Programm

Grands classiques
Jeudi / Donnerstag / Thursday
22.01.2015 20:00
Grand Auditorium
Academy of St Martin in the Fields
Joshua Bell violon, direction
Lawrence Power alto
Backstage
18:30 Salle de Musique de Chambre
Christoph Vratz: «Unruhe, Klage, Verzweiflung?
Mozarts große g-moll-Symphonie im Interpretationsvergleich» (D)
In Kooperation mit FonoForum
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Konzert für Violine, Streicher und Basso continuo a-moll (la mineur)
BWV 1041 (–1730)
[unbezeichnet / sans indication de mouvement]
Andante
Allegro assai
18’
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Sinfonia concertante für Violine, Viola und Orchester
Es-Dur (mi bémol majeur) KV 364 (1779)
Allegro maestoso
Andante
Presto
32’
—
Wolfgang Amadeus Mozart
Symphonie N° 40 g-moll (sol mineur) KV 550 (1788)
Molto allegro
Andante
Menuetto: Allegretto – Trio
Allegro assai
28’
Joshua Bell
(photo: Marc Hom)
Pros et prodiges
Marcel Marnat
Sûrement est-ce avec abus que nous usons de vilains mots. C’est
qu’ils ont une efficacité subite qui épargne bien des détours. Si
je dis: «Bach et Mozart furent de sacrés pros», je choque, mais
je pointe un fait considérable: l’un et l’autre appartinrent à des
familles de musiciens professionnels et on n’y a jamais imaginé qu’ils puissent s’illustrer ailleurs que dans leur tradition.
Et les voici, bossant, l’un et l’autre, comme des bœufs, en vue
de ce que l’on considéra, en leur temps, comme étant LA musique. Reste que si, depuis des générations, l’inconscient collectif met à part Ronsard, Ginevra de’Benci (Léonard de Vinci), la
Pietà (Michel-Ange) de Saint Pierre ou, plus tard, Monteverdi,
Bach ou Mozart, c’est, bien sûr, parce qu’ils ajoutèrent quelque
chose à leur ‹éducation› – un imprévu toujours neuf que, selon
les époques que nous avons étiqueté afin d’être sûrs de n’y point
réfléchir: spontanéité, sensibilité, audace, inspiration, génie…
Les Pros qu’on admire sont donc parmi nous parce que – inconsciemment parfois – ils ont atteint au prodige par la vastitude de
leur savoir, de leur vocabulaire, par leur dextérité à manier les
éléments qui accoururent en leur esprit dès l’instant qu’ils éprouvèrent le besoin de s’exprimer par eux-mêmes ou, le plus souvent, pour répondre à une commande. Tapageuse et journalistique, la notion de ‹révolutionnaire› n’a donc ici aucune valeur
et ne fut suggérée qu’à l’époque romantique. C’était notamment
ignorer tous les intermédiaires précurseurs! Car rien, jamais, ne
Johann Sebastian Bach (?)
(Portrait par Johann Jakob Ihle, 1720)
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naquit ex abrupto… Néanmoins, chaque œuvre décisive peut être
considérée comme transgressive et celles réunies aujourd’hui le
sont tout particulièrement.
Du pittoresque à la foi
Les anglo-saxons analysèrent pieusement l’effet que Johann Sebastian Bach (1685–1750) produit sur son auditoire. Profondément enraciné dans une tradition de dextérité instrumentale
(orgue), Bach fut un artisan méticuleux, presque terre à terre,
aussi bon chrétien que plein de bon sens, franc du collier, sensible aux joies terrestres comme aux menaces de la mort. Nous
sommes à cent lieues des ‹inspirés› migraineux auxquels le 19e
siècle voulut croire. Mais l’important est que cette cohésion psychique se soit reflétée en une musique capable de communiquer
cette paix intérieure, s’offrant aux hommes comme un accès aux
dons de Dieu. Pas une ombre d’individualisme ici et quand Bach
se passionne pour l’œuvre de collègues parfois lointains, c’est
pour parfaire encore davantage ce souci de rayonner.
Sa réaction au narcissisme qui avait poussé Antonio Vivaldi
(1678–1741) à concevoir le concerto de soliste est révélatrice,
Bach ne se voulant qu’une voix sinuant dans le cosmos. Dès lors
l’éblouissante formule vivaldienne subit une sorte de purification religieuse à laquelle le compositeur nous soumet avec naturel, sans même y penser. On en est à se demander de quand
datent ses concertos, si éloignés de leurs modèles, participant si
intimement à l’essence même de l’œuvre bachien. On s’est persuadé qu’ils naquirent durant sa ‹période de Cöthen›, ces années 1720 où la passion de son Prince le poussait vers l’expérimentation instrumentale. Probable, mais qu’importe après tout!
L’essentiel est que Bach se soucie d’amener de primitifs discours
concertants (élémentaire succession soli-tutti) à une forme prenant une envergure imprévue. Ainsi s’extirpait-on du pittoresque
pour exprimer la Création. Trois seulement des concerti que
Bach destina au violon nous sont parvenus mais nombre de ceux
que nous jouons au clavier furent d’abord destinés à l’archet.
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Le Concerto en la mineur BWV 1041 que nous allons entendre est
le plus dense et le plus concis, autorité particulièrement frappante dans le premier volet sans indication de mouvement.
Quatre parties s’y enchaînent: exposition orchestrale, reprise
avec le soliste soudain isolé, expérimentations médianes (variations et modulations thématiques), enfin: réexposition, plus libre
et plus apaisée, de tout le début… Ne peut-on soupçonner ici –
notamment avec les variations et modulations qui deviendront
développement – l’esquisse de ce qui, une petite trentaine d’années plus tard, deviendra la fondamentale forme sonate? D’autant plus que, tradition polyphonique aidant, les soli sont plus
intimement imbriqués dans la trame générale que chez Vivaldi.
Comme bien souvent chez le vénitien, l’Andante est le plus expressif, appuyé à un motif ostinato, exposé par l’orchestre et revenant à intervalles réguliers, comme pour une passacaille. Ici
le violon n’est conducteur que dans des transitions mélodiques,
apportant un surcroît expressif. Marqué Allegro assai, le finale
s’envole sur un 9/8 gambadant, fluidité qui s’oppose à l’autorité rythmique du mouvement initial. Le soliste s’y permettra de
brèves échappées contrastantes: ainsi est-on passé de la monumentalité à l’anxiété avant de sourire aux scintillements de l’existence: de laborieux, le ‹pro› initial nous a convié au prodige d’un
monde réconcilié!
Orages domestiques
Passe un peu plus d’un demi-siècle. Entretemps prise dans la
houle du Siècle des Lumières, la Musique, libérée de la polyphonie universelle, a trouvé d’autres règles. Naquit notamment la
forme sonate qui, sans se vouloir exclusive, va, grosso modo,
proposer deux ou trois thèmes, les combiner (développement)
et nous les restituer, plus rayonnants que jamais (réexposition).
Cette rationalité saura se tempérer par le voisinage d’autres ‹mouvements› s’abandonnant aux improvisations du lied ou aux inventions de la fugue, de la variation, du rondo… La musique
dite classique (formelle) était née. Haydn puis Mozart s’enflammèrent pour ces structures nouvelles, au besoin les transgressant
à plaisir dès l’instant qu’ils les nourrissaient de l’intérieur. Avec
eux, le compositeur devint adulte dans la mesure où, comme
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Wolfgang Amadeus Mozart (?)
(Portrait par Joseph Hickel, vers 1783)
Bach qu’ils ignorèrent longtemps, ils combattirent toute nonchalance par le souci du travail bien fait: chez l’un comme chez
l’autre surgit l’art suprême d’être à la fois clair et savant.
En 1779, le titre de Symphonie Concertante était rassurant: il désignait alors des œuvres de style plutôt ‹galant› où, auparavant,
Mozart lui-même avait fait merveille (Concertone, Concerto pour
flûte et harpe). Mozart ayant perdu sa mère lors d’un séjour à Paris, le douteux Léopold en profita pour exiger que son fils réintègre Salzbourg, pourtant quitté sous les invectives. Durant ce
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retour, Mannheim inflige à Wolfgang la double déception de
n’être pas embauché et de voir marier l’attirante Aloysia Weber
à un compositeur mieux gérable. C’est sans doute durant l’automne suivant, en un Salzbourg où tout s’est grippé, que Mozart
entreprend une musique nouvelle destinée à trancher durablement sur tout ce qui l’entoure. On ne sait rien d’éventuels commanditaires ni des intentions du musicien: sans doute composat-il, cette Symphonie concertante pour lui-même, voulant échapper
aux facilités recommandées par son père. Une telle page fut-elle
conçue pour captiver quelque capitale musicale? L’exécution publique d’une musique aussi grave et aussi savante était, en effet,
impensable à Salzbourg.
Qu’on en juge: s’il y a deux solistes promettant du spectacle,
le tissu instrumental dans lequel ils évoluent ne pouvait que paraître opaque: ce sont tous les groupes instrumentaux qui vont
dialoguer entre eux, menant l’œuvre vers des dimensions inouïes
jusqu’alors: plus d’une demi-heure. Les thèmes principaux sont,
par ailleurs, dépendants les uns aux autres, façon de cimenter chaque partie et d’unir les mouvements entre eux. Ainsi a-ton moins une série de moments plaisants que l’évolution d’une
même pensée: thèse, antithèse, synthèse ou (mieux) affirmation,
méditation, résolution. Au-delà même de la structure désormais
bien établie du concerto (allegro de forme sonate, lied, rondeau),
sont ainsi suggérées bien d’autres possibilités de discours, bien
propres à égarer la frivolité salzbourgeoise.
Le premier mouvement s’affirme donc Maestoso, sévérité qui
en dit long sur la colère rentrée de l’auteur. La façon subreptice
dont les solistes vont s’échapper du rude tutti initial indiquerait
presque comment Mozart rêve d’aller chanter ailleurs… On notera que, contrairement à la coutume, la cadence est entièrement
écrite: pas question de laisser miter, par la fantaisie des interprètes, une tissure aussi serrée!
Le plus étonnant de l’Andante (ut mineur, tonalité dramatique
peu sollicitée à l’époque) est sans doute l’ampleur de sa respiration. On se souvient ici que Mozart est sous le coup d’une
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Est-ce en vue de ce voyage à Berlin que Mozart se surmène? Paris vient de commander six symphonies à Joseph Haydn: sait-on jamais? Plus vraisemblablement encore
n’est-ce pas pour alimenter quelque(s) «concerts en souscription» de la saison à venir? On ne sait rien de ce qui a pu
pousser Mozart à composer trois symphonies à la fois alors
que, depuis son installation à Vienne, sept ans plus tôt, il s’y
est si peu intéressé… Bouteilles à la mer, ces trois symphonies restées sans public, ne seront jamais jouées de son
vivant. Aussi différentes les unes des autres qu’il est possible, elles étaient faites pour aller au loin mais elles resteront dans les tiroirs d’un Mozart mourant à la tâche, le 6 décembre 1791.
amère déception sentimentale et nulle part ailleurs nous n’aurons ces ralentissements douloureux ni de tels silences. Instants
d’absence chèrement conquis sur un univers contrit? La sonorité de l’alto va dominer tout le mouvement qui aura, par ailleurs,
quelque chose d’anxieux pour ne point dire interrogatif. La ‹résolution› finale, elle-même, restera dominée par la voix alarmante de l’alto. Y réapparaît un motif des cors du premier mouvement: Mozart signifie de la sorte qu’il ne cèdera pas aux amabilités d’un finale épanoui: l’œuvre se referme sur elle-même,
courageuse et animée, mais grave. Que de métier (pro) mais aussi
que d’âme (prodige)!
Bouteilles à la mer
Huit ans plus tard, on sait que la vie de Mozart, définitivement
établi à Vienne, a suivi une pente descendante qu’un art résolument élitiste ne fit qu’accentuer. Néanmoins, chercher des échos
psychologiques dans les dernières symphonies de Mozart serait
faire fausse route. Si, en 1788, le compositeur est assailli par les
deuils autant que par ses créanciers, c’est néanmoins au cours de
cet été-là qu’il confia au papier trois symphonies d’un accent si
résolu qu’on ne saurait perdre de vue que seul le sort fit qu’elles
seront les dernières. Certes, Don Giovanni a triomphé à Prague,
mais à peine est-il rentré à Vienne que l’Empereur l’humilie en
ne lui offrant que 800 florins (Gluck en percevait 2000) pour
un poste ronflant de «Compositeur de la chambre impériale et
royale». Haydn s’indigne, demande à Prague de rappeler Mozart
mais rien n’y fait. Et Don Giovanni va chuter à Vienne… Plus
que jamais voici le musicien couvert de dettes. Il s’installe dans
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un faubourg et, dix jours plus tard, confessera y avoir plus travaillé en une semaine que pendant tout le trimestre antérieur…
Il y mène de front nos trois symphonies à nouveau sans commanditaire, ‹chefs d’œuvre› au sens artisanal du terme c’est à dire
démonstratifs de son savoir-faire.
Le 26 juin 1788, il met le point final à sa 39e Symphonie. Le
29 juin, son dernier enfant meurt à six mois. Notre 40e est bouclée le 25 juillet et la 41esuivra le 10 août. À cela s’ajoutent deux
sonates, deux trios et un Divertimento… Il faudra attendre avril
1789 pour que l’espoir renaisse avec une invitation à Berlin.
En sol mineur, tonalité volontiers qualifiée de ‹romantique›, la
40e Symphonie est célèbre par sa fièvre et son énergie. Dès le premier mouvement, elle vise au monumental par un développement modulant avec hardiesse, contrepoint serré qui va étendre
sa rigueur à une réexposition sans complaisance. L’Andante surprend par son atmosphère nocturne et surtout par sa forme sonate calquée sur le mouvement précédent: deux thèmes, développement, réexposition. Cette rigueur inattendue trouve un
écho dans la rigidité rythmique du Menuet (superposition d’un
2 temps et d’un 3 temps), robustesse qui ignore délibérément
les ‹grâces› qu’on y attend. Et nous retrouverons la forme sonate
dans le finale qui est, certes, un rondeau, mais surtout une savante construction thématique qui, par miracle, garde une étonnante fluidité.
On a voulu rapprocher le thème conducteur de notre finale du
«À l’aide ! à l’aide! ou je suis perdu» avec lequel Papageno surgira au début de La Flûte enchantée… Méfions-nous de ces rapprochements romantiques! Essentiellement, les trois dernières symphonies de Mozart entendaient combiner une science extrême
et une séduction irrésistible. Leur diversité atteste d’un éventail
confondant de possibilités et ce sont là des œuvres non point de
panique mais de conquête. Le pro de naguère était sommé d’y
multiplier les prodiges!
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Von Leipzig nach Wien
Werke von Bach und Mozart
Detlef Giese, Jürgen Ostmann, Karsten Nottelmann
Bach: Violinkonzert BWV 1041
Gemessen an der Vielfalt und Fülle seiner Vokalwerke, aber auch
an seinem Schaffen für die Tasteninstrumente Orgel und «Clavier»
(wobei hier in der Regel das Cembalo gemeint ist) sind von Johann Sebastian Bach vergleichsweise wenige Instrumentalkonzerte
überliefert. Bislang hat die Musikwissenschaft nicht klären können, welche und wie viele Werke dieser Art Bach nun tatsächlich
komponiert hat. Nur wenige Kompositionen haben den Status
von «Originalwerken» im strikten Sinn: Die berühmten sechs
«Brandenburgischen Konzerte» befinden sich darunter, desgleichen
die Violinkonzerte BWV 1041, BWV 1042 und BWV 1043.
Das Violinkonzert BWV 1041 scheint um 1730, im Umkreis von
Bachs Leipziger Collegium-musicum-Aktivitäten, endgültig fixiert
worden zu sein, eventuell auf der Grundlage früherer Entwürfe
aus Köthener Zeit. Es scheint stark von Vivaldi inspiriert worden
zu sein und wirkt zunächst ernst im Charakter, ohne es jedoch
an Eleganz fehlen zu lassen. Bach verzichtet hier auf das Einbringen allzu vieler musikalischer Gestalten – stattdessen konzentriert er sich auf das Entfalten der dem Werk zugrunde liegenden Substanz, die jeweils in den ersten Takten der einzelnen
Sätze zur Erscheinung gelangt. So liegt in dem fanfarenartigen
Motiv, mit der das Konzert beginnt, das Fundament für die weitere Entwicklung. Und auch die am Anfang des Finales erklingende vorwärtsdrängende Figur wird zur Grundlage für den Satzverlauf: Der einmal angeschlagene Gestus wird nicht mehr verSerenade des Leipziger Collegium musicum, 1727
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lassen. Sehr kantabel zeigt sich der langsame Mittelsatz, in dem
der Solist Gelegenheit erhält, sein gestalterisches Vermögen und
seine Ausdruckskraft unter Beweis zu stellen.
Man wird Bach gewiss attestieren können, dass er die Möglichkeiten des Violinspiels in seinen Konzerten durchaus gut ausgenutzt, wenngleich nicht bis ins Letzte ausgereizt hat. Auf eine
Zurschaustellung geradezu halsbrecherisch anmutender technischer Fertigkeiten, wie er sie zuweilen in den Trompetenpartien
seiner weltlichen und geistlichen Vokalwerke verlangt, scheint es
ihm nicht angekommen zu sein, wenngleich den Solisten auch
so einiges an Können und Geschick abverlangt wird. Von Bedeutung war eher die sorgfältige Ausgestaltung des Tonsatzes, die
entscheidend dazu beitrug, den «Künstler» Bach in den Mittelpunkt zu rücken, im Sinne der Demonstration seiner eminenten
kompositorischen Meisterschaft.
Bei allen Bach’schen Konzerten – die 1721 als regelrechte Prachthandschrift ausgearbeitete Sammlung der «Brandenburgischen Konzerte», die als variabel besetzte Ensemblekonzerte für mehrere solistisch eingesetzte Instrumente sowie Streicher und Basso continuo konzipiert waren, macht hierbei keine Ausnahme – bleibt
die Orientierung an den hoch geschätzten italienischen Vorbildern
stets spürbar. Dass Bach die von Vivaldi & Co. entwickelten Modelle detailliert kannte, ist offensichtlich. Bach wäre jedoch nicht
Bach, wenn er mit den dort zu findenden Konstruktionsprinzipien nicht kreativ umgegangen wäre: Die melodische Erfindungsgabe, die harmonische Raffinesse, die rhythmische Prägnanz und
die konzentrierte Ausgestaltung der einzelnen Sätze lassen einen
sehr individuellen Zugriff erkennen. (Detlef Giese, 2013)
Mozart: Sinfonia concertante KV 364
Wolfgang Amadeus Mozart war bekanntlich ein hervorragender
Geiger, doch mindestens ebenso gern spielte er die Bratsche. Gleich
beide Instrumente kommen in der Sinfonia concertante KV 364 zu
solistischen Ehren. Doch vielleicht sollte man statt «Sinfonia concertante» besser «Symphonie concertante» sagen: Der französische
Begriff erscheint angemessener, weil die damit bezeichneten Kom18
positionen mit mehreren konzertierenden Instrumenten vor allem
in Frankreich populär waren. Und am kurfürstlichen Hof in Mannheim, wo man dem französischen Geschmack nacheiferte. Mozart
war 1779, als er seinen wichtigsten Beitrag zu der Gattung leistete,
gerade von seiner langen Paris-Reise über Mannheim nach Salzburg zurückgekehrt.
Aus welchem Anlass das Stück entstand, weiß man zwar nicht
sicher, doch es gibt Vermutungen: Mozart integrierte in seine
Komposition eine Reihe von Stilmitteln, die für die sogenannte
Mannheimer Schule typisch waren – bestimmte Melodiefloskeln etwa oder das charakteristische Crescendo über einem Orgelpunkt, einem lange ausgehaltenen Basston. Das Hauptthema
des ersten Satzes soll außerdem von Carl Stamitz entlehnt sein,
einem der bedeutendsten Mannheimer Komponisten, der übrigens mehr als zwei Dutzend konzertante Symphonien geschrieben hat. Wahrscheinlich hatte Mozart daher – so sieht es der
Musikwissenschaftler Volker Scherliess – «mit solcher ‹Hommage
à Mannheim› mehr im Sinn als eine freundschaftlich-kollegiale
Geste: Er hoffte ja auf eine Anstellung am Hofe des Kurfürsten
Karl Theodor (der 1779 von Mannheim nach München übersiedelte und für den er ein Jahr später seinen Idomeneo schrieb) und
wollte sich ihm möglicherweise mit diesem Werk empfehlen.»
Mozarts Sinfonia concertante ist allerdings weit mehr als eine bloße
Studie im Mannheimer Stil. Über die Vorbilder von Musikern
wie Stamitz, Rosetti, Holzbauer oder Cannabich geht sie schon
durch die reiche melodische Erfindung, aber auch die polyphone Verflechtung der Stimmen und viele Details der Harmonik
weit hinaus. Einen besonderen Kunstgriff wandte Mozart an, um
die Gleichberechtigung der beiden Soloinstrumente zu gewährleisten: Er notierte den Bratschenpart in D-Dur, während die übrigen Stimmen in Es-Dur stehen. Der Bratschist muss daher sein
Instrument einen Halbton höher stimmen und erzielt so einen
helleren, leuchtenderen Ton. Dieser ‹Trick› wird allerdings heute, auf den klangstärkeren modernen Instrumenten, kaum noch
praktiziert.
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Der Beginn der Symphonie KV 550 in Mozarts Handschrift
Der Kopfsatz der Sinfonia concertante beginnt mit einer feierlichen Orchester-Exposition, bevor die Solisten ihr melodisches
Zwiegespräch eröffnen. Im folgenden Andante in c-moll verbindet Mozart barocke Kanontechnik mit gesanglichem Ausdruck.
Die schmerzliche Chromatik und die sparsame, perfekt ausbalancierte Instrumentation ergeben eine fast tragische Stimmung,
die auf die großen Moll-Werke der Wiener Jahre vorausweist. Im
Presto mit seinem volkstümlichen Thema findet die Sinfonia concertante dann einen heiter-unbeschwerten Ausklang; noch einmal
steht das virtuose Wechselspiel der Solisten im Vordergrund.
(Jürgen Ostmann, 2013)
Mozart: Symphonie KV 550
Im Sommer 1788 komponierte Mozart innerhalb weniger Wochen seine drei letzten Symphonien: Die Symphonie KV 543 trug
er am 26. Juni in sein Werkverzeichnis ein, die Symphonie KV 550
am 25. Juli, die «Jupiter-Symphonie» schließlich am 10. August.
Die Arbeit an der Symphonie KV 550 war damit allerdings noch
nicht beendet: Zu einem späteren Zeitpunkt ergänzte Mozart die
Partitur um zwei Klarinetten – ursprünglich hatte er an Holzbläsern nur eine Flöte, zwei Oboen und zwei Fagotte vorgesehen.
Auf diese Weise steht das Werk gewissermaßen vermittelnd zwischen der Symphonie KV 543 (zwei Klarinetten, keine Oboen)
und der «Jupiter-Symphonie» (zwei Oboen, keine Klarinetten).
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Der Verdacht liegt nahe, dass Mozart die Symphonie KV 550 im
Vorfeld einer Aufführung überarbeitete. Zwar wird in Zusammenhang mit Mozarts drei letzten Symphonien häufig der Verdacht geäußert, der Komponist selbst habe seine Werke nie gehört. Diese Behauptung kann im Fall der Symphonie KV 550 jedoch ins Reich der Legende verwiesen werden: In einem zeitgenössischen Bericht, den die tschechische Musikwissenschaftlerin
Milada Jonášová 2012 entdeckt hat, heißt es, Mozart habe über
falsch spielende Bläser bei der Uraufführung geklagt (siehe Kasten Seite 24). Dem Bericht zufolge fand die Aufführung bei Mozarts langjährigem Mäzen Gottfried Baron van Swieten statt.
Berühmt ist das unruhig vorwärts drängende erste Thema, mit
dem der erste Satz anhebt. Es übernimmt im Anschluss an das
kunstvoll auf Holzbläser und Streicher verteilte zweite Thema erneut die Führung: Über großen Seufzern der Violinen und Bässe
intonieren Klarinette und Fagott jene kleinen Seufzer, die zu Beginn des Satzes noch in den Violinen lagen. Mit der Dominanz
des ersten Themas einher geht die Dominanz der Grundtonart
g-moll: Selbst Durpassagen klingen in diesem Satz nicht selten
müde, bisweilen sogar mürrisch.
Wenn auch nicht düster wie der erste, so wirkt der zweite Satz
doch zumindest umschattet. Zugleich demonstriert er auf eindrucksvolle Weise Mozarts Kunst, melodische Schlichtheit mit
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Falsche Töne bei der Uraufführung
«…in Prag hat man Sie probiret, und die Blasenden Instrumente wollten nicht pariren, […] und in Wien habe ich selbst
es von verstorbenem Mozart gehört, als Er sie bei Baron Wanswiten [Gottfried Baron van Swieten] hat produciren lassen,
dass er wärend der production aus dem Zimmer sich hat
entfernen müssen, wie man Sie unrichtig aufgeführt hat.»
Der mit Mozart bekannte Prager Musiker Johann Nepomuk
Wenzel in einem Brief an den Leipziger Musikverleger Johann Ambrosius Kühnel, 10. Juli 1802
kontrapunktischer Finesse zu kombinieren. «In die Tiefen des
Geisterreichs führt uns Mozart. Furcht umfängt uns; aber ohne
Marter ist sie mehr Ahnung des Unendlichen. Liebe und Wehmut tönen in holden Stimmen» – ob Ernst Theodor Amadeus
Hoffmann das Andante der Symphonie KV 550 im Ohr hatte, als
er diese Zeilen 1810 schrieb?
Zwischen Aufbegehren und Niederlage pendelt das Menuett;
einziger Hoffnungsstrahl ist das in lichtem Dur gehaltene Trio.
Gegen Ende des Menuetts verstricken sich die Themeneinsätze jedoch hoffnungslos ineinander – als «heroisch hoffnungslos»
hat der Mozart-Forscher Alfred Einstein diesen Satz denn auch
beschrieben.
Beinahe atemlos stürmt dann der letzte Satz am Hörer vorüber.
Auf ihn passt Robert Schumanns 1835 geprägtes Wort von der
«griechisch schwebenden, wenn auch etwas blassen Grazie» noch
am ehesten. Zwar gibt sich das Finale zunächst versöhnlicher als
das eröffnende Molto allegro, letztlich erweist es sich aber als
weitaus trostloser – spätestens wenn Flöte, Klarinette und Fagott
gegen Satzende das zweite Thema ein letztes Mal intonieren.
Und auch in anderer Hinsicht ist der letzte Satz eine konsequente Steigerung des ersten: Führte dessen Durchführung bereits in
relativ entlegene Tonarten, so erreicht Mozart im letzten Satz am
Höhepunkt der Durchführung den «diabolus in musica», den
‹teuflischen› Tritonus. Die dadurch nötig werdenden zusätzlichen Vorzeichen fehlten offenbar in den handschriftlichen Stimmen oder wurden von den Musikern der Uraufführung übersehen, sodass Mozart sich genötigt sah, den Raum zu verlassen
(siehe Kasten). (Karsten Nottelmann, 2014)
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Interprètes
Biographies
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Academy of St Martin in the Fields
«Explosive, mercurial, spontaneous, totally involving»
(Classical Source, 2013)
«Brooding power, poetic sparkle, dramatic attack»
(The Times, 2014)
L’Academy of St Martin in the Fields est réputé pour son timbre orchestral éclatant et noble, qu’elle doit à une musicalité hors pair. Fondée par Sir Neville Marriner en 1958 à partir
d’un ensemble constitué des meilleurs musiciens londoniens
l’Academy présente en novembre 1959 son premier concert
dans l’église du même nom dont elle reprend le nom. Après
que Sir Neville l’a dirigé au titre de ‹Konzertmeister›, l’esprit collégial et la souplesse du petit ensemble sans chef des débuts
demeurent la marque de fabrique de l’Academy. Cette tradition
est aujourd’hui maintenue sous la tutelle du violoniste virtuose
Joshua Bell, qui en est le directeur musical. Avec lui, l’Academy
se consacre au répertoire symphonique en le considérant comme de la ‹musique de chambre à grande échelle›. Joshua Bell
a vu récemment prolonger son contrat de directeur musical
jusqu’à l’été. Parmi les moments forts de la saison actuelle, on
compte des concerts londoniens et des tournées internationales avec les pianistes Jeremy Denk, le clarinettiste Martin Fröst
et la violoniste Julia Fischer. Murray Perahia, premier chef invité,
accompagne l’orchestre en août et septembre en tournée européenne et dans une grande tournée asiatique en novembre.
Joshua Bell entreprend cette saison quatre tournées avec
l’Academy, en Amérique du Sud, au Moyen-Orient et en Europe.
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Parallèlement aux concerts de l’Academy, les membres de
l’Ensemble se consacrent par le biais du programme éducatif
«Outward Sound» aux jeunes musiciens et aux mélomanes de
tous âges. Cette année, des ateliers ont été mis en place pour
les élèves des écoles, tout comme des partenariats en matière
de formation professionnelle et formation continue, qui offrent
à tout un chacun la possibilité de se rapprocher de l’orchestre
et de faire de la musique. L’Academy compte à son actif plus
de 500 enregistrements qui font d’elle l’ensemble de musique
de chambre ayant le plus enregistré. L’orchestre a reçu son premier Disque d’or en 1969 pour son enregistrement des Quatre saisons de Vivaldi. En 2007, l’enregistrement de cette même
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Academy of St Martin in the Fields
(photo: Chris Christodoulou)
œuvre avec Joshua Bell est arrivé en tête des Billboard Classical Charts. À elle seule, la musique du film Amadeus, enregistrée par l’Academy, a remporté 13 Disques d’or et la bande-son
également enregistrée par l’Academy du film Le Patient anglais
a été récompensée de l’Academy Award© dans la catégorie de
la Meilleure musique. En mars 2013, l’orchestre a réalisé avec
Joshua Bell son premier enregistrement chez Sony Classical –
les Symphonies N° 4 et N° 7 de Beethoven. En octobre 2014
ont paru les Concertos pour violon de Bach avec Joshua Bell.
www.asmf.org
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IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Academy of St Martin in the Fields
«Explosive, mercurial, spontaneous, totally involving»
(Classical Source, 2013)
«Brooding power, poetic sparkle, dramatic attack»
(The Times, 2014)
Die Academy of St Martin in the Fields ist bekannt für ihren
glanzvollen und edlen Klang, den sie einer außergewöhnlichen
Musikalität verdankt. Von Sir Neville Marriner 1958 aus einer
Gruppe führender Londoner Musiker gebildet, gab die Academy
im November 1959 ihr erstes Konzert in der Kirche, der sie ihren Namen verdankt. Ursprünglich von Sir Neville als Konzertmeister geleitet, bleiben der akademische Geist und die Flexibilität des ursprünglich kleinen, dirigentenlosen Ensembles das
Markenzeichen der Academy. Diese Tradition hält sich bis heute
unter der Leitung des Violinvirtuosen Joshua Bell als Music Director. Gemeinsam widmen sie sich dem symphonischen Repertoire als ‹Kammermusik im großen Maßstab›. Joshua Bell
hat seinen Vertrag als Music Director kürzlich um weitere drei
Jahre bis zum Sommer 2017 verlängert. Zu den Höhepunkten
dieser Saison gehören Londoner Konzerte und internationale
Tourneen mit dem Pianisten Jeremy Denk, dem Klarinettisten
Martin Fröst und der Geigerin Julia Fischer. Murray Perahia, Erster Gastdirigent, begleitet das Orchester im August und September auf Tournee in Europa und auf einer umfassenden Asientournee im November. Joshua Bell unternimmt diese Saison
vier Tourneen mit der Academy, nach Südamerika, in den Mittleren Osten sowie durch Europa. Zusätzlich zu den Konzerten der
Academy widmen sich die Ensemblemitglieder in ihrem Educationprogramm «Outward Sound» jungen Musikern und Musikinteressierten aller Altersgruppen. Dieses Jahr werden Workshops für Schulkinder ebenso angeboten wie professionelle
Ausbildungspartnerschaften und lebenslange Weiterbildungsmodelle, die Möglichkeiten für jedermann schaffen, mit dem
Orchester in Verbindung zu stehen und Musik zu schaffen.
Mit über 500 Aufnahmen ist die Academy das Kammerorchester mit den meisten Aufnahmen weltweit. Seine erste Goldene Schallplatte erhielt das Orchester für seine 1969 entstande30
Joshua Bell
(photo: Chris Lee)
ne Aufnahme von Vivaldis Vier Jahreszeiten. Die Aufnahme desselben Werks mit Joshua Bell erreichte 2007 den ersten Platz in
den Billboard Klassikcharts. Allein die von der Academy eingespielte Filmmusik zu Amadeus erhielt 13 Goldene Schallplatten,
und der ebenfalls von der Academy aufgenommene Soundtrack zu Der Englische Patient wurde mit dem Academy Award©
in der Kategorie «Beste Musik» ausgezeichnet. Im März 2013
brachten das Orchester und Joshua Bell unter dessen Leitung
ihre erste Aufnahme bei Sony Classical heraus – Beethovens
Symphonien N° 4 und N° 7. Im Oktober 2014 sind die Einspielungen von Bachs Violinkonzerten mit Joshua Bell erschienen.
www.asmf.org
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Joshua Bell violon, direction
Joshua Bell est l’un des violonistes les plus importants de notre
temps. Il est considéré comme «superstar de la msuique classique». En 2011, il a été nommé directeur musical de l’Academy
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of St Martin in the Fields; il est à ce poste le premier successeur de Sir Neville Marriner, qui a fondé l’orchestre en 1958. Autant à son aise en tant que soliste, musicien de chambre, musicien de studio et chef d’orchestre, Joshua Bell compte parmi
les moments forts de son été 2014 des concerts avec les orchestres d’Indianapolis et Detroit, avec le Los Angeles Philharmonic au Hollywood Bowl. Citons aussi des concerts aux festivals d’Aspen, Ravinia, Verbier, Salzbourg, Tanglewood, au Festival del Sole Napa et à Mostly Mozart, deux concerts aux côtés
du New York Philharmonic à Central Park et au Bronx’s Van
Cortland Park. Bell a débuté la saison avec le gala d’ouverture
du New York Philharmonic, des Toronto et National Symphony
Orchestra. Parmi les autres moments forts de la saison, citons
encore un récital en tournée aux États-Unis et en Europe avec
le pianiste Alessio Bax, une semaine avec le New York Philharmonic et des tournées avec l’Academy of St Martin in the
Fields. L’année 2015 a commencé par des tournées en Europe
avec l’Academy of St Martin in the Fields et le Chamber Orchestra of Europe, un récital en tournée aux États-Unis et au
Canada avec le pianiste Sam Haywood. Au début de l’année,
Bell est l’invité des Münchner Philharmoniker et de la Orquesta
Nacional de España; il jouera de la musique tchèque au Wigmore Hall de Londres dans trois concerts de musique de chambre
avec le violoncelliste Steven Isserlis et le pianiste Jeremy Denk.
Joshua Bell est en contrat d’exclusivité avec Sony Classical. Depuis son tout premier enregistrement paru chez Decca alors
qu’il n’avait que dix-huit ans, plus de 40 CDs ont été réalisés. En
octobre 2014, le chaîne de télévision américaine HBO a diffusé
un documentaire qui lui est tout spécialement consacré. Son
disque consacré à Bach avec l’Academy of St Martin in the
Fields est sorti au même moment. La sortie des productions
discographiques de Bell et de l’Academy s’est vu récompenser
par le classement des Symphonies N° 4 et N° 7 de Beethoven
en première place des Billboard Classical Charts. Parmi ses enregistrements les plus récents, il faut citer le CD «Musical Gifts
From Joshua Bell and Friends» avec Chris Botti, Kristin Chenoweth, Chick Corea, Gloria Estefan, Renée Fleming, Alison
Krauss et d’autres, les CDs «French Impressions» comprenant
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des sonates de Saint-Saëns, Ravel et Franck, «At Home With
Friends», les Quatre saisons de Vivaldi avec l’Academy of St
Martin in the Fields, le concerto de Tchaïkovski avec les Berliner
Philharmoniker, les CDs «The Red Violin Concerto», «The Essential Joshua Bell», «Voice of the Violin» et «Romance of the Violin», proclamé CD classique de l’année 2004 par Billboard.
Joshua Bell a été lui-même proclamé Artiste classique de
l’année. La critique s’est montrée unanime lors de la sortie de
ses enregistrements des concertos de Sibelius, Goldmark, Beethoven et Mendelssohn et du concerto de Nicholas Maw, qui
s’est vu décerner Grammy. Le disque «Gershwin Fantasy» s’est
vu nominer pour un Grammy, tout comme son CD Bernstein,
son CD crossover «Short Trip Home» du compositeur et virtuose de la contrebasse Edgar Meyer; l’album pour enfants «Listen
to the Storyteller», réalisé avec Wynton Marsalis et «Perpetual
Motion» de Béla Fleck ont également été couronnés par un
Grammy. Parmi les musiques de film enregistrés pour Sony
Classical et auxquelles Joshua Bell a contribué, citons surtout
Le Violon rouge, qui a reçu l’oscar de la meilleure musique de
film, la musique des Dames de Cornouaille, nominée pour un
Classical Brit, mais aussi celles d’Iris et Defiance. Joshua Bell
s’efforce d’élargir le répertoire du violon; il a ainsi présenté en
création des œuvres de compositeurs tels Nicholas Maw, John
Corigliano, Aaron Jay Kernis, Edgar Meyer, Behzad Ranjbaran et
Jay Greenberg. En outre, il interprète ses propres cadences
tant en concert qu’au disque dans les concertos du répertoire.
En 2007, un article de Gene Weingarten est paru dans le
Washington Post à propos d’une prestation incognito de Joshua
Bell dans le métro de Washington, dans lequel le journaliste interrogeait la relation entre l’art et le contexte. Weingarten reçut
à cette occasion le Prix Pulitzer, ce qui entraîna un débat à
l’échelle internationale, lequel s’est poursuivi jusqu’aujourd’hui.
Le livre pour enfants The Man With the Violin de Kathy Stinson,
illustré par Dušan Petričić et paru en septembre 2013 chez Annick
Press, y est pour quelque chose. Le public télévisuel connaît
Joshua Bell de par ses nombreuses émissions, du «Tonight
Show» dans le «CBS Sunday Morning» à «1, rue Sésame». En
2012, on a pu voir Joshua Bell dans son sixième «Live From Lin35
coln Center Presents», auquel il faut ajouter d’autres émissions
sur PBS. Il a participé deux fois à la cérémonie, diffusée à la télévision, de remise des Grammy, y a joué de la musique extraite
de Short Trip Home et de West Side Story Suite. Premier musicien classique à avoir enregistré une vidéo musicale sur VH1, il
a fait l’objet d’un documentaire BBC-Omnibus. Joshua Bell a
fait l’objet d’articles dans des publications qui vont de Strad et
Gramophone au New York Times, dans l’édition «50 Most Beautiful People» du People Magazine, USA Today, The Wall Street
Journal, GQ, Vogue, Readers Digest et d’autres. Joshua Bell a
grandi aux côtés de ses deux sœurs à Bloomington dans l’Indiana; dans son enfance, il a beaucoup joué sur ordinateur. À l’âge
de dix ans, il est arrivé à la quatrième place lors d’un tournoi de
tennis rassemblant des joueurs de tout le pays et a gardé sa raquette. À l’âge de quatre ans, il a reçu de ses parents, tous
deux médecins, son premier violon, après qu’ils eurent remarqué qu’il s’amusait à produire des sons avec des élastiques tendus sur les poignets de sa commode. Lorsqu’il eut atteint l’âge
de douze ans, la relation qui le liait à son instrument devint sérieuse, ce qu’il doit avant tout à l’inspiration insufflée par le célèbre violoniste et pédagogue Josef Gingold, qui devint son professeur et mentor. Deux ans plus tard, Joshua Bell a conquis
l’estime de tout le pays lors de débuts particulièrement applaudis en compagnie de Riccardo Muti et du Philadelphia Orchestra. Suivirent très rapidement ses débuts au Carnegie Hall, un
Avery Fisher Career Grant et un contrat discographique très important, qui lui permit de devenir une pointure dans le milieu de
la musique classique. En 1989, Joshua Bell achève ses études
de violon la Indiana University; il y enseigne de temps en
temps, dans le cadre de la Jacobs School of Music. Il s’est vu
remettre un Distinguished Alumni Service Award. En outre, il a
été déclaré «Indiana Living Legend» et a reçu l’Arts Award des
Gouverneurs von Indiana. Joshua Bell a déjà reçu plusieurs distinctions: en 2013, de la New York Chapter der Recording Academy; en 2012, de la National YoungArts Foundation; en 2011,
Joshua Bell a reçu le Paul Newman Award d’Arts Horizons et le
Huberman Award du Moment Magazine. Il a été nommée Instrumentiste de l’année 2010 par Musical America et a reçu la
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même année le Humanitarian Award de la Seton Hall University.
En 2009, il s’est vu remettre un Education Through Music; en
2008, un Academy of Achievement Award; en 2007 l’Avery
Fisher Prize et une reconnaissance de la part du forum économique mondial en tant que Young Global Leader; en 2005, il a
été reçu au Hollywood Bowl Hall of Fame. Joshua Bell est aujourd’hui membre de la commission artistique des Kennedy
Center Honors et siège au conseil d’administration du New York
Philharmonic. Il s’est produit par deux fois en présence du président Obama, a joué récemment devant le vice-président Biden et le vice-président de la République populaire de Chine Xi
Jinping. Joshua Bell joue un Huberman-Stradivarius de 1713
avec un archet français de François Tourte de la fin du 18e siècle.
www.joshuabell.com
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Joshua Bell Violine, Leitung
Joshua Bell ist einer der führenden Geiger unserer Zeit und gilt
als «Superstar der klassischen Musik». 2011 wurde er zum Music Director der Academy of St Martin in the Fields ernannt und
ist damit der erste Nachfolger von Sir Neville Marriner, der das
Orchester 1958 gegründet hatte. Gleichermaßen zuhause als
Solist, Kammermusiker, Studiomusiker und Orchesterleiter, zählt
Joshua Bell Konzerte mit den Orchestern in Indianapolis und
Detroit und mit dem Los Angeles Philharmonic in der Hollywood
Bowl zu seinen Sommer-Highlights 2014. Auftritte bei den Festivals in Aspen, Ravinia, Verbier, Salzburg, Tanglewood, beim Festival del Sole Napa und Mostly Mozart sowie zwei Konzerte mit
dem New York Philharmonic im New Yorker Central Park und
dem Bronx’s Van Cortland Park runden den Sommer ab. Bell
eröffnete die Spielzeiten in den Eröffnungsgalas des New York
Philharmonic, des Toronto und des National Symphony Orchestra. Eine Récital-Tournee in den USA und Europa mit dem Pianisten Alessio Bax, eine Woche mit dem New York Philharmonic
und Tourneen mit der Academy of St Martin in the Fields sind
nur einige Höhepunkte der Saison. Das Jahr 2015 beginnt mit
Europatourneen mit der Academy of St Martin in the Fields und
dem Chamber Orchestra of Europe sowie einer Récitaltournee
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in den USA und Kanada mit dem Pianisten Sam Haywood. Im
Frühjahr gastiert Bell unter anderem bei den Münchner Philharmonikern und dem Orquesta Nacional de Espana und gibt drei
Kammerkonzerte mit Tschechischer Musik in der Londoner
Wigmore Hall mit dem Cellisten Steven Isserlis und dem Pianisten Jeremy Denk. Joshua Bell spielt zurzeit exklusiv für Sony
Classical ein. Seit seiner ersten LP-Veröffentlichung mit achtzehn Jahren für Decca sind mehr als 40 CDs von ihm erschienen. Im Oktober 2014 strahlte HBO ein Dokumentations-Special aus. Zeitgleich erschien seine Bach-Einspielung mit der Academy of St Martin in the Fields. Die vorangegangene Veröffentlichung von Bell und der Academy mit Beethovens Symphonien
N° 4 und N° 7 startete auf Platz 1 der Billboard Classical Charts.
Zu seinen weiteren aktuelleren Einspielungen gehören Bells
Holiday-CD «Musical Gifts From Joshua Bell and Friends» mit
Chris Botti, Kristin Chenoweth, Chick Corea, Gloria Estefan,
Renée Fleming, Alison Krauss und anderen, die CDs «French
Impressions» mit Sonaten von Saint-Saëns, Ravel und Franck,
«At Home With Friends», Vivaldis Vier Jahreszeiten mit der Academy of St Martin in the Fields, das Violinkonzert von Tschaikowsky mit den Berliner Philharmonikern wie auch «The Red
Violin Concerto», «The Essential Joshua Bell», «Voice of the Violin» und «Romance of the Violin», die Billboard zur Klassik-CD
des Jahres 2004 wählte. Joshua Bell selbst wurde als klassischer Künstler des Jahres ausgezeichnet. Er erntete großes
Kritikerlob für seine Einspielung der Violinkonzerte von Sibelius
und Goldmark, Beethoven und Mendelssohn und das mit einem
Grammy ausgezeichnete Konzert von Nicholas Maw. Für einen
Grammy nominiert wurden «Gershwin Fantasy», seine Bernstein-CD sowie die Crossover-Einspielung «Short Trip Home» des
Komponisten und Kontrabass-Virtuosen Edgar Meyer; mit dem
Grammy ausgezeichnet wurden das Kinderalbum «Listen to the
Storyteller» mit Wynton Marsalis und Bela Flecks «Perpetual
Motion». Höhepunkte der Sony-Classical-Filmmusiken, auf denen Joshua Bell zu hören ist, sind The Red Violin, die einen Oscar für die beste Originalfilmmusik gewann, die für einen Classical Brit nominierte Musik zu Ladies in Lavender wie auch Iris
und Defiance. Joshua Bell ist darum bemüht, das Violinrepertoire
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zu erweitern, und hat neue Werke von Komponisten wie
Nicholas Maw, John Corigliano, Aaron Jay Kernis, Edgar Meyer,
Behzad Ranjbaran und Jay Greenberg uraufgeführt. Außerdem
spielt er seine eigenen Kadenzen zu vielen großen Violinkonzerten und nimmt diese auf. 2007 spielte Joshua Bell für einen Artikel, den Gene Weingarten für die Washington Post schrieb
und in dem er Kunst und Kontext untersuchte, inkognito vor einer U-Bahn-Station in Washington, D.C. Weingarten erhielt einen Pulitzer-Preis für den Artikel und entzündete damit eine internationale Diskussion. Diese hält bis heute an, was teilweise
dem im September 2013 veröffentlichten und bei Annick Press
erschienenen Kinderbuch The Man With the Violin von Kathy
Stinson mit Illustrationen von Dušan Petričić zu verdanken ist.
Das Fernsehpublikum kennt Joshua Bell aus zahlreichen Sendungen von der «Tonight Show» über «CBS Sunday Morning»
bis hin zur «Sesamstraße». 2012 trat Joshua Bell in seiner sechsten «Live From Lincoln Center Presents»-Sendung auf, dazu
kommen weitere Sendungen auf PBS. Er hat zweimal an der
Ausstrahlung der Grammy-Verleihung mitgewirkt und Musik aus
Short Trip Home und der West Side Story Suite gespielt. Als einer der ersten klassischen Musiker hat er ein Musikvideo auf
VH1 herausgebracht und stand im Mittelpunkt einer BBC-Omnibus-Dokumentation. Über Joshua Bell wurde in Publikationen
von Strad und Gramophone bis hin zur New York Times, in der
«50 Most Beautiful People»-Ausgabe des People Magazine, in
der USA Today, The Wall Street Journal, GQ, Vogue, Readers Digest und anderen berichtet. Joshua Bell wuchs mit seinen beiden Schwestern in Bloomington, Indiana auf und war ein begeisterter Computer-Game-Spieler. Mit zehn Jahren belegte er
den vierten Platz in einem landesweiten Tennisturnier und hat
auch heute noch immer seinen Schläger dabei. Mit vier Jahren
bekam er von seinen Eltern, beide Mediziner, die erste Violine
geschenkt, nachdem sie bemerkt hatten, dass er Gummibänder
um die Griffe seiner Kommodenschubladen gespannt hatte und
daran zupfte, um Töne zu erzeugen. Mit zwölf Jahren wurde es
ihm ernst mit dem Instrument, was vor allem der Inspiration
durch den berühmten Violinisten und Pädagogen Josef Gingold
zu verdanken ist, der sein geliebter Lehrer und Mentor wurde.
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Zwei Jahre später erregte Joshua Bell landesweit Aufsehen, als
er sein hochgelobtes Debüt mit Riccardo Muti und dem Philadelphia Orchestra gab. Bald folgten sein Debüt in der Carnegie
Hall, ein Avery Fisher Career Grant und ein beachtlicher Plattenvertrag, wodurch er eine feste Größe in der Musikwelt wurde.
1989 schloss Joshua Bell sein Violinstudium an der Indiana University ab, wo er zurzeit Dozent an der Jacobs School of Music
ist. Seine Alma Mater ehrte ihn mit einem Distinguished Alumni Service Award. Außerdem ernannte man ihn zur «Indiana Living Legend» und verlieh ihm den Arts Award des Gouverneurs
von Indiana. Joshua Bell hat bereits viele Auszeichnungen erhalten: 2013 wurde er vom New York Chapter der Recording Academy ausgezeichnet, 2012 von der National YoungArts Foundation. 2011 erhielt Joshua Bell den Paul Newman Award von Arts
Horizons und den Huberman Award des Moment Magazine. Er
war «Instrumentalkünstler des Jahres 2010» bei Musical America und erhielt im selben Jahr den Humanitarian Award der Seton Hall University. 2009 zeichnete ihn Education Through Music aus, 2008 erhielt er den Academy of Achievement Award.
2007 bekam er den Avery Fisher Prize und eine Anerkennung
des Weltwirtschaftsforums als Young Global Leader. 2005 wurde er in die Hollywood Bowl Hall of Fame aufgenommen. Heute
arbeitet Joshua Bell im künstlerischen Ausschuss der Kennedy
Center Honors und ist im Vorstand des New York Philharmonic.
Zweimal trat er vor Präsident Obama auf und spielte kürzlich
vor Vizepräsident Biden und dem Vizepräsidenten der VR China,
Xi Jinping. Joshua Bell spielt auf der Huberman-Stradivari von
1713 und benutzt einen französischen Bogen aus dem späten
18. Jahrhundert von François Tourte. www.joshuabell.com
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Lawrence Power alto
Lawrence Power compte parmi les les altistes les plus importants de sa génération. Il a été nominé pour l’Instrumentalist
Award de la Royal Philharmonic Society. Il est régulièrement invité par certains des meilleures orchestres au monde, parmi
lesquels le Chicago Symphony, le Boston Symphony, le Royal
Concertgebouw Orchestra, le Symphonieorchester des Baye42
Lawrence Power
(photo: Jack Liebeck)
rischen Rundfunks, le Royal Stockholm Philharmonic, le Bergen
Philharmonic, le Stavanger Symphony Orchestra, le Philharmonia et le BBC Scottish Symphony, ou encore le Royal Liverpool
Philharmonic. Il a joué le Concerto pour alto de Penderecki dans
le cadre d’un cycle de concerts avec la Camerata Salzburg sous
la direction du compositeur et a fait des débuts orchestraux particulièrement applaudis sur les scènes australiennes. Durant la
saison 2012/13, Lawrence Power a été artiste en résidence au43
près du Bergen Philharmonic Orchestra; il entretient des rapports étroits avec le London Philharmonic Orchestra, avec lequel il a présenté en création le Concerto pour alto de James
MacMillan sous la direction de Vladimir Jurowski. Il a en outre
joué le Concerto de Walton sous la direction de Yannick NézetSéguin et Lachrymae de Britten sous la direction de Vladimir Jurowski. Il a donné des récitals à Londres, Glasgow, Cardiff, dans
toute la Grande-Bretagne, à Stavanger, Zurich et Vienne. C’est
un ardent défenseur de la musique contemporaine: il a assuré
la création britannique des Remnants of songs d’Olga Neuwirth
aux BBC Proms 2012, la création de Wonderful Two-headed
Nightingale de Luke Bedford, la création d’Invisible Cities de
Charlotte Bray au Verbier Festival 2012. Il collabore régulièrement avec Maxim Vengerov; on pouvait récemment les entendre au Barbican Centre. Parmi ses enregistrements pour Hyperion qui ont été nominées pour le Gramophone Award, il faut citer les concertos pour alto de Bartók, Rosza, Walton et Rubbra,
les sonates de Chostakovitch et Brahms, mais aussi l’œuvre intégrale de York Bowen pour alto et piano avec Simon CrawfordPhillips. Ses trois CDs consacrés à Hindemith comptent parmi
les enregistrements de référence dans ce répertoire. Citons encore un Don Quixote de Strauss avec le Gürzenich Orchester,
On Opened Ground de Mark-Anthony Turnage avec le London
Philharmonic Orchestra, tous deux sous la direction de Markus
Stenz, le Double concerto de Britten avec Anthony Marwood
sous la direction d’Ilan Volkov, le Concerto de Vaughan Williams
avec le BBC National Orchestra of Wales sous la direction de
Martyn Brabbins. Il consacre son disque le plus récent, avec Simon Crawford-Phillips, à la musique d’Arthur Benjamin; il y joue
aussi bien de la musique pour alto que de la musique pour violon. Au début de la saison 2014/15, Power est revenu à Verbier
et aux Salzburger Festspiele; il s’est produit au Lincoln Center
avec Joshua Bell dans la Sinfonia concertante de Mozart auprès
du Mostly Mozart Festival Orchestra placé sous la direction de
David Zinman. Il a ensuite interprété en concert les concertos
de Walton, Rosza et Schnittke avec le Netherlands Radio Philharmonic, le BBC National Orchestra of Wales et le Tiroler Symphonieorchester. C’est aussi en 2014/15 qu’il fait ses débuts
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avec le Moscow State Symphony, le Brussels Philharmonic, la
Orquesta Sinfonica de Barcelona, le Luzerner Sinfonieorchester
et l’Adelaide Symphony. Lawrence Power est professeur d’alto à la Hochschule der Künste de Zürich mais aussi fondateur
et directeur artistique du West Wycombe Chamber Music Festival. Il joue l’un des altos les plus rares d’Antonio Brensi (Brenzi),
réalisé en 1610 à Bologne.
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Lawrence Power Viola
Lawrence Power zählt zu den führenden Bratschisten der Gegenwart und gehörte zur Auswahl für den Instrumentalist
Award der Royal Philharmonic Society. Er wird regelmäßig zu
einigen der weltbesten Orchester eingeladen, darunter das
Chicago Symphony, das Boston Symphony, das Royal Concertgebouw Orchestra, das Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks, das Royal Stockholm Philharmonic, das Bergen Philharmonic, das Stavanger Symphony Orchestra, das Philharmonia und das BBC Scottish Symphony sowie das Royal Liverpool Philharmonic. Er hat Pendereckis Bratschenkonzert in einer Reihe von Konzerten mit der Camerata Salzburg unter der
Leitung des Komponisten gespielt und gab zudem gefeierte Orchesterdebüts in Australien. Lawrence Power war in der Spielzeit 2012/13 Artist in Residence beim Bergen Philharmonic Orchestra und genießt eine enge Beziehung zum London Philharmonic Orchestra, mit dem er die gefeierte Uraufführung von
James MacMillans Bratschenkonzert unter Vladimir Jurowski
spielte. Er spielte zudem das Walton-Konzert unter Yannick Nézet-Séguin und Brittens Lachrymae unter Vladimir Jurowski. Er
gab Récitals in London, Glasgow, Cardiff sowie in ganz Großbritannien sowie in Stavanger, Zürich und Wien. Als eifriger Unterstützer zeitgenössischer Musik spielte er die britische Erstaufführung von Olga Neuwirths Konzert Remnants of songs
bei den BBC Proms 2012, die Uraufführung von Luke Bedfords
Wonderful Two-headed Nightingale und die Uraufführung von
Charlotte Brays Invisible Cities beim Verbier Festival 2012. Er arbeitet regelmäßig mit Maxim Vengerov zusammen, mit dem er
kürzlich im Barbican Centre zu erleben war. Zu seinen für den
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Gramophone Award nominierten Einspielungen für Hyperion
gehören die Bratschenkonzerte von Bartók, Rosza, Walton und
Rubbra, die Sonaten von Schostakowitsch und Brahms sowie
York Bowens Gesamtwerk für Bratsche und Klavier mit Simon
Crawford-Phillips. Die drei CDs seiner Hindemith-Einspielungen
zählen zu den Referenzaufnahmen dieses Repertoires. Zu seinen weiteren Einspielungen gehört Strauss’ Don Quixote mit
dem Gürzenich Orchester und Mark-Anthony Turnages On Opened Ground mit dem London Philharmonic Orchestra, beide unter Markus Stenz, das Doppelkonzert von Britten mit Anthony Marwood unter Ilan Volkov und Vaughan Williams’ Concerto
mit dem BBC National Orchestra of Wales unter Martyn Brabbins. Seine neueste Einspielung widmet sich mit Simon Crawford-Phillips der Musik von Arthur Benjamins, auf der Lawrence
sowohl Musik für Bratsche als auch für Geige spielt. Zu Beginn der Spielzeit 2014/15 kehrte Power nach Verbier und zu den
Salzburger Festspielen zurück und spielte im Lincoln Center mit
Joshua Bell Mozarts Sinfonia concertante mit dem Mostly Mozart Festival Orchestra unter David Zinman. Weiterhin spielt er
die Konzerte von Walton, Rosza und Schnittke mit dem Netherlands Radio Philharmonic, dem BBC National Orchestra of Wales und dem Tiroler Symphonieorchester. Zu seinen Orchesterdebüts 2014/15 gehören seine ersten Auftritte mit dem Moscow State Symphony, dem Brussels Philharmonic, dem Orquesta Sinfonica de Barcelona, dem Luzerner Sinfonieorchester und dem Adelaide Symphony. Lawrence Power ist Professor für Bratsche an der Hochschule der Künste in Zürich sowie
Gründer und künstlerischer Leiter des West Wycombe Chamber
Music Festivals. Er spielt eine der sehr seltenen Bratschen von
Antonio Brensi (Brenzi), gebaut um 1610 in Bologna.
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IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII GRANDS CLASSIQUES
Prochain concert du cycle «Grands classiques»
Nächstes Konzert in der Reihe «Grands classiques»
Next concert in the series «Grands classiques»
Mardi / Dienstag / Tuesday 14.04.2015 20:00
Grand Auditorium
Royal Concertgebouw Orchestra
Iván Fischer direction
Ludwig van Beethoven: Symphonien N° 3 («Eroica») & N° 4
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