marisol - El Museo Del Barrio

Marisol, Mi Mama y Yo, 1968, Steel and aluminum,
73×56×56", Collection of the artist.
MARISOL
Sculptures and Works on Paper
www.elmuseo.org
@elmuseo #MeetMarisol
MARISOL
We are delighted to present Marisol’s
first museum retrospective in New York
City. More than a traditional exhibition,
it is designed as a conceptual installation
in which sculptures are placed in direct
relation to one another and to the walls
of the room. From each gallery, you will
be enticed by artwork in the next room,
leading you to the final piece. We invite
you to ponder the relationships between
the works and to enjoy
the journey.
—El Museo del Barrio
M
arisol worked in a
range of media—metal,
terracotta, carved wood
and stone, assemblage, painting,
drawing, and printmaking.
Her inspiration came from
such diverse sources as preColumbian art, North and South
American folk art, Expressionism,
Dada, and Surrealism, as well as
artists such as Leonardo da Vinci,
James Ensor, Hans Hofmann,
Jasper Johns, Pablo Picasso, and
Robert Rauschenberg. She
developed a deeply personal,
readily recognizable style
that won her high praise
Marisol, Tea for Three, 1960,
Wood, acrylic, and china, 64”x22”x27”.
Collection of the artist
Sculptures and Works on Paper
throughout her career, beginning with her first
exhibitions in the 1950s. Critics struggled to define
her work, which did not easily fit into any of the
current “-isms”; but it is precisely this difficulty that
has made her work compelling to so many.
Born Maria Sol Escobar on May 22, 1930, in Paris,
the second child of Venezuelan parents, she soon
took the nickname Marisol, which means sea and
sun in Spanish. Her parents, Gustavo and Josefina
Hernández Escobar, lived on their assets from both
oil and real estate and traveled frequently, setting an
example that Marisol would later follow. She began
making art at a young age. “I can never remember a
time when I wasn’t drawing,” she recalled, “I won art
prizes at every school I went to.”
After growing up on Long Island and in Los Angeles,
Caracas, and Paris, Marisol settled in New York City
around 1950. She studied intermittently at the Art
Students League (1951–63), the Hans Hofmann
School of Fine Arts (1952–55), the Brooklyn Museum
School (1955–57), and the New School for Social
Research (1952). She studied composition, life
drawing, painting, and ceramic sculpture. Around
1954, she turned to sculpting. Her publicly stated
reasons include: “It started as a kind of rebellion.
Everything was so serious. . . . I was very sad myself,
and the people I met were so depressing. I started
doing something funny so that I would become
happier—and it worked. I was also convinced that
everyone would like my work because I had so much
fun doing it. They did.”
By the mid 1950s, Marisol’s sculptures drew the
attention of Leo Castelli, who included her in a May
1957 group show at his recently opened gallery.
Along with Morris Louis, Alfred Leslie, Robert
Rauschenberg, and Jasper Johns, she was singled
out for praise in the reviews. Castelli was so taken
with her work that he mounted her first solo
exhibition in November of 1957, before those of Johns
(January–February 1958) and Rauschenberg (March
1958). Composed of woodcarvings, terracottas, and
welded sculptures, the exhibition was well received
by the critics.
Marisol turned eventually to metal work and created
a series of small bronzes in Rome. Returning to
New York, she continued to show in galleries, her
work becoming larger, more complex spatially
and using color more prominently. She began
using her own face and her hands frequently in her
works, casting them in plaster and adding them to
animate the figures. Her importance as an artist was
acknowledged in reviews in Art News, Nation, New
York Post, New York Times and Newsweek. She was
awarded a number of important commissions in the
United States and abroad, including a sculpture for
the State of Hawaii that was placed in the United
States Capitol commemorating Father Damien and
his work in leper colonies. She was deeply committed
to certain subjects throughout her career, including
the roles of women and gender in contemporary
culture, the legacy of significant artists, and the
depiction of Native Americans.
Marisol continued to create work and to exhibit
internation­ally until the late 1990s. Though
her later work
received
little critical
attention, she
was honored
and recognized
for her lifetime
achievements.
She received
Marisol, Green Fish, 1970.
Wood, varnish, plastic,
and plaster. 18½”x37”x7½”.
Collection of the artist
honorary doctorates and numerous awards. Other
measures of the beginning of a reconsideration of her
place in art history were the museum acquisitions of
important sculptures: in 2005 The Party was acquired
by the Toledo Museum of Art and The Family (1963)
by the Currier Museum of Art. Her inclusion in
Seductive Subversion: Women Pop Artists, 1958–1968
(University of the Arts, Philadelphia) and Power
Up: Female Pop Art (Kunsthalle Wien, Vienna) in
2010 brought new attention to her work, as well
as to other women artists from the 1960s. Both of
these exhibitions took a more holistic view of Pop
art, expanding beyond Lucy Lippard’s definition
to encompass the work of women artists. The
revisioning now taking place is once again bringing
Marisol back to center stage. While welcome, to view
Marisol solely through the frame of her work from
the 1960s is to underestimate the significance of her
artistic output.
For all that her art changed dramatically over the
course of her long career, there are certain factors
that remain recognizable and unchanged. An artist
who began as a painter, Marisol never lost interest
in color or in the work of painters. No matter how
abstract her work became, the focus remained on
the figure. More often than not, that focus was on
the human condition. Whether it was the roles open
to women in general and herself in particular, the
lot of the poor and the disenfranchised, the
majesty of artistic genius in old age,
or the reconsideration of the work
of Renaissance masters, Marisol
explored the relationships
between people
and society.
—Marina Pacini,
Chief Curator and Curator
of American, Modern
and Contemporary Art,
Memphis Brooks Museum
of Art
MARISOL
Estamos encantados de presentar la
primera retrospectiva de Marisol en un
museo en Nueva York. Más que una
exhibición tradicional, ésta ha sido diseñada
como una instalación conceptual donde
las esculturas están colocadas en relación
directa una con la otra al igual que con las
paredes del espacio. En cada galería uno
será atraído por las obras del siguiente
cuarto, dirigiéndolo hacia la última pieza.
Lo invitamos a reflexionar sobre las relaciones
entre las obras y a disfrutar el viaje.
—El Museo del Barrio
M
arisol trabajó en una variedad de materiales—
metal, terracota, madera y piedra tallada,
ensamblaje, pintura, dibujo, y grabado. Su
inspiración provenía de fuentes tan diversas como el arte
precolombino, el arte popular de América del Norte y
del Sur, el expresionismo, el dadaísmo, el surrealismo, así
como de artistas como Leonardo da Vinci, James Ensor,
Hans Hofmann, Jasper Johns, Pablo Picasso, y Robert
Rauschenberg. Ella desarrolló un estilo sumamente
personal y fácilmente reconocible que le ganó gran
elogio a lo largo de su carrera, comenzando con sus
primeras exposiciones en la década de 1950. Los críticos
se esforzaron por definir su trabajo, el cual no encajaba
fácilmente en cualquiera de los actuales “—ismos”; pero
esta dificultad es precisamente lo que ha hecho que su
trabajo sea tan cautivante para tantos.
Esculturas y Obras en Papel
y viajaban frecuentemente, dando un ejemplo que Marisol
después seguiría. Ella comenzó a hacer arte a una edad
temprana.“ Nunca puedo recordar un tiempo cuando no
estaba dibujando,” ella recordó, “he ganado premios de
arte en cada escuela a la que fui”.
Después de criarse en Long Island y en Los Ángeles,
Caracas, y París, Marisol se estableció en Nueva York
alrededor de 1950. Ella estudió intermitentemente en el
Art Students League (1951-63), el Hans Hoffman School of
Fine Arts (1952-55), el Brooklyn Museum School (195557), y el New School for Social Research (1952). Estudió
composición, dibujo al natural, pintura, y escultura de
cerámica. Alrededor del 1954 ella se dirigió a la escultura.
Sus razones, declaradas públicamente incluían: “Empezó
como un tipo de rebeldía. Todo era tan serio… Yo misma
estaba muy triste, y todas las personas que conocía eran
tan deprimentes. Empecé a hacer algo divertido para que
yo misma me sintiera más feliz—y funcionó. Yo también
estaba convencida que a todo el mundo le gustaría mi
trabajo porque me estaba divirtiendo tanto haciéndolo.
Lo hicieron.”
A mediados de
1950, las esculturas
de Marisol atrajeron
la atención de Leo
Castelli, que la incluyó
en una muestra
colectiva en Mayo
de 1957 en su galería
recién abierta. Junto
con Morris Louis,
Alfred Leslie, Robert
Rauschenberg, y
Jasper Johns, ella
fue destacada con
elogio en las críticas.
Castelli estaba tan
encantado con su
Nace Maria Sol Escobar el 22 de Mayo del 1930, en París,
la segunda hija de padres Venezolanos; pronto toma el
apodo de Marisol, que significa el mar y el sol en Español.
Sus padres, Gustavo y Josefina Hernández Escobar,
vivían de sus activos, ambos del petróleo y bienes raíces
Marisol, Pocahontas, 1975, Lithograph,
26⅛ × 19¾ inches (66.4 × 50.2 cm), Private Collection.
trabajo que organizó su primera exposición individual en
Noviembre del 1957, antes de la de Johns (Enero-febrero
1958) y la de Rauschenberg (Marzo 1958). La exhibición
estaba compuesta de esculturas de madera, terracotas, y
esculturas soldadas, y fue bien recibida por los críticos.
Con el tiempo, Marisol se dirigió hacia al trabajo en metal y
creó una serie de bronces pequeños en Roma. Al regresar
a Nueva York, continuó exhibiendo en galerías, su trabajo
cada vez más grande, más complejo espacialmente, y
usando color de manera más prominente. Comenzó a
usar su propio rostro y manos frecuentemente en sus
obras, moldeándolas en yeso y añadiéndolas para animar
las figuras. Su importancia como artista fue reconocida
por la critica en Art News, Nation, New York Post, New
York Times, y Newsweek. Fue premiada con varias
comisiones importantes en Los Estados Unidos y en el
extranjero, incluyendo una escultura del Padre Damián
conmemorando su trabajo en las colonias de leprosos
para el estado de Hawaii, que fue colocada en el Capitolio
de los Estados Unidos. A lo largo de su carrera siempre
estuvo profundamente comprometida a ciertos temas,
incluyendo el papel de la mujer y del género en la cultura
contemporánea, el legado de artistas significativos, y la
representación de los nativos americanos.
Marisol continuó creando y exhibiendo internacio­nal­mente
hasta finales de 1990. Aunque su trabajo subsiguiente
recibió poca atención crítica, fue distinguida y reconocida
por sus logros de por vida. Ella recibió doctorados
honoríficos y numerosos premios. Otras medidas del
inicio de una reconsideración de su lugar en la historia del
arte fueron las adquisiciones de esculturas importantes
por museos: en el 2005 “La Fiesta” fue adquirida por el
Toledo Museum of Art y “La Familia” (1963) por el Currier
Museum of Art. En el 2010, su inclusión en las exhibiciones,
Seductive Subversión: Women Pop Artists, 1958-1968
(University of Arts, Philadelphia) y Power Up: Female Pop
LEAD SPONSOR
The Jacques & Natasha
Gelman Foundation
SPONSORS
Art (Kunsthalle Wien,
Viena). atrajeron nueva
atención a su trabajo,
igual que al de otras
artistas femeninas de
los años 60. Ambas
exhibiciones tomaron una
visión mas holística del
Pop art, extendiéndose
mas allá de la definición
de Lucy Lippard para
incluir el trabajo de
las artistas femeninas.
La revisión que está
Marisol, The Family, 1969,
tomando lugar de nuevo,
wood, plastic, neon, paint, 88” x 56” x 65”,
Memphis Brooks Museum of Art.
está trayendo a Marisol
nuevamente al centro del escenario. Aunque bienvenido,
considerar a Marisol a través del marco de sus obras de
la década de 1960 es subestimar la importancia de su
producción artística.
Por todo lo que su arte ha cambiado dramáticamente
sobre el curso de su larga carrera, hay ciertos factores
que siguen siendo reconocibles y sin cambios. Una artista
que comenzó como pintora, Marisol nunca perdió su
interés en color o en la obra de pintores. No importa
cuan abstracto se convirtió su trabajo, el foco siempre se
mantuvo en la figura. La mayoría de las veces, la atención
se centró en la condición humana. Sin importar si se
trataba de los roles disponibles a las mujeres en general,
o a ella misma en particular, la situación de los pobres
y los marginados, la majestad del genio artístico en la
vejez, o la reconsideración de la obra de los maestros
del Renacimiento, Marisol exploró las relaciones entre las
personas y la sociedad.
—Marina Pacini,
Curador Jefe y Curador de Arte Americano, Moderno,
y Contemporáneo, Memphis Brooks Museum of Art.
CIRCULO DE COLECCIONISTAS
NATIONAL SPONSORS
TONY BECHARA
NINA FUENTES
ANONYMOUS
The Andy Warhol
Foundation for the
Visual Arts
Javier Hinojosa (with the collaboration of Melquiades Herrera)
Melquis es amor y arte I, not dated, photograph, 11in x 14in
Courtesy of Javier Hinojosa
Maris Bustamante,
Patente del Taco / Taco Patent, 1979,
Courtesy of the artist
PLAYING
WITH
FIREPOLITICAL
INTERVENTIONS,
DISSIDENT
ACTS, AND
MISCHIEVOUS
ACTIONS
www.elmuseo.org
@elmuseo #PlayingWithFire
PLAYING WITH FIRE:
Political Interventions,
Dissident Acts and
Mischievous Actions
“Try to imagine how you would feel
if you woke up one morning to find the
sun shining and all the stars aflame.”
—James Baldwin, Excerpt from The Fire Next Time
B
aldwin’s blazing sky, while rooted in the
lived experience of a racially polarized
society, points to a vast repository of
images revolving around an element one
must handle with care: fire. There is Aeschylus’
Prometheus, in which flames become the heart of
a struggle between Zeus and the well-intentioned
trickster, who is ultimately subjugated to unending
punishment. Prometheus rebels against authority,
stealing fire from the heavens to present it to
humanity. Although a gift from above, the
embers must be watched intently. In another
mythical account, proximity to the scorching
rays of the sun causes Icarus to be hurled into
the ocean, as he disregards his father’s advice
to keep his crafted wings out of the reach of the
blinding star.
Back at home on Earth, in the U.S. of the late 60s
and early 70s are the non-fictional conflagrations
that nearly brought the South Bronx to its knees,
while many governmental officials watched
from a heavenly distance. And far from “…The
South Bronx of America,” in Tunisia, but yet in
active response to another oppressive system,
Mohamed Bouzazi becomes a living torch,
igniting himself in protest against the police’s
confiscation of his source of livelihood, the
produce he sold in the streets.
Tracing the founding of El Museo del Barrio
by Raphael Montañez Ortíz in 1969, an era of
social unrest and radical activism throughout
the Americas, the works in this exhibition target
colonialism, imperialism, urban neglect, racial
supremacism, and cultural hegemony with a
vast array of weapons, including irreverence
and humor. The artists confront the status quo
with a range of disarming conceptual strategies
and aesthetic detonators. The flames that
surface in these artworks are dangerous and
alluring, and have the potential to both consume
and transform.
In Baldwin’s The Fire Next Time the disruption to
daybreak generated by the clashing performance
of celestial bodies alludes to the effects of an
unrestricted movement of black bodies in a white
dominated world. In PLAYING WITH FIRE: Political
Interventions, Dissident Acts and Mischievous
Actions some of the interferences to imposed
normativities are provided by explosive tropical
fruits employed as a self-defense against imperial
warfare, a Promethean prophet who saves lives
with condoms instead of souls with religion,
and a man who in rehearsing his own death
obliterates the power of a Dominican dictator.
Apeco, Untitled, 2010, Image courtesy of Centro de León
This exhibition purposely welcomes impolite,
undomesticated, rebellious, hilarious, indecent
and perhaps even sacrilegious discourses and
gestures that stick out their tongues at oppressive
systems and push for a re-politicization of society
and the art space.
—Nicolás Dumit Estévez,
Guest Curator
JUGANDO CON FUEGO:
Intervenciones Políticas,
Actos Disidentes, y
Acciones Pícaras
“Try to imagine how you would feel
if you woke up one morning to find the
sun shining and all the stars aflame.”
—James Baldwin, Excerpt from The Fire Next Time
antorcha viviente, encendiéndose a sí mismo en
protesta a la confiscación de su fuente de sustento
por la policía, los productos agrícolas que vendía
en las calles.
Siguiendo la trayectoria de la fundación de
El Museo del Barrio por Raphael Montañez Ortíz
en 1969, una época de agitación social y de
activismo radical a través de las Américas, las
obras en esta exhibición pone en la mirilla el
colonialismo, el imperialismo, el abandono urbano,
la supremacía racial, y la hegemonía cultural
con una amplia variedad de armas incluyendo la
irreverencia y el humor. Los artistas se enfrentan
E
l cielo abrasador de Baldwin, a pesar de
tener sus raíces dentro de la experiencia
vivida de una sociedad polarizada
racialmente, apunta a un repositorio amplio de
imágenes que giran alrededor de un elemento
que se debe tratar con cuidado: el fuego. Está
Prometeo de Esquilo, en donde las llamas se
convierten en el corazón de la lucha entre Zeus y
el bien intencionado pícaro quien por ultimo fue
sometido a un castigo interminable. Prometeo
se rebela contra la autoridad, robándose el
fuego del cielo para entregárselo a la humanidad.
Aunque es un regalo de las alturas, las brasas se
tienen que vigilar atentamente. En otro relato
mítico, la proximidad a los rayos abrasadores del
sol causan que Ícaro fuera lanzado hacia al mar,
ya que no considera los consejos de su padre de
mantener sus alas artesanales fuera del alcance
de la estrella cegadora.
Volviendo al hogar en la Tierra, en los Estados
Unidos de los finales de los años 60 y del
principio de los años 70 están las conflagraciones
verdaderas que casi llevaron al Bronx Sur a sus
rodillas, mientras que muchos de los oficiales del
gobierno observaban desde una distancia celestial.
Y lejos del “…Bronx Sur de América”, en Túnez,
pero aun en una respuesta activa a otro sistema
opresivo, Mohamed Bouzazi se convierte en una
Carlos Ortiz, Untitled (Boy on big wheel), c. 1970-1980s,
Image courtesy of Centro de Estudios Puertorriqueños,
Hunter College, CUNY
al status quo con una variedad de estrategias
conceptuales desarmantes y detonadores
estéticos. Las llamas que surgen en estas obras
de arte son peligrosas y atrayentes, y tienen el
potencial de consumir tanto como de transformar.
En la próxima vez el fuego de Baldwin la
interrupción del amanecer generado por
la representación chocante de los cuerpos
celestiales alude a los efectos del movimiento sin
restricciones de los cuerpos negros en un mundo
dominado por blancos. En JUGANDO CON
FUEGO: Intervenciones Políticas, Actos Disidentes,
y Acciones Pícaras algunas de las interferencias
a las normativas impuestas están provistas por
frutas tropicales explosivas en defensa propia
contra la guerra imperial, un profeta Prometeo
que salva vidas con condones en vez de almas
con la religión, y un hombre que ensayando su
propia muerte destruye el poder de un dictador
dominicano. La muestra deliberadamente le da
la bienvenida a discursos descortéses, indómitos,
rebeldes, divertidísimos, indecentes, y quizás
hasta sacrílegos y a los gestos que le sacan la
lengua a los sistemas opresivos y que empujan
para una re-politización de la sociedad y del
espacio de arte.
—Nicolás Dumit Estévez,
Curador invitado
Participating Artists/Artistas Participantes:
ADAL
Manuel Acevedo
Maris Bustamante
Nao Bustamante
Papo Colo
Abigail DeVille
Alejandro Diaz
Adonis Flores
Ester Hernández
Javier Hinojosa with
the collaboration of
Melquiades Herrera
Jessica Kairé
Carlos Jesus Martinez
Dominguez
Ricardo Miranda Zúñiga
Carlos Ortíz
Pedro Pietri
Jesús Natalio Puras Penzo
(APECO)
Quintín Rivera Toro
Juan Sánchez