SOMMARIO n. 115-116 - Centro Studi Cinematografici

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SOMMARIO
Anno XVIII (nuova serie)
n. 115-116 gennaio-aprile 2012
Bimestrale di cultura cinematografica
Edito
dal Centro Studi Cinematografici
00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6
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intestato a Centro Studi Cinematografici
Spedizione in abb. post.
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Filiale di Roma)
Si collabora solo dietro
invito della redazione
Direttore Responsabile: Flavio Vergerio
Direttore Editoriale: Baldo Vallero
Cast e credit a cura di: Simone Emiliani
Segreteria: Cesare Frioni
Redazione:
Marco Lombardi
Alessandro Paesano
Carlo Tagliabue
Giancarlo Zappoli
Hanno collaborato a questo numero:
Veronica Barteri
Elena Bartoni
Luca Caruso
Tiziano Costantini
Maria Cristina Caponi
Marianna Dell’Aquila
Jacopo Lo Jucco
Elena Mandolini
Fabrizio Moresco
Danila Petacco
Francesca Piano
Silvia Preziosi
Tiziana Vox
Stampa: Tipostampa s.r.l.
Via dei Tipografi, n. 6
Sangiustino (PG)
Nella seguente filmografia vengono
considerati tutti i film usciti a Roma e
Milano, ad eccezione delle riedizioni.
Le date tra parentesi si riferiscono alle
“prime” nelle città considerate.
n. 115-116
Acab ......................................................................................................
Albert Nobbs .........................................................................................
Almanya, la mia famiglia va in Germania ..............................................
Alvin Superstar 3 – Si salvi chi può .......................................................
Arte di vincere (L’) .................................................................................
Artist (The) ............................................................................................
Benvenuti al nord ..................................................................................
Buono, il matto, il cattivo (Il) ..................................................................
Cambio Vita ...........................................................................................
Chiave di Sara (La) ...............................................................................
Come è bello far l’amore .......................................................................
Cose dell’altro mondo ...........................................................................
Crazy, Stupid, Love ...............................................................................
Eagle (The) ...........................................................................................
Enter the Void ........................................................................................
E ora dove andiamo? ............................................................................
Finalmente la felicità .............................................................................
Gatto con gli stivali (Il) ...........................................................................
Giorno questo dolore ti sarà utile (Un) ..................................................
Help (The) .............................................................................................
Hugo Cabret ..........................................................................................
Hysteria .................................................................................................
Idi di marzo (Le) ....................................................................................
Immaturi – Il viaggio ..............................................................................
In Time ..................................................................................................
Iron Lady (The) .....................................................................................
I Want to Be a Soldier ...........................................................................
Jack & Jill ..............................................................................................
J. Edgar .................................................................................................
Lanterna verde ......................................................................................
Lezioni di cioccolato 2 ...........................................................................
Ligabue – Campovolo – Il film 3D .........................................................
Midnight in Paris ...................................................................................
Millenium – Uomini che odiano le donne ..............................................
1921 – Il mistero di Roockford ..............................................................
Miracolo a Le Havre ..............................................................................
Muppet (I) ..............................................................................................
Napoletans ............................................................................................
Nevi del Kilimangiaro (Le) .....................................................................
Ora nera (L’) ..........................................................................................
Polisse ...................................................................................................
Punto d’impatto .....................................................................................
Qualcosa di straordinario ......................................................................
Real Steel .............................................................................................
Ruggine .................................................................................................
Schiaccianoci 3D (Lo) ...........................................................................
Sette opere di misericordia ...................................................................
Shame ...................................................................................................
Sherlock Holmes: gioco di ombre .........................................................
Super 8 .................................................................................................
Talpa (La) ..............................................................................................
Una notte da leoni 2 ..............................................................................
War Horse .............................................................................................
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Film
Tutti i film della stagione
MIDNIGHT IN PARIS
(Midnight in Paris)
Stati Uniti, Spagna 2011
Regia: Woody Allen
Produzione: Mediapro, Versátil Cinema, Gravier Productions,
Pontchartrain
Distribuzione: Medusa
Prima: (Roma 2-12-2011; Milano 2-12-2011)
Soggetto e Sceneggiatura: Woody Allen
Direttore della fotografia: Darius Khondji
Montaggio: Alisa Lepselter
Musiche: Stephane Wrembel
Scenografia: Anne Seibel
Costumi: Sonia Grande
Interpreti: Kathy Bates (Gert), Adrien Brody (Salvador Dalì),
Carla Bruni (Guida al museo) Marion Cotillard (Adriana),
Rachel McAdams (Inez), Michael Sheen (Paul), Owen Wilson
il, sceneggiatore hollywoodiano
con aspirazioni da romanziere,
arriva a Parigi con la sua futura
sposa Inez e con i genitori di lei, il ricco
uomo d’affari conservatore John e la moglie Helen. Gil, grande estimatore della
Ville Lumière, ha sempre coltivato il sogno di essere un grande scrittore e adora i
grandi autori americani come Fitzgerald
o Hemingway, ma, avendo scoperto il suo
talento di sceneggiatore, ha da molti anni
optato per un lavoro di routine e molto ben
pagato. Ora Gil è molto preso dalla scrittura del suo romanzo e si tiene per un periodo lontano dalla sua professione abituale. Il fatto di essere a Parigi, dove ha
vissuto quando aveva vent’anni, risveglia
in lui le mai sopite ambizioni letterarie.
Una sera, rimasto solo a passeggiare per
la strada, gli si accosta una vecchia automobile con a bordo una comitiva di sco-
G
(Gil), Nina Arianda (Carol), Kurt Fuller (John), Tom Hiddleston
(Sig. Fitzgerald), Mimi Kennedy (Helen), Alison Pill (Sig.na
Fitzgerald), Léa Seydoux (Gabrielle), Corey Stoll (Ernest
Hemingway), Lil Mirkk (Jake Henson), Gad Elmaleh (Detective Tisserant), Daniel Lundh (Juan Belmonte), Michel Vuillermoz
(Conte), Yves Heck (Cole Porter), Marcial Di Fonzo Bo (Pablo
Picasso), Sonia Rolland (Joséphine Baker), Adrien de Van (Luis
Buñuel), Olivier Rabourdin (Paul Gauguin), François Rostain
(Edgard Degas), Yves-Antoine Spoto (Henri Matisse), Serge
Bagdassarian (Detective Duluc), Vincent Manjou Cortes (Paul
Gauguin), David Lowe (Thomas Elliot), Laurent Claret (Leo
Stein)
Durata: 94’
Metri: 2580
nosciuti dall’atteggiamento amichevole
che gli offre un passaggio. Gil accetta e si
ritrova catapultato a una festa della Parigi anni Venti dove i suoi primi incontri sono
con Francis Scott Fitzgerald e sua moglie
Zelda. Lasciata la festa, segue i coniugi
Fitzgerald in un bar dove i due gli presentano Ernest Hemingway. Incredulo, Gil
parla col grande romanziere del suo libro
e gli chiede di leggerlo. Hemingway vuole
portare il suo romanzo a Gertrude Stein.
Sempre più meravigliato, Gil dice che andrà a prenderlo. Ma, tornato dopo poco
indietro, non trova più il caffè ma una moderna lavanderia. Il giorno dopo racconta
la sua avventura a Inez e, per dimostrarle
la verità, la invita la sera seguente allo stesso angolo dove si era fermata l’auto che
lo aveva prelevato. Ma i minuti passano e,
non arrivando nessuno, Inez, stufa, decide
di tornare in albergo lasciando Gil in stra-
2
da. Poco dopo, ecco arrivare di nuovo l’auto: questa volta a bordo c’è Hemingway
che lo conduce a casa di Gertrude Stein.
Nell’appartamento della scrittrice, Gil incontra anche Picasso e la sua giovane e
bellissima amante Adriana. Gil sottopone
il suo romanzo alla padrona di casa. La
sera seguente, di nuovo lo stesso viaggio
nel tempo. Gil si reca ad una festa in casa
Fitzgerald, poi va via con Adriana con la
quale passeggia a lungo nella notte. In un
bar la donna gli presenta Salvador Dalì,
Luis Buñuel e Man Ray. Gil continua a dividersi fra le giornate nel presente con Inez,
molto impegnata nei preparativi per il loro
matrimonio, e le sue nottate nel passato.
Una sera Gil apprende che Picasso e
Adriana si sono lasciati. Affascinato dalla
donna, passa con lei incantevoli serate e
una notte i due vengono catapultati nella
Parigi della Belle Epoque, il periodo storico nel quale Adriana ha sempre sognato
di vivere. I due si intrattengono con i maestri impressionisti Toulouse Lautrec, Gauguin e Degas che discutono sulla loro epoca ideale: il Rinascimento. Gil confessa ad
Adriana di essere fuggito dal 2011 negli
anni Venti del Novecento così come lei vorrebbe rifugiarsi nella Belle Epoque. Ma la
giovane donna, fermamente convinta di
voler restare a vivere a Parigi nella sua
epoca più gloriosa, saluta per sempre Gil.
Tornato negli anni Venti, Gil riceve i complimenti di Gertrude Stein per il suo libro.
Di nuovo nel presente, afferma che il passato non è affatto morto e annuncia a Inez
di voler restare a Parigi. Di notte, da solo,
sotto quella pioggia che rende così magica la città, Gil incrocia di nuovo il viso di
una giovane venditrice che aveva conosciuto al mercato delle pulci, il suo nome è
Gabrielle.
Film
n atto d’amore appassionato nei
confronti di Parigi. È la prima
cosa che salta agli occhi in questa opera n. 42 di Woody Allen regista. Non
che di aperte dichiarazioni d’amore alla
Ville Lumière il regista non ne abbia già
fatte: in Ciao, Pussycat, suo debutto come
sceneggiatore e attore, e, in tempi più recenti, nel delizioso Tutti dicono I love You.
La bellissima sequenza d’apertura di Midnight in Paris lascia parlare, senza alcun
altro commento, la sola meraviglia degli
impagabili scorci della città. Un po’ come
nell’incipit di Manhattan, Allen compone
una sinfonia per una città che considera al
pari della Grande Mela in termini di grandezza. Come ha detto “se non vivessi a
New York, Parigi sarebbe la mia città d’adozione”. Una Parigi un po’ da cartolina, anzi,
volutamente da cartolina, tappa obbligata
nel Gran Tour europeo che ha portato Allen in giro per le più belle città del vecchio
continente da Londra, a Barcellona, a Venezia.
La Parigi degli anni Venti è per il protagonista del film (alter-ego giovane del regista) la vera “età dell’oro” in cui ha sempre desiderato vivere. Le figure che la animano rappresentano il personalissimo “teatrino” del coté intellettuale adorato dal
regista. Un vero presepe vivente con le sue
figurine estremamente caratterizzate: da
un rude Hemingway, a un folle Dalì, da un
egocentrico Picasso, a un rigoroso Buñuel.
U
E infine lei, la bella e fascinosa Adriana, musa di Picasso e prima ancora amante di Modigliani, una giovane donna convinta che l’età dell’oro sia già passata. Ma
in fondo il gioco potrebbe ripetersi all’infinito (i maestri dell’ impressionismo rifuggono dalla Belle Epoque sognando il Rinascimento): insomma c’è sempre un passato migliore che giustifica la nostra insoddisfazione per il presente.
“Nostalgia è la negazione di un presente infelice” affermazione lapidaria e
spesso tristemente vera. Tale è il sentimento del protagonista Gil-Woody convinto che
“il presente è sempre un po’ insoddisfacente perché la vita è un po’ insoddisfacente”. Con una strizzatina d’occhio alle
magie spazio-temporali in stile La rosa
purpurea del Cairo e ai sogni notturni in
riva alla Senna di Tutti dicono I Love You.
Come già accaduto anche nel recente
passato ma con risultati inferiori (Incontrerai l’uomo dei tuoi sogni), le figure del suo
cinema perdono sempre di più la loro corporeità e diventano leggere come fantasmi. Con il soccorso dei suoi “fantasmi”,
Allen confeziona una bella parabola che
invita a pensare che la sensazione di non
appartenere all’epoca nella quale si vive,
sia più diffusa di quanto si pensi servendosi di un gruppo di attori come al solito
capaci di dare il meglio sotto la sua direzione: dal suo alter-ego di turno, Owen
Wilson, alla fidanzata del presente Rachel
McAdams, alla “dea del passato” Marion
Cotillard. Fino alle diverse partecipazioni
illustri su cui spiccano quelle di Kathy Bates-Gertrude Stein e di Adrien Brody-Salvador Dalì (sorvoliamo sull’apparizione
fugace di Carla Bruni-Sarkozy nei panni
di un guida turistica, se ne è parlato davvero troppo).
Illusioni, nostalgia, sguardo rivolto all’indietro, la ricerca della felicità nella fantasia. Da sempre affascinato dalla magia
(da ragazzino ha raccontato di essere stato
un discreto illusionista e da adulto si è divertito a vestire i panni di “maghetto” da
strapazzo nel gustoso Scoop), Allen ha
motivato la sua passione con queste parole in una recente intervista: “Forse perché speravo che ci fosse magia nel mondo: l’ho sempre cercata ma non l’ho mai
trovata. Sarebbe bello se qualcosa di magico potesse salvarci. Ma questo qualcosa non esiste”.
Un volo per sfuggire a un presente
sempre più cupo e difficile? In fondo questa è sempre stata la missione del cinema, e oggi più che mai sentiamo il bisogno di aggrapparci a esso.
Sogno, fantasticheria, magia pura, un
tuffo nell’illustre passato del Novecento, in
più col marchio d’autore dell’irraggiungibile Woody, cosa chiedere di più in tempi bui?
Elena Bartoni
LA TALPA
(Tinker, Tailor, Soldier, Spy)
Gran Bretagna, Germania 2011
Regia: Thomas Alfredson
Produzione: Working Title, Karla Films, Paradis Films, Kinowelt
Filmproduktion con la partecipazione di Canal+ e Cinecinema
Soggetto: Dal Romanzo “La talpa” di John Le Carré
Sceneggiatura: Bridget O’Connor, Peter Straughan
Direttore della fotografia: Hoyte Van Hoytema
Montaggio: Dino Jonsäter
Musiche: Alberto Iglesias
Scenografia: Maria Djurkovic
Costumi: Jacqueline Durran
Effetti: Framestore
Interpreti: Gary Oldman (George Smiley), Kathy Burke (Connie Sachs), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), David Dencik (Toby Easterhase), Colin Firth (Bill Haydon), Stephen
ella Londra ai tempi della Guerra Fredda, Control, il capo dell’MI6 (l’agenzia di spionaggio
per l’estero della Gran Bretagna), viene
N
Graham (Jerry Westerby), Tom Hardy (Ricki Tarr), Ciarán Hinds
(Roy Bland), John Hurt (Controllo), Toby Jones (Percy Allenine), Svetlana Khodchenkova ( Irina), Simon McBurney (Oliver
Lacon), Mark Strong (Jim Prideaux), Erskine Wylie(Spikeley),
Philip Martin Brown (Tufty Thesinger), Denis Khoroshko (Ivan),
Oleg Dzhabrailov (Sergei), Laura Carmichael (Sal), Roger LloydPack (Mendel), Tomasz Kowalski (Boris), Peter McNeil O’Connor (Fawn), Christian Mckay (Mackelvore), Tom Stuart(Ben),
Arthur Nightingale (Bryant), Amanda Fairbank-Hynes (Belinda),
William Haddock (Bill Roach), Linda Marlowe (Sig.ra McCraig),
Katrina Vasilieva (Ann Smiley), Sarah-Jane Robinson (Mary
Alleline), Konstantin Khabenskiy (Polyakov), Jamie Thomas King
(Kaspar), Philip Hill-Pearson (Norman), John Le Carré (Ospite
al party)
Durata: 127’
Metri: 3380
costretto alle dimissioni in seguito alla
perdita di un agente durante una missione
segreta in Ungheria. Control porta via con
se anche il fidato George Smiley, prossimo
3
alla pensione. Tuttavia quest’ultimo viene
richiamato in servizio dal sottosegretario
all’Interno per scoprire l’identità di una
talpa, assoldata dal KGB, infiltrata ai
Film
massimi livelli dell’organizzazione. Smiley
si trova così a dover indagare segretamente
i suoi ex-colleghi, spiandoli e analizzando
gli indizi radunati dal suo predecessore,
che aveva ristretto il campo a quattro possibili colpevoli, ribattezzati in codice lo
stagnaio, il sarto, il soldato ed il povero.
a Talpa è un film di spionaggio
dal sapore antico, come da tempo non se ne vedevano. La particolarità sta nella descrizione ordinaria e
banale di un mondo, quello degli agenti
segreti, che solitamente viene dipinto come
sfavillante ed accattivante. Gli sceneggiatori O’Connor e Straughan hanno infatti
adattato l’omonimo romanzo di John Le
Carré, il primo della cosiddetta trilogia di
Karla (il titolo originale Tinker, Tailor, Soldier
Spy deriva da una popolare filastrocca inglese per bambini, e rappresenta appunto
i quattro indiziati), mantenendone lo stile
discreto che negli anni è stato contrapposto all’universo sfarzoso creato da Ian Fleming per il suo James Bond; infatti più che
ad Agente 007 – Licenza di Uccidere l’ambiente di La Talpa assomiglia a quello di
Ipcress, altro film cult britannico di spionaggio degli anni ’60. Tomas Alfredson si
rivela essere l’uomo giusto per la regia di
questo tipo di pellicola. Il cineasta svedese dell’apprezzato Lasciami entrare costruisce un’atmosfera fredda e distaccata nella quale fa giostrare i suoi personaggi, as-
L
secondando una trama complessa ed intricata con un ritmo abbastanza lento ma
molto consono. Visivamente parlando, il
film è girato in modo elegante e sofisticato, capace di sfruttare appieno una scenografia vivida e realistica che ci trasporta
indietro alla Londra del 1973. L’esperienza personale di Le Carré, precedentemente impiegato nella intelligence di Sua Maestà per una quindicina d’anni, ha inciso
notevolmente sulla storia: oltre ad una serie di dettagli tecnici molto specifici, che
rendono il racconto ancora più veritiero
(come l’organizzazione delle operazioni
segrete, il rigoroso iter burocratico all’interno dell’ufficio ed i vari pseudonimi utilizzati per persone e luoghi – il termine
“Circus” allude al quartier generale dell’MI6, collocato fittiziamente a Cambridge
Circus appunto), la trama stessa pare ripercorrere le orme della vita professionale dello scrittore. Le Carré fu infatti costretto
a dimettersi a seguito del tradimento di un
collega infiltrato, pressappoco quello che
succede nel film a Control ed al suo leale
collaboratore Smiley. Ogni singolo personaggio viene ritratto in modo sufficientemente approfondito, svelandone la natura
in modo convincente e preciso, probabilmente frutto del vissuto dell’autore.
Il vero punto di forza della pellicola è
indubbiamente il cast, estremamente raffinato e talentuoso e formato da alcuni dei
migliori attori inglesi di sempre. L’interpre-
tazione di Oldman è eccellente, senz’altro
una delle migliori della sua carriera. Il suo
Smiley, vero e proprio epicentro del film, è
perfettamente misurato nella sua discrezione, capace di incarnare fragilità e romanticismo oltre a una profonda moralità ed uno
spiccato senso del dovere. Traspare un delicato disagio nel dover indagare i suoi colleghi, oltre alla giustificabile incredulità di
chi subisce un tradimento. Il personaggio
di Smiley reputa la fedeltà un valore assoluto, ed è coinvolgente assistere alla sua
sofferenza quando questa viene a mancare, sia a casa che sul posto di lavoro. Il resto del cast è altrettanto efficace, in particolare Hurt è un magnifico e severo Control e Cumberbatch incarna validamente
Guillam, il giovane braccio armato di Smiley durante l’investigazione. Meritano però
una menzione speciale anche Strong nei
panni dell’efficiente agente Prideaux, Jones
nel ruolo dell’arrivista Alleline, il promettente Hardy in missione all’estero e Firth (fresco di Oscar come miglior attore lo scorso
anno) che recita con freddezza l’ambiguo
agente Haydon. Le interpretazioni sono tutte sottili, trattenute, rivelate attraverso piccoli indizi e queste caratteristiche le rendono precise e complete. Seducente anche
la colonna sonora curata da Alberto Iglesias, soprattutto nel finale indimenticabile
che valorizza la chiusura del film.
Jacopo Lo Jucco
LANTERNA VERDE
(Green Lantern)
Stati Uniti, 2011
Lively (Carol Ferris), Peter Sarsgaard (Hector Hammond), Mark
Strong (Sinestro), Tim Robbins (Robert Hammond), Jay O.
Sanders (Carl Ferris), Taika Waititi (Tom Kalmaku), Angela
Bassett (dottor Waller), Mike Doyle (Jack Jordan), Nick Jandl
(Jim Jordan), Dylan James (Jason Jordan), Gattlin Griffith (Hal
giovane), Jon Tenney (Martin Jordan), Leanne Cochran (Janice
Jordan), Temuera Morrison (Abin Sur), Jeff Wolfe (Bob Banks),
Lena Clark (assistente del senatore), Jenna Craig (Carol giovane), Deke Anderson (generale Caven), Dane Rhodes (guardia di sicurezza), Melanie Hebert, LaTonya Norton (giornaliste), Griff Furst, Garrett Hines, Ritchie Montgomery, Marcela
Duarte Fonseca, Douglas M. Griffin, Armando Leduc, Kenneth
Brown Jr, Silas Cooper
Durata:114’
Metri: 3130
Regia: Martin Campbell
Produzione: Greg Berlanti, Donald De Line per Warner Bros.
Pictures/De Line Pictures/DC Entertainment
Distribuzione: Warner Bros. Pictures
Soggetto: personaggi dei fumetti pubblicati da DC Comics; Greg
Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim
Sceneggiatura: Greg Berlanti, Michael Greenm, Marc
Guggenheim, Michael Goldenberg
Direttore della fotografia: Dion Beebe
Montaggio: Stuart Baird
Musiche: James Newton Howard
Scenografia: Grant Major
Costumi: Ngila Dickson
Interpreti: Ryan Reynolds (Hal Jordan / Lanterna Verde), Blake
M
iliardi di anni fa, i Guardiani
dell’universo imbrigliarono
l’energia verde smeraldo della
Volontà e divisero il cosmo in 3600 settori,
da ciascuno dei quali proveniva una recluta
senza paura, selezionata da un anello, a costituire la Forza intergalattica di pace conosciuta come Corpo delle Lanterne Verdi. La
minaccia più grave fu quella di Parallax,
un’entità costituita dalla Paura, sconfitta da
4
Abin Sur, ma che ora torna a farsi presente.
Durante un collaudo, Hal Jordan, spericolato pilota d’aerei, distrugge il velivolo che
deve testare. Quella sera, viene catturato
dalla Forza Verde. Abin Sur, ferito mortal-
Film
mente da Parallax, gli consegna l’anello,
poiché esso ha scelto lui: lo invita a inserirlo
nella lanterna e a pronunciare il giuramento. È un grande onore e una responsabilità.
Dopo che diverse Lanterne Verdi sono state
uccise, i Guardiani autorizzano il loro leader Sinestro a organizzare una squadra speciale di guerrieri. Mentre il governo americano indaga sul cadavere dell’alieno, Hal
sperimenta i poteri dell’anello, poi si trasforma in una Lanterna Verde. Hal è il primo
uomo a essere stato selezionato: si ritrova
sul pianeta Oa, creato dai Guardiani immortali, responsabili delle Lanterne Verdi, corpo che mantiene la pace, l’ordine e la giustizia in tutto l’universo. Essere scelto per entrare nei suoi ranghi è l’onore più alto e la
massima responsabilità. Hal inizia a volare:
è tutto verde, perché verde è il colore della
Volontà, la fonte più potente di energia. Hal
vede anche l’energia generata dalla batteria
centrale, il cui potere deriva dalla volontà di
ogni creatura nell’universo. Essa a sua volta carica la lanterna e questa l’anello. Ogni
Lanterna Verde è protettrice di un settore
vastissimo dell’universo. Viene costituita una
squadra speciale con le Lanterne più forti
per distruggere Parallax, mentre Hal è pian
piano istruito a servirsi dei suoi poteri e alla
lotta. Sinestro si scontra con Hal e lo mortifica, ma lui è stato scelto dall’anello. Altre
Lanterne Verdi vengono annientate da Parallax, Sinestro apprende dai Guardiani che
anticamente tra loro si aprì un dibattito se
sfruttare o meno il potere della Paura. I rischi erano alti e votarono tutti contro, tranne uno, che, pur animato da intenzioni pure,
fu conquistato dalla Paura e divenne il male
che avrebbe voluto distruggere: Parallax.
Nutrendosi della paura altrui, è diventato più
grande e potente e adesso si dirige verso Oa
per eliminarlo. Sinestro propone allora di forgiare un anello giallo, per combattere Parallax colle sue stesse armi. Durante una festa cui partecipa il senatore Hammond, si
ritrovano suo figlio Hector, scienziato, la
bella Carol e Hal. Hector, durante l’autopsia su Abin Sur, ha toccato una ferita infetta
ed è stato contagiato dalla Paura. Poiché
nutre una forte avversione per il padre, nonostante questi stia tentando di sistemarlo,
mediante i suoi poteri sabota l’elicottero su
cui il genitore vola. Solo un tempestivo intervento di Hal-Lanterna Verde eviterà una strage, salvando anche la vita a Carol, dalla quale si congeda mestamente poco dopo. Hector
si trasforma invece in un mostro e riesce poi
a uccidere suo padre. Hal si reca dai Guardiani, invocandoli di lasciarlo provare a salvare la terra. Il permesso gli viene accordato. Hal torna sulla terra e scopre che Hector
ha preso in ostaggio Carol, da lui sempre
amata, ma da sempre innamorata di Hal. “Se
non posso essere come te, farò essere lei come
me” afferma Hector. Ma Hal gli offre il suo
anello in cambio della libertà della ragazza.
Hector s’impossessa dell’anello e vuole uccidere Hal, ma perché l’anello funzioni si
deve essere scelti. Irrompe Parallax e, siccome ha fallito, annienta Hector. È l’ora dello
scontro finale con Hal che, grazie a Carol, è
riuscito a recuperare l’anello. Hal lotta a
lungo contro Parallax, poi lo fa piombare
dentro al sole, rischiando però di venire anch’esso risucchiato. Tuttavia Sinestro lo salva, elogiando su Oa la sua impresa e ricordando quale sia il compito delle Lanterne
Verdi: combattere con tutta la volontà “per
vincere la paura e distruggere il male ovunque si nasconda”. Il popolo delle Lanterne
Verdi esulta. Hal torna da Carol per poi lasciarla nuovamente: sarà “lontano, non distante”. In chiusura, si scorge Sinestro che
si sfila l’anello verde e indossa quello giallo: diventa giallo e nei suoi occhi brilla il
guizzo giallo della Paura.
a predestinazione di un comune
mortale, l’anello dai superpoteri,
la metamorfosi in supereroe, i destini dell’universo da salvare e il non sentirsene degno. E poi l’eroe bello e imbattibile, l’amico buono, l’ex compagno di scuola cattivo, invidioso e tormentato, la collega bellissima e ancora innamorata di un
protagonista scapestrato e sbruffone, eppure divenuto un supereroe e salvatore del
pianeta. E poi il confronto con genitori che
assumono contorni eroici, rispetto ai quali
ci si sente inadeguati: il padre di Hal morto in un volo sotto i suoi occhi, quando era
bambino, e Robert, senatore rampante che
ha a cuore le sorti del figlio Hector e lo
L
raccomanda per inserirlo in una posizione
lavorativa di prestigio, accrescendo però
in lui la frustrazione e l’odio. Trionfo di luoghi comuni in un film comunque veloce e
fluido, infarcito di effetti speciali e mostri
tridimensionali, con un’ambientazione prevalentemente notturna. Cinefumetto pieno
di ritmo e a tratti alquanto spettacolare: risultato tecnico impeccabile, peccato sia
costruito intorno a una storia troppo prevedibile, carente di guizzi di novità e di elementi spiazzanti, sorprendenti.
Stavolta gli umani non sono il centro
dell’universo, non sono la specie più forte
né la più intelligente, ma l’ultima tra quelle
chiamate a prestare il proprio aiuto sul pianeta Oa e sono guardati anzi con una certa diffidenza. Ma l’anello quando sceglie non
sbaglia: “La volontà è ciò che ti spinge ad
agire. La paura è ciò che ti ferma, e ti rende
debole”, spiega Sinestro a un meravigliato
Hal, che dopo le iniziali titubanze saprà incarnare perfettamente il ruolo di eroe che
gli compete. La Volontà permette di creare
tutto quello che si vede nella mente. Alla
Volontà si contrappone la Paura, col rischio
che questo mostro famelico s’impossessi
della terra e gradualmente dell’intero cosmo, non trovando ostacoli alla sua avanzata. Hal, che ha già vinto la lotta contro se
stesso, le sue ritrosie e le sue paure, riuscirà però coraggiosamente ad affrontarla e
sconfiggerla. Ma la storia non finisce: c’è la
bella Carol che rimane ad aspettare il suo
Hal, mentre Sinestro, fiero leader delle Lanterne Verdi, cede alle lusinghe dell’anello
della Paura e diviene un suo combattente... Ottimi spunti per una nuova puntata.
Luca Caruso
THE ARTIST
(The Artist)
Francia 2011
Regia: Michel Hazanavicius
Produzione: La Petite Reine, Studio 37, La Classe Américaine, JD Prod, France3 Cinéma, Jouror Productions, Ufifilm
Distribuzione: Bim
Soggetto e Sceneggiatura: Michel Hazanavicius
Direttore della fotografia: Guillaume Schiffman
Montaggio: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
Musiche: Ludovic Bource
Scenografia: Laurence Bennett
Costumi: Mark Bridges
Interpreti: Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John
Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris), Missi
Pyle (Constance), Beth Grant (Cameriera), Stuart Pankin (Otto, regista), Bitsie Tulloch
(Norma), Calvin Dean (Signor Sauveur)
Durata: 100’
Metri: 2750
5
Film
927. George Valentin è una star
del cinema muto. La sua celebrità fa sì che gli si perdonino vanità e capricci (compreso il cagnolino che
gli fa da spalla nei film e dal quale è inseparabile). Tra le fan di Valentin c’è la
bella e giovane Peppy Miller. Caparbiamente convinta di voler diventare “qualcuno”, la ragazza si imbatte nel suo idolo al suo primo ruolo da comparsa proprio in un film di Valentin. Lei è al settimo cielo, George ne è immediatamente
colpito. I due sono attratti l’uno dall’altra ma il matrimonio (se pur infelice) di
Valentin impedisce qualsiasi relazione.
Set dopo set, film dopo film, le quotazioni di Peppy a Hollywood salgono, il rapporto di George con la moglie si deteriora. È il 1929 quando la major che produce Valentin approda al sonoro. George si fa beffe dei produttori, entusiasti
dell’innovazione: è convinto che la sua
sola presenza basti ad assicurare il successo dei film. Tagliato fuori, quindi,
dalle nuove produzioni, George (ormai
lasciato dalla moglie) si produce da sé.
Intanto Peppy Miller è tra le star del nuovo cinema sonoro. Quanto a George, il
fiasco del film, seguito dallo storico crollo della borsa, determina il suo fallimento, costringendolo a vendere all’asta i
cimeli della sua vita da celebrità. Fortunatamente due compratori acquistano
tutto il lotto. Tornato a casa, in un momento di sconforto, George dà fuoco alle
pellicole dei suoi film. Divampa un incendio dal quale George scampa grazie
all’intervento del fedele amico a quattro
zampe. Peppy, saputo l’accaduto, abbandona il set per recarsi in ospedale da
1
George, e qui chiede ai medici se l’uomo non possa essere trasferito a casa sua
per la convalescenza. Il periodo di riposo “forzato” a casa di Peppy rafforza la
complicità tra i due; la ragazza è anche
riuscita a convincere i produttori a far
girare a lei e George un film insieme. George è perplesso. Andando in giro per la
casa scopre in una stanza tutti i suoi cimeli messi all’asta: è stata Peppy a comprarli tutti. Arrabbiato per essere stato
in qualche modo preso in giro e incapace di sopravvivere a quella che gli sembra un’intollerabile umiliazione, George torna a casa sua e cerca di suicidarsi. Solo un momento di esitazione e l’intervento provvidenziale di Peppy gli fanno cambiare idea. George impara, infine, a mettere da parte l’orgoglio e accetta il lavoro del nuovo film. L’happy
end d’obbligo vede i due, ormai insieme, diventare la nuova coppia di successo di Hollywood.
in dalle prime scene il film di Michel Hazanavicius rivela la sua
nota stilistica: l’eleganza. Quella
del frak indossato dal protagonista, quella del pubblico in gioielli e pellicce che
va in visibilio davanti all’artista mentre gigioneggia, quella del bianco e nero della pellicola, infine quella del cinema muto
che si concentra sui sentimenti dei protagonisti e da essi fa deflagrare la storia.
Così accade che il pubblico, abituato
ormai non solo al sonoro, ma addirittura al
3D, sia catapultato – quasi senza accorgersene e senza accusare alcun disagio
– alla fine degli anni ’20 e si ritrovi perfet-
S
tamente collocato nell’epoca grazie non
solo all’ambientazione della vicenda ma
anche al modo in cui vive la propria esperienza di spettatore.
Il protagonista, pur con pochissime
battute realmente scritte sullo schermo e
al centro di una vicenda sentimentale
semplice, con la sua espressività, con gli
sguardi e i gesti, lo cattura, ottiene la sua
complicità portandolo fino all’immedesimazione.
L’arco drammatico di George Valentin
che passa dall’orgoglio superbo del successo al fallimento e dal fallimento all’umiltà e alla rivincita (coronata dall’amore corrisposto di Peppy) è un classico del cinema di quegli anni. E come classico Hazanavicius sa raccontarlo. La regia sa sottolineare i sentimenti dei protagonisti, sa
coglierne i tratti ironici e le note commoventi.
The Artist sembra a tratti un omaggio
al grande cinema che il regista fa raccontandone, attraverso la vicenda particolare
di Valentin, un vero punto di svolta.
D’altro canto, l’approdo finale al sonoro accompagna lo spettatore insieme al
protagonista in questo passaggio “epocale”, segnando la coincidenza del percorso
dei due, avviata attraverso l’identificazione vissuta durante il film.
Il bianco e nero, la musica enfatica, la
macchina da presa sui primi piani o sugli
insiemi d’ambiente, la recitazione marcata sottolineano la natura intrinsecamente
drammatica di ogni (buon) film.
Infine, la maestria con cui il regista ricorre all’uso di immagini dalla forte valenza semantica, come le scale (l’incontro di George e Peppy inquadrato in campi lunghi fa vedere in un solo colpo d’occhio chi sale e chi scende, non solo fisicamente, ma anche simbolicamente nell’olimpo di Hollywood) o le ombre (spesso George si specchia nelle vetrine e il
suo corpo coincide con il manichino, oppure, nella climax del dramma, lotta con
la sua ombra, cioè con quello che è – in
fondo – l’immagine senza la celebrità),
costruisce un film che ha davvero tutte le
qualità: storia avvincente, protagonisti affascinanti, ritmo sorprendente (merito
anche del charleston che non permette
di annoiarsi).
Strepitosi gli attori, da Jean Dujardin
(cui l’interpretazione vale il premio di miglior attore protagonista a Cannes 2011)
a Bérénice Bejo, John Goodman e James
Cromwell.
Tiziana Vox
6
Film
ENTER THE VOID
(Enter the Void)
Francia 2009
Regia: Gaspar Noé
Produzione: Wild Bunch, Fidélité Films, Les Cinémas DeLa Zone,
Buf Co., Essentiel Filmproduktion, Bim Distribuzione, Paranoid
Films
Distribuzione: Bim
Soggetto e Sceneggiatura: Gaspar Noé
Direttore della fotografia: Benoit Debie
Montaggio: Gaspar Noé, Marc Boucrot, Jerôme Pesnel
Musiche: Thomas Bangalter
Scenografia: Marc Caro
scar è un giovane ragazzo che
vive a Tokyo con la sorella minore, Linda. I due hanno perso i
genitori da bambini e, dopo essere stati
separati e mandati in due orfanotrofi diversi, si sono appena ritrovati. Per mantenersi Oscar spaccia droga mentre Linda
lavora come spogliarellista in un sordido
nightclub. Una sera il giovane si reca in
un locale per incontrare un amico e concludere un affare, ma viene tradito e finisce in una sparatoria nella quale ha la
peggio e viene colpito. A questo punto inizia per Oscar un’esperienza extra-corporea in cui rivive i momenti più importanti
del proprio passato, incluso il traumatico
incidente stradale che ha provocato la morte dei genitori, vissuto in prima persona
assieme a Linda.
O
nter the Void può essere considerato, a detta dello stesso regista argentino Gaspar Noé, un
“melodramma allucinogeno”. La vera peculiarità del film, che lo rende indubbiamente anticonvenzionale stilisticamente
e perciò coraggioso, è quella di utilizzare
un sistema di narrazione assolutamente
soggettivo che si dirama ulteriormente a
seconda del momento: durante il presente le inquadrature sono impostate in modo
che lo spettatore sostituisca la macchina
da presa e viva tutto in prima persona
(compreso l’effetto dello sbattere delle
palpebre, soluzione particolare ma non
originale già infatti adottata in Lo scafandro e la farfalla di due anni antecedente),
durante i flashback invece il protagonista
viene ripreso di spalle e si seguono le sue
vicende come all’interno di un videogioco e, per concludere, durante la fase spirituale/onirica la prospettiva è a volo d’uccello, una vista aerea quasi voyeuristica
della città di Tokyo, pronta a scendere in
E
Costumi: Tony Crosbie, Nicoletta Massone
Effetti: Pierre Buffin
Interpreti: Nathaniel Brown (Oscar), Paz de la Huerta (Linda), Cyril Roy (Alex), Emily Alyn Lind (Linda bambina), Jesse Kuhn (Oscar bambino), Olly Alexander (Victor), Masato
Tanno (Mario), Ed Spear (Bruno), Sara Stockbridge (Suzie),
Sakiko Fukuhara (Saki), Nobu Imai (Tito), Emi Takeuchi (Carol), Janice Sicotte-Beliveau (Madre), Simon Chamberland
(Padre)
Durata: 143’
Metri: 3900
picchiata ove necessario ai fini del racconto. Questa impostazione stilistica controcorrente è stata scelta per coadiuvare
la chiave di lettura del film, ossia Il libro
Tibetano dei morti. In tale libro, a detta
del personaggio di Alex (una specie di
Virgilio che conduce il protagonista in un
cammino tossico), è infatti racchiuso l’ultimo (e dunque più importante) viaggio
che l’anima compie prima di scegliere
come e dove reincarnarsi. Oscar infatti
vive una lunga esperienza extracorporea
nella quale sembra espiare il suo peccato più grande: la leggerezza e noncuranza adottata nei confronti della sorella minore che non ha mai realmente protetto
e verso la quale avverte un crescente
senso di colpa.
Noè ha diretto una pellicola estremamente ambiziosa, ottenendo come risultato un delirio onirico/psichedelico
quantomeno ardito. Il regista argentino
ha mantenuto il concetto narrativo già
espresso nella sua pellicola di maggior
successo ( Irreversible ); gli elementi di
spicco della storia vengono affrontati da
una varietà di punti di vista, supportati
da una serie di flashback ognuno dei
quali aggiunge informazioni preziose
per la composizione del collage. La differenza è che Irreversible era decisamente più lineare e ordinato dal punto di vista cronologico, mentre Enter the Void
traccia un percorso più frastagliato come
a voler rappresentare l’evoluzione dell’anima di un ragazzo allo sbando, in
questo caso il protagonista Oscar. Quest’ultimo infatti si trova a dover valicare
incubi esistenziali, morti accidentali, separazioni, abbandoni, solitudine, oltreché attraversare il tunnel della droga in
un sottobosco di criminalità e prostituzione. Il tutto simboleggia una sorta di
odissea necessaria per giungere alla
7
saggezza e pace interiore, che via via
alimenta il sentimento di speranza con
un’idea finale quasi commovente. Inoltre, altre caratteristiche che rendono
Enter the Void un film curato e coerente
sono la scenografia e la fotografia. Gli
ambienti trasandati e le luci al neon a
intermittenza riportano a galla le atmosfere cupe del primo Winding Refn di Pusher ; è interessante rilevare che però
quando si avverte nella scena un sentore di amore e dolcezza, trapela più luce
nell’inquadratura. Per concludere meritano una menzione particolare anche i
plastici della città che si trovano in casa
di Alex (costruiti dal suo coinquilino), una
vera e propria opera d’arte architettonica e ingegneristica, e i titoli di testa che
scorrono con ritmo forsennato ed effetti
visivi da convulsione.
È difficile valutare l’interpretazione di
Nathaniel Brown nel ruolo di Oscar, poiché il vero protagonista del film è indubbiamente il regista (e soprattutto autore)
stesso. Brown si limita a prestare corpo e
voce al proprio personaggio, agendo sostanzialmente da mero alter ego di Noè,
tant’è che lo vediamo inquadrato in volto
solamente per pochi secondi all’inizio. Il
discorso può essere allargato anche agli
altri personaggi, fondamentalmente funzionali ad esporre il messaggio stabilito dall’autore. Questo è il caso di Cyril Roy (Alex)
e Paz de la Huerta (Linda), entrambi molto appropriati e convincenti: il primo funge
da catalizzatore narrativo, dando inizio ai
punti di azione della sceneggiatura e offrendo chiarimenti necessari per decifrare
il proseguimento degli eventi, la seconda
incarnando l’ingenuità e la perdita d’innocenza, una creatura seducente quando fragile.
Jacopo Lo Jucco
Film
IL BUONO, IL MATTO, IL CATTIVO
(Jongheun mom, Nabbeun nom, Isanghan nom)
Corea del Sud 2008
Regia: Kim Jee-woon
Produzione: Choi Jae-won, Kim Jee-woon per Barunson Co. Ltd.,
Grimm Pictures, Cj Entertainment, Cineclick Asia
Distribuzione: Tucker Film
Soggetto e Sceneggiatura: Kim Jee-woon, Kim Min-suk
Direttore della fotografia: Seung-Chul Oh, Mogae Lee
Montaggio: Nam na-young
ella Manciuria degli anni ’30 uno
spietato killer, Chang-yi (il cattivo del titolo), viene assoldato per
impossessarsi di una fantomatica mappa
del tesoro appartenente ad un banchiere
giapponese. Contemporaneamente, l’esercito indipendentista coreano incarica Dowon (il buono), un abile cacciatore di taglie, di portare a termine la stessa missione. L’uno non si aspetta l’intervento dell’altro e dopo le tante peripezie che avvengono durante un assalto a un treno, l’oggetto del contendere finisce nelle mani di
Tae-goo (il matto), un ladruncolo strampalato. Quest’ultimo viene però rapidamente braccato da entrambi e, dopo una
serie di inseguimenti mozzafiato e lotte
continue senza esclusione di colpi, sembra
inevitabile che la questione debba essere
risolta con un duello a tre nel luogo del
misterioso ed inaspettato tesoro.
N
l regista coreano Kim Jee-woon reinterpreta il grande classico della filmografia del maestro Sergio Leone,
omaggiandolo a vent’anni dalla sua scomparsa (il film è infatti del 2008), e il risultato è talmente eccezionale e particolare da
I
Musiche: Dalparan, Chan Young-gyu
Scenografia: Cho Hwa-Sung
Interpreti: Song Kang-ho (Tae-gu, il matto), Lee Byung-hun
(Chang-yi, il cattivo), Jung Woo-sung (Do-won, il buono), Yoon
Je-Moon , Ryoo Seung-Soo , Song Yeong-chang , Son Byeong-ho, Oh Dahl-su, Uhm Ji-won
Durata: 130’
Metri: 3600
valergli la qualifica di caposcuola del genere “sushi-western”. Il buono il matto il
cattivo infatti abbina le trovate più brillanti
del cinema di Leone (come per esempio
una mappa difficile da decifrare, gli archetipi di tre personaggi con caratteristiche
molto diverse tra loro in competizione l’uno
contro l’altro, un duello finale a tre), a una
serie di inseguimenti e combattimenti spettacolari, ottimamente coreografati e solitamente punte di diamante dei film di kungfu asiatici. Jee-woon esibisce uno stile accattivante e seducente, ricchissimo di inquadrature ben congeniate e una varietà
di piani sequenza assolutamente impressionanti, zeppi di azione e minuzioso tempismo. Il film si ispira inoltre al meglio del
cinema hollywoodiano di genere, con
spunti tratti dalla saga di Indiana Jones
(memorabile un salto “incrociato” da un
sidecar a una jeep e viceversa durante un
inseguimento) e un accenno alla colonna
sonora di Kill Bill. In pratica Jee-woon ha
selezionato le intuizioni più argute di quelli che probabilmente sono i suoi film preferiti e le ha cucite insieme formando un
melange vivace e brioso che spazia attraverso più di quarant’anni di filmografia
mondiale. Indubbiamente la sceneggiatura non è particolarmente originale ma neanche ha la pretesa di esserlo; il regista
punta forte sull’impatto delle immagini, piacevolmente incisive grazie a un montaggio concitato, quasi irruente.
I tre protagonisti sono molto convincenti e appropriati a incarnare i personaggi del
titolo. Gli attori sono vere e proprie stelle
del cinema coreano; ognuno esibisce una
serie di tratti caratteriali confacenti ai propri ruoli, particolarmente Song Kang-ho nei
panni del matto. Ciascuno sfoggia un’accentuata espressività ma, mentre il buono Jung Woo-sung e il cattivo Lee Byunghun interpretano personaggi con sfumature molto lineari e nette (e dunque anche più banali), a Kang-ho è invece concesso di sbizzarrirsi liberamente fino alla
scoperta di una rivelazione finale veramente sorprendente. Per concludere meritano una menzione speciale Lee Mo-gae
ed Oh Seung-chui, artefici di una fotografia amabile con colori stravaganti e soprattutto corroborativa dei fenomenali inseguimenti.
Jacopo Lo Jucco
E ORA DOVE ANDIAMO?
(Et maintenant on va où?)
Francia, Libano, Italia, Egitto 2011
Regia: Nadine Labaki
Produzione: Nadine Labaki e Anne-Dominique Toussaint per Les
Films Des Tournelles, Pathé, Les Films de Beyrouth, United
Artistic Group, Chaocorp, France 2 Cinéma, Prima Tv con la
partecipazione di Canal+, Cinecinema, France 2
Distribuzione: Eagle Pictures
Soggetto e Sceneggiatura: Nadine Labaki, Jihad Hojelly,
Rodney El-Haddad, Thomas Bidegain (Collaborazione)
Direttore della fotografia: Christophe Offenstein
Montaggio: Véronique Lange
Musiche: Khaled Mouzanar
Scenografia: Cynthia Zahar
Costumi: Caroline Labaki
Interpreti: Nadine Labaki (Amale), Claude Baz Moussawbaa
(Takla), Layla Hakim (Afaf), Yvonne Maalouf (Yvonne), Antoinette El-Noufaily (Saydeh), Petra Saghbini (Rita), Ali Haidar
(Roukoz), Kevin Abboud (Nassim), Mostafa Al Sakka (Hammoudi), Sassen Kawzally (Issam), Julien Farhat (Rabih), Anjo Rihane (Fatmeh), Khalil Bou Khalil (Sindaco), Samir Awad (Prete),
Ziad Abou Absi (Capo del villaggio), Mohammad Akil (Abou
Ahmad), Gisèle Smeden (Gisèle), Caroline Labaki (Aida)
Durata: 100’
Metri: 2750
8
Film
n villaggio isolato del Libano,
dove non arriva il segnale della
tv, i dintorni sono pieni di mine
anti-uomo e i collegamenti con l’esterno
passano tutti per un malridotto ponte di
pietre; qui vive una comunità di mussulmani e cristiani. Nonostante la bellicosità
degli uomini, nel villaggio il minareto e il
campanile sono l’uno accanto all’altro e i
conflitti interreligiosi sembrano ormai alle
spalle, grazie al buon senso del sacerdote
e dell’imam e soprattutto agli sforzi vigili
delle donne del paese, sempre pronte a sedare qualsiasi accenno di conflitto.
Amale, Takla, Yvonne, Afaf e Saydeh
spiccano tra le altre: sono mogli, sorelle o
madri accomunate dalla visita che periodicamente fanno, insieme, al cimitero del
villaggio, dove riposano – mussulmani da
un lato, cristiani dall’altro – i familiari che
hanno perso in conflitti passati.
Quando dalla tv arrivano notizie che la
guerra tra cattolici e mussulmani si è riaccesa nel resto della regione, le donne capiscono che devono fare qualcosa per impedire che le violenze ricompaiano anche da
loro. La prima idea è quella che Yvonne,
moglie del sindaco del villaggio, finga di
vedere la Madonna, apparsa per esortare i
cristiani a vivere in pace con i fratelli mussulmani. L’interprete è scadente, la messa
in scena incredibile e il successo della pantomima decisamente scarso.
Poiché gli uomini sembrano però sempre più suscettibili e bellicosi, Amale, Takla, Yvonne, Afaf e Saydeh insistono nel correre ai ripari e decidono quindi far arrivare in paese, con uno stratagemma, un gruppo di spogliarelliste ucraine così da “distrarli”. Le ragazze, infatti, vengono distribuite per il villaggio come ospiti in diverse case. Per qualche giorno il trucco funziona, ma poi le violenze dal mondo esterno si fanno più vicine, il figlio adolescente
di Takla (che si occupava insieme a un
amico di vendere in città i prodotti del villaggio) resta ucciso dalla guerra civile e
occorre uno sforzo maggiore per trattenere gli uomini dal riprendere a combattere.
Amale, Takla, Yvonne, Afaf, Saydeh e
le altre donne del villaggio organizzano allora una serata di festa, in cui, oltre a intrattenere gli uomini con uno spettacolo
delle spogliarelliste ucraine, danno loro da
mangiare e da bere leccornie “corrette”
con l’hashish. L’effetto è assicurato e consente loro, nottetempo, di far sparire dal
villaggio tutte le armi. Ma questa non è
l’unica sorpresa che aspetta gli uomini al
loro risveglio il giorno dopo...
U
R
iprendendo il tema della Lisistrata di Aristofane, Nadine Labaki
dona al classico greco una veste
moderna, lo adatta alla situazione del Libano e ne fa una commedia agrodolce,
affidata (per la maggior parte) ad attori non
professionisti.
Perché il dolore straziante delle madri
e delle mogli che piangono la morte del proprio uomo, così come la difficoltà di trovare
una sepoltura (per l’ultima delle vittime del
film) ricordano in modo evidente topoi della
tragedia greca (da Ecuba ad Antigone).
Come nella formula dell’illustre precedente letterario, anche nel film c’è un “coro”,
quello delle donne che apre la sequenza
iniziale – e che si ripresenta nel corso del
film, spezzandone eccentricamente la narrazione – cui spetta la riflessione su quanto accade, ma non solo. Con scene e atmosfere di commedia musicale, Labaki sceglie di esternare i sentimenti e gli stati d’animo dei personaggi, spezzando sì il ritmo
del racconto, ma dandogli anche una voce
originale, eludendo il melodramma più banale proprio quando sembra sfiorarlo.
E ora dove andiamo? porta su grande
schermo (e in giro per i festival del mondo) la difficilissima situazione vissuta in
alcune regioni mediorientali, la tensione e
la violenza che serpeggiano latenti, l’ottusità con cui alcuni uomini si abbarbicano
agli steccati delle appartenenze religiose.
La prospettiva della regista, tuttavia, è
quella del buon senso, della concretezza
femminile contrapposta alla futile bellicosità
maschile. Prospettiva a tratti un po’ semplicistica, ma capace di rendere chiara la distinzione tra ragione (e ragionevolezza) delle prime e torto dei secondi. I toni della pellicola sono, nonostante il tema, quelli della
commedia: le gioie e i dolori, le debolezze,
le paure, le speranze e le preoccupazioni
delle donne di Labaki sono inquadrate in un
contesto familiare e quotidiano, che bilancia
i momenti di straniamento e dà forza alla tesi
(scontata, ma non per tutti!) della regista a
favore della fratellanza universale e della
pacifica convivenza di fedi diverse.
Tiziana Vox
LIGABUE CAMPOVOLO – IL FILM 3D
Italia, 2011
Regia: Cristian Biondani (Concerto), Marco Salom (Documentario)
Produzione: Eventidigidali films in coproduzione con Riservarossa, F&P Group, Lumière & Co., Zoo Aperto
Soggetto e Sceneggiatura: Marco Salom, Andrea Basile
Direttore della fotografia: Brett Turnbull (Concerto), Marco Bassano (Documentario)
Montaggio: Marco Manes (Concerto), Claudio Bonafede (Documentario)
Musiche: Luciano Ligabue
Durata: 108’
Metri: 2960
9
Film
er festeggiare vent’anni di carriera musicale, il 16 luglio 2011 il
cantautore Luciano Ligabue tiene un concerto con data unica nell’aeroporto di Reggio Emilia, esibendosi davanti a 120 mila fan. È il secondo raduno che
il rocker emiliano tiene nell’enorme area
verde di Campovolo e anche stavolta accorrono ad assistere allo spettacolo ragazzi
da tutta Italia. L’esibizione è una lunga
carrellata fra brani storici e nuove canzoni, che vede coinvolti su un enorme palco
tutti i musicisti che hanno collaborato con
Ligabue nel corso della sua storia musicale. I primi sette minuti del film sono dedicati ai giorni precedenti il concerto, all’organizzazione, alle tende montate dai
fan, alla lunga attesa, ai cancelli che si
aprono, alla corsa per raggiungere il preziosissimo posto sotto il palco. Poi le prime canzoni, intervallate dalla passeggiata per Reggio Emilia, nei luoghi dove è
cresciuto, con l’amico e manager Claudio
Maioli e dal racconto delle amicizie d’infanzia: Paolo, Giovanni e Massimo, gli
amici di sempre. Le facce dei fan, tra maxischermi e una scenografia curata nei dettagli, scorrono in visibilio quando esplodono i pezzi più famosi e si alternano alle
immagini dei “live” più intensi in vent’anni
di onorata carriera, dallo stadio Olimpico
di Roma all’Arena di Verona. In un viaggio attraverso i primi lavori in radio di Ligabue, il suo esordio alla regia nel 1998
con Radiofreccia, arriviamo alla presentazione dei tre brani inediti, rimasti fuori
della pubblicazione negli album precedenti. Il film si avvia alla chiusura e sui titoli
di coda campeggiano le note di Ora e allora, il singolo registrato due giorni prima del concerto, che anticipa l’uscita dell’album live. Ligabue corre sulla pista dell’aeroporto, guarda il palco e alza le braccia al cielo. “A volte le magie succedono”.
P
i nuovo Campovolo. A sei anni di
distanza, ma questa volta con
oltre 120mila spettatori. Realizzato da Cristian Biondani e Marco Salom,
Ligabue Campovolo è il primo film-concerto realizzato in Italia con la più avanzata
tecnologia digitale 3D. Una biografia in
musica, che ci proietta all’interno della trascinante esperienza dell’evento, portandoci sul palco di fianco a Luciano Ligabue,
tra i suoi musicisti e contemporaneamente in mezzo al suo pubblico, per dare così
a tutti la possibilità di essere spettatori reali di quell’epico 16 luglio 2011.
Un’esperienza avvolgente ed entusiasmante, che per il cantautore diviene anche
l’occasione per raccontarsi, presentare gli
amici di una vita e trasmettere la carica giusta per affrontare le difficoltà. Non è la prima
volta che Ligabue sconfina dal mondo musicale. In un ventennio da musicista, è passato con una certa disinvoltura dalla scrittura
di brani a quella di libri, dalla registrazione di
album a quella di film, mantenendo sempre
una solida identità di cantore popolare di
racconti della provincia o di storie generazionali. Tentando una sintesi della sua stessa poetica, “il Liga” cerca di contenere l’anima energica e vitale dell’esibizione dal vivo,
condensandola all’interno delle formule narrative del cinema. Ma per quanto entrambi
siano mezzi espressivi basati principalmente sulle sensazioni, il passaggio dalla forma
concerto alla forma cinema presenta limiti
evidenti, che vanno dalla scarsa mobilità, all’esigenza di costruire un racconto. Restare
seduti su una poltrona a guardare uno spettacolo pensato per essere visto in piedi, saltando e gridando, è tutt’altra esperienza e
purtroppo non c’è versione 3D che possa
colmare questo divario fra spazio di un concerto e poltrona di un multisala.
Tuttavia il film mostra anche il desiderio
tutto cinematografico di fare di Ligabue il
D
protagonista di un racconto celebrativo di
“mitizzazione”, sul modello dello star system. Le lente ballate e i pezzi veloci e ruggenti del suo repertorio diventano colonna
sonora di un western, “tra palco e realtà”,
in cui il cantautore si muove agilmente come
un cowboy solitario. La camminata lenta, il
fisico asciutto, il capello selvaggio, gli stivali e la barba incolta, il tutto scandito a tempo di ralenti, sembrano costruire l’avventura di un eroe del cinema classico.
Secondo un impeccabile progetto di
marketing, il concerto, oltre ad aver dato vita
ad un lungometraggio, ha previsto anche una
versione in triplo CD con tre brani inediti. Tutto
questo sulla scia dell’assegnazione del Premio Tenco 2011, per il disco “Arrivederci, Mostro! In Acustico” e del Premio Videoclip Italiano 2011, per il video del brano Ci sei sempre stata, a chiusura di un anno straordinario per il cantautore, caratterizzato da svariate date sold out negli stadi, nei palasport
e nei teatri. Sotto la crosta della strategia di
mercato, che riluce in maniera assai consapevole, il cuore batte anzi, “tiene botta”, come
direbbe lui. Nel panorama pop italiano Ligabue si è accattivato con pochi giri di accordi
e un’onestà intellettuale da vero rocker un’impressionante popolazione di seguaci fedeli
e innamorati, ragazzi che usano la sua musica come un serbatoio di energia e ottimismo, benvenuti in un tempo di crisi come il
nostro. Tanto che uno dei suoi ultimi pezzi Il
meglio deve ancora venire, è diventato velocemente uno slogan tra i fan, una specie di
grido di battaglia.
Straordinaria esperienza di racconto
personale e musicale multisensoriale, vivamente consigliata a chi quel 16 luglio
non c’era. Anche se poi la voglia di “urlare
contro il cielo” rimane intrappolata nelle
pareti della sala.
Veronica Barteri
IMMATURI – IL VIAGGIO
Italia, 2012
Interpreti: Ambra Angiolini (Francesca), Luca Bizzarri (Piero),
Barbora Bobulova (Luisa), Raoul Bova (Giorgio), Anita Caprioli
(Eleonora), Paolo Kessisoglu (Virgilio), Ricky Memphis (Lorenzo), Luisa Ranieri (Marta), Maurizio Mattioli (Luigi, papà di Lorenzo), Giovanna Ralli (Iole, mamma di Lorenzo), Lucia Ocone
(Sonia), Alessandro Tiberi (Ivano), Francesca Valtorta (Gloria),
Lavinia Longhi (Rita), Aurora Cossio (Ina), Rocío Muñoz (Anna),
Luca Zingaretti (Carlo)
Durata: 100’
Metri: 2750
Regia: Paolo Genovese
Produzione: Marco Belardi per Lotus Production e Medusa Film
Soggetto e Sceneggiatura: Paolo Genovese
Direttore della fotografia: Fabrizio Lucci
Montaggio: Patrizio Marone
Musiche: Andrea Guerra
Scenografia: Chiara Balducci
Costumi: Grazia Materia
10
Film
opo aver finalmente sostenuto e
superato il tanto agognato esame di maturità, il gruppo di amici quarantenni del primo capitolo di Immaturi decide di concedersi una settimana di vacanza e di partire insieme per
affrontare il famoso viaggio per festeggiare la fine della scuola, esperienza che
non erano riusciti a fare ai tempi del liceo. Come da classica tradizione adolescenziale la destinazione prefissata è
un’isola Greca (nello specifico l’incantevole Paros). Durante il soggiorno ognuno dei sette protagonisti affronterà un
percorso di crescita più o meno tribolato, chi con la propria moglie, chi con la
fidanzata e chi con genitori e figli. Le
tentazioni offerte dall’isola catalizzeranno ed esaspereranno i conflitti, le paure
ed i problemi irrisolti delle varie relazioni all’interno del gruppo, rivelandone i punti di forza e soprattutto le debolezze, ed avvalorando l’ipotesi che forse
la vera maturità non si raggiunge mai
fino in fondo.
D
seguito del successo ottenuto con
Immaturi, il regista e sceneggiatore Paolo Genovese ripropone
sugli schermi un altro episodio delle avventure dei personaggi che gli avevano
recentemente portato tanta fortuna. Il
A
viaggio di maturità è la logica conseguenza cronologica del processo di sviluppo
di un gruppo di adulti poco cresciuti, specchio abbastanza fedele e impietoso della
nostra società contemporanea sempre più
affetta dalla “sindrome di Peter Pan”. Purtroppo gli interessanti spunti architettati
nel primo film non vengono approfonditi
a sufficienza, restituendo una serie di personaggi piatti e meramente stereotipati:
c’è il mammone (ora fidanzato) che ha sostituito l’affetto verso la madre con quello
per la compagna, c’è il bello che baldanzosamente si dichiara immune da qualsiasi tentazione rivelandosi al contrario fragile e indeciso, c’è lo sciupafemmine incallito in realtà alla ricerca di una relazione stabile con una donna da amare e, per
concludere, ci sono due “inconsistenti” (in
versione maschile e femminile), ovvero
persone inabili a impegnarsi saldamente
coi rispettivi partner. Ne risulta una pellicola deludente con caratteristiche tipiche
delle serie televisive, con personaggi praticamente immutati alle prese con situazioni reiterate che mal si conciliano col
grande schermo. È chiaro che Genovese
si accontenta di cavalcare l’onda del successo ottenuto a discapito di un’evoluzione che avrebbe potuta essere molto interessante, in considerazione delle opportunità derivanti da un cast consolidato (ed
addirittura implementato da Ocone e Zingaretti) e dall’ambientazione straniera. Il
compitino viene comunque diretto con
buon ritmo anche se si intuisce la carenza di una vera e propria pianificazione,
comprovata da inquadrature molto semplici e dozzinali adatte a incorniciare una
storia altrettanto prevedibile e zeppa di
luoghi comuni; produrre e distribuire il seguito di un film di grande successo di pubblico in meno di un anno è solitamente
un’operazione di natura puramente speculativa che, come in questo caso, non
apporta alcunché al valore artistico dell’opera. Dal punto di vista recitativo le prove del numeroso cast sono tutto sommato abbastanza ordinarie e dimenticabili. I
vari Memphis, Bova e Kessisoglu offrono
pochi momenti divertenti, come d’altronde anche la compagine femminile composta da Angiolini, Bobulova e Caprioli.
Le uniche note liete d’umorismo sono proposte dall’amabile Bizzarri (il quale ingaggia un bambino per liberarsi della fidanzata) e dal navigato caratterista Mattioli
(che porta le ragazze a ballare). Sicuramente la sceneggiatura incolore non facilita il compito degli attori, che, tuttavia,
appaiono più in vacanza dei propri personaggi e non riescono a salvare il film.
Jacopo Lo Jucco
J. EDGAR
(J. Edgar)
Stati Uniti, 2011
Regia: Clint Eastwood
Produzione: Clint Estwood, Brian Grazer, Ron Howard, Robert
Lorenz per Malpaso Productions, Imagine Entertainment, Wintergreen Productions
Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia
Soggetto e Sceneggiatura: Dustin Lance Black
Direttore della fotografia: Tom Stern
Montaggio: Joel Cox, Gary Roach
Musiche: Clint Eastwood
Scenografia: James J. Murakami
Costumi: Deborah Hopper
Interpreti: Leonardo Di Caprio (J. Edgar Hoover), Naomi
Watts (Helen Gandy), Armie Hammer (Clyde Tolson), Josh
Lucas (Charles Lindbergh), Judi Dench (Anne Marie Hoover),
Ed Westwick (Agente Smith), Lea Thompson (Lela Rogers),
Josh Hamilton (Robert Irwin), Geoff Pierson (Mitchell Palmer), Cheryl Lawson (Moglie di Palmer), Kaitlyn Dever (Figlia
di Palmer), Gunner Wright (Dwight Eisenhower), David Cooper (Franklin Roosevelt), Jack Donner (Padre di Edgar), Dylan Burns (Hoover bambino), Jack Axelrod (Caminetti), Jessica Hecht (Emma Goldman), Josh Stamberg (Agente
Stokes), Christian Clemenson (Ispettore Schell), Michael
Rady (Agente Jones), Ken Howard (Harlan Fiske Stone), Scot
Carlisle (Agente Williams), Geoff Stults (Raymond Caffrey),
Allen Nabors (Agente Appel)), Ryan McPartlin (Lawrence
Richey), William Bebow (Sig. Walters), Jeffrey Donovan (Robert Kennedy), Miles Fisher (Agente Garrison), Dermot Mulroney (Colonnello Schwarzkopf), Zach Grenier (John Condon), Denis O’Hare (Albert Osborne), Damon Herriman
(Bruno Hauptmann), Kahil Dotay (Elmer Irey), Lea Coco
(Agente Sisk), Christopher Lee Philips (William), Stephen
Root (Arthur Koehler), David Clennon (Senatore Friendly),
David Michael O’Neill (Senatore McKellar), Eric Larkin (Fred
Hunter), Manu Intiraymi (Alvin Karpis), Eric Frentzel (William
Mahan), Michael Klinger (Harry Brunette), Emily Alyn Lind
(Shirley Temple), Jamie Labarber (Ginger Rogers), Amanda
Schull (Anita Colby), Adam Driver (Walter Lyle), Ary Katz
(Agente Owens), Aaron Lazar (PM Wilentz), Joe Keyes (Fratello di Edgar), Christopher Shyer (Richard Nixon), Larkin
Campbell (H.R. Haldemann), Kyle Eastwood (Musicista allo
Stork Club)
Durata: 137’
Metri: 3690
11
Film
tati Uniti, 1924.
L’Ufficio per le Investigazioni è
ancora in fasce, pur essendo nato
già nel 1908 ma ha un funzionario dallo
sguardo lungo che ne diviene presto direttore: è J. Edgar Hoover, l’uomo che otterrà per questo ufficio dapprima un inquadramento costituzionale con l’inserimento del termine “Federale” e contemporaneamente un ruolo di importanza fondamentale nell’azione di polizia giudiziaria,
pur nella dipendenza formale dal Procuratore Generale degli Stati Uniti.
Hoover capisce presto di potersi fidare ciecamente solo di se stesso e di pochissimi altri, ferrati e forgiati nelle sue stesse
convinzioni e portatori delle sue stesse
idee, capaci di non fermarsi di fronte a
nulla nella realizzazione di un unico credo, cioè la protezione degli Stati Uniti da
qualsiasi elemento, terrorista, criminale o
altro, che possa costituire una minaccia.
Questo il telaio portante della storia
che si avvale della forte presenza di altri
tre personaggi: Anne Marie Hoover, la
madre di Edgar, donna fortissima che nei
confronti del figlio costituisce per tutta la
vita la rappresentazione fisica dei valori
americani in cui credere e per i quali combattere. Helen Gandy, inizialmente impiegata nell’Ufficio e corteggiata da Edgar a
cui però si rifiuta per poter proseguire
l’unica missione a cui vuole dedicarsi cioè
l’Ufficio Federale, divenendo la segretaria personale dello stesso Hoover. Clyde
Tolson, brillante avvocato e destinato a una
carriera nella Procura dello Stato, pensa
inizialmente di utilizzare un breve periodo
nel Bureau come stage formativo ma non
ne uscirà più: divenuto presto il numero
due di Hoover, dividerà con lui e per tutta
S
la vita un potere immenso, a lui legato da
un rapporto mai completamente chiarito
anche se profondamente ambiguo.
Con il sostegno di questi tre personaggi Edgar può così affrontare circa cinquant’anni di storia dell’America (otto presidenti, da Coolidge a Nixon), protagonista di tutti i passaggi fondamentali del ‘900
di quel Paese: la lotta al crimine degli anni
’30 con l’eliminazione di Dillinger e di altri gangster non meno famosi; la ricerca
dei responsabili del rapimento e dell’uccisione del figlio dell’eroe dell’aria Lindberg; la creazione del Laboratorio di Individuazione scientifica (1932) con cui
l’FBI entrò ufficialmente nel mondo della
tecnica e della scienza; la guerra alle organizzazioni mafiose, al terrorismo rosso
(vero o presunto) e allo spionaggio straniero degli anni ’50; il confronto con la
politica dei Kennedy, il Ku Klux Klan, i
diritti civili, l’emancipazione dei neri e
M.L.King negli anni ’60. Infine Nixon e la
morte nel 1972.
Il tutto immerso in una nuvola grigia
fatta di ricatti, intercettazioni, avvenimenti forzati, spiati, manipolati secondo il presupposto che tutti, anche i più grandi, anzi
loro soprattutto, hanno qualcosa di terribile da nascondere e quindi tutto bisogna
sapere, individuare, conoscere e rimestare, anche il fango più denso (le amicizie
particolari di una First Lady, Eleanor Roosvelt, tanto per fare un esempio) senza
preoccuparsi se per ottenere del bene bisogna fare del male perché tutto può e deve
essere utile al bene dell’America.
D
ue sono soprattutto le linee guida su cui si è mossa la sceneggiatura di Dustin Black e la regia
12
di Eastwood: la paranoia e il gelo. Della
prima Eastwood non ha inventato nulla, in
quanto essa ha caratterizzato praticamente un secolo intero di storia americana facendo dell’evoluzione sociale e politica
degli Stati Uniti un continuo travaglio che
ha colpito e scosso quel Paese stravolgendone i meriti, offuscandone il controllo e la
concentrazione; con la conseguenza che
tante conquiste e tanti risultati, pur straordinari sono stati malposti e isnsteriliti (le
lotte sociali e i conflitti per i diritti civili, ad
esempio) mentre le scelte sbagliate e i rovesci sono stati mal gestiti, peggio metabolizzati e trasformati in disastri epocali fino
a costituire dei veri buchi neri nell’inconscio di un’intera generazione (uno su tutti,
il Vietnam).
Cosicché Eastwood non ha fatto altro
che premere l’acceleratore rendendo patologica l’ossessione di Hoover per i criminali, per i comunisti, per le “pretese” dei
neri, per la doppia vita dei Kennedy e così
via: tutto si trasforma in un incubo, in una
persecuzione psicogena che fa di Hoover un personaggio che corre a perdifiato
per reggiungere quella perfezione irraggiungibile nella risoluzione dei problemi
che affliggono il suo Paese e il suo equilibrio.
Come si può dominare questo continuo e frustrante senso di imposssibilità,
perché di questo si tratta: con il gelo, ecco
la seconda linea portante del film, vista
contemporaneamente come causa ed effetto. A monte infatti esiste un territorio
dove i sentimenti non sono riusciti ad attecchire, dove l’amore pur fortissimo e ricambiato della madre non ha seminato ma
ha inaridito una terra battuta utilizzata solo
per andare sempre più avanti e arrivare
sempre più in alto, montagna dopo montagna, ossessione dopo ossessione. Speculare a tutto ciò abbiamo Helen, a cui inizialmente Hoover pensa per un legame,
per trasformare in materia e carne tutto
quello che sente mancargli ma lei si nega
perché preferisce darsi a lui da lontano,
restando nell’ombra di quel potere che a
lei basta come una grande algida luce.
Poi il rapporto con Tolson, fermo, esistente ma mai completamente espresso,
condotto in maniera asettica, mai confessato neanche a se stesso, mai pienamente goduto anzi soffocato e quindi mai felice, oscurato, in questo modo, da una equivocità non voluta né cercata. Tolson stesso si presta a tutta questa incapacità, solo
una volta si ribella e porta la sua disperazione allo scontro fisico con Edgar per rientrare subito nei ranghi, eterno secondo
nella carriera, nel potere, nei sentimenti,
nella vita.
Film
Grandi gli attori nel loro insieme, ma
soprattutto i tre protagonisti (in testa Di
Caprio affascinante nella mimesi dei suoi
tormenti e delle sue ossessioni) nell’avere
prestato una totale, estrema disponibilità
professionale e psicologica nel seguire alla
perfezione il pericoloso crinale che divide
la passione dal controllo, la padronanza
dall’abbandono e, soprattutto, l’innocenza
dalla complicità.
Fabrizio Moresco
L’ORA NERA
(The Darkest Hour)
Stati Uniti, 2011
Regia: Chris Gorak
Produzione: Jacobson Company, Bazelevs, New Regency, Summit Entertainment
Distribuzione: 20th Century Fox Italia
Soggetto: Leslie Bohem, M.T. Ahern
Sceneggiatura: Valeri Spaihts
Direttore della fotografia: Scott Kevan
Montaggio: Priscilla Nedd-Friendly, Doobie White, Fernando
Villena
Musiche: Tyler Bates
ean e Ben sono due ragazzi americani, programmatori di computer che hanno appena sviluppato
una innovativa applicazione per telefoni
cellulari. Giunti a Mosca con l’intenzione
di concludere un affare estremamente redditizio, scoprono loro malgrado di essere
stati scippati dell’idea da un collega senza scrupoli. Per consolarsi decidono di trascorrere la serata in uno dei locali più in
voga della città, dove abbordano un paio
di turiste loro compatriote. Improvvisamente un black-out interrompe la festa e
dal cielo cominciano a piovere dei misteriosi fasci di luce. Questi raggi disintegrano letteralmente gli esseri umani con cui
entrano in contatto, seminando panico e
distruzione. I ragazzi per cercare di sopravvivere si rintanano in un rifugio sottoterra
e, dopo qualche giorno, risalgono in superficie per rendersi conto della situazione ed escogitare una via di fuga.
S
L
’ora nera è fondamentalmente un
thriller di fantascienza che abbina
una premessa abbastanza banale e abusata, l’invasione della terra da parte
degli alieni, ad alcune trovate veramente
riuscite e originali: innanzitutto non si erano mai visti, infatti, il Cremlino e la Piazza
Rossa sotto l’assedio di forze extraterrestri e, soprattutto, gli invasori, invece di
essere i soliti spaventosi mostri orripilanti,
si manifestano sotto forma di onde elettromagnetiche, invisibili durante il giorno.
Queste caratteristiche tuttavia rendono
complicata la categorizzazione della pelli-
Scenografia: Valeri Viktorov
Costumi: Varvara Avdiushko
Effetti: Stefen Fangmeier
Interpreti: Emile Hirsch (Sean), Olivia Thirlby (Natalie), Max
Minghella (Ben), Rachael Taylor (Anne), Joel Kinnaman (Skylar), Dato Bakhtadze (Sergei) ,Veronika Ozerova (Vika), Pyotr
Fyodorov (Anton), Vladimir Jaglich (Boris), Yuri Kutsenko (Matvei), Artur Smolyaninov (Yuri)
Durata: 89’
Metri: 2360
cola; sicché sarebbe interessante conoscere le reali ambizioni della produzione
poiché il risultato finale potrebbe averne
risentito. L’ora nera può essere considerato un “film di prima fascia” abbastanza scadente e grossolano, oppure un “B-movie”
che, senza troppe aspettative, è ben riuscito grazie ad alcuni spunti brillanti e ironici. Complessivamente si tratta un prodotto zeppo di riferimenti alla cultura pop giovanile contemporanea, che ribalta gli stereotipi delle pellicole di genere degli anni
’80, nelle quali la resistenza all’invasione
rappresentava gli ultimi strascichi di tensione dovuti alla Guerra Fredda e propone un’alleanza tra americani e russi per
combattere un nemico comune. Il nemico,
curiosamente senza volto, si accanisce
sulle fonti energetiche degli umani e non
direttamente sugli umani stessi. In pratica
la nostra tecnologia diventa una forma di
sostentamento per gli occupanti, il che lascia trapelare una velata critica alla nostra
società consumista, la cui dipendenza da
gadget si è acutizzata nell’ultimo ventennio, come se la potenzialmente minaccia
possa consistere in chi espropria e sfrutta
questi ultimi ritrovati elettronici.
Dal punto di vista tecnico sono particolarmente suggestive e impressionanti i
campi lunghi di una Mosca totalmente deserta e lasciata senza vita, come un paesino abbandonato del selvaggio West solamente in un contesto chiaramente moderno ed urbanizzato. Il regista Gorak si
avvale di un montaggio serrato per mantenere un ritmo dinamico e si aiuta con una
13
serie di dissolvenze in nero per mantenere alta la tensione. Il fatto che la luce simboleggi pericolo è un’idea insolita e stuzzicante e i protagonisti sono ingegnosi a
intuire metodi all’altezza per rilevare presenze aliene, usando lampadine o cellulari per ottenere luci o suoni. Sono inoltre
simpatiche le trovate scientifiche dei personaggi per difendersi, come l’adattamento di un appartamento a parafulmine e la
fabbricazione di un fucile a microonde. Il
resto della sceneggiatura è però alquanto
scontata ed i dialoghi mediocri e prevedibili, riducendo, in fin dei conti, il film a una
collezione di luoghi comuni: solite le frasi
di speranza e risolutezza, solito l’umorismo
americano e soliti pure gli inseguimenti che
culminano in una solita scena madre finale. In aggiunta, l’uso del 3D sarebbe dovuto essere sviluppato diversamente, poiché
il risultato è valido solamente in alcune riprese dall’alto. Infine, il livello di recitazione è deludente. Non si salva nessuno, fatta timida eccezione per l’accattivante
scienziato pazzo Sergei, interpretato da
Bakhtadze. Il promettente Hirsch non riesce a portare il film sulle spalle e si accontenta di offrire un’interpretazione ordinaria: si tratta di un passo indietro e, considerando le sue ultime prove, è un vero
peccato. Solitamente coraggioso e incline
alla partecipazione in produzioni indipendenti, stavolta una scelta più commerciale
sembra averlo portato ad accettare una
storia che non gli calza bene.
Jacopo Lo Jucco
Film
CRAZY, STUPID LOVE
(Crazy, Stupid, Love)
Stati Uniti, 2011
nah), Analeigh Tipton (Jessica), Jonah Bobo (Robbie Weaver),
Joey King (Molly Weaver), Marisa Tomei (Kate), Beth Littleford
(Claire Riley), John Carroll Lynch (Bernie Riley), Kevin Bacon
(David Lindhagen), Liza Lapira (Liz), Josh Groban (Richard),
Julianna Guill (Madison), Zayne Emory (Eric), Crystal Reed
(Amy Johnson) Joanne Brooks (cameriera), Reggie Lee (agente Huang), Caitlin Thompson (Taylor), Karolina Wydra (Jordyn),
Tracy Mulholland (Megan), Katerina Mikailenko (Stephanie),
Janine Barris (Heather), Jenny Mollen (Lisa), Algerita Wynn
Lewis (capo di Robbie), Dan Butler (capo di Cal), Tiara Parker
(Gabby), Mekia Cox, Charlie Hartsock, Wendy Worthington
Durata: 118’
Metri: 3250
Regia: Glenn Ficarra, John Requa
Produzione: Steve Carell, Denise Di Novi per Carousel Productions (II)
Soggetto e sceneggiatura: Dan Fogelman
Direttore della fotografia: Andrew Dunn
Montaggio: Lee Haxall
Musiche: Christophe Beck, Nick Urata
Scenografia: William Arnold
Costumi: Dayna Pink
Interpreti: Steve Carell (Cal Weaver), Ryan Gosling (Jacob
Palmer), Julianne Moore (Emily Weaver), Emma Stone (Han-
al Weaver viene improvvisamente lasciato dall’amata moglie
Emily, con cui è sposato da quando avevano diciassette anni. La donna,
caduta nella routine e in una sorta di crisi
di mezza età, lo ha tradito con l’aitante
collega David. Come se non bastasse la
diciassettenne Jessica, babysitter di suo
figlio Robbie, ha una cotta per lui; la ragazza, a sua volta, è braccata da Robbie,
convinto che lei sia la sua anima gemella.
Intanto, il donnaiolo e affascinante Jacob
Palmer tenta di rimorchiare e conquistare
al bar l’ennesima vittima: Hannah. La bella ragazza, però, lo rifiuta avendo ben altro per la testa: superare l’esame per diventare avvocato. Cal, lasciata la casa; caduto in depressione, inizia a frequentare
un bar dove beve tutte le sere vodka da
pochi soldi. Jacob lo nota e, prendendolo
in simpatia, decide di aiutarlo e tirare fuori il potenziale seduttore che è in lui. Cal
accetta. Mentre Robbie tenta di conquistare
inutilmente Jessica e Emily ha i primi ripensamenti sui suoi errori, Jacob comincia le sue lezioni: abbigliamento, cura del
proprio aspetto fisico e come far cadere
una donna fra le proprie braccia. Nonostante i consigli, Cal riesce a conquistare
la sua prima donna, l’insegnante Kate, proprio grazie alla sua sincerità e la sua tenerezza. Cal ci prende gusto e tutte le sere
conquista una donna diversa. La voce del
nuovo Cal arriva anche alle orecchie di
Emily. Intanto, Jacob, non riesce a dimenticare Hannah; la ragazza, nel mentre, è
diventata avvocato e decide di lasciare il
suo ragazzo che ancora non si decide a
sposarla. Inizialmente per ripicca, poi per
reale desiderio, Hannah, decide di andare
al bar a cercare Jacob. I due vanno a casa
del ragazzo, ma, inaspettatamente passa-
C
no la notte a parlare: così si innamorano.
Jacob decide, quindi, di abbandonare la
vita di donnaiolo e dedicarsi esclusivamente a Hannah. Intanto Cal ed Emily stanno
per riconciliarsi durante la riunione con
gli insegnanti di Robbie, ma vengono interrotti da Kate, insegnante di inglese del
ragazzo, che svela di essere andata a letto
con Cal: Emily fugge, ma Cal capisce che
la donna lo ama ancora e decide di riconquistarla. Cal e Jacob si rendono conto di
essere diventati grandi amici e si confidano paure e speranze del futuro. Un pomeriggio, grazie all’aiuto di Robbie, Cal sta
per fare una sorpresa eclatante a Emily,
quando arriva la loro primogenita accompagnata al suo nuovo e grande amore: ovvero arrivano Hannah e Jacob. Scoppia il
putiferio che viene incrementato dall’arrivo di David contro cui si scaglia Jacob per
difendere l’amico; il tutto si complica con
l’arrivo del padre di Jessica che, per via
di un equivoco, pensa che la figlia abbia
una relazione con Cal, gettando Robbie nel
più completo dolore. Finito il litigio, Cal
decide di andarsene di casa. Emily è disperata perché ne sente l’assenza, mentre
Jacob e Hannah continuano a vedersi, pur
senza l’approvazione paterna; Robbie, pur
avendo compreso che il padre è innocente,
non riesce ad accettare che Jessica non lo
ami. Arriva il giorno del diploma di scuola media per Robbie. Proprio in quell’occasione, Cal riesce a riconquistare l’affetto del figlio, l’amore di Emily e la stima di
Hannah, che finalmente ha la benedizione
di fidanzarsi con Jacob. Cal e Jacob tornano nuovamente amici.
C
razy, stupid, love è un ritorno alla
vecchia commedia agrodolce
americana, che negli ultimi tem-
14
pi aveva passato lo scettro a film decisamente volgari e, a volte, privi di senso. Divertente, intrigante e acuto in più di una
sequenza, il nuovo film di John Requa,
Glenn Ficarra (sceneggiatori di Babbo
bastardo) non scade mai in scene pacchiani o pesanti, regalando quasi due ore di
piacevole visione. Film corale che tocca più
fasce d’età, Crazy, stupid, love è un accattivante simposio sull’amore e sul mito dell’anima gemella. Ovviamente, la strada del
vero amore è piena di ostacoli e prove;
soprattutto quando si tratta di matrimoni
dove si può incappare in frustrazioni, routine e tradimenti. I due registi portano sullo schermo le varie facce dell’amore, quello
più squisitamente romantico, quello che fa
male, quello che sorprende, quello che illude e disillude, quello eterno e quello adolescenziale, ognuno incarnato da un personaggio differente. Grazie a una sceneggiatura basata su dialoghi molto spassosi
e, per fortuna, raramente banali, i due registi chiudono il cerchio con un cast azzeccato e una regia che regala anche un
paio di guizzi creativi. Ovviamente, con un
film come Babbo bastardo alle loro spalle,
Ficarra e Requa regalano anche momenti
di sana cattiveria, di cui anche il protagonista cade inevitabilmente vittima; ma, grazie alla credibilità delle scene fino a quel
momento sviluppatesi, vi rientrano perfettamente risultando ugualmente credibili.
Un’unica pecca è riscontrabile nel finale
troppo sdolcinato, romantico, retorico e che
sa tanto di cliché; pur essendo un momento
ben girato e corale, in cui tutti i protagonisti si incontreranno dando vita ad una situazione paradossale, che servirà da catarsi per capire che alla fin fine è l’amore il
vero motore delle persone. Un vero peccato, perché la scena iniziale è decisamen-
Film
te strepitosa e predispone bene lo spettatore, che finalmente pensa di stare per vedere un film fuori dagli schemi classici; altra scena da non sottovalutare, romantica
si badi bene ma non sdolcinata, è quella
della telefonata tra Emily e Cal. Ben assestati anche i due colpi di scena che svelano l’identità di Hannah, primogenita di Cal
ed Emily, e Kate, insegnante di Robbie.
Ben costruiti tutti i personaggi, ma inevitabilmente viene a prevalere Robbie: impossibile non patteggiare per la sua causa fino
all’ultimo momento. Interessante la colonna sonora, che spolvera persino il vecchio
e indimenticabile classico di Dirty Dancing,
Time of my life e il successo di David Byrne. The Must Be The Place. Steve Carell
(Agente Smart, Little Miss Sunshine) è uno
strepitoso protagonista, affiancato dall’altrettanto bravo e giovane Ryan Gosling
(Lars e una ragazza tutta sua). Spiccano,
ovviamente, anche le tre coprotagoniste
femminili: la giovane ma promettente
Emma Stone (Benvenuti a Zombieland,
Easy Girl ), la sempre brava Julianne Moore (Il grande Lebowski, Hannibal, I ragazzi
stanno bene) e la strepitosa Marisa Tomei
(The Wrestler) In tutto questo, basta aggiungerci Kevin Bacon nei panni dell’uomo del misfatto: piccola parte, ma azzeccato attore. Dal trailer, oppure osservando
la locandina, ci si potrebbe aspettare il
solito prodotto cinematografico. Invece è
un gustoso film da vedere.
Elena Mandolini
PUNTO D’IMPATTO
(The Ledge)
Stati Uniti, 2011
Regia: Matthew Chapman
Produzione: Mark Damon, Moshe Diamant, Michael Mailer per
Film & Entertainment VIP Medienfonds 4 GmbH & Co. KG (I)/
Modern VideoFilm
Distribuzione: Eagle Picture
Soggetto e sceneggiatura: Matthew Chapman
Direttore della fotografia: Bobby Bukowski
Montaggio: Alex Hall, Anne McCabe
Musiche: Nathan Barr
Scenografia: James Gelarden
Costumi: Jillian Ann Kreiner
Interpreti: Patrick Wilson (Joe), Christopher Gorham (Chris), Liv
avin, professore e manager d’hotel, sale su un cornicione vertiginoso minacciando di buttarsi di
sotto. Hollis è un poliziotto di colore che
ha subito un grosso trauma: sposato con
due figli, ha appena scoperto, per caso, di
essere sterile. Giunto dolorosamente alla
consapevolezza di non essere il padre dei
propri figli ed appreso il tradimento della
moglie con suo fratello, il poliziotto, suo
malgrado, viene inviato, come già altre
volte, per dissuadere il suicida dal suo intento. L’uomo, tuttavia, sembra molto intenzionato a portare avanti il suo progetto, spiegando che se non si lancia nel vuoto entro mezzogiorno qualcuno ci avrebbe
rimesso la vita al posto suo. I due cominciano a parlare di cosa abbia spinto Gavin a salire sul cornicione e lentamente comincia a delinearsi la storia. Per caso
Gavin conosce Shauna, sua vicina di casa.
La donna è sposata con Joe, un cattolico
bigotto e fondamentalista che l’ha salvata
dalla droga e da un mondo di violenza.
Cresciuta con un padre che la picchiava e
abbandonata a nove anni, Shauna viene
letteralmente salvata dalla morte da Joe.
Ora Shauna sta cercando un lavoro per fi-
G
Tyler (Shauna), Terrence Howard (Hollis Lucetti), Charlie Hunnam
(Gavin Nichols), Jaqueline Fleming (Angela Lucetti), Monica Acosta (governante), Jillian Batherson (Harper), Mike Pniewski (Markowitz), Dean J. West (Frank), Katia Gomez (Selena), Nathan Alan
Thomas, Maverick Boudreaux (cameramen), Melody Noe(ragazza
col cane), Amber Gaiennie, Ashley Braud (conduttori del notiziario), Jason Johnson, John T. Wilson Jr. (agenti di polizia), Geraldine Singer (dottoressa), Don Lincoln (uomo sulla strada), Sean Paul
Braud, Thomas C. Daniel (poliziotti), Mindy Caraccioli (addetta alla
reception), Alyssa Tate (adolescente), Cindy Williamson (passante in centro), Gracie McCauley (bambina di 5 anni)
Durata: 101’
Metri: 2780
nire i suoi amati studi e arriva proprio nell’albergo di Gavin. L’uomo non indugia a
offrirle subito un posto come cameriera ai
piani, tanto più che dal primo momento che
ha incrociato il suo sguardo, ne è rimasto
misteriosamente attratto. Con il passare dei
giorni, i due si conoscono meglio e Shauna invita Gavin e il ragazzo omosessuale
con cui condivide l’appartamento. La concorrenza tra i due si fa acerrima: Joe è maschilista, omofobo e chiuso mentalmente,
mentre Gavin è ateo e cinico, ma ama parlare di filosofia e gli tiene banco come nessuno altro prima. Shauna e Gavin si innamorano perdutamente e iniziano a frequentarsi di nascosto, ma un sms svela a Joe la
relazione adultera della moglie. Joe decide di affrontare direttamente il rivale senza mezzi termini e lo sfida inizialmente a
seguire fino in fondo ciò che vuole e, in un
secondo tempo, lo minaccia. Se nell’arco
di una mattinata, entro mezzogiorno, Gavin non si sarebbe buttato dal cornicione,
Shauna sarebbe stata uccisa. Gavin dall’alto del palazzo, sembra deciso a mettere in atto l’estremo gesto, non trovando alternative, nonostante Hollis lo supplichi di
desistere. Gavin raccomanda al poliziotto
15
di tornare dalla sua famiglia e di riferire a
Shauna di amarla. Alle 12 in punto il ragazzo salta. Dalla finestra dell’albergo che
si trova di fronte Shauna legata e imbavagliata assiste impotente alla tragedia, mentre il marito le punta la pistola alla testa.
Pochi minuti dopo irrompe nella stanza la
polizia. Joe viene arrestato e Shauna è salva. Hollis decide di ritornare dalla sua famiglia.
atthew Chapman, già sceneggiatore di La giuria, thriller del
2003, che vantava un cast di star
di prim’ordine, torna dietro la macchina da
presa dopo più di vent’anni con Punto d’impatto. La pellicola (The Ledge in originale,
il cornicione, molto più adatto), thriller dalle
ambizioni filosofiche, è stata presentata alla
selezione ufficiale del Sundance Film Festival. L’intenzione di produrre un lavoro, in
cui i moduli del racconto a suspense s’incontrano con il dramma psicologico, però
da vita a una costruzione di personaggi che
finisce con l’appiattirsi a puri simboli, nonostante l’evidente sforzo, avvertibile nei lunghi dialoghi, di dotarli di un qualche spessore. Così, lo sgradevole fondamentalismo
M
Film
cristiano di Joe e l’ateismo di Gavin risultano presto i due punti tra cui oscilla Shauna,
moglie del primo e amante del secondo,
un’entità fragile, appassionata e dal passato tumultuoso. A fare da fil rouge in tutto il
film è l’angosciante countdown verso la
morte di Gavin, mentre racconta a Hollis,
attraverso un lungo flashback, la sua vita a
ritroso. I due uomini, uno sul cornicione, l’altro all’interno del palazzo, sono a pochi passi di distanza, ma ciò non basta per far sì
che siano fuori pericolo. Inizialmente appaiono distanti, ma presto si ritrovano a dover
fare i conti entrambi con i propri fantasmi e
ad aver bisogno l’uno dell’altro. A Joe, ben
interpretato da Patrick Wilson, spetta la
parte di uno strano antagonista, che agisce mediante una logica ferrea, forte di una
fede cui crede di poter piegare l’esistenza
degli altri. Liv Tyler, molto più matura e convincente, ritorna sul grande schermo dopo
la lunga pausa successiva alla trilogia di Il
Signore degli Anelli e l’impegno in film per
lo più minori. I suoi sguardi glaciali nelle
sequenze finali sono molto più significativi
di qualsiasi parola. Il giovane Charlie Hunnam riesce a calarsi perfettamente nel difficile ruolo di Gavin e offre una grande e
intensa interpretazione. Infine Terrence
Howard, che vanta un curriculum denso e
importante, fra cui sicuramente Crash di
Paul Haggis. Tutto questo per sottolineare
come Punto d’impatto (che tra l’altro è anche il titolo di un film di Van Damme del
2002), nonostante le dissertazioni spesso
e volentieri alquanto esistenzialiste e sopra
le righe, possa contare su interpreti, magari non di primissimo piano, ma certamente
in grado di rendere il film piacevole da vedere. Punto a favore anche il finale non
scontato, che per una volta non propone
l’happy ending, ma arriva come un colpo
allo stomaco e commuove.
Veronica Barteri
UNA NOTTE DA LEONI 2
(The Hangover Part II)
Stati Uniti, 2011
ifianakis (Alan), Justin Bartha (Doug), Ken Jeong (sig.re
Chow), Paul Giamatti (Kingsley), Jeffrey Tambor (Sid Garner), Mason Lee (Teddy), Jamie Chung (Lauren), Sasha Barrese (Tracy), Gillian Vigman (Stephanie), Aroon Seeboonruang (Monk), Nirut Sirichanya (Fohn), Yasmin Lee (Kimmy),
Nick Cassavetes (Tattoo Joe), Sondra Currie (Linda Garner),
Bryan Callen (Samir), Nimit Luksameepong (agente), Michael
Berry Jr. (Vladi), Andrew Howard (Nikolai), Penpak Sirikul
(Joi), Sanita Jai-Ua, Chanicha Shindejanichakul (hostess),
Vithaya Pansringarm (ministro), Mike Tyson, Schnitrnunt
Busarakamwong, Danai Thiengdham, Thana Srisuke, Pairot
Noiply, Brody Stevens
Durata: 102’
Metri: 2800
Regia: Todd Phillips
Produzione: Daniel Goldberg, Todd Phillips per Warner Bros.
Pictures/Legendary Pictures/Green Hat Films/Living Films
Soggetto: sequel del film omonimo di Todd Phillips; personaggi
di Jon Lucas e Scott Moore
Sceneggiatura: Craig Mazin, Scot Armstrong, Todd Phillips
Direttore della fotografia: Lawrence Sher
Montaggio: Debra Neil-Fisher, Michael L. Sale
Musiche: Christophe Beck
Scenografia: Bill Brzeski
Costumi: Louise Mingenbach
Interpreti: Bradley Cooper (Phil), Ed Helms (Stu), Zach Gal-
ella mente dei quattro amici Phil,
Stu, Alan e Doug è ancora fresco
il ricordo della disastrosa festa
di addio al celibato di Doug a Las Vegas.
Il tempo è passato, Alan, sempre più viziato e pazzoide, vive ancora dai genitori, Doug è felicemente sposato e in attesa
di un bambino, Phil ha avuto un altro figlio. Ora che Stu sta per sposarsi con una
ragazza figlia di thailandesi, per l’evento
ha scelto come location proprio l’esotica
Thailandia. Ma non vuole correre rischi;
per questo motivo sceglie un tranquillo
brunch prematrimoniale con frittelle, caffè e niente alcool. Ma due sere prima della nozze, Stu, Phil e Alan si ritrovano sulla spiaggia del resort dove si svolgerà la
cerimonia per un innocente brindisi a
base di birra con gli amici insieme al giovane Teddy, sedicenne fratello genialoide
della promessa sposa, talentuoso violoncellista e brillante studente del corso preliminare di medicina a Stanford. Stu si è
assicurato che le lattine di birra siano sigillate in modo che nessuno possa infi-
N
larci alcunché. Ma all’improvviso succede qualcosa. E così i tre si risvegliano diverse ore dopo nella stanza di un fatiscente hotel di Bangkok. È successo di nuovo.
Alan si ritrova completamente rasato, Stu
ha un enorme tatuaggio sul volto e nel bagno c’è una scimmietta. Phil trova il dito
di Teddy in una coppa piena di ghiaccio
ma del giovane nessuna traccia. Doug telefona dal resort per sapere dove sono
spariti ma i tre amici non lo sanno. Nella
camera c’è anche Chow, un gangster asiatico loro vecchia conoscenza, che racconta di averli portati lui a Bangkok. I tre
vanno a cercare Teddy all’ultimo piano,
ma l’ascensore è fermo e quindi vanno a
piedi sul tetto: del giovane nessuna traccia. Ha inizio l’affannosa ricerca di Teddy per la città. Dopo aver trovato i documenti e la giacca di Teddy addosso a un
uomo in stato di fermo alla polizia, da un
bigliettino nella tasca della giacca i tre
risalgono al pub “White Lion”. Il locale
è distrutto ma proprio lì accanto trovano
il tatuatore di Stu. Dai filmati di quella
16
pazza notte risalgono a un monaco. Al monastero, scoprono che il monaco ha fatto
voto di mutismo: i tre non sapranno mai
cosa è successo. Alan improvvisamente
ricorda uno strano pub. Recatisi nel locale, trovano un travestito che racconta
di aver fatto sesso con Stu che cade nella più profonda disperazione. Gli amici
risalgono poi al misterioso Kingsley, un
uomo colluso col mondo del crimine che
è in attesa di un numero di conto e di
una password. Lo incontrano all’ultimo
piano di un lussuoso hotel dove Kingsley
attende un trasferimento di denaro da
Chow. Probabilmente Teddy è stato preso in ostaggio. Tornati in hotel, i tre trovano Chow che confessa che aveva il
numero di conto e la password nelle tasche di una giacca che la scimmietta gli
aveva rubato. Ma l’animale è ora in possesso di alcuni trafficanti di droga russi.
Recuperata la scimmia e i dati del conto, Chow confessa che l’animale è un
corriere della droga. I tre restituiscono
la scimmia ai criminali fra le lacrime di
Film
Alan. Dopo che Chow ha trasferito i soldi, i tre amici intimano a Kingsely di restituirgli Teddy. Ma Kingsley è un poliziotto che era sulle tracce di Chow da
tempo. In realtà nessuno sa dove sia Teddy e il contatto coi tre amici era servito
a Kingsley solo per catturare Chow. A
questo punto, Phil è costretto a telefonare a Doug e a confessare che questa
volta l’hanno fatta davvero grossa. Ormai mancano poche ore al matrimonio.
Disperati, i tre si fermano in un fast food
dove all’improvviso c’è un black-out di
corrente. Riflettendo sui frequenti blackout di Bangkok, Stu ha un’illuminazione
e ricostruisce cosa deve essere accaduto
quella notte. Quando si sono svegliati, il
dito di Teddy era nel contenitore del
ghiaccio squagliato, quindi il ragazzo
doveva essere andato a prendere il ghiaccio all’ultimo piano, mentre scendeva a
causa di un black-out poteva essere rimasto intrappolato nell’ascensore. I tre
si precipitano in hotel e ritrovano Teddy
dentro alla cabina dell’ascensore fermo.
Ora devono precipitarsi al resort. Per risparmiare tempo, prendono il motoscafo di Chow. Alan si mette alla guida e i
tre piombano a folle velocità sulla spiaggia del resort dove le nozze stanno per
iniziare. Stu raggiunge l’altare dove finalmente si sposa.
ome si dice, squadra che vince
non si cambia. E allora, eccolo
qua, come per ogni grande successo che si rispetti, il sequel, l’immanca-
C
bile numero due, il “riproviamoci ancora”.
È una legge di Hollywood, la cosiddetta
legge della serializzazione, lo ha scritto anche David Mamet nel suo libricino “Bambi
contro Godzilla”: “L’industria del cinema
non è altro che imbonimento da fiera: trovate un’attrazione, presentatela nel modo
più allettante possibile, fateci dei soldi e
riprovateci”.
Dopo il fortunato primo film, Todd Phillips torna a dirigere i quattro sgangherati
amici in vena di disavventure folli, ma qui
davvero rielabora pochissimo. Diciamo
piuttosto che in sede di sceneggiatura si è
preso il primo film e si è fatto un bel “copia-e-incolla” .
Unici cambiamenti: la location (da Las
Vegas alla più esotica Bangkok), l’animale di turno (una scimmietta pusher al posto della tigre di Mike Tyson del primo film),
il “marchio infame” della nottataccia (l’altra volta era un dente mancante questa
volta un vistoso tatuaggio sul volto del povero Stu). L’oggetto della ricerca questa
volta non è il quarto amico (Doug, lo scomparso dell’altra volta, ora se ne sta tranquillo in un bel resort sul mare ad aspettare gli amici persi a Bangkok) ma il fratello
della sposa. Per la guest-star di turno, se
nel primo film c’era la bella Heather
Graham nei panni di una spogliarellista, in
questo secondo capitolo si fa di più, scomodando il bravo Paul Giamatti, che, anche in un filmetto come questo, non manca di regalare un tocco in più.
Ma l’impianto della narrazione è lo
stesso, vale a dire: nozze programmate,
notte folle, risveglio col mistero, poche ore
per risolverlo e rimettere tutte le cose a
posto.
Anche in questo caso c’è la ‘chicca’ finale delle foto che ricostruiscono ciò che
è davvero accaduto durante la pazza notte, ma la ‘chicca’ non è più una novità.
Il trio di attori nei panni degli amici lanciati in folli avventure è però ben rodato,
con il ‘piacione’ Bradley Cooper (nel frattempo sempre più impegnato in film di successo come nel caso del recente Limitless
accanto a De Niro), l’uomo dalla faccia
buffa Ed Helms (lanciato ormai verso una
carriera promettente di nuovo eroe dalla
“faccia qualunque” del cinema americano,
ricordiamo solo la commedia ‘aziendale’
Benvenuti a Cedar Rapids), lo spassosissimo Zach Galifianakis (che quest’anno
abbiamo visto in un’altra “variazione sul
tema” in Parto col folle in duo comico accanto a Robert Downey jr. sempre per la
regia di Todd Phillips).
Ma, tra monasteri buddisti, locali malfamati pieni di prostitute e travestiti, fantastici resort in riva al mare, durante la visione del film non ci abbandona mai l’effetto
déjà-vu. Come per Las Vegas, anche in
questo caso il luogo suggerisce le
(dis)avventure.
L’unico ingrediente in cui si è cambiato
il dosaggio è la volgarità, alcune gag hanno davvero la mano pesante, troppo pesante. Deludente, scontato e appesantito
inutile sequel.
Elena Bartoni
THE EAGLE
(The Eagle)
Stati Uniti/Gran Bretagna, 2011
Regia: Kevin Macdonald
Produzione: Duncan Kenworthy per Focus Features/Film4/Toledo Productions
Distribuzione: BIM
Soggetto: tratto dal romanzo L’aquila della IX legione di Rosemary Sutcliff (1973)
Sceneggiatura: Jeremy Brock
Direttore della fotografia: Anthony Dod Mantle
Montaggio: Justine Wright
Musiche: Atli Örvarsson
Scenografia: Michael Carlin
Costumi: Michael O’Connor
Interpreti: Channing Tatum (Marco Aquila), István Göz (Cen-
N
el 140 d.C., l’estensione dell’Impero Romano giunge fino alla
Britannia anche se non controlla
turione), Bence Gerö (Marco giovane), Denis O’Hare (Lutorius), Paul Ritter (Galba), Zsolt László (Paulus), Julian Lewis
Jones (Cassius), Aladár Laklóth (Flavio Aquila) Marcell Miklós,
Bálint Magyar, Ferenc Pataki (soldati legionari), Bálint Antal
(giovane legionario), Lukács Bicskey (Druido), Douglas Henshall (Cradoc), James Hayes (Stephanos), Donald Sutherland
(zio di Aquila), András Faragó (capitano dei gladiatori), Jamie
Bell (Esca), Dakin Matthews (Claudio), Pip Carter (Placidus),
Ben O’Brien (guardia), Brian Gleeson, Jon Campling (viaggiatori), Mark Strong (Guern), Ralph Aiken (patrizio), Simon
Paisley Day, Róbert Bánlaki, Tahar Rahim, Thomas Henry, Ned
Dennehy
Durata: 114’
Metri: 3120
tutte le remote regioni e l’estremo nord è
governato dalle tribù ribelli della Caledonia (l’attuale Scozia). Il giovane condot17
tiero Marco Aquila arriva in Britannia deciso a riabilitare la reputazione di suo padre, Flavio Aquila, comandante della Nona
Film
Legione che vent’anni prima era giunta in
Caledonia con cinquemila uomini sotto
l’insegna dorata dell’Aquila. Ma la legione e l’Aquila erano scomparse e Flavio non
aveva fatto più ritorno. Furioso, l’imperatore Adriano aveva ordinato la costruzione di un muro, il Vallo di Adriano appunto, che segnava la soglia estrema del mondo conosciuto e il confine settentrionale
dell’Impero.
Desideroso di essere un buon soldato, Marco assume il comando di un piccolo forte in una regione sud-occidentale e guida coraggiosamente le sue truppe durante un assedio delle popolazioni
locali insorte contro l’Impero. A causa
delle gravi ferite riportate, viene congedato con onore e passa la convalescenza
demoralizzato nella dimora dello zio. Un
giorno, assistendo a uno spettacolo di
gladiatori, Marco interviene di slancio
salvando la vita a un giovane britanno,
Esca. Lo zio compra il giovane come
schiavo per Marco. Esca nutre un profondo odio per tutto ciò che è romano,
ma giura di servire colui che gli ha salvato la vita. Avendo appreso da un politico di Roma che qualcuno ha visto
l’Aquila in un tempio tribale nell’estremo nord, Marco si mette in viaggio con
Esca e varca coraggiosamente il Vallo
di Adriano. Con l’aiuto del suo schiavo,
attraversa gli impervi territori dove incontra un ex soldato romano, Guern, che
gli fa capire che Esca, figlio del capo
della tribù dei Briganti, sa molto sulla
scomparsa di suo padre. Infatti Esca conduce Marco proprio dove è racchiuso il
mistero della Nona Legione, presso una
tribù selvaggia dominata dal temibile
Principe delle Foche. Lì il giovane Aquila viene fatto prigioniero e, in un ribaltamento di ruoli, Esca, che comunica con
la stessa lingua della tribù, diventa il suo
padrone. Esca decide comunque di aiutare Marco e così, nottetempo, i due recuperano il vessillo dorato dell’Aquila
nascosto in una grotta. Ma gli uomini
della tribù se ne accorgono e si lanciano
all’inseguimento dei due. La fuga tra gli
impervi e gelidi territori si fa difficile.
Marco, ferito e allo stremo delle forze,
vuole che Esca prosegua da solo. Ma lo
schiavo pretende prima la restituzione
della libertà. Marco lo lascia libero e gli
porge l’Aquila, ma Esca non la prende
promettendogli di ritornare a salvarlo.
Marco resta a terra ferito gravemente.
Poco dopo, a sorpresa, Esca ritorna con
i legionari di suo padre. Uno di loro ri-
ferisce a Marco che suo padre non è
morto da codardo. L’ultimo romano a
reggere il vessillo dorato prima della disfatta è stato proprio il condottiero Flavio Aquila. Ora la legione si prepara a
difendere il vessillo dalla tribù del Principe delle Foche, sopraggiunta nel frattempo. Dopo un duro combattimento nelle acque gelide di un fiume, la legione
romana ha la meglio. Ora Marco può tornare a Roma ricordando gli uomini che
sono morti in nome dell’onore: romani e
britanni. Il giovane condottiero riporta
il vessillo dell’Aquila nella capitale dell’Impero. Ai potenti politici togati riuniti per l’occasione, Marco Aquila dice che
Esca non è uno schiavo perché comprende il valore dell’onore e della libertà
molto più di loro.
n forte sapore di Gladiatore con
l’aggiunta di una spruzzatina di
battaglie in stile Braveheart e un
pizzico di fantasy (quella tribù dei Guerrieri delle Foche pitturati di biancastro!) ed
ecco cucinato il piatto. Ispirandosi a un romanzo di successo (“La legione scomparsa” scritto nel 1954 dall’inglese Rosemary
Sutcliff), The Eagle vuole raccontare, sullo sfondo della “grande” storia dell’Impero
Romano del II secolo dopo Cristo, la “piccola” storia di due uomini che, inizialmente distanti per culture e valori, si ritroveranno vicini. Un giovane condottiero romano e un giovanissimo schiavo britanno.
Entrambi orfani di padre, vogliono ristabilire l’onore dei loro genitori e il rispetto per
gli eroi morti in nome di valori eterni per
qualsiasi popolo.
Diretto con maestria dallo scozzese
Kevin MacDonald (che aveva già convinto con il docu-drama La morte sospesa
e poi con L’ultimo re di Scozia e State of
Play), il film non è solo avventura in costumi da legionari in perfetto stile western, ma tenta anche, magari non riuscendoci del tutto, un’interessante esercitazione sul tema dell’imperialismo. Tra
le pieghe delle scene di battaglia, il film
cerca di porre interrogativi del tipo: quali
sono i limiti di espansione di un impero
quando si tratta di conquistare popoli e
stravolgere culture? Tema di grande attualità particolarmente sentito dallo sceneggiatore Jeremy Brock (che ha già lavorato con MacDonald per L’ultimo re di
Scozia) che ha ammesso di aver voluto
rintracciare un’analogia tra imperialismo
romano e l’attuale supremazia dell’esercito americano. Una convinzione che ha
U
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ispirato anche la scelta degli attori. Mentre in passato si prediligevano attori inglesi per interpretare gli antichi romani,
oggi ha più senso che siano gli americani a interpretare i romani, perché l’impero di oggi è l’America. E così si è scelto
di affidare il ruolo del condottiero romano Marco Aquila allo statunitense Channing Tatum (già visto in vesti di ballerino
in Step Up e in quelle di supereroe in
G.I. Joe – La nascita dei Cobra) e quello
del servo britanno Esca all’inglese Jamie Bell (il piccolo Billy Elliot cresciuto).
Cameo per Donald Sutherland nei panni dello zio di Aquila.
Tra gli sconfinati panorami delle highlands scozzesi ed epiche battaglie
(punto a favore del regista, girate senza
l’uso degli abusati effetti computerizzati) si parla di lealtà, tradimento, amicizia,
odio, inganno, scontro di civiltà. Interessante lo scambio di ruoli tra i due protagonisti, padrone e schiavo, ognuno dei
due salvatore e insieme nemico dell’altro, un rapporto carico di implicazioni ma
sul quale si è preferito non approfondire
per lasciare spazio all’avventura. E la
storia ‘epica’ finisce per inghiottire quella ‘intima’.
Insomma, gli ingredienti per appassionare il grande pubblico ci sono tutti, se non
fosse per qualche lungaggine di troppo
presso le tribù selvagge dominate dal malvagio Principe delle Foche. E qui ci si è
lasciati un po’ troppo andare con la fantasia: vestiti di pelle di foca, teste rasate con
una sola striscia di capelli al centro e un
inquietante make-up biancastro (reso con
un miscuglio di muschio e cenere) fanno
sembrare i guerrieri di una tribù dell’antica Scozia simili a una band di musicisti
psichedelici ante litteram.
Il finale appagherà comunque gli
amanti del genere: il vessillo dorato recuperato e riportato a Roma in nome di valori eterni come l’onore e la libertà che sono
le vere doti dei grandi uomini (condottieri
o schiavi, romani o britanni che siano) e
che spesso gli aridi politicanti (di ieri, come
di oggi) dovrebbero imparare. Onore riconquistato, dignità salvata, fedeltà a Roma
giurata.
Lezioncina di facile presa e spettacolo
assicurato, una calamita sempre valida per
attrarre il grande pubblico nelle sale in cerca di ‘puro intrattenimento’. Questa volta il
talentuoso MacDonald ha preferito la strada più facile.
Elena Bartoni
Film
THE HELP
(The Help)
Francia, Stati Uniti, India, Emirati Arabi 2011
Regia: Tate Taylor
Produzione: Brunson Green, Chris Columbus, Michael Barnathan per 1492 Pictures/Harbinger Pictures, Dreamworks Pictures, Reliance Entertainment in associazione con Participant
Media, Imagenation Abu Dhabi
Distribuzione: Walt Disney Studios Moton Pictures
Soggetto: Dal romanzo “L’aiuto” di Kathryn Stockett
Sceneggiatura: Tate Taylor
Direttore della fotografia: Stephen Goldblatt
Montaggio: Hughes Winborne
Musiche: Thomas Newman
Scenografia: Mark Ricker
Costumi: Sharen Davis
Effetti: Ray McIntyre Jr., Pixel Magic
Interpreti: Emma Stone (Eugenia ‘Skeeter’ Phelan), Viola
Davis (Aibileen Clark), Bryce Dallas Howard (Hilly Holbrook),
Octavia Spencer (Minny Jackson), Jessica Chastain (Celia
iamo a Jackson, nel Mississipi, e
sono gli anni Sessanta. Eugenia
Phelan, detta Skeeter, è una ragazza di buona famiglia, si è appena laureata e ha persino trovato il suo primo lavoro: deve curare la posta delle casalinghe sul giornale locale. In tutte le famiglie
che la circondano, compresa la sua, vi sono
cameriere di colore e pertanto decide di
chiedere all’amica Elizabeth se può farsi
aiutare dalla sua domestica Aibileen con
informazioni utili per poter rispondere alle
molte lettere ricevute.
La giovane Skeeter si rende conto però
sempre più del razzismo imperante della
società che la circonda e delle condizioni
di disprezzo e difficoltà in cui queste donne di colore sono costrette a vivere e lavorare; pertanto le frulla nella testa un’idea
bislacca, ma, al contempo, geniale: realizzare un libro che racconti tutto ciò.
Le difficoltà iniziali appaiono insormontabili; infatti nessuna delle domestiche
se la sente di rischiare il proprio lavoro e
di mettere a repentaglio la propria incolumità, considerando anche le voci delle vendette dei bianchi nei confronti della servitù in caso di lamentele di vario tipo.
Durante questo periodo Eugenia ha
modo di analizzare accuratamente l’atteggiamento delle sue amiche e i loro modi la
disgustano sempre più, al punto di insistere fino alla fine con la domestica di Elizabeth, la quale mostra i primi segni di sbandamento dopo che l’amica Minny viene licenziata da Hilly (a sua volta amica di Skeeter) soltanto per aver utilizzato il bagno
di casa.
S
Foote), Ahna O’Reilly (Elizabeth Leefolt), Allison Janney
(Charlotte Phelan), Anna Camp (Jolene French), Chris Lowell (Stuart Whitworth), Cicely Tyson (Constantine Jefferson),
Mike Vogel (Johnny Foote), Sissy Spacek (Missus Walters),
Brian Kerwin (Rober t Phelan), Wes Chatham (Carlton
Phelan), Aunjanue Ellis (Yule Mae Davis), Ted Welch (William Holbrook), Shane McRae (Raleigh Leefolt), Roslyn Ruff
(Pascagoula),Tarra Riggs (Gretchen), Leslie Jordan (Sig.
Blackly), Mary Steenburgen (Elain Stein), Tiffany Brouwer
(Rebecca), Carolyn Lee (Pearly), Carol Sutton (Cora),
LaChanze (Rachel Jefferson), Kelsey Scott (Sugar Jackson),
Henry Carpenter (James), Nelsan Ellis (Henry il camerierere), Ashley Johnson (Mary Beth Caldwell), Millicent Bolton
(Callie), David Oyelowo (Predicatore Green), Dana Ivey (Gracie Higginbotham), Eleanor Henry (Mae Mobley), Emma
Henry (Mae Mobley)
Durata: 137’
Metri: 3660
Skeeter è convinta di poter realizzare
questo libro e telefona a una casa editrice
per ottenere il benestare. A questo punto si
fa nuovamente all’attacco con Aibileen che
adesso cede ed invita la ragazza a casa sua
per un te.
Inizia così una lunga serie di confessioni e di storie raccapriccianti circa le
maniere in cui queste donne vengono trattate e in cui trattano a volte persino i propri figli, abbandonati alle colf per curare i
propri interessi materiali.
Quando Minny scopre le conversazioni segrete tra l’amica Aibileen e Skeeter,
in un primo momento ne resta infastidita,
ma subito dopo si propone anch’ella come
narratrice.
L’editrice però pretende da Eugenia i
racconti di almeno dodici domestiche e
così il progetto sembra cadere nell’oblio.
Un fatto molto grave accende però l’animo di queste donne: una persona di colore
viene uccisa a sangue freddo da un bianco. Parte allora la rivolta delle colf, che si
fanno trovare tutte quante a casa di Aibileen e fanno chiamare Skeeter, che rimane
stupefatta, ma entusiasta, nel vedere così
tanta gente disposta a denunciare i fatti.
Il libro è finalmente in fase conclusiva
e al suo interno vi sono un mare di storie
tristi e forti, ma anche qualche vicenda divertente e umiliante per le amiche di Eugenia. Una di queste ad esempio, Lilly, ha
inconsciamente mangiato una torta di
escrementi preparata da Minnie, la quale
dopo esser stata licenziata ha portato questo “dono” alla sua ex datrice di lavoro e
le ha rivelato gli ingredienti soltanto a
19
pasto terminato. All’opera di Skeeter manca ancora qualcosa, ovvero il reale motivo per il quale sua madre abbia cacciato
di casa la cameriera che viveva con loro
da quasi quarant’anni. La ragazza insiste
sino a quando la madre, malata terminale, non le racconti finalmente la verità e
cioè che si è sentita costretta a mandarla
via poiché la figlia della domestica era
entrata in casa passando dalla porta principale; la presidentessa del suo circolo, che
si trovava a pranzo a casa loro, ne era rimasta talmente infastidita da obbligarla
quasi a compiere tale gesto.
Skeeter ne prende atto e, molto delusa,
aggiunge questa storia al suo libro. Quando l’opera è terminata, viene stampata in
un gran numero di copie in tutta Jackson,
mantenendo l’anonimato della scrittrice e
delle domestiche. Tutte le donne della città la leggono e ritrovano all’interno le imbarazzanti storie che le riguardano in prima persona, senza poter nemmeno protestare per evitare di svelare quale sia il proprio personaggio.
a sapiente e scaltra regia di Tate
Taylor ci regala un film che va
diretto al cuore dell’Academy, ottenendo pertanto la nomination per il miglior film. Il tema del razzismo, analizzato
dall’interno della società americana degli
anni Sessanta, dove la differenza tra bianco e nero era, da una parte e dall’altra uno
dei vessilli delle campagne elettorali, è un
qualcosa che non può non colpire lo spettatore dall’animo mediamente sensibile.
La bravura della regista consiste però
L
Film
nel dare a uno schema essenzialmente
abusato, uno sviluppo mai scontato o noioso, e la trama infatti risulta di gran lunga
interessante, con un flusso narrativo piuttosto scorrevole e privo di intoppi.
Anche dal punto di vista della recitazione il cast si dimostra assolutamente all’altezza di un film di questo calibro, ed oltre ad una Emma Stone in costante crescita, gli applausi vanno all’eccezionale
Viola Davis, decisamente abile nell’interpretare il delicato personaggio di Aibileen,
rendendo al meglio le espressioni ed i costanti cambiamenti di personalità e stati
d’animo. Non è un caso se la Davis è no-
minata all’Oscar come migliore attrice protagonista.
In un’analisi più generale, il merito va
anche alla sceneggiatura, ricca di dialoghi decisi che sanno regalare al pubblico
l’essenza del significato, senza mai perdere l’impostazione classica sulla quale il
film scorre grazie all’accurata regia della
Taylor, che mantiene l’attenzione sui personaggi facendo in modo che la matassa
si sciolga da sola, e non con metodiche
spinte alle quali spesso cineasti meno abili
ricorrono.
Al di là dell’espresso ed evidente razzismo marcato a più riprese dai compor-
tamenti delle bianche donne di casa, dai
loro fitti dialoghi emerge invece in maniera assoluta tutto il disagio della femmina
dell’epoca, relegata nelle proprie quattro
mura dal marito dominante e del quale aver
timore anche soltanto di un giudizio. La
differenza tra uomo e donna è poi ancor
più netta nei gradini più bassi della piramide sociale, ma mentre le domestiche nere
sono abituate all’ingiuria e alla discriminazione, le altolocate donne bianche riservano le loro frustrazioni per le proprie governanti di colore, e se quest’ultime si uniscono in gruppetti manifestando il loro sincero malcontento, le altre sono costrette a
fingere persino tra “amiche”, mentendo
così a se stesse su quanto sia bella la propria grama vita. In un contesto così dettagliato, è giusto che la Taylor lasci al maschio a malapena lo sfondo di questa agghiacciante istantanea.
Al contrario dell’omonimo romanzo di
Kathryn Stockett, che per via dei temi assai scomodi si è dovuto scontrare contro
numerosi rifiuti da parte delle case editoriali prima di trovare qualcuno che fosse
disposto a pubblicarlo, la pellicola di Tate
Taylor non ha di certo faticato per un ingaggio di produzione, ed anzi ha riscontrato un buon successo di boxoffice e soprattutto all’Academy.
Se volete emozionarvi, riflettere, ma
anche sorridere un po’, The Help è un film
che non potete proprio perdervi.
Tiziano Costantini
I WANT TO BE A SOLDIER
(I Want to Be a Soldier)
Spagna/Italia, 2010
Costumi: Marta Ciurana
Interpreti: Fergus Riordan (Alex), Ben Temple (capitano Harry/
sergente John Cluster), Andrew Tarbet (padre di Alex), Jo Kelly
(madre di Alex), Danny Glover (preside), Robert Englund (psicologo), Valeria Marini (professoressa), Cassandra Gava (professoressa di disegno), Josephine Barnes (Paula), Joan Hostench (Max), Luke Denton (Rodri), Cameron Antrobus (David), Thomas Riordan (Eric)
Durata: 88’
Metri: 2450
Regia: Christian Molina
Produzione: Ferran Monje per Canonigo Films in associazione
con Stars Pictures/Tree Pictures/Black Flag Cinema
Distribuzione: Iris Film
Soggetto e sceneggiatura: Cuca Canals, Christian Molina
Direttore della fotografia: Juan Carlos Lausín
Montaggio: Alberto de Toro
Musiche: Federico Jusid
Scenografia: Pere Carreras
lex, bambino di nove anni, è fissato con lo spazio e con un amico immaginario astronauta, il
Capitano Harry, guida “buona” cui obbedisce quasi ciecamente. Quando però nascono i fratellini gemelli, il giovanissimo
protagonista si chiude in camera sua e,
sentendosi trascurato dai genitori, si tra-
A
sforma in poco tempo in un bullo crudele.
Bombardato dalle immagini di guerra trasmesse continuamente dai notiziari della
TV (che ha chiesto e ottenuto in camera),
Alex assorbe - senza alcuna protezione da
parte del mondo degli adulti - il messaggio della violenza e della supremazia della razza. La sua guida immaginaria ades-
20
so non è più un astronauta, ma il sergente
Cluster, dei marines, che lo sottopone (crede Alex) a un allenamento durissimo per
trasformarlo in un perfetto soldato. A scuola i suoi comportamenti e le sue risposte
allertano i professori: così i genitori vengono convocati e avvertiti di porre limiti
ai capricci del figlio. In una seduta dallo
Film
psicologo, ad Alex viene mostrato il dolore che dà a sua madre tutte le volte che si
comporta male e il ragazzo, colpito, cambia ancora atteggiamento, tornando a essere bravo e ubbidiente, mentre accanto a
lui vede di nuovo l’angelo custode in versione “spaziale”. Ma essere buoni sembra
non servire a molto, dato che per una serie
di equivoci, Alex viene accusato di essersi
comportato ancora una volta in modo inappropriato a scuola e in famiglia. Questo lo
induce ad ascoltare nuovamente la sua parte
cattiva (e il sergente immaginario si fa di
nuovo visibile e presente nella sua testa),
fino al tragico epilogo della storia.
asta la nascita di due gemelli e
una tv in camera a trasformare
un bambino di nove anni in un
violento e crudele nazi-skin? Stando a
B
quanto si vede in I want to be a soldier, la
risposta è sì.
Il film di Christian Molina, presentato
all’edizione 2010 del Festival di Roma, propone una tesi discutibile (quella della violenza dei ragazzi come conseguenza diretta della loro esposizione alla tv) argomentata in modo forse troppo semplicistico. I want to be a soldier mostra, infatti,
l’attitudine alla violenza come risposta immediata allo stimolo.
Il regista sceglie spesso immagini sovraesposte, in cui il bianco e la luce rendono
l’effetto di un filmino quasi amatoriale. A dare
lo stesso effetto concorrono la pellicola che
sembra sgranata, la mdp che ha angolazioni sempre diverse e originali. Il punto di vista
del racconto non è mai quello naturale, come
a sottolineare che non è naturale niente di
ciò che Alex vede e vive. L’uso delle immagi-
ni televisive di guerre, bombe, combattimenti
e morti tende ad avvicinare al quotidiano la
storia proposta: chiunque in casa ha un apparecchio che trasmette gli stessi filmati. Eppure non basta a giustificare la tesi per cui la
violenza vista, e le minori attenzioni che un
figlio ha quando nascono dei fratelli, lo rende un potenziale violento. Perché se esiste
una libertà personale, anche degli adolescenti, è tutta qui che si gioca.
Il film è decisamente una pellicola forte, ricca di spunti e capace di interrogare
gli adulti (molto più che i ragazzi) sul ruolo
dei genitori e delle istituzioni nella crescita degli adolescenti, tenendo ben presente il mondo in cui si vive e i media che,
insieme, lo pervadono e rappresentano,
contribuendo – in fondo – a costruirlo.
Tiziana Vox
COSE DELL’ALTRO MONDO
Italia, 2011
Regia: Francesco Patierno
Produzione: Marco Poccioni, Marco Valsania per Rodeo Drive
in collaborazione con Medusa Film e Sky Cinema
Soggetto: liberamente ispirato al film Un giorno senza messicani di Sergio Arau (2004)
Sceneggiatura: Francesco Patierno, Giovanna Koch, Diego De Silva
Direttore della fotografia: Mauro Marchetti
Montaggio: Cecilia Zanuso, Antonio Dominici (assistente)
a storia del film si basa sulle vite
di tre personaggi principali, in
una cittadina del Veneto più integralista, parte Treviso, parte Bassano:
Golfetto è un industriale con un’attività
fortemente radicata sul territorio e si avvale di maestranze soprattutto extracomunitarie di ogni colore e provenienza; a questo aggiunge la proprietà di una tv locale
da cui ogni giorno lancia proclami razzisti di ogni genere, affermando la necessità
di cacciare tutti gli immigrati fuori dall’Italia e di procedere a dei violenti respingimenti fin dalle nostre coste.
Laura, maestra elementare, ha troncato
la relazione con il poliziotto romano Ariele, stufa dei suoi continui tradimenti e convive ora con un operaio africano dipendente di Golfetto e ne attende un figlio.
Ariele, intanto, ritornato al nord per visitare la madre da cui è continuamente rimproverato, cerca di rimettersi con Laura.
Succede poi che dopo una notte di tem-
L
Musiche: Simone Cristicchi
Scenografia: Tonino Zera
Interpreti: Valerio Mastandrea (Ariele), Diego Abatantuono
(Golfetto), Valentina Lodovini (Laura), Sandra Collodel (Marta),
Maurizio Donadoni (sindaco), Vitaliano Trevisan (tassista), Grazia Schiavo (giornalista Tg), Riccardo Bergo (Otello), Sergio
Bustric (Mago Magic), Fabio Ferri (sottocapo), Fulvio Molena
(questore), Laura Efrikian (sig.ra Verderame)
Durata: 90’
Metri: 2450
porali particolarmente violenti, la comunità si svegli e si accorga che tutti gli immigrati, regolari e irregolari sono spariti,
così, di colpo: spazzini, operai, trasportatori, autisti, badanti, camerieri e servitori
di ogni genere e rango sembrano dissolti
nel nulla. Il territorio sprofonda nel caos
perché le azioni e le attività comuni e fondamentali per la vita quotidiana non esistono più in quanto non sostenute da nessuno: gli ingorghi in cui versa il traffico si
uniscono al girovagare per la città di vecchietti senza assistenza; le fabbriche, le
aziende e i negozi si fermano; nelle case
non c’è più nessuno che cucini, stiri, faccia il bucato.
Anche per i tre personaggi principali
tutto cambia mentre un fantomatico mago
riunisce la popolazione per dei riti propiziatori sulle rive del Brenta; Golfetto non
può più mandare avanti la fabbrica né godere dei piaceri regalatigli frequentemente da una prostituta nigeriana (sì, sono spa-
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rite anche loro) ed è costretto a vivere di
più accanto alla moglie, obbligata, a sua
volta, a stirare e cucinare; Laura pare superare senza traumi la sparizione del suo
fidanzato di colore e accettare l’insistenza
di Ariele e questo la mette talmente in crisi da ammettere di fronte al padre (è proprio Golfetto) che loro sono simili e non
certo positivi. Ariele accetta con un po’ di
sgomento questa nuova opportunità, pur
non capendo bene da cosa sia mossa la decisione/indecisione della ragazza.
Il finale è aperto: Golfetto, dopo un
proclama di ravvedimento e di scuse trasmesso attraverso la sua emittente, parte
verso il sud e forse verso l’Africa per tentare di contattare e, chissà, di recuperare
qualche fuggiasco.
’idea iniziale è interessante e distilla humour e fascino appuntito, anche se ispirata a un film di
Arau (inedito per l’Italia) circa la manova-
L
Film
lanza messicana e quindi non originale;
comunque la provocazione biblica che
abbatte i desideri osceni e beceri dell’industrialotto ottuso parte davvero bene,
spumeggiante quanto deve, surreale quanto basta. Avremmo poi ipotizzato un ragionamento più complesso e un’evoluzione
della storia. Certo non ci aspettavamo che
la sparizione degli immigrati dovesse essere risolta con una ricerca poliziesca e
un ritrovamento a lieto fine, ma un inizio di
tal genere aveva l’obbligo di sfociare in
qualche modo, di diventare qualche altra
cosa, di inventarsi qualcosa.
Invece nulla. Il film si siede, è praticamente finito e lascia il campo alla risibile
trovata dei sortilegi propiziatori eseguiti sul
fiume e all’ipotetico viaggio di Golfetto verso il sud, forse verso il nulla.
Padroni della scena restano invece i
tre protagonisti, professionalmente bravissimi ma tangibilmente smarriti come personaggi nel portare avanti la propria storia così strettamente legata all’idea origi-
naria del film e con essa, invece, presto
bloccata, isterilita.
Restano le battute e gli scatti di Abatantuono, dai tempi ormai perfetti da grande maschera dell’Arte ma impossibilitati,
da soli, a reggere il film; restano gli interrogativi amari e melanconici della Lodovini e di Mastandrea, incolpevoli nel non
poter dar corpo alla povertà stilistica ed
espressiva di tutto il lavoro.
Fabrizio Moresco
SUPER 8
(Super 8)
Stati Uniti, 2011
Riley Griffiths (Charles), Ryan Lee (Cary), Zach Mills (Preston), Jessica Tuck (signora Kaznyk), Joel McKinnon Miller
(signor Kaznyk), Amanda Michalka (Jen Kaznyk), Andrew
Miller, Jakob Miller (gemelli Kaznyk), Jade Griffiths (Benji
Kaznyk), Britt Flatmo (Peg Kaznyk), Glynn Turman (dottor
Woodward), Richard T. Jones (Overmyer), Mel Fair (giornalista locale), Amanda Foreman (Lydia Connors), David Gallagher (Donny), Brett Rice (sceriffo Pruitt), Michael Giacchino
(deputato Crawford), Beau Knapp (Breen), Bruce Greenwood (Cooper), Dale Dickey (Edie), Jack Axelrod (signor
Blakely), Dan Castellaneta (Izzy), Ben Gavin (deputato Milner), Jay Scully (deputato Skadden)
Durata: 111’
Metri: 3080
Regia: J.J. Abrams
Produzione: J.J. Abrams, Bryan Burk, Steven Spielberg per
Paramount Pictures/Amblin Entertainment/Bad Robot
Distribuzione: Universal Pictures
Soggetto e sceneggiatura: J.J. Abrams
Direttore della fotografia: Larry Fong
Montaggio: Maryann Brandon, Mary Jo Markey
Musiche: Michael Giacchino
Scenografia: Martin Whist
Costumi: Ha Nguyen
Interpreti: Kyle Chandler (Jackson Lamb), Elle Fanning (Alice Dainard), Joel Courtney (Joe Lamb), Gabriel Basso (Martin), Noah Emmerich (Nelec), Ron Eldard (Louis Dainard),
979, una cittadina dell’Ohio, Stati Uniti.
Un gruppo di ragazzi cinefili sta
girando un film in super 8 in una vecchia
casa abbandonata nei pressi della linea
ferroviaria. Proprio in quei minuti un convoglio che sta transitando ad alta velocità ha un incidente con un camioncino che
sembrerebbe avere provato a tagliargli la
strada. Le conseguenze sono terribili: tutto il treno deraglia, esplode, si incendia
in un disastro senza precedenti, dissemina in un largo spazio detriti, lamiere e
migliaia di cubetti di un materiale misterioso che ben presto si scoprirà radioattivo.
A causare l’incidente è stato uno degli
insegnanti della scuola dei ragazzi, il Dr.
Woodward, che allontana tutti per evitare
conseguenze pericolose e che presto è arrestato dai reparti dell’esercito che in poco
tempo occupano la zona: lo scopo è di portare via il materiale compromettente, incendiare tutto e fare sfollare gli abitanti
della vicina città.
Ben presto, alcuni episodi terrificanti
cominciano ad accadere uno dopo l’altro:
1
animali e persone spariscono, case e automobili risultano abbattute e squarciate
da un mostruoso ciclone, le linee elettriche e telefoniche non esistono più. L’inquietudine della popolazione lascia spazio al terrore mentre i militari guidati dall’equivoco colonnello Nelec non danno
spiegazioni agli sceriffi locali, anzi ne arrestano uno, Jack Lamb, il padre di Joe,
uno dei piccoli cinefili.
C’è una spiegazione a tutto questo:
anni prima Woodward e Nelec facevano
parte di un’equipe di scienziati che studiava nei sotterranei di un ente spaziale un
alieno mostruoso piombato per sbaglio
sulla Terra e che tentava in tutti i modi di
ricostruire l’astronave in pezzi per tornarsene e casa.
Il convoglio deragliato stava trasportando l’essere spaziale e tutte le parti della sua astronave (i misteriosi cubetti radioattivi) verso una destinazione ignota. Il
disastro ha liberato l’alieno che si è nascosto in una tana diversi metri sotto terra
dove accumula tutto il materiale che può
razziare in superficie, metalli di ogni sorta, motori di automobili, pompe di benzi-
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na per mettere insieme un velivolo che lo
possa far fuggire.
Il gruppo dei ragazzi riesce a risalire
le fila del mistero partendo dalle immagini che la cinepresa abbandonata in fretta
e furia per fuggire dal disastro del treno
ha automaticamente girato; si aggiunge il
fatto determinante che Joe, il giovane truccatore delle riprese in super 8 e Alice, la
star del film sono certamente all’inizio di
una storia d’amore. Il rapimento di Alice
da parte dell’alieno fa scattare la ricerca
dei ragazzi che penetrano nella tana del
mostro; quando tutto sembra perduto e Joe
e l’alieno si trovano faccia a faccia, questo lascia perdere il ragazzo e fugge nello
spazio con l’astronave finalmente e miracolosamente ricomposta.
l regista J.J. Abrams gira un’opera complessa, fatta di passato e
presente, ricca di citazioni e
omaggi, E.T., Spielberg (qui, guarda caso,
produttore), Stephen King, i film di fantascienza degli anni ’50 e tutti i vari American Graffiti che si sono succeduti; ha, come
riferimento costante una mitica età dell’oro
I
Film
americana, più che altro legata agli anni
’50, ’60, al bianco e nero insomma, a Lassie e alle villette con giardino, barbecue e
tante biciclette a cui lui, per età (è del ’66)
non dovrebbe appartenere o, quantomeno sentirsi relativamente vicino (Spielberg
sì che la conosce bene), ma che considera propria attraverso una rivisitazione fantastica che sa di prodigio.
Poi il cinema e un amore viscerale per
tutto ciò che riguarda la costruzione di un
film che, pure tra le mani di ragazzini alle
prime armi diventa straordinario (truccano, recitano, dirigono come appartenenti
a un’altra dimensione) e qualcosa di magico perché tutta la storia parte proprio
dalla cinepresa che, abbandonata per terra durante il disastro, continua a impressionare immagini su immagini come in
possesso di una personalità propria, capace, da sola, di delineare stati d’animo,
incutere paura, suscitare amori, insomma
fare cinema. E questo risulta perfetto, commovente quando alla fine, a film ormai terminato, mentre i titoli di coda scorrono a
lato, viene riproposto tutto il film girato in
super 8: gli interpreti al loro posto vestiti e
truccati, sullo sfondo le persone, i luoghi e
le azioni degli avvenimenti a cui hanno
davvero partecipato e che ora hanno solo
un valore scenografico perché è il cinema
a prendere piede nel ricreare, rivivere e
far rivivere, sognare e regalare a piene
mani ciò che ognuno vuole trovare.
Tutto questo però, pur affascinante, è
solo l’alveo preparato a contenere qualcosa di molto più cupo, dove Abrams si
svela figlio del suo tempo e fa piazza pulita del rapporto con i padri, del debito per
Spielberg e affronta consapevole lo smarrimento e le paure codificate dell’uomo di
oggi, dopo il lungo abbandono dell’adolescenza, il più bel periodo che accompagna la nostra vita ma anche il migliore per
generare i mostri che non ci lasceranno
più.
Parliamo del contatto con l’alieno. Questo è lontano anni luce dall’umanoide disponibilità di E.T. nè ha alcuna voglia di
entrare in rapporto con gli uomini, né è
rammaricato per l’abbandono del suo amico del cuore (che qui proprio non c’è); e,
se pure nel faccia a faccia con il piccolo
Joe, l’essere, al culmine della sua poten-
zialità più mostruosa, rinuncia al sangue
e all’eccidio risparmiando il ragazzino e i
suoi amici, mostrando rispetto per la loro
umanità di cui coglie sicuramente un barlume, bene; non è questo che all’alieno
interessa, bensì la fuga. Fuga a cui ha sempre pensato, prima tentando di rabberciare la sua astronave senza riuscirci e che
poi può realizzare grazie all’assemblaggio
magnetico di tutto quel ferro, motori e lamiere che gli permettono di raggiungere
le stelle senza guardarsi indietro, senza
voler perdere un momento di più in questo
pianeta abitato, davvero, da mostri.
Negli sguardi di tutti, piccoli e grandi,
che seguono l’alieno che fugge nel cielo
notturno leggiamo un’ammirazione entusiastica per l’epilogo di luci e colori che
sugella un’esperienza irripetibile che non
può però coprire del tutto un interrogativo
che pare farsi strada dal fondo del cuore:
se anche un alieno così forte e mostruoso
fugge da noi, chi mai potrà venire dal firmamento a darci una mano per sopravvivere in questo mondo?
Fabrizio Moresco
RUGGINE
Italia, 2011
Regia: Daniele Gaglianone
Produzione: Gianluca Arcopinto, Domenico Procacci per Zaroff
Film/Fandango/Rai Cinema
Distribuzione: Fandango
Soggetto: dal romanzo omonimo di Stefano Massaron
Sceneggiatura: Daniele Gaglianone, Giaime Alonge,Alessandro
Scippa
Direttore della fotografia: Gherardo Gossi
Montaggio: Enrico Giovannone
Musiche: Evandro Fornasier, Walter Magri, Massimo Miride, Le
Luci Della Centrale Elettrica, Vasco Brondi
armine, nullafacente, Cinzia, professoressa d’arte in un liceo, e
Sandro separato con un figlio,
sono tre adulti che portano il peso di un
drammatico ricordo di quand’erano bambini. I tre giocavano nel desolato quartiere gli Alveari alla periferia di una grande
città del Nord, assieme ad altri coetanei,
ne “il castello”, una struttura precaria fatta di lamiere e quant’altro, ma che per loro
era il regno da difendere. Carmine è il capogruppo di questa banda, di cui fa parte
anche la piccola sorellina Rosalia. Fra
varie scorribande, i bambini vivono sereni
C
Scenografia: Marta Maffucci
Costumi: Lina Fucà, Francesca Tessari
Interpreti: Filippo Timi (dr. Boldrini), Stefano Accorsi (Sandro adulto), Valerio Mastandrea (Carmine adulto), Valeria Solarino (Cinzia
adulta), Giampaolo Stella (Carmine bambino), Giuseppe Furlò (Sandro bambino), Giulia Coccellato (Cinzia bambina), Giacomo Del Fiacco (Tonio), Leonardo Del Fiacco (Andrea), Annamaria Esposito (Betta), Alessia Di Domenica (Rosalia), Giulia Geraci (Margherita), Michele De Virgilio (padre Sandro), Anita Kravos (madre Sandro), Cristina Mantis (sig.ra Mauriello), Giuseppe Vitale (II) (Cosimo)
Durata: 109’
Metri: 3000
la loro infanzia, fino all’arrivo di un nuovo pediatra. Il medico in questione, il dottor Boldrini, è in realtà un pedofilo che arriva persino a uccidere una bambina del
paese, senza che nessuno lo scopra. Quando ammazza la seconda, Carmine e gli altri bambini capiscono che è lui l’assassino, ma non dicono nulla: sanno che nessun adulto crederebbe loro. La situazione
precipita quando Rosalia viene rapita e
portata da Boldrini nel castello; Carmine
e gli altri bambini lo seguono per liberarla. Giunti in tempo, salvano l’amica e fuggono dalla struttura che sta iniziando a
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crollare. Colpito da Cinzia con una bottiglia di vetro, Boldrini cade in una buca e
non riesce a fuggire. Carmine, sentendolo
rantolare, torna indietro e lo uccide con
un bastone. Cinzia e Sandro assistono all’omicidio, senza mai confessare niente a
nessuno. Da quel giorno, non si frequentano più e da adulti, continuano a portarsi
questo ricordo, questo fardello, sulle spalle. Carmine è quello che più ne soffre: non
riesce a crearsi una vita e vive allo sbando, braccato dagli strozzini. L’unica persona che lo aiuta, che nonostante tutto gli
resta accanto, è sua sorella Rosalia.
Film
T
ratto dall’omonimo romanzo di
Stefano Massaron, e presentato
al Festival di Venezia 2011, Ruggine è uno di quei film che ti sferra un pugno nello stomaco. Non solo per l’argomentazione di base, la pedofilia e l’assassinio, ma anche per le scelte stilistiche effettuate. Il regista Daniele Gaglianone preferisce giocare sul senso di realtà anziché sulla finzione. Una colonna sonora
quasi assente, costituita soltanto da rumori assordanti e dissonanti, ci accompagna solo in determinate sequenze: si
predilige enfatizzare i rumori dei bambini
mentre giocano, quelli del castello che
crolla, o del respiro affannoso del dottore. I delitti non ci vengono mostrati ma ci
vengono svelati man mano tramite indizi
che servono a farci comprendere la tremenda verità. Ogni volta che viene commesso un omicidio, assistiamo a una stessa scena che prima viene raccontata dal
punto di vista del medico e, successivamente, da quello dei bambini. Soffermandosi sui dettagli degli oggetti o sui particolari del viso o delle mani dei protagonisti, Gaglianone racconta la purezza e l’innocenza dei bambini filmandoli da vicino,
mostrandoceli in toto, mentre la meschinità e la malvagità del dottore sono rappresentati da una macchina da presa lontana dal soggetto, che lo riprende conti-
nuamente di spalle, come se anche l’obbiettivo fosse inorridito dal pedofilo. Diverse ancora le scelte registiche per i tre protagonisti una volta adulti: più classica per
Carmine, che rimarca la banalità della sua
vita; Cinzia che viene ripresa molte volte
di spalle, per la sua alienazione col resto
del mondo di cui non si sente parte; infine Stefano, l’unico che ha avuto un figlio
e la cui cinepresa lo riprende da lontano
mentre gioca allegramente col bambino,
quasi a non volere infrangere o disturbare un momento così intenso fra i due. E
ancora un film dove si prediligono scene
sfocate per sottolineare il malessere dei
protagonisti da adulti, oppure flash in nero
per enfatizzare la pazzia di Boldrini durante i suoi momenti di follia. La bella fotografia di Gherardo Gossi accompagna
la storia dei protagonisti, dando il massimo delle proprie potenzialità all’inizio del
film, dove una polvere dorata cade delicatamente sopra i tre protagonisti bambini, che sono circondati dall’oscurità simbolo quello che li attende; inevitabile non
pensare alla bellissima scena di Frida,
quella del tremendo incidente in cui l’artista cadde vittima.
Ruggine non segue gli eventi in maniera cronologia ma alterna la vita attuale
di Cinzia, Carmine e Sandro da adulti con
gli eventi drammatici di quella fatidica esta-
te. Fin da subito è evidente che i tre bambini altro non sono che gli adulti della storia. Ruggine, infatti, non preferisce puntare sull’elemento sorpresa ma sulle emozioni che tenta di far emergere. Pur rimanendo coinvolti dalla storia, in special
modo quando viene rapita la piccola Rosalia, si viene comunque distratti dalle svariate sfumature stilistiche della regia. Proprio per questa ragione, sarà un film maggiormente apprezzato dai cinefili, ma che
troverà poco riscontro tra chi cerca lo svago di una sera. Come la ruggine che deteriora il ferro, che ha distrutto man mano il
castello dei bambini fino a farlo crollare, i
ricordi di quella terribile estate, hanno logorato l’animo e la vita di quei bambini.
Questo è quello che il film vuole raccontarci: quanto sia impossibile liberarsi da un
trauma. Decisamente bravi tutti gli attori.
Ruggine mette in bella mostra un Valerio
Mastandrea che non delude le aspettative, una Valeria Solarino intensa e un Stefano Accorsi oramai maturo e degno di
compiere un balzo in avanti nella carriera.
Filippo Timi? Forse, a tratti, un po’ sopra le
righe. Da citare anche il piccolo ma bravo
Giampaolo Stella, alias Carmine bambino.
Un consiglio finale: non alzarsi appena iniziano i titoli di coda.
Elena Mandolini
I MUPPET
(The Muppets)
Stati Uniti, 2011
Costumi: Rahel Afiley
Effetti: Lagacy Effects, Shade VFX
Interpreti: Jason Segel (Gary), Amy Adams (Mary), Chris Cooper
(Tex Richman), Rashida Jones (Veronica Martin), Alan Arkin (Guida), Bill Cobbs (Nonno), Zac Galifianakis (Hobo Joe), Ken Jeong
(‘Punch Teacher’ Host), Jim Parson (Walter in carne e ossa), Whoopi Goldberg (Se stessa), David Grohl (Animool), Neil Patrick Harris
(Se stesso), Judd Hirsch (Se stesso), John Krasinski (Sestesso),
Rico Rodriguez (Se stesso), Mickey Rooney (Abitante di Smalltown)
Durata: 103’
Metri: 3200
Regia: James Bobin
Produzione: Walt Disney Pictures, Muppets Studio, Mandeville
Films
Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures
Soggetto: dai personaggi di Jim Henson
Sceneggiatura: Jason Segel, Nicholas Stoller
Direttore della fotografia: Don Burgess
Montaggio: James Thomas
Musiche: Christophe Beck
Scenografia: Steve Sakland
ary e Mary per festeggiare il loro
decimo anniversario di fidanzamento organizzano un viaggio a
Los Angeles. Alla coppia si unisce il fratello minore di Gary, Walter, desideroso di
visitare gli studi di registrazione dei Muppet di cui è un grande fan.
La realtà, però, non è quella immaginata: i luoghi che hanno fatto da set alle
avventure di Kermit e dei suoi amici sono
G
in completo abbandono, dimenticati dai
turisti e dagli addetti ai lavori.
Dopo la delusione iniziale Walter inizia a vagare per gli studios e per caso
ascolta il piano di Tex Richman, un ricco
imprenditore, che vuole radere tutto al suolo per estrarre il petrolio.
L’unica salvezza per gli studios è trovare la somma di 10 milioni di dollari,
come precisato in un vecchio contratto fir-
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mato dalla rana Kermit. Il tempo è poco,
ma Walter vuole fare l’impossibile per salvare i ricordi dei suoi idoli. Con l’aiuto di
Gary e Mary contatta tutti i Muppet per
spiegar loro la situazione. Nessuno ha una
somma così ingente; per questo decidono
di fare un grande spettacolo come ai vecchi tempi per racimolare il denaro.
L’impresa si rivela più ardua del previsto. Nessun network vuole investire su di
Film
loro, considerandoli ormai sorpassati, ma
la fortuna è dalla loro parte. Una televisione è costretta a sospendere uno show
per troppa violenza e, ritrovandosi un buco
difficile da coprire in breve tempo, concede loro una possibilità.
Lo spettacolo inizia, il pubblico, però,
accoglie i Muppet con freddezza salvo poi
lasciarsi contagiare dal loro umorismo. Walter, visto il suo impegno, viene invitato a esibirsi con i suoi beniamini, facendo schizzare
le offerte a livelli altissimi. La somma è quasi raggiunta. Richman, però, non rimane a
guardare e, insieme ai suoi scagnozzi, va a
sabotare il teatro dove si tiene lo show. L’impresa malvagia riesce alla perfezione e i
Muppet, a pochi centesimi dal traguardo,
sono costretti a chiudere il sipario.
Tristi, ma con la consapevolezza di
avere provato a salvare la loro storia, escono dal teatro. Qui ad attenderli una folla
immensa che urla e strepita al loro passaggio. I Muppet realizzano di essere ancora delle star e di poter fare ancora tanto
per il loro pubblico, magari con un membro in più: Walter.
possibile riportare sul palcoscenico delle vecchie glorie ed ottenere un successo clamoroso
senza incappare nel meccanismo infernale
del “nostalgico pietismo”?
È
La Disney ne è convinta e per dimostrarlo, non senza un briciolo di incoscienza, ha rispolverato dei vecchi personaggi,
tanto cari a più di una generazione, per
farne un film: I Muppets.
Questi simpatici pupazzi, nati dalla
fantasia di Jim Henson, non hanno bisogno di presentazioni, i loro show sono
famosissimi in tutto il mondo e vantano
un seguito da far invidia ad una star hollywoodiana. Sono? Forse è meglio dire
erano.
Sì, purtroppo le nuove leve non sanno
chi sia Kermit la rana e all’accenno del
celebre motivetto d’apertura scuotono la
testa come se si parlasse di qualcosa di
astruso. È questa l’amara verità. Non a
caso quando mesi e mesi or sono incominciò il lancio pubblicitario il mio primo
pensiero fu “La Disney sta raschiando il
fondo del barile. Che senso ha riproporre
qualcosa di datato ad un pubblico svezzato a 3D ed effetti speciali?”.
Come spesso accade, i commenti a
priori sono i più errati.
La Disney ha sempre un asso nella
manica e questa volta la carta fortunata è
proprio la perdita di fama dei Muppet.
La pellicola, infatti, inizia proprio con
una visita guidata nei vecchi studi di registrazione degli show e mostra inesorabile
come il passare del tempo abbia sbiadito
il ricordo di un programma tanto amato. E
inoltre, nel suo prosieguo, non rinuncia
neanche ai commenti perfidi dei network
televisivi che rifiutano lo spettacolo perché
“vecchio”.
Non c’è che dire una trovata stilistica
davvero interessante, per più di un motivo: allo spettatore non viene imposta nessuna forzatura, I Muppets sono uno prodotto stantio e come tale vengono presentati. Non c’è voglia di inseguire un
modello vincente, ma una chiara consapevolezza di non poter essere all’altezza
della situazione. Questo porta, paradossalmente, a un crescendo di empatia verso i personaggi, a tifare per loro in maniera quasi agonistica. Certo, si poteva
fare un film più “ruffiano” con qualche trovata comica più sbalorditiva, ma credo
che il vero successo della pellicola sia
proprio la genuinità di cui è impregnata.
Le stesse esibizioni canore, volutamente
sdolcinate, regalano un’atmosfera retrò a
cui è difficile resistere.
Ciò non toglie che alla lunga l’eccessivo buonismo e certe esternazioni stucchevoli facciano perdere di mordente al film,
ma in fin dei conti siamo in casa Disney e
queste sono le regole da rispettare. Anche per delle superstar come i Muppet.
Francesca Piano
THE IRON LADY
(The Iron Lady)
Gran Bretagna 2011
Regia: Phyllida Lloyd
Produzione: Dj Films, Pathé, UK Film Council, Canal+, Cine+,
Goldcrest Film Production LLP
Distribuzione: Bim
Soggettoe Sceneggiatura: Abi Morgan
Direttore della fotografia: Elliot Davis
Montaggio: Justine Wright
Musiche: Thomas Newman
Scenografia: Simon Elliott
Costumi: Consolata Boyle
Effetti: BlueBolt
Interpreti: Meryl Streep (Margaret Thatcher), Jim Broadbent (Denis Thatcher), Olivia Colman (Carol Thatcher), Roger Allam (Gordon Reece), Susan Brown (June), Nick Dunning (Jim Prior), Nicholas Farrell (Airey Neave), Iain Glen (Alfred Roberts), Richard
a vecchia Margaret Tatcher ricorda, nel modo frammentato della
demenza senile, lo svolgersi della sua vita: ragazzina sotto le bombe tedesche ha il coraggio di uscire dal rifugio, dove è con tutta la famiglia, per an-
L
E. Grant (Michael Heseltine), Anthony Head (Geoffrey Howe),
Harry Lloyd (Denis Thatcher giovane), Michael Maloney
(Dottore),Alexandra Roach (Margaret Thatcher giovane), Pip Torrens (Ian Gilmour),Julian Wadham (Francis Pym), Angus Wright
(John Nott), Clifford Rose (James R),Michael Cochrane (William),
Jeremy Clyde (James T), Michael Simkins (Peter),Eloise Webb
(Carol giovane), Alexander Beardsley (Mark giovane),John Sessions (Edward Heath), David Rintoul (Ammiraglio Fieldhouse),
Nicholas Jones (Ammiraglio Leach), Matthew Marsh (Alexander
Haig), Willie Jonah (Kenneth Kaunda), Amanda Root (Amanda),
Emma Dewhurst (Beatrice Roberts), Victoria Bewick (Muriel
Roberts), Phoebe Waller-Bridge (Susie), David Westhead (Ministro ombra), Paul Bentley (Douglas Head), Michael Pennington
(Michael Foot), Hugh Ross (Christopher Soames)
Durata: 105’
Metri: 2900
dare a prendere il burro, rimasto nella
bottega di alimentari del padre, dal quale
eredita un carattere economo e dei solidi principi, su ciò che è giusto fare e che
serve a dimostrare sempre “lo spirito di
onore e indipendenza degli Inglesi”. Il
25
padre è un forte modello anche per la decisione di andare a Oxford e di entrare in
politica nel partito conservatore.Unica
giovane studentessa, trova un giovane che
la guarda ammirato, è d’accordo con la
sua vitalità, il suo volersi dedicare alla
Film
politica e non alla casa e proprio per
questo le chiede di sposarlo. Il decisionismo della donna emerge alla Camera,
dove trova chi non manca di ricordare
che è figlia di un bottegaio. Ma nonostante le ironie di alcuni colleghi, ne trova altri che sostengono la sua candidatura a capo del partito; non smetterà mai
di affermare che il suo primo impegno è
mantenere forte il partito conservatore.
Afferma instancabile che il mondo inglese non cederà al terrorismo irlandese, perché “chi governa deve fare tutto
quello che può per mantenere l’ordine”.
Decisa ad “andare sempre per la propria strada”, come il padre le insegnava, è dura contro l’IRA, che le assale
anche la casa. Una volta dimostrata la
sua capacità di tenere un ruolo di comando, sono alcuni dei suoi stessi collaboratori che la convincono a mettersi
in gioco per diventare primo ministro;
le insegnano persino come dovrà presentarsi al pubblico, con quale voce
parlare, come vestirsi … Superato il numero 10 di Downing Street, la vediamo
insistere contro l’IRA, non liberando
dieci prigionieri che stanno facendo lo
sciopero della fame; affrontare la recessione economica e industriale e la disoccupazione con provvedimenti del tutto
impopolari, conducendo una forte battaglia contro i sindacati. Ed ecco poi le
Falkland: una vera guerra con l’Argentina, che la Tatcher vince, distruggendo
le forze principali della marina avversaria. “Ci terremo in piedi sui principi o
non resteremo in piedi per niente”. “Unità, forza e coraggio e alla fine ciò che è
giusto prevarrà”: ma nonostante queste
idee, nonostante che ella, insieme a Re-
agan, sostenga la fine della Guerra Fredda, quando si tratta di decidere se entrare nell’area della moneta europea ella
si oppone; in questo modo, offre il destro ad alcuni membri del suo partito, che
pure in precedenza l’avevano sostenuta,
per costringerla alle dimissioni. Quando lascia la casa, il personale, commosso, le fa ala, con un vero tappeto di rose
rosse. Da allora, la “lady di ferro” diventa una vecchia signora, vedova da
otto anni, un po’ strana, in procinto di
essere affidata dalla figlia a una casa di
riposo.
a cinquantenne Phyllida Lloyd è
una regista teatrale di successo
nel genere commedia musicale;
la sua regia della versione teatrale di
“Mama mia” ha avuto un successo decennale; e il pubblico ha pure gradito la sua
versione cinematografica, con la Streep
come interprete; per questo musical erano entrambe esordienti (una come regista
e l’altra come interprete) e si mostrarono
entrambe professioniste. Per questa loro
seconda collaborazione, non avevamo
dubbi sulla Streep, potevamo averne qualcuno sulla Lloyd, ma sono stati fugati già
dalle prime inquadrature.
Diciamo subito che la sceneggiatura
di Abi Morgan ha una struttura solida, che
lega i momenti forti della Tatcher “uomo
politico” con la Tatcher donna inglese felicemente sposata e madre di due figli.
Della Tatcher “uomo politico”si presentano, in un corretto ordine cronologico, i
momenti difficili dal punto di vista economico, sociale, di rapporti interni con gli
oppositori, di rapporti non felici con l’estero; di questi viene dato risalto (e giusta-
L
26
mente) alla “guerra delle Falkland”; ma
ognuno di questi episodi occupa, nella
pellicola, uno spazio ristretto; vediamo ben
di più le riflessioni della Tatcher su cosa
decidere e, ancor più, gli accesi dibattiti
che la vedono protagonista assoluta, sempre presente a se stessa, glaciale nell’interrompere i dissenzienti, nel fornire le sue
decisioni.
Perché questo film non è certo un film
storico né l’analisi di un’epoca ancora troppo vicina a noi; è piuttosto la biografia di
un personaggio femminile che lavora e
decide in un ambiente maschile.
Anzi, non si vuole neppure scandagliare su Margaret Tatcher ma piuttosto su un
personaggio solo in parte autore del proprio destino: la ragazza Margaret voleva
solo laurearsi, entrare in politica nel partito che non è esattamente quello dei “bottegai”, anche se il padre lo sosteneva. È
sollecitata dall’esempio di un padre che
non impone nulla e per questo si fa ancora più amare e ammirare: è “il maestro superato dall’allievo”.
L’atteggiamento del marito verso Margaret è, a suo modo, simile a quello paterno: la lascia del tutto libera di essere quello che sente di essere e la sostiene. Che il
rapporto con i figli non sia stato negativo
lo mostrano frammenti che compaiono qua
e là, ad esempio un filmino con tutti e quattro sulla spiaggia. Ma quella che conta è
la solidità del rapporto con il marito, che
vediamo comparire di continuo, per brevi
ma forti presenze, in tutto il film. Perché la
storia è quella di una vecchia signora “un
po’ confusa”, che è bene non rimanga da
sola; il suo presente, che è il raccogliere
gli abiti del marito per darli via e, probabilmente, entrare in una casa di riposo, richiama tutto il resto. La Tatcher ufficiale è
ricordata dalla Margaret di oggi; le sequenze del passato sono collegate da momenti di oggi. Il passato e l’adesso si richiamano a vicenda, con una frase, un gesto,
anche un semplice oggetto.
Nessun momento debole, quindi. Più
che corretta l’idea di far apparire il marito
come interlocutore della Margaret di oggi,
che lo vede accanto a sé, con cui dialoga
“normalmente”. Tutta l’impalcatura del racconto è già suggerita nella prima scena,
con i suoi dettagli della colazione dei coniugi con l’uovo “à la coque”. Molte sono
poi le inquadrature significanti: la lunga
strada alberata che si apre davanti all’auto con cui la ragazza parte per andare all’università; alla fine, la scala discendente,
da cui Margaret non scende, sparendo in
una stanza a fianco del ballatoio...... .
Danila Petacco
Film
SHERLOCK HOLMES: GIOCO DI OMBRE
(Sherlock Holmes: A Game of Shadow)
Stati Uniti, 2011
Regia: Guy Ritchie
Produzione: Silver Pictures in associazione con Wigram Productions
Soggetto: Dai personaggi creati da Sir Arthur Conan Doyle
Sceneggiatura: Michele e Kieran Mulroney
Direttore della fotografia: Philippe Rousselot
Montaggio: James Herbert
Musiche: Hans Zimmer
Scenografia: Sarah Greenwood
Costumi: Jenny Beavan
Interpreti: Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law
(Dott. John Watson), Noomi Rapace (Madam Simza Heron),
il 1891 e l’Europa è scossa da
una serie di attentati che rischiano di far saltare delicati equilibri tra le superpotenze europee. Bombe
scoppiano a Vienna e Strasburgo, un attento è sventato grazie all’abilità di Sherlock
Holmes che seguiva le tracce della bella
Irene Adler e il principe ereditario d’Austria
viene trovato morto. Tutte le tracce raccolte dall’ispettore Lestrade sembrano portare al suicidio, ma Sherlock Holmes sospetta che l’uomo sia stato più probabilmente
vittima di un omicidio premeditato.
Intanto Watson arriva in casa di Holmes per festeggiare con il suo amico il proprio addio al celibato, ma il detective ne
approfitta per svelargli ciò che secondo lui
spiegherebbe la situazione europea oltre
che la morte del principe, ossia un assassinio che è soltanto un tassello di un più
grande ed oscuro mosaico. Una vera e propria ragnatela che riconduce al malvagio
professor Moriarty. Watson non è convinto dell’idea del suo amico, ma comunque
informa il detective che quella è una storia di cui non vuole occuparsi in quanto è
lì soltanto per festeggiare il suo addio al
celibato ed il matrimonio che si svolgerà
l’indomani mattina. I due escono e durante la festa Holmes capisce che qualcuno
sta per attaccare la bella zingara Sim che
legge le carte agli ospiti del locale; c Holmes si allontana dalla festa per parlare con
lei e proteggerla dall’uomo che sta per
ucciderla. Holmes scopre che la donna è
la destinataria di un pacco che doveva arrivare a Irene che nel frattempo è stata
uccisa. Watson intanto è ubriaco e non si
accorge dei movimenti del suo amico, che,
dopo aver sventato l’omicidio della zingara, fugge con lui riportandolo direttamen-
È
Jared Harris (Professor Moriarty), Eddie Marsan (Ispettore
Lestrade), Rachel McAdams (Irene Adler), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Paul Anderson (Colonello Sebastian Moran),
Kelly Reilly (Mary Watson), Geraldine James (Sig.ra Hudson), William Houston (Agente Clark), Wolf Kahler (Dottor
Hoffmanstahl), Thorston Manderlay (Alfred Meinhard), Afif
Ben Badra (Tamas), Daniel Naprous (Marko), Lancelot Weaver (Stefan), Vladimír Furdík (Andrzej), Stanley Kaye
(Stanley),Thierry Neuvic (Claude Ravache), Ian Wilson-Pope
(Leporello), Pamela Hay (Elvira), Laurentiu Possa (Rene
Heron), Joe Egan (Grande Joe), Clive Russell (Capitano Tanner)
Durata: 129’
Metri: 3580
te l’indomani al suo matrimonio. Holmes
partecipa alla cerimonia e poi insieme con
il fratello Mycroft organizza un piano per
recuperare la zingara e scoprire di più sul
suo rapporto con Moriarty, del quale dovrebbe essere la prossima vittima. Così
proprio mentre Watson è in treno con la
neo moglie Mary Morstan per il viaggio di
nozze, Holmes lo raggiunge e gli chiede di
seguirlo nella sua avventura. Watson non
vuole, ma è in realtà già dentro al piano
del detective che getta letteralmente in
mare Mary restando in treno con Watson.
Mycroft è intanto pronto a recuperare e
mettere in salvo la donna, spiegandole che
era tutto programmato affinché Watson
potesse aiutare Holmes. I due partono per
la Francia dove ritrovano Sim, la donna
del locale, capiscono che il professor Moriarty controlla le azioni di un gruppo anarchico internazionale, tenendone sotto ricatto alcuni membri, fra cui il fratello di
Sim. Holmes, Watson e Sim si informano
sul gruppo anarchico e sui loro rapporti
con Moriarty riuscendo a scoprire che una
bomba è stata messa anche all’Opera di
Parigi, ma proprio quando si trovano dietro il palco del teatro, non riuscendo a trovare nessun ordigno, capiscono di essersi
sbagliati. Il prossimo obiettivo è infatti
l’Hotel Du Triomphe e quando i tre arrivano è ormai troppo tardi e la bomba è già
esplosa. Holmes, Watson e Sim decidono
così di radunare un gruppo di nomadi
amici di Sim e del fratello decidono di partire per la Germania, continuando a seguire le tracce degli uomini di Moriarty e scoprendo un’enorme fabbrica di armi illecite fabbricate per il gruppo anarchico. Proprio mentre Holmes è nella fabbrica viene
catturato da alcuni uomini, addormentato
27
e portato proprio davanti al professor
Moriarty. Finalmente Holmes può comunicargli di essere a conoscenza del suo piano: il professore ha infatti usato gli anarchici e le loro bombe per creare una crisi
in Europa e usando vari pseudonimi ha
complottato e ucciso per potersi insinuare
in diverse industrie mondiali (di cotone,
acciaio, oppio, belliche e di armi chimiche), tutto senza che nessuno riuscisse mai
a risalire al suo nome. Lo scopo di questo
piano è quello di scatenare una guerra
mondiale e aumentare così la richiesta di
armi. Watson grazie ad alcuni indizi lasciati dallo stesso Holmes che aveva previsto
l’accaduto, riesce però a trovarlo e a metterlo in salvo. Parte così una lunga fuga,
Holmes e Watson, insieme a Sim e al gruppo dei nomadi riescono a scappare dal professor Moriarty e dai suoi uomini, salendo
a bordo di un treno diretto in Svizzera. Holmes però ha subìto troppe ferite e sembra
essere morto, ma fortunatamente Watson
si ricorda del regalo di nozze che lo stesso
Holmes gli aveva fatto: una siringa con un
antidoto che avrebbe potuto farlo tornare
in vita. Ed effettivamente Holmes si riprende. Watson, Holmes e gli altri si dirigono
così in Svizzera, dove sta per tenersi un
vertice per la pace tra i più grandi paesi
europei e al quale è invitato anche il professor Moriarty in quanto importante intellettuale inglese. Grazie a Mycroft, il fratello di Holmes (uomo politico inglese) anche loro riescono ad ottenere il permesso
per entrare, e capiscono che l’uomo da cercare è un ottimo tiratore che dovrebbe essere il fratello di Sim.
Una volta iniziata la serata Holmes comunica a Watson che dovrà trovare lui il
fratello di Sim, mentre lui stesso si occu-
Film
perà di trovare e fermare finalmente il professor Moriarty. Sim e Watson riescono a
fermare l’uomo che però resta ucciso proprio mentre sta per sparare. Intanto Holmes e Moriarty iniziano uno duro scontro
e proprio mentre Watson arriva in aiuto di
Holmes questi si lancia dalla finestra portandosi dietro anche Moriarty.
Si celebra così il funerale di Holmes,
benché il suo cadavere non sia stato ritrovato. Intanto Watson è tornato a Londra e
vive con sua moglie, distrutto dal dolore
per la morte del suo amico e collega; ha
anche finito di scrivere un libro che parla
proprio di Holmes, ma appena si allontana dalla sua scrivania appare Sherlock
Holmes che aggiunge alla parola “The
end” un punto interrogativo.
D
ivertente e ben girato il secondo
capitolo della saga di Sherlock
Holmes. Guy Ritchie punta mol-
to sull’azione e sul movimento, i protagonisti della storia infatti attraversano l’Europa, inseguendo e allo stesso tempo fuggendo dai loro nemici. Certo, se non si è
visto il primo Sherlock Holmes diventa più
difficile entrare in questo mondo un po’
esagerato e molto movimentato, però Guy
RItchie punta proprio su questo: avendo
descritto i personaggi e le loro storie nel
primo film, non ha bisogno di farlo nuovamente e può osare andando avanti e
dando per scontato alcuni passaggi.
Scontri e fughe diventano il centro del
film e la ragnatela che Holmes deve sbrogliare è molto complicata. Paesi e personaggi che si intrecciano tra loro, un’avventura ricca di complicazioni più o meno
utili alla trama, ma sicuramente utili per
valorizzare l’interpretazione degli attori.
Robert Downey e Jude Law rispettivamente nei panni di Sherlock Holmes e
Watson sono particolarmente interessan-
ti, l’umorismo e la saggezza che caratterizzano i personaggi sono resi a pieno. Il
loro affiatamento è ormai appurato e reale, e questa è una sensazione che si avvertiva già nel primo. I flashforwards che
precedono i movimenti d’azione di Holmes proseguono anche in questo secondo capitolo, dando ancora una volta un
senso di continuità.
“Sherlock Holmes: gioco di ombre” è
un bel film di azione che piacerà sicuramente agli amanti del genere e a chi aveva già apprezzato il primo capitolo della
saga diretta da Guy Ritchie. Il regista lascia gli spettatori con un finale molto aperto, lasciando immaginare una nuova avventura per il detective più originale della
letturatura inglese (creato da Arthur Conan Doyle) e per il suo fedele compagno
Watson.
Silvia Preziosi
QUALCOSA DI STRAORDINARIO
(Big Miracle)
Stati Uniti, 2012
lik), Johnie Chase (Roy), Ahmaogak Sweeney (Nathan), Ted
Danson (J.W. McGraw), Stephen Root (Governatore Haskell),
Rob Riggle (Dean Glowacki), James LeGr0os (Karl Hootkin),
Mark Ivanir (Dimitri), Michael Gaston (Porter Beckford), Andrew Daly (Don Davis), Gregory Jbara (Generale Stanton),
Ishmael Angalook Hope(Bud), Othniel ‘Anaqulutuq’ Oomittuk Jr.(Inupiat Whaler), Thomas R. Daly (Frank), Maliaq Kairaiuak ( Dana), Ken Smith (Stu), Tim Palmer (Lloyd Dobler),
John Michael Higgins (Wes Handrick), Jason Martin (Rich),
Quinn Redeker (Presidente Reagan), Thom Van Dorp (Don
Carr), Jeffrey Evan (Arnold), Stefan Kapicic (Yuri), Teresa
Pingayak (Moglie di Malik), Opal Sidon (Darcy), Liam Boles
(Cooper Dobler), Kathy Baker (Ruth McGraw), Maeve Blake
(Shayna Dobler),Krista Schwarting (Diane Dobler), Sarah
Palin (Se stessa)
Durata: 107’
Metri: 2930
Regia: Ken Kwapis
Produzione: Working Title, Anonymous Content
Distribuzione: Universal Pictures International Italia
Soggetto: Dal romanzo di Thomas Rose
Sceneggiatura: Jack Amiel, Michael Begler
Direttore della fotografia: John Bailey
Montaggio: Cara Silverman
Musiche: Cliff Eidelman
Scenografia: Nelson Coates
Costumi: Shay Cunliffe
Effetti: Justin Buchingham, John P. Cazin, Modus Fx, Rhythm &
Hues, Gradient Effects, Kerner Optical
Interpreti: Drew Barrymore (Rachel Kramer), John Krasinski (Adam Carlson), Kristen Bell (Jill Jerard), Dermot
Mulroney(Colonnello Scott Boyer),Tim Blake Nelson (Pat Lafayette), Vinessa Shaw (Kelly Meyers), John Pingayak (Ma-
laska, 1989. Il cronista locale
Adam Carlson non vede l’ora di
lasciare la sua provincia, Barrow,
situata sulla punta settentrionale dello stato, per nuove opportunità lavorative. Ma
proprio quando il futuro della sua carriera è incerto, ecco che gli si presenta una
grande opportunità. Casualmente insieme
a Nathan, un ragazzo nativo dell’Alaska
di undici anni, scopre tre balene rimaste
intrappolate sotto una lastra di ghiaccio
durante una migrazione. I tre cetacei, padre madre e figlio, ribattezzati con i nomi
dei personaggi dei Flinstones, Fred, Wilma e Bamm-Bamm, nelle gelide acque ar-
A
tiche rischiano la vita. La lastra è troppo
lunga per essere percorsa sott’acqua ed ha
un solo buco dal quale i cetacei possono
emergere a prendere fiato. Il servizio realizzato da Adam per un canale televisivo
locale si rivela un successo tale da attirare sul luogo tutti i canali televisivi nazionali e la notizia si diffonde rapidamente,
scatenando subito un tam tam di aiuti. E
non solo. C’è anche chi poi, approfittandosi della situazione, sarebbe pronto a tutto
pur di conquistarsi il favore dell’opinione
pubblica. Così non tardano ad arrivare sul
posto le persone più disparate: dalla rampante giornalista Jill Jerard della TV di
28
Los Angeles, al magnate del petrolio McGraw, deciso a scrollarsi di dosso l’immagine di nemico dell’ambiente e infine gli
uomini della Guardia Nazionale, in diretta rappresentanza di una presidenza, quella
di Reagan, che, alla fine del suo mandato,
vuole lasciare all’opinione pubblica il ricordo di un’impresa a salvaguardia dell’ambiente.
Tuttavia, la persona che preoccupa
maggiormente Adam è Rachel Kramer, che
non solo è una ambientalista di Greenpeace senza scrupoli, ma è anche la sua ex
fidanzata e per prima è giunta sul posto.
Rachel è una ragazza istintiva e sensibile,
Film
che già in passato non si è fatta troppo
amare dalla autorità statunitensi. Con poco
tempo a disposizione Rachel e Adam si trovano a dover sensibilizzare la popolazione degli Inuit, che vivono proprio grazie
alla caccia alle balene, per realizzare
l’obiettivo comune di liberarle, facendo
percorrere loro il lungo tratto di ghiaccio
che le separa dal mare aperto, prima che
l’esiguo spazio per respirare si chiuda conducendole a morte sicura. Gli Stati Uniti,
tuttavia, dopo aver fallito l’operazione di
salvataggio attraverso una grande chiatta, condotta tra i ghiacci dal colonnello
Scott, ritengono che l’unica soluzione sia
l’intervento di una nave rompighiaccio russa, l’unica disponibile in quel momento.
Dopo aver assistito impotenti alla perdita del piccolo Bamm-Bamm, ecco che
accade il miracolo: la collaborazione tra
Reagan e Gorbaciov. Con tanto di doppia
bandiera americana e sovietica issata insieme, la nave sovietica riesce a rompere
l’enorme lastra di ghiaccio e finalmente le
due balene riescono a ritrovare la strada
per tornare in mare. Adam e Rachel alla
fine di quest’avventura si trovano più legati di prima.
ualcosa di straordinario è il nuovo film dello statunitense Ken
Kwapis, dedicato allo spettacolare salvataggio avvenuto nel 1988 di tre
esemplari di balena grigia nei ghiacci polari
di Point Barrow, in Alaska. Uscito a poca distanza da L’incredibile storia di Winter il delfino, anch’esso all’insegna dei buoni sentimenti e in grado di coinvolgere ed emozionare il pubblico, rappresenta quel cinema che
una volta veniva definito “per famiglie” e che
Q
ha nelle tematiche ambientaliste uno dei suoi
motivi fondanti. Il video originale, girato da
un fotografo di cronaca locale, che documentava la lotta per la sopravvivenza della famiglia di cetacei, fu trasmesso infatti da un giornalista della Nbc nel classico telegiornale
della sera. Nel 1989, Thomas Rose fece la
cronaca della vicenda in un libro dal titolo
Freeing The Whales, in cui vengono raccontati gli enormi sforzi di salvataggio a cui si
sottoposero Greenpeace, il governo Reagan
e l’Unione Sovietica di Gorbaciov. Senza
cercare di deviare in nulla dalla struttura narrativa classica hollywoodiana Qualcosa di
straordinario, vuole assolutamente essere
ordinario. Il film romanza con poca audacia
e contemporaneamente ricercando una fedeltà estrema ai fatti (sui titoli di coda compariranno i volti dei veri protagonisti accanto
a quelli degli attori che li hanno impersonati), una storia ben nota al suo pubblico primario, cioè quello statunitense.
Guardia nazionale, tentativi di scoop,
traversate di chiatte petrolifere, ingegneri
dal Minnesota a caccia di pubblico, nativi
Inuit dell’Alaska dal cuore tenero, una attivista di Greenpeace che si tuffa a quaranta gradi sotto zero per un bagno in compagnia delle maestose balene grigie. Questi gli ingredienti che danno vita a una pellicola che ripercorre quelli che sono stati i
giochi di potere di un’epoca, ma anche e
soprattutto il ruolo fondamentale dei media nel mostrare una notizia per poter influenzare il piccolo e grande pubblico. Nonostante non manchi nel film uno sguardo
critico al circo mediatico effettivamente
creatosi intorno ai tre animali, fatto di giornalisti arrivisti, individui spinti da motivi ben
poco nobili, Ken Kwapis, regista prevalen-
temente televisivo (molte stagioni di The
Office e film come La verità è che non gli
piaci abbastanza in curriculum), intraprende una strada senza troppa convinzione,
finendo con il realizzare una commedia
troppo scontata, ristretta a un unico target
di pubblico. Una strana alleanza in nome
di una comune causa ambientalista così
fa lavorare a braccetto nazioni che normalmente sono schierate una contro l’altra. E
alla vicenda delle balene si intrecciano
quelle dei protagonisti umani, coinvolti in
vecchi e nuovi amori, amicizie sincere e
cambiamenti inattesi. A tratti, quello che si
racconta nel film può sembrare persino
esagerato, come il matrimonio tra il rude
colonnello Scott, incaricato della prima
missione e l’addetta alle pubbliche relazioni del presidente Reagan. Ma, leggendo
le cronache della vera “Operation Breakthrough”, si scopre che è tutto vero, compreso quello che sembra meno probabile.
E pazienza se, nella realtà, alla fine si perse ogni traccia delle balene salvate. Il cast
scelto dal regista è di tutto rispetto. Spicca
la protagonista Drew Barrimore, in un ruolo che le si addice per la sua solarità e una
semplicità a tratti disarmante. Accanto a
lei John Krasinski, nei panni del simpatico
giornalista, già visto in diverse commedie
romantiche. Ma i veri protagonisti sono i
giganteschi mammiferi, enormi esemplari
di animatronic costruite in Nuova Zelanda, studiati e realizzati in modo da essere
il più realistici possibile. A mancare alla storia però è proprio quel mordente che
avrebbe forse potuto trasformare il film in
“qualcosa di straordinario”.
Veronica Barteri
1921 – IL MISTERO DI ROOKFORD
(The Awakening)
Gran Bretagna 2011
Regia: Nick Murphy
Produzione: Origin Pictures
Soggetto e Sceneggiatura: Nick Murphy, Stephen Volk
Direttore della fotografia: Eduard Grau
Montaggio: Victoria Boydell
Musiche: Daniel Pemberton
Scenografia: Jon Henson
Costumi: Caroline Harris
Effetti: Kristyan Mallett, Lip Sync Post
Interpreti: Rebecca Hall (Florence Cathcart), Dominic West
(Robert Mallory), Imelda Staunton (Maud Hill), Isaac Hempstead-Wright (Tom Hill), Shaun Dooley (Malcolm McNair), Joseph Mawle (Edward Judd), Diana Kent (Harriet Cathcart), Ri-
chard Durden (Alexander Cathcart), John Shrapnel (Reverendo Hugh Purslow),Cal Macaninch (Freddie Strickland), Lucy
Cohu (Constance Strickland), Anastasia Hille (Dorothy Vandermeer), Andrew Havill (George Vandermeer),Tilly Vosburgh (Vera
Flood), Ian Hanmore (Albert Flood), Steven Cree (Sergente
Evans), Alfie Field (Victor Parry), Felix Soper (Julian Dowden),
Sidney Johnston (John Franklin), Spike White (Alistair Howell),
Charlie Callaghan (Chris Hartley), James Kirkham (William
Ramsbottom), Ewan Walker (Richard McGorian), Adam Thomas Wright (Max Tebbitts), Ben Greaves-Neal (Bambino impostore), Daniel Pirrie (Capitano Mills), Nicholas Amer (Edgar Hirsthwit), Katie Hart (Katie Forbes), Molly Lewis (Florence da
bambina), Nick Murphy (Insegnante)
Durata: 107’
Metri: 2840
29
Film
ono passati solo pochi anni da
quando il primo conflitto mondiale è cessato e la guerra ha mostrato il suo vero volto, condizionando
l’esistenza umana. All’incrocio tra volontà di sapere e la perdita traumatica dei
propri cari è l’esperienza di persone comuni che si appellano a medium e sedicenti maghi per stabilire un contatto con i
defunti. A smascherare questi ciarlatani
che organizzano nella propria casa sedute
spiritiche, fidando della buona fede di chi
è stato colpito da un lutto, è la scrittrice
Florence Cathcart: è lei l’autrice di un libro sui falsi fenomeni paranormali che, addirittura, molti lettori hanno riposto sul comodino accanto a La Bibbia. Alle prese con
un finto veggente da strapazzo la troviamo
all’inizio del film, dove la Cathcart consegna l’imbroglione e il resto della sua gang
alla polizia. Tornata presso il suo appartamento, vi trova un certo Robert Mallory
che la supplica in ginocchio di seguirlo fino
al vecchio collegio di Roockford dove lui
presta servizio. Di fronte alle iniziali reticenze della scrittrice, l’uomo inizia a raccontarle una storia di morti sospette e presunti fantasmi. A quanto sembra, decadi
or sono al posto dell’istituto scolastico vi
era una ricca magione abitata da una famiglia molto influente. Bene, all’interno di
quest’abitazione signorile si narra sia avvenuto l’omicidio di un bambino, sebbene
nessuna notizia in merito sia mai stata trapelata. Guardando le foto scattate ogni
anno alla presenza di studenti e corpo insegnante, si può vedere come all’angolo
destro dell’immagine appaia la silhouette
sfocata di un fanciullo vestito in maniera
dissimile rispetto ai suoi coetanei. Potrebbe essere proprio lui lo spettro di cui parla
la leggenda! Mallory fa capire a Florence
che si è rivolto a lei in seguito alla dipartita tre settimane fa di un allievo, che - guarda caso - era stato l’unico ad aver visto
questo spirito e averne parlato poi con il
suo precettore. Nonostante le parole di
Mallory l’abbiano piuttosto intrigata, la
protagonista rifiuta di assecondare le sue
pretese. Ma, dopo il primo rifiuto di Florence, la macchina da presa ci mostra la
donna a bordo di una vettura con accanto
Mallory e l’autista Edward Judd. Il terzetto è diretto al convitto per far luce sui misteri che circondano questo luogo. Ad attenderli sull’ingresso vi è l’anziana governate Maud Hill, che si presenta a Florence proclamandosi la fan più entusiasta del
genio intellettuale della giovane scrittrice. Non appena Florence pone piede nel
collegio inizia a fare luce sui misfatti che
lì vi aleggiano invisibili. Per riuscire al
meglio nella sua missione, la protagonista
S
piazza nelle varie stanze del palazzo complessi marchingegni e aspetta che la preda abbocchi. E ciò accade regolarmente
soltanto qualche ora più tardi, nel cuore
della notte. Infatti, sfruttando le impronte,
riesce a capire che l’ombra pronta a seguire i suoi spostamenti è uno dei ragazzi
iscritti alla scuola. Tuttavia, il sesto senso
di Florence le suggerisce che il vero responsabile del decesso dell’alunno è l’arci-severo professor Albert Flood, che aveva lasciato il povero bambino all’incuria
degli elementi in una fredda notte invernale. Messo con le spalle al muro, all’insegnante Flood non rimane altro che confessare i suoi peccati e allontanarsi al più
presto dall’istituto. Florence, però, avverte in sé come la sensazione che manchino
alcuni tasselli del puzzle per chiudere il
caso. Infatti, la notte scorsa la scrittrice si
era sentita vicina a un soggetto soprannaturale e la paura inizia a farsi strada in
lei. Questo stato d’animo si acuisce allorché l’investigatrice delle tenebre si trova
in prossimità di un fiumiciattolo che circonda l’edificio. Qui una mano emersa
dalle acque all’improvviso la attira con forza a sé. Florence è salvata dall’intervento
provvidenziale di Mallory, che si getta nel
torrente incurante del pericolo. Mentre poi
la donna si concede un bagno caldo per
ristorarsi e ritemprarsi, lo spettro la spia
da dietro una fessura nel muro. La protagonista si mobilita all’istante pronta a seguirlo, anche se dovesse perlustrare uno
per uno tutti gli ambienti di cui è composto il convitto. Durante la sua indagine Florence giunge in un locale, al cui centro è
disposta una mastodontica casa delle bambole. Somma è la meraviglia, quando la
signorina Cathcart s’inginocchia di fronte al balocco e vede dei personaggi di stoffa
posizionati nelle varie camera da letto, nel
refettorio e nei salotti; posizionati in modo
tale da inscenare una sorta di tableaux vivants. La cosa in assoluto più sconcertante è che quei pupazzi riproducono le fattezze di Mallory, della tata Maud, del professor Flood e - non potrebbe essere altrimenti - della stessa Florence. Dopo questa raccapricciante scoperta, la donna ha
un incontro ravvicinato con l’immagine
evanescente di un uomo in marsina che
punta un fucile da caccia contro di lei e le
spara. Nulla di reale, beninteso, in quanto
la macchina fotografica non riesce a imprimere che il simulacro di quello strano
individuo apparso dal nulla. «Non avere
timore» continua a ripetersi come un mantra la sbigottita Florence, che cerca riparo tra le braccia forti e possenti del buon
Mallory. Il desiderio di esserle di aiuto e
di conforto porta l’uomo a far l’amore con
30
quella giovane così all’apparenza spregiudicata. Una volta conclusosi l’atto amoroso, Florence girovaga senza meta nel
giardino dello stabile, finché non s’imbatte in Edward Judd. Questo ultimo intavola
una discussione poco piacevole, finendo
con insultare apertamente la Cathcart. Ma,
lo spregevole autista fa molto di più: scarica sulla donna la sua rabbia di fallito
picchiandola. Un minuto dopo Judd prova
ad abusare di lei ormai priva di coscienza.
L’intromissione del fantasma e una Florence di nuovo lucida fanno sì che gli scellerati intenti di Judd siano vanificati. Nella
successiva colluttazione, però, la protagonista colpisce a morte l’aggressore. Giunto sul posto, Mallory si applica affinché il
delitto possa essere occultato agli occhi
della legge. Intanto che Mallory è occupato a celare il cadavere dello chauffeur, la
scrittrice va a medicarsi nell’istituto dove
la curano Maud e Tom, l’unico dei ragazzi
a non aver fatto ritorno al suo paese natale in occasione delle feste. Pian piano nella protagonista si fa strada l’idea che quella di Tom sia una falsa identità e riconosce in lui qualcosa di anormale. In effetti,
il fanciullo non è quello che dice di essere;
ma, il figlio defunto della governante
Maud, nonché l’ex compagno di giochi
della stessa Florence. Ebbene sì: quella che
ora è un collegio prima era stata l’abitazione di Florence e dei suoi congiunti. In
un raptus d’ira, il padre aveva abbracciato la doppietta e aveva spedito all’altro
mondo la moglie, rea colpevole di non aver
partorito un maschio al posto di Florence.
Non soddisfatto, il genitore paterno aveva
messo soqquadro la villa al fine di trovare
la figlia e farle fare la stessa fine della consorte. Per un tragico errore del destino, ad
andarci di mezzo fu Tom, per l’appunto,
che si era riparato insieme a Florence in
uno sgabuzzino segreto. Alla vista del sangue versato da quell’innocente, l’uomo
aveva rivolto l’arma contro di sé e posto
termine alle proprie sofferenze. Successivamente, la piccola Florence era stata allontanata dalla casa degli orrori e ospitata da una coppia di zii priva di figli. Riacquistata finalmente la memoria, Maud porge alla bambina, che un tempo aveva accudito un bicchierino di cherry. Ancora
stordita da ricordi che aveva represso in
un angolo buio della sua mente, la protagonista lo accetta, non sapendo che nel liquore è stato versato un potente veleno.
Appena intuisce le volontà della governante e di Tom, la donna grida aiuto a Mallory, che subito si precipita alla ricerca di
un farmaco per espellere la tossina dal suo
corpo. In un secondo tempo, Florence si
appella alla bontà del piccolo spettro per
Film
protrarre la sua esistenza sulla terra. Tom
non rimane sordo alla sollecitazione impartita dalla sua vecchia compagna e si
adopera per sottrarla a morte certa. Grazie all’appoggio di Tom, Florence si salva
e può continuare la storia d’amore con
Mallory.
l regista esordiente Nick Murphy
mostra in 1921-Il mistero di Rookford la sua innegabile capacità
di affabulazione, riproponendo sul grande schermo una storia di fantasmi sulla
scia di The Others dello spagnolo Alejandro Amenábar. Anche in questo caso, il
personaggio principale è una donna apparentemente dura e risoluta, mentre
l’unico personaggio maschile soffre di un
disturbo post-traumatico da stress a seguito del conflitto mondiale appena terminato. Ma, il principale punto di contatto
tra le due pellicole è l’ambientazione: la
tradizionale villa che si staglia bianca nella
malinconica atmosfera della brughiera
I
inglese, dove si crede possa dimorare un
fantasma. L’opera di Murphy, come d’altronde quella di Amenábar, rientra a malapena nella categoria “horror”, sebbene
gli escamotage narrativi e visivi adoperati siano stati utilizzati al fine di produrre
un moto di paura nello spettatore. Decisamente più appropriata è, invece, l’etichetta di “thriller” per 1921-Il mistero di
Rookford. Innumerevoli volte nel corso
della pellicola, Murphy punta alla classica dinamica di campo-controcampo che
fece la fortuna del Maestro della suspense cinematografica Alfred Hitchcock e
vede impegnati, da un lato la donna terrorizzata da un rumore inspiegabile, dall’altro l’aprirsi di una porta cigolante, foriera di chissà quali pericoli. Ma, erano
altri tempi e ora il pubblico è più smaliziato. Stilisticamente piuttosto ricercato grazie alla bella fotografia di Eduard Grau,
1921-Il mistero di Rookford ha il difetto di
essere un po’ troppo lungo e ridondante.
Alla lista delle magagne si potrebbe ag-
giungere altresì l’accusa di essere confezionato in modo alquanto prevedibile. Inoltre, il film presenta varie goffaggini a livello di sceneggiatura: la tensione raggiunta dalla scena è contrastata e persino danneggiata da una spiegazione “a tirar via” che degenera in una lentezza del
passo. Tuttavia, la maturità del lavoro di
Murphy si tocca con mano, non appena
si voglia esaminare il background psicologico dell’enigmatica e affascinante protagonista, sottolineato dall’avvincente
colonna sonora a cura di Daniel Pemberton. La londinese Rebecca Hall da prova
di essere maturata a contatto con registi
del calibro di Woody Allen, Ron Howard
e Christopher Nolan. C’è da mordersi le
mani per tanta bravura nel vederla all’opera! Lasciano soddisfatti pure le interpretazioni di Dominic West e di Imelda Staunton, premio Oscar nel 2004 per il drammatico Il segreto di Vera Drake.
LO SCHIACCIANOCI 3D
(Diótöro)
Ungheria, Gran Bretagna 2010
Regia: Andrei Konchalovsky
Produzione: Andrei Konchalovsky e Paul Lowin per Freestyle
Teleasing in collaborazione con Cinemarket Films
Distribuzione: M2 Pictures
Soggetto e Sceneggiatura: Chris Solimine, Andrei Konchalovsky
Direttore della fotografia: Mike Southon
Montaggio: Henry Richardson, Andrew Glen, Mathieu Bélanger
Musiche: Eduard Artemiev
Scenografia: Kevin Phipps
Costumi: Luise Stjernsward, Rustam Khamdamov
ienna, anni Venti. È la vigilia di
Natale e la piccola Mary è costretta a rimanere in casa mentre
i genitori sono fuori per un concerto. A
farle compagnia, oltre al fratellino Max,
c’è il bizzarro zio Albert che le ha portato
un dono molto particolare: uno schiaccianoci a forma di soldatino.
Arriva la notte e la casa sprofonda nel
silenzio, tutti dormono tranne Mary che
inizia a parlare con il suo nuovo regalo.
Inaspettatamente lo schiaccianoci le risponde e la ringrazia per avergli dato vita
con il suo affetto. Ma non è il solo a parlare anche tutti gli altri giocattoli prendono
vita catapultando la bambina in un turbi-
V
Effetti: Nicholas Brooks, John Stephenson
Interpreti: Elle Fanning (Mary), Nathan Lane (Zio Albert), John
Turturro (Re Topo),Frances de la Tour (Regina Topo/Frau Eva),
Richard E. Grant (Padre),Julia Vysotsky (Madre/Fata della neve),
Aaron Michael Drozin (Max), Charlie Rowe (Principe), Daniel
Peacock (Gielgud), Attila Kalmár(Screech),Hugh Sachs (Tinker), Africa Nile (Sticks), Ferenc Elek (Lethal), Fernanda
Dorogi(Nipote del Dott. Freud), Jonathan Coyne (Gnomad), Richard Philipps (Dott. Freud), György Honti (Capitano dei topi),
Ferenc Kovács (Topo soldato), Gábor Nagypál (Topo soldato),
Péter Takátsy (Topo soldato), Gyula Kormos (Topo soldato)
Durata: 107’
Metri: 2840
nio di danze e colori. Ma una delle sue
bambole, la fata della neve, le confessa che
il loro mondo non è bello come sembra
perché minacciato dal perfido Re dei topi
e che lo schiaccianoci in realtà è il loro
principe sotto effetto di un maleficio. La
bambina incredula guarda il giocattolo e
sotto i suoi occhi lo vede trasformarsi in
un ragazzino in carne e ossa. Il principe in
lacrime abbraccia Mary che grazie alla sua
capacità di credere nei sogni lo ha liberato dall’incantesimo e le chiede di andare
con lui nel suo regno per liberare il suo
popolo dalla tirannia del Re dei topi
La bambina accetta con entusiasmo. L’impatto con la nuova realtà, però, non è dei più
31
felici: oscurità e terrore sono ovunque così
come i soldati pronti a uccidere chiunque non
rispetti le regole imposte dal tiranno.
Mary e il principe escogitano un piano e, insieme a dei giocattoli coraggiosi,
riescono a sconfiggere il perfido dittatore
e il suo esercito.
La pace è ritornata nel regno e la bambina fra le lacrime è costretta a lasciare i
suoi nuovi amici per tornare a casa. Qui
ad aspettarla c’è lo zio Albert che le vuole
presentare il figlio dei suoi vicini di casa.
Mary va verso il ragazzo più per educazione che per interesse, ma appena lo guarda negli occhi riconosce in lui il principeschiaccianoci.
Film
’albero, le decorazioni, Santa
Claus, il presepe. Il Natale ha una
simbologia talmente forte e radicata che è difficile dimenticarsi, nel bene
o nel male, di questa ricorrenza. Accanto
a questi richiami, spesso invadenti, però,
ci sono tanti piccoli “sussurri”che con discrezione riescono a evocare l’atmosfera
natalizia più di qualsiasi frenetica lucina.
Spesso sono odori, melodie o semplicemente storie che ci portano lontani dallo
strombazzare consumistico e ci abbandonano in un personalissimo limbo fatto perlopiù di ricordi.
Come accade con Lo schiaccianoci, la
fiaba di Hoffmann resa celebre dalle musiche di Tchaikovsky.
Il fascino di questo racconto è innegabile; per questo non sorprendono le numerose trasposizioni cinematografiche che
hanno come soggetto la battaglia del principe schiaccianoci contro il re dei topi. Ma
nel passaggio da carta a pellicola qualcosa si perde e, pur con tutte le accortezze
L
del caso, la magia lascia il posto alla banalità.
Konchalowsky non a caso ci ha messo
anni, si vocifera una ventina, prima di portare alle luce Lo schiaccianoci 3D, limando e
correggendo gli errori che i suoi predecessori hanno compiuto nella mise en scène.
Che ci sia tanto lavoro dietro lo si percepisce già dai primi minuti. Ogni particolare è curato con estrema ricercatezza, dalla
scenografia in art decò fino agli effetti speciali inframezzati dalla pittura di Klimt. Anche la trama non è da meno e, a questo
proposito, è interessante notare una singolare scelta dell’autore: usare la versione
originale di Hoffmann, più dura e cupa, rispetto a quella zuccherosa e più adatta ai
bambini di Dumas. Inevitabilmente tutto
questo si traduce in uno spietato affresco
della dittatura dei topi, di cui non viene risparmiato nessun particolare, neanche la
presenza dei forni crematori e la loro finalità. Per un pubblico adulto è fin troppo facile
interpretare la metafora, ma forse ai più pic-
coli servirebbe qualche spiegazione in più
per comprendere alcune dinamiche che la
narrazione volutamente omette.
Ma se per alcuni aspetti Konchalowsky
si mantiene misurato, in altri compie l’operazione opposta sovraccaricando la pellicola di inutili aggiunte che sporcano il buon
lavoro fatto in precedenza. Einstein, Freud
e le bizzarre canzoncine sulle musiche di
Tchaikovsky ne sono un esempio. Probabilmente l’intenzione del regista era di rendere più giocosa l’atmosfera, ma la teoria
della relatività sulle note della fata confetto francamente va oltre lo sperimentalismo
più estremo.
E così anche questo Schiaccianoci, pur
con tanti pregi, non riesce a soddisfare in
pieno le aspettative. Colpa, forse, di un
Cinema che ha deciso di puntare tutto sugli effetti speciali dimenticando che, a volte, troppe luci non permettono di godere
di un “semplice” cielo stellato.
Francesca Piano
SHAME
(Shame)
Gran Bretagna 2011
Costumi: David C. Robinson
Interpreti: Michael Fassbender (Brandon), Carey Mulligan
(Sissy), James Badge Dale (David), Nicole Beharie (Marianne), Hannah Ware (Samantha), Elizabeth Masucci (Elizabeth), Loren Omer (Loren), Anna Rose Hopkins (Carly), Alex
Manette (Steven), Mari-Ange Ramirez (Alexa), Rachel Farrar (Rachel)
Durata: 99’
Metri: 2740
Regia: Steve McQueen
Produzione: See-Saw Films, Film4
Distribuzione: Bim
Prima: (Roma 13-1-2012; Milano 13-1-2012)V.M. 14
Soggetto e Sceneggiatura: Steve McQueen, Abi Morgan
Direttore della fotografia: Sean Bobbitt
Montaggio: Joe Walker
Musiche: Harry Escott
Scenografia: Judy Becker
ew York, oggi.
Brandon è un manager di
un’azienda non particolarmente
specificata della sua città e insieme al suo
capo David passa le serate libere facendo
sesso con le donne che si rendono disponibili nei vari locali che i due uomini sono
soliti frequentare. Mentre per David il tutto è circoscritto a un piacevole diversivo
dalla sua vita familiare, per Brandon è il
concentrato, il senso stesso della sua esistenza. Questi infatti è completamente dipendente dalla sua attività sessuale, dall’eccitazione sempre più furiosa che ricerca con una prostituta, con una donna incontrata sull’autobus, con la masturbazione perché solo in questo modo trova
l’espressione che lo fa sentire vivo.
Naturalmente tutto ciò lo ha relegato
in uno stato di completa e solitaria anaffettività che gli impedisce di avere rappor-
N
ti normali in relazioni normali, pur, almeno all’apparenza, desiderati.
Così con una collega d’ufficio che inizialmente invita a cena spinto da una evidente, reciproca attrazione, va male perché il giovane, in altri casi eccitatissimo,
qui non riesce neanche a iniziare un incontro sessuale.
Nel mezzo di questa problematica
piomba a casa di Brandon sua sorella Sissy, ragazza dal passato turbolento e dal
presente disordinato; ora canta in un night della città e contemporaneamente è alle
prese con la fine di un amore che la sta
devastando.
Sissy è agli antipodi di Brandon, desidera un rapporto vero, amerebbe fermarsi
in un nucleo stabile, pensa addirittura che
con il fratello possa costituire una famiglia (Brandon inorridisce); nella ricerca
di tutto ciò la ragazza passa da un incon-
32
tro all’altro, da un errore all’altro, l’ultimo in ordine di tempo è la nottata che Sissy trascorre con David, non convinta che
costui sia sempre e unicamente alla ricerca di emozioni e di svago. Al culmine di
tutto Sissy si taglia le vene, Brandon la riprende per un capello e la salva in ospedale. I due fratelli sono sgomenti in quanto al disperato bisogno d’amore di Sissy,
Brandon non è in grado di offrire nulla:
può solo dedicarsi a una ennesima notte
di depravazione con donne e uomini dei
posti conosciuti, da cui esce allo stremo di
ogni risorsa fisica e morale.
La scena finale vede Brandon nel solito percorso in metro: incrocia il suo sguardo con quello insistente e invitante di una
bella ragazza che sta per scendere, in altri
momenti non avrebbe esitato (come all’inizio del film) a correrle dietro, ora rimane
seduto, interdetto e perplesso per primo,
Film
forse può essere il primo segnale di un nuovo modo di vivere.
a contrapposizione è netta, all’interno di questo film, tra gli opposti caratteri dei personaggi principali e le rispettive evoluzioni e anche tra la
tipologia del protagonista, davvero uno yuppie postmoderno e quegli yuppies di allora;
quelli di “Wall Street”, per capirsi, tutto denaro da spendere, cene sofisticate, alcol e coca
e, naturalmente, tanto sesso, da godere e
compiacersene, sfrenato e fantasioso ma
con il divertimento come unico obiettivo.
Qui no, non c’è più nulla. Non c’è calore né gioia nel comunicare, nel lavoro, nel
cibo, nel bere e tantomeno nel sesso. L’ufficio di Brandon è liscio e levigato, sembra
vuoto, non si sa di cosa si occupi chi vi lavora, idem la casa, liscia e levigata, lustrata, quasi disinfettata, sembra che non vi abiti
nessuno come nessuno sembra girare per
le strade né fare shopping nei negozi. Poi
l’ambientazione è sempre notturna, nelle
case come nei luoghi di lavoro, la poca gente nei ristoranti pare non mangiare, il maitre che propone le pietanze è tentennante,
remissivo, dubbioso, recalcitrante. Tutto è
vuoto, fuori e dentro, tutto è riempito e realizzato in una pulsione sessuale disperata,
mortuaria, priva di eros e priva di carne, una
passerella in discesa che Brandon percorre progressivamente verso l’annullamento
di se stesso e la distruzione di tutto ciò che
lo circonda.
L
Sissy è l’altra faccia della disperazione, tanto lui è gelido, tanto lei è disponibile nel dare e ricevere amore; li accomuna la stessa dimensione di incapacità, di impossibilità e di logorio oltre a
quell’ombra nera, forse un antico incesto, causa del loro successivo tormento
ma questo è un punto che il regista (e
siamo d’accordo con lui) non ha voluto
approfondire.
Due ottimi attori: il divo del momento
Fassbender fronteggia con i suoi casti nudi
le frecciate dei benpensanti, timorosi (o
desiderosi?) di vedere chissà che. Rispon-
de con una interpretazione moderna, contenuta, intelligente e concentrata sulle sue
incapacità e sulle sue angosce di uomo
d’oggi, a tratti perfino commovente.
Anche Carey Mulligan illumina la scena di questi ultimi anni: già con Driver aveva messo a disposizione degli autori un
autentico smarrimento bisognoso d’amore, qui colorato di asprezze e alienazioni
che la rendono insieme a Fassbender l’interprete ideale dell’incapacità di vivere la
società del terzo millennio.
Fabrizio Moresco
MILLENNIUM – UOMINI CHE ODIANO LE DONNE
(The Girl with the Dragon Tattoo)
Stati Uniti, Svezia, 2012
Regia: David Fincher
Produzione: Scott Rudin Productions, Yellow Bird Films, Relativity Media, BBC Films
Soggetto: Dal romanzo di Stieg Larsson
Sceneggiatura: Steven Zaillian
Direttore della fotografia: Jeff Cronenweth
Montaggio: Kirk Baxter, Angus Wall
Musiche: Trent Reznor, Atticus Ross
Scenografia: Donald Graham Burt
Costumi: Trish Summerville
Interpreti: Daniel Craig (Mikael Blomkvist), Rooney Mara (Lisbeth Salander), Christopher Plummer (Henrik Vanger), Stellan
Skarsgård (Martin Vanger), Steven Berkoff (Dirch Frode), Robin
Wright (Erika Berger), Yorick van Wageningen (Nils Bjurman),
Joely Richardson (Anita Vanger), Geraldine James (Cecilia
S
toccolma, oggi.
Mikael Blomkvist, giornalista
della prestigiosa testata Mille-
Vanger), Goran Visnjic (Dragan Armansky), Donald Sumpter
(Detective Gustaf Morell), Ulf Friberg (Hans-Erik Wennerström),
Bengt C. W. Carlsson (Holger Palmgren), Tony Way (Plague), Per
Myrberg (Harald Vanger), Josefin Asplund (Pernilla Blomkvist),
Eva Fritjofson (Anna Nygren), Moa Garpendal (Harriet Vanger),
Maya Hansson-Bergqvist (Anna Nygren giovane), Sarah Appelberg (Cecilia Vanger giovane), Julian Sands (Henrik Vanger più
giovane), Anna Björk (Isabella Vanger giovane), Gustaf Hammarsten (Harald Vanger giovane), Simon Reithner (Martin Vanger
giovane), David Dencik (Gustaf Morell giovane), Marcus Johansson (Gunnar Nilsson giovane), Mathilda von Essen (Anita Vanger
giovane), Mathias Palmér (Birger Vanger giovane), Martin Jarvis
(Birger Vanger), Inga Landgré (Isabella Vanger), Reza Dehban
(Hussein), Anders Berg (Dirch Frode giovane), Mats Andersson
(Gunnar Nilsson), Jürgen Klein (Gottfried), Arly Jover (Liv)
Durata: 160’
Metri: 5100
nium che si occupa abitualmente dei grandi
scandali nazionali soprattutto finanziari,
perde in tribunale la vertenza contro il finan-
33
ziere Wennerstrom che riesce a dimostrare
l’inconsistenza delle accuse di corruzione che
gli erano state mosse proprio da Mikael con
Film
i suoi articoli; così il giornalista è condannato a un cospicuo risarcimento che prosciuga tutti i suoi risparmi. La vicenda lo spinge
(nonostante il parere contrario della sua
amica Erika Bergen, direttrice di Millenium)
ad accettare la proposta del ricchissimo industriale Henrik Vanger che tenta per l’ennesima volta di venire a capo della sparizione della sua nipote prediletta Harriet, dissolta improvvisamente nel nulla un giorno
di quarant’anni prima.
Mikael si trasferisce in una casetta di
Hedestadt, quartier generale dei Vanger e
comincia a setacciare i documenti accumulati negli anni e a conoscere i numerosi
esponenti della famiglia.
Ad affiancare il giornalista nella sua ricerca è Lisbeth Salander, originale personaggio di hacker informatico di altissimo livello, capigliatura crestata e tanti piercing in
faccia, oppressa da un passato terribile e alle
prese con un presente altrettanto feroce: il
suo spregevole tutore dedito alla perversione utilizza la violenza su di lei in cambio della sua libertà e del denaro dei servizi sociali.
Sistemato il tutore ripagato con la sua
stessa moneta in modo tale che se ne stia
buono per sempre, Lisbeth può collaborare con Mikael studiando fotografie, documenti d’archivio e piste informatiche mentre il giornalista conosce uno a uno i componenti della famiglia. La realtà che pian
piano si rivela è terribile: tutti loro hanno
da nascondere una vita di avidità, ambiguità e violenza; alcuni hanno anche partecipato al collaborazionismo con i nazisti; uno, Gottfried, padre di Martin (oggi
numero uno del gruppo) e di Harriet è responsabile di avere violentato e massacrato
una serie di donne in Svezia per un lungo
numero di anni; non solo, Gottfried ha violentato Harriet ripetutamente. Una volta
ucciso Gottfried dalla ragazza al culmine
di una notte d’orrore, il comando di tutto
era passato a Martin che aveva punto per
punto seguito le orme del padre nell’ucci-
sione delle donne e nella violenza sulla
ragazza.
Non restò allora ad Harriet che fuggire con l’aiuto della cugina Anita, prendere
il suo passaporto e la sua identità e vivere
a Londra lontano dai suoi e per sempre.
Martin ha però capito che l’indagine
sta arrivando a lui e riesce a rinchiudere
Mikael nella sua cantina degli orrori per
farlo a pezzi ma l’intervento di Lisbeth evita il peggio mettendolo in fuga: Martin
muore bruciato poco dopo nella sua macchina ribaltatasi durante la corsa.
Mikael finalmente ritrova Harriet a
Londra e la riporta a Stoccolma a riabbracciare il vecchio Henrik. Come regalo
finale Lisbeth procura la rovina di Wennerstrom con una serie di giroconti telematici che prosciugano la fortuna del finanziere corrotto, poi suicida. Non può
però la ragazza conservare l’amore di
Mikael: il loro rapporto iniziatosi durante
le indagini non ha avuto per lui grande
importanza, tanto da fargli riprendere tranquillamente la storia con Erika Berger;
Lisbeth non può fare altro che allontanarsi, da sola, verso la sua strana vita.
on siamo ancora convinti che
dopo i 65 milioni di copie della
trilogia, tre film svedesi, una serie televisiva e una enorme filiera di special
sul caso letterario di questi ultimi anni ci
fosse bisogno di una ulteriore riproposizione ad opera, questa volta, di un’equipe
americana. Siamo ugualmente convinti però
di quanto sia positivo vedere un regista approfondire e affinare la sua concezione stilistica nel regalarci quelle atmosfere, quelle immagini e quello studio di ambienti così
profondamente radicati nella sua poetica.
È il caso di questo Millenium a cui si è
dedicato David Fincher ( Seven , Panic
Room, Benjamin Buttom) che pervicacemente in ogni intervista ha insistito nel dire
di non avere fatto un remake ma un film
N
suo, tratto da un libro. Ed è proprio un suo
film, questo, che, pur partendo con l’handicap della prevedibilità della storia già
nota e da pochissimo vista che annacqua
l’impatto del colpo di scena, ci dà ugualmente un forte spessore di inquietudine nel
raccontare questa Svezia di oggi così bella, pulita, efficiente e così sporca di sangue, così piena di gente violenta, violenta
contro le donne e così contigua e collusa
con le croci uncinate.
I paesaggi esterni, campagne, strade,
percorsi urbani sono sempre innevati, spettrali; inutili, gelide e inanimate le onde del
Baltico che lambiscono l’isola maledetta dei
Vanger. Tutto questo tracima all’interno delle case, in ambienti perfetti, ricchi di legno e
soluzioni moderne dove sembra che nessuno viva o dorma e anche gli spuntini frugali
ma riscaldati da un gran vino paiono lasciare intatti piatti e bicchieri. Proprio in questo
lindore alberga il male, la bestialità, frutto non
di un impeto improvviso ma di una materialità vecchia fatta di tenebra, di tabù, di fantasmi, di vecchi orrori, di omertà.
Questa è l’innovazione poetica di Fincher rispetto ai tre film svedesi così piatti,
privi di inquietudini e nervature, così televisivi. Naturalmente conseguenziale è il lavoro degli attori a cominciare dal monumento di se stesso fatto da Christopher Plummer e soprattutto Daniel Craig che dà al
personaggio del giornalista quel taglio di
durezza e di angoscia che mancava completamente all’interprete svedese. Ci ha lasciato invece perplessi Rooney Mara (candidata all’Oscar) come Lisbeth, pur splendida nella sua espressione androgina e intellettuale di una asessuata e fortissima
sensualità: il nero profondo dello sguardo
di Noomi Rapace meglio rappresentava, a
nostro avviso, quel baratro di dolore e sospetto, quell’umanità sfregiata e tradita, vero
motore pulsante della giovane hacker.
Fabrizio Moresco
MIRACOLO A LE HAVRE
(Le Havre)
Finlandia, Francia, Germania 2011
Regia: Aki Kaurismäki
Produzione: Aki Kaurismäki, Reinhard Brundig, Fabienne Vonier
per Sputnik, Pyramide Productions, Pandora Filmproduktion, Arte
France Cinéma, ZDF/Arte, The Finnish Film Foundation, Canal+,
Nordisk Film & Tv Fond, TheCentre National du Cnéma et de
L’Image Animée, Yle Coproductions, Cinécinéma, Arte France
Distribuzione: Bim
Soggetto e Sceneggiatura: Aki Kaurismäki
Direttore della fotografia: Timo Salminen
Montaggio: Timo Linnasalo
Scenografia: Wouter Zoom
Costumi: Fred Cambier
Interpreti: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty),
Jean-Pierre Darroussin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina
Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette),Quoc Dung Nguyen (Chang),
François Monnié (Droghiere), Roberto Piazza (Little Bob), Pierre Étaix (Dottor Becker), Jean-Pierre Léaud (Informatore)
Durata: 93’
Metri: 2550
34
Film
arcel Marx, ex scrittore e clochard, vive nella cittadina portuale di Le Havre insieme alla
sua adorata moglie Arletty e alla cagnetta
Laika, guadagnandosi da vivere con l’attività di lustrascarpe.
Marcel passa le sue giornate con dignità e serenità, dividendosi tra la moglie,
Laika, il bar di Claire e andando fuori dalla
stazione, dove lavora in compagnia di
Chang, un ragazzo vietnamita emigrato in
Francia da molti anni e costretto a vivere
con un passaporto falso. La routine tranquilla della sua vita viene però interrotta
da due improvvisi episodi: una sera, dopo
essere tornato a casa, Marcel vede che
Arletty non si sente bene e la porta in ospedale, dove viene ricoverata. Inoltre, pochi
giorni prima, la polizia locale ha intercettato un container pronto per essere imbarcato verso Londra, dentro cui si nascondevano degli immigrati. Tra loro c’è anche Idrissa, un ragazzino che riesce a scappare dalla polizia e che si nasconde tra le
strade di Le Havre. Mentre polizia, giornali e cittadini vari si mettono alla ricerca
del bambino, Marcel dopo averlo incontrato, decide di aiutarlo a fuggire verso
Londra e lo porta a casa sua, all’insaputa
di Arletty che è ancora in ospedale.
Marcel non sa che il tumore che i medici hanno diagnosticato ad Arletty è maligno e che le restano ormai poche settimane di vita; la donna ha preferito tenere
Marcel all’oscuro di tutto per non farlo preoccupare. L’uomo è infatti tranquillo sulle
condizioni di salute della moglie e così
dedica la maggior parte del suo tempo a
studiare una fuga possibile per Idrissa, cercando di sfuggire alla polizia locale e alle
continue visite dell’ispettore Monet. Idrissa viene aiutato e nascosto anche dagli
amici di Marcel, che intanto si mette in
contatto con il nonno del bambino che vive
in un centro per rifugiati. Il nonno spiega
a Marcel che Idrissa deve arrivare a Londra dove lo attende la mamma e gli fornisce l’indirizzo esatto della donna. Tornato
a Le Havre Marcel si informa con un pescatore del posto sul costo di un eventuale
“viaggio” per portare il bambino a Londra. I soldi di Marcel purtroppo non bastano e così, insieme agli altri amici, l’uomo organizza un concerto revival per raccogliere una buona somma. Intanto Arletty è ancora in ospedale, Marcel prima di
andare dal nonno di Idrissa, ha inviato il
ragazzo da lei per avvisarla che non sarebbe andato per qualche giorno e mandandole il suo vestito giallo, per il giorno
in cui sarebbe uscita dall’ospedale.
Finito il concerto Marcel, Claire,
Chang e tutti gli altri si accorgono di aver
M
finalmente raggiunto la somma necessaria per permettere a Idrissa di raggiungere la madre. Intanto la polizia si avvicina
sempre più al ragazzo e a Marcel, ma
l’ispettore Monet ha deciso di voler aiutare i due e così si reca in casa di Marcel
prima dell’arrivo degli agenti di polizia,
per avvisarlo in tempo del loro prossimo
arrivo. Marcel è così costretto ad affrettare la partenza di Idrissa e di nuovo con
l’aiuto dei suoi amici riesce a portare il
ragazzo al porto dove lo attende il pescatore. L’intervento dell’ispettore Monet li
salva nuovamente quando la polizia decide di controllare le barche del porto e finalmente Idrissa riesce a partire per raggiungere la madre. Marcel ha salvato il
ragazzo e può andare a prendere la moglie, convinto che lei lo attenda ormai guarita e pronta per uscire, ma quando arriva
in ospedale trova la sua stanza vuota.
Un’infermiera lo accompagna dal dottore, Marcel è terrorizzato all’idea che sia
successo qualcosa di grave a sua moglie,
ma appena arriva dal dottore trova Arletty, nel suo vestito giallo, ad attenderlo. Un
vero e proprio miracolo è accaduto a Le
Havre: Idrissa è riuscito a fuggire, Arletty
è guarita da un tumore maligno.
erso un regno dove buongiorno vuol dire davvero buongiorno!” Così si concludeva Miracolo a Milano (1951), il film di Vittorio De
Sica e Cesare Zavattini. Ed ora sembra che
anche a Le Havre i miracoli siano possibili. Il lieto fine da favola è di quelli che fanno
bene allo spettatore e che lasciano un po’
di speranza: un cancro che viene sconfitto, un bambino immigrato che si ritrova da
solo in un paese che non conosce ed è
“V
35
circondato da persone che vogliono e riescono ad aiutarlo. Sì, forse tutto questo
sembra impossibile, forse è soltanto una
favola, un sogno, un film, certo, eppure un
finale così ci voleva davvero. Chiunque abbia visto Miracolo a Le Havre si aspettava
che da un momento all’altro Idrissa venisse preso dalla polizia e invece non è accaduto. Allora, forse perché non siamo
abituati ai “miracoli”, ci si aspetta che Arletty non sopravviva al tumore e invece
anche lei è lì, con il suo sguardo dolce nel
bel vestito giallo pronta per uscire dall’ospedale insieme a Marcel. Una storia
d’amore calda, ma anche una storia di
amicizia profonda, quella che lega Marcel
a Chang, Claire e tutti gli altri, ma che soprattutto lo lega ad Idrissa. Marcel si prende cura di lui come di un figlio, senza se e
senza ma, spendendo tutti i suoi risparmi
per farlo tornare dalla madre. André Wilms è perfetto nel ruolo di Marcel, un uomo
pulito, onesto, dolce, che compie il suo lavoro di lustrascarpe con una dignità sorprendente, che si occupa degli altri più che
di se stesso perché è di loro -di sua moglie e della sua cagnetta in particolare- che
ha bisogno per andare avanti. Molto bravi
anche Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, rispettivamente nei
panni di Arletty, dell’ispettore Monet e di
Idrissa, ma anche tutti gli attori che fanno
da contorno alla storia, dal fruttivendolo
alla barista, al compagno lustrascarpe di
Marcel.
Presentato all’ultimo Festival di Cannes, il film è dunque una fiaba moderna,
girata con un’accuratezza tipica del regista finlandese Aki Kaurismaki, senza troppi
virtuosismi o movimenti di macchina, con
inquadrature lineari, con una fotografia di
Film
colori tenui, con dialoghi semplici e molto
efficaci. Una storia sull’immigrazione in
Francia, e in Europa in generale, sul trattamento che spesso viene riservato ai profughi. Una storia dal tono agrodolce che
emoziona per la delicatezza con cui ven-
gono affrontati molti dei temi più drammatici della nostra epoca, come l’immigrazione, la povertà, un cancro inguaribile che ti
colpisce improvvisamente e ti sconvolge
la vita. Kaurismaki è riuscito ad esprimere
l’essenzialità delle cose con estrema ele-
ganza così come aveva fatto con Vita da
bohème (1992). Miracolo a Le Havre è un
film sull’utopia di un mondo migliore, di
solidarietà e di tolleranza.
Silvia Preziosi
NAPOLETANS
Italia, 2011
Effetti: Giuseppe Squillaci
Interpreti: Maurizio Casagrande (Gennaro Di Gennaro), Giacomo Rizzo (Zio Guglielmo),Massimo Ceccherini (Pino), Cosetta Turco (Nunzia Torrisi), Nina Senicar (Angela), Andrea Roncato (Professore), Maurizio Battista (Conte Pozzan de la Ghera), Nando Paone (Vigile Urbano), Nunzia Schiano (Signora
Torrisi), Susy Del Giudice (Assunta), Sebastiano Lo Monaco
(Provveditore), Renato Paioli (Roberto),Margherita Di Rauso
(Anna), Paola Lavini (Bonaria)
Durata: 90’
Metri: 2450
Regia: Luigi Russo
Produzione: Comedy Movie, Dania Film, Surf Film
Distribuzione: Andrea Iervolino per Iervolino Entertainment
Soggetto: Luciano Martino
Sceneggiatura: Sergio Martino, Luca Biglione
Direttore della fotografia: Federico Del Zoppo
Montaggio: Giuseppe Pagano
Musiche: Franco Eco
Scenografia: Massimiliano Mereu
Costumi: Maddalena Marciano
i troviamo nel periodo natalizio
e a Baia, un paese in provincia
di Napoli arrivano le feste anche
in casa Di Gennaro. Il capofamiglia, Gennaro, è un dentista molto noto in paese,
ma ha anche il “vizio” delle donne e così,
nonostante sia sposato, ha una relazione
extraconiugale con la tabaccaia Assunta,
che è tremendamente gelosa di lui al punto da minacciarlo continuamente di non
farsi mai vedere con un’altra donna, eccezion fatta della moglie Anna.
A comporre il resto della famiglia troviamo i due figli, Roberto e Mattia. Roberto ha più di vent’anni e suona in una band
di amici, ma sogna l’America, e ha un pessimo rapporto con il padre, anche perché
ha scoperto la sua storia con la tabaccaia. Mattia invece è un adolescente in piena esplosione ormonale e fa frequenti pensieri erotici sulla sua giovane professoressa e su Angela, una nuova gelataia
molto bella e appariscente, arrivata da
poco in paese. Roberto riesce subito a conoscerla e tra i due scatta un certo feeling,
ma Angela non vuole sbilanciarsi troppo
perché sa che dopo le feste dovrà ripartire
per l’America.
In questa famiglia già così turbolenta,
l’instabile equilibrio viene minato da un
evento a sorpresa: il vecchio zio Guglielmo è in arrivo dall’Argentina. Questi è uno
degli uomini più ricchi del paese d’adozione e arriva insieme al suo fidato consigliere, il Conte Pozzan De la Ghera. In
realtà il vero zio Guglielmo è morto e i due
nuovi arrivati sono due impostori per giun-
C
ta latitanti, uno dei quali si finge persino
cieco pur di interpretare la parte dello zio.
Costoro sono arrivati fino a Baia poiché
prima di morire Guglielmo gli aveva rivelato la presenza di un diamante in casa Di
Gennaro; riescono così a farsi ospitare
dalla famiglia napoletana, confidando sulla loro ingenuità e sul fatto che Anna sia
l’unica ad aver visto il vero zio Guglielmo, ma molti anni prima, quando era ancora una bambina. La famiglia Di Gennaro, ritenendo il loro ospite assai ricco riempie il finto zio di attenzioni e cure; questi li
ripaga girovagando nella loro dimora già
dalla prima notte, in cerca del famigerato
diamante. Tuttavia la poca dimestichezza
con l’ambiente lo fa cadere, svegliando
così i due coniugi e la loro servitù. L’uomo riesce comunque a cavarsela, fingendo di essere sonnambulo; allora i Di Gennaro si mostrano molto preoccupati, mettendosi subito in cerca di un’infermiera in
grado di sorvegliarlo e accudirlo. Per aggirare l’ostacolo, il Conte Pozzan De la
Ghera (in arte Er Pozzanghera), procura
all’amico una scatola di sonnifero, da
somministrare a tradimento a tutti i membri della famiglia. Nel frattempo, per non
restar con le mani in mano, il Pozzanghera ha individuato dove tiene il fruttuoso
incasso la signora Torrisi, la gelataia del
paese, zia di Angela e riesce abilmente a
rubarlo. Proprio Angela viene chiamata la
notte di capodanno ad accudire lo zio Guglielmo e, alla vista della ragazza, Gennaro improvvisa una falsa emicrania, cercando una scusa per rimanere a casa, mante36
nendo quindi fede alla sua nomina da donnaiolo e non sapendo comunque del flirt
in corso tra Angela e suo figlio Roberto.
Ad ogni modo, Anna non vuole lasciare da
solo il marito la notte dell’ultimo dell’anno; decide di rimanere a fargli compagnia.
Mattia invece installa una piccola telecamera in bagno, nel tentativo – poi riuscito
- di registrare una sexy doccia di Angela.
Con tutta questa gente in casa, il tentativo
dello zio di utilizzare il sonnifero non dà i
frutti sperati; deve rimandare il tutto al
giorno seguente. Al mattino dopo, Angela
esce di casa e incontra Roberto, intuendo
così che il ragazzo fa parte di quella bislacca famiglia. I due scambiano qualche
chiacchiera e si accorgono della passione
travolgente da cui sono presi l’uno per l’altro; rientrano pertanto immediatamente in
casa a fare sesso.
Nel frattempo, Anna, parlando con lo
zio ed il conte, ha delle reminescenze del
passato e si ricorda delle parole di sua madre circa il lampadario del soggiorno e della sua importanza. Questo discorso lascia
intuire ai due delinquenti che il diamante
si nasconda proprio lì sopra; preso dall’euforia il finto zio dice qualcosa sulle
fattezze del lampadario, dovendo così ricorrere all’atto estremo del miracolo, come
unica giustificazione. Mentre tutti pregano per la concessione divina, un’amica di
Angela scopre il video della doccia sexy
sul web e decide subito di avvertirla. La
ragazza pensa che il colpevole sia Roberto e scappa via in lacrime. Durante la notte, il Pozzanghera cerca di arrampicarsi
Film
alla ricerca del diamante, ma scivola facendo crollare il tutto e richiamando così
l’attenzione della famiglia, che chiede
quindi spiegazioni. Alla fine, sarà inevitabile scoprire il complotto dei due mascalzoni, che vengono denunciati alla polizia,
mentre del diamante non vi è alcuna traccia.
er la serie “al peggio non c’è mai
fine” ecco che arriva nelle sale
italiane “Napoletans”. Il primo lungometraggio di Luigi Russo non lascerà
certo un segno indelebile negli almanacchi della cinematografia italiana, quantomeno non nell’accezione positiva.
Commentare questo trionfo di clichè
non è opera semplice e forse è persino
alquanto frustrante.
Ai figli illegittimi del cinepanettone non
è richiesta una sceneggiatura particolarmente controversa, né una regia brillante,
ma abusare di questi diktat non scritti è un
oltraggio all’ingenuità di chi si reca in sala
sperando di assistere a qualcosa di decente e invece si trova di fronte ad un cane
petomane chiamato Maradona in onore dei
petardi di capodanno, che probabilmente
P
scrive uno dei capitoli più squallidi della
comicità italiana degli ultimi anni.
Ad un soggetto banale, con relazioni
incrociate al limite del paradosso e del
verosimile, fa da sfondo una raffazzonata
storia di criminalità, che ha l’unico pregio
di mescolarsi bene con l’assurdità generale, condita inoltre dall’improprio utilizzo
del titolo, visto che di “napoletans”, almeno tra i protagonisti, ci sono soltanto Maurizio Casagrande e Giacomo Rizzo. Per il
resto, dall’Emilia con Roncato, al Lazio con
Battista, passando per la Toscana con
Ceccherini, si arriva fino alla Serbia con
Nina Senicar; ed ecco spiegata l’incoerenza di un titolo privo di senso.
Restando in tema di incongruenze raccapriccianti, o per meglio dire in questo
caso, di veri e propri errori in fase di montaggio, un occhio clinico potrà notare a
volte sullo sfondo delle comparse in tipico
abbigliamento estivo: non proprio una letizia estetica per chi vuole entrare nello spirito natalizio e invernale guardando un film
di questo tipo.
Il tentativo di rispolverare un po’ la commedia sexy di 30-40 anni fa è invece un
completo buco nell’acqua. La materia in-
fatti viene proposta inizialmente senza
fronzoli, salvo poi esser trattata con i guanti
e con una certa paura di sbilanciarsi oltre
il limite consentito, annaspando così tra il
ridicolo e un trash ingiustificato, privo persino di malizia e carica sensuale.
Nelle sottotrame invece manca proprio
tutto, dall’originalità al senso più concreto
di giovamento ai fini del flusso narrativo,
che se non si blocca è solo per via del fatto che non è mai partito.
Per ciò che riguarda il cast va senz’altro detto che la recitazione generale non
ha di certo provato a limitare le gaffe di
regia, né quelle della sceneggiatura, la
quale si può considerare colpevole soltanto
a metà della deludente performance interpretativa di questa squadra di gregari, chiamati tutti insieme in prima squadra senza
un leader a tenerli sotto scacco.
Facendo la somma di mancanze ed
imputazioni, il risultato è atroce per sgradevolezza e noia: insomma, non è consigliato neppure per una domenica invernale senza pretese, sdraiati sul divano di
casa, e con qualche linea di febbre.
Tiziano Costantini
L’ARTE DI VINCERE
(Moneyball)
Stati Uniti, 2011
Regia: Bennett Miller
Produzione: Michael De Luca, Rachel Horovitz, Brad Pitt per
Michael De Luca Productions, Scott Rudin Productions, Specialty Films
Soggetto: Dal libro di Michael Lewis
Sceneggiatura: Steven Zaillian, Aaron Sorkin
Direttore della fotografia: Wally Pfister
Montaggio: Christopher Tellefsen
Musiche: Mychael Danna
Scenografia: Jess Gonchor
Costumi: Kasia Walicka-Maimone
Interpreti: Brad Pitt (Billy Beane), Jonah Hill (Peter Brand), Philip
Seymour Hoffman(Art Howe), Robin Wright (Sharon), Chris Pratt
’arte di vincere è basato sulla storia vera di Billy Beane. Ex giocatore di baseball con tante delusioni e fallimenti alle spalle (sia sul campo da gioco che nella vita privata), Billy si
dedica ora al management. Durante la stagione 2002, deve fronteggiare la difficile
situazione della sua squadra, la Oakland
A’s, che ha perso i suoi giocatori migliori
passati ad altri club dietro l’offerta di guadagni stellari. Costretto a rifondare la
squadra con un budget molto più basso dei
L
(Scott Hatteberg), Stephen Bishop (David Justice), Brent Jennings (Ron Washington), Ken Medlock (Grady Fuson), Tammy
Blanchard (Elizabeth Hatteberg), Jack McGee (John Poloni),
Vyto Ruginis (Pittaro), Nick Searcy (Matt Keough), Glenn Morshower (Ron Hopkins), Casey Bond (Chad Bradford), Nick Porrazzo (Jeremy Giambi), Kerris Dorsey (Casey Beane), Arliss
Howard (John Henry), Reed Thompson (Billy giovane), James
Shanklin (Padre di Billy), Diane Behrens (Madre di Billy), Takayo
Fischer (Suzanne), Derrin Ebert (Mike Magnante), Miguel Mendoza (Ricardo Rincon), Adrian Bellani (Carlos Peña), Tom Gamboa (Scout Martinez), Barry Moss ( Scout Barry), Artie Harris
(Scout Artie), Bob Bishop (Scout Bob), George Vranau (Scout
George), Phil Pote (Scout Pote)
Durata: 133’
Metri: 3600
diretti avversari, Billy cerca di cambiare
il sistema con nuove idee prese al di fuori
del mondo del baseball.
Colpito dalle singolari teorie del giovane economista fresco di laurea Peter
Brand, che lavora per gli Indians di Cleveland, Billy lo assume come suo consigliere personale e lo fa entrare nel team
della Oakland A’s. I due inaugurano un
nuovo sistema che mette insieme l’esame
di ogni dettaglio nella scelta dei giocatori
grazie ad analisi statistiche computerizza37
te mai utilizzate nel baseball. Sulla base di
innovative teorie, ricercano giocatori ormai dimenticati per diverse ragioni: perché troppo strani, perché ritenuti troppo
vecchi, reduci da infortuni o difficili da
gestire perché avevano creato troppi problemi. Secondo le convinzioni e i calcoli
statistici di Peter, questi giocatori possiedono ancora potenzialità sottovalutate. Tra
i nuovi acquisti più sorprendenti c’è Scott
Hatteberg, un giocatore a lungo fermo per
un infortunio che diventa la mossa di mer-
Film
cato più folle di Beane. Billy non solo sorprende Scott con la sua offerta di giocare
con la Oakland A’s, ma lo spiazza con una
richiesta bizzarra: giocare nel ruolo di
“Prima Base”, una posizione in cui non
ha mai giocato.
I nuovi metodi di Billy e Peter irritano
il vecchio team di consiglieri della squadra, i media, i tifosi, ma soprattutto l’allenatore Art Howe che continua a seguire le
sue idee e i suoi schemi di gioco rifiutandosi di collaborare. La squadra continua
a inanellare sconfitte e precipita all’ultimo posto in classifica. Billy decide allora
di prendere in mano la situazione e inizia
affrontando i giocatori negli spogliatoi con
lo scopo di dare loro una scossa. In seguito cede ad altre squadre i giocatori più demotivati e cerca di infondere fiducia negli
altri.
L’esperimento porta i suoi frutti, gli
Oakland iniziano a vincere arrivando al
record dell’American League di venti vittorie di fila. La striscia positiva si interrompe a venti vittorie, quando la squadra
perde la gara decisiva. Immediatamente il
nuovo corso degli Oakland viene sconfessato dagli esperti e dai media. Beane si rimette in discussione e passa una fase difficile. Ma il suo innovativo metodo di lavoro ha colpito molti. Convocato dal presidente della squadra dei Red Soxs di Boston, Billy riceve l’offerta record di
12.500.000 dollari per cambiare team. Tornato in California, racconta la cosa a Peter mostrandogli la cifra stratosferica dell’offerta e confessando di aver rifiutato.
La sua avventura ha portato Billy a una
nuova consapevolezza del suo potenziale,
non solo come manager sportivo ma anche come uomo. Ora non ha più bisogno
di offerte stellari, gli basta aver preso coscienza del significato e del valore delle
sue azioni: ha ritrovato se stesso e soprattutto ha recuperato il valore dei veri affetti, in primis di sua figlia Casey.
n baseball diverso, la storia di una
vittoria sommessa. L’arte di vincere è un film sportivo fuori dai
canoni del genere, costruito sul coraggio
delle idee nuove prima che sulla forza fisica. Un’idea di fondo forte, fortissima.
“Una classica storia di perdenti” così
Brad Pitt ha sintetizzato l’anima del film,
la storia di uomini che vanno contro qualcosa di grande, un sistema imprigionato
da dure regole di mercato. Rivalutare ciò
che è sottovalutato, giocatori, strategie,
tattiche, attraverso l’uso di analisi statistiche (un’idea che, per la cronaca, risale allo
storico esperto di baseball Bill James che
ha coniato il termine di “Sabermetrica” per
descrivere una nuova scienza oggettiva
che usa le analisi statistiche per prevedere il futuro di un giocatore di baseball). Una
storia di nuove visioni, del proprio lavoro,
ma anche della propria vita.
Lo sport come metafora. Ancora una
volta. Lo sport più americano che c’è, il
baseball, e la voglia di vincere. Sul campo
e nella vita, ma in modo diverso.
Il baseball, ovvero il simbolo di un paese, della sua storia, del suo carattere.
L’anima del popolo statunitense si rispecchia in pieno nel suo sport nazionale:
stessa attitudine alla lotta per la conquista
del territorio, stessa propensione alla creazione di miti.
Grandi film americani hanno finora raccontato la storia di campioni del baseball
e non è un caso. Da Bull Durham con un
Kevin Costner nei panni di un campione
sul viale del tramonto che divide il campo
(e una donna) con l’astro nascente Tim
Robbins, a Il migliore con un Robert Re-
U
dford d’annata. Ora il testimone passa a
Brad Pitt, chiamato non per il ruolo di qualche campione acclamato dalle folle di stadi in delirio, ma a vestire i panni di un General Manager “sui generis”.
Questa volta, dicevamo, si racconta
una storia diversa: per toni, atmosfere,
messaggi.
Basandosi sul libro di Michael Lewis
del 2003 sceneggiato da Steven Zaillian
(Oscar per la sceneggiatura di Schindler’s
List) e Aaron Sorkin (statuetta per la sceneggiatura di The Social Network), il regista Bennett Miller (già candidato all’Oscar
per la regia di Capote) realizza un film che
ha il pregio di suonare una musica nuova,
ridefinendo l’immagine classica del successo. Gran parte del merito va dato al
protagonista, un Brad Pitt (qui anche produttore) dal volto nuovo che, con coraggio
e talento, indossa i panni di un “perdente”,
un uomo che sfida un sistema e che arriva
a cambiare le regole del gioco ma soprattutto desideroso di dare un vero significato a quello che sta facendo. La sua è una
vittoria silenziosa e personale.
Una visione del baseball “romantica”
(“Come si fa a non essere romantici col
baseball?” ripete più volte Billy inebriato
dal suo vittorioso “nuovo corso”), crepuscolare, quasi intima e profondamente
sofferta: non si urla, non si portano eroi in
trionfo tra ali di folla, non si stappano bottiglie ma, cosa ben più importante, si prende coscienza dei propri mezzi e delle proprie potenzialità.
“Voglio che valga qualcosa” dice Billy
Beane dopo aver ottenuto un record di vittorie di fila. Già, “deve” valere qualcosa in
fondo. Altrimenti che partita è la vita che
viviamo?
Elena Bartoni
POLISSE
(Polisse)
Francia, 2011
(Iris), Nicolas Duvauchelle (Mathieu), Maïwenn Le Besco (Melissa), Emmanuelle Bercot (Sue Ellen), Frédéric Pierrot (Balloo), Arnaud Henriet (Bamako), Naidra Ayadi (Nora), Jérémie
Elkaïm (Gabriel), Riccardo Scamarcio (Francesco), Sandrine
Kiberlain (Signora De La Faublaise), Wladimir Yordanoff (Beauchard), Luis-Do de Lencquesaing (Sig. deLa Faublaise), Carole
Franck (Céline), Laurent Bateau (Hervé), Anne Suarez (Alice),
Anthony Delon (Alex), Audrey Lamy (Madre degenere), Riton
Liebman (Franck), Sophie Cattani (Madre tossicodipendente),
Martial Di Fonzo Bo (Insegnantedi educazione fisica), Lou Doillon (Suor Melissa)
Durata: 127’
Metri: 3395’
Regia: Maïwenn Le Besco
Produzione: Les Productions du Tresor, Arte France Cinema,
Mars Film, Chaocorp Shortcom, Canal+, Cinécinéma, Arte
Distribuzione: Lucky Red
Soggetto e Sceneggiatura: Maïwenn Le Besco, Emmanuelle Bercot
Direttore della fotografia: Pierre Aïm
Montaggio: Laure Gardette, Yann Dedet
Musiche: Stephen Warbeck
Scenografia: Nicolas de Boiscuillé
Costumi: Marité Coutard
Interpreti: Karin Viard (Nadine), Joey Starr (Fred), Marina Foïs
38
Film
n gruppo di poliziotti del reparto
tutela minori di Parigi. La loro
routine quotidiana e una fotografa, Melissa, cui il Ministero degli interni
ha dato il permesso di unirsi alla squadra
per realizzare un reportage.
Il reparto è formato da uomini e donne
che si dividono tra la vita privata e le ore di
lavoro, da cui difficilmente riescono a “staccare” del tutto: c’è chi è alle prese con un
divorzio non voluto, chi cerca ossessivamente di avere un figlio, chi si sforza di portare
avanti una relazione e chi è sul punto di
chiuderne una, ci sono poliziotti la cui complicità sul lavoro nasconde una relazione
ben più profonda e c’è chi – come Fred – si
fa coinvolgere profondamente dai casi dei
bambini che sottrae agli abusi.
Lo stress a cui i membri della squadra
sono continuamente sottoposti da un lato
cementa i rapporti tra loro, dall’altro acuisce le fisiologiche tensioni latenti. Le stesse
tensioni che prima o poi esplodono, dando
luogo a scenate e liti tipiche delle famiglie.
Fred, ad esempio, in un momento di stress
per un’indagine, se la prende con Melissa,
facile capro espiatorio perché “intrusa” rispetto al gruppo. In realtà, la freschezza con
cui Melissa guarda ai casi del reparto minori
e ai suoi uomini finisce con il conquistare il
ribelle Fred, e i due iniziano una relazione.
U
Gli agenti protagonisti del film sono il
tramite attraverso cui Melissa vede e “fotografa” la difficoltà e la durezza del lavoro della squadra, costretta ad affrontare casi di pedofilia, abusi e maltrattamenti
subiti dai minori, - il più delle volte in famiglia, o in assenza di essa.
E non sempre, non tutti, sono forti abbastanza da riuscire a metabolizzare la
cruda realtà con cui quotidianamente devono fare i conti…
’ambizione documentaristica con
cui Maiwann Le Besco affronta il
tema della violenza sui minori
adotta l’ottica neutra della macchina da
presa di Melissa (interpretata dalla stessa
regista) e prova a restituire allo spettatore
la quotidianità ora cruda, ora banale di uno
dei reparti meno considerati e più duri della
polizia.
I casi seguiti dai protagonisti non hanno mai abbastanza spazio nel film per essere conosciuti in ogni dettaglio: un interrogatorio, un’irruzione in un campo rom,
una denuncia di una ragazzina abusata,
l’abbandono di un minore sono titoli di fascicoli che si susseguono davanti agli
agenti. I poliziotti prendono nota, fanno
domande, mettono a verbale, provando
sempre la stesso, evidente amarezza, ep-
L
pure cercando di farsi coinvolgere il meno
possibile.
Alla crudezza della realtà che traspare, in tutta la sua desolazione, dai racconti
dei bambini, la pellicola contrappone la ricerca di normalità dei protagonisti, ciascuno inquadrato in un particolare momento
della vita e con difetti, pregi, passioni e
debolezze in cui lo spettatore può facilmente immedesimarsi.
Polisse regala uno spaccato del lavoro degli agenti capace di appassionare lo
spettatore chiamato a schierarsi con i
membri della squadra, quasi incoraggiato
a farne parte, riconoscendo dinamiche di
amori e dissapori, litigi e complicità chiari
e in qualche modo rassicuranti perché
umanissimi.
La scelta di affidare il racconto alle riprese “sporche” della camera a mano dà
sapore al racconto, mentre i dettagli rivelatori che la regia semina su ciascun personaggio alludono a una modalità di narrazione vicina alla serie-tv.
A questo aspetto della pellicola e alla
disperata ricerca di normalità dei protagonisti deve aggrapparsi lo spettatore per non
cadere nell’abisso della realtà desolante
su si sporge il film.
Tiziana Vox
REAL STEEL
(Real Steel)
Stati Uniti 2011
Regia: Shawn Levy
Produzione: Shawn Levy, Don Murphy, Susan Montford per Angry
Films, Dreamworks SKG, Imagemovers
Distribuzione: Walt Disney Company Italia
Soggetto: Dal racconto di Richard Matheson, Dan Gilroy, Jeremy
Leven
Sceneggiatura: John Gatins
Direttore della fotografia: Mauro Fiore
Montaggio: Dean Zimmerman
Musiche: Danny Elfman
iamo nel 2020 negli Stati Uniti. I
combattimenti di pugilato non
vedono più fronteggiarsi uomini
ma giganteschi robot. Charlie Kenton è un
ex pugile sul viale del tramonto che è diventato un piccolo promotore di incontri tra robot e si guadagna a malapena da vivere assemblando giganti di metallo scadenti e ormai in disuso per cui organizza match in ring
clandestini. Dopo aver perso un incontro e
aver visto distrutto il suo ultimo robot, Charlie viene convocato in tribunale per la richie-
S
Scenografia: Tom Meyer
Costumi: Marlene Stewart
Effetti: Lecacy Effects, Giant Studios, Digital Domain
Interpreti: Hugh Jackman (Charlie Kenton), Dakota Goyo (Max
Kenton), Evangeline Lilly (Bailey Tallet), Anthony Mackie (Finn),
Kevin Durand (Ricky), Hope Davis (Deborah Barnes), James
Rebhorn (Marvin Barnes), Marco Ruggeri (Cliff), Karl Yune (Tak
Mashido), Olga Fonda (Farra Lemkova)
Durata: 128’
Metri: 3170
sta di affidamento di suo figlio Max, un ragazzino di undici anni che non ha mai conosciuto e che è divenuto orfano dopo la morte
della madre. La zia Deborah, sposata al ricco Marvin Barnes, lo chiede in affido permanente. Bisognoso di soldi, Charlie promette a Barnes di lasciargli Max per una grossa
somma: in cambio chiede però di trascorrere l’estate con il figlio. Con i soldi ottenuti
dall’accordo con Marvin, Charlie compra un
nuovo robot, Noisy Boy, che porta a combattere insieme a Max. Noisy Boy subisce una
39
cocente sconfitta. Il robot è distrutto ma Max
riesce a salvare il pannello di riconoscimento vocale. Quella notte, Charlie va insieme a
Max a gettare via i componenti di Noisy Boy
al cimitero dei robot. Nell’immenso campo
che ospita rottami di tutti i tipi, il ragazzino
cade in un burrone dove trova appiglio a un
robot praticamente intatto. Salvato dal padre, Max vuole portare con sé quel vecchio
robot, convinto che gli abbia salvato la vita.
I due lo mostrano a Bailey, figlia dell’ex allenatore di Charlie nonché sua compagna ed
Film
esperta in materia. Si tratta di un robot di
vecchia generazione, è un G2 dell’inizio del
2014, il suo nome è Atom, Bailey spiega che
queste erano macchine da allenamento fatte
per prendere colpi senza mai riuscire a darne veramente. Atom è però dotato della speciale “modalità ombra” che riflette ogni
movimento che vede. Max, affascinato da
quel robot, vuole che il padre gli trovi un incontro. Quella notte Max esce con Atom e
gli parla: il ragazzino riesce a comunicare
con la macchina. Charlie e suo figlio partono per Atlanta, per strada si fermano per
assistere al combattimento del robot più grande e imbattibile di tutti: Zeus, un gigante ipertecnologico di proprietà della ricchissima
russa Farra Lemkova e creato dall’infallibile maestro Tak Mashido. Il giorno dopo Charlie trova un combattimento per Atom. Max
scommette che Atom resisterà per almeno un
round ma a sorpresa il vecchio robot riesce
a mandare KO il suo avversario più “giovane”. Max monta il pannello di comando vocale di Noisy Boy su Atom. Il ragazzino vuole che Charlie insegni al robot a battersi.
Dopo l’addestramento, Atom vince diversi
combattimenti e diventa famoso tanto da essere invitato al Campionato Mondiale di
Lega. Alla WRB, World Robot Boxing League, Atom deve combattere in un incontro
collaterale. Poco prima della sfida, la ricca
proprietaria di Zeus offre 200.000 dollari a
Charlie per comprare Atom, ma l’uomo non
accetta: vuole farlo combattere perché è convinto che abbia in sé qualcosa di speciale.
Atom affronta Twin Cities, terribile robot a
due teste, e vince. Ora Charlie lancia la sfida a Zeus, ma poco dopo viene pestato da
Ricky, promotore di combattimenti e suo vecchio amico, a causa di un debito. Il giorno
dopo, la zia viene a riprendere Max. Charlie
è consapevole di essere inadatto a fare il padre e lascia andare il ragazzo. Dopo essersi
sfogato con Bailey, Charlie va a prendere
Max chiedendo a Deborah di lasciarlo con
lui per un’ultima sera. L’incontro tra Zeus e
Atom è la grande attrazione della serata finale del Campionato “Real Steel”. A sorpresa, il vecchio robot tiene testa alla gigantesca “macchina da guerra” anche grazie alla
grinta da ex pugile di Charlie che, da vero
“corner man”, guida i movimenti del robot
dopo che la funzione di riconoscimento vocale è saltata. Alla fine la vittoria ai punti
viene assegnata a Zeus ma Atom ha vinto col
cuore. Il piccolo robot viene acclamato come
“il campione della gente” mentre Max abbraccia suo padre.
uscoli d’acciaio e cuore d’oro,
vecchia America e ipertecnologici sport del futuro.
In un singolare contesto “retrò-futuristi-
M
co” si muove un tris di anime perse alla ricerca di un riscatto, un ex-pugile quarantenne padre mancato, un ragazzino di undici anni orfano di madre e cresciuto senza
il papà e un robot vecchiotto, ammaccato e
malandato. Sarà proprio quest’ultimo, l’eroe
d’acciaio, a far ritrovare padre e figlio.
Adattamento del racconto dello scrittore di fantascienza Richard Matheson “Steel” (già diventato un episodio della serie
“Twilight Zone” nel 1963), Real Steel è un
prodotto perfettamente confezionato per
raggiungere grandi incassi, dando un classico colpo al cerchio e un altro alla botte.
Da un lato fa leva sulla moda dei robot sul
grande schermo, dall’altro dispensa in generose dosi una commovente storia familiare in perfetta strategia Disney (distributrice del film). Storia di sani valori familiari, di
riscatti morali e di “seconde occasioni” valide nello sport come nella vita, il film rientra
a pieno titolo nel genere commedia per famiglie rivestita da un corredo hi-tech tanto
di moda adesso. Dietro la macchina da presa Shawn Levy (regista di Una notte da leoni 1 e 2 e Notte folle a Manhattan), davanti alla macchina da presa i muscoli di Hugh
Jackman, la faccia sveglia di Dakota Goyo
e il bel viso di Evangeline Lilly (popolare
star del televisivo “Lost”), tra i produttori
esecutivi ci sono nomi come Steven Spielberg e Robert Zemeckis, il budget stanziato su aggira intorno agli 80 milioni di dollari,
distribuisce, come detto, il colosso Disney.
Tutto come da copione.
E se qua e là fanno capolino temi e
metafore interessanti come quella di un
mondo in cui gigantesche “macchine da
guerra” combattono al posto degli uomini
per il divertimento del pubblico, o come l’immagine del vecchio e piccolo robot animato da sentimenti quasi “umani” che riesce a
tener testa a un gigante dis-umano e ipertecnologico, non preoccupatevi, non ci si
ferma mai per non arrestare lo spettacolo
(anzi le botte da orbi). E su tutto spiccano
le scene degli scontri tra macchine da combattimento (robot antropomorfici tutti molto
ben delineati, ognuno con la sua personalità e gamma cromatica) per la cui realizzazione sono state utilizzate diavolerie tecnologiche come “motion capture” e come la
nuova “Simul-Cam B” che permette di sovrapporre direttamente nella telecamera
immagini precedentemente digitalizzate.
Ma il film, come detto, vive di contrasti
e fusioni, anche sul piano scenico: tra un
effetto speciale e l’altro si lascia intravedere un’America vera, fatta di fiere di paese,
benzinai in grandi spazi desolati, autogrill
sperduti nel nulla, chiassose arene da combattimento, come dire, la sostanza di un
paese reale che fa da teatro al fanta-sport.
In un futuro non troppo lontano il pugilato umano, per ragioni di soldi, è infatti
stato soppiantato dai combattimenti fra
robot perché il pubblico vuole solo violenza allo stato puro: non c’è dubbio, il quadro prospettato è davvero desolante. Sarà
pure così, nel 2020, a regnare, anche nello sport, saranno solo soldi e violenza ma
lo spazio per i sentimenti veri, quello ci sarà
sempre e vincerà ancora una volta su tutto. Almeno sul grande schermo.
Elena Bartoni
CAMBIO VITA
(The Change-Up)
Stati Uniti 2011
Regia: David Dobkin
Produzione: David Dobkin, Neal H. Moritz per Original Film, Relativity Media
Soggetto e Sceneggiatura: John Lucas Scott Moore
Direttore della fotografia: Eric Alan Edwards
Montaggio: Greg Hayden, Lee Haxall
Musiche: John Debney
Scenografia: Barry Robinson
Costumi: Betsy Heimann
Effetti: Joe Digaetano
Interpreti: Ryan Reynolds (Mitch), Jason Bateman (Dave), Olivia Wilde (Sabrina),
Leslie Mann (Jamie), Alan Arkin (Padre di Mitch), Dimitrius Pulido (Dimitri), Lauren
Bain (Sarah), TJ Hassan (Kato Kinkabe), Ned Schmidtke (Ted Norton), Luke Bain
(Peter), Mircea Monroe (Tatiana), Shannon Guess (Becky), Sydney Rouviere (Cara),
Jeanine Jackson (Carla Nelson), Lo Ming (Ken Kinkabe)
Durata: 112’
Metri: 3100
40
Film
ave e Mitch sono amici da una
vita: una vita che non li soddisfa
più da qualche tempo oramai.
Dave vorrebbe avere il tempo libero che
ha Mitch per spassarsela tutto il santo giorno con donne e droghe, mentre Mitch soffre di non avere una famiglia accanto a sé
e di non riuscire a portare fino in fondo le
sue attività come fa Dave. Una sera i due
trascorrono del tempo insieme a ubriacarsi
e a compatirsi; ma, prima di salutarsi orinano accanto a una fontana esprimendo il
desiderio di cambiare il corso delle proprie esistenze. Il giorno seguente, entrambi si svegliano l’uno nel letto e nel corpo
dell’altro. Appena si rendono conto di ciò
che è avvenuto, Mitch e Dave escono di
casa e arrivano sgommando con la macchina verso il posto dove la sera precedente
è avvenuto il fattaccio. Ma, la fontana non
c’è più: al suo posto rimane soltanto un
cratere vuoto che una squadra di operai
cerca di colmare. All’ufficio per le relazioni con il pubblico non gli sanno dire
nulla e le pratiche burocratiche per ottenere una risposta hanno tempi piuttosto
lunghi. Ai due protagonisti non rimane altro allora che aspettare. Nel frattempo,
Dave e Mitch dovranno sperimentare in
prima persona rispettive vite e problemi annessi. Tuttavia, gestire i grattacapi quotidiani che contrassegnano i relativi mondi
privati non è un’impresa da poco specialmente per Mitch, il quale si trova catapultato in una realtà matrimoniale con tre figli a carico e un lavoro da avvocato con
grandi potenzialità e molteplici sforzi. Allo
studio legale, la lingua lunga di Mitch nel
fisico di Dave rischia di mandare in malora un affare da milioni di dollari. Pure
Dave con l’aspetto attraente di Mitch si
muove inconsapevolmente per boicottare
l’attività dell’amico nel campo dello spettacolo. Infatti, Dave non se la sente molto
di essere piazzato di fronte a una macchina da presa per interpretare la parte di un
bellimbusto qualunque in una pellicola
porno soft. Alla fine della giornata, altre
ardue prove attendono i due malcapitati.
Il fasullo Dave cerca di approcciarsi sessualmente con la bella Jamie (moglie di
Dave), quantunque il due di picche sia sempre in agguato. Dopo essere andato in
bianco in camera da letto, Mitch è costretto suo malgrado a svegliarsi nel cuore della
notte per calmare il pianto dei gemellini
terribili. A Dave le cose sembrerebbero andare decisamente meglio, almeno sulla carta, dal momento che per quella sera è previsto il rendez-vous amoroso tra Mitch e
una certa Tatiana. Ma, qualunque desiderio sia passato nella testa di Dave è annientato di colpo quando sull’uscio del-
D
l’appartamento di Mitch si presenta un’invasata bionda con un pancione di nove
mesi. Essendo trascorse un altro paio di
giornate come queste e della fontana ancora nessuna traccia all’orizzonte, Mitch
inizia a sentire il peso insopportabile delle responsabilità, delle preoccupazioni e
degli affanni, tanto che esprime all’amico
l’intenzione di mollare. Dave allora cerca
con tutti i mezzi a sua disposizione di rincuorare il compagno fraterno che gli siede di fronte e lo fissa con un’espressione
vacua, ricordandogli che ci sono in ballo
questioni troppo importanti per darsi per
vinti così facilmente. Spronato a dovere,
Mitch decide di tenere duro e di impegnarsi
seriamente a lavoro, in modo che la fusione con i soci giapponesi vada davvero in
porto. Dal canto suo, Dave si gode gli agi
di una vita da single, con un tenore di vita
medio-alto pur non dovendo lavorare per
mantenersi. Per il finto Mitch si profila
anche la prospettiva di un’uscita galante
in compagnia della sua segretaria Sabrina, che da qualche tempo lo intriga e gli
scatena turbamenti erotici proibiti a un
uomo con la fede al dito com’è lui. Nonostante l’appuntamento sia andato alla
grande e la donna abbia lanciato nella sua
direzione segnali espliciti con il linguaggio del corpo, Dave declina l’invito a entrare nell’appartamento di Sabrina. Il pericolo, però, non è completamente scampato, poiché il giorno seguente Sabrina
chiede a Dave di accompagnarla a una
partita di baseball e il giovane non riesce
a tirarsi indietro. Intanto, sia il telefono di
Dave sia quello di Mitch inizia a squillare: dall’altro capo della cornetta vi è un
funzionario statale che li avverte del ritrovamento della fontana. A dire la verità il
tanto agognato messaggio non suscita le
reazioni previste, un po’ perché Mitch ha
iniziato a starci bene nei panni di Dave e
un po’ perché Dave non si è mai sentito
prima d’ora così autonomo come in questo frangente. Dialogando e confrontandosi tra loro, i due amici non fanno altro che
ritardare l’unica soluzione pratica possibile e perseverare per altre ventiquattro ore
nelle dinamiche del body-switching. In questo lasso di tempo, se Mitch in veste di Dave
fa fare affari d’oro alla società e ottiene
una promozione, Dave con le fattezze di
Mitch è sul punto perdersi nell’incanto dei
sensi in compagnia di Sabrina. Proprio
quando ambedue i personaggi si avvicinano alle mete stabilite, nasce in loro il desiderio di riabbracciare gli usi e i costumi
della vita di un tempo. A tal punto è forte
la nostalgia per le loro esistenze passate,
che Mitch e Dave iniziano a correre a perdifiato sotto il temporale al fine di raggiun41
gere un lontano centro commerciale, divenuto la sede atta a ospitare la fontana magica. Il timore iniziale di dover orinare alla
presenza di un pubblico pian piano si riduce, dando luogo all’atto tabù capace di
rettificare quella sorta di “incidente di
percorso” che li ha portati a ritrovare se
stessi. L’improvviso blackout originatosi
nel frangente esatto in cui Mitch e Dave
sono impegnati a fare i loro bisogni nella
sorgente d’acqua avvisa lo spettatore che
tutto è andato secondo i piani. La conferma decisiva giunge allorché entrambi si
guardano allo specchio, entusiasti di essere ritornati quelli che erano fino a una
settimana prima. La successiva scena - introdotta da una didascalia che recita «un
mese dopo» - mostra la festa dell’anniversario di nozze di Dave e Jamie alla presenza di parenti, amici e colleghi. Tra gli
invitati l’obiettivo si focalizza sulla nuova
coppia sentimentale costituita da Mitch e
Sabrina, per poi virare e inquadrare la consonanza intima che lega i due compagni,
divenuti più fraterni che mai in seguito a
quest’avventura.
a decenni lo scambio dei ruoli è
una norma a Hollywood, già da
quando nel 1977 la Disney arruolava la futura star Jodie Foster per interpretare il ruolo di una vivace adolescente
che in Tutto accadde un venerdì assumeva l’identità della madre e viceversa. Rifatto ventisei anni dopo, con il titolo Quel pazzo venerdì e la coppia Jamie Lee Curtis e
Lindsay Lohan, il meccanismo comico è
stato rinvigorito da innesti tematici che si
coloriscono di riferimenti all’attuale società statunitense. La quinta opera di David
Dobkin si spinge oltre, quasi al crocevia
tra comicità demenziale allo stato puro e
la sfera della moralità spicciola. Quindi, se
vi piaccono i film “boccacceschi” con il tre
per due sulle parolacce e le battute da trivio, Cambio vita vi sembrerà un’idea a dir
poco fenomenale. Non stupisce che negli
Stati Uniti l’ultima pellicola del regista di 2
single a nozze sia rientrata nella categoria R, soprattutto per via della sua struttura di tipo formale, coniugabile in base al
tema, al linguaggio, alla brutalità, al nudo,
al sesso e all’uso di droga. Di sicuro, Jason Bateman e Ryan Reynolds hanno provato un gusto matto a impersonare due
protagonisti che - al pari di una qualsiasi
commedia sexy prodotta in Italia durante
gli anni ’70 - sono animati da pensieri impuri rimanendo però sempre a bocca
asciutta, a dispetto del fatto che le belle
Leslie Mann o di Olivia Wilde siano spesso e volentieri inquadrate con le grazie al
vento. Ci sono dei momenti che sembra
D
Film
davvero di essere tornati ai tempi di Quel
gran pezzo dell’Ubalda tutta nuda e tutta
calda e Giovannona Coscialunga, disonorata con onore, con l’inserimento di interventi umoristici che ci aiutano a vedere il
mondo con gli occhi dei fratelli Farrelly. I
critici d’oltre oceano hanno stroncato su
due piedi l’opera di Dobkin, in quanto a
loro parere il film rappresenta il lato peggiore della recente produzione made in
U.S.A., che potrà pure incassare dollari su
dollari, ma è troppo ridanciana anche solo
per essere presa in considerazione. Tuttavia, davanti a tutto questo trionfo di trash e
di gag “telefonate”, Bateman e Reynolds
riescono a strappare al pubblico qualche
risata.
Cambio vita sembrerebbe a prima vista uno di quei testi filmici sovversivi, tesi
da un lato a supportare l’ideologia alla
base della loro stessa esistenza, dall’altro a contraddirla mediante la produzione di rotture stilistiche e discontinuità
espressive. Eppure, delude il fatto che
Dobkin si sia auto-imposto un regime di
restrizione per ripristinare nel finale il
mantenimento dell’illusione rappresentativa in funzione della concezione dominante, come se lui stesso e il suo team
(fra cui Jon Lucas e Scott Moore, ossia
gli autori di Una notte da leoni) non se la
sentissero di andare fino in fondo nel dissacrare i più sacri valori del matrimonio
e della famiglia.
HUGO CABRET
(Hugo)
Stati Uniti, 2011
Interpreti: Asa Butterfield (Hugo Cabret), Ben Kingsley (Papa
Georges/Georges Méliès), Sacha Baron Cohen (Capostazione), Chloe Moretz (Isabelle), Ray Winstone (Zio Claude), Emily
Mortimer(Lisette), Jude Law (Padre di Hugo), Johnny Depp (Sig.
Rouleau), Michael Pitt (Proiezionista), Christopher Lee (Sig.
Labisse), Michael Stuhlbarg (Rene Tabard), Helen McCrory
(Mamma Jeanne), Ben Addis (Salvador Dali), Richard Griffiths
(Sig. Frick), Frances de la Tour (Emilie), Angus Barnett (Manager del teatro), Gulliver McGrath (Rene Tabard da giovane), Emil
Lager (Django Reinhardt)
Durata: 125’
Metri: 3320
Regia: Martin Scoesese
Produzione: Graham King, Tim Headington, Martin Scorsese,
Johnny Depp per Gkfilms, Infinitum Nihil
Distribuzione: 01 Distribution
Soggetto: Dal libro di Brian Selznick
Sceneggiatura: John Logan
Direttore della fotografia: Robert Richardson
Montaggio: Thelma Schoonmaker
Musiche: Howard Shore
Scenografia: Dante Ferretti
Costumi: Sandy Powell
all’alto dei numeri vuoti di un
grande orologio vediamo il panorama dell’interno della stazione di Parigi negli anni ’30, con i personaggi
e le situazioni suoi propri, quotidiani, e il
grande movimento in continuo cambiare: è
l’osservatorio di Hugo, ragazzino orfano che
vive “ dentro “ l’orologio, in uno spazio ricavato tra ruote e rotelle, cavi, tubi di ogni
genere, alcuni dei quali diventano anche “scivoli” per portarlo a terra, ad una porticina
che si apre in un pilone e gli permette di aggirarsi tra la gente e, soprattutto, tra i carrelli con frutta, latte, paste, da ladruncolo.
Vi sono anche un negozio di orologiaio-giocattolaio e una libreria. Hugo va spesso dal
giocattolaio, riuscendo a prenderne piccoli
strumenti senza pagare; un giorno, l’uomo
vuole sapere per cosa li usa e Hugo gli dice
che deve completare un automa che il padre
gli ha lasciato, con un quaderno di istruzioni. Il vecchio insiste per vederlo, lo sfoglia
stupefatto, dice che certo lo ha rubato e glielo prende; e se insisterà glielo brucerà; chiama anche l’ispettore di stazione al quale
Hugo riesce a sfuggire. A sera, Hugo segue
il vecchio fino a casa di lui: da una finestra
illuminata scopre che c’è una ragazzina e con
una palla di neve contro il vetro la chiama,
la fa scendere. Lì fuori, le spiega il suo pro-
D
blema, ma lei non sa come aiutarlo. Il giorno dopo, i due si ritrovano davanti alla libreria, da cui Isabella sta uscendo con un
“Robin Hood”. Hugo dice che con suo padre leggevano molto, soprattutto i libri di
Verne; Isabella dice che le piacerebbe vivere
una avventura, non solo leggerla.. E lui gliela offre: la porta sul retro di un cinematografo nel quale riescono a entrare di nascosto; Isabella è del tutto partecipe a quello
che vede. Ma la maschera li scopre e li butta
fuori. Hugo dice che suo padre, che lavorava in un museo, vi aveva trovato un automa,
l’aveva preso e lo stava riparando quando
era morto in un incendio e il bambino era
stato affidato allo zio suo omonimo, che beveva troppo. Viveva nell’orologio, con l’impegno di tenerlo in ordine perfetto; ma era
morto e lui aveva continuato il lavoro, senza
che nessuno scoprisse nulla. Per far muovere l’automa, che è una donna con una penna
in mano e un tavolo davanti, manca ancora
solo una chiave a cuore. Hugo si accorge che
Isabella ha un pendaglio, regalo della nonna, che ha quella forma quindi lo inseriscono nel foro sull’automa ed esso traccia, dapprima lento poi più spedito, il disegno di una
luna che ha un razzo dentro l’occhio. È un
disegno che conoscono entrambi, tanto che
Isabella decide di portarlo a casa per farlo
42
vedere ai nonni; in attesa che il vecchio ritorni, i ragazzi cercano il quaderno: così fanno cadere una valigetta. dalla quale escono
moltissimi fogli che sono tutte inquadrature
del film “Il viaggio nella luna”; è così che il
vecchio, rientrato, racconta l’inizio della sua
attività. Nella “Biblioteca del cinema”, trovano un libro su Méliès e il bibliotecario,
Monsieur Labisse, appassionato di questo
autore, gli dice di avere salvato proprio quell’opera; porta a casa del regista la “pizza” e
tutti insieme la guardano e i coniugi ricordano come lavoravano in quegli anni. La storia
si conclude con una grande “Serata Méliès”,
in cui Labisse annuncia che lui e altri appassionati hanno ritrovato ben 80 film di Méliès;
il vecchio dice che tutto questo è nato dalla
determinazione di un ragazzino; Hugo e Isabella sono lì e vediamo che la ragazza inizia
a scrivere la storia di tutto questo.
l lungo antefatto va considerato attentamente: troviamo Parigi, in inverno; la sua stazione ferroviaria, la
Gare du Lyon; la suo folla, dalla quale nel
film emergeranno anche gli “ ospiti fissi “:
la fioraia, l‘ispettore di stazione, la vecchia
signora con la sua cockerina in una cesta... infine, la soprascritta 1930, quindi
siamo dopo la grande guerra e subito dopo
I
Film
la nascita, ancora timida, del film sonoro,
alla quale non si fa menzione ma che è
opportuno ricordare; e si ricordi che il negozio del giocattolaio- orologiaio è di fronte allo sguardo dall’alto; si intravede poi
anche la libreria accanto. Il bambino, molto serio nel suo lavoro, si muove negli spazi
dell’orologio come acrobata, che “possiede il suo mezzo “, così antico eppure, nella sua struttura attuale, così nuovo. Vive
dentro il tempo, se ne prende cura. Accanto
a lui, l’automa, bella forma femminile di
metallo quasi argenteo, un elogio, anche
lei come questo orologio, della meccanicità del ‘900, del “ movimento “ che ormai è
divenuto aspetto fondamentale della vita,
anche quella quotidiana e più ripetitiva.
Abbiamo dunque raccolti qui gli aspetti principali della vita del primo ‘900, alcuni
dei quali transiteranno nel secondo. Ma all’autore interessa fissare bene quel tempo, poiché vuole richiamare un “ allora “
che è stato in parte tradito dal suo stesso
sviluppo: quello del cinema e del suo rapporto con la società.
Ma c’è dell’altro: il bambino che crescerà nel corso del ‘900 è affidatario, curatore,
protettore di una macchina speciale, che “
sa scrivere “ o meglio “ sa disegnare “. Gli ha
passato il testimone suo padre, uno dei pochi a capirne l’importanza del suo collegarsi
al cinema, perché è uno di quelli che dalla
cinepresa vede il prodursi non tanto di una
testimonianza della realtà, quanto la produzione di avventure della fantasia, racconti dei
quali l’uomo avrà sempre bisogno, anche
quando sembreranno spodestati dalla realtà, sia quella bellica sia quella di una quotidianità tranquilla e piatta. È un padre che “
legge libri “ con il figlio, ma anche lo porta
continuamente al cinema, ad “entrare “ davvero in un’avventura. Con queste semplici
caratteristiche del padre e del suo rapporto
con il figlio, viene suggerita quella che dovrebbe essere una comunicazione continua
e profonda tra i due individui, in modo che
l’uno sappia “ passare il testimone “ e l’altro
sappia prenderlo. La fugace apparizione del
nonno cementa il tema della “ trasmissione
di un sapere, “ da vecchi a giovani.
L’avventura è sempre stata consegnata
alla pagina scritta di un romanzo ed è significativo che la libreria sia accanto al negozio del vecchio Méliès, che Isabella ami
leggere, di tutto, ma anche romanzi d’avventura, come “ Robin Hood “; e le piacerebbe vivere veramente le avventure, anche quelle nascoste: lo dice chiaramente a
Hugo. Ecco allora l’intrusione nella sala cinematografica, il suo aiuto determinante al
funzionamento dell’automa. La sintonia tra
i due ragazzi è anche integrazione di due
diversi “ mezzi “di raccontare. Méliès non
porta la nipote al cinema perché vuol cancellare tutto intorno a sé, anche i ricordi di
un’epoca e un mondo finiti, perché il cinema
non sa più produrre “fantasia in movimento
“. Invece ci sembra essere una stupenda fantasia di cineasta di questo secolo il fatto che
già nei 1930 esista una “ biblioteca del cinema “ e che la ospiti un edificio grandioso,
con scansie alte diversi piani e con una sala
lettura molto ampia. Comunque, per ribadire il concetto che libro e cinema possono
avere più di un tipo di rapporto, è un’un’una
buona idea che l’appassionato ricercatore
di opere di Méliès sia proprio il dire ttore della biblioteca. Uno scandaglio ulteriore nel film
ci porterebbe alla scoperta di molti altri particolari, a volte anche solo una inquadrature, con i quali Scorsese ha creato questo
inno al cinema e alla sua funzione di “narrare la fantasia “. Non è cosa che il regista
Scorsese abbia fatto molto nei suoi film,; e
anzi, ultimamente, si è dedicato alla produzione di vari documentari.
Questo film, ricavato dal romanzo “La
straordinaria avventura di Hugo Cabret”,
di Brian Selznick, pronipote del produttore David Selznick, potrebbe non sembrare un film di Scorsese, ma sarà bene ricordare che anche L’età dell’innocenza è
tratto dal romanzo omonimo di Edith Wharton: anch’esso, quindi, “non di Scorsese”.
Ma non si può certo chiedere a un autore
di non cambiare il suo genere, momentaneamente o per sempre, quando riesce a
darci opere dove, più che la trama, sono
proprio le immagini a deliziarci, non solo
per l’uso della tridimensionalità.
Danila Petacco
COM’È BELLO FAR L’AMORE
Italia, 2012
Regia: Fausto Brizzi
Produzione: Mario Giannani e Lorenzo Mieli per Wildside in collaborazione con Medusa Film, Sky Cinema, Mediaset Premium
Soggetto e Sceneggiatura: Fausto Brizzi, Marco Martani, Andrea Agnello
Direttore della fotografia: Marcello Montarsi
Montaggio: Luciana Pandolfelli
Musiche: Bruno Zambrini
Scenografia: Maria Stilde Abruzzi
Costumi: Monica Simeone
Effetti: Leonardo Cruciano Workshop
Interpreti: Fabio De Luigi (Andrea), Claudia Gerini (Giulia), Filippo Timi (Max), Giorgia
Würth (Vanessa), Virginia Raffaele (Juanita), Alessandro Sperduti (Simone), Eleonora Bolla (Alice), Michele Foresta (Claudio), Michela Andreozzi (Daniela), Alexandre
Vella (Louis Lumiere), Gledis Cinque (Marina), Chiara Mastalli (Ragazza), Margherita
Buy, Lillo Petrolo, Enzo Salvi, Franco Trentalance
Durata: 97’
Metri: 2620
43
Film
ndrea e Giulia sono una coppia
di quarantenni con un figlio diciottenne, Simone, una bella casa
e una fin troppo tranquilla vita coniugale.
Tra Andrea e Giulia però la passione è
sopita e i rapporti sessuali sono ormai diventati un lontano ricordo. La loro routine
è sconvolta quando i due decidono di ospitare per un certo periodo in casa il migliore amico di Claudia, Max, di professione
pornodivo, che da anni vive e lavora negli
Stati Uniti. Max stravolge subito i ritmi della casa e Giulia lo elegge come suo confidente, nel tentativo di rivitalizzare il suo
matrimonio. Quando Andrea scopre che
Giulia ha raccontato tutto a Max della loro
intimità, non la prende bene. Ma Giulia lo
mette di fronte alla realtà, così non possono andare avanti e Andrea si convince. Max
diventa così il sessuologo dei due protagonisti che si troveranno a vivere una serie di situazioni inconsuete e talvolta comiche. Su consiglio di Max, Giulia filma
un rapporto sessuale con il marito. Mentre sta mostrando al computer il filmato
all’amico, Andrea prende di corsa il pc e
lo porta al lavoro dove finisce per mostrare il video a una riunione di lavoro. Uno
dei problemi principali della coppia è la
durata-lampo dei loro rapporti. Per cercare di aumentare la durata delle prestazioni di Andrea, Max gli consiglia uno
spray a base di feromoni di Orango Tango. Ma l’esperimento porta a una serie di
effetti imprevedibili. Invece di fare l’effetto sperato su Giulia, che respinge Andrea
avvertendo su di lui un cattivo odore di
“pelo bagnato”, lo spray si rivela un potente afrodisiaco per Juanita, la colf sudamericana, e su tutti i cani del quartiere che
fanno passare una movimentata nottata al
povero Andrea. L’arrivo di Vanessa, una
collega pornostar che Max decide di ospitare nella sua mansarda, porta ancora più
scompiglio in casa.
Anche il giovane Simone ha i suoi problemi sentimentali: è innamorato, non corrisposto, di Alice, sua compagna di scuola
che lo considera solo uno “sfigato” e che
lo elegge come “amico di sesso” solo per
fare esperienza. Anche il ragazzo si rivolge a Max per avere qualche consiglio.
Il pornodivo nonché sessuologo personale di Giulia e Andrea inaugura un locale notturno: quale occasione migliore per
passare una serata diversa e magari rivitalizzante? La stessa sera, con la casa libera, Simone fa una festa e parte all’ultimo disperato approccio con Alice che però
mostra di preferirgli un ragazzo tutto muscoli. Intanto, nel suo nuovo locale, Max
propone alla coppia di amici un diversivo
che potrà riaccendere la passione: fare i
A
“single per una notte”. Dopo che Giulia,
lasciando cadere tutti i suoi freni inibitori,
si esibisce in un provocante numero di burlesque, il clima della serata si scalda ancora di più quando Max suggerisce separatamente a Giulia e Andrea di recarsi
nella “dark room” dove provare l’emozione di un incontro con un partner sconosciuto. Usciti entrambi sconvolti da un
“caldo” rapporto al buio, a fine serata i
due decidono di lasciarsi: probabilmente
tra loro la passione è davvero esaurita se
riescono a trovare nuovi stimoli con partner diversi. Ma non sanno la verità. Il giorno dopo Max conduce Giulia in una sala
cinematografica dove le mostra la registrazione fatta con una telecamera a infrarossi dell’incontro nella “dark room”. Con
sua grande sorpresa, Giulia scopre che il
partner misterioso era proprio suo marito. Nella stessa sala Vanessa sta mostrando lo stesso film ad Andrea. I due si ritrovano, felici della passione che ancora li
lega.
Intanto anche il figlio Simone riesce a
far aprire gli occhi alla bella Alice che finalmente capisce che quello che prova per
lui è un sentimento forte.
Max ha portato a termine il suo compito, riaccendendo passioni che sembravano spente; ora lascia la casa dei suoi
amici insieme a Vanessa, ricordando allo
spettatore che l’ingrediente più importante in amore è proprio la fantasia.
ncora lui, la più rodata “macchina da soldi” del cinema italiano
degli ultimi anni che risponde al
nome di Fausto Brizzi, torna col suo ultimo giocattolo.
E ora può permettersi anche di girare
la prima commedia made in Italy in 3D!
Era il 1978 quando Raffaella Carrà
cantava “Come è bello far l’amore da Trieste in giù” celebre refrain del brano “Tanti auguri” che entrava in testa e non ti
mollava più e oggi il ritornello-tormentone dà il titolo a questa nuova commedia
che cerca, almeno sulla carta, di far cadere, ridendo, i tanti tabù ancora vivi sul
sesso.
Dopo un prologo quasi-cinefilo (girato in bianco e nero e con la partecipazione illustre di Margherita Buy) che riporta
agli albori del cinema con i fratelli Lumière
intenti a filmare di nascosto le grazie di
una fanciulla e che si conclude con una
“tirata” contro il cinema d’autore considerato un ottimo pretesto per amarsi e riprodursi al buio di una sala (con i nomi di
Bellocchio e Lars von Trier citati come
esempi di massimo tedio d’autore), Brizzi innesca la quarta. Ed ecco una pioggia
A
44
di coriandoli d’oro lanciati letteralmente
addosso allo spettatore (complice la tecnica tridimensionale) in un tripudio di canzoni, cartoni animati, colori accesi. Gli interpreti poi sono frizzanti quanto basta ad
aggiungere sale al piatto: da una Claudia
Gerini sexy e maliziosa (ennesimo spogliarello cinematografico per l’attrice che
stavolta si spinge un po’ più in là in un
provocante balletto burlesque), a un Fabio De Luigi sempre più “italiano medio”
tra (pochi) vizi e (poche) virtù, fino a un
inedito Filippo Timi nei sorprendenti panni dell’amico pornodivo (il fascino ‘macho’
e la voce calda li ha di natura, oltre al talento recitativo). Come pietanze di contorno si è furbescamente pensato a volti
celebri della TV come Michele Foresta
(ricordate il suo mago Forest insieme alla
Gialappa’s?) o Lillo Petrolo (il suo cameo
nei panni di un farmacista “solerte” è davvero una della scene più esilaranti del
film).
L’amore a tutte le età, il sesso, il tradimento e poi i rimedi contro la routine di
rapporti consolidati nel tempo. Certo, parlare di preservativi ritardanti, “anelli del piacere” e dark room in una commedia “per
tutti” può sembrare ardito. Ma in realtà, di
tabù veri se ne toccano davvero pochi perché la commedia resta innocente per tutta
la sua durata. L’anticonformismo rimane
davvero solo sulla carta perché, alla fine,
l’unico valore che conta è l’amore (e se è
coniugale ancora meglio).
Romanticismo trans-generazionale, risate e canzoni (vecchie e nuove), Brizzi
mostra ancora una volta, da vero “genio
del marketing” come è stato ribattezzato,
di saperla lunga su come creare un prodotto capace di attrarre al cinema il grande pubblico, da sempre desideroso, ma ora
forse ancor di più, di evasione scacciapensieri. E se per far viaggiare gli spettatori
nel suo colorato mondo gli si facessero
anche indossare quegli occhialini 3D tanto in voga ora? Perché insomma non utilizzare la nuova tecnologia anche con la
commedia italiana?
In questo caso ricetta finale, composta dal binomio amore e fantasia, sembra
essere quella vincente. E la commedia
questa volta confina con la favola (il brano
“Reality” di Richard Sanderson sta lì a confermarlo). E così, dopo il cine-panettone
non sarà il caso di parlare di cine-sanvalentino? Insomma Brizzi confermerà ancora la sua fama di “golden boy”? Al pubblico che ha già dimostrato di apprezzare
le sue ricette facili l’ardua sentenza. Finché dura.
Elena Bartoni
Film
UN GIORNO QUESTO DOLORE TI SARÀ UTILE
Italia, Usa, 2011
Regia: Roberto Faenza
Produzione: Elda Ferri, Milena Canonero e Ron Stein per Jean
Vigo Italia e Four of A Kind Production in collaborazione con
Rai Cinema e The 7th Floor, in associazione con Bnl – Gruppo
Bnp Paribas
Soggetto: dal romanzo di Peter Cameron
Sceneggiatura: Roberto Faenza, Dahlia Heyman
Direttore della fotografia: Maurizio Calvesi
Montaggio: Massimo Foschi
Musiche: Andrea Guerra, la canzone “Love Is Requited” è cantata da Elisa
ames Sveck è un diciassettenne
newyorkese che vive la sua ultima estate prima di andare al
l’università. I genitori sono divorziati, James vive con la madre Marjorie, reduce
da un matrimonio-lampo, interrotto al secondo giorno di luna di miele, e con sua
sorella maggiore Gillian, che ha un flirt
con Rainer Maria, un professore universitario sposato e molto più grande di lei.
Marjorie, una fanatica della new age,
gestisce una galleria d’arte concettuale
dove lavora John Webster, un giovane nero,
avvenente e gay, e dove James dà una mano
in attesa del college. Tra i pezzi d’arte
esposti ci sono dei bidoni della spazzatura
di alluminio, collegati a dei sensori di prossimità (che non si vedono) che emettono
suoni elettronici e dai quali, scoperchiandoli, fuoriesce del fumo spesso, simile a
quello del ghiaccio secco, pensati da un’artista che non vuol rivelare nome né sesso.
James pranza spesso con il padre Paul, il
quale, da quando ha divorziato, intesse
relazioni con donne molto più giovani di
lui. Schivo, amante della lettura, totalmente
differente dai suoi coetanei, James si sente chiedere dal padre, perché ha ordinato
un’insalata e non una bistecca al sangue
come lui, se lo sia. Se cioè sia gay, ma James si rifiuta di rispondere perché, dice,
non sopporta l’idea che l’orientamento
sessuale debba determinare un comportamento diverso da parte dei figli nei confronti dei genitori (se fossi etero dovrei dirtelo? gli chiede). Irritato comunica al padre di non voler andare al college, ottenendo una reazione negativa. Anche il padre, come ha fatto già la madre, insiste
perché James vada all’appuntamento con
Rowena Adler una life-coach (una allenatrice di vita) in seguito a qualcosa che gli
è successo in primavera a scuola. Ma dopo
J
Scenografia: Tommaso Ortino
Costumi: Donna Zakowska
Interpreti: Toby Regbo (James), Marcia Gay Hardem (Marjorie), Peter Gallagher (Paul), Lucy Liu (Rowena), Stephen Lang
(Barry Rogers), Deborah Ann Woll (Gillian), Ellen Burstyn
(Nanette), Aubrey Plaza (Jeanine Breemer), Gilbert Owuor
(John), Dree Hemingway (Rhonda), Olek Krupa (Henryk
Maria), Siobhan Fallon (Signora Breemer), Brooke Schlosser (Sue Kenney), Kyle Coffman (Dakin), Johnny Weston
(Thom), Kate Kiley (Signora Wright), Rekha Elizabeth Luther (Olivia)
Durata: 98’
Metri: 2775
un primo incontro non proprio esaltante
con la giovane dottoressa, psicologa anticonformista che lo riceve in cucina e gli
offre un frullato bio, James decide di non
andare più da lei.
Un giorno, da solo in casa, James incontra Barry il neo ex marito di sua madre, venuto a riprendersi alcuni effetti personali. L’uomo, che ha perso una forte cifra a Las Vegas durante la luna di miele,
comprando un umidificatore per sigari (e
spendendo 1200 dollari per due lap-dancer...) si dice sinceramente pentito dei suoi
errori e di amare davvero sua madre
Marjorie.
In galleria James è molto bravo nell’illustrare l’arte che sta dietro i bidoni
della galleria a una coppia di turisti tedeschi e ottiene i complimenti di John.
Unica persona con la quale James
sembra avere un rapporto di comprensione e stima è sua nonna Nanette, la madre
di Marjorie, ex ballerina di Martha
Graham, che ora vive fuori New York, la
quale prende il nipote molto più sul serio
di quanto non facciano gli altri. Così,
quando James le confida che preferirebbe spendere i soldi del College per comprarsi una casa e diventare un artigiano,
Nanette prende appuntamento coi proprietari di una villa che il nipote le ha mostrato su internet. Ma quando James va a
vederla, scopre che la casa è sporca e sita
di fronte a una discarica rumorosa e piena di gabbiani…
Gillian viene lasciata da Rainer Maria che ha deciso di seguire la moglie, trasferita per motivi di lavoro in un’altro Stato dell’Unione. Durante una delle frequenti
visite a Nanette, James le chiede se lei e
sua madre Marjorie riparleranno mai. Nanette gli risponde che succederà sicuramente, appena Marjorie scoprirà chi è ve45
ramente e poi le riconosce la difficoltà di
avere avuto lei come madre…
Alla galleria James, notando sul monitor del pc di John la finestra di una chat
gay, si spaccia a sua insaputa per un trentenne direttore di una importante galleria
di New York; ottiene un appuntamento con
lui per quella sera. Si veste di tutto punto e
va all’appuntamento pensando di stare facendo uno scherzo piacevole, ma John la
pensa diversamente e lascia la festa visibilmente arrabbiato. Quando Marjorie viene a sapere come si è comportato il figlio
lo licenzia dalla galleria.
James torna così dalla life coach che
lo invita a seguirlo mentre fa jogging. È
durante queste corse, che diventano le loro
sedute terapiche, che James le racconta le
sue insofferenze, su sua sorella Gillian che
pensa di scrivere una autobiografia a 23
anni e i dubbi sulla propria adeguatezza
alla vita. Poi le racconta dell’incidente occorsogli durante la Classe d’America, una
gita premio a Washington alla quale partecipano i migliori studenti di tutta l’Unione che ha indotto i suoi genitori a mandarlo da lei. Nulla ha funzionato in quella
gita: da una ragazza obesa e petulante che
tratta James come fossero amici da sempre ai due adolescenti dediti alla marjuana coi quali divide la stanza d’albergo, la
gita ha convinto James di essere non solo
molto differente dai suoi coetanei, tanto da
indurlo a non andare all’università, ma di
essere proprio un disadattato incapace di
avere rapporti con gli altri. Durante una
festa da ballo, per esempio, James, che
odia ballare, viene amabilmente costretto
da una bella ragazza, che James aveva già
notato. In mezzo alla sala, colto da un attacco di panico, James lascia il locale, si
picchia con uno dei due compagni di stanza che lo considerano strano perché non
Film
vuole farsi un tiro di canna e fugge rifugiandosi in un albergo (pagandolo con la
carta di credito per le emergenze datagli
da sua madre). Lì, finalmente solo, ritrova
un po’ di equilibrio. Il giorno dopo, in un
museo, vede un quadro nel quale è ritratto
un amorino, forse dormiente, ma che per
James è morto e, fortemente attratto dal
dipinto, confessa alla life coach, vorrebbe
entrarci dentro e giacere morto accanto a
lui. Avvicinandosi troppo al quadro e fatto
scattare l’allarme per la seconda volta
James viene aggredito da una guardia della
sicurezza; allora scappa e urta un’opera
esposta, danneggiandola e venendo fermato come un volgare delinquente. Sarà il
padre, a riportarlo a casa, in treno, accorso in città chiamato dagli organizzatori
della Classe d’America che non avevano
visto James rientrare in albergo, mentre
James medita il suicidio (a inizio film lo
vediamo sporgere dal terrazzo della interrotto dall’improvviso ritorno della madre
dalla luna di miele).
La life coach gli dice che non crede
minimamente sia un disadattato ma, al contrario, un ragazzo colto, sensibile e profondo che deve risolvere alcun problemi,
primo fra i quali recuperare l’amicizia con
John.
Mentre si reca alla casa sulla spiaggia
di John, James incontra il padre nella sua
spider accanto alla ragazza che avevano
incontrato sul treno di ritorno da Washington. James è piacevolmente loquace e
declina gentilmente l’invito del padre a
pranzare insieme.
Da John, James gli spiega che si è
spacciato per qualcun altro perché voleva
essere qualcuno al quale John potesse piacere. John accetta le scuse e gli promette
che potrà tonare a lavorare in galleria (visto anche che i due turisti tedeschi hanno
comperato alcuni bidoni).
A casa, mentre Barry, ancora innamorato di Marjorie, aspetta sulla strada sotto la pioggia, la madre chiede a James cosa
dovrebbe fare e il figlio le risponde che di
solito chi fa quella domanda sa cosa fare e
che, in ogni caso, deve fare quello che lei
si sente davvero. Quella sera, per festeggiare, d’anticipo, il suo compleanno con
Nanette, va a vedere Morte di un commesso viaggiatore, ma quando la nonna non si
presenta all’appuntamento James la raggiunge a casa dove la trova morta e scarta
il regalo che Nanette le aveva preparato,
un libro antico con la dedica, a James perché un giorno questo dolore ti sarà utile.
Nel ristorante preferito da Nanette James, Gillian e Marjorie ne celebrano la
memoria, l’urna con le sue ceneri che campeggia sul tavolo. Poi, mentre vediamo Ja-
mes armeggiare fra le cose della nonna,
che ha lasciato in eredità tutte a lui, la sua
voice over ci racconta che, nonostante i
genitori lo abbiano consigliato di affidare
tutta quella roba a un liquidatore, lui ha
deciso di tenere tutto in un magazzino.
Durante i titoli di coda vediamo James fare Jogging con suo padre Paul e
con Barry.
n giorno questo dolore ti sarà utile – imprecisa traduzione dell’originale Someday This Pain Will Be
Useful To You dove quel Someday significa più un giorno o l’altro, che un giorno –,
è un miracolo di leggerezza e di non retorica. Sarà per l’apporto della produzione
italo-americana, per le location, o per la
co-sceneggiatrice Dahlia Heyman con la
quale Faenza ha ridotto il romanzo omonimo di Peter Cameron ma, cosa molto
rara, il film è migliore del romanzo da cui è
tratto.
Faenza e Heyman hanno avuto la felice intuizione di non fare di James un gay
certo (a differenza del romanzo, raccontato in prima persona, nel quale James conferma al lettore di esserlo proprio mentre
se lo sente maldestramente chiedere dal
padre).
In questa maniera James diventa un
adolescente i cui problemi di adattamento
al mondo non riguardano l’orientamento
sessuale (e non l’identità come omofobicamente hanno scritto un po’ tutti), ma i
ruoli cui la società lo costringe e che James sente stretti.
Nonostante sia molto più solido di tutti
quelli che lo circondano, James, in quanto
essere umano, ha bisogno di modelli ai
quali non vuole conformarsi ma confrontarsi. Le sue incertezze non sono infatti
segno di confusione, ché James è fin troppo presente a se stesso (come quando risponde al padre che gli ha chiesto cosa
pensa di fare nella vita di essere ancora
troppo giovane per poter davvero già scegliere) ma espressione di una totipotenza
che raggiunge nell’adolescenza le sue
massime potenzialità, che lo rende riluttante a una scelta che sente castrante.
Per potersi esprimere James ha bisogno di essere riconosciuto dagli altri ma
nessuno, tranne sua nonna, sembra disposto ad accettarlo per quello che è, compreso tutto quello che potrebbe essere e
ancora non è, mentre ognuno vuole che
lui sia qualcosa che appartiene a loro e
non a James. Non a caso tutte le persone
che James incontra e che, confrontate a
lui, vivono una esistenza omologata e non
autentica, lo accusano di essere uno strano (come fanno le due proprietarie della
U
46
casa vicino alla discarica, o i due adolescenti che giudicano James un freak perché non vuole fare un tiro di canna) perché l’autenticità di James li pone dinanzi
la propria affettatezza, ai propri conflitti irrisolti e solo apparentemente superati.
James vive il conflitto di tutti gli adolescenti senza cercare la soluzione nell’adesione ai valori superficiali della società
post-capitalista (soldi, successo, sesso
frainteso per amore), ma cercando una risposta profonda, autentica, adulta, che non
trova in quasi nessuno di quelli che lo circondano.
Tutti gli adulti sono infatti egocentrici e
molto più infantili di lui, dalla madre che
ascolta cassette di training autogeno alla
sorella che crede di avere vissuto abbastanza da scrivere già un libro di memorie, da John che si sente preso in giro perché James ha flirtato sotto mentite spoglie con lui (non prendendo in considerazione che James, qualunque esso sia, ha
un interesse per lui), a suo padre che pensa che James sia gay perché considera
l’insalata una scelta poco virile ma poi si
vergogna di dire in ascensore, in presenza di una estranea, che sta facendo una
blaferoplastica (e James gli chiede se lui
sia gay).
James ha bisogno di feed-back che
siano alla sua altezza ma gli adulti che incontra sono del tutto inadeguati. Compito
degli adulti infatti non è di mettere i giovani (figli, amici o pazienti che siano) in carreggiata ma di aiutarli a camminare con le
proprie gambe e non con le loro, così come
mostra a James Nanette, o la life coach
Rowena.
Da questo punto di vista il film di Faenza è un vero atto d’amore nei confronti
dei giovani adolescenti, che tutti dovrebbero vedere perché il film (di)mostra
come una via altra alla vita non solo esista ma sia anche praticabile. Perché l’individualità, quando esprime autenticità e
non affettazione, è solo positiva differenza e non alienante diversità anche se ci
sarà sempre qualche imbecille a dire il
contrario.
Non a caso il cambiamento più sensibile tra romanzo e film è proprio il personaggio di Rowena, la psichiatra che nel
romanzo è uno dei tanti personaggi adulti
negativi, costruita secondo i triti cliché della
strizzacervelli, il cui contributo all’autostima di James è solo in negativo, per controreazione. Perché nel romanzo è il lettore, in qualche modo, l’adulto che riconosce James per quello che è e lo prende in
considerazione senza giudicarlo o indirizzarlo, il testimone del percorso di cambiamento che James sta facendo da solo. Nel
Film
film questa testimone è invece proprio la
life coach che oltre ad ascoltarlo gli dice
ben poco, ma per James, come ognuno
ricorderà nella propria adolescenza, che
un adulto lo stia a sentire è la controprova
più importante di essere riconosciuti come
persone.
Un risultato così felice non poteva essere raggiunto senza il contributo degli attori, tutti in stato di grazia, naturalezza e
autenticità, come non fossero attori ma
davvero i personaggi che vanno a interpretare, da Ellen Burstyn che si regala al
film con generosità (come quando usa una
sua vera foto di gioventù per il personaggio che interpreta) al sorprendete Stephen
Lang nel ruolo di Barry, il neo marito di
Marjorie male in arnese nel quale a stento
riconosciamo lo stesso attore del militare
cattivo (e pazzoide) di Avatar di Cameron.
Anche Peter Ghallager si dona al film in
carne e ...rughe, quelle espressive che caratterizzano il suo viso e che, per il ruolo,
finge di voler attenuare, mentre Marcia Gay
Harden è una Marjorie buffa e sprovveduta, una donna sola ma, a sua stessa insaputa, solida, per non tacer di Lucy Liu che
eccelle in ogni ruolo che interpreta. E, last
but not the least, Toby Regbo che è James al di là di ogni dubbio, dolce e sprovveduto, sensibile e fragile come sanno
essere solo gli adolescenti.
Il film, presentato fuori concorso all’ultima edizione del Festival Internazionale
del film di Roma è stato da subito accolto
con favore e meraviglia perché di solito
quel che manca ai film di Faenza è proprio l’ironia e la leggerezza. Ecco, Un giorno questo dolore ti sarà utile è l’eccezione
che conferma la regola.
Alessandro Paesano
ALBERT NOBBS
(Albert Nobbs)
Gran Bretagna, Irlanda, 2011
Regia: Rodrigo García
Produzione: Glen Close, Bonnie Curtis, Julie Lynn, Alan Moloney per Chrysalis Films, Mockingbird Pictures, Parallel Film
Productions, Westend Films
Distribuzione: Videa Cde
Soggetto: dal racconto “The Singular Life of Albert Nobbs” di
George Moore, István Szabó
Sceneggiatura: Glenn Close, Gabriella Prekop, John Banville
Direttore della fotografia: Michael McDonough
Montaggio: Steven Wesiberg
Musiche: Brian Byrne
Scenografia: Patrizia von Brandenstein
Costumi: Pierre-Yves Gayraud
ublino, diciannovesimo secolo.
Albert è il miglior cameriere del
Morrison’s Hotel. Dotato di un
fine umorismo e di una spiccata professionalità, si prende cura in maniera impeccabile di tutti gli ospiti dell’albergo. Albert è un tipo di poche parole e neanche le
altre persone a servizio possono dire di
conoscerlo bene. La sua vita è totalmente
dedicata a svolgere la sua professione il
meglio possibile, in modo da poter guadagnare il denaro necessario per aprire in
futuro un’attività commerciale. Da anni
infatti sta risparmiando fino all’ultimo
scellino per avere abbastanza denaro per
poter rilevare un tabacchi. Albert Nobbs
tuttavia ha però un segreto: è una donna.
Quando nell’albergo arriva un pittore, Hubert Page che deve imbiancare gli
interni, Albert è costretto a dividere con
lui la stanza e la sua copertura vacilla.
Page scopre quasi subito che Albert è una
donna, ma questo incontro che potrebbe
costituire una minaccia per Albert, in verità si rivela inaspettatamente positivo.
Infatti anche Page è una donna che si fin-
D
Interpreti: Glen Close (Albert Nobbs), Mia Wasikowska (Hellen Dawes), Aaron Johnson (Joe Macken), Brendan Gleeson
(Dr. Holloran), Janet McTeer (Hubert Page), Jonathan Rhys
Meyers (Visconte Yarrell), Pauline Collins (Signora Baker),
Bronagh Gallagher (Cathleen), Brenda Fricker (Polly), Antonia Campbell-Hughess (Emmy Keyes), Maria Doyle Kennedy
(Mary), Mark Williams (Sean), John Light (Percy Smythe-Willard), Annie Starke (Aileen), Phoebe Waller-Bridge (Viscontessa Yarrell), Emerald Fennell (Signora Smythe-Willard), Kenneth Collard (Sig. Pigot), Serena Brabazon (Signora Amelia
Moore), Daniel Costello (Sig. Sweeney), Judy Donovan (Madame Pigot)
Durata: 113’
Metri: 3060
ge uomo, proprio come Albert. Finalmente qualcuno con cui parlare, in grado di
capire il suo segreto e di aiutarla a sopportare la frustrazione e il dolore di una
condizione così disperata. Rinfrancata da
questa nuova amicizia la donna, condividendo il suo drammatico passato di abusi
e di violenze, può dedicarsi più serena a
costruire il proprio futuro. Incoraggiata
dalla relazione esemplare di Page, che
dopo essere stata la moglie maltrattata di
un imbianchino, ha cambiato vita ed è ora
felicemente accompagnata ad una simpatica sarta, Albert spera di poter fare altrettanto e, magari vincendo un po’ la sua
timidezza, dichiarare i suoi sentimenti alla
dolce cameriera Ellen. Così in maniera
molto galante inizia a fare la corte alla
cameriera. Peccato che il cuore di Ellen
sia già stato conquistato da un giovane
arrivato da poco all’hotel, interessato solo
a far soldi per poter partire per l’America.
Ellen, suo malgrado, sta al gioco illudendo Albert, pur di sfilargli qualche regalo
prezioso.
Intanto il tifo imperversa nella città e
47
comincia a mietere vittime anche nell’albergo. Muore anche la compagnia di Page.
Ellen scopre di essere incinta e viene duramente respinta dal compagno, che vede
nel bambino un ostacolo ai suoi obiettivi
di fuga oltreoceano. Durante un violento
litigio tra i due amanti, Albert interviene,
offrendo di mantenere Ellen e suo figlio.
Nello scontro batte la testa e muore. La
padrona dell’hotel trova tutti i risparmi di
Albert sotto il parquet della stanza e con
quelli ristruttura l’albergo e chiama di
nuovo il signor Page per dipingere tutte le
pareti. Venuta a conoscenza della drammatica realtà, Page deciderà di occuparsi
di Ellen.
ratto dal racconto dell’irlandese
George Moore e presentato al
Torino Film Festival 2011, nomi
nato a tre Golden Globe e a tre premi
Oscar, Albert Nobbs ha visto Glenn Close
non solo nelle vesti della protagonista, ma
anche in quelle di sceneggiatrice, oltre che
di produttrice. A distanza di trent’anni l’attrice è finalmente riuscita a portare al ci-
T
Film
nema il personaggio che ha interpretato a
teatro dal 1982, grazie all’amico e regista
Rodrigo Garcìa (figlio di Gabriel Garcìa
Marquez), con cui l’attrice collaborò in più
di un’occasione, apprezzandone la particolare sensibilità nei confronti dell’universo femminile.
Una ricostruzione storica precisa, raffinata ed elegante ed una recitazione di
elevato spessore, misurata, sobria e pregna di una compiuta carica emotiva. Intorno a Glenn Close infatti si costruisce la
pellicola, a livello di lavoro sul corpo, sui
gesti, sulla sottrazione dovuta alla ricerca
di compostezza. La storia mantiene un
buon ritmo narrativo nella prima parte, in
cui conosciamo i personaggi, per poi perdersi purtroppo nella seconda, che si concentra solo su una messinscena elegante
e composta, imbellettata di stile e forma
L’introspezione dei personaggi appare forse troppo superficiale e si scava poco nella psicologia di Nobbs. L’ostinazione con
cui cerca di sposare a tutti i costi la cameriera Ellen apre necessariamente una questione a cui il film non dà una risposta soddisfacente: Nobbs si sente più uomo o
donna? L’identità del protagonista appare
confusa: il suo vero nome si è perso nei
meandri della memoria. Emblematica la
scena nella quale finalmente abbandonati
gli abiti maschili, rigorosamente con vestiti femminili, corre in modo liberatorio sulla
spiaggia.
Forse la pecca del regista Rodrigo
García è stata quella di optare per un registro votato al realismo per materializzare
sul grande schermo le convenzioni teatrali su cui si reggeva la pièce. Al teatro per
creare l’illusione la protagonista si era limitata a infilare una parrucca. Qui si tratta
di un lavoro e di un procedimento molto
più complesso. Il film vorrebbe essere un
dramma storico sull’Irlanda dell’Ottocento, con al centro la lotta di due personaggi
femminili contro una società retrograda e
patriarcale, e per questo delega alla sola
mimica dell’attrice l’esplorazione della vita
interiore di Albert Nobbs. Per quanto la storia sia riproposta in chiave malinconica e
allegorica, la sensazione è quella di ammirare un’opera in parte incompiuta.
Accanto alla Close un cast internazionale, composto da stelle ormai consolidate come Mia Wasikowska, la grintosa Janet McTeer nei panni di Page, un raffinato
Brendan Gleeson nel ruolo del dottore e
un affascinante Aaron Johnson. Secondo
le previsioni in corsa per la migliore interpretazione femminile agli Oscar venturi
vedremo Meryl Streep e Glenn Close. Entrambe, sottoposte a profonde metamorfosi cosmetiche a esaltarne il trasformismo,
sono protagoniste di due pellicole che, con
ogni probabilità, private della loro presenza si sarebbero rivelate assai diverse.
Veronica Barteri
LEZIONI DI CIOCCOLATO 2
Italia, 2011
Scenografia: Totoi Santoro
Costumi: Roberto Chiocchi
Interpreti: Isabelle Adriani (Giornalista), Nabiha Akkari (Nawal),
Claudia Alfonso (Letizia), Luca Argentero (Mattia Cavedoni),
Angela Finocchiaro (Ispettore Angela Orsetti), Barbara Folchitto (Amica di Angela), Eugenio Krauss (L’uomo razzista), Vincenzo Salemme (Maestro Gastone Conti), Hassani Shapi (Kamal), Giorgia Surina (Giorgia)
Durata: 103’
Metri: 2820
Regia: Alessio Maria Federici
Produzione: Riccardo Tozzi, Giovanni Stabilini, Marco Chimenz
per Cattleya
Soggetto e Sceneggiatura: Fabio Bonifaci
Direttore della fotografia: Massimiliano Gatti
Montaggio: Cecilia Zanuso
Musiche: Francesco Cerasi
attia non è più fidanzato con Cecilia, ma soprattutto – nonostante la sua enorme passione –
non è riuscito a sfondare nell’industria
dolciaria ed è quindi costretto a lavorare
nel settore dell’edilizia. Intanto l’egiziano
Kamal (che aveva conosciuto al corso da
pasticcere presso la Perugina) ha aperto
M
una pasticceria che fatica ad andare avanti
poiché non entra mai nessuno. Inoltre sua
figlia Nawal è appena tornata da Parigi
dove era andata in Erasmus, ma Kamal,
vedendola così bella, intelligente e spigliata, per paura di vederla finire tra le braccia di un ragazzo italiano, racconta a tutti
che la ragazza è brutta e antipatica, cer48
cando allo stesso tempo di nasconderla e
di controllarla.
Mattia intanto, tra un locale e l’altro, tra
una donna e l’altra, conosce casualmente
Nawal che però gli dice di chiamarsi Laila
Mahkabar. Nonostante Laila/Nawal sia molto sfuggente e distante, poiché ha capito dai
discorsi di Kamal che il ragazzo che ha co-
Film
nosciuto è lo stesso Mattia amico del padre,
lui decide di provare in tutti i modi a rivederla e conquistarla. Inoltre Kamal -per risollevare le sorti della sua pasticceria e pur di
non accettare la richiesta di Mattia (che altrimenti vedrebbe sua figlia) di voler diventare suo socio- ha chiesto un prestito a uomo
indagato per possesso di soldi illeciti.
Intanto Gastone Conti, noto pasticcere e
maestro di cioccolateria, tiene un corso finalizzato alla realizzazione del nuovo “Bacio Perugina”, al quale partecipano anche
Mattia e la donna che ha sempre amato,
Amalia Orsetti. La donna, con la quale Gastone andava a scuola, non lo ha riconosciuto
e ora è diventata una poliziotta che indaga
sui soldi ricevuti da Kamal per la pasticceria. Proprio per questo Kamal chiede aiuto
a Mattia che accetta di fingersi lui stesso
Kamal e di andare a testimoniare in questura; in cambio però vuole diventare socio della
pasticceria. Così Mattia e Kamal tornano a
lavorare insieme e intanto Mattia ne approfitta per chiedergli consigli e poter così finalmente conquistare la sua adorata Laila.
Kamal, è un uomo legato alle tradizioni, per
sua figlia vorrebbe un marito egiziano e così
i consigli che dà a Mattia appaiono bizzarri
e stravaganti: Mattia va in giro vestito da
egiziano, impara parole egiziane, canta canzoni egiziane e solo quando riesce a strappare un invito a cena dalla stessa Nawal,
capisce di aver sbagliato tutto! La ragazza
vive da sempre in Italia, va all’università, ha
studiato anche a Parigi, ha amiche italiane,
ascolta musica italiana e non vuole un ragazzo italiano che finge di essere egiziano.
Finalmente Mattia si sente libero da tutte
quelle messe in scena e i due trascorrono
insieme una bellissima serata. Nei giorni seguenti i due continuano a frequentarsi, ma
hanno sempre poco tempo a disposizione
poiché Laila/Nawal deve tener conto delle
regole di Kamal. Intanto Mattia continua a
raccontare i suoi progressi con Laila al suo
amico, che nonostante sia contento per lui, è
poco convinto della genuinità della ragazza
poiché esce con un ragazzo italiano all’insaputa del padre.
In realtà i progressi tra Nawal e Mattia non sono molti, poiché lei ha sempre
poco tempo a disposizione e così quando
Mattia le propone di andare a vivere con
lui, lei scappa senza dirgli nulla.
Un pomeriggio però, dopo che Mattia ha
salvato nuovamente Kamal dalle domande
della poliziotta Orsetti che si era presentata
nella pasticceria, lo stesso Kamal decide che
Mattia è ormai parte della famiglia e che, di
conseguenza, può fargli conoscere sua figlia
Nawal. I due si incontrano e fanno finta di
non conoscersi, ma nonostante non si parlino ormai da giorni sono costretti da Kamal
a passare la serata con lui, affinché Nawal
possa aiutare Mattia a riconquistare la donna che ama. Durante la serata, Mattia capisce che se Laila/Nawal è scappata da lui,
era soltanto perché non poteva far soffrire
suo padre andando a vivere con un uomo italiano senza matrimonio, ma nonostante tutto Mattia non se la sente di chiederle di sposarlo e così i due si lasciano definitivamente.
Intanto Gastone Conti cerca di conquistare la sua Amalia, alla quale non ha ancora detto di essere lo stesso che a scuola
-da ragazzini- gli altri chiamavano “la pippa” e per farlo si fa aiutare da Mattia, che
non riesce a dimenticare Nawal.
Durante una lezione del corso del maestro Conti, al quale si era iscritta anche
la ragazza quando usciva con Mattia, Kamal viene per caso a scoprire che la famosa Laila di cui il suo amico aveva sempre
parlato era in realtà sua figlia. Distrutto e
deluso Kamal smette di avere rapporti con
Mattia, che ormai non sa più come comportarsi, ma che non riesce a darsi per vinto, neanche quando scopre che Nawal si è
fidanzata con un ragazzo egiziano.
Gastone Conti invece sembra andare
per il meglio, riesce a dichiararsi ad Amalia e ad ottenere finalmente il nuovo “Bacio Perugina”. Proprio durante la conferenza stampa di presentazione Mattia incontra Nawal e -senza accorgersi di essere ripreso in diretta dalle macchine da presa che dovevano invece riprendere i discorsi degli allievi della scuola di dolci- le dichiara il suo amore chiedendole di sposarlo. Kamal dopo aver ascoltato tutto finalmente si convince della lealtà di Mattia e
del bellissimo sentimento d’amore che unisce i due ragazzi.
ezioni di cioccolato 2 è una commedia leggera e sentimentale, interpretata dagli stessi attori protagonisti del primo: Luca Argentero e Hassani Shapi. Il film è spensierato e racconta
la storia d’amore di Mattia e Nawal, due ragazzi provenienti da culture e paesi diversi,
ma non per questo differenti dalle altre coppie. I due si conoscono casualmente, lui la
corteggia, lei inizialmente è un po’ restia, ma
si lascia conquistare; e poi si amano, si lasciano e alla fine si riprendono. Una storia
come tante, ma circondata da qualcosa di
diverso: dalla cioccolata e dai baci, quelli veri
e quelli della Perugina. Dopo aver seguito il
corso alla Perugina (nel primo Lezioni di cioccolato), Mattia e Kamal sono di nuovo uniti
dalla loro passione per la cioccolata, Gastone Conti tiene un corso sulla cioccolata e
lavora per realizzare il nuovo Bacio Perugina, Nawal sta lavorando ad una tesina sul
cioccolatino. Insomma tutti i personaggi sono
uniti tra loro dalla cioccolata, e poi ci sono i
baci: quelli che Gastone Conti sta cercando
di realizzare, quelli che Mattia e Kamal provano a fare per conquistare la donna che il
ragazzo ama e poi quelli veri. Mattia e Nawal
si scambiano -durante tutto il film- moltissimi baci, dolci, veloci, appassionati. Lezioni
di cioccolato 2 è divertente, non impegnativo e ha di buono il fatto che punti proprio
sulla frivolezza della sceneggiatura (scritta
da Fabio Bonifacci), senza avere troppe pretese. Bravi anche gli attori, da Luca Argentero, a Hassani Shapi, ma anche Nabiha
Akkari, Angela Finocchiaro, Vincenzo Salemme e buono l’esordio alla regia di Alessio Maria Federici.
L
Silvia Preziosi
SETTE OPERE DI MISERICORDIA
Italia, Romania 2011
Regia: Gianluca e Massimiliano De Serio
Produzione: Alessandro Borrelli per la Sarraz Pictures in coproduzione con Elefant
Films (Romania), in associazione produttiva con Petru Dorobantu (Lezard Film)
Distribuzione: Cinecittà Luce
Soggetto e Sceneggiatura: Gianluca e Massimiliano De Serio
Direttore della fotografia: Piero Basso
Montaggio: Stefano Cravero
Musiche: Minus&Plus
Scenografia: Giorgio Barullo
Costumi: Carola Fenocchio
Interpreti: Roberto Herlitzka (Antonio), Olimpia Melinte (Luminita), Ignazio Oliva (Max),
Stefano Cassetti (Angelo), Cosmin Corniciuc (Adrian)
Durata: 103’
Metri: 2795
49
Film
orino. Luminita è una giovane
clandestina dell’Est che vive in
una baraccopoli nella periferia di
Torino. Per vivere, anzi per sopravvivere,
Luminita è costretta a fare la borseggiatrice e a consegnare una parte dei suoi profitti, i soldi rubati, ai suoi “padroni”. Ai
margini di una esistenza normale, Luminita decide di cambiare vita, di sfuggire
alla povertà e clandestinità. Ma per farlo
ha bisogno di mettere in atto un piano ben
preciso, soprattutto ha bisogno di procurarsi dei documenti falsi. La ragazza ha
avuto una vita troppo dura e delusioni troppo dolorose per vedere nel prossimo qualcosa di bene a cui appoggiarsi. Per lei gli
altri sono solo qualcosa da sfruttare per
raggiungere i suoi obiettivi. Così, per incominciare a mettere in atto il suo piano
di fuga, sceglie una vittima a caso. Si tratta di Antonio, un uomo anziano e malato
che vive in condizioni di forte degrado e
spesso finisce in ospedale per le sue condizioni di salute. Luminita infatti lo incontra proprio in ospedale e da lì incomincia
a seguirlo per studiarne tutte le abitudini.
Il suo obiettivo, infatti, è capire quale possa essere il modo più efficace per entrare
nella vita dell’uomo e sfruttarlo dal punto
di vista materiale. Ma l’incontro tra Luminita e Antonio è quanto di più ostile pos-
T
sa accadere. Sin dall’inizio, infatti, la povertà di Lumita è la senilità di Antonio accendono la scintilla di un corto circuito di
emozioni e sentimenti contrastanti e di
scontri durissimi. Solo con molta lentezza
e in modo del tutto inaspettato, il loro rapporto incomincerà a maturare lascando
posto a un tipo di comprensione fatta tutta
di gesti e non di parole. Una solidarietà
che nascerà nell’animo di Luminita e di
Antonio in forma di misericordia e come
ancora di salvezza per se stessi e per gli
altri.
pera prima dei fratelli Gianluca e
Massimiliano De Serio, Sette
opere di misericordia è un film
che fa cambiare idea sulle ultime sorti del
cinema italiano. Una pellicola che commuove e che colpisce il cuore dello spettatore
come da tempo non accadeva e che forse,
altrove, sarebbe stato acclamato con grandi
titoli come una nuovo capolavoro cinematografico. Traendo ispirazione dall’omonima
opera di Caravaggio e dal credo cristiano
secondo cui ogni uomo, nel corso della sua
vita, deve compiere ognuna di queste azioni, i due registi riescono con grande maestria a far tenere per mano i protagonisti del
film con lo spettatore. La solitudine di Luminita (Olimpia Melinte) e Antonio (Roberto
O
Herlitzka), la claustrofobia delle loro esistenze a cui ognuno di loro reagisce in modo
differente, la maturazione del loro rapporto
in un legame profondo e sincero vengono
raccontati con lucidità e con una forte consapevolezza dell’uso della macchina da presa e dell’obiettivo, al punto che in alcuni momenti emerge con forza il riferimento formale alla luce e al taglio delle scene caravaggesche. È soprattutto grazie a questa lucidità formale che il riferimento religioso non si
fa portatore di un messaggio etico o morale,
piuttosto diventa il mezzo per indagare l’animo umano attraverso la compostezza dei
gesti quotidiani. L’iniziale inganno di Luminita (approfittare della malattia e della solitudine di Antonio), l’ostilità di Antonio e il loro
incontro/scontro sono raccontati attraverso i
loro gesti, i silenzi e gli sguardi, piuttosto che
attraverso le loro parole. E tutto questo viene raccontato sul grande schermo con una
maestria degna di professionisti del cinema
molto più maturi. Presentato e applaudito a
Locarno, Sette opere di misericordia dei fratelli De Serio si lascia ammirare con sua non
convenzionalità stilistica, ma soprattutto convince lo spettatore ad affrontare il viaggio alla
scoperta dei due protagonisti e dei loro sentimenti.
Marianna Dell’Aquila
ALMANYA – LA MIA FAMIGLIA VA IN GERMANIA
(Almanya – Willkommen in Deutschland)
Germania 2011
Regia: Yasemin Samdereli
Produzione: Rocy Film Gmbh in collaborazione con Infafilm
Gmbh, Concorde Filmverleih
Distribuzione: Teodora Film
Soggetto e Sceneggiatura: Yasemin e Nesrin Samdereli
Direttore della fotografia: The Chau Ngo
Montaggio: Andrea Mertens
Musiche: Gerd Baumann
Scenografia: Alexander Menasse
Costumi: Steffi Bruhn
a famiglia di Huseyin Ylmaz è
alla terza generazione di turchi
in Germania: Huseyin è emigrato a Dortmund intorno agli anni ’60 da solo
e dopo qualche anno ha potuto chiedere il
ricongiungimento famigliare consentendo
così alla moglie Fatma e ai tre figli Veli,
Muhamed e Leyla di raggiungerlo. A loro
si è poi unito un quarto figlio, Ali, nato in
territorio tedesco.
Proprio quando Huseyin e Fatma, ormai anziani, ottengono la piena cittadinanza tedesca con relativo passaporto (cosa
L
Interpreti: Vedat Erincin (Hüseyin anziano), Fahri Ogün Yardim
(Hüseyin giovane), Lilay Huser (Fatma anziana), Demet Gül
(Fatma giovane), Aylin Tezel (Canan), Denis Moschitto (Ali),
Petra Schmidt-Schaller (Gabi), Rafael Koussouris (Cenk), Aliya Artuc (Leyla a 4 anni), Kaan Aydogdu (Muhamed a 8 anni),
Axel Milberg (Funzionario Tedesco), Walter Sittler (Uomo del
negozio), Siir Eloglu (Leyla adulta), Ercan Karacayli (Muhamed
adulto), Aycan Vardar (Veli a 10 anni),
Aykut Kayacik (Veli adulto)
Durata: 97’
Metri: 2640
pervicacemente voluta da lei e a cui lui si
è dimostrato sempre disinteressato), Huseyin comunica a tutti di avere comprato
una casa in Turchia, nel piccolo paese dell’Anatolia da cui proviene e che quindi faranno tutti insieme, in occasione delle ferie, un viaggio (da lui pagato) alla ricerca
delle proprie origini. Tutto ciò provoca un
misto di euforia e sconforto in quanto tutti
hanno qualcos’altro da pensare e programmi diversi da fare: Veli sta per divorziare
dalla moglie, Muhamed è disoccupato, la
nipote Canan è incinta del suo ragazzo.
50
Il viaggio comunque si fa ed è l’occasione perché Canan con un bel gioco a flash
back racconti al piccolo Cenk, il più tedesco
di tutti ma grande ammiratore del nonno e
dei suoi ricordi, tutta la saga della famiglia,
dall’amore tra il nonno e la nonna in un villaggio dell’Anatolia fino ai giorni correnti.
Succede però l’imprevisto: Huseyin
muore per un attacco di cuore durante il
trasferimento in pulmino verso il centro
della Turchia; per i familiari che seppelliscono il vecchio con tutti gli onori è l’occasione per lasciarsi andare ai ricordi che
Film
hanno il potere di rinsaldare i legami tra
tutti pur senza disconoscere le difficoltà e
i problemi esistenti.
Questa nuova consapevolezza famigliare provoca due conseguenze: l’introverso
Muhamed resterà in Turchia con il pretesto
di controllare i lavori della casa appena
comprata da Huseyin e di cui, in verità, per
ora esiste ben poco; Cenk sostituirà il nonno prendendo la parola davanti alla cancelliera Merkel nel corso di una manifestazione organizzata per celebrare il contributo
dei lavoratori turchi in Germania.
l film si basa su una situazione
storica ben precisa: il flusso migratorio dei lavoratori turchi verso la Germania tra il 1961 e il 1973 (periodo in cui è stato in vigore il contratto di
reclutamento) che portò la Repubblica Federale ad accogliere ed inglobare circa due
I
milioni di turchi nella costruzione di una
politica sociale e di integrazione che raggiunse livelli insperati.
Le sorelle Yasemin e Nesrin Samdereli, la prima regista e cosceneggiatrice con
la seconda, turche di Germania appunto,
hanno raccontato l’argomento con un misto di serietà (è stata ben posta in rilievo la
difficoltà di inserimento in una realtà così
differente dalla propria) e di allegria, non
privandosi di ricordi e commozioni (probabilmente personali), scoppi di risa e struggimenti, rimpianti e progetti. Si ride e si piange insomma nel seguire il racconto di una
rotta sempre salda nei suoi princìpi ma sempre pronta ad accogliere quello che ogni
giorno dà, un litigio, una difficoltà, un dolore, una gioia, una soddisfazione, l’arrivo inaspettato di un bambino e anche la morte
perché questa è la storia del mondo e non
c’è niente di meglio di un film per rappresn-
tarla. E tutto ciò è possibile grazie alla disponibilità umana e professionale di un
gruppo di straordinari attori, alcuni di forte
provenienza teatrale, tutti ugualmente concentrati a dare corpo a questa comunanza
multietnica di malinconia e verità.
Emblematici i due finali che definiscono
specularmente le difficoltà di integrazione dei
due mondi e l’obbligo di guardare dritti al futuro: uno dei figli resta in Turchia per dare lì
inizio a una nuova esistenza che prenda forza dalle sue radici; le parole del piccolo Cenk
davanti alla Cancelliera conferiscono ufficialità sociale e politica ai progetti della terza
generazione mentre la “presenza” affettiva
del nonno annuisce sorridendo in disparte.
Grande successo in Germania: messe di premi all’ultima Berlinale e oltre 15
milioni di euro al momento di incasso.
Fabrizio Moresco
LE IDI DI MARZO
(The Ides of March)
Stati Uniti 2011
Regia: George Clooney
Produzione: George Clooney, Grant Heslov, Brian Oliver per
Smoke House, Appian Way, Cross Creek Pictures, Exclusive
Media Group, Crystal City
Soggetto: Dalla pièce teatrale di Beau Willimon
Sceneggiatura: George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
Direttore della fotografia: Phedon Papamichael
Montaggio: Stephen Mirrione
Musiche: Alexandre Desplant
l Governatore Mike Morris si presenta alle primarie con i Democratici per la Presidenza degli
Stati Uniti. Affascinante e seducente con
tutti, uomini e donne, Morris basa il suo
profilo politico sui valori fondamentali scritti a fuoco nella Costituzione Americana:
uguaglianza dei cittadini, rispetto del lavoro, aiuto ai più sfortunati; a questo aggiunge la massima fiducia nelle potenzialità del
Paese che sotto la sua guida può riprendere la leadership internazionale perduta.
Il capo della squadra che sostiene Morris nella corsa alla Presidenza è Paul Zara,
già abituato da tempo alla lotta politica,
già protagonista come organizzatore di
altre primarie, ha fatto del disincanto la
filosofia della propria vita e la difesa del
proprio equilibrio.
Il numero due di Paul è Stephen Myers,
vero guru della comunicazione e della propaganda, giovane, rampante e talentuoso
conoscitore dei meccanismi più sofisticati
I
Scenografia: Sharon Seymour
Costumi: Louise Frogley
Effetti: Tyrell Fx & Rentals
Interpreti: Ryan Gosling (Stephen Myers), George Clooney
(Governatore Mike Morris), Philip Seymour Hoffman (Paul
Zara), Paul Giamatti (Tom Duffy), Marisa Tomei (Ida Horowicz),
Evan Rachel Wood (Molly Stearns), Jeffrey Wright (Senatore
Thompson), Max Minghella (Ben Harper), Talia Akiva (Beth
Morris)
Durata: 102’
Metri: 2765
che regolano i rapporti con i media, i politici, gli avversari, gli sponsor e i finanziatori; è senza scrupoli ma ha il Governatore Morris come il suo Dio e lavora giorno
e notte per la sua affermazione.
Il meccanismo che si mette in moto e
che coinvolge tutti i protagonisti prende il
via in occasione delle primarie dell’Ohio,
Stato fondamentale per la conquista del
numero dei delegati necessari per la conta
finale dei voti: Tom Duffy, capo dell’equipe che sostiene il concorrente repubblicano, riesce a incontrare Myers, fatto moralmente e deontologicamente scorretto, gli
comunica che i sondaggi danno vincente
il candidato repubblicano e lo invita ad abbandonare Morris e a lavorare per loro.
Naturalmente Stephen non accetta la
proposta, professando la sua piena fiducia nella vittoria finale di Morris ma non
rivela nulla dell’accaduto a Paul che, informato dallo stesso Duffy, fa in modo che
la voce dell’incontro avvenuto giunga alle
51
orecchie della spregiudicata giornalista del
Times Ida Horowicz. È proprio questa a
informare Stephen e a minacciarlo di pubblicare la notizia il giorno seguente procurando così la sua catastrofe politica.
Cosa che è ufficializzata poco dopo proprio da Paul che, al termine di un duro
confronto con Stephen, gli comunica di non
potersi fidare di lui e quindi il licenziamento. Neanche Duffy è più disponibile a mantenere la sua offerta precedente, Stephen è
infatti ormai bruciato e i repubblicani non
possono mettere in squadra uno scarto
della parte avversa.
Nel frattempo Stephen ha iniziato una
storia con Molly Stearns, stagista presso
la compagine democratica. Una notte
squilla il telefono di Molly mentre loro due
sono a letto; risponde Stephen, pensando
sia il suo telefonino ma poiché nessuno
sembra essere all’apparecchio, rintraccia
la partenza della telefonata che proviene
da uno dei numeri di Morris. Molly con-
Film
fessa così di avere avuto poco tempo prima un incontro di sesso con il Governatore; non solo, dopo qualche giorno la ragazza rivela a Stephen di essere incinta.
Stephen le procura i soldi per abortire e la
abbandona. Molly si uccide.
Stephen rivela a Morris di essere in possesso di un messaggio di lui alla ragazza
che potrebbe rovinare definitivamente le sue
primarie; Morris pensa sia un bluff ma non
se la sente di rischiare e cede al ricatto: licenzia Paul e nomina Stephen al suo posto;
non solo, in cambio della futura vicepresidenza accetta i voti dell’indipendente senatore Thompson, all’inizio rifiutati per la
bassa figura morale e politica del senatore,
numeri determinanti per avere la strada
spianata verso la Casa Bianca.
Morris sarà, molto probabilmente nominato Presidente e sarà un buon Presidente, forse.
eorge Clooney fa un film politico,
nonstante più volte nelle interviste lo abbia negato e contemporaneamente fa un film americano solido
G
e serio che appartiene al cinerma moderno come in passato lo sono stati i lavori di Frankenheimer e Preminger e poi
di Pakula e Redford.
Naturalmente Clooney non è Francesco
Rosi come regista, né Gian Maria Volontè
come attore e quindi al suo cinema non
appartiene quella voglia sulfurea di mostrare alla radice le contraddizioni del momento sociale e politico di un Paese; né alcun
tentativo di migliorare le possibilità di crescita futura del Paese stesso. Il film di Clooney mostra quello che è e che, in un modo
o nell’altro, grazie all’opera dei media, oggi
tutti sappiamo o immaginiamo: la politica è
corrotta e tutti quelli che vi partecipano sono
corrotti e utilizzano ogni inganno e ogni
mezzo, anche il più spietato per raggiungere il potere. Così nell’eliminazione di ogni
ideologia, la tempra di questo film è la passione, il credere, la voglia di crederci che
accomuna Morris, un Clooney dal fascino
avvolgente, bellissimo come può essere
bello un uomo, forte di una capacità seduttiva immensa e gli uomini e le donne della
sua squadra che fanno della loro passione
senza scrupoli la forza morale e selvaggia
di questo millennio senza ideali.
È il lato oscuro del potere e del modo per
raggiungerlo che viene così rappresentato, è
la reciproca sopraffazione a cui tutti sono pronti, è l’amarezza, lo struggimento conseguente che fa terra bruciata di ogni sentimento per
cui chi è debole si uccide e chi perde abbandona come un pugile suonato.
E poi il sesso, naturalmente, privo di
ogni piacere, lontano da ogni seduzione,
specchio opaco di un’aridità funerea, pericoloso mezzo di contrasto capace unicamente di distruggere.
A comporre questa scena elisabettiana concorre la regia dello steso Clooney,
semplice e diretta, basata sulla forte contrapposizione dei personaggi nelle scene a due: l’uso di una fotografia spessa e
cromaticamente caratterizzata a sottolineare interni, abiti, volti, sguardi e desolazioni; un gruppo di attori sublimi che,
non siamo noi i primi a dirlo, vorremmo
non smettessero mai di recitare.
Fabrizio Moresco
JACK E JILL
(Jack and Jill)
Stati Uniti, 2011
Costumi: Ellen Lutter
Effetti: Method Studios, Atomic Fiction, Alterian Inc.
Interpreti: Adam Sandler (Jack Sadelstein / Jill Sadelstein), Al
Pacino (Se stesso), Katie Holmes (Erin Sadelstein), Elodie Tougne (Sofia Sadelstein), Rohan Chand (Gary Sadelstein), Eugenio Derbez (Felipe / Nonna di Felipe), David Spade (Monica),
Nick Swardson (Todd), Allen Covert (Joel Farley / Fratello di
Damien), Geoff Pierson (Carter Simmons), Valerie Mahaffey
(Bitsy Simmons), Gary Valentine (Dallas)
Durata: 91’
Metri: 2450
Regia: Dennis Dugan
Produzione: Todd Garner, Jack Giarraputo, Adam Sandeler per
Broken Road Productions, Happy Madison Productions
Soggetto: Ben Zook
Sceneggiatura: Steve Koren, Adam Sandler
Direttore della fotografia: Dean Cundey
Montaggio: Tom Costain
Musiche: Rupert Gregson-Williams
Scenografia: Perry Andelin Blake
ack Sadelstein è un dirigente pubblicitario di successo che vive a
Los Angeles con la moglie Erin,
conduce una vita tranquilla, ma questa
viene sconvolta ogni anno alla festa del
ringraziamento dalla sorella gemella Jill.
La personalità passivo - aggressiva e
estremamente bisognosa di Jill farà esasperare Jack, portando scompiglio nella
sua, altrimenti tranquilla, vita. Jill arriva con la sua fisicità mascolina e un’inaspettata tenerezza d’animo a sconvolgere
la perfetta quotidianità del fratello, riversando su di lui una quantità spropositata
di affetto tanto inespresso quanto costantemente fuori luogo. Ma tutto sembra destinato a cambiare quando, lontano da
ogni previsione, la sorella indesiderata
J
riesce ad attrarre le attenzioni amorose
di una delle star più luminose del firmamento hollywoodiano Al Pacino, sull’orlo di un esaurimento nervoso causato dalle sue performance teatrali, vede in questa donna scarsamente attraente e onestamente ruvida il riflesso dei suoi anni giovanili trascorsi sulle strade del Bronx. Un
amore folle che Jack benedice immediatamente sperando in un tornaconto personale, ma che lo costringerà a fare i conti
con una Jill più attratta dalla calorosa naturalezza di un giardiniere messicano, di
cui si innamora, che dall’enfatica eccentricità di un premio Oscar. Durante la crociera che Jack fa assieme alla sua famiglia e Jill per festeggiare Capodanno, l’uomo capisce quanto bene voglia alla sorel-
52
la e quanto sia stato sbagliato gettarla fra
le braccia di un uomo che non ama; purtroppo Jill ha compreso che il motivo dell’invito sulla crociera è proprio per farla
corteggiare dalla star cinematografica.
Jill, amareggiata e delusa, decide di abbandonare la crociera e tornare a casa.
Jack non demorde e la raggiunge nel Bronx
assieme alla moglie, i figli e il giardiniere
messicano. Jack e Jill così finalmente si
riconciliano, con Jill che finalmente ha
persino trovato l’amore della sua vita.
dam Sandler si cimenta nel doppio ruolo di un regista pubblicitario di Los Angeles che dalla vita
ha avuto tutto e della sua insopportabile e
mascolina sorella, single per scelta di chi
A
Film
la circonda, che vive ancora e da sempre
nel Bronx. Commedia leggera, ma così leggera da risultare pesantissima, Jack & Jill è
il perfetto equivalente americano del nostro
cinepanettone, per contenuti e distribuzione. Sandler costruisce attorno a se stesso
un banalissimo escamotage per i suoi due
principali cavalli di battaglia, ovvero il cinico - sarcastico e l’insopportabilmente petulante. Ma per ogni coppia che si rispetti
c’è bisogno dell’antagonista, incarnato
“nientepopodimenoché” da Al Pacino in persona, nel ruolo di se stesso: Jack vuole convincere Al a girare uno spot pessimo quanto questo film, facendo leva sul fatto che Al
si innamora, non ricambiato, di Jill, e la cor-
teggia in ogni modo. Realmente di tutto! La
storia di come i due fratelli si riconcilieranno passa per la battutissima via della comicità grossolana di bassa lega, della morale
da belli e bulli, del lieto fine familiare, il tutto
condito da peti, animali e travestimenti qui
e là. E ovviamente ci sono anche il viaggio
all’estero, stavolta in crociera, la partita dei
Lakers, la TV che trasmette Billy Wilder, i
travestimenti, i bambini intelligenti. Si potrebbe almeno parlare di didascalico buonismo, semplicissimo intreccio per famiglie,
ma questa è una di quelle pellicola nella
quale è il banale contenuto a far da cornice
alle performance di Sandler e il povero Pacino. E il risultato è che il Sandler cinico non
morde, il Sandler petulante dà addirittura ai
nervi, Pacino nel ruolo di se stesso magari è
anche bravo ma non si capisce cosa ci faccia
lì e a conti fatti fa un po’ tristezza. Il costoso
cast di contorno annovera la moglie di Cruise, al secolo Katie Holmes, e le comparsate
di McEnroe, Shaquille O’Neall e il bel Johnny
Depp. Quindi la vera domanda è: Al, perché?
Perché “tuffarsi” in un egocentrico ruolo del
genere dopo l’interessante seppur altrettanto autoreferenziale Wilde Salomé? Oltre ai
soldi non viene in mente nulla. Più o meno
come quando si pensa alle ragioni di produzione di questa commedia.
Elena Mandolini
BENVENUTI AL NORD
Italia, 2011
Regia: Luca Miniero
Produzione: Francesca Longardi, Riccardo Tozzi, Giovanni Stabilini, Marco Chimenz per Medusa Film in Collaborazione con
Cattleya
Soggetto e Sceneggiatura: Luca Miniero, Fabio Bonifacci
Direttore della fotografia: Paolo Carnera
Montaggio: Valentina Mariani
Musiche: Umberto Scipione
Scenografia: Paola Comencini
iamo a Castellabate un paese
della Campania, Mattia, dipendente dell’ufficio postale del paese, è divenuto padre di un ‘picciriello’ che
ha chiamato Edinson, come il mitico calciatore del Napoli. In crisi con la moglie
Maria che lo accusa di essere ancora troppo dipendente dalla madre e di non volersi prendere le responsabilità di una vita
adulta mettendo su casa per conto loro,
Mattia accetta il trasferimento al nord anche per dimostrare di essere dotato di senso di responsabilità. Ma a Milano anche
l’amico Alberto non se la passa troppo
bene alle prese con la moglie Silvia: ora
che è finalmente riuscita a trasferirsi a
Milano, detesta la città a causa delle polveri sottili e dell’ozono troposferico e accusa il marito di trascurarla a causa del
troppo lavoro. Per risvegliare l’amore,
Silvia prende una casa in montagna dove
trascorrere i weekend. Ma non sa ancora
che Alberto ha accettato di guidare un
progetto-pilota delle Poste Italiane che lo
impegnerà anche di sabato per un anno.
Il progetto, di nome E.R.P.E.S. (Energia,
Rapidità, Puntualità, Efficienza, Sorriso),
S
Costumi: Eleonora Rella
Interpreti: Claudio Bisio (Alberto), Alessandro Siani (Mattia),
Angela Finocchiaro (Silvia/Erminia), Valentina Lodovini (Maria),
Nando Paone (Costabile Piccolo), Giacomo Rizzo (Costabile
Grande), Nunzia Schiano (Signora Volpe), Fulvio Falzarano
(Mario), Salvatore Misticone (Signor Scapece), Paolo Rossi
(Palmisan), Ippolita Baldini (La Dodi), Francesco Brandi (Sandrino), Francesco Migliaccio (Comisoni), Alessandro Vighi (Chicco), Gianmarco Pozzoli (Magonza), Emma Marrone (Emma)
Durata: 110’
Metri: 3035
è stato lanciato dall’inflessibile grande
capo Palmisan.
L’arrivo di Mattia al nord e l’impatto
con la vita dell’amico porterà poi un vero
terremoto. Mattia si impossessa di tutti gli
spazi dell’amico, del cibo, del letto, della
bicicletta
Mattia e Alberto, entrambi abbandonati dalle mogli, si trovano di nuovo a confrontarsi con le loro diversità. E così Mattia, impiegato nell’ufficio postale di cui è
direttore Alberto, imparerà il senso di responsabilità dall’amico, mentre Alberto ritroverà leggerezza e gioia di vivere grazie
a Mattia. I primi tempi l’impatto di Mattia
con la realtà lavorativa del nord è duro. I
suoi ritmi di lavoro blandi mal si sposano
con l’efficienza degli uffici postali milanesi. Mattia è un postino che se la prende
calma anche quando si imbatte in una sede
locale della Lega Nord sorvegliata da un
brutto mastino napoletano con la maglia
dell’Inter. Ma, giorno dopo giorno, inizia
a familiarizzare con la nuova realtà. In cerca di distrazioni dopo il lavoro, Alberto
coinvolge Mattia in serate mondane a bordo della sua vecchia Moto Morini. I due
53
arrivano perfino a scambiarsi i ruoli sul
lavoro: e così Mattia, spacciandosi per Alberto, tiene un corso di aggiornamento per
un gruppo di efficienti impiegati padovani
mentre Alberto si gode qualche bella passeggiata all’aria aperta mentre consegna
la posta al posto dell’amico.
Ma proprio quando l’amicizia tra i due
sembra rinata, l’arrivo del gruppo di parenti e amici napoletani di Mattia, provoca un nuovo scossone. Carichi di bagagli
di ogni sorta (compresa una ‘Moka’ gigante) arrivano alla stazione di Milano, Maria, la mamma di Mattia e i due colleghi di
Mattia, Costabile Grande e Costabile Piccolo. Ma, alla convention finale presentata da Palmisan, Alberto e Mattia si sentono finalmente liberi di dire la loro. E così,
nella fiabesca cornice delle Alpi innevate,
tutti i personaggi si ritroveranno nel nome
dell’amicizia. Tutti i pregiudizi cadono e
così anche il gruppetto del solare meridione scoprirà che è bello anche il nord. Riconciliato con la sua nuova “famiglia” di
amici milanesi e con sua moglie, Mattia
torna al sud arricchito di una nuova importante esperienza di vita.
Film
S
u e giù per il Belpaese. Da nord
a sud, da sud a nord. Pregiudizi
di andata e di ritorno. Formula
che vince non si cambia. E dopo Benvenuti al Sud (uno dei più grandi successi
del cinema italiano degli ultimi anni con
quasi 30 milioni di euro incassati) ecco l’immancabile sequel Benvenuti al Nord. Dietro la macchina da presa ancora lui, l’artefice del primo exploit, Luca Miniero.
Struttura speculare rispetto alla pellicola
precedente con le situazioni ribaltate di senso ma identiche nella sostanza: demolire i
più triti pregiudizi, questa volta sul nord operoso e iper-organizzato. Se, nel film precedente, il milanese Alberto si ricredeva sui
presunti vizi e difetti degli abitanti della Campania, ora è il napoletano Mattia a trovare
tanti aspetti piacevoli all’ombra della Madonnina. L’impatto dell’indolente impiegato delle
poste della cittadina campana di Castellabate con Milano è accompagnato da una
pioggia di stereotipi: il clima freddo e nebbioso (da combattere con un giubbotto for-
nito di fari antinebbia), l’atteggiamento inospitale, la fretta dei milanesi, gli articoli davanti ai nomi propri, il rito dell’ape(ritivo)
(siamo o no nella nuova “Milano da bere”?),
il caffè che non è buono come al sud.
Operazione commerciale volta a catturare ancora una volta lo stesso grande
pubblico che era accorso a vedere il primo film, Benvenuti al Nord gioca facile facile sulla simpatia di una squadra di interpreti ormai collaudata. Un pizzico di pepe
lo aggiunge solo la presenza di Paolo Rossi nei panni di un “grande capo” che fa il
verso a Sergio Marchionne (l’unica satira
un po’ più sapida delle altre) promotore di
un nuovo progetto di rilancio delle Poste
Italiane dal curioso nome di “E.R.P.E.S.”.
Commedia in cui la leggerezza sconfina nell’inconsistenza, innocua satira che
tenta di far leva su gag prevedibili e rischiose citazioni di pietre miliari della risata. È il
caso dell’arrivo del colorato gruppetto di
meridionali al nord, che può ricordare la
celebre scena di Totò, Peppino e la mala-
femmina. Ma i tempi del “noio volevam
savuar” sono lontani, molto lontani.
Sorgono spontanee alcune domande:
il tipo di Italia che si vuole ancora una volta disegnare non finisce per cozzare con
la reale e ben più sfaccettata mappa della
contemporaneità? Non hanno ormai perso valore vecchi confini, categorie, modelli? Quell’ordine di opposizioni su cui si fondava una certa idea di identità ha ancora
significato? Insomma, non si stanno solo
riprendendo vecchi e rigidi schemi di facile presa e leggibilità? Ed ecco personaggi
che sono ridotti a figurine, immaginette,
quasi fossero marionette di un teatrino un
po’ sbiadito in un ambiente che sembra un
fondale dipinto, quasi di cartapesta (il conciliante finale tra le bianche nevi alpine
parla da solo).
E il cinema diviene intrattenimento intriso di banalità e stereotipia in cui il sorriso è davvero poca cosa. Nulla di più.
Elena Bartoni
LA CHIAVE DI SARA
(Elle s’appelait Sarah)
Francia, 2010
Regia: Gilles Paquet-Brenner
Produzione: Hugo Productions, Studio 37, Tf1 Droits Audiovisuels , France 2 Cinéma
Distribuzione: Lucky Red
Soggetto: dal romanzo di Tatiana De Rosnay
Sceneggiatura: Serge Joncour, Gilles Paquet-Brenner
Direttore della fotografia: Pascal Ridao
Montaggio: Hervé Schneid
Musiche: Max Richter
Scenografia: Françoise Dupertuis
Costumi: Eric Perron
Effetti: Rodolphe Cahabrier, Mac Guff Ligne
Interpreti: Kristin Scott Thomas (Julia Jarmond), Mélusine Mayance (Sarah Starzynski), Niels Arestrup (Julies Dufaure),
arigi, 16 luglio 1942. La famiglia
ebrea Starzynski viene prelevata
nel suo appartamento. Al momento dell’irruzione dei militari, la piccola
Sara nasconde il fratellino Michel in un
armadio e porta la chiave con sé. La bambina viene condotta insieme ai genitori nel
Velodromo d’inverno in cui vengono concentrati migliaia di ebrei parigini destinati a essere deportati.
Parigi 2009. Julia Jarmond, giornalista statunitense che vive in Francia da
vent’anni, si trova a visitare lo stesso appartamento con il marito Bertrand Tezac
che lo ha ereditato dalla sua famiglia. Pro-
P
Frédéric Pierrot (Ber trand Tezac), Michel Duchaussoy
(Édouard Tezac), Domenique Frot (Geneviève Dufaure), Gisèle
Casadesus (Mamé), Adain Quinn (William Rainsferd), Natasha
Mashkevich (Signora Starzynski), Arben Bajraktaraj (Sig. Starzynski), Sarah Ber (Rachel), Karina Hin (Zoé Tezac), George
Birt (Richard Rainsferd), Chrlotte Putrel (Sarah adulta), James Gerard (Mike Bambers), Joe Rezwin (Joshua), Paul Mercier (Michel Starzynski), Simon Eine (Franck Lévy), Paige Barr
(Ornella Harris), Joanna Merlin (Signora Rainsferd), Vinciane
Millereau (Nathalie Dufaure), Nancy Tate (Alice), Frédérick
Guillaud (Richard Rainsferd giovane), Maxim Driesen (Éduard
Tezac giovane), Xavier Beja (André Tezac), Kate Moran
(Alexandra)
Durata: 111’
Metri: 3245
prio negli stessi giorni, Julia viene incaricata di scrivere un articolo sulla deportazione degli ebrei nel Velodromo d’Inverno
del 1942. Di quel complesso, demolito da
cinquant’anni, oggi non resta quasi nulla:
eppure quella deportazione di massa fu
opera degli stessi francesi. Mentre Julia
inizia la sua ricerca su quei fatti di tanti
anni fa, in flashback assistiamo alla vicenda della famiglia Starzynski. Nel caos del
Velodromo, in cui le condizioni dei deportati sono aggravate dalla elevate temperature, Sara cerca disperatamente di levare il suo grido di dolore per il fratellino
che ha lasciato chiuso nell’armadio. Ma
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la piccola e i suoi genitori vengono deportati nel campo di concentramento di Beaune-La-Roland e separati. Nel campo
composto da bambini Sara fa amicizia con
Rachel con la quale riesce a scappare.
Giunte a piedi e ormai sfinite in un paesino, le due bambine trovano riparo in casa
di Jules e Genneviève Dufaure, dove, dopo
pochi giorni, Rachel muore di difterite.
Salva grazie ai coniugi Dufaure, Sara li
implora di portarla a Parigi a cercare il
suo fratellino. Dopo un viaggio avventuroso, Sara riesce a tornare nel suo appartamento nel frattempo abitato da nuovi inquilini, ma, aperto finalmente l’armadio,
Film
trova il fratello ormai cadavere. I nuovi
inquilini, subentrati poche settimane dopo
la deportazione degli ebrei dallo stabile,
sono la famiglia Tezac. Tornando nel presente, Julia rimane scioccata dalle rivelazioni di Edouard suo suocero, all’epoca un
bambino. Proprio lui aveva aperto la porta alla piccola Sara e, insieme al padre,
aveva assistito all’apertura dell’armadio
e alla terribile scoperta. Edouard e suo
padre avevano taciuto quel segreto per tantissimi anni. Il suocero confessa a Julia di
non sapere che fine abbia fatto Sara. Julia
sa che la bambina non è mai stata deportata e ottiene il permesso di leggerne i diari. Sara era rimasta a vivere con i coniugi
Dufaure, ogni mese il padre di Edouard gli
mandava soldi e riceveva lettere di Jules
che lo teneva informato. Nel frattempo
Sara era diventata una bella ragazza ma
il suo viso era velato da grande tristezza.
Si torna al presente, Julia pubblica il suo
articolo, ma la storia l’ha talmente appassionata che sente il dovere di cercare Sara.
Parlando con la nipote di Jules Dufaure,
scopre che la ragazza era sempre più irrequieta, tanto che nel 1953 era partita senza lasciare alcun indirizzo. Le sue ultime
notizie risalgono al 1955, anno in cui Sara
si era sposata a New York con Richard
Rainsferd. Partita per gli Stati Uniti in cerca dell’uomo, Julia scopre che Sara era
morta nel 1966 in un incidente d’auto. Il
marito si era risposato due anni dopo, ma
Sara e Richard avevano avuto un figlio,
William, che aveva solo nove anni quando
la donna morì. Oggi l’uomo vive a Firenze
da anni. In Italia, Julia incontra William
che mostra di non conoscere il cognome
Starzynski, afferma che sua madre si chiamava Sara Dufaure, non era ebrea e non
aveva mai vissuto a Parigi. L’uomo non
vuole sapere niente e non essere più cercato. Ma questa storia ha profondamente
cambiato Julia che lascia il marito e decide di tenere la bambina che aspetta dopo
anni di tentativi andati male. Intanto William, accorso negli Stati Uniti al capezzale del padre morente, si riconcilia con il
suo passato e scopre la verità su sua mamma, in realtà morta suicida. Dopo aver letto
i quaderni della madre, l’uomo capisce che
la sua vita è stata tutta una bugia. Due anni
dopo, Julia e William si incontrano a New
York, Julia vive lì da un anno e ha chiamato Sara la sua bambina. William ha finalmente capito chi era davvero sua madre.
ma della Shoah raccontato rievocando uno
degli episodi meno documentati e meno
rappresentati anche sul grande schermo.
La chiave di Sara scorre su un doppio
binario, quello degli eventi del luglio 1942
con il vergognoso episodio del rastrellamento di più di tredicimila di ebrei di Parigi
da parte della polizia francese che li radunò nel Velodromo d’inverno e quello del
presente di una giornalista statunitense,
francese d’adozione che, incaricata di scrivere un articolo su quella brutta pagina di
storia, scopre una scomoda verità collegata a un appartamento di proprietà della
famiglia del marito.
Gli eventi del luglio 1942 sono già stati
raccontati nel film Vento di primavera
(2010) di Rose Bosch, che illustra impietosamente le gravi responsabilità del governo collaborazionista, delle forze dell’ordine e dei militari francesi.
Il regista Gilles Paquet-Brenner sceglie
di raccontare ancora le tragiche ferite di
quel dramma servendosene però come
pretesto puramente narrativo per raccontare una storia privata che intreccia il passato con le vicissitudini di una giornalista
di oggi. La storia rivista con occhio diverso, come ha sottolineato Paquet-Brenner
“Finora i film sull’Olocausto sono rimasti
sul piano della storia con la S maiuscola.
In questo campo io non mi sentivo a mio
agio. È stato già fatto molte volte e, secondo me, Schindler’s List è insuperabile. Ciò
che mi è sembrato giusto fare è stato cercare di far “sentire” questa tragedia alla
gente, prescindendo dai grandi discorsi,
per restituirle una dimensione concreta e
palpabile, una dimensione umana, facendo in modo che lo spettatore si senta a
contatto con gli eventi, indipendentemen-
e ferite profonde di un dramma
collettivo, le piaghe insanabili di
tante tragedie private. Un passato pesante come un macigno che ancora
schiaccia il presente. Ecco, ancora il dram-
L
55
te dalle opinioni e dalle origini di ciascuno”.
La trasposizione dell’omonimo romanzo best seller di Tatiana De Rosnay finisce
però per giocare facile sulla commozione
della vicenda della bambina ebrea deportata e sulla drammatica morte del suo fratellino che aveva tentato disperatamente
di salvare. Quella stessa bambina, diventata adulta, non superò mai i traumi di
un’infanzia negata.
E se da un lato è giusto riconoscere al
regista il merito di aver portato sullo schermo una pagina poco raccontata come il
rastrellamento del Vélodrome d’Hiver del
1942 e le responsabilità del governo francese in un dramma di enormi proporzioni,
dall’altro è anche doveroso sottolinearne
le inevitabili cadute nel didascalismo più
facile. Passato e presente, storie dimenticate e riscoperte, la necessità di conoscere
il passato per vivere il presente e guardare al futuro. Il coraggio di sollevare il velo
sulle ferite dolorose è visto come l’unico
passaggio necessario per imparare a vivere la propria vita, perché, come recita il
mieloso finale nella New York di oggi, solo
il ricordo di chi eravamo può nutrire “la speranza di ciò che possiamo divenire”.
Restano comunque buone le prove
degli attori, in testa a tutti la protagonista
Kristin Scott-Thomas ben affiancata da
Niels Arestrup nei panni dell’uomo che
accoglie in casa e si prende cura della piccola fuggita dai campi di concentramento
e dalla piccola Mélusine Mayance (che già
aveva colpito per grande intensità espressiva in Ricky – Una storia d’amore e libertà di François Ozon) perfetta nel rendere
le sofferenze di una bambina coinvolta
nell’orrore di una vicenda straziante.
Film
In definitiva un film che finisce per rinunciare alla necessaria dose di rigore e
sobrietà per cadere nella ridondanza narrativa di una storia che, soprattutto nella
seconda parte, tralascia il passato per concentrarsi solo sulle ricadute nel presente,
indugiando in un eccessivo sentimentalismo a buon mercato. Uno spunto di par-
tenza buono per un’occasione (in parte)
sprecata.
Elena Bartoni
IN TIME
(In Time)
Stati Uniti, 2011
Regia: Andrew Niccol
Produzione: Marc Abraham, Eric Newman, Andrew Niccol per
New Regency, Strike Entertainment
Soggetto e Sceneggiatura: Andrew Niccol
Direttore della fotografia: Roger Deakins
Montaggio: Zach Staenberg
Musiche: Craig Armstrong
Scenografia: Alex McDowell
Costumi: Colleen Atwood
a storia si svolge in una ipotetica
società futura in cui il tempo è
diventato (sembra un facile proverbio) denaro. La base di partenza intanto
è che tutti arrivano ai venticinque anni di
vita e si fermano, continuando a dimostrare tale età per sempre. Da questo momento
in poi tutti devono pagare qualsiasi cosa con
il tempo, con minuti, ore, giorni etc. Chi non
ha più tempo si scarica e muore. Di tutto
ciò ognuno ha una registrazione a tassametro innestata su un braccio come un tatuaggio che, applicato su un lettore, può
essere decifrato come una carta di credito e
quindi usato per pagare ciò che si compra:
una corsa in autobus un’ora; un panino un
minuto, una cena dalle tre alle venti ore etc.
La città è divisa sommariamente in due
zone: una, il ghetto, è quella in cui vive la
maggiorparte della popolazione con stipendi
da fame, sempre alla ricerca di ore e minuti
per sbarcare il lunario, sempre in conflitto
con le banche del tempo, sempre disponibile
a rapinare persone che per un motivo qualsiasi si trovano ad avere un buon carico di ore,
minuti e giornate. Nell’altra zona invece, a
cui si può accedere pagando frazioni di tempo ogni sbarramento, vivono i ricchi che utilizzano anni e secoli chiusi nei loro forzieri.
In questo ambiente il giovane Will Salas perde la madre a cui, all’ultimo momento, non riesce a regalare qualche ora
in più di vita ma subito dopo incontra per
caso una persona facoltosa, Hamilton che
sta preparando il suo suicidio e, prima di
gettarsi da un ponte, gli fa dono del tempo
a sua disposizione, un secolo!
Con tutti questi “soldi” Will decide di
penetrare nella zona dei privilegiati, al casinò vince una grande somma al tavolo di po-
L
Effetti: Luma Pictures
Interpreti: Justin Timberlake (Will Salas), Amanda Seyfried (Sylvia Weis), Cillian Murphy (Raymond Leon), Vincent Kartheiser
(Philippe Weis), Olivia Wilde (Rachel Salas), Alex Pettyfer (Fortis), Johnny Galecki (Borel), Matt Bomer (Henry Hamilton), Jesse
Lee Soffer (Webb), Aaron Perilo (Bell), Nick Lashaway (Ekman),
William Peltz (Pierre), Ray Santiago (Victa), Zuleyka Silver
(Pasha), Will Harris (Ulysse), Michael William Freeman (Nardin), Shyloh Oostwald (Maya)
Durata: 109’
Metri: 3020
ker del ricchissimo Philippe Weis e alla festa
di questi conosce sua figlia Silvia, per la quale
prova, ricambiato, una forte attrazione.
Sulle tracce di Will c’è però Raymond
Leon e la sua squadra di vigilanti che non
possono permettere che un intruso porti via
una grande quantità di tempo dalla zona
dei ricchi.
Accade invece proprio così: i due ragazzi, innamorati l’uno dell’altro, fuggono
insieme e cominciano a fare una serie di
rapine alle banche per distribuire a tutti ore
e giorni; non solo, si impadroniscono anche di un prezioso “salvadanaio” elettronico custodito nella cassaforte di Philippe,
contenente un milione di anni! È la fortuna
per tutti gli abitanti del ghetto anche se nessuno sa, tranne i ricchi, quanto sia positiva
o deleteria questa improvvisa e inflazionistica distribuzione di ricchezza.
nteressante lo spunto iniziale,
l’idea che originalmente dà il via
alla storia, questo tempo trasformato in denaro e il tariffario che assume
aspetti imprevisti e grotteschi oppure angosciosi e malinconici in occasione della
vita e della morte delle persone. Interessante ancora il parallelismo tra questa società futuribile del denaro/tempo e la realtà di oggi: la divisione tra individui che diventano sempre più ricchi e quelli che lottano per la sopravvivenza impoverendosi
sempre di più; l’inflazione galoppante che
aumenta prezzi e tariffe in continuazione
e senza un apparente perché; l’ossessione di rimanere sempre giovani e affascinanti come il desiderio di un patto con il
diavolo; i cattivi rappresentati dalle banche
che custodiscono enormi tesori di cui non
I
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fanno partecipi nessuno se non a caro
prezzo; il fatto che la ricchezza improvvisa, se malgestita, possa essere fonte di
guai e problemi etc etc. Potremmo continuare ancora nell’individuare uguaglianze
e allegorie di ogni genere in un gioco dell’oca nella cui composizione il regista
Adrew Niccol (l’inventore dell’angoscia per
la genetica di “Gattaca” tanto per capirci)
si è divertito sicuramente per primo.
Se togliessimo così l’invenzione del
tempo-denaro cosa avremmo? Una società come quella di oggi, tale e quale. Cosa
vuol dire? Che nulla può essere inventabile né ipotizzabile oltre il reale per quanto
riguarda l’avidità e la capacità di prevaricazione dell’essere umano: siamo al massimo, nella vita come sullo schermo, bisogna inventarsi qualcosa di diverso, magari come essere migliori...
Qui abbiamo poi una coppia di giovani
eroi (uno povero, l’altra bella e ricca) che
rapinano banche e distribuiscono soldi a
chi non ne ha, un po’ Bonnie and Clyde un
po’ Robin Hood, roba già vista tante volte
e un po’ dappertutto.
Resta quindi un prodotto d’azione con
ambizioni sociopolitiche, presentato da
una bellissima e fredda fotografia che rende tutto desolato e immobile, ostile a ogni
possibilità di sentimento, passione, progettualità umana. Forse l’auspicata diversità
è proprio questa: riconoscere definitivamente che il futuro è davvero senza futuro, fermo, immobile, immutabile.
Deboli gli attori, soprattutto la coppia
protagonista, agili, scattanti, giovanissimi
ma niente di più.
Fabrizio Moresco
Film
ALVIN SUPERSTAR 3 – SI SALVI CHI PUÒ!
(Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked)
Stati Uniti, 2011
Regia: Mike Mitchell
Produzione: Bagdasarian Productions, Fox 2000 Pictures, Regency Enterprises, TCF Vancouver Productions
Distribuzione: 20th Century Fox Italia
Soggetto: Dai personaggi di Ross Bagdasarian
Sceneggiatura: Glen Berger, Jonathan Aibel
Direttore della fotografia: Thomas E. Ackerman
ave, i Chipmunks e le Chippettes
si godono una lussuosa vacanza
su una nave da crociera prima
della loro partecipazione agli International Music Awards. Sulla stessa nave si
trova anche Ian, l’uomo che (nel film precedente) era stato il loro produttore,
sfruttando la loro posizione e che ha ancora intenzione di catturarli. Sebbene
Dave chieda ripetutamente ad Alvin e
tutti gli altri di comportarsi educatamente a bordo della nave e di non combinare
guai, i Chipmunks e le Chippettes non
fanno altro che creare confusione e mettere Dave in imbarazzo davanti al capitano della nave. Inoltre Ian è sempre dietro di lui, poiché lavora proprio per il
capitano, assicurandosi di mantenere
l’ordine a bordo.
Un pomeriggio, mentre Dave dorme su
una sdraio, Alvin decide di volare sopra
un aquilone ma Simon, Theodore, Brittany,
Jeanette ed Eleanor non riescono a tenerlo e così volano via dalla nave. Quando
Dave se ne accorge è troppo tardi e i Chipmunks e le Chippettes sono già lontani,
ma lui non si arrende e decide di prendere,
senza nessun permesso da parte del capitano, un parapendio. Ian cerca di fermarlo attaccandosi ai suoi piedi, ma tutti e due
finiscono in mare, proprio come Alvin e
tutti gli altri. Fortunatamente, non molto
distante da loro c’è un’isola e così Alvin e
i suoi piccoli amici riescono a mettersi in
salvo. Poco dopo anche Dave e Ian raggiungono l’isola, ma si trovano su un’altra parte della riva e così i due gruppi non
si incontrano. Alvin propone ai suoi ragazzi
di accendere un fuoco per la notte e accamparsi sulla spiaggia; Brittany, Jeanette ed Eleanor sono molto spaventate, Theodore è affamato. Ormai tutti loro sono
abituati alle comodità della casa calda di
Dave, a cibi sofisticati, a vestiti puliti e si
trovano in difficoltà in quello che dovrebbe essere il loro habitat naturale. Passata
la prima notte, mentre i Chipmunks e le
D
Montaggio: Peter Amundson
Musiche: Mark Mothersbaugh
Scenografia: Richard Holland
Costumi: Alexandra Welker
Effetti: Rhythm & Hues
Interpreti: Jason Lee (Dave), David Cross (Ian), Jenny Slate (Zoe)
Durata: 87’
Metri: 2340
Chippettes vanno in cerca di cibo, fiduciosi dell’arrivo di Dave, incontrano Zoe, una
ragazza un po’ particolare che vive su quell’isola da molti anni; Zoe li accompagna
al suo accampamento (una casetta sull’albero), dove vive in compagnia di varie palle
e palline da tennis alle quali ha dato un
nome e disegnato un volto. Simon intanto
viene punto da un ragno velenoso che lo
libera temporaneamente dai freni inibitori, e così diventa improvvisamente temerario, galante, gentile, coraggioso e crede
di essere francese. L’improvvisa incoscienza di Simon, costringe quindi Alvin a prendere le redini della situazione, ad assumersi
le responsabilità e a prendersi cura dei suoi
amici. Il cambiamento di Simon influisce
anche sulla piccola Jeanette, che viene finalmente corteggiata da Simon. Anche
Brittany -che “era quella carina del gruppo”- capisce che deve essere lei a occuparsi delle Chippettes, ora che Jeanette è
così presa da Simon. Così, mentre Alvin e
Brittany si danno da fare per costruire due
bellissime casette, Eleanor cade ed è costretta a camminare con alcuni bastoni,
Theodore è affamato e spaventato, mentre
Simon e Jeanette trascorrono molto tempo
insieme, tanto che lo stesso Simon, dopo
essersi tuffato in un lago, riesce a trovare
una coroncina d’oro per la sua amata.
Intanto Dave e Ian continuano a cercare i Chipmunks e le Chippettes, convinti che anche loro siano finiti nella stessa isola.
Quando Zoe scopre che Simon ha casualmente trovato il tesoro per il quale lei
era andata su quell’isola, decide di provare a recuperarlo, ma pur avendolo trovato, non può raggiungerlo. L’unico modo
che la ragazza ha per arrivare al tesoro è
quello di farsi aiutare da uno dei suoi nuovi amici, ma, proprio mentre arriva al loro
accampamento, Dave finalmente riesce a
trovarli. Alvin, Brittany e tutti gli altri abbracciano felicissimi Dave che è molto
colpito dal lavoro svolto da Alvin e dal suo
57
modo di essersi assunto molte responsabilità con i suoi amici, mettendo da parte la
sua incoscienza. Simon intanto ha perso
l’effetto del morso del ragno e tutto sembra essersi sistemato. Così Dave, Ian (che
intanto sembra essersi affezionato a questi piccoli animaletti) e Alvin costruiscono
una zattera con la quale andare via dell’isola e, proprio quando stanno per partire, Brittany si accorge che Jeanette non è
più con loro. Dave e Alvin tornano così
indietro per cercarla e capiscono che Zoe
è riuscita a catturarla per farle recuperare il tesoro. Tutti insieme riescono fortunatamente a mettere in salvo Jeanette, ma
nel frattempo nell’isola, essendo vulcanica, sta per iniziare un’eruzione. Ian e Alvin convincono Zoe a lasciar andare anche Dave, che poi convince anche la stessa ragazza a lasciare l’isola insieme a loro,
senza il tesoro.
Tutti insieme, finalmente sulla zattera,
riescono a mettersi in salvo e così i Chipmunks e le Chippettes riescono a esibirsi
agli International Music Awards.
lvin Superstar 3 – Si salvi chi può
è il terzo film dedicato ai Chipmunks, un immaginario gruppo
musicale a nato negli anni ’60. Il gruppo è
composto da tre scoiattoli: Alvin, il ribelle,
è il leader; Simon è quello alto ed intellettuale, mentre Theodore è quello dolce e
cicciottello. Dopo il film del 2007, Alvin
Superstar, nel 2009 con Alvin Superstar 2
vengono introdotte anche le Chippettes,
l’equivalente femminile dei Chipmunks,
composto da Brittnay, la scoiattolina bella
e un po’ fanatica; Jeanette, quella carina
ed educata ed Eleanor, quella cicciottella.
Mike Mitchell ha diretto ora il terzo episodio della storia di questi simpatici scoiattolini, portandoli dal palcoscenico all’isola
deserta. Un film divertente, dolce, allegro,
adatto ai bambini certo, ma piacevole anche per gli accompagnatori. Molti sono i
riferimenti a film per adulti, dalle varie pal-
A
Film
le e palline con cui Zoe, la ragazza che
vive sull’isola, ha instaurato una sorta di
“amicizia”, proprio come fece Tom Hanks
con Wilson in Cast Away (Rober t
Zemeckis, 2000). O ancora l’improvviso
cambiamento di Simon una volta arrivato
sull’isola che con la sua benda sulla fronte ricorda molto Leonardo DiCaprio in The
Beach (Danny Boyle, 2000) e poi ancora il
riferimento all’isola dei protagonisti di Lost,
una delle più seguite serie televisive degli
ultimi anni.
Insomma un insieme di citazioni per i
più grandi e di insegnamenti per i più piccoli, che vedono il ribelle Alvin diventare
maturo e responsabile. Un film che contiene tutti gli elementi di una classica avventura fra naufraghi: il tesoro nascosto,
la costruzione dell’accampamento e di una
zattera, l’attesa di un salvataggio, la ricerca del cibo. Ma il tutto è reso più divertente proprio dalla simpatia dei protagonisti,
ai quali fa da cornice una colonna sonora
che alterna pezzi di Rihanna, Lady Gaga
e Destiny’s child in versione squeak’n’roll!
Silvia Preziosi
IL GATTO CON GLI STIVALI
(Puss in Boots)
Stati Uniti 2011
Regia: Chris Miller
Produzione: Dreamworks Animation
Soggetto: Brian Lynch, Tom Wheeler e dalla fiaba di Charles Perrault
Sceneggiatura: Tom Wheeler
ornato nella cittadina di San Ricardo, il Gatto con gli stivali è
ricercato dalla legge dopo essere stato coinvolto dal suo vecchio ex amico
Uovo-Humpty Dumpty in una rapina alla
banca della città finita male. È un fuorilegge in fuga, che cerca di redimersi, ma sulla
sua strada incontra di nuovo Humpty. I due
erano cresciuti insieme in un orfanotrofio,
per realizzare i loro desideri sognavano di
entrare in possesso di alcuni fagioli magici
capaci di far crescere una gigantesca pianta che, innalzatasi oltre le nuvole, li avrebbe fatti arrivare a rubare la leggendaria Oca
dalle Uova d’Oro dal castello di un gigante. Ma la ricerca dei fagioli, bramata per
tutta l’infanzia, non aveva portato a nulla e
i due si erano allontanati quando il Gatto
aveva eroicamente salvato una donna dalla carica di un toro. Il villaggio di San Ricardo lo aveva proclamato eroe e il Gatto
si era guadagnato un cappello e i leggendari stivali. La gelosia di Humpty si era fatta sentire e il Gatto aveva deciso di aiutare
l’amico in una rapina che si era rivelata un
fallimento costringendolo a scappare. Dal
quel momento, il Gatto era diventato un traditore e tutti quelli che avevano creduto in
lui erano divenuti carogne compreso Humpty, i cui sogni di infanzia si erano trasformati in propositi di cupidigia e vendetta. Ora
che Humpty ha ritrovato il Gatto, lo prega
di mettere da parte il risentimento e di tornare alla carica per realizzare il loro sogno. Convinto anche dalle grazie della gattina Kitty ‘Zampe di Velluto’ con cui si cimenta in una sensuale gara di flamenco in
un saloon, il Gatto accetta di rimettersi alla
caccia dei fagioli d’oro, ora in mano alla
T
Montaggio: Eric Dapkewicz
Musiche: Henry Jackman
Scenografia: Guillaume Aretos
Effetti: Ken Bielenberg
Durata: 90’
Metri: 2450
coppia di banditi Jack e Jill. È l’inizio di
una mirabolante avventura. Il trio riesce a
impossessarsi dei fagioli magici dopo aver
inseguito Jack e Jill. Piantati i fagioli,
un’enorme pianta viene su e cresce a dismisura fin sopra le nuvole. Gatto, Kitty e
Humpty salgono sull’immenso albero e si
ritrovano tra le soffici nuvole. Saliti ancora
più in altro, i tre giungono su un pianeta
rigoglioso e verdeggiante, abitato da una
grande Oca che sforna enormi uova d’oro.
Gatto e i suoi compagni prendono un pulcino figlio dell’Oca e lo portano via con loro.
Il piccolo sforna una gran quantità di uova
d’oro e i tre festeggiano le loro ricchezze.
Ma Humpty, per vendicarsi dello sgarbo subito dal Gatto sette anni prima, lo consegna alle guardie che lo cercavano da tempo per la rapina alla banca. Intanto l’Oca
arriva sulla terra in cerca del suo piccolo
distruggendo la cittadina di San Ricardo.
Kitty libera il Gatto mentre Humpty si convince di aver sbagliato e si allea di nuovo
con il fratello felino per restituire all’Oca il
suo piccolo.
Ma proprio mentre il Gatto tiene una
corda per salvare sia il pulcino che Humpty, quest’ultimo lascia la corda e cade trasformandosi in un uovo d’oro che la grande Oca porta con sé.
Il Gatto diventa l’eroe di San Ricardo
e conquista il cuore della gattina Kitty che,
da abile ladra, gli ruba i mitici stivali senza che lui se ne accorga!
er le festività natalizie 2011, torna sul grande schermo il mitico
Gatto con gli stivali confezionato
per l’occasione con un modaiolo corredo
P
58
in 3D. In questa nuova versione, il celebre
Gatto è un grintoso eroe senza paura, un
po’ guascone, un po’ sfrontato, una specie
di Zorro felino che parla con accento ispanico. Un gattino irresistibile con uno straordinario paio di stivali.
Personaggio portato al successo da
Charles Perrault (anche se la prima versione scritta della storia si deve a Giovanni Francesco Straparola nel lontano 1550)
poi apparso nel secondo film di Shrek, il
Gatto vive ora un’avventura tutta sua, complice Chris Miller, già regista del terzo episodio della saga del celebre orco.
C’è un po’ di tutto in questo Gatto con
gli stivali, una storia di redenzione e fratellanza, in cui tutti hanno una seconda possibilità perché, in fondo, tutti la meritano.
Il piccolo felino che beve solo latte intero, ha una voce imponente, è dissacrante ma ha senso dell’onore e della lealtà, è
deliziosamente malizioso e ha parecchie
cose in comune con il suo doppiatore Antonio Banderas (che presta la voce al Gatto anche nella versione italiana dandogli
un fascinoso accento ispanico): è abile
spadaccino (come lo Zorro cinematografico di Banderas), è un buon ballerino (come
l’attore spagnolo ha dimostrato in diversi
film) ed è un perfetto latin-lover (in quanti
film ha ammaliato le spettatrici!). Il Gatto
ha uno strano Uovo come fratellastro (cui
presta la voce l’attore Zach Galifianakis, il
pazzoide di Una notte da leoni 1 e 2 e Parto
col folle), una seducente e flessuosa gattina dalle “zampe di velluto” come nuova
compagna di scorribande (la voce nell’originale è della sexy Salma Hayek) e si muove in una ‘caliente’ ambientazione nel sud
Film
del Mediterraneo europeo con pennellate
in stile western “alla Sergio Leone”.
Grazie all’aiuto di un efficace (per
questa volta davvero) 3D e dei potenti
mezzi della Dreamworks Animation (più
di 620 artisti hanno lavorato a questo
progetto nel corso degli anni), il film vanta
una serie di scene di sorprendente impatto visivo, come quella dell’ascesa in
cielo per mezzo di una pianta di fagioli
gigante che cresce in modo vorticoso fin
sopra il tetto dell’universo e quella della
danza notturna tra le uova d’oro, praticamente perfetta.
Che dire di più di un sogno terreno e
al tempo stesso fantasmagorico dove due
gattini e un curioso uovo animato volano
tra soffici nuvole? Ballare, tirare di spa-
da, scappare, volare, tutto è concesso in
una fiaba che, letteralmente, solleva da
terra e fa sognare. Tutto è possibile al cinema, se poi a farne di tutti i colori è un
felino con quegli occhioni languidi e con
quella voce suadente sotto quel cappellone a tesa larga...
Elena Bartoni
FINALMENTE LA FELICITÀ
Italia, 2011
Regia: Leonardo Pieraccioni
Produzione: Levante S.R.L. in collaborazione con Medusa Film,
Sky Cinema e Mediaset Premium
Soggetto: Leonardo Pieraccioni Giovanni Veronesi, Domenico
Costanzo
Sceneggiatura: Leonardo Pieraccioni, Giovanni Veronesi
Direttore della fotografia: Mark Melville
Montaggio: Stefano Chierchiè
Musiche: Gianluca Sibaldi
enedetto, maestro di musica che
insegna fagotto e controfagotto al
conservatorio di Lucca, è un
grande idealista: appassionato del filosofo
illuminista Charles Fourier, sogna di dare
vita ad un laboratorio di “musica d’istinto” in cui gli allievi possano dirigersi naturalmente verso lo strumento musicale che
sentono più affine e congeniale. Per mettere in pratica questo concetto, appende alle
pareti delle stanze dove insegna diversi strumenti e oggetti. Benedetto è anche un compositore, ha scritto una melodia molto bella che gli è stata però rubata dal maestro
Argante Buscemi, un famoso direttore d’orchestra furbo, arrogante e vanitoso.
Un giorno Benedetto viene chiamato
dalla trasmissione di Maria De Filippi “C’è
posta per te” dove scopre che sua mamma,
scomparsa da poco, aveva adottato a distanza una bambina brasiliana. A distanza di
anni, quella bambina è diventata una bellissima modella. Ora che la ragazza, di
nome Luna, è in Italia per lavoro, vuole
conoscere il suo “fratello” italiano. L’incontro tra i due dà vita a una serie di colpi
di scena e situazioni buffe. Dopo che Luna
ha salutato la sua “mamma” italiana ballando una samba sulla sua tomba, Benedetto porta Luna a fare un giro turistico per
Lucca e dintorni a bordo del pullman per
turisti dell’amico Sandrino che si è appena
lasciato con la fidanzata Lupita. A sua volta, Luna coinvolge Benedetto nel suo mondo popolato da artisti genialoidi al confine
B
Scenografia: Francesco Frigeri
Costumi: Claudio Cordaro
Interpreti: Leonardo Pieraccioni (Benedetto), Ariadna Romero (Luna), Rocco Papaleo (Sandrino), Andrea Buscemi (Argante Buscemi), Thyago Alves (Jesus), Shel Shapiro (Albert),
Michela Andreozzi (Mara, ex di Benedetto), Maurizio Battista
(Uomo in treno), Maria De Filippi(Se stessa), Fabien Lucciarini (François), Paola Roberti (Annette), Nela Lucic (Lupita ex
di Sandrino)
Durata: 93’
Metri: 2540
con la pazzia: è il caso di Albert, un fotografo che allestisce le mostre più incredibili e bizzarre. Pochi giorni dopo, a terra per
essere stato tradito, Sandrino convince Benedetto a raggiungere Luna che si trova
Sardegna per un lavoro. Benedetto rintraccia la ragazza in un convento di suore dove
sta realizzando un servizio fotografico. Tra
i due si instaura un legame di amicizia e
complicità. Ma una sera, mentre Benedetto
è a cena con Luna nel lussuoso resort dove
la ragazza alloggia, ecco arrivare Jesus,
prestante modello nonché ex fidanzato brasiliano della giovane. Per sfuggire alle avances del ragazzo che vuole tornare con lei,
Luna gli fa credere che Benedetto è il suo
nuovo ragazzo. Ma ben presto la verità viene fuori e il maestro di musica torna nella
sua Lucca.
Tornato alla sua vita di sempre, grazie a
una vecchia musicassetta rintracciata in una
vecchia scatola, Benedetto riesce a smascherare davanti ai suoi allievi il maestro Buscemi, reo di avergli rubato la sua melodia intitolata “La felicità”. Ma il giorno del suo
compleanno si ricorda di un appuntamento
importante con Luna. Mancano solo poche
ore e, grazie all’aiuto del collega-rivale Buscemi, riesce a raggiungere la Sardegna con
un aereo privato. Giunto al convento dove
aveva appuntamento, Benedetto si sottopone alla prova di fiducia che gli aveva chiesto
Luna. Nonostante una rovinosa caduta da
una finestra “sbagliata”, la ragazza gli corre incontro e finisce per baciarlo.
59
Due anni dopo. Benedetto è riuscito a
realizzare i suoi sogni: con l’aiuto dell’ex
rivale Buscemi ha finalmente ampliato la
sua scuola di musica dove è riuscito a mettere su il laboratorio di “musica d’istinto”
e ha avuto con Luna una bellissima bambina. Ora la felicità è arrivata davvero.
ncora lui. È il “golden boy” del cinema italiano Leonardo Pieraccioni, si proprio quello che con il
suo secondo film fracassò come un ciclone i record di tutti i tempi del cinema italiano con oltre 75 miliardi d’incasso di vecchie lire.
Ne è passato di tempo, e Pieraccioni
non è più lo scanzonato ragazzo amante
delle “bischerate”, è un uomo maturo e appagato, recentemente diventato padre di
una bella bambina. I personaggi che si cuce
addosso sul grande schermo sembrano
voler riflettere questo passaggio. Dopo essere stato eterno laureando, giovane ragioniere, imbranato dog-sitter, autore di libri per
ragazzi, maestro elementare, esperto di
effetti speciali, professore di ginnastica,
gestore di un banco di frutta, “riparatore” di
piscine, questa volta è un maestro di musica al conservatorio di Lucca.
Niente di nuovo sul fronte cinematografico. Il suo film è garbato (come al solito) e sorretto (come sempre) da una morale buonista, un aggettivo di cui il buon
Leonardo non si vergogna fin da quando
l’etichetta gli venne ‘appiccicata’ dopo Il
A
Film
ciclone, come continua ad ammettere con
grande onestà.
La struttura di fondo della storiella raccontata è un po’sempre la stessa (sceneggiata anche stavolta con il fedele Giovanni
Veronesi) anche se il Pieraccioni non è più
il giovanotto di tanti anni fa (ma gli anni
continua a portarseli benissimo): un idealista maestro di musica che scrive melodie (la più bella si chiama non a caso “La
felicità”) che gli vengono rubate puntualmente dal celebre e furbo maestro d’orchestra Ar(ro)gante Buscemi (il nome Argante ha una facile assonanza con l’aggettivo che dipinge a pennello il personaggio), vede irrompere nella sua vita (come
un ciclone appunto) una bellissima ragazza (“alta e mora” come nel titolo del suo
primo libro “Trent’anni, alta, mora”), straniera (come sempre) e naturalmente diviene pesce innamorato ancora una volta.
E ancora una volta il nostro Pieraccioni
confeziona il suo prodotto facendo scelte
mirate per il cast: non manca nessuna categoria, “i più belli” (la protagonista Ariadna
Romero modella cubana e l’ex naufrago
dell’”Isola dei famosi” il brasiliano Thyago
Alves), “i più bravi” (Rocco Papaleo questa
volta utilizzato in un ruolo più importante
del solito e Andrea Buscemi che trasuda
‘teatralità’ da tutti i pori nella sua efficace
caratterizzazione del narciso e ‘divo’ direttore d’orchestra), “i camei esilaranti” (Michela Andreozzi perfetta nella scena di gelosia
della ex tradita dal protagonista e Maurizio
Battista impeccabile spalla comica nella
stessa scena). A ciò si aggiungano partecipazioni illustri come quelle di Maria De Filippi (bella pubblicità per il suo programma
televisivo che funge qui da vero motore della
storia) e del sempreverde Shel Shapiro nei
panni di un fotografo-superstar. Ciliegina
sulla torta, un’apparizione lampo di Massimo Ceccherini che da un letto d’ospedale
con il solito sguardo allucinato esclama
“Che brutta gente c’è nel mondo!”.
Il film è come il colorato “Acquarello” del
brano di Toquinho che accompagna una
delle scene e scorre via facile facile per
un’oretta e mezza, condito da belle musi-
che e da solari ambientazioni tra Toscana e
Sardegna, tra qualche gag più riuscita (quella
del bacio all’ospedale con Rocco Papaleo)
e qualche altra un po’ troppo ripetitiva (la
scena di gelosia dell’ex fidanzato della bella
che fa credere di essere innamorata dell’uomo-normale Leonardo/Benedetto costretto
come al solito a fare il pesce in barile). Sia
come sia, Pieraccioni continua a mettere in
scena sé stesso e la sua visione ottimista
della vita, convinto che prima o poi se hai
fatto del male ti torna indietro (ancora quel
boomerang lanciato ne Il ciclone).
E dopo l’ennesimo happy end ci viene
spontaneo chiederci: ma non sarà mica
che questa volta nella vita del buon Pieraccioni, la felicità, quella con la “effe” maiuscola, “l’è arrivata davvero”? A guardare
la sua storia (sullo schermo e nella vita),
sembra proprio di si.
D’altronde come lui stesso dice a chiusura della sua favola buonista, “nella vita se
non ti stanchi di aspettare, le cose arrivano”.
Elena Bartoni
WAR HORSE
(War Horse)
Stati Uniti, Gran Bretagna 2011
Regia: Steven Spielberg
Produzione: Steven Spielberg e Kathleen Kennedy per Amblin Entertainment, Dreamworks SKG, The Kenneddy/Marshall Company, Reliance Entertainment, Touchstone Pictures
Distribuzione: Walt Disney Company Italia
Soggetto: Dal romanzo di Michael Morpurgo
Sceneggiatura: Lee Hall, Richard Curtis
Direttore della fotografia: Janusz Kaminski
Montaggio: Michael Kahn
Musiche: John Williams
Scenografia: Rick Carter
Costumi: Joanna Johnston
oey è il puledro che il giovane
Albert alleva e addomestica con
cura amorevole nella povera fattoria di famiglia nel Devon. Siamo alle
soglie della prima guerra mondiale.
Scoppia il conflitto proprio quando una
terribile tempesta distrugge il raccolto. Per
far fronte alle spese della fattoria, Ted, il
padre di Albert, è costretto a vendere il cavallo all’esercito inglese.
Ad acquistare Joey è il capitano Nicholls, che promette ad Albert di occuparsene e di riportarglielo a guerra conclusa.
Così inizia l’epopea del puledro, che
combatte con il suo nuovo cavaliere in territorio francese, dimostrando subito le sue
doti atletiche. Purtroppo però il capitano
J
Effetti: Ben Morris
Interpreti: Emily Watson (Rose Narracott), David Thewlis
(Lyons), Peter Mullan (Ted Narracott), Niels Arestrup (Nonno),
Tom Hiddleston (Capitano Nichols), Jeremy Irvine (Albert Narracott), Benedict Cumberbatch (Maggiore Stewart), Toby Kebbell (Geordie), Celine Buckens (Emilie), Rainer Bock (Brandt),
Patrick Kennedy (Tenente Waverly), Geoff Bell (Sergente Sam
Perkins), Leonard Carow (Michael), Robert Emms (David
Lyons), David Kross (Gunther), Matt Milne (Andrew Easton),
Pip Torrens (Maggiore Tompkins), Nicolas Bro (Friedrich), James Currie (Sergente Jones), Irfan Hussein (Sergente Maggiore Singh), Eddie Marsan (Sergente Fry)
Durata: 146’
Metri: 4000
Nicholls viene ucciso sul campo di battaglia e Joey passa di mano approdando alle
linee nemiche tedesche.
Joey e Topthorn (altro cavallo ex francese e adesso in mano tedesca) vengono
impiegati per trascinare un’ambulanza.
Una volta arrivati a destinazione, i due
cavalli vengono affidati a due fratelli, Gunther (il maggiore) e Micheal. Quando i tedeschi sono pronti per combattere, a Micheal – appena quattordicenne - viene ordinato di andare in battaglia mentre a Gunther di restare con i cavalli. Una volta che
l’unità dei soldati si è allontanata, Gunther
slega i cavalli e affianca la colonna dei militari, così da permettere a Micheal di galoppare via con lui.
60
I due raggiungono un mulino e vi si
nascondono per la notte. I tedeschi li raggiungono e li fucilano come disertori.
La mattina seguente, la giovane Emilie,
assai malata e orfana per via della guerra e
accudita dai nonni - trova Topthorn e Joey e
li porta alla fattoria dei nonni (con cui vive
da quando la guerra le ha portato via i genitori). La ragazza nasconde i cavalli dai tedeschi che arrivano alla fattoria e, quando i
soldati se ne sono andati, ha dal nonno il
permesso di montare Joey. La ragazza cavalca fin oltre la cima della collina. Non vedendola tornare, il nonno monta a cavallo di
Topthorn e la raggiunge dall’altra parte dell’altura, lì incontrano i soldati tedeschi e sono
costretti a cedere loro i cavalli.
Film
Topthorn e Joey vengono quindi affidati a Friedrich, che in breve tempo si affeziona loro. Intanto, su fronte britannico,
Albert ha raggiunto l’età per arruolarsi.
Arrivato in trincea, alla sua prima azione
sul campo viene stordito dal gas tedesco e
finisce in ospedale.
Sull’altro fronte, Joey per scampare
all’attacco di un carro armato nemico corre via, impigliandosi nel filo spinato e ritrovandosi nel bel mezzo delle linee contrapposte. Il puledro non può più muoversi. Tanto i soldati tedeschi che quelli inglesi lo vedono a metà strada intrappolato
nelle maglie di ferro. Dalle due trincee si
fanno avanti due soldati, uno inglese, l’altro tedesco, che si ritrovano faccia a faccia a liberare Joey, in un momento di sospensione dal conflitto. Il cavallo viene
quindi tirato a sorte e vinto dall’inglese.
Portato nello stesso accampamento
dove Joey, ancora cieco per il gas, è curato, il cavallo sta per essere abbattuto, quando Joey ne riconosce il nitrito con cui gli
rispondeva prima della guerra.
Il conflitto termina, e Joey viene messo all’asta insieme agli altri cavalli degli
ufficiali. I compagni di Albert raccolgono
dei soldi per consentire al ragazzo di riprendersi il cavallo, ma il macellaio del
posto vuole vincere Joey. Un’offerta tuttavia supera quelle di entrambi, e viene dal
nonno di Emilie, che vuole Joey in ricordo
della nipote (nel frattempo morta). Solo
davanti all’ostinazione con cui Joey resta
vicino ad Albert, il vecchio si convince che
anche Emilie vorrebbe lasciare il cavallo
al suo giovane proprietario. Adesso Albert
e Joey possono finalmente galoppare verso casa.
enza prendere posizione per
l’una o l’altra parte del conflitto,
Spielberg mostra con un film
adatto all’intera famiglia (scene cruente pressoché pari a zero) come la guerra sia sempre
e comunque un brutto affare. Brutto, spietato
e da ripudiare. Il desiderio di pace, la tensione verso la serenità domestica – che sembra
muovere tanto Albert quanto il suo puledro
Joey – viene quindi costantemente ostacolata e contrastata dagli orrori della Grande Guerra, scenario rappresentato con effetti speciali
impeccabili. Il regista fa protagonista (o per lo
S
meno co-protagonista) un cavallo, animale simbolicamente legato tanto ai sentieri selvaggi
quanto alla tranquillità della vita contadina, e
ne adotta lo sguardo – ora mansueto ora scalpitante di avventura – per raccontare l’epopea dei molti soldati che hanno vissuto (e sono
morti) nelle trincee dei due fronti.
In alcune scene il film si sbilancia e cade
nel sentimentalismo, soprattutto affidando
il pathos alla grandiosa colonna sonora,
incapace di colmare le mancanze di profondità psicologica dei personaggi ma comunque in grado di provocare il coinvolgimento dello spettatore meno smaliziato.
Tiziana Vox
ACAB
Italia, Francia 2011
Regia: Stefano Sollima
Produzione: Riccardo Tozzi, Giovanni Stabilini, Marco Chimenz
per Cattleya, Babe Films in associazione con Fastfilm in collaborazione con Rai Cinema
Soggetto: Dal Romanzo “ACAB. All Corps Are Bastards” di Carlo Bonini
Sceneggiatura: Daniele Cesarano, Barbara Petronio, Leonardo Valenti
Direttore della fotografia: Paolo Carnera
obra, Negro e Mazinga sono tre
poliziotti del Reparto Celere di
Roma; sono impegnati nelle situazioni più dure come il servizio d’ordine
allo stadio o lo sgombero forzato di sfrattati o il contenimento di manifestazioni, pur
C
Montaggio: Patrizio Marone
Musiche: Mokadelic
Scenografia: Paola Comencini
Costumi: Veronica Fragola
Interpreti: Pierfrancesco Favino (Cobra), Filippo Nigro (Negro), Marco Giallini (Mazinga), Domenico Diele (Adriano),
Andrea Sartoretti (Carletto), Roberta Spagnuolo (Maria), Nick
Nicolosi (Direttore scuola), Alessandro Procoli (Leader Moschea)
Durata: 90’
Metri: 2450
autorizzate, nel centro storico della capitale. La loro amicizia è vera, la loro unione è compatta, inattaccabile; è comprensibile quindi che la giovane recluta Adriano si senta attratto da questa forza e si
metta subito al loro fianco. Ognuno di loro
61
ha alle spalle una storia pesante che ha
condizionato e continua a condizionare
scelte e modi di vita: Negro è alle prese
con una brutta separazione da una moglie
cubana che ha fatto leva sulle sue mancanze e sulle sue assenze per impedirgli di
Film
vedere la bambina; Mazinga, sposato con
un poliziotta, non riesce a ricucire il rapporto con il figlio che lo odia e preferisce
vivere in un centro sociale dedito alla violenza contro gli extracomunitari. La madre del giovane Adriano è invece sotto
sfratto ed è costretta a vivere in una infima stanzetta di pensione perché l’appartamento alla case popolari assegnatole dal
comune è occupato da una famiglia di tunisini che nessuno può né vuole cacciare
via. Cobra è solo, nulla si sa di lui, né come
viva il suo tempo libero, perché la sua intera esistenza è dedicata alla Celere.
Questa unione virile si consolida e contemporaneamente va in crisi quando i quattro poliziotti partecipano al pestaggio del
centro sociale dove vive il figlio di Mazinga: Adriano, inorridito da quanto avvenuto, rivela il fatto ai suoi capi ottenendo il
disprezzo e l’esecrazione di tutti i compagni anche se non ci saranno conseguenze
legali per nessuno. Comunque Adriano non
può più restare in un gruppo che è venuto
meno alle sue convinzioni di civiltà, legalità e dignità e così lascia la polizia. Gli
altri si preparano a sostenere al Foro Italico a Roma l’assalto dei tifosi che vogliono vendicare il loro compagno ucciso da
un poliziotto sull’autostrada.
in dagli anni del ministro Scelba
il reparto Celere di Roma ha agito in una dimensione particolare, odiato dalla gente, disprezzato e insultato ha costituito per tutti e più di tutti gli
altri reparti della Polizia di Stato il moloch
F
rappresentativo del potere, il braccio armato da utilizzare per le operazioni al limite (o anche al difuori) del consentito e della decenza, capace di mettere le mani dove
nessuno voleva sporcarsele; in più, malvisto e tenuto lontano dalla considerazione
degli altri settori della Polizia che non avevano nessuna intenzione di essere accomunati alle gesta dei celerini.
Dei poliziotti organizzati nella violenza
dunque, spietati e temuti.
Bisogna arrivare al 1968 e agli scritti
di Pier Paolo Pasolini così discussi e osteggiati perché si levasse una voce desiderosa e capace di comprendere e riequilibrare una situazione che lui vedeva composta da poliziotti pervenuti da periferie urbane e contadine comunque degradate,
portatori dello stesso degrado che lanciavano in faccia agli studenti figli di borghesi
Da allora il confronto tra i due mondi di
“assaliti” e assalitori”, variegato dai tanti
“distinguo” che i media vi hanno applicato
sopra è rimasto pressocché lo stesso. Con
una diversità: l’imbarbarimento della nostra società ha subìto una accelerazione
esponenziale nel corso dell’ultimo trentennio, colorandosi e appesantendosi di odio
e sopraffazione, di rivendicazioni furiose,
vendette e accanimenti che hanno smarrito le ragioni di partenza e hanno reso il
territorio di confronto una “no man’s land”
dove uguale è la violenza e l’intolleranza,
uguale la voglia sovrumana di farsi giustizia da soli.
Il film di Sollima è tutto questo, racconta
una storia di uomini che hanno perduto le
motivazioni della ragione pur convinti di
possederla ed hanno quindi elevato un
muro a difesa del proprio territorio che è
l’unico spazio dove poter esprimere quell’amicizia e quella fratellanza che al di fuori
sarebbe calpestata e derisa. Dietro i colpi
dei manganelli ci sono le vite di fallimento
familiare che vengono gettate nella mischia
come propellente di rabbia, di disillusione
e sconfitte per fronteggiare una società
ugualmente fallita e capace di mettere in
campo anch’essa solo rabbia, disillusione
e sconfitte.
Resta la Celere, un quadrato difeso di
identità umana e coesione e, naturalmente, di solitudine, con le mura ben alte per
non impazzire.
Sollima ha fatto un ottimo film, privo di
un giudizio morale, nella proposizione di
un quadro di angoscia e violenza che ci
accomuna ormai tutti e che a tutti impone
di riflettere su come e quando il superamento degli elementari confini dell’umano
e del confronto democratico possa costituire un drammatico punto di non ritorno.
Ottimi tutti gli attori che si sono impegnati in un lungo periodo di allenamento
fisico (al rugby e non è un caso la scelta di
questo sport duro ma basato sulla disciplina e l’integrità morale) e di concentrazione mentale per rendere possibile il sentirsi partecipi di un mondo circoscritto, appartenente solo a loro e che non può essere intaccato, nè compromesso da nessuno.
Fabrizio Moresco
LE NEVI DEL KILIMANGIARO
(Les neiges du Kilimandjaro)
Francia 2011
Regia: Robert Guédiguian
Produzione: Agat Films & Cie, Ex Nihilo, France 3 Cinéma, Les
Films de la belle de mai
Distribuzione: Sacher Distribuzione
Soggetto e Sceneggiatura: Robert Guédiguian, Jean-Louis
Milesi
Direttore della fotografia: Pierre Milon
Montaggio: Bernard Sasia
Musiche: Pascal Mayer
Scenografia: Michel Vandestien
Costumi: Juliette Chanaud
ichel è un sindacalista. Estrae a
sorte da un bussolotto i nomi
degli operai “in esubero”. Sotto gli occhi stupiti del compagno di sindacato e cognato Raoul, Michel estrae an-
M
Interpreti: Ariane Ascaride (Marie-Claire), Jean Pierre Darroussin (Michel), Gérard Meylan (Raoul), Marilyne Canto (Denise), Grégoire Leprince-Ringuet (Christophe), Anaïs Demoustier (Flo), Adrien Jolivet (Gilles), Robinson Stévenin (Commissario), Karole Rocher (Madre di Christophe), Julie-Marie
Parmentier (Agnès), Pierre Niney (Cameriere), Yann Loubatière (Jules), Jean-Baptiste Fonck (Martin), Emilie Piponnier
(Maryse), Raphaël Hidrot (Jeannot), Anthony Decadi (Gabriel),
Frédérique Bonnal (Martine), Miguel Ferreira (Serge Kasparian)
Durata: 90’
Metri: 2450
che il suo nome: era nel bussolotto con
gli altri perché Michel non vuole privilegi. A uno a uno i chiamati si fanno avanti. Michel li esorta a non recriminare: la
modalità per definire gli esuberi è stata
62
decisa dagli stessi lavoratori: sacrificare
qualcuno per salvare la maggioranza e
l’azienda.
Quando Michel comunica la notizia a
Marie-Claire, sua moglie, la donna non se
Film
ne meraviglia: riconosce nella scelta del
marito la coerenza e la voglia di giustizia
che condividono da sempre. Moglie e marito sanno che possono farcela, fortunatamente, anche se dovranno fare qualche sacrificio in più. A prenderla male sono i figli, ormai adulti, della coppia. Da un lato
si preoccupano che il padre possa andare
in depressione, dall’altro ne approfittano
per chiedere favori e un aiuto nella gestione dei nipotini.
Michel e Marie-Claire sono benvoluti
da tutti, per questo alla festa per il loro
anniversario di matrimonio, che si tiene
nella sede del sindacato, partecipano tutti
i compagni del cantiere, oltre ai figli, alla
sorella di lei e al cognato. Tre i regali: un
viaggio in Tanzania, “sulle nevi del Kilimangiaro”, come recita la loro canzone e
come richiama il titolo del film, un fumetto d’annata che Michel aveva perso da
bambino e del contante.
Una sera, Michel, Marie-Claire, Denise e Raoul stanno giocando a carte,
quando due uomini mascherati irrompono
in casa e li rapinano di tutto, compreso il
buono del viaggio e il fumetto.
Qualche giorno dopo, prendendo l’autobus, Michel vede il fumetto rubato tra le
mani di due ragazzini, li segue e scopre
così che vivono con uno dei ragazzi più giovani che hanno perso il lavoro con lui al
cantiere. Inizialmente scioccato, Michel
scopre poi che il ragazzo deve badare ai
due fratelli minori e che non ha padre né
madre ad aiutarlo. Decide di ritirare la denuncia, ma è troppo tardi. Così, mentre la
giustizia fa il suo corso e Michel si chiede
se non si sia “imborghesito” con gli anni,
Marie-Claire scopre la stessa verità e decide di prendersi cura dei due ragazzini,
che non hanno nessuno che si occupi di
loro da quanto il maggiore è in prigione.
La coppia si ritrova, infine, unita e convinta di fare la cosa giusta prendendosi
cura dei fratelli del loro aggressore. Alla
perplessità dei figli, fa da contraltare il
supporto insperato di Raoul e Denise.
na storia di ordinaria bontà, silenziosa coerenza e quotidiano
impegno, questo è Le nevi del
Kilimangiaro, film ispirato a “Les pauvres
gens” di Victor Hugo, che regala qualche
momento di commozione e la speranza di
un mondo migliore, costruito dalla gente
comune.
Robert Guédiguian descrive il mondo
di oggi, con le sue difficoltà, ma lo arricchisce della semplicità delle buone azioni,
quelle che compiono i due protagonisti.
Michel e Marie-Claire sono gli eroi della
porta accanto: un matrimonio duraturo
nella sua normalità, fatta di affetto ma anche di difficoltà, dei figli realisticamente
preoccupati e in fondo sempre un po’ egoisti (proprio come sono sempre i figli), amici
e parenti con cui passare le domeniche al
U
mare e le sere a giocare a carte. La narrazione, che segue senza fretta e senza colpi di scena l’evolversi della storia, sa rendere lo scorrere della vita per com’è: con
le sue pause, i momenti di dubbio o di stanchezza dei protagonisti, l’amarezza che
lascia addosso il confronto con una realtà
ingiusta. Eppure, proprio il procedere piano della storia fa brillare la naturalezza con
cui la coppia di protagonisti sceglie di essere coerente con i propri ideali di solidarietà sociale. Sembra un storia di altri tempi, ma può essere una storia dei giorni
nostri, suggerisce il film.
Bravi gli attori, bravo il regista, bella la
storia. Forse un po’ favola, ma di certo vale
da incoraggiamento: non tutti gli attuali sessantenni si sottraggono alle proprie responsabilità verso le nuove generazioni.
Un altro merito del film è quello di affrontare il conflitto sociale tra i lavoratori
30enni e 60enni: chi è davvero da tutelare
e chi tutela il sindacato? Dov’è oggi la parte più debole?
Queste le domande che la pellicola
affronta attraverso la storia di Michel, focalizzando il divario generazionale dal
punto di vista lavorativo senza esasperarlo. Suggerendo una via di uscita e una
pacificazione: chi può, aiuta chi è in difficoltà. Semplicemente.
Tiziana Vox
HYSTERIA
(Hysteria)
Gran Bretagna, Francia, Lussemburgo, Stati Uniti 2011
Regia: Tanya Wexler
Produzione: Hysteria Films Ltd, Beachfront Films, Informant
Media, By Alternative Pictures e Delux Productions
Distribuzione:
Soggetto: Jonah Lisa Dyer, Stephen Dyer, Howard Gensler
Sceneggiatura: Jonah Lisa e Stephen Dyer
Direttore della fotografia: Sean Bobbitt
Montaggio: Jon Gregory
Musiche: Christian Henson
Scenografia: Sophie Becker
ella psichiatria ottocentesca
l’isteria era considerata una forma di nevrosi tipica delle donne,
caratterizzata da vari disturbi psichici e da
sintomi sensoriali e motori, come l’eccitabilità, l’irritabilità, l’ansia, la malinconia,
la ninfomania, la depressione e l’angoscia.
Nella pudica Londra vittoriana di quegli
anni metà delle donne della città soffrivano
di ciò che veniva impunemente definito ‘isteria’. A curarle dottori particolarmente abi-
N
Costumi: Nic Ede
Interpreti: Maggie Gyllenhaal (Charlotte Dalrymple), Hugh
Dancy (Mortimer Granville), Jonathan Pryce (Dott. Robert
Dalrymple), Felicity Jones (Emily Dalrymple), Rupert Everett
(Lord Edmund St. John-Smythe), Ashley Jensen (Fanny), Sheridan Smith (Molly The Lolly), Kim Criswell (Sig.ra Castellari),
Elisabet Johannesdottir (Sig.ra Pearce), Kate Linder (Lady Cherwill), Corinna Marlowe (Lady Perrigott), Leila Schaus (Tess),
Jules Werner (Jack)
Durata: 95’
Metri: 2605
li con le mani, perché chiamati a solleticarne il clitoride, sino al punto del parossismo.
Uno di questi, il giovane e ambizioso Dottor Joseph Mortimer Granville, trova lavoro presso il Dottor Dalrymple, specializzato nel trattamento dei casi di isteria.
Dalrymple ha due figlie: Emily, perfetta in
ogni cosa e Charlotte, sostenitrice dei diritti delle donne più deboli e direttrice di
una piccola casa d’accoglienza per bambini poveri e famiglie bisognose. Mortimer al63
l’inizio resta attratto da Emily, con grande
piacere di Dalrymple che vede nel ragazzo
un bravo genero e un medico in gamba a
cui lasciare la sua eredità. Pian piano, però,
Mortimer rimane sempre più attratto da
Charlotte che si dimostra una donna intelligente, idealista ed energica che gli fa riscoprire la gioia della vera professione
medica, aiutando una giovane donna che si
era rotta una gamba. Tutte le pazienti del
dottor Dalrymple si invaghiscono delle doti
Film
mediche di Mortimer, il quale accusa un
forte problema al braccio. Grazie al suo più
caro amico Lord Edmund, dilettante inventore, Mortimer riesce ad affinare il metodo
terapeutico; Edmund, infatti, gli rivela il
progetto del suo nuovo spolverino elettrico, facendogli venire in mente che quel prototipo potrebbe diventare la base di un vibratore terapeutico per donne. L’invenzione dei due amici ha un successo colossale
che porta a entrambi una forte remunerazione. Intanto, durante il fidanzamento di
Mortimer con Emily, Charlotte aggredisce
un poliziotto che aveva tentato di maltrattare una sua protetta. Durante il processo,
Mortimer comprende che la donna che ama
è Charlotte e non la sua fidanzata. Chiamato a testimoniare sull’isteria di Charlotte per salvarla dalla galera secondo consiglio di suo padre, Mortimer invero compie
un discorso in difesa della donna raccontandone doti, virtù e passionalità. Charlotte, anch’essa segretamente innamorata, ne
resta colpita ma dovrà aspettare di scontare un mese di galera prima di poter stare
col suo amore. Dopo un mese di galera,
Charlotte esce di prigione e Mortimer finalmente le chiede di sposarla. I due iniziano anche a costruire un’importante struttura che aiuti i poveri bisognosi di Londra. Il
martello di Granville, alias il vibratore, è
ormai diventato di uso comune per tutte le
donne londinesi, persino per la regina.
’oggetto del desiderio femminile ha
una sua data di nascita e un suo
inventore. A svelarne l’incredibile
storia il cinema inglese, con questo delizioso Hysteria, film in Concorso al Festival di
Roma. Accolto da fragorose risate e calorosi e convinti applausi, il film di Tanya Wexler
scivola via sulle ali della leggerezza, strappando ricche risate, grazie a uno script frizzante, mai volgare, a tratti irriverente e storicamente ‘credibile’. Perché la storia raccontata dalla Wexler è realmente vera, come sottolineato ancor prima di iniziare, portando al
cinema un periodo storico condito da cambiamenti tecnologici epocali. Sono gli anni
‘80 dell’’800, gli anni della scoperta dei germi, dell’evoluzione medica e soprattutto del
proliferare dell’isteria, fino al 1952 considerata dall’istituto psichiatrico americano un disturbo mentale femminile. Nello smontare
tale folle idea, la regista da’ vita ad un titolo
ovviamente femminista, riuscendo così nella non semplice impresa di costruire un’intera pellicola sull’invenzione di un oggetto
apparentemente tanto semplice quanto secondario. Il vibratore. Prendendo sempre e
comunque in considerazione dati storici realmente verificatisi, Tanya Wexler è poi riuscita a dare un’impronta precisa a questo
titolo, trasformandolo in un manifesto politico sull’emancipazione culturale e sociale
della donna, con tanto di storia d’amore tra i
due protagonisti. Al fianco di un affascinante
L
e convincente Hugh Dancy troviamo un’appassionata, apparentemente ‘isterica’, generosa e rivoluzionaria Maggie Gyllenhaal, con
Jonathan Pryce e un esilarante e deturpato
dalla chirurgia estetica Rupert Everett a completare il ricco quadro attoriale. Ricostruita
una credibile Londra, divisa tra alta e ricca
borghesia e bassifondi poveri e luridi, la Wexler non ha fatto altro che raccontare la nascita di quell’oggetto che negli anni ‘70 del
‘900 diventerà strumento di liberazione sessuale, scegliendo la non semplice strada
della commedia tipicamente britannica, perché esilarante e ricca di dialoghi taglienti e
pungenti. Abbandonata immediatamente
l’idea di dar vita a un noioso film biografico,
regista e produttrici hanno così spinto sul
pedale dell’acceleratore, volando soprattutto nella prima e ultima parte, portando in sala
non solo una storia d’amore e l’invenzione
di un semplice oggetto, bensì lo spirito di
cambiamento e progresso che in quegli anni
si faceva sempre più pressante. Toccando
un argomento ancora oggi clamorosamente ‘delicato’ e per molte donne imbarazzante, Tanya Wexler ha avuto il pregio di volerci
ridere sopra senza mai prendersi troppo sul
serio, finendo così per confezionare un titolo semplicemente sorprendente, per quanto
volutamente leggero, divertente e ben calibrato
Elena Mandolini
VALUTAZIONI PASTORALI
Acab – Consigliabile-problematico /
dibattiti
Albert Nobbs – consigliabile-problematico / dibattiti
Almanya, la mia famiglia va in
Germania – consigliabile / poetico
Alvin Superstar 3 – Si salvi chi può –
consigliabile / semplice
Arte di vincere (L’) – consigliabile /
problematico
Artist (The) – consigliabile-poetico /
dibattiti
Benvenuti al nord – consigliabile /
semplice
Buono, il matto, il cattivo (Il) – n.c.
Cambio Vita – futile / volgare
Chiave di Sara (La) – raccomandabileproblematico / dibattiti
Come è bello far l’amore – n.c.
Cose dell’altro mondo – consigliabile /
superficiale
Crazy, Stupid, Love – futile / grossolanità
Eagle (The) – consigliabile / semplice
Enter the Void – n.c.
E ora dove andiamo? – consigliabileproblematico / dibattiti
Finalmente la felicità – n.c.
Gatto con gli stivali (Il) – consigliabile
/ semplice
Giorno questo dolore ti sarà utile
(Un) – consigliabile-problematico /
dibattiti
Help (The) – consigliabile / semplice
Hugo Cabret – consigliabile / poetico
Hysteria – complesso / superficialità
Idi di marzo (Le) – consigliabileproblematico / dibattiti
Immaturi – Il viaggio – consigliabile /
superficialità
In Time – consigliabile-problematico /
dibattiti
Iron Lady (The) – consigliabileproblematico / dibattiti
I Want to Be a Soldier – complessoproblematico / dibattiti
Jack & Jill – futile / grossolanità
J. Edgar – raccomandabile-problematico / dibattiti
Lanterna verde – consigliabile /
semplice
Lezioni di cioccolato 2 – consigliabile
/ semplice
Ligabue – Campovolo – Il film 3D –
consigliabile / realistico
Midnight in Paris – consigliabile /
brillante
Millenium – Uomini che odiano le
donne – complesso-scabrosità /
dibattiti
64
1921 – Il mistero di Roockford –
consigliabile / problematico
Miracolo a Le Havre – consigliatoproblematico / dibattiti
Muppet (I) – consigliabile / semplice
Napoletans – n.c.
Nevi del Kilimangiaro (Le) –
raccomandabile-problematico /
dibattiti
Ora nera (L’) – consigliabile / semplice
Polisse – complesso-problematico /
dibattiti
Punto d’impatto – discutibile /
volgarità
Qualcosa di straordinario –
consigliabile / semplice
Real Steel – consigliabile / semplice
Ruggine – complesso-problematico /
dibattiti
Schiaccianoci 3D (Lo) – consigliabile /
poetico
Sette opere di misericordia –
consigliabile-problematico / dibattiti
Shame – complesso / scabrosità
Sherlock Holmes: gioco di ombre –
consigliabile / brillante
Super 8 – consigliabile / brillante
Talpa (La) – consigliabile / problematico
Una notte da leoni 2 – futile / volgarità
War Horse – raccomandabile / poetico

SOMMARIO n. 115-116 - Centro Studi Cinematografici

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View Property PDF Booklet

109/110 - Centro Studi Cinematografici

112 - Centro Studi Cinematografici

47°ANNO SOCIALE - Circolo del Cinema Charlie Chaplin