go green!

A P R I L
2 0 1
N. 4 5
€ 5 , 0
E
4
0
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GO GREEN!
Sam Baron
Mario Bellini
Yves Béhar
Josh Bitelli
Gregg Buchbinder
Stephen Burks
Mario Cucinella
Rosario Dawson
and Abrima Erwiah
Louis Albert De Broglie
Peter Fink
Adrian Grenier
Sir Nicholas Grimshaw
Nendo
Andrea Paternoster
Snøhetta
Josh Tetrick
Ken Yeang
Sir David Chipperfield
0450_UV_1404_COVER_CHIPPERFIELD [PT].indd 1
03/04/14 17.33
Quasi un ricercatore sul campo più
che un designer, Josh Bitelli. Il giovane creativo britannico, apprezzato in
patria e all’estero, è un artista a tutto
tondo che gioca con la sperimentazione per creare opere d’arte inattese, originali, curiose. Come le panchine, le sedie, i mobili e i vasi modellati
usando l’asfalto e la pittura gialla
della segnaletica stradale. La particolarità? Quasi tutte le opere sono fatte in-situ, nei cantieri stradali, con la
collaborazione degli operai che nel
frattempo asfaltano strade e marciapiedi. Un’arte post-industriale che
lo ha reso uno dei giovani talenti più
interessanti del Regno Unito.
Simon Castets e Hans Ulrich Obrist/89plus: Hai dichiarato di essere interessato a creare interposizioni
all’interno di sistemi stabili, per discutere come e perché sono fatte le
cose e generare così una sorta di “attivismo”. Ti vedi più un attivista per
l’ambiente o un artista per l’ambiente? Esiste una differenza?
Josh Bitelli: «Di fatto accetto la condizione di attivista, qualunque cosa
significhi, ma anche quella di antropologo o scrittore o esperto; una distinzione importante da fare è che
sono contento di alternarmi tra i diversi ruoli. Stringo amicizia con le
persone nei vari luoghi per mettere
insieme un cast o un set di attori per
racconti metà reali e metà di finzione, nei quali sono nello stesso tempo
il progettista e l’estraneo. Ho realizzato una serie di oggetti in asfalto e
vernice per segnaletica nell’ambito
di un intervento di lavori stradali. Il
momento in cui le strade stesse avevano bisogno di essere riparate ha
fornito l’occasione per costruire monumenti alla complessa rete stradale.
Mi interessano molto le implicazioni
di questo tipo di lavoro, che nasce direttamente dall’infrastruttura e dalla
capacità di commerciare, per la fornitura di merci, e parla al romanticismo
del potere liberatorio delle strade.
Queste persone sono una forza apparentemente invisibile, eppure non
hanno attorno a sé i muri di una fabbrica a protezione del loro lavoro.
(segue a pag. 141) (Total look
Louis Vuitton. Scarpe Dior Homme.
Fashion assistants Amanda Arber,
Lezley Anne Nabiryo e Jennifer Earnest. Groomer Larry King@Streeters. Fashion editor Rose Forde)
0450_UV_1404_BITELLI [PT].indd 118-119
MATERIALI
inusuali per
creare
un’arte postindustriale.
Questa la peculiarità
del giovane inglese
che fa parte del
progetto “89 plus”
delle Serpentine
Galleries di Londra
Modern
language
Josh
Bitelli
by PHILIPP MUELLER
text by SIMON CASTETS
AND HANS ULRICH OBRIST
www.vogue.it/uomo-vogue/people-stars
04/04/14 16:55
Indirizzi/Segue
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ANTONIO MARRAS + PIQUADRO
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NEROGIARDINI
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FACTORY OF MAKERS
by Elisabetta Claudio
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MANUEL RITZ
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PHILIPP PLEIN
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SISLEY
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VERSACE
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NENDO
CONNECTING THE DOTS
by Guido Harari
COS
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GREGG BUCHBINDER
THE ICONIC AND SUSTAINABLE CHAIRS
by Rainer Hosch
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JOSH BITELLI
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SAM BARON
SHAPE OF IDEAS
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by Marco Pietracupa
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CONNECTING THE DOTS
NENDO
di Angela Rui
(segue da pag. 80)
nel processo creativo che viene messo in atto, più che
nella condizione formale degli oggetti. E in quanto
alla loro produzione, Oki ci rende una chiave di lettura che dovrebbe far riflettere i nostri distretti produttivi (che sebbene rappresentino ancora l’eccellenza
lamentano mancanza di ossigeno in un mondo globalizzato) secondo cui «la gente vive in un mondo più
veloce e ha bisogno di più idee, cerca sempre qualcosa di nuovo, non ogni anno ma ogni giorno. Non dico
che dovremmo disegnare una sedia al giorno, dico
che vanno trovate nuove strade e nuovi modi di fare
design». E probabilmente è questa la ragione per cui
Nendo, nato e noto come product designer, oggi collabora con diversi fashion brands, come Cos, Tods,
Camper e molti altri. «I ritmi sono davvero serratissimi, loro lavorano su collezioni intere che sono presentate due volte all’anno, sia per l’uomo sia per la
donna. Reagiscono molto velocemente». Sebbene
anche quest’anno la presenza di Nendo durante il
Salone del Mobile sarà importante, la novità più attesa è lo spazio che ha curato per il brand svedese Cos
(di proprietà del gruppo H&M) allo Spazio Erbe nel
cuore di Brera, un felice sodalizio. Inizialmente concentrato più sull’allestimento dello spazio, il progetto
si è evoluto grazie al dialogo che è nato tra le parti, e
ha trovato nella camicia bianca, pezzo icona di Cos, il
materiale costruttivo ideale per dare vita a una grande installazione che si trova al piano terra dello spazio. E che si fa testimone di quel metodo Nendo
(semplicità = immediatezza) grazie al quale arredo,
spazio e moda si nutrono vicendevolmente. «Quasi
tutti i prodotti che saranno esposti non toccheranno
lo spazio; allestiremo probabilmente un paio di pareti, ma non ci sarà quasi alcuna costruzione all’interno». Forse per la sua capacità trasformista e interpretativa, forse per la sua immagine piuttosto effimera in
termini di comunicazione o, forse, per la capacità di
portare l’estetica a sublimare i nostri sogni quotidiani, Oki Sato trae dalla moda la capacità di raccontare
le persone e di conseguenza il mondo degli oggetti
che ruota loro attorno, per via immediata e sofisticata. «Arriva dalla strada, è vicina al suolo, e questo è
uno stimolo potente per noi progettisti». In quanto a
“nuovi campi da esplorare”, racconta divertito di essere al lavoro su un programma radiofonico per JWave, emittente radio di Tokyo, dove da aprile ogni
domenica, verso sera e per un’ora, si discute di progetto. Non bastano più gli oggetti per fare design.
Essere buoni designer significa produrre anche senza
utilizzo di materia: «Abbiamo disegnato il format e
il logo del programma, selezionato la musica da
trasmettere e stilato la scaletta degli ospiti; è un
nuovo modo per esplorare fino a dove la progettazione può arrivare, raccontare quanto possa essere
divertente, e quanto sia linkata alle nostre vite».
THE ICONIC AND SUSTAINABLE
CHAIRS GREGG BUCHBINDER
di Francesco Spampinato
(segue da pag. 84)
maestri. Sottsass aveva 90 anni quando ha realizzato la Nine-0. Konstantin Grcic è un perfezionista,
ma è stato un bene avere una scadenza», sorride.
«Con Gehry, invece, abbiamo fatto tanti cambiamenti prima di arrivare al risultato finale». Nel 2012
Starck progetta un’altra sedia per Emeco, la Broom, composta al 90% di rifiuti industriali. La definisce “una dichiarazione politica”, e aggiunge: «L’ecologia non è un problema, è un dovere. La sedia
diventa un movimento che porta alla conversazione». Buchbinder concorda: «Nel 2010 Emeco ha
realizzato con Coca-Cola una Navy Chair composta da 111 bottiglie di plastica riciclate. Con la Broom, in fibra di legno post-industriale e rifiuti di polipropilene, abbiamo nuovamente spinto l’industria
alla conversazione sulla responsabilità ambientale». Nonostante la versatilità dell’alluminio, il futuro di Emeco resterà legato alla produzione di sedie.
«Penso che ci sia qualcosa di molto speciale in una
sedia», riflette il produttore. «È uno spazio personale, un luogo di riposo». Di certo la sua produzio-
ne resterà all’insegna del riciclo. «Il rapporto tra
sostenibilità e design è nel nostro Dna. Cercheremo
di ridurre al massimo i rifiuti e integrare quanto
più possibile materiale riciclato e rigenerato».
THE VISIONARY
PETER FINK
di Stefania Cubello
(segue da pag. 101)
pionieristici come il Car Free London e lo Irwell River Park per la riqualificazione del waterfront di
Manchester. Ma l’opera per cui è noto in tutto il mondo è il Northala Fields Park, il più grande parco contemporaneo di Londra, un’icona, con le quattro colline a forma conica diventate un cult per tutti i
paesaggisti. «Quello che manca è l’empatia. Fra le
persone in generale, preoccupati come siamo ad affermare noi stessi a discapito degli altri. Manca coesione sociale. Lo stesso avviene con gli architetti.
Molti costruiscono con poca responsabilità nei confronti della comunità, senza pensare veramente alle
esigenze dei cittadini, degli utenti finali. Sulla base di
questa considerazione ho elaborato la mia idea di
progettazione multidisciplinare e partecipata. Un
esempio è il metodo di lavoro impiegato per il Northala Fields Park, per cui avevo incoraggiato le persone a partecipare in prima persona al progetto, chiedendo loro di proporre la propria raffigurazione del
paesaggio, le proprie esigenze; per esempio c’era chi
desiderava avere un posto dove pescare, chi dove andare in bicicletta. Il progetto si è definito progressivamente. Noto invece che molto spesso gli architetti faticano a cambiare l’idea iniziale del loro progetto,
piuttosto sprecano molto tempo per cercare di giustificarla. Noi abbiamo bisogno di formare relazioni con
le persone», afferma. Fra gli architetti paesaggisti di
riferimento, Fink ne cita uno soltanto, Frederick Law
Olmsted. «Quando progettò Central Park, New York
non era la metropoli che è oggi. Però si sforzò di immaginare come sarebbe stata nel giro di un secolo, si
chiese di cosa avrebbe avuto bisogno la gente. Oggi
sarebbe impossibile pensare Manhattan senza Central Park, così come sarebbe impossibile realizzare lo
stesso progetto su uno dei terreni dal valore immobiliare più alto del pianeta». Fra i prossimi lavori, uno in
particolare gli sta molto a cuore: il progetto su larga
scala di un parco giochi che sta sviluppando per una
scuola speciale, che accoglie bambini con particolari
necessità. «Sto creando un paesaggio che li faccia sentire liberi e allo stesso tempo protetti, al sicuro, dove
possano esplorare la loro fisicità, giocare insieme».
MARIO CUCINELLA
di Sasha Carnevali
(segue da pag. 111)
concreti, con lo scopo di fare da tramite tecnico tra
pubblico e privato. In questo lo studio Mario Cucinella Architects si è ampiamente allenato per anni
in Italia con la costruzione di diversi edifici e la riqualificazione di vaste aree urbane e periferiche: che
si tratti di Accra, in Ghana, o di Guastalla in provincia di Reggio Emilia, sempre partendo dallo studio
del tragitto del sole e della direzione dei venti.
JOSH BITELLI
di Simon Castets Hans Ulrich Obrist
(segue da pag. 118)
Mi sono avvicinato pericolosamente al diventare
uno dei miei personaggi quando gli operai stradali
mi hanno offerto un lavoro; in un’altra occasione
sono stato invitato a soggiornare al Faslane Peace
Camp, ma ho cortesemente rifiutato entrambi gli
inviti. La capacità di mantenere la distanza è fondamentale: se il mio coinvolgimento diventasse eccessivo tradirei il mio diritto alla contraddizione».
SCHUO/89plus: Come vedi il rapporto tra la pratica artistica e la sostenibilità? Di quale entità è il
ruolo giocato dalla sostenibilità nel tuo lavoro?
J.B.: «Un’economia sostenibile non è quella che taglia gli investimenti nella ricerca e sviluppo, né quella che incoraggia un’incessante competitività, concedendo potere alle istituzioni finanziarie attraverso la
deregulation, la direzione in cui sembra andare la
politica di David Cameron. È interessante notare
come la sostenibilità sia una serie di formule fortemente sponsorizzate che nei casi più brutali sono
collegate all’industria e alle infrastrutture e fondamentalmente ci vengono rivendute come legittimazione per le nostre stesse attività. In questo caso la
sostenibilità diventa un utopistico foglio di calcolo
che rappresentiamo sui pannelli isolanti. La sostenibilità è una protagonista interessante nella formulazione dei marchi e nell’imposizione di principi morali, perciò ha parecchio a che fare con il mio lavoro».
SCHUO/89plus: È possibile una “creatività sostenibile”? In che modo?
J.B.: «Spero che il mio lavoro possa essere sostenibile; mi sto proprio concentrando per cercare di capire come potrei raggiungere questo risultato. Sono
in procinto di trasferirmi in uno studio molto più
grande; è un rischio che mi assumo con gioia, oltretutto necessario per il progetto che spero di poter
attuare l’anno prossimo. Devo ancora lavorare un
po’ per guadagnare di più, ma mi auguro che presto
non sarà più necessario».
SCHUO/89plus: Il tuo lavoro ha a che fare con la
produzione quotidiana, trascurata, e spesso ti ritrovi
a creare opere in scenari industriali, come cave, cantieri edili, ferrovie. Cosa ti porta su questi scenari
industriali? Cosa li rende una fonte di ispirazione
così importante per il tuo lavoro?
J.B.: «Sono scenari che mi attraggono per una serie
di motivi. Descrivono il modo in cui le vite delle
persone vengono plasmate dall’imposizione di
un’infrastruttura e come la cultura dei luoghi si forma, si fa instabile e viene distrutta. I luoghi di lavoro
collegano le infrastrutture alle risorse e quindi ai
materiali – un rapporto non sempre facile. Poi ci
troviamo davanti le infrastrutture di supporto, quelle che esistono per essere al servizio degli altri. Le
linee ferroviarie ne sono un buon esempio; c’è un
romanticismo cinematografico attorno alla rappresentazione delle ferrovie e al potere del viaggio, ma
c’è anche da considerare come esse si riflettano e
manipolino la cultura. Ho letto parecchio sullo sviluppo delle infrastrutture per la mobilità e il relativo effetto sulla società e la cultura. Un tempo, per
esempio, ogni paese o città aveva il proprio fuso
orario, cosa problematica per chi prendeva treni a
lunga percorrenza che attraversavano un intero paese, perciò è stato introdotto il Gmt fino a una nuova versione del tempo. Il mio interesse per la corologia e la tensione tra l’infrastruttura imposta e l’architettura sembra manifestarsi nelle linee ferroviarie e in altre zone di confine o di mezzo; luoghi che
sono costantemente in stato di flusso o non sono
necessariamente considerati luoghi in se stessi».
SCHUO/89plus: Lavori spesso con materiali e
utensili associati alla produzione di massa – pietra,
asfalto, acciaio inossidabile –, eppure ogni tua opera
è unica, e ogni oggetto ha una storia da raccontare.
Puoi parlarci del tuo uso dei materiali?
J.B.: «La materialità diventa uno strumento per intrecciare i luoghi con gli avvenimenti e le persone
con l’attività. Nel senso più onesto della cosa, il linguaggio dei materiali descrive la provenienza degli
oggetti e sovrintende al modo in cui le cose devono
essere fatte e alla loro apparenza. Quando manipoliamo queste regole, l’artificio e la finzione diventano
elementi importanti nella poetica di questi racconti».
SCHUO/89plus: Per la “89plus Marathon” alle Serpentine Galleries, l’anno scorso, hai esposto uno
straordinario tavolo in asfalto, il primo oggetto tra i
tuoi lavori che non avevi realizzato personalmente
e che avrebbe dovuto essere parte di un’edizione di
cinquanta esemplari. Di solito il processo di realizzazione ti coinvolge moltissimo. Perché questo progetto era diverso? E in che modo affidare la produzione all’esterno ha influito sul tuo rapporto con
l’opera? Come ha detto Martino Gamper, tu sei
uno che fa e che pensa. In quale rapporto sono, per
te, il processo del fare e quello del pensare?
J.B.: «Più o meno cinquanta e cinquanta, il numero
deve ancora essere stabilito. Quell’oggetto mi piace
molto perché è diventato un’azione che si ripete; ho
chiesto a un costruttore di tetti di impiegare una
considerevole parte del suo anno nella realizzazione di mobili in asfalto. Ho una bellissima fotografia
di due enormi armadi e due tavoli nel retro del suo
furgone prima della loro consegna dall’altra parte di
Londra. Voglio davvero vedere come i sistemi di
141
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Segue/English
produzione possano essere ridefiniti, e questo progetto è molto importante nel contesto della sostenibilità perché va testando questo tipo di rovesciamento rispetto agli aspetti economici: sopravvivrà o
fallirà. Non ho tempo di mettermi a lavorare nella
mia stessa produzione, ma mi piace potermi permettere di offrire a un costruttore di tetti un po’ di lavoro in un momento di magra, oltre a una variazione
sul tipo di lavoro che ha svolto per sessant’anni; e
credo che gli oggetti gli piacciano, non me lo aspettavo! È stato un processo molto lento, gli oggetti
non sono ancora in vendita ma sono molto emozionato per essere stato capace di abbandonare il controllo e lasciare che il sistema girasse autonomamente. Ma ho realizzato i prototipi, ne ho fatti molti.
Il processo decisionale che interviene mentre si fa è
molto importante; non riesco a vedermi capace di
uscire completamente di scena, e questo non solo
perché sviluppo processi piuttosto sperimentali».
SCHUO/89plus: L’anno scorso sei stato “in residenza” a Cove Park, una zona rurale sulla costa occidentale della Scozia di straordinaria bellezza, eppure posta tra Coulport, luogo di stoccaggio per le testate nucleari della nazione, e Helensburgh, una cittadina la cui spiaggia nel 2002 è stata dichiarata la
più inquinata della Scozia. Puoi dirci di questa esperienza e di come l’indagine su queste questioni ambientali abbia plasmato la tua opera?
J.B.: «Il Clyde è un luogo davvero carico di passato;
ha fama di essere la baia più isolata della Gran Bretagna e si sentono storie sorprendenti di ingegneri
che dopo la guerra vi sono stati tenuti in isolamento
mentre sviluppavano tecnologie per l’estrazione di
petrolio da pozzi segreti. Sul Clyde è stato girato
qualche film di propaganda per rendere più romantica l’industria dei cantieri navali in piena espansione e la condizione dei singoli lavoratori. “Sweet
sixteen” di Ken Loach è stato girato nei dintorni e
mostra gli effetti dirompenti di una politica aggressiva sulle generazioni successive della classe operaia. Adesso l’unica attività cantieristica navale in
questa zona è quella militare della Bae Systems e la
manutenzione della flotta nucleare della Gran Bretagna, sottomarini di cui si riferisce continuamente,
come per l’Hms Tireless, la fuoriuscita di radiazioni.
La base militare è circondata da ostriche, che filtrano le radiazioni e altri inquinanti e sono utilizzate
come cartina di tornasole per le impurità. Le ostriche sono una forma purissima di carbonato di calcio; da queste ostriche avvelenate ho ricavato un
blocco di cemento e ne ho fatto una serie di vasi».
SCHUO/89plus: Che tipo di vincoli ambientali deve affrontare il tuo lavoro? Cosa faresti se i vincoli
non esistessero?
J.B.: «Confini, prodotti farmaceutici, miniere...».
SCHUO/89plus: Ci racconti dei tuoi progetti in
corso?
J.B.: «Sto per cominciare a realizzare una serie di
segnali stradali stampati e poi incisi con l’acido solforico contenuto nelle batterie delle automobili.
L’acido che crea la differenza di potenziale nella
batteria sarà filtrato su pannelli in alluminio e l’energia del potenziale sarà impiegata per erodere e
rimuovere le immagini stampate sulla superficie del
metallo. Potrebbero essere esposti come oggetti
provvisti di una qualità architettonica, e credo che
la batteria danneggiata potrebbe rimanere a far
parte del lavoro».
SCHUO/89plus: Chi sono i tuoi eroi, i tuoi mentori,
i tuoi guru?
J.B.: «Roberto Bolaño, Tschumi, Chomsky. Lucia
Pietroiusti mi ha prestato “C” di Tom McCarthy, sono a circa metà del libro e credo che anche McCarthy potrebbe essere un buon candidato per entrare nella lista».
SCHUO/89plus: Puoi dirci di più sui progetti che
ancora non hai potuto realizzare? Utopie? Sogni?
Progetti censurati? O, nelle parole di Doris Lessing,
progetti autocensurati che non osi intraprendere?
Progetti troppo costosi da realizzare? Troppo grandi o troppo piccoli? Progetti dimenticati?
J.B.: «Una volta, mentre guidavo attraverso gli sterminati paesaggi a nord di Marrakech, la strada mi
portò vicino a una città ricoperta da una spessa coltre di polvere e nebbia. Nel suolo era stato scavato
un tunnel ferroviario e il materiale di scarto era stato
inviato in superficie su un nastro trasportatore, for-
mando una montagna che continuava a crescere e
stava diventando di gran lunga la cosa più grossa della città. Ai piedi del nastro, le pareti di una costruzione in lamiera ondulata erano scoppiate e la polvere
che ne era filtrata all’esterno pareva adesso farle da
sostegno. Nell’allontanarsi dalla città diventava difficile capire dove fosse la cima della montagna, poiché
l’intera città era immersa in una spessa nebbia verticale. La sua geologia aerea si coagulava in nodi che
conducevano verso la città e via da essa. Da allora ho
immaginato come sarebbe stato avere una scena del
genere al centro di Londra, diciamo a Trafalgar
Square, inghiottita completamente da una montagna
floscia, fatta di polvere di pietra di Portland».
SCHUO/89plus: Qual è la tua opera più piccola?
J.B.: «Ho fatto un remake del saluto alle navi di
Baldessari, l’unica differenza è che io saluto e auguro buona fortuna ai camion in procinto di partire
dal complesso industriale di Park Royal. È piuttosto piccolo, ne è stata scattata un’immagine che però non ho ancora».
SCHUO/89plus: Lavori con altri artisti qualche
volta?
J.B.: «Felix Melia e io abbiamo appena finito la prima versione di un’opera che attualmente si intitola
“Place of dead roads”. Si tratta di un film e di una
serie di sculture che abbiamo realizzato ed esposto
a Marrakech agli inizi di quest’anno. Il risultato
principale è il processo da cui il lavoro si è evoluto;
le manifestazioni fisiche in sé possono essere rifatte
o ripetute poiché il progetto è cresciuto innanzitutto a partire dall’amicizia e poi da molti anni di conversazioni. È stato un periodo di lavoro molto intenso, ci alzavamo quasi sempre ben prima dell’alba
e guidavamo un macchina in affitto nel caos della
Medina con grandi sculture di metallo legate al tetto, guidando dall’officina di carpenteria dove erano
state realizzate fino al vasto entroterra dove abbiamo girato il film. Le sculture o gli oggetti di scena
sono barriere in acciaio o archi realizzati con il medesimo linguaggio del tipo di costruzioni che alimenta la città. Uno di essi è diventato uno schermo
su cui abbiamo proiettato il film in un cinema dismesso usando un generatore a petrolio come alimentatore e come colonna sonora. Abbiamo girato
il film in un paesaggio apparentemente arido popolato di scheletri architettonici, tabelloni vuoti o scoloriti, muri di mattoni di fango erosi, la promessa
non mantenuta di un percorso di F1 e le montagne
dell’Atlante. Due uomini percorrevano strade e piste sterrate su una moto reggendo una bandiera
fatta con un telone trasparente. Il telone, esso stesso
uno schermo, deformava e distorceva questo paesaggio mentre tratteggiava la colonna d’aria attraverso la quale si muoveva. Trovammo un modo di
usare il valore rappresentativo di quel luogo per
un’esplorazione dei racconti romantici che stavano
attorno al movimento e alla mobilità sociale. Speriamo di poter rifare il lavoro facendo diventare le
sculture schermi architettonici che ospitino una versione multicanale del film mentre assorbono e irraggiano luce allo stesso tempo».
SCHUO/89plus: Fai parte di un gruppo di artisti, di
un movimento?
J.B.: «Ho dei buoni amici e ci aiutiamo; dare sostegno alle strutture è fondamentale, spesso i progetti
non sono realizzabili senza una rete di competenze,
di braccia di riserva e di saggezza. Non ho mai trovato motivo per etichettare le pratiche di lavoro di
un linguaggio come questo».
SCHUO/89plus: Fai dei sogni?
J.B.: «I sogni sono particolarmente importanti, a
patto che ci assicuriamo di non leggere troppo Jung.
Andare fuori di testa è facilissimo. L’analisi dei sogni è una cosa delicata e tutti siamo esposti all’imposizione del simbolismo altrui su noi stessi. Va reso
merito a Jung quando afferma che ogni persona è
molto diversa e merita ricerche personalizzate prima di intraprendere l’analisi, eppure è ancora difficile dissociare le sue idee e la sua analisi dai nostri
stessi sogni. Io tendo a fare sogni ricorrenti per circa
un mese, potrei elencartene alcuni, e un lettore potrebbe riversare le immagini in un sito web, e il sito
web inventerebbe una nuova persona a partire da
quei dati».
SCHUO/89plus: Ci racconti di una mostra che ti ha
ispirato?
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J.B.: «Qualche anno fa ho visto una mostra degli
Artangel in cui Catherine Yass ha convinto un equilibrista a camminare su una corda tesa tra due enormi palazzi di Glasgow. Fece dietrofront a metà strada. La mostra si teneva in un edificio che ha l’aspetto di un faro proprio di fronte al Kings Cross International, un sito di importanti lavori di sviluppo urbano. Mentre me ne andavo, entrai in una sala riunioni vuota che non faceva parte dello spazio della
mostra, con i muri rivestiti di poster raffiguranti
rendering architettonici, informazioni e previsioni
sul futuro della zona di Kings Cross – edifici a molti
piani, una piazza con una fontana, il tutto ben prima
che fossero cominciati i lavori di riqualificazione
della zona. Un confronto straordinario di due generazioni di edilizia popolare, il tentativo compiuto da
qualcuno di governare questi spazi e i grotteschi
strumenti di marketing che vendono potenziale».
SCHUO/89plus: Politica e arte sono mescolate?
J.B.: «Sono inscindibili».
PEAK PERFORMANCE
SNØHETTA
di Michele Fossi
(segue da pag. 122)
“sostenibili” edifici che non sono affatto CO2-neutrali, perché ci si dimentica a bella posta di includere nel computo delle emissioni l’energia consumata
per produrre i materiali di costruzione, la cosiddetta
“embodied energy”: per risolvere questa contraddizione, e aprire la strada a una nuova generazione di
edifici davvero a impatto zero, Snøhetta sta lavorando a un progetto sull’isola di Brattørkaia, a
Trondheim, in Norvegia, che prevede la costruzione
di edifici sostenibili “di nuova generazione” a sezione triangolare – un’estetica insolita, determinata da
considerazioni bioclimatiche – in grado non solo di
produrre più energia di quanta ne consumino, ma
anche di risultare CO2-neutrali dopo sessant’anni
dalla loro costruzione. Sarebbe sbagliato però, come sottolinea Thorsen, restringere la “sostenibilità”
alla sola sfera ecologica. «Esiste anche una sostenibilità di natura sociale, psicologica. Troppo spesso
gli architetti dimenticano che i loro edifici avranno
un forte impatto sulla salute mentale e fisica di chi li
abiterà, e che questo a sua volta si ripercuoterà sulla
percezione che la società ha del proprio ambiente.
Con inevitabili ricadute sulla causa ecologica».
Condizione necessaria perché l’architettura aiuti
per davvero gli individui a ristabilire l’equilibrio
perduto con se stessi e con la natura è che essa abbandoni l’approccio cattedratico e “top-down” caro
a molte archi-star, che prevede nella norma fruitori
passivi. «Per noi è fondamentale che chi entra in un
nostro edificio sia messo nella condizione di effettuare delle “scoperte” sullo spazio che sta visitando
in maniera autonoma», spiega Dykers. «Per la nuova ala del San Francisco Museum of Modern Art, la
cui costruzione verrà ultimata nel 2016, abbiamo
predisposto per esempio una serie di squarci di visuale sulla città con prospettive insolite, che inducono il visitatore a maturare un nuovo rapporto con
un paesaggio urbano che magari dava per scontato.
Una scala monumentale oscurerà inoltre gli ascensori, così da invitare i visitatori del museo a fare del
moto e ribadire il nesso tra equilibrio psichico e fisico. L’architettura può contribuire al raggiungimento di entrambi». «Analogamente, nella Biblioteca
di Alessandria», conclude Thorsen, «opportune
aperture sull’esterno fanno sì che la vista del mare
non abbandoni mai chi risale i piani dell’edificio. I
meno distratti vengono così messi nella condizione di fare, da soli, una constatazione tutt’altro che
banale, e se vogliamo poetica: che la linea dell’orizzonte segue il nostro movimento, ponendosi
immancabilmente all’altezza dei nostri occhi».
SIR NICHOLAS GRIMSHAW
di Florinda Fiamma
(segue da pag. 131)
preferito è il British Pavilion al World Expo di Siviglia del 1992, creato per adattarsi a un clima molto
caldo, attraverso tendoni in grado di temperare
l’ambiente con poco dispendio di energie». Un
centinaio i progetti firmati Grimshaw: Wimbledon
Master Plan, Southern Cross Station di Melbourne, Cutty Sark a Londra, Queens Museum di New
York, il recentissimo aeroporto di Pulkovo: «Volevamo una struttura che riflettesse il carattere di
San Pietroburgo. E abbiamo subito capito che i
suoi abitanti detestano la neve! Abbiamo costruito
un terrazzo invertito che contenesse la neve e riflettesse la poca luce solare attraverso delle lame
dorate inserite nel lato inferiore dei lucernai».
Luce dove il sole è debolissimo, refrigerio nei climi
torridi, è l’idea di non sprecare denaro ed energia
in materiali. «Un nostro sforzo costante è quello di
costruire in modo sostenibile: le strutture di legno
sono totalmente rinnovabili, per esempio. La pelle
di un edificio dovrebbe essere in grado di reagire al
contesto in cui si trova, in termini di luce e ombra,
di riparo, tenendo conto delle condizioni estreme
del tempo. Quando la gente vede una struttura
deve vedere qualcosa di vivo, qualcosa che ha un
significato». Prossimi progetti? Un nucleo residenziale a New York, Via Verde, sostenibile ed economico, «dove usiamo materiali riciclati, un’isola
verde nella città», un museo d’arte contemporanea
a Istanbul e il Fulton Street Transit Center, un’area
di Ground Zero che verrà completata quest’estate
e ha «un immenso occhio di vetro che filtra la luce
naturale fino alle fondamenta dell’edificio».
ANDREA PATERNOSTER AND THE BEES
di Laura Lazzaroni
(segue da pag. 137)
possibile e ho quasi avuto uno shock anafilattico: da
allora non sento niente». Dall’alto l’alveare sembra
una massa brulicante di corpi che si muovono come
uno solo. Un super-organismo, appunto, “operoso”.
Improvvisamente dal tappo di cera di una delle celle
esagonali fa capolino una zampetta: in pochi secondi
nasce un’ape, il manto scuro, le ali quasi sproporzionate rispetto al corpo ancora piccolo. «Le api non
sono aggressive per natura: a differenza delle vespe
sono “vegetariane” e si limitano a difendere il territorio. Sono gli unici animali che mentre si nutrono
non brucano, non strappano: prendono qualcosa
che è dato loro e nel far ciò fecondano, e dunque
danno la vita, in maniera pacifica». Le api danno
vita, ma fino a che punto lo facciano è ignorato dai
più. Impollinando rendono possibile il 76% della
produzione alimentare europea. Eppure dal 2007 la
loro popolazione mondiale ha subito un declino, con
alcuni paesi colpiti più duramente di altri (tra cui
l’Italia, che è tra i principali produttori di miele), tanto da portare il parlamento di Bruxelles ad approvare nel 2010 una risoluzione che ne riconosce i diritti
e aumenta lo stanziamento di fondi dedicati alla ricerca sulle possibili cause della loro moria. «Le api
sono sentinelle dello stato di salute ambientale del
pianeta. Se stanno male è, tra gli altri motivi, per l’uso indiscriminato di sostanze chimiche, per la pressione dell’urbanizzazione e le mutazioni del clima,
per la diffusione della monocoltura intensiva: in
Argentina, con l’allargamento a macchia d’olio delle coltivazioni di soia, la produzione di miele è crollata da 80 milioni di tonnellate a poco più di 50. È
giunto il momento», conclude Paternoster, «che noi
uomini realizziamo qual è la nostra responsabilità».
DAVID CHIPPERFIELD
KING OF GREAT PROJECTS
by Stefania Cubello
With his youthful features and a resemblance to another architect – of sound, however – named Brian
Eno, what is most striking about David Chipperfield
when you first meet him are those bright blue eyes
with their intense gaze and childlike curiosity on the
face of a 60-year-old man. They teach us that life is a
glass that should always be seen as half full. That
positive outlook is also reflected in his youthful style
and casual demeanor when he welcomes me in his
London studio on the 12th floor of a building from
the 1960s that faces Waterloo Station next to the
London Eye and the futuristic architecture that over
the past two decades has transformed Bankside and
the skyline along the Thames River into an amusement park for the super rich. And most of all, it is
reflected in his work. At an age when most people
start to slow down, this British architect – the director of the last International Architecture Exhibition
of the Venice Biennial – is busier than ever. His offices in London, Berlin, Milan and Shanghai employ
over 260 people. On the list of current projects
around the world, he mentions the reorganization of
the Royal Academy of Arts in London; the remodeling of the Neue Nationalgalerie in Berlin, which was
the last great project in 1968 by Ludwig Mies van der
Rohe, a luminary of modern architecture, and of the
James Simon Gallery that will complete the Museum Island; and expansion of the Kunsthaus in Zurich, which was built in the early 20th century by
Swiss architect Karl Moser, and of the Fine Arts
Museum of Rheims. Unlike many famous stars, the
architectural projects of David Chipperfield, who
was knighted by the Queen in 2010, are strikingly
beautiful and brilliant yet never have that shock factor. They are “an internal experience”: not only with
the space, but with the location and its history. His
vision captures the purpose of architecture: its social
function. «An architect can even be brilliant, but designing a project must be done collectively. You have
to focus on the needs of the community and requirements tied to the territory and its history. Unfortunately, planning has become less important today.
Generally speaking, I’d say that our cities are not
designed well and the quality of the architecture
isn’t as good as it was forty years ago. Take Italy in
the fifties and sixties, for instance: the overall architecture, with buildings by Gardella or Gio Ponti, was
fantastic. It was an incredible moment. Italy was an
example for architecture, not only for design and
fashion. Today, everything has been lost. But I believe that this is a universal problem not of architects,
but of politicians and society. Today’s architects are
asked to design museums, train stations, homes or
buildings, but in most cases the client does not want
something architectural, but commercial. Moreover,
with the financial crisis, I hope that in the future they
will pay more attention to building more significant
buildings for the benefit of society, and not only for
profit. And the environmental factor must always
play a greater role in the design. In general, we’re
certainly making better use of energy and insulating
materials. There is much more awareness: everyone
asks architects for sustainable construction. Better
use of energy is common knowledge and feasible,
but that isn’t the problem. Are we truly building in a
sustainable way? Are we using city buildings in a
sustainable way? Do we need to construct new
buildings or is it better to renovate existing ones? Is
it right to build in certain areas? Do we make collective decisions? Do we build in places with a good
transport system, or do we construct good transportation? I don’t think we’re making progress in this
direction. We must deal with a society that is full of
contradictions. We realize that for the good of our
planet we must consume less. On the other hand,
however, our consumerist economy encourages us
to consume more». A master of solid elegance, David Chipperfield’s sophisticated, understated style –
which reflects the principle of Le Corbusier in which
“architecture is the masterly, correct and magnificent play of masses brought together in light” – can
be seen in his latest projects: the Jumex Museum,
inaugurated last November in Mexico City; the new
wing of SLAM, the museum of contemporary art in
St. Louis, Missouri; and the Museum of Cultures in
the former Ansaldo factory located in the design
area of Milan, which is finally about to make its debut. «Rather than minimalism, I’m more interested
in purity of form and simplifying complex problems». Born on a farm in the Devon countryside,
Chipperfield wanted to become a veterinarian when
he was young («I soon discovered that medicine
wasn’t for me»), but his talent for creativity and design led him, thanks to the advice of an art teacher, to
attend and graduate from the Architectural Association School of Architecture in London. He worked
with Norman Foster and Richard Rogers before he
established (in 1984) the David Chipperfield Architects studio, which also has an office in Italy today.
His most significant projects are the River & Rowing Museum in Henley, the Anchorage Museum of
History and Art in Alaska, the Museum of Modern
Literature in Marbach, Germany, the Cittadella del-
la Giustizia in Barcelona, The Hepworth Wakefield
gallery in Yorkshire, and the iconic Neues Museum
in Berlin. But his eclecticism is also expressed
through the boutiques he designed for Dolce &
Gabbana, for the Maison Valentino in Paris, Milan,
Beverly Hills and New York, and, at the beginning
of his career, for Japanese fashion designer Issey Miyake, or through his projects for FontanaArte and
Alessi. When he isn’t in another part of the world
inaugurating a new museum or adding to his many
trophies and awards, which include the Praemium
Imperiale (2013) from the Japan Art Association
and the Royal Gold Medal (2011) of the Royal Institute of British Architects, the appointment as
Commander of the British Empire (CBE) and
Knight of the United Kingdom, Galicia «with its extraordinary, pristine, uncontaminated nature», is the
place where Sir David Chipperfield loves to relax
with his wife, a splendid woman of Argentine origin.
THE ICONIC AND SUSTAINABLE
CHAIRS GREGG BUCHBINDER
by Francesco Spampinato
When people talk about design and sustainability,
his name is always mentioned. Gregg Buchbinder is
CEO of Emeco, a small company in Hanover,
Pennsylvania, that was established by Wilton Carlyle Dinges in 1944 and is famous for its production
of a U.S. design icon: the 1006 aluminum chair. Created on commission for the U.S. government and
better known as the Navy Chair, it was used aboard
Navy ships during World War II, and later in
schools, hospitals and prisons. Buchbinder proudly
remembers that when Ettore Sottsass, with whom
Emeco made one of his last projects, was asked
what object in his apartment he would have wanted
to have designed, he said the Navy Chair. Its generic
shape, its indestructibility, its plain surface and retro-industrial dimensions make this chair a classic:
one of those anonymous objects that we’ve used
countless times without noticing. It takes two weeks,
77 work phases, and 12 welded parts to make one,
and that process has never changed since 1944.
«The human factor is fundamental», says Buchbinder. «Each welder makes his own sort of
seam. The person who mills or polishes it exerts a
different pressure. Each chair is made by hand and
is one of a kind». Another benefit of Emeco chairs
is the fact that 80% of the chair is made of recycled
material, of which half is post-consumer, meaning
that it comes from materials in circulation. «Seventy-five percent of the aluminum produced in the
U.S. since 1800 is still in use», continues Buchbinder.
«It is recovered through urban recycling and then it
goes to the foundry where the impurities are removed». The other half is composed of pre-consumer scraps. «Emeco produces aluminum scraps that
are then recycled», he confirms. «Producing aluminum requires much energy, but you just need 5% to
recycle it». The “problem”, if there is such a thing, is
that once you buy these chairs, they last forever.
That is why government orders, after a certain period of time, dropped drastically. Gregg’s father Jay
A. Buchbinder, who bought Emeco in 1979 when
the company was going bankrupt, immediately understood that manufacturing and materials were
the secret of the company. Gregg, who succeeded
his father in 1998, focuses on eco-sustainable production. «What I learned as a surfer taught me to
appreciate the environment», he says. «Today I’m
proud to talk about the recycled content in our
chairs and our constant attempts to reuse aluminum scrap metal». “Buchbinder” in German means
“bookbinder” and in some ways, Gregg’s work is
just as valuable: he gives shape to ideas and makes
them accessible to a broad audience. «I work with
designers during the chair design, prototype and
production phases», he says. «I think the process is
more similar to that of a publisher, however, which
encourages the writer prior to the publication of the
book. Like a publishing house, Emeco makes things
that last». Philippe Starck played a fundamental
role in the evolution of Emeco. «He was the first to
bring the Navy Chair, which until then was an industrial product, into the world of design», says Buchbinder. In 1990 he used it in the remodeling proj-
143
04/04/14 15.47
English
ect of Paramount Hotel, the radical-chic destination
in the heart of New York’s Times Square. In 2000 he
designed a chair for Hudson Hotel, which was
Emeco’s first partnership with a designer. After
Starck, Emeco produced the chairs of some of the
most important architects and designers of our day
such as Frank Gehry, Norman Foster, Ettore
Sottsass, Jean Nouvel and Konstantin Grcic. «I’m
honored to have worked with these masters.
Sottsass was 90 when he made the Nine-0. Konstantin Grcic is a perfectionist, but it was good having a
deadline», he smiles. «With Gehry, on the other
hand, we made several changes before we reached
the final result». In 2012 Starck designed another
chair for Emeco – the Broom –, 90% of which is
made of industrial waste products. He calls it a “political statement” and adds, «Ecology isn’t a problem: it’s a duty. The chair became a movement that
makes people talk about the issue». Buchbinder
agrees. «In 2010 Emeco and Coca-Cola co-designed
a Navy Chair made of 111 recycled plastic bottles.
With the Broom, made of post-industrial wood fiber and recycled polypropylene, we once again
made industry address the issue of environmental
responsibility», he says. Despite the versatility of
aluminum, Emeco’s future will remain tied to the
production of chairs. «I think there’s something
very special in a chair», he says. «It’s personal space
and a place for resting». His production will certainly remain tied to recycling. «The relationship between sustainability and design is in our DNA. We
will try to greatly reduce waste and to integrate recycled and regenerated materials as much as possible».
KEN YEANG
by Michele Fossi
He’s considered one of the founding fathers of sustainable architecture and, in particular, of “vertical
green urbanism”, which specializes in building skyscrapers with low environmental impact, in terms of
aesthetics and resource consumption. In his book
“Design with Nature”, which has been the Bible of
eco-architects around the world since 1995, Ken
Yeang from Malaysia was one of the first people to
indicate the need for a new construction method
able to restore the balance lost between modern cities and nature. Rejecting the synthetic, artificial, “inorganic” aesthetics of conventional buildings, the
“green skyscrapers” designed by Hamzah &Yeang,
his firm based in Kuala Lumpur, were conceived to
blend with the surrounding landscape. Think of the
“Solaris” skyscraper of Singapore known for its “linear park”, a 1.5 km long strip of greenery that winds
around the entire building like a snake or the “Spire
Edge Tower”, another skyscraper currently under
construction in Manesar (Haryana, India) which is
entirely covered in greenery, from the walls to the
stairs and its roof gardens. It would be limiting to
consider the vegetation in his projects as being purely ornamental. «Our objective is not to simply construct buildings, but to create genuine ecosystems
that blend with the surrounding environment. The
various plant species that we use are strictly local
and studied to achieve precise objectives in terms of
biodiversity protection», explains Yeang, who thinks
of himself as «an ecologist who loves architecture».
«Before we design a building, we try to understand
what local flora and fauna could benefit from these
spaces. The result is a matrix that allows us to keep
our eye on our objectives to support biodiversity
and to establish the right conditions so that these different habitats survive over time». The other great
mainstay of Yeang’s philosophy is bioclimatic architecture: the shape and various components of the
building are designed to better respond to environmental input to cut energy consumption and reduce
the need for resources. The “Roof-Roof House” (his
first bioclimatic building in Kuala Lumpur, where he
still lives) has curved two roofs that only let in the
tepid rays of morning sun, not the hot rays of the afternoon. They also direct the breeze so it cools the
building and reduces the need for polluting air conditioners. «Of course, our architecture, which aims at
creating “living” buildings with a bioclimatic balance
with the surrounding nature, is regional in character», underlines Yeang. «A “man-made ecosystem”
must reflect the natural environment in which it
is situated. Average temperatures with just 1 or 2
degrees centigrade in difference can require
very different types of architectural solutions».
THE VISIONARY
PETER FINK
by Stefania Cubello
«Environmental and social sustainability are fundamental factors more than every today in the urban
planning, and thus in the very life of a city, especially
in the light of the whirlwind speed at which cities are
growing world-wide, from Europe to Asia and
South America. It is only through a method of interdisciplinary and integrated work between the various professional skills – of the designers with economists, artists, sociologists, agronomists and politicians
– and with the active participation of the community
and citizens that it will be possible to respect a sustainable agenda and effect any truly green actions».
The words are those of a British landscapist, Peter
Fink, one of the most important and innovative of
his kind in the world and one of the founders of the
FoRM group, but they break sadly against the towers and modern skyscrapers that have descended
like aliens, transforming Canary Wharf in the past
few years into a little Manhattan and one of Europe’s leading financial hubs. It would be a miracle
today to find even a trace of Dicken’s London in this
district, which from the 17th century was part of
London’s former East End docks, characterised by
the Isle of Dogs and banks of the Thames, where
Fink now has his home and studio. The revival of the
port area, which was depressed back in the 1960s,
dates back to the Thatcher years. The old warehouses have been taken over by arrogant management
centres, banks, financial institutions and the headquarters of newspapers like the Independent.
«When I first moved here with my family and two
children in the early 1970s, a long time before the
regeneration of the area began, the port was still full
of merchant ships from every corner of the globe,
their holds full of goods. It was great to live there
and see the Thames busy with sails; it was international. It was an area in which ended up refugees
and immigrants, as well as those who didn’t want to
live in an apartment in the City, and today it takes in
families and even “high-profile” Londoners who
want to live close to the river». Born in London,
Fink grew up in Czechoslovakia, where he studied
engineering («I would liked to have done something
more creative, but it was the easiest university faculty to join”) and then returned to the UK in 1969.
Here, Fink graduated first in visual arts from the St.
Martins School of Art, and then in philosophy from
University College, London. In 1996, he created the
Art2Architecture group, concentrating on projects
combining art, urban planning, lighting design and
ecology in concert with architects, artists and designers, while in 2006 he founded FoRM Associates,
which works on urban planing. And a year ago, he
set up Studio Fink, with which the landscapist develops artistic projects in urban contexts. His innovative vision of adopting an interdisciplinary and participatory working method aimed at activating
synergies between the world of design and ecology
emerged at the outset of his career, when he was already promoting the idea that artists should be
working outside art galleries and the museums system. Fink’s eclectic opus includes projects that have
won awards and recognition throughout the world,
such as the architectural lighting of One Canada
Square Tower, the icon of the new skyline of Canary
Wharf and second in height only to Renzo Piano’s
Shard. Other works include the kinetic Three Graces sculpture at Pasadena, the Mersey Wave Gateway at Liverpool, and pioneering projects like CarFree London and the Irwell River Park for the
regeneration of the waterfront in Manchester. However, the project that has made him famous throughout the world is the Northala Fields Park, the largest
modern park in London, an icon, with the four conical hills that have become a cult for all landscapists.
«What is missing is empathy. Between people in
general, as we have become so preoccupied about
affirming ourselves at the cost of others. There is a
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lack of social cohesion. The same happens with architects. Many build with little responsibility with
regard to the community, without truly thinking of
the needs of the citizens, of the final users. It is on the
basis of this consideration that I developed my multidisciplinary and participatory idea of planning.
One example is the working method used for the
Northala Fields Park, in which I encouraged people
to participate personally in the project, asking them
to propose their own view of the landscape, their
own needs; for example, there were those who
wanted somewhere to fish, and others who wanted
to be able to go cycling. The project was defined
progressively. But I note that often architects find it
hard to change the initial idea of their project; instead, they waste a lot of time trying to justify it. We
need to form relations with people», he declared.
Fink mentions only one architect as a source of reference for him: Frederick Law Olmsted. «When he
designed Central Park, New York was not the metropolis it is today. But he made the effort to imagine how it would be after a century, and asked himself what people might need then. It would be
impossible today to imagine Manhattan without
Central Park, just as it would be impossible to realise the same project today on one of the most valuable plots of land on the planet». Of his forthcoming projects, there is one in particular that he is
keen on: the large-scale project for a playground
that he is working on for a special-needs school.
«I’m creating a landscape that makes them feel free
and at the same time protected, safe, where they
can explore their physicality, and play together».
JOSH BITELLI
MODERN LANGUAGE
by Simon Castets Hans Ulrich Obrist
Josh Bitelli is more of a researcher on site than a designer. The young British artist – who is appreciated
at home and abroad – loves to experiment and create
surprising, original, and curious works of art. His
benches, seats, furniture and vases are molded from
asphalt and painted with yellow paint used for road
lines. What makes his work so unusual? Everything is
done at road construction sites with the help of workers who are asphalting roads and sidewalks. This
post-industrial art has made Josh one of the most interesting young talents in the United Kingdom.
SCHUO/89plus: You have said that you’re interested in creating interjections into established systems,
to discuss how and why things are made and to generate a sort of “activism”. Do you see yourself as an
environmental activist? Or an environmental artist?
Is there a difference?
Josh Bitelli: Indeed I assume the status of an activist,
whatever that may be, but also of an anthropologist
or a writer or an expert; one important distinction is
that I am happy to shift between roles. I befriend
people in places as a way of assembling a cast or set
of actors for semi-real, semi-fictitious narratives of
which I am at once the engineer and the alien. I
made a set of objects aside a road works event, in
asphalt and line paint. The moment that the roads
themselves needed fixing became the provider for
monuments to the complex road network. I am very
interested in the implications of this kind of labour,
as it is a job that has sprung directly from infrastructure and the ability to trade, for the provision of
goods, and speaks to the romanticism of the liberating power of roads. These people are a seemingly
invisible force, yet they are without factory walls to
shield their process. I tread dangerously close to becoming one of my characters; the road workers offered me a job, and on another occasion I was invited to stay at the Faslane Peace Camp but kindly
declined both. My ability to keep a distance is crucial, for if I were to become too involved I would
retract my right to self-contradiction.
SCHUO/89plus: How do you see your art practice
engaging with sustainability? How big of a role does
sustainability play in your work?
Jb: A sustainable economy is not one that cuts investment in Research and Development and not
one that encourages indefatigable competitiveness;
giving financial institutions power by deregulation,
seemingly David Cameron’s premier policy. Sus-
tainability is an interestingly and intensely branded
set of formulas that in the most brutal instance are
plugged into industry and infrastructure and essentially sold back to us as ratification for our own activities. In this case, sustainability becomes a utopic
spreadsheet that we render onto insulation panels.
Sustainability is an interesting protagonist in the formulation of brands and the imposition of morals, it
therefore has much to do with my work.
SCHUO/89plus: Is “sustainable creativity” possible? How?
Jb: I hope my practice can be sustainable; I am just
starting to figure out how I might be able to achieve
that. I am just about to move into a far larger studio;
it is a risk that I am happy to take and one that is
necessary for the work that I hope to be making this
coming year. I still have to do a few days a week in a
money job but hope that won’t be necessary soon.
SCHUO/89plus: Your work is concerned with everyday, overlooked production, and you often find
yourself creating work in quite industrial settings,
such as quarries, masonries and railways. What
draws you to these industrial settings? What
makes them such a great source of inspiration for
your work?
Jb: These industrial settings are attractive for a number of reasons: they describe how peoples’ lives are
shaped by the imposition of infrastructure, how cultures of places are formed, become unstable and are
destroyed. Places of labour relate infrastructure to
resources and therefore to materials; sometimes not
an easy relationship. Then we are faced with the
supportive infrastructures, those that only exist to
service others. Railway lines are a good example
because there is a filmic romanticism surrounding
the depiction of the railways and the power of travel, but we must also consider how they reflect upon
and manipulate culture. I’ve read a lot about the
growth of mobility infrastructure and its effects on
society and culture. For example, each village or
town used to have its own time zone, which was
problematic for people taking long trains across a
country, so GMT was established and onwards to a
new version of time. My interest in chorology and
the tension of imposed infrastructure and architecture seems to manifest itself in railway lines and
other liminal or in-between places; places that are
constantly in flux or are not necessarily considered
places unto themselves.
SCHUO/89plus: You often work with materials and
tools associated with mass production – stone, asphalt, stanless steel – yet each of your works is
unique, and every object has a narrative. Can you
talk about your use of materials?
Jb: Materiality becomes a tool to weave places with
events and people with activity. In the most sincere
sense, the language of materials describes the provenance of objects and governs how things should be
made and how they look. When we manipulate
these norms, trickery and fiction become important
elements in the poetics of these narratives.
SCHUO/89plus: For the 89plus Marathon at the
Serpentine Galleries last year, you showed an incredible asphalt table, which was the first object in
your practice that you hadn’t made yourself, and
was to be part of an edition of 50 tables. Usually
you’re very connected to the process of making.
Why was this project different? And how did outsourcing the production affect your relationship
with the work? As Martino Gamper has said, you
are a maker and a thinker. How do these processes
of making and thinking relate for you?
Jb: Fifty or so – the final number still has to be decided. I really like that object because it is to become a
repetitive action. I have asked a roofer to spend a
considerable portion of his year making furniture in
asphalt. I’ve got a great photograph of two massive
cabinets and two tables on the back of his pick-up
truck just about to be delivered to the other side of
London. I really want to see how systems of production can be redefined, and this project is very important in the context of sustainability because it is
testing this kind of subversion with economics – it
will either survive or fail. I don’t have the time to put
myself into my own production line, but I like being
able to afford a roofer some rainy day work, and a
distortion of the kind of labour he has being doing
for 60 years, and I think he likes the objects, which
I didn’t expect! It has been a very slow process, and
the objects still aren’t up for sale, but I’m very excited to be able to usurp myself and let the system
run autonomously. I did make the prototypes – lots
of them. The kind of decision making that happens
while making is very important, so I can’t see myself being able to remove myself entirely, and this
isn’t just because I develop quite experimental
processes.
SCHUO/89plus: Last year you undertook a residency in Cove Park, an incredibly beautiful, rural
area on Scotland’s West coast, yet located between
Coulport, the storage place for the nation’s nuclear
warheads, and Helensburgh, a small town whose
beach was named the most polluted in Scotland in
2002. Can you tell us about your residency and how
investigating these environmental issues has
shaped your work?
Jb: The Clyde is a really loaded place. People have
thought it the most secluded bay in the UK and you
hear amazing stories – post-war engineers were hidden away to develop technologies for extracting oil
from secret wells. There were a few propaganda
films shot on the Clyde to romanticise the flourishing shipbuilding industry and the status of the singular worker. Ken Loach’s Sweet Sixteen is shot nearby and shows the disruptive effects of turbulent
politics on later generations of the working class.
Now the only shipbuilding in this area is BAE Systems’ military activities and the maintenance of the
UK’s nuclear fleet, submarines like HMS Tireless
that are continually reported to leak radiation. Oysters encircle the military base, filtering radiation and
other pollutants, and are used as litmus to test for
impurities. Oysters are a very pure form of calcium
carbonate and I burnt a batch of cement from these
tainted oysters and made a set of urns.
SCHUO/89plus: What kind of environmental constraints does your work face? If there were no environmental constraints, what would you make?
Jb: Borders, pharmaceuticals, mines...
SCHUO/89plus: Can you tell us about the projects
you’re working on now?
Jb: I am about to start making a set of signposts that
are prints etched away at with car battery acid. The
acid that creates the potential difference in the battery will be seeped onto aluminum panels, and the
potential energy is expended in eating and removing the surface images printed onto the metal. They
might be shown as objects with an architectural
quality to them. I think the damaged car battery
might stay attached to the work.
SCHUO/89plus: Who are your heroes? Mentors?
Gurus?
Jb: Roberto Bolano, Tschumi, Chomsky. Lucia Pietroiusti lent me C by Tom McCarthy, I’m about half
way through & think he might make the cut.
SCHUO/89plus: Can you tell us more about projects you have not yet been able to realise? Utopias?
Dreams? Censored projects? Or as Doris Lessing
says Self Censored projects that you did not dare to
do? Projects that were too expensive to realize? Too
big or too small to be realise? Forgotten projects?
Jb: When driving through the enormous landscapes
North of Marrakech, the road approached a town
that had been given over to a thick dust-fog. A railway tunnel had been dug into the ground and the
residual material sent up a conveyor belt and tipped
onto a growing mountain, by far the largest thing in
the town. At the foot of the conveyor, a building in
corrugated steel had burst its walls and white dust
that had filtered out from within the building now
appeared to be supporting it. When driving away
from the town it became hard to decipher where the
tip of the mountain was as the whole town was given
over to a thick vertical fog. Its airborne geology collected in nodes leading up to and away from the
town. I’ve since imagined what it might be like to
have a scene like this in Central London, say Trafalgar square, engulfing its entirety in a loose mountain
of Portland stone dust.
SCHUO/89plus: What is your smallest work?
Jb: I made a remake of Baldessari’s waving goodbye
to boats, except I was bidding farewell and good
luck to lorries leaving Park Royal Industrial estate.
It’s pretty small, a photograph was taken but I don’t
even have it yet.
SCHUO/89plus: Do you sometimes work collaboratively?
Jb: Felix Melia and I have just finished the first version of a work that is currently titled Place of Dead
Roads. It is a film and a set of sculptures that we
made and exhibited in Marrakech earlier this year.
The process from which the work evolved is the
main outcome, the physical manifestations themselves can be remade or repeated, as the project
grew firstly from friendship and then from many
years of conversations. It was a very intense period
of work; we were up well before dawn most days and
navigated a rental car through the chaos of the medina with large metal sculptures tethered to the roof,
driving from the metal workshop where they were
made to a vast hinterland where we shot the film.
The sculptures or props are steel barriers or screens
or archways that are made with a similar language to
the kinds of construction that fuels the city. One of
them became a screen onto which we projected the
film in a disused cinema using a petrol generator as
the power supply and the soundtrack. We shot the
film in a seemingly arid landscape of architectural
skeletons, empty or ashen billboards, eroding mud
brick walls, the incomplete promise of a F1 racetrack
and the Atlas Mountains. Two men drove a moped
up and down roads and dirt tracks holding a flag
made from a transparent dustsheet. The dustsheet, a
screen itself, warped and distorted this landscape
while sketching the column of air through which it
moved. We found a way of using the representational value of that place for an exploration of the romantic narratives surrounding movement and social
mobility. We hope to remake the work with the
sculptures becoming architectural screens that host
a multi-channeled version of the film while soaking
up and radiating light at the same time.
SCHUO/89plus: Are you part a group of artists? A
movement?
Jb: I have good friends and we help each other
out, support structures are crucial, often projects
can’t happen without a network of skills and spare
hands and wisdom. I’ve never found reason to
brand working practices of a similar language.
SCHUO/89plus: Do you have dreams?
Jb: Dreams are especially important, but we must
make sure not to read too much Jung. It’s so easy to
freak yourself out. Dream analysis is a fragile thing
and we are all susceptible to imposing other people’s symbolism onto ourselves. To his credit, Jung
does say that each person is very different and deserves personalised research before analysis can be
made, but it is still really hard to disassociate his
ideas and analysis from your own dreams. I tend to
have reoccurring dreams that last for a month or so,
I could reel a few off to you, and one reader might
plug the imagery into a website, and the website
would fabricate me a whole new person out of data.
SCHUO/89plus: Tell us about an exhibition that inspired you?
Jb: I saw an artangel show some years ago where
Catherine Yass had a tightrope walker attempt a
line between two council estates in Glasgow. He
turned around half way. The show was in a building that looks like a lighthouse just opposite Kings
Cross International, a site of major redevelopment work. As I was leaving, I walked into an
empty meeting room that wasn’t part of the show.
The walls were lined with posters of architectural
renders, information and promises of the future of
the Kings Cross area, high rise housing, a square
with a water fountain; this was well before all of
the redevelopment work in the area had begun.
Quite an amazing juxtaposition of two generations of social housing, one man’s attempt to navigate these spaces and the grotesque marketing
tools that sell potential.
SCHUO/89plus: Do politics and art mingle?
Jb: They are inseparable.
YVES BÉHAR
PRODUCTS WATER HEALTH
by Michele Fossi
«I believe that over the next 20 years, every industry
and every manufacturing plant in general will have
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