TAZ-Beilage Foreign Affairs 2016

GN
RS
7.7.16
Berliner Festspiele
FOREI
AFFAI
5.7. – 1
Vorwort
Unsicherheit. Seit Jahren beobachten wir, wie sich die vermeintlichen Gewissheiten
unserer mitteleuropäischen sozialen Marktwirtschaften auflösen. Wir haben gelernt, es
zeitweise zu ignorieren. Die Tatsache, dass wir letztes Jahr von der großen Anzahl
Flüchtender überrascht wurden, obwohl uns die Entwicklungen im Nahen Osten seit
Langem bekannt waren, ist nur ein Indiz dafür, wie selbstverständlich wir an Vertrautem
festhalten. Es braucht derartige Ereignisse, um uns ahnen zu lassen, dass es keine
sicheren Gegebenheiten gibt, dass sich Dinge ändern und dass genau das vermutlich
die einzige Gewissheit unserer Zeit sein kann.
Der Entschluss, sich in diesem Festival mit ‚Uncertainties‘ zu beschäftigen, entstand
während der Arbeit mit unserem Focus-Künstler William Kentridge. Der südafrikanische
Zeichner, Filmemacher, Performer und Regisseur spricht von ‚Unsicherheit‘ (uncertainty)
und ‚Vorläufigkeit‘ (provisionality), wenn er seine Arbeit und seinen Blick auf die Welt
beschreibt und meint damit sowohl eine künstlerische Strategie als auch eine
politische Haltung. Ständige Transformation zieht sich durch sein Werk genauso wie
durch seine künstlerische Biografie vor dem Hintergrund der südafrikanischen
Geschichte und Gegenwart. Am ersten Wochenende des Festivals haben wir Künstler*­
innen und Wissenschaftler*innen eingeladen, im Symposium „Landscapes of
Uncertainty“ verschiedene Formen von Unsicherheit und Strategien für den Umgang
damit zu diskutieren.
Auf einer programmatischen Ebene arbeitet Foreign Affairs jährlich an der Unsicherheit
der Form, sei es mit Musiker*innen in der Reihe Performing Pop oder mit dem Musée de
la Danse des Choreografen Boris Charmatz. Institutionell erweitern wir die Arbeit an der
Schnittstelle zur bildenden Kunst neben dem Focus Kentridge dieses Jahr in einer
Zusammenarbeit mit Corpus, einem Netzwerk europäischer Kunstinstitutionen wie
Tate Modern und den KW – Institute for Contemporary Art.
Viele der eingeladenen Künstler*innen beschäftigen sich mit eigenen Fragen von
‚Uncertainty‘. Das reicht von der Eröffnung mit Alain Platels Musiktheater, das sich auf
poetische Weise dem nahenden Ende eines Orchestermusikers widmet, bis zu ganz
konkreten Unsicherheiten: Die Antwerpener Theatergruppe BERLIN hat die letzten
Monate eines alten Ehepaars in einem Geisterdorf bei Tschernobyl dokumentarisch
begleitet, der Pulp-Frontmann Jarvis Cocker lädt mit einem Sinfonieorchester zu
Geschichten über das Menschsein nach Einbruch der Dunkelheit ein, die Choreografin
Nelisiwe Xaba sucht in den künstlichen Gewässern Johannesburgs urbane Zwitterwesen und das Nature Theater of Oklahoma dreht an zahlreichen Orten der Stadt mit
einem Team aus Laiendarsteller*innen einen Science-Fiction-Film. Jeden Abend
beginnt nach der Dämmerung um zehn eine nächtliche Ausstellung im Haus der
Berliner Festspiele. William Kentridge bespielt die ganze 48 Meter breite Fassade und
den Keller, Dries Verhoeven einen geheimen Raum, Nelisiwe Xaba das Dach, Mary Reid
Kelley operiert in der Kassenhalle. Zur Geisterstunde erwarten wir weitere Gäste, bevor
wir uns schließlich in unser sicheres mitteleuropäisches Bett legen.
In der letzten Nacht von Foreign Affairs können Sie mit uns im Theater bleiben. Wir
laden Sie ein, diese allerletzte Nacht des Festivals gemeinsam mit Forced Entertainment
durchzumachen: Sie erarbeiten gerade eine exklusive Variation ihrer ersten großen
Durational Performance aus dem Jahr 1999: Theater gegen die Angst und die Unsicherheit, bevor bei Tagesanbruch die Zukunft beginnt. Bis dahin wird es viele schöne
Sommerabende mit guter Kunst geben. Da sind wir uns absolut sicher.
Thomas Oberender
Intendant der Berliner Festspiele
2
Matthias von Hartz
Künstlerischer Leiter Foreign Affairs
10 things that being a South African
makes me uncertain of …
Von Siyabonga Mthembu
4
Die List der Ungewissheit
Von Helga Nowotny
6
Bilder über die Unsicherheit des Lebens
Gespräch zwischen Renate Klett
und Angela Breidbach 9
Programm Foreign Affairs 2016
13
„Wir wollen Chaos auf den
Straßen stiften.“
Von Patrick Wildermann
32
What really matters
Von Pieter T’Jonck
36
Vorschau Berliner Festspiele 2016
39
Kalendarium Foreign Affairs 2016
40
Veranstalter
Berliner Festspiele
Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen
des Bundes in Berlin GmbH
Schaperstraße 24, 10719 Berlin
Gefördert durch die Beauftragte der
Bundesregierung für Kultur und Medien
Intendant: Dr. Thomas Oberender
Kaufmännische Geschäftsführung: Charlotte Sieben
Künstlerische Leitung Foreign Affairs: Matthias von Hartz
Dramaturgie NO IT IS ! bei Foreign Affairs: Carolin Hochleichter
Kurator Ausstellung NO IT IS !: Wulf Herzogenrath
Direktor Martin-Gropius-Bau: Gereon Sievernich
Gestaltung: Ta-Trung, Berlin
Titelfoto: Christian Nilson / 13 Photo
Programmstand Mai 2016, Änderungen vorbehalten
Uncertainty. For years, we have been watching as the supposed certainties of our
mid-European social market economies have come undone. We learned to ignore this
temporarily. The extent of our surprise at the large number of refugees arriving here last
year, even though developments in the Middle East had been known for years, is further
evidence of how much we have been taking for granted. It takes events of this scale to make
us suspect that circumstances are no longer secure, that things are changing and this is
probably the only certainty of our times.
The decision to explore ‘uncertainties’ in this festival came in the course of our work with this
year’s focus artist William Kentridge. The South African draughtsman, film-maker, performer
and director talks about uncertainty and provisionality to describe his work and his view of
the world, and this means both an artistic strategy and a political attitude. Constant transformations pervade both his oeuvre and his artistic biography against the backdrop of
South Africa’s history and present. For the first weekend of the festival, we have invited
artists and scholars to a symposium entitled “Landscapes of Uncertainty”, where we will
discuss various forms of uncertainty as well as strategies of dealing with them.
With regards to its programmatic work, Foreign Affairs has been exploring the uncertainty
of form every year, be it with musicians in the Performing Pop series or with Musée de la
Danse by choreographer Boris Charmatz. On an institutional level, we are expanding our
work on the interface with the visual arts, in addition to our focus on William Kentridge. This
year, we will cooperate with Corpus, a European network of art institutions like KW – Institute
for Contemporary Art and Tate Modern.
Several of the invited artists are investigating their own issues of uncertainty. These range
from the opening performance of Alain Platel’s musical theatre, which is dedicated to the
poetical portrait of an orchestra musician’s looming demise, to quite specific uncertainties:
Antwerp-based theatre company BERLIN’s documentary follows the last months of an old
married couple in a ghost village near Chernobyl; Pulp’s front-man Jarvis Cocker and a
symphony orchestra invite us to hear stories at nightfall about what it means to be human;
choreographer Nelisiwe Xaba searches Johannesburg’s artificial bodies of water for urban
hybrid creatures, and the Nature Theater of Oklahoma will shoot a science fiction film at
several locations throughout the city, together with a cast of amateur performers. Every
night after dusk, at ten o’clock, a night exhibition will be opened at the Haus der Berliner
Festspiele. William Kentridge will play on all 48 metres of the facade and in the basement,
Dries Verhoeven in a secret room, Nelisiwe Xaba on the roof and Mary Reid Kelley in the box
office foyer. At the witching hour, we expect further guests before we finally lie down in our
secure mid-European beds.
On the final night of Foreign Affairs, you can stay in the theatre with us. We invite you to pull
an all-nighter together with Forced Entertainment: The company is currently developing
an exclusive variation of their first great durational performance from the year 1999.
Theatre as a countermeasure for fear and uncertainty, before the future begins at
daybreak. Until then, there will be many summer nights full of good art. Of this we are
completely certain.
Thomas Oberender
Director Berliner Festspiele
Die Berliner Festspiele werden gefördert durch
Foreign Affairs
Matthias von Hartz
Director Foreign Affairs
10 things that being
a South African
makes me uncertain of …
Siyabonga Mthembu
– 1 –
First and foremost, I am uncertain of being an adult who can
look after those I love financially. The arts in my country lack
the support required to support citizens who are there to
grow the economy. The economy does not support humans.
– 2 –
My next uncertainty is about my race and this, in fact, is a
worldwide uncertainty. I am uncertain of black lives and what
they mean to the global politics. Are black artists forever
going to be in search of validation from the Northern
Hemisphere due to a lack of a true African art industry?
–­ 3 –
The Truth and Reconciliation Commission makes me
uncertain of the truth that was meant to set us free. It was
a farce in the name of true reconciliation where the
perpetrators still run the South African economy.
–­ 4 –
Fundamentalism makes me uncertain of religion being free of
politics while at the same time personal spiritual
emancipation probably is the most political thing in the world.
4
–­ 5 –
I am uncertain of religion given that the religions of the
original African dwellers have been subjugated by crusades,
colonisation, imperialism and now globalisation.
If we, Africans, do not remember our gods who kept
our lands, why should they remember us?
–­ 6 –
I am uncertain of the future because we fail to see that it
depends on our ecological consciousness. The spirituality of
the globe which we live on is ignored much in the same way
that in the microcosm we ignore our spirits: 49 billion cows
are bred to feed us each year.
–­ 7 –
I am uncertain about governance as I have never had a good
president. I have had presidents who deal with what they are
given rather than creating a new path and consciousness.
I do believe that Mandela came close but our citizenry was in
its infancy then and did not hold him to book.
–­ 8 –
I am uncertain about the African National Congress as the
majority party in my country. Having grown up in this
political church, I find that we all feel like outsiders after the
apartheid although it is obvious that we make the majority.
–­ 9 –
I am uncertain of true love mattering in
a post-capitalist environment.
–­ 10 –
I am uncertain of my generation still wanting to change the
world and realising that we are fatigued from the
intergenerational lack of engagement in our own spaces.
Siyabonga Mthembu aka Mr. Gold ist Storyteller, Sänger und Performancekünstler und Mitglied des Performance-Art-Ensembles
The Brother Moves On (TBMO) aus Johannesburg, Gauteng.
Foreign Affairs
Still aus William Kentridge: „Day for Night“, 2003 © William Kentridge
Die List
der Ungewissheit
Von Helga Nowotny
6
M
it den Anfängen der modernen Naturwissenschaft kam eine merkwürdige,
bisher nicht gedachte Idee in die Welt:
die Vorstellung, dass die Zukunft
anders sein könnte als die Gegenwart und Vergangenheit. Vor allem, dass sie mit einer Verbesserung der materiellen Grundlagen menschlicher
Existenz einhergehen könnte. Sie hörte auf, vorbestimmt zu sein. Sie hatte nicht mehr ewigen
Gesetzen zu gehorchen, die dem Versuch der
Beeinflussung seitens der Sterblichen entzogen
war. Die Zukunft war offen. Später ging die zeitliche
Schere zwischen den Erfahrungen der Menschen
und dem, was Reinhart Koselleck den Erwartungshorizont nannte, weiter auf. Doch diese
Öffnung hat ihren Preis: Eine offene Zukunft ist
inhärent ungewiss. Seither wurden viele Anstrengungen unternommen, um die Ungewissheit
einzuschränken; ja, sie zu zähmen. Sie reichen
vom Aufkommen der Versicherung zur Hybris
einer der Planungseuphorie verfallenen Moderne.
Heute stehen die tastenden Versuche der Komplexitätswissenschaft im Vordergrund, die nicht
vorhersehbaren systemischen Risiken zu modellieren. Überall werden wir jedoch mit den unbeabsichtigten Folgen menschlichen Handelns
konfrontiert. Die Wissenschaft ist gefordert, nicht
so sehr, wahr von falsch zu unterscheiden, sondern
die Ungewissheit zu reduzieren.
Ungewissheit ist tief in die menschliche Existenz
eingeschrieben, zeigt doch der biologische Zeitpfeil unbeirrt von der Geburt zum Tod. Doch sie ist
mehr als ein aus Unwissen gewebter Vorhang, der
den Blick auf ein Ganzes verstellt. Ohne sie wären
wir in der Kurzsichtigkeit der gegebenen Verhältnisse befangen, in einem rückwärts gerichteten
Stillstand. Ungewissheit ist die unbändige Kraft,
die uns nach vorne treibt, in das noch Unbekannte.
Nirgendwo ist diese Kraft stärker am Werk als in
der Wissenschaft und in der Kunst. In der Grundlagenforschung steht weder von vornherein fest,
ob – und welche – Ergebnisse gefunden werden
noch wann. Der Umgang mit Ungewissheit ist alltägliche Praxis. Sie wird zur listigen Partnerin,
wenn neue Phänomene oder Zusammenhänge
entdeckt werden, die nicht im Suchradar waren
oder im Projektantrag standen. Was zählt, ist einzig,
dass deren Bedeutung im Augenblick der unerwarteten Begegnung erkannt wird. Dann spricht
man von serendipity, einer im Forschungsprozess
immer wieder auftretenden Spielart des Zufalls,
der sich als äußerst produktiv erweist. Ähnliches
geschieht laufend im künstlerischen Tun. Die individuellen und institutionellen Strategien mögen
unterschiedlich sein – doch es ist frappierend, wie
hervorragend Wissenschaft und Kunst mit Ungewissheit umgehen können. Wissenschaftliche
Durchbrüche oder neue künstlerische Sichtweisen
ereignen sich an der Schwelle, die das bereits
Bekannte vom Unbekannten und Neuem trennen.
Dann gibt Ungewissheit Wissen frei und ermöglicht
den Blick auf das bisher nicht Gesehene.
Vorläufigkeit allen Wissens
Im Gegensatz zur Wissenschaft und Kunst haben
viele Menschen im Umgang mit Ungewissheit
große Schwierigkeiten. Sie empfinden ein tief
sitzendes Verlangen nach Gewissheit, das sich zur
Sucht steigern kann. Die Grenzen zwischen Sicherheit und Gewissheit, Unsicherheit und Ungewiss-
In der Kunst hat der Zufall
immer einen Platz.
heit werden dann fließend. Sicherheit umfasst die
materiellen Grundlagen der Existenz; Gewissheit
die kognitive Dimension. Sie beinhaltet die Fähigkeit, sich ein Urteil über den Zustand der Welt zu
bilden, das zur Grundlage des Handelns wird.
Insbesondere von der Wissenschaft wird erwartet,
dass sie die Sehnsucht nach Gewissheit erfüllt
und auf alle Fragen klare Antworten hat. Doch
diese Haltung verkennt das Wesentliche des
wissenschaftlichen Wissens. Denn nur für wenige
Fragen lassen sich eindeutige ,Ja‘-oder ,Nein’-­
Aussagen treffen – eine Ausnahme bildet die
Mathematik. In der überwältigenden Mehrheit
der Fälle wird die sorgfältig abwägende Antwort
lauten: ‚Ja, unter den folgenden Bedingungen...’
oder ‚Nein, es sei denn...’ Wissenschaftliches Wissen
ist immer differenziert. Es muss zwischen allgemein gültigen Aussagen und den besonderen unterscheiden. Dazu kommt, dass sich für viele die
Öffentlichkeit bedrängende Fragen die Antworten
nur in Wahrscheinlichkeiten ausdrücken lassen. Für
den Alltag gibt es keine absoluten Gewissheiten.
Diese oft diametral entgegen gesetzten Erwartungen in der Verständigung zwischen Wissenschaft und Gesellschaft werden zusätzlich durch
die Politik erschwert. Ungewissheit ist der Politik
wohl vertraut, doch sie scheut sich, dies öffentlich
zuzugeben. Von der Wissenschaft erwartet sie
klare – und das heißt eindeutige und vereinfachte
Antworten –, besonders wenn es um die Abschätzung von Risiken geht. Dadurch steigt der Druck
auf die Wissenschaft, es macht die Sache aber
nicht besser. Wie groß auch der öffentliche Druck
ist, oft gibt es ehrlicherweise keine eindeutigen
Antworten. Dann braucht es den Mut auch öffentlich einzugestehen: wir wissen es – noch – nicht.
W
issenschaftliches Wissen wird in
der öffentlichen Wahrnehmung oft
als unveränderlich und definitiv
angesehen. Doch dies verkennt das
dynamische Wachstum des Wissens. In der Wissenschaft gilt alles Wissen als vorläufig – es verändert
sich ständig, da immer neues Wissen dazu kommt.
Dieses ersetzt oder ergänzt das alte; neue Phänomene und Zusammenhänge werden entdeckt.
Der Forschungsprozess selbst ist inhärent ungewiss,
Foreign Affairs
Symposium
Landscapes of
Uncertainty
10. Juli 2016
u.a. mit Armin Chodzinski,
Peter Galison,
William Kentridge,
Helga Nowotny,
Johannes Paul Raether
Haus der Berliner Festspiele
Programm unter
www.berlinerfestspiele.de
der Ausgang offen. Bisweilen kommt es zu einem
völligen Paradigmenwechsel, einer Umkehr dessen, was als gesichertes Wissen galt. Dass diese
dynamische Weiterentwicklung einigermaßen
geordnet stattfindet, verdankt sich dem peer
review-­
System, der institutionalisierten Überprüfung aller Wissensansprüche durch andere
Wissenschaftler*innen. Dadurch soll sichergestellt
werden, dass das in Fachzeitschriften veröffentlichte Wissen dem letzten Stand der Forschung
entspricht und mit rigorosen Methoden durchgeführt wurde. Doch auch diese Garantie erfolgt
immer unter dem Vorbehalt, dass es sich um vorläufiges Wissen handelt. Es wird durch neues –
und besseres – Wissen ersetzt werden.
Ungewissheit – warum jetzt?
Das Thema Ungewissheit hat gegenwärtig unerwartet hohe Aktualität erlangt. Unzählige
Ängste beherrschen die öffentlichen Auseinandersetzungen ebenso wie das private Empfinden.
Klare Referenzpunkte und Orientierungsrahmen
sind weitgehend verschwunden. Geopolitische
Ereignisse, die weit weg schienen, konfrontieren
uns täglich mit unbequemen und schmerzhaften
Folgen. Eine Politik der Angst, erzeugt von populistischen und nationalistischen Kräften, instrumentalisiert die neue Realität für ihre Zwecke. Was
nach den Anschlägen am 11. September 2001 in
den USA begann, setzt sich heute als europäische
Variante fort. In meinem Buch „The Cunning of
Uncertainty“ spreche ich nicht vom Terrorismus
oder den durch die Massenmigration hervorgerufenen Ängsten. Es geht vielmehr darum, dass
alle Ängste vor einer ungewissen Zukunft die
Handlungsoptionen drastisch einschränken. Im
Extremfall eliminiert Angst die Zukunft. Der offene
Horizont wird dann von einem alles überwältigenden Gefühl eines ohnmächtigen und passiven
Ausgeliefertseins verschluckt. Hingegen verliert
die Ungewissheit an Bedrohung, wenn wir uns
eingestehen, dass die Dinge oft anders kommen
als wir es uns je vorgestellt haben und dass die
Reichweite unserer Vorhersagen begrenzt ist.
H
B
The English version
of this text will be
published at
blog.berlinerfestspiele.de
ier kommt die List der Ungewissheit ins
Spiel. Sie ist eine Metapher, die sich
bereits in der griechischen Antike als
Metis findet. Darunter wurde die List
der Vernunft verstanden, die oft krumme Wege
geht, um an ein Ziel zu gelangen, das niemand im
Vorhinein kennt. Die List der Ungewissheit soll uns
auch heute Mut machen, uns nicht vor Ungewissheit zu fürchten, sondern sie zur Partnerin
unseres bruchstückhaften Wissens und Handelns zu machen. Sich ihr anzuvertrauen heißt
auch, die unbeabsichtigten Folgen unseres
Handelns ein wenig besser zu verstehen lernen.
Sie hält sogar unerwartete Antworten auf die
Politik der Angst bereit.
Im kreativen Tun ist die List der Ungewissheit
immer präsent. Das gilt für die Wissenschaft
ebenso wie für die Kunst. Ein misslungenes
8
Experiment kann dazu führen, die Annahmen zu
hinterfragen oder scheinbare Randphänomene
anders zu bewerten. Was Signal und was Lärm ist,
kann sich plötzlich ändern. In der Kunst hatte der
Zufall immer einen Platz, ist doch das Verhältnis
zwischen Künstler und Werk ein weitaus körperlich-­
intimeres. Und wir alle kennen jene Augenblicke,
in denen eine weitreichende Entscheidung zu
treffen ist, für die uns die Entscheidungsgrundlagen fehlen. An den Zufall zu appellieren
bringt Erleichterung, wenn sich unsere Ziele als
illusionär entpuppen.
Als vor kaum fünfhundert Jahren die moderne
Wissenschaft, damals noch eng mit den Künsten
verbunden, ihre wissensgetriebene Reise in das
Unbekannte und in die Ungewissheit antrat,
konnte niemand ahnen, wie sehr dies unsere
Lebensbedingungen verändern würde. Unsere
Kenntnisse der Welt und was wir mit diesem
Wissen bewirken können übersteigt alles, was
man sich jemals vorstellen konnte. Heute überwältigt uns eine Fülle an ungeahnten Möglichkeiten und dennoch – je mehr wir wissen, desto
mehr entdecken wir, was wir noch nicht wissen.
Ob unsere Visionen eines besseren Lebens ausreichen, um ein solches für eine global gewordene
Welt zu schaffen, bleibt freilich eine offene Frage.
Auch im 21. Jahrhundert sind alle Vorhersagen
über die weitere Entwicklung begrenzt. Wir können
diese Ungewissheit als bedrohlich empfinden
oder sie akzeptieren, doch eines ist gewiss: die
Zukunft ist offen – und ungewiss.
Helga Nowotny ist eine international anerkannte Wissenschaftsforscherin und Professorin emerita der ETH Zürich.
Sie ist Gründungsmitglied des Europäischen Forschungsrates,
ERC, und war von 2010-2013 dessen Präsidentin. Zuletzt
veröffentlichte sie „The Cunning of Uncertainty“ (Polity
Press, 2015).
Uncertainty is deeply inscribed into human existence.
And nowhere is its force felt more strongly than in
science and art. Scientific breakthroughs and new
artistic perspectives occur on the threshold that
divides the known from the unfamiliar and new.
In contrast with how science and art deal with
uncertainty, many people have a deep-rooted
desire for certainty. They shy away from uncertainty.
A policy of fear, created by populist and nationalist
forces, exploits this circumstance for its own purposes. This is where the list of uncertainty comes
into play. It can surprise us and show us new avenues.
What no one would have thought possible suddenly
becomes a matter of course. People don’t have to
perceive uncertainty as a threat. Accepting it means to
say yes to an open future – even if it remains uncertain.
Bilder über die
Unsicherheit des Lebens
© William Kentridge
Die Theaterkritikerin Renate Klett und
die Kunsthistorikerin Angela Breidbach
über William Kentridges „NO IT IS !“
Renate Klett: Fangen wir mit den „Drawing
Lessons“ an, die den roten Faden zwischen Ausstellung und Festival spannen. Sie basieren auf
einer Einladung der Harvard University für die
renommierten Charles Eliot Norton Lectures.
Dann überlegte William Kentridge, daraus eine
Bühnenversion zu machen und erarbeitete gemeinsam mit der Dramaturgin Rita Thiele die
Fassung für das Hamburger Schauspielhaus.
Die Abende waren sensationell, es gab einen
Riesenapplaus. Und William war zum Niederknien!
Das ist ja sehr anstrengend, drei Stunden alleine
auf der Bühne zu stehen – aber nicht umsonst
hat er bei Jacques Lecoq studiert. Wenn ich
zurückblicke, war das theatermäßig mit Abstand der Höhepunkt der Spielzeit, deutschlandweit. Diese Intelligenz, dieser Humor, diese
Präsenz – sagenhaft.
Angela Breidbach: Die „Drawing Lessons“ haben
vielfältige Bezüge zu Kentridges Werk. Die ersten
fünf „Lessons“ sind eher klassische Vorlesungen.
Sie haben Titel wie „In Praise of Shadows“, „A Brief
History of Colonial Revolts“, „Vertical Thinking“
oder „Practical Epistomology“, wobei letztere das
Konzept für die beiden „Wunderkammern“ im
Foreign Affairs
Martin-Gropius-Bau liefert. Die sechste „Drawing
Lesson“ ist 2011 am Market Theatre Johannesburg
unter dem Titel „Refuse the Hour“ zur Aufführung
gebracht worden, mit Requisiten, kinetischen
Skulpturen, Musik und Instrumenten. Lectures,
Ausstellung und Performances bilden diesen Zirkel:
William zeigt sich auf der Bühne, er zeigt auf der
Bühne, wie er die Bilder macht, er macht die
Bilder, er bringt die Bilder in die Ausstellung, wo
sie immer auch zeigen, wie sie hervorgebracht
werden, mit ihm als Protagonisten.
RK: Und dann verwischt er sie oft oder radiert
sie aus.
AB: Genau, die verwischte Spur, die sich auch
verliert und das Erkennen erschwert. In den beiden
„Wunderkammern“ der Berliner Ausstellung sind
die Bilder im Entstehen begriffen, das nähert sie
den Performern auf der Bühne an, sie haben
Auftritte und Abgänge. Die „Drawing Lesson“ mit
dem Titel „In Praise of Mistranslation“ hatte das
Verwischen von Information zum Thema. Rilkes
Gedicht „Der Panther… –
RK: …im Jardin des Plantes, Paris“ –
AB: …war Gegenstand dieser Lecture, denn es
ist nicht einfach ins Englische übersetzbar. Jede
Übersetzung bringt verschiedene neue Bedeutungen hervor. Der Panther zieht seine Kreise.
Damit vergleicht Kentridge sich, in dem Sinne,
dass er die Bilder findet, während er im Studio
herumwandert. Aus dem Kreisen um das Bild geht
das Bild hervor, sein Wissen lässt sich nicht auf den
Punkt bringen, Verwischen und Fehlübersetzung
10
gehören zu seinen besten Eigenschaften. Es zerfällt in Fragmente und Denkbruchstücke, die hier
und dort wieder auftauchen und neue Assoziationsketten bilden. Im Cross-Over zwischen Performances und Ausstellung macht es Spaß, einzelne
Motive in verschiedenen Formaten zu entdecken.
RK: Das gilt ja schon für „Woyzeck on the Highveld“. Für mich ist diese südafrikanische
„Woyzeck“-Version die beste der drei Theateraufführungen, die Kentridge und die Handspring
Puppet Company herausgebracht haben. Es ist
eine typische Handspring-Show, aber durch die
bewegten Bilder, die Kentridge ihr hinzufügt, gewinnt sie ganz neue Dimensionen. In der Szene, in
der Woyzeck den Hauptmann rasiert, gibt es auf
der Leinwand eine Folge von Woyzecks Versuchen,
den Tisch richtig zu decken. Wo kommt die Gabel
hin, wo das Messer? Panische Arrangements, immer
wieder neu, immer verzweifelter. Das hat mit der
eigentlichen Szene gar nichts mehr zu tun, aber es
zeigt sehr deutlich den Druck, unter dem diese
geschundene Kreatur steht, die Angst, die Überforderung. Oder Kentridge zeichnet die Puppen
und die Musik, die in ihren Köpfen ist, Klassik beim
Hauptmann, Trommeln bei Woyzeck, ganz kurz
nur, aber es macht sofort die zwei Welten klar.
Und immer wenn Woyzeck und Marie auf der
Bühne sind, hört man afrikanische Musik. Das
setzt ganz nebenbei auch die Klasse fest.
AB: Bei der Handspring Puppet Company werden
große kostümierte Puppen von den Protagonisten
in Händen gehalten. Selbst die Sänger von Monteverdi-Opern halten ihre eigene Puppe und treten
mit ihr zusammen als doppelte Figur auf. In dem
monumentalen Stück „More Sweetly Play the
Dance“ halten die Teilnehmer der Prozession
wieder großformatige Bilder vor sich her – Köpfe,
Tauben, Palmzweige. So ist der Anfang dieser
Kunst zwischen Theater und Museum in dem
aktuellen Stück wieder virulent: Die Performer
bringen ihre Bilder zum Leben, gleichzeitig sind sie
diese Bilder.
AB: Diese rückwärts gedrehten Filme? Die sind
Zauberkunst.
RK: Das ist eine Methode der Handspring Puppet
Company, darum heißen sie Handspring. An
„Woyzeck“ und den anderen Produktionen sind
immer dieselben Schauspieler beteiligt. Das sind
tatsächlich Schauspieler, keine Puppenspieler,
und dadurch sieht man, wie anstrengend für sie
das Hochhalten der Puppen ist – The Hardship of
Life – weil die Puppen sehr schwer sind, es sind
massive Holzpuppen.
Uncertainty ist das Schlagwort
für den afrikanischen Kontinent:
Alles in Afrika ist unsicher, it’s
now, right now und was morgen
ist, weiß niemand.
AB: Die Doppelfigur ist ein großes Thema bei
­Kentridge, spätestens seit dem Film „Stereoscope“.
Wenn zwei Bilder dasselbe bezeichnen, kommt es
zu Verdopplung und Spaltung, im besten Falle zur
Integration. Das doppelte Bild im Stereoskop
schafft eine neue Raumdimension. Wenn es eine
Bruchstelle zwischen zwei Blickwinkeln auf eine
Sache oder eine Person gibt, kann die Wirkung
kreativ oder zerstörerisch sein. Schließen sich die
beiden Blickwinkel aus, entsteht Fremdheit, auch
als politische Dimension.
RK: Kentridge spielt ja auch gern mit Filmen, die
er rückwärts zeigt, so dass sich das zerrissene
Buch, die zerstörte Flasche wieder zusammensetzen. Ist das nach Ihrer Definition eher zerstörerisch oder eher kreativ?
RK: Was heißt das?
AB: In einer „Drawing Lesson“ erzählt er, dass
sein achtjähriger Sohn im Studio malen darf,
dass er alles ausbreiten darf, Farbtöpfe öffnen,
alle Pinsel rausholen und mit ihnen die Farbe
auf den Wänden verteilen, während Kentridge
ihn dabei filmt. Sie schauen den Film rückwärts
an. Die Pinsel gehen zurück in ihre Töpfe, die
Farbe kommt zurück in die Töpfe, Wände und
Kleider werden wieder sauber – und der Sohn
sagt: „Schön, können wir das noch mal machen?“
RK: „But first we have to clean the studio!“
(lacht) Das hat er schon ganz oft gemacht, wie
die Sache mit den Seifenblasen. Er zerhaut eine
Flasche, aus der Seifenblasen kommen und
Foreign Affairs
Libretto für „A Guided Tour of the Exhibition: For Soprano with Handbag” © William Kentridge
danach beim Rückwärtslaufen setzt sich die
Flasche wieder zusammen.
AB: Im Film ist es umgekehrte Entropie. Das
Leben funktioniert aber nicht so. Da sind die Dinge
eine Last, die sich nicht allein von hier nach
da räumt. In anderen Filmen mit Prozessionen
gibt es Menschen, die ihren Hausstand auf dem
Rücken tragen.
RK: In Cape Town habe ich mal eine Frau auf der
Straße gesehen, die sich eine riesige Kommode
auf den Rücken geschnallt hatte. Oder in Kinshasa,
wo Kriegsversehrte, die keinen Rollstuhl haben,
von ihren Familien abwechselnd auf dem Rücken
durch die Straßen getragen werden. Kentridges
Prozessionen sind keine pure Erfindung, sondern
eine künstlerische Überhöhung der vorgefundenen Realität.
AB: Jemand, der seinen Hausstand, seine Bilder,
seine Mitmenschen auf dem Rücken trägt, das ist
die tiefste Art existenzieller Verunsicherung, die
ein Mensch haben kann, die in Kentridges Werken
immer präsent ist: Flucht, Migration, die Fremde.
Er wählt Bildthemen, die immer auch die Unsicherheit des Lebens im Zentrum haben.
RK: Uncertainty, eine zentrale Denkfigur des
Berliner Projekts „NO IT IS !”, ist für Kentridge
ohne Frage sehr wichtig, fast schon eine Philosophie.
Spuren davon kann man in seinem gesamten Werk
finden. Aber es ist auch das Schlagwort für den
afrikanischen Kontinent: Alles in Afrika ist unsicher, it’s now, right now und was morgen ist,
weiß niemand. Das erklärt vieles, was die Politiker
12
im Rest der Welt nicht verstehen. Es ist eben
immer Uncertainty – damit will ich nur sagen,
dass Kentridge nicht nur als Europäer, sondern
immer auch als Afrikaner verstanden werden
muss. Uncertainty ist ein Schlüsselwort für den
ganzen Kontinent, den er ja sehr liebt, wie man
seinen Arbeiten deutlich anmerkt. In „Faustus in
Africa“ beispielsweise, dieser Reise durch Afrika,
spürt man diese Liebe, die für einen weißen
Südafrikaner nicht unbedingt selbstverständlich
ist. Er lebt ja auch weiterhin in Johannesburg,
nicht in New York oder Berlin wie alle anderen.
AB: Mit der Prämisse der Uncertainty führt
Kentridge auch Diskurse gegen Aufklärung und
Kolonialismus, wo alles kontrollierbar erschien.
Das betrifft auch seine Thematik mit der Zeit, die
Uhren werden um 1900 von London und Paris aus
verwaltet – ein homogenes Netz der Zeit wird über
die Welt gelegt, wodurch die einzelnen Länder
ihren Zenit verlieren, das heißt, dass sie ihre eigene
Zeit verlieren und einer autoritären Zeit unterworfen
werden. Die Antwort darauf ist der Aufstand der
afrikanischen Länder, die ihre Zeit zurückhaben
wollen – „Give us back our time“. Es sind Bilder in der
Videoinstallation „The Refusal of Time“.
RK: Deswegen hat Zeit in Afrika auch eine ganz
andere Bedeutung als bei uns. Sie ist kein Fetisch
wie bei uns, sie ist nicht starr, sondern fließend.
Zeit bedeutet warten, und wenn man lange genug
gewartet hat, dann wird schon was geschehen.
Fortsetzung auf Seite 29
Programm
Ausschnitt aus „More Sweetly Play the Dance“ © William Kentridge
Foreign Affairs arbeitet seit Jahren an der Unsicherheit
der Form. Mit Künstlern wie William Forsythe und Ragnar
Kjartansson oder mit Boris Charmatz‘ „Musée de la
Danse“ haben wir den Grenzgang zwischen Bühne und
Ausstellungsraum gewagt. Auch dieses Jahr stellt
Foreign Affairs Projekte vor, die sich in ästhetischen
Zwischenräumen befinden. Dieser Ansatz spiegelt sich
u.a. in der Zusammenarbeit mit Corpus, einem Netzwerk
europäischer Kunstinstitutionen, mit dem wir zwei neue
Koproduktionen für Berlin entwickelt haben.
Für den diesjährigen Focus-Künstler William Kentridge ist
der Begriff Uncertainty vor allem in Bezug auf seine
eigene künstlerische Praxis relevant, die sich nicht auf
ein bestimmtes Medium festlegen lässt und stattdessen
den Prozess ins Zentrum stellt. „Resisting the Tyranny of
Meaning“: Diese Haltung überträgt Kentridge auf seine
Arbeitsweise im Studio und seine Einstellung zur Welt.
Neben künstlerischen Arbeiten zum ästhetischen wie
auch politischen Themenfeld Uncertainty haben wir am
ersten Wochenende des Festivals Künstler*innen und
Wissenschaftler*innen zum Symposium „Landscapes of
Uncertainty“ eingeladen, Perspektiven und Strategien
für den Umgang mit Unsicherheiten und Ungewissheiten zu diskutieren.
For years, Foreign Affairs has been working on the uncertainty
of form. With artists like William Forsythe and Ragnar
Kjartansson, or with Boris Charmatz’ “Musée de la Danse”,
we repeatedly ventured into the borderlands between
stage and exhibition hall. This year, Foreign Affairs has once
again introduces formats that are located in aesthetic interstices. This approach is reflected at an institutional level by
a cooperation project with Corpus, a network of various
European art institutions, with whom we developed two new
co-productions for Berlin.
For this year’s focus artist William Kentridge, the term of
uncertainty is chiefly relevant in reference to his own artistic
practise, which will not be tied down to a specific medium
and focuses on the process in the studio. “Resisting the
tyranny of meaning”: This is the attitude that Kentridge
applies to his working method in the studio and to the
world at large.
In addition to artistic explorations on the political and aesthetic range of topics surrounding uncertainty, we have
invited artists and scientists to contribute to the symposium
“Landscapes of Uncertainty” on the festival’s first weekend,
and to present perspectives and strategies of how to deal
with uncertainties and ambiguities.
William Kentridge
NO IT IS !
Ausstellung
12. Mai bis 21. August 2016, Mi bis Mo
10:00–19:00, Di geschlossen
Martin-Gropius-Bau
Eintritt 11 €, ermäßigt 7 €,
Eintritt frei bis 16 Jahre
Die Ausstellung im Martin-Gropius-­Bau
wird ermöglicht durch den
Hauptstadtkulturfonds.
Die im Rahmen von Foreign Affairs
präsentierten Arbeiten von William
Kentridge werden gefördert durch die
Kulturstiftung des Bundes.
Mit freundlicher Unterstützung des
Goethe-Instituts.
William Kentridge ist nicht nur bildender Künstler, sondern auch Filmemacher, Regisseur und ein
großer Erzähler. Seit mittlerweile mehr als drei Jahrzehnten bewegt sich sein umfassendes Schaffen
durch unterschiedliche künstlerische Disziplinen. Sein Gesamtwerk wird erstmals in einer Kombination von Ausstellungen, Performances und Lectures präsentiert. Die Performance-Reihe
„Drawing Lessons“ bildet dabei den Ausgangspunkt für die von Wulf Herzogenrath kuratierte
Ausstellung im Martin-Gropius-Bau, die entlang dieser autobiografischen, künstlerischen und
politischen Erzählung Themen seines Œuvres von den Anfängen bis heute versammelt. In zwei
‚Wunderkammern‘ versucht er erstmals, die prozesshafte Arbeitsweise in seinem Studio in einer
Ausstellung erfahrbar zu machen. Das Spektrum der Werke reicht von den frühen Zeichnungen
über die berühmten Méliès- und Soho-Eckstein-Animationsfilme, Raum-Installationen (wie dem
documenta-Projekt „The Refusal of Time“) bis hin zu Großprojektionen wie der viele Meter langen
Filmarbeit „More Sweetly Play the Dance“, die im Martin-Gropius-Bau und an der Fassade des Hauses
der Berliner Festspiele zu sehen sein wird und beide Orte wie eine Klammer verbindet.
William Kentridge is not just a visual artist but also a filmmaker, director and a great raconteur. His
comprehensive body of works has spanned several artistic disciplines for more than three decades
now. His complete oeuvre will be presented for the first time, in a combination of exhibition, performances
and lectures. The performance series “Drawing Lessons” is the point of departure for his show at
Martin-Gropius-Bau, curated by Wulf Herzogenrath, which assembles topics of his oeuvre from the
beginnings, along the lines of this autobiographical, artistic and political narration. In two ’Cabinets
of Wonder‘, he will attempt for the first time to render his process-based working methods in his studio
tangible in an exhibition. The spectrum of presented works ranges from early drawings via the famous
animated films featuring Méliès and Soho Eckstein, spatial installations (such as the documenta-project
“The Refusal of Time”) to large-scale projections such as the film piece “More Sweetly Play the Dance”,
many metres long, which will be presented at Martin-Gropius-Bau and on the facade of the Haus der
Berliner Festspiele, combining both venues like a bracket.
William Kentridge in „Drawing Lessons“ Film Still © William Kentridge
William Kentridge
Drawing Lessons
Die „Drawing Lessons“, die William Kentridge in einem zweitägigen Marathon selbst aufführen
wird, sind autobiographische Lectures, hybride Kunstwerke zwischen Theater, Film und
Zeichnung, Quintessenz seiner transdisziplinären Arbeitsweise und Nukleus des in Berlin
präsentierten Werkes. 2012 als Vorlesungsreihe in Harvard entstanden, sind sie Reflektionen der
eigenen ästhetischen Praxis, die sowohl vom Leben im Studio, von Kentridges Wertschätzung
der Schatten und der Missverständnisse, als auch von Kolonialgeschichte und dem politischen
Umfeld zwischen Apartheid und Gegenwart erzählen.
Drawing Lesson I „In Praise of Shadows“
Drawing Lesson II „A Brief History of Colonial Revolts“
Drawing Lesson III „Vertical Thinking: A Johannesburg Biography“
Drawing Lesson IV „Practical Epistemology: Life in the Studio“
Drawing Lesson V „In Praise of Mistranslation“
„Refuse the Hour“
The “Drawing Lessons”, which Kentridge will perform himself in a two-day marathon, are autobiographical
lectures, hybrid works of art between theatre, film and drawing. They constitute the quintessence of
his transdisciplinary working methods and the nucleus of his work presented in Berlin. Created as a
lecture series at Harvard University in 2012, they are reflections of Kentridge’s own aesthetic practice,
in which he talks about the life in the studio, his appreciation of shadows and misunderstandings, as
well as colonial history and his political environment between Apartheid and the presence.
Drawing Lessons I–III
8. Juli 2016, 19:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In englischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
Ca. 3 h (inkl. Pausen)
Drawing Lessons IV, V &
Refuse the Hour
9. Juli 2016, 18:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In englischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
4 h 30 min (inkl. Pausen)
William Kentridge mit Philip Miller,
Dada Masilo, Catherine Meyburgh und
Peter Galison
Refuse the Hour Thinking aloud in Eight Movements
„Refuse the Hour“ spinnt die Themen der „Drawing Lessons“ als multimediales Bühnenstück aus
Tanz, Schauspiel, Live-Musik, kinetischer Skulptur und Animationsfilmen weiter. Aus einem
Gespräch mit dem amerikanischen Physiker Peter Galison über schwarze Löcher und Zeittheorien
entwickelte William Kentridge zusammen mit ihm, dem Komponisten Philip Miller, der Choreografin
Dada Masilo und der Videoeditorin Catherine Meyburgh einen Abend mit Musiker*innen,
Sängerinnen, einer Tänzerin, einem Schauspieler und William Kentridge selbst über philosophische
und politische Dimensionen von Zeit. „Refuse the Hour“ ist eine szenische Fortführung von Kentridges
documenta-Installation „The Refusal of Time“, die zeitgleich im Martin-Gropius-Bau zu sehen ist.
“Refuse the Hour” evolves the topics of the “Drawing Lessons” in the form of a multimedia stage
performance with elements of dance, drama, live music, kinetic sculpture and animation films.
Following a conversation with the American physicist Peter Galison about black holes and theories of
time, William Kentridge, together with Galison, composer Philip Miller, choreographer Dada Masilo
and video editor Catherine Meyburgh, went on to develop a performance about philosophical and
political dimensions of time, featuring musicians, singers, a dancer, an actor as well as William Kentridge
himself. “Refuse the Hour” is a staged continuation of Kentridge’s documenta-installation “The
Refusal of Time”, which can be viewed at Martin-Gropius-Bau at the same time.
Refuse the Hour
10. Juli 2016, 18:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In englischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
1 h 20 min
Philip Miller & William Kentridge
Paper Music
Das Ciné-Concert „Paper Music“ ist das jüngste Ergebnis der langjährigen Zusammenarbeit
zwischen William Kentridge und dem südafrikanischen Komponisten Philip Miller, der für viele von
­Kentridges Filmen die Musik gemacht hat, darunter auch für „Refuse the Hour“ und die Installation
„The Refusal of Time“. „Paper Music“ wurde in einem mittelalterlichen Hof in Florenz uraufgeführt
und ist in Berlin im Lichthof des Martin-Gropius-Bau zu sehen. Das Stück ist ein geistreicher,
bissiger, leise subversiver Lied-Zyklus, der Animationsfilme, die auf Kentridges Kohle- oder Tuschezeichnungen basieren, mit der Live-Performance der Sängerinnen Ann Masina und Joanna Dudley
und des Pianisten Vincenzo Pasquariello vereint.
5. Juli 2016, 18:00 Uhr &
6. Juli 2016, 19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau, Lichthof
25/15 €, ermäßigt 15/10 €
In englischer Sprache
1h
Deutsche Erstaufführung
The ciné concert “Paper Music” is the latest result of a long-standing cooperation between William
Kentridge and South African composer Philip Miller, who composed the scores for many of Kentridge’s
films, including “Refuse the Hour” and the installation “The Refusal of Time”. The world premiere of
“Paper Music” took place in a medieval Florentine courtyard; in Berlin, it will be presented in the
atrium of Martin-Gropius-Bau. The piece is a witty, caustic, quietly subversive song cycle which unites
animation films based on Kentridge’s charcoal or ink drawings with a live performance by singers
Ann Masina and Joanna Dudley and pianist Vincenzo Pasquariello.
Vincenzo Pasquariello, Ann Masina und Joanna Dudley in
„Paper Music“ © William Kentridge
William Kentridge & Joanna Dudley
A Guided Tour of the Exhibition:
For Soprano with Handbag
Joanna Dudley in „A Guided Tour of the
Exhibition: For Soprano with Handbag“
© William Kentridge
11., 13., 14. & 16. Juli 2016
Martin-Gropius-Bau
In englischer Sprache
30 min
Uhrzeit und weitere Infos unter
www.berlinerfestspiele.de
Uraufführung
Museumsführungen wollen den Betrachter*innen das Kunstwerk näherbringen. Auf der anderen
Seite setzt jeder Text, der ein Kunstwerk erklärt, dieses automatisch in die Vergangenheit, stellt es
still, macht es mundtot. Mit ihrer gemeinsam entwickelten Performance arbeiten William Kentridge
und die Sopranistin Joanna Dudley gegen die Musealisierung des Kunstwerks. Die performative
Museumsführung „A Guided Tour of the Exhibition: For Soprano with Handbag“ erlaubt den
Bildern, sich zu wehren und ihrer Deutung zu widerstehen, und ist gleichzeitig Begleitprogramm
der Ausstellung und dessen Widerlegung.
Guided tours in museums intend to give visitors a closer understanding of the art work. On the other
hand, every text explaining a work of art automatically places it in the past, immobilizes it, silences it.
In this performance developed by William Kentridge and soprano Joanna Dudley, they work against the
museification of art works. The performative “A Guided Tour of the Exhibition: For Soprano with Handbag”
allows the pictures to defend themselves and to resist interpretations. It is both an accompanying
programme to the exhibition and its refutation.
Matthias Goerne in „Die Winterreise“, Festival d’Aix-en-Provence 2014 © Patrick Berger/Artcomart
Franz Schubert / William Kentridge
Die Winterreise
Wenn William Kentridge Schuberts Liedzyklus „Die Winterreise“ adaptiert, treffen Welten und Zeiten
aufeinander: hier die kargen Bilder der deutschen Romantik, dort das südafrikanische Veld, hier
Schuberts fiktionale Todeslandschaft, dort die reale Geschichte Südafrikas. Ursprünglich suchte
William Kentridge nach Musik für Fragmente seiner Animationsfilme. Die Wahl fiel auf „Die
Winterreise“, die er schon in seiner Johannesburger Kindheit im elterlichen Haushalt oft gehört
hatte. Zusammen mit Matthias Goerne (Bariton) und Markus Hinterhäuser (Klavier) entwickelte er
einen besonderen Liederabend: Neben sechs seiner bekannten Animationsfilme bearbeitete er weitere
Fragmente und produzierte sechs neue Filme für die 24 Lieder. Wir hören und sehen „Die Winterreise“
in einem Setting, das zugleich eine Wand in seinem Studio darstellt und Projektionsfläche ist.
13. Juli 2016, 20:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In deutscher Sprache
1 h 20 min
Worlds and times collide when William Kentridge adapts Franz Schubert’s song cycle “Die Winterreise”:
here the sparse images of German Romanticism, there the South African veld; here Schubert’s
fictional landscape of death, there South Africa’s actual history. Initially, Kentridge was looking for
music for fragments of his animation films. He decided on “Die Winterreise”, which he had often
heard at his childhood home in Johannesburg. Together with Matthias Goerne (baritone) and Markus
Hinterhäuser (piano), he developed a very special recital: In addition to six of his well-known animation
films, he adapted further fragments and produced six new films for the 24 lieder. We will hear and see
“Die Winterreise” in a setting that is at once a wall in his studio and a projection surface.
Handspring Puppet Company
mit William Kentridge und Jane Taylor
Ubu and the Truth Commission
Nach „Woyzeck on the Highveld“ von 1993 und „Faustus in Africa!“ von 1995 ist „Ubu and the Truth
Commission“ von 1997 der dritte Theaterabend, für den William Kentridge mit der legendären
Handspring Puppet Company Kapstadt zusammengearbeitet hat. Das Stück der südafrikanischen
Autorin Jane Taylor kombiniert Alfred Jarrys „Ubu Roi“ von 1896 mit der Arbeit der südafrikanischen
Wahrheits- und Versöhnungskommission seit 1996. Zwischen dem Gründungstext des absurden
Theaters und dem Protokoll der historischen Ereignisse findet das Stück einen doppelbödigen Sinn.
Ausschnitte aus dem ebenfalls bei Foreign Affairs gezeigten Film „Ubu Tells the Truth“ sind neben
anderen Videoanimationen von Kentridge wesentliches Element dieser Theaterarbeit und ein Beispiel
dafür, wie Themen und Motive in Kentridges Œuvre unterschiedliche Ausdrucksformen finden.
13. Juli 2016, 18:00 Uhr &
14. Juli 2016, 19:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Seitenbühne
25/15 €, ermäßigt 15/10 €
In englischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
1 h 30 min
Following “Woyzeck on the Highveld” from 1993 and “Faustus in Africa!” from 1995, “Ubu and the Truth
Commission” (1997) is the third theatre production in which William Kentridge cooperated with the
legendary Handspring Puppet Company from Cape Town. The piece, written by South African novelist
and playwright Jane Taylor, combines Alfred Jarry’s “Ubu Roi” from the year 1896 with the work of the
South African Truth and Reconciliation Commission since 1996. It finds an ambiguous meaning between
the founding text of absurd theatre and this protocol of historic events. Excerpts of the film “Ubu Tells
the Truth” alongside other video animation by Kentridge are an essential element of this theatre piece
and an example of how topics and motifs find varying forms of expression in Kentridge’s oeuvre.
Mongi Mthombeni, Dawid Minnaar und Gabriel Marchand in „Ubu and the Truth Commission“ © Luke Younge
The Brother Moves On
Ubu Never Loved Us
© Mbali Mthethwa
14. Juli 2016, 21:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Seitenbühne
15 €, ermäßigt 10 € (Double Bill mit
„Ubu and the Truth Commission“:
30 €, ermäßigt 20 €)
In englischer Sprache
Ca. 1 h 30 min
Mit ihrer Performance „Ubu Never Loved Us“ reagieren The Brother Moves On auf den Film „Ubu
Tells the Truth” von William Kentridge. Das Ausbleiben eines tatsächlichen Versöhnungsangebots
durch die Wahrheits- und Versöhnungskommission (Truth and Reconciliation Commission, TRC)
hat in der südafrikanischen Gesellschaft ein tiefes Trauma hinterlassen. The Brother Moves On feiern
die TRC als ein „Total Refreshment Centre“, eine Wohlfühloase. Zum Service gehören Kissen, eine
Masseurin, Eis, Wassermelonen, Snacks, Getränke und Musik aus der Zeit der Apartheid, gespielt
von einer jungen Generation von Künstler*innen. Die „Songs of Death“ der südafrikanischen Band
sind generationenübergreifende Liebesbotschaften von Johannesburg nach Berlin.
With their performance “Ubu Never Loved Us”, The Brother Moves On react to “Ubu Tells the Truth”
by William Kentridge. The lack of an effective offer of reconciliation by the South African Truth and
Reconciliation Commission (TRC) has left a deep sense of trauma in South African society. The Brother
Moves On celebrate the TRC as a “Total Refreshment Centre”, a feel-good area. The set-up includes
cushions, a masseuse and ice cream, water melons, snacks and drinks for the audience as well as
music from the Apartheid era, played by a young generation of artists. The South African band's
“Songs of Death” are inter-generational love messages from Johannesburg to Berlin.
Still aus der Filminstallation „More Sweetly Play the Dance“, 2015 © William Kentridge
Uncertain Places. Eine Nachtausstellung
Wenn es dunkel wird während Foreign Affairs, wird das Haus der Berliner Festspiele zum Ausstellungshaus: Die Fassade, die Kassenhalle,
ein Vordach, das Skelett der Drehbühne, der Lastenaufzug und viele andere Orte werden mit Projektionen, Installationen und
Live-Performances von William Kentridge, Mary Reid Kelley und Patrick Kelley, Dries Verhoeven, Nelisiwe Xaba und weiteren Künstler*innen
bespielt. Die 45 Meter lange Filmprojektion „More Sweetly Play the Dance“ von William Kentridge ist im Rahmen des Projekts „NO IT IS !“
nicht nur im Martin-Gropius-Bau, sondern auch an der Festspielhausfassade zu erleben. Die großflächige Projektion einer Prozession
bildet das Entrée zu dieser Nachtausstellung, die täglich ab 22:00 Uhr geöffnet ist und die Besucher*innen in das Untergeschoss führt,
von wo aus sich weitere Installationen und Filmarbeiten von William Kentridge erschließen: „I Am Not Me The Horse Is Not Mine“,
„Breathe (Dissolve, Return)“, „Ubu Tells the Truth“ sowie einige „Drawing Lessons“-Videos sind auf diesem nächtlichen Parcours durch
den Keller zu finden.
When night falls on Foreign Affairs, the Haus der Berliner Festspiele turns into an exhibition hall: the facade, the box office foyer, a canopy,
the skeleton of the revolving stage, the freight lift and many other locations will be the venues for projections, installations and live performances
by William Kentridge, Mary Reid Kelley and Patrick Kelley, Dries Verhoeven, Nelisiwe Xaba and other artists. William Kentridge’s 45-metre film
projection “More Sweetly Play the Dance”, a part of the project “NO IT IS !”, can be seen not only at Martin-Gropius-Bau but also on the facade
of the Festspielhaus. This large-scale projection of a procession is the entrance to a night exhibition which will be open from 10pm every
night and which will lead visitors into the lower depths of the building, where more installations and films by William Kentridge will be revealed.
“I Am Not Me The Horse Is Not Mine”, “Breathe (Dissolve, Return)”, “Ubu Tells the Truth” as well as some “Drawing Lessons” videos will be
presented on this nightly course through the theatre’s basement.
Mary Reid Kelley with Patrick Kelley
This Is Offal
„This Is Offal“, Mary Reid Kelleys
und Patrick Kelleys wortwitzreiches
Stück aus dem existenzialistisch­
feministischen Horrorkabinett, stellt
auf makabre Weise Camus’ Philosophie des Absurden als Gegen­
entwurf zur Selbsttötung dar.
Indem die Organe Leber, Herz und
Hirn im Pathologieraum darüber
streiten, was geschehen ist, verweigern sie uns die Hoffnung auf
eine Erklärung für diese tragischste
und motivationsmäßig komplexeste
menschliche Handlung. Mary Reid
Kelley, 1979 in Greenville, South Carolina geboren, entwickelt ihre Videos oft in Zusammenarbeit
mit ihrem Partner Patrick Kelley. „This Is Offal“ ist ihre erste Live-Performance und hat im Haus
der Berliner Festspiele Premiere.
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
5. bis 15. Juli 2016, 22:00–1:00 Uhr
(außer 11. Juli)
Haus der Berliner Festspiele
Eintritt frei
A pun-filled work of existentialist feminist horror, “This Is Offal” by Mary Reid Kelley and Patrick Kelley
ghoulishly enacts Camus’ philosophy of the absurd as a counter to suicide. As the organs liver,
heart and brain argue over what happened at night in the pathology room, they also deny any hope
of a rational, unified explanation for the most tragic and motivationally complex of human actions.
Mary Reid Kelley, born in Greenville, South Carolina in 1979, often produces her videos in collaboration
with her partner Patrick Kelley. “This Is Offal” is their first work for a live audience, debuting at the
Haus der Berliner Festspiele.
Nelisiwe Xaba
Urban Mermaid
In Dube, Soweto, geboren und aufgewachsen, begann Nelisiwe Xaba ihre internationale
Tanzkarriere vor fast 20 Jahren. Nach ihrer Rückkehr nach Südafrika im Jahr 1997 schloss sich
Xaba der Pact Dance Company an. Später beschäftigte sie sich als Solokünstlerin damit, was es
politisch bedeutet, eine schwarze Tänzerin zu sein. Ihr Gender-Aktivismus ist wichtiger Bestandteil
ihrer künstlerischen Arbeit. „Urban Mermaid” wurde vom Mythos der Meerjungfrau inspiriert.
Wie die Sirene, die Schiffe zum Sinken bringt, so richtet diese urbane Meerjungfrau in den Pools
der Vorstädte von Johannesburg ein ebenso heiteres wie tragisches Chaos an. Ironischerweise
kann die Urban Mermaid nicht schwimmen, und wegen der Dürre in Südafrika muss sie Valpre
und Evian um Wasserspenden für ihr Planschbecken bitten.
© Mocke J van Veuren, skyline photo by
Chris7cn
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
5. bis 15. Juli 2016, 22:00–1:00 Uhr
(außer 11. Juli)
Haus der Berliner Festspiele
Eintritt frei
Born and raised in Dube, Soweto, Nelisiwe Xaba began her international career in dance almost 20 years
ago. Returning to South Africa in 1997, Xaba joined Pact Dance Company and later launched her solo
career, addressing the politics attached to being a black, female dancer. Throughout all her projects
Xaba’s gender activism stays related to her artistic work. “Urban Mermaid” takes its inspiration from
the mermaid myth. Like the siren that causes shipwreck, the urban mermaid humorously and tragically
wreaks havoc in the swimming pools of suburban Johannesburg. Ironically, the Urban Mermaid cannot swim and the drought situation in South Africa forces her to look for donations from Valpre and
Evian for water to fill her plastic swimming pool.
Dries Verhoeven
Guilty Landscapes, episode II
Die permanente Verfügbarkeit von Nachrichten über Laptops, Fernsehgeräte und Smartphones
macht uns zu ständigen Zeugen von ‚auswärtigen Angelegenheiten‘ am anderen Ende der Welt.
In der Videoinstallation „Guilty Landscapes, episode II“ konfrontiert uns Dries Verhoeven mit der
Realität der unbehaglichen Nachrichtenbilder aus unmittelbarer Nähe. Was wäre, wenn diese Bilder
sich umdrehen und ihre Zeugen anschauen? 2016 wird Dries Verhoeven eine Serie von „Guilty
Landsca­pes“-Episoden entwickeln, als Auftragsarbeiten verschiedener internationaler Festivals.
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
5. bis 15. Juli 2016, 22:00–1:00 Uhr
(außer 11. Juli)
Haus der Berliner Festspiele
Eintritt frei, Anmeldung vor Ort
The continual availability of news on laptops, televisions and smartphones makes us permanent witnesses
to ‘foreign affairs’ on the other side of the world. With the video installation “Guilty Landscapes,
episode II”, Dries Verhoeven confronts us with the reality of uncomfortable news images in immediate
proximity. What if those images were to turn around and look back at their witnesses? In 2016, Dries
Verhoeven is creating a series of episodes of “Guilty Landscapes”, commissioned by and for various international festivals.
© Kevin McElvaney
Wim Opbrouck in „En avant, marche!“ © Phile Deprez
NT Gent/les ballets C de la B
Frank Van Laecke, Alain Platel,
Steven Prengels
En avant, marche!
Ein Posaunist, der krankheitsbedingt sein Instrument nicht mehr spielen kann und deshalb an die
Becken verbannt wurde, ist Protagonist von „En avant, marche!“ Gemeinsam mit dem Regisseur
Frank Van Laecke und dem Komponisten Steven Prengels blickt der Choreograf Alain Platel auf die
Blaskapelle als Mikrokosmos der Gesellschaft. Auf alle Genregrenzen pfeifend feiert dieses tragikomische Stück das Leben und die Kunst und zeigt einen kollektiven Kampf gegen den Tod und
die Vergänglichkeit. Herzstück des Berliner Abends ist die hitzige Musikalität der Zentralkapelle
Berlin, die neben sieben weiteren Musiker*innen und vier Schauspieler*innen auf der Bühne steht
und durch ihren einzigartigen Sound bekannte klassische Werke – u.a. von Mahler, Verdi und Strauß –
neu hörbar macht.
5. Juli 2016, 20:00 Uhr
6. Juli 2016, 19:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In deutscher, englischer, flämischer,
französischer, italienischer und spanischer Sprache mit deutschen
Übertiteln
1 h 40 min
A trombone player, no longer able to play his instrument due to his illness and demoted to play the
cymbals, is the protagonist of “En avant, marche!” Together with director Frank Van Laecke and
composer Steven Prengels, choreographer Alain Platel looks at brass bands as microcosms of society.
Flouting all genre-boundaries, this tragicomic performance celebrates life and art and depicts a
communal struggle against death and ephemerality. The evening’s centerpiece is the fiery musicality
of Zentralkapelle Berlin, who are on stage together with seven further musicians and four actors and
whose particular sound turns familiar classics of the likes of Mahler, Verdi and Strauß into a completely
new listening experience.
Die Eröffnungsfeierlichkeiten werden unterstützt von der Generaldelegation
der Regierung Flanderns (Belgische Botschaft).
Nature Theater of Oklahoma
Germany Year 2071
Dorothy und Joseph, die Helden des „Detroit Miracle“, kommen in „Germany Year 2071“ einem
Deutschland der Zukunft zu Hilfe, das kurz vor dem Zusammenbruch steht. Nach ersten Aktivitäten
in Köln setzen sie ihre Mission in der Hauptstadt fort, deren allgegenwärtige Baustellen zur Kulisse
alltäglicher Revolutionen geworden sind.
Das Nature Theater of Oklahoma hat unsere Vorstellung von Theater immer wieder herausgefordert.
Die New Yorker Künstlergruppe beendete im vergangenen Jahr ihr mehrteiliges Epos „Life & Times“,
dessen erste sechs Folgen 2013 bei Foreign Affairs zu sehen waren. Unlängst filmten sie mit
Menschen im Odenwald die Nibelungensage. Während des Festivals drehen Kelly Copper und
Pavol Liska gemeinsam mit Berliner*innen einen Science-Fiction-Film an verschiedenen Orten der
Stadt. Mit „Germany Year 2071“, koproduziert von Berliner Festspiele/Foreign Affairs, Akademie
der Künste der Welt und Impulse Theater Festival, laden sie zu einem exklusiven Blick in die bewegte
Zukunft unseres Landes ein: Unbeteiligt bleiben geht nicht. Wir sind alle Mitwirkende im Film.
Welcome to our Future – von Oklahoma aus gesehen!
5. bis 17. Juli 2016:
5. Juli, 18:30 Uhr:
Evacuation in Pyjamas
10. Juli, 12:00 Uhr:
National Pride Construction Site
11. Juli, 20:00 Uhr: E.T. Auction
14. Juli, 22:00 Uhr: The Swamp
16. Juli, 18:00 Uhr: The Road
Eintritt frei, begrenzte Platzkapazität
Orte, Infos & Anmeldung unter
www.berlinerfestspiele.de
In deutscher und englischer Sprache
Kelly Copper und Pavol Liska © Jasper Kettner
In “Germany Year 2017”, Dorothy and Joseph, the heroes of the legendary “Detroit Miracle”, come to
the aid of a country on the brink of collapse. After their initial activities in Cologne, they will continue
their mission in the German capital, where ubiquitous building sites have become the backdrop of
everyday revolutions. More than once, Nature Theater of Oklahoma have challenged and expanded
our notions of the theatre. Last year, the New York company of artists completed their multi-part
epic “Life & Times” – the first six parts were presented at Foreign Affairs 2013. Recently, they shot
the saga of the Nibelungen in the Odenwald-forest. During the festival, Kelly Copper and Pavol Liska
will shoot a science-fiction film at various locations throughout Berlin, with a cast of interested
participants. In “Germany Year 2071”, co-produced by Berliner Festspiele/Foreign Affairs, Akademie
der Künste der Welt and Impulse Theater Festival, Nature Theater of Oklahoma invite us to take an
exclusive look at our country’s colourful future: Detachment is not an option. We’re all part of this film.
Welcome to our future – as seen from Oklahoma!
S.E.F.A. Live Performance at Iwalewahaus, Bayreuth, 2015 © Lara Buchmann
Nástio Mosquito
Respectable Thief
„I am not interdisciplinary. I am a hustler ... a good one.“ Nástio Mosquitos charismatische und
gleichzeitig provokante Performances und Videos, seine Musik und seine Lyrik stellen eine neue,
unverbrauchte Stimme in der zeitgenössischen Kunst dar. In seiner Arbeit beschäftigt er sich intensiv
mit dem unbegrenzten Potential der Sprache. Sie könnte zwar auf den ersten Blick als eine Art von
Weltüberdruss missverstanden werden, ist aber, ganz im Gegenteil, ein außergewöhnlicher Ausdruck des dringenden Wunsches, sich mit der Realität und allen ihren Ebenen auseinanderzusetzen.
„Daily Lovemaking“, seiner ersten Einzelausstellung in der IKON Gallery in Birmingham im Jahr 2015,
folgte eine beeindruckende Ausstellung bei der 56. Biennale von Venedig. In seiner neuen, immersiven
und visuell kraftvollen Arbeit „Respectable Thief“ kombiniert Mosquito Video, Musik und
Live-Performance und zelebriert damit einen produktiven, konsequenten, ausdrucksstarken und
eloquenten Zorn sowie die Kraft, mit der dieser Zorn Entwicklungen in einem gemeinsamen sozialen
Umfeld anstoßen kann.
5. Juli 2016, 23:00 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Seitenbühne
20 €, ermäßigt 12 €
In englischer und
portugiesischer Sprache
Ca. 45 min
Uraufführung
“I am not interdisciplinary. I am a hustler… a good one.” With his charismatic and at the same time
provocative performances, videos, music and poetry, multimedia artist Nástio Mosquito brings a
raw new voice into contemporary art. His work shows an intense commitment to the open-ended
potential of language. Easily misread as a kind of world weariness, it is the extraordinary expression
of an urgent desire to engage with reality at all levels. In 2015, Birmingham’s IKON Gallery presented
his first solo exhibition “Daily Lovemaking”, followed by a powerful show at the 56th Venice Biennale.
With his new, immersive and visually powerful piece “Respectable Thief”, Mosquito combines video,
music and live-performance to celebrate a productive, consequent, articulate and eloquent anger,
and the power it has to instigate motion in communal social environments.
BERLIN
Zvizdal
Pétro & Nadia Opanassovitch Lubenoc
© BERLIN
7. Juli 2016, 22:30 Uhr
8. Juli 2016, 22:30 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Seitenbühne
20 €, ermäßigt 12 €
In ukrainischer Sprache mit
deutschen und englischen Untertiteln
1 h 10 min
1986. Etwa 90 Städte und Dörfer in der Umgebung von Tschernobyl werden evakuiert. Das Scheitern
eines Atomexperiments verändert das Leben der Bewohner*innen drastisch. Pétro und Nadia, ein
damals sechzigjähriges Ehepaar, in Zvizdal geboren und aufgewachsen, weigern sich, evakuiert zu
werden und entscheiden sich, in der totalen Ungewissheit ihrer bisherigen Heimat weiter zu leben.
Von 2011 bis 2016 begleitete das belgische Performance-Kollektiv BERLIN Pétro und Nadia in Zvizdal,
mittlerweile eine Geisterstadt, in der es weder Strom noch fließend Wasser gibt; dafür aber
Aberglauben und Wodka, es wird gemurmelt, geflucht, gebetet und gesungen, Zahnschmerzen,
Alterskrankheiten und den 20 km-Fußweg zum nächsten Geschäft. „Zvizdal“ ist eine Filmperformance
über Einsamkeit, Überleben, Armut, Hoffnung und die Liebe zweier alter Menschen. Um sie herum
und zwischen ihnen herrscht die farblose, geruchlose, aber allgegenwärtige Strahlung.
1986. About 90 towns and villages around Chernobyl are evacuated. The failure of an atomic experiment
causes a drastic change in the lives of the inhabitants. Pétro and Nadia, a married couple at that
time 60 years old, born and raised in Zvizdal, refuse to be evacuated and decide to stay put in the
total uncertainty of their old village. Between 2011 and 2016 the Belgian performance collective
BERLIN followed Pétro and Nadia in Zvizdal, a ghost town with neither electricity nor running water;
but there are superstitions, there is vodka, the muttering, the cursing and praying and singing, the
toothaches, the ailments that come with the age, the 20 km walk to the nearest store. “Zvizdal” is
a filmic portrait of solitude, survival, poverty, hope and of love between two elderly people. All around
and in between them reigns the colourless, scentless but omnipresent radiation.
Johannes Paul Raether
Protektoramae – Forking Horizon 5.5.5.1–X
Zentrum der künstlerischen und para-wissenschaftlichen Arbeit von Johannes Paul Raether bildet
eine ‚Herde’ von farbigen Forschungs-Drag-Avataras. Bereits 2013 war eine der Avataras, die
WorldWideWitch Protektorama, im Busch der Berliner Festspiele damit beauftragt, die Besucher*­
innen von ihren Smartphone-Candy-Fetischen zu trennen. Nun, drei Jahre später, kehrt die Hexe
von den Gipfeln des Allgäu, dem mittsommernächtlichen Ritual im techno-magischen Steinkreis
in Schottland und der Kathedrale der Bildschirme (a.k.a. Times Square) zurück. Ihre Plattform
bei Foreign Affairs 2016 wird sie für die vorbereitende Forschung zu kommenden Selbstteilungsoder Gabelungsprozessen nutzen, die die Schmelzung potenzierter Daten, Smartphone-­
Beschwörungen, Skizzen neuer Legierungen, eine Alchemie seltener Erden und die Infiltration
der Screen-Hochregale umfassen wird.
„Organic Light Emitting Processiorama 5.5.4“
Foto: Melanie Bonajo © Johannes Paul Raether
5. bis 17. Juli 2016
An verschiedenen Orten
Infos unter www.berlinerfestspiele.de
At the centre of Johannes Paul Raether’s artistic and para-scientific work is a ‘herd’ of colourful research drag avatars. In 2013, one of these avatars, the WorldWideWitch Protektorama, was on a
mission to seperate the visitors of Berliner Festspiele from their smartphone candy fetishes. Now, three
years later, the witch returns from the peaks of the Allgäu, the midsummer rituals of the techno-­
magical stone circles of Scotland and the Cathedral of the Screens (a.k.a. Times Square). She will
use her platform at Foreign Affairs 2016 for a series of self-partition processes (or forking), which
will include the melting of exponentiated data, smartphone invocations, sketches of new alloys, an
alchemy of rare earths and the infiltration of screen high-rise racks.
Jan Lauwers, Grace Ellen Barkey und Mohamed Toukabri in „The blind poet“ © Maarten Vanden Abeele
Jan Lauwers & Needcompany
The blind poet
Geschichte wird von Siegern geschrieben. Von Männern. Von ein paar wenigen, die sich sicher sind,
die glauben zu wissen, was zu tun ist. Der historischen Wahrheit setzt die Needcompany in
„The blind poet“ persönliche Geschichten entgegen: Einzelporträts der sieben Performer*innen
auf der Bühne, die sich zu einem alternativen Bild von (Welt-)Geschichte verweben. Das von Jan
Lauwers geschriebene und inszenierte Stück zitiert die Schriften des arabischen Poeten Abu l-’Ala
al-Ma’arri (973–1057) und Wallada bint al Mustakfis, einer andalusischen Dichterin aus dem
11. Jahrhundert. Sie beschreiben eine Zeit der Aufklärung, in der u.a. Córdoba das wirtschaftliche
und kulturelle Zentrum der Welt war, Frauen Machtpositionen innehatten und Atheismus ein
Gemeinplatz war. Im Spiegel dieser vergangenen Epoche und ausgehend von den unterschiedlichen
Nationalitäten, Kulturen und Sprachen der Performer*innen, die – einzeln oder chorisch, in Form
eines Rocksongs oder als Tanzeinlage – von ihren Vorfahren, Biografien und Brüchen erzählen,
dreht sich „The blind poet“ um Identitätsauffassungen im heutigen multikulturellen Europa.
15. Juli 2016, 19:30 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In arabischer, englischer,
französischer, flämischer, norwegischer und tunesischer Sprache
mit deutschen Übertiteln
2 h 30 min (inkl. Pause)
History is written by the victorious. By men. By the selected few who think they know what has to be
done. In “The blind poet”, Needcompany counter historical truth with personal stories: Individual
portraits of the seven performers on stage, whose histories ultimately interweave to form an alternative image of (world) history. This production, written and directed by Jan Lauwers, quotes from
the writings of the Arabic poet Abu l-‘Ala al-Ma’arri (973–1057) and of Wallada bint al Mustakfi, an
Andalusian poet from the 11th century. Their works describe an era of enlightenment when for instance Córdoba was the economic and cultural centre of the world, women held positions of power
and atheism was commonplace. Reflected by this past epoch and based on the various nationalities,
cultures and languages of the performers who tell us about their ancestors, biographies and discontinuities – individually or as a chorus, in the form of a rock song or a dance –, “The blind poet” deals
with our concepts of identity in a contemporary, multicultural Europe.
Jarvis Cocker © Emma Russell
Jarvis Cocker /
Junges Sinfonieorchester Berlin
Sleepless Nights
Die britische Poplegende und Pulp-Frontmann Jarvis Cocker ist ein bemerkenswerter Geschichten­
erzähler und hat in den letzten Jahren Kultstatus als Radiomoderator der BBC erreicht. 2012 wurde
er Host der nächtlichen Radioserie „Wireless Nights“ auf BBC Radio 4. Seither sammelt Jarvis
Cocker Geschichten und Akteur*innen der Nacht – „to investigate the human nature after dark“.
Wie zu erwarten spielt neben historischen Tonmitschnitten die Musik bei seiner Erforschung des
Unbewussten, Ungewissen und Obskuren eine große Rolle. Im Haus der Berliner Festspiele wird
er Anekdoten von Bach bis Nixon erzählen, Lieder singen, mit dem Jungen Sinfonieorchester
Berlin das klassische Repertoire erkunden und so sich und uns durch die Dämmerung bis in die
Nacht hinein begleiten.
12. Juli 2016, 20:30 Uhr
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
35/25/15 €, ermäßigt 25/15/10 €
In englischer Sprache
Ca. 1 h 20 min
Deutsche Erstaufführung
Jarvis Cocker, British pop legend and frontman of Pulp, is a remarkable storyteller – and in recent years
has gained cult status as a radio personality on the BBC. In 2012 he began to host the award-winning
late night radio series “Wireless Nights” on BBC Radio 4. Since then, Jarvis has been collecting nocturnal
stories and characters – “to investigate the human condition after dark”. In his exploration of the
subconscious – unknown and obscure – music obviously plays a large part, as do historical sound recordings. At the Haus der Berliner Festspiele, he will tell stories featuring characters from Bach to Nixon,
sing songs and venture into the classical repertoire with Junges Sinfonieorchester Berlin, seeing us through
the twilight hours into the deepest darkness of the night.
Forced Entertainment
From The Dark
Forced Entertainment begeben sich auf die lange Reise vom Sonnenuntergang bis zum Morgenlicht
der Dämmerung. Im Kern dieser improvisierten, lange andauernden Arbeit steht eine Reihe von
Texten, in denen elf Performer*innen ihre großen und kleinen, epischen und intimen Ängste
aufzählen. Ganz allein und mitten auf der Bühne durchforsten sie das Dickicht ihrer Befürchtungen,
vom Tod durch Verbrennen zu Armut und sozialer Isolation, von Wespenstichen zu kollabierender
Weltwirtschaft und vergessenen Geburtstagen der besten Freunde. Rings um diese einfachen
Solomomente entfaltet sich die komplexe, ausufernde und atmosphärische Aktion des Stücks. Die
Performer*innen überfluten die Bühne mit Skeletten, Königen und anderen Märchenbuchfiguren,
ein Wald wird lebendig und eine Prozession von Märchenspiel-Tieren zieht vorbei, bevor sie in einer
wiederholten komischen Illusion wie durch Magie verschwindet. „From The Dark“ begleitet das
Publikum durch die abschließenden Momente von Foreign Affairs 2016 und greift dabei auf Material
aus Forced Entertainments bahnbrechender 24-Stunden-Performance „Who Can Sing A Song to
Unfrighten Me?“ zurück. Eine Reise von der Unsicherheit, Mehrdeutigkeit und Furchtsamkeit des
nächtlichen Denkens hin zur Klarheit des Morgens. Schlicht und spielerisch, aber stets ernsthaft in
seinen auf die wesentlichen Bestandteile zurückgeführten Theaterroutinen, zeigt „From The Dark“
Forced Entertainment auf der Höhe ihrer erfindungsreichen und halluzinatorischen Kunst.
16. Juli 2016, 21:21 Uhr
bis Sonnenaufgang
Haus der Berliner Festspiele,
Große Bühne
25 €, ermäßigt 15 €
In englischer Sprache
Uraufführung
© Hugo Glendinning
Forced Entertainment take the long route from the sunset to the morning light of dawn. At the centre
of this improvised durational work are a series of texts in which eleven performers list their fears,
great and small, epic and intimate. Alone centre stage they each sift the tangle of own anxieties,
taking us from death in a fire to poverty and social isolation, from being stung by wasps to world
social economic collapse and forgetting best-friends birthdays. Around these simple solo moments
the complex, sprawling and evocative action of the piece unfolds as the performers flood the stage
with skeletons, kings and other story-book figures, a forest of trees come to life, and a procession
of pantomime animals that are magically disappeared in a recurring comical illusion. ”From The
Dark” brings the audience to the closing moments of Foreign Affairs 2016, drawing on material from
Forced Entertainment’s ground-breaking 24-hour-performance “Who Can Sing A Song to Unfrighten
Me?” to make a journey from the uncertainty, ambiguity and fearfulness of night thinking to the clarity
of morning. Lo-fi and playful but always serious in its deconstructed theatrical routines, “From The
Dark” is Forced Entertainment at its inventive and hallucinatory best.
Ausschnitt aus „More Sweetly Play the Dance” © William Kentridge
Fortsetzung von Seite 12
AB: Die musikalische Ästhetik von Philip Miller schließt den
afrikanischen Zeittakt ein. In Afrika, so hat mir Philip erklärt,
gibt es nicht nur eine Polyphonie in der Musik, sondern
auch eine Polyrhythmik, was bedeutet, dass jeder seine
eigene Stimme und seinen eigenen Rhythmus hält. Diese
Synchronisation verschiedener Zeitrhythmen macht die
afrikanische Ästhetik offenbar aus. Sie ist im Übrigen nicht
so weit entfernt von Einsteins Relativitätstheorie, die in
„The Refusal of Time“ mitspielt.
RK: Nachdem ich 1992 „Woyzeck on the Highveld“ gesehen
hatte, lud mich Kentridge in sein Studio in Jozi ein und
zeigte mir eine Serie von kurzen Animationsfilmen, die vom
Leben des Felix Teitlebaum erzählen, kleine surreal überhöhte Episoden, minutiös Bild für Bild von Hand gezeichnet.
Ich fand das faszinierend, konnte es aber überhaupt nicht
einordnen in die zeitgenössische Kunst, die ich kannte.
AB: Das sind die „Drawings for Projection“, welche als Loop
in einem Raum im Martin-Gropius-Bau gezeigt werden,
man kann sie in Serie chronologisch angucken.
RK: Super! Das sind frühe Arbeiten, die aber schon all die
typischen Kentridge-Elemente enthalten. Ich finde es sehr
spannend, wie jemand sich mit seinen Themen über Jahrzehnte hinweg auseinandersetzt, sie immer wieder neu betrachtet, variiert, negiert, assoziiert, ohne sich dabei zu
wiederholen und langweilig zu werden. Dass er sich nicht
auf dem Erfolg ausruht und eine Masche daraus macht.
Schuberts „Winterreise“ zu ‚illustrieren’, ist ja eigentlich ein
völlig absurdes Projekt, da denkt man: „Oh Gott, bitte
nicht!“ Aber Kentridge schafft es, weil er es eben nicht
illustriert, sondern konterkariert, der Musik dadurch einen
neuen Raum verschafft und man sie tatsächlich neu hört.
AB: Über das Projekt der „Winterreise“ hat er in einem Vortrag in Berlin erzählt, dass er nach Musik gesucht hat, die
seine Filmstücke und sein Filmmaterial vereinen kann, das
nicht in die Museumsfilme eingegangen ist, sondern in Fetzen
in Theaterproduktionen vorkommt. Dafür erschien ihm
„Die Winterreise“ von Schubert als die passende Musik. Es
war also fast umgekehrt, das Filmmaterial war schon da,
die Musik kam als ‚Vertonung’ dazu.
RK: Deshalb ist es so disparat, aber das war ja gerade das Tolle.
AB: Die karge Landschaft der deutschen Romantik, die wir
auch aus den Eismeerbildern von Caspar David Friedrich
kennen, passt viel besser zur südafrikanischen Landschaft
als die englische Romantik, die grüne Wiesen und weite
Felder zeigt. Das steht im Gegensatz zu der dem Tod zugewandten Landschaft, die in der „Winterreise“ thematisiert
wird, da geht es ja explizit um die Todeslandschaft. Es ist
erstaunlich, diese umgekehrte Kolonialisierung, dass der
südafrikanische Künstler nun die europäische Kultur seinen
Bildern einverleibt. Kentridge ist heute eine Art Vaterfigur
in der südafrikanischen Kunstszene und hat dazu beigetragen, sie international zu machen.
RK: Ja, diese Position hat er jetzt, aber in der Zeit der
Apartheid hat auch er gelitten unter dem Kulturboykott. Er
war damals auch schon ein wichtiger Künstler, nur hat das
außerhalb von Südafrika niemand gewusst.
AB: Wann wurde der Kulturboykott aufgehoben?
RK: Offiziell aufgehoben wurde er meiner Erinnerung nach
erst, als Nelson Mandela Präsident wurde. Ich bin während
der Apartheid-Zeit nie nach Südafrika gefahren, obwohl
ich wegen Theater der Welt immer wieder Einladungen
bekam. Stattdessen hab ich mir die großartigen Aufführungen vom Market Theatre immer in London angesehen. Als
Mandela aus dem Gefängnis kam, bin ich zum ersten Mal
nach Südafrika gefahren, und zwar nach Grahamstown
zum nationalen Theaterfestival. Ich war damals dort die
erste und einzige Europäerin, wie man mir sagte. Am allerletzten Tag des Festivals, als ich schon ziemlich vollgepackt
war mit Eindrücken – man sieht da ja vier bis fünf Aufführungen pro Tag – gab es „Woyzeck on the Highveld“ von
meiner geliebten Handspring Puppet Company und einem
William Kentridge, den ich nicht kannte. Die Aufführung
wollte ich unbedingt sehen, aber sie war irgendwo recht
weit draußen. Grahamstown ist eine kleine Universitätsstadt
ohne öffentliche Verkehrsmittel, ohne Taxis, zumindest
damals war es so. Ich kam aus einer anderen Aufführung
und hatte genau 20 Minuten, um zu diesem weit entfernten
Ort zu kommen. Also tat ich etwas, was man in Johannesburg niemals machen dürfte; ich sprach eine Frau an, die
gerade in ihr Auto stieg, und fragte sie, ob sie vielleicht
dorthin fährt und mich mitnehmen könnte. Sie sagte nur
„hop in!“ und ich war ihr sehr dankbar. Die Aufführung war
Foreign Affairs
Aufführungen waren. Das war eine Ausnahme von
der Regel. Der ANC in Deutschland hat es zunächst verweigert, weil sie keine Ahnung hatten,
worum es ging. Es ging dann hin und her, Stunden
habe ich mit denen rumtelefoniert, bis sie das
Stück freigaben.
atemberaubend und ich lud sie natürlich sofort
ein. Die Aufführung machte Furore in der ganzen
Welt, aber Theater der Welt 1993 hatte in München
Das Studio als Ort des Exzesses,
wo alles von innen nach außen
geht und die Bilder in die umgekehrte Richtung laufen.
die europäische Premiere, darauf bin ich stolz bis
heute. Zu verdanken ist es letztlich dieser großzügigen Frau, die mich mitfahren ließ. Ich musste
übrigens eine Freigabe von der Vertretung des
ANC (African National Congress) in London und
der in Deutschland einholen. Das war eine Übergangsphase, in der es ein ungeheures Gerangel
gab. Schon während des Boykotts hat das Londoner
ANC-Büro die Aufführungen vom Market Theatre
freigegeben, die ja extrem kritische und politische
30
AB: Ich habe die Arbeit von Kentridge erst 2003
kennengelernt, eine Videoinstallation auf der
documenta 11, und habe während der ganzen
documenta gesagt „Das ist es!“ Danach habe ich
ihn 2004 bei der Verleihung des Kaiserringes in
Goslar kennengelernt und wir haben unter dem
Stichwort ‚Stereoskopie’ eine Reihe von Gesprächen
geführt, die anschließend publiziert worden ist.
Was mich bis heute an den Filmen fasziniert, ist
die nomadische Existenz der Bilder, in einer Metamorphose wird aus einem Gegenstand allmählich
ein anderer. Ich habe das Gefühl, dass ich nicht
einen Film anschaue, sondern dass es meine
eigenen Traumbilder in permanenten Verschiebungen sind. Das geht so sehr in eine Schicht des
unbewussten Denkens im Betrachter selbst, die
ich als faszinierend empfinde. Und dann natürlich
die ganzen Experimente und Spielereien, wie er
Méliès’ Trickkunst Referenzen erweist. Mir liegt
beides, das Melancholische und das Komische,
Groteske im Werk.
RK: Ja, es ist diese Metamorphose von einem
Zustand in den anderen, aber auch, dass er diese
einzelnen Stadien dann immer weiterentwickelt.
Er macht eine Prozession und benutzt sie in einer
Theateraufführung, filmt sie ab und lässt sie
rückwärts laufen. Es gibt auch Bildmotive, die
sich durchs ganze Werk ziehen wie eine Kentridge-­
Signatur: die kleine Espressomaschine, der große
Trichter, alte Wanduhren. Alltagsgegenstände,
die sich dämonisieren. Die Espressomaschine explodiert, der Trichter verschluckt Menschen, die
Zeiger der Uhren rasen in beide Richtungen. Die
sachlichen realistischen Zeichnungen im Bühnenhintergrund kontrastieren die mitunter fast expressionistischen Spielrequisiten von Handspring.
Bei „Ubu and the Truth Commission“ trägt Mutter
Ubu eine große Handtaschen-Waffe mit drei
schlingernden Hyänenköpfen. Oder ein riesiges
Holzkrokodil schreddert die Regierungsakten.
AB: Musikinstrumente und handhabbare Geräte,
Puppen und kinetische Skulpturen bilden Übergänge. „The Refusal of Time“ zeigt auch einen
Elefanten, eine große kinetische Skulptur, die so
etwas Pneumatisches macht, als würde sie die
Zeit und die Bilder pumpen. Das kinetische Bild
geht wieder zurück auf die Bewegung der Körper,
zum Beispiel in den Choreografien von Dada Masilo
für die neueren Projekte. Das Studio ist ein Ort, wo
eins aus dem anderen hervorgeht, wo die Bilder
akkumulieren, wo sie auch laut werden können.
RK: Apropos Studio: er hat jetzt dieses neue Studio
im angesagten Künstlerviertel Main. Das ist sehr
schön und riesengroß, da hat er richtig Auslauf,
wenn er seine Panthergänge macht. Und kann
dort die Workshops mit großem Team abhalten,
mit vielen Leuten zusammen experimentieren,
Ende offen.
Band, es wird immer lauter und immer mehr.
Das ist ein wunderbarer Exzess der Bilder, den er
da zelebriert.
RK: Und diese Denke ist sicher der bessere Weg
für die Kunst.
Andrea Breidbach ist Kunsthistorikerin und lebt in Hamburg.
Sie promovierte 2001 bei Gottfried Boehm in Basel mit einer
Arbeit zur Stereoskopie im Werk von Paul Cézanne. 2016
wurde sie von der Kulturwissenschaftlichen Fakultät der
Leuphana Universität habilitiert (Übertragene Körper.
Diskurse des Schattens im Werk von Hans-Peter Feldmann,
W.G. Sebald und William Kentridge, München 2016, im
Druck). Sie ist auch bildende Künstlerin, Kuratorin und
Kunstvermittlerin.
Publikationen zu
NO IT IS !
WILLIAM KENTRIDGE:
NO, IT IS ! Katalog,
Verlag Walther
König, Berlin 2016. 248 S.
mit 300 farb. Abb., Leinen,
Text in engl. Sprache,
29,90 €.
Renate Klett, Theater- und Tanzkritikerin, lebt in Berlin,
arbeitete als Dramaturgin (Frankfurt, Tübingen, Köln,
Stuttgart, Hamburg), als Programmdirektorin/Künstlerische Leiterin für das Festival Theater der Welt (Köln,
Stuttgart, Hamburg, München) und als Theater-Kulturkorrespondentin in London, Paris, Rom und New York.
AB: Das Studio ist wichtig für ihn, er beschreibt es
als Ort des Exzesses, wo alles von innen nach
außen geht. Das ist noch mal die Auseinandersetzung mit dem analytischen bzw. dem Aufklärungsdiskurs – einer seiner Sätze ist „against
the argument“, die auch als Schriftbild in der
Ausstellung erscheint –
RK: ... „NO IT IS !“
AB: Genau. Argument heißt im Englischen ja auch
Auseinandersetzung. Argumente führen zu Streit,
jeder von zwei Gesprächspartnern steuert den
Gedanken auf seinen Punkt zu – „das ist mein
Punkt, den vertrete ich und der soll gewinnen.“ Im
Studio läuft diese Form des Exzesses der Bilder in
die umgekehrte Richtung. Da geht alles von innen
nach außen, da fange ich mit einem Punkt an, so
wie Paul Klee das auch beschrieben hat,
Punkt-Linie-Fläche zum Raum. Ich gehe vom
Punkt, den der Zeichenstift führt, aus und es wird
immer mehr und mehr und dann kommt Ton
dazu, dann kommt Tanz, dann kommt die Brass
How did the Drawing Lessons come about and what
is the connection between Kentridge’s life-long
exploration of Uncertainty and South Africa, his
biography and his work in the studio? A conversation
about Rilke’s panther walking in circles, about reversed entropy and the wiping-out of thoughts and
about when this South African artist’s work was
discovered in Europe.
Foreign Affairs
WILLIAM KENTRIDGE:
SECHS ZEICHENSTUNDEN.
Verlag Walther König, Berlin
2016. 208 S. mit 120 farb.
Abb., Leinen, Text in dt.
Sprache, 25,00 € im
Martin-Gropius-Bau,
29,80 € im Buchhandel
B
The English version
of this text will be
published at
blog.berlinerfestspiele.de
„Wir wollen
Chaos auf
den Straßen
stiften.”
Kelly Copper und Pavol Liska beim Dreh im Odenwald
© Matchbox / Andreas Neumann
Kelly Copper und Pavol Liska, die Gründer des Nature Theater of
Oklahoma, und ihr neues Projekt „Germany Year 2071“
Von Patrick Wildermann
I
m Dominikanerkloster zu Worms sind über
200 Schauspielerinnen und Schauspieler versammelt, mit denen Pavol Liska und Kelly
Copper noch nie gearbeitet haben. Ihre
Kostüme und Requisiten haben sie überwiegend
selbst mitgebracht, knallige Blumen und schmucke
Hüte. Gedreht wird an diesem Tag die Doppelhochzeit von Siegfried und Kriemhild sowie
Gunther und Brunhild. Der amouröse Höhepunkt
der Nibelungen-Saga. Die Performerin der Brunhild,
eine lippengepiercte Endzwanzigerin, hatte sich
ursprünglich nur als Brieffreundin bei dem Künstlerpaar beworben, wurde aber flugs zur Hauptdarstellerin befördert. Die Kriemhild, eine patent
wirkende Enddreißigerin im weißen Kleid, ist über
eine Annonce in der Zeitung zu ihrem Part gekommen. So schnell kann’s gehen, wenn Copper
und Liska am Werk sind.
Die beiden Gründer des New Yorker Nature Theater
of Oklahoma sind im Sommer 2015 auf dreiwöchiger
Radtour durch den Odenwald unterwegs, um ihre
ganz eigene Version des deutschesten aller
deutschen Mythen zu drehen: „Nibelungen Cycle“.
32
Gearbeitet wird ausschließlich mit einheimischen
Laien, die Probenzeiten sind kurz, ein gewisses
Chaos – nicht zu verwechseln mit Dilettantismus –
ist programmiert. Dabei geht es weniger um
diskursgefederte Neudeutungen teutonischer
Drachenblutbäder als vielmehr um die Eigendynamik, die der Mythen-Clash bei den Odenwaldbewohnern von heute im performativen
Happening in Gang setzt.
Es mag paradox klingen, dass zwei Theatermacher,
die als Perfektionisten bekannt sind, sich als Filmemacher so forciert dem Unvorhersehbaren aussetzen. Aber für Liska liegt darin kein Widerspruch:
„Je mehr Kontrolle wir haben, desto mehr Unfälle
können wir einladen.“ Auf die Energie des Augenblicks kommt es an.
Kelly Copper und Pavol Liska sind in einer Schaffens­
periode, in der sämtliche Genre-Trennschärfen
pulverisiert werden. Sie arbeiten nicht an der
Schnittstelle von, sondern zwischen allen Stühlen.
Ihre Filmdrehs sind durchchoreografiertes Mitmachtheater. An dem gewonnenen Material arbeiten sie mit dem akribischen Gestaltungswillen
bildender Künstler. Die fertigen Filme werden in
die Theaterräume zurückgespielt. Wobei etwa der
„Nibelungen Cycle“ bis heute nicht vollendet ist.
Aber ergebnisfixiert läuft der Prozess bei den
Nature-Theater-Schöpfern auch nicht. Mindestens so wichtig ist die Entstehungsphase in diesem
dualen künstlerischen System. So wie der Inhalt
bei Copper und Liska nicht die Form vorgibt, sondern
ihre formale Experimentierlust auf so ziemlich
jedes Sujet anwendbar ist.
„Germany Year 2071“ heißt der Film, der in diesem
Jahr während der Foreign Affairs sowie während
des Impulse-Festivals im Ruhrgebiet entsteht.
Klingt nach trashiger Dystopie, nach dem deutschen Kettensägenmassaker der Zukunft. Was
genau sich dahinter verbirgt, ist den beiden
Künstlern nicht zu entlocken. Die Plot-Points
muss man sich in Gesprächen mit den wenigen
Skript-Kennern zusammenpuzzeln. Die Szenen
sind zeitlich „after the first big mistake“ und
„after the second big mistake“ angesiedelt. Im
Hintergrund laufen mit der Selbstverständlichkeit
eines Tram-Verkehrs Revolutionen ab. Eine Szene
spielt auf der Baustelle des „National Pride
Monuments“ und wird auf dem Schlossplatz
gedreht. Und weil wir uns im Science-Fiction-­
Liska. Von da an wird’s nicht besser, sondern geht
Kontext bewegen, kommen auch Aliens und anden Bach runter. Und die eigentliche Performance
dere Fremde vor.
ist in seinen Augen der uninteressanteste Teil des
Prozesses. Vom Touren um die Welt ganz zu
oraus man natürlich gleich tages­
schweigen. Liska, um deutliche Worte nie veraktuelle Bezüge zum Bohei um die
legen, sagt mit freundlicher Unaufgeregtheit:
sogenannte Flüchtlingskrise kon­
„Ich liebe es, meine Arbeiten zu machen. Und ich
struieren könnte. Aber so platt
hasse es, sie zu sehen.“
arbeiten Copper und Liska in ihren erratischen
Tatsächlich ist das Ausschalten von BetriebsUnternehmungen nicht. Ihr Projekt verhält sich
routinen seit je ein entscheidender Motor im
zur politischen Realität, entwirft aber nicht
Kosmos des Nature Theater of Oklahoma. Wobei
das konsistente Bild eines Landes. Wie schon im
sich der Widerwille anfänglich gegen eine bis zur
Nibelungen-Fall wird die eigentliche Erzählung
Verödung glatt gepflegte Bühnensprache richtete.
nicht das Berlin der Zukunft sein. Sondern wie die
In „No Dice“ ließen sie ihre Performer über iPods
Berliner selbst sich die Zukunft vorstellen.
live ins Ohr gespielte Fetzen aus Allerwelts­
Man darf sich bei aller Gewöhnung an hybride
konversationen herausschleudern, gemixt aus
Grenzgänge trotzdem fragen, was das Ganze
W
noch mit Theater zu tun hat. Und findet die Antwort im Moment der Partizipation. Copper und
Liska arbeiten mit munterer Beharrlichkeit an einer
Umdeutung der Zuschauerrolle. Statt Kunstkonsum im subventionierten Sessel zu ermöglichen, wird das Publikum in unterschiedlichen
Graden der Involviertheit zum Akteur. Zu den
Drehs, die wie Aufführungstermine im Programm
ausgewiesen sind, kommen die Festivalbesucher
mindestens in Komparsenfunktion. Als Teil des
Bildes, nicht als Betrachter. Womit das in Freien
Szene so beliebte Motiv von Kollaboration und
Kollektivität über das Performance-Gruppen-­
Gefüge hinaus aufs Publikum geweitet wird, ohne
ihm den Zwang unfreiwilliger Mitmach-Peinlichkeit anzutun. Es geht um einen gemeinsamen
Kunstprozess, jedoch nicht um Co-Autorschaft.
Das Künstler-Paar legt Spiel und Regeln fest, die
Teilnehmer füllen den Rahmen.
Ein Arbeitsprinzip, das aus Überdruss entstanden
ist. „Alles Aufregende passiert in der ersten Probenwoche“, lautet die Überzeugung von Pavol
Die Welt ist gerade ein großes
Arschloch. Weil wir nicht entschlossen genug rausgehen und
Ärger machen.
hundert mitgeschnittenen Stunden, in denen sie
zuvor über Jobs, Affären, Alkoholprobleme und
Essgewohnheiten geredet hatten – eine Mischung
aus „arabischer Nacht und Homers ,Odyssee’”
(Liska). Aus der Bitte an Bekannte, die Geschichte
des Films „Rambo – First Blood“ nachzuerzählen,
entstand wiederum die muntere Multimedia-­
Dichtung „Rambo Solo“. Ein anderes Mal rief Liska
Foreign Affairs
Kelly Copper beim Screen Test zu „Germany Year 2071” © NTOK
dreißig Freunde an und bat sie, den Inhalt von
„Romeo und Julia“ zu rekapitulieren. Was in ein
polyphones Lavieren durch den Shakespeare-Plot
mündete. („Did they really have sex?“) Wobei das
Interesse nicht dem Klassiker galt, sondern dem
kreativen Füllen von Gedächtnislücken. Damals
wie heute war wesentlicher Teil des Plans, die
elektrische Kraft des Unfertigen, aus dem Moment
Entstandenen festzuhalten.
D
Testfilme und Nachrichten
über das Projekt auf der Seite
germany2071.tumblr.com
B
The English version
of this text will be
published at
blog.berlinerfestspiele.de
ie Eheleute Kelly Copper und Pavol Liska
teilen eine frühe Faszination für Tonbandaufnahmen. Copper, die Tochter
eines Radio-DJs, nahm sich schon als
Kind mit Daddys Equipment selbst beim Pinkeln
auf. Und Liska, gebürtiger Slowake, lernte über
Kassetten die heimlich zirkulierenden Stücke von
Dissidenten wie Václav Havel oder Pavel Kohout
kennen. Noch bis ins jugendliche Alter hielt er
Tapes für die eigentliche Theaterform. Die beiden
begegneten sich am College in einem Kurs über
dadaistisches Theater, zogen später in New York
zusammen und begannen Kunst zu machen. Zu
Beginn noch ohne eigene Stimme, als Wooster-­
Group- oder Richard-Foreman-Kopie. Erst nach
mehrjähriger Bühnenabstinenz gründeten sie das
Nature Theater of Oklahoma – benannt nach dem
glücksverheißenden „Theater, das jeden nimmt“
aus Kafkas „Amerika“.
Das Projekt, das sie hierzulande bekannt und zum
Festivalhit gemacht hat, trug den Titel „Life &
Times“ und folgte dem Prinzip, im stinknormalen
Leben die schräg-schöne Poesie zu erkennen.
Vorlage war ein insgesamt sechzehnstündiges
Telefonat, das Liska mit Gruppenmitglied Kristin
34
Worrall geführt hatte, um sich ihre durchaus
gewöhnliche Biografie von der Wiege bis zur Gegenwart schildern zu lassen. Das wortgetreue
Transskript inklusive aller Pausen und Verstammler
nutzten die Format-Nomaden Copper und Liska
als Libretto eines neunteiligen Opus magnum, das
quer durch die Genres kreuzte: von der Kriminal­
komödie im originalgetreuen Set des 50er-JahreWestend-Hits „Die Mausefalle“ von Agatha Christie
bis zur Live-Lesung mit dem Publikum.
Die erste Episode, mit der die Truppe im Rahmen
einer Residency gleich in der Königsklasse des
deutschsprachigen Theaterbetriebs – am Burg­
theater – andockte, kommt gerade mal zu Kristins
sechstem Geburtstag. Um die Kinderzimmerfarbe
geht es. Um Zoff mit der besten Freundin. Ums
Einpullern in der Schulklasse. Das Ganze mit
sechs Performern dargeboten in Gestalt eines
All-American-Musicals nebst gymnastischer
Tanzeinlagen aus der sozialistischen Spartakiaden-­
Schmiede, die Liska noch erlebt hat. Die finalen
Teile dagegen entstanden schon als Film. Episode
9 ist ein Rap-Video, das mit per Open Call gewonnener Komparsenschaft während des Festivals
Steirischer Herbst gedreht wurde.
I
n allen Fällen bemerkenswert ist die handwerkliche Perfektion des Künstlerpaars. Musical,
Animation mit Katze, Filmdreh im Look von
„Citizen Kane“ – ganz gleich, ästhetisch bewegen
sich Copper und Liska auf der jeweiligen Höhe ihres
Formats. Wobei eine gewisse Zitat-Kühle, wie bei
den Werken der Coen-Brüder, nicht zu leugnen ist.
Der Geist, der das Nature Theater of Oklahoma
dabei befeuert, ist von sehr amerikanischer
Macher-Mentalität. Just do it. Die Meta-Deutungen
ihrer Arbeiten haben Copper und Liska noch immer
anderen überlassen, nie hört man sie über das
gedankliche Fundament ihrer Unternehmung
dozieren. Ein fundamentaler Unterschied zur hiesigen Performance-Szene, die sich erst mit kiloweise Theorie-Gepäck bewehrt, bevor’s zu Werke
gehen kann. Entsprechend sind die beiden zwar
binnen kurzer Zeit zu Festivallieblingen im gesamteuropäischen Raum avanciert. Aber sie bleiben
auch Aliens des Betriebs und Exoten in einem Zirkus,
der nach Kuratoren-Moden und Diskurs-Hypes
funktioniert. Was sie nicht anficht. Als Profis und
Hardcore-Pragmatiker docken sie an, wo sie Mittel
für ihre Arbeit finden, ohne tiefere emotionale
Bindungen zu heucheln. Ein Pavol Liska hat erfrischenderweise nicht die geringsten Probleme
damit zuzugestehen, dass statt des „Nibelungen
Cycle“ auch eine Radtour um isländische Vulkane
hätte stattfinden können, wenn die entsprechende
Offerte ergangen wäre.
Die Krux ist allerdings, dass sie in ihrer New Yorker
Heimat mit ihren avantgardistischen Unternehmungen erst Recht Exoten geblieben sind. Die amerikanische Theaterlandschaft, die ja keine nennenswerte Förderung kennt, hat dem Nature Theater
auch keine dauerhafte ökonomische bieten können.
Ein Grund (neben anderen Verschleißerscheinungen
im Zuge eines mehrjährigen „Life & Times“-­
Marathons), weshalb das Ensemble in seiner bisherigen Form inzwischen aufgelöst wurde. Wobei
klar ist, dass Copper und Liska schon immer das
Herz des Nature Theater waren und auch bleiben.
S
pannend wird sein zu beobachten, ob der
europäische Theaterbetrieb auf Dauer
die Programmnischen für ihre Filmperformances schaffen kann. Und genau so
natürlich, ob die beiden als notorisch selbstkritische
Unruhestifter in der Konsens-Community diese
künstlerische Richtung überhaupt beibehalten.
So ziemlich jede ästhetische Volte ist bei ihnen
vorstellbar. Ein Verlust der Ambition dagegen
nicht. „Die Welt ist gerade ein großes Arschloch“,
sagt Pavol Liska. „Weil wir nicht entschlossen genug rausgehen und Ärger machen“. Alles sei zu
harmlos, zu bedeutungslos. Und genau das will er
zusammen mit Copper ändern, statt nur darüber
zu klagen. „Wir wollen Chaos auf den Straßen
stiften und es filmen.“
Patrick Wildermann lebt als Theaterkritiker in Berlin.
Germany Year 2071
bei Foreign Affairs:
5. Juli:
Evacuation in Pyjamas
10. Juli:
National Pride
Construction Site
11. Juli:
E.T. Auction
14. Juli:
The Swamp
16. Juli:
The Road
Orte und Informationen unter
With “Life & Times”, Kelly Copper and Pavol Liska of
the Nature Theater of Oklahoma caused a sensation
all over Europe. Their current project is a silent movie,
shot at various locations with an amateur cast. A
project that pulverizes all and any powers of genre-­
discrimination and tenaciously pursues the reinterpretation of the role of the spectator. And that
follows the motto: “We want to cause chaos in the
streets and film it.”
Foreign Affairs
www.berlinerfestspiele.de
© Jasper Kettner
Die Needcompany bei der Probe zu „The blind poet” © Bea Borgers
What really matters
E
in Stück auf die Bühne zu bringen, ist auf den ersten
Blick eine einfache Sache. Zuerst wählt man irgendeinen Text aus. Dann sucht man sich einen Regisseur,
der der Sache vielleicht eine Moral oder Lektion entlockt. Hat man dann noch ein paar Schauspieler und einen
Bühnenbildner gefunden, geht es nur noch darum zu proben,
bis eine mehr oder weniger erkennbare und erbauliche
Geschichte daraus wird. Es gibt nur ein Problem: Das Resultat
wird wahrscheinlich recht wenig interessant ausfallen. Wenn
das Theater tatsächlich ein Spiegel der Gesellschaft ist, dann
scheint es oft so, als wäre dieser Spiegel abgenutzt. Dem
Bild, das er zeigt, fehlt eine tief empfundene „Wahrheit“. Wir
verzweifeln bei dem Gedanken, dass dieses Theater womöglich überhaupt keine Bedeutung mehr hat.
Die dringende Frage, wie sich das Theater wieder dem annähern könnte, worum es in den Köpfen und Herzen sowohl
der Zuschauer als auch der Performer wirklich geht, hat
einige Theatermacher dazu gebracht, ganz neue Arbeitswege einzuschlagen, mit unterschiedlichen Verfahrensweisen. Was Tim Etchells, Jan Lauwers und Alain Platel darüber
hinaus gemeinsam haben, ist die Überzeugung, dass eine
starke Verbundenheit der Performer ihnen das Vertrauen
geben kann, sich abseits der üblichen Pfade zu bewegen.
Jeder von ihnen hat dabei seine ganz eigenen Wege ins
Neuland gefunden.
Tim Etchells setzt auf Verfahren und Listen, um dort Bedeutung zu finden, wo man sie am wenigsten vermutet hätte.
Jan Lauwers erforscht den Mikrokosmos seiner Theatergruppe, als sei sie ein maßstabgetreues Modell der Welt.
Alain Platel betrachtet die Populärkultur und sieht dort
Emotionen und Sinn, die in einer von den Medien bestimmten
Welt verloren gegangen zu sein scheinen.
36
Von Pieter T’Jonck
Keine Angst vor der Dunkelheit
Im Jahr 1999 wagten sich Tim Etchells und ‚seine‘ Gruppe
Forced Entertainment an ein Experiment mit dem Titel „Who
Can Sing A Song to Unfrighten Me?“. Auf ihrer Website findet
sich eine Beschreibung des Projekts: „(das Stück) nimmt die
Zuschauer und die 14 Performer*innen mit auf eine lange
Reise von der Nacht in den Tag und wieder zurück. In einer
Kombination aus festem Rahmen und der Aufforderung zu
endloser Improvisation und ‚Live-Charakter‘ werden in der
24-Stunden-Performance ein Fundus von Szenen, Performancestrukturen und Kostümen recycelt und abgeändert.
Es gibt Könige, Skelette, Zootiere und Ballerinen. Es gibt
Zaubertricks, bei denen Dinge verschwinden, Tanzeinlagen,
anrüchige Cabaret-Nummern, die den Unterschied zwischen
Leben und Tod zeigen. Auf einer Tafel werden Ängste, Sprachlektionen und Alphabete aufgelistet; Gutenachtgeschichten
wachsen, verändern sich, durchschneiden einander und
kommen irgendwie nie zum Ende. Im gesamten Stück geht
es darum, die ganze Nacht wach zu bleiben und sich so vor
den Dämonen zu schützen, die sich im Dunkeln verstecken.
Und darum, dass die Performance selbst eine Methode ist,
die Zeit anzuhalten und miteinander zu teilen.“
Diese Aufführung war weder das erste noch das letzte
Durational Piece, d.h. lang andauernde Stück von Forced
Entertainment. Die Gruppe bleibt diesem Format verbunden,
obwohl es eine ungeheure Anstrengung bedeutet. Aus der
Beschreibung wird sowohl deutlich, was passiert, als auch,
wie es dazu kommt. Die Arbeitsweise dieses Ensembles
ähnelt sehr der Arbeit des französischen Autors Georges
Perec, der das alltägliche Leben anhand einer ganz einfachen
Methode untersuchte: Er machte endlose Listen
von allem und jedem. Dabei zeigte er Kategorien
auf, die unser Denken steuern und verdeutlichte
gleichzeitig, wie unzuverlässig, provisorisch und
unbeständig sie sind. In seinem Werk schwingt
stets das starke Gefühl mit, dass bei allem, was
jemand sagt, auch etwas ungesagt bleibt. Und
seine unermüdlichen Anstrengungen, diesen unausweichlichen Trugschluss zu umgehen, bringen eine
Ahnung dessen hervor, was dieses ‚Ungesagte‘
oder ‚Ungedachte‘ sein könnte.
Genau das passiert bei jedem Durational Piece
von Forced Entertainment. Das Element der Live-­
Performance ist natürlich ein zusätzlicher Gewinn,
allein schon weil die Performer*innen gelegentlich
aus schierer Erschöpfung durchdrehen und dadurch dem Publikum sehr nahe kommen und sogar
ans Herz wachsen. Die Herausforderung einer so
langen Aufführung führt außerdem zu einer engen
Bindung unter den Darsteller*innen, denn sie
müssen miteinander die lange Nacht durchstehen.
Aus den Improvisationen entstehen plötzliche
Sprünge in der Logik oder unerwartete Richtungswechsel, die wiederum Quelle unzähliger kleiner
Geschichten sind, die während der Aufführung
entstehen und nie wieder genauso zu sehen sein
werden. Und schließlich ist da das grandiose Talent
der Gruppe dafür, die alltäglichsten Gedanken und
Dinge aus immer neuen und zuweilen befremdlichen Per­spektiven zu betrachten. Zumeist untersuchen sie die Dinge ohne Ehrfurcht, wie ein Kind,
das ein Spielzeug kaputt macht, um zu sehen, wie
es genau funktioniert – auch wenn es danach tieftraurig ist oder das Interesse verliert.
Der blinde Dichter
Die Needcompany von Jan Lauwers ähnelt Forced
Entertainment insofern, als auch hier enge Verbindungen zwischen den Mitgliedern bestehen.
Die Gruppe hatte immer etwas von einer Familie,
die fest zusammenhält. In einigen Stücken, wie
zum Beispiel „Isabella’s Room“ oder „Marktplaats
76“ spielen sie tatsächlich eine Familie oder Gemeinschaft, gefangen in komplexen und wechselhaften Plots, die die Geschichte im Allgemeinen
auf unerwartete Art und Weise wiederspiegeln.
Dies gilt auch für „The blind poet“, ein echtes
Meisterwerk. Dabei handelt es sich um eine Art
Sammlung von Selbstporträts aller Mitglieder einer
Theatertruppe, die sich, wie früher üblich, auf den
endlosen Fahrten von Spielort zu Spielort alles
erzählen. Da die Mitglieder dieser Familie jedoch
aus allen vier Ecken Europas und noch darüber
hinaus kommen, sind sie auch mit allem behaftet,
was an diesem europäischen Universum faul ist.
Aus der Beschäftigung der Gruppenmitglieder mit
ihrer Vergangenheit und ihren Erinnerungen erwächst eine flammende Kritik an der Kleingeistigkeit unserer heutigen Welt. Und dennoch bietet
uns das Stück zwei Stunden fantastisches,
spannendes, herzerwärmendes und -zerreißendes,
urkomisches und tragisches Theater.
Worum es hier geht, wird sofort klar, wenn Grace
Ellen Barkey die Bühne betritt. Sie trägt eine traditionelle indonesische Tracht, ist aber geschminkt
wie ein Clown. Ihre riesigen Schuhe gehören
ebenfalls eher zum Kostüm eines Clowns als einer
balinesischen Tänzerin. Ihr selbst scheint diese
Diskrepanz überhaupt nicht bewusst zu sein; sie
beginnt, ihren Namen immer schneller und immer
lauter zu wiederholen. Der Rest der Gruppe feuert
sie in dieser verrückten Selbstverherrlichung aus
dem Orchestergraben an. Barkey findet, sie habe
allen Grund dazu: Als weiblicher Nachkomme
indonesischer, chinesischer, deutscher und niederländischer Vorfahren hält sie sich für den Gipfel
des Multikulturalismus. Als Mohamed Toukabri ihr
widerspricht, dass er derjenige mit dem reinsten
Blut sei, beindruckt sie das nicht. Er wird sofort von
der Bühne gejagt.
A
ls nächstes ist Maarten Seghers an der
Reihe, sich selbst zu feiern, aber das
gelingt ihm nicht so recht. Er kann zwar
auf vierzig Generationen von Hufschmieden zurückblicken, aber am Ende erzählt
er schreckliche Geschichten von Vorfahren, die auf
mittelalterlichen Kreuzzügen Kinder aßen, weil die
Pferde zu wertvoll waren, um verspeist zu werden.
Die Lebensgeschichte von Hans Petter Dahl erweist
sich als mindestens genauso belastet, auch wenn
er verzweifelt versucht, den verwegenen Wikinger
zu geben. Offensichtlich aber versucht er damit
nur, abscheuliche Feigheit in seiner Vergangenheit
zu verdecken. Darüber denkt Anna Sophia Bonnema
nach, die Dahl auf der Bühne folgt. Sie kommt zu
der Einsicht, dass man am besten über nichts
anderes als über sich selbst spricht, da letztlich die
meisten Beobachtungen über andere bösartig
und falsch sind und zu einer erschreckenden
Engstirnigkeit führen.
Benoît Gob ist da etwas anderer Meinung. Er legt
eine spektakuläre Show hin, bei der er über seine
Jugend als ‚street fighter‘ prahlt – aber auch hier
hat die Medaille eine zweite Seite. Zwischen den
Zeilen erkennen wir die Geschichte einer schlimmen
Verwahrlosung. Wie bei Barkey spornt auch ihn die
Gruppe an, seine wilden Geschichten immer weiter
zu treiben. Jules Beckman, ein Amerikaner mit
jüdisch-russischen Wurzeln, hat anschließend
seine Sternstunde – aber auch hier scheint es, als
diente es nur dazu, alte Narben zu verstecken.
An dieser Stelle rollen zwei gigantische Objekte auf
die Bühne. Sie ähneln Schachfiguren, die einander
mit Lanzen bedrohen. Wir scheinen uns wieder in
der mittelalterlichen Vergangenheit zu befinden,
von der Seeghers erzählte. Im am meisten irritierenden Selbstporträt von allen bezieht sich der
tunesische Schauspieler Mohamed Toukabri indirekt auf dieses Zeitalter. Er tritt auf als tunesischer ‚bling-bling‘-Jugendlicher. Selbst auf der
Bühne kann er es nicht lassen, sein Smartphone
zu checken, so wie viele junge Leute aus dem
Maghreb von ihren Handys besessen zu sein scheinen. Klischee, Klischee. Er konfrontiert uns mit
unseren wenig positiven Bildern von Arabern und
Foreign Affairs
B
The English version
of this text will be
published at
blog.berlinerfestspiele.de
erzählt uns aus seinem Privatleben. Plötzlich zitiert
er aus einem Gedicht des blinden arabischen
Dichters Abu al’ala al Ma’arri (973–1053). Schon vor
tausend Jahren warnte uns dieser Mann davor, die
Welt oder einen der anderen Geister, die uns heimsuchen, zu beschuldigen. Genau das gibt uns
Lauwers zu verstehen, als er eine Reihe wirklich
gespenstischer Objekte auf die Bühne loslässt.
Das Leben als Blaskapelle
Alain Platel arbeitet selten lange in einer solch eng
verbundenen Gruppe. Schon mehrfach hat er seine
Performer an ungewöhnlichen Orten gesucht und
so die Verbindung zur Wirklichkeit auf kompromisslose Weise gefunden. Andererseits hat er
auch häufig die Zusammenarbeit mit anderen
Regisseuren gesucht, so mit Arne Sierens oder, in
jüngerer Zeit, mit dem musikalischen Leiter Frank
Van Laecke. Zusammen entwickelten sie „Gardenia“,
ein Stück, in dem Transvestiten über ihr Doppelleben berichteten: tagsüber bei der Arbeit und
nachts bei ihren Auftritten in Clubs. Das Stück
wurde zu einem enormen Erfolg.
B
Forced Entertainment
bei Foreign Affairs
From the Dark
16. Juli 2016
Haus der Berliner Festspiele
Needcompany
bei Foreign Affairs:
The blind poet
15. Juli 2016
Haus der Berliner Festspiele
Alain Platel,
Frank Van Laecke,
Steven Prengels und
les ballets C de la B
bei Foreign Affairs:
En avant, marche!
5. und 6. Juli 2016
Haus der Berliner Festspiele
ei „En avant, marche!“ arbeiten Platel und
Van Laecke wieder zusammen. Diesmal
fanden sie ihre Inspiration in der Welt
flämischer Blaskapellen. Diese Kapellen
sind noch heute ein Herzstück der Gemeinschaften vieler flämischer Kleinstädte. Sie erzählen
uns vieles darüber, wie man an den Rändern der
„großen Welt“ das Leben sieht. Das Stück beginnt
unerwartet gedämpft. Ein untersetzter Mann
(Wim Opbrouck) betritt missmutig die Bühne.
An seiner gestreiften Hose erkennen wir, dass er
Mitglied einer Blaskapelle ist. Er schließt einen
DVD-Spieler an die Tonanlage an, greift nach zwei
Becken und wartet auf den Moment, wo er in der
Ouvertüre zu Wagners „Lohengrin“ zum Einsatz
kommt. Bald verliert er die Geduld, denn es gibt in
dieser Musik nicht viel für ihn zu tun. Als die
anderen Mitglieder der Kapelle auf die Bühne
kommen, versteckt er sich hinter seinem Instrument. Bald wird uns klar, dass dieser Mann nicht
etwa schüchtern ist. Sein seltsames Verhalten ist
darauf zurückzuführen, dass er soeben von seiner
Kehlkopfkrebserkrankung erfahren hat, die es ihm
unmöglich macht, weiter Posaune zu spielen. Die
Krankheit verbannt ihn in die letzte Reihe der
Kapelle. Dies verkündet er halb zynisch, halb zornig.
Auf Italienisch. Und das ist kein Zufall: Er zitiert
Pirandellos Monolog „L’uomo dal fiore in bocca“, in
dem ein Mann seine Wut über seinen Krebs herausschreit. Bald geht der frühere Posaunist zu einem
Kauderwelsch aus Französisch, Niederländisch
und Deutsch über.
Diese Geschichte bildet die Grundlage von „En
avant, marche!“ In Pirandellos Stück verstößt der
Mann seine Geliebte, als er von seiner Erkrankung
erfährt. Das geschieht auch hier. Zur Hälfte des
Stückes belästigt der Mann die nicht mehr ganz
jungen Cheerleader der Kapelle mit ordinären
Bemerkungen. Eine von ihnen, Griet Debacker,
38
gesteht ihm ihre Liebe. Herzzerreißend drückt sie
ihre Angst aus, ihn zu verlieren. Für einen Moment
ist das Großmaul sprachlos, aber dann weist er ihre
Liebe ab. Er bleibt zutiefst einsam.
D
ie Kapelle rettet ihn jedoch vor dem
völligen Versinken in der Depression. In
diesem Stück arbeiten die künstlerischen Leiter Frank Van Laecke und Alain
Platel sowie der Dirigent Steven Prengels mit einer
kleinen Kapelle aus sieben fantastischen halb-­
professionellen Musikern, die jeweils von einer
hervorragenden Blaskapelle vor Ort unterstützt
werden. Sie zeigen sich den Standards des europäischen Repertoires ebenso wie einer Mischung aus
Jazz und Tex-Mex aufs Schönste gewachsen. Und
dazu sind sie noch tolle Schauspieler. In den letzten
Momenten des Abends tritt Hendrik Lebon, einer
dieser Musiker, nach vorne und tanzt ein Solo, das
ihn als neuen Bandleader ausmacht. Lebon, ein
früherer Ballett-Tänzer, übertrifft den älteren
Opbrouck, der alles andere als tänzerisch begabt
ist, mühelos. Aber Opbrouck scheut sich nicht, sich
lächerlich zu machen. Er leuchtet vor Selbstvertrauen, denn in diesem Moment reicht er die
Leitung der Kapelle an den jüngeren Mann weiter.
Dadurch kommt er mit seinem Schicksal ins Reine.
Diese Geschichte wird nicht linear erzählt. Es gibt
nur wenige Zeilen „Originaltext“. Die Geschichte
wird zum größten Teil durch Zitate aus vorhandenen
Texten und Gedichten erzählt. In dem Stück geht
es vor allem um die Geschichte einer traditionellen
Blaskapelle. Mit Bewunderung beschreibt es die
Hingabe der Musiker an ihre gemeinsame Sache.
Die Geschichte des alten Posaunisten ist nur eine
dieser Geschichte, allerdings die bedeutsamste,
denn sie erzählt alles über die enorme soziale
Bedeutung von Gemeinschaften wie dieser.
In diesem Fresko spielt die Musik die Hauptrolle
und nicht so sehr der Tanz. Das künstlerische Team
hat eine eklektische Musikauswahl getroffen:
Wagner, Mahler, Verdi, Schubert – aber auch nordamerikanische Blaskapellenmusik. Zumeist liegt
der Subtext des Bühnengeschehens in der Musik,
so zum Beispiel, als in der Konfrontation zwischen
dem alten Mann und dem jungen Tänzer jemand
den „Leiermann“ aus Schuberts „Die Winterreise“
auf dem Mundstück einer Trompete spielt. Hier zeigt
sich eine Nähe zum Werk Christoph Marthalers,
aber eines eher fröhlich gestimmten Marthaler.
Pieter T’Jonck schreibt als freier Journalist über Tanz,
Architektur und Kunst, u.a. für „De Morgen“, und lehrt als
Gastprofessor an der Hogeschool Gent.
The question of how to get closer to what is really at
stake has led some theatre makers to try out new
ways of working, using different methods. What Tim
Etchells, Jan Lauwers and Alain Platel have in
common, apart from this quest, is their belief that
strong bonds between performers can bring about
the necessary confidence to go beyond the beaten
track. Each of them has developed their own
individual ways of setting out for uncharted ground.
Berliner Festspiele
Bundeswettbewerbe
3. Tanztreffen der Jugend
Theatertreffen
6. bis 22. Mai 2016
23. bis 30. September 2016
Ed.
Martin-Gropius-Bau
11. Juni bis 18. September 2016
22
Thomas Struth
Nature & Politics
'16
Martin-Gropius-Bau
1. Juli bis 3. Oktober 2016
Berenice Abbott
Fotografien
Bundeswettbewerbe
37. Theatertreffen der Jugend
Martin-Gropius-Bau
bis 7. August 2016
3. bis 11. Juni 2016
Sprache der Schönheit
Maya
Martin-Gropius-Bau
bis 26. Juni 2016
Isa Genzken:
Mach Dich hübsch!
Foreign Affairs
Berliner Festspiele
Musikfest Berlin
2. bis 20. September 2016
Di 5.7.
18:30 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Germany Year 2071:
Evacuation in
Pyjamas
William Kentridge
Nature Theater of
Oklahoma
20:00 Uhr
En avant, marche!
Mi 6.7.
Do 7.7.
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
22:30 Uhr
Zvizdal
Fr 8.7.
19:00 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Drawing Lessons
I–III
22:30 Uhr
Zvizdal
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Partner
Sa 9.7.
18:00 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Drawing Lessons
IV, V & Refuse the
Hour
13:00 Uhr
Protektoramae –
Forking Horizon
5.5.5.X
15:00 Uhr
How to Frame
Talks & Book
Launch
23:00 Uhr
Vessels
Konzert
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
So 10.7.
18:00 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Refuse the Hour
12:00 Uhr
undisclosed
location
Germany Year 2071:
National Pride
Construction Site
14:00 Uhr
Landscapes of
Uncertainty
Symposium
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Martin-Gropius-Bau
Niederkirchnerstraße 7
Berlin-Kreuzberg
Mo 11.7.
Di 12.7.
20:30 Uhr
Sleepless Nights
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Nature Theater of Oklohoma
Orte, Infos & Anmeldung unter
www.berlinerfestspiele.de
20:00 Uhr
undisclosed
location
Germany Year 2071:
E.T. Auction
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau
NO IT IS !
NO IT IS !
NO IT IS !
NO IT IS !
NO IT IS !
NO IT IS !
In der Ausstellung
A Guided Tour of
the Exhibtion:
For Soprano with
Handbag
19:00 Uhr
En avant, marche!
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Haus der Berliner Festspiele
Schaperstraße 24
Berlin-Wilmersdorf
18:00 Uhr
19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau
Paper Music
Paper Music
Frank Van Laecke,
Alain Platel,
Steven Prengels
23:00 Uhr
Respectable Thief
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Nástio Mosquito
BERLIN
Johannes Paul
Raether
Jarvis Cocker /
Junges Sinfonieorchester
Berlin
The Brother
Moves On
Jan Lauwers &
Needcompany
Forced
Entertainment
Musik & Diskurs
William Kentridge
Mary Reid Kelley
Dries Verhoeven
Nelisiwe Xaba
Spielorte
Die Ausstellung im
Martin-Gropius-Bau
wurde ermöglicht durch
Soweit im Kalendarium nicht anders
ausgezeichnet, finden alle Veranstaltung
im Haus der Berliner Festspiele statt.
William Kentridge
bei Foreign Affairs
wird gefördert durch
Mi 13.7.
10:00–19:00 Uhr
10:00–19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau Martin-Gropius-Bau
NO IT IS !
NO IT IS !
In der Ausstellung
A Guided Tour of
the Exhibtion: For
Soprano with
Handbag
Do 14.7.
10:00–19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau
NO IT IS !
In der Ausstellung
A Guided Tour of
the Exhibtion: For
Soprano with
Handbag
Sa 16.7.
Fr 15.7.
10:00–19:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau
NO IT IS !
In der Ausstellung
A Guided Tour of
the Exhibtion: For
Soprano with
Handbag
18:00 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Germany Year 2071:
The Road
19:00 Uhr
Haus der Berliner
Festspiele
Ubu and the Truth
Commission
22:00 Uhr
undisclosed
location
Germany Year 2071:
The Swamp
19:30 Uhr
The blind poet
22:30 Uhr
Islam Chipsy
Konzert &
Closing Party
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
20:00 Uhr
Mirel Wagner
Konzert
21:21 Uhr
From The Dark
19:00 Uhr
Konzert
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
21:00 Uhr
Ubu Never
Loved Us
18:00 Uhr
Haus der BFS
Ubu and the Truth
Commission
20:00 Uhr
Haus der BFS
Die Winterreise
22:00–1:00 Uhr
Uncertain Places.
Eine Nachtausstellung
Tickets
Online: www.berlinerfestspiele.de (auch print@home)
Online-Tickets Ausstellung NO IT IS !: www.gropiusbau.de
Telefon : +49 30 254 89 100
Kasse im Haus der Berliner Festspiele, Schaperstraße 24, 10719 Berlin
Kasse im Martin-Gropius-Bau, Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin
Restkarten eine Stunde vor Vorstellungsbeginn an den Abendkassen