Dokumentation "Beschriftete Kunst"

Die Ausstellung im Galeriehotel
The exhibition at the Gallery Hotel
Die Gruppenausstellung
«Beschriftete Kunst»
mit internationalen Künstlerinnen und Künstlern
Der ganze Gebäudekomplex des Galeriehotels dient als Ausstellungsraum für Kunst. Dabei werden
immer wieder unterschiedliche Ausstellungen, jeweils für ein Jahr, gezeigt. Die Ausstellungen werden
vom Teufelhof selbst konzipiert und gestaltet. Dank der Ausstellungsfläche über drei Etagen ist es
möglich, entweder umfassende Werkschauen oder interessante Gegenüberstellungen zu präsentieren.
Die aktuelle Ausstellung widmet sich dem Thema «Schrift/Beschriftung/Alphabet». In der
Gruppenausstellung zeigen über 15 Künstlerinnen und Künstler jeweils ein bis acht Bilder zum Thema.
In den Werken wird teilweise die Schrift in den Vordergrund gestellt, teilweise im Bild versteckt oder
nachträglich eingefügt und in das Bild eingebettet. In der Ausstellung finden filigran bemalte
Bücherseiten ihren Platz, Fotos mit beschrifteten Motiven, Personen und Gebäuden, künstlerisch
gemalte Buchstaben sowie abstrakte Malereien mit einfliessenden, eingebetteten, ja fast
eingeflochtenen Schriften. Also eine textreiche, aufregende, unterschiedliche, aber dennoch
zusammenhängende Auswahl an «beschrifteter Kunst» aus der ganzen Welt hier im Teufelhof!
«Bilder sagen mehr als tausend Worte» …, aber was ist, wenn die Worte im Bild verankert, versteckt,
«verwurstet» oder mit ihm verbunden sind? Liest man zuerst die Worte, lässt man das Gesamtbild auf
sich wirken oder fällt einem zuerst das Farbenzusammenspiel, die Komposition, die Tiefe ins Auge?
Gehen Sie auf Entdeckungsreise und finden Sie heraus, welche Bild- oder Wortteile Sie zuerst
berühren. Alle Werke sind buchstäblich zu erwerben.
The group exhibition
«Lettered ART »
with international artists
The entire building complex of the Galeriehotel serves as a stage for art exhibitions. Different exhibitions
are displayed on a continuous basis; each for one year. The Teufelhof develops the concept and design
of the exhibitions itself. It is possible to present either comprehensive retrospectives or interesting
contrasts owing to the extensive exhibition space, which covers three floors.
The current exhibition is dedicated to «handwriting/lettering/alphabet». More than 15 artists are
included in this group exhibition and each of them show between one and eight artworks fitting the
topic. Sometimes the letters are in the foreground, sometimes the words are hidden or integrated later
on and imbedded in the image. In the exhibition, you can detect flagrantly painted book pages,
photographs with lettered motifs, people and buildings, as well as artistically painted letters, abstracted
paintings with imbedded and interlaced handwriting. A rich in text, exciting, varied, but still connected
choice of «lettered art» from all over the world at the Teufelhof.
«A picture is worth a thousand words» …, but what if the words are anchored, hidden, randomized or
linked to the artwork? Will you read the words or will you let the complete picture sink in first? On the
other hand, will you first see the interaction between the colours, the composition or the deepness of
the picture? Come on this expedition with us, and find out which picture or word fragments will touch
you first. All works are literally for sale.
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Andreas Oesch
Andreas Oesch wurde 1956 in Basel geboren, absolvierte eine Lehrerausbildung sowie diverse Ausund Weiterbildungen in Theater und Kunst. Heute ist er als Medienpädagoge im Fürstentum
Liechtenstein und als Kunstmaler mit Atelier in Brione sopra Minusio (Tessin/Schweiz) und Sevelen
(Ostschweiz) tätig.
Andreas Oesch fotografiert Motive in der Natur, druckt diese aus, gibt ihnen mit Pappmaché neue
Reliefs. Es bilden sich somit zusätzliche Strukturen. Diese Bildwelten reichert er mit eingebetteten
Textfragmenten an. Das Gesamtwerk rundet er mit filigraner Acryl-Malerei ab. Daraus entsteht in zarter
Farbauswahl eine subtile, atmosphärisch-poetische Verschmelzung von Natur, Farbe und Text. Seine
Bilder sollen in die Welt und Gemütsstimmung des Betrachters Eingang finden und ihn dort in seiner
wirklichen oder träumerischen, in seiner nüchternen oder mystischen Verfassung bereichern.
Andreas Oesch was born in 1956 in Basel and completed the teacher-training, as well as various
trainings and educations in theatre and art. Today he works as a media educator in Liechtenstein, as
well as painter in an Atelier in Brione sopra Minusio (TI/Switzerland) and Sevelen (eastern Switzerland).
Andreas Oesch takes photographs of motifs in nature, prints these out, and gives them new reliefs
with paper-mâché. Thus, additional structure occurs. He enriches these worlds of images with
imbedded text fragments. He rounds up the overall picture with filigree acrylic painting. Hence a subtle
and poetic fusion of nature, colour and text is born.
His pictures should find their way into the world of emotions of the observer and enrich her or his real
or dreamy, sober or mystical constitution.
Andreas Oesch
«Verzasca 120»
Zimmer/ room 31
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2013
CHF 690
3
Andreas Oesch
«Verzasca 142»
Zimmer/ room 31
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2013
CHF 690
Andreas Oesch
«Verzasca 147»
Vor Zimmer /in front of room 13
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2013
CHF 690
Andreas Oesch
«Verzasca 148»
Zimmer/ room 11
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2013
CHF 690
4
Andreas Oesch
«Wasser 04»
Zimmer/ room 26
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 690
Andreas Oesch
«Wasser 05»
Zimmer/ room 11
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 690
Andreas Oesch
«Wasser 08»
Zimmer/ room 11
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 690
5
Andreas Oesch
«Wasser 28»
Zimmer/ room 31
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 690
verkauft/ sold
Andreas Oesch
«Mauern 5»
Zimmer/ room 31
45cm x 45cm x 5cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2013
CHF 590
Astrid Jahns
Geboren 1972 in Wolfsburg, sie lebt und arbeitet in Hannover. Besuch der Fachoberschule für Kunst
und Gestaltung sowie Grafik-Design-Studium an der Fachhochschule für Visuelle Kommunikation
(Diplom) in Hannover. Seitdem freischaffende Künstlerin und Autorin. Ausstellungen, Projekte und
Publikationen national und international. Arbeiten an (Klang-)Collagen, kurzen Texten, Gedichten, FilmSequenzen, Poesie-Objekten, Assemblagen oder auch anderen Projekten, die sich mit Gedanken und
Identitäten beschäftigen, bei denen die Protagonisten eine wichtige Rolle spielen. Visualisiert werden
diese Gedanken innerhalb der Collagen oder werden in Form von Texten ausgedrückt. Die Texte
werden oftmals mit den Collagen kombiniert. Dies führt zu kleinen Geschichten, in denen die
Protagonisten sich mit sich selbst, den anderen und/oder ihrem Umfeld auseinandersetzen müssen.
Born 1972 in Wolfsburg, lives and works in Hanover. Visited the Technical High School of Art and Design
and studied graphic design at the University of Applied Sciences and Arts (diploma) in Hanover. Has
ever since been working as a freelance artist and writer. Exhibitions, projects and publications national
and international.
Working on (sound-) collages, short texts, poems, film-sequences, poem-objects, assemblages
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and other projects that deal with thoughts and identities, wherein the protagonists play a significant
role and get attention. These thoughts are mostly visualized within collages or expressed in the texts.
The texts are usually combined with the collages. This results in little stories, in which the protagonists
have to deal with themselves, the others and/or their environment.
Astrid Jahns
«Silence I»
Gang zu Zimmer 18/ Hallway to room 18
19cm x 30cm
Collage, Gedicht + Schreibmaschine
collage, poem + typewriter
2014
CHF 500
Astrid Jahns
«Silence II»
Gang zu Zimmer 18/ Hallway to room 18
19cm x 30cm
Collage, Gedicht + Schreibmaschine
collage, poem + typewriter
2014
CHF 500
Astrid Jahns
«Silence III»
Gang zu Zimmer 18/ Hallway to room 18
19cm x 30cm
Collage, Gedicht + Schreibmaschine
collage, poem + typewriter
2014
CHF 500
Astrid Jahns
«Snapshot I»
Zimmer/ room 16
19cm x 30cm
Collage, Gedicht + Schreibmaschine
collage, poem + typewriter
2014
CHF 520
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Astrid Jahns
«Snapshot II»
Zimmer/ room 16
19cm x 30cm
Collage, Gedicht + Schreibmaschine
collage, poem + typewriter
2014
CHF 520
Chris Schäffeler
Chris Schäffeler wurde 1964 in St. Gallen geboren und lebt heute in Eichberg im St. Galler Rheintal. Im
eigenen Atelier malt sie mit Leidenschaft grossformatige Bilder in Acryl und gibt Kurse für Erwachsene
und Kinder. Sie stellte bisher in der Schweiz, in Frankreich, Italien und den USA aus.
Chris begann Ende der 1990er-Jahre mit der Aquarell-Malerei, inspiriert durch ihren Vater, der als
Grafiker und Künstler tätig war und ebenfalls Malkurse gab.
Schnell wurde ihr die Aquarell-Malerei zu blass. Ende 2005 begann sie daher mit dem Acrylmalen. Chris
malt, was sie fühlt und nicht, was sie sieht. Ihr inneres Leuchten, welches sie beim Malen erlebt,
unterstreicht sie mit ihrer expressiven und farbenorientierten Malerei.
Durch Schichtmalen entstehen expressive Bilder – mit verschiedenen, zufälligen Tuschestrichen
werden die Werke abschliessend zu einer eigenen Bildergeschichte aufgebaut.
Chris Schäffeler was born in January 1964 in St. Gallen and now lives in Eichberg in the Rhine Valley of
St. Gallen. In her own studio she creates large-format paintings in acrylic and also gives courses to
adults as well as children. So far she exhibited in Switzerland, France, Italy and the US. In the late 90’s
Chris started with watercolour paintings. Her father, who worked as graphic designer and artist, inspired
her. Very quickly the watercolour painting got too pale for her, that’s why she began with acrylic in
2005. Chris paints what she feels and not what she sees. She emphasises her inner light, which she
experiences while painting, with her expressive and colour-oriented style of painting.
Through layering paint, expressive pictures evolve – with different and randomly coated ink lines her
works come to a conclusion with their own story.
Chris Schäffeler
«Cancan I»
Zimmer/ room 28
50cm x 60cm
Acryl und Tusche/ Acrylic and Indian ink
2011
CHF 950
8
Chris Schäffeler
«Cancan II»
Zimmer/ room 28
70cm x 60cm
Acryl und Tusche/ Acrylic and Indian ink
2011
CHF 1100
Chris Schäffeler
«Cancan III»
Zimmer/ room 38
40cm x 40cm
Acryl und Tusche/ Acrylic and Indian ink
2011
CHF 660
Chris Schäffeler
«Eiskristall»
Zimmer/ room 38
60cm x 80cm
Acryl und Tusche/ Acrylic and Indian ink
2009
CHF 1050
Dora Freiermuth
Dora Freiermuth lebt und arbeitet in Laufenburg/ AG und hat zwei erwachsene Kinder. Am Anfang ihres
Kunstschaffens dominierten Objekte und Installationen aus Alltagsmaterialien, welche durch ihr
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kreatives Sammeln und Verwerten entstanden sind. So wurden Werke aus Eierschalen,
Haushaltspapier, Draht und unzähligen Materialien erschaffen. Parallel dazu hat sie im Jahr 2000
angefangen zu zeichnen und zu malen. In einem spannenden Prozess lässt sie ornamental anmutende
Bilder entstehen, zurzeit hauptsächlich mit Tusche auf MDF.
Die Inhalte ihrer Bilder haben sich durch das Auseinandersetzen mit den verschiedenen Materialien und
Motiven, wie Graphit, Scotch oder Ginkgo, stetig geändert. Ihre Affinität zu Struktur und Muster sind in
den Arbeiten deutlich spürbar. Seit 1998 stellt sie in der Schweiz und Deutschland aus.
Im Teufelhof zeigt sie Exponate aus der Serie „ Paare“ (40 Wörter: Lust, Frust, Licht, Tabu, Sog, etc.).
Die einzelnen Wörter verlieren ihre Lesbarkeit durch das Übereinanderschreiben; schwarz mit der
rechten Hand, weiss mit der inken. Buchstaben werden so zu Zeichen in einem faszinierenden Wortbild
mit neuer Bedeutung.
Dora Freiermuth lives and works in Laufenburg/ AG and has two grown up children.
At the beginning of her artwork, objects and installation, consisting of daily utilities, dominated her
creations. All of those works were the result of creative gathering and using from our every day
materials like eggshells, kitchen roll, wire and countless other materials. Besides in 2000 she started to
draw and paint. In an interesting process she creates ornamentally graceful paintings - at the moment
mostly with Indian ink on MDF. The content of the paintings are changing steadily because of the
examination of different materials and motives like graphite, scotch or gingko. The affinity for structure
and samples in her creations are definitely perceptible. Since 1998 she has been exhibited in
Switzerland and Germany.
At the “Teufelhof” she shows exhibits from the line “Paare” (40 words: lust, fear, taboo, suction etc.).
Different words lose their legibility by writing the words over the others; the black words are written
with the right hand, white words with the left hand. Thus, letters become symbols in a fascinating word
picture with a new meaning.
Dora Freiermuth
Ohne Titel/ No title
Zimmer/ room 22
3 x 16.5cm x 15.5cm
Ölkreide (Sgraffito) auf MDF
Oil chalk (Sgraffito) on MDF
2003
CHF 900
Dora Freiermuth
«Sog»
Zimmer/ room 24
10.5cm x 15cm
Pergament, Tusche & Transparentfolie auf MDF
Parchment, ink & transparent film on MDF
2004
CHF 450
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Dora Freiermuth
«Trost»
Zimmer/ room 24
10.5cm x 15cm
Pergament, Tusche & Transparentfolie auf MDF
Parchment, ink & transparent film on MDF
2004
CHF 450
Dora Freiermuth
«Schutz»
Vor Zimmer/ In front of room 25
10.5cm x 15cm
Pergament, Tusche & Transparentfolie auf MDF
Parchment, ink & transparent film on MDF
2004
CHF 450
Emily Passman
Emily Passman ist eine Künstlerin, welche mit Öl- und Acrylfarben malt. Sie ist bekannt durch ihre
langjährige Erfahrung und ihre lockere Art zu malen. Ihre Bilder sind in Galerien in Neuengland (USA)
sowie in zahlreichen privaten Sammlungen zu sehen. Nach dem Erwerb des „fine art degree“ und dem
„Master in Education“ hatte sie eine erfolgreiche Karriere als Erzieherin und Grafikdesignerin. Heute
widmet sie sich der Förderung von Kunst in Lexington, Massachusetts. Sie lehrt Malerei an vielen
Standorten, einschliesslich dem Concord Art Association und in ihrem privaten Atelier in Lexington.
Emily Passman is a painter of oils and acrylics, known for her expressive, loose style. Her work is in
galleries in New England and numerous private collections. After earning both a fine arts degree and a
Master in Education, she had a successful career as an educator and graphic designer. She is devoted
to promoting arts in Lexington, Massachusetts, serving on the Lexington Council for the Arts and
Lexington Open Studios Planning Board. She teaches painting in many venues including Concord Art
Association, and privately in her barn/studio in Lexington, Massachusetts, which is open to visitors upon
request.
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Emily Passman
«1938 Super Speed»
Vor dem Raum/ In front of the room «Shine&Dine»
76.2cm x 76.2cm
Acryl und Papier auf Birkenholzplatte
Acrylic and Paper on Birchwood Panel
2015
CHF 2’800
Ilona Schmidt
Ilona Schmidt lebt und arbeitet in Hamburg. Ihre künstlerische Arbeitsweise ist geprägt vom Fühlen,
Sehen und Spüren. Ihre Bilder widerspiegeln Erlebtes, aktuelle Themen, aber auch zukünftige. Das
menschliche Miteinander, die Vielschichtigkeit der menschlichen Seele, das sind Themen, die Ilona
berühren und sie zu ihrer künstlerischen Arbeit inspirieren. Beim Schaffen ihrer Werke verlässt sie
bewusst alte, ausgetretene Wege. Es kommen verschiedene Techniken und Materialien zusammen,
die am Ende das zeigen, was sie als ihre Kunst ansieht.
Darin finden sich Sand, Papier, Kohle oder Rost, vereint mit Pigmenten, Öl, Acryl oder anderen Farben.
Auch die Werkzeuge sind nicht immer gleich. Mal ist es der Pinsel, mal der Spachtel oder ein
Schwamm. Dabei ist ihr wichtig, dass der Arbeitsprozess sichtbar bleibt. Die intensive Beschäftigung
mit den sichtbaren Gegensätzen nimmt den Betrachter mit auf eine Reise, bei der die Vorstellungskraft
des einzelnen jedes Mal zu neu entdeckten Eindrücken führt.
Ilona lives and works in Hamburg. Her artistic work is characterized by what she feels and not by what
she sees. Her paintings reflect her experiences, current issues, but also upcoming issues. Topics that
inspire Ilona to create her artistic work are human interactions as well as the complexity of the human
soul. When creating her artworks she leaves consciously old, gridlocked ways. Various techniques and
materials come together to the end, that she calls her art.
Sand, paper, coal or rust find themselves together with pigments, oil, acrylic or other colours. Also the
tools are not always the same. Sometimes it is a brush, a spatula or sometimes a sponge. It is important
to her that the process remains visible. The intensive study of the visible contrasts will take you on a
journey that will lead you every time to newfound impressions.
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Ilona Schmidt
«Stadtmenschen»
Zimmer/ room 18
50cm x 50cm
Acryl auf Leinwand/ Acrylic on canvas
2015
CHF 420
Ilona Schmidt
«Stadtmenschen»
Zimmer/ room 18
50cm x 50cm
Acryl auf Leinwand/ Acrylic on canvas
2015
CHF 420
Kasia Gawron
Kasia Gawron ist ein professionelle Künstlerin mit einem Diplom der „Akademie der Bildenden Künste“
in Warschau/Polen und der „School of Visual Arts“ in New York, USA. Sie arbeitete viele Jahre in den
USA und in China als Grafikdesignerin und Koloristin. An einem bestimmten Punkt in ihrem Leben
entschied sie sich, sich voll und ganz der Malerei und Zeichnung zu widmen. Kasia lebt und arbeitet
derzeit an einem Ort im malerischen Gebirgszug der östlichen Sudeten in Polen.
Kasia hat ein starkes Interesse an der Zeichnung des menschlichen Körpers, welchen sie als ungemein
schön und faszinierend empfindet. Zu ihren weiteren Faszinationen zählt der klassische und moderne
Tanz; dieses Thema ist in ihren Werken zahlreich präsent. Sie liebt es, Emotionen und Gefühle des
menschlichen Körpers zu erforschen, seine verschiedenen Formen und Umrisse, die bei bestimmten
Personen einzigartig sind. Als Gegensatz integriert sie oft Buchstaben, Handschrift und Typografie in
ihren Werken. Zu guter Letzt, als leidenschaftliche Sammlerin ihrer geliebten Vintage-Stoffe, integriert
sie deren Drucke in ihren Arbeiten, welche oft als Hintergründe für ihre Bilder dienen.
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Kasia Gawron is a professional artist, graduate at the Academy of Fine Arts in Wroclaw, Poland and
School of Visual Arts in New York, USA. She worked for many years in the US and in China as a graphic
designer and colourist. Eventually, at some point of her life, she decided to focus on painting and
drawing. Kasia currently lives and works in the picturesque East Sudety Mountains in Poland.
Kasia has a strong interest in drawing the human body, which she finds immensely beautiful and
fascinating. Her other fascination is the classical and modern dance; this topic is abundantly present in
her works. She likes to explore emotions and feelings expressed by the human body, its various forms
and shapes, which are so amazingly unique to particular individuals. As a countermeasure, she often
incorporates letters as well as handwriting and typography. Finally yet importantly, as a passionate
collector of vintage fabrics she loves to integrate their prints in her works, she often uses them as
backgrounds for paintings.
Kasia Gawron
«Dance 5»
Zimmer/ room 14
20.5cm x 29cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 265
Kasia Gawron
«Mandarin 3»
Zimmer/ room 14
24cm x 30cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 265
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Kasia Gawron
«Phenomenal woman»
Vor Zimmer/ in front of room 23
60cm x 90cm
Öl auf Leinwand/ Oil on canvas
2014
CHF 530
Laura Cleary
Laura Cleary ist bildende Künstlerin, sie lebt und arbeitet in Chattanooga, Tennessee. Sie erhielt ihren
„Bachelor of Fine Art“ an der Tufts University in Verbindung mit der „School of the Museum of Fine
Arts, Boston“. In Boston begann Laura Naturwissenschaften und Druckgrafik zu studieren; diese
Interessen haben zur Teilnahme an einem Workshop mit der international anerkannten Künstlerin und
Grafikerin Catherine Kernan geführt.
Laura erhielt später ein Stipendium vom „Savannah College of Design“ (SCAD) in Atlanta, wo sie ihren
„Master in Printmaking“ im Jahr 2012 machte. Während sie am SCAD war, arbeitete Laura mit dem
Master-Drucker Robert Brown bei „Southeastern Center for printmaking“ als Assistentin des
Projektleiters; später übernahm sie die erste Mitarbeit als Master-Drucker. Zusammen mit zwei
Kolleginnen gründete Laura „Straw Hat Press“, eine Kunstverlags- und Vertrags-Druckerei in Atlanta.
Im Jahr 2014 verliess Laura Atlanta, um ihre eigene Kunst-Karriere in Chattanooga, Tennessee zu
verfolgen, wo sie heute mit einer Reihe von Techniken, einschliesslich Druckgrafik, Malerei, Zeichnung
und Fotografie, arbeitet.
Laura präsentiert sich national und international. Ihre Arbeiten sind in mehreren privaten und
öffentlichen Sammlungen enthalten.
Laura Cleary is a visual artist living and working in Chattanooga, Tennessee. She received her Bachelor
of Fine Art from Tufts University in affiliation with the School of the Museum of Fine Arts, Boston. In
Boston, Laura began studying natural sciences and printmaking; these interests led to her participation
in a workshop with internationally recognized artist and printmaker Catherine Kernan.
Laura later received a full scholarship from Savannah College of Design (SCAD) in Atlanta where she
completed her Masters in Printmaking in 2012. While at SCAD, Laura worked with master printer Robert
Brown at Southeastern Center for Printmaking as a printer, assistant project manager and later took on
her first collaboration as a master printer.
Along with two colleagues, Laura founded Straw Hat Press, a fine arts publishing and contract print
shop in Atlanta, GA.
In 2014, Laura left Atlanta to pursue her own art career in Chattanooga, Tennessee, where she is
working in a range of mediums including; printmaking, painting, drawing and photography.
Laura has showcased nationally and internationally. Her work is included in several private and public
collections.
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Laura Cleary
«simplex fugam, a notationa: a notation»
Zimmer/ room 34
61cm x 86.4cm
Pigmente, Wachs, Radierungen, Farbstifte.
Graphit, Acrylmedium
pigment, wax, etchings, coloured pencil,
graphite, arcylic medium
2014
CHF 420
Malika Crutchfield
Malika Crutchfield ist eine in der “Bay Area“ lebende Künstlerin, Pädagogin und KommunikationsVerfechterin. Ihre Fotografien konzentrieren sich auf das urbane Leben im 21. Jahrhundert, den
Eintagsfliegen in der natürlichen Welt und dem Schnittpunkt zwischen den beiden.
Im Laufe des letzten Jahrzehnts hat Malika als Journalistin für Online-Nachrichtenagenturen gearbeitet
und im Bildbearbeitungsbereich im Bildungsverlagswesen; sie hat ausserdem Lehr-, Geschichts-,
Sozialkunde- sowie Sprachbücher editiert. Ihre Bilder waren in Ausstellungen und Galerien in den USA
und auch international zu sehen.
Malika ist die Kommunikationskoordinatorin bei „La Raza Community Resource Center“, einer NonProfit-Organisation, die kostenlose soziale Dienste, Bildung und Krisenintervention in San Francisco
anbietet.
Malika hat einen Bachelor of Arts in Kulturwissenschaften vom „Sarah Lawrence College“ und erwarb
einen Master of Arts in „African Diaspora Studies“ an der UC Berkeley im Jahr 2008.
Malika Crutchfield is a Bay Area-based artist, educator, and community advocate. Her photography
focuses on urban life in the 21st century, ephemera in the natural world and the intersection between
the two.
Over the last decade, Malika has worked as a journalist for online news outlets and as a photo editor in
educational publishing, has edited culturally responsive textbooks and published original history, social
studies and language arts curriculum.
She has had work shown in exhibitions, galleries, and publications across the U.S. and internationally.
Malika is the Communications Coordinator at La Raza Community Resource Center, a non-profit
organization that provides free social services, education and crisis intervention in San Francisco’s
Mission District.
Malika has a Bachelor of Arts in writing and cultural studies from Sarah Lawrence College and earned
a Master of Arts degree in African Diaspora Studies from UC Berkeley in 2008.
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Malika Crutchfield
«sleepwalking»
Im Gang zu Zimmer 18/ hallway to room 18
20.32cm x 25.4cm
Fotografie/ Photograph
2014
CHF 145
Malika Crutchfield
«survival»
Vor Zimmer/ in front of room 15
25.4cm x 25.4cm
Fotografie/ Photograph
2014
CHF 145
Marlies Achermann-Gisinger
Die Künstlerin Marlies Achermann aus Bonstetten/ Zürich nimmt ihre Umgebung aufmerksam wahr
und hält sie fotografisch fest. Diese Fotografien dienen der Künstlerin als Anregung und Ausgang für
ihre experimentelle „Hinterglasmalerei“. Dabei werden nur Bruchteile von Fotografien verwendet.
Nach einer Nitrofrottage trägt die Künstlerin Acrylfarbe auf und ritzt und collagiert verschiedene
Materialien hinter das Glas.
Die stete Veränderung und das Experiment sind formgebende Elemente, die uns in den Glasbildern
begegnen. Der Besucher erkennt Zeitungsfragmente, Handschriften und Ausschnitte fotografischer
Aufnahmen – alle übrigen Formen und Strukturen sind neu und überraschend. Die feinen Linien und
Farben sowie die Technik verleihen den Werken eine poetische Leichtigkeit, die auch die Künstlerin
selber charakterisiert.
„Achermanns minutiöse Wahrnehmung der Umwelt, ihr Nachdenken und Nachsinnen lassen die Nähe
zur Lyrik erahnen. Nur sind es statt Worte Bildfragmente und die gläserne Transparenz, die nun mit
einer neuen Geschichte umhüllt ist. Leichtfüssig und lustvoll gleiten die Augen der Betrachter über die
gläsernen Bildträger und lassen sich staunend immer wieder von neuem überraschen.“ (Zitat Nana
Pernod, Kunsthistorikerin)
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The artist Marlies Achermann from Bonstetten/ Zurich perceives her surrounding very carefully and
holds it up photographically. These photographs serve the artist as an inspiration and starting point of
her experimental "glass painting". Only fractions of photographs are used. After a Nitro frottage, the
artist continues with acrylic paint and scratches and finally collages various materials behind the glass.
The constant change and the experiment are shaping elements that we encounter in the glass pictures.
The observer recognizes newspaper fragments, manuscripts and photographic recordings - all other
forms and structures are new and surprising. The fine lines and colours, as well as the technique give
a poetic lightness to each artwork. The lightness also characterizes the artist herself.
You can guess the closeness to poetry by Achermann's meticulous perception of the environment, its
reflection and contemplation. Nevertheless, there are no words, but pictorial fragments and the glass
transparency, which are now covered with a new story. Fleet-footed and relish the eyes of the observer
glide on the glass image and be amazed again and again. (text by Nana Pernod, art historian)
Marlies Achermann
«New York»
Zimmer/ room 35
40cm x 40cm
Mischtechnik hinter Glas
Mixed Media behind glass
2014
CHF 800
verkauft/ sold
Marlies Achermann
«Urban Gardening»
Vor Zimmer/ In front of room 35
50cm x 50cm
Mischtechnik hinter Glas
Mixed Media behind glass
2015
CHF 900
18
Marlies Achermann
«Flower»
Zimmer/ room 35
40cm x 40cm
Mischtechnik hinter Glas
Mixed Media behind glass
2015
CHF 800
Marlies Achermann
«Auf den Punkt gebracht»
Büro Direktion
30cm x 60cm
Mischtechnik hinter Glas
Mixed Media behind glass
2015
CHF 950
Mina Bellavia
Mina Bellavia ist eine Künstlerin aus New Orleans. Ihre Arbeit besteht aus Skulpturen, Malerei,
Figurenstudien, Druckgrafiken sowie der Papierherstellung. Sie stützt auf Materialien und ihre
Verfahren. Ihre Arbeit ist als ein komplexes, mehrdimensionales Selbstporträt zu verstehen.
Ihre Kunst strebt nicht nach Ästhetik, sondern ist ein Versuch, diejenigen Formen zu erkunden, welche
die verschiedenen Kunstgenres verschmelzen lassen. Sie kreiert spannende visuelle Aussagen, die das
Potenzial besitzen, ihre persönliche Wahrnehmung der sozialen, sexuellen und spirituellen Bezüge des
Lebens zu erklären. In diesem Prozess der Schöpfung ist sie in der Lage zu lernen, was ihre Identität
formt, und sich selbst eine Stimme zu geben, um sich einzugestehen, wer und was sie ist. Sie wagt es
nicht, sich selbst neu zu erfinden, sondern vielmehr zu klären, auf welchem Pfad sie sich befindet.
Mina is an artist based in New Orleans. Her work consists of sculptures, paintings, figure studies,
printmaking and papermaking. She relies heavily on the influence of materials and processes. Her work,
as a whole, is best understood as a complex multi-dimensional self-portrait.
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Her artwork is not an empty pursuit of aesthetics or intellectual clichés, but rather an honest attempt
to explore forms that blend various genres together. She intends to create exciting visual statements
that have potential to explain her personal perceptions of social, sexual and spiritual concerns of life as
a woman, constantly in transition. In this process of creation she is able to learn what forms her identity
and give herself a voice to confess who and what she is. She is not venturing to reinvent herself but
rather on working and expanding the path she is on.
Mina Bellavia
«Religion and Superstition»
Vor Zimmer/ In front of room 28
22.9cm x 15.9cm
Sumi-Tinte auf Buchseite/ Sumi ink on book page
2014
CHF 350
Mina Bellavia
«Punch: appendix Signatures»
Zimmer/ room 36
22.9cm x 15.9cm
Sumi-Tinte auf Buchseite/ Sumi ink on book page
2014
CHF 350
Mina Bellavia
«A Love Token»
Zimmer/ room 36
14cm x 22.9cm
Sumi-Tinte und Aquarell auf Buchseite
Sumi ink and watercolour on book page
2014
CHF 350
20
Mina Bellavia
«Hill Manual»
Gang zu Zimmer 28/ hallway to room 28
26.7cm x 21cm
Sumi-Tinte auf Buchseite/ Sumi ink on book page
2014
CHF 350
Mina Bellavia
«Hill Etiquette of Social Game»
Gang zu Zimmer 28/ hallway to room 28
26.7cm x 21cm
Sumi-Tinte auf Buchseite/ Sumi ink on book page
2014
CHF 350
Newton Scheufler
Newton Scheufler wurde 1959 in Porto Alegre/Brasilien geboren. Er ist ein kompletter Künstler, obwohl
er zugibt, dass er sich immer (wieder) neu entdeckt und seinen eigenen Stil verfeinert. Als Maler,
Grafiker, Illustrator, Kalligraph, Professor für Philosophie der Kunst, Biologe, Anthropologe, Lehrer und
Forscher unterwirft er sich den Anforderungen dieser besitzergreifenden Geliebten namens Kunst. In
dieser intimen, stressreichen und glücklichen Beziehung, die er mit der Kunst hat, identifiziert er sich
selbst als Renaissance- und Barockgeist.
Newton hat an der Universität von Brasilia Biologie studiert und erhielt einen Master-Abschluss in
Sozialanthropologie der gleichen Universität. Er hatte bereits mehrere individuelle und kollektive
Ausstellungen seiner Werke. Er hat auch mehrere Artikel und Rezensionen über Kunst veröffentlicht
und verfügt über eine umfangreiche grafische Arbeit im Bereich Design und Illustration.
Newton was born in Porto Alegre/ Brazil, in 1959. He is a full-blooded artist, although he admits that
he is always (re)discovering and refining his own style. Painter, graphic designer, illustrator, calligrapher,
professor of Philosophy of Art, biologist, anthropologist, teacher, researcher; he surrenders himself to
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the demands of this possessive lover called Art. In this intimate, distressful and happy relation that he
has with Art, he identifies himself as a Renaissance and Baroque spirit.
Newton has graduated in Biological Sciences from the University of Brasilia and received a Master’s
degree in Social Anthropology by the same university. He had already made several individual and
collective exhibitions of painting and drawing. He also published several articles and reviews on art and
has extensive graphic work in the area of design and illustration.
Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-6»
Vor dem Saal/ In front of the room «Shine and Dine»
42cm x 60cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-13»
Zimmer/ room 32
60cm x 42cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.-
Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-14»
Zimmer/ room 21
60cm x 42cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.-
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Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-17»
Zimmer/ room 15
60cm x 42cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.-
Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-18»
Zimmer/ room 27
42cm x 60cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.-
Newton Scheufler
«Mensagem para Fernando Pessoa-24»
Zimmer/ room 27
41cm x 32cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 245.-
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Newton Scheufler
«Message to Fernando Pessoa: Palavras de Pórtico»
Zimmer/ room 21
42cm x 60cm
Mischtechnik auf Papier/ Mixed Media on paper
2015
CHF 295.-
Pamela Gotangco
Mit einem “Bachelor of Arts in Communication“ am Miriam College in den Philippinen, ist Pamela
Gotangco eine Befürworterin der alternativen Kommunikation durch künstlerische Medien. Sie findet
die Malerei die Überzeugendste.
Sie glaubt daran, ihre Gedanken durch ihre Kunstwerke zum Ausdruck zu bringen, so folgenschwer,
unbedeutend oder zufällig sie auf der Welt zu sein scheinen. Sie charakterisiert ihren Stil als figurativ,
spassig, weiblich und willkürlich. Geboren auf den Philippinen, reist sie für die Arbeit und auch in ihrer
Freizeit durch die Welt. Aus ihrer bunten Lebenserfahrung resultiert eine wesentliche Inspiration für
ihre Arbeit. Als Befürworterin der Chancengleichheit für Frauen implementiert sie auch die Rolle der
Frau in der heutigen Gesellschaft in ihre Werke. Manchmal sind ihre Arbeiten als Selbstporträtkunst mit
ikonischen weiblichen Figuren zu verstehen. Pamela arbeitet in Schichten.
Pamela lebt heute in Zürich und arbeitet seit 2010 als freischaffende Künstlerin. Pamelas Ansicht nach
ist Kunst völlig subjektiv, und es soll nicht zu lange dauern, sich eine Meinung über ein Kunstwerk zu
bilden.
A Bachelor of Arts in Communication graduate from Miriam College, Philippines, Pamela is an advocate
of alternative communication through relevant artistic media. She found painting to be the most
compelling.
She believes in expressing her thoughts, however momentous, insignificant, or random they may be
to the world, through her artwork. She characterizes her style as figurative, fun, feminine and arbitrary,
oftentimes bordering socio-political arguments. Born in the Philippines and having travelled the world
extensively both for work and pleasure, she considers her life experience to be colourful, thus providing
substantial inspiration to her work. A proponent of equal opportunity for women, she also draws insight
from the role of women in our present society. Sometimes her work can be seen as self-portraiture of
her private life using iconic female figures. Working in layers, she incorporates motifs drawn from both
her own life experience and from the people around her in her latest works. Her main focus is to engage
the viewer to sense a connection in her subject matter and provoke discussion.
Pamela is now based in Zurich and has started painting professionally in 2010. Constantly, Saatchi
Online Director Rebecca Wilson curates her work as top picks. Pamela believes that art is entirely
subjective and that it should not take too long to form an opinion on an artwork.
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Pamela Gotangco
«Peace on Earth»
Gang 3ter Stock)/ Hallway 3rd floor
100cm x 100cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2014
CHF 3‘500
Peter Gospodinov
Die abstrakten Werke von Peter Gospodinov thematisieren Momente bzw. Teilaspekte der Natur. Statt
einer figürlichen Wiedergabe von Naturausschnitten, geht es in seiner Arbeit vielmehr um eine
innerliche Spiegelung der äusseren Natur und Stimmungen.
Peter bezieht sich in seinen neuen Arbeiten in gewisser Weise wieder auf seinen künstlerischen
Anfang, auf seine Wurzeln. Sein neuer Ansatzpunkt ist das malerische Material, die Collage, die
Struktur, die Konstruktion und die Dekonstruktion. In dieser Rückbesinnung auf die elementaren
Strukturen sieht er einen Weg, Farbe und Motive wieder neu zu erarbeiten. Seine Farbräume haben
Tiefe und Weite, sie vibrieren. Die übereinanderliegenden Schichten und Collagen, das Zudecken und
«Zumalen» bewirken eine räumliche Ausdehnung der Bilder.
Der Ablauf von Zeit spiegelt sich auch darin wieder, dass Peter seine Bilder häufig nach einer
bestimmten Zeit ergänzt und teilweise übermalt. Er deckt damit Vergangenes zu, lässt es allerdings
immer noch an einigen Stellen durchscheinen, so dass es mit dem Gegenwärtigen in Verbindung treten
kann.
The abstract artworks of Peter Gospodinov broach moments or aspects of nature. Instead of a figurative
reproduction of natural extracts, it is rather about an internal reflection of the external nature and moods.
In his new paintings, Peter in some way refers back to his artistic beginning, to his roots. His new
starting point is the picturesque material, the collage, the structure, the construction and
deconstruction. In this return to the elementary structures, he can see a way to redevelop colour and
motive again. His color spaces have depth and breadth, they vibrate. The superimposed layers and
collages, the cover and "over painting" cause a spatial extension of the images.
The lapse of time is reflected again in the fact that Peter is often reworking his paintings and partially
recovers them. He therefore covers the past; however, sometimes still leaves it shine through to some
extent, so that it can contact the current time.
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Peter Gospodinov
«Broadway»
Zimmer/ room 13
55cm x 40cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘800
Peter Gospodinov
«Mirage»
Zimmer/ room 33
69cm x 39cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘800
Peter Gospodinov
«Sprung»
Zimmer/ room 33
50cm x 40cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘400
Peter Gospodinov
«Yesterday»
Zimmer/ room 17
60cm x 50cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘800
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Philip Persson
Im Frühjahr 2014 absolvierte Philip Persson die Akademie für Kunst und Design in Bergen mit einem
«Bachelor in Fine Art». Seine Arbeit fokussiert vor allem im Bereich der Fotografie, Film und Text.
Während des vergangenen Jahres drehte sich seine Arbeit rund um urbane Räume und Wohnzonen,
die ihn zuhause und auf Reisen umgaben. Unter anderem könnte man sagen, dass die persönliche
Identität, die Gruppenidentität und die kollektiven Mentalitäten Schlüsselbegriffe in seiner Praxis sind.
Durch die Infragestellung der Beziehung zwischen dem Reich der Erinnerung und der Erfahrung, eignet
er sich die Tradition des Gedenkens an. Im Teufelhof Basel zeigt Philip eine Textarbeit mit dem Titel
«The only place I´ll go». Philip lebt und arbeitet in Stockholm/ Schweden
Philip graduated from Bergen Academy of art and Design in spring 2014 with a Bachelor in Fine Arts.
His work mainly focuses on photography, film and text. During the past year his work has revolved
around urban spaces and living zones that surround him at home and while travelling. Among others,
one could say that personal identity, group identity and collective mentalities are key words in his
practice.
By questioning the relationship between the realm of memory and experience, he appropriates the
tradition of remembrance. At Der Teufelhof Basel, Philip is showing a text work named «The only place
I´ll go». Philip lives and works in Stockholm, Sweden.
Philip Persson
«The Only Place I’ll Go»
Zimmer/ room 25
63cm x 46cm
Siebdruck auf Papier, Ausgabe 1/4
Silkscreen on paper, edition 1/4
2015
CHF 270
Polina Grinberg
Polina Grinberg wurde 1984 in Moskau/Russland geboren. Jetzt lebt und arbeitet sie in
Koblenz/Deutschland. Zurzeit studiert sie Kunst am Institut für Künstlerische Keramik und Glas in HöhrGrenzhausen und absolviert dort einen „Bachelor of Fine Arts“ im Bereich der Keramik. Ihre Werke
waren bereits in Galerien und Ausstellungen in Russland und Deutschland zu sehen.
Die Serie, an der sie derzeit arbeitet, heisst «One Word Sculpture» (Ein-Wort-Skulptur). Für jedes Bild
hat sie eine Emotion ausgewählt und schuf eine Mixed-Media-Installation, in welcher sie Keramik (das
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Material, mit welchem sie vor allem arbeitet) mit Metall, Kunststoff oder anderen Materialien
kombiniert. Jedes Objekt enthält eine Reihe von Buchstaben, die zusammen das Wort (die Emotion, z.
B. erstaunt, begeistert, angewidert etc.) ergeben. Die Skulpturen werden nie im Ofen ausgehärtet und
sind nicht dazu gedacht, für eine längere Zeit zu existieren. So wie Emotionen: nach einer Weile
verschwinden sie. Nur Bilder dieser Momente bleiben übrig. Polina glaubt an die Kunst als eine Art der
Sprache und daran, dass wir viele Dinge, ohne etwas zu sagen, kommunizieren, Emotionen mit Formen
und Farben ausdrücken können.
Polina Grinberg was born in 1984 in Moscow/ Russia. She lives and works in Koblenz/ Germany. She
studies Art at the Institute of Ceramic and Glass Arts in Höhr-Grenzhausen. Her artworks were exhibited
in galleries and exhibitions in Russia and Germany.
The series she is currently working on is called “One Word Sculpture”. For every image, she chose one
emotion and created a mixed media installation, which combines ceramics (the material she primarily
works with), metal, plastic or other materials. Each of the sculptural objects contains a number of
letters, which together make the word (emotion, e.g. amazed, delighted, disgusted etc.) The sculptures
are never fired and are not meant to exist for a long time. Just as emotions, they disappear after a
while. Only photos of these moments are left. Polina believes in art being a language and that we can
communicate many things without saying anything and express emotions using forms and colours.
Polina Grinberg
«One Word Sculpture Nr 5 (Inferior)»
Gang 2ter Stock/ Hallway 2nd floor
20cm x 30cm
Digitaldruck/ Digital Print
2015
CHF 145
Polina Grinberg
«One Word Sculpture Nr 14 (Abandoned)»
Gang 2ter Stock/ Hallway 2nd floor
20cm x 30cm
Digitaldruck/ Digital Print
2015
CHF 145
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Polina Grinberg
«One Word Sculpture Nr 8 (Tender)»
Gang 2ter Stock/ Hallway 2nd floor
20cm x 30cm
Digitaldruck/ Digital Print
2015
CHF 145
Sandra Gerosa
Sandra Gerosa wurde 1956 in Locarno geboren, sie lebt und arbeitet derzeit in Vezia/Tessin. Ihr Beruf
ist Kosmetikerin, ihr grosses Vergnügen ist die Malerei und aus Liebe ist sie Mutter und Grossmutter.
Sie hat als Autodidaktin ihren Weg in die Malerei gefunden und regelmässig Kurse besucht. Besonders
gerne besucht sie Ausstellungen und Messen.
Es ist ihre Herausforderung, Ideen auf die Leinwand zu übertragen und sie in Farben umzuwandeln, in
einer persönlichen und autonomen Suche. Wiederkehrende Themen in ihren Bildern sind Gefühle,
Wünsche und die menschliche Komplexität. Als Kosmetikerin gefällt ihr «das Schöne», Farben und
Lebenskontraste im zyklischen Wechsel. Die Farbe ist das Fenster zu ihrer Seele.
Sandra Gerosa was born in 1956 in Locarno, she currently lives and works in Vezia. Her profession is
beautician, her great pleasure is painting and her love is being a mother and grandmother. She found
her way into art as an autodidact and regularly attends classes. She particularly likes to visit art
exhibitions and fairs.
It is her personal challenge to transfer her ideas onto a canvas and to transform this canvas into colours
with a personal and autonomous search. Recurring themes in her paintings are emotions, desires and
human complexity. As a beautician, she likes "the Beauty", colours and contrasts in life in cyclic
alternation. The colour is the window to her soul.
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Sandra Gerosa
«Fair Lady»
Gang 1ter Stock/ Hallway 1st floor
100cm x 130cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘500
Sandra Gerosa
«Intersection»
Zimmer/ room 39
80cm x 100cm
Mischtechnik/ Mixed Media
2015
CHF 1‘000
Sandra Hunter
Sandra Hunter ist eine britische Künstlerin, wohnhaft in Kalifornien, die mit Nahansicht Digitalfotos mit
poetischen Texten auf klaren Acrylglasplatten überlagert. Ihre Absicht ist es, die Linearität zu stören
und den Betrachter aufzufordern, es langsamer angehen zu lassen, die Kenntnis der Sprachportale zu
erkennen und um schliesslich in der Beziehung mit dem Bild anzukommen.
Beim Durchschauen der Sprache sieht der Betrachter das Foto anders und bildet so die eigene GedichtBild-Beziehung. Der Text führt den Betrachter in das Bild und erfasst, wie visuelle und schriftliche
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Sprachen überlappen. Das Foto und das Gedicht bewegen sich zwischen dem Betrachter und dem
Gedicht wie auch zwischen dem Betrachter und der Fotografie.
Sandra Hunter is a British artist living in California. She is working with close-up digital photographs
overlaid with poetic text on clear acrylic sheets. Her intention is to disrupt linearity and challenge the
viewer to slow down, to be aware of the portals of language and to arrive, finally, at their relationship
with the image.
As the viewer looks through the language, they see the photograph differently and form their own
poem-image relationship. The text leads the viewer into the image and captures how visual and written
languages overlap. The photograph and the poem move between each other, between the viewer and
the poem, and between the viewer and the photograph.
Sandra Hunter
«laying/ lain»
Zimmer/ room 23
43.2cm x 27.9cm x 2.5cm
Fotografie mit Acrylglasplatte überlagert
photograph overlaid with acrylic sheet
2013
CHF 1‘080
Sandra Hunter
«spider»
Vor Zimmer/ in front of room 36
45.7cm x 30.5cm x 2.5cm
Fotografie mit Acrylglasplatte überlagert
photograph overlaid with acrylic sheet
2013
CHF 1‘080
Scott Weingarten
Scott Weingarten wurde in Brooklyn/New York geboren und wuchs auch da auf. Er besuchte vier Jahre
lang die Kunsthochschule in New York. Er hat einen Abschluss in Mode-Illustration und Bildender Kunst.
Während sechs Jahren studierte er Fotografie mit einem Mentor. Das Programm Photoshop und
andere Fotografie-Techniken zu erlernen, halfen ihm enorm, in seiner Kunstkarriere zu wachsen.
Er war schon immer fasziniert davon, Menschen zu fotografieren und diese in der bizarrsten Art zu
abstrahieren. Andererseits zeigen seine Porträts Menschen in harmonischen Situationen. Seine
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Fotografien erwecken seine inneren Gedanken wieder zum Leben und zeigen seine Jugend durch
gefühlvolle Kreativität.
Scott Weingarten was born and raised in Brooklyn, New York USA. Attended Art College for four years
in New York City. He has a degree in both Fashion Illustration and Fine Arts. He studied photography
with a mentor for six years. Learning Photoshop and different photography techniques helped him to
grow tremendously in his art career.
He has always been fascinated by photographing people and abstracting them in the most bizarre ways
possible. On the other hand, his portraits show people in harmonious situations. His photographs bring
his inner thoughts back to life showing his youth through soulful creativity.
Scott Weingarten
«Asian Tattoo»
Gang 3ter Stock/ Hallway 3rd floor
65cm x 80cm
Fotografie/ Photograph
2014
CHF 435
Scott Weingarten
«Mexican Cowboy»
Zimmer/ room 12
45cm x 80cm
Fotografie/ Photograph
2014
CHF 435
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