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arnoldsche ART PuBlishERs
AuTuMn/WinTER
hERBsT/WinTER
2016
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Cover: Justyna Koeke, from ‘Princesses and Saints’, 2016. Photo: David Spaeth.
Backcover: Evert Nijland, necklace ‘Doge’, 2006/07. Photo: Eddo Hartmann.
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This year, a sensational new discovery marks the beginning of our autumn
catalogue: the plaster of Edgar Degas’ world-famous Little Dancer. The American art historian Greg Hedberg explores the influence that this early work of the
modern age had on twentieth-century art. In addition to this, the skilful graphic
work of the documenta 6 artist Wolfgang Gäfgen is appreciated here in full
for the first time. Justyna Koeke, on the other hand, offers vibrantly colourful
accents: her shrill ‘living sculptures’ at the Berlin Alternative Fashion Week have
caused an enormous stir.
The range of our programme is, as always, broad: whether with the rediscovery of one of the most important architects of the Russian avant-garde, a
journey through the culinary delights of Japan, or a review of the sun, moon and
stars in art jewellery, each new release will draw your attention to extraordinary
or hitherto undiscovered topics, setting new standards with high-quality
design oriented specifically to each subject.
Most notably I would like to present to you our publication on an exceptional
woman: Barbara Cartlidge. The book eloquently describes the life story of this
significant gallerist – from her childhood in Germany via her escape to England
to the founding of the Electrum Gallery. And it reveals just why this locus for
contemporary art jewellery and her discourse was so invaluable. I hope you
enjoy reading it!
Yours,
Dirk Allgaier
Publisher
Liebe Leserin, lieber Leser,
eine sensationelle Neuentdeckung markiert den Beginn unseres diesjährigen
Herbstkataloges: die Gipsversion von Edgar Degas weltberühmter Kleiner
Tänzerin. Welchen Einfluss diese Inkunabel der Moderne auf die Kunst
des 20. Jahrhunderts hatte, untersucht der amerikanische Kunsthistoriker Greg
Hedberg. Erstmals umfassend gewürdigt wird zudem das virtuose zeichnerische
Werk des documenta-6-Künstlers Wolfgang Gäfgen. Leuchtend farbige Akzente
wiederum setzt Justyna Koeke: Ihre schrillen „lebenden Skulpturen“ sorgten
auf der Berlin Alternative Fashion Week für große Furore.
Das Spektrum unseres Programms ist wie immer weit gespannt: Ob mit der
Wiederentdeckung eines bedeutenden Architekten der russischen Avantgarde,
einer Reise durch die kulinarischen Genüsse Japans oder einem Überblick über
Sonne, Mond und Sterne in der Schmuckkunst – jede unserer Neuerscheinungen
lenkt den Blick auf außergewöhnliche oder bislang unentdeckte Themenfelder
und setzt mit einer hochwertigen, bewusst am jeweiligen Sujet orientierten
Ausstattung neue Maßstäbe.
Ganz besonders ans Herz legen möchte ich Ihnen unsere Publikation über
eine außergewöhnliche Frau: Barbara Cartlidge. Das Buch beschreibt eindrücklich die Lebensgeschichte der bedeutenden Galeristin – von ihrer Kindheit in
Deutschland über die Flucht nach England bis hin zur Gründung der Electrum
Gallery. Und es zeigt auf, weshalb gerade dieser Ort für die zeitgenössische
Schmuckkunst und ihren Diskurs von so unschätzbarem Wert war. Ich wünsche Ihnen eine spannende Lektüre!
Ihr Dirk Allgaier
Verleger
www.arnoldsche.com 3
VORWORT ⁄ PREFACE
Dear reader,
arnoldsche AROund ThE WORld
002
001
Sonja, Queen of Norway, and Hanne Borchgrevink, Lillehammer Kunstmuseum, January 2016
002
Cecilie Skeide presents the publication Hanne
Borchgrevink, Lillehammer Kunstmuseum, January
2016
003
Book launch of ausgezeichnet! most excellent!,
with participating artists from Shenkar College, Ramat
Gan, Israel, Chemnitz, January 2016
001
00 4
Karen Pontoppidan, Mari Ishikawa, Otto Künzli,
Dirk Allgaier, exhibition opening of Mari Ishikawa,
Munich, February 2016
005 Mari Ishikawa and Karina Moschke, the final print
approval of Mari Ishikawa, Stuttgart, February 2016
006
Thomas Gentille at his book signing, Munich,
February 2016
007 Authors Uta Werlich and Klaus J. Brandt at the
book launch of Inrō at the Linden-Museum Stuttgart,
March 2016. Photo: Anatol Dreyer
008 Sigurd Bronger, Marion Boschka, Jorunn Veiteberg, Pinakothek der Moderne, Munich, March 2016
009 Angelika Nollert, director of Die Neue Sammlung
– The Design Museum, Munich, and Simon Cottrell,
Munich, March 2016
010
Arnd Hoch and Dirk Allgaier, Stockholm,
March 2016
01 1
Helen Drutt and Daniel Kruger, Munich,
March 2016
01 2
Thomas Gentille and Annamaria Zanella,
Munich, March 2016
01 3 Alan Preston and Elisabeth Defner, Munich,
March 2016
01 4
015
Luzie, now 8 1/2 years old
Ward Schrijver, Evert Nijland, Rob Koudijs,
CODA Museum Apeldoorn, March 2016
003
00 4
4 www.arnoldsche.com 005
arnoldsche AROund ThE WORld
006
007
008
009
010
01 1
01 2
01 3
014
015
6 www.arnoldsche.com nEu _ KunsT / nEW _ FinE ARTs
nEu _ KunsT / nEW _ FinE ARTs
Gregory Hedberg
dEgAs’ liTTlE dAnCER,
AgEd FOuRTEEn
The Earlier Version That helped spark
the Birth of Modern Art
320 pp., 23 × 30.5 cm, 381 colour ills.
Hardcover with dust jacket. Additional images
and documents enclosed as a DVD. English.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-392-0
September 2016
E A recently discovered plaster by Edgar Degas, Little Dancer, Aged Fourteen,
turns our understanding of the most famous work by this artist on its head.
As source material and technical analyses verify, it was cast from the
famous wax sculpture we know today prior to its considerable reworking.
As a consequence, the Little Dancer is being seen for the first time in its
revolutionary original conception, which caused a great sensation with its
first presentation at the sixth Impressionist exhibition of 1881. Based on
this hitherto unknown plaster version of Edgar Degas’ Little Dancer,
Gregory Hedberg undertakes a pivotal reappraisal of the significance and
the influence of this work on modern art.
Eine jüngst entdeckte Gipsversion von Edgar Degas Kleiner Tänzerin von
vierzehn Jahren stellt unser Verständnis der berühmtesten Arbeit dieses
Künstlers auf den Kopf. Wie Quellenmaterial und technische Untersuchungen belegen, wurde sie von der heute bekannten Wachsplastik noch
vor deren erheblicher Überarbeitung abgeformt. Somit ist die Kleine
Tänzerin erstmals wieder in ihrer revolutionären ursprünglichen Konzeption zu sehen, die bei der erstmaligen Präsentation des Werkes auf der
6. Impressionisten-Ausstellung 1881 für immenses Aufsehen sorgte.
Gregory Hedberg unternimmt ausgehend von der bislang unbekannten
Gipsplastik von Edgar Degas’ Kleiner Tänzerin eine grundlegende
Neubewertung der Bedeutung und des Einflusses dieses Werkes auf
die Kunst der Moderne.
GREGORy HEDBERG, PHD, received his BA in art history from Princeton University and
his PhD in art history from the Institute of Fine Arts, New York University. He has held
curatorial and administrative positions at the Frick Collection, New York; the Minneapolis
Institute of Arts; the Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut; and the New York
Academy of Art. He is currently senior consultant at Hirschl & Adler Galleries, New York.
The enclosed DVD goes into further detail and contains over eighty photographs of sketches
not shown in the book and the various versions of the Little Dancer, along with certificates
of authenticity and transcribed reviews from 1881.
© David Spaeth
Nils Büttner / Sonja Eismann / Änne Söll
JusTynA KOEKE
Princesses and saints
Prinzessinnen und heilige
With photographs by David Spaeth.
160 pp., 20 × 28 cm, approx. 120 ills. in colour.
Softcover. English / German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-480-4
July 2016
E ⁄ D
Justyna Koeke transforms children’s fantasies into wearable sculptures,
morphs fashion shows into performances. As a child the artist, together
with her sisters, painted her heroes – princesses and saints – which she
now translates into reality as a collection of vibrantly colourful outfits full
of whimsical detail. These tailored fantasies are brought to life on the bodies of ladies of advanced years. The publication presents the entire project:
from the child-like naive drawings, via photographs of the dressed-up
models before the sterile backdrop of their retirement home, to fun-loving
fashion shows – an equally humorous and critical approach to the correlation of childhood dreams and the reality of getting older, in which the
unsolved issues of an increasingly ageing society invariably resonate. The
art project, which fluctuates between sculpture, performance and allusions
to the fashion world, was presented, among other places, at the Alternative
Berlin Fashion Week.
Justyna Koeke verwandelt Kinderfantasien in tragbare Skulpturen,
Modenschauen in Performances. Als Kind malte die Künstlerin zusammen
mit ihren Schwestern ihre Heldinnen – Prinzessinnen und Heilige –, die
sie nun als Kollektion leuchtend farbiger Outfits voller skurriler Details in
die Realität übertrug. Auf den Körpern betagter Damen erwachen die
geschneiderten Fantasien zum Leben. Die Publikation präsentiert das
ganze Spektrum des Projekts: von den kindlich-unbefangenen Zeichnungen über Fotografien der kostümierten Models vor der sterilen Kulisse
ihrer Seniorenresidenz bis zu den lebensfrohen Fashion Shows. Eine
ebenso humorvolle wie kritische Annäherung an den Zusammenhang von
Kindheitsträumen und Altersrealität, in der die ungelösten Fragen einer
immer älter werdenden Gesellschaft stets mitschwingen. Das zwischen
Skulptur, Performance und Anspielungen auf die Modewelt changierende
Kunstprojekt wurde unter anderem auf der Alternative Berlin Fashion
Week gezeigt.
© David Spaeth
10 www.arnoldsche.com nEu _ KunsT ⁄ nEW _ FinE ARTs
nEu _ KunsT ⁄ nEW _ FinE ARTs
Nils Büttner / Clemens Ottnad
WOlFgAng gäFgEn
Zeichnungen
dessins
2 40 pp., 2 4.5 × 28 cm, approx. 200 ills.
in colour and b/w.
Hardcover. German / French.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 40
ISBN 978-3-89790-477-4
October 2016
D ⁄ F
The graphic work by Wolfgang Gäfgen (born 1936 in Hamburg) encompasses more than fifty years. From the very beginning it combined the
meticulous observation skills of his contemporaries with a virtuosity in
drawing, something exemplary in contemporary art and still rarely seen
today. His interest in superficies transforms quite unremarkable everyday
things into exquisite precious items, which have set aside their original
functional purpose to develop a defiantly ironic life of their own. Here,
Gäfgen’s drawings, which with his printed graphics and photography form
the core of his artistic oeuvre, will be extensively acknowledged for the
very first time.
After studying in Hamburg and Stuttgart (1956–1961) Wolfgang
Gäfgen moved to Paris. In 1977 he participated with a block of drawings
in documenta 6. From 1983 to 2002 he held a professorship at the State
Academy of Art and Design in Stuttgart.
Das zeichnerische Werk von Wolfgang Gäfgen (geb. 1936 in Hamburg)
umfasst eine Zeitspanne von über 50 Jahren. Von Beginn an verknüpfte
es die akribische Beobachtungsgabe des Zeitgenossen mit einer für die
Gegenwartskunst exemplarischen Virtuosität des Zeichnens, die so nur
noch selten zu sehen ist. Die Lust an den Oberflächen verwandelt dabei
gänzlich unscheinbare Alltagsdinge in erlesene Preziosen, die ihre
ursprüngliche funktionale Bestimmung abgelegt haben und ein widerständig ironisches Eigenleben entwickeln. Erstmals werden nun Gäfgens
Zeichnungen, die neben Druckgrafik und Fotografie den Kern seines
künstlerischen Œuvres bilden, umfassend gewürdigt.
Nach dem Studium in Hamburg und Stuttgart (1956–1961) zog
Wolfgang Gäfgen nach Paris. 1977 war er mit einem Block von Zeichnungen an der documenta 6 beteiligt. Von 1983 bis 2002 hatte er eine Professur
an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart inne.
WOLFGANG GäFGEN is represented in numerous museums and collections, including
the Staatsgalerie Stuttgart (DE), Hamburger Kunsthalle (DE), Fondation Maeght, SaintPaul-de-Vence (FR), Bibliothèque nationale de France, Paris (FR), Kiasma Museum of
Contemporary Art, Helsinki (FI), The Museum of Modern Art, New York (US) and The
National Museum of Western Art, Tokyo (JP)
Elena Ovsyannikova / Nikolai Vassiliev
BORis VEliKOVsKy
(1878–1937)
Architect of the Russian
Avant-garde
Approx. 200 pp., 22 × 29 cm, approx.
200 ills. in colour and b/w.
Hardcover. English (summaries in German
and Russian).
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 40
ISBN 978-3-89790-478-1
September 2016
E With his residential buildings, office blocks, schools and factories, Boris
Velikovsky (1878–1937) made a definitive contribution to Russian avantgarde architecture. His early constructions, such as Gribov Mansion in
Moscow, are still very much bound to Russian Neoclassicism, yet since the
Revolution of 1917, he increasingly designed Constructivist architecture.
One example is his Gostorg administrative building, distinguished by glass
facades, the functional division of space and use of state-of-the-art materials. Furthermore in the garden city of Druzhba for instance, Velikovsky
intensively engaged with new ideas in town planning.
With mostly hitherto unpublished technical plans as well as numerous
historical and new colour photographs of his most famous projects, Boris
Velikowsky’s contribution to Russian avant-garde architecture is appreciated for the first time in book form.
Boris Velikovsky (1878–1937) trug mit seinen Wohnhäusern, Büroblöcken,
Schulen und Fabrikgebäuden maßgeblich zur Architektur der russischen
Avantgarde bei. Seine frühen Bauten, wie das Haus Gribov in Moskau,
sind noch ganz dem russischen Neoklassizismus verpflichtet; seit der
Revolution von 1917 entwarf er zunehmend konstruktivistische Architekturen. Als beispielhaft gilt sein Gostorg-Verwaltungsgebäude, das sich
durch Glasfronten, funktionale Raumaufteilung und den Einsatz modernster Materialien auszeichnet. Darüber hinaus setzte sich Velikovsky z. B.
in der Gartenstadt Druzhba intensiv mit neuen Ideen der Stadtplanung
auseinander.
Mit bislang größtenteils unveröffentlichtem Planmaterial, zahlreichen
historischen Fotografien und neuen Farbaufnahmen seiner bekanntesten
Projekte wird Boris Velikovskys Beitrag zur russischen Avantgarde-Architektur erstmals in einer Publikation gewürdigt.
ELENA OVSyANNIKOVA, PHD , is professor of architectural history at the Moscow Institute
of Architecture (MArchI) and chairwoman of DOCOMOMO – Moscow Centre. She publishes
widely on modern architecture, the Russian avant-garde and heritage preservation.
NIKOLAI VASSILIEV, PHD , is a well-known historian of architecture, urban planning and
design. He is secretary general of DOCOMOMO Russia and has curated exhibitions at the
Moscow Design Museum.
In 2008 to 2010 Elena Ovsyannikova and Nikolai Vassiliev were the Moscow team
coordinators of Moskonstruct, an exhibition and research project of La Sapienza University,
Rome, and MArchI, Moscow, sponsored by the European Commission.
14 www.arnoldsche.com nEu _ AussEREuROPäisChE KunsT & KulTuR / nEW _ AsiAn ART & CulTuRE
Oishii!
EssEn in JAPAn
272 pp., 21 × 27 cm, approx. 300 colour ills.
Hardcover. German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-468-2
October 2016
D ‘Oishii!’ – ‘Delicious!’ – is the most common word in Japan to describe
food. Expressing culinary taste goes hand in hand with the social and
cultural identity of those eating it. Hence food is much more than nutrition;
rather it is tied to all areas of human life and illustrates the various aspects
of a society and its culture. Against this backdrop – and for the first time in
German – renowned authors devote themselves to Japanese food and drink
culture. How is rice cultivated? How do you catch bonitos? What is the
secret to good sake and how did green tea become a lifestyle product? Hitherto partly undisclosed treasures from the Linden-Museum Stuttgart and
valuable examples from home and abroad draw attention to the rich material culture of food and drink in Japan.
„Oishii!“ – „Es schmeckt mir!“ – ist in Japan das wohl geläufigste Wort,
um Essen zu beschreiben. Der Ausdruck des kulinarischen Geschmacks
geht einher mit der sozialen und kulturellen Identität des Essenden. Somit
ist Essen weit mehr als Ernährung, es ist vielmehr mit allen Bereichen des
menschlichen Lebens verbunden und illustriert verschiedene Aspekte einer
Gesellschaft und Kultur. Vor diesem Hintergrund widmen sich renommierte Autoren erstmals auf Deutsch der japanischen Ess- und Trinkkultur.
Wie wird Reis angebaut? Wie fängt man Bonito? Was ist das Geheimnis
von gutem Sake und wie konnte grüner Tee zum Lifestyle-Produkt werden?
Bislang teilweise unveröffentlichte Schätze des Linden-Museums Stuttgart
und wertvolle Exponate aus dem In- und Ausland lenken mit diesen Fragen
den Blick auf die reiche materielle Kultur des Essens und Trinkens in Japan.
WITH INTERDISCIPLINARy ESSAyS By Naomichi Ishige, Sumiko Tatsuuma, Mutsuhiko
Matsuda and an introduction by Uta Werlich
ExHIBITION: Linden-Museum Stuttgart (DE), 15. 10. 2016 – 23. 4. 2017
nEu _ AussEREuROPäisChE KunsT & KulTuR / nEW _ AsiAn ART & CulTuRE
Inés de Castro / Toko Shimomura / Uta Werlich (eds)
16 www.arnoldsche.com nEu _ sChMuCK / nEW _ JEWEllERy
nEu _ sChMuCK / nEW _ JEWEllERy
Fritz Falk
hEAVEnly BOdiEs
The sun, Moon and stars in Jewellery
hiMMlisCh
sonne, Mond und sterne im schmuck
Approx. 200 pp., 17 × 2 4 cm, approx. 140 ills. in colour
and b/w.
Flexibind. English / German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-472-9
July 2016
E ⁄ D
Courtesy Tadema Gallery, London
Jewellery and the universe are bound together not just in the Ancient Greek
sense of the word ‘cosmos’; the sun, moon and stars invariably also found
their way into representative forms of art jewellery around the world.
While magical, mythological and religious references stood mainly at the
forefront of ancient and non-European cultures, over the course of recent
history it was on decorative grounds that jewellery pieces with cosmic
motifs became so coveted. Whether Köchert in Vienna, Fabergé in
St Petersburg or Lalique in Paris, the great jewellers of the nineteenth and
twentieth centuries were all inspired by heavenly forms. Today, interest
in celestial bodies remains unbroken among contemporary internationally
celebrated jewellery artists. With his new, richly illustrated book, the
long-standing head of the Jewellery Museum Pforzheim presents for the
first time a comprehensive review on the star motif in jewellery – from
Ancient Egypt to the present day.
Schmuck und Universum sind nicht nur in der altgriechischen Bedeutung
des Wortes „Kosmos“ miteinander verbunden, Sonne, Mond und Sterne
fanden weltweit immer auch in Form von Darstellungen Eingang in die
Schmuckkunst. Während in den alten und außereuropäischen Kulturen
meist magische, mythologische und religiöse Bezüge im Vordergrund
standen, waren es im Laufe der jüngeren Geschichte eher dekorative Gründe,
die Schmuckstücke mit kosmischen Motiven so begehrt machten. Ob
Köchert in Wien, Fabergé in Sankt Petersburg oder Lalique in Paris: Alle
großen Juweliere des 19. und 20. Jahrhunderts ließen sich von den Gestirnen anregen. Und auch bei den international gefeierten Schmuckkünstlern
der Gegenwart ist das Interesse an den Himmelskörpern ungebrochen.
Mit seinem neuen, reich bebilderten Buch bietet der langjährige Leiter
des Schmuckmuseums Pforzheim erstmals einen umfassenden Überblick
über das Motiv der Gestirne im Schmuck – vom alten Ägypten bis zur
Gegenwart.
ExHIBITION: Schmuckmuseum Pforzheim (DE), 8. 7.–30. 10. 2016
Beatriz Chadour-Sampson / Janice Hosegood
BARBARA CARTlidgE
And ElECTRuM
gAllERy
A Passion for Jewellery
Approx. 280 pp., 23 × 29.5 cm, approx.
Hardcover. English.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 40
ISBN 978-3-89790-470-5
September 2016
E This publication documents for the first time the extraordinary life of
Barbara Cartlidge (b. 1922 in Berlin) who had fled Germany in 1938. Little
known is her success as a jeweller which resulted in press attention from
fashion magazines such as Vogue and Harper’s Bazaar and, in 1960, a solo
exhibition at Heal’s, leading in modern design. Late 1960s and Barbara’s
involvement with Pace Gallery brought about a meeting with Ralph Turner
and their collaboration to create Electrum Gallery in 1971: the first gallery
for exhibiting exclusively contemporary artist jewellery.
The story of the next 36 years of Barbara’s involvement in Electrum Gallery, until her retirement in 2007, is told through the words and images of
70 internationally renowned artist jewellers who describe this strong,
determined woman and the significance of the gallery for the wider world
of contemporary jewellery. Electrum Gallery represented many hundreds
of jewellers from around the world and made London an international
platform for contemporary artist jewellery.
Zum ersten Mal dokumentiert diese Publikation das außergewöhnliche
Leben der Barbara Cartlidge, die 1922 in Berlin geboren wurde und 1938
nach England floh. Weniger bekannt ist ihr Erfolg als Goldschmiedin, der
ihr die Aufmerksamkeit von Zeitschriften wie Vogue und Harper’s Bazaar
und 1960 eine Einzelausstellung bei Heal’s einbrachte, einer damals
führenden Institution für modernes Design. Über ihre Beteiligung an der
Pace Gallery lernte Cartlidge Ende der 1960er-Jahre Ralph Turner kennen,
mit dem sie 1971 die Electrum Gallery eröffnete – die erste Galerie, die
ausschließlich zeitgenössischen Künstlerschmuck zeigte.
Die Geschichte der nächsten 36 Jahre – in denen Cartlidge die Electrum
Gallery leitete, bevor sie sich 2007 zur Ruhe setzte – wird in den Worten
und Bildern von 70 international bekannten Schmuckkünstlern erzählt,
die diese starke und entschlossene Frau und die Bedeutung ihrer Galerie
für die Welt des zeitgenössischen Schmucks beschreiben. Die Electrum
Gallery hat viele Hundert Goldschmiede aus aller Welt repräsentiert und
London zur internationalen Plattform für zeitgenössischen Künstlerschmuck gemacht.
neu _ SchMuck / new _ JeweLLery
Davira S. Taragin
Linda MacneiL
Jewels of Glass
128 pp., 22 × 28.5 cm, approx. 75 colour ills.
Hardcover with dust jacket. English.
€ 28 [D] / US $ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-471-2
December 2016
E Linda MacNeil: Jewels of Glass is the first in-depth monograph to explore
the development of leading American jeweller Linda MacNeil’s jewellery
and her contribution to late twentieth- and twenty-first-century jewellery.
MacNeil has inserted her voice into contemporary American jewellery
as an innovator transforming glass into proxies for precious gemstones.
She and her work have straddled the fields of Studio Glass and Studio
Jewellery. A pioneer over her forty-and-counting-year career, she has united
glass with metal and, recently, with precious gems. Exploring materiality
and methodology, she uses historical precedent as a jumping off point to
make stunning, wearable jewellery.
This scholarly study presents approximately fifty of MacNeil’s most
significant pieces. Essays interweave her biography with discussions of the
development of her aesthetic and contextualise MacNeil’s achievement
within the art jewellery movement in general and the use of glass in jewellery over the centuries.
Die erste umfassende Monografie der wegweisenden amerikanischen
Schmuckkünstlerin Linda MacNeil erkundet die Entwicklung ihres
Œuvres und ihren Beitrag zur Schmuckkunst im ausgehenden 20. und
21. Jahrhundert.
MacNeil hat sich im zeitgenössischen amerikanischen Schmuck mit
ihrer Verwendung von Glas anstelle kostbarer Edelsteine als Erneuerin
Gehör verschafft. Studioglas und Autorenschmuck gleichermaßen umspannend, schuf sie in ihrer über 40-jährigen Karriere bahnbrechende
Kombinationen von Glas mit Metall – jüngst auch mit Juwelen. MacNeil
erkundet Materialität und Methodologie, indem sie historische Beispiele
als Ausgangspunkt für verblüffenden und tragbaren Schmuck nimmt.
Die vorliegende Publikation präsentiert rund 50 herausragende Stücke
Linda MacNeils. Fachkundige Beiträge verweben ihre Biografie mit der
Entwicklung ihrer Ästhetik und kontextualisieren ihre Leistungen in der
Schmuckkunst im Allgemeinen sowie die Verwendung von Glas im
Schmuck über die Jahrhunderte.
With essays by curator Davira S. Taragin and noted jewellery historian
Ursula Ilse-Neuman
exhibition: Museum of Glass, Tacoma, Washington (US), 21. 1. – 1. 10. 2017
NEu _ SchMuck / NEw _ jEwEllEry
Ward Schrijver
EvErt NijlaNd
Mercurius & Psyche
jewellery
316 pp., 17 × 22.5 cm, with over 275 colour ills.
Cloth-bound. English / Dutch.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-469-9
available
E ⁄ NL
Evert Nijland (b. 1971) is one of the leading jewellery artists of his generation. Trained in the 1990s at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam,
he developed a flamboyant and exuberant style, which drew on (art-)historical resources yet is thoroughly anchored in the present.
A typical characteristic of Nijland is working with a variety of artisans.
It enables him to integrate elements made of such diverse materials as
porcelain, wood, textile or steel into his works. His use of glass in jewellery, in particular, is unparalleled.
This publication presents an exciting review in opulent photographs
of Evert Nijland’s jewellery-making from over twenty years. Montages
of images are a particular highlight, in which jewellery from works
of Western art is superimposed, serving Nijland as both a reference and
a source of inspiration.
Evert Nijland (geb. 1971) zählt zu den führenden Schmuckkünstlern seiner
Generation. In den 1990ern an der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam ausgebildet, ent wickelte Nijland einen üppigen, überbordenden Stil,
der sich (kunst-)historischer Quellen bedient und doch radikal in der
Gegenwart verankert ist.
Die Zusammenarbeit mit verschiedenen Kunsthandwerkern ist für
Nijland charakteristisch. Sie ermöglicht ihm die Einbindung von Elementen
aus so unterschiedlichen Materialien wie Porzellan, Holz, Textil oder
Stahl in seine Werke. Insbesondere sein Einsatz von Glas im Schmuck ist
beispiellos.
Die Publikation bietet in opulenten Aufnahmen einen fesselnden
Überblick über 20 Jahre Schmuckschaffen von Evert Nijland. Ein Highlight
sind spannende Bildmontagen, in denen der Schmuck von Werken der
abendländischen Kunst überlagert wird, die Nijland als Referenz und
Inspirationsquelle dienen.
Evert Nijland is represented in numerous museums worldwide, including the Rijksmuseum,
Amsterdam (NL), the Victoria and Albert Museum, London (GB), Schmuckmuseum
Pforzheim (DE), Musée des Arts décoratifs et de la Mode, Marseille (FR), the Museum of
Glass, Tacoma (US), The Museum of Fine Arts, Houston (US), and The Museum of Arts and
Design, New York (US).
Exhibition: CODA Museum, Apeldoorn (NL), until 28. 8. 2016
© Eddo Hartmann
Ute Eitzenhöfer / Theo Smeets
nEW JEWEllERy FROM
idAR-OBERsTEin 6
gemstone | Jewellery
nEuER sChMuCK Aus
idAR-OBERsTEin 6
Edelstein | schmuck
Edited by Hochschule Trier, Campus Idar-Oberstein.
352 pp., 17.5 × 2 4.5 cm, approx. 400 colour ills.
Hardcover. English / German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-473-6
October 2016
E ⁄ D
Beginning with the renaissance of gemstones in jewellery design since the
1970s, Ute Eitzenhöfer, Theo Smeets, Lothar Brügel (ret. 2014) and EvaMaria Kollischan (since 2014) successfully established the Hochschule
Trier in Idar-Oberstein as a creative European jewellery centre. To mark the
exhibition in the Stadtmusem Simeonstift in Trier on thirty years of the
Gemstone and Jewellery Department, the publication shows an exciting
selection of works from the last ten years. Works in creative design and
photography accompany diverse approaches that exemplify the contemporary use of a reputedly ‘outmoded’ raw material.
In exploring the aesthetic characteristics of the material and the experimental confrontation with its physical qualities, the gemstone’s potential
for design comes entirely into its own. Within current discourse it comments ironically, on the one hand, on the unilateral societal ascription as a
luxury item; on the other, it functions as a charming and noble object of
nature.
Ausgehend von der Edelstein-Renaissance in der Schmuckgestaltung seit
den 1970er-Jahren gelang es Ute Eitzenhöfer, Theo Smeets, Lothar Brügel
(bis 2014) und Eva-Maria Kollischan (seit 2014), die Hochschule Trier in
Idar-Oberstein als ein kreatives Schmuckzentrum in Europa zu etablieren.
Anlässlich der Ausstellung zum 30-jährigen Bestehen der Fachrichtung
Edelstein und Schmuck im Stadtmuseum Simeonstift Trier zeigt die Publikation eine anregende Auswahl von Werken der letzten zehn Jahre. Arbeiten aus den Bereichen freies Gestalten und Fotografie begleiten
verschiedene Positionen, welche die zeitgemäße Verwendung eines vermeintlich „altmodischen“ Rohstoffs veranschaulichen.
In der Erforschung der ästhetischen Qualitäten des Materials und
der experimentellen Auseinandersetzung mit seinen physikalischen
Eigenschaften kommen die Gestaltungspotenziale des Edelsteins voll zur
Geltung. Im aktuellen Diskurs kommentiert er einerseits ironisch die
einseitige gesellschaftliche Zuschreibung als Luxusobjekt, andererseits
wirkt er als anmutiger und erhabener Naturgegenstand.
WITH ESSAyS By Elisabeth Dühr, Ute Eitzenhöfer, Eva-Maria Kollischan, Wilhelm
Lindemann, Julia Wild, Theo Smeets and Marjan Unger
ExHIBITION: Stadtmuseum Simeonstift Trier (DE), 27. 11. 2016 – 26. 2. 2017
Katrin Burtschell / Helene Schwab /
Winfried Stürzl (eds)
for the Freie Kunstakademie Nürtingen
VOll sTOFF!
40 JAhRE FREiE KunsTAKAdEMiE
nÜRTingEn
200 JAhRE sPinnEREi
Approx. 200 pp., 17 × 2 4 cm,
approx. 150 ills. in colour and b/w.
Hardcover. German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-479-8
September 2016
D
Founded in 1976, the Freie Kunstakademie Nürtingen (FKN) is a unique
institution in the liberal educational landscape of Germany. The vision of
humanising the individual and society through art may be viewed in the
context of educational-political debates of the time, in which Joseph Beuys
also founded his Free International University (FIU). Since then the FKN
has continuously been refining itself. The courses currently on offer include
painting, drawing and sculpture as well as ceramics, performance art, new
media, textile media and art research. The publication to mark forty years of
the institution presents current developments as well as milestones and
turning points in the academy’s history in richly illustrated essays, portraits
and interviews. A further section deals with the location, the MelchiorAreal. Here, two hundred years ago, the first cotton-spinning mill in
Württemberg was founded. The building’s conversion is a supreme
example of the repurposing of industrial property.
Die 1976 gegründete Freie Kunstakademie Nürtingen (FKN) ist eine einmalige Institution in der freien Bildungslandschaft Deutschlands. Die
Vision einer Humanisierung des Einzelnen und der Gesellschaft durch das
Mittel der Kunst darf im Kontext der bildungspolitischen Debatten der
Zeit gesehen werden, in der auch Joseph Beuys seine Freie Internationale
Universität (FIU) gründete. Seither hat sich die FKN ständig weiterentwickelt. Aktuell umfasst das Lehrangebot Malerei, Zeichnung und
Bildhauerei ebenso wie Keramik, Performancekunst, Neue Medien, Textile
Medien und Kunstwissenschaften. Die anlässlich des 40-jährigen Bestehens erscheinende Publikation stellt in reich bebilderten Essays, Porträts
und Interviews aktuelle Entwicklungen sowie Meilensteine und Wendepunkte in der Akademiegeschichte vor. Ein weiterer Teil beschäftigt
sich mit dem Standort, dem Melchiorareal. Hier wurde vor 200 Jahren
die erste Baumwollspinnerei Württembergs gegründet. Die Umnutzung
der Gebäude ist ein Paradebeispiel für die Konversion von industriellen
Liegenschaften.
28 www.arnoldsche.com nEu _ dEsign & CRAFTs / nEW _ dEsign & CRAFTs
nEu _ dEsign & CRAFTs / nEW _ dEsign & CRAFTs
Christianne Weber-Stöber / Gesellschaft für
Goldschmiedekunst e.V.
silVER TRiEnniAl
inTERnATiOnAl
18th Worldwide Competition
silBERTRiEnnAlE
inTERnATiOnAl
18. weltweiter Wettbewerb
Approx. 200 pp., 18.5 × 23.5 cm, approx. 120 colour ills.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-474-3
November 2016
E ⁄ D
The publication for the 18th Silver Triennial documents the results of the
international competition for current trends in the silver scene announced
by the Gesellschaft für Goldschmiedekunst e.V. and the Deutsches
Goldschmiedehaus Hanau. Renowned silversmiths and metal designers
who are active across the globe as well as up-and-coming artists present
their ideas for pitchers, bowls, tumblers, cutlery, candelabras and accessories. A top-class jury – Paul Derrez, Galerie Ra, Amsterdam; Dr Wolfgang
Schepers, retired director of the Museum August Kestner, Hanover;
and Bruno Sievering-Tornow, master silver- and goldsmith, and specialist
teacher at the Staatliche Zeichenakademie Hanau – selects the best of the
best from 2016.
Die Publikation zur 18. Silbertriennale dokumentiert die Ergebnisse des
internationalen, von der Gesellschaft für Goldschmiedekunst e.V. und dem
Deutschen Goldschmiedehaus Hanau ausgeschriebenen Wettbewerbs zu
aktuellen Tendenzen der Silberszene. Weltweit tätige, namhafte Silberschmiede und Metallgestalter sowie junge Nachwuchskünstler präsentieren
ihre Ideen zum Thema Kannen, Schalen, Becher, Besteck, Kerzenleuchter
und Accessoires. Eine hochkarätige Jury – Paul Derrez, Galerie Ra, Amsterdam, Dr. Wolfgang Schepers, Direktor a.D. des Museums August Kestner,
Hannover, und Bruno Sievering-Tornow, Silber- und Goldschmiedemeister, Fachlehrer an der Staatlichen Zeichenakademie Hanau – wählt die
Besten der Besten des Jahres 2016 aus.
ExHIBITION VENUES: Deutsches Goldschmiedehaus Hanau (DE), 6.11.2016–15.1.2017,
followed by the Museum voor Edelsmeedkunst, Juwelen en Diamant, Antwerp (BE),
Silberwarenmuseum Ott-Pausersche Fabrik, Schwäbisch Gmünd (DE), Yachting Heritage
Centre, Flensburg (DE) and Museum Zons, Dormagen (DE)
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ KunsT ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ FinE ARTs
Helga Kessler Aurisch / Laure Chabanne /
Tilmann von Stockhausen / Mirja Straub
high sOCiETy
The Portraits of
Franz Xaver Winterhalter
FRAnZ XAVER
WinTERhAlTER
Maler im Auftrag ihrer Majestät
256 pp., 23 × 30.5 cm, 159 colour ills.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
English (hardcover):
ISBN 978-3-89790-448-4
German (brochure with flaps):
ISBN 978-3-89790-449-1
E + D
Franz Xaver Winterhalter (1805–1873) was the most sought-after portraitist of European nobility of his day. Graceful and sophisticated, supportive
of the state and distinguished, he always captured his models in a stunning
and opulent way – among them Queen Victoria and Empresses ‘Sisi’ of
Austria and Eugénie of France.
The lavish publication complements Winterhalter’s magnificent portraits
of crowned heads of state with selected items of clothing by the contemporary couturier Charles Frederick Worth. The first well-founded and richly
illustrated presentation of Winterhalter’s work for over twenty-five years!
ENgLish
gErmaN
Franz Xaver Winterhalter (1805–1873) war der gefragteste Porträtmaler des
europäischen Adels seiner Zeit. Anmutig und raffiniert, staatstragend und
repräsentativ, dabei immer überwältigend und opulent hielt er seine
Modelle im Bild fest – darunter Queen Victoria und die Kaiserinnen „Sisi“
von Österreich und Eugénie von Frankreich.
Die opulent illustrierte Publikation, die Winterhalters großartige Porträts gekrönter Häupter mit ausgewählten Kleidern des zeitgleich ebenso
begehrten Couturiers Charles Frederick Worth ergänzt, ist die erste fundierte und reich bebilderte Darstellung seines Werkes seit über 25 Jahren!
ExHIBITION VENUES: The Museum of Fine Arts, Houston (US), until 14. 8. 2016, followed
by the Château de Compiègne (FR), 17. 9. 2016 – 15. 1. 2017
81 Empress Elisabeth of Austria
1865
Oil on canvas, 100 4⁄ 5 × 62 1⁄ 5 in. (256 × 158 cm)
Bundesmobilienverwaltung, Hofmobiliendepot –
Imperial Furniture Collection Vienna,
inv. no. MD 042795/000
The fulllength formal portrait of Empress Elisabeth of Aus
tria (1837–1898) is arguably the grandest of all of Winterhal
ter’s depictions of royal and imperial sitters. Celebrated for
her stunning good looks, her tall, slim figure, and her mag
nificent dark hair, Elisabeth was one of the great beauties of
Europe and was considered by many to outshine even the
lovely Empress Eugénie of France (cats. 46, 47, 73, 76). The
planned marriage between Franz Joseph, the young Austrian
emperor, and her elder sister, Helene, fell through when on
their first encounter he fell in love with Elisabeth instead,
refusing to marry anyone else. A member of the Wittelsbach
family of Bavaria, Elisabeth, having grown up in a rather
informal household, always felt oppressed by the formality
of the Viennese court and by the supervision of her mother
inlaw, who was also her aunt. After giving birth to three
children, including one son, within the first years of her mar
riage, she took refuge in travel. Extremely vain of her slender
figure, she observed the strictest diets, exercised constantly,
and exhausted her ladiesinwaiting with endless hours spent
riding or walking. Tragedy struck in her later years when the
imperial couple’s only son, Crown Prince Rudolf, took his own
life. She herself was assassinated during a holiday in Switzer
land, dying at the hands of an Italian anarchist in 1898.
When she sat for Winterhalter, however, these tragic
events were still in the distant future, and it is a radiant young
empress, confident of her style and beauty, who confronts us
with a slightly enigmatic smile on her lovely face. Her head
is crowned by her magnificent tresses, plaited and arranged
into a natural diadem that is decorated with diamanté edel
weiss, the flower of Austria’s alpine region. The white satin
and tulle dress, shimmering with a thousand spangles of
16
30 www.arnoldsche.com ——
REFERENCES : Kugler and KurzelRuntscheiner 2000, no. 253.
EXHIBITIONS : Kugler and KurzelRuntscheiner 2000; Shimane 2006; Tokyo and
Kyoto 2009/10.
PROVENANCE : Habsburg family; Bundesmobilienverweltung, Hofmobiliendepot
– Imperial Furniture Collection Vienna.
The Decameron
94
winterhalter_D-E_12102015_END_korr.indd 94
silver foil under a diaphanous layer of tulle, is believed to be
a creation of Charles Frederick Worth. Seen to its full advan
tage as it extends in rich folds at the back, the rendering of
the dress must certainly be considered one of the greatest
efforts at capturing the allure of fashion by the most fashion
able painter of the day. Elisabeth’s regal figure is complemented
by a vast landscape, appropriate for an empress whose hus
band ruled over an expansive, multiethnic empire. HKA
214
19.10.15 16:53
19.10.15 16:54
19.10.15 17:01
19.10.15 17:02
Bård BreiviK –
sculpture
i’d love the Key to
the master locK (vol. 1)
score For a loNger
coNversatioN (vol. 2)
2 vols, decorative slipcase, 18 × 25.3 cm.
Vol. 1: 960 pp., 830 ills. in colour and b/w.
Vol. 2: 336 pp., 300 ills. in colour and b/w.
English.
Hardcover: ISBN 978-3-89790-464-4
€ 148 [D] / US$ 250 / £ 135
Softcover: ISBN 978-3-89790-467-5
€ 98 [D] / US$ 175 / £ 90
Bård Breivik (1948–2016) was one of Norway’s foremost artists. He began
as a pioneer of concept art in Norway and later made monumental sculptures in stone and steel, flourishing at the frontier between landscape art
and urban planning. He also collaborated with local craft practitioners
across the entire globe, which led to the series of objects Score for a Longer
Conversation that speak eloquently of Breivik’s great interest in various
cultures. These publications shine a light on every aspect of this exciting
man and his significant oeuvre.
E HardcovEr
620
13.04.2016 15:01
03 1994-2004_05.indd 621
13.04.2016 15:01
03 1994-2004_05.indd 788-789
789
621
03 1994-2004_05.indd 620
788
Bård Breivik (1948–2016) war einer der führenden norwegischen Künstler
seiner Generation. Er begann seine Karriere als Pionier der Konzeptkunst
in Norwegen, bevor er zu monumentalen Skulpturen aus Stein und
Stahl überging, die an der Grenze von Land Art und Stadtplanung stehen.
Darüber hinaus arbeitete er eng mit Kunsthandwerkern auf der ganzen
Welt zusammen. Die daraus resultierende Objektserie Score for a Longer
Conversation zeugt von Breiviks großem Interesse an verschiedenen
Kulturen. Die vorliegenden Bände werfen ein Licht auf jeden Aspekt dieses
erstaunlichen Mannes und seines herausragenden Werks.
softcovEr
13.04.2016 15:02
Neu seit Frühjahr 2016 _ KuNst ⁄ New siNce spriNg 2016 _ FiNe arts
Rita Leppiniemi / Jorunn Veiteberg (eds)
|
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ KunsT / nEW sinCE sPRing 2016 _ FinE ARTs
n g e r
m a t t h i a S
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Bl ät ter
l at t holzSchnit t e
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Bernd Schäfer / Ulrike Eydinger /
Matthias Rekow
FliEgEndE BläTTER
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die sammlung der Einblattholzschnitte des 15. und 16. Jahrhunderts der stiftung schloss
Friedenstein
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Fliegende Bl ät ter
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|
m a t t h i a S
r e k o w
Edited by Stiftung Schloss Friedenstein
Gotha.
2 vols, decorative slipcase, 23.5 × 29.5 cm.
Vol. I: approx. 448 pp., 681 ills. in b/w.
Vol. II: approx. 608 pp., 785 colour ills.
Hardcover. German.
€ 198 [D] / US$ 340 / £ 180
ISBN 978-3-89790-413-2
August 2016
die Sa mmlung der einBl at t holzSchnit t e
deS 15. und 16. Ja hr hundertS
in der St iF t ung SchloSS Fr iedenSt ein
got h a
Ba nd 2
a r nol dSche a rt pu Bl iSherS
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The collection of single-sheet woodcuts from the
Stiftung Schloss Friedenstein Gotha, one of the
largest at the time of the Reformation, is now fully
accessible to the public for the very first time.
Academically researched and presented with transcriptions of all sheets, this inventory catalogue
is an impressive reference work full of unpublished
prints in two magnificent volumes.
Erstmals wird die Sammlung der Einblattholzschnitte der Stiftung Schloss Friedenstein Gotha,
die zu den größten aus der Reformationszeit zählt,
vollständig der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.
Wissenschaftlich fundiert erschlossen sowie
mit Transkriptionen aller Blätter ausgestattet, liegt
mit diesem Bestandskatalog ein Referenzwerk
in zwei prachtvollen Bänden vor, das mit einer Fülle
bislang unveröffentlichter Drucke besticht.
D Port r äts ⁄ ⁄ Pä Pste, K a iser und Fürsten – BrustBildnisse
Port r äts ⁄ ⁄ Pä Pste, K a iser und Fürsten – BrustBildnisse
Port r äts ⁄ ⁄ K a iser und K ur Fürsten – FolGen
Port r äts ⁄ ⁄ K a iser und K ur Fürsten – FolGen
8 König Ferdinand von Böhmen und ungarn, erzherzog von Österreich, um 1531
9 Königin anna von Böhmen und ungarn, erzherzogin von Österreich, um 1528
inv. nr. G15,19
53 K aiser M a xiMilian ii. und die K urFürsten,
FolGe Von aCHt Bl ät tern (eins FeHlend), 1568
53 a Kaiser Maximilian ii.
inv. nr. G15,18
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17
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63
inv. nr. 38,68
The comprehensive scholarly study presents
Impressionism from its origins in France to its
formation in the United States and Canada and
showcases the impressive autonomy of the artistic
works of Canadian Impressionism in over 650
large-format illustrations.
A. K. Prakash
iMPREssiOnisM
in CAnAdA
A Journey of Rediscovery
Die umfassende wissenschaftliche Studie präsentiert den Impressionismus von seinen Ursprüngen
in Frankreich bis hin zu seiner Ausprägung in den
USA und Kanada und veranschaulicht auf über
650 großformatigen Abbildungen die beeindruckende Eigenständigkeit des künstlerischen Werks
der kanadischen Impressionisten.
Foreword by Guy Wildenstein,
introduction by William H. Gerdts.
802 pp., 2 4 × 29 cm, 653 ills.,
mostly in colour.
Hardcover with dust jacket. English.
2nd printing
€ 99.80 [D] / US$ 120 / CAD$ 140 /
£ 80
ISBN 978-3-89790-455-2
Artists: William Blair Bruce, Maurice Galbraith
Cullen, J. W. Morrice, Laura Muntz Lyall, Marc-Aurèle
de Foy Suzor-Coté, Helen McNicoll, ClarenceAlphonse Gagnon and others. Includes early works
by members of the renowned Group of Seven.
E Plate 8.28 ■ The Ice Harvest, c. 1913,
oil on canvas, 76.3 x 102.4 cm, National Gallery of Canada, Ottawa.
Plate 8.27 ■ Log Cutters, Winter, Quebec, 1905,
oil on canvas, 56.5 x 72.4 cm, private collection.
Venice fascinated Morrice, and he produced more
significant paintings of the city than did any other
Canadian artist. His first trip there was in 1894, and
before 1907 he visited a few more times. Whether with
company or alone, as in 1904 and possibly in 1906 too,
he painted a wonderful series of views of Venice, with
lights dancing on the water, women sitting in cafés,
people walking along cobbled streets, and the warm
golden pink glow of the setting sun enveloping the old
palaces, churches, and gondolas on the canals (plates
9.11–15).15 It is only by piecing together his work in
Venice that we begin to understand the self-sufficiency
in his art. His masterful use of colour, his peculiar
simplification of the figure, and his flattened compositions of Venice earned him a status in modern art. By
1909 Louis Vauxcelles, the prominent French art critic
who had coined the term “Fauvism” four years earlier,
declared that, since the death of Whistler, “Morrice
is unquestionably the American painter … who has
achieved, in France and at Paris … the most notable
and well-merited place in the world of art.” 16
Plate 9.12 ■ Canal in Venice, c. 1898,
oil on canvas, 60.4 x 81.3 cm, private
collection.
Plate 9.11 ■ Old Palaces, Venice at Twilight, c. 1905,
oil on canvas, 40.6 x 27.9 cm, private collection.
328
PART ThRee
■
Eight
The Canadian Impressionist Painters
08 Imp Cullen 6pp2.indd 329
08 Imp Cullen 6pp2.indd 328
32 www.arnoldsche.com 17.09.14 14:58
■
Maurice Galbraith Cullen
329
17.09.14 14:59
346
PART ThRee
09 Imp Morrice 6pp2.indd 346
■
The Canadian Impressionist Painters
Nine
17.09.14 15:07
09 Imp Morrice 6pp2.indd 347
■
James Wilson Morrice
347
17.09.14 15:07
TAPiO WiRKKAlA
TAPIO WIRKKALA
Finnisches Design – Glas und Silber
A Poet in Glass and Silver
A Poet in glass and silver
Finnisches design – glas und
silber
Collection Kakkonen
TAPIO WIRKKALA
arnoldsche
ISBN 978-3-89790-450-7
Edited by the GRASSI Museum of
Applied Arts Leipzig and the Finnish Glass
Museum in Riihimäki.
With essays by Jack Dawson, Tuula
Poutasuo, Kaisa Koivisto, Juhani
Kukkonen, Sirkka-Liisa Löflund and
Hannele Viilomaa.
400 pp., 21 × 27 cm, 570 ills. in colour
and b/w.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-450-7
GRASSI Museum für
Angewandte Kunst Leipzig
The Finnish Glass Museum
arnoldsche ART PUBLISHERS
18.04.16 14:31
E ⁄ D
Tapio Wirkkala (1915–1985) war einer der einflussreichsten und erfolgreichsten Formgestalter des
20. Jahrhunderts und verkörperte wie kein anderer
das skandinavische Design. Seine Entwürfe für die
Firmen Iittala und Kultakeskus Oy werden erstmals mit Beispielen aus der Collection Kakkonen
in fachkundigen Beiträgen, historischen Aufnahmen und einem 249 Glas- und 80 Silberobjekte
umfassenden Katalog präsentiert.
Tapio Wirkkala, Krug TW177. Kultakeskus.
Collection Kakkonen, Silber 44.
Tapio Wirkkala, jug TW177. Kultakeskus.
Collection Kakkonen, silver 44.
Marmora, produziert 1966–1983.
Collection Kakkonen, Glas 233.
Marmora, in production 1966–1983.
Collection Kakkonen, glass 233.
Die Kombination von Silber und Holz erfreute sich in den 1950er-Jahren aufgrund
des Imports von exotischen Hölzern wie Palisander und Teak zunehmender
Beliebtheit. Teakholz wurde vor allem in der Möbelindustrie gerne verwendet.
The combination of silver and wood was popular in the 1950s because of the import
of exotic timber such as palisander and teak. Teak was used a lot in the furniture
industry.
Tapio Wirkkala, Tablett, 1958. N. Westerback, 1958.
Handarbeit, Auftragsfertigung, Seitenflächen aus Holz.
Tapio Wirkkala, tray, 1958. N. Westerback, 1958.
Handmade to order, wooden sides.
Inari, produziert 1966–1981.
Collection Kakkonen, Glas SLM 19516 (231).
Inari, in production 1966–1981.
Collection Kakkonen, glass SLM 19516 (231).
Tapio Wirkkala, Kaffeeset. Kultakeskus.
Tapio Wirkkala, coffee set. Kultakeskus.
Traditionelle und moderne Modelle standen in starker
Konkurrenz zueinander. Kultakeskus wirbt mit einer
traditionell gedeckten Weihnachtstafel, die modernen
Entwürfe Tapio Wirkkalas bleiben dagegen im
Hintergrund. Kotilieden joulu, Nr. 24, 1962.
There was stiff competition between traditional and
modern models. Kultakeskus’ advert for the Christmas
table honours traditional design. Tapio Wirkkala’s
modern design is kept in the background. Kotilieden
joulu 24/1962.
Lunaria, produziert 1971–1992.
Collection Kakkonen, Glas 242.
Lunaria, in production 1971–1992.
Collection Kakkonen, glass 242.
Miracus, produziert 1970–1980.
Collection Kakkonen, Glas SLM 26528 (238).
Miracus, in production 1970–1980.
Collection Kakkonen, glass SLM 26528 (238).
Tapio Wirkkala, Kaffeeset. Kultakeskus.
Tapio Wirkkala, coffee set. Kultakeskus.
Stellaria, produziert 1970–1985.
Stellaria, in production 1970–1985.
156
220
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Wirkkala_Inhalt_Imprimatur.indd 156
15.04.16 10:52 Wirkkala_Inhalt_Imprimatur.indd 157
15.04.16 10:52
Marc Heiremans
VETRERiA AuREliAnO
TOsO, MuRAnO
1938–1968
designs by dino Martens,
Enrico Potz and gino Poli
368 pp., 23.5 × 30 cm, 233 ills. in colour
and b/w and 1.575 design drawings.
Hardcover. English.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 90
ISBN 978-3-89790-454-5
E Wirkkala_Inhalt_Imprimatur.indd 220
221
15.04.16 10:53 Wirkkala_Inhalt_Imprimatur.indd 221
15.04.16 10:53
For the first time ever the entire range of art production at the Murano glass factory Vetri Decorativi
Rag. Aureliano Toso is revealed in all its diversity.
The publication includes the history of the firm,
a verified model list and more than 1,500 previously
unpublished design drawings from the firm archives.
With this reference work, innovative designs by
Dino Martens, Enrico Potz and Gino Poli can finally
be identified beyond a shadow of a doubt.
Mit der Firmengeschichte, einer fundierten Modellliste und dem erstmals veröffentlichten, über
1.500 Entwurfszeichnungen zählenden Firmenarchiv
wird die gesamte Bandbreite der künstlerischen
Produktion der Muraneser Glasmanufaktur Vetri
Decorativi Rag. Aureliano Toso aufgezeigt. Innovative Designs von Dino Martens, Enrico Potz und
Gino Poli sind mit diesem Referenzwerk endlich
eindeutig zu identifizieren.
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ gl As ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ gl Ass
ful designers of the twentieth
nufacturer and the silversmiths
me in expert articles, historical
from the exceptional Kakkonen
Collection Kakkonen
lgreichsten Formgestalter des
las Entwürfe für die Glasfabrik
en erstmals mit Beispielen aus
fnahmen und einem 249 Glas-
Tapio Wirkkala (1915–1985) was one of the most
significant, influential and successful designers of
the twentieth century, embodying Scandinavian
Design like no other. His designs for the Iittala glass
manufacturer and the silversmiths Kultakeskus Oy
are introduced for the first time in expert articles,
historical photographs and a comprehensive catalogue featuring 249 objects in glass and 80 in silver
from the exceptional Kakkonen Collection.
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ sAMMlERliTERATuR ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ COllECTiBlEs
Masterpieces of eighteenth-century craftsmanship
– porcelain, furniture, bronzes, table silver and
paintings – form a panorama of innovation and
consummate execution. Brilliantly presented and
interpreted in detail by experts in the their respective, the works of André-Charles Boulle, Johann
Joachim Kaendler, Alexandre-Jean Oppenordt and
other great artisans evoke a many-hued picture of
a great era.
Sarah-Katharina Andres-Acevedo /
Hans Ottomeyer (eds)
FROM inVEnTiOn
TO PERFECTiOn
Masterpieces of EighteenthCentury decorative Art
inVEnTiOn und
VOllEndung
Kunstwerke des 18. Jahrhunderts
416 pp., 2 4 × 28 cm, 346 ills. in colour
and b/w.
Cloth-bound with dust jacket.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
English: ISBN 978-3-89790-442-2
German: ISBN 978-3-89790-441-5
Meisterwerke des 18. Jahrhunderts – Porzellane,
Möbel, Bronzen, Silbergerät und Gemälde –
formen ein Panorama der Innovation und der
meisterlichen Umsetzung. Glanzvoll präsentiert
und im Detail von Experten interpretiert erwecken
die Arbeiten von André-Charles Boulle, Johann
Joachim Kaendler, Alexandre-Jean Oppenordt und
anderen das farbige Bild einer großen Epoche.
E + D
ENgLish
gErmaN
Invention und Vollendung
84
Rokoko oder goût pittoresque
Kat.-Nr. 21
Pendule mit Saturn und Kybele
Atelier André-Charles Boulle (Paris 1642−1732 Paris)
Paris, um 1700−1720
Gehäuse: furniert mit Ebenholz, Messing, Schildpatt in première partie,
Bronze ziselierte und vergoldet, Glas
Uhrwerk mit Signatur auf der Platine und der emaillierten Kartusche des
Zifferblatts „MOISY à Paris n°490“ für Jean Moisy (1714−1782)
Höhe 115,5 cm, Breite 59,5 cm, Tiefe 24 cm
Vergleichsstücke
Brüssel, Musée royal d’Art et d’Histoire (Uhrwerk
von Gaudron); Cleveland, Museum of Art, Inv.Nr. 1967.153 (Uhrwerk von Balthazard Martinot,
Rouen 1636–1714 Saint-Germain-en-Laye);
Genf, Fondation Gandur pour l’Art, Inv.-Nr.
FGA-AD-HORLO-36 (Uhrwerk von Niclas
Gribelin, Blois 1637–1719); Mailand, Privatsammlung (wohl identisch mit dem bei Augarde
abgebildeten Exemplar: Augarde 1996,
S. 248, Abb. 196); New York, Frick Collection
(publiziert in: Ausst.-Kat. New York 1982, S. 41–
44); Versailles, Châteaux de Versailles et de Trianon (abgebildet in: Verlet 1987, S. 107, Abb. 123)
Abb. 22
Entwürfe zu Uhren und
Kaminböcken von AndréCharles Boulle (Paris
1642–1732 Paris), Tafel 2,
Kupferstich aus der Serie
Nouveaux Desseins de
Meubles et Ouvrages de
Bronze et de Marqueterie
Hercules rue St. Jacques,
Paris, um 1725–30, 210 x
300 mm, Paris, Bibliothèque des Arts décoratifs,
Collection Maciet, Inv.-Nr.
ORN/1/107
REnaissancE bis hEutE
REnaissancE to thE PREsEnt day
arnoldsche aRt PublishERs
Renaissance to the Present day
EdElsTEin / KunsT
Renaissance bis heute
With essays by Wilhelm Lindemann,
Regine Prange and Paulus Rainer.
352 pp., 2 4 × 30.5 cm, 316 ills. in colour
and b/w.
Hardcover with dust jacket. English /
German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-465-1
June 2016
Vom ikonischen edelstein zum kunstobjek t
68
34 www.arnoldsche.com From iconic Gemstone to Art object
through reading Holy Scripture, which determines the view
into the book of nature. Thus, the inner light of the ‘carbuncle’
(a name for the garnet, as well as occasionally for the ruby) is
not only the beauty of the gemstone or nature as created by
God but it also reveals to the beholder – as an act of divine
goodness and mercy – a reflection of heavenly and, ultimately,
divine beauty.
In estimating the value of a gemstone, lucid, colourful
crystals have higher status. John Gage cites a passage from De
mineralibus by Albertus Magnus (around 1220–1280), which
presents a corresponding categorisation. It states that Hermes
Trismegistos asserts that
this is the reason why gemstones have more magical powers than anything else – because its luminescence and
transparency basically resembles the appearance of heaven. Therefore, some say that gemstones are stars made of
the elements. For, in the upper [spheres] there are, they
say, four colours that are the colours one meets with most
often in gemstones. The first is the colour of the starless
sphere, which everyone calls saphir; and this colour is, most
strikingly, that of saphirus, after which it is named. [...] The
second colour is that of most stars, which is known as
bright, radiant white; and this is the colour of the adamas
(diamond), the beryl and many other stones. The third is
described as glowing and luminous; these are the sun and
Mars and surely other [stars]; and this is above all [the
colour] of the carbuncle [...]. And therefore it is said that
the carbuncle is the noblest, having the powers of the other stones; because it was given a power similar to that of
the sun’s, which is nobler than all other heavenly powers.8
The scale of values for gemstones, which Albertus Magnus attributed to the early modern era’s ancient predecessor in magical interpretations of the world, Hermes Trismegistos, can be
understood against the backdrop of medieval, philosophical
concepts of nature. Aside from the colour and lucidity of the
material, purity also plays an important role. The presence of
nubes (cloudy opacities) reduces the value of otherwise highly
valuable stones to category IV, for medieval philosophy, influenced by Aristotle, differentiates between the essence of a thing
(substance) and its manifestation (form). A gemstone from categories I, II or III, whose luminosity and transparency are in
harmony, is pure and entirely transparent. Of all gemstones,
the carbuncle is the crystal whose essence radiates most clearly. By shining from within in the darkness9 – as the sun does
– it is closest to the extraterrestrial sphere and therefore is
most suited to represent it.
The theory of perception common to medieval natural
philosophy was not yet based on scientific observations. It was
not until the late twelfth or early thirteenth century that the
investigations of light reflection and refraction conducted by
the Arabian scientist Ibn al-Haitham (Alhazen, c.965–c.1040),
translated into Latin under the title Perspectiva, were received
in Europe. In the first half of the thirteenth century, however,
Robert Grosseteste and Roger Bacon began developing them
into a marginalised theory of light supported by scientific ex-
Literatur
Pietsch 2000
Während des Zeithainer Lagers
präsentierte August der Starke 47
geladenen Fürsten sein
reorganisiertes 28.000 Mann
starkes Heer. Diese 31 Tage
andauernde Truppenschau, die
unter dem Kommando des
Generalfeldmarschalls August
Christoph Graf von Wackerbarth
(Kogel 1662–1734 Dresden)
stand, wurde von zahllosen
Lustbarkeiten und Festen
begleitet, für die Heinrich Graf
von Brühl verantwortlich
zeichnete.
Zitiert nach: Ausst.-Kat. Dresden
2000, S. 16.
Ensemble verschiedener Formstücke aus dem
Schwanenservices für Heinrich Graf von Brühl
(Gangloffsömmern 1700–1763 Dresden)
Modelle von Johann Joachim Kaendler (Fischbach 1706–1775 Meißen) und Johann Friedrich Eberlein
(Dresden 1695–1749 Meißen), 1736–1742
Ausformung und Staffierung, Meissen 1736–1742
Heinrich Graf von Brühl (Abb. 90) begann seine Laufbahn am Hofe 1730 als „Kämmerer der
königlichen Garderobe“ und forcierte seinen
Aufstieg noch im selben Jahr durch die Organisation eines 31 Tage andauernden Amüsements
anlässlich des Zeithainer Lagers (30. Mai–
29. Juni 1730)1 unter August dem Starken
(Dresden 1670–1733 Warschau). Ab 1731
wurde er wiederholt befördert, war 1733 bereits zum sächsischen Kabinettsminister August III. (Dresden 1696–1763 Dresden) und
zum Leiter der Meissener Porzellanmanufaktur
avanciert und wurde viele Ämter und Ehren
später schließlich im Jahr 1747 zum Premierminister ernannt. Mit seinen zahlreichen neuen
Aufgaben wuchs mit dem Ansehen Brühls auch
sein Bedürfnis nach angemessener Repräsentation. Dieser wurde nicht nur durch das Auftreten seiner Person selbst, sondern besonders
durch Größe, Ausstattung und Schmuck seiner
Besitztümer Ausdruck verliehen. Besonders bei
festlichen Abendessen muss zu dieser Zeit eine
zumindest teilweise mit Meissener Porzellanen
geschmückte Tafel in den gehobenen gesellschaftlichen Kreisen Dresdens geradezu obligatorisch gewesen sein und so verwundert es
nicht, dass Graf von Brühl durch landesherrliche Verfügung von 1737 Meissener Porzellan „aus besonderen Gnaden ohne einiges
Entgelt völlig überlassen und geschenkt“ 2 wurde. Er hatte bereits seit 1732 eine große Anzahl
von Meissener Stücken im Gesamtwert von
12.000 Talern auf Kredit von der Manufaktur
erhalten, von dessen Tilgung er rückwirkend
durch einen Erlass von 10. Juli 1737 entbunden wurde.
Throughout history, gemstones have been embedded with meaning and were even regarded as
magical objects; this made them a truly valued
material. Their crystal-like forms shaped modern
art and have recently been rediscovered by artists.
This publication runs the gamut from stone-cutting in the early modern age to current gemstone
art, featuring alongside art historically important
works the diversity of contemporary approaches.
Zu allen Zeiten geschätzt galten Edelsteine stets als
bedeutsames Material, wurden gar als magische
Objekte verehrt. Ihre Kristallform prägte die Kunst
der Moderne, in der künstlerischen Produktion
wurden sie zuletzt neu entdeckt. Die Publikation
schlägt den Bogen vom Steinschnitt der frühen
Neuzeit bis zur aktuellen Edelsteinkunst und zeigt
neben kunsthistorisch wichtigen Werken erstmals
die Vielfalt zeitgenössischer Positionen.
E ⁄ D
Schöpfung von Welt: Menschliches Weltwissen und menschliche Weltdeutung vollzieht sich in der Lektüre der Heiligen
Schrift, die den Blick in das Buch der Natur bestimmt. So zeigt
das innere Licht des „Karfunkels“, mit dem der Granat, aber
gelegentlich auch der Rubin bezeichnet wird, nicht nur die
Schönheit des Edelsteines bzw. der von Gott geschaffenen Natur, sondern offenbart – als Akt göttlicher Güte und Gnade –
dem Betrachter zugleich einen Abglanz himmlischer und
schließlich göttlicher Schönheit.
In der Wertschätzung der Edelsteine kommt luziden farbigen Kristallen ein höherer Rang zu. John Gage zitiert eine
Textstelle aus De mineralibus des Albertus Magnus (um 1220–
1280), in der eine entsprechende Kategorisierung vorgenommen wird. Dort heißt es, Hermes Trismegistos behaupte,
„dies sei der Grund, weshalb Edelsteine mehr als alles
andere magische Kräfte besitzen, das heißt weil sie im
Grunde mit ihrer Leuchtkraft und Transparenz eher Erscheinungen des Himmels glichen. Daher sagen manche,
Edelsteine seien aus Elementen geformte Sterne. Denn in
den oberen [Sphären] gibt es, so sagen sie, gleichsam vier
Farben, welche auch die Farben sind, die man am häufigsten in Edelsteinen antrifft. Deren eine ist die Farbe der
sternlosen Sphäre, die jedermann saphirn heißt; und diese Farbe ist in hervorstechender Weise die des Saphirus,
nach dem sie benannt ist. […] die zweite Farbe ist die der
meisten Sterne, die helles, strahlendes Weiß genannt
wird; und dies ist die Farbe des Adamas (Diamant), des
Berylls und zahlreicher anderer Steine. Die dritte wird als
glühend und leuchtend bezeichnet; dies sind die Sonne
und Mars und bestimmte andere [Sterne]; und dies ist allen voran [die Farbe] des Karfunkels […]. Und daher heißt
es, der Karfunkel sei der edelste, der die Kräfte der anderen
Steine besitze; weil er eine Kraft ähnlich der der Sonne erhalte, die edler sei als alle anderen himmlischen Kräfte.“8
Die von Albertus Magnus dem antiken Vordenker frühneuzeitlicher magischer Weltdeutungen, Hermes Trismegistos, zugeschriebene Wertskala der Edelsteine wird vor der Folie der
mittelalterlichen naturphilosophischen Konzepte verstehbar:
Neben der Farbe und der Luzidität des Materials spielt darin
die Reinheit eine große Rolle. Das Vorkommen von nubes (wolkenartigen Eintrübungen) setzt den Wert ansonsten höherwertiger Steine in die Kategorie IV herab. Denn die aristotelisch
geprägte mittelalterliche Philosophie differenziert zwischen
dem Wesen einer Sache (Substanz) und seinem Erscheinungsbild (Form). Der in seiner Wesenheit des Leuchtens und der
Transparenz mit sich selbst in eins fallende Edelstein der Farbkategorien I, II und III ist rein und völlig durchscheinend. Der
Karfunkel ist dabei der von allen Edelsteinen am klarsten aus
seiner Wesenheit heraus strahlende Kristall. Indem er – ähnlich der Sonne – in der Dunkelheit aus sich heraus leuchtet9,
steht er der Sphäre des Überirdischen am nächsten und eignet
sich daher am meisten, sie zu repräsentieren.
Die in der mittelalterlichen Naturphilosophie weitgehend
gültige Sehtheorie basiert noch nicht auf einer naturwissenschaftlich begründeten Optik. Erst im späten 12. oder Anfang
Abb. 90
Heinrich Graf von Brühl
(Gangloffsömmern
1700–1763 Dresden),
Kupferstich von Johann
Christoph Sysang (Leipzig
1703–1757 Leipzig),
Wolfenbüttel, Herzog
August Bibliothek,
Inv.-Nr. III 285
2
gEMsTOnE / ART
EdElstEin/
Kunst
GEmstonE /
aRt
Kat.-Nr. 72
1
Wilhelm Lindemann (ed.)
WilhElm lindEmann (Ed.)
305
Abb. 89
Salznapf aus dem Schwanenservice für Heinrich
Graf von Brühl (Gangloffsömmern 1700–1763
Dresden), Modell von
Johann Friedrich Eberlein
(Dresden 1696–1749
Meißen), 1738, München,
Kunsthandel Röbbig
evolution · Hochschule
evolution · Hochschule
DeboraH ruDolpH (Dipl.). brosche „Stein auf Stein“, 2010, boulder, bergkristall, expoxid,
Stahl | brooch “Stone on Stone”, 2010, boulder, Quartz, epoxy resin, Steel
photo: Deborah rudolph
kreuzreliquiar kaiser heinrich ii (staurothek), wohl metz oder reichenau,
um 1010 | cross reliquary emperor henry ii (staurothek), presumably metz
or reichenau, around 1010
DeboraH ruDolpH (Dipl.). brosche „lichtung“, 2010, schwarze Jade, Silber, Stahl |
brooch “Clearing”, 2010, black Jade, Silver, Steel
residenz münchen, schatzkammer (inv.-nr. resmüsch. 9)
DeboraH ruDolpH (Dipl.). Halsschmuck „eins 3“, 2010, onyx, aquamarin, Silber, Kevlar |
necklace “one 3”, onyx, 2010, aquamarine, Silver, Kevlar
69
248
249
Anne-Claire Schumacher / Frank
Nievergelt / Volker Ellwanger
lEidEnsChAFT FÜR
KERAMiK
sammlung Frank nievergelt
22 4 pp., 2 4.5 × 27 cm, 185 colour ills.
and 36 marks reproduced.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-459-0
Treffend illustrieren rund 200 Objekte von 41 internationalen Künstlern aus der Sammlung Frank
Nievergelt die Entwicklung der Keramikkunst seit
1970. Das Spektrum reicht von Gefäßen über Skulpturen zu Installationen. Unterschiedliche Materialien und Überzüge sorgen für eine Palette höchst
eigenständiger Ausdrucksformen. Ein Manifest der
Vielschichtigkeit, Vitalität und Schönheit der
Keramikszene!
D ⁄ F
59
Coupes sur socles,
1975 ; 1971
grès tourné, modelé,
émaux noir et blanc
four électrique 1 250°C
Bechergefässe auf
Sockeln
Steinzeug gedreht,
gebaut, schwarze
und weisse Glasur
Elektroofen 1250°C
H. 14 cm ; H. 23,6 cm ;
H. 13 cm
Inv. AR 2015-183 ;
AR 2015-179 ;
AR 2015-185
58
> Vases sur socles
Cyclades, 1975 ;
1971 ; 1974
émaux noir et blanc
Vasen auf Sockeln
Steinzeug gedreht,
gebaut, schwarze
und weisse Glasur
Elektroofen 1250°C
H. 22,5 cm ;
H. 21,8 cm ; H. 24,7 cm
Inv. C210 ;
AR 2015-181 ;
AR 2015-182
120
Geboren 1927 in Düsseldorf (Deutschland), gestorben 2015; lebte und arbeitete in
Büdingen-Düdelsheim (Deutschland).
Zu meinen frühesten Bekanntschaften innerhalb der Keramikszene gehört
Beate Kuhn. Mit ihrem grossen Interesse und Verständnis für zeitgenössische Kunst
fühle ich mich ihr bis heute freundschaftlich stark verbunden. Wir sind oft zusammengekommen in ihrem Studio in Düdelsheim/D, an unzähligen Veranstaltungen,
bei meinen Eltern in Zürich oder bei uns in Ramsen. Die erste Plastik, die ich noch in
einem Koffer transportierte, das „Sonntagsstück“, konnte ich am 27. Februar 1971,
soeben aus dem Brennofen genommen, als siebenundzwanzigstes Stück meiner
Sammlung auswählen. Beinahe jedes Jahr kamen weitere Werke hinzu, auch grosse,
wichtige Arbeiten wie die „Weisse Reihe“ von 1972. In mehreren Texten äusserte ich
mich zu ihrem Schaffen, zuletzt, als ich ihr in der Kunsthalle Wil 2009 eine Ausstellung konzipierte. Seit den 1950er Jahren unterzog Kuhn ihre Arbeit einer steten
Wandlung. Durch die Frische und Aktualität ihrer Kunstwerke überzeugt, wollte ich
diese als einen Beitrag zur aktuellen plastischen Kunst in der Schweiz vorstellen.
Von unerschöpflicher Fantasie beflügelt, inspiriert durch Musik, erfindet Kuhn
ihre plastischen Arbeiten. Über die Jahrzehnte hat sie sich ein Werk erschaffen, das
im Vergleich zu den zeitgenössischen Tendenzen schräg in der aktuellen Kunstlandschaft steht. Ihre Kreationen sind Ausdruck einer grossen gestalterischen
Ungebundenheit und formalen Freiheit. Sie gibt dem Eigenwilligen, dem Exzentrischen in der Kunst eine Stimme. Man wird eingeladen auf eine sinnlich-abenteuerliche Reise ins Land ihrer Imagination. Weit öffnet sich das Tor zu einem Wundergarten
der Fantasie, und ich bin selbst mittendrin in einem Reich von bizarren Pflanzenbildern und Organismen, wie sie die Wirklichkeit nicht kennt. Dabei ist der Übergang
von organischen Formen zu geometrisch-abstrakten Kompositionen fliessend. Stellen
ihre Arbeiten auch primär plastische Ereignisse dar, so trägt die farbliche Gestaltung
wesentlich zum Erscheinungsbild bei. Mehrlagige Farbklänge sind formbezogen, formsteigernd und formbelebend eingesetzt. Mit den Mitteln traditioneller keramischer
Sculpture, 2008/2009
émaux
Plastik
Steinzeug gedreht,
montiert, Glasuren
Elektroofen 1240°C
L. 49,4 cm
Inv. AR 2015-242
EKsTRøM EXTREME
norwegian Furniture and
industrial design
128 pp., 21 × 27 cm, 50 ills. in colour
and 15 in b/w.
Hardcover. English / Norwegian.
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-460-6
Erstmals wird die Geschichte des wegweisenden
Designers Terje Ekstrøm (1944–2013) erzählt,
dessen Entwürfe zur Erneuerung und Unabhängigkeit der norwegischen Designszene in den 1970ern
und 80ern beitrugen. Die Ideale der Glanzzeit
des skandinavischen Designs herausfordernd, war
seine Entwurfspraxis durch die eklektizistische
Suche nach Originalität gekennzeichnet.
E ⁄ Nor
kunsten å sitte naturlig
Fig. 8 + 9
Beate Kuhn
Née en 1927 à Düsseldorf (Allemagne), décédée en 2015 ; a
vécu et travaillé à Büdingen-Düdelsheim (Allemagne).
Beate Kuhn fait partie de mes premières connaissances
de la scène céramique. Aujourd’hui encore, je me sens proche
de son intérêt marqué pour l’art contemporain, qu’elle comprend à la perfection, et je lui voue une profonde amitié.
Nous nous sommes souvent retrouvés dans son studio à
Düdelsheim, en Allemagne, lors d’innombrables manifestations, ou encore chez mes parents à Zürich ou chez nous à
Ramsen. C’est le 27 février 1971 que je sélectionnai sa première sculpture, Sonntagsstück, tout juste sortie du four,
que je transportai dans ma valise et qui devint la vingt-septième pièce de ma collection. Pratiquement chaque année,
d’autres travaux volumineux et importants vinrent la
rejoindre, comme la Weisse Reihe de 1972. Je m’exprimai sur
sa création dans plusieurs textes, dont le dernier remonte à
l’exposition que je conçus pour elle à la Kunsthalle en 2009.
Depuis les années 1950, Kuhn soumettait son travail à une
mutation constante. Convaincu par la fraîcheur et l’actualité
de ses œuvres d’art, je voulais les présenter en Suisse
comme une contribution à l’art plastique contemporain.
L’inventivité de Kuhn se nourrit d’une imagination inépuisable, inspirée par la musique. Au fil des décennies, elle a créé
une œuvre en porte-à-faux par rapport aux tendances actuelles du paysage artistique. Ses créations sont l’expression
d’une grande indépendance artistique et d’une liberté formelle remarquable. Elle donne voix à ce que l’art a de plus fantasque et excentrique. Elle invite à un voyage sensuel et
This book tells for the first time the story of
pioneering designer Terje Ekstrøm (1944–2013),
whose work contributed a new vitality and
independence to the Norwegian design scene of
the 1970s and 1980s. Challenging the ideals of
the golden age of Scandinavian Design, his practice
was characterised by an eclectic search for originality.
Denise Hagströmer (ed.)
Putemøbel, skisser og utkast til modulbasert
møbellandskap, Terje Ekstrøm og Peter Opsvik,
1981
121
the Art of sitting Naturally
Hi-fi: Visualisering av lyd
Fig. 13
Høyttaler Fasett (Serie 2),
Terje Ekstrøm, Tandbergs
Radiofabrikk, 1975
mellom sidepaneler av tre. Et rutenett fremhever
grensesnittets hoveddeler, og en fordypning løper
langs de viktigste kontrollknappene og passer ergonomisk til brukerens fingertupp.
Et produkt som avgjort ikke fulgte firmaets og
bransjens sedvanlige designløsninger, var Fasett,
en liten høyttaler med et plastkabinett i en geodetisk utforming med en sekskantet front. På den tiden var høyttalere, enten de ble laget av Tandbergs
Radiofabrikk eller andre produsenter, som regel
store, rektangulære trekasser som ble solgt parvis
og som på alle måter var statiske objekter. Fasett
ble lansert i 1973 i et radikalt brudd med alle slike
normer. Ikke bare var den liten og laget av plast
(enten svart, lysegrå eller oransje), men høyttalerens uvanlige form var ment å gjøre den dynamisk
og smidig med hensyn til hvordan den skulle plasseres og settes opp: Den mangekantede høytalerkassen gjorde nemlig at den kunne vippes
fremover eller bakover og dermed rette lyden enten nedover eller oppover, og høyttaleren kunne
også brukes som en modul og settes opp i grupper når man ønsket en rikere og kraftigere lyd. Originalutgaven hadde en finmasket forside, mens
den andre serien fra 1975 hadde et frontpanel i
plast, hvor hull dannet et mønster som betonet
den sekskantede utformingens bikubeassosiasjoner [fig. 13]. Eksepsjonelt nok var formgivningen av
Fasett virkelig et enmannsprosjekt, fjernt fra lagånden som vanligvis lå til grunn for produktutviklingsprosessene hos Tandbergs Radiofabrikk. Det hele
var Ekstrøms idé fra start til mål. Firmaets ledelse
og designavdeling hadde ikke offisielt godkjent
prosjektet, slik at utviklingskostnadene ikke ble
dekket på vanlig måte – men Ekstrøm greide å
overbevise noen i markedsavdelingen om å finansiere dette prosjektet. Han fikk beskjed om at utviklingskostnadene ville måtte dekkes inn innen
32
Ekstroem_komplett_160120_prn.indd 32
High Fidelity: Visioning sound
Fasett (Series 2) loudspeaker,
Terje Ekstrøm, Tandbergs
Radiofabrikk, 1975
Cushion-furniture, sketches and proposal for
modular furniture landscape, Terje Ekstrøm and
Peter Opsvik, 1981
33
20.01.16 11:48
20.01.16 11:48
fabrikk’s and those made by other manufacturers,
were normally large, rectangular wooden boxes
that came in pairs and were profoundly immobile
objects. Launched in 1973, Fasett was a radical
departure from all these conventions: not only was
it small and made from plastic (available in black,
light grey and bright orange) – its unusual shape
was intended to facilitate dynamic flexibility in how
the speakers were placed and configured. The
facetted cabinet allowed it to be tipped forward or
backward, directing the sound downwards or upwards and it could be used as a module and
mounted in clusters when a fuller, louder sound
was desired. The original version had a fine mesh
front, whereas the second series produced from
1975 featured a plastic front panel with holes
forming a pattern that accentuated the beehive
associations of the hexagonal shape [fig. 13]. Exceptionally, Fasett was indeed a one-man design
project, far removed from the teamwork ethics of
the usual product development process at Tandbergs Radiofabrikk. It was Ekstrøm’s idea from conception to completion. The management and the
design department did not officially approve the
project, so the product development costs were
not covered in the usual way – but Ekstrøm succeeded in getting someone in the marketing department to bankroll his work. He was told that the
development costs would have to be recovered by
the sale of no more than 1,000 units. Ekstrøm’s
experimental speaker put the sceptics to shame by
becoming a major success, staying in production
for the remainder of the company’s life.17
Fasett represented the boldest attempt at visioning sound at Tandbergs Radiofabrikk. Unfortunately, the financial and political developments the
company’s fate hinged upon were not equally favourable. Ever-stronger competition from German
91
20.01.16 11:56
20.01.16 11:56
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ KERAMiK & dEsign ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ CERAMiCs & dEsign
The approximately two hundred objects by fortyone international artists from the Frank Nievergelt
Collection are a striking illustration of the development of ceramic art since 1970, ranging from vessels through sculptures to installations. A variety
of materials and finishes make for a palette of
highly autonomous expression. A declaration of
the diversity, vitality and beauty of the ceramic
scene!
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ sChMuCK ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ JEWEllERy
Thomas Gentille (born 1936) is regarded as one of
the founding members of art jewellery in America.
As one of the first, he has been consistently using
non-precious materials such as aluminium, plastic,
papier mâché, eggshells, sawdust and air since the
end of the 1950s. With 190 jewellery objects and
drawings, a comprehensive review of Gentille’s life
work is presented for the first time.
Angelika Nollert, Die Neue Sammlung –
The Design Museum (ed.)
unTiTlEd.
ThOMAs gEnTillE.
AMERiCAn JEWElER.
208 pp., 22 × 28 cm, 198 colour ills.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-466-8
Thomas Gentille (geb. 1936) gilt als Mitbegründer
der Schmuckkunst in Amerika. Seit Ende der
1950er-Jahre verwendete er als einer der ersten
konsequent gering geschätzte Materialien wie
Aluminium, Kunststoffe, Pappmaché, Eierschalen,
Sägemehl und Luft. Mit 190 Schmuckobjekten
und Zeichnungen wird erstmals ein umfassender
Überblick über Gentilles Lebenswerk vorgelegt.
E ⁄ D
62
63
176
177
Brosche . pin
Eierschalen-Einlegearbeit . Eggshell inlay
Broschierung:
Industriepins . Back:
industrial pins
7,2 × 13,8 × 0,8 cm
Brosche . pin
Ahornholz, Aluminiumfarbe . Maple wood,
aluminized paint
Broschierung:
industrial pins
9,2 × 7,7 × 1,4 cm
Brosche . pin
Flugzeugsperrholz,
kunstharz, Glas,
ölfarbe . Aircraft
plywood, synthetic
resin, glass, oilpaint
Broschierung:
industrial pins
13,6 × 7,1 × 1,5 cm
Brosche . pin
Aluminium . Aluminum
Broschierung:
industrial pins
15,5 × 3,5 × 1,5 cm
gentille_160203_prn_FINAL_na.indd 62
03.02.16 13:48
Monika Fahn / Otto Künzli / Jorunn
Veiteberg / Gabriella Zaharias-Doff
MARi ishiKAWA
Jewellery & Photography
where does the parallel world
exist?
144 pp., 17 × 25 cm, 156 colour ills.
Hardcover. English.
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-462-0
E Ring, 2008, 50 × 30 × 10 mm, 750 gold, 925 silver, oxidized
Page 63: Ring, 2007, 75 × 55 × 70 mm, 750 gold, 925 silver, oxidized
MARI_INHALT_160107.indd 62
36 www.arnoldsche.com 03.02.16 13:48
03.02.16 13:57
03.02.16 13:57
Mari Ishikawa uses her photography and jewellery
to bring concepts such as reality and beauty into
question. Her long exposures of the natural world
by moonlight create dreamlike ‘parallel worlds’
which are transformed into silver casts of nature in
combination with pearls, coal or paper. In this
disassociation from the everyday, Ishikawa draws
attention to the unseen beauty of ‘this’ world.
In Fotografie und Schmuck hinterfragt Mari
Ishikawa Begriffe wie Realität und Schönheit.
Mit Naturaufnahmen im Mondlicht und langen
Belichtungszeiten erschafft sie traumartige
„Parallelwelten“, die sie in silberne Naturabgüsse
in Kombination mit Perlen, Kohle oder Papier
überführt. In der Verfremdung des Alltäglichen
lenkt Ishikawa den Blick auf das unbemerkte
Schöne in „unserer“ Welt.
Brooches, 2013, L – R 80 × 60 × 20 mm, 70 × 65 × 25 mm, 925 silver, aluminium, acrylic lacquer
08.01.16 14:15
MARI_INHALT_160107.indd 114
08.01.16 14:16
Ellen Maurer Zilioli (ed.)
OPEn sPACE – Mind
MAPs
Positions in Contemporary
Jewellery
208 pp., 17 × 25 cm, 139 colour ills.
Hardcover. English.
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-463-7
Die Publikation dokumentiert aktuelle Entwicklungen in der Schmuckkunst, die sich fernab vom
bloß Dekorativen im ästhetisch-künstlerischen
Diskurs positionieren. Anhand der Arbeiten von
30 internationalen Künstlern werden Topoi aktueller Tendenzen aufgegriffen, wie der nomadische
Aspekt, die Neigung zur erzählerischen Bildsprache,
zur grenzüberschreitenden Provokation und zur
poetischen Imagination im Schmuck.
E iMage and pOetry
Sign
david
bielander
(the nature Of thingS)
MaiSie
brOadhead
watch
watch
with
with
diana
diana
2009, necklace,
biGFake,liTTlereal pearls,
ca. 45,7 cm
plastic pearls & freshwater pearls,
Image-making has been a curiosity of mine for a long time, but
there was definitely a moment which led me down this path that
I am currently on. It came while studying for my MA, when I
was writing an essay about ideas surrounding the genuine article or the fake. A big part of this essay centred on famous
art forgers of the twentieth century. I was fascinated. I
think this is where the initial ‘reproduction’ element came
from with my work and inspired me to make my own fake versions
of historical paintings.
I became curious about how we decode and value these
paintings and the symbols and narratives within them. This
combined with my jewellery background meant I started to
notice the jewellery within these paintings that would often
be a key prop to the image.
So for some projects, like Jewellery Depicted, the jewellery element would lead me to the paintings I would base my
work around. I would make a new jewellery piece inspired by
the one in the painting and build a new story around it. Naturally the new stories are more personal, a different take on
the original theme or simply something that amuses me, but
they sit within the original painting composition. Often they
feature people very close to me and their stories – friends
and family.
Cardboard, 2015, 4 bracelets, silver, white gold, each ca. 9 × 9 × 4 cm
38 — 39
stockholm_160122_rm_na_FINAL.indd 38
27.01.16 09:38
27.01.16 09:38
Ines Bruhn for the cooperating partners
Chemnitzer Künstlerbund e.V., Militärhistorisches Museum der Bundeswehr,
Dresden, Technische Universität Chemnitz
AusgEZEiChnET!
MOsT EXCEllEnT!
Jewellery _ Art for heroes
schmuck _ Kunst für helden
digital c-type print &
ball&Chain, 2015, installation,
pearl ball 40 × 40 cm
plastic pearls, print size 105 × 132 cm,
27.01.16 09:45
158 — 159
27.01.16 09:45
Do heroes still exist today? And if they do, who are
they and (how) should they be recognised? With
their jewellery, sculpture, photography and video
work, artists from Europe, Asia and Latin America
react to both the timeliness and the ambivalence
of the subject matter. Essays by renowned authors
correlate with the works and create fascinating
contexts in their examination of the diverse aspects
of ‘heroism’.
Gibt es heute noch Helden? Und wenn ja, wer sind
sie und wie erkennt man sie? Mit Schmuck, Plastik,
Fotografie und Videokunst reagieren Künstler aus
Europa, Asien und Lateinamerika auf die Aktualität und Ambivalenz der Thematik. Beiträge namhafter Autoren beleuchten unterschiedliche
Aspekte des „Heldentums“, korrespondieren mit
den Werken und schaffen spannende neue Kontexte.
With essays by Günter Kunert,
Christianne Weber-Stöber, Ulrike
Brummert, Iris Fishof, Christina
Posselt-Kuhli and Monika Brugger.
200 pp., 20 × 25 cm, 191 colour ills.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-458-3
E ⁄ D
Oliver S C H A R F B I E R
Taweesak M O L S AWAT
Widerstand ist immer auch Ursprung möglichen Heldentums.
(SIC SEMPER TYRANNIS)
Resistance, too, is always the origin for potential heroism.
dis/appear: Blurring Image between
Cultural Hierarchy and Reality 2-1
Teigmasse, Speiseöl, Körper des
Künstlers, Gefühl und Anstrengung;
Kneten, tiefgefrorener Teig, Verzehren,
Visualisieren
Elfkommazwei Kilo Widerstand
Cultural Hierarchy and Reality No. 31
6 Cover ausländischer Modemagazine,
Magnet; Computerzeichnung,
Laserschnitt
Plastik, 2013
Beton, Stahl, Holz
240 × 190 × 190 mm
Cultural Hierarchy and Reality 2-1
Dough, cooking oil, artist’s body, feeling
and effort; kneading, deep-fried dough,
eating (intended for consumption),
visualising
Elevenpointtwo Kilos Resistance
Cultural Hierarchy and Reality No. 31
6 covers of foreign fashion magazines,
magnet; computer drawing, laser cutting
Sculpture, 2013
Concrete, steel, wood
240 × 190 × 190 mm
20
Ausgezeichnet_Inhalt_END.indd 20
21
08.12.15 10:24
08.12.15 10:24
46
47
08.12.15 10:24
08.12.15 10:24
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ sChMuCK ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ JEWEllERy
This publication documents the current developments in art jewellery, a discipline positioned far
from the merely decorative within aesthetic-artistic
discourse. Based on the works of thirty international artists, current trends are addressed, such as
the nomadic aspect and the tendency towards
narrative imagery, through to provocation that
infringes on boundaries, to the poetic imagination
in jewellery.
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ AussEREuROPäisChE KunsT ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ AsiAn ART
The present publication provides a splendid survey
of the many forms and rich iconography of the
extraordinary tsha-tshas from the Buddhist cultural sphere. More than 360 clay votive offerings in
the form of stupas executed fully in the round or
reliefs with other religious motifs are made by
hand as important ritual objects.
Wendelgard Gerner
Tsha-Tsha
Votivtafeln
TshA-TshA –
VOTiVTAFEln
Sammlung
Christian H. Lutz
sammlung Christian h. lutz
Wendelgard Gerner
Edited by Fondation CL Tibet.
Approx. 256 pp., 25 × 31.5 cm,
approx. 420 colour ills.
Hardcover. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-453-8
August 2016
Die vorliegende Publikation bietet einen großartigen
Überblick über die vielseitigen Erscheinungsformen
und die reiche Ikonographie der außergewöhnlichen
Tsha-tshas aus dem buddhistischen Kulturkreis.
Die über 360 tönernen Votivgaben in Form vollplastischer Stupas oder Reliefs anderer religiöser
Motive werden als wichtige Ritualobjekte handgefertigt.
D
arnoldsche
Buddha Shakyamuni
Was sind Tsha-tsha?
Blick durch eine Öffnung in das Innere eines Reliquienschreins (Chörten/Stupa) aus dem Tal der Könige (Tibet).
22
Tsha-tsha sind Votivgaben im Buddhismus,
die von Gläubigen und Mönchen zu vielfältigen
Verwendungszwecken im alltäglichen religiösen
Leben hergestellt wurden und werden.
Es sind Terrakotten bzw. ungebrannte Tonfiguren in Form vollplastischer Stupas/Chörten
(Reliquienschreine) oder auch als Flachreliefs.
Die Flachrelief- oder Halbreliefformen zeigen
auf ihrer Vorderseite unterschiedliche religiöse
Motive. Ihre Grösse variiert von etwa 1 cm bis
über 25 cm.
Auch ihre Formenvielfalt ist gross. So gibt es
kleine oder grössere runde Tsha-tsha, ovale und
viereckige, dreipassartige Exemplare und Figurinen.
Ihre Herkunft ist Nordindien. Sie wurden
über die Jahrhunderte hindurch hergestellt und
werden auch heute noch speziell in den Ländern
mit tibetisch-buddhistischer Kultur geprägt.
Der italienische Tibetologe G. Tucci hat sich
mit der ursprünglichen Bedeutung des Wortes
«Tsha-tsha» auseinandergesetzt und stellt in seinem Beitrag «Stupa, Indotibetica I» fest, dass die
Tibeter nicht die Herstellung der Tsha-tsha erfunden haben, wie der Name selbst bereits verrate.
Nach ihm geht der tibetische Begriff «Tsha-tsha»
auf das Prakritwort «sac-chaya» oder das Sanskritwort «satchaya» zurück, was ursprünglich ein
«vollkommenes Bild» oder auch «Reproduktion»
bedeutet, nämlich ein Bild, das einem anderen
ähnlich ist und daher «gleich dem anderen» meint.1
Der Begriff «Tsha-tsha» wird in der englischsprachigen Literatur gewöhnlich mit «Votive plaque» oder «Votive tablet» wiedergegeben, in der
deutsch-sprachigen Literatur werden sehr unterschiedliche Bezeichnungen verwendet: Votivtäfelchen, Lehmtäfelchen, Lehmreliefs, Tonpasten,
Tontafeln bzw. Tontäfelchen, Tonabdrucke, Tonreliefs, Ton-Miniaturen, in Ton gepresste Votivplastiken, Pasten, Reliefs aus gebranntem Ton,
Foto: WG
Tsha-tsha – Votivtafeln aus dem buddhistischen Kulturkreis
Heiligenbilder, Weihetafeln, Ikonen, Stempelbilder.
Auch die Schreibweise des Begriffs «Tshatsha» wird sehr unterschiedlich in der Literatur
gebraucht:
– P. S. Pallas und K. Koslow nennen die
Miniatur-stupas «Zaza»2
– E. Schlaginweit nennt die Tonformen «satsas»3
– A.Tafel und G. Tucci schreiben «Tsà tsà»4
– W. Filchner und S.H.Ribbach schreiben
«Tsatsa»5
– M. Hermanns gebraucht den Ausdruck
«thza thza»6
– Bei W. Y. Evans-Wentz liest man aspiriertes
tsh: «Ts`ha-ts`ha» 7
– W. Schulemann und W. Heissig schreiben
«cà cà»8
– A. Waddell erwähnt «sa-tschà»,9
– L. S. Dagyap schreibt «satsatsha»10
– Veronika Ronge spricht von «cha cha»,11
– H. Eimer gebraucht den Ausdruck
«Sa-tstsha»12
– W. Zwalf, S. Hummel und M. Brauen
schreiben «Tsha-Tsha»13
– P. Pal schreibt «tsha tsha»14
– G. W. Essen schreibt «Tzatza»15
– Susan Huntington wählt die Schreibweise
«saccha» und Christa Klaus schreibt
Tsha-tsha16
In diesem Beitrag wird der Ausdruck «Tshatsha» durchgehend verwendet.
Da zum Verständnis des folgenden Inhalts
viele Beispiele gebracht werden und sich Inhalte
in den Beispielen zum Teil wiederholen, bleibt es
wegen des klaren Verständnisses nicht aus, Wiederholungen zu vermeiden.
Sanskrit- und tibetische Wörter erscheinen
im Text als auch im Katalog in der phonetischen
Form.
Tsha-tsha – Votivtafeln aus dem buddhistischen Kulturkreis
23
ThOgChAKs –
hiMMElsEisEn
Thogchaks
himmelseisen
Tibetische Amulette
sammlung Christian h. lutz
Tibetische Amulette
Sammlung
Christian H. Lutz
D
Khyung
Darstellung / Symbolik / Kurzbeschreibung:
Darstellung erfüllt höchste künstlerische, d.h. auch ästhetische Ansprüche von
der anatomischen Gesamtkomposition bis zu den Details.
Dem Künstler ist es gelungen, ein perfektes Abbild von einem nur in der Vorstellung realen Wesen zu schaffen. Arme, Hände und der Kopf bezeugen den
menschlichen Teil, die Beine, Krallen und die zu drei Federbündeln komprimierten Flügel mit dem Schwanz stellen den Vogelanteil. Der Körper tritt als Fläche
in den Hintergrund. Stirn, Augen und Nasenansatz sind deutlich ausgeprägt, die
Nase verschmilzt mit dem Schnabel. Zwischen den Hörnern sind die buddhistischen Kleinodien Buddha, Dharma und Sangha in Form von drei Juwelen als
«über allem stehend» manifestiert.
Die zweifach überkreuzte Schlange wird von den Händen und Krallen kräftig
gehalten und vom Schnabel zerbissen. Auf den Flügeln sind – ähnlich wie bei
vielen Ringfibeln – zwei Tiere positioniert, von denen das rechte zum Kopf des
Khyung schaut, während das linke den Kopf abwendet. Fünf Bohrungen zeigen,
dass das Stück mit starken Gebrauchsspuren ursprünglich zum Aufnähen oder
befestigen gedacht war.
Zustand:
Material:
Metalluntersuchung:
Zeitliche Einordnung:
Herkunft:
Masse B/H:
Identifikationsnummer:
Literatur / Referenz:
Gebrauchsspuren
Goldgelbe Bronze mit brauner Patina in den Vertiefungen
XXX
Wohl 16./17. Jh.
Tibetischer Kulturkreis
6,5 × 7,8 cm
CL TO-SS 13001
Ref 1), S. 358 Seite 147
Khyung
Zustand:
Material:
Metalluntersuchung:
Herkunft:
Masse B/H:
104
38 www.arnoldsche.com Thogchaks – Tibetische Amulette
Starke Abnutzungsspuren
Hellgelbe Bronze auf den abgenutzten Ober ächen
und dunkelbraune Patina in den tiefer liegenden
Partien.
Motiv:
Grösse B/H:
Material:
Herkunft:
Alter:
Besonderes:
Nr.:
Buddha Shakyamuni
4,3 × 6,0 cm
Ton gebrannt, Reste von roter Farbe
Tibet, Lhasa
ca. 17./18. Jh.
Unter der Basis Öffnung für Segensfüllung
CL TS-SL 12067
Motiv:
Grösse:
Material:
Herkunft:
Alter:
Besonderes:
Nr.:
Buddha Shakyamuni
7,0 × 8,4 cm
Ton gebrannt, farbig gefasst
Tibet
16./17. Jh.
mit Schriftband
CL TS-SL 12068
Thogchaks – Sammlung Fondation CL Tibet
Thogchaks – Tibetische Amulette
151
Pfeilspitzen
Khyung
Weitestgehend abstrahierte Darstellung des Khyung bei besonderer Hervorhebung des Stierhauptes mit Hörnern, Ohren und den drei Juwelen für Buddha,
Dharma und Sangha. Auf der Rückseite befindet sich eine Öse.
Zustand:
Material:
Metalluntersuchung:
Herkunft:
Masse B/H:
Pfeilspitzen nehmen in der Gruppe der Alltags- und Gebrauchsgegenstände eine eigene herausragende Untergruppe ein. Zum einen birgt der Pfeil (tib.: mDa) auch als
profanes Objekt bereits Abwehr- und Schutzwirkungen
in sich, da er «wehrhaft» gebraucht wurde. Zum anderen
zählten Pfeil und Bogen im Bön zu den Fruchtbarkeitssymbolen und bezogen daraus auch Schutzwirkungen.
Hummel schreibt dazu: «.... vor allem aber die Anklänge
an Fruchtbarkeitsgötter und Fruchtbarkeitskulte, z.B. der
Gebrauch von Bogen und Pfeil als Fruchtbarkeitssymbole, ... prähistorische Pfeilspitzen werden noch heute von
den Bönanhängern (tib.: Bon-pa) als fest gewordene Blitze
gedeutet und als Amulette getragen.» (Hummel 1950, S.
31; 1953, S. 8 und 1959, S. 171)
»Das ist Bön-Brauchtum und noch lebendige älteste
urgeschichtliche megalithische Tradition». (Hummel 1959,
S. 172) Die megalithischen Vorstellungen haben Jahrtausende überdauert und reichen bis in die Gegenwart. Der
Pfeil wird dabei
als Träger kosmischer Kräfte für Fruchtbarkeit
und Wohlstand, als «Inbegriff der Zeugungskraft» und
«Glückspfeil» (tib.: Gyang mDa) angesehen. Der (solare
/männliche) Pfeil war bei den Bönpos Ritualinstr ument
für den Feldzauber und diente beim Brautzeremoniell als
Glückspfeil. Hummel weist in diesem Zusammenhang den
Übergang verschiedener Riten vom Bön zum Buddhismus
nach.
In der mehr volksreligiösen Deutung wird der Pfeil
als Symbol für den Blitz gesehen. Pfeile und Bogen sind
die wichtigsten Waffen der Steppenkrieger und deshalb ist
davon auszugehen, dass ihr Ursprung in Zentralasien liegt
und die Entwicklung von dort ins westliche Tibet gelangte – anfänglich als Waffe, und später auch die Pfeilspitzen
(da die Holzschäfte schnell verrotteten), als Amulette, d.h.
als Thogchaks.
Frühe Analogbeispiele für die Dreiflügelform von
Pfeilspitzen gehen bis vor Christi Geburt zurück (John
2006, S. 174)
Eine feste Datier ung gibt es auch für Analogfor men
der in dieser Sammlung vorliegenden Pfeilspitzen. Das
im äussersten Westen der Mongolei, in Zargalant ergrabene Felsspaltengrab ist fest in das 7. Jh.n. Chr., d.h. in
die Zeit des Grosskönigs Srongtsen Gampo datiert. Zu
Das Objekt ist stark abgegriffen.
Rötliche Bronze mit hohem Kupferanteil und nur
geringen Patinaspuren
XXX
Nach der 2. Verbreitung der buddhistischen Lehre in
Tibet, etwa 10. – 15. Jh.
5,0 × 6,0 cm
CL TO-SG 13003
Ref 1) G-392, S. 149
Ref 2) S. 54, 59 und 60
Khyung
Sehr kompakte, einfache Darstellung des Khyung mit starker Betonung des Stierkopfes mit Schnabel, Hörnern, Ohren und den drei Juwelen zwischen den Hörnern. Die Flügel sind blockartig hinter der Figur angeordnet. Auf dem rechten
Flügel ist ein Rad oder Ring positioniert, während auf dem linken Flügel nur
ein fragmentarischer Rest steht.
Zustand:
Klassische, abstrahierte Darstellung des Fabeltiers ähnlich dem Objekt
CL TO-SG 13001, aber weniger fein gearbeitet. Der Kopf mit Schnabel und
Stierhörnern trägt zwischen den Hörnern ein Juwel. Der Schlangenleib ist zweifach überkreuzt und wird vom Khyung fest in Händen, Krallen und Schnabel
gehalten. Das Objekt ist im Schalengussverfahren hergestellt worden und die
zwei Ösen weisen darauf hin, dass es als Amulett gedacht war.
Motiv:
Buddha Shakyamuni
Grösse B/H: 20,0 × 28,0 cm
Material:
Ton farbig bemalt
Herkunft:
Tibet
Alter:
ca. 18./19. Jh.
Nr.:
CL TS-SL 12066
150
Buddha Shakyamuni von zwei Bodhisattvas
umgeben
Grösse B/H: 7,0 × 8,5 cm
Material:
Ton ungebrannt
Herkunft:
Zanskar
Alter:
ca. 17. Jh.
Nr.:
CL TS-SL 12065
Thogchaks sind eine besondere Form tibetischer
Amulette von großer Schutzkraft, die – so die
Überlieferung – vom Himmel gefallen oder von
Gottheiten auf die Erde geworfen worden sind.
Die Dokumentation der vielseitigen Gestaltungsformen der Thogchaks macht die vorliegende
Publikation zu dem ikonographischen Referenzwerk tibetischer Amulette schlechthin.
Approx. 304 pp., 25 × 31.5 cm,
approx. 450 colour ills.
Hardcover. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-452-1
September 2016
arnoldsche
Motiv:
Thogchaks are a special form of Tibetan amulet
with enormous apotropaic powers that according
to tradition fell from the skies or were hurled to
earth by deities. The scholarly documentation of
the manifold forms of the thogchak makes the
present publication very simply the standard work
of reference on the iconography of Tibetan amulets.
Manfred Gerner
Manfred Gerner
Motiv:
Buddha Shakyamuni
Grösse B/H:
Material:
Herkunft:
Alter:
Nr.:
Nr.:
CL TS-SL 12064
Buddha Shakyamuni
Material:
Metalluntersuchung:
Herkunft:
Masse B/H:
Starke Gebrauchsspuren
Bronzelegierung mit grüner, roter und dunkelbrauner
bis schwarzer Patina.
XXX
Nach der Zweiten Verbreitung der buddhistischen
Lehre in Tibet, etwa 10. – 13. Jh.
5,3 × 5,9 cm
CL TO-SW 13004
Ref 3), S. 82
XXX
Wohl 15./16. Jh.
5,8 × 7,3 cm
CL TO-SG 13002
Ref. 1), S. 147, Vergleichsstücke
236
105
den Grabbeigaben gehörten zahlreiche eiserne Pfeilspitzen, aber auch eiserne Platten von Lamellenpanzern und
Gürtelbeschläge aus Kupferlegierungen.
Tung-Kuang geht davon aus, dass die Tibeter früher
in religiösen Zeremonien anlässlich des tibetischen Neujahrsfestes und verschiedenen anderen Festen mit Pfeilen
„Dämonen“ beschossen, um diese wegzuscheuchen und
andererseits Segen herbeizuführen. Weiter führt er aus,
dass die Tibeter Pfeilspitzen als die wirkungsvollsten Thogchaks ansehen und warnt vor allem vor Nachbildungen
für den Antiquitätenmarkt. (Tung-Kuang 2003, S. 155 ff).
Pfeilspitzen, wenn sie Überhaupt im Handel vorkommen, erzielen auch als kleinste Fragmente hohe Marktwerte. Ein Tibeter wird niemals auch ein winziges Fragment
einer Pfeilspitze wegwerfen.
Die Formen der dreiseitigen Pfeilspitzen variieren
nicht sehr weit auseinander, wohl aber die Grösse von
etwa 2,0 bis 4,0 cm Länge. Die Verbindung mit den Pfeilschäften aus Holz oder Bambus erfolgte mit einem kurzen
oder längeren Dorn, der in den Schaft getrieben wurde
oder eine runde Hohlform am Ende der Metallspitze, in
die der Schaft geschoben wurde.
Thogchaks – Tibetische Amulette
237
inRŌ
Japanese Belt Ornaments
gürtelschmuck aus Japan
The Trumpf Collection
Edited by the Linden-Museum Stuttgart.
432 pp., 22 × 29.5 cm, 571 colour ills.
and 140 signatures reproduced.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 90
ISBN 978-3-89790-444-6
E ⁄ D
85 Hagoita mit Farnwedeln und Scheinlorbeer
Vierteilig, verdeckte Schnurführung;
schwarzer Lackgrund mit nashiji, goldenes togidashi, goldenes hira maki-e,
mehrtoniges goldenes, silbernes und
farbiges taka maki-e, Goldfolie,
kirigane; innen nashiji und fundame;
ojime aus Silber mit schwarzem und
marmoriertem Lack; netsuke OA
18.884 (TN 213) aus shibuichi mit
Einlagen aus Gold, Silber und shakudō,
Kapsel aus rotem Schnitzlack
8,0 x 6,5 x 1,9 cm
19. Jh.
Inv.-Nr. 18.437 (TI 205)
Signatur: Jōkasai saku (常嘉齋作,
gefertigt von Jōkasai)
Erworben: 10. April 1962 gemeinsam
mit netsuke OA 18.884 (TN 213)
bei Ostheimer, Bad Homburg
Publiziert in: Kress 2003, S. 263,
Abb. 269
Das bestimmende Dekorelement dieses inrō ist ein reich
verziertes hölzernes Schlagbrett
(hagoita), das eine Szene mit
Höflingen zeigt, die auf einer
Veranda das Neujahrsfest
feiern. Den Hintergrund für die
hagoita bilden Blätter des
Scheinlorbeers (yuzuriha) und
in togidashi ausgeführte Farnwedel (urajiro). Beide werden
zu Neujahr an Reisstrohseilen
(shimenawa) über Eingängen
und Türen aufgehängt, um die
segenbringenden Gottheiten
(kami) willkommen zu heißen.
Da es sich bei urajiro um einen
gespaltenen Farn handelt, bei
dem aus einem gemeinsamen
Blattstiel zwei Farnwedel wachsen, ist er auch ein Sinnbild
für eine harmonische Ehe. Die
Blätter des Scheinlorbeers
stehen für eine ununterbrochene Generationenfolge, da sie
erst abfallen, wenn neue Blätter
nachgewachsen sind.
Die hagoita diente ursprünglich zum Spielen von hanetsuki.
Das dem Federball ähnliche
Spiel wurde traditionell von
Mädchen und jungen Frauen zu
Neujahr gespielt. Ganz allgemein sollte es Unheil fernhalten.
Der kleine Ball wird aber auch
gerne mit einer Libelle verglichen, die Stechmücken jagt. Je
länger er in der Luft gehalten
wird, umso „gesünder“ wird das
neue Jahr, da keine Krankheiten
übertragen werden. Die mit
Federn gespickten Früchte des
japanischen Seifennussbaumes
dienen als Federball. UW
Zum netsuke siehe Jirka-Schmitz 2000,
S. 175, Kat.-Nr. 324.
85 Hagoita with fern fronds and Daphniphyllum
Four parts, internal cord runners; black
lacquer ground with nashiji, gold
togidashi, gold hira maki-e, multi-tone
gold, silver and polychrome taka
maki-e, gold foil, kirigane; nashiji and
fundame interior; silver ojime with
black and marbleised lacquer; netsuke
OA 18.884 (TN 213) made of shibuichi
with gold, silver and shakudō inlay;
capsule of red carved lacquer
8.0 x 6.5 x 1.9 cm
19th century
Inv. No. 18.437 (TI 205)
Signature: Jōkasai saku (常嘉齋作,
made by Jōkasai)
Acquired: from Ostheimer, Bad
Homburg, on 10 April 1962 with
netsuke OA 18.884 (TN 213)
Published in: Kress 2003, p. 263,
Fig. 269
The determining element of the
decoration on this inrō is a
square wooden paddle (hagoita),
which is lavishly decorated with
a scene of courtiers celebrating
the new year on a veranda.
Daphniphyllum (yuzuriha)
leaves and fern fronds (urajiro)
executed in togidashi form the
background for the hagoita.
Both plants are hung on ricestraw ropes (shimenawa) above
entrances and doors at New
Year to welcome beneficent
deities (kami). Since the urajiro
is a double fern with two fronds
growing from a single leaf stem,
it also symbolises a harmonious
marriage. Daphniphyllum leaves
stand for a sequence of generations without interruption
because they do not fall off until
new leaves have grown to
replace them.
The hagoita was originally
used as a paddle for playing
hanetsuki, a sport similar to
badminton that was traditionally played by girls and young
women at New Year. In general,
it is believed to be apotropaic,
warding off evil. The little ball,
however, is often compared
to a dragonfly hunting mosquitos. The longer the ball is
kept in the air, the ‘healthier’
the new year becomes because
no illnesses can be transmitted
while it is in play. The fruits of
the Japanese soap-berry tree,
with feathers stuck into them,
are used as shuttlecocks. UW
For the netsuke see Jirka-Schmitz 2000,
p. 175, Cat. No. 324.
132
133
Inro_16022016_END_02.indd 132
17.02.16 13:53
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TuRKMEn CARPETs
The neville Kingston Collection
2 40 pp., 2 4.5 × 32.5 cm, 320 colour ills.
Hardcover. English.
€ 64.80 [D] / US$ 110 / £ 55
ISBN 978-3-89790-445-3
THE NEVILLE KINGSTON
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17.02.16 14:14
For the very first time, a carefully curated selection
of antique Central Asian tribal and nomadic carpets
and trappings from an extensive English private
collection is published. The textiles are the starting
point for an exciting and detailed narrative dealing
with the development of the Turkmen weaving
tradition, its motifs, compositions and techniques,
viewed in the light of archaeological and historical
findings.
Elena Tsareva
Turkmen
carpets
Der prachtvolle Katalog aller inrō der Sammlung
Trumpf im Linden-Museum Stuttgart veranschaulicht die vielfältigen Variationen von gestreutem
und geschnitztem Lack mit hochwertigen Applikationen. Sie zeigen den unerschöpflichen Ideenreichtum japanischer Lackkünstler in der Darstellung von Landschaften, Tieren, Pflanzen und
figürlichen Szenen. Ein unverzichtbares Standardwerk für Kenner und Sammler!
Erstmals wird eine sorgfältig ausgesuchte Auswahl
antiker Stammes- und Nomadenteppiche aus
Zentralasien aus einer herausragenden englischen
Privatsammlung veröffentlicht. Die Textilien sind
der Ausgangspunkt für die spannend und differenziert dargestellte Entwicklung der turkmenischen
Webtradition, ihrer Motive, Kompositionen und
Techniken im Lichte archäologischer und historischer Erkenntnisse.
E CENTR AL
ASIAN
TEX TILES
fig. 123
Fig. 123. Detail of haly, cat. 95. Border
a serrated ogival lattice containing cypress-shaped boteh figures (fig.124-cat.95). Of particular
image of tavus (‘peacock’), with large
interest here are the angular outer meander border with tavus (‘peacock’) motifs, and the inner
comb and wings spread.
stripe in which round rosettes alternate with differently shaped botehs (fig.123).
Observing one Central Oasis knotted item after another, it is clear that they belong to the
same ‘school’ of weaving in terms of both decorative vocabulary and colour. They combine a wellbalanced palette of up to ten deep and bright shades of cold and warm colours, with abundant use
of ivory. Just as regular are the structural indices: all are made in the asymmetric open right knot
with slight warp depression, with predominant usage of rose-coloured Z1 wefts and so on. Such
uniformity speaks for an autochthonous tradition, with some evidence for the Kushano-Bactrian
period of craft formation.
The next large carpet (fig.125-cat.96) is closely related to the previous haly, but is later and
demonstrates the development of the type. With an ikat-type pattern and bright details in yellow
and ivory, its dominant motif is a perfectly executed octagonal rosette on a ‘Herati’-style
background. Its particular proportions, with a narrow central field and very wide main border, are
characteristic of the last third of the nineteenth century.
With no comparison elsewhere in the Turkmenistan carpet-weaving canon, Middle Amu
Darya sejjadeh (prayer rugs) are usually called by the Uzbek term namazlyk in the rug literature, and
attributed to the town of Beshir (figs.126–28-cat.97–99). Their primary decorative feature is the
pointed arch, sometimes two or three in contrasting colours, one inside another. The earliest and
the most picturesque example in the Kingston Collection sparkles with brilliant colours. It has a
fig. 19
fig. 20
46
Turkmen Carpets
South and Southwest Turkmenistan
47
164
Turkmen Carpets
The Middle Amu Darya Zone
165
nEu sEiT FRÜhJAhR 2016 _ AussEREuROPäisChE KunsT ⁄ nEW sinCE sPRing 2016 _ AsiAn ART
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This sumptuous catalogue featuring all of the inrō
in the Trumpf Collection at the Linden-Museum
Stuttgart showcases the multifaceted variety of
sprinkled and carved lacquerwork with high-quality applications. They reveal the inexhaustible
wealth of ideas that Japanese lacquer artists had
in representing landscapes, animals, plants and
figurative scenes. An indispensable standard work
for connoisseurs and collectors!
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Hartmut Esslinger
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Die frühen Design-Jahre
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Wilfried Moll umfassend in großformatigen Abbildungen und fach
kundigen Texten.
in der Gegenüberstellung mit den Schmuckobjekten von Gerda Moll
wird nicht nur die zeitlose Schönheit der Werke beider Künstler sicht
bar, auch die fruchtbaren Wechselwirkungen innerhalb einer nun
schon fast 50 Jahre andauernden Künstler und Lebensverbindung
lassen sich nachvollziehen. Daran teilzuhaben ist ein Gewinn – eine
»versilberte Zeit«!
For the first time and in large format illustrations this publication
presents the work of the silversmith Wilfried Moll.
Juxtaposed with the jewellery objects of Gerda Moll, the timeless
beauty of both works is unveiled. the prolific interaction between the
enduring artists and life partnership over the last nearly fifty years
becomes apparent to take part in this is a prize in itself – a ›sterling
time‹!
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Wiener Sammlung Bollmann illustrieren Positionen und Entwicklungen
zeitgenössischer Schmuckkunst von den 1970er-Jahren bis heute. Erweitert
wird die darstellung durch eine retrospektive des Österreichers
Fritz Maierhofer.
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Collection in Vienna illustrate approaches and developments in contemporary
art jewellery from the 1970s to the present. The display is complemented
by a retrospective of the Austrian Fritz Maierhofer.
REnaissancE to thE PREsEnt day
Schmuck 1970–2015
Sammlung Bollmann
Jewellery 1970–2015
Kaum ein Schmuckkünstler hat im Laufe seines Schaffens
so frei und unbelastet zu immer neuen Bildwelten ganz
persönlicher Art gefunden wie Daniel Kruger. Häufig greift er
auf Elemente der Volkskunst seiner südafrikanischen Heimat
zurück, verwendet aber ebenso Fundstücke aller Art
oder zitiert historische Formen und Dekore. Krugers gestal
terischer Erfindungsreichtum, die ungewöhnlichen Materi
alkombinationen wie auch seine Neuinterpretationen hand
werklicher Techniken verleihen seinen Schmuckstücken
immer wieder überraschend neue Perspektiven und ästheti
schen Genuss.
Bollmann Collection
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Art Publishers
arnoldsche aRt
PublishERs
Christoph Thun-Hohenstein /
Elisabeth Schmuttermeier (Hg. / eds.)
Few jewellery artists can rival the freedom and insouciance
with which Daniel Kruger has, in the course of his career,
developed so many new and highly distinctive idioms.
In his work, Kruger has drawn repeatedly on the folk art
of his native South Africa, yet also integrated found objects
of every description, or references to historical forms
and styles of decor. His formal inventiveness, unusual com
binations of materials, and new interpretations of craft
techniques have made his jewellery an abundant source
of surprising new perspectives and aesthetic pleasure.
Zwischen Natur und Künstlichkeit
Between Nature and Artifice
REnaissancE bis hEutE
Schmuck Jewellery 1970–2015
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Kunst
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Ch. Thun-Hohenstein /
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Daniel Kruger Zwischen
Natur und Künstlichkeit
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W. Lindemann & FH Trier/ Idar-Oberstein
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((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
beginning of the
twenty-first century.
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
From the Coolest
Corner – Nordic Jewellery challenges
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
stereotypical notions
of northern European art jewellery.
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Do the typical((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Nordic trends of the nineteen-nineties
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
still apply today?
Indeed are there currently any general((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
trends at all in((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Scandinavian design? Or has the orientation
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
towards international
design become so dominant that
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
there are no longer
any regional characteristics?
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Renowned((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
experts have made a selection of representa((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
tive works, as ((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
a basis for researching the role of northern
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
European jewellery
in the context of international art.
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
With contributions
by Liesbeth den Besten, Knut Astrup
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Bull, Widar Halén,
Love Jönsson, Charlotte Malte,
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
Päivi Ruutiainen,
Jukka Savolainen, Harpa Thórsdóttir
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
and Jorunn Veiteberg.
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
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ARNOLDSCHE
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
ISBN 978-3-89790-326-5
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
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Arnoldsche Theorie
Arnoldsche Art Publishers
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06.12.12 13:05
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((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
ThinkingJewellery
on the way towards a theory
of jewellery
SchmuckDenken
unterwegs zu einer Theorie
des Schmucks
Arnoldsche
ARNOLDSCHE
BACKlisT
FTCC_cover_041212_end.indd 1
E
ThinkingJewellery
SchmuckDenken
Nordic
Jewellery
E /D
W. Lindemann
& FH Trier / Idar-Oberstein
Widar Halén (ed.)
FROM
THE
COOLEST
CORNER
ARNOLDSCHE
ISBN 978-3-89790-373-9
schmuck jewellery
by reiNHold ZieGler
FROM THE COOLEST CORNER Nordic Jewellery
Liststraße 9
D – 70180 Stuttgart
Phone +49 (0)711/64 56 18 0
Fax +49 (0)711/64 56 18 79
[email protected]
www.arnoldsche.com
schmuck jewellery
arnoldsche
meteorites aNd
Jewellery obJeCts
Widar Halén (ed.)
With 156 works by 61 artists from Denmark, Estonia, Finland, Iceland, Norway and
Sweden, this publication considers the significance, strategies and trends of Nordic art
jewellery in the early twenty-first century. Expert authors present the backgrounds,
developments and characteristics of the contemporary jewellery.
ute eitzenhöfer
ISBN 978-3-89790-406-4
E
E / NOR / NL
ute eitzenhöfer
Schmuck von Ute Eitzenhöfer ist in vielerlei Hinsicht extravagant. Er kann leicht, froh, hell, genüsslich und beruhigend sein aber auch schwer, böse, dunkel,
provozierend, herausfordernd und brutal. Dabei ist eines klar: Schönheit an sich ist – trotz scheinbarer Vordergründigkeit – ein hintergründiges Kriterium. Nicht das
oberflächliche glücksversprechende Glitzern und Funkeln sondern das ›Tempus fugit‹, das Ewige der Steine in Relation zum menschlichen Dasein, ist für sie ein
zentraler Anreiz. Jewellery by Ute Eitzenhöfer is in many respects extravagant. It can be lightweight, cheerful, bright, gratifying and reassuring as well as heavy,
evil, dark, provocative, challenging and brutal. One thing, though, is clear: beauty in itself – for all its seeming speciousness – is a recondite criterion. Not for her
the superficial happiness promised by glitter and sparkle; she is drawn to ›tempus fugit‹, the eternity of stones in relation to human existence. (Prof. Theo Smeets)
Nordby | Gali
CosmiC debris
arNoldsCHe
Brochure with flaps. English /
Norwegian / Dutch.
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-421-7
E /D
SchmuckDenken_cover_280411_BEL.indd 1
Florian Hufnagl /
The Design Museum (eds)
Otto Künzli – The Book
Florian Hufnagl /
The Design Museum (eds)
Otto Künzli – Das Buch
696 pp., with over 1,000 ills.
Cloth-bound. English.
€ 68 [D] / US$ 115 / £ 60
ISBN 978-3-89790-383-8
696 pp., with over 1,000 ills.
Cloth-bound. German.
€ 68 [D] / US$ 115 / £ 60
ISBN 978-3-89790-382-1
English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-373-9
E
D
E
Widar Halén (ed.)
From the Coolest Corner
Nordic Jewellery
28.04.2011 17:21:38 Uhr
Liesbeth den Besten
On Jewellery
A Compendium of International
Contemporary Art Jewellery
ThinkingJewellery
On the Way towards a Theory
of Jewellery
41 in b/w. Flexibind. English.
2nd edition
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-349-4
230 in b/w. Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-326-5
E
E
Bollmann
uis | Gaspar | Mazumdar
er Bauhuis
CEDARIUM – Schmuck. Gefäß. Gerät.
CEDARIUM – Jewel. Vessel.
ement.
seiten, 200 Abbildungen. hardcover
leineneinband. Text in deutsch und
isch.
pages, 200 illustrations. cloth-bound.
nglish and German.
n 978-3-89790-361-6
Die Publikation präsentiert das einzigartige Werk von Elisabeth
J. Gu. Defner – Schmuck in einer bisher unbekannten Ausrichtung:
eine Einheit zwischen Mensch, Natur und Kosmos.
This publication presents the unique work of Elisabeth J. Gu. Defner
– jewellery that treads a previously unknown path: a unity of man,
nature and cosmos.
Jorunn Veiteberg /
Cecilie Skeide
Sigurd Bronger
Laboratorium Mechanum
Jewellery / Schmuck / Smykker
German / Norwegian.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-345-6
Elisabeth J. Gu.
Defner
Mensch / Natur / Kosmos
Schmuck und Gerät
Man / Nature / Cosmos
Jewellery and Object
Arnoldsche
ISBN 978-3-89790-353-1
E / D / NOR
Karl Bollmann
Elisabeth J. Gu. Defner
atzsuche mit Schmucki
Perlsau
ra Zimmermann
Jorunn Veiteberg / Ward
Schrijver
Felieke van der Leest
The Zoo of Life
Jewellery & Objects 1996–2014
b/w. Flexibind. English /
German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-417-0
elie Holzach | Katja Poljanac
muck 1998–2010
llery 1998–2010
Jewellery obJeCts
Galerie Marzee (ed.)
Winfried Krüger
No Title
eiten, 105 Abbildungen,
astelbogen. Klappen-Broschur.
in deutsch.
ages, 105 illustrations, 12 craft pages.
hure with flaps. In German.
n 978-3-89790-351-7
seiten, 239 Abbildungen. hardcover.
in deutsch und englisch.
pages, 239 illustrations. hardcover.
nglish and German.
n 978-3-89790-346-3
CosmiC debris
reiNHold ZieGleriC tem CoN re doleCae. et qui sedit, Cum faCCatia
sapis ut dus.udae velibus etur ma ex erio eos plitam NoNseCuptur
ature dustemporem estiis ex et moleCtibus seque miNis desed et
eos Coria si iNtiam HiC tem voluptis miN ulpa sum et adi issimaG
NatessiNis prem res aut reiC tempore pudaeCerferi aCepeliam que
porese veNt
chmuckmuseum Pforzheim
Groß und Klein
s | Otto | Schetelich
Nordby | Gali
Napura Pura Charcoal 1068
Prägung: Objekt: Cororit 922 (Schwarz)
Schrift: Cororit 932 (Hellgrau) oder
Alufin Matt (mattes Silber)
Karl Bollmann et al.
Elisabeth J. Gu. Defner
Man – Nature – Cosmos
Jewellery and Objects
Mensch – Natur – Kosmos
Schmuck und Gerät
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-353-1
elisabeth J. Gu. defner zählt seit den 1960er Jahren zu den profiliertesten
schmuck-Künstlerinnen Österreichs. Ihre Arbeiten sind heute in Museen u. a.
in Wien, Graz, Pforzheim, Köln, Prag und london vertreten. defner sieht
schmuck nicht allein als eine ästhetische Angelegenheit, sondern auch als eine
gesundheitsfördernde ergänzung für Körper, Geist und seele. Im sinne einer
ganzheitlichen Vorstellung stehen die energie ausstrahlenden Metalle und
steine mit den Formen des schmucks in einklang und können zu einer inneren
Veränderung der Träger beitragen. dabei werden Broschen, ohrschmuck,
ringe oder Anhänger mit abgeformten Blättern von Pflanzen verbunden, so
dass die schönheit des schmucks mit der magischen Wirkung der Pflanze eine
idealtypische Verbindung eingehen kann.
since the 1960s, elisabeth J. Gu. defner has been one of Austria’s most prominent
jewellery artists. nowadays her works are displayed in museums in e.g. Vienna,
Graz, Pforzheim, cologne, Prague and london. defner sees jewellery not
merely as an aesthetic matter, but also as a form of complementary healthcare
for body, soul and spirit. The energy radiated from the metals and stones is
in holistic harmony with the forms of the jewellery and can bring about an
inner transformation of the wearer. Brooches, earrings, rings or pendants are
combined with moulded plant leaves, so that the beauty of the jewellery can
merge symbolically with the magical effect of the plant.
Renate Slavik (ed.)
Art Meets Jewellery
20 Years of Galerie Slavik, Vienna
20 Jahre Galerie Slavik, Wien
German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-332-6
E /D
E /D
42 For more information on our backlist visit www.arnoldsche.com Kadri Mälk / Tanel Veenre (eds)
Castle in the Air / õhuLoss
Jewellery from Estonia
ills. Hardcover. English /
Estonian.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-359-3
E / EST
Wilhelm Lindemann
Munsteiner
The Young Generation
Tom + Jutta Munsteiner
English / German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-374-6
E /D
BACKlisT
Vivienne Becker et al.
Grossé + Bijoux Christian
Dior
Henkel & Grosse
English / German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-335-7
E /D
Reinhold Ludwig
Modern Jewellery Design
Past and Present
Schmuck-Design der
Moderne
Geschichte und Gegenwart
400 pp., approx. 800 colour
ills. Hardcover with dust jacket.
English / German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-292-3
E /D
CERAMiCs &
PORCElAin
Fritz Falk
Art Nouveau Jewellery
from Pforzheim
Jugendstil-Schmuck aus
Pforzheim
KERAMiK &
PORZEllAn
328 pp., 700 ills. Hardcover
with dust jacket. English /
German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-280-0
E /D
Anne-Claire Schumacher /
Frank Nievergelt / Volker
Ellwanger
Leidenschaft für Keramik
Sammlung Frank Nievergelt
224 pp., 185 colour ills. and
36 marks reproduced.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-459-0
D /F
PAUL SCOTT | KNUT ASTRUP BULL (EDS.)
PAUL SCOTT
KNUT ASTRUP BULL (EDS.)
Arnoldsche
TRANSFERWARE AND
CONTEMPORARY CERAMICS
TRANSFERWARE AND
CONTEMPORARY CERAMICS
Keramik
der Moderne
Horizon. Transferware and Contemporary
Ceramics examines the remarkable
persistence of a material genre in a digital
age. It melds enquiry into historical
wares with an examination of how contemporary visual artists draw on a genre’s
unexpected cultural longevity.
HORIZON
Horst
Kerstan
HORIZON
ARNOLDSCHE
ISBN 978-3-89790-425-5
Susan Jefferies et al.
Yasuhisa Kohyama
The Art of Ceramics
Hardcover. English. 2nd,
revised edition
€ 29.80 [D] / US $ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-446-0
E
Frank Nievergelt / Rudolf
Sagmeister
Thomas Bohle
Ceramic Objects – Inner Spaces
Keramische Objekte – Innere
Räume
240 pp., 80 ills. in colour
and 52 in b/w, including
16 radiographs. Hardcover.
English / German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-431-6
Edited by Maria Schüly for
the Städtische Museen Freiburg,
Augustinermuseum
Horst Kerstan
Keramik der Moderne
Knut Astrup Bull /
Paul Scott (eds)
Horizon
Transferware and
Contemporary Ceramics
Jorunn Veiteberg / Kerstin
Wickman
Torbjørn Kvasbø – Ceramics
Between the Possible and the
Impossible
b/w. Hardcover. German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-433-0
Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-425-5
D
E
English / Norwegian.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-377-7
Edited by the Staatliche
Kunstsammlungen Dresden /
Ulrich Pietsch
Phantastische Welten
Malerei auf Meissener Porzellan
und deutschen Fayencen von
Adam Friedrich von Löwenfinck
(1714–1754)
Melinda and Paul Sullivan
Foundation for the Decorative
Arts / Meredith Chilton /
Claudia Lehner-Jobst
Fired by Passion
Viennese Baroque Porcelain of
Claudius Innocentius
Du Paquier
Melinda and Paul Sullivan
Foundation for the Decorative
Arts / Meredith Chilton /
Claudia Lehner-Jobst
Fired by Passion
Barockes Wiener Porzellan
der Manufaktur Claudius
Innocentius Du Paquier
15 in b/w. Hardcover. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-420-0
3 vols, 1,432 pp., with over
2,000 colour ills. Cloth-bound
in decorative slipcase. English.
€ 199.80 [D] / US$ 340 / £ 180
ISBN 978-3-89790-304-3
3 vols, 1,432 pp., with over
2,000 colour ills. Cloth-bound
in decorative slipcase. German.
€ 199.80 [D] / US$ 340 / £ 180
ISBN 978-3-89790-308-1
E
D
E / NOR
E /D
Peter Held (ed.)
Infinite Place
The Ceramic Art of Wayne
Higby
English.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-384-5
E
Olaf Thormann (ed.)
Vessel / Sculpture 2
German and International
Ceramics since 1946
Gefäß / Skulptur 2
Deutsche und internationale
Keramik seit 1946
GRASSI Museum für
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-391-3
E /D
D
BACKlisT
Marlene Jochem
Marlene Jochem
Johanna Lessmann
Goldene Töpfe
Goldene Töpfe
Golden Pots
Golden Pots
ITALIENISCHE MAJOLIKA
AUS GOETHES
BESITZ
ITALIENISCHE MAJOLIKA
AUS GOETHES BESITZ
in
Johanna Lessmann
Thurnauer Irdenware
Thurnau Earthenware
der Lotte Reimers-Stiftung
from the Lotte Reimers-Stiftung
im GRASSI Museum
at the GRASSI Museum
für Angewandte Kunst Leipzig
of Applied Art Leipzig
Das GRASSI Museum für Angewandte Kunst in Leipzig übernimmt
einen außergewöhnlichen Bestand von Irdengefäßen als wert
volles Kulturgut in seine dauerhafte Obhut. Die 124 „Goldenen
Töpfe“, in den 1950er und 60er Jahren in der oberfränkischen Töp
ferei Renner entstanden, sind alltagstaugliche Gebrauchskeramik
und zugleich etwas ganz Besonderes: In ihren harmonischen Ge
fäßkörpern, dem ausgewogenen Zusammenspiel aller Teile und
den leuchtenden Glasuren verbinden sich in langer Handwerks
tradition gewachsenes Formengut mit dem gestalterischen Talent
des Töpfers. Darin liegt ihre künstlerische Relevanz.
The GRASSI Museum of Applied Arts in Leipzig has taken an exceptional inventory
of earthenware vessels as highly prized cultural assets into its long-term care. The
124 ‘golden pots’, originating from the Renner pottery in Upper Franconia in the
1950s and 1960s, are everyday ceramics yet also something very special: the vessels’ harmonious bodies, balanced synergy of all parts, and luminous glaze unite
the evolving formation of goods within a long tradition of craftsmanship with the
creative talent of the ceramicist. Herein lies their artistic impact.
ar
zu
nd
ARNOLDSCHE
arnoldsche
ISBN 978-3-89790-432-3
arnoldsche
Johanna Lessmann
Italienische Majolika aus
Goethes Besitz
Bestandskatalog der Klassik
Stiftung Weimar
Marlene Jochem
Golden Pots
Thurnau Earthenware from
the Lotte Reimers-Stiftung
Goldene Töpfe
Thurnauer Irdenware der Lotte
Reimers-Stiftung
Hardcover. German.
€ 49.80 [D] / US $ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-386-9
German.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-432-3
D
Christoph Fritzsche
Die Aelteste Volkstedter
Porzellanmanufaktur
Ihre Geschichte von der
Gründung bis heute
jacket. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-397-5
D
E /D
METAl
METAll
Collection Kakkonen
Tapio Wirkkala (1915 – 1985) was one of the most significant, influential and successful designers of the twentieth
century, embodying Scandinavian Design like no other. His designs for the Iittala glass manufacturer and the silversmiths
Kultakeskus Oy, which make up the core of his oeuvre, are introduced for the first time in expert articles, historical
photographs and a comprehensive catalogue featuring 249 objects in glass and 80 in silver from the exceptional Kakkonen
Collection.
640 pp., with over 2,300 ills.,
approx. 1,600 models and
163 signatures reproduced.
English / German.
€ 149.80 [D] / US$ 250 / £ 135
ISBN 978-3-89790-216-9
Horst Makus
Keramik der 50er Jahre
Formen, Farben und Dekore
Ein Handbuch
672 pp., approx. 700 ills. in
colour and 300 in b/w, 400
signatures, indices of model
numbers. Hardcover. German.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-220-6
D
E /D
Florian Dering
M. T. Wetzlar
Silversmithery in Munich
Silberschmiede in München
Jochen Amme
Historische Bestecke
Formenwandel von der
Altsteinzeit bis zur Moderne
Jochen Amme
Historische Bestecke III
Von der Frühzeit bis in die Zeit
um 1600
b/w, 102 marks reproduced.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-409-5
672 pp., 450 colour plates, with
over 1,000 marks reproduced.
Cloth-bound with dust jacket,
decorative slipcase. German.
€ 124.80 [D] / US$ 210 / £ 115
ISBN 978-3-89790-167-4
300 pp., 165 colour plates.
Cloth-bound with dust jacket.
German.
€ 68 [D] / US$ 115 / £ 60
ISBN 978-3-89790-254-1
E /D
Tapio Wirkkala (1915 – 1985) war einer der bedeutendsten, einflussreichsten und erfolgreichsten Formgestalter des
20. Jahrhunderts. Wie kein anderer verkörpert er das „Skandinavische Design“. Wirkkalas Entwürfe für die Glasfabrik
Iittala und die Silberschmiede Kultakeskus Oy, den Kernbereichen seines Œuvres, werden erstmals mit Beispielen aus
der herausragenden Collection Kakkonen in fachkundigen Beiträgen, historischen Aufnahmen und einem 249 Glasund 80 Silberobjekte umfassenden Katalog präsentiert.
Dechant / Goldscheider
Goldscheider
History of the Company and
Catalogue of Works
Firmengeschichte und
Werkverzeichnis
D
D
Burschel / Scheiffele
WMF Ikora Metalwork
from the 1920s to the 1960s
WMF Ikora-Metall
aus den 1920er bis 1960er Jahren
264 pp., 230 ills., 300 plates
from the original company
catalogues. Hardcover. English /
German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-191-9
E /D
TAPIO WIRKKALA
Finnisches Design – Glas und Silber
Collection Kakkonen
TAPIO WIRKKALA
arnoldsche
ISBN 978-3-89790-450-7
GRASSI Museum für
The Finnish Glass Museum
arnoldsche ART PUBLISHERS
Wirkkala_Einband_Repro.indd 1
glAss
glAs
18.04.16 14:31
Edited by the GRASSI Museum
of Applied Arts Leipzig and the
Finnish Glass Museum
Tapio Wirkkala
Finnisches Design – Glas und
Silber
German.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-450-7
Marc Heiremans
Vetreria Aureliano Toso,
Murano 1938–1968
Designs by Dino Martens,
Enrico Potz and Gino Poli
b/w and 1.575 design drawings.
Hardcover. English.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 90
ISBN 978-3-89790-454-5
E
E /D
44 For more information on our backlist visit www.arnoldsche.com Marc Heiremans
Seguso Vetri d’Arte
Glass Objects from Murano
(1932–1973)
400 pp., 2.000 ills. in colour
and b/w. Hardcover with dust
jacket. English.
€ 198 [D] / US$ 340 / £ 180
ISBN 978-3-89790-162-9
E
Barovier / Warmus / Patiño /
Chou et al.
Narcissus Quagliata
Archetypes and Visions
in Light and Glass
English.
€ 68 [D] / US$ 115 / £ 60
ISBN 978-3-89790-378-4
E
BACKlisT
Eva-Maria Fahrner-Tutsek
Ann Wolff
Persona
Burschel / Scheiffele
WMF Ikora & Myra Glass
from the 1920s to the 1950s
WMF Ikora & Myra Gläser
Unika und Seriengläser der
1920er bis 1950er Jahre
Edited by the Alexander
Tutsek-Stiftung.
€ 29.80 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-416-3
COllECTiBlEs
sAMMlERliTERATuR
200 pp., 150 ills., 163 plates
from the original company
catalogues. Hardcover. English /
German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-189-6
E /D
Sarah-Katharina AndresAcevedo / Hans Ottomeyer
(eds)
From Invention to
Perfection
Masterpieces of EighteenthCentury Decorative Art
b/w. Cloth-bound with dust
jacket. English.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-442-2
E /D
Sarah-Katharina AndresAcevedo / Hans Ottomeyer
(eds)
Invention und Vollendung
Kunstwerke des 18. Jahrhunderts
b/w. Cloth-bound with dust
jacket. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-441-5
D
E
Eva Maria Hoyer (ed.)
Insights / Outlooks
GRASSI Museum of Applied
Arts Leipzig. A Journey through
the Collctions
Eva Maria Hoyer (ed.)
Einblicke / Durchblicke
GRASSI Museum für
Angewandte Kunst Leipzig. Ein
Parcours durch die Sammlungen
Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US $ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-456-9
Hardcover. German.
€ 39.80 [D] / US $ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-457-6
E
D
Anne-Barbara Kern
Fabergé Eggs
by Victor Mayer
128 pp., 165 ills., mostly in
colour. Hardcover. English.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-435-4
E
Anne-Barbara Kern
Fabergé Ei-Objekte
aus der Manufaktur
Victor Mayer
colour. Hardcover. German.
€ 34.80 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-434-7
D
Julius Hoffmann (ed.)
The Modern Style
Art Nouveau 1899–1905
Der Moderne Stil
Jugendstil 1899–1905
Introduction by Horst Makus.
496 pp., approx. 2,000 objects
reproduced in b/w, directory
of artists and manufacturers.
English / German.
€ 99.80 [D] / US$ 170 / £ 90
ISBN 978-3-89790-229-9
E /D
Elena Ovsyannikova / Nikolai Vassiliev
G. Hedberg
Degas’
LittLe
Dancer,
ageD
Fourteen
NEW
NEW
NEW
Gregory Hedberg
NEW
arnoldsche
arnoldsche
arnoldsche
FinE ARTs
KunsT
(1878–1937)
Architect of the
Russian Avant-Garde
The Earlier Version
That Helped Spark
the Birth
of Modern Art
arnoldsche
isBn 978-3-89790-392-0
Degas’ LittLe Dancer ageD Fourteen
The history of sculpture by Edgar Degas (1834–1917) has been highlighted by a series of
posthumous revelations. The discovery of a little-known plaster (figs. 1–2) that records an
earlier conception of Degas’ famous Little Dancer, Aged Fourteen is poised to be a significant
and consequential addition to this ever-developing oeuvre. Until some bronzes were cast from
it in 1997, the Little Dancer plaster was quietly stored away at the Valsuani foundry in France.
It was initially thought to have been cast after the artist’s death from Degas’ original wax
sculpture, now in the National Gallery of Art, Washington, D.C;1 but in fact, the plaster was
cast from the original wax before Degas reworked it beginning in 1903. Thanks to this plaster,
we can now better understand why Degas’ Little Dancer set off a firestorm in the Parisian art
world in 1881.
boriS velikovSky
Gregory Hedberg
Degas’ Little Dancer, Aged
Fourteen
The Earlier Version That Helped
Spark the Birth of Modern Art
Nils Büttner / Sonja Eismann /
Änne Söll
Justyna Koeke
Princesses and Saints
Prinzessinnen und Heilige
Additional images and
documents enclosed as a DVD.
English.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-392-0
September 2016
With photographs by David
Spaeth. 160 pp., approx. 120
ills. in colour.
Softcover. English / German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-480-4
July 2016
E
E /D
Nils Büttner / Clemens Ottnad
Wolfgang Gäfgen
Zeichnungen
Dessins
240 pp., approx. 200 ills. in
colour and b/w. Hardcover.
German / French.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 40
ISBN 978-3-89790-477-4
October 2016
D /F
Elena Ovsyannikova /
Nikolai Vassiliev
Boris Velikovsky
(1878–1937)
Architect of the Russian
Avant-Garde
Hardcover. English.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 40
ISBN 978-3-89790-478-1
September 2016
E
BACKlisT
NEW
Katrin Burtschell / Helene
Schwab / Winfried Stürzl (eds)
VOLL STOFF!
40 Jahre Freie Kunstakademie
Nürtingen
200 Jahre Spinnerei
Hardcover. German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 25
ISBN 978-3-89790-479-8
September 2016
D
Rita Leppiniemi / Jorunn
Veiteberg (eds)
Bård Breivik – Sculpture
I’d love the key to the master
lock (vol. 1)
Score for a longer conversation
(vol. 2)
Rita Leppiniemi / Jorunn
Veiteberg (eds)
Bård Breivik – Sculpture
I’d love the key to the master
lock (vol. 1)
Score for a longer conversation
(vol. 2)
2 vols, decorative slipcase.
Vol. 1: 960 pp., 830 ills. in
colour and b/w. Vol. 2: 336 pp.,
Hardcover. English.
ISBN 978-3-89790-464-4
€ 148 [D] / US$ 250 / £ 135
2 vols, decorative slipcase.
Vol. 1: 960 pp., 830 ills. in
colour and b/w. Vol. 2: 336 pp.,
Softcover. English.
ISBN 978-3-89790-467-5
€ 98 [D] / US$ 175 / £ 90
E
E
Sammlung graber ⁄⁄ graber collection
arnoldsche Art PUBliSherS
Kunsthaus Zug
Schäfer / Eydinger / Rekow
Fliegende Blätter
Die Sammlung der Einblattholzschnitte des 15. und 16. Jahrhunderts der Stiftung Schloss
Friedenstein Gotha
Matthias Haldemann /
Kunsthaus Zug (eds)
Adrian Schiess – Bernhard
Schobinger – Annelies Štrba
Graber Collection
Sammlung Graber
2 vols, slipcase. Vol. I: approx.
448 pp., 681 ills. in b/w. Vol. II:
approx. 608 pp., 785 colour ills.
Hardcover. German.
€ 198 [D] | US $ 340 | £ 180
ISBN 978-3-89790-413-2
August 2016
152 pp., 106 colour ills. and 30
in b/w. Brochure with flaps.
English / German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-447-7
D
arnoldsche
arnoldsche Art PUBliSherS
Kunsthaus Zug
iSBn 9 7 8 - 3 - 8 9 7 9 0 - 4 4 7 - 7
AdriAn SchieSS
BernhArd SchoBinger
AnnelieS ŠtrBA
through a decade of friendship, sharing the same environs
and being active collectors, Sonja graber and christian graber
are inextricably connected to the photographer Annelies Štrba,
the jewellery and object artist Bernhard Schobinger and the
painter Adrian Schiess. A far cry from thoughts of prestige and
conjecture, one of the most extensive collections over all work
phases of the three Swiss artists has now emerged out of artistic
and personal esteem. in the collectors, the artists and the
Kunsthaus Zug, like-minded people have come together in the
most indiscriminate appreciation of fine and applied art. to mark
the occasion of the donation of the graber collection to the
museum, the three internationally renowned artists along with
hitherto largely unpublished works are now united in one
publication.
E
Brochure with flaps. German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-449-1
Malerei.Zeichnung .KeraMiK
Paintings.Drawings .ceraMics
Sammlung graber
graber collection
Sonja graber und christian graber sind der
Fotografin Annelies Štrba, dem Schmuckund objektkünstler Bernhard Schobinger und
dem Maler Adrian Schiess über eine jahrzehntelange Freundschaft, nachbarschaft und
Sammlungstätigkeit verbunden. Fernab von
Prestige denken und Spekulation ist aus künstlerischer und persönlicher hochachtung eine
der umfangreichsten Kollektionen über alle
Werkphasen der drei Schweizer Künstler entstanden. in der unterschiedslosen Wertschätzung bildender und angewandter Kunst treffen
sich in den Sammlern, den Künstlern und
dem Kunsthaus Zug gleichgesinnte. Anlässlich
der Schenkung der Sammlung graber an das
Museum werden die drei international renommierten Künstler mit bislang grösstenteils
unveröffentlichten Arbeiten nun erstmals in
einer Publi kation vereint.
Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-448-4
Helga Kessler Aurisch / Laure
Chabanne / Tilmann von
Stockhausen / Mirja Straub
Franz Xaver Winterhalter
Maler im Auftrag Ihrer Majestät
Annette Lucks
SchieSS SchoBinger ŠtrBA
Matthias haldemann ⁄ Kunsthaus Zug (hg./eds)
Helga Kessler Aurisch / Laure
Chabanne / Tilmann von
Stockhausen / Mirja Straub
High Society
The Portraits of Franz Xaver
Winterhalter
Cecilie Skeide
Hanne Borchgrevink
The Aesthetics of Simplicity
Paintings / Woodcuts
Hardcover. English /
Norwegian.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-437-8
E / NOR
E /D
Ellen Maurer Zilioli / Reiner
Meyer (eds)
Annette Lucks
FLIPFLOP
Paintings – Drawings – Ceramics
Malerei – Zeichnung – Keramik
222 pp., 150 colour ills. Halflinen cover. English / German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-440-8
E /D
Friends of the Nukus
Museum (ed.)
Homage to Savitsky
Collecting 20th-Century
Russian and Uzbek Art
b/w. Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-430-9
E
D
Leonard rickhard
Paintings
arnoLdsche art Publishers
A. K. Prakash
Impressionism in Canada
A Journey of Rediscovery
Foreword by Guy Wildenstein,
introduction by William H.
Gerdts.
colour. Hardcover with dust
jacket. English. 2nd printing
€ 99.80 [D] / US$ 120 /
CAD$ 140 / £ 80
ISBN 978-3-89790-455-2
E
Lars Eisenlöffel
Ransve
Prints 1963–2013
Rita Selvaggio / Audun Eckhoff
Ransve
Paintings 1962–2009
710 pp., with over 1,300 colour
ills. Hardcover, decorative
slipcase.
€ 99.80 [D] / US$ 170 / £ 90
English:
ISBN 978-3-89790-370-8
Norwegian:
ISBN 978-3-89790-398-2
slipcase.
€ 99.80 [D] / US$ 170 / £ 90
English:
ISBN 978-3-89790-310-4
Norwegian:
ISBN 978-3-89790-317-3
E + NOR
E + NOR
46 For more information on our backlist visit www.arnoldsche.com Brundtland / Furseth /
Tjønneland
Ransve
Drawings 1961–2005
Martin Herbert / Åsmund
Thorkildsen
Leonard Rickhard
Paintings
636 pp., with over 1,400 colour
slipcase.
€ 99.80 [D] / US$ 170 / £ 90
English:
ISBN 978-3-89790-244-2
Norwegian:
ISBN 978-3-89790-253-4
312 pp., 220 colour ills. Clothbound. English / German /
Norwegian.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-372-2
E + NOR
E / D / NOR
Linden-MuseuM s t u t t g a r t
arnoldsche
arnolsche ART PUBLISHERS
NEW
AFRiCAn
And
AsiAn ART
AussEREuROPäisChE
KunsT
Inés de Castro / Toko
Shimomura / Uta Werlich (eds)
Oishii!
Essen in Japan
Hardcover. German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 30
ISBN 978-3-89790-468-2
October 2016
D
Uta Werlich / Susanne
Germann
Inrō
Japanese Belt Ornaments
Gürtelschmuck aus Japan
The Trumpf Collection
Edited by the Linden-Museum
Stuttgart.
432 pp., 571 colour ills. and
140 signatures reproduced.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 90
ISBN 978-3-89790-444-6
Wendelgard Gerner
Manfred Gerner
Tsha-Tsha
Thogchaks
Votivtafeln
himmelseisen
Sammlung
Christian H. Lutz
Tibetische Amulette
arnoldsche
arnoldsche
Wendelgard Gerner
Tsha-tsha – Votivtafeln
Sammlung Christian H. Lutz
colour ills. Hardcover. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-453-8
August 2016
D
Sammlung
Christian H. Lutz
Manfred Gerner
Thogchaks – Himmelseisen
Tibetische Amulette
Sammlung Christian H. Lutz
colour ills. Hardcover. German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 70
ISBN 978-3-89790-452-1
September 2016
D
E /D
Karun Thakar / Anna Jackson
Kimono – Meisen
The Karun Thakar Collection
Hardcover. English.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-418-7
E
Marion Wettstein
Naga Textiles
Design, Technique, Meaning and
Effect of a Local Craft Tradition
in Northeast India
368 pp., 287 ills. and graphics.
With enclosed poster showing
156 colour ills. Half-linen cover.
English.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-419-4
E
Alban von Stockhausen
Imag(in)ing the Nagas
The Pictorial Ethnography of
Hans-Eberhard Kauffmann
and Christoph von FürerHaimendorf
b/w. Half-linen cover. English.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-412-5
Eva Ströber
Ming
Porcelain for a Globalised Trade
English.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-389-0
E
Eva Ströber
Symbols on Chinese
Porcelain
10 000 Times Happiness
English.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 49.50
ISBN 978-3-89790-350-0
E
E
Turkmen
carpets
THE NEVILLE KINGSTON
CO L L EC T I O N
CENTR AL
ASIAN
TEX TILES
Frank Jolles
Zulu Beer Vessels
In the Twentieth Century
b/w, 3 maps. Brochure with
dust jacket. English.
€ 49.80 [D] / US$ 85 / £ 45
ISBN 978-3-89790-423-1
E
Hadi Seif
Persian Painted Tile
Work from the 18th and
19th Centuries
The Shiraz School
112 pp., 92 colour ills., 2 maps.
Hardcover. English.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-403-3
E
Mareile Flitsch (ed.)
Tokens of the Path
Japanese Devotional and
Pilgrimage Images
The Wilfried Spinner Collection
(1854–1918)
WegZeichen
Japanische Kult- und Pilgerbilder
224 pp., 137 colour ills., 2 maps.
Half-linen cover. English /
German.
€ 39.80 [D] / US$ 70 / £ 35
ISBN 978-3-89790-426-2
Elena Tsareva
Turkmen Carpets
The Neville Kingston Collection
Hardcover. English.
€ 64.80 [D] / US$ 110 / £ 55
ISBN 978-3-89790-445-3
E
Elena Tsareva
Turkmen Carpets
Masterpieces of Steppe Art,
from 16th to 19th Centuries
The Hoffmeister Collection
English, with German
translation.
€ 64.80 [D] / US$ 110 / £ 55
ISBN 978-3-89790-342-5
E
E /D
BACKlisT
L i n d e n m u s e u m S t u t t g a r t ( e d . ) | U t a We r l i c h
I n r ō
Oishii!
Essen in
Japan
Japanese Belt Ornaments . Gürtelschmuck aus Japan
T h e Tr u m p f C o l l e c t i o n
Inés de Castro | Toko Shimomura |
Uta Werlich (Hg.)
arnoldsche ART PuBlishERs
Olgastraße 137
D-70180 Stuttgart
Phone +49-(0)711-64 56 18-0
Fax +49-(0)711-64 56 18-79
E-mail: [email protected]
www.arnoldsche.com

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