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Apartamento - Haus der Kunst
Apartamento Apartamento, nach eigenen Worten ein “Einrichtungs-Magazin des Alltagslebens”, ist aus einer Buchidee des Fotografen Nacho Alegre und des Grafik-Designers Omar Sosa hervorgegangen. Statt des ursprünglich geplanten Buches schufen sie zusammen mit Chefredakteur Marco Velardi die ultimative Zeitschrift für Innenraumgestaltung des frühen einundzwanzigsten Jahrhunderts. Apartamento erzählt nicht nur von Räumen, sondern zugleich von den Persönlichkeiten und dem Lebensstil ihrer Bewohner. Apartamento versteht sich als Kontrapunkt zu strikt konsumorientierten Zeitschriften und rief eine bahnbrechende neue Ästhetik ins Leben, die bewohnt wirkenden Räumen ohne HochglanzFlair den Vorzug gibt. Zwanglose Frage-Antwort-Interviews mit jungen Kreativen, Schnappschussfotografie, überlagerte Bilder und kühne Muster prägen den Stil. Mit den bislang elf Ausgaben, die in den letzten vier Jahren erschienen sind, hat Apartamento sein eigenes familienfreundliches, subkulturelles Bohème-Utopia entworfen. Angelehnt an das Apartamento - “Stillleben”, ein seit der ersten Ausgabe regelmäßig erscheinendes Feature der Zeitschrift, zeigt die Installation alle ihre Ausgaben auf einem Sperrholzsockel zwischen Buchstützen aus schwarzem Marmor. Dieses Arrangement betont das unverkennbare Design der Zeitschriftenrücken, das Künstler und Künstlerinnen wie Tauba Auerbach, Nathalie du Pasquier oder Carl Johan De Geer entworfen haben. Alle elf Ausgaben werden gemeinsam wie ein einziges Objekt präsentiert. Den Hintergrund bildet eine Doppelseite aus Apartamento Nr. 10, die eine Arbeit von Esther Mahlangu zeigt. Die südafrikanische Ndebele Künstlerin verwendet Häuser buchstäblich als Leinwand. Malanghu’s Arbeit und das Stillleben teilen dieselbe Mischung aus Rauheit und Schliff, die für den legeren Genre-Mix von Apartamento charakteristisch ist. Apartamento, the self-described “everyday life interiors magazine,” started in Barcelona from an idea that photographer Nacho Alegre and graphic designer Omar Sosa had for a book. Instead, they — along with Milan-based editor-in-chief Marco Velardi — turned Apartamento into the ultimate shelter magazine for the early twenty-first century; one that is as much about the spaces as it is about the personalities and lifestyles of those who inhabit them. Positioning itself as a counterpoint to magazines geared toward aspirational consumption, Apartamento pioneered a trendsetting aesthetic that is decidedly lived-in and non-glossy, favoring casual Q&A-style interviews with young creatives, point-and-shoot style photography, layered images, and bold patterns. Through 11 issues over the past four years, Apartamento has perfected its own family-friendly, bohemian, countercultural utopia. In the tradition of the Apartamento “still life,” a regular feature since its inaugural issue, the installation presents all issues to date, held together with marble bookends and positioned on a plywood pedestal. It’s an arrangement that showcases the magazine’s unique spine patterns designed by featured artists like Tauba Auerbach, Nathalie du Pasquier, and Carl Johan De Geer, placing the focus on the magazine’s entire catalogue as a singular object. The backdrop is a spread from Apartamento No. 10, showing the work of Esther Mahlangu, a South African Nbedele artist for whom houses are a literal canvas. Both Mahlangu’s work and the still life represent the mixture of rawness and polish that is characteristic of Apartamento’s casual blend of genres. Cover Apartamento Nr. 4, Herbst/ Winter 2009 Cover Apartamento Issue No. 4, Fall Winter 2009 Gemälde von Grillo Demo Painting by Grillo Demo Seitenzahl200 Page count 200 Erste Ausgabe 2008 First issue 2008 Gründer Nacho Alegre, Omar Sosa Founders Nacho Alegre, Omar Sosa ErscheinungsortBarcelona,SPANIEN Location Barcelona, Spain Ausgaben bis heute Total issues to date 11 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage48.000 Circulation48,000 Druck Agpograf S.A, Barcelona, SPANIEN Printer Agpograf S.A, Barcelona, Spain Auszeichnung D& AD, 2010 Awards D& AD, 2010 Herausgeber Nacho Alegre,Omar Sosa Directors Omar Sosa, Nacho Alegre Art Director Omar Sosa Art Director Omar Sosa Creative Director Nacho Alegre Creative Director Nacho Alegre Chefredakteur Marco Velardi Editor-in-chief Marco Velardi Betriebsleiter Victor Abell án Chief of Operations Officer Victor Abell án Redaktionsassistent Robbie Whitehead Editorial Assistant Robbie Whitehead Assistentin der Geschäftsleitung Varda Sokolowicz Executive Assistant Varda Sokolowicz www.apartamentomagazine.com 11 032c 032c von Jörg Koch und Sandra von Mayer-Myrtenhain ist aus einer Werbebeilage für einen Berliner Projektraum mit Website hervorgegangen. Das Magazin hat dieses Stadium zwar längst hinter sich gelassen, doch es funktioniert noch immer als kulturelles Wahrzeichen der Stadt. Nach vielen Umzügen in Berlin-Mitte ist seine Redaktion heute in einem der interessantesten zeitgenössischen Gebäude Berlins untergebracht, das Arno Brandlhuber gestaltet hat. Dort veranstaltet das Team von 032c regelmäßig Ausstellungen und Bar-Nächte. Die zweimal jährlich erscheinende Mode-, Kunst- und Kulturzeitschrift, die bislang in 24 Ausgaben vorliegt, wurde eine der markantesten und angesehendsten unabhängigen Publikationen des letzten Jahrzehnts, sowohl durch ihr Design als auch durch ihren Inhalt. Mit Beiträgen von Künstlerinnen und Künstlern wie Anselm Reyle und Helen Marten, Interventionen des Architekten Rem Koolhaas, Portfolios über Modeschöpfer wie Rei Kawakubo und Nicolas Gesqhière, und Interviews mit Autoren und Intellektuellen wie Eric Hobsbawm und William T. Vollmann ist 032c durch und durch international geworden. Dabei hat es jedoch sein Berliner Flair behalten und spiegelt die wachsende kulturelle Bedeutung der deutschen Hauptstadt in den letzten zehn Jahren. 032c präsentiert eine Originalausgabe von “What We Believe” (WWB), einem wiederkehrenden Feature, das in Nr. 22 ins Leben gerufen wurde und seitdem zu einem umfassenden persönlichen Manifest anwächst. Ein solches explizit programmatisches Unternehmen ist in kulturellen Halbjahreszeitschriften noch immer eine Seltenheit. Ausgestellt sind Objekte, die 032c mit einer Vielzahl von Mitwirkenden zusammengetragen hat, und die den synkretistischen Ansatz der Zeitschrift spiegeln: eine Spezial-Ausgabe von 2008, die in Zusammenarbeit mit dem Haus der Kunst entstanden ist; eine 032c Video-Collage, ein Teppich des Künstlers Roy Lichtenstein, und einTisch, den der deutsche Industriedesigner Konstantin Grcic eigens für 032c angefertigt hat. Grcic arbeitet oft mit 032c zusammen und hat für die Redaktionsräume in Berlin-Mitte eine acht Meter große Vitrine entworfen, die als Herzstück der hauseigenen Ausstellungen dient. The creation of Jörg Koch and Sandra von Mayer-Myrtenhain, 032c began as an advertisement and supplement for a Berlin-based project space and website. Although the resulting print product has eclipsed both of these, 032c still functions as a local cultural landmark: After many Berlin-Mitte iterations, its offices are now located in one of the city’s most notable contemporary buildings, designed by Arno Brandlhuber, where the 032c team regularly hosts exhibitions and bar nights. Now in its 24th issue, the twice-annual fashion, art, and culture magazine has become one of the most definitive and well-regarded independent publications of the past decade in terms of both design and content. Featuring contributions by artists like Anselm Reyle and Helen Marten, interventions by architect Rem Koolhaas, portfolios on fashion designers such as Rei Kawakubo and Nicolas Ghesquière, and interviews with writers and academics including Eric Hobsbawm and William T. Vollmann, 032c has become thoroughly international while maintaining an unmistakable Berlin flavor. It acts as a black mirror to the growing cultural significance of the German capital over the past ten years. 032c presents an original edition of “What We Believe” (WWB), a recurring feature that started in issue 22 and cumulatively expounds a comprehensive personal manifesto — an explicit ideological enterprise still rare in the realm of the culture biannual. On display are a collection of objects conceived of by 032c and a variety of contributors, reflecting 032c’s syncretist approach, which engages a range of activities beyond publishing. Among the objects is a table that German industrial designer Konstantin Grcic custom-produced for the magazine. Grcic is a frequent collaborator who also designed an eightmeter vitrine for the magazine’s space in Berlin-Mitte, which serves as the centerpiece for 032c’s inhouse exhibitions. Cover 032c Nr. 24, Sommer 2013 Charlotte Gainsbourg und Nicolas Cover 032c Issue No. 24, Summer 2013 Ghesquière. Fotografie: Karim Sadli; Styling: Marie-Amélie Sauvé Charlotte Gainsbourg and Nicolas Ghesquière. Seitenzahl262 Photography by Karim Sadli, Fashion by Marie-Amélie Sauvé Konstantin Grcic, DIANA Beistelltisch (2008); Beistelltisch aus Stahlblech, pulverbeschichtet mit Fein- Page count 262 struktur. ClassiCon Spezialedition von 8 für 032c Workshop. 032c Workshop, 032c, Ausgabe 15, “Haus der Konstantin Grcic, DIANA side table (2008); Sheet metal with polychromatic finish. Special edition of Kunst”; Sommer 2008. Roy Lichtenstein, Teppich (1989); Bedrucktes und getuftetes Velours. Spezial Design 8 for 032c Work shop by ClassiCon. 032c Workshop, 032c, issue 15, “Haus der Kunst”; Summer 2008 Roy für Vorwerk & Co.Teppichwerke Lichtenstein, Carpeting (1989); Printed nylon. Special design for Vorwerk & Co. Erste Ausgabe 2000 First issue 2000 Gründer Jörg Koch, Sandra von Mayer-Myrtenhain Founders Joerg Koch, Sandra von Mayer-Myrtenhain Erscheinungsort Berlin, deutschland Location Berlin, Germany Ausgaben bis heute 24 Total issues to date 24 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage55.000 Circulation55,000 Druck Optimal Media GmbH, Röbel, DEUTSCHLAND Printer Optimal Media GmbH, Röbel, Germany Herausgeber und Creative Director Jörg Koch Editor and Creative Director Joerg Koch Art Director Mike Meiré Art Director Mike Meiré Design Tim Giesen Designer Tim Giesen Fashion editormel ottenberg Fashion Editor Mel Ottenberg Geschäftsführerin Sandra von Mayer-Myrtenhain Managing Director Sandra von Mayer-Myrtenhain Korrespondent Carson Chan Editor-at-large Carson Chan Redaktion Victoria Camblin Editor Victoria Camblin Geschäftsführender Direktor Matthew Evans Managing Editor Matthew Evans Mitwirkende Redakteure Pierre-Alexandre de Looz, Payam Sharifi, Hans Ulrich Obrist Contributing Editors Pierre-Alexandre de Looz, Payam Sharifi, Hans Ulrich Obrist Redaktionsassistenz Paul Feigelfeld Assistant Editor Paul Feigelfeld Leiter digitale Dienste Uli Schöberl Director Digital Services Uli Schöberl Büromanagement Anke-Katharina Klotz Office Management Anke-Katharina Klotz www.032c.com Bidoun Die zweimal jährlich erscheinende Zeitschrift Bidoun wurde 2004 von der iranisch-amerikanischen Publizistin Lisa Farjam gegründet und reagiert auf ein Defizit der westlichen Medienberichterstattung, indem sie sich auf Kunst und Kultur aus Nahost konzentriert. Von ihrem Redaktionssitz in New York aus regt die Zeitschrift Gemeinschaftsprojekte an, die die Grenzen dieser kulturell dynamischen und politisch aufgeladenen Weltregion umgeht, ignoriert oder überschreitet und bietet einer globalen Diaspora eine Plattform für kulturelle und künstlerische Produktion und Austausch. Die Bidoun Identität erreicht nicht nur die Leserschaft einer Zeitschrift, sondern funktioniert auch als Studiengruppe, als Gemeinschaft und konkret als Sammlung von Literatur und Recherchen aus allen Teilen der Welt, die als “Bidoun-Bibliothek” zusammengetragen werden. Bidoun hat mit mehreren unterschiedlichen unabhängigen Publikationsmodellen experimentiert. Ursprünglich wurde das Magazin von einem einzelnen Förderer unterstützt, später entwickelte es sich zu einem gemeinnützigen Unternehmen, wovon die Zeitschrift nur einen Teil darstellt. Die Präsentation von Bidoun zeigt eine Auswahl von Büchern aus der Bidoun-Bibliothek sowie verschiedene Objekte, die dem Team in den vergangenen Jahren aufgefallen sind und die sich alle auf das Konzept und die Konzeptualisierung des Nahen Ostens beziehen. Über dem Namen der Zeitschrift in arabischen und in lateinischen Buchstaben hängt das Buch The Complete Idiot’s Guide to Middle East Conflict, eine Anspielung auf die Komplexität des Nahen Ostens sowohl als geopolitische Region als auch als westliche Idee einer kulturellen Identität. In amüsanter Pose steht bedeutungschwanger eine Ziege in Ugg-Boots in einer ausgedehnten Wüstenlandschaft. Sie gehört zu einer Serie aus der 28. Ausgabe von Bidoun, in der statt traditioneller Porträtbilder, ausgestopfte Tiere in verschiedenen menschlichen Outfits verwendet wurden. A biannual magazine founded in 2004 by Iranian-American Lisa Farjam, Bidoun responds to an aspect underrepresented in Western media coverage by focusing on art and culture in and from the Middle East. With its main office based in New York, Bidoun encourages collaborations that evade, ignore, or surpass the borders of the culturally dynamic yet politically charged region, offering a platform for cultural and artistic production and exchange to a global diaspora. Bidoun not only reaches a magazine readership but also functions as a study group, a community, and, concretely, a collection of literature and research culled from the four corners of the world and brought together as the Bidoun Library. Bidoun has experimented with several different independent publishing models, initially operating with the support of a single patron and evolving into a nonprofit organization of which the print magazine is just one part. Along the wall of its “big magazine,” Bidoun presents a selection of books from the Bidoun Library, as well as various objects the team has come across over the past nine years that relate to the concept and conceptualization of the Middle East. “The Complete Idiot’s Guide to Middle East Conflict,” ( Mitchell Geoffrey Bard, ALPHA, 2008 ) is suspended above the magazine’s title ( spelled out in both Arabic and Roman letters) — a nod to the complicated nature of the Middle East as both a geopolitical and a Western cultural notion. At once humorously random and suggestively open to interpretation, a goat wearing Ugg boots stands on top of an encroaching desert landscape. It is part of a series from issue No. 28, in which taxidermy animals wearing a variety of human outfits were used in lieu of traditional portraiture. Cover Bidoun, Nr. 28, Frühjahr 2013 Cover Bidoun Issue No. 28, Spring 2013 Animal Planet. Fotografie: Boru O’Brien O’Connell; Animal Planet, Photograph by Boru O’Brien O’Connell, Konzeption: Babak Radboy; Styling: Avena Gallagher Concept by Babak Radboy, Styling by Avena Gallagher Seitenzahl 168 Page count 168 Erste Ausgabe 2004 First issue 2004 Letzte Ausgabe 2013 L ast issue 2013 Gründerin Lisa Farjam Founder Lisa Farjam Erscheinungsort New York, USA Location New York, USA Ausgaben insgesamt 28 Total issues 28 Erscheinungsweisevierteljährlich Publishing schedule Quarterly — 10.000 Auflage5.000 — 10.000 Circulation5.000 Druck The Prolific Group, Winnipeg, Kanada Printer The Prolific Group, Winnipeg, Canada Auszeichnung UTNE Independent Press, 2009 Awards UTNE Independent Press, 2009 Gründungsverlegerin Lisa Farjam Founding Editor Lisa Farjam Chefdedakteure Negar Azimi, Michael C. Vazquez Senior Editors Negar Azimi, Michael C. Vazquez Creative Director Babak Radboy Creative Director Babak Radboy Art Direction Rumors (Andy Pressman) Art Direction Rumors (Andy Pressman) Büro und Vertrieb Ben Tear Office and Distribution Manager Ben Tear Sonderprojekte Tiffany Malakooti Special Projects Tiffany Malakooti Redaktion Kaelen Wilson-Goldie, Shumon Basar, Yasmine El Rashidi, Contributing Editors Kaelen Wilson-Goldie, Shumon Basar, Yasmine El Rashidi, Sohrab Mohebbi, Sophia Al-Maria, Alexander Provan Sohrab Mohebbi, Sophia Al-Maria, Alexander Provan www.bidoun.org BUTT BUTT wurde 2001 von den Niederländern Jop van Bennekom und Gert Jonkers gegründet. BUTT ist ein unkonventionelles Magazin für — in eigenen Worten — “überzeugte Homosexualisten”, deren Welt gleichermaßen von Authentizität und Utopismus geprägt ist. Die Zeitschrift reagiert auf schwule Stereotypen von Schönheit und Lifestyle, wie sie seit der Jahrtausendwende in der Mainstream-Kultur propagiert und domestiziert werden. Auf radikale Weise räumt BUTT allen homosexuellen Männern einen Platz ein, unabhängig von Neigungen, Körpertyp und Persönlichkeit. Porträtiert wurden u.a. der Filmemacher John Waters, die Modedesigner Viktor & Rolf, eine Kleinfamilie schwuler “Bären” aus einem Vorort von Dallas, ein junger Mann mit einem Fetisch für stinkende Socken und Trash Gunther, ein gut gelaunter Siebzigjähriger aus Amsterdam, der freudig in einem Müllhaufen lebt. Statt offen politisch zu sein, umgeht BUTT mit Absicht die naheliegenden Schwulenrechtsdebatten und entwirft stattdessen eine Welt, in denen der Kampf für Gleichheit und gegen Diskriminierung zwar noch vorkommt, aber weitgehend gewonnen ist. Ironischerweise sind die konträre Haltung und die Ästhetik von BUTT — einschließlich des unverkennbaren rosafarbenen Druckpapiers — ihrerseits in gewisser Weise omnipräsent geworden und haben unzählige Nachahmer gefunden. Obwohl BUTT 2011 beschlossen hat, seinen Schwerpunkt auf eine Online-Publikation zu verlegen, ist auch noch bei vielen der späteren Titel der alte Geist des Zeitschriftmachens zu spüren. Die Installation von BUTT konzentriert sich auf seine heutigen Aktivitäten und auf seine Identität nach dem Übergang ins Internet, wie etwa den CLUB BUTT, das Online-Forum des Magazins mit über 13,890 aktiven Mitgliedern. An der Wand sieht man die 24 ‘BUTTHEADS’, die 2014 im Jahreskalender von BUTT abgebildet werden sollen. Daneben ist der BUTT-Jockstrap ausgestellt, der kürzlich zusammen mit Adidas entworfen wurde. Trotz seiner oft explizit sexuellen Inhalte haben über die Jahre hinweg einige (wenige) große Firmen mit BUTT zusammengearbeitet. Obwohl es die Zeitschrift als Printmedium nicht mehr gibt, bleibt die Liebe zum Gedruckten bestehen: Neben den erwähnten Kalendern entstehen Flyer für internationale Veranstaltungen und neuerdings auch das ebenfalls ausgestellte Mini-BUTT, eine 48-seitige Ausgabe des Magazins im Taschenformat, die im Juni diesen Jahres erschienen ist. Founded in 2001 by Dutchmen Jop van Bennekom and Gert Jonkers, BUTT is an unconventional magazine for, in its own words, “dedicated homosexualists” whose world projects authenticity and utopianism in equal measure. Conceived in reaction to gay male stereotypes of beauty and lifestyle that were starting to be propagated and domesticated in mainstream culture at the turn of the millennium, BUTT radically embraced homosexual men with a diverse range of proclivities, body types, and personalities. These included filmmaker John Waters, fashion designers Viktor & Rolf, a nuclear gay “bear” family in suburban Dallas, a young man with a sock-smelling fetish, and Trash Gunther, a jolly septuagenarian from Amsterdam who enjoys living in a pile of rubbish. Rather than being openly political, BUTT intentionally sidesteps obvious gay rights debates, instead suggesting a world in which struggles of equality and discrimination are assumed but mostly overcome. In an ironic twist, BUTT’s counterpoint aesthetic, including its signature pink paper, have become somewhat ubiquitous themselves, spawning countless imitators. Although in 2011 BUTT decided to transition its focus to its online platform, many of these new titles successfully carry forward the original’s print-loving spirit. BUTT’s installation focuses on its current activities and identity after its “post-print” transition, such as CLUB BUTT, the magazine’s online community, which has more than 13,890 active members. On the wall are 24 BUTTHEADS, who will be featured in the 2014 edition of BUTT’s yearly calendar. Alongside this is the BUTT jockstrap, a recent collaboration with Adidas, one of a handful of major companies that have worked closely with the magazine over the years, despite its often graphic content. Although BUTT is no longer produced in its original format, it continues its love affair with print through its aforementioned calendars, flyers for international events, and most recently, the Mini-BUTT, a 48-page, pocket-size version of the magazine published in June of this year, which is also on display. Cover BUTT Nr. 29, Herbst/ Winter 2011 Cover BUTT Issue No. 29, Autumn Winter 2011 Karl (Cover 1 von 2), Fotografie: Wolfgang Tillmans Karl (cover 1 of 2), Photograph by Wolfgang Tillmans Seitenzahl 144 Page count 144 Erste Ausgabe 2001 First issue 2001 Letzte Ausgabe 2011 L ast issue 2011 Gründer Jop van Bennekom, Gert Jonkers Founders Jop van Bennekom, Gert Jonkers Erscheinungsort Amsterdam, Niederlande und London, vereinigtes königreich Location Amsterdam, The Netherlands and London, UK Ausgaben insgesamt 29 Total issues 29 Erscheinungsweisezwei- bis viermal jährlich Publishing schedule 2 — 4 issues per year Auflage24.000 Circulation24,000 Druck Die Keure, Brügge, belgien Printer Die Keure, Brugge, Belgium Online-Redaktion Danny Calvi Online Editor Danny Calvi Web Designer Denny Backhaus Web Designer Denny Backhaus www.buttmagazine.com Candy Candy beschwört die Macht von Verlangen, Spiel, Androgynität und Berühmtheit und fordert die Tabus heraus, die üblicherweise mit Crossdressing, Transvestitismus und Transsexualität verbunden sind. Die dritte Veröffentlichung von Luis Venegas, dem Nischenpublikations-Ass aus Madrid, der auch hinter den Kultmagazinen Fanzine137 und EY! Magateen steht, beschreibt sich selbst als das “erste transversale Style-Magazin”. Es beleuchtet vergessene Geschichten über die historischen Kämpfe von Transgender-Persönlichkeiten und feiert zugleich das Spektakel und den Spaß am Verkleiden. Geschichten aus dem wirklichen Leben und Glamour-Fotos von Models und Celebrities (wie Tilda Swinton) stehen nebeneinander; das Super-Hochglanzmagazin stellt spielerisch Normen der Geschlechtsdentität in Frage und singt ein Loblied auf die Vielfalt, auf Individualität und Phantasie. Der übertourte Glitter einer Hollywood-Ästhetik dient als eine Art Meta-Verkleidung einer Trans-Identität, die der Mainstream längst schon zu imitieren versucht. Eindeutig ein Nischenverleger und zutiefst subversiv, orientiert sich Venegas stilistisch und mit seinem hohen Produktionsaufwand doch zugleich an den auflagenstarken Modebibeln wie Vogue oder Harper’s Bazaar und macht Candy zur ersten unabhängigen ‘Zeitschrift im Fummel’. Zusammen mit jeder Ausgabe von Candy produziert Luis Venegas Kurzfilme über die glamourösen Themen der jeweiligen Nummer. Unter den Darstellerinnen und Darstellern waren Schauspielerinnen in Männerkleidern (Chlöe Sevigny), die Drag-Queen Connie Fleming als First Lady Michelle Obama und der Hollywood-Schwarm James Franco, der im Kleid und stark geschminkt auf dem Cover von Candy Nr.2 posierte; er sah die Ausgabe zum ersten Mal in der Ellen Degeneres Show, der ersten VorabendTalkshow im amerikanischen Fernsehen mit einer offen lesbischen Moderatorin. Die Videos haben ebenso wie die Zeitschrift den Ehrgeiz, auf Trans-Kultur aufmerksam zu machen und sie in die Popkultur zurückzuführen, der sie ursprünglich entstammt. Der Hintergrund zeigt Filmstars wie Johnny Depp, Dustin Hoffman und Arnold Schwarzenegger, die in Erfolgsfilmen wie Before Night Falls ( 2000 ) , Tootsie (1982) und Junior (1994) Frauenkleider tragen. Enlisting the power of desire, play, androgyny, and celebrity, Candy challenges the taboos usually associated with cross-dressing, transvestism, and transsexualism. The third publication by Luis Venegas, the Madrid-based niche-publishing whiz who is also behind the cult magazines Fanzine137 and EY! Magateen, Candy describes itself as “the first transversal style magazine.” It sheds light on forgotten stories of the historical struggles of transgendered figures while also embracing the spectacle and fun of dressing up. Mixing real-life stories with cross-dressing glamour shots of fashion models and celebrities (like Tilda Swinton), the super-glossy magazine playfully questions normative conceptions of gender identity through a celebration of diversity, individuality, and fantasy, meta-coating trans in an über-glossy Hollywood aesthetic that mainstream culture seeks to emulate. Unmistakably niche and subversive in spirit, Candy nonetheless takes its style cues, as well as its high-production value, from high-circulation fashion bibles like Vogue or Harper’s Bazaar, making Candy an independent magazine dressed in drag. Alongside every issue of Candy, Venegas produces short films that feature the magazine’s glamorous subject matter. Protagonists include actresses dressed in male drag (Chlöe Sevigny), the drag queen Connie Fleming dressed as United States First Lady Michelle Obama, and Hollywood heartthrob James Franco — who posed in a dress and full make-up on the cover of Candy No. 2 — seeing the issue for the first time on The Ellen Degeneres Show, the first daytime television talk-show to debut with an openly lesbian host. The videos align with the magazine’s ambition to put trans culture in the spotlight, transporting it back into the popular culture from which it was distilled. The backdrop features male movie stars, such as Johnny Depp, Dustin Hoffman, and Arnold Schwarzenegger cross-dressing in box-office hits such as Before Night Falls (2000), Tootsie (1982), and Junior (1994). Cover Candy Nr. 2, Winter 2010/11 Cover Candy Issue No. 2, Winter 2010/11 James Franco in drag, Fotografie: Terry Richardson James Franco in drag, Photograph by Terry Richardson Seitenzahl 337 Page count 337 Erste Ausgabe 2009 First issue 2009 Gründer Luis Venegas Founder Luis Venegas Erscheinungsort Madrid, SPANIEN Location Madrid, Spain Ausgaben bis heute 6 Total issues to date 6 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage 1.500 Circulation 1,500 Druck CA Gráfica, Vigo, spanien Printer CA Gráfica, Vigo, Spain Redakteur, Creative Director Editor, Creative Director, und Herausgeber Luis Venegas and Publisher Luis Venegas Grafik-Design Sergio Ibañez (Setanta, Barcelona) Graphic Design Sergio Ibañez (Setanta, Barcelona) www.byluisvenegas.com/zines /candy Encens Die Pariser Zeitschrift Encens wurde 2001 von Samuel Drira und Sybille Walter gegründet. Encens ist ein hochwertiges Modemagazin, das einen eleganten Kontrast zu den Massen an Publikationen darstellt, die sich an Trendzyklen orientieren und immer topaktuell sein müssen. Statt dem Neuen, dem Jetzigen, dem Jungen, dem Hippen hinterherzuhetzen, bewahrt Encens stolz das Erbe der Mode und der Persönlichkeiten, die sie im Laufe der letzten hundert Jahre geprägt haben. Das Ergebnis ist ein stringent gestalteter, alternativer Modediskurs, der die Industrie als kontinuierliches historisches Spielfeld betrachtet und diese verlegerische Sichtweise auf Medien, Styling und Fotografie überträgt. Obwohl Drira und Walter in den letzten elf Jahren über 28 Ausgaben von Encens publiziert haben, fand ihre kompromisslose Vision und Ästhetik erst in letzter Zeit ein breiteres Publikum. Founded in 2001 by Samuel Drira and Sybille Walter, the Paris-based Encens is a high-quality fashion magazine conceived of as an elegant counterpoint to the mass of publications preoccupied with trend cycles and remaining on the “cutting edge.” Rather than obsessing over the new, the now, the young, and the hip, Encens takes pride in the legacy of fashion and the characters who have played a part in it over the past century. The result is a tightly curated, alternative fashion discourse that treats the industry as a continuous historical playing field and applies this editorial perspective to media, styling, and photography. Although Drira and Walter have published more than 28 issues over the past eleven years, only recently has their uncompromising vision and aesthetic has caught on with a wider audience. Die Frontseite der Installation zeigt das Cover von Encens Nr. 0, das als erste Nummer von Encens gilt. Diese Ausgabe ist in nur drei Exemplaren erschienen und ist damit wahrscheinlich die kleinste Auflage einer offiziellen Zeitschrift überhaupt. Ebenfalls ausgestellt sind unveröffentlichte Fotografien von Sybille Walter und Axl Jansen, ein Parfum (die Verkörperung von encens, Weihrauch) und eine Auswahl früherer Publikationen. Begleitet wird die Präsentation von “Mon Morceau”, einem Soundtrack aus Musikstücken, die bei früheren Ausstellungen liefen. Die Sammlung von Gegenständen bildet eine Art Retrospektive, die illustriert, wie Encens in Format und Design eine Balance zwischen Magazin und Objekt hält. The front of the installation displays the cover of Encens No. 0, officially the magazine’s first issue despite the fact that only three copies were produced, making it possibly the smallest print run of any official magazine ever. Although the issue was never distributed, it served as a manifesto of the founders‘ editorial intentions. Also on display are unpublished photographs by Sybille Walter and Axl Jansen, a perfume (the embodiment of “encens,” or incense), and a selection of past publications, accompanied by “Mon Morceau,” a soundtrack composed of tracks from previous exhibitions. The collection of items forms a sort-of retrospective that illuminates Encens’s ability to waver their format and design between magazine and object. Cover Cover Encens Issue No. 0, 2000 Seitenzahl50 Page count 50 Fotografie (links): Axl Jansen, Untitled (2012); Photograph (left): Axl Jansen, Untitled (2012); Fotografie (rechts): Sybille Walter, Asia (2007); Photograph (right): Sybille Walter, Asia (2007); Soundtrack: Mon Morceau; Mastering: Sybille Walter Soundtrack: Mon Morceau, mastered by Sybille Walter Erste Ausgabe 2000 First issue 2000 Gründer Samuel Drira und Sybille Walter Founders Samuel Drira and Sybille Walter Erscheinungsort Paris, FRANKREICH Location Paris, France Ausgaben bis heute 29 Total issues to date 29 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage 10.000 Circulation 10,000 Druck SNEL, Lüttich, BELGIEN Printer SNEL, Liège, Belgium Encens Nr. 0, 2000 Moderedakteur und Herausgeber Fashion Editor Samuel Drira Creative Director und Herausgeberin www.encensmagazine.com and Publisher Samuel Drira Creative Director Sybille Walter and Publisher Sybille Walter EY! Magateen EY! Magateen ist eine Jahreszeitschrift, die Luis Venegas gegründet hat und einen unmissverständlich homoerotischen Jugendkult feiert. EY! steht für Electric Youth, eine Anspielung auf Debbie Gibsons gleichnamige Teenager-Hymne aus den 1980er-Jahren. Jede Ausgabe wird von einem einzigen Fotografen gestaltet und zeigt (hauptsächlich) junge Männer aus einem bestimmten Land, z.B. Brasilien, Spanien oder Deutschland, oder aus einer bestimmten Stadt wie Los Angeles. Mit EY! hat Venegas den Teenagerwahn der mittleren 2000er-Jahre zu einem Boulevard-Kitschpaket geschnürt, dessen sexuell aufgeladene Unschuld — zugleich Feier und Parodie des allgegenwärtigen Jugendfetischs — provokant, komisch und unterhaltsam ist. EY! zeigt Video-Teaser für jede Ausgabe der Zeitschrift. Sie verbinden Making-ofs von Fotosessions mit Techno-Soundtracks und farbenfrohen Effekten und zeichnen ein durchaus schlüpfriges Porträt männlicher Jugend — mit einer großen Dosis Teenagerpeinlichkeit. Die Wandcollage zeigt Kira Bunses Fotografien von Teenagern aus der Deutschland-Nummer von EY!; die Wand ist der Schlafzimmerdekoration eines Halbwüchsigen nachempfunden. EY! Magateen is an annual magazine founded by Luis Venegas. EY! — short for Electric Youth, a reference to singer Debbie Gibson’s 1980s teenage anthem of the same name — takes an obsession with youth to unapologetically homoerotic extremes. Each issue is produced by a sole photographer and showcases ( mostly ) boys from a single country such as Brazil, Spain, Germany, or specific cities like Los Angeles. With EY!, Venegas packages mid-naughties teen mania into a tabloid-kitsch package whose sexually charged innocence is brow-raising, comedic, and enjoyable — both an indulgence and parody of society’s fetishization of youth. Here EY! presents a series of video teasers from each of its issues, which combine behind-the-scenes footage from photo shoots, techno soundtracks, and colorful effects that together present a salacious portrait of young male adulthood with a healthy dose of teenage awkwardness. The wall collage displays Kira Bunse’s photographs of teenage boys from EY!’s Germany issue, hung in a way that is reminiscent of a teenager’s bedroom. Cover EY! Magateen Nr. 7, 2011 Cover EY! Magateen, Issue 7, 2011 Marlon Teixeira (Wilhelmina Models), Marlon Teixeira (Wilhelmina Models), Fotografie: Marcelo Krasilcic Photograph by Marcelo Krasilcic Seitenzahl 124 Page count 124 Erste Ausgabe 2008 First issue 2008 Gründer Luis Venegas Founder Luis Venegas Erscheinungsort Madrid, spanien Location Madrid, Spain Ausgaben bis heute 8 Total issues to date 8 Erscheinungsweisejährlich Publishing schedule Annual Auflage 1.000 Circulation 1,000 Druck CA Gráfica, Vigo, spanien Printer CA Gráfica, Vigo, Spain Redakteur, Creative Director Editor, Creative Director, und Herausgeber Luis Venegas and Publisher Luis Venegas Grafic-Design Sergio Ibañez (Setanta, Barcelona) Graphic Design Sergio Ibañez (Setanta, Barcelona) www.byluisvenegas.com/zines /ey-magateen Fantastic Man Fantastic Man wurde Mitte der 2000er-Jahre gegründet, als der Begriff ‘metrosexuell’ längst schon zum Medienkalauer verkommen war. Während Männermagazine des Mainstreams eine regel- und konsumbasierte, jugendbesessene Vorstellung von Stil verbreiteten, schlugen Gert Jonkers und Jop van Bennekom — auch die Verleger von BUTT — eine positive Alternative vor. Mehr gestaltungs- als produktbezogen, feiert Fantastic Man die Exzentrizitäten eines radikal individuellen Stils und stellt freiheitliches Urteilsvermögen über Geschmackskonformismus: Kleider und Accessoires ergänzen eine Persönlichkeit statt sie zu definieren. Wie BUTT setzt auch Fantastic Man sein Konzept inhaltlich und formal derart präzise um, dass sein Stil und seine Ideen bereits in den Mainstream eingesickert sind und Massenmedien beeinflusst haben, gleichzeitig jedoch auch eine ganze Welle kleinerer Publikationen und Blogs ausgelöst haben. Mit einer ausgewogenen Präsentation, die sich auf die Macher und Inspirationen des Magazins konzentriert, enthält die Installation die Essenz des verlegerischen Ansatzes von Fantastic Man. Die Innenseite zeigt 56 Persönlichkeiten, die in früheren Ausgaben vorgestellt wurden, z.B. den Schauspieler Rupert Everett, den Landschaftsarchitekten Piet Oudolf, den Balletttänzer Roberto Bolle oder den Künstler Jeremy Deller, der auch auf dem Cover der aktuellen Ausgabe abgebildet ist. Dazu sind in einer klassischen Vitrine alle 17 bislang erschienenen Ausgaben von Fantastic Man ausgestellt; das Display zeichnet sich durch eine ebensolche Balance aus wie das einflussreiche Design der Zeitschrift selbst. Fantastic Man launched in the mid-naughties, a time when the term “metrosexual” had already become a running media joke. While mainstream men’s magazines prescribed a mostly rule-based, consumption-oriented, and youth-obsessed approach to style, Gert Jonkers and Jop van Bennekom — the makers of BUTT — proposed a progressive counterpoint. Decidedly less product- and more Gestalt-driven, and always celebratory of the eccentricities inherent to a truly personal style, Fantastic Man emphasizes liberated discernment over tasteful conformity, a world of fashion with a lower-case “f,” where clothes and accessories complement, but never define, a personality. Like BUTT, the concept is so precisely executed in both content and form that its style and ideas have trickled upstream, influencing mass media, while also inspiring a wave of smaller publications and blogs. Fantastic Man’s installation reflects the essence of its editorial approach, with an elegant presentation that focuses on the personalities that are the backbone of the magazine. The inside spread is lined with 56 personalities featured in previous issues, such as the actor Rupert Everett, landscape architect Piet Oudolf, ballet dancer Roberto Bolle, and the artist Jeremy Deller, who also appears on the currents issue’s cover. In addition, all of Fantastic Man’s 17 issues to date are displayed within a classic vitrine with the same poise that defines the magazine’s influential design. Cover Fantastic Man Nr. 17, Frühjahr /Sommer 2013 Cover Fantastic Man Issue No. 17, Spring Summer 2013 Jeremy Deller, Fotografie: Alasdair McLellan Jeremy Deller, Photograph by Alasdair McLellan Seitenzahl250 Page count 250 Erste Ausgabe 2005 First issue 2005 Gründer Gert Jonkers, Jop van Bennekom Founders Gert Jonkers, Jop van Bennekom Erscheinungsort Amsterdam, niederlande und London, vereinigtes königreich Location Amsterdam, the Netherlands and London, United Kingdom Ausgaben bis heute 17 Total issues to date 17 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage82.000 Circulation82,000 Druck Die Keure, Brügge, belgien Printer Die Keure, Bruges, Belgium Auszeichnung D&AD, 2008 Awards D& AD, 2008 Chefredakteur Gert Jonkers Editor-in-chief Gert Jonkers Creative Director Jop van Bennekom Creative Director Jop van Bennekom Fashion Director Jodie Barnes Fashion Director Jodie Barnes Fashion Editor Julian Ganio Fashion Editor Julian Ganio Korrespondent Isaac Lock Editor-at-large Isaac Lock Redaktionsassistent Matthew Lowe Editorial Assistant Matthew Lowe Marketingleiter Adam Saletti Marketing Director Adam Saletti Designchefin Veronica Ditting Design Director Veronica Ditting Designerin Merel van den Berg Designer Merel van den Berg Büroleitung Magnus Åkesson Office Manager Magnus Åkesson Korrektor Tom Johnston Sub-editor Tom Johnston www.fantasticman.com The Gentlewoman The Gentlewoman ist der konsequente Nachfolger von Fantastic Man. Die Zeitschrift übersetzt die Modeund Lifestyle-Ideen ihrer Gründer Jonkers und van Bennekom für eine ambitionierte, ältere, weibliche Leserschaft. Dank der Chefredakteurin Penny Martin ist es The Gentlewoman gelungen, binnen drei Jahren einen intelligenten, gebildeten verlegerischen Diskurs über die Produktion von Mode und Kultur anzustoßen, der weniger auf Jugend, Glamour und Phantasiebilder fixiert ist und stattdessen auf authentische Beiträge und Geschichten von nachhaltigen Erfolgen setzt. Statt sich auf die immergleichen Celebrities zu verlassen, stellt The Gentlewoman aussergewöhnliche und aktive Frauen in den Mittelpunkt; etwa die Podologin Margaret Dabbs, die ‘Kräuterbäuerin’ Jekka McVicar, die Eiscreme-Spezialistin Kitty Travers oder die Leiterin eines indischen Nahrungsmittelimperiums Meena Pathak. Die Ästhetik von The Gentlewoman ist geprägt durch einen überhöhten Realismus, der in schnörkellosem Design das Können führender Fotografen/innen und Autoren/innen demonstriert. The Gentlewoman is the consequential follow up to Fantastic Man, applying founders Jonkers and van Bennekom’s perspective on fashion and lifestyle to a publication uniquely directed toward an ambitious, more mature female audience. Under the direction of editor-in-chief Penny Martin The Gentlewoman has, in just three years, come to lead an intelligent, educated editorial discourse on fashion and culture that is less fixated on youth, glamour, and fantasy than it is titillated by social engagement and sustained accomplishment. Rather than relying on a roster of expected celebrities, the magazine regularly puts the spotlight on more unusual women of action such as the podiatrist Margaret Dabbs, the herb farmer Jekka McVicar, the ice cream specialist Kitty Travers, or the leader of an Indian food empire, Meena Pathak. Aesthetically The Gentlewoman presents an elevated reality in the service of which a roster of industry-leading photographers and writers celebrates achievement in an appropriately no-frills design. Ausgestellt sind alle sieben bisher erschienenen Ausgaben von The Gentlewoman. Ihre Cover stellen eine bunt gemischte Gruppe von Frauen jeden Alters vor, z.B. die Modedesignerin Phoebe Philo, die Fotografin Inez van Lamsweerde, die Sängerinnen Adele Adkins und Beyoncé Knowles, die Schauspielerin Olivia Williams, Model und Unternehmerin Christy Turlington sowie die Schauspielerin Angela Lansbury, die auch auf dem großen Cover zu sehen ist. Der Hintergrund veranschaulicht die Vielfalt der Frauen, die das Magazin porträtiert und anziehen soll. On display are all seven of The Gentlewoman’s issues to date. Its covers showcase a diverse and inspiring group of women of all ages, such as the fashion designer Pheobe Philo, the photographer Inez van Lamsweerde, the singers Adele Adkins and Beyoncé Knowles, the actress Olivia Williams, the model and entrepreneur Christy Turlington, and the actress Angela Lansbury (who also graces the big cover). The accompanying backdrop reveals the breadth and depth of women that the magazine both features and attracts. Cover The Gentlewoman Nr. 6, Herbst/ Winter 2012 Cover The Gentlewoman Issue No. 6, Autumn Winter 2012 Angela L ansbury, Fotografie: Terry Richardson Angela L ansbury, Photograph by Terry Richardson Seitenzahl272 Page count 272 Erste Ausgabe 2010 First issue 2010 Gründer Jop van Bennekom, Gert Jonkers Founders Jop van Bennekom, Gert Jonkers Erscheinungsort London, VEREINIGTES KÖNIGREICH Location London, UK Ausgaben bis heute 7 Total issues to date 7 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage95.000 Circulation95,000 Druck Die Keure, Brügge, BELGIEN Printer Die Keure, Bruges, Belgium Chefredakteurin Penny Martin Editor-in-chief Penny Martin Creative Director Jop van Bennekom Creative Director Jop van Bennekom Fashion Director Jonathan Kaye Fashion Director Jonathan Kaye Art Director Veronica Ditting Art Director Veronica Ditting Redakteure Gert Jonkers, Caroline Roux Associate Editors Gert Jonkers, Caroline Roux Herausgeber und Publisher and Marketingleiter Adam Saletti Marketing Director Adam Saletti Redaktionsassistent Richard O’Mahony Editorial Assistant Richard O’Mahony www.thegentlewoman.com Girls Like Us Girls Like Us, kurz GLU, ist eine Zeitschrift, die Jessica Gysel in Amsterdam gegründet hat. Ihr Vorgängerprojekt KUTT wurde als weibliches Gegenstück zu BUTT konzipiert. Mit Girls Like Us schuf Gysel eine neue Art der Frauenzeitschrift, die an eine Leserschaft gerichtet ist, deren Lebensstil konventionelle Gender-Grenzen überschreitet. Indem sie Frauen jeden Alters, mit unterschiedlichen Hintergründen und unterschiedlicher Kleidergröße vorstellt — etwa die Popsängerinnen Beth Ditto und Peaches, das ExModel Edwige und Künstlerinnen wie Leilah Weinraub oder Elizabeth Orr — nimmt Girls Like Us das Erbe des Feminismus mit einem Augenzwinkern an und positioniert sich als spielerisches, amüsantes und witziges Magazin mit wichtiger Botschaft. Ausgestellt ist im Hintergrund das “GLU ABC”, eine Zusammenstellung von Begriffen und Bildern aus früheren Ausgaben, die einige der Themen umreißen, die das Magazin anspricht und verkörpert. Die Neonlichter an der Wand — zwei Kreise und ein Dreieck — sind eine Abstraktion des weiblichen Körpers und strahlen in tiefem Violett: eine Erinnerung an die ursprüngliche Konzeption von Girls Like Us, die sich ausdrücklich an lesbische Leserinnen wandte. Ebenfalls ausgestellt ist eine Reihe von Postern mit einem visuellen Remix früherer Nummern sowie zwei Vasenskulpturen der schwedischen Künstlerin und feministischen Aktivistin Kakan Hermansson, die die Arbeit als Hommage an Georgia O’Keeffe versteht. Girls Like Us, or GLU for short, is a magazine created in Amsterdam by Jessica Gysel, whose previous project, KUTT, was conceived as the female counterpart to BUTT. With Girls Like Us, Gysel pioneered a new model for women’s magazines; one directed at an audience whose lifestyles transcend the lines inscribed by conventional understandings of gender. By featuring women of all ages, backgrounds, and sizes, such as the pop singers Beth Ditto and Peaches, the former model Edwige, and artists such as Leilah Weinraub or Elizabeth Orr, Girls Like Us embraces the legacy of feminism with a wink, resulting in a playful, fun, and funny magazine of serious import. On display is a backdrop of the ”GLU ABCs,” a compilation of terms and images from past issues that lay out some of the underlying topics and themes the magazine addresses and represents. The fluorescent wall lights — two circles and a triangle — represent an abstracted rendition of the female form and cast a deep purple glow, a subtle reference to Girls Like Us’s original volume, which was directed more specifically toward a lesbian audience. Also on display is a series of posters containing a visual remix from past issues of Girls Like Us, as well as two vase sculptures by the Swedish artist and outspoken feminist Kakan Hermansson, who created it as an homage to Georgia O’Keeffe. Cover Girls Like Us, Vol. 2, Nr. 4, 2013 Cover Girls Like Us Vol. 2 Issue No. 4, 2013 Venus X, Fotografie: Martien Mulder; Venus X, Photograph by Martien Mulder, Styling: Marlous Borm Styling by Marlous Borm Seitenzahl 100 Page count 100 Kakan Hermansson, Fake Marble (2012); Keramik, Farboxide; Kakan Hermansson, Fake Marble (2012); Ceramic, Kakan Hermansson, Fake Marble; Sunrise (2012); color oxides; Kakan Hermansson, Fake Marble; Keramik, Farboxide sunrise (2012); Ceramic, color oxides Erste Ausgabe 2005 First issue 2005 Gründerin Jessica Gysel Founder Jessica Gysel Erscheinungsort Amsterdam, NIEDERL ANDE Location Amsterdam, The Netherlands Ausgaben bis heute 12 (Vol. 1, Nr. 1 — 8, Vol. 2, Nr. 1—4) Total issues to date 12 (Vol. 1 Issues No. 1 — 8, Vol. 2 Issues No. 1—4) Erscheinungsweisejährlich Publishing schedule Annual Auflage4.000 Circulation4,000 Druck Printer Die Keure, Bruges, Belgium Editor and Publisher Jessica Gysel Die Keure, Brügge, BELGIEN Redakteurin und Herausgeberin Jessica Gysel Creative Director Creative Director and Co-editor Sara Kaaman und Mitherausgeberin Sara Kaaman Original Design Vela Arbutina Originaldesign Vela Arbutina Assistant Marta Collini Assistenz Marta Collini www.glumagazine.com Picnic Picnic, ein nur aus Bildern bestehendes Magazin aus Tel Aviv, das Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Nahen Osten und der ganzen Welt vorstellt, wurde vom Designer Meir Kordevani in Zusammenarbeit mit der Kuratorin Adi Englman und der Künstlerin Toony Navok gegründet. Die größte Stärke von Picnic liegt darin wie die Zeitschrift Bilder als etwas Wichtiges und Dauerhaftes behandelt, das eher zur Meditation als zum schnellen Konsum einlädt. Jede Nummer ist einmalig und wird in ihrem eigenen Design und Format gestaltet. Thematisch umfasst Picnic so unterschiedliche Bereiche wie “Mode, Architektur, Kino, Photoshop, hübsche Jungs, hübsche Mädchen, Astronomie, verrückte Tänze, Süßigkeiten, Vogelbeobachtung, zeitgenössische Archäologie, Privatsammlungen und Darstellungen des Kosmos in 3D”. Als hoch spezifisches, regionales Produkt beleuchtet das sporadisch erscheinende Magazin die kulturelle Produktion in Israel, wo der künstlerische Diskurs oft von geopolitischen Konflikten überschattet wird. Das jüngste Projekt von Picnic, Vega, ist ein Musiklabel, das sich als Ableger der Zeitschrift versteht und mit dieser die Intention gemeinsam hat, auf die kulturelle und musikalische Produktion des Nahen Ostens aufmerksam zu machen und dabei zum Dialog und zum Frieden aufzurufen. Die Installation von Picnic zeigt eine von elektronischer Musik inspirierte Skulptur aus Holz und Marmor des Bildhauers und Musikers Alma Ben Yossef aus Jerusalem mit dem Titel Meshuggah Gate Hold That Pyramid For Me. Seine Arbeit setzt den von Englman, Kordevani und Navok formulierten Wunsch nach Frieden in Israel in ein Objekt um. Zu hören sind Musikstücke von Künstlerinnen und Künstlern des Labels Vega, u.a. von Ghassan Birumi, Tamir Chen Hassan und Nimrod Katzir. Der Hintergrund zeigt eine Doppelseite aus der vierten Ausgabe von Picnic, die bereits als Teil der Posterkollektion des Magazins publiziert worden ist. Sie will Kunst für ein breiteres Publikum erschließen. Die linke Seite zeigt die Fotografie Little Owl (Athene Noctua), On Top of The World von Ilia Shalamaev aus ihrer Serie ‘Birds of Israel’. Rechts ist die digitale Konstruktion einer imaginären, unmöglichen Skulptur abgebildet, eine Arbeit des experimentellen Künstlers Ami Shavit. Gemeinsam illustrieren die beiden Seiten etwas, das Picnic als “die physisch/reelle und geistige Landschaft, in der wir leben” bezeichnet. Es ist eine halb realistische, halb halluzinatorische Landschaft, die an den Slogan der Zeitschrift erinnert: “A visual guide to your new reality” — “Ein optischer Wegweiser in Ihre neue Realität”. Founded by Meir Kordevani in collaboration with curator Adi Englman and artist Tooni Navok, Picnic is an image-only magazine from Tel Aviv featuring the work of both Middle Eastern and international artists. Picnic’s strength lies in the way it treats images with a sense of importance and permanence, using them to create something lasting to meditate on rather than rapidly consume. Each issue is uniquely designed and printed in a different format, encapsulating an array of subject matter that includes “fashion, architecture, cinema, Photoshop, pretty boys, pretty girls, astronomy, crazy dance, confectionary, bird watching, contemporary archaeology, private collections, cosmic 3D renderings.” As a highly specific, regional product, the sporadically published periodical spotlights cultural production in Israel, a country in which artistic discourse is often overshadowed by geopolitical conflict. Picnic’s latest venture, Vega, is a music label that functions as an offshoot to the magazine but parallels the print edition’s mission to spotlight Middle Eastern cultural and musical output while attempting to put forward an agenda of dialogue and peace. The Picnic installation features an electronic music-inspired wood and marble sculpture entitled Meshuggah Gate Hold That Pyramid For Me, by the Jerusalem-based sculptor and musician, Alma Ben Yossef, whose work embodies Englman, Kordevani, and Navok’s wish for peace in their home country. Accompanying it are musical tracks by Vega’s recording artists, including Ghassan Birumi, Tamir Chen Hassan, and Nimrod Katzir. The backdrop presents a spread from Picnic’s issue No. 4, previously published as part of the magazine’s poster collection, which aims to make art available to a larger audience. The left-hand page shows Little Owl (Athene Noctua), On Top of The World, a photograph by Ilia Shalamaev from her Birds of Israel series. On the right-hand page is a digital construction of an imaginary, impossible sculpture done by the artist Ami Shavit. Together the two images compose what Picnic calls “the physical/actual and mental landscape that we live in.” It’s a landscape that’s halfrealistic, half-hallucinatory, and representative of the magazine’s slogan: “A visual guide to your new reality.” Cover Picnic Nr. 5, 2011, Bild von Dennis Jarvis Cover Picnic Issue No. 5, 2011, Image by Dennis Jarvis Seitenzahl 192 Page count 192 Bild (links): Ami Shavit, Untitled (2009), Serie Digital Image (left): Ami Shavit, Untitled (2009), Digital L andscapes L andscapes. Bild (rechts): Ilia Shalamaev, Little Owl series. Image (right): Ilia Shalamaev, Little Owl (Athene (Athene Noctua) (2009), Serie On Top of The World. Skulptur Noctua) (2009), On Top of The World series. Sculpture by von Alma Ben-Yossef, Meshuggah Gate Hold That Pyramid Alma Ben-Yossef, Meshuggah Gate Hold That Pyramid For Me (2012); Marmor-Bildhauerei und Assemblage For Me (2012); Marble Carving and Assemblage Erste Ausgabe 2007 First issue 2007 Gründer Meir Kordevani und Adi Englman Founders Meir Kordevani and Adi Englman Erscheinungsort Tel Aviv-Jaffa, ISRAEL Location Tel Aviv-Yafo, Israel Ausgaben bis heute 5 Total issues to date 5 ErscheinungsweiseunregelmäSSig Publishing schedule Irregular Auflage2.500 Circulation2,500 Druck Printer AR Print, Tel Aviv, ISRAEL Redakteure, Designer AR Print, Tel Aviv, Israel Editors, Designers, und Herausgeber Meir Kordevani, Adi Englman and Publishers Meir Kordevani, Adi Englman Geschäftsführerin Tamar Dekel General Manager Tamar Dekel Redakteurin und Co-Designerin Toony Navok Co-editor and Co-designer Toony Navok Co-Produzentin (Vega) Sami Zeibak Co-producer (Vega) Sami Zeibak Grafic-Designerin (Vega) Chen Steinberg Graphic Designer (Vega) Chen Steinberg Mit freundlicher Unterstützung des Generalkonsulats des staates Israel www.picnicmagazine.net with the kind support from the Consulate General of the state of Israel PIN–UP Die Mission von PIN–UP, “architektonische Unterhaltung” zu schaffen, zeigt eine idiosynkratische Auffassung von Architektur und Design, die konventionelle Publikationen in diesem Bereich eher ergänzen als mit ihnen in Konkurrenz treten will. Die New Yorker Zeitschrift verzichtet auf technische Pläne zugunsten persönlicher Interviews und Porträts und enthält eigens in Auftrag gegebene Originalwerke von Künstlern und Fotografen, die üblicherweise nicht mit Architektur in Zusammenhang gebracht werden. PIN–UP produziert regelmäßig regionale Sonderausgaben und Beilagen aus einzelnen Städten und Ländern wie Los Angeles, Berlin oder Brasilien. Die internationale Sichtweise und das kühne, preisgekrönte Design von Dylan Fracareta haben PIN–UP zu einer neuen Plattform gemacht, die Architektur, Kunst und Design in ihren wechselseitigen Zusammenhängen vor Augen führt. Felix Burrichter, der Gründer, Redakteur und Creative Director von PIN–UP, ist auch der Kurator dieser Ausstellung. Die Installation der Zeitschrift PIN–UP ist eine “Zweiweg-Peepshow” und spielt somit auf die Zweideutigkeit des Magazin-Namens an: Unter “Pin-up” versteht man nicht nur Fotos von spärlich bekleideten Frauen in aufreizenden Posen, sondern es bezeichnet auch das traditionelle Format, in dem Architekturstudenten eine noch in Ausführung befindliche Arbeit präsentieren. Das ausgeschnittene Cover erlaubt den Besuchern, die sich innerhalb der Installation befinden, als die vorgestellten Architekten, Künstler und Designer aus Ausgabe 12 zu posieren, während man von außen die Öffnungen als Gucklöcher benutzen kann, um einen voyeuristischen Blick in ein provisorisches Schlafzimmer der Designfirma ROLU aus Minneapolis zu werfen. Das Bett ist eine subtile Anspielung sowohl auf das Bett von Rick Owens, das 2006 auf dem Cover der ersten Ausgabe PIN–UPs gezeigt wurde, als auch auf Madelon Vriesendorps Zeichnungen für Rem Koolhaas’ Buch Delirious New York, auf dessen Cover sich zwei Wolkenkratzer lasziv zusammen im Bett räkeln. Auf dem von Ettore Sottsass inspirierten Nachttisch haben alle 14 Ausgaben von PIN–UP Platz; ein Vorläufer dieses Möbels war in einer von PIN–UP kuratierten Ausstellung von Designer-Nachttischen bei Phillips de Pury in New York gezeigt worden. In Kombination mit der schwarzweißen Schlafzimmertapete, die eine Abstraktion von Layouts der Zeitschrift darstellt, steht die Installation für die Intimität, mit der PIN–UP die Welt der Architektur betrachtet. PIN–UP magazine’s mission to provide “architectural entertainment” presents an idiosyncratic take on architecture and design that is meant to complement rather than compete with more conventional publications in the field. The New York-based title eschews technical plans for personal interviews and portraiture, alongside original artwork commissioned from artists and photographers not usually associated with architecture. PIN–UP regularly produces on-location special issues and supplements from cities and countries including Los Angeles, Berlin, and Brazil. Its international outlook and bold, award-winning design by Dylan Fracareta have created a new platform where architecture, art, and design can be rediscovered in relation to one another. PIN–UP’s editor and creative director, Felix Burrichter, is also the curator of this exhibition. PIN–UP’s installation offers a two-way peepshow into the magazine that reflects the double entendre of its title (apart from describing scantily clad women photographed in suggestive poses, the term “pin-up” also refers to the traditional format in which architecture students present a project that is still a work in progress). The cutout cover lets visitors pose as the featured architects, artists, and designers from issue No. 12, while from the outside visitors are given a chance to use them as peepholes in order to voyeuristically peek inside a makeshift bedroom custom-designed by the Minneapolis-based design firm ROLU. The bed construction subtly nods to both the Rick Owens bed featured on the magazine’s first issue in 2006 as well as to Madelon Vriesendorp’s drawings of skyscrapers in bed with each other from Rem Koolhaas’s book Delirious New York. The accompanying Ettore Sottsass-inspired nightstand — an earlier version of which was featured in a PIN–UP-curated show of designer nightstands at Phillips de Pury in New York — provides space for all 14 issues of PIN–UP to date. In combination with the black-and-white bedroom wallpaper (an abstraction of layouts from issues past) the installation is a representation of PIN–UP’s more intimate approach to the world of architecture. Cover PIN–UP Nr. 12, Frühjahr /Sommer 2012 Cover PIN–UP Issue No. 12, Spring Summer 2012 Clémence Seilles, Fotografie: Anuschka Blommers und Niels Clémence Seilles, Photograph by Anuschka Blommers and Schumm; Francis Kéré, Fotografie: Marcus Gaab; Jürgen Niels Schumm; Francis Kéré, Photograph by Marcus Gaab; Mayer H., Fotografie: Anuschka Blommers und Niels Jürgen Mayer H., Photograph by Anuschka Blommers and Schumm; David Chipperfield, Fotografie: Stephen Froese; Niels Schumm; David Chipperfield, Photograph by Stephen Andro Wekua; Fotografie: Thomas Dozol Froese; Andro Wekua; Photograph by Thomas Dozol Seitenzahl240 Page count 240 ROLU, Minne-Ettore-Mari-Meets_Owen Bed and ROLU, Minne-Ettore-Mari-Meets_Owen Bed and Nightstand (2013); Kiefernsperrholz Nightstand (2013); pine plywood Erste Ausgabe 2006 First issue 2006 Gründer Felix Burrichter Founder Felix Burrichter Erscheinungsort New York, USA Location New York, USA Ausgaben bis heute 14 Total issues to date 14 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage27.500 Circulation27,500 Druck Die Keure, Brügge, BELGIEN Printer Die Keure, Bruges, Belgium Auszeichnung Art Directors Club of America, 2011 Awards Art Directors Club of America, 2011 Redakteur und Creative Director Felix Burrichter Editor and Creative Director Felix Burrichter Designchef Dylan Fracareta Design Director Dylan Fracareta Redakteur Andrew Ayers Associate Editor Andrew Ayers Redaktionsassistenten Stephen Froese, Kevin Greenberg Assistant Editors Stephen Froese, Kevin Greenberg Korrespondent Pierre Alexandre de Looz Editor-at-large Pierre Alexandre de Looz Mitherausgeber Michael Bullock Associate Publisher Michael Bullock www.pinupmagazine.org Sang Bleu Sang Bleu spiegelt die Faszination seiner Gründerinnen Maxime Büchi und Jeanne-Salomé Rochat für Body Modification, Fetisch und Tattoo, betrachtet durch die Linsen von Kunst, Kultur und Mode. Auf unerwartete Weise erweitert die Zeitschrift ihre spezifischen Prämissen und entfernt sich von ihnen; das Ergebnis ist eine Publikation, deren Anspruch und Relevanz weit über eine zunehmend massenkompatible “Tattoo-Kultur” hinausreicht. Ihr hoher Produktionsaufwand und ihr unregelmäßiges Erscheinen machen das außergewöhnlich dicke Magazin zu einem Hybrid aus Zeitschrift und Kunstbuch; es ist als Druckerzeugnis seinerseits ein Fetischobjekt und spiegelt als solches die Subkultur seiner Protagonisten. Ende 2012 hat Sang Bleu sein Erscheinen vorübergehend eingestellt, realisiert jedoch weiterhin Projekte wie Filmvorführungen und Ausstellungen. Sang Bleu channels co-founders Maxime Büchi and Jeanne-Salomé Rochat’s fascination with body modification, fetish, and tattoos through the lenses of art, culture, and fashion. Expanding on and departing from the specific premise in unexpected ways, the result is content that has an interest and relevance well beyond the increasingly mainstream vocabulary of “tattoo culture.” Its high production value and relaxed publication schedule places the incredibly thick publication somewhere between a magazine and an art book—an object as fetishistic when it comes to its own printed medium as its protagonists are regarding the subcultures they inhabit. Sang Bleu temporarily retired its print production with its most recent issue in late 2012, but continues to work on projects such as film screenings and exhibitions. Sang Bleu präsentiert eine non-lineare Modeschau aus Filmen, Bildern und Objekten, die eine Produktionskette illustrieren, von denen die Zeitschrift selbst nur ein Teil ist. Vor dem Hintergrund eines von Büchi gestalteten “Wand-Tattoos” sind unter anderem eine ärmellose Kandora des Designers Ahmed Abdelrahman und ein Geschirr der Lederspezialistin Zana Bayne. Zu jedem Kleidungsstück wird ein Film gezeigt, der die Idee des eingeengten und/oder verlassenen Körpers, von Schönheit und von im Fleisch gespiegelter Identität weiter auslotet; alles Themen, die im Zentrum von Sang Bleu stehen. Sang Bleu presents a scattered fashion show composed of films, images, and objects that illuminate a chain of production of which the magazine is just one part. Against the backdrop of a “wall tattoo” designed by Büchi, the items on display include a detached sleeve kandora by Ahmed Abdelrahman and a harness by leather specialist Zana Bayne. These objects are accompanied by a film, further investigating the notion of constricted and/or deserted bodies, of beauty, and of identity as it is reflected in flesh — all territories that reside at Sang Bleu’s thematic core. Cover Sang Bleu Nr. 6, 2013 Cover Sang Bleu Issue No. 6, 2013 Caleb & Jordan Kilby, Fotografie: Adrian Wilson; Styling: Caleb & Jordan Kilby, Photograph by Adrian Wilson, Styling Paolo Zagoreo; Hintergrundbild: Damir Doma store, by Paolo Zagoreo. Background image: Damir Doma store, Fotografie: Nicolas Coulomb Photograph by Nicolas Coulomb Seitenzahl708 Page count 708 Ahmed Abdelrahman, Detached Sleeve Kandora (2013); Ahmed Abdelrahman, Detached Sleeve Kandora (2013); 98% Schurwolle, 2% Lycra Brute, Weaponized Facial 98% virgin fleece wool, 2% Lycra. Brute, Weaponized Facial Armature (2013); Sterling-Silber Cottweiler, Gearheads (2013); Video, 3:23 min. Film und Schnitt: Nicholas Bates Cottweiler, Video, 3:23 min. Filmed and edited by Nicholas Bates. Cap, Sweat, Bag (2013); verschiedene Materialien; Cottweiler, Cap, Sweat, Bag (2013); Various materials. Jeanne-Salomé Rochat, The X Prints (2013); L atex Jeanne-Salomé Rochat, The X Prints (2013); L atex. Joachim Joachim de Callatay & Jeanne-Salomé Rochat, Heels (2013); de Callatay & Jeanne-Salomé Rochat, Heels (2013); Armature (2013); sterling silver. Cottweiler, Gearheads (2013); geschnitztes Holz, Leder Rein Vollenga, Untitled (2013); carved wood, leather. Rein Vollenga, Untitled (2013); gefundene Gegenstände, Klebstoff, Epoxid, Farbe Telfar, Found objects, glue, epoxy, paint.Telfar, All Black All Black Denim (2013); Video, 5:38 min. Schnitt: Zachary Denim (2013); Video, 5:38 min. Edited by Zachary Krevitt. Krevitt Zana Bayne, Harnesses (2013); Leder, Metall Char Zana Bayne, Harnesses (2013); Leather, metal. Char Alfonzo, Alfonzo, Danse Macabre (2013); Video, 2:29 min. Danse Macabre (2013); Video, 2:29 min. Harnesses by Zana Geschirre: Zana Bayne; Styling: Jason FarrerErste Bayne, styling by Jason Farrer Ausgabe 2006 First issue 2006 Letzte Ausgabe 2013 L ast issue 2013 Gründer Maxime Büchi Founder Maxime Büchi Erscheinungsort L ausanne, SCHWEIZ und London, VEREINIGTES KÖNIGREICH Location L ausanne, Switzerland and London, UK Ausgaben insgesamt 6 Total issues 6 ErscheinungsweiseunregelmäSSig Publishing schedule Irregular Auflage20.000 Circulation20,000 Druck Printer Courvoisier-Attinger Arts Graphiques SA, Biel, Schweiz Herausgeberinnen Courvoisier-Attinger Arts Graphiques SA, Biel, Switzerland Publishers and und Creative Directors Maxime Büchi, Jeanne-Salomé Rochat Creative Directors Maxime Büchi, Jeanne-Salomé Rochat Art Direction und Design Maxime Büchi Art Direction and Design Maxime Buchi TypografieSwissTypefaces www.sangbleu.com TypographySwissTypefaces TOILETPAPER Die Liste von Zeitschriften, die von Künstlern gegründet wurden, ist so lang wie glanzvoll: Sie reicht von Warhols Interview bis zu FILE Megazine des Kollektivs General Idea. Im einundzwanzigsten Jahrhundert haben indes nur wenige Künstler das Verlegen von Zeitschriften mit solcher Hingabe verfolgt wie der italienische Künstler Maurizio Cattelan, dessen Magazin TOILETPAPER ein Nachfolger der früheren Publikationen Permanent Food (1996 — 2007) und Charley (2001 — 07) ist. TOILETPAPER ist der Ausdruck der überdimensionalen Persönlichkeit und Vorstellungskraft von Cattelan und des Fotografen Pierpaolo Ferrari. Die Zeitschrift Charley hatte Cattelan vor allem als Medium für Appropriation, Umverteilung und Assemblage behandelt; TOILETPAPER dient dagegen als Vehikel, um visuelle Originale von Cattelan und Ferrari zu schaffen und mitzuteilen. Das Magazin erzählt mittels hoch konzeptueller Fotografie mehrdeutige, oft beunruhigende Geschichten, deren Produktion, so Cattelan, oft “eine komplexe Orchestrierung von Leuten” erfordert. Für das Haus der Kunst hat TOILETPAPER Stühle und einen Tisch aus der ursprünglichen Museumskantine aus den 1930er-Jahren wiederbelebt und schuf eine einladende Sitzecke, welche die Besucher ironischerweise aber nicht benützen dürfen. Die Installation, die durch Elemente der TOILETPAPER Welt bereichert wird, betrachtet die kontroverse Geschichte des Museums durch eine ebenso witzige wie verstörende Perspektive, die für TOILETPAPER charakteristisch ist: Die Zeitschrift sucht immer die mehrdeutige, vollends surreale Provokation. Cover For Haus der Kunst, TOILETPAPER resurrected chairs and a table from the museum building’s original 1930s cafeteria, creating an inviting seating arrangement that visitors are ironically not allowed to sit upon. The installation, which is dotted with paper cut-out objects from the TOILETPAPER universe, engages the controversial history of the exhibition space through the witty yet disturbing lens characteristic of the magazine’s content, which is undeniably, yet always ambiguously provocative as well as utterly surreal. Cover TOILETPAPER Issue No. 6, 2012 Seitenzahl22 Page count 22 Erste Ausgabe 2010 First issue 2010 Gründer Maurizio Cattelan und Pierpaolo Ferrari Founders Maurizio Cattelan, Pierpaolo Ferrari Erscheinungsort Mailand, ITALIEN Location Milan, Italy Ausgaben bis heute 8 Total issues to date 8 Erscheinungsweisezwei- bis dreimal jährlich Publishing schedule 2 — 3 times a year Auflage8.000 Circulation8,000 Druck Damiani Editore, Bologna, ITALIEN Printer Damiani Editore, Bologna, Italy Konzept und Bilder Maurizio Cattelan, Pierpaolo Ferrari Concept and Images Maurizio Cattelan, Pierpaolo Ferrari Art Director Micol Talso Art Director Micol Talso Projektleiter Sebastiano Mastroeni Projects Director Sebastiano Mastroeni www.toiletpapermagazine.com TOILETPAPER Nr. 6, 2012 There is a long and illustrious list of artists who’ve founded magazines, from Warhol’s Interview to General Idea’s FILE Megazine. In the twenty-first century few artist have pursued magazine publishing as relentlessly as the Italian-born Maurizio Cattelan, whose TOILETPAPER magazine succeeds the artist’s previous publishing ventures Permanent Food (1996 — 2007) and Charley (2001— 07), and is the expression of his and photographer Pierpaolo Ferrari’s oversize personalities and imaginations. Whereas with Charley, Cattelan approached the magazine as a medium for appropriation, redistribution, and assemblage, TOILETPAPER uses the magazine as a vehicle to create and share the duo’s original visual content, presenting ambiguous, often haunting narratives through highly conceptual photography that always requires, in Cattelan’s words, a “complex orchestration of people” to produce. White Zinfandel White Zinfandel wurde von Jiminie Ha gegründet; die ersten zwei Ausgaben entstanden in Zusammenarbeit mit der New Yorker Architekturfirma Leong Leong. Die Zeitschrift dreht sich um Essen und Kunst, passt aber weder in die eine noch in die andere Kategorie. Stattdessen belebt “White Zinf” — der Titel bezieht sich auf einen halbtrockenen und auch nur halbrespektablen kalifornischen Rosé — diese beiden alteingeführten Genres durch eine Art verlegerische Fusion und serviert den jungen Kreativen aus New York, für die “Geschmack” sowohl der Katalysator als auch der kleinste gemeinsame Nenner für jedes Gespräch über Kultur ist, eine Überraschungssuppe. Jede Ausgabe der Halbjahreszeitschrift ist als Mischung aus Einreichungen und Aufträgen konzipiert. Im Zentrum steht immer ein Thema, das sich auf Essen bezieht, seien es Tortenschlachten oder TV-Dinners, und zu jeder Ausgabe wird ein von einem speziellen Koch kuratiertes Abendessen veranstaltet. White Zinfandel präsentiert eine Serie von Tischsets, die von Rap-Texten angeregte kulinarische Arrangements zeigen. Ebenfalls ausgestellt ist HUNGER des Künstlers Item Idem, ein von Werbung inspirierter Kurzfilm mit dem japanischen Meisteresser Takeru Kobayashi, den White Zinfandel produziert hat. Die Wandcollage besteht aus losen Seiten aus der aktuellen Ausgabe der Zeitschrift die unter dem Thema “La Grande Bouffe” steht. Founded by graphic designer Jiminie Ha (who produced the first two issues in collaboration with New York architectural firm Leong Leong), White Zinfandel revolves around food and art, although it cannot accurately be classified as a magazine about either. Instead, “White Zinf,” whose title refers to a semi-dry, only semi-respectable California rosé, reinvigorates these two well-trodden genres through a kind of editorial fusion, creating a stone soup for New York’s young creative class for which the notion of taste serves as both the catalyst and the lowest common denominator of a larger cultural conversation. Formatted as an amalgam of submissions and commissions, each issue of this biannual publication centers on a food-related theme, such as food fights or TV dinners, and each one is launched with a chef-curated dinner. White Zinfandel presents an original series of place mats featuring culinary arrangements inspired by rap lyrics. Also on view is artist Item Idem’s HUNGER, an ad culture-inspired short film starring Japanese competitive eater Takeru Kobayashi and produced by White Zinfandel. The wall collage consists of loose spreads from the magazine’s current issue. Cover White Zinfandel, Nr. 4, Frühjahr /Sommer 2013 Cover White Zinfandel Issue No. 4, Spring Summer 2013 Cover Art Davide Balula Cover art by Davide Balula Seitenzahl 126 Page count 126 Deeva-Ha, Free-Styling (2013); Tischsets Deeva-Ha, Free-Styling (2013); Place mats Erste Ausgabe 2011 First issue 2011 Gründerin Jiminie Ha Founder Jiminie Ha Erscheinungsort New York, USA Location New York, USA Ausgaben bis heute 4 Total issues to date 4 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage500 Circulation500 Druck Printer Druckerei Bunter Hund, Berlin, Germany Editor and Creative Director Jiminie Ha Druckerei Bunter Hund, Berlin, DEUTSCHL AND Herausgeberin und Creative Director Jiminie Ha Redaktionsleiter Managing Editor and Online Editor Christopher Lopez-Thomas und Online-Redakteur Christopher Lopez-Thomas Special Projects Shayna McClelland Sonderprojekte Shayna McClelland Contributing Editors Suzanne Rivecca, Katya Tylevich Redakteurinnen Suzanne Rivecca, Katya Tylevich Design Jiminie Ha, Nick Tweedie Design Jiminie Ha, Nick Tweedie Production Bettina Sorg, L aura Dressler Herstellung Bettina Sorg, L aura Dressler www.whitezinf.org White Zinfandel White Zinfandel wurde von Jiminie Ha gegründet; die ersten zwei Ausgaben entstanden in Zusammenarbeit mit der New Yorker Architekturfirma Leong Leong. Die Zeitschrift dreht sich um Essen und Kunst, passt aber weder in die eine noch in die andere Kategorie. Stattdessen belebt “White Zinf” — der Titel bezieht sich auf einen halbtrockenen und auch nur halbrespektablen kalifornischen Rosé — diese beiden alteingeführten Genres durch eine Art verlegerische Fusion und serviert den jungen Kreativen aus New York, für die “Geschmack” sowohl der Katalysator als auch der kleinste gemeinsame Nenner für jedes Gespräch über Kultur ist, eine Überraschungssuppe. Jede Ausgabe der Halbjahreszeitschrift ist als Mischung aus Einreichungen und Aufträgen konzipiert. Im Zentrum steht immer ein Thema, das sich auf Essen bezieht, seien es Tortenschlachten oder TV-Dinners, und zu jeder Ausgabe wird ein von einem speziellen Koch kuratiertes Abendessen veranstaltet. White Zinfandel präsentiert eine Serie von Tischsets, die von Rap-Texten angeregte kulinarische Arrangements zeigen. Ebenfalls ausgestellt ist HUNGER des Künstlers Item Idem, ein von Werbung inspirierter Kurzfilm mit dem japanischen Meisteresser Takeru Kobayashi, den White Zinfandel produziert hat. Die Wandcollage besteht aus losen Seiten aus der aktuellen Ausgabe der Zeitschrift die unter dem Thema “La Grande Bouffe” steht. Founded by graphic designer Jiminie Ha (who produced the first two issues in collaboration with New York architectural firm Leong Leong), White Zinfandel revolves around food and art, although it cannot accurately be classified as a magazine about either. Instead, “White Zinf,” whose title refers to a semi-dry, only semi-respectable California rosé, reinvigorates these two well-trodden genres through a kind of editorial fusion, creating a stone soup for New York’s young creative class for which the notion of taste serves as both the catalyst and the lowest common denominator of a larger cultural conversation. Formatted as an amalgam of submissions and commissions, each issue of this biannual publication centers on a food-related theme, such as food fights or TV dinners, and each one is launched with a chef-curated dinner. White Zinfandel presents an original series of place mats featuring culinary arrangements inspired by rap lyrics. Also on view is artist Item Idem’s HUNGER, an ad culture-inspired short film starring Japanese competitive eater Takeru Kobayashi and produced by White Zinfandel. The wall collage consists of loose spreads from the magazine’s current issue. Cover White Zinfandel, Nr. 4, Frühjahr /Sommer 2013 Cover White Zinfandel Issue No. 4, Spring Summer 2013 Cover Art Davide Balula Cover art by Davide Balula Seitenzahl 126 Page count 126 Deeva-Ha, Free-Styling (2013); Tischsets Deeva-Ha, Free-Styling (2013); Place mats Erste Ausgabe 2011 First issue 2011 Gründerin Jiminie Ha Founder Jiminie Ha Erscheinungsort New York, USA Location New York, USA Ausgaben bis heute 4 Total issues to date 4 Erscheinungsweisehalbjährlich Publishing schedule Biannual Auflage500 Circulation500 Druck Printer Druckerei Bunter Hund, Berlin, Germany Editor and Creative Director Jiminie Ha Druckerei Bunter Hund, Berlin, DEUTSCHL AND Herausgeberin und Creative Director Jiminie Ha Redaktionsleiter Managing Editor and Online Editor Christopher Lopez-Thomas und Online-Redakteur Christopher Lopez-Thomas Special Projects Shayna McClelland Sonderprojekte Shayna McClelland Contributing Editors Suzanne Rivecca, Katya Tylevich Redakteurinnen Suzanne Rivecca, Katya Tylevich Design Jiminie Ha, Nick Tweedie Design Jiminie Ha, Nick Tweedie Production Bettina Sorg, L aura Dressler Herstellung Bettina Sorg, L aura Dressler www.whitezinf.org
