DE GrOTE VErANDErING

Transcription

Kurzführer /
Guide du visiteur
DE GrOTE
VErANDErING
rEVOLUTIES IN DE rUSSISCHE
SCHILDErKUNST1895-1917
bONNEFANTENMUSEUM MAASTrICHT
12 MAArT-11 AUGUSTUS 2013
Konstantin Korowin / Constantin Korovine
Hammerfest. Das Polarlicht / Aurore boréale 1894–95
Tretjakow-Galerie / Galerie Tretiakov
Einleitung
Introduction
Die Ausstellung Die Große Veränderung zeigt
Gemälde von fast dreißig teils sehr
verschiedenen Künstlern, die in den zwei
Jahrzehnten vor der russischen Revolution
(1917) tätig waren. Die russische Gesellschaft
veränderte sich damals radikal, bedingt durch
ein kräftiges Wirtschaftswachstum, die
Internationalisierung und die Emanzipation
von Minderheiten.
Le Grand Changement expose des tableaux de
quelque trente artistes parfois très différents,
actifs au cours des deux décennies avant la
Révolution Russe (1917). La société russe a
connu à cette époque un changement radical,
dû à l’internationalisation, à l’émancipation des
minorités et à une croissance économique
spectaculaire.
Ende des 19. Jahrhunderts war die Welt der
Kunst von Akademismus und Realismus
beherrscht. Besonders die so genannten
Peredwischniki oder ‘Wanderer’ standen in
hohem Ansehen. Sie repräsentierten eine Form
der realistischen Malerei, die einst als
erneuernd galt. Mittlerweile dominierten sie
die Kunstwelt über hohe Positionen in den
Akademien und beschränkten sich thematisch
auf Bildnisse des Adels und Establishments
oder die Darstellung nationaler Themen.
Eine Reihe von Künstlern, darunter der
eigensinnige Michail Wrubel, distanziert sich
seit Mitte der 1880er-Jahre von der
Formensprache der Peredwischniki. Wrubel
introduziert mythologische Wesen, Dämonen
und Märchengestalten. Perspektive und
realistischen Farbgebrauch schiebt er beiseite,
wodurch die Wirklichkeitsillusion rasch an
Bedeutung verliert. Archip Kuindschi und
Nicholas Roerich experimentieren mit
Landschaften, bei denen das Farberlebnis
wichtiger ist als die Reflektion der Natur.
Diese Künstler suchen eine Qualität, die
weniger die Wirklichkeit beschreibt, sondern
sie vielmehr übersteigt. Kunst soll Ausdruck
2
3
A la fin du dix-neuvième siècle, le monde
artistique est dominé par l’académisme et le
réalisme. Les Peredvizjniki (Ambulants ou
Itinérants) tiennent le haut du pavé. Ils
représentent une forme de peinture réaliste,
jadis considérée comme novatrice. Depuis lors,
ils se sont imposés en monopolisant les postes
élevés dans les académies, et ils se contentent
désormais de faire les portraits des membres de
la noblesse et de l’establishment et d’illustrer
les grands thèmes nationaux.
Dès le milieu des années 1880, certains artistes,
dont Mikhaïl Vroubel, se distancient du
langage formel des Peredvizjniki. Vroubel se
passionne pour les êtres mythologiques, les
démons et les personnages de contes de fées.
Indifférent à la perspective classique et au
réalisme chromatique, il ne se soucie plus de
donner l’illusion de la réalité. Arkhip Kouïndji
et Nicolas Roerich, pour leur part, peignent des
paysages où l’expérience de la couleur
l’emporte sur le reflet de la nature.
Ces artistes aspirent à une qualité qui ne décrit
pas la réalité, mais la transcende. L’art doit être
une expression de l’esprit, et non de la réalité.
Les symboles relient la réalité à l’univers de
l’esprit, au rêve et même à l’au-delà.
Archip Kuindschi / Arkhip Kouïndji
Sonnenuntergang über dem Kiefernwald /
Coucher de soleil sur la pinède ± 1900
Russisches Museum / Musée Russe
des Geistes sein und nicht der Wirklichkeit.
Symbole bilden ein Medium zwischen der
Wirklichkeit der Welt des Geistes, des
Traumes und sogar des Jenseits.
Ab 1905 tritt eine neue Generation an, ethnisch
und sozial verschiedenartiger als die vorherige.
Frauen spielen eine große und unabhängige
Rolle. Nur wenige Künstler haben eine
akademische Ausbildung. Ihr Interesse
übersteigt die Grenzen konventioneller
Malerei. Sie entdecken künstlerische Qualität
in Ikonen und Reklameschildern, in bemalten
Gebrauchsgegenständen und weiterer
Volkskunst wie Holzschnitten, den
sogenannten Lubki. Durch internationale
Zeitschriften und Reisen haben sie Kontakt
mit den Avantgarden in Paris und München,
aber auch in Stockholm, Berlin und Wien.
Sankt Petersburg und Moskau werden
Brutstätten der Veränderung. Künstler
arbeiten intensiv zusammen oder stehen im
gegenseitigen Wettbewerb, reagieren
jedenfalls fortwährend aufeinander. Die
Malerei bleibt zunächst die wichtigste
Kunstäußerung, jedoch wird die künstlerische
Praxis um Installationen, Vorträge,
Performances und Kurzfilme bereichert.
Wassily Kandinsky und Kasimir Malevitsch
führen die abstrakte Malerei ein. Natalija
Gontscharowa sucht in einem neoprimitiven
Stil nach einer neuen malerischen
Aussagekraft, während Künstler wie Ilja
Maschkow und Aristarch Lentulow eine
überraschende Antwort auf die Kunst von
Matisse und Cézanne geben.
4
En 1905, une nouvelle génération apparaît,
ethniquement et socialement différente de la
précédente. Les femmes y jouent un rôle
important. Les intérêts de ces artistes, dont la
plupart n’ont pas de formation académique,
dépassent les frontières de la peinture
conventionnelle. Ils distinguent la qualité
artistique dans les icônes et les affiches
publicitaires, les objets ornementés d’usage
courant et d’autres produits de l’art populaire,
comme les gravures sur bois ou loubki. Grâce
aux revues et aux voyages internationaux, ils
multiplient les contacts avec les avant-gardes de
Paris et de Munich, mais aussi de Stockholm,
Berlin et Vienne.
Saint-Pétersbourg et Moscou deviennent des
foyers de changement. Qu’ils collaborent ou
rivalisent, les artistes se stimulent
mutuellement. Si la peinture reste la principale
expression de l’art, la pratique artistique
s’enrichit d’installations, de conférences, de
performances et de films. Vassily Kandinsky et
Kazimir Malevitch ouvrent la voie à la peinture
abstraite. Natalia Gontcharova, en quête d’une
nouvelle éloquence picturale, se lance dans le
néo-primitivisme, tandis que des artistes
comme Ilya Machkov et Aristarkh Lentoulov
répliquent de façon surprenante à l’art de
Matisse et de Cézanne.
5 Léon Bakst
Bildnis des Sergej Diaghilew mit Kindermädchen /
Portrait de Serge Diaghilev avec nurse 1906
6
Welt der Kunst
Le Monde de l’Art
Um 1900 ist die Kunst Russlands reif für
Veränderungen. Mir Iskusstwa (Welt der
Kunst), der Gruppe um Sergej Diaghilew,
nimmt diese Aufgabe auf sich. Der Ehrgeiz ist
groß: Es geht darum, die gesamte neue
Generation in den Künsten zu vereinen, ihr
eine Plattform zu bieten und gegen die
akademischen Kunstformen zu opponieren.
Welt der Kunst will auch ein Fenster nach
Europa sein. Léon Bakst zählt zu den
wichtigsten Künstlern der Gruppe. Sein
ikonisches Porträt Diaghilews, mit dem er
später durch den Erfolg der Ballets Russes
Europa erobern wird, gilt als eines seiner
bedeutendsten Gemälde. Bereits anerkannte
Künstler wie Walentin Serow und Konstantin
Korowin schließen sich den Jüngeren an. Mir
Iskusstwa schenkt Künstlern wie Wiktor
Borissow-Mussatow, einem Symbolisten aus
Saratow, und dem gequälten und eigensinnigen
Michail Wrubel viel Aufmerksamkeit.
Der internationale Teil der Zeitschrift ist mehr
auf München als auf Paris ausgerichtet und
stärker auf den Symbolismus als auf den
Impressionismus.
Vers 1900, le monde artistique russe est sur la
voie du changement. Mir Iskousstva (Le Monde
de l’Art), groupe formé autour de Serge
Diaghilev, prône le renouveau. Son ambition
est grande: unir tous les artistes de la nouvelle
génération, leur offrir une plateforme et mener
la lutte contre l’art académique. Le Monde de
l’Art se veut aussi une fenêtre sur l’Europe.
Léon Bakst est un des principaux artistes du
groupe, et son portrait iconique de Diaghilev,
avec qui il ne tardera pas à conquérir l’Europe
grâce au succès des Ballets Russes, est un de ses
chefs-d’oeuvre. Des artistes établis, comme
Valentin Serov et Constantin Korovine, se
rangent aux côtés de leurs cadets. La revue Mir
Iskousstva accorde beaucoup d’attention à des
artistes comme Victor Borisov-Musatov, un
symboliste de Saratov, ainsi qu’à Mikhaïl
Vroubel, original et tourmenté.
Au niveau international, la revue est orientée
vers Munich plus que vers Paris, et vers le
symbolisme plus que vers l’impressionnisme.
7
Nicholas Roerich / Nicolas Roerich
Sinister / Sinistre 1901
Michail Wrubel / Mikhaïl Vroubel
Dame in einem lila Kleid. Bildnis der Nadescha
Sabela-Wrubel / Dame en robe lilas. Portrait
de Nadejda Zabela-Vroubel 1904–05
Symbolismus
Symbolisme
Der russische Symbolismus knüpft an eine
breite europäische Strömung in der bildenden
Kunst an, die die Darstellung des Innerlichen
und Fantastischen für überlegen gegenüber der
Abbildung der Wirklichkeit hält. Der
bedeutendste russische Symbolist ist zweifellos
Michail Wrubel, der Tiere, mythologische
Wesen, aber auch Porträts dazu benutzt, eine
düstere persönliche Welt zu zeigen. Ein
faszinierendes Beispiel dessen ist sein Schwan
(1901). Auf der Ausstellung sind drei
spektakuläre Porträts zu sehen, die er von
seiner Frau Nadeschda Sabela-Wrubel (1898,
1904, 1904–05) anfertigte. Betont wird nicht
das Äußere der Porträtierten, sondern ihre
verinnerlichte Beziehung zur Umgebung und
natürlich zu dem Mann, der sie hier festhält.
Nicholas Roerich war Künstler, aber auch
Philosoph, Medium, Ethnograf und spiritueller
Führer. Sein Sinister (1901) zeigt ein typisches
symbolistisches Setting von Tieren in einer
unheilverkündenden natürlichen Umgebung.
Archip Kuindschi ist eine Schlüsselfigur
zwischen Realisten, Symbolisten und der
frühen Avantgarde. Seine Landschaften sind
eher Farbstudien als realistische Darstellungen
der Natur.
Le symbolisme russe se rattache à un vaste
courant artistique européen qui juge
l’évocation de l’intériorité et du fantastique
plus importante que la représentation de la
réalité. Le principal symboliste russe est
incontestablement Mikhaïl Vroubel, qui utilise
des animaux et des êtres mythologiques, mais
aussi des portraits, pour traduire le côté obscur
de sa personnalité. Sa Princesse Cygne (1901) en
est un exemple frappant. L’exposition propose
trois portraits spectaculaires qu’il a réalisés de
son épouse, Nadejda Zabela-Vroubel (1898,
1904, 1904–05). Au lieu de se focaliser sur
l’aspect extérieur du modèle, ils révèlent sa
relation intime avec son environnement, et bien
entendu avec l’homme qui la peint.
Nicolas Roerich n’est pas seulement artiste,
mais aussi philosophe, médium, ethnographe et
chef spirituel. Sinistre (1901) s’affirme comme
une scène symboliste typique, montrant des
oiseaux dans un paysage lugubre. Parmi les
réalistes, les symbolistes et les premiers avantgardistes, Arkhip Kouïndji est un personnageclé. Ses paysages sont plutôt des études en
couleurs non conformistes que des
reproductions réalistes de la nature.
9
Ilja Maschkow / Ilya Machkov
Selbstbildnis mit Pjotr Kontschalowski /
Autoportrait avec Piotr Kontchalovski 1910
10
Robert Falk
Akt. Krim / Nu. Crimée 1916
Karo-Bube
Le Valet de Carreau
Karo-Bube war eine heterogene
Künstlergruppe, die nahezu sämtliche
Strömungen der frühen russischen Avantgarde
in sich vereinte und während ihres Bestehens
große personelle Veränderungen durchlebte.
Ilja Maschkow, Pjotr Kontschalowski und
Robert Falk gehörten lange Zeit zum Kern der
Truppe. Alle drei lernten direkt nach der
Jahrhundertwende das Werk von Cézanne,
Matisse und Derain kennen und ließen sich
sehr dadurch stimulieren. Robert Falks Akt.
Krim (1916) ist ein beeindruckendes Beispiel
ihrer Reaktion auf Cézanne. Maschkows
berühmter Junge in einem Hemd mit Blumen
(1909) kombiniert russische Motive wie die
Blumen auf dem Hemd mit dem Farbgebrauch
und der Pinselführung des Fauvismus.
Diese Künstler wollten nicht nur auf die
französischen Vorbilder reagieren, sondern mit
ihnen konkurrieren. Das ist gut auf Maschkows
monumentalem Selbstbildnis mit Pjotr
Kontschalowski (1910) zu sehen. Die Künstler
zeigen sich als Turner, russische Machos,
bereit, die Welt zu erstürmen. Ironisch sagen
sie: Wir sind russische Barbaren, stolz auf
unsere Eigenheit, aber auch Ästheten, Kenner
der europäischen Musik und bildenden Kunst.
Le Valet de Carreau (Boebnovyi Valet) est un
groupe hétérogène, qui réunit des artistes issus
de presque tous les courants de l’avant-garde
russe et qui connaîtra, tout au long de son
existence, d’importantes modifications. Ilya
Machkov, Piotr Kontchalovski et Robert Falk
feront longtemps partie du noyau dur de
l’association. Juste après le tournant du siècle,
tous trois ont trouvé un puissant stimulant dans
les oeuvres de Cézanne, Matisse et Derain. Nu.
Crimée (1916) de Robert Falk est un exemple
impressionnant de leur réaction à Cézanne. Le
célèbre Garçon à la chemise ornée (1909) de
Machkov combine des motifs russes, comme
les fleurs sur la chemise, avec un coloris et une
touche fauves.
Ces artistes ne veulent pas seulement réagir aux
exemples français, mais leur faire concurrence,
comme en témoigne le monumental Autoportrait
avec Piotr Kontchalovski (1910) de Machkov. Les
artistes se présentent comme des gymnastes,
des machos russes, prêts à prendre le monde
d’asssaut. Non sans ironie, ils proclament: nous
sommes des barbares russes, fiers de notre
identité, mais aussi des esthètes, des
connaisseurs de la musique et des arts
plastiques européens.
11
Aristarch Lentulow / Aristarkh Lentoulov
Moskau / Moscou 1913
12
Aristarch Lentulow
Aristarkh Lentoulov
Nie zuvor wurde eine so bedeutende Gruppe
von Werken Aristarch Lentulows außerhalb
von Russland gezeigt. Lentulow war ein
ehrgeiziger und schillernder Künstler, der in
einer kurzen Periode der künstlerischen Blüte
sehr markante Gemälde produzierte. Diese
zeigen russische Städte oder Landschaften in
einem fragmentierten Ganzen. Scheinbar
reagiert Lentulow auf futuristische,
orphistische oder kubistische Darstellungen,
die er ausgiebig in Paris studiert hatte, wo er
unter anderem mit Robert Delaunay verkehrte.
Die turbulente und brillante Evokation von
Moskau (1913) gilt als sein Meisterwerk. Er
malte auch Porträts und Gruppenbilder wie
Frauen mit Früchten (1917), in denen das
typische Motiv badender oder ruhender
Frauen durch ein Prisma betrachtet wird. In
seinen Landschaften wie Kliffs in Kislowodsk
(1913) wird die Darstellung der Wirklichkeit
immer unwichtiger. Die Gemälde erlangen eine
fast abstrakte Qualität, ähnlich dem Werk
Wassily Kandinskys, mit dem er regelmäßig
ausstellte.
Jamais un si grand nombre d’oeuvres
d’Aristarkh Lentoulov n’ont été exposées en
dehors de la Russie. Lentoulov est un artiste
ambitieux et flamboyant, qui va produire des
oeuvres capitales en une brève période
d’épanouissement artistique. Dans ses
tableaux, il applique la fragmentation du
volume aux villes et aux paysages de Russie.
Lentoulov réagit manifestement aux oeuvres
futuristes, orphiques ou cubistes qu’il a
longtemps étudiées à Paris, où il a notamment
fréquenté Robert Delaunay. Sa brillante et
turbulente évocation de Moscou (1913) est
considérée comme son chef-d’oeuvre. Il réalise
aussi des portraits et des tableaux de groupes,
comme Femmes aux fruits (1917), où le thème
traditionnel des femmes au bain ou au repos est
vu à travers un prisme. Dans ses paysages,
comme Falaises à Kislovodsk (1913), la
représentation de la réalité prend de moins en
moins d’importance. Ces tableaux acquièrent
une qualité quasi abstraite, dans la ligne de
Vassily Kandinsky, avec qui il expose
régulièrement.
13
Wassily Kandinsky / Vassily Kandinsky
Nicht-figuratives Gemälde / Tableau non figuratif 1915
Reg. Kunstmuseum Rjasan / Musée rég. d’art
Riazan
Kasimir Malewitsch / Kazimir Malevitch
Studie für ein Fresko. Himmlischer Triumph /
Etude pour une fresque. Triomphe céleste 1907
Arbeiten auf Papier
Oeuvres sur papier
Dieser Saal zeigt eine Reihe sehr verschiedener
Werke, die jedoch in besonderer Weise
miteinander verbunden sind. Die MuschelStudien von Michail Wrubel (1904) gehören zu
seinen letzten Werken und scheinen die
abstrakte Malerei beispielsweise eines Wassily
Kandinsky vorwegzunehmen, die etwa sieben
Jahre später entstehen sollten. Ein solches
abstraktes Werk Kandinskys hängt hier auch,
ein als Gegenstandloses Gemälde bezeichnetes
Aquarell aus dem Jahr 1915. Kaum weniger
abstrakt, aber atmosphärisch ganz anders ist
Ljubow Popowas Bildliche Architektonik (um
1910). Dieses Werk entstand aus kubistischen
Experimenten und zeigt den noch erkennbaren
Rest einer Geige oder eines Cellos sowie einer
Vase. Drei frühe Werke von Kasimir
Malewitsch mit dem Titel Studien für ein Fresko
(1907) bilden den Höhepunkt. Diese
Temperabilder sind typische Beispiele der
intensiven symbolistichen Periode, die
Malewitsch (genau wie Kandinsky)
durchlebte.
Cette salle propose une série d’oeuvres très
différentes, mais unies par un lien particulier.
Les études de Coquillages de Mikhaïl Vroubel
(1904), qui comptent parmi ses dernières
oeuvres, semblent avoir sept ans d’avance sur la
peinture abstraite d’un Vassily Kandinsky, par
exemple. Une oeuvre abstraite de Kandinsky
fait également partie du lot: une aquarelle de
1915 intitulée Tableau non figuratif. Presque
aussi abstraite, Architecture picturale (vers 1910)
de Lioubov Popova est imprégnée d’une tout
autre atmosphère. Dans cette oeuvre, issue
d’expériences cubistes, subsistent encore les
vestiges identifiables d’un violon ou d’un
violoncelle et d’un vase. Trois oeuvres précoces
de Kazimir Malevitch, Etudes pour une fresque
(1907), constituent le point culminant de cette
présentation. Ces tableaux à tempera sont des
exemples typiques de la phase symboliste
intense que Malevitch (tout comme
Kandinsky) a traversée.
15
Michail Larionow / Mikhaïl Larionov
Türke / Turc 1910
16
Natalija Gontscharowa / Natalia Gontcharova
Bauern (aus dem ‘Weinlese’-Polyptichon) /
Paysans (du polyptique ‘Les Vendanges’) 1911
Neoprimitivismus
Néo-primitivisme
Das Idealisieren des Primitiven in Mensch und
Kultur kennt in der europäischen Romantik
eine lange, auf das radikale Denken des
Philosophen Jean-Jacques Rousseau
zurückgehende Tradition. In der bildenden
Kunst erhielt dieser Primitivismus Anfang des
20. Jahrhunderts einen neuen Impuls durch
beispielsweise Pablo Picasso. In Russland
entwickelten Natalija Gontscharowa und ihr
Partner Michail Larionow eine
neoprimitivistische Formensprache, die unter
anderem Elemente der russischen Volkskunst
benutzte und Szenen aus dem bäuerlichen oder
ländlichen Leben darstellte. Die grimmigen
Ringer (1908–09) sind ein frühes und
beeindruckendes Beispiel dessen. Die
monumentalen Gemälde Bauern und Der
Raucher (beide 1911) sind von den so genannten
Lubki inspiriert, volkstümlichen Darstellungen
(oft Holzschnitten) von zumeist anonymen
Künstlern. Larionows Neoprimitivismus ist
persönlicher und radikaler, wie an seinem
Werk Glücklicher Herbst (1912) zu sehen. Sein
Türke (1910) ist ein früheres Beispiel.
Alexander Schewtschenkos Bildnis der
Njurotschka Archisowa (1910) ist ein typisch
neoprimitivistischer Akt. Der Name des
Modells ist als Graffiti auf das Bild geweißelt.
L’idéalisation du bon sauvage et de l’état de
nature, propre au romantisme européen,
remonte à la pensée radicale du philosophe
Jean-Jacques Rousseau. Dans les arts
plastiques, ce primitivisme refait surface au
début du vingtième siècle, entre autres sous
l’impulsion de Pablo Picasso. En Russie,
Natalia Gontcharova et son compagnon
Mikhaïl Larionov développent un langage
formel néo-primitif, utilisant notamment des
éléments de l’art populaire russe et
représentant des scènes de la vie paysanne ou
rurale. Les farouches Lutteurs (1908–09) en
sont un exemple précoce, mais impressionnant.
Les tableaux monumentaux Paysans et Le
Fumeur (tous deux de 1911) sont inspirés des
loubki, oeuvres populaires (souvent des
gravures sur bois) dues à des artistes
généralement anonymes. Le néo-primitivisme
de Larionov est plus personnel et plus radical,
comme le prouve Automne jaune (1912). Son
Turc (1910) est un exemple plus ancien. Le
Portrait de Niourotchka Archizova (1910)
d’Alexandre Chevtchenko est un nu néoprimitif typique. Le nom du modèle est
gribouillé sur le tableau comme un graffiti.
17
Ljubow Popowa / Lioubov Popova
Komposition mit Figuren (Zwei Figuren) /
Composition avec figures (Deux figures) 1913
18
Flieger / L’aviateur 1914
Kubofuturismus
Cubo-futurisme
Russische Künstler versuchten ab 1911 eine
Antwort auf zwei Strömungen aus Europa zu
formulieren, und zwar den italienischen
Futurismus und den Pariser Kubismus. Der
Futurismus wurde in Russland ambivalent
aufgenommen, hinterließ jedoch deutliche
Spuren, etwa in Gontscharowas Fabriken.
Futurismus (1912). Die für diesen so
charakteristische Würdigung von städtischem
Leben, Fortschritt und Geschwindigkeit
wurde in den explosiv wachsenden Städten
Moskau und Sankt Petersburg gut verstanden.
Den Kubismus Picassos nahm man mit
ungeteilter Bewunderung auf. Besonders
Wladimir Tatlin und Kasimir Malewitsch,
zwei der größten Künstler, die Russland je
hervorbrachte, waren tief von Picassos
Entdeckung beeindruckt und suchten nach
einer kraftvollen Reaktion. Tatlins drei
Gemälde in dieser Ausstellung sind durch ihre
Dynamik und ausbalancierte Komposition
unmittelbar zu erkennen. Kuh und Geige (1912)
sowie Flieger (1913) von Malewitsch sind
eigenwillige und intensive Neuinterpretationen
des synthetischen Kubismus. Sein radikaleres
Werk Samowar (1913) öffnete den Weg zur
Entwicklung des Suprematismus. Die
Komposition mit Figuren (Zwei Figuren) (1913)
von Ljubow Popowa ist von einer für den
Kubismus seltenen Monumentalität.
A partir de 1911, les artistes russes tentent de
formuler une réponse à deux courants d’origine
européenne, le futurisme italien et le cubisme
parisien. Si le futurisme reçoit un accueil
mitigé, les traces qu’il laisse, notamment dans
Usines. Futurisme (1912) de Gontcharova, sont
incontestables. La passion de la vie urbaine, du
progrès et de la vitesse, si caractéristique de ce
mouvement, est facile à comprendre dans des
villes à croissance explosive comme Moscou et
Saint-Pétersbourg. Le cubisme de Picasso, par
contre, suscite une admiration unanime.
Vladimir Tatline et Kazimir Malevitch, deux
des plus grands artistes russes, sont
particulièrement bouleversés par la révélation
de Picasso et s’efforcent de réagir en
conséquence. Les trois oeuvres de Tatline qui
participent à cette exposition se repèrent au
premier coup d’oeil par leur dynamique et leur
composition équilibrée. La vache et le violon
(1912) et L’Aviateur (1913) de Malevitch sont
des réinterprétations intenses et cabochardes
du cubisme synthétique. Son Samovar (1913),
plus radical, prépare le développement du
suprématisme. La Composition avec figures
(Deux figures) (1913) de Lioubov Popova est
d’une monumentalité étonnante pour une
oeuvre cubiste.
19
Pawel Filonov / Pavel Filonov
Komposition. Zugang zur Weltblüte /
Composition. Accès à la croissance 1914–15
Olga Rosanowa / Olga Rozanova
Grüner Streifen (Farbmalerei) /
La bande verte (couleur peinture) 1917
Museum Kreml Rostow / Musée Kremlin Rostov
Abstrakte und
analytische Kunst
Art abstrait et analytique
Pawel Filonow, der Vater der sogenannten
‘analytischen Kunst’, ist eine einzigartige
Erscheinung innerhalb der russischen
Avantgarde. Obwohl er gut mit den
experimentellen Bewegungen Russlands und
Europas bekannt war, war sein Werk fast von
Anfang an vollkommen eigen. Seine aus sehr
kleinen Einheiten minutiös aufgebauten
Darstellungen zeigen eine monumentale
Innenwelt, die manchmal von erkennbaren
Wesen bevölkert wird, sich manchmal aber
auch nahezu gegenstandslos zeigt.
Künstler suchten nach einer Kunst, die
unabhängig von der Themenwahl war und in
der Farbe, Linie und Form mehr
Eigenständigkeit erhielten. Diese Suche führte
zu 1910 zu radikalen Schlussfolgerungen.
Sowohl Michail Larionow als auch Wassily
Kandinsky malten um 1911 erstmals Bilder, in
denen die wiedererkennbare Wirklichkeit
keine Rolle mehr spielte. Beispiele sind
Larionows Rayonistische Landschaft (1912) und
Kandinskys Improvisation mit kalten Formen
(1914). Kasimir Malewitsch entwickelte ab
1913 sein eigenes abstraktes System, das er
‘Suprematismus’ nannte. Das ergab Werke wie
Supremus (1915 und 1915–16) mit in einer
dynamischen Beziehung angeordneten
geometrischen Formen. Die wichtigste
Suprematistin ist Olga Rosanowa. Ihr Grüner
Streifen (Farbmalerei) (1917) ist das radikalste
Werk dieser Ausstellung. Auf den ersten Blick
scheinbar nur ein drastisches Statement,
erweist es sich doch als vibrierende und
dynamische Farbstudie.
Pavel Filonov, le père de l’art dit ‘analytique’,
est un phénomène unique au sein de l’avantgarde russe. Bien que familiarisé avec les
mouvements expérimentaux russes et
européens, il a géré son oeuvre, presque
d’entrée de jeu, en toute indépendance. Sa
méthode de parcellisation, très minutieuse,
illustre un monde intérieur monumental,
parfois peuplé d’êtres identifiables, parfois à la
limite de la figuration.
Les artistes aspirent à un art détaché de son
sujet et où la couleur, la ligne et la forme
prennent leur indépendance. Une aspiration qui
les mène, vers 1910, à des conclusions radicales.
Tant Mikhaïl Larionov que Vassily Kandinsky
peignent pour la première fois, vers 1911, des
tableaux où la réalité identifiable ne joue plus
aucun rôle. Paysage rayonniste (1912) de
Larionov et Improvisation avec formes froides
(1914) de Malevitch en sont deux exemples
révélateurs. A partir de 1913, Kazimir
Malevitch met au point son propre système
d’abstraction, appelé ‘suprématisme’, qui se
concrétise dans des oeuvres comme Supremus
(1915 et 1915–16), où les formes géométriques
sont ordonnées dans une relation dynamique.
Au féminin, la principale suprématiste est Olga
Rozanova. Sa Bande verte (couleur-peinture)
(1917), manifeste passionné doublé d’une étude
chromatique vibrante et dynamique, est
l’oeuvre la plus radicale de cette exposition.
21
Marta Volkova Slava Shevelenko
Installation Pictures of me 2013
Der Datscha-Saal
La salle Datcha
In diesem Saal haben die russischen Künstler
Marta Volkova en Slava Shevelenko eine
‘Datschenlandschaft’ eingerichtet, in der die
Besucherinnen und Besucher vertiefende
Informationen zur Ausstellung in Form von
Lektüre sowie Audio- und Videomaterial
vorfinden.
In der russischen Kultur nimmt die Datscha
einen traditionell wichtigen Platz ein.
Datschen sind (oft einfache) Ferienhäuser auf
dem Lande, die ihren Besitzern als
Sommeraufenthalt dienen. Das Leben in der
Datscha symbolisiert für viele Russen die
Möglichkeit, die ehrliche, unpolierte
Einfachheit des Landlebens zu genießen,
zusammen mit einer selbst gewählten
Absonderung in engem Kontakt mit der Natur,
weit weg von jeder städtischen Hektik.
Dans cette salle, les artistes russes Marta
Volkova et Slava Chevelenko ont aménagé un
‘paysage Datcha’, où le visiteur de l’exposition
peut trouver des informations
complémentaires, écrites ou audiovisuelles.
La culture russe accorde une place importante
à la tradition de la Datcha. Les datchas sont des
résidences secondaires (souvent très simples) à
la campagne, surtout occupées à la belle saison.
Pour beaucoup de Russes, la datcha symbolise
le plaisir d’une vie rurale simple et innocente, et
d’une retraite volontaire en contact étroit avec
la nature, loin de la frénésie de la ville.
In der großen Datscha haben die Künstler
eigens ein neues Werk geschaffen. Unterstützt
durch eine Audiotour können Besucherinnen
und Besucher bei einem Rundgang durch diese
Datscha erfahren, was bestimmte Gemälde für
das persönliche Leben der Künstler bedeutet
haben.
Marta Volkova und Slava Shevelenko sind in
Sankt Petersburg aufgewachsen, wo sie auch
ihre Ausbildung zu bildenden Künstlern
erhielten. Seit 1991 wohnen und arbeiten sie in
den Niederlanden.
(s.h.)
23
Dans la grande Datcha, les artistes ont réalisé
une nouvelle oeuvre, spécialement pour
l’occasion. En parcourant cette Datcha avec
l’aide d’un audioguide, les visiteurs peuvent
mesurer l’impact de certains tableaux sur la vie
personnelle des artistes.
Marta Volkova et Slava Chevelenko ont grandi
à Saint-Pétersbourg, où ils ont fait leurs études
d’arts plastiques. Depuis 1991, ils vivent et
travaillent aux Pays-Bas.
(s.h.)
Mehr Die Große
Veränderung
Plus sur Le Grand
Changement
Aktivitäten
Activités
Audiovisuelle Präsentationen zur
Umrahmung der Ausstellung: The Empire that
was Russia, seltene, zwischen 1909 und 1915 in
russischen Regionen aufgenommene Farbdias
von Sergei Prokudin-Gorski / Journal- und
Filmbilder von und zu den Großereignissen der
Jahre 1896, 1905 und 1917 / Spielfilme aus der
Sammlung Early Russian Cinema (zwei
Ecksäle) / moderne Aufführung bedeutender
Theaterwerke (Datscha-Saal).
Katalog von Sjeng Scheijen (Hrsg.), mit
Beiträgen von John Bowlt, Nicoletta Misler,
Evgenia Petrova, Sjeng Scheijen und Anna
Winestein. 188 S. Ausgaben nl und eng
€34.95
Présentations audiovisuelles encadrant
l’exposition: The Empire that was Russia, rares
diapositives en couleur de Serge ProkoudineGorsky, réalisées en Russie entre 1909 et 1915 /
images de presse et de films relatives aux grands
événements de 1896, 1905 et 1917 / longs
métrages de la collection Early Russian Cinema
(deux salles d’angle) / interprétations
modernes d’oeuvres théâtrales importantes
(salle datcha).
Catalogue sous la rédaction de Sjeng Scheijen,
avec la collaboration de John Bowlt, Nicoletta
Misler, Evgenia Petrova, Sjeng Scheijen et Anna
Winestein. 188 p. Edition nl / édition eng
€34.95
Führungen und Einführungen um 11.30 Uhr
(nl). Führungen auf Deutsch auf Anfrage:
+31.(0)43.3290111 oder reservations@
bonnefanten.nl
Lesung Die Große Veränderung von Ko van
Dun (nl): 31.03., 21.04., 26.05., 7.07. und
11.08. um 14 Uhr
English Course The Big Change by Ko van
Dun (in collaboration with Studium Generale
um): on 17.03, 14.04 and 12.05 at 11.30 am
Filmprogramm Lumière Cinema Maastricht:
20.03 Tsjaiokovsky / 07.04 Inventar des Mutter
landes / 09.05 Krieg und Frieden-Marathon.
Siehe www lumiere.nl
Lecture Modern European-Russian Pioneers
by Inge Wierda. 18.03, 8 pm Studium Generale.
Vortragssaal um, Minderbroedersberg,
Maastricht
Nationales Museumswochenende am 6. und
7. April Ein abwechslungsreiches Programm
für die ganze Familie. Erleben Sie die ‘Fuchs
jagd’!
Soirée Russe am Freitag, dem 21.06., mit
Auftritte, Musik, Tanz und russischer
Gastronomie. Karten für €49.50 bei Uitbalie
Maastricht.
Sommerworkshops für Kinder von 7–12
Jahren in Juli und August.
Visites guidées et introductions (nl) mardi,
jeudi, samedi et dimanche vers 11h30.
Visites guidées en français sur rendez-vous:
[email protected] ou
+31.43.3290111.
Conférence De Grote Verandering (nl) par
Ko van Dun: 31.03, 21.04, 26.05, 7.07 et 11.08
à 14 h (gratuit).
Conférence The Big Change (eng) par
Ko van Dun (en collaboration avec Studium
Generale um) les 17.03, 14.04 et 12.05 à 11h30.
Programme cinématographique Cinéma
Lumière Maastricht. 20.03 Tchaïkovski /
07.04 Inventaire de la mère patrie / 09.05
Marathon Guerre et Paix. Voir www lumiere.nl
Conférence Modern European-Russian
Pioneers par Inge Wierda. 18.03, 20 h Studium
Generale. um Lecture Room, Minderbroeders
berg, Maastricht.
Week-end du Musée National 6 et 7 avril
Un programme varié pour toute la famille avec
e.a. une ‘chasse au renard’ et un concert du
choeur mixte Sobor nost
Soirée Russe le vendredi 21.06: soirée festive,
inspirée des Baleja Notsj (Nuits Blanches) de
Saint-Pétersbourg avec musique, danse,
littérature et gastronomie russe. Billets €49.50
Uitbalie Maastricht.
Atelier d’été pour enfants de 7 à 12 ans en
juillet et août. €5.
The Big
Change
Revolutions in Russian
Painting 1895–1917
Fig. 1 Valentin Serov
Portrait of Ida Rubinstein, 1910
Tempera, graphite, gouache and charcoal
on canvas
147 x 233 cm
State Russian Museum, St Petersburg
Fig. 2 Wassily Kandinsky
Amazon with Blue Lions, 1918
Oil on glass
31.3 x 24.2 cm
Fig. 3 Kazimir Malevich
Perfected Portrait of Ivan Kliun, 1913
Oil on canvas
111.5 x 70.5 cm
Edited by Sjeng Scheijen
With contributions by
John E. Bowlt, Nicoletta Misler, Evgenia Petrova,
Sjeng Scheijen and Anna Winestein
Fig. 4 David Burliuk
Bridge (Landscape from Four Points of
View), 1911
Oil on canvas
100 x 132.5 cm
Paintings from the collections of
State Tretyakov Gallery, Moscow
Ryazan Region Fine Arts Museum, Ryazan
State Museum-Reserve Rostov Kremlin, Rostov
Russian Archives of Literature and Art, Moscow
Bonnefantenmuseum Maastricht − 2013
Audiotours. Sie können wählen zwischen einer
persönlichen Erläuterung durch den
Gastkonservator Sjeng Scheijen (nl, eng) und
einer Kindertour (nl). €2, erhältlich am
Serviceschalter.
Museum Shop. Der Museumsshop hat ein
besonderes Angebot an Geschenken, Büchern
und cds.
16 Evgenia Petrova
folklore’s aesthetic qualities. In their rural
and urban paintings, Olga Rozanova,
Natalia Goncharova and others used the
bright, saturated colours and decorative
devices of folk art, as well as the simplified
forms of peasant toys and decorated
crockery. The bizarrely proportioned
figures, awkward angles, undifferentiated
faces and strong bright colours in their
works of around 1910 were inspired not just
by a love for Gauguin and Van Gogh; such
techniques were traditionally employed
by wood-carvers and artists who painted
spinning-wheels and toys. When the new
generation of artists painted their scenes
of rural and urban life, they simplified them,
as if looking through the eyes of the peasants
or craftsmen themselves.
Mikhail Larionov, kindred spirit and
friend of Goncharova, drew inspiration
from another source: urban street culture.
Hand-painted sign-boards above shops
and workshops, drawings and inscriptions
on hoardings, children’s art and the work
of amateur, untrained artists: these were
Larionov’s inspirations. In a gently ironic
play on the efforts of amateur artists to
emulate genuine artists, he transformed
naive lack of aptitude into an aesthetic
quality, admiring the purity of their world
view as non-professionals. Using motifs
from well-known advertisements, or from
the rugs depicting naked beauties that
were sold in the market, Larionov, like
Goncharova and others, overturned the
whole concept of what was deserving of
artistic depiction and what was not; what
was possible and what was not possible.
Around the end of the decade Ilya
Mashkov and Petr Konchalovsky, ardent
admirers and followers of Cézanne, also
started to orientate their work towards
Russian traditions. Mashkov’s painting Boy
in a Painted Shirt (1909, cat. 60) has a clear
connection with the beauty of traditional
peasant objects, both multi-coloured and
monochrome.
By 1910 the ‘brutal’ style that can be
traced back to folk art was firmly embedded
in Russian art. It was this period that saw
the formation of a group of like-minded
artists who, in December 1910, opened an
exhibition in Moscow under the strange
title ‘Jack of Diamonds’. The name was
thought up by Mikhail Larionov, in an effort
to counteract the Romantic and Symbolist
titles of other exhibitions of the time, such
as ‘Blue Rose’ or ‘The Wreath Stephanos’.
In Russian, as in English and French (valet
de carreau), ‘Jack (or Knave) of Diamonds’
means more than just a playing card; it can
signify someone unworthy of trust: a rogue,
scoundrel or cheat. So in the very title of
their exhibition (which in 1911 became
the name of the group itself), these artists
revealed an ironic and rebellious attitude to
the artistic conventions of the time, which
were still oriented towards realism.
It is revealing that Ilya Mashkov’s
Self-Portrait with Petr Konchalovsky (cat. 61),
exhibited in 1910, was declared both a
programmatic work of the Jack of Diamonds
and of Neo-Primitivism – a movement that
had appeared in Russia a few years earlier.
The painting’s paradoxical nature lies in its
juxtaposition of opposites. Two members of
the intelligentsia, exponents of a ‘refined’
creative profession, are shown in a bizarre
way. Almost naked, they have interrupted
their sporting activities to play music. The
muscular physique, colour and proportions
of their bodies are exaggerated and
intentionally caricatured. The titles on the
spines of the books (‘Cézanne’, ‘The Bible’),
while seeming to suggest that their owners
are well educated, are at variance as much
with each other as with the chocolate-box
pictures on the wall behind. Irony – hitherto
unknown in painting – pervades everything: the large dimensions of the canvas
(208 x 270 cm), the over-sized figures, the
simplicity of the painting technique, the
similarity of the scene to slapstick comedy
of the time (particularly Max Linder’s film
Boxing Match), and the allusion to a type
of photograph beloved of the bourgeoisie
(characterized by frozen poses, and
something exotic in the background).
From this point on Mashkov,
Konchalovsky and Aristarkh Lentulov,
the core founders of Jack of Diamonds,
often painted landscapes and still lifes that
were reminiscent of shop and stall signs.
Sometimes they actually introduced into
their paintings folk objects, such as tin trays,
earthenware toys and tablecloths. They
were highly democratic in their approach,
allowing into their ranks artists who already
had their own defined style, including
non-Russians. Many Western avant-garde
artists, such as Picasso and Matisse, took
part in the Jack of Diamonds exhibitions as
well as in those of other artistic groups.
It was at these exhibitions that a new
wave of Russian avant-garde artists first
came to major prominence. The 1914 Jack
of Diamonds exhibition included the
Cubo-Futurist works of Kazimir Malevich
(Perfected Portrait of Ivan Kliun, 1913, fig. 3)
and David Burliuk, the so-called ‘father of
Russian Futurism’ (Bridge [Landscape from
Four Points of View], 1911, fig. 4; both in the
State Russian Museum). Play, irony, allusion,
suggestion, the grotesque – Futurism’s
crucial ingredients – were all important to
early twentieth-century artists as well, no
doubt partly because they also had much in
common with folk culture. Folk rhymes and
sayings and performances by skomorokhi,
wandering clowns, were popular in society
at the time.
In this context it is clear that with his
early, apparently Symbolist works Malevich
(who began as an Impressionist and follower
of Cézanne) was actually subverting the
movement entirely. In a series of studies
traditionally linked with fresco painting, for
example, he included a self-portrait against
the background of a biblical scene (cat. 51).
The presence of this clearly exaggerated
figure seemed to contravene the normal
Towards the Avant-Garde 17
Audioguides. Vous pouvez choisir entre un
commentaire personnel du conservateur invité
Sjeng Scheijen et une visite enfants (combiné
néerlandais et anglais). €2.
Boutique du Musée. La boutique du musée
propose des cadeaux, livres et cd de
circonstance.
Aktuelle Information? www.bonnefanten.nl
Plus d’infos? www.bonnefanten.nl
25
Kolophon
Colophon
Die Große Veränderung.
Revolutionen in der russischen Malerei 1895–1917
12.03.2013 – 11.08.2013
Le Grand Changement.
Révolutions dans la peinture russe 1895–1917
12.03.2013 – 11.08.2013
Kurzführer
Autoren: Sjeng Scheijen; Stijn Huijts
Übersetzung: Rolf Erdorf
Fotografie: Pascale Leenders Bonnefantenmuseum;
Regionales Kunstmuseum Rjasan; Staatliches
Russisches Museum, Sint-Petersburg; Slava
Shevelenko; Tretjakow-Galerie, Moskau; Staatliches
Archiv für Literatur und Kunst, Moskau.
Design: Buro Marcel van der Heyden Heerlen
Produktion: Ineke Kleijn; Ton Quik
Guide du visiteur
Auteurs: Sjeng Scheijen; Stijn Huijts
Traduction: Marie-Françoise Dispa
Photographie: Archives d’Etat de littérature et de
l’art, Moscou; Pascale Leenders Bonnefanten
museum; Musée regional d’art Riazan; Musée
Russe Saint-Petersbourg; Galerie Tretiakov Moscou;
Slava Shevelenko
Production: Ineke Kleijn; Ton Quik
Maquette: Buro Marcel van der Heyden Heerlen
Das Bonnefantenmuseum dankt Frau Evgenia
Petrova, stellvertretende wissenschaftliche Direktorin
des Staatlichen Russischen Museums; Frau Irina
Lebedeva, Direktorin der Staatlichen TretjakowGalerie; Frau Natalja Karoskaja, Direktorin des
Staatlichen Museums Rostower Kreml; Frau Marina
Kotova, Direktorin des Regionalen Kunstmuseums
Rjasan, und Frau Tatjana Gorjaeva, Direktorin des
Russischen Archivs für Literatur und Kunst, sowie
den Mitarbeitern und Mitarbeiterinnen dieser
Institutionen für ihren Einsatz.
Le Musée Bonnefanten remercie pour leur
enthousiasme Mme Evgenia Petrova, directrice
scientifique adjointe du Musée Russe; Mme Irina
Lebedeva, directrice de la Galerie Tretiakov; Mme
Natalia Karoskaia, directrice du Musée National Le
Kremlin de Rostov; Mme Marina Kotova, directrice
du Musée régional d’art de Riazan et Mme Tatiana
Gordjaeva, directrice des Archives de Littérature et
d’Art russes, ainsi que les collaborateurs de ces
institutions.
Das Bonnefantenmuseum wird langfristig
unterstützt von der Provinz Limburg und erhalt
Projektsubventionen der Stadt Maastricht.
Das Bonnefantenmuseum wird unterstützt von
der BankGiro Lotterie.
Bonnefantenmuseum
Avenue Ceramique 250, 6221 k x Maastricht
Postbus 1735, 6201 bs Maastricht nl
Dienstag-Sonntag 11–17 Uhr
+31.(0)43-3290190
[email protected]
www.bonnefanten.nl
26
Le Musée Bonnefanten reçoit une subvention
structurelle de la Province du Limburg et des
subventions au projet de la Ville de Maastricht.
Le Musée benefice de la BankGiro Loterij.
Bonnefantenmuseum
Avenue Ceramique 250, 6221 k x Maastricht
Postbus 1735, 6201 bs Maastricht nl
Ouvert: mardi-dimanche 11–17 heures
+31.(0)43-3290190
[email protected]
www.bonnefanten.nl
Ein besonderes Wort des Dankes gilt den privaten
Sponsoren, die bereit waren, als metsenaty ein
Gemälde zu adoptieren.
Le musée est particulièrement reconnaissant aux
sponsors privés qui ont accepté d’adopter un tableau
en tant que metzenaty.
Supremus, 1915–16
Umschlag / Couverture
Ilja Maschkow / Ilya Machkov
Junge in einem Hemd mit Blumen /
Garçon à la chemise ornée 1909

DE GrOTE VErANDErING

Transcription

Similar documents

DER KUNSTBLITZ

GT • Jim Dine 08.qxd

Pressemitteilung 28.02.2013 Die Große Veränderung. Revolutionen

Inhalt - Berlin Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften