Neuerscheinungen Herbst 2016, de/en

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x
Neuerscheinungen / New Publications
H E R B ST / FALL 2016
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Neuerscheinungen # 890169
Herbst / Fall
2016
New Publications
H ATJ E CA N TZ
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Verlegerische Geschäftsführung / Publisher
Dr. Cristina Inês Steingräber
Kaufmännische Geschäftsführung /
Managing Director
Dr. Thomas P. J. Feinen
4
48
82
94
Programmleitung / Program Directors
Dr. Sibylle Luig
Ulrike Ruh
HIGHLIGHTS
Kunst / A rt
Fotografie / Photography
Architektur / Architecture
Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books
Nadine Barth
Marketingleitung / Marketing Director
Sascha Perkins
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Vertriebsleitung / Sales Director
Daniel Engels
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Edition Gerd Hatje
Sabine Jenske
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104
116
Presse / Press
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Special Price
INDEX
1 10
20 / 112 22 / 113
24 5 0 / 113
60 / 112
62 / 112
72
78
80 / 113
SEAN SCULLY
ROBIN RHODE
TARYN SIMON
JANNIS KOUNELLIS
GORAN DJUROVIC
TITUS SCHADE
MONIKA GRZYMALA
HARALAMPI G. OROSCHAKOFF
ULRICH STROTHJOHANN
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Liebe Leserinnen und Leser,
mit dem vorliegenden Herbstprogramm möchten wir eine
Dear Readers,
With this fall’s program we would like to take a stance
Position in der aktuellen Debatte um kulturelle Werte
in the current debate on cultural values by making
einnehmen, indem wir als Verlag unseren Beitrag zur
a contribution to the preservation and development
Erhaltung und Weiterentwicklung von Kultur leisten und
of culture and addressing contemporary issues that
dabei auch aktuelle Themen adressieren, die aufrütteln.
shake us. The photo series Blutiger Boden by Regina
Die Fotoserie Blutiger Boden von Regina Schmeken zeigt
Schmeken shows the crime scenes at which the National
die Tatorte der erschütternden Morde des NSU und setzt
Socialist Underground (NSU) committed its harrowing
sich mit dem Thema des Fremdenhasses auseinander.
murders and examines the subject of xenophobia.
In der Ausstellung Keine Angst vor Partizipation lernen wir,
In the exhibition Don’t Be Afraid to Participate! we learn
wie Inklusion in gemeinschaftlichen Wohnformen
how inclusion in communal living arrangements
gesellschaftlicher Exklusion entgegenwirkt. Auch das
works against social exclusion. The oeuvre of the African
Werk des afrikanischen Architekten Francis Kéré zeigt, wie
architect Francis Kéré also demonstrates how
durch gemeinschaftliches Denken, lokale Materialien und
collaborative thinking, local materials, and participative
partizipative Prozesse herausragende Gebäude entstehen,
processes contribute to the construction of outstanding
die die Gesellschaft positiv beeinflussen. Aber auch die
buildings that have a positive influence on society. But
klassische Fotografie und Malerei bilden in der Tradition
in the publishing house’s tradition, classic photography
des Verlags weiterhin das starke Fundament für unser
and painting continue to constitute the strong
Programm. Fred Herzogs ikonenhafte Street Photography
foundation of our program. Fred Herzog’s iconic Street
wie auch die spektakulären Landschaftsaufnahmen von
Photography as well as the spectacular landscape
Samuel Zuder vom heiligen Berg Mount Kailash in Tibet
photographs by Samuel Zuder of sacred Mount Kailash in
entführen uns in andere Welten. Und die umwerfenden
Tibet carry us off into other worlds. And the stunning
Fotos vom Rhein, vom 19. Jahrhundert bis hin zu Arbeiten
photographs of the Rhine, from the nineteenth century
von Chargesheimer, Henri Cartier-Bresson und Candida
to works by Chargesheimer, Henri Cartier-Bresson,
Höfer, holen uns zurück nach Deutschland. Auch die
and Candida Höfer, bring us back to Germany. Painting
Malerei ist mit dem neuen Band des Werkverzeichnisses
is also radiantly represented with the new volume
von Gerhard Richter, dem Katalog zur Ausstellung
in der Fondation Beyeler zum Blauen Reiter sowie den
of Gerhard Richter’s catalogue raisonnée, the volume
accompanying the exhibition at the Fondation Beyeler
Publikationen zu Paul Klee, Jean-Michel Basquiat,
on the artists of Der Blaue Reiter, as well as with
Sean Scully und vielen anderen glänzend repräsentiert.
publications on Paul Klee, Jean-Michel Basquiat, Sean
Kunst kann aufrütteln, versöhnen, beruhigen und
Scully, and many more. Art can shake, reconcile,
provozieren, und ich bin davon überzeugt, dass für jeden
pacify, and provoke, and I am convinced that each one
von Ihnen in unserem Programm genau das zu finden
of you will find exactly what you personally expect
ist, was Sie sich persönlich von der Kunst erhoffen.
from art in our program.
Ihre CRISTINA STEINGRÄBER
CRISTI NA STEI NGRÄBER
HATJ E CA N T Z
N EWS
www.hatjecantz.de
News
Unsere Veranstaltungen sowie alle News
finden Sie unter www.hatjecantz.de
You can find information about our events as
well as the latest news at www.hatjecantz.com
Wir gratulieren!
Wieder einmal konnten unsere Bücher sowie unsere
Künstlerinnen und Künstler international überzeugen:
So belegte Meilensteine des Motorsports – Mercedes-Benz
300 SL Rennsportwagen beim ADAC Motorwelt Autobuch
Preis 2016 in der Kategorie »Design« den ersten Platz
und gewann gleichzeitig einen Award des Type Directors
Club (tdc.), New York.
Für ihre nachhaltigen Kunstwerke wurde Nalini Malani
mit dem Preis der Asia Society gekürt. Der Maler Sean
Scully gewann den Harper’s Bazaar Art International
Artist of the Year Award und der diesjährige Direktor der
Architekturbiennale von Venedig, Alejandro Aravena,
erhielt für sein Projekt über partizipative Strategien im
sozialen Wohnungsbau den renommierten Pritzker-Preis.
Wir gratulieren allen Gewinnern!
MARKUS HENTTONEN & NADINE BARTH
Meet the Artists!
Artist talks and book presentations create
a particular closeness between artists, us as
publisher, and our audience: In Berlin, the
87-year-old photographer Frank Horvat spoke
with his protégé, Christine Turnauer, and
publisher Dr. Cristina Steingräber about his
recent monograph Please don’t smile
and offered very personal insights into his
work. At the Leipzig Book Fair, the lyricist
Nora Gomringer and photographer Andreas
Herzau gave an account of how they
managed to express their fascination for
music in text and image with their publication
Bamberg Symphony.
The Kunstverein Zurich and the Ortreport
collective presented the publication Up Up:
Stories of Johannesburg’s Highrises, Bernhard
Leitner held an artist talk on his Sketchbook
– Notation Sound Spaces, and the Finnish
photographer Markus Henttonen introduced
his work Twisted Tales, Road to Hope –
to name just a few.
By the way: our events are always
accompanied by renowned representatives
of the press and are announced
through our social media network.
2
FRANK HORVAT & CHRISTINE TURNAUER
We will have booths at the
following FAIRS :
ART BASEL
16.–19.6.2016
FRANKFURTER BUCHMESSE
19.–23.10.2016
PARIS PHOTO
Congratulations!
Once again, our books as well as our artists have been
internationally recognized. Milestones of Motor Sports
Mercedes-Benz 300 SL Racing Car won first prize at the
ADAC Car Book Prize 2016 in the design category as well
as a prize by the Type Directors Club (tdc.) New York.
For her sustainable artworks, Nalini Malani was
awarded a prize by the Asia Society. The painter Sean
Scully won the Harper’s Bazaar Art China art prize
for International Artist of the Year, and this year’s
director of the Architecture Biennale of Venice,
Alejandro Aravena, received the prestigious Pritzker
Prize for his project on participatory strategies in social
housing. Congratulations to all the winners!
Social-Media-Kanäle / Social-Media-Channels
WIR NETZWERKEN
WE ARE NETWORKING
Wir sind in den sozialen Netzwerken aktiv und haben mehr als 15 000
Follower. Sie finden uns auf Facebook, Twitter, Pinterest und Instagram.
We are active on social media and now have more than 15,000 followers.
You can find us on Facebook, Twitter, Pinterest, and Instagram.
BUCH- und KUNSTMESSEN
BOOK and ART FAIRS
Auf folgenden MESSEN werden
wir mit einem Stand vertreten sein
Veranstaltungen mit
Künstlerinnen und Künstlern
Unsere exklusiven Künstlergespräche und Buchvorstellungen schaffen eine
besondere Nähe zwischen Künstlern, dem Verlag und unserem Publikum:
So sprach beispielsweise der 87-jährige Fotograf Frank Horvat mit Weggefährtin
Christine Turnauer und Verlegerin Dr. Cristina Steingräber in Berlin über
seine aktuelle Monografie Please don’t smile und gewährte sehr persönliche
Einblicke in sein Œuvre. Lyrikerin Nora Gomringer und Fotograf Andreas Herzau
erklärten auf der Leipziger Buchmesse, wie es ihnen gelang, mit der Publikation
Bamberg Symphony die Faszination von Musik in Text und Bild auszudrücken.
Der Kunstverein Zürich und das Kollektiv Ortreport präsentierten das Buch
Up Up. Stories of Johannesburg’s Highrises, Bernhard Leitner führte
Künstlergespräche zu seinem Skizzenbuch – Notation Ton-Räume und der
finnische Fotograf Markus Henttonen stellte sein Werk Twisted Tales,
Road to Hope vor – um
nur einige zu nennen.
Übrigens: Unsere
Veranstaltungen werden
stets von relevanten
Pressevertretern begleitet
sowie über unser
Social-Media-Netzwerk
kommuniziert.
AN DR EAS H ERZAU & NORA GOMR I NGER
SEAN SCULLY
10.–13.11.2016
Wir werben in
We advertise in
DIE ZEIT,
ZEIT MAGAZIN,
Weltkunst,
Monopol,
Merian,
Feinschmecker,
A&W,
ART,
Petra
u. a. / et al.
H I GH L I GHTS
4
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H IG H LIG H TS
HIGH LIGHTS
5
H I GH L I GHTS
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Spektakuläres
Ausstellungshighlight:
reichhaltig bebilderter
Überblicksband
mit den zentralen Werken
des Blauen Reiters
Spectacular standout
exhibition: richly
illustrated overview
with key works from the
Blaue Reiter movement
AUSSTELLUNG / EXHIBITION:
Fondation Beyeler, Riehen/Basel
4.9.2016 – 2 2.1.2017
»Den Namen ›Der Blaue
Reiter‹ erfanden
wir am Kaffeetisch …«
– WAS S I LY K A N D I N S K Y
Kandinsky, Marc und Der Blaue Reiter /
Kandinsky, Marc, and Der Blaue Reiter
Hrsg. / Ed. ULF KÜSTER, FONDATION BEYELER, RIEHEN/BASEL,
Texte von / texts by OSKAR BÄTSCHMANN, ANDREAS BEYER, ANNEGRET HOBERG,
CATHRIN KLINGSÖHR-LEROY, ULF KÜSTER, MARTA RUIZ DEL ÁRBOL
Ca. 250 S. / pp., ca. 180 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Hardcover
Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00
ISBN 978-3-7757-4168-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4169-9 (English)
September 2016
6
Wenige Jahre nur war München zu Beginn des 20. Jahrhunderts der »Hotspot« der künstlerischen Avantgarde in
Deutschland. Als wahrer Glücksfall für die Kunst erwies
sich die Initiative des russischen Malers Wassily Kandinsky,
gemeinsam mit Franz Marc die Redaktion des Almanachs
Der Blaue Reiter zu gründen und eine Ausstellung gleichen
Titels zu organisieren: ein programmatisches Unterfangen,
das noch vor dem Ersten Weltkrieg die Moderne in
Deutschland einläutete – und international hohe Wellen
schlug. Die Namen der Protagonisten Franz Marc, Gabriele
Münter, Alexej von Jawlensky, August Macke und anderer
klingen seither nach, die von ihnen initiierte Überführung der
Malerei in eine vibrierende, transzendentale Farbigkeit und
Abstraktion bildet ein wesentliches Kapitel der internationalen
Kunstgeschichte. Die prächtig bebilderte Publikation
widmet sich einem Thema, das eine damals revolutionäre
Neubewertung der Künste in einem offenen Europa zeigt.
For just a few years at the beginning of the twentieth
century, Munich was the “hot spot” of Germany’s artistic
avant-garde. Russian painter Vassily Kandinsky and Franz
Marc’s initiative as founding editors of the almanac Der
Blaue Reiter (The Blue Rider) was a stroke of luck for the
arts. The journal and exhibition of the same name made
international waves as they heralded the start of the
modern era in Germany before the World War I. Since then,
the names of the movement’s key players, Franz Marc,
Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky, August Macke et
al., signal an essential chapter in the international history
of art, marked by the transition of painting into a vibrant,
colorful and transcendental form of abstraction. This
beautiful publication dedicated to the subject presents a
revolutionary re-valuation of the arts in an open Europe.
7
H I GH L I GHTS
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Der Bildzauberer
PauI Klee als
Vorläufer
des Surrealismus
Paul Klee,
the image wizard
as precursor
to Surrealism
Paul Klee und die Surrealisten /
Paul Klee et les surréalistes
Texte von / Texts by MICHAEL BAUMGARTNER, GUITEMIE MALDONADO,
OSAMU OKUDA, JÜRGEN PECH, ANNE SOPHIE PETIT, HANS-PETER WITTWER,
Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER
Ca. 374 S. / pp., ca. 380 Abb. / ills., 23 x 27 cm, Hardcover
Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4154-5 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4155-2 (French)
November 2016
8
Was haben Louis Aragon, Antonin Artaud, Paul Éluard,
Joan Miró und André Masson mit dem Maler und
Bauhausmeister Paul Klee zu tun? Diese genreübergreifende
und überaus spannende Fragestellung wird nun erstmalig
in einer facettenreichen Ausstellung verhandelt. Dass
die französischen Surrealisten ihre zentralen Begriffe,
wie »Traum«, »Kosmos« und »Vision«, in der magischen,
transzendentalen Malerei Klees reflektiert sahen und ihn zu
ihrem Spiritus Rector machten, ist auch vor dem Hintergrund
der politischen Situation in Europa zwischen den Weltkriegen
bemerkenswert. Ausstellung und Katalogbuch betrachten ein
faszinierendes Kapitel von Künstlerbeziehungen und stellen
deren enorme kunsthistorische Bedeutung heraus. Präzise
beleuchtet und geordnet nach einzelnen Themenbereichen,
wie etwa »Écriture automatique«, »Die Welt als Traum«
oder »Porträts und Masken«, vermittelt das Buch dem
Leser Aufschluss über eine wichtige Schnittstelle zwischen
literarischer und künstlerischer Avantgarde in Europa in
bewegten Zeiten.
What do Louis Aragon, Antonin Artaud, Paul Éluard, Joan
Miró, and André Masson have to do with the painter and
Bauhaus master Paul Klee? This cross-genre and fascinating
subject is examined for the first time in a multifaceted
exhibition. The fact that the French Surrealists saw their
key concepts such as “dreams,” “the cosmos,” and “vision”
reflected in the magical, transcendental painting by Klee
and even made him their spiritus rector, is remarkable
considering the backdrop of Europe’s political situation
between the world wars. The exhibition and catalogue
shed light on this fascinating chapter of the relationship
between artists and expose its enormous art historical
dimension. Organized according to individual subject areas
such as “Écriture automatique,” “The World as a Dream,”
and “Portraits and Masks,” the book provides readers
with information about this important interface between
the literary and artistic avant-garde in Europe during
a turbulent era.
»Klee war die wichtigste
Begegnung meines Lebens.
Erst durch seinen Einfluss
befreite sich meine
Malerei von allem.«
18.11.2016 – 1 2.3.2017
– J OA N M I RÓ
Zentrum Paul Klee, Bern
9
H I GH L I GHTS
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Als eines der ältesten deutschen Museen verbindet das
Städel Museum 700 Jahre Kunstgeschichte mit einer
seit 200 Jahren gelebten Pflege zeitgenössischer Kunst.
Seit der Eröffnung des Erweiterungsbaus im Jahr 2012
konnte das Museum seine Sammlung »Kunst nach
1945« nicht nur besser präsentieren, sondern auch noch
weiter ausbauen – ein beispielloser Zugewinn von rund
1000 Werken war innerhalb von nur wenigen Jahren zu
verzeichnen. Ausschlaggebend hierfür war insbesondere
die Bereitschaft sowohl der Deutschen Bank als auch
der DZ Bank, dem Städel bedeutende Konvolute aus ihren
Sammlungen zu übergeben. Ebenso konnte das Museum
in den letzten Jahren eine Reihe von herausragenden
Schenkungen in Empfang nehmen, und das seit 2007
existierende Städelkomitee 21. Jahrhundert trug
mit großem mäzenatischem Engagement zu diesem
Wachstum bei. Die Neuausgabe stellt neben den 300
Werken der Erstauflage nun auch über 40 Neuzugänge
Die StädelSammlung im
Fokus – aktualisierte
und erweiterte
Neuausgaben
Städel-Collection
in focus – updated
and expanded
new editions
auf anschauliche Weise vor.
Die Kunst der Moderne im Städel Museum bietet
einen konzentrierten, äußerst qualitätvollen Überblick
über die Entwicklung der europäischen Malerei- und
Skulpturgeschichte im 19. und 20. Jahrhundert, ergänzt
durch Beiträge der Fotografie. Mit Gemälden wie Claude
Monets Mittagessen, Edgar Degas’ Orchestermusikern,
Pablo Picassos Fernande Olivier, Franz Marcs Liegendem
Hund im Schnee oder Ernst Ludwig Kirchners Stehendem
Akt mit Hut verfügt das Museum über Schlüsselwerke
der neueren Kunstgeschichte. Doch lebt die Sammlung –
neben weltbekannten Meisterwerken des Realismus,
Impressionismus, Symbolismus und Expressionismus –
auch von den Überraschungen, die gerade weniger
namhafte Werke abseits des üblichen Kanons bereithalten.
In dieser erweiterten Neuauflage werden rund 300
bedeutende Gemälde, Skulpturen und Fotografien
vorgestellt, darunter 19 Arbeiten, die erst im Laufe der
letzten Jahre in die städelsche Sammlung kamen.
Kunst der Moderne (1800–1945)
im Städel Museum
Hrsg. / Eds. FELIX KRÄMER, MAX HOLLEIN, Texte von / texts by
INGO BORGES, CHANTAL ESCHENFELDER, ANNA FEULNER,
ANNA FRICKE, FELIX KRÄMER, NERINA SANTORIUS,
Gastbeiträge von / guest contributions by PETER-ANDRÉ ALT,
MATTHIAS DÖPFNER, WILHELM GENAZINO,
NEO RAUCH, HELMUT SCHMIDT, ROGER WILLEMSEN u. a. /
et al., Gestaltung von / graphic design by PETER SCHMIDT GROUP
Ca. 320 S. / pp., ca. 295 Abb. / ills., 22,5 x 27 cm, Softcover
€ 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4161-3 (Deutsch)
Juni / June 2016
10
As one of Germany’s oldest museums, the Städel Museum
combines seven hundred years of art history with two
hundred years of the active cultivation of contemporary
art. With the opening of its extension in 2012, the museum
was not only able to better present its collection of post1945 art, but it could continue its expansion, acquiring an
unprecedented one thousand works within just a few years.
This was made possible in particular by the willingness
of both Deutsche Bank and DZ Bank to present the Städel
with important bodies of works from their collections. The
museum also accepted a number of generous donations in
recent years, and the Städel Committee for the 21st Century,
which was formed in 2007, contributed to this growth
through its commitment of patronage. Besides the three
hundred works from the first edition, this new version now
presents more than forty additional entries into the
Städel’s collection.
Gegenwartskunst (1945–heute)
im Städel Museum
Hrsg. / Eds. MARTIN ENGLER, MAX HOLLEIN, Texte von / texts by
MARTIN ENGLER, ANNA FRICKE, CHARLOTTE KLONK, CAROLIN
KÖCHLING, Interviews mit / interviews with KLAUS GALLWITZ,
FRIEDHELM HÜTTE, LUMINITA SABAU, SYLVIA VON METZLER,
Gestaltung von / graphic design by PETER SCHMIDT GROUP
€ 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4162-0 (Deutsch)
Juni / June 2016
Complimented by photography, the Städel Museum’s
collection of modern art presents a concentrated and
select survey of the development of the history of
European painting and sculpture in the nineteenth and
twentieth centuries. The museum houses a number of
major works from recent art history, including paintings
such as Claude Monet’s The Luncheon, Edgar Degas’s
Orchestra Musicians, Pablo Picasso’s Fernande Olivier, Franz
Marc’s Dog Lying in the Snow and Ernst Ludwig Kirchner’s
Standing Nude with Hat. In addition to world-renowned
masterpieces of Realism, Impressionism, Symbolism, and
Expressionism, the collection also particularly thrives
on the surprises which lesser-known works outside of
the standard canon have to offer. In this expanded and
revised edition, around 300 major paintings, sculptures, and
photographs are presented , including numerous pieces
that have only entered the Städel’s collection in recent years.
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Neuer Blick auf
die Renaissance:
namhafte
Fachautoren
betrachten
die kulturellen
Austauschprozesse
Fresh look at the
Renaissance:
renowned experts
examine processes of
cultural exchange
Europa in der Renaissance / Europe in the Renaissance
Die Renaissance erlebte einige der bedeutendsten
Umbrüche der Weltgeschichte: die Erfindung des
Buchdrucks mit beweglichen Lettern, die Entdeckung
eines unbekannten Kontinents, die Erarbeitung eines
neuen Weltbildes; sie versuchte, die Rätsel der Natur zu
lösen, praktizierte Alchemie, machte sich daran, eine neue
Medizin zu entwickeln, konzipierte ein neues Menschenbild
und schuf Schönheit in Gestalt von Bildern und Bauten,
Skulpturen und Literatur. Was an Neuem ersonnen und
geformt wurde, wäre ohne kulturellen Austausch undenkbar
gewesen. Die Kultur der Renaissance war eine Ära des
Dialogs und der Ideenflüge über weite Räume und Zeiten
hinweg. Anhand von zahlreichen Beispielen – Kunstwerken,
wissenschaftlichen Instrumenten und Dingen des Alltags –
spürt diese Publikation den unterschiedlichen Wegen des
Transfers auf eindrucksvolle Weise nach. Namhafte Autoren
führen den Leser bis in die Antike und in den Orient,
nach Italien und durch halb Europa.
The Renaissance experienced some of the most important
advances in human history: the invention of the printing
press using movable letters, the discovery of an unknown
continent, and the formulation of a new view of the earth.
It was a time when people sought to solve the riddles of
nature, experimented with alchemy, set out to develop a
new medical science, conceived a new vision of humankind,
and created beauty in the form of pictures and architecture,
sculpture and literature. All these discoveries and creations
would have been unimaginable without cultural exchange.
The Renaissance was an era of dialogue and new horizons in
thinking over great distances and time. Based on numerous
examples—works of art, instruments, and objects of
everyday life—this publication invites readers to trace the
various paths of transference. Renowned authors take us to
antiquity and the Orient, to Italy and through half of Europe.
Metamorphosen 1400–1600 / Metamorphoses 1400–1600
Texte von / Texts by BERNARD AIKEMA, PETER BURKE, CAROLINE CAMPBELL,
PATRIZIA CASTELLI, FELIPE FERNÁNDEZ-ARMESTO, TOBY E. HUFF,
URS LEU, NICOLETTE MOUT, ROBERT MUCHEMBLED, BERND ROECK, HEINZ SCHILLING,
ACHATZ VON MÜLLER, Gestaltung von / graphic design by ATELIER STERNSTEIN
Ca. 336 S. / pp., ca. 320 Abb. / ills., 22,8 x 29 cm, Hardcover
Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00
»Ein Zeitalter internationaler
Bilderwanderung«
– A BY WA R B U RG
ISBN 978-3-7757-4072-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4073-9 (English)
August 2016
Schweizerisches Nationalmuseum, Landesmuseum Zürich / Zurich
1.8. – 2 7.11.2016
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Die Fortsetzung
des verlegerischen
Großprojektes
The continuation
of an ambitious
publishing project
Gerhard Richters Werk umfasst mehr als 3 000 einzelne
Arbeiten. In fünf Jahrzehnten entstand ein stilistisch
vielfältiges und komplexes Œuvre, das Richters Rang als
bedeutendster lebender Künstler belegt. Anlässlich des
80. Geburtstags des Künstlers im Februar 2012 erschien
der lang erwartete erste Band des Werkverzeichnisses,
das Dietmar Elger, Leiter des Gerhard Richter Archivs
an den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, in
jahrelanger Recherche vorbereitet hat. Der auf sechs
Bände angelegte, wissenschaftliche Catalogue Raisonné
aller Bilder und Skulpturen soll bis 2020 publiziert
werden. Er bietet neben großzügigen und zahlreichen
ganzseitigen farbigen Abbildungen der Werke
vollständige technische Informationen zu allen Arbeiten,
Angaben zu den handschriftlichen Bezeichnungen
des Künstlers sowie zur Provenienz, Literaturverweise
und Ausstellungsnachweise. Kommentare, Zitate und
Vergleichsabbildungen zu einzelnen Katalognummern
ergänzen die Werkangaben.
Gerhard Richter
Catalogue Raisonné. Volume 2
Nos. 199–388, 1968–1976
Hrsg. / Ed. DIETMAR ELGER für das / for the GERHARD RICHTER ARCHIV,
STAATLICHE KUNSTSAMMLUNGEN DRESDEN, Text von / text by DIETMAR ELGER,
Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
Ca. 640 S. / pp., ca. 580 Abb. / ills., 25 x 29 cm, Leinen / clothbound
€ 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00
Subskriptionspreis pro Band (bei Abnahme der gesamten Reihe) /
Subscription price per volume (with a subscription to the entire series):
€198,– [D], CHF 240,50, $300.00, £180.00
ISBN 978-3-7757-1979-7 (Deutsch, English)
November 2016
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Gerhard Richter’s oeuvre embraces in excess of three
thousand individual works. Over a period of five decades,
he has created a stylistically heterogeneous, complex
body of work that testifies to his status as the most
important living artist of our time. This long-awaited
first volume of the catalogue raisonné was released on
the occasion of the artist’s eightieth birthday in February
2012. Dietmar Elger, director of the Gerhard Richter
Archive at the Staatliche Kunstsammlungen Dresden, has
spent years researching and preparing this publication.
The six-volume catalogue raisonné of all of Richter’s
paintings and sculptures will be published till 2020.
Aside from the richly colored illustrations, many of them
full-page, it includes full technical details, information
about the artist’s handwritten notes, and the provenance,
bibliography, and exhibitions of each individual
work. This information is supplemented by commentary,
quotes, and comparitive illustrations.
Bisher erschienene TITEL der Reihe /
Previously published TITLES in the series
Gerhard Richter
Nos. 1–198, 1962–1968
ISBN 978-3-7757-1978-0
(Deutsch, English)
€ 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00
Gerhard Richter
Nos. 389–651-2, 1976–1987
ISBN 978-3-7757-1980-3
(Deutsch, English)
€ 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00
Gerhard Richter
Nos. 652-1–805-6, 1988–1994
ISBN 978-3-7757-1981-0
(Deutsch, English)
€ 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00
Editionsplan der weiteren BÄNDE /
Release schedule of the other VOLUMES
Nos. 806–899-8, 1994–2006
Nos. 900–0000, 2007–2019
ISBN 978-3-7757-3230-7
September 2018
ISBN 978-3-7757-3714-2
September 2020
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Die geballten
Textgefüge
des einflussreichen
amerikanischen
Künstlers und
Multitalents erstmals
im Detail untersucht
The bundled text
fragments of the
influential and
multitalented American
artist examined in
detail for the first time
Words Are All We Have
Paintings by Jean-Michel Basquiat
Hrsg. und Text von / Ed. and text by DIETER BUCHHART
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
Der erste afroamerikanische Künstler, der internationale
Aufmerksamkeit erfuhr, war im New York der 1980erJahre Jean-Michel Basquiat (1960–1988). Der enorme
Umfang seines Œuvre steht umgekehrt proportional zu
der kurzen Schaffenszeit, die ihm blieb. Die Komplexität
und die wegweisende innovative Kraft seiner Malerei und
Zeichnungen wurden bereits diskutiert – dieses Buch stellt
nun den schöpferischen Aspekt der Sprache in Basquiats
Werk in den Mittelpunkt. Mit seiner komplexen Struktur,
seinem spontanen Rhythmus, seiner gesampelten,
collagenhaften und alle Sinne ansprechenden Erscheinung
katapultierte es sich in die Umlaufbahn der Pop-Poeten der
Beat-Generation und der Protagonisten der musikalischen
Avantgarde. Das Multitalent Basquiat kreierte ein flirrendes,
synkopiertes Text-Bild-Gefüge,
das der amerikanische Kurator
und Kritiker Robert Storr
sehr treffend als »Eye Rap«
bezeichnete. Mit ebendieser
avantgardistischen,
unprätentiösen spontanen
Herangehensweise schrieb
Jean-Michel Basquiat
Kunstgeschichte. Für ihn war
dies ein künstlerisches Mittel,
um auf die Komplexität des
modernen Lebens in der
Großstadt zu antworten.
In the New York of the eighties, Jean-Michel Basquiat
(1960–1988) was the first African-American artist to
receive international attention. The enormous scope of his
oeuvre is inversely proportional to the short, productive
period he was given. As the complexity and trailblazing
innovative power of his paintings and drawings has been
previously discussed at length–this book focuses on the
creative aspect of language in Basquiat’s work. With its
complex structures, spontaneous rhythms, and sampled,
collage-like manifestations appealing to all the senses, his
work was vaulted into the orbit of the Beat Generation’s
pop poets and the protagonists of the musical avantgarde. The multitalented Basquiat created a shimmering,
syncopated fabric of images and text, which the American
curator and critic Robert
Storr aptly called “eye rap.”
It was this unpretentious,
avant-garde, and spontaneous
way of working with which
Jean-Michel Basquiat wrote
art history. It was an artistic
means for him to respond
to the complexity of modern
life in the big city.
ISBN 978-3-7757-4184-2 (English)
September 2016
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Erste Monografie
auf Deutsch:
das psychologisch
eindringliche
Werk einer Pionierin
der Malerei
The first German
monograph:
the psychologically
penetrating
work of a pioneer
in art
Die amerikanische Künstlerin Alice Neel (1900–1984) wurde
erst in jüngerer Zeit als eine der wichtigsten figurativen
Malerinnen in der amerikanischen Kunstgeschichte des
2o. Jahrhunderts gewürdigt. Während der Phase der
revolutionären Abstraktion nahm sie ihre eigene radikale
Position ein und entwickelte eine außergewöhnliche und
eigene Formensprache, stets mit dem Anspruch, in ihren
psychologisch eindringlichen Gemälden »Wahrhaftigkeit«
zu vermitteln. Neel zeigte die Ängste und Schwächen
des menschlichen Geschlechts in einer Zeit beispiellosen
politischen, sozialen und technologischen Wandels auf.
Der Ausstellungskatalog präsentiert rund 70 Gemälde. Die
Autoren werfen einen Blick auf Neels künstlerische Entwicklung,
die Rezeptionsgeschichte ihres Lebenswerkes, ihre Beziehung
zur Fotografie des 20. Jahrhunderts, ihre Position im Hinblick
auf die zweite Welle des Feminismus und auch auf ihr
persönliches Interesse an der europäischen Kunst des frühen
20. Jahrhunderts. Sie vermitteln dabei einen frischen Eindruck
vom kulturellen und künstlerischen Umschwung in Amerika.
The American artist Alice Neel (1900–1984) is acknowledged
as one of the most important figurative painters in the
history of American art in the twentieth century. Operating
during a period of revolutionary abstraction, she took her
own radical position by adopting a particular, idiosyncratic
formal language, while always keeping an aim towards
establishing “the truth” in her psychologically penetrating
works. Neel portrays the anxieties and frailties of the
human race in a period of unprecedented political, social,
and technological change.
The exhibition catalogue presents around seventy paintings.
The authors review Alice Neel’s artistic development
over approximately sixty years, and set out the history
of her oeuvre’s reception, her relationship to twentiethcentury photography, her position in relation to secondwave feminism, and her personal interest in early twentiethcentury European art. This survey conveys Neel’s
fresh impression of America at a time of cultural and
artistic transition.
Alice Neel
Painter of Modern Life
AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS:
Ateneum Art Museum, Helsinki
Hrsg. / Ed. JEREMY LEWISON, Texte von / texts by BICE CURIGER,
PETRA GÖRDÜREN, JEREMY LEWISON, LAURA STAMPS, ANNAMARI VÄNSKÄ
€ 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4176-7 (Deutsch)
Juni / June 2016
9.6. – 9.10.2016
Gemeentemuseum Den Haag
5.11.2016 – 1 2.2.2017
Fondation Vincent van Gogh Arles
4.3. – 1 7.9.2017
Deichtorhallen Hamburg
13.10.2017 – 1 4.1.2018
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Das umfassende
Schriftwerk
des irischamerikanischen
Malers Sean Scully
The comprehensive
written oeuvre
of the Irish-American
painter Sean Scully
Sean Scully gehört zu den größten abstrakten Malern
unserer Zeit. Er ist auch einer der unverblümtesten. Seit
Ende der 1960er-Jahre wird seine visuelle Ausdruckskraft
um eine verbale Dynamik ergänzt, die ebenso fasziniert wie
seine Kunst. Scullys schriftliche Werke, die von einfachen
Ideenskizzen bis zu umfassenden Betrachtungen über
Künstler wie Vincent van Gogh, Giorgio Morandi und Mark
Rothko reichen, zeichnen sich durch einen brutalen Lyrismus
und die Mühelosigkeit ihrer aphoristischen Ausdrucksweise
aus. Zugleich biografisch und politisch, treffend und
unbeirrbar, bieten die nahezu 200 Texte, die in dieser
Publikation versammelt sind, einen einzigartigen Blick auf
eine der fesselndsten künstlerischen Vorstellungswelten
des letzten halben Jahrhunderts. Die Leser werden darin
einen Geist entdecken, der sich unermüdlich mit den
tiefgründigsten Fragen von Kunst, Kulturgeschichte und
mit Themen befasst, die einen Kunstschaffenden heute
umgeben. Neben Faksimiles handgeschriebener und oft
auch mit Zeichnungen versehener Seiten präsentiert der
Band auch Schlüsselwerke, die Scullys Worte illustrieren.
INNER: The Collected Writings
and Selected Interviews of Sean Scully
Sean Scully is among the greatest abstract painters of our
age. He is also one of the most outspoken. Since the late
sixties, Scully’s visual expressiveness has been matched by
a verbal dynamism that is no less arresting than his art.
Varying widely in form from brief reflections of compressed
eloquence to essay-long meditations on artists such as
Vincent Van Gogh, Giorgio Morandi, and Mark Rothko–
Scully’s writings are distinguished by a brutal lyricism and
the effortlessness of their aphoristic turn of phrase. At once
biographical and political, poignant and unflinching, the
nearly two hundred texts that comprise INNER: The Collected
Writings and Selected Interviews of Sean Scully provide
a unique perspective on one of the most engaging artistic
imaginations of the past half century. Here, readers will
discover the effusions of a mind tirelessly wrestling with the
profoundest issues of art, cultural history, and what it means
to be a creator in the contemporary world. The volume will
be accompanied by key images illustrating Scully’s words as
well as facsimile reproductions of handwritten pages by the
artist into which drawings have been integrated.
Zu diesem Buch
erscheint eine
Hrsg. / Ed. KELLY GROVIER, Texte von / texts by SEAN SCULLY,
Gestaltung von / graphic design by HANNES AECHTER
Ca. € 48,– [D], CHF 59,50, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4164-4 (English)
ISBN 978-3-7757-4200-9 (Chinese)
August 2016
20
will be released with
this publication
p. 112
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“A bricklayer of the soul.” – B O N O
21
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“. . . something that comes from an interior,
creative strength. It’s gutsy, poetic,
political, and provocative all at once.
It merges many different languages –
performance, drawing, film, and dance
converge in his work.”
– T U CC I RUS S O
Die jüngste
Publikation zum
südafrikanischen
Performancekünstler
The most recent
survey of the
South African
performance artist
Der in Berlin lebende Künstler Robin Rhode (*1976 in
Kapstadt) bedient sich einer Vielzahl visueller Sprachen,
wie Fotografie, Performance, Zeichnung und Skulptur, um
beeindruckend schöne Erzählungen zu schaffen. Rhode,
der im erst kürzlich von der Apartheid befreiten Südafrika
aufwuchs, sah sich dort mit neuen Formen des kreativen
Ausdrucks konfrontiert, die eher vom individuellen
Geist motiviert waren, als von einer politischen oder
sozialen Absicht diktiert zu sein. Diese Publikation legt
den Schwerpunkt auf den Einfluss der Arte povera der
frühen 1960er- bis in die 1970er-Jahre, die Rhodes hybride
Street-Art-Ästhetik prägte. Im kreativen Dialog mit
der italienischen Kunstbewegung verwandelte er urbane
Landschaften und Innenräume in Fantasiewelten, in
denen Zeit und Raum verdichtet und zweidimensionale
Darstellungen zum Thema dreidimensionaler Interaktionen
eines einzigen Protagonisten werden. Rhodes Arbeiten
zeigen ihn als Meister der Illusion, sie führen eine reiche
Palette an historischen und zeitgenössischen Referenzen
vor Augen und ein angeborenes Talent für das Verschmelzen
hoher und niedriger Kunstformen.
Robin Rhode
Tension
The Berlin-based artist Robin Rhode (*1976 in Cape
Town) engages in a variety of visual languages such as
photography, performance, drawing, and sculpture,
to create arrestingly beautiful narratives. Coming of age in
a newly post-apartheid South Africa, Rhode was exposed
to new forms of creative expression motivated by the
spirit of the individual rather than dictated by a political
or social agenda. This new publication emphasizes the
creative influence of the Italian art movement Arte Povera
during the early sixties and seventies, on Rhode’s hybrid
street-based aesthetic. The creative dialogue transformed
urban landscapes and interior spaces into imaginary
worlds, compressing space and time, as two-dimensional
renderings become the subject of three-dimensional
interactions by a sole protagonist. Rhode’s work reveals
a mastery of illusion, a rich range of historical and
contemporary references, and an innate skill for blending
high and low art forms.
Zu diesem Buch
erscheint eine
Texte von / Texts by ANDREA BELLINI, MICHELE ROBECCHI,
Gestaltung von / graphic design by STEFAN SENGER
Ca. 232 S. / pp., ca. 450 Abb. / ills., 30 x 22,4 cm, Leinen / clothbound
€ 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4160-6 (English, Italian)
Juni / June 2016
22
this publication
p. 113
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Taryn Simons
künstlerische
Untersuchungen
der Inszenierung
von politischer Macht
Taryn Simon’s artistic
research into the
staging of political power
In Paperwork and the Will of Capital vereint Taryn Simon
(*1975) – eine der originellsten und anspruchsvollsten
Konzeptkünstlerinnen unserer Zeit – Geopolitik,
Gartenbauwissenschaft und die Kunst des Stilllebens,
um zu untersuchen, wie die Inszenierung von Macht
erschaffen, ausgeführt, vermarktet und erhalten wird.
Bei der Unterzeichnung politischer Abkommen, Verträge,
Vereinbarungen und Dekrete, die einige der wichtigsten
Belange unserer Zeit festlegen, werden mächtige Männer
von Blumenarrangements flankiert, die dazu angetan
sind, die Bedeutung der Unterzeichnenden und der von
ihnen vertretenen Institutionen zu vermitteln. Simon
stellte die Arrangements anhand von Archivaufnahmen
bedeutender Ereignisse nach und fotografierte sie;
dann trocknete und presste sie die Blumen für ein
Herbarium. Dieses prächtige Buch, teils Naturstudie, teils
Metapher, zeugt von einem kunstvollen und faszinierenden
Prozess künstlerischer De- und Rekonstruktion.
Taryn Simon
Paperwork and the Will of Capital
Gagosian, New York
18.2.–26.3.2016
Garage Museum of Contemporary Art, Moskau / Moscow
17.3.–22.5.2016
Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv
15.9.2016–14.1.2017
In Paperwork and the Will of Capital, Taryn Simon
(* 1975)—one of the most original and challenging
conceptual artists of our time—brings together
geopolitics, horticultural science, and the art of the
still life, to investigate how the stagecraft of power
is created, performed, marketed, and maintained.
At signings of political accords, contracts, treaties, and
decrees determining some of the gravest issues of
our time, powerful men flank floral centerpieces curated
to convey the importance of the signatories and their
represented institutions. Simon reconstituted and
photographed the flower arrangements from archival
images of key events; she then dried and pressed
the flowers as herbarium specimens. This sumptuous
book, part nature study, part metaphor, bears
witness to an elaborate and intriguing process of artistic
deconstruction and reconstruction.
Zu diesem Buch
erscheint eine
Texte von / Texts by HANAN AL-SHAYKH, DANIEL E. ATHA,
KATE FOWLE, NICHOLAS KULISH,
Gestaltung von / graphic design by JOSEPH LOGAN, TARYN SIMON
198 S. / pp., 1006 Abb. / ills., 25,5 x 33,7 cm, Hardcover
€ 78,– [D], CHF 99,00, $100.00, £70.00
ISBN 978-3-7757-4157-6 (English)
this publication
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»Das Beklemmendste an diesen Fotografien ist,
dass auf ihnen weder die Mörder noch
die Mordopfer zu sehen sind. An Schmekens
Aufnahmen wirkt gerade das Unauffällige,
Banale und Gewöhnliche unheimlich .«
– H A N S M AG N US E N Z E N S B E RG E R
Im Frühjahr 2013 begann Regina Schmeken, die Tatorte
des Nationalsozialistischen Untergrundes (NSU) zu
fotografieren. Um der Beklemmung zu begegnen, die
jeden ergreift, der sich mit den Attentaten
auseinandersetzt, entschloss sie sich, die Fotografien im
Rahmen einer Ausstellung zu zeigen. Dabei geht es darum,
die Ungeheuerlichkeit dieser scheinbar willkürlichen
Gewalt zu vergegenwärtigen sowie der Ermordeten zu
gedenken. Der Titel bezieht sich auf die Propagandaformel
»Blut und Boden« und damit auf die Überzeugung der
Nationalsozialisten, dass ein »gesunder Staat« nur auf
der Einheit von »eigenem Volk und Boden« gründen kann.
Die Opfer des NSU waren vor allem türkischstämmige
Mitbürger, die kaltblütig umgebracht oder schwer
verletzt wurden. Regina Schmeken fotografierte in acht
deutschen Städten Orte, die auf den ersten Blick keine
Spuren mehr aufweisen. Entstanden ist ein großformatiger
Bilderzyklus in Schwarz-Weiß, dessen Motive in dem
vorliegenden Bildband dokumentiert sind. Die Fotografien,
die die Geschehnisse mit bildnerischen Mitteln gleichsam
aufarbeiten, wirken verstörend eindrücklich.
In early 2013, Regina Schmeken began taking pictures of
the crime scenes of the National Socialist Underground
(NSU). To overcome the sense of oppression that takes hold
of anyone dealing with the crimes, she decided to turn
her photography project into an exhibition. The aim is to
show the monstrosity of these apparently random acts of
violence and to commemorate the victims. The title makes
reference to the Nazi slogan Blut und Boden (Blood and
Soil) which reflects the conviction that the essentials of a
“healthy nation” are its people and the soil on which it is
built. Most of the NSU victims who were severely injured or
even murdered in cold blood were of Turkish origin. Regina
Schmeken took photographs of sites in eight German cities
that at first glance no longer exhibit any visible traces of
the crimes. The result has been a series of large-format
black-and-white pictures, which have been documented in
the present volume. The photographs come disturbingly
impressive and reflect the process of coming to terms with
the events by pictorial means.
Regina Schmeken
Blutiger Boden. Die Tatorte des NSU
Hrsg. / Ed. MI LITÄR H ISTOR ISCH ES MUSEUM DER BU N DESWEH R,
DRESDEN, Texte von / texts by HANS MAGNUS ENZENSBERGER,
SHERMIN LANGHOFF, GORCH PIEKEN, KATJA PROTTE,
AN ETTE RAMELSB ERGER, MATTH IAS RO GG, FER I DU N ZAIMO GLU
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4158-3 (Deutsch)
Oktober 2016
Militärhistorisches Museum der Bundeswehr, Dresden
3.11.2016 – 7.5.2017
26
sowie weitere Stationen / and further venues
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Der Rhein –
60 fotografische
Positionen zwischen
Zeugnis und Mythos
The Rhine—
sixty photographic
positions between
testimony and myth
Der Rhein ist ein Bilderstrom, und das gleich im doppelten
Sinn. Seit Beginn der Bildproduktion ist der berühmteste
aller europäischen Flüsse ein Motiv, das in zahlreichen
Gemälden, Zeichnungen und Stichen Verbreitung findet.
In ihrer Summe erzeugen und modellieren die Rheinbilder
kollektive Vorstellungen, welche die Wahrnehmung
des Flusses bis heute prägen. Sie changieren dabei zwischen
Zeugnis und Mythos, zwischen Klischee und Kunst.
Der Ausstellungskatalog erkundet die ambivalenten
Wechselwirkungen zwischen Fluss und Bild anhand der
Fotografie, jenem technischen Verfahren der Moderne,
das in einem besonderen Spannungsfeld zwischen
Wirklichkeitstreue und Sehnsucht nach Imagination steht.
Über 60 namhafte Fotografen, insbesondere aus den Ländern –
Deutschland, Frankreich, Schweiz und den Niederlanden,
die der Rhein verbindet, präsentieren ein Spektrum,
das von freien dokumentarischen und bildjournalistischen
Arbeiten bis zu fotokünstlerischen Positionen reicht.
bilderstrom
Der Rhein und die Fotografie 2016–1853
Hrsg. / Ed. LVR-LAN DESMUSEUM B ON N, CH R ISTOPH SCHADEN,
Texte von / texts by ADELHEID KOMENDA, CHRISTOPH SCHADEN, GERALD SCHRÖDER,
MONA SCH U B ERT, u. a. / et al. Gestaltung von / graphic design by PETER KRÜ LL
Ca. € 29,80 [D], CHF 37,40, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4190-3 (Deutsch)
September 2016
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Since the beginning of pictorial production, the Rhine, Europe’s
most celebrated river, has been the subject of numerous
paintings, drawings, and engravings. By and large, these
images of the Rhine create and model collective notions
that influence our perception of the river to this very day,
alternating between testimony and myth, between cliché
and art. The exhibition catalogue explores the ambivalent
correlation between river and image based on photography,
this modern technical process that occupies a special
field of tension between reality and imagination. More
than sixty renowned photographers, primarily from
the countries adjacent to the Rhine—Germany, France,
Switzerland, and the Netherlands—present a spectrum of
photographic positions that range from documentary
and photojournalistic to artistic.
LVR-LandesMuseum Bonn
9.9.2016 – 2 2.1.2017
»Ich bin bereit, dem Rhein alles
zu glauben ...« – H EINRICH BÖLL ,
1957
Mit WERKEN von / With WORKS by:
Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Chargesheimer, Hannes Maria Flach,
Francis Frith, Robert Häusser, Candida Höfer, Barbara Klemm,
Herbert List, Ute Mahler, Charles Marville, Lee Miller, Gerhard Richter,
Albert Renger-Patzsch, Frits Rotgans, August Sander, Wolfgang Tillmans, …
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Atemberaubende
Fotografien
vom Nabel der Welt
Breathtaking
photographs
from the
hub of the world
2012 unternahm Samuel Zuder (*1965) eine Reise zu
einem der faszinierendsten Orte der Welt. Der Legende
nach wurde er von niemandem bis auf Yogi Milarepa
im 12. Jahrhundert jemals bestiegen, wenngleich von
Abertausenden Pilgern umrundet: Der Mount Kailash,
der wegen seiner außergewöhnlichen symmetrischen
Form auch »Juwel des Schnees« genannt wird, liegt
inmitten der Gesteinswüste der tibetischen ChangtangHochebene. Verehrt von gleich vier Glaubensrichtungen –
Hinduismus, Buddhismus, Jainismus und Böns –, ist er das
Sujet des Fotografen, der die Anziehungskraft dieses Ortes –
sein Versprechen von Glück und Erleuchtung – in Bilder
bannt. Über mehrere Wochen begleitete Zuder mit einer
analogen Großformat-Kamera die Wallfahrer auf ihrem
rund 53 Kilometer langen Pfad um den Berg, den sie alle
als Ursprung der Welt betrachten. Die stille Erhabenheit
des Mount Kailash spiegelt sich nicht nur in den
beeindruckenden Landschaftsaufnahmen, sondern auch
in den Gesichtern der Menschen auf diesem Weg wider.
Samuel Zuder
Face to Faith | Mount Kailash | Tibet
Text von / Text by SAMUEL ZUDER, Gestaltung von / graphic design by
PETER SCHMIDT, BELLIERO & ZANDÉE
Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00
September 2016
30
In 2012, Samuel Zuder (*1965) set out to one of the
most fascinating places in the world. According to
legend, the yogi Milarepa was the only one to have
scaled it in the twelfth century, although thousands
of pilgrims circumambulated it: Mount Kailash—also
known as the “Jewel of Snow” due to its unusually
symmetrical form—in the middle of the rocky desert of
Tibet’s Changthang plateau. Venerated by four religious
orientations—Hinduism, Buddhism, Jaina, and Bön—
the photographer harnessed the magnetism of this
site, its promise of happiness and enlightenment, in his
images. With his large-format, analogue camera, Zuder
accompanied pilgrims over a period of several weeks
on their approximately fifty-three-kilometer-long path
around Mount Kailash–which they regard as the origin of
the world–to capture its silent grandeur.
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H I GH L I GHTS
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“Herzog’s affectionate reportage
was made out of a feeling
for places and structures that,
because of their specific
qualities, evoked that particular
kind of response–an impulse
to savour, celebrate and
commemorate.” – J E F F WA L L
Pionier der
Farbfotografie:
Umfassendes
Überblickswerk mit
unveröffentlichtem
Fotomaterial
Pioneer of color
photography:
Comprehensive
overview with
unpublished photographic material
Fred Herzog
Texte von / Texts by DAVID CAMPANY, HANS-MICHAEL KOETZLE, JEFF WALL
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $45.00, £32.50
November 2016
32
Fred Herzog wurde vor allem durch seinen ungewöhnlichen
Einsatz von Farbe in den 1950er- und 1960er-Jahren
bekannt, einer Zeit, in der Kunstfotografie häufig nur mit
Schwarz-Weiß-Aufnahmen in Verbindung gebracht wurde.
Mehr als 50 Jahre lang arbeitete der kanadische Fotograf
nahezu ausschließlich mit Kodachrome-Diafilmen, und
erst im vergangenen Jahrzehnt ermöglichte es ihm der
technologische Fortschritt, archivalische Pigmentdrucke
herzustellen, die den außergewöhnlichen Farben und
der Intensität der Kodachrome-Dias entsprechen. In dieser
Hinsicht können seine Fotografien als Prototyp für
die New-Color-Fotografen der 1970er-Jahre gelten. Diese
Monografie vereint mehr als 230 Aufnahmen, von denen ein
Großteil nie zuvor reproduziert wurde, und enthält zudem
Beiträge gefeierter Autoren wie David Campany und HansMichael Koetzle. Fred Herzog ist die bislang umfassendste
Publikation zum Werk dieses bedeutenden Fotografen.
Fred Herzog is known for his unusual use of color in
the fifties and sixties, a time when art photography was
frequently associated with black-and-white imagery. The
Canadian photographer worked almost exclusively
with Kodachrome slide film for over fifty years, and only
in the past decade has technology allowed him to make
archival pigment prints that match the exceptional color
and intensity of the Kodachrome slide. In this respect, his
photographs can be seen as a prefiguration of the New
Color photographers of the seventies. This book brings
together over 230 images, many never before reproduced,
and features essays by acclaimed authors David Campany
and Hans-Michael Koetzle. Fred Herzog is the most
comprehensive publication on this important photographer
to date.
33
H I GH L I GHTS
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Aufgegabelt:
Fundstücke
aus privaten
Fotoalben
Unearthed:
finds from private
photo albums
»Ich verstehe nicht, wie man an einem Baum
vorübergehen kann, ohne glücklich zu sein«, heißt es in
Fjodor Dostojewskis Roman Der Idiot. Und vielleicht
erklärt dieser Ausspruch auch ein wenig das zwischen
den 1920er- und 1950er-Jahren beliebte, aber bislang
in keinem Buch thematisierte Motiv von Frauen auf
Bäumen, die der begeisterte Sammler Jochen Raiß auf
seinen Flohmarktstreifzügen entdeckt hat. Aus Kisten, in
denen sich zahlreiche Momentaufnahmen aus fremden
Leben wild zusammengewürfelt befanden, zog er
Schwarz-Weiß-Aufnahmen junger Frauen heraus, die in
schwindelerregender Höhe ihrem Gegenüber manchmal
fast verliebt zulächeln. Die Publikation versammelt
die Bildfunde dieses charmanten Genres, die Raiß über
die Dauer von 25 Jahren zusammengetragen hat. Ob keck
die Beine baumeln lassend, lässig in die Astgabelungen
geschmiegt oder sportlich die Baumwipfel erklimmend –
jedes Bild hat seine ganz eigene Geschichte, die es
zu entdecken gilt. Ein Buch voller Nostalgie.
Frauen auf Bäumen / Women in Trees
Hrsg. und Text von / Ed. and text by JO CH EN RAISS,
Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
112 S. / pp., ca. 55 Abb. / ills., 12 x 17 cm, Hardcover
€ 15,– [D], CHF 19,90, $25.00, £13.99
ISBN 978-3-7757-4167-5 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4218-4 (English)
Juni / June 2016
34
» Auf all diesen Fotos sind Frauen
zu sehen, deren Lebensgeschichte
ich niemals erfahren werde. Ich
weiß nicht, warum und wo sie auf
einen Baum gestiegen sind,
wen sie anlächeln. Das lässt viel
Raum für Geschichten, die im
Kopf entstehen können. « – J O C H E N R A I S S
“You know, I don’t know how one can walk by a tree and
not be happy at the sight of it?” writes Fyodor Dostoyevsky
in The Idiot. Perhaps this sentence could also be used to
explain the theme of women in trees that was so popular
between the twenties and fifties and, until now, has never
before been assembled in a book. The enthusiastic collector
Jochen Raiß discovered this subject during his flea market
excursions. He pulled black-and-white photographs out
of boxes in which he found numerous snapshots of other
people’s lives thrown together haphazardly. They feature
young women at dizzying heights who at times smile
into the camera as if they were in love. The publication
assembles the finds from this charming genre that Raiß
compiled over a period of twenty-five years. Whether
cheerfully dangling their legs, casually nestling in the forks
of branches, or athletically climbing to the treetop—
each picture has its very own story to discover. A book full
of nostalgia.
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H I GH L I GHTS
“Hyper real,
crisply focused,
you can study and wonder
at the insane detail
of these sets […]”
– SA M M E N D E S
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Zu Gast bei
James Bond –
spektakuläre
Aufnahmen
des SpectreFilmsets
Visiting
James Bond—
Spectacular
pictures
of the Spectre
film sets
Basierend auf den spektakulären Kulissen des letzten
James-Bond-Films Spectre hat das britische Künstlerduo
Anderson & Low ein höchst kreatives Kunstprojekt
geschaffen. In den Aufnahmen, die allesamt in den
Pinewood Studios entstanden sind, stellte das Künstlerduo
eine frontale Kollision von Fantasie und Wirklichkeit in
den Mittelpunkt, indem es sowohl die enormen Ausmaße
als auch die außerordentliche Detailtreue der Kulissen
fotografisch festhielt. Dass sich in diesen Aufnahmen auch
die schmucklosen Studios ins Bild drängen dürfen – was
die Illusion des Sets in der Regel zerstört –, hat hier den
gegenteiligen Effekt. Denn vielmehr verstärkt sich dadurch
das Gefühl von Staunen und trickreicher Täuschung.
So erwecken die wunderschön gestalteten und prächtig
fotografierten Bilder die riesigen, detailreichen Tableaux
zum Leben und erschaffen eine Poesie und erzählerische
Fantasie, die gleichzeitig den Film widerspiegeln. Diese
Publikation stellt eine einzigartige Studie des Filmschaffens
und der konstruierten Narrative in der Fotografie dar.
The British artist duo Anderson & Low has created
a highly original art project based on the brilliant artifice
of the spectacular sets from the latest James Bond
movie, Spectre. Shooting entirely at Pinewood Studios,
the artist duo highlights a head-on collision of fantasy
and reality by photographing the sets’ massive scale
and extraordinary detail. Allowing the bare soundstage to
intrude on the images would normally shatter the illusion
of the sets. In this case, however, it has the reverse effect
and enhances the sense of illusion, artifice, and wonder.
Through a poetic and painterly eye, the beautifully designed
and magnificently photographed images bring to life
these detailed and massive tableaux, creating a poetry
and narrative fantasy that mirrors the movie. This book
represents a unique study in movie-making and constructed
narratives in photography.
Camera Work, Berlin
24.6.–27.8.2016
Anderson & Low
On the Set of James Bond’s Spectre
Vorwort von / Foreword by SAM MENDES, Text von / text by SCOTT BUKATMAN,
Gestaltung von / graphic design by CHEE HO WAN
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4198-9 (English)
Juni / June 2016
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H I GH L I GHTS
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Einblick in die Arbeit
des Berliner
Architekturbüros
Insight into the
work of the Berlin
architectural practice
Das Büro Staab Architekten widmet sich seit seiner Gründung
1991 einem breiten Spektrum von Bauaufgaben, das
von Neubauten in sensiblen Stadt- und Landschaftsräumen
bis zu Umbauten und Neuinterpretationen von
denkmalgeschützten Gebäuden reicht.
Seine Handschrift lässt sich nicht anhand formaler
Ähnlichkeiten erkennen, sondern in der methodischen
Herangehensweise, die hinter der individuellen Entwicklung
jedes einzelnen Projektes steckt. Aus den komplexen
Rahmenbedingungen jeder Bauaufgabe wird eine Vielzahl
von Bezugspunkten bestimmt, aus denen Form, Funktion
und Materialität der Bauwerke entwickelt werden.
Anhand übergeordneter Themen und einer Auswahl von
Projekten wird die Arbeitsweise des Büros aus eigener
Sicht und aus der Perspektive des Architekturkritikers
Florian Heilmeyer näher beleuchtet.
Since founding their office in 1991, Staab Architekten have
devoted themselves to a broad spectrum of construction
projects that range from new buildings in sensitive urban
spaces and landscapes to conversions and reinterpretations
of landmarked buildings.
The office’s signature cannot be identified based on formal
similarities but rather in the methodical approach behind
the individual development of each project. Many points of
reference are determined by the complex parameters
of each construction project, from which the form, function,
and materiality of the structures are developed.
Based on overarching themes and a selection of projects,
light is cast on Staab Architekten’s approach from the
perspective of the office itself as well as that of architectural
critic Florian Heilmeyer.
Staab Architekten
Verwandte Unikate / Kindred Objects
Texte von / Texts by FLORIAN HEILMEYER, STAAB ARCHITEKTEN,
Gestaltung von / graphic design by FERNKOPIE
Ca. 352 S. / pp., ca. 500 Abb. / ills., 30 x 25,8 cm, Leinen / clothbound
Ca. € 68,– [D], CHF 86,00, $105.00, £60.00
ISBN 978-3-7757-4204-7 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4205-4 (English)
November 2016
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Ausgewählte Projekte / Selected projects:
LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster;
Neue Galerie Kassel;
Museum der Bayerischen Könige;
Richard-Wagner-Museum, Bayreuth
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Eine Design-Bibel,
die begeistert
A fascinating
design bible
Dänemark hat
längst internationale
Designgeschichte
geschrieben. Dänische Möbel, Textilien,
Haushaltsgegenstände und -utensilien der 1960er- und
1970er-Jahre sind heute gefragter denn je. Die herrlichen
Stücke werden inzwischen von Designgalerien angeboten
und sind auf Flohmärkten kaum mehr zu finden. Kurzum,
das nordische Gebrauchsdesign für jeden Tag hat
sich zu einer international gesuchten Trophäe für Kenner
entwickelt. Die Publikation bietet einen umfassenden
Überblick über jene Alltagsobjekte, die bis heute
in Dänemark, aber auch weltweit Designgeschichte
geschrieben haben. Der Leiter der Forschungsabteilung
des Designmuseums in Kopenhagen, Lars Dybdahl,
dringt zusammen mit 32 führenden Wissenschaftlern und
Publizisten in die spannende Geschichte der einzelnen
Gegenstände ein. Spielerisch vorgestellt und in ihrem
historischen Kontext verortet, lässt der Katalog diese
einzigartige Objektwelt in einem neuen Licht erscheinen.
Denmark has long since written international design history.
Today, Danish furniture, textiles, and home appliances
and utensils from the sixties and seventies are more popular
than ever. The beautiful pieces are available for sale at
design galleries and have become a rarity at flea markets.
In short, Nordic items for everyday use have become
internationally sought-after trophies for sophisticates.
This publication provides an extensive overview of those
everyday objects that have to this day written design
history both in Denmark as well as worldwide. Along with
thirty-two leading scholars and journalists, the head of the
library and research at the Designmuseum Danmark in
Copenhagen, Lars Dybdahl, advances into the fascinating
history of the individual objects.
Playfully presented and situated in
their historical context, the catalogue
sheds new light on this unique
world of objects.
101 Danish Design Icons
Hrsg. / Ed. DESIGNMUSEUM DANMARK, Texte von / texts by LARS DYBDAHL, u. a. / et al.
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4212-2 (English)
Oktober / October 2016
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H I GH L I GHTS
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Einfach schön:
die bibliophil
ausgestattete
Monografie
über den dänischen
Möbeldesigner
Simply beautiful:
the elaborately
crafted monograph
on the Danish
furniture designer
Børge Mogensen (1914–1972) war einer der wichtigsten und
einflussreichsten Vertreter des dänischen Möbeldesigns.
In mehr als 30 Jahren schuf er eine Vielzahl an
Qualitätsmöbeln, von denen einige bis heute als DesignKlassiker gehandelt werden, wie etwa sein Spanischer
Stuhl. Beeinflusst von traditioneller Handwerkskunst, ließ
er sich oft auch von Shaker-Möbeln inspirieren. All seine
Ideen hielt er sogleich fest – ob auf Streichholzschachteln,
Servietten oder bereits verwendeten Briefumschlägen.
Diese prachtvolle Monografie untersucht Mogensens
spannende Arbeitsweise und stellt seine bekanntesten
und beliebtesten Möbelstücke und -serien vor.
Werkstattzeichnungen, Skizzen und Aufnahmen seiner
Möbel sowie Fotografien aus seinem Alltag ermöglichen
spannende Einblicke in die Welt des dänischen Designers,
dessen Möbel nicht nur sehr gut aussehen, sondern
auch eines im Besonderen sind: funktional.
Børge Mogensen (1914–1972) was one of the most
important and influential representatives of Danish
furniture design. In more than thirty years, he created a
wealth of quality furniture, many pieces of which
are sold as design classics to this day, for example his
Spanish Chair. Influenced by traditional craftsmanship,
he was also often inspired by Shaker furniture. He noted
down all of his ideas immediately—whether on
matchboxes, napkins, or used envelopes. This magnificent
monograph examines Mogensen’s interesting approach
and presents his most well known and most popular pieces
of furniture. Workshop drawings, sketches, and photographs
of his furniture as well as pictures from his everyday
life permit fascinating insight into the world of the Danish
designer, whose furniture is not only very attractive
but above all: functional.
Børge Mogensen
Möbel mit Format / Simplicity and Function
Text von / Text by MICHAEL MÜLLER
Ca. 240 S. / pp., ca. 230 Abb. / ills., 22 x 27,5 cm, Hardcover
Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4210-8 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4211-5 (English)
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P wie PARTIZIPATION
Kompakt informiert:
was macht
»Wohnen heute«
zukünftig aus
Compact information
about “contemporary
living” in the future
Die gemeinsame Erarbeitung der Regeln
des Zusammenlebens und der baulichen
Ausformung nach den Wünschen und
Bedürfnissen der Teilnehmer ...
P for PARTICIPATION
The joint drafting of rules for community living
and the design of architecture that meets
the needs and desires of the participants in
the course of workshops . . .
Die Fortentwicklung des Wohnungsbaus in den
europäischen Großstädten steht angesichts einer nicht
nachlassenden Urbanisierung gegenwärtig vor großen
Herausforderungen. Zugleich wächst das Interesse
an Wohneigentum, und die Differenzierung von
Wohnbedürfnissen steigt aufgrund des demografischen
Wandels. Als Reaktion darauf entstehen gegenwärtig neue
Bauinitiativen, die an individuellen Anforderungen und
selbstbestimmten Organisationsformen ausgerichtet sind.
Diese Wohnprojekte folgen einem gemeinsamen Ansatz im
Planungs- und Wohnprozess: der Partizipation!
Von A wie Architekt bis Z wie Zeitbedarf stellt dieses Buch
alle wichtigen Begriffe zum gemeinsamen Planen und
Wohnen kurz und prägnant vor. Die Begriffe begleiten
die Konkretisierung der Ideen, die Konzeptfindung und
die Planungsprozesse von Wohnprojekten und bilden
ihre innere Struktur ab. Sie sind Teil der Kommunikation
zwischen Bewohnern, Bauherr und Architekt und beschreiben
den Weg hin zum Wohnen in der Gemeinschaft.
The further development of housing in the major European
cities faces a number of challenges in these days of
rampant urbanization. This trend is coupled with a growing
interest in home ownership and increasingly diverse
domestic requirements that are the result of demographic
change. In response to these challenges, new building
initiatives are being formed with the aim of meeting
individual requirements through self-determined forms
of organization. These housing projects take a communal
approach to both the planning process and later day-to-day
living: Participation!
From A for Architect to Z for Zoning, this book provides a
brief and informative overview of all the key terms describing
communal planning and living. These terms accompany
the development of ideas and concepts as well as the
planning processes for housing projects and map their inner
structure. They are part of the communication between
residents, client, and architect, and describe the path toward
the ultimate goal of living in a functioning community.
Keine Angst vor Partizipation / Don’t Be Afraid to Participate
Das kleine ABC des gemeinsamen Bauens und Wohnens / The Little ABC of Communal Planning and Housing
Hrsg. / Ed. ARCHITEKTURMUSEUM DER TU MÜNCHEN, in Zusammenarbeit mit /
in collaboration with MITBAUZENTRALE MÜNCHEN, Texte von / texts by
NATALI E SCHALLER, H EI KE SKOK, H I LDE STROB L, Zeichnungen von / drawings by
SABINE HIRSIG, Gestaltung von / graphic design by KW NEUN GRAFIKAGENTUR
96 S. / pp., 50 Abb. / ills, 12,5 x 19 cm, Softcover
€ 9,80 [D], CHF 13,50, $15.00, £8.99
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AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Architekturmuseum
TU München
in der Pinakothek der Moderne
17.3. – 1 2.6.2016
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Erste Monografie
über den AgaKhan-Preisträger
First monograph on
the recipient of
the Aga Khan Award
for Architecture
Diébédo Francis Kéré (*1965 in Burkina Faso) steht wie
kaum ein anderer Architekt für das Zusammendenken
konstruktiver, sozialer und kultureller Aspekte des Bauens.
Nicht nur mit seinen Entwürfen für Christoph Schlingensiefs
Operndorf machte er sich einen Namen. Vor allem für
die realisierten Bauprojekte in seiner Heimat Burkina
Faso erhielt er zahlreiche internationale Preise – darunter
2004 den Aga Khan Award for Architecture. In seinen
Gebäuden vereint sich seine Ausbildung an der Technischen
Universität Berlin mit den traditionellen Baumethoden
Burkina Fasos. Dabei stellt er die gesellschaftlichen und
historischen Notwendigkeiten vor Ort ins Zentrum seiner
Gestaltungskonzepte. Das Innovative: Er setzt auf die
Bewohner. Sie werden zu Fachleuten ausgebildet und so
zu Konstrukteuren ihrer Zukunft. Die erste Monografie
zu seinem umfassenden Werk bietet einen einzigartigen
Einblick in das Schaffen dieses herausragenden Architekten
und führt vor Augen, dass sich Architektur nicht nur
um Gebäude, sondern immer auch um Menschen dreht.
Francis Kéré
Hrsg. / Ed. ANDRES LEPIK, Texte von / texts by AYCA BEYGO,
ANDRES LEPIK u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by VERENA GERLACH
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4216-0 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4217-7 (English)
November 2016
46
Unlike almost any other architect, Diébédo Francis Kéré
(*1965 in Burkina Faso) stands for the association of
constructive, social, and cultural aspects of building. He
made a name for himself not only with his designs for
Christoph Schlingensief’s Opera Village Africa. He has
received numerous international awards, primarily for his
building projects in his native country of Burkina Faso—
including the 2004 Aga Khan Award for Architecture.
His structures join his formal training at the Technische
Universität Berlin with the traditional building methods
of Burkina Faso. In doing so, he places local social and
historical needs at the center of his design concepts.
The innovative thing about this work is: he relies on the
inhabitants. They are trained to become professionals
and thus the constructors of their own future. This first
monograph on his extensive oeuvre provides unique insight
into the creative work of this outstanding architect and
renders visible the fact that architecture not only revolves
around buildings, but always around people as well.
Architekturmuseum
TU München
in der Pinakothek der Moderne
November 2016
»Mit Diébédo
Francis Kéré findet
die Architektur
zurück zu
ihrem tiefen Sinn.«
– M A R I O B OT TA
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KU N ST / A RT
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KU NST / ART
ART
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KU N ST / A RT
KU NST / ART
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“Promise to
be rigorous,
to follow the
path of the
opposition,
promise to drag
out by its hair,
to force out that
half-glimpsed
breath of poetry.
Promise to be
less pluralistic, to
see in verticality
the only
possible way
out, wherever it
leads. Promise to
pay your debts
and always in
person.”
– J A N N I S KO U N E L L I S
Ein Ausnahmekünstler gibt sich die Ehre! Jannis Kounellis hat für unsere
EDITION GERD HATJE eine Lithografie geschaffen, die ein Stück Arte
povera auch für Zuhause erschwinglich macht: Das Blatt mit dem Titel
Untitled zeigt den Stiefelabdruck des Künstlers auf Papier. Lakonisch und
mit den sparsamsten Mitteln ist eine Arbeit entstanden, welche die
Gegensätze Statik (Stein) und Dynamik (Schuhsohle) miteinander verbindet.
Eine poetisch anmutende Arbeit mit dem ruppigen Charme der Arte povera.
Die Publikation zu Kounellis’ spektakulärer
Inszenierung in den Hallen der Monnaie de Paris
The publication accompanying Kounellis’s spectacular
staging in the halls of the Monnaie de Paris
Wer die Ausstellungsräume der Monnaie de
Paris im Frühjahr dieses Jahres betrat, hielt
unwillkürlich den Atem an. Jannis Kounellis
(*1936 in Piräus), Mitbegründer und einer
der wichtigsten Vertreter der Arte povera,
konzipierte für die historischen Hallen
der französischen Münzprägeanstalt ein
neues, offenes Kunstwerk, das mit dem Ort
eine Verschmelzung der besonderen und
wortwörtlichen Art eingeht.
Wie bei all seinen Arbeiten kommt für
Kounellis der Raum zuerst ins Spiel, die Idee,
ihn zu füllen danach. So vollziehen Buch
und Ausstellung die Entwicklung seines
Werkes anhand der Räume nach, in denen
diese lebendige Kunst jeweils Gestalt annimmt.
Those who entered the exhibition spaces of
the Monnaie de Paris in this spring would
have surely held their breath. Jannis Kounellis
(*1936 in Piraeus), cofounder and one of the
most important representatives of Arte Povera,
designed a completely new, open work of art
for the venerable halls of the Monnaie de Paris,
the French Mint.
As is the case for all of his works, for Kounellis
what comes into play first is space, followed
by the idea for filling it. Thus the catalogue
as well as the exhibition consummate
the development of his oeuvre on the basis of
each of the spaces in which this vibrant art
takes shape.
Jannis Kounellis
Texte von / Texts by CHRISTOPHE BEAUX, JANNIS KOUNELLIS,
CHIARA PARISI, Gestaltung von / graphic design by
JULIA WAGNER, grafikanstalt
€ 30,– [D], CHF 37,50, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4159-0 (English, French)
MEH R I N FORMATION EN ZU DI ESER ARBEIT FI N DEN SI E AU F S. 113
U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM
An exceptional artist does the honors! For our EDITION GERD HATJE,
Jannis Kounellis has created a lithograph that makes a piece of Arte Povera
affordable for one’s own home: the sheet with the title Untitled features
the artist’s boot print on paper. Laconically and with the most economical
means, a work was produced that joins the opposites of static (stone)
and dynamic (sole of a shoe). A work suggestive
of poetry with the rough charm of Arte Povera.
MORE INFORMATION ON THIS WORK CAN
BE FOUND ON P. 113 AND AT
WWW.EDITIONGERDHATJE.COM
50
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KU N ST / A RT
»Ich will mein Ich in Farbe
und Form kleiden ...« – WILHELM MORGNER
Kunsthaus Zürich / Zurich
3.6. – 2 5.9.2016
“I want to dress my Self in color
and form . . .” – WILHELM MORGNER
MoMA, New York
20.11.2016 – 1 9.3.2017
Wilhelm Morgner und die Anfänge
der abstrakten Kunst
Hrsg. / Ed. KLAUS KÖSTERS, Texte von / texts by
KLAUS KÖSTERS, WALTER WEIHS, Gestaltung von /
graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4097-5 (Deutsch)
November 2016
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KU NST / ART
www.hatjecantz.de
Wilhelm Morgner (1891–1917) gehört zu
den wenigen Künstlern der europäischen
Avantgarde, die schon vor 1914 einen ganz
eigenständigen Weg in die Abstraktion fanden.
Ihm blieben allerdings nur wenige Jahre für
sein künstlerisches Schaffen, da er 1917 im
Ersten Weltkrieg fiel. Anlass dieser Publikation
ist der 100. Todestag Morgners 2017.
Ausgangspunkt seines künstlerischen Weges
war die expressionistische Vorstellung vom
Künstler als Ausnahmemenschen, der sich von
der Tradition befreit und aus sich selbst heraus
eine neue Kunst schafft. Später sollte Morgner
sich theosophisch-anthroposophischen
Vorstellungen nähern, die ihn zur abstrakten
Kunst führten – wie Wassily Kandinsky,
Franz Marc, František Kupka und Piet Mondrian,
die im Buch mit vergleichbaren Arbeiten
vorgestellt werden. So fügen sich Morgners
Bilder in eine europäische Kunstströmung
ein, die vor 1914 ganz entscheidend die
Entwicklung zur abstrakten Kunst einleitete.
Dada ist da! In Zürich schon immer und
zum 100. Jubiläum der Bewegung in diesem
Jahr erst recht. Einer der gepriesensten
Protagonisten der Bewegung steht im Fokus
dieser fulminanten Publikation: Francis
Picabia (1879–1953), der AppropriationKünstler, bevor es dieses Wort überhaupt
gab, der schneidige Rennfahrer, Salonlöwe
und Frauenheld, der den Autoritäten spottete
und sich mit Chuzpe der Kunstgeschichte
»annahm«. Seine Kunst erscheint wie ein
Spiegelbild seiner selbst: Sie bewegt sich
zwischen Kitsch und Ambition, ist exzentrisch,
ironisch und exzessiv zugleich. Der Katalog
umfasst Texte namhafter Autoren, die
die Position Picabias in die Dada-Bewegung
einordnen und seinen Beitrag zur Kunst
der Moderne kritisch hinterfragen. Nicht
zuletzt der opulente Abbildungsteil macht
das aufwendig ausgestattete Buch zu einem
Lesevergnügen mit Langzeitwirkung,
weit über den Ausstellungsbesuch hinaus.
Wilhelm Morgner (1891–1917) is one of the few
artists of the European avant-garde to find
his own way to abstraction before 1914. Only a
few years thereafter remained for his artistic
work, however, as he was killed in action in
1917 during World War I. The occasion for this
publication is the hundredth anniversary
of Morgner’s death in 2017.
The starting point of his artistic path was
the Expressionist concept of the artist as an
exceptional individual who liberates himself
from tradition to create a new kind of
art on his own accord. He would later show
an interest in theosophy and anthroposophy,
which led him to abstract art—like Vassily
Kandinsky, Franz Marc, František Kupka, and
Piet Mondrian, who are also presented in the
book with comparable works. Thus Morgner’s
paintings fall into line with a European art
movement that decisively contributed to the
development of abstract art prior to 1914.
Dada is here! It always has been in Zurich and
even more so on the hundredth anniversary
of the movement this year. One of the most
lauded protagonists of the movement is now
the focus of the brilliant exhibition at the
Kunsthaus Zürich: Francis Picabia (1879–1953),
an appropriation artist before the term even
existed, the dashing racecar driver, lounge
lizard, and womanizer who ridiculed authorities
and “adopted” art history with chutzpah. His
art was like him: between kitsch and ambition,
eccentric, ironic, excessive. The retrospective
promises to be a red-letter event. The catalogue
provides essays and texts by well-known
authors who situate Picabia’s position in the
Dada movement and scrutinize his contribution
to art of the modern era. The quality of the
illustrated section makes for an elaborate
exhibition catalogue that is a wonderful read
in the long term, long after having visited
the presentation.
Ein Verwandlungskünstler und
subversiver Exzentriker
An artist of transformation and
a subversive eccentric
Francis Picabia
Unser Kopf ist rund, damit das Denken die
Richtung wechseln kann
Hrsg. / Eds. CATHÉRINE HUG, ANNE UMLAND, Texte von / texts by
GEORGE BAKER, CAROLE BOULBÈS, MASHA CHLENOVA,
BRIONY FER, GORDON HUGHES, DAVID JOSELIT, JEAN-JACQUES
LEBEL, BERNARD MERCADÉ, ARNAUD PIERRE, RACHEL SILVERI,
JURI STEINER, ADRIAN SUDHALTER, AURÉLIE VERDIER
€ 55,– [D], CHF 69,00, $85.00, £50.00
ISBN 978-3-7757-4175-0 (Deutsch)
Juni / June 2016
53
KU N ST / A RT
Ohne den Faden zu verlieren – einer
lebendigen Webtradition auf der Spur
Without losing the thread—on the trail
of a living weaving tradition
Museum der Kulturen
Basel
21.10.2016 –
2 6.3.2017
Mustergültig
Globale Spuren in der lokalen Ikat-Mode
Global Traces in Local Ikat Fashion
Mit Beiträgen von / With contributions by LORRAINE V. ARAGON,
MONIQUE BAGAL, JOANNA BARRKMAN, PETER DAMARY,
ROY HAMILTON, WILLEMIJN DE JONG, RICHARD KUNZ,
PAOLA VON WYSS-GIACOSA
Ca. 200 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 21 x 30,5 cm, Softcover
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4186-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4187-3 (English)
November 2016
Beeindruckend zeitlos: Ekrem Yalcindags
monumentale Ornamentwelten in der Tradition
geometrischer Abstraktion und Konzeptkunst
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Die Publikation nimmt ihre Leser mit auf eine
Reise in eine Handwerkskunst, die nicht nur
Kenner, sondern auch Laien in ihren Bann
zu ziehen vermag. In aufschlussreichen Texten
tragen Ethnologen und Kunsthistoriker dazu
bei, den umwobenen Forschungsgegenstand
aus unterschiedlichen Blickwinkeln
kennenzulernen: Ikat, die vor allem in
Indonesien, Indien, Mittel- und Südamerika
ausgeübte Technik und Kunstform, komplexe
Muster auf handgewebten Textilien zu
kreieren, hat sich im Laufe der Jahrhunderte
stetig weiterentwickelt. Fremde Einflüsse
wurden aufgesogen und in lokalen Mustern
kreativ verarbeitet. Im Mittelpunkt des Buches
stehen die Arbeiten von Meisterweberinnen
aus Ostindonesien und Timor-Leste. In
ihren Stoffen spiegeln sich nicht nur Mode und
Modernität, sondern auch Aspekte
der Globalisierung.
Striking Patterns
KU NST / ART
www.hatjecantz.de
The publication takes readers on a journey to
a handicraft that causes not only experts
to prick up their ears but laypeople as well,
capturing their imagination with each new
chapter. At the same time, ethnologists and art
historians aid in becoming familiar with the
object of research from various perspectives.
Ikat, the technology and art form of creating
complex patterns on hand-woven textiles that
is practiced primarily in Indonesia, India, and
Central and South America, has continuously
developed over the course of centuries. Foreign
influences were absorbed and creatively
integrated into local patterns. The main objects
of research are works by female master weavers
from eastern Indonesia and Timor-Leste.
Their fabrics reflect not only fashion and
modernity but also aspects of globalization.
Impressively timeless: Ekrem Yalcindag’s
monumental ornamental worlds—in the tradition
of geometrical abstraction and Conceptual Art
Der in Istanbul, Wien und Frankfurt am Main
lebende Ekrem Yalcindag (*1964 in Gölbasi)
zählt zu den wichtigsten zeitgenössischen
Künstlern. Yalcindag, der in der Türkei aufwuchs,
entwickelte seine Bildsprache vor fast
20 Jahren als Student von Hermann Nitsch und
Thomas Bayrle in Frankfurt. Sein feiner, pastoser
Farbauftrag, der mit einem Pinsel der Stärke
null ausgeführt wird, erfordert einen enormen
Zeitaufwand und führt zu einer reliefartigen
Malerei, die sich aus Hunderten kleiner Flächen
aufbaut. Dass Yalcindags Farbauftrag an den
der amerikanischen Farbfeldmaler erinnert,
verwundert nicht, führt man sich seine intensive
Auseinandersetzung mit der Minimal Art
vor Augen. Die Publikation bietet erstmals eine
Analyse seiner originären Werkentwicklung
und Bildsprache. Sie leistet aber auch einen
wichtigen Beitrag zur Erforschung der Rezeption
außereuropäischer ornamentaler Traditionen
innerhalb der zeitgenössischen Kunst.
Living in Istanbul, Vienna, and Frankfurt am
Main, Ekrem Yalcindag (*1964 in Gölbasi) is one
of the most important contemporary artists.
Having spent his childhood in Turkey, he then
developed his visual language as a student
of Hermann Nitsch and Thomas Bayrle in
Frankfurt am Main nearly twenty years ago.
His meticulous, impasto technique executed
with an extremely fine paint brush demands
an enormous amount of time. It results in
relief-like paintings constructed from hundreds
of layers. That Yalcindag’s application of
paint recalls the American Color Field painters
should be of no surprise if one keeps in mind
his intense engagement with Minimal Art.
This publication offers the first analysis of the
artist’s original practice and visual language,
while also providing an important contribution
to the study of the reception of non-European
ornamental traditions within contemporary art.
Ekrem Yalcindag
Hrsg. / Ed. BEATE KEMFERT, Texte von / texts by BURCU
DOGRAMACI, MARTIN SCHULZ, HEINZ PETER SCHWERFEL,
Gestaltung von / graphic design by PROJEKT SURFACE
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4152-1
(Deutsch, English)
Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim
54
7.9. – 6.11.2016
55
KU NST / ART
Der Toulouse-Lautrec
des Times Square
The Toulouse-Lautrec
of Times Square
Einsamkeit und die verzweifelte Suche nach
Anerkennung im New York der 1980er-Jahre
wurden ungeschönt vom kalifornischen Maler
Patrick Angus (1953–1992) eingefangen. Das
schiere Drama seiner expliziten Motive und
seine überragend exakte Beobachtungsgabe,
die im Kontrast zu einer schillernden Farbigkeit
stehen, werden derzeit im internationalen
Kontext als Wiederentdeckung gefeiert. Dabei
ist das Sujet eines Künstlerlebens in der New
Yorker Halbwelt – und damit unvermeidlich
des eigenen Lebens – nur an der Oberfläche
von Bedeutung. Vielmehr sind es die Sehnsucht
nach Liebe, Freundschaft und Akzeptanz,
die uns in seinen Gemälden und Zeichnungen
universell und unmittelbar ansprechen. Dieser
mit einer grandiosen technischen Ausführung
einhergehende poetische Gleichklang verleiht
den Gemälden und Zeichnungen von Patrick
Angus einen unwiderstehlichen emotionalen
und allgemeingültigen Reiz. Das Buch ist eine
posthume Hommage an einen großartigen,
leidenschaftlichen Künstler, der viel zu früh an
Aids verstarb.
Patrick Angus
Painting and Drawings
Texte von / Texts by DOUGLAS BLAIR TURNBAUGH,
MARK GISBOURNE, Gestaltung von /
graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER
Isolation and a desperate search for
recognition in New York in the eighties are
captured unsparingly by American painter
Patrick Angus (1953–1992). The stark drama
of his explicit themes, the phenomenal
exactitude of his observations juxtaposed
against the brilliant iridescence of his
colorations, are currently being celebrated
as a rediscovery in an international context.
The subject of a homosexual artist’s life in
New York’s demimonde is only the veneer of
meaning of his work. Although his subject
is inevitably his own life, it is a reflection the
human condition we all know, the longing
for love, friendship, and acceptance. This
poetic unison, supported by superb technical
execution, gives Patrick Angus’ paintings and
drawings their irresisitable, emotional, and
universal appeal. Painting was the passion of
Patrick Angus’ short life. Dying a victim of the
AIDS plague, his only wish was that his work
would survive him. This book is a posthumous
homage to a great artist.
56
Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00
September 2016
57
KU N ST / A RT
www.hatjecantz.de
»Es sind die einfachen Dinge, die mich
faszinieren und bewegen.« – VELIMI R I LIŠEVIĆ
Revolution im White Cube
Revolution in the White Cube
“It is the simple things that fascinate
and move me.” – VELIMI R I LIŠEVIĆ
Der Maler Velimir Ilišević (*1965 in Sisak) hat
sich längst von seinen großen Vorbildern
Vincent van Gogh oder Chaim Soutine befreit,
um zu einer eigenen, erfahrungsgesättigten
Bildsprache zu gelangen. Seine Motive findet
Ilišević im persönlichen Alltag. In einem
assoziativen Spiel verwandelt er diese und gibt
dem nur schwer Kommunizierbaren Raum.
Seine Kunst lädt die Betrachter ein, über
den pastosen Farbauftrag und fragmentarische
Objekte in suggestive Farb- und Bildwelten
vorzudringen. Der Katalog präsentiert sein
vielgestaltiges Werk erstmals in einem
umfassenden Überblick. Besondere Beachtung
erhält der jüngste Gemäldezyklus, ein
monumentaler Reigen zu Ferdinand Hodler,
der Iliševićs künstlerische Praxis exemplarisch
erfahrbar macht. Ergänzt wird der Band um
kunsthistorische Artikel und einen literarischen
Text von Miljenko Jergović sowie durch einen
Fotoessay von Goran Potkonjak.
Ein Zen-Mönch, der Graffitis auf U-Bahnwagen
sprayt und berühmte Leute mit Farbe bewirft:
der Künstler Gen Atem, der wilde Pionier
der europäischen Urban-Art-Bewegung.
In den 1980er- und 1990er-Jahren arbeitete
er mit der New Yorker Hip-Hop-Legende
Rammellzee zusammen. Ihre gemeinsamen
multimedialen Performances Gothic Futurism –
Ikonoklast Panzerism waren Kult: Selbst
Madonna, die Beastie Boys und Public Enemy
gehörten zu den Zuschauern. In diesem
Buch wird nun Gen Atems neueste Arbeit
präsentiert: ein Bildersturm auf alle und
alles. Sowohl das Schöne und Faszinierende
als auch das Schreckliche und Belanglose,
ja sogar das Unfassbare und Unbegreifliche
werden attackiert und infrage gestellt: Zerstört
Globalisierung unsere Kultur und rettet
Selbstdarstellung meine Identität? Er setzt
auf die Macht der Bilder und lädt den
Betrachter ein, selbst Antworten zu erfinden:
Nur wer teilnimmt, ist bereit für die Revolution.
Gen Atem
Meditated Vandalism
Velimir Ilisević
v
Zwischen Halt und Neubeginn
Texte von / Texts by KATHLEEN BÜHLER, MATTHIAS
FISCHER, MIL JENKO JERGOVIĆ, Fotoessay von /
photo essay by GORAN POTKONJAK, Gestaltung von /
graphic design by GUIDO WIDMER
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4192-7 (Deutsch)
September 2016
The painter Velimir Ilišević (*1965 in Sisak) has
long since liberated himself from his great
paragons Vincent van Gogh and Chaim Soutine
and discovered his own, experience-laden
pictorial language. Ilišević finds his motifs in
his personal everyday life. He transforms these
in a play with associations and gives space to
what is difficult to communicate. His art invites
viewers to advance into suggestive worlds
of color and images by means of the impasto
application of paint and fragmentary objects.
The catalogue presents his multifaceted oeuvre
for the first time in an extensive overview.
Special attention is given to his most recent
series of paintings, a monumental ensemble
on Ferdinand Hodler, which allows for
experiencing Ilišević’s artistic practice in an
exemplary way. The volume is supplemented
by art-historical articles and a literary text
by Miljenko Jergović as well as a photo essay by
Goran Potkonjak.
Museum zu Allerheiligen Schaffhausen
23.9.2016 – 1 2.2.2017
58
Texte von / Texts by GEN ATEM, RÉMI JACCARD,
Gestaltung von / graphic design by MIRIAM BOSSARD
Ca. 200 S. / pp., ca. 120 Abb. / ills., 20,9 x 27,4 cm, Softcover
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
A Zen monk who sprayed graffiti on subway
cars and threw paint at famous people:
the artist Gen Atem, the wild pioneer of the
European urban art movement. In the eighties
and nineties Gen Atem worked with New
York hip hop legend Rammellzee. Their joint,
multimedia performances Gothic Futurism—
Ikonoklast Panzerism were legendary: even
Madonna, the Beastie Boys, and Public Enemy
were among the spectators. Now his latest
work is presented in this book: a clash with
everyone and everything. Both the beautiful
and fascinating as well as the horrible
and insignificant, even the intangible and
incomprehensible is attacked and questioned:
is globalization destroying our culture, and does
self-representation preserve my identity?
He relies on the power of images and invites
viewers to devise their own answers: only he
or she who participates is ready for
the revolution.
ISBN 978-3-7757-4183-5
(Deutsch, English)
September 2016
59
KU NST / ART
AUSSTELLUNGEN /
EXHIBITIONS:
Musée Ianchelevici, La Louvière,
Belgien / Belgium
18.11.2016 – 8 .1.2017
sowie weitere Stationen /
and further venues
“The world here truly is a stage. We play our
mysterious parts, there are enigmatic entrances
and exits into perplexing rooms, and an
unseen director seems to cast the roles from
one painting to another. . .” – B E R N A R D D E W U L F
Für die EDITION GERD HATJE hat Goran Djurovic unter dem Thema
»Tragikomedia/Casting« eine Reihe Originalarbeiten bestimmt:
eindrucksvolle Aquarelle, die er als Vorstudien und persönliches bildhaftes
Gedächtnis produziert. Durch das serielle Arbeiten wächst ein Repertoire
von Bildfindungen heran, dessen er sich dann für die Komposition der
Großformate wieder bedient. Zeitgleich ist jede Arbeit ein eigenständiges
Kunstwerk, das im Kleinen bereits einen repräsentativen Einblick in sein
Arbeiten und in seine Motivauswahl vermittelt.
MEH R I N FORMATION EN ZU DEN 10 EI NZELMOTIVEN FI N DEN SI E
AU F S. 112 U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM
For the EDITION GERD HATJE, Goran Djurovic provided a series of original
works on the theme “Tragikomedia/Casting”: striking watercolors that
he produced as preliminary studies and a personal visual memory. When
working in series, a repertoire of pictorial compositions evolves that he
then makes use of for the composition of the large formats. At the same
time, each work is an independent work of art whose small format provides
representative insight into his approach and his
choice of motifs.
60
Motiv ähnlich, nicht identisch / Motive similar, not identical
MOR E I N FORMATION ON ALL TEN U N IQU E
SPECIMENS CAN BE FOU N D ON P. 112
AN D AT WWW.EDITIONGER DHATJ E.COM
Eine zeitgenössische »condition humaine«,
intensiv und atmosphärisch dicht
A contemporary condition humaine,
intense and atmospherically dense
Goran Djurovic (*1952 in Belgrad) studierte in
Dresden Malerei, heute lebt und arbeitet er
in Berlin. Seine Gemälde zeigen irritierende, ans
Absurde grenzende Inszenierungen, die eine
verstörende und zugleich magisch wirkende
Anziehungskraft besitzen. Eine dramatisch
ausgeleuchtete, kulissenhafte Architektur
lässt seine darin agierenden Protagonisten
in einer kühlen, aber nicht kalten Szenerie
auftreten. In mehreren Farbschichten bringt
der Künstler seine mal düstere, mal heitere
Vision von einer tragikomischen Existenz auf
die Leinwand. Dabei greift er auf die Malweise
alter Meister zurück: Viele Farbschichten liegen
unter der sichtbaren Oberfläche. Das in den
Zwischenschichten aufgetragene Weiß bringt
die Gemälde von innen heraus zum Leuchten.
Gegenüber früheren Jahren arbeitet der
Künstler seit einiger Zeit verstärkt auf großem,
respektive sehr großem Format. Diese
neuen Bilder sind hier erstmalig in diesem
Buch versammelt.
Goran Djurovic (*1952 in Belgrade) studied
painting in Dresden and currently lives and
works in Berlin. His painting deals with
irritating stagings that border on the absurd
and possess a disturbing, and at the same time,
magical appeal. The dramatically lit, stage-like
architecture causes the protagonists to appear
on a cool, but not cold, scene. The artist applies
his sometimes dismal, sometimes humorous
vision of a tragicomical existence to the canvas
in several layers of paint. In doing so, he
draws on the painting style of the Old Masters:
numerous layers of paint lie under the actual
visible surface. The white in the intermediate
layers causes the light to radiate from within.
In contrast to the early years, of late the
artist has been increasingly working on large
or very large-scale formats. These have
been assembled for the first time in this volume.
Goran Djurovic
Tragikomedia
Texte von / Texts by BERNARD DEWULF, ROGER PIERRE
TURINE, Gestaltung von / graphic design by HANNES AECHTER
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4196-5
(English, French, Dutch)
September 2016
61
KU N ST / A RT
KU NST / ART
Geheimnisvoller Architekturkosmos:
ein faszinierendes Überblickswerk
zu Titus Schades Bildwelten
Mysterious architectural cosmos:
a fascinating overview of
Titus Schade’s worlds of images
»Malerei ist für mich ein Spiel auf der Leinwand.
Mit Farbe setze ich auf die zweidimensionale
Fläche Dinge, ähnlich wie ein Modellbauer,
der seine Platte bestückt.« – T I T US S C H A D E
Titus Schade hat für unsere EDITION GERD HATJE in seiner präzisen
Zeichentechnik 10 Unikate gefertigt: Sie zeigen stark ausgeleuchtete
Fassaden von Fachwerkhäusern, die wie ausgeschnitten wirken. Inhaltlich
sind innerhalb der Werkserie immer jeweils zwei Motive als zu einander
gehörig identifizierbar, erkennbar an einer ähnlichen Architektur vor
jeweils hellem und dunklem Hintergrund. Dabei wird auf spielerische
Weise ein »Setzkasteneffekt« erzielt, indem der Künstler die entsprechende
»Schublade« gleich mitliefert: Die Lade mit Schlüsselloch im unteren Teil
einer jeden Arbeit ist Teil der Zeichnung!
Titus Schade created ten unique specimens in his precise drawing
technique for our EDITION GERD HATJE: they feature the intensely
illuminated façades of half-timber houses that look like they have been
cut out. In terms of content, two motifs each can be identified within the
series that belong to one another, recognizable based on their similar
architecture against a light and a dark background. The artist achieves
a “shadow-box-like effect” in a playful way by providing the corresponding
“drawer”: the drawer with a keyhole at the lower
edge of each picture is part of the drawing!
Die Leinwand ist seine Kulisse. Titus Schade
(*1984 in Leipzig), ehemaliger Meisterschüler
von Neo Rauch, malt komplexe und entrückte
Bildräume, die so kontrolliert wie eigenartig
wirken. Fachwerkhäuser, Windmühlen,
Kirchen und rohe 1960er-Jahre-Bauten treten
merkwürdig verflacht – wie ausgeschnitten –
in Erscheinung, als hätten sie kein Volumen.
Und sie bewohnen einen Raum, dem seine
gewohnten Perspektiven verloren gegangen
sind. Ob als Teil einer Regalwand in Reihe
gestellt oder vor einer tiefschwarzen Fläche
im Hintergrund, die gemalten Gebäude bilden
eine Art magische Ortschaft, die sich zwar
mit den Augen betreten, aber mit Worten
kaum beschreiben lässt. Die Monografie
versammelt eine umfangreiche Auswahl dieser
einzigartigen Werke, die von 2009 bis 2016
entstanden sind. Sie lädt dazu ein, Schades
kulissenhafter Malerei zu begegnen und durch
ihre Illusionsräume zu wandern.
The canvas is his backdrop. Titus Schade
(*1984 in Leipzig), former master student of
Neo Rauch, paints complex and enraptured
pictorial worlds that seem as controlled
as they are unique. Half-timbered buildings,
windmills, churches, and crude buildings from
the nineteen-sixties seem strangely flattened
and cut out, as if lacking volume. They inhabit
a space where conventional perspectives
have become lost. The painted buildings—
whether lined up in a shelving unit or against
the darkness of an inky black surface—
form a kind of magical locality that can be
entered with the eyes, though hardly described
in words. This monograph brings together an
extensive selection of these unique works,
created in the period between 2009 and 2016.
It invites us to encounter Schade’s backdroplike paintings and to wander through
their spaces of illusion.
Titus Schade
Allnacht
Texte von / Texts by KITO NEDO, LEONIE PFENNIG,
NEO RAUCH, MARC RIES, Gestaltung von / graphic design by
KATHARINA FIEDLER
120 S. / pp., 70 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Softcover
€ 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4148-4
(Deutsch, English)
MORE INFORMATION ON ALL TEN UNIQUE
SPECIMENS CAN BE FOUND ON P. 112
AND AT WWW.EDITIONGERDHATJE.COM
62
63
KU NST / ART
Ein Geheimtipp der deutschen
Kunstgeschichte nach 1945
Kunsthalle Mannheim
11.11.2016 – 8 .1.2017
The sleeper of post-1945 German
art history
sowie weitere Stationen /
and further venues
Fritz Schwegler (1935–2014) war Bildhauer,
Dichter, Maler und Musiker und von 1972
bis 2001 Professor an der Kunstakademie
Düsseldorf. Hier prägte er als Lehrer und
Persönlichkeit Künstler wie Katharina Fritsch,
Thomas Huber, Martin Honert oder Gregor
Schneider. Er selbst gehörte zu den Künstlern
der legendären, von Harald Szeemann
kuratierten documenta 5, blieb aber trotz einer
aktiven Ausstellungstätigkeit ein Geheimtipp.
Die vorliegende Monografie ermöglicht endlich
einen fundierten Einblick in Schweglers
umfangreiches, vielseitiges Werk, das seit den
1960er-Jahren die Grenzen der Bildhauerei
neu definierte und die Wende hin zum
Konzept vollzog. Sie richtet den Blick auf sein
innovatives Gesamtwerk, stellt innere Bezüge
zwischen den unterschiedlichen Werkphasen
her und erschließt so seine komplexe wie
sinnreiche Gedanken- und Formenwelt. Neben
den »Annäherungen« von Barbara Klemm,
Peter Handke und Michael Krüger kommt der
Künstler auch selbst zu Wort.
Fritz Schwegler (1935–2014) was a sculptor,
poet, painter, and musician, and was a
professor at the Kunstakademie Düsseldorf
from 1972 to 2001. As a teacher and personality
he influenced artists such as Katharina
Fritsch, Thomas Huber, Martin Honert, or
Gregor Schneider. He was one of the artists
who exhibited at the legendary documenta 5
curated by Harald Szeemann, yet he remained
an insiders’ tip despite his exhibition activity.
This monograph finally allows for a profound
insight into Schwegler’s extensive, multifaceted
body of work, which beginning in the sixties
redefined the boundaries of sculpture and
made the transition to the concept. It directs
one’s attention to his innovative oeuvre, creates
internal connections between his various
working phases, and in doing so taps into his
complex and ingenious world of thoughts and
forms. Besides the “approximations” by Barbara
Klemm, Peter Handke, and Michael Krüger,
the artist himself has an opportunity to speak.
64
Fritz Schwegler
Die Retrospektive
Texte von / Texts by WALTER GRASSKAMP, PETER HANDKE,
MICHAEL KRÜGER, U LR I KE LOR ENZ, FR ITZ SCHWEGLER,
WOLFGANG ULLRICH, Fotos von / photos by
BARBARA KLEMM, Gestaltung von / graphic design by
HACKENSCHUH COMMUNICATION DESIGN
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4203-0 (Deutsch)
November 2016
65
www.hatjecantz.de
Die einmalige Schweizer Plattform
für rahmensprengende Arbeiten
Eine Reise durch die
Klanggeschichte von Konflikten
The exceptional Swiss platform
for works that defy limitations
A journey through the acoustic
history of conflicts
Seit dem Jahr 2000 findet auf der weltweit
wichtigsten Messe für zeitgenössische Kunst,
der Art Basel, die Sonderschau Unlimited
statt. Das Konzept dieser Großausstellung
auf musealem Niveau und im Rahmen
einer Kunstmesse, ist einzigartig und bei
Sammlern wie Besuchern gleichermaßen
beliebt. 70 bis 90 Künstler erhalten jährlich
Zugang zu der außergewöhnlichen Plattform,
die Grenzen sprengt und mit neuen
Präsentationsmöglichkeiten experimentiert.
Gezeigt werden überdimensionale
Kunstwerke, die nur in einer gigantischen,
17 000 Quadratmeter messenden Halle ihre
Wirkung entfalten können. Die aktuelle
Ausgabe der Unlimited verspricht wie schon
ihre Vorgänger eine aufsehenerregende
Schau zu werden. Sie versteht sich nicht
als Museum, das ordnet und klassifiziert,
sondern als eine dynamische Präsentation
singulärer Arbeiten der Gegenwart.
Der klassische Katalog dokumentiert und
begleitet das Spektakel.
For Whom the Bell Tolls
Unlimited
Art Basel | Unlimited | 2016
Hrsg. / Ed. ART BASEL, Gestaltung von / graphic design by
JONATHAN ABBOTT
€ 45,– [D], CHF 50,00, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4156-9
(Deutsch, English, French)
Juni / June 2016
The special exhibition Unlimited has been
taking place under the auspices of the world’s
most important art fair, Art Basel, since
2000. The concept of this large, museum-like
exhibition that takes place within an art fair
is unique and popular with both collectors
and visitors. Every year, between seventy and
ninety artists are invited to this exceptional
platform, which defies limitations and
experiments with new forms of presentation.
Oversized works are shown to their best effect
in the gigantic, 17,000 square-meter hall.
Like its predecessor, the current installment of
Unlimited promises to be a show that will
attract considerable attention. It is a dynamic
presentation of unique contemporary works
that does not understand itself as a museum,
which orders and classifies. The classic
catalogue documents and acts as a guide
to the spectacle.
Art Basel | Unlimited | 2016, Basel
16. – 1 9.6.2016
66
Für zahlreiche Künstler spielen Reisen und
die Begegnungen mit anderen Ländern
und Menschen eine entscheidende Rolle im
kreativen Prozess. The Sense of Movement.
When Artists Travel war die erste Publikation,
die im vergangenen Jahr anlässlich der BMW
Art Journey erschien – einer gemeinsamen
Initiative von BMW und der Art Basel, die
Künstler mit Reisestipendien unterstützt. Das
Buch stellte ikonische Künstlerreisen über
die Epochen der Kunstgeschichte hinweg
vor. Mit dem jetzt vorliegenden Band folgt
die Künstlerposition des ersten Stipendiaten
der Initiative: Der Hongkonger Künstler und
Komponist Samson Young hat auf seiner
zweimonatigen Reise durch elf Länder und
fünf Kontinente dem Klang und der Geschichte
von Glocken nachgespürt. Die entstandenen
Kompositionen, Bilder und Texte erzählen
vom Spannungsverhältnis zwischen Krieg und
Frieden, Verbundenheit und Konflikt, und
von der politischen Dimension des Klangs.
Samson Young’s Art Journey
Hrsg. / Ed. ANDRÁS SZÁNTÓ, BMW GROUP MUNICH
Ca. € 29,80 [D], CHF 37,50, $45.00, £26.99
Journeys and encounters with other countries
and people play a decisive role in the creative
process of many artists. Last year we published
The Sense of Movement: When Artists Travel,
the first volume commemorating the BMW
Art Journey—a joint initiative by BMW and Art
Basel that supports artists with travel grants.
That inaugural compendium featured iconic
artists’ journeys through art history. The second
volume in the series memorializes the first
journey undertaken by a recipient of this unique
award. Hong Kong-based artist and composer
Samson Young traced the sounds and the
complex histories of bells in a two-months-long
journey that took him to eleven countries on five
continents. The artist’s compositions, images,
and texts give expression to the relationships of
tensions between war and peace, solidarity and
strife, and of the political dimension of sound.
ISBN 978-3-7757-4170-5
(English)
November 2016
67
KU N ST / A RT
KU NST / ART
www.hatjecantz.de
Die Dokumentation
des Prix Ars Electronica 2016
Brisante Zukunftsthemen in
der digitalen Revolution
Ars Electronica Festival, Linz
The documentation of
the Prix Ars Electronica 2016
Volatile future issues in the
digital revolution
Seit 1979 begleitet und analysiert die Ars
Electronica nun bereits die digitale Revolution
und ihre mannigfaltigen Auswirkungen. Im
Fokus standen und stehen dabei stets Prozesse
und Trends an der Schnittstelle von Kunst,
Technologie und Gesellschaft. Sichtbar wird
diese künstlerisch-wissenschaftliche Recherche
in Gestalt eines alljährlich in Linz (Österreich)
ausgerichteten Festivals, dessen fünftägiges
Programm Konferenzen, Podiumsdiskussionen,
Workshops, Ausstellungen, Performances,
Interventionen und Konzerte umfasst. Geplant,
organisiert und umgesetzt wird das Festival
gemeinsam mit internationalen Künstlern
und Wissenschaftlern. Im Fokus stehen dabei
stets andere brisante Zukunftsthemen. In
diesem Jahr sind es die »Radical Atoms and
the Alchemists of the Future«. Mit Bildern und
Texten dokumentiert das Buch die diesjährige
Ausgabe des Ars Electronica Festivals.
Ars Electronica 2016
Radical Atoms and the Alchemists of the Future
Hrsg. / Eds. HANNES LEOPOLDSEDER,
CHRISTINE SCHÖPF, GERFRIED STOCKER, Gestaltung von
/ graphic design by GERHARD KIRCHSCHLÄGER
Ca. € 28,– [D], CHF 35,60, $45.00, £25.99
ISBN 978-3-7757-4193-4 (English)
September 2016
Ars Electronica has been accompanying
and analyzing the digital revolution and
its manifold implications since 1979. It has
consistently focused and focuses on processes
and trends at the interface between art,
technology, and society. This artistic-scientific
research becomes visible in the form of
a festival that is organized every year in Linz
(Austria). Its five-day program comprises
conferences, panel discussions, workshops,
exhibitions, performances, interventions, and
concerts. The event is planned, organized, and
produced in collaboration with international
artists and scientists. Each festival addresses
a different volatile future issue. This year it is
the “Radical Atoms and the Alchemists of
the Future.” The volume uses images and texts
to sketch this year’s edition of the Ars
Electronica Festival.
8. – 1 2.9.2016
Der Prix Ars Electronica ist der
traditionsreichste Medienkunstwettbewerb
der Welt. Seit 1987 alljährlich ausgeschrieben,
gilt er wegen seiner Kontinuität, der hohen
Anzahl sowie Qualität der Einreichungen als
Trendbarometer der weltweiten Medienkunst.
Mit vielen Bildern, Texten und Statements
der Jury bündelt das Buch jene Arbeiten, die
2016 in den Kategorien Computer Animation/
Film/VFX, Digital Communities, Interactive
Art und u19 – Create Your World ausgezeichnet
wurden. Ebenfalls im Buch enthalten ist ein
Best-of des erstmals im Rahmen des Prix Ars
Electronica ausgeschriebenen Starts-Prize der
Europäischen Kommission. Im Fokus des hoch
dotierten Wettbewerbs standen innovative
Projekte an der Schnittstelle von Wissenschaft,
Technologie und Kunst.
The Prix Ars Electronica is the most traditionsteeped media art competition in the world.
Announced annually since 1987, because
of its continuity and the large number and
quality of the submissions it is considered a
trend barometer of global media art. With
numerous images, texts, and statements by
the jury, the book assembles those works that
were awarded prizes in 2016 in the categories
of Computer Animation / Film / VFX, Digital
Communities, Interactive Art, and u19—
Create Your World. The volume also contains
a “best of” list of the Starts Prize awarded
for the first time by the European Commission
within the scope of Prix Ars Electronica. The
highly remunerated competition focused
on innovative projects at the interface between
science, technology, and art.
CyberArts 2016
International Compendium Prix Ars Electronica
Hrsg. / Eds. HANNES LEOPOLDSEDER, CHRISTINE
SCHÖPF, GERFRIED STOCKER, Gestaltung von /
graphic design by GERHARD KIRCHSCHLÄGER
Ca. € 28,– [D], CHF 35,60, $45.00, £25.99
ISBN 978-3-7757-4194-1 (English)
September 2016
Ars Electronica Festival, Linz
8. – 1 2.9.2016
69
KU N ST / A RT
Junge Kunst aus Polen
Deutsche Bank KunstHalle, Polish Institute, Berlin
21.7. – 3 0.10.2016
Young Polish art
Seit 2003 wird in der Galeria Zachęta alle
zwei Jahre der renommierte VIEWS-Kunstpreis
verliehen, ein Preis für junge polnische
Kunst. Die mit der Auszeichnung verbundene
Ausstellung in der polnischen Nationalgalerie
verschafft der gegenwärtigen Kunstszene
des Landes internationale Aufmerksamkeit.
Common Affairs stellt in Berlin eine Auswahl
aktueller Positionen von Nominierten
oder Gewinnern des VIEWS Award aus den
vergangenen 15 Jahren vor. Die Rückschau
ist darauf ausgerichtet, eine Aktualisierung
der künstlerischen Praktiken der jüngsten
Vergangenheit vorzunehmen. Dieses Update
ermöglicht es, die interessantesten Phänomene
und dringendsten Probleme, mit denen sich
die Künstler auseinandersetzen, vorzustellen
und sich gleichzeitig mit den Veränderungen der
polnischen und internationalen Kunstlandschaft
zu befassen. Ein besonderer Schwerpunkt
wird dabei auf Positionen gelegt, die sich mit
Geschichte und Politik von Erinnerung
und Repräsentation, von Transformationen und
nahendem Wandel beschäftigen.
Common Affairs
Revisiting the V I E W S Award—
Contemporary Art from Poland
Hrsg. / Eds. DEUTSCHE BANK AG, Frankfurt; POLISH
INSTITUTE, Berlin; GALERIA ZACHĘTA, Warschau / Warsaw,
Einführung von / introduction by JULIA KURZ, STANISLAW
WELBEL, Texte von / texts by EVA MA JEWSKA,
BARBARA STEINER, Gestaltung von / graphic design by
TYMEK BOROWSKI, STUDIOKRIMM
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4147-7
(Deutsch, English, Polish)
Juli / July 2016
Since 2003, the prestigious VIEWS prize for
young Polish art has been awarded in the
Zachęta Gallery every two years. The award
is accompanied by an exhibition in the
prominent gallery, which helps to garner more
international attention for the contemporary
Polish art scene.
Common Affairs presents a selection of current
positions by artists who have won or were
nominated for the VIEWS Award in the past
fifteen years. The retrospective in Berlin updates
the artistic practices of recent history. While this
updating process accentuates the interesting
phenomena and urgent problems that the artists
have engaged with, it simultaneously examines
the shifts and changes in the cultural landscape
of Poland and abroad. Particular focus is placed
on positions that address the history and politics
of memory and representation, transformation
and imminent transition.
70
Paweł Althamer, Tymek Borowski,
Karolina Breguła, Rafał Jakubowicz,
Robert Kusmirowski, Anna Molska,
Karol Radziszewski, Janek Simon, …
Nochmals erweitert: der globale Guide
zu privaten, öffentlich zugänglichen
Sammlungen zeitgenössischer Kunst
Expanded again: the global guide
to private collections of contemporary
art open to the public
Der überarbeitete und erweiterte BMW Art
Guide by Independent Collectors präsentiert
256 öffentlich zugängliche Privatsammlungen
zeitgenössischer Kunst – große wie
kleine, bekannte wie noch unentdeckte.
Die prägnanten Sammlungsporträts mit
zahlreichen farbigen Abbildungen entführen
den Leser in über 40 Länder und häufig in
Regionen oder Stadtviertel abseits des
Gewohnten. Dieser praktische Guide ist die
gemeinschaftliche Publikation, die aus der
seit einigen Jahren bestehenden Partnerschaft
zwischen BMW und Independent Collectors,
dem internationalen Online-Netzwerk
für Sammler zeitgenössischer Kunst,
hervorgegangen ist. Weder im Internet noch in
Buchform existierte bislang eine vergleichbare
Zusammenstellung von internationalen
Privatkollektionen, darunter einige, die
ihre Türen für Kunstinteressierte und Kenner
erstmalig öffnen.
The updated BMW Art Guide by Independent
Collectors presents 256 private collections
of contemporary art accessible to the public—
featuring large and small, famous and the
relatively unknown. Succinct portraits of the
collections with countless color illustrations
take the reader to more than fourty countries,
often to regions or urban districts that are
off the beaten path. This practical guide is a
collaborative publication stemming from the
partnership between BMW and Independent
Collectors, the international online network for
collectors of contemporary art. To date, neither
the Internet nor any book has ever contained
a comparable assembly of international private
collections, including several that have opened
their doors to art lovers and connoisseurs
for the first time.
Der vierte BMW Art Guide by
Independent Collectors /
The Fourth BMW Art Guide by
Independent Collectors
Hrsg. / Ed. BMW GROUP, INDEPENDENT COLLECTORS, Texte von /
texts by SILVIA ANNA BARILLÀ, NICOLE BÜSING, ALEXANDER
FOR B ES, J EN I FU LTON, H EI KO KLAAS, CH R ISTIAN E MEIXN ER,
ANNE REIMERS, Redaktion / editorial work SYLVIA DOMINIQUE
VOLZ, Gestaltung von / graphic design DORTEN STUDIOS
Ca. 256 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 12 x 18,5 cm, Softcover
Ca. € 15,– [D], CHF 19,90, $25.00, £13.99
ISBN 978-3-7757-4144-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4145-3 (English)
Auch als E-book erhältlich /
Also available as an e-book
ISBN 978-3-7757-4220-7 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4221-4 (English)
71
KU N ST / A RT
KU NST / ART
Die zweite Monografie zum Werk
von Monika Grzymala
The second monograph on the
oeuvre of Monika Grzymala
»Grzymalas Raumzeichnungen eignet
etwas Überwältigendes, das staunen macht,
ohne zu erschrecken.« – R E I N H A R D E R M E N
»Bei einem Reliefbild wie
in dieser Edition,
das zwischen der Zweiund Dreidimensionalität entsteht,
kann die lineare Geste in einer
neuen Form in Erscheinung treten.«
“In the case of a relief such as
in this edition, which develops
between two-and threedimensionality,
the linear gesture
can emerge
in a new form.”
– MONIKA GRZYMALA
Für ihre raumgreifenden Installationen ist Monika Grzymala international
bekannt. Das stark verkleinerte Format der Edition hingegen versetzt sie
in die Lage, ihre »Bildnachricht« auch in die Wohnzimmer zu schicken. Für
die EDITION GERD HATJE hat sie diese selbst auferlegte Herausforderung
angenommen, nicht ohne eine besondere Anforderung an den verwendeten
Werkstoff zu stellen. Erstmalig arbeitet sie mit einem Papierton-ProzellanGemisch, das nach einer speziellen Bearbeitung rein weiß und transluzent
erscheint und von der Künstlerin zu Reliefs verarbeitet wird.
ALLE 11 U N I KATE FI N DEN SI E I N KÜ RZE AU F
WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM
Monika Grzymala is known worldwide for her space-consuming
installations. However, the very small format of the edition enables her to
send her “visual news” into living rooms as well. She took on this selfimposed challenge for the EDITION GER D HATJ E, not without making
special demands on the material she used. She is working for the first
time with a blend of paper clay and porcelain that becomes pure white and
translucent following a special working process,
and which the artist converts into reliefs.
ALL ELEVEN U N IQU E SPECIMENS CAN
BE FOU N D SHORTLY AT
WWW.EDITIONGER DHATJ E.COM
Monika Grzymala (*1970) begann ihre
künstlerische Ausbildung als Steinbildhauerin
und Restauratorin, danach studierte sie
bildende Kunst an den Kunsthochschulen
in Karlsruhe, Kassel und Hamburg. Die
in Berlin lebende Installationskünstlerin
beschreibt ihre Arbeiten meist als
»Raumzeichnungen« und zeigte ihre Werke
in zahlreichen internationalen Gruppenund Einzelausstellungen, unter anderem
im Museum of Modern Art in New York, in
der Hamburger Kunsthalle, in der Fabrica
in Brighton, in der Albertina in Wien und
zuletzt im Reykjavík Art Museum. Grzymala
selbst betrachtet Zeichnung als von der Hand
geführtes Denken und physische Linie im
Begriff des Werdens, wobei die Raumzeichnung
eine in die Architektur hineinspielende Geste
repräsentiert und damit die bildhauerische
Denkweise, das »Körperdenken«, der
Installationskünstlerin auf einzigartige Weise
sichtbar werden lässt. Wie eindrücklich
dies erlebbar ist, zeigt diese Monografie.
Monika Grzymala (*1970) began her artistic
training as a stone sculptor and restorer,
after which she studied visual art at the art
colleges in Karlsruhe, Kassel, and Hamburg.
The Berlin-based installation artist generally
describes her work as “spatial drawing” and has
presented her works in numerous international
group and solo exhibitions, at, among others,
the Museum of Modern Art in New York,
the Kunsthalle Hamburg, the Fabrica Brighton,
the Albertina in Vienna, and most recently
at the Reykjavik Art Museum. Grzymala sees
the drawing as thought carried out manually
and the physical line poised to come into
being, whereby the spatial drawing represents
a gesture that plays into the architecture
and therefore causes the installation artist’s
sculptural mode of thought, her “physical
thinking,” to become visible in unique spatial
drawings. This monograph shows
how impressively this can be experienced.
Monika Grzymala
Raumzeichnung / Drawing Spatially
Gestaltung von / Graphic design by MALTE KAUNE
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4195-8
(Deutsch, English)
September 2016
73
KU N ST / A RT
KU NST / ART
www.hatjecantz.de
Dokumentation von Værslevs PleinairAusstellung auf der Insel der Impressionisten
Zeitgenössische Kunst im Dialog
mit Meisterwerken des Impressionismus
Documentation of Værslev’s plein-air
exhibition on the island of the Impressionists
Fredrik Værslev
The Constant Gardener / La constance du jardinier
Hrsg. / Ed. JACOB FABRICIUS, Texte von / texts by
VANESSA CLAIRET, JACOB FABRICIUS
€ 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
Contemporary art in conversation
with masterpieces of Impressionism
»Zeit«, »Wiederholung« und »Metamorphose«
sind die zentralen Begriffe im Werk von
Fredrik Værslev (*1979 in Moss, Norwegen).
Oft überlässt er seine Leinwände einfach
der Natur und beobachtet, inwieweit sie
ihre »Signatur« auf ihnen hinterlässt. In der
Ausstellung auf der Île des impressionnistes in
Chatou ließ sich der Prozess direkt am Ort des
Geschehens nachverfolgen. 19 minimalistisch
besprayte Leinwände, genauer gesagt, imitierte
Markisenstoffe, waren über die Seine-Insel
verteilt. Die Sonnensegel hingen an Bäumen
herab und waren von Oktober bis Dezember
der Witterung ausgesetzt. Dass Værslev
mit seinem Ausstellungstitel zugleich auch auf
John le Carrés Roman Der ewige Gärtner (The
Constant Gardener) anspielt,
in dem eine Frauenleiche in
einem Gebüsch gefunden wird,
macht den Clou perfekt. Diese
Publikation dokumentiert
die Pleinair-Ausstellung in ihren
verschiedenen Stadien und führt
gekonnt in das sich wandelnde
Werk des Künstlers ein.
ISBN 978-3-7757-4151-4 (English, French)
Juni / June 2016
74
“Time,” “repetition,” and
“metamorphosis” are the
central concepts in the work of
Fredrik Værslev (*1979 in Moss,
Norway). The artist places his
canvases outdoors to observe
the degree to which nature
leaves its “signature” on them.
In the exhibition on the Île des
impressionnistes, Chatou, this process could be
witnessed directly where it was taking place.
Between October and December, nineteen
minimalistically sprayed canvases, or mimicked
awnings to be exact, were scattered across
the island on the Seine and hung from trees.
That Værslev references the John Le Carré novel
The Constant Gardener, where the corpse of
a woman is discovered in a bush, in the title of
the exhibition is a perfect showstopper. This
publication documents the plein-air exhibition
in its various stages and masterfully introduces
the changing work of the artist.
Die ehemalige Villa der Industriellenfamilie
Sidney Brown-Sulzer im schweizerischen
Baden beherbergt heute das Museum
Langmatt mit seiner exquisiten Sammlung
vor allem von Hauptwerken des französischen
Impressionismus. Die Ausstellung präsentiert
ausgesuchte Werke der Sammlung und stellt sie
Arbeiten internationaler Gegenwartskünstler
gegenüber. Beziehungsreich treten sie in einen
Dialog, der dem Betrachter ein vergleichendes
Sehen ermöglicht und ihm neue Einblicke
in die Behandlung von Licht, Bewegung und
Oberfläche in der Kunst verschafft. Vor allem
in der Fotografie hat sich die Hinterfragung
der malerischen Möglichkeiten während der
letzten Jahrzehnte zu einem wesentlichen Topos
entwickelt. Zugleich führt die zunehmende
Medialisierung unserer Wirklichkeit zu einer
Sehnsucht nach intensivem Austausch mit
Natur und Landschaft. Eine vielversprechende
Begegnung, die nun auch mit diesem Katalog
zu entdecken ist.
Museum Langmatt, Baden
25.9 – 1 1.12.2016
Langmatt, Licht, Libellen –
Impressionismus heute?
Von / By MARKUS STEGMANN, Gestaltung von /
graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4174-3 (Deutsch)
September 2016
The former family villa of the industrialist
Sidney Brown-Sulzer in the Swiss city of Baden
now houses the Museum Langmatt with its
exquisite collection of primarily major examples
of French Impressionism. The exhibition
presents choice Impressionist works and
juxtaposes them with those by international
contemporary artists. The two points of
view enter into a dialogue that enables viewers
to make visual comparisons and provides
them with new insight into the treatment of
light, movement, and surface in art. In recent
decades, the scrutiny of painterly possibilities
has developed into a principal topos,
particularly in photography. At the same time,
the increasing mediatization of our reality leads
to a longing for intense encounters with nature
and landscape. A promising confluence that
can now also be experienced with this catalogue.
75
KU N ST / A RT
www.hatjecantz.de
Im Reich der Schattenspielerin
Nalini Malani
Asche zu Asche …
Ashes to Ashes . . .
In the realm of the shadow
player Nalini Malani
In ihrem 35. Buch untersucht die angesehene
niederländische Kulturtheoretikerin Mieke
Bal die neue Sprache, welche die indische
Künstlerin Nalini Malani (*1946 in Karatschi)
seit Beginn dieses Jahrhunderts in ihren
Schattenspielen entwickelt hat. In Malanis
neuer Kunst wird die Idee vom (mehrfach)
bewegten Bild – Vergangenheit, Gegenwart
und Zukunft – auf äußerst beeindruckende
Weise umgesetzt. Es handelt sich um eine
legendäre, politisch engagierte Kunstform, die
bei Ausstellungen wie Paris – Delhi – Bombay …
im Pariser Centre Pompidou (2011), der Kasseler
documenta (13) (2012) und Scenes for a New
Heritage im New Yorker Museum of Modern
Art (2015/16) Wellen schlug. Mieke Bal vollführt
einen einzigartigen Dialog zwischen fünf
Schattenspielen von Malani und theoretischen,
kunstrelevanten Themen. Sie untersucht
dabei die Komplexität, Überlagerung und
Vielfalt von Bildern, Gedanken, Geräuschen
und Bewegungen: Technologien und poetische
Fragmente, Erzählungen und Archive, die
politisch ebenso wirksam sind wie künstlerisch.
Nalini Malani
In Media Res: Inside Nalini Malani’s Shadow Plays
Text von / Text by MIEKE BAL, Gestaltung von /
graphic design by WILLEM MORELIS
Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4146-0
(English)
Juni / June 2016
In her thirty-fifth book, the eminent
Dutch cultural theorist Mieke Bal (*1946 in
Heemstede) explores the new language that
Indian artist Nalini Malani (*1946 in Karachi)
has been developing since early this century
with her shadow plays. The result of Malani’s
new art is an extremely powerful application
of the idea of the (multiple) moving image—
past, present, and future. An iconic, politically
engaged art form that has made waves at
exhibitions such as Paris—Delhi—Bombay
at the Centre Pompidou in Paris (2011),
documenta (13) in Kassel (2012), and Scenes
for a New Heritage at the Museum of Modern
Art in New York (2015–16). Mieke Bal conducts
a unique dialogue between five of Malani’s
shadow plays and theoretical issues concerning
art. It examines the complexity, layering,
and multiplicity of images, thoughts, sound,
and movements: technologies and poetic
fragments, narratives and archives, as effective
politically as it is artistically.
Der Schweizer Künstler Ugo Rondinone (*1964 in
Brunnen) variiert seine künstlerischen Praktiken
permanent: Von monumentaler Skulptur,
Installation und Malerei bis zu delikater
Kleinplastik und Collage reicht die Bandbreite
seiner Werke. Oft kombiniert er industriell
gefertigte Elemente mit manueller Arbeit und
befragt mit seiner Kunst das Verhältnis des
Menschen zu der ihn umgebenden Realität.
Anschaulich dokumentiert der Katalog
Rondinones erste große Einzelausstellung in
Frankreich, in deren Rahmen sich das Carré d’Art
in Nîmes in ein begehbares Gesamtkunstwerk
verwandelt. Skulpturen und Gemälde
verschmelzen zu einer szenischen Installation,
die ein spezielles Raum-Zeit-Empfinden erzeugt.
Sternenhimmel, Monumentallandschaften
und Tierskulpturen verbinden sich zu einem
poetischen Ganzen, das die Schönheit
der Naturphänomene, die Unendlichkeit des
Kosmos und die menschliche Existenz in
eine zeitgenössische Neuinterpretation der
Sichtweise der Romantik überführt.
Encompassing monumental sculptures,
installations, paintings, collages, and delicate
small-scale sculptures, the artistic practice of the
Swiss artist Ugo Rondinone (*1964 in Brunnen) is
constantly in flux. Often combining manufactured
elements with manual labor, his artworks
investigate the relationship between humans
and the environment that surrounds them.
The catalogue vividly documents Rondinone’s
first major solo exhibition in France, which turned
the Carré d’Art in Nîmes into a synthesis of the
arts through which one can walk. Generating a
specific feeling for space and time, the sculptures
and paintings were transformed into a scenic
installation. Star-filled skies, monumental
landscapes, and animal sculptures were combined
to constitute a poetic whole that conveys
the magnificence of natural phenomena, human
existence, and the cosmos in a contemporary
reinterpretation of the Romantic approach.
Ugo Rondinone
Becoming Soil
Texte von / Texts by JEAN-MARC PREVOST, CORINNE
RONDEAU, Gestaltung von / graphic design by DANIEL
BOCCATO, STUDIO RONDINONE
Ca. 100 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 24 x 31 cm, Hardcover + Booklet
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4163-7
(English, French)
Juni / June 2016
Carré d’Art – Musée d’art contemporain, Nîmes
15.4. – 1 8.9.2016
76
77
KU NST / ART
Die Vermessung der osteuropäischen Welt
The mapping of the Eastern European world
»Kunst ist die letzte Freiheit, die wir haben.«
– H A R A L A M P I G. O ROS C H A KO F F
Haralampi G. Oroschakoff (* 1955 in Sofia) gilt als
ein Vorläufer des Ost-West-Dialogs in der Kunst
und als Erneuerer der Ikonenrezeption in der
westlichen Malerei. In den 1980er-Jahren fiel er
mit Zeichnungen, Textcollagen, Installationen
und Videoperformances auf. Seine Bildserien
führen die monochrome Malerei eigenständig
weiter und benennen die unsichtbare
Kulturgrenze zwischen dem postlateinischen
Westen und dem postbyzantinischen Osten.
Das reich illustrierte Buch ist eine Zeitreise
durch Leben und Werk des Abkömmlings
einer alten exilierten russischen Familie mit
Wohnsitzen in Berlin, Cannes und Wien. Oder,
wie Elke Schmitter es treffend zusammenfasst:
»Oroschakoffs Spurensicherung der mythisch
fremden Welt des Ostens öffnet den Blick
für die Vielgestalt dieses ›anderen Europas‹ in
seiner ›slawischen Duldsamkeit, asiatischen
Grausamkeit, und
orientalischen Poesie‹ zu
einer konkreten Kunst der
Kartographie brüchiger
Oberflächen sowie
polemisch benutzbar
gewordener Symbole von
farbintensiver Kraft.«
Haralampi G. Oroschakoff
Doppelkreuz
»Noch in den ersten Videopartituren Ende der 1970er-Jahre war mir
der Prozess ein unablässiges Mittel auf dem Weg zum Gesamtkunstwerk.
So erlaubt er narrative Elemente, verschiedene Ausdrucksmittel der
Realisierung und in der Vervielfältigung das nötige Gegenüber
zum gewünschten Sperrbezirk der Doppelkreuze.
Die Editionen waren bisher limitierte Auflagen (Radierung, Siebdruck,
Lithographie). Heute schließe ich das Räumliche nicht mehr aus
(Eisen, Glas, Stein, Stahl). Das sind die Möglichkeiten.«
MEH R I N FORMATION EN FI N DEN SI E I N KÜ RZE AU F
WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM
“The process was an unabating means on the path to a synthesis of the
arts even in the first Video Scores in the late seventies. It allows narrative
elements, various means of expression in their realization, and in their
duplication the necessary counterpart to the desired restricted area of the
Double Crosses.
The previous editions were limited (etching, silkscreen print,
lithograph). Today, I no longer include the
spatial (iron, glass, stone, steel). These are
the possibilities.”
Haralampi G. Oroschakoff
(*1955 in Sofia) is considered
a pioneer of the EastWest dialogue in art and a
renewer of the reception of Eastern iconography
in Western painting. He attracted attention in the
eighties with drawings, text collages, installations,
and video performances. His series discretely
advance monochrome painting and designate
the invisible cultural boundary between the postLatin West and the post-Byzantine East. The richly
illustrated book is a time journey through the
life and oeuvre of the offspring of an old, exiled
Russian family with residences in Berlin, Cannes,
and Vienna. Or, as Elke Schmitter aptly summed
up: “Oroschakoff’s investigation of the mythical,
foreign world of the East opens one’s eyes to
the diversity of this ‘other Europe’ in its ‘Slavic
forbearance, Asian brutality, and Oriental poetry’
to become a concrete art of the cartography of
brittle surfaces as well as vividly colored symbols
that can be used polemically.”
Hrsg. / Ed. DIANA GRÄFIN VON HOHENTHAL UND BERGEN,
HARALAMPI G. OROSCHAKOFF, Gespräch mit / conversation with
ELKE SCHMITTER, Text von / text by MICHAEL MAAR
Ca. € 48,00 [D], CHF 59,50, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4207-8
(Deutsch, English)
Mit einem Booklet,
das ausgesuchte Texte und
Rezensionen zu seinem Leben
und Werk im Zeitraum
von 1980 bis 2016 enthält.
With a booklet containing
selected texts and reviews on
his life and work in the
period from 1980 to 2016.
MOR E I N FORMATION CAN BE FOU N D
SHORTLY AT WWW.EDITIONGER DHATJ E.COM
78
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KU NST / ART
Die geistreiche Sichtbarmachung
des Nicht-Vorhandenen
Rendering visible what is nonexistent
»Loch allein kommt nicht vor, so leid es mir tut.«
– KU RT T U C H O LS K Y, ZU R SOZ I O LO G I SC H E N P SYC H O LO G I E D E R LO E C H E R 1 9 3 1
Für die EDITION GERD HATJE produziert Ulrich Strothjohann das
Objekt »Spielautomat / Reenactment«. Dieses Multiple ist eine
Interpretation der Aufnahme einer Spielautomatenfront, die in seiner
Löcher der Welt-Serie auftaucht. In der Fotografie als Sperrmüll am
Straßenrand deponiert, erfährt der ausgediente Gegenstand nun
eine Transformation zum dreidimensionalen Wand- und Kunstobjekt.
Strothjohann übernimmt die Originalmaße und überträgt sie auf
eine lasierte Holzplatte. Jedes Exemplar ist ein Unikat. Es erhält
den individuellen Schriftzug eines seinerzeit real existierenden
Spielautomaten, sowie eine handgefertigte Aufbewahrungskiste.
Ulrich Strothjohann is producing the object »Spielautomat / Reenactment«
for the EDITION GERD HATJE. This multiple is an interpretation of the
photograph of the front of a wall machine that appears in his series Mapping
Holes. Deposited on the curb as bulk garbage in the photograph, the worn
out object experiences a transformation into a three-dimensional wooden
panel for the wall. Each one receives the individual lettering of what at the
time was an actual wall machine and is a unique
specimen, as well as a hand-made storage box.
Ulrich Strothjohann (*1954), der seit einigen
Jahren wieder in Berlin arbeitet, War Mitte
der 1980er-Jahre Teil der Kölner Kunstszene
und machte dort im Umfeld von Martin
Kippenberger erstmals auf sich aufmerksam.
Seine Arbeiten kommentieren auf humorvolle
Weise die Absurdität und Widersprüchlichkeit
unserer Existenz. Diskret und pointiert legt er
Finten aus, stellt ironische Bezüge her, schafft
hintergründige Allegorien und führt den
Betrachter mit großem Spaß in die Irre. Sprache
und das geschriebene Wort sind wesentliche
Komponenten seiner Kunst, spielerisch ist sein
Umgang mit Bildern und Begriffen. Häufig sind
seine Arbeiten mit Handlungsanweisungen
versehen, welche die scheinbare Funktionalität
des Objektes erklären, dessen Sinnhaftigkeit
jedoch genüsslich ad absurdum führen. Die
Löcher der Welt sind eine 116-teilige Fotoserie
von unbedeutend erscheinenden Schauplätzen,
die der Künstler auf diversen Reisen von 1984
bis 1998 fotografiert hat. Die Serie führt auf
hinreißende Weise eine Ikonografie des NichtVorhandenen vor Augen.
Ulrich Strothjohann (*1954), who has been
working in Berlin again for several years, was
part of the art scene in Cologne in the eighties
and attracted attention for the first time in the
circle around Martin Kippenberger. His works
make humorous comments on the absurdity
and contradictoriness of our existence.
He discretely and pointedly devises all sorts
of tricks and ruses, makes ironic connections,
creates subtle allegories, and has fun leading
the viewer astray. Language and the written
word are essential components of his art; his
treatment of images and concepts is playful.
His works are often provided with instructions
that explain the apparent functionality of
the object depicted, however whose sense
is reduced to absurdity. Mapping Holes is a
116-part series of photographs of seemingly
insignificant settings that the artist took
pictures of on various travels between 1984 and
1998. The series captivatingly renders visible
an iconography of what is nonexistent.
Löcher der Welt / Mapping Holes
Ein topologisches Tagebuch / A Topological Diary
von / by Ulrich Strothjohann
Text von / Text by ULRICH STROTHJOHANN
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4202-3
(Deutsch, English)
Juni / June 2016
MORE INFORMATION ON ALL TEN UNIQUE
SPECIMENS CAN BE FOUND ON P. 113
AND AT WWW.EDITIONGERDHATJE.COM
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81
F OTO G R A F I E / P HOTO GR A P HY
www.hatjecantz.de
FOTOG R AFI E / PH OTOG R APH Y
PHOTO GRAPHY
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Neugier auf magische Momente:
Sascha Weidners lang ersehnte Monografie
Curiosity for magic moments:
Sascha Weidner’s long awaited monograph
Sascha Weidner (1976–2015) hatte den
Blick für magische Momente, er wusste das
Poetisch-Flüchtige auf Papier zu bannen. Dem
Dokumentarischen enthoben, zeigen seine
Fotografien Bekanntes aus gänzlich neuen,
ungeahnten Perspektiven und überführen
den Alltag in Traum- und Fantasiewelten.
So wird etwa das orangegelbe Licht einer
Straßenlaterne, das einen Ahornbaum
beleuchtet, zu einem Goldregen, werden
Unfallautos magisch von Rauchwolken
umspielt oder zerwühlte weiße Laken zu
Wolkenformationen. Das Beiläufige erfährt
besondere Bedeutung und die scheinbare
Leichtigkeit der Bilder eine melancholische
Tiefe, Verletzlichkeit und Intimität. Das nun
erscheinende Künstlerbuch wurde von Sascha
Weidner selbst noch zu Lebzeiten konzipiert
und in seiner jetzigen Form fertiggestellt.
Hundert großformatige Abbildungen entführen
den Leser in die Bildwelt dieses leider viel
zu früh verstorbenen Ausnahmekünstlers.
Sascha Weidner (1976–2015) had an eye for
magic moments; he knew how to capture the
poetic, the fleeting on paper. Removed from the
documentary, his photographs feature familiar
things from completely new, unsuspected
perspectives and transfer everyday life into
make-believe worlds. For instance, the orangeyellow light of a streetlamp that illuminates
a maple tree becomes golden rain, plumes of
smoke swirl magically around cars damaged in
accidents, or ruffled white sheets become
cloud formations. The incidental receives
special meaning, and the apparent lightness of
the pictures a melancholic depth, vulnerability,
and intimacy. Sascha Weidner prepared and
brought this artist’s book to completion in its
current form during his lifetime. One hundred
large-format illustrations carry the reader
off into the visual world of this exceptional
artist, who unfortunately died much too young.
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Sascha Weidner
Intermission II
Gestaltung von / Graphic design by OLE TRUDERUNG
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
September 2016
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Von Wien nach New York: das Lebenswerk
eines der großen Fotografen des
20. Jahrhunderts
From Vienna to New York: the oeuvre
of a major photographer of the
twentieth century
Berührende Alltags- und Sozialstudien aus dem
Wien der Zwischenkriegszeit und faszinierende
Aufnahmen vom American Way of Life.
Einfühlsame Porträts großer Persönlichkeiten –
von Albert Einstein bis Arturo Toscanini –
und Street Photography in New York: Das Werk des
österreichisch-amerikanischen Fotografen Robert
Haas (1898–1997) umfasst viele Themen und vereint
den Blick auf zwei Kontinente. Seine künstlerische
Karriere begann er im Umkreis der Wiener Moderne
in den 1920er-Jahren. In den 1930er-Jahren etablierte
er sich als international erfolgreicher Fotojournalist.
Nach seiner Flucht vor den Nationalsozialisten
1938 fand Haas in den USA eine neue Heimat. Neben
seiner Arbeit als bekannter Grafiker und Drucker
in New York dokumentierte er in eindrucksvollen
Aufnahmen den amerikanischen Alltag. Mit Robert
Haas ist ein großer Fotograf und ein herausragendes
Œuvre wiederzuentdecken, das der Katalog erstmals
in noch nie gezeigten Vintage-Abzügen präsentiert.
Robert Haas
Der Blick auf zwei Welten / Framing Two Worlds
Hrsg. / Ed. ANTON HOLZER, FRAUKE KREUTLER, Texte von / texts
by ANTON HOLZER, FRAUKE KREUTLER, URSULA STORCH
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4182-8 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4199-6 (English)
November 2016
Wien Museum
24.11.2016 – 5.3.2017
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www.hatjecantz.de
Moving studies of everyday life and society
in Vienna between the two world wars, and
fascinating pictures of the American way of life.
Sensitive portraits of major personalities—from
Albert Einstein to Arturo Toscanini—and Street
Photography in New York: the oeuvre of the
Austrian-American photographer Robert Haas
(1898–1997) encompasses numerous themes and
unites the views of two continents. His artistic
career began within Viennese modernism in the
nineteen-twenties. He established himself as an
internationally successful photojournalist in the
thirties. After fleeing from the National Socialists
in 1938, Haas found a new home in the United
States. Besides his work as a well-known graphic
artist and printer in New York, he documented
everyday life in America in striking photographs.
This catalogue allows readers to rediscover a
major photographer and an outstanding oeuvre
while presenting vintage prints that have
never before been shown.
Neue West, Berlin
29.4. – 6.5.2016
Nicht nur wir bewegen uns täglich durch den
städtischen Raum. Es ist auch die spezifische
Gestaltung dieses Raumes, die uns bewegt
und anleitet. Wie in kaum einer anderen Stadt
wird dies in Berlin spürbar. Seit der Wende
ist das Stadtbild einem beständigen Wandel
unterzogen, der von unzähligen einzelnen
Bauvorhaben über die Umwidmung bestehender
Gebäude bis zur Umwälzung ganzer Bezirke
reicht. Der Ausstellungskatalog Berlin Raum
Radar macht sich auf die Spurensuche nach
dieser urbanen Morphologie. In über 80 Werken
vereint er künstlerische Auseinandersetzungen
mit dem städtischen Raum Berlins innerhalb der
letzten 15 Jahre. Ob einfühlsame Detailstudie,
philosophische Observation oder gestalterische
Vision – die verschiedenen Perspektiven bilden
ein Panorama der Veränderungen Berlins. Und
sehenden Auges vollzieht man einen Wandel
nach, der nicht nur das Erscheinungsbild einer
Stadt, sondern auch unsere Wahrnehmung
von ihr ebenso nachhaltig und auf immer neue
Weise prägt.
Not only do we move ourselves daily through
urban space, but it is also the specific design of
this space that moves and guides us. In almost no
other city is this more apparent than in Berlin. The
cityscape has undergone permanent change since
its reunification that ranges from hundreds of
individual construction projects and the conversion
of existing structures to the upheaval of entire
districts. The exhibition catalogue Berlin Raum
Radar sets out to trace this urban morphology. In
more than eighty works it brings together artistic
examinations of urban space in Berlin from the
past fifteen years. Whether sensitive detail study,
philosophical observation, or creative vision—the
various perspectives constitute a panorama
of the changes in Berlin. With eyes wide open,
one can trace a transformation that not only
characterizes the appearance of a city but also
equally influences our perception in lasting and
continually new ways.
Bildwelten des Wandels
Visual worlds of change
Berlin Raum Radar
Neue Architekturfotografie / New Architecture Photography
Hrsg. / Ed. NADINE BARTH, Texte von / texts by NADINE BARTH,
NIKOLAUS KUHNERT, ANH-LINH NGO, Gestaltung von / graphic
design by JULIA WAGNER, grafikanstalt
€ 25,– [D], CHF 32,50, $40.00, £22.99
Iwan Baan, Peter Bialobrzeski, Tacita Dean, Mitch
Epstein, Christine Fenzl, Markus Henttonen, Ola
Kolehmainen, Arwed Messmer, Andreas Mühe, Robert
Polidori, Friederike von Rauch, Sarah Schönfeld,
Michael Wesely, Ulrich Wüst, Harf Zimmermann, …
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Ein fotografischer Streifzug durch das
Leben eines großen Fotografen
Unveröffentlichte Bilder aus dem
Probeshooting für Marlboro
A photographic ramble through the
life of a great photographer
Unpublished photographs from the
trial photo-shoot for Marlboro
Frank Horvat (*1928 in Abbazia, heute Opatija,
Kroatien), Modefotograf der ersten Stunde und
einer der ersten Profifotografen, der Photoshop
einsetzte, blickt mittlerweile auf rund 70 Jahre
Tätigkeit und eine schillernde Karriere zurück.
Nun gewährt der Grandseigneur einen sehr
persönlichen Einblick in sein Privatleben: Die
Autobiografie in Bildern zeigt private Momente
aus all seinen Lebensphasen. Wir begegnen
den großen Themen der Menschheit wie
Geburt und Tod, sind Zeuge seiner Fähigkeit
zu spielen und mit Tieren umzugehen,
sehen seine Familie, seine Freunde. Es sind
Alltagsbilder, wie sie jeder Mensch in einem
Album gesammelt haben könnte. Ein »kleiner«
Unterschied ist allerdings unübersehbar: Hier
war bereits früh ein Meister am Werk, die
Qualität der Bilder spricht für sich. Jedes der
Fotos, die in chronologischer Folge erscheinen,
wird im Anhang von Horvat selbst und meist
ausführlich kommentiert.
Der weite Horizont der Prärie, hinter dem die
Sonne untergeht, galoppierende Pferde und
lässige, Lassos schwingende Cowboys. Es sind
diese Bilder, die dem Mythos Amerika eine
einzigartige visuelle Gestalt verleihen, ihn
ebenso sicht- wie spürbar machen. Wie kaum
ein anderer zeitgenössischer Fotograf hat sich
Dieter Blum (*1936 in Esslingen) mit diesem
Thema auseinandergesetzt, es aktualisiert
und hinterfragt. Die 60 Fotografien der Serie
Cowboys, die 1992 für Marlboro entstanden
sind, legen hiervon Zeugnis ab und werden
in diesem Ausstellungskatalog erstmals
vollständig zusammengeführt. Der Topos des
»Lonesome Cowboy« wird auf humorvolle
Weise gebrochen und durch einen »Arbeiter«
ersetzt, der im Team alltäglichen Tätigkeiten
nachgeht – an der Bar steht, Zeitung liest,
Wäsche wäscht, Ski fährt, ein Bad nimmt. Eine
hinreißende Bildergeschichte, die Fiktion
und Realität, Mythos und Wirklichkeit
ineinander überführt und dekonstruiert.
Dieter Blum
Cowboys. The First Shooting 1992
Hrsg. / Eds. RENATE WIEHAGER, FRIEDERIKE HORSTMANN,
Frank Horvat
Texte von / texts by FRIEDERIKE HORSTMANN,
Photographic Autobiography
Text von / Text by FRANK HORVAT
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4208-5 (English)
November 2016
Frank Horvat (*1928 in Abbazia, today Opatija,
Croatia), a pioneering fashion photographer
and one of the first professional photographers
to use Photoshop, can meanwhile look back at
around seventy years of activity and a dazzling
career. The grand seigneur now allows us
very personal insight into his private life: the
autobiography in pictures reveals personal
moments from all phases of his life. We
encounter the great themes of humankind,
such as birth and death, are witness to his
ability to play, and to handle animals, we
see his family, his friends. They are everyday
images like anyone could have assembled in an
album. However, there is one slight difference:
a master was clearly at work here early on,
the quality of the photographs speaks for itself.
In the appendix, Horvat comments, in most
cases at length, on each of the chronologically
ordered pictures.
The wide horizon of the prairie on which
the sun sets, galloping horses, and laid-back
cowboys swinging lassos. These are the images
that lend the myth of America visual form,
make it both visible as well as palpable. Unlike
hardly any other contemporary artist, the
photographer Dieter Blum (*1936 in Esslingen)
has dealt with, updated, and scrutinized
this subject. The sixty photographs in the
series Cowboys, which were taken in 1992 for
Marlboro, testify to this fact and are being
assembled for the first time in their entirety
in this exhibition catalogue. The topos of
the “lonesome cowboy” is ruptured in
a humorous way and replaced by a “worker”
who pursues everyday activities in a team—
stands at the bar, reads the newspaper, washes
laundry, skies, takes a bath. An enchanting
story that converts fiction into fact, myth into
reality, and deconstructs them.
RENATE WIEHAGER, Gestaltung von / graphic design by
SUPERFANTASTIC, BERLIN
136 S. / pp., 94 Abb. / ills., 26 x 21,5 cm, Hardcover
€ 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
Daimler Contemporary, Berlin
30.4. – 6.11.2016
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Ein sensibles Zeugnis der Krankheit und des
komplexen Alltags der Betroffenen
Im Fokus: das Matriarchat
im indischen Bundesstaat Meghalaya
A sensitive report on the disease and the
complex everyday life of those affected by it
In focus: Matriarchy in the Indian
state of Meghalaya
Jason Sangik Noh ist Chirurg und auf
Krebserkrankungen spezialisiert. Parallel zu
seiner medizinischen Laufbahn hat er sich
intensiv mit Fotografie beschäftigt. Sein
Buch lässt sich keiner bestimmten Kategorie
zuordnen: Es ist eine Art Bild-Notizbuch
mit Skizzen, Fotos und handschriftlich
verfassten Anmerkungen. Auf diese Weise
verschmelzen wissenschaftlicher Anspruch
und menschliche Anteilnahme zu einem
beeindruckenden und berührenden Dokument.
Als eine der am kompliziertesten zu
behandelnden Erkrankungen der modernen
Zivilisation forderte die Krankheit den Autor
zu dieser »Biografie des Krebses« heraus.
Es ist ihm gelungen, sich ohne Pathos
mit dem Thema auseinanderzusetzen und
es auf diversen Ebenen zu beleuchten. Für
Erfolg und Genesung, aber auch Niederlage
und Verzweiflung findet er sein eigenes
bildnerisches Vokabular. Dieses Projekt erregte
große Aufmerksamkeit und gewann
den aktuellen Preis der Ilwoo Foundation
in Korea.
Jason Sangik Noh
Biography of Cancer
Hrsg. / Ed. ILWOO FOUNDATION, SEOUL KOREA, Texte von /
texts by FRANCOIS HEBEL, JASON SANGIK NOH,
Gestaltung von / graphic design by KARSTEN FRIEMEL/TENY
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4214-6 (English)
Mai / May 2016
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Jason Sangik Noh is a surgeon and specializes
in cancer treatment. Parallel to his medical
career, he has dealt intensely with photography.
His book cannot be assigned to a specific
category: it is a kind of picture notebook with
sketches, photographs, and handwritten
remarks. His scientific aspirations and human
interest merge to come an impressive and
touching document. As one of the diseases of
modern civilization that is the most complex
to treat, it challenged the author to create
this Biography of Cancer. He has succeeded in
examining the theme without pathos and
analyzing in depth its many levels. He finds
his own pictorial vocabulary for success and
recovery, as well as for failure and desperation.
This project gained a great deal of attention,
and won the recent Ilwoo Photography Prize.
Karolin Klüppel (*1985 in Kassel) kann bereits
auf ein Schaffen zurückblicken, das sich einer
Vielzahl enthusiastischer Besprechungen und
Auszeichnungen erfreut. Die außerordentliche
Resonanz verdankt sich dem eleganten
Changieren ihrer Fotografien zwischen
Dokumentation und Komposition sowie ihrem
ausgeprägten Gespür für eindrückliche Themen.
Die Bilder der Serie Mädchenland bestechen nicht
nur durch ihre eindringliche und kontemplative
Ästhetik, sie erzählen auch eine Geschichte.
Durch die Gesichter von Mädchen erblickt man die
Lebenswelt und Kultur der Khasi, eines indigenen
Volkes im indischen Bundesstaat Meghalaya,
dessen Gesellschaftsform matrilinear organisiert
ist: Hier wird die jüngste Tochter in der Erbfolge
bevorzugt. Heiratet sie, zieht ihr Ehemann in das
Haus ihrer Familie ein, die Kinder erhalten den
Namen der Mutter. Nur die Geburt einer Tochter
sichert die Kontinuität des Clans. Von 2013 bis 2015
verbrachte die Fotografin insgesamt 10 Monate
in dem Khasi-Dorf Mawlynnong und fing dort
magische Bilder ein.
Karolin Klüppel
Mädchenland / Kingdom of Girls
Karolin Klüppel (*1985 in Kassel) can already look
back at a body of creative work that enjoys a
wide range of enthusiastic reviews and awards.
This extraordinary resonance is due to the
elegant alternation of her photographs between
documentation and composition as well as her
marked sense of impressive subjects. The pictures
in the Kingdom of Girls series stand out not
only due to their powerful and contemplative
aesthetic, they also tell a story. The girls’ faces
reveal the lifeworld and culture of the Khasi,
an indigenous people in the Indian state of
Meghalaya with a matrilineal social system: the
youngest daughter is given preference in the order
of succession. When she marries, her husband
moves into her family’s home, the children receive
the mother’s name. Only the birth of a daughter
guarantees the continuity of the clan. Between
2013 and 2015, the photographer spent a total of
ten months in the Khasi village of Mawlynnong,
where she captured these magical images.
Hrsg. / Ed. KAROLIN KLÜPPEL, Texte von / texts by
AN DR EA J ESKA, KAROLI N KLÜ PPEL, Gestaltung /
graphic design by HANNAH FELDMEIER
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4206-1
(Deutsch, English)
September 2016
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Ein einzigartiges zeitgeschichtliches
Dokument – jetzt auch mit
englischem Begleitheft
Gefangen hinter dem
roten Vorhang
Captured behind the
red curtain
A unique historical document–
now accompanied by an English booklet
Jeder neue Tag barg für Stefan Hanke
(*1961 in Regensburg) die Gefahr, einen
Menschen weniger kennenlernen zu können,
der eine der größten Katastrophen der
Menschheitsgeschichte überlebt hat, die
in Europa je stattgefunden haben. Beinahe
elf Jahre reiste der Fotograf für sein Projekt
Tausende von Kilometern, um die letzten
Überlebenden der nationalsozialistischen
Konzentrationslager zu treffen. Bei diesen
intensiven Begegnungen entstanden
Aufnahmen, die uns Geschichte(n) äußerst
reflektiert näherbringen. So traf Hanke auf
die polnische Schriftstellerin Zofia Posmysz
am Morgen nach der Verleihung des
Bundesverdienstkreuzes an sie in einer Baracke
des ehemaligen Frauenlagers AuschwitzBirkenau. Den Prager Pavel Stránský hingegen
fotografierte er im Nürnberger Justizpalast, wo
sich von 1945 bis 1949 die führenden Vertreter
des NS-Regimes vor Gericht verantworten
Stefan Hanke
mussten. Hankes Bilder sind keine
Dokumentationen, sondern Interpretationen
dieser bewegenden Begegnungen.
Am 27. Februar 1975 wurde der Westberliner
CDU-Politiker Peter Lorenz von der Bewegung
2. Juni entführt. Gibt man heute die
Schlüsselbegriffe in eine Internet-Suchmaschine
ein, erscheint nur ein Foto, das (noch) im
kollektiven Bildgedächtnis verankert ist. Es
zeigt Peter Lorenz auf einem mehrfach
reproduzierten, unscharfen Foto als Opfer in
seiner Zelle. Versteckt im Archiv aber hat
ein bisher unbekanntes Konvolut aus rund
3 000 Negativen die Zeit überdauert. Sie
entstanden im Rahmen der Ermittlungen des
Berliner Staatsschutzes, darunter auch die
Dokumentation eines minutiösen Reenactments
der Polizei aus den Originalbaustoffen des
Kellerraums. Im Gegensatz zu den Ereignissen
im Deutschen Herbst 1977 ging diese Entführung
unblutig zu Ende.
In seiner künstlerischen Arbeit setzt Arwed
Messmer die Archivalien durch eine Reihe
von Entscheidungen über Material, Größe,
Ausschnitt und Platzierung zueinander in
Beziehung, erschließt sie so erstmalig visuell
und verknüpft sie in seiner nicht linearen
Erzählung mit eigenen Fotos.
Zelle / Cell
KZ überlebt / Concentration Camp Survivors
Texte von / Texts by STEFAN HANKE, CHARLES CHAPLIN,
ECKART DIETZFELBINGER, JOACHIM WOLBERGS,
Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER
264 S. / pp., 123 Abb. / ills., 22 x 33 cm, Hardcover
ISBN 978-3-7757-4020-3 (Deutsch)
€ 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4197-2
(Deutsch + English booklet)
€ 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00
Juli / July 2016
Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände Nürnberg
15.7. – 3 1.12.2016
Gedenkstätte Theresienstadt, Tschechien
5.4. – 7.7.2016
Gedenkstätte Auschwitz / Birkenau, Polen
Januar – F ebruar / January – F ebruary 2017
Kunst-und Gewerbeverein e. V. Regensburg
25.3. –30.4.2017
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For Stefan Hanke (*1961 in Regensburg), each
new day harbored the danger of being able
to meet one less person who had survived
one of the greatest disasters in the history of
humankind to occur in Europe. For his project,
for nearly eleven years the photographer
traveled thousands of kilometers in order to
meet the last survivors of National Socialist
concentration camps. Photographs were
created during these intense encounters that
relate stories and give us an understanding
of history in a highly insightful way. Hanke
met with the Polish writer Zofia Posmysz
the morning after she received The Order of
Merit of the Federal Republic of Germany in a
barrack at the former women’s concentration
camp in Auschwitz-Birkenau. And he took
pictures of the Praguer Pavel Stránský in the
Nuremberg Palace of Justice, where the leading
representatives of the Nazi regime stood trial
between 1945 and 1949. Hanke’s photographs
are less documentary than personal
interpretations of these gripping encounters.
On February 27, 1975, Peter Lorenz, a Christian
Democratic politician in West Berlin, was
abducted by the Bewegung 2. Juni (June 2
Movement). Today, when one enters key terms
into an Internet search engine only one image
appears that is (still) embedded in collective
visual memory. It features Peter Lorenz in
a photograph reproduced many times as a
victim in his cell. However, a body of about
three thousand negatives has survived, hidden
in an archive. They were produced within the
scope of investigations by Berlin’s state security
and also include the documentation of a
meticulous reenactment by the police featuring
the original materials used to build the
basement space. Unlike the events that took
place during Germany’s fall of terror in 1977, this
abduction ended without bloodshed.
In his artistic work, Arwed Messmer places the
images in a relationship to one another through
a series of decisions concerning material, size,
detail, and placement. In doing so he makes
them accessible visually and links them with his
own photographs in a nonlinear narrative.
Konzept und Fotografie von / Concept and photography by
ARWED MESSMER, Gestaltung von / graphic design by
CARSTEN EISFELD
Ca. 160 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 24,5 x 34 cm,
Softcover + Beileger / folder
Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4185-9
(Deutsch, English)
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ARCH I T E K T U R / A RCH I T EC T U RE & DESI GN
www.hatjecantz.de
ARCH ITE K TU R / ARCH ITE CTU RE & DE S IG N
ARCHITECTURE
& DESIGN
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Zauberhafte Aquarelle
der Designkunst
Mehr Nichts ist möglich
It is possible to get more nothingness
Enchanting watercolors
from the art of design
Johannes Schütz
Modelle & Interviews / Models & Interviews
Interviews mit / with JOHANNES SCHÜTZ,
mit einem Gastbeitrag von / with a guest contribution by
THOMAS SCHEIBITZ, Gestaltung von / graphic design by
CARSTEN EISFELD
Ca. 560 S. / pp., ca. 570 Abb. / ills., 16 x 24 cm, Softcover
Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00
ISBN 978-3-7757-4165-1
(Deutsch, English)
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Das Foto eines Bühnenbildmodells ist eine
Täuschung. Es erzeugt den Eindruck, als hätte die
Aufführung schon stattgefunden. Modelle haben
eine diskrete Energie, die sich noch steigert,
wenn man sie fotografiert. Der Philosoph
Gaston Bachelard hat die Arbeit an der Miniatur
freundlich banalisiert, als »eine metaphysische
Ausgleichsübung, um mit geringem Risiko weltschöpferisch zu sein«. – Kaum ein anderer führt
dies deutlicher vor Augen als der Bühnenbildner
Johannes Schütz. Ob am Wiener Burgtheater,
am Deutschen Theater, Berlin, oder am
Hamburger Schauspielhaus – seine Werke sind
schlicht, radikal und klar zugleich. Die formale
Strenge, die Schütz äußerst bedacht konzipiert,
ist eine Einladung in Welten, in denen man
sich ebenso verlieren wie konzentrieren
kann. Die Publikation erlaubt es, anhand der
fotografierten Modelle in diese Bühnenräume
nicht nur einzutauchen, sondern auch die
Arbeitsweise des gefeierten Bühnenbildners in
spannenden Interviews kennenzulernen.
The photograph of a stage design model is
an illusion; it creates the impression of the
performance having already taken place. Models
have a discrete energy that is heightened
even more if one takes pictures of them. The
philosopher Gaston Bachelard politely trivialized
working on the miniature as “an exercise that
has metaphysical freshness; it allows us to be
world conscious at slight risk.” Hardly anyone
else renders this more clearly visible than the
stage designer Johannes Schütz. Whether at the
Burgtheater in Vienna, the Deutsches Theater in
Berlin, or the Schauspielhaus in Hamburg—
his works are at once simple, radical, and clear.
The formal austerity that Schütz conceives
with extraordinary caution is an invitation
into worlds in which one can both lose as
well as collect oneself. Based on the
photographed models, the publication
permits not only immersing oneself in these
stage spaces but becoming acquainted
with the celebrated set designer’s approach
in fascinating interviews.
In der Reihe der großen dänischen Designer
wird Finn Juhl (1912–1989) in einem Atemzug
mit Hans J. Wegner und Arne Jacobsen
genannt. Besonders bekannt machten ihn
seine skulpturalen, organisch anmutenden
Tische, Stühle und Sofas. Aber auch mit seinen
komplexen Innenausstattungen, die er in den
1940er- und 1950er-Jahren entwickelte, feierte
er große Erfolge. Dazu zählen die Dänische
Botschaft in Washington, D. C. oder der
Sitzungsraum des Treuhandrats der Vereinten
Nationen im New Yorker UN-Gebäude.
Dass Finn Juhl ein begnadeter Aquarellist
war, ist bisher nur Eingeweihten bekannt.
Diese Publikation eröffnet ihren Lesern nun
erstmals einen einzigartigen Blick auf
die Arbeitsweise des Designers. Mehr als 125
feinsinnige Papierarbeiten vermitteln die
Genialität ihres Schöpfers: Endlich werden
Finn Juhls Möbelklassiker, Wohnkonzepte und
Inneneinrichtungen in ihrer ganzen Komplexität
erfahrbar, da man ihre Entstehung von Beginn
an nachverfolgen kann.
In the rank of great Danish designers, Finn
Juhl (1912–1989) is mentioned in the same
breath with Hans J. Wegner and Arne Jacobsen.
He became particularly well known for his
sculptural, seemingly organic tables, chairs, and
sofas. However, the complex interior designs
he developed in the forties and fifties were
also enormously successful. These include the
Danish Embassy in Washington, D. C., or
the conference room of the United Nations
Trusteeship Council in New York. Only the most
adept would be aware of the fact that Finn Juhl
was also a talented watercolor painter. For
the first time, this publication allows readers
to take a unique look at the designer’s working
method. More than 125 subtle works on paper
communicate the ingenuity of their creator:
Finn Juhl’s furniture classics, living concepts,
and interior designs can finally be experienced
in all their complexity, as one can trace
their development from the beginning onwards.
Watercolors by Finn Juhl
Text von / Text by ANNE-LOUISE SOMMER
Ca. 192 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 23,5 x 27,5 cm, Halbleinen / Half cloth
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4209-2 (English)
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Die Stadtvilla neu definiert
Die Suche nach Ausdruck und Identität
The urban villa redefined
Search for expression and identity
Paris, Antwerpen, Zwolle und Bremen – in
diesen Städten arbeitet das Atelier Kempe
Thill an der Gebäudetypologie der Stadtvilla,
die heute als eine Vision zeitgenössischen
Wohnens den Wohnungsbau in Westeuropa
wesentlich prägt. Die in dieser Publikation
vorgestellten Projekte basieren allesamt auf
diesem Grundtypus. Aus den nationalen
und regionalen Besonderheiten und deren
bewusster Konzeptualisierung entstehen
jedoch jeweils ganz eigene Interpretationen.
Der Band spürt den Projekten des Ateliers
Kempe Thill in ihrem Spannungsverhältnis
zwischen architektonischem Entwurf
und lebensweltlichen Bedingungen nach.
Zahlreiche Abbildungen sowie Texte
namhafter Architekten und Kritiker eröffnen
ein Verständnis für die Bauten und ihre
Entstehungsprozesse. So bietet der Katalog
ein Panorama der Bedingungen, unter
denen gegenwärtig in Europa kollektiver
Wohnungsbau entsteht.
Atelier Kempe Thill
Villa Urbaine
Hrsg. / Eds. ANDRÉ KEMPE, OLIVER THILL, Texte von /
texts by JEAN-LOUIS COHEN, ERIC LAPIERRE, Gestaltung von /
graphic design by HEIMANN & SCHWANTES
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4213-9
(English, French)
November 2016
Paris, Antwerp, Zwolle, and Bremen—the
Atelier Kempe Thill works in these cities on the
building typology of the urban villa, which today
essentially characterizes housing in Western
Europe as a vision of contemporary living. The
projects presented in this publication are all
based on this basic type of structure. However,
very distinct interpretations develop from
specific national and regional features and their
conscious conceptualization. The volume traces
the projects by the Ateliers Kempe Thill in their
relationship of tension between architectural
design and lifeworld-related conditions.
Numerous illustrations as well as texts by
well-known architects and critics shed light
on the buildings and their processes of origin.
The catalogue thus provides a panorama of the
conditions under which collective housing is
currently developing in Europe.
Ornament and Identity ist der Nachfolger
der höchst erfolgreichen Publikation At Work
des renommierten, in Rotterdam ansässigen
Architekturbüros Neutelings Riedijk. In
ihrem neuen Buch zeigen die Architekten auf
überzeugende Art und Weise, dass Gebäude mit
einer eindringlichen Ausdrucksform neue lokale
Identitäten in einer globalisierten Welt schaffen.
In zwölf thematischen Kapiteln – »Moiré«,
»Image«, »Seam«, »Emblem«, »Letter«,
»Pattern«, »Frame«, »Ridge«, »Grid«,
»Diamond«, »Relief« und »Filigree« – werden
dem Leser Zusammenhänge zwischen Form,
Bedeutung und zeitgenössischen Ornamenten
aufgezeigt. Zahlreiche Abbildungen realisierter
Gebäude und faszinierende Modelle sowie
von Materialmustern
und einzigartigen
Ornamenten, entworfen
von Neutelings Riedijk
Architects, geben einen
Einblick in ihre Arbeit und
ihre Suche nach Ausdruck
und Identität.
Ornament & Identity
Neutelings Riedijk Architects
Ornament and Identity
is the successor of the
well-received At Work, a
publication by renowned
Rotterdam based
architecture firm Neutelings Riedijk. In their
new book they convincingly demonstrate that
buildings with a powerful expression create
new local identities in a globalised world.
In twelve themed chapters Moiré, Image, Seam,
Emblem, Letter, Pattern, Frame, Ridge, Grid,
Diamond, Relief and Filigree, readers are guided
on the exploration of the connection between
form, meaning and contemporary ornaments.
Realised buildings, intriguing scale models,
material samples and unique ornaments
designed by Neutelings Riedijk Architects
illustrate the craftsmanship and their search
for expression and identity.
Gestaltung von / Graphic design by ZAK GROUP, LONDON
Ca. 360 S. / pp., ca. 260 Abb. / ills., 23,7 x 28,5 cm, Leinen / clothbound
Ca. € 58,– [D],CHF 75,00, $85.00, £55.00
ISBN 978-3-7757-4215-3 (English)
“… we design hems,
ridges and rims
to create new identities…”
98
99
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Katalog zum Chilenischen Pavillon auf
der Architekturbiennale in Venedig
Einblicke in Teherans soziale und
politische Gemeinschaftsräume
Catalogue accompanying the Chilean
Pavilion at the International Architecture
Exhibition in Venice
An interior view of Tehran’s social and
political community spaces
Der Chilenische Pavillon auf der 15. Architekturbiennale von Venedig zeigt unter dem
Titel Against the Tide die Arbeiten junger
Architekturstudenten der Escuela de
Arquitectura in Talca, die dort nicht nur lernen
zu zeichnen und zu planen, sondern auch ihr
Projekt zu promoten, Bauherren zu finden
und Finanzierungen aufzustellen, bevor sie
es umsetzen. In 15 Einzelstudien präsentiert
das Buch ihre Ergebnisse: kleinere Häuser und
öffentliche Gebäude, die in den ländlichen
Gegenden Zentralchiles realisiert wurden und
nicht nur baulich eine Revolution darstellen.
Maßgebend waren Komponenten wie
ökologische Materialien und die Schonung von
Ressourcen, verknüpft mit dem übergeordneten
Ziel, das Leben der Menschen vor Ort und ihre
Lebensbedingungen deutlich zu verbessern
und durch innovatives Bauen eine soziale und
gesellschaftliche Perspektive aufzuzeigen.
A Contracorriente /
Against the Tide
Hrsg. / Eds. ANDREA GRIBORIO, JOSÉ LUIS URIBE,
Texte von / Texts by JOSÉ BENGOA, MANUEL CUADRA,
ALFREDO JOCELYN HOLT, ERNESTO OTTONE, JUSTO PASTOR
MELLADO, JUAN ROMAN, JOSÉ LUIS URIBE, Gestaltung von /
graphic design BY CRISTINA PAOLI · PERIFERIA
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4188-0 (Spanish)
ISBN 978-3-7757-4189-7 (English)
Juni / June 2016
Against the Tide, the Chilean Pavilion at the
15th International Architecture Exhibition
of the Venice Biennale, exhibits the work
of architecture students from the Escuela de
Arquitectura in Talca who have conceived,
financed, designed, and constructed smallscale architecture in order to obtain their
professional degree in the field. They have
built with a minimum of resources, with the
residue of agricultural processes, and with local
materials easily available in a rural environment.
This catalogue contains the fifteen projects
chosen for the exhibition, with texts by different
authors that examine these architects’ training
and the customs of a territory both anodyne
and extraordinary. Against the Tide speaks to the
contrary direction in which some things move.
It puts the accent on the customs and
landscape of a rural world of forestry and
agriculture, helping to improve the everyday
lives of people through architecture.
Chilenischer Pavillon auf
Architekturbiennale von Venedig /
Chilean Pavilion at the International
Architecture Exhibition in Venice
100
28.5. – 2 7.11.2016
Das Leben in Teheran blüht und gedeiht in
seinen Innenräumen. Wenn öffentlicher
Raum kontrolliert und überwacht wird, dann
werden Wohnräume zu Kunstgalerien, Clubs,
Kulturzentren, Fabriken und Büros. Innenräume
sind nicht länger die ausschließliche
Domäne von individuellem Leben und
Familienangelegenheiten; Wohnungen und
Häuser werden zu Räumen, in denen neue
Formen kollektiven Lebens ausprobiert
und gefördert werden, sowie zu Schlachtfeldern
sozialer Konflikte und politischer
Wählerschaften. Durch sein umfassendes
Kompendium an Zeichnungen stellt Tehran. Life
Within Walls eine archäologische Untersuchung
der Politik und Ökologie von Innenräumen
in der iranischen Metropole dar, von der
Gründung der iranischen Hauptstadt bis
zum heutigen Tag. Das Buch ist zugleich ein
anschaulicher Einstieg in das Studium Teherans
und der islamischen/iranischen Architektur,
aber auch ein methodisches Experiment zur
Untersuchung zeitgenössischer Städte. Die im
Anhang gezeigten sechs Projekte bieten
eine fantasievolle – und dennoch pragmatische –
Vision für die Zukunft von Teheran.
Tehran: Life Within Walls
A City, its Territory, and Forms of Dwelling
Hrsg. / Ed. TU DELFT, Vorwort von / foreword by SALOMON
Life in Tehran proliferates and thrives in its
interiors. When public space is policed and
controlled, domestic interiors become art
galleries, clubs, cultural centers, factories and
offices. Interiors cease to be the exclusive
domain for individual life and family matters;
homes become the spaces in which new
forms of collective life are experimented with
and nurtured, and the battleground for social
conflicts and political constituencies. Through
its extensive apparatus of drawings, Tehran:
Life Within Walls presents an archaeological
inquiry into the politics and the ecologies of
the interior spaces of the Iranian metropolis,
from its foundation as the Iranian capital
until today. The book is at the same time an
accessible entry point for the study of Tehran
and Islamic/Iranian architecture, as well as
a methodological experiment for the study
of contemporary cities. An appendix of six
projects provides an imaginative—yet radically
pragmatic—vision for the future of Tehran.
FRAUSTO, Texte von / texts by AMIR DJALALI,
HAMED KHOSRAVI, FRANCESCO MARULLO, Nachwort von /
epilogue by MICHIEL RIEDIJK, Gestaltung von /
graphic design by MARCO UGOLINI
Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4143-9 (English)
August 2016
101
www.hatjecantz.de
Schloss und Park Benrath
Fotografien von / Photographs by MARCUS SCHWIER, Gestaltung
von / graphic design by JAN VAN DER MOST
Ca. € 24,80 [D], CHF 32,40, $40.00, £22.99
ISBN 978-3-7757-4177-4
(Deutsch, English)
August 2016
102
Außergewöhnliche Begegnungen:
Geschichte(n) der Stiftung Schloss
und Park Benrath
Wiederentdeckt! Die frühen Bauten
eines der bedeutendsten Vertreter der
modernen Architektur
Extraordinary encounters: history of the
Benrath Palace and Park Foundation
Rediscovered! The early buildings of
one of the most important representatives
of modern architecture
Wie kaum eine andere Anlage verbindet
das Ensemble von Schloss und Park Benrath
scheinbare Gegensätze zu einer harmonischen
Einheit. 1770 nach Plänen von Nicolas de
Pigage fertiggestellt, fließen hier Architektur
und Landschaft ineinander, ergänzen und
bereichern sich wechselseitig. Schlossund Gartenanlage stehen nicht nur unter
Denkmalschutz, der Park ist zudem als
Naturschutzgebiet ausgewiesen. Die Stiftung
Schloss und Park Benrath hat sich dem Erhalt
dieser einzigartigen Symbiose verschrieben.
Mit ihren Museen und Veranstaltungen setzt
die Stiftung die Begegnung von Gegenwart
und Historie schillernd in Szene. Der Band
stellt neben der Bau- und Nutzungsgeschichte
besonders die Stiftungsarbeit an diesem
außergewöhnlichen Ort vor. Neben den Texten
laden die prachtvollen Bilder
des Architekturfotografen
Marcus Schwier den Leser zu
einem außergewöhnlichen
Spaziergang durch Raum und
Zeit ein.
The Benrath Palace and Park
ensemble harmoniously unites
apparent opposites. Completed
in 1770 according to plans
drawn up by Nicolas de Pigage, architecture
and landscape merge, complementing and
enhancing one another. And so it is not
surprising that the palace and gardens not only
have landmark status, but that the park has also
been declared a nature sanctuary. The Benrath
Palace and Park Foundation has dedicated itself
to the preservation of this unique symbiosis.
It colorfully stages the encounter between the
present and the past with its museums and
events. Besides the history of the building and its
use, this volume presents the work performed
by the foundation at this exceptional site. Texts
and magnificent pictures by the architectural
photographer Marcus Schwier take readers on
an extraordinary stroll through space and time.
Sobald sein Name fällt, hat man sie vor Augen:
großzügig in die Natur hineinkomponierte,
lichtdurchflutete Bungalows, die den
architektonischen Stil der amerikanischen
Westküste um Los Angeles prägen. Dass
Richard Neutras (1892–1970) Karriere in
Berlin-Zehlendorf ihren Anfang nahm,
wird manchmal übersehen. Dabei stellen
gerade die Zehlendorfer Häuser einen
äußerst faszinierenden Abschnitt in
Neutras Werk dar. Sie offenbaren mit
ihrem komplexen Farbkonzept und ihrer
extravaganten Innenausstattung nicht nur
den experimentellen und radikal innovativen
Entwurf. Vielmehr erkennt man in dieser
kaum bekannten Seite seines Bauens auch
schon Andeutungen, die sich in folgenden
Projekten wiederfinden. Die vorliegende
Publikation würdigt das Frühwerk eines der
Hauptvertreter der klassischen Moderne und
präsentiert neben historischen Quellen neue,
bisher unveröffentlichte Dokumentationen der
Häuser und ihrer ersten Bewohner.
At first mention of his name, one can easily
picture them: light-flooded bungalows that
are lavishly composed into nature and that
characterize the architectural style of the
American West Coast surrounding Los Angeles.
But it is sometimes overlooked that the
career of Richard Neutra (1892–1970) began
in Berlin-Zehlendorf. And yet these houses
in Zehlendorf represent a fascinating phase
in Neutra’s work. With their complex color
schemes and extravagant interior design, they
reveal themselves to be more than just an
experimental and radically innovative design.
Indeed, these lesser-known aspects already
hint at elements that will be taken up again in
future projects. The present publication finally
provides for a rightful appreciation of Neutra’s
early works and, alongside historical sources,
it collects countless new and unpublished
documents about the houses and their first
residents.
Richard Neutra in Berlin
Die Geschichte der Zehlendorfer Häuser
Text von / Text by HARRIET ROTH, Gestaltung von /
graphic design by MARGARETHE HAUSSTÄTTER
Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4153-8 (Deutsch)
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and work of Paul Klee
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ISBN 978-3-7757-3010-5 (Deutsch)
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ISBN 978-3-7757-3792-0 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3662-6 (English, Chinese)
Juni / June 2016
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104
Apple setzt Designmaßstäbe –
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105
SP ECI A L P RI CE
Chagall
Gregory Crewdson
Hilma af Klint
Meister der Moderne
Beneath the Roses.
Werke 2003–2007
Eine Pionierin der Abstraktion /
A Pioneer of Abstraction
Die Anfänge und das frühe
Schaffen des wegweisenden
Avantgardisten
Für alle Fans der irritierenden
Fotoinszenierungen
Einblicke in andere
Dimensionen der Existenz
The early days and work of the
pioneering avant-garde painter
For all fans of staged
photographs
Insights into different
dimensions of existence
Dramatic, exotic, and
beautiful: new light is cast
on a myth.
296 S. / pp., 272 Abb. / ills., 21,9 x 28,2 cm, Softcover
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144 S. / pp., 101 Abb. / ills., 24,3 x 28 cm, Softcover
ISBN 978-3-7757-3464-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-2173-8 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3488-2 (Deutsch)
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Was ist Kunst? / What Is Art?
S PE CIAL PRICE
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»Ein kluger
Spaß – auch für
Erwachsene.«
– B R I G I T T E
106
27 Fragen. 27 Antworten /
27 Questions. 27 Answers
Für junge Leser und Erwachsene
For young readers and adults
Frida Kahlo
Dramatisch, exotisch und
schön: Ein Mythos wird
neu beleuchtet.
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1914 – Welt in Farbe
Blow-Up
Farbfotografie vor dem Krieg
Antonionis Filmklassiker und die Fotografie
Aus dem Archiv der Medien
pioniere Albert Kahn, Sergej M.
Prokudin-Gorskii und Adolf Miethe
Der Voyeurismus der Kamera:
Vanessa Redgrave, Veruschka und
Jane Birkin im Swinging London
From the archive of media pioneers
Albert Kahn, Sergej M. ProkudinGorskii, and Adolf Miethe
The voyeurism of the camera:
Vanessa Redgrave, Veruschka, and
Jane Birkin in Swinging London
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ISBN 978-3-7757-3736-4 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3737-1 (English)
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Paul Gauguin
Metamorphosen
Alle Facetten des großen Malers
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All facets of the great painter
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€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
ISBN 978-3-7757-3527-8 (English)
ISBN 978-3-7757-3811-8 (Deutsch)
Nur € 7,95 statt € 16,80
Nur € 19,95 statt € 49,80
»Des Meisters
unbekannte
Seite.«
– E SSLINGER ZEITUNG
107
SP ECI A L P RI CE
Neo Rauch
Begleiter
Die bedeutendsten Arbeiten von
Neo Rauch in einer opulenten
Monografie
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Berliner Luft
Der etwas andere Reiseführer
über die Hauptstadt:
mit kultigen Fotografien vom
Wedding bis nach Zehlendorf
A slightly different guide to
Berlin: with iconic photographs
from Wedding to Zehlendorf
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S PE CIAL PRICE
Arno Schmidt als Fotograf
Verner Panton
Matteo Thun
Ron Galella
Entwicklung eines Bildbewusstseins
Spiegel-Kantine
The Index Book
Paparazzo Extraordinaire!
Eindrucksvolle Schwarz-Weißund Farbaufnahmen des bedeutenden
Schriftstellers
Verner Pantons Gesamtkunstwerk:
die SPIEGEL-Kantine, eine Orgie
in Orange, Rot und Lila
Architektur und Produktdesign von Der ungekrönte König unter
Matteo Thun – von seinen frühesten den Paparazzi: Ron Galella,
Arbeiten bis heute, von A bis Z
berühmt und berüchtigt
Striking black-and-white and color
photographs by the distinguished author
Verner Panton’s synthesis of the
arts: the SPIEGEL cafeteria,
an orgy of orange, red, and purple
Matteo Thun’s architecture and
product design. From his earliest to
his most recent works, from A to Z
Uncrowned king of the
paparazzi: the notorious
Ron Galella
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200 S. / pp., 104 Abb. / ills., 19,6 x 21,7 cm,
22,5 x 24,6 cm, Hardcover
Softcover
Softcover mit Goldschnitt / gilt-edged
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€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99
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ISBN 978-3-7757-3499-8 (Deutsch, English, Italian)
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Ichundichundich
Picasso im Fotoporträt
»...ein Meister
der Selbstinszenierung«
– M U S E U M LU DW I G
108
Ein furioser Bilderreigen –
weltberühmte Künstlerfotografen
sehen Picasso
Weltenschöpfer
Richard Wagner, Max Klinger, Karl May
Zur künstlerischen Wesensverwandtschaft
der drei sächsischen Genies
A grand series of images—worldfamous photographers see Picasso
On the related artistic natures of three
Saxon geniuses
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ISBN 978-3-7757-3537-7 (Deutsch)
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Nur € 9,95 statt € 39,80
» F antasten
aus
Sachsen«
– D E R TAG E S S P I E G E L
109
E DITION G E RD H ATJE
OLIVO BARBIERI
OLAF OTTO BECKER
ROMAN BEZJAK
PETER BIALOBRZESKI
BAE, BIEN-U
THORSTEN BRINKMANN
DANIELE BUETTI
CHIEN-CHI CHANG
DAVID CLAERBOUT
AMY CUTLER
FRANK DARIUS
SABINE DEHNEL
ANDREA DIEFENBACH
MARK DION
GORAN DJUROVIC
110
PETER DOWNSBROUGH
KERSTIN DRECHSEL
FILIP DUJARDIN
ANDREAS FEININGER
PHILIPP FÜRHOFER
FRANK GAUDLITZ
ANDREAS GEFELLER
PETER GRANSER
MONIKA GRZYMALA
GUIDO GUIDI
TERRY HAGGERTY
JACQUELINE HASSINK
PETER HEBEISEN
KATI HECK
THILO HEINZMANN
ULRICH HENSEL
MARKUS HENTTONEN
CARSTEN HÖLLER
FRANK HORVAT
TOM HUNTER
ODA JAUNE
JOAN JONAS
NADAV KANDER
JANNIS KOUNELLIS
FRANK KUNERT
MICHAEL LANGE
VILLE LENKKERI
MARTIN LIEBSCHER
ROSA LOY
NIKO LUOMA
M+M
MARRIGJE DE MAAR
UTE MAHLER
ANNETTE MESSAGER
MARIKO MORI
ARMIN MUELLER-STAHL
LOREDANA NEMES
MARTIN NEUMAIER
WALTER NIEDERMAYR /
KAZUYO SEJIMA + RYUE
NISHIZAWA (SANAA)
WALTER NIEDERMAYR
ERIK NIEDLING
HERMANN NITSCH
CATHERINE OPIE
OSTKREUZ
NELLI PALOMÄKI
ELIZABETH PEYTON
BAS PRINCEN
MICHAEL REISCH
ROBIN RHODE
MARTIN ROEMERS
AURA ROSENBERG
TITUS SCHADE
STEVE SCHAPIRO
HANS-CHRISTIAN SCHINK
PETER SCHLÖR
KEN SCHLUCHTMANN
JULIAN SCHNABEL
URSULA SCHULZ-DORNBURG
SEAN SCULLY
TARYN SIMON
NEDKO SOLAKOV
ULRICH STROTHJOHANN
WOLFGANG TILLMANS
SZE TSUNG LEONG
CHRISTINE TURNAUER
TIMM ULRICHS
CARLO VALSECCHI
JÖRN VANHÖFEN
EVA VERMANDEL
ROBERT VOIT
WIM WENDERS
UWE WITTWER
111
E D IT I O N GERD HATJ E
Titus Schade, Modellhäuser, 2016
Acryl und Tusche auf Papier, Künstlerrahmung
Format: 40 x 30 cm
10 Unikate, Set von 2 Arbeiten
Signiert, mit Buch
Acrylic and ink on paper, artist’s frame
Format: 40 x 30 cm
10 original works, set of 2 works
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Jannis Kounellis, Untitled, 2016
Lithografie auf BFK Rives 250g
Blatt: 40 x 35 cm, Motiv: 32 x 27 cm
Auflage 45 + 5 AP
Signiert, nummeriert
In Mappe, mit Buch
Lithograph on BFK Rives 250g
Sheet: 40 x 35 cm, image: 32 x 27 cm
Limited edition of 45 + 5 AP
Signed, numbered
In folder, with book
680,00 €
Sean Scully,
Untitled (Landline), 2016
Robin Rhode,
Door, 2008‒2016
Aquatinta-Radierung auf Hahnemühle Bright White
Blatt: 71,1 x 53,3 cm, Motiv: 25,4 x 12,7 cm
Auflage 40 + 10 AP
Signiert, nummeriert
In Mappe, mit Buch
Pigmentdruck mit individueller Zeichnung
Format: 52,6 x 52,6 cm
20 Unikate + 2 AP
Signiert
In Mappe, mit Buch
Aquatint on Hahnemühle Bright White
Sheet: 71.1 x 53.3 cm, image: 25.4 x 12.7 cm
Limited edition of 40 + 10 AP
Signed, numbered
Pigment print, with an individual drawing
Format: 52.6 x 52.6 cm
20 original art works + 2 AP
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4.500,00 €
Ca. 1.500,00 €
Goran Djurovic, Tragikomedia / Casting, 2016
Acryl und Tusche auf Papier
Format: ca. 30 x 20 cm / 20 x 30 cm
10 Unikate
Signiert
In Mappe, mit Buch
Acrylic and ink on paper
Format: ca. 20 x 30 cm / 30 x 20 cm
10 original art works
Signed
Motiv ähnlich, nicht identisch / Motive similar, not identical
112
Ca. 1.500,00 €
Ulrich Strothjohann,
Spielautomat / Reenactment, 2016
Multiple, Kiefernsperrholz, Acryl,
in handgefertigter Holzkiste
Format: 48 x 35 x 3 cm
15 Unikate + 2 AP
Signiert, mit Buch
Multiple, wood, acrylic, in handmade wooden box
Format: 48 x 35 x 3 cm
15 original art works + 2 AP
Signed, with book
Ca. 1.500,00 € 113
BI L D N ACHWEI S / CREDI TS
2
Markus Henttonen auf seiner
Vernissage zu Twisted Tales, Road to
Hope, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016
3/4
Robin Rhode, Restless Mind, 2009
7
17
29
Jean-Michel Basquiat, Masonic Lodge,
1983; Moses and the Egyptians, 1982,
Guggenheim Bilbao Museoa; © The
Estate of Jean-Michel Basquiat /
ADAGP, Paris / ARS, New York 2016;
© VG Bild-Kunst, Bonn 2016
Axel Stoffers, aus der Serie »Im Fluss«,
1999–2002; © Photo: Axel Stoffers,
Mülheim an der Ruhr
Gen Atem, Flowers #4, 2015
Photo: Miriam Bossard; © Gen Atem
Barbara Klemm, Bei Rüdesheim, 1974
© Photo: Barbara Klemm
Jannis Kounellis, Artist’s shoes with
golden soles, 1975, © Photo: Claudio
Abate; Untitled, 1991, at Synagogue
Stommeln Pullheim, © Photo: Claudio
Abate, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016
19
Wassily Kandinsky, Fuga, 1914,
Öl auf Leinwand, 129,5 x 129,5 cm
© Fondation Beyeler, Riehen / Basel,
Sammlung Beyeler
Photo: Robert Bayer, Basel
Alice Neel, Kenneth Fearing, 1935
© MOMA, New York / Scala, Florence
Franz Marc, Blauschwarzer Fuchs, 1911
© Medienzentrum, Antje Zeis-Loi / Von
der Heydt-Museum Wuppertal
Alice Neel, Self Portrait, 1980
© National Portrait Gallery, Smith
sonian Institution, Washington D.C.
9
Giorgio de Chirico (1888 – 1978),
Ritratto (premonitore) di Guillaume
Apollinaire, 1914; Öl und Kohle auf
Leinwand, 81,5 x 65 cm, Centre
Pompidou, Paris, Musée national
d‘art moderne / Centre de création
industrielle, Ankauf 1975, © 2015,
ProLitteris, Zurich; Photo: CNAC/
MNAM Dist. RMN - Adam Rzepka,
René Magritte (1898 – 1967), La sortie
de l’école, 1927, Öl auf Leinwand,
73 x 100 cm, Privatbesitz, © 2015,
ProLitteris, Zurich; Photo: Prolith AG,
10
Laserstein, Lotte, Russisches Mädchen
mit Puderdose, 1928; Städel Museum,
Frankfurt am Main, © VG Bild-Kunst,
Bonn 2016; Photo: © Städel Museum;
Artothek
Richard Prince / Cindy Sherman,
Panamakanalzone 1949 / Glen Ridge
1954; Untitled (Richard Prince and
Cindy Sherman) aus der Serie Double
Portrait, 1980; erworben 2015 als
Schenkung der DZ-Bank
13
Hans Holbein d. J., Madonna des
Bürgermeisters Jacob Meyer zum
Hasen, 1525/26 und 1528. © Sammlung
Würth, Photo: Philipp Schönborn
Albrecht Dürer, Porträt von Erasmus
von Rotterdam, 1526, © Graphische
Sammlung ETH Zürich
15
Gerhard Richter, 239-1 Seestueck
(bewoelkt), 1969
Neel in ihrem Apartment in Spanish
Harlem, um 1940; © Photo: Sam Brody
21
Sean Scully, Air, 2015; Backs and
Fronts, 1981
Zitat: Heinrich Böll. Werke. Kölner
Ausgabe. Bd. 10. 1956-1959,
herausgegeben von Viktor Böll
© 2005, Verlag Kiepenheuer & Witsch
GmbH & Co. KG, Köln/Germany
31
Samuel Zuder, Face to Faith | Mount
Kailash | Tibet, 2012; © Photo: Samuel
Zuder
33
Fred Herzog, Self-Portrait, 1959;
Jackpot, 1961
© Equinox Gallery, Photo: Fred Herzog
23
Robin Rhode, Cutting Corners (spread
sheet), 2011; The Moon Is Asleep, 2015;
Robin Rhode, 2005
© Photo: Paolo Mussat Sartor
25
Taryn Simon, Paperwork and the
Will of Capital, 2016;
Memorandum of Understanding
between the Royal Government of
Cambodia and the Government of
Australia Relating to the Settlement
of Refugees in Cambodia. Ministry
of Interior, Phnom Penh, Cambodia,
September 26, 2014; © Taryn Simon
Source image with botanist’s iden
tifications, Memorandum of
Understanding between the Royal
Government of Cambodia and the
Government of Australia Relating to
the Settlement of Refugees in Cam
bodia. Ministry of Interior, Phnom
Penh, Cambodia, September 26, 2014
© Taryn Simon. Courtesy
Gagosian Gallery. Siv Channa/
The Cambodia Daily
Cairo Communiqué on International
Cooperation for the Protection and
Repatriation of Cultural Heritage.
Cairo, Egypt, April 8, 2010; © Taryn
Simon
27
Regina Schmeken, Heilbronn
Kiesewetter, 2015; Rostock Toitenwinkel,
2015; © Photo: Regina Schmeken
35
Archiv Jochen Raiß
37
Palazzo, Rome from the project On
the Set of James Bond’s Sepctre; Secret
Room, Tangier Hotel from the project
On the Set of James Bond’s Sepctre;
Bond Boat from the project On the Set
of James Bond’s Spectre
© Anderson & Low, All Rights Reserved
39
Staab Architekten, Neue Galerie Kassel
© Photo: Werner Huthmacher, Berlin
Staab Architekten, Museum der
Bayerischen Könige, Hohenschwangau
(WIT); © Photo: Marcus Ebener
Staab Architekten, LWL-Museum für
Kunst und Kultur, Münster
© Photo: Marcus Ebener
41
Affen, Kay Bojesen
© Photo: Mette Mærsk, Pernille Klemp
Nilfisk-Staubsauger G70, Fisker &
Nielsen, Design 1958
Dreirad, Modell Kipper, Winther,
Design 1970er Jahren
43
© Børge Mogensens Tegnestue
© Erik Hansen
45
© Illustrations: Sabine Hirsig
47
© Photo: Ayca Beygo
114
BI LDNACH W E IS / CRE DITS
www.hatjecantz.de
48/49
50/51
Exhibition views of Jannis Kounellis
at Monnaie de Paris, Photo: Manolis
Baboussis, Courtesy of the artist,
© Monnaie de Paris, 2016,
52
Wilhelm Morgner, Der Holzarbeiter,
1911, Ornamentale Komposition IX, 1912
© Photo: Thomas Drebusch
53
Francis Picabia, udnie (Jeune fille
américaine; danse) 1913,
Centre Pompidou, Musée national
d’art moderne – centre de création
industrielle, © Photo: Erich Lessing;
54
© 2016, Museum der Kulturen Basel
55
Ekrem Yalcindag, Impressions from the
Street, 2012; Farben, 2011
© Ekrem Yalcindag, courtesy Kai
Middendorf Galerie
56/57
Patrick Angus, J.B. in drag (standing),
1988; Boys Do Fall in Love, 1984;
Untitled (Self Portrait), 1980s
Art by Patrick Angus © Douglas Blair
Turnbaugh
58
Velimir Ilišević, Mundbrot, 1997;
Wasserschlüssel, 2012
© Photo: Juerg Fausch
59
Gen Atem at work, Zurich 2013;
Flowers #4, 2015
Photo: Miriam Bossard;
Experience, 2011
© Gen Atem
60/61
Goran Djurovic, Image of Medatation,
2015; Kartenleser, 2016; © Photo: Luc
De Corte; Playground/looking east
(Detail), 2015; Hawkers Tray, 2015;
© Photo: Jesse Stone
62/63
Titus Schade, Der Schacht, 2011;
Eisenstadt, 2014; Regal Katastrophe,
2011; Photo: Uwe Walter; © Titus
Schade / VG Bild-Kunst, Bonn 2016
64/65
Herr, morgens beim Aufkrauen,
Galerie Schmela Düsseldorf 1974,
Bernd Jansen/VG-Bild-Kunst, Bonn
(Fotografie). Fritz Schwegler/VG-BildKunst, Bonn 2016
Fritz Schwegler, 88 Souveräne (Detail),
© the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2016
66
Art Basel in Basel 2015, Unlimited VIP
Opening, Impression; © Art Basel
67
Samson Young, Switzerland, Alps
between Nyon and Berlin, The Journey;
Morocco, Fez (Medina), The Process;
Morocco, The hills, Fez, Listening
68/69
Ars Electronica Center, © Photo:
Nicolas Ferrando, Lois Lammerhuber
Myconnect, © Saša Spačal, Mirjan
Švagelj, Anil Podgornik
Drone 100, © Intel Corporation
Nick Ervinck, 3-D-Printing; Prix Ars
Electronica, Goldene Nicas, Photo:
Tom Mesic
70
Karol Radziszewski, Vitrine (Filo,
1986–1990 and DIK Fagazine, 20052014 magazines), © Courtesy of the
artist and CoCA in Torun
71
Kunst(Zeug)Haus, Karim Noureldin,
Arka, 2014; © Poto: Martin
Stollenwerk, Zürich; © VG Bild-Kunst,
Bonn 2016
72/73
Monika Grzymala, Raumzeichnung
(Poyraz-Lodos), 2015, Gruppenaus
stellung Spaceliner, Arter space for
art, Istanbul Türkei; Raumzeichnung
(outside/inside), 2016 Detail, Gruppen
ausstellung LINE, Lisson Gallery,
London Großbritannien;
Raumzeichnung (liquid), 2015,
Gruppenausstellung How Space
Turns/Wie Raum Wird, Museum für
Gegenwartskunst, Siegen
74
Fredrik Værslev, Standard Oslo/
Verkdok.23.04.15, © Vegard Kleven
75
David Schnell, Castel, 2014
© courtesy Galerie EIGEN + ART
Leipzig/Berlin, Photo: Uwe Walter,
Berlin; © VG Bild-Kunst, Bonn 2016
Edgar Degas, Weiblicher Akt,
um 1885-86, © Museum Langmatt,
Stiftung Langmatt Sidney und
Jenny Brown, Baden
76
Nalini Malani, Remembering Mad Meg,
2007/11, Paris-Delhi-Bombay, Centre
Pompidou, Paris, 2011, Collection
Centre Pompidou, Paris, © Payal
Kapadia and the artist; Transgressions,
2001/14; You can’t Keep Acid in a Paper
Bag, Kiran Nadar Museum of Art, New
Delhi, 2014, © Gireesh GV, KNMA and
the artist
77
Ugo Rondinone, Primal, 2013, bronze,
installation de 44 chevaux. Courtesy
de l’artiste, Galerie Eva Presenhuber,
Zürich, Gladstone Gallery, New YorkBruxelles & Esther Schipper Gallery,
Berlin. Vue de l’exposition à la galerie
Esther Schipper, 2013;
© Andrea Rossetti
fünfundzwanzigsterjunizwei
tausendundfünfzehn, 2015
Courtesy Sadie Coles HQ, Londres
78/79
Haralampi G. Oroschakoff,
Doppelkreuz Maria Kalina, 2000;
Doppelkreuz, 2016; Cannes, 1988,
© Photo: Michael Corris;
80/81
Ulrich Strothjohann, Löcher der Welt
82/83
Dieter Blum, Low Clearance 1, 1992
Daimler Art Collection,
Stuttgart/Berlin
84/85
Sascha Weidner, Blühende Mandel
baumzweige II, 2003; Touché II, 2005;
Renaissance II, 2012; Reflection II, 2013;
Implode II, 2011, © Estate of Sascha
Weidner, Courtesy Galerie Conrads,
Düsseldorf
86
Porträt des Bildhauers Fritz Wotruba,
Wien 1930er; Marlene Dietrich bei den
Salzburger Festspielen, Salzburg 1936;
© Wien Museum/Robert Haas
88
Frank Horvat, 2010 06 26, BoulogneBillancourt, France, self-portrait
Frank Horvat, 1984, BoulogneBillancourt, France, Michel, Elisabeth
(sœur de Sandra), FH, Fiammetta,
Sandra, Marco, Lorenzo, Rebecca
89
Dieter Blum, Lonely (22), 1992,
Red Light, 1992, Low Clearance 1, 1992
Daimler Art Collection,
Stuttgart/Berlin
91
© Karolin Klüppel
92
Stefan Hanke, Sofia Posmysz in einer
Baracke des ehemaligen Frauenlagers
des KZ AuschwitzBirkenau, 2012;
Leon Weintraube vor der Zeppelin
tribüne auf dem ehemaligen Reichs
parteitagsgelände in Nürnberg, 2014
93
© Arwed Messmer/PHS Berlin
94/95
Finn Juhl, © Designmuseum
Danmark/Pernille Klemp
96
Johannes Schütz, Blaue Skizze;
Orpheus und Euridice, 2003
97
Finn Juhl, © Designmuseum
Danmark/Pernille Klemp
Die Bildrechte liegen bei den
genannten Rechtehaltern sowie
bei den Künstlern und ihren
Rechtsnachfolgern. / Images
copyrights for works reproduced:
artists and their legal heirs.
COVERMOTIV /
COVER I LLUSTRATION
Fred Herzog, Red Stockings, 1961,
Archival pigment print,
Courtesy the artist and Equinox
Gallery
Monika Grzymala, Raumzeichnung
(fusion), 2016 Detail,
Gruppenausstellung Tensioni
Strutturali # 1, Eduardo Secci
Contemporary, Florenz Italien
BILDUNTERSCHRIFTEN UND BILDNACHWEIS DER ABGEBILDETEN
WERKE / CAPTIONS AND CREDITS
FOR THE REPRODUCED WORKS
im Inhaltsverzeichnis: / in the table of
contents: Archiv Jochen Raiß;
Daniel Buren, Les Portes, 1985,
© Horst Ziegenfusz, VG Bild-Kunst,
Bonn 2016; © Sean Scully;
© Illustrations: Sabine Hirsig
Preisänderungen, Lieferbarkeit
und Irrtümer vorbehalten. /
Prices, specifications, and terms subject
to change without notice.
Redaktionsschluss / Copy deadline:
25.04.2016
99
Neutelings Riedijk architecten, City
Hall, Deventer; Walterboscomplex,
Apeldoorn, © Photo: ScagliolaBrakkee
100
© Photo: Felipe Muñoz;
Photo: Javier Rodríguez
101
Inside a commercial building in
Tehran; Source: Claudio Cuneo, 2013
102
Schloss Benrath,
© Photo: Marcus Schwier
103
Richard Neutra, Berlin, 1920; Dreh
bühne, Onkel-Tom-Strasse 85 o. 87, 1924
87
Arwed Messmer, Townhouses
am Caroline-von-Humboldt-Weg,
21. Februar 2009, © the artist
115
I N DEX
101 Danish Design Icons 40/41
A
A Contracorriente /
Against the Tide 100
Anderson & Low 36/37
Angus, Patrick 56/57
Ars Electronica 46/47
Atelier Kempe Thill 98
Atem, Gen 59
B
Basquiat, Jean-Michel 16/17
Benrath, Schloss und Park 102
Berlin Raum Radar 87
Bilderstrom 28/29
Blum, Dieter 89
BMW Art Guide 71
C
Cell 93
Common Affairs 70
CyberArts 69
D
Djurovic, Goran 60/61
Don’t Be Afraid to Participate 44/45
E
EDITION GERD HATJE 110–113
Europa in der Renaissance /
Europe in the Renaissance 12/13
F
Frauen auf Bäumen 34/35
G
Grzymala, Monika 72/73
H
R
Haas, Robert 86
Hanke, Stefan 92
Herzog, Fred 32/33
Horvat, Frank 88
Richter, Gerhard 14/15
Rhode, Robin 22/23
Rondinone, Ugo 77
I
Ilišević, Velimir 58
J
Juhl, Finn 97
K
Kandinsky, Marc und Der Blaue Reiter
6/7
Keine Angst vor Partizipation 44/45
Kéré, Francis 46/47
Paul Klee und die Surrealisten /
Paul Klee et les surréalistes 8/9
Klüppel, Karolin 91
Kounellis, Jannis 50/51
L
Langmatt, Licht, Libellen 75
Anderson & Low 36/37
M
Malani, Nalini 76
Mogensen, Børge 42/43
Wilhelm Morgner und die Anfänge
der abstrakten Kunst 52
Mustergültig 52
N
Neel, Alice 18/19
Richard Neutra in Berlin 103
Neutelings Riedijk 99
O
Oroschakoff, Haralampi G. 78/79
P
Picabia, Francis 53
116
www.hatjecantz.de
S
Sangik Noh, Jason 90
Schade, Titus 62/63
Schmeken, Regina 26/27
Schütz, Johannes 96
Schwegler, Fritz 64/65
Scully, Sean 20/21
Simon, Taryn 24/25
Special Price 104–109
Staab Architekten 38/39
Städel Museum,
Gegenwartskunst im 11
Städel Museum,
Kunst der Moderne im 10
Striking Patterns 54
Strothjohann, Ulrich 80/81
T
Tehran 101
U
Unlimited 66
V
Værslev, Fredrik 74
W
Weidner, Sascha 84/85
Women in Trees 34/35
Y
Yalcindag, Ekrem 55
Young, Samson 67
Z
Zelle 93
Zuder, Samuel 30/31
Hatje Cantz Verlag
Mommsenstraße 27
10629 Berlin
Deutschland
Tel. +49 30 3464678-00
Fax +49 30 3289042-62
[email protected]
Postwiesenstraße 5a
70327 Stuttgart
Deutschland
Tel. +49 711 4405-200
Fax +49 711 4405-220
[email protected]
www.hatjecantz.de
Verlegerische Geschäftsführung / Publisher
Kaufmännische Geschäftsführung /
Managing Director
Dr. Thomas P. J. Feinen
4
48
82
94
Programmleitung / Program Directors
Dr. Sibylle Luig
Ulrike Ruh
HIGHLIGHTS
Kunst / A rt
Fotografie / Photography
Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books
Nadine Barth
Marketingleitung / Marketing Director
Sascha Perkins
Tel. + 49 30 34678-13
Vertriebsleitung / Sales Director
Daniel Engels
Tel. +49 30 3464678-18
[email protected]
Edition Gerd Hatje
Sabine Jenske
Tel. +49 30 3464678-16
[email protected]
104
116
Presse / Press
Sara Buschmann
Tel. +49 30 3464678-08
[email protected]
Special Price
INDEX
1 10
20 / 112 22 / 113
24 5 0 / 113
60 / 112
62 / 112
72
78
80 / 113
SEAN SCULLY
ROBIN RHODE
TARYN SIMON
JANNIS KOUNELLIS
GORAN DJUROVIC
TITUS SCHADE
MONIKA GRZYMALA
HARALAMPI G. OROSCHAKOFF
ULRICH STROTHJOHANN
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Fax +1 212 627 9484
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REPUBLIC OF IRELAND
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London EC2M 5TU
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75020 Paris
Tel. +33 1 43493660
Fax +33 1 43494122
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70565 Stuttgart
Deutschland
Ansprechpartnerin / Contact person:
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Tel: +49 (711) 7899 2010
Fax: +49 (711) 7899 1010
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10437 Berlin
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Fax +49 2131 1257944
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57223 Kreuztal
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Fax +49 2732 558345
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PLZ-Gebiete 60–64 und 68)
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Fax +49 931 17410
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Huebergasse 1
97070 Würzburg
Tel. +49 931 17405
Fax +49 931 17410
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Tel. +43 1 2147340
Fax +43 1 2147340
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Obere Bahnhofstrasse 10A
Tel.: +41 44 76242-41 oder -47
Fax: +41 44 76242-49
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Stephanie Brunner
[email protected]
THE NETHERLANDS
Jan Smit
Eikbosserweg 258
1213 SE Hilversum
Tel. +31 35 6219267
Fax +31 35 6238905
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Via L. Salma, 7
20094 Corsico (MI)
Italy
Tel. +39 02 45103601
Fax +39 02 45106426
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Richard Ward
Ward International Ltd
Unit 3 Taylors Yard
67 Alderbrook Rd
London, SW12 8AD
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Tel. +44 20 8672-1171
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Sara Books Pvt Ltd.
Ravindra Saxena
7 /28, Ansari Road, Daryaganj,
New Delhi 110002
India
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Fax +91 11 23266102
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Ferndown
Dorset, BH22 9LL
United Kingdom
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Fax +44 1202 897010
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Haruhiko Oguchi
2-28-12, Nishihara, Shibuya-Ku
Tokyo 151-0066
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Fax +81 3 3469-5708
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Neuerscheinungen Herbst 2016, de/en

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