JazzFest 04 Pressemappe

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Ambassadors of New Orleans
Matt ‘Tubop’ Perrine – sousaphone
Rick ‘Neslort’ Trolsen – trombone
Eric Lucero – trumpet
Brent Rose – tenor sax
Kerry ‘Fatman’ Hunter – snare drum
Cayetanio Hingle – bass drum
Do 4. November | 19.00 Uhr
Philharmonie | Foyer
Sa 6. November | 20.00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele | Foyer
Berliner Festspiele | Schaperstraße 24 | 10719 Berlin
Telefon + 49 - 30 - 254 89 - 223 | Telefax +49 - 30 - 254 89 - 155 | [email protected] | www.berlinerfestspiele.de
Ambassadors of New Orleans
Die Botschafter aus New Orleans kennen sich schon lange aus verschiedenen Gruppen der
Südstaaten-Metropole. Als aber George Gruntz, langjähriger Leiter des JazzFests Berlin, für eine
spezielle Fasnachtsproduktion in Basel eine Mardi-Gras-Band aus New Orleans suchte, rief er seinen
Freund Matt Perrine an. Dieser trommelte einige seiner besten Freunde zusammen. Geboren waren
die Ambassadors of New Orleans.
Die Ambassadors verstehen sich als Botschafter des reichhaltigen musikalischen Erbes von New
Orleans: Mardi-Gras-Brassfunk trifft auf Blues trifft auf Jazz trifft auf Cajun trifft auf.... Das ist kein
museales Herunterleiern von repräsentativen Standards, sondern witzig-fröhliches Musizieren auf
höchstem Niveau mit eigenen Kompositionen und Klassikern. Die gute Laune steckt an und fährt in
die Beine.
Der bekannteste Vertreter der Ambassadors ist der Sousaphonist Matt Perrine, der seit Jahren in Ray
Andersons Pocket Brass Band durch Europa tourt. Er legt als einer der weltbesten Sousaphonisten
unterstützt von einer packenden Rhythmussektion einen treibenden Bassbeat, über den die weiteren
Bläser brillieren. Rick Trolsen brachte sich das Posaunenspiel selber bei, bevor er noch Musik
studierte und während drei Jahren in einer US-Navy-Band spielte. Später blieb er in New Orleans
hängen und ist heute aus der lokalen Musikszene nicht mehr wegzudenken. Tenorsaxophonist Brent
Rose hingegen ist in New Orleans geboren und studierte hier an der Universität Musik. Eric Lucero,
gebürtiger Mexikaner, kam nach New Orleans, um bei Elis Marsalis Musik zu studieren. Seither lebt
er dort und arbeitet in zahlreichen Bands aller musikalischer Richtungen. Die Schlagzeuger Caytanio
Hingle und Kerry Hunter schliesslich wuchsen in der Mitte von New Orleans auf und gehören heute
zu den gefragtestens Musiker der Szene.
Matt Perrine
Born and raised in Sacramento, CA, Matt Perrine began his musical career, modestly enough, at the
age of 10, playing trombone in his school band. At the age of 11 he began playing tuba with his first
Dixieland band. By 12 he had taken up the electric bass, and started writing arrangements for his
group. By the ripe old age of 15 he had picked up the acoustic bass and begun composing his own
pieces, as well as writing big band arrangements. It wasn‘t long before his skills and drive brought him
work with professionals in the Sacramento area and the opportunity to work with Jessica Williams,
Diane Shure, Joey Calderoza, and the Artie Shaw Orchestra.
Matt‘s move to New Orleans was an obvious choice, steeped as he was in jazz and dixieland. Since
his arrival in 1992, he has crossed many musical boundaries. A triple threat, excelling on upright bass,
acoustic bass and sousaphone, his reputation as a consummate musician has opened doors into
almost every genre in the New Orleans musical arena. On electric bass his prowess extends from
rock and roll to reggae to avantgarde and fusion with bands like The Fifth Dimension, Sista Teedy and
Cool Riddums, Loose Strings, Aaron and Charles Neville, Jason Marsalis and Neslort. He is a first call
jazz player on upright bass, whether it‘s swing, latin, traditional or be-bop, with world renowned artists
like Elis and Branford Marsalis, Lillian and John Boutee, Kermit Ruffins, The Johnny Vidacovich Trio,
the Danza Quartet featuring Tom McDermott and Evan Christopher, Henry Butler and Leigh
„Li‘l Queenie“ Harris.
All these accolades aside, it is on sousaphone where Matt‘s abilities and imagination soar. Noted
as a „virtuoso sousaphone player“ by Downbeat magazine, Matt‘s work on sousaphone has kept
him busy, at home and abroad. In 1995 he co-founded The New Orleans Nightcrawlers, acting as
tubist, chief composer and arranger, as well as producer of their first eponimously titled recording
and co-producer of their third, Live at the Old Point. Combining brass band, jazz and funk elements,
the Nightcrawlers have garnered local awards, toured domestic and European festival circuits and
produced three recordings which sell internationally. In 1997 Matt brought his talents to the table
for the first solo recording by Galactic drummer, Stanton Moore. Joining forces with Stanton and
progressive guitarist Charlie Hunter, All Kooked Out is receiving worldwide acclaim and distribution.
On the funk front, Matt lends his horn to a longtime musical mainstay of the New Orleans music
scene, All That. Acting as the sole bass instrument in a funk / brass-band / hip-hop format, an octave
pedal and bass amplifier turn the sousaphone into a sonic atom bomb. Equally comfortable in an
acoustic environment, in 1998 Matt began work with trombone legend Ray Anderson, touring the
world and recording with „Ray Anderson‘s Pocket Brass Band“ on the Enja label. The Sydney Morning
Herald said this: „It was a revelation that the mighty sousaphone could be played so dexterously.
Perrine huffed and puffed great, fat funk lines, slid easily into be-bop walking bass and made solos
that could describe yearning as readily as beefy effervescence.“ From traditional jazz and dixieland
to brassband to the occasional rock and roll foray, Matt and his tuba have seen work with the likes of
New Orleans legend Pete Fountain, Bonerama, Better Than Ezra, Bruce Hornsby, Nicholas Payton and
Howard Johnson‘s tuba ensemble, Gravity.
All of this has not gone unnoticed, either creatively or academically. In the states and abroad, Matt
has acted as a teacher, from private to specialized college level classes and clinics. In New Orleans
he participates in the Young Audiences Program, bringing special musical presentations to grade
school children in an interactive environment. Before his move to New Orleans he worked in a similar
program doing presentations and classes through much of northern California. For 7 years Matt
was on staff of the Sacramento Traditional Jazz Society Jazz Camp, taking responsibility for private
lessons on tuba and bass as well as ensemble lessons in arranging, theory and performance. He‘s
been repeatedly commissioned by Copenhagen‘s Rhythmik Music Conservatory to give academic
and performance clinics on brass band music. He‘s brought the same program of study to the
Conservatory‘s sister school in Aahus, Denmark as well. On the home front, Matt has also taught in
the music studies program at the University of New Orleans under the direction Elis Marsalis and still
accommodates private students.
His compositions and arranging accomplishments, while not as high profile as performance credits,
are broad and expansive as well. His original compositions can be heard on all three New Orleans
Nightcrawlers records as well as All Kooked Out with Stanton Moore and ...Now Get Out with Guitar
Vic and the Slicktones. His musical arrangements, spanning the gamut from jazz standards to original
rock and roll can be heard on: Pledge to my People, -Cool Riddums and Sista Teedy; Jubilee , -Stan
Mark; Louisianthology, -Tom McDermott; Club Deuce, -Johnny Angel; The Whop Boom Bam, -All That;
... Now Get Out, -Guitar Vic and the Slicktones; New Orleans Nightcrawlers, Funknicity, Live at the Old
Point, -The New Orleans Nightcrawlers; Greyhound Afternoons, - Royal Fingerbowl; House of Secrets,
Polychrome Junction, - Leigh Harris; Live at the Old Point,-Bonerama,
Today, Matt travels internationally with the New Orleans based band, Tin Men, in which he plays
the sousaphone. In this band, Matt is joined by songwreiter/guitarist/vocalist Alex McMurray, and
Washboard phenom „Washboard Chaz“ Leary. The Tin Men‘s first release, „Supergreat Music for
Modern Lovers“, was nominated by the Big Easy Awards comitee for Album of the Year. When in
town, Matt also continues to play in the New Orleans Nightcrawlers, Tin Men, Bonerama, the Danza
Quatet, the Hot Club of New Orleans, as well as many other local bands.
Rick Trolsen
Largely self-taught, Rick began playing trombone at the age of twelve. After studying with Phil Wilson
at Berklee College of Music, he volunteered three years of duty with the U.S. Navy Band, stationed
in New Orleans. Upon his „discharge“ he quickly fell into good company, and was adopted as a
regular call sideman in town. From 1991 to 1998 he led the jazz/rock group „Neslort“ as a vehicle for
his original compositions. A perennial favorite for 4 consecutive years at the New Orleans Jazz and
Heritage Festival, „Neslort“ featured some of the finest musicians in town, and has recorded 2 CDs.
His latest release, Gringo Do Choro was Recorded in Rio De Janeiro, Brazil and features primarily
Choro music from the early part of the 20th century, with a few Bossas and Sambas thrown in.
As a freelance trombonist Rick has enjoyed featured performances with all walks of the local music
life, and has proved Rick to be versatile and at ease with contemporary and traditional jazz, blues,
reggae, big bands, show music, avante garde, and club dates. Performances and/or recordings
include The Broadway show “Chicago”, Dr. John, Clarence ”Gatemouth” Brown, Earl King, Marva
Wright, Allen Toussaint, Al Hirt, The Dukes of Dixieland, The Tommy Dorsey Orchestra, Henry Mancini,
Rosemary Clooney, Black Top Records, Stan Musial, The Woody Herman Band, The Temptations,
Al Grey, Barry Manilow, Bob Hope, Steve Allen, Aretha Franklin, Boz Scaggs, The Four Tops, Doc
Severinsen, Johnny Cash, Harry Connick Jr., The CAC Jazz Orchestra directed by Ellis Marsalis,
Johnny Adams, Eddie Louiss, as well as many gigs he’d rather not mention.
Other Honors
Musicians for Music Louisiana Jazz Composers Award and Grant 1993
Southern Arts Jazz Federation Jazz South Radio. Selected to appear on two compilation CDs and to
be interviewed on their internationally syndicated radio broadcasts in recognition of the recording’s
Mother’s Call (1995) and Martian Circus Waltz (1998)
Offbeat Magazine’s Awards recipient 1998
New Orleans Magazine’s Jazz All Star 1998
Adjunct instructor University of New Orleans 1998
Brent Michael Rose
Education
University of New Orleans, New Orleans, LA.
August 2001 - December 2002
Masters of music in Jazz Performance
G.P.A. 4.00
University of New Orleans, New Orleans, LA.
August 1994 - December 1998
Bachelors of Arts in Jazz Performance
G.P.A. 3.50
Honors
Winner Ernest Swenson Jazz composition competition ‘97
UNO Euro-combo Selectee ‘96
Outstanding Senior Award ‘98
Basin street Scholarship awardee ‘01
Best new Contemporary Jazz band (Quintology) Off Beat Awards ‘‘99
One’s to watch (Quintology) New Orleans Magazine ‘99
Best new Latin Band (Otra) Off Beat Awards ‘03
Nominated Best Saxophonist Off Beat Awards ‘00
Performing-Current:
Quintology, Gate mouth Brown, Stanton Moore, New Orleans Night Crawlers, Joe Krown Organ
Combo, Have Soul Will Travel, Chevere, The Naked Orchestra, Otra, New Orleans Street Beat, N.O.
R&B Co.
Past:
Galactic, New World Funk Ensemble, N.O. Flavor Kings, Naked on the Floor, Adonis Rose, Nicholas
Payton, Frank Morgan, Ellis Marsallis, The Temptations.
Eric Lucero (Trumpet)
A native of New Mexico via California, Eric Lucero arrived in New Orleans to study Jazz at the University of New Orleans with Ellis Marsalis. For more than ten years following this arrival Eric has gone on
to perform in a wide array musical styles and bands that New Orleans has to offer. Currently he is
working with the hard hitting Latin Jazz sextet Otra, Blues and zydeco of ‚Sunpie‘ Barnes, the modern
jazz orchestra The Naked Orchestra, the New Orleans Jazz Orchestra lead by Irvin Mayfield. Along
with these bands he is also one of the top calls for the work in New Orleans playing in street parades,
partys as well as studio work. Also leads his own band ‚Electric People‘ that includes all of the styles
that New Orleans serves up from street beats to brazilian music, to reggae, salsa, mordern jazz and
Mexican music. And now you can hear his trumpet with the Ambassadors of New Orleans.
Cayetano „Tanio“ Hingle (Band Leader / Bass Drum)
Tanio grew up in the Seventh Ward of New Orleans. At the age of nine, he began playing the snare
and bass drums at Covert Elementary School. While Tanio is strongly influenced by traditional players
such as Lionel Batiste and Benny Jones, he also enjoys playing a more funky, up-tempo style. He has
played with The Bucketman Brass Band, The Allstars and The Jr. Olympia Brass Band.
Kerry „Fat Man“ Hunter (Snare Drum)
Kerry grew up in the Seventh Ward of New Orleans. He started playing the snare drum in the seventh grade at Colton School. As a baby, Kerry would beat on everything he could get his hands on
around the house. He and his little pals would mimic the second line bands in the streets. „Fat Man“
is a member of Tambourine and Fan, a community second line club that introduces young kids to the
New Orleans cultural traditions. Kerry played with the Jr. Olympia Brass Band under Milton Batiste
before joining The New Birth Brass Band at the age of 18.
Alle Informationen Ralph Gluck
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Michel Portal / Richard Galliano
Michel Portal – soprano sax, clarinet, bandoneon
Richard Galliano – accordion
Philharmonie
www.richardgalliano.com
Richard Galliano - Michel Portal Duo
„Complete Communion“ was the name of a sixties’ historic record of Don Cherry. It is a model of spiritual-artistic symbiosis between two or more musicians. It’s something sprung not only from a long
and common experience and good understanding but also from an affinity between the characters
and the sensitivities of the two. Talking about „Complete Communion“, we can’t help mentioning the
French multiinstrumentalist Michel Portal (1935) and the French accordionist Richard Galliano (1950).
A duo springing from its components’ original from jazz tradition to France and other Countries popular tradition’s musical excerpts.
MICHEL PORTAL from the dawning of the seventies is one of the first-rate figures of European Jazz,
always operating between improvisation and academism with equal ability and complete easiness.
In his curriculum we find performances of Mozart, Brahms, Schumann and Berg’s excerpts; collaborations with contemporary composers like Boulez, Berio, Stockhausen, Kagel; „border-line“ experiences (The New Phonic Art, constituted by Vinko Globokar, Carlos Alsina, Jean Pierre Drouet and
him) and other experiences better known as jazz. A very peculiar jazz, first son of the Revolution of
Free, and then interface among various fragrances and to which Portal has given palpability through
saxes, clarinets and the bandeon, the king of Argentinean tango.
His inextinguishable musical bent introduced him also into in the world of dance and above all of
cinema, as is shown by the three prestigious César prizes, won for his sound tracks, the album „Cinemas“, one of his most significant recordings realized in collaboration with „Dejarme Solo“, and „Blow
up“. The latter is a collaboration with Richard Galliano, with whom Portal has established one of his
most prolific fusions since long. Furthermore, the transalpine multiinstrumentalist is very trustful in
the instant creativity, that spark which can flash (and it usually happens) during a concert. That’s why
he is used at collaborating with reliable musicians and at reaching prolific „entente“ with them.
RICHARD GALLIANO, the immediate heir of Astor Piazzolla, performs, composes and orchestrates a
music where swing’s reminiscences, tango’s echoes, Parisian bistro’s waltz, Bill Evans’ ballads, Keith
Jarrett’s improvisations and the Parker and Coltrane’s Afro-American lesson flow one into the other.
And all of this with that chromatic taste which brings back to the best French tradition from Couperin
to Debussy and above all to Ravel.
Therefore Richard’s first merit is the originality: that ability of having synthetized all of these experiences in a new and European music made of jazz improvisation and Mediterranean tradition.
His second merit is that of using the accordion (and the bandoneon), uneasy instruments for jazz
and learned music. The accordion has been relegated to the second-rate popular music for decades.
And it is a pity, as that typical melancholic colour would fit very well to paint blues’ atmospheres. Furthermore, in Galliano’s hands, the popular accordion gains now the orchestra’s polychromy, now the
secluded timbre of a chamber music intimism.
Furthermore Galliano has taken part in various recording and concert collaborations: from Juliette
Greco to Cluade Nougaro, from Ron Carter (with whom he recorded the splendid „Panamanattan“) to
Chat Baker, from Enrico Rava to Martial Solal, from Miroslav Vitous to Charlie Haden, from Trilok Gurtu to the great Astor Piazzolla to whom he dedicated a splendid album where we can find memorable
excerpts as „Oblivion“; „Chiquilin de Bachin“, „Adios nonino“, etc.
From 1994 he has recorded for the French label DREYFUS. He performed solo and as guest of the
Joe Zawinful group at Umbria Jazz Winter 95, Umbria Jazz 96 and then in the two last U.J. winter editions, first in duo with Charlie Haden and after with the New York Tango Quartet, always arousing the
public and the critics’ consent. He has taken part in many other international festivals among which
Antibes, Vienna, Houston, New York, Melbourne, San Francisco, Peking, Shanghai.
He has taken part in the three last Montreal Jazz Festival’s editions: in ‘97 in solo, in ‘98 with five
different projects and in ‘99 in trio with George Mraz and Al Foster. Together with „New York Tango“
he won the „La Victoire de la musique“ Prize for the best ‘96 jazz recording, recorded with Bireli
Lagrene, George Mraz and Al Foster. With „Blow up“ (in duo with Michel Portal) he won the Italian
magazine MUSICA JAZZ referendum as „best international recording“; then in 1997 he won again the
„Victoire de la musique“ Prize and the „Boris Vian“ critics’ Prize. In ‘99 with „French Touch“ he won
again the MUSIC JAZZ referendum as „best international recording“. Then he recorded „Passatori“
together with „I solisti dell’ORT“, the great Florence’s classical music ensemble. In Autumn 2001 he
set out on a tour with his „American“ group which includes prestigious musicians as Gil Goldstein,
Mark Feldman, Scott Colley and Clarence Penn. In November 2001 the Dreyfus label published the
„Face to Face“ CD in duo with the organist Eddy Louiss. In December 2002 it will be published
„Piazzolla Forever“, recorded alive at 2002 Montreal Jazz Festival.
http://www.richardgalliano.com/home.htm
Michel Portal / Richard Galliano
„Concerts“
Ein Live-Album, wie es sein soll: die neue Scheibe von Michel Portal und Richard Galliano transportiert die umwerfende Direktheit ihrer Konzerte direkt ins heimische Wohnzimmer. Vor sieben Jahren
hatten Galliano und Portal ihr erstes Duo unter dem Titel „Blow Up“ veröffentlicht. Seitdem standen
sie als Duett von Akkordion und Klarinette mehr als 200 mal auf der Bühne.
Längst gelten ihre Konzerte als legendäre Events – die beiden Franzosen zählen zu den kreativsten
Improvisatoren der europäischen Jazzszene. So betiteln sie die neue CD auch schlicht Concerts.
Doch hinter so viel Unscheinbarkeit verbirgt sich in 14 Titeln (darunter sieben bisher unveröffentlichte) die Essenz aus sechs Jahren gemeinsamer Konzerte. Von den Aufnahmen aus dem Hamburger
Funkhaus des NDR bis zum gefeierten Besuch in der Mailänder Scala überzeugt die überaus präsente Abmischung, deren brillante Qualität nicht auf Kosten der Live-Atmosphäre geht.
So ist „Concerts“ eben weitaus mehr als nur die Tondokumentation eines einzigartigen Duos. Portal
und Galliano mischen unter Klassiker wie Piazzollas „Libertangos“ oder Hermeto Pascoals „Chorinho
Para Ele“ ihre eigenen Kompositionen, die wie Portals Mozambique teilweise hypnotische Energien
entfalten. Galliano ließ sich seinerzeit von Astor Piazzolla zur Revision des französischen Musette anregen, von dem folkloristisch-populären Genre stammt der zuweilen handfeste Spielwitz seiner Musik.
Michel Portal, einst Mozart-Interpret wie Stockhausen-Exeget und irrwitziger Derwisch des europäischen Free Jazz, steuert die grenzenlose Improvisationslust des Jazz bei. Dabei sind die Aufgaben
nicht etwa klar verteilt, Portal greift durchaus auch zum Bandoneon und die Klangzungen in Gallianos
Instrument sind akustisch gar nicht weit entfernt von den Reeds des Holzbläsers. Glücklicherweise
unterschlägt die Produktion auch nicht den frenetischen Applaus des jeweiligen Publikums, so bleibt
etwas Zeit, um Durchzuatmen bei diesem buchstäblich fesselnden Hör-Erlebnis.
Tobias Richtsteig, Jazzdimensions
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George Gruntz, Albert Mangelsdorff,
mit Dieter Glawischnig und der NDR Bigband
Leitung
Dieter Glawischnig, George Gruntz, Albert Mangelsdorff
Peter Bolte – alto sax
Lutz Büchner – tenor sax
Frank Delle – tenor + bariton sax, clarinet, bass clarinet
Fiete Felsch – alto sax
Christof Lauer – tenor sax
Reiner Winterschladen – trumpet
Ingolf Burkhardt – trumpet
Claus Stötter – trumpet
Lennart Axelsson – trumpet
Jose Gallardo – trombone
Dan Gottshall – trombone
Ingo Lahme – trombone
Stefan Lottermann – trombone
Stephan Diez – guitar
Marcio Doctor – percussion
Lucas Lindholm – bass
Vladyslav Sendecki – piano
Danny Gottlieb – drums
Philharmonie
www.ndr.de/bigband
„totally bemonked“
Arrangements und Leitung George Gruntz
NDR BIGBAND
Der Schweizer, Jahrgang ‘32, ist in allen Genres zu Hause: George Gruntz spielte als Pianist mit Louis
Armstrong, Gerry Mulligan und Phil Woods, improvisierte mit Beduinen, komponierte für das Theater,
war von 1972 bis 1994 künstlerischer Leiter beim JazzFest Berlin, tourt seit 30 Jahren mit der international gefeierten „Concert Jazz Band“ und ist ein gefragter Komponist und Arrangeur.
1988 führten Gruntz, Liebermann, der Regisseur Robert Wilson und der Poet Alan Ginsberg mit der
NDR Bigband die viel gepriesene Oper „Cosmopolitan Greetings“ in der Hamburger KampnagelFabrik auf. Vom Menuhin Festival in Gstaad erhielt George Gruntz einen Kompositionsauftrag für eine
weitere Jazzoper: „The Magic of a Flute“ wurde 2003 mit der NDR BIGBAND sowie acht Jazz-Vokalisten, unter ihnen Lauren Newton und Mark Murphy, in Gstaad uraufgeführt. „Totally bemonked“ heißt
es am 4. November 2004 beim JazzFest Berlin mit der NDR BIGBAND unter der Leitung von George
Gruntz in der Philharmonie. Auf dem Programm stehen Gruntz’ Arrangements von Kompositionen des
Pianisten Thelonious Monk.
Stefan Gerdes
Albert Mangelsdorff: Music for Jazz Orchestra
Kompositionen, Arrangements, Posaune
NDR BIGBAND
Leitung – Dieter Glawischnig
Vieles ist bereits über ihn geschrieben worden: über den „weltbesten Posaunisten“ laut US-Magazin
Downbeat, den Träger des Bundesverdienstkreuzes, den ehemaligen Leiter des JazzFests in Berlin,
den Gründer der Union Deutscher Jazzmusiker und den Schirmherrn des „Deutschen Jazzpreises“:
den Komponisten, Arrangeur und Bandleader Albert Mangelsdorff.
Sein Quintett war in den 60ern eine der wegweisenden europäischen Jazz-Formationen. Mangelsdorff selbst hat das Spiel auf der Posaune revolutioniert und die Mehrstimmigkeit (Multiphonics-Technik) perfektioniert. „Seitdem“, schreibt ein Kritiker, „wird die Geschichte der Posaune unterteilt: in die
Zeit vor und seit Albert Mangelsdorff.“
„Albert ist ein Evoluzzer“, sagt sein guter Freund Dieter Glawischnig – und fügt hinzu: „einer, der die
guten traditionellen Elemente bewahrt und irgendeine Ecke findet, in der er selbst etwas anbauen
kann.“ Albert Mangelsdorff bedankt sich für das Lob mit folgenden Worten: „Ich bin immer wieder
von den Socken, wie die NDR Bigband meine nicht gerade stromlinienförmige Musik spielt.“
Auf der CD brilliert nicht nur Albert Mangelsdorff - sondern auch die Mitglieder der NDR BIGBAND
haben vielstimmig die Möglichkeiten zu zeigen, aus wie vielen hochkarätigen Solisten das JazzOrchester besteht. Diese Produktion ist im November 2003 mit dem Deutschen Schallplattenpreis
ausgezeichnet worden. Vom 8. bis 15. Mai 2004 gehen die Künstler auf Tournee.
Stefan Gerdes
Die NDR BIGBAND
Die NDR BIGBAND ist ein hochkarätiges Ensemble von Jazz-Solisten. Jeder der 18 Musiker hat
als Solist einen ausgeprägten persönlichen Stil, eigene musikalische Vorlieben und Interessen. Die
Vielseitigkeit der NDR BIGBAND zeigt sich in der Thematik ihrer Konzerte, die von den Wurzeln der
Jazzgeschichte ausgehend bis zum Jazz der Gegenwart reicht.
„28 Jahre lang war ich bei der NDR BIGBAND, und das Ensemble wurde mit den Jahren immer besser. Es ist großartig, dass sich ein Rundfunksender solch exzellente Band leisten und auch erhalten
kann, und das zu einer Zeit, da Bigbands mehr und mehr zu einer wirtschaftlichen Belastung werden.
Die musikalische Qualität der NDR BIGBAND ist erstklassig - zwei meiner ehemaligen Studenten
gehören der Saxophon-Gruppe an, und beide sind herausragende Musiker. Die Band kann sich auch
glücklich schätzen, über großartige Arrangeure zu verfügen, und sie spielt einfach alles: von Swing
über Funk und Fusion bis zu Latin oder Avantgarde. Es ist ein gutes Gefühl, dass Bands wie diese
noch existieren und hervorragende Bigband-Musik spielen. Diese Musik am Leben zu erhalten, ist von
großer Bedeutung.“ - Herb Geller
Heutzutage sind Big Bands fast genauso rar wie ehrliche Politiker, dank einer - wie Johnny Griffin es
ausdrückt - tödlichen Verbindung von Elektronik mit Wirtschaftlichkeit. Dennoch ist die Big Band ein
vitales, unverzichtbares Element im Pantheon des Jazz. Ein großer Schatz herausragender Big BandMusik ist in den vergangenen sieben Jahrzehnten geschaffen worden. Und diese Musik, zusammen
mit der, die gerade von einer neuen Generation talentierter Arrangeure geschrieben wird, verdient es,
am Leben erhalten zu werden. Das ist ein wichtiger Teil unseres Jazz-Erbes.
„Während der sechziger, siebziger und auch der achziger Jahre habe ich oft als Gast bei der NDR
BIGBAND mitgespielt. Dabei fiel mir immer wieder auf, wie sich die Band in den Jahren steigerte.
Heutzutage ist sie eine der besten Bigbands. Sie hat gute Arrangeure und spielt mit großer Verve und
Präzision.“ - Benny Bailey
Ihr erstes Jazz-Konzert spielte die NDR BIGBAND im Mai 1974 in der Hamburger Fabrik - mit einigen
Star-Solisten wie Trompeter Dusko Goykovich, mit Tenor-Saxophonist Dexter Gordon, Posaunist Slide
Hampton, Pianist Horace Parlan und dem Schlagzeuger Tony Inzalaco. Über 200 Gast-Solisten sind
seither mit der Band aufgetreten, darunter Chet Baker, George Coleman, Albert Mangelsdorff, Dee
Dee Bridgewater, Thomasz Stanko, Benny Wallace, Art Farmer, Clark Terry, Steve Lacy,
Manfred Schoof, Sal Nistico, Ray Anderson, Palle Mikkelborg, Abdullah Ibrahim, Don Cherry, Heinz
Sauer, George Adams, Joe Pass, Wolfgang Dauner, Lionel Hampton, Michael Gibbs, Benny Golson,
Johnny Griffin, Georgie Fame, Stan Tracey, Lauren Newton, Gary Burton, Dave Friedman, Guy Lafitte,
Pedro Iturralde, Richard Galliano, Daniel Humair, Philipp Catherine, George Gruntz, Glenn Ferris,
Eberhard Weber, Al Jarreau.
„Ich spielte in der NDR BIGBAND als Howard Johnson, Herb Geller und Roman Schwaller dabei
waren. Sie spielten neun oder zehn meiner Stücke, und die Arrangements waren ausgezeichnet. Dies
ist eine phantastische Band - sehr gute Musiker, voller Enthusiasmus. Es war eine Freude, mit ihnen
zu spielen.“ - Johnny Griffin
Im Januar 1980 wurde der österreichische Pianist Dieter Glawischnig Chef des Ensembles, ein ausgezeichneter Dirigent, besonders geschätzt wegen seiner exzellenten Probenarbeit. Obwohl er sich
als Avantgarde-Musiker einen Namen gemacht hat, ist er für alle Stilrichtungen, von den Wurzeln des
Jazz über Swing bis zum Bebop und darüber hinaus, offen. Ohne Zweifel stellen Projekte wie
„The Spirit of Jimi Hendrix“ oder „Aus der Kürze des Lebens“ mit Gedichten von Ernst Jandl und
eigens komponierter Musik von Dieter Glawischnig für die Musiker der Bigband eine große Motivationskraft dar.
„Von Januar 1991 bis Januar 1995 habe ich in der Band Bariton-Saxophon, Klarinette, Bass-Klarinette
und Tuba gespielt. Die Vitalität des Ensembles nahm in dem Maße zu, wie junge, engagierte und
fähige Musiker zu der Band stießen. Zum letzten Mal habe ich die Band im November 1995 in China
gehört, als ich mit von der Partie war: Das war hervorragend. Die Saxophon-Gruppe ist jetzt ausgezeichnet. Man muss es dem NDR hoch anrechnen, dass er diese wunderbare Bigband aufrechterhält.“ - Howard Johnson
Über die Jahre hinweg hat die Band an musikalischem Format und Ansehen gewonnen und auch ihr
Repertoire ständig erweitert. Ein weiterer Faktor in dieser Entwicklung ist zweifellos die neue Generation talentierter, engagierter und professioneller Musiker auf der deutschen Jazz-Szene, die eine
gründliche musikalische Ausbildung genossen haben.
„Was mich beeindruckte, als ich 1995 mit der Band spielte, war ihre Experimentierfreudigkeit und
Abenteuerlust. Sie will nicht auf der Stelle treten - sie hält immer nach Neuem Ausschau. Und dieser
Geist bringt den Jazz voran. Abgesehen davon, dass es sich bei ihnen um exzellente Musiker handelt,
nähern sich die Mitglieder der NDR BIGBAND auf erfrischende Weise der Musik.“ - Benny Golson
Die NDR BIGBAND hat sich in den vergangen Jahren einen internationalen Ruf erspielt: sie ist nicht
nur bei Festivals in Hamburg, Nürnberg, Berlin, Salzau, Burghausen, und Freiburg aufgetreten, sondern
hat auch in Chicago, New York, London, Paris und Peking, in Österreich, der Schweiz, Holland, in den
skandinavischen Ländern, in Mittel- und Lateinamerika sowie in Portugal gastiert.
„... es gibt nicht so viele Bigbands auf diesem Planeten, aber Hamburg hat eine der Besten ... diese
Band ist einfach fabelhaft.“ - Al Jarreau
www1.ndr.de/bigband/bigband_pages_std/0,2570,SPM252,00.html
presseinfo
Richard Galliano New York Trio,
special guest Jean ‘Toots’ Thielemans
Richard Galliano – accordion
Scott Colley – bass
Clarence Penn – drums
Toots Thielemans – harmonica
Philharmonie
www.richardgalliano.com
www.tootsthielemans.com
Richard Galliano – New York Trio
The famous French accordianist RICHARD GALLIANO is a jazz improviser of the top rank, yet his
music makes you think of French movies. You barely notice you‘re in the grip of a dynamic, dramatic,
highly geared performance full of tickling runs and trills, interlaced with romanticism and nostalgia.
He can swing the accordian like a saloon door, continually changing the tone of the instrument as he
tackles straight ahead jazz as well as tangos and waltzes, all originals except for those by the tango
master, Astor Piazzola. From the Cannes area, Richard started with the accordian at the age of four
and, by fourteen, was searching to expand his ideas by listening to jazz. He was impressed by the
playing of the trumpet legend, Clifford Brown and wanted to play in a diffferent way to that of
the Italian masters or Americans such as Art Van Damme and Ernie Felice. Then he met Astor Piazzola who advised him to rediscover his French roots and take up New Musette, just as he had invented
Tango Neuvo. Today at 50, Galliano interprets, composes and orchestrates a music mix of extraordinary diversity - from reminiscences of swing, Piazzola tangos, French bistro waltzes, Bill Evans ballads,
Debussy, Ravel, and Keith Jarrett improvisations to the bop of Charlie Parker and John Coltrane. His
performances and records reflect this eclecticism, featuring Joe Zawinul, Chet Baker, Martial Solal,
Charlie Haden, Jan Garbarek, Michel Petrucciani, Charles Aznavour, Didier Lockwood, Toots Thielemans, Enrico Rava and many more - a marvellous performer
By 16, the brilliant Los Angeles bassist SCOTT COLLEY had discovered the music of Jaco Pastorius
and Charlie Haden - and was well on the way to becoming one of the most in-demand players in the
music today. He started with the great Jimmy Rowles and soon became the double bassist for vocal
legend Carmen McRae. With his forceful lines, impeccable articulation, assured swing and sensitive
support, it‘s no wonder that he is the bassist of choice for Herbie Hancock, Jim Hall and Andrew Hill.
He also appears regularly with Joe Lovano. Roy Hargrove, Chris Potter and Greg Osby, and is a regular bandleader in his own right, with albums on many top labels
At 30, young New York drummer CLARENCE PENN has fifteen years service under his belt and is
one of the most sought after players of his generation. He has toured, performed and recorded with a
veritable ‚who‘s who‘ of jazz including Betty Carter, Wynton Marsalis, Roberta Flack, Dizzy Gillespie,
Cyrus Chestnut, Dianne Reeves and Mike Stern. As a leader, he‘s on the Criss Cross label and is a
regular member of the Galliano New York trio Contemporary jazz fused with French musette - a treat
for the ears!
www.corkjazzfestival.com/Galliano.html
Toots Sweet
Artist Biography by Suzi Price
When most people think of the harmonica, they usually picture Ackroyd and Belushi soulin‘ it up in
black suits, southern fried wah-wah blues or a scene from within a jail cell at state prison. Now that‘s
not jazz. But, one man managed to create something unique with the harmonica that no one could
ever imagine in the complex world of Be Bop. That man is Toots Thielemans.
Toots’ kaleidoscopic form can take you on a dreamy ride to faraway places, be it Paris, Brazil, New
York or Brussels. Wherever you choose, it stirs your soul. His Be-Bop can be playful and witty, but
with a beautiful ballad, his haunting harmonica can bring you to tears in a heartbeat. It is said his
music is somewhere between a smile and a tear and is to the harmonica, what Segovia‘s music is to
the violin.
„It‘s like a painting with a lot of pastel colors,“ Toots says. “It’s not red, it’s not black. It’s some of
those tones in between. An A Minor 7th chord or Major 7th chord are not major or minor. They’re in
between. So between major and minor, between happy and not so happy, these are the notes,” Toots
explains. An example of this can be found on his arrangement of “You Don’t Know What Love Is.”
Incredibly, no one can reinvent the masterpiece of Be-Bop played on harmonica. It belongs to Toots
alone. All others are mere reproductions. „To try to duplicate a Charlie Parker piece verbatim, you
cannot do it,“ says Toots. „The phrasing of the instrument is difficult. Like C followed by D, you cannot
bind them. You hear the break between each note,“ Toots says. „You have to absorb all the notes
mentally, then squeeze them and put them into a harmonica blender and see what comes out,“ he
laughs.
You need only hear Toots speak to understand why his harmonic timbre is so stirring. It is the
sweetness, the tenderness of the spoken man that translates his deepness, his fullness for life into a
weeping sorrowful melody, a warm Bossa or a sassy Be-Bop piece.
As early as age three, Toots showed his love of music by playing a homemade accordion in his
parents‘ pub. Larry Adler‘s pop harmonica was the inspiration that made Toots start to play the
harmonica at age 17. Toots‘ dream was to become a mathematician, but fortunately for us, that dream
changed during the German occupation of Belgium. Toots and his family fled to France, until it too
became occupied. He returned to Belgium in 1941 at the age of 18.
Musicians told Toots to throw away the harmonica and play a „real“ instrument if he wanted to be a
good jazz musician. Listening to British radio broadcasts of the swing big bands, he was enthralled by
the intensity of Django Reinhart. When one of his friends gave him a guitar, Toots just naturally picked
it up and learned to play. Toots said, „I never went to music school and what I learned was from the
„horse‘s mouth, so to speak“ Many jazz legends never took any formal training. Some couldn‘t even
tell you in what key they were playing. Like Chet Baker, it was their passion for the art that compelled
them to become self-taught geniuses of jazz.
During the World War II, American music was blacked out from coming into Europe. When Toots
heard Dizzy Gillespe on the radio he was not unlike many European musicians who flipped for the
new Be-Bop sound. Toots‘ said his first Be-Bop record he bought was a 78rpm with Dizzy on one
side and Milt Jackson on the other. „Those were very fascinating years,“ said Toots. During that time,
Toots played in many American GI clubs in Europe and in 1949, he shared the bandstand with Charlie
Parker at the Paris Jazz Festival. He began to develop his own Be-Bop style on the guitar, but the day
he put his old harmonica to his lips and played a few Charlie Parker notes, that was it! He never put
his harmonica away again. Although his original reputation was made as a guitarist, it is his harmonica
and whistling that have made him a legend in his own time.
Toots first came to the United States in the late forties. He met many jazz legends in New York and
never missed an opportunity to play. When Benny Goodman heard Toots‘ arrangement of „Stardust,“
Benny asked Toots to join his tour in Europe in 1950. Toots was really on the road to success, but
to further develop his art, he wanted to go back to the United States where the jazz inspiration was
foremost. „I had to wait six months before I could get a steady job, he said. „I went around to all the
jazz clubs. There were those Monday nights at Birdland. I got up and checked myself out,“ Toots
laughed.
When Toots played with Charlie Parker in Philadelphia, he didn‘t know that George Shearing was
in the audience. As things and time would have it, in 1953 George asked Toots to join his Quintet
playing guitar and harmonica. „The Shearing sound was a beautiful sound,“ said Toots. „The
vibraphone played the melody on top, the guitar played the same melody in unison an octave apart,
and George made the block chords to make it a total sound with some very elegant harmony.“ Toots
left Shearing in 1959 to do his own thing.
In the late 50s, Toots also became known for his whistling. Slam Stewart was an excellent swing
bassist whose ability to bow the bass and hum an octave apart made him famous. Toots thought he
might try the same thing while playing his guitar, only whistling instead of humming. You can hear one
of his first examples of this is with the Shirley Horn Trio recording of „I‘m Beginning to See the Light.“
He recorded his most popular composition, „Bluesette,“ in 1960. It became his signature piece and in
addition to the fame it brought him, he said he considers it his social security check from the royalties
it continues to receive. The piece has such wide appeal that whenever Toots performs his Bluesette in
concert, everyone in the audience whistles along.
In the 60s Quincy Jones heard Toots‘ harmonica and whistling. He had to have Toots record with him.
Quincy‘s musical scene in the 60s was an emotional one and what better accompaniment than to
have Toots on his recordings. Quincy made three albums with Toots between 1969 and 1970, the best
one being „Walking in Space.“
Not hindered by conformity, Toots reached out to the world with his harmonica. Picture a toddler
running to the television when he hears the theme from Sesame Street or the moviegoer who will
always remember the haunting harmonica on the theme from Midnight Cowboy. Toots became very
successful in the commercial arena and was much sought after. He was a studio pro. However, after
much commercial success, Toots became disillusioned with the lack of creativity and felt he had
become a fad.
Toots recalled a recording session he did with keyboard/pianist Rob Franken in 1974. „I realized how
jaded my ideas sounded compared to his. By then Rob had already absorbed. He was deep into
Chick Correa and Herbie Hancock and what had I been doing?“ Of course, Toots admits he is very
self-critical, but others, even those outside the jazz scene saw Toots for the serious artist he truly
was.
Lionel Richie said, „When I first met Quincy, he kept telling me if I ever need a harmonica player, Toots
is like, off the planet! When I needed a harmonica player, I called Toots up on the phone and he flew
over to Los Angeles. I almost felt guilty because I wished I had more for him to play. He walked into
the room, pulled out his harmonica and the first take is what you hear on the record.
He is unbelievable, a very special guy. What amazed me was he told me his age, but it seemed as
though I was talking to a very young teenager. His energy was just unbelievable and the smile on his
face from beginning to end was magical.“
This is not a singular statement. Time and time again, fellow musicians praise Toots for his
professionalism, personal emotional sound and youthful outlook. Kenny Warner said, „He is very
much a feeling musician. He doesn‘t relate to things technically. If he doesn‘t feel it immediately,
then he loses interest. I think Miles was like that too. There are certain people in the world who have
a magic to the way they play, and that‘s because they are not feeling the music technically. Toots is
very much a heartfelt person. He makes us feel like he loves us. He connects with people that way
and connects with music that way, through love.“
Bill Evans heard Toots‘ gift for melody and lyrical sounds. Bill said, „Toots, we must play together!“
After the session was finished and Toots heard the final takes he said, „Bill, I played too much on this
record. It is your record.“ To that Bill replied, „What, you don‘t want to play? I want people to know
that you can play like that. Wait a minute, we‘ll double your fee!“ The pairing of Bill and Toots on the
Affinity album was emotional chemistry, but Bill Evans wasn‘t the only one to feel it.
Mad boy bassist, Jaco Pastaurus, and Toots met at the Berlin Jazz Festival in 1979 and the chemistry
ignited there too. Jaco had a fundamental logic and sense of harmony and elegance that Toots
shared. They toured throughout Europe, Japan and the United States and in 1981, the release of Word
of Mouth was issued.
Toots traveled to Rio to record with Brazilian singer, Alese Regina. To his surprise, he found that
everyone in Brazil knew his music. Toots returned to Brazil 2 decades later to record „The Brazil
Project Vol. I & II.“ His improvisational recording with a dozen other prominent Brazilian artists was
fantastic.
„Toots continued successful tours and recordings throughout the United States and Europe until
tragedy struck. Toots had a major stroke. His ability to play the guitar and harmonica looked grim for
several years. Guitarist Philip Catherine said, „I was very close to Toots after he had his stroke and he
had so much courage.“ Fortunately, by the age of 71, Toots had fully recovered. He admits he can‘t
play guitar like he once did, but he can „still play the good ones.“
At a concert and celebration of Toots‘ 75th birthday in Brussels, Belgium in 1998, many artists joined
to pay tribute to this gentle jazzman before an audience of 8,000 people. Toots remains active and
still has a busy schedule of dates throughout Europe.
[...]
The list of albums and CDs Toots has produced and play on with other artists from 1955 is impressive.
Some of Toots‘ best are Man Bites Harmonica, Captured Alive, Images, Live Volume II, Only Trust Your
Heart, Brazil Project Volume II and Chez Toots.
From toddler to jazz veteran, many have been touched by Toots‘ unique gift. His brilliance continues
toward the twenty-first century as a living legacy to the man in suspenders. It’s Toots Sweet!
www.jazzreview.com
presseinfo
Willem Breuker Kollektief and Strings
‘Rhapsody in Blue’
Willem Breuker – saxophones, clarinet
Hermine Deurloo – saxophones, harmonica
Maarten van Norden – saxophones
Boy Raaymakers – trumpet
Andy Altenfelder – trumpet
Andy Bruce – trombone
Bernard Hunnekink – trombone, tuba
Arjen Gorter – bass
Henk de Jonge – piano
Rob Verdurmen – percussion
EastPark Strings
Arlia de Ruiter – violin
Sarah Koch – violin
Herman van Haaren – violin
Alison Isodora – violin
Aimee Versloot – viola
Norman Jansen – viola
Susanne Degerfors – cello
Pascal Went – cello
Philharmonie
www.xs4all.nl/~wbk/
Weniger Lärm - Willem Breuker Kollektief
Ein Porträt von Max Annas
Willem Breuker, Komponist, Saxofonvirtuose und Free-Jazz-Dissident, bewahrt mit seinem Willem
Breuker Kollektief die große Musiktradition des 20. Jahrhunderts: Eisler, Weill, Gershwin und
Morricone.
Am 10. Januar dieses Jahres kamen in Frankfurt mehr als 30 Musikerinnen und Musiker zusammen,
um dem in November verstorbenen Bassisten Peter Kowald letzte Töne zu widmen. Auf der Bühne
trafen sich in unterschiedlichen Konstellationen jene Leute, die im Europa der 60er Jahre den Jazz
in eine andere musikalische und politische Ästhetik überführt hatten: Alexander von Schlippenbach,
Peter Brötzmann, Keith Tippett, Han Bennink und andere.
Alle hatten über Jahre hinweg mit Kowald gespielt. Einer fehlte allerdings in Frankfurt: Willem Breuker.
Der Saxofonist und Komponist aus Amsterdam teilt sich die Meriten zwar mit den anderen und hatte
vor allem in den 60er Jahren oft mit Kowald gespielt. Aber er saß gerade an der Fertigstellung eines
aufwändigen Kompositionswerks, der Vertonung von Murnaus Faust-Film aus dem Jahre 1926, die im
Februar dann in Paris uraufgeführt wurde.
Dem nomadenhaften Leben von Peter Kowald, der immer unterwegs war und auf zahllosen Aufnahmen zu hören ist, steht Breukers musikalische Biografie entgegen. Was er auch immer getan hat,
Amsterdam blieb seine Basis, sein Willem Breuker Kollektief besteht seit fast 30 Jahren, und sein
zweites Label BVHAAST gibt es beinahe so lange wie die Band. Das Label ICP – Instant Composers
Pool – hatte er Anfang der 70er Jahre verlassen, weil es mit seinem Kollegen, dem Pianisten Misha
Mengelberg, Differenzen gab. Breuker wollte Melodien und Geschriebenes, Mengelberg mehr Improvisation. In den letzten Jahren waren die Alben Breukers und seines Labels hierzulande kaum präsent
in den Läden. Jetzt, nach einem Vertriebswechsel, soll alles besser werden.
Wer ihre letzte CD einlegt, hört vertraute Klänge: Klavier, Schlagzeug und Bass geben ein paar Töne
vor, nicht viel mehr als ein rhythmisches und tonales Fundament. Dann folgt eine Breitseite der
beiden Posaunen, die die zwei Trompeten nur wenige Takte so stehen lassen, um ihrerseits den Versuch zu unternehmen, das andere Blech niederzuringen. Fast flüchtig wirken dagegen die Versuche
der drei Saxofone, friedlich erzählend gegen die hell klingende Wand. Stop: Das Trio vom Anfang ist
wieder unter sich, einige Takte, bevor die Saxofone endgültig so etwas wie eine melodische Anführerschaft übernehmen. »Hap Sap« eröffnet das Album »Misery«, das Kollektief covert das Kollektief,
denn der Track ist ursprünglich von 1984. Solche Stücke hatte man aber auch schon früher hören
können, Mitte der 70er Jahre. Der erste Eindruck also wirkt vertraut. Er täuscht aber, denn wenig ist
so wie vor 20 oder 30 Jahren.
Willem Breuker, Jahrgang 1944, hat eine Jugend in einem proletarischen Viertel Amsterdams erlebt,
blieb von Rock’n’Roll unbeeindruckt und komponierte seine ersten Tracks zu Beginn der 60er Jahre.
Er war bei den frühen Experimenten und Aufnahmen der gesamtwesteuropäischen Jazzszene dabei: 1967 bei Schlippenbachs Globe Unity Orchestra, 1968 bei den grundlegenden Aufnahmen der
Brötzmann-Combo »Machine Gun« und »Fuck de Boere«, die den Faktor Politik ins Spiel brachte, und
dann 1969 bei »The 8th of July« von Gunter Hampel. Eine Aufnahme, auf der sich mit Hampel und
der Sängerin Jeanne Lee, Breuker und dem späteren Kollektief-Bassisten Arjen Gorter, dazu Anthony
Braxton und Steve McCall von der Chicagoer Free-Jazz-Vereinigung AACM drei Fraktionen trafen,
um auszuprobieren, ob die freie Kommunikation auch im Studio umgesetzt werden konnte. Herausgekommen ist dabei eine der spannendsten Platten dieser Zeit, auch eine der leisesten, die
Zurückhaltung ist heute noch spürbar.
Lärm nennt Breuker den Sound dieser Zeit fast ernst und weist darauf hin, dass er damals viel mehr
Töne gespielt habe als heute. Er verweist auf das Jahr 1974 als Wendepunkt. Das Ende von Free Jazz,
der Beginn des Kollektiefs – die Geschichte des Musikers Willem Breuker fängt von Neuem an.
Das Kollektief ist eine Combo von zehn MusikerInnen, eine Größe, die sich nur selten änderte. Die
Beständigkeit der Besetzung ist erstaunlich. Viele sind schon seit mehr als 20 Jahren dabei, der
Trompeter Boy Raaymakers und Arjen Gorter gar seit den ersten Tagen. Dem Namen misst Breuker
keine große Bedeutung bei, irgendeiner musste schließlich gefunden werden, aber finanziell funktioniert das Kollektief tatsächlich als Kollektiv: Alle verdienen gleich viel.
Die Abkehr vom Free Jazz dokumentierte sich in Vielem, über die Jahre hinweg am deutlichsten in
der Bearbeitung von Musik anderer Komponisten. Neben den Arbeiten Breukers stehen vor allem
drei Namen im Zentrum: Weill, Eisler und Gershwin. Für Breuker sind das die Komponisten, die in
der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts die Grundlagen geschaffen haben, auf der die heutige Musik
aufbaut. Kaum ein Album, auf dem nicht wenigstens einer der drei auftaucht. Ein ähnlich enges Verhältnis hat Breuker noch zum Filmkomponisten Ennio Morricone, dem er mit »Morribreuk« 1987 auch
ein Stück widmete. Und den aus der Karibik stammenden Reginald Foresythe, der in den 30er Jahren
Musik für ungewöhnliche Holzbläserensembles schrieb, adaptiert er auch regelmäßig. Allein schon,
um ihn nicht dem Vergessen zu überlassen. Was man allen Bearbeitungen Breukers anhört, ist dessen fanatische Freude beim Hören von Musik. Und die Achtung vor der Arbeit anderer.
Zum Geist des Respekts, aus dem heraus diese Bearbeitungen entstehen, gehört die Ernsthaftigkeit, mit der das Kollektief sich und ihrem Publikum kleine Freuden am Rande macht. Typisch dafür
ist das vor 20 Jahren oft gespielte »Ases Death« aus Griegs Suite »Peer Gynt«, zu dessen Ende die
Musiker in kollektives Schluchzen ausbrachen. Schließlich war jemand gestorben. Der Humor, auch
Teil von Breukers eigenen Stücken, ist aber nie ein simpler Gag. Da werden auf Platte wie im Konzert
Da Capos abgebrochen oder vermeintlich logische Dinge angedeutet, aber nicht gespielt. Mitunter
endet ein ernsthafter Solobeitrag in einer ganz anderen musikalischen Sprache, wird vielleicht zur
Schnulze. Wer darüber noch lacht, wird nur überrascht sein, mit welcher Konzentration das Kollektief
eine Ballade vorträgt, wie auf »Misery« Hoagy Carmichaels Klassiker »My Resistance is low« von 1951.
Das singt der Chef dann selbst. Das alles prägt auch die Auftritte des Kollektiefs. Die Band verlässt
bis heute gern mal geschlossen den Raum, mit Instrumenten und musizierend, versteht sich. Während
eines Auftritts auf dem Kölner Roncalli-Platz wurde daraus Mitte der 80er Jahre ein echter Ausflug
durch die Fußgängerzone – zur gehörigen Irritation der Tüten schleppenden Konsumbürger am Samstagnachmittag.
Breukers Werk und seine Bedeutung enden hier noch nicht. Er hat für zahlreiche Kinofilme den Score
geschrieben, so für Jos Stelling (»Der Illusionist«) oder George Sluizer (»Drei Frauen«). Maßgeblich
war Breuker in den Niederlanden daran beteiligt, die öffentliche Subvention für Jazzmusiker als
selbstverständlich durchzusetzen. Im Rahmen dieser Bemühungen wurde auch die Amsterdamer
Jazzbühne BIMHuis etabliert – ein Konzerthaus von MusikerInnen für MusikerInnen.
Sicherlich ist das Kollektief auch heute noch eine Jazzcombo, Breuker lehnt den Begriff auch nicht
ab. Prinzipiell schreibt er Partituren, in denen seine Leute Raum finden sollen um zu improvisieren.
Sein Ziel ist, dass man auf einem Album gar nicht hört, was geschrieben und was improvisiert ist.
Wobei ihm natürlich entgegenkommt, dass er sein Ensemble in- und auswendig kennt. Der »Faust«
allerdings ist komplett durchkomponiert. Und mit ein bisschen Glück im Herbst oder nächstes Frühjahr auch in Deutschland zu sehen und zu hören.
Über den Vertrieb Sunny Moon sind derzeit 57 BVHAAST-Alben zu haben, neben Jazz auch Klezmer
und Neue Musik. Darunter vierzehn von Willem Breuker und seinem Kollektief. Die Aufnahmen mit
Alexander von Schlippenbach, Peter Brötzmann und Gunther Hampel sind erschienen auf Unheard
Music Series, FMP und Birth Records und z.B. über den Kölner Laden Parallel Schallplatten zu beziehen.
www.stadtrevue.de/index_archiv.php3?tid=445&ausg=07/03
Biography
The Willem Breuker Kollektief is one of Europe‘s finest ensembles playing contemporary and improvised music. They are equally at home in jazz clubs as in philharmonic halls. Led by saxophonist/
clarinettist/ composer Willem Breuker, the Kollektief plays a hybrid of music which cuts across traditional musical lines. The Kollektief‘s approach involves combinations of jazz and ‚serious‘ (i.e. classical) music with many popular genres, from marching band and circus music to latin dance steps and
music for film and theatre. The result is both humorous and surprising, full of false starts and stops,
clean breaks, sudden shifts in musical mood, and above all, a fine sense of irony. Founded in 1974, the
Kollektief consists of eleven musicians who are improvisors and journeymen with excellent professional credentials, and Breuker writes his refreshing music with these musicians specifically in mind.
And whether playing Breuker, Weill, Gershwin, Morricone, Prokofiev or Ellington, the Kollektief maintains an orchestral precision that, in the words of one critic, „would be the envy of most philharmonics“.
www.xs4all.nl/~wbk/
George Gershwin‘s
Rhapsody in Blue and other Symphonic Works
Backdrop: The 1920s - The Age of Jazz
The novel rhythms of black America sweep musical America and white band leaders catch on. Jazz
reshapes the styles and fires the imaginations of musicians and songwriters, spawning new musical
ideas. Critics rave about Broadway‘s fast rising tunesmith - George Gershwin, and his innovative treatment of jazz.
How Rhapsody came to be: Sometime in late 1923, the bandleader Paul Whiteman asked George
Gershwin to think about writing a jazz piece for his band. Gershwin gave it some thought, sketched
some possible themes, and left it at that. On January 4, 1924 to his surprise, a report appeared in
the New York Tribune announcing that George Gershwin was at work on a „jazz concerto“ to be
premiered by the Whiteman Band at the Aeolian Hall in New York on February 12, in a concert to be
called An Experiment in Modern Music. At the time, he was in the thick of his Broadway commitments
and the jazz concerto was barely more than a thought, but Gershwin‘s genius rose to the occasion.
He would later point to the rhythm and rattle of the Boston train he was once on as the source of his
rhythmic ideas, and to James McNeill Whistler‘s painting Nocturne in Black and Gold as the inspiration for Rhapsody‘s title. On February 12, at the appointed time, which was toward the end of the programme, he delivered his first large-scale work - to an audience that included luminaries like Sergei
Rachmaninoff, Jascha Heifetz, and Efrem Zimbalist, Sr. The wailing of the clarinet as the work opened
could only have seduced the audience. Rhapsody was a huge success, the day‘s most talked about
musical „experiment“ eclipsing the rest of the programme. It was very American in its daring and its
energy. And like America, it was a veritable „melting pot“ of the influences that shaped Gershwin‘s
musical language - Scott Joplin‘s tuneful piano rags, the rhythmic jazz of Harlem‘s clubs, the folk music of the Yiddish theater, and the new post-Romantic music of Ravel and Schoenberg and Stravinsky. It was a stunning performance, with George Gershwin himself playing the piano solo. Rhapsody
was a great „hit“ through the years and in its first decade (which included the Depression years)
earned the composer big bucks - over $250,000. A fortune in those days. An uncommon reward for a
most uncommon composer.
What the critics said. Enthused by Rhapsody‘s daring novelty, most critics found it possible to think
of George Gershwin, then only 25, as a composer of „serious“ music. But for many years some critics
were of two minds about Rhapsody - praising „...the rich inventiveness of its rhythms, the saliency and
vividness of the orchestral color“ while lamenting the loose, episodic nature of its musical themes
and „...the lifelessness of its melody and harmony, so derivative, so stale, so inexpressive....“ And when
it became known that Rhapsody was orchestrated by Whiteman‘s chief arranger, Ferde Grofé (who
would later compose the Grand Canyon Suite), Gershwin became even more suspect - will he even
make it to Carnegie Hall? Having never before written for orchestra, and given the time constraints,
Gershwin had no other choice but to have someone orchestrate the music for him (which to this day
is standard practice on Broadway). But nothing stands in the way of musical genius. As determined to
be a composer of „serious“ symphonic music as he was convinced about the validity of popular song,
Gershwin aided by his mentors honed his compositional skills and would eventually put these doubts
about him to rest.
The other symphonic works: After Rhapsody, Gershwin did orchestrate every one of his symphonic
works. Of course it was not possible to silence all the critics and they all had their points.
But there is final vindication in the continued popularity of Concerto in F (a symphonic masterpiece
crafted to evoke imageries of New York) and An American in Paris (a delightful vignette about a
distinctly American fascination with a very European city). Indeed, to this day these works, which
both debuted at Carnegie Hall, are concert hall staples with Concerto in F one of the most performed
concertos in the standard repertoire. In each case the themes, the rhythms, and the musical ideas
are inventively integrated into a satisfying musical whole, just like great works are supposed to be.
And his spirit of innovation knew no bounds - to capture the urban nuances of Paris, for example, he
cleverly blended into the music the sounds of real taxi horns! His two later works for orchestra, the
Second Rhapsody and Cuban Overture, though never quite the public‘s favorites that Rhapsody or
An American in Paris are (perhaps because the pieces are more experimental and the melodies less
memorable), have nevertheless remained in the concert repertoire. They reveal Gershwin‘s increased
mastery of technique and, though musically unrelated, helped him set the stage for his great opus
Porgy and Bess.
JB/© FanFaire‘99, www.ffaire.com/gershwin/rhapsody.html
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presseinfo
Ernst Reijseger Système D
Ernst Reijseger – cello, percussion
Mola Sylla – vocals, m’bira, kongoma, xalam, nose flute, bejjen
Serigne C. M. Gueye – soruba, djembe, bougarabou, leget
Fr 5. November | 18.00 Uhr
UdK Konzertsaal Bundesallee
www.ejn.it
Système D
Reijseger aus der holländischen Impro-Szene hat sein Cellospiel vom Vorhersehbaren befreit. Er
hat die Traditionen verinnerlicht, um sich von ihnen zu lösen. Er fädelt den Bogen durch die Seiten,
schleift sein Instrument knarzend über den Boden, spielt es wie eine Gitarre und trommelt auf ihm.
Er pfeift, summt und wird theatralisch. Er zieht die Töne und schlägt die Arpeggien, wobei er den Saal
ausschreitet und die Spannung hält.
Das fast Unmögliche, ein unvergeßliches herausragendes Live-Konzert für ein neues, spannendes
Hörerlebnis Zuhause aufzunehmen, ist Ernst Reijseger mit Mola Sylla und Serigne C. M. Gueye gelungen. In Lormont nahe Bordeaux wurde dieses Trio im Rahmen der Konzertreihe „Musique de Nuit
invite Winter&Winter“ vorgestellt. Und dort haben sich die drei Musiker für ein paar Tage in einem
kleinen Theater getroffen, um ihre musikalischen Geschichten einzuspielen.
Die Drei schaffen jene seltenen Momente knisternder Spannung und irritierender Schönheit, die tief
emotionsgeladen sind. Was Ernst Reijseger, Mola Sylla und Serigne C. M. Gueye bieten, ist viel mehr
als gängige Folklore. Sie sind die siebte Generation, die endlich darüber gemeinsam sprechen kann,
was die Weißen den Schwarzen angetan haben.
Mola Sylla, der 1987 aus Dakar nach Amsterdam kam und seither in Holland lebt, spielt Daumenklavier oder Flöten. Er singt zumeist in Wolof, dem neben dem Französischen fortbestehenden Idiom,
das 90% der Senegalesen sprechen. So blickt er auf die Geschichte seines Landes, auf muslimische
Brüderschaften und historische Figuren wie den ins Exil getriebenen Cheikh Achmadou Bamba, dessen spirituelle Kraft dort nur gestärkt wurde. Sein liberaler Schüler Ibra Fall rückt ebenso ins Bild wie
der Wissenschaftler und Namenspatron der Universität Dakar Anta Diop. Es geht um die Einnahme
der alten Hauptstadt Ndar und die Einsamkeit in Europa, um Sicherheit und Trauer, um den Enkel
des Propheten Mohammed und aussichtsloses Warten auf die Falsches versprechenden Fremden. Es
geht um das, was ist, seine Neumontage und seinen Transport.
Ernst Reijseger ist der ideale Partner für solche Begegnungen und Verständigungen, das hat er im
Zusammenspiel mit den Voches de Sardinna bereits wunderbar gezeigt. Seine immense Spielfreude,
sein listiger Humor und seine stupende Fingerfertigkeit haben sich nie auftrumpfend verselbständigt. Auch das beglaubigt diese Begegnung zweier Welten, deren unkalkulierter Zusammenklang
jetzt möglich ist. Ein perkussiver, anrührender Dialog voller Kraft ist das, der sinnlich nachvollziehbar
macht, dass Verständigung möglich ist. Dieser Dialog der Kulturen ist nicht zufällig Ernst Reijsegers
Tochter Janna gewidmet worden, die uns zusammen mit ihrem Großvater von dem CD-Cover „grimmig“ anschaut.
Ulrich Steinmetzger
Biographies - Biografien
Ernst Reijseger
(Bussum NL, 1954) started playing the cello when he was 8 years old.
From the early 70s he became involved in improvised music, playing with Sean Bergin, Martin van
Duynhoven, Derek Bailey, Michael Moore, Alan Purves, and Franky Douglas. He was a member of the
Theo Loevendie Consort, the Guus Janssen Septet and the Amsterdam String Trio. In 1985 he received the major Dutch jazz-award, the Boy Edgar Prijs „because he is an important innovator in the
field of improvised music... Ernst Reijseger plays the cello with an unrivalled craftsmanship and uses
his talent enthusiastically to further the development of improvised music... The humor of his unexpected musical turns and the original and unconventional use he makes of his instrument add to the
accesibility of his music.“
He also played with Misha Mengelberg‘s ICP orchestra, the Gerry Hemingway Quintet, and Trio Clusone (with Michael Moore and Han Bennink).
Encounters/collaborations with Trilok Gurtu and Yo-Yo Ma were inspiring and worth mentioning.
Ernst Reijseger is frequently travelling, performing as a soloist and in a variety of international combinations, with such artists as Louis Sclavis, Stian Carstensen, Tenores e Concordu de Orosei. Also The
Amsterdam String Trio will be active again.
A television documentary about Ernst Reijseger was made and broadcast in 1994.
In 1995 the Trio Clusone toured extensively in Australia, China and Vietnam, in addition to their haunts
at the festivals of Europe. In the same year Ernst Reijseger was presented with the coveted Bird
Award at the North Sea Jazz Festival.
Ernst Reijseger spends a good amount of time doing cello workshops for children, schoolconcerts
and solo concerts.
Ernst Reijseger
„Cello sollte der Junge lernen. Und wissen Sie, was er gemacht hat? Er hat hineingeblasen!“ Mutter
Reijsegers ewiges Klagelied? Von wegen: In einer von vielen haarsträubenden Szenen des Woody
Allen-Films „Take the money and run“ versuchen verzweifelte Eltern zu erklären, wie ihr Sohn auf die
schiefe Bahn geraten konnte.
Auch wenn Ernst Reijseger, 1995 mit dem Bird Award des North Sea Jazz Festivals ausgezeichnet,
wohl kaum je ins Cello geblasen hat, gab es doch Zeiten, in denen dies niemanden sonderlich überrascht hätte. Wer mit Hollands freier Jazz-Szene zu tun hatte, mit Han Bennink oder Misha Mengelberg,
dem traute man zu deren wildesten Zeiten noch ganz andere Sachen zu. Schräg kann man die Bahn
also durchaus nennen, auf die sich der Cellist gewagt hat. Konsequent scheint deshalb gleich noch
eine Parallele zu Woody Allens Filmfigur: Ernst Reijseger pfeift genüßlich auf alles, was sich gehört - in
seinem Fall für einen nicht klassikverdächtigen „Dutch Master“(CD von 1991 mit Bennink und Mengelberg), der sich erst kürzlich wieder einmal im Trio Clusone mit „Schlachwerker” Bennink und dem
Bläser Michael Moore über Songs wie „White Chrismas“ hergemacht hat, für einen „musicians Musician“ weitab vom Mainstream, mit dem Louis Sclavis oder Yo-Yo Ma ebenso gern zusammenarbeiten
wie Gerry Hemingway, das Arcado String Trio oder Trilok Gurtu.
Wenn Reijseger nun am Ende seiner ersten Solo-Veröffentlichung ganz beiläufig Mengelbergs „La
madre di tutti le guerre“ vor sich hin pfeift, mischt sich das Cello „colla parte“ (dem freien Rhythmus
der Singstimme folgend) mit Arpeggien ein, wie sie - an Bachs Präludien erinnernd - schon ganz am
Anfang standen. So bringt er ironisch noch einmal auf den Punkt, was sein gutes Dutzend kürzerer
Improvisationen abgesehen von aller klanglichspieltechnischen Brillianz außergewöhnlich macht:
Hier ignoriert ein Musiker mit gelassener Selbstverständlichkeit die Trennung von klassischer Musik
und Improvisation, volksliedhafter Singbarkeit und Lust am Avantgardistischen.
Titel wie „ricercare“ spielen auf klassische Instrumentalformen an, die der Improvisation nahestehen.
Von ein und derselben Basis ausgehend, entwickelt der Cellist so unterschiedliche Versionen, daß
sie wie „colla parte“ und „violoncello bastardo“ aus gutem Grund unterschiedliche Titel tragen: Die
gemeinsame Herkunft ist nur noch zu erkennen, wenn man ganz genau hinhört. Reijsegers Improvisationen machen ungewöhnlichen Gebrauch von vergleichsweise herkömmlichen Herangehensweisen
- was abenteuerliches Ziehen der Töne und percussives Schlagen auf den Korpus („toccata“ wörtlich
genommen) nicht ausschließt, oder virtuose Kombinationen von Streichen und Zupfen, bei denen fürs
Drücken mancher Saite nur noch das Kinn (!) in Frage kommt.
Darf ein heutiger Musiker mit einem so innig-eingängigen Thema arbeiten, wie dem des „ricercare“,
das im „divertimento“ erneut auftaucht? Wie falsch diese Frage gestellt ist, wird nicht erst dann klar,
wenn sich in die synkopensatte Improvisation Blue Notes und andere sanfte Irritationen einschleichen
(heftigere erwarten den Jazzpuristen, dessen Stunde mit dem „giocoso“ geschlagen zu haben
scheint). Nur, wer sich wie Ernst Reijseger auf dem Umweg über den radikalen Bruch mit den Konventionen dem Reiz der schlicht schönen Melodie genähert hat, kann dies in neugewonnener Unschuld mit so viel unpathetischem Witz tun, kann quasi „barock“ improvisieren oder Abdullah Ibrahims
volksliedhaftem „gwidza (for janna)“ nachspüren, auf daß dreierlei glücklich zusammenkommt: jener untrügliche Instinkt, den Akademiker gern mit freundlicher Herablassung zur „Stärke
des Vollblutmusikers“ erklären; der unwiderstehliche Ton eines Cellisten, der mit seinem Instrument
zu singen weiß (wenn es nicht gerade als „violoncello bastardo“ eher wie eine Laute klingt oder
quasi als E-Gitarre gespielt wird) - und ein unvoreingenommenes Publikum, nicht befangen in Tabus
bezüglich der verhängnisvollen Frage, welche Wege neue (oder gar Neue) Musik beschreiten darf.
Mola Sylla
(Dakar - Senegal, 1956)
writer & composer & performer
lead vocals / kongoma / m‘bira / xalam
born 1956 in Dakar / Senegal • founder of the formation ‚Senemali‘ • moved to Europe in 1987 • tries
to combine the African element with other music styles and backgrounds
Projects / Formations:
Performances with Ernst Reijseger (Cello) in Duo or in Trio together with Serigne M. Gueye (percussions) or with Alan Purves (percussions). In Quartet with Frankie Douglas (gitars) and/or
Wolter Wierbos (Trombone).
Since 2000
Member of formation ‚Vershki da Koreshki‘, now called `VedaKi‘ (Russian for: ‚Roots and Sprouts‘) a
mixture of Russian and African music (since 1994) (see also: www.xs4all.nl/wedaki)
Together with: Alexei Levin (piano, accordeon), Vladimir Volkov (double base), Sandip Bhattacharya
(tablas)
Member of Global Village Orchestra‘: vocals. With: Kamil Abbas (violin), Karim Eharruyen (ud), Akos
Laki (saxen), Tjitze Vogel (accoust.bass), Steven Kamperman (clarinets), Roberto Haliffi (drums, perc.)
Mark Alban Lotz (flutes) (since 2001).
Member of ‘The Chris Hinze Combination‘ (since 2002)
Member of `Project 2000‘. Singer. Mix of ‚drum & base‘ computerized music and live-performances
(since1997)
Member of Turqumstances‘, a tribe of musicians from: Turkey, Serbia, Holland and Africa. Together
with: Sjahin During (perc.), O _uz Büyükberber(bass clarinet), Qa_layan yildiz (guitars), Arnold Dooyeweerd (double base), Ruen van Rompaey (drums), Slobodan Trkulja (saxophones).
Founder of project Mola Sylla‘s Roots Rally, concerttour in the Netherlands together with:
Ernst Reijseger (cello), Mansour Lette (gitars), Oene van Geel (violin) and Serigne M. Gueye
(percussion) (summer 2003)
‚Windstreken‘, Circus Colourful City Nijmegen o.l.v. Johnny Rahaket. Solist (September 2002)
‚Akar Akar‘ Singer/performer in Project of Chris Hinze (Autumn 2002) & in “Zen, the fire within” (Autumn 2001)
Initiator project ‘TUKKI, etre en voyage‘. Juni 2001 / BIM & Moers Festival, Germany.
Met: Mola Sylla (I.vocals, m‘bira, xalam), Ernst Reijseger (cello), Serigne Mbacke (perc.), Praful (saxen)
Clarence Becton (drums), Wladimir Volkov (double-base), Alexei Levin (piano, accordeon), Bao Sissoko (kora), Prosper Kasse (guitar), Bashir Dia (synthesizer), Mola Sylla (lead vocals, m‘bira, xalam)
(see also: www.moers-festival.com)
Solo-activities‘.
Since 1995 solo-performances. He sings and accompanies himself on various traditional African instruments as xalam, m‘bira, kongoma (s.a. for Arena, Amsterdam with DJ Therapy)
Opera ‚11 Profumo del Diavolo‘ van Tristan Honsinger; singer & performer (2000)
Moondive-project VPRO with: Ray Anderson, Michel Godard, Ernst Reijseger, Leslie Joseph, Eddy
Veldman, Ruben van Roon & Mola Sylla (June 99). Replay at: Moers Festival, Germany (June 2000)
Guest of project Misja Alperin with the Bulgarian Voices & Moscow Art Trio (Norway, 2000)
Romance - Love in Fluxus‘ of choreographer/dancer Min Tanaka; musician (Japan, autumn 1999)
‘Scheppingskabaal‘. Composer. Dutch childrens-theatregroup `Het Waterhuis‘ - Rotterdam (1997)
Romeo & Julia, project Scapino-Ballet-Rotterdam, singer/musician & composer (1997)
‚Travelogue I I I‘, Berlin dance-company Sasha Waltz & Guests. Together with Tristan Honsinger composition & performing (1995-1998)
Ìmprovisations/Improvisaties‘, project with Ernst Reijseger, Frankie Douglas, Adema Drame and others (1996)
ÌI Suono Improviso‘, wintertour Jazzstages Holland(1993-1994)
[Daniello Delgado (Clarinet), Tristan Honsinger (Cello), Ernst Glerum (Base) and Richard Teitelbaum
(Electronics].
Formation ‚Senemali‘, a mixture of Senegalese and Malian musicians. The band came to Europe in
1987 (till 1993).
Sylla M(anagement) Anja van Oostrom
Serigne M. Gueye
Born in Dakar - Senegal (1963)
Grown up in a traditional musicians family. His grandfather (griot) tought him and was percussionist of
the National Ballet of Senegal.
He started playing professionally at wedding ceremonies and other traditional gatherings already in
the seventies.
Was 5 year member of the `Ballet Africaine‘, performing at local and international hotels and official
parties.
Born and bred in the rich West African culture, the instruments he playes and masters a large scala
of rhythms are: The bougarabou, sabar, djembe, leget and congoma. He also sings and knows a large
repertoire of traditional songs
He plays drums and was involved in many mixed musical forms that exist in Senegal.
Serigne M. Gueye came to The Netherlands with the Gambian band of Ifang Bondi ,
With Thijs van Leer (Focus) in `Conxi‘ , Saskia Laroo’s band and “Apa ini” with Jazzprizewinning saxophonist Tobias Delius.
Wenn das Cello zum Kreisel wird
„Total global“: Ernst Reijseger und andere beim Osterjazz-Abschluss im Theaterhaus
Die Cellosaiten schabend, ein Rhythmussäckchen schüttelnd, auf eine Kalebasse klopfend - so findet
das holländisch-senegalesische Trio zu seiner Musik: vom Geräusch zum Klang. Der Rhythmus nimmt
Fahrt auf, und Mola Sylla singt, sich mit einem Daumenklavier begleitend, im nasal- und vokalreichen
Idiom der Wolofsprache ein Lied. Das ist viel mehr als bloß Folklore.
Der experimentierfreudige Ernst Reijseger, dessen dadaistischer Humor jedes Kind zum Lachen
bringt, benutzt sein Cello virtuos als Kontrabass, als Gitarre, als Rhythmusinstrument und dreht es wie
einen Kreisel. Das Konzert wird zur lustvollen Performance gleichberechtigter Musiker. Der westafrikanische Rhythmus - angetrieben und vervielfacht von Serigne Gueye - tanzt mit dem Cello, dass es
eine helle Freude ist.
Musik, das wird hier spürbar, kann eine Gegenseite der Globalisierung sein: Wie eine erfüllte Utopie
nimmt sie Probleme auf, verarbeitet sie und verwirklicht so ein respektvolles Miteinander. Die leichteste Art der Existenz, das wusste schon Brecht, ist jedoch nicht in der rauen Realität, sondern in der
Kunst. Ein Konzert wie das von Sylla, Gueye und Reijseger weist immerhin schöne Möglichkeiten auf.
Davon lässt sich jedes Publikum begeistern - in Dakar, Amsterdam und im Stuttgarter Theaterhaus.
Stuttgarter Zeitung, 14.04.2004
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ICP Orchestra
Misha Mengelberg – piano
Ab Baars – clarinet, sax
Michael Moore – clarinet, sax
Tobias Delius – clarinet, sax
Wolter Wierbos – trombone
Thomas Heberer – trumpet
Mary Oliver – violin, viola
Tristan Honsinger – cello
Ernst Glerum – bass
Han Bennink – drums
Haus der Berliner Festspiele
www.ejn.it
ICP Orchestra
ICP ist die Abkürzung für «Instant Composers Pool», einem lockeren Zusammenschluss von Musikern,
der von den niederländischen Jazzern Willem Breuker, Han Bennink und Misha Mengelberg um 1967
ins Leben gerufen wurde. ICP ist eine heute schon klassisch anmutende «Erfindung» aus einer Zeit,
als der Austausch im Kollektiv zur Grundnahrung des musikalischen Selbstverständnisses gehörte
und Rebellion noch Rebellion war. Umso erstaunlicher, dass im Zuge der unvermeidlichen Verbürgerlichung vieler einstiger Rebellen der ICP in wechselnden Besetzungen bis heute überlebt hat und
stark geblieben ist.
ICP wurde zu einem viel benutzen Gefäss für Experimente und Kollaborationen von Musikern aus
den Bereichen Avant-Jazz, Neue Musik und freie Improvisation. Schon bald kam es zu einem ICP in
Doppelspur: Entweder spielte das Kollektiv mit Willem Breuker oder aber mit Misha Mengelberg. Die
beiden Protagonisten hatten unterschiedliche Auffassungen über die Arbeitsweise und die Ausrichtung der Musik. Breuker stand mehr auf regelmässige Proben und die Erarbeitung von Stücken, Mengelberg bevorzugte das «Instant composing» ohne Netz. Han Bennink liess sich nicht erschüttern. Er
tat bei beiden mit. Schon in den frühen Siebziger Jahren kam es zu einer Flurbereinigung: Ein Teil der
Musiker ging zu Willem Breukers Kollektief, der andere machte im ICP Orchestra weiter.
Misha Mengelberg war schon lange vor dem ICP musikalisch aktiv. Er wurde 1935 in Kiev/Ukraine geboren. Seine Eltern, die beide Musiker waren, emigrierten nach Amsterdam. Er besuchte das Konservatorium in Den Haag, interessierte sich aber schon damals mehr für konzeptionelle und experimentelle Musik als für die klassischen Interpretationen. Ein Treffen mit John Cage beeinflusste ihn weiter in
diese Richtung. Dennoch widmete er sich bald darauf dezidierter dem Jazz. In den frühen Sechziger
Jahren arbeitete Mengelberg eine kurze Zeit mit Johnny Griffin und Eric Dolphy, auf dessen Album
«Last Date» er mitspielte.
Parallel zu den ICP-Anfängen hatten Mengelberg und Han Bennink ein Trio mit dem englischen FreeSaxophonisten Evan Parker und später ein Quartett mit dem Saxophonisten John Tchicai und dem
Impro-Gitarristen Derek Bailey, das 1970 und 1971 zwei Alben veröffentlichte. Zusammen mit Breuker
setzte sich Mengelberg für staatliche Förderungsgelder ein, die von den Musikern selber verwaltet
werden konnten. Daraus entstanden die Organisation BIM und das noch immer bekannte Konzertlokal Bimhuis. 1972 wurde Mengelberg künstlerischer Leiter des Studios for Electro-Instrumental Music
(STEIM) und gab Kurse in der Handhabung der Elektronik. Immer bestrebt, sein freies Piano Spiel mit
neuen Einflüssen zu aktivieren, beschäftige er sich um diese Zeit auch mit marokkanischer Musik.
Die Besetzung des ICP Orchestras ist nach den turbulenten Anfangsjahren inzwischen sehr stabil
geblieben. Musiker wie Ab Baars (Tenorsax, Klarinette), Michael Moore (Tenorsax, Klarinette), Wolter
Wierbos (Posaune) oder Tristan Honsinger sind schon 15 Jahre oder länger mit dabei. Auch das
ursprüngliche Konzept hat sich sanft gewandelt. Wie die Kritikerin Joslyn Layne bemerkt, hat sich das
«instant composing» in den letzten Jahren leicht Richtung «conducted improvisation» verschoben,
mit Mengelberg als «Conductor», der am Piano sitzt und Zeichen gibt. Wir sind gespannt, wie jung die
Orchestra-Musik des grossen alten Instant-Meisters geblieben ist.
Susanna v. Canon, Stichting ICP
Spannend wie ein Krimi - Das ICP Orchestra in der Roten Fabrik
Sie schlurfen gedankenverloren auf die Bühne, scheinen ganz spontan mit dem Musizieren zu beginnen, spielen mal zu dritt, mal zu viert, mal im Kollektiv. Das Theatralische gehört mit zu jedem
Auftritt des holländischen ICP Orchestra, das seit nunmehr 35 Jahren die Jazzgeschichte mitschreibt
(und dem, notabene, die Kritiker der bekannten amerikanischen Jazz-Zeitschrift «Down Beat» dieses
Jahr den ersten Preis in der Sparte «Talent Descrving Wider Recognition» verliehen hat!). - Zufällig
und spontan ist aber in Tat und Wahrheit gar nichts, wenn der «Instant Composers Pool» konzertiert
Der Pianist Misha Mengelberg (zusammen mit dem Schlagzeuger Han Bennink und dem Saxophonisten Willem Breuker Gründer des ICP) ist ein vielseitig gebildeter Musiker, dem weder die Jazzgeschichte noch die Welten von Strawinsky und John Cage fremd sind (der berühmte Dirigent Willem
Mengelberg war sein Grossonkel). Der mit einer gehörigen Portion skurrilem Humor ausgestattete,
1935 in Kiew geborene Musiker gestaltete in der Roten Fabrik mit der aktuellen ICP-Ausgabe einen
glänzenden Konzertabend, der sich so spannend und so kurzweilig entwickelte wie ein guter Krimi.
Die so zufällig erscheinende Abfolge von freien Improvisationen, komplexen Eigenkompositionen
der ICP-Mitglieder und Beiträgen aus der Jazzgeschichte war bis ins winzigste Detail geplant-- dies
bezeugte ein uns nach dem Konzert zugespielter, schriftlich festgehaltener Programmablauf, der
allerdings dem Publikum nicht zugänglich gemacht wurde. Die perfekte Dramaturgie folgte einer minutengenau festgelegten Skizze - kein Element dauerte zu lange, die Musiker haben ihr heterogenes
Publikum nie über- oder unterfordert, nie verloren.
Mengelberg und Bennink sind unter anderem findige Erforscher der Jazzgeschichte. Meisterwerke
aus den Federn des legendären Duke Ellington oder des genialen Sonderlings Herbie Nichols nehmen sie als Ausgangspunkt für klingende Analysen, die Besonderheiten der Vorlagen freilegen, ohne
den Puls oder die Harmonik der Stücke zu opfern. Ihre raffinierten Arrangements von Kompositionen
wie «Caravan», «In My Solitude» oder «Third World» sorgten für die Höhepunkte des Abends, an dem
auch in witzig-innovativer Weise frei improvisiert wurde oder eigenes, teilweise hochkomplexes Material zur Aufführung gelangte.
Die Ansprüche, die Mengelberg und Bennink an ihre Mitmusiker stellen, sind hoch. Umso bewundernswürdiger, mit welcher Gelassenheit und Selbstverständlichkeit die neun ICP-Mitglieder auf
höchstem Niveau musizierten. Die Holzbläser Ab Baars und Michael Moore fanden sich mühelos in
all diesen musikalischen Welten zurecht, der deutsche Trompeter Thomas Heberer erwies sich als ein
Virtuose erster Güte, und der Posaunist Wolter Wierbos fiel durch seinen archaischen Sound auf. Besonders beeindruckend war das Spiel der drei Streicher, die dem Ensemble zu seiner unverwechselbaren. Klangfarbe verhalfen. Die Violinistin Mary Oliver, der Cellist Tristan Honsinger und der Kontrabassist Ernst Glerum konnten sich aber auch als improvisierende Solisten hervorragend profilieren.
Nick Liebmann, Neue Zürcher Zeitung, 25. November 2002
INSTANT COMPOSER‘S POOL ORCHESTRA
„As much as any group anywhere, ICP encompasses a full range of modern musics: Ellington and
Monk, Kurt Weill and European dance band music of a lost age, lacy Webern – and chamber music,
South African kwela, free improvisation, conducted improvisation, interactive games, counterpoint
and simultaneity, catchy melodies, pastel harmonies, order and built–in chaos.
Post modern composers like to jump cut from one style to another: think Zorn. ICP’s music drifts
from one locus to another like the action in a dream, where the guiding intelligence may thwart rational progress. Some compositions feature glaring wrong notes or brazenly dumb ideas; no piece exists
in a definitive state. Players have the option of making some will fully idiotic melody sound better or
even worse. From one performance to the next, a piece may sound radically different.
ICP’s mix is perplexing in the best sense: the music doesn’t give up its secrets on first hearing, or
second, or third. It keeps you coming back. This is jazz / improvised music at its most deft and sophisticated. The musicians treat it with the reverence usually reserved for a chewed–up slipper.
From New Dutch Swing by Kevin Whitehead (Billboard Books, 1998), Misha Mengelberg (piano, composer): was a co-founder of the Instant Composers Pool, the nonprofit collective of Dutch composerimprovisers-instrumentalists, with Han Bennink and Willem Breuker in 1967. He has performed in
duo with Han Bennink for more than 30 years and led the ICP Orchestra for more than 20. His other
credits include performing and recording with Eric Dolphy, John Tchicai, Derek Bailey, Steve Lacy,
Peter Brotzman, and many others.
Thomas Heberer (trumpet): has performed and recorded with the Berlin Contemporary Jazz Orchestra, the European Jazz Ensemble, and the Pata Orchestra.
Wolter Wierbos (trombone): has performed and recorded with the Gerry Hemingway Quintet, Peter
van Bergen’s LOOS, Theo Leovendie Quintet, and the J.C. Tans Orchestra. He has recorded two solo
albums.
Ab Baars (reeds): has recorded and performed with Guus Jansen, Maarten Altena, Loek Dikker, and
Orkest de Volharding. He has also recorded as leader of a trio and as an unaccompanied soloist.
Michael Moore (reeds): is the leader of Available Jelly and has been a member of the Gerry Hemingway Quintet, Clusone 3, and Maarten Altena ensembles.
Ernst Glerum (bass): has played and recorded with Amsterdam String Trio, Guus Jansen, the J.C. Tans
Orchestra, and Curtis Clark.
Tristan Honsinger (cello): is the leader of a string quartet that includes Ernst Glerum and the ensemble this, that, and other. He has performed and recorded with Cecil Taylor, Derek Bailey, Irene
Schweitzer, Sean Bergin, and other.
Han Bennink (drums): is a co-founder of the ICP, long-time associate of Misha Mengelberg, and one
of the most in-demand drummers in Europe. He has performed and recorded with jazz musicians
such as Dexter Gordon and Sonny Rollins, as well as European improvisers such as Peter Brotzman,
Derek Bailey, and Willem Breuker.
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Josh Roseman Unit
Josh Roseman – trombone electronics
Peter Apfelbaum – tenor sax
Barney McAll – keyboards
Liberty Ellman – guitar
Nathaniel Townsley – drums
www.joshroseman.com
Erdige Kraft, ausgeklügelte Raffinesse
Sein Konzept ist multistilistisch, voll erdiger Kraft, ausgeklügelter Raffinesse, hochemotionell und mit
einem Schuss Humor. Er baut auf den Errungenschaften vorausgegangener Musikergenerationen
auf, ist jedoch ganz stark in der Gegenwart verankert, weist aber auch in die Zukunft. Josh Roseman
war Teil von FreeJazz-Gruppen um die Mitglieder des World Saxophone Quartet. Er brachte eine
frische Farbe in das Multi-Horn-Ensemble von Roswell Rudd und Steve Turre ein. Er beschäftigte sich
mit der Arbeit von Rappern und DJs. Er gehört auch zur Big Band von Dave Holland. All das prägt
seine Musik, die auf „Treats For The Nightwalker“ prägnanter denn je erkennbar wird. Kern der vielbeachteten, von der internationalen Kritik hochgelobten CD ist die Josh Roseman Unit. Mit ihr - in
Quartett- oder Quintettbesetzung - geht er in regelmäßigen Abständen auf Europatournee. Jüngst
gastierte er wieder einmal in Deutschland und bot in kleiner Besetzung Musik von „Treats For The
Nightwalker“.
Bei Ihrem Tour-Ensemble liegt der Akzent viel stärker auf Improvisation im Vergleich zu der größeren
Besetzung der„ Treats For The Nightwalker“.
Ich machte ein paar ganz spezielle Arrangements von einigen der Stücke, die für das größere Ensemble geschrieben wurden. Mit „Treats For The Nightwalker“ suchte ich ein üppig klingendes
Audio-Dokument vorzulegen. Und dafür ging ich mit der größeren Gruppe ins Studio. Wenn du mehr
Musiker hast, musst du nicht so viele Entscheidungen treffen. Auf einer längeren Tournee mit einem
kleineren Ensemble kannst du herausfinden, was am besten funktioniert. Auch in kompositorischer
Hinsicht. Im Prozess des Nacht für Nacht Spielens zeigt sich welches die wirklich wichtigen Parts
einer Komposition sind. Die betonst du stark, weitest sie aus. Die Live-Musik klingt jetzt sogar stärker
weiterentwickelt als die Musik auf der Platte, und damit bin ich extrem glücklich.
Würden Sie Ihre Musik als multistilistisch bezeichnen? War es für Sie ganz natürlich all diese verschiedenen Musikelemente zusammenzubringen?
Ich sehe mich selbst als Übersetzer, Integrator. Ich zeige gerne auf, dass die Trennlinien in der Musik
künstlich gezogen wurden. Hinter jeder Form von Musik steckt ein besonderer Geist. Er informiert
die communities, die diese Form von Musik kreiert. Es ist von Vorteil sich auf die kulturelle Stärke der
jeweiligen Menschen zu konzentrieren, die diese Musik kreieren. Die darin ehrlich sind, einen Weg
finden all die verschiedenen Elemente zu vermischen. Ich hörte und höre die ganze Zeit die verschiedensten Arten von Musik unserer community, so es ist ganz natürlich, sie zu verbinden.
Das Konzept Ihrer Musik ist ebenso traditionsbezogen wie zukunftsweisend. Auch in Ihrem Posaunenspiel verbinden Sie Gestriges mit Heutigem. Wenn Sie mit Dämpfer spielen, erinnert das etwa an die
alten Ellington-Solisten. Doch Sie schaffen es diese Klänge in einen zeitgemäßen Kontext einzubinden.
Die Technik der Dämpfer-Spielweise ist eine Mischung zwischen meinem Interesse am EllingtonSound, wie ihn Tricky Sam Nanton oder Cootie Williams prägten, und von meinen Hörerfahrungen seit
frühester Jugend. Dazu gehört Jimi Hendrix. Er arbeitete mit dem WahWah-Pedal, entwickelte eine
ganz aussagekräftige Stimme, sie war geradezu greifbar. Er formte den Klang mit den Händen. Das ist
großartig.
Neben Tricky Sam Nanton war Gary Valente für Sie noch sehr wichtig.
Ja, neben Valente sind heute meine Lieblingsposaunisten Leute, die normale stilistische Definitionen
transzendieren. Etwa Barry Rogers, er hat eine mächtige Stimme. Er spielte mit Eddie Palmieris La
Perfecta und war schulebildend für die Latin-Posaunen-Spielweise. Das ist interessant, denn er ist
kein Hispanic. Er entwickelte ein tiefgründiges Verständnis für die Mambo-Kultur und daran entfaltete
sich und reifte seine musikalische Persönlichkeit. Er harmonierte wunderbar mit den Musikern um Eddie Palmieri, die zu jener Zeit diese Latin-Music kreierten.
Er passte sich rhythmisch dieser Spielweise an, entwickelte dafür den passenden Sound.
Das akkurate rhythmische Spiel ist die Voraussetzung, er war darüber hinaus fähig extrem kreative,
expressive Dinge zu tun, und das immer in perfekter Time. Zudem passte es zu diesem Stil von Musik,
ergänzte ihn. Sein Sound klang so wie der von alten Typen, die hoch in den Bergen wohnen. Barry
Rogers ist für mich ein großer Held der Posaune, ebenso Julian Priester. Er beeinflusste mich auch,
nicht speziell im Hinblick auf den Sound, sondern umfassend durch sein Spiel. Es gibt auch eine
Reihe junger, großartiger Posaunisten, die ich sehr mag, etwa Nils Wogram. Wirklich großartig ist auch
Robin Eubanks, einer meiner Freunde und zugleich ein Mentor. Dann mag ich auch die Posaunisten
der Wynton Marsalis Band, sie haben dieses lineare Konzept.
Wenn Sie Ihre Musik mit Dub-Sounds, Club-Sounds, Electronics anreichern, gilt es sich in der Posaunenspielweise anzupassen.
Ich verwende die Electronics und die Dämpfer um den natürlichen Sound, die Frequenzen des Instrumentes auszuweiten. Ich versuche nicht damit etwas Neues zu kreieren. Ich bin ein ziemlich natürlicher Posaunist. Es hängt immer von den Musikern ab, wie weit man sich anpasst, gewillt ist anzupassen. Was ich an der Unit, vor allem in Quartettbesetzung so mag, ist der Sinn für Dynamik, der allen
Mitgliedern zu eigen ist. Manchmal verspürst du Lust eine Phrase mit einem anderen dynamischen
Level zu blasen, und deine Partner reagieren sofort darauf. Das ist für mich der Geist von großartigem
Ensemblespiel.
Die Liner Notes der„ Treats For The Nightwalker“ sind ziemlich abgehoben. Es heißt da u. a. „Jazz ist
ein Ausdruck von Sound, der von unbekannten Planeten-Galaxien herrührt“. Sind Sie der Ansicht, dass
all diese künstlerischen Gestaltungsmomente im Universum vorhanden sind, es nur gilt sie hörbar zu
machen?
Ihre Interpretation gefällt mir. So würde ich es auch interpretieren. Ich schrieb nicht die Liner Notes,
sondern ein Freund von mir, der unter dem Künstlernamen Osiris Black Edgar firmiert. Wir teilen
eine geradezu grenzenlose Liebe für Sun Ra. Und in dessen kosmologischen Begriffen zu denken, zu
sprechen und zu schreiben, macht Spaß. Gut, es kann in ein nichtssagendes Blablabla ausarten, aber
ebenso auch ernsthafte Sachverhalte transportieren. Es geht um eine Perspektive der Existenz, um
Sinn und Zweck der Musik, um die Frage woher sie stammt. Sowie um den Standpunkt, dass man die
Musik als ein Werkzeug für die Evolution begreift, dadurch ein tieferes Verständnis für den Bewusstseinsstand entwickelt. Art Blakey sagte es so: „Music washes away the dust of every day life“. Musik
hilft dir alles neu zu sehen, etwas Neues zu sagen, doch das muss nicht etwas sein, was nicht schon
vorher existierte. Bei all den Dingen, die man im Leben tun muss, ist es schwierig zu verstehen, dass
wir hier sind um etwas ganz Spezielles zu tun, das Teil eines viel größeren Rahmenprogramms, Plans
ist. Es ist eine Herausforderung sich dessen bewusst zu sein, wenn man spielt, auch was man spielen
soll und wie man untereinander reagiert.
Was möchten Sie mit Ihrer Musik beim Hörer erreichen? Dass er seine Alltagssorgen vergisst, zu einem besseren menschlichen Wesen wird, das Leben umfassender versteht?
Die Reaktion von jedem ist verschieden. Unsere Konzeption, die Stücke, die ich schreibe, zielen
darauf ab gute Antworten auf ganz spezielle Fragen zu geben. Dinge zu identifzieren, die man verbessern möchte, Lösungen auf Fragen zu finden. Wenn die Leute der Musik zuhören, dann wollen sie
auch irgendwie dadurch ihre Probleme lösen. Wir kombinieren eine Menge ästhetischer Prinzipien, indem wir Dinge spielen, die stark verwurzelt sind, mächtig grooven, rhythmisch stark akzentuiert sind,
und zugleich Dingen spielen, die recht exotisch sind, vielleicht auch free, oder in tonalen Regionen. All
das suchen wir auf eine Art und Weise zu verbinden, die so zuvor noch nicht existierte. Diese Vorgehensweise hat eine enge Beziehung zu wirklichen Problemen im Leben. Film, bildende Kunst, Musik
sollte den Menschen Werkzeuge an die Hand geben, um wesentlichere Fragen zu stellen.
Ist der „Nightwalker“ so zu verstehen, dass wir in der Nacht, im Dunklen wandern, nicht vollkommen
den Sinn des Lebens sehen?
Ja, manchmal kann es so etwas sein. Vielleicht ist das ein Prozess, der auf ein besseres Verständnis
der Sinnsuche abzielt. Ich kam jedoch durch etwas ganz Profanes zu diesem Titel. Ich sah ein Schild
vor einer Zoohandlung in San Francisco, auf dem stand „Late night treat for the nightwalker“. Da wurden also irgendwelche besonderen Knochen für die Hundebesitzer angepriesen, die noch zu später
Zeit ihre Runde drehen. Unser Grafik-Designer Manfred Brey hatte ein intuitives Verständnis für den
Geist unserer Musik. Anfänglich war mir dieser Geist gar nicht so verständlich. Wenn man an einem
Projekt arbeitet, ist man ganz darin gefangen, hat eine vorwiegend emotionelle Einstellung dazu. Als
ich die CD „Cherry“ aufnahm, hatte ich gleich ein ganz exaktes Verständnis für die Bedeutung des
Albums. „Nightwalker“ ist vielschichtiger, es hat mit spirituellem Hunger zu tun. Die Panther-Figur auf
dem Cover, die ganz alleine durch die Dämmerung schleicht, signalisiert diesen Hunger. Irgendwie ist
es Poesie, man könnte lange Ausführungen dazu machen.
Sie arbeiten vermehrt Ihre Stücke am Computer aus?
All meine Musik wird auf dem Computer koordiniert. Ich erzeuge jedoch auf verschiedene Weise
musikalisches Material. Manchmal höre ich Dinge und schreibe sie auf, erst Wochen oder Monate
später organisiere ich sie, entwickle das eine oder andere weiter. Manchmal spiele ich alles auf der
Posaune, nehme es auf und transkribiere das Gespielte. Bisweilen komponiere ich auf herkömmliche
Weise, schreibe alles auf Notenpapier. In jüngster Zeit habe ich verschiedene Clave Grooves, rhythmische Motive erforscht. Vor allem seit ich mit Dave Holland arbeite. Wenn du die Musik als eine
flexible Datei vorliegen hast, ermutigt dich das mehr die rhythmische Seite auszuloten, du kannst
damit so spielen wie ein Bildhauer mit Tonerde arbeitet. Die Musik umgibt dich, wenn du sie am Computer erarbeitest. Wenn du jedoch konventionell komponierst, hast du nur Papier und Bleistift, spielst
vielleicht ein wenig auf dem Instrument, denkst dir aus wie es klingen könnte. Dabei kann man eine
phantastische Vorstellungskraft entwickeln. Aber ich glaube, dass viele Dinge sich durch Zufall ergeben, sie können durch den Sound an sich inspiriert werden. Das Komponieren am Computer bietet dir
diese zusätzliche Dimension.
Sie haben an der Harlem School of the Arts unterrichtet, dann auch an an der New School in New York
City. Welche Fragen werden von Ihren Schülern am häufigsten gestellt?
Wir sprechen häufig über die Basis des Posaunenspiels. Ein Posaunist braucht grundlegende Informationen, um sich weiterzuentwickeln. Skalen, langausgehaltene Töne; Flexibilität; diverse Übungen,
das Einordnen der Dinge nach ihrer eigentlichen Bedeutung sind die Hauptthemen und Werkzeuge
für die Weiterentwicklung. Ich las vor einiger Zeit ein Interview mit Joe Henderson. Darin wurde ihm
die Frage gestellt: „Welche Ratschläge erteilen Sie jungen Musikern?“ Und er entgegnete: „To fall in
love with the scales“! Also wenn du dich in die Skalen verliebst, wendest du sie ganz natürlich an,
erforschst ihre Identität. Du benutzt sie nicht, sondern du bist Teil von ihnen, sie sind Teil von dir.
Ihr Wesen wird dir sehr lieb. Aber zurück zum Unterrichten. Daran gefällt mir besonders, dass ich
meinen Studenten vermitteln kann, wie sie wirklich ihre Zeit nützen können, die sie mit ihrem Instrument verbringen. Es gilt zu dem Punkt vorzustoßen, an dem die eigene Stimme auf dem Instrument
entwickelt werden kann. Doch niemand gibt dir ausdrücklich die Genehmigung hierfür! Wenn du im
Schulensemble spielst, von Lehrern unterrichtet wirst, tust du die ganze Zeit Dinge, die andere von dir
erwarten. Ich war immer fasziniert von der Musik und durch sie höchst inspiriert, aber niemand sagte
mir, dass es wichtig sei sich die Zeit zu nehmen für sich selbst zu spielen, die Musik wirklich zu erforschen, die eigenen Gesetzmäßigkeiten zu finden, einen eigenen Solo-Sound, eine eigene Technik zu
entwickeln. Überhaupt sich die Zeit zu nehmen die eigenen Talente kreativ auszuloten. Du brauchst
nicht damit zu warten bis du in irgendeiner verrückten Gruppe landest, um das für dich selbst zu tun.
Die Literatur, die uns für einige der älteren Instrumente zur Verfügung steht, möchte ich zwar nicht als
viktorianisch bezeichnen, aber sie ist klassisch orientiert. Gut, es ist ratsam damit zu arbeiten, aber
dann geht es um die Entfaltung des eigenen Talentes. All das ist nur ein Werkzeug für die Selbstentdeckung. Keith Jarrett bezeichnete diesen Vorgang als ein Hinuntersteigen in den eigenen Keller mit
einer Kerze. Mit meinen Studenten arbeite ich also an der klassischen Behandlung des Instrumentes,
wir erarbeiten spezielle technische Dinge. Wir improvisieren auch viel. Zunächst beginnen wir mit
strikten Formen, Bluesformen, verschiedenen Songformen. Dann gebe ich ihnen Fingerzeige für ein
genaueres Hinhören, so dass sie sich anpassen können, im Moment auf alles reagieren. Dann geht es
auch um ein auf den Prüfstein-Stellen der Lebensweise, so dass man sich dahin entwickeln kann, wo
man hinkommen möchte. James Baldwin sagte: „If you don‘t live your own life, it‘s not that you live
somebody elses life, you really don‘t end up living any kind of life at all.“ Er betonte jedoch, dass das
keine Warnung sei, sondern lediglich eine Beobachtung.
Gudrun Endress in Jazzpodium 5/2004
Josh Roseman Unit - „Treats For The Nightwalker“
Auch der zweite Streich des Posaunisten Josh Roseman könnte Hörer wie Kritiker wieder gleichermaßen ins Schwärmen geraten lassen: Dieses Mal hat Roseman ganz tief in die Funk-Kiste gegriffen.
Und erneut ist ihm ein Album gelungen, das vor Elan und kreativem Spielwitz nur so strotzt.
„Treats For The Nightwalkers“ wurde teilweise am Computer konzipiert und später mit Sounds aus der
Clubszene versehen. Vor dem Hintergrund dieser Elektronik bahnen sich Josh Roseman und seine
„Unit“-Mitstreiter im wahrsten Sinne des Wortes ‚spielerisch‘ ihre eigenen, wunderbar verschlungenen
Wege.
Rhythmisch, fast schon besessen ideenreich, grooven sich die Musiker durch langgezogene Improvisations-Passagen; verschiedene Stile kollidieren miteinander, um wenig später zu neuen Themen zu
verschmelzen. Acid-Funk wie er besser, origineller und perfekter nicht sein kann ... frech, witzig und
wild explosiv!
Peggy Thiele in Jazzdimensions
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Boi Akih
Monica Akihary – vocals
Niels Brouwer – guitar
Sandip Bhattacharya – tabla, percussion
Ernst Reijseger – cello
Kesselhaus der Kulturbrauerei
www.boiakih.com
Boi Akih
Boi Akih feat. Sandip Bhattacharya & Ernst Reijseger gave birth to a new cd entitled UWA I [images], where delightful vocal sounds from the island Haruku, one of the Moluccan islands, guides you
through musical images of jazz, world and contemporary music.
Eclectic music with a universal appeal’ Cape Times, March 2004
Boi Akih creates a sound....that at the same time is soothing while it holds you in a state of excitement. Die Burger, March 2004
Akihary is singing in her father’s mother tongue, long considered moribund by academic linguists,
but still understood and even spoken by a few thousand people in isolated communities on the small
island of Haruku. All the songs on this album are original, co-written by Akihary and her mate (musical
and otherwise), composer and guitarist Niels Brouwer. “Brouwer is a virtuoso guitarist, and the moving
tunes he writes..... beautiful...” Gwen Ansell, Business Day october 2003
‘a musical experience of exceptional art’
Concerto February 2004
Since 1998 they have been collaborating with linguists from the Netherlands and Australia studying
the Haruku language, and with their help and support Boi Akih not only keeps the tradition alive, but
puts it to use in its most authentic form: poetic self expression.
Uwa I [Images] is Akihary’s third album, and the first one on which she sings exclusively in the Haruku
language. ‘Akihary belongs to the group of exceptional vocalists, who can let you feel a song’.
Dagblad de Limburger Nov 2003
‘You would have to be from another planet not to be moved by the warmth and positive energy of
Monica Akihary‘ Opzij, November 2003
Expanding their musical horizon for this project, Akihary and Brouwer teamed up with Indian tablamaster Sandip Bhattacharya and Dutch cello-wizard Ernst Reijseger. Their contributions are not just
adding flavour, but blend in splendidly, without failing to spice up the mix. ‘Boi Akih has grown into a
striking voice with an unmistakable musical language of its own’. Nine pieces with an intimate livefeel, from varied temperament, gracious (Unde Atoluwe Naiowe), irresistibly groovy (Imi), dreamy
(Potu Loto Potu) and majestic (Maritirine). A small island in a very big world’ Heaven December 2003
‘The music is playful and warm, with once in a while, a little breeze of melancholy drifting past.
Akihary’s strength lies in the intimacy of her humming and her power of improvisation’.
Het Parool December 2003
Boi Akih
Monica Akiharys Wurzeln liegen im indonesischen Archipel. Ihre Eltern stammen von der Inselgruppe
der Molukken. Obwohl die Musik von Boi Akih raffinierte Anspielungen auf diese Wurzeln enthält
– besonders auf traditionelle Rhythmen –, sind es vor allem die Songtexte, in denen Monica ihre
Herkunft thematisiert. Von Kindheitserinnerungen angeregt, singt Akihary in der Muttersprache ihres
Vaters. Diese gilt bei Sprachforschern seit langem als „aussterbend“, wird aber noch von ein paar
tausend Menschen auf der kleinen Insel Haruku verstanden und sogar gesprochen. Seit 1998 arbeitet
Monica mit Linguisten aus Holland und Australien zusammen, die die Haruku-Sprache erforschen.
Mit ihrer Hilfe erhält sie nicht nur eine Tradition am Leben, sondern macht authentischen Gebrauch
davon: durch poetische Mitteilung.
Dennoch: Boi Akih haben keine musealen Ambitionen. Alle Songs auf dem Album sind Originals,
geschrieben von Akihary und ihrem musikalischen und privaten Partner, dem verblüffenden Komponisten und Gitarrenvirtuosen Niels Brouwer, einem Absolventen des Amsterdamer Konservatoriums. Die beiden arbeiten seit 1995 zusammen und studierten gemeinsam im Jahr 2002 die klassische südindische Musik in Bangalore, die die neue CD stark inspiriert hat.
“Uwa I” (Bilder) ist Akiharys drittes Album und das erste, auf dem sie nur in der Haruku-Sprache singt.
Für dieses Projekt haben sich Akihary und Brouwer mit zwei außergewöhnlichen Könnern zusammengetan: dem indischen Tabla-Meister Sandip Bhattacharya aus Benares (einem Schüler großer
Musiker wie Ravi Shankar) und dem holländischen Cello-Zauberer Ernst Reijseger (bekannt für seine
Aufnahmen mit dem Arcado String Trio, Louis Sclavis und einer Gruppe sardischer Tenöre). Heraus
kommt ein stimmungsvoller Mix aus instrumentaler Virtuosität, bezaubernden Melodien, raffinierten
Strukturen und exotischen, indisch gefärbten Rhythmen. Im Zentrum aber steht Monica Akiharys
warme, bewegliche Stimme, die den Hörer in eine unbekannte Welt der Gefühle und Farben entführt.
Sie ist eine außergewöhnliche Sängerin, die direkt ins Herz der Hörer trifft. Gwen Ansell (Business
Day) schrieb: “Vokalistin, nicht Sängerin, ist die beste Bezeichnung für Akihary: Ihre Stimme swingt
auf sanfte Weise – und schwebt und stürzt, scattet und flüstert.“
Boi Akih
Monica Akihary’s ancestral roots lie deep in the Indonesian archipelago. Her parents hail from a
group of islands known as the Moluccas. Although the music of Boi Akih contains subtle references
to Moluccan music – most notably some traditional rhythms –, it is mainly in the lyrics of the songs
that Monica pays homage to her heritage. Inspired by childhood memories, Akihary is singing in her
father’s mother tongue, long considered ‘moribund’ by academic linguists, but still understood and
even spoken by a few thousand people in isolated communities on the small island of Haruku. Since
1998 she has been collaborating with linguists from the Netherlands and Australia studying the Harukunese language, and with their help and support Boi Akih not only keeps the tradition alive, but puts
it to use in its most authentic form: poetic self-expression.
However, Boi Akih’s aim is not museological. All the songs on this album are originals, co-written by
Akihary and her mate (musical and otherwise), intriguing composer and virtuoso guitarist Niels Brouwer who graduated from the Amsterdam Conservatory. Having started their cooperation in 1995, the
two of them also studied South Indian Classical Music in Bangalore in 2002 which very much inspired
the new CD.
“Uwa I” (Images) is Akihary’s third album, and the first one on which she sings exclusively in the
Harukunese language. Expanding their musical horizon for this project, Akihary and Brouwer teamed
up with Indian tabla master Sandip Bhattacharya from Benares (a disciple of great masters such as
Pandit Ravi Shankar) and Dutch cello wizard Ernst Reijseger (best known for his work with the Arcado
String Trio, Louis Sclavis and a group of Sardian folk singers). His and Sandip’s contributions are not
just adding flavour, but blend in splendidly, without failing to spice up the mix of instrumental virtuosity, charming melodies, refined textures and those certain exotic grooves that may remind the listener
(among other things) of Indian music. Above all, Monica Akihary’s warm and pliant voice leads us into
an unknown world of subtle feelings and glowing colors. She is an exceptional vocalist who sends her
song directly into the listener’s soul. Says Gwen Ansell in Business Day: “Vocalist, not singer, is the
best term for Akihary: her voice swings sweetly – but also soars and swoops, scats and whispers.”
Woolf (Concerto):” the result is nine compositions, full of lyrical angles and a richness of divers nuances, a musical experience of exceptional art.
Alle Informationen: www.boiakih.com
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Dennis Rollins’ Badbone & Co
Dennis Rollins – trombone, electronics, voice
Jay Phelps – trumpet
Johnny Heyes – guitar
John Escreet – piano, keys
Zoltan Dekany – bass
Samuel Agard – drums
www.dennisrollins.com
Biography
Dennis Rollins
Dennis Rollins’ Badbone & Co features elements of jazz, funk, groove and drum n’ bass and is regarded by some as “. . . currently the most exciting on the UK live scene.” Straight No Chaser
Born in Birmingham, England in 1964 of Jamaican parents Dennis cut his teeth at the age of 14 studying and performing with The Doncaster Youth Jazz Association. After years of concentrated study
Dennis relocated to London where his unique approach to the instrument was immediately and appreciatively recognised resulting in numerous offers of work.
In the ensuing years Dennis further honed his formidable talent performing with the National Youth
Jazz Orchestra (NYJO) and the legendary all-black jazz big band, The Jazz Warriors.
Dennis’ reputation as an artist of excellence who is comfortable performing many genres of music
has resulted in his working with some of this country’s and, indeed, the world’s top jazz and pop personalities including Courtney Pine, US3, The Brand New Heavies, Blur, and Beverley Knight. Consequently, Dennis has toured the world extensively.
Often compared to American trombonist Fred Wesley Dennis Rollins has not only established himself
as the UK’s definitively funky trombonist but also some have gone so far as to say that he is, ”...likely
to be established as the foremost jazz-funk trombonist in the world today.” Mojo
First choice musician for band’s such as Jamiroquai and Gorillaz, Dennis Rollins has cultivated a powerful groove based style of writing and performance which has gained him a rapidly growing national
and international fan base.
Festivals
Coventry Jazz Festival (2001), Hamilton Jazz Festival (2001), Teignmouth Jazz Festival (2001), Guinness Cork Jazz Festival - Ireland (2001), London Jazz Festival (2001), Bath International Music Festival
(2002), Kaunas Jazz Festival - Lithuania (2002), Tbilisi Jazz Festival - Georgia (2002), Edinburgh Jazz
Festival - Scotland (2002), Brecon International Jazz Festival (2002), Greenbelt Music Festival (2002),
London Jazz Festival (2002), Tblisi Jazz Festival (Georgia), (2002), Deepdale Jazz Festival (2002),
JazzFest Sarajevo (2002), Cheltenham Jazz Festival (2003), MaiJazz, Norway (2003), Marsden Jazz
Festival (2003), Norwich Jazz Festival (2003).
Performed / Toured / Recorded with:
Roy Ayers, The Roots, Dionne Warwick, Jamiroquai, Cyprus Hill, Hermeto Pascoal, Brand New Heavies, George Clinton, Lonnie Liston Smith, Blur, US3, Tom Jones, Erykah Badu, Marcus Miller, Courtney
Pine, Sting, Percy Sledge, Gorillaz, Space Monkeyz
Discography
Dennis Rollins’ Recordings Include
Blessing In Disguise
To the Eyes of Creation
Hand On The Torch
Brother Sister
Space Cowboy
The Jamaican Beat. Blue Note Beat Vol 2
Tribute to Bob Marley
Cleveland Watkiss (1991) )
Courtney Pine (1992)
US3 (1993
Brand New Heavies (1993)
Jamiroquai (1994)
Jazz Jamaica (1995)
Compilation (Prod. Courtney Pine 1995)
Shelter
Proco Invaders
Rock With You
Whine and Grine (Levi’s Advert)
While You Follow Me
So Now You Know
Forgive Me
Greatest Day
Back in the Day
Wild & Free E.P.
Badbone (Debut Album)
Laika Come Home
Make Your Move
Devotion
Brand New Heavies (1997)
Baaba Maal (1997)
D-Influence (1998)
Prince Buster (1998)
Eric Benef (1999)
Damage (1999)
Lynden David Hall (1999)
Beverly Knight (1999)
Dennis Rollins (2000)
GorillazlSpace Monkeyz (2002)
TV Appearances Include
Top of the Pops
Jools Holland Show
The Beat
T.F.I. Fridays
M.T.V
Sting/Aswad
www.dennisrollins.com
BBC
BBC
Channel 4
Channel 4
Fox Televison
Dennis Rollins‘ Badbone & Co
Make Your Move
With a few exceptions, the UK hasn‘t really got much of a track record when it comes to producing great trombonists (and most of those are of a certain vintage now). Dennis Rollins is of a newer
breed, and has been associated with the Jazz Warriors as well as Gary Crosby‘s Jazz Jamaica project.
He‘s a fine player, able to manipulate the ungainly plumbing of the trombone with an easy grace and
a fat, rounded tone.
Rollins‘ Badbone project have been wearing out the odd pair of dancing shoes up and down the
country with their live sets. Like James Blood Ulmer, Badbone believe that while Jazz is the teacher,
Funk is the preacher, dispensing booty shaking grooves topped off with questing improvisation. Perhaps inevitably some of the excitement the band generate onstage has dissipated in the glare of the
recording studio lighting; the sound seems to lack the necessary punch.
Turning the volume up goes someway to rectifying this and brings out some of Badbone‘s sparkle.
The funkier tunes are all delivered with a precision and drive that makes you itch to hear them in a
live setting. Rollins and keyboardist Benet Mclean (a valuable presence in Kevin Haynes‘ curent band)
offer concise, sometimes witty solos (I‘m sure I caught quotes from the Magic Roundabout theme as
well as „A Love Supreme“), while Perry Melius and Peter Martin‘s rhythm section work is a bit more
compromised by the somewhat clinical production. The exception to this is the closing „Act Like You
Know“, where squelchy bass synth and bumptious drums unite to create a ridiculously infectious
groove.
Other pieces find Rollins in more reflective or playful mood; the short „Interlude - Forever“ is quite
lovely, as is „Everlasting“, which has a touch of the Stevie Wonder about it. Rollins is beautifully
expressive here, and shows off his mellifluous chops on „Soul Journey“ (a feature for overdubbed
trombones).
I could have done without the vocal track („So Real“) and Rollins‘ attempt fo find something interesting to do with Tracy Chapman‘s „Fast Car“ fails miserably. Programme these two out and you have the
makings of a decent album (on an interesting new label), but meanwhile for the full story catch them
live....
Peter Marsh, www.bbc.co.uk/music/jazz/reviews/rollins_makeyrmove.shtml
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Doug Wamble Quartet
Doug Wamble – guitar, vocals
Roy Dunlap – piano
Jeff Hanley – bass
Peter Miles – drums
Quasimodo
www.dougwamble.com
Doug Wamble
Country Libations
Say it as if it were spelled „womble,“ and you’ve got the correct the pronunciation of Doug Wamble’s
last name. Catch the echoes of such diverse giants as Louis Armstrong, Hank Williams, Robert Johnson and Ornette Coleman in Wamble’s music, and you begin to sense the uncommonly broad pool of
inspiration from which the 30-year-old guitarist, vocalist and composer draws.
Then take in the full force of Country Libations, his debut disc on Marsalis Music, and marvel at the
conceptual integrity and singular personality that Wamble has achieved. The Tennessee native offers
a music that is true to his roots in blues and gospel, his love of jazz and popular song, and his commitment to both reflect his diverse sources and turn them in new directions. A thoroughly modern
musician with a sense of history, a country boy at home in the city, and a cutting-edge leader of his
quintet, Wamble is nothing if not an original.
„I never had a real aspiration toward being a professional musician when I was growing up,“ says
Wamble, who was born in Clarksville, Tennessee and raised in Memphis. Yet he was quickly caught up
in the love of music reflected in the playing and singing of his parents and his grandfather at home.
An „organic“ guitarist at first who learned chords from his elders, Wamble began his musical studies
in high school, where he played clarinet and considered a future in symphonic settings. His ambition was altered one Sunday afternoon. „I’d go to the library every Sunday, between the morning and
evening church services, to check out records,” he explains, “and as a clarinet player I checked out
Benny Goodman. Fortunately, it was a record with Charlie Christian on it. That’s when music really
grabbed me.”
Wamble felt that pursuing a degree as a recording engineer would be a wise move („so my family
wouldn’t flip out about me becoming a professional musician”), and he began his journey under a
full academic scholarship at Memphis State University. “But three months into my freshman year, my
mom took me to see Harry Connick, Jr.’s band with Russell Malone on guitar. Hearing Russell, I decided I had to ditch this `rec tech’ thing, and I changed my major.” Under the tutelage of bassist Scott
Reed, Wamble began exploring the options facing contemporary guitarists. “I was determined to be a
jazz musician from the purist perspective at first,” Wamble says. “But my teachers wanted me to hear
more modern stuff like Pat Metheny and John Scofield, and Sco became my man. He was the guest
artist at Memphis State in ’92, and meeting him was like meeting Elvis. Sco was very important to me.
His love of Ornette Coleman’s music really got me into Ornette.”
At the urging of Reed, Wamble transferred to the University of North Florida in Jacksonville, where
he hooked up with another important mentor, pianist Kevin Bales. Listening to countless records with
Bales put the young guitarist on the road to his present, expansive conception. “I had that `Wynton
[Marsalis] is jive, he plays old stuff’ attitude when I got to Florida,” Wamble says by way of example.
“Kevin showed me how Wynton was using formal ideas like Ellington did, but in a modern rhythmic
context. It was a revelation, and it came when I was having an identity crisis about my own music in
terms of getting my own sound and playing my own truth. Listening to Wynton and people like Jelly
Roll Morton, hearing things in common without putting my finger on them, I started hearing connections everywhere. Suddenly Trane and Miles were connected to Louis Armstrong and Johnny Hodges.
That’s when I realized that using effects pedals and other guitar effects was not really me, and began
the quest to get my own pure sound. My original goal was to work with Wynton, even though everyone said `Wynton hates guitar.’ When Cassandra Wilson came to North Florida in ’93, I introduced
myself, we played some duets, and then playing with Wynton and Cassandra became my goals. I just
decided to see where working toward my goals would take me.“
The first order of business was finding a way to place acoustic guitar in contemporary settings. „I‘d
go on gigs without an amp, and everybody would give me looks; but I just threw myself into playing
jazz.“ What ultimately resulted is the all-acoustic sound of Country Libations. „My main guitar is a
Gretsch 1955 Constellation, an acoustic F-hole guitar, and the sound on the record is basically just a
microphone on the guitar,“ Wamble explains. „My other instrument is a 1929 National Triolian, a metal
guitar that I play upright. It belongs to my uncle Stewart, who found it under the bed when his father
passed away. He made me the `personal custodian’ a couple of years ago. I use it in on `Libation #7:
Along the Way.’“
Wamble’s years at North Florida also provided insights into songwriting and singing, which he had
enjoyed from his earliest playing days but never really pursued. „You spend a lot of time in your car in
Florida, going to gigs, and one of my teachers, Jack Petersen, was encouraging me to explore all of
the songwriters and learn their tunes. So I got all of the Sinatra, Ella and Billie Holiday albums I could
find, and learned tunes in the car driving to gigs. I also learned their inflections, note for note. When I
had to sing a solo in class, I scatted a Bird solo and everyone said, `Man, he can sing.’“ Wamble’s vocal skills also helped him pay the bills during his time as a graduate student at Northwestern University. „In Chicago, at a wedding, I was asked to sing some Sinatra tunes, and that got me a lot of gigs.“
Yet Wamble’s focus remained exclusively on the guitar after he received his Masters from Northwestern in 1997 and moved to New York. „I came to New York to hook up with Wynton, be on the scene,
and shed on guitar. It wasn’t about being a singer.“ He quickly called the trumpet-playing Marsalis,
who invited Wamble to a rehearsal of the Lincoln Center Jazz Orchestra, where old friend and North
Florida grad Marcus Printup mentioned that singer Madeleine Peyroux needed a guitarist for a tour.
Cassandra Wilson also called, recruiting Wamble to record on her Miles Davis tribute disc Traveling
Miles, and trumpeter Steven Bernstein brought Wamble into his Millennial Territory Orchestra. Doug
Wamble, guitarist, had quickly become part of the New York jazz scene.
It was only a matter of time before Doug Wamble, vocalist, also emerged. „Madeleine had me sing
on the encore one night, and I got a huge response,“ he says. „People like Sarah McLachlan, who we
were opening for, told me that I sounded great. Then I was at Wynton’s house one day, talking about
Robert Johnson, and I started singing `Come On in My Kitchen.’ When I said I’m not really a singer,
Wynton said that maybe I ought to be. Still, I resisted at first, because I knew that players who sing
often don’t get taken seriously as players.
„Later, though, I was doing a concert of reefer songs with Steven Bernstein and told him I knew `Viper
Drag’ and started singing it. Again, people commented that they thought I sang really well, and someone offered me a gig. I had an instrumental quartet at the time that was really influenced by Branford
Marsalis’ group, and I liked Steven’s idea of having several bands. So I put a new quartet together
with Charlie Burnham from Steven’s band on violin, plus bass and drums. The first gig was heavily
improvised, but the stuff that we played ultimately turned into tunes like `Libation #1: Back of the
Hymnal’ and `Libation #5: Ranura Del Campo.’“
Some fine-tuning of the instrumentation and three talented friends from Wamble’s college days
helped create the astonishing quintet that is heard on Country Libations. „When I got to North Florida
in ’92, the first people I hit it off with were [pianist] Roy Dunlap and [drummer] Peter Miles. [Bassist] Jeff Hanley is a couple of years younger and another fantastic musician who studied there. After
I moved North, I still returned to Jacksonville once a year to play gigs, and I would always get those
three guys. The love and openness we share really became clear to me. And Charlie, who I’d been
working with in Steven’s band, also has a vibe I love. He comes from a different place, and I knew his
voice on violin would be another great perspective. As a band, we’ve definitely grown into something
different, more precise, with more intricacy and detail.“
The band’s debut features nine stunning Wamble originals that reflect his personal odyssey.
“Writing the music was an organic process,” he notes. “Delta blues, gospel and Ornette Coleman are
the three major sources I see this music drawing from, and those sources came out without my trying.” For variety, Wamble includes a cover of Sting’s “Walking on the Moon,” with a guest appearance
by producer Branford Marsalis on soprano sax, and “Baby If You’re Lying,” which Wamble’s mother
wrote for a songwriting competition 20 years ago. The inclusion of this last track speaks to the awareness of heritage that echoes in all of Wamble’s music.
“For me, it’s been important to always stay connected with where I come from. I’m the weirdo in the
family; but everybody always gave me great love and support. The other side of me is that now I’m
a New Yorker who loves being a part of the city. It’s really been about negotiating those two things
- taking what New York has to offer, putting myself among all of these great musicians, but always
remembering where I’m from and who I am.
“Ignorance is a bliss that I want no part of,” he concludes. “I want to know and be able to play everything in music. I don’t put limitations on myself. I’m one of these people who like to have a band, and
I want to develop a band sound. I put as much seriousness into playing [Duke Ellington’s] “East St.
Louis Toodle-O” as [John Coltrane’s]”Crescent,” and I want to approach my own music in that way. I
want to do what Ellington did – to play all of the music of the world through my own sensibility.“
That sensibility, heard in all its splendor on Country Libations, promises to be among the most important new sounds of 2003.
www.marsalismusic.com
Presse
Doug Wamble Country Libations
...Country Libations is, so far, the debut recording of the year. Thoroughly integrating rural blues, gospel, swing, and free jazz into an organic musical conception that owes little to any model, this acoustic guitarist, singer, and composer is a one-man compendium of avant Americana.
The New Yorker, 25. Juni 2003
...music that.is as fascinating as it is idiosyncratic...Country Libations is an impressive introduction to a
guitarists-singer and a composer with a bright future.
Los Angeles Times, Don Heckman 22. Juni 2003
...Mr. Wamble, the guitarist who has been heard with Wynton Marsalis, Cassandra Wilson and Steven
Bernstein’s Millenial Territory Orchestra, blends bebop, country, blues, gospel, soul and his own blueeyed soul singing.
The New York Times, Ben Ratliff, 27. Juni 2003
...it’s definitely good. Wamble, a young guitarist and singer, takes us on a soulful foray into the roots of
music from the Deep South.
The Boston Globe, Steve Greenlee, 27. Juni 2003
The constants throughout the disc are Wamble’s razor-sharp yet honey-sweet baritone; the bluesy
tone of his vintage hollowbody Gretsch guitar, recorded without a pickup; the tuneful quality of his
original compositions; and the easygoing cohesion of a working ensemble.
JazzTimes, Nate Chinen, July/August 2003
...jazz, blues and gospel are equally important parts of what acoustic guitarist/singer Doug Wamble
does on this promising debut album...he makes everything fit together on this unpredictable yet focused debut.
All Music Guide, Alex Henderson, 20. Mai 2003
Merging blues, jazz and gospel with unimagined ease, Wamble has devised a unique style all the
more impressive for its distinctive personal nature. These days, in particular, a rare, inclusive talent
like this comes as nothing less than a gift.
Barnes&Noble.com, Steve Futterman 19. Juni 2003
www.marsalis.music.com
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presseinfo
Michael Blake’s Blake Tartare
Michael Blake – tenor + soprano sax, kalimba
Søren Kjaergaard – piano, keyboards
Jonas Westergaard – bass
Kresten Osgood – drums
special guest
Teddy Kumpel – guitar
Quasimodo
www.michaelblake.net
www.teddybut.com
Biography
Michael Blake
“The saxophonist/leader is a double-horned wonder.” - The Village Voice
Born: May 19, 1964 in Montreal, Canada
In the last decade this saxophonist, composer and arranger has established a commanding presence
in the jazz idiom. His work gracefully erases the borders between fields of music. In 2002 he was recognized in Downbeat Magazine’s 50th Annual Critics Poll TDWR (Talent Deserving Wider Recognition)
categories for tenor sax, soprano sax and jazz artist of the year. He was also sighted as a “new jazz
star” in the July issue of US World News Report.
His most recent release Blake Tartare is available on the internet (www.cdbaby.com/cd/mblake) and
is already receiving critical praise. Michael’s disc Elevated (Knitting Factory Records) may be his most
traditional session to date but the leaders lyrical ear has a way of making the familiar sound fresh. His
critically acclaimed debut CD Kingdom of Champa was released in 1997. Produced by the legendary
Teo Macero, it is a mesmerizing musical travelogue featuring a brilliant cast of players. His follow-up
album Drift hailed by Jazzthing Magazine as Best CD of 2000, showcases his first effort as a producer.
Blake has made a busy life for himself in New York City. He is a Composer in Residence in the The
Jazz Composers Collective, a non-profit, musician run organization dedicated to presenting the
original works of composers. Michael contributes to many Collective activities including Ben Allison’s
groups Medicine Wheel and Peace Pipe as well as their repetoire ensemble The Herbie Nichols Project. A new ensemble devoted to the compositions of the underrated saxophonist/composer Lucky
Thompson debuted this spring at NYC’s Jazz Standard where the collective presents an annual festival of (mostly) original music.
Michael’s tenure with John Lurie and the Lounge Lizards spans over a decade and includes numerous
record dates, TV appearances, a live concert film from Berlin and film soundtracks like the Grammy
nominated score for Get Shorty. Blake was co-founder of Slow Poke, a band including world-renowned slide guitarist David Tronzo, bassist/guitarist Tony Scherr and drummer Kenny Wollesen. Their
meeting on a summer afternoon in Brooklyn brought forth a CD, Slow Poke at Home. Their debut
label release Redemption is a sublime journey by one of NYC’s coolest bands.
Blake kicked off the millennium composing. He wrote the theme music for the Sundance Channel’s
Conversations in World Cinema then followed that up by scoring the Network ID and Up Next menus.
His ensemble Free Association was awarded the prestigious Doris Duke Jazz Ensemble’s Project
Grant from Chamber Music America. The resulting suite, entitled Mr. Carefree is an ambitious effort
to fuse the 1970’s songwriting artistry of Curtis Mayfield and Roberta Flack with the kaleidoscope like
arrangements of Sly Stone, Quincy Jones and Fela Kuti. Mr. Carefree features Canadian vocalist Kate
Fenner, whose soulful voice and heartfelt lyrics present Michael’s music in a new light.
In 2004 Blake continues to actively record, compose and perform. Michael completed a tour of
Denmark with rising star drummer Kresten Osgood and legendary jazz organist Dr. Lonnie Smith. A
live CD called Hammond Rens is available online. In March Michael toured Europe with a trio (MB3)
featuring bassist Ben Allison and drummerJeff Ballard. They will be recording in the fall for the Clean
Feed label. Last year Michael premiered three new compositions commissioned by Canadian composer John Korsrud for his ensemble The Hard Rubber Orchestra.
This summer he will be touring Canada and Europe with Blake Tartare and will revisit with Korsrud’s
group. Both the commission and his upcoming Canadian tour were supprted by The Canada Council
for the Arts.
Among the many artists Michael has recorded and performed with are Medeski, Martin and Wood,
Gil Evans’ Orchestra, Lee Konitz, Ben E. King, Tricky, Prince Paul, DJ Logic, Steven Bernstein, Roscoe
Gordon, The Groove Collective, Jack McDuff, Dr. Lonnie Smith, Hal Wilner, Sir Coxsone Dodd and
Pinetop Perkins.
Blake Tartare
Michael met Kresten Osgood on a blues tour he was doing with his pal George Kilby Jr. back in 1996.
Kresten was still in high school at the time but his talent left an impression on Blake. A few years later
Kresten‘s younger cousin Soren heard Michael‘s band Slow Poke and he and Jonas became instant
fans.
They asked Michael if he would come to Copenhagen and play a week of gigs with their trio Fucsia.
While Michael was in Denmark he discovered that Kresten was becoming a local jazz star and had
matured into a thoughtful, well-rounded musician. Last year when the three of them received grants
to live and study in NYC, Michael saw an excellent opportunity to start a new band.
„I was having a hard time getting Slow Poke together and grew increasingly frustrated about it. These
guys provided me the edge and energy I was missing“, says Blake. „They are world class improvisers and it‘s fun to watch them develop.“ The musicians returned to Copenhagen but that doesn‘t
stop them from performing as Blake Tartare. „Before they left NYC I made sure to get the band in the
studio and document what we were doing together. Eventually I hope to release the recording and
meanwhile it helps keep the project going.“
Kresten Osgood is well on his way to becoming one of Europe‘s most recognized jazz visionaries. The
accomplished 25 year old drummer was Educated at the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen where he studied with American drum legend Ed Thigpen, He is also an accomplished composer,
pianist and plays the Hammond B3 organ. Kresten has released two critically acclaimed jazz albums
and a hip-hop project co-lead with Soren Kjaergaard which was nominated by the Danish Grammy‘s
for „Best Newcomer of 2001“. He has been featured in a number of Danish Jazz Magazines and is
considered a young giant among the jazz community there.
Last spring Osgood set up a tour of Denmark with Michael and hammond organ legend Dr. Lonnie
Smith. Their amazing live double CD, Hammond Rens, is now available online. Kresten spent most of
2002 living in New York City where he played with Blake Tartare, Tim Berne, Brad Mehldau, Johsua
Redman, Joel Frahm, Peter Brotzman, Peter Bernstein, David Tronzo, Phil Woods, Dr. Lonnie Smith
and Kurt Rosenwinkel. He has recorded with Monty Alexander, John Tchicai, Derek Bailey, Sam Yahel
and dozens of Danish musicians.
The 24 year old keyboardist Soren Kjaergaard started playing piano at age 6. He entered the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen, Denmark, at age 19 and is regarded as one of the most
talented young pianists on the Danish jazz scene, winning the Nordic Talent Launch in 2000. Soren
leads his own trio Fuscia and is also a partner in Kresten Osgood‘s hip-hop band „Ikscheltaschel“.
Most recently he has been living and studying in New York City where he has performed/recorded
with Tim Berne, Derek Bailey, William Parker, Jim Black, Andrew D‘Angelo, Herb Robertson, Tony Malaby, Tom Rainey, Steve Bernstein, Dave Tronzo and Michael Blake.
Bassist Jonas Westergaard has performed with just about everyone in the Danish jazz scene, including John Tchichai, Jens Winther, Bent Jaedig and Doug Rainey. The 24-year-old started his life in
music as a pianist but switched to bass on which he studied with Bo Stief. Jonas attends the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen where he is extremely active playing with Soren Kjaergaard‘s
Fuschia and Jacob Anderskov‘s Award winning group Dr. Structure.
Jonas has toured Europe and the United States extensively with Mad Cows Sing, a Danish New Music
ensemble. This past year he has been in New York City where he has performed with Tim Berne,
George Garzone, Curtis Fowkles, Herb Robertson, Tony Malaby, Tom Rainey, Steve Bernstein, Dave
Tronzo and Michael Blake.
Michael Blake
Drift
Dem Saxofonisten Michael Blake ist es schon mit seinem vorigen, in kein Genre einzuordnenden
Bandprojekt Slow Poke gelungen, seine Hörer nachhaltig zu verwirren. Kein Wunder, hatte er sich
doch mit dem „Fake Jazz“ der Lounge Lizards und ihrer Nachfolgeband Jazz Passengers einen Namen gemacht. Nun geht er einen Schritt weiter: „Drift“ wird von einer kleinen Big Band aus drei Saxofonen, drei Blechbläsern und fünfköpfiger Rhythmusgruppe bestritten, die aber nicht auf allen Titeln
vollzählig antritt. Blake schrieb die komplette Musik - bis auf das Hawkins-Cover „Maria“ - selbst und
fungierte darüber hinaus als Produzent.
Als stilistische Orientierung dienen ihm die offenen Workshops Charles Mingus‘, den er auf „The
Creep“ auch notengetreu zitiert. Blake interessieren die herkömmlichen, ausgeschriebenen Arrangements für solche Besetzungen nicht besonders. Er zieht die nur lose vereinbarten „head arrangements“ der Swingära vor, die weniger präzise kommen, dafür aber mehr Hitze erzeugen. Seine Leute
setzt er vergleichbar spontan als (zuweilen dissonante) Klangfarbe ein wie der „elektrische“ Miles.
Aber auch den harten, basslastigen Funk James Browns scheint Blake zu lieben - vor allem die oft
gesampelten, klingelnden Riffs des Gitarristen Jimmy Nolen haben es ihm angetan.
Überhaupt könnte Blake - selbst ein leidenschaftlicher, gar nicht „weiß“ klingender Tenorist, der mich
manchmal an den jungen Archie Shepp erinnert - ohne seinen Gitarristen Tony Scherr einpacken,
der als zweite Leadstimme agiert. Ohne solche Solisten liefen die auch klanglich holzschnittartigen
Aufnahmen dieser modern abgemischten, aber nostalgisch anmutenden Session ernstlich Gefahr,
auseinanderzudriften.
Mátyás Kiss, Rondomagazin, 11.1.2001
Discography
Michael Blake
Latest release: Blake Tartare
The name suggests that this is the raw side of Michael but you might be surprised how subtle this
music is. Blake and his young friends are playing some of the most exciting contemporary jazz
around. You may be wondering how Michael ended up with a trio of young Danish cats.
Elevated
Michael‘s recently released third CD exists in the spiritual roots of jazz but his concept points in new
directions. The ever-percussive bassist Ben Allison and visionary pianist Frank Kimbrough join drummer Mike Mazor to provide Blake‘s luscious tenor and soprano saxophone room to ascend.
Drift
Drift features the saxophonist‘s impressive compositions played by a loyal and versatile group of
creative musicians, capturing the spirit and energy of Free Association.
Slow Poke
Slow Poke is a band that Michael started with slide guitar virtuoso David Tronzo, bassist Tony Scherr
and drummer Kenny Wollesen. Their latest CD release, Redemption, is now available.
Kingdom of Champa
Blake‘s debut CD, Kingdom of Champa was released on Intuition Music in 1997. Produced by Teo
Macero and featuring a cast of stellar players, Champa was hailed by critics to be one of the best
CD‘s of the year!
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Zbigniew Namysłowski Quintet
Zbigniew Namysłowski – alto + sopranino sax
Jacek Namysłowski – trombone
Slawomir Jaskulke – piano
Olo Walicki – bass
Grzegorz Grzyb – drums
www.polishjazz.com
Polnische Jazzlegende am Saxophon
Zbigniew Namyslowski Quintett
Seit über 35 Jahren herrscht Zbigniew Namyslowski (Jahrgang 1939) auf den Jazz-Bühnen Polens
und Europas. Mit vier Jahren begann er am Klavier, erhielt zusätzlichen Musikunterricht mit sechs und
spielte Cello mit zwölf. 1960 ging er zum Altsaxophon über und 1964 waren er und sein Quartett die
ersten polnischen Jazzmusiker, die eine Platte im Westen aufnahmen. Bis heute folgten über 30 weitere Schallplatten und CDs. Er hat eine eigenständige polnische Jazz-Musik entwickelt, die westliche
Einflüsse mit dem reichen Erbe der polnischen Volksmusik verbindet.
Mit der CD »Dances« hat Namyslowski diese Folkloreinspiration auf die ganze Welt erweitert: Tango,
Walzer, Charleston, Balkantänze, Samba und natürlich polnische Volkstänze: Mazurka, Oberek, Polka,
Kuyaviak, Krakowiak spielt er in der Art des Jazz »a la Namyslowski«. Neben den »Dances« spielt das
Zbigniew Namyslowski Quintett neue Kompositionen aus dem aktuellen CD-Projekt »Asimetric«.
Osnabrück live News am 24.09.2004
Zbigniew Namysłowski
Born in Warsaw at september 9 1939. He studied piano and cello in music schools in Krakow and
Warsaw. He played these two instruments at his first jazz performance at the Sopot International Jazz
Festival in 1957. He played also trombone in traditional groups. But soon he switched to alto sax witch
became his main instrument.
In the early 60s he formed the group Jazz Rockers which included Michal Urbaniak on tenor sax. In
1962 they both joined The Wreckers quintet for a month-long, coast-to-coast tour in the USA that
culminated in their appearance at the Newport Jazz Festival. Namyslowski subsequently formed his
own quartet, scoring a huge success in England, where he recorded an album in 1964 „LOLA“ (Decca
SLK 4644). He went on to perform all over Europe at almost all major jazz festivals, also in Israel 1992
and 2002, India, Australia, New Zealand , the U.S.A. 1962, 1978, 1987, Cuba, Mexico 1989, 1999 and
most recently Israel, Sweden, Brazil, Kuwait and Austria in 2002, South Africa 2003
Namyslowski albums, which were recorded in Poland, Germany, England, Sweden (with Tony Williams
on drums), Italy, Greece, Hungary and the USA, demonstrate his outstanding improvisational talent,
his composing skills and his inventiveness, which is rooted in modern jazz but always open to new
trends. His two best known recordings “Winobranie” and “Kuyaviak Goes Funky” became hits in Poland and won 2nd and 3rd price as the “Best Polish Records Of All Times”, and earned himself a 2nd
place as personality of Polish jazz of all times. Perhaps the best proof of his originality is his convincing fusion of jazz, Polish and other folk music: Little Lamb Lost, Piatawka, Siodmawka, Bop-Berek,
Mazurka Uborka, Der Schmalz Tango, Gogoszary, and many more.
Basically his saxophone lines are rooted in Coltrane music. He is fine interpreter of jazz standards, yet
his records are made up almost exclusively of his own compositions, which - if he had been born in
America - might have become standards. In 2003 Zbigniew Namyslowski produced for the first time a
whole CD with STANDARDS, which is also the title of the CD.
Biuro Koncertowe Quartet
Zbigniew Namyslowski Quartet/Quintet
Exists since 1963. The first performance took place in Warsaw at The Jazz Jamboree Festival October
’63. Since then concerts and tours at jazz festivals all over Europe. Their first LP was the live recording of their first performance. Soon two more LPs were released. One in Poland – „Kwartet Zbigniewa
Namysłowskiego” and one in England entitled “Lola” for DECCA label. This record was the first Polish
jazz record ever recorded in the West. The personal, the shape and style of the music has changed
many times in the meantime. The current formation has played together for more then four years.
They are very talented young musicians considered to be the absolute top of the present Polish jazz
scene. Recent tours of the band: In 2002: Israel, Brazil, Sweden, Kuwait, Austria, Germany and in
2003: Czech Rep. Hungary, The Ukraine, Sweden again and South Africa.
The last CDs recorded by Zbigniew Namyslowski Quartet or Quintet:
Standards recorded in Jan.2003
Three Nights live in Aquarium jazz club in Warsaw,
Dances with accordion player Cezary Paciorek,
Mozart Goes Jazz – with string quartet and clarinet player,
Zbigniew Namyslowski Quartet & Zakopane Highlanders Band,
Secretly and Confidentially,
Last Concert –live from Jazz Jamboree 1993
Without A Song recorded in Czech Republic
The always spreading repertory of the Quartet consists almost exclusively of compositions of Zbigniew Namyslowski witch is reputed to be the No 1 jazz composer in Poland.
www.namyslowski.onet.pl
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Andrew Robson Trio
Andrew Robson – alto sax
Steve Elphick – bass
Hamish Stuart – drums
www.andrewrobsontrio.com
Biography
Andrew Robson
“Alto saxophonist Andrew Robson is one of the most talented jazz musicians to emerge on the Australian scene in the last decade.”
The Sydney Improvised Music Association, September 2002
“The recorded jazz coming out of New York is seldom on this level.”
John Shand, Sydney Morning Herald, March 24, 2001
“He has arrived as an important player. “
Shane Nichols, Australian Financial Review, December, 2000
“Andrew Robson is one of the most exciting saxophonists, composers and leaders to have emerged
in years.”
John Shand, The Guide, Sydney Morning Herald, 1997
Andrew is one of Australia’s premier alto saxophonists and composers who has won, and been nominated for a number of prestigious awards. In June 2004 Andrew was nominated for Jazz Instrumental
Performer of the Year at the 29th annual “MO” Awards, a national performance award. He won the
distinguished 2003 Freedman Jazz Fellowship, for which only 12 artists nationally were invited to apply.
Andrew won an Australian Record Industry Association (ARIA) Award in 2001 for Best World Music
Album for Live In Europe, by the Mara Ensemble. This CD included compositions by Andrew.
Andrew has also been twice nominated for an ARIA for Best Jazz Album for his recordings Sunman
(2001), and On (2003). The Andrew Robson Trio’s first album Scrum was short-listed for Rhythm
Magazine’s Album of the Year and was nominated for the ABC 24 Hours/Classic FM Australian Jazz
Album of the year 1997.
Andrew has performed internationally with numerous jazz and world music groups. Tours have included performances at the Berlin Jazz Festival, Greenwich and Docklands Festival (London), WOMAD
(Reading, UK), Bim Haus (Amsterdam), and prestigious jazz clubs in Germany such as Unterfahrt
(Munich) and Stadtgarten (Cologne).
As part of the Mara Ensemble (a world music group), Andrew has performed in Vietnam, Laos, Taiwan,
Singapore, China, the Czech Republic, Italy, Germany, Holland, Belgium, Canada, the United Kingdom
and New Zealand.
Andrew has also toured throughout Europe with Hungarian bandleader Jackie Orszaczky, including
Hungary, Austria and Slovenia.
Within Australia, Andrew has performed at key venues, concerts and festivals including the Sydney
Opera House as a guest with the Opera Australia Orchestra, the Wangaratta Jazz Festival, Perth Festival, Bellingen Jazz Festival and Manly Jazz Festival. Andrew also performs regularly at the Side On
Cafe, Sydney’s key contemporary jazz venue.
Andrew has also performed at key regional centres around Australia, including remote Aboriginal
communities in Western Australia and the Northern Territory, as part of the Musica Viva in schools
program.
In Australia, Andrew Robson has performed and recorded with some of the country’s most celebrated
talents including Mike Nock, Ten Part Invention, James Morrison, Barney McAll, The catholics, Sandy
Evans Group, The Umbrellas, The World According to James, Clarion Fracture Zone, James Muller,
Wanderlust, Vince Jones, Monica Trapaga, Ed Kuepper, the Mighty Reapers, Marcia Hines, Tim Finn,
You am l, Renee Geyer and The Whitlams.
He has appeared with touring American blues artists Terry Evans, Cornell Dupree and Jon “King”
Cleary.
2003 highlights include:
•
Winner of the 2003 Freedman Jazz Fellowship. The purpose of this award is to assist performers of the highest achievement to further their career.
•
Quartet recording ON is nominated for an ARIA award.
•
New James Greening quartet recording Way Back (featuring playing and compositions by
Andrew) is nominated for ARIA award.
Featured soloist with Mike Nock’s Big Small Band - features on live recording which is subse
quently nominated for an ARIA award.
•
Tour to Germany and Holland as featured soloist and composer with The World According to
James (appearing at the prestigious Berlin Jazz Festival and the Bim Haus in Amsterdam)
•
New quartet recording “ON” for ABC jazz released in November 2002 - featuring 8 new compositions and the playing of Andrew, Steve Elphick, Hamish Stuart and Alister Spence;
•
Member of orchestra for Opera Australia’s season of Love in the Age of Therapy, Sydney Opera House, as part of the Sydney Festival
•
Invited to join legendary Australian ensemble Ten Part Invention replacing the retiring Australian jazz legend Bernie McGann
•
The Umbrellas CD Bravo Nino Rota (featuring Andrew) nominated for ARIA award (best jazz
album)
•
Regional NSW touring with the World According to James
•
Andrew Robson Trio performs at Bellingen Jazz Festival
•
Concert and festival tours of Vietnam, Laos, Taiwan and China with MARA;
•
Sunman, the new CD from the Andrew Robson Trio, was nominated for an ARIA award for
Best Jazz Album 2001
•
Live in Europe the new CD by the Mara Ensemble won the ARIA award for best Australian
world music release of the year;
•
Playing and compositions on Way Back, the new CD from James Greening’s The World Ac
cording to James (due for release 2002);
•
Appearances at the Wangaratta Festival of Jazz with Mike Nock’s Big Small Band, James
Greening and the Andrew Robson Trio; and
•
Featured on ABC TV music series, PULSE with Barney McAll group.
Academic qualifications and study
Andrew graduated from the Canberra Institute of the Arts in 1991 with a postgraduate degree in performance. He completed his Masters (Music), from the Australian National University in 1997.
Andrew travelled to New York in 1991 where he studied with some of the world’s most celebrated
saxophonists including David Liebman and Steve Coleman.
www.andrewrobsontrio.com
Andrew Robson
This is one Icarus whose wings are not endangered. One of the more arrant pieces of nonsense
about jazz is that achieving a personal voice on one‘s instrument and having original things to say are
attributes that may be attained only after years of immersing oneself in the music of the greats; anyone who leaps straight out of the musical womb with pretensions to originality is a fake. Across the
arts, of course, there are those who come up with something of their own, fully formed, at an early
age, others who take time to find what they wish to say.
Two examples of the former on the Sydney jazz scene would be guitarist James Muller and saxophonist Andrew Robson. Robson‘s second album is a phenomenally mature work in both conception
and execution. In part, this is due to working with such hugely experienced collaborators as bassist
Steve Elphick and drummer Hamish Stuart, but primarily it is because Robson simply sounds like noone else as he offers ideas of rampant beauty that are unburdened with intellectual inhibitions.
The combination of earthiness, emotional directness and grace is as ancient as it is futuristic. Above
all, it seems natural: something a human would inevitably do with a saxophone. Sound has much to
do with this. Most alto saxophonists make a piping, piercing noise. As well as exploiting this possibility, Robson achieves a richness - a munificence - across the range of the horn. The melodies themselves can have a flight-of-fancy lightness about them while being loaded with compelling expressiveness.
Elphick always opts for the right rather than the clever option. His solo on the sprightly Five Will Get
You Ten typifies the commonality of this approach with Robson’s, the seemingly playful lines suddenly
acquiring unforeseen emotional weight.
Stuart, always a drummer to make the music feel good, has become ever more adept at also letting
it breathe, at opening up options rather than closing them down. He finds imaginative solutions to the
complete gamut, from the somber Chant to the dizzy swing of Spin.
The recorded jazz coming out of New York is seldom on this level.
John Shand, The Sydney Morning Herald, March 24, 2001
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Huw Warren Trio with special guests
June Tabor and Iain Ballamy
Huw Warren – piano, accordion
June Tabor – voice
Iain Ballamy – saxes
Tim Harries – bass
Martin France – drums
www.huwwarren.com
www.junetabor.co.uk
www.ballamy.com
Biography
Huw Warren
“Where the unpredictable meets the unclassifiable” Mojo 1998
“Music in a class of it’s own” Birmingham Post 1999
“One of the UK’s truly independent spirits” Guardian 2002
Huw Warren is one of the leading and most original voices on the current new music scene. As a
composer and multi instrumentalist, his work is difficult to categorise; refusing to accept conventional
musical barriers, but finding fans and admirers in the worlds of Jazz, New Music and World Music.
Born in Swansea in 1962, he studied piano and cello; and first worked as a teenager playing Hammond Organ in the Working Men’s Clubs of South Wales. Having discovered jazz by chance from
radio broadcasts, Huw also became interested in the English experimental music scene after studying
with John Tilbury in London in 1980-83. Huw’s eclectic style was influenced by hearing (and playing
with) seminal 80’s big band Loose Tubes, as well as hearing the Brazilian genius Hermeto Pascoal,
and South African township music of Dudu Pukwana.
In 1988, Huw started a long collaboration with English singer June Tabor. As pianist/arranger this has
since included world-wide touring and several CDs (including the 1999 commission “A Quiet Eye” with
the Creative Jazz Orchestra).
In 1989 Huw was co-founder of the award winning ensemble Perfect Houseplants (with Mark Lockheart, Dudley Phillips and Martin France) Perfect Houseplants have released five critically acclaimed
recordings, and have established radical new projects with artists such as the Orlando Consort, baroque violinist Andrew Manse, and recorder player Pamela Thorby
A widely experienced performer, Huw has also worked with Kenny Wheeler, Billy Bragg, Steve Arguelles, Julian Arguelles, Billy Jenkins, Christine Tobin, Eddi Reader, and African guitarist Mose Se
“Fan-Fan”. Huw has also been featured on film scores by Stephen Warbeck and Michael Gibbs.
Having appeared on over 30 CDs, his debut release as a band leader was on the Babel Label in 1997.
“A Barrel Organ Far from Home”, was a suite of pieces for a nine piece ensemble, based on early
photographs by English photographer John Topham.
2001 saw the release of his critically acclaimed solo CD “Infinite Riches in a Little Room”. His solo
piano performances have included Bath, Cheltenham, Norwich and Jyväskylä Festivals, as well as
London and Brecon Jazz festivals.
Huw has completed several commissions including Riot (for Piano Circus), Steamboat Bill Jnr (a new
score for the classic Buster Keaton movie), New Folk Songs (for Perfect Houseplants and Pamela
Thorby), Lullaby Exit Bear (for the RSC) and music for a new production of Jean Cocteau’s Monologues at the Lyric theatre in London. He has also written recently for the ABRSM jazz syllabus, the
Palladian Ensemble, and has co-written a reconstruction Mass with Perfect Houseplants and The
Orlando Consort to be released by Harmonia Mundi USA in 2003.
www.huwwarren.com
Huw Warren - Hundreds of Things a Boy can Make
The Babel Label Babel BOV 2442
Huw Warren (p, acc, ky), Mark Feldman (vl), Peter Herbert (b), Martin France (d), Mark Lockheart (ss),
Pete Whyman (cl, bcl), Sonia Slaney (vl), Maria Lamhurn (via), Richard Dulten (clo), Dudley Phillips (b).
Rec. 2003
The hundreds of things a boy (and some girls) can make clearly include another excellent album.
The jokey titles (‘How to make a shocking coil’, ‘More than the average number of legs’, `How to
make a violin out of a cigar box’) and jaunty air of much of the music belie a serious and wide-ranging musical intelligence at work in this impressive outing from the Welsh pianist and composer. The
music flows in attractive fashion, swept along on urgent rhythmic figures in the fast material, but full
of contrasting shifts in tempo and dynamics. He makes effective use of the range of musical colour
and texture generated by the instruments of the core quartet and his various guests, while the shifting line-ups add their own sonic variation to the mix, and everyone performs impeccably. The generic
influences evoked in the course of his eleven new compositions range from flirtations with a cool,
almost Nyman-esque neo-Baroque feel through to an apparent fusion of scratching with calypso that
opens `Sheep’, and takes in several folky tangents along the way. Whatever the direction, though, it all
carries Warren’s own distinctive musical stamp.
Kenny Mathieson in Jazzwise, April 2004
June Tabor
„Den wahrsten Satz soll man immer zuerst aufschreiben: June Tabor ist die beste Sängerin der Welt.“
So Christoph Dieckmann in der ZEIT. Was immer man von derartigen Superlativen halten mag (und
ganz sicher ist, daß die Künstlerin selbst am allerwenigsten damit anfangen kann...) – ein Fünkchen
Wahrheit ist darin ganz sicher enthalten.
Nach dem bejubelten Album „Aleyn“ hat June Tabor nun ein Album veröffentlicht, das einen Höhepunkt in ihrer an hervorragenden Alben wahrlich nicht armen Karriere darstellt: „A Quiet Eye“. Die
Kollaboration mit den Jazzern vom „Creative Jazz Orchestra“ hat deutliche Spuren auf diesem Album
hinterlassen: „Das stets bravouröse, musikalisch disparate Backing besorgt das CJO, ein Klangkörper
von chamäleonartigen Eigenschaften“, schreibt Wolfgang Doebeling im Rolling Stone. Huw Warren,
neben seiner Arbeit als Bandmitglied von June Tabor einer der führenden Jazzer der neuen Londoner
Szene, war wieder für die Arrangements verantwortlich.
Besonders ist aber die Auswahl der Lieder, die June Tabor auf „A Quiet Eye“ singt – traditionelle wie
zeitgenössische Folk-Songs, (Jazz-)Standards und Balladen unterschiedlichster Herkunft. Höhepunkt
des Albums ist zweifellos das Suite-artige „Writing of Tipperary“. Das führende britische Musikmagazin
MOJO schrieb dazu: „Bill Caddick’s Writing of Tipperary, resurfacing as one of the best songs of the
last 30 years, an incredible historical journey into World War One with plenty of poignant, modern relevance. Few would have the vision to attempt it. Fewer still could turn it into a triumph. One of June
Tabor’s finest hours.“
Das ist genau das, was June Tabor’s Kunst ausmacht – sie findet Lieder, die die Zeiten widerspiegeln,
und sie interpretiert diese Lieder auf eine Art, die schlichtweg atemberaubend ist. Sie lotet die Tiefen
moderner Liedkunst aus und befindet sich dabei als Künstlerin in einer Reihe, die von Schuberts
Liederzyklen bis zu den besten englischen Folksongs reicht. Denn „für June Tabor scheint Kunst die
Entbindung des Wahren vom Geröll. Die Skulptur wird aus Stein befreit. Musik wohnt in der Stille.
Dichtung lebt vom Ungesagten“ (nochmal Christoph Dieckmann in der ZEIT).
June Tabors Konzerte sind die logische Fortsetzung dieser Einstellung. Die ungeheuer dichte Atmosphäre ihrer Alben wird direkt auf die Bühne übertragen. Niemand kann sich dem Sog dieser faszinierenden Sängerin entziehen:
„Wenn du June Tabor nicht zu schätzen weißt, solltest du aufhören, Musik zu hören!“
Elvis Costello
www.bseliger.de/junetabor.html
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Bennie Wallace
‘Coleman Hawkins Centennial Project’
Bennie Wallace – tenor sax
Terrell Stafford – trumpet
Ray Anderson – trombone
N. N. – alto sax
Jesse Davis – alto sax
Adam Schroeder – baritone sax
Donald Vega – piano
Danton Boller – bass
Alvin Queen – drums
100th Birthday Tribute to Coleman Hawkins with the Bennie Wallace Nonet
If there is one man who made the tenor saxophone matter, it was Coleman Hawkins. Before Hawkins
came along, the tenor saxophone was used mainly as a way to make dance and military bands
sound louder, or, in the hands of circus clowns, to produce laughs. But in the 1920s, largely through
his pioneering work alongside Louis Armstrong in Fletcher Henderson’s orchestra, Hawkins set the
tenor free. With his legendary 1939 recording of “Body and Soul,” he brought the instrument’s level
of expression to high art. Hawkins was an important and influential force in jazz for more than forty
years. Every saxophonist who came after owes him a debt of gratitude.
In honor of the 100th anniversary of Coleman Hawkins‘ birth (November 21), tenor saxophonist
Bennie Wallace pays tribute by leading his own nine-piece band in a celebratory set. Wallace is a
Tennessee native who possesses a big, full tone that harkens back to the early masters like Ben
Webster, Don Byas, and, of course, Hawkins himself. Along with his big sound, Wallace is known for
the modern and avant-garde aspects he has synthesized into his playing.
Growing up, Wallace soaked up the musical culture of the South, logging plenty of hours playing in
roadhouse R&B bands. He moved to New York in the late seventies and began his recording career
as a leader. Wallace now has over a dozen albums to his credit and was active in creating music for
films like Bull Durham and White Men Can’t Jump. Several of his most recent recordings, including
the 2002 release, Moodsville, feature sublime interpretations of ballads and standards.
www.chicagopublicradio.org/programs/specials/jazzfest2004/performances/jf2004_
wallace.asp07.08.2004
Berlin-Concert
Bennie Wallace live
Ähnlich wie bei seinem gefeierten Comeback mit einem Gershwin-Tribute vor zwei Jahren (Bennie
Wallace: „Someone To Watch Over Me“; Enja Records 9356 2) überschlagen sich die Kritiker auch
diesmal: „Bennie Wallace in Berlin“ (Enja Records 9425 2), das zweite Live-Album des 52-jährigen
Tenorsaxophonisten, wird einhellig gelobt, ganz gleich ob der Kritiker Peter Rüedi heißt und in der
Schweizer „Weltwoche“ den Jazz sondiert oder ob sich Mátyás Kiss in „Rondo“ über ein „Konzert der
Superlative“ begeistert.
Dabei gäbe es dieses Album gar nicht, wenn es nach Bennie Wallace gegangen wäre: Der Sound des
beim Jazzfest-Berlin 1999 entstandenen Konzertmitschnitts passte ihm nicht und mit drei GershwinNummern schien sich das Repertoire auch zu sehr mit dem Vorgänger-Album zu überlappen.
Nur zweien ist es zu verdanken, dass der überkritische Bennie Wallace letztlich doch grünes
Licht für die Veröffentlichung dieses Live-Albums gab: Dem hartnäckig auf einer Veröffentlichung
beharrenden Enja-Chef Matthias Winckelmann und Bernie Grundman, der dem Konzertmitschnitt
mit seinen Tonmischkünsten eine Beinah-Studio-Qualität abringen konnte, von der sich auch der
Sound-Fetischist Bennie Wallace überzeugen ließ. So liegt das Album nun vor und damit – in voller,
ungekürzter Länge (66 Minuten)! – ein spannender Jazz-Abend in Berlin. Ein Abend, der in der
Erinnerung des Tenorsaxophonisten auch in die Hosen hätte gehen können: Nach dem kurzfristigen
Ausfall von zwei (!) gebuchten Pianisten hatte „Ersatzpianist“ Georges Cables Bennie Wallace erst
zwei Tage vor dem Berliner Auftritt zugesagt; und die einzige gemeinsame Probe der vier in dieser
Besetzung zum ersten Mal zusammen spielenden Musiker (neben B. Wallace und G. Cables: Peter
Washington am Bass und Herlin Riley am Schlagzeug) war alles andere als gut ausgefallen. Ganz
anders das Konzert: Mit „Bennie Wallace in Berlin“ präsentiert sich dem Hörer der ganze Wallace
– und dies in prachtvoller Spiellaune. Da gibt es den sensiblen Balladeninterpreten, den seit geraumer
Zeit nichts mehr interessiert als Balladen – Balladen wie Gershwins „I Love You, Porgy“ oder
„Someone To Watch Over Me“, in die er wie in einen Handschuh schlüpft. Da gibt es den Tenoristen,
der sich mit einer Calypso-Fassung von „It’s Only A Papermoon“ tief vor Sonny Rollins verbeugt. Und
da ist auch der frühe Bennie Wallace zu hören, der gerne einmal Saxophonist bei Thelonius Monk
geworden wäre, und der – wenn er seinem kauzig-schrägen, experimentellen Humor freien Lauf lässt
– (vgl. „At Lulu White’s“, „It Has Happened To Me“) ein wenig so klingt, als ob der verehrte Monk als
Tenorsaxophonist zurückgekehrt wäre.
In Anlehnung an Coleman Hawkins und dessen Schule des großen, fetten Saxophon-Klangs pflegt
Bennie Wallace einen Sound, der mit einer großen, körperlich spürbaren Luftverdrängung eine
unheimliche Präsenz erzeugt. Mal röhrt er mit einem vor Kraft und Süffigkeit schier berstenden
Ton, mal streichelt er Noten so zart und mit so viel Luft wie Ben Webster. Die tonliche Qualität
im Jazz – für Wallace, der einmal ein „Coleman Hawkins der Avantgarde und ein Eric Dolphy der
Tradition“ genannt wurde, ist sie so essenziell wie der Live-Charakter, die Rhythmem, Melodien und
Harmonien des Jazz. „Bennie Wallace in Berlin“ ist das Live-Album eines überzeugten Live-Spielers,
der das jahrelange Herum-Jammen in den schwarzen Jazzclubs von Chattanooga im Country-Staat
Tennessee als seine beste Jazz-Schule bezeichnet.
Dennoch war Wallace in den 90er-Jahren live jahrelang kaum zu hören gewesen. Der Grund:
Hollywood. Anfang der 90er-Jahre war Wallace in die Traumfabrik übergewechselt – weil er seit
dem „Alfie“-Soundtrack von Sonny Rollins schon immer mal Filmmusik hatte machen wollen und
weil er das Angebot aus Hollywood als Chance ansah, um zwar nicht dem Jazz, aber dem ihm
damals verhassten Jazz-Business zu entfliehen. Wallace komponierte erfolgreich Musik für Filme
wie den Baseball-Streifen „Bill Durham“, aber die Formel „Filmkomponist + Jazzer = Hollywood“
wollte für Bennie Wallace nicht so aufgehen, wie er sich das vorgestellt hatte. Für Tourneen und LiveAuftritte blieb kaum mehr Zeit, einmal musste Wallace sogar eine bereits geplante Tour absagen. So
entschied sich Wallace 1998 wieder für den Jazz und gegen Hollywood. Die Bilanz seiner HollywoodJahre fällt dennoch nicht allein negativ aus: Hollywood sei eine „unglaubliche Lernerfahrung“
gewesen. In der Filmstadt habe er sich ausgiebig mit klassischer Musik und der Instrumentierung
von Streichorchestern befassen können und dabei auf indirektem Wege auch viel über den Jazz
gelernt. Außerdem schloss Wallace in Hollywood Freundschaft mit dem Pianisten Jimmy Rowles,
einem der besten Kenner des „Great American Songbook“. Aus Klavierstunden, in denen Wallace
sich das harmonische Konzept von Rowles aneignen wollte, wurden schon bald endlose HörSessions. Wochenlang unterhielt er sich mit Rowles über die zwei seiner Ansicht nach besten
Balladen des Jazz: „In A Sentimental Mood“ und „Body And Soul“. Dass Wallace heute, wenn er sich
Jazz-Standards neu aneignet, interpretiert und studiert, ältere Aufnahmen vorwiegend von Sängern
wie Frank Sinatra anhört und wie einst Ben Webster auch Lyrics auswendig lernt, hat er von Jimmy
Rowles gelernt – seinem späten Lehrmeister in der „Art of Song“, mit dem er so gerne noch ein
Album aufgenommen hätte, wenn Rowles nicht zu früh verstorben wäre.
Das nächste Album? Bennie Wallace hat noch keine konkreten Pläne. Er weiß nur, dass er demnächst
irgendwann mal unbedingt „South Of The Border“ aufnehmen möchte. Und dass die definitiv beste
Interpretation dieses Songs von der Country-Legende Willie Nelson stammt.
Claus Lochbihler, Jazzzeitung 02/2002
Bennie Wallace: Saxophonist, Clarinetist, Composer, Leader
Growing up in Tennessee, Bennie Wallace absorbed the special flavors of the music indigenous to
that part of the country: rhythm and blues, gospel, bluegrass and country.
In the late 1970s, after graduating from college as a clarinet major, Bennie arrived in New York. His
early years in the city were marked by diversified playing activity that included the groups of pianist
Monty Alexander and singer Sheila Jordan. As an indication of his high acclaim, Wallace is a five-time
winner of Downbeat magazine‘s Talent Deserving Wider Recognition Award.
In the late 1980s, Wallace signed with the rejuvenated Blue Note Records, for whom he recorded
two well-received albums, Twilight Time and Bordertown, both of which drew heavily upon the
musical culture of his native South. Although during most of this period the trio‘s live performances
featured Gomez and Dannie Richmond, Wallace was recording as a leader with a wide array of artists,
including David Holland, Elvin Jones, Tommy Flanagan and Chick Corea.
After hearing Twilight Time, Hollywood director Ron Shelton invited Bennie to provide music for
his film Bull Durham. That involvement led to Wallace‘s scoring of Shelton‘s next movie, Blaze, and
following that, White Men Can‘t Jump, for which he composed the score and the song „If I Lose“,
performed in the movie by Aretha Franklin. The animated short Redux Riding Hood and the short
Little Surprises with Rod Steiger and Julie Harris, and directed by Jeff Goldblum, also featured his
music and were nominated for Oscars.
Having recently returned to the New York area from California, in April of 1998 Wallace recorded his
second album for AudioQuest, entitled simply Bennie Wallace and featuring Tommy Flanagan, Eddie
Gomez, and Alvin Queen. In the summer of the same year, Bennie completed an all Gershwin album,
Someone To Watch Over Me, with Mulgrew Miller, Peter Washington, and Yoron Israel. The latter
recording was designated Rondo magazines Jazz Album of the Month for February 1999, received
Swing Journal’s Golden Disc Award, and was listed among Jazz Times magazine’s Critic’s Picks of
1998.
As an improviser, Bennie Wallace possesses an uncommon knowledge of the music of his
predecessors. Not just Dolphy, Coltrane, and Coleman, but their mentors as well; Bennie has spent
a great deal of time studying such earlier saxophone masters as Johnny Hodges, Coleman Hawkins,
Ben Webster, and Don Byas. Assimilating much of the history of his instrument, he has remolded
it into a unique personal style that defies easy categorization. It is a style that, while reflecting its
heritage, is yet fresh sounding and contemporary. Wallace‘s tone is full and resonant whether
articulating a post-bop expressionism or a quiet romanticism. His prodigious technique is
indispensable to an approach that at fast tempos explores the extremes of the instrument with
virtuosic arpeggios, scales, and melodic fragments, but on ballads transforms into a warm, often
delicate, lyricism. A robust soulfulness is yet a third aspect of the Wallace conception. Bennie‘s music
is mostly tonal and harmonically oriented, and he favors improvising in relation to the melody of a
piece rather than simply on its chord structure. „When I learn a tune, I learn the melody in all keys,
and I‘ll spend more time doing that than on anything else.“
Bennie Wallace the composer complements Wallace the performer. While Wallace‘s written
music reflects many of the myriad streams of twentieth-century composition, including the French
Impressionists and American classical composers, as well as Ellington and Strayhorn and such
songwriters as Gershwin, Porter, and Kern, it, like his playing, is also informed by improvising jazz
musicians, from Armstrong to the present.
Nur für Frauen
Für Tenorsaxofonisten ist und bleibt die Ballade das Maß aller Dinge. Deren emotionale Kraft zu
beherrschen und sie ohne Substanzverlust weiterzugeben, unterscheidet die Aufschneider von den
wahren Könnern: eine Art Reifeprüfung am goldenen Horn, der sich Bennie Wallace inzwischen
ganz bewusst stellt. Der einstige Hoffnungsträger einer ganzen Generation mag sich nicht mehr mit
Oberflächlichkeiten bescheiden, sondern lässt tief in seine Seele blicken. Dabei wird schnell klar, dass
sich auch Bennies Zielgruppe radikal verändert hat: Früher spielte er für Ölfässer, jetzt nur mehr für
Frauen. Sagt er.
Irgendwas muss mit ihm passiert sein. Früher, da glich sein Cover-Artwork einer kreativen Fund- und
Schlangengrube und zog jeden zaudernden Plattengucker nahezu magnetisch zum dahinter verborgenen Vinyl. „The Fourteen Bar Blues“ von 1979: Ölfässer bis zum Horizont - etwas, das alles und
nichts bedeuten konnte, aber auf jeden Fall Aufmerksamkeit erregte. „The Free Will“ aus dem
gleichen Jahr: Gepresster Müll, der im Ausschnitt wirkt wie die Maserungen einer Baumrinde. „Plays
Monk“ von 1981: Ein Bretterverschlag mit surrealen Farbspielen, so als hätte sich Picasso darauf ausgetobt und jemand unmittelbar danach mit der Kamera draufgehalten. Oder „Sweeping Through The
City“ von 1984: Der Protagonist, auf dem Fensterbrett eines geschlossenen Ladens hockend, in einer
gottverlassenen Großstadtstraße. Bennie Wallaces Plattenhüllen rochen in jenen Jahren immer ein
wenig nach Freiheit, Aufbruch und Revolution. Und sie signalisierten das Erscheinen eines der wichtigsten Tenorsaxofonisten nach Coleman Hawkins, John Coltrane und Sonny Rollins, eines Mannes,
der dem lahmenden Jazzgaul kräftig die Sporen gab, eines Hoffnungsträgers, der die Tradition in
beide Hände nahm, um etwas Neues daraus zu formen. Dazu noch dieses draufgängerische Gesicht,
der wild wuchernde, rötliche, herb-virile Vollbart, häufig abgerundet von einer Sonnenbrille. Obercool!
Saustark! Wallace eben.
Und jetzt steht der Kerl auf der Hülle seiner aktuellen CD „The Nearness Of You“ (enja/Soulfood)
einfach nur wie eine lebende Statue im Seitenprofil da, glatt rasiert, und trötet in sein goldenes Horn.
Dazu drapiert er sich mit einer dunkelhaarigen Schönen, die sich zärtlich an seinen Rücken schmiegt
und ihn heftig anschmachtet. „A beautiful lady and a very handsome man“: Bennie versucht gewohnt
cool zu bleiben, wenn er gefragt wird, warum es, um alles in der Welt, ein solch heillos kitschiges
Motiv sein musste. „Es passt zur Stimmung der Musik“, sagt er und tut derselben damit himmelschreiendes Unrecht. Denn im Prinzip geht es bei solchen optischen Geschmacksentgleisungen in
Wirklichkeit doch bloß darum, den amerikanischen Markt und mit ihm dessen Schwarzweiß-Klischees
zu bedienen: Jazz ist gleich Saxofon, und Saxofon ist gleich Erotik. So einfach ist das manchmal mit
einer Musik, in die viele etwas hineingeheimnissen wollen. „Ich verrate dir was“, sagt das SaxModel,
das zuvor einem etwas frechen Vergleich des fraglichen Covers mit dem frühen Chet Baker oder Clint
Eastwood erstaunlicherweise gar nicht widersprechen wollte. „Ich spiele nur für Frauen.“ Aha! Wieder
was gelernt. Und was ist mit meinen männlichen Ohren? „Du darfst dabei zuhören.“ Nun müssen wir
beide unisono über so viel chauvinistischen Blödsinn lachen.
Jetzt aber beeilt sich Bennie Wallace doch, die Kurve zu kriegen, um die Sache nicht vollends ins
Triviale abrutschen zu lassen. Zuhören - das sei schon der Schlüssel. Damit nämlich bekommt er Fans
beiderlei Geschlechts ziemlich genau dorthin, wo er sie haben will: in seine ganz persönliche Gedanken- und Erlebenswelt. „Über die Musik vollzieht sich ein ganz wesentlicher Teil meiner geistigen
Entwicklung. Sie hilft mir dabei, mit dem, was passiert, besser umzugehen. In jungen Jahren sucht
man Dinge, an denen man sich reiben kann. Je älter man wird, um so mehr geht es um Einklang, um
Liebe und Vertrauen. Emotionale Kommunikation besitzt für mich inzwischen einen ungeheuer hohen
Stellenwert. Wenn du willst, kannst du aus meinem Spiel heraushören, wie es mir gerade geht, ob ich
glücklich, traurig, aggressiv oder unternehmungslustig bin.“
Der Mann, der am Tenorsaxofon das komplette Gefühlsregister beherrscht, ist im vergangenen
November 57 geworden. Früher, da galt Bennie als heimlicher König der New Yorker Loft-Scene, der
alles niederblies, was sich ihm in den Weg stellte. Um zu üben und mit sich ins Reine zu kommen,
reicht ihm heute der Garten seines Hauses in Greenwich, einer kleinen ländlichen Idylle in Connecticut („Ich habe genug von der Stadt“), wo ihm hin und wieder sogar eine Drossel auf seine Chorusse
antwortet. Die alten Platten? „Ich höre sie nicht mehr. Die Reaktionen auf so etwas sind doch immer
die gleichen. Meistens denkst du: Mein Gott, war das schrecklich!“ Beweisen muss einer wie Bennie
Wallace sowieso niemandem mehr etwas. Höchstens sich selbst, dass er es noch kann nach zwar erfolgreichen, aber auch frustrierenden Jahren in der Film-Traumfabrik Hollywood. „Ich will die Zuhörer
gleichzeitig verführen und herausfordern. Das ist ein ungeheuer schwieriges Unterfangen, so etwas
wie die Suche nach der inneren Mitte, nach Herz und Kopf. Gene Ammons zum Beispiel oder Ben
Webster ist das gelungen, Coleman Hawkins dagegen konnte einen entweder nur verführen oder nur
herausfordern. Beides zusammen funktionierte nicht.“
Der einzig gangbare Weg dorthin, sagt Bennie, sei der von vielen Saxofonisten aus gutem Grund
respektvoll gemiedene über die Balladen. Auch das hat er gelernt. „Eine Ballade zu begreifen, ihre
emotionale Kraft zu beherrschen, das ist auch ein Stück Erwachsenwerden. Schritt für Schritt
schreitet es voran.“ Und in der Tat gehen seine Interpretationen von Klassikern aus dem Great American Songbook weit tiefer, als es das schwülstige Cover suggeriert. Was auch an der erlesenen
schlagzeuglosen Begleitcrew mit Kenny Barron und Eddie Gomez liegt. Spätestens nach der Zusammenarbeit mit Stan Getz weiß die Welt, dass wahrscheinlich niemand eine perfektere Piano-Komplementärfarbe für Tenoristen anzurühren versteht als Barron. Und „Eddie the Bass“ kannte „Bennie
the Sax“ sowieso schon lange bevor dieser überhaupt im Trio von Bill Evans seinen spektakulären Ruf
erlangte. „Du hörst ihn ohne Verstärker, er hat einen Wahnsinnston. Wir wissen beide, was der andere
tut, bevor er überhaupt einen Gedanken daran verliert.“ Die drei zusammen sind großes Ohrenkino,
das Wallace obendrein in Dolby-Surround vorführt. Das Zauberwort für „The Nearness...“ lautet SACD
(Super Audio Compact Disc): ein audiophiles Schmuckstück, das der erklärte Fan alter analoger
Aufnahmetechnik schon lange im Sinn hatte. „Der Sound bricht nicht wie bei der digitalen Technik,
sondern nimmt den Verlauf einer Kurve. Er ist geschlossener, wärmer, realistischer, einfach näher. Wie
bei den alten LPs.“
Keine Oberflächlichkeiten. Nur Qualität. Wie vor 25 Jahren. Nur eben eine andere, gereifte Qualität.
Irgendwie beruhigend. Auch dass Bennie keineswegs alles immer so ernst meint. „Es stimmt natürlich
nicht, dass ich bloß für Frauen spiele“, grinst er. „Ich spiele auch für mich.“
Reinhard Köchl, JAZZTHING 4/04
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Aki Takase plays Fats Waller
Aki Takase – piano, toypiano
Eugene Chadbourne – vocals, banjo, guitar
Rudi Mahall – bass clarinet
Thomas Heberer – trumpet
Paul Lovens – drums
www.akitakase.com
www.eugenechadbourne.com
SWR-Jazzpreis 2002 für die Pianistin Aki Takase
Mainz - Mit einem einstimmigen Beschluss hat die Jury des vom Südwestrundfunk und vom Land
Rheinland-Pfalz gestifteten SWR-Jazzpreises die aus Osaka stammende Pianistin Aki Takase zur Preisträgerin des Jahres 2002 gewählt. Takase, die seit 1987 in Berlin lebt und mit dem Pianisten
Alexander von Schlippenbach verheiratet ist, überzeugte bei ihren jüngsten Projekten laut Jurybegründung vor allem durch die souveräne Art, mit der sie auf alte Formen des Jazz zurückgreift, um
diese in einem zeitgenössischen Umfeld zu präsentieren. Das gilt vor allem für Ihre neueste CD »St.
Louis Blues«, in der Takase - gemeinsam mit Fred Frith, Rudi Mahall, Nils Wogram und Paul Lovens
- in überzeugender Weise das tradierte Material aus heutiger Sicht beleuchtet. Hervorgehoben von
der Jury wurden aber auch die ungewöhnliche stilistische Vielfalt und der hohe Gestaltungswille der
Pianistin, deren ausgeprägt persönlicher Stil trotz des Variantenreichtums stets unverkennbar gewahrt
bleibt. Zahlreiche Soli (wie »Le cahier du bal«) oder Duos (unter anderen mit dem Posaunisten Conny
Bauer oder dem Bassklarinettisten Rudi Mahall) belegen neben Arbeiten mit größeren Ensembles das
breite stilistische Spektrum Takases.
http://www.swr.de/presseservice/archiv/2002/07/10/print1.html
Aki Takase
Ihre professionelle Karriere begann Aki Takase als Pianistin und Komponistin in Japan. Seit 1978
Konzerte und Aufnahmen in den USA, z.B. mit David Liebman, Lester Bowie, Joe Henderson, Cecil
McBee, Sheila Jordan, Nils Henning, Orsted Pedersen. 1996 tourte sie mit dem Berlin Contemporary
Orchestra durch Japan und begann eine Duotour mit Rudi Mahall, mit dem sie 1998 auch beim Berlin
Jazz Festival und beim Nürnberger Jazzfestival spielte. Sie wurde 1998 mit dem Preis der Deutschen
Schallplattenkritik ausgezeichnet. Im Jahr 1999 wurde ihr der Kritikerpreis der Berliner Zeitung zugesprochen.
http://www.akitakase.com/
Aki Takase
(Pianist, Composer)
Born in Japan, lessons of piano since 3 years old, later on studies of music at Tohogakuenusic
University.
Started professional career as piano player and composer.
Since 1978 several stays in the USA. Many concerts and recordings with David Liebman, Lester
Bowie, Joe Henderson, Cecil McBee, Sheila Jordan, John Zorn and many others.
1981 first concert in Germany at Jazzfestival Berlin/Philharmonie. Lives in Berlin since 1987.
Intensive work with Alex von Schlippenbach and other musicians of the European New Jazz.
In Duo with Maria Joao, with David Murray, with N.H.O. Pedersen and Berlin Contemporary Jazz
Orchestra.
In Trio with the ex-Coltrane musicians Rashed Ali and Reggie Workman, also in Trio with Rudi Mahall
and Han Bennink
InStringquartet (tour with Tristan Honsinger a.o.) Since 1996 in Duo with Rudi Mahall.
„Berliner Zeitung Award“ 1999
Prize of the German Records’ Critics
1990 „Play Ballad for Duke Ellington“
1991 „Shima Shoka“ (Solo),
1994 „Blue Monk“ (Duo with David Murray ),
1998 „Duet for Eric Dolphy“ (Duo with Rudi Mahall )
2002 “St. Louis Blues” (W.C.Handy Project)
The „SWR-Jazz Award“ 2002
New Projects: 2000„W.C.Handy Project“ with Fred Frith, Rudi Mahall, Nils Wogram, Paul Lovens.
„ Klang und Texte“ with Yoko Tawada.
„Aki and the Good Boys“ with Rudi Mahall, Walter Gauchel, Johannes Fink, Heinrich Köbberling
„Fats Waller Project“
with Eugene Chadbourne, Rudi Mahall, Nils Wogram, Paul Lovens.
New CDs : 2001-2004
2001 „Le Cahier du Bal“ solo piano (LEO-LR319)
2001 „St Louis Blues“ (ENJA-91302) with Rudi Mahall, Fred Frith, Nils Wogram, Paul Lovens.
2002 „News from Berlin“ (Victo 081) with Conny Bauer
2002 „Nine Fragments“ (Leo-LR 346) with Tony Buck, Aleks Kolkowski
2002 November „Diagonal“ (Konkurs buch) with YokoTawada
2003 March „The Desserts“ (Leo LR 370) with Rudi Mahall
2004 Feburary „Aki Takase plays Fats Waller“ (EnjaCD 9152-2) with Rudi Mahall, Eugene Chadbourne,
Nils Wogram, Thomas Heberer, Paul Lovens
„Aki Takase plays Fats Waller
Jahrespreis 2004 der deutschen Schallplattenkritik (Prize of the German Records’ Critics)
www.akitakase.com
Aki Takase Plays „Fats“ Waller
Enja/helikon harmonia mundo
(49 Min., aufgenommen 6/2003)
Über die Ahnen macht man sich nicht lustig. Vielleicht ist das der Grund, weshalb es im modernen
Jazz so selten etwas zu lachen gibt. Der japanischen Pianistin Aki Takase ist das ziemlich egal. Vor
drei Jahren begann die Wahlberlinerin ein Projekt, dessen Ziel es zu sein scheint, die Jazzgeschichte
mit einem breiten Grinsen neu zu schreiben. Dafür knöpfte sich zuerst W.C. Handys ehrenwerten
„St. Louis Blues“ von 1914 vor, dem sie mit einem hochmögenden Quintett die Patina vom Grabstein
pustete. Die gleichnamige CD wurde auch prompt mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik
ausgezeichnet.
Jetzt rückt Takase Thomas „Fats“ Waller, dem großen Pianisten der 20er Jahre, auf die Pelle. Das
Ergebnis ist nichts anderes als ein liebevolles Sakrileg, eine polternde Dekonstruktion, die den StrideStil in die Nähe des Free Jazz rückt. Dazu hat Takase neben ihren üblichen Mitspiel-Verdächtigen
Thomas Heberer (Trompete), Rudi Mahall (Bassklarinette), Nils Wogram (Posaune) und Paul Lovens
(Schlagzeug) den amerikanischen Sänger und Gitarristen Eugene Chadbourne eingestellt. Der ist ein
Faxenmacher vor dem Herrn, mit kühnen Banjogriffen im Ärmel und Louis Armstrong in der Stimme.
Die der Hommage zugrunde liegende Überzeugung, dass Fats Waller zum Lachen keineswegs in den
Keller gegangen ist, kommt nicht von ungefähr. Wer so abstruse Stücke wie „Your Feet’s Too Big“ geschrieben hat, kann kein ganz so ernsthafter Mensch gewesen sein. Und Aki Takase hält gut dagegen.
Beispielsweise mit ihrer zwischen Kaffeehaus-Schmäh und Migräne schwankenden Erfindung „Tintenfisch in Wien“. Kein Witz: Fats Waller hätte das bestimmt alles sehr gefallen.
Josef Engels, Rondo, 22.5.2004
MaerzMusik
Theatertreffen
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Yakou Tribe
Kai Brückner – guitar
Jan von Klewitz – saxophone
Johannes Gunkel – bass
Rainer Winch – drums
www.yakoutribe.de
Yakou Tribe
Bands like Slow Poke or Sex Mob from (faraway) New York have shown us that it is possible to
achieve a new communicative intensity without having to re-invent jazz. We‘ve had to wait a long
time for the urbane steppes of Germany to produce similar phenomena, but now, finally, the time has
come. Berlin’s 4-piece band Yakou Tribe has devoted itself to a new interpretation of jazz that does
justice to the tradition’s achievements from Louis Armstrong to Bill Frisell, but doesn’t let itself be
overtaken by the Rock’n’Roll experience, Blues or other forms of contemporary expression.
We hear a blues. This blues is powerful and sultry. A ballad that gains ease and richness at the same
time, that stretches out in all directions. The blues sings a song of life that all listeners can adapt their
own associations to. It leaves everything open, jumps off the tracks, goes into itself and beyond itself.
It’s big city blues and at the same time an island that affords peace from the infectious hectic of daily
life. This blues pervades the whole album with all of its different shades, smells, moods and timbres.
Tracks with a stimulating fleetingness that spreads into the soul like a series of short road movies.
Like the bands mentioned above, Yakou Tribe have found the secret of telling melancholy stories with
humour, elegance, fire and curiosity. Feelings which would normally be in the way because of their
contrasting nature become mutually dependent and produce creative tension. Should one have to
describe the Tribes’ music with a defining term (God help us), it would have to be vibrant melancholy.
Yakou Tribe is the sum of four exceptional musical personalities. All four were born in the sixties, grew
up with Led Zeppelin and the Rolling Stones and, one year after the turn of the millenium, have been
through every conceivable artistic metamorphosis. Kai Brueckner is one of the most innovative and
expressive guitarists on the young Berlin scene. In New York he was schooled by teachers like John
Abercrombie and Mike Stern, who left an audible influence in his playing. He recorded several albums
with Jerry Granelli’s band UFB and toured with them through the USA and Canada. Saxophonist Jan
von Klewitz worked, among others, in groups under the direction of Albert Mangelsdorff and Alexander von Schlippenbach, in ensembles with Bill Elgart, Michael Godard and Steve Argüelles as well as
with the great crossover jazz band Tacabanda. Bass player Johannes Gunkel first studied piano and
violin before converting to double-bass. He took part in workshops with Dave Liebman and played
with Matthias Rüegg, Jim Black and John Taylor. And filigree groove specialist, Rainer Winch, played
with Michael Schiefel, Siggi Busch, Marc Levine, Kirk Nurock, and Felix Wahnschaffe, and performed
on Paul Brody’s CD “Tango Joy”.
Yakou Tribe doesn’t just stand for four perpetrators of conviction, it is a confluence of manifold musical interpretations into a vast river that pours itself anew into a delta of highly different passions.
The quartett is by no means an avant-garde band, the constant search for avant-garde motives has
anyway long since exhausted itself. Yakou Tribe combines all the virtues that once made jazz the hippest music on the planet, and may very well do so again. Here, sophisticated musical expertise joins
concentration on the essential, a distinctive group feeling under which any ego trip unconditionally
subordinates itself, the joy of romancing, and a fine sense of humour.
Biografien
Kai Brückner - Gitarren, Dobro
geb. 1969, 1990-94 Studium an der Hochschule der Künste. 1994 - 1995 Aufenthalt in New York; Unterricht u.a. bei John Abercrombie, Mike Stern und Wayne Krantz. 1999 ermöglichte ihm ein Stipendium des Berliner Senats den Besuch des International Jazzworkshop in Banff, Kanada (Lehrer: Kenny
Werner, Dave Holland, Dave Douglas u.a.). Bandprojekte u.a. das Kai Brückner Trio mit Aaron Alexander und J. Anthony Granelli, Jerry Granelli‘s UFB, Jacobien Vlasman Quartett, Thärichens Tentett,
Lone World Trio, Pepe Berns Network, Zoriya, Tilman Dehnhard Quintett, Tanmoy Bose‘s „TaalTantra“.
Kompositionen für Filmmusik. Touren in den USA und Kanada mit Jerry Granelli, in Deutschland und
Europa mit diversen Bands und in Indien mit dem Tabla Spieler Tanmoy Bose.
Diskographie: u.a. Human Factor CD Kalamanya (Biber/In-akustik), Jerry Granelli’s UFB CDs Broken
Circle und News From The Street (Intuition/Schott), Rinde Eckert CD Story In, Story Out (Intuition/
Schott), Willekes Wille „Wilde Schöne Welt“ (Klangräume), Lone World Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood), Thärichens Tentett (CD Lady Moon (Minor Music) Jacobien Vlasman Quartett CD Infant Eyes
(Timescraper), Thärichens Tentett „The Thin Edge“ (Minor Music), Brückner „Bukowski“ (Deutsche
Grammophon), Andreas Schnermann „Welcome To My Backyard“ (Edition Collage), Tilmann Dehnhard
Quintett „Koala Louge“ (Traumton) Tanmoy Bose „Taaltantra“ (Times Music, India).
Jan von Klewitz - Saxophon, Percussion
geb. 1964, Mitglied des Jugendjazzorchesters Rheinland-Pfalz, Studium an der Hochschule für Musik
in Köln und am Banff Center of the Arts in Kanada. Während der Studienzeit Arbeit mit u.a. Gene
„Mighty Flea“ Connors, Ulla Osters „Beyond Janis“, HEINZ, Georg Ruby, mehrere Plattenproduktionen
für Jazzhaus Musik Köln.
1991 Umzug nach Berlin; Zusammenarbeit live und im Studio u.a. mit Wolfgang Köhler, Bill Elgart,
Albert Mangelsdorff, Alexander von Schlippenbach, Evan Parker, Aki Takase, Ernst-Ludwig
Petrowski, dem Doppelquartett „Double Dose“ mit Conny und Matthias Bauer, Gossip, Wolfgang
Dauner, Markus Burger, Martin Gjakonovski, Uwe Ecker, Stefan Lottermann, Iven Hausmann, Pepe
Berns, John Schröder, Heinz Sauer, Bob Degen, Michel Godard, Steve Arguelles, Norbert Scholly
Quartett.
Mehrfacher Preisträger des Studiowettbewerbs des Berliner Senats. Zahlreiche Auftritte bei Festivals
im In- und Ausland u.a. in Bukarest, Malta, Freiburg, Stuttgart, Köln, Karlsruhe, München, Würzburg,
Berlin, Vilshofen, Leipzig, Cottbus, Frankfurt, Poznan ...
Diskographie: u.v.a CD Bonehenge Suite mit Stefan Lottermann, Iven Hausmann, Pepe Berns, John
Schröder (Jazzhaus Musik), Spiritual Standards“ 1 und 2 im Duo mit Markus Burger (Alex Merck
Musik), Nils Wülker Group (Sony Music), Thärichens Tentett CD Lady Moon (Minor Music), Lone World
Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood) und Takabanda (Jazz ForEver), Brückner „Bukowski“ (Deutsche
Grammophon), Thärichens Tentett „The Thin Edge“ (Minor Music), Nils Wülker „Space Night“ (Sony
Music).
Johannes Gunkel - Kontrabaß
geb. 1966, klassischer Unterricht (Violine, Klavier) von 1974-84, danach Wechsel zum Kontrabaß.
1994-1998 Studium an der HdK Berlin, Workshops bei Dave Liebman, John Taylor, Matthias Rüegg,
Jim Knapp, Anthony Cox. Festes Mitglied bei Thärichens Tentett, Jacobien Vlasman Quartett, Zabriskie
Point, Christian Brückners „Beat“, Marianne Rosenbergs „La Vie en Rose“. Rundfunkproduktionen für
WDR, SWF und DeutschlandRadio. 2001 und 2002 Musiker an der Schaubühne Berlin. 1. Jurypreis
des „Jazz & Blues Award Berlin 2001“ mit Jacobien Vlasman. Konzerte mit John Ruocco, Michel Herr,
Jim Black, Sheila Cooper, Özay Fecht, RIAS-Bigband, Peter Weniger, Jochen Rückert, Gitte Haenning.
Diskographie: Franz Bauer CD Plüschtier (JazzHaus Musik), Lone World Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood), Jacobien Vlasman Quartett CD Infant Eyes (Timescraper), Brückner „Bukowski“(Deutsche
Grammophon), Thärichens Tentett „Lady Moon“ (Minor Music), Thärichens Tentett „The Thin Edge“
(Minor Music), Zabriskie Point „Mantra“ (Zerozero), Michael Hoffmann „Lieder aus Asurien“ (Brother),
Frank Paul Schubert „Der Verkauf geht weiter“ (JazzHaus).
Rainer Winch - Schlagzeug
geb. 1968, vor 1991 in Hannover Mitglied diverser Bands (Brilliant Corners, Humming Trash, u.a.); Teilnahme am Jazzworkshop Salzgitter. 1991 Umzug nach Berlin, Studium an der HdK bei Jerry Granelli,
Kontaktstudiengang in Hamburg und am Banff Center of the Arts in Kanada; Unterricht bei Keith
Copeland.
Zusammenarbeit live und im Studio u.a. mit Siggi Busch, Bernhard Merkner Quartett, Marc Levine,
Kirk Nurock Trio und Felix Wahnschaffe Trio, Thärichnes Tentett, Wolfgang Muthspiel, Rebekka Bakken.
Bandprojekte: Jazz Indeed, Dirk Homuth Quartett, Jacobien Vlasman Quartett.
Diskographie: Mitwirkung an der HdK CD Journey Street; Jazz Indeed CDs Under Water und Who the
moon is (traumton Records), Dirk Homuth Quartett CD Der Reiz des Unbekannten, Jacobien Vlasman
Quartett CD Infant Eyes (Timescraper), Paul Brody‘s Tango Toy CD Klezmer Stories (Laika), Julia Hülsmann Trio CD Trio (BIT), Stephan Lang „Echoes“ (Heyer Nagel), Lisa Bassenge Trio „A Sigh A Song“
(Minor Music).
Pressestimmen
„Schon das Debüt „Road Works“ lies aufhorchen: Da kamen sirrende und schwirrende Wüstensounds ausgerechnet aus Berlin. Genau an der Stelle machen Yakou Tribe jetzt weiter – mit einem
Unterschied: Sie sind noch besser geworden. Während „Road Works“ von Skizzenhaftigkeit geprägt
war, was sicher auch seinen Reiz hat, dominieren auf „Red & Blue Days“ die kompakt und schnittig
formulierten Songs. Und doch atmet diese Musik eine spektakuläre Weite und Gelassenheit, die ihr
unglaublich gut zu Gesicht steht. Kai Brückners Gitarren kratzen und Schaben, Jan von Klewitz ist
ein gediegener Erzähler am Saxofon, Johannes Gunkels Bass macht sich auch im Vordergrund gut
und der schleppende Stil von Rainer Winch am Schlagzeug bleibt auch in den schnellen Stücken
unaufdringlich. Da ist etwas entstanden, was manchmal nach Calexico oder den Country-Exkursionen
eines Bill Frisell klingt und was im Jazz doch so selten ist: eine richtige Band nämlich. Halten wir sie in
Ehren!“
Rolf Thomas, Jazzthing, Juni 2004
„Yakou Tribe ist...Berlins derzeit interessanteste Formation im Grenzgebiet zwischen Jazz, Americana
und Pop. Auf „Red & Blue Days“ hat man es mit nonverbalen Songs zu tun, die Altsaxofonist Jan
von Klewitz mit beißendem Pathos singt. Brückner greift dazu die Cowboy-Dobro. Bassist Johannes
Gunnkel und Schlagzeuger Rainer Winch kommentieren das alles mit unrasierter Outlaw-Finesse.“
Josef Engels, Berliner Morgenpost, 16. Juni 2004
„Die Berliner Band Yakou Tribe überraschte vor drei Jahren mit ihrem CD-Debüt Road Works durch
einen sehr homogenen, sofort identifizierbaren Band-Sound. Auf dem Nachfolgealbum Red and Blue
Days gehen die vier Musiker (und Komponisten) noch konsequenter mit ihren künstlerischen (Gestaltungs-)Mitteln um. Der Hörer wird auf eine imaginäre Reise durch verschiedene Stimmungen zwischen Melancholie und „Ausbruch“ mitgenommen. Man kann sich im Dschungel der Großstadt (Berlin)
wähnen oder auf einem verlassenen Highway in Texas.“
Ulf Drechsel, rbb Kulturradio
„Die roten und blauen Tage des Lebens werden von Yakou Tribe bestens eingefangen, mit modernem
Jazz, der durch schwungvolle Kompositionen, ausgereiftem Zusammenspiel und rhythmischer Vielfalt
dem Leben sehr nahe kommt.“
Christian Bakonyi, Jazz Zeit, 6/2004 Bewertung: sehr gut
„Road Works enthält einen kräftigen Wüsten-Sound, wie er außerhalb der USA bislang noch kaum
entstanden ist... Ausgefüllt wird er dann mit folkloristischen Kürzeln oder einem schweren Blues, manchmal auch nur mit einem Knarzen oder einem leichten rhythmischen Schlurfen, aber immer mit ganz
viel Glut und Atmosphäre.“
Rolf Thomas, Jazzthing, September 2001
„Wenn Berliner Musik machen, als wären sie lebenslang durchs amerikanische Heartland gekurvt,
kann das bös krampfig enden. Nicht so bei den vier Herren vom Stamme Yakou. „Hörenswert“ meint
Lee Townsend, der als Produzent von Bill Frisell, John Scofield & Co. die Credibility jazzverwandter
Americana bestens beurteilen kann.... In den meisten Songs erzählen die Berliner die ewige Story
vom Unterwegssein in endloser Weite. Was ist dagegen zu sagen, wenn sie dabei dem Bluesfeeling
überraschend intime Seiten abgewinnen?“
Klaus von Seckendorff, ROLLING STONE, September 2001
„...Yakou Tribe ist einfach anders. Der Enge des Berliner Klingklüngels setzen sie zuerst einmal Weite
entgegen, visuell und akustisch. Und Ruhe. Viel Ruhe. Die Musik auf ihrer CD „Road Works“, gerade
beim Berliner Traumton-Label erschienen, hat Blues. Viel Blues, Coolness und Ruhe eben....
Soweit erst mal zur Berliner CD des Jahres ...“
Christian Broecking, DER TAGESSPIEGEL, August 2001
MaerzMusik
Theatertreffen
Konzerte | Oper
JazzFest Berlin
spielzeiteuropa
Jugendwettbewerbe
Martin-Gropius-Bau
Ausstellungen
Berliner Lektionen
presseinfo
Armenian Navy Band
Arto Tuncboyaciyan – percussion, vocals, bular
Anahit Artushyan – kanun
Armen Ayvazyan – kemanche
Armen Husnounts – tenor, soprano sax
Ashot Harutiunyan – trombone
David Nalchajyan – alto sax
Tigran Suchyan – trumpet
Norair Kartashyan – blul, duduk, zurna
Vartan Grigoryan – duduk, zurna
Arman Jalayan – drums
Vahagn Hayrapetyan – piano, keys
Vartan Arakelian – bass
www.albakultur.de
Arto Tunçboyaçiyan & Armenian Navy Band
Avantgarde Folk Music
Die ARMENIAN NAVY BAND wurde gegründet von Arto Tunçboyaçiyan. Geboren in Galataria bei
Istanbul in eine arme Schuhmacherfamilie armenisch-anatolischer Herkunft, spielte Musik schon früh
eine essentielle Rolle im Leben dieses charismatischen Komponistens, Multi-Instrumentalistens und
Sängers. Durch Musik versucht er seine höchsten menschlichen Werte „Liebe, Respekt und Wahrheit”
zu kommunizieren.
Nach 30 Jahren auf allen grossen Bühnen der Welt gewann er die Erkenntnis, dass er bei seiner langen und bewegten Suche nach weltoffenen, begeisterungsfähigen Musikern weder in der westlichen
Jazz-Szene noch in seinem anatolischen Herkunftsland die Mitstreiter gefunden hatte, die seiner
Identität und seinen Vorstellungen entsprachen. Um seine Klangwelten hörbar zu machen, beschloss
Arto Tuncboyaciyan 1998, nach einem ersten Kurzbesuch in Armenien, dem Land seiner Vorväter,
erneut nach Yerevan zurückzukehren. Dort hatte er den jungen und talentierten Pianisten und Keyboarder Vahagn Hayrapetyan getroffen, Sohn einer der berühmtesten Musikerfamilien Armeniens. Er
bat Vahagn ihm doch einige andere Musikkollegen der Stadt vorzustellen, um eventuell mit ihnen ein
eigenes Bandprojekt zu starten. Bereits zur ersten Probensession kamen dann zehn hervorragende
und spielfreudige Musiker, die bis heute die ARMENIAN NAVY BAND bilden.
Bereits einige Monate später wurde 1999 von der Band in einem kleinen Studio in der Stadt die erste
CD Bzdik Zinvor aufgenommen, um dann mit ihrer Avantgarde Folk Music sich im Folgejahr auch
jenseits Armenians in die Herzen des Publikums zu spielen. Bereits die erste Europatournee der ANB
im Jahr 2000 durch Italien, Deutschland, Österreich und Spanien war ein großer Erfolg. Die darauffolgenden Konzerte führten die 12-köpfige Formation dann auch nach Frankreich, Belgien und Holland.
Bei einem Stop in Istanbul nahmen sie dann ihr zweites Album New Apricot auf.
Seitdem ist die Band mit regelmässigen Auslandsauftritten in zahlreichen europäischen Ländern und
der Türkei zu Gast gewesen, haben Teilformationen der ANB Kompositionen von Arto Tunçboyaciyan
in Seitenprojekten auf verschiedene CDs in Istanbul, in Yerevan und den USA eingespielt. Dann im
Herbst 2003 wurde der erste Teil eines, auf viele Jahre projektierten Klangprojektes in einem Studio
in Yerevan realisiert: Sound of our Life – Part One: Natural Seeds. Dieses Album erscheint im Frühjahr 2004 in Europa. Es ist ein fast einstündiges Werk für ANB, Chor und Streichorchester. Im Laufe
der kommenden Jahre wird Arto Tunçboyaciyans musikalisches Tagebuch seine Fortschreibungen in
weiteren CD Alben unter dem Titel „Sound of our Life“ finden.
Die Musik ist durchflutet von Klängen aus der armenischen und anatolischen Tradition, die mit
Elementen aus vielen verschiedenen musikalischen Richtungen verschmolzen werden – eben der
Klang seines Lebens und das seiner armenischen Weggefährten.
Die ARMENIAN NAVY BAND ist zweifellos der Ausdruck von Artos über 30jähriger musikalischer
Reise, seinen Lebenserfahrungen und seiner Virtuosität. Die Besetzung reicht von traditionellen
Folkinstrumenten wie Duduk, Zurna, Kemanche, Kanun bis zu zeitgenössisch-westlichen Instrumenten
wie Posaune, Alt-, Tenor-, Sopransaxophone, Trompete, Bass, Schlagzeug, Keyboard und Piano. Die
einzigartige Stimme, die fragilen Klänge der, von ihm selbst entwickelten Bular, einer kleinen Laute
sowie die phantasiereiche Perkussionen von Arto verschmelzen in diesem einzigartigen Ensemble
und bringen den Klang der Erinnerung an die Vergangenheit und das heutige Lebensgefühl zusammen, um darin den Ausdruck einer nie endenden Hoffnung für eine friedfertige Zukunft zu geben.
Birgit Ellinghaus, Albakultur
Armenian Express
Der Percussionist Arto Tuncboyaciyan sucht nach der perfekten Symbiose aus Jazz, kaukasischer
Folklore und Avantgarde-Musik. Mit seiner „Armenian Navy Band“ hat er sie jetzt gefunden
Vom Stadtzentrum aus kann man die Sendemasten sehen. Auf einem der umliegenden Hügel, die
Eriwan umschließen, steht die berühmteste Radiostation der Welt: Radio Eriwan. Seit dem Ende der
Sowjetunion, als unzählige Radio-Eriwan-Witze kursierten, ist es allerdings etwas still geworden um
den Sender.
Frage an Radio Eriwan: Liegt Armenien am Meer?
Antwort: Im Prinzip nein. Sollte der Meeresspiegel aber wieder steigen, besitzt das Land immerhin
schon eine Schiffskapelle.
Der biblischen Legende nach soll die Arche Noah einst am Berg Ararat vor Anker gegangen sein, und
das historische Armenien reichte einmal vom Schwarzen bis zum Kaspischen Meer. Wenn jemand
seine Band also „Armenian Navy Band“ nennt, kann man das auch als Anspielung verstehen. „Ehrlich
gesagt, ich habe damit keine politische Botschaft verbunden“, wiegelt Arto Tuncboyaciyan jedoch
ab. „Ich wollte den Leuten nur sagen: Wenn ihr an euch selbst glaubt, könnt ihr das Boot auch ohne
Wasser bewegen.“ Der Percussionist Arto Tuncboyaciyan, 1957 in Istanbul geboren, ist in der JazzSzene eine feste Größe. Er hat an mehreren hundert Alben mitgewirkt, darunter an der Seite von Joe
Zawinul, Don Cherry und Gerardo Nunez, dem spanischen Flamenco-Gitarristen. 1998 besuchte Arto
Tuncboyaciyan das erste Mal Armenien. „Ich ging gleich in einen Jazz-Club“, erzählt er beim Gespräch
in einem gesichtslosen Hotelzimmer in Eriwan. Spontan gesellte er sich zu der Band auf der Bühne.
Daraus entwickelte sich eine Jam-Session, die bis in den frühen Morgen andauerte.
Mit der Zeit kam er immer öfter nach Eriwan und begann, die besten Musiker der Stadt um sich zu
scharen. Bald hatte er eine All-Star-Band im Alter zwischen 20 und 45 Jahren um sich versammelt,
zehn Männer und eine Frau, die sowohl traditionell-orientalische Folkinstrumente wie die
Kanun-Zither oder die Kniegeige Kemence beherrschen als auch westlich-moderne Instrumente
wie Posaune, Schlagzeug und Bass. Mit dieser Besetzung spielte er drei Alben ein, zuletzt „ Natural
Seeds“: Ein 50-minütiges Opus, das als Teil einer Trilogie angelegt ist, und in dem sich Arto Tuncboyaciyans Lebensphilosophie mit einem Schuss Naturmystik paart.
Es ist die Erfüllung eines langen Musikerlebens. Denn Arto Tuncboyaciyan hat schon eine Menge
hinter sich. Angeleitet von seinem neun Jahre älteren Bruder Onno Tunc, machte er in den Siebzigerjahren in der Türkei zunächst als Studiomusiker Karriere. „Ich habe mit der Musik angefangen, weil
wir das Geld brauchten“, sagt der Percussionist rückblickend. „Und wenn türkische Musiker gut
waren, dann mussten wir, als Armenier, noch besser sein.“ Er wurde der Beste und entwickelte auf
selbst gebauten Instrumenten seinen ganz eigenen Stil. Nach dem Militärputsch in der Türkei ging
Arto Tuncboyaciyan 1981 in die USA - er war politisch aktiv gewesen und wollte seine Familie nicht
in Gefahr bringen. Noch heute trägt er bunte Perlen an den Schnürsenkeln seiner Sportschuhe als
Erinnerung an jene Freunde, die weniger Glück hatten als er. Während Arto Tuncboyaciyan in den
USA Anschluss an internationale Jazz-Kreise fand, stieg sein Bruder in der Türkei zum gefragtesten
Komponisten und Arrangeur des Landes auf. Als Lebenspartner der populären Sängerin Sezen Aksu
beförderte Onno Tunc maßgeblich deren Karriere. Bis heute hegt Arto Tuncboyaciyan große Bewunderung für seinen Bruder. „Er war derjenige, der mir mit der Taschenlampe den Weg gewiesen hat.
Heute laufe ich mit diesem Licht“, sagt er. Bis Mitte der Neunzigerjahre war Arto Tuncboyaciyan an
vielen Alben beteiligt, mit denen sein Bruder die türkische Musikszene revolutionierte.
Denn wann immer sich Onno Tunc etwas Neues einfallen ließ, ob nun einen Disko-Effekt oder ein
Darbuka-Solo, folgten ihm die anderen Arrangeure und Komponisten in der Türkei. Dabei war Onno
Tunc ein Autodidakt: Gerne erzählt Arto Tuncboyaciyan die Anekdote aus den Anfangstagen, wie sich
sein Bruder über Nacht selbst das Notenlesen beibrachte, weil ihn tags zuvor jemand darauf
angesprochen hatte.
Es war denn auch der plötzliche Tod seines Bruders, der Arto Tuncboyaciyans Leben eine neue
Wendung gab. 1996 kam Onno Tunc bei einem tragischen Flugzeugabsturz ums Leben: Ein Lotse
hatte dessen Propellermaschine an einem Berg zerschellen lassen. „Als er starb und ich anfing zu
schreiben, kamen all die Sachen wieder, die ich aufgeschnappt hatte, als ich neben ihm saß“, sagt
Arto Tuncboyaciyan. „Das, was Sie jetzt hören, ist auch ein Teil von Onno.“ So versucht er nun, das
Werk des Bruders zu vollenden. Und ihm ist damit vergönnt, was diesem Zeit seines Lebens versagt
blieb: internationale Anerkennung.
Beide wuchsen zusammen in einfachen Verhältnissen auf, der Vater arbeitete als Schuhmacher.
„Wenn wir die Tür schlossen, lebten wir wie eine armenische Familie in Anatolien“, sagt Arto
Tuncboyaciyan. „Wir haben uns auf einem sehr kleinen Territorium bewegt.“ Auf der Schule lernte
er Armenisch, sein Bruder sang im Kirchenchor, doch zu Hause war die Sprache tabu. Noch heute
spricht Arto Tuncboyaciyan deshalb nur gebrochen Armenisch. Und seine Mutter habe sogar noch
auf Besuch in den USA stets die Fenster geschlossen, wenn Armenisch gesprochen wurde, erzählt er.
Dass er und sein Bruder zwei grundverschiedene Charaktere waren, lässt sich schon an ihren unterschiedlichen Nachnamen ablesen: Während der eine seinen Namen der Griffigkeit wegen auf eine
Silbe verkürzte, eckte der andere gerne an. Onno Tunc suchte stets den Mainstream-Erfolg und komponierte jahrelang die türkischen Beiträge zum Grand Prix. Arto Tuncboyaciyan dagegen traf in den
USA zuletzt immer wieder mit armenischen Künstlern zusammen: mit dem Oud-Spieler Ara Dinkjan
oder, für sein jüngstes Projekt „Serart“, mit dem Rockmusiker Serj Tankian von der Band „System of
a Down“. So entdeckte er spät auch das Land für sich. „Armenien ist wie eine geheime Schachtel,
die man öffnet“, beschreibt Arto Tuncboyaciyan seine Faszination. Der Kleinstaat in dem zerklüfteten
Hochland im Kaukasus besitzt nicht nur eine jahrhundertealte Hochkultur, die seit dem 3. Jahrhundert christlich geprägt ist, sondern sogar eine eigene Schrift. Doch das 20. Jahrhundert war für die
Armenier eine fortwährende Katastrophe: Noch immer wirkt das Trauma der türkischen Massaker an
der armenischen Minderheit von 1895/96 und 1914/15 nach sowie das diktatorische Erbe der Sowjetunion. Ein verheerendes Erdbeben im Jahre 1988 sowie der Konflikt mit dem Nachbarn Aserbaidschan um die Enklave Nagorny-Karabach haben ein übriges getan, das Land zu Boden zu drücken.
Die Hauptstadt Eriwan macht auf den ersten Blick den Eindruck einer durchschnittlichen Stadt in
Osteuropa - die Nähe zum Orient, zum Iran und zur Osttürkei ist kaum zu spüren. Die prächtigen Fassaden an den großen Boulevards stammen allesamt aus den Zwanzigerjahren des vorigen Jahrhunderts, haben aber schon bessere Zeiten gesehen. Dazwischen finden sich ein paar typische Dokumente sozialistischer Einheitsarchitektur. Am schönsten ist die Stadt bei Nacht, wenn das Licht aus
den besseren Schaufenstern und an den repräsentativen Amtsgebäuden Glanzpunkte setzt und das
schmutzige Grau und die Risse in den Häuserwänden gnädig im Dunkeln versinken lässt.
Der Jazz besitzt in Eriwan, wie in vielen Republiken der ehemaligen Sowjetunion und ihrer Satelliten,
eine lange Tradition. Schon in den Dreißigern gab es hier erste Bands, die dem US-Vorbild folgten,
aber allmählich eine eigene Sprache entwickelten, indem sie Elemente aus der armenischen Folklore
aufnahmen. Bis zum Ende der UdSSR blieb das allerdings eine Angelegenheit von Enthusiasten.
In letzter Zeit aber hat sich die Szene professionalisiert. Seit einigen Jahren gibt es sogar ein JazzFestival in Eriwan und man ist stolz darauf, einmal Chick Corea eingeladen zu haben.
Aber auch die traditionelle Musik boomt: Dank der Liebhaber im Ausland haben einheimische Folklore-Stars wie der Duduk-Flötist Djivan Gasparijan ein gutes Auskommen gefunden. Doch der Musikmarkt in Armenien krankt an der grundsätzlichen Malaise der Wirtschaft: So sind die meisten CDs der
armenischen Folkstars, die in Eriwan als Raubkopien in den Läden stehen, im Ausland produziert - vor
allem in Moskau, Paris oder gleich in Kalifornien, den Zentren der armenischen Diaspora.
Diese traditionellen Stücke, in modernisierte Arrangements verpackt, sprechen in erster Linie den
Geschmack der weltweiten Diaspora-Kundschaft an. In Armenien könnte sich diese CDs zum Normalpreis niemand leisten. Dieses Ungleichgewicht wirft ein Schlaglicht auf die Abhängigkeit der 3
Millionen Einwohner Armeniens von den rund 9 Millionen Menschen in der Diaspora. An deren Tropf durch Subventionen, private Überweisungen und Investitionen - hängt das Land zum guten Teil. Auch
Arto Tuncboyaciyan betätigt sich in Eriwan als Investor. Vor kurzem eröffnete er dort einen Musikclub,
zu dessen Eröffnung er ein gutes Dutzend Journalisten aus ganz Europa nach Eriwan einlud. Fast
jeden Abend tritt er mit seiner „Armenian Navy Band“ nun dort auf, wenn er nicht gerade auf Tournee
im Ausland ist.
Am Eröffnungsabend stehen Nüsse und Knabberkram sowie Flaschen mit Cognac und Rotwein auf
dem Tisch, und ein buntes Publikum aus lokalen Intellektuellen, befreundeten Musikern und ausländischen Gästen hat sich eingefunden. Zunächst gibt es ein ausführliches Vorprogramm: Ein Clown
trötet „Summertime“ auf der Duduk, dem armenischen Nationalinstrument. Dann folgen ein vierköpfiger polyphoner Chor und ein Duduk-Quartett, bevor endlich die Armenian Navy Band die
Bühne besteigt: Mit den traditionellen Instrumenten in der ersten Reihe, dahinter Schlagzeug, Keyboard und Gitarren, eingerahmt von einer vierköpfigen Bläsersektion. Vom Seitenrand aus treibt
Arto Tuncboyaciyan seine Band an, klopft sich die Finger an seinen Congas wund, bläst mal eine
melancholische Melodie auf einer Flasche, trommelt auf einem Kochtopf oder stimmt schamanische
Gesänge an: eine armenische Folk-Sinfonie mit jazzigen Ausbrüchen.
Am letzten Tag führt Arto Tuncboyaciyan seine Gäste zum Ausflug in die Berge, zum Geghard-Kloster
mit seinen in Felshöhlen eingelassenen Kapellen. Auf dem Weg aus der Stadt säumen verrostete
Skelette ausgeschlachteter Autos den Straßenrand; später werden sie abgelöst von Kindern, die
Blumen feilbieten. Auf halber Strecke hat man eine prächtige Sicht auf den Berg Ararat, der auf der
anderen Seite des Tals liegt, in der Türkei.
Dorthin zieht es Arto Tuncboyaciyan nicht mehr zurück. Seit im vergangenen Jahr auch seine Mutter
gestorben ist, weniger denn je. „Wenn ich heute nach Istanbul komme, halte ich es keine fünf Minuten
mehr aus. Mir gefällt Eriwan besser, denn hier bin ich in fünf Minuten in den Bergen“, sagt der 46-Jährige. Vor dreißig, vierzig Jahren war Istanbul noch eine andere Stadt. Damals konnte man noch von
überall in den Bosporus springen. Heute ist es überall schmutzig.“ Und dann stimmt er in die auch in
Istanbul weit verbreitete Wehklage über den Verlust einstiger Weltläufigkeit ein: „Die Menschen aus
Anatolien, die heute die Mehrheit stellen, haben eine andere Kultur mitgebracht, ein anderes Essen,
eine andere Musik. Das Istanbul von früher besaß einen sehr griechischen Charakter. Aber als die
letzten Griechen nach 1974 Istanbul verließen, war es so, als hätte jemand das Licht ausgemacht.“
Mit diesem Kapitel seiner Biografie hat Arto Tuncboyaciyan inzwischen abgeschlossen. Und dafür ein
neues aufgeschlagen.
Daniel Bax, taz Nr. 7342 vom 24.4.2004
Armenian Navy Band
Music is considered a crucial means of communication by the founder of The Armenian Navy Band,
Arto Tunçboyaciyan, a percussionist and vocalist of Armenian descent. Arto claims music as his instrument of choice to express his highest aspirations: love, respect and truth.
The Armenian Navy Band’s compositions are all originals of Arto Tunçboyaciyan which, he insists,
„have the sound of my life“. This music is founded on Armenian and Anatolian musical traditions and
infused with jazz and contemporary culture. Arto’s compositions embrace sounds from generations
past as well as present this is what he calls „avant-garde folk“. As such, the Armenian Navy Band represents the synthesis of Arto‘s musical journey and life experiences.
The Armenian Navy Band is composed of twelve of the finest of Armenia’s contemporary musicians, ranging in age from 20 to 45. The instruments include the traditional—duduk, zurna, kemanche, kanun—and the contemporary—trombone, alto sax, tenor, soprano sax, trumpet, bass, drums,
keyboard and piano. Together with the unique vocals and percussion and sazabo of Arto, the band’s
sound is a sort of aural journey from the past to the future.
The band’s first European tour in February/March 2000 was successfully received in Italy, Germany,
Austria and Spain. Their next tour, later that year, included Sardinia, France, Bruxelles and Holland,
ending with a stop in Istanbul for the recording of the album „New Apricot“ under the Turkish label „Imaj Müzik“. This was followed by another brief tour in March 2001 and an extended European
Summer/Fall tour through to November 2001.
The Armenian Navy Band’s 2004 album Sound of Our Life - Part One: Natural Seed is a nearly
50-minute-long composition in eleven parts, which is dedicated to nature. Natural Seeds takes the
listener along part of the path of life that Arto Tunçboyaciyan and his musicians have traveled. The
recording equally represents the return to the origins of the musical „seed“ of the The Armenian Navy
Band; the tremendous joy and affection which the band’s musicians feel with and for each other in
the here and now of their life together – also outside the recording studios and stages; as well as the
hopeful, self-confident view to the future. For Arto Tunçboyaciyan, the project Sound of Our Life is a
never-ending musical documentation of the future.
Arto Tunçboyaciyan - percussion, vocals, sazabo
Anahit Artushyan - kanun
Armen Ayvazyan - kemanche
Armen Husnounts - tenor &soprano saxDavid Minasyan - trombone
David Nalchajyan - alto sax
Tigran Suchyan - trumpet
Norair Kartashyan - blul, duduk, zurna
Vartan Grigoryan - duduk, zurna, clarinet
Arman Jalalyan - drums
Vahagn Hayrapetyan - piano, keyboards
Vartan Arakelian - bass
www.worldmusiccentral.org/artists/artist_page.php?id=4
MaerzMusik
Theatertreffen
Konzerte | Oper
JazzFest Berlin
spielzeiteuropa
Jugendwettbewerbe
Martin-Gropius-Bau
Ausstellungen
Berliner Lektionen
presseinfo
Iain Ballamy with Stian Carstensen
Iain Ballamy – tenor sax
Stian Carstensen – button accordion
Quasimodo
www.ballamy.com
Iain Ballamy
Biography
Saxophonist and composer Iain Ballamy (b.1964) is a highly original and versatile musician. A supreme improviser, he is also an accomplished writer with numerous commissions to his name.
Renowned in Europe as the „Fantastic Englishman“, Ballamy established himself playing alongside
notables including Hermeto Pascoal, the late Gil Evans, Cedar Walton, Dewey Redman and Kenny
Werner. Touring extensively world-wide he has appeared at most major international festivals and
venues. Ballamy can be heard on over 30 CDs and is a co-director of Feral Records, the label he cofounded in 1999 with the renouned film maker and graphic artist Dave McKean. A long time collaborator with Django Bates, since the days of Loose Tubes and Bill Brufords Earthworks he is currantly a
member of Django‘s Human Chain, Delightful Precipice and Quiet nights groups.
Parallel to his international jazz career, Ballamy has pursued an interest in world music and dance
projects, playing and studying in India at the Karnataka College of Percussion and has become a
regular at the celebrated annual Grenzüberschreitungen / Bordercrossings Global music encounter
hosted by Iwalewa Haus in Bayreuth, Germany. Ballamy has performed and forged strong working relationships with renowned musicians from Hungary, Egypt, Spain, Norway, Bulgaria, Brazil and beyond.
Combined arts projects include tours with Sankalpam the contemporary Indian Dance group and
Ballamy‘s acclaimed role as ‚Steve the prat‘ in Simon Black‘s stage play ‚Out There‘ which toured Britain in 1995 and ‚96. His distinctive saxophone voice can be heard in his improvisations for the BBC
Radio 4 play ‚Signal to Noise‘ by Neil Gaiman and Dave McKean, the movie ‚Legend‘ and a documentary ‚Joseph Losey-the Man with Four Names‘.
Ballamy‘s wide ranging musical interests add depth and creativity to his music which can be clearly
heard in his album Pepper Street interludes (featuring Stian Carstensen on accordion, Norma Winstone vocals and Matthew Sharp on cello). Ballamy received the award for Jazz innovation at this
years first BBC Jazz awards ceremony 2001 and writes an agony column for Jazz UK magazine called
„in the saxophonists chair“.
Iain´s Nordic FOOD project pulls together his diverse musical threads to form a rich, powerful band
making contemporary British and Norwegian Jazz sound the hottest off the press .
Ballamy received the BBC award for innovation at the first BBC British Jazz awards in 2001 and was
re-nominated in 2003 .
His latest CD release is called ‚the little radio‘ (Sound Recordings 1005) and is made up an unforgetable collection of intimate duets with long time collaborator and Norwegian button accordionist Stian
Carstensen .
He is currently writing music for a feature film directed by Dave McKean (Columbia Miramax) entitled
‚Mirrormask“.
www.ballamy.com
Iain Ballamy / Stian Carstensen, The Little Radio
Reviews
Rarely have a jazz-improvising duo sounded so together, yet at the same time inhabited such compatible but distinctive separate worlds, as the British saxophonist Iain Ballamy and the Norwegian
accordionist Stian Carstensen on this warm and craftily lyrical set.
Ballamy is at his breathily jazziest for much of this session. The imperiously individualistic Carstensen
sometimes follows him, but sometimes whirls off into a ghostly, glistening soundscape of his own, as
he does from the off in the opening Body and Soul.
Ballamy plays with exquisitely tender grace, having begun unaccompanied with a downward whoosh
of buttery notes like Ben Webster, before Carstensen joins him at a contrastingly limping gait, giving
the music an almost sinister slow-tango feel. But Ballamy‘s seamless of construction is rarely distracted by the irregularities beneath, and he eases between high reedy exhalations and rich, reverberant
sounds.
Ballamy, who has been playing in a lyrical class of his own for some years, is at his most subtle on
the gently dancing ballad Je Te Veux, and Carstensen‘s deep, church-organ chords spread luxuriously
beneath his poignant high notes on An Den Kleinen Radioapparat. Teddy Bear’s Picnic, beginning with
a big, flouncy overture that never hints a child’s tune is on its way, could be almost too wacky in this
repertoire - but isn’t, since it develops into a light-stepping improvisation of murmuring new melodies,
Carstensen’s accordion fitfully countering Ballamy’s airy sax lines with bursts of military pipe-band
strutting.
The Carla Bley-like Last Tango in Paradise is a standout, as is Saving All My Love for You, played with
cool intimacy. Another highlight is the long-lined interplay on Ballamy’s otherwise emphatically unjazzy Sonny Rollins tribute, My Waltz for Newk. Delicious.
John Fordham, The Guardian, February 6, 2004
Ballamy & Carstensen: The Little Radio
In an age when music makers are just as likely to have skills with samplers and computers as they
are the ability to play an instrument, and with audiences increasingly unable to tell the difference
between either, Iain Ballamy and Stian Carstensen are a breath of fresh air. By applying old European
truths to New World values, they have succeeded in creating an album with more allusions than Ezra
Pound’s Cantos. A curve ball combination of tenor saxophone and accordion has produced a remarkable artistic success from about as far left of centre as you can get without actually dropping off the
board completely.
Ballamy is one of Europe’s finest jazz saxophonists and Carstensen a multi-instrumentalist who is
also an accordion virtuoso. By going back to basics, by exchanging melodies and elegantly conceived
linear improvisations spun in endless variations, like double Ferris wheels, they have created music
that is actually sui generis. Their sophisticated concerns over musical ends as well as means ensure
elements of composition and improvisation emerge as a tightly woven whole.
Opening with the jazz standard to end all jazz standards, Johnny Green’s ‘Body and Soul’, they succeed in completely recontextualising the song, cutting it free from its jazz baggage - the wondrous
1939 version by Coleman Hawkins; John Coltrane’s stunning reharmonisation; or Sarah Vaughan’s
transformation of the song into a rococo aria. Together the duo make you consider the song afresh,
as they do all the material on this album, and fascinating subplots emerge - what are they going do
next? How are they going to do it?
This is writ large with ‘Teddy Bears’ Picnic’, first implanted into British consciousness by bandleader
Henry Hall and the BBC Dance Orchestra in 1933. A kind of Balkan fanfare sets a sinister mood that
alludes less to teddy bears and a picnic, more to burgers hastily consumed at the forest edge as
grown-ups nervously watch out for men in long, dirty raincoats. Chopin’s ‘The Minute Waltz’, ‘Tales of
the Unexpected’ and a piece by Hans Eisler are all condensed into highly compressed simplicities,
reflecting both Ballamy’s and Carstensen’s suspicion of jazzers who draw inspiration from their own
technique. It’s an album that opens doors, aimed not at our highbrow, middlebrow or lowbrow instincts, but to something primal in us all that reaches back through the ages to a love of well-crafted
melodies that speak to everyone.
The Observer, February 1, 2004
Ballamy & Carstensen: The Little Radio
NOTHING is quite what it seems in an album of duos for tenor sax and button accordion. Not only
does it maintain interest, it represents a little miracle of sustained invention. The instrumentation
recalls continental cabaret, with its associations of satire, sophistication and decadence. Ballamy
and Carstensen milk this for all its worth, but Ballamy’s heart-on-the-sleeve romanticism cuts right
through the artifice. ‘An Den Kleinen Radioapparat’ (the English translation gives the album its title)
is unbearably moving, remembering Brecht’s original: a refugee from Hitler’s Europe has only his
little radio for comfort, and the news it broadcasts is all bad. Elsewhere, the most beautiful tunes in
the world are prey to Ballamy’s anarchic imagination and come out fresh and rejuvenated. Here is
the wildest ‘Danny Boy’ since Jackie Wilson explored his Scottish roots: the sax contrives to sound
exactly like bagpipes as the button accordion provides a drone. And yet it retains enough poignancy
to leave a lump in the throat even as it provokes tears of laughter. Incredible.
Mike Butler, Manchester Music - album reviews, 5th February 2004
Ballamy‘s tales of the unexpected!
Who‘d have thought it, Iain Ballamy takes on Teddy Bears‘ Picnic and wins? That‘s what he‘s done, in
his latest recording - taken on some very familiar pieces and, with the more-than-able Stian Carstenson on accordion, has created something new and beautiful with them. Body and Soul is a delight,
as is Windmills of Your Mind. Danny Boy, which is normally guaranteed to reduce my wife to (happy)
tears, instead became a reason to smile with pleasure. And he slips in a bit of the theme to Tales of
the Unexpected too.
This album proves once again how fertile is Ballamy‘s imagination and how wonderfully he plays - always melodic and with a featherlight touch on so many of the pieces. The contrast with Carstensen‘s
accordion works beautifully, and his contribution shouldn‘t be overlooked, but, as a fan of Iain Ballamy
I have, once again, reasons to be cheerful. Buy this and laugh with the sheer joy of it all!
DJPeanuts US - the US Music Database, Buyers‘ Review
Stian Carstensen - Backwards into the Backwoods
“Wenn du in den Süden von Kentucky gehst und versuchst jemanden zu finden, der dir zeigt, wie
man dort Banjo spielt, kann es dir passieren, dass du irgendwo landest und plötzlich einen verrückten Hillbilly mit seinem Gewehr vor dir hast, der dich mit dem Befehl: Hände hoch, rückwärts in den
Wald jagt - into the Backwoods, den Unterwald, dort, wo sich Fuchs und Hase Gute Nacht sagen Das
ist auch ein Ort, wo Unsicherheit herrscht, ein Ort, mit dem du nicht vertraut bist. Mit diesem Album
habe ich das Gefühl, mich selbst musikalisch blindlings an diesen Ort zu begeben. Das klingt etwas
psychedelisch und zeitgleich ländlich derb.” Stian Carstensen macht Musik beeinflusst von Ligeti,
Heavy Metal, traditioneller Folklore aus Bulgarien und natürlich Norwegen, Blue Grass und Barock.
Stian Carstensen, g/banjo/kaval/v, Ernst Reijseger, cello, Arve Henriksen, tp/spinet/voc, Jarle Vespestad, dr, und Haavard Wiik, p/spinet, machen eine musikalische Weltreise, bei der nie feststeht in
welchem Erdteil man sich gerade befindet. Und auch ohne vorgehaltener Waffe folgen wir dem Kommando: Sperrt die Ohren auf!!
Christian Bakonyi in Jazzzeit
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Martin-Gropius-Bau
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Kevin Breit and the Sisters Euclid
Kevin Breit – guitar
Rob Gusevs – keyboards
Ian DeSouza – bass
Gary Taylor – drums
Quasimodo
www.kevinbreit.com
Biography
Kevin Breit
“an adventurous and oftentimes unpredictable player possessing a seemingly inexhaustible storehouse of ideas at his fingertips”
Gary Tate, Blues On Stage
Kevin Breit (pronounced: bright) was born in the small Northern Ontario hamlet of McKerrow
(pronounced: very small). He is the youngest of seven children born to musical parents. Breit, selftaught, grew up listening and loving the music of the Beatles, Bill Monroe, Stevie Wonder, Little Feat,
Johnny Winter, Todd Rundgren, Aretha Franklin, Rare Earth, Miles Davis, Rashaan Roland Kirk, Hank
Williams, and many others.
At age 17, he moved to Toronto to follow his dream of being a musician. After a period of readjustment, Kevin began working in and out of studios and concert settings. He has recorded with
the likes of Cassandra Wilson (grammy award winning, New Moon Daughter and her follow-up
Traveling Miles); k.d lang (Drag); Holly Cole (Temptation, It Happened one Night and Dark Dear Heart);
Janis Ian (Hunger); Dal Bello (She and Whore) as well as new releases from Patti Scialfa, Marc Jordan,
Quartette, Natalie McMaster, Barra MacNeills, Molly Johnson, Miller Stain Limit, Shelby Starner, Jeb
Loy Nichols, Sass Jordan, Wendy Lands, Carlos del Junco, to name a few.
Kevin is currently in Norah Jones’ “Handsome Band” and his song “Humble Me” is featured on her
new album Feels Like Home.
Kevin’s new recording John & the Sisters, featuring the funky Sisters Euclid band and blues-belter
John Dickie, came out on NorthernBlues Music in April 2004.
www.northernblues.com/bio_breit.html
Sister Euclid Bio
Little Italys are everywhere; to the Nickel belt of Sudbury,Ontario to Flatbush in Brooklyn, New York.
Smack dab in the middle is Toronto‘s vibrant, little Italy, where every Monday night, for the last 2
years, a quartet takes to the stage at the Orbit Room, to perform on the downbeat of 10:00 pm til the
small hours of the new day. The band is the Sisters Euclid.
This residency has produced two, original, all-instrumental discs, Green Pastors and All Babies Go To
War. Guitarist, Kevin Breit, whose compositions are featured in this ensemble, enlisted the talents of
bassist, Ian DeSouza; organist, Rob Gusevs and drummer, Gary Taylor.
There is no typical Sisters Euclid night, for every Monday the audience is treated to an always changing repetoire that ranges from modern jazz, rock, bluegrass, hip-hop to the occasional show-tune
thrown in for good measure.
www.povertyplaylist.com/home.html#
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Acoustic Ladyland
Pete Wareham – tenor + baritone sax
Tom Cawley – piano
Tom Herbert – bass
Seb Rochford – drums
So 7. November | 15.00 Uhr
Palais der Kulturbrauerei
www.f-ire.com/now/acousticladyland.html
Acoustic Ladyland
Founded by Young Jazz Musician of the Year prizewinner Pete Wareham - ‘a musician of eloquent
post-Coltrane persuasions’ (John Fordham, The Guardian) Acoustic Ladyland has enjoyed much success in a relatively short space of time. Since its inception in September 2001, the band has played
two residencies at Ronnie Scott’s - the third will be February 24th to March 1st 2003 - completed a
national Jazz Services tour, recorded a studio album and have been featured in a short film by Peter
Anderson at ‘Art Hotel’. In December 2002 they will be recording a one hour session to be broadcast
on radio 3’s Friday night jazz slot, ‘Jazz on Three’ and will also be featured on Radio Two later in the
year.
Featuring Young Jazz Musician of the Year and Perrier Award winner Tom Cawley; ex-’Tomorrow’s
Warriors’ and one of the busiest bassists in Britain Tom Herbert, and Seb Rochford, a drummer whose
originality and versatility have earned him great national acclaim, the band are now gathering accolades from journalists, promoters and audiences alike. Their CD which is still to be released, features
Pete‘s unusual, entertaining and absorbing arrangements of Jimi Hendrix classics, bridging the gap
between jazz groups and jam bands. Acoustic Ladyland revisits Hendrix‘s greatest moments with fascinatingly original slants....if you were on a downer about the future of British Jazz, tonight would be a
good time to have your mind changed.‘
Jazzwise Magazine, June 2002
Press
„The show passed all expectations ... this is a very exciting band“
JAZZWISE
„This virtuoso quartet is one of the most refreshing things I‘ve heard in a long time ... there‘s a rare
poetic talent working here, and I was delightfully absorbed in their music.“
IAN CARR
„Acoustic Ladyland rock! The UK‘s answer to Medeski, Martin and Wood.. if you didn‘t know London
jazz could sound this hip then rush out and hear them“
DAZED & CONFUSED
„Pete Wareham is destined to become a new British jazz giant“ EASTERN DAILY PRESS
Tom Cawley is „ a superb player.... (he) provided several furious, commanding displays.“
THE INDEPENDENT
„Seb Rochford now sounds like the best new percussionist on the UK scene since Mark Mondesir“
JOHN FORDHAM - THE GUARDIAN
www.f-ire.com/now/acousticladyland.html
Acoustic Ladyland
Pete Wareham and his band have become a national success with their virtually unique project,
‘reimagining’ the work of Jimi Hendrix, a musician many thought would gravitate towards jazz had he
lived. In a way he does, with younger musicians such as these devoted to his music. All acclaimed,
prize-winning players, they recreate it with flair and imagination, being rewarded with several seasons
at Ronnie Scott’s, national broadcasts and tours. They also pepper their set with original pieces. They
have a CD out on Babel Records, entitled ‘Camouflage’.
http://www.ali.mistral.co.uk/8thListing.html
Acoustic Ladyland, Camouflage
Good, young, British quartet inspired by the music of Jimi Hendrix, though adapted to a contemporary-jazz approach that doesn‘t give Hendrix buffs much to sing or bop to.
Thoughtfully soulful sax from Pete Wareham, deliberate, Charlie Haden-like bass from Tom Herbert,
percussive piano from fine newcomer Tom Cawley, and the kind of controlled audacity from Seb
Rochford at the drums that’s nowadays expected of him. Herbert’s clarion bass opening to Routinely
Denied, using the guitar riff from Voodoo Child, turns into a bright, Latin swinger with Wareham’s gruff
tenor sound riding on top.
The barely moving Nagel is an exercise in subtle percussion detail and reed control; Remote Impression is a lateral, high-register reverie over trickling piano and ticking bass (like an old Modern Jazz
Quartet backing); Little Miss Wingate is like Enlightenment-era McCoy Tyner, and Brave Reply is a
whispering tone poem that occasionally discovers gospelly funk. Hendrix inspiration or no, it doesn’t
really catch Hendrix’s fire, and its themes and ensembles are less memorable than those of Babel’s
Polar Bear quartet, which also features Rochford, Wareham and Herbert. Maybe a little more shamelessly direct attention to Hendrix would have ignited it without detracting from the group‘s independence; but the playing standards are faultless.
John Fordham, The Guardian, June 4, 2004
Under Cover
Determined to banish preconceptions and open jazz audiences‘ ears to rock and other styles of music Acoustic Ladyland‘s debut is one of the most eagerly awaited of the year. Tom Barlow talks to the
group‘s Pete Wareham
lt brings back some words Jimi Hendrix once uttered: `Knowledge speaks, but wisdom listens.‘ Why?
Because it‘s been a while since you‘ve seen an audience at Ronnie Scott‘s quite so attentive. Even
the noisy minority seems finally to have realised that it‘s not about getting as drunk as possible while
a jazz group noodles in the background: it‘s about hearing something that moves you.
Dressed in black suits and skinny, red ties, Acoustic Ladyland, look like some 80s new wave band.
And when they take the bandstand there‘s something even more jolting to their music. The sense that
this is more than a jazz quartet taking turns at solos - a dynamic that takes the raw energy of rock to
jazz‘s wit and intelligence - engages everyone from the jazz heads to the businessmen sipping Moet.
Since the group started playing re-imaginings of Hendrix tunes three years ago (more recent inspirations draw on The Velvet Underground, The Ramones and The White Stripes) their performances
have made them a singular voice on the British jazz scene. It‘s hard to think of another band quite like
them.
Meanwhile, the group‘s debut album, Camouflage, looks certain to be one of the outstanding European jazz releases of 2004. Its distinctive sounds (played by 32 year-old tenor sax player Pete Wareham, Tom Cawley, keys, Tom Herbert, bass and Seb Rochford, drums) veer between head banging
interpretations of ‚Little Wing‘, a sparsely funky version of Voodoo Chile‘ with a Cuban twist, and the
lullaby sweetness of `Nagel Neu‘ based on Hendrix‘s ‚Angel.‘ Live, the new repertoire sees the group
rock out even more ecstatically, fuelled by Sebastian Rochford‘s drum kit on ‚Nico‘, a tribute to The
Velvet Underground, before delighting the audience with simple grooves or songs as sweet as ‚January Mountain‘ (inspired by Neil Young):
‘The music draws in a lot of people who wouldn‘t otherwise listen to a jazz quartet from London;
agrees Wareham. ‚The audiences always end up like that. Always. The first time we played [at Ronnie‘s] they were so silent you could hear a pin drop.‘
Back in 1999, Wareham‘s gutsy tenor playing, drawing on Coltrane, Rollins and young disciples like
Mark Turner, earned him a prize-winner‘s medal at the (now defunct) Young Jazz Musician of The
‘Year Awards.
At that stage I was really into Medeski, Martin and Wood and I read an interview about the Jam
Bands,‘ he explains. ‚I‘d been looking for an idea for some unifying concept and it made me think,
What do artists do?‘ Quite offen they create something autobiographieal, like a lot of their work will
be based on episodes from their childhoods. I used to love Hendrix when I was younger so it made
sense to explore it.‘ Dealing with your own musical diversity can be a dilemma for young jazz musicians: how to find some common ground between the music you grew up listening to and the music
you play. ‚Often what you love gets divided in two,‘ agrees the sax player, ‚I love Led Zepplin and The
Velvet Underground, but I also love Coltrane, Jason Moran, Mark Turner and Steve Coleman. And
I‘ve constantly been going between the two ever since I started, feeling guilty that on the one hand I
wasn‘t doing this rock thing, which wasn‘t technical-enough, and on the other I wasn‘t polite enough
to be an authentic jazzer. I ended up thinking I might as well use it all.
At the end of the day you‘re just playing music. At first, Wareham envisioned the band as a Latin
group, drawing on Hendrix’s repertoire à la Eddie Palmieri.
‚I was playing a lot of Latin with Roberta Pla. I loved the energ and spirit’, he continues. ‘Latin is all
about dancing. If people don‘t dance to your music, I think it has a hard time to find its context
socially. So it‘s weird. The older generation likes jazz because they don‘t necessarily want to go out
and dance they want to hear something they‘ll be interested in. I felt like our generation was into
both.‘ Although it would be wrong to label Acoustic Ladyland jazz rock‘ (the quartet is just as Iikely to
get funky, straight ahead or play with polyrhythmic or Latin grooves in any one tune), the chemistry is
perhaps at its most powerful when the boys crank up the heat, recalling Hendrix‘s overdriven forays
into feedback.
Wareham explains Hendrix‘s compositions, pentatonic harmony and shrapnel-derived guitar riffs
seemed to channel similar ground to mid 60s Coltrane.
‘I also realised that the way Hendrix played his guitar was how I wanted to play the saxophone: to be
that fluent, although not necessarily as bluesy. I think of Hendrix as grown-out blues, and I wanted to
do grown-out jazz. Something that has grown and grown until it‘s become something else.‘
Instead of recreating Hendrix masterpieces instrumentally, Camouflage proves that Acoustic Ladyland absorb them; rip them up from the inside, and forge them into something original. The results
feel refreshingly organic rather than gimmicky.
With bands like Radiohead increasingly `prog‘ in their use of instrumentation, the boundaries between
genres seem to be becoming blurred, according to the sax player. Ìt‘s like the newer stuff we do in
Acoustic Ladyland - it isn‘t jazz, although it is. I was wondering what would it be like if people played
punk on jazz instruments? lt gets quite raucous.‘
Quite apart from the arrangements, and a group dynamic which often sees the players working together rather than as soloists, Wareham is particularly proud of the band‘s improvisational firepower,
from Tom Cawley‘s combination of virtuosity and passion to the versatility and soulfulness of Tom
Herbert and Seb Rochford (who also gel with the saxophonist in the drummer‘s solo project Polar
Bear). And like any self-respecting rockers, their ambitions are big:
‚I want to release a single,‘ Wareham explains. ‚All it would take is some dark, quite heavy band who
are aware of the pitfalls the general public feel about jazz and it wouldn‘t take long. It‘s like Jade Fox
too. I reckon we could chart... I fancy the challenge.
In many ways the rock scene is as predictable and boring as the jazz scene,‘ he continues. `Most of
the best bands don‘t get airplay because they‘re too different. Then one band does come along, like
the White Stripes, and are massive because people are so desperate for something refreshing. That‘s
the reason why we‘re pushing so hard. I think people will love what we do. It‘s not that I want to get
famous or rich, it‘s because I think people will love it.‘
Tom Barlow, JAZZWISE, May 2004
presseinfo
Bill Jenkins & Fun Horns
‘Jazz gives me the Blues’
Billy Jenkins – guitar
Huw Warren – piano, accordion
Steve Watts – bass
Mike Pickering – drums
Volker Schlott – saxophone, flute
Falk Breitkreuz – saxophone, clarinet, flute
Jörg Huke – trombone
Rainer Brennecke – trumpet, flugelhorn
Palais der Kulturbrauerei
www.billyjenkins.com
www.fun-horns.com
Billy Jenkins: Guitarist, Composer, Bandleader & Performer
As a boy, Billy Jenkins (b.1956, Bromley, Kent) sang in occasional choirs at St. Paul‘s and Westminster
Abbey, toured and recorded as a teenager with art rock band Burlesque (1972-77), performed as a
young adult with ‚alternative musical comedy‘ duo Trimmer & Jenkins (1979-82) and drummer Ginger
Baker before founding (in 1981) the VOGC ( the Voice of God Collective - ‚The voice of the people is
the voice of God‘ [Plato] - to which BJ adds, ‚...and the religion is music!‘ ).
Since then he has produced a large body of over 30 recorded albums including ‚Scratches of Spain‘,
‚Motorway At Night‘, ‚Entertainment USA‘ and ‚Music For Two Cassette Machines‘. Some of his recordings are about his SE London environs and include ‚Sounds Like Bromley‘, ‚Greenwich‘, ‚Still Sounds
Like Bromley‘ and ‚Suburbia‘.
From 1983 - 93 he lived and worked at Wood Wharf Rehearsal Studios in Greenwich, where he welcomed an average of 26.6 musicians through the doors every day.
Projects have included recording and performing with The Fun Horns of Berlin, improvised musical
boxing Big Fights, Music For Low Strung Guitar, directing Anglo-Belgium and London Meets Vienna
ensembles, improvising to film, collaborating in words and music with Ian McMillan, Ben Watson, Kate
Pullinger a.o., composing and performing with The Gogomagogs, compositions for six guitars, ‚The
Drum Machine Plays The Battlemarch Of Consumerism‘ for six drumkits and sporadic festival and
club appearances on the continent and UK.
In education he was Visiting Tutor in Guitar Techniques at Lewisham F.E.College (1990-96), guest
lecturer at the Royal Academy of Music ‘95, Guest big band director at Middlesex University ‘96.
Ensemble Masterclasses at the International Summeracademy Freie Kunstschule, Berlin ‘97. ‚Moving
On‘ music workshops with Andy Sheppard a.o., Belfast ‘99. Musical Director and workshop leader for
Greenwich Young People‘s Jazz Orchestra, Blackheath 2000. School Workshops with the Pied Piper
Project, Yorkshire, March 2001. Visiting Guest Lecturer on both the Jazz Faculty at Trinity College of
Music (2001-2) and currently at the Royal Academy of Music since 2001. Member of the Arts Council
of England Improvised Touring panel from 1993 - 98.
In 2002 he created and presented over forty two hour Sunday lunchtime radio shows in London on
Resonance 104.4FM. Entitled ‚One Way Single Parent Family Favourites‘, the show still continues with
other BJ recommended presenters.
Billy Jenkins Selected Press Comments
‚Only one in 20,000 English bluesmen inhabits a recognisable reality. Step forward Billy Jenkins, anarcho guitarmeister and arch-demythologiser. Pure genius‘.
Mike Butler City Life
‚American readers will be baffled by him; but he is, along with the Princess Royal and Walthamstow
dog stadium, one of our national treasures.‘
Penguin Guide To Jazz On CD [5th ed]
‚His humour surely springs from a deeply moralistic, even puritanical stance, and surely the adjectives
normally applied to Jenkins - such as ‚zany‘ and ‚quirky‘ - actually diminish what in reality constitutes
a serious and savagely satirical attack on commercialism and consumerism.‘
Trevor Hodgett Jazzwise
‚Billy Jenkins has the priceless ability to merge serious music-making with absolute lunacy, and make
the one feed off the creative energy of the other‘.
Kenny Mathieson The Scotsman
‚Next to Jenkins, chroniclers of modern Britain such as Pulp seem like feckless dilettanti‘
Richard Cook New Statesman
www.billyjenkins.com
Fun Horns
Das Ensemble spielt im Spitzenfeld des europäischen Jazz.
1986 gegründet, vereinigen die vier Musiker Volker Schlott, Jörg Miegel, Jörg Huke und Rainer Brennecke musikalischen Humor und improvisatorische Fähigkeiten mit der souveränen Virtuosität akademisch trainierter Könner.
Die Fun Horns sind in puncto Kreativität und Aktivität kaum zu bremsen und erobern sowohl nationale
und internationale Festivalbühnen im Sturm.
Ihre siebte CD „East & West“ wurde in Großbritannien CD des Jahres 1996 und die achte CD „Der
Mond ist aufgegangen“ gewann den Preis der Deutschen Schallplattenkritik 1997.
„Die Fun Horns spielen im Spitzenfeld des europäischen Jazz mit - für eine junge deutsche Formation
keine Selbstverständlichkeit.“ Frankfurter Rundschau
„Fun Horns, das ist frischer Wind aus vier unterschiedlich geformten Metallrohren. Der Staub von
Jahrzehnten wird aufgewirbelt, ein Teil davon wird respektlos weggeblasen, ein anderer mit Neuem zu
sinnfälliger Originalität verbunden.“ Rhein Zeitung
www.artefakt-berlin.de/html/fun.htm
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Charles Lloyd ‘Which Way is East’
Homage to Billy Higgins with Zakir Hussain and
Eric Harland
Charles Lloyd – saxes, flute
Zakir Hussain – tabla, percussion
Eric Harland – drums
www.charleslloyd.com
Charles Lloyd: Freigeistig gegen die Macht der Konventionen
Jeremy White tut Gutes und dokumentiert das auch: Seine White Foundation richtet beim Montreux
Jazzfestival jedes Jahr die International Sax Competition aus. In den beiden letzten Jahren mit
prominenten Jurymitgliedern und Gästen. Im Jahr 2002 waren es Lee Konitz, Kirk Whalum und David
Sanborn, in 2003 Charles Lloyd. Beim 2002er Wettbewerb entstanden die CD und die DVD „Virtuosic
Saxophones“, mit dem strahlenden Gewinner Soweto Kinch und drei weiteren Preisträgern, die alle
vom Lynne Arriale Trio begleitet wurden, vgl. www.whitefoundation.com.
Ludwig Jurgelt sprach mit Charles Lloyd in Montreux über Jury-Erfahrungen, Masterclasses und
sein neues Quartett, das im Casino von Montreux ein sehr berührendes Konzert gab. Charles Lloyd
veredelte Jacques Brels Klassiker „Ne me quitte pas“ zu einer Jazz-Perle, die direkt vor dem glänzenden Genfer See schimmerte und der Atmosphäre des komplett umgebauten Casinos von Montreux
eine weitere Facette hinzufügte. Dort, wo sich Mondänes mit Spieltrieb, Urwüchsigem und Kreativität
in genialer Weise verbindet.
Sie sind nach Montreux mit ihrem Quartett eingeladen worden, bleiben aber mehrere Tage am Genfer
See, da Sie einen Meisterkurs geben und Mitglied der Jury des Internationalen Saxophon-Wettbewerbs
sind. Wie erleben Sie Ihre Jury-Erfahrung, mitzuentscheiden, wer Erster und Zweiter wird?
Jeremy White ist ein sehr rühriger Mann, er wohnt in Montreux, hat eine Stiftung gegründet und liebt
Saxophone und Nachwuchsspieler und ist ein sehr guter Tänzer im modernen Ballett. Er sprach mich
vor zwei Jahren an, ob ich Interesse an dem Wetbewerb hätte. Ich habe seinen Saxophonwettbewerb
erst jetzt richtig kennengelernt, mein Trio begleitet die Kandidaten und probt mit ihnen. Den 12 Saxophonisten zuzuhören, ist schon spannend. Neben mir sitzen ja jede Menge Experten, z.B. auch Bruce
Lundvall. Am wichtigsten ist mir aber mein Konzert, schließlich trete ich wieder im Casino auf, wo ich
schon beim ersten Montreux Jazzfestival 1967 gespielt habe.
Mit Geri Allen haben Sie das erste Mal eine Pianistin in Ihre Live-Band geholt:
Stimmt, über den Aspekt habe ich noch nicht nachgedacht. Geri Allen ist eine großartige Musikerin.
Ich mag das Piano, meine Entscheidung entsprang meinem Gefühl, dass sie die Richtige ist.
Viele Jahre war John Abercrombie Mitglied Ihrer Band. Hier in Montreux spielt er mit seinem eigenen
Quartett im Vorprogramm, und Sie laden ihn dann im Anschluss an Ihren Set zur Jam Session ein. Wie
lernten Sie John Abercrombie kennen?
Oh, das ist eine alte und lange Geschichte. Ich traf ihn in Boston, als er Berklee-Student war, das
muss Mitte der 60er gewesen sein. Er sagte mir, wie sehr ihn unsere Aufnahmen berührten und
prägten. Ich hatte damals mit Tony Williams, Gabor Szabo und Ron Carter das Album „Of Course,
Of Course“ für Columbia aufgenommen. Die Langspielplatte ist bisher leider noch nicht auf CD
veröffentlicht worden. John war besonders durch diese Aufnahme beeindruckt. Wir sprachen dann
noch öfter über den Reiz ungarischer Volksmusik und Gypsys und wurden enge Freunde. Er hat eine
einzigartige Technik. Ich brachte ihn mit Ravi Shankar zusammen. John baute mir eine spirituelle
Brücke zur Gitarre. Er ist ein sehr organischer, offener Mitspieler und agiert sehr konzeptionell. Unsere Wege passen einfach gut zueinander.
Wenn Sie über die Probleme sprechen, Vinyl auf CD herauszubringen, denke ich auch an die
Schwierigkeiten, die junge Musiker erleben, die mit lupenreinen Jazzproduktionen ihren Erfolg suchen.
Meist ist es leichter, mehrere Richtungen zu verbinden, so wie Sie das ja eigentlich immer in Ihrer Karriere erfolgreich getan haben. Was würden Sie Nachwuchsmusikern heute raten?
Nun, zunächst muss natürlich jeder seinen eigenen künstlerischen Weg suchen und finden. Ich habe,
wie Sie richtig sagen, nie in Kategorien gedacht. Mir war die Vorstellung, künstlerisch in einem Käfig
zu landen, zuwider. Ich mag Musik und wenn du Musik liebst, magst du eine Menge Musik. Wer Musik
macht, setzt geistige Energie frei, die die Menschen berührt. So ein Prozess passt nicht zu diesem
weitverbreiteten Schubladendenken. Alle großen Musiker, die ich verehre, klingen zeitlos gut, sie
stammen aus ganz unterschiedlichen Kulturen. Mit den ganz unterschiedlichen Welten und Anschauungen könnten wir hier auf der Erde doch eigentlich ganz harmonisch zurecht kommen. Ich bin ein
Träumer und Weltverbesserer, und meine Musik ist alles andere als konventionell oder Mainstream.
Ich will auch gar keinen Mainstream. Mich packt Ekstase, Bescheidenheit und Qualität, alles andere
lässt mich gleichgültig. Wir haben doch so viele Möglichkeiten. Wenn ich hier in der Jury über einen
Wettbewerb zu entscheiden habe, dann regt sich in mir ein Stachel von Widerspruch, da ich ein
kooperativer Typ bin. Ich möchte eigentlich auch nicht, dass junge Musiker nervös werden, wenn sie
mir vorspielen müssen, aber so ist nun mal die Natur. Selbst ich bin nervös, vor wirklich jedem Auftritt,
aber wenn ich die ersten Töne spiele, fühle ich mich ganz frei. Die Musik nimmt den Raum ein.
Was hinter Ihrer Frage auch steht, ist der Aspekt der Kommunikation und Qualität. Ich mache dankenswerter Weise Aufnahmen für eine Plattenfirma, die eine große Breite an Stilrichtungen veröffentlicht, alle aber auf einem sehr hohen Niveau. Ich empfinde es in einem solchen Umfeld immer wieder
herausfordernd meinen richtigen Platz zu finden, an dem ich meine eigenen Konzepte ohne jede
Fessel ausbreiten kann. Manfred Eicher und sein Team behandeln uns wie eine kleine Familie. Ich
fühle mich dort ausgesprochen zu Hause. Sie erlauben mir, mich als Künstler völlig ungebunden zu
fühlen, nach Ausdrucksmögiichkeiten abseits des konventionellen Hauptstroms zu suchen. Ich will
weder Mainstreamer noch Außenseiter sein, die Schwerkraft bringt mich mit Musikern zusammen, die
tiefe Emotionen miteinander teilen. Das ist auch mit Geri Allen so und der einzige Grund dafür, dass
sie jetzt in meinem Quartett ist.
Ich bin gegen jeden Anflug von Vorurteil und finde es bitter, wenn Leute aus ideologischen, politischen und ähnlichen Gründen von einer Sache ausgeschlossen werden. Als Kind habe ich Rassismus in den Südstaaten erlebt, es war sehr lehrreich, in solch einem Umfeld aufzuwachsen. Ich habe
dort aber auch unglaublich kreative Menschen getroffen, die mir innere Stabilität vermittelt haben.
Meine Vorfahren stammen aus allen möglichen Kulturen, wir sind doch alle gemischt, das ist doch
gerade der Lebensweg mit all den besonderen Erfahrungen. Ein reiches Erbe, das mir die Zuversicht
gab, kein Bürger zweiter Klasse zu sein. Diskriminierung und Feminismus spielen bei mir keine Rolle,
allein die künstlerische Qualität. Ich höre etwas in der Musik, das mich transzendieren lässt, bei Bobo
Stenson war mir das auch so ergangen. Nun noch einmal zu Ihrer Frage: Also, junge Musiker müssen
Musik lieben und wenn das der Fall ist, dann spielst du mit ganzer Hingabe und nicht um Preise zu
gewinnen oder um Illusionen zu entfachen. Das ist die Lebensschule, in der du vorankommen musst,
es geht um dein Karma. Taten haben Folgen, das ist Politikern, den sogenannten Führern, die sich
ständig in die Tasche lügen und die Bevölkerung außen vor lassen oder ausplündern, völlig fremd. Es
geht im Leben darum, sich nach innen zu wenden, frei zu werden und an den Allmächtigen oder Gott
oder wie immer du es nennen willst gut angebunden zu sein. Die Welt ist trickreich.
Wie ich in meinem Meisterkurs gestern erzählt habe, empfehle ich Aufrichtigkeit und Reinheit. Frucht
mag mehr oder weniger wachsen, das sollte aber nicht dein Hauptanliegen sein. Einige Leute kommen ganz gut mit der Suche nach viel Frucht zurecht, indem sie kommerziell gut verwertbare Musik
komponieren, das ist aber immer der kleinste gemeinsame Nenner. Mich haben vor allem Bluesmusiker geprägt, sie hatten auch die Frucht im Blick, aber sie hatten auch tief innen einen großen Geist.
Ich habe mir angewöhnt, hinter die Fassade zu schauen, hinter den Saiten die Tiefe eines Songs zu
erspüren. Als junger Mensch musst du den Drang spüren, mehr zu erfahren.
Du studierst, wirst besser und mit der Zeit erreichst du vielleicht die Reife, die ein Künstler braucht.
Als ich 17 Jahre alt war, hatte ich dafür überhaupt keinen Blick, ich wurde durch die Giganten, die
um mich herum wirkten, quasi mitgerissen, sie inspirierten mich ungemein. Hier im Wettbewerb sind
auch drei Australier dabei, die sehr talentiert sind, ganz offensichtlich sehr viele Platten gehört haben,
aber natürlich nie in direktem Kontakt mit ganz großen Musikern standen. Wie stark selbst Johann
Sebastian Bach und Beethoven Jahrhunderte später noch auf mich wirken, oder auch die wunderbare
Musik von Bartók, das ist ein Wunder. Was du tust, das hast du und das strahlst du auch aus. Ich war
als junger Mann ein Idealist und Denker. Ich wollte immer die Welt verändern, aber ich hatte natürlich
damals ziemlich wenig Erfahrungen mit der Welt. Da ich Disharmonien spürte, tauchte ich in meine
eigene Welt ab, erlernte die Sprache des Herzens und war dann fähig zu geben und machte so meine
Erfahrungen. Als junger Mensch läufst du doch zwischen schlafenden Elefanten, die jeden Moment
aufwachen können und dir zur Falle werden können. Du musst also in jedem Moment fleißig, schlau
und wachsam sein. Wachsamkeit erfordert aber auch Ruhe. Wenn du mit den Erfahrungen wächst,
Modelle kennen lernst, Helden oder Leute, die dich prägen, dann gelangst du als Musiker hoffentlich
an den ganz wichtigen Punkt in deinem Leben, dort, wo du deinen ganz eigenen Sound findest,
den nur du schaffen kannst. Man sagt über mich, dass ich Einflüsse aus unterschiedlichen Kulturen
in meiner Musik verarbeite, das stimmt. Ich lasse mich auf meine Umgebung ein, probiere aus und
artikuliere mich. Ich bin ein lebendes Beispiel dafür, dass alles, was mit Liebe in Songs einfließt,
zu Freiheit und Stärke führt. Wir sind zarte Krieger mit großen Herzen, aber eben auch mit genug
Stärke, um entschlossene Schritte nach vorne zu gehen. Junge Menschen müssen sich eine Menge
Fertigkeiten aneignen, und dadurch werden sie zwangsläufig in gewissem Maße konform, aber wenn
du echte Musik machen willst, brauchst du auch selbst gelebtes Leben. Das ist der Unterschied zu
den Übungsstunden. Wenn du aus deinem Übungsraum rausgehst, musst du herausfinden, was steigt
und fällt. Es geht um den Geist. Wir sind ja alle gute Geister. Unsere Körper haben keinen Bestand,
aber einiges von dem, was wir heute machen, ist vielleicht auch noch in 150 Jahren interessant. Ich
spiele auch nie gegen das Publikum, sondern versuche immer die intensivste Verbindung zu meinem
inneren Ich und zum Schöpfer aufzubauen, weil ich gläubig bin. Ich versuche niemanden zu bekehren,
aber ich glaube daran und wenn wir spielen, entfaltet sich guter Geist im Raum. Wir finden darin unsere Individualität, und das ist keine Handelsware sondern etwas Schönes und Freies. Dichter erleben
auch so etwas. Ich habe mit Sounds genug Erfahrungen gesammelt, als dass ich hier in einer Jury
den Stab über jemandem brechen möchte. Ich möchte durch Musik berührt werden, das erhebt mich.
Wenn junge Menschen aufwachen und mit ihren kleinen Flügeln schlagen, ist das schön zu erleben.
Du brauchst aber Anleitung, weil du nicht alles allein machen kannst, wir brauchen also mehr Meisterklassen. Das Musikgeschäft wird weitergehen, hoffentlich mit auch kleinen Labels, die integer und
gut arbeiten. Ich bin stolz darauf, mit solch einem Label verbunden zu sein. Sie schätzen mich und sie
schätzen andere, und das ist gut so.
Ludwig Jurgelt, Jazzpodium, 04/2004
Charles Lloyd: East is Everywhere
„One word dominates the recordings: joy. The word ‘play’ can ring trivial when applied to what serious musicians do, but here it’s appropriate. Lloyd and Higgins take full advantage to tumble over each
other in the ultra-free sax-drums format… Those instruments are only the foundation: both players
pry into every corner of their multiple virtuosities, with some really vivid combinations resulting. Higgins gets inside your chest with the thick string overtones of the North African guimbri while Lloyd’s
tenor dances around his partner’s unwestern scales, and they come to mind-stretching agreements
somewhere in the middle of the Atlantic.“
Greg Burk, LA Weekly
„An atmosphere of liberation empowers both participants on this uncommonly moving musical document…. „Which Way Is East“ gives us a fuller musical portrait of Billy Higgins than we ever expected
to have.“
Steve Futterman, Washington Post
„In short order, the listener moves through Ornette microtonality, Coltrane/Ali ecstaticism, Arabic
poetics, pre-depression blues… Territories traversed are immense.“
Steve Cline, Earshot Jazz
„A huge, sprawling record that seems to encompass much of what we understand today by world
music and yet returns inevitably to the jazz that inspired both Lloyd and Higgins throughout their
careers.“
Duncan Heining, Jazzwise
As the first, highly positive, reviews of „Which Way Is East“ came in, Charles Lloyd was in Europe, continuing to pay tribute to Billy Higgins, who died in May 2001, just four months after the duo recording
now issued as „Which Way Is East“.
At the end of March 2004, Lloyd performed a well-received solo concert at the Cully Festival in
Switzerland, prefaced by extracts from Dorothy Darr’s video „Home“ which documents Lloyd/Higgins
collaboration. In Cully, and at French dates in Grenoble and Amiens, he also played in duo with pianist
Geri Allen, the musician who had urged him to make public the tapes with Higgins, originally recorded
without thought of commercial release.
Taking the Billy Higgins tributes back to the States, Lloyd played further concerts with Higgins-inspired drummer Eric Harland and tabla master Zakir Hussain in San Francisco and Seattle. More such
memorials are on the way.
Meanwhile, „Which Way Is East“ has entered the Billboard Traditional Jazz Chart at Number 13, a
singular achievement for a record as resolutely unconventional, traditional only in the sense that it
reanimates the tradition of jazz as „the sound of surprise“.
http://www.ecmrecords.com/New/Diary/41_Charles-Lloyd.php?cat=&we_start=0&lvredir=733
Songs of the Spirit
Charles Lloyd und Billy Higgins, mehr als ein Dutzend Instrumente und jede Menge Kreativität: „Which
Way Is East?“ ist noch großartiger als die Summe seiner Teile.
“We‘re singing songs of the spirit“, erklärte Charles Lloyd im Januar 2001 diese Aufnahmen. Mit
seinem Freund und langjährigen Drummer Billy Higgins traf er sich damals immer wieder zu Hause
zum Musizieren, stunden- und tagelang. Die Bandmaschine galt dabei eher einer privaten Erinnerungshilfe an spontane Ideen als einer öffentlichen Dokumentation. Dass es jetzt doch zur Veröffentlichung einiger dieser manchmal überraschenden, immer faszinierenden Aufnahmen kommt, liegt auch
daran, dass Higgins wenige Monate später gestorben ist. Oberflächlich betrachtet, präsentiert die
Doppel-CD sicher auch die Spielfreude zweier alter Freunde, befreit von Zwängen und Konzepten,
experimentierfreudig im kreativen Kokon der Privatsphäre. Sie spielen neben ihren „eigentlichen“ Instrumenten (Lloyd: Tenorsaxophon, Higgins: Drums) auch allerhand ungewöhnliches Musikmachwerk.
Higgins etwa Guimbri, Lloyd Taragato und tibetanische Oboe. Dazu singen sie beide, spielen Gitarre
(Higgins), Bass, Piano, allerlei Flöten und sogar Altsax (Lloyd). Mal meint man fernöstliche Tempelklänge zu erkennen, dann afrikanische Chants und einen handfesten, erdrutschigen Blues. Die Tatsache,
dass man hier zwei Meistermusikern sozusagen während des Schaffensprozesses über die Schulter
lauscht, ist nur die eine Seite. Viel schwerer wiegt das unbeschreibliche Gefühl Klang gewordener
Kameradschaft. So klingt es, wenn gute Geister ihren Spirit zum Singen bringen.
Jazzecho, Nummer 1, Jahrgang 7
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Denys Baptiste ‘Let Freedom Ring!’
Denys Baptiste – tenor sax
Nathaniel Facey – alto sax
Abram Wilson – trumpet
Trevor Mires – trombone
Andrew McCormack – piano
Giorgio Serci – guitar
Gary Crosby – bass
Rod Youngs – drums
Satin Singh – percussion
Omar Puente – violin
Jenny Adejayan – cello
Marc Silver – visuals
Marc Francis – visuals
www.dunejazz.com
Denys Baptiste: In Brief
Born in London of St Lucian parents in 1969, Denys studied music at school from the age of 13 and,
in 1990, went on to study at the West London Institute (Brunel University). In 1992, he continued his
music education at London‘s Guildhall School of Music, studying under former Jazz Messenger, Jean
Toussaint.
From the moment he joined the London jazz circuit, Denys displayed extraordinary talent, energy and
commitment. Spotted by veteran Jazz Warriors double bassist, Gary Crosby at the bassist‘s regular
Tomorrow’s Warriors jam sessions, Denys was immediately invited to join Crosby‘s new band, Nu
Troop. Since then, Denys has soared in his development as a soloist and bandleader, earning enormous respect from his peers.
His colossal talent - based on a powerful technique and an ability to improvise fluently and effortlessly across a wide range of musical styles - is matched only by his unfettered energy which takes
him and his audiences into the musical stratosphere. An evening with Denys guarantees a display of
unsuppressed expression; ranging from sweet „saxuality“ to breathtaking, edge-of-your-seat virtuosity. Over the years, Denys has evolved into what the Time Magazine describes as „the icon of British
jazz“, with a most distinctive and immediately recognisable sound.
A much sought after soloist, Denys has played/recorded with some of the biggest names in jazz and
other genres including McCoy Tyner, Andrew Hill, Ernest Ranglin, Bheki Mseleku, Marvin „Smitty“
Smith, Michael Bowie, Courtney Pine, Manu Dibango, Steve Williamson, Julian Joseph, Jason Rebello, Gary Crosby, Martin Taylor, Lonnie Plaxico, Ralph Moore, Billy Higgins, Sean Oliver, Jean Carne,
Marlena Shaw, Noel McCoy, Juliet Roberts, Incognito, Jazz Jamaica, The Jazz Warriors, and others of
distinction.
Denys is an amazingly versatile musician and, although his roots are steeped in the jazz tradition,
he incorporates ideas from other musical forms and popular culture, producing a repertoire which
is contemporary, multi-layered and highly accessible. He is also an enormously talented composer/
arranger, whose brilliant compositions have already earned him immense critical acclaim.
1999
2000
2001
2003
Debut album Be Where You Are (Dune Records DUNECD03)
Mercury Music Prize for An Album Of The Year 1999
MOBO Award for Best Jazz Act 1999
British Jazz Award for Rising Star 2000
Album Release Alternating Currents (Dune Records DUNECD05)
Album Release Let Freedom Ring! (Dune Records DUNECD010)
In addition to his musical talents, Denys is also an excellent radio presenter, having presented jazz
shows for BBC Radio 3 for live and relayed broadcasts.
Denys is now regarded as one of the leading lights in British jazz. His latest album project, Let Freedom Ring! - featuring an explosive international lineup and the voice/poetry of Booker Prize winning
author, Ben Okri - was released in September 2003, again to great critical acclaim. Let Freedom Ring!
tours internationally in 2003/04 with an optional synchronised multimedia set mixed by acclaimed VJ
artists, Yeast.
About Denys Baptiste ...
Denys took his first lessons in music at the age of 13. He was considered too small to hold a tenor
sax so, to placate the aspiring saxophonist, he was given a clarinet instead. But he was never happy
with the instrument; his inner urge was to play tenor sax and, at 14, he had grown the required number of inches to merit being awarded his first dream instrument.
His introduction to jazz came from videos of Morrisey-Mullen shown by the music teacher at his
school, and from listening to recordings by Charles Mingus and Count Basie. At a time when his contemporaries were decorating their schoolbook covers with pictures of the likes of Duran Duran and
Depeche Mode, Denys was covering his with images of John Coltrane and Tubby Hayes. Another hero
who made it to the front cover of his books was the man who inspired so many young Black British
musicians, and who later became one of Denys‘ key influences and mentors: Courtney Pine.
In 1990, after completing an HND in Engineering, Denys went on to study music for two years at the
West London Institute (Brunel University) and, in 1992, was accepted onto the jazz course at London‘s Guildhall School of Music.
Throughout his period of study, Denys participated in workshops led by saxophonist Tim Whitehead,
often getting the chance to „sit in“ with his band in late night sessions at the 606 Club, Chelsea. He
also performed with pop and funk bands which led to appearances on BBC Television, including the
popular chat show, Wogan.
But it was his performance at Watermans Arts Centre, Brentford in the second half of 1992 that started the ball rolling for Denys and opened the door into one of Britain‘s most prestigious jazz networks.
At this time, Watermans Arts Centre was hosting Tomorrow‘s Warriors, a series of open jam sessions
for young jazz musicians organised by double bassist and original Jazz Warrior, Gary Crosby. Although Gary himself was not there to witness Denys‘ performance, his session leader, alto saxophonist Brian Edwards, was sufficiently impressed to take his details and pass them on.
Within a week, Denys received a call from Gary inviting him to come to his Jazz Cafe jam sessions in
Camden the following weekend. Denys demonstrated such remarkable technique, energy, swing and
commitment that, in a matter of weeks, he was taken on as the tenor saxophonist in Gary Crosby‘s
Nu Troop.
Soon after, in 1993, Denys became a member of The Jazz Warriors, the seminal big band founded in
the mid1980s by Courtney Pine et al, and which has been responsible for producing some of the UK‘s
leading lights in jazz.
1993 and 1994 were hugely successful years for Denys which took him on UK tours with Bheki
Mseleku (with Marvin „Smitty“ Smith and Michael Bowie) supporting the Brecker Brothers, David Sanborn, AI Jarreau and Courtney Pine - and Gary Crosby‘s Nu Troop. He also got to play in bands led by
Julian Joseph, Jason Rebello, Omar, and Orphy Robinson, to name but a few.
By 1994, Denys had taken some giant steps, gaining maximum respect from his musical peers. It
is widely believed that when Courtney Pine handed down one of his treasured Selmer Mk VI tenor
saxophones to Denys in September 1994, it was a clear sign of the respect he has, and his great
expectations for this outstanding young player. It is also evidence of his high calibre that, in January
1995, Denys was called to take his place on stage alongside Courtney Pine and Steve Williamson at a
concert at the Jazz Cafe, London taking Denys to a new and higher level.
Since then, Denys has been called to record with artists as diverse as Incognito, Jazz Jamaica, Emest
Ranglin, Gregory Isaacs, Juliet Roberts, Montage, J-Life, Gary Crosby‘s Nu Troop, The Jazz Warriors,
Ciyo Brown, and on a British all-star Tribute To Bob Marley produced by Courtney Pine (ONE LOVEA TRIBUTE TO 808 MARLEY, Mercury Music Entertainment/Polygram 1996). He also had two of his
original compositions recorded - 741 and Incentricity-on Gary Crosby‘s Nu Troop album, MIGRATIONS (Dune Records, 1997).
In July 1998, Gary Crosby‘s Nu Troop — of which Denys is a member — won the award for Best
Ensemble 1998 in the International Band Competition at the prestigious Jazz à Vienne Intemational
Festival in France. The band won FRF 30,000 (£2,900) and performed on the main stage to open the
last night of the festival in front of an audience of 8,000+ in the spectacular open air Roman amphitheatre Théâtre Antique. This performance was recorded and broadcast on French radio and television. Denys also won Best Soloist 1998 (3rd) in this major international competition.
Denys rounded off 1998 with the recording of his debut album, BE WHERE YOU ARE (Dune Records
DUNECD03, released April 1999). It is an incredible debut recording, featuring seven of his original
compositions and three superb arrangements of other composers‘ works. The album also features
a track, Have A Talk With God (Stevie Wonder) performed by the glorious and hugely popular R‘n‘B
vocalist, Juliet Roberts (courtesy of Delirious Records).
Jazz on 3, BBC Radio 3‘s Saturday night contemporary jazz programme selected Denys to represent
the Best of British jazz at the European Broadcasting Union (EBU) Jazz Festival in May 1999 which,
this year, formed part of the Karlovi Vari International Jazz Festival in Prague, Czech Republic. He performed two concerts with his quartet, broadcast worldwide by international broadcasting companies.
In July 1999, Denys travelled to Canada with Jazz Jamaica at the Ottawa International Jazz Festival
and Du Maurier Atlantic Jazz Festival, Halifax, immediately followed by a recording with Ernest Ranglin for the great Jamaican guitarist‘s new album, MODERN ANSWERS TO OLD PROBLEMS, for Palm
Pictures (released on Telarc).
August saw Denys travelling south with the Damon Brown Quintet for an appearance in the Red Sea
Jazz Festival, and in September 1999, just a week before his 30th birthday, Denys - along with 11
other top artists including Blur, Manic Street Preachers, Chemical Brothers, and Talvin Singh - was
the recipient of one of the UK music industry‘s most coveted awards for „An Album Of The Year“ in
the 1999 Technics Mercury Music Prize, celebrating the top 12 Albums Of The Year across all musical
genres. To receive such a tremendous accolade so early in his solo career was a significant achievement, especially with a debut jazz album.
Just a few weeks later, at an international star-studded ceremony held at London‘s Royal Albert Hall,
world champion boxer Chris Eubank announced Denys Baptiste as winner of the prestigious Malibu
1999 MOBO Award for Best Jazz Act.
1999 was rounded off with news that one of Britain‘s top soap operas, BBC TV‘s Eastenders was
to play one of his original tracks from the album, Be Where You Are in a romantic teenage farewell
scene! Proof indeed of the accessibility of Denys‘ music that it could be used for prime-time television.
In April 2000, yet another award was bestowed on this remarkable artist: The British Jazz Award for
Rising Star 2000. The year 2000 was a great year for Denys. Not only did he tie the matrimonial knot
with his partner of 6 years, but also he had an eventful schedule which saw him touring internationally
in Russia, Netherlands, France, Germany, ltaly, Sweden, Greece and the Caribbean, both with his own
band and as a special guest with other artists including the Jazz Jamaica All Stars and Martin Taylor.
He also made his debut, with the Denys Baptiste Quartet, at the prestigious North Sea Jazz Festival in
The Hague, the RomaEuropa Festival in Rome, and the Berlin Jazz Festival, Germany.
In 2001, Denys toured extensively with a number of top artists including McCoy Tyner UK All Stars,
Manu Dibango Afro Funk Orchestra, Jazz Jamaica All Stars, Juliet Roberts, Martin Taylor, and others.
He also travelled far and wide with performances in Europe, Zimbabwe and New Zealand. September
2001 saw the release of his much-anticipated second album for Dune Records, Altemating Currents
(DUNECD05) this time working with a larger band featuring Martin Taylor and Juliet Roberts. As with
his debut, Alternating Currents received great critical acclaim and consolidated his position as one of
the top saxophonists in Europe.
Denys undertook an extensive one-month UK tour with Martin Taylor in October 2001, followed in November with a special appearance with his own Alternating Currents band in the prestigious London
Jazz Festival where he made his debut in the 3,000 capacity Royal Festival Hall, London double billed
with the top young US saxophonist, Joshua Redman. The show was broadcast live on BBC Radio 3
and BBC World Service, and webcast on the BBC Radio 3 website.
February 2002 was an important month for Denys as it marked the birth of his first child, coinciding
with the start of a major tour which took his 8-piece band all over the UK and to Hamburg, Germany.
Both events have proved life-changing but career-wise, the tour, combined with a week-long residency at the renowned Ronnie Scott‘s Club, London helped him to make further leaps as a bandleader
and performing artist, and to considerably broaden public and media awareness of him. His continued
involvement with the hugely successful skazz (ska/jazz) big band, Jazz Jamaica All Stars has also
served to broaden his appeal and, following his appearance with the band at the Banlieues Bleues
Festival in Paris, he has been booked to tour internationally as a featured guest in a quintet led by
Paris-based US trombonist, Sarah Morrow.
Exciting news arrived in May 2002 with confirmation that Denys was to host a number of BBC Radio
3‘s highly popular Jazz Lineup shows which broadcast on Saturday afternoons. BBC Radio 3 Producer, Keith Loxam commented, „We‘re very excited to have Denys as a presenter for the show. We
like his fresh new approach and are confident that he will bring a new dimension to the programme.“
July 2002 saw Denys back in the studio, working again with Juliet Roberts but this time as a featured
artist on her debut album for Dune, Beneath The Surface (DUNECD07). As well as performing, Denys
worked on a few arrangements of tracks previously co-written with Juliet. Over the next year, Denys
worked on a new music commission and toured with Jazz Jamaica All Stars and top US pianist,
Andrew Hill.
In September 2003, Denys released his third album Let Freedom Ring! (Dune Records DUNECD010).
Commissioned by the acclaimed Cheltenham International Jazz Festival, Let Freedom Ring!
celebrates the 40th anniversary of the historic ‚I Have A Dream‘ oration by American black civil
rights activist, Dr. Martin Luther King, pays tribute to those who have fought to overcome oppression
and injustice, and encourages us to celebrate our cultural diversity on a global level. Crafted in four
movements: Have a Dream, With This Faith, Let Freedom Ring!, and Free At Last!, the suite marks
a key stage in Denys‘ development as a composer, showcasing his immense writing and arranging
talents. This was the first time that he has written for such a large ensemble, and the first time he has
incorporated spoken word with his music, collaborating with Booker Prize-winning author Ben Okri.
Complementing the deep resonance of Denys‘ music, Okri fuses extracts from his epic poem Mental
Fight to accentuate the simple yet profound ideas exemplified by Dr. King. The message that Baptiste
shares with Dr King is that we must maintain our faith in a positive outcome, and so Let Freedom
Ring! is a joyously uplifting, celebratory, and totally accessible piece which is guaranteed to invoke
the most positive vibes in all who hear it.
A further development to the piece is a collaboration with the brilliant VJ artists, Yeast to produce
inspired video projections mixing documentary and live footage synchronised with the live performance by Denys‘ band. Let Freedom Ring! tours internationally in 2003/04 with optional synchronised
multimedia set by Yeast.
www.denysbaptiste.com
Denys Baptiste
Eine der zentralen Figuren der Nu Troop ist Saxofonist Denys Baptiste. Vierzehn Jahre jünger als
Crosby, gehört auch er zu den Visionären, die den Britjazz von seinen Fashion, Style und Ideologie
getränkten Fesseln befreien und fit fürs neue Jahrtausend machen ohne die Tradition aus dem Auge
zu verlieren. Er hat einen weich eleganten, singenden Ton, dessen Expressivität oft zwischen den
Noten liegt. Kritiker bescheinigen ihm Swing und Drive. Baptiste klingt wie ein alter Weiser, der die
Botschaften der Altvorderen des Jazz nicht nur spielerisch übernommen, sondern verinnerlicht und
sie nun auf federleichte Weise an sein Publikum weitergibt. Von Gary Crosby Anfang der Neunziger
für die Tomorrow‘s Warriors Jam Sessions entdeckt, lieh er sein Horn unter anderem Courtney Pine,
Steve Williamson, Bheki Mseleku, Incognito, Jason Rebello, Billy Higgins und Lonnie Plaxico. Pine
brachte ihm nicht nur bei, sich selbst auszudrücken, sondern sich vor allem selbst treu zu bleiben.
Der sympatische Glatzkopf, dessen Lachen immer noch wie eines Teenagers wirkt, ist ganz Saxofon.
Gegenüber der Times witzelte er: »Mein Horn ist niemals weiter als einige Fuß von mir entfernt. Ich
nehme es sogar mit ins Bett, obwohl ich natürlich auch noch ein paar andere Freunde habe. Nicht
einmal meine Freundin darf es berühren. Jedes Saxofon hat seinen eigenen Charakter.“ Einen Charakter, der trotz aller spielerischen Leichtigkeit unter Händen und Lunge von Denys Baptiste nur an
Ausprägung gewinnen kann.
Wolf Kampmann aus einem Text zum Auftritt von The Dune Allstars während des Jazzfest Berlins 2000
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Gerd Dudek International Quartet
Gerd Dudek – tenor + soprano sax
John Parricelli – guitar
Chris Laurence – bass
Tony Levin – drums
Quasimodo
Gerd Dudek
Gerd Dudek, ts.& ss., wurde 1938 in Groß Döbern, dem heutigen Polen geboren. Nach seinem Studium spielte er zunächst von 1960 - 64 in der Kurt Edelhagen Big Band, bevor er Mitglied im Manfred
Schoof Quintett wurde, damals mit Alexander von Schlippenbach und Buschi Niebergall. Als Mitglied
im Quartett von Albert Mangelsdorff sowie bei den German All Stars unternahm er Tourneen nach
Asien und Südamerika.
Gerd spielte im Quartett mit Alan Skidmore und Adelhard Roidinger und war einer der Mitbegründer
des European Jazz Quintett / Ensemble. Noch heute ist er Mitglied im Contemporary Orchestra von
Alexander von Schlippenbach und im „Globe Unity“. Dudek unternahm Plattensessions 1971 in Japan
und machte weitere Aufnahmen mit den unterschiedlichsten Gruppen und Solisten. Tourneen in
den 60er Jahren mit Don Cherry und Georg Russel. Seit 1982 auch Mitglied in „The Quartet“ mit Ali
Haurand, Rob van den Broeck und Tony Levin. Er unternahm mit The Quartet und The Trio (Dudek,
Haurand, van den Broeck) Tourneen durch Kanada, Australien und weiteren 24 europäischen Ländern.
Gerd Dudek & Smatter
Die Musik dieses kooperativ geführten Quartetts hat in starkem Maße mit der Tradition und mit
Erneuerung zu tun und mit dem Bestreben, über die Wertschätzung der Jazzhistorie zu einem eigenen und aktuellen Ausdruck zu gelangen. John Coltranes Spiel, Spiritualität, Message, Ausstrahlung
bedeuten zweifellos für diese vier Musiker eine essentielle (und existentielle) Erfahrung.
Eben deshalb können und wollen sie die Entwicklung nicht nachahmen, geht es ihnen vielmehr um
die Fortsetzung, um Eigenes.
Gerd Dudek zählt seit Anfang der sechziger Jahre zu den herausragenden Saxophonisten der
deutschen Jazzszene. Unter den vielen Musikern, die sich von John Coltrane inspirieren ließen, kann
er zu den wenigen gerechnet werden, die auf diesem Weg zu einem unverwechselbaren Ausdruck
gelangt sind. Gerd Dudek spielte zunächst in der Helmut Brandt Combo, dann bis 1964 bei Kurt Edelhagen und anschließend bis 1967 in dem für den neuen Jazz bahnbrechenden Quintett um Manfred
Schoof. Tourneen mit dem Albert Mangeldorff Quartett und den German All Stars führten ihn nach
Asien und Lateinamerika.
Gerd Dudek spielte im Quartett mit Alan Skidmore und war 1976 einer der Mitbegründer des von Ali
Haurand initiierten EUROPEAN JAZZ ENSEMBLE. Zu den zahlreichen Musikern, mit denen er zusammenarbeitete, zählen George Russel, Don Cherry, Rolf und Joachim Kühn. Seit 1982 spielt Dudek in
THE QUARTET mit Ali Haurand, Tony Oxley und Rob van den Broeck. Gerd Dudek ist Mitglied in der
Big Band von Manfred Schoof sowie des Berlin Ćontemporary Jazz Orchestra & Globe Unity´ von
Alexander von Schlippenbach.
Tony Levin
Tony Levin, dr., wurde 1940 in Shropshire, England, geboren.
Bereits im Alter von 13 Jahren studierte er Schlagzeug und Jazz-Improvisation. Als Hausschlagzeuger
im Londoner Ronnie Scott Club gab es sehr früh eine Zusammenarbeit mit internationalen Jazz Stars.
Um einige zu nennen: Al Cohn, Zoot Zims, Steve Lacy, Hank Mobley, Toots Thielemans, Dave Holland, Harry „Sweet“ Edison, Eddie Lockjaw, Davis, Kenny Wheeler, Lee Konitz, Gary Burton und Joe
Henderson. Von 1966 - 69 war Tony Mitglied im Quartett des legendären Saxophonisten Tubby Hayes
mit Mick Pyne und dem Bassisten Ron Mathewson. Später im Quintett von Kenny Wheeler und im
Duett mit John Surman. Konzert und Aufnahmen mit Keith Tippett, Paul Dunmall, Paul Rogers, Elton
Dean, Larry Stabins, Evan Parker, John Tayior, Andy Sheppard. Tourneen durch Europa mit der Gruppe
„Nucleus“. 1979 Einstieg bei „Third Eye“ mit Wilton Gaynair und Ali Haurand. Seit 1989 Mitglied im European Jazz Ensemble. Über 75 Platten und CDs dokumentieren seine Arbeit in der Welt der Improvisationmusik.
John Parricelli
Began his professional guitar playing career in 1982, and has since worked in various areas of music.
He was one of the founder members of Loose Tubes in the 80‘s, touring and recording three albums.
Since then he has pursued a varied career, working with Kenny Wheeler, Andy Sheppard, Iain Ballamy,
Norma Winstone, Lee Konitz, Paul Motian, Julian Arguelles, WDR Band with Peter Erskine and Vince
Mendoza, and Gerard Presencer amongst others. He leads his own quartet, plays in a trio, Ordesa,
with Kenny Wheeler and Stan Sulzmann, and has a duo with Andy Sheppard. He is also in demand as
a studio player for pop artists and movie scores.
Chris Laurence
Chris Laurence was born in London and studied at the Guildhall school of music. Since then he has
maintained a dual carrer in both jazz and classical music. He plays regularly with John Surman, Kenny
Wheeler, John Taylor and Andy Sheppard. In the classical world he was principal double bass with
the Academy of St. Martin in the Fields until 1995, playing on many of their famous recordings ranging from the film “Amadeus” to Benjamin Britten’s “Curlew River”. Jazz artists he has recorded with
include J. J. Johnson, Tony Coe, Joe Williams and Norma Winstone. Most recent recordings are John
Surman’s “Coruscating”, Andy Sheppard’s “Dancing Man and Woman”, Kenny Wheeler’s “Kayak” and
Norma Winstone’s “Manhattan in the Rain”. He also spends a lot of time recording music for tv, film
and albums, most notably “Leaving Las Vegas” and “the Man who Cried” with the Kronos Quartet.
Gerd Dudek
Smatter
(Psi)
This second album on Evan Parker‘s Psi label is a bit of a shock in a couple of ways. Though Dudek‘s
name will be familiar to any fan of European Free Jazz as a member of the Globe Unity Orchestra and
veteran of sessions with Tony Oxley, Peter Brotzmann. Misha Mengelberg etc, surprisingly this is his
first outing as solo leader, at the age of 63.
Secondly, this is an album of tastefully executed, tuneful modern jazz that would be worthy of a label
like Enja or ECM (not to decry Mr Parker‘s rather excellent imprint). Dudek‘s partners are seasoned
Britjazzers guitarist John Paricelli, bassist Chris Laurence and drummer Tony Levin.
Three tunes by trumpeter Kenny Wheeler (also a Globe Unity veteran) open the record. Dudek’s airy
yet precise phrasing seems ideally suited to Wheeler’s compositional style, particularly the winding,
aching melody of “Phrase Three” and the mournful “Ma Bel”.
Though the influence of late John Coltrane made itself felt in Dudek’s freer playing, here it’s an
earlier Coltrane, still steeped in Lester Young and Sonny Rollins, that filters through. Dudek marries
Coltrane’s full, emotive tone with the weightless grace of Wayne Shorter; his unaccompanied solo on
“Body and Soul” is a tour de force; he then locks horn(s) with Levin’s polyrhythmic assault to provide
the albums most fiery moments. The tricky bop pileups of George Coleman’s “By George” is an ideal
vehicle for some nimble, gently oblique tenor, while Jimmy Rowles’s “The Peacocks” features the
leader’s sweet toned soprano, plus a finely articulated guitar solo from John Paricelli.
Paricelli’s delayed, swelling chords recall early Bill Frisell, though his soloing eschews quirky fusion stylings for a sparkling, vibrant melodicism. The much undersung Laurence is one of the
UK’s great bassists; whether with bow in hand or with fingers, he propels, comment and suggests
throughout, yet is as unobtrusive as the ground you walk on. His solo on “Ma Bel” is a thoughtful, melodic jewel, which is a pretty good way to sum up the whole album. Much credit goes to Evan Parker
and Emanem boss Martin Davidson for putting this one out. More please...
Reviewer: Peter Marsh, www.bbc.co.uk/music/jazz/reviews/dudek_smatter.shtml
MaerzMusik
Theatertreffen
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JazzFest Berlin
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Jugendwettbewerbe
Martin-Gropius-Bau
Ausstellungen
Berliner Lektionen
presseinfo
Die Konferenz
Karl Godejohann – drums, samples
Hartmut Kracht – bass
Veit Lange – tenor sax, bass clarinet
Uwe Niepel – guitar, samples
Quasimodo
www.diekonferenz.de
Die Konferenz - Jazz Moderne
Vier Musiker, sechs akustische Instrumente und jede Menge elektronische Sounds und Samples:
Das ist DIE KONFERENZ, das neue Bandprojekt der ehemaligen „Alte Leidenschaften“-Musiker Uwe
Niepel und Karl Godejohann. Die beiden Bielefelder gehören zu den wenigen Jazz-Musikern, denen
es gelingt, akustische Instrumente und elektronische Sounds und Samples live zu einer wirklichen
Einheit zu verbinden. Verstärkt durch die Essener Musiker Hartmut Kracht, Kontrabass und Bassgitarre (Das Böse Ding) und den Tenorsaxophonisten und Bassklarinettisten Veit Lange (Supernova)
tagt DIE KONFERENZ erneut im Bunker. Die Musik steckt voller Überraschungen: Noise-Sounds und
elegante Melodielinien, Virtuosität und Herz, Musizierlust und kompositorische Finesse, Groove und
Expressivität. Ziel ist die Balance zwischen Melodie und Innovation, hochmodern, aber dem Grundsatz verpflichtet: der Mensch macht die Musik!
www.bunker-ulmenwall.de/kalender/einzeln_veranstaltung/vnr936.html
Die Musiker
Uwe Niepel • Gitarre und Samples. Mit der Gruppe ALTE LEIDENSCHAFTEN in den 90iger Jahren in
den Jazzclubs Deutschlands unterwegs und auf vielen europäischen Festivals vertreten. Mit dieser
Gruppe 3 CDs (u.a. mit Ray Anderson,tb). Filmkomponist (u.a. für den besten Kurzfilm ‚Oberhausener
Kurzfilmtage 1998‘) und Produzent multi-medialer Klanginstallationen. Lebt als freiberuflicher Musiker
in Bielefeld.
Hartmut Kracht • Kontrabass und Bassgitarre. Sonst Bassist von u.a. DAS BÖSE DING, AUTOFAB,
SUPERNOVA. Mitwirkung in zahlreichen Bands (u.a. HANS LÜDEMANNS RISM mit MARC DUCRET
und MARC FELDMAN) und auf entsprechend zahlreichen CDs. Seit 1991 auch Solokonzerte für
Kontrabass (CD ‚Kontrabass pur‘, JazzHausMusik Nr.103). Lebt als freiberuflicher Musiker in Essen.
Veit Lange • Saxophone und Bassklarinette. Absolvent des Jazzstudiengangs der FolkwangHochschule Essen. Gewinner des renommierten Folkwangpreises 1996 mit der Gruppe UNFINISHED
BUSINESS. Seither u.a. mit SUPERNOVA, ANDREAS WAHL EXPERIMENTAL BAND und PETER
EISOLDS OKTOGON unterwegs. Lebt als freiberuflicher Musiker in Essen.
Karl Godejohann • Schlagzeug und Samples. Wie Uwe Niepel Gründungsmitglied der Gruppe
ALTE LEIDENSCHAFTEN. Seit Ende der 80iger Jahre Spezialisierung auf die Verbindung vom
Akustik-Schlagzeug und elektronischen Sound/Samples. In diesem Bereich auch Solo- und DuoKonzerte. Außerdem u.a. auch TAUSEND NACKTE MÖNCHE (The Music Of Thelonious Monk) und
Theatermusik. Lebt als freiberuflicher Musiker in Bielefeld.
www.diekonferenz.com

JazzFest 04 Pressemappe

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30. November 2012