Snowden, Julien Assange, Bradley Manning or Glenn
Greenwald entered the stage, and became great favourites with the public in the battle against the sinister
machinations of controllers. The emergence of new myths, new heroes, new enemy stereotypes and new
political metaphors could be followed on all channels. In today’s social participation logic, proclaimed from
all sides, the crowd instantly had a say in shaping the spectacle surrounding the new world order on the
internet, constructed in the media in almost real time.
This year’s Conference offers the opportunity to sound out psychological and staging mechanisms of surveillance, to shape perspectives for a traumatised society and to illustrate how the language of surveillance functions in words, images and technology. The response of media art and the positions emerging from the artistic debate are an elementary part of the quest for courses of action. Which political demands can already be
formulated in order to counter a totally networked future in which we have inevitably become our own bitterest enemy?
175
CONFERENCE
Whistleblowing, Journalism and Privacy
Annie Machon
Annie Machon war in den 90er Jahren Nachrichtenoffizierin für den britischen Inlandsgeheimdienst MI5,
den sie dann verließ um als Whistleblower Interna über die Verbrechen und die Inkompetenz britischer
Geheimdienste in die Öffentlichkeit zu tragen. Als Folge davon mussten sie und ihr früherer Lebensgefährte durch ganz Europa fliehen, im Exil in Frankreich leben, stets mit einer Festnahme und einer
Gefängnisstrafe rechnen und zuschauen, wie Freunde, Familienmitglieder und Journalisten festgenommen wurden. Heute ist Annie Machon Autorin, Medienberichterstatterin, politische Aktivistin und internationale öffentliche Rednerin für eine Reihe verwandter Themen: den Kampf gegen den Terrorismus, den
Kampf gegen Drogen, den Kampf gegen Whistleblower und den Kampf gegen das Internet. Sie leitet
die ›Courage‹ Stiftung, die es sich zum Ziel gesetzt hat, sich für Whistleblower einzusetzen und Geld für
deren Rechtsverteidigung zu beschaffen.
Annie Machon was an intelligence officer for the UK’s MI5 in the 1990s, before leaving to help blow the
whistle on the crimes and incompetence of British spy agencies. As a result, she and her former partner had
to go on the run around Europe, live in exile in France, face arrest and imprisonment, and watch as friends,
family and journalists were arrested. She is now a writer, media commentator, political campaigner and international public speaker on a variety of related issues: the war on terrorism, the war on drugs, the war on
whistleblowers, and the war on the internet. She is Director of Courage, a foundation to advocate whistleblowers and raise funds for their legal defence.
Annie Machon. Drawing on her varied experiences, she is now a public speaker,
writer, media pundit, political campaigner, and PR consultant. She is also now
the Director of LEAP, Europe. She has a rare perspective both on the inner
workings of governments, intelligence agencies and the media, as well as the
wider implications for the need for increased openness and accountability in
both public and private sectors.
She is also a recognised international public speaker on a variety of issues:
security and intelligence, ethics and citizenship, the war on terror, the war
on drugs, press and media freedoms, secrecy legislation, civil liberties, totalitarianism and police states, account-ability in government and business as
well as discussing her personal story of being ›on the run‹.
www.anniemachon.ch
176
Sicherheitsforschung jenseits von Gut und Böse
Dr. Stephan Humer
Sicherheitsforschung ist ein komplexes Thema, nicht nur wegen der technischen Dynamik in Zeiten der
digitalen Revolution. Zivilklauseln sollen zum Beispiel ›böse‹ militärische Forschung unterbinden und
›gute‹ Forschung symbolisch-moralisch unterstützen. Doch ist das realistisch? Wie kann Sicherheit heutzutage ganzheitlich eingeschätzt, bewertet, entschieden werden? Der Vortrag wird diese Fragen anhand
eines Biometrie-Forschungsvorhabens diskutieren.
Security Research Beyond Good And Evil
Security research is a complex topic, not only because of the technical dynamism experienced in the era of
the digital revolution. Civilian provisions ought to prohibit ›bad‹ military research, for example, and symbolically/morally support ›good‹ research. But is it realistic? How can security be holistically assessed, evaluated
and decided upon nowadays? These issues will be discussed in this lecture on the basis of a biometry
research project.
Dr. phil. Stephan G. Humer, Diplom sociologist, founder and research manager of
Germany’s first Internet Sociology working area at Berlin University of the
Arts (UdK). In addition to his position at UdK, he also chairs the Netzwerk
Terrorismusforschung e.V. (Network Terrorism Research)
177
CONFERENCE
Artist Talk
Elena Artemenko / Franz Reimer / Alexander Repp
Die Künstler sprechen über ihre Arbeiten, die in der Ausstellung des EMAF präsentiert werden. Mit ihren
Installationen setzen sie sich mit den Auswüchsen der Social Media auseinander, die bis zu gefakten Täterprofilen reichen, re-inszenieren unter Einbeziehung der Ausstellungsbesucher die Überwachung der
Tötung Bin Ladens oder kommentieren humorvoll die verschiedenen Formen des Aktivismus.
The artists will talk about their pieces of work that will be shown at the festival’s exhibition in the Kunsthalle
Osnabrück. Their installations explore the excesses of social media, spanning faked terrorist profiles, a restaging of the surveillance of Bin Laden’s killing comprising visitors to the exhibition, and witty commentary about the various forms of activism.
Elena Artemenko, *1988 in Krasnodar, Russia. Graduated from the Kuban State
University, Journalism Department (2010) and the Rodchenko Moscow School of
Photography and Multimedia, New Media Department (2013). Lives and works in
Moscow. Exhibitions at Random Gallery, Moscow (solo exhibition), Kandinsky
prize (›Young Artist. Project of the year‹ nomination), Udarnik, Moscow, RuArts
Gallery, Moscow, ARTPLAY, Moscow.
Franz Reimer, *1977 in Berlin, currently lives and works as a media artist
and designer in Berlin. Studied ART AND MEDIA at Berlin University of the Arts.
Attended Professor Maria Vedder’s Media Art class; Diplom in Communication
Design, Fachhochschule Düsseldorf.
Alexander Repp, *1986 in Temirtau/Kazakhstan, has been studying since 2010 at
the Media Art Department of the Academy of Visual Arts Leipzig, from 2012 to
2013 in the ›mass media research and art in public media space‹ class of
Professor Günther Selichar, since 2013 in the ›Expanded Cinema‹ class of
Professor Clemens von Wedemeyer. He lives and works in Leipzig, Germany. Exhibitions: Cynetart Festival, Dresden, November 2013; The Supershow - an exhibition of the Mass Media Research and Art in Public Media Space class, curated
by Kathy Rae Huffman, Leipzig, September 2013; Academy of Visual Arts Leipzig
Rundgang (annual school exhibition) 2011-2014.
178
Überwachen und Sprache: How To Do Things With Words
Prof. Dr. Joachim Scharloth
Der Vortrag stellt fortgeschrittene linguistische Methoden des politisch motivierten Internet-Monitorings
vor, einem Forschungsbereich, auf den die NSA besonderen Wert legt. Anhand eines fiktiven ›Advanced
Security Toolkits‹ zur automatischen Sprachanalyse wird demonstriert, was heute linguistisch-statistisch
hinsichtlich Überwachung möglich ist. Der Vortrag gibt keine Anleitung, wie man sich der Überwachung
wirkungsvoll entziehen kann – denn das ist ohnehin zwecklos.
Surveillance And Language: How To Do Things With Words
Advanced linguistic methods of politically motivated internet monitoring will be presented during the lecture, an area of research to which the NSA attaches great importance. With the help of a fictitious ›Advanced
Security Toolkit‹ for automated speech analysis, a demonstration is given of what linguistics and statistics can
do for surveillance. The lecture does not include any guidance on how to effectively escape scrutiny – after
all, it’s futile.
Joachim Scharloth is a Professor of Applied Linguistics at the TU Dresden. He
concerns himself with the language of social movements and the impact digitisation has on cultural sciences. He has a blog about mechanised author identification and the linguistic aspects of surveillance at
www.security-informatics.de.
179
CONFERENCE
Wir werden alle überwacht. Und nun?
Michael Seemann
Der Fall ist eingetreten, mit dem viele von uns gerechnet haben. Wir werden ständig und allumfassend
überwacht und es sieht nicht so aus, als könnten uns Kryptographie oder Politiker davor bewahren.
Diese Tatsache hat auch schwerwiegende Auswirkungen auf den Aktivismus gegen Überwachung. ›Wie
können wir gegen Überwachung kämpfen, wenn eh alle wissen, dass sie überwacht werden?‹ Werden
sich die Menschen zum Beispiel trotz NSA noch gegen die Vorratsdatenspeicherung mobilisieren lassen?
Die Überwachungsdebatte tritt in eine neue Phase ein, in der es nicht mehr um das 1 Bit Überwachungsmem ›überwacht/nicht überwacht‹ gehen kann, sondern wo Überwachung differenziert betrachtet und
qualitativ eingeordnet werden muss. Dazu will ich ein paar Vorschläge machen.
We're All Being Monitored. Now What?
We have now reached the scenario that many of us had been expecting. We are the subject of constant
mass surveillance, and it doesn’t look as though cryptography or politicians can do anything about it.
This fact also has serious implications for activism against surveillance. How can we fight against surveillance
if we all know we’re being monitored in the first place? Will it still be possible to activate people to protest
against data retention, for example, in the wake of the NSA?
The monitoring debate is entering a new phase in which it is no longer a matter of the 1 bit surveillance
memory ›monitored/not monitored‹, but where surveillance has to be considered in a differentiated manner
and qualitatively classified. I wish to make a number of proposals concerning this.
Michael Seemann read Applied Cultural Studies. He has been involved in various
projects since 2005. He founded ›twitkrit.de‹ and ›Twitterlesung‹, he has
organised different events, and runs the popular podcast ›wir.muessenreden.de‹.
At the beginning of 2010, he launched the blog ›CTRL-Verlust‹ in which he
writes about the loss of control of data on the internet. He blogs at mspr0.de
and writes for various media including RollingStone and ZEIT Online. The topics
he explores include loss of control, platform Neutrality and Queryology.
http://www.twitkrit.de/
http://wir.muessenreden.de/
http://www.ctrl-verlust.net/
http://mspr0.de/
180
Tweet Nadwa
Jan Lachenmayer
Die sogenannte ›Tweet Nadwa‹ stammt aus dem Arabischen Frühling. Hierbei handelt es sich um ein
offenes, interaktives Format, in dem das Publikum im Mittelpunkt steht. Jede/r kann das Mikrofon ergreifen. In Anlehnung an die Begrenzung auf 140 Zeichen von Twitter hat jede/r Beitragende eine Redezeit
von exakt 140 Sekunden, um Ideen, Meinungen oder Assoziationen frei zu äußern. Das Thema ist
Zukunft und Handeln im Überwachungsstaat. Wie wirkt sich Überwachung auf die Gesellschaft der
Zukunft aus? Welche Handlungsoptionen bleiben uns noch?
The so-called ›Tweet Nadwa‹ originates from the Arab Spring. It is an open, interactive format where the
public takes the centre stage. Anyone can take hold of the microphone. Based on Twitter’s restriction to 140
characters, each participantcan speak for precisely 140 seconds, freely expressing their ideas, opinions or
associations. The topic is the future and actions in asurveillance state. What effect willsurveillance have on
tomorrow’s society? Which options are we left with?
Jan Lachenmayer is an artist, consultant and researcher based in Berlin. He
consulted transnational corporations and NGOs, recently led an interdisciplinary research project on Internet-Tsunamis - political masses in the digital
age - and was part of the artist collective opening the Ars Electronica 2013
with the cross-media performance ›Wir sind hier‹.
181
CONFERENCE
Under Surveillance | Under The Radar
Christoph Wachter und Mathias Jud
Die beiden Schweizer Künstler setzen sich seit Jahren mit der Medienüberwachung durch staatliche
Organe, Geheimdienste und dem Militär auseinander. In ihren Arbeiten dokumentieren sie widerrechtliche Eingriffe in die Kommunikationsnetze und schaffen mit von ihnen entwickelten Netzen neue Schutzräume für den Datenverkehr. Mit ihrem nutzerbestimmten Netzwerk ›qaul.net‹ oder ihrem Krypto-Projekt
›picadae‹ erkunden sie die Grenzen der staatlichen Überwachung und reklamieren Kommunikationsräume, die frei von Herrschaftsinteressen und kommerziellen Zugriffen sind.
For years, Swiss artists Christoph Wachter and Mathias Jud have been exploring media monitoring by
government bodies, secret services and the military. In their work, they document unlawful interference
against communications networks, and create new protection zones for data traffic using networks they have
developed. With their user-defined network ›qaul.net‹ or their crypto undertaking ›picadae‹ they explore the
boundaries of state surveillance and reclaim forums for communication that are free from power interests
and commercialaccess.
Christoph Wachter & Mathias Jud see Exhibition ›Under Surveillance | Under The
Radar‹
182
Majority Report
David Dorrell
In >The Majority Report< untersucht Künstler und Autor David Dorell den potentiellen Einfluss, den
NSA und MI5 auf soziale wie mediale Netzwerke ausüben, in dem sie versuchen, mittels Mind-Hacking
das politische Umfeld zu kontrollieren, in welchem die Debatten stattfinden. Anhand von Bedrohungsszenarien wie dem NSA-Programm Mystik und dem visionären Werk des Science-Fiction-Autors Philip K.
Dick, versucht Dorell über unseren derzeitigen Horizont hinaus in eine Welt zu schauen, die von
Selbstkontrolle und totaler Überwachung geprägt ist.
In ›The Majority Report‹ artist and writer David Dorrell surveys the potential impact on social and media
networks of the NSA and MI5’s desire to ›hack minds‹ by shaping the environment in which political debate
takes place. By reviewing the threat of programmes such as the NSA’s Mystic and the seemingly predictive
nature of Philip K. Dick’s science-fiction writings, Dorrell seeks to look beyond our current horizon into a world
characterised by self-censureship and total surveillance.
David Dorrell is a writer and artist who has staged interventions in various
media over four decades. As a member of MARRS, he popularised the ›cut-up‹ with
the seminal dance record Pump Up The Volume (1987). His three-day performance
›Roost‹ (2009) saw him engage with ›Voodoo Economics‹ and the fear of pandemic.
In 2005’s ›Our Words Are Dead Until We Give Them Life‹ he painted the gallery
walls in his own blood with the martyr statement of 7/7 bomber Mohammed Sidique
Khan, and his ongoing installation Slayer Pavilion (with Melissa Frost) has
successfully inserted itself at Biennales in Kochi-Muziris, Istanbul and
Berlin.
183
CONFERENCE
Salvatore Vanasco
Den Mechanismen und Suggestivkräften des politischen Totalitarismus scheinen kaum noch technologische Grenzen gesetzt. Doch erst durch die totale Vernetzung, in die sich der zukünftige homo protehticus als Teil eines gigantischen Internet of Things and Beings nahtlos fügen wird, werden auch Zensur,
Überwachung und Kontrolle eine nie dagewesene Qualität erreichen. So stellt der Medienkünstler Salvatore Vanasco die entscheidende Frage: Wollt ihr die totale Vernetzung?
Do You Want Total Networking?
There no longer seem to be any technological limitations to the mechanisms and suggestive powers of political totalitarianism. And yet it is only through total networking, into which the future homo protehticus will
blend seamlessly as part of a gigantic Internet of Things and Beings, that censorship, surveillance and control
will also reach a quality never seen before. Thus media artist Salvatore Vanasco asks the crucial question:
Do you want total networking?
Salvatore Vanasco studied Visual Communication at HFBK – the University of Fine
Arts Hamburg, and was a full-time professor and dean at the Merz Academy
Hochschule für Gestaltung, Kunst und Medien, Stuttgart. At the Ars Electronica
Festival 2013, Vanasco staged the cross-media live performance ›Wir sind hier‹,
involving a total of 100 international artists, cultural scientists and software developers. He has been a German internet entrepreneur from the very
beginning, and has won the German Media Art Award.
184
185
REGISTER
LIST OF TITLES
130
119
88
168
111
-1/MinusEins/Experimentallabor
( NULL )
#THESELFIESONG
366.12
4 Grad kaltes Wasser / Four
Degree Water
140 5,000 Feet is the Best
124 7 Köpfe für den Henker
110
70
32
78
72
35
35
36
44
52
53
178
171
68
82
76
A
Abenteuer, Ein
Above them the world beyond
Abstrakter Film
Abwesen
Acrobat
Advice Shape, The
Airplane Dance
Amassed
Andoe
Apapa Amusement Park
Apicula Enigma
Artist Talk
Audiovisuelle Salon, Der
Avant la nuit
Aviary
Awakening, The
168
68
146
58
118
117
47
119
80
111
77
90
92
57
62
B
balance the video
Birds
Black Rectangle
blase – das visuelle exposé, die
Blast of Silence
Blind date | MAMA
blinde Fisch, Der
Blotto 649
Bombay
Bookville
Brazil
Breaking The Frame
Bu Ani Hisset
Buried Alive Group Videos, The
166
95
168
47
56
138
40
104
91
34
60
118
83
41
45
186
C
Can You See The Wind When It
Blows
Cat's Cradle
cessation
Citizens Against Basswood
Close The Lid Gently
Comfortable Protest
Como crece la sombra cuando
el sol declina
Contrast
Conversation, The
Corrections
Cremer
Cristina
Crystal Computing (Google Inc.,
St. Ghislain)
Culebra Jr.
Cut Out
D
106 Darwin's Dead (Evolution in
Chaos)
75 Defender
170 Diamond Road Show, The
100 Displacement
116 Diver, The
99 Doa Gajayana / Gajayana Prayer
52 Double Dawn
161 Driver and Cameras, The
127 Droplets
33 Dust Breeding
45 Dusty Stacks of Mom
72
66
89
44
105
79
76
84
42
156
128
132
59
150
E
e-ruqyah
Emil
end, end, end
Entschleunigerhelm, Der
Entschuldigen Sie bitte die
kurze Störung
Everden, The
every day one video
Everyday Rebellion – The Art of
Change
Everything That Moves Is Moved
By Others
Everything That Rises Must
Converge
Evolution of Silence
Exterior Extended
eye could see
152
60
79
101
64
118
37
96
F
fake account
Fe26
Fear & Delight
Flaneur #3
Fort Morgan
Fortune Faded
Fountainhead, The
Fuses
50
106
60
132
107
40
169
154
104
39
84
108
131
86
79
160
38
105
81
G
GHL
Gist, The
Gleichzeitige Ebenen
Global Civil War
Goodbye
Google Trilogy, The
Gowanus Canal
Green Out
guy not sure what he is doing
with his life playing accordion
H
Hacked Circuit
Handful of Dust
Hello World :)
Here Is Everything
Heute kann ich mir das nicht
mehr erlauben
HEX
Homme
Hotzanak, For Your Own Safety
House
How Not To Be Seen. A Fucking
Didactic Educational .mov file
Hurdy Gurdy
I
Illmannered Milkman, The
In Light of the Arc
Inner and Outer Vanishing Point,
The
113 Intelligent Falling
139
48
142
73
J
99 Jabal Hadroh
116 Journey Alpha
115
119
83
133
127
127
66
114
164
122
65
41
101
165
65
148
75
K
Ketsujiru Juke / Anal Juke
Katzenjammertal, Das
Kingdom Come: Rituals
Klanglicht
Kleinstadtleben
Krampf
L
Laborat
Laufzeit / Runtime
Leben unter Verdacht
Leise ist nicht Klein –
Klangvisualisierung
Let Us Persevere in What We
Have Resolved Before We Forget
Let's Face It – Extravios
Mentales
Lewat Sepertiga Malam
Living Under Suspicion
Los Andes / The Andes
Low Definition Control –
Malfunctions #0
Lytics – We Said, The
M
133 Machar (*Mosquito)
122 Macintalk – A Mac in dialog
with itself
38 Madison Street
183 Majority Report
56 Man kann nicht alles...
110 masturbating in my rapist(s)
clothes
117 May On the Moon
107 Mein Sohn / My Son
57 Merciful, Wonderful
81 MeTube: August sings Carmen
›Habanera‹
161 Michele’s Story
114 Minimal
59 Minimal Vandalism
124 Misguided
130 Mobile Botschaft Kompostaat
32 Model Village
109 movie without the picture, a /
ein manifest für ein theater
ohne publikum
N
120 Nothing to Hide
O
116 Operation Castle
169 Osnabrueck Videowalks
131
61
58
126
75
101
49
172
70
80
61
97
82
148
107
P
Paranoides Zuhause
Party
Patch
Philanthrop
Pick Up Motorz
Pingitan / Seclusion
Pixel Joy
Planet Utopia
Plastic Garden, The
Play this at my funeral
Please Relax Now
Plumb Line
Point of Influx
Policia (2007)
Priez Dieu qu’il m’envoie un peu
de génie […]
R
123 Rearranging THX-1138
108 recipe for making camera-less
computational video –
American Style, a
126 Red Factory
160 Report a Problem
128 Rette sich wer kann
78 Revolution Will Not Be
Televised, The
85 Right of Passage, The
76 Rinkaku
77 runtime error
87
42
134
126
64
51
49
98
128
134
177
69
151
135
87
36
37
167
138
55
43
46
54
123
86
48
121
105
106
67
40
112
144
63
91
50
71
173
88
129
113
51
181
S
Sans le Sens d’un Effet Absolu
Satul meu
Scanner Lines
Schwarze Schafe
Sea Series 9/11/12/13
Serpent & Mouse, The
Sharing Lazy Gains
Shifting Constellation
Shopping Tour
Shy Camera, The
Sicherheitsforschung jenseits
von Gut und Böse
Sieben Mal am Tag beklagen wir
unser Los und nachts stehen
wir auf, um nicht zu träumen
Situation Room, The
Smile
Something tremendous
Songdo
Sound That
stairs
Stalker 2
state-theatre #6
MÖNCHENGLADBACH
Stay the Same
Still Life (Betamale)
Stimme
Stimmmaler
Stop the Show
Strange Last Voyage of Donald
Crowhurst, The
Studiengänge Zeitbasierte
Medien B.A./M.A., Die
Sukkavartaankatu 8 / Sock
Skewer Street 8
Sukupuolikas / Genderless
Sun Experiment (Ether Echoes),
The
Sun Song
T
Tanz Für Hanz
TEN
That's Sexploitation!
THX 1138
Tokyo
Tonight and the People
Totalitarian Nature
Traumfabrik
Trolley Case
Tryna Keep They Eye On Me
Tweet Nadwa
U
179 Überwachen und Sprache: How
To Do Things With Words
162, 182 under surveillance | under
the radar
125 Understand Music
159 untitled (City TV [Berlin] #01)
158 untitled (NSA Field Station,
Berlin, Teufelsberg #05)
112 untitled_7
110 Uovo al pomodoro / Scrambled
egg with tomato sauce
74
109
100
169
96
167
131
69
125
62
46
135
78
136
174
102
129
94
176
34
104
95
34
115
180
184
43
54
V
Velka noc / The Great Night
Victory
Videohijab
videotape
Viet Flakes
view
Vinylactites / Vinylagmites
Von der Ordnung der
Gesellschaft
W
Wanderlust
Wantee
Wapiti, The
Waxed
We Lost A Friend To Religion
We, The Enemy
What I Can Never Express
Where The Frame Breaks The
Edge – The Artist Carolee
Schneemann
Whistleblowing, Journalism and
Privacy
Wildcard Character
Wind
Window Water Baby Moving
Wine & Spirits
WipeOut
Wir werden alle überwacht. Und
nun?
Working to Beat the Devil
Wüste wächst, Die
Y
117 Yoga Video, Ein
187
REGISTER
LIST OF AUTHORS
A
130 Academy of Media Arts
Cologne
57 Loukia Alavanou
76 Xavier Ameller
110 Alice Angeletti
77 Sandra Araújo
34 Janina Arendt
138, 178 Elena Artemenko
52 Karimah Ashadu
76 Mario Ashkar
47 Jaimz & Karen Asmundson
101 Orizon Astonia
75 Adrian Avila
170
44
109
125
85
71
35
77
99
115
42
88
95
68
50
104
B
Digger Barnes
Cooper Battersby
Fanti Baum
Jasmin Becela
Zanny Begg
Neïl Beloufa
Amber Bemak
Dave Berg
Bayu Bergas
Amine Berrada
Andy Birtwistle
Cristine Brache
Stan Brakhage
Ulu Braun
Dietmar Brehm
Carmen Büchner
66
104
104
68
36
38
65
81
91
34
C
Guillaume Cailleau
Alejandra Cano
Stefano Caprile
Chiara Caterina
Seoungho Cho
Sarah Christman
Joaquín Cociña
Sean Francis Conway
Francis Ford Coppola
Keren Cytter
101
76
127
183
117
44
111
D
Aryo Danusiri
Ghislain De Vaulx
Timo Dicke
David Dorrell
Aurélien Doyen
Emily Vey Duke
Kathrin Dworatzek
188
E
138 Anke Eckardt
48 Willehad Eilers
128 Christian Emmerke
40 Clint Enns
126 Konstantin Enste
37, 60 Kevin Jerome Everson
F
113 Mateusz Fabis
121 Fachhochschule Mainz
78 Valentin Farkasch
139 Harun Farocki
39, 140 Omer Fast
105 Elsa Fauconnet
127 Simon Fiedler
122 Orm Finnendahl
43 Sam Firth
55 Constanze Fischbeck
79 Karin Fisslthaler
171 Marcus Fjellström
67 Elise Florenty
142 Zachary Formwalt
117 Alexander Pascal Forré
122 Erik Freydank
59 Siegfried A. Fruhauf
127 Johannes Furrer
119
114
56
119
125
73
90
58
144
49
43
G
Nuria Gomez Garrido
Nicolas Gebbe
Ariana Gerstein
David Gesslbauer
Florian Geyer
Cameron Gibson
Terry Gilliam
Gerd Gockell
Niklas Goldbach
Florentine Grelier
Adam Gutch
42
118
60
74
86
173
32
69
63
118
61
120
54
53
177
113
H
Klaus Hamlescher
Shoko Hara
Lucy Harris
Petr Hátle
Max Hattler
Helena Hauff
Birgit Hein
Susann Maria Hempel
Frank Henenlotter
Alexander Heringer
Juan Jose Herrera
Hochschule Osnabrück
Kai Welf Hoyme
Marine Hugonnier
Dr. Stephan Humer
Moritz Hüttner
I
122 Tjark Ihmels
126 Tamar Inasaridze
J
41 Miguel Jara
57 Cecilia Järdemar
51 jaymez
130 Johannes Jensen
119 Ara Jo
162, 182 Matthias Jud
171 Marsen Jules with Anders
Weberg
K
115 Sawako Kabuki
80 Tellervo Kalleinen
109 Meyrick Kaminski
46 Anssi Kasitonni
126 Maria Kirch
61, 83 Vika Kirchenbauer
118 Arvid Klapper
133 Philipp Kliem
112 Thomas Kneffel
123 Cornelius Koch
108 Christian Köhne
55 Daniel Kötter
70 Andrew Kötting
126 Arkady Kravchouk
146 Mischa Kuball
130 Kunsthochschule für
Medien Köln
110 Jennifer Kurbjuweit
76 Keita Kurosaka
134 Gregor Kuschmirz
32 Hayoun Kwon
L
174, 181 Jan Lachenmayer
119 Michael Lange
166 Johannes Langkamp
89 Etienne Larragueta
98 Rizki Lazuardi
80 Niina Lehtonen-Braun
60 David Leister
65 Cristóbal León
38 Rebecca Llanos
104 Robert Löbel
132 Matthias Lohscheidt
107 David M. Lorenz
69 Alexander Lorenz
91 George Lucas
119 Denis D. Lüthi
176
45
174
106
52
80
89
128
87
82
49
128
148
72
75
116
108
173
81
172
122
100
M
Annie Machon
Jodie Mack
Timo Maier
Auri Mäkelä
Lukas Marxt
Mike Maryniuk
Rafaël Mathé
Susanne May
Isabelle McEwen
Katherin McInnis
Mores McWreath
Alexander Meier
Bjørn Melhus
Eduardo Menz
Megan Mock
Damon Mohl
Jolene Mok
Cpt. Morgen
Daniel Moshel
Wolf Müller
Gerhard Müller-Hornbach
Krisna Murti
48
100
92
114
N
Hugo Nadeau
B.W. Purba Negara
Marielle Nitoslawska
Alexander Nowak
O
77 Marjatta Oja
84 Izibene Oñederra
171 Origamibiro
148
107
45
150
107
128
110
172
116
132
64
62
116
50
P
Michael Palm
Kristina Paustian
Simon Payne
Nora Peters
Eliza Petkova
Daniel Pfeiffer
Olivia von Pilgrim
Ilias Pitsios
Patrick Poelchau
Lorenz Potthast
John Price
Laure Prouvost
Filip Gabriel Pudlo
Arya Sukapura Putra
R
46 Jon Rafman
79 Stefan & Benjamin Ramírez
Pérez
60 Jonathan Rattner
173 David Rauer
51 Nicole Rayburn
78 Jan Rehwinkel
151, 178 Franz Reimer
152, 178 Alexander Repp
85 Oliver Ressler
40 Camilo Restrepo
34 Rachel Reupke
154 Arash T. Riahi
154 Arman T. Riahi
124 Lukas Rinker
37 Borja Rodríguez
122 Kevin Röhl
88 Marijke De Roover
62 Roee Rosen
134 Tim Roßberg
174 Alfred Rotert
82 Ian Rudgewick-Brown
65 Ben Russell
86
118
179
96
172
84
180
128
43
105
36
172
56
131
106
64
156
129
72
111
83
S
Tasos Sagris
Claudia Sárkány
Joachim Scharloth
Carolee Schneemann
Mario Schoo
Lotte Schreiber
Michael Seemann
Daniel Seideneder
Chu-Li Shewring
Siegmund Skalar
Emilija Skarnulyte
Sølyst
Marie Elsa Squaldo
Jens Standke
Simon Steinhorst
Alexander Stewart
Hito Steyerl
Walter Stöhr
Deborah Stratman
Gabriel Studerus
Martin Sulzer
112
158
35
173
117
106
133
57
66
67
T
Frank Thiel
Jennet Thomas
Albert Tight
Thadeusz Tischbein
Kevin Tobin
Sissel Marie Tonn
Zafer Topaloglu
Hope Tucker
Marcel Türkowsky
U
121 University of Applied
Science Mainz
120 University of Applied
Sciences Osnabrück
V
47 Catrine Val
33 Sarah Vanagt
174, 184 Salvatore Vanasco
160 Emillio Vavarella
83 Ivar Veermäe
173 Das Ventil
58, 75 Rhayne Vermette
41 Daniela Delgado Viteri
172 VJ Yochee
105 Elli Vuorinen
W
162, 182 Christoph Wachter
135 Markus Walenzyk
59 Kay Walkowiak
40 Joel Wanek
99 Otty Widasari
87 Paul Wiersbinski
79 Naren Wilks
Y
75 The Youngrrr
44 Nina Yuen
70 Ip Yuk-Yiu
Z
78 Gerald Zahn
54 Katarina Zdjelar
128 Vera Zimmermann
Q
170 Pencil Quincy
189
REGISTER
LIST OF DISTRIBUTORS
1273503 Ontario Ltd., Lea Carlson
[email protected]
529 Dragon
[email protected]
www.529dragons.com/index.php/fr/
A
AJC!
[email protected]
www.ajcnet.be
Ameller, Xavier & De Vaulx, Ghislain
[email protected]
Angeletti, Alice
[email protected]
www.alice-angeletti.de
ANIGRAF, Gerd Gockell
[email protected]
www.anigraf.org
Araújo, Sandra; s-ara
[email protected]
http://s-ara.net/
Arendt, Janina
[email protected]
Ashadu, Karimah
[email protected]
http://karimahashadu.com
Ashkar, Mario
[email protected]
www.marioashkar.com
Asmundson, Jaimz & Karen
www.jaimzasmundson.com
aug&ohr medien, Berlin
[email protected]; [email protected]
www.augohr.de/film.php
AV-Arkki
[email protected]
www.av-arkki.fi
B
Bak, Mikhal
[email protected]
www.studio-wasia.com/promofilms
BALTHASAR
[email protected]
www.balthasar.be
Baum, Fanti
[email protected]
Beloufa, Neïl
www.neilbeloufa.com
Bemak, Amber
[email protected]
www.amberbemak.com
Berrada, Amine
[email protected]
Birtwistle, Andy
[email protected]
www.chimpsonic.com
Brache, Cristine
[email protected]
http://cristinebrache.info/
Braun, Ulu
[email protected]
www.ulubraun.com
C
Cailleau, Guillaume
[email protected]
Caprile, Stefano & Cano, Alejandra
[email protected]
www.stefanocaprile.com
CaRTe bLaNChe
[email protected]
http://c-a-r-t-e-blanche.com/
Caterina, Chiara
[email protected]
www.chiaracaterina.com
Cho, Seoungho
[email protected]
Christman, Sarah
[email protected]
www.sarahchristman.com
Conway, Sean Francis
[email protected]
www.theartdonkey.com
Cristóbal, León & Cociña, Joaquín
[email protected]
www.leoncocina.com
190
Cytter, Keren
[email protected]
www.kerencytter.com
D
De Roover, Marijke
[email protected]
Dominguez Teruel, Daniel
[email protected]
http://cargocollective.com/danieldominguez
Drop-Out Cinema, Mannheim
www.dropoutcinema.org
Dworatzek, Kathrin
[email protected]
E
Eilers, Willehad
[email protected]
www.waynehorse.com
Elsa, Fauconnet
[email protected]
www.elsafauconnet.com
Enns, Clint
[email protected]
www.clintenns.tumblr.com
Everson, Kevin Jerome
[email protected]
www.keverson.net
Eye Film Institute Netherlands
[email protected]
www.eyefilm.nl
F
Fabis, Mateusz
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Farkasch, Valentin
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www.twentyonemedia.com
FH Mainz
www.fh-mainz.de/gestaltung/
Festivalkoordination
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www.filmakademie.de
Institut für Animation
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filmgalerie 451, Berlin
[email protected]
www.filmgalerie451.de
FILMO, Olivier Chantriaux
[email protected]
www.filmo.biz
Filmverleih im Nordsee-Park
www.filmverleih-im-nordseepark.de
Firth, Sam
[email protected]
www.staythesamefilm.com
Fisslthaler, Karin
[email protected]
www.karinfisslthaler.com
Florenty, Elise
[email protected]
Forré, Alexander Pascal
[email protected]
G
Galerie Nagel Draxler, Berlin/Cologne
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Gebbe, Nicolas
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Gerstein, Ariana
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Gibson, Cameron
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www.camerondeangibson.com
Grelier, Florentine
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http://cobayabook.blogspot.com
H
Hamlescher, Klaus
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Hara, Shoko & Klapper, Arvid
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Hátle, Petr
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HBK Braunschweig, Filmklasse
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Hein, Birgit
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Hempel, Susann Maria
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Heringer, Alexander
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Herrera, Juan Jose
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Heure Exquise!
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www.heure-exquise.org
HFBK Hamburg
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Hochschule Luzern – Design & Kunst,
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Hoyme, Kai Welf
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www.kaihoyme.de
Hugonnier, Marine
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Hüttner, Moritz
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I
IP, Yuk-Yiu
[email protected]
J
Jara, Miguel
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vimeo.com/migueljara/videos
Järdemar, Cecilia & Alavanou, Loukia
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http://loukiaalavanou.com
jaymez
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Jo, Ara
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www.joaaara.com
Jodie, Mack
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Jon Rafman Studios
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www.jonrafman.com
K
Kaminski, Meyrick
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www.meyrickaminski.com
KIMUAK, Txema Munoz
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www.kimuak.com
Kirchenbauer, Vika
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Köhne, Christian
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Kurbjuweit, Jennifer
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Kwon, Hayoun
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L
La Fémis
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Larragueta, Etienne & Mathé, Rafael
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Le Fresnoy, Trebik, Natalia
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Leister, David & Harris, Lucy
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www.lightcone.org
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Moshel, Daniel
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N
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Nowak, Alexander
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O
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P
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Petkova, Eliza
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T
Thomas, Jennet
[email protected]
www.jennetthomas.com
Tischbein, Thadeusz
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Tobin, Kevin (31 Productions)
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[email protected]
Turku Arts Academy, Eija Saarinen
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U
UDK Berlin
www.udk-berlin.de
V
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Veermäe, Ivar
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Vermette, Rhayne
[email protected]
www.mbcoldstorage.tumblr.com
Vey Duke, Emily & Cooper Battersby
[email protected]
http://dukeandbattersby.com
Video Data Bank
[email protected]
www.vdb.org
Vidéographe
[email protected]
www.videographe.qc.ca/
Viteri, Daniela Delgado
[email protected]
VOID NETWORK
[email protected]
http://voidnetwork.blogspot.gr/
von Pilgrim, Olivia
[email protected]
www.oliviavonpilgrim.com
Vuorinen, Elli
[email protected]
http://ellivuorinen.com/
W
Walkowiak, Kay
[email protected]
www.walkowiak.at
Wanek, Joel
[email protected]
www.joelwanek.com
Warner Bros. Entertainment GmbH, Hamburg
www.warnerbros.de
Wiersbinski, Paul
[email protected]
Wilks, Naren
[email protected]
www.naren.co.uk
Winnipeg Film Group,
[email protected]
www.winnipegfilmgroup.com
Y
Youngrrr, the
[email protected]
Yuen, Nina
http://ninayuen.com/
Z
Zahn, Gerald
[email protected]
www.geraldzahn.tk
Zdjelar, Katarina
[email protected]
www.katarinazdjelar.net
191
EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2015
22. April - 26. April 2015
Ausstellung 22. April - 25. Mai 2015

0 Cover.qxd - European Media Art Festival

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