Ottawa International Animation Festival

Transcription

PROUD
TO SUPPORT THE
OTTAWA
INTERNATIONAL
ANIMATION FESTIVAL 2012
23 Fraser Ave, Toronto, ON M6K 1Y7
9story.com
TABLE OF CONTENTS / TABLE DES MATIÈRES
FESTIVAL SCHEDULE / Horaire DU FESTIVAL
letters / courier
20
TAC
26
Jury/Jurés
28
OIAF 2012 Official Competition Prizes & Awards/
Prix de competitions officielles et trophées
30
Films in Competition/ Compétitions du film
32
Competitions/ les Compétitions ?
34
Showcases/ les Vitrines du film ?
36
Special Screenings/ Projections spéciales
66
Talks and Professional Development Day/
Discussions et journée pour le développement professionelle
105
kids and teens?
111
Other Events/Autres événements
113
Parties/ Soirées (passholders only?)
115
Recruiting and Animarket / Recrutement et l’animarché
117
Posters And Awards?
2
16
120
Films Contacts/ Contacts des films
121
Festival Organization & Staff /Organization du festival et personnel
126
City Map/ Carte de la ville
127
www.animationfestival.ca
C
M
Y
CM
MY
CY
CMY
K
THOM CHAPMAN
Vice President of Business Development & Sales
[email protected] /+1.647.802.8466
www.toonboxent.com
JAY HJ AHN
Executive Producer, Adviser
All Rights Reserved by ToonBox Entertainment Ltd. & Redrover Co, Ltd.
[email protected] /+82.70.7605.3203
www.redrover.co.kr
I NT E R NAT IO NA L FI L M FE ST IVA L
July 2013 Montreal www.fantasiafestival.com
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OCT. 10 > 21, 2012
14
OIAF 2012 festival reader / FIAO 2012 lecteur du festival
15
2012 festival schedule / horaire du festival
DAY 3 - FRIDAY, SEPTEMBER 21, 2012
DAY 1 - WEDNESDAY, SEPTEMBER 19, 2012
TIME
NAME OF SCREENING
VENUE
8:30 am
TAC: Animation Business Conference (TAC Pass Only)
Chateau Laurier
RATING
9:00 am
9:00 am
Aniboutique and Chez Ani open
Arts Court Studio
7:00 pm
Screening: Feature Competition 1: Arrugas – Gala
ByTowne Cinema
14+
Screening: Short Competition 1 – Gala
ByTowne Cinema
14+
Opening Ceremonies
ByTowne Cinema
9:15 pm
TIME
9:30 am
Opening Night Party (passholders only)
DAY 2 - THURSDAY, SEPTEMBER 20, 2012
NAME OF SCREENING
VENUE
8:30 am
Television Animation Conference (TAC Pass Only)
Chateau Laurier
9:00 am
Chez Ani opens – Meet the Filmmakers Breakfast
Arts Court Studio
Meet the Filmmakers – Competition 1
9:30 am
11:00 am
1:00 pm
3:00 pm
16
Meet the Filmmakers – Short Competition 2
Arts Court Theatre
Toon Apprentice Day for Teens
Free School Presentation: Sheridan College. (Pre-register 613-2328769)
National Gallery
ByTowne Cinema
14+
Toon Apprentice Day for Teens: Bachelor of Information Technology
(Pre-register 613-232-8769)
National Gallery
Talk: Barry Purves Masterclass
Arts Court Theatre
14+
Free School Screening: Canadian Student Showcase
National Gallery
14+
12:00 pm
Animator’s Picnic (Passholders only)
Strathcona Park
1:00 pm
Toon Apprentice Day for Teens: VanArts
National Gallery
1:30 pm
Free Screening for Teens: International Student Showcase
National Gallery
14+
Screening: Canadian Showcase
Arts Court Theatre
14+
Screening: Ralph Bakshi: Heavy Traffic
National Gallery
Mature
4:45 pm
Screening: Feature Competition 2 Consuming Spirits – Gala
National Gallery
14+
6:00 pm
AniMarket Grand Opening FREE
NAC Foyer
11:00 am
Arts Court Theatre
Animation Celebration
(free event for elementary school students. Pre-register 613.232.8769)
National Gallery
Talk: Whoa! What!? Experimental Influence in the Commercial Realm
Arts Court Theatre
14+
Screening: Ralph Bakshi: Fritz the Cat
ByTowne Cinema
Mature
Screening: Canadian Showcase
Empire Rideau
14+
(free event for elementary school students. Pre-register 613.232.8769)
National Gallery
All ages
All ages
3:00 pm
Screening: Intersections: Experimental 3D Animation
Arts Court Theatre
14+
Screening: Short Competition 5
ByTowne Cinema
14+
Screening: YouTubular
Empire Rideau
14+
Screening: International Student Showcase
National Gallery
14+
Screening: TV for Kids Competition
Arts Court Theatre
All ages
Screening: International Showcase
ByTowne Cinema
14+
Screening: International Student Showcase
Arts Court Theatre
14+
Screening: YouTubular
Empire Rideau
14+
Screening: Feature Competition 3: Le Tableau - Gala
NAC Theatre
All Ages
Screening: Ralph Bakshi: Fritz the Cat
National Gallery
Mature
Screening: Short Competition 3 - Gala
NAC Theatre
14+
Talk: Full Steam Ahead: The Art and Life of Ward Kimball
Arts Court Theatre
14+
Screening: International Showcase
Empire Rideau
14+
Screening: Run Wrake
National Gallery
14+
11:00 pm
Student Party (Passholders Only)
Club SAW
11:30 pm
Comedians in Animation
Arts Court Theatre
Screening: Feature Competition 4: Babeldom
Empire Rideau
14+
Screening: Ralph Bakshi: Coonskin
National Gallery
Mature
National Gallery
All ages
6:15 pm
Hotel Transylvania
ByTowne Cinema
All ages
Screening: Ralph Bakshi: Wizards
Arts Court Theatre
Mature
Screening: Karen Aqua
Empire Rideau
All ages
Talk: This Way Up: The Mastery of Smith and Foulkes
National Gallery
All ages
Screening: Canadian Student Showcase
Arts Court Theatre
14+
Screening: Short Competition 2 -Gala
ByTowne Cinema
14+
Screening: Comedians and Animation
Empire Rideau
14+
Screening: Barry Purves
National Gallery
14+
Salon des refusés (Passholders only)
Club SAW
11:00 pm
NAC Foyer
RATING
Talk: The Making of Le Tableau
9:15 pm
Arts Court Studio
Aniboutique and Reception
National Gallery
10:30 am
5:00 pm
7:00 pm
RATING
Toon Apprentice Day for Teens Free School Presentation
Algonquin College (Pre-register 613-232-8769)
Hard Rock Café
TIME
VENUE
10:00 am
11:00 pm
NAME OF SCREENING
Screening and Q & A
7:00 pm
9:00 pm
9:15 pm
14+
17
DAY 4 - SATURDAY, SEPTEMBER 22, 2012
TIME
9:00 am
NAME OF SCREENING
VENUE
Arts Court Studio
Animarket, Aniboutique and Reception Opens
NAC Foyer
DAY 5 - SUNDAY, SEPTEMBER 23, 2012
RATING
14+
Professional Development: Coming to a Theatre Near You
NAC Studio
9:30 am
Meet the Filmmakers – Short Competition 3
Arts Court Theatre
All ages
10:30 am
Ubisoft’s Splinter Cell Blacklist and Performance Driven Animation
NAC Theatre
14+
10:45 am
Professional Development: Industry Etiquette 101
NAC Studio
14+
Talk: NFB Hothouse: Stepping Stones
Arts Court Theatre
14+
Empire Rideau
14+
Screening: Short Films for Kids Competition – Gala
National Gallery
All ages
12:30 pm
Talk: One-on-One with Ralph Bakshi
NAC Theatre
Mature
12:45 pm
Screening: Feature Competition 2: Consuming Spirits
Empire Rideau
14+
Professional Development: Character Design Masterclass with Phil
Rynda
NAC Studio
14+
Arts Court Theatre
14+
National Gallery
14+
NAC - Studio
14+
11:00 am
1:00 pm
Talk: Full Steam Ahead: The Art and Life of Ward Kimball
2:30 pm
Professional Development: 85 Minutes of Hell: Storyboarding for
Features
TIME
NAME OF SCREENING
VENUE
Arts Court Studio
Aniboutique and Reception
NAC Foyer
9:30 am
Meet the Filmmakers Comp 4 & Kids Shorts
Arts Court Theatre
10:30 am
Talk: The Making of ParaNorman with Chris Butler
NAC Theatre
Meet the Filmmakers (Comp 5 and TV for Kids)
Arts Court Theatre
Screening: Feature Competition 1: Arrugas
Empire Rideau
14+
Screening: Barry Purves
National Gallery
14+
Talk: From Scorsese to Nolan: Creating Visual Effects That
Serve Story
NAC Theatre
All ages
Screening: Karen Aqua
Arts Court Theatre
All ages
Screening: Short Films for Kids Competition
Empire Rideau
All ages
Screening: Run Wrake
National Gallery
14+
Arts Court Theatre
All ages
Empire Rideau
14+
NAC Theatre
All ages
National Gallery
14+
9:00 am
11:00 am
12:30 pm
1:00 pm
Adobe Youth Voices Screening
Screening: School Showreel
3:00 pm
4:00 pm
5:00 pm
7:00pm
9:00 pm
9:15 pm
11:00 pm
18
Screening: TV Made for Kids Competition
Arts Court Theatre
All ages
Screening: ParaNorman
Empire Rideau
All ages
NAC Theatre
14+
Talk: This Way Up: The Mastery of Smith and Foulkes
National Gallery
14+
Professional Development: Writing Masterclass with Butch Hartmann
NAC Studio
14+
Screening: Ralph Bakshi: Coonskin
National Gallery
Mature
Screening: Intersections: Experimental 3D Animation
Arts Court Theatre
14+
Screening: Ralph Bakshi: Wizards
Arts Court Theatre
Mature
Empire Rideau
14+
Screening: Feature Competition 4: Babeldom - Gala
NAC Theatre
14+
NAC Theatre
14+
Screening: Comedians in Animation
Arts Court Theatre
14+
Screening: Feature Competition 3: Le Tableau
Empire Rideau
All ages
Screening: Ralph Bakshi: Heavy Traffic
National Gallery
Mature
Screening: Karen Aqua (11:30 pm)
Arts Court Theatre
All ages
Saturday Night Party (Passholders only)
Ritual Nightclub
3:00 pm
Talk: Behind-the-Scenes of Walt Disney Animation Studios' Paperman,
Making-of Pixar's Partysaurus RexScreening
Comedians and Animation
RATING
All ages
3:30 pm
AniMarket Closes
NAC Foyer
5:00 pm
Canadian Student Showcase
Arts Court Theatre
14+
7:00 pm
Closing Ceremonies
NAC Theatre
14+
8:00 pm
Best of the Festival Screening
NAC Theatre
14+
9:00 pm
Closing Night Party (passholders only)
Arts Court Studio
19
I am pleased to extend my warmest greetings to
everyone attending the 2012 Ottawa International
Animation Festival (OIAF).
C’est avec plaisir que je salue chaleureusement
tous ceux et celles qui assistent au Festival international d’animation d’Ottawa de 2012 (FIAO).
Animation is one of the oldest forms of story
telling. Through ancient cave art and Egyptian
hieroglyphs, to the birth of cinematography, up
to the 3D computer”generated images of today,
animation has been one of the most popular ways
to bring a story to life for viewers. Over the years,
this festival has offered a wonderful opportunity
for filmmakers and fans of animation to share the
wonders of animated film. Now the largest festival
of its kind in North America, the OIAF is a major
media event attracting submissions and visitors
from around the world.
L’animation est l’une des plus anciennes façons de
raconter. Des œuvres picturales préhistoriques
aux hiéroglyphes, en passant par l’avènement
du cinéma, jusqu’à l’apparition des images en 3D
créées par ordinateur, l’animation a toujours été
l’un des moyens les plus populaires de donner vie
aux histoires. Au fil des ans, le Festival a offert
aux cinéastes et amateurs de films d’animation la
formidable occasion de partager les merveilles de
cet univers cinématographique. Désormais le plus
grand festival du genre en Amérique du Nord, le
FIAO est un événement médiatique d’envergure
qui attire des œuvres et des visiteurs des quatre
coins du monde.
I would like to commend the Canadian Film
Institute for bringing this inspiring event to the
Nation’s Capital. With such a wealth of creativity on display, this year#s festival is sure to be a
resounding success.
On behalf of the Government of Canada, I offer
my best wishes for a most enjoyable event.
Je remercie l’Institut canadien du film de tenir cet
événement inspirant dans la capitale nationale.
Cette année, autant de créativité ne promet pas
moins qu’un succès retentissant.
Welcome to the 2012 Ottawa International Animation Festival.
Bienvenue au Festival international d’animation
d’Ottawa de 2012.
Our Government recognizes that arts and culture
play a vital role in strengthening our communities
and boosting our economy. Each year, we invest in
our audio-visual sector through Telefilm Canada,
the National Film Board of Canada, the Canada
Council for the Arts, and tax credits. We are
pleased to provide support for the Ottawa International Animation Festival, which contributes to
the cultural industry’s success by highlighting the
talent of Canadian animation artists and drawing a
diversity of film lovers to the nation’s capital.
Notre gouvernement sait que les arts et la culture
jouent un rôle essentiel quand il est question
d’assurer le dynamisme de nos communautés et
de notre économie. Chaque année, nous investissons dans le secteur canadien de l’audiovisuel
par l’entremise de Téléfilm Canada, de l’Office
national du film du Canada, du Conseil des Arts
du Canada et de différents crédits d’impôt. Nous
sommes heureux d’appuyer le Festival international d’animation d’Ottawa, qui contribue à notre
industrie culturelle en faisant valoir le talent de nos
animateurs et en attirant les amateurs du genre
dans la capitale nationale.
On behalf of Prime Minister Stephen Harper and
the Government of Canada, I would like to thank
everyone involved with the Ottawa International
Animation Festival and to congratulate this year’s
award winners.
Au nom du premier ministre Stephen Harper et du
gouvernement du Canada, je remercie tous ceux
et celles qui assurent la tenue du Festival international d’animation d’Ottawa. Félicitations aux
lauréats de cette année.
Au nom du gouvernement du Canada, je vous
souhaite un festival des plus agréables.
The Hon. James Moore / Le très honorable James Moore
The Rt. Hon. Stephen Harper / Le très honorable Stephen Harper
20
P.C., M.P.
Minister of Canadian Heritage and Official Languages
Ministre du Patrimoine canadien et des Langues officieles
21
Dear industry colleagues and friends,
Chers collègues et amis de l’industrie,
Telefilm Canada is proud to be associated with the
Ottawa International Animation Festival, an event that
clearly illustrates the many creative, distribution and
promotion platforms available to Canadian creations
today.
Téléfilm Canada est fière de s’associer au Festival
International d’Animation d’Ottawa, une claire illustration des nombreuses plateformes de création, de diffusion et de promotion dont bénéficient aujourd’hui
les créations canadiennes.
As we can see in audiovisual markets and festivals
at home and abroad, Canada is playing in the big
leagues, with innovative talent, an openness to partnerships and leading expertise that are earning great
admiration and translating into concrete results.
Comme on le voit dans les marchés et festivals
de l’audiovisuel au pays et à l’étranger, le Canada
joue dans la cour des grands, grâce à son sens de
l’innovation, son ouverture aux partenariats et son
savoir-faire qui suscitent l’admiration et qui traduisent
par des résultats concrets.
At Telefilm this is great news, since the success of
Canadian content is our primary purpose. Our funding and promotion programs support dynamic film
companies and talented creative artists everywhere in
Canada. We are all working together to make sure Canadian stories are in the spotlight, both here at home
and internationally.
Congratulations to the organizers of the Ottawa International Animation Festival. I wish you all an exciting
event full of new discoveries and contacts.
À Téléfilm, nous en sommes très heureux, puisque la
réussite du contenu canadien constitue notre objectif
principal. Nos programmes de financement et de promotion appuient des entreprises dynamiques et des
créateurs de talent partout au pays. Nous travaillons
tous ensemble pour que les histoires canadiennes soient bien en vue, ici et sur la scène internationale.
Félicitations aux organisateurs du Festival International d’Animation d’Ottawa. Je vous souhaite de belles
découvertes et des rencontres fructueuses.
As the largest of the annual festivals organized by the
Canadian Film Institute (CFI), the OIAF is one of the
cornerstones of the Institute. Founded in 1935, the
CFI is Canada’s oldest non-profit, non-governmental
cultural organization dedicated to the moving image.
Now in its 77th year, the CFI continues to present the
best of Canadian and international cinema as an alternative to our Hollywood-dominated screens.
From its experimental film programming in the Café
Ex series, to the European Union and Latin American, Baltic-Nordic, Israeli, and Indian Film Festivals,
to ongoing Canadian cinema series, the CFI presents
hundreds of films, videos, and digital media art works
to audiences in Ottawa, across Canada, and around
the world. It also publishes critical and educational
works on Canadian and international film.
Since founding the OIAF in 1976, the CFI has developed the Festival into one of the world’s most important animation events, offering a bold mix of art and
industry, and featuring not only daring, adventurous
programming, but also developing and promoting the
vital commercial dimensions of international animation. The staff of the 2012 edition of the Festival is to
be congratulated for once again presenting a remarkably rich, diverse, and engaging array of screenings,
retrospectives, workshops, and animation industry
panel discussions.
On behalf of the Board of Directors and staff of the
Canadian Film Institute, I wish you an enriching, rewarding, productive, and, of course, fun OIAF 2012.
Bienvenue à l’édition 2012 du Festival international
d’animation d’Ottawa.
À titre de plus grand festival annuel organisé par
l’Institut canadien du film, le FIAO est et continuera
d’être une des pierres angulaires de l’Institut.
Créé en 1935, lICF a été créé pour offrir des solutions de rechange aux films “hollywoodiens” typiques
qui prédominaient (prédominent toujours!) sur les
écrans canadiens. Au cours de ses 77 ans d’existence,
l’ICF s’en est tenu à sa mission, y compris en fondant
le FIAO en 1976. Depuis les programmes de films
expérimentaux au Café Ex jusqu’aux projections habituelles à Bibliothèque et Archives Canada, en passant
par les festivals du film de l’union européenne et de
l’Amérique latine et par ses programmes continus de
cinéma canadian indépendant, l’ICF présente chaque
année des centaines de films, de vidéos, et, en nombre croissant, d’oeuvres réalisées pour des médias
numériques, aux auditoires d’Ottawa, de partout au
Canada, et dans le monde entier.
Si l’ICF compte aujourd’hui 77 ans d’existence, il n’en
continue pas moins d’étendre ses programmes publics et son rayonnement éducatif en lançant une toute
nouvelle série de publications et d’activités basées
dans Internets. Pour nous de l’ICF et du FIAO, c’est
une période palpitante, car nous travaillons à concenvoir et à livrer davantage de programmes publics, de
causeries avec des artistes, d’ateliers, de projections
spéciales et de rétrospectives.
Encore une fois, bienvenue à Ottawa 2012! Je vous
prie d’agréer mes salutations les meilleures.
Sincerely / Cordialement,
Carolle Brabant
Executive Director, Telefilm Canada
Directrice générale, Téléfilm Canada
22
Tom McSorley
Executive Director, The Canadian Film Institute
Le Directeur général, Institut canadien du film
23
Ontario Media Development Corporation (OMDC) is
proud to sponsor the Television Animation Conference (TAC) at the 2012 Ottawa International Animation Film Festival (OIAF) again this year. OIAF is a
must on the festival circuit for animators around
the world to showcase their work. In support of our
creative industries, TAC provides an important forum
for Canadian and international animation producers,
broadcasters, distributors and buyers to network,
discuss industry issues and do business together.
As a leader in helping to build Ontario’s creative
economy, OMDC provides a range of innovative
programs and funding for the book and magazine
publishing, interactive digital media, music, and film
and television industries. Ontario’s creative media
companies have developed a thriving, multi-billion
dollar industry and represent a wealth of opportunity.
In Ontario “We’ve got it going ON!” Our creative
media industries – animators, filmmakers, music labels
and performers, content creators, app developers and
festivals -- are leading the world in innovative ideas
and critical acclaim.
OMDC is pleased to continue to support this festival
and applauds all of the organizers, volunteers and
participants for making this conference a great success.
Cette année à nouveau, la Société de développement
de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO) est
fière de parrainer la Television Animation Conference (TAC) lors du Festival international d’animation
d’Ottawa (FIAO) 2012. Pour les animateurs du monde
entier, le FIAO est un incontournable du circuit des
festivals, où ils peuvent venir présenter leur travail. À
l’appui des industries de la création, la TAC constitue
un forum majeur pour les producteurs, diffuseurs,
distributeurs et acheteurs d’animation canadiens et
étrangers, leur permettant de faire du réseautage,
de débattre des enjeux de l’industrie et de faire des
affaires ensemble.
En tant que leader œuvrant à la construction de
l’économie créative de la province, la SODIMO propose tout un éventail de programmes et de financements innovants aux industries du cinéma et de
la télévision, de l’édition de livres et de revues, de
l’enregistrement sonore et des produits multimédias
interactifs numériques. Les sociétés ontariennes du
secteur des médias créatifs sont à l’origine d’une
industrie florissante multimilliardaire qui offre une
multitude de possibilités.
En Ontario, « ON met la culture en marche! » Nos
industries des médias de la création – animateurs,
cinéastes, maisons de disques et artistes, créateurs
de contenu, développeurs d’applications et festivals
confondus – occupent le devant de la scène mondiale
en termes d’idées novatrices et d’éloges de la critique.
La SODIMO est ravie de renouveler son soutien en faveur de ce festival, et félicite l’ensemble des organisateurs, bénévoles et participants, qui sont les artisans
du vif succès que rencontre la conférence.
Veuillez agréer l’expression de mes sentiments les
meilleurs.
On behalf of Members of Ottawa City Council, it gives
me great pleasure to extend a very warm welcome
to all those participating in the Ottawa International
Animation Festival, taking place in the heart of our
nation’s capital from September 19th to 23rd 2012.
Au nom des membres du Conseil municipal d’Ottawa,
c’est avec plaisir que je souhaite la plus cordiale bienvenue à tous les participants au Festival international
d’animation d’Ottawa qui se tiendra au cœur de la
capitale nationale du 19 au 23 septembre 2012.
As Head of Council, I want to lend my support to the
collaborative efforts of the OIAF staff to increase
awareness of animation and to assist artists to gain
exposure through screenings, competitions, exhibits,
workshops and the Television Animation Conference.
En ma qualité de chef du Conseil, je suis très heureux
d’appuyer les projets de collaboration du personnel du FIAO qui contribuent à mieux faire connaître
l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus
grande visibilité par l’entremise des projections, des
compétitions, des expositions, des ateliers et du congrès d’animation télévisuelle.
Allow me to congratulate the OIAF 2012 organizers,
sponsors, artists, guest speakers, volunteers and all
those who have dedicated their time, energy, talents
and resources to the successful organization of this
important cultural event of international scope and
the largest of its kind in North America.
As Mayor of the host city, I invite visitors to explore
the Ottawa Sports Hall of Fame in the Heritage Building at City Hall, as well as the Ottawa Art Gallery at
Arts Court, housing works by members of the Group
of Seven.
Please accept my best wishes for a very entertaining
and most memorable festival.
Permettez moi de féliciter les organisateurs du FIAO
2012, les commanditaires, les artistes, les conférenciers d’honneur, les bénévoles et tous ceux qui ont
consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences
et leurs ressources à l’organisation réussie de cette
importante manifestation culturelle d’envergure internationale et la plus grande de son genre en Amérique
du Nord.
En tant que maire de la ville hôte, j’invite les visiteurs
à découvrir le Temple de la renommée des sports
d’Ottawa, situé dans l’édifice historique de l’hôtel de
ville, ainsi que la Galerie d’art d’Ottawa, à la Cour des
Arts, où sont exposées des œuvres des membres du
Groupe des Sept.
Je vous souhaite à tous un festival très mémorable et
des plus divertissants.
Recevez l’assurance de mes sentiments les meilleurs.
Karen Thorne-Stone
24
President & CEO Ontario Media Development Corporation (OMDC)
Présidente-directrice générale
Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO)
Mayor / Maire
Jim Watson
25
TAC
Wednesday, September 19 & Thursday, September 20
mecredi 19 septembre et jeudi 20 septembre
Fairmont Château Laurier
TAC
TAC
The Television Animation Conference (TAC) is
North America’s only event that lets you pitch,
network and keep up with industry trends, while
giving you access to the most creative, original
and innovative animation out there. This animation business forum is designed for professionals
in content creation, development, production,
distribution and marketing. TAC brings together
key players in North America and international
markets and provides a forum for active networking, practical information exchange, and trade in a
comfortable and intimate environment. TAC runs
the first two days of the OIAF, September 19-20,
2012.
Le Congrès de l’animation télévisuelle est le seul
événement nord-américain permettant de se rencontrer, développer son réseau et être au fait des
dernières tendances de l’industrie de l’animation,
tout en ayant accès aux formes d’animation les
plus créatives, originales et innovantes.
Ce marché de l’animation est destiné aux professionnels de la création de contenu, du développement, de la production, de la distribution et de la
commercialisation.
Le Congrès de l’animation télévisuelle rassemble
les acteurs clés des marchés nord-americains et
internationaux et offre un endroit dédié à la rencontre, l’échange d’information et au commerce
dans une ambiance agréable et intimiste.
Le Congrès de l’animation télévisuelle se déroule
les deux premiers jours du Festival International
d’Animation d’Ottawa, les 19 et 20 septembre
2012.
26
ACCT_OIAM_QuarterPG_AD.indd 1
12-08-1
27
INTERNATIONAL JURY FOR SHORT PROGRAM, STUDENT AND
COMMISSIONED ANIMATION
INTERNATIONAL JURY FOR ANIMATED FEATURE FILMS AND
SCHOOL SHOWREELS
Mike fallows
Barry Purves
Mike has been working in the animation industry for
over 30 years. Graduating in 1976 from Sheridan College with a classical animation degree, he began his
career with Hanna Barbera animating on both Scooby
Doo and the Flintstones. Since then he has worked
as animator, overseas supervisor, storyboard artist,
timing director and animation director for several of
the world’s top studios, including Walt Disney, Marvel,
Hanna Barbara and Nelvana.
Barry has been involved with animation for thirtyfour years, working on such series as Wind in the
Willows, and Rupert Bear, as well as his own award
winning films, Next, Screen Play, Rigoletto, Achilles,
and Gilbert and Sullivan, and was involved with Mars
Attacks! and King Kong. Two new short films were
released in 2011, Plume and Tchaikovsky.
Mike travaille dans l’industrie de l’animation depuis
plus de 30 ans. Diplômé en animation classique du
collège Sheridan en 1976, il a commencé sa carrière
chez Hanna Barbera à animer Scooby Doo et Les
Pierres-à-feu. Depuis, il a travaillé comme animateur,
superviseur outre-mer, artiste de scénarimage, directeur du minutage et réalisateur de l’animation pour
plusieurs des plus grands studios du monde, dont les
studios Disney, Marvel, Hanna Barbera et Nelvana.
Barry fait de l’animation depuis 34 ans. Il a travaillé
à des séries telles que Wind in the Willows et Rupert
Bear, de même qu’à ses propres films primés, tels que
Screen Play, Rigoletto, Achilles et Gilbert and Sullivan.
Il a de plus participé à Mars Attacks! et King Kong.
Il a lancé deux nouveaux courts métrages en 2011,
Plume et Tchaikovsky.
J.J. Sedelmaier
Hisko Hulsing
J.J. is the President/Director of J. J. Sedelmaier
Hisko majored in painting and animation at the art
academy of Rotterdam in 1995. During an apprenticeship in the “Bratri v Triku” studio in Prague, he
started working on his first animated film Harry Rents
a Room. Hisko’s second film Seventeen was invited to
numerous festivals, such as Annecy, Telluride, Montreal and Seattle, and won several awards.
Productions, Inc and is responsible for many of the
most talked about broadcast entertainment productions of the past two decades – the launch season
of MTV’s Beavis and Butt-Head, SNL’s Saturday TV
Funhouse series with Robert Smigel (“The Ambiguously Gay Duo”, “The X-Presidents”, etc.), Cartoon
Network/Adult Swim’s Harvey Birdman - Attorney at
Law, the “Tek Jansen/Alpha Squad Seven” series for
The Colbert Report, and over 500 TV commercials,
animation and design pieces.
J.J. est PDG de J. J. Sedelmaier Productions, Inc. On
lui doit la production de plusieurs des émissions de divertissement qui ont fait le plus parler d’elles au cours
des deux dernières décennies – la première saison
de Beavis and Butt-Head à MTV, la série Saturday TV
Funhouse de Saturday Night Live avec Robert Smigel
(« The Ambiguously Gay Duo », « The X-Presidents »,
etc.), le Harvey Birdman – Attorney at Law de Cartoon
Network/Adult Swim, la série « Tek Jansen / Alpha
Squad Seven » pour The Colbert Report, et plus de
500 pubs télé, animations et éléments de design.
Hisko obtient un diplôme en peinture et animation de
l’académie des Beaux-Arts de Rotterdam en 1995. Au
cours d’un apprentissage au studio « Bratri v Triku »
à Prague, il commence à travailler à son premier film
d’animation, Harry Rents a Room. Hisko a été invité
à présenter son deuxième film, Seventeen, dans plusieurs festivals, tels que ceux d’Annecy, Telluride, Montréal et Seattle. Seventeen a remporté plusieurs prix.
Izabela Rieben
sarah muller
Sarah is currently Head of CBBC Acquisitions and
Drama Development. Passionate about both drama
and animation, her commissioned projects include
Spirit Warriors, Dr Who - Dreamland, Halfmoon Investigations, My Almost Famous Family, Tracy Beaker
Returns, Strangehill High, Sadie J, Wolf Blood,Just
William and Muddle Earth.
Sarah dirige actuellement le service des acquisitions
et du développement de dramatiques à Children’s
BBC (CBBC). Passionnée de dramatiques et de films
d’animation, elle a réalisé sur commande, entre autres,
Spirit Warriors, Dr Who – Dreamland, Halfmoon Investigations, My Almost Famous Family, Tracy Beaker
Returns, Strangehill High, Sadie J, Wolf Blood, Just
William et Muddle Earth.
28
Izabela is responsible for acquisition and programming for the French Speaking Swiss National TV
(TSR) Children’s Department.She implements
programming policies for young audiences, identifies products for editorial needs, and attends key
international markets.
Izabela a la charge des acquisitions et de la programmation pour le service pour enfants de la Télévision
suisse romande (TSR), service qui diffuse 40 heures
par semaine, à 90 % des films d’animation. Elle met
en œuvre des politiques de programmation pour
les jeunes auditoires, trouve des produits correspondant aux objectifs de la Direction et participe à
d’importants marchés internationaux .
29
OIAF 2012 OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS/
OIAF 2012 — PRIX ET TROPHÉES LORS DE LA COMPÉTITION OFFICIELLE
The Official Competition section of the Ottawa
International Animation Festival 2012 consists of
works chosen by the Festival’s Artistic Director,
Chris Robinson and Tom McSorley, Keltie Duncan
and Hélène Tanguay from an OIAF record 2,377
submissions.
La section Compétition officielle du Ottawa International Animation Festival 2012 est composée
d’oeuvres choisies par Chris Robinson, directeur
artistique du Festival, et Tom McSorley, Keltie
Duncan and Helene Tanguay parmi 2,377 soumissions reçues.
Along with the audience, the OIAF International
Jury will view all selections presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand
Prizes and first prize in each of the categories of
the competition, with the exception of the categories for children; first prize for these categories will
be selected by a local Kids Jury.
Le jury international de l’OIAF visionnera, tout
comme le public, chacune des oeuvres sélectionnées en Compétition officielle, pour ensuite
attribuer le Grand Prix du Festival ainsi qu’un
premier prix dans chacune des catégories de la
compétition, à l’exception de celle des oeuvres
pour enfants. Dans ce dernier cas, un jury composé d’enfants attribuera le premier prix.
At its discretion, the International Jury may also
award additional special prizes. The Jury has the
right to withhold an award where no entry, in its
view, meets the standards for recognition. On
Sunday, October 23rd at 7:00 pm, the Jury will
announce the award-winning films. A selection of
the Festival’s award-winning films will be screened
at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to
determine which of the award-winning productions will be screened.
À sa seule discrétion, le jury international pourra
décerner des prix spéciaux additionnels. Le jury
se réserve aussi le droit de n’attribuer aucun prix
s’il juge qu’aucune oeuvre soumise en compétition
dans une quelconque catégorie ne se montre à
la hauteur des standards de qualité qui méritent
reconnaissance. Le dimanche, 23 octobre à 19 h, le
jury dévoilera le nom des oeuvres qui remportent
un prix. Quelques films parmi les lauréats seront
présentés à compter de 20 h. Le jury a la responsabilité de déterminer les oeuvres qui seront
choisies pour cette projection.
The Awards/ LES TROPHÉES
The OIAF awards are designed by local artist Tick
Tock Tom, with an animation originally created by
New York animator, George Griffin.
Les trophées phénakistiscopes remis cette année
ont été conçus par l’artiste local Tick Tock Tom.
L’animation fut créée par George Griffin.
Nelvana GRAND PRIZE for Independent Short
Animation
GRAND PRIZE for Commissioned Animation
Walt Disney GRAND PRIZE for Student Animation
OIAF 2012 OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS/
OIAF 2012 — PRIX ET TROPHÉES LORS DE LA COMPÉTITION OFFICIELLE
Category Prizes/Prix Catégories
Narrative Short
Promotional Animation
Experimental/Abstract Animation
Music Video
Adobe Prize for High School Animation
Television Animation for Adults
Undergraduate Animation
Short Animation Made for Children
Graduation Animation
Television Animation for Children
The National Film Board of Canada PUBLIC PRIZE
A special prize will be awarded to the film from
the Official Competitions, to be selected by the
audience as the Best Film of the Festival. Voting
will take place a the conclusion of all official Short
and Kids Competition GALA screenings, where
ballots will be distributed at the entrance to the
Theatre and should be placed in one of the special
ballot boxes at the end of the programme.
Un prix spécial sera remis à un film en Compétition
officielle, que le public aura choisi comme étant
le meilleur film du Festival. Les votes auront lieu à
la fin de chaque projection officielle lors du Short
and Kids Competition GALA. Les bulletins de vote
seront distribués à l’entrée de la salle et devront
être déposés dans l’une des boîtes à cet effet à la
fin de la projection.
Canadian Film Institute Award for Best Canadian Animation
This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute for the most
outstanding Canadian production in competition
and Canadian showcase screenings.
Ce prix spécial est remis par le directeur exécutif
de l’Institut canadien du film à la meilleure production canadienne sélectionnée en compétition
officielle et aux vitrines du film canadien.
Best Canadian Student Animation Award
This new prize at the OIAF is awarded by the
OIAF Selection Committee for the most outstanding Canadian student production in competition
and Canadian Student Showcase.
Le nouveau prix au FIAO est remis par notre comité de sélection pour leur choix de production la
plus remarquable de la part d’un étudiant canadien sélectionnée en compétition officielle et aux
vitrines du film étudiant canadien.
Ottawa Media Jury Prize
Our 2nd new prize this year is awarded by members of the Ottawa-Gatineau media for their pick
as the most outstanding production in the Short
Competition screenings.
Notre deuxième prix spéciale est remis par les
membres des médias de la région d’Ottawa-Gatineau pour leur choix de production la plus remarquable sélectionnée en Compétition officielle.
Our inaugural Media jury includes / Les membres de notre jury inaugural de médias.
Peter Simpson, the Ottawa Citizen’s arts-editor-at-large
Fateema Sayani, culture columnist and contributing editor, Ottawa Magazine
Denis Armstrong, Arts Columnist, The Ottawa Sun
Sandra Abma, an Ottawa –based journalist with the CBC
Thank you to all award sponsors!
Merci à tous les commanditaires des prix!
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31
FILMS IN COMPETITION
FILMS IN COMPETITION
FEATURE COMPETITION
COMMISSIONED ANIMATION COMPETITION
Arrugas | Ignacio Ferreras | Spain
Consuming Spirits | Chris Sullivan | USA
Babeldom | Paul Bush | UK
Le Tableau | Jean-Francois Laguionie | France, Belgium
INDEPENDENT SHORT FILMS COMPETITION
NARRATIVE SHORT ANIMATION
PROMOTIONAL ANIMATION
ABSOLUT Vodka ‘Blue Ice’ | Takeshi Nagata & Kazue Monno
Kinder Chocolate ‘Inventions’ | Russell Brooke | UK
| Japan
Koodo ‘Skydive’ | Rob Shaw | USA, Canada
Apple | Lesley Barnes | UK
Melissa | Cesar Cabral | Brazil
ArtCircles ‘Van Gogh to Rothko in 30 Seconds’ | Michael Lan-
gan | USA
Persol ‘A Year of Sun’ | Kevin Dart, Stephane Coedel & Ryan
Goodwin-Smith | UK
A Morning Stroll | Grant Orchard | UK
Le Viande + L’Amour | Johanna Rubin | Sweden
Coca-Cola ‘Spirit of the Euro’ | Carlos Lascano | USA
Animation Hotline | Dustin Grella | USA
Paula | Dominic Etienne Simard | Canada
Red Bull ‘Music Academy World Tour’ | Pete Candeland | USA
HKA Finance ‘Ecofaubourgs’ | Pierre Emmanuel Lyet | France
Boy | Steven Subotnick | USA
Plume | Barry Purves | France
Sea Suburb | Eleonore Goldberg | France
Jamie’s Dream School | Marc Reisbig & Geraldine McCarthy
Car Crash Opera | Skip Battaglia | USA
Pythagasaurus | Peter Peake | UK
| UK
World Wildlife Fund ‘100% Renewable Energy’ | Amica Kubo &
Cee Cee’s Bedtime Stories | Noelle Melody & Joy Vaccese |
Rossignols en Décembre (Nightingales in December) | Theodore
Tori | Japan
USA
Ushev | Canada
Cheap Joke | Ian Miller | USA
The Banker | Phil Mulloy | UK
Fresh Guacamole | PES | USA
The Great Rabbit | Atsushi Wada | France
I Saw Mice Burying a Cat | Dmitry Geller | China
The Monster of Nix | Rosto Rosto | France
It’s Such a Beautiful Day | Don Hertzfeldt | USA
The People Who Never Stop | Florian Piento | Japan, France
Burrus | France
Junkyard | Hisko Hulsing | Netherlands, Belgium
The Pub | Joseph Pierce | UK
Moones ‘Better Energy’ | Peter Sluszka | USA
Kali the Little Vampire | Regina Pessoa | Canada, Portugal;
Tram | Michaela Pavlatova | France, Czech Republic
France; Switzerland
Una Furtiva Lagrima | Carlo Vogele | Luxembourg, USA
MUSIC VIDEO
Kottarashky & The Rain Dogs ‘Demoni’ | Theodore Ushev |
m+a ‘My Super8’ | Rino Stefano Tagliafierro | Italy
Canada, Bulgaria & Germany
Primus ‘Lee Van Cleef’ | Chris Smith | USA
Ignatus ‘Le Soleil Chante’ (Ignatus ‘The Sun Sings’) | Delphine
M. Ward ‘The First Time I Ran Away’ | Joel Trussell | USA
TELEVISION FOR ADULTS
Coffee Nerves New York | Gary Leib | USA
EXPERIMENTAL/ABSTRACT ANIMATION
KILO ‘TINAMV1’ | Adnan Popovic | Austria
Superjail! ‘Stingstress’ | Christy Karacas & Mike Carlo | USA
Portlandia ‘Zero Rats’ | Rob Shaw | USA
Choros | Michael Langan & Terah Maher | USA
Old Man | Leah Shore | USA
Down With the Dawn | Run Wrake | UK
Rivière au Tonnerre (Thunder River) | Pierre Hébert | Canada
Dreams | Keiichi Tanaami | Japan
Sunny Afternoon | Thomas Renoldner | Austria
Lay Bare | Paul Bush | UK
Viewpoint | Sae-byul Hwangbo | South Korea
FILMS AND VIDEOS MADE FOR CHILDREN
SHORT ANIMATION FOR CHILDREN
Au Coeur de L’hiver | Isabelle Favez | Switzerland
Stick Up For Your Friends | Anthony Dusko | USA
Beethoven’s Wig | Alex Hawley & Denny Silverthorne |
Thank You | Pendleton Ward & Thomas Herpich | USA
STUDENT ANIMATION COMPETITION
Canada
The Fox and the Chickadee | Evan DeRushie | Canada
Caleb’s Woods | Joshua Durst | USA
The Goat Herder and His Lots and Lots and Lots of Goats | Will
HIGH SCHOOL ANIMATION
From Point A to Point Z | Karl Staven | USA
Rose | UK
Amigo do Peito (My Best Friend) | Tania Duarte | Portugal
Paper Man 2 | David Borish | Canada
Grand Prix | Marc Riba & Anna Solanas | Spain
Why Do We Put Up With Them? | David Chai | USA
Cor | Ana Linnea Lidegran Correia | Portugal
The Bean | Hae Jin Jung | South Korea
My Strange Grandfather | Dina Velikovskaya | Russia
Modern No.2 | Mirai Mizue | Japan
La Soif du Monde (Thristy Frog) | Collective: 12 children | Belgium
TELEVISION ANIMATION FOR CHILDREN
UNDERGRADUATE ANIMATION
Adventure Time ‘Jake vs. Me-Mow’ | Pendleton Ward | USA
Gum | Noam Sussman | Canada
New Everyday | Africanus Okokon | USA
DoronCoron | Yuichi Ito | Japan
I Am Tom Moody | Ainslie Henderson | UK
Peacemaker Mac – The Island of Dispute | Yotam Cohen | Israel
Justin Time 2 ‘The Thirsty Garden’ | Harold Harris | Canada
Reizwäsche (Reizwaesche) | Jelena Walf & Viktor Stickel |
Michel | Dewi Noiry, Pauline Pinson & Ivan Rabbiosi |
France, Luxembourg
International Father’s Day | Edmunds Jansons | Latvia
Germany
Organopolis | Nieto Nieto | France
Petits Joueurs (Small Gamers) | Bruno Collet | France
GRADUATION ANIMATION
Baboon | Einar Baldvin | USA
From Dad To Son | Nils Knoblich | Germany
Ballpit | Kyle Mowat | Canada
Herr Hoppe und der Atommüll (Herr Hoppe and the Nuclear
Waste) | Thorsten Löffler & Jan Lachauer | Germany
Crazy For It | Yutaro Kubo | Japan
Fat | Yohann Auroux Bernard, Gary Fouchy & Sébastien
De Oliveira Bispo | France
Regular Show ‘Eggscellent’ | JG Quintel | USA
TOM und die Bienenkoenigin (TOM and the Queen Bee) | An-
dreas Hykade | Germany
Hogan | Peter Millard | UK
Kara no tamago (A Wind Egg) | Ryo Okawara | Japan
Night of the Loving Dead | Anna Humphries | UK
ANIMATION SCHOOL SHOWREEL
Tokyo University of the Arts | Japan
Supinfocom | France
National Film and Television School | UK
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Feature Competition / long métrage en Compétition
Feature Competition / long métrage en Compétition
ARRUGAS (WRINKLES)
CONSUMING SPIRITS
LE TABLEAU (THE PAINTING
BABELDOM
(NORTH AMERICAN PREMIERE/
PREMIÈRE NORD-AMÉRICAINE)
(CANADIAN PREMIERE / PREMIÈRE CANADIENNE)
(NORTH AMERICAN PREMIERE/UNE
PREMIÈRE NORD-AMÉRICAINE)
(CANADIAN PREMIERE/
PREMIÈRE CANADIENNE)
MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT
JEAN-FRANCOIS LAGUIONIE/AXIA FILMS INC./
FRANCE/76:00
PAUL BUSH/UNITED KINGDOM/ANCIENT MARINER/81:00
Friday, September 21, 4:45pm (National Gallery) - GALA
Saturday, September 22, 12:45pm (Empire Theatres Rideau)
SUITABLE FOR ALL AGES/
CONVIENT POUR TOUT PUBLIC
MATURE AUDIENCES ONLY /
PUBLIC AVERTI SEULEMENT
Vendredi 21 septembre, 16h45 (Musée des beaux-arts)
- GALA
Samedi 22 septembre, 12h45 (Cinéma Empire - Rideau)
Friday, September 21, 7:00pm
(National Arts Centre) - GALA
Saturday, September 22, 9:15
(Empire Theatres - Rideau)
Thursday, September 20, 3:00pm
Saturday, September 22, 7:00pm
(National Arts Centre) – GALA
Meet three characters who live in a rust belt town called
Magguson and work at its local newspaper. Earl Gray, whose
soporific gardening-advice radio show always seems to have
heavy hidden messages about his views on life; Gentian Violet, a single woman who opens the film by running over a nun
and hiding her body; and Victor Blue, a newspaper paste-up
man with the smallest, pettiest ambitions, like getting his
institutionalized mother to grant him the title to the family
pickup truck he frequently drives drunk.
Vendredi 21 septembre, 19h00
(Centre National des Arts) - GALA
Samedi 22 septembre, 21h15
(Cinéma Empire - Rideau)
Jeudi 20 septembre, 15h00
Samedi 22 septembre, 19h00
(Centre National des Arts) - GALA
In an unfinished painting, live characters are classified
into three groups: Toupins (a French pun: tout peints, All
Done), who have been fully painted, Pafinis (Halfies), who
are missing some coulour, and Reufs (Roughs), who are
nothing more than simple sketches. Babeldom is a city so massive and growing at such a
speed that soon, it is said, light itself will not escape its
gravitational pull.
IGNACIO FERRERAS/PERRO VERDE & CROMOSOMA/SPAIN/89:00
MATURE AUDIENCES ONLY /
PUBLIC AVERTI SEULEMENT
Wednesday, September 19, 7:00pm
(ByTowne Cinema) - GALA
Sunday, September 23, 11:00am
Mercredi 19 septembre, 19h00
(Cinéma ByTowne) - GALA
Dimanche 23 septembre, 11h00
Based on Paco Roca´s award winning comic book, this
moving tale follows the friendship between Emilio and
Miguel, two aged gentlemen shut away in a care home.
Emilio, who is new to the home and in the early stages
of Alzheimer’s disease, is aided by Miguel and other
residents to avoid ending up on the feared top floor of
the home, known to residents as the “lost causes” floor.
Their wild plan infuses their otherwise tedious day-to-day
routine with humour, adventure and tenderness. Others
might see their lives as ending, but for Emilio and Miguel,
life is just beginning.
Basée sur la bande dessinée primée de Paco Roca, cette
histoire émouvante raconte l’amitié d’Emilio et de Miguel,
deux vieux messieurs placés dans un foyer. Emilio, qui
vient d’arriver, en est aux premiers stades de l’Alzheimer.
Il est aidé par Miguel et d’autres résidents, qui rusent pour
éviter d’être envoyés au dernier étage, celui des « causes
perdues ». Leur plan saugrenu insuffle humour, aventure
et tendresse à leur quotidien routinier et plat. Si pour
certains la vie va se terminer, pour Emilio et Miguel, elle a
à peine commencé.
CHRIS SULLIVAN/ CHRIS SULLIVAN /USA/130 MIN.
At first, they appear to be acquaintances. But as the film
unfolds, we find they have a long diabolical history, revolving
around social service intervention and foster care, romance
and hatred. An auto accident one dark and inebriated night
causes a crack in the memory vault of these intimate strangers.
Consuming Spirits references both alcohol and divine power,
and most characters walk shakily between self-medication
and self-poisoning, making the film feel like both a profound
realization and a bad trip.
Ce film nous fait rencontrer trois personnages qui travaillent au journal d’une banlieue délabrée appelée Magguson :
Earl Gray, dont l’émission radio soporifique de conseils sur
le jardinage cache mal des sous-entendus sur sa conception
de la vie, Gentian Violet, une célibataire qui ouvre le film en
renversant une religieuse et en cachant son cadavre, et Victor
Blue, un metteur en page aux ambitions des plus mesquines
et limitées, comme celle d’obtenir de sa mère institutionnalisée qu’elle lui cède la propriété de la camionnette familiale
qu’il conduit souvent quand il est paf.
Au début, on les prend pour des copains. Mais à mesure
que le film progresse, nous découvrons qu’ils partagent
une longue et diabolique histoire ponctuée d’interventions
des services sociaux et d’aide à l’enfance, et d’épisodes de
romance et de haine. Par un sombre soir de soûlerie, un accident de voiture lézarde la chambre forte des souvenirs de
ces étrangers intimes.
Vu son titre, qui fait référence tant à l’alcool qu’à des êtres
surnaturels, et que la plupart des personnages titubent de
l’auto-médication à l’auto-empoisonnement, ce film peut être
compris comme l’accomplissement d’une destinée profonde
ou comme un mauvais trip.
34
Realizing that the painter won’t return, the Toupins seize
power and take control, on the grounds of their superior
beauty, banishing the Pafinis and enslaving the Reufs. Ramo, a young Toupin and his Pafini companion, Lola,
set off on a quest to bring the painter back to his table to
complete his work. But while on his journey, Ramo discovers
other worlds that live in other paintings, learning that the
world beyond their own frame is richer and more diverse
than they ever imagined. Returning from their adventure,
they must persuade the others to learn acceptance, to see
the bigger picture and to realize that everyone is, in their
own way, a unique work of art.
In ancient times they talked of a city in which you could
meet yourself at birth and on your deathbed. If a city ever
existed in which the past and the future were united with
the present, it would exist now, and forever.
This mesmerizing and provocative science-fiction
documentary is an elegy to urban life, set against the
backdrop of a city of the future. Assembled from film
shot in modern cities all around the world and collected
from the most recent research in science, technology and
architecture.
La ville de Babeldom est si immense et sa croissance,
si rapide, que bientôt, dit-on, la lumière elle-même succombera à son pouvoir d’attraction.
Dans une peinture inachevée vivent trois groupes de
personnages : les Toupins, qui ont été entièrement peints,
les Pafinis, à qui il manque de la couleur, et les Reufs, ou
esquisses.
Les Anciens parlaient d’une ville où chacun pouvait se
rencontrer à sa naissance et à sa mort. Une ville où le
passé et l’avenir seraient unis au présent existerait maintenant et à jamais.
Se rendant compte que le peintre ne reviendra pas, les
Toupins font un coup d’État. Se fondant sur leur plus grande
beauté, ils bannissent les Pafinis et asservissent les Reufs.
Ce documentaire de science-fiction, qui hypnotise autant
qu’il suscite réflexion, est une élégie de la vie dans une
ville de l’avenir. Juxtaposant des séquences tournées
dans des villes modernes du monde entier, il incorpore les
dernières recherches en science, technologie et architecture.
Ramo, un jeune Toupin et sa compagne Pafinie, Lola, partent
en quête du peintre pour le ramener à son chevalet finir
son œuvre. Dans cette quête, Ramo et Lola découvrent des
mondes qui vivent dans d’autres peintures et apprennent
que le monde au-delà de leur propre tableau dépasse en
richesse et en diversité tout ce qu’ils ont jamais imaginé.
Au retour de leur aventure, ils doivent persuader les autres
d’apprendre l’acceptation, d’élargir leur perspective et de
prendre conscience que chacun, à sa façon, est une œuvre
d’art unique.
35
SHORT COMPETITION 1
SHORT COMPETITION 1: cont’d
Sponsored by / Commandité par
MELISSA
Intended for Mature Audiences / RecommandÉ pour un public averti
2011 | Cesar Cabral | Coala Filmes | Brazil | DIGITAL | 1:00 |
Promotional Animation | Other
Wednesday, September 19, 9:15pm (ByTowne Cinema) - GALA
Saturday, September 22, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau)
Mercredi, 19 septembre, 21h15 (Cinéma ByTowne) - GALA
Samedi 22 septembre, 19h00 (Cinéma Empire – Rideau)
Melissa is composed of animation created with more than
350,000 sticky notes on the Melissa Gallery storefront in
San Paolo.
PAPER MAN 2
SUNNY AFTERNOON
2012 | David Borish | Glebe Collegiate Institute | Canada
| DIGITAL | 4:37 | High School Animation | Photocopies,
Pencil on paper, Cut-outs
2012 | Thomas Renoldner | Austria | DIGITAL | 6:50 |
Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper, Other
Watch this little paper boy go on an adventure in a world
much too big for himself, for a second time!
LE VIANDE + L’AMOUR
(Meat + Love)
2011 | Johanna Rubin | Swedish Film Institute | Sweden
| DIGITAL | 1:00 | Narrative Short Animation | Animated
Objects
Sunny Afternoon is a self-portrait that brings a 20-year
film project to an end.
KINDER CHOCOLATE ‘INVENTIONS’
2012 | Russell Brooke | Passion Pictures | UK | DIGITAL |
0:30 | Promotional Animation | 2D Computer
A commercial for Kinder Chocolate.
The essence, the very crescendo, the embrace, the kiss.
LAY BARE
CAR CRASH OPERA
2012 | Paul Bush | Ancient Mariner | UK | DIGITAL | 6:00 |
Experimental/Abstract Animation | Other
2012 | Skip Battaglia | Rochester Institute of Technology |
USA | DIGITAL | 7:45 | Narrative Short Animation | Pencil
on paper, Pastel on paper, Ink on paper
‘It is only shallow people who do not judge by appearances’ wrote Oscar Wilde. Lay Bare is a composite portrait of
the human body, revealing it as it is only rarely seen in the
most intimate relationships we have with our family or
our lovers - erotic and comic, beautiful and vulnerable.
IGNATUS ‘LE SOLEIL CHANTE’
(IGNATUS ‘THE SUN SINGS’)
2011 | Delphine Burrus | Ignatub | France | DIGITAL |
4:00 | Music Video | Puppets, Motion Capture, Cut-outs,
Animated Objects
Car Crash Opera is constructed as an homage to that
paragon of American cinematic art form staples -- the car
crash film. But this is sung as an opera in a contemporary
constructed extravaganza, a CAR-toon.
APPLE
2011 | Lesley Barnes | Picasso Pictures | UK | DIGITAL
| 0:40 | Promotional Animation | 3D Computer, 2D
Computer
Life, Death and an Apple.
Ignatius, on his tricycle, rides through a landscape
inspired by the shape of a woman’s body. He sings “the
sun sings, the birds are bright, the grass smiles and life is
green.”
I AM TOM MOODY
KALI THE LITTLE VAMPIRE
2012 | Ainslie Henderson | Edinburgh College of Art | UK |
DIGITAL | 7:00 | Undergraduate Animation | Puppets
2012 | Regina Pessoa | National Film Board of Canada
| Canada, Portugal; France; Switzerland | 35MM | 9:25 |
Narrative Short Animation | 2D Computer
A surreal trip through the subconscious of a stifled singer
as he struggles to stand on stage and sing.
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This is the story of a boy unlike other boys who dreams
of finding his place in the world. He will have to face up
to his personal demons and overcome his fears to find at
last the way to the light.
37
SHORT COMPETITION 1: cont’d
Short Competition 2
PERSOL ‘A YEAR OF SUN’
FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI
2011 | Kevin Dart, Stephane Coedel & Ryan GoodwinSmith | Passion Pictures | UK | DIGITAL | 1:00 |
Promotional Animation | 2D Computer
Thursday, September 20, 9:15pm (ByTowne Cinema) - GALA
Saturday, September 22, 11:00am (Empire Theatres- Rideau)
Jeudi 20 septembre, 21h15 (Cinéma ByTowne) - GALA
Samedi 22 septembre, 11h00 (Cinéma Empire – Rideau)
A commercial for Persol sunglasses.
DOWN WITH THE DAWN
2012 | Run Wrake | Sclah Films | UK | DIGITAL | 8:00 |
Experimental/Abstract Animation | Animated Objects, 2D
Computer
For three weeks in November 2011, I underwent a series
of tests that resulted in a diagnosis of cancer. That period
inspired this film.
LA SOIF DU MONDE (THRISTY FROG)
2011 | Collective: 12 children | Camera-etc | Belgium |
DIGITAL | 4:52 | High School Animation | Cut-outs
A frog is so thirsty that she drinks all the water of the
planet! She becomes enormous and there is no water on
Earth anymore…
BABOON
2012 | Einar Baldvin | USA | DIGITAL | 2:30 | Graduation
Animation | Other
“By all accounts, it was a bad day to punch a clown in the
head.”
ANIMATION HOTLINE
2011 | Dustin Grella | Dusty Studio | USA | DIGITAL | 5:30 |
Narrative Short Animation | Other
Anonymous messages on the artist’s voicemail provide
the content a series of insightful, sometimes bizarre,
micro-shorts.
PYTHAGASAURUS
2011 | Peter Peake | Aardman Animations Ltd. | UK |
DIGITAL | 3:52 | Narrative Short Animation | 3D Computer
Bumbling cavemen Ig and Uk awake to find a volcano on
their doorstep. Could their only hope be a dinosaur who’s
good at maths?
ARTCIRCLES ‘VAN GOGH TO ROTHKO
IN 30 SECONDS’
2012 | Michael Langan | USA | DIGITAL | 0:39 |
Promotional Animation | Other
NIGHT OF THE LOVING DEAD
2012 | Anna Humphries | National Film and Television
School | UK | DIGITAL | 7:00 | Graduation Animation |
Other
Lovesick teenager Nigel still mourns the death of his beautiful girlfriend Felicity. But when he accidentally brings her
back from the dead on a lonely Valentine’s Eve – along
with a few extras – their undying love comes under strain.
UNA FURTIVA LAGRIMA
A kinetic adventure from Impressionism to Abstract
Expressionism in promotion of ArtCircles, the curated art
app for iPad from Art.com.
THE BANKER
2012 | Phil Mulloy | Spectre Films | UK | DIGITAL | 3:00 |
Mr Christie has joined the Mayan End of the World Society.
2011 | Carlo Vogele | Luxembourg, USA | DIGITAL | 3:08 |
Narrative Short Animation | Pixilation
The last journey of a fish who carries his deathsong from
his sale at the fishmarket all the way into the frying pan.
FAT
THE PEOPLE WHO NEVER STOP
2012 | Florian Piento | Digital Garden Inc. | Japan,
France | DIGITAL | 3:30 | Narrative Short Animation | 3D
Computer, 2D Computer
2011 | Yohann Auroux Bernard, Gary Fouchy & Sébastien
De Oliveira Bispo | Premium Films | France | DIGITAL |
5:40 | Graduation Animation | 3D Computer
A small isolated farm is hit by a strange phenomenon. The
farmer’s life is changing and he must adapt in his own
way to this strange new world…
The People Who Never Stop is the story of a crowd who
never stop, for the best and the worst.
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39
Short Competition 2: cont’d
INTERNATIONAL FATHER’S DAY
2012 | Edmunds Jansons | Atom Art | Latvia | DIGITAL |
5:00 | Undergraduate Animation | 2D Computer
For people Father’s Day is a celebration, but for one small
bird it is an ordinary working day and his concerns are
the same as any other: to get food for his family.
KOODO ‘SKYDIVE’
2011 | Rob Shaw | Bent Image Lab | USA, Canada |
DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | 3D Computer
Koodo ‘Skydive’ finds El Tabador ready to parachute out
of an airplane while screaming about Koodo’s great cell
service.
Short Competition 2: cont’d
ROSSIGNOLS EN DÉCEMBRE
(NIGHTINGALES IN DECEMBER)
2011 | Theodore Ushev | Mtd:films | Canada | DIGITAL |
3:00 | Narrative Short Animation | Other
What if the Nightingales were working, instead of singing
and going south? Is the innocence the only savior of birds
songs? There are no nightingales in December... what is
left is only the history of our beginning, and our end.
THE MONSTER OF NIX
2011 | Rosto Rosto | Autour De Minuit Productions |
France | DIGITAL | 30:00 | Narrative Short Animation | 3D
Computer
All is going well in the enchanting village of Nix…until the
day a monster appears, devouring everything in its path.
Young Willy must face this threat. Alone.
TRAM
2012 | Michaela Pavlatova | Sacrebleu Productions |
France, Czech Republic | DIGITAL | 7:00 | Narrative Short
Animation | 2D Computer
It’s the humdrum daily routine for Tram’s conductress.
And yet, on that day, following the jolts and the road’s
vibrations to the rhythm of the tickets inserted in the
ticket-stamping machine, the conductress gets turned on
and the vehicle gets erotic.
HKA FINANCE ‘ECOFAUBOURGS’
2012 | Pierre Emmanuel Lyet | Doncvoilà Productions
| France | DIGITAL | 2:07 | Promotional Animation | 2D
Computer
Tom decided to move to an “Ecofaubourg”. He introduces
us to a neighbourhood that offers a completely new kind
of lifestyle!
THE PUB
2012 | Joseph Pierce | 59 Productions | UK | DIGITAL
| 07:45 | Narrative Short Animation | Rotoscope, 2D
Computer
Kemi lives and works in the murky slipstream of a North
London pub. As the booze flows, the line between who
belongs behind and in front of the bar becomes increasingly blurred.
MODERN NO.2
2011 | Mirai Mizue | CaRTe bLaNChe | Japan | DIGITAL |
4:15 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper,
Pastel on paper
We went for it without any hesitation.
We’ve formed the world at a quickening pace.
What on earth is this world that we’ve created?
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Short Competition 3
short competition 3: cont’d
ABSOLUT VODKA ‘BLUE ICE’
Friday, September 21, 9:00pm (National Arts Centre) - GALA
Saturday, September 22, 1:00pm (National Gallery)
Vendredi 21 septembre, 21h00 (Centre National des Arts) - GALA
Samedi, 22 septembre, 13h00 (Musée des Beaux-Arts)
2011 | Takeshi Nagata & Kazue Monno | CaRTe bLaNChe |
Japan | DIGITAL | 2:10 | Promotional Animation | Pixilation
THE BEAN
FROM DAD TO SON
2011 | Hae Jin Jung | South Korea | DIGITAL | 5:11 | High
School Animation | Cut-outs
2012 | Nils Knoblich | Germany | DIGITAL | 5:16 |
Graduation Animation | Puppets, Cut-outs
A young girl named Yondu embarks on a fantastic adventure with her ‘bean’ friends
A prisoner receives the message that his old father needs
help with tilling the field. In his desperate situation the
prisoner suddenly has an idea.
CEE CEE’S BEDTIME STORIES ‘THE
FIRST TIME CEE CEE DID ACID’
CRAZY FOR IT
2012 | Noelle Melody & Joy Vaccese | Twins Are Weird |
USA | DIGITAL | 2:11 | Narrative Short Animation | Flash
2012 | Yutaro Kubo | Japan | DIGITAL | 3:30 | Graduation
Animation | Ink on paper
Cee Cee candidly recalls the days of her wild youth.
Everyone has impulses which happen suddenly in their
life.
GUM
MOONES ‘BETTER ENERGY’
2012 | Noam Sussman | Sheridan College | Canada |
DIGITAL | 1:00 | Undergraduate Animation | 2D Computer
2012 | Peter Sluszka | Hornet Inc | USA | DIGITAL | 4:18 |
Music Video | Puppets, Pixilation, Motion Capture, Clay,
Animated Objects, 2D Computer
Your mother warned you about swallowing your gum.
Now see what happens.
Shipwrecked on an iceberg floating in the Arctic seas, the
band tries to make fire and play music using instruments
made from flotsam while they desperately try to find
help.
PRIMUS ‘LEE VAN CLEEF’
HOGAN
2012 | Chris Smith | Chris Lenox Smith LLC | USA |
DIGITAL | 3:24 | Music Video | Flash, Cut-outs, 3D
2012 | Peter Millard | Royal College of Art | UK | DIGITAL |
1:28 | Graduation Animation | Pencil on paper
Westerns would have been more fun if the bad guy won!
Hello Hulk Hogan, dont worry we will be OK in the end.
JUNKYARD
KARA NO TAMAGO (A WIND EGG)
2012 | Hisko Hulsing | il Luster Productions | Netherlands,
Belgium | DIGITAL | 18:00 | Narrative Short Animation |
Rotoscope, Other, 3D Computer
2012 | Ryo Okawara | Tokyo University of the Arts | Japan
| DIGITAL | 10:30 | Graduation Animation | Ink on paper
A man is being robbed and stabbed by a junkie and in
that last second before he dies, a youth friendship flashes
before his eyes.
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Made for alcohol drink brand, ABSOLUT.
A Wind Egg is about a family that runs a chicken farm.
The boy hankers after birds and his little sister keeps
an eye on him. The father loves eggs. The mother loves
somebody else. In the family fixture, each member stays
there with bias or secrets.
43
HERR HOPPE UND DER ATOMMÜLL
(HERR HOPPE AND THE NUCLEAR
WASTE)
2011 | Thorsten Löffler & Jan Lachauer | Filmakademie
Baden-Württemberg, Institut für Animation, Visual Effects
und Digitale Postproduktion | Germany | DIGITAL | 4:17 |
Graduation Animation | 3D Computer
Short Competition 4
Friday, September 21, 10:00am (ByTowne Cinema)
Saturday, September 22, 3:00pm (National Arts Centre) - GALA
Vendredi 21 septembre, 10h00 (Cinéma ByTowne)
Samedi, 22 septembre, 15h00 (Centre National des Arts) - GALA
A barrel of nuclear waste drops into the living room of Herr
Hoppe, an average suburban German. He has to get rid of it.
COR
SUPERJAIL! ‘STINGSTRESS’
2012 | Christy Karacas & Mike Carlo | Titmouse, Inc. | USA
| DIGITAL | 13:24 | Television Animation for Adults | 2D
Computer
With the help of Jared and Charise, the Warden must
“rise” to the occasion to take back Superjail from the
Mistress and Stingray.
2011 | Ana Linnea Lidegran Correia | Portugal | DIGITAL |
3:47 | High School Animation | Flash, Animated Objects,
2D Computer
Once upon a time there was a paint brush. Apparently, it
had been forgotten by it’s owner, and for that, it was still
wet with ink. Suddenly a little ink drop falls from it...
REIZWÄSCHE (REIZWAESCHE)
OLD MAN
2012 | Leah Shore | USA | DIGITAL | 5:40 | Experimental/
Abstract Animation | Rotoscope, Puppets, Pixilation,
Photocopies, Pencil on paper, Pastel on paper, Paint on
Glass, Other, Ink on paper, Flash, Cut-outs, Clay, Cel,
Animated Objects, 2D Computer
For more than 20 years, Charles Manson has refused to
communicate directly with the outside world...until now.
These are the actual never before heard phone conversations between Canadian best selling author Marlin
Marynick and Charles Manson.
CHEAP JOKE
2012 | Jelena Walf & Viktor Stickel | Filmakademie BadenWürttemberg, Institut für Animation, Visual Effects und
Digitale Postproduktion | Germany | DIGITAL | 1:03 |
Undergraduate Animation | Other
Petja and Pasha sit impatiently as Aunt Mascha hangs
her laundry to dry. The two rascals follow her impudently,
clothes pin for clothes pin, her massive butt progressing
down the line...
SEA SUBURB
2012 | Eleonore Goldberg | France | DIGITAL | 1:00 |
Promotional Animation | Ink on paper
Dancers take to the screen to give us a very short hip hop
modern jazz performance.
2011 | Ian Miller | USA | DIGITAL | 1:00 | Narrative Short
Eddie tells George a bad cheap joke.
CHOROS
2011 | Michael Langan & Terah Maher | USA | DIGITAL |
13:00 | Experimental/Abstract Animation | Other
A chorus of women are borne from the movements of a
single dancer in this dreamlike “pas de trente-deux.”
BALLPIT
2012 | Kyle Mowat | Sheridan College | Canada | DIGITAL |
01:45 | Graduation Animation | Pixilation, Flash, Animated
Objects, 2D Computer
Life struggles to assert and organize itself within a harsh
and shifting environment.
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short competition 4: Cont’d
short competition 4: Cont’d
YA VIDEL KAK MISHY KOTA HORONILI
(I SAW MICE BURYING A CAT)
WORLD WILDLIFE FUND ‘100%
RENEWABLE ENERGY’
2011 | Dmitry Geller | China, Russia | DIGITAL | 5:45 |
2012 | Amica Kubo & Tori | Japan | Japan | DIGITAL | 2:45
| Promotional Animation | 2D Computer
This story begins romantically, continues as a farce, turning into a thriller, but ends up as a high tragedy.
A campaign for using renewable energy completely in the
future .
KOTTARASHKY & THE RAIN DOGS
‘DEMONI’
THE GREAT RABBIT
2012 | Theodore Ushev | Mtd:films | Canada, Bulgaria,
Germany | DIGITAL | 3:45 | Music Video | Other
2012 | Atsushi Wada | Sacrebleu Productions,
CaRtebLaNChe | France | DIGITAL | 7:00 | Narrative Short
Animation | Pencil on paper
On the first day after the first Sunday after the first spring
rain, a Red Cat is sitting on the roof of an old house. She
is waiting, watching the full moon race across the sky.
And the house? What’s inside? Demons? Witches?
Once we called the noble, profound and mysterious
existence The Great. We have moved with the time, our
thought and consciousness have changed. And yet, what
makes us still calling it The Great ?
PLUME
COFFEE NERVES NEW YORK
2011 | Barry Purves | DARK PRINCE | France | DIGITAL |
14:42 | Narrative Short Animation | Puppets, 3D Computer
2012 | Gary Leib | Twinkle | USA | DIGITAL | 2:02 |
Television Animation for Adults | Pencil on paper, Ink on
paper, 3D Computer, 2D Computer
A winged man, a fall, a hostile encounter, a life changed
forever...
JAMIE’S DREAM SCHOOL
2012 | Marc Reisbig & Geraldine McCarthy | Passion
Pictures | UK | DIGITAL | 1:00 | Promotional Animation |
2D Computer
An animation for an on-air trailer for the new Channel 4
series Jamie’s Dream School.
A tribute to the awesome power, utility and influence of
coffee in a crowded city.
RIVIÈRE AU TONNERRE (THUNDER
RIVER)
2011 | Pierre Hébert | Vidéographe inc. | Canada | DIGITAL
| 7:56 | Experimental/Abstract Animation | Other
An intense exercise of looking at a rockface shot near the
waterfalls of Rivière au tonnerre, on the North Shore of
the St-Lawrence river. A meditation about opacity, about
the fissures that can open up anything, any situation on
the infinity of meaning.
DREAMS
2011 | Keiichi Tanaami | CaRTe bLaNChe | Japan | DIGITAL
| 6:00 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on
paper, Pastel on paper, Ink on paper
A collage piece edited extensively utilizing vast library of
memories collected over a long time.
M+A ‘MY SUPER8’
2011 | Rino Stefano Tagliafierro | Rino Stefano Tagliafierro
| Italy | DIGITAL | 4:50 | Music Video | Other
Nestled in the elegant setting, cuckoo clocks, wolves and
deer heads, the ratio of love/hate relationship between
two beautiful, lifeless sisters is told through both soft and
mechanical loop movement showing kisses, hair pulling,
whispers and sticking in a memory suspended in time.
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Short Competition 5
NEW EVERYDAY
Thursday, September 20, 1:00pm (ByTowne Cinema)
Saturday, September 22, 9:00pm (National Arts Centre) - GALA
Jeudi, 20 septembre, 13h00 (Cinéma ByTowne)
Samedi, 22 septembre, 21h00 (Centre National des Arts) - GALA
2012 | Africanus Okokon | Rhode Island School of Design
| USA | DIGITAL | 06:11 | Undergraduate Animation |
Rotoscope, Pencil on paper, Other, Cel
A dog owner combs her hair after a shower.
AMIGO DO PEITO (MY BEST FRIEND)
2011 | Tania Duarte | AGÊNCIA - Portuguese Short
Film Agency | Portugal | DIGITAL | 3:07 | High School
Animation | Other
“My friend is POWER/ My friend is BREAK/ My friend
is SHUT DOWN/ My friend is SAVE!/ We talk with our
eyes and see with our fingers./ We think out loud in our
dreams and fears ... “
RED BULL ‘MUSIC ACADEMY WORLD
TOUR’
2012 | Pete Candeland | Passion Pictures | USA | DIGITAL |
Mother New York in partnership with Passion Pictures
have created the first global campaign for Red Bull Music
Academy World Tour.
BOY
2011 | Steven Subotnick | USA | DIGITAL | 1:45 | Narrative
Short Animation | Ink on paper, 2D Computer
Three letters in search of a boy.
PAULA
2012 | Dominic Etienne Simard | National Film Board
of Canada | Canada | 35MM | 10:29 | Narrative Short
Animation | Pencil on paper, 2D Computer
A pulsating portrait of a mixed-use, working-class neighbourhood where young families cross paths with prostitutes, their interactions leaving unpredictable ripples in
the motley fabric of urban life.
M. WARD
‘THE FIRST TIME I RAN AWAY’
2012 | Joel Trussell | USA | DIGITAL | 3:17 | Music Video |
2D Computer
PEACEMAKER MAC – THE ISLAND OF
DISPUTE
A young runaway has a strange encounter with a character in the woods who seems to be some reflection of
himself.
2011 | Yotam Cohen | Bezalel Academy of Arts & Design |
Israel | DIGITAL | 4:39 | Undergraduate Animation | Pencil
on paper
A MORNING STROLL
Peacemaker Mac arrives at the Island of Dispute to settle
a lands conflict. He tries his usual methods: handshakes,
peace accord-like ceremonies and even a separation barrier.
After realizing that he only escalated the already aggressive
situation, his real concern becomes his untarnished resume…
2011 | Grant Orchard | STUDIO AKA | UK | DIGITAL | 6:47
| Narrative Short Animation | Flash, 3D Computer, 2D
Computer
When a New Yorker walks past a chicken on his morning stroll, we’re left to wonder which one is the real city
slicker.
COCA-COLA ‘SPIRIT OF THE EURO’
2011 | Carlos Lascano | Bent Image Lab | USA | DIGITAL |
The “Spirit” of the football-obsessed fan acting as our
guide through a city that is crazy excited for the Eurocup!
PORTLANDIA ‘ZERO RATS’
2011 | Rob Shaw | Bent Image Lab | USA | DIGITAL | 3:01 |
Television Animation for Adults | Puppets, Animated Objects
Fred Rat, Carrie Rat and a third rat friend, John, plot their
pillaging strategy while assessing the strengths, weaknesses, opportunities and threats involved in getting their
food. With help from an unsuspecting grocery clerk, the
rats’ dreams of a world with zero packaging foods rival
that of Charlotte’s Templeton at the county fair, but their
exuberance overrules their good sense and their adventure ends with comical results.
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VIEWPOINT
2011 | Sae-byul Hwangbo | KIAFA [Ani SEED] | South
Korea | DIGITAL | 7:00 | Experimental/Abstract Animation
| Rotoscope, Pencil on paper, 3D Computer
Her wounds of the heart act as an organic, growing mass
of hair, entwining her body.
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SHORT FILM COMPETITION FOR KIDS
KILO ‘TINAMV1’
2011 | Adnan Popovic | Austria | DIGITAL | 4:00 | Music
Video | Animated Objects
SUITABLE FOR ALL AGES / CONVIENT POUT TOUT PUBLIC
The structure of the song “Melody” by the Viennese
electronic duo KILO (Florian Bogner and Markus Urban)
is translated into pictures.
Saturday, September 22, 11:00am (National Gallery) - GALA
Sunday September 23, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau)
Samedi, 22 septembre, 11h00 (Musée des Beaux-Arts) - GALA
Dimanche, 23 septembre, 13h00 (Cinéma Empire – Rideau)
FRESH GUACAMOLE
STICK UP FOR YOUR FRIENDS
2012 | PES | PES Productions | USA | DIGITAL | 1:40 |
Narrative Short Animation | Animated Objects
2011 | Anthony Dusko | USA | DIGITAL | 0:43 | Short
Animation for Children | Ink on paper
Familiar objects are made into fresh guacamole.
A short film about a friend sticking up for another friend
who just wants to dance.
IT’S SUCH A BEAUTIFUL DAY
GRAND PRIX
2011 | Don Hertzfeldt | Bitter Films | USA | DIGITAL |
23:00 | Narrative Short Animation | Rotoscope, Pencil on
paper, Other, Animated Objects, 2D Computer
2011 | Marc Riba & Anna Solanas | I+G Stop Motion | Spain
| DIGITAL | 8:00 | Short Animation for Children | Puppets
Bill finds himself in a hospital struggling with memory
problems, in this third and final chapter to Don Hertzfeldt’s Everything will be OK trilogy.
Cloudless sky. Vehicles on the grid. Blas, Ivan and Hector
take their places. This is about to start! Ready, steady...
THE FOX AND THE CHICKADEE
2012 | Evan DeRushie | Canada | DIGITAL | 7:35 | Short
Animation for Children | Puppets, Cut-outs
A starving fox and a cunning chickadee find themselves
in a standoff that quickly turns into a battle of wits.
CALEB’S WOODS
2012 | Joshua Durst | USA | DIGITAL | 4:13 | Short
Animation for Children | Flash
Two characters bond over the shared discovery of the
music inherent in their world.
MY STRANGE GRANDFATHER
2011 | Dina Velikovskaya | Russian State University of
Cinematography n.a. S.A.Gerasimov (VGIK) | Russia |
DIGITAL | 8:40 | Short Animation for Children | Puppets
A creative person often seems weird, funny and a little bit
crazy. Even his friends and family do not always understand him, and often feel ashamed of him. But sometimes
he can create a real miracle – merely from garbage.
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SHORT FILM COMPETITION FOR KIDS: cont’d
BEETHOVEN’S WIG
Suitable for all ages / convient pour tout public
2012 | Alex Hawley & Denny Silverthorne | Smiley Guy
Studios | Canada | DIGITAL | 1:56 | Short Animation for
Children | Flash, 2D Computer
Thursday, September 20, 3:00pm (Arts Court Theatre)
Saturday, September 22, 3:00pm (Arts Court Theatre) - GALA
Jeudi, 20 septembre, 15h00 (Cour des arts - theâtre)
Samedi, 22 septembre, 15h00 (Cour des arts - theâtre) - GALA
The world famous composer is having a serious bad hair
day. In fact, sometimes it seems like his wig has a life of
its own, and worse, is intent on global domination.
THE GOAT HERDER AND HIS LOTS
AND LOTS AND LOTS OF GOATS
2012 | Will Rose | Astley Baker Davies | UK | DIGITAL | 7:12
| Short Animation for Children | Flash
ORGANOPOLIS
2011 | Nieto | Autour De Minuit Productions | France
| DIGITAL | 2:30 | Television Animation for Children |
Animated Objects
A day in the life of a goat herder and his flock of goats as
they travel up and down the mountains of Spain.
Nico and Luis are school buddies. During recess, Nico
insults Luis, who is left surprised and shocked. The jibes
spread throughout his organs and body, which reflects
humourously on how best to respond.
FROM POINT A TO POINT Z
TOM UND DIE BIENENKOENIGIN (TOM
AND THE QUEEN BEE)
2012 | Karl Staven | University of the Arts | USA | DIGITAL
| 5:00 | Short Animation for Children | Pixilation
These people are so excited to be able to move in such
amazing ways from the letter A to the letter Z.
AU COEUR DE L’HIVER (IN THE HEART
OF WINTER)
2012 | Isabelle Favez | Swiss Effects | Switzerland | 35MM |
7:19 | Short Animation for Children | 2D Computer
2011 | Andreas Hykade | Studio Film Bilder | Germany
| DIGITAL | 5:00 | Television Animation for Children | Flash
The bees can´t help Tom this time, because they wait for
the queen bee to arrive. Tom doesn´t care. All he wants is
a slice of bread with strawberry jam and honey, until the
queen bee finally arrives …
REGULAR SHOW ‘EGGSCELLENT’
2011 | JG Quintel | Cartoon Network | USA | DIGITAL |
11:00 | Television Animation for Children | Other
Five creatures living in the forest are looking for food for
the winter.
Mordecai and Rigby go to a restaurant where you can
win a cool hat if you eat a twelve egg omelet in an hour.
Rigby really wants the hat so he goes for it...
WHY DO WE PUT UP WITH THEM?
DORONCORON
2012 | David Chai | San Jose State University | USA |
DIGITAL | 2:30 | Short Animation for Children | Ink on
paper, 3D Computer
2012 | Yuichi Ito | Television Kanagawa Inc. | Japan |
DIGITAL | 3:00 | Television Animation for Children | Sand,
Puppets, Clay, Animated Objects, 3D Computer
An animated poem about a little stinker I love.
DoronCoron is a boy made of dirt who comes alive in an
unexpected way.
THANK YOU
JUSTIN TIME 2 ‘THE THIRSTY GARDEN’
2011 | Pendleton Ward & Thomas Herpich | Cartoon
Network | USA | DIGITAL | 10:33 | Short Animation for
Children | Other
2012 | Harold Harris | Guru Studio | Canada | DIGITAL |
10:30 | Television Animation for Children | Flash
A snow golem is attacked in the forest by his species’ mortal
enemy, a pack of fire wolves, who accidentally leave a cub
behind after their retreat. The golem’s solitary life is then
thrown comically into chaos as he attempts to care for the
cub while fighting danger to reunite the cub with its family.
52
TV FOR KIDS COMPETITION
The water has stopped flowing in Olive’s lush hanging gardens! Justin and Squidgy must help her find the
source of the problem before it’s too late.
53
TV FOR KIDS COMPETITION: cont’d
School Competition
MICHEL
2012 | Dewi Noiry, Pauline Pinson & Ivan Rabbiosi |
FOLIMAGE STUDIO | France, Luxembourg | DIGITAL |
11:00 | Television Animation for Children | 2D Computer
Michel is beloved by his parents and splits his time between his family, school and neighborhood; in short, he’s
an ordinary child ... or so it seems.
PETITS JOUEURS (SMALL GAMERS)
2012 | Bruno Collet | Vivement Lundi ! | France | DIGITAL
| 1:40 | Television Animation for Children | Animated
Objects
Good evening London! In a few minutes you’ll be able
to attend a new event of the summer Olympics, but get
down, because our games take place in the blades grass,
1/50th to-scale, and the athletes are toys.
School Competition: RISD /
Tokyo University of the Arts
INTENDED FOR MATURE AUDIENCES /
RECOMMANDÉ POUR UN PUBLIC AVERTI
Sunday, September 23, 3:00pm (Empire Theatres
– Rideau)
ADVENTURE TIME ‘JAKE VS. ME-MOW’
2011 | Pendleton Ward | Cartoon Network | USA | DIGITAL
| 11:00 | Television Animation for Children | Other
Wildberry Princess has been targeted by the Guild of Assassins and asks Finn and Jake for protection. But a tiny
feline assassin named Me-Mow crawls up Jake’s nose an
threatens to poison Jake unless he kills Wildberry! What’s
a dog to do?
Dimanche, 23 septembre, 15h00
(Cinéma Empire – Rideau)
SUPINFOCOM | France
TBA
NATIONAL FILM AND TELEVISION
SCHOOL | UK
Buy Buy Baby | Gervais Merryweather
Head Over Heels | Timothy Reckart
Left Kick | Jonathan Topf
Night of the Loving Dead | Anna Humphries
TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS | Japan
Kara no tamago (A Wind Egg) | Ryo Okawara
Massuguna michide samishii (I Am Alone, Walking on the
Straight Road) | Masanori Okamoto
Shukatsu Kyousoukyoku (Recruit Rhapsody) | Maho
Yoshida
Hana to yome (Flower and Steam) | Eri Kawaguchi
Yugeshou (Sunset Flower Blooming) | Yuanyuan Hu
54
FESTIVAL EVENT: MEET THE
FILMMAKERS / ÉVÉNEMENT DU
FESTIVAL : RENCONTREZ LES
CINÉASTES
PRESENTED BY / PRéSENTé par
ARTS COURT THEATRE, STUDIO / 2 DALY AVE,
2ND FLOOR
Thurs. September 20 – Sun. September 23 9:30am - 10:45am
THÉÂTRE DE LA COUR DES ARTS, STUDIO, 2, AV.
DALY, 2E ÉTAGE
Du jeudi 20 septembre jusqu'au dimanche 23 septembre - 9 h 30 à 10 h 45
Meet the Filmmakers is your chance to ask
the filmmakers in competition your questions,
exchange comments and share your opinions
about films featured the night before.
Continental breakfast items including coffee and
tea (provided by Bridgehead) will be available to
purchase each morning from 9:00am at Chez Ani
in the Arts Court Studio next to the theatre. To
get here, enter the Arts Court building from Daly
Ave. and take elevator B to the top floor.
À « Rencontrez les cinéastes », vous aurez
l’occasion de poser des questions aux cinéastes en
lice, d’échanger des commentaires et de faire connaître vos opinions sur les films projetés la veille.
De la nourriture pour le petit déjeuner sera disponible à acheter au café Chez Ani, dans le studio
de la cour des arts, à côté du théâtre, tous les
matins commençcant dès 9h00. Pour vous rendre
à cet endroit, prenez l'entrée de Daly Avenue et
prenez l'ascenseur B jusqu'au niveau le plus haut.
55
International Showcase
International Showcase: Cont’d
BORERLINE (BORDERLINE)
Friday, September 21, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau)
Jeudi, 20 septembre, 15h00 (Cinéma ByTowne)
Vendredi, 21 septembre, 21h15 (Cinéma Empire – Rideau)
2011 | Dustin Rees | Gerd Gockell Filmproduction |
Switzerland | DIGITAL | 7:10 | Narrative Short Animation |
Pencil on paper, 2D Computer
A border guard tries to take his own life, but not all barriers can be crossed.
PAPERMAN
2012 | John Kahrs | Walt Disney Animation Studios |
USA | DIGITAL | 6:31 | Short Animation for Children | 3D
Paperman follows the story of a lonely young man in midcentury New York City, whose destiny takes an unexpected turn after a chance meeting with a beautiful woman
on his morning commute.
LA NORIA (THE WATERWHEEL)
2012 | Karla Castañeda, Luis Téllez, Gilberto Cervantes,
Ignacio López Tarso, Ana Ofelia Murguía & Sandra
Arteaga | Mexico | DIGITAL | 7:38 | Narrative Short
Animation | Puppets
In a small town, time stops for a parent who has lost his
son.
LA DETENTE
2011 | Pierre Ducos & Bertrand Bey | Autour De Minuit
Productions | France | DIGITAL | 8:30 | Narrative Short
At the bottom of a trench during World War I, a paralyzed soldier tries to escape the horrors he sees by transposing the war into a world of toys.
SUMO
2011 | Laurène Braibant | France, Belgium | DIGITAL | 6:00
| Narrative Short Animation | Other
Two giant bodies, almost naked, slowly advance towards
a circle of clay. This graphic experience highlights the
expressive nature of a sumo wrestling ritual.
SUUR MAJA (BIG HOUSE)
2011 | Kristjan Holm | Karabana | Estonia | DIGITAL | 10:24
| Narrative Short Animation | Photocopies, Pencil on
paper
One totally ordinary warm summer night, the residents of
a totally ordinary apartment happen to gather in the yard.
A citizen of questionable motives takes advantage of the
situation.
GALIM SUSITIKTI, GALIM NESUSITIKTI
(WE MAY MEET, WE MAY NOT)
2011 | Skirmanta Jakaite | Lithuania | DIGITAL | 7:45 |
A story of miscommunication between mother and
daughter, where a fear to confront reality leads to tragic
consequences.
SYMPATHY FOR THE FISH
2011 | Richard O’Connor | Ace & Son Moving Picture Co.
LLC | USA | DIGITAL | 2:00 | Narrative Short Animation |
Cel
BIGSHOT
A holiday gift turns into a hospital trip.
2012 | Maurice Huvelin | France | DIGITAL | 4:44 |
Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer
“The swans sing before dying. Certain people would do
well to die before singing.”
- Samuel Taylor Coleridge`
FERAL
2012 | Daniel Sousa | USA | DIGITAL | 12:46 | Narrative
Short Animation | Pencil on paper, Other, Flash, 2D
Computer
A wild boy is found in the woods by a solitary hunter and
brought back to civilization. Alienated by a strange new
environment, the boy tries to adapt by using the same
strategies that kept him safe in the forest.
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International student Showcase
International student Showcase: Cont’d
IN DREAMS
Thursday, September 20, 1:00pm (National Gallery)
Friday, September 21, 7:00pm (Arts Court Theatre)
Jeudi, 20 septembre, 13h00 (Musée des Beaux-Arts)
Vendredi, 21 septembre, 19h00 (Cour des Arts Theâtre)
2011 | Samuel Blain | UK | Northumbria University |
DIGITAL | 3:57 | Undergraduate Animation | Rotoscope,
Other, Motion Capture, 3D Computer, 2D Computer
BOO YANG MAN FLOATER
2011 | Tae youb Kang | KIAFA [Ani SEED] | South Korea
| DIGITAL | 3:47 | Undergraduate Animation | Pencil on
paper, Cut-outs, 2D Computer
This is the story of Floater, who possess the ability to
levitate objects. One day he played around with levitating a teddy bear, then went outside and sent up all the
objects he saw.
In Dreams is a profound and experimental documentary
focusing on the weirdest and most vivid dreams of normal individuals.
NUREK (THE DIVER)
2011 | Agata Gorzadek | Indeks Film Studio | Poland |
DIGITAL | 10:56 | Graduation Animation | 2D Computer
The underwater and surface worlds as seen by the diver.
Laundry out to dry, an aquarium, a broken cup, and the
face of a beautiful woman.
KITH
2011 | Marika Cowan | Rhode Island School of Design |
USA | DIGITAL | 2:24 | Narrative Short Animation | Other
Kith = kindred.
SEPTEMBRE (SEPTEMBER)
2012 | Thibault Chollet | France | DIGITAL | 2:51 |
Graduation Animation | Rotoscope, Pencil on paper, Clay,
2D Computer
A journey.
TUUTU NALJAHAMMAS (TUTU
FUNNYTOOTH)
2011 | Mattias Mälk | Estonian Academy of Arts | Estonia |
TŠIKID TEEL (CHICKS ON THE
HIGHWAY)
Tutu, an elderly clown with only one tooth, is throwing his
90th birthday party. But with welcomed guests comes an
unwelcomed plan, and Tutu’s party isn’t the only thing in
danger.
2012 | Helen Unt | Estonian Academy of Arts | Estonia |
DIGITAL | 5:03 | Graduation Animation | Pencil on paper,
Cut-outs, 2D Computer
IF YOU’RE PUSHED HARD ENOUGH
Two girls stop their car to pee but the car rolls away from
the road. A hero sees they need help and takes off to
solve their problems.
2012 | Sean Solomon | California Institute of the Arts |
USA | DIGITAL | 2:06 | Undergraduate Animation | Pencil
on paper
ROOTS OF THE HIDDEN
An animated documentary about my parents.
2011 | Elizabeth Sevenoaks | The Arts University College
at Bournemouth | UK | DIGITAL | 4:55 | Undergraduate
Animation | Cut-outs
A surreal and poetic meditation on personal discovery
and the acceptance of one’s identity.
EL DELIRIO DEL PEZ LEÓN (LIONFISH
DELUSION)
2012 | Quique Rivera | California Institute of the Arts |
Puerto Rico, USA | DIGITAL | 3:53 | Graduation Animation
| Puppets, Other
An unsettling tale of greed and hierarchy in the caribbean reefs.
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MY FACE IN SPACE
2012 | Tom Jobbins | National Film and Television School |
UK | DIGITAL | 9:00 | Graduation Animation | Other
1977: NASA sent a Golden Record into space. It encapsulated some of the greatest achievements of humankind,
as well as a few friendly faces. Larry’s face is one of them,
and he hopes this will propel him to the status of Earth
Ambassador - an event he manages to convince others
will come true. However one person isn’t fooled – his girlfriend – who gives him an ultimatum: Me or Space?
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International student Showcase: Cont’d
Canadian student showcase
SEWING WOMAN
RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS
2012 | Jin Woo | Kaywon School of Art & Design | South
Korea | DIGITAL | 3:06 | Graduation Animation | Other
Sunday, Septembre 23, 5:00pm (Arts Court Theatre)
Jeudi, 20 septembre, 21h15 (Cour des Arts Theâtre)
Dimanche 23 septembre, 17h00 (Cour des Arts Theatre)
There is a woman who never stops sewing.
BALLPIT
CHOCOLATE BACON
2012 | Asavari Kumar | California Institute of the Arts |
USA | DIGITAL | 4:10 | Graduation Animation | Rotoscope,
Pencil on paper, Flash, Animated Objects, 3D Computer,
2D Computer
A portrait of my experiences in the first year of grad
school, presented through a series of conversations
recontextualised by abstracted characters.
38 - 39 DEGREES CELSIUS
2011 | Kang Min Kim | California Institute of the Arts | USA,
South Korea | DIGITAL | 7:52 | Graduation Animation |
Puppets, Cut-outs, Animated Objects, 2D Computer
A man enters an old bathhouse where, induced by the intense heat and steam, he relives a memory of his father’s
and ignites a his desire to rid his father of a birthmark
they both share.
2012 | Kyle Mowat | Sheridan College | Canada | DIGITAL |
01:45 | Graduation Animation | Pixilation, Flash, Animated
Objects, 2D Computer
Life struggles to assert and organize itself within a harsh
and shifting environment
COINS
2012 | Sharron Mirsky | Mel Hoppenheim School of
Cinema | Canada | DIGITAL | 1:20 | Undergraduate
Animation | Pastel on paper
A recollection of a childhood experience of personal
triumph.
VERNAL EQUINOX
2012 | Haiwei Hou | Sheridan College | Canada | DIGITAL |
1:30 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Ink on
paper, 3D Computer, 2D Computer
On top of a frozen lake, a legendary warrior confronts the
god of winter. This god devoured the spirit of spring and
thus the world has lived in darkness for centuries. An epic
battle ensues between man and god.
THE DAISY
2012 | Agathe Bray-Bourret | Mel Hoppenheim School
of Cinema | Canada | DIGITAL | 3:10 | Undergraduate
Animation | Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer
A young woman is looking to single out love in a world of
abundance of possibilities and sexual promiscuity.
THE MEEK THE MAD AND THE
MISINFORMED
2012 | Andrew Miller | Ryerson University | Canada |
DIGITAL | 07:35 | Undergraduate Animation | Puppets, 2D
Computer
A dark comedy about a downtrodden butler armed only
with meagre pay and seriously bad luck, has a mishap
with his mean old boss and can only watch as his life
spins out of control. This is one mess he can’t clean up so
easily.
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Canadian student showcase: cont’d
Canadian student showcase: cont’d
IN ALL FORMS
BURROW
2012 | James Hebers | Emily Carr University of Art
+ Design | Canada | DIGITAL | 4:38 | Undergraduate
Animation | Puppets, Pixilation, Other, 2D Computer
2011 | Federico Gutiérrez | Vancouver Film School
| Canada, Mexico | DIGITAL | 2:38 | Undergraduate
Animation | Pencil on paper, Ink on paper
In All Forms uses stop-motion, and experimental animation techniques to create an experience through the
struggle of creation and evolution.
An uninhibited couple is immersed in the absurd night of
the umbelicus.
A TEA TIME CONVERSATION
TENGRI
2012 | Frédérick Letendre-Cyr | Mel Hoppenheim School
of Cinema | Canada | DIGITAL | 2:38 | Undergraduate
2012 | Alisi Telengut | Mel Hoppenheim School of Cinema
| Canada | DIGITAL | 5:34 | Undergraduate Animation |
Pastel on paper, Other
Man, breaking up can be though sometimes.
Wind burial, influenced by Shamanism, is an old traditional Mongolian ritual. It consists of setting and carrying
the dead on a cart to somewhere far until the cart meets
a bump or a crooked road and the corpse falls on the
ground naturally.
SWIFT
MOPEYS
2012 | Kristen Campbell | Emily Carr University of Art
+ Design | Canada | DIGITAL | 4:39 | Undergraduate
Animation | Puppets, Cut-outs
2012 | Miang Tassniyom | Vancouver Film School | Canada
| DIGITAL | 2:36 | Undergraduate Animation | Pencil on
paper
Fia wants to traverse the forest, but it seems that everything is moving so much faster than her...
An evening’s stroll turns into a cornucopia of imagery and
delight.
LIKE THIS
SNORE TRAIN
2012 | David Martineau-Lachance | Mel Hoppenheim
School of Cinema | Canada | DIGITAL | 03:25 | Graduation
Animation | Rotoscope
2012 | Kamil Chajder | Mel Hoppenheim School of Cinema
| Canada | DIGITAL | 1:46 | Undergraduate Animation |
Puppets
Rumi’s poem in a contemporary way.
A man can’t fall asleep on a train.
NECTAR
GUM
2012 | Pascal Laquerre | Mel Hoppenheim School of
Cinema | Canada | DIGITAL | 5:30 | Undergraduate
2012 | Noam Sussman | Sheridan College | Canada |
Your Mother warned you about swallowing your gum.
A drover and his holy cow are dragging an old relic across
a valley, heading towards a sun that ever stands still on
the horizon. Along the way, the man slowly realizes that
his beloved colossus is afflicted with a terrible addiction.
108 PHRENG RDOG (108 PRAYER
BEADS)
2012 | Han han Li | Mel Hoppenheim School of Cinema |
Canada | DIGITAL | 8:20 | Graduation Animation | Sand,
Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer
This project explores movement, rhythm, metamorphosis
through the theme of cosmic dance. The film uses visual
symbols that are mainly inspired by the ancient and living
cultural traditions of North East Asia, Central Asia, and
the Himalayan regions.
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Canadian Showcase
Canadian Showcase: cont’d
NOT RECOMMENDED FOR YOUNG CHILDREN / NON RECOMMANDÉ POUR LES JEUNES ENFANTS
MY LITTLE UNDERGROUND
Thursday, September 20, 11:00am (Empire Theatres – Rideau)
Jeudi, 20 septembre, 11h00 (Cinéma Empire – Rideau)
Vendredi, 21 septembre, 15h00h (Cour des Arts Theâtre)
2012 | Élise Simard | National Film Board of Canada |
Canada | DIGITAL | 6:39 | Narrative Short Animation |
Pencil on paper, Other, 2D Computer
On some journeys, through our darkest spaces, we rediscover our closest, dearest guides. And rediscover love.
TITLE SEQUENCE FOR THE SHAPE OF REX
2012 | John Halfpenny | Chuck Gammage Animation Inc.
| Canada | DIGITAL | 3:22 | Promotional Animation | 2D
Computer
This is the title sequence for a new independent liveaction feature. The original brief aimed to describe compulsive attraction and the tragic results that sometimes
occur from the charged atmosphere that is created.
SOMNIUM
2011 | Noah Wohl & Nima Ehtemam | Handmade |
Canada | DIGITAL | 2:42 | Narrative Short Animation | 3D
Computer
Somnium, which is Latin for dream, reaches out to all
people as a modern creation myth.
MACPHERSON
2012 | Martine Chartrand | National Film Board of Canada
| Canada | DIGITAL | 10:51 | Narrative Short Animation |
Paint on Glass
In Quebec during the early 1930s, young poet Félix
Leclerc befriended Frank Randolph Macpherson, a
Jamaican chemical engineer. A jazz fan, and a university
graduate who worked for a pulp and paper company,
Macpherson inspired Leclerc, who wrote a song about
the log drives and entitled it “MacPherson” in honour of
his friend.
AMAQQUT NUNAAT (THE COUNTRY
OF WOLVES)
2011 | Neil Christopher | Inhabit Media Inc. | Canada |
DIGITAL | 11:37 | Narrative Short Animation | Ink on paper,
Cut-outs, 2D Computer
In Amaqqut Nunaat, two brothers find themselves adrift
on broken sea ice while out hunting for seal. They drift
in the darkness for many days, until the ice they are on
settles on the shore of a strange and distant land.
BIG MOUTH
2012 | Andrea Dorfman | National Film Board of Canada
| Canada | DIGITAL | 8:16 | Short Animation for Children |
Cut-outs
Trudy is the quintessential honest kid who skips through
her young life pointing out the obvious, moles and all.
LE GRAND AILLEURS ET LE PETIT ICI
(HERE AND THE GREAT ELSEWHERE)
2012 | Michèle Lemieux | National Film Board of Canada
Other
Lost in a reverie, a man reels with sudden, piercing awareness of his own state of being.
HOTHOUSE 7 ‘SICK’
2011 | Candace Couse | National Film Board of Canada
Other, Animated Objects
The body is a magnificent system, but its harmony can be
interrupted - sometimes by subversive agents within.
C’EST LA VIE: THE CHRIS J.
MELNYCHUK STORY
ANIMATED SELF-PORTRAITS
2012 | Madi Piller | Pix Film Productions | Canada |
DIGITAL | 8:40 | Experimental/Abstract Animation | Other
Animated self-portraits of 84 exceptional Canadian artists
made with one premise: Each artist to provide 12 drawings of themselves on paper for me to animate as a loop
under a 35mm film camera.
2011 | Karilynn Thompson, Micheal Welchman, Leslie
Bell, Alan Ferguson, Richard Reeves, Kim Anderson,
Melanie Aikenhead, Ola Birch, Ross Gibb, Caitlind Brown,
Ryan McClure Scott, Brian Batista, Jessi Schroeyers,
Tyler Frederick, Sitji Chou, Kristen Campbell, Jennifer
Vallis, Katie Burns, Noëlle Shaw & RJ Taylor | Quickdraw
Animation Society | Canada | DIGITAL | 07:00 | Narrative
Short Animation | Sand
C’est La Vie: The Chris J. Melnychuk Story documents the
award-winning animator’s (Alien, Zap Girl Makes Toast)
battle with tongue cancer. Building on live footage from
Chris’s last, unfinished film, C’est La Vie was created posthumously through the collaboration of 19 animators from
Quickdraw Animation in Calgary, Canada.
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SPECIAL screenings
SPECIAL screenings: CONT’d
Barry Purves:
The Puppetmaster
Thursday, September 20, 9:15pm
(National Gallery)
Sunday, September 23, 11:00am (National Gallery)
Jeudi 20 septembre, 21h15 (Musée des beaux-arts)
Dimanche 23 septembre, 11h00 (Musée des
beaux-arts)
Early works reel (various)
5:00| Digital
Next (1989)
5:14 | 35mm
Screenplay (1993)
11:11 | 35mm
Rigoletto (1993)
29:00| 35mm
Achilles (1995)
11:00 | Digital
Gilbert and Sullivan (1998)
16:00 | 35m
Barry Purves: The Puppetmaster
Barry Purves, marionnettiste
By/par Chris Robinson
Puppets and dolls have always freaked me out.
When I was quite young, I encountered a Raggedy
Anne doll on the dark streets of Toronto. That
creepy dead alive face scared the shit out of me.
They seem to live on that border between life and
death, between the inanimate and animate. I’m
obviously not alone in my fear. Chucky and The
Puppetmaster were popular horror films about
evil dolls and puppets. A few days ago I heard an
old radio show called Dimension X. This particular
episode dealt with aliens who posed as children’s
dolls in an attempt to takeover the world. I figure
that the fear of puppets and dolls is somehow
linked to our fear of death. I saw my first dead
person a few years ago and, well, it creeped me
out. That sensation of dead alive returned.
Now what does all this have to do with Barry
Purves? Well, the British animator is among the
most acclaimed puppet animators in the world.
His passion, care and attention to detail and
movements has produced eerily realistic puppets who convey such powerful emotions that
the viewer often forgets that they’re watching
animation.
Purve’s acclaimed short films (including the 1993
Oscar nominee Screen Play) are influenced by
greek mythology, literature, opera and theatre.
Through his human-like puppets, Purves explores
issues of sexuality, identity, mortality and passion
while attempting to understand the complexities
of human relationships and emotions.
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Les marionnettes et les poupées m’ont toujours
flanqué la frousse. Quand j’étais enfant, j’ai rencontré une poupée de chiffon Raggedy Ann dans
les rues sombres de Toronto. Cet apeurant visage
de mort-vivant m’a foutu une sacrée peur. Elles
semblent vivre à la frontière de la vie et de la mort,
entre l’inanimé et l’animé. Je ne suis pas évidemment le seul qu’elles font frémir. Chucky et The
Puppetmaster étaient des films d’horreur populaires à propos de poupées et de marionnettes
diaboliques. Il y a quelques jours, j’ai écouté une
vieille émission intitulée Dimension X. L’épisode
traitait d’extra-terrestres ayant l’apparence de poupées d’enfant qui tentaient de contrôler le monde.
Je suppose que notre peur des marionnettes et des
poupées a un lien avec notre peur de la mort. J’ai
vu mon premier mort il y a quelques années, et…. ça
m’a donné la chair de poule. La sensation de mortvivant revenait.
Qu’est-ce que cela a à voir avec Barry Purves ? Eh
bien, l’animateur britannique compte parmi les marionnettistes d’animation les plus estimés au monde.
Sa passion, son soin, sa rigueur à reproduire les
détails et le mouvement ont produit des marionnettes étrangement réalistes qui transmettent des
émotions tellement fortes que le spectateur en
oublie souvent qu’il regarde un film d’animation.
Les courts métrages acclamés de Purves (dont
Screen Play, nominé aux Oscars de 1993) sont
influencés par la mythologie grecque, la littérature,
l’opéra et le théâtre. À travers ses marionnettes
à apparence humaine, Purves étudie la sexualité,
Born in Woodbridge, Suffolk, England, Purves had
what he called a “pretty creative childhood.” His
parents took him to the theatre and movies. He
participated in plays at school and throughout his
teens was involved with a variety of productions
under the charge of British composer, Benjamin
Britten.
After studying Drama and Greek Civization at
Manchester University in the mid-1970s, Purves
worked in theatres for a couple years, primarily
as a stage manager. While working at a theatre in
Scotland Purves met Mark Hall, who with partner,
Brian Cosgrove, were running an animation studio
called Cosgrove Hall Films. Frustrated with the
lack of creativity of his theatre work, Purves was
given a job audition by Hall. Purves had no puppet
animation experience but had done some drawn
and cut-out animation. Hall was impressed with
Purves work and hired him.
Purves worked for Cosgrove for nine years. During
that time he worked on a number of TV productions including Chorlton and The Wheelies and
The Wind and The Willows. My first solid nine
years there,” says Purves, “were the most exciting.
When Mark and Brian were still there, it was very
much hands on, creating a wonderful, friendly,
experimental and encouraging atmosphere. We
all seemed to be inventing it as we went along. I
loved Cosgrove Hall’s integrity about standards,
and story telling, and character, and a ‘classic’ feel.
In 1986, Purves “was getting itchy feet to do
something different,” so he left Cosgrove Hall and
started working at Aardman Animation studio
in Bristol. He worked on a pilot for a proposed
l’identité, la mortalité et la passion tout en essayant de comprendre les complexités des relations
humaines et des émotions.
Né à Woodbridge, dans le Suffolk, en Angleterre,
Purves a eu ce qu’il a appelé « une enfance très
créative ». Ses parents l’emmenaient au théâtre
et au cinéma. Il a participé à des pièces de théâtre
à l’école, et pendant toute son adolescence, il a
participé à toute une gamme de productions sous
la direction du compositeur britannique Benjamin
Britten.
Après avoir étudié la civilisation et le théâtre grecs
à l’université de Manchester au milieu des années
1970, Purves a travaillé dans des théâtres pendant quelques années, surtout à titre de régisseur.
Purves a rencontré Mark Hall alors qu’il travaillait
dans un théâtre en Écosse. Hall dirigeait avec son
partenaire Brian Cosgrove le studio d’animation
Cosgrove Hall Films. Frustré par la manque de
créativité de son travail au théâtre, Purves a
passé une audition devant Hall. Purves n’avait pas
d’expérience en animation avec des marionnettes,
mais avait fait des dessins animés et de l’animation
avec des formes découpées. Hall fut impressionné
par le travail de Purves et l’a embauché.
Purves a travaillé neuf ans pour Cosgrove. Pendant
ce temps, il a travaillé à plusieurs productions télé
dont Chorlton and The Wheelies et The Wind and
The Willows. « Les premières neuf années complètes que j’y ai passées, » dit Purves, « ont été les
plus passionnantes. Quand Mark et Brian étaient
encore là, c’était très “mains-à-la-pâte”, ce qui créait une atmosphère merveilleuse, amicale, expérimentale et encourageante. Nous semblions tous
l’inventer à mesure que nous avancions. J’aimais
l’intégrité de Cosgrove Hall à l’égard des normes,
ainsi que la façon de raconter, les personnages et
l’allure classique. »
En 1986, Purves « avait la bougeotte et voulait
faire quelque chose de différent. » Il a donc quitté
Cosgrove Hall et a commencé à travailler chez
Aardman Animation studio à Bristol. Il a travaillé à
un projet-pilote d’animation pour enfants, Hamilton
Mattress (film qu’il finira par tourner en 2001) et a
fait des dessins animés pour plusieurs publicités.
Chez Aardman Animations, Purves a eu la chance
de faire son propre film en 1989. Le poste de télé
britannique Channel 4 a passé commande au studio
pour faire une série avec synchronisation labiale. Le
poste voulait des films qui jouaient avec la langue
(un de ces films, le Creature Comforts de Nick Park
gagnera un Oscar comme meilleur court-métrage
d’animation). Purves a choisi comme sujet William
Shakespeare, mais avec une touche quelque peu inattendue. « J’ai choisi le langage visuel et corporel
comme thème, » se rappelle Purves. « Je ne suis
pas fou des expressions du visage (pour autant que
les marionnettes aient de bons yeux). Je préfère
me concentrer sur le mouvement corporel élégant
que les marionnettes à armature permettent si
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children series, Hamilton Mattress (he’d eventually
make this film in 2001) and animated a number of
commercials.
While at Aardman Animations Purves finally had
a chance to make his own film in 1989. The British
TV station, Channel 4 commissioned the studio
to make a Lip Sync series. They wanted films
that played with language (one of the films, Nick
Park’s Creature Comforts would win an Oscar for
Best Animation Short). Purves choose William
Shakespeare as his subject, but with a bit of a
twist. “I chose to use visual and body language
as my theme,” recalls Purves. “I’m not particularly
keen on facial expressions (as long as the puppets have good eyes). I’d rather concentrate on
elegant body movement that armatured puppets
allow so well. Next became a film about trying to
use the body/puppet in as many different ways as
possible.”
In this dizzyingly fast paced and clever film,
Shakespeare appears on stage for an apparent
audition. Without words, he frantically performs
parts from all of his plays (no, I didn’t count, but
Purves assures me every play is represented). The
character’s movements are as graceful and fluid
as a dancer. The face so realistic that would swear
you’re observing a real human head. Of course,
you are left with the question, why is Shakespeare
auditioning? Who is he auditioning for? After
the performance, Shakespeare eagerly awaits his
judgement. After deliberating, the critic (who is
actually St. Peter, heaven’s door man) laughs and
says, “What fools these mortals be.” Shakespeare,
it seems, has been auditioning his life – and has
apparently failed.
Having Shakespeare perform his plays for St.
Peter is a hilarious idea, but to then force him to
pantomime his plays is a sweet dash of bastardly
brilliance. Even more incredible is that these two
ideas were not in Purve’s original plans and only
came about because of financial restraints.“ Next
started out as wanting to something about the
Shakespeare plays. I had wanted a sizeable cast
of characters, but the budget only allowed for one
decent puppet, and the emphasis then shifted towards Shakespeare himself.” At one point, Purves
was even considering having a cast of famous
actors each read a line of Shakespeare’s, but the
high cost of copyright put that idea to death. Who
says having a small budget is a bad thing?
Purves worked at Aardman for a couple of years
before leaving to start his own production company, Bare Boards in 1992 with Glenn Holberton.
“It was probably one of the two big career mistakes I made by not staying at Aardman, though I
left when there was a bit of a quiet period. If I had
stayed I might not have made my own films, but
I would certainly have worked on some exciting
projects. His other mistake? Not accepting to work
on Gollum for Peter Jackson’s The Lord of the
Rings film.
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bien. Next est devenu un film sur l’utilisation la plus
variée possible du corps de la marionnette. »
Dans ce film intelligent au rythme étourdissant,
Shakespeare apparaît sur scène pour ce qui semble
être une audition. Sans dire un mot, il joue frénétiquement des extraits de toutes ses pièces (je n’ai
pas compté, mais Purves m’assure que chaque
pièce est représentée). Les mouvements du personnage sont aussi gracieux et fluides que ceux d’un
danseur. Le visage est si réaliste que vous jureriez
que vous observez une véritable tête humaine.
Bien sûr, on se demande pourquoi Shakespeare
passerait-il une audition... Et devant qui ? Après le
spectacle, Shakespeare attend avec impatience la
décision. Après délibération, le critique (qui est en
fait saint Pierre, le portier du paradis) pouffe de rire
et dit : « Que ces mortels sont fous ! » Il semble
que Shakespeare ait passé – et échoué – une audition basée sur sa vie.
Que Shakespeare joue ses pièces pour saint Pierre
est hilarant, mais le forcer à mimer ses pièces dénote une touche drôlement brillante. Le plus incroyable, c’est que ces deux idées n’étaient pas dans
le plan original de Purves et qu’elles ont surgi à
cause de contraintes budgétaires. « Next a débuté
comme volonté de faire quelque chose sur les
pièces de Shakespeare. Je voulais une distribution
importante, mais le budget ne permettait qu’une
marionnette correcte. C’est ainsi que l’accent a été
mis sur Shakespeare lui-même. » À un moment
donné, Purves a même envisagé de faire lire un vers
de Shakespeare par de grands acteurs, mais le coût
élevé des droits d’auteur a tué cette idée. Qui a dit
qu’il était mauvais d’avoir un petit budget ?
Purves a travaillé chez Aardman deux ou trois ans
avant de quitter pour démarrer en 1992 sa propre
compagnie de production, Bare Boards, avec Glenn
Hoberton. « C’était là probablement une des deux
erreurs professionnelles que j’aie commises, de
ne pas rester chez Aardman, bien que je suis parti
pendant une période relativement creuse. Si j’étais
resté, je n’aurais peut-être pas réalisé mes propres
films, mais j’aurais certainement travaillé à des
projets passionnants. » Son autre erreur ? Refuser
de travailler sur Gollum pour le Lord of the Rings de
Peter Jackson.
Un des premiers projets de Purves pour Bare
Boards a été Screen Play (1992). Screen Play est
présenté comme une pièce de kabuki japonais.
Une scène tournante repose au milieu du cadre.
Un narrateur y entre et raconte l’histoire d’amants
** interdits qui bravent leurs familles pour être
ensemble. La caméra demeure cependant statique,
ce qui donne au spectateur l’impression de voir une
pièce de théâtre en direct.
Au moment où il semble que la pièce va connaître
un dénouement heureux, une hideuse créature
masquée fait irruption sur scène, tranche la tête du
narrateur et ouvre une autre scène pour prendre
les amants en chasse. La scène est inondée de sang
One of Purves first projects for Bareboards was
Screen Play (1992) Screen Play is presented as a
Japanese kabuki play. A revolving set sits in the
middle of the frame. A narrator enters the scene
and tells a tale of forbidden lovers who go against
their families to be together. Throughout the tale,
moving screens trigger the change in scenes.
The camera, though, remains stagnant, giving the
viewer the feeling of be audience members in a
live performance.
Just when it looks the story has ended happily,
a hideously masked creature breaks through the
screen, slices the narrator’s head off and then
opens another screen to hunt down the lovers.
Blood and guts flood the screen. The creature kills
the male lover before being killed by the woman.
Alone, the woman then takes her own life. In an
instant, Purves’ stylish, sexy (the lovers appear
nude and make love. Yes, the male puppet even
has a penis with pubes) and romantic tale turns
into a Quentin Tarantino bloodbath. As the bloodshed unfolds, Purves also switches the audience’s
perspective. The camera comes alive and brings
the viewer right smack into the action. Our distant, objective distance is shattered as we become
participants in the carnage. After everyone is suitably dead, the camera pulls back to reveal another
screen, which is further seen as part of a film set
and ultimately the camera pulls back to markedup script in a binder. Finally, we see the hand mark
a check on the script and close the binder. The
film strip flickers into darkness.
With Screen Play, Purves was taking the concept
of visual language to another level. “Screen Play,”
he says, “became about using as many different
forms of visual language as possible, from the
coded language of Sign language, to the cultural
language of Kabuki.”
As for the stagnant camera, Purves says, “the long
sustained shot not only reflects a theatrical story
telling it is also about having an adrenalin whilst
filming. I like the challenge of such long sustained
shots. I don’t really enjoy very short shots where
the performance is created through editing. I want
to see the performance.”
In the early 1990s, the BBC commissioned a series
of animation films that would be based on operas.
The intent was to introduce operas to a more
general audience (and perhaps show some folks
that animation can indeed be used for mature
purposes?). Although the series was largely a
failure – most of the films were poorly adapted
and animated – Purve’s Rigoletto was, by far, the
stand out.
Verdi’s sinister tale of debauchery, murder and
a doomed father and daughter is a perfect fit
for Purves’ sensibilities. The depth and detail of
Purve’s sets and character design captures the
dirty, vile decadence of this world and its people.
et d’entrailles. La créature tue l’amant avant d’être
elle-même tuée par l’amante, qui, désormais seule,
s’enlève la vie. En un instant, le conte élégant, érotique (les amants sont nus et font l’amour; la marionnette mâle a même un pénis avec du poil pubien)
et romantique se transforme en un bain de sang à
la Quentin Tarantino. À mesure que le sang coule,
Purves change aussi le point de vue de l’auditoire.
La caméra prend vie et amène le spectateur au
beau milieu de l’action. Notre distance objective est
mise en pièces tandis que nous participons au carnage. Quand tout le monde est bel et bien mort, la
caméra se retire pour révéler un autre écran, qu’on
découvre comme étant une partie de la scène de
tournage, puis vers un scénario annoté dans un
cahier à anneaux. Enfin, nous voyons une main approuver le scénario et fermer le cahier. La pellicule
tremblotte et se fond au noir.
Avec Screen Play, Purves faisait passer le concept
de langage visuel au niveau supérieur. « Le propos
de Screen Play, » dit-il, « est devenu celui d’utiliser
autant de formes différentes de langage visuel
que possible, depuis le langage codé des signes
jusqu’au langage culturel du kabuki. »
Pour ce qui est de la caméra fixe, dit Purves, « non
seulement le plan prolongé reflète-t-il une narration théâtrale, mais aussi l’adrénaline du tournage.
J’aime relever le défi que pose ces longs plans
soutenus. Les plans très courts où le jeu des personnages est créé par le montage ne me plaisent
pas tellement. Je veux voir le jeu des personnages. »
Au début des années 1990, la BBC a commandé
une série de films d’animation basée sur des
opéras. On voulait élargir l’auditoire de l’opéra (et
peut-être montrer à certains que l’animation peut
être utilisée à des fins plus adultes ?). Bien que la
série ait connu dans l’ensemble un échec – la plupart des films ayant été mal adaptés et animés – le
Rigoletto de Purves fait exception, et de loin.
Le conte sinistre de débauche et de meurtre, le
destin tragique d’un père et de sa fille qu’on trouve
chez Verdi convenaient parfaitement à la sensibilité
de Purves. La profondeur et le sens du détail que
Purves apporte à la conception des décors et des
personnages saisissent la décadence vile et sale de
cet univers et des gens qui y vivent.
Le jeu de caméra de Purves, qui passe des plans en
zoom aux suivis à la Ophuls et aux plans diagonaux
à la Batman, suggère un enfer suffocant et opprimant.
Quelque riche que soit ce film, par moments la maîtrise technique semble l’emporter sur l’animation et
la narration. Purves admet que, s’il avait l’occasion
de refaire Rigoletto, ce serait « moins littéral ».
Pourtant, ce film demeure un des plus populaires
de Purves. « Rigoletto obtient encore de grandes
réactions, » ajoute Purves, « et semble émouvoir les gens. C’est certainement un film riche et
69
Purves’ camera work, shifting between startling
zooms, graceful Ophuls tracking shots, and unsettling tilted “Batman” shots suggests a suffocating,
oppressive hell.
As rich as the film is, at times it begins to feel
that technique and craft are overshadowing the
animation and story. Purves admits that if he had
a chance to re-make Rigoletto it would be “less
literal.” Yet, the film remains one of Purves’ most
popular films. “Rigoletto still gets a huge response,” adds Purves, “and seems to move people.
It is certainly a rich lavish film, and I enjoyed
working with such a dark storyline and troubled
characters.
In his next film, Achilles (1995), Purves turned to
Greek mythology for inspiration. In what has to be
the first gay male soft porn puppet film, Purves’
film looks at the repressed passions the war hero
carries for Patroclus.
In Greek mythology, the handsome Achilles was
the hero of the Trojan (serendipitous pun) War
and the great warrior of Homer’s war epic, The
Illiad. In Homer’s novel, Patrcolus and Achilles
have a deep, intimate relationship. Distraught by
Patrcolus’ death (at the hands of the Trojan leader
Hector), Achilles goes apeshit, rescinds his vow
not to fight in the Trojan War and goes on a rampage that ends with the murder of Hector. Achilles
is subsequently killed by Paris.
Purves’ Achilles largely focuses on Achilles’ struggle accepting his love for Patroclus. He rejects
Patroclus’ obvious advances – likely out of fear
of what his men will think. Later, as he struggles
to feelings, he loses himself in a soft porn fantasy
where all his desires and passions come to life in a
tender, sensual love scene with Patroclus.
Once again, Purves uses no dialogue (except for
Derek Jacobi’s narration) and relies solely on
body language to express the anguished desires
of Achilles. As with Screen Play, Purves places a
stage at the centre of the frame (this time a decaying circular stone) for the “actors” to perform
their play. This strategy allowed Purves to move
away from the abundant sets of Rigoletto, so that
the viewer can focus more on the characters and
animation. To further separate the two main characters from the rest of the cast, Purves gave them
the look of cracked white statues.
Purves remains pleased with Achilles. “Achilles,”
he says, “is the film I think I got right. It started
out as a film about Orpheo and Eurydice, and
related characters who looked where they should
not have looked. I wanted to work with a Greek
chorus, again using the idea of body language
extended to a large group, having large choreographed movement.”
When time constraints limited the amount of work
Purves could do, he turned his focus to the inti70
somptueux, et j’ai aimé travailler sur une histoire
aussi sombre et des personnages aussi troublés. »
Dans son film suivant, Achilles (1995), Purves s’est
inspiré de la mythologie grecque. Dans ce qui deviendra le premier film porno animé avec des marionnettes mettant en scène des homosexuels, Purves
étudie les passions réprimées que le héros guerrier
éprouve pour Patrocle.
Dans la mythologie grecque, le beau Achille est
le héros de la guerre de Troie et le grand guerrier de l’épopée d’Homère, l’Iliade. Dans le roman
d’Homère, Patrocle et Achille ont une relation profonde et intime. Perturbé par la mort de Patrocle
(aux mains du héros troyen Hector), Achille perd
le nord, renie son vœu de ne pas se battre dans la
guerre de Troie, et débute un saccage qui se terminera par le meurtre d’Hector. Achille sera ensuite
tué par Paris.
L’Achilles de Purves est largement axé sur la bataille intérieure d’Achille pour accepter son amour
pour Patrocle. Il rejette les avances évidentes de
Patrocle – vraisemblablement par peur de ce que
ses hommes pourraient penser. Plus tard, tandis
qu’il se débat avec ses émotions, il se laisse aller à
une fantaisie porno où tous ses désirs et passions
s’animent dans une scène d’amour tendre et sensuelle avec Patrocle.
Encore une fois, Purves n’utilise aucun dialogue
(mise à part la narration de Derek Jacobi) et
s’appuie seulement sur le langage corporel pour
exprimer les désirs angoissés d’Achille. Comme
dans Screen Play, Purves place une scène au
centre de l’image (cette fois une pierre circulaire
en mauvais état) où les « acteurs » jouent. Cette
stratégie permet à Purves de s’éloigner des décors
somptueux de Rigoletto, afin que le spectateur
puisse se concentrer sur les personnages et sur
l’animation. Pour accentuer encore la distinction entre les deux personnages principaux et le reste de
la distribution, Purves leur donne l’allure de statues
blanches craquelées.
Purves demeure satisfait de son Achilles. « Achilles, » dit-il, « est le film que je pense avoir fait
comme il faut. Il a eu d’abord pour sujet Orphée et
Eurydice, et des personnages qui ont regardé là où
ils n’auraient pas dû. Je voulais une œuvre avec un
chœur grec, en utilisant encore une fois l’idée du
langage corporel, mais étendu à un grand groupe
ayant un large mouvement chorégraphié. »
Quand des contraintes de temps ont limité la
quantité de travail que Purves pouvait y investir, il
s’est concentré sur la relation intime entre Achille
et Patrocle. « Cela a été un autre défi pour moi. Je
voulais faire un film érotique en utilisant des marionnettes, avec des scènes sensuelles qui étaient
prises au sérieux. J’essayais de repousser les limites
de ce que peuvent faire les marionnettes. »
Au milieu des années 1990, Purves a goûté
mate relationship between Achilles and Patroclus.
“This was another challenge for me. I wanted to
make an erotic film using puppets, with sensual
scenes that were taken seriously. I was trying to
push what puppets can do.”
In the mid-1990s, Purves had a brief taste of
Hollywood when he was hired as the Animation
Director of Tim Burton’s 1950s’ inspired sci-fi film
Mars Attacks!. Under Purves’ direction, elaborates
sets were built “We spent months working on bizarre little Martian gestures and ways of moving,”
Purves recalled to Wendy Jackson of Animation
World Magazine in 1997. “The animation tests were
looking good and suitably creepy.” Then Warner
Bros decided that it made more sense to use computers. In a flash, nine months of painstaking puppet work was tossed and Purves was out of a job.
“Mars Attacks!” adds Purves, “happened at the
time when technology was exploding forth, and
seemed, I guess, the more economical way to go,
and the computer graphics did things we certainly
could not have done. Of course I was sad not to
have been involved with the CG Martians, (what
fantastic creations they were – when I was involved I was trying to model them on Norma Desmond) and maybe I simply wasn’t good enough,
but I don’t think that the film was the death of
stop motion as most people feared it might be. I
think it was more the start of CG showing what it
does best, and thus leading stop motion to show
what it does best.”
Purves returned home and began work on a new
film. In the vein of Next, Gilbert and Sullivan: The
Very Models (1998) features Gilbert and Sullivan
starring in an opera about the period after they
were introduced by Richard D’Oyly Carte (who is
the third character in the film). As D’Oyly Carte
sits on his bed, Gilbert and Sullivan play an assortment of male and female roles from their operas.
The film has the feel of a dream. Gilbert and Sullivan are of a ghostly pale (reminiscent of Achilles
and Petrolus). The two men spend most of their
time squabbling like a pair of children as D’oyly
tries to keep them together with promises of fame
and fortune. The film follows the relationship of
the three men through to Gilbert and Sullivan’s
death. Carte dances and falls back on his bed exhausted. The dream (or nightmare) is over.
Gilbert and Sullivan was first and foremost a tribute to two artists that Purves had loved since an
early age, “I love the relationship between Gilbert
and Sullivan. To call them friends would be generous, but in spite of their coldness, they did work
together brilliantly producing such masterpieces.
The glue that kept these two men together was
D’Oyly Carte and I was pleased to make a film that
acknowledges his contributions to these works.”
Purves was also interested in the conflict between
doing commercial and personal work. Swayed by
their fame and fortune, the duo were content to
brièvement au monde hollywoodien quand il a
été embauché par Tim Burton comme chef de
l’animation pour le film Mars Attacks!, inspiré de la
science-fiction des années 1950. Sous la direction
de Purves, des décors élaborés ont été construits.
« Nous avons passé des mois à travailler sur de
bizarres petits gestes et modes de déplacement
des Martiens, » se rappelle Purves dans l’article de
Wendy Jackson dans le magazine Animation World
en 1997. « Les tests d’animation avaient de l’allure
et étaient convenablement apeurants. » Puis, la
société Warner Bros a décidé qu’il était plus sensé
d’utiliser des ordinateurs. En criant lapin, neuf mois
de travail éreintant ont été jetés à la poubelle et
Purves s’est retrouvé sans emploi.
« Mars Attacks! », ajoute Purves, « est survenu
à un moment où la technologie connaissait des
avancées explosives, et semblait la voie la plus
économique. Les graphiques d’ordinateur ont fait
des choses que nous n’aurions certainement pas pu
faire. Bien sûr, il était triste de ne pas participer à
la création des Martiens informatisés (quelles créations fantastiques ils ont été – quand j’y participais,
j’essayais de les modeler d’après Norma Desmond),
et peut-être que je n’étais tout simplement pas assez bon, mais je ne pense pas que ce film ait signé
l’arrêt de mort de l’animation par arrêt de mouvement, comme plusieurs l’ont craint. Je pense que
cela a plutôt été la première démonstration de ce
que l’infographie peut faire de mieux, ce qui, par
ricochet, a mené l’arrêt de mouvement à montrer
ce qu’il peut faire de mieux. »
Purves retourne chez lui et commence à travailler à
un nouveau film. Dans la veine de Next, Gilbert and
Sullivan: The Very Models (1998) met en vedette
Gilbert et Sullivan dans un opéra portant sur la période après que Richard D’Oyly Carte (le 3e personnage du film) les ait présentés l’un à l’autre. Tandis
que D’Oyly Carte est assis sur son lit, Gilbert et Sullivan jouent divers rôles d’hommes et de femmes
tirés de leurs opéras. Le film donne une impression
de rêve. Gilbert et Sullivan sont pâles comme des
fantômes (ce qui rappelle Achille et Patrocle). Les
deux hommes passent le plus clair de leur temps à
se disputer comme des enfants tandis que D’Oyly
Carte tente d’éviter leur rupture avec des promesses de gloire et de fortune. Le film suit la relation
des trois hommes jusqu’à la mort de Gilbert et Sullivan. D’Oyly Carte danse et tombe épuisé sur son
lit. Le rêve (ou cauchemar) est terminé.
Gilbert and Sullivan a été d’abord et surtout un
hommage à deux artistes que Purves aimait depuis
l’enfance. « J’aimais la relation entre Gilbert et Sullivan. Il serait trop fort de les appeler des amis, mais,
en dépit de la froideur qu’ils exprimaient l’un pour
l’autre, ils ont brillamment collaboré à la production
de chefs-d’œuvre. D’Oyly Carte était la colle qui les
unissait, et j’ai eu plaisir à faire un film qui reconnaît
ses contributions à ces œuvres. »
Purves s’intéressait aussi au conflit entre les œuvres
personnelles et les œuvres de commande. Emporté
71
keep churning our popular commercial fare rather
than explore more risk-taking and personal works.
By this time in his career, Purves knew first hand
about these struggles. He had the aborted experience with Mars Attacks and it was becoming clear
that Channel 4 (who almost single-handedly gave
birth to and maintained a thriving independent animation scene in England in the 1980s and 1990s)
would no longer be funding short form animation.
In fact, Gilbert and Sullivan remains Purves’ last
independent film.
As successful and acclaimed as Purves’ films have
been, there have been people in the animation
world who have criticized his work for being too
theatrical. “I find it odd that my work is criticised
for being theatrical,” says Purves. “I really don’t
feel comfortable seeing animation in a bubble
isolated from the other arts. Like opera, ballet,
and theatre it’s a medium that revels in its very
falseness. It works best when we are aware of the
medium. As we watch a dancer making beautiful
shapes and movements, we are also aware of how
she is pushing her body over perceived limits and
defying gravity, so I think animation works well
when we see the technique. I really am so allergic
to the literal, and don’t see the point. I don’t see
the point of animation when we try to copy real
life.
Ironically, this has been another criticism of
Purves’ work. Some have criticized his work has
being too realistic. Why spend so much time
creating realistic looking puppets when you could
just work with humans?
“I come on very defensive when I hear this criticism,” admits Purves. “My films are not in any
way realistic. Two Greek statues having sex in a
spotlight on a stone arena watched by a chorus of
masked figures is hardly realistic, BUT it is credible
and that is the difference. The movement of the
puppets of Achilles is hardly realistic but borders
on choreography. The movement in my films may
be smooth, sometimes at least, and that’s what
people may confuse with realism, but realistic it is
not, no more than a dancer or an actor on a stage.
Or maybe it is the assumption that because I use
human based characters then they are realistic,
but actually Shakespeare is not very realistic, proportionally certainly, and Gilbert and Sullivan are
total caricature.”
Purves has only made one more film since Gilbert
and Sullivan, the children’s TV special, Hamilton
Mattress about an Aardvark drummer who hopes
to make it the big city. Purves did not write the
special, and while it seems miles away from his
personal films, he was pleased with the experience. “Hamilton Mattress was practically the last
of the big TV specials to be commissioned before
the broadcasters lost enthusiasm for animation,
and it was an absolute joy to work with a great
72
par la gloire et la fortune, le duo était heureux de
continuer à produire des œuvres commerciales
populaires plutôt que de prendre des risques à
explorer des voies plus personnelles. À ce moment de sa carrière, Purves avait une expérience
de première main de ces combats. Il avait connu
l’expérience avortée de Mars Attacks et il devenait
clair que Channel 4 (qui, presque à lui tout seul, a
créé et maintenu une scène d’animation indépendante en Angleterre dans les années 1980 et 1990)
ne financerait plus de courts-métrages d’animation.
En fait, Gilbert and Sullivan demeure le dernier film
indépendant de Purves.
Bien que les films de Purves aient connu le succès et aient été acclamés, certaines personnes du
monde de l’animation ont critiqué l’aspect trop
théâtral de son œuvre. « Je trouve curieux que
mon œuvre soit critiquée pour sa théâtralité, »
dit Purves. « Voir l’animation comme séparée des
autres arts me met mal à l’aise. Comme l’opéra, le
ballet et le théâtre, c’est un média qui se délecte de
sa fausseté même. L’animation donne les meilleurs
résultats quand nous sommes conscients du média.
En même temps que nous voyons une danseuse
faire de belles formes et de beaux mouvements,
nous sommes conscients qu’elle pousse son corps
au-delà des limites perçues et qu’elle défie la
gravité. Je pense donc que l’animation donne les
meilleurs résultats quand nous voyons la technique.
Je suis tellement allergique au littéral, je n’en saisis
vraiment pas pourquoi on en ferait. Je pense que
l’animation est inutile si elle essaie de copier la vie
réelle. »
Ironiquement, certains ont reproché aux œuvres
de Purves d’être trop réalistes. Pourquoi passer
tant de temps à créer des marionnettes si réalistes
quand il suffirait de travailler avec des humains ?
« Je passe sur la défensive quand j’entends cette
critique, » admet Purves. « Mes films ne sont
aucunement réalistes. Deux statues grecques qui
ont des rapports sexuels sous le feu des projecteurs
dans une arène de pierre, et sous les yeux d’un
chœur de personnages masqués, peut difficilement être considéré comme réaliste, MAIS c’est
plausible : voilà la différence. Le mouvement des
marionnettes d’Achilles a peu à voir avec la réalité,
mais il confine à la chorégraphie. Le mouvement de
mes films peut être fluide, parfois à tout le moins,
et voilà ce que les gens prennent à tort pour du
réalisme. Mais le mouvement de mes marionnettes
n’est pas réaliste, pas plus que ne l’est un danseur
ou un comédien sur scène. Ou bien on suppose que
mes personnages sont réalistes parce qu’ils sont
basés sur des êtres humains, mais en fait Shakespeare n’est pas très réaliste, certainement à en
juger par les proportions, et Gilbert et Sullivan sont
une caricature totale. »
budget, and a fantastically creative crew.”
A common theme that runs through Purves’ films
is a sense of failure and disappointment. None of
his characters gets what they desire. These days,
Purves finds himself in a similar situation. “I fear I
am actually no nearer to getting a film made than
I was a few years ago. It does scare me that I’m
going to spend the rest of my career talking about
animation rather than being a practitioner.” Without the funding necessary to make more independent shorts, he has taken on Television work like
Rupert the Bear and designed a Christmas show.
“Funders seem happier to give what limited funds
there are to first time animators – and why not,
as what a great break that is, but it is sad to see
something for which there clearly is an appreciative audience not being exploited. I do worry
what will happen to all these animators we are so
busy training.”
You would think that being internationally
renowned as one of the masters of animation,
Purves’ would have no trouble finding funding.
“Isn’t that odd? I really don’t see myself as being
terribly successful, as I have certainly not got to
the stage where my name or my work might give
a script any credibility. And certainly financially
my career definitely can’t be viewed as successful. Thirty years of filmmaking doesn’t open any
special funding doors. But I do recognise that I’ve
done a decent variety of work and some of it still
holds up well today, and that most importantly to
me, most of it has been quite unique and hopefully, quite classy and with a certain integrity.”
Samuel Beckett’s line, “I can’t go on, I’ll go on,”
might best describe indie animators like Purves.
No matter how dour things become, they somehow find a way to keep on. This almost belligerent determination emanates from a deep-seeded
passion that animators absorb from their art. “The
joy of touching a puppet will never diminish,” says
Purves. “I’m thrilled to have had the chance to
make films that possibly were different. I’ve been
told again and again that I am too idiosyncratic. I
sort of take that as a compliment.”
pas écrit cette émission spéciale, mais l’expérience
lui a plu, bien que le sujet semble très éloigné de
ceux de ses films personnels. « Hamilton Mattress
a quasiment été la dernière des grandes émissions
spéciales commandées par les diffuseurs avant
qu’ils se désintéressent de l’animation. Ç’a été une
joie absolue de travailler avec un grand budget et
une équipe à la créativité fantastique. »
Les thèmes de l’échec et de la déception reviennent
dans tous les films de Purves. Aucun de ses personnages n’obtient ce qu’il désire. En ce moment,
Purves lui-même vit cette situation. « Je crains ne
pas être plus près de faire faire un film que je ne
l’étais il y a quelques années. La perspective de
passer le reste de ma carrière à parler d’animation
plutôt que d’en faire m’effraie. » Sans le financement nécessaire pour faire d’autres courts-métrages indépendants, il a accepté du travail pour
la télévision, comme Rupert the Bear, et conçu un
spectacle de Noël. « Ceux qui financent semblent
plus heureux de donner le peu de fonds qu’il y a à
de nouveaux venus – et pourquoi pas, puisque c’est
une occasion formidable –, mais il est triste de voir
quelque chose pour lequel il y a de toute évidence
un auditoire appréciatif demeurer non exploité. Je
m’inquiète de ce qui arrivera à tous ces animateurs
que nous sommes si occupés à former. »
On pourrait penser que la réputation internationale
de Purves comme un des maîtres de l’animation
lui donnerait un accès facile à du financement.
« C’est étrange, n’est-ce pas ? Je ne me vois pas
comme ayant connu de grands succès, et je ne suis
certainement pas arrivé à l’étape où mon nom ou
mon œuvre pourrait donner de la crédibilité à un
scénario. Et certainement, sur le plan financier, ma
carrière ne peut être considérée comme un succès. Trente ans de réalisation cinématographique
n’ouvrent aucune porte particulière pour le financement. Mais je reconnais que j’ai fait une gamme
décente d’œuvres, dont certaines se défendent
encore bien aujourd’hui. Et ce qui est le plus important pour moi, c’est que la plupart de ces œuvres
étaient assez uniques et assez élégantes, du moins
je l’espère, et qu’elles ont été créées avec une certaine intégrité. »
La phrase de Samuel Beckett, « Je n’en peux plus,
je continue, » est peut-être la meilleure description
qu’on puisse donner des animateurs indépendants
comme Purves. Quelque grave que la situation soit
devenue, ils trouvent le moyen de poursuivre. Cette
détermination presque belligérante émane d’une
passion profonde, que les animateurs absorbent
de leur art. « La joie de manipuler une marionnette ne diminuera jamais, » dit Purves. « Je suis
très heureux d’avoir eu l’occasion de faire des
films possiblement différents. On m’a dit encore et
encore que je suis trop original. Je le prends un peu
comme un compliment. »
Purves n’a fait qu’un film depuis Gilbert and Sullivan, le spécial télé pour enfants Hamilton Mattress, qui traite d’un batteur d’Aarvark qui espère
connaître le succès dans la métropole. Purves n’a
73
We need the eggs: Comedians and animation
Thursday, September 20, 9:15pm (Empire Rideau)
Friday, September 21, 11:30 pm, (Arts Court Theatre)
Saturday, September 22, 9:15 pm, (Arts Court Theatre) Sunday, September 23, 3:00 pm, National Gallery
Jeudi 20 septembre, 21h15 (Empire Rideau)
Vendredi 21 septembre, 11h30 (Cour des Arts – théâtre)
Samedi 22 septembre, 21h15 (Cour des Arts – théâtre
Dimanche 23 septembre, 15h00 (Musée des beaux-arts)
Louis CK Cartoon (2007)
Bill Burr: Equal Rights (2004)
Aaron Augenblick | USA | 2:05 | Digital
Aaron Augenblick | USA | 2:00 | Digital Bob and Margaret: A Night In (excerpt) (1998)
Chelsea Peretti - Mom at the Movies
(2004)
Jamie Whitney, David Fine, Alison Snowden
Canada | 1:52 | Digital
The Great Cognito (1982)
Stand Up (2008)
Joseph Pierce | USA | 7:00 | Digital
Will Vinton | USA | 4:03 | Digital
George Carlin: Drawing on My Mind
(1984)
Dr. Katz, Professional Therapist: Wisdom Teeth (1999)
Tom Snyder | USA | 21:49 | Digital
Bob Kurtz | USA | 5:00 | Digital
Confessions of a Stand Up Comic (1993)
Christmas Shoes (2009)
Brian Musikoff | USA | 7:49 | Digital John Canemaker | USA | 9:00 | Digital
We need the eggs: comedians and animation
Où sont les œufs ? Les comiques et l’animation
The Critic (1963)
Thank You Mask Man (1971)
Jeff Hale | USA | 8:00 | Digital
Ernest Pintoff | USA | 3:00 | Digital
By / Par Chris Robinson
Mike Birbiglia: Gay Cats (2004)
The Dead Comic (2007)
John Schnall | USA | 7:02 | Digital
To be a real philosopher, one must be able to
laugh at philosophy.
Se moquer de la philosophie, c’est vraiment
philosopher.
Blaise Pascal
Blaise Pascal
No comedian is on stage to make people laugh.
You’re on stage because you’re damaged and you
need love from strangers.
Dana Gould
Aucun comédien n’est sur scène pour faire rire des
spectateurs. Vous êtes sur scène parce que vous êtes
abîmé et que vous avez besoin que des étrangers
vous aiment.
Dana Gould
The best comedy comes from the losses, not the
wins, in your life.
Dave Attell
“You should smile more.”
Début des années 1990. Montréal. Je marche. Une
femme passe.
Pause.
« Vous devriez sourire plus. »
“What? Why?”
Pause.
“Why not!? Isn’t it better to smile through life?”
« Hein ? Pourquoi ? »
Inside I rolled my eyes. Outside I feigned agreement.
« Pourquoi pas !? Ne vaut-il pas mieux vivre sa vie en
souriant ? »
Figured it would get me into her pants.
Au-dedans de moi, je la trouvais bête. À l’extérieur,
j’ai feint d’être d’accord.
Didn’t.
J’imaginais que cela pouvait m’amener dans son lit.
Frown.
Motte.
I didn’t smile again until I got ball cancer.
74
Froncement de sourcils.
Not Really My Pops was a Brit.
Je n’ai plus souri jusqu’à ce que j’aie le cancer des
couilles.
He loved comedy, especially the crude stuff.
Enfant, je riais beaucoup.
Sunday was comedy day.
Pas vraiment, mon père était britannique.
La meilleure comédie vient des pertes, et non des
gains, de la vie.
Dave Attell
Early 1990s. Montreal. Walking. Woman strolls by.
As a kid I laughed a lot.
Mornings we listened to Dr. Demento.
Il aimait la comédie, en particulier les trucs crus.
Evenings we watched Monty Python (I’d also seen
Holy Grail).
Dimanche était le jour de la comédie.
I was pretty young. Maybe 7 or 8.
Le matin, nous écoutions Dr. Demento.
I had no idea what was going on in Python shows
except that it was really silly, funny, and the animation parts caused me laughfarts (a rare condition
wherein intense laughter stimulates a series of
short, rapid farts).
Le soir, nous regardions Monty Python (j’ai aussi vu le
Saint Graal).
Derek and Clive, Steve Martin, Richard Pryor, Eddie
Murphy, SNL.
Then I heard George Carlin’s “Seven Words You
Can Never Say on Television” at age 10.
Shit
Piss
J’étais assez jeune, peut-être 7 ou 8 ans.
Je n’avais aucune idée de ce qui se passait dans les
films de Monty Python, seulement que c’était idiot,
drôle, et que les parties animées me faisaient péter
à force de rire (condition rare dans laquelle un rire
intense provoque une série de petits pets rapides).
Derek et Clive, Steve Martin, Richard Pryor, Eddie
Murphy, Saturday Night Live.
Puis, à l’âge de 10 ans, j’ai entendu « Les sept mots à
ne jamais prononcer à la télé » de George Carlin.
Fuck
75
Cunt
Merde
Cocksucker
Pisse
Motherfucker
Baise
Tits
Touffe
Mindblowing.
Suce
I made certain that adults, peers, and authority
figures were aware that I was armed with this
seven-word arsenal.
Cul
“Hey Dad, you’re a tit shit!”
Une révélation.
“Mr. Wilson, you’re a shitfucker.”
Didn’t go over too well.
Je me suis assuré que les adultes, mes pairs et les
figures d’autorité sachent bien que j’étais armé de
cet arsenal de sept mots.
I tasted mom’s new soap bars often.
« Hé, p’pa, t’es une merde ! »
Also got to know the principal quite well.
« Baise mon cul, monsieur Wilson. »
A very nice man.
Ça n’a pas trop bien passé.
He threw chalk at me and kept me late a lot.
J’ai souvent goûté aux nouvelles barres de savon de
maman.
Nichons
I think he was a pedophile.
Je suis aussi devenu intime avec le principal.
He’s dead now.
Un très chic type.
I hope.
At 15, a friend and I had rented a vhs tape (I think
it was vhs) of Richard Pryor’s concert film, Live
on The Sunset Strip. Two years earlier, in 1980,
Pryor made the headlines for snorting cocaine,
lighting himself on fire and running aflame down
the street. During the show Pryor joked openly
about this harrowing moment before concluding
the piece by lighting a match and saying, “What’s
that? Richard Pryor running down the street.” The
audience ROARED with laughter.
Holy fuck! I remember the shock as I watched this
bit. He’s making fun of this horrible moment. The
guy almost died and here he is telling jokes about
it…and shit… people are laughing!! I had a small
sack of shit for a brain at 15 (it’s an inch bigger
today, 30 years later) so I couldn’t articulate what
it all meant. I just thought it was cool. Everything
could be laughed at and joked about. I don’t think
I fully understood this joke until I faced some traumas of my own years later.
Being exposed to comedy was like having an allaccess pass to a secret room in the adult world
(well... that, along with the 70s hard core mags
filled with hairy bushes and scar-faced women
that Not Really My Pops stored under his bed and
the liquor bottles left unlocked in the living room
cabinet). Wow...this is what goes on!?!?!?
And they called us kids naughty!
76
Il me lançait des craies et il me flanquait plein de
retenues.
Je pense qu’il était pédé.
Il est mort maintenant.
J’espère.
L’année de mes 15 ans, un ami et moi avons loué un
ruban VHS (je pense que c’était en VHS) du film de
Richard Pryor en spectacle, Live on The Sunset Strip.
Deux ans plus tôt, en 1980, Pryor avait fait la une
pour avoir reniflé de la coke, s’être mis le feu et avoir
couru en flammes dans la rue. Pendant le spectacle,
Pryor s’est moqué de ce moment atroce, puis a conclu le segment en allumant une allumette et en disant
: « C’est quoi, ça ? C’est Richard Pryor qui court dans
la rue. » Les spectateurs ont EXPLOSÉ de rire.
Sainte baise ! Je me souviens du choc que ça m’a
fait de regarder cette partie. Le type en est presque
mort, et le voilà qui tourne ça en blague… et m… les
gens rient ! À 15 ans, j’avais un petit sac de merde
comme cerveau (il s’est agrandi d’un pouce depuis,
en 30 ans), alors je ne pouvais pas articuler tout ce
que cela voulait dire. J’ai seulement pensé que c’était
cool. On pouvait rire et blaguer de tout. Je ne crois
pas avoir compris tout le sens de cette blague avant
d’avoir vécu moi-même des traumatismes plusieurs
années plus tard.
Être exposé à de la comédie, c’était comme avoir le
Carlin, Pryor, Python and early SNL showed me a
different world; one that could be ridiculed and
scorned, laughed at and farted at or simply told to
get fucked.
No one, no thing should be taken seriously.
I took that lesson seriously.
Comedians were, and are, the real teachers, social
critics and philosophers (hell, many young people
get their news today from two newshows parodies, The Daily Show and The Colbert Report.
Comedy performances are among the few places
where we can hear ugly, uncomfortable truths
about ourselves, our culture, society, and the
world we live in.
passe-partout d’une pièce secrète dans le monde
des adultes (eh bien... ça, oui, et puis les magazines
de fesses des années 1970 remplis de touffes et
de femmes balafrées que Pas-Vraiment-Mon-Papa
cachait sous son lit, et les bouteilles de « fort » dans
le cabinet du salon laissé déverrouillé). Hou là…. c’est
ça, qui se passe!?!?!?
Et ils nous traitaient, nous, de polissons !
Carlin, Pryor, Python et le premier Saturday Night
Live m’ont montré un monde différent, un monde
qu’on pouvait tourner en ridicule et en dérision,
dont on pouvait rire, à qui on pouvait faire des pets
ou qu’on pouvait tout simplement envoyer se faire
foutre.
Rien ni personne ne devrait être pris au sérieux.
Today, Louis CK (who appears in this programme
courtesy of Aaron Augenblick) is the heir to Carlin.
Whether it’s his blunt complaints about his kids or
his savage attacks on how idiotic today’s technologically-spoiled generation has become, Louis
CK speaks our silences. And when we hear him
ridiculing his young daughters, calling them asswipes etc, we laugh because we are thinking the
same damn thing. It’s not that we don’t love our
kids. Of course we do. But Louis shows us that we
are allowed to have a fucking laugh sometimes...
release some of the tension by admitting that
there are times we’d like to tell the kids what asses
they can be. When my wife and I separated last
year, I ended up showing our eldest son episodes
of CK’s TV show Louie because he deals with the
theme of divorce in a down to earth, thoughtful,
and extremely funny manner. My ex had signed
out some ‘Kids and Divorce’ educational dvd from
the library but later said it was a piece of chicken
poop. Our son learned more from Louis CK about
divorce. What Louis made clear was that divorce
doesn’t have to be this big secretive and harrowing ordeal. Hell, divorce parties appear to be the
‘in’ thing nowadays. CK’s “everyman” comedy
pricks holes in assumed truths that we’ve inherited
from earlier generations. By laughing and mocking them, he shows us that these so-called ‘truths’
are nothing more than myths. They need not be
so precious and intransigent. We are the makers
and breakers of society’s codes and morals. Like
fashion, many of our so-called truths are ephemeral and subject to change.
I’ve never completely lost touch with comedy per
se, but it wasn’t until OIAF 10 that I remembered
and realized just how important comedy has been
in my life. Joel Frenzer and Alan Foreman were at
the festival interviewing attendees for an animation podcast. When I sat down for my interview
I fully expected a typical, straightforward thing.
What I got was ...well ...it was just fucking awesome. I quickly realized that we were going on
some non-linear improvised thrill ride. I came
away from that interview drunk. I’d just written a
column for a weekly newspaper about comedians’
bios, and it suddenly became clear to me that the
J’ai pris cette leçon au sérieux.
Les comiques ont été et sont encore les véritables
enseignants, critiques sociaux et philosophes (parbleu, beaucoup de jeunes s’informent aujourd’hui en
écoutant deux parodies de bulletins de nouvelles,
The Daily Show et The Colbert Report). Les spectacles de comédie sont parmi les rares endroits où on
peut entendre des vérités désagréables ou grinçantes au sujet de nous, de notre culture, de notre
société et du monde où nous vivons.
De nos jours, l’héritier de Carlin, c’est Louis CK (nous
remercions Aaron Argenblick d’avoir gracieusement
permis à CK de participer à notre programme). Que
ce soit ses plaintes crues à propos des enfants ou ses
attaques sauvages contre la stupidité d’une génération contemporaine abêtie par la technologie, Louis
CK dit nos silences. Et quand nous l’entendons tourner ses filles en ridicule, en les traitant de papier-cul,
etc., nous rions parce que nous pensons pareil. Bien
sûr, nous aimons nos enfants. Mais Louis nous montre
que nous pouvons nous permettre de rire d’eux de
temps en temps…. de libérer un peu de la tension en
admettant qu’il y a des fois où nous aimerions dire
aux enfants à quel point ils sont cons.
Quand mon épouse et moi nous sommes séparés l’an
dernier, j’ai fini par montrer à notre aîné des épisodes
de l’émission télé Louie de CK parce qu’il traite du
thème du divorce d’une façon terre-à-terre, réfléchie
et extrêmement drôle. Mon ex avait emprunté à la
bibliothèque un DVD éducatif sur « les enfants et le
divorce », mais elle a dit plus tard que ça valait de
la crotte de poule. Notre fils en a appris plus sur le
divorce en écoutant Louis CK. Ce que Louis rendait
clair, c’est qu’il n’était pas nécessaire de faire du
divorce un gros obstacle atroce plein de secrets.
Parbleu, les soirées de divorce ont l’air « in » de nos
jours. La comédie pour « Monsieur Tout-le-Monde »
de CK crible de trous ce que nous pensons être des
vérités, mais que nous avons en fait héritées des
générations qui nous ont précédé.
En en riant et en s’en moquant, il nous montre que
ces soi-disant « vérités » ne sont que des « mythes ».
77
world of comedy had always had a huge impact
on my life, writing, and programming.
When a cancer diagnosis followed a few months
afterwards, I dove head first into comedy histories, memoirs, cds, podcasts, concerts etc. I was
somewhat surprised to find that a majority of
comedians were dark, troubled people. Reading a
steady amount of stories about addictions, mental
illnesses and crappy childhoods, I felt a connection. This was a world I understood only too well.
I frequently relied on humour to get through the
muck whether it was dealing with loss and grief
(looking at my grandfather’s freshly dead body,
I laughed at his nose hairs and admired his full
head of hair... when my best friend died, I brought
a cowbell up with me during the eulogy so I could
remember what an ass he was sometimes), my
own addiction and mood issues, or cancer. I had
ball cancer. How the fuck can you NOT laugh at
that? My balls? Really?! That’s how I’m going to
die? Well... umm... yeah... that is pretty funny.
“Having to overcome unhappiness,” says comedian Billy Connolly, “ gives you a desire to manifest
happiness just to get above your own darkness –
even if it means involving people you don’t know.”
That doesn’t mean ‘don’t worry, be happy.”
Do worry, but laugh your ass off.
Especially at my funeral.
Pas besoin de prendre de si grands airs et d’être si
intransigeants. Nous faisons et cassons les codes et
la morale de la société. Comme la mode, beaucoup
de nos soi-disant vérités sont éphémères et sujettes
à changement.
Je n’ai jamais complètement perdu contact avec la
comédie, mais ce n’est qu’avec le FIAO 2010 que je
m’en suis souvenu et que j’ai pris conscience de son
importance dans ma vie. Joel Frenzer et Alan Foreman étaient au festival à interviewer des participants
à une balado-diffusion sur le cinéma d’animation.
Quand je me suis assis pour mon entrevue, je
m’attendais au truc habituel, direct. Ce que j’ai eu….
eh bien…. ç’a été extraordinaire en titi. Je me suis vite
rendu compte que nous étions embarqués sur des
montagnes russes non linéaires improvisées. Je suis
sorti saoul de cette entrevue. Je venais d’achever
pour un hebdomadaire un article sur des biographies
de comiques, et j’ai soudain vu clairement l’immense
influence que le monde de la comédie avait toujours
eu sur ma vie, mon écriture et ma programmation.
Quand un diagnostic de cancer a suivi quelques mois
plus tard, j’ai plongé tête première dans des histoires
de la comédie, des mémoires de comiques, des CD,
des balado-diffusions, des concerts, etc. J’ai été
quelque peu surpris de découvrir que les comiques
sont pour la plupart des gens ténébreux et troublés.
À force de lire des histoires de toxicomanies, de
maladies mentales et d’enfances malheureuses, j’ai
senti une connexion. Je ne comprenais que trop bien
ce monde-là. Je me suis fréquemment appuyé sur
l’humour pour traverser des moments difficiles, qu’il
s’agisse de pertes ou de deuils (quand j’ai regardé le
corps fraîchement décédé de mon grand-père, j’ai ri
des poils dans son nez et admiré sa crinière... Quand
mon meilleur ami est mort, j’ai apporté une cloche
à vache à l’eulogie pour me rappeler à quel point il
pouvait être con parfois), de mes propres problèmes
de toxicomanie et d’humeurs, ou le cancer. J’avais le
cancer des testicules. M..., comment NE PAS en rire ?
Mes testicules ? Vraiment ?! C’est comme ça que je
vais crever ? Eh ben…. hum…. ouais…. c’est plutôt
drôle.
« Je ne pense pas qu’on naisse avec, » dit Billy Connolly dans le livre Sandistas. « Je pense que c’est un
concours de circonstances – certaines plus difficiles
que d’autres. Devoir surmonter un malheur vous
donne envie de manifester du bonheur simplement
pour surmonter votre propre côté ténébreux – même
si cela veut dire embarquer des gens que vous ne
connaissez pas. »
Cela ne veut pas dire : « T’inquiète pas, sois heureux. »
Inquiète-toi, mais ris à en péter.
78
Intersections: Experimental Animation in the Third Dimension
Intersections : l’animation expérimentale en 3D
By / Par Keltie Duncan
Can something imaginary be considered realistic?
Can something be believable if it doesn’t actually
exist? Computer-synthesized visuals are realistic
and yet are complete fantasy. Featuring works of
animators working specifically in this grey zone, the
films of Intersections draw attention to the smallest
details found in our world: to texture, to surface, and
to the simple movements of everyday objects and
organisms. By imagining movements, textures and
environments using 3D animation techniques, but
within the traditions of experimental filmmaking, the
films in Intersections invite passive reflection on our
lived reality rather than the active pursuit of it.
The aim of this programme is to point to areas of
differentiation between the real and the realistic, and
to likewise identify points of intersection between
animation art and industry as well as analog and
digital filmmaking techniques. These points of
convergence highlight the exciting potential found
in the increasingly creative conversations between
these often conflicting worlds.
Peut-on considérer qu’un objet imaginaire est réaliste ?
Peut-on croire en quelque chose qui n’existe pas ?
Les images synthétisées par ordinateur sont réalistes,
et pourtant elles relèvent de la plus totale fantaisie.
Regroupant des films d’animateurs travaillant spécifiquement dans cette zone grise, Intersections attire
l’attention sur les plus petits détails de notre monde :
la texture, la surface et les mouvements simples des
objets et organismes quotidiens. En imaginant ces
mouvements, textures et milieux à l’aide de techniques
d’animation 3D tout en respectant les traditions du
cinéma expérimental, les films d’Intersections vous invitent à une réflexion passive sur notre vécu plutôt qu’à
une quête active de ce vécu.
Ce programme a pour but de montrer des zones de
différenciation entre le réel et le réaliste, et de trouver
des recoupements entre l’art et l’industrie de l’animation
de même qu’entre les techniques de réalisation
analogiques et numériques. Ces points de convergence
soulignent le potentiel passionnant des conversations
de plus en plus créatives entre ces deux mondes souvent en conflit.
Experiment!
Expérimentez !
Many animators at their earliest stages begin by
simply experimenting and creating, developing a
feel for working with the medium of motion and
gaining footing in the art of movement. For some,
this remains the crux of their practice and any steps
taken during experimentation lay the foundation for
an experimental animation canon. For others, the
skills that grow out of this period of play are applied
to much larger commercial projects, such as televi-
À leurs débuts, plusieurs animateurs commencent
simplement en expérimentant, en se familiarisant avec
l’art du mouvement et en assimilant ses fondements.
Pour certains, cela reste l’essentiel de leur pratique,
et toutes les étapes franchies pendant la période
d’expérimentation posent le fondement d’un standard
de l’animation expérimentale. D’autres appliquent les
habiletés acquises pendant cette période de jeu à des
79
sion or feature film. Intersections blurs the divide
between animation art and industry, pushing the
point at which visual art diverges from commercial
art much further along in the creative process.
3D computer animation, though known more for
its commercial popularity and success, has a strong
presence in the experimental animation milieu.
Intersections showcases notable and creative uses
of 3D that explore and push boundaries of the
medium outside of common applications, especially
as a means to simulate accurately or recreate reality; whether that means creating a believable but
imagined object, or photorealistic representations of
familiar ones.
Through unconventional combinations, new and unexpected results can emerge from within commercially familiar ground and redefine where the edge
lies in “cutting edge.” Such experiments can then
feed back into the mainstream and influence others
painting with the same artistic “brush,” regardless of
the intended audience. An example is Larry Cuba,
whose personal experiments prior to Calculated
Movements (1985) led to his innovative work in Star
Wars Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977).
Technical Innovation
Experimental film and animation, as in any mode
of experimentation, takes a specific aspect of a
medium or technique - for example the zoom in live
action films or the loop in animation - and pushes
its boundaries to their fullest potential by focusing
solely on that one technique and thus limiting the
film to one specific exercise. Such explorations by
independent artists, including those who work on
larger budget productions, set new limits within
which the mainstream can exist by using the techniques and innovations discovered at play to bring
new qualities to many subsequent applications of
the technique or medium.
The films in Intersections include uses of 3D digital
that intersect with 2D analog, of abstract filmmaking traditions that intersect with more commercial
applications, and of instances of familiar movements
intersecting with unfamiliar objects. I am drawn to
works in which the presence of the artist’s hand
is perceptible, regardless of technique. The digital
image is still being explored and honed as an artistic
tool and my preference leans toward those uses that
acknowledge its limitations. I believe this involves
dialing back slightly on the expectations laid upon
its shoulders to be “realistic” and instead embracing
the medium for exactly what it is: another medium
of creative simulation. Isn’t that why all animation is
so special?
Life Versus Reality
In its early uses, 3D computer animation was
celebrated for its attempts to reproduce “life” as
accurately as possible. As the software and technicians improved over time, the goal became for each
80
projets commerciaux beaucoup plus vastes, tels un film
pour la télévision ou un long métrage. Intersections
brouille la frontière entre l’art et l’industrie de l’animation
et repousse beaucoup plus loin dans le processus créateur la ligne où l’art visuel diverge de l’art commercial.
subsequent use of the technique to out-do the last,
and to ultimately expose the truth that, in fact, each
previous attempt had yet to meet expectations. This
cycle persists to this day, and without this need to
improve, there would be no progress.
Bien que l’animation en 3D à l’ordinateur soit mieux
connue à cause de sa popularité et de ses succès dans
le milieu commercial, elle est aussi très présente dans
le milieu de l’animation expérimentale. Intersections
montre des utilisations remarquables et créatrices de la
3D qui explorent et repoussent les frontières du média
loin des applications communes, en particulier comme
moyen de simuler ou recréer exactement la réalité, qu’il
s’agisse de la création d’un objet vraisemblable mais
imaginé, ou de représentations photo-réalistes d’objets
familiers.
“The real world” is most accurately captured
through photographic means, but “life” is something
else altogether. In the case of Intersections, one such
instance of “life” is that of believable motion represented within imaginary, digital environments. Life
is a quality, an essence, and can be simulated and
portrayed through the creation of movement. Any
animation technique has the ability to create the illusion of “life,” but the trouble lies in trying to create
the illusion of reality.
En employant des combinaisons non conventionnelles,
on peut faire émerger des résultats nouveaux et inattendus de territoires connus en animation commerciale
et ainsi repositionner la pointe de la « fine pointe ». De
telles expériences peuvent alors avoir une rétroaction
sur le courant principal et influencer d’autres artistes
qui peignent avec le même « pinceau » artistique, sans
égard à l’auditoire visé. Prenons pour exemple Larry
Cuba, dont les études qu’il avait menées avant Calculated Movements (1985) ont abouti à son travail innovateur
dans Star Wars Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977).
These films, each in their own way, embrace “life” in
this sense of the word – that is, they acknowledge
the imperfection and impossibility of accurately
recreating reality by creating something uniquely
specific to the art of computer simulation. This is
done intentionally, as a conscious aesthetic choice,
and treating the inherent visual quality of the digital
as just another texture in among all others. While
computers are inherently designed to simulate
perfection, through the imposition of the artist’s
hand and acceptance of its limitations, a computer’s
computation can be given imperfect beauty.
L’innovation technique
Digital Versus Analog
L’animation et le film expérimentaux, comme tout mode
d’expérimentation, peuvent prendre un aspect bien
précis d’un média ou d’une technique – par exemple le
zoom dans les films en direct ou la boucle en animation – et repousser ses limites jusqu’à son plus grand
potentiel en se concentrant sur cette seule technique, et
ainsi limiter le film à un exercice précis. De telles études
d’artistes indépendants, dont ceux qui travaillent au sein
de productions à budget plus important, définissent de
nouvelles limites à l’intérieur desquelles le courant principal peut désormais exister en utilisant ces techniques
et innovations découvertes par jeu, et apporter de nouvelles qualités à des applications subséquentes de cette
technique ou de ce média.
The elephant in the room when discussing digital
advancements is the fear that any progression
toward digital innovation often means putting
more and more distance between its analog roots.
However, by replicating certain aesthetic qualities of
analog filmmaking, digital cinema displays a knack
for replicating the imperfect elements that it has
been accused of “correcting” rather than attempting
to capture the real, perfectly.
brée pour ses tentatives de reproduire la « vie » aussi
exactement que possible. À mesure que logiciels et
techniciens s’amélioraient, le but de chaque utilisation
subséquente était de surpasser la précédente pour,
en bout de ligne, amener au jour la vérité, à savoir que
chaque tentative précédente n’avait pas encore répondu aux attentes. Ce cycle perdure encore, mais sans ce
besoin d’amélioration, il n’y aurait aucun progrès.
« Le monde réel » est saisi le plus exactement par la
photo, mais saisir la « vie », c’est autre chose. Dans le
cas d’Intersections, un tel exemple de vie sera celui d’un
mouvement vraisemblable représenté dans des milieux
imaginaires et informatisés. La vie est une qualité, une
essence, et on peut la simuler et l’illustrer par la création
d’un mouvement. Toute technique d’animation peut
créer l’illusion de la « vie »; le difficile, c’est de créer
l’illusion de la réalité.
Chacun à leur manière, ces films embrassent la « vie »
en ce sens qu’ils reconnaissent l’imperfection et
l’impossibilité de recréer exactement la réalité en créant
une chose qui n’appartient qu’à l’art de la simulation
informatique. C’est fait exprès, c’est un choix esthétique
conscient, un choix qui traite la qualité visuelle inhérente
au numérique comme une texture parmi tant d’autres.
Bien que, par nature, l’ordinateur soit conçu pour
simuler la perfection, on peut donner à ses computations une beauté imparfaite en acceptant ses limites et
en lui imposant la main de l’artiste.
Le numérique contre l’analogique
Les films d’Intersections comprennent des utilisations
de la 3D numérique qui font un tuilage avec des utilisations de la 2D analogique, des traditions de réalisation
abstraite qui recoupent des applications plus commerciales, et parfois, des mouvements familiers qui chevauchent des objets inconnus. Peu importe la technique,
les œuvres où on sent la main de l’artiste m’attirent. On
en est encore à étudier et à raffiner l’image numérique
comme outil artistique, et ma préférence va aux usages
qui reconnaissent ses limites. Je crois que cela suppose
un léger recul par rapport aux attentes de « réalisme »
et la reconnaissance du média pour ce qu’il est : un
autre média de simulation créatrice. N’est-ce pas justement pourquoi toute animation est si spéciale ?
For example, by simply replicating the quality of
an animation shot on twos or threes and removing
the use of automatic key framing, an animated film
gains a new sense of life from the very imperfection
of missing movement. The result injects character
into films created with analog, frame-by-frame animation techniques.
Another example of analog carry-forward is the
manipulation of frame rate. By producing a moving image at 24 frames-per-second the filmmaker
drapes a veil between the crisp, hyper-real digital
image and, if we can say that life is experienced at
infinite frames-per-second, the viewer’s connection
to real life.
La vie contre la réalité
3D allows for the infinite manipulation of all aspects
of creating a film. I am interested in 3D experimentation that keeps a filmic relationship, and which is
able to self-impose interesting boundaries within a
“sky’s the limit” environment.
À ses débuts, l’animation informatisée en 3D fut célé-
Play!
Quand on discute des progrès du numérique, la peur
que toute innovation signifie qu’on s’éloigne encore plus
de ses racines analogiques est un problème inavoué.
Toutefois, en reproduisant certaines qualités esthétiques
de la réalisation analogique, le cinéma numérique démontre une facilité à reproduire les éléments imparfaits
qu’on l’a accusé de « corriger » plutôt qu’une tentative
de saisir parfaitement le réel.
Par exemple, simplement en reproduisant la qualité
d’un plan d’animation à deux et à trois, et en enlevant
l’utilisation du cadrage automatique sur le sujet, un film
d’animation acquiert une nouvelle sensation de vie à
partir de l’imperfection même que cause le mouvement
manquant. Le résultat injecte du caractère dans des
films créés par des techniques d’animation analogiques
image-par-image.
Un autre exemple de report analogique est la manipulation du nombre d’images par seconde. En produisant
une image en mouvement à 24 images par seconde,
le cinéaste tire un voile entre l’image numérique claire
hyper-réelle et, si nous admettons que la vie est vue à
un nombre infini d’images par seconde, la connexion du
spectateur avec la vie réelle.
La 3D permet une manipulation infinie de tous les aspects de la création d’un film. Je m’intéresse aux études
en 3D qui maintiennent la relation cinématographique
et qui peuvent s’imposer des limites intéressantes dans
un milieu aux possibilités infinies.
81
It is important to emphasize that at the heart of
exploration and the cornerstone of innovation is the
element of play. Some films included in Intersections
are no more than 30 seconds long and are purely
and simply experiments. These short burst films, as
with each film in this program, exude a pure feeling of celebration around the limitless potential of
experimentation, and carry an important essentialist quality found in all animation that I love – that of
life, in the sense discussed here; not in the sense of
reality, but rather of some inexplicable essence that
lies rooted in the real world and is communicated
through the animated image, and an abstract one
at that.
Jouez !
These films are challenging to watch, though not in
the confrontational sense of the word. Rather, these
films require that you quiet your mind and open
your senses to simply experiencing the many facets
of 3D animated motion. This programme is about
allowing yourself to become absorbed and mesmerized; to close down the parts of yourself that deal
with the demands of the real world and “see” with
those that run from them.
C’est un défi de regarder ces films, mais non dans le
sens provocateur du mot. Ces films demandent plutôt
que vous apaisiez votre esprit et que vous ouvriez vos
sens à la simple perception des multiples facettes du
mouvement animé en 3D. Ce programme vous propose
de vous laisser aller à être absorbé et fasciné, à déconnecter les parties de vous-même qui répondent aux
exigences du monde réel et à « voir » avec celles qui le
fuient.
Special thanks to Brandon Blommaert for his
input.
Un merci tout particulier à Brandon Blommaert pour ses
idées.
Il est important de souligner que le jeu est au cœur
de l’exploration, et qu’il est la pierre angulaire de
l’innovation. Certains films inclus dans Intersections
durent à peine 30 secondes et ne sont que des études.
Mais de ces « éclats » de films, comme de tous les films
du présent programme, émane une pure sensation de
célébration du potentiel illimité de l’expérimentation,
et ils portent une qualité essentielle à tous les films que
j’aime – la vie, au sens discuté ici, non au sens de réalité,
mais comme essence inexplicable enracinée dans le
monde réel, communiquée par l’image animée, abstraite
de surcroît.
By / Par Keltie Duncan with Ken Field
Intersections
Saturday, September 22, 5:00pm (Arts Court Theatre)
Jeudi 20 septembre, 13h00 (Cour des Arts - théâtre)
Samedi 22 septembre 17h00 (Cour des Arts - théâtre)
Calculated Movements
20 Hz
Larry Cuba
1985 | 06:00
Ruth Jarman and Joe Gerhardt
2012 | 04:59
Magnetic Movie
Let’s Face Symmetry
2009 | 04:47
Pablo Gostanian
2011 | 00:32
dust breedings
Gantz Graf
Jan Goldfuss
2011 | 02:51
Alex Rutterford
2002 | 03:58
Droplets | Simon Fiedler
Topologies (Excerpt)
2011 | 02:45
Quayola
2012 | 02:28
Mimic | Lucio Arese
2012 | 01:46
Matter (Excerpt)
grau | Robert Seidel
Quayola
2012 | 03:07
2004 | 10:01
Les Objets Impossibles – Objet 2 (Excerpt)
Peripetics | Zeitguised
Pedro Mari and Natan Sinigaglia
2011 | 02:00
2009 | 03:20
Press+ | Benjamin Ducroz
Surface Detail | Tom Beddard
2011 | 03:10
Memo Atken
2011 | 05:20
200 Nanowebbers
Light | David Parker Carlos Veron
82
At once personal and universal, the animated
short films of Karen Aqua offer a tactile glimpse
into the philosophies and experiences of a dynamic and creative woman. Aqua’s films document the
artist’s playful self-exploration, undertaken to find
her own unique place within the universal spectrum of human existence.
À la fois personnels et universels, les courts métrages de Karen Aqua offrent un aperçu tactile des
pensées et expériences d’une femme dynamique
et inventive. Ses films documentent une autoexploration enjouée de l’artiste, auto-exploration
entreprise pour trouver sa propre place sur le
spectre universel de l’existence humaine.
Though Aqua lost her ten-year battle with cancer
on May 30th , 2011, her films reveal and maintain
a strong connection to the vibrant voice of the
filmmaker who made them, and as such become
a patchwork portrait of Aqua herself. The films
in this retrospective exude the pure essence that
was Karen Aqua, and allow her very bright spirit to
leap off the screen.
Bien qu’Aqua ait perdu sa bataille de dix ans
contre le cancer le 30 mai 2011, ses films révèlent
et maintiennent une connexion forte avec la voix
encore pleine de vie de leur réalisatrice, et en tant
que tels, ils deviennent un portrait en courtepointe
d’Aqua elle-même. Les films de cette rétrospective exhalent la pure essence de la personne que
fut Karen Aqua et permettent à son esprit des plus
brillants de s’affranchir de l’écran.
About Karen Aqua
À propos de Karen Aqua
Karen Aqua began making animated films after her
graduation from Rhode Island School of Design in
1976. Her award-winning films have been screened
nationally and internationally, including at the New
York Film Festival, and at international animation
festivals in Zagreb, Hiroshima, Ottawa, and Annecy,
as well as museums and universities.
Simple Harmonic Motion Study #5D
2010 | 01:27
2011
Remembering Karen Aqua
En souvenir de Karen Aqua
2009 | 02:46
She received film production grants from the
American Film Institute, Massachusetts Council
on the Arts and Humanities, New England Film/
Video Fellowship Program, New Forms Regional
Initiative, Massachusetts Cultural Council, and the
Puffin Foundation, and has been artist-in-residence
at The MacDowell Colony, Djerassi Foundation,
Karen Aqua a commencé à faire des films
d’animation après l’obtention de son diplôme à la
Rhode Island School of Design en 1976. Ses films
primés sont été projetés aux É.-U. et à l’étranger,
entre autres au Festival du film de New York, dans
les festivals d’animation internationaux de Zagreb,
Hiroshima, Ottawa et Annecy, et dans des musées
et des universités.
Elle a reçu des bourses de production cinématographique de l’American Film Institute, du
Massachusetts Council on the Arts and Humanities, du New England Film / Video Fellowship
Program, de la New Forms Regional Initiative, du
83
Millay Colony, Roswell Artist-in-Residence Program, Atlantic Center for the Arts, and Fundacion
Valparaiso (Spain).
Aqua was a Lecturer in Animation at Boston College from 1984-1991, and Animation Instructor at
Emerson College in 1987. She has served as a juror
for major animation and film festivals in the US and
Canada, and has presented one-person screenings
of her work at museums and universities around
the US, including the Boston Museum of Fine Arts,
Institute of Contemporary Art (Boston), California
Institute of the Arts, Dartmouth College, and University of Oregon. As well, beginning in 1990, Aqua
produced, directed, and animated 22 segments for
the acclaimed Sesame Street television program.
Artistic Impressions
Karen Aqua’s earlier films document a time of
self-discovery and lay bare the process of defining
oneself through artistic exploration. These films are
more explicitly subjective, providing glimpses into
specific questions Aqua seems to have had about
herself and her artistic process, and how the two
inform each other.
Her very graphic style is reminiscent of ancient
runes and symbols, even in the films that do not
directly deal with older civilizations. As the graduate of a design education, Aqua’s films reflect the
evolving visual styles of the many years that span
her career, and serve to document her own lived
time in much the same way she does for past
generations.
Massachusetts Cultural Council et de la fondation
Puffin, et a été artiste en résidence à la MacDowell Colony, à la fondation Djerassi, à la Millay
Colony, au Roswell Artist-in-Residence Program,
à l’Atlantic Center for the Arts et à la Fundacion
Valparaiso (Espagne).
In Ground Zero / Sacred Ground, Aqua looks
at contemporary impacts of nuclear testing on
nearby remnants of a past civilization. This film
looks all the way back to early ancestors to answer
larger questions about the human condition hundreds of years afterward, and raises more questions about humanity at large and how each new
cycle of existence is influenced by those gone by.
Similar questions are asked in films like Vis-à-Vis,
where an animator is shown attempting to create
a film through moments of daydreaming and selfreflection.
Aqua a enseigné l’animation à Boston College de
1984 à 1991 et à Emerson College en 1987. Elle
a siégé comme juge dans de grands festivals de
films (pas seulement d’animation, d’ailleurs) aux
É.-U. et au Canada, et a présenté des projections
uniques de ses œuvres dans des musées et universités partout aux É.-U., dont le musée des BeauxArts de Boston, l’Institute of Contemporary Art
(Boston), le California Institute of the Arts, Dartmouth College et l’université de l’Oregon. De plus,
à compter de 1990, elle a produit, réalisé et animé
des segments pour Sesame Street, l’émission de
télévision bien connue.
Many of Aqua’s films contain visual metaphors
for the journey and accumulation of human experience. Each one holds a sense of magic and
whimsy, and often reveals a love and longing for
the allure of the exotic. Through the portrayal of
distant creatures and locales, Aqua imparts an
admiration for adventure that extends into an appreciation of those little everyday moments that
compose our lives. Aqua’s films inspire common
bravery and encourage daily adventures so as not
to miss one opportunity.
Impressions artistiques
Ses premiers films documentent un temps d’autodécouverte et dévoilent le processus de l’auto-définition par l’exploration artistique. Ces films sont
plus explicitement subjectifs, en ce qu’ils donnent
des aperçus des questions qu’Aqua semblait se
poser à propos d’elle et de son processus artistique, et sur la façon dont les deux s’informent
mutuellement.
Vis-à-Vis is also directly referenced in Experimental
Animation: Origins of a New Art by Robert Russett
and Cecile Starr. This book was first published in
1976 to formally catalogue a budding and underacknowledged art form one technique at a time,
and the second edition includes mention of Aqua,
framed as being among a group of strong, “liberated” female animators practicing in the late 1970s
and early 1980s, (Russett & Starr, 20). Cecile Starr
says in this seminal text that Aqua’s films are
among those “concerned with serious feelings and
true experiences” but, as has been my experience
with her body of work, Aqua finds the truth of her
existence more through a bright, light-hearted approach than through one with more serious tones
(ibid).
Son style très imagé rappelle les anciens runes **
et symboles, même dans des films qui ne traitent
pas d’anciennes civilisations. Les films d’Aqua,
une diplômée d’éducation en design, reflètent
Karen aqua
Thursday, September 20, 7:00pm (Empire Rideau)
Sunday, September 23, 1:00pm (Arts Court Theatre)
Her films are filled with color and rhythmic energy,
and fueled by exotic sounds that were often composed and performed by her husband, musician
Ken Field. At a time when so much animation is
made possible using computers, Karen Aqua’s
films stand out; they are created entirely from
drawings done by hand.
Jeudi 20 septembre, 19h00 (Empire Rideau)
Samedi 22 septembre 23h30 (Cour des Arts - théâtre)
Dimanche, 23 septembre 13h00 (Cour des Arts - théâtre)
Penetralia (1976)
Ground Zero/Sacred Ground (1997)
4:00 | Digital
9:00 | Digital
Heavenly Bodies (1980)
Afterlife (2001)
3:00 | 35mm
9:00 | Digital
Vis-à-vis (1987)
Andaluz (2004)
7:00 | Digital
6:00 | Digital
Yours For The Taking (1984)
Sensorium (2007)
7:00| Digital
5:00 | Digital
Nine Lives (1987)
Twist of Fate (2009)
7:00 | Digital
9:00 | Digital
Kakania (1989)
Taxonomy (2011)
4:00 | Digital
4:00 | Digital
Karen Aqua’s innovative films occupy a unique
place in the world of independent and experimental
animation. Created from exceptionally refined and
colorful drawings, Aqua’s style is characterized by
extraordinary hand-drawn visual transformations
and compelling subject matter, exploring themes
of culture, ritual, and the human condition. Aqua
stated, “I strive to create films which are more poetry than prose, making visible the invisible.”
Aqua’s films are alive with wild, exotic imagery
from nature that lends a very rich visual and emotional tone to her work. Seashells, palm trees, and
wild animals pervade and ground her work. Her
films are so vividly personal that watching them
Perpetual Motion (1992)
5:00 | Digital
84
OIAF 2010 festival
reader / FIAO 2010 lecteur du festival
84
comment ses styles visuels ont évolué pendant sa
longue carrière, et ils servent à documenter son
propre vécu de la même façon qu’elle documente
les générations passées.
Dans Round Zéro / Sacres Round, Aqua étudie les
effets actuels de tests nucléaires sur un peuple
voisin, vestige d’une civilisation passée. Ce film
remonte jusqu’à leurs aïeux pour répondre à des
questions plus vastes sur la condition humaine des
siècles après. Il soulève aussi d’autres questions
sur l’humanité en général et la façon dont chaque
nouveau cycle de vie est influencé par les cycles
passés. Des questions semblables sont posées
dans des films comme Vis-à-Vis, qui montre un
animateur tentant de créer un film par des moments de rêve éveillé et d’auto-réflexion.
Beaucoup de films d’Aqua renferment des métaphores visuelles du parcours et de la sédimentation du vécu humain. Chaque film transmet
un sentiment de magie et de fantaisie, et révèle
souvent un amour et un désir de l’allure exotique. En dessinant le portrait de créatures et
de lieux lointains, Aqua transmet une admiration
pour l’aventure qui s’étend à l’appréciation des
petits moments qui composent notre vie. Les
films d’Aqua inspirent un « courage ordinaire » et
incitent à vivre le quotidien comme une aventure
pour ne rater aucune des occasions qu’il offre.
Une référence directe à Vis-à-Vis apparaît dans
Expérimental Animation: Origin of a New Art, par
Robert Russett et Cecile Star. Ce livre a d’abord
été publié en 1976 pour cataloguer officiellement,
une technique à la fois, une forme d’art débutante
et méconnue. La deuxième édition comprend une
mention d’Aqua, décrite comme faisant partie d’un
groupe d’animatrices fortes et « libérées » ayant
exercé leur art à la fin des années 1970 et au début
des années 1980 (Russett & Starr, 20). Cecile Starr
affirme dans ce texte déterminant que les films
d’Aqua comptent parmi ceux qui « s’intéressent
à des sentiments sérieux et à des expériences
vraies ». D’après ma propre fréquentation de son
œuvre, je dirais plutôt qu’Aqua trouve la vérité de
son vécu davantage par une approche lumineuse
et légère que par une approche aux tonalités plus
sérieuses (ibid).
Ses films sont pleins de couleurs et d’énergie
rythmique, et sont mus par des sons exotiques
souvent composés et exécutés par son mari, le
musicien Ken Field. À un moment où tant de dessins animés sont rendus possibles par l’utilisation
des ordinateurs, les films d’Aqua se démarquent
en ce qu’ils sont entièrement créés à partir de dessins faits à la main.
Les films innovateurs de Karen Aqua occupent
une place unique dans le monde de l’animation
indépendante et expérimentale. Créé de dessins
aux couleurs et au raffinement exceptionnels, le
style d’Aqua se caractérise par des transformations visuelles tracées à la main et par des sujets
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feels like learning about her life philosophy from
Aqua herself. Each one carries whispers from the
woman who made them; they raise, in my mind’s
eye, glimpses of a nurturing, open, loving, perceptive, intelligent, warm and endlessly inquisitive
person.
Her later films maintain self-reflexivity, again
paralleling the creative process to the process
of living and dealing with life’s inevitable questions. In Afterlife, a film in which Aqua reacts to
her diagnosis, cancer becomes just another part
of daily living to be examined and prodded with
Aqua’s unique vision and perspective. The body
features quite prominently throughout all of Aqua’s
filmography, from the very beginning through her
changing relationship to her own body, so she was
well-equipped to deal with the subject of cancer in
her films. True to form, Aqua did so in a way that is
sensitive and highly subjective; as cancer is itself.
Through chronicling the life of one of animation’s
most skilled practitioners and prolific champions,
the films of Karen Aqua document an era and tradition of the artform seen less and less frequently.
Self-exploration through animated film means
that these films are both self-portrait and autobiography, painting the picture of a woman keenly
missed by those who knew her and, in a way,
introducing her to those who wish they could have.
fascinants, qui explorent les thèmes de la culture, du rituel et de la condition humaine. « Je
m’efforce de créer des films qui sont davantage de
la poésie que de la prose, et qui rendent l’invisible
visible, » a dit Aqua.
Ses films sont pleins d’une imagerie naturelle, sauvage et exotique qui donne un ton visuel et émotionnel très riche à son œuvre. On trouve partout
dans son œuvre coquillages, palmiers et animaux
sauvages, qui fondent son œuvre. Ses films sont
si personnels qu’à les regarder, on croirait apprendre d’Aqua elle-même sa philosophie de la vie.
Chaque film est un chuchotement de la femme
qui l’a réalisé, et laisse entrevoir une personne
nourricière, ouverte, aimante, sensible, intelligente,
chaleureuse et d’une curiosité sans fin.
Ses films plus tardifs maintiennent une autoréflexion, établissant encore un parallèle entre le
processus créateur, et celui de vivre et de réagir
aux questions inévitables de la vie. Dans Afterlife,
un film où Aqua réagit à son diagnostic, le cancer
devient tout simplement un autre aspect du quotidien, qu’Aqua examine et sonde avec sa vision et
sa perspective uniques. Le corps a occupé dès le
départ une place de premier plan dans la filmographie d’Aqua, par le changement de sa relation avec
son propre corps, de sorte qu’elle était bien équipée pour traiter du cancer dans ses films. Fidèle à
elle-même, Aqua l’a fait d’une manière sensible et
très subjective, comme peut l’être le cancer…
En documentant la vie d’une praticienne des plus
habiles et d’une championne des plus prolifiques
de l’animation, les films de Karen Aqua documentent une époque et une tradition que l’on voit de
moins en moins souvent. Une auto-exploration à
travers ces films signifie qu’ils sont et l’auto-portrait, et l’auto-biographie d’une femme qui manquera vivement aux gens qui l’ont connue; d’une
certaine façon, ces films la présentent à ceux et
celles qui auraient souhaité la connaître.
Ralph Bakshi
By / Par Morgan Miller
Excerpts from an Interview that originally appeared in Bomb Magazine.
April, 2010.
Ralph Bakshi retired from working in the film
industry in the late ’90s and now concentrates on
painting and mixed-media work in his New Mexico
home. The titles of these new constructions reference New York street names in south Brooklyn
(where Bakshi grew up) and lower Manhattan, and
the pieces resemble pieces of doorways, decaying
furniture, the shards of a bygone New York City.
You could argue that Bakshi has always been a
collage artist. Even when he was directing animated feature films in the ’70s, works like Fritz the
Cat, Heavy Traffic, and Coonskin—he incorporated
live action footage, still photographic backgrounds, experimented with rotoscoping and nonfiction audio, all set against soundtracks spanning
nearly every American musical genre.
I remember a conversation with Bakshi a few
years ago where he remarked how frustrating it
can be to have a finished product, that once a film
is done, you miss the fun or the collaboration that
comes with its process. Recently, talking about
the progression of themes in his work, specifically
from a slow pan across an urban trash heap set
against Billie Holiday’s “Yesterdays” in Fritz the
Cat to now painting on decaying wooden surfaces,
he said, “It’s done in different styles, but it’s all one
long movie.”
86
Extraits d’une entrevue parue à l’origine dans Bomb
Magazine en avril 2010.
Ralph Bakshi a pris sa retraite de l’industrie du film à
la fin des années 1990. Il centre désormais son travail
sur la peinture et sur les médias mixtes dans son
foyer au Nouveau-Mexique. Les titres de ces nouvelles constructions font référence à des noms de rue
des quartiers South Brooklyn (où Bakshi a grandi) et
Lower Manhattan, et ses ?uvres ressemblent à des
éléments de cadres de porte, de meubles en décomposition, aux restes d’un New York révolu.
L’argument que Bakshi a toujours été un artiste du
collage pourrait se défendre. Même lorsqu’il réalisait
des longs métrages d’animation dans les années
1970, des ?uvres comme Fritz le Chat, Heavy Traffic
et Coonskin – il incorporait des collages d’action
directe, des photos en fond de scène, il expérimentait
avec la rotoscopie et les sons du monde réel en les
opposant à des pistes sonores couvrant presque tous
les genres de la musique américaine.
Je me souviens d’une conversation que j’ai eue avec
Bakshi il y a quelques années, au cours de laquelle
il faisait remarquer combien il pouvait être frustrant
d’avoir un produit fini, que, une fois le film terminé, le
plaisir et la collaboration qui accompagnait le processus lui manquaient. Récemment, en parlant de la
progression des thèmes dans son ?uvre, en particulier de la façon dont il est passé du panoramique lent
sur un amas de rebuts urbains pendant que jouait
le Yesterdays de Billie Holiday dans Fritz le Chat à la
peinture sur des surfaces de bois en décomposition,
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Ralph Bakshi
Fritz The Cat (1972)
Coonskin (1975)
78min |35mm
Thursday, September 20, 11:00am (ByTowne Cinema)
Friday, September 21, 7:00pm (National Gallery)
Jeudi 20 septembre, 11h00 (Cinéma ByTowne)
89min |35mm
Samedi 22 septembre, 17h00 (Musée des beaux-arts)
Heavy Traffic (1973)
Wizards (1977)
77min |35mm
Samedi 22 septembre, 21h15 (Musée des beaux-arts)
80min | Digital
Jeudi 20 septembre, 19h00 (Cour des Arts - théâtre)
Samedi 22 septembre, 19h00 (Cour des Arts - théâtre)
Morgan Miller: What I immediately notice in
looking at your work is a thematic progression
dealing with mortality and lineage, a narrative
of generational change, the conflicts, fears, and
angst involved when one generation surrenders
or gives way to another. It’s there in that very first
sequence of Fritz the Cat when you use what
sounds to me like a non-fiction audio recording:
you animated a bunch of blue-collar workingclass guys sitting on a construction beam during
their lunch break, talking about their “bourgeois”
daughters. I think one of the guys says, “You’re living with some guy, what do you mean you’re living
with some guy?” It’s a very late-’60s frustration
with the younger counterculture, and this segues
into a sequence of college-age girls in Washington
Square Park being seduced by Fritz, a swaggering
young pseudo-intellectual who personifies what
the older guys were wary of. Those were actual
guys you recorded yourself I assume?
il a dit : « C’est fait dans des styles différents, mais
c’est le même long métrage. »
Ralph Bakshi: Yeah. What I actually did was go
out into the street and ask a couple construction
workers if they’d come up to my office. I paid
them $50 each, I had a bottle of Scotch, and I
had this Nagra reel-to-reel tape recorder. I asked
them what was bothering them, what they were
unhappy about, and all this stuff came out. And
we had a great time. There was hours of that stuff.
I wanted Fritz the Cat to feel real, and it felt like I
had to do this in order to believe the material. So
I recorded all kinds of things on the Nagra, like
street noises, to make it feel realistic. You see, I
was influenced by still photography at the time
more than anything, more than any animation.
Robert Frank’s The Americans, things like that.
Powerful stuff. I made tons and tons of tapes. Lots
of material I didn’t use. I was young and had no
idea what I was doing. If I still had them, I’d give
them to you—I’m serious. When I went to have
the film mixed, the sound engineers gave me all
kinds of crap about the tracks not being professionally recorded; they didn’t even want to mix the
noise of bottles breaking in the background, street
noise, tape hiss, all kinds of shit. They said it was
unprofessional, but I didn’t care.
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Morgan Miller – Ce que je remarque d’entrée de jeu
quand je regarde votre ?uvre, c’est une progression
thématique qui parle de mortalité et de descendance,
une narration des changements générationnels, les
conflits, les peurs et l’angoisse qui se font jour quand
une génération passe la main ou s’efface devant une
autre. C’est là, dans la toute première séquence de
Fritz le Chat, quand vous utilisez ce qui me semble
être un enregistrement audio du monde réel : vous
avez animé une bande d’ouvriers assis sur une poutre
de construction pendant leur pause déjeuner, qui
parlent de leurs filles « bourgeoises ». Je pense qu’un
des types dit : « Tu vis avec un garçon, comment ça,
tu vis avec un garçon ? » C’est la frustration de la fin
des années 1960 à l’égard de la contre-culture des
jeunes, et cette séquence débouche sur une autre,
des collégiennes à Washington Square séduites par
Fritz, un jeune pseudo-intellectuel fanfaron qui incarne ce que les plus vieux craignaient. J’imagine que
vous avez enregistré vous-même de vrai types ?
Ralph Bakshi – Oui. Je suis allé dans la rue et j’ai
demandé à deux ou trois travailleurs de la construction s’ils viendraient à mon bureau. Je les ai payés
50 $ chacun. J’avais une bouteille de scotch et un
magnétophone à bobine Nagra. Je leur ai demandé
ce qui les embêtait, ce qui les rendait malheureux,
et tout ça est sorti. Et nous avons eu du bon temps.
L’enregistrement dure des heures. Je voulais que
Fritz le Chat sonne vrai, et il semblait que je devais
faire ça pour croire au matériel. Alors j’ai enregistré
toutes sortes de trucs avec la Nagra, comme des
bruits de rue, pour que ça ait l’air réaliste. Tu vois, à
l’époque, j’étais influencé par la photo de plateau,
plus que par n’importe quoi d’autre, plus que par
n’importe quel dessin animé. The Americans de Robert Frank, des trucs comme ça. Des trucs puissants.
J’ai enregistré des tonnes de rubans. Beaucoup de
matériel que je n’ai pas utilisé. J’étais jeune et je ne
savais pas ce que je faisais. Si je les avais encore, je
vous les donnerais – je suis sérieux. Quand je suis allé
faire mixer le film, les ingénieurs du son m’ont pris à
partie parce que les pistes n’avaient pas été enregistrées professionnellement. Ils ne voulaient même pas
MM: The scene with the three rabbis in Fritz the
Cat; the oldest rabbi needs a pair of glasses to
read the Torah, but then he’s bullied by the two
younger ones not to wear glasses. “I’m not so
young anymore!” he says, and the argument goes
back and forth. That also sounds like a natural
recording. Where did that come from?
RB: In retrospect, I think I was trying to make the
film more personal. Being Jewish and making a
feature film, though it was based on something
else, I felt like I had an opportunity to do that. I
eventually got to go further with Heavy Traffic,
Coonskin, American Pop, and Hey Good Lookin’.
But I didn’t know if I would be able to make
another picture after Fritz the Cat, so I felt at the
time that the rabbis were a way to get something
of myself in the picture. I listened a lot to my
family; I recorded my father, my uncle, and my
cousin, and all of their voices are in the picture. I
animated them for that scene. I found that to be
tremendously satisfying. They were the kinds of
guys who would take their spectacles off before
reading a prayer.
MM: You worked at Terry Toons from a young age
just after graduating the School of Industrial Art
in New York, and I’ve often heard you say that
you got sick of “cats chasing mice,” with all the
repetitive Saturday morning fare you were doing
pre-Fritz. Was there any animation at that time
you felt inspired by and influenced by?
RB: Max Fleischer’s work more than anyone else.
His cartoons from the ’30’s and ’40s. The films
with Cab Calloway, with Louis Armstrong. They’re
mind boggling. Those films are great art; they really hold up and are astonishing even today. Even
some of those early black and white Popeyes he
did with his brother Dave are incredible. He had
the best studio in the business, Fleischer. Another
Jew from Brooklyn. Same neighborhood as me. I
almost fell on the floor when I read he came from
Brownsville. Much better than Disney. I hated
Disney.
MM: You have quite a few father-son conflicts in
your films. The shady, crime-affiliated Angie and
his virginal son Michael who he always seems
disappointed with in Heavy Traffic. The street
hooligan Crazy Shapiro verses his father the cop
in Hey Good Lookin’.
RB: Growing up in Brownsville, it was very hard to
hide what I was doing. My specific sensibilities of
being an artist at that point, a cartoonist, had to
be hidden. You had to carry yourself around guys
on the block who didn’t understand it. My father
and mother came to me once very worried. My
father was a very quiet guy, but he would say he
was very concerned about my drawing and how I
would make a living. So I was always hiding what
I was doing, and then it became the bigger issue
of hiding it from my father. The neighborhood was
very rough and there were various characters in
mixer le bruit de fond des bouteilles qu’on brisait, le
bruit de la rue, le grésillement du ruban, toutes sortes
de m... Ils ont dit que ce n’était pas professionnel,
mais je m’en moquais.
MM : La scène avec les trois rabbins dans Fritz le
Chat : le plus vieux des rabbins a besoin de lunettes
pour lire la Torah, mais il est forcé par les deux plus
jeunes à ne pas porter de lunettes. Il dit : « Je ne suis
plus si jeune ! », et la discussion va de l’un à l’autre.
Cela aussi ressemble à un enregistrement naturel.
D’où cela vient-il ?
RB : Rétrospectivement, je pense que j’essayais de
rendre le film plus personnel. Étant Juif et faisant
un long métrage, bien qu’il ait été basé sur quelque
chose d’autre, j’ai senti que j’avais comme l’occasion
de le faire. Je suis ensuite allé plus loin dans Heavy
Traffic, Coonskin, American Pop et Hey Good
Lookin’. Mais je ne savais pas si je serais capable de
faire un autre film après Fritz le Chat, alors j’ai pensé
à l’époque que les rabbins étaient une façon de
mettre quelque chose de moi dans le film. J’écoutais
beaucoup les membres de ma famille; j’ai enregistré
mon père, mon oncle et mon cousin, et toutes leurs
voix sont dans le film. Je les ai animés pour cette
scène. J’ai trouvé cela extraordinairement satisfaisant. Ils étaient du genre à enlever leurs lunettes
avant de lire une prière.
MM: Vous avez travaillé à Terry Toons à un jeune âge,
juste après avoir obtenu votre diplôme de la School
of Industrial Art à New York, et je vous ai souvent entendu dire que vous en aviez jusque-là “des chats qui
chassaient les souris”, avec tout le tralala répétitif du
samedi matin que vous faisiez avant Fritz. Y avait-il à
cette époque des dessins animés qui vous inspiraient
et vous influençaient ?
RB: Les œuvres de Max Fleischer, plus que n’importe
qui d’autre. Ses dessins animés des années 1930
et 1940. Les films avec Cab Calloway, avec Louis Armstrong. Ça dépasse l’entendement. Ces films sont
du grand art; ils tiennent le coup et sont étonnants
encore aujourd’hui. Même certains des Popeye qu’il a
faits en noir et blanc avec son frère Dave sont incroyables. Fleischer avait le meilleur studio de l’industrie.
Un autre Juif de Brooklyn. Même quartier que moi.
Je me suis presque effondré quand j’ai appris qu’il
venait de Brownsville. Bien meilleur que Disney. Je
détestais Disney.
MM : Il y a bon nombre de conflits père-fils dans vos
films. Le ténébreux Angie aux affaires louches et son
fils virginal Michael, dont il semble toujours déçu,
dans Heavy Traffic. Le voyou Crazy Shapiro face à
son père flic dans Hey Good Lookin’.
RB : Quand on grandissait à Brownsville, il était très
difficile de cacher ce qu’on faisait. Ma sensibilité
d’artiste, à ce moment-là, de bédéiste, devait être
cachée. Je devais fréquenter des gars du quartier qui
n’y comprenaient rien. Mon père et ma mère sont venus un jour me voir, très inquiets. Mon père était peu
bavard de nature, mais il m’a dit que mes dessins et
89
the neighborhood, so my father became a combination of a lot of different things that I saw. I put a
lot of different things into the character Angie in
Heavy Traffic. I had a long personal issue with sex
and so Michael trying to be a man in Heavy Traffic
was very personal also.
MM: When you talk about “guys on the block,” I’m
assuming these were the basis of the characters in
Hey, Good Lookin’ or the sort of guys you depict
mercilessly beating each other with chains in
Heavy Traffic.
RB: Oh, no question about it. I wouldn’t call these
people necessarily racist, or intentionally cruel,
but they were very stupid. Uneducated. When I
was going to art school, I had to hide drawings in
my shirt because of the kind of neighborhood it
was. The era I grew up in was the era of the street
gang, you see. Gangs, leather jackets, chains. They
thought you could be famous by joining a gang.
You could get your picture in the paper and be
written up as one of the most violent men in the
world. So yeah, I witnessed bad scenes. A guy
would hit another guy with a chain. Usually one
guy would run away, they wouldn’t necessarily
keep hitting each other like in Heavy Traffic. But
nowadays they have guns, automatic weapons.
Just the other day, 21 people were murdered in
Chicago. In one day. All these automatic weapons,
it’s just escalated and become something else
entirely.
MM: You introduce black characters in Fritz the
Cat. In the scenes where Fritz goes to “bug out”
in Harlem, he develops a friendship with Duke, the
old black guy. Then it progresses in Heavy Traffic
and in Coonskin, where all the leading characters
are black.
RB: This was the civil rights era. Yeah, it was
something I always wanted to do. The neighborhood I grew up in was very black and Jewish,
and also Italian, but mainly Jewish and black. I
went to school with mostly black boys. I lived in
Washington at one point in my childhood, and
that was even more black. You know, there were
black soldiers in World War II who guarded Italian
prisoners, and the Italians were allowed to eat in
restaurants while the blacks weren’t. During my
youth, white people like Bob Dylan got involved
with black issues through songs like “Blowin’ in
the Wind.” Martin Luther King and Malcolm X had
come along, and if you were a thinking man, you
couldn’t escape the issue that blacks were excluded from so many parts of society. It was very
much a cause in my day for black people to get
the right to vote. In those days, you had governors trying to prevent black people from going to
school. It was a real eye opener for us that those
things were happening; in Brooklyn, we had no
idea the extent of how blacks were excluded from
going to school and voting and everything else. It
was horrific. So recognizing the black experience
was a very important thing. And now we have a
90
ma capacité de gagner ma vie l’inquiétaient. Je cachais tout le temps ce que je faisais, mais alors c’est
devenu plus compliqué de le cacher à mon père. Le
quartier était très dur, et il y avait divers personnages
dans le quartier; alors mon père est devenu une
combinaison de bien des choses que j’ai vues. J’ai
mis beaucoup de trucs différents dans le personnage
d’Angie dans Heavy Traffic. J’ai eu longtemps des
questionnements sur ma sexualité, de sorte que Michael, qui essaie d’être un homme dans Heavy Traffic,
est très personnel aussi.
MM : Quand vous parlez de “gars du quartier”, je
suppose qu’ils ont servi de base aux personnages
de Hey, Good Lookin’, ou qu’ils sont le type de gars
dont vous décrivez la bataille sans merci à coups de
chaînes dans Heavy Traffic.
RB : Oh, ça ne fait aucun doute. Je ne dirais pas de
ces gens-là qu’ils sont nécessairement racistes ou
intentionnellement cruels, mais ils sont très stupides.
Sans éducation. Quand j’allais à l’école d’art, je devais
cacher mes dessins dans ma chemise, vu le genre
de quartier que c’était. L’époque où j’ai grandi était
l’époque des gangs de rues, vous voyez. Les gangs,
les vestes de cuir, les chaînes. Ils pensaient devenir célèbres en se joignant à un gang. Vous auriez
votre photo dans le journal avec un article comme
quoi vous étiez l’un des hommes les plus violents au
monde. Alors, oui, j’ai été témoin de scènes violentes. Un gars en frappait un autre avec une chaîne. En
général, un des deux s’enfuyait. Ils ne continuaient
pas à se taper dessus comme dans Heavy Traffic.
Mais aujourd’hui ils ont des fusils, des armes automatiques. L’autre jour, justement, 21 personnes ont été
tuées à Chicago. En une journée. Avec toutes ces
armes automatiques, il y a escalade, et c’est devenu
toute autre chose.
MM : Vous présentez des personnages noirs dans
Fritz le Chat. Dans les scènes où Fritz va « lâcher son
fou » dans Harlem, il devient l’ami de Duke, un vieil
homme noir. Puis, cela se développe dans Heavy
Traffic et dans Coonskin, où tous les protagonistes
sont des Noirs.
RB : C’était l’époque des droits civiques. Oui, j’ai toujours voulu faire ça. Le quartier où j’ai grandi était très
noir et très juif, mais aussi italien, mais surtout juif
et noir. Mes camarades d’école étaient surtout des
Noirs. J’ai vécu à Washington à un certain moment
de mon enfance, et il y avait encore plus de Noirs.
Vous savez, il y avait des soldats noirs qui gardaient
des prisonniers italiens, mais les Italiens avaient la
permission de manger dans des restaurants, pas les
Noirs. Dans ma jeunesse, des Blancs comme Bob
Dylan ont pris parti pour des enjeux de Noirs, par
des chansons comme « Blowin’ in the Wind ». Martin
Luther King et Malcolm X sont arrivés, et si vous y
réfléchissiez un tant soit peu, vous ne pouviez éviter
le problème que les Noirs soient exclus de tant de
secteurs de la société. Le droit de vote des Noirs
était une cause très importante quand j’étais jeune.
En ce temps-là, des gouverneurs d’État essayaient
d’empêcher les Noirs d’aller à l’école. Tout ce qui se
black president, which is even more fucking amazing.
MM: There are so many different asides to the
main plot in Coonskin. You have the old man
rummaging through the trash, picking through
the things white people throw away. You have the
Malcolm the Cockroach sequence, which I think
is probably the most memorable, haunting part
of the film. Seated against an empty dark background, she describes the relationship she formed
with a Cockroach and the heartbreak of his leaving her.
RB: One of the problems then with being a black
father and trying to hold a family together was
economic. I think it’s still true today. It’s very hard
to get a decent-paying job. So I wrote this poem
about being a black man and not being able to
support your family and having to leave, and
how the woman felt about that. She just basically
doesn’t want to be hurt anymore. The actress who
came in to read it started crying. It was a very
important moment. She nailed it, and certainly
understood what the words meant. It was a poem
that I wrote about the black experience. And I
animated it. If you take away the animation, it’s
a poem. I’ve got 30 or 40 Malcolm the Roach
poems in my house. The style of animation I used
for it was very primitive, like an early comic strip.
There were a lot of poems I wrote for the picture.
Juxtaposing personal social commentary into
the films and running abstract personal moments
underneath the narrative on top, this type of montage or collage, is really close to painting.
MM: Technically, there are a lot of different mediums you mix into Coonskin and Heavy Traffic:
live action, still photography, even different styles
of animation. The Malcolm sequence has it’s
own color scheme: the red and blue silhouettes.
Michael even has his own little universes within
Heavy Traffic, which become cutaways.
RB: Yeah, that’s all about trying to find the believability of what the film is about. Movies basically
bore me. I don’t see very many movies. But I loved
being able to try things, like making photographic
backgrounds. I roamed New York and Brooklyn
at night, taking thousands of photographs. A lot
of the montage comes from Sergei Eisenstein; he
really caught my eye when I was very young with
Alexander Nevsky and Battleship Potemkin. He’s
a little stiff by today’s standards, but his compositions, the way he cut films, and the way he emotionally sets them up was incredible.
MM: Your new paintings are collages also, using all
sorts of different textures and surfaces.
RB: The paintings are probably my final step.
I’ll probably die after this. Everyone calls them
abstract. But I think they represent the most realistic vision that I’ve ever had of the city. Basically
they’re made with cement, nails, and wood. I had
passait alors nous a ouvert les yeux; à Brooklyn, nous
n’avions aucune idée de l’ampleur du problème, à
quel point on empêchait les Noirs d’aller à l’école,
de voter, et tout le reste. C’était atroce. Alors, il a été
très important de reconnaître le vécu des Noirs. Et
maintenant, nous avons un président noir, ce qui est
encore plus foutrement remarquable.
MM : Il y a tant d’aspects à l’intrigue de Coonskin.
Il y a le vieil homme qui fouille dans les rebuts, qui
ramasse les choses que jettent les Blancs. Il y a la
séquence de Malcolm la coquerelle, qui, je pense,
est la partie la plus mémorable, la plus obsédante du
film. Assise devant un fond noir et vide, elle décrit sa
relation avec une autre coquerelle et comment elle a
eu le coeur brisé à son départ.
RB : Donc, un des problèmes d’être un père noir et
de tenter de garder ensemble les membres de la
famille est économique. Je pense que c’est encore
vrai aujourd’hui. Il est très difficile de trouver un emploi qui paye raisonnablement bien. Alors j’ai écrit ce
poème sur le fait d’être un Noir, de n’être pas capable
de pourvoir aux besoins de sa famille et de devoir
partir, et les sentiments de la femme à ce sujet. De
base, elle ne veut plus souffrir. L’actrice qui est venue
lire ce poème en a eu les larmes aux yeux. Ç’a été un
moment très important. Elle l’a récité à la perfection
et a certainement compris le sens des mots. C’était
un poème que j’ai écrit à propos du vécu des Noirs.
Et j’en ai fait un film d’animation. Si vous enlevez
l’animation, c’est un poème. J’ai chez moi de 30 à
40 poèmes sur le thème « Malcolm la coquerelle ».
Le style d’animation que j’ai utilisé était très primitif,
comme les premières bandes dessinées. J’ai écrit
beaucoup de poèmes pour ce film. La juxtaposition d’une critique sociale personnelle à un film et
la présence d’un courant de moments personnels
abstraits sous une narration principale, ce genre de
montage ou de collage est très proche de la peinture.
MM : Au plan technique, vous mélangez beaucoup
de médias différents dans Coonskin et Heavy Traffic:
de l’action directe, de la photo, et même divers styles
d’animation. La séquence de Malcolm a son propre
schéma de couleurs : les silhouettes rouge et bleu.
Michael a même ses propres petits univers au sein de
Heavy Traffic, qui deviennent des parties à découper.
RB : Oui, ç’a tout à voir avec une tentative pour trouver la crédibilité du sujet du film. De base, je trouve
les films plats. Je ne regarde pas beaucoup de films.
Mais j’ai aimé être capable d’essayer des choses,
comme créer des fonds de scène à l’aide de photos.
J’ai parcouru New York et Brooklyn la nuit et pris
des milliers de photos. Beaucoup du montage vient
de Sergeï Eisenstein; son Alexandre Nevski et son
Cuirassé Potemkine m’ont très impressionné quand
j’étais petit. Il est un peu empesé selon les normes
actuelles, mais ses compositions, son montage et la
préparation émotive dans ses films étaient incroyables.
MM : Vos nouvelles peintures sont aussi des collages,
elles utilisent toutes sortes de textures et de surfaces
91
worked from photographs, painted landscapes
of streets, all the traditional stuff, but this goes
all the way home. This goes into exactly what I
think the city might be about, this city that I love.
When painting materials and what they are about
are made of are the same thing, I think there is a
certain truth there. I think I’ve finally gotten to the
point Pollock spoke of when he said, “The materials are everything.” I had never understood what
he meant, but I get it now. I love Pollock and de
Kooning and Chaim Soutine and how they used
materials. So I’m painting the city using the materials the city is made of. Using these materials to
me is home, and it makes me feel very relaxed. As
far as I’m concerned, I feel it’s a final step for me,
that everything has lead to this moment.
MM: You seem very attracted to garbage! The Billie Holiday music montage sequence in Fritz the
Cat when the camera pans slowly across a trash
heap in an abandoned lot in Harlem… at first you
see broken bottles, syringes, and then it becomes
more personal old photos, then entire old photo
albums, people’s memories just sitting in the
trash. Later, garbage becomes the introduction
of Hey, Good Lookin’ where personified pieces of
garbage talk to each other about life after death.
Even when you moved into the fantasy realm in
Wizards, you maintain bleak futuristic worlds built
on garbage. It occurs to me that it’s a metaphor
for mortality, but not just that; maybe also a metaphor for what a generation throws away and what
might be discovered by the next. Or what might
just be forgotten.
RB: I like that, Miller! I’m dead serious about this:
who we are, who we used to be, what we’ve been
through, what we’ve become, it’s very important.
We’re all part of a long trail. The scene in Heavy
Traffic where the mother is walking through the
photographs looking at her uncles, my family’s
up there. My ancestors. Faded walls, old wood,
old paint, every fleck of paint is another story, not
to be discarded. Stuff like Kindle is so cold. It’s
great for reading I guess, but texture and being
able to touch stuff is so important. The past is to
be learned from and to respect. Too much of it is
thrown away out of shallowness or for things that
are new and cheap. In Hey, Good Lookin’, this poor
garbage thinks it’s going to go speak to God, but
it’s just going into an incinerator. You know what
I’m saying?
92
différentes.
RB : Les peintures sont probablement ma dernière
étape. Probablement que je mourrai après ça. Tout
le monde les dit abstraites. Mais je pense qu’elles
représentent la vision la plus réaliste que j’aie jamais
eue de la ville. À la base, elles sont faites de ciment,
de clous et de bois. J’ai travaillé à partir de photos,
de peintures de paysages de rue, tous les trucs
habituels, mais ceci sonne vrai. Cela dit exactement
ce qu’est, je pense, le propos de la ville, cette ville
que j’aime. Quand les matériaux de la peinture et son
sujet sont faits de la même matière, je pense qu’il
y là une certaine vérité. Je pense que je suis enfin
arrivé au point dont Pollock parlait quand il a dit :
“Les matériaux sont tout.” Je n’avais jamais compris
ce qu’il voulait dire, mais maintenant je pige. J’aime
Pollock, de Kooning, Chaim Soutine, et la façon dont
ils ont utilisé les matériaux. Alors, maintenant, je
peins la ville en utilisant les matériaux dont la ville est
faite. Quand j’utilise ces matériaux, je me sens chez
moi, très relax. En ce qui me concerne, je sens que
c’est une étape finale pour moi, que tout a mené à ce
moment.
MM : Vous semblez très attiré par les rebuts ! Ce
montage de la musique de Billie Holiday dans la
séquence de Fritz le Chat quand la caméra fait un
panoramique lent sur un amas de rebuts dans un
terrain abandonné de Harlem... au début on voit des
bouteilles brisées, des seringues, puis ça devient
plus personnel : de vieilles photos, puis des albums
photos au complet, des souvenirs laissés là dans les
rebuts. Plus tard, les rebuts servent d’introduction
à Hey, Good Lookin’, quand des éléments de rebuts
personnifiés se parlent de la vie après la mort. Même
quand vous passez au royaume de la fantaisie dans
Wizards, vous maintenez des mondes futuristes désolés construits sur des rebuts. Il m’est venu à l’esprit
que c’était une métaphore de la mortalité, mais pas
seulement ça; c’est peut-être aussi une métaphore
de ce que jette une génération et qui pourrait être
découverte par la suivante. Ou tout simplement de
ce qui pourrait être oublié.
RB : Hé, Miller, là, tu parles ! Je suis très sérieux à
ce propos : qui nous sommes, qui nous étions, les
difficultés que nous avons surmontées, ce que nous
sommes devenus, c’est très important. Nous faisons
tous partie d’un long sentier. La scène dans Heavy
Traffic où la mère marche à travers ses photos en
regardant ses oncles, ma famille est là. Mes ancêtres.
Les murs affadis, le vieux bois, la vieille peinture,
chaque craquelure de peinture est une autre histoire,
à ne pas jeter. Les trucs comme Kindle sont si froids.
C’est parfait pour la lecture, j’imagine, mais la texture
et la capacité de toucher sont si importants. Le passé
existe pour en tirer des leçons et pour le respecter.
On jette beaucoup trop de choses par superficialité
ou pour faire place à la nouveauté et à la mauvaise
qualité. Dans Hey, Good Lookin’, ce pauvre rebut
pense qu’il va parler à Dieu, mais il s’en va tout
simplement à l’incinérateur. Vous voyez ce que veux
dire ?
Run Wrake: Meatheads, Rabbits and the Dawn
Run Wrake : têtes en escalope, lapins et aubes
By / Par Chris Robinson
Watching a Run Wrake animation is like tapping
into the unconsciousmind of some extremely high
musical genius. Utilizing bold line drawings, Wrake
connects a barrage of imagery from diverse media and loops it with a brilliant sense of rhythm.
It’s not surprising that this Royal College of Art
graduate has found success interpreting inventive
musical artists such as Gang of Four, Howie B, Oasis and Future Sound of London. In addition he’s
done MTV IDs, commercials, illustrative work and
visuals for U2’s PopMart and Vertigo tours. Most
recently Wrake has taken on narratives with the
highly successful short films Rabbit (2006) and
The Control Master (2008).
Wrake was born John Wrake in the Republic of
Yemen in 1965. His father was an army chaplain,
and the Wrake family moved to Sussex, England
when Run (he earned the nickname just after relocating) turned 11.
Run Wrake’s earliest — or at least most memorable — encounter with animation came in the
1970s. Wrake recalls seeing an episode of the UK
TV show The Old Grey Whistle Test. “They used
to play album tracks cut to grainy old black and
white animation that looked like the Fleischer
Brothers.” Animation had entered Wrake’s consciousness, but it would be a while before he seriously considered it as a career. Most of Wrake’s
days were spent fishing, digging up old bottles
and collecting material — little did he know that
his hoarding would eventually inspire his art.
“Found material has always been a big part of my
Voir une animation de Run Wrake, c’est brancher
une table d’écoute sur l’inconscient d’un très
grand génie musical. Au moyen de dessins à gros
traits, Wrake connecte et met en boucle avec un
brillant sens du rythme une pluie d’images provenant de divers médias. Ne nous étonnons pas
que ce diplômé du Royal College of Art ait connu
le succès à interpréter des compositeurs inventifs
tels que Gang of Four, Howie B, Oasis et Future
Sound of London. De plus, il a fait des indicatifs,
des pubs et des illustrations pour MTV, ainsi que
des éléments visuels pour les tournées PopMart
et Vertigo du groupe U2. Tout récemment, Wrake
s’est mis à la narration avec les courts métrages
à succès Rabbit (2006) et The Control Master
(2008).
Wrake, de son vrai nom John Wrake, est né dans
la République du Yémen en 1965. Son père était
aumônier militaire, et la famille a déménagé dans
le Sussex, en Angleterre, quand Run (il s’est valu
ce surnom après la relocalisation) avait 11 ans.
La première rencontre de Run Wrake avec l’art de
l’animation – ou du moins la rencontre la plus mémorable – a eu lieu dans les années 1970. Wrake
se rappelle avoir vu un épisode de l’émission de
télé britannique The Old Grey Whistle Test. « Ils
avaient l’habitude de faire jouer des plages de
longs-jeux pendant la projection de vieux dessins
animés en noir et blanc granuleux qui ressemblaient à ceux des Fleisher Brothers. » Wrake avait
93
Run Wrake
Sunday, September 23, 1:00pm (National Gallery)
Dimanche 23 septembre, 13h00 (Musée des beaux-arts)
Anyway (1990)
Triaminic - Wolf (2006)
4:00 | Digital
0:30 | Digital
Jukebox (1994)
Triaminic - Frog (2006)
5:00 | Digital
0:30 | Digital
We Have Explosive (1996)
Disney Playhouse (2007)
3:55 | Digital
1:30 | Digital
M2 Europee Intro (1998)
Control Master (2008)
1:12 | Digital
6:45 | Digital
Music For Babies (1996)
Musicman - Pimping (2005)
6:00 | Digital
0:21| Digital
M Also Stands For (1996)
Musicman - Bug (2005)
0:30 | Digital
0:05 | Digital
Buttmeat (1996)
Musicman – Burn (2005)
3:10 | Digital
0.20 | Digital
Showbiz Set (2002)
Musicman - Skate (2005)
0:30 | Digital
0:05 | Digital
Take Your Partner (1998)
Musicman -Edphones (2005)
4:10 | Digital
0:15 | Digital
Coca Cola Commercial - Easter
(2000)
Just a Minute (2009)
1:00 | Digital
0:30 | Digital
Down With The Dawn (2012)
U2 – ROY (1997)
8:00 | Digital
1:30 | Digital
U2 - SBS (2012)
What Is That (2000)
1:44 | Digital
3:32 | Digital
The Charlatans - Try Again Today
(2004)
Meat Street (2011)
2:35 | Digital
3:45 | Digital
Rabbit (2005)
8:50 | Digital
work. I can’t pass a junk shop without stopping.”
After secondary school, Wrake signed up for
graphics at the Chelsea College of Art and Design.
Although Wrake was heavily influenced by Dada
graphics, he says that music was his primary
artistic inspiration. “I was doing graphic design
but buying and listening to a lot of music, and
animation was a way of combining the two.” The
idea of merging music and animation was inspired
by a foundation class taught by an artist who had
made a video for the band Art of Noise. “That was
the real catalyst. It was very collage- y — cut very
tightly to the beat — and it just really appealed to
me, that combination of sound and image tightly
synchronized, so that was the real turning point.”
94
certes pris conscience que l’animation existaient,
mais il lui faudrait un bon moment encore avant
qu’il la considère comme possibilité de carrière.
Wrake passait la plupart de ses journées à pêcher,
à ramasser de vieilles bouteilles et à accumuler
des trucs – il ne savait pas encore que cette
manie de l’accumulation serait pour lui une source
d’inspiration. « Le matériel trouvé a toujours
constitué une grande partie de mon travail. Je ne
peux pas passer devant une boutique de bric-àbrac sans y entrer. »
Son secondaire terminé, Wrake s’inscrit en arts
graphiques au Chelsea College of Art and Design. Bien qu’il ait été fortement influencé par le
mouvement dada, la musique a été selon lui sa
At Chelsea, Wrake made the student film Interest
(1987). Wrake’s love of beats and morphing imagery is already present in this fast- moving groove
feast. “I just bought a pile of 10p off cut pads from
a printers, and made it up as I went along, the
bleed through the paper from the marker pens
used providing alternative to a lightbox. The track
was added after.”
After graduating from Chelsea, Wrake went on
to the prestigious Royal College of Art (RCA).
The experience at RCA was a pivotal one. “Chelsea had no facilities really, all the fi lms I made
there were shot and edited in camera, super 8
and 16 mm, and then telecine’d to tape and music
added. So, most importantly RCA introduced
me to the picture- sync machine, enabling the
planning of picture and its relation to a broken
down soundtrack. I learned how you can break
down sound and create a map of the soundtrack
so you knew exactly which frame the beat would
hit, and that was the real revelation for me — that
you could create images to perfectly replicate the
music.”
Wrake’s graduation film, Anyway (1990), follows
the same path as Interest but the images are more
vibrant and alive. Crowded frames of surreal images jump through the frames. “Anyway started with
the soundtrack, put together using the record and
pause buttons on a Teac 4- track tape recorder
and my record collection. Th e animation was created again sans storyboard, but with the brokendown track as a guideline. Hand- drawn, cut and
paste artwork shot and cut on 16 mm film.”
Aside from the Dada influence, collage art and the
work of Keith Haring inspired Wrake’s early films.
Wrake loved the power and vibrancy of these
artists: “It just leaps out at you off the wall. That’s
what I like. Things that leap out and kick you in the
teeth.” Following his graduation from RCA, Wrake
landed a gig doing title sequences for a series of
fi lm documentaries produced by Jonathan Ross.
He then made the music promo Cadillac (1991) for
Gang of Four before creating one of his masterworks to date, Jukebox (1994).
Jukebox is a stream- of- consciousness masterpiece littered with wild beats (including bits of
Curtis Mayfield’s Move on Up) and array of looped,
drawn and collage imagery that ranges from the
surreal to pop culture. Watching Jukebox is a bit
like spending the night in a dance club: it’s an upbeat, fractured ride through a world of paranoia,
fear and joy.
One of the most striking images from Jukebox is
the meathead character — who appears in many
of Wrake’s films. “The meathead thing started as
the metaphor for the fear of someone being confronted with a dog, but has become more about
the fact that we’re all just living meat beneath our
labels.”
principale source d’inspiration. « Je faisais des
arts graphiques, mais j’achetais et j’écoutais beaucoup de musique, et l’animation était une façon de
combiner les deux. » L’idée de fusionner musique
et animation lui est venue dans une leçon sur les
fondements de l’animation donnée par un artiste
qui avait fait un vidéo pour le groupe Art of Noise.
« Ç’a été le véritable catalyseur. C’était très “collage” – découpé très nettement en fonction du
rythme – et cette combinaison de sons et d’images
étroitement synchronisés m’a plu énormément, de
sorte que ç’a été le véritable point tournant. »
Au collège Chelsea, Wrake réalise Interest (1997).
Son amour des rythmes et des images qui se
transforment est déjà présent dans cette fête
de plages musicales à cadence rapide. « J’ai
simplement acheté une pile de blocs-notes faits
de rognures chez un imprimeur et j’ai imaginé le
film en le faisant, les couleurs des surligneurs qui
déteignaient à travers le papier faisant office de
boîte à lumière. La piste sonore a été ajoutée par
la suite. »
Après avoir obtenu son diplôme du collège Chelsea, Wrake poursuit ses études au prestigieux Royal College of Art (RCA). Son expérience au RCA
est marquante. « Le collège Chelsea n’avait pour
ainsi dire pas d’équipement. Tous les films que j’y
ai faits ont été tournés et montés avec une caméra
super 8 ou 16 mm. Je les transférais ensuite sur
bande à l’aide d’un télé-ciné, puis j’ajoutais la
musique. Donc, l’événement le plus important
au RCA a été mon initiation à une machine de
synchronisation d’images, ce qui permettait de
planifier le film et sa relation avec une piste sonore
découpée. J’y ai appris comment découper des
sons et comment créer une carte sonore pour
savoir exactement sur quelle image le rythme allait tomber. Ç’a été une vraie révélation pour moi
– qu’on puisse créer des images pour reproduire
parfaitement la musique. »
Le film de sortie de Wrake, Anyway (1990), suit le
même parcours qu’Interest, mais les images sont
plus vivantes. Des cadres d’images surréelles
sautent à l’écran. « Anyway a débuté par la bande
sonore, que j’ai assemblée en utilisant les boutons
“enregistrer” et “pause” d’une enregistreuse Teac
à 4 pistes et ma collection de disques. Encore
une fois, l’animation a été créée sans scénarimage, mais en utilisant le découpage sonore comme
guide. J’ai fait les dessins à la main, je les ai coupés et collés, et le résultat a été filmé et monté sur
un film 16 mm. »
Outre l’influence dadaïste, c’est l’art du collage et
l’œuvre de Keith Haring qui ont inspiré les premiers films de Wrake. Wrake aimait la puissance
et la vitalité de cet artiste : « Ça rebondit sur les
murs et ça vous saute dessus. C’est ce que j’aime.
Des trucs qui sautent de nulle part et vous arrivent
en plein sur la gueule. » Après l’obtention de son
diplôme du RCA, Wrake a décroché un contrat
pour faire les séquences de titre pour une série de
95
The initial idea behind Jukebox came from a W. H.
Auden poem, “As I came out one evening”. After
two years of “blood, sweat and tears,” Wrake got
bored with the project and abandoned it in favour
of a more off - the- cuff approach.
documentaires produits par Jonathan Ross. Il a
ensuite fait la promo musicale Cadillac (1991) pour
le groupe Gang of Four avant de créer ce qui demeure à ce jour un de ses chefs-d’œuvre, Jukebox
(1994).
Jukebox was well received on the festival circuit,
but the most signifi cant viewer was musician
Howie B. “Howie saw Jukebox and we went out
for dinner and hit it off . The appeal was the similarity in the creation of our respective work at the
time namely loops.” The meeting led to a string of
collaborations between the two artists including
Wrake’s next short film, Music For Babies (1996).
Jukebox est un chef-d’œuvre de flux de conscience truffé de rythmes sauvages (dont des
extraits du Move on Up de Curtis Mayfield), et de
toute une panoplie d’images en boucle, dessinées
ou collées, qui vont du surréel à la culture pop.
Regarder Jukebox, c’est un peu comme passer
la nuit dans un club de danse : c’est un voyage
énergisant et fracturé dans un monde de paranoïa,
de peur et de joie.
Commissioned by Howie B and Polydor Records,
Music for Babies follows the visually explosive
Jukebox with a narrative loosely based on the experience of being a new father. Beginning with the
birth of a child and fl owing into a series of images
containing child and parent motifs, the rhythm of
the film is more subdued here than in Jukebox.
Fear and paranoia are replaced by bouts of calmness, restlessness and repetition. Image and music
are so tightly interwoven that it seems impossible
for one to exist without the other.
With a signature style in place, Wrake found
ample work over the next decade. Aside from illustrations and various commercials, Wrake made
videos for Howie B (Butt Meat, Maniac Melody),
Robbie Robertson (Take Your Partner by The
Hand) and Future Sound of London (We Have
Explosive). While Wrake enjoys the creative challenge of working with clients, he admits that the
experience can be creatively frustrating. “In an
ideal world I would have the money to just make
independent films, but alas I need to make a living.
One of Wrake’s most unique jobs was creating
visuals for U2’s PopMart tour in 1997. “It was a
great job, great experience all round. Came about
through Catherine Owens, who was overseeing
the production of visual material for Popmart,
getting reels from RCA and giving me a call. Willie
Williams, show designer, had a fairly clear idea of
which Lichtenstein paintings he wanted animated,
though not how. In some ways creating stuff for
live performance goes right back to my earliest
work in that there are no defi nite sync points, as
the way the song is performed diff ers each time,
so you have the element of chance much more
than in a promo.” U2 was so pleased with Wrake’s
work they brought him back to do visuals during
their Vertigo tour in 2005.
In 2006, Wrake’s animation took a drastic turn
away from freewheeling, abstract imagery towards
work that was more structured and narrative
driven.
You know those Dick and Jane books, eh? They
tell the adventures of two little kids and their dog
Spot (See Spot Run). They live in a carefree and
innocent world. The illustrations, like the text, are
96
Une des images les plus frappantes de Jukebox
est le personnage à la « tête en escalope », qui
apparaît d’ailleurs dans plusieurs films de Wrake.
« Cette histoire de “tête en escalope” a commencé
comme métaphore de la peur d’être confronté à
un chien, mais elle en est venue à représenter le
fait que, derrière nos étiquettes, nous ne sommes
que de la viande vivante. »
L’idée de Jukebox vient d’un poème de W. H.
Auden, « As I came out one evening ». Après deux
ans à suer sang et eau sur ce projet, Wrake en a eu
marre et a passé à une approche plus originale.
Jukebox a été bien reçu dans le réseau des festivals, mais son spectateur le plus important a été
le musicien Howie B. « Howie a vu Jukebox, nous
sommes sortis souper et nous nous sommes entendus comme des larrons en foire. L’attrait a été
la similitude de notre approche dans la création
de nos œuvres respectives à l’époque, à savoir
les boucles. » Cette rencontre a mené à une série
de collaborations entre les deux artistes, dont le
court métrage suivant de Wrake, Music for Babies
(1996).
Commandé par Howie B et la société de disques
Polydor, Music for Babies poursuit l’explosion
visuelle de Jukebox au moyen d’une narration
basée librement sur l’expérience d’être un nouveau papa. S’ouvrant sur la naissance d’un enfant
et enchaînant par une série d’images contenant
des motifs parent-enfant, le rythme du film est
moins trépidant que celui de Jukebox. La peur et
la paranoïa sont remplacées par des périodes de
calme, d’agitation et de répétition. L’image et la
musique y sont si étroitement liées qu’il semble
impossible que l’une existe sans l’autre.
Wrake ayant enfin trouvé son propre style, il eut
beaucoup de boulot au cours de la décennie
suivante. Mises à part les illustrations et certaines
pubs, Wrake a fait des vidéos pour Howie B (Butt
Meat, Maniac Melody), Robbie Robertson (Take
Your Partner by The Hand) et Future Sound of
London (We Have Explosive). Si Wrake aime relever les défis créatifs que pose le travail de commande, il admet que l’expérience peut aussi être
frustrante. « Dans un monde idéal, j’aurais l’argent
clear and simple. I don’t recall reading them as a
kid, but my son Jarvis certainly read them — might
have been the first book he read. Typically (of my
juvenile leftovers anyway), I inevitably began to
think dirty, dark thoughts about these puritanical
little darlings: “See Jane do Dick” and assorted
clever stuff like that.
Across the blue, in England, a chap named Geoffrey Higham was a book illustrator who created
similar books. Wrake, perhaps fuelled by the same
unsavoury imaginings I had about Dick and Jane,
decided to take Higham’s original illustrations and
turn them into a bizarre little film called Rabbit.
From the appearance of the first word, “muff,”
we know we’re in for something different. A Dickand- Jane- type boy and girl kill a rabbit running
in a field. Th ey take the dead animal home, cut it
up, and out pops a mysterious little idol. Seems
that this creepy little freak can change flies into
diamonds, so as they dream of becoming wealthy,
the devilish little duo decide to exploit the situation and entice the idol to create more diamonds.
When their greed goes too far, however, the boy
and girl pay the price for their wicked ways (I
won’t spoil the delicious ending).
The story alone is nothing special, but combined
with Wrake’s clever use of Higham’s original illustrations — complete with accompanying text to
describe every image in the film (just in case you
want to brush up on your reading) — Rabbit becomes a disturbing and sinister atmosphere that
recalls David Lynch’s Blue Velvet.
The roots of the film go back a couple of years:
while setting up a new studio, Wrake stumbled
across some abandoned items at the bottom of a
drawer. “In the early eighties, I found a few dusty
old envelopes containing a selection of fifties educational stickers in a junk shop. They settled themselves at the bottom of a drawer for 20 years, until
I rediscovered them.”
The idea for the film came from this collection of
educational stickers created by Higham. “They
have an innocence about them, partly because
they are for children, but also because they come
from a seemingly more innocent time, and I
thought it would be interesting to present them
as they have perhaps grown up, in an age where
greed is often regarded as a virtue.”
Wrake laid out the hundreds of illustrations in
order to find a potential storyline. He found the inspiration in the “I is for the idol” sticker. “I thought
that it was an odd choice to illustrate the letter
‘i’ for children, it stuck out from the rest. I knew
that I wanted to incorporate some drawn morphs
into the film, and this led to the idea of the idol
having magical powers of transformation. I was a
big fan of the Moomins (books by Tove Jansson)
as a child, and loved the Hobgoblin’s hat, which
changed any object placed in it into something
nécessaire pour ne faire que des films indépendants, mais hélas, je dois gagner ma vie. »
Un des boulots les plus uniques de Wrake a été
de créer des éléments visuels pour la tournée
PopMart de U2 en 1997. « Ç’a été un boulot
formidable, une expérience extraordinaire d’un
bout à l’autre. Cette commande m’est arrivée par
l’intermédiaire de Catherine Owens, qui supervisait
la production de matériel visuel pour le spectacle
PopMart. Elle a obtenu des bobines de RCA et
m’a passé un coup de fil. Willie Williams, le concepteur du spectacle, avait une idée assez claire
quant aux peintures de Lichstentein qu’il voulait
animer, mais il ne savait pas comment faire. D’une
certaine façon, créer des trucs pour un spectacle
en direct remonte à mes toutes premières œuvres,
en ce sens qu’il n’y a pas de points fixes de
synchronisation, parce que l’interprétation d’une
chanson est à chaque fois différente, de sorte que
le facteur chance est beaucoup plus présent que
dans une promo. » Le travail de Wrake a tellement
plu à U2 que le groupe l’a redemandé pour faire
les éléments visuels de leur tournée Vertigo en
2005.
En 2006, l’animation de Wrake a pris un virage
radical, qui l’a éloigné de l’imagerie libre et abstraite et rapproché des œuvres plus structurées
davantage au service d’une narration.
Vous connaissez les livres de Dick et Jane, non ?
Ils racontent les aventures de deux enfants et de
leur chien Spot (See Spot Run). Ils vivent dans un
monde sans souci et naïf. Les illustrations, comme
le texte, sont claires et simples. Je ne me rappelle
pas en avoir lu quand j’étais petit, mais mon fils
Jarvis en a certainement lu – c’est peut-être même
le premier livre qu’il ait lu. Le drôle de type que je
suis devenu (ce qui reste de mes années d’enfance,
en tout cas) a inévitablement commencé à avoir
des pensées impures et sombres à propos de ces
deux petits chéris puritains : « Voyez comment
Jane a pris Dick » et autres pensées tordues du
même genre.
De l’autre côté du Grand Étang, en Angleterre, un
illustrateur de livres du nom de Geoffrey Higham
créait de tels livres. Wrake, peut-être mû par les
mêmes imaginations douteuses que j’ai eues à
propos de Dick et Jane, a décidé de prendre les
illustrations originales de Higham et de les transformer en un petit film bizarre intitulé Rabbit.
Dès que le premier mot, « muff » [manchon.
NdTr], apparaît, nous savons que nous allons assister à quelque chose de différent. Un garçonnet et
une fillette, qui ressemblent à Dick et Jane, tuent
un lapin qui court dans les champs. Ils rapportent
l’animal mort à la maison, ils le débitent, et il en
sort une mystérieuse petite idole. Ce personnage
terrifiant semble pouvoir changer des mouches en
diamants. Comme les deux diablotins rêvent de
devenir riches, ils décident d’exploiter la situation et d’amener l’idole à créer plus de diamants.
97
else, I think this may have been an influence also.”
With the concept in place, Wrake then scanned
the original illustrations into Photoshop and layered them into movable body parts, and animated
in Adobe After Effects CS4.
We love to mock and scorn old educational films
(in the mid- 1990s I stumbled upon a horde of old
16 mm educational films dealing with proper social
etiquette, work behaviour, etc. . . . I screened the
films at a local bar and people loved them in this
ironic, detached way) or innocent creations like
Dick and Jane. Is it because we’ve become a cynical generation that has lost touch with rituals or
just a symptom — whatever the era — of becoming an adult and losing that childhood innocence
and naivety?
“I guess in every age,” says Wrake, “what has gone
before is treated as somehow less important/relevant than the present culture by the majority of
people. Often true, so much culture is intrinsically
linked to the events and mindset of its time. However, the human condition never really changes at
its most fundamental level, which is why the paintings of the Renaissance or the music of Mozart are
as relevant today as they were in their time.
We may think we are more advanced because we
have cars with satellite navigation computers and
endless TV channels, but emotionally we are the
same as ever.”
Wrake, though, was less interested in scorning the
past than in placing them within the realities of
the modern world. “In an age where the slow exhaustion of resources by an ever expanding population is becoming an inevitable reality, the simple
nature of the illustrations and their content, and
the world they represent, don’t seem so foolish.
The effectiveness and uniqueness of Rabbit
stems from the clash between Higham’s righteous
dreamworld and the truth of human nature; we
know that such a virtuous world does not and
cannot exist.
We laugh, but it’s really quite sad.
Rabbit was a massive success on the animation
and festival circuit. Encouraged by the response,
Wrake took another stab at narrative and found
images. Commissioned by Veer to promote their
CSA Images collection of vintage stock art, Wrake
made the quirky sci-fi parody The Control Master
(2008).
Extending the themes of Rabbit, Wrake takes
a variety of innocent- looking art images from
around the 1940s and 1950s and turns them
on their head. Halftone City is an innocent and
peaceful American town, and its inhabitants are
comfortably living the good life of the American
dream. What the citizens of Halftone don’t realize
98
Toutefois, quand leur cupidité les entraîne trop
loin, le garçon et la fille doivent payer le prix de
leur comportement déréglé. (Je ne gâterai pas
votre joie de découvrir la délicieuse conclusion.)
En soi, l’histoire n’a rien de spécial. Mais combinée
à l’usage intelligent, par Wrake, des illustrations
originales de Higham – qui demeurent intactes et
comportent un texte d’accompagnement décrivant chaque image du film (au cas où vous voudriez
dépoussiérer vos habiletés de lecture) – Rabbit
s’imprègne d’une atmosphère perturbante et sinistre qui rappelle le Blue Velvet de David Lynch.
Les racines de ce film remontent à quelques années. Tandis qu’il montait un nouveau studio,
Wrake a découvert des objets abandonnés au fond
d’un tiroir. « Au début des années 1980, dans une
boutique de bric-à-brac, j’avais trouvé de vieilles
enveloppes poussiéreuses qui contenaient une
série de collants éducatifs des années 1950. Elles
étaient restées au fond d’un tiroir pendant 20 ans,
jusqu’à ce que je les redécouvre. »
L’idée du film est venue de cette collection de
collants éducatifs créés par Higham. « Ils étaient
auréolés d’innocence, en partie parce qu’ils étaient
destinés à des enfants, mais aussi parce qu’ils
venaient d’une époque apparemment plus naïve.
J’ai pensé qu’il serait intéressant de les présenter
comme s’ils avaient grandi, à une époque où la cupidité est souvent considérée comme une vertu. »
Wrake a étalé ces centaines d’illustrations pour
trouver une continuité potentielle. Il a trouvé
l’inspiration sur l’étiquette « I is for the idol » [« I
est pour l’idole. » NdTr.]. « J’ai trouvé ce choix
étrange dans une illustration de livre pour enfants;
cela tranchait par rapport au reste. Je savais que
je voulais incorporer des dessins transformés dans
le film, et cela a engendré l’idée d’une idole qui
avait des pouvoirs de transformation magiques.
Enfant, j’aimais beaucoup les Moomins (des livres
par Tove Jansson), et le chapeau du farfadet Hobgoblin, qui transformait tout objet qu’on y plaçait;
je pense que cela a pu aussi être une influence. »
Une fois le concept en place, Wrake a scanné les
illustrations originales dans Photoshop et en a
séparé les calques en parties du corps mobiles, et
animé le tout avec Adobe After Effects CS4.
Nous aimons ridiculiser les vieux films éducatifs
(au milieu des années 1990, je suis tombé sur
un tas de vieux films 16 mm traitant des bonnes
manières, du civisme, du comportement à adopter
au travail, etc. J’ai projeté ces films dans un bar
local, et les gens les ont aimés de cette manière
ironique et détachée), ou encore les créations
naïves comme Dick et Jane. La cause en est-elle
que nous soyons devenus une génération cynique
qui a perdu contact avec les rituels, ou est-ce
seulement le symptôme – peu importe l’époque –
que nous sommes devenus adultes et avons perdu
l’innocence et la naïveté de l’enfance ?
is that Dorothy Gayne, a mild-mannered blonde,
secretly protects the citizens of Halftone from
evildoers. When the evil Doctor Moire gets his
mitts on a powerful new gun and shrinks Dorothy,
what will the people of Halftone do? Who will save
them from Doctor Moire?
While The Control Master is original, engaging and
entertaining, the film lacks the often brilliant, playful absurdity of Wrake’s earlier works. The majority of Wrake’s films demand repeat viewings: each
experience offers a new revelation. This isn’t the
case with The Control Master. Like a good piece
of Hubba Bubba, Control Master is momentarily
sweet and sumptuous, but then the flavour wears
out, the gum is tossed, the moment forgotten. In
November 2011, a moment never to be forgotten.
Wrake begins a series of tests that will hopefully
explain why he is coughing up blood. The agony
and uncertainty of the wait pushes him to find a
distraction through animation. The result is Down
with the Dawn (2012), a film that Wrake must
surely wish he didn’t have to make.
“It was really just a need to do something to try
and distract me from the agonizing uncertainty
that my initial symptoms presented. Cancer was
deemed an unlikely cause. During those three
weeks I was unable to think about anything else,
and despite desperately wanting to believe that
‘it was just an infection’, as doctors and statistics
suggested, it was impossible not to assume the
worst, and I think it was the sheer terror of that
that created a need to do something to distract
me.
Three weeks after first going to the doctor, a biopsy confirmed the worst.
Cancer.
« Je suppose que la plupart des gens d’une
époque traitent ce qui est arrivé avant eux comme
moins important ou moins pertinent que la culture
actuelle. Cela est souvent vrai, puisqu’une grande
partie d’une culture est intrinsèquement liée aux
événements et à la mentalité de son époque. Mais
au niveau le plus fondamental, la condition humaine ne change jamais vraiment : c’est pourquoi
les peintures de la Renaissance ou la musique de
Mozart sont aussi pertinentes aujourd’hui qu’elles
l’étaient de leur temps.
« Nous pourrions nous penser plus évolués parce
que nos voitures ont des ordinateurs de navigation par satellite et que nous pouvons accéder à
un nombre illimité de postes de télé, mais au plan
émotif, nous sommes toujours les mêmes. »
Cependant, Wrake s’est moins intéressé à dénigrer le passé qu’à le replacer dans les réalités
du monde moderne. « À une époque où le lent
épuisement des ressources par une population en
constante croissance devient une réalité inévitable,
il n’est pas si fou de montrer la nature simple de
ces illustrations et de leur contenu ainsi que le
monde qu’elles représentent. »
L’efficacité et l’unicité de Rabbit vient du choc
entre le monde onirique moral de Higham et la véritable nature humaine; nous savons qu’un monde
aussi vertueux n’existe pas et ne peut pas exister.
Nous rions, mais en vérité, c’est triste à pleurer.
Rabbit a fait un malheur dans les réseaux des
films d’animation et dans les festivals. Encouragé,
Wrake a fait un autre essai de narration avec des
images trouvées. Pour s’acquitter d’une commande de Veer qui voulait promouvoir sa collection de vieilles images stockées, « CSA Images »,
Wrake a fait la parodie excentrique de sciencefiction The Control Master (2008).
A horror I was already breathing.
Down with the Dawn read for me like a secret
code for a club that both of us joined against our
will.
A black screen littered with spots of white like a
peaceful starry night. A faint red light interrupts
the serenity of the moment. The light expands
swiftly, a calm night forgotten. The red spot
swiftly grows and expands before transforming
into purple-bluish tone. The menace roams across
horizons until it finally grows into a series of large
red cells. The cells expand more rapidly, eventually
overwhelming the screen, pushing all into darkness.
Accompanied by Howie B’s hypnotic and haunting song of the same name, Down with the Dawn
conveys the terror and uncertainty of the wait and
the random path of cancer, of life, of death.
I wondered if Run was hesitant about sharing such
Allant au-delà des thèmes de Rabbit, Wrake prend
une gamme d’images stockées bien inoffensives
des années 1940 et 1950, et les retourne en leur
contraire. Halftone City est une ville américaine
simple et paisible, et ses habitants vivent bien à
l’aise dans « le rêve américain ». Ce qu’ils ignorent, c’est que Dorothy Gayne, une douce blonde
aux manières délicates, les protège en secret des
esprits malfaisants. Quand le vilain Doctor Moire
met la patte sur un puissant nouveau fusil et rapetisse Dorothy, que vont faire les gens de Halftone ?
Qui les sauvera du vilain Doctor Moire ?
Bien que The Control Master soit original, engageant et divertissant, il lui manque l’absurdité
enjouée et parfois brillante des œuvres antérieures
de Wrake. La majorité des films de Wrake exigent
qu’on les regarde plusieurs fois, car chaque visionnement révèle quelque chose de neuf. Ce n’est
pas le cas pour The Control Master. Comme un
bon morceau de chewing-gum, Control Master est
par moments doux et somptueux, mais quand la
99
a deeply personal and traumatic moment from his
life. “I was actually, yes. To be honest, treatment
took over my life and I didn’t think much about it
all for a while. For me, it had served its purpose
and helped get me through that period of horrible
uncertainty.”
After a successful surgery, Wrake initially planned
to post the film online, but was unsure if something so personal and abstract would resonate
with an audience. He moved forward though when
he considered that almost everyone these days
has been touched by cancer directly or, more
likely, indirectly. “I felt that so long as the synopsis
clarified the film’s genesis, then the resonance
might exist after all.” SPECIAL screenings: CONT’d
saveur s’affadit, on jette le morceau et on oublie la
sensation qu’il a provoquée.
En ce moment, Wrake suit à nouveau un nouveau
parcours. Non seulement est-il récemment devenu père pour la première fois, mais il s’aventure
aussi sur un terrain plus commercial : « Je fais pour
Disney une courte pièce qui tente d’encourager les
enfants d’âge préscolaire à économiser l’eau, ou
plus vraisemblablement, à embêter leurs parents
à ce sujet ! » Avec un peu de chance, les enfants
du monde entier savoureront bientôt une « tête en
escalope » pour la première fois.
In early July 2012, Run emailed me (we’d be in
semi-regular contact casually sharing our cancer
and chemo experiences) to say that the cancer
returned during chemo and is now incurable. He
was surprisingly calm and clear-headed when he
wrote: “I am currently undergoing no treatment,
concentrating instead on living one day at a time,
and making the most of every second. The doctor’s surprise at the return of the cancer proves
that nobody really fully understands the disease,
so as far as the future is concerned...who knows?”
youtubular
By / Par Matt Rosen
A week ago (July 23rd), I got word that I was clear
and clean of cancer – for the moment. I initially
reacted with anger, guilt and bitterness.
Go figure.
100
101
YouTubular
Thursday, September 20, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau)
Friday, September 21, 7:00pm (Empire Theatres
- Rideau)
Jeudi 20 septembre, 13h00 (Théâtre Empire Rideau)
Vendredi, 21 septembre 19h00 (Théâtre Empire Rideau)
Powerthirst 1
Picnicface | 2007 | 1:23
Star Wars: Retold (By Someone
Who Hasn’t Seen It)
Joe Nicolosi | 2009 | 3:43
George Washington
Brad Neeley | 2009 | 2:24
Schfifty-Five
*******Unknown | 2004 | 2:06
Strong Bad Email ‘Dragon’
*******UNKNOWN | 2004 | 3:30
The Disturbing Adventures of Jake
& Stuggy D.
Rich Sibblies | 2006 | 2:53
Powerthirst 2
Dock Ellis & The LSD No-No
James Blagden | 2009 | 4:32
Apollo Gauntlet ‘Bellenus Blade’
Myles Langlois | 2010 | 8:38
New Boots / Hip Hop Dance
********UNKNOWN | 2005 | 2:48
The Professor Brothers ‘History
Lesson (JFK)’
Brad Neeley | 2009 | 2:43
Salad Fingers ‘Friends’
David Firth | 2008 | 4:02
Badgers
Weebl | 2008 | 1:14
Look At Me Now (Literal MS Paint)
**********Unknown | 2011 | 3:27
Powerthirst 3: Powermost
BRODYQUEST
Neil Cicierega | 2010 | 4:02
102
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TALKS / Discussions
Barry Purves’ Tchaikovsky: Frame by Frame/Note by Note /
Le Tchaïkovski de Barry Purves
image par image, note par note
recommended for 14+ / suggÉrÉ pour plus 14
ans et plus
Friday, September 21, 11:00am (Arts Court Theatre)
Vendredi 21 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre)
Master puppet animator, Barry Purves, takes us
through the fascinating origins and development
of his latest film, Tchaikovsky. With the Tchaikovsky puppet at his side, Purves will screen the
entire film before taking us behind the scenes with
a special ‘making of” film. He will discuss the musicality of the film, and how a limited budget -- and
this was limited -- can often reinforce creativity.
Purves will also illuminate the challenges of his
approach to giving a genuine sense of this monumental artist and his music in a mere thirteen
minutes.
L’animateur maître de la marionnette, Barry
Purves, nous pilote à travers les origines et le
développement fascinants de son dernier film,
Tchaikovsky. Avec la marionnette de Tchaïkovski
à ses côtés, Purves projettera tout le film avant
de nous emmener en coulisses avec un « making
of » bien particulier. Il discutera de la musicalité
du film et de la façon dont un budget limité – car
ce budget était limité – peut souvent renforcer la
créativité. Purves donnera aussi des éclairages sur
les défis qu’a posée l’approche qu’il a utilisée pour
faire véritablement connaître cet artiste monumental et sa musique en seulement treize minutes.
104
Hotel Transylvannia
Screening and Q&A/
Projection de Hotel
Transylvannia suivie d’une
période de questions
Suitable for all ages / convient pour tout
public
Jeudi 20 septembre, 18h15 (Cinéma ByTowne)
Welcome to Hotel Transylvania, Dracula’s lavish
five-stake resort, where monsters and their families can live it up, free to be the monsters they are
without humans to bother them. On one special
weekend, Dracula has invited some of his best
friends – Frankenstein and his wife, the Mummy,
the Invisible Man, the Werewolf family, and more
– to celebrate his beloved daughter Mavis’s 118th
birthday. For Drac, catering to all of these legendary monsters is no problem – but everything could
change for the overprotective dad when one
ordinary guy stumbles on the hotel and takes a
shine to Mavis. Director, Genndy Tartakovski will
be hosting a Q&A after the film screening.
Bienvenue à l’Hôtel Transylvania, le luxueux centre
de villégiature cinq-épées où les monstres et leur
famille peuvent vivre la belle vie et laisser libre
cours à leur nature sans humains autour pour les
embêter. Un week-end, Dracula, en bon pèrepoule, invite ses meilleurs amis – dont Frankestein
et son épouse la Momie, l’Homme invisible et la
famille Loup-Garou – à célébrer le 118e anniversaire
de sa fille Mavis. Drac n’éprouve aucun problème à
satisfaire tous ces monstres légendaires – jusqu’à
ce qu’un excursionniste ordinaire arrive à l’hôtel et
s’entiche de Mavis. Le réalisateur Genndy Tartakovski animera une période de questions après la
projection.
105
TALKS / Discussions
TALKS / Discussions
Whoa, What?: Experimental
Influence in the Commercial
Realm
Behind-the-Scenes of
ParaNorman/ Dans les
coulisses de ParaNorman
Ralph Bakshi: One on One/
Entrevue en direct avec Ralph
Bakshi
ans et plus
Sunday, September 23, 10:30am (National Arts
Centre Theatre)
MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT
Dimanche, 23 septembre, 10h30 (Centre National
des Arts)
Saturday, September 22, 12:30pm (National Arts
Centre Theatre)
Jeudi 20 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre)
When a small town comes under siege by zombies, who can it call? “Norman!”
Samedi, 22 septembre, 12h30 (Centre National des
Arts)
Experimental and commercial animation are often
discussed in terms of what sets them apart, but
what do they have in common? Where can the
strengths of one inform and improve parts of
the other? Join guest panelists with feet in both
worlds as they wade into the waters between art
and industry.
From Focus Features and LAIKA, the companies
behind the Academy Award-nominated animated
feature Coraline, comes the comedy thriller ParaNorman. Following Coraline, ParaNorman is the
second stop-motion animated feature to be made
at LAIKA in 3D, unifying the two stunning art
forms to tell an all-new frightfully funny, magically
emotional, and hilariously spooky story. Co-Director Chris Butler shares the creative process behind
the stop-motion animated feature ParaNorman,
from refining cutting-edge technology to creating
a record number of detailed pieces, he shares how
the film takes stop-motion animation to a whole
new level.
A rare opportunity for audiences to listen to this
year’s special guest, the legendary animator
Ralph Bakshi, talk about his life in art. Interviewed
by Morgan Miller (There’s a Dead Crow Outside,
Vacuum Attraction), this very special session will
explore Bakshi’s work from a fine art perspective,
as well as examining the progression of themes
and techniques in his films: generational conflicts;
the uses of garbage and trash as metaphors; and
the prominent use of montage and idiosyncratic,
irreverent, and even subversive juxtapositions.
Following the interview, Bakshi will take questions
from the audience. If there’s one event that you
cannot miss this year, this is it. Quand une petite ville est assiégée par des zombies, qui peut-on appeler ? « Norman ! »
Une rare occasion pour l’auditoire d’entendre
l’invité spécial de cette année, l’animateur légendaire Ralph Bakshi, s’entretenir de sa vie artistique
avec Morgan Miller (There’s a Dead Crow Outside,
Vacuum Attraction). Cette séance très spéciale
étudiera l’œuvre de Bakshi du point de vue des
Beaux-Arts tout en examinant la progression des
thèmes et des techniques dans ses films : les
conflits de génération, l’utilisation des déchets et
ordures comme métaphores et l’usage prééminent
du montage et de juxtapositions idiosyncratiques,
irrévérencieuses et même subversives. Après
l’entrevue, Bakshi répondra aux questions de
l’auditoire. S’il y a un événement à ne pas manquer
cette année, c’est bien celui-ci.
Thursday, September 20, 11:00am (Arts Court
Theatre)
Les films animés de catégories commerciale et
expérimentale sont souvent examinés et comparés
par rapport à ce qui les différencie, mais qu’ont-ils
en commun ? En quoi les forces d’une catégorie
peuvent-elles améliorer et nourrir certaines parties
de l’autre ? Rejoignez des invités avec les pieds
plantés dans les deux mondes, pour discuter des
rapports entre art et industrie.
SpeakerS/ Conférenciers:
Christy Karacas,Michael Langan,
Malcolm Sutherland
Le suspense comique ParaNorman nous vient
de Focus Features et de LAIKA, producteurs de
Coraline, le long-métrage d’animation nominé aux
Academy Awards, ParaNorman est ainsi le 2e film
d’animation image par image réalisé en 3D par
LAIKA, qui a unifié ces deux formes d’art formidables pour raconter une histoire horriblement
drôle, aux émotions magiques, où on se tord de
rire autant que d’effroi. Le coréalisateur Chris Butler a participé à sa création. Du raffinement d’une
technologie de pointe à la création d’un nombre
record d’éléments de détail, il nous dit comment
ParaNorman hisse l’animation image par image à
un niveau inédit.
Speaker/ Conférencier: Chris Butler
This Way Up : The Mastery
of Smith and Foulkes/
l’extraordinaire
maîtrise de Smith et Foulkes
ans et plus
Samedi 22 septembre, 15h00 (Musée des beauxarts)
Britain’s leading animation directors, Alan Smith
and Adam Foulkes, don’t make straightforward
commercials. Having directed as a team for over
a decade, their curriculum vitae includes spots for
some of the world’s most iconic brands, including:
Coke, Comcast, Motorola, Orange, Robinsons, the
Department for Transport and Virgin Atlantic. On
the big screen, they created the animated opening
sequence for Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events for Dreamworks. Their own short
movie This Way Up was nominated for an Oscar at
the 81stAcademy Awards.
Join Smith and Foulkes as they screen a selection
of their work, present case studies of selects films
and take part in a Q&A with the audience.
Les chefs de file britanniques de la réalisation de
films d’animation Smith et Foulkes ne font pas de
pubs ordinaires. Ayant réalisé des films en tandem
depuis plus d’une décennie, leur c.v. comprend
des pubs pour certaines des marques les mieux
connues au monde : Coke, Comcast, Motorola,
Orange, Robinsons, le ministère des Transports de
la G.-B. et Virgin Atlantic. Au grand écran, ils ont
créé pour Dreamworks la séquence d’ouverture de
Lemony Snicket: A Series of Unfortunate Events.
Leur propre court métrage This Way Up a été mis
en nomination pour un Oscar aux 81e Academy
Awards. Les deux remarquables créateurs cinématographiques que sont Alan Smith et Adam
Foulkes seront présents pendant tout le FIAO.
Rejoignez Smith et Foulkes pour une sélection de
leurs oeuvres, études de cas actuels de films sélectionnés et une discussion avec le public.
106
107
TALKS / Discussions
Full Steam Ahead:
The Life and Art of Ward
Kimball/
En avant toute ! :
la vie et l’œuvre de Ward
Kimball
recommended for 14+ /
suggÉrÉ pour plus 14 ans et plus
Vendredi 21 septembre, 21h15 (Cour des Arts - Théâtre)
Samedi 22 septembre, 13h00 (Cour des Arts - Théâtre)
One of Disney’s Nine Old Men and a bona-fide master of
character animation, Ward Kimball (1914-2002) was among
the most iconoclastic artists who worked during the Golden
Age of Hollywood animation. The animator of Jiminy
Cricket, Lucifer the Cat and the Dumbo crows, Kimball was
heralded by some Disney colleagues as the studio’s “artistic
conscience,” vilified by others for being “completely out of
sympathy” with the Disney films, and hailed by Walt Disney
himself as “the one artist who works for me I call a genius.”
What made Kimball’s animation so funny and memorable?
What did Kimball do that made him such a controversial
figure within the Disney studio? What can animators today
learn from his work?
Using never-before-seen artwork and film footage from
Kimball’s archives, author and historian Amid Amidi will explore all of these questions and more in this unique lecture
based on his book “Full Steam Ahead!: The Life and Art of
Ward Kimball” (Chronicle Books, 2012). Un des neuf sages de Disney, mais maître de plein droit de
l’animation de personnages, Ward Kimball (1914-2002) a
compté parmi les artistes les plus iconoclastes de l’Âge d’Or
de l’animation hollywoodienne. Animateur du grillon Jiminy,
du chat Lucifer et des corbeaux de Dumbo, Kimball a été
proclamé la « conscience artistique » du studio par certains
de ses collègues de chez Disney, raillé par d’autres comme
« n’ayant aucune sympathie » pour ses films et salué par
Disney lui-même comme « l’artiste qui travaille pour moi
que j’appelle un génie. » Qu’est-ce qui a rendu l’animation
de Kimball si drôle et si mémorable ? Qu’a fait Kimball pour
susciter tant de controverse au studio Disney? Que peuvent
apprendre de son œuvre les animateurs d’aujourd’hui ?
À l’aide d’œuvres et de pellicules jamais vues tirées des archives de Kimball, l’auteur et historien Amid Amidi étudiera
ces questions et d’autres encore dans sa conférence unique
basée sur son livre, Full Steam Ahead!: The Life and Work of
Ward Kimball (Chronicle Books, 2012).
108
TALKS / Discussions
NFB Hothouse: Stepping Stones/
Le Hothouse de l’ONF: un
tremplin
ans et plus
Spotlight on Pixar’s
Partysaurus Rex and Walt
Disney Animation Studios’
Paperman
The Making-Of Le Tableau /
Le making-of du Tableau
Saturday, September 22, 11:00am (Arts Court Theatre)
Sunday, September 23, 3pm (National Arts Centre
Theatre)
Samedi 22 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre)
Dimanche 23 septembre, 15h00 (Centre National
des Arts)
Throwing a Party! Pixar's "Partysaurus
Rex" followed by a special "Making-of"
Join director Jean-François Laguionie and writer
Anik Leray for an in-depth conversation about
the innovative and beautifully crafted tale of an
unfinished painting whose artist has abandoned
his incomplete creations.
Animation producer Michael Fukushima pulls back
the curtain on the NFB’s flagship emerging filmmaker program, Hothouse, with a panel of Hothouse alumni, including Oscar®-nominated Patrick
Doyon. Co-created by Fukushima in 2002, Hothouse has successfully developed skills, confidence
and professional insight in young animators aspiring to become auteur filmmakers. The alumni—
Doyon, Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm
Sutherland—dissect Hothouse’s gruelling 12-week
schedule and the secrets behind their proposals
shining amongst the multitude, and discuss how
the Hothouse and NFB experiences furthered their
career ambitions, both as filmmakers and in the
marketplace.
Speakers: Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm
Sutherland,
Patrick Doyon, Michael Fukushima
En compagnie d’un groupe d’anciens participants
à Hothouse, le producteur de films d’animation
Michael Fukushima lève le voile sur ce programme
vedette de l’ONF destiné aux cinéastes de la
relève, qu’il a contribué à créer. Hothouse a vu le
jour en 2003, et a permis à de jeunes animateurs
souhaitant faire des films d’auteur de développer
leurs compétences, d’accroître leur confiance et
d’élargir leur perspective sur le plan professionnel.
Les anciens — le finaliste aux Oscars Patrick Doyon,
Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland
— décortiquent l’horaire infernal de 12 semaines du
programme Hothouse, parlent des éléments qui ont
fait ressortir leurs propositions du lot et expliquent
comment l’expérience Hothouse et l’ONF ont aidé à
l’atteinte de leurs aspirations de carrière, tant dans
le milieu du cinéma que sur le marché
In this screening and presentation, animator
Mark Walsh will screen his Pixar directorial debut,
"Partysaurus Rex" and discuss the challenges,
inspirations - and the dancing! - that went into the
making of this new Toy Story Toon.
Pour cette projection et discussion, animateur
Mark Walsh présentera son début comme directeur pour Pixar: “Partysaurus Rex”, pour discuter les défis, les inspirations, et les mouvements de
dance!
Joignez-vous au réalisateur Jean-François Laguionie et à la scénariste Anik Leray pour une conversation en profondeur sur le conte innovateur et
bellement ciselé d'une peinture inachevée par son
peintre.
Behind-the-Scenes of Walt Disney Animation Studios' new short, Paperman/ Les
rouages du nouveau court métrage des
studios d'animation Disney, Paperman
First-time director John Kahrs shares the use of
a groundbreaking new technique that seamlessly
merges computer-generated and hand-drawn animation techniques, taking the art of animation in
a bold new direction with Paperman. Created by a
small, innovative team working in the Walt Disney
Animation Studios, Paperman pushes the animation medium in an exciting new direction.
Le réalisateur John Kahrs, dont c'est le premier
film, nous explique l'utilisation, dans Paperman,
d'une nouvelle technique révolutionnaire qui
fusionne sans heurt les techniques d'animation par ordinateur et du dessin à la main, et qui imprime ainsi à l'art
de l'animation une toute nouvelle direction. Créé par une
petite équipe innovatrice travaillant à Walt Disney Animation Studios, Paperman donne au média de l'animation
une nouvelle orientation passionnante.
Conférenciers: Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland, Patrick Doyon, Michael Fukushima
109
TALKS / Discussions
ACTIVITIES FOR TEENS / ACTIVITÉS POUR LES ADOS
Saturday, September 22, 9:00am to 6:00pm (all
venues)
samedi, le 22 septembre, 9h00 à 18h00 (tous
endrois)
There are a number of activities just for teens at
this year’s Festival(but you might want to check
out all the other stuff too). Unless indicated, mostscreenings are appropriate for teens.
From Scorsese to Nolan:
Creating Visual Effects That
Serve Story / De Scorsese
à Nolan : créer des effets
visuels qui servent le récit
UBISOFT’S SPLINTER CELL
BLACKLIST AND PERFORMANCE
DRIVEN ANIMATION
Saturday, September 22, 10:30pm (National Arts
Centre Theatre)
Sunday, September 23, 12:30pm (National Arts
Centre Theatre)
Samedi 22 septembre, 10h30 (Centre National des
Arts)
Dimanche 23 septembre, 12h30 (Centre National
des Arts)
Founded in September 2010, Ubisoft Toronto is one of
Canada’s most recent game development studios currently hard at work on Tom Clancy’s Splinter Cell Blacklist,
releasing in Spring 2013. The biggest and most ambitious
Splinter Cell game to date, a core element showcased
for the first time in Blacklist is a more filmic pipeline
adapted to create immersive, high-quality cinematics to
support and deliver the deep and rich story of the game.
Director David Footman will guide the audience through
an in-depth view on his approach to interactive storytelling that relies on innovative techniques combined with
state-of-the art facilities at Ubisoft Toronto. He will take
attendees through his approach with a focus on total
trust in actor performance and a return to classical filming tools and sets to create a new level of quality with
Splinter Cell Blacklist.
New Deal Studios was founded in 1995 by visual
effects supervisors Matthew Gratzner and Ian Hunter, and
producer Shannon Gans. Since its creation, the company
has been responsible for creating some of the industry’s
most iconic imagery to date: the tumbler vs garbage
truck battle for The Dark Knight; the mountain hospital
explosion at the end of Inception; the opening aerial drop
in The Dark Knight Rises; the Beverly Hills crash sequence
in The Aviator; the Lighthouse in Shutter Island; and the
historically accurate train crash in Hugo. These images
were also all the created for two of this century’s most
respected and talented directors, Christopher Nolan
(The Dark Knight, Inception, The Dark Knight Rises) and
Martin Scorsese (Shutter Island, The Aviator, Hugo). Join
New Deal Studios supervisors Matthew Gratzner and Ian
Hunter as they talk about creating these and other iconic
effects and what it takes to bring the visions of these
amazing directors to life.
New Deal Studios a été fondé en 1995 par les superviseurs
d’effets spéciaux Matthew Gratzner et Ian Hunter, et la
productrice Shannon Gans. Depuis sa création, la compagnie a eu la charge de créer certaines des imageries les
plus typiques à ce jour : la bataille entre le « Tumbler »
et le camion de rebuts dans The Dark Knight; l’explosion
de l’hôpital de montagne à la fin d’Inception; la descente
aérienne au début de The Dark Knight Rises; la séquence
de l’écrasement à Beverley Hills dans The Aviator; le phare
dans Shutter Island; l’écrasement historiquement exact
du train dans Hugo. Ces images ont aussi été créées
pour deux des réalisateurs les plus respectés et les plus
talentueux du siècle, Christopher Nolan (The Dark Knight,
Inception, The Dark Knight Rises) et Martin Scorsese
(Shutter Island, The Aviator, Hugo). Joignez-vous aux
superviseurs de New Deal Studios Matthew Gratzner et
Ian Hunter tandis qu’ils nous parlent de la création de ces
effets visuels, entre autres, et ce qu’il faut pour donner vie
aux visions de ces réalisateurs extraordinaires.
110
Nous avons créé plusieurs activités juste pour les
ados cette année au Festival (mais vous voudrez
sans doute vérifier aussi les autres activités). À
moins d’avis contraire, toutes les représentations
sont appropriées pour les spectateurs adolescents.
Schedule
9:30 AM
Le Festival est gratuit pour les ados toute la
journée (samedi, 9h00 a 18h00). S’nscrire à
l’avance pour obtenir un laissez-passer GRATUIT
en allant au www.animationfestival.ca ou en appelant au 613.232.8769. Un nombre limité de laissezpasser seront disponibles.
www toonapprentice.ca
oon Apprentice Day for
T
Teens - Sheridan
10:00 AMToon Apprentice Day for
Teens - Algonquin College
10:30 AMToon Apprentice Day for
Teens – BIT
11:00 AM
The Festival is free for teens all day Saturday
(9:00am to 6:00pm). Just pre-register for a FREE
Adobe Toon Apprentice pass by visiting www.
animationfestival.ca or calling 613.232.8769. There
will also be a limited number of passes available
at our Reception in the Arts Court during the
Festival.
ree Screening: Canadian
F
Student Showcase
1:00 PMToon Apprentice Day
VanArts
1:30 PMFree Screening: International Student Showcase
TOON APPRENTICE DAY FOR TEENS
Friday, September 21, 9:30am to 3:00pm
(National Gallery of Canada)
Vendredi le 21 septembre, de 9h30 jusqu'à 15h00
(Musée des beaux- arts)
Pre-register yourself or your group call
613.232.8769 / Faites certain d'enregistrer votre
groupe en avance! SVP appelez 613-232-8769
pour complèter votre réservation.
High School students interested in animation
won’t want to miss this free day-long event. See
some amazing animation from around the world
and catch presentations by animation schools.
Les étudiants au niveau secondaire ne voudront
pas manquer cet événement gratuit qui dure la
journée longue! Venez jetter un coup d’oeil sur de
l’animation extraordinaire venant des quatres coins
du monde en plus des présentations de la part des
écoles d’animation.
Hands-on Teen Workshop
Adobe, the OIAF, One World Arts and Algonquin
College are working together to present a free intensive four day workshop for local Ottawa teens!
Running over the weekends of September 8 -9
and 15-16, this workshop guarantees knowledge
and creativity!
Free the Children will be on hand to discuss issues
that affect the youth of the world today. Using
this information as their inspiration, teens will be
using Adobe software to go through the filmmaking process and create a short animated film.
Pre-registration is required. Please call 613-2328769 to reserve your spot today!
Adobe, le FIAO, One World Arts et le collège Algonquin travaillent ensemble pour vous présentez
un atelier gratuit intensif pour les ados locaux de
la région d'Ottawa! Cet atelier prend place les fins
de semaine, du 8 au 9 septembre et encore une
fois de 15 au 16 septembre. On vous garantie un
éducation de la créativité au long de ces quatre
sessions!
L'organisation Free the Children sera sur place
pour discuter des problèmes qui affectent les
jeunes d'aujourd'hui. En utilisant cette nouvelle
information comme forme d'inspiration, les ados
vont utiliser le logiciel Adobe pour créer un courtmétrage animé!
Inscription à l’avance requise. SVP nous donner
un coup de fil au 613-232-8769 pour sauvegarder
votre place!
FREE! ADOBE TOON APPRENTICE
PASS / GRATUIT! LAISSEZ-PASSER
D’APPRENTI ANIMATEUR ADOBE
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kids' stuff / trucs pour enfants
OTHER EVENTS / AUTRES ÉVÉNEMENTS
Festival lounge : Chez Ani
ANIBOUTIQUE
Arts Court Studio, 2 Daly Ave., 2nd Floor
Arts Court Studio /
Cour des arts - studio
Wednesday September 19th 10:30am – 6:00pm /
mercredi le 19 septembre, de 10h30 jusqu’à 18h00
ACTIVITIES FOR KIDS & FAMILY
KIDS STUFF
Give your family the red carpet treatment and take them
to kid-friendly screenings at a world-class film festival.
Mark the dates on your calendar!
presented by the NFB.
Pre-registration required / Inscription à
l’avance requise (613-232-8769)
TRUCS POUR ENFANTS
Déroulez le tapis rouge pour les membres de votre
famille et emmenez-les voir des projections destinées
aux enfants à un festival de film de classe internationale.
Recherchez-les dans le calendrier!
FREE! ANIMATION CELEBRATION /
GRATUIT! CÉLÉBRATION DE
L'ANIMATION
Thursday, September 20, 9:30am and 11:00am
(National Gallery)
Jeudi, le 20 Septembre, 9:30h et 11h00 (Musée des
beaux-arts)
Pre-register your class or group for this free event happening at the National Gallery on Thursday, September
20. There will a presentation at 9:30am and another at
11:00pm. While you are there - plan a visit for your group
at the Gallery by calling 613-990-4888
Inscrivez d'avance votre classe ou votre groupe à cet
événement gratuit qui aura lieu au Musée des Beaux-Arts
le jeudi 20 septembre. Il y aura une présentation à 9 h 30
et une autre à 11 h. Et puisque vous serez là -- prévoyez
une visite du Musée par votre groupe en composant le
613-990-4898.
Thursday. September 20th 9:00am – 9:30pm /
jeudi le 20 septembre, de 9h00 jusqu’à 21h30
Fri. September 21st – Sat. September 22nd
9:00am–midnight / du vendredi 21 au samedi 22
septembre, de 9h00 jusqu’à minuit
Sun. September 23rd 9:00am – 4:00pm / dimanche 23 septembre, de 9h00 à 16h00
Chez Ani is the place where filmmakers and fans
alike can get together, socialize and do business
– with wireless internet access! Whether stopping
in early for a coffee, grabbing a bite or ending the
night with a quiet drink or two, Chez Ani can be
your go-to place to hang while in Ottawa.
Chez Ani est l’endroit où cinéastes et amateurs
peuvent se rencontrer, tisser des liens et parler affaires – avec un accès Internet sans fil ! Que vous y
passiez tôt le matin pour prendre un café, pendant
la journée pour avaler une bouchée ou en fin de
soirée pour vous relaxer avec un verre ou deux,
Chez Ani peut être votre port d’attache pendant
que vous êtes à Ottawa.
Wednesday to Thursday - 9:00am to 9:00pm
mercredi jusquà jeudi - 9h00 à 21h00
NAC FOYER/ FOYER DU CNA
Friday to Saturday - 9:00am to 9:00p
vendredi et samedi - 9h00 à 21h00
Sunday - 9:00am to 7:00pm
dimanche - 9h00 à 19h00
Looking for the perfect souvenir? Look no further
than the Festival’s own bookstore for t-shirts,
mugs, posters, water bottles and animation related books and DVDs. There’s a little something
for everyone’s budget.
Vous cherchez le souvenir idéal ? Vous trouverez
à la librairie du Festival des t-shirts, des tasses,
des affiches, des bouteilles d’eau, des livres sur
l’animation et des DVD. Il y a un petit quelque
chose pour tous les budgets
Animation Celebration offers Ottawa-area elementary
school children (ages 8–12) an introduction to the art
of animation. The 2012 edition presents Warner Bros.
Animation and Merrie Melodies director and character
designer Jessica Borutski. Borutski will go behind-thescenes of the Looney Tunes character redesign for The
Looney Tunes Show and directing the 2-minute music
videos, Merrie Melodies.
La célébration de l’animation offre aux étudiants au
niveau primaire (âges 8 à 12) une introduction au côté
artistique de l’animation. Pour l’édition 2012, on vous
présente Jessica Borutski, la directrice du court-métrage
Merrie Melodies et la responsable pour reconcevoir les
personnages de Warner Bros. Animation. Borutski vous
amène à l'arrière-scène de la transformation des personages de l'émission des Looney Tunes, et elle va aussi
discuter sa direction du vidéoclip : Merrie Melodies.
Speaker/Animatrice: Jessica Borutski
112
Viewing-on-demand /
Postes de visionnage sur
demande:
This year, OIAF is offering a special small screening venue for any of the 2012 festival’s 2,377
entries. Submissions can be screened on-demand
from 11:00am until 9:00pm Wednesday to Saturday and 11am to 4pm on Sunday during the Festival. The screening room has limited space and is
run on a first-come-first-screened basis.
Cette année, le FIAO offre un petit lieu de projection spécial où on peut voir chacun des plus de 2
377 films inscrits au Festival 2012. Pendant le festival, ces films peuvent être visionnés sur demande
de 11 h à 21 h du mercredi au samedi et de 11 h à
16 h le dimanche. La salle de projection compte
peu de sièges et fonctionne selon le principe du
premier arrivé, premier servi.
113
OTHER EVENTS / AUTRES ÉVÉNEMENTS
FOR PASSHOLDERS ONLY
sheldon cohen book signing
STUDENT PARTY
Friday, September 21, 6:00pm – 7:00pm (NAC –
Foyer)
Vendredi, le 21 septembre, 18h00 – 19h00 (Foyer
- CNA)
Download
our app
Come meet and greet renowned animator and illustrator Sheldon Cohen! He will be signing copies
of his book This Sweater is for You!
animationfest
The Sweater is one of the most beloved animated
films of all time. Based on Roch Carrier’s short
story, also known as “The Hockey Sweater,” the
film is about hockey, the clash of cultures, and a
harkening to bygone times. Now 30 years later,
the animator and illustrator of the story, Sheldon
Cohen, delves into the notebooks, photographs,
and memories to re-create the process he undertook to make The Sweater and his other work.
Un événement qui vous donne la chance de
rencontrer et jaser avec l’animateur et desinateur
Sheldon Cohen! Il sera présent pour dédicacé des
copies de son livre : This Sweater is for You!
The Sweater (Le Chandail) est un des films animés
le mieux-aimés de tous temps. Basé sur l’histoire
courte de Roch Carrier, aussi connue sous le nom
“The Hockey Sweater”, le film a comme sujet le
hockey, l’affrontement des cultures et la compréhension des temps passés. Maintenant, 30 ans
plus tard, l’animateur et dessinateur de l’histoire,
Sheldon Cohen plonge à travers ses anciens cahiers de notes, ses vieilles photos et ses souvenirs
pour réinventer le processus dont il a pris pour
créer Le Chandail et ses autres oeuvres.
114
Sponsored by:
Club Saw
67 Nicholas St (Arts Court Side Entrance)
Friday, September 21st 11:00pm - 2:00am
Come and check out new student films from
Algonquin College, Sheridan, Bachelor of Information Technology and VanArts.
Venez voir les nouveaux films des étudiants
inscrits dans nos écoles partenaires. Recontrez
d’autres étudiants autour d’une bière pas chère!
for an on-the-go schedule,
maps and our You Can't
Unsee This Stuff Cam.
Send your
"You Can't Unsee This Stuff"
reaction shot photo to
[email protected]
If you see it on CBC TV
during the 6pm weather, you
win an Animation Six-Pack.
SALON DES REFUSÉS
Sponsored by:
Club Saw
67 Nicholas St (Arts Court Side Entrance)
Thursday, September 20th 11:00pm - 2:00am
Stick it to the festival at this screening that
celebrates the films that didn’t make it into the
competition or showcase screenings. Remember
to bring your rejection letter and you’ll get a free
drink on LAIKA.
PARTIES
Festival event: Opening Night
Party
Hard Rock Café / www.hardrock.com
73 York Street
Wednesday, September 19st,
11:00pm – 2:00am
Sponsored by / Commandité par:
Hard Rock Café is conveniently located in the
middle of the ByWard Market. Two floors of fun
await TAC and Festival passholders! Have a free
drink and snacks courtesy of one of Ottawa’s leading animation companies.
Le Hard Rock Café est facilement accessible, situé
au centre du Marché By. Deux étages de plaisir
attendent les titulaires de laissez-passer du CAT et
du Festival ! Le premier verre et les amuse-gueules
sont aux frais d’une des principales compagnies
d’animation d’Ottawa.
Hang out all night for cheap drinks.
Envoyez braire le Festival durant cette projection
de films qui ont été refusés à la Compétition et la
Vitrine. Assurez-vous pas d’apporter votre lettre
de refus : LAIKA vous paiera un verre.
Et pourquoi pas y passer toute la soirée ? La boisson n’est pas chère.
115
POUR LES TITULAIRES DE LAISSEZ-PASSER seulement
Professional Development and Recruiting
Festival Event:
Animators’ Picnic
Schedule
Festival event:
Saturday Night Party
Strathcona Park
Corner of Laurier and Charlotte
Friday Sept 21, 11:30am–4:00pm
Ritual Nightclub
137 Besserer Street
Saturday September 22, 11:00pm–2:00am
Enjoy our annual picnic located in Strathcona
Park, Ottawa’s picturesque green spot on the
Rideau River. There will be an assortment of goodies to eat plus the world famous pumpkin carving
contest.Picnic buses will leave the ByTowne Cinema starting at 11:30am and from the Arts Court
building starting at 12:00pm. Please note that the
park is about a 25 minute walk from Arts Court.
See map on back cover.
Profitez de notre pique-nique annuel situé au parc
Strathcona, la pittoresque enclave de verdure
d’Ottawa sur la rivière Rideau. Il y a aura toutes
sortes de bonnes choses à manger, avec en plus le
concours de sculpture de citrouilles de renommée
internationale. Les autobus pour le pique-nique
quitteront le cinéma ByTowne à 11 h 30, puis des
départs de l’édifice de la Cour des Arts seront
assurés à partir de 12 h. Veuillez noter que le parc
est à environ 25 minutes de marche de la Cour des
Arts.
Animators go wild at this insane dance party
held this year at Ritual Nightclub. There’s a quiet
area too for people that just want to chat. Have
free drinks on one of Ottawa’s largest animation
studios.
Les animateurs se lachent à cette soirée de danse
déjantée qui a lieu cette année au Ritual Nightclub.
Il y a aussi une zone tranquille pour les gens qui
veulent seulement jaser. Le premier verre et les
amuse-gueules sont aux frais d’une des principales
compagnies d’animation d’Ottawa..
Saturday, September 22 –
NAC Studio
9:00 am – 10:00 am Coming Soon to a Theatre
Near You
10:45 am – 11:45 pm Industry Etiquette 101
1:00 pm – 2:00 pm Character Design
2:30 pm – 3:30 pm85 Minutes of Hell: Storyboarding for Features
4:00 pm – 5:00 pm Writing Masterclass with
Butch Hartman
Samedi 22 septembre –
Studio du Cna
9:00 – 10:00 Bientôt dans un cinéma près
de chez vous
10:45 – 11:45 Savoir-vivre 101 dans
l'industrie de l'animation
13:00 – 14:00 Conception de personnages
14:30 – 15:30 85 minutes d'enfer : le scénarimage d'un long métrage
créer un long métrage d'animation – les obstacles
à la création, les problèmes de production et la
gloire infinie.
Industry Etiquette 101/Savoir-vivre 101
dans l'industrie de l'animation
Join David Skwarczek and a panel of industry
savvy speakers will share some insight into industry etiquette from breaking the ice with an exec,
to investigating career opportunities. Panelists
will also discuss inopportune moments to avoid. This panel is guaranteed to help get those nervous
butterflies out of your system and help you confidently head into the world of animation … or at
least point you in the right direction.
Joignez-vous à David Skwarczek et à une table
ronde de conférenciers avisés de l'industrie qui
donneront des conseils sur le savoir-vivre dans
l'industrie, depuis la façon de briser la glace avec
un dirigeant jusqu'à la recherche de possibilités de
carrière. Les participants à la table ronde discuteront aussi du choix du bon moment. Cette table
ronde vous aidera sûrement à vous débarrasser
de votre trac et à mettre le cap avec confiance
sur le monde de l'animation c ou au moins à vous
indiquer la voie à suivre.
16:00 – 17:00Classe de maître en rédaction avec Butch Hartman
Festival Event:
Closing Night Party
Arts Court Studio
2 Daly Ave, 2nd Floor
Sunday September 25, 9:00pm–1:00am
Last but not least, the closing party is the perfect
way to end the Festival. Come. Lounge, chat, and
drink at this a super send-off for the 2012 Festival.
Until next year…
La dernière soirée n’est pas des moindres : cette
soirée de clôture est la façon parfaite de finir le
Festival. Paressez, jasez et trinquez à ce superbe
adieu au Festival. À l’année prochaine...
Descriptions and Details/
Descriptions et détails
Coming Soon to a Theatre Near You:
The Stressful Adventures of Boxhead &
Roundhead/ Bientôt dans un cinéma près
de chez vous: les aventures stressantes
de Boxhead et Roundhead
Only a maniac would consider animating a feature film single-handedly. In past several years
that dementia has spread from patient zero (Bill
Plympton) to a growing number of carriers (Chris
Sullivan, Nina Paley, Phil Mulloy, Nick Cross). Elliot
Cowan discusses his near solo effort to create a
feature length animated film - the creative hurdles,
the production problems and the infinite glory.
Seul un maniaque envisagerait d'animer seul un
long métrage. Ces dernières années, cette démence s'est répandue du patient zéro (Bill Plympton) à un nombre croissant de porteurs (Chris
Sullivan, Nina Paley, Phil Mulloy, Nick Cross). Elliot
Cowan discute de son effort presque solitaire pour
116
117
Character Design
Masterclass/ Master Class en
création de personnages – Phil
Rynda
Writing Masterclass with
Butch Hartman/ Classe de
maître en rédaction avec
Butch Hartman
Animarket Trade Show / Foire
Commerciale Animarché
This class will focus on the tools needed to
become a successful Character Designer. The
drawing fundamentals of volume, shape, and gesture will be covered. As well as the concepts of,
appeal, personality, and overall visual communication. The mark of a great character designer is the
ability to "design WITH character".
Creator, animator and executive producer, Butch
Hartman will be sharing his dos and don’ts of animation and comedy writing. Familiar with major
studios, he’ll offer insights into creating a successful pitch and how to get it noticed. Hartman’s
best known for creating The Fairly OddParents,
Danny Phantom and T.U.F.F. Puppy, as well voicing
various characters on Family Guy and taking on
various roles on Johnny Bravo, Powerpuff Girls
and many other successful animated projects.
Phil Rynda is an Emmy Award winning Character
Designer. Most recently he was Production Designer on Disney TV's "Gravity Falls" as well as the
Lead Character Designer for the first 2 seasons of
Cartoon Network's "Adventure Time".
Ce cours sera centré sur les outils nécessaires pour
devenir un brillant (dessinateur/character designer). Les fondamentaux du dessin des volumes,
formes et gestes seront abordés, mais également
les concepts du charme, de la personnalité et, bien
sûr, de la communication visuelle. Ce qui distingue
un grand dessinateur est précisément sa capacité
à dessiner avec personnalité.
Phil Rynda est un dessinateur primé aux Emmy
Awards. Plus récemment il a été (designer de production/chef décorateur) pour la série télévisée
Disney « Gravity Falls », mais également le principal dessinateur des deux premières saisons de la
série « Adventure Time » de Cartoon Network.
Créateur, animateur et directeur exécutif, Butch
Hartman communiquera les choses à faire et à ne
pas faire en animation et en rédaction de comédie.
Connaissant bien les grands studios, il offrira des
conseils sur la création d'un boniment de vente
réussi et la façon de le faire remarquer. Hartman
est mieux connu pour avoir été le créateur de The
Fairly Odd Parents, Danny Phantom et T.U.F.F.
Puppy ainsi que la voix de divers personnages
dans Family Guy, et pour avoir tenu divers rôles
dans Johnny Bravo, Powerpuff Girls et plusieurs
autres projets d'animation à succès.
85 Minutes of Hell:
Storyboarding for
Features/85 minutes d'enfer
: le scénarimage d'un long
métrage
Director of the ‘Cloudy 2: Revenge of the Leftovers’, Kris Pearn, talks about the process of
storyboarding for feature animated films, using
his Head of Story role and experience on ‘Cloudy
With a Chance of Meatballs’ as a case study."
"Directeur du film " Cloudy 2: Revenge of the
:Leftovers", parle de la démarche de créer un
scénarimage pour des longs métrages d'animation
en utilisant "Cloudy with a Chance of Meatballs"
comme exemple. "
118
The OIAF's signature AniMarket is a weekend
tradeshow showcasing the best in animation
technology, production and education. It is an
excellent opportunity to learn more about modern
animation and to see some of the exciting work
being created across the continent... and it is open
to everyone! Information booths will be set-up in
the NAC Theatre lobby from Friday September 21
at 6pm until to Sunday September 23 at 3:30pm.
Experts will be on-hand to meet with the public
and answer any number of questions. Come and
see what the animation world has to offer!
Animators for Hire /
Animateurs à la recherche
d’un emploi
Pre-register at www.animationfestival.ca to meet
with our recruiters in attendance on Saturday,
September 22.
Inscrivez-vous à l’avance sur www.animationfestival.ca afin de pouvoir rencontrer nos recruteurs
présents le samedi 22 septembre.
While you are there, visit our Aniboutique for a
selection of animation books, dvds and Festival
souvenirs.
L'Animarché, une caractéristique du FIAO, est une
foire commerciale qui se déroule pendant le weekend. Il présente ce qu'il y a de mieux en technologie, production et apprentissage de l'animation.
C'est une excellente occasion d'en apprendre
plus sur l'animation moderne et voir certaines des
œuvres enthousiasmantes qui sont créées partout
sur le continent. Qui plus est, l'Animarché est
ouvert à tous! Des kiosques d'information seront
installés à l'entrée de la salle de théâtre au CNA du
vendredi 21 au dimanche 23 septembre. Des experts seront à disposition pour rencontrer le public
et répondre à une foule de questions. Venez voir
ce que le monde de l'animation a à offrir!
Profiter de votre présence à l’Animarché pour faire
un tour dans notre Aniboutique et découvrir sa
sélection de livres sur l’animation, de dvds et de
souvenirs du Festival.
Exhibitors include /
Parmi les participants vous rencontrerez : :
Production Companies / Des sociétés de production:
Nelvana, NFB
Schools / Des écoles:
Sheridan, Algonquin College, Bachelor of Information Technology (BIT), VanArts
Software Technology / Des sociétés de développement:
Celaction, Wacom
119
about the artist and awards
film contacts / CONTACTS DU FILM
108 Phreng Rdog (108 Prayer Beads)
Contact: Han han Li
Montreal, Quebec, Canada
Email: [email protected]
38 - 39 Degrees Celsius
Contact: Kang Min Kim24370 newhall ave
#5, newhall,
CA,91321 USA
Website: www.seulmin.com
OIAF ’12 POSTER
Each year, the Ottawa International Animation Festival
commissions an artist to design our Festival poster. The
Festival grants the artist free reign and encourages the
design of unique and provocative works of art.
Chaque année, le Festival international d’animation
d’Ottawa commande la conception d’une affiche à un
artiste. Le Festival lui laisse toute liberté et encourage la
conception d’œuvres uniques et provocatrices.
Celebrated Japanese animator, Koji Yamamura, designed
the poster for Ottawa 2012. Yamamura’s name will be
familiar to regular festival attendees, as his work has
already been featured in competition at Ottawa, most notably taking home the 2007 Grand Prize for his animated
short A Country Doctor.
Le célèbre animateur japonais Koji Yamamura a conçu
l’affiche du FIAO 2012. Les participants réguliers au Festival auront déjà reconnu son nom, puisque de ses œuvres
ont été projetées dans des compétitions du FIAO, et qu’il
a remporté le Grand Prix 2007 pour son court métrage
d’animation A Country Doctor.
“Drawing a poster for Ottawa12 is a great honour for me,”
said Yamamura. « Dessiner une affiche pour le FIAO 2012 est un grand
honneur pour moi, » dit Yamamura. « Cette image a été
faite à partir d’une esquisse inutilisée de Muybridge’s
Strings. Cette esquisse a servi de base à la création
du personnage Zeno, qui pense à la division infinie du
temps. »
“This image was made from an unused sketch from Muybridge’s Strings. This sketch was the basis for the creation
of the character Zeno, who is thinking about the infinite
split of time”
OIAF ’12 AWARDS
Everyday technology contains such intricate material. There’s beauty to be found in it’s functionality. I take elements from discarded and found objects and reshape it
into metal figures, creatures, and expressions.
My goal in my work is to create something that has
character, motion, and life. Five years ago a commission
for the first set of OIAF Awards introduced me to a world
that has amazed me with it’s creativity. The Awards are
as unique and individual as the animation it celebrates. It
is an honour creating them each year.
Les techonologies quotidiennes contiennent beaucoup
de matériaux complexes. Il y a de la beauté à être trouvé
dans leur fonctionalité. Je prends certains éléments
d’objets abandonnés et trouvés pour ensuite les transformés en figures, creatures et expressions métalliques.
J’ai comme but dans le domaine de mon travail, de créer
quelque chose avec de la personalité, de la motion et de
la vie. Il y a cinq ans passes, j’ai pour la première série
des prix commissionés pour le FIAO, stupéfié avec ça
créativité. Les prix sont aussi unique que les films animés
qui se font
OIAF 12 Signal Film by En Masse and See Creature
During the 2011 OIAF, Montreal-based art initiative EN
MASSE and friends created a 6’ by 16’ mural during
the festival weekend, while SEE CREATURE Animation
documented and animated the creation. Since then,
See Creature has taken all that footage, added to it and
created the 2012 festival signal film with an “A capella”
soundtrack completed by Bryant Vance. En Masse contributing artists: Rupert Bottenberg, Fred Casia, Dave
Cooper, Dale Hayward, Pascal Rodrigue, Carlos Santos,
Malcolm Sutherland, and Jason Wasserman. Stop motion:
Igor Boudnikov, Isaac King, and Sylvie Trouvé. Film direction and after effects: Dale Hayward & Sylvie Trouvé. 2D
animation: Igor Boudnikov, Raoul Olou.
120
Lors du festival FIAO de 2011, l’initiative montréalaise
d’art EN MASSE et leurs amis ont crée une murale de 6’ x
16’ alors que SEE CREATURE documentait et animait ce
tableau. À partir de cette documentation, See Creature
a retravaillé les images et a ajouté une trame sonore “ `a
capella” par Bryant Vance, afin de créer la bande-annonce
pour l’édition du festival 2012. Les artistes de En Masse
qui ont contribué : Rupert Bottenberg, Fred Casia, Dave
Cooper, Dale Hayward, Pascal Rodrigue, Carlos Santos,
Malcolm Sutherland and Jason Wasserman. Stop motion
: Igor Boudnikov, Isaac King et Sylvie Trouvé. Direction et
After Effects : Dale Hayward et Sylvie Trouvé. Animation
2D : Igor Boudnikov, Raoul Olou.
A Morning Stroll
Contact: KAYE LAVENDER
STUDIO AKA
30 BERWICK STREET, LONDON, W1F 8RH
UK
A Tea Time Conversation
Contact: Frédérick Letendre-Cyr
2755 dezery, app1, Montreal,
Quebec,h1w 2s6 Canada
Website: www.weveallbeenthere.com
Arrugas
Contact: Gladys
6 sales
C/ Real Baja #18 Piso IC, Madrid, 28220
Spain
Phone: +34 911 723 734
Website: www.6sales.es
ArtCircles ‘Van Gogh to Rothko in 30
Seconds’
Contact: Michael Langan
c/o Elizabeth Forsyth 1419 Madrona Dr.,
Seattle,
WA, 98122 USA
Website: http://langanfilms.com
Au Coeur de L’hiver
Contact: Isabelle Favez
Swiss Effects
Thurgauerstrasse 40, Zürich, 8050 Switzerland
Phone: +41 79 206 33 20
ABSOLUT Vodka ‘Blue Ice’
Contact: Takeshi Imae
CaRTe bLaNChe, Paris, France
Website: http://c-a-r-t-e-blanche.com/
Babeldom
Contact: Paul Bush
Ancient Mariner
3 Inglis St, London, SE5 9QT UK
Website: www.paulbushfilms.com
Adventure Time ‘Jake vs. Me-Mow’
Contact: Brooke Keesling
Cartoon Network
300 N. Third Street, Burbank, California,
91502 USA
Phone: 818-729-4370
Baboon
Contact: Einar Baldvin
Los Angeles, California, USA
Website: https://vimeo.com/einarbaldvin/
videos
Amaqqut Nunaat (The Country of Wolves)
Contact: Laura Legge
Inhabit Media Inc.
146A Orchard View Blvd., Toronto, ON, M4R
1C3 Canada
Phone: 647-344-3540
Amigo do Peito (My Best Friend)
Contact: Liliana Costa
AGÊNCIA - Portuguese Short Film Agency
Auditorio Municipal, Pr da Republica, Vila
do Conde, 4480-715 Portugal
Phone: 00351252646683
Animated Self-Portraits
Contact: Madi Piller
Pix Film Productions
140 Three Valleys Dr., Toronto, ON, M3A
389 Canada
Phone: 416-996-2610
Website: www.awn.com/tais
Animation Hotline
Contact: Dustin Grella
Dusty Studio
PO Box 130096, New York,
NY, 10013 USA
Phone: 917-331-4558
Fax: 212-431-8826
Website: www.dustystudio.org
Apple
Contact: Lacyn Clarke
Picasso Pictures
9-11 Broadwick Street, London, W1F 0DB
UK
Phone: 02074379888
Website: www.picassopictures.com
Ballpit
Contact: Kyle Mowat
589 Talbot St., 21, London, ON, N6A 2T2
Canada
Beethoven’s Wig
Contact: Jonas Diamond
Smiley Guy Studios
444 Bathurst St., Studio 2, Toronto,
ON, M5T 2S6 Canada
Phone: 416.979.8800 x221
Fax: 416.979.2227
Website: http://www.smileyguy.com
Big Mouth
Contact: Élise Labbé
National Film Board of Canada
3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent,
QC, H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
Website: www.nfb.ca/animation
Bigshot
Contact: Maurice Huvelin
5, rue Manufacture, Orléans, 45000 France
Phone: 33611862193
Boo Yang Man Floater
Contact: Hyeseung Yoo
KIAFA [Ani SEED]
2F 282-6 Ahyeon-Dong, Mapo-Gu, Seoul,
121-859 South Korea
Phone: +82-2-313-1030
Fax: +82-2-313-1039
Website: http://www.kiafa.org
Borerline (Borderline)
Contact: Gerd Gockell
Gerd Gockell Filmproduction
Pelikanstr. 8, Luzern, 6004 Switzerland
Phone: +41-77-486 86 16
Website: www.anigraf.org
Boy
Contact: Steven Subotnick
228 Gano St., Providence, RI, 02906 USA
Phone: 401.421.8984 home
Burrow
Contact: Federico Gutiérrez
1924 Barclay Street, 1004, Vancouver,
BC,V6G 1L3 Canada
Phone: 6044407385
Website: http://federico-gutierrez.com
C’est La Vie: The Chris J. Melnychuk Story
Contact: Karilynn Thompson
Quickdraw Animation Society
351 11 Ave SW, #201, Calgary, Alberta, T2R
0C7 Canada
Phone: 403-261-5767
Fax: 403-261-5644
Website: www.quickdrawanimation.ca
Caleb’s Woods
Contact: Joshua Durst
Providence, Rhode Island, USA
Car Crash Opera
Contact: Skip Battaglia
Rochester Institute of Technology
105 Meredith Avenue, Rochester, NY,14618
USA
Phone: 585.244.9350
Fax: 585.475.7575
Website: http://www.rit.edu/~cfbpph/
Cee Cee’s Bedtime Stories
Contact: Noelle Melody
Twins Are Weird
32-84 37th Street, Astoria, NY, 11103 USA
Website: http://www.twinsareweird.com
Cheap Joke
Contact: Ian Miller
164 Madison Street, Brooklyn, NY 11216,
USA
Chocolate Bacon
Contact: Asavari Kumar
California Institute of the Arts, 24700
McBean parkway, Valencia,
CA, 91355 USA
Website: www.cargocollective.com/sugarcoated, www.sugarcoated.in
Choros
Contact: Michael Langan
c/o Elizabeth Forsyth 1419 Madrona Dr.,
Seattle, WA, 98122 USA
Website: http://langanfilms.com
Coca-Cola ‘Spirit of the Euro’
Contact: Holly Petersen
Bent Image Lab
2729 SE Division St., Portland, Oregon,
97202 USA
Phone: 503-228-6206
Website: www.bentimagelab.com
121
Coffee Nerves New York
Contact: Gary Leib
Twinkle
64 Grand St #4, New York,
NY, 10013 USA
Phone: 917 446 6762
Website: www.twinkleland.com
Coins
Contact: Sharron Mirsky
5223 Rue Saint-Urbain, Montreal,
Quebec, H2T 2W8 Canada
Consuming Spirits
Contact: Chris Sullivan
School of the Art Institute of Chicago
112 so michigan , fvnma department ,
Chicago ill ,
ill, 60603 USA
Phone: 312 345 3802
Website: https://vimeo.com/16781367
Cor
Contact: Ana Linnea Lidegran Correia
Porto, Portugal
Crazy For It
Contact: Yutaro Kubo
Atugi, Japan
Demoni
Contact: Theodore Ushev
Mtd:films 5685 Gatineau, 10, Montreal,
QC,H3T 1X6 Canada
Phone: (514) 737-4779
Website: www.ushev.com
DoronCoron
Contact: Kazuyuki Kondo
Television Kanagawa Inc.
2-23 Otamachi, Naka Ward, Yokohama,
Kanagawa,231-8001 Japan
Phone: +81-45-651-1713
Fax: +81-45-662-7899
Down With the Dawn
Contact: Run Wrake
Sclah Films
Hornbrook cottage, Appledore Road,
Woodchurch,
Kent,tn26 3tj UK
Phone: +44(0) 1233 860 842
Website: www.runwrake.com
Dreams
CaRTe bLaNChe
Paris, France
Eat the Danger
Contact: Paul Ruttledge
Ballina, Co. Mayo, Ireland
Ecofaubourgs
Contact: Virginie Giachino
Doncvoil√† productions
6 passage de la fonderie, Paris, 75011
France
Phone: +33952621331
Fax: +33957621331
122
El Delirio del Pez León (Lionfish Delusion)
Contact: Quique Rivera
San Juan, Puerto Rico
Fat
Contact: Annabel Sebag
Premium Films
130 rue de Turenne, PARIS,75003 France
Phone: 0033 1 42 77 06 39
Website: www.premium-films.com
Feral
Contact: Daniel Sousa
172 Glenwood Avenue, floor 2, Pawtucket,
RI,02860 USA
Phone: 401-569-7052
Website: http://www.danielsousa.com
Fresh Guacamole
Contact: Sarah Phelps
PES Productions
Santa Monica, CA, USA
Phone: 917-589-2539
Website: http://www.eatPES.com
From Dad To Son
Contact: Nils Knoblich
Motzstrasse 2c, Kassel, 34117 Germany
Website: www.nilsknoblich.com
From Point A to Point Z
Contact: Karl Staven
University of the Arts
320 S. Broad Street, Terra Building 1501B ,
Philadelphia,
PA,19102 USA
Phone: 215.717.6552
Galim susitikti, galim nesusitikti (We May
Meet, We May Not)
Contact: Skirmanta Jakaite
polocko 45-4, Vilnius, Lithuania, 01205
Lithuania
Phone: 37068296568
Geidai Animation Showreel (Geidai Animation Showreel )
Contact: Hiromitsu Murakami
Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan
do-ri, Naka-ku, Yokohama,
Kanagawa,231-0002 Japan
Phone: +81 45 227 6041
Fax: +81 45 227 6042
Website: http://www.geidai.ac.jp/
Grand Prix
Contact: Marc Riba
I+G Stop Motion
C/ Sant Cristòfol 13 Baixos, Barcelona,
08012 Spain
Phone: +34932389234
Fax: +34932389234
Gum
Contact: Chris Somerville
Sheridan College
1430 Trafalgar Road, Oakville, ON, L6H 2L1
Canada
Phone: 905-845-9430
Email: christopher.somerville1@sheridanc.
on.ca
Herr Hoppe und der Atommüll (Herr
Hoppe and the Nuclear Waste)
Contact: Vera Angstenberger
Filmakademie Baden-Württemberg, Institut
für Animation, Visual Effects und Digitale
Postproduktion
Akademiehof 10, Ludwigsburg, 71638
Germany
Phone: +49 - 7141 - 969856
Fax: +49 - 7141 - 969888
Email: Vera.Angstenberger@filmakademie.
de
Website: www.filmakademie.de, www.
animationsinstitut.de
Hogan
Contact: Peter Millard
Royal College of Art (Student)
Flat B, 5 Bushey Hill Road, London, SE5
8QF UK
Phone: +44 07984849252
Website: www.vimeo.com/petermillard
Hothouse 7 ‘Sick’
3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC,
H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
I Am Tom Moody
Contact: Ainslie Henderson
ECA
9 flat 8, Macdowal Road, Edinburgh,
Edinburgh, EH9 3ED UK
Phone: 07973867681
Website: ainsliehenderson.com
I Saw Mice Burying a Cat
Contact: Gavin Liu
Changchun, China
If You’re Pushed Hard Enough
Contact: Sean Solomon
25762 Olivas Park, Valencia, CA, USA
Website: www.seanmichaelsolomon.com
Ignatus ‘Le Soleil Chante’ (Ignatus ‘The
Sun Sings’)
Contact: Jerome Rousseaux
Ignatub
13, rue du docteur Potain, Paris, 75019
France
Phone: 331 42 03 20 97
Website: www.ignatub.com
In All Forms
Contact: James Hebers
1250 Burnaby Street, 506, Vancouver,
Britsh Columbia,V6E 1P6 Canada
Phone: 778-837-3222
Website: jameshebers.com
In Dreams
Contact: Samuel Blain
Avalon, Ghyll Road, Scotby, Carlisle, Cumbria, CA4 8BT UK
Phone: 07512015018
Website: samuelblain.com
International Father’s Day
Contact: Sabine Andersone
Atom Art
Terbatas 49/51 - 12, Riga, LV1011 Latvia
Phone: 00 371 67612709
Website: www.atomart.lv
It’s Such a Beautiful Day
Contact: Don Hertzfeldt
Bitter Films
PO BOX 66271, Austin,
TX, 78766 USA
Phone: 512 323 2330
Website: www.bitterfilms.com
Jamie’s Dream School
Contact: Cecile Barou
Passion Pictures
33-34, Rathbone Place, London, W1T1JN
UK
Website: www.passion-pictures.com
Junkyard
Contact: Chris Mouw
il Luster Productions
Schoutenstraat 4 bis, Utrecht, 3512 GB
Netherlands
Phone: 31 30 24 00 768
Fax: 31 84 7292826
Website: http://www.illuster.nl
Justin Time 2 ‘The Thirsty Garden’
Contact: Mary Bredin
Guru Studio
110 Spadina Ave , Suite 500, Toronto,
Ontario, M5V 2K4 Canada
Phone: 416-599-4878
Fax: 416-628-6926
Kali the Little Vampire
H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
Kara no tamago (A Wind Egg)
Contact: Hiromitsu Murakami
Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan
do-ri, Naka-ku, Yokohama,
Kanagawa, 231-0002 Japan
Phone: +81 45 227 6041
Fax: +81 45 227 6042
Website: http://www.geidai.ac.jp/
Kinder Chocolate ‘Inventions’
Passion Pictures
UK
Kith
Contact: Marika Cowan
Koodo ‘Skydive’
Bent Image Lab
2729 SE Division St., Portland, Oregon,97202 USA
Phone: 503-228-6206
La Detente
Contact: Amandine Boué
Autour De Minuit Productions
21 rue Henri Monnier, Paris, 75009 France
Phone: +(33) 14.281.1728
Fax: +(33) 14.281.1729
Website: http://blog.autourdeminuit.com
La Noria (The Waterwheel)
Contact: Karla Castañeda
Callejon del quijote, Guadalajara, JAL, 45110
Mexico
La Soif du Monde (Thristy Frog)
Contact: Dimitri Kimplaire
Camera-etc Rue de Visé, 490, Liège-Wandre, Liège, B-4020 Belgium
Phone: +32 4 253 59 97
Fax: +32 4 252 56 31
Website: www.camera-etc.be
Lay Bare
Contact: Paul Bush
Ancient Mariner
3 Inglis St, London, SE5 9QT UK
Website: www.paulbushfilms.com
Le grand ailleurs et le petit ici (Here and
the Great Elsewhere)
H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
Le Tableau
Contact: Armand Lafond
Axia Films Inc.
5941, 102, Montreal, Quebec, H2G 2R6
Canada
Phone: 514-884-5447
Website: www.axiafilms.com
Le Viande + L’Amour
Contact: Mirja Hildbrand
Swedish Film Institute
Website: www.sfi.se
Like This
Contact: David Martineau-Lachance
3679 ave. Mont-Royal Est, Montréal, Québec, H1X 3H3 Canada
MacPherson
H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
Melissa
Contact: Analia Tahara
Coala Filmes
Avenida Atlantica, 982, SANTO ANDRE,
SAN PAOLO, 09060 001 Brazil
Phone: 55 11 44262182
Fax: 55 11 44262182
Website: www.coalafilmes.com.br
Michel
Contact: JEREMY MOURLAM
FOLIMAGE STUDIO
La Cartoucherie-Rue de Chony, BOURGLES-VALENCE, 26500 France
Phone: +330475784868
Fax: +330475430692
Website: www.folimage.com
Modern No.2
CaRTe bLaNChe, Paris, France
Moones ‘Better Energy’
Contact: Greg Halama
Hornet Inc
116 W Houston Street, 4th Floor, New York,
NY,10012 USA
Phone: 917.351.0520 x14
Mopeys
Contact: Miang Tassniyom
1238 Burrard st., 503, Vancouver,V6Z 3E1
Canada
My Face in Space
Contact: FESTIVALS DEPARTMENT
SCHOOL
BEACONSFIELD STUDIOS, STATION ROAD,
BEACONSFIELD, HP9 1LG UK
Phone: +44.1494.731452
My Little Underground
3155 Cote de Liesse,Saint-Laurent, QC, H4N
2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
My Strange Grandfather
Contact: Dina Velikovskaya
Russian State University of Cinematography n.a. S.A.Gerasimov (VGIK)
6/1, Dirizhabelnaya st., 58, Dolgoprudny,
Moscow region,141700 Russia
My Super8
Contact: Rino Stefano Tagliafierro
Rino Stefano Tagliafierro
via Decembrio 19/a, Milan, Italy, 20137 Italy
Phone: +39 349 5783345
Website: http://www.rinostefanotagliafierro.com
National Film and Television School
Showreel
SCHOOL
Phone: +44.1494.731452
Nectar
Contact: Pascal Laquerre
Mel Hoppenheim School of Cinema
4234 Iberville, Montreal, Québec, H2H 2I6
Canada
Phone: 514 623-4339
Website: https://vimeo.com/user2760951
123
New Everyday
Contact: Africanus Okokon
Rhode Island School of Design
2 College St. Box #1298, Providence, Rhode
Island, 02903-2717 USA
Night of the Loving Dead
SCHOOL
Phone: +44.1494.731452
Nurek (The Diver)
Contact: Agata Gorzadek
Siewierska 11/11, Warsaw, 02-360 Poland
Old Man
Contact: Leah Shore
Leah Shore
471a 5th ave, 1, brooklyn , ny,11215 USA
Phone: 2156352927
Website: www.leahshore.com
Organopolis
21 rue Henri Monnier, Paris, 75009 France
Phone: +(33) 14.281.1728
Fax: +(33) 14.281.1729
Paper Man 2
Contact: David Borish
137 Howick Street, Ottawa, Ontario, K1M
0G9 Canada
Phone: 613 240 8374
Website: www.wix.com/davidbb99/davidborish
Paperman
Contact: Michael Gortz
Burbank, USA
Paula
H4N 2N4 Canada
Phone: 514.283.9133
Fax: 514.496.6389
Peacemaker Mac - The Island of Dispute
Contact: Department of Screen Based Arts
Bezalel Academy of Arts & Design
Bezalel Academy of Arts & Design
Mount Scopus campus P.O. Box 24046,
Jerusalem, 91240 Israel
Phone: 972 2 5893340
Fax: 972 2 5893335
Website: www.bezalel.ac.il
Persol ‘A Year of Sun’
Passion Pictures
UK
124
Petits Joueurs (Small Gamers)
Contact: Charlotte de la Gournerie
Vivement Lundi !
11. Rue Denis Papin, Rennes, 35000 France
Phone: 33 0 2 99 65 00 74
Fax: 33 0 2 99 65 03 74
Website: www.vivement-lundi.com
Plume
Contact: Wendy Griffiths
DARK PRINCE
5 passage Piver, PARIS, 75011 France
Phone: +33 613 04 62 80
Website: http://darkprince.fr
Portlandia ‘Zero Rats’
Bent Image Lab
2729 SE Division St., Portland, Oregon,
97202 USA
Phone: 503-228-6206
Primus ‘Lee Van Cleef’
Contact: Chris Smith
Chris Lenox Smith LLC
112 Greenpoint Avenue Suite 1B, Brooklyn,
NY,11222 USA
Phone: 347-248-1402
Website: www.chrislenoxsmith.com
Pythagasaurus
Contact: Anna Harding
Aardman Animations Ltd.
Gas Ferry Road, Bristol, BS1 6UN UK
Phone: +44 (0)117 984 8485
Website: www.aardman.com
Red Bull ‘Music Academy World Tour’
Passion Pictures
UK
Regular Show ‘Eggscellent’
Cartoon Network
91502 USA
Phone: 818-729-4370
Reizwäsche (Reizwaesche)
Contact: Vera Angstenberger
Filmakademie Baden-Württemberg, Institut
für Animation, Visual Effects und Digitale
Postproduktion
Akademiehof 10, Ludwigsburg, 71638
Germany
Phone: +49 - 7141 - 969856
Fax: +49 - 7141 - 969888
Email: Vera.Angstenberger@filmakademie.
de
Website: www.filmakademie.de, www.
animationsinstitut.de
Rivière au Tonnerre (Thunder River)
Contact: Videographe Vitheque
Vidéographe inc.
4550 Rue Garnier, Montréal, Québec, H2J
3S7 Canada
Phone: 1-514-521-2116 p225
Fax: 1-514-521-1676
Website: www.videographe.qc.ca
Roots of the Hidden
Contact: Anne Terkelsen
The Arts University College at Bournemouth
Wallisdown , Poole, Dorset, BH12 5HH UK
Phone: 4401202363731
Supinfocom Showreel
Contact: Annabel Sebag
Premium Films
130 rue de Turenne, PARIS, 75003 France
Phone: 0033 1 42 77 06 39
Website: www.premium-films.com
Rossignols en Décembre (Nightingales in
December)
Contact: Theodore Ushev
Mtd:films
5685 Gatineau, 10, Montreal, QC,H3T 1X6
Canada
Phone: (514) 737-4779
Website: www.ushev.com
Suur Maja (Big House)
Contact: Kristjan Holm
Karabana
Heina 21a-9, Tallinn, 10319 Estonia
Phone: +3725535365
Website: www.karabana.com
Sea Suburb
Contact: Eleonore Goldberg
405, 1ere Avenue, Verdun, Quebec, H4G
2V6 Canada
Septembre (September)
Contact: Thibault Chollet
23 rue de l’Eglise, Antony, 92160 France
Sewing Woman
Contact: Rose Chang
INDIESTORY Inc.
4Fl. BaekAk Bldg 135-4, TongIn-dong,
Jongno-gu, Seoul, 110-043 South Korea
Phone: +(82) 2.722.6051
Fax: +(82) 2.722.6055
Website: http://www.indiestory.com
Snore Train
Contact: Kamil Chajder
14-5982 Av du Parc, Montreal, QC, H2V 4H3
Canada
Phone: 5142097842
Somnium
Contact: Noah Wohl
Handmade
5657 Bannantyne, Verdun, Quebec, H4H
1G8 Canada
Phone: 5148035212
Stick Up For Your Friends
Contact: Anthony Dusko
315 Winding Way, Womelsdorf,
Pennsylvania, 19567 USA
Sumo
Contact: Mikhal Bak
60 rue du 19 Mars 1962, Champigny-surMarne, 94500 France
Phone: (+33) 979 34 99 02
Website: http://www.studio-wasia.com/
promofilms/menu.html
Sunny Afternoon
Contact: Thomas Renoldner
Hauptstrasse 59/2/6, Vienna, 1140 Austria
Phone: 0043-699-12727561
Superjail! ‘Stingstress’
Contact: Christine Pastorino
Titmouse, Inc.
129 W. 27th Street, 8th Floor, New York,
NY,10001 USA
Phone: 646-666-3350
Website: www.titmouse.net
Swift
Contact: Kristen Campbell
Vancouver, BC, Canada
Sympathy For the Fish
Contact: Richard O’Connor
Ace & Son Moving Picture Co. LLC
134 W. 26th Street, 603, New York,
NY,10001 USA
Phone: (212) 255-8880
Website: www.aceandson.com
The Goat Herder and His Lots and Lots
and Lots of Goats
Contact: Will Rose
Astley Baker Davies
Flat 3 111 Hopton Road, London, Sw162el
UK
Phone: 07967811337
The Great Rabbit
Contact: Camille Condemi
Sacrebleu Productions
10 bis rue Bisson , Paris, 75020 France
Phone: +33 1 42 25 30 27
The Meek the Mad and the Misinformed
Contact: Suraj Singh
Kool Koala Productions
29 Lavery trail, Toronto, Canada
The Monster of Nix
21 rue Henri Monnier, Paris,75009 France
Phone: +(33) 14.281.1728
Fax: +(33) 14.281.1729
Tengri
Contact: Alisi Telengut
Concordia University, Mel Hoppenheim
School of Cinema
1455 De Maisonneuve Blvd. West, Montreal,
Quebec,H3G 1M8 Canada
Website: http://vimeo.com/user3561872
The People Who Never Stop
Contact: Florian Piento
Digital Garden Inc.
Meguro Tairamachi Hinomaruryou 1-26-6,
Room 101 , Tokyo, 152-0032 Japan
Website: www.florianpiento.com
Thank You
Cartoon Network
91502 USA
Phone: 818-729-4370
The Pub
Contact: Joseph Pierce
59 Productions
Unit 101, 37 Cremer Street, London, E2
8HD UK
Website: www.josephpierce.co.uk
The Banker
Contact: Phil Mulloy
Spectre Films
Waterside, Wheatleys Eyot, Lower Sunbury,
Middlesex,TW16 6DA UK
Phone: 01932766149
Website: http://www.philmulloy.com
TINAMV1
Contact: Adnan Popovic
Fendigasse 30/8, Vienna,1050 Austria
The Bean
Contact: Hae Jin Jung
Bucheon, South Korea
The Daisy
Contact: Agathe Bray-Bourret
1283 rue Bernard O., #3, Montreal,
Quebec,H3T-1R9 Canada
Phone: 514.561.6330
Website: http://agathebb.wordpress.com/,
or : http://vimeo.com/user3589833
The First Time I Ran Away
Contact: Joel Trussell
17516 Lemay St, Los Angeles, CA, 91406
USA
Phone: 818.536.8788
Website: http://www.joeltrussell.com
The Fox and the Chickadee
Contact: Evan DeRushie
243A Dovercourt Road, Toronto, ON, M6J
3C9 Canada
Website: www.evanderushie.com
Tšikid Teel (Chicks on the Highway)
Contact: Helen Unt
Tallinn, Estonia
Una Furtiva Lagrima
Contact: Carlo Vogele
1260 Masonic Ave, #2, San Francisco, CA,
94117 USA
Phone: 001 5109225160
Vernal Equinox
Contact: Haiwei Hou
1300 Marlborough Crt., Unit 521, Oakville,
ON, L6H 2S2 Canada
Website: http://haiweihou.blogspot.com
Viewpoint
Contact: Hyeseung Yoo
KIAFA [Ani SEED]
2F 282-6 Ahyeon-Dong, Mapo-Gu, Seoul,
121-859 South Korea
Phone: +82-2-313-1030
Fax: +82-2-313-1039
Website: http://www.kiafa.org
Why Do We Put Up With Them?
Contact: David Chai
San Jose State University
1260 Salvatore Drive, San Jose, California,
95120 USA
Phone: 408-813-8919
Fax: 408-323-1492
Website: www.thunderbeananimation.com
World Wildlife Fund ‘100% Renewable
Energy’
Contact: Amica Kubo
Japan
5-2-16 Takaha, Iida, Nagano, 395-0051
Japan
Fax: +81 265 53 9055
Website: http://lovesamical.com/
Title Sequence for the Shape of Rex
Contact: John Halfpenny
Chuck Gammage Animation Inc.
202 Woodycrest Ave., Toronto, ON,M4J
3C3 Canada
Phone: 416-422-5241
TOM und die Bienenkoenigin (TOM and
the Queen Bee)
Contact: Bianca Just
Studio Film Bilder
Ostend Str. 106, Stuttgart, 70188 Germany
Phone: +(49) 71.148.1027
Fax: +(49) 711.489.1925
Website: http://www.filmbilder.de
Tram
Contact: Camille Condemi
Sacrebleu Productions
10 bis rue Bisson , Paris, 75020 France
Phone: +33 1 42 25 30 27
Tuutu Naljahammas (Tutu Funnytooth)
Contact: Mattias Mälk
Tallinn, Estonia
125
FESTIVAL ORGANIZATION & STAFF
city map / carte de la ville
From left to right: Kelly Neall, Chris Robinson, Azarin Sohrabkhani, Dominque Forget, Jerrett Zaroski, Carrado di Bello, Jessica Guse, Jill
Montagne, Joan Mweu, Keltie Duncan, Kujang Kandanu, Pauline Launoy, Jeremy Maclaine, Sam Kabbara, Shu Zhang, Susan Sloan, Tom
McSorley, Michael Peterson
FESTIVAL ORGANIZATION
The Ottawa International Animation Festival is a component of the Canadian
Film Institute
CANADIAN FILM INSTITUTE
Director: Tom McSorley
Programmer: Jerrett Zaroski
Managing Director: Kelly Neall
Competition and Showcase Selection:
Chris Robinson, Tom McSorley, Keltie Duncan, Hélène Tanguay
Artistic Director: Chris Robinson
Competition and Showcase Programming:
Chris Robinson
TAC & Workshop Director:
Azarin Sohrabkhani
Additional Programmers: Keltie Duncan,
Matt Rosen
Office Manager: Dominique Forget
Technical Coordinator: Keltie Duncan
Festival Reader:
•Susan Scotti, Chair (joined 2009)
Media & Marketing Coordinator:
Jeremy Maclaine
•Michael Leong, Treasurer (joined 2011)
Editors:
Chris Robinson & Dominique Forget
Interim TAC Coordinator: Michael Peterson
•Claude Faubert (joined 2011)
Office Assistant: Kujang Kandaru
•Peter Fleming (joined 2011)
•Velma McColl (joined 2012)
Sponsorship Assistant:
Jennifer Hyde, Joan Mweu
Writers:
Keltie Duncan, Chris Robinson, Matt Rosen,
Morgan Miller, Dominique Forget
•Russell Mills (joined 2009)
Programming Assistant: Corrado di Bello
Poster Illustration: Koji Yamamura
•Frank Taylor (joined 2012)
Volunteer Coordinator: Susan Sloan
Signal Film: En Masse
Box Office Coordinator: Shu Zhang
TAC Assistant: Sam Kabbara
Sponsor Logo Reel:
Dainty Productions, Inc.
Workshop Assistant: Jessica Guse
Printer: Motion Creative Printing
Special Events Coordinator:
Christine Utnans, Jill Montague
Travel Agency: Far Horizons Travel
Board of Directors
2012 TAC Advisory
Committee
We work closely with these industry
insiders when brainstorming topics of
discussion and improvements to our
upcoming event.
•Mary Bredin, VP Development & Acquisitions (Guru Animation Studio)
•Vince Commisso, Co-Founding Partner,
President & CEO (9 Story Entertainment)
•Chris Dainty, President (Dainty Productions Inc.)
•Clint Eland, President/Executive Producer
(Mercury Filmworks)
•Sarah Etherden, Communications Manager (Teletoon Canada Inc.)
•Ken Faier, President (Nerd Corps Entertainment Inc.)
•Frank Falcone, Creative Director (Guru
Animation Studio)
•Jennifer McCauley, Account Executive
(Turner Entertainment)
•Rick Morrison, President (Big Jump
Productions)
•Terry Rotsaert, Head of Production
(Cookie Jar Entertainment)
•Julie Stall, VP Production (Portfolio
Entertainment Inc.)
•Rebecca Swift, Production Coordinator (9
Story Entertainment)
126
2012 OTTAWA INTERNATIONAL
ANIMATION FESTIVAL
Guest Services Coordinator:
Sandra Robertson, Sham Gunawardena
Intern: Pauline Launoy
Interns: Lotis-Mae Abogadie, Cici Huang,
Makhaila Burke
Arts Court Stage Manager Day:
Patrick Dolan
Arts Court Venue Manager Day:
Keeley Durocher
Arts Court Stage Manager Evening:
Arts Court Venue Manager Evening:
Empire Stage Manager: Corrado di Bello
Empire Venue Manager:
ByTowne/ NAC Stage Manager:
Patrick Cross
ByTowne/NAC Venue Manager:
Clémence Bragard
National Gallery Venue Manager:
Adriana Cull
Bartender:
Drivers: Ashley Culp
Graphic Design: Bryan Dunlay
Special Thanks: Jennifer Zaret, Brooke Kessling, Matt Rosen, Carolyn Coutney (Ottawa
Festivals), Richard O’ Connor, Lee Demarbre (Mayfair Theatre), Morgan Miller, Eddie
Bakshi, Run Wrake, Koji Yamamura, Dale
Hayward, Betty, Jarvis and Harry Neall, Tom
Knott, Michael Fukushima, Patricia Burns,
Xavier Forget of the National Arts Centre,
Bruce White of the ByTowne Cinema, Marc
Bedard of the National Gallery of Canada,
Dean Leland at Empire Theatres, Donna
Williams at Arts Court Foundation.
Of course, there are always a few names
that get left out, but we know who you
are, and we are grateful for all that you’ve
done.
Finally, we thank all of our hardworking
volunteers; we could not do this without
you!
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3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
17.
18.
19.
20.
21.
22.
23.
24.
25.
ByTowne Cinema (325 Rideau)
Empire Theatre Rideau Centre
National Arts Centre (53 Elgin)
National Gallery of Canada (380 Sussex)
Chateau Laurier
Arts Court
Trio Restaurant at the Novotel
Ritual Nightclub (137 Besserer)
Avant-Guarde Bar (135 Besserer)
Smokes Poutinerie (407 Dalhousie)
Pita Pit (373 Dalhousie)
The Black Tomato (11 George)
Market Organics (126 York)
Gabriel Pizza (175 Rideau)
Domus Café (87 Murray)
Sidedoor (20 York)
Darcy McGees (44 Sparks)
Bridgehead (96 Sparks)
Lapointe Seafood (55 York Street)
Kinki (41 York Street)
Mambo (77 Clarence)
The Courtyard Restaurant (21 George)
Oz Café (361 Elgin)
Bridgehead (224 Dalhousie)
Mama Grazzi’s (2 George)
Approximate Walking Times / Durée approximative de marche
ByTowne Cinema - Arts Court / Empire.............................................15min
ByTowne Cinema - National Gallery................................................... 30min
ByTowne Cinema - National Arts Centre.......................................... 30min
Arts Court / Empire - National Gallery................................................15min
Arts Court / Empire - National Arts Centre.......................................15min
National Gallery - National Arts Centre............................................. 30min
127
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Mifa
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Conferences
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• © CITIA
Festival
Which One
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10th - 15th June 2013
• 6 days, 500 films screened, 7,000 delegates, 80 countries, 320 journalists,
470 exhibitors and more than 287 investors.
• International competition, sneak previews, Making of sessions and Work in Progress for features,
project presentations, meetings, debates, master classes...
Connect with global animation: take part in Annecy 2013!
July/August 2012 (No. 222)
Ice Age Delivers A Fourth Chapter
Inside Cartoon Network’s Hot Summer
The World of Black Dynamite
The VFX of The Amazing Spider-Man
April/May 2012 • 25th Anniversary Special (No. 220)
Sail Away with Aardman’s The Pirates! Movie
A Special Sneak Peek at Nick’s The Legend of Korra
Disney XD Spins a new Spidey Toon
The Best of MIPTV
Surveying the Italian Animation Scene
25 TV Shows that Deﬁned the Zeitgeist
June 2012 (No. 221)
The Making of Pixar’s Brave
The Zoosters Are Back in Madagascar 3
The Charms of Ernest and Celestine
Annecy 2012’s Highlights
March 2012 (No. 219)
Visiting Ghibli’s The Secret World of Arrietty
Dr. Seuss’ The Lorax Strikes Back
Short and Sweet: Doyon’s Dimanche and
Orchard’s A Morning Stroll
Meet The Hub’s Transformers Rescue Bots
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Join Adobe Youth Voices at the Ottawa International Animation Festival, Sept 19–23, 2012.
Adobe is the proud sponsor of the Free Toon Apprentice Pass for Teens, the Adobe
Youth Voices Workshop and the award for Best High School Animation.
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Arc Productions
SASKTEL CALENDAR GIRL
House of Cool
JUSTIN TIME
Guru Studio
AWNtv.com – Keeping Your World Animated
TM & © DSE
TOTAL DRAMA
Fresh TV
THE CAT IN THE HAT KNOWS A LOT ABOUT THAT!
Portfolio Entertainment
SKATOONY
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The animation revolution will be televised! Industry pundit interviews and complete
VFX conference sessions. Exclusive VFX shot clips. Over 1,000 independent short
animated films. Feature film trailers, featurettes, webisodes, music videos, commercials
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and VFX. Glimpse the future of online animation today!
AWNtv.com – Part of the Animation World Network
For further information or to submit your films, contact us at [email protected]
ROLLBOTS
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Yowza Digital
BUSYTOWN MYSTERIES
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OMDC is a proud supporter of Ontario’s world class animation
companies and of the Television Animation Conference
AWN
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Our programs and initiatives are helping Ontario’s film, television, and interactive digital media companies
create a thriving industry, a global audience and a wealth of opportunity. Be part of it. OMDC.on.ca
We’ve got it going
insight | analysis | opinion | perspective
blogs.awn.com
Sure, we love developing marketing campaigns for
global clients from Munich, New York, and L.A.—
but we also love drawing attention to local treasures
like the Ottawa International Animation Festival.
We’re McMillan, Ottawa’s global local agency.
See our work, including what we did
for the festival, at mcmillanagency.com.
Ottawa’s Global Local Agency

Ottawa International Animation Festival

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