Filmförderpreis der Robert Bosch Stiftung für Internationale

Transcription

Filmförderpreis der Robert Bosch Stiftung für
Internationale Zusammenarbeit Deutschland/Osteuropa
Film Prize of the Robert Bosch Stiftung for
International Cooperation Germany/Eastern Europe
Preisträger 2009-2012 :: Winners 2009-2012
Kurzfilme :: Short Fiction Films
Dokumentarfilm :: Documentary
Animationen :: Animated Films
Einführung
Inhaltsverzeichnis :: Contents
Einführung :: Introduction . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
Kurzfilme :: Short Fiction Films
Preisträger :: Film Prize Winner 2009:
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At Home . . . . . . . . . . . . . . 5
Panihida. . . . . . . . . . . . . 12
Wonderland. . . . . . . . . . 19
Not the Time for Guitars. 26
Dokumentarfilm/Animationen :: Documentary/Animated Films
The Magical Journey of the Useless Things . . . . . . . . . . . . . . . . . 33
Preisträger :: Film Prize Winner 2009: Alerik . . . . . . . . . . . . . . . 40
Preisträger :: Film Prize Winner 2010: Father . . . . . . . . . . . . . . . 47
The Little Red Paper Ship . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 55
Redaktion :: Editor Booklet: Karin Schyle, Frank W. Albers
Übersetzungen :: Translation: Kerstin Trimble, Karin Schyle
Lektorat :: Revision: Franziska Schuster
Design: Christin Albert, Tanja Frey
DVD Producer: Gert Rahn, wave~line
DVD Extras: Steffen Kayser
Seit 2004 unterstützte die Robert Bosch Stiftung mit ihrem
Filmförderpreis für internationale Zusammenarbeit junge Nachwuchstalente aus Deutschland und Osteuropa. In der dritten
Edition unserer DVD-Reihe stellen wir Preisträger aus den
Jahren 2009 bis 2012 vor. So wie das Programm des Filmförderpreises sind auch die Filmemacher gewachsen. Die nominierten
Projekte und ihre Teams, die der deutsch-osteuropäischen Jury
zur Bewertung vorgestellt wurden, haben ein hohes internationales Niveau erreicht. Der Filmförderpreis versteht sich dabei
nicht nur als Filmförderung. Die Robert Bosch Stiftung führte
mit dem Programm junge Nachwuchsfilmemacher aus Deutschland und Osteuropa an erste Koproduktionen heran und förderte
den gegenseitigen Austausch. Eine der Voraussetzungen war,
dass die Produktion in beiden Partnerländern durchgeführt
wurde. Die Filmemacher konnten so in die unterschiedlichen
Arbeitsweisen in beiden Zielregionen eintauchen. Der Filmförderpreis bot zudem ein vielfältiges Workshopprogramm an. In
Zusammenarbeit mit Partnerfestivals wurden Projektbörsen
zur Teamfindung in Osteuropa organisiert. Beim Nominiertenforum profitierten die nominierten Teammitglieder von Expertenwissen. Konnten die Filmemacher dann die Jury von ihrer
Filmidee überzeugen und den Filmförderpreis in Höhe von bis zu
70.000 Euro gewinnen, evaluierte die Fachjury die Realisierung
des Films auf halbem Wege. Nach Fertigstellung kaufte unser
Medienpartner ARTE mindestens einen Gewinnerfilm an. Aus
diesem gemeinsamen Weg entstanden neben herausragenden,
oft preisgekrönten, Filmen, viele professionelle Partnerschaften
sowie ein gut etabliertes Netzwerk – der Schlüssel für zukünftige erfolgreiche Koproduktionen. Wir freuen uns, in dieser DVD
Zeugnisse aus dieser Arbeit und das filmische Schaffen unserer
Preisträger zeigen zu können.
Frank Albers,
Projektleiter »Kunst und Kultur« der Robert Bosch Stiftung
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Introduction
Zuhause/Kod Kuće :: At Home
Since 2004, the Robert Bosch Stiftung has been supporting young
talents from Germany and Eastern Europe with its Film Prize for
International Cooperation. In this third edition of our DVD-collection, we present you the award winners from the years 2009 to
2012. The Film Prize program has grown, as have the filmmakers.
The nominated projects and their teams, which are reviewed by a
German-Eastern European jury, have attained a high international
level. The Film Prize is about more than promoting the medium of
film. With this program, the Robert Bosch Stiftung introduced the
young filmmakers to their first coproductions, thus encouraging
mutual exchange. To be eligible, the films had to be produced in
both partner countries, which gave filmmakers the opportunity to
immerse themselves in the different work cultures of both target
regions.
The Film Prize also offered a wide array of workshops. In cooperation with partnerfestivals Project Markets were organised in Eastern
Europe to help teams find each other. At the Nominee Forum, the
nominated teams were able to pick the brains of experts: Project
counselors helped edit their scripts or treatments, animation experts took a critical look at storyboards, and producers took a sharp
pencil to project budgets. Pitching coaches helped teams rehearse
their presentation before the jury. Those filmmakers who won
the Film Prize in the amount of up to 70,000 Euros, continued to
receive support from the expert jury, who also conducted an interim
evaluation halfway through the project. After completion, our media
partner ARTE bought at least one winning film.
This journey together has yielded excellent, often award-winning
films, as well as many professional partnerships and a well-established network – which is the key to future successful coproductions. We are thrilled to present you the outcome of this work and
the cineastic creations of our prize winners on this DVD.
Deutschland/Serbien :: Germany/Serbia 2011
19 Min., 35 mm Cinemascope, Farbe :: Color
Frank Albers,
program officer »Arts and Culture«, Robert Bosch Stiftung
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Regie :: Director: Nenad Mikalački
Buch :: Screenplay: Nenad Mikalački, Felix Charin
Kamera :: Cinematographer: Tudor Mircea
Ausstattung :: Art Director: Željko Piškurić
Schnitt :: Editor: Andreas Schultz
Musik :: Music: Sebastian Fischer
Produzent :: Producer: Felix Charin, Nenad Mikalački
Darsteller :: Cast: Angelika Bender (Elisabeth), Burak Yigit
(Driton), Darko Ninić (Niko)
Produktion :: Production: Via Distelberg, München, Germany
Druid, Balzakova 73, 21000 Novi Sad, Serbia
FSK: freigegeben ab 6 Jahren
Zuhause war u. a. auf folgenden Festivals zu sehen ::
At Home was screened at the following film festivals (selection):
Auburn International Film Festival for Children and Young Adults,
Belgrade International Festival of Documentary and Short Film,
Big Sur Short Film Screening Series, Exground Filmfest, I’ve Seen
Film – International Film Festival Milan, Istanbul International
Short Film Festival, Molodist International Film Festival, Motovun
Film Festival, Tirana International Film Festival, Thessaloniki International Short Film Festival, Trieste Film Festival, One Country
One Film Apchat International Film Festival, Festival Internacional
de Curtmetratges dels Pirineus, Cineast Film Festival Luxembourg
Der Film wurde im Fernsehen bei Arte (Deutschland/Frankreich)
und beim Bayerischen Rundfunk ausgestrahlt :: The film was broadcast on Arte (Germany/France) and on Bavarian Television
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Statement des Regisseurs
Durch die turbulenten Lebensumstände in den unbekannteren
Teilen Europas sind Menschen oft dazu gezwungen, umzuziehen,
wegzugehen, aber viele kehren auch wieder zurück. In diesem
Film treffen zwei unterschiedliche Migrantentypen aufeinander.
Der erste Typ sind die deutschen Einwanderer aus der Zeit nach
dem zweiten Weltkrieg. Von den 500.000 Deutschen, die damals
in diesem Teil Serbiens lebten, sind heute nur noch 1% dort. Der
zweite Typ sind diejenigen, die erst vor kurzem zurückgekehrt
sind. Im Chaos des heutigen modernen Serbiens müssen sie eine
weitere Umstellung bewältigen. Wo befindet sich dein Zuhause,
wenn du ständig weiterziehen musst? Ist es hier oder dort? Wer
bist du, wenn du dein Zuhause nicht kennst? Fragen, die wir uns
stellten und vielleicht beantworten konnten.
Nenad Mikalački, geboren 1975 in Novi Sad (Ex-Jugoslawien).
2001 schloss er sein Regiestudium für Film und Fernsehen an
der Nationalen Hochschule für Film und Drama (UNATC) in
Bukarest ab. Er schrieb Drehbücher für zahlreiche Kurzspielund Dokumentarfilme und führte Regie, darunter Mr Mr,
Der letzte Schwanensee und Zuhause. 2004 gründete er seine
Produktionsfirma Druid, die sich dem Arthouse-Kino widmet.
Nenad Mikalački was born in Novi Sad, ex-Yugoslavia in 1975.
In 2001 he graduated in Film and TV Directing from the National
University of Drama and Film (UNATC) in Bucharest. He wrote and
directed short films and documentaries, among them Mr Mr, The
Last Swan Lake and At Home. In 2004 he founded the production
company Druid dedicated to the creation of art house cinema.
Director’s Statement
Due to the turbulent nature of uncharted parts of Europe, people
are often forced to move, to go away, but also to come back. In this
film, two different types of migrants meet. The first one is a German
immigrant from after World War II. Back then, there were 500,000
Germans living in this part of Serbia. Today, only 1% of them are still
here. The second type is a recent wave of returnees from Germany.
In the chaotic atmosphere of modern-day Serbia, they have to pass
through yet another transition together. Where exactly is your home
if you have to move all the time? Is it here or is it there? Who are
you if you don’t know where your home is? Questions we raised and
possibly answered.
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Interview mit Nenad Mikalački
Karin Schyle: Du arbeitest mit zwei sehr gegensätzlichen
Charakteren, um die Situation der Heimkehrer zu beschreiben,
kannst du uns sagen warum?
Felix Charin, 1985 in Neustrelitz in eine deutsch-russische
Familie geboren. Er wuchs in Mecklenburg-Vorpommern, Berlin,
Washington State (USA) und Russland auf. Nach dem Abschluss
der High School und dem Abitur arbeitete er in verschiedenen
Positionen bei Film- und Fernsehproduktionen in Berlin und
Washington und zusätzlich dazu in der Alten- und Behinderten
betreuung. Von 2007 bis 2011 studierte Felix Charin an der
Hochschule für Fernsehen und Film, München.
Felix Charin was born in 1985 in Neustrelitz into a German-Russian
family. He grew up in Mecklenburg-Vorpommern and Berlin (Ger
many), Washington State (USA) and in Russia. After receiving the
High School graduation he worked in several positions for filmand tv productions in Berlin and Washington caring parallel for
the e
lderly and disabled people. From 2007 to 2011 Felix Charin
studied at the University for Film and Television in Munich.
Nenad Mikalački: Die Charaktere im Film sind inspiriert durch
reale Personen. Die beiden Schauspieler, die sie spielen, sind
in beiden Welten zuhause. Der Weiße ist ein Serbe a
usFreiburg
und der Schwarze ein Türke aus Berlin. Das Pech, abgeschoben
zu werden, kann jeden zu jeder Zeit treffen. Diese erzwungene
oder freiwillige Migration ist seit jeher fast überall in Europa
üblich.
KS: Die beiden Heimkehrer müssen sich vor der Polizei verstecken, weil sie nicht die richtigen Papiere nach ihrer Abschiebung aus Deutschland haben. Warum haben sie diese nicht
bekommen, als sie zurück in Serbien waren?
NM: Als Angehörige der zweiten oder dritten Generation von Einwanderern wurden sie nicht mehr als solche gesehen. Ihr Zuhause ist nicht Serbien sondern Deutschland. Aber aufgrund der politischen Vereinbarungen zwischen den beiden Ländern wurden sie
ausgewiesen. In Serbien sind sie Außenseiter, wie man im Film
sehen kann, sie sprechen noch nicht einmal die Sprache richtig.
KS: Die Situation sieht hoffungslos aus für die Heimkehrer.
Gibt es für sie eine Zukunft, insbesondere mit ihrem deutschen
Bildungshintergrund?
NM: Während der Recherche freundeten wir uns mit drei Brüdern
an, die zurückgekehrt sind. Ab und an treffe ich sie noch. Es gab
positive Veränderungen in der serbischen Gesellschaft, aber auch
ihre eigene Haltung änderte sich. Sie haben ihr Leben in Serbien,
so wie es ist, angenommen und angefangen, damit zurechtzukommen. Trotzdem muss ich betonen, dass sie sich viele Jahre abge-
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müht haben und es immer noch tun. Diese Jahre sind verlorene
Jahre ihres Lebens, außer für die Erfahrung und für diesen Film.
KS: Wurden die Heimkehrer von der Gesellschaft angenommen
und half der Staat, sie zu integrieren?
NM: Das ist ein schmerzhaft langsamer Prozess.
KS: Du spielst mit Licht und Schatten im Film, wolltest du die
Atmosphäre oder die Stimmung damit hervorheben?
NM: Beides. Wir haben uns aufgrund des nostalgischen Tonfalls der
Geschichte, wegen der Landschaften und Hintergründe für Film
material und das Cinemscope-Format entschieden. Es empfiehlt
sich, den Film im Kino oder auf einer großen Leinwand zu sehen.
Interview with Nenad Mikalački
Karin Schyle: You are using two very opposite characters to
describe the situation of the returnees, can you tell us why?
Nenad Mikalački: Characters from the film are inspired by real
persons, but on the personal level, the two actors who play them
have here-and-there backgrounds. The white one is a Serb from
Freiburg and the black one is a Turk from Berlin. The misfortune of
being d
eported or displaced can happen to anybody, anytime. These
forced or voluntary migrations have always been common in Europe,
almost everywhere.
but in Germany. But because of political arrangements between
these two countries, they were deported. In Serbia they are misfits, as you can see in the film, they don’t even speak the language
correctly.
KS: The situation seems hopeless for the returnees. Is there any
future waiting for them, especially with their German educational
background?
NM: While researching, we became friends with three brothersreturnees. I still meet with them from time to time. There have been
some positive changes within Serbian society, but also regarding
their own attitudes. They have finally accepted their life in Serbia,
as it is, and started to cope with it. But I must remark that they have
been struggling for years, they still do. Those years of their lives are
lost for them, except for the experience and for this film.
KS: How were the returnees accepted by society and did the state
of Serbia help reintegrate them?
NM: That is a painfully slow process.
KS: You play with light and shadow in the film, did you use it to
underline the atmosphere or mood?
NM: Both. We used film stock and cinemascope format because
of the nostalgic nature of the story and the landscapes and backgrounds. Please try to watch it in a cinema or on a larger high-
quality screen.
KS: The two returnees must hide from the police because they
don’t have the right papers after their deportation from Germany.
Why didn’t they get them back home in Serbia?
NM: As a second or third generation of immigrants, they are not considered immigrants any more. For them, their home is not in S
erbia,
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Panihida :: Panihida
Deutschland/Moldawien :: Germany/Moldova 2012
61 Min., HD 1:2,35, Farbe :: Color
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Regie :: Director: Ana-Felicia Scutelnicu
Buch :: Screenplay: Ana-Felicia Scutelnicu
Kamera :: Cinematographer: Tito Molina
Ausstattung :: Art Director: Nicolae Sliusari
Schnitt :: Editor: Tito Molina, Ana-Felicia Scutelnicu
Sound Design: Julian Cropp, Niklas Kammertöns
Produzent :: Producer: Jonas Weydemann, Jakob D. Weydemann,
Lilia Braila
Darsteller :: Cast: Anişoara Morari, Petru Roşcovan, Nina Rabuş,
Valentin Aga, Valeriu Ţurcanu
Produktion :: Production: Weydemann Bros., Kottbusser Damm 73,
10967 Berlin, Germany
FSK: Freigegeben ohne Altersbeschränkung
Statement der Regisseurin
Panihida war u.a. auf folgenden Festivals zu sehen ::
Panihida was screened at the following festivals (selection):
International Film Festival Rom, Cinequest Film Festival San Jose,
Sofia International Film Festival, Febiofest, Vilnius International
Film Festival, Next International Film Festival Bucharest, goEast
Film Festival Wiesbaden, See Fest Los Angeles, Transilvania
International Film Festival Cluj, Golden Apricot Yerevan International Film Festival, Sarajevo International Film Festival, Thessaloniki International Film Festival, Tbilisi International Film Festival,
San Sebastian International Film Festival
Panihida zu drehen war eine Reise voller Entdeckungen und
Überraschungen, da vor der Kamera einfache Leute standen,
die ihr ganzes Leben in demselben alten Dorf unter den schönen
Hügeln von Trebujeni verbracht haben. Wir haben versucht, die
Atmosphäre von Zeitlosigkeit und Flüchtigkeit, von Endgültigkeit
und Ewigkeit einzufangen, die diesen magischen Ort erfüllt. W
ir
haben Menschen getroffen, die so natürlich mit ihrem eigenen
Tod umgehen und die den Gesang, den Wein und das Leben
selbst so sehr genießen, dass Panihida, was in der östlich
orthodoxen Kirche »Beerdigung« bedeutet, ein Film über die
Schönheit des Lebens geworden ist.
Making Panihida was a journey full of discoveries and surprises,
as in front of the camera stood simple people, who have been living
all their life in the same old village beneath the beautiful hills of
Trebujeni. We tried to catch the feeling of timelessness and ephemeral, of fatality and eternity, that are coexisting together in this
magical place. We met human beings dealing so naturally with their
own death and enjoying so much the singing, drinking and living
itself, that Panihida, what means »funeral« in the Eastern Orthodox
Church, has become a movie about the beauty of life on Earth.
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Ana-Felicia Scutelnicu, geboren 1978 in Moldawien, ehemalige
Sowjetunion. Nach vierjährigem Aufenthalt in Benin in West-
Afrika, wo sie im Theater arbeitet, zieht sie nach Berlin und studiert an der DFFB Filmregie. Ihre Kurzfilme Între ziduri (Zwischen
Mauern) und Hinterhof laufen sehr erfolgreich auf nationalen und
internationalen Festivals und werden mit diversen Preisen ausgezeichnet. Mit ihrem Film Panihida gewinnt sie den CinemaXXI
Award beim Internationalen Filmfestival Rom 2012.
Ana-Felicia Scutelnicu was born in 1978 in Chişinau in Moldova,
then the USSR. After working for four years in theatre in Benin,
West Africa, she moved to Germany and studied film direction at the
DFFB (German Film and Television Academy Berlin). Her short films
Între ziduri (Between walls) and Hinterhof (Backyard) were invited
to numerous international film festivals and won several prizes. With
Panihida she wins the CinemaXXI Award at the International Film
Festival Rom 2012.
Weydemann Bros. produziert Spiel- und Dokumentarfilme für
den deutschen und internationalen Markt. Dabei leitet uns die
Vision eines gleichermaßen politischen und unterhaltsamen
Kinos. Für uns ist Film immer kritische Beobachtung der Zeit
und der Welt in der wir leben. Unser Ziel ist, es mit unseren Filmen viele Menschen zum Lachen und Weinen zu bringen, sie zu
informieren und zum Nachdenken anzuregen. Weydemann Bros.
wurde 2008 in Berlin gegründet und eröffnete 2011 eine zweite
Niederlassung in Köln. Wir sind Stipendiaten des AV Gründerzentrum Köln und Teilnehmer des Berlinale Talent Campus,
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Sarajevo Talent Campus, Cannes Producers Network und der
IDFAcademy sowie der MEDIA Programme EsoDoc, Documentary
Campus Masterschool, ep2c und EAVE. Filme von Weydemann
Bros. sind Gewinner des Filmförderpreises der Robert Bosch
Stiftung 2010 und 2011, des FIRST STEPS Award 2014 und
zahlreicher internationaler Festivalpreise. Jonas und Jakob D.
Weydemann sind Mitglieder der European Film Academy.
Weydemann Bros. produces films for the national and international
market. We have a vision of a narrative cinema that is both entertaining and political. For us film is always a critical look at the world
and the times we live in. With our films we do not only hope to get
people laughing and crying, but to inform them and inspire them
to contemplate. Weydemann Bros. was founded 2008 in Berlin and
opened a second office 2011 in Cologne. We are grantholders of the
AV Gründerzentrum Cologne and participants of the Berlinale Talent
Campus, Sarajevo Talent Campus, Cannes Producers Network and
IDFAcademy, as well as the MEDIA programs EsoDoc, Documentary
Campus Masterschool, ep2c and EAVE. Films of Weydemann Bros.
are winners of the Film Prize of the Robert Bosch Stiftung 2010 and
2011, the FIRST STEPS Award 2014 and numerous international
festival prizes. Jonas and Jakob D. Weydemann are members of the
European Film Academy.
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Interview mit Ana-Felicia Scutelnicu
Karin Schyle: Du hast mit nicht-professionellen Schauspielern
gedreht. War es schwierig, gleich ein ganzes Dorf zu überzeugen? Wie hast du das Dorf gefunden, und wie war die Regie
arbeit mit den Laiendarstellern und alten Menschen?
Ana-Felicia Scutelnicu: Das Dorf habe ich nach wochenlangen
Suchen im ländlichen Moldawien entdeckt, und es überzeugte
mich durch die Vielfalt an menschlichen Charakteren und die pittoreske und sehr filmische Landschaft. Produktionstechnisch war
es auch eine gute Entscheidung, weil das Dorf nicht weit von der
Hauptstadt Chișinău liegt und eine einigermaßen gute Infrastruktur hat. Die Menschen waren am Anfang sehr skeptisch in Bezug
auf mein Filmvorhaben. Es dauerte nicht lange, bis ich sie überzeugen konnte, und dann entwickelte sich sogar eine tiefe Zuneigung zwischen uns, welche fundamental für das Endergebnis war.
Die Arbeit mit Laiendarstellern war etwas Besonderes: sehr anstrengend und faszinierend zugleich. Sie können nur wahrhaftige
Emotionen empfinden und wir, die Filmemacher, mussten vorbereitet und sensibel sein, um diese einmaligen Momente einfangen
zu können. Die meisten der Darsteller waren alte Menschen, sehr
weise und lebensklug. Ab dem Moment, wo sie die Wichtigkeit
und den Ernst der Idee und unserer Zusammenarbeit an dem
Film verstanden haben, waren sie verantwortungsvoll und leidenschaftlich bei der gemeinsamen Sache. Durch diese erstmalige
Arbeit mit einfachen Menschen aus einem Dorf hatte ich als
Regisseurin den Eindruck, ein Stück wahres Leben provoziert und
aufgenommen zu haben. Und das war und ist die größte Herausforderung für mich als Filmemacherin.
KS: Der Spielfilm wurde beim See Fest in Los Angeles als
Bester Dokumentarfilm ausgezeichnet. Wie stehst du zu dieser
Genreverwechslung?
AS: Die Auszeichnung als Bester Dokumentarfilm war erst mal
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eine Überraschung. Trotzdem provoziert der Film sehr klar diese
Debatte: Was ist tatsächlich eine Fiktion und was ist ein Dokument im Film? Panihida hat eine sehr klar komponierte und erfundene Geschichte, zwar aus dem echten Leben inspiriert, aber
total durch eine künstlerische Vision verwandelt. Nichtsdestotrotz
sind alle menschlichen Gefühle, Gesänge und Erscheinungen im
Film echt und wahr. Durch die Zusammenarbeit mit den normalen
Menschen aus einem Dorf, welche nur sie selbst sein können und
nichts vormachen können, entsteht die Überzeugung, man sei im
Dokumentarfilmbereich. Ist aber nicht so. Ich würde eher sagen,
dass es um eine feine und sensible Führung der Figuren durch
eine filmische Vision geht. Der Wind, die Sonne, die Wolken, die
Bäume und die Natur sind gleichermaßen Darsteller, und sie lügen nicht. Deswegen ist Panihida ein Film über die wahre Magie
des Lebens und des Todes unseres einfachen Menschseins.
Interview with Ana-Felicia Scutelnicu
Karin Schyle: You shot with lay actors. Was it difficult to convince
an entire village to do this? How did you find the village, and
what was it like to direct lay actors and seniors?
Ana-Felicia Scutelnicu: I found the village after several weeks of
searching throughout rural Moldavia and I was persuaded by the
diversity of its human characters as well as its picturesque and very
cinematic landscape. It was also a good decision from a production
perspective, because the village is not far from the capital Chișinău
and has a decent infrastructure. At first, the locals were very skeptical about my film project. It didn’t take me very long to convince
them, and eventually, we even developed a deep affection for each
other, which was essential for the final result.
Working with lay actors was special: very strenuous and fascinating
at the same time. They can only experience genuine emotions and
we, the filmmakers, needed to be prepared and receptive enough to
capture these unique moments. Most of the actors were elderly, full
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of wisdom and life experience. From the moment they understood
the importance and seriousness of the idea and our collaboration in
the film, they took ownership in it and were very passionate. For me
as a director, this first time working with simple villagers gave me a
sense of having elicited and captured a piece of real life. And that
was and remains the greatest challenge for me as a filmmaker.
KS: This film, a feature film, won Best Documentary at the
See Fest in Los Angeles. What do you make of this confusion of
genres?
AFS: Initially, winning Best Documentary was a surprise. Yet, the
film does clearly prompt the debate of what is actual fiction and
what is a documentary feature within a movie. Panihida has a very
clearly composed fictional storyline that, while it is inspired by real
life, is completely transformed by an artistic vision. Nonetheless,
all human emotions, all the singing and all appearances in the film
are genuine and authentic. The collaboration with regular villagers,
who cannot pretend to be anything else but themselves, creates this
notion that we are in the realm of documentary filmmaking. Which
is not the case. I would say that it is more about guiding the characters through a cinematic vision with subtlety and sensitivity. The
wind, the sun, the clouds, the trees and nature are also characters,
and they do not lie. This makes Panihida a film about the true magic
of life and death of our simple humanness.
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Wonderland :: Wonderland
Deutschland/Rumänien :: Germany/Romania 2012
22 Min., Alexa 1:2,35, Farbe :: Color
Regie :: Director: Peter Kerek
Buch :: Screenplay: Peter Kerek
Kamera :: Cinematographer: Raphael Beinder
Ausstattung :: Art Director: Andreea Popa
Schnitt :: Editor: Ioachim Stroe
Sound Design: Tobias Bilz
Sound Engineer: Magnus Pflüger
Produzent :: Producer: Alexander Wadouh, Anca Puiu
Darsteller :: Cast: Ilie Mitulescu (Istvan), Alina Berzunteanu (Mutter), Mircea Rusu (Offizier)
Produktion :: Production: Mandragora s.r.l., 4 Ghe.Bratianu St.,
Apt.2 011413 Bucharest, Romania; Chromosom Filmproduktion,
Chodowieckistraße 11, 10405 Berlin, Germany
Wonderland war u.a. auf folgenden Festivals zu sehen ::
Wonderland was screened at the following festivals (selection):
International Film Festival of Kerala, Curtas Vila do Conde,
New Directors New York, Tabor Film Festival, Odense International
Film Festival, River Film Festival Padua
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Dieser Film greift einen wichtigen, aber vor allen Dingen selt
samen Moment aus meinem Leben auf. Es handelt sich um eine
versäumte Erfahrung. Eine Erfahrung, die meiner Mutter gehörte.
Sie kämpfte allein einen absurden Kampf für unsere Ausreise in
die Bundesrepublik Deutschland. In diesen Kampf war ich nicht
wirklich involviert. Ich war ein Beobachter, der nur gelegentlich
den Blick durchs Schlüsselloch wagte. Der Film ist gewissermaßen die »Rache« dafür, dass ich es versäumt habe zu partizipieren. Als Erwachsener habe ich versucht, eine Erfahrung wieder
heraufzubeschwören, für die ich damals noch zu klein war. Und
dieses Mal, dachte ich mir, mache ich alles anders. Der Film
macht aus dem Kind einen jungen Erwachsenen, aus einem zermürbenden Kampf ein unvergessliches Abenteuer.
Peter Kerek, geboren 1975 im rumänischen Timișoara. Von
1998 bis 2004 studiert er Theaterregie an der Ion Luca Caragiale
Hochschule in Bukarest und an der Otto-Falckenberg-Schule in
München. Nach seinem Abschluss arbeitet er im Theater und für
Film und Fernsehen. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Verflechtung dieser drei Bereiche. Zu seinen filmischen Arbeiten gehören
mehrere Fernsehserien und unter anderen die Kurzfilme Adultery
(2011) und Wonderland (2012).
Peter Kerek, born in 1975 in Timișoara, Romania. From 1998 to 2004
he studied directing for theatre at the Ion Luca Caragiale University in
Bukarest as well as at the Falckenberg Academy in Munich. After his
graduation he worked at theatres and for film and television. His work
concentrates on intertwining these three fields. Amongst his cinematic
works are TV series and short films such as Adultery (2011) and
Wonderland (2012).
This film picks up on an important, and most of all, peculiar moment in my life. It is about a missed experience. An experience that
belonged to my mother. All by herself, she was fighting an absurd
fight for our departure for the Federal Republic of Germany. I was
not actually present in this struggle. I was an observer, who only
occasionally dared peek through the keyhole. The film is a sort of
»revenge« for my failure to participate in this moment. As an adult,
I wanted to revisit this experience for which I was too young at the
time. And this time I thought, I would do everything differently. The
film turns a child into a young adult, and a gruelling struggle into an
unforgettable adventure.
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Interview mit Peter Kerek
Karin Schyle: Der Hauptdarsteller hat eine ganz besondere
Art seine Rolle als Istvan zu spielen. Wie lange hast du nach
ihm gesucht, und welche Kriterien waren dir beim Casting am
wichtigsten?
Alexander Wadouh arbeitet seit 1999 in der Filmindustrie in
verschiedenen Bereichen der Herstellung. 2006 beendete er sein
Studium der Filmproduktion an der renommierten Deutschen
Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). Von 2006–2009 arbeitete er für die Produktionsfirma Essential Film GmbH an zahl
reichen internationalen Arthouse-Kinofilmen sowie für die französischen Weltvertriebe Coproduktion Office und Wild Bunch.
Im Jahre 2006 gründete er die Chromosom Filmproduktion, um
nationale und internationale Projekte für sämtliche Distributionskanäle zu entwickeln und zu produzieren. Alle seine Filme wurden
mit Preisen ausgezeichnet und starteten erfolgreich in den Kinos.
Alexander Wadouh was born in 1979. Since 1999, he’s worked in
the film industry in a variety of production areas. He completed his
studies in film production at the DFFB (German Film and Television
Academy Berlin). in 2006, and between then and 2009 he worked
for production company Essential Film GmbH on numerous international art-house movies, as well as for the French World Sales
Coproduction Office. In 2006 he founded film production company
Chromosom to develop and produce national and international projects for all distribution channels. His films have all won awards
(six German Film Prizes, a European Film Award, a Bronze Lion,
etc.) and ran, or are running, successfully in cinemas.
Peter Kerek: Es hat sehr früh gefunkt. Ich kannte ihn schon vor
dem Dreh. Wusste, dass er mit seiner Mutter aufwächst, dass der
Vater ein anderes Leben führt. Die Trennung trug der Junge in
seiner Körperhaltung, in seinen Augen. Der halbstarke Körper und
seine junge Männlichkeit hatten eine gewisse Orientierungslosigkeit und Traurigkeit ausgedrückt. Genau das wollte ich. Um mein
Gewissen zu beruhigen, hatte ich mir parallel auch andere Kinder
angeschaut, aber der Blick kehrte immer wieder zu ihm zurück. In
meiner Vorstellung klebte er schon zu stark an dieser Geschichte.
KS: Der Film kommt mit sehr wenig Dialog aus. Welchen Akzent
wolltest du damit setzen?
PK: Das geschieht sehr unbewusst. Es ist keine gezielte Entscheidung, die man trifft. Die Wahrheit ist, dass ich mich nie wirklich
für Dialoge habe begeistern können. Handlungen, Taten, Situationen interessieren mich viel mehr. Und das Faszinierende für mich
ist, dass jeder etwas komplexeren Lebenssituation merkwürdigerweise etwas Unergründliches, etwas Unerreichbares innewohnt.
Und danach suche ich. Nicht um es zu ergründen oder gar zu enträtseln, sondern um es mit filmischen Erzählmitteln entstehen zu
lassen. Aber ganz abgesehen davon komme ich aus dem Theater
und dort wird absolut zu viel geredet.
KS: Was war die größte Herausforderung während des Drehs?
PK: Der Umgang mit dem Jungen. Er hörte nicht auf die gleiche
Sprache wie die Schauspieler. Erst nach zwei Drehtagen wurde
mir klar, dass ich mit ihm ganz anders umgehen muss. Ein Kind
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muss nicht mit Samthandschuhen angefasst werden, er will eher
hineingeworfen werden ins Geschehen. So habe ich dann angefangen, ihm immer weniger zu sagen und suchte nach Möglichkeiten, ihn zu überraschen, ihn unvorbereitet zu treffen. Extrem
war das, als wir die Szene mit der Öffnung der Pepsi-Flasche
drehten. Der Junge sollte dabei auf den Boden fallen. Aber weil
es nicht sofort klappte, haben wir es immer wieder versucht, bis
er nur noch wie ein Gegenstand durchs Bild hin- und hergeworfen wurde. Seine Mutter tauchte zum Glück erst dann am Drehort
auf, als es endlich klappte. Der Junge fühlte sich wie nach einer
Stunde in der Achterbahn. Er lief in die Arme seiner Mutter und
sagte »Das war ein Spaß!« Ich nickte der Mutter bestätigend zu
und seufzte erleichtert auf.
Interview with Peter Kerek
Karin Schyle: The protagonist has a very unique way of acting his
role of Istvan. How long did you search for him and what were the
criteria for the casting?
Peter Kerek: We hit it off right away. I already knew him before the
shoot. I knew that he was living with his mother and that his father
had gone his own ways. The separation was inherent in the boy,
in his posture, in his eyes. This adolescent body, his young virility
conveyed a certain sense of being lost, of sadness. That was exactly
what I wanted. To soothe my conscience, I looked at other kids, as
well, but my focus kept returning to him. In my mind, he was already
too closely associated with the story.
there is something unfathomable, something unattainable about any
life situation that has a little complexity to it. And that is what I am
searching for. Not to explore or even decipher it, but to generate
it with cinematic narrative devices. But apart from all that, I come
from the world of theatre, where there is definitively way too much
talk.
KS: What was the biggest challenge during the shooting?
PK: Dealing with the boy. He did not respond to the same language
as the actors. It took me two days of shooting to realise that I had
to handle him totally differently. There is no need to tread lightly
with a child, he wants to be thrown into the action. So I started
telling him less and less, and instead tried to surprise him, to catch
him off-guard.
That was pushed to the extreme when we shot the scene where the
Pepsi bottle is opened. The boy was supposed to fall down. But
since it did not work right away, we kept on trying, until we ended
up basically throwing him across the screen like an object. Luckily,
his mother did not show up on the set until we had it figured out.
The boy was acting as if he had just gotten off an hour-long rollercoaster ride. He ran into his mother’s arms and said: »That was so
much fun!« I just gave an affirmative nod to the mother and breathed a sigh of relief.
KS: The film has very little dialogue. What was the idea behind
that?
PK: That happened very naturally. It is no conscious decision. The
truth is that I never really liked dialog. I’m much more interested in
actions, deeds, situations. And what fascinates me is that, oddly,
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Nicht die Zeit für Gitarren/Nuk është Koha për Kitarë ::
Not the Time for Guitars
Deutschland/Kosovo :: Germany/Kosovo 2014
13 Min., HD 16:9, Farbe :: Color
Regie :: Director: Ariel Shaban
Buch :: Screenplay: Ariel Shaban
Kamera :: Cinematographer: Johannes Louis
Ausstattung :: Art Director: Yllka Brada
Schnitt :: Editor: Jamin Benazzouz
Produzent :: Producer: Catharina Schreckenberg, Arben Zharku
Darsteller :: Cast: Adriana Matoshi (Lirije), Veton Osmani (Vegim)
Produktion :: Production: Detailfilm, Eppendorfer Weg 57a,
20259 Hamburg, Germany
FSK: Freigegeben ab 12 Jahren
Not the Time for Guitars war auf dem Asiana International Short
Film Festival zu sehen.
Not the Time for Guitars was screened at the Asiana International
Short Film Festival.
Meine eigenen Erfahrungen aus dem Kosovokrieg, als ich mit
meiner Großfamilie in einer Wohnung eingeschlossen war,
brachten mich zu dieser Geschichte, in der die Anspannung
mit dem unmittelbaren Konflikt, dem gemeinsamen Druck
und der physischen Einschränkung steigt. Ein starker Frauen
charakter steht einem passiven Ehemann in einer konservativen
Umgebung gegenüber, und diese Werte werden in Kriegszeiten
herausgefordert. Ich wollte auch eine Geschichte des Einzelnen
wider Gemeinschaft erzählen und sehen, wie sich dies in der
Geschichte eines Mannes gestaltet, dessen Glaube es verbietet,
in den Krieg zu ziehen, aber den die Realität dazu zwingt, alles
neu zu bewerten.
This story came to me from the experiences during the Kosovo war,
being confined to one apartment with my own as well as my extended family. I have created a story where tension increases due to the
immediacy of conflict, collective pressure and physical confinement.
There is a strong female character counteracting a passive husband
in a conservative environment, seeing how those values are challenged in times of war. I also wanted to tell a story of the individual
versus the collective, and see how that played out in a story of a
man whose beliefs forbid him to go to war, but whose reality forces
him to reevaluate everything.
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Ariel Shaban lebt in Priština, Kosovo und arbeitet seit 2007 als
Drehbuchautor und Regisseur. Er drehte zwei kurze Dokumentarfilme und anschließend den preisgekrönten Kurzspielfilm The
Wedding Tape (2011), der gemeinsam mit anderen zeitgenössischen Filmen aus dem Balkan in der New York Times als Die Neue
Balkan-Filmwelle betitelt wurde. The Wedding Tape gewann 2011
beim Abu Dhabi Film Festival den Preis für die Beste Produktion.
Not the Time for Guitars ist sein vierter Kurzfilm. Sein darauffolgender Film The Tourist, der Teil des Omnibusfilms A Quintet
ist, wurde im Rahmen von Sarajevo City of Film gedreht und beim
Sarajevo International Film Festival in 2014 uraufgeführt. Ariel
Shaban ist Alumnus des Berlinale Talent Campus und des Sarajevo Talent Campus.
Ariel Shaban resides in Priština, Kosovo. He began with script writing and directing in 2007, writing and shooting his first two short
documentary films, followed by his award winning short film The
Wedding Tape in 2011. The Wedding Tape has been mentioned
along with other contemporary Balkans films by the New York Times
as a part of the New Balkans Film Wave. It won the Best Producer
Award in Abu Dhabi Film Festival in 2011. Not the Time for Guitars
is his fourth short film. The Tourist, his following short (part of the
omnibus film A Quintet), was shot in Sarajevo within the frame of
Sarajevo City of Film and was premiered at Sarajevo Film Festival
2014. Ariel took part in the Berlinale Talent Campus and Sarajevo
Talent Campus.
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Catharina Schreckenberg nahm 2009 an der Masterclass Ludwigsburg/Paris der Filmakademie Ludwigsburg teil. Seit 2010
lebt sie in Berlin und arbeitete u.a. für die Produktionsfirmen
Arden Film, Detailfilm und Endorphine Production, dabei für
die Filme Atlantic von Jan-Willem van Ewijk (TIFF, Busan 2014),
Praia do Futuro von Karim Aïnouz (Berlinale-Wettbewerb 2014),
Kuzu von Kutlug Ataman (CICAE-Preis bei der Berlinale 2014)
sowie Yozgat Blues von Mahmut Fazil Coskun (über 15 Auszeichnungen). Seit 2015 arbeitet sie bei Bridging the Dragon, einem
Verein, der europäische und chinesische Filmschaffende zusammenbringt.
Catharina Schreckenberg took part in the Masterclass Ludwigsburg/Paris. Since 2010, Catharina has been living in Berlin and
working for various film production companies, such as Arden Film,
Detailfilm, and Endorphine Production. She also worked on films
such as Atlantic by Jan-Willem van Ewijk (TIFF, Busan 2014), Praia
do Futuro by Karim Aïnouz (Berlinale Competition 2014), Kuzu
by Kutlug Ataman (CICAE Award at Berlinale 2014) and Yozgat
Blues by Mahmut Fazil Coskun (over 15 awards), among others.
She recently started working at Bridging the Dragon, an association
connecting European and Chinese film professionals.
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Interview mit Ariel Shaban
Karin Schyle: Du hast bisher nur Low-Budget-Filme realisiert,
welchen Unterschied machte es, das Geld hierfür zu bekommen
und mit dem Dreh zu beginnen?
Ariel Shaban: Durch die Förderung der Robert Bosch Stiftung
konnten einige Optimierungen erreicht werden, unter anderem
auch die Wahl des Kameramannes. Dies hat das Bild des Films
erheblich verändert. Auch Schnitt und Postproduktion wurden
beide in Deutschland gemacht, und ich meine, dies hat die
Gesamtqualität des Filmes bedeutend verbessert.
KS: War es eine bewusste Entscheidung, den Film nur drinnen
zu drehen, was ihm den Eindruck eines Kammerspiels verleiht?
AS: Es war eine sehr bewusste Entscheidung, die Geschichte nur
im Haus zu drehen. Auf engem Platz zusammengepfercht zu sein,
unterstützte das Gefühl der Isolation und steigerte die Anspannung und den Konflikt zwischen den beiden Hauptdarstellern.
KS: Gab es solche Geschichten, dass Männer den Krieg verweigert haben, oder ist die Geschichte reine Fiktion?
AS: Die Geschichte ist fiktiv, es gibt keine Daten, die darüber berichten, wie Männer behandelt wurden, die den Kriegsdienst verweigert haben. Allerdings bedeutet das nicht, dass viele Männer
keine Zweifel hatten, bevor sie sich dem Kampf anschlossen. Die
Geschichte handelt von diesen Momenten des Zweifelns. Daher
spielt es keine Rolle, ob sie letzlich gekämpft haben oder nicht.
Die Geschichte handelt vom Zweifel und wie er die Dynamik in
der Familie beeinträchtigt.
KS: Spielt der Krieg noch eine Rolle im heutigen Kosovo und
sind die klassischen Geschlechterrollen noch vorherrschend?
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AS: Krieg spielt eine große Rolle in der gemeinsamen Erinnerung
der Kosovaren, was auch immer geschieht. Die Politik und die
Gesellschaft wurden bis heute durch Kriegshelden geprägt.
Was die Rolle der Frau betrifft, der Kosovo ist konservativ und
somit sind die Frauen noch immer reduziert auf gewisse Rollen
in der Gesellschaft. In jüngster Zeit verbessern sich die Dinge
allerdings schneller.
KS: Hast du Pläne für ein neues Filmprojekt?
AS: Ich entwickle gerade ein Langfilmprojekt, das in Priština, der
Hauptstadt Kosovos, spielt.
Interview with Ariel Shaban
Karin Schyle: What difference did it make for you, as a director
who had only done low-budget films so far, to receive the money
and start shooting?
Ariel Shaban: Funding of my short by the Robert Bosch Stiftung
allowed for many improvements to the film, including choosing a
German DOP, which significantly changed the look to the film, as
well as editing and post-production, also done in Germany, which
I feel improved the overall quality of the film significantly. Co-producing the film with a German company also was a lesson in itself.
KS: Was shooting indoors, which makes it appear like a chamber
play, a deliberate decision?
AS: Shooting the film indoors was a deliberate story decision, as being confined to a small space contributed to the sense of isolation,
increasing tension and conflict between the two main characters in
the film.
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KS: Is there any relation to reality, that men refused to go to war,
or is it completely ficticious?
AS: The story is ficticious, there is no data to show the treatment
of men who refused to participate in the war. This does not mean,
however, that many men didn’t have doubts before joining the guerilla. This story deals with those moments of doubt. In this sense,
it is irrelevant if they went to fight or not, the story deals with the
doubt itself and how it affected family dynamics.
KS: Does the war still play a role in today’s Kosovo? And are
classic gender roles still prevalent?
AS: War plays an important role in the collective memory of Kosovars, for better or worse. Politics and society have been shaped by
war heroes to this day.
As for the role of women, Kosovo is conservative, therefore women
are still confined to certain roles in society. In recent years, however,
things have been changing rapidly for the better.
KS: What are your next plans, are you developing a new film
project?
AS: I am developing a feature film project, set in Priština, capital of
Kosovo.
Die wundersame Reise der unnützen Dinge/
Niepotrzebnych Rzeczy Podróż Niezwykła ::
The Magical Journey of the Useless Things
Deutschland/Polen :: Germany/Poland 2010
59 Min., HD, Farbe :: Color
Regie :: Director: Katja Schupp
Buch :: Screenplay: Katja Schupp, Alicja Schatton
Kamera :: Cinematographer: Hartmut Seifert
Schnitt :: Editor: Hartmut Seifert
Sound Design: Piotr Gburek, Michael Deinert, Ilia Podgaetski
Produzent :: Producer: Alicja Schatton, Wolfgang Bergmann
Produktion :: Production: Vidifilm, ul. Wolności 13, 42-674
Zbrosławice, Poland; Lichtfilm, Steinfelder Gasse 32, 50670 Köln,
Germany
Die wundersame Reise der unnützen Dinge war u.a. auf folgenden Festivals zu sehen ::
The Magical Journey of the Useless Things was screened at the
following festivals (selection):
goEast Film Festival Wiesbaden, International Documentary
Film Festival Dok.Fest Munich, Krakow Film Festival, Multimedia
Happy End Festiwal Filmów Optymistycznych Rzeszów, International Film Festiva Łagów, Tranzyt Documentary Film Festival
Poznań (Award for Best Feature Lenght Documentary), Festiwal
Mediów w Łodzi »Człowiek w Zagrożeniu«, Religion Today Film
Festival Trento (Special Jury Award), International Film Festival
Watch Docs Warsaw, Human Rights in Film in Warsaw, One World
International Human Rights Documentary Film Festival Prague.
Der Film wurde im Fernsehen bei Arte Deutschland ausgestrahlt
The film was broadcast on Arte (Germany).
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Pressestimmen :: Press reviews
Epd Medien, Deutschland :: Germany:
»Sperrmülltag in einer westdeutschen Kleinstadt, aus der Sicht
von Piotr Liszcz und Jan Myśliwiec, zwei hauptberuflichen Sperrmüllsammlern aus Polen. Diese Perspektive macht die Dokumentation Die wundersame Reise der unnützen Dinge zu einem
außergewöhnlich guten Film. Nicht nur weil es den Filmemachern
überhaupt gelungen ist, Protagonisten aus dem Sperrmüllgewerbe zu finden, die sie auf diese Reise mitnahmen. Viel wichtiger
ist, dass sie aus der Nähe zu ihren Protagonisten konsequent eine
Filmsprache entwickeln, die beiläufig tiefe Einblicke in deutsche
Zustände gewährt.« :: »A day for bulky waste in a West-German
small town as told from the perspective of Piotr Liszcz and Jan
Mysliwiec from Poland. It is their full-time job to collect bulky waste.
This perspective makes the documentary The Magical Journey of
the Useless Things an extraordinary good film. Not only because the
filmmakers succeeded in finding protagonists from this bulky waste
business, who took the filmmakers with them on their journey. More
important is that due to the closeness to their protagonists they consequently developed a cinematic language, which incidentally allows
a deeper insight into German circumstances.«
Zitat aus einem Interview mit der Regisseurin in der Mainzer
Rhein-Zeitung :: Director’s quote in an interview in the MRZ
newspaper
»Das Erstaunlichste ist der Wertewandel. Hier ist es eben nur
Spermüll, aber mit jedem Kilometer, den er nach Osten fährt,
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erfährt er eine Wertsteigerung. Die Polen sprechen dem
entsprechend auch nicht von Sperrmüll, sondern von Ware.«
»The most fascinating is the change of value. Here it is just bulky
waste, but with every kilometre towards the East, the value increases. Thus Polish people do not consider it bulky waste but goods.«
Katja Schupp (geb. 1972 in Siegen, Deutschland) studierte
Moderne Geschichte in Münster, Deutschland, und Journalismus
in Chicago, USA. Nach zehn Jahren Tätigkeit für die Redaktion
Außenpolitik bzw. die Dokumentationsredaktion Zeitgeschehen
des ZDF machte sie sich als Produzentin und Regisseurin selbstständig.
Katja Schupp (born 1972 in Siegen, Germany) studied Modern History in Münster, Germany and Journalism in Chicago, USA. After ten
years with the Department of Foreign Politics and the Department
for Documentaries in Current Affairs of German Television ZDF she
is now working as a freelance film producer and director.
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Interview mit Katja Schupp
Karin Schyle: Ist die Geschichte entstanden, nachdem du Piotr
und Jan kennengelernt hast, oder hast du nach ihnen gesucht,
weil du dich mit dem Thema schon länger beschäftigt hast?
Alicja Schatton, geboren 1976 in Ozimek, Polen, ist Regisseurin
und Produzentin. Sie studierte Germanistik an der Universität
Breslau und arbeitete zunächst als Radio- und Fernsehredak
teurin. 2002 erhielt sie den Deutsch-Polnischen Journalistenpreis. Seit 2004 führt sie die Produktionsfirma Vidifilm und
produziert vor allem kreative Dokumentarfilme.
Alicja Schatton was born 1976 in Ozimek. She is a director and
producer. She graduated at the University Breslau in German Language and Literature and started to work as editor in TV and radio
stations. In 2002 she received the German-Polish Award for Journalism. Since 2004 she runs her production company Vidifilm and
produces mainly creative documentaries.
Katja Schupp: Das Thema war zuerst da – es war dieses Wundern über Dinge und Geschichten, die uns im Alltag begegnen
und bei denen man sich dann irgendwann fragt, was eigentlich dahintersteckt. Als Alicja, unsere polnische Kollegin, mal
zu Besuch war, sind wir einfach in ein Dorf gefahren, wo eine
Sperrmüllabfuhr anstand. Die ersten, die wir getroffen haben,
waren Piotrs Leute. Ihn selbst konnten wir dann am nächsten
Tag treffen. Es war schnell klar, dass er das Geschäft recht
erfolgreich betreibt. Piotr hat dann zugesagt, dass er, wenn es
einen Film gibt, mitmacht. Auch wenn er es dann vielleicht nicht
immer leicht fand, hat er sich an dieses Versprechen gebunden
gefühlt – und es am Ende wohl auch nie bereut. Wir sind Freunde geworden.
KS: Wie lange hat es gedauert, und was musstest du tun, um
das Vertrauen der Protagonisten für den Film zu gewinnen?
KS: Die Zusage von Piotr und Jan für den Film hatten wir ja recht
schnell – was erstaunlich war, denn die meisten Sperrmüllsammler haben viel Angst, wollen anonym und versteckt bleiben. Aber
wir wollten ja nicht nur die beiden gewinnen, sondern auch ihre
Mitarbeiter – da war es von Vorteil, dass wir uns unendlich viel
Zeit nehmen konnten und die Männer sehr oft, auch ohne Kamera, in ihrem Lager besucht haben. Der Film hat sicher zwei Jahre
gebraucht vom ersten Gespräch bis zum letzten Drehtag, und das
Verhältnis wurde von Treffen zu Treffen besser, vertrauter. Das
letzte Eis, auch mit den letzten Skeptikern, ist aber vielleicht erst
am Premierenabend gebrochen, wo Piotrs ganzes Team da war.
Das war eigentlich das Schönste, zu sehen, dass sich die Männer
in unserm Film wohl fühlen.
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KS: Was hat dich mehr erstaunt: die Tatsache, dass unser Müll
für die Sperrmüllsammler ihre Existenz bedeutet, oder wie sie
bei ihrer Arbeit von den deutschen Bewohnern aufgenommen
wurden?
KS: Beides hat uns alle im Team eigentlich kaum erstaunt. Die
Haltung vieler Menschen in den Dörfern hat mich – leider – auch
nicht überrascht. Was uns überrascht hat, war zum einen etwas
ganz simples: Hier sammelte Piotr oft einzelne Tassen ein, wo ich
mich immer fragte – warum!? In seinem Verkauf zuhause wurde es dann klar: Dort war am Ende auf diese Weise ein ganzes
Service zusammen gekommen. Und dann: Dass Dinge, die ich
für schön oder wertvoll hielt, alte Möbel, Schränke usw., meist
unverkäuflich waren, und Piotr einen wirklich guten Blick für das
hatte, was er zuhause gut verkaufen konnte.
Interview with Katja Schupp
Karin Schyle: Did the story develop after you met Piotr and Jan,
or did you seek them out because you had been working on that
topic for a while?
Katja Schupp: The topic was there first – when we contemplate
things and stories we encounter in our everyday lives, and at some
point we wonder what is really behind them. When Alicja, our colleague from Poland, came to visit one time, we simply went to a village
on the day of the bulk garbage pick-up. The first ones we met were
Piotr’s people. We were able to meet him the next day. Very soon, it
became obvious that he was operating this business with great success. Piotr agreed to be part of a film if we made one. Even though
he didn’t always find it easy, he felt committed to this promise – and
in the end, I guess he didn’t regret it. We became friends.
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KS: How long did it take you, and what did you have to do to earn
their trust for the journey together and the film?
KS: We got Piotr and Jan to agree to the film relatively quickly –
which was astounding, because most trash scavengers are scared,
they want to stay anonymous and hidden. But we wanted to enlist
not only those two, but their teams, as well – it was a great advantage that we were able to take as much time as we needed and we
visited the men at their camp very often, off camera. The film took
at least two years to make, from the first conversation to the last day
of shooting, and the relationship improved and became more trustful
with each encounter. I think we may have broken the last barrier
with the last remaining skeptics as late as the night of the premiere,
when Piotr’s entire team was present. That actually was the most
beautiful thing about it, to see that the men are comfortable in our
film.
KS: What shocked you more, the fact that our trash is the livelihood of trash scavengers, or the way they were met by German
locals as they went about their work?
KS: Neither really shocked any of us in the team. I’m sad to say that
the attitudes of many villagers didn’t surprise me, either. What did
surprise us was, for one, something very simple: Piotr often collected individual cups, and I always wondered – why does he do that!?
When he sold the items back home, I realized that he had compiled
a whole tea set. And another thing: The things that I considered
beautiful and valuable, old furniture, wardrobes and the like, were
usually not marketable. Piotr had a really great eye for what would
sell well at home.
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Alerik :: Alerik
Deutschland/Mazedonien :: Germany/Macedonia 2013
17 Min., HD Cinemascope, Farbe :: Color
Regie :: Director: Vuk Mitevski
Buch :: Screenplay: Teona Strugar Mitevska
Kamera :: Cinematographer: Antoine Bellem, Jana Lulovska
Ausstattung :: Art Director: Vuk Mitevski
Schnitt :: Editor: Nicolas Gaster
Sound Design: Moritz Schmittat
Produzent :: Producer: Labina Mitevska, Kathrin Böhringer,
Markus Halberschmidt
Produktion :: Production: Busse & Halberschmidt Filmproduktion
oHG, Kurze Str. 3, 40123 Düsseldorf, Germany; Sisters and Brother
Mitevski Filmproduction, F. Ruzvelt 4-38, 000 Skopje, Mazedonien
Alerik war u.a. auf folgenden Festivals zu sehen ::
Alerik was screened at the following festivals (selection):
Sarajevo International Film Festival, Regiofun International Film
Festival, Trieste International Film Festival, Vilnius International
Film Festival, Viewfinders for Youth International Film Festival,
XXS Kurzfilmfestival Dortmund (Jury Award), Tuzla Film Festival
(Award for Best Film), Dok Leipzig – International Leipzig Festival
for Documentary and Animated Film
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Alerik war für mich eine gute Schule. Ich entdeckte während
des Projekts ein Medium, das mir einen ganz neuen Ansatz in
meiner Arbeit eröffnete. Es änderte meinen Blick auf die Dinge,
ich wurde konzentrierter und geduldiger. Animation bedeutet für
mich, dass ich aus einer Quelle unendlicher Ideen schöpfen kann.
Alerik was a school for me. Working on this project, I discovered a
medium that opened up a new aproach to my work. It changed my
way of seeing things, I started being more focused and patient. I see
the animation as a limitless source of ideas.
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Vuk Mitevski wurde in Skopje, Mazedonien geboren. 2005
machte er seinen Abschluss am Bennington College in den USA
mit dem Spezialgebiet Skulptur, Malerei und Bühnenausstattung.
Er lebte in New York und kehrte nach Mazedonien zurück, um
bei den Langfilmen seiner Schwester Teoan Strugar Mitevska als
Bühnenausstatter zu arbeiten. 2005 nahm er an der Biennale für
junge Künstler aus Europa und dem Mittelmeerraum teil. In 2009
hatte er eine erfolgreiche Einzelausstellung in der Nationalgalerie
Mazedonien. Vuk Mitevski ist einer der vielversprechendsten
jungen Künstler seiner Zeit. Im Animationfilm findet er seine Herausforderung und Inspiration. Zur Zeit arbeitet an seinem neuen
Film The Boy With a Torn Sock in the Right Hand.
Born in Skopje (Macedonia), Vuk Mitevski graduated in 2005 from
Bennington College, USA, specializing in sculpture, painting and set
design. He lived in New York and returned to Macedonia to work as a

set designer on the feature films by his sister Teona Strugar Mitevska. He participated at the Biennale of the young artists from Europe
and Mediterranean in 2005 and had a solo very well received exhibition for the Macedonian National Gallery 2009. Vuk Mitevski is one
of the most exciting emerging young visual artists. Animation films
are his greatest challenge and inspiration. He currently prepares
The Boy With a Torn Sock in the Right Hand.
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Katrin Böhringer begann ihre Ausbildung für Kamera, Schnitt
und Konzeption an der AZ Media. Darauf folgte ein Volontariat
für Videojournalismus in Köln. Von 2004 bis 2007 studierte sie
Kreativ Produzieren an der Internationalen Filmschule Köln. Nach
einigen Kurzfilmen folgte ihr Abschlussfilm Robin, der für den
Deutschen Kurzfilmpreis nominiert war und weitere internationale Auszeichungen erhielt. 2007 begann sie für Busse & Halberschmidt als Junior-Produzentin zu arbeiten. Als Produzentin
arbeitete sie für den Dokumentarfilm Bad Boy Kummer und In
my Father’s House are Many Mansions. Bei Alerik war sie die
deutsche Produzentin.
Katrin Böhringer began her education at AZ Media in camera,
editing and conception followed by a voluntary service for video
journalism in Cologne. From 2004 until 2007 she studied creative
production at the international film school in Cologne. After producing several shorts she made her degree as BA with the project
Robin. Besides being nominated for the Deutscher Kurzfilmpreis
Robin has been awarded on several festivals internationally. In 2007
she started to work for Busse & Halberschmidt as junior producer.
As producer in the following years she worked for the feature documentaries Bad Boy Kummer and In my Father’s House are Many
Mansions. She has been the creative producer on the German side
for Alerik.
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Interview mit Vuk Mitevski
Karin Schyle: Alerik ist ein intimer Film, und man sieht, dass
du ihn mit viel Liebe fürs Detail gemacht hast. Kannst du uns
etwas über den Ablauf erzählen, und wie du deine Figuren und
das Design entwickelt hast?
Vuk Mitevski: Alerik ist eine von Hand animierte Stop-Trick Animation. Um das zu realisieren, braucht es viel Zeit und Anstrengung.
Wir haben mehr als zwei Jahre an der Realisierung von Alerik
gearbeitet. Das war eine außergewöhnliche und zugleich herausfordernde Erfahrung.
KS: Du kommst von der Bildenden Kunst und der Bühnenausstattung. Hast du den anderen Ansatz bei der Animation schätzen gelernt, wirst du damit weitermachen?
VM: Animation ist eines der Medien, die mich inspirieren. Ich experimentiere ständig. Ich drücke mich in Skulpturen, der Malerei,
der Bühnenausstattung, der Performance, dem Sound aus …
Die Animation hat sich als perfekter Magnet erwiesen, um die
verschiedenen Medien und Ausdrucksstile, mit denen ich arbeite,
symbiotisch miteinander zu vereinen. Ja, ich werde weiterhin
darin arbeiten und Neues entdecken. Animation ist wie ein Spiel,
dass ich immer spielen werde.
KS: Wie wichtig war es, den Filmförderpreis zu erhalten und
wie waren deine Partner in den kreativen Prozess involviert?
VM: Unglaublich wichtig. Wenn ich den Preis nicht bekommen
hätte, hätten wir Alerik nicht gemacht. In kreativer Hinsicht war
das eine meiner besten Erfahrungen. In Mazedonien haben wir
keine Postproduktionsmöglichkeiten. Für eine Animation sind
aber Sound, Mischen, Foleys und Musik entscheidende Faktoren.
Daher war die Zusammenarbeit mit unseren deutschen Partnern
sehr kreativ und eine wunderbare Erfahrung.
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KS: Du kommst aus einer sehr kreativen Familie, deine Schwester Teona ist eine bekannte Regisseurin, und Labina, deine
andere Schwester, Schauspielerin und Produzentin. Zusammen
habt ihr Sisters And Brother Mitevski Production gegründet.
Arbeitet ihr immer an gemeinsamen Projekten und inspiriert
euch gegenseitig?
VM: Ja, auf jeden Fall. Gerade drehen wir Teonas neuen Film, der
im Mai fertig wird, und wir arbeiten an meiner neuen Animation.
Es ist großartig für die kreative Arbeit, wenn wir gemeinsam arbeiten. Viele Diskussionen, Gespräche, Ideen, und wir unterstützten uns gegenseitig. Und das Motto unserer Firma lautet: »Kino
ist vor allem eine visuelle Form, und es ist unsere Pflicht, diese
meisterhaft zu nutzen und ihre Grenzen zu durchbrechen. Daran
arbeiten wir kontinuierlich.«
Interview with Vuk Mitevski
Karin Schyle: Alerik is a very intimate animation film and it shows
the great effort you put into every little detail. Can you tell us a
bit about the process, how you created the figures and the design, and how long you worked on it?
Vuk Mitevski: Alerik is a completely hand-made stop motion animation, which takes a lot of time and effort. It took us more than two
years to complete Alerik. For me, creating this film was an amazingly challenging experience.
KS: Coming from the visual arts and set design, did you appreciate the different approach while working on the animation film and
will you follow up with it?
VM: Animation is one of the mediums that inspire me. I constantly
experiment. I express myself through sculpture, painting, set design,
performance, sound … But in order to create a symbiosis of all the
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different media that I’m using, animation has proven to be a perfect
magnet to combine all of these different expressions. Yes, I will continue to discover this medium. Animation, to me, is like a game that I
will never stop playing.
Баща/Vater/Otac :: Father
Bulgarien/Deutschland/Kroatien :: Bulgaria/Germany/Croatia
2012
16 Min., 35 mm 1:1.85, Farbe :: Color
KS: How important was it to receive the Film Prize and how were
your partners involved in the creative development process?
VM: Amazingly important. If I hadn’t received the prize, Alerik would
not have been made. And for me, this was one of the best experiences creativily. In Macedonia, we don’t have any postproduction
facilities, and for animation sound, mix, foleys, and music are very
important. So for us, working with the German partners was just a
really creative collaboration and a wonderfull experience.
KS: You come from a very creative family, your sister Teona is a
well-known director, Labina, your other sister, is an actress and
producer, and you founded the Sisters And Brother Mitevski Production. Are you always involved in each other’s work and inspire
each other?
VM: Yes, yes. Now we are just starting to shoot Teona’s new film, in
May we will finish up and start my new animation. It is just a great
creative effort when we work. A lot of disscusions, talks, ideas, but
we get great support from each other. And the motto of our company
is »Cinema is first and foremost a visual form and it is our duty to use
it masterfully and push its limits. And we try to do this constantly«.
Regie/Supervisor :: Director/Supervisor: Ivan Bogdanov
Regie :: Director: Moritz Mayerhofer, Asparuh Petrov,
Veljko Popović, Rositsa Raleva, Dmitry Yagodin
Buch :: Screenplay: Ivan Bogdanov, Phil Mulloy
Animation: Vessela Dantcheva, Kristijan Dulić, Moritz Mayerhofer,
Asparuh Petrov, Dmitry Yagodin
Art Director: Ivan Bogdanov
Schnitt :: Editor: Ivan Bogdanov
Sound Design: Emil Iliev
Produzent :: Producer: Maria Stanisheva
Ko-Produzent :: Co-producer: Vanja Andrijević, Christian Müller
Darsteller (Stimme) :: Cast (Voice): Harry Anichkin (Father), Ivana
Gavrailova (Sirma), Eltimir Aleksandrov (Sancho), Deliana Hristova
(Yana), Boris Deliradev (Boris), Katrin Toneva (Velina)
Produktion :: Production: Compote Collective, 6th September
St. 7-A, 1000 Sofia, Bulgaria; Bonobostudio, Barutanski jarak 31,
10000 Zagreb, Croatia; Eyecatch Productions, Spichererbergstr. 71,
6619 Saarbrücken, Germany
Father war auf über 100 Festivals zu sehen und erhielt 26 Aus
zeichungen, darunter die Goldene Taube für Animationsfilm beim
Dok Leipzig 2012 und den ersten Preis für animierten Dokumentarfilm beim Chicago International Children’s Film Festival 2013.
Father was screened at more than 100 festivals and received
26 awards, including Golden Dove for Animated Film – Dok Leipzig
2012, 1st Prize for Animated Documentary Film – Chicago International
Children’s Film Festival 2013.
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Ivan Bogdanov wurde 1973 in Sofia geboren. 2002 machte er
seinen Bachelor of Fine Arts in Medien und Animation an der Willem de Kooning Academy of Art and Design, Rotterdam. Seither
arbeitet er als freiberuflicher Animationsregisseur, Illustrator und
Comikzeichner. Er ist Mitbegründer des FinFilm-Animationstudios
und von Compote Collective. Viele seiner bisherigen Animationsfilme wurden ausgezeichnet.
Ivan Bogdanov, born 1973 in Sofia. He holds a BFA degree in Media
& Animation from the Willem de Kooning Academy of Art and Design,
Rotterdam (2002). Since then he has been working as a freelance
animation director, illustrator and comics artist. He is a co-founder
of FinFilm animation studio and Compote Collective. During the last
years he has created several award-winning animation films.
Moritz Mayerhofer (Deutschland, Regie und Design von Boris)
hat einige preisgekrönte Kurzfilme geschaffen. Derzeit arbeitet er
an seinem ersten langen Animationsfilm. Asparuh Petrov (Bulgarien, Regie und Design von Sirma) arbeitet als Freiberufler und
entwickelt eigene Animationsprojekte. Veljko Popović (Kroatien,
Regie und Design von Velina) Regisseur von zahlreichen preisgekrönten Filmen. Er lehrt Animation an der Kunstakademie in Split.
Rositsa Raleva (Bulgarien, Regie und Design von Yana) arbeitet
als Grafikdesignerin und künstlerische Leiterin bei verschiedenen
Werbeagenturen. Sie gestaltet auch Illustrationen, Corporate
Identities, Plakate und T-Shirt-Designs. Dmitry Yagodin (Russland, Regie und Design von Sancho) arbeitet als freiberuflicher
Künstler, Regisseur und Animator.
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Moritz Mayerhofer (Germany, direction and design of Boris) created a couple of award-winning shorts, and is currently preparing
his first animated feature film. Asparuh Petrov (Bulgaria, direction
and design of Sirma) works as a freelancer and creates his own
animation projects. Veljko Popović (Croatia, direction and design
of Velina) is director of serveral award-winning films, and teaches
animation at the Arts Academy in Split. Rositsa Raleva (Bulgaria,
direction and design of Yana) works as a graphic designer and art
director at several advertising agencies and as a freelancer creating
illustrations, corporate identity, posters and T-shirt design. Dmitry
Yagodin (Russia, direction and design of Sancho) works as a freelance artist and independent director and animator.
Maria Stanisheva, geboren in Sofia, Bulgarien, dreht und produziert Dokumentar- und Animationsfilme. Abschluss an der Universität Sofia, der Mitteleuropa-Universität Budapest sowie des
Programms für Dokumentarfilm an der New Yorker Filmakademie.
Maria Stanisheva lebt in Brooklyn, New York und lehrt an der
New Yorker Akademie, produziert als Freiberuflerin Videofilme
und arbeitet an ihren eigenen Filmprojekten.
Maria Stanisheva is a director/producer of documentary and animated film born in Sofia, Bulgaria. Graduate of Sofia University, Central
European University, Budapest and New York Film Academy’s Documentary Filmmaking program. Based in Brooklyn, NY, Maria divides
her time between freelance video production, teaching at the New
York Film Academy and working on her own film projects.
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Interview mit Moritz Mayerhofer
Karin Schyle: Der Film basiert auf wahren Geschichten, die
dann von fünf Regisseuren umgesetzt wurden. Wie habt ihr
euch gefunden und die Zusammenarbeit entwickelt?
Statement der Produzentin
Wann habt ihr zuletzt mit eurem Vater gesprochen? Werdet ihr
jemals mit ihm über die Dinge sprechen, die euch verletzt haben?
Father, ein kurzer animierter Dokumentarfilm, zeigt fünf parallele Welten, in denen der unmögliche Dialog zwischen Kind und
Vater stattfindet. Der Film basiert auf authentischen Erlebnissen
einiger junger Menschen, die von fünf einzigartigen Animations
regisseurInnen in einem animierten Dokumentarfilm zusammengestellt wurden.
Wir danken der Robert Bosch Stiftung, dass sie uns durch diese
Reise geführt hat. Dies hat uns ermöglicht, mit unserer ersten Koproduktion zu experimentieren, die ihre Höhen und Tiefen durchwanderte und jeden im Team lehrte, noch integrativer zu arbeiten.
Producer’s Statement
When did you last talk with your father? Will you ever ask him about
those things that hurt you?
The short animated documentary film Father features five parallel
realities in which the impossible dialogue between a child and a
father would take place. The film is based on the authentic experiences of several young people put together in an animated documentary story by five unique animation directors.
We’d like to thank the Robert Bosch Stiftung for guiding us through
this journey and allowing us to experiment with our first coproduction, which having had its ups and downs, taught everyone from the
team how to work in a more inclusive way.
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Moritz Mayerhofer: Die Gruppe traf sich ganz unterschiedlich.
Ich kenne Christian Müller seit meinem Studium. Bei einem
Animationsfilmfestival lernte ich die kroatische Produzentin
Vanja Andrijević kennen, deren Produktionen ich sehr bewunderte. Schon damals sprachen wir über die Möglichkeit, gemeinsam
einen Film über die Robert Bosch Stiftung zu produzieren. Nach
ein paar Monaten erhielt ich die Einladung von der bulgarischen
Produzentin Maria Stanisheva, bei dem Kollektivprojekt Father
zusammen mit Vanja mitzumachen. Sie hatten schon einen deutschen Produzenten im Team, und das war Christian! Schließlich
schloss sich der Kreis, und ich lernte eine Gruppe sehr talentierter Künstler und Filmemacher kennen.
KS: Der Film ist eine Kollektivarbeit. Wie war die Zusammenarbeit und was nimmst du aus dieser Erfahrung für dich mit?
MM: Für uns als Team was es wichtig, uns so früh wie möglich
persönlich zu treffen. Wir hatten dann einige Monate vor dem
Pitch in Sofia ein sehr produktives erstes Treffen. Wir diskutierten über das visuelle Konzept und die Grundstruktur der Erzählweise und des Geschichtenerzählens. Es war eine neue Erfahrung, die Regie mit so vielen anderen Personen zu teilen, aber
das hat mir sehr gefallen. Filmemachen ist Teamarbeit und wenn
das Konzept es erlaubt, dann macht die Regiegemeinschaft nicht
nur Sinn, sondern den Film um einiges besser. Am wichtigsten
für den erfolgreichen kreativen Ablauf war der Respekt, den wir
uns gegenseitig zeigten. Eine sehr inspirierende Zeit, die ich nicht
missen möchte.
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KS: Was hat dich an deiner Figur Boris und seinem Verhältnis
zu seinem Vater, der ihn nicht wahrzunehmen scheint, am meisten interessiert?
MM: Zu Beginn hatten wir verschiedene Interviews zur Auswahl.
Ich suchte nach einer Geschichte, die sowohl emotional als auch
visuell ansprechend war. Auf die Geschichte von Boris wurde ich
aufmerksam, weil sie von Einsamkeit und dem Erwachsenwerden
handelt. Es interessierte mich, die Leere und Distanz zu seinem
Vater zu visualisieren. Auch fand ich es faszinierend zu sehen,
wie ein Kind langsam erwachsen wird und schließlich seinen
Vater kennen lernt.
KS: Alle fünf Geschichten haben etwas Trauriges und zeigen
den unmöglichen Dialog zwischen Kindern und Eltern. Glaubst
du, das ist ein universelles Problem, oder trifft das insbesondere auf deine/eure Generation zu?
MM: Father hat oberflächlich gesehen sicherlich etwas Trauriges,
aber es war uns wichtig, dass es nicht nur ein »trauriger Film« ist.
Die Geschichte von Boris handelt von Emanzipation und vom Erwachsenwerden. Er hatte seine Schwierigkeiten überwunden und
fing ein neues Leben an. Ich denke, das ist sehr ermutigend für
jeden, der Probleme mit seinen Eltern hat. Die Kinder in Father
haben meiner Ansicht nach alle ein universelles Problem. Solange
es in der Welt Konflikte gibt, werden die Kinder leiden. Es geht
darum, wie sie dem entrinnen und es schaffen, diese Probleme
nicht an die nächste Generation weiterzuvererben. Es bleibt die
Hoffnung, es besser als deine Eltern zu machen. Ich hoffe, der
Film erinnert daran.
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Interview with Moritz Mayerhofer
Karin Schyle: The film is based on true stories, which were then
adapted for the screen by five different directors. How did you
find each other and how did your collaboration evolve?
Moritz Mayerhofer: The group met through various circumstances.
I have known Christian Müller for a long time, since college. At an
animation festival, I was introduced to Croatian producer Vanja
Andrijević whose productions I admired. We already talked about the
possibility of producing a film together through the Robert Bosch
Stiftung. But it took a couple of months until I received an invitation
by Bulgarian producer Maria Stanisheva to participate in a collective
film project, Father, together with Vanja. They already had a German
producer on board – it was Christian! We finally came full circle and
I was introduced to a very talented group of artists and filmmakers.
KS: The film is a collective piece of work. How was the collaboration, and what did you take away from this experience?
MM: It was essential for us as a team to meet in person as early as
possible. Some months before the pitch we met in Sofia, where most
of the creative team was based, and had a very productive first meeting. We discussed visual concepts and basic structures of narration
and storytelling.
It was a new experience to share the director’s chair with so many
other people, but I really enjoyed it. Filmmaking is a group effort and
if the concept allows it, a directors-collective not only makes total
sense but also makes the film far better. The most important factor
in this successful creative process was the respect we all had for
each other. It was a very inspirational time, which I wouldn’t want
to miss.
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KS: To you, what was the most interesting aspect about your
character Boris and his relationship with his father, who seems
to be oblivious towards him?
MM: At the beginning of the project we had many interviews to choose from. I was looking for a story that would be both emotional and
visually appealing. The story of Boris caught my attention as it tells
about loneliness and coming of age. Visualizing the emptiness and
distance to his father was something I was interested in. I thought it
was fascinating to see a child become an adult to finally get to know
the father.
KS: All five stories have a certain sadness to them and highlight
the impossible dialogue between children and parents. Do you
think this is a universal problem, or is it a specific hallmark of
your generation?
MM: Father certainly has a layer of sadness on its surface, but it
was important for us that it is not only »a sad film«. For example,
Boris’ story tells about emancipation and becoming an adult. Of
course he had trouble, but in the end, he started a new life. I think
this is very powerful and encouraging for anyone having problems
with their parents. The kids in Father share a problem which, in my
eyes, is universal. As long as there are conflicts in the world, children will suffer. It’s just about how they come out of it and manage
not to pass these problems on to the next generation. There‘s always
hope to do better than your parents did. I hope that the film reminds
people of that.
The Little Red Paper Ship/Czerwony Papierowy Stateczek ::
The Little Red Paper Ship
Deutschland/Polen :: Germany/Poland 2013
13 Min., digital 2D/3D 16:9, Farbe :: Color
Regie :: Director: Aleksandra Zaręba
Buch :: Screenplay: Aleksandra Zaręba
Art Director: Tom Schirdewahn
3D Models: Vito La Manna, Gregor Weiß
Schnitt :: Editor: David Henning
Musik :: Music: Paweł Mykietyn, Tomasz Januchta
Sound Design: Tomasz Sikora
Produzent :: Producer: Lena Vurma
Produktion :: Production: dragonflyfilms, Paul-Robeson-Str. 19,
10439 Berlin, Germany
The Little Red Paper Ship war auf über 30 Festivals zu sehen,
darunter :: The Little Red Paper Ship was screened at more than
30 festivals including:
New Horizons Wrocław Festival, Italian Movie Award Pompei,
Walker Art Center in Minneapolis, The Little Big Shots International
Film Festival for Kids Melbourne, Warsaw Film Festival, Lucas
Kinderfilmfestival Frankfurt, Festival Des Films Du Monde Montréal,
Chicago International Children’s Film Festival, Aesthetica Short
Film Festival York, Michel Kinder und Jugend Filmfest Hamburg,
Cannes Short Film Corner, Sofia International Film Festival
Der Film hatte seinen Kinostart in Großbritannien und Frankreich ::
The film had its theatrical release in the UK and France
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Statement der Regisseurin
The Little Red Paper Ship ist nicht nur ein Film über eine Reise,
sondern reflektiert auch mein bisher größtes Abenteuer.
The Little Red Paper Ship is not only a movie about a journey, it is
also a reflection of my greatest adventure so far.
Aleksandra Zaręba, geboren und aufgewachsen in Polen. Sie studierte Filmgeschichte an der Universität in Łódź und Filmproduktion an der Nationalen Schule für Film, Fernsehen und Theater in
Łódź. Während ihres Studiums war sie ausführende Produzentin
bei einigen Kurzfilmen. Nach ihrem Abschluss arbeitete sie als
Illustratorin und Grafikerin für Grafikstudios und Filmproduk
tionen. Für ihren Animationsfilm The Little Red Paper Ship, der
zahlreiche Auszeichnungen gewann, schrieb und illustrierte sie
auch die Buchvorlage. Seit 2014 lebt Aleksandra in London, wo
sie zur Zeit an ihrem neuen Film arbeitet.
Aleksandra Zaręba was born and grew up in Poland. She studied
History of Cinema at the University of Łódź and Film Production at
the National Film, Television and Theater School Łódź. During her
studies she made a few short movies as an executive producer. After
graduation she starts to work as an illustrator and graphic designer for graphic studios and film production companies. Aleksandra
wrote and illustrated the book The Little Red Paper Ship, her later
animation short film, which won serveral prizes. In 2014 Aleksandra
moves to London where she is working now on her new movie.
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Interview mit Aleksandra Zaręba
Karin Schyle: Wie kamst du auf die Idee, ein rotes Papierschiffchen als Metapher für Mut zu verwenden, und wie entwickelte
sich diese poetische Geschichte?
Lena Vurma ist Schweizerin und arbeitet als Autorin und Produzentin in Berlin. Abschluss an der DFFB (Deutsche Film- und
Fernsehakademie Berlin) im Fach Kreativ Produzieren. Sie
gewann neben dem Filmförderpreis der Robert Bosch Stiftung
einen Werkbeitrag aus der Schweiz und produzierte ihren ersten
Langfilm Lost Place, einen Mystery-Thriller in 3D und Dolby
Atmos, der durch Warner Bros. in die Kinos kam. Ihr nächster
Langfilm Ghosts of India ist eine internationale Koproduktion,
die den »Indo-German« Drehbuchpreis gewann, ein Artist-in-Residence-Stipendium in Mumbai erhielt sowie eine Förderung zur
Projektentwicklung vom Medienboard Berlin-Brandenburg. Lena
Vurma arbeitet auch als Akquisitions-Managerin für den Filmverleih NFP m&d.
Lena Vurma is a Swiss writer/producer based in Berlin. She graduated in »Creative Producing« at the DFFB (German Film- and Television Academy Berlin). Next to the Film Prize of the Robert Bosch
Stiftung she won a creative grant from Switzerland and produced
her first feature film Lost Place, a mystery-thriller in 3D and Dolby
Atmos, which got theatrically released by Warner Bros. Her next feature Ghosts of India is an international co-production, which already won the IndoGerman Screenwriting Award, received an artists in
residence scholarship in Mumbai and project development funding
by MBB. Besides producing she works as acquisition manager for
the film distribution company NFP m&d.
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Aleksandra Zaręba: Während einer Zugfahrt hatte ich plötzlich
das Bild eines roten Papierschiffchens vor Augen. In meiner Vorstellung sah ich ein zerbrechliches und unsicheres Papierschiff,
dass auf dem großen Ozean segelte. Das Bild war so stark,
dass es mich nicht mehr los ließ, vielleicht weil ich mich darin
wieder erkannte. Ich fragte mich, was passieren würde, wenn
das kleine Schiff, das sich seiner Zerbrechlichkeit bewusst ist,
nach etwas Großem streben würde, das seine Möglichkeiten
übersteigt. Und so entstand die Geschichte, in der ich viele
meiner Fragen verarbeitete. Was braucht man, um einen Traum
wahr werden zu lassen? Wie beeinflusst uns der Weg, den wir
gehen? Ich erinnere mich, dass ich am Ende meiner Zugreise
die Geschichte geschrieben hatte.
KS: Seit der Fertigstellung tourt der Film erfolgreich auf internationalen Festivals. Das Wagnis des roten Paperschiffchens
wurde nun zu deinem Abenteuer. Wie hat das dein Leben verändert?
AZ: The Little Red Paper Ship war von Anfang an auch meine Geschichte. Aber ich hätte nie gedacht, dass daraus so ein
großes Abenteuer werden würde, und dass diese einfache Idee,
die hinter der Geschichte steckt, so viele Menschen erreicht.
Mit Beginn der Filmproduktion änderte sich mein Leben. Ich zog
in ein anderes Land und traf viele neue Menschen. Ich wurde
selbstsicherer, wenn auch nicht zuversichtlicher – ich denke,
meine Zweifel werde ich behalten, aber mit der Gewissheit, dass
es immer gute Menschen gibt, die mir helfen, meine Träume wahr
werden zu lassen.
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KS: Konntest du von der internationalen Koproduktion profitieren, und wie eng hast du mit deiner deutschen Produzentin
Lena zusammengearbeitet?
AZ: Aus organisatorischer Sicht ist eine internationale Koproduktion eine große Herausforderung. Aber ich konnte viele Erfahrungen sammeln. Anfangs hatte ich Angst. Ich debütierte als Regisseurin und sprang direkt in ein internationales Projekt in e
inem
Land, dessen Sprache ich nicht sprach. Aber vielleicht musste ich
deswegen unkomplizierter sein und mich für ein gegenseitiges
Verständnis und eine Kommunikation öffnen. Andererseits waren
die unterschiedlichen Kulturansätze eine Bereicherung. Ich habe
mit Lena sehr eng im Team zusammengearbeitet, das war für
mich sehr wichtig. Lena ist sehr optimistisch und aktiv, wodurch
ich viel Unterstützung erhielt. Für sie gibt es immer eine Lösung
zu einem Problem, das ist bei einer Filmproduktion entscheidend.
KS: Der Film hat keinen Dialog, aber eine sehr beeindruckende
Musiksprache. Warst du bei der Komposition mitbeteiligt?
AZ: Wir wussten von Anfang an, dass Sound und Musik eine zentrale Rolle im Film spielen würden. Zusammen mit den Komponisten Paweł Mykietyn und Tomasz Januchta legten wir recht früh
die Richtung fest, in die wir gehen wollten. Das belastete mich
auch, weil es das erste Mal war, dass ich mit berühmten Komponisten arbeitete. Wir sprachen über Gefühle, die ich erzielen
wollte und wie die Musik die Bilder begleiten könnte. Später
entwickelte Tomasz Sikora, der Sounddesigner, den gesamten
Sound, der perfekt zu der Partitur passte.
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Interview with Aleksandra Zaręba
Karin Schyle: How did you come up with the idea that a little red
paper ship serves as a metaphor for courage, and how did this
poetic story develop?
Aleksandra Zaręba: The red paper ship came to me as an image
during a train ride. In my mind, I saw a fragile and insecure paper
ship sailing on a big ocean. The image was so strong that it caught
my attention, maybe also because I felt like this. I was wondering
what would happen if this small ship, aware of its own fragility,
wanted something big, something that could seemingly exceed its
possibilities.
The story came quite quickly. I had lots of questions in me, which I
put in this story. What does one really need to make a dream come
true? How does the road we choose affect us? I remember I had
finished the story by the time the train had reached its destination.
KS: Since its release, the film has been successfully touring
international festivals. Now the venture of the little red paper
ship became your adventure. How did this change your life?
AZ: The Little Red Paper Ship has somehow been my story from
the beginning, but to be honest, I would never have thought it would
become such a great big adventure for me - and that this simple idea
behind the story would reach so many people. With the beginning
of the movie production, my life changed. I moved to a different
country, met new people. I became more sure of myself, maybe not
more confident – I guess, I will always have my doubts, but with the
certainty that there are good people who will always help me make
my dream come true.
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KS: What were the benefits of an international co-production,
and how closely did you work with Lena, the German producer?
AZ: International co-oproduction is a big challenge from an organisational point of view, but it also gave me more experience. It felt
scary at the beginning. My first movie as a director, and right away
in an international project in a country whose language I didn’t
speak. But maybe this forced me to be simpler, more open to mutual
understanding and communication. Another thing was the richness
of different cultural experiences.
I worked very closely with Lena. We became a team, which was
very important for me. Lena has a lot of optimism and active energy
from which I gained a lot of support. For her, there are no problems
without a solution, which I think is crucial in a movie production.
KS: The film has no dialogue, but a very impressive musical
language. Were you involved in the composition?
AZ: From the beginning, we knew that sound and music would play
a very important role in the movie. With composers Paweł Mykietyn
and Tomasz Januchta we started to determine in which direction
we wanted to go very early in the production. I was stressed about
this, not only because it was the first time that I worked with famous
composers. We were talking about feelings I wanted to achieve and
how music could go along with the picture. Later, Tomasz Sikora
(sound designer) created the entire world of sound, which went
perfectly with the score.
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Robert Bosch Stiftung GmbH, Stuttgart
www.filmprize.com