FRANCE ODEON 2014

Transcription

FRANCE ODEON 2014

FRANCE ODEON 2014
Film Longs métrages19
3 cœurs Benoît Jacquot20
Le beau monde Julie Lopes Curval
22
L’homme qu’on aimait trop André Téchiné
24
La ritournelle Marc Fitoussi
26
Marie Heurtin Jean-Pierre Améris
28
Maestro Léa Fazer
30
Hope Boris Lojkine
32
Les nuits d’été Mario Fanfani
34
Les vacances du Petit Nicolas Laurent Tirard36
Terre battue Stéphane Demoustier
38
Omaggio a Alain Resnais Hommage à Alain Resnais
43
Resnais, l’esploratore dell’immaginario Resnais, l’explorateur de l’imaginaire di/de Aldo Tassone
45
Aimer, boire et chanter
46
Cœurs48
Guernica49
Hiroshima mon amour
50
Il libro Le livre
Alain Resnais di/de Jean-Luc Douin
52
La mostra L’Exposition
Actrices di/de Kate Barry
55
Il Convegno La Rencontre
59
Belle toujours La legge francese sul cinema
La loi française sur le cinéma
Sigla d’autore Le générique d’auteur
62
Crediti e ringraziamenti Crédits et remerciements71
Indice Sommaire
Editoriali Éditoriaux5
Editoriali éditoriaux
6
Sara Nocentini
Assessore alla Cultura e Turismo della Regione Toscana
Conseillère à la Culture et au Tourisme de la Région Toscane
Q
uando l’indimenticabile Aldo Tassone ebbe l’intuizione di far nascere a Firenze una rassegna tutta dedicata al cinema francese, quella France Cinéma di
cui France Odeon è erede diretta, mise il sigillo su una realtà
di fatto: il legame stretto che vige da secoli tra Firenze e la
Toscana e la cultura d’oltralpe. Un legame fatto di rispetto
e scambi reciproci, di cui è attivissimo testimone l’Istituto
francese di Firenze attraverso le sue continue iniziative. Oggi
France Odeon trova degna collocazione all’interno di quella
50 giorni di cinema internazionale a Firenze che rappresenta
un fatto unico nel panorama culturale nazionale; un vero e
proprio caleidoscopio di immagini dal mondo in cui la qualità
della cultura cinematografica di Francia brilla per i valori artistici espressi sin dalla nascita della settima arte. L’espressione
di un ruolo guida in un confronto spesso entusiasmante con
il cinema dei “cugini” italiani, come un gioco di specchi in cui
ciascuno rappresenta anche la parte dell’altro.
L
orsque l’incontournable Aldo Tassone a eu l’intuition
de donner naissance, à Florence, à un festival entièrement consacré au cinéma – France Cinéma dont
France Odéon est le direct héritier – il consacre une réalité
tangible : ce lien existant depuis des siècles entre Florence et
la Toscane et la France. Un lien fait de respect et d’échanges
mutuels, dont témoigne également par son intense activité l’Institut français de Florence. Aujourd’hui, France
Odéon occupe une place de choix au cœur des ces 50 jours
de cinéma international à Florence, un événement unique
dans le paysage culturel national ; un véritable kaléidoscope
d’images du monde entier où la qualité de la culture cinématographique française concentre les valeurs artistiques
exprimées depuis la naissance du septième art. L’expression
d’un rôle d’éclaireur dans une confrontation souvent enthousiasmante avec le cinéma des « cousins » italiens, comme
dans un jeu de miroirs où chacun se fait reflet de l’autre.
U
ne année s’est écoulée depuis la dernière édition du
festival. Sans aucun doute ce fut une année très spéciale : pour le cinéma italien, pour notre festival, pour
Florence et l’Italie. D’abord l’Oscar pour La grande bellezza de
Sorrentino, un film qui a grandi petit à petit. Parti en sourdine à
Cannes, il a remporté le Prix du meilleur film européen et pour
finir a conquis le terrain à la cérémonie des Oscars.
En 2014 également, France Odéon a amené à Florence le Festival de Cannes, qui est pour nous une ressource fondamentale
pour visionner et élaborer notre sélection. Au début du mois de
juin, nous avons présenté Cannes à Florence, un rendez-vous,
dont nous sommes certains qu’il se répétera pendant de nombreuses années. D’excellents films ont été projetés, provenant
du monde entier, dont la Palme d’or Winter Sleep de Ceylan. Les
Florentins, tout comme les Parisiens, les Romains et les Milanais, ont ainsi fait partie des rares privilégiés à pouvoir regarder
le meilleur du cinéma à peine deux semaines après sa sortie sur
la Croisette. Ce nouveau rendez-vous redouble notre engagement, notre travail et nous espérons de voir également notre
budget évoluer dans les mêmes proportions. Cependant, nous
sommes heureux d’être soutenus par l’enthousiasme et la fidélité de notre public éclairé et passionné. Nos invités français et
italiens avec lesquels nous sommes liés par un respect et une
amitié réciproques reviennent chaque année avec plaisir.
Florence est le cadre idéal pour tout événement culturel, le
monde entier y vient volontiers. C’est de cette ville qu’est parti
le vent qui est en train de changer l’Italie. J’espère que ce vent
soufflera aussi dans les voiles des 50 jours, un titre qu’il nous
faudrait désormais mettre à jour : en effet, durant ces dernières
années, de nouveaux festivals sont nés à Florence, consacrés
au Brésil, à la Corée, à l’Espagne, à Israël, au Japon, au MoyenOrient, au voyage, à l’environnement.
J’espère que Florence avec l’Odéon, le Teatro della Compagnia,
l’Alfieri, puisse devenir le festival des 100 jours de cinéma, une
manifestation d’une importance culturelle extraordinaire, absolument unique et universelle, à l’image de notre ville. Editoriali éditoriaux
È
passato un anno dall’ultima edizione del festival. Indubbiamente questo è stato un anno davvero speciale:
per il cinema italiano, per il nostro festival, per Firenze
e l’Italia.
C’è stato l’Oscar a La grande bellezza di Sorrentino, un film
che è cresciuto settimana dopo settimana. Partito in sordina
a Cannes ha vinto il premio come miglior film europeo e infine
sbaragliato il campo agli Oscar.
France Odeon, nel 2014 lo ha portato a Firenze, il Festival di Cannes, nostra prima fonte di visione e selezione. I primi di giugno
abbiamo presentato Cannes a Firenze, una manifestazione che
siamo certi resterà per molti anni. Diverse pellicole di ogni parte
del mondo, fra le migliori proiettate, fra cui la Palma d’oro Winter Sleep di Ceylan. I fiorentini, con i parigini, i romani e i milanesi,
sono gli unici privilegiati che possono vedersi i film più belli due
settimane dopo la loro uscita sulla Croisette.
Questo doppio impegno duplica il nostro lavoro e ci fa sperare in un budget che cresca in proporzione. Siamo comunque
felici di essere sostenuti dall’entusiasmo e dalla fedeltà del
nostro pubblico, competente e appassionato. I nostri ospiti
francesi e italiani ritornano ogni anno con gioia e siamo legati
da reciproca stima e amicizia.
Firenze è la cornice ideale per ogni evento, è il luogo dove tutti
vengono volentieri. Da qui è partito il vento che sta cambiando l’Italia. Spero che questo vento soffi anche nelle vele della
50 giorni, ormai un titolo superato. A Firenze in questi anni
sono arrivati altri festival: brasiliano, coreano, spagnolo, israeliano, giapponese, middle-east, festival del cinema del viaggio, festival del cinema dell’ambiente.
Mi auguro che Firenze con l’Odeon, il Teatro della compagnia,
l’Alfieri, possa diventare il festival della 100 giorni del cinema,
una manifestazione di una straordinaria importanza culturale,
assolutamente unica e universale, come questa città.
Riccardo Zucconi
Presidente di France Odeon
Président de France Odéon
7
8
Francesco Ranieri Martinotti
Direttore di France Odeon
Directeur de France Odéon
A
ll’inizio di quest’anno si è spento un faro che con la
sua luce illuminava la rotta della Francia nell’oceano
del cinema. Alain Resnais ci ha lasciati il 1 marzo. Autore poliedrico, interdisciplinare, genio assoluto sempre attuale nella forma e nel contenuto, amava Firenze e la sua formazione all’immagine la fece agli Uffizi dove trascorse intere
settimane a contemplare i maestri della pittura rinascimentale. France Odeon, virtualmente assieme a France Cinéma,
lo rappresenterà con tre suoi lungometraggi. Il primo e l’ultimo, Hiroshima mon amour e Aimer boire et chanter, il film
che ha nel suo cast Laura Morante, Coeurs, e il corto Guernica
del 1950, un richiamo non casuale alla mostra di Picasso di
Palazzo Strozzi. Jean-Luc Douin parlerà di lui insieme a tanti
amici alla presentazione all’Institut français della bellissima
monografia che ha da poco dato alle stampe.
Questa sesta edizione del festival, che come ogni anno propone una rosa di film appena sbocciati (di cui speriamo apprezzerete la forma, il colore e i profumi), riserva due importanti
novità “strutturali”: il sito web completamente ridisegnato e
reso più funzionale e ricco di informazioni e una sigla d’autore
che precederà ogni film, realizzata da un artista francese trapiantato a Firenze, Clet Abraham, musicata da Puccio Pucci e
realizzata da Stranemani. Infine i numerosi ospiti che verranno dalla Francia a presentare le loro opere animeranno anche
il convegno a Palazzo Sacrati Strozzi Belle toujours sulla legge
francese del cinema.
Insomma France Odeon continua a navigare sulla “lunga
strada azzurra”, il corridoio di mare tra Toscana, Sardegna e
Provenza (celebrata in un film di Gillo Pontecorvo) e come il
battello a vapore che attraversa tra le onde la copertina della
monografia su Resnais (p. 52) cercheremo di farci guidare dalla luce di quel faro per tenere la barra dritta sul nostro lavoro.
A
u début de cette année, s’est éteint le phare qui, dans
l’océan du cinéma, illuminait le chemin de la France.
Alain Resnais nous a quittés le 1er mars. Auteur aux
mille facettes, à la croisée de multiples disciplines artistiques,
génie absolu, toujours actuel dans la forme comme dans le
contenu, il aimait Florence où il avait acquis une culture visuelle au Musée des Offices, passant des semaines entières à
contempler les chefs d’œuvre des grands peintres de la Renaissance. France Odéon et, virtuellement, France Cinéma, présentera trois de ses longs métrages. Le premier et le dernier,
Hiroshima mon amour et Aimer, boire et chanter ainsi que le film
dont Laura Morante est interprète, Cœurs, mais aussi le court
métrage Guernica de 1950, un renvoi non fortuit à l’exposition
actuellement en cours au Palazzo Strozzi de Florence sur Picasso. À l’Institut français, Jean-Luc Douin aux côtés de nombreux
amis nous parlera de ce réalisateur, à l’occasion de la présentation du bel ouvrage qu’il vient de lui consacrer.
Cette sixième édition du festival, qui, comme chaque année,
offre un bouquet de films à peine éclos (nous espérons vous
en apprécierez forme, couleur et parfum), propose également
deux importantes nouveautés de fond : une nouvelle formulation du site web d’une consultation désormais plus aisée et
plus riche en informations, et un générique d’auteur annonçant
chaque projection de film, créé par un artiste français vivant à
Florence, Clet Abraham, mis en musique par Puccio Pucci et
réalisé par Stranemani. Et enfin, les nombreux invités français
venus à Florence pour présenter leurs œuvres animeront la
table ronde centrée sur la loi française du cinéma et intitulée
Belle toujours, au Palazzo Sacrati Strozzi.
En somme, France Odéon continue de naviguer sur La grande
route bleue, ce bras de mer entre la Toscane, la Sardaigne et la
Provence célébré dans un film de Gillo Pontecorvo et, comme
sur la couverture du livre consacré à Resnais où le bateau à
vapeur traverse les vagues (p. 52), nous tenterons, guidés par la
lumière de ce phare, de tenir le cap sur notre travail.
V
oici de nouveau le rendez-vous florentin avec le cinéma français, désormais un symbole de la qualité de
l’offre culturelle de notre ville. Avec la sixième édition
de France Odéon, nous accueillons une fois encore les plus
beaux films du cinéma français contemporain. Un festival
d’excellence qui met le langage cinématographique au centre
des rendez-vous culturels et qui souligne l’importance du cinéma d’auteur comme vecteur de connaissance et d’échange.
Cultures et arts du cinéma qui se rencontrent et font de cette
ville non pas l’arrière-plan mais un élément scénique à part
entière. Non pas un photogramme mais une tranche de vie
et ce, dans un contexte où la culture s’avère indubitablement
être un atout répondant aux attentes de la communauté. Florence ne peut être immobile ni se reposer sur les merveilles de
son passé, Florence doit relancer quotidiennement sa dimension de capitale de la culture et cité du monde. Le festival du
cinéma français représente une occasion pour confirmer cela.
Voilà pourquoi accueillir France Odéon à Florence est une fois
encore un motif de fierté. Bon cinéma à tous. Editoriali éditoriaux
T
orna l’appuntamento con il cinema francese a Firenze,
diventato ormai uno dei simboli di qualità nel panorama dell’offerta culturale della nostra città. Con la
sesta edizione di France Odeon ospitiamo ancora una volta il
meglio del cinema d’oltralpe contemporaneo. Una rassegna
d’eccellenza che mette il “discorso cinematografico” al centro dell’agenda culturale sottolineando l’importanza del film
d’autore come veicolo di conoscenza e di scambio. Culture
e modi di fare cinema che si incontrano e fanno della città
non lo sfondo ma l’elemento stesso della scena. Non un fotogramma ma una sequenza di vita, in un momento in cui rispondere con la cultura alle predisposizioni della comunità è
senza dubbio la carta vincente. Firenze non può rimanere ferma adagiandosi sulle meraviglie del proprio passato, Firenze
deve rilanciare ogni giorno il proprio essere capitale di cultura
e città del mondo. Il Festival del cinema francese rappresenta
un’occasione per ribadire tutto questo. Ecco perché ospitare
France Odeon a Firenze è ancora una volta motivo di orgoglio.
Buon cinema a tutti!
Dario Nardella
Sindaco di Firenze
Maire de Florence
9
10
Catherine Colonna
Ambasciatrice di Francia in Italia
Ambassadrice de France en Italie
A
nche questo autunno, Firenze accoglie France Odeon, il festival francese diventato un appuntamento
irrinunciabile che propone una delle più belle finestre
sulla settima arte francese in Italia.
Ringrazio Francesco Ranieri Martinotti che, già da sei anni, lo
dirige con successo grazie a una selezione di film che riflettono la ricchezza dell’attuale produzione francese.
Il gusto del pubblico italiano per il cinema francese è ben noto
ed i successi di quest’anno non fanno che confermarlo: Belle e
Sébastien di Nicolas Vannier, uscito a fine gennaio, ha realizzato un milione e duecentomila ingressi e altri sette film hanno
superato i centomila biglietti venduti.
Per noi è molto importante coltivare questo entusiasmo per
il cinema francese sostenendo tutte le iniziative che ne migliorano la visibilità e che favoriscono i legami artistici tra le
nostre industrie culturali.
Quest’anno, in collaborazione con l’Institut français, un
omaggio speciale sarà rivolto all’opera di Alain Resnais, così
come a Kate Barry, con la sua mostra fotografica Actrices.
Siamo molto lieti di accompagnare questo festival popolare
che si rivolge al pubblico toscano, crocevia delle arti e dei talenti di tutte le età, di cui conosciamo la finezza, la curiosità e
la fedeltà e al quale vi aspettiamo numerosi.
C
et automne encore, Florence accueille France Odéon,
festival de cinéma français devenu incontournable qui
propose l’une des plus belles vitrines sur le septième art
français en Italie.
Je tiens à remercier Francesco Ranieri Martinotti qui, depuis
déjà six ans, l’anime avec réussite autour d’une sélection de
films qui sait rendre compte de la richesse de la production
française actuelle. Le goût du public italien pour le cinéma
hexagonal n’est plus à prouver et les succès de cette année ne
le démentent pas : Belle et Sébastien de Nicolas Vannier, sorti
fin janvier, a recueilli un million deux cent mille entrées et sept
autres films ont dépassé le seuil des cent mille billets vendus.
Il nous tient à cœur de nourrir cet enthousiasme pour le cinéma
français en soutenant toutes les initiatives qui renforcent sa
visibilité et favorisent les liens artistiques entre nos industries
culturelles.
Cette année, en partenariat avec l’Institut français, un hommage tout particulier est rendu à l’œuvre d’Alain Resnais, ainsi
qu’à Kate Barry dont les photos Actrices sont exposées.
C’est ce festival populaire à la croisée des arts et des talents
de tous âges, que nous sommes heureux d’accompagner en
direction du public toscan, dont nous connaissons la finesse, la
curiosité et la fidélité. Nous vous y attendons nombreux.
novità.
Il Festival, giunto al suo sesto anno, è molto amato dal pubblico non solo per l’alto livello del suo programma, che come
sempre offre una selezione intelligente e raffinata, ma per
l’atmosfera che solo France Odeon sa regalare.
I numerosi ospiti internazionali, le anteprime e gli eventi durante i quattro giorni di festival, trasformano la nostra città
in una cornice unica dove godere delle migliori produzioni del
cinema francese con proposte sofisticate e di qualità che siamo certi conquisteranno gli spettatori.
Non è un caso che il pubblico di France Odeon arrivi da tutta
Italia per partecipare ad un evento che è ormai irrinunciabile
per gli amanti del cinema, e che anche quest’anno promette
di emozionare grazie all’attento lavoro di selezione del direttore Francesco Ranieri Martinotti e dei suoi collaboratori.
Vogliamo quindi ringraziare coloro che ancora una volta hanno reso possibile portare a Firenze l’eccellenza del cinema
d’oltralpe, e che fanno di questo festival un evento culturale
internazionale tra i più importanti d’Italia.
L
e rendez-vous à ne pas manquer lors des 50 jours est
l’hommage rendu au cinéma français contemporain que
représente France Odéon, de retour pour l’édition 2014
avec de nombreuses nouveautés.
Le Festival, arrivé à sa sixième édition, est extrêmement
apprécié du public, non seulement pour la grande qualité de
son programme qui présente comme toujours une sélection
intelligente et raffinée, mais aussi pour cette atmosphère si
particulière que seul France Odéon sait offrir.
Les invités internationaux, les avant-premières, et les rencontres qui ont lieu durant les quatre jours du festival transforment notre ville en un cadre unique où découvrir les meilleurs films du cinéma français grâce à une offre sophistiquée,
de grande qualité, qui, nous en sommes sûrs, ravira les spectateurs. Voilà pourquoi le public de France Odéon arrive de toute
l’Italie afin de prendre part à un événement incontournable
pour les amoureux du cinéma et qui cette année encore promet tant d’émotion, fruit de la sélection attentive du directeur Francesco Ranieri Martinotti et de ses collaborateurs. Nous désirons donc remercier tous ceux qui ont rendu possible l’arrivée à Florence de l’excellence du cinéma français
et qui font de cette manifestation culturelle internationale
l’une des plus importantes en Italie.
A
ppuntamento immancabile della 50 giorni è l’omaggio al cinema francese contemporaneo di France Odeon, che torna per l’edizione 2014 con molte
Stefania Ippoliti
Coordinatrice delle attività cinematografiche FST Mediateca Toscana Film Commission
Coordinatrice des activités cinématographiques FST Mediateca Toscana Film Commission
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France Odeon 2013
Proiezione speciale riservata al
Liceo internazionale Capponi
Film Longs métrages
3 coeurs
regista réalisateur
Benoît Jacquot
drammatico
drame
20
colore
couleur
Interpreti Interprètes
106 min
Benoît Poelvoorde
Charlotte Gainsbourg
Chiara Mastroianni
Catherine Deneuve
L
a leggerezza è una qualità preziosa in ogni forma d’arte e il cinema, che di arti
ne aggrega varie, deve combinare la leggerezza di ciascuna di esse. L’equilibrio
tra scrittura, messa in scena, recitazione, musica e fotografia è difficilissimo.
Benoît Poelvoorde, Charlotte Gainsbourg, Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve,
interpreti d’eccezione, insieme a tutta la troupe sono i vincitori di questa audace
sfida che il regista Benoît Jacquot ha dichiarato alla leggerezza con il suo ultimo
film, presentato alla 71esima Mostra di Venezia.
3 cœurs comincia con un incontro casuale tra un uomo e una donna, uno di quegli
incontri che sono capitati a tutti nella vita e che diventa la premessa di una storia
d’amore unica e irripetibile come tutte le storie d’amore. È bene svelare il meno
possibile. Diciamo che lui vive a Parigi e lei a Valence. Diciamo che è notte e la città
è deserta. Diciamo che lui ha perso l’ultimo treno per tornare a casa e lei è uscita
per comprare le sigarette. Non diciamo altro e non cercate di saperne di più se non
volete perdere il piacere di vedere un bel film. (FRM)
D
ans toutes les formes d’art, la légèreté est une qualité précieuse et le cinéma
qui mêle plusieurs langages artistiques doit combiner la légèreté de chacun.
L’équilibre entre l’écriture, la mise en scène, le jeu, la musique et la photographie est ténu. Benoît Poelvoorde, Charlotte Gainsbourg, Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, interprètes exceptionnels, sont, avec toute la troupe, les vainqueurs
de cet audacieux défi que le réalisateur Benoît Jacquot a lancé, avec son dernier film
présenté alla 71ème Mostra de Venise, à la légèreté.
3 cœurs commence par une rencontre fortuite entre un homme et une femme, une de
ces rencontres comme il y en a tant dans la vie et qui devient le préalable d’une histoire d’amour unique, irremplaçable comme toutes les histoires d’amour. Il convient
d’en dévoiler le moins possible. Nous dirons qu’il vit à Paris et elle à Valence. Nous
dirons que c’est la nuit et que la ville est déserte. Nous dirons qu’il a raté le dernier
train pour rentrer chez lui et qu’elle est sortie pour acheter des cigarettes. Nous ne
dirons rien d’autre et n’essayez pas d’en savoir plus si vous ne voulez pas vous priver
de voir un bon film. (FRM)
Benoît Jacquot
Nel mondo del cinema dall’età di 17 anni, assistente di
Marguerite Duras, con L’assassin firma la sua prima
regia nel 1975. Ha alternato il cinema ad incursioni nella
televisione e nell’opera lirica, dirigendo tra le altre attrici Isabelle Huppert, Dominique Sanda, Isabelle Adjani
e Catherine Deneuve. A riprova del suo eclettismo, con
3 cœurs torna alla commedia sentimentale dopo Les
adieux à la reine, del 2011, girato in costume.
Benoît Jacquot est dans le monde du cinéma depuis
ses 17 ans. Assistant de Marguerite Duras, il signe sa
première mise en scène en 1975 avec L’assassin. Il
intercale le cinéma par des incursions en direction de la
télévision et de l’opéra, et dirige, entre autres, Isabelle
Huppert, Dominique Sanda, Isabelle Adjani et Catherine
Deneuve. Réalisateur éclectique, il revient aujourd’hui à
la comédie romantique avec 3 cœurs après avoir tourné
en 2011 Les adieux à la reine, un film en costume. sceneggiatura scénario
Julien Boivent
BenoÎt Jacquot
fotografia image
Julien Hirsch
montaggio montage
Julia Gregory
scenografia décors
Sylvain Chauvelot
musica musique
Bruno Coulais
suono son
Pierre Mertens
Andreas Hildebrandt
Olivier Goinard
produzione production
Rectangle Productions
coproduzione coproduction
Christoph Friedel / Claudia Steffen / Genevieve Lemal
distribuzione internazionale distribution internationale
Elle Driver
distribuzione Italia distribution en Italie
BIM
21
LE BEAU MONDE
regista réalisatrice
Julie Lopes Curval
commedia sentimentale
comédie romantique
22
colore
couleur
95 min
Ana Girardot
Bastien Bouillon
Baptiste Lecaplain
Aurélia Petit
R
icamare e fare la maglia sono attività antiche, espressioni di un mondo che
sta scomparendo o è già scomparso. Alice (Ana Girardot) è di Bayeux, una
cittadina di quindicimila abitanti ancora legata alle tradizioni (ed alla tessitura) e per questo forse la ragazza si ritrova un talento e una manualità innate:
lavora e colora la lana come nessuno sa fare. Questo è il modo in cui esprime sé
stessa. Antoine (Bastien Bouillon) è tutt’altro. Parigino, borghese, studente pentito
di Sciences Po. Poca manualità, molta dialettica. Sono i poli opposti che si attraggono e si respingono. Alice e Antoine s’incontrano a Parigi dove lei studia, si piacciono,
s’innamorano, si danno piacere. Ma l’inquietudine bohémienne di lui e la rigida semplicità di lei sono antagonisti esistenziali… La regista Julie Lopes Curval (vincitrice
della Caméra d’or a Cannes nel 2002 per Bord de mer), anche lei cittadina di Bayeux,
conosce perfettamente la materia di cui parla, la padroneggia a pieno, trasmettendo tutto l’amore per la sua terra, con tutti i limiti e le asprezze. Ne scaturisce un
personale ritratto di donna, determinata e volitiva in grado di fronteggiare tutte
le insidie del beau monde parigino alle quali una ragazza della provincia potrebbe
definitivamente lasciarsi andare. (FRM)
B
roder et tricoter sont des activités anciennes, expressions d’un monde en
train de s’effacer ou déjà disparu. Alice (Ana Girardot) est de Bayeux, une ville de quinze mille habitants, encore ancrée dans la tradition (et la tapisserie).
C’est peut-être ce contexte qui a donné à la jeune fille un talent et une dextérité
innée : elle file et teint la laine comme personne. C’est sa façon à elle de s’exprimer.
Tout le contraire d’Antoine (Bastien Bouillon) qui provient de la bourgeoisie parisienne, étudiant de Sciences Po repenti, aucune manualité, beaucoup de dialectique.
Ils sont les pôles opposés qui s’attirent et se repoussent l’un l’autre. Alice rencontre
Antoine à Paris où elle est venue étudier. Ils se plaisent, tombent amoureux, ils
se donnent du plaisir. Mais son angoisse bohémienne à lui et sa rigide simplicité
à elle deviennent des antagonistes existentiels… La réalisatrice Julie Lopes Curval
(Caméra d’or à Cannes en 2002 pour Bord de mer), originaire elle aussi de Bayeux,
connaît bien le sujet de son film. Elle le maîtrise totalement et nous transmet tout
l’amour qu’elle a pour sa terre, ses limites et ses âpreté. En découle le portrait très
personnel d’une femme déterminée, à la forte volonté, qui est capable de faire face
à tous les pièges du beau monde parisien où une jeune provinciale pourrait définitivement se perdre. (FRM)
Julie Lopes Curval
Formatasi alla scuola di cinema Florent, debutta come
sceneggiatrice del mediometraggio Adolescentes (1998)
di Valérie Minetto. È del 2001 il suo primo cortometraggio,
Mademoiselle Butterfly, selezionato a Cannes. Il primo
lungometraggio, Bord de mer (2002) ottiene la Caméra d’or
al Festival de Cannes. Seguono Toi et moi (2005) e Mères et
filles (2009).
Julie Lopes Curval fait ses études auprès de l’école de cinéma Florent et débute en tant que scénariste avec le moyen
métrage Adolescentes (1998) de Valérie Minetto. Son premier court métrage date de 2001 Mademoiselle Butterfly et
est sélectionné à Cannes. Bord de mer (2002), son premier
long métrage obtient la Caméra d’or au Festival de Cannes.
Suivent Toi et moi (2005) et Mères et filles (2009). sceneggiatura scénario
Julie Lopes Curval
Sophie Hiet
scenografia décors
Philippe Van Herwijnen
fotografia image
Céline Bozon
musica originale
musique originale
Sébastien Schuller
montaggio montage
Muriel Breton
suono son
Antoine-Basile Mercier
Pyramide Productions
France 3 Cinéma
Pyramide International
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L’HOMME QU’ON AIMAIT TROP
André Téchiné
drammatico
drame
24
colore
couleur
116 min
Guillaume Canet
Catherine Deneuve
Adèle Haenel
Jean Corso
Judith Chemla
È
difficile immaginare che una storia così sia davvero accaduta. Una donna,
Agnès Leroux, scompare nel 1977. L’hanno uccisa? Si è suicidata? O ha deciso
di scomparire? C’è di mezzo il casinò di famiglia a Nizza, un dissidio con la madre che dirige la casa da gioco e ancora Jean-Maurice Agnelet, un uomo affascinante
e dall’ambiguità sottile. E naturalmente… c’è l’amore. Oggi il caso non è ancora
risolto e dopo un percorso processuale durato 35 anni e varie sentenze, ad aprile di
quest’anno, l’uomo è stato condannato a 20 anni di prigione. André Téchiné, non
nuovo a utilizzare fatti di cronaca come soggetti dei suoi film, ottiene un assoluto
equilibrio tra la ricostruzione dei fatti e le atmosfere classiche del noir, mentre i
suoi attori sfiorano la perfezione. Catherine Deneuve è una donna apparentemente
sicura di sé, ma sempre in bilico tra il ruolo d’imprenditrice aggressiva e quello di
madre incapace di entrare in sintonia con una figlia adulta, ma ancora bambina.
Guillaume Canet è impareggiabile nel saper esprimere, con mille sfumature, fragilità e spietatezza del suo personaggio. Adèle Haenel fronteggia la diva ed il grande
attore con una padronanza sorprendente per un’artista agli esordi della carriera. I
tipi di Téchiné sono quelli di Truffaut e quindi anche quelli di Hitchcock. (FRM)
U
ne histoire vraie qui défie l’imagination. Une femme, Agnès Leroux, disparaît en 1977. A-t-elle été tuée ? S’est-elle suicidée ? Ou a-t-elle décidé de s’en
aller ? Á la base de cette histoire, il y a le casino de famille à Nice, une dispute avec sa mère qui dirige la maison de jeu, et encore Jean-Maurice Agnelet, un
homme très séduisant et subtilement ambigu. Et bien sûr… il y a l’amour. Le cas n’est
pas encore résolu et après 35 ans d’épopée judiciaire et de sentences multiples et
contradictoires, l’homme a été condamné à 20 ans de prison en avril de cette année.
André Téchiné s’est déjà inspiré de faits divers pour certains de ses films. Il trouve ce
parfait équilibre entre la reconstruction des faits et les atmosphères typiques du film
noir. Et les acteurs s’approchent de la perfection. Catherine Deneuve est une femme
sûre d’elle en apparence, mais toujours partagée entre le rôle de femme d’affaires
agressive et celui d’une mère qui peine à établir des liens avec sa fille, une fille adulte
mais assoiffée d’attention, telle une enfant. Guillaume Canet est inégalable lorsqu’il
exprime avec mille nuances la fragilité et la cruauté de son personnage. Face à une
grande star et à un impeccable comédien, l’interprétation d’Adèle Haenel est d’une
maÎtrise surprenante pour une si jeune artiste. Les archétypes filmés par Téchiné renvoient à ceux de Truffaut et donc par extension, à Hitchcock. (FRM)
André Téchiné
Dopo aver lavorato come critico cinematografico per
Les Cahiers du cinéma, esordisce alla regia con Paulina
s’en va, presentato a Venezia nel 1969. Seguono
Souvenirs d’en France, Barocco e nel 1981 Hôtel des
Amériques, che segna l’inizio del sodalizio artistico con
Catherine Deneuve, sua attrice feticcio. Nel 1985 vince il
premio per la migliore regia a Cannes con Rendez-vous
a cui segue nel 1995 il Premio César per la migliore regia
e per la migliore sceneggiatura con L’età acerba.
Après avoir travaillé comme critique pour les Cahiers du
cinéma, il fait ses débuts comme réalisateur avec Paulina
s’en va présenté à Venise en 1969. Se succèdent Souvenirs
d’en France, Barocco et en 1981 Hôtel des Amériques qui
marque le début sa collaboration artistique avec Catherine
Deneuve, son actrice fétiche. En 1985, il remporte à Cannes
le prix du meilleur réalisateur avec Rendez-vous et reçoit
en 1995, le César du meilleur réalisateur et du meilleur
scénario pour Les roseaux sauvages.
sceneggiatura scénario
André Téchiné
Jean-Charles Le Roux
Cédric Anger
fotografia image
Julien Hirsch - AFC
montaggio montage
Hervé De Luze
Fidélité Films
scenografia décors
Olivier Radot
musica originale
musique originale
Benjamin Biolay
suono son
Brigitte Taillandier
Francis Wargnier
Boris Chapelle
Damien Lazzerini
Cyril Holtz
Vip Cinéma 1 / Mars Films / Caneo Films
Elle Driver
25
La Ritournelle
Marc Fitoussi
commedia
comédie
26
colore
couleur
98 min
Isabelle Huppert
Jean-Pierre Darroussin
Michael Nyqvist
Pio Marmaï
M
arc Fitoussi è un regista che ama esageratamente gli attori, uomini e donne, e loro lo ricambiano donandosi a lui anima e corpo. La sua stella di
riferimento è senza ombra di dubbio Isabelle Huppert, di cui ha saputo
conquistarsi la fiducia proprio grazie alle sue doti di pifferaio magico. Avevamo già
notato in Copacabana, presentato a France Odeon nel 2012, che l’alchimia fra i due
era di una qualità superiore, ma in La ritournelle sono andati oltre. Complice uno
straordinario Jean-Pierre Darroussin, marito distratto e allevatore di charolaises
nella campagna della Normandia, la Huppert incarna, con il suo inconfondibile stile
e in chiave Fitoussi, le inquietudini di una Emma Bovary 2.0. L’ambientazione rurale
svela un mondo del tutto sconosciuto e poco rappresentato dal cinema francese
contemporaneo. E il contrasto con la metropoli osservata dagli occhi ingenui della
provinciale riproduce tutto il disorientamento che prova la Brigitte/Huppert nella
sua fuga d’amore sotto la Tour Eiffel. Una commedia molto francese, ma con venature dal sapore italiano, com’è consuetudine nel cinema di Marc Fitoussi. (FRM)
M
arc Fitoussi est un réalisateur qui aime excessivement les acteurs, hommes
et femmes, et ils le lui rendent bien, corps et âmes. Indubitablement, Isabelle Huppert est sa comédienne de référence, et c’est précisément par ses
dons d’enchanteur qu’il a su gagner sa confiance. Dans Copacabana présenté lors de
l’édition 2012 de France Odéon, nous avions déjà remarqué la grande qualité de l’alchimie issue de cette rencontre. Mais dans La ritournelle ils vont plus loin encore. Grâce
à la complicité d’un extraordinaire Jean-Pierre Darroussin, éleveur de charolaises
dans la campagne normande et mari distrait, Isabelle Huppert incarne, avec son style
unique traduit à la « manière Fitoussi », les inquiétudes d’une Emma Bovary 2.0. Le
contexte rural, rarement représenté dans le cinéma français contemporain, dévoile
un monde complétement inconnu. Et le contraste avec la capitale vue à travers le
regard naïf de la provinciale montre l’égarement qu’éprouve Brigitte/Huppert dans
son escapade amoureuse sous la tour Eiffel. Une comédie très française, mais avec
une saveur italienne, comme c’est la coutume dans le cinéma de Marc Fitoussi. (FRM)
Marc Fitoussi
Inizia la sua carriera di regista alla fine degli anni
Novanta. Dopo il cortometraggio Sachez chasser, del
2002, con il mediometraggio Bonbon au poivre ottiene
nel 2005 una nomina ai César. Il primo lungometraggio
arriva nel 2007, La vie d’artiste (Premio Michel d’Ornano per la sceneggiatura), a cui segue Copacabana,
presentato a Cannes nella Semaine de la critique (2010)
e Pauline détective del 2012.
La carrière de réalisateur de Marc Fitoussi débute vers
la fin des années 90. Après le court métrage Sachez
chasser en 2002, le moyen métrage Bonbon au poivre
lui vaut en 2005 une nomination aux César. Il signe
son premier long métrage en 2007 avec La vie d’artiste
(prix Michel d’Ornano pour le scénario), suivi de Copacabana présenté à Cannes dans le cadre de la Semaine
de la critique en 2010 et de Pauline Détective en 2012. sceneggiatura scénario
Marc Fitoussi
fotografia image
Agnès Godard - AFC
scenografia décors
François Emmanuelli
suono son
Olivier le Vacon – AFSI
montaggio montage
Laure Gardette
Avenue B
Vito Films / SND / France 2 cinéma /
Les Films de la Suane
SND Groupe M6
27
Jean-Pierre Améris
drammatico
drame
28
MARIE HEURTIN
colore
couleur
95 min
Isabelle Carré
Ariana Rivoire
J
ean-Pierre Améris, ci aveva commosso e divertito con Gli emotivi anonimi, il film
sulle traversie che coinvolgono il proprietario di una chocolaterie e la sua maldestra dipendente, affetti entrambi da una particolare sindrome: l’incapacità di
controllare le emozioni. Avvalendosi della stessa bravissima attrice, Isabelle Carré,
e conservando alcuni lampi di divertimento, Marie Heurtin, premiato al Festival di
Locarno, ci commuove ancora di più. Lo spunto di una storia vera di questo tipo
accaduta nell’istituto di Larnay, vicino a Poitiers, agli inizi del Novecento, spinge inevitabilmente al confronto con gli scritti di Rousseau e con L’enfant sauvage
di Truffaut. Il rischio di cadere nella trappola dei buoni sentimenti è grande, ma
Améris è un autore rigoroso con uno stile riconoscibile tanto nell’insieme, quanto
nel particolare. Calibra il sentimento al punto giusto e, quando sta per finire negli
“-ismi”, ingrana la marcia dell’ironia per scongiurare abilmente il ridicolo. E alla fine
commuove davvero l’amicizia e la solidarietà sincere createsi tra l’ostinata suora
dell’istituto religioso di campagna e la ragazza cieca e sorda di cui nessuno vuole
occuparsi, ma che proprio grazie alle attenzioni e all’amore è diventata un essere
sociale. (FRM)
J
ean-Pierre Améris, nous avait émus et divertis avec Les émotifs anonymes, ce film
racontant les tribulations du propriétaire d’une chocolaterie et de son employée
maladroite, souffrant tous deux d’un syndrome particulier : l’incapacité de contrôler leurs propres émotions. Le réalisateur a gardé la même talentueuse actrice, Isabelle Carré, et a conservé des éclats de rire pour ce nouveau film, Marie Heurtin, récompensé au Festival du film de Locarno, et qui nous emporte un peu plus loin dans
l’émotion. L’idée de reprendre une histoire vraie située à l’institut de Larnay, près de
Poitiers au début du XXe siècle, nous renvoie inévitablement à l’œuvre de Rousseau
ainsi qu’à L’enfant sauvage de Truffaut. Améris, qui est un auteur rigoureux, attentif
aussi bien aux détails qu’à l’ensemble, évite avec son style si particulier le piège du
sentimentalisme. Il sait parfaitement doser les émotions et au moment de sombrer
dans la rhétorique, il vire habilement vers l’ironie et évite magistralement le ridicule.
Et nous voilà transportés dans un institut religieux de campagne, vivement touchés
par cette histoire d’amitié et de solidarité sincères entre une sœur entêtée et une
fille aveugle et sourde abandonnée de tous qui, grâce à de l’attention et de l’amour,
devient un être social. (FRM)
Jean-Pierre Améris
Diplomato all’IDHEC, vince nel 1987 il Grand Prix del Festival
di Clermont-Ferrand con il cortometraggio Intérim. Il suo
secondo film Les aveux de l’innocent, presentato alla SIC
di Cannes nel 1996, ottiene il premio della critica. Marie
Heurtin è il suo nono lungometraggio.
Diplômé de l’IDHEC, il remporte le Grand Prix du Festival
de Clermont-Ferrand avec le court métrage Intérim. Son
deuxième film Les aveux de l’innocent, présenté à la SIC de
Cannes en 1996, obtient le prix de la critique. Marie Heurtin
est son neuvième long métrage.
Jean-Pierre Améris
Philippe Blasband
fotografia image
Virginie Saint-martin
musica musique
Sonia Wieder-Atherton
suono son
Laurent Lafran
montaggio montage
Anne Souriau
Escazal Films
France 3 Cinéma / Rhône-Alpes Cinéma
Indie Sales
29
MAESTRO
regista réalisatrice
Léa Fazer
commedia
comédie
30
colore
couleur
85 min
Déborah François
Michael Lonsdale
Pio Marmaï
I
film sul cinema sono pericolosi, bisogna avere la stoffa di Fellini o Truffaut per
liberarli dalla doppia gabbia del “mezzo” che parla di se stesso. Maestro è un film
disincantato, fresco e senza pretese e proprio per questo riuscito. Sarà per la forza e la sincerità di una storia che si ispira all’esperienza vissuta dallo sceneggiatore
Jocelyn Quivrin con il grande Rohmer, sarà per la grazia della regista Léa Fazer, sarà
per l’assoluta spontaneità di Pio Marmaï e Déborah François e di tutto il cast, ma
più la narrazione procede, più ci si affeziona ai personaggi e ci si rende conto che dietro all’apparente banalità di una storia semplice si trova una maggiore complessità.
Un giovane attore bello e superficiale è scelto da un maestro del cinema nel cast del
suo prossimo film. Il ragazzo conosce poco o niente dell’opera del grande regista
ed è del tutto impermeabile ai suoi insegnamenti. Col procedere della lavorazione
però, grazie al fascino della sua partner ed alla benevolenza del regista, cambierà atteggiamento, finendo col vivere quell’esperienza come un regalo inatteso, un
vero e proprio percorso di conoscenza. (FRM)
F
ilmer le cinéma est un exercice périlleux, il faut avoir l’étoffe de Fellini ou de
Truffaut pour se libérer de ce double piège du « medium cinématographique »
qui traite de lui-même. Maestro est un film désenchanté, frais et sans prétention, et c’est pour cette raison qu’il est réussi. Est-ce en raison de la force et de la
sincérité d’une histoire vraie, celle de la collaboration du scénariste Jocelyn Quivrin
avec le grand Rohmer ; est-ce la grâce de la réalisatrice Léa Fazer ; est-ce la spontanéité absolue de Pio Marmaï, Déborah François et de l’ensemble du casting ? Plus on
avance dans le film, plus on s’attache aux personnages et on se rend compte que,
derrière l’apparente banalité d’une histoire simple, se cache une majeure complexité.
Un acteur beau et superficiel est choisi par un « maestro » du cinéma pour son prochain film. Le jeune homme ne connaît rien ou presque de l’œuvre du grand réalisateur, il est complètement imperméable à ses enseignements. Mais au fil du tournage,
il change progressivement d’attitude grâce à la douceur de sa partenaire et à la bienveillance du metteur en scène. Il vivra cette expérience comme un don inattendu, un
véritable voyage initiatique. (FRM)
Léa Fazer
Nata in Svizzera, si laurea in cinema all’Università di Parigi e
approda alla regia passando dal teatro e dalla televisione. Il
suo esordio dietro la cinepresa è del 2003, con Bienvenue en
Suisse (selezionato a Cannes nella sezione Un certain regard),
a cui seguono Notre univers impitoyable (2007), Ensemble
c’est trop (2010) e Cookie (2011).
Née en Suisse, Léa Fazer suit des études de cinéma à
l’Université de Paris VII, elle aborde la mise en scène de
cinéma après avoir travaillé pour le théâtre et la télévision.
Sa carrière derrière la caméra commence en 2003 avec Bienvenue en Suisse (sélectionné à Cannes dans la section Un
certain regard) suivi de Notre univers impitoyable (2007),
Ensemble c’est trop (2010) et Cookie (2011). sceneggiatura scénario
Jocelyn Quivrin
Léa Fazer
scenografia décors
Marie-Hélène Sulmoni
Thierry Lautout
fotografia image
Lucas Leconte Afc
suono son
Olivier Mauvezin
Loïc Prian
Olivier Dô Hùu
montaggio montage
Jean-François Elie
Mandarin Cinéma
Rezo Productions
Rezo Films International
31
Hope
Boris Lojkine
drammatico
drame
32
colore
couleur
86 min
Justin Wang
Endurance Newton
N
oi ignoriamo. Ignoriamo tutto e fingiamo sempre. Ci fa comodo così con
l’Africa. Quando assistiamo impassibili a scene di morte sulle nostre
spiagge, fingiamo. Quando passiamo accanto ai centri di identificazione e
espulsione e non guardiamo oltre le sbarre, fingiamo. Quando abbiamo a che fare
con un immigrato, un rifugiato, un clandestino che tende la mano, giriamo la testa
e fingiamo. Dopo aver visto Hope non potremo più farlo. Fingere di non sapere. È
disumano quello che affrontano uomini, donne e bambini per lasciare la povertà,
le malattie, le guerre e aspirare a una vita migliore. Hope (Endurance Newton) è
nigeriana, Léonard (Justin Wang) del Cameroun. Con i pochi risparmi risalgono il Sahara verso l’Europa. In un mondo ostile di trafficanti di carne umana dove ciascuno
deve rimanere con i suoi, loro cercano di avanzare insieme verso il Mediterraneo e di
amarsi. Entriamo in situazioni che nessun reportage giornalistico ci ha mai mostrato così, capiamo i feroci meccanismi di un’inarrestabile transumanza di umanità.
Hope è un film bello, spietato e necessario che andrebbe visto e rivisto. Ha la verità
di un documentario (Boris Lojkine viene da quell’ambito) e la forza drammaturgica
di un grande film. Uno scalpello potente per scalfire l’ indifferenza.(FRM)
N
ous ignorons. Nous ignorons tout et nous faisons semblant continuellement.
Cela nous arrange d’être ainsi avec l’Afrique. Lorsque, impassibles, nous regardons les cadavres qui arrivent sur nos plages, nous faisons semblant.
Quand nous passons près de centres d’identification et d’expulsion et que nous ne
regardons pas au-delà des barreaux, nous faisons semblant. Lorsque nous croisons
un immigrant, un réfugié, un clandestin et qu’il nous tend la main, nous détournons
le regard et nous faisons semblant. Après avoir vu Hope nous ne pourrons plus le
faire. Faire semblant de ne pas savoir. Ce qu’affrontent hommes, femmes et enfants
pour quitter la pauvreté, les maladies, les guerres et aspirer à une vie meilleure est
inhumain. Hope (Endurance Newton) est nigérienne, Léonard (Justin Wang) vient du
Cameroun. Avec leurs maigres économies, ils remontent le Sahara jusqu’en Europe.
Dans un monde hostile de trafiquants de chair humaine où chacun doit rester bien
séparé, ils tentent ensemble de se rapprocher de la Méditerranée et de s’aimer. Aucun
reportage n’est entré d’une telle façon au cœur de ces situations et nous comprenons
alors les mécanismes cruels de la transhumance incessante de l’humanité. Hope est
un film magnifique, implacable et nécessaire, qui doit être vu et revu. Il possède la
vérité d’un documentaire (Boris Lojkine provient de ce monde) et la force dramatique
d’un grand film. Une lame affilée pour tailler l’indifférence. (FRM)
Boris Lojkine
Prima di debuttare dietro la macchina da presa come regista
di documentari ispirati al suo soggiorno in Vietnam, è stato
professore di filosofia all’università di Aix-en-Provence. Nel
2013 gira in Africa il suo primo film, Hope, ricompensato nel
2014 dal premio SACD della Semaine de la critique.
Avant d’entreprendre la réalisation de documentaires
inspirés par son séjour au Vietnam, Boris Lojkine a enseigné
la philosophie à l’université d’Aix en Provence. En 2013, il
tourne son premier film, Hope, récompensé en 2014 par le
prix SACD de la Semaine de la critique.
Boris Lojkine
musica musique
David Bryant
fotografia image
Elin Kirschfink
suono son
Marc-Olivier Brullé
montaggio montage
Gilles Volta
Zadig Films
33
Les nuits d’été
Mario Fanfani
commedia
comédie
34
colore
couleur
100 min
Guillaume de Tonquédec
Jeanne Balibar
Nicolas Bouchaud
Mathieu Spinosi
N
on sempre la realtà è come la vediamo e le apparenze possono ingannare,
soprattutto nella Francia provinciale della fine degli anni Cinquanta. Questo è, probabilmente, il modo migliore per riassumere Les nuits d’été. Con
un cenno d’intesa a Claude Chabrol, l’opera prima di Mario Fanfani racconta di una
rispettabile coppia, con Michel, un notaio come tanti, che nel tempo libero esce
dalla normalità, dedicandosi al travestitismo con il suo amico Jean-Marie, noto anche come Flavia. Les nuits d’été affronta la questione della mascolinità e indaga
su quella particolare generazione di uomini che hanno prestato servizio durante la
seconda guerra mondiale e che, quindici anni più tardi, hanno dovuto affrontare un
altro conflitto, quello franco-algerino, una guerra emotivamente molto tormentata. (Agnès C. Poirier)
In collaborazione con Le giornate degli autori
C
e que l’on voit ne correspond pas toujours à la réalité et les apparences
peuvent être trompeuses, surtout dans une France provinciale de la fin des
années Cinquante. Voilà probablement la meilleure façon de résumer Les
nuits d’été. Avec, en passant, un clin d’œil à Claude Chabrol, le premier film de Mario
Fanfani nous décrit un couple respectable, Michel en particulier, un notaire comme
tant d’autres, qui durant son temps libre sort des chemins battus pour se travestir en
compagnie de son ami Jean-Marie, surnommé Flavia. Les nuits d’été aborde la question de la masculinité et enquête sur cette génération d’hommes ayant servi pendant
la seconde guerre mondiale et qui, quinze ans plus tard, doivent affronter un autre
conflit dont l’impact émotionnel est fort : la guerre d’Algérie. (Agnès C. Poirier)
En collaboration avec Venice days
Mario Fanfani
Dopo una breve carriera da attore, Mario Fanfani sceglie di
diventare regista. I suoi primi cortometraggi, una trilogia
intitolata Un dimanche matin à Marseille (1999), sono realizzati per una campagna a sostegno delle persone affette
dall’AIDS. In seguito dirige per Arte Une saison Sibelius, il
suo primo film per la televisione. Les nuits d’été rappresenta il suo debutto cinematografico.
Après une brève carrière comme acteur, Mario Fanfani choisit de devenir réalisateur. Ses premiers courts métrages, une
trilogie intitulée Un dimanche matin à Marseille (1999),
sont réalisés dans le cadre d’une campagne en faveur des
malades du Sida. Il réalise ensuite pour Arte Une saison
Sibelius, son premier film pour la télévision. Les nuits d’été
est son premier film pour le cinéma.
Mario Fanfani
Gaëlle Mancé
fotografia image
George Lechaptois
montaggio montage
François Quiqueré
scenografia décors
Florian Sanson
musica musique
Rodolphe Burger
suono son
Laurent Poirier
Sandy Notarianni
Ivan Gariel
24 mai Production
France 3 Cinema
Le Pacte
35
LES VACANCES DU PETIT NICOLAS
Laurent Tirard
commedia
comédie
36
colore
couleur
97 min
Valérie Lemercier
Kad Merad
Luca Zingaretti
Dominique Lavanant
Mathéo Boisselier
L
a scuola è finita e le tanto agognate vacanze sono alle porte! Il piccolo Nicolas, i suoi genitori e Memé partono per il mare e s’istallano al Beau-Rivage Hotel. Sulla spiaggia immediatamente Nicolas fa amicizia con tutti: Biagio non
è un villeggiante ma un’abitante del luogo; Fruttuoso è amico di tutti perfino dei
pesci; Djodjo è uno che non parla come gli altri, si dà il caso che sia inglese; Crispino
piange sempre e Cosimo è un prepotente antipatico. Ma Nicolas conosce anche
Isabella, una ragazzina che lo guarda tutto il tempo con i suoi inquietanti occhioni
a palla, addirittura si è convinto che i suoi genitori gliela vogliano fare sposare a forza… Gli equivoci si accumulano e i problemi cominciano. Una cosa è certa: saranno
per tutti delle vacanze indimenticabili.
Laurent Tirard
È del 1999 il suo primo cortometraggio, De source sûre,
seguito l’anno successivo da Demain est un autre jour.
Nel 2004 affronta il lungometraggio con Mensonges et
trahisons et plus si affinités..., il successo con Le Petit
Nicolas – adattamento dell’amatissima serie letteraria –
arriva nel 2009. Tre anni più tardi firma la regia del quarto
episodio delle avventure Asterix e Obelix.
C
’est la fin de l’année scolaire. Le moment tant attendu des vacances est arrivé.
Le Petit Nicolas, ses parents et Mémé prennent la route en direction de la mer,
et s’installent pour quelques temps à l’Hôtel Beau-Rivage. Sur la plage, Nicolas se fait vite de nouveaux copains : il y a Blaise, qui n’est pas en vacances parce qu’il
vit ici, Fructueux, qui aime tout, même le poisson, Djodjo, qui ne parle pas comme eux
parce qu’il est anglais, Crépin, qui pleure tout le temps, et Côme, qui veut toujours
avoir raison et c’est très énervant. Mais Nicolas fait aussi la connaissance d’Isabelle,
une petite fille qui le regarde tout le temps avec de grands yeux ronds et inquiétants,
et à laquelle il croit que ses parents veulent le marier de force… Les quiproquos
s’accumulent, et les bêtises commencent. Une chose est sûre : ce sera, pour tout le
monde, des vacances inoubliables !
Son premier court métrage De source sûre date de 1999,
suit l’année suivante Demain est un autre jour. Il signe en
2004 le long métrage Mensonges et trahisons et plus si
affinités.... Le réalisateur ne tarde pas à jeter son dévolu
sur le mythique Petit Nicolas, dont il livre l’année suivante
une fidèle adaptation ciné. Trois ans plus tard, on lui confie
la réalisation du quatrième volet des aventures d’Astérix et
Obélix.
Laurent Tirard
Grégoire Vigneron
fotografia image
Denis Rouden – AFC
scenografia décors
Françoise Dupertuis - ADC
suono son
Eric Devulder
montaggio montage
Valérie Deseine
Fidélité / Imav
Wild Bunch
Wild Bunch
BIM
37
Stéphane Demoustier
drammatico
drame
38
Terre battue
colore
couleur
95 min
Olivier Gourmet
Valeria Bruni Tedeschi
Charles Mérienne
N
ell’opera prima di Stéphane Demoustier, la “terra battuta” è quella rossa
dei campi da tennis dove si allena il giovane protagonista, ma in senso più
lato potrebbe essere la “terra sconfitta”, quella dove si svolgono le vicende
narrate, che poi è la Francia e l’Europa di oggi. Una terra i cui cardini sociali sono
corrosi e non funzionano più. Il lavoro, la famiglia, lo sport inteso come scuola di
regole e di valori. All’inizio c’è il licenziamento del direttore di un grande magazzino
che per la sua età, sopra i cinquanta, è considerato dall’azienda incompatibile con
le nuove tecniche del marketing. La crisi di Jérôme (Olivier Gourmet) dal lavoro si
sposta alla famiglia, al rapporto di coppia, intacca il suo ruolo di padre. Disorientato
e solo, trasferisce ogni sua residua aspirazione sul figlio quattordicenne, talentuoso
tennista in predicato di entrare nel vivaio della nazionale… Valeria Bruni Tedeschi (a
suo agio dietro e davanti la macchina da presa, nel cinema italiano come in quello
francese) nel ruolo di Laura, donna sensibile e inquieta, si cala pienamente in un
personaggio anticonvenzionale con lo sguardo volto verso un futuro modello femminile libero e consapevole di sé. (FRM)
D
ans ce premier film de Stéphane Demoustier, la « terre battue », c’est la terre
rouge des courts de tennis où s’entraîne le jeune protagoniste. Mais c’est
aussi, au sens large, la « terre de la défaite », celle où se déroule ce récit, la
terre de la France et de l’Europe d’aujourd’hui. Une terre dont les rouages sociaux,
tels que le travail, la famille, le sport, vu comme apprentissage de règles et de valeurs,
sont rouillés et ne fonctionnent plus. Tout commence avec le licenciement du directeur d’un grand magasin. Comme il est âgé de plus de cinquante ans, son entreprise
considère qu’il est désormais incompatible avec les nouveaux critères du marketing.
La crise que Jérôme (Olivier Gourmet) traverse se déplace de son milieu professionnel
vers sa vie familiale, son couple et affecte son rôle de père. Désorienté et seul, il projette ce qui lui reste d’aspirations sur son fils de quatorze ans, un jeune et talentueux
joueur de tennis sur le point d’entrer dans la pépinière de l’équipe nationale... Pour le
rôle de Laura, une femme sensible, inquiète, Valeria Bruni Tedeschi – pleine d’aisance
aussi bien devant que derrière la caméra, en France comme en Italie – s’immerge
totalement dans ce personnage anticonformiste qui tend vers un modèle nouveau,
celui d’une femme libre et maîtresse de son destin. (FRM)
Stéphane Demoustier è nato a Lille nel 1977. Ha realizzato
dei cortometraggi selezionati e premiati da numerosi
festival in Francia e all’estero. Nel 2013 realizza un documentario, Les petits joueurs, che descrive la storia di tre
ragazzi che partecipano ai campionati di Francia di tennis
per giovani. Terre battue è il suo primo lungometraggio.
Stéphane Demoustier est né à Lille en 1977. Il a réalisé des
court métrages, sélectionnés et primés dans de nombreux
festivals en France et à l’étranger. En 2013, il réalise un
documentaire, Les petits joueurs, décrivant le parcours de
trois enfants qui participent aux championnats de France
de tennis des 10-11 ans. Terre battue est son premier long
métrage.
scenografia décors
Paul Rouschop
fotografia image
Julien Poupard
suono son
Emmanuel Bonnat
Julie Brenta
Vincent Verdoux
montaggio montage
Damien Maestraggi
Les Films Velvet
Arte France Cinéma / Année Zéro
Films Distribution
39
Omaggio a Alain Resnais
Hommage à Alain Resnais
ALAIN RESNAIS
44
Foto Angela Lo Priore ©
Resnais, l’esploratore dell’immaginario
di Aldo Tassone
I
l cineasta che più invidiavamo ai francesi, il più immaginativo, inventivo, e discreto (mai si è preso per un Autore, come
accadrà a troppi ragazzi della Nouvelle Vague), probabilmente il più geniale della sua generazione, se ne è andato in punta di
piedi i primi di marzo a 91 anni così com’era vissuto: nell’ombra.
Da outsider cresciuto tra i laboratori del montaggio di cui è un
esperto mondiale, fuori da scuole e gruppi (la troppo osannata
Nouvelle Vague non riuscì né ad annetterselo, né ad eguagliarlo), libero quindi di offrirsi tutte le sperimentazioni possibili, il
regista bretone ci ha lasciato una ventina di film che sono uno
decisamente diverso dall’altro.
Il suo segreto? «Ci sono due modi fondamentali di far cinema»,
ci disse una volta a Firenze (la sua retrospettiva 1991 fu un evento
grandioso). «Mettere la cinepresa davanti alla realtà e filmarla,
oppure (alla surrealista) collocarla dentro il cervello, nella coscienza dei personaggi». Scegliendo la seconda via Resnais si è
dedicato scientificamente all’esplorazione della vita mentale,
all’indagine dei meccanismi che condizionano i comportamenti
dell’animale uomo. Nel tentativo di ricomporre i diversi frammenti di coscienza della vita interiore dei suoi personaggi il regista si
è genialmente inventato un montaggio tutto suo, estremamente
frammentato, “a pulsazioni”, fatto di rapidissimi flashes. («Nella
mente umana – mi faceva notare – reale e immaginario, passato
e futuro, si alternano senza soluzione di continuità, il pensiero
cambia di ritmo continuamente, non c’è cronologia...»).
Contrariamente a quanto si potrebbe credere, non c’è niente
però di “cervellotico” nei suoi film: dietro l’occhio del sottile
esploratore dell’immaginario batte il cuore di un autentico poeta. Irrimpiazzabile.
Resnais, l’explorateur de l’imaginaire
de Aldo Tassone
L
e cinéaste que nous envions le plus aux français, le plus
imaginatif, inventif et discret (jamais il n’a joué à faire l’Auteur, à l’inverse de nombre des protagonistes de la Nouvelle
Vague). Il est sans aucun doute le plus brillant de sa génération,
il s’en est allé sur la pointe des pieds au début du mois de mars
à 91 ans, comme il a vécu, dans l’ombre. Un outsider formé tout
d’abord dans les salles de montage où il a acquis une compétence
mondialement reconnue, loin des écoles ou des chapelles (la trop
célèbre Nouvelle Vague ne put l’annexer, ni l’égaler). Totalement
libre d’expérimenter dans toutes les directions, le réalisateur breton nous laissé une vingtaine de films, tous d’une incroyable variété. Son secret ? « Il y a deux façons fondamentales de faire des
films » nous a-t-il dit une fois, à Florence (sa rétrospective en 1991
fut un grand événement). « Mettre la caméra en face de la réalité et la filmer, ou la placer (à la façon surréaliste) à l’intérieur du
cerveau, dans la conscience des personnages ». En choisissant la
deuxième option, Resnais s’est consacré de manière scientifique à
l’exploration de la vie mentale, à l’étude des mécanismes influençant le comportement de l’animal-homme. Par cette tentative
de conciliation entre les multiples fragments de conscience de la
vie intérieure de ses personnages, le metteur en scène a inventé
avec génie un montage qui lui est propre, extrêmement éclaté,
« pulsé », fait de rapides instantanés. (« Dans l’esprit humain –
tenait – il à souligner – le réel et l’imaginaire, le passé et le futur
s’alternent sans continuité, la pensée change de rythme continuellement, la chronologie n’existe pas …») Contrairement à ce
que l’on pourrait croire, il n’y a cependant rien d’intellectualisant
dans ses films : derrière le regard du subtil explorateur de l’imaginaire bat le cœur d’un véritable poète. Irremplaçable.
Filmografia - Filmographie
1959
1961
1963
1966
1968
1974
1977
1980
1983
1984
Hiroshima mon amour
L’anno scorso a Marienbad (L’année dernière à Marienbad)
Muriel, il tempo di un ritorno (Muriel)
La guerra è finita (La guerre est finie)
Je t’aime, je t’aime - Anatomia di un suicidio (Je t’aime, je t’aime)
Stavisky il grande truffatore (Stavisky...)
Providence
Mio zio d’America (Mon oncle d’Amérique)
La vita è un romanzo (La vie est un roman)
L’amour à mort
1986 Mélo
1989 Voglio tornare a casa (I Want to Go Home)
1993 Smoking/No Smoking
1997
Parole, parole, parole... (On connaît la chanson)
2003 Mai sulla bocca (Pas sur la bouche)
2006 Cuori (Cœurs)
2009 Gli amori folli (Les herbes folles)
2012 Vous n’avez encore rien vu
2014 Aimer, boire et chanter
45
AIMER, BOIRE ET CHANTER
Alain Resnais
commedia
comédie
46
colore
couleur
108 min
2014
Sabine Azéma
Hippolyte Girardot
Michel Vuillermoz
Caroline Silhol
Sandrine Kiberlain
André Dussollier
Alba Gaia Bellugi
D
a sempre appassionato di teatro, curiosando nei teatri
d’oltremanica Alain Resnais ha scoperto una ventina d’anni fa un drammaturgo – Alan Ayckbourn – a lui particolarmente congeniale. «Quelli che Ayckbourn scrive per la scena
sono come dei film, mentre io cerco di creare per il cinema delle
pièces teatrali, siamo fatti l’uno per l’altro» diceva in tono scherzoso il regista. In cerca di soggetti economicamente abbordabili
(scrivere copioni richiede troppo tempo e lui sente di non averne
più, e poi girare in studio costa meno), a novant’anni compiuti il
regista bretone si è nuovamente rivolto all’amico inglese (anni fa
aveva portato sullo schermo con successo il dittico Smoking/No
smoking, e Cuori). La scelta cade su Life of Riley: per ragioni produttive diventato Aimer, boire et chanter in omaggio a un’operetta
viennese di Johan Strauss.
Tre pacifiche coppie di amici nello Yorkshire. Un loro grande amico
d’infanzia (George Riley) si ammala gravemente; per alleviare gli
ultimi mesi di vita del povero George si scatena una sorprendente gara di commovente solidarietà fra le tre sensibili dame. Quale
delle tre partirà con lui nei mari del sud? L’ombra della morte si
aggira sullo sfondo. Gran finale a sorpresa.
Geniali invenzioni registiche, un ritmo musicale del montaggio,
interpreti prodigiosi: Resnais si licenzia dunque con un’elegante
commedia alla Lubitsch, un’opera di alta ibridazione tra cinema
e teatro, l’emozionante inno alla vita di un patriarca che osserva
come dall’aldilà il risibile disordine delle passioni umane.
Aldo Tassone
Laurent Herbiet
Alex Reval
fotografia image
Dominique Bouilleret
montaggio montage
Hervé De Luze
scenografia décors
Jacques Saulnier
musica musique
Mark Snow
suono son
Jean-Pierre Duret
Gérard Hardy
Gérard Lamps
P
assionné de théâtre depuis toujours, Alain Resnais, flânant
sur la scène anglaise, a découvert il y a vingt ans un auteur qui
lui va comme un gant – Alan Ayckbourn – « ce que Ayckbourn
écrit pour la scène est comme du cinéma, tandis que moi je cherche
à créer pour le cinéma des pièces de théâtre, nous sommes faits l’un
pour l’autre » disait le réalisateur d’un ton amusé. À la recherche
de sujets économiquement abordables (écrire des scenarii demande
trop de temps, il pressent qu’il ne lui en reste plus beaucoup et les
tournages en studio sont moins onéreux) le metteur en scène breton de quatre-vingt-dix ans s’adresse de nouveau à l’ami anglais (il
avait auparavant adapté avec succès le diptyque Smoking/No smoking et Cœurs). Le choix se porte sur Life of Riley : pour des raisons de
production le titre deviendra Aimer, boire et chanter en hommage à
une amusante opérette du viennois Johann Strauss.
Trois paisibles couples d’amis vivent dans le Yorkshire. Un de leurs
amis d’enfance (George Riley) tombe gravement malade : pour alléger les derniers mois de vie du pauvre George, un émouvant concours
de solidarité se déclenche entre les trois sensibles épouses. Laquelle
des trois partira avec lui dans les mers du sud ? L’ombre de la mort
plane en l’arrière-plan. Grand final avec rebondissement.
De brillantes solutions de mise en scène, un montage au rythme musical, des interprètes prodigieux. Resnais s’en va donc avec une élégante
comédie à la Lubitsch, une œuvre qui est un hybride parfait du cinéma
et du théâtre, l’hymne émouvant à la vie d’un patriarche qui observe
comme depuis l’au-delà le risible désordre des passions humaines.
Aldo Tassone
Jean-Louis Livi
F Comme Film / France 2 Cinéma / Solivagus
Le Pacte
47
COEURS
Alain Resnais
commedia sentimentale
comédie romantique
48
colore
couleur
125 min
2006
Sabine Azéma
Isabelle Carré
Laura Morante
Pierre Arditi
André Dussollier
Claude Rich
Lambert Wilson
I
l sipario si apre sulla visita ad un appartamento, intercalata da un rimpianto: «Piccolo!». Più tardi, la donna che cerca di ingrandire la sua abitazione annuncia al compagno
che lo lascia, confessandogli che prova per lui
ormai solo un sentimento minuscolo. In questo desiderio di espansione e questa fatalità
del ristringimento, tutto è detto: i personaggi
di Cœurs affrontano due problemi contigui:
quello dell’amore e della convivenza. Nel loro
spazio metà fisico e metà mentale, gli inquilini
«si ghiacciano insieme» o «si riscaldano entrambi».
Testo estratto dal libro Alain Resnais
di Jean-Luc Douin
Guernica
(1950)
cortometraggio
court métrage
13 min
bianco e nero
noir et blanc
registi réalisateurs
Alain Resnais
Robert Hessens
testo texte
Poul Eluard
montaggio montage
Alain Resnais
raccontato da dit par
Maria Casarès
Jacques Pruvost
suono son
Pierre-Louis Calvet
fotografia image
Henry Ferrand
adattamento e dialoghi
adaptation et dialogues
Jean-Michel Ribes
fotografia image
Eric Gautier - AFC
montaggio montage
Hervé De Luze
L
e rideau s’ouvre sur une visite d’appartement, ponctuée par un regret: « Petit! ».
Plus tard, la femme qui cherche à agrandir
son logis annonce à son compagnon qu’elle le
quitte en lui avouant qu’elle ne ressent plus pour
lui qu’un émoi minuscule. Dans ce désir d’expansion et cette fatalité du rétrécissement, tout
est dit : les personnages de Cœurs affrontent
deux problèmes mitoyens : ceux de l’amour et
de la cohabitation. Dans leur espace mi-géographique mi-mental, les locataires « se gèlent
ensemble » ou « étouffent tous les deux ».
Texte extrait du livre Alain Resnais
de Jean-Luc Douin
musiche musique
Guy Bernard
Panthéon/Pierre Braunberger
Montaggio esplosivo
e colonna sonora
elaborata per questo
documentario,
orchestrato intorno
alla tela di Picasso e
realizzato con l’aiuto
di quadri, disegni e
sculture dell’artista.
Montage explosif et
bande-son travaillée
pour ce documentaire
orchestré autour du
tableau de Picasso
et réalisé à l’aide des
peintures, dessins et
sculptures de l’artiste.
scenografia décors
Jacques Saulnier
Jean-Michel Ducourty
Solange Zeitoun
suono son
Jean-Marie Blondel
ALAIN RESNAIS
Nel 1943 Alain Resnais entra ufficialmente
nel mondo del cinema diplomandosi presso
il primo corso di montaggio dell’Istituto
IDHEC (l’attuale Fémis). Dopo la guerra si
fa notare per i corti Les Statues meurent
aussi (1954) e Nuit et brouillard (1956). Nel
1959 arriva il suo primo lungometraggio,
Hiroshima mon amour. Tra gli anni 1980
e 1990, sono tre i film che segnano la sua
carriera: Mon Oncle d’Amérique (1980),
Smoking-No Smoking (César come Migliore film nel 1993) e On connait la chanson
(1997). Aimer, boire et chanter, presentato
all’ultimo Festival di Berlino, ha vinto il
Premio Alfred Bauer per l’innovazione.
C’est en 1943 qu’Alain Resnais entre
officiellement dans le monde du cinéma
lorsqu’il obtient son diplôme de monteur
après avoir suivi le premier cours de l’IDHEC
(l’actuelle Fémis) dans cette spécialité.
Après la guerre, il obtient une certaine
reconnaissance avec Les Statues meurent
aussi (1954) et Nuit et brouillard (1956).
En 1959 il réalise son premier long métrage,
Hiroshima mon amour. Entre les années
1980 et 1990, trois de ses films marquent
un tournant dans sa carrière : Mon Oncle
d’Amérique (1980), Smoking-No Smoking (César du meilleur film en 1993) et On
connaît la chanson (1997). Aimer, boire
et chanter, présenté au dernier Festival de
Berlin, a reçu le Prix Alfred Bauer récompensant ses qualités d’innovation.
Soudaine Compagnie
Studiocanal / France 2 Cinéma / Sfp Cinéma / Bim Distribuzione
Studio Canal
BIM
49
HIROSHIMA MON AMOUR
Alain Resnais
drammatico
drame
50
bianco e nero
noir et blanc
90 min
1959
Emanuelle Riva
Eiji Okada
Bernard Fresson
Stella Dassas
Pierre Barbaud
R
esnais non è un realista, alla realtà preferisce l’immaginario; la proposta del produttore di Notte e nebbia (1955,
straordinario documentario sui lager nazisti, il suo primo
capolavoro) di andare a girare un film pacifista a Hiroshima lo lascia un po’ perplesso; ma lui è uno che ama lavorare su commissione, e non osa rifiutare. «Non farò un altro film-monumento ai
morti. L’esorcismo degli orrori del passato non deve richiudersi su
se stesso ma proiettarsi nell’avvenire.» Bisogna trovare una storia
originale. Quella che gli propone la scrittrice Marguerite Duras è
davvero allettante.
A Hiroshima per interpretare un film contro l’atomica, un’attrice
francese (splendida Emmanuelle Riva, nel film non ha nome) fa
conoscenza con un affascinante architetto giapponese che le fa
da guida spirituale in quel paesaggio apocalittico. A contatto con
quella realtà scioccante emerge a sprazzi nella sua coscienza il ricordo traumatico di una terribile esperienza quand’era ragazza a
“Nevers en France” (sotto l’occupazione tedesca è stata umiliata e
offesa per aver amato un soldato tedesco uccisole sotto gli occhi).
Il confronto tra questo minuscolo Dramma privato e la grande Tragedia collettiva di Hiroshima stimola la fantasia del regista bretone, grande appassionato dell’immaginario.
Concepito come un ampio poema lirico (la cenere atomica che
cade sui corpi nudi degli amanti), ricchissimo di invenzioni formali rivoluzionarie per l’epoca (discontinuità cronologica, ricordi
rivissuti al presente), incomparabili finezze nel rappresentare i
meccanismi psichici della memoria, Hiroshima mon amour è uno
sconvolgente capolavoro del cinema moderno, in netto anticipo
sulla Nouvelle Vague.
Aldo Tassone
Marguerite Duras
fotografia image
Sacha Vierny
Michio Takahashi
montaggio montage
Anne Sarraute
Jasmine Chasney
Henri Colpi
scenografia décors
Minoru Esaka
Antoine Mayo
Lucilla Mussini
musica musique
Georges Delerue
Giovanni Fusco
suono son
Pierre Calvet
R
esnais n’est pas un réaliste, il préfère l’imaginaire à la réalité.
Lorsque le producteur de Nuit et brouillard (1955, cet extraordinaire documentaire sur les camps de concentration nazis,
son premier chef-d’œuvre) lui propose ensuite d’aller tourner un film
pacifiste à Hiroshima, il est quelque peu perplexe ; habitué à travailler sur commande, il n’ose pas refuser. « Je ne vais pas faire un autre
film-monument aux morts. Pour exorciser les horreurs du passé, il
ne faut pas se refermer sur soi-même mais se projeter vers l’avenir ».
Il faut donc trouver une histoire originale. Celle que lui suggère l’écrivain Marguerite Duras est vraiment alléchante. Une comédienne
française (la splendide Emmanuelle Riva qui dans le film n’a pas de
nom) part pour Hiroshima afin d’interpréter un film contre la bombe
atomique. Elle fait la connaissance d’un séduisant architecte japonais qui lui sert de guide spirituel dans ce paysage apocalyptique. Au
contact d’une réalité aussi bouleversante, du fond de sa conscience
émerge en rafales le souvenir d’une expérience traumatisante vécue
alors qu’elle était adolescente à « Nevers en France » (sous l’occupation allemande elle avait été humiliée et offensée pour avoir aimé
un soldat allemand tué sous ses yeux). Le parallèle entre ce minuscule drame intime et la grande tragédie collective d’Hiroshima stimule l’imagination du réalisateur breton épris de l’imaginaire. Conçu
comme un grand poème lyrique (la cendre atomique qui tombe sur
les corps nus des amants), fourmillant d’inventions formelles révolutionnaires pour l’époque (discontinuité chronologique, souvenirs
ré-évoqués dans le présent), Hiroshima mon amour qui décrit avec
une finesse inédite les mécanismes psychiques de la mémoire, est
un bouleversant chef-d’œuvre du cinéma moderne, en surprenante
avance sur la Nouvelle Vague.
Aldo Tassone
Institut français Firenze - Teatrino
Introduce Laetitia Cénac autrice del
libro Marguerite Duras. L’écriture de la passion
Avec une introduction de Laetitia Cénac, auteur du
livre Marguerite Duras. L’écriture de la passion
Argos Films / Production Daiei Studios / Production Pathé Entertainment /
Como Film
51
H
o pubblicato giusto un anno fa un’opera su Alain Resnais
senza immaginarmi che, qualche mese dopo, alle esequie del
regista, avrei fatto la conoscenza di Francesco Ranieri Martinotti, direttore di France Odeon. Cosa c’è di più naturale se non accettare l’invito che quest’ultimo mi ha lanciato quel giorno, tanto più che
Alain Resnais aveva dei legami profondi con il Festival e che io stesso
ho un’amicizia di lunga data con Aldo Tassone, che era vicino a Alain
Resnais e Sabine Azéma?
Immagino che questa presentazione si svolgerà all’insegna del divertimento, perché quella era la parola d’ordine di Resnais, che i suoi
film scritti da Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol o
Jorge Semprun hanno lungamente catalogato come un intellettuale
de la Rive gauche, ma che era permeato d’ironia, amante dell’opera,
del teatro e del fumetto, discepolo di Sacha Guitry come di André
Breton, amante dei fantasmi, sperimentatore di forme e soprattutto orchestratore di sfide. Quello che negli Stati Uniti chiamano
entertainment.
Questo esploratore dell’immaginario non ha altra intenzione che
divertire e divertirci, sondando i meccanismi del cervello. «Filmo
quel che ho nella testa», diceva, filmando i film che si elaboravano
nella testa dei suoi personaggi, nel ricordo di ciò che hanno vissuto
e nella proiezione verso ciò che deve loro accadere. E, di conseguenza, filmando i nostri.
Jean-Luc Douin
J’
ai publié il y a juste un an un ouvrage sur Alain Resnais, sans
me douter que, quelques mois plus tard, aux obsèques du
cinéaste, je ferai la connaissance de Francesco Ranieri Martinotti, directeur de France Odéon. Quoi de plus naturel que d’accepter l’invitation que ce dernier me lança ce jour-là, d’autant qu’Alain
Resnais avait des liens profonds avec ce Festival, et que j’entretiens
moi-même une amitié de longue date avec Aldo Tassone, qui était
proche d’Alain Resnais et de Sabine Azéma ? J’imagine que ces Rencontres se dérouleront sous le signe du divertissement. Car tel était
le maître mot de Resnais, que ses films écrits par Marguerite Duras,
Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol ou Jorge Semprun ont longtemps
catalogué comme un intellectuel de la Rive gauche, mais qui était
pétri d’humour, amateur d’opéra, de théâtre et de bande dessinée,
disciple de Sacha Guitry autant que d’André Breton, amateur de
fantômes, expérimentateur de formes et avant tout orchestrateur
de défis. Ce qu’aux états-Unis on appelle l’entertainment. Cet explorateur de l’imaginaire n’avait d’autre programme que de s’amuser,
et nous amuser, en sondant les mécanismes du cerveau. « Je filme
ce que j’ai dans la tête », disait-il, filmant les films qui s’élaboraient
dans la tête de ses personnages, dans le souvenir de ce qu’ils ont
vécu et la projection de ce qu’il va leur arriver. Et, du coup, filmant
les nôtres.
Jean-Luc Douin
Alain Resnais
Jean-Luc Douin
Editions La Martinière, 280 p.
Presentazione Présentation
Institut français Firenze
Jean-Louis Douin è stato giornalista a Télérama, poi a Le monde (vice capo redattore
al Monde de livres, poi critico di cinema), membro del Comitato di selezione del
Festival di Cannes, responsabile del cinema al Festival di Avignone. Ha pubblicato
tra le altre delle opere su sur Andrzej Wajda e Bertrand Tavernier, dei dizionari su La
censura al cinema, su Jean-Luc Godard e su Le cinéma du désir (una biografia di
Gérard Lebovici) nonché un romanzo, Le premier soleil.
Jean-Louis Douin a été journaliste à Télérama, puis au Monde (rédacteur en chef
adjoint du Monde de Livres, puis critique de cinéma), membre du Comité de sélection du Festival de Cannes, responsable du cinéma au Festival d’Avignon. Il a publié
entre autres des ouvrages sur Andrzej Wajda et Bertrand Tavernier, des dictionnaires
sur la Censure au cinéma, sur Jean-Luc Godard et sur Le cinéma du désir (une
biographie de Gérard Lebovici) ainsi qu’un roman, Le premier soleil.
53
54
La mostra
L’Exposition
Foto da avere
Actrices
Cinema Odeon
30 ottobre / 11 novembre
Mostra fotografica di Kate Barry
56
Exposition de photographies de Kate Barry
«D
iscreta, generosa, premurosa, delicata, sottile, dolce,
umile, sensibile, con una risata incredibile, strana,
malinconica»: così la curatrice Aline Arlettaz descrive Kate Barry, presentando la mostra Actrices che espone 25 ritratti
di attrici francesi scattati dall’artista, figlia di Jane Birkin e del compositore John Barry. Approdata alla fotografia dopo un esordio da
stilista, Kate Barry preferì «l’ombra degli studi di posa alla luce dei
proiettori». Impegnata socialmente e umanamente, sensibile alle
cause dei più deboli, siano animali feriti o senza tetto per le strade,
Kate Barry «amava le rughe, le imperfezioni, le cicatrici», riuscendo
a captare «quanto di più sensibile e personale» c’era in ognuno dei
suoi modelli. Mai prima d’ora le attrici erano state fotografate così.
«Senza artificio, lasciandosi andare a stati d’animo indefiniti, abbandonandosi (…) Il ritratto di Laetitia Casta fa pensare al film Bellissima
di Visconti, quello di Lou Doillon al disegno Donna seduta con gambe rannicchiate di Egon Schiele, e le fotografie di Géraldine Pailhas e
Charlotte Gainsbourg ad un film americano degli anni Cinquanta».
La sua prematura e tragica scomparsa, nel 2013, ha colto tutti alla
sprovvista, compresa Arlettaz: «Ho salvato il tuo ultimo sms del 10
dicembre, come per non interrompere la nostra conversazione».
Omaggio a Kate Barry, omaggio del suo grande talento alle star
del cinema, Actrices è una produzione dell’Institut français destinata all’estero in partenariato con Roman de Kermadec, figlio
dell’artista.
«D
iscrète, généreuse, attentionnée, délicate, subtile, douce,
humble, sensible, avec un rire incroyable, drôle, mélancolique », c’est ainsi que la commissaire Aline Arlettaz
décrit Kate Barry, dans sa présentation d’Actrices, l’exposition réunissant 25 portraits d’actrices françaises photographiées par l’artiste, fille
de Jane Birkin et du compositeur John Barry. Arrivée à la photographie
après une carrière de styliste, Kate Barry a préféré « l’ombre des studios
photos à la lumière des projecteurs ». Engagée socialement et humainement, sensible au sort des catégories les plus fragiles, les sans abris
dormant dans la rue, les animaux blessés, Kate Barry « aimait les rides,
les imperfections, les cicatrices » et réussissait à « capter ce qu’il y avait
de plus sensible et de personnel » dans chacun de ses modèles. Jamais
auparavant on n’avait photographié des actrices comme elle a su le
faire. « Sans artifice, se laissant aller à des états indécis, s’abandonnant (…) Le portrait de Laetitia Casta fait penser au film Bellissima de
Visconti, celui de Lou Doillon au dessin d’Egon Schiele intitulé Sitting
woman with legs drawnup, et les photographies de Géraldine Pailhas
et Charlotte Gainsbourg, à un film américain des années Cinquante ».
Sa disparition tragique et prématurée en 2013 a surpris tout le monde,
y compris Aline Arlettaz : « J’ai gardé ton dernier sms précieusement
comme pour ne pas interrompre notre conversation ».
Hommage à Kate Barry, hommage de son grand talent de photographe aux stars de cinéma, Actrices est une production de l’Institut
français destinée à l’international en partenariat avec Roman de
Kermadec, le fils de l’artiste.
Una proposta dell’INSTITUT FRANCAIS; in Italia con il sostegno di AXA ART e AXA Italie – Trasportatore ufficiale TRENITALIA
L’Institut français è presente in Francia e nel mondo, così come in Italia a Firenze, Roma, Milano, Napoli e Palermo
Une proposition de l’INSTITUT FRANçAIS ; en Italie avec le soutien d’AXA ART et AXA Italie – Transporteur officiel TRENITALIA
L’Institut français est présent en France et dans le monde, ainsi qu’en Italie à Florence, Rome, Milan, Naples et Palerme
Figlia di Jane Birkin e del compositore John Barry, Kate Barry (1967-2013) fu prima di
tutto stilista. Nel 1996 debutta nella fotografia, collaborando con prestigiose riviste.
Realizza anche numerose copertine di dischi e lavora nella pubblicità di celebri marchi. La sua prima mostra come fotografa si tiene alla Bunkamura Gallery di Tokyo
nel 2000. Ne seguono molte altre in Francia, Italia e Giappone. Ha anche scritto e
realizzato un film documentario sullo scrittore Philippe Djian e pubblicato un libro
fotografico con testi dello scrittore Jean Rolin, Dinard, essai d’autobiographie
immobilière.
Fille de Jane Birkin et du compositeur John Barry, Kate Barry (1967-2013) commence
à travailler comme styliste. En 1996 elle fait ses débuts dans la photographie et
collabore avec des magazines prestigieux. Elle réalise de nombreuses couvertures
de disques et travaille pour la publicité de marques célèbres. Sa première exposition
de photographies a lieu à la Bunkamura Gallery de Tokyo en 2000. Suivront de nombreuses autres en France, en Italie et au Japon. Elle a également écrit et réalisé un film
documentaire sur l’écrivain Philippe Djian et a publié un livre de photographies Dinard,
essai d’autobiographie immobilière avec un texte de l’écrivain Jean Rolin.
57
Il Convegno
La Rencontre
Convegno Rencontre
La legge francese sul cinema
Belle toujours
La loi française sur le cinéma
Analisi e riflessioni sulle norme che regolano
il cinema in Francia
60
Analyses et réflexions sur les normes qui
réglementent le cinéma en France
D
a quando abbiamo ricevuto il testimone di France Cinéma
con l’impulso di dare continuità al festival di cinema francese di Firenze abbiamo visto centinaia di film e tanti sono
stati i produttori, i registi, gli sceneggiatori e gli attori che abbiamo
conosciuto. Numerose le distribuzioni internazionali con le quali
abbiamo lavorato. Molte edizioni del festival di Cannes ci hanno
portato sulla Croisette e con una certa frequenza abbiamo interloquito con le istituzioni francesi del settore. Un osservatorio privilegiato dal quale abbiamo potuto constatare
come il cinema francese funzioni soprattutto grazie a un’impalcatura legislativa solida e precisa che ha seguito passo passo l’evoluzione del cinema nel suo procedere artistico, commerciale e
tecnologico.
All’inaugurazione della passata edizione di France Odeon, all’allora sindaco Matteo Renzi regalammo un dizionario francese-italiano, sottolineando che per puntare a una riforma seria del settore
bisogna aver ben presente la legge francese.
A un anno di distanza, intendiamo tornare sull’argomento e, avvalendoci della presenza dei molti ospiti francesi (ognuno dei quali
parlerà degli effetti che la normativa produce nel proprio ambito di competenza) cercare di conoscere più nei dettagli una legge
entrata in vigore in Francia nel 1947 e che rimane ancora oggi un
modello di riferimento in tutto il mondo.
D
epuis que France Cinéma nous a transmis le témoin et que
nous avons poursuivi cette dynamique de valorisation du
festival du cinéma français à Florence, nous avons visionné
des centaines de films. Nous avons rencontré de très nombreux producteurs, réalisateurs, scénaristes et acteurs, sans oublier les nombreuses sociétés de distributions internationales avec lesquelles
nous avons travaillé. Les multiples éditions du festival de Cannes
nous ont conduits sur la Croisette et les institutions françaises du
secteur cinématographique ont été nos interlocuteurs réguliers. C’est de ce point de vue privilégié que nous avons pu constater que
le cinéma français fonctionne surtout grâce à un cadre législatif
solide et rigoureux qui a suivi étape par étape l’évolution du cinéma
dans son avancée artistique, commerciale et technologique.
Lors de l’ouverture de la dernière édition de France Odéon, nous
avons offert à Matteo Renzi, alors maire de Florence un dictionnaire français-italien, soulignant à quel point il était nécessaire de
prendre en considération la loi française afin d’entreprendre une
réforme sérieuse du secteur en Italie.
Un an plus tard, notre intention est de revenir sur ce thème et,
grâce à la présence des nombreux invités français qui expliqueront
les effets de la législation dans chacun de leur domaine de compétence, nous chercherons à connaître plus en détail une loi entrée en
vigueur en France en 1947 et qui reste encore aujourd’hui une référence dans le monde entier.
Palazzo Sacrati Strozzi - Sala Pegaso
31 ottobre ore 11
Introduce Introduction
Francesco Ranieri Martinotti
Conclusioni Conclusions
Senatrice Rosa Maria Di Giorgi (Commissione istruzione pubblica, beni
culturali, ricerca scientifica, spettacolo e sport del Senato)
Interventi Intervenants
David Kessler (ancient directeur général du CNC)
Jean-Louis Livi (producteur)
Angelo Cianci (réalisateur et professeur de cinéma)
Agnès de Sacy (scénariste)
Isabelle Massot (Festival international des scénaristes)
61
Sigla d’autore
L’animazione che precede i film L’animation qui introduit les films
62
Q
uest’anno France Odeon ha commissionato a due artisti l’ideazione e l’accompagnamento musicale di una sigla d’autore che precederà le proiezioni. Disegnata da Clet e musicata dal compositore Puccio Pucci, la sigla è
una rappresentazione in movimento dei simboli tipici della street art di Clet, con
una funzionalità specifica rivolta al festival. Un’altra eccellenza del territorio, la
produzione Stranemani International specializzata in animazione, l’ha realizzata.
Clet
C
ette année, France Odéon a commandé à deux artistes la réalisation d’un
générique ainsi que sa musique d’accompagnement pour introduire chaque
projection. Dessiné par Clet et mis en musique par le compositeur Puccio Pucci, le générique, conçu spécialement pour le festival, met en mouvement les figures
typiques de la street art de Clet. La société d’animation Stranemani International, une
autre référence d’excellence de notre territoire, à permis de finaliser ce projet.
Creazione Création Clet
Musiche Musique Puccio Pucci
Realizzazione Réalisation Stranemani International
Direzione artistica Direction artistique Cosimo Brunetti
Animazione Animation Lucio Coppa
Compositore di colonne sonore di corti e lungometraggi. È l’autore
delle sigle di France Odeon dal 2011 al 2014. In ambito televisivo per
la RAI ha curato tra l’altro l’arrangiamento musicale per la serie
Tutti pazzi per amore, per Mediaset quello di Buona domenica. È
tuttora arrangiatore e compositore di Amici, Italia’s got talent, C’è
posta per te, The Winner is.
Bretone d’origine, da vent’anni ha trasferito la sua
dimora in Italia, a Roma e poi a Firenze, dove ha
iniziato qualche anno fa a sviluppare la forma di street
art per la quale è noto oggi. La sua opera parte dallo
studio del disegno, inteso come una ricerca di sintesi
visiva del pensiero, in un linguaggio di comunicazione
universale. Per lui l’arte deve essere utile, vicino al
pubblico, sempre più essenziale e semplice, non per
autocelebrazione ma assolutamente per servire al
contenuto.
D’origine bretonne, il s’installe en Italie il y a vingt
ans à Rome, puis à Florence, où il a commencé
depuis quelques années à développer la forme de street
art pour laquelle il est connu aujourd’hui. Il construit
son travail autour de l’étude du dessin, entendu
comme une recherche de synthèse visuelle de la pensée, dans un langage de communication universelle.
Pour lui, l’art doit être utile, proche du public, de plus
en plus basique et simple, fait non pas pour s’autocélébrer mais pour servir un contenu.
Compositeur de bandes originales pour court et longs métrages,
il est l’auteur des génériques de France Odéon du 2011 au 2014.
À la télévision, il signe pour la RAI, entre autres, l’arrangement
musical pour les séries Tutti pazzi per amore, pour Mediaset celui
de Buona domenica. Il est également arrangeur et compositeur
de Amici, Italia’s got talent, C’è posta per te, The Winner is.
Puccio Pucci
63
www.venditapiantefirenze.it
Piazzetta dei Del Bene, 7/a - 50123 - Firenze, Italia - Tel. +39 055 268528
www.amble.it
Festival
Presidente Président Riccardo Zucconi
Presidente onorario Président d’Honneur Jack Lang
Direttore Directeur Francesco Ranieri Martinotti
Amministratore Administrateur Roberto Ornaro
Organizzazione Organisation Julie Thibaudeau
Coordinamento Coordination Dominique Martin
© Copyright 2014
Edifir-Edizioni Firenze
via Fiume, 8 - 50123 Firenze
www.edifir.it
Ufficio stampa Attaché de presse Patrizia Biancamano e Paola Spinetti di Biancamano Comunicazioni
Catalogo Catalogue
Realizzazione Réalisation Valentina Grazzini
Testi Textes Francesco Ranieri Martinotti, Aldo Tassone
Traduzioni Traductions Justine Grou-Radenez, Dominique Martin
Grafica Graphisme Silvia Frassi, Andrea Magagnato
Edizione Édition Edifir – Edizioni Firenze
Crediti Crédits
© Copyright 2014
France Odeon
Piazza Ognissanti, 2 - 50123 Firenze
www.franceodeon.com
France Odeon
In copertina
Adéle Haenel nel film L’homme qu’on aimait trop
Ospitalità Hospitalité Janine Gaelle Diuedji
Ideazione grafica Conception graphique Andrea Magagnato
Assistente al coordinamento assistante à la coordination Costanza Baronti
Sito web Site web Animals Comunicazione
Social media Elisa Frego
Sottotitoli Sous-titres Aikapro
Coordinamento convegno Coordination de la rencontre Elena Mazzocchi
Servizi fotografici Photographe Filippo Menichetti, Alessandro Becattini
Sur la couverture
Adéle Haenel dans le film L’homme qu’on aimait trop
Finito di stampare in Italia nel mese di ottobre 2014
da Pacini Editore Industrie Grafiche – Ospedaletto (Pisa)
per conto di Edifir-Edizioni Firenze
Ringraziamenti Remerciements
Rosa Maria Di Giorgi
David Kessler
Benoît Jacquot
Jean-Louis Livi
Angelo Cianci
Agnès de Sacy
Isabelle Massot
Roberto Faenza
Gregorio Paonessa
Conchita Airoldi
Luciano Sovena
Gian Luca Farinelli
Martha Capello
Domenico Dinoia
Mario Lorini
Olivier Wotling
Lo staff di FST - Mediateca Toscana Film Commission:
Stefania Ippoliti
Camilla Toschi
Andrea Magagnato
Emilio Bagnasco
Marta Zappacosta
Elisabetta Vagaggini
Ambassade de France en Italie :
Eric Tallon, Consigliere Culturale e Direttore IFI
Arlette Benedetti, Segretario generale IFI
Alix Davonneau, Responsabile audiovisivo
Miranda Lupo, Assistente del Consigliere culturale
Anouk Aspisi, Addetta culturale
Isabelle Mallez, Direttrice IFF
Angelo Sidori, Incaricato di comunicazione
Gabriella Cogoi, Assistente dell’addetta culturale
Ferruccio Ferragamo
Giovanna Gentile Ferragamo
Leonardo Ferragamo
Luciano Bertinelli
Stefania Ricci
Daniela Sola
Giorgia Freddi
Valentina Belli
Carlo Sisi
Alessandra Bandini
Bim Distribuzione
Unifrance
Films Distribution
Rezo
Elle Driver
Studio Canal
SND Groupe M6
Festival Agency
Le Pacte International
Indie Sales
Wild Bunch
F Comme Film
Service Presse Vma / Artmedia
Antonio Medici
Federica De Sanctis
Federica Scarnati
Gilles Renouard
Maria Manthoulis
Ilaria Gomarasca
Sanam Madjedi
Dounia Issa Adeline Fontan Tessaur
Semira Hedayati Anne Hermeline
Anthony Nasso
Aurnaud Aubelle
Martin Gondre
Claire Thibault
François Giraudeau
Constance Netter
Viviana Andriani
Nicola Borrelli
Valerio De Paolis
Aldo Tassone
Giorgio Gosetti
Marcello Foti
Gilbert Erouart
Marco Duradoni
Roberto Barzanti
Enrico Della Rosa
Nadine Famien
Gloria Satta
Luigi Lonigro
Steve Della Casa
Giovanni Marco Piemontese
Justine Grou-Radenez
Francesca Ristori
Nöelle Rebichon
Martina Capaccioni
Paola Paoli
Maria Teresa D’Arcangelo
Fabrizio Bagatti
B&B YouandMe
71
Sponsors Partners
Main Sponsor
Con il contributo di Avec le soutien de
Sponsor
Partners
Technical Partners
Mostra Exposition Kate Barry
In collaborazione con En collaboration avec
FRANCE ODEON 2014

FRANCE ODEON 2014

Transcription

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