EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL OSNABRUECK 2012

Transcription

EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2012
CONTENT
Imprint
Words of Welcome
Filmfestspezial
Film- & Videocommission 2012
RECORD: INTERNATIONAL SELECTION
Amer
Coming Closer
Distant Voices - Still Lifes
Entering The Stage
Facebook Diaries
Fade In Fade Out
Fairy Tales
Flux of Sounds
Francine
From The Other Side
High Definition
Himself He Cooks
Night Watch
No Exit Home
The Observers
Parabeton
Reality Check
Shadows of Memory
Something Real
Sounds And Visions
Splendid Isolation
Two Years At Sea
The Unstable Object
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RETRO: NOW AND THEN
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Andrew Kötting: A Different Perception
Corinna Schnitt: Homestories
Mike Hoolboom: Body-Politics
Shelly Silver: Words - Films - Desires
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REFRESH: MEDIA CAMPUS
Anna Pavlova
Beaten Paths
Hotpot-Hotspot
Seven Senses
World Creators
Berlin University of The Arts
University of Fine Arts of Hamburg
University of Applied Sciences Osnabrück
EMAF Trailer Hochschule Würzburg
Lecture: Kinect and its possibilities
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REFRESH: MEDIA CAMPUS EXHIBITION
Offenbach University of Art And Design
EnTroPI
Habitat
Simulation
Speaker Botz
Zoanthroid
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REACT: PERFORMANCE
Petrolio
Himalaya Variationen
IFF Then Elze
Hattler-ize
The Future of The Past
REVOLVE: EXHIBITION
Physiognomic Scrutinizer
Ser y Durar
Trash Hits - Dumping, Searching and Finding. Cleaning
Retouching Memory
The art·sounds application as an art project in Osnabrück
Obstruction
Chrono-Shredder
NetzWerk
Hermes
Revolve
Phase=Order
The Gathering
Activists 2011
Sisyphus Action
Grafikdemo
Self Portrait
Lumenoise
PING! Augmented Pixel
Wall to Wall
Ciaccona di Paradiso e dellÍnferno
ZERO1ZERO Walks
Out of Nothing (Aus dem Nichts)
The Picture
What if Google Maps went live...
REWIND: TIME GOES BY
Time twister
Mega-Schubladen-Uhr
Standard Time
RECYCLE: MACH FLOTT DEN SCHROTT
Mach flott den Schrott
RETHINK: CONGRESS
Keynote: Media Art – Quo Vadis?
Keynote: Media Art
From There to Here
Wir sind nie Digital gewesen
Van Gogh TV in the Ponton Bus - From The Archive
Kreative Protesterscheinungen in Syrien / Creative forms of protest in Syria
Direct from Cairo
All The Mistakes I've Make - an anti-artist-talk
Banned Videos
REGISTER
List of Titles
List of Authors
List of Distributors
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IMPRINT
ORGANISATION
SCHIRMHERR
Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V.,
Osnabrück
Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert,
Ralf Sausmikat
Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl:
Philipp Czogalla, Alex Gerbaulet, Erwin van’t Hart,
Ralf Sausmikat, Helene Webers
Jury des EMAF Awards, des Newcomer Awards und
des Dialog Preises des Auswärtigen Amtes:
Daniel Cockburn, Abdo Nawar, Maria Pallier
Jury des Verbands der Deutschen Filmkritik:
Günter Agde, Bodo Schönfelder, Hans-Jürgen Tast
Kongress: Alfred Rotert
Ausstellung: Hermann Nöring
Performances: Alfred Rotert, Hermann Nöring,
Ralf Sausmikat
Retrospektive ›Now and Then‹: Ralf Sausmikat
Media Campus: Sina Boldt und Swana Wilken
(Koordination), Eugen Fuchs, Friederike
Korfmacher, Marthe Krokowski, Julia Ortmeyer,
Christina Röhm, Timm Stobbe
Ausstellungsführungen: Toni Walz, Hanjo Volke,
Michaela Zysik
Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Kerstin Kollmeyer
Finanz- und Hotel-Organisation: Andrea Gehling
Disposition Film/Video: Gunther Westrup,
Thorsten Alich
Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup,
Ralf Sausmikat
Recherche: Katharina Lohmeyer, Tobias Sunderdiek
Feierabend: Mario Schoo
Technik: Thorsten Alich, Christian Löwrick,
Michael Rosbeck, Hans-Jürgen Thünemann,
Reinhard Westendorf, Gunther Westrup
Ausstellung Bau & Technik: Andreas Zelle
Schülertag: Antje Goltermann
EMAF Talentbörse: Monika Witte,
Musik- und Kunstschule Osnabrück
Übersetzungen: Teresa Gehrs + Stephanie Brouwers,
Lingua Connect
Fotografie: Angela von Brill, Kerstin Hehmann,
Sascha Göpel
Festival-Trailer: Holger Risse
Webdesign: Hüben und Drüben Heimat für
Kulturkommunikation Berlin, Oldenburg, Zürich
Programmierung: vierzwei Frankfurt
Webmaster: Sascha Göpel, Stefan Hestermeyer
Grafische Gestaltung: Holger Risse (und ich), Köln
Satz: Lindemann Lengerich
Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück
Schirmherr des European Media Art Festivals 2012
ist der Ministerpräsident des Landes
Niedersachsen, David McAllister
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FÖRDERER
FUNDED BY
nordmedia Fonds GmbH, Hannover
Stadt Osnabrück
Europäischer Fonds für Regionale Entwicklung
(EFRE)
CIP-ICT Programme of the European Union
Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin
Auswärtiges Amt, Berlin
Stiftung Niedersachsen, Hannover
Mondriaan Fund, Amsterdam
Botschaft von Kanada, Berlin
IMPRESSUM
Herausgeber:
Alfred Rotert, Hermann Nöring, Ralf Sausmikat
European Media Art Festival
Lohstraße 45a
D-49074 Osnabrück
Tel. ++49(0)541/21658
Fax ++49(0)541/28327
[email protected]
www.emaf.de
isbn: 978-3-926501-34-9
KOOPERATIONSPARTNER
COOPERATION-PARTNERS
AGENCIA – Portugese Short Film Agency
Argos Centre for Arts and Media, Brussels
ARTE Creative
Auguste Orts, Brussels
AV-arkki, Helsinki
Cinema Arthouse, Osnabrück
c’t /Heise Verlag Hannover
cybob communication, Osnabrück
Eidotech, Berlin
Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück
Fachhochschule Würzburg
Felix-Nussbaum-Haus, Osnabrück
Filmakademie Baden-Württemberg
Filmgalerie 451, Berlin
Film & Medienbüro Niedersachsen e.V., Osnabrück
EYE Film Institute Netherlands
Filmtheater Hasetor, Osnabrück
Galerie écart, Osnabrück
Galerie Entwicklungsraum, Osnabrück
Goethe Institut, München
Haus der Jugend, Osnabrück
HBK Braunschweig
HfBK Hamburg
Hochschule für Gestaltung, Offenbach
Hochschule Osnabrück, Medienlabor
Koch Media GmbH
Lagerhalle e.V., Osnabrück
Le Fresnoy, Tourcoing
Light Cone, Paris
LUX, London
Montevideo, Amsterdam
Packed vzw, Brüssel
sixpackfilm, Wien
.space, Osnabrück
Speicher M1, Bremen
Stadt Osnabrück
Stadtbibliothek Osnabrück
UDK Berlin
Unikeller, Osnabrück
Universität Osnabrück
werk.statt, Osnabrück
Video Data Bank, Chicago
V2_ Institute for unstable Media, Rotterdam
Washington Square Films, New York
Winnipeg Film Group
Zimmertheater, Osnabrück
Medienpartner:
BESONDERER DANK AN
SPECIAL THANKS TO
Joachim Groneberg, Wolf Görz, Andre Lindhorst,
Dagmar von Kathen, Michaela Ramm, Martina Scholz,
Valérie Schwindt-Kleveman, Ragnar Stein,
Reinhard Westendorf.
Kulturpartner:
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES MINISTERPRÄSIDENTEN DES LANDES NIEDERSACHSEN
Alljährlich findet in Osnabrück eines der größten Multimediaereignisse Europas statt:
An fünf Tagen präsentiert das EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL (EMAF) aktuelle Trends und neueste Entwicklungen der internationalen Medienkunst. In diesem Jahr
passiert das bereits zum 25. Mal. So gratuliere ich herzlich zu diesem Jubiläum.
Als internationales Forum für experimentelle Film- und Videoarbeiten, Performances, multimediale Installationen, DVD- und Internetprojekte zeigt das ›EMAF‹ kreative Newcomer und renommierte Künstler. Das Festival
erfreut sich seit seiner Gründung im Jahre 1988 einer großen internationalen Ausstrahlung, Akzeptanz und
Resonanz. Es zählt zu den ambitioniertesten deutschen Kulturveranstaltungen im Medienbereich.
Das Spektrum der Festivalbeiträge ist vielfältig und facettenreich. Gezeigt wird eine internationale Auswahl
experimenteller Film- und Videoproduktionen, die zum Teil erstmals in Deutschland zu sehen sind. Das Herzstück des Festivals ist die internationale Ausstellung in der Kunsthalle Dominikanerkirche. Sie hat in diesem
Jahr ›Bewegung‹ als zentrales Thema.
Weiterer wesentlicher Bestandteil des EMAF ist der Kongress, der aktuelle Strömungen der Medienkunst
beleuchtet. Diesmal werden namhafte Referenten Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Medienkunst aus
verschiedenen Perspektiven beleuchten. Thematisiert werden auch künstlerische Entwicklungen, die mit dem
›arabischen Frühling‹ verbunden sind. Als ein kleines Festival im großen EMAF bietet der Media Campus dem
kreativen Nachwuchs ein bedeutendes Forum zur Präsentation seiner aktuellen Arbeiten und dient auch als
Kontakt- und Projektbörse.
Das European Media Art Festival ist ein bedeutendes Forum der Präsentation und Kommunikation für internationale Künstlerinnen und Künstler. Es vereint relevante und frische Positionen zeitgenössischer Medienkunst
zu einem besonderen Erlebnis. Dass diese innovative Veranstaltung sich in Niedersachsen zu dem entwickeln
konnte, was sie heute ist, ist auch den kontinuierlichen Beiträgen durch Förderer und Sponsoren zu verdanken.
Veranstalter, Unterstützer und Förderer wie das Land Niedersachsen und die Europäische Union können
gemeinsam stolz darauf sein, dass das EMAF seit einem Vierteljahrhundert die aktuellen Trends der internationalen Medienkunstszene in Osnabrück präsentiert.
Den Veranstaltern wünsche ich gutes Gelingen der Jubiläumsausgabe ihres Festivals, dem diesjährigen EMAF
einen erfolgreichen Verlauf und seinen zahlreichen Gästen und Besuchern unterhaltsame und abwechslungsreiche Festivaltage in Osnabrück.
Hannover, im April 2012
David McAllister
Niedersächsischer Ministerpräsident
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WORD OF WELCOME BY THE FIRST MINISTER OF LOWER SAXONY
One of the largest multimedia events in Europe is held each year in Osnabrück: over
five days, the EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL (EMAF) presents the latest trends
and developments in international Media Art. This year will be the 25th time the event
has been held. Congratulations on this anniversary!
As an international forum for experimental film and video works, performances, multimedia installations, DVD
and internet projects, ›EMAF‹ presents creative newcomers and renowned artists alike. Since it was established in 1988, the festival has enjoyed considerable international standing, acceptance and response. It is one
of the most ambitious German cultural events in the area of media.
The festival contributions are extremely varied and diverse. An international selection of experimental film and
video productions will be screened, some of them for the first time in Germany. The centrepiece of the festival
is the international exhibition in the Kunsthalle Dominikanerkirche. This year, the central theme of the exhibition is ›motion‹.
Another main element of EMAF is the Congress, which sheds light on current tendencies in Media Art. This time,
renowned speakers will highlight the history, present and future of Media Art from various perspectives. The issue of artistic developments associated with the ›Arab Spring‹ will also be broached. As a small festival within
the larger EMAF, Media Campus offers creative young artists an important forum to present their current work,
and also acts as a contact and project exchange point.
The European Media Art Festival is a significant forum of presentation and communication for international
artists. Relevant and new positions of contemporary Media Art are brought together here to create a special
event. The fact that this innovative event was able to develop into what it is today in Lower Saxony is due also
to the continuous support provided by patrons and sponsors. Together, the organisers, supporters and patrons
such as the Federal State of Lower Saxony and the European Union can be proud that EMAF has been presenting the current trends in the international Media Art scene in Osnabrück for a quarter of a century.
I wish the organisers a successful anniversary festival and hope that the event runs smoothly. I also wish the
many visitors and guests an entertaining and varied few days at the festival in Osnabrück.
Hannover, April 2012
David McAllister
First Minister of Lower Saxony
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT OSNABRÜCK
Das European Media Art Festival (EMAF) präsentiert auch in diesem Jahr wieder Produktionen international bekannter Medienkünstler und Arbeiten junger Talente. Das
Osnabrücker Festival gilt europaweit als eines der bedeutendsten Foren internationaler Medienkunst und ist ein offenes Labor für kreative und künstlerische Experimente, die zur Weiterentwicklung der Medien beitragen.
Das Festival feiert in diesem Jahr sein 25-jähriges Jubiläum. Hierzu möchte ich den Veranstaltern herzlich gratulieren. Das Jubiläum ist Anlass, sowohl auf das vergangene Vierteljahrhundert zu schauen als auch einen
Blick in die mediale Zukunft zu werfen. Im diesjährigen Programm des Festivals spiegeln sich beide Aspekte
wider.
Auch der ›arabische Frühling‹ ist Thema des Festivals. Das EMAF zeigt, welche Rolle die Medien hierbei spielen
und wie sie zu entscheidenden Faktoren in diesen Umwälzungsprozessen wurden. Dies gilt insbesondere für
das Internet. Über diesen Kommunikationsweg gelangen derzeit aus Syrien verstörende Bilder an die
Weltöffentlichkeit, die das Ausmaß der Gewalt und Unterdrückung eines autoritären Regimes gegen seine
Bevölkerung deutlich machen.
Zum Jubiläum hat das EMAF auch sein Archiv bearbeitet und über 7000 Filme und Videos aus den vergangenen Jahren in seine neue Datenbank integriert. Mehr als 800 Arbeiten wurden speziell hierfür digitalisiert. Sie
machen das Archiv des EMAF zu einer wichtigen Quelle der Geschichte der experimentellen Film- und Videoarbeit seit Beginn der 80er Jahre.
Dem niedersächsischen Ministerpräsidenten David McAllister, der die Schirmherrschaft übernommen hat, und
den Förderern des Festivals möchte ich für ihre Unterstützung herzlich danken.
Den Veranstaltern des EMAF wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern spannende Programme und den auswärtigen Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in der Friedensstadt Osnabrück.
Osnabrück, April 2012
Boris Pistorius
Oberbürgermeister
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WORD OF WELCOME BY THE LORD MAYOR OF THE CITY OF OSNABRUECK
Productions by internationally renowned media artists and the work of budding young
talents will again be presented this year at the European Media Art Festival (EMAF).
Throughout Europe, the Osnabrück festival is considered to be one of the most important forums of international Media Art, and is an open laboratory for creative and
artistic experiments that help shape media.
This year, the festival is celebrating its 25th anniversary, on which I would like to warmly congratulate the organisers. The anniversary is an occasion not only to look back over the past quarter of a century, but also to cast
a glance at the media future. Both of these aspects are reflected in this year’s programme of the festival.
The festival also addresses the topic of the ›Arab Spring‹. EMAF demonstrates the role played by the media
there, and how they became a crucial factor in these revolutionary processes. This is particularly the case for
the internet. It is via this communication channel that disturbing images from Syria currently reach the global
public, highlighting the extent of the violence and repression exercised by an authoritarian regime against its
people.
To mark its anniversary, EMAF has also processed its archives and integrated over 7,000 films and videos from
past years into its new database. More than 800 works were digitised specially for this purpose. They make the
EMAF archives an important source on the history of experimental film and video work since the beginning of
the 1980s.
I would very much like to thank the First Minister of the Federal State of Lower Saxony, Mr. David McAllister, who
has assumed patronage of the festival, as well as the festival’s sponsors for their support.
I wish the EMAF organisers success! May the visitors enjoy the exciting programmes and may our guests have
a pleasant and eventful stay in Osnabruck - City of Peace.
Osnabrück, April 2012
Boris Pistorius
The Lord Mayor
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FOREWORD
WILLKOMMEN!
25 Jahre European Media Art Festival – für uns ein Grund zu feiern. Seit einem
Vierteljahrhundert ist Osnabrück mit dem EMAF ein Treffpunkt für Künstler,
Kuratoren, Galeristen, Studierende und Kunstinteressierte aus aller Welt.
Heute weltbekannte Filmemacher haben ihre ersten Werke in den vergangenen
Jahren beim EMAF vorgestellt; Kunstwerke, die in der Ausstellung zu sehen
waren, haben später hochdotierte Preise gewonnen und waren in Museen und
Galerien der ganzen Welt zu sehen.
Das EMAF ist aktuell, präsentiert zeitgenössische künstlerische Positionen sowie zahlreiche Videound Film-Premieren und gibt so jährlich einen Überblick über den gegenwärtigen Stand der internationalen Medienkunst.
Wir freuen uns sehr, unseren Besuchern, Gästen, Künstlern und Kuratoren in diesem Jahr wieder ein
vielfältiges Festival-Programm zu bieten, das neben Specials zum Jubiläum natürlich hauptsächlich
zahlreiche neue Arbeiten vorstellt.
Die Filmauswahl zeigt unter dem Titel RECORD eine Bandbreite von Filmen und Videos, die sich zum
Einen der reinen Beobachtung widmen, zum Anderen kommentarlos dokumentieren und fokussieren.
Allein durch ihre Bildauswahl und Montage beziehen die Filmemacher Standpunkte und zeigen mit
ihrer ganz eigenen Handschrift, welche persönlich oder gesellschaftlich relevanten Ereignisse sie
bewegen.
›Now and Then‹ ist der Titel unter der wir eine retrospektive Film- und Video-Reihe für das Jubiläum
zusammengestellt haben: Künstler präsentieren neben neuen Arbeiten Werke, die sie schon vor
Jahren beim EMAF vorgestellt hatten, um damit die Entwicklungen und Veränderungen in der
Medienkunst zu verdeutlichen.
RETHINK heißt es in diesem Jahr im Kongress: Namhafte Referenten werden anlässlich des
Jubiläums auf die allgemeine Veränderung in der Mediennutzung, die Auswirkungen auf künstlerisches Arbeiten und auf die Bedeutung von Netzwerken eingehen, sowie Ausblicke auf die Zukunft der
Medienkunst geben.
Außerdem bietet der Kongress auch politisch aktuellen Inhalt: Die Revolutionen im arabischen Raum
sorgen immer wieder für Schlagzeilen in der ganzen Welt. Präsentationen von Insidern der dortigen
Kunstszene stellen den kreativen, video-künstlerischen Protest sowohl in Syrien als auch in Ägypten vor.
Die internationale Ausstellung trägt den Titel REVOLVE und zeigt eine Vielfalt zeitgenössischer Positionen, deren zentrales Thema die Bewegung ist. Roboter demonstrieren, Schranken versperren
Durchgänge, und Maschinen inszenieren eine Oper. Außerdem gestaltet ein ›Art Sound Walk‹ einen
Stadtrundgang der besonderen Art.
Der Media Campus als Plattform für junge Talente aus den Hochschulen bietet in diesem Jahr unter
dem Titel REFRESH diverse Workshops, den Hochschultag, sowie ein eigenes Filmprogramm und eine
Ausstellung an, die über die verschiedenen Festivalorte in der Stadt verteilt zu sehen sein werden.
Wir freuen uns, dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, David McAllister, die Schirmherrschaft des 25. EMAF übernommen hat. Zudem danken wir der nordmedia, der Stadt Osnabrück
und den zahlreichen weiteren Förderern und Sponsoren.
Bedanken möchten wir uns außerdem bei allen Künstlern und Professionals, die unserem Festival über
Jahre die Treue gehalten haben, ihre Arbeiten präsentiert haben und stets auch selbst nach Osnabrück
gekommen sind – so erst wurde das EMAF zu dem lebendigen Forum, das es heute ist. Zudem bedanken wir uns bei unserem interessierten Publikum, ohne das das Erlebnis Festival nicht möglich wäre.
Wir hoffen, Sie alle auch in den folgenden 25 Jahren wieder begrüßen zu dürfen und wünschen Ihnen
jetzt zunächst einmal gute Unterhaltung und inspirierende Diskussionen beim European Media Art
Festival 2012.
Das Festivalteam
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WELCOME!
25 years of the European Media Art Festival – grounds for celebration. For a
quarter of a century, Osnabrück and EMAF have been a meeting place for artists, curators, gallery owners, students and art lovers from all over the world.
Some of today’s world-famous filmmakers presented their early works at past
EMAF events; works of art shown at the exhibition were later awarded valuable prizes and exhibited in museums and galleries around the world.
EMAF is always up-to-date, showing contemporary positions and numerous video and film premieres
and hence giving an annual overview of the current state of international Media Art.
We are delighted to offer our visitors, guests, artists and curators for the 25th time this year, a varied
festival programme that, in addition to anniversary specials, will of course concentrate on presenting
lots of new works.
Under the title RECORD, the film selection presents a spectrum of films and videos dedicated to pure
observation, that document and focus without comment. Through their very choice of shots and montage, the filmmakers take a stance and show, using their very own style, which personal or socially relevant events move them.
›Now and Then‹ is the title of a series of retrospective contributions put together for the anniversary:
at the festival’s cinemas, artists will present not only their latest works, but also oeuvres presented
years ago at EMAF to highlight the developments and changes occurring in Media Art.
RETHINK is the topic of this year’s Congress: to mark the anniversary, renowned speakers will address
the general change in the use of media, the impact it has on artistic work and on the significance of
networks, offering an outlook on the future of Media Art.
In addition, the Congress also offers content of a topical political nature: the revolutions in the Arab
region repeatedly made headlines across the globe. Presentations by insiders of the art scene there
will address the creative protest in both Syria and Egypt.
The international exhibition bears the title REVOLVE, and shows a vast array of contemporary positions based around the central theme of motion. Robots protest, gates obstruct passages, and machines stage an opera. What is more, visitors can also experience a very special kind of walk through
the town with an ›Art Sound Walk‹.
As a platform for talented young people in higher education, Media Campus is putting on a range of
workshops, University Day and its own film programme and exhibition this year at the various festival
venues under the title REFRESH.
We are delighted that the First Minister of the Federal State of Lower Saxony, David McAllister, has assumed patronage of the 25th EMAF. We would also like to thank nordmedia, the City of Osnabrück, and
our many other patrons and sponsors.
We would also like to take this opportunity to thank all of the artists and professionals who have remained loyal to our festival over the years, who have presented their work and travelled to Osnabrück
– which is what has made EMAF the lively forum it is today. We also wish to thank our interested audience, without which the festival experience would not be possible.
We hope to be able to welcome you all back over the next 25 years, but would first of all like to wish
you lots of fun and inspiring discussions at the 2012 European Media Art Festival.
The Festival Team
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›FILMFESTSPEZIAL-TV‹ BERICHTET VOM EMAF 2012
Das European Media Art Festival flimmert über die Bildschirme. In zwei 45-minütigen Sendungen zeigt ›FilmFestSpezial-TV‹ Highlights des Festivals, spricht mit RegisseurInnen und KünstlerInnen und wirft einen Blick
hinter die Kulissen, stellt die FestivalmacherInnen, Jurys und PreisträgerInnen vor.
Die Filme des Wettbewerbsprogramms, der Retrospektive NOW + THEN, ein Gang durch die Ausstellung
REVOLVE, Berichte vom Kongress, Besuche bei den Performances und weitere Programmpunkte stehen im
Mittelpunkt der Sendung.
Das ›FilmFestSpezial-EMAF 2012‹ wird ab 3. Mai 2012 bei folgenden Bürger-TV-Sendern ausgestrahlt und ist
bei den meisten Sendern auch als Livestream im Internet zu sehen: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg, rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg, OK Kassel, Fernsehen aus Schwerin und Open.web.tv Münster.
Weitere Infos und aktuelle Sendetermine: www.filmfestspezial.de
›FilmFestSpezial-TV‹ broadcasts a report on EMAF 2012
Again the European Media Art Festival flickers on the TV screen. ›FilmFestSpezial-TV‹ will report with two
broadcast 45min. about the festival highlights, talks with film directors, producers, authors and artists., to gain
a view behind the scenes, and interviews the festival team, jury members and award-winners.
The broadcast will concentrate on the films in the competition programmes and the retrospective NOW+THEN,
shows a guided tour through the exhibition REVOLVE and reports from the Congress, visits performances and
more special events.
›FilmFestSpezial-EMAF 2011‹ will be broadcast on the following citizens’ TV channels from 3 May 2012 onwards
and can also be viewed on the web as livestream on most channels: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, ALEX Berlin, Tide-TV Hamburg, rok-tv Rostock, OK Kiel, OK Flensburg and OK Kassel .
For more information and current broadcast dates visit:www.filmfestspezial.de
ÆFotos: FilmFestSpezial beim EMAF 2011 (von links nach rechts):
David Shermann, Regisseur von ›Wasteland Utopias‹
Hermann Nöring (Festivalleitung) und Siegfried Tesche (Moderation) im Media Art Garden
Standish Lawder (Retrospektive 2011)
ÆFotos: Kerstin Hehmann
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FILM- & VIDEOKOMMISSION 2012
Alex Gerbaulet, * 1977, Künstlerin, Filmemacherin, Kuratorin; lebt und arbeitet in Berlin. 1996-2000
Studium der Philosophie und Medienwissenschaften; 2000-2007 Studium der Freien Kunst an der
HBK Braunschweig mit Schwerpunkt Film; 2008 ausgezeichnet mit dem Meisterschülerpreis der
Hans-Böckler-Stiftung; seither tätig als unabhängige Filmemacherin sowie als selbstständige Kuratorin für Festivals, Museen und Kunsthochschulen u.a. für das Kasseler Dok-Fest, das AnaDoma Festival in Braunschweig und das EMAF in Osnabrück; 2007-2011 künstlerisch-wissenschaftliche Mitarbeiterin an der HBK Braunschweig.
Alex Gerbaulet, * 1977, artist, filmmaker, curator; lives and works in Berlin. 1996-2000 studied Philosophy and Media Studies; 2000-2007 studied Fine Arts at Braunschweig University of Art, majoring in
Film; was awarded the Meisterschülerpreis by the Hans Böckler Foundation in 2008; since then, has
been working as an independent filmmaker and freelance curator for festivals, museums and art academies, e.g. for Kassel Documentary Film and Video Festival, the AnaDoma Festival in Braunschweig and
EMAF in Osnabrück; 2007-2011 artistic research assistant at Braunschweig University of Art.
Erwin van ‘t Hart, * 1969, Studium an der AKI Kunstakademie, Enschede, und an der Universität Amsterdam. 1997 Programmarbeit im Kulturzentrum De Balie, Amsterdam. 2004 Mitglied des Kuratorenteams,
das das Retrospektive-Programm über den niederländischen Experimentalfilm ›D-Light‹ mit dem Buch
›MM2‹ entwickelte. Seit 2006 Programmgestalter im Bereich Kurz-/Experimentalfilme für das International Film Festival Rotterdam. International als freiberuflicher Kurator, Programmgestalter und Berater tätig.
Erwin van ‘t Hart, * 1969 studied at AKI art academy in Enschede, the Netherlands, and Art History at
the University of Amsterdam. He started working at the cinema De Balie, Amsterdam, in 1997. In 2004
he was part of the curatorial team which developed the retrospective programme on Dutch experimental film ›D-Light‹ with the book ›MM2‹. Since 2006, he has been working as a short / experimental film programmer at the International Film Festival Rotterdam. He also works internationally as a
freelance curator, programmer and advisor, and as a dedicated film technician.
Hélène Webers, * 1987, studierte Museumskunde und bereitet sich zurzeit auf ihren Master in Kunstgeschichte vor, nachdem sie ihren Bachelor an der Universität Amsterdam absolvierte. Seit 2008 arbeitet sie als Kuratorische Assistentin am SMART Project Space des Instituts beim zeitgenössischen
Kunstinstitut sowie für die Initiative CASZ (Contemporary Art Screen Zuidas). Seit 2010 ist sie als Assistentin in der Kunstredaktion für das jährlich erscheinende Literatur- und Kunstmagazin Versal tätig.
Hélène Webers, * 1987, studied Museology and is currently studying for a Master's in Art History after
her Bachelor at the University of Amsterdam. Since 2008 she has been working as a curatorial assistant at the contemporary art institute SMART Project Space and CASZ/Contemporary Art Screen
Zuidas and, as of 2010, as an assistant art editor for the annual literary & art journal Versal.
Philipp Czogalla, *1986. Von 2005 bis 2011 Studium der Medienwissenschaft in Paderborn. Seitdem
wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Universität Paderborn. Seit 2007 verschiedene Experimental-,
Dokumentar- und Kurzfilme. Verfasser mehrerer ausstellungsbegleitender Essays und Werktexte.
Philipp Czogalla, * 1986. Studied Media Studies in Paderborn from 2005 to 2011. Since then, research
assistant at the University of Paderborn. Has made various experimental, documentary and short
films since 2007. Author of several essays and texts on works published to accompany exhibitions.
Ralf Sausmikat, Studium der Medien- und Literaturwissenschaften, 1986 Abschluss M. A. 1981 Gründung des Int. Experimentalfilm Workshop e.V., Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung
des EMAF, Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent des Goethe-Institut
München. Kuratierte ›From Analog Dreams to Digital Visions‹, HongKong 2001, und ›Turbulent Screen‹
Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg 2003.
Ralf Sausmikat, studied Media Sciences and Literature, and graduated in 1986 with a Magister Artium.
1981 International Experimentalfilm Workshop e.V. (Founding Member). Since 1988 artistic director of
EMAF for exhibitions, films, videos and retrospectives. Consultant for the Goethe-Institute Munich, for
the German Experimental Film of the 80' and 90's programmes. Curator of ›From Analog Dreams to Digital Visions‹, HongKong 2001 and ›Turbulent Screen‹, Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg 2003.
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AMER
AMER
Hélène Cattet & Bruno Forzani
Unheimlicher geht es wohl nicht: Ein kleines Mädchen wandert durch eine alte Villa, landet aber in einem Raum
mit einem Toten. So beginnt Amer, der in drei stilvollen Episoden eine Hommage an den italienischen ›GialloThriller‹ der 70er Jahre liefert, einen Schlenker in Sachen Erotik tätigt, um am Ende in einem furiosen Finale zu
enden, das in mondheller Nacht Gänsehaut produziert. Untermalt mit Originalmusik von Stelvio Cipriani und
Ennio Morricone, ist Amer ein fesselndes, rein visuell erzähltes Thriller-Triptychon, den nicht nur Quentin
Tarantino auf seine Jahres-Top Ten-Liste setzte, sondern der auch für ›Spiegel Online‹ ›vielleicht der Film des
Jahres‹ ist. Zu Recht: Das ›Experiment in Terror‹ zeigt in schönster Farbdramaturgie, die Röte des Bluts, das
Blau der Nacht und das Gelb der Leidenschaft unter der Sonne. Ein Film, der Schönheit mit Adrenalin, und
Spannung mit Erotik paart.
It doesn’t get any scarier than this: a young girl wanders through an old villa, but ends up in a room with a dead
body. This is the beginning of Amer, homage to the Italian ›giallo thriller‹ of the 1970s in three classy episodes,
with a detour into eroticism, only to end in a spectacular finale that gives you the creeps in the moon-lit night.
Set to original music by Stelvio Cipriani and Ennio Morricone, Amer is a captivating thriller triptych, narrated in
a purely visual manner, that not only Quentin Tarantino put on his top ten list of the year, but that was described
by ›Spiegel Online‹ as ›possibly the film of the year‹. Deservedly so: in exquisite colour dramaturgy, the ›experiment in terror‹ shows the redness of the blood, the blue of the night and the yellow of passion under the sun.
A film that combines beauty with adrenalin, and suspense with eroticism.
Bruno Forzani and Hélène Cattet work as one filmmaking machine. Helene studied Biology. Bruno studied
accountancy. ›We met in Brussels and started to work together in 2000 with self-produced short films that we
made with four or five friends (the same friends we are still working with today)‹. Their debut feature ›Amer‹
dazzled audiences with its giallo motifs and homages.
ÆB / F 2009, 35 mm, 90:00
ÆDirectors, script Hélène Cattet & Bruno Forzani
ÆCamera Manuel Dacosse
ÆEditing Bernard Beets
ÆProducers Eve Commenge (Anonymes Films), François Cognard (Tobina Film)
ÆCast Cassandra Forêt, Charlotte Eugène Guibeaud, Marie Bos, Bianca Maria D'Amato,
Harry Cleven, Delphine Brual, Jean-Michel Vovk, Bernard Marbaix, a.o.
ÆDistribution Koch Media GmbH
34
COMING CLOSER
PFFFHP TT!
MENSCHEN AM SONNTAG (PEOPLE ON SUNDAY)
Deborah S. Phillips
Friedl vom Gröller
Rote Ampel. Zwei Autos stehen davor. Also bremse ich: PFFFHP TT!
Und kann nicht aufstehen, mich
nicht mehr bewegen.
In Menschen am Sonntag sehen wir eine Gruppe von Leuten in einem
Raum Pizza essen, trinken, sich unterhalten, vielleicht ein Fest feiern. Der
Raum ist klein, verweigert Übersicht. Die Pizza wird geschnitten und an
die Gäste verteilt – und die Kamera schneidet den Raum und alles, was
darin ist, was sich bewegt, in handhabbare Stücke. Draußen scheint die
Sonne und wirft Lichtkegel auf die Körper und Gesichter. Hier und da
flutscht ein Lächeln vorbei. Hände fliegen vor dem Fenster auf und ab. Ein
T-Shirt schiebt sich vor die Projektion eines Doppelporträts, es wird
gelüftet, das Porträt erscheint auf dem nabel-gepiercten Bauch.
Dann ändert sich der Rhythmus ein wenig, und alles wird etwas langsamer. Die Perspektive kippt. (….) Die Teile sind Teile eines dynamischen
Puzzles. Sie sind sich selbst genug und genießen die Abwesenheit eines
Ganzen, das allenfalls im Kopf des Betrachters entstehen kann. (Sylvia
Szely)
Red light. Two cars. So I hit the
brakes: PFFFHP TT! And can't get
up, can't move...
Deborah S. Phillips works in a number of fields, including as a visual
artist, translator & curator in Berlin.
She often realises projects in several media at once, such as 16mm,
artists' books/on paper, and slide
collages, which are also often used
to make installation pieces. Her
PROJEKTIONEN-series
at
an
artists-run space, kunstraum t27,
has developed into a unique forum
for showing analogue artworks using light. She continues to organise
this series largely as a means of
networking with colleagues. Following her project about the colour red,
CAPSICUM, and then a phase in
which numerous projects had to be
re-thought, resulting in ›PFFFHP
TT!‹, she is currently conducting research into phrases, associations
with & shades of blue.
ÆD 2012, 16 mm, 5:00
ÆDirector, script, camera, editing
Deborah S. Phillips
ÆSoundcomposition
Ruth Wiesenfeld
ÆDistribution Deborah S. Phillips
In People on Sunday we see a group of people in a room eating pizza,
drinking, conversing, perhaps having a party. The room is small, denying a
sweeping view. Pizza is cut and distributed to the guests – and the camera cuts the room and everything in it, all that moves in it, into handy little pieces. Outside the sun is shining and throws cones of light onto the
bodies and faces. Here and there a smile slips by. Hands fly around in
front of the windows. A T-shirt pushes in front of the projection of a double portrait; fresh air is let in and the portrait appears on a belly, pierced
at the navel. (…) The parts are those of a dynamic puzzle. They are enough
by themselves and they enjoy the absence of the whole, which in any case
can be created in the mind of the viewer. (Sylvia Szely - Translation: Charlotte Eckler)
Bio siehe Gutes Ende (Bliss)
ÆA 2011, 16 mm, 3:00
ÆDirector, concept, realisation Friedl vom Gröller
ÆEditing Jackie Raynal
ÆDistribution sixpackfilm
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COMING CLOSER
LA CIGARETTE
ULRICH GREGOR AND HEIDI KIM
AT THE W HONG KONG HOTEL
Friedl vom Gröller
Friedl vom Gröller
Friedl vom Gröller hat fünf Menschen vor ihrer Kamera versammelt. Der Ort der Versammlung bleibt unbestimmt – ein kleiner bewohnter Raum mit Tisch,
Stühlen, einer Abwasch und im Hintergrund auf einem
kleineren Tisch offene Flaschen und ein Filmprojektor.
Letzterer, wie auch der Umstand, dass sich unter den
hier Versammelten zwei Protagonisten der ›Nouvelle
Vague‹ befinden, Jackie Raynal und Jaques Rozier, lassen Film und Filmemachen als ein bestimmendes Motiv der Zusammenkunft vermuten. (Kathrin Rhomberg)
Eine Liebesgeschichte. Oder vielmehr die Idee davon.
Liebe, das ist auch so ein Kinoklischee, oder auch: die
Liebe an das Kino und seine Klischees. Das Aufscheinen einer Ikonographie also: die Frau-im-KleinenSchwarzen und der Durchreisende. Die Kamera
schwenkt über ein Bett, Kissen, Chaiselongue, aber
darum geht es hier gar nicht. Der Tag hat die Zeit des
Diffusen, Unbestimmten erreicht: blaue Stunde, magic
hour, Cocktailstunde. (Nanna Heidenreich, Ulrich Ziemons)
Friedl vom Gröller places five people before the camera. The location of the gathering remains vague – a
small, lived-in room with a table, chairs, a sink, and in
the background on a smaller table, open bottles and a
film projector. This circumstance, as well as the fact
that two ›Nouvelle Vague‹ protagonists are among the
five gathered here, Jackie Raynal and Jaques Rozier,
make it appear that film and filmmaking are a specific motif of this gathering. (Kathrin Rhomberg)
A love story. Or, rather, the idea of it. Love, that is just
another cinema cliché, but also: the love of cinema
and its clichés. Thus, the appearance of an iconography: the woman-in-the-little-black-dress and the
traveler. The camera pans over a bed, pillow, chaise
lounge, but that’s not the subject here. The day has arrived at the hour of the diffuse, the uncertain: blue
hour, magic hour, cocktail hour. Love, that means here:
the moment, pausing, the cigarette, staring off into the
distance, water, the multi-lane road that disappears
under the sea’s surface. (Translation: Charlotte Eckler)
ÆA 2011, 16 mm, 3:00
ÆCast Jacques Rozier, Emma, Jackie Raynal,
Marguerite Lantz, Monika Vykoukal
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ÆA 2011, 16 mm, 3:00
GUTES ENDE (BLISS)
Friedl vom Gröller
Die Königin stirbt. Und stirbt noch nicht. Sie schläft. Aber der Schlaf ist nahe am Tod und ihr Gesicht das
Gesicht einer Gestorbenen. La gueule ouverte. In den Zügen (schön einst, immer noch schön) dieser Spurenzug
von Grauen, der schlafenden alten Menschen und denen eigen ist, die gezwungen sind, die Nähe ihres Endes
zu ertragen. Sie erwacht. Sie kommt von weit her wie eine, die vom Grab aufersteht. Sie erschrickt. Sie weiß eine
Sekunde lang nicht mehr, wer und wo sie ist. Dann taucht sie empor ins Erkennen. Sie erkennt die, die an ihr
Bett getreten sind und die man im Film (noch) nicht sieht. (Harry Tomicek)
Portrait of the artist’s mother as an old woman. A farewell vignette, a final sketch from her nursing home, silent,
aloof, clumsy, metallic gray, candidly-bluntly-awkwardly direct. And proud of what she has accomplished &
what has remained incomplete, the lack of architecture & aesthetics & perfection & polish. Like all of Friedl
vom Gröller’s films, A Good End is as brief and to the point as a shock or a slap to a government minister’s
cheek. And as beautiful as a woman of a certain age who refuses to put on makeup, while rough gravel rattles
in the stomach of a she-wolf. (Harry Tomicek)
Friedl vom Gröller, *1946 in London, spent her childhood in Vienna and Berlin. From 1965-1969 she studied
photography at the School of Graphic Arts. 1968 first films. 1971 Masters certificate and commercial atelier for
photography. 2005 National award for photography. 1990 Founder and director of School for Artistic Photography,
Vienna until 2010. 2006 Founder and director of School for Independent Film, Vienna..
ÆA 2011, 16 mm, 3:00
ÆDirector Friedl vom Gröller
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COMING CLOSER
JAN VILLA
SNOW CANON
Natasha Mendonca
Mati Diop
Nach den Monsunfluten im Jahr 2005, die Bombay
überschwemmten, kehrt die Filmemacherin in ihre
Stadt zurück, um herauszufinden, welche persönliche
Auswirkung dieses verheerende Ereignis auf sie hatte.
Das Ergebnis, ein Reigen an Bildern, die den Ort einer
postkolonialen Metropole dokumentieren, jedoch auf
eine Art und Weise, die deutliche persönliche Züge
aufweist. Die durch die Flut verursachte Zerstörung
wird zur Erzählung und Analyse anderer verheerender
Ereignisse und die Zufluchtsorte, die Familie und Heimat darstellen.
Die Französischen Alpen, Februar 2011. - Vanina liebt
das Geräusch, wenn der Holzfußboden des Chalets
unter ihren bloßen Füßen knarrt, Vanina liebt es, vor
dem steinernen Kamin Sonnencreme auf ihre nackte
Haut zu reiben, Vanina liebt das gelbbraune Fell ihres
Kaninchens Souci, Vanina liebt es, den Ledergeruch
ihres weißen Sofas einzuatmen, Vanina liebt es, stundenlang die tiefschwarzen Augen der verschleierten
Frau in ihrer Postkartensammlung zu betrachten. Vanina liebt es auch mit Eloïse im Internet zu chatten.
Aber was Vanina wirklich liebt ist ihre amerikanische
Babysitterin Mary Jane ...
After the monsoon floods of 2005 that submerged
Bombay, the filmmaker returns to her city to examine
the personal impact of the devastating event. The result is Jan Villa, a tapestry of images that studies the
space of a post-colonial metropolis but in a way that
deeply implicates the personal. The destruction
wreaked by the floods becomes a telling and a dismantling of other devastations and the sanctuaries of
family and home. In its structure, Jan Villa is a vortex,
drawing to its centre all that surrounds it.
Natasha Mendonca is a visual artist and filmmaker
from Bombay, India. She holds a B.A from St. Xavier's
College, Bombay in Sociology and Anthropology and a
Masters in Film and Video from the California Institute
of the Arts. In 2003, she overcame India’s tough censorship laws around homosexuality and co-founded
Larzish, the nation’s first international film and video
film festival on sexuality and gender based in Bombay,
India. Her films were shown at other festivals including
the Berlin Lesbian Film festival and Queer Zagreb,
Croatia. She was a jury member of the Teddy Jury,
Berlin International Film Festival in 2004.
ÆIND 2010, Video, 20:00
ÆDirector, script, camera, editing, music
Natasha Mendonca
ÆDistribution Natasha Mendonca
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The French Alps, February 2011. - Vanina likes to listen
to the chalet’s wooden floor creaking beneath her bare
feet, Vanina likes to rub suntan lotion on her bare skin
in front of the stone fireplace, Vanina likes her rabbit
Souci's tawny fur, Vanina likes to breathe in the
leather scent of the white couch, Vanina likes to spend
hours contemplating the charcoal eyes of the veiled
women in her postcard collection. Vanina likes to chat
with Eloïse on internet. But what Vanina really loves is
her American babysitter, Mary Jane...
Mati Diop, *1982, lives and works in Paris. She directed her first short ›Last Night‹ in 2004. She joined the
Pavillon artistic laboratory of the Palais de Tokyo
(Paris) in 2006 and the contemporary arts studio in Le
Fresnoy in 2007. Leading actress in Claire Denis' film
›Trente-cinq rhums‹ (2009). She directed her first documentary ›1000 Suns‹ in 2008, an homage to her uncle
filmmaker Djibril DIOP Mambéty.
ÆF 2011, 35 mm, 30:00
ÆDirector Mati Diop
ÆScript Mati Diop, Judith Lévy
ÆCamera Jordane Chouzenoux
ÆEditing Ael D. Véga
ÆCast Nilaya Bal, Nour Mobarak,
Chan Coïc, Alban Guyon
ÆDistribution Aurora Films
DISTANT VOICES - STILL LIFES
MAISON SONORE
INSIDEOUT
Jonatan Schwenk
Tonje Alice Madsen
Maison Sonore beleuchtet kurze Szenen in
einem großen Gebäude voller Klänge. Auf
den verschiedenen Etagen warten die Menschen auf eine neue Melodie, die ihr Leben
verändert. Ein junger Mann bezieht eine
Wohnung in dem Gebäude und spielt zwischen den Umzugskartons einige zaghafte
Töne auf dem Akkordeon. Die lauschenden
Nachbarn bemerken erst gar nicht, dass die
Melodie, auf die sie schon so lange warten,
bereits gespielt wird.
Mit einer Kamera ist man nie allein. - Ein Tag – 24 Stunden –
setzt den Zeitrahmen für eine Reise in die dunklen Tiefen des
YouTube Dschungels, weit ab von Slapstick-Humor und Teenager Blogs. Die Charaktere in InsideOut sprechen in diesem
Forum offen über ihre Gedanken, Probleme und Krisen, so als
würden sie in einem Beichtstuhl sitzen. Wir kommen nicht umhin uns darüber zu wundern, was sie dazu veranlasst sich auf so
intime Art und Weise zu öffnen und an wen sie sich eigentlich
wenden. Der Film ist damit eine Art ›Patchwork‹, bestehend aus
kurzen Einblicken in das Leben vollkommen unterschiedlicher
Menschen, und basiert ausschließlich auf Sounds und Material
der Menschen auf YouTube. Diese skurrile Welt wird durcheinander gemischt, um eine neue Realität zu bilden - eine geteilte
Geschichte, die sowohl Wahrheit als auch Dichtung ist.
Maison Sonore contemplates short sequences which take place in a big sonorous
house. The inhabitants, wishing to get away
from it all, are waiting for a new melody,
which would change everything. A young man
moves into a flat there and plays a few tentative notes on the accordeon, in between
the packing cases. The listening neighbours
do not seem to notice that this is the melody
they’ve been waiting for all this time.
Jonatan Schwenk, *1987 in Göttingen, Germany. Finished school in 2007 and began his
studies at the University of Art and Design in
Offenbach in 2008. Since 2009 he is focusing
on film and animation. ›Sisypus Blues‹ (2009),
a stop-motion-animation, was followed in
2010 by the shortfilm ›Spitzen‹. His most
complex production so far is his animation
›Maison Sonore‹, he finished in 2011 as his
intermediate exam.
ÆD 2011, Video, 4:44
ÆDirector, script, camera, editing,
animation Jonatan Schwenk
ÆMusic Nils Wildegans
ÆDistribution Jonatan Schwenk
You’re never alone with a camera. - A day – 24 hours – sets the
frame for a journey into the dark depths of the YouTube jungle,
far from slapstick humour and teen blogs. The characters of
InsideOut reveal their thoughts, dilemmas and crises in this
open forum as if they were in a confession box. We are led to
wonder about what makes them open up so intimately and who
they are really addressing. The film is a patchwork of fragments
from the lives of completely different people, and is based exclusively on sound and footage from individuals on YouTube.
This pixilated world is mixed together to form a new reality – a
shared story that both exists and is fictional.
Tonje Alice Madsen, *1983 in Bodø, Norway, has been working in
the field of video-art and experimental film since 2006. She
graduated from The Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen, Department of Time Based Media in June 2011.
ÆDK 2011, Video, 24:41
ÆDirector, script, editing
Tonje Alice Madsen
ÆCast Anonymous YouTube Characters
ÆDistribution Tonje Alice Madsen
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DISTANT VOICES - STILL LIFES
GAINS + LOSSES
A KILLER REUNION
Leslie Supnet
Avi Krispin
Mit Hilfe situationsbedingter Charakterskizzen, erlaubt gains + losses den Einblick
in die Gedankenwelt Supnets über den Tod
und andere persönliche, alltägliche Ängste.
Eine Gruppe von Charakteren hält sich in einem ziemlich schäbigen Wohnraum auf, wobei sie ihre Tätigkeiten ständig wiederholen, so als würden sie nach einem schrecklichen Ereignis
scheinbar auf etwas warten. Ein Mann in einer Polizeiuniform
erscheint und die Protagonisten schauen ihn erwartungsvoll an,
als er den Raum betritt. Zunächst macht es den Anschein, als
ob er dort ist, um herauszufinden was passiert ist. Als er jedoch
beginnt, den Raum und die Menschen darin zu inspizieren, wird
klar, dass etwas ganz anderes passiert.
Through situational vignettes, gains + losses
illustrates Supnet's thoughts on death and
other personal, day-to-day anxieties.
Leslie Supnet is a visual artist from Winnipeg, Manitoba. She aims to represent sincerity, lived experience, and the ineffable in
both her drawing and animated work. Her animations have screened at various festivals,
such as the Images Festival, International
Film Festival Rotterdam, Signal & Noise, Image Forum Festival in Japan, and LA Film Forum.
ÆCDN 2011, Video, 3:25
ÆDirector, script, camera, animation
Leslie Supnet
ÆEditing Clint Enns
ÆDistribution
Winnipeg Film Group
A collection of characters in a slightly wrecked living room, repeating their same actions again and again, as if after some terrible event, seemingly waiting for something. A man in a police
uniform arrives, and the characters look up at his entrance expectantly. At first, it seems as though he is there to figure out
what has happened. However, as he begins to inspect the room
and its inhabitants it becomes clear that something else is going on.
Avi Krispin, *1980 in Israel, studied at the Gerrit Rietveld Academy (BFA, 2006) and the Sandberg Institute (MFA, 2008), and
works with short films, video installations and photography. She
attended the artist residency Skowhegan School of Painting and
Sculpture in 2009, and won the AIAS prize of honor in 2006. She
has exhibited internationally, and at festivals including the Kassel DokFest, the Moya Museum of Young Art in Vienna, and the
Rietveld Arsenale in the Venice Biennale.
ÆIL/NL 2011, Video, 7:54
ÆDirector, script, editing Avi Krispin
ÆCamera Daniella Nowitz
ÆCast Ori Sade, Ronit Ziv, Ronit Hadad,
Adi Lahat, Adi Ben Yaccov,
Ayelet Moreno, Avi Fisher
ÆDistribution Avi Krispin
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SPRINGTIME
MODERN NO.2
Jeroen Eisinga
Mirai Mizue
Ein Mann, der Künstler Jeroen Eisinga, sitzt an einem Tisch vor
einer Wand. Sowohl der Tisch als auch die Wand sind mit einem
sich ständig bewegenden Schwarm von Bienen bedeckt. Als die
Bienen den Körper und schließlich auch den Kopf und das Gesicht des Künstlers bedecken, ist nichts mehr von ihm zu sehen.
Er überlässt sich ganz der Natur und rückt dabei buchstäblich
in den Hintergrund. In dieser beunruhigenden Performance bewegt sich Eisinga auf der Schwelle zwischen Leben und Tod. Er
lässt es geschehen, dass sich 150.000 Bienen auf ihm niederlassen und er mindestens 30 mal gestochen wird. Ein klaustrophobisches Bild von Wagemut und Unterwerfung.
Ohne jegliches Zögern sind wir es angegangen. Wir haben die Welt in einer atemberaubenden Geschwindigkeit aufgebaut. Was
zum Teufel ist das für eine Welt, die wir da
geschaffen haben?
A man, the artist Jeroen Eisinga, sits at a table in front of a wall.
Both the table and the wall are covered in a constantly moving
mass of bees. When the bees cover the body, and eventually
also the head and face of the artist, the artist disappears completely. He gives himself over to nature and literally fades into
the background. In this disturbing performance, Jeroen Eisinga
balances between life and death. He lets himself be enclosed
by 150,000 bees and be bitten at least thirty times. A claustrophobic image of daring and submission.
Jeroen Eisinga, *1966, studied at the School of Arts in Arnhem
and at the Rijksakademie in Amsterdam. He lives and works as a
visual artist in Rotterdam.
ÆNL 2012, 35 mm, 19:00
ÆDirector, editing, production Jeroen Eisinga
ÆCamera Benito Strangio
ÆDistribution
We went for it without any hesitation. We’ve
formed the world at a quickening pace. What
on earth is this world we’ve created?
Mirai Mizue, *1981 in Tokyo, studied Animation at Tama Arts University from 2002. He is
known for his affection towards cells in his
non-narrative animation films. His films have
been nominated at such major animation festivals as Annecy, Zagreb, Ottawa and Hiroshima. In SICAF he made a commissioned film of
the festival in 2009 and was a member of
selection committees in 2010. As an illustrator, his drawings are acquired by a number of
Japanese novelists.
ÆJ 2011, Video, 4:15
Mizue Mirai
ÆDistribution
CaRTe bLaNChe, Tamaki Okamoto
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ENTERING THE STAGE
THICKER THAN PAINT THINNER
Babak Afrassiabi
Auf Grundlage einer wahren Geschichte, erzählt dieser Film von Hossein: einem ehemaligen Drogenabhängigen, der zum Revolutionär wird und nur wenige Monate vor dem Sieg der Revolution im Jahr 1979 im Iran ein
Kino in Brand setzt, und dabei, wenn auch ungewollt, den Tod von fast 400 Menschen in Kauf nimmt. Der Film
bezieht sich auch auf Seyyed, den Protagonisten des Films The Deer von Masoud Kimiaei, der während des Attentats in diesem Kino gezeigt wurde. Der Film Seyyed handelt von einem Drogenabhängigen, der in politische
Aktivitäten verwickelt wird und während einer Schießerei mit der staatlichen Polizei stirbt. Während Seyyed es
schafft für sein Vorhaben zu sterben, bleibt Hossein am Leben, wird jedoch von der nachrevolutionären Regierung vergessen. Selbst als er sich ergeben will und um Strafe bittet, wird er ignoriert.
Based on a true story, this film is about Hossein: a former drug addict who becomes revolutionary and sets fire
to a cinema in Iran a few months before the victory of the 1979 revolution, unwillingly causing the death of nearly 400 people. The film also makes references to Seyyed, the protagonist in the film The Deer by Masoud Kimiaei that was being screened in the cinema during the incident. In the film Seyyed is a drug addict who gets involved in political activities and dies in a gun battle with state police. While Seyyed succeeds in dying for his
cause, Hossein stays alive, but is forsaken by the post-revolutionary establishment, even when he wants to give
himself up and pleas for his own punishment.
Babak Afrassiabi, *1969 in Tehran, Iran, is a visual artists working across various media including video. He is
currently living in the Netherlands. His ›Satellite, as Long as it is Aiming at the Sky‹ (co-directed with Nasrin
Tabatabai) won the Dialog-award at EMAF Osnabrück in 2011.
ÆNL 2012, Video, 29:00
ÆDirector, script, editing, production Babak Afrassiabi
ÆCamera Claire Pijman
ÆMusic Morteza Mahjoubi
ÆSound design Babak Afrassiabi, Ludo Keeris
ÆCast Ayat Najafi
ÆDistribution Babak Afrassiabi
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STATE-THEATRE #2 TEHRAN
EXCURSIONS IN THE DARK
Constanze Fischbeck & Daniel Kötter
Kaya Behkalam
Die Vahdat Halle Teheran ist Irans erstes und einziges Opernhaus. Ihr Zuschauerraum ist der Wiener Hofoper nachempfunden. Seit der Islamischen Revolution 1979 finden in der Vahdat
Halle keine Opern- und Ballettaufführungen mehr statt. Zoom
Out: Regisseur Behrooz Gharibpour ersetzt den Opern-Sänger
durch eine Puppe, durch einen Dichter, durch sich selbst. Zoom
Out: Dach im Norden Teherans. Sara Reyhani, virtuelle Tänzerin,
imaginiert die Blick-Regime verschiedener unsichtbarer Bühnen.
Excursions in the Dark ist eine visuelle Studie der nächtlichen Straßen von Kairo nach
der Revolution, begleitet von einer inhaltsorientierten Schilderung; ist es ein Versuch,
die Verbindungen zwischen Architektur, kollektiven Traumlandschaften und politischen
Handlungen zu ergründen.
The Tehran Vahdat Hall is Iran's first and only classical operahouse. The main hall resembles Vienna State Opera. Since the
Islamic Revolution in 1979 no opera and ballet performances
have taken place in Vahdat Hall. Zoom Out: Director Behrooz
Gharibpour replaces the opera singer by a puppet, by a poet, by
himself. Zoom Out: Sara Reyhani, trained as a dancer, was featured as a soloist in the first performance of so called ›rhythmic
movement‹ on the stage of Vahdat Hall in 1999.
Constanze Fischbeck, *1968, studied set design, and now works
as a set designer for theater, music theater and dance. She has
also been working as a video artist since 1996. Space and the
current time of specific locations are always the initial points
from which her work unfolds. In her video works, she is interested in the intersection between documentary and staged moments in the context of an urban environment.
Daniel Kötter, *1975, works as a director and video artist with a
special interest in multiscreening and multiperspective video installations. His works explore and change between different media and institutional contexts, combining the techniques of
structuralistic experimental film and documentary/spatial design approaches.
Excursions in the Dark is a visual study of the
streets of post-revolutionary Cairo after
midnight, accompanied by an associative
narrative; it is an attempt to trace connections between architecture, collective
dreamscapes and political agency.
Kaya Behkalam is a Cairo-based, GermanIranian film maker and artist. He graduated
from Berlin University of the Arts in Art and
Media. He is a Meisterschüler of Maria Vedder.
ÆET 2011, Video, 19:30
Kaya Behkalam
ÆDistribution Kaya Behkalam
ÆD 2011, Video, 24:00
ÆDirector, script, editing Constanze Fischbeck, Daniel Kötter
ÆCamera Daniel Kötter, Constanze Fischbeck, Babak Salek
ÆMusic Jan Pasemann
ÆCast Sara Reyhani, Arezou Hosseini,
Maryam Eghbali, Ali Pakdast
ÆDistribution Constanze Fischbeck, Daniel Kötter
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FACEBOOK DIARIES
LANDSCAPE
PANIC ROOM
Yuhei Adachi
IP Yuk-Yiu
Für Landscape bediente ich mich der Koordinaten von
topographischen Daten von Yamagata, Japan, und
platzierte Tausende von Würfeln auf diese Daten, so
dass der Eindruck entstand, dass sich dieses Gebiet in
eine Schar von Würfeln verwandelt hätte. Diese Szene
zeigt die ›Landschaft‹ von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang und hält die Veränderungen von Licht
und Schatten in dieser Zeitspanne fest. Ich habe es so
einfach wie möglich gehalten und so nah wie möglich
am Phänomen der 3D-Grafiksoftware.
Über einen Zeitraum von drei Monaten gedreht, dokumentiert Panic Room die Vorgänge in einem kleinen
Tokioer Apartment vor und nach dem Erdbeben in Ostjapan und der darauffolgenden Atomkatastrophe im
Jahr 2011. Das schlichte Apartment, ein scheinbar
eintöniger Wohnraum, wird zum Spiegelbild einer
zusammenstürzenden äußeren Realität und einem
erschütterten persönlichen Zustand, wodurch eine
miteinander verwobene Parallele zwischen der
Außenwelt und dem Seelenleben entsteht, die die
panischen Zeiten in dieser riesigen Katastrophe
widerspiegelt.
I made this Landscape by taking the coordinates from
the topographical data of Yamagata area, Japan and
placed thousands of cubes on those data, making it
look as if the area had been transformed into a crowd
of cubes. This scene shows the ›landscape‹ from sunrise till sunset, and records the change of lights and
shadows during the span of time. I kept it as simple as
possible and as close as possible to the phenomena of
3DCG.
Yuhei Adachi, graduated at Sendai National College of
Technology. Currently studying Media Arts and Film at
Tohoku University of Art and Design.
ÆJ 2011, Video, 2:58
ÆDirector, script, camera, editing Yuhei Adachi
ÆDistribution Tohoku University of Art and Design
Shot over a three-month period, Panic Room documents a small Tokyo apartment before and after the
East Japan earthquake and the subsequent nuclear
outbreak in 2011. The ordinary apartment, a seemingly uneventful domestic space, becomes a mirror of
both a collapsing physical reality and a shaken personal state, creating an intertwining parallel between
the external and the psychological that reflects the
panicking times of the great catastrophe.
IP Yuk-Yiu is experimental filmmaker, media artist, art
educator and independent curator. His works, ranging
from experimental videos to live film performances and
media installations, and have been showcased extensively at international festivals including Ann Arbor
Film Festival (USA), European Media Art Festival (Germany), New York Film Festival (USA), the Image Festival
(Canada), VideoBrasil (Brazil), Transmediale (Germany)
and Yamagato International Documentary Film Festival (Japan). Currently he is Associate Professor at the
School of Creative Media, City University of Hong Kong.
ÆHK 2011, Video, 6:00
ÆDirector IP Yuk-Yiu
ÆDistribution IP Yuk-Yiu
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PROLEGOMENA TO VIRTUAL FRAMING OF A REVOLUTION
Petr Hátle
Eine experimentelle Expedition per Video in das digitale Labyrinth von Amateurfilmmaterial, das während der
arabischen Revolutionen entstand. Eine düstere Ode an eine Revolution, die sich selbst im Internet dokumentiert. Eine grausam anmutende Hommage an Helden von heute, im universellen Kampf für Freiheit und Würde.
Experimental video expedition into the digital labyrinth of amateur footage from the Arab revolutions. A Dark
ode to a revolution capturing itself online. Savage tribute to present heroes of the universal fight for freedom
and dignity.
Petr Hátle, *1983 in Prague. After studying Film Studies at the Faculty of Arts at the Charles University in Prague,
he studies at the Prague Film Academy FAMU, Department of Documentary Directing. He directed the films
›Hiltonleaving‹ (2006) and ›Návštevníci pevnosti‹/›Visitors of the Fortress‹ (2006) and gained a special award for
the documentary collection of films of FAMU students at the festival of Czech films › Finále Plzen 2008‹.
ÆCZ 2011, Video, 51:00
ÆDirector, script, editing Petr Hátle
ÆCamera Anonymous
ÆDistribution FAMU / Petr Hátle
45
FADE IN FADE OUT
MASTERING BAMBI
SPEECH ACT
Margit Lukacs & Persijn Broersen
Herman Asselberghs
Disneys Klassiker Bambi ist bekannt für seine Hauptfiguren, eine Reihe von niedlichen, menschenähnlichen Tieren. Ein ganz wesentlicher Protagonist ist
jedoch auch die Natur selbst: die unberührte Natur als
Grundkulisse, auf der Disney seine Figur Bambi aufbaute. Eine der ersten virtuellen Welten wurde hier geschaffen. Broersen und Lukács haben Disneys Vision
neu kreiert, haben den Wald jedoch seiner so einträchtig miteinander lebenden Bewohner beraubt.
Was übrig bleibt ist eine konstruierte und verlassene
Wildnis, in der die Natur zum Spiegelbild unserer eigenen Vorstellung wird.
Herman Asselberghs widmet seiner Aufmerksamkeit
einem weiteren weltweit beliebten Konsumartikel:
Avatar, der teuerste und kommerziell erfolgreichste
Film, der je produziert wurde. Durch einen langen
inneren Monolog, der die Form einer Vorlesung von
Filmstudenten animmt, deckt Speech Act einen
Themenkomplex ab, der weit über die Erwartungen an
das Kino hinausgeht. Als Höhepunkt der Mainstreamkultur, wird das Sci-Fi-Epos von James Cameron
reichlich Futter für eine Kritik über triumphierende
Transparenz bieten.
Disney's classic Bambi is well known for its main
characters, a variety of cute, anthropomorphic animals. However, an important protagonist is nature itself: the pristine wilderness as the main grid on which
Disney structured his Bambi. One of the first virtual
worlds was created here. Broersen and Lukács recreate Disney's vision, but they strip the forest of its harmonious inhabitants. What remains is a constructed
and lacking wilderness, where nature becomes the
mirror of our own imagination.
Persijn Broersen and Margit Lukacs are artists based
in Paris and Amsterdam, where they have been residents at the Rijksakademie. They work in a wide variety
of media, most notably video, animation and graphics,
producing a myriad of works that reflect on the ornamental nature of today's society. With intricate layers
of depersonalization, imagination and re-mediation
they animate the collective myths that characterize
contemporary culture.
ÆNL 2011, Video, 12:35
ÆDirectors Margit Lukacs, Persijn Broersen
ÆMusic Berend Dubbe, Gwendolyn Thomas
ÆDistribution Margit Lukacs, Persijn Broersen
46
Herman Asselberghs turns his attention to another
popular global consumer product: Avatar, the most expensive and highest-grossing film ever. By way of an
elaborated interior monologue taking on the form of a
film studies class, Speech Act covers a complex of
themes well beyond cinema concerns. As the acme of
mainstream culture, James Cameron’s sci-fi epic
turns out to provide ample fodder for a critique of triumphant transparency.
Herman Asselberghs, *1962 in Mechelen, is a Belgian
artist whose work focuses on the questioning of border
areas between sound and image, world and media,
poetry and politics. In 2007 he won the Transmediale
Award in Berlin. Herman Asselberghs, who has published extensively on film and visual culture, teaches at
the film department of Hogeschool Sint-Lukas Brussel.
He lives and works in Brussels.
ÆB 2011, Video, 29:00
ÆDirector, script Herman Asselberghs
ÆCamera Sebastien Koeppel
ÆEditing Fairuz
ÆCast Willy Thomas
ÆDistribution Auguste Orts
DESERT STATION
VIVA PARADIS
Dana Levy
Isabelle Tollenaere
Inmitten der jüngsten Revolution in
Ägypten, werden Beduinen in Israel, mitten im Nirgendwo, über das
Autoradio über den neuesten Stand
informiert. Plötzlich erscheint eine
Busladung von polnischen Pilgern
in der Einöde, auf der Reise durch
das ›Heilige Land‹, und posieren
mit den Kamelen der Beduinen und
machen Fotos.
Viva Paradis bietet eine Momentaufnahme von einem Land, Tunesien, das
sich mitten in einem Wandlungsprozess befindet; es zeigt Bilder von
einem verwaisten Luxushotel und den Ruinen von Karthago bis zu den
Spuren der jüngsten Revolution. Die Schlacht ist geschlagen, aber wie
geht es nun weiter? Viva Paradis widmet sich der Zeit, nachdem die Journalisten das Land verlassen haben und die Flut an Bildern in den Medien
versiegt ist. Einer Zeit, in der das Land für die Nachrichtenwelt nicht mehr
interessant ist und die Aufmerksamkeit auf andere Länder übergeht, in
denen heftigere Kämpfe stattfinden. Es ist auch der Moment, in dem die
Tunesier zu Atem kommen können und auf die Reformen warten, für die
sie so gekämpft haben. Das ganze Land scheint still zu stehen. Gleichzeitig kommen die ersten Touristen wieder, auf der Suche nach Sonne, so wie
es im Tunesien vor der Revolution war. Bienvenue à la nouvelle Tunésie!
Herzlich Willkommen im neuen Tunesien!
In the midst of the recent revolution in Egypt, Beduins in Israel are
updated on the latest news from
their car radio, in what seems to be
the middle of nowhere. Suddenly a
busload of Polish ›holyland‹ pilgrims fill the landscape, posing
with the Beduins’ camel and taking
pictures.
Dana Levy, * in Tel Aviv, Israel. She
completed her BA at Camberwell
College of Art, London and a postgraduate degree at Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee.
Since then she has been living in Tel
Aviv and creating photography,
video, and documentary. She has
taught video at Shenkar College of
Art. In 2008 she received the Young
Israeli Artist Award.
ÆIL 2011, Video, 3:33
Dana Levy
ÆImage copyright of the artist,
Courtesy Video Data Bank
ÆDistribution Video Data Bank
Viva Paradis captures a moment in a land, Tunisia, in the midst of transformation; from an abandoned luxury hotel and the ruins of Carthage to
the traces of the recent revolution. The fight has been fought, but how
should they now proceed? Viva Paradis focuses on the moment after the
journalists have left and the overflow of media images has stopped. When
the country has lost its news value and the attention has moved on to
neighboring countries where heavier fighting is taking place. It’s also the
moment for Tunisians to catch their breath and await the reforms for
which they have battled. Everything seems to stand still. At the same
time, the first tourists return, in search for the sun, as in the Tunisia of
yesterday. Bienvenue à la nouvelle Tunésie! Welcome to the new Tunisia!
Isabelle Tollenaere, *1984 in Ghent, lives and works in Antwerp. She
studied documentary filmmaking at Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design. Her graduation film ›Stil leven / Still Life‹ (2007)
was the winner of the Belgian competition at the Courtisane Festival in
2008, where she won again in 2010 with ›Trickland‹, her first film after
graduating. She also worked as a production assistant for Auguste Orts, a
Brussels-based artist collective.
ÆB 2011, Video, 17:25
ÆDirector, script, camera Isabelle Tollenaere
ÆEditing Isabelle Tollenaere & Tom Denoyette
ÆDistribution Courtisane Festival
47
FAIRY TALES
DIE ANKUNFT EINES ZUGES
(ARRIVAL OF A TRAIN)
DIE METRIK DES ZUFALLS
(THE METRICS OF COINCIDENCE)
Telemach Wiesinger
Werner Biedermann
Die Gebrüder Lumière richteten Ihren Filmapparat auf die Ankunft eines Zuges und
erfanden damit das Kino. Ein Ereignis, das
bis heute seinen Reiz nicht verloren hat.
Das menschliche Leben kann man als Reigen von Zufällen
betrachten oder als Ergebnis von naturgemäß einander bedingenden Ereignissen. Der Film zeigt die Essenz eines möglichen
Lebensentwurfs. In einem Patchwork-Parcours durch die Filmgeschichte wurden Filmbilder aus ihren ursprünglichen Sinnzusammenhängen gelöst und in einen neuen Kontext gestellt.
Ein Lebenslauf wurde komponiert, wie er nur nach den Gesetzmäßigkeiten der Filmmontage und mit der Fantasie des
Zuschauers möglich ist.
The Lumière brothers pointed their apparatus on the arrival of a train, and invented this
way the art of movie-making. This event
didn't loose any of its attraction until today.
Telemach Wiesinger, *1968.Studied Visual
Communication at HbK Kassel/Germany,
Diploma 1994. As award winning photographer he is working for many art books and exhibitions around the world. As filmmaker his
experimental films are shown at numerous
festivals. Visiting Lecturer at University of
Wisconsin or University of Illinois at Chicago
and others.
ÆD 2011, 16 mm, 3:00
ÆDirector, script, camera, editing Telemach
Wiesinger
ÆMusic Andreas Gogol
ÆCast Markus Dörner,
Dagmar Dörner
ÆDistribution Telemach Wiesinger
Human life might be regarded as a round dance of mere coincidence or as the result of either natural or spiritual determination. Formed from found footage, the film presents the essence
of a possible design of a biography. By a kind of patchworked
parcours through film history, series of frames have been removed from their original context and rearranged. Thus a 'biography' has been composed, one that is possible only by means
of film montage and the viewer's imagination.
Werner Biedermann, *1953 in Essen, Germany. Studied Design
/Visual Communication at Essen University. Held lectureships at
the Universities of Münster and Essen and was head of the Communal Cinema, Essen. Editorial work with various daily newspapers, and author of a number of contributions to specialised film
magazines as well as of books and compilations relating to the
subject. Board member of Filmbüro NW for two legislative periods.
ÆD 2011, Video, 4:23
ÆDirector, script Werner Biedermann
ÆEditing, sound Ferdinand Fries
ÆMusic Boris Viranco
ÆDistribution Werner Biedermann
48
GLUCOSE
DARK ENOUGH
Mihai Grecu & Thibault Gleize
Jeanne Liotta
Ein ruhige, schlängelnd verlaufende Arbeit, voll von
überraschenden Symbolen und herrlichen Bildkompositionen mit Elementen wie Fisch, Wasser und Riesenfutter. Dabei werden die Beobachtungen des Zuschauers auf unorthodoxe Art und Weise stimuliert. Auf
Basis des Prinzips der ›Quanten-Unbestimmtheit‹ in
der Quantenmechanik, zeigt es einen Ort, an dem physikalische ›Störungen‹ vorkommen: einige Oberflächen sind unerwartet durchdringbar, während die
Skala der Lebewesen und Objekte umgekehrt oder
verstellt ist ...
Ein kleines Buch mit persönlichen Gedichten über den
nächtlichen Himmel von der aus New Mexico stammenden Dichterin Lisa Gill fiel mir in die Hände und
der gesamte Kosmos kam mir plötzlich theatralisch
vor, quasi wie eine virtuelle Guckkastenbühne, auf der
die Poesie sich selbst darstellen kann. Text als Text,
Text als Bild, wobei die Illustrierung eines poetischen
Bildes durch die Poetik des Bildes vermieden wird. Der
Ton ist komponiert aus den Brummen von 60 HertzLautsprechern und einer tibetanischen Glocke.
A calmly meandering work filled with surprising symbols and delightful compositions with elements including fish, water and giant food. At the same time,
the viewer’s observations are stimulated in an unorthodox way. Based on the ›quantum indeterminacy‹
principle of the quantum mechanics, it depicts a place
where physical ›bugs‹ happen: some surfaces are unexpectedly penetrable while, the scale of beings and
objects is inverted or misplaced...
Mihai Grecu, *1981 in Romania. After art and design
study in Romania and France, he has been pursuing his
artistic research at Le Fresnoy Studio of Contemporary
Arts. Recurring topics such as distress, cloning, hallucination, city life and war articulate the whole of his exploration of mysterious and subconscious beginnings.
Thibault Gleize, Graphic desiger, illustrator. Diploma
from Arts Décoratifs de Strasbourg in 2004. Lives and
works in Paris.
ÆF/ROM 2012, Video, 6:00
ÆDirector, script, camera, editing, sound design
Mihai Grecu, Thibault Gleize
ÆMusic Thibault Gleize
ÆDistribution Mihai Grecu,Thibault Gleize
A small book of personal poems about the night sky by
New Mexico poet Lisa Gill made its way into my hands
and the whole cosmos struck me as quite theatrical:
hence a virtual proscenium stage for poetry to play itself upon. Text-as-text, text-as-image, avoiding poetic
illustration by way of poetic illustration. Sound composed for 60 cycle speaker hum and Tibetan bell.
Jeanne Liotta (NYC/Colorado) makes films and other
cultural ephemera. Her most recent body of work The
Science Project encompassed a constellation of mediums at a curious intersection of art, science, and natural philosophy, and includes Observando El Cielo
(2007), her 16mm film of the night skies. She has taught
widely and variously, and is presently Assistant Professor of Film Studies at The University of Colorado Boulder, and is on the film/video faculty at the Bard MFA.
ÆUSA 2011, Video, 7:50
ÆDirector, camera, editing, music
Jeanne Liotta
ÆDistribution Jeanne Liotta
49
FAIRY TALES
TOTALE MONDFINSTERNIS
ÜBER DEM MEER
FRAGILE ESQUIF
GAS AVALON
Michael Brynntrup
Thomas Bartels
Carsten Aschmann
Die Erde von der Erde aus betrachtet. Weltanschauung vor kosmischer Hintergrundstrahlung. ›Vom
Mond aus gesehen stellt sich eine
Mondfinsternis als Sonnenfinsternis dar.‹ (http://de.wikipedia.org
/wiki/Mond - uptodate110401)
In endlos weisser Leere schwebt
das Gerippe eines Bootes. Ein
Mann sitzt darin. Er paddelt durch
dies lichte Meer. Er hält Ausschau.
Er zeichnet. Er dreht sich im Kreis.
Er angelt im Nichts. Eine Flaschenpost taucht auf. Die Botschaft findet sich zwischen den Bildern.
Unter einer interaktiven Oberfläche
treffen wir auf die Welt von Gas
Avalon, in der andere Gesetze gelten. Kugeln dienen als Fortbewegungsmittel, Kunstrichtungen beschreiben Bilder einer Ortlosigkeit.
Mensch und Kunst transzendieren
im Kraftwerk zu Dampf. Als vernunftbegabte Seelenatome kehren
wir in die Wirklichkeit zurück.
Total Lunar Eclipse over the Ocean.
The earth as seen from the earth.
Weltanschauung in front of cosmic
background radiation. ›As seen
from the Moon, a lunar eclipse
would appear as a solar eclipse.‹
(http://de.wikipedia.org/wiki/Mond
- uptodate110401)
Michael Brynntrup, *1959 in Germany. Studied in Freiburg, Rome
and Berlin. Master degree Fine Arts
in 1991 (Filmklasse HBK Braunschweig). Elektrography, Copyart ,
Photography, FilmVideo, Netart and
Video-Installations. Numerous international exhibitions and film /
media art awards. Since 2006 Professor for FilmVideo at Braunschweig University of Art. - The
artist lives and works.
ÆD 2011, Video, 15:00
ÆDirector, concept, camera,
editing Michael Brynntrup
ÆConstruct, electronics
Uwe Bohrer
ÆCast Oscar Serre
ÆDistribution Michael Brynntrup
50
All is completely white and there is
nothing around. Just a small boat.
Actually it is the wooden framework of a boat and a man fishing.
Lots of frames. And drawings. Spirals. A bottle. Of course there is a
message inside. Very strange.
Thomas Bartels, *1960 in Goettingen, Germany, studied painting, film
and sculpturing at Academy of Fine
Arts, Braunschweig from 1982 1994. Films, kinetic sculptures and
various teaching contracts since
1986. International travels and exhibitions. Since 2010 Atelier at the
Braunschweiger Künstlerhaus.
ÆD 2011, 35 mm, 15:20
ÆDirector, script, editing,
animation, cast Thomas Bartels
ÆCamera Sonja Wegener,
Yvonne Salzmann
ÆMusic Wolfgang in der Wiesche,
Uwe Walter
ÆDistribution Thomas Bartels
Penetrating an interactive surface,
we encounter the world of Gas
Avalon, where completely different
rules apply. Bullets serve as forms
of locomotion; artistic genres depict a landscape of placelessness.
Man and art transcend to vapor in a
power station. As atoms of a soul
that has the gift of reason, we return to reality.
Carsten Aschmann lives and works
in Hannover. He has studied experimental-film at the HBK-Braunschweig in the filmclass by Büttenbender and Birgit Hein. The last
years he worked a lot as an editor
and producer for documentary projects by hula-offline. Mainly he is a
filmmaker, and a screenwriter. His
films are screened worldwide.
ÆD 2011, Video, 14:00
Carsten Aschmann
ÆMusic Stilluppsteypa, BJ Nilsen
ÆCast Michael Bruns
ÆDistribution Carsten Aschmann
STROKKUR
JARDIN DU SEL (SALT GARDEN)
João Salaviza
Rose Lowder
Anfangs war da die Idee an einem neutralen
und unbekannten Ort aus dem Nichts etwas
zu machen. Bilder und Sound zu sammeln,
anstatt sie zu produzieren. Die Kamera, das
Mikrophon und der Mini-Verstärker: Werkzeuge, die aufnehmen und dann wiedergeben. Wir stellten eine Regel auf: der Sound
sollte das Bild nicht darstellen und das Bild
sollte den Sound nicht überdecken.
Die Entstehung einer Salzblume ist ein Prozess, in dem eine
Sättigungskonzentration von Meerwasser bis zur Kristallbildung erreicht wird. Der landwirtschaftliche Charakter entsteht durch den Begriff ›Salzgarten‹. Sechs poetische Bilder,
von denen fünf von Sonne, Wind und Meer handeln und das letzte Bild einen kleinen brachliegenden Park zeigt.
In the beginning the idea was to make something from nothing, in a neutral and unknown
place. Collect images and sounds instead of
producing them. The camera, the microphone and the mini-amplifier: tools that take
away and then give back. We defined a rule:
the sound shouldn’t illustrate the image and
the image shouldn’t absorb the sound.
João Salaviza, *1984, studied cinema at Escola Superior de Teatro e Cinema in Lisbon
and completed his studies at the Universidad
del Cine in Buenos Aires. In 2009, with ›Arena‹, he won the Palme d’Or for best short film
at the Cannes Film Festival.
ÆP 2011, Video, 7:16
João Salaviza
ÆMusic Noberto Lobo
ÆCast João Salaviza, Noberto Lobo
ÆDistribution
AGENCIA - Portuguese Short Film Agency
The production of sea salt flower is a process of the concentration- saturation of sea water until in order to form crystallisation. The agricultural character of the activity is evoked by the
term ›salt garden‹. Six poetic pictures, five based on the sun,
the wind and the sea, while the last rests on a small park left
fallow.
Rose Lowder, *1941. After training as a painter and sculptor in
artist’s studios and art schoolslike La Escuela de Bellas Artes in
Lima and Chelsea School of Art, London, Rose worked in London
as an artist while earning a living in the film industry as an editor. From 1977 onwards she concentrated on studying the visual
aspect of the cinematographic process, and was encouraged by
Jean Rouch and his staff at the University de Paris X to present
some of her work as a thesis titled ›The experimental film as an
instrument towards visual research‹ (1987).Since 1977 she is active programming rarely shown films. To make this body of work
available to a wider public, she constituted a collection of films
and paper documents, The Experimental Film Archive of Avignon
(1981). Since 1996 Lowder is associate professor at the University de Paris I.
ÆF 2012, 16 mm, 16:11
ÆDirector, camera, editing Rose Lowder
ÆMusic François Alexis Degrenier
ÆDistribution Light Cone
51
FLUX OF SOUNDS
ARCANA
Henry Hills
Ein durchkomponierter, musikalisch arrangierter Montage-Reigen. So nimmt sich Henry Hills’ Arcana aus, ein
fulminantes 30minütiges Cut-up-Epos, das Found Footage und Selbstgedrehtes mit einem vorgefertigten
Soundtrack in geradezu arithmetischer Manier verschränkt. Ausgangspunkt ist ein schriftliches Film-Treatment des Musikers John Zorn, worin 254 Szenen, gebündelt zu 15 Sequenzen, in kurzen, teils kryptischen
Beschreibungen festgehalten sind. Hills hat, ganz im Stile eines Harry Smith oder Bruce Conner, zu jeder der
254 Script-Anweisungen Aufnahmen unterschiedlichster Herkunft gesammelt und in einen komplex verzweigten Assoziationsstrom münden lassen. Unterlegt oder besser verzahnt ist die Szenenfolge mit Stücken aus der
John-Zorn-Komposition The Bribe (1998), einer musikalischen Hommage an den Krimiautor Mickey Spillane.
(…)
Zugleich spielt der Film beharrlich auf Alchemie und esoterisches Geheimwissen an, als ob hinter der Schnittfolge eine ars combinatoria höheren Grades stünde. Diese bleibt aber in dem Maße ungreifbar wie arcana den
Spannungsbogen bis zuletzt aufrechterhält – mittels einer musikalisch getakteten Montage, die ein vielstimmiges Resonieren, ja ein Mysterium der Bilder im besten Sinne bewahrt. (Christian Höller)
A globally composed, musically arranged montage-round: so Henry Hills’s Arcana appears to be, a fulminant 30minute cut-up epic that takes footage – both found and shot by the filmmaker – and crosses it in an almost
arithmetic manner with a pre-arranged soundtrack. The basis is a written film treatment of the musician John
Zorn, in which 254 scenes, bundled into 15 sequences, are captured in short, sometimes cryptic descriptions.
Hills, very much in the style of a Harry Smith or Bruce Conner, has collected takes of radically differing origin
for each of the 254 script directions and funneled them into a complexly ramified stream of associations. The
sequence of scenes is underscored, or rather, interlocked, with pieces from the John Zorn composition The
Bribe (1986), a musical tribute to crime fiction writer Mickey Spillane. (…)
At the same time the film plays tenaciously on the themes of alchemy and esoteric knowledge, as if a kind of
ars combinatoria of a higher degree was behind the sequence of cuts. This, however, remains elusive to the degree that arcana upholds a bridge between start and finish by means of a musically synchronized montage that
maintains a resonance of many voices, a mystery play of images in the best sense. (Christian Höller - Translation: Charlotte Eckler)
Henry Hills has been making dense, intensely rhythmic short experimental films since 1975. He was a 2009 John
Simon Guggenheim Memorial Fellow and his work is in the permanent collection of the Museum of Modern Art.
He divides his life between New York and Vienna and is Visiting Professor at FAMU in Prague.
ÆA / USA 2011, Video, 31:00
ÆDirector, camera, editing Henry Hills
ÆScript, music John Zorn
ÆCast Martina Kudlácek, Robert Gal, Henry Hills, Eve Heller
52
RIVER RITES
STUCK IN A GROOVE
Ben Russell
Clemens Kogler
Trance Dance und Wasserimplosion, eine ›Kino-Line‹
gezogen zwischen weltlichen Trips und religiösen Phänomenen. In einem einzigen Take an einer heiligen
Stätte am oberen Surinamfluss gedreht, werden die
kleineren Geheimnisse eines Saramakkanischen Animisten Tag für Tag offenbart, wobei die Zeit selbst
rückgängig gemacht wird. Riten sind die neuen Trypps
- die Inkarnation ist unser ewiges Alles. ›Animisten
sind Menschen, die erkennen, dass die Welt voller Personen ist von denen einige menschlich sind, und dass
das Leben immer in einem Verhältnis mit anderen gelebt wird.‹ (Graham Harvey, Animism)
Was haben Madonna, Massive Attack und Angela Merkel gemein? ›Friedrich Nietzsche,‹ könnte Clemens
Koglers Antwort auf diese Frage lauten. Mithilfe eines
Tools namens Phonovideo, bestehend aus Plattenspieler, Videomischern und bedrucktem Vinyl, animiert er Bilder der oben genannten in Echtzeit,
während auf der Tonspur eine männliche Erzählerstimme die Auswirkungen des Nietzscheanischen
Gedanken der ewigen Wiederkunft durchexerziert.
Dieser Bilderreigen auf (und über) Schallplatten, sowie die wohligen Wellen der Loungemusik, evozieren
einen hypnotischen Zustand. (Claudia Slanar)
Trance dance and water implosion, a kino-line drawn
between secular freak-outs and religious phenomena.
Filmed in a single take at a sacred site on the Upper
Suriname River, the minor secrets of a Saramaccan
animist everyday are revealed as time itself is undone.
Rites are the new Trypps -– embodiment is our eternal
everything. ›Animists are people who recognise that
the world is full of persons, some of whom are human,
and that life is always lived in relationship with others.‹ (Graham Harvey, Animism)
What do Madonna, Massive Attack and Angela Merkel
have in common? ›Friedrich Nietzsche‹ might be
Clemens Kogler's answer to this question. With the aid
of a tool called Phonovideo, which consists of a
turntable, video mixers and pressed vinyl, he animates
images of the individuals named above in realtime,
while at the same time a male narrator's voice goes
through the effects of the Nietzschean idea of eternal
return on the soundtrack. This chain of images from
(and about) record albums, and also the smooth waves
of lounge music, evoke a hypnotic state. (Claudia Slanar)
Ben Russell, *1976, is an itinerant photographer, curator and experimental film/videomaker whose works
have screened in spaces ranging from 14th Century
Belgian monasteries to 17th Century East Indian Trading Company buildings, police station basements to
outdoor punk squats, Japanese cinematheques to
Parisian storefronts, and solo screenings at the Rotterdam Filmfestival and the Museum of Modern Art. A
2008 Guggenheim award recipient, he began The Magic Lantern screening series in Providence, Rhode Island. Currently teaches at the University of Illinois in
Chicago.
ÆUSA / Suriname, Video, 11:30
ÆDirector, editing, sound design Ben Russell
ÆCamera Chris Fawcett
ÆMusic Mindflyer
Clemens Kogler: I’m from Austria, where I live in Linz. I
started studying classical painting and worked some
time in an ad-agency and for TV but finally decided to
make a career in film-making. In my work I try to create
little graphical microcosms, which have their own individual logic. I start with static images and try to find a
path of motion through these. Sometimes the whole
film consists only of one single picture. The process is
somehow similar to architecture, which also needs a
lot of planning ahead before building.
ÆA 2011, Video, 4:00
ÆDirector, script, camera, editing Clemens Kogler
ÆMusic Richard Eigner
53
FRANCINE
FRANCINE
Brian M. Cassidy & Melanie Shatzky
Die Gewinner des EMAF-Awards 2007 Brian M. Cassidy und Melanie Shatzky präsentieren ihren ersten Spielfilm Francine, in dem die Oscar Preisträgerin Melissa Leo die Hauptrolle spielt: Nach Verbüßung einer Haftstrafe lässt sich Francine in der nordamerikanischen Provinz nieder. In Aushilfsjobs versucht sie gesellschaftlich
wieder Fuß zu fassen. Doch der erhoffte Halt droht ebenso zu scheitern wie ihre Versuche, Verbindungen zu
Menschen in der Kleinstadt aufzubauen. Doch bleiben menschliche Beziehungen bloße Strohfeuer, Sicherheit
findet Francine lediglich bei Tieren – eine Entwicklung, die sich als tragischer Irrweg erweist.
Brian M. Cassidys und Melanie Shatzkys Spielfilmdebüt Francine konzentriert sich auf seine Titelfigur und
begleitet sie auf einem kurzen Abschnitt ihres Lebens. Oscarpreisträgerin Melissa Leo verdichtet die
Sehnsüchte und Nöte der verstörten Protagonistin mit bemerkenswerter Präzision und entfaltet dabei enorme
schauspielerische Wucht. Die Erzählweise des Films liefert keine psychologischen Herleitungen. Dennoch
kommen wir dieser fragilen Person, deren Leben keine Linie aufweist, sondern aus aneinandergereihten
Zuständen besteht, immer näher. Der Film findet eindrucksvolle Schauplätze, an denen die Protagonistin wie
ein Satellit durch die Bahnen ihres Lebens kreist: losgelöst, einsam und letztlich zum Absturz verdammt.
EMAF-Award winners 2008 Brian M. Cassidy and Melanie Shatzky are bringing their drama Francine starring
Academy Award winner Melissa Leo to this year's EMAF. After serving time in prison, Francine settles down in
small-town North America. Through a series of temporary jobs, she tries to regain a foothold in society. However, this security proves just as elusive as the connections she tries to forge with people in the town. As her human relationships falter, Francine looks to animals for support, a development that leads her in a tragically
wrong direction. Brian M. Cassidy and Melanie Shatzky’s fiction debut Francine focuses on the title figure during a brief chapter in her life. Melissa Leo conveys the longings and woes of the distressed protagonist with remarkable precision, delivering a performance of tremendous force. The narrative provides no psychological
backstory, and yet we grow increasingly close to this fragile person, whose life does not have a clear path but
rather consists of a series of emotional states. As the protagonist moves through the film’s impressive locations, her path through life is much like an orbiting satellite: detached, lonely and ultimately destined to crash.
Brian M. Cassidy, *1977 in Poughkeepsie, USA, and Melanie Shatzky, *1976 in Montréal, Canada, met in 2004 and
began working together on joint film and photo projects soon afterwards. They both graduated from the School
of Visual Arts in New York, where they founded their production company, Pigeon Projects, in 2005. ›Francine‹ is
their narrative feature debut in which they shot many diverse and beautiful locations, but ›incorporating so many
locations into a very tight shooting schedule was a large undertaking‹. They are in development on their next narrative feature project, but can't give details in the moment.
ÆUSA / CDN 2012, Video, 74:00
ÆDirectors, script Brian M. Cassidy, Melanie Shatzky
ÆCamera Brian M. Cassidy
ÆEditing Brian M. Cassidy, Benjamin Gray, Melanie Shatzky
ÆSound Nikola Chapelle
ÆCast Melissa Leo, Keith Leonard, Victoria Charkut, Dave Clark, Mike Halsteas
ÆProducers Joshua Blum, Katie Stern
ÆCo-production Washington Square Films, New York
ÆProduction Pigeon Projects, Montreal, Canada
ÆDistribution Washington Square Films, New York
54
FROM THE OTHER SIDE
JOUR SOMBRE
RELOCATION
Johannes Hammel
Pieter Geenen
Wenn Filmemacher existierende Filme als Ausgang
ihrer Arbeit nehmen und diese dann etwa physischen
und chemischen Prozessen aussetzen, dann produziert der Widerstand der narrativen Reste des
ursprünglichen Materials gegen die Verformung und
Abstrahierung der Bearbeitung einen neuen Subtext.
So auch in Johannes Hammels dreiteiligem Jour Sombre. Ausgangsmaterial sind private Filmaufnahmen
aus den 50er und 60er Jahren: Ausflüge in die Berge,
Wanderungen am Gletscher, Almhütten und Bergseen.
(Gerald Weber)
In der Morgendämmerung auftauchend, scheinen zwei
Berge im Dialog miteinander zu stehen. Es ist ein Dialog zwischen zwei Nationen, mit historischen, politischen, biblischen und utopischen Untertönen. Dieser
Dialog basiert auf Zeugenberichten und Aussagen von
Augenzeugen beider Konfliktparteien, ein Konflikt, der
bis ins frühe 20. Jahrhundert zurückgeht.
When filmmakers use existing footage as a raw material for their work and subject it to, for example, physical and chemical processes, the original material’s
narrative remnants resist deformation and abstraction, thereby producing a new subtext. This is the case
with Johannes Hammel’s three-part Jour Sombre. He
employed home movies shot in the 1950s and ’60s, of
trips into the mountains, hikes across a glacier, alpine
huts and lakes. (Gerald Weber)
Johannes Hammel, *1963 in Basel, Switzerland. Lives
and works as director, cinematographer and producer
in Vienna.
ÆA 2011, Video, 8:00
ÆDirector, script, camera, editing Johannes Hammel
ÆSound design: Heinz Ditsch
Emerging at dawn, two mountains appear to be in dialogue with each other. It is a dialogue between two nations, with historical, political, biblical and utopian
connotations. This dialogue is based on testimonies
and eyewitnesses from both sides of a conflict going
back to the early 20th century.
Pieter Geenen, *1979 in Hasselt, Belgium, lives and
works in Brussels. In his audiovisual productions he
questions the landscape as a bearer of meaning. Geenen is interested in the suggestive and evocative qualities of the landscape in different geo-political realities. His work has been presented among others at Film
Festival Rotterdam, New York Film Festival, VIDEOEX
(Zürich), Images Festival (Toronto), EMAF (Osnabrück,
DE), Hong Kong Film Festival, EXiS (Seoul), FID Marseille, Rencontres Internationales Paris / Berlin /
Madrid.
ÆB 2011, Video, 23:20
ÆDirector, script, camera, editing Pieter Geenen
ÆDistribution Argos Centre for Art and Media
55
FROM THE OTHER SIDE
REMEMBER
Eleonore de Montesquiou
Ein Jahr ist vergangen, seitdem Stanislaw Markelow, ein Rechtsanwalt und antifasistischer Aktivist mit einem
Schuss in den Nacken im Zentrum von Moskau getötet wurde. Anastasia Babourova, freie Journalistin für die
unabhängige Zeitung Nowaja Gaseta, die ihn begleitete, starb im Krankenhaus an ihren Verletzungen. Am 19.
Januar 2010 fand ein Marsch zur Erinnerung an den Morden dieser beiden Verteidiger der Menschenrechte
statt. Die Demonstration wurde von der Polizei aufgelöst, nachdem sie den Wortführer unterbrochen und ihm
das Megaphon entrissen hatten. Unser Marsch war die größte antifasistische Demo, die jemals in Russland
stattfand. Heute Nacht ereignete sich ein Wechsel bei der Politik auf der Straße. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte die Straße den Rechtsextremisten gehört.
Am 19. Januar 2010, war es ein Jahr seit Stanislaw Markelow, ein antifaschistisch engagierter Rechtsanwalt,
mit einer Kugel in den Hals erschossen wurde in der Innenstadt von Moskau. Anastasia Babourova, freie Journalistin für die unabhängige Zeitung Nowaja Gaseta, die bei ihm war, starb im Krankenhaus an ihren Verletzungen. Es war die erste Demonstration dieser Art in Moskau und sie wurde stark von der Miliz überwacht.
One year has passed since Stanislav Markelov, a lawyer and antifascist activist, was shot dead with a bullet in
the neck in the centre of Moscow. Anastassia Babourova, a freelance journalist working for the independent
newspaper Novaya Gazeta, who was with him, died of her injuries in hospital.
On 19 January 19, 2010 there was a march to commemorate the murder of these two defendants of human
rights. The demonstration was dispersed by the police after they interrupted the speaker and grabbed his
megaphone. Our march was the largest antifascist demo ever in Russia. Tonight there has been a change of balance in street politics. Until now the street belonged to the far right.
Eléonore de Montesquiou, *1970 in Paris, lives in Berlin and Tallinn. Her work is based on a documentary approach, translated in films, drawings and texts, it deals mainly with issues of integration/immigration/meaning
of a nation in Estonia, giving voice to the Russian community.
ÆRUS / D 2011, Video, 10:00
ÆDirector, script, camera, editing Eleonore de Montesquiou
ÆDistribution Eleonore de Montesquiou
56
COMS DEVICE
RIGID REGIME
Nadav Assor
Erkka Nissinen
Eine Schauspielerin gibt eine improvisierte Version
eines Monologs in Echtzeit wieder, den sie sich über
ihr iPod anhört und in dem es um einen Vorfall geht, in
dem ein erfundenes digitales Abtastgerät an einem
israelischen Armee-Checkpoint in Palästina eine Rolle spielt. Sie ist lediglich durch ihr Spiegelbild im Auge
des Kameramanns zu sehen (er ist auch derjenige, der
den Original-Monolog aufnahm). Das Bild entsteht
durch die Lo-Fi Version einer Kamerausrüstung zur
Blickbewegungsregistrierung, die normalerweise in
der Psychologie und bei der Marktforschung eingesetzt wird.
Eine Person ohne Arme, die die Dinge von außen
beobachtet, schwebt in einem Helikopter ein, um die
dortige Gemeinde zu inspirieren. ›Ein pornografischer
Monolog über die Gewissheit von Gefühlen in Hegelschem Sinne‹ mit ›einem starken amateurhaften
Erscheinungsbild‹. In Rigid Regime, werden dem
Protagonisten beide Arme abgetrennt, um ihn zu
stigmatisieren und er wird dann lebendig begraben. Er
akzeptiert die Situation, durchlebt die Geschichte der
Menschheit und sagt dem Leben leise Lebewohl.
(IFFR 2012)
A performer re-delivers in realtime an improvised version of a monologue she listens to via an iPpod, about
an incident involving an invented digital scanning device in an Israeli army checkpoint in Palestine, and related events. She is only visible through her reflection
in the camera-person's eyeball (he is also the one who
recorded the original monologue). The image is acquired via a lo-fi version of an eye-tracking camera rig,
such as is normally used for psychology and market
research.
Nadav Assor is an artist, working with subjective mediations of cities and bodies, exploring performed, humanized patterns within the apparatus of technology
via digital video installations and performances. He
has shown his work internationally in festivals, museums and galleries. He is the recipient of fellowships
and major emerging artist awards in both Israel and
the USA, and is currently a visiting professor of New
Media art at UNT in the US.
ÆDirector, script, editing Nadav Assor
ÆCamera Nadav Assor, Yoni Goldstein
ÆCast Lee Blalock, Nadav Assor
ÆDistribution Nadav Assor
An armless outside observer arrives by helicopter to
inspire the local community. ›A pornographic monologue about sense certainty in Hegelian sense‹ with ›a
strong home-made look and feel‹. In Rigid Regime, the
protagonist has two arms chopped off in order to stigmatize himself and is being buried alive. He accepts
the situation, goes through the history of mankind and
stammers farewell to life. (IFFR 2012)
Erkka Nissinen, *1975 in Finland, studied at Slade
School of Fine Art in London and gained an MFA degree
from the Academy of Fine Arts in Helsinki, Finland in
2001. In 2007 he had a residency at Rijksakademie
Amsterdam. His works have been exhibited internationally, for example in Ellen de Bruijne Project Space
in Amsterdam, Smart Projects Space in Amsterdam,
Helsinki City Art Museum’s Kluuvin Gallery and 1646 in
Den Haag.
ÆHK / FIN 2011, Video, 13:17
ÆDirector, script, camera, editing, music, cast
Erkka Nissinen
ÆDistribution AV-Arkki
57
HIGH DEFINITION
THE CORRIDOR
THE ACHROMATIC ISLAND
Sarah Vanagt
Sofie Thorsen
Fünf Tage lang begleiteten Sarah Vanagt und
Kamerafrau Annemarie Lean-Vercoe einen
Esel auf seinen wöchentlichen Besuchen bei
Senioren in englischen Altenheimen. Immer
wieder wurde der Esel mit offenen Armen
empfangen, mit Liedern, liebevollen Streicheleinheiten, Geschichten aus der Kindheit,
Gedichten und freudvollem Lachen. Nur als
der Esel den Raum von Norbert betrat, einem
Mann, der die Fähigkeit zu sprechen verloren
hatte, fand eine völlig andere Begegnung
statt.
Tableau-artige, stark abstrahierte Bilder in Schwarzweiß
beschreiben eine nicht näher definierte Insellandschaft. (…) Ein
Voice-over skizziert die Bedingungen des Sehens von Achromatopsie-Betroffenen: einem Sehen in Abstufungen von Grau, bei
dem Farbe eine Ahnung von Schattierungen ist, die auf Erzählungen von Farbigsehenden beruht – verbunden mit extremer
Lichtempfindlichkeit und einer großen Seh-Unschärfe. Sofie
Thorsen transformiert die achromatope Sehweise in filmische
Sujets: Überbelichtungen, Close-Ups oder Zooms verursachen
Unschärfen im Sehfeld, verschwommene Ränder oder die Auflösung von Bildern in einzelne Punkte. Das Gleißen der Sonne,
welches von den überbelichteten Ansichten reproduziert wird,
beruhigt sich am Ende des Films in nachtschwarzen Bildern.
(Christina Nägele)
For five days Sarah Vanagt and cinematographer Annemarie Lean-Vercoe followed a
donkey during its weekly visits to old people
in nursing homes in England. Time and again
the donkey was welcomed with open arms,
with songs, gentle strokes, childhood stories, poems, and laughter. It was only when
the donkey entered the room of Norbert, a
man who had lost his ability to speak, that an
altogether different encounter took place.
Sarah Vanagt, *1976, studied history at the
universities of Antwerp, Sussex and Groningen, and film at the National Film and Television School (UK). She makes documentaries,
video installations and photos.
In her more recent works, which often take
the form of video installations, Vanagt pursues her search for an audio-visual historiography, with a growing interest in a tactile approach of cinema.
ÆB 2010, Video, 6:45
ÆDirector, script Sarah Vanagt
ÆCamera Annemarie Lean-Vercoe
ÆEditing Effi Weiss, Amir Borenstein
ÆSound Maxime Coton
ÆDistribution Argos
58
Tableau-esque, heavily abstracted images in black-and-white
describe an island landscape that is given no greater definition.
(…) A voice-over outlines how those afflicted with achromatopsia see: a viewing in gradations of gray, in which color is a hint of
shadings, based on the tales of those who see color - combined
with extreme light sensitivity and profound visual blurriness.
Sofie Thorsen transforms the achromatic way of seeing into cinematic subjects: overexposure, close-ups, and zooms cause
blurs in the field of vision, hazy borders, and the dissolution of
images into individual dots. The gleam of the sun, which is reproduced by the overexposed views, calms at the end of the film
in images of nocturnal darkness. (Translation: Lisa Rosenblatt)
Sofie Thorsen, *1971 in Århus, Denmark. Since 1999 she lives
and works in Vienna.1993–1994 School of Visual Arts,
Budapest.1995–2001 Det Kongelige Danske Kunstakademi,
København. 1999–2001 Akademie der Bildenden Künste, Wien.
2005–2009 Teaching at the Academy of Fine Arts Vienna.
ÆA / D 2010, Video, 15:00
ÆDirector, script Sofie Thorsen
ÆCamera Hannes Böck
ÆEditing Sofie Thorsen, Hannes Böck
ÆSound Design Lukas Böck
DEATH MASK III
VICE VERSA ET CETERA
Ed Atkins
Simon Payne
Atkins schafft eine Art von bezaubernder Ambiguität,
magnetisch in ihrem melancholischen Charme. Er lädt
den Zuschauer zu einer persönlichen Reflexion ein
und obwohl er seine eigenen Erfahrungen als Plattform nutzt, rutscht er nie in ausschweifende Melancholie ab. Death Mask handelt von dem, was das
Menschliche ausmacht, von Glück und Verlust und
dem Umgang mit der Fehlbarkeit unserer eigenen Existenz.
Zehn Variationen von vier Übergängen verwandeln die
Leinwand über divergente, schwungvolle und kurvige
graphische Trennlinien von einem Feld mit beißenden
Komplementärfarben zum nächsten. Der Verlauf
dieser Übergänge wird gegenläufig unterbrochen und
immer frenetischer, vor allem wenn das Farbspektrum
auf reines Schwarz und Weiß übergeht.
Atkins creates a sort of entrancing ambiguity, magnetic in its melancholic charms. He invites personal reflection on the part of the viewer, and, despite using
his own experiences as a platform, never slips into
self-indulgent melancholy. Death Mask deals with
what it is to be human, from happiness and loss to
dealing with the fallibility of our own existence. (Jack
Hutchinson)
Ed Atkins, *1982 in the UK, works primarily with high
definition video and writing, exploring ideas of corporeality and materiality through digital and immaterial
means. Using prosumer digital technology while exploiting the conventions of cinema and literature,
Atkins attempts to materialise the body of the imagery,
the equipment and the figure behind the camera.
Atkins lives and works in London and holds an MA Fine
Art from Slade School of Fine Art. His recent work has
been shown at ICA, Whitechapel Gallery, Cabinet
Gallery and international venues.
Ten variations of four transitions transform the screen
from one field of clashing complementary colours to
another, via radiating, sweeping and twisting graphic
dividing lines. The course of these transitions is interrupted from the offset and becomes increasingly frenetic, especially as the spectrum turns to black and
white.
Simon Payne, *1975, has shown work in numerous festivals and venues including: the Rotterdam International Film Festival, the European Media Arts Festival,
Osnabrück; Media City, Windsor, Ontario; the Edinburgh
Film Festival; the Serpentine Gallery and Whitechapel
Galleries in London; and at Tate Modern for whom he
curated a series of programmes entitled ›Colour Field
Films and Videos‹ in 2008. He teaches at Anglia Ruskin
University, in Cambridge, and lives in London.
ÆGB 2010, Video, 10:00
ÆDirector, script, camera, editing Simon Payne
ÆDistribution Simon Payne
ÆGB 2011, Video, 34:46
ÆDirector Ed Atkins
ÆDistribution LUX
59
HIMSELF HE COOKS
HIMSELF HE COOKS
Valérie Berteau & Philippe Witjes
2004 arbeiteten wir an einem Dokumentarfilm über klassische Musik in Indien und Pakistan. Auf unserer Fahrt
durch Amritsar entschlossen wir uns, den ›Goldenen Tempel‹ mit unserer kleinen Videokamera im Gepäck aufzusuchen. Zuhause schnitten wir unser Material zu einem kurzen Essay mit dem Titel ›Golden Kitchen‹ zusammen, und entschlossen uns noch einmal zurückzukehren, um einen längeren Film zu drehen.
Ein filmisches Essay über hunderte anonyme, helfende Hände, bestens koordinierte Betriebsamkeit, Unmengen bunter Früchte und Reis und eine Vielzahl riesiger Kochtöpfe - hier findet die Zubereitung von Mahlzeiten
statt, für diejenigen, die sich kein Essen leisten können. Im Goldenen Tempel von Amritsar werden täglich über
50.000 kostenlose Essen von Hunderten Freiwilligen zubereitet. Die spontane Choreographie vieler ›menschenfreundlicher‹ Hände offenbart das Wesentliche und die Atmosphäre dieses faszinierenden Ortes. Dieser
Film, im Stil eines Dokumentarfilms gedreht, zeigt und betont die Bedeutung solcher Aktionen der Solidarität
in einer Zeit, in der Religionen zu Karikaturen degradiert und stigmatisiert werden, in der übermäßiger Konsum
zu Hungersnot führt und viele Menschen ihrer Räume für die so lebenswichtige Nahrung beraubt werden.
In 2004, we worked on a documentary about classical music in India & Pakistan. On our way through Amritsar,
we decided to pay a visit to the ›Golden Temple‹ with our small video camera. Back home, we edited our material into a short, five-minute essay called ›Golden Kitchen‹, that proved being very popular. Therefore we decided to go back and shoot a longer film.
A filmic essay about hundreds of unknown helping hands, - well-coordinated activities, tons of colorful fruits
and rice and giant cooking-pots - preparing meal for those who can’t afford. In the Golden Temple in Amritsar
hundreds of volunteers prepare 50,000 free meals every day. The spontaneous choreography of many philanthropists’ hands reveals the essence and atmosphere of this fascinating place. The documentary film-style reveals and highlights the meaning those acts of solidarity in a time when religions are caricatured and stigmatized, where over-consumption provokes starvation and deprives many people of spaces for essential nourishment.
Valerie Berteau, *1975, lives and works in Brussels. In the nineties, she started travelling and becoming involved
in photography. After completing studies in visual communication, photography and video she began to work as
a photojournalist and in film production. She was involved as coordinator of many cross-over projects with
associations and NGO’s.
Philippe Witjes lives and works as an independant cook & vidéo director in Brussels. Involved in various actions
related with democratic food , public oven (Recyclart), social canteens (Poverelo). Cook & Logistics manager for
various cultural centers, NGO’s…, backstage cook for concert halls in Belgium. He started to travel and cook in
various countries (Small Canteen in Antsirabe, Madagascar, volunteer cooking 1200 free meals daily in Cité
Soleil, Haïti, Porthmouth-Dominica, Toubabdialaw-Senegal.
ÆB 2011, Video, 65:00
ÆDirectors, script Valérie Berteau, Philippe Witjes
ÆCamera Philippe Witjes, Valérie Berteau
ÆEditing Simon Arazi
ÆMusic Fabrice Colet
ÆDistribution Polymorfilms, Valérie Berteau
60
NIGHT WATCH
THE PRACTICE OF LIVING
VIELLEICHT ZU LANGE
(MAYBE TOO LONG)
Ryan Jeffery
Petra Lottje
Das Platzen der Immobilienblase im Jahr 2008 zwang
Tausende von Amerikanern dazu, ihre Häuser zu verlassen. Obwohl sie weit von einer aktivistischen Hausbesetzerkultur entfernt waren, suchten Hunderte Bürger Schutz in den zahlreichen leerstehenden Häusern,
die zur Verfügung standen. Dem dargestellten Charakter fehlt die Verzweiflung der Obdachlosigkeit und des
aktivistischen Militarismus. In Ermangelung einer Krise folgt er lediglich Anweisungen. Was bleibt sind die
üblichen Dinge, die getan werden müssen, um sich an
einem Ort einzurichten, ohne Gedanken an Landbesitz
oder Eigentum verschwende zu müssen.
Hinter dem Film ist vor dem Film ist hinter dem Film
und wird zum Film. Was ist hier mehr Film, mehr
Fiktion - das schwarzweisse Paar oder der Text? Die
Untertitel und der Filmstreifen entstammen einem
Spielfilm (›Perhaps Love‹, 2005). Aus ihnen wurde eine
andere, neue Geschichte. Die Musik wurde aufgenommen, als sich Musiker des Staatstheaters Braunschweig vor dem Konzert warmgespielt haben.
The burst of the housing bubble in 2008 cast thousands of Americans out of their homes. With no connection to activist squatting culture, hundreds of citizens took shelter in the surplus of vacated houses
available. The character presented lacks the desperation of homelessness and activist militarism. In the
absence of a crisis, this squatter only follows instructions. What remains are the mundane actions required
to inhabit a space outside the imagination of land
ownership and property.
Ryan Jeffery is an artist and filmmaker born Fairfax
Virginia, S. His films and videos have screened at festivals as the Optica Film Festival, Sonar Festival, Festival Nouveau Cinema, 5 Days Off, and the International
Short Film Festival Leuven. Ryan has studied at the
Universität der Künste in Berlin and is currently completing his MFA at the California Institute of the Arts in
Los Angeles CA.
Behind the movie is before the movie is behind the
film and is the film. The narrow strip of the footage
subtitle has different issues: the couple receives the
subtitles - and react? What's more film, more fiction the black and white pair, or the text? The subtitles and
the film strip taken from a movie (›Perhaps Love‹,
2005). From them was a different, new story. The music was recorded, as the musicians of the State Theatre Braunschweig have warmed up before the concert.
Petra Lottje, *1973 in Rheda Wiedenbrück, Germany,
lives and works in Berlin. 1997–2004 study of Fine Arts
at Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig
2005 master student, Prof. J. Armleder, HBK, Braunschweig
ÆD 2011, Video, 5:50
ÆDirector, script, camera, editing Petra Lottje
ÆCast Karim Ben Abdelkader, Zohar Frank
ÆDistribution Petra Lottje
ÆDirector, script, editing Ryan Jeffery
ÆCamera Matthew Barbee
ÆCast Joe Haege
ÆDistribution Ryan Jeffery
61
NIGHT WATCH
PLANET OF SEXES
DAS HEIMWEH DER FELDFORSCHER
(HOMESICK SCIENTISTS)
Anssi Kasitonni
Robert Gwisdek
Wahrscheinlich der weltweit erste Film, der im ›fast‹Cinemascope-Verfahren auf 8-mm Film gedreht wurde. Das Bildformat ist 2.66:1, d.h. kasiscope mini-max.
Auf dem Planeten der Kriegerinnen, Kastrationsrobotern und eidechsenähnlichen Kreaturen erwartet
einen einsamen Piloten der US Air Force eine unerwartete Liebe. Die Handlung wechselt von der Dunkelheit
des Weltraums auf die Oberfläche des wüstenartigen
Planeten und in die Festungen unterhalb der Oberfläche mit grellem Licht. Überwältigende intergalaktische raumgreifende Bilder wechseln sich ab mit
extremen Close-ups vom Gesicht der Schauspieler.
Vier Feldforscher wollen heimkehren. Unglücklicherweise hat einer von ihnen anscheinend den Verstand
verloren. Da die Rückkehr nicht möglich ist, solange er
in diesem Zustand weilt, entflammt ein Streit, was mit
ihm zu tun sei. Wohin sie zurückkehren und was das
Objekt ihrer Forschung war, wird nunmehr zu einer
sich in den Vordergrund drängenden Frage.
It is probably the first movie in the world to be filmed
in almost-Cinemascope on 8mm film. The aspect ratio
is 2.66:1, i.e. kasiscope mini-max. An unexpected love
awaits a lonely US Air Force pilot on the planet of female warriors, castration robots and lizard creatures.
The action switches from the blackness of space to
the surface of the desert planet and into fortresses
under its surface with blinding. Sweeping intergalactic vistas are interlaced with tight close ups of the actors’ faces.
Anssi Kasitonni, *1978, graduated from Lahti Polytechnic, Institute of Fine Arts in 2003. Works with experimental film & video and sculpture. His animation
film ›The Knockers‹ was chosen for The Audience’s
Favourite at Mänttä Art Festival in 2003.
ÆFIN 2012, Video, 10:00
ÆRealisation Anssi Kasitonni
62
Four field researchers want to go home. Unfortunately, one of them apparently lost his mind. Since the return is not possible, as long as they remain in this
state, a controversy about what to do with him ignites.
Where do they come back and what was the object of
their research, now becomes a much more important
question.
Robert Gwisdek, *1984 in Berlin. In 2006 he graduated
in Potsdam study acting at the Academy of Film and
Television ›Konrad Wolf (HFF) and had at that time, his
first major engagements as actor in the feature ›NVA‹
(directed by Leander Haußmann) and in the Donna
Leon-TV thriller ›Verschwiegene Kanäle‹.
In 2008 he was awarded for the role as Anton Brenner
in the movie ›Väter, denn sie wissen nicht, was sich tut‹
for best young actor with the Günter-Strack-TelevisionAward. He is member of the hip-hop project ›Shaban
Feat. Captain Peng‹. ›Homesick Scientists‹ is his first
film as a director.
ÆD 2011, Video, 15:00
ÆDirector, script, editing Robert Gwisdek
ÆCamera Sonja Rom
ÆMusic Hannes Gwisdek
ÆCast Thomas Franzel, Anna-Luise Recke,
Daniel Zillmann, Rosalie Thomass
ÆDistribution Aug & Ohr Medien
EIN JÄGER AUS KURPFALZ
(A HUNTER FROM KURPFALZ)
MONICA PANZARINO SINGS
THE STAR-SPANGLED BANNER
Heaven
Monica Panzarino
Die Angefahrenen Schulkinder, live bei der
Quombodo-Weltmeisterschft 2011 in Daressalam, Tanzania.
In dieser Live-Aufnahme singt Monica Panzarino The StarSpangled Banner und trägt dabei ihren ›Freqshift/Reverb Audio
Bra‹, ein Performance-Tool, das die Künstlerin selbst entwickelt
hat. Der BH bedient sich zweier Hardware-Potentiometern
(Knöpfe oder ›Nippel‹), einem Arduino-Mikrocontroller sowie
einem Max/MSP Software Patch, um das Tonsignal ihrer
Stimme in Echtzeit zu verarbeiteten. Der rechte Nippel des BHs
stellt die Frequenz des Signals ein und der linke Nippel fügt den
Hall hinzu.
Die Angefahrenen Schulkinder, playing live at
the Quombodo-World Championship 2011 at
Daressalam, Tanzania.
Die Angefahrenen Schulkinder, comedyshow
founded in 1982. Members: Jo & Charlie
Granada-brothers, Keyboarder Dr. Ignatz Ignaz and Singer Heaven.
ÆD 2011, Video, 1:07
ÆDirector Heaven
ÆScript Die Angefahrenen Schulkinder
ÆCamera Manfred Pollert
ÆCast Jo Granada + Heaven
ÆDistribution Pogo Pop Musik
In this live recording, Monica Panzarino sings The Star-Spangled Banner with the aid of her ›Freqshift/Reverb Audio Bra‹, a
performance tool built by the artist. The bra uses two hardware
potentiometers (knobs, or ›nipples‹), an Arduino microcontroller, and a Max/MSP software patch to process the audio signal of her voice in real-time. The right nipple of the bra manipulates the frequency of the signal, and the left nipple adds reverb.
Monica Panzarino, *1979 in New York City, currently lives and
works in Chicago, Illinois. She received an MFA from the School
of the Art Institute of Chicago in 2011. Her work in video, sound
and performance has exhibited both nationally and internationally. Recent venues include the Chicago Underground Film Festival, video_dumbo in Brooklyn, New York, the 7th Busan International Video Festival in Busan, South Korea and the Cheekwood
Botanical Garden & Museum of Art in Nashville, Tennessee.
ÆDirector, script, editing Monica Panzarino
ÆCamera Joey Carr
ÆDistribution Monica Panzarino
63
NIGHT WATCH
YELLOW (MOBILERS)
APNOE
Torsten Zenas Burns
Harald Hund & Paul Horn
Äther-Rauchkameras / Wiederauferstehung. Die Entstehung von yellow mobilers / Bodybanks. Neu bearbeiteter tele(apport) / analoge Collabotronica. ((variable selbsterstellte Gleitfahrzeuge)))) Freilaufende nanobautica + ›tv:tulpoidalvision‹. Mobile Geografie als
Liefersysteme / communicorp Exemplar. Ausschnitte
von 16 Jahren versenkungsfähiger Choreographie...
(Besonderer Dank an Michael O'Malley & Chris Nelson)
Apnoe beschreibt vordergründig den Tagesablauf
einer Familie. Die Protagonisten haben jedoch erhebliche Probleme bei der Bewältigung ihres Alltags. Mit
Schwerelosigkeit konfrontiert, gerät das Familiengefüge ins Wanken und die Hierarchische Struktur
beginnt sich aufzulösen. Apnoe ist der dritte Teil der
›Schwerkrafttrilogie‹ von Hund & Horn. In ihren Filmen
führen sie lustvoll und ironisch räumliche Verhältnisse
und die Vorstellung von Normalität ad absurdum.
Etheric smoke cameras / ressurrectables. Contruction
yellow mobilers / bodybanks. Re-imagined tele(apport) / analog collabotronica. ((variable custom slippage-vehicles))))
Free-range
nanobautica
+
›tv:tulpoidalvision‹. Mobile geography as delivery system / communicorp specimen. 16 -year chunks of immersion-suited choreography... (Special thanks to
Michael O’Malley & Chris Nelson)
On the surface, Apnoe describes a day in the life of a
family. Yet the protagonists have considerable difficulty in coping with their everyday life. confronted
with no gravity, the family ensemble becomes unstable and the hierarchical structure begins to dissolve. Apnoe is the third part of a ›gravity trilogy‹. In their
films, Hund & Horn ereduce spatial conditions and the
notion of normality joyfully and wryly to absurdity.
Torsten Zenas Burns received his BFA in video in 1990
from the New York State College of Art & Design at Alfred University, and his MFA in New Genres: from The
San Francisco Art Institute in1993. He creates video,
photo and installation projects exploring speculative
content, including re-imagined educational practices,
experimental space programs, zombie splatstick, and
post-human choreographic fictions.
Harald Hund, *1967. Videoartist. Studied New Media at
the Academy of Fine Arts Vienna with Peter Kogler, at
the University of Applied Arts with Isabelle Graw and in
the open class. Participation in various exhibitions and
international shortfilmfestivals.
Paul Horn, *1966 in Amstetten, Austria. Artist and
filmmaker, lives and works in Vienna. Studied at Rhode
Island School of Design, USA and at the Academy of
Applied Arts, Vienna (with Maria Lassnig and A. Manthey). Teaches at the University of Arts, Linz / Upper
Austria.
ÆDirector, editing, cast Torsten Zenas Burns
ÆCamera Torsten Zenas Burns,
Chris Nelson, Michael O'Malley
ÆDistribution Torsten Zenas Burns
64
ÆA 2011, Video, 10:00
ÆDirector Paul Horn, Harald Hund
ÆScript Harald Hund
ÆCamera Viktor Schaider
ÆEditing Harald Hund
ÆSound Andreas Berger, Andreas Hamza
NO EXIT HOME
OVER THERE IS OVER HERE
NEON NO KUNI (LAND OF NEON)
Morehshin Allahyari
Aki Nakazawa
Over There Is Over Here untersucht die Dialektik von
Zeit und Raum, vom Realen und Irrealen, um die Position derer, die den Iran in den letzten 4 bis 5 Jahren
verließen in Beziehung auf die politischen Gefangenem im Iran heute, zu definieren und kritisch zu betrachten. Das Projekt bedient sich der 3D-Animation
und Datenverzögerungen, um eine gegenwartslose
Gegenwart darzustellen und Verlauf und Zerfall von
der Zeit zu dokumentieren. Die Animation ist ein bewusster Mix aus Realem und Irrealem, aus Erfundenem und Wahrheit.
Ich kehrte am 8. April 2011 nach Tokio zurück, um der
Beerdigung meiner Großmutter beizuwohnen.
Während die Massenmedien über die Katastrophe und
die radioaktive Verseuchung berichteten, spielten sich
direkt vor meinem inneren Auge Szenen ab: Lachende
Menschen in einer dämmrigen Stadt, eine große Demonstration und meine Familie unter Kirschblüten ...
Dieses nicht greifbare, unheimliche Gefühl und die
Angst im täglichen Leben sind unsichtbbar, aber heute dennoch spürbar im Land des Neons.
Das Video wurde durch das Projekt ›Between Yesterday & Tomorrow‹ inspiriert.
Over There Is Over Here explores the dialectics of time,
space, real and unreal to define and critique the position of those who have left Iran in the last 4 to 5 years
in relation to current political prisoners in Iran. The
project uses 3D animation and data glitch as a way to
illustrate presence-less presence and to show the
passage and collapse of the time. The animation is a
deliberate mix of real and unreal, fake and genuine.
Morehshin Allahyari is a new media artist and an art
activist. She was born and raised in Iran and moved to
the US in 2007. She received a BA in Media Studies from
Tehran University and an MA in Digital Media Studies
from the University of Denver. Her creative and research interest include the social, political and cultural issues of Iran, creative writing, media art,and collaborative art. She has been part of many different international exhibitions, festivals, and conferences.
ÆDirector, script, camera, editing, animation
Morehshin Allahyari
ÆMusic David Fodel
ÆDistribution Morehshin Allahyari
I was back in Tokyo on 8 April 2011 to attend my grandmother's funeral. While mass media reported about
the catastrophe and radioactive contamination, there
were scenes directly in my minid: Laughing people in
the slightly darkened city, a big demonstration and my
family under cherry blossom ... The vague weirdness
and fear in daily life are invisible, but perceptible now
in the land of neon. The video was inspired by the project ›Between Yesterday & Tomorrow‹ (http://solchord.jp).
Aki Nakazawa, *1976 in Tokyo, is video artist, curator,
and lives and works in Cologne, Germany. She studied
visual-media and video-art at the Art College of Nihon
University in Tokyo. She works for international film
and video festivals, institutions and museums as a
video-artist and as a curator. Her video ›Negai wo hiku
/ Drawing wishes‹ (2006) has been shown and awarded
in many international film and media-art festivals.
ÆD 2011, Video, 5:20
ÆDirector, script, camera, editing, cast Aki Nakazawa
ÆDistribution Aki Nakazawa
65
NO EXIT HOME
LIEBE VERGANGENHEIT
(DEAR PAST)
TAMPOPO HEAD
AND THE NAME OF THE DOGS
Rizki R. Utama
Toshie Takeuchi
Ein porträtierendes Selbstporträt über das
alltägliche Leben, die Kommunikation und
die wichtigsten zu stellenden Fragen zwischen der Vergangenheit und dem Jetzt, um
den Begriff von Heimat neu zu definieren.
Das Selbstinterview als meditative Reise, um
nach Hause zu finden, wodurch Heimat zu
einem trag-fähigen Raum wird.
Ein fiktionaler Spielfilm, der aus dem persönlichen Interesse
am Leben der ehemaligen Nachbarn der Filmemacherin, Hilko
und Ed, enstand. Hilko lebt zusammen mit sechs Hündinnen. Er
nannte einen seiner Welpen ›Toshie‹, dem Namen der Filmemacherin. Ein zweiter nannte er ›Janneke‹, nach der Tochter des
anderen Nachbarn Ed. Die Idee für die märchenhaft anmutende
Erzählung und die romantischen Bilder des Films entstand
durch die täglichen Erfahrungen und Gespräche. Neu arrangiert
mit imaginären Elementen und einer Interpretation des Verhälntnisses Mensch-Hund, untersucht der Film die melancholischen Handlungen, die Menschen machen, um ihre Emotionen
auf die Hunde zu projizieren.
Portraying self-portrait through daily life,
communicating and asking essential questions between the past and the now in order
to redefine the concept of home. Self-interviewing as a meditative journey to find home
which makes home itself a carry-able space.
Rizki Resa Utama known as OQ, *1982 in
Bandung, Indonesia. In 2005 he finished his
Bachelor from Padjajaran University, Bandung. His main artistic focus is on the issues
of social life in addition to integration, assimilation and everyday life. In 2006 he initiated
the 12th space initiative Button (now Buton
Kultur 21) in Bandung. Since 2009, he has
been studying fine art at HBK Braunschweig.
ÆD 2011, Video, 8:05
Rizki R. Utama
ÆDistribution Rizki R. Utama
A fictional film, derived from a personal interest in the lives of
the filmmaker’s former neighbours, Hilko and Ed. Hilko lives
with six female dogs. He named one of his puppies ›Toshie‹, after the maker. Another was named ›Janneke‹, who is a daughter
of the other neighbour, Ed. The fairytale-like narrative and romantic images of the film are inspired by daily experiences and
conversations. Recreated together with imaginary elements
alongside an interpretation about human canine relationship,
the film explores the melancholic acts of humans to project
their emotion onto dogs.
Toshie Takeuchi studied Photography and Audio Visual Art at the
gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. Her work deals with
naivety and sensitivity in human relationships. They are explored
in fairy-tale like narratives that are often based on theoretical
research, personal memories and experiences, as well as those
of people she interviews for her work, created with a sense of
humor and philosophical notion of animalism.
ÆNL 2011, Video, 17:30
ÆDirector, script, editing Toshie Takeuchi
ÆCamera Thomas Vroege, Manu Tau
ÆMusic Lars & Nikolaj Kynde
ÆCast Hilko de Vries, Janneke van der Putten,
Ed van der Putten, Toshie Takeuchi
ÆDistribution Eye Film Institute Netherlands
66
INQUIRE WITHIN
LIKE RATS LEAVING A SINKING SHIP
Jay Rosenblatt
Vika Kirchenbauer
Eine hypnotisierende, apokalyptische Untersuchung über falsche
Entscheidungen, Doppelbindungen, Verletzlichkeit und Vertrauen.
Lyrisch, ergreifend und doch zurückhaltend, ist Like rats leaving a sinking
ship ein sehr intimes Werk, das die eigene Subjektivität mit der klinischen Objektivität von medizinischen Berichten kombiniert, und damit
die wahren Absichten dieser Kategorisierungen infrage stellt.
Obwohl es der Thematik zur allgemein gültigen Hypothese zu Geschlechterrollen folgt, ist Like Rats Leaving a sinking ship tatsächlich eine tiefergehende Refektion des Verhältnisses von psychisch erkrankten Menschen und behördlichen Apparaten wie Staat, Gesetz und der Psychiatrie.
A hypnotic, apocalyptic examination of false choices, double binds,
vulnerability and faith.
Jay Rosenblatt has been making
films for more than 25 years. He is a
recipient of a Guggenheim and a
Rockefeller Fellowship. His films
have received many awards and
have screened throughout the
world. A selection of his films had a
one-week theatrical run at New
York’s Film Forum and most recently at MoMA in NY. Articles about his
work have appeared in The New
York Times, Sight & Sound and
Filmmaker.
ÆDirector, editing Jay Rosenblatt
ÆArchival Research
Lucas Morrison
ÆCreative Consultant
Harvey Schwartz
ÆDistribution Jay Rosenblatt
Lyrically poignant yet contained, Like rats leaving a sinking ship is an intimate piece that combines personal subjectivity with the clinical objectivity of medical reports, challenging the very notions of these categories.
Although in line with topics such as general assumptions of gender, Like
Rats Leaving a sinking ship is, in fact, a deep reflection on the relation of
abnormal individuals to authority apparatuses such as state, law and
psychiatry.
Vika Kirchenbauer is a transgendered filmmaker known for her personal
and poetic experimental works on identity, gender and political action.
After having worked in Portugal and Canada for several years, she is
currently living in Berlin and studying at HFF Potsdam film school. Her
work has been shown at festivals and galleries worldwide.
ÆD 2012, Video, 24:28
ÆDirector, script, camera, editing Vika Kirchenbauer
ÆMusic Nigel Farrelly
ÆDistribution Vika Kirchenbauer
67
THE OBSERVERS
THE OBSERVERS
Jacqueline Goss
Mit 16mm-Kamera und einer kleine Crew gedreht, porträtiert der Film eine der letzten mit Menschen besetzten Wetterwarten der Welt in zwei verschiedenen Jahreszeiten. Unter schweren klimatischen Verhältnissen,
extrem und unvorhersehbar, bilden die Landschaft und die Wetterstation die visuellen Rahmen für die einjährige filmische Begleitung zweier Klimatologinnen, die in der Mount Washington Wetterwarte arbeiten - eine der
ältesten Wetterstationen der Welt, in der Mitarbeiter seit 1932 stündlich die Windgeschwindigkeit und die
Temperatur ablesen.
Der Film, teils basierend auf Nathaniel Hawthorne Geschichte ›The Great Carbuncle‹, spiegelt die extreme und
sich stets wandelnde Schönheit des windigsten Bergs der Welt in imposanten Aufnahmen wider. 1938 wurde
dort am Gipfel eine Windgeschwindigkeit von 236 Meilen pro Stunde gemessen: ein Weltrekord für eine von
Menschen festgehaltene Windgeschwindigkeit. Goss Kameraführung, hauptsächlich geprägt von unbewegten
Aufnahmen aus ungewöhnlich langer Entfernung, lässt die Dinge sich entfalten ohne einzugreifen. Ein brillantes Dokument über die Schönheit der Natur und die Gefahren von Sturmwetter.
Jaqueline Goss portrays one of the world's last staffed weather observatories in two different seasons. Filmed
on 16mm film with a small crew under heavy climatic conditions extreme and unpredictable, the landscape and
the observatory station are the visual frames for a one year long observation of two female climatologist, who
work at the Mount Washington Weather Observatory in New Hampshire - one of the oldest weather stations in
the world where staff members have taken hourly readings of the wind speed and temperature since 1932.
Based in part on the Nathaniel Hawthorne story ›The Great Carbuncle,‹ this film features the extreme and varying beauty of the windiest mountain in the world. In 1938, a 236 mph wind hit the summit: a world record for
wind speed recorded by a human being. Goss’ camera work, largely consisting of steady, unusually long shots,
lets things unfold without intervention. A brilliant document about the beauty of nature and the danger of
stormy weather.
Jacqueline Goss, *1966 in North Conway, New Hampshire, is a videomaker and new media artist whose work
explores muted personal and historical narratives and negotiates the slides and snags one encounters while
moving between written and spoken communication. She currently teaches in the Film and Electronic Arts
Department at Bard College. She is a 2008 Tribeca Film Institute Media Arts Fellow and Winner of the 2007 Alpert
Award for Film/Video from the Herb Alpert Foundation.
ÆUSA 2011, Video, 67:00
ÆDirector, editing Jacqueline Goss
ÆCamera Jesse Cain
ÆSound Holland Hopson
ÆPerformance and production assistance Dani Leventhal, Katya Gorker
ÆImage copyright of the artist, courtesy of Video Data Bank, www.vdb.org
ÆDistribution Video Data Bank
68
PARABETON
PARABETON – PIER LUIGI NERVI UND RÖMISCHER BETON
Heinz Emigholz
Heinz Emigholz filmt seit dem Jahr 1993 tagebuchartig die Architektur der Moderne und dokumentiert damit
seinen filmischen Zugang zu den Gebäuden und ihren Architekten. In PARABETON stellt er die römischen
Betonbauten aus der Zeitenwende denen des italienischen Meisters des Betonbaus Pier Luigi Nervi gegenüber.
Der Film beginnt mit dem ersten, noch existierenden Kuppelbau aus Beton in Baiae bei Neapel, erbaut im 1. Jh.
v. Chr. Dann folgen in chronologischer Abfolge siebzehn noch erhaltene Bauwerke des italienischen Bauingenieurs Pier Luigi Nervi (1891–1979). Die Römer haben den flüssigen Stein, also Beton, erfunden. Nervi war als
sein genialer Gestalter Architekt der Moderne. Er begriff die Baukonstruktion als Kunst und Wissenschaft. Seit
Anfang der 1930er Jahre hat er Dach- und Kuppelkonstruktionen und Tragwerke aus Beton für Großbauten
entworfen und ausgeführt. Seine Erfindungen sind bis heute stilbildend für den Bau von Stadien, Hallen und
Hochhäusern geblieben. Beton bietet Möglichkeiten der freien Formgestaltung, und so wirken die Bauten mit
ihren Kuppeln, Schrägen und Wendeltreppen extrem kühn und stilbildend. Die fast menschenleeren Bilder lassen die Ruinen der Moderne, und die vertrauten, uns alltäglich begegnenden Betonkonstruktionen durch ihre
Lichteinfällen und ihren Schattenwürfen, ephemerer und unwirklicher erscheinen als die antiken Bauwerke.
PARABETON – PIER LUIGI NERVI AND ROMAN CONCRETE
Heinz Emigholz has been filming modern-day architecture in the form of a diary since 1993, documenting his
cinematic approach to these buildings and their architects. In PARABETON, he compares the Roman concrete
buildings from the start of the Common Era with those of Pier Luigi Nervi, the Italian master of concrete construction. The film starts with the first still existing dome structure in Baiae near Naples, built in the first century B.C. It is followed by a chronological array of seventeen preserved buildings by the Italian civil engineer Pier
Luigi Nervi (1891–1979). It was the Romans who invented the liquid stone, i.e. concrete. As its brilliant designer, Nervi was an architect of the modern age. For him, building construction was both an art and a science. From
the 1930’s on, he designed and built extreme roof and dome constructions and concrete frames for large buildings. His seminal designs and creations remain influential to this day for arenas, halls and skyscrapers. Since
concrete can be made into different shapes, the buildings with their domes, slopes and spiral cases have an
extremely audacious and seminal quality. Almost devoid of people, the images make the ruins of the modern
age and the familiar cement constructions of daily life with their play of light and shadow appear more
ephemeral and unreal than the edifices of the ancient world.
Heinz Emigholz, * 1948 near Bremen, was trained first as a draftsman before studying philosophy and literature
in Hamburg. He began filmmaking in 1968 and has worked since 1973 as a filmmaker, artist, writer and producer in Germany and the USA. In 1974 he started his encyclopaedic drawing series The Basis of Make-Up. He looks
back on numerous exhibitions, retrospectives, lectures and publications. In 1984 he started his film series Photography and beyond. He has held a professorship in Experimental Filmmaking at the Universität der Künste
Berlin since 1993, and co-founded the Institute for Time-based Media and the program Art and Media, there.
ÆD 2012, Digital, 100:00
ÆDirector, script, camera Heinz Emigholz
ÆEditing Heinz Emigholz, Till Beckmann
ÆSound design Christian Obermaier, Sound Mixer Stephan Konken
ÆRedakteur Reinhard Wulf, WDR
ÆProducers Frieder Schlaich, Irene von Alberti
ÆProduction Filmgalerie 451 in coproduction with WDR, Köln and 3sat, Mainz
ÆDistribution Filmgalerie 451
69
REALITY CHECK
COMMON WEALTH
I LOVE MY JOB
Robin Deacon
Tellervo Kalleinen, Oliver Kochta-Kalleinen
Das verlassene Gebäude des Commonwealth-Instituts; ein längst vergessener Text
von Thomas Mores Utopia. Durch die Architektur und die Worte entsteht die Vorstellung
einer idealisierten Gesellschaft, die im Film
einen ungenutzten Ort mit einer unerfüllten
Zukunftsvision vermengt.
Die Filmemacher luden Arbeiter und Angestellte aus Göteborg
und Helsinki dazu ein, Regie bei Kurzfilmen über die grauenhaften Zustände an ihren Arbeitsplätzen zu führen. Die Filme
dokumentierten sowohl die Wunschträume der Teilnehmer zu
entkommen als auch diesen unerträglichen Zuständen, denen
sie ausgesetzt waren, ein Ende zu bereiten. Ein professionelles
Filmteam und Schauspieler verhalfen diesen Menschen ihre
Visionen wahr zu machen. Sie boten ihnen die Möglichkeit alles
auszuleben, was sie in den düstersten Momenten ihres Arbeitslebens jemals tun oder sagen wollten. All die Monologe, die sie
in Gedanken in schlaflosen Nächten gegenüber Kollegen hielten; all die großen Auftritte im Büro des Chefs und all die
Racheakte, die während der langen, monotonen Arbeitsstunden
in ihren Köpfen schwelten dienten als Material für diese Filme.
An abandoned building in the form of the
Commonwealth Institute; an abandoned text
in the form of Thomas More's Utopia.
Through this architecture and these words,
the notion of an idealised society intersects,
which in this film merges a disused space
with an unfulfilled vision of the future.
Robin Deacon, *1973 in Eastbourne, England, is an artist, writer and filmmaker based
in the UK and the USA. Working since the early 1990's, much of his work encompasses live
performance with a series of performed lectures that have explored journalistic and documentary approaches to arts practice. His research in political biography led to a series of
performances on the lives of former US Secretary of State Colin Powell (2004 – 08) and
German Chancellor Angela Merkel (2005).
These works had a significant multimedia element and were often rewritten in response
to prevailing news events regarding their
subject. He is currently Assistant Professor in
Performance at The School of the Art Institute of Chicago.
ÆGB 2011, Video, 4:01
ÆDirector Robin Deacon
ÆScript Robin Deacon with text from
Thomas More
ÆCamera Martin Hampton, Andrew Fleming
ÆEditing Deborah May
ÆMusic John Avery
ÆDistribution Artsadmin
70
The filmmakers invited the workers and employees of Göteborg
and Helsinki to direct short films about the nightmarish situations experienced at their places of work. The films also showed
the participants’ fantasies of how they wished to escape from or
bring to an end the unbearable situations they encountered. A
professional film team and actors assisted in transforming the
vision into reality. It gave people the chance to act out anything
they ever wanted to do or say in the darkest moments of their
working lives. All the monologues delivered to co-workers during sleepless nights; all the imagined showdowns in the boss'
office and all the acts of revenge brewing in their minds during
long dull working hours provided the material for these films.
Tellervo Kalleinen, *1975, is a visual artist based in Helsinki,
Finland. Working with video, performance, intervention and
events, she constructs slightly twisted situations in which interaction can happen. Most of her works are participatory and are
based on creative collaboration with Oliver Kochta-Kalleinen,
*1971.
ÆFIN / S 2012, Video, 25:00
ÆDirectors, script, editing
Tellervo Kalleinen, Oliver Kochta-Kalleinen
ÆCamera Henrik Andersson, Kaspars Brakis
AMERICAN COLOUR
Joshua Bonnetta
›Bis zum Jahr 2011 gab ein Filmlabor in Kansas, das letzte, dass noch Kodachrome-Film entwickelte,
den K14 Entwicklungs-Prozess auf. Damit wurde das historische Filmmaterial obsolet. Im Jahr 2010
belichtete ich vierzehn Rollen Kodachrome 16mm-Film, die ich seit 1986 aufbewahrt hatte. Sie wurden mit dem letzten Schwung in Kansas entwickelt. Der aus diesem Material entstandene Film ist
American Colour. Er wurde über den Zeitraum von einer Woche gedreht, auf einer Reise vom Geburtsort des Kodachrome Films im Bundesstaat New York nach Kansas. Unter dem Eindruck seines Verschwindens untersucht der Film die historische und unvergleichliche Farbwiedergabe des Materials,
seine Farbtöne und Lichtwerte und deren Verhältnis zur US-amerikanischen Landschaft und Architektur.‹ (Joshua Bonnetta)
›In 2011, a processing facility in Kansas, the last to process Kodachrome, discontinued the K14 developing process. The historical stock became obsolete. In 2010, I photographed 14 rolls of Kodachrome 16mm, which had been stored since 1986. The stock was developed, in the last batch of
footage processed. The resulting film is American Colour. The film was photographed over a week
while traveling to Kansas from the birthplace of Kodachrome in upstate New York. In the wake of the
obsolescence of Kodachrome the footage is used to explore the stock's historic and unique rendering
of colour, hue and light value in relation to the American landscape and its architecture.‹ (Joshua Bonnetta)
Joshua Bonnetta lives and works in Toronto and Ithaca, New York. He is an artist, working with film,
video and sound in various modes of theatrical exhibition, performance and installation. His work has
been shown within North & South America, U.K., Europe, Russia and South Korea. He is the 2009 recipient of the National Film Board of Canada award to ›Best emerging/mid-career Canadian filmmaker‹
from the Images Festival.
ÆCDN / USA 2012, Video, 25:00
ÆDirector, camera, editing, sound, music
Joshua Bonnetta
ÆDistribution Joshua Bonnetta
71
REALITY CHECK
CHEVELLE
KREIS WR. NEUSTADT (A TO A)
Kevin Jerome Everson
Johann Lurf
Chevelle besteht aus zwei Automobilen von
General Motors, die ihrem Schicksal begegnen oder neue Formen entdecken.
Um eine sehr spezielle Form des Straßenbaus dreht sich dieser
Film, ganz buchstäblich. Eine Art Raumschiff aus Beton, eine
zum Kreisverkehr ausgebaute Unterführung, stellt das noch
tonlose nächtliche Einstiegsbild des Films. 22 Sekunden lang
wird die futuristische Anlage umrundet, ehe der Titel der Arbeit
– Kreis Wr.Neustadt – auftaucht und mit ihm das Knattern des
Motors, das den Rest des Films begleitet: Von einer Vespa aus
dokumentiert Lurf knapp 100 niederösterreichische Kreisverkehrsinseln in immer groteskeren Ausführungen und erstellt
dabei so etwas wie einen Katalog lokaler Bausünden. (Stefan
Grissemann)
Chevelle consist of two General Motors automobiles meeting their fate or discovering
new forms.
Kevin Jerome Everson, *1965 and raised in
Mansfield, Ohio. He has a MFA from Ohio University and a BFA from the University of
Akron.Over the past years he completed three
feature films and almost fifty short 16mm,
35mm and digital films about the working
class culture of Black Americans. The films
consist of the relentlessness of every day life,
as well as its beauty-and have a naturalistic,
almost documentary-like texture. He is currently a Professor of Art at the University of
Virginia, Charlottesville.
ÆUSA 2011, 35 mm, 7:30
distribution
72
This film centers on a very special form of street construction,
in a very literal sense. A type of space ship of concrete, an underpass created below a rotunda, is the silent backdrop that
serves as the nighttime entry into the film. The futuristic construction is traveled for 22 seconds before the title of the work
– A to A (Kreis Wr.Neustadt) – appears and thus begins the rattle of the motor that accompanies the rest of the film: from his
Vespa, Johann Lurf documents around 100 rotunda islands in
Lower Austria, shown in increasingly grotesque segments of
only a few seconds – and thus creates something of a catalogue
of local building malfunctions. (Translation: Charlotte Eckler
Johann Lurf, *1982 in Vienna. Since 2002 he has studied at Vienna's Academy of Fine Arts. 2009 diploma at Harun Farocki's filmclass.
ÆA 2011, 35 mm, 5:00
ÆDirector, script, editing Johann Lurf
ÆCamera Mark Gerstorfer, Anna Manhardt
ÆMusic Sound: Nils Kirchhoff
SHADOWS OF MEMORY
SILÊNCIO DE DOIS SONS
(SILENCE OF TWO SOUNDS)
REVIVING THE FITTEST
Rita Figueiredo
IngridMwangiRobertHutter
Im Inneren eines biologischen Hauses, das die Charaktere
beherrscht, erzählt eine Mutter ihrem Kind eine geheime
Geschichte, die auf einem Tonband verewigt ist. Zwei Säuglinge
schlafen, während sie die Geschichte hören; ihre Traumwelt
wirft jedoch andere Geheimnisse auf, die tiefer sind als die
unseren.
Wir hören das ominöse, krachende Geräusch
von fallenden Bäumen. Eine junge Frau, die
auf dem Boden schlief, erwacht und schließt
sich der Gruppe an. Plötzlich bemerken wir,
dass die jungen Leute die gefällten Bäume
wie mit magischer Hand wieder aufrichten.
A secret story stored in a reel tape is unfolded by a mother to
her child, inside an organic house which commands the characters. Two babies sleep while hearing the story; however, their
world of dreams casts other mysteries deeper than those of our
own.
We hear the ominous, cracking sound of
falling trees. A young woman who was sleeping on the ground awakens and joins the
group. Suddenly, we realise that the youth
are magically re-erecting fallen trees.
Rita Figueiredo, *1977 in Lisbon. In 1996 she moves to London to
study Fine Arts. In 2000, she is awarded a scholarship to study
16mm filmmaking in New York at the New York Film Academy.
She has been working as a short film director and an editor.
IngridMwangiRobertHutter, *1975 in NairobiLudwigshafen, is a unification of a female
and a male corporeality that fuses two consciousnesses, with the aim of developing a
body of artwork concerned with questions regarding conditions of human existence. The
use of the artist‘s own bodies to create performance, video and photographical imagery
is a central aspect of the work.
ÆP 2011, Video, 14:00
ÆDirector, script, camera, editing Rita Figueiredo
ÆAnimation Albert Lobo
ÆSound: Rita Figueiredo, Miguel Cabral
ÆCast Tânia Ferreira, Joana Pedro, David Sil, Gabriel Zuzarte,
Mercedes Zuzarte
ÆDistribution Rita Figueiredo
ÆD 2011, Video, 2:57
ÆDirectors, script, camera, editing
ÆCast Cheri Taylor, Sadé Taylor,
Kenyatta Hutter, Mukabu Hutter
ÆDistribution MwangiHutter
73
SHADOWS OF MEMORY
THE ART OF CATCHING
Jessica Bardsley
Zwei Erzählstränge, die sich im Laufe der Zeit überschneiden und miteinander verflechten: Der eine erzählt von
den persönlichen Erinnerungen vom Heranwachsen in einer Arbeiterfamilie in Florida, von Armut und Trauer
gebeutelt. Die andere Geschichte besteht aus Tagebucheintragungen einer fiktiven Frau, die eine Gruppe von
Männern auf einer Expedition durch die Everglades begleitet. Ziel ist es, den Florida Skunk Ape zu jagen und zu
fangen, ein rassistisches, mystisches Symbol. Der Tod scheint die einzig beständige Konstante in Bardsleys
fabelhafter und zum Teil autobiographischer Southern Gothic Geschichte zu sein, deren wilde erzählerische
Stränge auf wahrer historischer und geographischer Realität basieren. In den Strängen der Geschichte wechseln altes schwarz-weiß Material über das Leben in den Marshlands, wo die kleine Arbeiterfamilie sich durch
das Sammeln von Miesmuscheln über Wasser hält, mit neuerem 16-mm Farbfilmmaterial ab.
›Das Ziel besteht nicht darin, dass die beiden Zeitalter in Kontrast zu einander stehen, sondern uns daran zu
erinnern, woher Mythen kommen.
The Art of Catching features two main stories that overlap and interweave over time. One story recounts personal memories of growing up in a working class Florida family haunted by poverty and grief. The other story is
made of journal entries from an imaginary woman who was asked to accompany a group of men on an expedition through the Florida Everglades. Their aim is to hunt down and capture the Florida Skunk Ape, a racist,
mythic symbol. Death is apparently the only permanent figure in Jessica Bardsley’s fabulating and partly autobiographical Southern Gothic story, whose wild narrative threads emanate from a real historic and geographical reality. Bardsley illustrates the two threads of the story with respectively old black-and-white footage of life
in the marshlands where a small worker family lives off collecting mussels, and more recent 16mm colour
footage.
›The aim is not to have the two ages contrast each other, but to remind us where myths come from.‹
Jessica Bardsley's work has been presented by the Museum of Contemporary Art Detroit in conjunction with the
Ann Arbor Film Festival, the Dia Art Foundation, Kassel Dokfest, CPH:DOX, Antimatter Film Festival, Images
Festival, Anthology Film Archives, Rooftop Films and more. 2008 B.A. Cultural Studies (with Honors) New College
of Florida. She was awarded a Princess Grace Award in Film (2011) and is presently completing her MA at the
School of the Art Institute of Chicago.
ÆUSA 2011, Video, 35:00
ÆDirector, script, camera, editing Jessica Bardsley
ÆDistribution Jessica Bardsley
74
SEA SERIES #10
John Price
Laut einer Gruppe von christlichen Fundamentalisten in den USA, würde
Jesus am 21. Mai 2011 auf die Erde zurückkehren und die Hand Gottes
würde vom Himmel greifen und seine ›Auserwählten‹ zu ihm nehmen. Ich
dachte mir, der Strand könnte ein guter Ort sein, um dem Spektakel
beizuwohnen. An einem Nachmittag am Atomkraftwerk von Pickering
außerhalb von Toronto gedreht und teilweise mit dem Seewasser
entwickelt, ist er inspiriert oder gar provoziert durch die Nachrichten,
über das, was auf der anderen Seite des Ozeans passierte.
According to a group of Christian fundamentalists in the US, on May 21st
2011 Jesus would return to earth and the hand of God would reach down
and gather his ›chosen ones‹ up to heaven. I thought that the beach might
be a good spot to witness the spectacle. Shot in an afternoon at the Pickering nuclear generating station outside of Toronto and processed in part
with water derived from the lake, the film was inspired (or provoked) by
reports of what had happened across the sea.
John Price is a Toronto based independent filmmaker who has produced
experimental documentaries, dance and diary films since 1986. His love of
analog photography led naturally to extensive alchemical experimentation
with a wide range of motion picture film emulsions and camera formats.
He has received production support from The National Film Board, the
Canada Council for the Arts, the Ontario Arts Council and the Liaison of
Independent Filmmakers of Toronto and his work has been exhibited at
festivals and galleries internationally.
ÆCDN 2011, 35 mm, 10:00
ÆDirector, camera, editing John Price
ÆDistribution John Price
75
SOMETHING REAL
DISQUIET
LUCKY SEVEN
PHILL (1390)
SJ. Ramir
Claudia Heindel
Emad Aleebrahim-Dehkordi
Die Wanderung einer Figur durch
eine abgeschiedene Natur als Untersuchung von metaphysischen
Reisen durch Landschaften des
Geistes. Diese Reise wird von einer
in der Ferne auftauchenden, bedrohlichen Struktur unterbrochen
– diese repräsentiert Visionen von
Gesellschaft, von Erinnerung und
Bedürfnissen.
Die ›Troubles‹ sind vorbei, doch das Trauma
des Nordirlandkonflikts hat seine Spuren
hinterlassen. Drei Jungs auf der Schwelle
zum Erwachsenwerden. Es gibt keine Ziele,
die sie sich setzen, außer irgendwie die Zeit
totzuschlagen und ihre jugendliche Energie
an Dingen, Tieren und Menschen zu testen.
Jeder Tag ist anders, und doch ist jeder Tag
gleich. Eine nachdenkliche Geschichte aus
Nordirland, die sich aber genauso auch in
den Vororten von Paris, London oder Berlin
abspielen könnte.
Phill bedeutet Elefant auf
Persisch, 1390 ist im Iran
das Jahr 2011. Frei adaptiert aus Bildern eines
erfundenen Videospiels,
das Gus Van Sant für seinen Film Elephant gestaltete, bildet dieses Video
das Dekor des Spiels
nach. Den Fragen der Imitierung des künstlerischen Gestus und der von
Gewalt nachgehend, ist
Phill (1390) das schonungslose
Spiegelbild
von Gewalt, die keinen
Ausweg findet.
Disquiet uses the movement of an
anonymous figure through remote
environments to examine metaphysical journeys that are made
through landscapes within the
mind. Its journey is intercepted by a
looming structure – representing
visions of society, memory and
need.
Originally trained as a photographer, SJ.Ramir later moved to digital video - shooting scenes of lone
figures moving across remote and
isolated geographical landscapes.
His work is primarily concerned
with exploring existential themes
and the concept of journeys – both
physical and metaphysical. His
videos have been exhibited at art
galleries worldwide, as well as
many international film festivals including: 67th Venice International
Film Festival and the International
Film Festival Rotterdam.
ÆNZ 2011, Video, 8:15
music SJ. Ramir
76
Northern Ireland. The troubles are over but
have left their marks. Three boys on their way
to adulthood testing their juvenile strength
on animals, things and humans. Every day is
different and yet, every day feels the same. A
thoughtful story from Northern Ireland,
which could happen in suburbs of Paris, London or Berlin as well.
Claudia Heindel, *1976 in Nürnberg, Germany, was trained at a photographers after
her A-levels. Working experience in the camera dept. of fiction and documentary film
making for several productions in Berlin, Munich and Derry, Northern Ireland. Studied direction at the University of Television and
Film Munich. ›Lucky Seven‹ is her diploma
film.
ÆD 2011, 35 mm, 27:00
ÆDirector, script Claudia Heindel
ÆCamera Mark McCauley
ÆEditing Ulrike Tortora,
Claudia Heindel, Saskia Kievits
ÆMusic Adam Leonard
ÆCast Adam Doherty,
Sean Canning, Ryan Green
ÆDistribution HFF München
Phill means Elephant in
Persian and 1390 is the
year 2011 in Iran. Freely
adapted from images of a
fake video game designed
by Gus Van Sant for the
film Elephant, this video
recreates the decor of
this game. Exploring both
the questions of imitation
of the artistic gesture and
reproduction of the violent gesture, Phill (1390)
is the abrupt mirror of a
violence that can’t find a
vanishing point.
Emad AleebrahimDehkordi, *1979 in
Tehran, Iran. After
studying cinema at
the university of
Tehran he went to
France at the age of
22. Since this time
he’s working on
short films, video
art and art installations, in 2004 he directed a video untitled Identity and in
2005 a short film
untitled 1385. In
2009 he joined Le
Fresnoy – Studio
national- and created the video art
installation 1388Undo. He works and
lives in Paris and
Tehran.
ÆF 2011, Video,
12:35
ÆDirector, script,
editing Emad
AleebrahimDehkordi
ÆAnimation
Florence Piraux
ÆMusic HTRK
ÆDistribution
Le Fresnoy
MOTOR
MANQUE DE PREUVES
(LACK OF EVIDENCE)
Simone Bennett
Hayoun Kwon
Motor ist ein Kurzfilm/Musikstück über
Angst und Gerüchte, die sich wie ein Virus
ausbreiten. Wir verfolgen das heimliche
Verhalten einer Gruppe von sieben
Bewohnern eines Apartmenthauses.
Drinnen sickert Traurigkeit durch die
Wände, während draussen die Angst wie
ein sich ausbreitendes Feuer eskaliert.
In Nigeria, kann ein Zwilling zu sein, Segen
oder ein Fluch sein. Der Vater von O ist der
Häuptling des Dorfes. Eines Tages, versucht
er seine beiden Söhne für einer rituelle Zeremonie zu töten. O gelingt die Flucht, sieht
aber wie sein Bruder ermordet wird. Nach
seiner Flucht quer durch das Land, gelingt es
ihm durch Zufall Nigeria zu verlassen und
sich ins Exil nach Frankreich zu retten. Auf
Grundlage dieser Geschichte beantragt er
Asyl, das wird aber mit der Begündung abgelehnt, das er diese nicht beweisen kann.
Motor is a short film/music piece about
how gossip and rumour spreads like a
virus. We follow the secretive behaviour of
a group of seven inhabitants of an apartment building. Inside sadness seeps
through the walls, while outside, fear escalates like burning flames.
Simone Bennett is a filmmaker and visual
artist based in Amsterdam. After graduating from the audio visual art department
of the Gerrit Rietveld Academy, she
worked as a filmmaker in Berlin for several years. Simone met director of photography Lonneke Worm in a film course seventeen years ago, and they have continued
making films together ever since.
ÆNL 2011, Video, 9:00
ÆDirector, script Simone Bennett
ÆCamera Lonneke Worm
ÆEditing Tim Roza
ÆMusic Simon Lenski
ÆCast Henk Stuurman, Herman Gilis,
Sjaak Hartog, Fania Sorel, Walter Bart,
Toos Scheffers
ÆProduction, distribution Anotherfilm
In Nigeria, to be a twin can be a blessing or a
curse. The father of O is the village chief. One
day, his father tried to kill his two sons during a ritual ceremony: O managed to escape
but saw his brother being murdered. Having
fled across his country, he succeeded, by
chance, in leaving Nigeria and going into exile in France. In this context, he applied for
asylum but his application was refused because he could not produce any proof.
Hayoun Kwon, *1981 in Seoul, received a
DNSEP from the art school of Nantes, and
now works at the studio Le Fresnoy - National Studio of contemporary arts. Her work includes performances, video installations,
documentary and animation. Typical ingredients of her art are her unpretentiousness,
free writing and humour. Currently she is developing a documentary animation on social
imprisonment.
ÆF 2011, Video, 9:20
ÆDirector, script, cast Hayoun Kwon
ÆCamera Guillaume Brault
ÆEditing Oh Eun LEE, Hayoun Kwon
ÆAnimation Oh Eun LEE
ÆMusic Scanner
ÆDistribution Le Fresnoy
77
SOUNDS AND VISIONS
PEACOCK LEE
LEMON IN SEXXX
CREATIO
CONTINUA
Deborah Bower, Matthew Fleming, Annette Knol
John Deneuve, Doudouboy
Boris Dörning
Produziert unter Verwendung einer Technik
um 16-mm Film aus Brennpaste und Filmklebeband herzustellen. Filmtransportrollen
wurden entlang der Ränder der farbigen Paste gelegt, um eine Explosion von Farben und
Rhythmen via Projektor zu erzeugen. Aus der
Farbintensität der Brennpaste resultiert ein
visuelles Sehfest in satten Farben, das passend zum Takt von ›Weapons Destruction‹
der Warm Digits geschnitten wurde.
Musikvideo für die französische
Elektro-Disco Band Cancan. Der
Film besteht aus einer Folge von
Szenen, angelehnt an frühe Phasen
experimenteller Animation von Len
Lye to Robert Abel & Associates
Der Weltraum in Plastik.
Unendliche Weiten. Wir
schreiben das Jahr 2011.
Viele Lichtjahre von der
Erde unterwegs dringen
wir mit dem Spaceshuttle
in Galaxien vor, die nie ein
Mensch zuvor gesehen
hat. – Bamm. Tischtennisbälle und Kinderfeuerwerk. Eine gemeinsame
Reise mit dem Kölner
Produzenten WADADDA
durch den intergalaktischen Schöpfungsakt.
Ein Musikvideo bis ans
Ende der Welt.
Created using a technique to fabricate
16mm film out of lighting gels and splicing
tape. Film sprockets were laid along the
edge of the coloured gels to create an explosion of colour and rhythms through the projector. The intensity of the lighting gels as
the source material resulted in a super saturated colour feast that is pieced together to
the bars of the Warm Digit's ›Weapons Destruction‹ from their acclaimed album ›Keep
warm... with the Warm Digits‹.
Annette Knol's work lies within the fields of
art, printmaking, graphic design and pedagogy. She set up multi-faceted project space,
the Kotti-Shop, Berlin and print workshop,
Copyroboter.
Mat Fleming co-founded the Star and Shadow Cinema, Newcastle, one of a small number
of venues around the world re-inventing cinema and championing independence.
Deborah Bower is part of the Star and Shadow Cinema and works in Film Bee collective's
darkroom that she helped create there.
ÆGB 2011, Video, 7:30
ÆDirectors, editing, animation, distribution
Deborah Bower, Matthew Fleming,
Annette Knol
ÆMusic Warm Digits
78
Music video for the French electro
disco band Cancan. The movie is a
succession of scenes inspired by
several periods of experimental animation, from Len Lye to Robert
Abel & Associates.
John Deneuve, *1976 in France. He
works and lives in Marseilles working with videos, drawings, audio
works,installations, and performance art. His projects have been
shown in Reykjavik, Manchester,
Paris, Prague.
Doudouboy, *1976, typographic
creation bachelor of arts in Maastricht, 3D applied to communication
master of arts in Strasbourg. Illustrator and 3D anime director since
1999, based in Marseille. His work
is caracterized by onirical ambiences.
ÆF 2011, Video, 4:32
ÆDirectors, script, camera,
editing, animation
John Deneuve & Doudouboy
ÆMusic Cancan
ÆDistribution John Deneuve
Outer space in plastic.
Endless expanse. We
write the year 2011. Many
light years from earth, our
space shuttle enters
galaxies never before
seen by man. – Boom.
Pingpong balls and kids’
fireworks. A journey
alongside the Colognebased producer WADADDA through the intergalactic act of creation. A
music video to the end of
the world.
Boris Dörning, *1983 in
Cologne. 2005 studied at
Offenbach University of
Art and Design. 2008
Vordiplom taken by Professor Rotraut Pape. 2009
workshop supervision and
realisation of a music
video with Moroccan students, Goethe Institute
Morocco,
Casablanca.
2009–2011 Tutor of Professor Rotraut Pape’s film
class. Freelance writer,
director, cameraman and
cutter since 2010. Media
educational projects with
children and youths since
2011.
ÆD 2011, Video, 3:24
ÆDirector, script,
camera, editing,
animation
Boris Dörning
ÆMusic Wadadda
ÆDistribution
Boris Dörning
SYNTHETIK
TELEPHONE
HELICOPTER
APPLAUSE GUNSHOT
Ewelina Aleksandrowicz & Andrzej Wojtas
Anne Lucht
Eine minimalistische, gespenstische Vision,
die zwei maskierte Personen zeigt, die sich
fühlen und berühren. Es ist der Widerspruch,
der das Video so reizvoll macht; der unglaubliche Wunsch des Menschen nach Intimität
und Verbindung, der durch die Masken und
den Film selbst verzerrt wird, so als ob der
Fokus der Gesellschaft auf Plastik, auf das
Oberflächliche betont werden soll. – Die
Musik zum Video stammt vom Album Work
(Work, Work) der Band HTRK.
Klotzwesen sind sehr musikalisch.
In der Stadt von Kraftwerk und
Neu! tanzen sie zu ihrem Sound.
Telephone Helicopter Applause
Gunshot ist eine Visual Music Arbeit von Anne Lucht zu dem gleichnamigen Song von Lorenz Rhode.
An minimalistic eerie vision, featuring two
masked characters feeling and touching
each other. It’s the contradiction that makes
the video so appealing; the incredibly human
desire for intimacy and connection being
blurred by the masks and the film itself, as if
to emphasise the focus society has with the
plastic, the superficial. - The track is taken
from the HTRK - Work (Work, Work) album.
Andrzej Wojtas and Ewelina Aleksandrowicz
are UK based artists who are collaboratively
working within the area of digital media video/DIY electronics / physical computing /
sensor based technologies and AV performance. Their works were presented internationally at various Digital Arts Festivals
[i.a.:Tankstelle Gallery Berlin/Athens Video
Art Festival/STEIM/Sound:Frame/WRO Biennale/Pixelache/Laptopsrus Taipei] Currently
they are actively involved at Culture Lab – a
New Media hub in Newcastle.
A trip round the town of duesseldorf, germany - the place where
electronic music made some huge
leaps 30-40 years ago with bands
like can, neu! and kraftwerk. a lowres alien gang bopping their heads
to lorenz rhode's krautrocky tune
telephone helicopter applause gunshot.
Anne Lucht, * in Wolgast, Germany,
works and lives in Düsseldorf. Studied Audio and Video at the Institute
for Music and Media of Robert
Schumann School of Music and Media Düsseldorf. Freelance audio engineer in radio play production at
WDR Köln since 2005. Freelance animator and cutter since 2006.
ÆD 2011, Video, 4:48
animation Anne Lucht
ÆMusic Lorenz Rhode
ÆDistribution Anne Lucht
ÆGB 2011, Video, 4:28
ÆDirectors, script, editing Ewelina
Aleksandrowicz, Andrzej Wojtas
ÆMusic HTRK
ÆCast Juli Watson, Kimberley Emeny
ÆDistribution Ewelina Aleksandrowicz,
Andrzej Wojtas
79
SOUNDS AND VISIONS
GIT CUT NOISE
VOLT
RUST DUCK
Lotte Schreiber
Chichirik & Nindustrict
Doudouboy
Ende der 1990er Jahre war die Zeit gekommen, etwas Neues hören zu wollen. Sowohl
Rock als auch Techno erschien massentauglich, zombiefiziert und langweilig oder durch
Virtuosität totgespielt. Reduktion oder Lärm
gleichermaßen konnten nun in die Wohnzimmerclubs einziehen und den akademischen
Raum verlassen. (…)
Lotte Schreiber, Künstlerin und Filmemacherin, greift den Faden auf und gestaltet zu Git
Cut Noise (Radian, 2009) einen Musicclip, der
das einzufangen scheint, was ab 1996 in
Wien ›gebrannt‹ hat. (Christina Nemec)
Aus polyethylenen Träumen erwacht, befreit sich der Zitronenfalter aus seinem iluminierten Kokon.
Dem Ritus und der Choreografie
seines inneren Wandels folgend,
strebt er dem betäubenden Neon
entgegen. Mit Hilfe magischer Bekleidung,die er auf seinem Weg der
Verwandlung findet, erreicht er die
Frucht seiner Entfaltung.In dem
Musikvideo Volt inszenieren die Videokünstlerinnen Nindustrict und
Chichirik ein Seelenlabyrinth aus
mythischer Dramaturgie und posttechnoidem Märchen in 3500
Schnitten.
Inmitten einer dreckigen
Fabrik kann das Leben so
wunderschön sein. Dieses kurze Musical zeigt
uns eine erstaunliche 3D
Arbeit als seltsam anmutendes ökologisches Manifest, das Gewalt und
Anmut in einem spannungsgeladenen Walzer
vermischt.
At the end of the 1990s, the time had come
to desire something new to listen to. Rock
and Techno had been modified for mass acceptance, zombified, and made boring or
played to death through a certain virtuoso
style. Both reduction and noise could now
leave the academic space and move into living room clubs. Lotte Schreiber, artist and
filmmaker, has picked up the threads and
designed a music clip for Git Cut Noise (Radian, 2009) that seems to capture what has
been ›burning‹ in Vienna since 1996. (Lisa
Rosenblatt)
Lotte Schreiber, *1971 in Mürzzuschlag, Austria.lives and works in Vienna. Filmmaker and
artist. Her work has been shown at diverse
exhibitions and many film festivals.
ÆA 2011, Video, 6:00
ÆDirector, script, editing Lotte Schreiber
ÆCamera Lotte Schreiber,
Norbert Pfaffenbichler
ÆMusic Radian
80
Awoken from polyethylene dreams
the brimstone butterfly escapes
from its illuminated cocoon. Following the rite and the choreography of its inner transformation it
strives towards the neon. With the
help from magic clothing on its
journey it finally reaches the fruit
of its evolvement. In the musicvideo Volt visual artists Nindustrict and Chichirik unfold a soul
labyrinth between mythic dramaturgy and a post-technoid fairy tale
in 3500 cuts.
Chichirik and Nindustrict are visual
artists.
ÆD 2011, Video, 3:09
ÆDirectors, script, editing
Chichirik, Nindustrict
ÆCamera Nindustrict, Chichirik
ÆMusic Taprikk Sweezee
feat. HBO
ÆCast Signe Koefoed
ÆDistribution Chichirik
Within the dirt of a factory, life can be beautiful.
This short musical movie
shows us in a stunning 3D
treatment a strange ecological manifesto, blending violence and sweetness in a high voltage
waltz.
Doudouboy, *1976, typographic creation bachelor
of arts in Maastricht, 3D
applied to communication
master of arts in Strasbourg. Illustrator and 3D
anime director since
1999, based in Marseille.
His work is caracterized
by onirical ambiences.
ÆF 2011, Video, 2:05
ÆDirector, script,
camera, animation,
editing Doudouboy
ÆMusic Sugarcraft
ÆDistribution
Doudouboy
NEW HIPPIE
FUTURE
THE MOON
ASKED THE CROW
THE YODELING FARMER
Dalibor Baric
Caroline Fischer
Mike Maryniuk & John Scoles
In einer surrealistischen
und psychedelischen Atmosphäre
beschäftigt
sich dieser Film mit dem
Leben, der Freiheit und
der Transzendenz von
Grenzen.
Experimentelles Musikvideo zum
Song ›The Moon Asked The Crow‹
von Coco Rosie.
The Yodeling Farmer widmet sich dem Leben
und der Musik der jodelnden Cowboy Legende Stew Clayton. aus Manitoba. Diese spielerische, animierte Dokumentation porträtiert
den charmanten jodelnden Farmer mit
Humor und Geist und ›sieht so aus wie das
Jodeln klingt‹.
In a surreal and psychedelic atmosphere this
film deals with life, freedom and transcendence
of limitations.
Caroline Fischer, *1987 in Oberviechtach, Germnay. The video is my
bachelor-thesis at the University of
Applied Sciences Mainz, June 2011.
Dalibor Baric, *1974, multimedia artist, lives and
works in Zagreb and
makes short experimental
and animated films, music videos, festival trailers, installations, graphic
novels, drawings and cutouts. He is also a music
composer and VJ performer.
ÆHR 2011, Video, 4:00
ÆDirector, script,
camera, animation,
editing, music
Dalibor Baric
ÆDistribution
Bonobostudio
Experimental Stop-Motion Music
Video to the song ›The Moon Asked
The Crow‹ by Coco Rosie.
ÆD 2011, Video, 4:10
ÆDirector, script, camera,
animation, editing
Caroline Fischer
ÆMusic Coco Rosie
ÆDistribution Caroline Fischer
The Yodeling Farmer explores the life and
music of Manitoba cowboy yodeling legend
Stew Clayton. This playful, animated documentary portrays the charming, yodeling
farmer with humour and wit and ›looks the
way yodeling sounds.‹
Mike Maryniuk was born in Winnipeg, but
raised in the rural back country of Manitoba.
A completely selftaught film virtuoso,
Maryniuk’s films have won numerous awards,
including Best Experimental Short Film at
SXSW 2009 for Cattle Call.
John Scoles has been a magazine editor,
opera critic and currently runs an internationally renowned live music venue. Based in
Winnipeg, Canada, Yodeling Farmer is their
first film collaboration.
ÆCDN 2011, Video, 6:00
ÆDirectors Mike Maryniuk, John Scoles
ÆScript Mike Maryniuk
ÆCamera Mike Maryniuk, Ryan McGregor
ÆEditing Deco Dawson
ÆAnimation Mike Maryniuk
ÆMusic Stew Clayton
ÆCast Stew Clayton, Darryl Nepinak
ÆDistribution Winnipeg Film Group
81
SPLENDID ISOLATION
FIRST LAW: QUAIL CT.
IM FREIEN (IN THE OPEN)
Mike Gibisser
Albert Sackl
Der erste Teil einer vierteiligen
Serie. Das erste Gesetz der
Thermodynamik besagt, dass
Energie weder geschaffen noch
zerstört werden kann – ist der Film
eine Meditation über diesen
Grundsatz. Die Grenzen zwischen
Religion, Wissenschaft, morgendlichen Turnübungen und Frühstückszerealien verwischen, bei
der täglichen Routine dieses alten
Mannes, der er nachgeht, nachdem
seine Frau gestorben ist.
Im Freien ist als Titel wörtlich zu nehmen, denn der Blick der Kamera
richtet sich auf Ausschnitte einer kargen und unberührten Landschaft,
die als Projektionsfläche dient, um den filmischen Apparat zu erforschen,
filmischen Raum, Zeit und Bewegung zu (de)konstruieren.
Albert Sackl analysiert diese Zusammenhänge im Rahmen einer radikalen Versuchsanordnung: Gedreht wurde während des nordischen Sommers bis zum Herbstbeginn mit einem durchgehenden Zeitrafferintervall
von einem Bild alle drei Minuten. In einem Prozess analoger Linearität,
der ohne Schnitt knapp drei Monate auf 23 Minuten komprimiert, treffen
Kamera und Landschaft, enorme handwerkliche Präzision und Phänomene wie Licht, Schatten, Wetter, Farbe, Oberflächentextur oder die im
Verlauf hereinbrechenden, immer länger werdenden Nächte aufeinander.
Diese Konfrontation einer vorhersehbaren, metrisch definierten Struktur
und unvorhersehbarer natürlicher Abläufe bedient sich der Umgebung,
ohne sich in ihr zu verlieren oder ihrer ästhetischen Faszination zu
erliegen. (Barbara Pichler)
The first in a four- part series. The
first law of thermodynamics suggests energy can neither be created nor destroyed – the film a meditation on this axiom. The lines between religion, science, morning
exercise, and breakfast cereal blur
as an old man carries on with diurnal routines after his wife has
passed away.
Mike Gibisser lives in Chicago and
makes films. Drawing on scientific
and cultural phenomena, he uses
the poetics of the moving image to
investigate the nuance and instability of time, memory, and affect.
ÆUSA 2011, Video, 23:10
ÆDirector, camera, editing
Mike Gibisser
ÆDistribution Mike Gibisser
The title In the Open should be taken literally as the camera turns to details of a meager and untouched landscape, which serves as projection
surface for exploring the cinematic apparatus, and (de)constructing cinematic space, time, and movement.
Albert Sackl analyzes these connections in the framework of a radical experimental set-up: filming took place with a continuous time-lapse interval of one image every three minutes during the northern summer until
the start of autumn. Meeting in a process of analogue linearity, which
condenses nearly three months into 23 minutes, are camera and landscape, enormous technical precision, and phenomena such as light,
shadows, weather, color, surface textures, and the nights that continually break in and grow continually longer during the process. This encounter
of predictable, metrically defined structure and unpredictable natural
processes uses the surroundings without becoming lost in them or succumbing to their aesthetic fascination. (Barbara Pichler)
Albert Sackl, *1977 in Graz. 1995-1997 studies philosophy and art history
in Vienna. 1997-2000 studies film at Städelschule Frankfurt/Main
(Germany) with Peter Kubelka. 2007-2011 studies art at the Academy for
Fine Arts, Vienna. Since 2007 he teaches at the School for Independent
Film, Vienna.
ÆA 2011, 35 mm, 23:00
ÆDirector, script, camera, editing Albert Sackl
82
LIGHTHOUSE
20 HZ
Wouter Venema
Ruth Jarman & Joe Gerhardt
Er sitzt auf seinem Stuhl, bewegungslos und
steif, eine Statue aus Stein. Er nimmt die
Dinge um sich herum wahr, ist aber unfähig
zu reagieren und lässt alles geschehen. Im
Gegensatz dazu renne ich rastlos von Raum
zu Raum, ohne zu schlafen, zu sitzen oder zu
sprechen. So vergeht der Tag um vieles
schneller als normalerweise. Der Ort scheint
sich nach seinem eigenen Rhythmus zu drehen, wie eine andersartig aufgezogene Uhr.
20 Hz observiert einen geo-magnetischen Sturm, der sich in der
Stratosphäre der Erde ereignet. Es werden Daten, gesammelt
von der CARISMA Magnetometer-Linie, genutzt und als Töne
wiedergegeben, wir hören Pieptöne und Rumpelgeräusche,
verursacht durch sich nähernde Solarwinde, aufgenommen mit
einer Frequenz von 20 Hertz. Direkt erzeugt durch die Geräusche, tauchen greifbare und skulpturale Formen auf, die wie
wissenschaftliche Darstellungen wirken. Bei der visuellen und
akustischen Zusammenwirkung verschiedener Frequenzen
entstehen komplexe Muster, die Phänomene der Überlagerung
erzeugen, die die Grenzen unserer Wahrnehmung auslotet.
He sits in his chair, motionless and stiff, a
stone statue. Aware but unable to react, he
lets everything pass by. I, on the contrary,
move restlessly from room to room without
sleeping, sitting, or speaking. In this way, the
day passes, many times faster than normal.
The place seems to spin according to its own
rhythm, like a strangely wound clock..
Wouter Venema, *1985, studied Fine Arts at
ArtEZ, Arnhem and at the Sandberg Institute,
Amsterdam. His work consists of short films,
drawings, animations and books. The sense
of simultaneity - the layering of places and
time, of earth and memories - is a central
theme to his work.
ÆNL 2012, Video, 18:31
ÆDirector, script Wouter Venema
ÆCamera Stef Tijdink
ÆEditing Wouter Venema, Laurent Fluttert
ÆCast Ward Weemhoff, Henk Stuurman
ÆProducer Tim Leyendekker,
Absent without Leave
ÆDistribution Absent without Leave
20 Hz observes a geo-magnetic storm occurring in the Earth's
upper atmosphere. Working with data collected from the CARISMA radio array and interpreted as audio, we hear tweeting and
rumbles caused by incoming solar wind, captured at the frequency of 20 Hertz. Generated directly by the sound, tangible
and sculptural forms emerge suggestive of scientific visualisations. As different frequencies interact both visually and aurally, complex patterns emerge to create interference phenomena
that probe the limits of our perception.
Semiconductor is UK artist duo Ruth Jarman, *1973 and Joe
Gerhardt, *1972. Through moving image, sound and multi-media
installations they explore the material nature of our world and
how we experience it, questioning our place in the physical universe. Their unique approach has won them many awards and
prestigious fellowships such as the Gulbenkian Galapagos,
Smithsonian Artists Research and the NASA Space Sciences.
Their work is part of several international public collections and
is exhibited globally including; Venice Bienniale, The Royal Academy, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, BBC, The Pompidou and The Exploratorium.
ÆGB 2011, Video, 5:00
ÆDirectors, script, camera, editing, animation Semiconductor
(Ruth Jarman, Joe Gerhardt)
ÆAudio Data courtesy of CARISMA, operated by the University
of Alberta, funded by the Canadian Space Agency.
ÆDistribution LUX
83
TWO YEARS AT SEA
TWO YEARS AT SEA
Ben Rivers
Das intime Porträt eines Mannes namens Jake, der allein in den Tiefen schottischer Wälder lebt. Er geht bei
Wind und Wetter spazieren und macht sein Schläfchen in den nebligen Feldern und Wäldern. Er baut sich ein
Floß, um Stunden auf einem See zu verbringen und fährt einen klapprigen Jeep, um sich mit gesammeltem Holz
zu versorgen. Man sieht ihn zu jeder Jahreszeit, genügsam lebend, immer an der Grenze des Überlebens. Er verbringt seine Zeit mit seltsamen Projekten und lebt seinen radikalen Traum, den er als junger Mann hatte, einen
Traum für dessen Verwirklichung er zwei Jahre auf See arbeitete. 2006 besuchte Ben Rivers ihn zum ersten Mal,
um seinen Kurzfilm ›This Is My Land‹ zu drehen; in seinem ersten Langfilm treffen wir Jake, den Einzelgänger
wieder, wunderschön aufgenommen, schwarz-weiß und im Cinemascope-Format.
›Two Years at Sea stellt das Verhältnis zwischen einer Person und dem Ort, den diese als Domizil gewählt hat
sowie die tiefe Verbindung zwischen diesen beiden, in den Mittelpunkt. Ursprünglich sollte dieser Film in
Farbe gedreht werden, aber dann ließ Kodak verlautbaren, dass sie die Produktion meines Lieblings-SchwarzWeiß-Films einstellen, was mich dazu veranlasste, so viele davon zu kaufen wie möglich und einen meiner
letzten Filme mit Kodak Plus-X zu drehen. Der Film wurde in meiner Küche von Hand entwickelt.‹ Ben Rivers
An intimate portrait of a man called Jake, who lives sole in the middle of the Scottish forests. He goes for walks
in whatever the weather, and takes naps in the misty fields and woods. He builds a raft to spend time sitting in
a loch or drives a beat-up jeep to pick up wood supplies. He is seen in all seasons, surviving frugally, passing
the time with strange projects, living the radical dream he had as a young man, a dream he spent two years
working at sea to realize. In 2006, Ben Rivers went to see him for his short film ›This Is My Land‹ for the first
time; in his first full-length film, we see this loner again, beautifully recorded in black-and-white cinemascope.
›Two Years at Sea has at its core the relationship between a person and the place they have chosen to live out
their life, and the deep connection there is between them. Originally the film was going to be shot in colour, then
Kodak announced they were discontinuing my favourite black-and-white film stock, which prompted me to buy
as much as I could and make one of the last films with Kodak Plus-X. The film was hand developed in my
kitchen.‹ - Ben Rivers
Ben Rivers, *1972 in Somerset, studied Fine Art at Falmouth School of Art, initially in sculpture before moving
into photography and super8 film. After his degree he taught himself 16mm filmmaking and hand-processing. In
1996 he co-founded and has since co-managed/programmed Brighton Cinematheque - renowned for screening
a unique programme of film from its earliest days through to the latest artist’s film. His first film ›The Joy of Walking‹, toured the world as part of the package ›Experiments in Terror‹ organised by Other Cinema in San Francisco. Since then he has made over 15 films, showing extensively at international film festivals, as well as galleries,
and theatres around the UK.
ÆGB 2011, 35 mm, 86:00
ÆDirector, script, camera, editing Ben Rivers
ÆSound Chew-Li Shewring
ÆCast Jake Williams
ÆDistribution LUX
84
THE UNSTABLE OBJECT
THE UNSTABLE OBJECT
Daniel Eisenberg
Daniel Eisenberg gewährt uns ungewöhnliche Einblicke in die Welt heutiger industrieller Fertigung. Eine spannende Reise in Zukunft und Vergangenheit der Arbeitswelt. Was aussieht wie ein Roboterballet, zeigt uns nur
eine Produktionsstufe in der futuristisch anmutenden Welt der heutigen, deutschen Automobilindustrie. Es
folgt der nostalgisch anmutende Blick in die Produktion von elektrischen Wanduhren, scheinbar den Schwarzweiß Filmen der 50er Jahre entsprungen, befinden wir uns in einer Manufaktur, in denen blinde Arbeiter, die
anachronistischen Zeitmesser für amerikanische Behörden zusammenfügen. Im letzten Teil dieses essayistischen Triptychons befinden wir uns in einer archaisch anmuteten Gießerei in der Türkei. Hier werden, wie vor
einem halben Jahrtausend, Cymbals aus Messing für die internationale Musikszene in kunstfertiger,
schweißtreibender Handarbeit stundenlang gehämmert, bis sie den perfekten Klang erzeugen.
Daniel Eisenberg offers us an unusual insight into the world of modern-day industrial production. An exciting
journey into past and future worlds of work. What looks like a robot ballet merely shows us a stage of production in the futuristic world of the present-day German automotive industry. This is followed by a nostalgic
glance at the production of electrical wall clocks; apparently originating from black-and-white films from the
1950s, we find ourselves in a factory where blind workers assemble the anachronistic timekeepers for American authorities. In the last part of this essay-like triptych, we are in an archaic foundry in Turkey. As half a millennium ago, brass cymbals for the international music scene are hammered for hours in skilful, sweat-inducing manual labour until they produce the perfect sound.
Daniel Eisenberg, * in Petah Tikvah, Israel, has been making films since 1976, with solo shows at the Museum of
Modern Art, NY, the Centre Pompidou, Paris, the Pacific Film Archive, Berkeley, the Musée du Cinema, Brussels;
and Kino Arsenal, Berlin. His films have also been shown in the Berlin, Sydney, London, and Jerusalem Film Festivals; FIDMarseille, and the Whitney Biennial. Eisenberg's has received a Guggenheim Fellowship; the D.A.A.D.
Berlin Fellowship, and an NEA Fellowship, among others. Eisenberg has also edited numerous television documentaries, including Eyes on the Prize: America's Civil Rights Years, and Vietnam: A Television History. He lives in
Chicago and teaches in the Filmmaking Department at the School of the Art Institute of Chicago. He is currently
working on several new film and writing projects.
ÆD / TR / USA 2011, Video, 69:00
ÆDirector, script, editing Daniel Eisenberg
ÆCamera Ingo Kratisch, Lori Felker
ÆSound Matthias Rajmann, Chris Royalty, Daniel Eisenberg
ÆDistribution Daniel Eisenberg
85
RETRO: NOW AND THEN
ANDREW KÖTTING - A DIFFERENT PERCEPTION
Andrew Kötting ist einer der faszinierendsten britischen Künstler. Er
startete seine Karriere mit oft absurden ›Live Land-Art‹ Filmen, voll von
schrägen Mythologien, düster-komisch und mit einen melancholischen
Surrealismus durchsetzt. Seine Weigerung, konventionelle Ideen und
engstirnige Vorgaben in Bezug auf Kunst aufzugreifen, untermauert von
einer verbotenen Intelligenz und cleverem Scharfsinn, zeichnet seine
Arbeit als anregend und bedeutend aus. Seine zwei ganz bewusst
unabhängigen Spielfilme nutzen Landschaften und Reisen als Tableau
für visuell eindrucksvolle und strukturell originelle Untersuchungen von
Identität, Zugehörigkeit, Geschichte und der Idee von Gemeinschaft.
Seine Film- und die Videoarbeit sind damit die Verkörperung der Themen
und Motive, mit denen Kötting sich beschäftigt. Im Laufe seiner
bisherigen Karriere hat er auch geschrieben, geschauspielert, war kreativ
für digitale Plattformen und schuf zwei- oder drei-dimensionale Werke
und Installationen für Galerien.
Formal forschend und auf ästhetische Weise innovativ, ist er auch ein großer Teamplayer und Provokateur, um
des Filmemachens willen:
Andrew Köttings eArthouse Erklärung zur scheinbaren Absicht
Der Film sollte, oder sollte den Schein erwecken, zur Erde gehören. Die Filmemacher sollten nur natürliches Licht
verwenden, oder des Nachts, eine 250W-Handleuchte. Der Film sollte wütende oder leicht psychotische Züge
aufweisen, ein Versuch, den menschlichen Zustand widerzuspiegeln. Alle Aussagen des Regisseurs sollten einen
gewissen Wert haben – ein Rezept, Anweisungen zur Herstellung von Möbeln. Nur dem Regisseur ist der Umgang
mit toten Tieren oder den Innereien von toten Tieren erlaubt. Die Ortsgemeinschaft sollte immer mit einbezogen
werden. Das Filmen mit Handkameras in der Höhe sollte nur vom Regisseur durchgeführt werden. Jegliche
Wunden oder Verletzungen, die am Drehort entstehen, sollten auch am Drehort versorgt werden, damit die
Produktion keine Verzögerung erfährt. Alle Filmemacher müssen ihre Arme oder Füße eine Zeitlang in andere
fühlende Wesen, ob tot oder lebendig, begeben. Der Prozess des Filmschnitts sollte so kreativ wie möglich sein:
die Schnittliste wird ignoriert, Sound und Bild werden gleichberechtigt behandelt. Der Regisseur sollte wie ein
Archäologe graben, um der Sache auf den Grund zu gehen.
(Publiziert in Vertigo Volume 2 | Issue 2 | Frühjahr 2002)
Andrew Kötting wurde 1958 als eines von fünf Kindern einer Mittelschichtsfamilie in Farnborough, Kent, geboren. Sein Vater, so wie auch sein in Deutschland geborener Großvater, verkaufte Gürtel und Schnallen. Als Kind
›verbrachte er Stunden auf Bäumen oder damit, Rhabarber zu hegen‹. Er studierte Kunst an der Slade School
of Art, wo er eine alte 16-mm Kamera fand und gemeinsam mit einem Freund begann, diese zur Aufnahme von
Performances im Freien zu nutzen. Für seine Abschlussarbeit, ein Film mit dem Titel Klipperty Klöpp, rannte
Kötting in Gloucestershire immer wieder um ein Feld herum, und tat so, als reite er ein Pferd.
Im Laufe der kommenden zehn Jahre führte Kötting bei einer Reihe von Kurzfilmen Regie, die häufig in der
London Film-Makers Co-op produziert wurden. Sein erster Langfilm Gallivant (1996), ein skurriles, äußerst
eigentümliches Werk, dokumentiert seine Reise, die er, begleitet von seiner 85-jährigen Großmutter Gladys und
seiner siebenjährigen Tochter Eden, im Uhrzeigersinn rund um die britische Küste unternahm. Die wachsende
Nähe zwischen Gladys und Eden entsteht und das Gefühl drohender Sterblichkeit, verleiht dem Film seine
emotionale Note, so dass Köttings Ode an die rein menschliche Verrücktheit nie ins Schrullige abrutscht.
Während dieser Reise trifft er auf eine Reihe freundlicher Sonderlinge, nicht zuletzt sich selbst, mit denen er
viel Spaß hat.
Die härtere, düsterere Seite von Köttings Werk wird in seinem zweiten Spielfilm This Filthy Earth (2001) deutlich.
Frei nach Zolas Roman La Terre, spielt dieser Film in einer ländlichen Gemeinde, irgendwo und irgendwann im
Norden Englands. Der melodramatische Plot spielt eine weitaus geringere Rolle als die brutale, phantasmagorische Atmosphäre, eine zeitlose, albtraumartige Vision von Blut und Scheiße und alles verschlingenden Morast
.
›Du wirst nicht gefragt, ob du geboren werden willst, oder? Du wirst geboren, du lebst, du stirbst. Du bist hier, du bist
nicht hier, du bist und du bist nicht. Und das ist das Ende davon.‹ (aus der CD Visionary Landscapes von Kötting)
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Andrew Kötting is one of Britain’s most intriguing
artists, who started his career with live-land-art inflected, often absurdist pieces, ripe with skewed
mythologies, through darkly comic shorts teasing out
a melancholy surrealism in his work. His refusal to
adopt conventional ideas of closure around artworks,
underpinned by an outlaw intelligence and pranksterish wit, marks out his work as both energising and important. His two resolutely independent features take
landscape and journeys as the springboards for visually striking and structurally inventive enquiries into
identity, belonging, history and notions of community.
But the film and video work offers just one incarnation
of the themes and motifs to which Kötting is attentive.
Throughout his work he has also written and performed, created for digital platforms and for the
gallery two- or three-dimensional pieces and installations.
Formally exploratory and aesthetically innovative, he is also a great collaborator and agitator for the sake of
filmmaking:
Andrew Kötting’s eArthouse Declaration of Spurious Intent
The film should belong, or seem to belong, to the earth. The film-makers should use only natural light or, at night,
sun-gun light. The film should show signs of the berserk or slightly psychotic, an attempt to reflect the human
condition. All director’s statements should include something of worth – a recipe, instructions on how to make
furniture. Only the director to handle dead animals and the inner parts of dead animals. The local community
should always be involved. All hand-held, off-ground filming to be undertaken by the director. Any wounds or injuries sustained on set to be dressed on set, so the production is not kept hanging about. All film-makers to have
spent time with their arms or feet inside another sentient being, alive or dead. The editing process should be as
sculptural as possible: edit lists ignored, sound treated with same respect as picture. The director should dig like
an archaeologist to get to the heart of the matter.
(Published at Vertigo Volume 2 | Issue 2 | Spring 2002)
Andrew Kötting was born 1958, as one of five children of a middle-class family, in Farnborough, Kent. His father,
like his German-born grandfather, sold belts and buckles. As a child he ›spent hours off ground in trees or tending rhubarb‹. He studied art at the Slade School of Art, where he found an old 16mm camera and along with a
friend, began using it to capture his outdoor performance pieces. For his degree film, Klipperty Klöpp, Kötting
ran round and round a Gloucestershire field pretending to ride a horse.
Over the next ten years, Kötting directed a number of experimental shorts, often produced via the London FilmMakers Co-op. His first feature-length movie was Gallivant (1996), a quirky, highly idiosyncratic documentary,
which records a journey he took clockwise around the coast of Britain accompanied by his 85-year-old grandmother, Gladys, and his seven-year-old daughter Eden.
The growing closeness between these two and the sense of impending mortality give the film its emotional underpinning, so that Kötting’s celebration of sheer human daffiness never descends into whimsy. In the course
of his trip he meets, and blithely indulges, a fine gallery of amiable eccentrics - himself not least. The harsher,
grittier side of Kötting’s work emerged in his second feature, This Filthy Earth (2001). Loosely adapted from
Zola’s novel La Terre, the film is set in a rural community somewhere and sometime in the north of England. The
melodramatic plot matters far less than the brutal, phantasmagoric atmosphere, a timeless nightmare vision
of blood and shit and all-engulfing mud.
›You don’t ask to be born, do you? You’re born, you live, you die. You’re here, you’re not, you are and you’re not.
And that’s the end of it.‹ (from the CD Visionary Landscapes by Kötting)
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RETRO: NOW AND THEN
ANDREW KÖTTING - A DIFFERENT PERCEPTION
KLIPPERTY KLÖPP
MAPPING PERCEPTION
Andrew Kötting
Andrew Kötting
Es ist die Sonne, mein Sohn! Le
soleil! Le soleil!
Köttings Mythos, geschaffen auf
dieser verdreckten Erde, auf herrlichem Super 8 gedreht, sieht aus
wie Joseph Beuys auf LSD.
Eine Filmperformance als Abschlussarbeit: Kötting rannte in
Gloucestershire immer wieder um
ein Feld herum, und tat so, als reite
er ein Pferd. Erworben vom Arts
Council 1986 und vorgeführt in der
Tate Gallery Sommer 1990-1993!
›Übertrifft sogar den ›RunningJumping-Standing-Still Film‹... ein
Dada Klassiker.‹ Phillip Jenkinson,
Radio Times
Mittelpunkt des Projekts ist Andrews Tochter Eden, die unter einer seltenen Erbkrankheit, bekannt als Joubert-Syndrom, leidet, bei der ein kleiner Teil im unteren Bereich des Gehirns (das Kleinhirn) unterentwickelt
ist. Das führt bei Eden zu einer Reihe von Symptomen, einschließlich Problemen beim Sprechen, mit der Motorik, den Augenbewegungen und der
Atmung. Das Team nutzt den Gegensatz zwischen Andrews ›normalem‹
und Edens ›abnormalen‹ Gehirn als Ausgangspunkt und untersucht, was
sich hinter solchen Wahrnehmungen verbirgt: aus sozialer, wissenschaftlicher oder welcher Sicht auch immer.
Die Idee für das Projekt entstand aufgrund von Edens Zustand, es waren
jedoch die Auswirkungen der Behinderung auf die Sinne und die Untersuchung der Wahrnehmung selbst, die den Anlass für unsere wissenschaftliche Diskussion gab; ›Warum sehen wir nur in sichtbarem Licht?‹ und
›Wie würde die Welt aussehen, wenn wir polarisiertes anstatt sichtbarem
Licht empfinden könnten?‹ Es sind unsere Sinne, die uns leiten und es
war die Interpretation von Edens und unserer Wahrnehmung, bei einer
gemeinsamen Sprache von Kunst und Wissenschaft, die zu diesem
Projekt führte.
It’s the sun, my son! Le soeil! Le
soleil!
Kötting’s myth created on this
filthy earth, in glorious Super 8,
looks like Joseph Beuys on acid.
His degree film-performance: Kötting ran round and round a
Gloucestershire field pretending to
ride a horse. Bought by the Arts
Council 1986 and shown at Tate
Gallery summer 1990-1993!
›Surpasses even the ›RunningJumping-Standing-Still Film‹... a
dada classic.‹ Phillip Jenkinson,
Radio Times
At the heart of the project is Andrew’s daughter Eden, who has a rare genetic condition known as Joubert’s syndrome in which a small part of the
lower portion of the brain (the cerebellum) is underdeveloped. This causes Eden to have a variety of symptoms including trouble with her speech,
motor co-ordination, eye movements and breathing. Using the contrast
between Andrew’s ›normal‹ brain and Eden’s ›abnormal‹ brain as a point
of departure, the collaboration investigates what lies behind such perceptions: social, scientific or otherwise.
The project took its initial inspiration from Eden’s condition, but it has
been the implications of disability on the senses and the exploration of
perception itself, that our discussions from science have opened up; ›Why
do we see only in visible light‹ and ›what would the world look like if we
could sense polarised light instead of visible?‹ It is our senses that guide
us and it has been the interpretation of Eden’s and our perception, though
a mutual language of art and science, which has resulted in this project.
ÆGB, 1984 Super 8 to video, 11:00
ÆGB 2002, 35mm, 37:00
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THIS OUR STILL LIFE
Andrew Kötting
Der neue Film von Kötting ist ein exzentrisches und gleichsam nostalgisches Porträt seiner Tochter Eden, die
unter dem Joubert-Syndrom leidet, einer unheilbaren Krankheit, die ihre Sprache und ihren Gleichgewichtssinn
beeinträchtigt, und die Mittelpunkt des Films ist. Inzwischen 22 Jahre alt, lebt sie viel länger als viele Experten
vorhergesagt hatten, als sie in Gallivant mitspielte.
Wir sehen Eden nun als junge Frau in ihrem baufälligen Bauernhaus in den Pyrenäen. Betrachtet durch die Augen ihrer Familie, die dort immer mal wieder seit mehr als 20 Jahre leben, beobachten wir Eden in ihrem Alltag
– schauen zu, wie sie ihre Stillleben malt und zur Radiomusik singt, während die Jahreszeiten um sie herum
vergehen. Super-8- und digitalisierte Bilder von ihr aus mehreren Jahrzehnten bilden Teil des Films: Manchmal
sieht sie zerbrechlich aus, ein anderes Mal lebhaft und fröhlich.
Der Film wurde in Louyre gedreht, dem verlassenen Bauernhaus in den Pyrenäen, in das er mit Eden und ihrer
Mutter Leila 1989 zog und in dem sie noch immer jedes Jahr drei Monate verbringen.
›Es ist ein nicht ungefährlicher Ort zu leben,‹ sagt Kötting. ›Das Haus ist marode und es ständig besteht die Gefahr, dass es zusammenbricht. Es wurde in einen Berg hinein gebaut. Die Feuchtigkeit, die Fäulnis, Holzwürmer,
Klopfkäfer: Zurzeit ist es Stürmen und dem Herbstwetter ausgesetzt und schon bald wird ihm der Dauerfrost
zusetzen. Aber es ist eine sicherer Zufluchtsort, ein Versteck, ein beruhigender Ort, trotz aller widriger
Umstände.‹
Der Film feiert die Ästhetik des Amateurfilms, widmet sich der Erforschung von Themen wie Isolation und der
animistischen Natur des großartigen Freien. An Stan Brakhages Dog Star Man erinnernd, ist dieses Lo-FiMeisterwerk unterlegt mit Musik von Scanner alias Robin Rimbaud, sowie einer Fülle von Cut-ups und Stimmen
aus dem Soundarchiv des Filmemachers. Dieser Film möchte die Zeit anhalten, Eden so verewigen, wie sie jetzt
ist: sie, die wie Louyre selbst, jeden Tag gegen die Zerstörung ankämpft.
The new film by Kötting is an eccentric and nostalgic portrait of his daughter, Eden, who suffers from Joubert
syndrome, an incurable condition that affects her speech and balance, is at the centre of the film. Now 22, she’s
lived longer than many experts had anticipated when she appeared in Gallivant.
We watch Eden now as a young woman in their tumbledown Pyrenean farmhouse. Seen through the eyes of the
family that have lived there on and off for more than 20 years, we follow Eden’s day-to-day life – watching her
paint still lifes and singing along to the radio as the seasons ebb and flow around her. Super-8 and digital images of her from across the decades form part of the film: sometimes she looks frail, at other times feisty and
joyous.
Filmed in Louyre, the abandoned farmhouse in the Pyrenees to which he moved with Eden and her mother,
Leila, in 1989 and where he still spends three months each year. ›It’s a fearful place to be,‹ Kötting says. ›It’s
ramshackle and permanently about to fall down. It’s built into a mountain. The damp, the rot, the woodworm,
the deathwatch beetle: now it’s being annihilated by storms and autumnal weather, and soon permafrost. But
it’s also a safe haven, a hidey hole, a soothing place to be despite the difficulties.‹
The film celebrates the home-movie aesthetic, exploring themes of isolation and the animistic nature of the
great out-of-doors. Reminiscent of Stan Brakhage’s Dog Star Man, this lo-fi marvel features music by Scanner’s
Robin Rimbaud alongside a whole plethora of cut-ups and voices from the filmmakers sound archive, the film
wants to freeze time, to preserve Eden: she, like Louyre itself, fights ruination each day.
ÆGB 2011, Digital, 57:00
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RETRO: NOW AND THEN
CORINNA SCHNITT - HOMESTORIES
Corinna Schnitt erzählt Geschichten, und dies vornehmlich mit wohl kombinierten und inszenierten Bildern,
wenn Text dazukommt, ist dieser eher untermalender, weniger ein informativer Natur. Die Narration beginnt
meist als Alltagsgeschichte und wandelt sich im Verlauf der filmischen Zeit zu abstrusen, schier unglaublichen
Stories. Die meist ruhigen Kameraeinstellungen und langsamen Zooms und Schwenks, die wenigen kaum
wahrnehmbaren Schnitte, fokussieren das Bild. Die Tonebene, das Gesprochene, meist aus dem Off verstärkt
den visuellen Eindruck umso mehr.
Das Wohnen als Lebensgefühl, als mehr oder minder kommunikatives Miteinander, aber auch die Brüche, die
sich in den meist zufälligen Lebensgemeinschaften auftun, sind ein Hauptthema in Schnitts Arbeiten, wobei
sich leise die Kritik an gesellschaftlichen Normen und Mustern durch die unterschwellige Ironie und Satire
langsam ins Gehirn bohrt.
Corinna Schnitt tells stories, primarily using well composed and arranged images; the text added, plays a more
accompanying role and is not so much there for the purpose of providing information. The narration usually
starts off as an everyday story, and changes in the course of the film into an abstruse, incredible story. The generally calm camera settings and slow zooms and panning shots, the virtually imperceptible cuts, place emphasis on the picture. The soundtrack, the spoken, usually from offstage, intensifies the visual impression even further.
Living as an attitude towards life, as a more or less communicative coexistance, but also the failures that occur in random life partnerships, are one of the main themes of Schnitt's work, whereby the criticism of social
norms and patterns quietly and slowly penetrates the brain with subliminal irony and satire.
Corinna Schnitt, born in Duisburg, Germany, Schnitt lives and works in Braunschweig. From 1986 to 1989 apprenticeship as a carver (journeyman’s certificate), Michelstadt, from 1989 to 1996 studied at Offenbach University of Art and Design and at the Arts Academy, Düsseldorf (1995 master student). Since 2009, she is Professor
for Film/Video at Braunschweig academy of Arts.
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SCHÖNEN GUTEN TAG (HELLO, MS SCHNITT)
Corinna Schnitt
Die Protagonistin – die Künstlerin selbst – ist Mieterin in einem Wohnhaus. In Schwarz-Weiß-Bildern beobachten wir sie beim Betreten des Gebäudes, beim Blick aus dem Fenster, beim sorgfältigen Putzen im Hausflur
sowie bei der akribischen Reinigung der Küche. Den szenischen Handlungen sind Botschaften zugeordnet, die
die Vermieter auf dem Anrufbeantworter hinterlassen haben: Es geht um die Bereitstellung von Schlüsseln, das
Abschließen von Türen, die mögliche Beschädigung von Stromleitungen. Befürchtungen und Misstrauen werden
ausgedrückt und resultieren in wiederholten Anweisungen an die Mieterin: Sie möge doch bitte die Toilettentür
abschließen und außerdem einen zweiten Schlüssel dafür nachmachen lassen. Der imaginären Bedrohung von
Außen wird mit einem Ordnungssystem geantwortet, das Inklusion und Exklusion über Zugänge regelt und
dabei vor allem die ›Insassen‹ isoliert und beschränkt. Die telefonischen Belehrungen des Vermieterehepaares
finden ihre Spiegelung in der Zwanghaftigkeit der Putzhandlungen. Gleichzeitig wird dieser Konformismus mit
visuellen Überzeichnungen konterkariert. Die gestreifte Bekleidung der Protagonistin erinnert zum Beispiel an
die eines Sträflings. Und versinnbildlicht das Bestattungsinstitut im Vorderhaus nicht augenfällig die Abwesenheit des Lebens selbst? (Anke Hoffmann)
The protagonist – the artist herself – is living in rented flat. In black-and white photos we see her entering the
building, looking out the window, carefully cleaning the hall and thoroughly scrubbing the kitchen. Messages
have been assigned to the scenes, which the landlords have left on the answer machine: they are about providing dishes, shutting doors, possible damage to the electric wiring. Apprehension and distrust are expressed,
resulting in repeated instructions to the tenant: she should shut the bathroom door and, in addition, have a second key made for it. An imagined menace from outside is met with an ordering system, that regulates inclusion
and exclusion via entries, isolating and restricting the ›inmates‹ especially. The instructions issued by the landlords, a married couple, are reflected in the compulsive manner in which the cleaning is carried out. At the same
time, this conformity is contravened by visual exaggerations. The protagonist’s striped garb, for instance, recalls that of a prisoner. And doesn’t the undertaker’s parlor in the front house obviously symbolise the absence
of life itself? (Anke Hoffmann)
ÆD, 1995, 16mm u. Video, Format 4:3, Farbe, Ton, 5:00
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RETRO: NOW AND THEN
ZWISCHEN VIER UND SECHS (BETWEEN FOUR AND SIX)
Corinna Schnitt
Eine langsame Kamerafahrt führt durch die menschenleeren Straßen einer bürgerlichen Wohnsiedlung:
Einfamilienhäuser ohne besondere Auffälligkeiten, gepflegte Vorgärten, Zäune, Verkehrsschilder. Eine junge
Frauenstimme berichtet über den familiären Tagesablauf ihrer Kindheit und wie dieser durch Pünktlichkeit,
Ausschluss, Begrenzung und Anpassung charakterisiert war. Ihre biografische Erzählung ist im Ton einer
gefühlsmäßigen Abspaltung gehalten: Alles war gut. Schließlich berichtet die Erzählerin von einem Ritual, das
sie heute, als erwachsene Tochter, mit ihren Eltern pflegt: die Säuberung der örtlichen Verkehrsschilder. Die
Bilder von der Familie beim Putzen sind in einer der Künstlerin eigenen, entlarvenden Mischung aus dokumentarischer und inszenierter Ästhetik umgesetzt. Das Lebensumfeld wird durch Außenansichten, bauliche
Abgrenzungsmarkierungen von und nach innen, charakterisiert. Der Bericht aus dem Familienalltag gewährt
Einblicke in die Innenwelt der Menschen, die ihre Spiegelung sowohl in der Architektur als auch in der
absurden Pflege der Ordnungsschilder findet. Der durch Angst motivierte Versuch, alles Übel der Welt von sich
fernhalten zu wollen, indem die Kontrollmechanismen des privaten wie öffentlichen Lebens als höchste Werte
gepflegt werden, wird zusätzlich ironisch kommentiert, wenn die Kamera, während sie dem Putztrupp folgt, ein
Fahndungsplakat einfängt. (Anke Hoffmann)
The camera pans slowly through the deserted streets of a middle-class suburb: single houses with nothing unusual about them, well tended gardens in front, fences, road signs. The voice of a young woman reports on the
way her family spent their days when she was a child and how this was characterised by punctuality, exclusion,
limitation and conformity. Her biographical narrative is related in a tone of emotional detachment: everything
was ok. Finally the narrator reports on a ritual that she observes with her parents as their grown-up daughter:
cleaning the local road signs. The pictures of the family cleaning them have been translated into the blend of
documentary and staged aesthetic that is peculiarly the artist’s own. The personal environment is characterised by outside views and architectural delimitation markings from within and inwards. This report from
everyday life in a family provides insights into the inner world of people who find their mirror-image both in architecture and in the absurd care taken of the road signs. The attempt motivated by fear to keep all evils of this
world far from oneself by assigning the highest value to the control mechanisms of private and public life, is
further ironically commented on when the camera captures a wanted poster while it is tracking the cleaning
brigade. (Anke Hoffmann)
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DAS SCHLAFENDE MÄDCHEN (THE SLEEPING GIRL)
Corinna Schnitt
Ein Segelschiff kreuzt im Wind. Die Kamera löst sich von der Szenerie, erweitert das Blickfeld und schwenkt
über eine in fahles Licht getauchte Wohnsiedlung, ein Stillleben aus immer gleichen weißen Zäunen, grünen
Rasenstücken und roten Giebeldächern – ebenso modellhaft wie der Miniatur-Schoner. Die ruhige Kamerafahrt
über das Raster aus stereotypen Einfamilien- und Reihenhäuser führt eine von Abgrenzungen und Normen
dominierte, künstliche Idylle vor. Leben findet hier nur auf der Tonebene statt, Wind, Vogelstimmen, entferntes
Motorbrummen, das Geräusch eines Rollkoffers, dann ein lang anhaltendes Telefonklingeln. Ein Anrufbeantworter springt an. Ein Versicherungsmakler bittet um einen Rückruf, um die präventive Absicherung von ›Frau
Schnitt‹ zu besprechen – und um nachdrücklich an die Herausgabe eines Kugelschreibers zu erinnern. Die
unsichere Stimme aus dem Off wendet die Situation ins Absurde: Das Schreibutensil wird zum Fetisch, an den
Identität und Macht gebunden zu sein scheinen. Der Kamerablick fällt indessen über eine geöffnete Terrassentür in ein Wohnzimmer und fokussiert ein Gemälde: Jan Vermeers Das schlafende Mädchen (1657). Das in
der unbelebten Umgebung bacchantisch anmutende Bild entlarvt die normierten, idealtypischen Vorstellungen
von Leben als klischeehaft und phantasmagorisch und schließt lakonisch den Kreis zur Eröffnungssequenz.
(Heike Ander)
A ship is gently sailing on the sea. The camera detaches itself from the scenery to enlarge the field of vision and
pans over a suburb tinged in faded light: a still life of white fences, all absolutely identical, little green lawns
and red gabled roofs – just as much models as the miniature schooner. The tranquil progress of the camera over
the raster of stereotyped detached and terrace houses presents an artificial idyll dominated by exclusions and
norms. Life is only lived here on the soundtrack: wind, bird calls, the sound of a motor muttering in the distance,
the noise made by a piece of wheeled luggage being dragged, then a telephone interminably ringing. An answer
machine comes into play. An insurance broker asks to be called back in order to discuss ›Mrs Schnitt’s‹ old-age
provisions – only to make a point of reminding her that a ballpoint pen must be returned. The unsure voice off
switches the situation to absurdity: the writing utensil has become a fetish seemingly linked to identity and
power. In the meantime the camera eye lights on a terrace door opening into a living room and focuses on a
painting: Jan Vermeer’s A Girl Asleep (1657). The picture, which looks bacchantic indeed in these dead surroundings exposes the normed, typical notions of life for what they are: cliché-ridden and phantasmagorical
alike and succinctly closes the circle leading to the opening sequence. (Heike Ander)
93
RETRO: NOW AND THEN
LIVING A BEAUTIFUL LIFE
Corinna Schnitt
Ein geschmackvolles Haus in traumhafter Lage, ein gut aussehender Mann, eine attraktive Frau, beide jung und
sportlich, die von ihrem Leben und ihren Zukunftswünschen erzählen. Allem Anschein nach präsentiert sich
hier ein gut situiertes, glückliches Paar – gäbe es da nicht hin und wieder Momente, in denen Unstimmigkeiten
zwischen ihrem selbstsicheren Auftreten und ihren Äußerungen spürbar werden. Corinna Schnitt hat diesem
perfekten Paar Worte aus Interviews mit kalifornischen Jugendlichen in den Mund gelegt, die sie über ihre Vorstellungen von einem schönen Leben befragt hat. Die dargebotene Idylle erweist sich als ebenso durch und
durch inszeniert wie das den Film beschließende Panorama der paradiesischen Unschuld aus einer DEFAProduktion, in dem nackte Kleinkinder zusammen mit Tierbabys auf einer grünen Wiese spielen. Das schöne
Leben, das hier vor der Kamera ausgebreitet wird, und seine beiden Protagonisten sind Ausgeburten der
Zukunftsträume von Heranwachsenden. Die heile Welt ist eine Fiktion, die den ihrerseits durch Fiktionen und
Klischees genährten Vorstellungen der Teenager von beruflichem Erfolg, von familiärem Glück und von einer
perfekten Gesellschaft entspringt: Fiktion spiegelt auf Fiktion zurück. Das perfekte Glück trägt beklemmende
Züge. (Barbara Filser)
A stylish villa in beautiful surroundings, a handsome man, an attractive woman, both young and trim, talking
about their lives and their wishes for the future: To all appearances a happy, well-off couple presents itself – if
it weren’t for those brief moments, where a strange inconsistency between the self-assured manners and their
words makes itself felt. Corinna Schnitt has her perfect couple voice ideas of a beautiful life taken from interviews with Californian teenagers. The presented idyll reveals itself as thoroughly staged, as is the closing
panorama of paradisiacal innocence, a sequence from a DEFA movie showing naked children and cubs playing
together. The beautiful life that is presented in front of Schnitt’s camera and its two protagonists embody
teenagers’ dreams of the future; this ideal world is a fiction, which arises from young people’s ideas about a
successful career, ideal family life, and a perfect society, themselves in turn influenced by fictions and stereotypical representations: Fiction reflects back upon fiction, perfect happiness, as presented here, has something alarming about it. (Barbara Filser )
ÆUSA/D 2004, Video, 4:3, Farbe, Ton ,13:00
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ONCE UPON A TIME (TIERFILM)
TEE TRINKEN
(DRINKING TEA)
Corinna Schnitt
Corinna Schnitt
In der Arbeit Once upon a time erhält der Begriff ›Haustier‹ eine
erweiterte Bedeutung. Eine Kamera auf dem Teppich des Wohnzimmers rotiert um ihre eigene Achse und nimmt so eine kontinuierliche Panoramaansicht auf. Nach und nach füllt sich das
Zimmer: Katzen, Hunde, Kaninchen, Papageien bis hin zu Ziegen
und Ponys bevölkern den Raum. Mit Spannung wartet der Betrachter auf die nächste Drehung, denn die Szenen, die sich vor
und hinter der Kamera abspielen, sind ein durchaus lustiges wie
tragisches Spektakel. Inszeniert ist nur der Rahmen, was dann
passiert, wird den Tieren (scheinbar) selbst überlassen. Der
Mensch bleibt außen vor, zumindest physisch. Die Absurdität
der Konfrontation von menschlichem Wohnraum und Tieren,
deren Existenz direkt an den Menschen gekoppelt ist, bereitet
Vergnügen. Doch es ist genau diese Umkehrung der Normalität,
die dem Betrachter klar macht, wie absurd die eigentliche Wirklichkeit ist. (Simone Bogner)
Die Kamera fährt langsam und gleitend
durch ein gepflegtes, unpersönlich wirkendes Wohnambiente. Raum für Raum tastet
sie moderne Regale, Essgruppen und Sessellandschaften ab, ein Labyrinth im Werden
des filmischen Blicks. In den Sitzgruppen
erfasst sie von Zeit zu Zeit Senioren. Isoliert,
stumm und unbewegt betrachten sie einen
Videoscreen mit einer deutlichen Botschaft:
Jugend erblüht, wenn man ihr beim Tee
trinken zuschaut.
In Once upon a time the term ›domestic animal‹ receives an extended meaning. A camera on the carpet in the living room is rotating around its own axis and is recording a continuing
panoramic view. By and by the room gets populated: cats, dogs,
rabbits, parrots up to goats and ponies are filling the space. The
spectator eagerly awaits the next sequence, for the scenes,
which happen in front of and behind the camera, are both a hilarious and tragic row. Only the setting is staged, what goes on
is (seemingly) left to the animals themselves. Man is ignored in
this scene, at least physically. The absurdity of the confrontation between human living space and domestic animals, who's
existence is directly linked to men, gives us pleasure. But it is
the inversion of normalcy, which reveals the intrinsic absurdity
of reality. (Simone Bogner)
The camera glides slowly through a tidy,
seemingly impersonal living area. Room for
room, it scans modern shelving, dining room
furniture and a group of easy chairs, a
labyrinth in the coming-into-being of the
cinematic view. From time to time, it captures senior citizens in the seating area. Isolated, mute and motionless, they watch a
video screen with a clear message: youths
blossom when you watch them drinking tea.
ÆD, 2012, Video, Format 16:9,
Farbe, Ton, 15:00
ÆD, 2005, 16:9, Farbe, Ton, 15:00
95
RETRO: NOW AND THEN
MIKE HOOLBOOM - BODY-POLITICS
BODY-POLITICS
Stealing Pictures
Ich arbeite mit geklauten Bildern. Sie wurden von anderen gemacht, bisweilen unter schwierigen und unmöglichen Umständen. Jemand (warst du es?) wartete die ganze Nacht da draußen
und schaute mit seinen ›machines of seeing‹ durch gutes Licht,
und fand auf der anderen Seite ein Maisfeld und ein Gesicht,
gestützt von zwei Händen. Heutzutage können wir viel von diesem ›Zeitvertreib‹ im Internet wieder hervorholen und es ist
nicht schwer einen kleinen digitalen roten Teppich auszurollen,
und sie bei uns zu Hause auf die Festplatte zu laden.
Diese Tränen von einst: es sind nun meine Tränen. Dieses
Gesicht, es starrt mich an, von meinem eigenen Computer-Bildschirm. Es scheint ziemlich ungerecht, nicht wahr? Nach all
diesen anstrengenden Momenten, all diesem Schleppen von
Ausrüstungen, dem langen Warten, all diesen Diskussionen ums Geld und unmöglichen Produzenten, kommt da
so ein Angeber daher und macht eine Lo-Fi Kopie von einer Kopie deines Meisterwerks und nennt es sein
Eigen. Schreibt gar noch seinen Namen darunter. Als ob es überhaupt nie deines war. Als wenn die Bilder, die
du machtest, dir niemals gehört hätten.
Landscape
Wenn ich aus meinem Fenster Blicke, sehe ich einen Highway, auf dem der Verkehr Tag und Nacht in beide Richtungen fließt. Wie die meisten Kanadier lebe ich in einer Stadt. Bilder sind natürlich Teil dieser Stadt und die
meisten sind nicht von mir gemacht. Diese gewonnene Erkenntnis kommt nicht von ungefähr, es wurden große
Anstrengungen unternommen, Unsummen von Geld wechselten den Besitzer, so dass gewisse Turnschuhe oder
Gesichter mich wieder und wieder anschauen können. Diese Bilder machen für mich meine Nachbarschaft aus,
mehr als mein Supermarkt an der Ecke oder der Park bei meinem Apartement und dem See dahinter. Mein
Zuhause. Als ich Kind war wurde das Fernsehen schnell zur gemeinsamen Sprache. Das war es, was ›wir‹
gemeinsam hatten. Inzwischen trugen die Beatles aus Liverpool per Radio dazu bei, ›uns‹ möglich zu machen.
The mediascape is my landscape
Obwohl ich Geschmack an den Geheimnissen der Filmwelt gefunden habe, an den Rendezvous und den Räumen ohne Ecken, den One-Night-Stands und dem 15-Minuten Epos, für dessen Produktion man bald ein Leben
lang braucht, besteht der größte Teil meiner Medienlandschaft doch aus teuren Bildern, die von Korporationen
gemacht wurden.
Sie wurden ganz strikt allein für die Ausstrahlung in eine Richtung gemacht: Die ›Geldsäcke‹ produzieren und
der Rest von uns konsumiert. So sollte es zumindest ablaufen. Es ist ein großes Bild, das Publikum hört zu und
kann jede Nacht mit Billigflügen in alle Städte der Welt reisen, um sich den gleichen Film anzusehen. In einigen
Gegenden wird dies immer noch als ›freier Handel‹ bezeichnet. Das globale Dorf ist zu Hause angekommen. (…)
Die Bilder, die ich mache, und die lediglich neue Kombinationen von bereits existierenden Bildern sind, stellen
einen Teil dieses Wandels dar. Verstehen Sie mich nicht falsch, ich bin kein Missionar für eine neue Art von
Mensch. Wie jeder, der einen Computer besitzt oder nutzt, fließe ich nur mit dem digitalen Strom mit. Die neuen Menschen, zu denen wir dabei sind zu werden. An einigen Tagen riecht es nach Zukunft, sogar im Inneren
meines Apartments. (Exerpt from Stealing Pictures, Essay by Mike Hoolboom, 2006)
Mike Hoolboom ist ein begnadeter Film-Magier, der aus seinem eigenen Filmmaterial und aus gefundenem Material und Sounds visuelle Essays ›zaubert‹. Er hat weit über 50 Filme und Videos gemacht, wobei die meisten
davon allerdings nicht mehr im Umlauf sind, nur ungefähr ein Dutzend davon kann man noch sehen. Die meisten davon wurden in den vergangenen Jahren beim EMAF gezeigt. Zudem ist Hoolboom ein Denker, Analytiker
und Schreiber, der sich den Werken anderer widmet, und in den Kontext experimentellen Filmemachens, Filmkultur und in Diskurs mit unserer heutigen Mediengesellschaft stellt.
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Stealing Pictures
I work with stolen pictures. They have been made by others, sometimes in trying or impossible circumstances.
Someone (was it you?) waited out there all night and looked through the good light with their machines of seeing
and found on the other side a corn field, two hands holding, a face. Today we can uncover a lot of these pastimes on
the internet, and it's not so hard to make a little digital welcome mat and load them onto the hard drive at home.
Those tears: they're my tears now. That face, it's staring back at me from my very own computer screen. It seems
hardly fair, right? After all those trying moments, all that gear hauling and waiting and hassling with money and impossible producers, some poser is going to take a lo-fi copy of a copy of your genius seeing and call it their own. Sign
their name to it no less. As if it was never yours at all. As if the pictures you made didn't belong to you.
Landscape
When I look out my window I see a highway that flows day and night in both directions. Like most Canadians, I live
in a city. Pictures are part of this city of course, and most are not made by me. This received wisdom is hardly accidental, great efforts have been made, vast sums have changed hands, so that certain sneakers or faces can look at
me again and again. These pictures, more than my corner store, or the park that waits between my apartment and
the lake beyond, are my neighborhood. My home. When I was a child TV quickly became a common language. It is
what ›we‹ had in common. Meanwhile, on the radio, Liverpool's fab four were doing their bit to make ›us‹ possible.
The mediascape is my landscape
Even though I have a taste for the arcana of the motion picture world, the diary trysts and rooms without corners, the one night stands and the fifteen minute epic that takes a lifetime to make, most of my mediascape is
filled with expensive pictures produced by corporations. They have been strictly designed for one-way transmission: the money people produce, the rest of us consume. That's how it's supposed to work anyway. It's a big
picture, the audience is listening and you can hop discount flights every night and catch the same movie in
cities all over the world. In some quarters this is still known as free trade. The global village has come home.(…)
The pictures I make, which are only recombinations of pictures that already exist, are part of this change. Don't
get me wrong, I am not a missionary for some new kind of human being. Like everyone who owns or uses a computer, I'm going with the digital flow. The new people we are busy becoming. On some days, even deep inside my
apartment, it smells like the future. (Exerpt from Stealing Pictures, Essay by Mike Hoolboom, 2006)
Mike Hoolboom is a gifted magician composing visual essays from his original film material, found footage and
sound. He has made over fifty films and videos, though most have been withdrawn from circulation, approximately a dozen remain on view. Most of them were shown at EMAF in the past years. What’s more, Hoolboom is
a thinker, analyser and writer who devotes himself to other people’s works and places them in the context of experimental filmmaking, film culture and in discourse with today’s media society.
He has published a pair of interview books with Canadian media artists, Practical Dreamers: Conversations with
Media Artists and his first novel The Steve Machine was published by Coach House Press in 2008. His book Inside the Pleasure Dome: Fringe Film in Canada was released 2001 and in 1998 he authored Plague Years (YYZ
Books) a tongue-in-chic autobiography. Parallel wrote more than one hundred articles on fringe media which
have appeared in magazines and catalogues around the world. Since 2004 he has been working on Fringe Online
(www.fringeonline.ca ), a web project which makes available the archives of 40 Canadian media artists, is a
founding member of the Pleasure Dome screening collective, has worked as the artistic director of the Images
Festival and as the experimental film co-ordinator at Canadian Filmmakers Distribution Centre.
97
RETRO: NOW AND THEN
MIKE HOOLBOOM - BODY-POLITICS
FRANK‘S COCK
HOUSE OF PAIN
Mike Hoolboom
Mike Hoolboom
›In der simplen Form eines Monologs spielt der Schauspieler Callum
Rennie einen Mann, der sich an seinen Geliebten erinnert, den er
durch AIDS verloren hat. Seine
Worte werden dadurch verstärkt,
dass im Hintergrund blutreiche Bilder gezeigt werden. Acht Minuten
pures, perfektes Kino.‹ (Cameron
Bailey, NOW)
House of Pain ist eine halluzinogene Mischung aus häuslichem und perversem, die sich zu einem Albtraum entwickelt, der sich zwischen Schlaf
und Tod abspielt und in dem die Darsteller als stumme Halluzinationen
erscheinen. Hoolbooms zielsichere Kameraführung fasziniert und ist bewundernswert, nie zu weit von der Oberfläche seiner Subjekte entfernt,
verwandelt er sie in dunkle Objekte der Magie und der Transformation.
Der Film zeigt den Körper an seinen Grenzen, heimgesucht von einer
grauenhaften Traumversion, deren fantastische Blickwinkel dem Körper
seltene Anmut verleiht.
›House of Pain ist bei weitem der Film im Programm, der die meisten
Grenzen überschreitet - eine virtuelle Litanei der größten Tabus der
Mittelschicht, von denen viele von Geschlechtsverkehr oder kreativen
Dingen handeln, die mit menschlichen Ausscheidungen zu tun haben, die
nicht nur gezeigt, sondern auch genauestens untersucht werden,
während der Film, der von Hoolboom selbst wunderbar gefilmt wurde,
sich vehement seinen Weg durch jede nur mögliche moralische Grenze
bahnt.‹ (Geoff Pevere, Globe und Mail)
›This is one of the most assured
films I have ever seen. In the simplest of frames, in monologue, Vancouver actor Callum Rennie plays a
man remembering his lover lost to
AIDS. Hoolboom fills his words with
blood and the space behind Rennie
with blood-rich images. Eight minutes of pure, perfect cinema.‹
(Cameron Bailey, NOW)
ÆCDN, 1993, 16 mm, 8:00
A hybrid of DeSade and Dali, House of Pain is a nightmare that takes place
between sleep and death where the performers appear as mute hallucinations. House of Pain features a hallucinogenic blend of the domestic
and perverse. Hoolboom's unerring cinematography fascinates and
fetishizes, never straying far from the surface of his subjects, converting
them into dark objects of magic and transformation. They are also profound testaments of the body at its limits, filled with a harrowing dream
vision whose fantastical vantages lend the body a rare grace.
›House of Pain is easily the most transgressive film in the program's history - a virtual litany of fundamental middle-class taboos, many of which
involve intercourse and creative things to do with human waste, which
are not only depicted but scrupulously scrutinized as the film, which is
gorgeously shot by Hoolboom himself, guns its way across every final
moral frontier it can find.‹ (Geoff Pevere, Globe and Mail)
ÆCDN, 1995-98, 16 mm, 50:00 (exerpt)
98
LACAN PALESTINE
Mike Hoolboom
Hoolbooms neuester Film Lacan Palestine ist mehr als ein aus gefundenem Material kreiertes Essay über dieses krisengeschüttelte Land ohne Land, und erbringt den Beweis, dass Palästina seit Jahrhunderten imperialen Projektionen unterworfen ist. Das zeigt sich nur zu deutlich, wenn Massen von bewaffneten Kreuzfahrern,
Legionären und Mongolen zu Pferd und in Doppeldeckern staatliche Edikte vom anderen Ende einer Maschinenpistole erlassen.
Die Fragmente aus denen Lacan Palestine besteht, bestehen sowohl aus der öffentlichen als auch der privaten
Sprache, die den symbolischen Bereich interpoliert, und daraus die Geschichte Palästinas und somit auch die
Geschichte Israels entstehen lassen. Eine Liebesgeschichte ohne Liebe, mit Moses, Abraham und Jacques
Lacan in den Hauptrollen.
Als großer Analyst und guter Filmemacher nimmt Hoolboom uns mit auf seiner Reise durch Mythen, Träume und
bekannte Platzhalter für das Kino und zeigt uns Palästina in Fragmenten - der vielleicht einzige Weg, die
Geschichte über das, was Palästina sein mag, zu erzählen.
›Palästina und das Kino haben eines gemeinsam: sie suchen die Unabhängigkeit.‹ Godard
Lacan Palestine is a found footage essay about this troubled country without a country, which has been party
to imperial projections for centuries, amply on display here as waves of armed crusaders, legionnaires, Mongols on horseback and biplanes issuing state edicts from the end of a machine gun.
The fragments that comprise Lacan Palestine are both the public and private languages that interpolate the
symbolic sphere that constitute the history of Palestine and therefore the history of the Israel into being. A
loveless love story starring Moses, Abraham and Jacques Lacan.
As a great analyst and a good filmmaker Hoolboom takes us through myths, dreams and canonical cinematic
placeholders, presenting us Palestine in fragments—perhaps the only way to tell the story of what may be
Palestine.
›Palestine is like the cinema: it's searching for independence.‹ Godard
ÆCDN, 2012, Digital, 70:00
99
RETRO: NOW AND THEN
SHELLY SILVER; WORDS - FILMS - DESIRES
SHELLY SILVER – WÖRTER-FILME-WÜNSCHE
In New York geboren, handeln Silvers Filme von der Offenheit des Big Apple und der Verschlossenheit des
Einzelnen als Reaktion auf die Welt um sie herum und davon, wie oft Menschen mit anderen Menschen, ihren
eigenen Körpern, mit Computern, Datenflüssen, mit Politik und Erbe verbunden oder nicht verbunden sind.
Ihre Arbeiten umfassen ein vielseitiges Spektrum an Themen und Genres, das sich den persönlichen und
gesellschaftlichen Beziehungen widmet, die uns formen und einschränken; die indirekten Wege von Lust und
Begierde; die Geschichten, die wir von anderen träumen oder über andere ersinnen und die Geschichten, die wir
über uns selbst erfinden.
In Shelly Silvers geheimnisvollen Erzählungen über die heutige Identität, sind Wahrheit und Fiktion stets zweifelhaft, die Glaubwürdigkeit von dem was sichtbar ist und dem was nicht sichtbar ist, wird in Frage gestellt und
die Art und Weise wie Informationen offengelegt, zurückgehalten und übermittelt werden, sind von hoher
Bedeutung. Sich der Strukturen und Normen von Erzählungen aus Fernsehen und Kino bedienend, verlässt sich
Silver auf die Beteiligung des Zuschauers -- die Erwartung bezüglich dessen, wie Mediengeschichten ›gelesen‹
werden, der Wunsch, deren Konventionen und Charakteren zu glauben und sich mit ihnen zu identifizieren.
Silver verbindet häufig stilisierten Schwarz-Weiß-Film mit Farbvideo, Bildausschnitte mit geschriebenem Text
und Sound, Elemente aus Dokumentarfilmen und Melodramen mit Comedy-Elementen, und lässt somit
Authentizität und Falschheit, Künstlichkeit und Realität (›real‹ im Vergleich zu was), verschwimmen.
Vom schwer fassbaren Things I Forget to Tell Myself (1989) bis zum vielschichtigen Melodram The Houses That
Are Left (1991), sind ihre fragmentierten Erzählungen von ironischen Untersuchungen geprägt. Ähnlichkeiten
mit Rundfunkwerbung und Fernsehformaten basieren auf Silvers Erfahrungen, die sie als Editor von Kommerzvideos machte. Silver hinterfragt das Geschichtenerzählen, das Rollenspiel und die Mittel, mit denen die
populäre Narration, unsere Identität im Kino und Fernsehen sowohl reflektiert wie auch konstruiert..
In den neunziger Jahren lebte Silver für längere Zeiträume außerhalb der USA. Ihre Erfahrungen als ›Beobachterin von außen‹ in Deutschland, Frankreich und Japan verarbeitete sie in Werken, in denen sie die Mythen und
Wirklichkeiten kultureller und nationaler Identität hinterfragt. Indem Silver Techniken des Dokumentarfilms,
des Essays und des Geschichtenerzählens in Werken wie Former East/Former West (1994) und 37 Stories About Leaving Home (1996) miteinander verbindet, erforscht sie die Frage, wie wir über kulturelle Erzählungen zur
Definition des eigenen Ich‘s gelangen.
Ihr fiktiver Langfilm suicide (2003) begleitet eine Frau auf ihrer sonderbaren, interkontinentalen Reise, und
zeichnet deren von großer Hoffnung und Verzweiflung geprägte Suche, nach einem Grund weiter zu leben, auf.
Gedreht im Stil einer Tagebuchverfilmung und mit Silver selbst in der Hauptrolle als fiktive Filmemacherin und
Heldin des Films, ist suicide ein kühner Akt des Spielens mit dem Auobiographischen, das so einiges preisgibt.
Als die Heldin immer tiefer in das Schattenreich zwischen Realität und Phantasie gerät, erzählt sie die beiden
Reisen des Films, ihrer eigene sowie ein Quixote-ähnliches Märchen von einer Prinzessin und ihrem ... Penis. .
100
New York born, Silver’s films deal both with the openness of the Big Apple and the closure of the individual as
reaction to the surrounding worlds and often how human beings are connected and disconnected to other people, their own bodies, to computers and data streams, to politics and heritage.
Her works span an eclectic range of subject matter and genres, exploring the personal and societal relations
that identify and restrict us; the indirect routes of pleasure and desire; the stories that we dream or fabricate
about others, and the stories that we construct about ourselves.
In Shelly Silver's enigmatic narratives of contemporary identity, truth and fiction are constantly in doubt, the
veracity of what is seen and what is not seen is questioned, and the modes by which information is disclosed,
withheld and mediated hold meaning. Appropriating the structures and codes of television and cinema narratives, Silver relies on the viewer's complicity - the expectation of how media stories are ›read,‹ the desire to believe and identify with their conventions and characters. Blurring authenticity and falseness, artifice and reality (›real‹ compared to what), Silver often merges stylized black-and-white film with color video, fragmented
images with written text and sound, elements of documentary and melodrama with comedy
From the elusive Things I Forget to Tell Myself (1989) to the multi-leveled melodrama of The Houses That Are Left
(1991), her fragmented narratives are steeped in ironic inquiry. References to broadcast advertising and television formats are informed by Silver's experience as a commercial video editor. Investigating and questing how
contemporary identity is both reflected and constructed by television and cinema.
In the 1990's, Silver lived for extended periods outside of the United States. Her experiences as an ›outside observer‹ in Germany, France, and Japan have led to works in which she questions the myths and realities of cultural and national identity. Interweaving of documentary, essay, and story-telling techniques in works such as
Former East/Former West (1994) and 37 Stories About Leaving Home (1996), Silver explores how we negotiate
cultural narratives to arrive at definitions of the self.
Her feature-length fiction suicide (2003) follows a woman's strange intercontinental voyage, chronicling her
fiercely hopeful and desperate search for a reason to continue living. Shot in the genre of a personal journal
film, and starring Silver herself as the fictional filmmaker heroine, suicide is an audacious act of flirting with
the revelatory autobiographical. As the heroine slips ever further into the shadow areas between the real and
the imagined, she narrates the films two voyages, her own as well as a Quixote-like tale of a Princess and her...
penis.
Shelly Silver was born in 1957 in Brooklyn, NY. She received a B.A. (Phi Beta Kappa) in History and a B.F.A. in
Mixed Media from Cornell University. She subsequently attended the Whitney Museum of American Art Independent Study Program. She has been exhibited throughout the US, Europe and Asia at venues such as MoMA, NYC,
MoCA, LA, The Pompidou Center, Paris; The Kyoto Museum, Japan, The ICA London, The London Film Festival, The
Singapore Film Festival and has won many awards including at The Leipzig International Documentary Festival,
The Australian Int'l Film & Video Festival and The Houston Int'l Film Festival. Silver has received fellowships and
grants from the NEA, the DAAD, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation and Anonymous Was a Woman Foundation. She is a 2005 John Simon Guggenheim Fellow. Silver currently lives in New York where she is an associate
professor in Visual Arts, School of the Arts, Columbia University.
101
RETRO: NOW AND THEN
MEET THE PEOPLE
THINGS I FORGOT TO TELL MYSELF
Shelly Silver
Shelly Silver
Die Grenzen zwischen Dokumentarfilm und Fiktion,
Wahrheit und List, verwischend, zeigt Meet the People
vierzehn ›Charaktere‹, die in Großeinstellung in die
Kamera schauen, und die über ihr Leben und ihre Träume sprechen. Die Intimität und Ehrlichkeit ihrer
bruchstückhaften ›autobiographischen‹ Geschichten
ist nur eine Illusion; Vor- und Nachspann ›verraten‹,
dass diese Menschen professionelle Schauspieler
sind, die fiktive Rollen spielen und von einem Script
ablesen. Die Arbeit bezieht sich auf die Beteiligung
des Zuschauers, der beseelt vom Wunsch, den Riten
und Charakteren im Fernsehen Glauben zu schenken,
sich mit ihnen identifiziert. Dasselbe Fernsehen, das
eine perfektionierte Form der Identität der ›Durchschnittsperson‹ nachäfft, ist gleichzeitig verantwortlich für die Erschaffung dieser Identität; es erforscht,
benutzt und kreiert die Hoffnungen und Träume dieser
›Durchschnittsperson‹. Und somit wird die Frage der
Existenz einer ›wahren‹ Person ›wahr‹ im Vergleich zu
was?
›Eine fragmente, schriftliche Behauptung wird mit
ausgewählten Bildern von New York City durchsetzt,
wobei vieles durch die ausgestreckte Hand des
Kameramanns abgeschnitten wird. Gebäude, Fenster,
Schilder, Fußgänger, Polizisten und Türen bilden ein
Kontinuum von Zugang und Versperrung. Die manchmal wechselnden, manchmal gleichzeitigen Muster
von Enthüllung und Zurückhaltung, Erkennen und
Unachtsamigkeit, werden genau überprüft, um die
Zeichen psychologischer Prozesse und kultureller
Codes aufzuzeigen, und zugleich die Grenzen
zwischen Sehen und Lesen auszutesten.‹ Michael
Nash, Kurator, Long Beach Museum of Art
Blurring the line between documentary and fiction,
truth and artifice, Meet the People presents fourteen
›characters‹ who face the camera in talking head
close-ups and speak about their lives and dreams. The
intimacy and honesty of their fragmented, ›autobiographical‹ storytelling is illusory; the credits reveal
that these people are professional actors, playing fictional roles, reading a script.
The work points to the complicity on the part of the
viewer in his desire to believe and identify with the
traditions of and characters on TV. The same television
that mimics a perfected form of identity of the ›average person‹ is also in part responsible for creating this
identity; it both researches, uses and manufactures
this ›average person's‹ hopes and dreams. And so the
question of the existence of a ›real‹ person becomes
›real‹ compared to what? Silver Award, bester fiktiver
Experimentalfilm, The Houston International Film
Festival
ÆUS 1986, Video, 16:32
102
›A fragmented textual statement is interspersed with
imagery culled from NYC, much of it cropped by the
camera operator's outstretched hand. Buildings, windows, signs, pedestrians, cops and doors constitute a
continuum of access and obstruction. The sometimes
alternating, sometimes simultaneous patterns of disclosure and withholding, recognition and inobservance, are scrutinized to reveal the imprints of psychological processes and cultural codes, while testing
boundaries between seeing and reading.‹ Michael
Nash, Curator, The Long Beach Museum of ArtPrix du
Jury, Femmes Cathodique Video Festival, Paris,
Frankreich
ÆUS 1989, Video, 2:00
THE HOUSES THAT ARE LEFT
SMALL LIES, BIG TRUTH
Shelly Silver
Shelly Silver
Eine Geschichte über Sterblichkeit, Freundschaft, Rache, Mord
und das Übernatürliche, in der zwei Freunde zusammenkommen und herauszufinden versuchen, wie man leben kann, wenn
bösartige Nachrichten von Toten einem zusetzen. Während die
Lebenden vor lauter Angst, dass ihnen etwas Schlimmes zustoßen könnte, erstarren, sind die Toten, denen ja nichts mehr
passieren kann, bestrebt, ihre Fähigkeit wiederzuerlangen, über
das einzige ihnen zur Verfügung stehende Medium, ihrem Fernseher, zu agieren. Indem Silver Schwarz-Weiß-Film und Farbvideo nebeneinanderstellt und erzählerische Elemente aus den
Bereichen Drama, Komödie und Dokumentarfilm miteinander
verknüpft, erschafft sie eine Struktur, die es ihr ermöglicht, eine
Vielzahl von Stimmen sprechen zu lassen: zwei Frauen, die in
ihrer Kindheit befreundet waren, Menschen auf der Straße, die
zum Zwecke der ›Marktforschung‹ befragt werden und die Beobachtungen toter Menschen, die sich die Lebenden auf ihren
Fernsehern anschauen. Wahrheit und Dichtung verschwimmen
wenn die Toten mit den Lebenden kommunizieren und reale
Menschen von fiktiven Charakteren interviewt werden.
Abwechselnd lustig, aufwühlend und wunderbar sinnlich! Small lies, Big Truth ist ein
Video über die Liebe, Beziehungen und die
sexuellen Freuden und Banalitäten im späten 20. Jahrhundert. Es geht auch um Themen wie Moral, Voyeurismus, Natur versus
Kultur und Macht in diesem Video, in dem
man acht Menschen hört, die in der ersten
Person aus Aussagen von Monica S. Lewinsky und William Jefferson Clinton lesen, wie
sie im so genannten Starr-Report veröffentlicht wurden.Zu diesen vier Paaren gehören:
ein älterer Mann & eine jüngere Frau, Bill
Raymond & Tracy Leipold; eine ältere Frau
und ein jüngerer Mann, Joan Jonas & Ken Kobland; ein älterer Mann und ein jüngerer
Mann, Rodney Evans & David Watson; eine
jüngere Frau und eine ältere Frau, Simin
Farkhondeh & Kathy High.
A story of mortality, friendship, revenge, murder and the supernatural, as two friends come together to try to figure out how to
live, while being besieged by malignant messages from the
dead. While the living are rendered passive by their fear that
something bad could happen to them, the dead, who no long
can have anything happen to them at all, strive to regain their
ability to act through the only tool available to them, their television.
Juxtaposing black-and-white film with color video, and fusing
narrative elements of drama, comedy and documentary, Silver
provides a structure that allows for a plurality of voices to
speak: two women who were childhood friends, people on the
street who are interviewed for ›market research,‹ and the observations of dead people who watch the living on television
monitors. Truth and fiction are blurred as the dead communicate with the living and real people are interviewed by fictional
characters.Bester Narrativer Film, Atlanta Film & Video Festival
und Australia International Video Festival
In turn funny, disturbing and glisteningly
sensual, Small lies, Big Truth is a video about
love, relationships and the joys and banality
of sex in the late 20th century. It also touches on such issues as morality, voyeurism, nature vs. culture and power, as eight people
are heard reading, in the first person, from
the testimony of Monica S. Lewinsky and
William Jefferson Clinton as published in the
Starr Report.
These four couples include: an older man & a
younger woman, Bill Raymond & Tracy
Leipold; an older woman and a younger man,
Joan Jonas & Ken Kobland; an older man and
a younger man, Rodney Evans & David Watson; a younger woman and an older woman,
Simin Farkhondeh & Kathy High.
ÆUS 1999, Video, 18:48
ÆUS 1990, Video, 28:00 (broadcast version)
103
RETRO: NOW AND THEN
SUICIDE
WHAT I’M LOOKING FOR
Shelly Silver
Shelly Silver
Ein fiktiver Spielfilm über die Reise einer Frau durch
die Einkaufszentren, Flughäfen und Bahnhöfe in Asien, Europa und Mittelamerika, und ihrer von Hoffnung
und Verzweiflung geprägten Suche nach dem Grund
weiter zu leben. Gedreht im Stil einer Tagebuchverfilmung und mit Silver selbst in der Hauptrolle als fiktive Filmemacherin und Heldin des Films, stellt sich
suicide als spannend, düster und lustig dar; ein kühner Akt des Spielens mit dem Autobiographischen,
das so einiges preisgibt. Es ist eine rasante Fahrt, als
die Heldin, während sie immer tiefer in das Schattenreich zwischen Realität und Phantasie gerät...
Sonderpreis der Jury, Moscow International Film Festival, Media Forum
Eine Frau macht sich auf, um Momente der Intimität
zu fotografieren. Auf einer Dating-Seite im Internet
schreibt sie: ›Ich bin auf der Suche nach Menschen,
die bereit sind sich in der Öffentlichkeit fotografieren
zu lassen und dabei ›einen Teil von sich offenbaren‹...
What I'm Looking For, ein 15-minütiges High Definition
Video, dokumentiert dieses Abenteuer; die Verbindungen, die an diesem Schnittpunkt zwischen dem Virtuellen und dem realen öffentlichen Raum entstehen.
Das Video ist eine Reflexion über die Natur der Fotografie und die Beständikeit der Bilder. Es ist eine Kurzgeschichte, in der es um Begierde und Kontrolle geht.
A feature-length fiction of a woman's voyage through
the malls, airports and train stations of Asia, Europe
and Central America, chronicling her fiercely hopeful
and desperate search for a reason to continue living.
Shot to resemble a personal diary film, and starring
Silver herself as the fictional filmmaker heroine, suicide is edgy, dark and funny; an audacious act of flirting with the revelatory autobiographical. It is a wild
ride, as the heroine, slipping ever further into the
shadow areas between the real and the imagined...
Special Jury Prize Moscow International Film Festival,
Media Forum
ÆUS 2003, Video, 70:00
104
A woman sets out to photograph moments of intimacy.
On an Internet dating site she writes: ›I'm looking for
people who would like to be photographed in public
revealing something of themselves...‹
What I'm Looking For, a 15-minute high definition
video, documents this adventure; the connections
formed at this intersection between virtual and actual
public space. The video is a rumination on the nature
of photography and the persistence of vision. It is a
short tale of desire and control.
ÆUS 2004, MiniDV, 15:00
5 LESSONS AND 9 QUESTIONS
ABOUT CHINATOWN
FILME IN DER AUSSTELLUNG
(FILMS IN THE EXHIBITION)
Shelly Silver
Du lebst irgendwo, gehst die gleiche Straße 50, 100,
10.000 Mal entlang, und nimmst jedes Mal nur Bruchstücke davon auf, registrierst den Ort, THE PLACE,
aber nie ganz. Jahre, Jahrzehnte vergehen und du
machst immer weiter, ohne zu sehen und wahrscheinlich ohne gesehen zu werden. Ein Gebäude stürzt ein
und bevor das nächste errichtet wird fragst du dich
›was stand hier sonst?‹ Du nimmst das sich ändernde
Bild deines Stadtteils nur entfernt war, sowie auch
das Gefühl, dass, seit dem 19. Jahrhundert, immer
neue Massen an Einwohnern diese Gassen, Wohnhäuser, Treppen und Geschäfte frequentierten und sie
veränderten.10 Blocks, Vergangenheit, Gegenwart,
Zukunft, Zeit, Licht, Bewegung, Einwanderung,
Ausschluss, Gentrifizierung, Rassismus, Geschichte,
China, Amerika, 3 Sprachen, 13 Stimmen, 152 Jahre,
17.820 Einzelbilder, 9 Minuten, 54 Sekunden, 9 Fragen,
5 Lektionen, Chinatown
Dialogpreis des Auswärtigen Amtes, Deutschland,
EMAF 2010
Zusammen mit den oben genannten Filmen werden
folgende Dokumentarfilme in der EMAF-Ausstellung
Revolve gezeigt.
Together with the films above the following documentaries are shown in the EMAF exhibition Revolve.
THE HOUSES THAT ARE LEFT
Shelly Silver
ÆUS 1991, Video, full version 51:00
ÆBescheibung siehe oben / description above
You live somewhere, walk down the same street 50,
100, 10,000 times, each time taking in fragments, but
never fully registering THE PLACE. Years, decades go
by and you continue, unseeing, possibly unseen.
A building comes down, and before the next one is up
you ask yourself ›what used to be there?‹ You are only
vaguely aware of the district's shifting patterns and
the sense that, since the 19th century, wave after
wave of inhabitants have moved through and transformed these alleyways, tenements, stoops and
shops.
10 square blocks, past, present, future, time, light,
movement, immigration, exclusion, gentrification,
racism, history, China, America, 3 languages, 13 voices, 152 years, 17,820 frames, 9 minutes, 54 seconds, 9
questions, 5 lessons, Chinatown
Dialog-Award by the ministery of Foreign affairs, Germany at EMAF 2010
ÆUS 2009, digital, 10:00
105
RETRO: NOW AND THEN
37 STORIES ABOUT LEAVING HOME
Shelly Silver
Dieser preisgekrönte Dokumentarfilm ist ein intimes Porträt einer Gruppe von japanischen Frauen im Alter von
15 bis 82 Jahren, die über ihr Leben, ihre Familien und die Gesellschaft sprechen. In diesen Geschichten
beginnt man, aus sehr persönlicher als auch aus individueller Perspektive, den gesellschaftlichen Wandel zu
erkennen, der sich im Laufe der letzten drei Generationen für die Frauen in Japan vollzogen hat, und der ein
spannendes und häufig auch widersprüchliches Angebot an Möglichkeiten und Positionen mit sich bringt.
Viele der Geschichten drehen sich um die Beziehungen, die diese Großmütter, Mütter und Töchter miteinander
haben und die geprägt sind von Respekt, Rebellion, Verlust und Liebe.
Der Film ist ein Mix aus Erinnerungen aus der Kindheit, offene Worte, große Ereignisse und alltägliche Details;
dieser Film zeugt von Stärke dieser Frauen und die hohe Bedeutung der zu treffenden Entscheidungen,
während sie ihren Weg zwischen persönlichen Bedürfnissen und familiärem und gesellschaftlichem Druck
gehen. Die Interviews werden von traditionellen japanischen Volksmärchen umrahmt; eine magisch und
irgendwie auch schockierende Erzählung über die Suche einer Mutter nach ihrer entführten Tochter, die am
Vorabend ihrer Hochzeit von einem Monster entführt worden war.
Die ›Goldene Taube‹ für den besten langen Dokumentarfilm & den Ökumenischen Preis für den besten Dokumentarfilm, Internationales Leipziger Festival für Dokumentar- und Animationsfilm, Deutschland
This award winning documentary is an intimate portrait of a group of Japanese women ranging in age from 15
to 82, talking about their lives, families and society. In these stories one can begin to see, from very personal
and individual perspectives, the societal changes that have occurred over the last three generations for women
in Japan, bringing an exciting and often conflicting array of choices and positions. Many of the stories revolve
around the relationships these grandmothers, mothers and daughters have with each other, filled with respect,
rebellion, loss and love.
Mixing childhood memories, frank statements, epic events and quotidian details; the film bears witness to the
strength of these women and the difficulty of their choices, as they navigate between personal needs and familial and societal pressures. The interviews are framed by a traditional Japanese folktale; a magical and somewhat shocking narrative of a mother's search for her abducted daughter, kidnapped by a monster on the eve of
her wedding.
The Golden Dove for Best Long Form Documentary & The Ecumenical Prize for Best Documentary,
The Leipzig International Documentary Film Festival, Germany
ÆUS 1996, in Japanese & English, Video, 52:00
106
FORMER EAST/FORMER WEST
IN COMPLETE WORLD
Shelly Silver
Shelly Silver
Bestehend aus Hunderten von Interviews, die auf den Straßen
Berlins zwei Jahre nach der Wiedervereinigung gemacht
wurden, ist Former East/Former West ein lebendiger und überraschend offener, zuweilen bestürzender Dokumentarfilm
darüber, was es bedeutet, in diesem besonderen historischen
Moment deutsch zu sein. Fünfundvierzig Jahre lang lebten die
Bewohner dieser geteilten Stadt völlig unterschiedliche Leben,
sowohl in Bezug auf die Ideologie, als auch bezüglich ihrer
Erfahrungen. Silver hinterfragt genau die Bedeutung einer
gemeinsamen Sprache, rückt die sich ändernden Definitionen
von Begriffen wie Demokratie, Freiheit, Kapitalismus, Sozialismus als politische Systeme wie auch Wirtschaftssysteme in
den Mittelpunkt genauso wie Begriffe, die zur Beschreibung von
Nationen und Identitäten verwendet werden - Nationalität,
Deutschland, Geschichte, Ausländer, Heimat. Während man
sieht, wie die Befragten mit ihrer eigenen, persönlichen Definitionen dieser so ideologisch beladenen Begriffe ringen, kommen die Zuschauer nicht umhin, sich selbst die gleichen Fragen
zu stellen.
›Jeder, der den Wunsch hegt besser zu verstehen, warum es so
schwer ist, das zu ›vereinen was zusammengehört‹, wird diesen
Film sehen wollen.‹ Dr. Christopher Stomach, New Hampshire
German Symposium
Ein Dokumentarfilm mit Interviews, die auf
den Straßen von New York City gemacht wurden. Mit einem Mix aus politischen Fragen
(Sind wir verantwortlich für die Regierung,
die wir erhalten?) und weitaus existentielleren Fragestellungen (Haben Sie das Gefühl,
dass sie ihr Leben unter Kontrolle haben?)
beschäftigt sich der Film mit der Spannung
zwischen individueller und kollektiver Verantwortung.
Der Film könnte als Benutzerhandbuch für
die Staatsbürgerschaft im 21. Jahrhundert
gesehen werden, wie auch als flüchtiger
Blick auf die Meinunungen und Selbstreflektionen einer bunt gemischten Gruppe von
Amerikanern betrachtet werden. Er ist ein
Zeugnis für die Menschen von New York City
in diesem neuen Jahrtausend, die einer
ihnen völlig fremden Frau bereitwillig ihre
innersten Gedanken preisgeben, die provozierend oder zuweilen auch sehr empfindsam sind, nur weil diese sie danach fragt.
Made up of hundreds of street interviews done in Berlin two
years after the Reunification, Former East/Former West is a vital, surprisingly open, and at times disturbing documentary
about what it means to be German at this particular moment in
history. For forty-five years, residents of this divided city lived
radically different lives, both in terms of ideology and everyday
experience. Silver questions the very notion of a shared language, focusing on changing definitions of words for political
and economic systems - democracy, freedom, capitalism, socialism - as well as words used to describe nations and identity
- nationality, Germany, history, foreigners, home. Watching the
interviewees grapple with their own personal definitions of
these ideologically loaded terms, viewers can't help but ask
these same questions to themselves.
›Anyone who wants to better understand why it is so difficult to
›merge what belongs together‹ will want to see this film.‹ Dr.
Christopher Stomach, New Hampshire German Symposium
A feature-length documentary made up of
street interviews done throughout NYC. Mixing political questions (Are we responsible
for the government we get?) with more
broadly existential ones (Do you feel you
have control over your life?), the film centers
on the tension between individual and collective responsibility.
The film can be seen as a user's manual for
citizenship in the 21st century, as well as a
glimpse into the opinions and self-perceptions of a diverse group of Americans. It is a
testament to the people of NYC in this new
millennium, who freely offer up thoughtful,
provocative and at times tender revelations
to a complete stranger, just because she
asked.
ÆUS 2008, Video, 53:00
ÆD/US 1994, in German & English, Video, 62:00
107
MEDIA CAMPUS
REFRESH
Der Media Campus bietet internationalen Nachwuchskünstlern eine einzigartige Möglichkeit, ihre aktuellen Arbeiten zu präsentieren. Dem interessierten Besucher wird in diesem Jahr ein umfassender Einblick ermöglicht,
der zwölf Nationen umfasst und ihm die Wahl zwischen fünf Filmprogrammen, der Ausstellung, verschiedenen
Workshops und dem Hochschultag lässt.
Aus vielen Stunden Filmmaterial sind fünf fabelhafte Filmprogramme entstanden, die den Besucher mit auf
eine Reise durch verschiedene Sphären nimmt.
Anna Pavlova lebt in Berlin. Dorthin nimmt sie den Besucher mit auf einen ausschweifenden Trip. Hotpot-Hotspot glüht sogar noch und man muss sich fragen, ob das an Herrn Hoppe und seinem Atommüll liegt. World Creators nimmt sich, so gar nicht bescheiden, einfach mal die ganze Welt zum Thema. Seven Senses wird da schon
intimer und thematisiert den Mensch und die Wahrnehmung seiner Umwelt. Dabei kann aus einem einfachen
[s] ein Feuerwerk aus Impressionen entstehen. Melancholie und Fantasie erwarten den Zuschauer im Programm Beaten Paths. Es reichen drei Schwestern um zu verstehen: das Leben verläuft nicht immer so wie man
es sich vorstellt.
Ganz anders aber mindestens genauso spannend gestalten sich die Ausstellungen. An außergewöhnlichen
Orten gibt es außergewöhnliche Dinge zu beobachten. Denn, haben sie schon einmal in einem Turm aus dem
Mittelalter gestanden und sind dort kleinen Robotern begegnet? Als tolles Highlight konnte außerdem der
Oberlichtsaal im Felix-Nussbaum-Haus als Ausstellungsfläche gewonnen werden.
Am Hochschultag geben sich vier deutsche Hochschulen aus allen Himmelsrichtungen die Klinke in die Hand
– sie stellen sich vor und präsentieren einige Arbeiten. Im Anschluss findet der Audiovisuelle Salon des AStA
Osnabrück statt.
In den Workshops wird gebastelt, gebohrt und gelötet. Bei audiovisuellen Experimenten mit dem Overheadprojektor erforschen die Teilnehmer zwei Tage lang Kombinationen aus Licht und Klang. Unter der Anleitung von
Tina Tonagel gipfelt dieser Workshop in einer spannenden Präsentation. Beim circuit bending wird sich mit den
quietschten Quälgeister befasst, die man jedem Kleinkind sofort aus der Hand nehmen möchte! Hier darf man,
unter Anleitung von Daniel Baum und Timm Stobbe, mit Akkuschrauber, Lötkolben und Heißklebepistole seine
Rache ausüben. Wie man Zuhause seiner Kinect-Kamera neues Leben einhaucht, lernt man bei einem spannenden Vortrag von Sebastian Möller im Haus der Jugend.
Wir freuen uns auf ein spannendes und unterhaltsames Programm.
Das Team des Media Campus
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Media Campus offers young international artists the unique opportunity to present their latest work. This year,
interested visitors are given a comprehensive insight into works from twelve nations, offering the choice between five film programmes, an exhibition, various workshops and University Day.
Five fabulous film programmes have been compiled from hours of film material that will take visitors on a journey with them through all kinds of spheres.
Anna Pavlova lives in Berlin. She will take visitors there on an excessive trip. Hotpot-Hotspot is actually still
glowing, and we even have to wonder whether it’s because of Herr Hoppe and his radioactive waste. World Creators takes on the whole world as its topic in a highly immodest fashion. Seven Senses is much more intimate,
and broaches the issue of human beings and how we perceive our environment. In the process, an explosion of
impressions can be gained from a simple [s]. Melancholy and fantasy await the audience in the Beaten Paths
programme. Three sisters are enough to understand that life is not always what you expect of it.
The exhibitions take a completely different, yet equally exciting, path. Extraordinary things can be observed at
extraordinary places. After all, have you ever stood in a medieval tower and come across little robots there? The
Oberlichtsaal in the Felix Nussbaum House was also acquired for further exhibition space, which could be another highlight.
On University Day, it’s up to four German higher education institutions from all over the country to introduce
themselves and present some of their works. This will be followed by the Audiovisual Saloon, put on by Osnabrück Students’ Union Executive Committee.
In the workshops, participants are given the chance to build, drill and solder. In audiovisual experiments with
an overhead projector, participants will explore combinations of light and sound for two days. Under the guidance of Tina Tonagel, this workshop will culminate in an exciting presentation. Circuit bending involves experimenting with the squeaky pests that we wish to snatch straight out of the hands of any infant! Under the guidance of Daniel Baum and Timm Stobbe, you can get your own back using cordless screwdrivers, soldering irons
and hot-melt guns. In an exciting lecture by Sebastian Möller at Haus der Jugend, you can learn how to breathe
new life into your Kinect camera at home.
We look forward to an exciting and entertaining programme.
The Media Campus Team
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REFRESH: MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM
ANNA PAVLOVA
ANNA PAVLOVA LEBT IN BERLIN
Theo Solnik
Anna Pavlova, russische Partyqueen, verkörpert das brutale Glück und die Tragödie der Berliner Partygeneration unserer Zeit. Verloren an der Grenze zwischen Wahnsinn und seltener
poetischer Klarheit, wandernd durch die Straßen von Berlin zeigt sie uns eine Seite der Partywelt, die wir selten sehen. Ihre Existenz ist ein verzweifelter Versuch, in endlosem Glück
zu leben, um nicht die Welt zu sehen, die anfängt, wenn die Partymusik zu Ende ist.
Anna Pavlova, Russian party queen, embodies the brutal happiness and tragedy of the Berlin
party generation of our times. Lost at the border between insanity and seldom poetic lucidity, wandering alone through the streets of Berlin, she shows us the side of the party world
that we rarely see. An anti-hero of civilized society, her existence is a desperate attempt to
live in a never-ending happiness, in order not to see the world that begins when the party
music’s over.
Theo Solnik, *1981 in Sao Paulo, Brasilien. Has been studying Directing at German Film and
Television Academy Berlin (DFFB) since 2006.
ÆRealisation Theo Solnik
ÆSound Editor, Mixer Felix Fröhlich
ÆProduction Myriam Eichler
ÆDistribution German Film and Television Academy Berlin (DFFB)
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BEATEN PATHS
MANY FACESNIR PHILOSOF
FADING
Nir Philosof
Christopher Iff
Kann es möglich sein, dass man durch das Leben geht und
denkt, man habe nur eine einzige Persönlichkeit? Ist es möglich
zu jeder Zeit und um jeden Preis stets ehrlich und aufrichtig zu
sein? Gibt es überhaupt so etwas wie ›Wirklichkeit‹?
Eine alte Dame ist gezwungen ihr gewohntes Haus zu verlassen,
um im Supermarkt in der Nähe neue Milch zu kaufen. Auf ihrem
Weg dahin und zurück begegnet sie einer Menge skurriler und
farbenfroher Charaktere, die sie dazu drängen sich mit der eigenen Umwelt auseinander zu setzen – und darüber hinaus
auch mit sich selbst.
Ein Kurzfilm, der die Frage nach der menschlichen Seele, nach
Selbstreflektion und Leugnung des Ichs stellt.
Ein alter Mann befindet sich in der Endphase seines Lebens. Seine Erinnerungen
schwinden von Tag zu Tag. Nach draußen
traut er sich schon gar nicht mehr. Zeit und
Raum haben für ihn jegliche Bedeutung verloren. Bis er mit der eigenen Vergänglichkeit
konfrontiert wird und sich gezwungen sieht,
aufzustehen und seinen gewohnten Platz zu
verlassen.
Is it possible to walk through life, believing you only have one
single persona? Is it possible to be real and genuine all the time
and at all costs? And is there such a thing as ›Real‹?
An old lady is forced to leave her customary house to buy a new
carton of milk at the local supermarket. On her way there and
back, she comes across all kinds of odd and colorful characters
that cause her to face her environment and, above all, herself.
A short movie that wonders about the human soul, self-reflection and denial?.
Nir Philosof, *1983 in Tel Aviv, Israel. Has been studying Animation at Bezalel Academy of Arts and Design, Jerusalem since
2007.
ÆIL 2011, Video, 5:37
ÆDirector Nir Philosof
ÆScript, characterdesign Nir Philosof
ÆLayout Nir Philosof, Reut Bortz
ÆAnimation Nir Philosof, Reut Bortz
ÆOriginal music Yohay Netzer
ÆPostproduction Shoham Blau
ÆDistribution Rafi Yaniger,
Bezalel Academy of Arts and Design
An old man has reached the end of his life.
He sees his memories increasingly fade with
every day. Time and space have lost their
meaning, to the point where he doesn’t even
venture outside any longer. But then he is
confronted with his own mortality and realises he has to get up and leave his safe
haven.
Christopher Iff, *1986 in St. Gallen, Switzerland. Has been studying Visual Communication majoring in Video at Lucerne University
of Applied Sciences and Arts, Switzerland.
ÆCH 2011, Video, 4:40
ÆDirector Christopher Iff
ÆCamera Stephan Huwyler
ÆMusic Bänz Isler
ÆVFX/3D Christopher Iff
ÆSound Editor Beni Mosele
ÆDistribution Lucerne University of Applied
Sciences and Arts
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BEATEN PATHS
EIN MÄDCHEN NAMENS YSSABEAU
GAP
Rosana Cuellar
Viktor Stickel
Angesiedelt in einem fernen und unbekannten Land folgt der
Film einem Hirsch-Mädchen namens Yssabeau, das sich aus
Neugier in eine fremde Kultur begibt. Im Versuch sich anzupassen werden ihre Überzeugungen und Gefühle herausgefordert
und es stellt sich ihr die Frage, wie weit sie in ihrer Selbstaufgabe gehen kann, ohne ihr Selbst zu verlieren.
Ein modernes Märchen, das an eine alte Ballade von François
Villon anknüpft und zugleich von der ›Danza del Venado‹ / ›Tanz
des Hirschen‹, einem Jagdritual des indigenen Mayo-Stammes
in Mexiko inspiriert ist. Eine eigenwillige Bildsprache mit Entlehnungen aus Rokoko und Expressionismus taucht bekannte
Hamburger Schauplätze wie die Oberhafenkantine in ein ganz
neues Licht und versetzt den Zuschauer in eine surreale Welt.
Eine fühlbare Ewigkeit versucht sich eine
Steinfigur aus einer dunklen Schlucht zu befreien. Doch der Weg ans Licht ist riskant.
Immer wieder stürzt sie bei ihren Kletterversuchen tief in die Dunkelheit zurück, da ihre
zunächst grobe Form nicht den nötigen Halt
bietet. Bei jedem Sturz droht die Figur an
den Felsvorsprüngen zu zerschellen. Die
Mühe jedoch wird belohnt. Mit jedem Sturz
gewinnt sie auch an Form und Perfektion, die
es ihr schließlich das Erreichen des Ziels ermöglichen.
Set in a distant and unknown land, the film follows the journey
of a young deer woman named Yssabeau who, out of curiosity,
ventures into this unknown culture and attempts to adapt to it.
In doing so, her values and impulses are challenged and she
must decide how far she is willing to go in her attempts before
losing herself in the process.
A contemporary fairytale based on an old ballad by François Villon and inspired by the ›Danza del Venado‹ / ›Deer Dance‹, a
hunting ritual of the Mayo people in northern Mexico. Wellknown places in Hamburg, such as the Oberhafenkantine, appear in a brand-new light as the result of a unique visual language using allusions to rococo and expressionism. Viewers are
displaced to a surreal world.
Rosana Cuellar, *1984 in Mexico City. She began her studies on
film at CENTRO de Diseño, Cine y Televisión in Mexico City. In
2008 she moved to Germany where she continues to study Film
at University of Fine Arts of Hamburg (HfbK).
ÆMEX / D 2011, Video, 18:00
ÆDirector Rosana Cuellar
ÆPhotography Thomas Oswald
ÆSet Design Daniel Wollenzin
ÆMake up, Hair Artist Karl Gadzali.
ÆCast Sophia Augusta Kennedy, Lou Castel, Fiona Bader
ÆProducer Rosana Cuellar, University of Fine Arts of Hamburg,
Thomas Oswald, Rafael Cuellar
ÆDistribution University of Fine Arts of Hamburg
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For a perceptible eternity, a stone creature
tries to escape from a dark canyon. But the
path towards the light is hazardous. Its attempts fail over and over again, and it falls
back down into the dark because its coarse
form does not offer the support it needs.
With every fall, its body is at risk of being
dashed against the rock overhand. But its efforts are rewarded. Every time it falls, it
gains in form and perfection until its goal is
finally achieved.
Viktor Stickel, *1982. Is an animator and animation director. He studies at the BadenWürttemberg Film Academy. His first short
film ›Fallobst‹ has been screened at many
film festivals.
ÆD 2011, Video, 4:25
ÆRealisation Viktor Stickel
ÆAnimation Viktor Stickel, Iring Freytag
ÆCamera Tobias Jall
ÆMusic Maximilian Müller
ÆCast Andreas Held
ÆDistribution Baden-Württemberg Film
Academy, Ludwigsburg
RIND
DREISCHWESTERN
Oliver Dürr
Tim Tamke
Ein Mann sitzt in einer Küche und versucht sich seiner
Schreibmaschine zu nähern; ein weitere Mann bereitet sich mit akribischer Genauigkeit ein 300gr Rindersteak zu; eine verwahrloste Frau steht am Fenster und
starrt in den Raum; im Fernsehgerät läuft das WMFinale 1990; und irgendwie scheint es, als hätten alle
Begebenheiten etwas miteinander zu tun...
Angelehnt an das Drama von Anton Tschechow. Drei
Schwestern. Ein Raum. Ein Traum. Eine Vergangenheit.
Keine Gegenwart. Keine Zukunft. Ist es vielleicht doch
besser, etwas nicht zu haben und davon zu träumen,
als es zu haben und nicht davon zu träumen?
No specific time – an even less specific place. One
man is struggling with his typewriter. Another man is
busy cooking the ›perfect‹ beef steak. A weatherbeaten woman is observing the whole situation
through a window. A television set is showing the 1990
World Cup final. And somehow all these incidents
seem to be connected.
Oliver Dürr, *1981 in Wiesbaden, Germany. Studied Science of Motion Picture at Johannes Gutenberg University in Mainz, Germany up to 2010. He now attends the
Film Class at Mainz Academy of Arts.
An adaptation of Anton Chekhov’s drama. Three sisters. A room. A dream. One past. No present. No future.
It might be better to have nothing but to be able to
dream of it than to have something/everything and not
be able to dream of it.
Tim Tamke, *1990 in Rotenburg (Wümme), Germany.
Has been studying Film at the University of Fine Art of
Hamburg, Germany since 2010.
ÆD 2011, Video, 04:50
ÆRealisation Tim Tamke
ÆCast Karin Schroeder,
Nina Schwabe, Julia Hell
ÆDistribution Tim Tamke
ÆD 2011, Video, 19:20
ÆDirector Oliver Dürr
ÆAnimation Alain Brunotte
ÆCast Gregor Müller, Elif Esmen, Ben Kaufmann
ÆDistribution Fabian Kaufmann,
Autobahn-Produktionen
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BEATEN PATHS
SHATTERED PAST
PERFORMANCE
Boris Sverlow
Mariusz Wirski
Ein Mann schreibt seine Memoiren. Mitten in
diesem Prozess erleidet er einen Hirnschlag,
der ihn zurück in seine Kindheit während der
russischen Revolution und der Flucht seiner
Eltern katapultiert.
Ein kurzes Filmexperiment, dass versucht die Illusion
und Scheinheiligkeit der heutigen Welt herauszustellen. Die Hauptperson ist ein junger Mann Mitte 30. Es
scheint, als sei dies der typische Beginn eines normalen Tages. Er zieht sich an, rasiert sich und bindet seine Krawatte – notwendig routinierte Aufgaben, die ein
perfektes Beispiel für den Menschen der modernen
Welt sind, der im täglichen Konkurrenzkampf zu bestehen hat. Nach dem allmorgendlichen Kaffee stellt
sich allerdings heraus, dass dieser Mann ganz andere
Pläne hat, vollständig unverträglich mit dem sozialen
Konformismus. Der Filmtitel bezieht sich auf die
Kunst der Performance – auch wenn diese Performance nur ein einziges Mal aufgeführt werden kann.
A man is writing down his memoirs. In the
middle of this, he suddenly suffers a stroke.
This catapults him back into his childhood
during the Russian revolution and his family’s ensuing escape.
Boris Sverlow, *1986 in Belgium. Has been
studying Audiovisual Art at Hogeschool SintLukas in Brussels since 2005. He now attends
the master class in Audiovisual Art at KASK
(Royal Academy of Fine Arts) Ghent, Belgium.
ÆB 2011, Video, 08:12
ÆRealisation Boris Sverlow
ÆScreenplay Boris Sverlow
ÆSound & Mixing Boris Sverlow & Patrik
Berx
ÆMusic Jeroen De Brauwer
ÆDistribution KASK Hogeschool Gent
A short film experiment that attempts to present the
illusion and hypocrisy of today’s world. The main character is a young man in his mid-thirties. It appears to
be a typical start to his day. He gets dressed, shaves
and puts on his tie – routine activities as a perfect example of what people in the modern world need to do
to stay in the rat race. After the inevitable cup of coffee, however, it transpires that the man has completely different plans that do not at all comply with social
conformism. The film’s title refers to the art of performance, even if this performance can only be shown
once
Mariusz Wirski, *1984, is a graduate of Polish Philology
at University of Gdansk and currently a PhD student at
University of Gdansk. Co-organiser of many cultural
and film events in Tricity from 2008 to 2010. Author of a
few dozen films that have been made since 2004, some
of which have been screened at film festivals. Works in
television as a camera operator and an editor.
ÆPL 2011, Video, 1:44
ÆDirector, Script, Editing Mariusz Wirski
ÆCamera Mariusz Wirski, Wanda Dittrich
ÆCast Mariusz Hybiak
ÆMusic Piotr Zarzycki
ÆDistribution Mariusz Wirski
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HOTPOT-HOTSPOT
INFERNALE NONNEN
FELIX
CHARLY DAS REH
Roland Petrizza
Anselm Belser
Christian Hippchen
Als Papst Innocentius VIII im Sterben liegt, ist die fromme Nonne
Marie Claire für ihn bereit alles zu
opfern. Ihre unsterbliche Liebe
führt jedoch zu ihrem Untergang.
Ausgenutzt und zum Tode verurteilt, beschließt sie sich zu rächen!
Jede Aktion hat eine Reaktion.
Ein ganz normaler Tag in einem
idyllischen Dorf im Südwesten
Deutschlands endet in einer
schrecklichen Tragödie für den
Vater des kleinen Christian. Eine
fast wahre Begebenheit!
When Pope Innocent VIII is on his
deathbed, Marie Claire, an innocent nun, is ready to sacrifice
everything. But her undying love for
the holy father will be her downfall.
Raped and left for dead, she decides to take revenge!
Roland Petrizza, *1983 in Bad
Friedrichshall, Germany, has been
studying at Baden-Württemberg
Film Academy since 2005.
ÆD 2011, Live Action with Visual
Effects, 2:30
ÆDirector Roland Petrizza
ÆCo-Director Alex Eslam
ÆScript Roland Petrizza,
Alex Eslam
ÆPhotography Carlo Jelavic
ÆEditor Tobias Suhm
ÆDistribution BadenWürttemberg Film Academy,
Ludwigsburg
Every action has a reaction.
Anselm Belser, *1979. Started
working and practising as a cinematographer at the FilmArche e.V. in
Berlin in 2005. Was accepted to the
German Film and Television Academy Berlin (DFFB) for Cinematography in 2010.
ÆD 2011, Video/HD, 0:43
ÆDirector Anselm Belser
ÆScreenplay Anselm Belser
ÆLine Producer Paul Ohmert
(PaulOhmertFilms)
ÆDistribution Aug & Ohr Medien,
Berlin
An ordinary day in an idyllic village
in southwest Germany ends in a
terrible tragedy for the father of little Christian. An almost true story!
Christian Hippchen, *1985 in
Lebach/Saarland/Germany, has
been studying Illustration at Hamburg University of Applied Sciences
(HAW) (Faculty of Design, Media &
Information) since 2009.
ÆD 2011, animation 2:26
ÆRealisation Christian Hippchen
ÆPhotography Christian Hippchen
ÆAnimation Christian Hippchen,
Mathias Barth, Florian Walkling
ÆDistribution Christian Hippchen
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HOTPOT-HOTSPOT
KOPFSTAND: TERRORISMUS
THE TRACKPAD JAM
Benjamin Singer, Sebastian Wöhl, Nadine Pyka
Jeff Liu
›Bin Laden, die Sau, ist tot!‹ Mit Partyhut am Jesuskreuz oder einem Rasierapparat gegen wuchernde Taliban-Bärte. Kopfstand - ›Terror‹ ist
nichts weiter als die Antwort auf die gesellschaftliche Doppelmoral, welche nach der Ermordung Osama Bin Ladens in der westlichen Welt die
Runde machte. Schräg, skurril und hoch politisch bläst Kopfstand zum
Gegenangriff auf den Populismus, indem er ihn für sich einnimmt. Metaphorische Kommentare bedienen sich einer Politikerklasse, die Aufrichtigkeit und Machtverlust gleichzeitig fürchten.
›Todesstrafe ist schlecht, außer es trifft den richtigen!‹ Opportunismus
und unberechenbare Terrorzellen lassen letztlich nur eine Lösung zu: die
totale Überwachung!
Kopfstand: Terrorismus ist die zweite Folge einer vierteiligen EinspielerSerie des Internet-TV-Senders ›doschauher.tv‹.
Jeff Liu – Filmemacher und Musiker - schuf einen animierten Kurzfilm ›zum Spaß‹ nur mit Hilfe seines Trackpads. The Trackpad Jam
ist entstanden im Rahmen eines
größeren Filmprojekts von Jeff Liu.
Während er an diesem arbeitete,
entstand durch Spielerei am Trackpad ein eigenständiger neuer Film.
Er komponierte die Musik zum
Kurzfilm ebenfalls selbst.
›Bin Laden, they’ve killed that bastard!‹ Partying under the crucifix or
shaving rampant Taliban beards. Kopfstand – ›Terror‹ is nothing more
than an answer to society’s double moral standard that spread through
the western world after the killing of Osama Bin Laden. Off-key, a little
bizarre and highly political, Kopfstand enforces a counter attack against
populism by taking and using all of its advantages. Metaphoric commentaries avail themselves of a political class that simultaneously fears
truthfulness and loss of power.
›Capital punishment is bad, unless it strikes the right person!‹ Opportunism and unpredictable terror cells only lead to the one and only solution: total surveillance!
Kopfstand (Headstand): Terrorismus is the second episode of a four-part
television series aired by ›doschauher.tv‹, an Internet TV show.
Benjamin Singer, *1990 in Lauf, Germany. Sebastian Wöhl, *1987 in Winsen/Luhe, Germany. Nadine Pyka, *1990 in Amberg, Germany. All three
have been studying Media Technology (Medientechnik) at Deggendorf University of Applied Sciences (HDU) since 2009.
ÆD 2011, Video, 3:10
ÆRealisation Benjamin Singer, Sebastian Wöhl, Nadine Pyka
ÆPhotography, Editing
Benjamin Singer
ÆProject Management
Prof. Ernst Jürgens
ÆSet Management Nadine Pyka
ÆPresentation, Text, Audio Sebastian Wöhl
ÆDistribution Prof. Ernst Jürgens, HDU Deggendorf
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Jeff Liu, a dual animator/musician,
created an animated short ›for fun‹
using only his laptop trackpad. The
Trackpad Jam showcases a year’s
worth of trackpad work that Liu fingered while tackling his CalArts
film project. He also produced the
catchy tune accompanying his
walking, dancing, flying, grooving,
fire-breathing characters.
Jeff Liu studies at California Institute of the Arts (USA).
ÆDirector, Animation Jeff Liu
ÆDistribution California Institute
of the Arts
LA LAVADORA
GREEN EVOLUTION
BEZIEHUNGSKISTEN
Ana Aurora Rodríguez, Andrea Correa
Pei-Hsuan Yu, Hong-Hsuan Tsai
Oliver Krause
Ein Loch im Raum-Zeit-Kontinuum.
Eine elektrische Fehlschaltung und
ein Mädchen, das sich in Tagträumen verliebt. Ein Junge, der es vorzieht mit der Hand zu waschen.
Unterwäsche, die verschwindet…
Eine Zentrifuge der Gefühle: Die
Waschmaschine.
Grün ist die Farbe des Lebens und
des Friedens. In diesem Film ist die
Farbe Grün der innere Geisteszustand. Evolution ist nicht nur ein
physisches Ereignis, sondern auch
ein Zustand der Seele. Das Anliegen ist es, die Widersprüche in der
menschlichen Natur auf eine humoristische Weise zu zeigen.
Drei Paare, drei Flohmarktstände,
drei Episoden zwischen Hobby-Kapitalismus, Zierkürbissen und Star
Wars Figuren. Geschichten über
Beziehungen, die durch die gemeinsame Wohnung ernst werden,
schon vor langer Zeit beendet
wurden oder den ganz normalen
Alltagswahnsinn meistern müssen.
Die Kleinfamilie, das Paar Anfang
dreißig und das junge Studentenpaar, sie alle wollen Ballast loswerden und laden sich dabei teilweise
neuen in ihre Wohnungen und ihr
Leben.
A space-time hole. A faulty electrical appliance. A girl who dreams of
giving her heart away. A boy who
prefers to wash by hand. Underwear that vanishes. A centrifuge of
emotions: the washing machine.
Ana Aurora Rodríguez, *1982, and
Andrea Correa, *1987, study Direction at Escuela de Cinematografía y
del Audiovisual de la Comunidad de
Madrid (ECAM), Spain.
La Lavadora is the first short film
they have directed in 35 mm.
ÆE 2011, Video, 12:00min
ÆRealisation Ana Aurora
Rodríguez, Andrea Correa Quiroz
ÆPhotography Ole Thomas
ÆCast María Ballesteros, Enrique
Alcides, Manuel Almaraz
ÆProduction Adolfo Moraleda
ÆDistribution ECAM
Green is the colour of life and
peace. In this film, green is the inner state of the self. Evolution no
longer just happens physically, it
can also be a mental state. The aim
is to show the self-contradictions
of human nature in a funny way.
Pei-Hsuan Yu is currently studying
Visual Communication Design at
Kun Shan University, majoring in
Animation and Illustration Graphics. Hong-Hsuan Tsai is currently
studying Visual Communication Design at Kun Shan University, majoring in Animation, Filmmaking and
Music Creation.
ÆTaiwan 2011, stop-motion
animation, 2:25
ÆFirst Director Pei-Hsuan Yu
ÆSecond Director Hong-Hsuan
Tsai
ÆProducer Hui-Ching Tseng
ÆScriptwriter Wei-Hsuang Wang
ÆPhotographer Chia-Lin Chen
ÆDistribution Hui-Ching Tseng,
Kun Shan University
Three couples at a flea market,
three episodes between hobby
capitalism, ornamental pumpkins
and Star Wars action figures. At
first sight, they talk about trivial
things, argue about peanuts. But in
fact, it’s about much more. The fear
of a relationship turning serious,
couples breaking up and relationships as part of everyday life.
Oliver Krause, *1991 in Mannheim,
Germany. Has been studying English and Economics at the University of Mannheim since 2011.
ÆD 2011, Video/HD, 16:40
ÆRealisation Oliver Krause
ÆCast Thorsten Danner, Eva
Kessler, Stefan Hornbach,
Kerstin Ohlendorf, Matthias
Thömmes, Sabine Strobach,
Janine Kleiber
ÆDistribution Oliver Krause
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HOTPOT-HOTSPOT
HERR HOPPE
UND DER ATOMMÜLL
PINGPONG
MOUNTAIN HEARTS
ON ICE
Jan Lachauer, Thorsten Löffler
Claus Störmer
Eva Münnich, Robin Keast
Ein Fass mit Atommüll landet im
Wohnzimmer des Herrn Hoppe, einem durchschnittlichen deutschen
Spießer. Er versucht es auf seine
exzentrische Art los zu werden.
Die Identifizierung eines dargestellten Balls unterliegt einer
erlernten Deutung und Kombinationsgabe. Durch kleine veränderte
Bewegungen und neue Kombinationen wird die Erfahrung des Betrachters irritiert. Beim Beobachten meines eigenen Pingpongspiels
sind mir die Merkmale des konditionierten Wahrnehmens und Handelns begegnet, die mich bewusst
oder unbewusst manipulieren. Erst
durch die Betrachtung des Illusionspotentials Neuer Medien, dem
Menschen ein direktes Abbild der
Wirklichkeit zu liefern, wird der
Umfang der Manipulation begreifbar.
Es sollte der perfekte Winterurlaub
werden…aber der Eismann treibt
sein Unwesen in den Bergen.
A barrel of nuclear waste drops into
the living room of Herr Hoppe an
average suburbian German. He has
to get rid of it and does it in his own
wacky way.
Jan Lachauer, *1983 in Munich,
Germany, has been studying at
Baden-Württemberg Film Academy,
Ludwigsburg, Germany since 2005
Thorsten Löffler, *1982 in Jena,
Germany, has been studying at
Baden-Württemberg Film Academy,
Ludwigsburg, Germany since 2005
ÆD 2011, 3D Computer Animation,
4:17
ÆDirector Jan Lachauer, Thorsten
Löffler
ÆStudent Producer Thorsten
Löffler
ÆAnimation Jan Lachauer,
Thorsten Löffler, Nikolaos
Saradopoulos, Michael Schulz,
Bin-Han To
ÆDistribution BadenWürttemberg Film Academy,
Ludwigsburg
The identification of a represented
ball is the subject of learned interpretation and power of deduction.
Due to small changes in movement
and new combinations, the viewer’s experience becomes irritated.
By observing my own ping-pong
play, I came across the characteristics of conditioned perception and
action that, either consciously or
unconsciously, manipulate me.
Only by looking at new media's potential of illusion to provide a direct
image of reality can the extent of
manipulation be grasped.
Claus Störmer, *1981 in Halle
(Saale), Germany. Studies TimeBased Art at Burg Giebichenstein
University of Art and Design.
ÆD 2011, Video, 2:55 min. Director,
Performer Claus Störmer
ÆDistribution Claus Störmer
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It should have been the perfect
winter vacation…but the iceman
wreaks havoc in the mountains.
Eva Münnich, *1982 has been
studying Film Science at Offenbach
University of Art and Design (HfG)
since 2004.
ÆD 2011, Video, 4:16
ÆRealisation Eva Münnich,
Robin Keast
ÆMusic Daniel Zero
ÆCast Lin Nan Zhang, Gian Spina,
Iceman
ÆDistribution Robin Keast
SEVEN SENSES
SECHSTER SINN, DRITTES AUGE,
ZWEITES GESICHT
[S]
Jan Riesenbeck
Sunjha Kim
Trügerische Welten, das Leben als Puzzle, formbar wie Glas,
Nichtschwimmer in einem Meer aus Eindrücken, das Kalkül flügellahmer Schutzengel, Bauchredner, die sich mit ihrer Puppe
verwechseln, der eigene Schlaf als Spiegel im Innern der Sanduhr, mit verbundenen Augen eine Weltkarte abwerfen und sich
selbst als Paket verschicken, die Beerdigung der Zeit als größter Triumph der Kindheit und die Frage, wie man seine eigene
Perspektive findet, wenn man durch die Augen anderer Menschen sieht und sich selbst gegenüber steht. Manchmal passen
alle Teile zusammen, aber das Bild ergibt trotzdem keinen Sinn.
Der Experimentalfilm [s] handelt von meiner
freien Interpretation und Imagination des
Zischlaut-Zeichens [s]. Im Film fließen die
Gegenstände ineinander: Körper – Schlange
– Wasserfall – Stein. Und diese Umwandlung
ist von zischenden Geräuschen begleitet.
Deceptive worlds, life as a puzzle, pliable like glass, non-swimmers in a sea of impressions, the calculation of broken-winged
guardian angels, ventriloquists who mistake themselves for
their puppets, one’s own sleep as a reflection in the inside of the
hourglass, discarding a map of the world blindfolded and sending yourself a package, the burial of time as the greatest triumph of childhood and the question as to how to find your own
perspective when looking through the eyes of another person
standing in front of yourself. Sometimes all of the pieces fit together, but the picture still doesn’t make any sense.
Jan Riesenbeck, *1985 in Osnabrück, Germany. Has been studying Visual Communication majoring in Film (Film Class at Kassel)
at the School of Art and Design Kassel since 2007.
ÆD 2011-2012, Video, 20:00
ÆRealisation Jan Riesenbeck
ÆCast Ruben Zumstrull, Anna Fischer,
Johann Adam Oest u.v.a.
ÆDistribution Ocean Pictures Filmproduktion
The experimental film [s] is about the free interpretation and imagination of the sibilant
character [s]. In the film, the objects are
transformed into each other: body – snake –
waterfall – stone. And this transformation is
accompanied by hissing sounds.
Sunjha Kim, *1983 in Seoul, South Korea. She
studied Visual Communication Design at
Seoul National University (BFA) and Media
Art at the Academy of Media Arts Cologne
(MFA).
ÆD 2011, Video, 11:55
ÆRealisation Sunjha Kim
ÆCamera Rikisaburo Sato
ÆSound Sunjha Kim, Judith Nordbrock
ÆDancer Simon Paetau, Monika Born
ÆDistribution Academy of Media Arts
Cologne, Ute Dilger
119
SEVEN SENSES
THIS IS HOW WE FEEL
VACUUM
Min Jae Huh
Kuo Hsin-Hui
This is how we feel: Koreanische Frauen sprechen. Die
koreanische Gesellschaft hat die individuelle Sexualität durch die Verbreitung von Parolen kontrolliert.
Dabei werden die weiblichen Orgasmen und sexuellen
Fantasien sozial stärker unterdrückt als die männlichen. Ich möchte die Beziehung zwischen Sexualität
und Kraft enthüllen; visualisieren wie Frauen ihre unterdrückte Sexualität, ihre Fantasien und Orgasmen
empfinden und diese mit der Öffentlichkeit teilen. Die
Emanzipation der weiblichen Sexualität wird sie dazu
bringen ein positives Körperbild von sich selbst zu
schaffen.
Vacuum ist eine selbstvergessene Beschreibung einer
bekannten Angst im zeitgenössischen geistigen
Raum. Diese Idee wird ausgedrückt durch die digitale
Manipulation einer ›FAKE‹ Schaukelbild-Bewegung:
kopieren, umkehren.
Der Autor schafft eine Sequenz von A nach B in einer
Bogenbewegung. Er lässt die Kamera den Drehpunkt
(die Aussichtsplattform selbst) aufnehmen um die Beobachtung zu starten. Diese Aufnahme wird mit derselben umgekehrten Sequenz verknüpft, die Bewegung wird A-B-A. Der Inhalt geht vom Startpunkt zum
Ursprung und bleibt im Schwung. Diese Komposition
wird 24-mal wiederholt. Der ganze Prozess kann als
Zeitgeschichte eines Tages gesehen werden.
This is how we feel: Korean women speak. Korean society has controlled individuals’ sexuality by spreading
slogans. In the process, female orgasms and sexual
fantasies are more socially repressed than those of
males. I want to reveal the relationship between sexuality and power, visualise how women feel about their
repressed sexuality – their fantasies and orgasms,
and share it with the public. Emancipation of female
sexuality will lead them to create positive body images
of themselves.
Min Jae Huh, *1984 in Seoul, Korea. She graduated
from Rhode Island School of Design in the USA and
moved to London to attend the graduate school Royal
College of Art. Her background is Graphic design.
Vacuum is an absentminded description of a common
anxiety within contemporary mindscape. This idea is
expressed through the digital manipulation of a
›FAKE‹ swing image movement: copy, reverse.
The author creates a sequence from point A to point B
in an arc movement, lets the camera shoot toward the
fulcrum (the viewing platform itself) to start an observation. Then, this is joined with the same sequence in
reverse, so the motion becomes A-B-A. The content
goes from the starting point to the origin, and time
keeps going. This composition is repeated 24 times,
the whole process could be imagined as a time history of a day.
ÆUK 2011, Video, 8:20
ÆRealisation Min Jae Huh
ÆDistribution Royal College of Art, Min Jae Huh
Kuo Hsin-Hui, *1984 in Taipei, Taiwan. Has been studying Media Art at Taipei National University of the Arts
since 2010.
ÆTW 2011, Video, 2:33
ÆRealisation Kuo Hsin-Hui
ÆMajor Assistant Lai Ji-NIn
ÆDistribution Kuo Hsin-Hui
120
LO VEDO
WIE MEINE TRÄUME
NACH DIR SCHREIN
Rafael Vogel
Maria Brandenburg, Bente K. Ehrig, Carsten Brand
Ein fremder Mann befindet sich auf dem Weg zu einem
unbekannten Ziel. Erwartungen und Vorurteile entstehen im Laufe der Geschichte. Aber ist er wirklich der
für den wir ihn halten? Inspiriert von eine Ballade von
Aleksei Tolstoy.
Jemand dürstet. Der einsame Wanderer in der Wüste.
Es dürstet ihm nach Wasser. Er sucht die frischen
Quellen....Bist du durstig?
An unknown man is on his way to a destination that is
unknown to us. Expectations and prejudices arise during the journey. But is the man we take him to be? Inspired by a ballad by Aleksey Tolstoy.
Rafael Vogel, *1985 in Hannover. Studied Media Design at Bauhaus-Universität Weimar from 2006 to
2011. Completed his Bachelor with the short film ›Lo
Vedo‹ in 2011.
ÆD 2011, Video, 10.00 min
ÆDirector, Script, Editing Rafael Vogel
ÆCamera Johannes Wiedermann
ÆSound Designer, Editing Maximillian Netter
ÆSound Mixing Ludwig Völker
ÆMusic Martin Kohlstedt
ÆArt Design Daniela Gast
ÆCostume Marie Rack
ÆLighting Benjamin Erdenberger
ÆCast Ansgar Albert Maria Schäfer, Rico Graupner,
Fuad Zamani, Nicole Johannhanwahr
ÆDistribution Bauhaus-University Weimar, Medien
Someone is thirsty. The lonesome rambler in the
desert. He thirsts for water. He is looking for fresh
sources .... Are you thirsty?
Maria Brandenburg, *1986 in St. Petersburg, Russia.
Has been studying Communication Arts at the Braunschweig University of Art since 2006 till 2011.
Bente K. Ehrig, *1986 in Hildesheim, Germany. Has
been studying Communication Arts at Braunschweig
University of Art since 2006.
Carsten Brand, *1983 in Wernigerode, Germany. Studied Communication Arts at Braunschweig University of
Art from 2006 to 2011.
ÆD 2011, Video, 9:09
ÆDirection, Production Maria Brandenburg,
Carsten Brand, Bente Ehrig
ÆSound Chrisitan & Sebastian Meyerholz
ÆText Christian Camehl
ÆSynchronisation Susanne Maierhofer,
Thiemo Hackel
ÆCast Sebastian Geiger, Mirja Straub
ÆDistribution Maria Brandenburg,
Carsten Brand, Bente Ehrig
121
WORLD CREATORS
ANKUNFT IN ZONE DELTA
SHIFT
Mikko Gaestel, Nike Arnold
Stefan Bühl, Daniel Trenkle
Der Film zeigt die Errichtung eines instabilen
Hauses auf einem Berliner Dach und den Alltag seiner später in ihm lebenden Bewohner.
Die beiden Akteure filmen sich gegenseitig
bei der Aufführung eines Kammerspiels über
menschliche Verhaltensmuster und Beziehungen.
Der Film Shift zeigt einen Architekten, dessen Weltbild sich drastisch verschiebt. Es handelt sich hier um einen Kurzfilm, der im
Frühjahr 2011 in Nürnberg & Frankfurt produziert wurde. Shift
erzählt die packende Reise von Jonathan, einem Architekt. Seine Geradlinigkeit und Konstanz machten ihn zu einer Autorität
in seinem Handwerk. Ausgehend von dem Gedanken, dass die
Ausgeglichenheit und Harmonie seiner nur mit geraden, symmetrischen Formen errichteten Gebäude, Ruhe und Balance in
das Leben der Menschen bringt, konstruiert er riesige Gebäudekomplexe, die positiv auf die Menschen darin wirken sollen.
Jonathan entfernt sich immer weiter von der Realität, so wie wir
sie kennen. Er wird zunehmend zum Spielball seiner eigenen
Vision. Fiktion und Realität beginnen langsam ineinander zu
verschmelzen. Das Ziel, das er voller Überzeugung sein ganzes
Leben lang verfolgte, war falsch. Oder?
The film shows the erection of a shelter on a
Berlin rooftop and the daily routines of its
subsequent residents. The filmmakers
recorded each other while enacting an intimate play about human behaviour patterns
and relationships.
Mikko Gaestel, *1982 in Hamburg, Germany.
Studied »Fine Art and Media« at Berlin University of the Arts (UdK) from 2004 to 2011
and completed his studies with the title
»Meisterschüler« in 2011.
Nike Arnold, *1981. Studied »Fine Art« at
Berlin University of the Arts (UdK) from 2004
and completed as a »Meisterschüler« of Professor Hito Steyerl at UdK in 2011.
ÆD 2011, Video, 13:22
ÆRealisation Mikko Gaestel,
Nike Arnold
ÆProduction Mikko Gaestel,
Nike Arnold, Expander Film
ÆDistribution Mikko Gaestel
Shift shows an architect whose worldview is shifting dramatically. This is a short film that was produced in the spring of 2011
in Nuremberg and Frankfurt, Germany. Shift recounts the
thrilling journey of Jonathan, an architect. His directness and
consistency made him an authority in his craft. Starting from
the idea that balance and harmony in his buildings brings peace
and balance in people's lives, he constructed huge buildings.
Slowly he increasingly distances himself from reality as we
know it. Fiction and reality begin to merge slowly. The goal he
pursued with conviction throughout his life was wrong. Or not?
Stefan Bühl and Daniel Trenkle studied Design majoring in Film,
Photography & CGI at the Georg-Simon-Ohm University of
Applied Sciences Nuremberg. They are freelancer for film- und
fotodesign.
ÆD 2011, Video, 10:05
ÆDirectors Stefan Bühl, Daniel Trenkle
ÆCamera, Editing Stefan Bühl
ÆAnimation Jonas Kluger, Sascha Kasper
ÆCast Dirk Martens
ÆProduction Andrzej Siegmund
ÆDistribution Stefan Bühl
122
VILLAGE DANS LA VILLE
PLANET_RO2012
Zhenqian Huang
Tihamer Torok, Zsombor Csont
Mit dem Blick auf eine starke und schnelle Entwicklung der
Urbanisierung, hatten zahlreiche Dörfer in der Stadt Canton
verschiedene Arten von Zerstörungen seit 2010 zu überwinden ein radikales Verschwinden und Verwüsten der in ihrer Art
einzigartigen chinesischen patrimonialen Architektur. Von
Zerstörung zur Konstruktion, von Konstruktion zur Zerstörung diese dramatischen Veränderungen auf den städtischen Raum
hinterlässt ein tiefes Trauma in der chinesischen Bevölkerung,
die Opfer dieser Phänomene war, ist und auch die kommenden
Jahre bleiben wird.
Diese Animation erzählt von der Kolonialisierung eines Planeten mit dem Namen
RO2012. Eine außerirdische Zivilisation, die
EU, schickt Raumschiffe zur Besiedlung des
Planeten RO2012. Die Außerirdischen verändern mit ihren fortgeschrittenen Techniken
das Erscheinungsbild des Planeten und das
Denken der Einwohner, um diese ihren eigenen Standards anzupassen. Es kostet viele
Schwierigkeiten und Kompromisse, aber am
Ende scheinen sie erfolgreich gewesen zu
sein...
Facing the strong and rapid development of urbanisation, numerous villages in the city of Canton have had to overcome different kinds of destruction since 2010. The radical disappearance and ravaging of unique Chinese patrimonial architecture.
These dramatic changes on the urban space move from destruction to construction and from construction to destruction,
leaving a deeply traumatised Chinese population who have
been victims of these phenomena in the past, and will continue
to be so in the present and the future.
Zhenqian Huang, photographer and independent video director,
*1980 in Canton, China. He has been living in France since 2004.
He attends a post-graduate programme at the École Nationale
supérieure des Beaux-Arts (ENSBA), directed by art and cinema
critic Jean-Pierre Rhem.
ÆCN 2010, Video, 5:18
ÆDirector, Editing Zhenqian Huang
ÆDistribution École Nationale supérieure des Beaux-Arts
(ENSBA), Lyon
This animation is about the colonisation of a
planet named RO2012. An alien civilisation,
the EU, sends its spaceships to invade planet RO2012. The aliens with their advanced
techniques change the inhabitants’ mind
and the outlook of the planet in order to
meet its standards. It takes a lot of trouble
and compromise, but in the end they appear
to have succeeded...
Tihamer Torok and Zsombor Csont work at
Vakuk, a small animation studio in Transylvania specialised in explanation and non-commercial videos.
ÆROM 2011, Video, 1:13
ÆDirecting, Animation, Editing
Tihamer Torok & Zsombor Csont
ÆDistribution Tihamer Torok
123
WORLD CREATORS
UNSERE NEUE VERFASSUNG
ELYSION
Max Kerkhoff, Nikolaj Becker
Philipp Thalmann
Der nationalkonservative Präsident Ungarns, Viktor Orban, verspricht seine Nation in ihren alten Stand der Größe und Herrlichkeit zurückzuversetzen: Toleranz für Diskriminierung und
Verfolgung von Sinti und Roma, Schließungen und Gängelung
unliebsamer Medien und eine im Eiltempo beschlossene neue
Verfassung weisen den Weg. Anhand des entnationalisierten
Textes des ›Nationalen Glaubensbekenntnis‹, der mit kryptoklerikalem und reaktionärem Zeug vollgestopften Präambel, die
den Interpretationsmaßstab der neuen ungarischen Verfassung
verbindlich festlegt, zeigt die Installation, dass Nationalismus
und Rechtsruck kein speziell ungarisches Problem sind, vielmehr ein europäisches. Konzipiert für und uraufgeführt an der
Medienfassade des Collegium Hungaricums in Berlin-Mitte,
dem ungarischen Goethe Institut.
Während draußen die Welt kurz vor dem Niedergang steht, zieht sich Little Rose in eine
Scheinwelt zurück. Hier kann sie alle Welten,
Bilder und Freunde erschaffen, die ihr gefallen. Nach einem Unfall sieht sie sich aber
plötzlich für immer in dieser falschen Welt
gefangen. Little Rose fristet fortan ein ambivalentes Dasein. In ihrem Wesen entbrennt
ein letzter Wunsch, für dessen Erfüllung sie
die Hilfe ihrer leiblichen Tochter benötigt.
The right-wing conservative president of Hungary, Viktor Orban,
promises to restore the grandeur and glory oft the old Hungarian nation: tolerance of the discrimination and persecution of
Sinti and Romanies, the closure of undesirable media beingand
a rapidly enactednew constitution lead the way. The preamble,
stuffed with crypto-clerical and reactionary nonsense, defines
how the new constitution should be interpreted. The installation uses a de-nationalised translation of this ›National Credo‹
to show how nationalism and a shift to the right are a European
problem, rather than a solely Hungarian one. Devised for and
first screened on the media façade of the Collegium Hungaricums in Berlin-Mitte, the Hungarian cultural institute.
Max Kerkhoff, *1984 in Austria, studied European Ethnology and
Political Science at Humboldt-Universität zu Berlin & Freie Universität Berlin and Montage at the Film and Television University
›Konrad Wolf‹ (HFF), Potsdam.
Nikolaj Becker, *1984 in Berlin, studies Produktion at the Film
and Television University ›Konrad Wolf‹ (HFF), Potsdam.
ÆD 2011, Video, 3:00
ÆDirector Max Kerkhoff & Nikolaj Becker
ÆActor Stephan Samuel, Alessija Lause, Marcin Glowacki
ÆEditing Max Kerkhoff
ÆDistribution Film and Television University ›Konrad Wolf‹
(HFF), Potsdam
124
While the world is close to its demise, Little
Rose withdraws into her own illusory world,
where she can create all the environments,
images and friends she likes. When an accident happens, however, she is suddenly
trapped forever in this illusory world and
pushed into an ambivalent, shadowy existence. Deep down within her, a last burning
wish forms, but to fulfill this, she needs the
help of her biological daughter.
Philipp Thalmann, *1984 in Lucerne
(Switzerland). Since completing his baccalaureate in 2004, he has worked in various
theatre companies in Switzerland, as well as
for German youth television and various
international media around the topic of video
games.
ÆCH 2011, Video, 13:54
ÆDirector Philipp Thalmann
ÆCast Joyce Lustenberger, Natasha
Haynes, Tanya Kay and Tiziana Jelmini
ÆCamera David Elsener
ÆEditing Philipp Thalmann
and Yves Scagliola
ÆMusic Elia Lobina & Kapnorth
ÆSound Philipp Thalmann
ÆDistribution Lucerne University of Applied
Sciences and Arts
REALITY 2.0
DAMALS - DIE
GESCHICHTE DER WELT NEKROPOLIS
Victor Orozco Ramirez
Sonja Friedrich, Joshua Paulussen
Kerstin Gramberg
Es war Herbst, als ich nach Deutschland
kam. Ich dachte, an diesem für mich exotischen Ort, könnte ich mich von Mexiko ein
wenig distanzieren, aber ich habe mich geirrt. Die Narcos haben mich brutal eingeholt.
Eine Doku-Animation über die endlose Spirale der Drogengewalt in Mexiko.
Wie unsere Welt einmal war, erzählt
das Mädchen aus ihrer Sicht. Was
wir hatten und wie wir waren. Was
wir sagten und was wir taten. In einem weißen Raum, mit schwarzen
Steinen spielt sie, wie die Geschichte der Welt passierte und welche
Rolle der Mensch als ›Krone der
Schöpfung‹ dabei einnahm. Produziert wurde die Animation mit VDSLR und Super 8. Die Aufnahmetechniken waren Film und Stop-Motion.
Nekropolis ist ein Stoppmotion Film, in dem die
Dynamik einer pulsierenden Großstadt erfasst
wird. Als eigenständiger
Organismus baut sich die
Stadt in ihrem eigenen
Rhythmus auf und ab.
It was autumn when I arrived in Germany. I
thought that in this exotic country I could
distance myself a bit from Mexico, but I was
wrong. Drug traffickers managed to catch up
with me in a ruthless way.
A short animated documentary about drugrelated violence in Mexico.
Victor Orozco, *1974 in Zapopan, Mexico. He
graduated from the University of Fine Arts of
Hamburg, Germany with a Master’s degree in
Film. Is currently organising the film festival
ambulart in Germany and Mexico.
ÆMEX / D 2012, Video, 11:00
ÆRealisation
ÆDistribution University of Fine Arts
of Hamburg
How our world was once is told
from the girl’s perspective. What we
had and how we were. What we said
and what we did. Placed in a white
room, she plays out the history of
the world with black stones and the
role humans took on as the pride of
creation. The animation was produced with VDSLR and Super8.
Recording engineering were film
and stop-motion.
Sonja Friedrich, *1986 in Bonn,
Germany. Has been studying Communication Design at Niederrhein
University of Applied Science since
2006.
Joshua Paulussen, *1985 in Trier,
Germany. Has been studying Object
Design at Niederrhein University of
Applied Science since 2006.
Nekropolis is a stop-motion film that captures
the dynamism of a big
city. As an autonomous
organism, it shifts rhythmically between construction and deconstruction.
Kerstin Gramberg, *1976
in Varel, Germany. Studied
Film/Photography at the
Academy of Media Arts
Cologne (MFA) from 2005
to 2011.
ÆD 2010, Video, 3:09
ÆDirector
Kerstin Gramberg
ÆMusic Marcus Zilz
ÆDistribution Academy
of Media Arts Cologne
ÆD 2011, Video, 4:10
ÆDirector, Editing, Animation
Sonja Friedrich,
Joshua Paulussen
ÆCast Zoë
ÆDistribution Sonja Friedrich
125
BERLIN UNIVERSITY OF THE ARTS
TRANS FORM - FILME ÜBER, IN UND MIT STADT.
KLASSE MEDIENKUNST, UNIVERSITÄT DER KÜNSTE BERLIN 2010/2011
Filmische Feldforschungen standen im Mittelpunkt eines Projektseminars der Klasse Medienkunst von Maria
Vedder, Anja Osswald und Till Beckmann zu urbanen Transformationsprozessen in Berlin. Den Gegenstand der
künstlerischen Auseinandersetzung bildeten 2 Orte in Berlin, die exemplarisch für Veränderung stehen: Das
Märkische Viertel und der ehemalige Flughafen Tempelhof.
Historisch gesehen repräsentieren beide Orte städtebauliche Visionen der Moderne. Der Flughafen Tempelhof
stand mit seinem Verkehrsaufkommen in den 1930er-Jahren an der Spitze des europäischen Flugverkehrs und
die Großbausiedlung Märkisches Viertel galt zur Zeit ihrer Entstehung in den 1960er Jahren als Vorzeigeprojekt
des sozialen Wohnungsbau. Beiden gemeinsam ist auch ihre wechselvolle Geschichte. Das Märkische Viertel
entwickelte sich schnell zum sozialen Brennpunkt. Der Flughafen Tempelhof war immer überschattet von seiner nationalsozialistischen Vergangenheit. Erst in jüngster Zeit erleben beide Orte einen neuerlichen Imagewandel. Das Tempelhofer Feld ist Projektionsfläche für Visionen unterschiedlichster Art. Das Märkische Viertel
investiert in energetische Modernisierung, die es zu einem Vorzeigemodell für die Sanierung von Großsiedlungen macht.
In den Filmen wird Transformation nicht aus den Sanierungsaktivitäten und baulichen Veränderungen hergeleitet, sondern eher in sozialen Details und filmischen Inspektionen der gebauten Oberflächen gesucht.
Die Klasse Medienkunst der Berliner Universität der Künste präsentiert sich auf dem EMAF 2012 sowohl in
Form einer Vorstellung des Projekts auf dem Hochschultag als auch durch die 1-kanalige Videoprojektion im
mittelalterlichen Ambiente des Turm Bürgergehorsam.
TRANS FORM - FILMS ABOUT, IN UND WITH CITY.
MEDIA ART CLASS, BERLIN UNIVERSITY OF THE ARTS 2010/2011
Cinematic fieldwork was the focus of a project seminar in the Media Art class of Maria Vedder, Anja Osswald
and Till Beckmann on urban transformation processes in Berlin. Two locations in Berlin that stand for change
were the object of artistic examination: the Märkisches Viertel and the former Tempelhof Airport.
Historically, both places represent visions of urban development of the modern age. In terms of traffic volume,
Tempelhof Airport was at the forefront of European air traffic in the 1930s; at the time of its development in the
1960s, the enormous housing estate Märkisches Viertel was considered a showpiece project of social housing.
What the two locations also have in common is their eventful history. The Märkisches Viertel soon developed
into a socially deprived area. And Tempelhof Airport was always overshadowed by its national socialist past. It
is only recently that both locations have experienced an image transformation. The Tempelhofer Feld is an area
for all kinds of projected visions. The Märkisches Viertel is investing in energy modernisation, transforming it
into a showcase model for the redevelopment of large housing estates.
In the films, transformation is not only derived from the refurbishment activities and structural modifications,
but is also more likely to be sought in social details and cinematic inspections of the built-up areas.
At EMAF 2012, the Media Art class of Berlin University of the Arts will not only present a project on University
Day. It will also offer a single-channel video projection in the medieval setting of the Turm Bürgergehorsam.
ÆDVD with booklet, film, texts and bonus material
about urban transformation rooms in Berlin
ÆPresented by filmmakers
Single-channel video projection with 10 films
ÆDistribution
DVD TRANS FORM
Filme über, in und mit Stadt
Hrsg. Klasse Medienkunst, Prof. Maria Vedder
Universität der Künste Berlin 2012
Universitätsbibliothek
Publikationen
E-Mail [email protected]
126
MÄRKISCHES VIERTEL
ETWAS NÄHER
INVERSE GEOMETRIE
EINBLICK
Fabian Brunsing
Ray P. Maletzki, Ginan Seidl
Manja Ebert, Lisa Ghio, Antonia Kilian
Die Porträts von Fabian Brunsing
(und Alejandro Bernal Rueda) von
Bewohnern des Märkischen Viertels sind vorsichtige Annäherungen
an die Menschen hinter der Klischeefassade. Wie in August Sanders Milieustudien erhält jedes Gesicht eine Geschichte. Transformation wird in die Physiognomie von
Gesichtern übersetzt.
Der Film beschäftigt sich mit der
Verletzlichkeit intimer Räume, der
Architektur der Großraumsiedlung,
mit seinen Fassaden und dem, was
sich dahinter befindet. Er wagt eine
phantastische Überhöhung der
Realität mit einer skurrilen Geistererzählung, die von der Geschichte
eines langjährigen Mieters inspiriert ist.
Im wechselnden Rhythmus der
Fassaden werden der Wiederkehr
des Immergleichen individuelle
Spuren der Bewohner gegenüber
gestellt. Die visuelle Spurensuche
wird so zugleich zu einer Beobachtung des sozialen Raums. Dabei
folgt die Kamera einem subjektiven
Blick, der sich ähnlich einem Zoom
vom öffentlichen Außenraum ins
Innere privater Räume bewegt.
Fabian Brunsing (and Alejandro
Bernal Rueda’s) portraits of residents of the Märkisches Viertel are
a delicate encounter with people
behind the clichéd façade. As with
August Sander’s milieu studies,
there is a story behind every face.
Transformation is translated in the
physiognomy of faces.
The film explores the vulnerability
of intimate spaces, the architecture of large estates, their façades
and what can be found behind
them. It dares to offer an incredible
exaggeration of reality with a
bizarre ghost story, inspired by the
story of a long-term tenant.
ÆD 2010, HD, 2:22
ÆRealisation Fabian Brunsing
ÆDistribution
Klasse Medienkunst, UdK Berlin
ÆD 2011, HD, 10:13
ÆRealisation Ray P. Maletzki,
Ginan Seidl
ÆCast Paula Bulling
ÆDistribution
In the changing rhythm of the
façades, individual traces of residents are contrasted with the return of the eternal same. The visual
search for clues then becomes an
observation of social spaces. In the
process, the camera follows a subjective view that, similar to a zoom,
moves from outdoor public spaces
to the interior private domain.
ÆD 2011, HDV, 6:07
ÆRealisation Manja Ebert,
Lisa Ghio, Antonia Kilian
ÆCast Hadja Kaba
ÆDistribution
127
STEREOPLATTEN
MÄRKISCHES VIERTEL GESICHTER EINER
WHITE SHEETS
SIEDLUNG
Alicja Sowiar
Alejandro Bernal Rueda
Bettina Mooshammer
In der Reihe der Filme zum Märkischen Viertel nimmt die Videoinstallation Stereoplatten eine Sonderstellung ein. Die Dokumentation
zeigt, wie die 3D-Projektion auf
montierte Styroporplatten die Kuben-Architektur des Märkischen
Viertels aufgreift und die Grenze
verwischt zwischen filmischer und
skulpturaler Inszenierung.
Ein Porträt des Viertels durch die
Gesichter der Einwohner. Keine
Interviews, keine Wörter, nur eine
audiovisuelle Performance.
In Form eines Reenactments
nimmt der Film Bezug auf eine Protestaktion der Bewohner des Märkischen Viertels im Jahr 1972. 6000
Bewohner/innen hängten in einer
Protestaktion tausende weiße Laken und Handtücher aus ihren Fenstern und Balkonen. Diese medienwirksame Aktion, auch bekannt als
›Handtuchaktion‹, war Teil der sozialen Kämpfe Anfang der 1970er
Jahre im Märkischen Viertel. Sie
entstanden aus Unzufriedenheit
über die Missstände im Viertel sowie Kritik am kapitalistischen
Städtebau und dessen sozialen
Folgen.
The video installation entitled
Stereoplatten occupies a special
position within the series of films
on the Märkisches Viertel. The documentation shows how the 3D projection onto mounted polystyrene
boards takes up the cubic architecture of the Märkisches Viertel,
blurring the borders between cinematic and sculptural staging.
ÆD 2010, HD, 2:34
ÆRealisation Alicja Sowiar
ÆDistribution
A portrait of the district represented by residents’ faces. No interviews, no words, just an audiovisual performance.
ÆD 2010, HD, 11:40
ÆRealisation
ÆDistribution
In the form of a re-enactment, the
film refers back to a protest campaign led by residents of the
Märkisches Viertel in 1972. During
the protest, 6,000 residents suspended thousands of white sheets
and towels from their windows and
balconies. This headline-grabbing
campaign, also known as the ›towel campaign‹, was part of the social
battles that took place in the
Märkisches Viertel in the early
1970s. They erupted due to discontent over the bad state of affairs in
the district, and also represented
criticism of capitalist urban development and its social consequences.
ÆD 2011, HDV, 8:10
ÆRealisation
Bettina Mooshammer
ÆDistribution
128
TEMPELHOFER FELD
ZENTRALFLUGHAFEN
KÖRPERSCHNITTWEG
Andrea Schmid
Bar jedweder politischen oder sozialen Anspielung
zeigt sich Zentralflughafen. Alejandro Bernal Rueda
entdeckt im blätternden Putz, auf vergilbten Hinweisschildern oder Farbresten auf Wänden die Poesie des
Augen-Blicks. Momente, die aus der Zeit herausgefallen sind und die Flughafengebäude aussehen lassen,
als stammten sie aus der Kulisse eines AntonioniFilms.
In KÖRPERschnittWEG wird das Tempelhofer Feld zum
Schauplatz einer performativen Selbstinszenierung,
bei der Körper-Raum und öffentlicher Stadt-Raum
miteinander in Beziehung gesetzt sind.
Zentralflughafen proves to be bereft of any political or
social allusion. Alejandro Bernal Rueda discovers the
poetry of the moment in flaking plaster, discoloured
signs or traces of paint left on walls. Moments taken
out of their temporal context, making the airport
buildings seem like part of the scenery of an Antonioni
film.
In KÖRPERschnittWEG, the Tempelhofer Feld is transformed into the scene of performative self-staging in
which body spaces and public urban spaces are
placed in relation to one another.
ÆD 2010, DV, 4:00
ÆRealisation Andrea Schmid
ÆPerformance Avendra
ÆDistribution Klasse Medienkunst, UdK Berlin
ÆD 2011, HD, 14:38
ÆRealisation Alejandro Bernal Rueda
ÆSounddesign Diana Combo
129
ETWAS
KLC
Arne Intveen
Arne Intveen
Der Film stellt die Frage nach den Grenzen zwischen
privat und öffentlich, innen und außen. Mit einer Passage aus Jonathan Safran Foers Roman Extrem laut
und unglaublich nah unterlegt, erhalten die Aufnahmen von den das Tempelhofer Feld rahmenden und
begrenzenden Zäunen, Fassaden und Mauern die
Bedeutung einer visuellen Übersetzung der Textvorlage. Sie können aber auch als Kommentar zu den seit
Schließung des Flughafens schwelenden Konflikten
zwischen Investoren und Berliner Bürgern, zwischen
Senatsinteressen und gesellschaftlichen Visionen
gewertet werden.
Mit der politischen Vergangenheit des Flughafen Tempelhof beschäftigt sich Arne Intveen in KLC. In collagierten Bildsequenzen
und mit Rap-Rhythmen unterlegt, wird der
Geschichte des an den Flughafen angrenzenden Columbia-Hauses gedacht.› Das Columbia-Haus war ab 1933 Gefängnis, vom
8.1.1935 bis 5.11.1936 ein Konzentrationslager der nationalsozialistischen Machthaber. Hier wurden Menschen gefangen gehalten, entwürdigt, gefoltert, gemordet.‹
Inschrift des Mahnmals am Columbiadamm
71 im Berliner Bezirk Tempelhof.
The film explores the issue of the boundaries between
the private and public, the interior and exterior. Set to
a passage from Jonathan Safran Foer’s novel Extremely Loud and Incredibly Close, shots of the
fences, façades and walls that frame and border the
Tempelhofer Feld attain the significance of a visual
translation of the text. But they can also be classified
as a comment on the conflicts between investors and
the citizens of Berlin, between the interests of the
Senate and social visions, that have been smouldering
since the closure of the airport.
ÆD 2011, HD, 5:54
ÆRealisation Arne Intveen
In KLC, Arne Intveen explores the political
past of Tempelhof Airport. In collaged image
sequences and set to rap rhythms, the history of the Columbia House adjacent to the airport is commemorated.
›Columbia House was a prison from 1933,
and a concentration camp run by the National Socialist authorities between 8 January
1935 and 5 November 1936. People were imprisoned, degraded, tortured and murdered
here.‹
Inscription of a memorial at Columbiadamm
71 in Berlin’s Tempelhof borough.
ÆD 2011, HD, 4:58
ÆRealisation Arne Intveen
ÆMusic Einervonuns – IdiotieFotografie:
Topographie des Terrors
ÆDistribution
130
UNIVERSITY OF FINE ARTS OF HAMBURG
PRÄSENTATION EXPERIMENTELLER ANSÄTZE VON
STUDIERENDEN DES STUDIENSCHWERPUNKT FILM
Experimentalfilm an der HfbK Hamburg ist ein künstlerisches Forschungslabor, das Innovationen jenseits von Genregrenzen ermöglicht. Erlernt und erprobt werden zeitgenössische
künstlerische Modellierungen, Narrationen und Partizipationen mittels Bewegtbild im
Betriebssystem Film oder Kunst oder neuen medialen Settings. Als Erweiterung zum traditionellen Genre Experimentalfilm, dessen filmhistorische Sprengkraft gepflegt wird, öffnet
die mit jeder neuen Arbeit aktualisierte Geste des Experimentellen entsprechende
Möglichkeiten von Spielfilm, Dokumentarfilm, Essayfilm, Internet, Fernsehprojekten und
White Cube/Black Box für eine künstlerische Perspektive. Dafür bietet der transdisziplinäre
Zusammenhang der HfbK eine kooperative Basis und deshalb verzichtet der Studienschwerpunkt Film auf das an Kunstakademien oft übliche Klassensystem. So wird den
Studierenden eine Bewegung zwischen den vertretenen Positionen ermöglicht, die den
Entwicklungslinien ihres individuellen, projektorientierten Studiums folgen kann.
Eine adäquate filmpolitische Positionierung und filmkulturelle Diskursivität soll bei der
Präsentation auf dem EMAF initiiert werden. Einerseits zeigen wir als Teil 2 der Präsentation ein ca. 90 minütiges Filmprogramm, andererseits wird zuvor in Teil 1 anhand von 10 Filmausschnitten in ca. 60 Minuten ein Feld von experimentellen Möglichkeiten angespielt. Es
wird sichtbar, wenn man sich vom Anblick des ›retrorealistischen Canyons‹ losreist. Der
›Canyon‹ ist der erste von 10 Begriffen, die als begriffliche Kristallisationskerne, den experimentellen Filmpositionen zugeordnet werden sollen um sie ergebnissoffen zu entwickeln.
So soll daraus nicht nur ein Buch im Materialverlag der HfbK und später ein online-Zusammenhang mit forderndem Charakter entstehen, sondern eine gemeinsame Reflexion auf
filmische Möglichkeiten.
Bei der Präsentation ist gerne auch eine Mitwirkung des Publikums erwünscht, wenn
filmisch nachfolgende Positionen ins Spiel kommen: Die ›Dialogverstärkung‹ Laut gedacht
(Heiko Volkmer), ein metamorphotisches Selbstportrait (Kengo Oshima), das Schrift-Ton
Spiel An einem anderen Ort (Janne Jürgensen), das polyphone Filmgedicht Der schwarze
Mann (Arina Alexandrova), Prä-Fukushima Interferenzen (Joachim Glaser, Eibe Krebs,
Hannes Stimmann), das respektvoll kontemplative Reqiuem F. Frau H. (Philipp Hartmann)
der fazinierend spekulative Zusammenhang von War and Architecture (Ben Jakobs) die
ambivalente Ethik von 1000 Gramm (Tom Bewilogua) und die süchtigmachende Videobeere
(Helge Brumme), sowie die entschlossene Ernüchterung Alles ist elektronisch (Hannah
Leisz), der libanesische Kurzessay Was ich ansehe wird Portal zu einem Gedankengang
(Ulrich Schneider) und die mentale Reformation in Das ›Ich‹ in ›Ich bin‹ ist ein anderes als in
›Ich denke‹ (Björn Last), die heitere Religionsparodie Rechts die Jungs und links die Mädels
– Drehbühne (Sonja Dürscheid) die koreanische Momentaufnahme Hase und Jäger (Hana
Kim) und die unaufhaltsames Begehren pumpenden Quallen (Klaas Dierks).
Prof. Robert Bramkamp
131
A PRESENTATION OF EXPERIMENTAL APPROACHES
EMBARKED UPON BY STUDENTS MAJORING IN FILM
Experimental Film at the HfbK Hamburg is an artistic research laboratory that encourages
innovation beyond genre boundaries. Students learn and experiment with contemporary
artistic modelling, narration and participation using moving images in the operating system
of film, art or new media settings. As an extension to the traditional genre of experimental
film, the film-historic explosive power of which is nurtured, the gesture of the experimental,
updated with each new piece of work, opens up possibilities of feature films, documentary
films, essay films, the internet, television projects and white cube/black boxes for an artistic perspective. The transdisciplinary context of the University of Fine Arts of Hamburg offers a cooperative basis to this end, which is why the course specialisation in Film chooses
not to use the class system, frequently found at art academies. This way, students can move
freely between the represented positions, enabling them to pursue the lines of development
of their own project-oriented studies.
Adequate film-political positioning and film-cultural discursivity is to be initiated during the
presentation at EMAF. First, in Part 2 of the presentation, we will screen a roughly 90-minute
film programme; then, in Part 1 we will use 10 film excerpts, lasting around 60 minutes, to
allude to a range of experimental possibilities. This becomes apparent when you break away
from the view of the ›retrorealistic canyon‹. The ›Canyon‹ is the first of 10 terms that, as conceptual nuclei, are to be assigned to the experimental film positions, so they can be freely
developed. The aim is not only to create a book in the Materialverlag of the University of Fine
Arts of Hamburg and later an online context with a challenging nature, but also a joint reflection on cinematic possibilities.
During the presentation, audience participation is encouraged when the following positions
come into play cinematically: the ›dialogue enhancement‹ Laut gedacht (Heiko Volkmer), a
metamorphic self-portrait (Kengo Oshima), the script/sound game An einem anderen Ort
(Janne Jürgensen), the polyphonic film poem Der schwarze Mann (Arina Alexandrova), preFukushima Interferenzen (Joachim Glaser, Eibe Krebs, Hannes Stimmann), the respectfully
contemplative Reqiuem F. Frau H. (Philipp Hartmann), the fascinatingly speculative correlation of War and Architecture (Ben Jakobs), the ambivalent ethics of 1000 Gramm (Tom Bewilogua) and the addictive Videobeere (Helge Brumme), as well as the determined disenchantment Alles ist elektronisch (Hannah Leisz), the Lebanese short essay Was ich ansehe wird
Portal zu einem Gedankengang (Ulrich Schneider) and the mental reformation in Das ›Ich‹ in
›Ich bin‹ ist ein anderes als in ›Ich denke‹ (Björn Last), the merry parody on religion Rechts
die Jungs und links die Mädels – Drehbühne (Sonja Dürscheid), the Korean snapshot Hase
und Jäger (Hana Kim) and the unstoppable desire of pumping Quallen (Klaas Dierks).
Prof. Robert Bramkamp
132
GOT A FIST OF PURE EMOTION
CRONOLOGÍA
Paul Fuchs
Rosana Cuellar
Eine Collage über einen jugendlichen Weltschmerz bestehend aus Relikten der letzten
Jahrzehnte.
Cronología ist eine fiktive, nicht-lineare Geschichte, in der Bildmaterial der Wohnungsbaugesellschaft ›Neue Heimat‹ aus vier
Dekaden wie Puzzleteile gebraucht wird. Das Found-FootageMaterial wurde mit Geräuschen und Musik komplett neu unterlegt und um Dialoge, die von Wim Wenders, Sebastian Meyer
und Rosana Cuellar gesprochen werden, ergänzt. Eine beklemmend-mysteriöse Atmosphäre wird kreiert, die den Zuschauer
herausfordert, von den einzelnen Teilen auf ein größeres Ganzes
zu schließen.
A collage about a teenage Weltschmerz consisting of relics from the past few decades.
Paul Fuchs, *1983 in Hamburg, Germany. Has
been studying Art at the University of Fine
Arts of Hamburg since 2008.
ÆD 2011, BD 1080p, 5:08
ÆRealisation: Paul Fuchs
ÆCamera: Till Maria Schneider
ÆDistribution: Paul Fuchs
Cronología is a fictional non-linear story that works as a puzzle
formed by found footage images from the architectural project
›Neue Heimat‹. The images were recorded over a period of four
decades. A mysterious atmosphere evolves through the newly
created sound and music where the pieces of the puzzle come
together, leaving it up to the observer to create the bigger picture.
Rosana Cuellar, born in Mexico City, in 1984. She started studying Film at CENTRO de Diseño, Cine y Televisión in Mexico City. In
2008 she moved to Germany where she continues to study Film
at the University of Fine Arts of Hamburg.
ÆMEX / D 2010, Video, 12:00
ÆRealisation: Rosana Cuellar
ÆSound Design & Music: Sebastian Meyer,
Sophia Augusta Kennedy
ÆVoices: Wim Wenders, Rosana Cuellar, Sebastian Meyer
ÆDistribution: HfbK Hamburg
133
EINSTELLUNG AMATEUR PROPAGANDA 1
THIS IS A SACRED PLACE
Björn Last
Louis Fried
Maya Connors
Drei Einstellungen, eine Einstellung, zwei Amateure.
Fremd anmutende Aufnahmen eines Jahrmarkts, teilweise durch die
kahlen Bäume eines nahe gelegenen Parks gefilmt. Die Fremdheit
wird verstärkt, indem auch das
Filmmaterial bearbeitet wurde und
durch Kratzer, Staub und Kalkflecken eine zusätzliche Ebene
entsteht.
Wir bitten um Ruhe und Andacht.
Three Shots, one Shot, two Amateurs.
Björn Last, *1982 in Fulda, he
works and lives.
ÆD 2012, miniDV, 1:19 Min.
ÆFilmmaker: Björn Last
ÆDistribution: HfbK Hamburg.
Shots of a funfair, partly filmed
through the bare trees of a nearby
park, create an alien atmosphere.
The strangeness is amplified, since
the actual film material was
processed, creating an additional
level from scratches, dust and
limescale.
Louis Fried, *1977 in Munich, Germany. Studied Visual Communication/Film at the University of Fine
Arts of Hamburg from 2004 to 2010.
ÆD 2010, Video, 6:02
ÆRealisation: Louis Fried
ÆDistribution: Louis Fried,
HfbK Hamburg
134
Please observe silence and reflection.
Maya Connors, *1985 in Freiburg,
Germany. Has been studying at the
University of Fine Arts of Hamburg
since 2007. Was awarded a scholarship from the Karl H. Ditze Foundation for a film project in South Korea
in 2010.
ÆD 2011, Super 8, farbe+s/w, 3:00
ÆDirector: Maya Connors
ÆCast: Asia* *Trzebiatowski
ÆDistribution: HfbK Hamburg
FRAU BAUM HUND
GESCHICHTE AUS DER
FREMDTEILFALLE
THE GUYS
Paul Thalacker
Jan Eichberg
Arne Körner
Im Herbst geht Linda Wehage
durch den Hamburger Schanzenpark.
Mittels eines magischen Kassettenrekorders vermischt sich mein
zauberhafter Alltag mit dem Kriegstagebuch meines Großvaters.
Eine Transformation in Zeit und
Raum. The Guys sind in einer extremen Stresssituation, balanciert
zwischen Kollaps und Stille. Der
Ton arbeitet gegen den kaustischen
Terror, bricht mit Freiheit und Humor. The Guys vs. Steinobst.
Linda Wehage walks through the
Schanzenpark in Hamburg on an
autumn day.
Paul Thalacker, *1983 in Hamburg,
Germany. Has been studying Art at
the University of Fine Arts of Hamburg since 2008.
ÆD 2010, BD 720p, 3:39min
ÆRealisation: Paul Thalacker
ÆActors: Linda Wehage
ÆDistribution: Paul Thalacker
By means of a magic cassette
recorder, my enchanting everyday
life mixes with my grandfather’s
war diary.
Jan Eichberg, *1984. Has been
studying at the University of Fine
Arts of Hamburg since 2007.
ÆD 2008, Super8, 2:11
ÆDirector: Jan Eichberg
ÆDistribution: Jan Eichberg,
HfbK Hamburg
A transformation in time and
space. The Guys are balanced in an
extreme stress situation between
collapse and silence. The sound
works against the caustic terror,
breaks with liberty and humour.
The Guys vs. stone fruits.
Arne Körner, *1986 in Hamburg,
Germany. Qualified to become an
audio-visual engineer in 2008. Has
been studying at the University of
Fine Arts of Hamburg since 2009.
ÆD 2012, HDCam, 7:00
ÆRealisation: Arne Körner
ÆActors: The Guys
ÆDistribution: Arne Körner
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ONKEL DIETER
IN TIMES OF PEACE AND HARMONY
Tanja Schwerdorf
Michael Steinhauser
Alle zwei Wochen treffen sich drei Schwestern mit
ihren Familien zum Mittagessen bei ihrer Mutter. Über
die eigenen Probleme wird geschwiegen, man redet
viel Belangloses oder über den vermissten Bruder Dieter, den die Mutter vor dem Mauerbau im Osten zur
Adoption freigegeben hat. Von den DDR-Behörden bei
der Suche nach ihm im Stich gelassen, scheint dieses
Problem so mächtig, dass alle anderen Schwierigkeiten der Familie in den Hintergrund geraten. Als nach
dem Fall der Mauer Onkel Dieter endlich gefunden
wird, gerät trotz großer Freude das Familiensystem ins
Wanken.
Krieg führen ist nicht gleich Liebe machen. Es ist die
Gegenposition. Der Hauptunterschied: das Zweitere
ist sinnvoll, das Erstere komplett Sinn-entleert.
Menschen machen gerne Sinnloses. Und es wird nie
aufhören. Das beweist dieser Hardcore Gewaltfilm.
Anschauen und Pazifist werden!
Three sisters and their families meet each other for
lunch every other week at their mother’s house. They
do not touch on their own problems, but instead talk
about trivial things or about their missing brother Dieter, who was put up for adoption by his mother before
the building of the Berlin Wall. Being left alone with
the search for him by the East German authorities, the
problem seems to be so huge that all the other difficulties the family have fade into the background.
When uncle Dieter is finally found after the fall of the
Berlin Wall, the family system begins to sway despite
the general joy.
Michael Steinhauser, *1968 in Vöhrenbach, Germany.
Plays a lot of music, worked for television in ENG
teams. Has been studying at the University of Fine Arts
of Hamburg since 2005.
Tanja Schwerdorf, *1979 in Cologne, Germany. Studied
Visual Communication/Media at the University of Fine
Arts of Hamburg from 2004 to 2010.
ÆD 2008, DVD, 13:00
ÆRealisation: Tanja Schwerdorf
ÆActors: Marie-Anne Fliegel; Henning Peker
ÆDistribution: Interfilm Berlin
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Making war is not making love. It’s the antithesis. The
main difference: the second issue makes sense, the
first does not. Human creatures tend to do senseless
things. And this will never stop. Proven by this hard
core violent movie. Watch it and become a pacifist!
ÆD 2011, HDCam, 4:00
ÆRealisation: Michael Steinhauser
ÆActors: THW and Stadtreinigung Göppingen
ÆDistribution: HfbK, Michael Steinhauser
KREISEN
FOREVER
Helena Wittmann
Nicolaas Schmidt
Immer wieder die Feststellung, dass sich Strukturen von großen
Sinnzusammenhängen im Kleinen wieder finden lassen. Sie
spiegeln sich, sie widersprechen sich, sie karikieren sich. Und
immer wirkt alles menschlich Gedachte wie eine gigantische
Utopie in den Rahmen, die wir nur schwer verschieben können.
Unser physischer Raum ist begrenzt, doch darin nehmen die
geistigen Konstruktionen unwahrscheinliche Ausmaße an.
Im Film werden Fragmente aus Erinnerungen, Gedanken und
Beobachtungen durch rote Fäden in verschiedenen Abstufungen miteinander verbunden. Und so werden sie im Film wiederum zu etwas Anderem, etwas Eigenem. Im Film und über ihn
hinaus werden Fragen gestellt, ohne dass sie je explizit gestellt
würden. Gedankliche Räume werden geschaffen und darin
Freiräume gelassen, die dem Betrachter für weitere Verknüpfungen und Verwandlungen Platz schaffen.
Ein perfekter Sonnenuntergang in einer Einstellung. Ein verzweifelter Schrei im Loop.
Letztendlich ein Ende.
A perfect sunset in one take. A wailing cry of
desperation in loop. Finally an end.
Nicolass Schmidt, *1979 in Borna, 2002
Graphic Design Job, Leipzig. Has been studying Visual Arts and Film at the University of
Fine Arts of Hamburg since 2007.
ÆD 2012, HD, Blu-Ray, 13:13
ÆRealisation: Nicolaas Schmidt
ÆDistribution: Nicolaas Schmidt
Over and over again the conclusion is made that structures of
larger contexts can be retrieved in detail. They mirror, they contradict, they caricature each other. And again, all human thinking seems to be an enormous utopia within the framework that
is virtually impossible to adjust. Although our physical space is
limited, mental constructions take on improbable proportions
there.
The film connects fragments of memories, thoughts and observations, finding various degrees of recurrent themes. This
makes them something different, something peculiar in this
film. In the film and beyond, questions are asked without being
explicitly posed. Mental spaces are left to make way for the
viewer’s combinations and conversions.
Helena Wittmann, *1982 in Neuss/Germany. She studied Theatre, Media Studies and Spanish in Erlangen and Hamburg and is
now studying at the University of Fine Arts of Hamburg. She
works with the media film, video and installation.
ÆIdea, Direction, Editing: Helena Wittmann
ÆCamera: Josefina Gill
ÆCast: Lea Fresenius u.a.
ÆSoundmixing: Roman Vehlken
ÆDistribution: Helene Wittmann
137
UNIVERSITY OF APPLIED SCIENCES OSNABRÜCK
AN DER HOCHSCHULE OSNABRÜCK GIBT ES DIE DISZIPLINEN ›DESIGN‹,
›MEDIEN‹, ›KUNST‹, ›THEATER‹ UND ›MUSIK‹ IN UNTERSCHIEDLICHEN
KONTEXTEN UND AN VERSCHIEDENEN STANDORTEN
Das Institut für Musik bildet im Bereich ›Profimusik‹ und ›Musikpädagogik‹ aus. An der Fakultät Agrarwissenschaften und Landschaftsarchitektur wird das Studienprogramm ›Freiraumplanung‹ angeboten. Am Standort
Lingen kann man ›Theaterpädagogik‹ studieren. Der Bereich ›Design & Medien‹ hat sich an der technischen Fakultät etabliert. ›Industrial Design‹ ist ein vollwertiges Designstudium mit einer Schnittstelle zum Maschinenbau. Und seit September 2011 gehen die Disziplinen ›Media & Interaction Design‹ und ›Medieninformatik‹ Hand
in Hand: Die Medieninformatik ist ein etablierter Informatik-Studiengang. Das Studium setzt den Schwerpunkt
auf Programmierung, Mathematik und IT-Technologien. Die Medienfächer sind Neben- bzw. Wahlfächer. Der im
September 2012 erstmalig angebotene Studiengang ›Media & Interaction Design‹ bildet den Gegenpol zur
Medieninformatik. Hier liegt der Schwerpunkt auf dem Design - im Sinne von ästhetischem Design – und der
Evaluation von medialen Interaktionsräumen, Oberflächen oder Endgeräten. Doch auch Programmier- und
IT-Module werden unterrichtet. Somit entwickeln Studierende beider Disziplinen gegenseitiges Verständnis für
die jeweiligen Tätigkeitsbereiche. Zukünftig arbeiten Studierende der Medieninformatik und des Media &
Interaction Designs – wie auch später im Berufsleben – in gemischten Teams an innovativen Media- und UserExperience-Projekten. Dieser stark interdisziplinär und kooperativ geprägte Charakter wird studiengangsübergreifend zunehmend gestärkt durch eine feste, hochschulinterne Gruppe - die sogenannte KulturCluster
Gruppe. Vertreter und Vertreterinnen der Kreativ-Studiengänge der Hochschule Osnabrück führen gemeinsame
Aktivitäten auf unterschiedlichen Ebenen der Lehre, der Forschung und des Experiments durch. Beispielsweise
ist das für das EMAF entwickelte Projekt ›Soundtology‹ eine Kooperation zwischen der Musik und der Medieninformatik.
AT THE UNIVERSITY OF APPLIED SCIENCES OSNABRÜCK, THE
DISCIPLINES OF ›DESIGN‹, ›MEDIA‹, ›ART‹, ›THEATRE‹ AND ›MUSIC‹ ARE
OFFERED IN VARIOUS CONTEXTS AND AT DIFFERENT LOCATIONS
The Academy of Music trains students in the areas of ›Professional Music‹ and ›Music Education‹. The ›Open
Space Planning‹ study programme is offered at the Faculty of Agricultural Sciences and Landscape Architecture. ›Theatre Education‹ can be studied at the Lingen campus. The area of ›Design & Media‹ has become established at the technical faculty. ›Industrial Design‹ is a fully-fledged Design programme that overlaps with
Mechanical Engineering. And, as of September 2011, the disciplines ›Media & Interaction Design‹ and ›Media
Informatics‹ go hand in hand: Media Informatics is an established Computer Science degree programme. Studies focus on programming, mathematics and IT technologies. The media subjects are minors or optional subjects. The ›Media & Interaction Design‹ degree programme, to be launched in September 2012, forms a counterpoint to Media Informatics. The focus here is on the design – within the meaning of aesthetic design – and
evaluation of interactive media spaces, user interfaces or end devices. However, programming and IT modules
are also taught. This way, students from both disciplines develop mutual understanding for each other’s scope
of functions. In the future, Media Informatics students and Media & Interaction Design students will work together on innovative media and user experience projects in mixed teams – as will later be the case in the world
of work. This highly interdisciplinary and cooperative character is increasingly reinforced across degree programmes by an established group within the university – the so-called CultureCluster Group. Representatives
of the creative degree programmes at the University of Applied Sciences Osnabrück stage joint activities at all
levels of teaching, research and experimentation. For example, ›Soundtology‹, developed especially for EMAF,
is a cooperative project involving Music and Media Informatics.
138
SOUNDTOLOGY
DIGI_UHREN
Studierende der HS Osnabrück
Studierende der HS Osnabrück
Soundtology ist eine Installation, mit der die Besucher
gemeinsam mit anderen Musik erfinden können. Über
fest installierte Tablets oder das eigene Smartphone
werden Instrumente und Noten gewählt. Jeder hat nur
eine begrenzte Zahl an Noten, die aktiviert werden
können, und sieht auf dem eigenen Gerät was die anderen spielend tippen. Gleichzeitig wird das Stück auf
einer Leinwand über viele bunte Punkte und einem
singenden Männchen visualisiert. Die Musikergruppe
hat 5 Minuten Zeit, um ein Musikstück zu komponieren, dann wird es gespeichert und kann in die Highscoreliste gewählt werden. Das Projekt ist eine Kooperation von Studierenden der Medieninformatik und
der Musik an der Hochschule Osnabrück. Ziel war,
etwas zu schaffen, das in gemeinschaftlicher Interaktion entsteht und Spaß macht - unabhängig von Alter
und Musikalität.
›Denken Sie sich eine animierte Digitaluhr der besonderen Art aus und programmieren Sie sie!‹ Das war die
Aufgabe für die Medieninformatiker im zweiten Semester an der Hochschule Osnabrück. Zunächst war die
Verwunderung groß, denn mit Medienkunst hatte bisher kaum jemand Kontakt. Doch schnell entstanden
viele Ideen. Realisiert wurden unter anderem eine
Apfelbaumuhr, eine Flaschenuhr, eine Ninjauhr, eine
Terminaluhr und eine Community-Video-Uhr, die auf
ihre jeweils ganz besondere Art und Weise ticken. Diese Uhren sind an unterschiedlichen EMAF-Standorten
ausgestellt und lassen die Besucher die Zeit errätseln.
Die Digi_Uhren sind Teil des EMAF-Specials ›Die Zeit
vergeht‹.
Soundtology is an installation with which visitors can
invent music in conjunction with each other. Using
fixed tablets or one’s own smartphone, each user
chooses an instrument and notes. Everyone has a limited number of notes that can be activated. And everyone sees the others’ notes on their own device. At the
same time, the emerging piece of music is pictured on
a screen in the shape of countless coloured dots and a
singing manikin. The group of musicians has five minutes to compose a new song. Afterwards the song is
saved onto a server and can be voted onto the ›highscore list‹. The project is a cooperative work between
›Computer Science & Media‹ and ›Music‹ Students at
the University of Applied Sciences Osnabrück. The
goal was to create something from collaborative interaction that was fun – regardless of age and musical
understanding.
›Invent an animated art clock and program it!‹ This
was the assignment for second-semester students of
›Computer Science & Media‹ at the University of Applied Sciences Osnabrück. At first, the students were
quite taken aback because at that time virtually no
one had any experience in Media Art. But soon many
ideas arose. Amongst other things, they developed an
apple tree clock, a bottle clock, a ninja clock, a terminal clock and a community video clock, all of which
tick in special ways. These clocks are displayed at various EMAF locations, enabling visitors to puzzle over
the time.
The digi_clocks are part of the EMAF-Special ›Time
goes by‹.
ÆAlex Tran, Uwe Stahl, Max Hörner, Philip Schöppe,
Tobias Münch, Jana Willmann, Joachim Schole,
Michael Hecht, Daniel Lentz, Georg Walker,
André Berkemeyer, Thomas Uchtmann,
Christoph Bruksch, Max Zelass, Jan Galle
ÆOsnabrück / programmierte Animation / 2012
ÆMagdalena Kamrowska, Frederick Fischer ,
Leonard Flake, Sarah Beuckmann, Thorsten Hahn,
Nils Kleine, Germano Tota, Dennis Timmermann,
Tristan Berger, Thomas Porzig, Kurt Stolle,
David Koulakiotis
ÆOsnabrück / Installation / D 2012
139
OFFENBACH UNIVERSITY OF ART AND DESIGN
AN DER HOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG OFFENBACH AM MAIN WERDEN
KUNST, MEDIEN UND DESIGN GLEICHBERECHTIGT GELEHRT UND
MITEINANDER ENTWICKELT
Das Lehrgebiet Elektronische Medien unter der Leitung von Prof. Ulrike Gabriel konzentriert sich dabei auf zeitund prozessbasierte Formen und Formate. Die Studierenden arbeiten frei und projektorientiert und werden mit
thematischen Seminaren und intensiven Werkstätten entlang ihres individuellen Prozesses begleitet. Zusammen mit perzeptiven, kognitiven und ästhetischen Fragen, die aktuelle technologische Mittel in der künstlerischen Auseinandersetzung aufwerfen wird eine fundierte technologiekritische Betrachtung angeregt. Die
kooperative und experimentelle Entwicklung von Soft- und Hardware findet in Werkstätten statt, die innerhalb
der Lehrmodule fliessend mit einzelnen Projekten und Forschungsschwerpunkten interagieren.
AT OFFENBACH UNIVERSITY OF ART AND DESIGN, FINE ART, MEDIA AND
DESIGN ARE TAUGHT TOGETHER ON A PAR
The subject area of Electronic Media, under the leadership of Professor Ulrike Gabriel, focuses on time- and
process-based forms and formats. Students work in an open, project-oriented manner; throughout the course
of their respective individual processes, they are supported by thematic seminars and intensive workshops. Together with perceptive, cognitive and aesthetic issues that the current technological means raise in the artistic examination, a sound critical reflection on technology is encouraged. The cooperative and experimental development of software and hardware is carried out in workshops that interact smoothly within teaching models with individual projects and key research activities.
140
SPEAK IT OUT LOUD
DECISION
Studierende der HfG Offenbach
Yoon-Sun Kim
Speak It Out Loud entwirft ein offenes Format zur Erzeugung und Zusammenführung von elektronisch und
stimmlich erzeugtem Text und Klang. Dabei werden
Spielstrukturen entwickelt, die in der Improvisation
weiter erprobt, ausgelotet, zerstört werden können,
um wieder in den befreiten Strom von Klängen und in
neue Formatierungen zu münden.
Decision schlägt eine Brücke zwischen Real- und
Datenwelt. Der Tisch, das Brot, ein Spiel-Film im Bildschirm, ein Mehlhaufen, begleitet von aktuellen Börsendaten und Klängen. Die Klänge werden von einem
Programm aus abstrakten Börsendaten erzeugt und in
den Raum übertragen. Die vermeintlichen Preise der
Zukunft beginnen die Gegenwart zu verändern.
Während die Datenwelt über die Zukunft entscheidet,
erscheinen solche Entscheidungen über Raum und
Zeit in den realen Raum übertragen und ändern die
aktuelle Welt. Real- und Datenwelt wirken miteinander, in immer gleichen Entscheidungsschleifen.
Speak It Out Loud creates an open format to produce
and merge text and sound created electronically and
vocally. In so doing, play structures are developed that
can be further tested, sounded out or destroyed in the
improvisation, only to lead once more to a liberated
stream of sounds and new formats.
ÆSprechfeld Sitha Reis
ÆErstes Instrument Kyung Min Ko
ÆAura Meditoti Shaowei Jia
ÆKlangteppich sketch808 - Yacin Boufala
ÆOffenbach / Sound Performance / D 2011
Decision spans a bridge between the real world and
the data world. The table, the bread, a feature film on
the screen, a heap of flour, accompanied by the latest
stock market data and sounds. The sounds are created from a programme comprising abstract stock market data and transmitted into the room. Supposed future prices start to change the present. Whilst the
data world decides about the future, such decisions
appear to be transmitted through space and time to
the real space, changing the current world. The real
world and the data world interact in ever-same decision-making loops.
Yoonsun Kim, *1978 in Seoul, Korea. Has been studying
Electronic Media at Offenbach University of Art and
Design since 2008.
ÆOffenbach / Installation / D 2011
141
AVATARE
FRAGMENTS OF HELENA
Tilmann Aechtner
Gian Spina
Die Roboter-Objekte visualisieren innerhalb verschiedener Systeme das gegeneinander Wirken von Kräften
und Spannungen. Jedes System besteht aus eigenständigen Modulen aus Holzleisten und Motoren, die
einer vom Zufall bestimmten Logik folgen. Die individuelle, freie Bewegung der Module beeinflusst die
Form des ganzen Systems, es ist durch den Eigenwillen seiner Bestandteile nicht in der Lage, harmonische
Zustände zu erreichen. Dieses Zusammenspiel wird
zu einem Spiegelbild unserer gesellschaftlichen Existenz und ihrem zugrunde liegenden Chaos.
Die Videoinstallation Fragments of Helena erzählt in
bruchstückhaften Erinnerungen von einer Beziehung.
In einem abgedunkelten Raum hängt das Bild einer
jungen Frau. Ein Projektor leuchtet Fragmente des Bildes an, sie werden dem Betrachter sichtbar gemacht
und durch die Stimme eines Erzählers begleitet. Die
illuminierten Ausschnitte des Bildes verknüpfen sich
mit den Erinnerungen der verlassenen, verletzten
Person – es entsteht ein Dialog zwischen Bild und
Erzählung, der das Ende einer Beziehung begleitet.
Die Inhalte der Installation sind authentisch.
The robotic objects visualise how forces and tensions
counteract each other within various systems. Each
system consists of independent modules made of
wooden slats and motors that follow a randomly determined logic. The modules’ individual, free movement influences the form of the whole system; due to
the self-will of its components, it is unable to achieve
harmonious conditions. This interplay becomes a reflection of our social existence and the chaos on which
it is based.
The video installation entitled Fragments of Helena
tells the tale of a relationship, portrayed through fragments of memories. The picture of a young woman
hangs in a darkened room. A projector illuminates
fragments of the picture, which are made visible to the
observer and accompanied by the voice of a narrator.
The illuminated details of the picture link up to the
memories of the jilted, upset person – a dialogue arises between the picture and the narration that accompanies the end of a relationship. The contents of the
installation are authentic.
Tilmann Aechtner, *1987 in Wiesbaden, Germany. Has
been studying Visual Communication at Offenbach
University of Art and Design since 2009.
Gian Spina, *1984 in São Paulo, Brazil. Studied Photography and Architecture at the ›Escola da cidade‹
Sao Paulo, Film in Vancouver, and has been studying
Visual Communication at Offenbach University of Art
and Design since 2010.
ÆOffenbach / Videoinstallation / D 2011
142
ZELLDISPLAY
INSTABILITY
A LOUD STILL LIFE
Nikolas Schmid-Pfähler
Gian Spina
Kyung Min Ko
Zelldisplay ist ein elektronisches
Miniatur-Display, das Form- und
Sehgewohnheiten in Frage stellt.
Dabei wird durch ein dreidimensionales, sphärisches System aus
Glasfasern und -kugeln projiziert.
Dieses entfernt sich von der Veranschaulichung, interagiert mit dem
Betrachter und schafft seine eigene Identität.
An der Decke hängende Glühbirnen
werden zufällig von einem Motor in
Bewegung gebracht. Ihr Licht
bringt den Raum ins schwanken –
nicht nur der Raum wird neu erfahren, auch die Wahrnehmung des
Betrachters verändert sich.
In A Loud Still Life reflektieren
sprechende Blumen einen Alltagsdialog zwischen einer weiblichen
und einer männlichen Person. Oft
unbedachte Elemente des Sprachgebrauchs werden in einen neuen
Zusammenhang gesetzt und ihr Inhalt erscheint in neuer Perspektive.
Zelldisplay is an electronic miniature display that questions how
things are habitually shaped and
viewed. In so doing, a projection is
made through a three-dimensional, spherical system made of glass
fibre and glass balls. This moves
away from the visualisation, interacts with the viewer and creates its
own identity.
Nikolas Schmid-Pfähler, *1987 in
Gießen, Germany. Has been studying Visual Communication at Offenbach University of Art and Design
since 2009.
Light bulbs suspended from the
ceiling are randomly moved by a
motor. Their light causes the room
to sway – not only the room is experienced in a different manner,
the viewer’s perception also
changes.
Gian Spina, *1984 in São Paulo,
Brazil. Studied Photography and Architecture at the ›Escola da cidade‹
Sao Paulo, Film in Vancouver, and
has been studying Visual Communication at Offenbach University of
Art and Design since 2010.
In A Loud Still Life, talking flowers
reflect upon an every-day dialogue
between a male and a female person. Elements of linguistic usage,
frequently unconsidered, are
placed in a new context and their
contents appear in a new perspective.
Kyung Min Ko, *1983 in Suwon,
South Korea. Studied Theatre (direction) at Sangmyung University in
South Korea. Has been studying Visual Communication (Media Art,
Film) at Offenbach University of Art
and Design since 2007.
143
LUCIDA
KARTOGRAPHIE
SELFREADER
Anne Euler
Sitha Reis
Valentin Oellers
Ein Boot wird in eine Kamera Obscura verwandelt und erzeugt eine
neue Erfahrungswelt. Nach Betreten des Kamerainneren wird dem
Betrachter erst nach längerer Zeit
eine deutliche und bewegte Projektion der Außenwelt sichtbar. Das
Abbild einer Welt, die auf dem Kopf
steht, sich bewegt und schwankt.
Mit der Einschreibung von persönlich erinnerten Orten und Wegen in
ein leeres Koordinatenfeld entsteht eine Kartographie, in der kulturell und persönlich vorstrukturierte Raumwahrnehmungen sowohl gegeneinander als auch gegen den gleichmäßig strukturierten
Datenraum abgebildet werden.
A boat is transformed in a camera
obscura, creating a new realm of
experience. After entering the camera, the viewer is only able to see a
clear and moving projection of the
outer world after a long while. The
image of an upside-down world
that is moving and swaying.
By entering personally remembered places and paths into an
empty coordinate field, a map is
created that illustrates the culturally and personally prestructured
perceptions of space not only
against one another, but also
against the evenly structured data
room.
Selfreader ist eine sich selbst
vorlesende Software, die in einer
endlosen Schleife den eigenen Programmcode fieberhaft wiederholt.
Ein Gehirn kann sich nicht selbst
denken, es kann sich wiedergeben,es kann sich nicht verstehen.
Es liest lückenlos und fehlerfrei,
wobei es die Frage nach der eigenen Existenz auch in Anbetracht
des Codes nicht beantworten kann.
In der Handlung des endlosen
Selbstrezitierens zeigt der Selfreader jedoch, dass er existiert.
Anne Euler, *1985 in Büdingen, Germany. Has been studying Visual
Communication at Offenbach University of Art and Design since
2005.
Sitha Reis, *1989 in Biberach, Germany. Has been studying Visual
2010.
ÆMarburg / Installation / D 2012
Selfreader is a self-reading software programme that feverishly repeats its own program code in an
endless loop. A brain cannot conceive itself, describe itself or understand itself. It reads uninterrupted and error-free, whereby it is
unable to answer the question of
its own existence, also in view of
the code. In the act of the endless
self-recital, however, the Selfreader shows that it exists.
Valentin Oellers, *1987 in Waterloo,
Belgium. Has been studying Visual
2009.
144
DUSTEROIDS REALITY
TEAM PLAY
KUNG LI
Tobias Othmar Hermann
Carolin Liebl
Shaowei Jia
Dusteroids Reality ist ein Staubsauger-Weltraumabenteuer. Führt
man den Staubsauger über die Projektionsfläche, heftet sich ein
Raumschiff an den Saugstutzen,
das fortan dem Sauger folgt.
Scheinbares Ziel ist es, so viel
Sternenstaub wie möglich aufzusaugen. Die Installation selbst
macht dabei Seiteneffekte des
Spielens nutzbar: Die Spielenden
steuern das Spiel. Das Spiel steuert Reinigungskräfte.
Team play ist eine auf Interaktion
basierende Anwendung, die Betrachter zu Spielern werden lässt.
Die Spieler kontrollieren die Achsen sowie den Radius eines digitalen Rings. Diesen Ring über die
Spielfläche zu navigieren und bestimmte Kontrollfelder zu treffen
erfordert Teamwork. Innerhalb der
verschiedenen Aufbauten werden
Wahrnehmung und Aufmerksamkeit der Spieler in unterschiedlicher Weise beeinflusst.
Wassertropfen fallen vom Himmel
herunter auf die Erde, und manchmal auf das ›Ich‹.
Das ›Ich‹ kann nur eine begrenzte
Menge von Tropfen aufnehmen.
Doch solange es das tut, wird es
voller und voller - bis zum Überfluss. Es hat etwas ausgelöst, eine
Annäherung an den Menschen.
Was mit der Erde geschieht ist
nicht von Belang.
Dusteroids Reality is a vacuum
cleaner space adventure. When the
vacuum cleaner is guided over the
projection area, a spacecraft attaches itself to the suction pipe,
and proceeds to follow the vacuum
cleaner. The goal appears to be to
hoover up as much stardust as
possible. The actual installation
harnesses the side effects of playing: the players control the game.
The game controls cleaning personnel.
Team play is an interaction-based
application that transforms viewers into players. The players control
the axes and radius of a digital ring.
Teamwork is required to navigate
this ring across the playing area
and to reach defined control panels. The players’ perception and attentiveness are influenced in different ways by the various superstructures.
Tobias Othmar Hermann, *1979 in
Frankfurt am Main. Studied Interior
Design at RheinMain University of
Applied Sciences, Mechanical Engineering at Frankfurt University of
Applied Sciences and Interactive
Design at Offenbach University of
Art and Design.
Drops of water fall from the sky
onto earth, and sometime onto the
›ego‹.
The ›ego‹ can only take a certain
number of drops. But as long as it
does, it becomes fuller and fuller –
until it overflows. It has triggered
something – an approach towards
humans. What happens with the
earth is of no relevance.
Carolin Liebl, *1989 in Lichtenfels,
Germany. Has been studying Visual
2010.
Shaowei Jia, *1981 in Peking,
P.R.China. Has studyied Biotechnology at Wuhan University, China, and
Molecular Biotechnology at the
University of Bielefeld, Germany. Visual Communication at Offenbach
University of Art and Design.
ÆOffenbach/ Installation/ D 2012
145
EXHIBITION
ENTROPI
Jan Goldfuß
Eine experimentelle Erzählung der Algorithmen.
Der Betrachter wird mit einer rein digitalen, den eigenen Gesetzen folgenden Welt konfrontiert. Diese mag ihm
vertraut erscheinen, oder befremdliche auf ihn wirken. Der Eindruck und die Interpretation des Gezeigten sollen ihn sowohl emotional, als auch intellektuell reizen.
Der Titel ist eine Abwandlung des Begriffs Entropie, welcher sowohl in der Mathematik und Physik, als auch in
der Informationstheorie benutzt wird. Er beschreibt hier sehr grob gesagt das Streben eines jeden Teilchens in
einen Zustand des Gleichgewichts mit seiner Umwelt einzutreten.
Untersuchung digitaler Ästhetik.
Der selbst-reflexive Ansatz der Arbeit bezieht sich auf eine Untersuchung des benutzten Mediums, der 3D-Partikel-Animation. Es sollen die ihm eigene Ästhetik und seine charakteristischen Eigenschaften offen gelegt
werden, ohne es in vordefinierte Formen zu zwingen. Das Medium soll sich frei entfalten dürfen.
Um diesem Ziel nahe zukommen wird ein Ansatz gebraucht den ich (in Anlehnung an die surrealistische Technik ›Écriture automatique‹) ›Render automatique‹ nennen möchte.
An experimental narration of algorithms.
The spectator is confronted with a mere digital world that follows its own rules. It might seem partly familiar to
him, partly alien. The impressions and interpretation should evoke both emotions as well as thought.
The title is a variation of the term entropy, which is used not only in mathematics and physics, but also in information theory. In this case, roughly speaking, it describes every single particle’s aspiration to be in balance
with its environment.
Investigation of digital aesthetics.
The self-reflexive approach of the work aims to investigate the medium used, i.e. 3D particle animation. Its very
own aesthetics and characteristics are to be revealed without forcing it into predefined shapes. The medium
should be allowed to evolve freely.
To achieve this goal, a technique is used that I would like to call ›render automatique‹ (following the surrealistic ›écriture automatique‹).
Jan Goldfuß, *1980 in Erlangen, Germany. Obtained his Diplom in Media Design from Bauhaus-Universität
Weimar in 2006. Since 2007, freelance Digital Artist (3D). From 2010, postgraduate studies at Academy of Media
Arts Cologne.
ÆKöln, Video Installation, D 2011
Æwww.jangoldfuss.de
146
HABITAT
Rosmarie Weinlich
Die Installation besteht aus leuchtenden Objekten, die im Ausstellungsraum verteilt sind. Es sind Glaskolben,
die an die Form von Glühbirnen erinnern, befüllt mit einer nutriven Flüssigkeit sowie einer Pflanze aus der
Pflanzenfamilie der Droseraceae. Weil die klebrigen Tropfen an den Spitzen der Tentakeln an die Tropfen von
Morgentau erinnern, sind diese Pflanzen auch unter dem Namen der Sonnentaugewächse bekannt. Ausgestattet mit einem LED-Licht und luftdicht verschlossen, wird durch die Interaktion von natürlichen und technischen
Prozessen ein einzigartiges Ökosystem geschaffen. Zusammen wirkt alles wie ein Labor zur Erforschung der
Lebensbedingungen in einem geschlossenem Kreislauf mit Licht als einzigen externen Stimulus.
The installation Habitat consists of a number of luminous objects spread throughout the gallery space. Referring to the traditional shape of light bulbs, they are glass bulbs which are filled with a nutritive solution and
host plants of the plant family Droseraceae. Since the drops of mucilage at the tips of their tentacles resemble
drops of morning dew, they are also known by the name of the sundew family. Equipped with an LED-based light
source and closed air-tight, the interactions of natural and technical processes create their unique ecosystem.
In their synopsis, they appear like a laboratory exploring living conditions in a closed circulation system with
emitting light as the only external stimulus.
Rosmarie Weinlich, *1984 in Erfurt, Germany. She started studying Fine Arts at Bauhaus-Universität Weimar in
2005 and studied abroad at the Milwaukee Institute of Art and Design, USA, in 2009. She has mainly been exhibiting in Germany, as well as in Israel, Switzerland and the USA since 2006.
ÆWeimar / Installation / D 2011
Æwww.rosmarieweinlich.de
147
EXHIBITION
SIMULATION
SPEAKER BOTZ
Jörg Brinkmann
Matteo Marangoni
Mit der Videoarbeit Simulation präsentiert Jörg Brinkmann eine ungewöhnliche Erlebnisstrategie für die Internetplatform Youtube: Eine Rede über Liebe – extrahiert aus einem Youtube Video, wird zurück auf den
menschlichen Körper projiziert. Das Ergebnis manifestiert sich in einem nahezu regungslosen Zustand, nur
die Unterlippe des Subjekts bewegt sich. Sie wird von
einem kleinen Motor gesteuert, der auf die in das
Computersystem eingespeiste Sprachdatei reagiert
und somit den Anschein erweckt als ob die Person
sprechen würde.
Speaker Botz sind mobile Roboter-Lautsprecher,
akustische Erforscher des terrestrischen Raums,
künstliche Wesen, deren Bestimmung es ist, den
Zuhörer mit, von den Wänden abprallenden Klangmustern zu umhüllen.
Matteo Marangonis Arbeit erforscht die Beziehung
zwischen Klang, Raum und dem Körper und sucht
nach Wegen den Körper des Zuhörers anzusprechen
und verbesserte Zustände des auditiven Bewusstseins herbeizuführen.
With his video work Simulation, Jörg Brinkmann presents an unusual experience strategy for the internet
platform Youtube: A speech about Love itself – extracted from a YouTube video, is projected back onto
the human body. What appears is a virtually motionless state - only the lower lip of the subject is moving.
It is controlled by a small motor that reacts to the
speech file, fed into the computer system, making it
look as though the person is talking.
Jörg Brinkmann, *1982 in Varel, Germany. He has been
studying for a Master in Media Art and Design at
Bauhaus-Universität Weimar since 2010.
ÆWeimar / Video / D 2011
148
Speaker Botz are mobile robotic speakers, acoustic
explorers of terrestrial space, artificial creatures
whose purpose is to envelop listeners with patterns of
echoes bouncing off the walls.
Matteo Marangoni’s work investigates the relationship between sound, space and the body, searching
for ways to address the body of the listener and to induce enhanced states of auditory awareness.
Matteo Marangoni, *1982 in Florence, Italy. He is currently based in The Hague, Netherlands, where he obtained a Master’s degree at the ArtScience Interfaculty.
ÆThe Hague / Installation with Performance / NL
2011
Æwww.humbug.me
ZOANTHROID – EIN TECHNILER ORGANISMUS
Felix Hardmood Beck
Zoanthroiden gehören der Taxon medialer Hybridwesen an. Wie bei ihren nächsten Verwandten, den Blumentieren, bilden Actinopharynx (Standbein, Hals-Passage), Mesenterien (Gekröse) und Siphonoglyph (dichte
Bewimperung um die Mundscheibe herum) die Hauptcharakteristika. Als technile Organismen folgen diese
mechanisch-kausalen und organisch-teleologischen Prozessen. Durch motorische Muskulatur heben und
senken sich Tentakeln in organischen Bewegungen und strudeln mit hypnotisch-fesselnden Winkbewegungen
Beutetiere heran. Zoanthroiden ernähren sich dabei von menschlicher Bewunderung. Ökologisches Habitat
ist die Ausstellung.
The project is based on a simplified approach from the field of behavioural science. Mankind is enabled to interact with a hitherto unknown entity – the Zoanthroid. Nestled in a kinetic object, origins of evolutionary biology and media technology are set in relation. Ninety kinetically moved tuning forks arranged in a circle simulate tentacle-like feelers that beckon the visitor through its organic movements and demands admiration from
the beholder with its auditory appeal - yet at the same time not allowing him get too close. A series of art prints
in the style of anatomical explanatory panels describe and complement this new type of technile organism.
Felix Hardmood Beck, *1978 in Düsseldorf, Germany. He studied New Media Design at Berlin University of the
Arts (2002–2007) and at the University of La Laguna, Canary Islands, Spain (2004–2005). He did his Masterscholar under the patronage of Professor Joachim Sauter (2010–2011) with the work »Zoanthroid – A Hybird Entity«.
ÆBerlin, Installation, D 2011
Æwww.zoanthroid.info; www.felix-beck.de
149
TRAILER
EMAF TRAILER HOCHSCHULE WÜRZBURG
Studierende des Fachbereichs Kommunikations-Design
Die Arbeiten der Würzburger Studierenden entstanden in deren zweiten Semester ›Film‹ – einem
Wahlfach im Rahmen des Studiums ›Kommunikations-Design‹. Dieses Semester sieht ›kleinere‹
Arbeiten vor: trailer, title credits, commercials. Seitens des EMAF gab es keine Vorgaben so dass die
Studierenden entweder auf Erfahrungen beim früheren Besuch oder einzig auf die Website des Festivals zurückgreifen konnten. Bearbeitungszeit für die Aufgabenstellung war sechs Wochen.
Die Herangehensweisen und Annäherungen an das Festival sind extrem unterschiedlich ausgefallen.
Manchmal geht es in den Arbeiten eher allgemeiner um Film: bei Johanna Rafalski ist es die Suche
nach dem besonderen Bild, nach der Neugierde, aber auch die ständige Veränderung des Festivals,
bei Vera Plasencia Duhm das Durchleben einer Palette von Emotionen im Kino. Es gibt Querverweise
zu Stilen und Epochen: bei Julia Riederer sind es die grünen Äpfel – und Traumwelten – von Magritte, bei Nici Hartebrodt der Underground-Film der späten 60er Jahre. Lisa Wohlfahrt experimentiert
mit einem BabyBel-Käse, Sebastian Böhm mit Zucker – jeweils mit verblüffenden visuellen Ergebnissen. Medien hängen direkt mit Technik zusammen: dieser verweigert sich Robert Schleicher und kreiert damit gleichzeitig ein rein technisches, bedeutungsschwangeres Bild, während Christian Fuß den
umgekehrten Weg geht und gleich ganz eine künstliche Welt aus Kugel, Pyramide und Würfel erschafft. Marko Martini macht klar: Ohne Kamera läuft gar nichts, egal wie sie benutzt wird. Recht hat
der Mann. Und Daniel Gische schließlich geht ganz zurück zu den Anfängen, zur Magie eines Blickes:
die Reflektion eines nächtlichen Lichtes in einer Wasserpfütze. War das geplant, war das Zufall? Das
weiß nur der ›Künstler‹. Nur: Ist das wirklich wichtig für das Ergebnis? Zählt letztlich nicht nur, was
auf der Leinwand erscheint?
150
LECTURE
KINECT AND ITS
POSSIBILITIES
Sebastian Möller
The works by Würzburg students were created in their
second semester of ›Film‹ – an optional subject on
the ›Communication Design‹ study programme. This
semester is dedicated to ›shorter‹ works: trailers, title
credits, commercials. Since EMAF did not specify any
requirements, the students were dependent upon
their earlier visits to the festival or the EMAF website.
They were given six weeks to complete the assignment.
The approaches towards the festival were highly varied. Some of the works deal with film in general: with
Johanna Rafalski it is the search for a special picture,
for curiosity, as well as the ever-changing format of
the festival; with Vera Plasencia Duhm it is the experiencing of a wide range of emotions in the cinema.
There are cross references to styles and epochs: with
Julia Riederer it is Magritte’s green apples – and
dream worlds, with Nici Hartebrodt underground film
of the late 1960s. Lisa Wohlfahrt experiments with
BabyBel cheese and Sebastian Böhm with sugar –
each achieving astounding visual results. Media are
directly related to technology: Robert Schleicher denies this and simultaneously creates a purely technical image, fraught with significance, whilst Christian
Fuß goes in the opposite direction and creates a
whole artificial world made of balls, pyramids and
dice. Marko Martini makes it plain that nothing goes
without the camera, no matter how it is used. The man
is quite right. And, finally, Daniel Gische goes right
back to the beginning, to the magic of a view: the reflection of a nocturnal light in a puddle. Was it
planned or was it coincidence? Only the ›artist‹
knows. But: is it relevant to the result? Only what is
screened counts, or not?
Microsofts Kinect ist ›in aller Hände‹. Auf
den Markt gebracht um eine controllerfreie
Steuerung von Videospielen zu ermöglichen,
wurde Kinect durch die Veröffentlichung einer freien Programmierschnittstelle Mitte
2011 zu einem Werkzeug mit ungeahntem
Potential für alternative Anwendungen, z. B.
aus Kunst, Werbung oder Industrie. Beispielhaft stellt Sebastian Möller in diesem Vortrag ausgewählte Projekte vor, um zu verdeutlichen was mit Kinect möglich ist.
Nowadays, everyone has Microsoft’s Kinect.
Brought onto the market as a hands-free
control of video games, Kinect was transformed into a tool with undreamt-of potential for alternative applications, such as in
art, advertising and industry, thanks to the
publication of a free programming interface
in mid 2011. In his lecture, Sebastian Möller
will use examples of selected projects to
show what can be done with Kinect. He will
be happy to answer any questions that may
arise concerning its implementation.
ÆSebastian Böhm, Christian Fuß,
Daniel Gische, Nici Hartebrodt,
Marko Martini, Vera Plasencia Duhm,
Johanna Rafalski, Julia Riederer,
Robert Schleicher, Lisa Wohlfahrt
151
REACT: PERFORMANCE
PETROLIO
Emmanuel Lefrant & Stefano Canapa
Wie ein visuelles Musikstück, ist Petrolio eine komplexe Komposition, die
auf einer einfachen Filmsequenz aufbaut. Diese Filmsequenz – zwei
Teenager auf einem Pier – ist Thema und Ausgangspunkt einer Bewegungskurve, die sich durch die minimale Veränderung und die schrittweise Doppelbelichtung zum Kern des Filmmaterials bewegt. Die Tiefe bis in
die das Filmmaterial erkundet wird, ist Ergebnis einer Kombination aus
verschiedenen Labortechniken, die ihrer Zeit voraus sind, mit einer Reihe
von Projektormanipulationen während die Arbeit auf der Leinwand präsentiert wird. Eingebettet in eine Klangumgebung namens ›Pure Data‹,
bilden die Filmdaten (Helligkeit, Kontrast usw.) die Basis für die SoundKomposition, die durch Sensoren in Echtzeit wieder erfasst werden.
Like a visual musical piece, Petrolio is a complex composition built up out
of a simple, clear film sequence. This particular film sequence – two
teenagers on a pier – is the subject and the starting point of a trajectory
that passes through minimal changes and progressive superimpositions
to the heart of the film material. The depth to which the film material is
explored is the result of combining various laboratory techniques ahead
of time with an array of projector manipulations while the work is performed live onto a screen. The sound operates according to certain visual principles. The sound-composition is written based on film data retrieved through sensors in real time. This allows for both sound and image to be improvised live, while remaining synchronized.
ÆF 2011, 16mm Film Sound Performance
152
HIMALAYA VARIATIONEN
Tina Tonagel
Improvisation auf zwei Overheadprojektoren
mit diversen elektronischen Klang-Erzeugern.
In ihrem Solo-Projekt Himalaya-Variationen nutzt Tina Tonagel zwei
Overheadprojektoren als analoges VJ-Tool. Die Leuchtflächen der
Projektoren bespielt sie mit einem experimentellen Instrumentarium aus
E-Gitarren-Elementen, rotierenden Scheiben, Kugelbahnen, Klangwerken einer Uhr, Lochblechen und Motoren und kombiniert die manuelle
Klangerzeugung mit automatisierter Mechanik.
Das Klangspektrum vereint subtile Klänge mit vielschichtigen Rhythmen,
während in der Projektion durch die Überlagerung der zwei Bilder und die
direkte visuelle Übersetzung der Klangerzeugung ein fulminantes Farbund Lichtspiel entsteht, das die Grenzen zwischen Bild und Musik verschmelzen lässt.
Improvisation on two overhead projectors
with diverse electronic sound generators.
In her solo project Himalaya Variationen, Tina Tonagel makes use of two
overhead projectors as an analogue VJ tool. She adds experimental instrumentation to the illuminated areas of the projectors, consisting of
electric guitar elements, rotating disks, marble runs, a clock’s chime, perforated sheets and motors, and combines the manual sound production
with automated mechanics.
The sound spectrum combines subtle sounds with multilayered rhythms,
whilst in the projection a brilliant play of colours and light evolves
through the superimposition of the two images and the direct visual
translation of the sound created, merging the boundaries between image
and music.
ÆD 2012, Audio-visual Performance
153
REACT: PERFORMANCE
IFF THEN ELZE
Institut für Feinmotorik
Die Künstlergruppe Institut für Feinmotorik (IFF) präsentiert eine erweiterte Klang- Licht-Performance – auf
dem so genannten Oktogrammotikum: Acht präparierte Plattenspieler (mit Papierschnipseln, Gummibandern,
Pappe, Draht etc. bespielt) plus kleinen Lichtquellen sowie Video-Überwachungskameras.
Daniel Düsentrieb trifft in einer Dadadisko auf Nam June Paik…
›Octogrammoticum‹ is Institut für Feinmotoriks own experimental setup for improvising on 8 prepared turntables and 4 DJ mixers which are served by the groups members. Instead of vinyl, household-materials are used
for preparing and playing the turntables.The setup includes lightobjects and tiny cameras.
Daniel Düsentrieb in a Dadadisco meets Nam June Paik.
Institut fuer Feinmotorik (IFF) is an artists group working in different formats and media. Although the main
activity is accoustic-art / music.
IFF is located in Bad Säckingen, Berlin, Cologne and Karlsruhe (all Germany). The group was founded 1997 for a
club-event in Basel (Switzerland) at brisant kiosk/club.
IFF produces different outputs (photography, video, music, drawing, computer-programming, printed matters
etc.), organizes artistic-/cultural events, does lectures and workshops and publishes artistic goods such as
music records, books etc.
ÆInstitut für Feinmotorik / D / AV-Performance
Æhttp://institut-fuer-feinmotorik.net
154
HATTLER-IZE
Max Hattler, Vesper-ON
Max Hattler ist ein Künstler, der mit der Kunst der bewegten Bilder arbeitet und dessen abstrakte Animationsarbeiten sowohl auf Festivals auf der ganzen Welt als auch in Museen und Galerien gezeigt wurden. Er arbeitete mit zahlreichen Künstlern zusammen, darunter Basement Jaxx, Diplo, und seinem Vater Hellmut Hattler. Max
lebt und arbeitet in London und lehrt an der Goldsmiths University.Derzeit erarbeitet er seine Doktorarbeit in
Fine Art (DFA) an der University of East London.
Beim EMAF wird Max eine proto-infographische digitale Live-Performance mit dem in Barcelona ansässigen
Game Boy Musikkünstler Vesper On präsentieren.
Max Hattler is a German moving image artist whose abstract animation works have been shown at festivals
around the world as well as in museums and galleries. He has collaborated with several music acts including
Basement Jaxx, Diplo, and his father Hellmut Hattler. Max lives and works in London where he teaches at Goldsmiths, and is studying towards a Professional Doctorate in Fine Art (DFA) at the University of East London. At
EMAF, Max will present a proto-infographic digital live performance with Barcelona-based Game Boy music
performer Vesper On.
Max Hattler has had solo exhibitions at Tenderpixel, Lumen Eclipse, Media Art Friesland, and Someonesgarden
Tokyo, and retrospectives at Image Forum Festival, Fredrikstad Animation Festival, Go Short, and Branchage Jersey Film Festival, among others. His works have been shown at MOCA Taipei, the Marl Video Art Award, Yota
Space and Gasworks Gallery, the Museum of Image and Sound in Sao Paulo, Electrovisiones Mexico City, Cimatics Festival, SuperDeluxe Tokyo, The Big Chill Festival and London's ICA. Awards include St. Louis Film Festival,
Visual Music Award, Animate OPEN Digitalis, London International Animation Festival, Videofestival Bochum,
Videologia, Skepto Festival, San Gio Festival and 700IS Art Film Festival. Max Hattler's films have been included
in the touring programmes of EMAF, Videoformes, onedotzero, Resfest, The Animation Show, L'Alternativa, Animac, AURORA, and the British Animation Awards.
ÆMax Hattler feat. Vesper On / D/ES / AV-Performance
Æwww.maxhattler.com/live
155
REACT: PERFORMANCE
THE FUTURE OF THE PAST
James Pants
Als Sohn eines presbyterianischen Pfarrer-Ehepaars aus dem
amerikanischen Provinznest Spokane, wurde aus James Pants,
dem einstigen Teenager-DJ für eine Rap-Gruppe, ein MultiInstrumentalist, zu dessen illustrer Fangemeinde Flying Lotus,
Zane Lowe, Erol Alkan und XLs neue Teen Hip-Hop InternetSensation Tyler The Creator, gehören, der James ›einen der
kreativsten fucking Typen nennt, die es auf dieser Welt gibt‹.
Nach seinem Abschlussball an der Highschool hatte James eine
Begegnung mit Peanut Butter Wolf, dem Label-Boss der Stones
Throw Records, und veröffentliche 2008 sein Debütalbum mit
dem Titel Welcome, das die Geschichte eines einsamen Musikbesessenen erzählt, der aus einer unglaublich großen Plattensammlung einen stimmigen Mix zusammenstellte, indem er
einen ›fresh beat‹ unterlegte und sich dem 80er-Jahre-Boogie,
experimenteller Synth-Musik, Garagenrock und vielem mehr
bediente.
The son of two Presbyterian ministers from an American backwater called Spokane, James Pants went from being the
teenage DJ for a black nationalist rap group to a multi-instrumentalist who can count on fans as diverse as Flying Lotus,
Zane Lowe, Erol Alkan and XL’s new teen hip-hop internet sensation Tyler The Creator, who calls James ›one of the most creative fucking people to walk this earth‹.
James met Stones Throw Records head honcho Peanut Butter
Wolf after his high school prom and dropped a debut album in
2008, Welcome, which told the tale of a lone music obsessive
who synthesized a staggeringly broad record collection into a
coherent LP in a style he dubbed ›fresh beat‹, taking in ’80s boogie, synth experiments, garage rock and much more.
Æhttp://www.stonesthrow.com/jamespants
156
Felix Kubin
Mario Schoo
Felix Kubin ist ein Elektronik-Musiker. Bereits im Alter von 8
Jahren galt sein Interesse der Musik und er lernte Klavier, Orgel
und das Glockenspiel zu spielen. Seine musikalischen Experimente der Jugendzeit nahmen 1980 richtig Gestalt an, als er einen Korg MS-20 Synthesizer bekam.
Seine frühen Arbeiten wurden unter dem Titel The Tetchy Teenage Tapes of Felix Kubin veröffentlicht. Während dieser Zeit
spielte er auch in einer Punk-Band, die sich ›Die Egozentrischen
2‹ nannten.
1987 gründete Felix Kubin gemeinsam mit Tim Buhre die Band
Klangkrieg, eine experimentelle ›noise group‹. Sein erstes Soloalbum Filmmusik wurde 1998 von Gagarin Records veröffentlicht, Kubins eigenem Plattenlabel, das er im selben Jahr gegründet hatte.
Kubin arbeitet regelmäßig mit an Theater- und Animationsproduktionen und schreibt Radiohörspiele. Er selbst bezeichnet
sich als Dadaist. In Kubins Musik lassen sich Einflüsse der zeitgenössischen Klassik wie die des Komponisten Karlheinz
Stockhausen und György Ligeti erkennen, sowie der frühen
Elektronischen Musik, u. a. vertreten durch Kraftwerk und DAF.
Felix Kubin is an electronic musician. He has been involved with
music since he was 8 years old, when he studied piano, organ
and glockenspiel. His youthful experiments really took off in
1980 when he got a Korg MS-20 synthesizer.
Organisator des Emaf Feierabend und Labelbetreiber Mario Schoo wird auch in diesem
Jahr mit einem Dj Set teilnehmen. Seine Mischung aus Krautrock und Synth Hop wird
oft als obskurer posthouse übersetzt .
Teilweise sehr schräg , aber genial verbinden
sich butterweiche Melodien mit einer guten
Portion Deepness trotz Augenzwinkern. Unanstrengend innovoativ mit dem richtigen
Blick nach vorn dürfte hier jeder glücklich
werden.
Organiser of EMAF Feierabend and label
owner Mario Schoo will join the festival
again this year with a DJ set.His krautrock
and synth hop mix is often described as obscure posthouse. Tender melodies are sometimes very wierdly yet ingeniously interwined
with a large pinch of depth, despite being
tongue-in-cheek. Relaxingly innovative and
with a positive outlook, we’ll all get our money’s worth.
Æwww.marioschoo.com
His early works have been released under the title The Tetchy
Teenage Tapes of Felix Kubin. During this time he also played in
a punk band ›Die Egozentrischen 2‹.
In 1987 Felix Kubin co-founded an experimental noise group
Klangkrieg with Tim Buhre. His first solo album Filmmusik was
released in 1998 by Gagarin Records, Felix’s own label founded
in the same year.
Kubin regularly collaborates on theatric and animation productions, writes radio plays and is a self-described dadaist. His
musical influences include contemporary classics such as Karlheinz Stockhausen and György Ligeti, as well as early electronica such as Kraftwerk and DAF.
Æhttp://www.felixkubin.com/
157
REVOLVE: EXHIBITION
REVOLVE
Bewegung ist das zentrale Motiv der diesjährigen Ausstellung des EMAF. Ob diese nun im öffentlichen Raum
der Stadt stattfindet, ob Zwischenbereiche von ›echter‹ und digitaler Welt durchstreift und erkundet oder ob
das Verschwinden und das Flüchtige der Dinge thematisiert werden, Bewegung verknüpft Raum mit Zeit und
resultiert folglich in Veränderung.
Schranken verschließen oder öffnen dem Besucher den Weg, absurderweise fahren Autos nur im Kreis, mit Protestschildern okkupieren Robots den Raum und Jugendliche erobern springend einen Friedhof.
Die Bewegung von Menschen-Massen wird untersucht, per Gesichtserkennung werden Identitäten verschoben,
ein Feld mit motorisierten Scheiben kopiert die fließende Schönheit großer Schwärme, Klorollen vollführen ein
barockes Ballett und die Kraft des fallenden Klangs versetzt einen ganzen Tank in Aufruhr. Sound-Walks laden
ein, den Stadtraum zu erkunden und Apps auf dem Mobiltelefon werden zu Kompositionswerkzeugen.
Mit einer großen Vielfalt zeitgenössischer Positionen, mit filmischen Videoinstallationen, Klang-Projekten,
interaktiven Systemen, bewegten Maschinen, kinetischen Objekten, Lichtinstallationen, Kunst-Apps, QuietSpots und Sound-Walks befragt die Ausstellung den Stand der internationalen Medienkunst. (Hermann Nöring)
158
Motion is the central motif of this year’s exhibition of EMAF. Whether these take place in public spaces within
the city, whether intermediate areas of the ›real‹ world and the digital world are touched upon and explored or
whether the disappearance and volatility of things are broached, motion combines space with time, resulting
in change.
Gates either allow access or block the way for visitors, cars absurdly drive round in circles, robots sporting
protest signs occupy the room and youths jump to capture a graveyard.
The motion of crowds is investigated, identities are displaced via facial recognition, a field with motorised
panes emulates the flowing beauty of large flocks, loo rolls perform a baroque ballet and the power of the
falling sound throws a whole pond into turmoil. Sound walks invite visitors to explore urban spaces, and apps
on the mobile phone are transformed into composition tools.
The exhibition sounds out the state of international Media Art with a vast array of contemporary positions, with
cinematic video installations, sound projects, interactive systems, moving machines, kinetic objects, light
installations, art apps, quiet spots and sound walks. (Hermann Nöring)
159
REVOLVE: EXHIBITION
PHYSIOGNOMIC SCRUTINIZER
Marnix de Nijs
Das Design des Werks Physiognomic Scrutinizer basiert auf den Prinzipien, denen man sich bei Sicherheitstoren an Flughäfen, in Einkaufszentren, Fußballstadien und anderen bewachten öffentlichen Plätzen bedient.
Eine Schranke lotst Besucher in Richtung eines hell erleuchteten Eingangs, an dem eine Kamera das Bild jedes
Einzelnen aufnimmt und auf einen LCD-Monitor am Ende des Tores präsentiert. Zwei auf Ständern angebrachte Lautsprecher, die direkt hinter dem Tor platziert sind, symbolisieren Sicherheitsleute.Ausgestattet mit einer
biometrischen Videosoftware, erfasst und inspiziert die Installation die Gesichter der Menschen, die das Tor
passieren und die Ausstellung betreten wollen. Anstatt des Versuchs, die Personen zu erkennen, sucht die
Software nach Gesichtszügen und -merkmalen, die denen von einer der 150 im Vorfeld ausgewählten Personen
in der Datenbank ähnlich sind: Personen, die allesamt wegen kontroverser oder zu verachtender Handlungen
ausgesucht wurden. Auf der Grundlage, der von der Software entdeckten Merkmale, wird der durch den Eingang
gehende Besucher hinsichtlich des negativen Verhaltens seines Ebenbilds beschuldigt und ein Audiofragment
in Bezug auf diese Kontroverse wird, für alle hörbar, abgespielt. Der gesamte Vergleichsprozess wird ebenfalls
auf dem LCD-Monitor hinter dem Tor gezeigt und ist somit deutlich sichtbar für die zuschauende Öffentlichkeit.
Physiognomie ist die Fähigkeit, die Persönlichkeit einer Person durch die Betrachtung ihrer äußeren Merkmale, insbesondere des Gesichts, zu interpretieren. Diese Methode geht bereits auf die altgriechische Zivilisation
zurück. Und obwohl sie in der heutigen Zeit nicht gerade besonders ernst genommen wird, ergaben neuerliche
Studien, dass die Gesichtsmerkmale eines Menschen Eigenschaften wie Vertrauenswürdigkeit, soziale Dominanz und Aggression anzeigen können. Software zur Gesichtserkennung wird hauptsächlich für Überwachungs- und Sicherheitszwecke entwickelt und wird allgemein als ›biometrische Systeme‹ bezeichnet. Zur Verbesserung der Sicherheit eingeführt, basieren diese biometrischen Methoden auf dem Vergleich des Gesichts
des Reisenden mit dem in ihrem Reisepass abgebildeten oder denen in forensischen Gesichtsdatenbanken
oder Migranten-Datenbanken. Solch eine Software findet derzeit auch in den Stadt- und Einkaufszentren zur
Erkennung von Straftätern, Ladendieben und anderen Unruhestiftern Anwendung. Die Person, die sich solch
einem Erkennungsprozess unterzieht, fühlt sich in der Regel recht unwohl. Zum einen versucht sie vor der
Kamera ein gutes Bild abzugeben, zum anderen wird erhofft, den Test zu bestehen. Und selbst wenn die Person
sich als unschuldig erweist, gerät sie doch in eine Situation, in der die Technik über sie urteilt und wir sind uns
alle im Klaren darüber, dass die Technik ihre eigene Logik hat.
Der Besucher ist sich ebenfalls bewusst, dass er dadurch, dass er sich ernsthaften technischen Tests
unterziehen muss, unweigerlich als verdächtig für etwas gilt.Und wer weiß, wer sich als biometrisches Ebenbild entpuppt: ein blutrünstiger Mörder aus dem 18. Jahrhundert, ein Künstler, der aufgrund der illegalen
Verwertung von Bakterien einer Gefängnisstrafe entgegensieht; oder ein skandalträchtiges Glamour-Model?
Wird ihre wahre Identität durch das von der Software ausgemachte Ebenbild enthüllt? Und warum lachen alle?
Die womöglich peinliche Antwort erfährt zu allererst das (öffentliche) Publikum, das hinter dem Tor steht. Sie
haben die ›Prozedur‹ bereits überstanden und haben den Kontrollpunkt passiert: dann macht es umso mehr
Spaß, über jemand anderen zu lachen.Auf humorvolle Art und Weise sinniert De Nijs über die wachsende
Rolle, die biometrische Systeme in der heutigen Zeit an öffentlichen Orten einnehmen.
160
The design of Physiognomic Scrutinizer is based on principles employed in security gates seen at airports,
shopping malls, football stadiums and other protected public spaces.A barrier guides visitors towards the
brightly lit entrance where a mounted camera records and projects each individual’s image on a LCD monitor at
the back of the gate. Two speakers on stands, located directly after the gate, symbolise security
guards.Equipped with biometric video analysing software, the installation detects and scrutinises the faces of
the people wishing to pass through the gate and enter the exhibition. Rather than try and identify the person,
the software probes for facial features and characteristics that are similar to one of the 150 pre-selected persons in the data base: all chosen for controversial or infamous acts. Based on what the software detects, the
visitor passing through the entry point will be accused according to the disrepute of their match and an audio
fragment regarding this controversy played for all to hear. The complete comparison process is also displayed
on the LCD monitor behind the gate and clearly viewable to the on-looking public.
Physiognomy is the skill of interpreting a person’s personality from looking at their external features and, in
particular, the face. These practices date as far back as ancient Greek civilisation. Though not really being taken seriously in this day and age, recent research has revealed that an individual’s facial characteristics can denote qualities of trustworthiness, social dominance and aggression.Face-recognition software is mainly developed for surveillance and security applications and commonly referred to as ›biometric systems‹. Introduced to
improve security, these biometric methods are founded on cross matching the face of the traveller with that in
their passport or in forensic and immigration facial databases. The same such software is currently employed
in city centres and malls to recognise criminals, shop-lifters and other troublemakers. The person undergoing
the recognition process usually feels uncomfortable. Besides trying to look good in front of the camera, they are
also hoping to pass the test. And even if the person is innocent, she/he is put in the position, whereby technology is passing judgement and we are all aware that technology has its own logic.
The visitor is also conscious that, being subjected to serious technological tests, he will undoubtedly appear
guilty of something.And who is likely to be the biometric match: a bloodthirsty 18th century murderer; an artist
facing prison because of illegal exploitation of bacteria; or a scandalous glamour model? Will their true identity be revealed through the machine’s match? And why is everybody laughing? The potentially embarrassing answer is seen first by the audience (public) standing behind the portal. They have already been through the
process and passed the control point: then it is so much easier to laugh at someone else.In a humorous way, De
Nijs is reflecting on the bigger role biometric systems play in present-day public space.
Marnix de Nijs, *1970 in Arnhem (NL), is a Dutch installation artist. Graduated as a sculptor at the Arnhem Institute for the Arts in 1992, he focused his early career on sculpture, public space and architecture. Since the mid
90's, he has been a pioneer in researching the experimental use of media and technologies in Art. Impelled by the
idea that technology acts as a driving force behind cultural change and therefore capable of generating new experiences where societal habits and communication are rethought, his work thrives on the creative possibilities
offered by new media, while critically examining their impact on contemporary society and human perception.
ÆNL 2008 – 2012, installation, steel, monitors, PA, data base
161
REVOLVE: EXHIBITION
SER Y DURAR
Democracia
Für ihre Video-Installation Ser y Durar (Sein und Bleiben / To exist and to persist) arbeitete Democracia mit
einer Gruppe junger ›Traceurs‹, den Sportlern des städtischen Jugend-Sports ›Parkour‹ zusammen. Nach eine
akkuraten Analyse ihrer städtischen Umgebung überwinden die Traceurs architektonische Barrieren nur mit
Hilfe ihres eigenen Körpers mit höchster Präzision, Eleganz und Agilität. Ein Hindernis wird nicht als Hemmnis
angesehen sondern als Aufgabe, die besondere Bewegungselemente verlangt oder neue akrobatische Lösungen benötigt.
Ort der Aktion von Ser Y Durar ist ein Friedhof in Madrid, der 1884 für Verstorbene errichtet wurde, die nicht
Mitglied der Katholischen Kirche waren . Viele spanische Wegbereiter und Begleiter der Moderne, politische
FührerInnen der Vor-Franco-Zeit, Kommunisten, Gewerkschaftler oder ehemalige Staatspräsidenten und
Künstler wurden dort begraben. Die Atmosphäre der steingewordenen Zeitläufe, die Solidität der Grabsteine
und zeitlose Erzählung der Inschriften kontrastieren in der Videoarbeit mit der Dynamik der Sportler und der
Inszenierung ihres Parcours. Jugend, Mobilität und Energie dringen ein in diesen Ort des Innehaltens und der
Erinnerung und der großen Symbole des politischen und kulturellen Traditionen Europas. Es ist ein Zusammentreffen, weniger ein gegenseitiges Durchdringen. Die Jugendlichen vollführen schnellen, flüchtigen Kontakt
mit den Gräbern und den Zeichen des Friedhofes; sie tragen ihre eigenes Outfits, bedruckt mit den Zeichen und
Designs ihrer Subkultur. Sie setzen sich radikal anders, kritisch-kreativ mit der sozialen, urbanen Gegenwart
auseinander. Ob und inwieweit eine Auseinandersetzung mit den ideologisch verfestigten Prägungen der
Moderne stattfindet, bleibt zumindest offen.
The starting point for this project is the recording of a parkour session in the Madrid Civil Cemetery. To carry out
the session, a course from point A to point B was traced in the cemetery, and a group of traceurs was invited to
cover the distance between the two points. ›Parkour‹ is a discipline that consists in moving through the urban
environment, overcoming the obstacles that appear en route (fences, walls...) in the most fluid and efficient
form possible, and with the sole possibilities of the human body.
The Madrid Civil Cemetery was opened in 1884. Among others buried there are presidents, the founder of the
Spanish Socialist Workers, socialist leaders, writers, philosophers, communist leaders or artists. Democracia's
intention on proposing to a group of traceurs to have a meetup at the Madrid Civil Cemetery is to activate a sort
of negative monument, owing to its ephemeral nature which presents, practices that are critical of urban
culture at the same time as the memory of those who were part of armies, social organizations and political
parties which, moved by humanitarian values, aspired to a utopia while the great emancipatory stories of
Modernity still made sense. Although while this action takes place in a place replete with memory, of profound
symbolic meaning, owing to the very nature of parkour, the traceurs do not feel concerned with the historic
sediment of the place, but only by its purely spacial and constructive qualities. The epitaphs create a narrative
that will be defined by the traceurs' movements. On the one hand, the motto that identifies the traceurs is ›To
be and to Last‹; on the other, an epitaph at the Civil Cemetery reads ›There is nothing after death‹.
The work team Democracia is formed in Madrid (Spain) by Pablo España and Iván López. Their interest in cultural and political issues caused their artistic interventions and cultural projects.
ÆES 2011, 3 channel video installation
ÆCourtesy Democracia
162
!
Anke Eckardt
Vertikal aufgestellte Lautsprecher lassen von oben nach unten gehende Klänge ertönen, die in einem heftigen
Subbass-Schlag auf dem Boden enden. Der Schlag scheint eine ›Eruption‹ in einem mit schwarzer Flüssigkeit
gefüllten Tank auszulösen. Die Flüssigkeit bricht in Form einer runden Welle heraus, die zerschellt und in alle
Richtungen spritzt. Während der Dauer der Ausstellung entsteht somit ein schwarzes, geflecktes, schmutziges
Gebilde auf dem anfangs sauberen weißen Boden. Welche Kompromisse machen wir, wenn wir die Welt anhand
der unklaren Informationen interpretieren, die wir von unseren Sinnen empfangen? Aufgrund der zeitlichen und
räumlichen Verknüpfung der beiden unabhängigen Abläufe, dem ›fallenden Sound‹ und der direkt darauf
folgenden visuellen Auswirkung, interpretieren wir die Szene als Ursache und Wirkung. Die Ergründung der
Phänomenologie der Sinne gipfelt in der Erkundung von Illusionen, die die Frage der Fehlbarkeit der Sinne
aufwerfen. Auf der Suche nach Beständigkeit in der wahrgenommenen Welt, reduzieren wir diese auf ein
Fragment, das stimmig erscheint, wenn wir es auf unsere Erfahrungen im Leben beziehen. Technische Fortschritte geben uns jedoch immer mehr Anlass, an unseren Sinnen zu zweifeln.
Die Klangskulptur ›!‹ ist das künstlerische Ergebnis von Anke Eckardts künstlerischem Forschungsprojekt
›Vertical Hearing‹ (2008-2010), in dem sie das Verhältnis von Vertikalität und Macht untersucht. Bourdieu weist
darauf hin, dass die Beherrschung von Raum im Allgemeinen eine der bevorzugtesten Formen von ausgeübter
Herrschaft ist. Auf diese Weise wurde die Manipulation der räumlichen Aufteilung von Gruppen immer in den
Dienst der Manipulation der Gruppen selbst gestellt. Somit stellen wir uns nicht nur das Fliegen und Fallen
vertikal vor, sondern auch soziale/religiöse Hierarchien und fallende Bomben, die höchste Stufe von Macht.
A vertical line of loudspeakers plays a downward sliding tone which is followed by a heavy subbass punch on
the ground. The punch seems to trigger an ›eruption‹ in a tank, which is filled with black liquid. The liquid erupts
in the form of a round wave, which disintegrates and splashes in all directions. Over the duration of the exhibition a black speckled, dirty image thus forms on the initially clean, white floor. What compromises do we make
when we interpret the world by the ambiguous information we receive from our senses? Because of the temporal and spatial conjunction of the two independent events, the ›falling sound‹ and the visual impact right after, we interpret the scene as cause and effect. The exploration of the phenomenology of the senses culminates
in the investigation of illusions, this raises the issue of the fallibility of the senses. As we seek consistency in
the perceived world we reduce it to a fragment, which appears coherent when related to our life experience.
Technological advances offer us ever greater reason to distrust our senses, though.
The sound sculpture ›!‹ is the artistic result of Eckardts Artistic Research-Project ›Vertical Hearing‹ (2008-10),
an investigation of the relation between verticality and power. Bourdieu points out that domination over space
is one of the most privileged forms of exercised domination. That way, the manipulation of the spatial division
of groups was always brought into service of the manipulation of the groups themselves. So we do not only image flying and falling vertically, but also social/religous hierarchies and falling bombs, the very stage of power.
Anke Eckardt, *1976 in Dresden, is a sound and media artist. She lives and works in Berlin since 1994. Since 2008
her work encompasses sculptures, installations as well as workshops and a theoretical discourse on the topic of
the phenomenology of sounds. Anke Eckardt presents her work internationally.
ÆD 2010 - 2012, sound sculpture, 6m x 6m x 10m-50m(height), 7 channel loudspeakers,
steel and acrylic glas tank, coloured fluid, pneumatic technology, MAX/MSP-programming, light
ÆConcept/Realisation: Anke Eckardt. Programming: Peter Votava. Pneumatic: Bastiaan Maris. Tank
Construction: Zolle
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REVOLVE: EXHIBITION
TRASH HITS - DUMPING, SEARCHING AND FINDING. CLEANING.
Ulrike Gabriel
Trash Hits ist ein Data Mining zur Krise, das ihre Auswirkung in alternativer Weise bemisst. Ein exemplarischer
Abfalleimer in einer deutschen Fußgängerzone wurde im Juni der Jahre 2009 und 2010 per Webcam aufgenommen. In ihn werden die letzten Reste des Konsums eingeworfen und wieder herausgenommen. Bei der Messung
dieser Ereignisse erweist sich der Eimer als ein Schauplatz des sozialen Wandels, in dessen verschobenem
Verhältnis von In- und Output die wachsende Armut sichtbar ist.
In der Installation sind die Aufnahmen beider Jahre nebeneinander und synchron zu sehen. Während das Programm die Sequenz von Ereignissen zeitlich chronologisch aus der Bilddatenbank generiert, berechnet es ihre
aktuelle Auswertung. Statistische Balken zählen die Einwürfe, das Suchen und Finden von Inhalt und das Leeren des Abfalleimers mit. Die verschiedenen Ereignismodi können an- oder ausgeschaltet und miteinander
kombiniert werden, wodurch die gezeigte Sequenz per Zeitraffer auf die ausgewählten Ereignisse verdichtet
wird.
Trash Hits constitutes data mining on the crisis that measures its impact in an alternative manner. An exemplary trash can in a German pedestrian zone was recorded by webcam in June 2009 and June 2010. This is
where the last remnants of consumption are discarded and taken out again. In the statistical evaluation of
these events the can proves to be a scene of social change. The growing poverty can be seen in the shift of the
ratio of what is placed into the trash can and what is taken out of it.
In the installation, both years can be seen alongside one another. Whilst the programme chronologically generates the sequence of events from the image database, it constantly recomputes their evaluation. Statistical
bars represent the number of times something is discarded, the number of times the contents are rummaged
through and something found, and how often the trash can is emptied. The various event modes can be
switched on or off, or combined with one another, whereby the shown sequence is focussed with time lapse
onto the selected events.
Ulrike Gabriel, *1964 in Munich. Studied Painting and Graphics at the Academy of Fine Arts, Munich, Meisterschülerin, post-graduate studies at the Institute of New Media at the Städelschule in Frankfurt, fellow at the Department of Media Sciences, Academy of Media Arts Cologne; artist-in-residence at V2 Rotterdam, Canon Artlab
Tokyo, amongst others; Flow-Ensemble; organic farming in Argentina. Stand-in professor at Offenbach University of Art and Design, temporary professor, Electronic Media, Offenbach University of Art and Design. Since 1990,
international projects, participation in exhibitions and performances, e.g. in Berlin, Rotterdam, Tokyo, Oslo, Vienna, Los Angeles and Maubeuge. Ulrike Gabriel investigates the perception and construction of reality, focusing on
generative systems and formats. Her work includes environments, robotic installations, online community
rooms, lyric machines, performative live formats.
ÆD 2012, video installation
Æ2 PCs, individual image databank, push button interface
2 projectors, programmed in Java+Processing
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RETOUCHING MEMORY
Alexander Glandien
Das Projekt Retouching Memory widmet sich auf experimentelle Weise dem Prozess des Erinnerns, vor allem
den immanenten Vorgängen des Vergessens, Verdrängens und Verfälschens. Der Vorgang der Erinnerungretusche beschreibt dabei einen Prozess der nachträglichen ›Reinterpretation‹ der Vergangenheit, die es ermöglicht, die eigene Identität neu zu denken und sich selbst in einem veränderten Kontext von Vergangenheit und
Gegenwart neu einzuordnen.
Die maschinell erzeugten Bilder dieser Installation sind nicht von Dauer, sondern verändern sich stetig, sie verblassen zunächst und verflüchtigten sich schließlich vollständig. Diese stetige Veränderung und letztendlich
die Auslöschung der Bilder, aber auch die maschinelle, geradezu sysiphushafte Produktion von Bildern sind das
Wesen dieser installativen Auseinandersetzung mit der Erinnerung.
Die maschinellen Zeichnungen der Installation basieren auf einer Bildsequenz von einer Person aus 16 verschiedene Ansichten, die in ihren verschiedenen Perspektiven ein Selbstportrait darstellen.
The Retouching Memory project deals experimentally with the process of remembering, above all, the intrinsic
processes of forgetting, suppressing and distorting. The process of retouching the memory describes a process
of the retrospective ›reinterpretation‹ of the past, enabling us to rethink our own identity and to realign ourselves in an altered context of past and present,
The automatically created images in this installation are short-lived – they change constantly, first fading and
then disappearing altogether. This constant change and, ultimately, the obliteration of the images, in addition
to the automatic, almost Sisyphus-like production of images, are the essence of this installative exploration of
memory.
The installation’s mechanical drawings are based on a picture sequence of a person from 16 different views
that, in their different perspectives, constitute a self-portrait.
Alexander Glandien, *1982 in Schwerin, 2008 Diplom with distinction in Communication Sciences and Media at
Hochschule Wismar; has been a university assistant for Experimental Design at the Institute of Fine Arts and
Cultural Studies of the University of Art and Design Linz since 2009 (AT).
ÆA/D 2010, installation
165
REVOLVE: EXHIBITION
THE ART·SOUNDS APPLICATION AS AN ART PROJECT IN OSNABRÜCK
Tanja Hemm
Ein virtueller Soundspot wird über GPS an einem realen Ort gefunden. Eine Komposition wird - nur dann
und dort - ausgelöst. Ort, Komposition und Hörer agieren miteinander. Es entsteht eine ortsbezogene
Klanginstallation, die sich zwischen Realität, Spiel
und Illusion bewegt. Ohne logistische oder technische
Eingriffe in den Ort. Zeitpunkt und Dauer vom Hörer
bestimmt. Die Orte frei von der Künstlerin gewählt. Mit
art·sounds entwickelt Tanja Hemm mobile ortsbezogene Klanginstallationen, die sie eigenständig oder
auf Einladung platziert.
art·sounds ist ein langfristig angelegtes Kunstprojekt
von Tanja Hemm. Es thematisiert den Begriff ›öffentlicher Raum‹ im Kontext zunehmender virtueller
Verschränkungen und einer Verschiebung zwischen
privatem und öffentlichem Raum. Es stellt u.a. die
Frage, wie öffentlicher Raum definiert werden kann,
ob privater Raum durch logistische Eckdaten oder
innere Prozesse entsteht und welchen Einfluss virtuelle Orte auf reale Orte nehmen können.
art·sounds ist vom European Media Arts Festival 2012
mit zwei City Walks und drei Quiet Spots nach Osnabrück eingeladen. Die Programmierung der Applikation wurde von Dennis Böckmann (IOS) und Julian
Sundermann (Adaption Android) umgesetzt, beides
Studenten von Professorin Michaela Ramm, Hochschule Osnabrück.
Über den app store (ios)oder play store (android) wird
die Applikation art·sounds heruntergeladen. Über den
art·sounds in app store hat man dann Zugriff auf die
Produkte und kann diese ins eigene Archiv laden. Osnabrueck Quiet 1 (2 u. 3) führen den User zu geräuschreduzierten Orten innerhalb des Festivalareals. Die insgesamt sechs Soundspots der 2 City Walks Osnabrueck
2012 A und Osnabrueck 2012 B befinden sich ebenfalls innerhalb der Innenstadt. Sie greifen das Thema der
inneren und der äußeren Kommunikation auf. Titel der Soundspots, die aus den jeweiligen Örtlichkeiten heraus
erarbeitet wurden, lauten zum Beispiel ›red carpet‹, ›international‹, ›secret‹.
Tanja Hemms Arbeiten entstehen aus dem Wechselspiel von Ort, Komposition und Hörer. Das vorhandene
Klangrepertoire des öffentlichen Raumes betrachtet die Künstlerin - ebenso wie dessen Architektur und alltägliche Abläufe - als Parameter für die Erarbeitung der Komposition. Vorhandene Sounds sind Mitspieler und
werden nicht mehr verwendet. Die Künstlerin arbeitet mit analogen Monosounds, die sie schrittweise verdichtet. Technische Effekte, computergenerierte Sounds finden keinen Einsatz. Die virtuellen Soundspots von der
Osnabrueck City Walks 2012 A und B, sowie die Osnabrueck Quiet Spots 1 - 3, bleiben langfristig mit Osnabrück
verbunden. Zukünftige Veränderungen der jeweiligen Orte durch bauliche Massnahmen, künstlerische Interventionen, Aktionen, ändern daran nichts. Für den Prozess der Verortung im Wechselspiel zwischen Komposition, Hörer, Ort entsteht ein zusätzlicher Spannungsbogen, eine neue Erlebnisebene.
166
A virtual sound spot is found at a real place via GPS. This triggers a composition – only there and then. The location, composition and listener interact with one another. A location-specific sound installation is created
somewhere between reality, game and illusion. Without any logistical or technical interventions to the location.
Time and duration are determined by the listener. The places chosen by the artist. With art·sounds, Tanja Hemm
develops mobile location-specific sound installations that she positions independently or when invited.
art·sounds is a long-term art project by Tanja Hemm. It explores the term ›public space‹ in the context of increasing virtual entanglements and a shift between private and public spaces. Amongst other things, it asks
how public space can be defined, whether private space is created by key logistical parameters or inner
processes and the influence virtual places can have on real locations.
art·sounds was commissioned by the 2012 European Media Arts Festival to create two city walks and three quiet spots in Osnabrück. The application was programmed by Dennis Böckmann (IOS) and Julian Sundermann
(Adaption Android), both students of Professor Michaela Ramm at the University of Applied Sciences
Osnabrück.
The art·sounds application is downloaded via the app store (ios) or play store (android). You can access the
products via the art·sounds in app store and load them onto your own archive. Osnabrueck Quiet 1 (2 & 3) guides
the user to noise-reduced locations within the festival area. A total of six sound spots on the two city walks Osnabrueck 2012 A and Osnabrueck 2012 B are also located in the city centre. They address the subject of internal and external communication. The sound spots, elaborated from the respective localities, have titles such as
›red carpet‹, ›international‹ and ›secret‹.
Tanja Hemm’s work evolves from the interaction between the location, the composition and the listener. The
artist views the existing sound repertoire of public spaces – as well as their architecture and everyday processes – as parameters for developing the composition. Existing sounds are co-players, and are no longer used. The
artist works with analogue monosounds that she gradually compresses. No technical effects or computergenerated sounds are used. Both the virtual sound spots from Osnabrueck City Walks 2012 A and B and
Osnabrueck Quiet Spots 1 - 3 will remain linked to Osnabrück long-term. Not even future alterations to the
places concerned by construction work, artistic interventions or actions will change that. An additional arc of
suspense, a new level of experience, is created for the process of localisation in the interplay between composition, listener and location.
Tanja Hemm, *1965, grew up in Upper Franconia, received basic musical training, learned to play several instruments, (M.A.) Literature/Media Studies (oral traditions/radio) Universität Erlangen-Nürnberg 1994, worked as a
writer for many years (1989–1999) using the written/spoken word and sound (focusing on radio features, literature and radio drama), has lived and worked in the USA, New Zealand and Australia, and is now firmly rooted in
Nuremberg. She has been working with word and sound in interaction with real localities since 2002. Her work
centres around the acoustic and architectonic uniqueness of the locality from which the composition is developed, and which mutually stage one another.
ÆD 2012 sound application
ÆDemovideo: http://www.tanjahemm.de/art-sounds-video.html
ÆApplication art·sounds: http://itunes.apple.com/de/app/artsounds/id381339981mt=8
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REVOLVE: EXHIBITION
OBSTRUCTION
Gustav Hellberg
Die Installation des schwedischen Künstlers Gustav Hellberg (geb. 1967 in Stockholm) besteht aus automatischen Parkhausschranken mit lackiertem Metallgehäuse, montiert auf einem Podest aus verzinkten Stahlrosten. Die Schranken sind mit einer Zeitsteuerung versehen, die nach dem Zufallsprinzip das Öffnen und
Schließen der Schrankenarme regelt. Die Barrieren befinden sich somit in einem ständigen Wandel. Manchmal
öffnet sich eine Schranke und gewährt dem Besucher Eintritt, ein anderes Mal wird der Zutritt verweigert. Der
Besucher muss solange in der Installation verharren, bis sich ihm zufällig ein Fluchtweg eröffnet.
Ein Spiel mit Macht und Ohnmacht.
Die Installation Obstruction kann mehrdeutig rezipiert werden. Zunächst ist sie ein humoristischer Beitrag
dazu, wie wir Menschen mit Regeln umgehen. Gleichzeitig macht sie bewusst, wie wir darauf konditioniert sind,
diesen Regeln Folge zu leisten oder bei Übertretungen entsprechende Konsequenzen hinzunehmen. Barrieren
bestimmen unser Leben und da sie in der Regel von externen Kräften installiert werden, sind sie hier auch als
Metaphern autoritärer Macht zu lesen.
Gustav Hellberg hat zahlreiche interaktive Installationen für den öffentlichen Raum entwickelt. Die Installation Obstruction war zuletzt auf dem Stortorget in Malmö und in der Hamish Morrison Galerie in Berlin zu sehen.
Obstruction is made out of standard automatic road barriers. The barriers are connected to a central control
unit, which randomly regulates the opening and closing of the barrier arms. Thus the barrier’s opening and closing pattern is in constant change, leading to a constant variation of area access. Sometimes adjacent barriers
will open simultaneously, allowing easy walk-through access. At other times the opening of barriers create a
slow, complicated, or no walk-through situation.
Obstruction is a project that narrates situations of physical and psychological impediments that we meet on
our way through life. It creates a direct physical interaction with a participant and leaves the viewer with a continuously changing image. Primarily, in its immediate and obvious perception, the artwork deals with different
levels of demarcation, as it investigates people’s habits of dividing and defining different areas, where blocking
or allowing another’s access is a demonstration of power. At the same time the artwork’s unpredictable technical structure creates a metaphorical setting referencing personal and existential development. Different and
unforeseeable altering situations are constantly inflicting on our lives.
Gustav Hellberg, *1967 in Stockholm, Sweden. He was awarded an MFA from the Royal University College of Fine
Arts in Stockholm. His work has been exhibited in numerous public art projects throughout the world, including
Umedalens Skulptur, Sweden, Urban Interface Berlin and Artnews Outdoor, Samara, Russia. He has exhibited in
galleries in Los Angeles and Stockholm, and has had solo exhibitions at the Konstmuseum Malmö and the
Dunkers Kulturhus, Helsingborg. He is currently working on several public contracts. He lives and works in Berlin.
ÆD 2009, installation, 13.0 x 13.0 x 1.3 m, aluminium, electrical motors and electronic controls,
galvanised steel, painted steel, wood
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CHRONO-SHREDDER
Susanna Hertrich
Chrono-Shredder ist ein performativer Automat, der die Flüchtigkeit der Zeit zelebriert. Mit Funktionen von
Kalender, Uhr und Papierschredder, zerstört der Automat unaufhaltsam die Kalendertage. Die unwiederbringlich verlorene Zeit bekommt hier eine greifbare Form als Papiermüll. Ein Kalendertag wird in kurzen Pulsen
durch die Schreddereinheit geführt. Eine elektronische Steuerung sorgt dafür, dass der Tag in genau 24h
zerstört wird. Während die Zeit unaufhaltsam weiter läuft, sammeln sich unter dem Objekt die Überbleibsel der
unmittelbaren Vergangenheit.
Chrono-Shredder is a performative automat to celebrate the fragility of time. A device with functions similar to
those of a calendar and a clock, it continously shreds every single day - minute after minute, hour after hour. All
that time that is irreversibly lost, obtains a tangible existence in the form of shredded paper. Its electronic control mechanism ensures that a day is destroyed in exactly 24h. As time passes by, the tattered remains of the
past pile up under the device.
Susanna Hertrich lives and works in Berlin. Her body of work comprises devices, photography, graphic, sculpture
and video. She tells stories that contain a surreal imagination for the functionality of objects. Her works describe
alternative realities that encourage the viewer to break free from accustomed perspectives on everyday life and
take a position beyond valid norms.
ÆD 2007-2012, object, h 46 cm x w 30 cm x d 20 cm, mixed media: powder coated metal, motor and gears,
sensor, electronic control, microcontroller, paper, shredding unit
Æwww.susannahertrich.com
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REVOLVE: EXHIBITION
NETZWERK
Christine Hoffmann
Die Klanginstallation Netzwerk thematisiert die alle und alles einbeziehende Vernetzung, die sich auf der
Grundlage der digitalen Medien weltweit vollzieht. Das von Christine Hoffmann generierte Netzwerk präsentiert sich – flüchtig betrachtet – als unentwirrbares Chaos. Der Eindruck von Absurdität wird verstärkt durch
das Wuchern der Elemente im Raum und durch den technisch-bedrohlich anmutenden Klangteppich, den das
surrende Geräusch der Computerlüfter und das aus den Lautsprechern tönende Ticken erzeugt.
Doch in dem Netzwerk lassen sich Strukturen erkennen und Spuren verfolgen. Die so verschiedenartigen
Objekte fügen sich sämtlich einer formalen Ordnung und die Bilder in den Lautsprechern, die Gebrauchs- und
Alltagsgegenstände einer inhaltlichen Abfolge: Vom Werkzeug und von den Materialien der Künstler, von Naturobjekten und Alltagsgegenständen hin zu industriell technischen Bildern und Objekten.
Die weitgehend real gewordene virtuelle Vernetzung kann als absurd, als Chaos wahrgenommen werden. Doch
sie eröffnet zugleich die Chance, Kontakte gezielt zu suchen, einen selbstbestimmten Weg zu verfolgen. Ein
über digitale Medien vermittelter Kontakt ist jedoch nicht mehr als eine mediale Anbindung. Das veranschaulichen die Kabel in der Installation. Wie die Objekte hier auf Abstand voneinander gehalten werden, bleiben
auch die über das Netz verbundenen Menschen für sich. Wohl möglich, dass aus dieser Isoliertheit heraus Menschen den Drang haben, überall medial dabei zu sein. (Martin Damus)
The sound installation Netzwerk broaches the issue of networking – encompassing everyone and everything –
as is taking place worldwide on the basis of digital media. The network generated by Christine Hoffmann
presents itself – viewed fleetingly – as an inextricable chaos. The impression of absurdity is exacerbated by the
proliferation of the elements in the room and by the technically menacing sound carpet created by the
humming sound of the computer fans and the ticking resounding from the loudspeakers.
And yet structures can be recognised and tracks followed in the Netzwerk. All of the diverse objects comply
with a formal order and the images in the loudspeakers, the utensils and articles of daily use comply with a contextual sequence: from artist’s tools and materials via natural objects and everyday objects to industrial/technical images and objects.
The virtual network, which has largely become real, can be perceived as absurd, as chaos. And yet, at the same
time, it opens up the opportunity to search for specific contacts, to go down a self-determined path. However,
a contact brokered via digital media is nothing more than a media connection. This is underlined by the installation’s wires. Just as the objects are kept apart from one another, people connected via the web also remain
apart. It could well be the case that, owing to this isolation, people have the urge to be medially omnipresent.
(Martin Damus)
Christine Hoffmann, * 1964 in Ankum/ Germany. Studied at Academy of Fine Arts in Braunschweig and at
University of Osnabrück up to 1990. She realized art projekts in public spaces e.g. in Osnabrück, Galan (FR) and
Mahares (TN) and exhibitions e.g. in Oldenburg, Brandenburg, Bonn and Berlin. She focusses on installation art
and thematises the vanishing of subjects and of nature.
ÆD 2012, sound installation, variable dimensions: ca. 4 x 4 m x 1,50 m, pc fan, speaker, switching power
supply, amplifier, CD-Player, cabel, photos, everyday items
170
HERMES
Karl Heinz Jeron
Eine Handy-Oper in vier Akten.
›Ich sitze grade im Zug. Wo bist Du?‹ Seit (fast) jeder ein Handy hat, finden privateste Telefongespräche nicht
nur in geschlossenen Räumen statt, sondern werden öffentlich. Jahrelang hat sich der Künstler Karl Heinz
Jeron in öffentlichen Verkehrsmitteln über die sinnlosen Telefonate seiner Sitznachbarn geärgert. Vor einigen
Monaten beschloss er mitzuschreiben. Zwei Notizbücher sind schon voll. Die Texte werden digitalisiert und von
kleinen, singenden Robotern aufgeführt: vier Solisten und ein Chor. Für die Vertonung arbeitet Karl Heinz Jeron
mit einem professionellen Komponisten zusammen.
Namensgebend ist Hermes, der Schutzgott der Redekunst. Die Handy-Gespräche bilden allgemeinmenschliche
Situationen unter den Überschriften Geheimnis, Sex, Schuld, Verrat ab. In diesen vier Akten inszeniert der
Künstler die mitgeschriebenen Gespräche und verwandelt Alltagssituationen in einen künstlerischen Akt.
Mobilphone-opera in four parts.
›I'm on the train at the moment. Where are you?‹ Now that (nearly) everyone has a mobile phone, even the most
private telephone conversations are held not only behind closed doors, but in public. For years, the artist Karl
Heinz Jeron has been annoyed by the senseless phone calls made by his fellow-passengers. A few months ago,
he decided to write down the conversations. He has already filled two notebooks. The texts are being digitised
and performed by small, singing robots: four soloists and a choir. Karl Heinz Jeron is collaborating with a professional composer to set the work to music.
Hermes, the patron of oratory, lends his name to the piece. The conversations held over the mobile phone illustrate general human situations under the headings secret, sex, guilt and betrayal. In these four acts, the artist
stages the transcribed conversations, transforming these everyday situations into an artistic act.
Karl Heinz Jeron, *1962 in Memmingen, lives in Berlin, 1994–1996 founder member of Internationale Stadt,
2000–2006 lectured at Berlin University of the Arts. The artist focuses primarily on phenomena of everyday life
and social issues. He exploits material from public sources, such as Google, Wikipedia or television, for his performances and installations with small robots or video and audio works. In the process, he endeavours to create
a shift in perception by making minimal alterations to these prototypes of real situations.
ÆD 2012, installation, performance, robots, speech synthesis, computer system
171
REVOLVE: EXHIBITION
REVOLVE
Macular
Revolve ist eine kinetische Maschine, die so aufgebaut ist, dass sie abstrakte Lichtmuster in die räumliche Umgebung wirft. Hunderte von LED-Lampen sind an einem sich schnell drehenden Rechteck befestigt, womit eine
algorithmische, generative Komposition dargestellt wird, die sich aus stroboskopischen Pulsen und Lichtstreifen zusammensetzt. Es entstehen komplexe Muster zwischen den schnell blinkenden Lichtern und dem sich
drehenden Objekt. Das Ergebnis ist eine gewisse Einheit, die als Datenfluss, Morsezeichen oder gar als
abstrakte, visuelle Sprache, die von der Maschine selbst gesprochen wird, sichtbar wird. Revolve sucht nach
den Grenzen der menschlichen visuellen Wahrnehmung. Aufgrund der Reizüberflutung, die durch die
Stroboskoplampen entsteht, kommt es zu einem Nachbildeffekt. Als Folge werden die imaginären, negativen,
von der Netzhaut erzeugten Lichtmuster zu einem wichtigen Bestandteil der Erfahrung, wenn diese sich mit
dem durch die Maschine erzeugten Licht vermischen.
Revolve is a kinetic machine designed to scatter abstract light patterns into its surrounding space. Hundreds
of LEDs are mounted on a rapidly spinning rectangle performing an algorithmic generative composition consisting of stroboscopic pulses and lines of light. Complex patterns emerge between the rapidly flashing lights
and the spinning of the object. Resulting in some kind of entity which can be seen as a data flow, a morse signal or even an abstract visual language spoken by the machine itself. Revolve is looking for the boundaries of
human visual perception. Due to a sensory overload, produced by the stroboscopic light, the after image effect
occurs. As a result, the imaginary negative light patterns produced by the retina, become an integral part of the
experience, as they mix-up with the light produced by the machine.?
Macular is a collective of artists researching the interaction between light, sound and movement. The ongoing
research is focussed on the creation and manipulation of emergent systems and the possibilities for composition that arise from them.
›Revolve‹: Concept & realization: Daan Johan & Joris Strijbos
›Phase=Order‹: Concept & realization: Joris Strijbos
Joris Strijbos is a Rotterdam-based artist, working in the fields of expanded (live) cinema, audio performances
and kinetic-light-installations. He is one of the persons behind ›Macular‹.
Daan Johan is an artist who explores the technology from the past to create new instruments, often with a form
of sculptural value and craftsmanship, trying to blur the boundaries between engineers and artists. Johan is also
part of ›Macular‹.
ÆNL 2011, kinetic light installation, rectangle, LED light
172
PHASE=ORDER
Macular
Phase=Order ist eine kinetische Lichtinstallation, bei der sich 96 Bildschirme bewegen, reflektieren und
organisieren, um ein abstraktes Feld von Schatten und Licht zu erzeugen. Die Installation ist das physikalische
Ergebnis der Erforschung von selbstorganisierenden Prozessen in der Natur und des entsprechenden Übersetzens dieses natürlichen Verhaltens auf künstliches Material. Während viele Forschungsarbeiten in diesem
Bereich sich auf die Verhaltensregeln innerhalb dieser Systeme konzentrieren, beschäftigt sich Phase=Order
hauptsächlich mit der audio-visuellen Schönheit dieser Phänomene und damit, wie eine biologische Choreographie auf der Basis von Schwarmverhalten erstellt werden kann. Durch das Wahrnehmen der Elemente Licht,
Sound und Bewegung wird dieses Werk als multi-sensorische Erfahrung kreiert.
Phase=Order basiert auf einem modularen System und ist angelehnt an die selbstorganisierenden Systeme in
der Natur. In diesem Zusammenhang bedeutet modular, dass das komplexe Gruppenverhalten aus dem einfachen Verhalten vieler Individuen entsteht. Wenn wir uns Vogelschwärme anschauen, Fischschwärme oder auch
Getreidefelder im Wind, reagieren alle Individuen auf verschiedene Kräfte. Ob es um Futter, Gefahr oder nur um
physikalischen Druck geht, sie beginnen sich zu bewegen und organisieren sich selbst als ein einheitlicher
Organismus. Dieses Verhalten kann man auf einfache Regeln zurückverfolgen und wenn jedes individuelle Element in dem System diese Regeln befolgt, entstehen perfekt synchrone Formen. Solche Verhalten zeigen sich
oft in wellenartigen Mustern und Verläufen in der räumlichen Anordnung der einzelnen Elemente. Diese Muster
bildeten der Ausgangspunkt bei der Programmierung des Verhaltens der Installation.
Phase=Order is a kinetic light installation in which 96 screens move, reflect and organise to create an abstract
field of shadow and light. The installation is the physical output of a research into self-organising processes in
nature and programming these nature-like behaviours into artificial material. Where a lot of research in this
field focuses on the rules of behaviour within these systems, Phase=Order focuses on the audio-visual beauty
of these phenomena and how to compose an organic choreography based on swarm behaviour. Through studying the elements of light, sound and movement, the work is created as a multi-sensorial experience.
Phase=Order is based on a modular system and is inspired by self-organising systems in nature. In this context, modular means that complex group behaviour is created by simple behaviour of many individuals. When
we see flocks of birds, schools of fishes and even grain fields in the wind, all the individual agents respond to
different forces. Whether it’s food, danger or just physical pressure, they start to move and organise themselves
as a coherent organism. This behaviour can be broken down into simple rules that, when every individual element in the system follows those rules, results in perfect synchronised forms. Such behaviour often manifests
in wave-like patterns and gradients in the spatial arrangement of the individuals. These patterns were the point
of departure to program the behaviour of the installation.
ÆNL 2010, kinetic light installation, 96 acrylic screens, a 12×8 grid, a 160 cm x 250 cm table, servomotors,
software and electronics, a spotlight
173
REVOLVE: EXHIBITION
THE GATHERING
Melanie Manchot
Diese neue Installation bringt erstmals drei Arbeiten zusammen, die eine Trilogie bilden: Celebration (Cyprus
Street), Walk (Square) und Dance (All Night, Paris), produziert 2010-2012, recherchieren kollektive Erfahrungen
im Rahmen orchestrierter Events. Die Arbeiten werden, speziell auf den Raum bezogen, in eine installative
Konfiguration gebracht.
Celebration (Cyprus Street) basiert auf der reichen Geschichte der Straßenfeste im Londoner East-End und den
Traditionen von Gruppenportraits der historischen Wochenschauen und fotografischer Dokumentationen. Mit
seiner 35mm Kamerafahrt durch die Cyprus Street und dem Höhepunkt eines zentralen Bewohnerportraits
untersucht der Film die Beziehungen zwischen bewegtem und unbewegtem, zwischen filmischem und fotografischem Bild.
Walk (Square). Die Bewegungen von großen Gruppen, sei es in Prozessionen, Paraden, im Straßenkarneval oder
als Demonstrationen, war der Ursprung dieser neuen Videoarbeit mit 1000 Hamburger Kindern. Aus allen Richtungen in der Hamburger Innenstadt zusammengezogen und mit der Künstlerin als ›Rattenfängerin‹ bezieht
sich die Arbeit auf die gegenwärtige Situation des Protestes. Sie fragt danach, inwieweit der Akt des Gehens,
des Durchschreitens des Öffentlichen Raumes, eine ›Form des öffentlichen Redens‹ bedeutet. Auf dem
Museumsvorplatz vollführen die Kinder eine einfache Choreografie, die auf Bruce Naumans ›Walking the
square in an exaggerated manner‹ basiert. Aus ihr schimmert eine Art von Bewegung, die kurzzeitig einen
Moment der Kollektivität und der visuellen Dichte erzeugt, bevor sich dieser wieder verliert.
Dance (All Night, Paris) versammelt zehn verschiedene Formen des Tanzes, vom Tango über Hip-Hop und Rock,
an einem Ort, um eine Vielzahl von Bewegungsarten und Rhythmen zu erzeugen. Ausgestattet mit einem Kopfhörersystem performen Amateurtänzer in dieser Videoarbeit, die sich auf den Akt des Tanzens im Öffentlichen
Raum und der Untersuchung des Bedeutungsfeldes von Tanzen als kollektive Erfahrung konzentriert. Gefilmt
wurde Dance (All Night, Paris) während der Nuit Blanche im Oktober 2011.
174
This new installation brings three works together, making a trilogy: Celebration (Cyprus Street), Walk (Square)
and Dance (All Night, Paris), produced 2010-2012, researching collective experiences during orchestrated
events. The works are put together in a configuration, corresponding specifically to the surrounding.
Celebration (Cyprus Street) is based on the rich history of public street parties in London’s East End. The film
draws inspiration from the tradition of group portraiture in historic newsreel footage and photographs recording these events. Filmed as a 35mm tracking shot that pivots on a central, durational group portrait, the piece
investigates the relation between still and moving images, between photography and film.
Walk (Square). Walking en masse, whether it be in processions, parades, pilgrimage, carnival, protest marches
and demonstration form the starting point for this new videowork made with 1000 Hamburg kids. Drawn into
the centre of the city from all directions, with art as the ›pied piper‹, the work refers to current socio-political
situations of protest. It questions the way in which the act of walking, of traversing the public space of our cities
constitutes a ›form of speech‹. On the square in front of the museum the kids perform a simple walking choreography, based on Bruce Nauman's ›Walking the square in an exaggerated manner‹, creating a shimmering form
of movement, that briefly produces a moment of collectivity and visual coherence before breaking apart.
Dance (All Night, Paris) brings together ten forms of dancing, from Tango and Waltz to Hip Hop and Rock, occupying one space side-by-side, simultaneously, creating a multiplicity of movements and rhythms. Performed by
amateur dancers on silent sound systems the work focuses on the act of dancing in public and examines a
range of meanings embedded in dancing as a collective experience. ›Dance (All Night, Paris)‹ was filmed during
›Nuit Blanche‹ in Paris in October 2011.
Melanie Manchot, *1966 in Witten, Germany. She studied at New York University and City University, London,
before going on to study at the Royal College of Art in London (1990-1992) where she received a Master of Fine
Art in Photography 1992. She lives and teaches at art colleges across the UK.
ÆUK 2012, 3 channel video installation
Æ›Celebration (Cyprus Street)‹ is commissioned by Film and Video Umbrella and supported by Arts Council
England. Project funded by Film London and the UK Film Council Digital Archive Film Fund and supported
by the National Lottery.
2010, 35mm Film, transferred in HD, 10:20
Æ›Walk (Square)‹ is commissioned by Deichtorhallen, Hamburg and K21 Hamburg with additional support
from Film and Video Umbrella, London
2011, Single Screen, HD, 20:40
Æ›Dance (All Night, Paris)‹ is commissioned by Nuit Blanche 10 (2011) through the City of Paris.
2012, Single Screen Video, HD, 2011
ÆMelanie Manchot, courtesy Galerie m, Bochum
175
REVOLVE: EXHIBITION
ACTIVISTS 2011
Nika Oblak / Primoz Novak
Die Installation Activists besteht aus fünf oder mehr mobilen Robotern, die Protest-Schilder tragen. Eine hölzerne, gummi-umrandete Grundplatte bildet ihre Basis. Darauf sind optische Sensoren, Elektronik, eine Autobatterie und ein Arduino-Board mit Motor, Abdeckung und Rädern verbaut. Jede dieser runden Grundplatten
trägt einen hölzernen Stab, der wiederum ein Protestplakat aus Pappe hält. Eigens programmierte Software
ermöglicht es den Robotern, sich frei im Ausstellungsraum zu bewegen und auf Besucher und Exponate zu
reagieren. Auf diese Weise entsteht der Eindruck, bei ihnen handelt es sich um autonome Kreaturen.
Während eines Artist-in Residence-Aufenthaltes im OCAT (Contemporara Art Terminal) in Shenzhen, China, entwickelten wir Activists. In Zusammenarbeit mit dem Programmierer Jianjun Wang schrieben wir die Software,
die die Roboter steuert.
Jedes Mal wenn Activists in der Öffentlichkeit auftritt, beanspruchen sie den ganzen Raum, um in unterschiedlichen Aktionen für eine bessere Gesellschaft zu kämpfen. Obwohl sie passive, von Menschen gemachte
Konstruktionen sind, präsentieren die Maschinen Protestschilder als wären es ihre eigenen. Während wir noch
die Welt und das Leben beobachten, wie es vorbeizieht, ersetzen Activists uns Menschen auf einem weiteren
Gebiet und verkünden unsere Meinungen. Sie konfrontieren uns mit unserer Passivität und spiegeln die egozentrischen Gesellschaft, in welcher wir – wie Zisek meint – alle Freiheiten haben könnten, würden wir dem
System nicht nachgeben, das uns drängt, diese Freiheiten aufzugeben und in dem wir nicht die Sprache besitzen, diese Unfreiheit zu artikulieren.
Activists fragt, ob die von uns bewohnte Welt stabil genug ist, ob wir Veränderungen überhaupt brauchen und
ob wir uns ausreichend um Veränderungen bemühen. Ist eine andere Welt möglich, angesichts des gescheiterten Kapitalismus?
Activists is an installation composed of five or more mobile robots with protest signs. Each robot is composed
of a circular wooden platform with a soft rubber edge. On the platform there are optical sensors of movement,
electronics, a deep cycle car battery, an Arduino board with motor shield and wheels. Each circular platform has
an attached wooden pole, which is holding up a cardboard protest sign. Custom made software enables the robots to navigate freely in the exhibition space and respond to visitors and other displayed works. Thus giving
an impression of being autonomous creatures.
We developed Activists on an artist in residency program at the OCAT - Contemporary Art Terminal in Shenzhen,
China. In realization of the project we cooperated with a computer programmer Jianjun Wang, who developed
custom made software to operate the mobile robots installation.
Each time Activists appear in public, they occupy the space and make a different action, fighting for a better
society. These machines, passive man made constructions, present protest signs as their own. While we observe the world and life as it goes by, Activists are replacing humans in yet another area, and express opinion
on our behalf. They confront us with our passive selves and reflect an egocentric society, where according to
Zizek, we have all the freedoms we want, but in the system that pushes us to give up, we are missing a language
to articulate our non-freedom.
Activists question, if the world we live in is stable enough, weather we need some change, are we striving
enough to make a change? It seems capitalism isn't working, is another world possible?
ÆSLO 2011, objects, variable dimensions, mobile robots
176
SISYPHUS ACTION
Nika Oblak/ Primoz Novak
Die pneumatische Videoinstallation Sisyphus Actions präsentiert eine vorübergehende Zwischenposition, ein
Zustand des Festsitzens in einer unwirklichen, absurden Situation. Es zeigt Nika Oblak & Primoz Novak beim
ständigen Wiederholen von monotonen, scheinbar zwecklosen Handlungen. Sisyphus Actions erinnert an die
heutige globale Lebensweise, bei der die Menschen mehr und mehr arbeiten, um mehr ›shoppen‹ zu können.
Wir sind in unserer täglichen Routine und den künstlich erzeugten Verbraucherbedürfnissen gefangen.
Pneumatic video installation Sisyphus Actions presents a transitory, in-between position, a state of being stuck
in a surreal, absurd situation. It features Nika Oblak & Primoz Novak repeating monotonous, seemingly purposeless actions over and over again. Sisyphus Actions evokes the contemporary global way of life, where people work more and more to be able to shop more. We are trapped by our daily routine and artificially produced
consumerist needs.
Nika Oblak and Primoz Novak have been working as an artist’s cooperative since 2003. In their art practice they
make a critical examination of contemporary media and capital-driven society as they dissect its visual and
linguistic structure. Infused with humour, their works draw parallels between the commercial and the art worlds.
Oblak and Novak have exhibited worldwide, in venues like the Sharjah Biennial, Japan Media Arts Festival,
Istanbul Biennial, Biennale Cuvee, Transmediale, Alexandria Biennale.
ÆSLO 2011, video installation, 67 x 58 x 162 cm
177
REVOLVE: EXHIBITION
GRAFIKDEMO
SELF PORTRAIT
Niklas Roy
Niklas Roy
Warum sollte Virtual Reality Sie überzeugen, wenn die
simple Realität schon nicht überzeugend ist? ›Grafikdemo‹ präsentiert ein physikalisches Drahtgittermodel einer Teekanne in einem Commodore CBM
Gehäuse. Mittels Tasten lässt sich das Modell um verschiedene Achsen drehen und rotieren – genau wie ein
echtes, virtuelles Wireframe. Ein ausgeklügeltes
Lichtdesign macht es dem Betrachter nicht einfach zu
beurteilen, ob es sich um ein real-existierendes 3DObjekt oder um ein CAD-Model handelt. Spielerisch
untersucht Grafikdemo die Übergänge und Verschiebungen zwischen Realität und Darstellung.
Niklas Roy feiert den sich langsam entfaltenden Prozess des Bildermachens. Seine Kamera, irgendwo zwischen Polaroid- und Digitalkamera angesiedelt, erstellt und speichert während des Aufnahmevorgangs
Portraitbilder auf Kassenzettelpapier. Da dieses sehr
langsam erfolgt, müssen Portraitierte wie in den Anfangszeiten der Fotografie mindestens drei Minuten
stillhalten.
Why should virtual reality convince you, if even reality
itself is sometimes not convincing at all? ›Grafikdemo‹
is a physical wireframe model of a teapot inside a
Commodore CBM cabinet. The model can be rotated
by pushing keys on the keyboard. Sophisticated lighting of the model makes it hard for the viewer to distinguish whether he sees a real digital model or a fake
computer screen. Grafikdemo explores the transition
between reality and representation in a playful way.
ÆD 2004, object, Commodore CBM cabinet,
teapot wireframe model
178
Self Portrait is a combination of an analog b/w videocamera and a thermal receipt printer. The device is
something in between a Polaroid camera and a digital
camera. The camera doesn’t store the pictures on film
or digital medium, but prints a photo directly on a roll
of cheap receipt paper while it is taking it. As this all
happens very slow, people have to stay still for about
three minutes until a full portrait photo is taken.
ÆD 2011, object, analog b/w videocamera,
thermal receipt printer
LUMENOISE
PING! AUGMENTED PIXEL
Niklas Roy
Niklas Roy
Mittels des Licht-Stiftes Lumenoise wird ein Röhrenmonitor zu einem audio-visuellen Synthesizer. Man
zeichnet abstrakte geometrische Muster und erzeugt
elektronische Klänge direkt auf der Oberfläche der
Röhre. Spielerisch und kreativ kann man seine eigenen Handlungen performativ umsetzen.
Als Videospiele aufkamen, waren diese in ein rechteckiges Block-Design gepresst. Die Darstellung eines
Tennisplatzes war aus heutiger Sicht kaum von der
eines Fußballfeld oder einer Basketballanlage zu
unterscheiden.
PING! Augmented Pixel ist ein Videospiel im 70er Style
mit digitaler Datenverarbeitung, die ein Videosignal
überlagert. Ein klassisch-rechteckiger Videospiel-Ball
bewegt sich über das Videobild solange bis er auf
etwas Dunkles trifft, das ihn abprallen lässt. Gesteuert von einer Videokamera als Game-Controller kann
man ohne Regeln und Leistungsziele in einem frei
gestalteten Umfeld spielen.
Lumenoise is a light pen, which turns your old CRT-TV
into an audiovisual synthesizer. You paint abstract
geometric patterns and sounds directly onto the
screen. It is a playful and performative device, as anything that you do will cause an instantaneous reflection in the gadget’s sonic and visual output.
ÆD 2011, CTR-monitor, light pen, electronics
In the decade where videogames were born, everything virtual looked like rectangular blocks. From today’s perspective, the representation of a tennis court
in the earliest videogames is hard to distinguish from
a soccer or a basketball field.
PING! Augmented Pixel is a seventies style videogame,
that adds a layer of digital information and oldschool
aesthetics to a video signal: A classic rectangular
video game ball moves across a video image. Whenever the ball hits something dark, it bounces off. The
game itself has no rules and no goal. Like GTA, it provides a free environment in which anything is possible.
And like Sony’s ›Eyetoy‹, it uses a video camera as
game controller.
Niklas Roy, *1974 in Nuremberg, lives and works in
Berlin. He develops robots, machines and installations
by using old technical devices. His electronic projects
are playful, performative gadgets, shown internationally, e.g. in Berlin, Stralsund, Gothenburg and Hong
Kong.
ÆD 2011, video camera, electronics
179
REVOLVE: EXHIBITION
WALL TO WALL
Egill Saebjörnsson
Zwei Wände des Ausstellungsraumes sind die beiden Protagonisten dieser Videoarbeit. Sie unterhalten sich
über ihr Leben und ihre Erfahrungen, zwei Mauern des Raumes zu sein. Auch sprechen sie darüber, was sie im
Raum sehen: eine Skulptur von Donald Judd, die an der Wand hängt, ein großes Poster von Harry Potter und ein
Kind, das an einem Tisch sitzt und unablässig im Internet surft. Sie beobachten auch die Menschen, die den
Raum betreten. Während sie über diese Themen reden, verändert sich ihr Erscheinungsbild. Wenn sie über
Harry Potter sprechen, verwandeln sie sich in Harry Potter; in ihrem Gespräch über Donald Judd bekommen sie
langsam etwas Ähnlichkeit mit der Skulptur. Sie unterhalten sich auch über eine Zeit von vor 25.000 Jahren, in
der noch Neandertaler lebten und sogar der Yeti kommt in ihrem Gespräch vor. Weiter fragen sie sich, was die
Menschen im Raum tun, ob sie selbst real sind oder inwiefern sie nur eine Rolle in einem Stück spielen, das von
einer Gruppe von Menschen geschrieben wurde.
Entering the room, one sees two video projections on the two end walls of the space. The videos show two
individual characters talking to each other about their lives and experiences as two walls in this space. They
discuss what they see in the room: a Donald Judd sculpture hanging on the wall, a large poster of Harry Potter
and a kid sitting at a table and relentlessly surfing the Internet. They also see the people coming into the room.
As they talk about these topics, their appearances change. When they talk about Harry Potter, they change into
Harry Potter. When they talk about Donald Judd, they start to look a bit like the sculpture. They also talk about
how in the past, only 25,000 years ago, Neanderthals still existed, and they discuss the Abominable Snowman.
They wonder what the people in the room are doing, and they wonder if they themselves are real, or if they are
just playing a role in a play written by a group of people.
Egill Sæbjörnsson, *1973 in Reykjavik, Iceland. Lives in Reykjavik, IS and Berlin, D. Egill Sæbjörnsson graduated
from the Icelandic College of Arts and Crafts (now the Icelandic Academy of the Arts) in 1997 and studied at the
University of Paris, St.Denis, from 1995 to 1996.
Egill Sæbjörnsson’s work is an approach to experience, a mode of behaviour, a play. creates arrangements that
cannot be described as mere ›installations‹. They are all at once performance set, sculptural accumulations and
three-dimensional drawings.
ÆISL 2008 – 2012, 2 channel video projection, dimensions variable
ÆIn collaboration with Karolin Tampere
180
CIACCONA DI PARADISO E DELLÍNFERNO
Tina Tonagel
Ein Ballett aus Klopapier-Rollen tanzt zu einem barocken Lied über Himmel und Hölle. Fünf weiße und drei
schwarze Klopapier-Rollen drehen sich zur Musik auf und ab. Nach Betätigung eines Tasters beginnt die Musik
zu spielen.
Es läuft eine Chaconne aus dem italienischen Frühbarock: wenn die Frauenstimme davon singt, wie schön es
im Himmel ist, bewegen sich die weißen Rollen (in gleichmäßigem Tempo). Singt die Männerstimme über die
Qualen der Hölle, drehen sich etwas ungestümer die schwarzen Rollen an der gegenüberliegenden Wand.
A ballet acted out by five white and three black loo rolls interpret the sung dialogue between heaven and hell.
An Italian early baroque chaconne can be heard: when the woman’s voice sings about how beautiful it is in heaven, the white loo rolls move up and down. When the man’s voice sings about the agony of hell, the black loo rolls
rotate slightly more violently at the opposite wall. The music starts playing at the touch of a button.
Chiaccona di Paradiso e dell’Inferno
O che bel stare è stare in Paradiso
Dove si vive sempre in fest'e riso
Vedendosi di Dio svelato il viso
O che bel stare è star in Paradiso.
Havrai insomma là quanto vorrai
E quanto non vorrai non haverai
E questo è quanto, o Musa, posso dire
Però fa pausa il canto e fin l'ardire.
Ohimè che orribil star qui nell'inferno
Ove si vive in pianto e foco eterno
Senza veder mai Dio in sempiterno
Ahi, ahi, che orribil star giù nell'inferno.
Quel ch'aborrisce qua, là tutto havrai
Quel te diletta e piace mai havrai
E pieno d'ogni male tu sarai
Dispera tu d'uscirne mai, mai, mai!
Là non vi regna giel, vento, calore,
Che il tempo è temperato a tutte l'hore
Pioggia non v'è, tempesta, nè baleno,
Che il Ciel là sempre si vede sereno.
O che bel stare è stare in Paradiso
Dove si vive sempre in fest'e riso
Vedendosi di Dio svelato il viso
O che bel stare è star in Paradiso.
Il fuoco e 'l ghiaccio là, o che stupore
Le brine, le tempeste, e il sommo ardore
Stanno in un loco tute l'intemperie
Si radunan laggiù, o che miserie.
›Ciaccona di Paradiso e dell'Inferno‹
Text and Music: Anonymous
Tina Tonagel, *1973 in Lemgo, studied Music and Art on a Teacher Training programme from 1995 to 1999 and
completed her studies in Media Art at the Academy of Media Arts Cologne in 2004. She has gained support from
such entities as the Kunststiftung NRW and the Federal State of North-Rhine Westphalia.
ÆD 2011, Kinetic sound installation, paper rolls
181
REVOLVE: EXHIBITION
ZERO1ZERO WALKS
Jürgen Trautwein
Notizen vom Abgrund, oder Skizzen meiner täglichen Wege durch eine derbe Nachbarschaft. Die 010 Walks sind
eine Huldigung an die Entrechteten, die Armen und all diejenigen, die am Rande der Gesellschaft leben. Sie sind
experimentelle, reduzierte und mit geringer Bildauflösung gefilmte Videominidokumentationen über San Franciscos zwielichtigen Stadtteil Tenderloin.
Tenderloin ist ein ethnisch diverser Stadtteil der sich aus Familien, jungen Leuten in Billigwohnungen, unkonventionellen Künstlern und Immigranten aus Lateinamerika und Südostasien zusammensetzt. Er hat eine hohe
Kriminalitätsrate. Kinder die alt genug sind drängen sich an den Strassenecken zu Banden zusammen um
Crank, Crack, Methamphetamine, Heroin, und jede andere erdenkliche Droge zu verkaufen. Neben den
Gestrandeten, kommen viele andere arme Menschen während der Tagestunden hier her um freie Nahrung zu
bekommen, entweder von den Essensbanken oder den Suppenküchen, die drei mal am Tag Essen zur Verfügung
stellen. Vor der Frühstücks-, Mittags- oder Abendessenszeit stehen hunderte von Menschen Schlange,
manchmal über die Länge zweier Häuserblöcke. Auf meinen täglichen Wanderungen durch diesen Stadtteil in
der Innenstadt benutze ich hauptsächlich eine Taschenkamera. Ich filme aus meiner Hand ohne zu wissen was
die Kamera tatsächlich aufnimmt. Wenn ich dann das Material weiterbearbeite bin ich oft überrascht Situationen zu sehen, die mir beim vorbeilaufen nicht bewusst waren. Die 010 Wanderungen sind zu einem interaktiven
Netzprojekt verpackt, das mit der Computermaus gesteuert wird und dem Betrachter ermöglicht sich von
einem Clip zum anderen zu bewegen.
Notes from the abyss, or sketches of my daily walks through a tough neighborhood. 010 walks are a tribute to
the disenfranchised, the poor and all those living on the edge of society. They are experimental, reductive, low
resolution video mini documentaries of San Francisco's seedy neighborhood the Tenderloin.
The Tenderloin is an ethnical diverse community consisting of families, young people living in cheap apartments, bohemian artists and recent immigrants from Latin America and Southeast Asia. It is a high crime
neighborhood. Old enough kids huddle together in gangs at street corners to sell, crank, crack, methamphetamine, junk, and any other thinkable drug. Besides the stranded, even more poor people flock here during daytime to get free food at the numerous food-banks and soup-kitchens, which provide three meals a day for free.
Before breakfast, lunch and diner hundreds of people line up and wait in lines stretching up to two city blocks.
Between all this one encounters the old and the frail wandering around, leaving the impression of being lost or
out of time, and not to forget the little ones, the kindergarteners roped together and escorted through this
dense, hellish maze of asphalt and houses by their adult care-givers. On my daily walks through this downtown
neighborhood I mostly use a handheld pocket camera. I shoot out of my hand without actually knowing what
the camera will capture. When editing the material I’m often surprised to see situations I was not aware at the
moment I was passing by. 010 walks is packaged as a mouse activated interactive net-project, which allows the
viewer to move freely from one clip to another.
Jürgen Trautwein is an experimental artist working in a variety of forms, including new media and hypertext
works, temporary interferences, installations, photography and classical forms such as painting and drawing. He
studied at the University of the Arts in Berlin, finishing with a Meisterschüler degree in 1990. His work has been
shown widely in museums, non profit art spaces, festivals and galleries around the world. Since 1992 he lives and
works in San Francisco and in Germany.
ÆUSA 2011, video installation
182
OUT OF NOTHING (AUS DEM NICHTS)
Maria Vedder
Die Versuchsanordnung ist eine Inszenierung. Sie zeigt aus der Vogelperspektive einen Kreis von ca. 50 Meter
Durchmesser mit fahrenden Autos, die versuchen, sowohl die gleiche Geschwindigkeit als auch den Abstand
voneinander zu halten. Nach einiger Zeit gerät der Verkehrsfluss ins Stocken und stoppt: ein Stau aus dem
Nichts ist entstanden. Irgendwie irgendwann geht es dann weiter.
Der Grund für diesen sogenannten Phantomstau ist menschliches Fehlverhalten. Zu dichtes Auffahren führt zu
einem abrupten Abbremsen. Das übermäßige Bremsen verstärkt sich von Fahrzeug zu Fahrzeug nach hinten,
bis das erste Auto zum Stillstand kommt. Der Stau bewegt sich entgegen der Fahrtrichtung, somit weiß der Verursacher nichts von dem, was er in Gang gesetzt hat. So wie Chaosforscher berechnen, dass schon der ›Flügelschlag eines Schmetterlings in der Karibik einen Herbststurm in Mitteleuropa‹ auslösen kann, genügt auch auf
Straßen eine kleine Ursache für eine große Wirkung. Ein zu kräftiges Bremsen im falschen Augenblick lässt das
System vom flüssigen in den festen Aggregatzustand kippen.
Da sich in der Installation die PKW-Kolonne zu einem Kreis schließt, ergibt sich ein Zusammenhang zwischen
menschlichem Fehlverhalten und unendlichem Zyklus. Der Kreis ist die überzeugendste Denkfigur eines sich
selbst organisierenden Systems, als das man auch den Phantomstau bezeichnen kann. Wir alle befinden uns in
Kreisläufen – Hamsterrad oder Teufelskreis (auch circulus vitiosus, lat. für ›fehlerhafter Kreis‹ genannt) - aus
denen wir nur schwer ausbrechen können.
The test arrangement is a staging. It shows cars driving in a circle. They try to maintain a constant speed and
constant intervals between each other. After a while the flow of traffic is blogging down and stopping: a traffic
jam arises out of nothing. The cause of this so-called phantom traffic jam is human error. Driving too close to
the car ahead is followed by abrupt braking. The exaggerated braking is amplified rearward from vehicle to vehicle until the first car comes to a stop. Just as chaos researchers calculate that the ›flap of a butterfly’s wing
in the Caribbean can trigger an autumn storm in Central Europe‹, a small cause is enough for a large effect on
the road, as well. Braking too hard at the wrong moment is enough to shift the system from a fluid to a solid aggregate state.
Maria Vedder - has been working as a media artist since the 1970s - has been a full professor of Media Art at
Berlin University of the Arts since 1991 - has spent long periods of researching and holding lectures in Asia - her
videos and photographs are represented in the following collections: Museum Ludwig in Cologne, Neuer Berliner
Kunstverein, Center for Arts and Media in Karlsruhe, Tate Gallery Liverpool/England, Fukui Culture Center
Tokyo/Japan.
ÆD 2012, 5-canal video installation, 5 flat-screens, 5 media player
ÆCamera Miriam Fassbender
ÆEditor Till Beckmann
ÆProduction Clear Fog Rolf M. Engel, mediapool Siegfried Paul
ÆExcecutive Producer Neli Höfke
183
REVOLVE: EXHIBITION
THE PICTURE
Julia Willms
I'm no prophet. My job is making windows where there were once walls. (Michael Foucalt) The Picture ist eine
audiovisuelle Rauminstallation. Eine ganze Wand oder ein Teil einer Wand wird tapeziert. Auf diese Wand wird
ein Bilderrahmen gehängt, der als Projektionsfläche dient. Am Anfang der projizierten Animation sieht man ein
Bild der Tapete selbst- das Bild fügt sich nahtlos in das Muster der echten Tapete dahinter ein. Eine Frau kommt
ins Bild, schlägt einen Nagel in die Wand und hängt ein Bild auf - Caspar David Friedrich: Der Mönch am Meer
(1808-1810). Das Bild wird zum Fenster - zur Aussicht - zur Mauer. Es entwickelt sich zum ›Nachbar‹-Raum zum
Parallelraum und letztendlich katapultiert es uns zurück in den Ausstellungsraum.
The Picture beschäftigt sich mit der Position des/r BetrachtersIn in Relation zum Bild. Spätestens seit Caspar
David Friedrich ist die Technik der Rückenfiguren im Bild als Identifikationsfigur bekannt. Durch diese Figuren wird
der Blick auf das dahinter liegende gelenkt durch die Rückenfiguren nehmen wir ihre Perspektive ein und tauchen
in die Landschaft ein. The Picture weitet dieses Prinzip aus; es benutzt die Rückenfiguren, um nicht nur auf das
direkt dahinter liegende den Blick zu lenken, sondern die Figuren selbst gehen auf eine horizontale Reise ins Bild.
Ein Aufblick wird zum Ausblick. Nicht nur die Räume und ihre Athmosphäre ändern sich, sondern auch der Status der Räume und mit ihm die Beziehung zum/r BetrachterIn. The Picture kombiniert zahlreiche dieser Räume
zu einem konstant variablen, hybriden Raum. Der herkömmlich männliche Blick - assoziiert mit dem Standpunkt des Betrachters - wird hier spielerisch ausgetauscht mit dem Weiblichem. Dieser weibliche Blick hat
nicht nur die Hauptrolle als Betrachterin, sowie als Betrachtete, sondern auch die aktive Rolle des Veränderns
und Entscheidens über den Raum, über den Status des Raums und somit auch über unseren Standpunkt und
unsere Perspektive als BetrachterInnen.
I'm no prophet. My job is making windows where there were once walls. (Michael Foucalt) The Picture is an audio
visual installation. The whole wall of the exhibtition space or a part of a wall is decorated with wallpaper. Onto this
wall a picture frame is hung, which is the projection screen. At the beginning of the projected animation we see a
picture of the wall paper itself. It seamlessly melts with the background wall. A woman enters the projected image,
bangs a nail into the wall and hangs up a picture of David Caspar Friedrich: The Monk by the Sea (1808-1810). The
picture becomes a window - becomes a view to the sea - becomes a brick wall. It develops to the neighbours room
to a parallel room, to become at last the exhibition space again, seemingly the same but slightly different.
The Picture moves the spectator through a number of spaces by constantly shifting the context but without the
spectator ever moving from their spot. This is done by the technique of placing a person into the image with their
back to us, typically explored by Caspar David Friedrich. With Friedrich, the spectator gets immersed into the
landscape of the image by identifying with the position of the viewer. The Picture takes this principle further and
lets a number of images within pictures evolve from this position. Every new space introduces a different atmosphere but also changes the status of the space and thus the viewer in relation to it. It finally combines a
number of these spaces into a constantly fluctuating, hybrid space, which is a combination of several others. Finally, a traditionally male gaze associated with the viewer's position is playfully replaced by the female who features both as the viewer, the viewed and the one actively acting on the change of the status of the space.
Julia Willms studied Visual Communication at ABK Maastricht and Media Art at the University of Applied Arts
Vienna. In her work, she explores the subjects of space, perception, view and the observer’s viewpoint. Her work
is shown at solo and group exhibitions (GAM | Galerie Obrist /Essen, De Appel/Amsterdam, amongst others) as
well as at festivals (EMAF/Osnabrück).
ÆNL 2011, audio-visual installation
184
WHAT IF GOOGLE MAPS WENT LIVE...
Roel Wouters
Öffentlicher Raum als performativer Raum. Der Regisseur erweckt die unbewegten Bilder eines großen Collagefotos von einem öffentlichen Raum während dessen Entstehung zum Leben, indem er Videofragmente einfügt. Kleine Gruppen von Menschen tanzen, spielen und machen Musik im erst kürzlich aufgeschüttetem Sand,
neben frischen Bepflanzungen und auf neu gepflasterten Gehwegen. Die Fotos und Videos wurden von oben gemacht. Sie lassen eine Idee entstehen, die Idee der Möglichkeit, Google Maps in Echtzeit zu erleben, d.h. man
kann direkt auf dem Computer-Bildschirm beobachten was gerade auf der Straße geschieht. What if Google
Maps went live… wurde im Rahmen von flux/S 3 SQUARE ONE auf dem ehemaligen Industriegelände von Philips in Eindhoven aufgenommen. Roel Wouters, die Choreographin Katja Heitmann und der Komponist Merlijn
Twaalfhoven hatten für diesen Anlass kurze Kunstprojekte entwickelt, die vom Publikum durchgeführt wurden.
Strijp-S entwickelt sich zum kulturellen Hot-Spot von Eindhoven. Das Kunstfestival flux/S unterbreitet Vorschläge zur Nutzung von öffentlichem Raum auf diesem neuen Gelände. Wie könnte man diesen öffentlichen Raum zu
etwas lebendigem machen? Wie könnten die Menschen aktiv an der Schaffung von öffentlichem Raum beitragen?
flux/S 3 SQUARE ONE und What if Google Maps went live... fordern gemeinsam dazu auf, öffentlichen Raum für die
Nutzung der Öffentlichkeit zurück zu erobern, um ihn wieder als performativen Raum zu definieren: ein Ort, an
dem Menschen sich treffen können, Erfahrungen austauschen können und einfach ihr Ding machen können.
Public space as performative space. Roel Wouters makes the still images of a large collage photo of a public
space in the making come alive by inserting video fragments. Small groups of people are dancing, playing and
making music in the recently dumped sand, alongside the young plantings and across the new pavement. The
photos and video were made from above. They call up the idea that it should be possible to experience Google
Maps in real time: that you could see what is actually happening in the street directly on your computer screen.
What if Google Maps went live… was recorded on the former Philips industrial site Strijp-S in Eindhoven,
during the two-day event flux/S 3 SQUARE ONE. For this occasion, artist Roel Wouters, choreographer Katja
Heitmann and composer Merlijn Twaalfhoven had developed a number of concise art projects, which were
executed by the participating audience.
Strijp-S is developing into the cultural hot spot of Eindhoven. Art festival flux/S is making proposals for the use
of the public space in this new area. How could this public space be turned into something vital? How could
people actively contribute to the creation of public space? flux/S 3 SQUARE ONE and What if Google Maps went
live... together form an invitation to reclaim public space for use by the public; to redefine it as a performative
space: a space where people can meet, share experiences and do their thing.
Roel Wouters, *1976 in NL. Trained as graphic designer, Roel works as an independent conditional designer / director in the field of interaction, media design and film. He applies this approach to all kinds of media: dynamic
media (web, tools, animation and video) but also to print, installations and performances. Together with Luna
Maurer, Jonathan Puckey and Edo Paulus he has authored the Conditional Design Manifesto, a manifesto that
promotes the idea of designing conditions rather than end results.For the past few years he has been teaching
interactive and graphic design courses at the Gerrit Rietveld Academy, the Sandberg Institute, Yale University
School of Art and the Piet Zwart Institute.
ÆNL 2012, video installation
Æ[email protected]
ÆDirector: Roel Wouters
ÆCommissioned and produced by: flux/S international arts festival – flux-s.nl
185
REWIND: EXHIBITION
TIME GOES BY
TIME TWISTER
Hans Andersson, Stefan Hestermeyer
LEGO Mindstorms Digital ClockTime Twister besteht aus zwei Legosteinen aus der Mindstorms-Serie, die über
Bluetooth in Verbindung stehen. Der Master Brick kontrolliert die Zeit und steuert die Minuten. Der Slave Brick
regelt die Stunden und die Sekunden.
Jede Ziffer besteht aus fünf Reihen mit schwarzen und weißen Steinen, die in verschiedenen Mustern angeordnet sind. Jede Reihe kann sich um 360 Grad drehen bevor sie sich an die nächste Reihe anhakt. Durch das
Vor- und Zurückdrehen der obersten Reihe bis zur Entstehung eines speziellen Musters, kann man die Reihen
so anordnen, dass die gewünschte Ziffer angezeigt wird. Stefan Hestermeyer baute die Uhr für das EMAF 2012.
LEGO Mindstorms Digital ClockTime Twister consists of two LEGO Mindstorms bricks communicating via Bluetooth. The master brick keeps track of the time and handles the minute digits. The slave brick handles the hour
digits and the second indicator.
Each digit is made up of five layers with black and white tiles laid out in different patterns. Each layer can rotate 360 degrees before it hooks to the next layer. By twisting the top layer back and forth in a specific pattern,
you can arrange the layers so that the desired digit is displayed. Stefan Hestermeyer built the clock for EMAF
2012.
Hans Andersson lives in the south of Sweden with his family. In his professional life he works with programming
and development of business software. Since 2008 building robots became his hobby and he built up a collections of his LEGO Mindstorms inventions. On his homepage user can download the building instruction to copy
the robots.
ÆS 2011, object
ÆAuthor Hans Andersson
ÆConstruction Stefan Hestermeyer
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STANDARD TIME
MEGA-SCHUBLADEN-UHR
Mark Formanek
Frank Dziembowski
›Standard Time ist eine exakt 24 Stunden, auf Film
festgehaltene Performance. Dieser Film ist weit mehr
als das Abbild einer Aktion, nicht schlichtes Dokument
von Vergangenem, sondern auch eine Uhr. Eine jetzt
und künftig nutzbare Zeitanzeige, die jeden Tag weiter
in die Vergangenheit ragt und trotzdem immer aktuell
und pünktlich ist.‹ (Mark Formanek)
Standard Time ist eine Arbeit des Künstlers Mark Formanek, realisiert durch die Medienagentur Datenstrudel.
28 defekte Laufwerke, ein Mikroprozessor, 100 LEDs, 2
alte Computernetzteile, eine Plexiglas-Scheibe – das
alles in ein Holzgehäuse gepackt – und fertig ist Frank
Dziembowskis Mega-Schubladen-Uhr, Hauptgewinner
des großen c't-Bastelwettbewerbes ›Mach flott den
Schrott‹. Die Steuerung des Ein- und Ausfahren der
Laufwerke, zusammen mit der Hintergrundbeleuchtung erzeugt auf der Scheibe eine Digitaluhr, die
einmal mehr zeigt was alles aus alter Technik kreativ
entstehen kann.
›Standard Time is a performance lasting exactly 24
hours and recorded on film. However, this film is much
more than just the recording of an action, the recording of something that has taken place in the past; it is
also a clock. A clock for use right now and in the future
which, as each day goes by, extends further into the
past, but is still up-to-date and punctual‹. (Mark Formanek)
Standard Time is an artwork by Mark Formanek, realized by Datenstrudel.
Object28 defective drives, a microprocessor, 100
LEDs, 2 old computer power supply units, a sheet of
plexiglass – all packed into wooden housing – and hey
presto, here we have Frank Dziembowski’s MegaSchubladen-Uhr, main winner of the great c't tinkering
competition ›Revamping scrap‹. The control of the
drives’ extraction and retraction, together with the
background illumination, creates a digital clock on the
plexiglass, that once again goes to show what you can
create from old equipment.
ÆD, video clock
Æ2011 D, wood, electronics, glas, CD-drives
187
RECYCLE: EXHIBITION
Mach flott den Schrott... so lautet der Titel
des Wettbewerbs der ›c't Hardware Hacks‹,
einem Sonderheft einer der wichtigsten
Computerzeitschriften in Deutschland. Aus
Elektroschrott und alten Computerteilen
sollte etwas sinnvolles, schönes und vor allem originelles Neues entstehen. Einige der
Gewinnerprojekte präsentiert das EMAF in
seiner Ausstellung.
Arbeiten wie das ›Aetherphone‹, welchem
dank schicker Holzverkleidung und Grubentelefonhörer zu Steampunkflair verholfen
wurde, die vom sowjetischen Taschenrechner ›RASA‹ inspirierte ›Strobo-Clock‹ oder
der aus einem Engpass heraus konstruierte
›Tastaturkleiderbügel‹ lassen das Herz der
Design-Liebhaber höher schlagen. Währenddessen steht beim ›DVD-Laserplotter‹, der
nicht nur Holz bebrennt, sondern auch Materialien wie etw Moosgummi schneidet, dem
›Magnetrührer‹, sowie dem ›Elektronischen
Sextant‹ der praktische Nutzen und die Umsetzung im Vordergrund. Skurril wird es mit
dem ›Toilettenpapierdrucker‹, der die neuesten Facebookposts, Tweets und RSS-Feeds
jeden Morgen frisch ins Bad bringt, aber
auch der Poesie wird durch ›Das Große Buch
vom Widerstand‹ Rechnung getragen.
MACH FLOTT DEN SCHROTT
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›Revamping scrap‹ is the title of the competition run by ›c’t Hardware Hacks‹, a special issue of one of
Germany’s most important computer magazines. The aim was to create something sensible, beautiful and,
above all, original and new from electronic scrap and old computer parts. Some of the winning projects will be
presented in EMAF’s exhibition.
Works such as the ›Aetherphone‹ which, thanks to a smart wooden housing and a mining telephone receiver,
has acquired steampunk flair, the ›strobo clock‹ inspired by the Soviet calculator ›RASA‹ and the ›keyboard
clothes hanger‹ constructed from a shortage will make the heart of any design-lover beat faster. With the ›DVD
laser plotter‹ that not only burns wood but also cuts such materials as foamed rubber, the ›magnet stirrer‹ and
the ›electronic sextant‹, the practical benefits and implementation take the front seat.
It starts to get bizarre with the ›toilet paper printer‹, that brings the latest Facebook entries, tweets and RSS
feeds to the bathroom every morning. Poetry is also catered for in ›The Big Book of Capacitance and
Resistance‹.
ÆMach flott den Schrott, D 2011:
Strobo-Clock, Can Catkin
Aetherphone, Jochen Enderlein
Tastaturkleiderbügel – hier als Redaktions-Replik, Henning Häger
Toilettenpapierdrucker, Mario Lukas
Magnetrührer, Gerd Meinköhn
DVD-Laserplotter, Christian Nolte, 2009
Das Große Buch vom Widerstand, Markus Ruggiero
Elektronischer Sextant, Curd Wallhäuser
Wir danken dem Heise-Verlag und .space| für ihre freundliche Kooperation.
Æhttp://www.heise.de
Æhttp://www.machflott.de
Æhttp://www.space-os.de
189
RETHINK: CONGRESS
RETHINK
Der Kongress des Festivals widmet sich in diesem Jahr natürlich dem Jubiläum 25 Jahre EMAF. Dazu eingeladen sind der Medientheoretiker und Direktor des ›ZKM | Zentrum für Medientechnologie und Kunst‹, Peter
Weibel und der Schweizer Medienphilosoph Gerhard Johann Lischka, die in zwei Keylectures ihre Positionen
zur Entwicklung der Medienkunst und ihrer Zukunft vorstellen werden.
Kathy Rae Huffman stellt die vielfältigen Netzwerkprojekte vor, die im Laufe der Jahre auf dem EMAF präsentiert und organisiert wurden und erläutert deren Bedeutung für die Entwicklung des Festivals als Treffpunkt
internationaler Künstler.
Einen Rückblick auf das Festival 1988 bietet Mike Hentz mit der Präsentation von Van Gogh TV und es ist
spannend zu sehen, mit welchem Engagement und Enthusiasmus damals mit den Möglichkeiten der ›neuen‹
Medien experimentiert wurde. Andreas Leo Findeisen verweist mit dem Begriff Future Fluxus auf Analogien des
Impetus der historischen Fluxus Aktionen mit dem Charakter der Aktionen heutiger kritischer Medienaktivisten, die sich in einem digitalen Umfeld abspielen.
Daniel Cockburn verarbeitet seine Geschichte auf eine ganz andere Art: humorvoll betrachtet er seine Arbeit
und beschreibt welche Fehler er als Künstler und Filmemacher bislang gemacht hat.
Weitere Vorträge behandeln das politisch aktuelle Thema der Revolutionen im arabischen Raum: Jasmina Metwaly aus Kairo ist Mitglied des Medienkollektivs ›Mosireen‹, das sich in Ägypten aus dem Bürgerjournalismus
bildete und zeigen, wie sich die Revolutionäre gegen die Zensur ihrer Regierung auflehnen.
Brisant ist die Präsentation von Charlotte Bank aus Berlin, die in einem Vortrag mit anschließender Filmvorführung die Arbeit syrischer Künstler präsentiert. Unter einfach Bedingungen und ständigem Zeitdruck entstehen in dem von Terror regierten Land kreative Protesterscheinungen.
Den Abschluss bildet das aktuelle Thema Videos im Netz. Dagan Cohen zeigt Videos, die aus politischen,
religiösen oder ethischen Gründen weltweit wieder, überwiegend aus YouTube, entfernt wurden.
Gleichzeitig bringt sein Projekt die Netzvideos aus der individuellen Betrachtung wieder in die kollektive Erlebniswelt des Kinos und zeigt damit eine weitere Möglichkeit der Entwicklungen der Medien auf.
Wir wünschen interessante Vorträge und spannende Diskussionen. (Alfred Rotert)
It comes as no surprise that the festival’s Congress is dedicated to the 25th anniversary of EMAF this year. Media theoretician and Director of the Center for Art and Media (ZKM) Peter Weibel and Swiss media philosopher
Gerhard Johann Lischka have been invited to present their positions on the development of Media Art and its
future in two key lectures.
Kathy Rae Huffman will introduce the diverse range of network projects presented and organised over the years
at EMAF, and will explain the role they played in transforming the festival into a meeting place for international artists.
With a Van Gogh TV presentation, Mike Hentz will look back at the 1988 festival. It’s exciting to see how commitedly and enthusiastically artists experimented with the possibilities open to them back then by the ›new‹
media. Andreas Leo Findeisen uses the term ›Future Fluxus‹ to refer to analogies of the impetus of historic
Fluxus actions with the character of actions undertaken by today’s critical media activists that take place in a
digital environment.
Daniel Cockburn deals with his history in an entirely different manner: he views his work with humour and describes the mistakes he made in the past as an artist and filmmaker.
Other lectures at the Congress will address the topical political issue of the revolutions in the Arab region: Jasmina Metwaly from Cairo is a member of the ›Mosireen‹ media collective, born out of citizen journalism. She will
present her work, located somewhere between documentary films and video art, demonstrating how the revolutionists rebel against the censorship imposed by the government.Even more controversial is the presentation
by Charlotte Bank from Berlin who will give a lecture on the work of Syrian artists, followed by a movie screening. Creative forms of protest emerge under basic conditions and constant time pressure in the terror-ridden
country.
The Congress will close with the current topic of videos on the web. Dagan Cohen will screen videos that have
been deleted from the worldwide web, mainly from YouTube, whether for political, religious or ethical reasons.
At the same time, his project takes web videos out of the realm of private viewing and places them back in the
collective world of experience of cinema, presenting another way in which the media could develop.
We wish our visitors interesting lectures and stimulating discussions. (Alfred Rotert)
190
KEYNOTE: MEDIA ART – QUO VADIS?
Peter Weibel
Diese Frage stellt sich natürlich zum Jubiläum und wer, wenn nicht Peter Weibel, Master Mind der Medienkunst
und Vorstand des ZKM Karlsruhe, könnte darauf eine Antwort geben. Peter Weibel hat früh wichtige Themen
und Künstler entdeckt und diese in der öffentlichen Diskussion positioniert. Als Künstler, Ausstellungskurator
und Kunst- und Medientheoretiker hat er Verbindung von Digitalisierung, Neurologie und Kunst thematisiert.
Als Querdenker hat er oftmals provoziert und neue Perspektiven aufgezeigt. ›Am schwierigsten ist die Prognose der Zukunft‹. Wir sind gespannt!
It comes as no surprise that this question will be raised at the 25th anniversary of EMAF. And who else but Peter Weibel, mastermind of Media Art and Executive Board of the Center for Art and Media (ZKM) in Karlsruhe,
can offer an answer to this question? Peter Weibel undoubtedly discovered important topics and artists earlier than others, and positioned them in the public debate. As an artist, exhibition curator and art and media theoretician, he has broached the issue of the link between digitalisation, neurology and art. As a lateral thinker,
he has often provoked and revealed new perspectives. ›The most difficult thing is to predict the future.‹ We look
forward to it with anticipation!
Peter Weibel, *1944 in Odessa. From 1984 Professor of Visual Media Design at the University of Applied Arts in
Vienna. Founded the Institute for New Media at the Städelschule in Frankfurt/M. in 1989. From 1986 to 1995
artistic advisor to the Ars Electronica, Linz, later artistic director. From 1993 to 1998 curator of the Neue Galerie
Graz. Since 1999 Director of the Center for Art and Media in Karlsruhe.
His publications include (selection): ›Mediendichtung: Arbeiten in d. Medien Sprache, Schrift, Papier, Stein, Foto,
Ton, Film u. Video aus 20 Jahren‹, Vienna 1982; ›Zur Geschichte und Ästhetik der digitalen Kunst‹, supplement to
the Ars Electronica '84 Catalogue (ed.), Linz 1984; ›Die Beschleunigung der Bilder in der Chronokratie‹, Bern 1987;
›Inszenierte Kunst Geschichte‹, Vienna 1988; ›Vom Verschwinden der Ferne. Telekommunikation und Kunst‹ (ed.,
with E. Decker), Cologne 1990; ›Inklusion: Exclusion‹, (Symposium, ed., with S. Zizek), Vienna 1997; Catalogue
›Kunst ohne Unikat : Edition Artelier 1985-1998‹, (ed.), Kaiserslautern 1998; ›Globale Gier‹ (ed.), Klagenfurt 1999;
net_condition (ed., with T. Druckrey), Cambridge, Mass. 2000; ›Iconoclash‹ (ed., with Bruno Latour), Cambridge,
Mass. 2002; ›Making Things Public. Atmospheres of Democracy‹ (ed., with Bruno Latour) Karlsruhe/Cambridge,
Mass. 2005
Selected exhibitions: 2005: Lichtkunst aus Kunstlicht (mit Gregor Jansen), ZKM Karlsruhe. 2007: YOU-ser: Das
Jahrhundert des Konsumenten, ZKM, Karlsruhe. 2008: Rom – Offene Malerei. Das Materialbild im Italien der
1950er und 1960er Jahre, ZKM, Karlsruhe. 2008: youniverse, Internationale Biennale für zeitgenössische Kunst,
Sevilla. 2009: YOU_ser 2.0: Celebration of the Consumer. 2012: Dieter Meier Works 1969?2011 and the YELLO
Years, Sound Art. Sound as a Medium of Art.
191
RETHINK: CONGRESS
KEYNOTE: MEDIA ART
Gerhard Johann Lischka
Anlässlich des Jubiläums des Festivals zeigt der Kulturphilosoph G. J. Lischka die Entwicklungslinien der Medienkunst der vergangenen 25 Jahre mit vielen Beispielen aus Kunst und Medien in einer erweiterten Präsentation auf. Neben die alten Medien traten die sich in Entwicklung befindlichen Neuen Medien, bis hin zu Social
Media. Mit diesen immateriellen, virtuellen Medien wird jetzt selbst Kunst produziert. G. J. Lischka ist Herausgeber der Bücher ›Der entfesselte Blick‹ und gemeinsam mit Peter Weibel ›Die Medien der Kunst – Die Kunst
der Medien‹.
To mark the festival’s anniversary, cultural philosopher G. J. Lischka will highlight the development trends of
Media Art in the past 25 years using countless examples from art and media in an expanded presentation. In
addition to all of the old media, we shall come across evolving new media, right up to social media, which themselves produce art using these immaterial, virtual media.
Gerhard Johann Lischka, cultural philosopher, 1962-71 studied Literature, History, History of Art and Philosophy
in Bern and Munich. Travelled extensively during this time. Actions, exhibitions, radio and TV broadcasts since
1969. Guest lecturer at the Universität Essen, the Fachhochschule Köln and the San Francisco Art Institute, Universität für angewandte Kunst Wien, Kunsthochschule für Medien Köln, Lecturer at the F&F Zürich and
Hochschule der Künste Bern.
Books include: Splitter. Ästhetik 1993. Schnittstellen. Das postmoderne Weltbild 1997. Alles jetzt! Die Mediatisierung 2003. Ansichtssachen. Auf Reisen 2004. Die Medien der Kunst_ Die Kunst der Medien (mit Peter
Weibel) Bern 2004. Zapping Zone Bern 2007 , SuperSurFace. Die reine Oberfläche der Kommunikation, Bern 2008.
Weltbildkulturorte, Wien 2010, Denkstoff, Bern 2012.
DVDs: PVC3. Elektronische Kunst. 2002, Am Nerv der Zeit. Interviews. 2004, Art_Clips .ch.at.de. 2006. Sag mal.
Art_Clips narrativ, Wichtrach/ Bern 2008, Reality Check. mental- clips, Bern 2009, Peter Weibel - Mediapoet, Bern
2010.
192
FROM THERE TO HERE
Kathy Rae Huffman
Huffman war in den vergangenen zwei Jahrzehnten immer wieder Gast beim EMAF, in der Rolle als Beobachterin und Teilnehmerin und mit unterschiedlichem Hintergrund; als Kuratorin, Produzentin, Online-Journalistin,
Networkerin, Präsentatorin und Organisatorin. Sie wird einige ihrer erinnerungswürdigen Netzwerkerfahrungen
und Projekte zeigen und zusammenfassen, welche Rolle die verschiedenen Arten von Netzwerkaktivitäten bei
der Schaffung des gesellschaftlichen Kontexts beim Erlebnis Medienkunstfestival spielen.
Huffman has visited EMAF many times over the past two decades, observing and participating from several
points of reference; as a curator, producer, online journalist, networker, presenter and organiser. She will highlight some of her memorable network experiences and projects, and summarise the role that various kinds of
networks and networking activity play in creating the social context of the media art festival experience.
Kathy Rae Huffman is a freelance curator and writer based in Berlin. She was lead curator for ›Exchange and
Evolution: Worldwide Video Long Beach,1974-1999,‹ at the Long Beach Museum of Art, for Pacific Standard Time
(2011-12); curator for ISEA2009, Belfast; and for ›Transitland: Video art from Central and Eastern Europe 19892009‹. Huffman held curatorial posts at the Long Beach Museum of Art, California; The ICA, Boston; and Cornerhouse, Manchester, UK. She was Professor of Electronic Art at Rensselear Polytechnic Institut, Troy, NY, and director of Hull Time Based Arts, Hull, UK.
She initiated the multimedia online column ›pop~Tarts‹, for the Telepolis journal with Margarete Jahrmann; cofounded the online community ›FACES: Gender/Technology/Art‹ with Diana McCarty and Valie Djordjevic; and cofounded Web3D Art with Karel Dudesek.
Her pioneering Internet project work Siberian Deal and Face Settings with Eva Wohlgemuth is accessible online.
193
RETHINK: CONGRESS
WIR SIND NIE DIGITAL GEWESEN
Andreas Leo Findeisen
Im Jahr 2012 feiert nicht nur das EMAF sein 25-jähriges Jubiläum, sondern auch die ebenso einflussreiche wie
schwer definierbare Avantgardebewegung des Fluxus ihr 50tes. Diesen Umstand nimmt Leo Findeisen zum Anlass, über die gesellschaftliche Rolle von Kunst in neuen Medien und den Medienumgebungen der Gegenwart
zu reflektieren. Welche der ›12 Fluxusideen‹ haben sich überlebt oder sind gesellschaftlich umgesetzt, welche
sind noch relevant, welche neuen Ideen wären zu ergänzen? Wie pflegt man die eigene Nichtdefinierbarkeit?
Und kann man lernen, Netzwerke wie Kunstwerke zu interpretieren?
2012 is not only the year that EMAF celebrates its 25th anniversary – it’s also the year thatthe eminent yet
hard-to-define avant-garde Fluxus movement celebrates its 50th. Leo Findeisen takes this as an opportunity
to reflect upon the social role of art in the new media and today’s media environments. Which of the ›12 Fluxus
ideas‹ have survived or been socially implemented, which are still relevant, and which new ideas could be
added? How do we deal nowadays with our own nondefinability? And can we learn to interpret networks the way
we interpret works of art?
Leo Findeisen studied Philosophy and Composition in Germany, Israel and Austria. He has been teaching as an
assistant at the Institute for Philosophy of Culture and Media Theory of Peter Sloterdijk, Academy of Fine Arts Vienna. In his research he is interested in global community effects that derive from the successful invention of artificial languages. In parallel he has been the co-founder of numerous interdisciplinary projects such as SeriousPop.com about strategies of resistance by fine artists and musicians behind the Iron Curtain, or Transforming Freedom.org where some of the driving forces behind the scenes of a free digital culture can be relistened. At
the moment he is engaged in Future Fluxus to research aspects of the actuality of Fluxus, an internationally networked Concept- and Action-Art-Movement of the early 1960ies which is celebrating its 50th anniversary in
2012. In what way could the Fluxus approach, an anti-art impetus that has more often
been declared dead than any other, be still alive in our situation? And are there structural analogies with the
goals and methods of programmers in the FLOSS movement, especially in our time when
the user´s control over their life in a digital environment is under attack? Numerous keynotes at international
festivals for Media, Art and Society, publications in several languages.
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VAN GOGH TV IN THE PONTON BUS - FROM THE ARCHIVE
Mike Hentz
Der Künstler Mike Hentz präsentiert das Projekt Van Gogh TV – Der Kanal der Kunstler, das 1988 das größte und
spannendste Projekt des neuen EMAFs war. Mit Van Gogh TV wurde während des Festivals ein temporärer Festival TV Sender etabliert. Heute im Internet Zeitalter, in dem jede Veranstaltung per Videostream verfügbar sein
kann, ist kaum mehr vorstellbar, welche Schwierigkeiten damit verbunden waren, denn die Übertragung von
Bildern per Sender war damals politisch noch sehr stark reglementiert. Das Resultat war ein Katz- und Mausspiel mit den Kontrolleuren der Post und dem Sender, der per Motorradkurier permanent seinen Standort verlegte. Mit neu digitalisierten Bändern sind jetzt einmalige historische Dokumente der Sendungen von Van Gogh
TV verfügbar.
In his presentation, artist Mike Hentz will show the project Van Gogh TV – Der Kanal der Kunstler, which was the
greatest, most sensational project of the new EMAF in 1988. With Van Gogh TV, a temporary festival TV station
was established for the duration of the festival. Today, in the digital age when all events are available via
videostream, it is hard to imagine the problems involved in this project.
After all, the transmission of images via the TV station was strictly politically regulated at the time. The result
was a game of cat-andmouse between Post Office inspectors and the station, which constantly changed location by motorcycle courier. Thanks to newly digitalised tapes, unique historical documents of the Van Gogh TV
programmes have now become available.
Mike Hentz, *1954 in New Yersey Irvington, Swiss / American nationality. Living in Berlin Germany. Musician/ visual and polymediaartist, performer, painter, mediaconsultant, teacher. documenta 1986 (minus Delta t and
documenta radio ) / documenta1992 Piazza Virtuale Van goghTvproject. international exhibitions and interventions. Numerous galleryshows (installation, flatware, pictures, sculpture) groups and projects: Defi Science Mental, minus Delta t, Padlt Noidlt, Frigo , Code Public, Radio Bellevue, Van Gogh Tv, Ponton , Odyssee, Hermesgroup,
Universcity TV network, Eman network, Infermental video magazine, Garage Tv, Hexpo and numerous teaching
Jobs and professorships. Musicgroups and soundprojects with Lux, Steve Garling, Cologne Music Connection, Microgamma, Bob Ruthman Steelcello ensemble, Dr. Motte and several Djprojects.
Media researchprojects: Ponton media art lab, Van gogh tv group, Eurekalabel 1993 for universcity tv, Mediaprice
Karlsruhe 2003, Devellopement of realitytvshow Barbarossa LNT Riga 2000, Devellopement of realitytvshow
Aquarius Channel 4 Vilnius 2002, Radiospecific projects since 1979: Radio Bellevue Lyon , Radio Nova Paris, Radio X Frankfurt, Documenta Radio Kassel, Bookfairradio Frankfurt, Theaterradio. Reboot fm Berlin.Regular interactive netbroadcasts.
Liveshows in Europe, eastern Europe, Canada, Japan, China and Usa (performance, theatre, radio and tvshows).
Organizer of events, Organizer Medusafestival 1997 / 2003 in Poland. Professor in art academy Hamburg (1989 –
1997) Stuttgart (2003 – 2007) / Council member of RATV (Riga Radio and Television school) 2007, teaching at film
and mediadepartement RSEEBA Riga since 2009.
195
RETHINK: CONGRESS
KREATIVE PROTESTERSCHEINUNGEN IN SYRIEN
Charlotte Bank
Seit Ausbruch der Proteste in Syrien und dem Ausschluss der Weltöffentlichkeit durch die Weigerung des
Regimes, ausländische Journalisten ins Land zu lassen, finden immer wieder verstörende Bilder ihren Weg in
die internationalen Medien. Diese Bilder verdeutlichen die Gewaltbereitschaft und Brutalität des syrischen
Machtapparats und die Frage stellt sich, welche Möglichkeiten den einzelnen Bürgern in Syrien offen stehen,
Stellung zu nehmen und sich dagegen zu positionieren.
Das Ausmaß der Gewalt erklärt, weswegen die Protestbewegung in Syrien andere Formen annimmt, als in
Ägypten und Tunesien. In den Aktionen der Revolutionäre schwingt oft ein Element von Überraschung mit, sie
sind häufig erstaunlich kreativ. So wurde immer wieder die Fontänen von Damaskus blutrot gefärbt, bis die
Stadt das Wasser abgestellt hat, Protestlieder ertönen überraschend aus Mülleimern auf den Straßen, Luftballons mit Freiheits-Gedichten steigen hoch, spontan erscheinende Gesangs-Aufmärsche entstehen und lösen sich wieder auf, kollektive, choreographierte Tänze zu Protest-Musik werden auf den Straßen und Plätzen
der Städte und Dörfer aufgeführt, usw.
Der öffentliche Raum wird neu entdeckt, als Raum der individuellen Meinungsäußerung. Die Bürger entdecken
sich selbst und einander. Begleitet wird dieser Aktivismus der Straßen von eine wahren Flut kreativer Manifestationen im Internet. Künstlerische Positionen aus Syrien waren auch in der Vergangenheit häufig politisch
und sozial-kritisch. Aber wo früher die Zensur die Notwendigkeit diktierte, in Symbolen und Metaphern zu sprechen und diejenigen, die eine zu deutliche Sprache nutzen, hart bestraft wurden, so sind jetzt die letzten Reste
dieser Vorsicht verschwunden. Es wird in deutlichen Worten den Fall des Regimes gefordert und dessen Verbrechen angeprangert, allerdings arbeiten die meisten dieser Künstler der aktuellen Bewegung anonym, um
nicht sich selbst oder ihre Familien zu gefährden.
Für reflektive Arbeiten, die sich mit der Revolution auseinandersetzen, ist es noch zu früh. Das gleiche gilt für
technisch aufwendige Produktionen. Das Programm zeigt Filme und Videos, die die Kreativität der syrischen
Aktivisten zeigen, mit sehr einfachen Mitteln realisiert sind und geprägt von der Notwendigkeit des schnellen
Agierens, unter der sie entstanden sind.
196
CREATIVE FORMS OF PROTEST IN SYRIA
Since the outbreak of protests in Syria and the exclusion of the global public following the regime’s refusal to
let foreign journalists enter the country, disturbing images repeatedly find their way to the international media.
These images highlight the readiness for violence and brutality of the Syrian power apparatus, and raise the
question as to the possibilities open to individual citizens in Syria to take a stand and to position themselves
against this violence.
The scale of the violence explains why the protest movement in Syria has assumed other forms to those in
Egypt and Tunisia. The revolutionists’ campaigns frequently involve an element of surprise; they are often remarkably creative. For instance, the fountains in Damascus were repeatedly dyed blood red until the council
switched off the water, songs of protest ring out unexpectedly from dustbins on the street, balloons with poems of independence are released high into the air, apparently spontaneous processions of song emerge and
disperse, collective, choreographed dances to protest music are performed in the streets and in public open
spaces in towns and villages.
Public spaces are rediscovered as space for individual expression of opinion. Citizens are in the process of discovering themselves and one another. This activism on the streets is accompanied by a true flood of creative
manifestations on the internet. Even in the past, artistic positions from Syria were often politically and socially critical. But where in the past censorship dictated the necessity to speak in imagery and metaphors and
those whose language was too direct were severely punished, now the final remains of such caution have gone
to the wind. The fall of the regime is demanded in clear terms, and its crimes denounced. However, most artists
involved in the current movement work anonymously so as not to put themselves or their families at risk.
It is too early for reflective works that explore the revolution. The same applies to technically complex productions. The programme shows films and videos that demonstrate the creativity of Syrian activists, works realised
using simple means and characterised by the necessity to act quickly, having been made under great pressure.
197
RETHINK: CONGRESS
THE SUN’S INCUBATOR
CONTE DE PRINTEMPS
LIBERTÉ
Ammar Al-Beik
Mohamad Omran & Dani Abo Louh
Philip Horani
Eine Momentaufnahme im Leben
einer jungen Familie: Revolutionen,
Hoffnung und Elend, Geburt und
Tod sind eng verbunden mit dem
Wunsch nach Veränderung.
Mit einfachsten technischen Mitteln produziert, ist Conte de printemps ist ein Kommentar auf die
Hoffnungen der syrischen Revolution und ihre Niederschlagung.
Die syrische Revolution erzählt in
einer Malperformance.
A snapshot of the life of a young
family: revolutions, hope and misery, birth and death are closely
connected to the desire for change.
Produced using the simplest technical means, Conte de printemps is
a comment on the hopes of the Syrian Revolution and its suppression.
Æ2011, 2:30
Æ2011, 12:00
Æ2011, 4:55
STORIES OF SYRIA: SMUGGLING 23 MINUTES OF REVOLUTION
Ein sensibler Blick auf die Proteste im syrischen Hama
und die Menschen, die ihr Leben für den Wunsch nach
Freiheit riskieren.
A sensitive look at the protests in Hama, Syria, and the
people who risk their lives for the desire for freedom.
Æ2011, 23:00
The Syrian Revolution told in a
painting performance.
AUSWAHL VON INTERNET-VIDEOS
Die Zusammenstellung zeigt eine Reihe Videos, wie sie
auf Internet-Plattformen wie YouTube und Vimeo zu
finden sind, oft schnelle Kommentare zum Tagesgeschehen. Amateurarbeiten stehen neben Arbeiten von
Künstlern, die auch vor der Revolution aktiv waren,
sich jetzt aber eher als Aktivisten verstehen und vermehrt die sozialen Netzwerke im Internet nutzen, um
ihre Arbeiten zu verbreiten.
The compilation shows a series of videos similar to
those often found on internet platforms such as
YouTube and Vimeo, frequently quick commentary on
the day’s events. Amateur works stand alongside oeuvres by artists who were already active before the Revolution, but who now tend to see themselves more as
activists and who increasingly use social networks on
the web to disseminate their work.
Æ2011–2012, 15:00
198
DIRECT FROM CAIRO
Jasmina Metwaly
Sich auf der Grenze zwischen zwei Medien bewegend, der Videokunst und dem Dokumentarfilm, möchte
Jasmina Metwaly die Unterschiede in ihrer Arbeit als Künstlerin und Filmemacherin behandeln. Metwaly ist
Mitglied von ›Mosireen‹, einem dynamischen Medienkollektiv, das sich direkt aus dem Bürgerjournalismus
bildete und sich aus Aktivisten und Filmemachern zusammensetzt. In ihrem Vortrag betont Metwaly die
Dringlichkeit, mit der auf die sozialpolitischen Umstände reagiert werden muss, und wie der Film zu einer entscheidenden Waffe im fortwährenden Kampf in Ägypten werden kann.
Standing on the borderline between two mediums, video art and documentary, Jasmina Metwaly will discuss
the differences in her practice as an artist and filmmaker. Metwaly is one of the members of the Mosireen, a
dynamic collective that emerged straight from citizen journalism, and which consists of activists and filmmakers. In her presentation, Metwaly will explain the urgency of responding to the socio-political circumstances
and how film can become a crucial weapon in the ongoing struggle in Egypt.
Jasmina Metwaly is a visual artist based in Cairo, Egypt. Metwaly was born in Warsaw, Poland in1982 and grew
up in Warsaw and Cairo. She completed an MA at the Academy of Fine Arts in Poznan, Poland in 2006, followed
by a Postgraduate Diploma at the Byam Shaw School of Art at Central Saint Martins. Metwaly practiced as a visual artist in London 2008 and 2009 where she held various exhibitions including at the Concourse Gallery, Byam
Shaw, Kings Gate and the Islington ArtsFactory. In 2009 Metwaly moved to Cairo.
ÆMosireen:
Æhttp://mosireen.org
199
RETHINK: CONGRESS
ALL THE MISTAKES I’VE MADE - AN ANTI-ARTIST-TALK
Daniel Cockburn
Die Kunstwelt platzt nur so vor Veranstaltungen, in denen Künstler einem ziemlich gelangweilten Publikum eine
Reihe von Höhepunkten ihrer Karriere darbieten. Der kanadische Filmemacher/Künstler Daniel Cockburn bricht
nur zu gern mit dieser Tradition und hinterfragt das weit verbreitete Medium des künstlerischen Vortrags auf
eine kritische und doch humorvolle Art und Weise. In seiner Performance All The Mistakes I’ve Made erklärt er
sein Werk, bezugnehmend auf seine eigenen kreativen und moralischen Fehler in der Beurteilung. Auf der
Grundlage dieser Fehler prüft er, in welchem Maße seine Unfähigkeit einer korrekten Beurteilung repräsentativ
ist für den negativen Trend in der zeitgenössischen Kunst und dem zeitgenössischem Kino. ›Ich möchte meine
filmischen Werke und Videoarbeiten im Hinblick auf meine ästhetischen und ideologischen Fehltritte erörtern.
Vielleicht kommt dabei heraus, dass mein diesbezügliches Bedauern gleichzeitig ein neues Werk entstehen
lässt.‹ Daniel Cockburn
The art world is bursting with events where artists present an anthology of the highlights of their career to a
slightly bored audience. The Canadian filmmaker/artist Daniel Cockburn gladly turns this tradition around,
scrutinizing the popular medium of the artists’ talk in a critical, yet humorous way. In his performance, All the
Mistakes I’ve Made, he explains his oeuvre in terms of his own creative and moral errors in judgement. Building
from these mistakes, he examines to what extent his inability to properly judge is representative of a negative
trend in contemporary art and cinema. ›I will discuss my film/video work in terms of the aesthetic and ideological missteps I have made. It will perhaps be shown that my regrets constitute a parallel body of work.‹ Daniel
Cockburn
Writer / Director / Video Artist Daniel Cockburn has been making short films and videos since 1999; combining
narrative film with video art, they have been screened at festivals and galleries worldwide. In 2009, Pleasure
Dome presented an international tour of a retrospective of his short works, and he was a resident of the DAAD's
Berliner Künstlerprogramm filmmaker residency. He is currently Guest Professor (2011-2012) at HBK
Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig, Germany.
Cockburn's first feature You Are Here takes his previous video-art techniques and concepts, and works them into
a complex and unique cinematic structure. You Are Here won top prize at European Media Art Festival 2011 for
›trend-setting work in media art‹, was called ›a major discovery‹ by the director of the Locarno Film Festival, and
has been compared to the work of Charlie Kaufman, Jorge Luis Borges, and Philip K. Dick.
Æwww.you-are-here-movie.com
200
BANNED VIDEOS
Dagan Cohen
Täglich werden 3 Milliarden Videos angeschaut und jede Minute werden 60 Stunden an Videomaterial allein auf
YouTube hochgeladen.
Von diesen Millionen von Videos, die im Web im Umlauf sind, werden gelegentlich einige gelöscht. Nicht nur weil
geistige Eigentumsrechte verletzt werden, sondern auch weil deren Inhalt von Regierungen und Organisationen
in einigen Fällen als ›unangemessen‹ angesehen wird. ›Banned Videos‹ ist eine Auswahl kuratierter Filme und
Videos, die, entweder aus politischen, religiösen oder ethischen Gründen, weder im Fernsehen, noch im Kino
oder im Web gezeigt werden durften. Kurator und Presenter ist Dagan Cohen, Gründer von Upload Cinema,
einer in Amsterdam ansässigen Organisation, die die besten Videos aus dem Web auf die große Leinwand
bringt.
Every day 3 billion videos are watched and every minute 60 hours of video are Uploaded on YouTube alone.
Amongst those millions of videos circulating on the web occasionally videos are removed. Not only because intellectual rights are being violated, but also because in some cases their content is deemed ›inappropriate‹ by
governments or organisations. ›Banned Videos‹ is a curated selection of films and videos that were not allowed
to be shown on TV, cinema or the web. Whether for political, religious or ethical reasons. Curator and presenter
is Dagan Cohen, founder of Upload Cinema, an Amsterdam-based organisation that brings the best videos of
the web onto the big screen.
Dagan Cohen calls himself an artist converted to advertising. He studied Environmental Art & Design at the
Rietveld Academy in Amsterdam, working as visual artist and creative entrepreneur, before joining Saatchi and
Saatchi The Netherlands in 1995 as an art director. Dagan has been Creative Director of Saatchi Interactive,
Ammirati Puris Lintas Interactive, Lowe Digital and Draft before becoming Executive Creative Director of Draftfcb in 2006.
Dagan has won numerous national and international awards, including two Cannes Cyber Lions. He was board
member of the Art Directors Club Netherlands for five years and has served as a juror at many award shows.
Though he’s been active in advertising for more than 15 years, Dagan has always remained connected to the art
world; looking for ways to combine communication, culture and technology. He teaches interactive art and design
at the Rietveld Academy, is board member of the Creative City Lab of Amsterdam and is Director of Upload
Cinema, an organisation dedicated to bringing curated online video to cinemas.
Æwww.uploadcinema.net
201
LIST OF TITLES
163
119
83
106
!
[s]
20 Hz
37 Stories About
Leaving Home
105 5 lessons and 9 questions
About Chinatown
58
176
188
200
34
71
48
122
110
64
52
74
166
142
A
Achromatic Island, The
Activists 2011
Aetherphone
All The Mistakes I've Made an anti-artist-talk
Amer
American Colour
Ankunft eines Zuges, Die
(Arrival Of A Train)
Ankunft in Zone Delta
Anna Pavlova lebt in Berlin
Apnoe
Arcana
Art of Catching, The
art sounds application as an
art project in Osnabrück, The
Avatare
B
201 Banned Videos
117 Beziehungskisten
96 Body-Politics
115
72
169
181
36
70
57
198
58
78
197
133
C
Charly das Reh
Chevelle
Chrono-Shredder
Ciaccona di Paradiso
e dellÍnferno
Cigarette, La
Common Wealth
Coms Device
Conte de printemps
Corridor, The
Creatio Continua
Creative forms of protest
in Syria
Cronología
D
125 Damals - Die Geschichte
der Welt
49 Dark Enough
59 Death Mask III
141 Decision
47 Desert Station
139 Digi_Uhren
199 Direct from Cairo
76 Disquiet
113 dreiSchwestern
145 Dusteroids Reality
188 DVD-Laserplotter
202
146
130
127
43
E
Einblick
Einstellung Amateur
Elektronischer Sextant
Elysion
EMAF Trailer
Hochschule Würzburg
EnTroPI
Etwas
Etwas näher
Excursions in the Dark
111
115
82
137
107
50
142
54
98
135
193
156
F
Fading
Felix
First Law: Quail Ct.
Forever
Former East / Former West
Fragile Esquif
Fragments of Helena
Francine
Frank‘s Cock
Frau Baum Hund
From There to Here
Future Of The Past, The
127
134
188
124
150
40
112
50
174
135
80
49
133
178
117
188
37
135
G
gains + losses
GAP
Gas Avalon
Gathering, The
Geschichte aus der
Fremdteilfalle
Git Cut Noise
Glucose
Got a Fist of Pure Emotion
Grafikdemo
Green Evolution
Große Buch vom Widerstand,
Das
Gutes Ende (Bliss)
Guys, The
H
147 Habitat
155 HATTLER-IZE
62 Heimweh der Feldforscher,
Das (Homesick Scientists)
171 Hermes
118 Herr Hoppe und der Atommüll
153 Himalaya Variationen
60 Himself He Cooks
90 Homestories
98 House of Pain
103f. Houses that Are Left, The
70
154
82
107
136
115
67
39
143
127
I
I Love My Job
IFF then elze
Im Freien (In the Open)
In complete world
In Times of Peace and
Harmony
Infernale Nonnen
Inquire Within
InsideOut
Instability
Inverse Geometrie
J
63 Jäger aus Kurpfalz, Ein
(A Hunter from Kurpfalz)
38 Jan Villa
51 Jardin Du Sel (Salt Garden)
55 Jour Sombre
K
144 Kartographie
192 Keynote: Media Art
191 Keynote: Media Art –
Quo Vadis?
40 Killer Reunion, A
151 Kinect and its possibilities
130 KLC
88 Klipperty Klöpp
116 Kopfstand: Terrorismus
129 Körperschnittweg
196 Kreative Protesterscheinungen in Syrien
137 Kreisen
72 Kreis Wr. Neustadt (A to A)
145 Kung Li
99
44
117
78
198
66
83
67
94
143
121
144
76
179
L
Lacan Palestine
Landscape
Lavadora, La
Lemon in sexxx
Liberté
Liebe Vergangenheit
(Dear Past)
Lighthouse
Like Rats Leaving
a Sinking Ship
Living a Beautiful Life
Loud Still Life, A
Lo Vedo
Lucida
Lucky Seven
Lumenoise
M
188 Mach flott den Schrott
112 Mädchen namens Yssabeau,
Ein
188 Magnetrührer
39 Maison Sonore
77 Manque de preuves
(Lack of evidence)
111 Many Faces
88 Mapping Perception
128 Märkisches Viertel Gesichter einer Siedlung
46 Mastering Bambi
102 Meet the People
187 Mega-Schubladen-Uhr
35 Menschen am Sonntag
(People on Sunday)
48 Metrik des Zufalls, Die
(The Metrics of Coincidence)
41 Modern No.2
63 Monica Panzarino Sings
The Star-Spangled Banner
81 Moon Asked The Crow, The
77 Motor
118 Mountain Hearts on Ice
125
65
170
81
N
Nekropolis
Neon no kuni (Land of Neon)
NetzWerk
New Hippie Future
O
Observers, The
Obstruction
Once Upon a Time (Tierfilm)
Onkel Dieter
Out of Nothing
(Aus dem Nichts)
65 Over There Is Over Here
68
168
95
136
183
P
44 Panic Room
69 Parabeton - Pier Luigi Nervi
und römischer Beton
78 Peacock Lee
114 Performance
152 Petrolio
35 PFFFHP TT!
173 Phase=Order
76 Phill (1390)
160 Physiognomic Scrutinizer
184 Picture, The
179 PING! Augmented Pixel
118 Pingpong
62 Planet of Sexes
123 Planet_RO2012
61 Practice of Living, The
45 Prolegomena to virtual
framing of a revolution
134 Propaganda 1
125
108
55
56
165
73
172
57
113
53
80
93
91
75
119
178
144
162
114
122
73
148
177
103
38
139
141
148
46
41
187
43
128
198
188
51
53
104
198
79
R
Reality 2.0
Refresh
Relocation
Remember
Retouching Memory
Reviving the Fittest
Revolve
Rigid Regime
Rind
River Rites
Rust Duck
S
schlafende Mädchen, Das
(The Sleeping Girl)
Schönen guten Tag
(Hello, Ms Schnitt)
Sea Series #10
Sechster Sinn, Drittes Auge,
Zweites Gesicht
Self Portrait
Selfreader
Ser y Durar
Shattered Past
Shift
Silêncio de dois sons
(Silence of two sounds)
Simulation
Sisyphus Action
Small Lies, Big Truth
Snow Canon
Soundtology
Speak it out loud
Speaker Botz
Speech Act
Springtime
Standard Time
State-theatre #2 Tehran
Stereoplatten
Stories of Syria: Smuggling 23 Minutes of Revolution
Strobo-Clock
Strokkur
Stuck in a Groove
suicide
Sun’s Incubator, The
Synthetik
T
66 Tampopo Head
and the Name of the Dogs
188 Tastaturkleiderbügel
145 Team play
95 Tee trinken (Drinking Tea)
79 Telephone Helicopter
Applause Gunshot
42 Thicker Than Paint Thinner
102 Things I Forgot to Tell Myself
134 This is a sacred place
120
89
186
188
50
116
126
126
164
84
This is How We Feel
This Our Still Life
Time twister
Toilettenpapierdrucker
Totale Mondfinsternis
über dem Meer
Trackpad Jam, The
Trans Form Filme über, in und mit Stadt
Trans Form films about, in und with city
Trash Hits - Dumping, Searching and Finding. Cleaning
Two Years At Sea
U
36 Ulrich Gregor and Heidi Kim
at the W Hong Kong Hotel
124 Unsere neue Verfassung
85 Unstable Object, The
V
120 Vacuum
195 Van Gogh TV in the Ponton Bus
- From The Archive
59 Vice Versa Et Cetera
61 Vielleicht zu lange
(Maybe Too Long)
123 Village dans la ville
47 Viva Paradis
80 Volt
W
180 Wall to Wall
104 What I’m Looking For
185 What if Google Maps
went live...
128 White Sheets
121 Wie meine Träume
nach Dir schrein
194 Wir sind nie Digital gewesen
100 Wörter-Filme-Wünsche
Y
64 Yellow (Mobilers)
81 Yodeling Farmer, The
Z
Zelldisplay
Zentralflughafen
ZERO1ZERO Walks
Zoanthroid ein techniler Organismus
92 Zwischen vier und sechs
(Between four and six)
143
129
182
149
203
LIST OF AUTHORS
79
65
186
122
50
46
57
59
A
Yuhei Adachi
Tilmann Aechtner
Babak Afrassiabi
Ammar Al-Beik
Emad AleebrahimDehkordi
Ewelina Aleksandrowicz
Morehshin Allahyari
Hans Andersson
Nike Arnold
Carsten Aschmann
Herman Asselberghs
Nadav Assor
Ed Atkins
196
74
81
50
149
124
43
115
77
139
60
48
71
78
121
121
148
46
139
127
50
122
64
B
Charlotte Bank
Jessica Bardsley
Dalibor Baric
Thomas Bartels
Felix Hardmood Beck
Nikolaj Becker
Kaya Behkalam
Anselm Belser
Simone Bennett
André Berkemeyer
Valérie Berteau
Werner Biedermann
Joshua Bonnetta
Deborah Bower
Carsten Brand
Maria Brandenburg
Jörg Brinkmann
Persijn Broersen
Christoph Bruksch
Fabian Brunsing
Michael Brynntrup
Stefan Bühl
Torsten Zenas Burns
44
142
42
198
76
152
54
188
34
80
200
201
134
117
123
112,133
204
C
Stefano Canapa
Brian M. Cassidy
Can Catkin
Hélène Cattet
Chichirik
Daniel Cockburn
Dagan Cohen
Maya Connors
Andrea Correa
Zsombor Csont
Rosana Cuellar
D
56 Eleonore
de Montesquiou
160 Marnix de Nijs
70 Robin Deacon
162 Democracia
78 John Deneuve
38 Mati Diop
78 Boris Dörning
78, 80 Doudouboy
113 Oliver Dürr
187 Frank Dziembowski
127
163
121
135
85
41
69
188
144
72
E
Manja Ebert
Anke Eckardt
Bente K. Ehrig
Jan Eichberg
Daniel Eisenberg
Jeroen Eisinga
Heinz Emigholz
Jochen Enderlein
Anne Euler
73
194
43
81
78
187
34
134
125
133
F
Rita Figueiredo
Andreas Leo Findeisen
Constanze Fischbeck
Caroline Fischer
Matthew Fleming
Mark Formanek
Bruno Forzani
Louis Fried
Sonja Friedrich
Paul Fuchs
164
122
139
55
83
127
82
165
49
146
68
125
49
62
G
Ulrike Gabriel
Mikko Gaestel
Jan Galle
Pieter Geenen
Joe Gerhardt
Lisa Ghio
Mike Gibisser
Alexander Glandien
Thibault Gleize
Jan Goldfuß
Jacqueline Goss
Kerstin Gramberg
Mihai Grecu
Robert Gwisdek
188
55
45
155
63
139
76
168
166
195
145
169
186
52
115
170
98ff.
198
64
139
120
123
193
120
64
H
Henning Häger
Johannes Hammel
Petr Hátle
Max Hattler
Heaven
Michael Hecht
Claudia Heindel
Gustav Hellberg
Tanja Hemm
Mike Hentz
Tobias Othmar Hermann
Susanna Hertrich
Stefan Hestermeyer
Henry Hills
Christian Hippchen
Christine Hoffmann
Mike Hoolboom
Philip Horani
Paul Horn
Max Hörner
Kuo Hsin-Hui
Zhenqian Huang
Kathy Rae Huffman
Min Jae Huh
Harald Hund
I
111 Christopher Iff
73 IngridMwangiRobertHutter
154 Institut für Feinmotorik
130 Arne Intveen
83
61
171
145
J
Ruth Jarman
Ryan Jeffery
Karl Heinz Jeron
Shaowei Jia
70
62
118
124
127
119
141
67
78
143
70
53
135
43
K
Tellervo Kalleinen
Anssi Kasitonni
Robin Keast
Max Kerkhoff
Antonia Kilian
Sunjha Kim
Yoon-Sun Kim
Vika Kirchenbauer
Annette Knol
Kyung Min Ko
Oliver Kochta-Kalleinen
Clemens Kogler
Arne Körner
Daniel Kötter
88f.
117
40
157
77
Andrew Kötting
Oliver Krause
Avi Krispin
Felix Kubin
Hayoun Kwon
118
134
152
139
47
145
49
192
116
118
61
198
51
79
46
188
72
L
Jan Lachauer
Björn Last
Emmanuel Lefrant
Daniel Lentz
Dana Levy
Carolin Liebl
Jeanne Liotta
Gerhard Johann Lischka
Jeff Liu
Thorsten Löffler
Petra Lottje
Dani Abo Louh
Rose Lowder
Anne Lucht
Margit Lukacs
Mario Lukas
Johann Lurf
172f.
39
127
174
148
81
188
38
199
41
151
128
139
118
M
Macular
Tonje Alice Madsen
Ray P. Maletzki
Melanie Manchot
Matteo Marangoni
Mike Maryniuk
Gerd Meinköhn
Natasha Mendonca
Jasmina Metwaly
Mirai Mizue
Sebastian Möller
Bettina Mooshammer
Tobias Münch
Eva Münnich
65
80
57
188
158
176f.
N
Aki Nakazawa
Nindustrict
Erkka Nissinen
Christian Nolte
Hermann Nöring
Primoz Novak
O
176f. Nika Oblak
144 Valentin Oellers
198 Mohamad Omran
156
63
125
59
115
35
111
75
116
76
125
144
119
84
117
67
190
178f.
128f.
188
53
82
180
51
129
143
137
91ff.
139
157
139
80
39
136
81
127
54
102ff.
116
110
128
142f.
139
136
112
118
141
139
P
James Pants
Monica Panzarino
Joshua Paulussen
Simon Payne
Roland Petrizza
Deborah S. Phillips
Nir Philosof
John Price
Nadine Pyka
R
SJ. Ramir
Sitha Reis
Jan Riesenbeck
Ben Rivers
Ana Aurora Rodríguez
Jay Rosenblatt
Alfred Rotert
Niklas Roy
Markus Ruggiero
Ben Russell
S
Albert Sackl
Egill Saebjörnsson
João Salaviza
Andrea Schmid
Nikolas Schmid-Pfähler
Nicolaas Schmidt
Corinna Schnitt
Joachim Schole
Mario Schoo
Philip Schöppe
Lotte Schreiber
Jonatan Schwenk
Tanja Schwerdorf
John Scoles
Ginan Seidl
Melanie Shatzky
Shelly Silver
Benjamin Singer
Theo Solnik
Alicja Sowiar
Gian Spina
Uwe Stahl
Michael Steinhauser
Viktor Stickel
Claus Störmer
Studierende der
HfG Offenbach
Studierende der
HS Osnabrück
150 Studierende des FB
Kommunikations-Design
40 Leslie Supnet
114 Boris Sverlow
66
113
135
124
58
47
153, 181
123
139
182
122
117
T
Toshie Takeuchi
Tim Tamke
Paul Thalacker
Philipp Thalmann
Sofie Thorsen
Isabelle Tollenaere
Tina Tonagel
Tihamer Torok
Alex Tran
Jürgen Trautwein
Daniel Trenkle
Hong-Hsuan Tsai
U
139 Thomas Uchtmann
66 Rizki R. Utama
58
183
83
155
121
35ff.
139
188
191
147
48
139
184
114
60
137
116
79
185
V
Sarah Vanagt
Maria Vedder
Wouter Venema
Vesper-ON
Rafael Vogel
Friedl vom Gröller
W
Georg Walker
Curd Wallhäuser
Peter Weibel
Rosmarie Weinlich
Telemach Wiesinger
Jana Willmann
Julia Willms
Mariusz Wirski
Philippe Witjes
Helena Wittmann
Sebastian Wöhl
Andrzej Wojtas
Roel Wouters
Y
117 Pei-Hsuan Yu
44 IP Yuk-Yiu
Z
139 Max Zelass
205
LIST OF DISTRIBUTORS
A
Absent without Leave
www.absentwithoutleave.org
Adachi, Yuhei
[email protected]
Afrassiabi, Babak
[email protected]
AGENCIA - Portuguese Short Film Agency
[email protected]
www.curtas.pt/agencia
Aleebrahim-Dehkordi, Emad
[email protected]
Aleksandrowicz, Ewelina & Wojtas, Andrzej
[email protected]
http://niochnioszki.net
Allahyari, Morehshin
[email protected]
http://morehshin.com
Angefahrenen Schulkinder, Die
[email protected]
www.dieangefahrenenschulkinder.de
Anotherfilm
[email protected]
www.anotherfilm.org
Argos Centre for Art and Media
[email protected]
www.argosarts.org
Artsadmin, Cat Harrison
[email protected]
www.artsadmin.co.uk/projects
/what-on-earth
Aschmann, Carsten
[email protected]
www.hula-offline.de
Assor, Nadav
[email protected]
http://nadassor.net
Aug & Ohr Medien, Berlin
[email protected]
[email protected]
www.augohr.de/film
Auguste Orts
[email protected]
www.augusteorts.be
Aurora Films, Charlotte Vincent
[email protected]
www.aurorafilms.fr
Autobahn Produktion, Fabian Kaufmann
[email protected]
AV-arkki
[email protected]
www.av-arkki.fi
B
Bardsley, Jessica
[email protected]
www.jessicabardsley.com
Baric, Dalibor
[email protected]
Bartels, Thomas
[email protected]
http://www.t-bartels.kulturserver-nds.de
Bauhaus-Universität Weimar,
Bauhaus Film-Institut
[email protected]
www.uni-weimar.de
Becker, Nikolaj & Kerkhoff, Max
[email protected]
Behkalam, Kaya
[email protected]
www.kayabehkalam.net
Bennett, Simone
[email protected]
www.loneproductions.eu
Berteau, Valérie & Witjes, Philippe
[email protected]
www.valerieberteau.be
Bezalel Academy of Arts and Design
[email protected]
www.bezalel.ac.il
206
Biedermann, Werner
[email protected]
www.wernerbiedermann.de
Bonnetta, Joshua
[email protected]
www.joshuabonnetta.com
Bonobostudio
[email protected]
www.bonobostudio.hr
Bower, Deborah
Fleming, Matthew & Knol, Annette
[email protected]
www.printeretto.net
Brandenburg, Maria & Ehrig, Bente
[email protected]
Brynntrup, Michael
[email protected]
www.brynntrup.de
Bühl, Stefan & Trenkle, Daniel
[email protected]
www.stefanbuehl.de
Burns, Torsten Zenas
[email protected]
http://holyokeresearch.blogspot.com
C
California Institute of the Arts/CalArts
[email protected]
calarts.edu
CaRTe bLaNChe, Tamaki Okamoto
[email protected]
http://c-a-r-t-e-blanche.com
Chichirik & Nindustrict
[email protected]
www.chichirik.com
www.nindustrict.de
Courtisane Festival, Ghent
[email protected]
[email protected]
D
Deacon, Robin
www.robindeacon.com
Deneuve, John
[email protected]
www.johndeneuve.com
DFFB, Deutsche Film & Fernsehakademie
Berlin, Myriam Eichler
[email protected]
www.dffb.de
Dörning, Boris
[email protected]
www.borisdoerning.de
Doudouboy
[email protected]
www.doudouboy.com
Duerr, Oliver
[email protected]
E
ECAM - Madrid en corto
[email protected]
www.madridencorto.es
École Nationale supérieure des Beaux-Arts
(ENSBA), Lyon
www.ensba-lyon.fr
Eisenberg, Daniel
[email protected]
www.danieleisenberg.com
Eisinga, Jeroen
[email protected]
Emigholz, Heinz
www.pym.de
Everson, Kevin Jerome
[email protected]
www.keverson.net
[email protected]
www.eyefilm.nl
www.filmbank.nl
F
FAMU, Prag
[email protected]
www.famu.cz
Figueiredo, Rita
[email protected]
Filmakademie Baden-Württemberg,
Festivalkoordination
[email protected]
www.filmakademie.de
Filmakademie Baden-Württemberg,
Institut für Animation
[email protected]
[email protected]
www.animationsinstitut.de
Fischbeck, Constanze & Kötter, Daniel
[email protected]
www.danielkoetter.de
Fischer, Caroline
[email protected]
http://caroline-fischer.com
Friedrich, Sonja & Paulussen, Joshua
[email protected]
G
Gaestel, Mikko & Arnold, Nike
[email protected]
www.mikkogaestel.de
Geenen, Pieter
[email protected]
www.silenceisgolden.be
Georg-Simon-Ohm Hochschule Nürnberg
[email protected]
www.ohm-hochschule.de
Gibisser, Mike
[email protected]
Goss, Jacqueline
www.jacquelinegoss.com
www.observatoryfilm.com
Gramberg, Kerstin
[email protected]
Grecu, Mihai & Gleize, Thibault
[email protected]
www.mihaigrecu.org
www.thibaultgleize.com
H
Hátle, Petr
[email protected]
HAW Hamburg
www.haw-hamburg.de
HBK Braunschweig
[email protected]
www.hbk-bs.de/filmklasse
HDU Deggendorf
www.hdu-deggendorf.de
Heindel, Claudia
[email protected]
www.claudiaheindel.com
HfBK Hamburg
[email protected]
www.hfbk-hamburg.de
HFF München
[email protected]
www.hff-muc.de
HFF Potsdam
[email protected]
www.hff-potsdam.de
HfG Offenbach
[email protected]
www.hfg-offenbach.de
Hills, Henry
[email protected]
http://henryhills.com/
Hippchen, Christian
[email protected]
Hochschule Luzern Design & Kunst, video dept.
[email protected]
http://www.video.hslu.ch
Hochschule Niederrhein, Fachbereich Design
www.designkrefeld.de
Hoolboom, Mike
[email protected]
www.mikehoolboom.com
Huang, Zhenqian
[email protected]
www.chunkin.org
Huh, Min Jae
[email protected]
http://studio-d-d.com
Hund, Harald & Horn, Paul
http://haraldhund.com/weblog
I
Iff, Christopher
www.iff.li
[email protected]
www.ingridmwangiroberthutter.com
IP, Yuk-Yiu
[email protected]
J
Jarman, Ruth & Gerhardt , Joseph
(Semiconductor)
[email protected]
www.semiconductorfilms.com
Jeffery, Ryan
[email protected]
http://ryansjeffery.tumblr.com/
K
Kalleinen, Tellervo & Kochta-Kalleinen, Oliver
www.ykon.org/kochta-kalleinen
www.tellervo.net
Kasitonni, Anssi
anssikasitonni.com
KASK Hogeschool Gent, Jeanmarie Demeyer
[email protected]
www.kask.be
Keast, Robin & Münnich, Eva
[email protected]
Kim, Sunjha
[email protected]
Kirchenbauer, Vika
[email protected]
Koch Media GmbH
www.kochmedia.com/de
Kogler, Clemens
[email protected]
www.clemenskogler.net
Krause, Oliver
[email protected]
www.oliverkrause.com
Krispin, Avi
[email protected]
www.avikrispin.net
Kun Shan University, Hui-Ching Tseng
[email protected]
Kunsthochschule für Medien Köln (KHM)
[email protected]
www.khm.de
Kunsthochschule Mainz
www.afbk-mainz.de
Kuo, Hsin-Hui
[email protected]
www.kuohsinhui.com
Kwon, Hayoun
[email protected]
L
Le Fresnoy Studio national
[email protected]
www.lefresnoy.net
www.panorama13.net
Levy, Dana
[email protected]
www.danalevy.net
Light Cone
[email protected]
www.lightcone.org
Liotta, Jeanne
[email protected]
www.jeanneliotta.net
Lottje, Petra
[email protected]
www.lottje.de
Lucht, Anne
[email protected]
www.anne.de
Lukacs, Margit & Broersen, Persijn
[email protected]
www.pmpmpm.com
Lurf, Johann
www.johannlurf.net
LUX
[email protected]
www.lux.org.uk
M
Madsen, Tonje Alice
[email protected]
Mendonca, Natasha
[email protected]
Montesquiou, Eleonore de
[email protected]
N
Nakazawa, Aki
[email protected]
http://svp2.com/member/Enakazawa.htm
O
Ocean Pictures Filmproduktion
[email protected]
www.oceanpictures-film.de
Orozco Ramirez, Victor
[email protected]
www.orozcovictor.com
P
Panzarino, Monica
[email protected]
www.monicapanzarino.com
Payne, Simon
[email protected]
www.simonrpayne.co.uk
Phillips, Deborah S.
[email protected]
Philosof, Nir
[email protected]
www.wix.com/nirphilosof/nir-philosof
Polymorfilms
[email protected]
www.polymorfilms.be
Price, John
[email protected]
www.filmdiary.org
R
Ramir, SJ.
[email protected]
www.ramirfilms.co.nz
Riesenbeck, Jan
[email protected]
Rivers, Ben
[email protected]
www.benrivers.com
Rosana Cuellar
[email protected]
Rosenblatt, Jay
[email protected]
www.jayrosenblattfilms.com
Russell, Ben
[email protected]
www.dimeshow.com
S
Sackl, Albert
www.albertsackl.com
Schnitt, Corinna
www.corinnaschnitt.de
Schreiber, Lotte
www.pfaffenbichlerschreiber.org
Schwenk, Jonatan
[email protected]
Shatzky, Melanie & Cassidy, Brian M.
[email protected]
www.pigeonprojects.com
Singer, Benjamin & Wöhl, Sebastian
[email protected]
sixpackfilm
[email protected]
www.sixpackfilm.com
Solnik, Theo
[email protected]
www.kabine18.de
Stickel, Viktor
[email protected]
Störmer, Claus
[email protected]
http://ypsilonht.com
Supnet, Leslie
[email protected]
http://lesliesupnet.com
Sverlow, Boris
[email protected]
T
Tamke, Tim
[email protected]
Tihamér, Török & Zsombor, Csont
[email protected]
www.vakuk.com
Tollenaere, Isabelle
[email protected]
U
UDK Berlin
www.udk-berlin.de
Utama, Rizki R.
[email protected]
V
Vanagt, Sarah
[email protected]
www.balthasar.be
www.kranfilm.net
Venema, Wouter
[email protected]
www.woutervenema.nl
Video Data Bank
[email protected]
www.vdb.org
Vogel, Rafael
[email protected]
vom Gröller, Friedl
[email protected]
W
Washington Square Films
[email protected]
www.wsfilms.com
Wiesinger, Telemach
[email protected]
www.telemach-wiesinger.de
Winnipeg Film Group
[email protected]
www.winnipegfilmgroup.com
Wirski, Mariusz
[email protected]
www.chrum.orangespace.pl
Y
Yu, Pei-Hsuan & Hong-Hsuan Tsai
[email protected]
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