amante de los ochentas

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AMANTE DE LOS
OCHENTAS
Alejandro González Castillo
ARTÍCULOS
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Paul van Dyk, remezclándose a sí mismo / Esteban Illades
Green Day / Una erupción de ira / David Meléndez
Nacho Vegas / Manifiestos y Desastres / Alex Castro
John Legend / El nuevo héroe del R&B / Rockstar
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20
Placebo / De la implosión a la batalla por el sol / Alejandro Rojas Luna
Su nombre es Matt... M Ward, para los amigos / Carlos Andrade
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The Black Eyed Peas / Fiesta en todo su esplendor / David Meléndez
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Playing for Change / Música para los niños / Pablo Emilio Islas
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Avenged Sevenfold / Metal apocalíptico y desintegrado /
28 Hello Seahorse!
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/ Pop a lo bestia / Alejandro Mancilla
Márquez
Pedro Escobar
Anita Tijoux / Con el Kaos por delante / Alex Castro
Coti / Poesía y canciones malditas / Nayeli Rivera
Francisco Céspedes / Pura nostalgia / Ana Galleta
Polka Madre / Bailongo itinerante / Alejandro González
Castillo
El Puma
/ Rugidos para Sandro / Ana Galleta
SECCIONES
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48
Editorial / Mauricio Hammer
Rápidas y Furiosas / Alex Castro
Se Habla Español / Jacobo Vázquez
Doble vida / 50 velitas para Island Records
/ Jorge R. Soto
Diez rolas para los detractores
del reggaeton / David Mélendez
DVDs / Elías Nahmías / Rockstar
Videojuegos / Nayeli Rivera
Lo Más Vendido
La Miscelánea / Pilar Ortega
RESEÑAS
196
* Cantisani
* Anne Sofie Von Otter
* Chicks On Speed
* Dave Matthews Band
* Eels
* Gary Go
* Gliss
* Iggy Pop
* Iron & Wine
* Julie Dorion
* Klezmerson
* Manic Street Preachers
* Mos Def
* Peaches
* Sébastien Schuller
* The Sounds
* Tori Amos
* Veo Muertos
* Wavves
* WhoMadeWho
Hace apenas unos minutos me enteré de la noticia: Michael Jackson ha
muerto… Una vez más, como si fuera una ley, como si se tratara de un
requisito, el ídolo muere prematuramente, antes de lo que se esperaba, sin
conocer la vejez.
Así, el artista vivo (hasta el 25 de junio de 2009) más famoso del mundo, el
icono pop por excelencia, el hombre-niño que se creyó Peter Pan al grado de
vivir en Neverland, el pobre millonario, el negro-blanco, pasa a engrosar las
filas de los héroes cuya muerte los embellece y engrandece.
Decía Vladimir Mayakovski que en esta vida es fácil morir. Construir la vida es mucho más
difícil. Y así fue con Michael Jackson. Después de alcanzar la cima, luego de lograr toda
la fama y la fortuna de que es capaz un hombre, ya no se supo construir una vida. Porque
como diría aquel clásico: no se hallaba. No se hallaba en su cuerpo de negro de Indiana;
no se hallaba en el mundo de los adultos ni tampoco tenía ya cabida en el de los niños; no
hallaba su verdadera identidad sexual y, claro, también se perdía en esa gigantesca casa
que su éxito y su pequeñez emocional le obligaron a construir.
Y como sucede con todos los famosos que se van, lo que sigue corre a cargo no de ellos,
sino de sus fans, de sus herederos, de todos quienes lo siguen por amor o por dinero:
surgirá ahora, en todo su esplendor, el mito Michael Jackson: las historias secretas o
desconocidas, la sacralización de todos los objetos que lo rodeaban, los mitos, las teorías
conspiratorias, el reciclaje de sus videos, sus canciones, sus fotografías, hasta el infinito.
Y desde luego, el simbolismo implícito en la forma de morir: no por una bala, ni por sus
excesos, ni en un accidente de auto: tan sólo por un corazón solitario que repente deja de
latir.
Lo malo de la inmortalidad es que hay que morir para alcanzarla, dijo Víctor Hugo. Y
Michael Jackson acaba de contraerla para siempre.
Mauricio Hammer
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196, julio 2009
Año 18, número
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Alex Castro
Quienes seguro estarán alegres
serán los fieles devotos de esa
religión conocida popularmente
como Beatlemanía, ya que
además del videojuego The
Beatles Rock Band, que sale en
septiembre, está por lanzarse
Let It Roll, una colección de
los éxitos del desaparecido
George Harrison (desde
1970 hasta 2002), que incluye un librillo de 28
páginas con fotos inéditas…
Empezamos la segunda mitad
del año con un nombre que
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vamos a estar oyendo mucho. Los
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terminaron de grabar su
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tercer disco, que verá la luz este 24
de agosto, en los formatos de CD y LP. Esta
vez, los ingleses trabajaron bajo las órdenes de Josh
Homme (sí, el pelirrojo grandulón de las bandas Kyuss y Queens
of the Stone Age), por lo que no se espera menos que una hecatombre.
Pronto tendremos gratas sorpresas al respecto… Dicen los que saben de rock jevi
que cada que Judas Priest anuncia la salida de un nuevo álbum en concierto, los fans
del metal en todo el mundo experimentan mareos, hipertensión y temblorina crónicos. Y ya llegó
ese momento, pues a mediados de julio sale a la venta A Touch of Evil: Live, que incluye interpretaciones de
clásicos de la banda como “Riding in the wind”, “Dissident agresor”, “A touch of evil”, “Painkiller” y las más recientes
“Death” y “Prophecy”. Seguro que Rob Halford y sus muchachos no defraudarán a sus fieles seguidores…
4
al lanzamiento de su nuevo
disco The West Ryder
Pauper Lunatic Asylum.
Y la mecha siguió
corriendo con la
salida del sencillo
“Fire”, que ya
está arañando
los primeros
sitios de las listas
británicas. Este verano,
Kasabian saldrá de gira y pisará
cuanto escenario se le ponga enfrente
para que, terminando todo el numerito y según
sus humildes cálculos, hayan tocado para un millón de
personas. Uyuyuy…
Mientras Nelly Furtado está de regreso con un sencillo
(¡otra vez en español!) titulado “Manos al aire”, los latinos
levantamos los brazos al cielo y preguntamos: ¿Qué
hemos hecho para merecer esto?... Y esta noticia
nos puso a temblar a todos en la Redacción: Alice
in Chains regresa en septiembre con nuevo disco.
Lo que queda del grupo (tras el fallecimiento de
Layne Staley) reclutó al cantante y guitarrista
William Duvall, firmó contrato con Virgin
y ya están listos para encabezar un
festival en Ohio y alternar con
Kid Rock y Metallica en otras
fechas. El baterista de la banda,
Sean Kinney, aseguró que están
en su mejor momento y que
hicieron “un disco del que están
realmente orgullosos”. ¿O sea
que de los anteriores no lo
estaban? Me siento timado,
algo me dice que todo ese rollo
del grunge fue una farsa…
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• Después de adquirir el nuevo disco de
Fratta, entra a mixup.com y descarga
tracks inéditos de este cantautor, hasta el
15 de julio, en todas las tiendas.
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Montana 3 participa contestando la trivia
para ganar increíbles premios, antes
del 9 de julio, en todas las tiendas
del DF.
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clásica con 50% de descuento
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Monterrey, Valle Oriente, León,
Galerías Cuernavaca, Xalapa,
Metepec, Satélite, Universidad,
Palmas, Polanco, Parque Delta,
Génova, Santa Fe, Chihuahua,
Morelia y Tijuana.
• En la compra de The Sims 3, llévate un
organizador, hasta el 18 de julio, en Mixup
Santa Fe, Génova, Polanco, Universidad,
Satélite, Loreto, Cuicuilco, Palmas Delta y
Parque Lindavista.
• Pregunta por los títulos de la Blu-Ray
Manía que tienen 20% de descuento.
Además, en la compra de un Blu-Ray
marcado con el sticker participa en mixup.
com para ganar uno de los 25 Playstation
3, antes del 23 de agosto, en todas las
tiendas.
• Hasta el 19 de julio, siguen los precios
congelados de varios títulos a sólo
$79.00, en todas las tiendas.
• Al apartar con $50.00 el DVD de la
película Up, llévate un práctico cesto (hasta
el 12 de agosto o agotar existencias) en
todas las tiendas.
• Y en la compra de cualquier título
marcado con el sticker de Ángeles y
Demonios participa en mixup.com para
ganar un viaje a Roma. Válido hasta el 12
de julio en todas las tiendas.
Doble Vida
Se Habla Español
Jorge R. Soto
Jacobo Vázquez
Comenzamos la segunda mitad de este 2009 con la resaca del Vive Latino y las elecciones.
Y por supuesto que los rockeros no son ajenos a este tipo de situaciones, como el mismísimo
Leonardo de Lozanne (Fobia y Los Concorde), quien no quita el dedo del renglón e invita a
votar a todos sus fans, ya que como mencionó en una entrevista reciente, “No hay que dejar que
otros tomen decisiones por nosotros”. En buen momento llega esta invitación, ya que parece que
el abstencionismo es el candidato a ganar en esta ocasión. Sólo esperamos que Leonardo no
se quiera ir del país como su compañero Paco Huidobro, quien en una ocasión declaró que si
ganaba López Obrador, él se iba de México
Tengo La Voz
“Mientras siga habiendo una desigualdad social
Los Simplifires siguen viento en popa con su Why People Make Countries y
luego de haberlo defendido en el Vive Latino, lo llevarán a la tierra natal de su
vocalista Dave, por lo que ya están empacando maletas para viajar a Irlanda. Lo
cierto es que esta banda tiene todo para hacerla en grande por aquellos lugares.
Además de la visita a la tierra de Bono, el cuarteto ya está preparando un EP
que posiblemente salga para otoño de este año. Buena suerte, muchachos…
Vetusta Morla está en nuestro país en plena promoción de su álbum Un Día en
el Mundo. La banda más aclamada del último año en España quiere conquistar
también al público mexicano, y aunque en este momento no esté planeada una
gira, los españoles ya están organizando una para el mes de noviembre. Así
que si te gustan Radiohead, Muse o Maga, no puedes perdértelos. A esperar…
Molotov está vivito y coleando, a pesar de que los cuatro integrantes han estado
muy activos en otros negocios. Huidobro estará promocionando su proyecto
Mongol Gol Gol; el gringo Randy continúa en Estados Unidos trabajando con
distintas bandas y Tito sigue chambeando con la banda capitalina Bengala, sin
olvidar que Paco Ayala estará cuidando a su segundo retoño. Sin embargo, los
creadores de “Frijolero” amenazan con presentar su nuevo disco a final de este
año. Hay Molotov para rato… Otros mexicanos que no se cansan de dar pelea
son los integrantes de La Castañeda, quienes festejan su XX aniversario de estar
en la escena con su alineación original. Les recomendamos a los fans de esta
banda que empiecen a guardar sus domingos, porque próximamente estarán en
circulación las reediciones de los álbumes Globo Negro e Hilo de Plata, además
y económica entre Europa y los demás países,
de un recopilatorio con
la gente seguirá migrando”.
sus grandes éxitos. Sin
Jorge Drexler
duda, será un festejo de
locura… Olvido Gara
y Nacho Canut, mejor conocidos como Fangoria, están estrenando el video de su
más reciente sencillo, titulado “La pequeña edad de hielo”, el cual se desprende
de su más reciente producción llamada Absolutamente. El sencillo aparecerá en
las tiendas en una edición con dos remixes, además del videoclip mencionado.
No dudamos que los fans agradezcan este tipo de artículos, aunque sabemos
que agradecerían más si el dúo dinámico repitieran la grata experiencia de su
concierto en el Salón 21, hace ya más de dos años… Los argentinos Caña de
Azúcar están tan contentos con el recibimiento que les dio el público mexicano,
que no dudan en regresar muy pronto a suelo azteca. La banda de reggae y ska ha
comentado que la próxima vez que estén por acá realizarán una gira más extensa y
comentaron que lo que más le gustó de México fue su variedad cultural, así como
la calidez del público. No por nada Los Fabulosos Cadillacs tocan dos veces al
año aquí… El mes pasado se festejó el XXV aniversario de Rock 101, donde se
recordaron canciones y programas que hicieron de la mítica estación de radio
todo un concepto. Sin duda, uno de los programas pilares de Rock 101 fue “El
Chiringuito”, que es considerado como el primer programa de rock en español
de la radio mexicana. Qué lejos han quedado los días donde se hacía radio con
inteligencia, sentido del humor y amor por la buena música. ¡Felicidades Rock 101!
Los Discos Del Mes
Caifanes
Lo Esencial de Caifanes
Sony Music, 2009
Caja con tres discos y un DVD de la última
gran banda mexicana. Si eres fan, te
conviene comprarlo por el DVD, y si aún no
tienes idea de quiénes fueron los Caifanes,
estos tres discos te pueden aclarar la duda.
Vetusta Morla
Un Día en el Mundo
Pequeño Salto Mortal, 2008
El trabajo más reciente de la banda
española favorita de Thom Yorke. Su sonido
nos remite inmediatamente al The Bends,
de Radiohead, pero sin tanta distorsión.
Y aunque no alcanzan el nivel en la lírica
de grupos como Maga o Sr. Chinarro, este
disco puede ser un buen compañero para la
temporada de lluvias que se avecina.
Dedupléx
Sin Ley de Gravedad
Viva Music, 2008
Desde Guadalajara nos llega este grupo
de techno pop con la formación chico/
chica. No esperes sorpresas, aquí hay
referencias ochenteras y letras de amor y
desamor. Si te gustan Dixybait y La Monja
Enana, este disco te puede interesar.
Mua
Camino
Molécula Records, 2009
El dueto chileno nos regala un technopop cálido y amable. La voz de su
cantante te puede recordar a Belanova,
pero no te asustes, porque el concepto
es totalmente diferente. Esto es pop
análogo y no plástico como el de la
banda mexicana.
Este 2009 se
cumplen 50
años de la
fundación del
sello discográfico
Island y lo
celebran con
la aparición de
un álbum triple
titulado Island
Life. Cuando
vi el repertorio,
sufrí un ataque
de nostalgia al
recordar que,
cuando estaba
en la escuela,
durante los
períodos de
exámenes me
reunía en mi
casa con cinco
amigos con los
que estudiaba
hasta altas horas
de la noche.
50 velitas para
Island
Records
En algún momento
soltábamos los libros y
poníamos un poco de
música para distraer la
mente. En ocasiones
alguien llevaba a las
sesiones de estudio
alguna novedad y
entonces oíamos el disco antes de tomar los cuadernos.
Aún recuerdo que en esos tiempos pensaba –lo digo con
pena– que “I shot the sheriff” era una canción de Eric Clapton
refriteada por un jamaiquino llamado Bob Marley. En una
de esas ocasiones, un amigo me sacó del error. Lo curioso
del asunto es que muchos de los discos que escuchábamos
procedían del sello Island, aunque el dato nos importaba un
comino. Es así que discos de Cat Stevens, Traffic, Marley,
alguno de Joe Cocker, algo de Roxy Music y Free, fueron
aprendidos casi de memoria, lo mismo que las materias que
debíamos aprobar.
Island se convirtió durante los sesenta y setenta en la
compañía independiente más importante del Reino Unido, a
donde se trasladó a partir de 1960. El sello siguió adelante
reclutando a artistas tan importantes
como U2 y más recientemente a
Keane, Amy Winehouse y The Fratellis,
por mencionar algunos.
Este álbum triple incluye dos discos
integrados por temas muy conocidos
de sus más grandes artistas, entre los
que se cuentan U2, Roxy Music, The
B52’s, Frankie Goes to Hollywwod,
Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer,
Mika y Pulp. El tercero presenta a
14 artistas del sello reinterpretando
composiciones de otros artistas de
todas las épocas de la compañía,
como es el caso de Keane, con “Disco
2000” (original de Pulp); Grace Jones,
con “Love is the drug” (propiedad de Roxy
Music); The Fratellis interpretando “Stir it
up” (de The Wailers) y Johnathan Jeremiah
haciendo su versión a “With or without
you”, de U2, entre otros.
Aunque nadie de mis amigos lo dijo
abiertamente, sé que en aquella época
una de las motivaciones para reunirnos
a estudiar era la selección musical, que
incluía muchos de los artistas contratados
por Chris Blackwell, quien fundó la marca
en Jamaica, en 1959, con una inversión de
mil libras.
10. M.I.A. – “Galang”
Ahí está el mismo ritmo reciclado una
y otra vez. Lo peor (¿o lo mejor?) es
que es arteramente simple y pegajoso.
Sí, esa batería programada tiene poca
creatividad, pero M.I.A. hace fulgurar
—no brillar— la canción hasta volverla un
resplandor cegador que convierte a sus
escuchas en títeres de baile. El ADN del
reggeaton está impreso en las células de
“Galang” (y también algo de batucada,
funk con taquicardia y un prototipo de
drum ‘n’ bass, aderezado con una línea
de bajo de ghetto brasileño).
10
rolas
del reggaeton, pero cuenta con arreglos
frenéticos y quisquillosos que le dan un
guiño de techno. Sí, seguramente su
corte “Gasolina” debería de estar aquí,
pero tras el chapuzón mediático que
recibió es mejor buscar un pariente en la
discografía de Yankee que sea igual de
efectivo.
para quienes odian el
3. Trébol Clan – “Gata
fiera”
9. No Doubt – “Hey
baby”
Tal vez el éxito de esta canción (con un
Grammy y primeros lugares del Billboard
incluidos), haya suavizado la percepción
de que tiene clavadas varias espinas
con la etiqueta perdida de “reggaeton”
colgando en una de ellas. Con una
raquítica participación de instrumentos
orgánicos, el tema exuda ragga y mucho
dancehall caramelizado. Este bombón
fue grabado en parte en Jamaica y
el guitarrista de la banda dijo que era
“música para La Guerra de las Galaxias”.
Claro, un rasgo capital que le da su
distintivo atroz es el bajo sintetizado que,
contundente, enfatiza cada oleaje rítmico.
Otro corte hermano con estos ritmos en
la discografía de No Doubt es “Start the
fire”.
8. Calle 13 – “Atrévete
te te”
Himno generacional que tiene cadencias
encubiertas de vallenato y arranca
como una cumbia a medio gas. Los
puertorriqueños crearon una imponente
carga de frases incoherentes que no
funcionan ligadas unas con otras, sino
como axiomas aislados, lo que le da una
potencia bárbara al fluir rítmico del tema.
Pero, ojo, en el plano jocoso, no místico.
Ése fue su gancho básico, puesto que el
pilar armónico es reggaeton puro y de la
calaña más básica. Sólo lo embellecieron
con portamentos de balada romántica en
guitarra, clarinetes de ínfulas norteñas
y un pellizco imperceptible de chicha.
Aunque canten “¿Qué importa si te gusta
Coldplay?”, dicha filosofía de “toda la
música es buena” es demasiado perfecta
para creerse. ¿Lo mejor? Bailar e ignorar.
10
El lado más “latinoso” y orgánico del
reggaeton, a un centímetro de pisar los
derroteros de la salsa o la cumbia, es
representado con la bandera de este
trío. Lo suyo es acompañar el fluir de
las baterías programadas con el loop de
una armonía clásica de piano sincopado
y el matiz tradicional de bajar el ritmo y
“platicar” cuando el coro no se usa. No
presten atención a la letra, que es de las
más sosas que puedan memorizarse.
2. Johnny Prez –
“Nebuleando conmigo”
David Meléndez
Sabemos que muchos no la consi
deran una música trascendente o espiritual. Tal vez sea por su carácter
bastardo, por sus ritmos repetitivos o
su caló tan subido de tono, que se le
ha llenado al reggaeton de críticas e
improperios al por mayor.
Pero en ese horizonte sombrío se
asoman algunas canciones que han
roto el hechizo, convirtiéndolo en un
medio de expresión desfachatado e
irreverente, que ha ganado cierta
“validez”, gracias a la crítica especializada. Por ello, aquí te recetamos una
docena de canciones del género que
te harán levantar (cuando menos) la
ceja.
7. Don Omar – “Dile”
El boricua puede representar sin problemas
el espectro “maduro” del reggaeton.
“Dile” fue un excelente crossover entre
lo comercial y lo tradicional: esa guitarra
juguetona y costumbrista que se escucha
de fondo, juntó la cordillera de Los Andes
con el concreto de las calles de Puerto
Rico. Aparte, la producción es tan sólida
(o seria) que el reggaeton no domina las
acciones sonoras.
6. Nicky Jam – “Pasado”
¿Reggaeton introspectivo? Con un
arranque parecido —alguien dirá plagio— a
“The box” del dúo británico Orbital, la pieza
del dominicano funciona a dos niveles:
baile cadencioso para calentar la noche
y goce onírico para observar paisajes y
puestas de sol, gracias al preciosista uso
de sintetizadores y clásicos “parones”
que enfatizan el espectro dramático del
abandono del amor, ése del que tanto se
habla en la letra. Intensidad emocional y
fiesta unidas por la sombra banalizadora del
reggaeton.
5. Wisin y Yandel –
“Pégate”
El dúo boricua tiene mejores canciones,
pero “Pégate” es un mix desfachatado
de géneros que sirve de autodefensa y
parodia para promover al reggaeton. Lo
mejor es que arranca a contra ritmo, con
el beat tradicional del género pero cojo,
con la adición de un arpegio infantiloide
creado por el sintetizador procesado a
manera de percusión. Después, todo muta
en un reggaeton a la usanza de la old
school, donde voz y batería programada se
responden y contestan, con los ruidos de
fondo carentes de armonía y como mero
adorno. Entonces, surge un aire de rock
(con efímera guitarra distorsionada) y la
parodia cierra su círculo.
4. Daddy Yankee – “Latigazo”
No podía faltar el flow energético de Daddy
Yankee y su narrativa misógina y en ciertas
ocasiones sadomasoquista. “Latigazo”
cumple con el “tu, pa-tu, pa” característico
Actitud teatral, contundencia
reggaetonera. Muchos escuchas aludirán
que la base rítmica del boricua se siente
“vacía” y endeble ante, digamos, el
músculo de Calle 13 o Daddy Yankee.
De ahí que su atractivo sonoro caiga
más directamente en la cazuela sonora
urbana —de hecho, sus melodías vocales
se sienten de barrio bravo—, recargando
parte del gancho en los fantasmales
sonidos como sacados de los quejidos
de Gasparín u otro ente del más allá, que
pueblan cada segundo del tema.
1. Beastie Boys – “Girls”
Que nos quemen en la hoguera por
irreverentes, pero la concepción general
de “Girls”, es un proto reggaeton que
cambia por completo con la adición
de las vocales de los neoyorquinos,
transformándola en un corte alternativo
bastante futurista y visionario para su
tiempo. La batería juguetea hasta el
hastío con un mismo ritmo, mientras
que el repetitivo fraseo —que jamás
aburre— de un sintetizador de juguete
alegra y hace saltar hasta al anciano más
decrépito.
Paul
van Dyk,
remezclándose
a sí mismo Esteban Illades
Quince años después de su primer lanzamiento, Paul van Dyk nos
trae un compilado de éxitos titulado Volume. Todo un referente
dentro de la escena electrónica –ha sido nombrado el mejor
DJ del mundo dos veces por DJ Magazine–, van Dyk nunca se
aburre de su trabajo. Al contrario, siempre busca nuevas formas
de superarse, como espera hacerlo con un proyecto secreto que
guarda para noviembre.
Volume trae un remix de “For an angel”, que es tu canción más famosa. ¿Qué tan difícil es remezclar tus propios temas?
En realidad es muy fácil. Lo único que busqué fue actualizar la canción, pero que mantuviera el sabor de antaño. Me gustó mucho,
porque odio todo el proceso de crear una nueva canción; tienes que hacer la versión extendida, la versión para el antro, la versión
para la radio... Esto fue mucho más sencillo.
Si no fueras Paul van Dyk, “el mejor DJ del mundo”, ¿qué estarías haciendo ahora?
Bueno, en realidad no me considero como tal. Simplemente hago lo mejor que puedo. En cuanto a tu pregunta, sería chef. Hacer
platillos es similar a hacer una canción. Haría cosas picantes, como mi música.
¿Qué equipo estás usando en esta gira?
La música electrónica siempre ha tratado de ampliar los horizontes, así que para mí, usar la tecnología más nueva del mercado tiene
sentido. Cuando estoy en el escenario utilizo dos computadoras; una es sólo para software y sintetizadores y la otra cuenta con el
material de audio. Ambas están entrelazadas y corren con el mismo programa y reloj. Eso es lo que oyes cuando me vas a ver.
¿Cuándo supiste que la música electrónica era lo tuyo?
Debe haber sido en 1985 o 1986. Yo vivía en Berlín del Este, así que tenía poco acceso a la música electrónica, que sólo se podía
escuchar a través del radio. A pesar de la mala calidad, el poder y la energía del house me dejaron estupefacto.
¿Alguna vez te has cansado de hacer lo que haces?
No. Lo único que comienza a molestarme es el proceso de viajar. Ya sabes, hacer el check-in, pasar por seguridad, esperar en la
sala de abordaje, pasar una cantidad increíble de horas en el avión... Aunque llegar a lugares nuevos y conocer gente sigue siendo
increíble.
¿Qué te falta por conquistar?
Muchas cosas. La verdad es que no tengo una lista escrita sobre todo lo que tengo que hacer, pues siempre hay proyectos nuevos
que representan retos para mí. Por ejemplo, el equipo organizador del festival para conmemorar el vigésimo aniversario de la caída
del Muro de Berlín se me acercó hace un par de días. No puedo hablar de lo que me pidieron hacer, pero sí puedo decir que, si lo
logramos concretar, será gigante. Espérenlo el 9 de noviembre.
Paul van Dyk. Volume. EMI Music, 2009
24 canciones, entre las que destacan los remixes a “Elevation”, de U2; “Gimme more”, de Britney Spears, y “Martyr”, de Depeche
Mode. También contiene “Magical moment” y “Another way”, tracks esenciales en la discografía de van Dyk.
Paul van Dyk ganó un Ariel en el 2004 por la banda sonora de la película Zurdo, que es la historia ficticia del mejor jugador de
canicas del mundo, un niño mexicano. En ella actúan Alex Perea y Eugenio Derbez, entre otros.
David Meléndez
Desde que debutaron en 1989 con su EP 1,000 Hours, Billie Joe
Armstrong (voz, guitarra), Mike Dirnt (bajo) y Tré Cool (batería), han
recibido fuertes críticas solamente por ser uno de los más recientes
grupos que revivieron el espíritu punk, tanto en música como en
actitud. Ya saben, adentrarse al legado de bandas como Ramones
y The Clash tiene su precio.
Pero Green Day se volvió un icono de la cultura musical
contemporánea cuando firmó en 1993 con Reprise Records
(antes estaban en Lookout!) y su álbum Dookie llegó a las
tiendas a principios de 1994. Basta mencionar canciones como
“Basket case”, “She” y “When I come around” para recordar el
éxito súbito que mandó a la banda al puesto número dos del
Billboard —muchos les espetaron que “vendieron su música para
servir a las masas”—, para después ganar un Grammy por Mejor
Disco Alternativo y vender 16 millones de copias por los cinco
continentes. Incluso la ¿prestigiosa? revista Rolling Stone lo mete
dentro de su conteo de los 500 discos más grandes, influyentes,
“buenos”, apabullantes o como quieran llamarles, de toda la
historia.
Green Day tuvo altibajos hasta que en 2004 y tras un descanso
de cuatro años, salió a la venta American Idiot, placa donde la
agrupación maduró sin olvidarse de los guitarrazos y le tiró candela
pura al gobierno de su país. La etiqueta de punk rock seguía
clavada férreamente, pero la lírica se había expandido a niveles
incendiarios para que el escucha no sólo se divirtiera con la música,
sino que tomara conciencia. Tras otro “descansito” (ahora de un
lustro pero con una larga agenda de conciertos de por medio),
Armstrong y compañía regresan a la carga con 21st Century
Breakdown, que está más emparentado con discos como 2112, de
Rush —en concepto, no en música, antes de que algún fanático
de esta banda canadiense ponga el grito en el cielo—, que con el
territorio conquistado por bandas como The Misfits y The Damned.
Últimamente Green Day se ha arropado con la bandera de la
crítica social y la música es el medio para que el mensaje llegue
a sus seguidores. Podría decirse, con las debidas providencias,
que 21st Century... es una ópera-rock, ya que el álbum tiene a
dos protagonistas jóvenes, Christian y Gloria, que como pareja
sufren los avatares del nuevo milenio. En pocas palabras, existe
un hilo conductor que jamás cae en abstracciones ni devaneos
experimentales, tan propios y comunes de la ópera-rock que tiene
su ejemplo más fastuoso en Tommy, cinta dirigida por Ken Russell
en 1975 y con música principalmente compuesta por The Who y
algunos de sus integrantes.
Lo que Green Day hacen es ser honestos y punto. Tienen plena
conciencia de que su música es punk rock y que este estilo es lo
que mejor les sale. No es que se hayan vuelto de mensaje social,
sino que encontraron en la sociedad el mejor caldo de cultivo para
componer música.
Para el octavo disco de Green Day, la
mano de Butch Vig (Nirvana, Smashing
Pumpkins) es una sombra sin contorno.
Esto es, la contundencia de cada una de
las 18 canciones está contenida porque
Vig adecuó toda la producción para que
el disco se sintiera como una unidad,
algo más parecido a hojear un libro con
principio y fin, que una revista con artículos
diversos. Lo anterior sucede porque 21st
Century Breakdown está dividido en tres
actos (“Heroes and cons”, “Charlatans and
saints” y “Horseshoes and handgrenades”),
desde donde el escucha conoce la historia
de la pareja que está inmersa en un mundo
caótico y problemático.
¿Hay novedades en el sonido? Claro,
puesto que el dramatismo surge en
múltiples cambios de intensidad en las
secciones de las canciones; vaya, es
como el estilo de Queen, pero como si
Freddy Mercury y sus compinches hubieran
tenido una tarde de perro y la ira estuviera
presente en todo momento. Además, existe
algo de surf y el clásico conato desgarrado
con guitarra acústica. ¿La lírica? Denuncia
tras denuncia. Armstrong lo mismo arremete
contra la religión y la guerra que contra la
avaricia y las pocas ganas de la humanidad
por cuidar su planeta.
Manifiestos y
Desastres
Alex Castro
La edición nacional del disco El
Manifiesto Desastre, de Nacho Vegas,
es la ocasión perfecta para volver a
charlar con este cantautor gijonés,
quien no suele grabar videoclips (pero
si tienes amplio criterio puedes buscar
el de “Dry Martini S.A.”) y no suele
hablar de los demás, aunque en esta
charla lo intenta y nos hace doblarnos
de la risa.
Háblame de los dos
significados que tiene el título
de este disco…
Bueno, es una referencia a
los manifiestos, puede ser el
comunista o cualquier otro,
básicamente porque son textos
muy racionales y argumentativos,
a diferencia de mis canciones,
que suelen ser más emocionales
e imperfectas, por eso es un
Manifiesto Desastre. Pero también
es porque cuando hacía alguna
trastada, mi madre me decía que
era yo “un desastre manifiesto”.
Vienes de trabajar en diversos
proyectos con Bunbury, Lucas
15 y Christina Rosenvinge,
¿crees que este disco
muestre alguna huella de esas
colaboraciones?
Sí, la verdad es que después
de mi disco Desaparezca
Aquí no sabía qué haría y las
colaboraciones con todos ellos
surgieron de manera casual,
pero fueron colaboraciones muy
profundas.
Me llamó la atención
“Crujidos”, que parece ser uno
de los temas más pop de tu
carrera...
Sí, la verdad es que es una
canción que no quería incluir en
este disco, precisamente por lo
que dices y porque creía que
quizá podría quedar mejor en
alguno de los EPs que de repente
hago; pero al final la incluí y me
alegré de hacerlo, porque creo
que funciona como contrapunto
de canciones como “El tercer día”.
16
“Dry martini” y “Morir o matar”,
las que abren y cierran el
disco, son también las más
intensas, ¿fue intencional
colocarlas así?
Sí, me gusta plantearme la
secuencia de las canciones como
si fuera un viaje o un recorrido. Y
suelo poner especial atención en
las canciones que abren y cierran
los discos, porque de alguna
manera son el punto de partida
y el destino de esta especie de
viaje.
Leí un comentario que hiciste
sobre Amaia Montero y me
divertí muchísimo…
Es curioso, porque el otro día
un amigo me hablaba de eso
y la verdad es que yo no me
acordaba; ¿qué voy a hablar
yo de ella? Pobrecita, si ni
la conozco. Y bueno, ya me
recordó él eso de que yo conocía
gente que trabajaba en BMG,
cuando ella estaba aún en La
Oreja de Van Gogh y que me
contaban que en las reuniones
de marketing se hablaba de lo
hermosa que estaba Amaia y de
que había que suavizarle un poco
las curvas (risas) pero vaya, no
sé, ¡tampoco es muy decoroso
meterse con la gente!
Si todo sale como lo planea,
en septiembre Vegas volverá a
nuestro país, para presentarse
por primera vez por su cuenta,
tras la visita que hizo hace unos
años, acompañado de Enrique
Bunbury.
Nacho Vegas.
El Manifiesto
Desastre.
Limbo Starr / EMI,
2009.
La receta ideal del martini seco, según Nacho Vegas
Bueno, lleva una buena ginebra, como la Hendrick’s, el vino tiene que estar muy
seco, en el punto del vermouth seco, porque sólo le tiene que dar un poco de
aroma. Pero bueno, tienen que ser nueve partes de ginebra por una de vermouth
seco, porque si te pasas de vermouth, estropeas el martini.
Has trabajado con algunos
de los mejores productores.
¿Crees que has conseguido
hacer exactamente la música
que querías?
Este es el mejor disco que
podría haber hecho. Quién
sabe cómo será en el futuro,
pero este disco representa
dónde estoy ahora. Estoy muy
orgulloso de él, es un disco con
mucha pasión.
¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
Genial. Llevo años trabajando con Kanye
West, y en este disco no podía faltar su
colaboración, al igual que Andre 3000, con quien
hice “Green light”. Con will.i.am también llevo
años colaborando, ambos son grandes amigos y
los respeto, así que trabajar a su lado es un placer.
Con Raphael Saadiq colaboré en el primer disco, es
alguien que he admirado siempre como productor y
como artista, lo veo como una figura fuerte del soul
y me alegro de que hayamos podido trabajar juntos.
También hicimos temas como “No other love”, con
Estelle, y “Quickly”, con Brandy. He disfrutado mucho
a todos los que han colaborado en el disco.
Con tu sonido, ¿intentas recuperar la esencia
del soul?
Creo que lo que hago es una mezcla de sonidos
el nuevo
héroe
del r&B
Eduardo “Rockstar” Rodríguez
John Legend debutó
en 2004 con Get
Lifted y hoy es ya
poseedor de seis
premios Grammy. Hay
quienes lo consideran
–no sin exageración– el
nuevo Marvin Gaye.
Aprovechando que
tiene una nueva placa
en el mercado, titulada
Evolver (Círculo Mixup
192), y que se dio una
vuelta por México,
conversamos con el
pianista, compositor y
cantante.
¿De dónde sale el nombre de John
Legend?
Empezó siendo un mote que me
pusieron mis amigos, porque decían
que sonaba como si perteneciera a
otra época. Al principio me daba
vergüenza y no sabía si aceptarlo,
pero poco a poco me fui haciendo a
él y decidí seguir adelante.
Eres una de las cien personas más
influyentes, según la revista Time, y
Quincy Jones habla maravillas de ti.
¿Por qué no has perdido el suelo?
Mi premisa es hacer buena música y
buenos discos. Saber lo que opinan de mí
es importante, pero no determinante. No he
cambiado mucho con la fama. En muchos
aspectos aún siento que estoy haciendo
lo mismo que solía hacer: soy músico,
escribo canciones, canto, toco y actúo
por todo el mundo, sólo que ahora
tengo más éxito que antes.
Háblame de tu experiencia en
el festival Coachella 2009.
Estuve en el escenario con
MSTRKRFT y fue alucinante
dirigirme a un público diferente
y ante una gran audiencia. Me
gustó mucho... Haré más presentaciones
en festivales.
La música negra tiene una importancia enorme en
Estados Unidos, pero ¿cómo la ves en Latinoamérica?
Mi música es universal, no va dirigida a ningún país
ni a ningún grupo de gente en concreto. Es para que la
disfrute todo el mundo y eso es lo mejor de la música,
que puede trascender las barreras culturales…
¿Cómo fue la experiencia de cantar con Stevie Wonder?
Increíble. Canté con él en los BET Awards hace un par de
años. Cantar con un artista al que había admirado toda mi
vida y que lleva cuarenta años haciendo grandes discos fue
un sueño hecho realidad.
Finalmente, ¿cómo viste a tus seguidores en México?
En un principio no tenía idea de cómo iban a reaccionar. Tuve
un meet & greet con ganadores de una estación de radio y
fue sensacional, no me imaginaba que estuviera en el gusto
de gente tan diferente en edades. Y me sorprendió ver cómo
coreaban mis canciones. Fue muy emocionante.
¿Regresarás?
Desde luego, México es un país increíble. Amo su gente, su
comida y sus playas.
De la implosión a la
Dura e importante labor. Ahora
hablemos de tu música. ¿En algún
momento te sentiste presionado
tras el éxito de tu álbum
anterior?
No me he sentido
presionado por los demás,
pero sí por mí, ya que
quería superar el disco
anterior. Sentía que
debía escribir mejores
canciones, cantar y
producir mejor. Y es eso
en lo que he trabajado,
lo que estoy intentando
hacer. Fui yo quien me
puse esa presión.
Alejandro Rojas Luna
clásicos y nuevos.
Admiro a grandes artistas
del soul, como Marvin
Gaye o Stevie Wonder. Intento
emularlos en cierto modo, pero
de forma que el resultado sea algo
nuevo y tenga otros elementos. Por
otro lado, admiro lo que hacen Kanye o
Jay-Z. También son influencias fuertes
que me gusta mezclar.
John, ¿qué te trae a México?
Vengo a promocionar mi disco, pero también a actuar a beneficio de los niños con cáncer de
Casa de la Amistad. Es algo que hago de corazón; la energía de los niños me conmueve y
me mantiene sensible.
También ayudas niños en otros países…
Apoyo a una organización llamada Show Me Campaign, que
nació de la canción “Show me” y que trata de una
conversación con Dios y del estado en el que
se encuentra el mundo. La campaña apoya a
comunidades en pobreza extrema, para que reciban
educación y servicios dentro de un modelo de
crecimiento sustentable.
¿Conoces a una banda donde
tocan un gay, un bisexual y un
heterosexual? Palabras más,
palabras menos, eso era lo que
se escuchaba, alrededor de 1998,
entre las personas que sabían
y aquellas que hasta entonces
desconocían a Placebo, un
trío inglés que había debutado
(aunque con otra alineación) en
1996 con un material homónimo
que les generó una especie de
culto, mismo que se consolidó
con Without You I’m Nothing
(1998), producción que hizo a
Brian Molko (voz y guitarra),
Stefan Olsdal (bajo) y Steve Hewitt
(el baterista que sustituía las
baquetas fundadoras de Robert
Schultzberg) sobrepasar el morbo
y el desconocimiento. Ambos
materiales fueron adoptados por
núcleos de gente que transitaba de
la adolescencia a la edad adulta
y que se identificó con el grupo a
partir de frases que en la voz nasal
de Molko hablaban de la angustia y
confusión con que se suele asociar
esa etapa de la vida.
En las letras había espasmos de euforia
al criticar al sistema y referencias
permanentes a lo frágil que se vuelve
cualquiera en las relaciones de pareja.
Placebo llegó cuando se requería gente
que fuese observadora y partícipe
del momento que se vivía y, si a esto
agregamos la imagen andrógina del
cantante, se fortalecía la idea de que
no había banda semejante a ellos,
puesto que Blur, Oasis o Suede ya eran
peligrosamente mayores. El trío mostró
que podía ser más crudo con su disco
Black Market Music (2001), debido a
esa guitarra que transmitía urgencia o
pesadumbre, aún cuando poco a poco
se incorporó tecnología propia de la
consola de grabación, herramienta
que progresivamente transformó la
adrenalina en el refinamiento (tanto en
armonía como en imagen) que derivaría
en Sleeping With Ghosts (2003) y
Meds (2006), discos bien producidos
que, sin embargo, ya no sorprendían
tanto. Los fundadores de Placebo
reconocen que en el último período
sólo seguían siendo una banda por el
nombre. Eso forzó la renuncia de Steve
Hewitt y llevó a la contratación de Steve
Forrest (ex Evaline). Asimismo, en su
reestructura se acercaron al productor
Dave Bottrill (Tool) y al mezclador
Alan Moulder (Nine Inch Nails), para
obtener en su nueva placa, Battle for
the Sun, lo que Molko considera Un
disco acerca de elegir la vida, acerca
de salir de la oscuridad (sin renunciar
del todo a ella) e ir hacia la luz.
Placebo. Battle
for the
Sun. PIAS / EMI Music, 2009
Hasta para el seguidor más entusiasta,
el arranque con los cortes “Kitty litter”
y “Ashtray heart” enciende focos rojos,
dado que en la primera circula un riff
repetitivo que arrogante convive con
una batería recia, pero sin alma. En
tanto, la segunda es pop donde lo
destacable es la línea: Cenicero, mi
corazón de cenicero, para complacer a
los fans hispanoparlantes.
Sin embargo, Placebo despierta y
recupera terreno en el corte tercero
y homónimo, donde el filo habitual
retorna, corta y cuenta con pequeños
páramos de violines y teclados.
Tal voluntad de reto prosigue en
“Devil in details”, “Julien” y “Breath
underwater”. Todas ellas reventarán
duro en vivo. “For what it’s worth”
incluye algo inesperado: instrumentos
de viento. Trompetas que, discretas
pero definitivas, suben el nivel. Dicho
recurso repite con tino en las risueñas
“The never-ending why” y “Kings
of medicine.” La sana controversia
la aportan “Bright lights” y “Speak
in tongues” pues ¿abusan? de
sintetizadores ‘lindos’ para generar pop
asequible, cuya rebaba es romántica y
adolescente.
Eso sí, con Battle… no se podrá acusar
a la banda de perezosa, al incorporar
nuevos recursos.
Su
nombre
es Matt...
M ard
para los amigos
Carlos Andrade
Después
de la tempestad viene
la calma. Y después de un disco
como Post War –y del maravilloso trabajo que M
Ward hizo con el proyecto She & Him– nos llega
el sexto álbum de este guitarrista y cantautor que,
cobijado bajo el nombre de Hold Time, nos presenta
nuevos temas y de paso trae como invitados a
Zooey Deschanel, Jason Lytle y Lucinda Williams,
tal y como nos cuenta en esta charla.
20
¿Por qué se llama Hold Time este disco?
Viene de la idea de que la música tiene propiedades casi
fotográficas para capturar momentos importantes y del deseo de
no olvidarlos.
Tú produces el disco, pero ¿por qué elegiste a Mike Mogis
como ingeniero de mezcla?
Me encanta trabajar con él, porque
tiene un increíble poder con la música,
SOBRE
puede animar cosas que la mayoría de
ÉL Y ELLA
las personas no. Es un arreglista muy
detallado y es mi ingeniero de mezcla
El año pasado, el
favorito.
dúo She & Him,
¿Cuál es tu canción favorita del
que M Ward formó
disco?
en compañía de
Si tuviera que escoger una, sería la
la actriz Zooey
misma que nombra al disco, porque fue
Deschanel (voz,
la primera que grabé, la que me dio la
piano y banjo)
idea de hacer el disco completo y la que
debutó con el disco
me guió para terminarlo.
Volume One. Matt
¿Por qué reinterpetar “Rave on”, de
reconoce que
Buddy Holly?
compaginar ambos
Es una canción que crecí escuchando,
proyectos fue algo
nunca la he olvidado y ha estado en mi
complicado al
cabeza por veinte años, así que tarde o
principio, pero que
temprano tenía que salir.
ya tiene todo bajo
¿Crees que le haya faltado algo a
control y que quizá
este disco o quedaste satisfecho?
el próximo año
No, soy perfeccionista y no lo
salga otro disco de
hubiera sacado hasta que estuviera
este encantador
completamente balanceado y
dúo.
terminado. Tengo la suerte de trabajar
con una disquera que me da libertad con el tiempo y me deja
entregar la música hasta que está completamente terminada.
Eres un gran guitarrista y, aunque no tiene nada que ver, ¿qué
opinas de videojuegos como Guitar Hero y Rock Band?
Yo jugaba cuando estaba en la escuela y no he continuado, pero
creo que son importantes principalmente para los jóvenes, creo que
ayudan con las habilidades motrices y también creo que hay mucha
mercadotecnia que mantiene a la industria.
¿Cómo es trabajar con Zooey Deschanel?
Ella escribe las canciones principalmente en piano y me las envía;
graba en Garage Band y yo lo produzco, toco la guitarra y a veces
hago voces.
Si tuvieras que trabajar con alguien que no te conoce, ¿qué le
dirías para introducirlo a tu música?
Pues… le diría que soy un guitarrista, que escribo canciones y que
las produzco junto con otras personas; también le daría una copia
de uno de mis discos ¡y le desearía buena suerte! (risas)
M Ward. Hold
Time. Merge Records, 2009
Matt escribe, canta, toca y produce; su voz provoca e invita a
intimar a ritmo de melodiosos tracks cubiertos de folk, blues y
country que crean un efecto relajante, casi hipnotizante.
La utilización de metáforas sobre la
soledad, la vida y la muerte resaltan en
“Jailbird”, “Hold time” y “To save me”.
Además, los covers a Don Gibson (“Oh,
lonesome me”) y Buddy Holly (“Rave on”)
hacen de este, un disco con un brillo casi
deslumbrante. Un disco para detenerse en
el tiempo y escuchar.
Fergie
habla sobre el disco
Nayeli Rivera
Fiesta
en todo su
The E.N.D. (Energy Never Dies),
representa para The Black Eyes
Peas la muerte de una era y el
principio de otra, y es precisamente
la vocalista del cuarteto quien nos
cuenta sobre esos cambios.
esplendor
David Meléndez
Seamos sinceros: lo que The Black Eyed Peas hace con su quinto
disco es un reducto de bubblegum pop. Claro, su música no está
dirigida en exclusiva hacia el mercado adolescente, pero su uso (y
abuso) de coros para cantar, las estructuras armónicas básicas y los
sonidos juguetones que embellecen y generan volumen —ojo, no el
volumen que se refiere al nivel de potencia acústica, sino aquel que
dota su sonido de tres dimensiones dentro del oído—, los meten
varios centímetros dentro de dicha categoría sonora.
Ahora, el combo de Los Ángeles, California, machaca su clásico
sonido lúdico electrónico con bastantes referencias futuristas y
efectos de sonido más propios de la era espacial que de la pista de
baile. Taboo, Fergie, apl.de.ap y will.i.am convirtieron su sonido en
una explosión de felicidad energética que deja al escucha en vilo al
poner play.
Como por arte de alquimia, sus canciones entretienen con un efectivo
repelente contra la crítica (por la frescura de cada corte, obtenido
con un arsenal de efectos, técnicas, cambios de tiempo y pirotecnia
vocal) y, contrario a lo que muchas voces claman, BEP tiene oxígeno
de sobra para mantenerse con vida por otro lustro dentro del
mercado musical.
Pero los aciertos de The E.N.D. radican en el hecho de que
es un álbum confeccionado para mutarlo y trabajarlo en otros
niveles, digamos, como remezclas y en tornamesas de los
clubes más variopintos del globo. Su plasticidad en el género
dance y todos sus sabores (dancehall, dance punk, techno
dance, electro dance, dance pop), hace que The E.N.D. sea un
caramelo encantador que puede ser explotado a capricho, lo
cual se constata con el hecho de que BEP han “soltado” varias
canciones por iTunes antes del lanzamiento oficial del disco, sin
que éstas sean sencillos (ni lo vayan a ser) en el sentido estricto
de la palabra.
BEP dejó todo rasgo social como destello pasado, ya que con
The E.N.D. la única filosofía palpable es la del club nocturno,
donde los agrestes problemas de la rutina diaria están
prohibidos.
Existe una edición
de lujo de The E.N.D.
con un CD extra con seis
nuevos remixes de varios
hits (como “Pump It
harder” y “Shut the phunk
up”), cuatro nuevas
canciones de regalo y un
video exclusivo con una
entrevista. La portada
viene en color rojo, en
lugar de verde.
22
¿Qué hay de nuevo en The E.N.D.?
Está muy inspirado en música electrónica. Hemos estado
en contacto con la escena electrónica porque hemos hecho
bastantes presentaciones como DJ’s, especialmente will.i.am.
Nos gustó mucho el resultado de este disco porque se trata de
pasarla bien y de tener muchos amigos.
¿Entonces se están mudando hacia el lado electrónico?
No sabemos si será un cambio permanente, pero ahora era lo
que queríamos y simplemente lo hicimos.
¿Cómo eligieron el nombre del disco?
The E.N.D. significa “The Energy Never Dies” y buscamos que
tuviera un significado paralelo, porque también es el fin de una
época. Creemos que será nuestro último disco en el que la gente
irá a comprar algo físico, así que sería el fin de una era y el
principio de otra…
¿Y cómo ves esos cambios?
Nos estamos acercando cada vez más a nuestros fans a través
de internet, por medio de concursos y de videos que grabamos
y subimos a nuestra página, porque sabemos lo que significa
para ellos.
¿Como te sientes con todos los cambios hacia la música
digitalizada?
¡Me gustan! Para mí es simplemente ir con los tiempos. Es
mucho más sencillo llevar un iPod que una caja llena de discos.
Para muchos, la calidad de los MP3 comparada con la de un
vinilo es horrible…
Eso es cierto. Todos tenemos nuestro lado a la antigüita, pero
nos adaptamos. Hace unos días vi que había salido un vinilo de
nuestro disco y me emocioné porque es increíble tener nuestra
música en todos los formatos, aunque me pregunto ¿cuántas
personas van a escuchar realmente eso?
Estarán abriendo algunos shows de U2 en Estados Unidos y
Canadá. ¿Les gusta ese grupo?
Amo a U2, fui en dos diferentes giras a verlos y son increíbles
en vivo. La producción es tan buena y montan un espectáculo
tan padre que será todo un reto abrir sus conciertos.
¿Qué planean hacer?
Estamos montando nuestro propio espectáculo y ya decidiremos
qué hacer, puesto que no todos los fans de U2 son fans de Black
Eyed Peas. Haremos nuestro mejor esfuerzo para que la gente
se emocione.
¿Con quién más les gustaría trabajar?
Yo estaré trabajando con Slash en su próximo disco como
solista y será una experiencia mucho más rockera, eso me gusta.
Es mi lado rockero el que brotará en ese momento.
The Black Eyed Peas
The E.N.D.
Universal, 2009
Para discos como éste, que tiene prácticamente un tema para
cada gusto y las puertas de distintos tipos de emisoras de radio
abiertas, es difícil hacerse una idea global del estilo del grupo,
aunque a estas alturas es quizá lo que menos le importa a
The Black Eyed Peas.
De entrada, el primer sencillo oficial, “Boom boom pow”, se
trepó al número uno de las listas de popularidad inglesas.
Su esencia deep house, con el ya conocido loop repetitivo no
de música sino de sonido, así como una apuesta por el ritmo
programado sin capas musicales y tan sólo dominado en su
totalidad por la melodía vocal, es un buen comienzo para que
el fuego caliente, pero no queme. Con “Imma be”, las cosas se
tornan magma ardiente, pues entre guiños de Medio Oriente y un
rap deconstruido y transformarlo en coro, BEP logra un excelente
corte. “Rock that body” es más expansivo, pues basa su fuerza
en el peso de plomo de un bajo y unos coros al más puro estilo
“ardillita”, que es un perfecto pariente de “Out of my head”, donde
un alma más disco y techno destella con enjundia.
En “Electric city” se nota un bajón y la influencia de M.I.A. es
evidente, con todo y que lo tribal en BEP no alcance notas de
excelencia.
The E.N.D. será uno de los favoritos del año, porque todo mundo
es feliz con la fiesta, y más si el sonido es el protagonista de la
velada.
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María
José se
dio a conocer
en todo México y
Latinoamérica como una
de las integrantes del grupo
de pop Kabah, donde destacó
por su potencia y calidad vocal.
Pero la mujer ha crecido en
todos los aspectos –como puede
notarse al verla posar con ropas
diminutas en una sofisticada revista
para caballeros– y tiene mucho qué
ofrecer, como lo demostró desde
hace dos años, cuando lanzó su
primer disco homónimo.
Hoy está de vuelta con Amante
de lo Ajeno, un disco en el
que reinterpreta baladas que
alcanzaron gran popularidad
durante la década de los
ochenta. Un disco que ha
tenido gran aceptación,
como nos cuenta
ella misma.
María José
Amante de lo Ajeno
Ocesa Sei Track, 2009
Te ha ido muy bien con tus discos y tu
agenda está casi llena, ¿cómo te sientes
al respecto?
Muy contenta, no sólo porque al disco
le está yendo muy bien, sino porque se
puede comprobar en las listas de Amprofon
y monitorLATINO, de donde me acaban
de mandar un correo para decirme que
estoy en número 5 a nivel nacional. Para
mí es como ganar un premio, porque me
preparé y lo hice muy bien, tal como en las
Olimpiadas, y mi meta es seguir adelante.
Quiero agradecerle a toda la gente que ha
hecho esto posible y por ello voy a ofrecer
un concierto buenísimo el 28 de agosto, en
el Teatro Metropólitan.
¿Cómo le harás para deslumbrar a tus
fans?
Aunque habrá coreografías
y todo eso, los conciertos
van a ser muy vocales,
porque a mí me gusta
cantar; realmente se trata
de melodías con calidad
vocal e interpretativa, en
donde la gente pueda cantar
también, vibrar y recordar
viejos tiempos. Soy bastante
buena onda (risas), creo que
le caigo bien a las personas y
me han recibido bien en todos
los lados a donde voy, porque
me gusta tener con la gente una
convivencia linda y que todos
salgan con un buen sabor de
boca.
¿Habrá sorpresas?, ¿Quizá algo
de Kabah o algún invitado?
No sé. De Kabah tal vez haremos
algo, porque la gente sabe que de ahí
vengo, además de que le tengo un gran
aprecio, pues fue mi familia, mi escuela;
digamos que de ahí me gradué para hacer
lo que soy ahora. De invitados, voy a ver si
Edith Márquez sube, porque es con quien
hago un dueto en el CD y a ver qué otras
artistas se quieren unir a la causa, pero sí
puede haber sorpresas, para que la gente
se vaya contenta por lo que pagaron y que
haya valido la pena.
¿Cuál fue tu impresión al abrir un
concierto de Rihana, y anteriormente
uno de Gwen Stefani?
Estuvo muy padre, pero al principio, obvio,
tienes un poco de miedo porque la gente no
va a verte, sino a su artista. Me siento muy
bien porque la gente fue muy respetuosa
y cantaron mis canciones; de hecho, fue
la primera vez que interpreté “No soy una
señora” y con esta experiencia descubrí
que el público me quiere bien y me tiene
cariño; imagínate que no vayan a verte y
que salgas aplaudida, creo que eso fue
maravilloso. En cambio, cuando le abrí a
Gwen Stefani no tenía ese miedito porque,
digamos, estaba empezando de cero y
estaba sonando el primer sencillo del primer
disco, así que no tenía nada qué perder.
¿De quién fue la idea de grabar un álbum
de covers?
Cuando estuve en “El Show de los Sueños”,
nos dimos cuenta de que hay otra manera
de cantar clásicos de otras épocas y otros
géneros, y de que además me salían bien
con mi matiz, así que decidí, junto con mi
gente, que haríamos este experimento.
Aunque no fue un proceso en donde
• Sus 3 canciones favoritas en español:
“Perdón” de Volován, “La sombra de este amor” de Ana
Victoria y “Jueves” de La Oreja de Van Gogh.
• Sus
: “Pocker face” de Lady GaGa, “You spin my
head right round” de Flo Rida y “Beautiful” de Christina
Aguilera.
•
Estoy leyendo mi
libreto a todo lo que da (risas), pero el último fue la saga
de Crepúsculo.
3 canciones favoritas en inglés
Libro que lee ahora:
decidiéramos que cantaría covers, que
para mí es algo como cortar y pegar,
sino de que hiciera versiones nuevas y
con un toque fresco, para que la gente que
vivió esa década sintiera una nostalgia
maravillosa a través de esas canciones.
¿Cómo eligieron los tracks?
Tuvimos un delineamiento y descartamos
las que estuvieran “choteadas”, porque ha
habido algunas que ya han sido grabadas
miles de veces. Después elegimos a
algunas mujeres icono de la época o
aquellas cuyo trabajo hubiera sido muy
representativo del momento.
¿El título del disco tiene que ver con
que retomes ciertas melodías de otras
artistas para hacerlas tuyas?
Exactamente (risas). Digamos que estoy
tomando prestados once temas de artistas
que los hicieron éxito, para que ahora sean
míos.
¿Tuviste contacto con alguna de
las artistas que en su momento
cantaron estas canciones?
Antes de grabarlas no, pero
apenas me enteré de
que Lucía Mendez
escuchó su
canción y
que le
Lo retro está de moda y por ello a
los artistas les gusta retomar ciertas
melodías que marcaron a otras
generaciones. Tal es el caso de
María José, quien ahora nos hace
recordar algunas de las baladas
más reconocibles de los ochenta.
Es así como hoy la radio se vuelve a
empapar con temas como “Acaríciame”
(María Conchita Alonso), “Adelante corazón” (Daniela Romo), “Herida de muerte”
(Manoella Torres), “Mi amor amor” (Lucía Méndez) y “Este hombre no se toca”
(Rocío Banquells), ahora revestidas con toques de pop-rock y algo de guitarras
distorsionadas, ideal para disfrutarse en el tráfico o al calor de las copas, pero eso
sí, siempre con atuendos de piel negra.
gustó mucho, lo cual me pareció lindo.
Me gustaría acercarme a las demás,
pero no he tenido tiempo; he estado
muy chambeadora y no me gustaría que
recibieran el disco en un sobre de parte de
la oficina, se me hace muy impersonal.
¿Qué vas a hacer para que no te
comparen con estas artistas?
Uy, nada. Las comparaciones siempre van
a existir, pero estamos para que la gente
decida si les gusta más la versión A o la B.
¿Quién hizo la portada del CD y qué
significa tu
look?
El arte y las fotos las hizo Enrique
Covarrubias, que me parece un fotógrafo
excelente. La idea del cable vino por
aquello de que en los años ochenta se
usaba el micrófono alámbrico. Y mi imagen
con piel negra es porque en los arreglos
musicales hay unos toques rockerillos,
pues en esos años les gustaba mucho a
los productores guitarrear (risas).
¿Hay planes de que se reúna Kabah?
Por lo pronto no, no hay planes de
juntarnos, más que en mi casa un sábado
a comer (risas).