SOMMARIO n. 104-105 - Centro Studi Cinematografici

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SOMMARIO
n. 104-105
Anno XVI (nuova serie)
n. 104-105 marzo-giugno 2010
Bimestrale di cultura cinematografica
Edito
dal Centro Studi Cinematografici
00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6
tel. (06) 63.82.605
Sito Internet: www.cscinema.org
E-mail: [email protected]
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intestato a Centro Studi Cinematografici
Spedizione in abb. post.
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Filiale di Roma)
Si collabora solo dietro
invito della redazione
Direttore Responsabile: Flavio Vergerio
Direttore Editoriale: Baldo Vallero
Cast e credit a cura di: Simone Emiliani
Segreteria: Cesare Frioni
Redazione:
Marco Lombardi
Alessandro Paesano
Carlo Tagliabue
Giancarlo Zappoli
Hanno collaborato a questo numero:
Veronica Barteri
Elena Bartoni
Maria Cristina Caponi
Luca Caruso
Chiara Cecchini
Sara Ceracchi
Marianna Dell’Aquila
Silvio Grasselli
Elena Mandolini
Diego Mondella
Fabrizio Moresco
Francesca Piano
Manuela Pinetti
Valerio Sammarco
Stampa: Tipostampa s.r.l.
Via dei Tipografi, n. 6
Sangiustino (PG)
Nella seguente filmografia vengono
considerati tutti i film usciti a Roma e
Milano, ad eccezione delle riedizioni.
Le date tra parentesi si riferiscono alle
“prime” nelle città considerate.
Aiuto Vampiro .....................................................................................
Amori folli (Gli) ...................................................................................
Artista (L’) ...........................................................................................
Avatar ................................................................................................
Bangkok Dangerous – Il codice dell’assassino ................................
Basilicata Coast to Coast ...................................................................
Cacciatore di Ex (Il) ...........................................................................
Canto delle spose ..............................................................................
Cella 211 ...........................................................................................
Che fine hanno fatto i Morgan? .........................................................
Codice: Genesi ..................................................................................
Daddy Sitter .......................................................................................
Dear John ..........................................................................................
Departures .........................................................................................
Draquila – L’Italia che trema ..............................................................
Dragon Trainer ...................................................................................
Francesca ..........................................................................................
Green Zone .......................................................................................
Halloween II .......................................................................................
Io, Don Giovanni ................................................................................
Io sono l’amore ..................................................................................
Legion ................................................................................................
Manolete ............................................................................................
Misure straordinarie ...........................................................................
Mondo dei replicanti (Il) .....................................................................
Notte folle a Manathan ......................................................................
Oceani 3D ..........................................................................................
Oltre le regole – The Messenger .......................................................
Piazza gioch1 ....................................................................................
Piccolo Nicolas e i suoi genitori (Il) ....................................................
Première Étoile ..................................................................................
Prima cosa bella (La) ........................................................................
Profeta (Il) ..........................................................................................
Puzzole alla riscossa .........................................................................
Richiamo della foresta 3D (Il) ............................................................
Scusa ma ti voglio sposare ................................................................
Secondo tempo .................................................................................
Shutter Island ....................................................................................
Teza ...................................................................................................
Ti amerò sempre ...............................................................................
Tutto l’amore del mondo ....................................................................
Uomo fiammifero (L’) ..........................................................................
Uomo nero (L’) ...................................................................................
Up ......................................................................................................
Vendicami ..........................................................................................
Vita è una cosa meravigliosa (La) .....................................................
Whiteout – Incubo bianco ..................................................................
Indice dell’annata ............................................................................
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7
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17
10
59
35
23
38
12
16
31
Film
Tutti i film della stagione
AVATAR
(Avatar)
Stati Uniti/Gran Bretagna, 2009
Regia: James Cameron
Produzione: James Cameron, Jon Landau per Twentieth Century-Fox Film Corporation/ Dune Entertainment/ Giant Studios/ Ingenious Film Partners/ Lightstorm Entertainment
Distribuzione: 20th Century Fox
Prima: (Roma 15-1-2010; Milano 15-1-2010)
Soggetto e sceneggiatura: James Cameron
Direttore della fotografia: Mauro Fiore
Montaggio: John Refoua, Stephen E. Rivkin, James Cameron
Musiche: James Horner
Scenografia: Robert Stromberg, Rick Carter
Costumi: Mayes C. Rubeo, Deborah Lynn Scott, Paul D. Alarcon
Produttori esecutivi: Laeta Kalogridis, Colin Wilson
Produttore associato: Janace Tashjian
Co-produttori: Brooke Breton, Josh McLaglen
Direttori di produzione: Helen Clare, Brigitte Yorke
Casting: Margery Simkin
Aiuti regista: Maria Battle-Campbell, Bruno Dubois, Sarah
Lowe, Richard Matthews, Josh McLaglen, Sharon Swab, Judith Wayers
Operatori: Mark J. Coyne, Roberto De Angelis, Brian Garbellini, Jonathan Hall, Kevin McGill
Operatori Steadicam: Roberto De Angelis, David Emmerichs
Art directors: Nick Bassett, Robert Bavin, Simon Bright, Jill
Cormack, Stefan Dechant, Seth Engstrom, Sean Haworth,
Andrew L. Jones, Andy McLaren, Andrew Menzies, Norman
Newberry, Ben Procter
Supervisione art direction: Todd Cherniawsky, Kevin Ishioka, Kim Sinclair
Arredatore: Kim Sinclair
Effetti speciali trucco: Antony McMullen
Trucco: Michele Barber, Corinna Liebel, Georgia Lockhart-Adams,
Angela Mooar, Sarah Rubano, Mike Smithson, Tegan Taylor
Acconciature: Michele Barber, Roxane Griffin, Georgia
Lockhart-Adams, Angela Mooar
Supervisore effetti speciali: Steve Ingram
Coordinatori effetti speciali: Karl Chisholm, Iain Hutton
Supervisori effetti visivi: John Bruno, Jonathan Fawkner
2
154. Jake Sully è un ex-marine costretto a vivere su una sedia a rotelle. Malgrado la disabilità fisi-
(Framestore), Anthony ‘Max’ Ivins (LOOK Effects), John Knoll
(ILM), Daniel Leduc (Hybride), Dan Lemmon, Joe Letteri (Weta
Digital), Erik Liles (Hydraulx), Richard Martin (Hybride), Steven
Quale, Stephen Rosenbaum (Weta Digital), Jonathan Rothbart,
Eric Saindon, Wayne Stables, Mathilde Tollec (BUF), Timothy
Webber (Framestore), R. Christopher White, Edson Williams (Lola
visual effects), Guy Williams
Coordinatori effetti visivi: Laia Alomar, Malcolm Angell, Manasi Ashish, Stacy Bissell (ILM), Cara Tallulha Davies, Anouk
Deveault-Moreau (Hybride), Becca Donohoe, Charlyn Go, Myléne Guérin (Hybride), Nancy Lamontagne (Hybride), Anouk L’Heureux (Hybride), Brice Liesveld, Martine Losier (Hybride), Jennifer Loughnan, Stephen Nixon (Weta Digital), Steve Riera, Jacqueline Rosado, Matthew Sabourin, Mahria Sangster, Bryan
Searing, Andrew Turner, K. Marie Walters, Michael Zavala
Supervisori animazione: Richard Baneham, David Clayton
(Weta Digital), Paul Kavanagh
Supervisore costumi: Anthony Almaraz
Canzoni/Musiche estratte: “I will see you” di James Horner,
Simon Franglen, Kuk Harrell cantata da Leona Lewis
Interpreti: Sam Worthington (Jake Sully), Zoe Saldana (Neytiri), Sigourney Weaver (Dr. Grace Augustine), Stephen Lang (Colonnello Miles Quaritch), Joel Moore (Norm Spellman), Giovanni Ribisi (Parker Selfridge), Michelle Rodriguez (Trudy Chacon),
Laz Alonso (Tsu’tey), Wes Studi (Eytukan), CCH Pounder (Moat),
Dileep Rao (Dr. Max Patel), Matt Gerald (Caporale Lyle Wainfleet), Sean Anthony Moran (soldato Fike), Jason Whyte (Cryo
Vault), Scott Lawrence (capo dell’equipaggio), Kelly Kilgour (poliziotta), James Pitt (pilota shuttle), Sean Patrick Murphy (copilota Shuttle), Peter Dillon (capo dell’equipaggio sullo shuttle),
Kelson Henderson (pilota dell’elicottero Dragon), David Van Horn
(artigliere dell’elicottero Dragon), Jacob Tomuri (navigatore dell’elicottero Dragon), Michael Blain-Rozgay, Jon Curry (addetti),
Julene Renee, Luke Hawker, Woody Schultz (tecnici), Peter
Mensah (leader clan), Sonia Yee (tecnico della stanza Link), Ilram
Choi (Basketball Avatar), Kevin Dorman
Durata: 162’
Metri: 5100
ca viene chiamato sul pianeta Pandora per
sostituire il fratello morto. Questi era uno
scienziato e l’avatar che avrebbe dovuto
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guidare era costituito appositamente con
il suo codice genetico. A questo punto solo
Sully può gestirlo. Lì, sul pianeta, abitato
da creature chiamate Na’vi alte 3 metri e
ricoperti da una pelle bluastra e distante
circa 44 anni luce dalla terra, c’è la RDA,
una compagnia interplanetaria terrestre,
che vuole sfruttare i suoi giacimenti. Sul
posto, soprattutto, c’è un minerale prezioso per la Terra, l’Unobtainium, che potrebbe risolvere gli enormi problemi energetici che la assillano da tempo. L’aria del
pianeta è tossica e non è respirabile dagli
umani ed è per questo che hanno costituito degli avatar, ibrido tra la nostra specie
e quella dei Na’vi, attraverso i quali un
individuo può collegare i propri sensi e può
avere il controllo e muoversi proprio come
se fosse il proprio corpo.
Jake ovviamente ignora cosa lo attende su Pandora o chi siano i Na’vi, ma è
Film
entusiasmato dall’idea di poter tornare
comunque a camminare. Appena arrivato,
si trova a che fare con i principali esponenti dello staff: il colonnello Quaritch e
il dirigente Parker Selfridge sono pronti a
un attacco militare contro i Na’vi, mentre
la dottoressa Grace Augustin cerca di trovare una soluzione diplomatica che possa
evitare lo scontro. Sully accetta, così, il
patto del colonnello che gli prospetta la
possibilità di un’operazione per fargli riottenere l’uso delle gambe in cambio di informazioni per l’attacco.
Nel corso di una spedizione nella foresta, Sully conosce l’affascinante guerriera Na’vi Neytiri, che individua in lui le
caratteristiche di una divinità sacra di
nome Eywa. L’uomo viene poi a conoscere gradualmente quel luogo, dove è inizialmente visto con diffidenza, soprattutto dal
guerriero Tsu’Tey e poi accolto nella tribù. Con il passare del tempo, s’innamora
poi di Neytiri e questo suo sentimento è
ricambiato. L’attacco però è imminente.
L’albero-casa viene abbattuto, i Na’vi fuggono alla rinfusa e Sully viene considerato come la persona che li ha traditi. Neytiri non ne vuole più sapere di lui. Inoltre,
anche nel quartier generale militare viene
visto come colui che ha tentato di impedire l’attacco e viene così rinchiuso in cella.
Riesce però a fuggire assieme a Grace, il
collega Norm e Trudy, l’elicotterista e a
raggiungere il proprio avatar e anche i
Na’vi, ora riuniti davanti a ‘l’albero delle
anime’ che rappresenta un luogo sacro per
loro. Poi Sully fa un’impresa considerata
leggendaria che lo riabilita agli occhi di
gran parte dei Na’vi, cioè quella di domare l’enorme Toruk Makto, ritenuto la più
grande creatura volante dei cieli. In seguito
raggruppa gran parte del popolo di Pandora per fronteggiare un altro attacco della RDA. Lo scontro è violentissimo e all’inizio i militari sembrano prevalere. Poi,
dopo che le preghiere ad Eywa sono state
accolte, gli animali di Pandora guidano la
riscossa. Alla fine, anche il colonnello verrà ucciso dalle frecce scagliate da Neytiri.
I Na’vi raggiungono la base terrestre e
costringono i soldati ad andarsene. Sully,
a sua volta, partecipa a una solenne cerimonia, nel quale abbandona definitivamente il suo corpo umano per trasferirsi
nel suo avatar.
arebbe bello poter tornare indietro nel tempo e immaginarsi che
cosa avrebbero potuto dire figure come André Bazin o Serge Daney, a
livello teorico, su Avatar. Sia da un punto
di vista visivo sia sonoro. Forse di fronte
alla portata enorme dell’opera di Came-
S
ron, ci manca la profondità del loro pensiero. Perché avrebbero rintracciato, visto,
analizzato cose che magari possono sfuggire a prima vista all’occhio umano o all’udito. Si ha l’impressione di trovarsi davanti a una grande illusione, così avvolgente che è difficile prenderne distanza.
Non è solo questione di cinema della modernità o cinema del futuro. Si ha l’impressione piuttosto di trovarsi davanti a una
sfida ‘titanica’ da parte del regista, nella
quale cerca di andare oltre i propri limiti. A
12 anni dal suo ultimo film, Titanic appunto, summa della sua cinematografia, grande successo al box-office, a cui ha seguito questa sosta prolungata. Intervalli di
tempo così lunghi tra un film e l’altro hanno caratterizzato, ad esempio, la filmografia di George Lucas e Terrence Malick. Nel
primo caso sono passati 22 anni tra Star
Wars e Guerre stellari – Episodio 1: La
minaccia fantasma, mentre nell’altro ben
21 tra I giorni del cielo e La sottile linea
rossa. Può apparire quasi come una coincidenza, o una provocazione, ma in Avatar Cameron sembra idealmente unire la
maniacalità tecnica di Lucas con la poesia di Malick. Non è un caso che nel film,
come del resto in Titanic, c’è un perfetto
equilibrio tra la precisione di uno scienziato e il respiro del melodramma. Con in più
quel grande senso dello spettacolo che rimanda a quella grandiosità incontrollata
del cinema di Cecil B. De Mille.
Avatar porta in un’altra realtà. Che non
è una dimensione parallela. Qui mostra
come il cinema dia la possibilità di poter
vivere un’altra esistenza. Prima ciò capitava agli spettatori che s’immedesimavano nel film. Ora accade anche ai personaggi. E questa è già una prima rivoluzione. L’ex-marine Jake Sully (interpretato da
Sam Worthington che Cameron ha direttamente preso da Terminator Salvation) ha
la possibilità quasi di reincarnarsi e di poter tornare a camminare su Pandora e a
contatto con la popolazione dei Na’vi. Si
tratta di un trapasso senza però che ci sia
la morte. Anzi, Avatar rende i propri eroi
immortali. Oltre lo spazio, oltre il tempo. E
riesce a farlo in questa doppia dimensione. Se si volesse scindere il film in due, si
potrebbe dire che convivono insieme la
fantascienza futuristica e il cinema d’avventura. Nel modo in cui è mostrato l’universo e gli abitanti dei Na’vi, sembra di trovarsi davanti a una specie di film d’avventura tra Il pianeta delle scimmie di Schaffner e L’ultimo dei Mohicani di Mann, con
in più una dimensione da romanzo epico
letterario che si combina con le forme del
fumetto. Il paesaggio riveste infatti una funzione determinante. È insieme insidioso,
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affascinante e vergine, sospeso tra la foresta fluviale e le montagne. Dall’altra parte, c’è invece una specie di film bellico avveniristico, con dentro certamente le tracce dei due Terminator e Aliens. Scontro finale (da cui il regista recupera Ripley attraverso Sigourney Weaver che qui veste i
panni della dottoressa Grace Augustin). Ed
è qui che due mondi lontanissimi si scontrano. Una guerra che vede fronteggiarsi
non tanto gli uomini con gli alieni, ma quasi i soldati del presente con quelli del futuro. E Jake è sospeso tra questi due mondi.
E questa è già una seconda rivoluzione.
I Na’vi hanno la pelle bluastra traslucida, sono alti circa tre metri, e hanno l’anima di quegli indiani che vogliono difendere il loro territorio come nei western. Sempre come Titanic, inoltre, anche Avatar è
un’altra grande storia d’amore. Un amore
che sembra impossibile, pieno di ostacoli,
magari banale narrativamente, ma poi fortemente contagioso. Il potere dirompente
è simile a come veniva mostrato l’amore
tra un soldato bianco e un’indiana. Ci vorrebbe ancora Bazin in una riflessione simile al surwestern, presente dentro Che
cos’è il cinema?
Cameron con Avatar era già troppo
avanti nel tempo prima della sua realizzazione. E il cinema, paradossalmente, non
era ancora pronto per questo progetto.
Troppo innovativo, come un uomo illuminato costretto a vivere nel secolo precedente. Ci pensava già dal 1995, poi le sue
idee sono state prima analizzate e poi rifiutate dagli esperti di CG. Nel 2005, riprende in mano il progetto, anche perché c’erano già stati i primi esempi di performing
capture con, ad esempio, Polar Express
di Zemeckis, tecnica che consente di catturare la fisicità e i movimenti degli interpreti reali e poi di riprodurli in ogni dettaglio in digitale. Ma Cameron ancora non
era soddisfatto, perché i volti dei suoi personaggi non avevano la luminosità necessaria. Alla fine oggi è riuscito a utilizzare
un dispositivo, un casco con telecamera
incorporata, che fa indossare agli attori per
riprodurre ogni sfumatura del loro viso. In
questo senso il regista statunitense ha praticamente la maniacalità di Kubrick (a proposito, anche nel suo caso sono passati
12 anni tra Full Metal Jacket ed Eyes Wide
Shut), ma ha con sé anche qualcosa di
primitivo e la sensazione di set-giocattolo,
dove non c’è nulla che il cinema non possa mostrare, rimanda ai viaggi di Meliès,
in questo caso arricchiti dalla WETA Digital di Peter Jackson.
Tra i film realizzati in 3D è abbastanza
ovvio dire che Avatar è di gran lunga il migliore. Oltre a questo, è però anche quello
Film
più funzionale, dove il campo visivo deve
essere necessariamente troppo profondo
troppo vicino. Il film di Cameron sembra
voler creare un rapporto tattile, quasi farci
toccare, un universo fatto di una materia
troppo densa e un altro, dove è inafferrabile. E in tale astrattezza, non è questo il
cinema del futuro che può portare alla progressiva scomparsa dell’attore (evidente,
per esempio, nelle scene di massa dei film
di guerra, dove, al posto delle comparse,
la moltitudine dei personaggi è riprodotta
in digitale); allarme, questo, lanciato dal bel
film S1mOne di Andrew Niccol. Piuttosto,
su sua stessa ammissione, vuole invece
portare un altro rinnovamento. “Gli attori
mi domandano – afferma Cameron – se
stiamo tentando di rimpiazzarli. Niente affatto, stiamo anzi cercando di dare loro
maggiori opportunità, offrendo nuove modalità per esprimersi e creare personaggi,
senza limitazioni. Non voglio sostituire gli
attori, mi piace lavorare con loro. Come
regista è questo che faccio. Quello che stiamo cercando di eliminare sono le cinque
ore di trucco, che è il modo con cui venivano creati personaggi quali gli alieni, i lupi
mannari, le streghe, i demoni e così via.
Ora è possibile essere chiunque, o qualunque cosa si voglia, a qualunque età; si
può perfino cambiare sesso, senza le lungaggini e il fastidio di un trucco complicato”. E questa è la terza rivoluzione. A questo punto il prima è lontano. Avatar ci fa
vedere/sentire cose come se fosse la prima volta. Come quel capolavoro di Contact di Zemeckis 12 anni fa. Forse, oggi, è
presto per capirne l’immensa portata. La
Storia, quella del cinema, farà poi il suo
corso.
Simone Emiliani
DEAR JOHN
(Dear John)
Stati Uniti, 2010
Trucco: John R. Bayless, Whitney James, Angela Rogers
Acconciature: Susan Buffington, Kelly Caldwell, Patricia
McAlhany Glasser
Supervisore effetti visivi: David Isyomin (& Company)
Supervisore musiche: Season Kent, Happy Walters
Suono: Jonathan Gaynor
Interpreti: Channing Tatum (John Tyree), Amanda Seyfried
(Savannah Curtis), Richard Jenkins (sig. Tyree), Henry Thomas (Tim Wheddon), D.J. Cotrona (Tagliolini), Cullen Moss
(Rooster), Gavin McCulley (Starks), Jose Lucena Jr. (Berry),
Keith Robinson (capitano Stone), Scott Porter (Randy), Leslea Fisher (Susan), William Howard Bowman (Daniels), David Andrews (sig. Curtis), Mary Rachel Dudley (sig.ra Curtis),
Bryce Hayes (Camicia Gialla), Braeden Reed (Alan a sei anni),
Luke Benward (Alan a 14 anni), Tom Stearns, Michael Harding (ricettatori), Brett Rice (pastore), David Dwyner (Steve il
proprietario), Anthony Osment (surfista), Jim Wenthe (professore), Matt Blue (dottore), Lauree Bradway, Glenn M. Tatum,
Martin Coleman Bowen (ospiti alla festa), Maxx Hennard
(Berg), Jay Phillips (il giovane Beret), Steven O’Connor (colonnello Kittrick)
Durata: 110’
Metri: 3030
Regia: Lasse Hallström
Produzione: Marty Bowen, Wyck Godfrey, Ryan Kavanaugh per Relativity Media/ Temple Hill Entertainment
Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia
Soggetto: tratto dal romanzo Ricordati di guardare la luna di
Nicholas Sparks
Sceneggiatura: Jamie Linden
Direttore della fotografia: Terry Stacey
Montaggio: Kristina Boden
Musiche: Deborah Lurie
Scenografia: Kara Lindstrom
Costumi: Dana Campbell
Produttori esecutivi: Jeremiah Samuels, Tucker Tooley
Co-produttore: Ken Halsband
Direttore di produzione: Billy Badalato
Casting: Joanna Colbert, Mark Fincannon, Richard Mento
Aiuti regista: Cara Giallanza, John Tagamolila
Operatori: Rick Davidson, Jerome Fauci, Chris Hayes, Bo Webb
Operatore Steadicam: Jerome Fauci
Art director: Mark Garner
Arredatore: Summer Eubanks
ohn Tyree è un soldato delle forze
speciali statunitensi in licenza
sulle spiagge dell’Atlantico. Dopo
averle recuperato la borsa caduta accidentalmente in mare, John conosce Savannah
Lyn Curtis, una studentessa universitaria
che sogna di aprire un centro estivo per
bambini autistici.
Tra i due ragazzi è subito colpo di fulmine, ma due settimane sono poche e John
è costretto a ripartire. Nonostante la distanza e gli impegni, i due ragazzi riescono a scriversi costantemente, raccontandosi reciprocamente tutto ciò che di nuovo
accade nelle loro vite. Solo una cosa li fa
sentire più vicini: pensare che la distanza
dalla Luna è uguale da qualsiasi luogo
della Terra la si guardi.
J
Dopo un anno, John sta per tornare a
casa per coronare il suo sogno d’amore con
Savannah, ma gli attentanti dell’11 settembre 2001 stravolgono i loro progetti e il soldato, fedele alla patria e alla bandiera, rinnova il suo impegno con l’esercito per altri
due anni. John parte per l’Afganistan, mentre la fidanzata, sempre più scoraggiata per
la lontananza, decide di lasciarlo e di sposare Tim, padre di un bambino autistico.
Poco tempo dopo, John viene ferito e
ricoverato per tre mesi in un ospedale militare tedesco. Arruolato definitivamente
nell’esercito, tornerà a casa solo nel 2007
per la morte del padre. Il suo rientro sarà
anche l’occasione per rivedere Savannah
e scoprire non solo che il loro sentimento
non si è mai spento, ma anche che Tim è
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allo stadio terminale di una grave malattia e che Savannah non ha più soldi per
poterlo sottoporre a cure sperimentali.
John decide allora di vendere la preziosa
collezione di monete del padre e fa una
donazione anonima a Savannah per poter
dare qualche mese in più di vita a Tim.
Torna quindi nell’esercito dicendo addio
a Savannah. Si incontreranno, per caso,
un giorno, qualche tempo dopo ancora innamorati l’uno dell’altra.
isogna partire dal presupposto
che l’ultimo film del regista svedese Lasse Hallström non è assolutamente all’altezza di alcuni suoi precedenti lavori (Chocolat, Buon compleanno Mr.
Grape, Casanova solo per citarne alcuni).
B
Film
Sin dalle prime inquadrature, infatti, si
capisce che Dear John è un film decisamente votato alla catastrofe per il suo intreccio di storie di amori contrastati, di
malattie mentali e fisiche, di guerre e terrorismo. Se, nei primi minuti, si pensa quasi
a una storia d’amore post adolescenziale,
condita di sani valori e buoni sentimenti,
al termine della pellicola, ci si rende conto
di aver visto sporadici sorrisi e forse anche un po’ forzati. I giovani protagonisti
dell’opera, ispirata al romanzo dello scrittore statunitense Nicholas Sparks “Ricordati di guardare la luna”, ci sembrano da
subito troppo vecchi per la loro età e per
le loro reali esperienze. Anche nelle uniche scene in cui i ragazzi sono rappresentati come tali, cioè quelle delle feste e dei
falò sulla spiaggia, si ha la pesante sensazione che la catastrofe stia per arrivare.
Eppure nulla ancora è stato detto. Troppo tardi, infatti, si capisce che John è un
ragazzo ribelle che ha deciso di arruolarsi
nell’esercito per placare la sua irrequietudine e per allontanarsi dal padre con il
quale ha un rapporto tormentato, mentre
molto presto si intuisce che il destino di
Savannah è di fare la mamma e di occuparsi del prossimo.
Se già eravamo abituati alle storie
strappalacrime di Sparks (a cui sono ispirate pellicole come l’ultimo The last song),
bisogna dire che la regia di Hallström si
sposa perfettamente con lo stile dello scrittore, realizzando un’opera in cui tutto è assolutamente scontato e prevedibile.
Dear John è forse un film che vuole
rappresentare i giovani e le loro inquietudini sullo sfondo degli attentati alle Torri
Gemelle, ma quello che ne risulta è solo
una pellicola in cui nessuno degli elementi messi in campo viene approfondito, neanche l’happy end.
IL MONDO DEI REPLICANTI
(Surrogates)
Stati Uniti, 2009
Acconciature: David Blair, Cheryl Daniels, Paula Dion, Emma
C. Rotondi
Supervisore effetti speciali: Allen Hall
Coordinatori effetti speciali: Bob Williams
Supervisori effetti visivi: Lindy DeQuattro (ILM), Sean Devereaux (Brickyard Filmworks), Jeffrey Kalmus (Synthespian
Studios), Geoff McAuliffe, John P. Nugent, Doug Oddy (MPC),
Mark Stetson
Coordinatori effetti visivi: Joe Carhart (MPC), Robin Dicker (Synthespian Studios), Russell Lum, Eli Rarey (Synthespian Studios), Amanda Roth (Synthespian Studios), Laurel
Schneider, Katie Stetson, Chau Tong
Supervisore costumi: Virginia Johnson
Interpreti: Bruce Willis (Tom Greer), Radha Mitchell (agente
Peters), Rosamund Pike (Maggie), Boris Kodjoe (Stone), James Francis Ginty (Carter giovane), James Cromwell (Carter
anziano), Ving Rhames (Il Profeta), Jack Noseworthy (Strickland), Devin Ratray (Bobby), Michael Cudlitz (colonnello Brendon), Jeffrey De Serrano (Armando), Helena Mattsson (JJ),
Michael Phillip (poliziotto), Danny F Smith (vittima), Brian A.
Parrish (manovale), Jennifer Alden (padrona di casa), Shane
Dzicek (Jarid Carter), Andrew Haserlat, Justin Goodrich (studenti), Lisa Hernandez, Thomas ‘Kirk’ Hawkins (giornalisti),
Rachel Sterling (assistente), Meta Golding (consulente), Taylor
Cole (avvocato), Jordan Belfi (Victor Welch), J.L. Highsmith
(Steinberg), Nicholas Purcell (Pulaski), Michael Murphy (capitano), Victor Webster (Lopez), David Klefeker (poliziotto)
Durata: 95’
Metri: 2605
Regia: Jonathan Mostow
Produzione: Max Handelman, David Hoberman, Todd Lieberman per Touchstone Pictures/ Mandeville Films/ Road Rebel/
Top Shelf Productions/Wintergreen Productions
Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures
Soggetto: tratto dall’omonima graphic novel di Robert Venditti
e Brett Weldele
Sceneggiatura: Michael Ferris, John Brancato
Direttore della fotografia: Oliver Wood
Montaggio: Kevin Stitt
Musiche: Richard Marvin
Scenografia: Jeff Mann
Costumi: April Ferry
Produttori esecutivi: Elizabeth Banks, David Nicksay
Direttore di produzione: Todd Arnow
Casting: Janet Hirshenson, Jane Jenkins, Michelle Lewitt
Aiuti regista: Brandon Lambdin, Nilo Otero, John G. Scotti
Operatori: Frank Buono, Joe Chess, Brian Dowley, Brant S.
Fagan, Onofrio Nino Pansini, Mike Thomas
Art directors: Tom Reta, Dan Webster
Arredatori: Basia Goszczynska, Debbie Cutler, Fainche MacCarthy
Supervisore effetti speciali trucco: Gregory Nicotero
Effetti speciali trucco: David A. Brooke, Rob Hinderstein
Trucco: Carla Antonino, Malinda Bennett, Liz Bernstrom, Jennifer Brown Greenberg, Jeff Dawn, Rob Fitz, Tina LaSpina, R.J.
McCasland, Keith Sayer
ionel Carter è il presidente di
un’azienda che produce surrogati di esseri umani. I suoi prodotti
sono usati da circa un miliardo di persone
nel mondo che, invece di vivere la vita,
preferiscono starsene in casa e mandare
in giro un “replicante”.
Un giorno, però, viene trovato morto il
figlio di Carter, ucciso da una potentissima
arma che brucia il computer inserito dentro i surrogati, causando la liquefazione del
cervello dell’umano a esso collegato.
L
Del caso se ne occupa l’agente Greer,
insieme alla collega Peter. Dopo varie indagini e la perdita del proprio replicante,
Greer scopre che l’arma in questione è custodita da una comunità politico-religiosa
che è contro l’utilizzo di questi umanoidi.
Il ritorno a una vita normale e l’influenza di queste persone fanno venire dei
dubbi all’agente sulla necessità di usare i
replicanti. Passa del tempo, dopo qualche
investigazione scopre che l’arma micidiale era stata costruita proprio da Carter a
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fini militari e che, successivamente, era
stata rubata dal capo dei protestanti.
In realtà, quest’ultimo è un replicante
comandato da Carter con lo scopo di distruggere il suo stesso progetto. L’uccisione accidentale del figlio, però, lo porta a
costruire qualcosa di molto più pericoloso: un sofisticato sistema che a comando
disintegra simultaneamente tutti i robot e
i loro alter ego umani.
Greer, grazie a una intuizione, riesce a
scoprire il folle progetto e, con l’aiuto dei
Film
suoi colleghi, disattiva i replicanti, per evitare la morte delle persone, ma lascia che
il meccanismo di distruzione faccia il suo
corso.
Tutti i robot vengono distrutti, la gente
disorientata esce per strada e ricomincia
lentamente a vivere.
ttacchi terroristici, scippi, aggressioni, o, più semplicemente, un vicino di autobus logorroico. Quanti pericoli si possono insinuare nella vita di
un semplice cittadino che decide di mettere la testa fuori di casa! Meglio, allora, mandare in giro un robot e “godersi” le giornate
rannicchiati nelle sicure mura domestiche.
Da questa provocazione nasce l’idea
per un fortunato fumetto, firmato Robert
Venditti e Brett Weldele, che recentemente è stato portato sul grande schermo dal
regista Jonathan Mostow col titolo Il mondo dei replicanti.
Niente di nuovo. Il cinema è in qualche
modo ossessionato da un futuro in cui si
possa nascondere, fra la gente, un umanoide. Certo guardandoli tutti insieme verrebbe da pensare che sono molto simili,
fatta eccezione per la tecnica; eppure la
vera differenze non è da ricercare nella
bravura di un regista piuttosto che di un
attore, ma nel periodo storico. Gli umanoi-
A
di, infatti, subiscono l’effetto e prendono le
caratteristiche della congiuntura sociale in
cui vengono creati.
Mostow, in questo caso, non poteva
che puntare su un’ umanità che decide di
chiudersi in se stessa, che “rifiuta” l’altro
considerandolo il pericolo da cui fuggire.
È il racconto del popolo dei media, i figli
tristi dell’epoca in cui le sfumature creano
tensione e la differenza addirittura panico.
Particolarmente interessante, in proposito, la scena in cui il protagonista Bruce
Willis esce dopo tanto tempo fuori di casa.
Sembra quasi soffocare. La normale presenza di gente in strada gli scatena una crisi
d’ansia. Ma è proprio questo impatto forte
con il reale che gli permette di vedere sotto
una luce nuova i replicanti. È una sorta di
risveglio per lui dal torpore della tecnologia
che, volendo andare oltre, si potrebbe paragonare a futuro prossimo regolato solo
da relazioni virtuali che vedono ora la loro
forma embrionale nei social network.
Mostow, pur mantenendosi misurato
nei toni, ha costruito un film di denuncia
mascherandolo da action movie classico.
Fra inseguimenti mozzafiato e qualche
scazzottata, infatti, è forte il senso di rimprovero verso chi sta instaurando timore
nei confronti dell’esistenza stessa, verso
quel terrorismo psicologico che miete quo-
tidianamente più vittime di quello da cui
tutti cercano di proteggersi. È un sottile invito a uscire fuori di casa, a respirare, a
toccare il prossimo, a essere protagonisti
di un’esperienza irripetibile: la “propria”vita.
Un po’ come succedeva nel finale del film
di Salce Il Belpaese, in cui un Paolo Villaggio estremamente ottimista invitava i
suoi concittadini a ritornare in strada, a
passeggiare e a dialogare, invece di barricarsi nelle proprie abitazioni. Ovviamente
il paragone si limita solo al finale, poiché
le due pellicole hanno strutture e risvolti
narrativi completamente diversi. Però è
interessante notare come certi temi, in
periodi storici particolari, nel cinema, subiscano un’inversione di marcia che conduce a soluzioni diametralmente opposte
rispetto agli altri mezzi di comunicazione.
Se poi alla sferzata di positività ci aggiungiamo, come nel caso de Il mondo dei
replicanti, una buona regia, degli attori con
la stoffa e una trama, seppur non originalissima, ben sviluppata le caratteristiche
per un successo ci sono tutte, a meno che
non si esca quasi in contemporanea con
un film che a suo modo parla anch’esso di
surrogati. Avatar di James Cameron, per
esempio.
Francesca Piano
DADDY SITTER
(Daddy Sitter)
Stati Uniti, 2008
Trucco: RaMona Fleetwood, Melanie Hughes, Persefone Karakosta, Todd Kleitsch, Martina Kohl, Sherri Berman Laurence, Cheri Minns, David Presto
Acconciature: Dallas Hartnett
Supervisore effetti speciali: Steve Ingram
Coordinatori effetti speciali: Tommy Frazier
Supervisori effetti visivi: Mark Dornfeld, Jerry Pooler
Interpreti: John Travolta (Charlie), Robin Williams (Dan),
Kelly Preston (Vicki), Conner Rayburn (Zach), Ella Bleu Travolta (Emily), Seth Green (Ralph White), Bernie Mac (Jimmy Lunchbox), Matt Dillon (Barry), Ann-Margret (Martha),
Rita Wilson (Jenna), Amy Sedaris (Condo Woman), Sab
Shimono, (Yoshiro Nishamura), Kevin Yamada, (Riku), Kevin Dean-Hackett, (Prete di Tijuana), Laura Allen (Kelly),
Sam Travolta (Primo cameriere che canta), Margaret Travolta, (Hostes che canta), Nick Loren, (Ragazzo indiano),
Nova Mejia (Prima cameriera Sexy), Margaret Goodman
(Nonna), Jerome Weinstein (Nonno), Allie Woods Jr. (Vecchio), Alexa Havins (Seconda cameriera Sexy), Michael
Enright (Mike il cameriere)
Durata: 89’
Metri: 2450
Regia: Walt Becker
Produzione: Tapestry Films, Walt Disney Pictures
Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures, Italia
Soggetto e sceneggiatura: David Diamond, David Weissman
Direttore della fotografia: Jeffrey L. Kimball
Montaggio: Ryan Folsey, Tom Lewis
Musiche: John Debney
Scenografia: David Gropman
Costumi: Joseph G. Aulisi
Produttori esecutivi: Garrett Grant
Co-produttori: Peter Abrams, Robert L. Levy, Andrew Panay
Direttori di produzione: Elayne Keratsis, David Price, John
G. Scotti, Trevor Waterson
Aiuti regista: Vincent Lascoumes
Operatori: Bruce MacCallum, Stephen S. Campanelli
Operatori Steadicam: Stephen Consentino
Arredatore: Ellen Christiansen
Effetti speciali: Roland Blancaflor, Fred Buchholtz, Rylan
Buchholtz, Tommy Frazier, Phil Gauvin, Mark Mitton, Edward
T. Reiff Jr., Bryan Wohlers
C
harlie è uno scapolone di mezza
età un po’ appesantito che ama
divertirsi tra appartamenti di lus-
so e donne. Il suo migliore amico e socio
in affari, Dan, ha appena divorziato dopo
15 anni di matrimonio. Per risollevargli
6
l’umore, sperando di reintrodurlo nell’esclusivo giro dei singles d’oro di New
York, Charlie porta l’amico in vacanza.
Film
Qui, Dan incontra Vicki, una ecologista tutta
pepe. Dopo un veloce e appannato (dai fumi
dell’alcool) sì davanti al cerimoniere, i due
neo sposini si perdono di vista per ben sette
anni. Ma Dan non ha mai dimenticato Vicki
ed è per questo che quando lei lo chiama
per rivedersi dopo tanto tempo, lui dice subito sì, convinto che tra loro possa funzionare seriamente. Ma la vita di Dan viene
stravolta, quando scopre che da quella notte di bagordi e divertimento sono nati due
gemelli, Zach e Marley Greer.
Obbligata a trascorrere due settimane
in carcere a causa di una delle sue azioni
da militante ecologista, Vicki affida i suoi
figli a Dan.
Costretto a lasciare il condominio per
single in cui abita, Dan non ha altro posto
in cui andare se non l’appartamento di lusso, dove l’amico Charlie vive con il suo
affezionato cane. Qui, tra mille apprensioni
e tentativi di mettere in sicurezza ogni angolo della casa per evitare che i bambini
si facciano male, incomincia una quotidianità caotica, scandita da un disastro dietro l’altro.
Con l’aiuto di Charlie, Dan prova a
prendersi cura dei suoi due figli, ma gli
impegni di lavoro sono tanti e i due scapo-
li non sono molto abili nell’educazione dei
bambini. La situazione sembra toccare il
culmine durante un campeggio per genitori e figli, durante il quale i due “padri”
vengono disastrosamente messi a confronto
con quelli degli altri bambini.
Dan è ormai profondamente legato ai
suoi figli, ma la prospettiva di un contratto
d’affari sognato da una vita, lo spinge a trasferirsi a Tokyo. Solo la lontananza dai suoi
bambini e da Vicki gli farà capire che loro
sono la cosa più importante della sua vita.
ccolto senza troppo entusiasmo
negli Stati Uniti, Daddy Sitter (Old
dogs nella versione originale) è
arrivato anche nel nostro Paese senza
troppo clamore né entusiasmo da parte
della critica e del pubblico.
Prodotto dalla Walt Disney e diretto da
Walt Becker, il film propone la coppia inedita John Travolta e Robin Williams, per la
prima volta insieme sul grande schermo.
Trasformati forse un po’ forzatamente in
una coppia di scapoloni d’oro ancora all’inseguimento della giovinezza e del successo professionale, le due star hollywoodiane si perdono in una commedia leggera che scorre priva di colpi di scena e sen-
A
za particolare originalità, tra gag più riuscite (grazie anche al morphing) e altre
meno.
Evidentemente un po’ appesantiti dall’età, in Daddy Sitter i due attori non hanno
(o forse non vogliono) lo spazio adeguatamente grande per reinterpretare personaggi
dalla comicità dirompente, ma pulita di Mrs.
Doubtifire, per Robin Williams o di Senti chi
parla e Hair Spray, per John Travolta. Si tratta forse di un’occasione perduta sia per l’interpretazione, che molto spesso ci ricorda
scene ed espressioni già viste (alcune proprio in “Mrs. Doubtifire”) sia dal punto di vista della sceneggiatura, decisamente mediocre e che ripropone la solita storia del
padre che scopre tardi, ma non troppo, di
avere dei figli (tra l’altro un po’ troppo legati
al lui sin dal primo incontro, per non averlo
mai conosciuto).
Insomma, la coppia Travolta-Williams
avrebbe potuto anche funzionare, ma solo
se fosse stata supportata da una sceneggiatura più originale e da una regia più
strutturata. E ci si meraviglia che tutto questo sia mancato proprio in una produzione
della Walt Disney.
SHUTTER ISLAND
(Shutter Island)
Stati Uniti, 2010
Regia: Martin Scorsese
Produzione: Brad Fischer, Mike Medavoy, Arnold Messer,
Martin Scorsese per Paramount Pictures/ Phoenix Pictures/
Sikelia Productions/ Appian Way
Distribuzione: Medusa
Prima: (Roma 5-3-2010; Milano 5-3-2010) V.M.: 14
Soggetto: tratto dal romanzo L’isola della paura di Dennis Lehane (2005)
Sceneggiatura: Laeta Kalogridis
Direttore della fotografia: Robert Richardson
Montaggio: Thelma Schoonmaker
Scenografia: Dante Ferretti
Costumi: Sandy Powell, David Davenport
Produttori esecutivi: Chris Brigham, Laeta Kalogridis, Dennis Lehane, Gianni Nunnari, Louis Phillips
Co-produttori: Amy Herman, Joseph P. Reidy, Emma Tillinger
Line producer: Chris Brigham
Direttore di produzione: Amy Herman
Casting: Ellen Lewis, Meghan Rafferty
Aiuti regista: Ron Ames, Amy Lauritsen, Joseph P. Reidy, John
Silvestri
Operatore: Kevin McGill
Operatore Steadicam: Larry McConkey
Art directors: Max Biscoe, Robert Guerra, Christina Ann Wilson
Arredatore: Francesca Lo Schiavo
Effetti speciali trucco: Aimee Macabeo, Aimee Macabeo
(Stan Winston Studio)
Trucco: Liz Bernstrom, Sian Grigg, Bridget O’Neill, Patricia
Regan, Manlio Rocchetti, Christine Domaniecki
Acconciature: Kathryn Blondell, Christine Fennell, Teressa Hill,
Jerry Popolis
Supervisore effetti speciali: Rick Thompson
Coordinatori effetti speciali: R. Bruce Steinheimer
Supervisori effetti visivi: Paul Graff (Crazy Horse Effects),
Matthew Gratzner (New Deal Studios), Ben Grossman (The
Syndicate), Robert Legato
Coordinatori effetti visivi: Llyr Tobias Johansen, Ariane
Rosier
Supervisori costumi: Denise Andres, David Davenport
Supervisore musiche: Robbie Robertson
Interpreti: Leonardo Di Caprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo
(Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr. Cawley), Max von Sydow (Dr.
Naehring), Michelle Williams (Dolores Chanal), Emily Mortimer (Rachel 1), Patricia Clarkson (Rachel 2), Jackie Earle
Haley (George Noyce), Ted Levin (guardiano), John Carroll
Lynch (deputato Warden McPherson), Elias Koteas (Laeddis),
Robin Bartlett (Bridget Kearns), Christopher Denham (Peter
Breene), Nellie Sciutto (infermiera Marino), Joseph Sikora
(Glen Miga), Curtiss Cook (Trey Washington), Raymound Anthony Thomas (inserviente Ganton), Joseph Mckenna (detenuto), Ruby Jerins (bambina), Tom Kemp, Bates Wilder (guardie), Lars Gerhard (comandante), Matthew Cowles (capitano), Jill Larson (donna ammanettata), Ziad Akl (produttore di
tatuaggi), John Porell (uomo dallo sguardo minaccioso), Drew
Beasley (bambino più piccolo), Joseph P. Reidy (operatore),
Bree Elrod (paziente)
Durata: 138’
Metri: 3800
7
Film
el 1954, in piena guerra fredda,
gli agenti federali Teddy Daniels
e il suo nuovo partner Chuck Aule
sono convocati a Shutter Island per indagare su una misteriosa scomparsa: una
pluriomicida di nome Rachel Solando è
riuscita a fuggire da una cella blindata dell’ospedale psichiatrico criminale di Ashecliffe. Teddy non arriva in gran forma, sull’isola: soffre molto il mal di mare, ma il
dovere viene prima di tutto e appena arrivati sull’isola si mette subito al lavoro.
Shutter Island ha un unico attracco, l’intero perimetro è composto da scogliere che
rendono impossibile per chiunque fuggire.
L’unico luogo plausibile per nascondersi, il
faro adiacente all’isola notato anche da Teddy, è stato già controllato dagli zelanti agenti carcerari. I due agenti fanno presto conoscenza con il dottor John Cawley, primario
dell’ospedale; lo psichiatra racconta loro la
terribile storia di Rachel, ricoverata dopo
aver ucciso affogando i suoi tre figli, tutti
bambini piccoli. La donna, vedova di guerra, è convinta di trovarsi ancora a casa sua
e, per assecondarla, medici, infermieri e pazienti dell’ospedale si comportano con lei
come se fossero suoi ospiti, o domestici. Inoltre, è sicura che i suoi figli siano ancora vivi.
Teddy scopre alcune stranezze nella cella di
Rachel e un misterioso bigliettino clamorosamente sfuggito alle minuziose indagini interne; sempre più convinti che si stia nascondendo la verità, Teddy e Chuck interrogano
lo staff dell’ospedale, scoprendo, fra l’altro,
che lo psichiatra che ha in cura Rachel, il
dottor Sheehan, è partito la mattina stessa
per le ferie. Il mistero si infittisce.
Quella notte, durante un sonno molto
agitato, Teddy sogna sua moglie Dolores,
morta cinque anni prima nell’incendio del
N
loro appartamento; nel sogno Dolores avverte il marito che Rachel è viva ed è ancora sull’isola; c’è anche Andrew Laeddis, il piromane che aveva appiccato il fuoco. Al mattino i due federali interrogano i
pazienti che erano con Rachel durante la
terapia di gruppo, immediatamente precedente alla scomparsa della donna. Una di
loro, apparentemente molto più lucida degli altri, allontana Chuck con una scusa e
consiglia a Teddy di scappare.
Teddy è turbato e decide di confidarsi
con il collega sul vero motivo per il quale
ha accettato, quasi desiderato, il caso: anni
prima il piromane Andrew Laeddis, dopo
essere stato trasferito nel manicomio criminale di Ashecliff, scomparve misteriosamente. Mentre Teddy stava investigando,
incontrò un ex-paziente, tale George Noyce,
che gli disse che sull’isola venivano compiuti atroci esperimenti sull’uomo, di matrice pseudo-nazista. Teddy, reduce di guerra, è ancora oggi tormentato dalle immagini del campo di concentramento liberato
quando era nell’esercito ed è certo di riconoscere i modi e le persone del Terzo Reich
sull’isola, in quel momento. I due agenti
sono a tutti gli effetti prigionieri sull’isola:
un uragano è in arrivo e l’unico traghetto
che collega Shutter Island con la terraferma non partirà finché il tempo non tornerà
sereno. Teddy continua a sognare Dolores.
Incredibilmente, Rachel viene trovata
viva, proprio vicino al faro; Teddy cerca
di carpire la verità, ma la donna non risponde a nessuna delle sue domande. Rachel appare confusa ma tranquilla, finché
non scambia l’agente per il suo povero
marito defunto, per poi aggredirlo anche
fisicamente. Teddy è terribilmente turbato
dall’avvenimento.
8
Approfittando della confusione post
uragano, i due agenti riescono a infiltrarsi nell’area più impenetrabile di Ashecliffe, un maniero, in cui sono rinchiusi i pazienti più pericolosi, un luogo finora a loro
interdetto. In una cella sotterranea, Teddy
ritrova George Noyce, l’uomo che l’aveva
avvisato degli esperimenti. George è stato
nuovamente arrestato con l’inganno, proprio per le sue rivelazioni e confida a Teddy che l’intera indagine su Rachel Solando è stata una trappola per attirarlo lì.
Infine, Gorge confida la sua paura di essere condotto al faro.
Più convinto che mai che proprio nel
faro abbiano luogo gli inumani esperimenti
dei medici, Teddy, nonostante le proteste
di Chuck, prova a raggiungerlo, ma la
marea non glielo consente. In una grotta,
si imbatte in una donna, che dice di essere
la vera Rachel Solando, una dottoressa
dell’ospedale fuggita perché non approvava i metodi e le strane ricerche che si svolgono ad Ashecliffe e che da molto tempo
vive nascosta: quando provò a opporsi,
venne ricoverata come paziente. La donna
conferma ogni timore di Teddy: nell’ospedale vengono utilizzati psicofarmaci per
ottenere e gestire il controllo mentale, con
l’obiettivo di creare spie infiltrate da utilizzare nella guerra fredda. Molto probabilmente lo hanno già drogato con cibo,
bevande e sigarette, ma soprattutto con i
farmaci che gli diedero appena sbarcato,
quando stava male per la traversata.
Teddy riesce a raggiungere il faro, trova il dottor Cawley che lo aspetta in cima.
Il dottore, a questo punto, rivela che Teddy è, in realtà, Andrew Laeddis: ha ucciso
sua moglie Dolores (affetta da psicosi maniaco depressiva) dopo che lei aveva affogato i loro tre figli. Il mondo parallelo, in
cui lui è un eroico agente federale, è una
difesa dal dolore (anche Rachel Solando
fa parte della sua immaginazione). Andrew
è in cura da due anni dal dottor Sheehan
(l’uomo che pensava fosse il suo collega
Chuck) che, insieme al dottor Cawley, hanno messo in piedi questa spettacolare simulazione, sperando di riportarlo alla realtà: l’alternativa è la lobotomizzazione.
La memoria di Andrew torna, si rende
conto del passato e della situazione reale,
ma ha subito una ricaduta e Cawley è costretto a decidere per l’intervento. Andrew
chiede al dottor Sheehan se lui pensi che
sia peggio vivere da mostro o morire da
uomo, lasciando poco chiaro se abbia veramente avuto una ricaduta oppure stia
solo fingendo per poter essere lobotomizzato e scappare definitivamente dalla realtà e dal dolore di un ricordo sempre presente.
Film
ontinua la liaison lavorativa tra
l’attore Leonardo Di Caprio e il
regista Martin Scorsese. Stavolta, a tenerli insieme, l’omonimo romanzo
di Dennis Lehane (già autore di Mystic
River) qui sceneggiato da Laeta Kalobrigidis. Un lavoro su commissione, si sussurra. Ma tant’è.
Da Lewton a Wiene a Preminger, e perfino Hitchcock e (addirittura!) Lynch: molte
le suggestioni cinematografiche che sottendono alla pellicola. Chi ha parlato di “Gabinetto del Dottor Scorsese”, parafrasando il
titolo del capolavoro del 1920, non è andato tanto lontano dalla verità. Le tensioni
espressioniste, nella scelta dei tagli di luce,
nella selezione di inquadrature oblique, nel
modo di catturare il volto teso e sofferente
di Di Caprio, sono tutte volte a ricreare una
sorta di labirinto psicologico, in cui protagonista e spettatore dovrebbero perdersi.
Scorsese allora esaspera l’immagine e i
gesti, con il reverse delle azioni tanto caro
a Lynch e con scelte di fotografia mai stabili nel tempo e nemmeno coerenti, talvolta
sature di colore e talaltra sbiadite: confonde, stupisce, semina dubbi interiori e stuzzica la paura del complotto. L’isola, come
spazio sospeso tra acqua e cielo, si rivela il
C
non-luogo ideale, in cui le regole del continente, quelle della collettività, sembrano
lontane e inutili. A tratti, il pensiero corre al
capolavoro crudo e incompreso del 1973
di Robin Hardy, The Wicker Man, in cui l’incrollabilità delle convinzioni del protagonista lo conducono a una fine inaspettata
quanto incomprensibile.
Qui Scorsese è riuscito a mantenersi
in equilibrio tra lucidità sfrenata e ambiguità torbida, tra l’horror e il thriller, sovrapponendo alla realtà tangibile dell’isola i
sogni e i ricordi del protagonista, in un vortice che porta a una terribile conclusione:
l’orrore più difficile da comprendere (e subito dimenticare), in un periodo storico
stretto tra due conflitti – la seconda guerra
mondiale e la guerra fredda con l’Unione
Sovietica – può essere nel giardino di casa,
o nella propria mente.
Eppure, per un film che punta molto
sul confondere il suo pubblico, in attesa
della rivelazione finale liberatoria, non tutti gli indizi sono ben nascosti. Anzi. L’eccessivo didascalismo, da leggersi forse
come l’esasperazione del concetto di
mainstream e il suo sfrenato desiderio di
arrivare a tutti e il prima possibile, mina di
fatto l’impalcatura del film: la rivelazione
conclusiva, quando arriva (dopo ben 138
minuti) non è davvero un segreto per nessuno, tanto è stata annunciata e preparata. E questo è il grosso limite del film, che
comunque ha meriti estetici di altissima
levatura.
La recitazione – e non parliamo soltanto del protagonista Leonardo Di Caprio
– è senza dubbio di altissimo livello, fondamentale per tenere in piedi l’impianto di
suspense del film e per permettere di entrare nella visione distorta di un mondo
sempre più privo di logica. Eccezionale, in
tal ottica, il lavoro sulla colonna sonora,
capace di suggestioni misteriose e inquietanti.
A differenza dal romanzo da cui è tratto, il film devia proprio nella parte finale,
suggerendo quel che Lehane velava. Anziché il dubbio, a permanere nello spettatore è allora la pena infinita, il dolore e
l’atrocità di una impossibile espiazione. E
la domanda di Teddy/Andrei/Di Caprio
“Peggio vivere da mostro o morire da
uomo?”, rivolta a chi non è stato capace di
una risposta salvifica, rimane ad agitarsi
a lungo nel cuore dello spettatore.
Manuela Pinetti
LEGION
(Legion)
Stati Uniti, 2010
Trucco: Svetlana Britt, Isabel Harkins, James MacKinnon
Supervisore effetti speciali: Ian O’Connor (Los Angeles)
Coordinatore effetti speciali: Randy E. Moore
Supervisori effetti visivi: Joe Bauer, Doug Campbell (SPIN
West VFX), Gray Marshall, Jonathan Rothbart
Coordinatori effetti visivi: Melissa Abad, Michael Chochol,
Sk Nguyen (Look Fx),
Supervisore musiche: Chris Douridas
Interpreti: Paul Bettany (Michael), Lucas Black (Jeep Hanson),
Tyrese Gibson (Kyle Williams), Adrianne Palicki (Charlie), Charles S. Dutton (Percy Walker), Kevin Durand (Gabriel), Jon Tenney (Howard Anderson), Willa Holland (Audrey Anderson), Kate
Walsh (Sandra Anderson), Dennis Quaid (Bob Hanson), Jeanette Miller (Gladys Foster), Doug Jones (uomo dei gelati), Josh
Stamberg (Burton), Yancey Arias (Estevez), Danielle Lozeau
(adolescente), Bryan Chapman (giocatore di football), Kaye
Wade (anziana signora), Chuck Hicks (anziano signore), Stephen Oyoung (guardiano del magazzino), Tyra Danielle (donna
con regali), Jeffrey Feingold (angelo), Rich Gill (rocker fannullone), Brett Heicher (giocatore di football posseduto), Gloria Kennedy (Senzatetto), Z. Ray Wakeman (demone), Luce Rains,
Cameron Harlow, Denney Pierce, Django Marsh
Durata: 100’
Metri: 2860
Regia: Scott Stewart
Produzione: David Lancaster Michel Litvak per Bold Films
Distribuzione:Sony Pictures Releasing Italia
Soggetto e sceneggiatura: Peter Schink, Scott Stewart
Direttore della fotografia: John Lindley
Montaggio: Steven Kemper
Musiche: John Frizzell
Scenografia: Jeff Higinbotham
Costumi: Wendy Partridge
Produttori esecutivi: Jonathan Rothbart, Gary Michael Walters
Produttori associati: Garrick Dion, Garth Pappas, Peter
Schink
Co-produttori: Steve Beswick, Marc Sadeghi
Line producer: Brad Southwick
Direttore di produzione: Marjorie Ergas
Casting: Rick Montgomery
Aiuti regista: Brinton Bryan, David Dwiggins, Carey Field, Alisa Fredericks, Parker Lonbaugh
Operatore: Henry Cline
Arredatore: Gabrielle Petrissans
Supervisore trucco: Art Anthony
Effetti speciali trucco: Jason James, Steve Winsett
A
i margini del deserto del Mojave,
un diner diventa l’epicentro del
resoconto finale della Terra. Uno
sparuto e variegato gruppo di persone,
chiaramente ignaro di quanto accadrà di
lì a poco, pensa che le cose peggiori siano
9
loro già capitate. Bob è il proprietario del
locale, Jeep è suo figlio, meccanico nell’adiacente officina, ha molto a cuore
Film
Charlie, la bella cameriera del diner, prossima al parto (nessuna notizia rilevante sul
padre del nascituro). Quattro clienti non
vedono l’ora di essere altrove: una coppia
benestante di periferia, Sandra e Howard,
la loro figlia adolescente Audrey, disinibita e ribelle, e Kyle, che si è perso con l’auto e cerca inutilmente di contattare telefonicamente suo figlio. A completare il quadro, il cuoco Percy, uomo dalla fede semplice e ottimo conoscitore della Bibbia.
La famigliola borghese attende che Jeep
ripari la loro auto; nel frattempo, Sandro
esprime vivacemente al marito le sue opinioni
sull’atteggiamento e il look della figlia, mentre Howard cerca di difenderla. Nessun telefono sembra funzionare e Kyle non riesce a
fare la sua telefonata. La radio smette di funzionare e anche la televisione: neanche i soliti colpi ben assestati riescono a farla ripartire. Per inciso, veniva ironicamente trasmesso il film La vita è meravigliosa.
Tutti hanno un’ipotesi, che spazia dal
terremoto all’attacco terroristico. Mentre
ragionano sul loro isolamento, giunge una
nuova cliente, una donna anziana apparentemente dolce, che addirittura si presenta a tutti e sembra avere una gran voglia di chiacchierare. Eppure, nel giro di
pochi attimi, l’adorabile vecchina griderà
oscenità aggredirà Howard, lasciandolo
gravemente ferito prima di compiere gesti
assurdi come camminare sul soffitto del
locale. Intanto, un impenetrabile stormo di
insetti volanti rende il ristorante l’unico
luogo sicuro per diverse miglia.
All’improvviso uno sconosciuto dallo
sguardo torvo giunge su un auto della polizia chiaramente rubata e si unisce a loro,
munito di un arsenale di armi. L’imponente
sconosciuto informa Charlie che suo figlio
che sta per nascere è l’unica speranza per
l’umanità e che lui è pronto a tutto per proteggerlo. Nessuno sembra prendere sul serio l’uomo, ma quando un sorridente uomo
dei gelati e un bambino, piombati nel diner
all’improvviso, si trasformano in spaventose minacce, servirà per forza ricredersi.
Uno a uno clienti e lavoranti del diner
saranno uccisi, in maniera più o meno spettacolare e/o dolorosa, dalle forze del male.
Che sono poi forze divine, come spiega lo
sconosciuto, che altri non è che l’Arcangelo Michele, contrario alla volontà di Dio
di sopprimere l’intera l’umanità, perché
stanco e deluso delle sue malefatte. Quale
sia la goccia che ha fatto traboccare il vaso
non viene detto, ma lo scontro è sempre
più agguerrito, dentro e fuori del locale.
Alla fine, rimarranno soltanto Jeep,
Charlie e il bimbo conteso (nato con parto
naturale ultra rapido). Su un altura si consuma lo scontro finale tra arcangeli, che
sospende e rimanda la divina soluzione finale. Intanto, su un auto dal bagagliaio carico di armi automatiche, la novella sacra
famiglia inizia il suo moderno esodo, che
supponiamo carico di avversità.
ostro Signore dell’Apocalisse non
è soddisfatto dell’umanità. Di più:
è talmente irato con gli uomini che
ha preso l’estrema decisione di cancellarne l’esistenza. Un esercito di angeli è lì,
pronto a obbedire. Tranne uno: l’Arcangelo Michele, spinto dalla fiducia che prova
verso i disobbedienti figli di Dio. Senza stare lì a sottilizzare, l’arcangelo ribelle si
mette in prima persona contro l’esercito
alato di suoi simili e spara, spara, spara.
Per buoni due terzi del film.
La posta in gioco è altissima: l’oggetto
del contendere, dall’alto dei cieli, è il nascituro (è quasi Natale, sarà il Messia?), figlio
di una cameriera che non esita a fumare
sigarette su sigarette, nonostante la gravidanza avanzatissima. Inutile domandarsi
come il pargolo (forse) divino sia arrivato
nelle sue carni: ogni volta che il film si inerpica in spiegazioni filosofico-bibliche l’ambita chiarezza sprofonda in monologhi noiosissimi. D’altonde, una volta accettato l’assunto del film, ovvero che in un diner – dall’evocativo nome Paradise Fallen – in una
zona desertica degli States, si decide nientemeno che il destino dell’intera umanità,
si può tranquillamente andare oltre.
Eppure, è proprio la prima parte del film
quella (l’unica) maggiormente riuscita: ottima la fotografia cupa, che ben rende l’atmosfera, perfetta la scelta della location, con
la sabbia bronzea del deserto del west che
sembra insinuarsi in ogni angolo del locale.
N
Asserragliati negli angusti spazi del diner, il
manipolo di non-eroi, malamente assortito
da una famiglia con figlia adolescente, i due
proprietari del ristorante, il barista, la cameriera al nono mese di gravidanza e un
giovane di passaggio, subiranno attacchi da
sciami di insetti, da umani che dovrebbero
– forse - ammiccare agli zombie e dal temibile (!) uomo dei gelati. Primo nemico a palesarsi, mentre televisioni, telefoni e radio
hanno misteriosamente smesso di funzionare, è una vecchina dall’apparenza mite,
che dopo l’ordinazione azzanna al collo il
povero padre di famiglia, annuncia la fine
del mondo e cammina come un ragno sul
soffitto del locale (sì, accade tutto questo).
Dopo, però, può davvero succedere di tutto: le possibilità sono infinite, eppure il regista non le sfrutta a dovere, piantandosi sugli scontri a fuoco con il nemico (che, ricordiamo, è Dio) e tralasciando tutto il resto.
La determinazione dell’arcangelo invasato
e le molte armi automatiche diventano il
cuore del film senza alcuna voglia apparente di spingersi oltre e troppi dettagli sfuggiranno per sempre alla comprensione dello
spettatore. Simbologia spicciola e confronti “telefonati” tra i personaggi tentano di compendiare al vuoto filosofico/etico/religioso
come possono, dunque senza riuscirci.
The Mist incontra Dogma ed evoca
Romero, ma il risultato è inconcludente e,
al tempo stesso, già visto. Scritto dallo stesso regista, che dichiara senza paura del
ridicolo che durante la stesura della sceneggiatura ha sempre tenuto a mente “il
concetto di inquietudine, che proviene da
Freud”. Per l’appunto.
Manuela Pinetti
TUTTO LAMORE DEL MONDO
Italia, 2010
Regia: Riccardo Grandi
Produzione: Medusa film, Nicola Vaporidis
Soggetto: Ispirato alla commedia teatrale “Inter-Rail” di Massimiliano Bruno
Sceneggiatura: Edoardo Falcone, Andrea Bassi
Direttore della fotografia: Maurizio Calvesi
Montaggio: Consuelo Catucci
Musiche: Michele Braga
Costumi: Eva Coen
Aiuti regista: Gianluca Gamberini , Edoardo Petti
Supervisore effetti visivi: Enrico Pieracciani
Interpreti: Nicolas Vaporidis (Matteo), Ana Caterina Morariu (Anna), Alessandro
Roja (Ruben), Myriam Catania (Valentina), Eros Galbiati (Giampiero), Sergio Rubini
(Maurizio Marini), Enrico Montesano (Tommaso De Angelis), Monica Scattini (Silvia
Teodorani), Antonio Gerardi (Xavier), Claudio Pacifico (Willy Mango)
Durata: 100’
Metri: 2750
10
Film
atteo Marini è un trentenne avvezzo ai sentimenti. Aspirante
giornalista, Matteo lavora per
la casa editrice Magic Planet Book, con la
speranza di guadagnare quanto basta per
cancellare il debito che pende sulla libreria della madre. La grande occasione arriva quando la signora Teodorani, direttrice della casa editrice, decide di affidargli la stesura di una guida sui luoghi romantici del vecchio continente intitolata
“Tutto l’amore d’Europa”. Matteo ha solo
tre mesi per redigere una guida diversa
dalle altre, una guida scritta con il cuore e
non solo con la mente.
Barcellona, Parigi, Inghilterra e Amsterdam. Inizia dalla Spagna il viaggio on
the road di quattro ragazzi: Matteo, Ruben il fotografo un po’ scapestrato, l’esuberante Valentina e Anna, la neolaureata
in Legge con la passione per la scrittura.
Giunti a Parigi, i ragazzi vengono derubati di tutti i loro averi. Dopo aver chiesto invano aiuto alla facoltosa famiglia di
Anna, a Matteo non resta che rivolgersi a
quel padre che l’ha abbandonato da piccolo per girare il mondo e che ora vive di espedienti in Inghilterra. Fallito non solo il tentativo di recuperare un po’ di soldi, ma, soprattutto, di un riavvicinamento al padre,
Matteo e i suoi compagni decidono di rivolgersi a un amico che vive ad Amsterdam.
M
Qui Anna, improvvisandosi ballerina di lap
dance, vince un premio di tremila euro che
gli permetterà finalmente di ripartire.
Ma Matteo scopre che la ragazza è figlia di colui che vuole far chiudere la libreria della madre e decide di proseguire il viaggio con Ruben e Valentina che, nel frattempo, hanno scoperto di aspettare un bambino.
Ricevuta la notizia della morte del padre, Matteo torna a Roma. Qui, grazie ad
Anna non solo recupererà le prove che gli
permetteranno di non perdere la libreria,
ma finalmente riuscirà a concludere la
guida sui luoghi romantici d’Europa e a
partire con la ragazza che ama per scrivere con lei “Tutto l’amore del mondo”.
ratto dalla pièce teatrale Inter-Rail
di Massimiliano Bruno, Tutto
l’amore del mondo è il primo lungometraggio per il cinema del regista Riccardo Grandi e di Nicholas Vaporidis come
produttore.
Formatosi alla scuola della pubblicità e
dei video musicali, Grandi ha realizzato una
commedia sentimentale sicuramente più
adatta agli adolescenti che sognano di partire per un viaggio on the road con gli amici, piuttosto che a coloro che cercano il racconto originale di una bella storia d’amore.
Infatti, seppur privo di quelle volgarità linguistiche e visive che oggi, sempre più
T
spesso, sembrano inevitabili per segnare il
successo di una pellicola, Tutto l’amore del
mondo è un film banale, dai risvolti prevedibili, con personaggi scontati, attori non
bravissimi e con una regia forse troppo legata alla brevità dello spot pubblicitario o
del video musicale. Le quattro tappe del
viaggio on the road, infatti, sembrano blocchi narrativi privi di raccordi drammaturgici
o visivi che permettano allo spettatore di
avere la visione di un continuum narrativo.
Va apprezzato, tuttavia, il tentativo di
offrire allo spettatore un diverso spaccato
delle città europee, lontano dalle immagini da cartolina, o da guida per turisti. Parigi non è solo la Tour Effeil, ma è anche il
buio della banchina lungo la Senna; Amsterdam non è solo tulipani e zoccoli di legno, ma anche graffiti, giovani artisti di strada e locali notturni. Si tratta, in fondo, di
uno spaccato delle città europee che sicuramente appartiene (forse volutamente)
un po’ di più al pubblico di oggi, soprattutto quello trentenne.
Buone anche le scelte musicali di Michele Braga per la colonna. Diciassette
brani di ottima musica come Skunk Anansie, Lilly Allen, Amy McDonald e Empire
of the Sun fino al cantautore romano Alessandro Mannarino.
MANOLETE
(Manolete)
Spagna/Gran Bretagna, 2007
Regia: Menno Meyjes
Produzione: Andrés Vicente Gómez per Future Films/HandMade Films/Lolafilms/Pierce-Williams Entertainment/Sequence Film
Distribuzione: Eagle Pictures
Soggetto e sceneggiatura: Menno Meyjes
Direttore della fotografia: Robert D. Yeoman
Montaggio: Frances Parker, Sylvie Landra
Musiche: Gabriel Yared, Dan Jones
Scenografia: Salvador Parra
Costumi: Sonia Grande
Produttori esecutivi: Andrés Vicente Gómez, Stephen Margolis, Albert Martinez Martin, Michael A. Pierce, Mark Williams
Produttore associato: Carola Ash
Line producer: Victor Albarran
Direttori di produzione: Victor Albarrán, Leire Aurrekoetxea
Casting: Camilla-Valentine Isola
Aiuti regista: Jorge Calvo, Cristina Vergana Catherineau, Karin Marzocchini, Federico Untermann
Operatore: Sergio Delgado
anuel Rodríguez, meglio conosciuto come Manolete, è un famosissimo torero spagnolo degli anni Quaranta. Uomo timido e dall’aspet-
M
Arredatore: Laura Musso
Supervisore trucco: David Martí
Effetti speciali trucco: Arjen Tuiten (DDT)
Trucco: Ana Lozano,
Acconciature: Antonio Panizza, Gregorio Ros
Effetti: Reyes Abades
Supervisore effetti visivi: Jonathan Hills
Supervisore musiche: Eugenia Melian
Suono: Antonio Bloch
Interpreti: Adrien Brody (Manolete), Penélope Cruz (Lupe
Sino), Santiago Segura (Guillermo), Juan Echanove (Pepe
Camará), Josep Linuesa (Enriqhe de Ahumada), Nacho Aldeguer (Luis Miguel Dominguín), Ann Mitchell (Doña Angustias), Berta de la Dehesa, Natalia Moreno (sorelle di Manolete), Antonio Chacón (padre di Manolete), Enrique Arce (manager di Dominguín), Carlos Miranda (sacerdote), Francisco
Ruiz Salado (assistente), Luis Miguel Marstre, Antonio Apresa (Picadores), Juan Currín, Francisco Ruiz, Rafael Guerrero
(banderilleros), Sergio Pazon (torillero), Omar Muñoz (Manolete da bambino), Carlos Miranda (prete)
Durata: 115’
Metri: 3150
to desolatamente triste, il matador durante
la stagione delle corride viaggia spostandosi di arena in arena, costruendosi la carriera più giusta per affermarsi come una cele11
brità. La Spagna, infatti, in pieno regime dittatoriale, vede nei toreri del tempo gli idoli
sui quali proiettare le proprie frustrazioni.
Ogni giorno si esibisce in tutta la sua ele-
Film
ganza sfidando la morte, che sembra seguirlo come un’ombra. Durante un viaggio, conosce Lupe Sino, una giovane attrice bellissima dal passato turbolento. Così diversa
da lui, orgogliosa e sensibile, piena di vita,
la donna porta nella sua esistenza uno spiraglio di luce. Nonostante lo stesso Franco
cerchi di allontanare la donna, facendola
anche incarcerare, inizia tra i due una relazione turbolenta, per la quale Lupe seguirà
Manolete in tutte le sue esibizioni, fino in
Messico. Lupe prova a insegnare al matador ad amare la vita e ad affrancarsi dal
suo stato di servitù verso un regime, una
famiglia, un pubblico, uno stuolo di assistenti che, pur di sfruttarlo, lo mandano ogni
giorno a rischiare la vita. Tuttavia i suoi
sforzi sembrano incapaci di distoglierlo dal
fascino della danza con la morte. Baciato
dalla fama e dal sostegno del popolo finché
si batte nella sua terra, una volta in Messico, il suo pubblico gli preferisce l’affascinante Luis Miguel Domiguin. Lupe, tuttavia, sembra incapace di rinunciare del tutto alla propria libertà e Manolete impazzisce di gelosia, arrivando persino quasi a
sparare alla donna. Dopo vari spostamenti
in paesi diversi, l’uomo decide di sfidare a
Linares, il suo nemico numero uno del momento, Domiguin, per riconquistare il podio. Intanto Lupe cerca di raggiungerlo disperatamente, preannunciando il pericolo.
Dopo aver fatto un’esibizione incredibile ed
essere stato acclamato dall’intera arena,
Manolete non si ferma e prova a finire il
toro con la spada, ma viene incornato a una
gamba. La ferita è troppo profonda, ha compromesso le arterie e nessun medico riesce a
bloccare l’emorragia. Lupe arriva trafelata,
ma non la fanno neanche avvicinare; i due
amanti si guardano da lontano, prima che
Manolete muoia, sussurrando il nomignolo
dato segretamente alla donna.
l film si svolge nella Spagna franchista degli anni ’40, nazione impoverita dalla Guerra Civile che ritrova nella Corrida un momento di festa e in
Manolete uno dei suoi ultimi eroi. Menno
Meyjes, al suo terzo lungometraggio, già sceneggiatore di film di discreto successo, ricostruisce la vita di Manuel Rodríguez Sánchez, realizzando una pellicola intensa e malinconica, dopo sessanta anni dalla morte
del famoso torero. Il meccanismo narrativo
della vicenda è chiuso in un lunghissimo
flashback: da una parte i ricordi di Manolete
e dall’altra i suoi ultimi giorni di vita, fino al
tragico incidente del 28 agosto 1947
nella Plaza de Toros di Linares, dove morì a
soli trent’anni. Nella pellicola, distribuita in
I
Italia oggi, ma realizzata nel 2007, gelosie,
passioni, impulsi di vita e macabri richiami
alla morte si intrecciano, inesorabilmente
segnati da un’affascinante danza tra eros e
thanatos. Il torero viene rappresentato come
un eroe tormentato e malinconico, dallo
sguardo triste e intimidito, che trova la sua
forza nello scontro quasi quotidiano con la
morte, sua unica “amante” fino all’incontro
con Lupe, in contrasto vero e proprio inno
alla vita. Il regista sceglie di costruire il suo
film puntando anzitutto sulla forza dell’immagine, con la scelta di tre colori in particolare:
il bianco, il rosso e il nero, associati simbolicamente alla purezza, al sangue nonché alla
passione, e alla morte. Ad un fitto montaggio alternato che mescola passato e presente, Meyjes affianca una fotografia calligrafica e curata nei minimi dettagli. Ma il risultato
non sarebbe stato lo stesso senza la presenza di due premi Oscar come Adrien Brody e Penelope Cruz, attorno a cui sembra
essere cucito il film. Il primo, la cui somiglianza al vero Manolete è impressionante (come
ci viene mostrato dai titoli di testa e di coda
che scorrono sulle immagini di vecchie riprese), riesce a conferire al suo personaggio credibilità e un senso di tristezza ed eleganza.
L’attore ha infatti dovuto studiare mesi in Spagna presso i migliori toreri, lavorando molto
su se stesso per trasmettere al suo protagonista quell’espressione sofferta e quella leggiadria nel portamento. Penelope Cruz, con
la sua bellezza semplice ma accattivante e
il suo sorriso contagioso, mantiene quel costante senso di mistero che rende il personaggio interessante e mai scontato.
Veronica Barteri
LA VITA È UNA COSA MERAVIGLIOSA
Italia, 2010
Regia: Carlo Vanzina
Produzione: International Video 80
Soggetto e Sceneggiatura: Enrico Vanzina, Carlo Vanzina
Direttore della fotografia: Carlo Tafani
Montaggio: Raimondo Crociani
Musiche: Armando Trovajoli
Costumi: Daniela Ciancio
Aiuto regista: Giorgio Melidoni
Effetti visivi: Andrea Baracca
Interpreti: Gigi Proietti (Claudio), Vincenzo Salemme (Antonio), Enrico Brignano
(Cesare), Nancy Brilli (Elena), Luisa Ranieri (Laura), Emanuele Rossi (Enzo Rossetti), Virginie Marsan (Vanessa), Orsetta De Rossi (Federica), Sebastiano Lo Monaco (Prof. Terenzi), Yulya Mayarchuk (Doina), Armando De Razza (Pignoli), Frank
Crudele (Senatore), Maurizio Mattioli (Vittorio Manetti), Rodolfo Laganà (Gigi), Vincenzo Crocitti (Augusto Rossetti), Carlo Fabiano (Luca, figlio di Claudio), Anis Gharbi (Mustafà), Fedrico Torre (Ispettore Moretti)
Durata: 103’
Metri: 2850
12
Film
otto il cielo primaverile di Roma,
negli ambienti alto borghesi dilaniati dal silicone, dai tradimenti, dai finanziamenti illeciti e dalle intercettazioni, si intrecciano quattro storie:
quella del rinomato chirurgo Claudio, del
banchiere Antonio, del poliziotto Cesare e
della bella Laura.
Claudio è sposato con Elena, una bella ed elegante signora della “Roma Bene”,
la cui unica preoccupazione è di far raccomandare il figlio Luca agli esami di
Medicina. Il migliore amico di Claudio è
invece Antonio, il presidente della potente
Banca Romana, al quale molti chiedono
soldi neri per le loro attività, soprattutto
nell’ambito sanitario. Finito tra gli indagati nell’ambito di un’inchiesta proprio sui
finanziamenti illeciti, Antonio scopre di
essere spiato dalla polizia e di avere la casa
piena di microfoni nascosti. Ad ascoltare
le intercettazioni, c’è Cesare, un poliziotto
romantico e un po’ imbranato che da poco
ha scoperto che la fidanzata rumena lo tradiva proprio con il professore Terenzi, il
direttore di una clinica privata finanziata
illegalmente dalla Banca Romana.
Nel corso delle intercettazioni, Cesare
ascolta le conversazioni tra la moglie di Antonio e la sua fisioterapista Laura. Il poliziotto cerca di conoscere la ragazza e se ne
innamora, continuando però a nasconderle tutta la verità. Nel frattempo, Antonio
S
aiuta un giovane impiegato, conosciuto durante un giro in bicicletta, ad avere dei tassi più bassi sul mutuo per la casa, ma senza
rivelare la sua vera identità. Claudio e Elena invece si ritrovano a fingere di essere
due domestici per aiutare il loro maggiordomo Mustafà davanti agli occhi del padre,
arrivato inaspettatamente dall’Africa e convinto che il figlio ce l’abbia fatta in Italia.
Quando Antonio viene arrestato, per
molti le cose si complicano. La moglie lo
lascia e Laura scopre la vera identità di
Cesare. Ma la vita è una cosa meravigliosa, per questo ogni personaggio alla fine
avrà il suo aspettato happy end.
i sono molte cose che bisogna dimenticare quando si parla, dal
punto di vista strettamente cinematografico, di La vita è una cosa meravigliosa l’ultima commedia diretta da Carlo
Vanzina per la sceneggiatura del fratello
Enrico. Innanzitutto che la pellicola ispiratrice sia Le vite degli altri, film drammatico
Premio Oscar come Miglior Film Straniero
nel 2006. Il film del regista tedesco Florian
Henckel von Donnersmarck racconta la
storia affascinante e complessa di un gendarme della Stasi nell’ex Germania dell’Est, incaricato di spiare un gruppo di intellettuali sospettati di essere degli oppositori al regime. Il contatto indiretto con il
mondo dell’arte e della cultura, spingerà
C
lentamente il militare verso una profonda
evoluzione interiore, fino a nascondere egli
stesso le prove contro i sospettati.
Dobbiamo, poi, far finta di non sapere
che il film è intitolato come la famosissima
pellicola del 1947 diretta Frank Capra con
James Stewart, una parodia dai toni fiabeschi della società americana, in cui però
emerge alla fine la forza di vivere della gioventù grazie ai sentimenti come l’amore e
l’amicizia.
Infine, per tornare direttamente al film
dei Vanzina, bisogna non pensare ai nomi
che compongo il cast e non ci si deve domandare dove sia finita l’intenzione iniziale di realizzare una commedia più interessante dei popolari cinepanettoni.
Ma se volessimo parlare di La vita è
una cosa meravigliosa con lo sguardo del
pubblico, allora dobbiamo dire che, uscendo dalla sala, si ha la netta sensazione che
gli spettatori, ancora una volta, si siano
divertiti a sentir battute molto scontate e a
volte volgari, a seguire una trama costellata di punti non sviluppati e di personaggi
non approfonditi, che servono solo a condire un po’ di più la storia. Si ha la sensazione, che alla fine, il film raggiunga il suo
obiettivo: far ridere il pubblico con leggerezza e forse far credere che, in fondo, la
vita è davvero una cosa meravigliosa.
SCUSA MA TI VOGLIO SPOSARE
Italia, 2009
Supervisore effetti speciali: Franco Galiano
Coordinatore effetti speciali: Tiberio Angeloni
Suono: Cinzia Alchimede
Interpreti: Raoul Bova (Alessandro Belli, detto Alex), Michela
Quattrociocche (Niki), Francesco Apolloni (Pietro), Luca Angeletti (Enrico), Cecilia Dazzi (Simona), Ignazio Oliva (Flavio), Francesca Ferrazzo (Erica), Francesca Antonelli (Susanna), Michela Carpente (Diletta), Beatrice Valente Covino (Olly),
Rossella Infanti (Cristina), Pino Quartullo (Roberto), Andrea
Montovoli (Guido), Chiara Tomaselli (Claudia, sorella di Alex),
Cristiano Lucarelli II (Andrea Soldini), Mariano Rigillo (Giovanni), Francesco Arca (fotografo), Cicci Rossini (Maria Cristina), Riccardo Rossi (professor Martini)
Durata: 106’
Metri: 2750
Regia: Federico Moccia
Produzione: Rita Rusic per Medusa Film/ Arella Film
Soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di Federico Moccia
Sceneggiatura: Federico Moccia, Chiara Barzini, Luca Infascelli
Direttore della fotografia: Marcello Montarsi
Montaggio: Patrizio Marone
Musiche: Claudio Guidetti, Sugarfree, Emanuele Bossi
Scenografia: Maurizio Marchitelli
Costumi: Grazia Materia
Casting: Gaia Gorrini, Michela Forbicioni
Aiuto regista: Fabrizio Procaccini
Acconciature: Giorgio Gregorini, Aniello Piscopo
uarantenne pubblicitario di successo lui, studentessa ventenne
lei. Dopo tre anni Alex e Niki sono innamorati più che mai. E mentre i loro
amici rincorrono verità sentimentali inesistenti (tra tradimenti, rapporti fugaci e paura di amare), i due fidanzati decidono di
Q
partire per un weekend a Parigi tra negozi
e bancarelle di souvenir. Durante una romantica cena sul bateau mouche, Alex
chiede a Niki di sposarlo e dichiara alla
sua fidanzata “Scusa ma ti voglio sposare”
con una grande scritta a neon collocata
sotto l’arco di uno dei ponti sulla Senna.
13
Alex e Niki decidono di far incontrare
le rispettive famiglie durante un weekend
nella casa di campagna della aristocratica famiglia di lui. Tra differenze culturali,
battute di caccia e dibattiti sull’educazione dei figli, incominciano a insinuarsi nella mente di Niki i primi dubbi sulla sua
Film
reale voglia di sposarsi. A spegnere l’entusiasmo della ventenne anche il bel Guido, un compagno di università che la corteggia, e le invadenti cognate che vorrebbero imporle addirittura la scelta dell’abito
da sposa.
Delusa dall’indifferenza di Alex e dispiaciuta per aver allontanato le sue migliori amiche proprio nel momento più
bello della sua vita, Niki decide di lasciare
il fidanzato e di partire per Ibiza. Triste e
confuso, Alex invece prova una convivenza forzata con i suoi tre migliori amici, nel
tentativo di ritrovare quella vitalità che
aveva contraddistinto la loro giovinezza
prima che restassero imprigionati in rapporti consumati da tradimenti e televisori
al plasma. Ma quaranta anni non sono più
l’età per rincorrere cose futili e lui è ancora disperatamente innamorato di Niki. Alex
decide, così di raggiungere la sua fidanzata e, nel bel mezzo di un rave party, la
implora di tornare con lui. Niki corre tra
le sue braccia e gli dichiara amore per tutta
la vita. Arriva il giorno del matrimonio e,
dopo un attimo di esitazione, ecco i “sì”
che cambieranno per sempre le loro vite.
en poco c’è da dire su Scusa ma
ti voglio sposare, il sequel di Scusa ma ti chiamo amore firmato
Federico Moccia. Il regista e scrittore romano, che ormai sembra diventato il portavoce
ufficiale delle inquietudini sentimentali della
nuova generazione di adolescenti, torna
nelle sale italiane con una delle storie più
banali e cinematograficamente mal costruite che si siano viste negli ultimi dieci anni (e
forse anche più). In meno di due ore di pellicola, infatti, non si scorge alcuno spunto interessante di regia o di sceneggiatura, né
tantomeno l’intenzione di fare qualcosa che
possa essere considerato sufficientemente
valido. Dialoghi banali, battute scontate e mal
recitate sono condite (non potrebbe essere
usato termine più adeguato) da sponsor invasivi messi ben in evidenza senza nessuno scrupolo. Si potrebbe dire, anzi, che la
drammaturgia filmica sia stata elaborata in
più punti appositamente per scopi promo-
B
zionali. Spesso infatti, laddove non avrebbe
altro senso se non quello puramente commerciale, ai personaggi viene affidato il compito di parlare di un prodotto, o di interagire
con oggetti dal marchio molto evidente. Ma
se tutto questo è ormai un’abitudine molto
frequente di un certo modo di fare cinema,
si potrebbe chiudere un occhio se almeno
tutto il resto fosse fatto ad arte. Ci imbattiamo invece in attori che non sanno mettere
una battuta dietro l’altra, a una regia che non
potrebbe essere definita tale, in un finale
scontato e in una colonna sonora che non
riesce ad assumere altro ruolo se non quello puramente didascalico.
Insomma, se da un lato va riconosciuto a Federico Moccia il merito di essere
uno dei pochi che oggi riesce a far leggere un libro, o a portare i giovani al cinema
almeno una volta l’anno, dall’altro apprezzeremmo ancor di più se il noto regista
utilizzasse la sua innegabile notorietà per
proporre cose di ben altro spessore.
MISURE STRAORDINARIE
(Extraordinary Measures)
Stati Uniti, 2010
Acconciature: Karen Asano-Myers, Mary L. Mastro, Peter
Tothpal, Peter Tothpal
Coordinatore effetti speciali: Kai Shelton
Supervisore effetti visivi: Dottie Starling (Wildfire VFX)
Coordinatori effetti visivi: Katie Miller, Elbert Irving IV
(Wildfire VFX)
Supervisori musiche: Eric Craig, Brian McNelis
Suono: Eric J. Goldstein
Interpreti: Brendan Fraser (John Crowley), Harrison Ford
(dr. Robert Stonehill), Keri Russell (Aileen Crowley), Meredith Droeger (Megan Crowley), Diego Velazquez (Patrick Crowley), Sam M. Hall (John Crowley Jr.), Jared Harris
(dr. Kent Webber), Patrick Bauchau (Erich Loring), Alan
Ruck (Pete Sutphen), David Clennon ( dr. Renzler), Dee
Wallace ( Sal), Courtney B. Vance ( Marcus Temple ), Ayanna Berkshire (Wendy Temple ), P.J. Byrne (dr. Preston),
Andrea White ( dr. Allegria), G.J. Echternkamp (Niles), Vu
Pham (Vinh Tran), Derek Webster (Cal Dunning), Jana Lee
Hamblin (scienziata), Shelly Lipkin (capo scienziato), Christopher D. Harder (ricercatore), Eric Derovanessian ( addetto alla sicurezza ), Patricia Ferguson, Jeanette McMahon, Tra’Renee Chambers, Kimberly Howard ( infermiere ), Quigley Provost-Landrum ( Maria ), Lily Mariye
(dr.Waldman)
Durata: 110’
Metri: 3000
Regia: Tom Vaughan
Produzione: Carla Santos Shamberg, Michael Shamberg, Stacey Sher per CBS Films/ Double Feature Films
Soggetto: ispirato al libro The Cure: How a Father Raised $100
Million - And Bucked the Medical Establishment - in a Quest
to Save His Children di Geeta Anand
Sceneggiatura: Robert Nelson Jacobs
Direttore della fotografia: Andrew Dunn
Montaggio: Anne V. Coates
Musiche: Andrea Guerra
Scenografia: Derek R. Hill
Costumi: Deena Appel
Produttori esecutivi: Harrison Ford, Nan Morales
Produttori associato: Jordana Glick-Franzheim, Josh Rothstein
Direttore di produzione: Ted Gidlow
Casting: Margery Simkin, Lana Veenker
Aiuti regista: Lyda Blank, Dawnn Pavlonnis, Lisa C. Satriano,
Pete Waterman
Operatori: George Billinger III, Mitch Dubin
Operatori Steadicam: George Billinger III, Glenn Brown
Art director: John Richardson
Arredatore: Denise Pizzini
Trucco: Bill Corso, Whitney James, Stephanie June Johnson,
Karen Iboshi Preiser, Janeen Schreyer
ohn Crowley è un manager di una
piccola società di marketing in
rapida crescita. Sembrerebbe che
quel giovane nato dal connubio amoroso
tra un poliziotto e una cameriera sia riuscito, attraverso lo studio e la dedizione, a
J
raggiungere tutti gli obiettivi prefissati.
Eppure la sua vita prende una piega inaspettata, quando scopre che i suoi due figli sono affetti dal morbo di Pompe, una
sindrome inconsueta che porta dritti dritti
alla morte in quanto impedisce all’orga14
nismo l’assunzione di zuccheri con conseguente indebolimento muscolare. Da questo momento, Crowley insieme alla moglie
si affanna disperatamente nella ricerca
d’informazioni utili a sconfiggere la malattia di entrambi i pargoli, fino a che s’im-
Film
batte nelle pubblicazioni di un certo dottor Robert Stonehill. Nonostante i ripetuti
tentativi di contattarlo telefonicamente, il
padre di famiglia non riesce mai a parlare
con l’insigne scienziato. Visto il peggiorare delle condizioni cardiache della figlia
maggiore, Crowley decide, a quel punto,
di mollare il lavoro e di raggiungere fisicamente Stonehill. Una volta che il protagonista riesce finalmente ad avere un abboccamento con il medico, costui si dimostra un tipo veramente sui generis, essendo un ricercatore brillante, ma disadattato, con un carattere a dir poco rude e scontroso. Crowley promette a Stonehill di fornirgli una cospicua cifra di denaro per far
decollare un progetto di ricerca, il professore accetta e i due s’imbarcano in una
rischiosa avventura. Ben presto l’associazione a scopi benefici messa in piedi da
Crowley con la consorte è costretta a rivolgersi a investitori esterni che possano
garantire una maggiore entrata di fondi
monetari. Una volta trovati, il battagliero
genitore fonda una società farmaceutica
che si prefigga lo scopo di produrre un
particolare tipo di enzima curativo all’interno di un capannone. In ogni modo,
Crowley è destinato a scontrarsi con la
dura realtà: investitori che chiedono, o
meglio esigono, risultati sicuri e in breve
tempo, pena la sospensione delle risorse
monetarie. Nel frattempo, le idee del dottor Stonehill non passano inosservate, dal
momento che un’importante società farmaceutica si propone di inglobare la loro fondazione. In principio lo scienziato non vuole assolutamente sentire parlare di simile
proposta, ma poi - rispecchiando il copione di amore e odio nei confronti del socio acconsente all’acquisizione. Le cose non
sono destinare a migliorare: da una parte,
l’indole del dottore risulta presto insofferente alla nuova realtà e alla “convivenza” con i suoi colleghi, dall’altra, Crowley vuole accelerare le fasi perché i bimbi
peggiorano giorno dopo giorno. In seguito alla fatidica goccia che fa traboccare il
vaso, il rapporto tra Crowley e Stonehill
si rompe definitivamente, tanto che il secondo viene addirittura estromesso dalla
squadra di ricerca. L’ascia di guerra viene poi sotterrata, allorché il dottore si riappacifica con il protagonista e sceglie di
sottoporre un particolare tipo di enzima a
una serie di esami decisivi. Tuttavia, nuovi guai scombussolano i progetti di Crowley: il piano di sperimentazione del nuovo
farmaco non comprende i suoi figli. A
quanto pare, i motivi sono duplici, riguardando sia un probabile conflitto d’interessi agli occhi delle istituzioni vigilanti in materia, sial’età anagrafica dei bambini. Al
giovane capofamiglia gli crolla il mondo
addosso. Un inaspettato aiuto giunge proprio dal suo compare in affari, ovvero Stonehill, che fornisce una dettagliata motivazione clinica, il cui effetto è quello di
spingere i piani alti a testare il medicinale
sui fanciulli di casa Crowley. Licenziato il
protagonista dal suo datore di lavoro, neppure l’altro legittimo impedimento viene a
sussistere e così non c’è più bisogno di ridiscutere le regole alla base della sperimentazione medica. La terapia sui figli di
Crowley ottiene sin da subito effetti provvidenziali, come mostra una delle sequenze finali, in cui la ragazzina maggiore lascia per la prima volta la sedia a rotelle
per fare un giro in macchina seduta sul posto del passeggero. Stonehill, dal canto suo,
ci si presenta con una macchina nuova
fiammante nel parcheggio di un edificio imponente, la cui targhetta recita “Stonehill
Farmaceutics”.
el lontano 1992, l’australiano
George Miller diresse un dramma ospedaliero dal titolo L’olio di
Lorenzo, puntando su due star d’eccezione come Nick Nolte e Susan Sarandon. Il
film era basato sulla storia vera dei coniugi Michael e Augusto Odone, indaffarati a
sottrarre da morte certa il figlioletto Lorenzo, su cui si è abbattuta una rara forma di
distrofia incurabile, conosciuta con il nome
di ALD o sindrome di O’Malley Greenburg.
Nel 2010 il regista di Notte brava a Las
Vegas, Tom Vaughan, tenta per la sua carriera uno sbocco possibile nella desolante atmosfera ai confini del dolore e della
morte, realizzando Misure straordinarie
con la coppia Brendan Fraser e Harrison
Ford, quest’ultimo nelle vesti di produttore
esecutivo. Anche in questo caso, il cine-
N
15
ma di Hollywood co-produce insieme alla
rete televisiva Cbs una vicenda realmente
accaduta narrata all’interno del libro The
Cure: How a Father Raised $100 Million And Bucked the Medical Establishment in a Quest to Save His Children di Geeta
Anand (pubblicato in Italia dalla Rizzoli),
naturalmente con i dovuti distinguo rispetto alla verità. Innanzitutto, William Canfield,
ossia il vero nome dello scienziato di Oklahoma City che nel 2002 trovò una cura
al morbo di Pompe, è stato tramutato in
Robert Stonehill, in seguito alla decisione
dell’illustre luminare di non essere menzionato nel film. Poi, i piccoli Megan e Patrick Crowley all’epoca dei fatti avevano rispettivamente 5 e 4 anni, mentre nell’opera di Vaughan sono decisamente più grandicelli. Il perché si può facilmente spiegare con l’esigenza di suscitare un maggiore sentimento di tenerezza e compassione nel cuore del pubblico. Considerato altresì che l’arcigno dottor House del piccolo schermo è da sempre sinonimo di successo e approvazione, lo sceneggiatore
Robert Nelson Jacobs ha pensato bene
di affibbiare lo stesso attributo caratteriale
anche al professore con la testa tra le nuvole interpretato da Harrison Ford. “Aspettavo da tempo un personaggio così interessante, diverso dai miei soliti. Non avrei
mai pensato di diventare un cervellone, io
sono un tipo semplice” ha affermato di fronte alla stampa con fare compiaciuto il sessantottenne interprete di tante saghe cinematografiche. Con questo intenso ruolo
drammatico, Ford si conferma per l’ennesima volta interprete di riconosciuto talento, sebbene non si possa dire lo stesso del
paffuto Brendan Fraser e delle sue risorse
attoriali davvero poco inesauribili. Invero,
se fosse per lui, lo spettatore rimarrebbe
Film
comodamente appoggiato allo schienale
della poltrona senza provare mai un guizzo, né di timore, né di trepidazione per le
sorti dei figli gravemente malati. Insomma,
Indiana Jones batte l’eroe della trilogia di
La mummia a mani basse. Parimenti la
bella Keri Russel - sua moglie nella finzione - raggiunge un profitto medio o poco
più, comunque molto al di sotto di altre sue
recenti performance.
Costato 31 milioni di dollari, Misure straordinarie ha incassato in patria (in USA il
film è uscito lo scorso febbraio) la modesta
cifra di 11 milioni di dollari ed è quasi praticamente impossibile che una migliore fortuna gli arrida nel nostro paese. Una diversa gestione della materia trattata, che non
debba necessariamente accumulare sequenze melodrammatiche, avrebbe di sicuro dato maggior valore alla resa estetica.
Misure straordinarie si può di certo considerare un’opera dai temi attuali, soprattutto in un momento come questo in cui il presidente Obama cerca di rivoluzionare il sistema sanitario statunitense, scendendo
quasi sullo stesso terreno d’azione dei coniugi Crowley che – a modo loro – hanno
sfidato le multinazionali farmaceutiche.
WHITEOUT - INCUBO BIANCO
(Whiteout)
Canada/Stati Uniti, 2009
Coordinatori effetti speciali: Stephen Gilbert, Denis Lavigne, Pierre ‘Bill’ Rivard
Supervisori effetti visivi: Dennis Berardi, Thierry Delattre
(Hybride), Jeff Goldman (CafeFX), Daniel Leduc (Hybride),
Richard Martin (Hybride), Brendan Taylor (MR. X Inc.), Thomas Turnbull (Rocket Science VFX)
Coordinatori effetti visivi: Sarah Barber (MR. X Inc.), Matt
Daly (MR. X Inc.), Anouk Deveault-Moreau (Hybride), Myléne
Guérin Hybride), Wendy Hulbert, Anouk L’Heureux (Hybride),
Martine Losier (Hybride), Matt Magnolia (Dark Castle Pictures), Safia Siad
Supervisore effetti digitali: Colin Laski
Supervisore costumi: Rachel Parkin
Supervisore musiche: Ian Neil
Interpreti: Kate Beckinsale (Carrie Stetko), Gabriel Macht
(Robert Pryce), Tom Skerritt (Dr. John Fury), Columbus Short
(Delfy), Alex O’Loughlin (Russell Haden), Shawn Doyle (Sam
Murphy), Joel S. Keller (Jack), Jesse Todd (Rubin), Arthur
Holden (McGuire), Erin Hickock (Rhonda), Bashar Rahal (pilota russo), Julian Cain (co-pilota russo), Dennis Keiffer, Andrei Runtso, Roman Varshavsky (guardie russe), Steve Lucescu (Mooney), Paula Jean Hixson (tecnico di laboratorio), Craig
A. Pinckes (tecnico dell’aereo), Sean Tucker (tecnico delle
operazioni), Nick Villarin (principiante), Louis Dionne (uomo
nella Hall), Patrick Sabongui (prigioniero), Jeremie Campbell
(tecnico sala di controllo), Sarah Murphy-Dyson (assistente
di laboratorio), Marc James Beauchamp
Durata: 101’
Metri: 2770
Regia: Dominic Sena
Produzione: Susan Downey, David Gambino, Joel Silver per
Warner Bros. Pictures/ Dark Castle Entertainment/ Studio
Canal
Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia
Soggetto: tratto dall’omonima graphic novel di Greg Rucka
Sceneggiatura: Jon Hoeber, Erich Hoeber, Chad Hayes, Carey W. Hayes
Direttore della fotografia: Christopher Soos
Montaggio: Stuart Baird, Martin Hunter
Musiche: John Frizzell
Scenografia: Graham ‘Grace’ Walker
Costumi: Wendy Partridge
Produttori esecutivi: Don Carmody, Steve Richards, Greg
Rucka
Direttori di produzione: Ronald Gilbert, Deb LeFaive
Casting: Mary Gail Artz, Shani Ginsberg
Aiuti regista: Doug Carter, Mathew Dunne, Larry D. Katz,
Bethan Mowat, Craig A. Pinckes
Operatori: Tim Merkel, Robert Stecko
Operatore Steadicam: François Perrier
Art directors: Gilles Aird, Martin Gendron, Jean Kazemirchuk
Effetti speciali trucco: Doug Morrow, Jean-Michel Rossignol
Trucco: Erik Gosselin, Amanda Kuryk, Magali Métivier, Bridget
O’Neill, Vasilios Tanis
Acconciature: Corald Giroux, Teressa Hill, Gaétan Landry
Supervisore effetti speciali: Louis Craig
misfero Sud, inverno 1957: sullo
sfondo dell’aurora australe, un
aereo russo vola nel cielo dell’Antartide. A bordo vi sono dei militari,
tra i quali ha inizio una sparatoria. L’aereo viene danneggiato dai proiettili, precipita e s’inabissa tra i ghiacci.
Antartide oggi, il territorio più freddo
e isolato del pianeta. Nella base americana Amundsen Scott, v’è baldoria e allegria
per la smobilitazione, prima che arrivi la
tempesta e con essa i sei mesi del lungo
inverno antartico, il Whiteout. Alla base
presta servizio l’agente federale Carrie
Stetko, vittima di un passato che la tormenta e che ogni tanto riaffiora… Anche lei
dopo due anni è prossima alla partenza,
E
ma, durante una ricognizione aerea, viene
avvistato un cadavere sui ghiacci. Recuperatolo, si scopre essere quello del geologo Weiss, impegnato, con altri due colleghi, nella ricerca di meteoriti. L’analisi
del cadavere, portato alla base durante la
festa, viene affidata al dottor Fury, detto
Doc. Il corpo presenta una ferita alla gamba ricucita in fretta, varie fratture, un colpo mortale inferto da una piccozza. Ma com’è possibile che si trovasse in mezzo a
una landa desolata? Se l’indagine dovesse procedere, Doc paventa il rischio di rimanere lì per altri sei mesi e suggerisce
pertanto di delegarla alla più vicina autorità federale. L’agente Stetko sa però che
il suo dovere le impone di procedere e vie16
ne frattanto convocata alla stazione russa
Vostok dal geologo Mooney. Vi si reca insieme al pilota Delfy. Quando arriva, si
ritrova tuttavia ad assistere all’omicidio di
Mooney, mentre l’assassino tenta di uccidere anche lei. Durante una colluttazione
all’aperto, Carrie subisce l’assideramento di due dita. Alla stazione incontra
l’agente Pryce, inviato dall’Onu per indagare sul primo omicidio avvenuto in Antartide, ond’evitare che la situazione sfugga di mano. Carrie è costretta ad accettare la sua presenza. Insieme a lui e Delfy si
reca presso un punto indicato dai geologi
su una cartina, raggiunto il quale cade in
una cavità nel ghiaccio. Pryce e Delfy accorrono a soccorrerla e lì giù rinvengono
Film
la carcassa dell’aereo precipitato nel ’57,
con dentro vari cadaveri. Rientrati a fatica alla base, Doc è costretto ad amputare
le dita assiderate di Carrie. Dopo l’intervento, la donna rievoca a Pryce il proprio
passato: prestava servizio a Miami insieme al suo compagno e insieme avevano
fermato un pericoloso trafficante argentino. Ma il partner aveva tradito, liberandolo e mettendo così a repentaglio la vita
di lei. Quel che più l’aveva ferita era stato
però l’inganno del suo uomo. Innanzi al
suo tentativo di tirare fuori la pistola, non
aveva potuto che sparargli e lui era volato
giù dalla finestra. Adesso Carrie si trova
nel peggior posto della terra, a espiare la
propria colpa. Alla base arriva Ruben, il
terzo geologo. Racconta che coi colleghi
cercava dei frammenti di meteorite, poi il
radar era impazzito, in prossimità dell’aereo sepolto. Ma l’irriconoscibile assassino lo uccide. Al centro dei suoi piani, sembra esservi un baule che era sull’aereo,
causa dell’omicidio dei russi di allora, oggi
dei tre dottorandi geologi. Il criminale viene bloccato: è l’australiano Russel Haden.
Confessa di aver prelevato dei cilindri dalla cassa dell’aereo e di averli nascosti nel
proprio bagaglio. Ma Russel riesce a fuggire, accoltella Delfy e lotta con Carrie e
Pryce, salvo poi essere travolto dalla tormenta. Nella sua valigia, i due rinvengono
solo dei cilindri pieni di caramelline. È in
corso l’evacuazione. Dall’aereo mancano
tre colli (dal 258 al 260). Carrie li trova
nel magazzino: sono i cadaveri dei tre ge-
ologi uccisi. I loro corpi presentano dei
punti di sutura. Confrontandoli coi punti
della sua mano, Carrie riconosce l’intervento di Doc. Scioglie i punti e rinviene
nei cadaveri i misteriosi cilindri, stracolmi di preziosissimi diamanti grezzi. Doc
arriva e confessa che per lui, che dopo una
carriera brillante era stato relegato a operare in una sperduta base tra i ghiacci,
quella era l’unica possibilità di redenzione. Carrie deve arrestarlo, ma Doc le chiede di poter vedere un’ultima volta l’aurora australis. Lei acconsente. Doc apre la
porta e si abbandona al gelo e dunque alla
morte. Sei mesi dopo, Carrie, Delfy e Pryce
sono ancora alla base. Carrie intanto invia una mail al dipartimento della difesa,
chiedendo il trasferimento, possibilmente
in un posto più caldo.
n thriller sottozero. La festa per
l’imminente partenza è rovinata
dall’affacciarsi della morte: una
serie di omicidi recenti e un gruppo di cadaveri sepolti nella carcassa di un aereo
tra i ghiacci da più di 50’anni. Alla base di
queste morti, un carico di diamanti grezzi.
Il baule che li contiene, inanimato eppure
fondamentale per l’epilogo della vicenda,
domina già le prime scene, sballottato
avanti e indietro sul velivolo durante la sua
caduta. Ma la cui importanza sarà svelata
solo nel corso dello scioglimento narrativo. Le indagini dell’agente Stetko vanno
avanti, rischiando la vita a meno 65 gradi,
in risposta a un inestirpabile senso del
U
dovere, che si scontra con i ruoli, le bugie,
l’individualità tout-court di chi la circonda.
Quel che brucia, però, è per la donna il
tradimento delle persone care: il collega e
compagno di vita in un passato irrisolto,
l’amico medico Doc, con il quale ha condiviso due freddi anni alla base, e la cui intimità di dialogo tradisce fors’anche qualcosa di più. Dominic Sena si conferma
specialista di film adrenalinici, proponendoci un’opera concitata in una situazione
climatica estrema. I movimenti più convulsi appaiono infatti rallentati dal gelo antartico. Se l’azione è sintomo di vita, al bianco si accompagna invece un silenzioso
sentore di morte. Freddo, claustrofobia,
isolamento: la psiche umana subisce continue sollecitazioni, rasentando il limite
della pazzia. Ma anche il corpo rischia continuamente di morire, non appena varca
la soglia con l’esterno e s’incontra, anzi
sprofonda nel protagonista assoluto della
pellicola: il freddo, il bianco accecante, il
Whiteout.
Il film non manca di panorami suggestivi, colti durante i voli aerei, o spingendo lo
sguardo a un orizzonte imperscrutabile,
contraddistinto sempre dal bianco imperante. Segue, infine, il canone della ring-composition: un’affascinante aurora australe
riempie infatti la prima come l’ultima scena.
Ma se in apertura essa precedeva il disastro, nell’ultima viene dopo di esso. La quiete prima e dopo la tempesta antartica.
Luca Caruso
TI AMERÒ SEMPRE
(Il y a longtemps que je taime)
Francia/Germania, 2008
Operatore: Simon Beaufils
Operatore Steadicam: Jan Rubens
Art director: Emmanuelle Cuillery
Acconciature: Patrick Girault
Supervisore effetti speciali: Grégoire Delage
Suono: Stéphane Brunclair, Pierre Lenoir
Interpreti: Kristin Scott Thomas (Juliette), Elsa Zylberstein
(Léa), Serge Hazanavicius (Luc), Frédéric Pierrot (capitano
Fauré), Laurent Grévill (Michel), Lise Ségur (P’tit Lys), JeanClaude Arnaud (Papy Paul), Mouss Zouheyri (Samir), Souad
Mouchrik (Kaïsha), Catherine Hosmalin (insegnante), Claire
Johnston (madre di Juliette e Lea), Olivier Cruveiller (Gérard),
Lily-Rose (Emélia)
Durata: 115’
Metri: 3150
Regia: Philippe Claudel
Produzione: Yves Marmion per UGC YM/ Integral Film/ France 3 Cinéma/Union Générale Cinématographique (UGC)
Distribuzione: Mikado
Soggetto e sceneggiatura: Philippe Claudel
Direttore della fotografia: Jérôme Alméras
Montaggio: Virginie Bruant
Musiche: Jean-Louis Aubert
Scenografia: Samuel Deshors
Costumi: Jacqueline Bouchard
Produttore esecutivo: Sylvestre Guarino
Direttore di produzione: Antoine Moussault
Aiuti regista: Philippe Crave, Thomas Ghitti, Thomas Parnet,
Aurelie Poulain, Julien Zidi
n un non luogo – la sala d’attesa
di un aeroporto – incontriamo il
volto intenso e stanco di Juliette.
Senza trucco e senza sorriso, aspetta se-
I
duta che qualcuno porti via di lì se stessa
e la sua piccola valigia. Si palesa una donna giovane, nervosa e vivace, dai capelli
cortissimi e lo sguardo mai domo: è Léa,
17
sua sorella minore; le due non si vedono
da quindici anni. Léa investe Juliette con
mille parole, aneddoti e racconti, sembra
che voglia colmare nello spazio di un tra-
Film
gitto in auto una distanza di tre lustri, ma
forse è soltanto uno schermo fatto di angoscia. Ma per cosa? E dov’è stata Juliette tutto questo tempo? Juliette è appena
uscita di prigione, ma lo scopriremo un po’
più in là, mentre la rivelazione del motivo
(omicidio) e della vittima (ha ucciso il suo
stesso figlio, ancora bambino) verrà diluita nella seconda metà del film.
La donna è temporaneamente ospitata
dalla sorella, che a Nancy – dipinta come
una bomboniera leziosa – si è costruita in
questi anni una vita perfetta, ma dai dettagli stonati. Léa insegna all’università ed è
sposata con Luc, di mestiere ricercatore;
nella bella casa a due piani vivono anche le
loro splendide bambine adottive originarie
del Vietnam e il papà di lui. Appartengono
a quella borghesia illuminata che possiede
belle abitazioni e ottimi lavori, può contare
su amicizie che aprono la mente, gode di
lunghi fine settimana in grandi case di campagna piene di bambini e di conversazioni
colte. Una vita che sembra uno spot pubblicitario patinato. Eppure tra Léa e Luc la
passione è ormai spenta, lei si è sempre rifiutata di avere figli (“Non sopporto l’idea
di avere un bambino nella mia pancia”, dice
una volta a sua sorella), il nonno non parla
ed è sempre chiuso nella sua stanza a leggere libri e la mamma delle due sorelle, da
tempo preda dell’Alzheimer, vive in una linda casa di riposo poco distante. Non sarà
certo l’intrusa Juliette a portare guai in quel
paradiso, anche se Luc dimostra da subito
freddezza e paura verso quella donna che
non ha mai conosciuto e dal passato oscuro, della quale neanche Léa ha mai parlato volentieri, come se avesse voluto cancellarla dalla sua vita.
Juliette torna con fatica alla vita quotidiana da persona libera. Cerca lavoro
tramite l’assistente sociale, ma il suo passato pesa come un macigno al momento
del dunque: lei è sempre sincera, ma anche gli altri e nessuno vuole assumere
un’infanticida. Le giornate scorrono monotone, tra lunghe passeggiate solitarie e
colloqui di lavoro a vuoto e le due sorelle
recuperano lentamente l’intimità perduta;
vanno in piscina il pomeriggio e talvolta
escono insieme la sera, complici come due
adolescenti in vena di marachelle. Juliette
rimorchia anche uno sconosciuto in un bar,
ma l’esito in una camera d’albergo non è
così scontato, lei lo tratta duramente.
L’amicizia con il poliziotto che si occupa del suo caso, il triste capitano Fauré, sembra preludere a qualcosa di più.
L’uomo è straordinariamente alla mano, i
due si vedono ogni due settimane per le
firme di rito ai documenti e poi seduti in
un bar si raccontano le loro meste vite. Lui
parla spesso del vuoto della propria esistenza e di voler partire per andare a cercare le fonti ancora ignote del fiume Orinoco, che lo appassiona e lo tormenta.
Quando Juliette trova senza preavviso un
nuovo, burbero poliziotto nell’ufficio di
Fauré, pensa felice che lui abbia finalmente
compiuto il grande passo, invece l’uomo
si è suicidato. Seppur molto simili nella
tragicità delle loro vite, Fauré, a differenza di lei, era davvero solo e non ha potuto
contare sulla terapia familiare che lentamente sta guarendo Juliette.
Le anime sole di Nancy sembrano essere attratte dalla nuova arrivata: anche
il sensibile Michel, collega vedovo di Léa,
intreccia un rapporto d’amicizia con Juliette. I due si incontrano al museo comunale o semplicemente in giro per Nancy;
lei tace come sempre sulle ombre del proprio passato, lui non aggredisce il muro di
cristallo che lei pone tra loro.
Con lentezza e con poche parole, Juliette conquista anche Luc, che finalmente
inizia ad avere fiducia in lei, a non avere
più paura a lasciarla da sola con le bambine. La ruota inizia a girare nel verso giusto, arriva anche un lavoro come segretaria presso un ospedale – prima del carcere
Juliette era medico, si scopre – e finalmente
un appartamento tutto per sé non è più un
miraggio. Eppure qualcosa resta ancora
sospeso.
La visita alla madre malata, che ha
cancellato ancor prima della devastante
malattia l’esistenza della figlia assassina,
è lacerante: in un lampo di lucidità la tratta
come una bambina piccola, poi le chiede
di portarla via di lì. Le due donne si abbracciano, prigioniere entrambe di una
prigionia mentale che equivale a una condanna a morte.
Intanto, per un caso, Léa scopre tra gli
effetti personali di sua sorella la foto del
bambino che ha ucciso e un vecchio referto medico, su cui decide di far chiarezza.
Un amico medico, interpellato immediatamente, le rivela che il documento lascia
ben poche speranze di vita al piccolo paziente; il quadro inizia a delinearsi, ma tra
le due donne si renderà necessario un confronto. Juliette, che non ha raccontato neanche durante il processo cosa avvenne di
preciso e, soprattutto, perché uccise quel
figlio che amava tanto, tra le lacrime spiega alla sorella di averlo fatto per evitargli
il calvario di dolore, al quale era senza
scampo destinato a causa di una malattia
che lei stessa, sua madre, aveva diagnosticato. Aveva dunque portato via il piccolo
e, senza nascondergli nulla, gli aveva praticato una dolce morte, per poi costituirsi
e chiudersi in un muro di silenzio.
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Ora che non è più sola nella sua prigione segreta, Juliette può dire finalmente, tra le lacrime: “sono qui”.
ilm d’esordio del quarantacinquenne romanziere di successo
Philippe Claudel (anche sceneggiatore), Ti amerò sempre racconta una storia dolorosa e triste, non priva di risvolti
morali – si parla anche di eutanasia – affrontati con delicatezza, senza clamori e
senza emettere giudizi. Una donna uccide
il proprio figlio, ancora bambino - per troppo amore, verrebbe da dire – ma affida soltanto a se stessa la decisione sulla pena
da scontare; ed è la più dura: ergastolo, inteso come condanna a vivere, a sopravvivere a quel figlio che non c’è più. Il resto, la
giustizia delle leggi e delle carceri, fa il proprio corso, ma a lei interessa poco, tanto
da non tentare neanche, nelle sedi legali,
di spiegarsi o di “giustificare” quel gesto, che
affonda le radici in un amore materno estremo ma anche nella razionalità e nella scienza, nella ricerca medica che le ha fatto scoprire la condanna che grava sul corpicino
che lei stessa ha messo al mondo.
Ma questo passato a Claudel interessa
per lo più come punto di partenza, perché
è il forzato – per decorrenza dei termini di
detenzione – ritorno alla vita di Juliette che
lui vuole raccontare. Per la prima volta nella sua carriera di romanziere, ha avvertito
che la parola scritta da sola non bastava, e
ha deciso di avvalersi in prima persona di
immagini – ma non è la sua prima sceneggiatura - affidando ad attori selezionati con
cura quel che aveva da dire. È stato straordinariamente bravo nello sceglierli quanto
nel dirigerli, ha preteso tantissimo e loro si
sono lasciati guidare con fiducia. Kristin
Scott Thomas (Juliette), spesso in primo
piano senza trucco, pallida e scarmigliata,
non è mai stata così brava e forse neanche
così coraggiosa; con questo film ha collezionato un’infinità di premi e nomination ma non ai Premi Oscar – tutti meritatissimi.
Anche la scelta dell’androgina Elsa Zylberstein nel ruolo della sorella minore (Léa)
non poteva essere davvero più indovinata.
Ognuno vive nella propria personalissima prigione, sembra suggerire Claudel, che
rinchiude molti dei personaggi in situazioni
estreme, talvolta provocate da loro stessi,
come nel caso di Juliette o di Léa, talaltra
semplicemente accadute, come la malattia
della loro mamma o la solitudine di Michel.
Come un etologo, il neoregista studia i loro
comportamenti, analizza le reazioni al dolore e alle privazioni, espone il risultato finale
in maniera asciutta e sorvegliata, fino all’urlata esplosione finale, inequivocabile punto
debole del film. Nel frattempo, tuttavia, non
F
Film
resiste alla tentazione di infarcire il tutto con
richiami letterari – lo scontro verbale di Léa
con un suo studente sull’interpretazione di
Delitto e castigo – e rappresentazioni artistiche del dolore, come il dipinto che Juliette e
Michel ammirano nella galleria. Qui il romanziere prende il sopravvento e il regista soccombe un po’; e non è l’unico caso.
Claudel rimane infatti fedele a una
schematica suddivisione narrativa in capitoli, con tanto di assolvente e dissolvenze
dal/al nero a separare le parti. Ma gioca
molto anche con la materia prima che conosce meglio, ovvero le parole, usando
talvolta modi di dire che lasciano spazio a
equivoci e inserendo anche un breve dialogo inglese tra Juliette e sua madre, carico di valenze affettive e richiami al passato, finezze purtroppo perdute dall’omogeneizzante doppiaggio italiano.
Il film procede lentamente, anche perché il percorso di rinascita di Juliette è difficoltoso e insidioso; sua nemesi è il capitano Fauré, che cede proprio nel momento in cui la vita potrebbe tornare a sorridergli. Ed è un nuovo colpo per la donna,
che in lui aveva trovato un confidente e un
amico – ma forse per lui c’era qualcosa di
più. Dopo l’andatura piana perseguita per
l’intero film, l’esplosione emotiva del finale appare un di più, un eccesso, forse un
tributo al pianto e al dolore così a lungo
imploso da entrambe le protagoniste. Che
non se ne sentisse particolare necessità,
poi, è un altri discorso.
Il titolo originale, Il y a longtemps que je
t’aime, suona in italiano come “è tanto tempo che ti amo” ed è il titolo di una canzoncina che le due sorelle cantavano e suonavano al pianoforte insieme da bambine.
Manuela Pinetti
LA PRIMA COSA BELLA
Italia, 2009
Regia: Paolo Virzì
Produzione: Marco Cohen, Fabrizio Donvito, Benedetto Habib, Gabriele Muccino, Carlo Virzì, Paolo Virzì per Motorino
Amaranto/ Medusa Film/ Indiana Production Company
Soggetto e sceneggiatura: Francesco Bruni, Francesco
Piccolo, Paolo Virzì
Direttore della fotografia: Nicola Pecorini
Montaggio: Simone Manetti
Musiche: Carlo Virzì
Scenografia: Tonino Zera
Costumi: Gabriella Pescucci
Organizzatore: Ferdinando Bonifazi
Direttore di produzione: Alessandro Mascheroni
Casting: Elisabetta Boni, Dario Ceruti, Lorenzo Grasso
Aiuti regista: Elisabetta Boni, Dario Ceruti, Lorenzo Grasso
Operatore: Francesco Di Giacomo
Arredatore: Donato Tieppo
ivorno, 1971. Allo stabilimento
balneare Pancaldi è in corso
l’elezione di Miss Estate. Inaspettatamente, Anna Nigiotti in Michelucci viene eletta Miss Mamma e, da quel momento, la sua esistenza sarà irrimediabilmente stravolta. Cacciata di casa dal marito
carabiniere, ingelosito dai commenti dei
concittadini nei giorni seguenti, la donna
porta con sé i figlioli, Bruno e Valeria e
incomincia a girovagare in cerca di una
sistemazione, di un lavoro, di un avvenire
migliore per lei e i suoi bambini.
Milano, giorni nostri. Bruno Michelucci ha tagliato i ponti con la sua città,
la sua famiglia, il proprio passato e insegna in un istituto alberghiero: tossico e
anaffettivo, viene raggiunto dalla sorella
che gli chiede di tornare a Livorno perché la mamma, malata di tumore, potrebbe avere i giorni contati. Inizialmente controvoglia, Bruno – da sempre legato alla
L
Trucco: Paola Gattabrusi
Acconciature: Massimo Gattabrusi
Suono: Mario Iaquone
Interpreti: Valerio Mastandrea (Bruno Michelucci 2009), Micaela Ramazzotti (Anna Nigiotti in Michelucci 1970-1980), Stefania Sandrelli (Anna Nigiotti in Michelucci 2009), Claudia Pandolfi (Valeria Michelucci 2009), Dario Ballantini (avvocato Cenerini 1970-1980), Marco Messeri (Il Nesi), Paolo Ruffini (Cristiano Cenerini), Emanuele Barresi (Il Lenzi), Fabrizia Sacchi
(Sandra), Bobo Rondelli (Armando Mansani), Aurora Frasca
(Valeria Michelucci 1970), Giacomo Bibbiani (Bruno Michelucci 1970), Giulia Burgalassi (Valeria Michelucci 1980), Francesco Rapalino (Bruno Michelucci 1980), Isabella Cecchi (Zia Leda
Nigiotti), Sergio Albelli (Mario Michelucci), Fabrizio Brandi (Giancarlo 2009), Michele Crestacci (Luciano Vallesi), Paolo Giommarelli (Conte Augusto Paoletti), Giorgio Algranti (vicesindaco), Isabelle Adriani (Giuliana Cenerini 1971-1981)
Durata: 116’
Metri: 3200
madre da un rapporto di amore e odio –
ritrova in quella donna la stessa inguaribile vitalità che, anche in passato, ne aveva caratterizzato, a volte in maniera terribilmente imbarazzante, l’esistenza. E
attraverso alcuni luoghi, o persone, riporta alla mente quei giorni d’infanzia prima, di adolescenza poi, perduti nei meandri della memoria: dalle effimere lusinghe che avvicinarono Anna al cinematografo, passando ai sotterfugi e all’astio
con cui zia Leda, la sorella invidiosa della donna, tentò più volte di “impadronirsi” del marito e dei figli, fino ad arrivare
alla scoperta di una nuova – segreta –
gravidanza della mamma, con Bruno e
Valeria ormai quasi maggiorenni. Ritornare ad allora servirà anche a poter abbracciare finalmente quel nuovo, terzo
fratello, di cui tutti ignoravano l’esistenza. Su un letto di morte, qualche minuto
prima teatro di un festoso matrimonio (tra
19
Anna e l’amico condomino di sempre, il
Nesi), il sorriso e il canto (La prima cosa
bella...) sanciranno la definitiva riconciliazione di una famiglia.
ornato nella natia Livorno oltre
dieci anni dopo Ovosodo, Paolo
Virzì riesce nella non semplice
impresa di realizzare un film divertente e
intimo, corale e commovente, attuale ma
ben ancorato al ricordo di un passato né
idilliaco né adombrato di nostalgia, incentrando il racconto di 40 anni su una storia
d’amore mai banale o melensa, piuttosto
autentica e vitale. La prima cosa bella –
titolo che volutamente riprende il successo canoro di Nicola Di Bari, più volte cantato durante il film dai protagonisti – si sofferma sullo splendido, difficile, doloroso
rapporto tra una madre e i suoi due figli,
fratello e sorella che impareranno a ritrovarsi per stringersi intorno a quella donna,
T
Film
oggi malata, capace di donare il proprio
amore anche solo con un sorriso.
Abile nel districarsi tra i continui andirivieni temporali (il film, di fatto, procede alternando allo sviluppo attuale della storia il pro-
gresso di un passato rievocato dai pensieri
dei vari protagonisti, Bruno in primis), il regista toscano è bravo a concentrarsi sul ritratto di Anna Nigiotti in Michelucci – interpretata con incredibile naturalezza nella staffetta
Ramazzotti-Sandrelli – donna bellissima ed
energica, figlia di un’ingenuità e di una frivolezza a tratti imbarazzanti: raccontarla senza alcun tipo di snobistica presunzione,
amandola dichiaratamente dello stesso amore che nutrono per lei i vari personaggi del
film è forse la chiave di volta di un meccanismo che non può lasciare indifferenti. Allo
stesso modo della capacità dell’intero corpo
attoriale – frutto di un lavoro sul casting di
pregevole fattura – di contribuire alla riuscita
del film grazie a caratterizzazioni ricche di
sfumature e spessore, con il ruolo più delicato affidato a un Valerio Mastandrea dall’insolito accento livornese (ostacolo che l’interprete romano riesce ad aggirare evitando di “caricaturizzare” la parlata, stessa cosa
che riesce alla Ramazzotti e alla Pandolfi),
“costretto” a far ritorno nell’odiata/amata città teatro di un’infanzia/adolescenza trascorsa ad amare/odiare la madre. Intorno alla
quale finirà per stringersi anche lo spettatore, per una volta davvero riconciliato con una
“bella cosa” del cinema made in Italy.
Valerio Sammarco
BANGKOK DANGEROUS - IL CODICE DELLASSASSINO
(Bangkok Dangerous)
Stati Uniti, 2008
Arredatore: Witoon Suanyai
Trucco: Watana Garum, Ilona Herman
Acconciature: Apisasa Chinaputtakul
Coordinatori effetti speciali: Tom Davies, Rangsun Rangsimaporn
Supervisori effetti visivi: John Grower, Bruce Jones, Aaron Kaminar
Coordinatore effetti visivi: Dana Marin Fisher
Supervisori effetti digitali: John Grower (Cinesoup), Aaron Kaminar (Reality Check Studios)
Supervisore musiche: Gina Amador
Interpreti: Nicolas Cage (Joe), Shahkrit Yamnarm (Kong), Charlie Yeung (Fon), Panward Hemmanee (Aom), Nirattisai Kaljaruek (Surat), Dom Hetrakul (Aran), Tuck Napaskorn (fratello di
Kong), Steve Baldocchi (Michigan), Chris Heebink (USC), James With (Chicago), Peter Shadrin (Anton), Arthajid Puengvicha (ufficiale), Duangjai Srisawang (uomo nell’arena), Veerasak Boonchard (Winai), Savaros Sriratum, Pornpat Tipthongkum
(conduttori news), Thanrada Kao-Im (cameriera), Aratchporn
Satead (venditrice), Winai Thawattana (bersaglio), Gonthron
Bossarakam (uomo dei bassifondi), Jeremy Thana (gangster),
Allwarin Apirakyothin (sorella di Aom), Andrew Pfeffer (prigioniero caucasico), Oliver Steel (ragazzo europeo piangente),
Kitchanpon Apirakyothin (tizio grasso), Chalita Chaisaeng, Chatchaya Watcharakitikorn, Arnunthaya Suksalak (donne del tizio
grasso), Thanapon Parnjaroen, Joe Sakol Palvanichkul
Durata: 99’
Metri: 2750
Regia: Oxide Pang Chun,
Produzione: Nicolas Cage, Norman Golightly, William Sherak,
Jason Shuman per Bangkok Dangerous/ Blue Star Pictures/
Initial Entertainment Group (IEG)/ International Production
Company/ Living Films/ Saturn Films/ Virtual Studios
Soggetto: remake del film omonimo del 1999 di Oxide Pang
Chun e Danny Pang
Sceneggiatura: Jason Richman
Direttore della fotografia: Decha Srimantra
Montaggio: Mike Jackson, Curran Pang
Musiche: Brian Tyler
Scenografia: James William Newport
Costumi: Kristin M. Burke
Produttori esecutivi: Denis O’Sullivan, Andrew Pfeffer, Ben
Waisbren
Produttore associato: Matt Summers
Line producer: Chris Lowenstein
Direttori di produzione: Oliver Ackermann, Vlasta Hynek,
Philip Waley
Casting: Tarinee ‘Aoi’ Thaima
Aiuti regista: Kong Hon Cub Chien, Andy Howard, Tippawan
‘Paew’ Mamanee, Supat Nirantarai, Charlie Sungkawess
Operatore: Somsak Srisawat
Operatore Steadicam: Somsak Srisawat
Art director: Arin ‘Aoi’ Pinijvararak
I
l film ha inizio a Praga, dove un
uomo sta cenando da solo. E, tramite la sua voce fuori campo, si
presenta. Il lavoro non gli manca, e nemmeno i soldi. Va dove lo chiamano ed esegue quello che gli dicono. Subito si capi20
sce quale sia la sua professione, assistendo a un assassinio: Joe, questo il suo
nome, spara a un uomo arrestato, negli
Film
uffici della polizia, con un fucile ad altissima precisione, dalla terrazza del palazzo di fronte. Questo è quel che fa, omicidi
su commissione. Joe è un killer senza pietà, che elimina anche chi ha collaborato
con lui. Quattro sono le regole cui si ispira: 1) non fare domande; 2) non fidarsi
di nessuno, perché non c’è nulla di peggio che la confidenza; 3) cancellare ogni
traccia; 4) capire quando è il momento di
andarsene, prima di diventare un bersaglio. Così, ogni volta, prende il denaro e
sparisce per sempre. L’ultimo impiego
prevede però quattro colpi in un solo posto: Bangkok.
Ogni volta, Joe segue la stessa procedura: si sistema in un luogo sicuro e riservato, poi fa un giro in centro per reclutare un ‘assistente’. Qui trova Kong,
ragazzo furbo e che parla l’inglese. Lo
convoca a casa e gli consegna un cellulare, intimandogli di rispondere ogni volta
che lo cerchi, e un orologio, perché il tempo è molto importante e, se ritarda, non
sarà pagato. Il primo compito di Kong è
di andare in un locale, cercare una ragazza di nome Aom, farsi consegnare una
valigetta e portarla a Joe. Questa contiene le ‘istruzioni’: foto della vittima, dove
trovarla, l’arma con cui eliminarla. Il
primo omicidio avviene in città: Joe spara da una moto a un uomo in auto che
legge il giornale. Durante l’attentato, resta però ferito a un braccio. Si reca allora in farmacia, ove rimane affascinato da
una ragazza sordomuta che lì lavora.
Kong, che intanto si è innamorato di Aom,
comprende di cosa si occupi Joe e vuole
apprendere da lui. Il killer si adira, ma
poi accetta. Non lo uccide perché, guardando nei suoi occhi, ha rivisto se stesso.
Così diventa il suo insegnante.
Il secondo omicidio si compie nella
piscina di un albergo, ove Joe trascina a
fondo la propria vittima, facendola annegare. Poi, in farmacia, invita a cena la ragazza che tanto lo ha colpito. I due escono
insieme, quindi la ragazza, che si chiama
Pioggia, lo presenta alla madre.
Il terzo omicidio ha per luogo il mercato lungo il fiume di un paesino distante.
La vittima si accorge però di Joe, fugge e
viene freddato dopo un rocambolesco inseguimento.
Rientrati a casa, guardando la Tv, Joe
e Kong assistono al comizio di un politico
molto amato dai Thailandesi, un gran
brav’uomo. Kong nota: “Lui è come te,
combatte i cattivi e aiuta i deboli”.
Joe e Pioggia si recano in un tempio
buddista, poi in un parco, di notte. Mentre
passeggiano, lei gli consegna un bigliettino, con su scritto ‘Insieme a te sono feli-
ce’. Due uomini, in quell’istante, assalgono Joe alle spalle, ma lui si libera dalla
presa e li uccide. Pioggia è voltata e non
si accorge della colluttazione. La raggiunge però uno schizzo di sangue sulla maglietta e, innanzi a quella scena di morte,
fugge via impaurita. Joe capisce di averla
perduta.
L’ultimo omicidio è quello del politico
visto in Tv, un compito pericoloso. Surat,
il mandante dei quattro crimini, decide di
eliminare Kong e Aom per evitare ogni rischio e la possibilità di un collegamento
tra la sua banda e Joe, intendendo sopprimere alla fine anche lo stesso killer.
Joe si è intanto appostato in un palazzo e mira alla fronte della sua vittima, che
saluta la gente festante da un’auto scoperta, durante una parata. Stavolta però ha
dei ripensamenti. Gli risuonano in mente
le parole encomiastiche di Kong sull’uomo. Poi gli scorrono innanzi tutti gli omicidi commessi, le lacrime sconsolate di
Pioggia... Viene così scoperto dai tiratori
scelti, che aprono il fuoco su di lui. Riesce
miracolosamente a fuggire e a mettersi in
salvo. Mentre si appresta ad abbandonare
la città, dei sicari lo raggiungono in casa
per ucciderlo, ma è lui a farli fuori. Addosso a uno di loro trova l’orologio di
Kong, e capisce che il ragazzo è nelle mani
di Surat.
Joe va a casa di Pioggia – è il congedo
definitivo. Quindi si reca al quartier generale di Surat, ove sgomina l’imponente
apparato di sorveglianza, uccidendo molti uomini. Libera Kong e Aom, dirigendosi
infine verso Surat, “un vero cattivo” che,
rimasto privo dei suoi, si sta dando alla
fuga. La zona è interamente circondata
dalla polizia. L’auto con sopra Surat è ferma davanti al cancello, le sue guardie sono
morte. Joe sale e gli si siede a fianco. Lo
stringe a sé con il braccio sinistro, mentre
col destro si punta la pistola alla tempia.
Le loro teste sono unite, e il colpo che
esplode li uccide entrambi.
on si capisce se il più crudele sia
chi commissiona i delitti o Joe
che li esegue, con freddezza, in
maniera spietata. Uomo dalla vita solitaria,
in giro per il mondo, incapace di affetti, di
relazioni umane, sa solo dare ordini, con
poche precise parole, obbedendo al suo
ferreo rosario di comandamenti, che recita
quale canone inesorabile. Perché il suo obbligo morale gli impone di non lasciarsi coinvolgere dagli uomini e dalle situazioni e di
essere il migliore in tutto quello che fa.
La regia dei fratelli Pang, impegnati
in, questo rifacimento per il mercato americano del loro film d’esordio, datato
N
21
1999, Hong Kong, è alquanto movimentata, a singhiozzo. Le sequenze si succedono rapide e variano in breve i contesti e le storie: Joe, che passa da un
omicidio a un incontro galante, il locale
dove Kong corteggia Aom, lo studio di
Surat, manovratore occulto, che diviene
infine inerte marionetta nelle mani di Joe,
che lo trascina con sé nella morte. Non
vi è infatti redenzione per i protagonisti,
e il film si conclude con una strage. Dopo
aver teorizzato che gli occhi di un uomo
non ingannano – e proprio gli occhi erano l’elemento su cui si concentrava Joe
per identificare le sue vittime – nell’ultima scena, seduto in auto, prima di togliersi la vita, fissa il suo sguardo sullo
specchietto retrovisore, ove gli appaiono solamente i propri occhi: Joe adesso
è la vittima di se stesso, di quel che è, o
forse di quel che è stato, perché, per
quanto l’assassino si sforzi di distruggere ogni traccia, il passato non si cancella mai completamente.
Accenti di poesia, tuttavia, non mancano, pur in un generale contesto di funebre mattanza. Joe, infatti, trova nella
parete di casa il dipinto di un elefante.
Interessato più all’atto pragmatico che lo
attende, cioè la serie di omicidi, forse neanche lo nota. È Kong, il giovane di cui
diviene inspiegabilmente mentore, a suggerirgli che, con la proboscide rivolta verso il basso, l’animale porta sfortuna. Ma
il killer non vi bada e liquida il ragazzo
con un’espressione disgustata e una porta in faccia. Più avanti, mentre Joe passeggia con Pioggia nel parco, i due si
imbattono in un pachiderma, cui danno
da mangiare, mentre è sulla fronte dell’animale che per la prima volta le loro
mani si sfiorano. Tornato a casa, Joe capovolge il quadro e, poco dopo, getta nel
fiume la siringa e l’eroina che probabilmente gli sarebbero servite per camuffare l’omicidio di Kong, qualora avesse
inteso sbarazzarsi del ragazzo al termine della missione, come sua abitudine.
L’amore, insomma, lo migliora. Ma non
lo salva. Joe infatti tentenna, mentre si
accinge al quarto omicidio a Bangkok;
fugge, ma poi la storia lo travolge. Anzi,
lo schiaccia. E, nel tentativo di riportare
giustizia all’interno del suo mondo di rapporti feroci, non può che sopprimere anche se stesso. Ma forse è proprio la fuga
della ragazza amata la sconfitta più amara. Persa lei e con il peso, divenuto insostenibile, di decine di omicidi in ogni parte del mondo, non v’è più ragione di vivere.
Luca Caruso
Film
CELLA 211
(Celda 211) Stati Uniti, 2009
Direttore di produzione: Alicia Telleria
Casting: Eva Leira, Yolanda Serrano
Aiuti regista:Sergio Francisco, Estíbaliz García
Supervisori effetti speciali trucco: David Martí, Montse Ribé
Trucco: Raquel Fidalgo
Acconciature: Inés Rodríguez
Supervisore effetti visivi: Guillermo Orbe
Suono: Tamara Arévalo, Sergio Bürmann
Interpreti: Luis Tosar (Malamadre), Alberto Ammann (Juan
Oliver), Antonio Resines (Utrilla), Marta Etura (Elena), Carlos
Bardem (Apache), Manuel Morón (Almansa), Luis Zahera
(Releches), Vicente Romero (Tachuela), Fernardo Soto (Armando Nieto), Jesús Carroza (Elvis), Manolo Solo (direttore
del carcere), Félix Cubero (German), Juan Carlos Mangas
(Calígula), Antonio Durán ‘Morris’, Jesus Del Caso
Durata: 104’
Metri: 2850
Regia: Daniel Monzón
Produzione: Álvaro Augustín, Juan Gordon, Emma Lustres
Gómez, Borja Pena per La Fabrique 2/La Fabrique de Films/
Morena Films/Telecinco Cinema/Vaca Films
Distribuzione: Bolero Film
Soggetto: tratto dal romanzo Celda 211 di Francisco Pérez
Gandul
Sceneggiatura: Jorge Guerricaechevarría, Daniel Monzón
Direttore della fotografia: Carles Gusi
Montaggio: Cristina Pastor
Musiche: Roque Baños
Scenografia: Antón Laguna
Costumi: Montse Sancho
Produttori esecutivi: Pilar Benito, Emma Lustres Gómez,
Javier Ugarte
Co-produttori: Vérane Frédiani, Franck Ribière
uan Oliver, assunto come secondino in un carcere spagnolo, si
presenta al lavoro un giorno prima per fare buona impressione sui superiori e per rendersi conto di come funzioni
l’organizzazione carceraria. Durante la visita degli ambienti, che compie insieme ai
colleghi, Juan è ferito al capo da un pezzo
d’intonaco che si stacca dal soffitto e sviene. Il giovane è disteso su un giaciglio della cella 211 e lì rimane mentre scoppia la
rivolta all’interno del carcere e ai due colleghi che lo accompagnavano non viene
in mente altro che darsela a gambe per
salvare la pelle. Juan rinviene, decide di
fingersi un carcerato come gli altri e viene
portato al cospetto di Malamadre, il capo
dei rivoltosi che, insieme ad altri compagni appesantiti dagli ergastoli e senza nulla
da perdere, è l’anima dell’insurrezione
verso un sistema carcerario meno disumano. Malamadre e gli altri del “direttorio”
inizialmente non si fidano di Juan, ma sono
sorpresi dall’iniziativa del giovane nell’intavolare la trattativa con le autorità. Da
questo momento, infatti, inizia il braccio
di ferro tra i rivoltosi e i rappresentanti
del potere sulle richieste dei primi circa il
miglioramento delle condizioni di vita del
carcere e sull’attesa equivoca e senza costrutto dei secondi che tentano, nella migliore delle ipotesi, di sfiancare chi è dentro e, nella peggiore, di fare intervenire le
teste di cuoio con il relativo bagno di sangue. A rendere più drammatico il momento, è la posizione di Juan, la cui vera identità è sempre in bilico, anche per l’apprensione per la moglie Elena incinta di sei
mesi, che è alle porte del carcere per avere notizie. Sembra anche che tra i rivoltosi
J
ci sia qualcuno che, in combutta con la
polizia, faccia il doppio gioco.
La prima accelerazione degli eventi
si attua quando la folla fuori dal carcere
viene bastonata dalla polizia; molti sono
i feriti; Elena è colpita gravemente e muore in ospedale. Autore del macello è Utrilla, un poliziotto noto da tempo e per questo anche utilizzato, per i suoi metodi sanguinari. È proprio Utrilla a essere spedito all’interno del carcere, guarda caso,
per continuare il negoziato e viene presto
ucciso da Juan quando si sparge la voce
del massacro della folla e della morte di
Elena.
Nel frattempo, i rivoltosi avevano individuato in una cella tre carcerati di “primo livello” cioè tre baschi dell’ETA che
gli uomini del governo vogliono assolutamente proteggere perchè la loro uccisione
potrebbe far precipitare le trattative con il
gruppo rivoluzionario clandestino e che
Malamadre vorrebbe invece utilizzare per
ottenere concessioni importanti.
A precipitare, ovviamente, è la situazione generale mentre si intensificano dall’esterno i contatti con i doppiogiochisti
dentro capeggiati da Apache: le teste di
cuoio intervengono, gli uomini di Apache
fanno il resto nella mattanza generale,
Juan, Malamadre e gli altri sono colpiti a
morte, i baschi salvi, la rivolta sedata, l’organizzazione ripristinata.
ilm carcerario con tutti gli elementi
a posto ma con almeno un paio
di temi che sparigliano considerazioni, commenti e analisi e pongono un
film di “genere”, come questo potrebbe
essere considerato (alla Don Siegel, per
F
22
intenderci) secondo un’ottica diversa, quasi un riflettersi continuo in specchi che rimandano immagini sempre rinnovate e
modificabili.
I secondini, i poliziotti, gli uomini del
potere amministrativo ci sono, tutti in primo piano, uniti e consapevoli in un’unica
convinzione e cioè che, alla fine, quando
la trattativa tra rivoltosi e governativi si
sarà sfibrata e sfilacciata in un braccio di
ferro senza più costrutto, ci sarà, ovvio e
assurdamente liberatorio, l’intervento delle teste di cuoio che scioglieranno ogni
problema nel sangue. Questa intima certezza che grava sugli animi di tutti come
il cigolio di una lapide è ben presente ed
espressa, quasi a divenire un personaggio in più, che c’è, palpabile e coercitivo,
anche se invisibile. Poi i politici, naturalmente ben defilati e i ceffi, da galera, appunto, ognuno con il proprio tic, la propria
peculiarità; non manca nemmeno il poliziotto crudele a cui viene affidato il lavoro
sporco quando si tratta di cavare fuori una
confessione, o di massacrare qualche rompiscatole; perchè, certo, la violenza non
manca, dura cruda, quotidiana, senza un
perchè né una motivazione; è così fuori,
figurarsi in un carcere.
Su questa costruzione abbastanza
“normale” in fin dei conti, gli autori innestano due temi diversi: la comune normalità del protagonista, praticamente un piccolo impiegato dello stato che cerca solo
di costruire un pezzo di tranquillità per sé
e per la famiglia che sta formando; la presenza di un gruppo di doppiogiochisti all’interno della rivolta, già in parte chiara fin
dalle prime scene, a cui sembra aggiungersi proprio nel finale la possibilità che
Film
anche il terribile Malamadre potrebbe avere agito secondo i suoi tornaconti, ma, almeno da come va a finire, per le persone
sbagliate o peggiori di lui.
Il primo elemento, l’uso di uno dei più
classici artifici cinematografici, amatissimo
da Hitchcock, cioè l’uomo comune che, a
causa di un incidente fortuito, sprofonda
nell’incubo, trascina qui all’inferno lo spettatore che si trova a fianco di Juan Oliver
nelle stesse prigioni, a patire le stesse sofferenze. Il secondo elemento, il doppiogiochista, quasi da subito mostrato ma che,
nella finale azione di intelligence, pare superato da un altro che però soccombe è
cinema puro; un rompicapo, come quelli
prediletti da Mamet e che trova nel mezzo
cinematografico il supporto ideale per mostrare lo sbriciolarsi di una convinzione, la
padronanza del dubbio, la costruzione di
un’idea, un movimento di paura, un atto di
amicizia basati su qualcosa che pensavamo ci fosse e invece non c’è mai stato.
Ottima quindi la mescolanza di piani
consolidati e idee fino a un certo punto
controllabili; ottimi tutti gli attori, straripanti
ma ricchi di vari momenti di costruita finezza; la Spagna ha dato a questo suo
film otto dei suoi Oscar (i premi Goya), solo
l’inizio, sicuramente, di altri riconoscimenti che quest’opera avrà in tutto il mondo.
Fabrizio Moresco
UP
(Up)
Stati Uniti, 2009
Regia: Pete Docter, Bob Peterson
Produzione: Jonas Rivera per Walt Disney Pictures/Pixar Animation Studioss
Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures
Prima: (roma 15-10-2009; Milano 15-10-2009)
Soggetto: Thomas McCarthy, Bob Peterson, Pete Docter
Sceneggiatura: Bob Peterson, Pete Docter
Montaggio: Kevin Nolting
Musiche: Michael Giacchino
Scenografia: Ricky Nierva
Produttori esecutivi: John Lasseter, Andrew Stanton
Produttore associato: Denise Ream
Direttori di produzione: Alex Mandel, Laura Leganza Reynolds
Casting: Natalie Lyon, Kevin Reher
Operatore: Mark Dinicola,
Art directors: Ralph Eggleston, Bryn Imagire, Harley Jessup,
Daniel Lopez Munoz, Don Shank
Supervisore musiche: Tom MacDougall
Animazione: Simon Allen, Dovi Anderson, Rodrigo Blaas ,
Adam Burke, Kevin Chesnos, Simon Christen, Chris Chua,
Brett Coderre, Arik Ehle, Curran W. Giddens, Aaron J. Hartli-
arl Fredricksen e sua moglie Ellie si conoscono fin da piccoli, da
quando si incontrarono per caso
e scoprirono entrambi di amare l’avventura
e sognare paradisi inesplorati come quelli
dove il loro mito, Charles Muntz, viaggia alla
ricerca di animali misteriosi. Carl e Ellie
passano tutta la vita cercando di mettere insieme i soldi necessari per coronare il loro
C
ne, , Guilherme Sauerbronn Jacinto, Ken Kim, Vladimir Kooperman, Bruce Kuei, Shawn Krause, Angus MacLane, Steve
Mason, Rich McKain, Dave Mullins, Daniel Nguyen, Andreas
Procopiou, K.C. Roeyer, Andy Schmidt, Brett Schulz, Michael
Stocker, Russell J. Stough, Raphael Suter, Rob Duquette
Thompson, Lindsay VanderGalien, Kristoff Vergne, Stephen
L. Wong, Tom Zach Ron Zorman
Voci: Edward Asner (Carl Fredricksen), Christopher Plummer
(Charles Muntz), Jordan Nagai (Russell), Bob Peterson (Dug
/ Alpha), Delroy Lindo (Beta), Jerome Ranft (Gamma), John
Ratzenberger (capo cantiere Tom Foreman), David Kaye (cineannunciatore), Elie Docter (Ellie piccola), Jeremy Leary (Carl
piccolo), Mickie McGowan (poliziotta Edith), Danny Mann (operaio Steve), Donald Fullilove (infermiere George), Jess Harnell (infermiere AJ), Josh Cooley (Omega), Pete Docter (Capo
branco Strauch), Mark Andrews, Bob Bergen, Brenda Chapman, Emma Coats, John Cygan, Paul Eiding, Tony Fucile,
Teresa Ganzel, Valerie LaPointe, Sherry Lynn, Sherry Lynn,
Laraine Newman, Teddy Newton, Jeff Pidgeon, Jan Rabson,
Bob Scott (voci aggiuntive)
Durata: 96’
Metri: 2860
sogno: raggiungere le Cascate del Paradiso
in Sud America; ma, proprio quando la meta
sembra vicina, Ellie muore, lasciando Carl
solo nella casa che ha visto il loro amore e la
loro vita in comune per quasi sessant’anni.
Trascorrono gli anni, Carl è sempre più solo,
burbero, costretto a difendere la sua casa degli speculatori che stanno costruendo intorno a lui grattacieli e uffici, rifiutandosi di tra23
sferirsi in un ospizio. Quando il trasferimento sembra ormai inevitabile, Carl decide di
scappare portandosi dietro la casa, legando
al tetto migliaia di palloncini che sollevano
la casa trasportandola lontano. Ma Carl non
è solo: il piccolo Russell, un boy scout che
voleva aiutarlo per guadagnarsi una medaglia di buona volontà, è rimasto sul suo portico. Dopo aver volato per miglia e aver per-
Film
so un po’ di palloncini, i due atterrano poco
lontano da Paradise Falls, continuando il
viaggio a piedi e trascinandosi dietro la casa
sorretta dai palloncini rimasti. Nella natura lussureggiante del Sud America, Carl e
Russell trovano uno strano uccello di una
specie mai vista prima (che Russell ribattezza Kevin) e Dug, un cane parlante! Durante il suo viaggio, Carl ritrova il suo mito
d’infanzia. Muntz, infatti, era scomparso anni
prima per venire a cercare proprio Kevin e
dimostrarne l’esistenza davanti a tutta la
comunità scientifica. La solitudine e la vecchiaia hanno fatto di Muntz un essere malvagio, preoccupato solo di trovare Kevin,
circondato da un branco di cani randagi che
lui stesso ha addestrato ai quali ha messo
un collare che consente loro di esprimersi
come gli umani. Al branco appartiene proprio Dug, che aveva il compito di trovare
Kevin per Muntz, ma si era ribellato a lui
dopo aver trovato un vero padrone, affettuoso e amorevole, in Carl. Dopo aver lottato contro Muntz per salvare Kevin, che in
realtà è una femmina e deve tornare dai suoi
cuccioli, Carl lasci andare la sua casa, che
atterra proprio sulla sommità di Paradise
Falls e torna indietro con Russell e Dug,
avendo vissuto ormai la sua grande avventura e avendo coronato il sogno di Ellie di
vedere la sua casa su Paradise Falls.
alt Disney diceva sempre: «Per
ogni risata, ci deve essere una
lacrima». Questa, come tante
altre massime del creatore di Biancaneve,
racchiude il segreto del successo della
Pixar, l’unica capace di rinverdire i fasti
della gloriosa stagione degli anni d’oro restituendo in pieno la magia dei grandi classici della tradizione. Ma la Pixar è anche e
soprattutto innovazione tecnica e avanguardia e dopo averci stupito l’anno scorso con Wall-E porta gli standard ancora
più avanti, per vette che sembrano quasi
irraggiungibili per qualsiasi concorrente.
Up è il primo film girato in Disney Digital 3D ma laddove altri prodotti simili sono
stati creati e pensati più per fare sfoggio di
abilità tecniche, a scapito dei personaggi e
della storia, ridotti a semplice pretesto, il 3D
di Up è talmente perfetto da essere quasi
“invisibile”. I realizzatori hanno puntato infatti non sullo sfondamento dello schermo
verso lo spettatore bensì sul suo esatto
contrario, giocando con la profondità di campo e valorizzando i fondali giganteschi.
Protagonista insolito sia per un lungometraggio in live action (basta ricordare
l’eccezionalità di Una storia vera di David
Lynch e il recente Grand Torino di Clint
Eastwood) è il settantottenne Carl Fredricksen, uno dei personaggi più belli mai
W
portati sullo schermo, burbero pensionato
che non si rassegna alla fine del suo mondo e che parte in cerca dell’ultima avventura, la più entusiasmante di tutte, per coronare il sogno di una vita. La magia della
Pixar sta nel fare proprio di lui il motore di
tutto. La prima parte del film è pura poesia, con il racconto tenero e commovente
di tutta la sua vita con l’amata Ellie, dal
primo incontro da bambini fino alla morte
di lei. Rimasto solo, in un mondo nel quale
non si riconosce più e che sembra non
avere più un posto per lui, Carl, anziché
chiudersi a questo mondo e rassegnarsi,
continua a sognare e dà alla propria vita
una svolta proprio grazie al suo sogno.
Profondo come pochi film, d’animazione e non, sanno essere, Up parla al cuore
sia dei bambini sia degli adulti e racchiude in sé una molteplicità di livelli di lettura.
Da una parte c’è infatti il lato avventuroso
del film, con il viaggio fantastico e le peripezie in Sud America, tra natura lussureggiante, paesaggi sconfinati e creature
meravigliose, dall’altra c’è invece un lato
più adulto e più complesso, quello cioè del
viaggio di Carl come dolorosa ma necessaria elaborazione del lutto per la perdita
dell’amata Ellie, un tema sicuramente insolito per un film d’animazione. Tenero e
sincero è il rapporto che si instaura tra l’anziano Carl e la “giovane marmotta” Rus-
sell, veri e propri compagni di avventura,
sostegno l’uno dell’altro in mille situazioni.
Come in ogni grande film d’avventura,
è d’obbligo la presenza di un villain e Charles F. Muntz ne è un esempio perfetto.
Mascella volitiva alla Kirk Douglas e baffetti alla Errol Flynn, Muntz è stato l’eroe
dell’infanzia di Carl e Ellie ma è diventato
un vecchio solo e malvagio, consumato dal
dolore per essere stato umiliato dalla comunità scientifica e votato anima e corpo
alla ricerca di quella che sembra essere la
sua personale Moby Dick, il rarissimo uccello dal piumaggio multicolore che Russell a ribattezzato Kevin (e che Carl definisce con sarcasmo “struzzo in Technicolor”).
Meravigliose e mai ingombranti le citazioni alla grande tradizione del cinema
d’avventura, con tanto di cinegiornale
d’epoca ad aprire il film per raccontare la
gloria passata di Muntz. E se Muntz sembra un misto fra Kirk Douglas e Errol Flynn,
Carl è dichiaratamente ispirato a Spencer
Tracy.
Nella versione originale le voci dei due
grandi vecchi sono di Ed Asner per Carl e
Christopher Plummer per Muntz mentre
nella versione italiana è un piacere unico
ascoltare insieme Giancarlo Giannini e
Arnoldo Foà.
Chiara Cecchini
FRANCESCA
(Francesca)
Romania, 2009
Regia: Bobby Paunescu
Produzione: Bobby Paunescu, Anca Puiu, Cristi Puiu per Mandragora Movies
Distribuzione: Fandango
Soggetto e sceneggiatura: Bobby Paunescu
Direttore della fotografia: Andrei Butica
Montaggio: Ioachim Stroe
Musiche: Iulia Olteanu, Petru Birladeanu
Scenografia: Mihai Dorobantu
Costumi: Mirela Fraser, Monica Florescu
Direttore di produzione: Razvan Cliza
Casting: Viorica Capdefier
Aiuti regista: Mihaela Ionita, Mariuca Petre
Operatore: Adrian Sandor
Arredatore: Catalin Stoia
Trucco: Anca Dumitru, Gabriela Kerestes
Acconciature: Bogdan Lazar
Suono: Alex Dragomir, Sebastien Zsemlye
Interpreti: Monica Dean (Francesca), Doru Boguta (Mita), Luminita Gheorghiu (Ana),
Teodor Corban (Ion), Doru Ana (Nasul), Dana Dogaru (Signora Elena), Mihai Dorobantu (Remulus), Dan Chiriac (Zana), Isabela Neamtu (Maria), Ion Sapdaru (Pandele), Ion Besoiu (padrino), Alina Berzunteanu (Magda), Ionel Cojocea (Freza), Dragos Marinescu (Fane), Ionel Papuc (Codrin), Iulian Postelnicu (Mihai)
Durata: 100’
Metri: 2750
24
Film
ucarest. Francesca è una giovane donna che coltiva un sogno:
andare in Italia e aprire un asilo
nido per i bambini rumeni, figli dei suoi
concittadini emigrati. La giovane confessa il suo desiderio al padre che reagisce
mostrando tutta la sua rabbia nei confronti
del razzismo degli italiani. Secondo il padre tutti gli italiani considerano i rumeni
zingari, criminali e ladri. L’uomo ha delle
parole durissime per alcuni politici del
belpaese. Ma la giovane è decisa a partire. Dopo essersi messa in contatto con un
emissario che si occupa delle migrazioni
dei lavoratori all’interno della comunità
europea, Francesca trova lavoro come
badante di un anziano, residente a Sant’Angelo Lodigiano in Lombardia, per novecento euro al mese. Le vengono chiesti subito 2.000 euro per inoltrare la pratica del
suo trasferimento; la ragazza deve accettare in breve tempo, perché è molto difficile trovare lavoro in Italia. La madre le consiglia di partire e la invita a non fare il suo
stesso errore di trenta anni fa. Francesca
parla del suo progetto al fidanzato Mita
che le consiglia di accettare, promettendole che la raggiungerà non appena avrà
concluso un affare. Ma Mita è finito nel
giro di usurai capeggiato dal losco Remulus. L’usuraio va a cercare Mita a casa
di Francesca: il ragazzo gli deve una grossa somma. Venuto a sapere la cosa, Mita
dice alla ragazza che non vuole che lei parli
con Remulus, poi ammette di avere molti
problemi con degli impiegati del comune.
Il giovane ha preso in prestito dei soldi per
aggiudicarsi il diritto di acquistare un terreno di Bucarest e ha comprato i permessi
per accelerare le pratiche. Ma le cose sono
andate a rilento e ora deve restituire subito 6.000 euro. Francesca scoppia a piangere, poi promette che lo aiuterà facendosi prestare 1.000 euro dal suo padrino nella speranza che Remulus aspetti. Francesca si reca dal padrino, anche lui un usuraio, e, dopo avergli concesso qualche particolare “attenzione”, riesce a ottenere il
denaro. Francesca firma un contratto che
prevede una percentuale sul prestito di cui
non deve ritardare la restituzione. La donna porta il denaro al fidanzato e, poco
dopo, sale su un pullman diretto a Milano.
Ma Remulus e i suoi scagnozzi “prelevano” Mita dalla sua officina. Il gruppo vuole
andare a casa di Francesca e sequestrarla. Inoltre Remulus provoca pesantemente
Mita raccontandogli di essere andato a
letto con la ragazza. Il gruppo si reca a
casa di Francesca: non trovando la ragazza, si mettono ad aspettarla. Intanto la
donna riceve una telefonata che la informa che Mita è ricoverato in ospedale dopo
B
un incidente. Francesca telefona alla madre e scoppia a piangere. La giovane si fa
lasciare dal pullman in una stazione ferroviaria e aspetta il treno per tornare indietro.
’inizio del film è un pugno nello
stomaco. Sentire insulti così pesanti nei confronti degli italiani e,
in particolare, di alcuni esponenti della
nostra classe politica, non è certo un bel
sentire.
Il padre e lo zio della giovane rumena
protagonista del film mettono in guardia la
ragazza, desiderosa di tentare la fortuna
in Italia, con parole di forte disprezzo nei
confronti degli italiani. Il padre accusa di
razzismo il sindaco di una città del nord e
l’onorevole Mussolini viene apostrofata con
un epiteto non certo carino per una signora. Il carico ce lo aggiunge lo zio che mette in guardia la giovane dagli italiani, che
sfruttano sessualmente le donne rumene
senza più bisogno di permessi da quando
sono cittadini comunitari. E via al polverone di polemiche. L’onorevole Mussolini si
è appellata all’articolo 700 per impedire
l’uscita del film, richiesta che è stata rigettata dal giudice Luciana Sangiovanni del
Tribunale Civile di Roma e il film è subito
uscito nelle sale. Non sbancando certo i
botteghini.
Questa la mera cronaca. Ma siamo
solo ai primi minuti di film. Se proviamo ad
andare oltre, saltano fuori una serie di interessanti coincidenze. Il titolo innanzitutto. Il regista Bobby Paunescu ha detto di
aver scelto il nome di Francesca per la protagonista facendo riferimento alla santa italiana Francesca Cabrini, protettrice degli
emigranti, nata proprio a Sant’Angelo Lodigiano, il paese dove immagina che trovi
lavoro la sua protagonista, nel 1850 e
morta il 22 dicembre 1917, cioè nello stesso giorno in cui la Romania nel 1989 si
liberò dal regime di Ceausescu e tornò libera. Francesca Cabrini era una donna
straordinaria che, all’epoca dell’esodo di
milioni di italiani in America, aveva compiuto oltre 30 viaggi nel nuovo mondo per
aiutare i suoi connazionali. Era una donna
che lavorava per l’integrazione in un contesto in cui gli italiani erano vittime di pregiudizi e intolleranza. Oggi un’altra Francesca, una giovane rumena, vive sulla sue
pelle gli stessi pregiudizi e la stessa intolleranza. L’Italia di oggi è diventata per i
rumeni quello che l’America era per gli italiani: il miraggio di una vita migliore.
Il regista, qui all’esordio in un lungometraggio, non nasconde la forte influenza del
suo vissuto personale nel film. Paunescu
ha vissuto per molti anni a Milano e proprio
L
25
per questo afferma di sentirsi ormai metà
italiano e metà rumeno. A dare carica di
intensità alle emozioni della protagonista è
la brava e bella attrice rumena Monica Birladeanu, divenuta famosa lavorando al cinema e in televisione negli Stati Uniti e balzata agli onori delle cronache mondane per
aver sfilato accanto all’amico Salman Rushdie sul red carpet della Mostra di Venezia 2009 durante la quale il film è stato presentato nella sezione “Orizzonti”.
Paunescu ha dichiarato di aver preso
ispirazione riflettendo sul terribile fatto di
cronaca avvenuto il 30 ottobre 2007 a
Roma, il brutale omicidio della signora
Reggiani per mano del rumeno Nicolae
Romulus Mailat. Dopo quel fatto, i
(pre)giudizi sui rumeni sono cresciuti esponenzialmente tra gli italiani e la vita è diventata sempre più difficile per la numerosissima popolazione rumena residente in
Italia. Il film, che si fa apprezzare per rigore stilistico, pone un’importante pietra proprio su temi di scottante attualità nei rapporti tra Italia e Romania mostrando il pregiudizio e, per una volta, le sue due facce.
La medaglia e il suo rovescio. Da una parte i rumeni considerati da gran parte degli
italiani ladri, criminali e stupratori, dall’altra gli italiani duramente giudicati dai rumeni come ‘maccheronari’, trafficanti di
organi e approfittatori delle “grazie” delle
belle donne rumene. Lo stereotipo e il suo
ribaltamento.
E cosa resta? Sicuramente un doppio
sguardo triste: sull’Italia, il fittizio Eldorado, il paese delle false speranze e dei tanti pregiudizi, e sulla Romania, vista dai suoi
stessi abitanti, un paese dove non c’è speranza per nessuno, un paese dominato
dall’incertezza e dalla violenza, in mano a
loschi affaristi, cinici usurai, oscuri burocrati. La dolce protagonista e il suo destino tristissimo parlano da soli nel silenzio
dell’ultima inquadratura.
Il messaggio di Paunescu arriva chiaro e forte contro una di quelle “trappole
sociali” che si chiama razzismo. Razza,
razzismo e paura, tre parole ormai legate
a doppio filo l’una all’altra. Come ha evidenziato lo studioso francese Maurice
Olender, direttore della rivista “Le genre
humain”, le razze naturali non esistono,
eppure il razzismo esiste poiché nasce
dalla paura che è un’emozione primaria.
Ma pensare in termini di razza non è mai
una risposta adeguata a quella paura, anzi
è definita un “virus mentale”. Per dirla in
termini semplici, il razzismo è come un
cappotto, qualcosa con cui vestiamo
un’emozione molto forte, “come un vestito
che abbiamo nella testa”.
Il punto è, non sarà il caso di cambiare
Film
vestito? I problemi razziali esistevano già
cento anni fa, forse anche di più. Ma i conflitti non sono mai veramente razziali. Se
guardiamo con una lente più ravvicinata, i
problemi che sono alla base sono sempre
più grandi: sono di natura economica, sociale, religiosa, territoriale. Il pensiero “tossico” della razza è qualcosa che noi abbiamo messo dentro i problemi comuni che
hanno le società. Ma così si rischia di immobilizzare il mondo.
Ecco, il film di Paunescu è contro tale
immobilismo e fissità. Come dice lo studioso francese, “rispondendo ai problemi
con la paura e alla paura col razzismo noi
ci precludiamo la possibilità di cambiare
la realtà e, soprattutto, di risolvere i conflitti reali. Invece la vita è cambiamento e non
ci sarebbe storia altrimenti”. Il film lancia
un messaggio importante e, al di là dei toni
davvero esagerati e gratuiti di quegli insulti
iniziali, sembra far proprio questo pensiero di Olender. Ma la storia dell’uomo può e
deve andare avanti. Senza insulti, perché
gli insulti intossicano, sempre.
Elena Bartoni
IL PROFETA
(Un prophète)
Francia 2009
Regia: Jacques Audiard
Produzione: Why NotProductions, Chic Films, Page 114, Bim,
France 2 Cinéma, Ugc Image
Distribuzione: Bim
Soggetto: Abdel Raouf Dafri
Sceneggiatura: Abdel Raouf Dafri, Nicolas Peufaillit, Jacques
Audiard, Thomas Bidegain
Direttore della fotografia: Stéphane Fontaine
Montaggio: Juliette Welfling
Musiche: Alexandre Desplant
Costumi: Virginie Montel
Aiuti regista: Serge Oteniente
Effetti visivi: Martial Vallanchon
Effetti speciali: Olivier Marais
Scenografie: Michel Barthélémy
Interpreti: Tahar Rahim (Malik El Djebena), Niels Arestrup
l ventenne Malik, mezzo arabo,
mezzo francese o chissà cosa, analfabeta senza passato o, comunque,
con un deserto sociale e sentimentale alle
spalle, entra in carcere per scontare sei anni
per il ferimento di un poliziotto. L’ambiente è diviso in due fazioni: gli arabi, più numerosi, ma male organizzati, e i corsi, compatti, uniti e spietati sotto la guida del patriarca Cèsar Luciani. Questi prende Malik
al suo servizio, che il giovane svolge brillantemente superando il primo grosso esame: l’uccisione a colpi di lametta di un detenuto chiamato a testimoniare di lì a poco
in un processo e che qualcuno, fuori dal carcere, vuole morto. È l’inizio di una scalata
che Malik saprà mettere a frutto gradino
per gradino: la sua intelligenza e l’impegno lo aiutano a imparare a leggere e scrivere, a meritare sempre più la fiducia del
boss che gli affida, di volta in volta, incarichi più importanti, nonché a tenere lontani
incubi e sensi di colpa. Può ora aggirarsi
tra le celle con maggiore libertà come aiutante, ascolta e vede in giro cosa succede,
riferisce a Luciani, inizia qualche piccolo
traffico di fumo, pasticche e merce varia, si
mette in tasca i primi soldi. Dopo due anni
e mezzo di pena l’apprendistato è finito;
Malik merita il permesso di uscire la matti-
I
(Cèsar Luciani), Adel Bencherif (Ryad), Reda Kateb (Jordi lo
zingaro ), Jean-Philippe Ricci ( Vettori ), Hichem Yacoubi
(Reyeb), Antoine Basler (Pilicci), Gilles Cohen (Professore),
Leïla Bekthi (Djamila), Pierre Leccia (Sampierro), Foued Nassah (Antaro), Jean-Emmanuel Pagni (Santi), Frédéric Graziani (Direttore del carcere), Slimane Dazi (Lattrache), Rabah
Loucif (L’avvocato di Malik), Hervé Temine (Il procuratore),
Serge Onteniente (Giudice per l’applicazione della pena), Taha
Lemaizi (Hassan), Mohamed Makhtoumi (Tarik), Karim Leklou
(Musulmano in fila), Farid Larbi (Musulmano in fila), Doula
Niang (Musulmano in fila), Mamadou Minte (Latif), Guillaume
Verdier (Michka), Mourad Frarema (Khalid), Zohra Benali (La
madre di Mohamed), Eric Badoc (Assistente sociale), Sabar
Kabbouchi (Assistente sociale), François De Courcelle (Assistente sociale)
Durata: 149’
Metri: 4080
na e rientrare in carcere la sera. Può così
gestire per Luciani incarichi di maggior
peso come tessere contatti e riavvicinamenti
con il gruppo corso per la gestione dei casinò della costa e avviare in proprio un traffico di droga di cui si vedrà lo smercio anche in carcere. Questo grazie al legame con
“lo zingaro” che da dentro ancora amministra dei buoni canali di spaccio lungo le
strade francesi e all’amicizia con Ryad, un
arabo appena uscito dal carcere, purtroppo minato da un cancro dal futuro infausto,
che si unisce a Malik nell’unico rapporto
sincero della loro vita.
Luciani non è particolarmente felice
dell’autonomia che il suo protetto sta realizzando e glielo dimostra, anche con la
violenza, ma se Malik ha bisogno ancora
di lui, anche il vecchio ha bisogno di Malik per delineare l’organizzazione criminale e il suo potere al di fuori del carcere. Si
presenta infatti subito la necessità di realizzare un’altra impresa: incontrare a Marsiglia l’ex socio Lattrache, stipulare con
lui un accordo che porti all’eliminazione
del gruppo rivale e diventare, così, padroni della gestione dell’attività criminale nel
sud della Francia. Tutto avviene nel rispetto dei tempi e della risoluzione degli ostacoli e con una buona dose di fortuna che
26
fa uscire indenne Malik dalla sparatoria
conclusiva all’interno di un’automobile,
anche se assordato dalle esplosioni.
Malik preferisce rientrare in carcere il
giorno successivo; la trasgressione degli
orari gli taglia i permessi e lo chiude alcuni giorni in cella d’isolamento. È quello
che vuole: all’interno e fuori del carcere
avviene la mattanza della resa dei conti,
da cui lui si salva proprio grazie all’isolamento penitenzale.
Il momento difficile è superato: Malik
esce in cortile per l’ora d’aria ma non risponde al richiamo di Luciani che vuole
sapere come siano andate le cose e si unisce al gruppo degli arabi; è Luciani ad andare da lui per parlare ma non riesce ad
accostarlo perchè viene malmenato e allontanato. È il segno dello scambio dei poteri,
reso più evidente quando Malik finalmente
libero esce e trova tre grandi automobili
nere e relativi guardaspalle pronti a omaggiarlo. Malik allontana tutti con un cenno,
preferisce accettare la compagnia della
moglie del suo amico Ryad, morto nel frattempo, e del loro bambino con i quali si
avvia verso casa con un mezzo pubblico.
Forse al culmine della scalata di sangue c’è una famiglia dove imparare a essere un buon padre.
Film
n questo film “carcerario”, come si
diceva una volta, il carcere non c’è.
Non ci sono strutture penitenziali
incombenti e persecutorie, né direttori né
secondini sadici votati alla tortura fisica e
psicologica di chi è dietro le sbarre: tutto
rimane confinato a un involucro esterno, un
contenitore sterile che fa da alveo a tutto
ciò che di terribile e spietato avviene all’interno e a cui non c’è bisogno che il carcere
aggiunga nulla: la vita. Già questa ambientazione basata sul dualismo all’incontrario
tra carcere e vita, dove la seconda non costituisce la fuga dal primo (infatti il peggio
Malik lo commette fuori, per rientrare tranquillamente “al sicuro” in carcere la sera),
ha dei toni surrealistici, grotteschi, strordinari. Il carcere poi costituisce una specie di
commisssione d’esame: a Malik viene subito chiesto di commettere un omicidio per
vedere se è degno di mettere il naso fuori
dalla terra di nessuno in cui si è meno di
niente; Malik lo fa con il relativo corredo di
getti e schizzi di sangue che lasciano lo strascico di qualche incubo sostenibile. Dopodichè il ragazzo è pronto per puntare in alto,
per aspirare ad acque fonde, insomma è
pronto per vivere. Così fortifica il proprio
corpo e la propria mente, si mette al servizio del più forte, da cui tutto impara, sa simulare e dissimulare (il vecchio Machiavelli ne sarebbe stato orgoglioso), esercita la
pazienza, la prudenza, guarda lontano, usa
la violenza quando non ne può fare a meno,
è generoso con un amico vero, sogna di
avere una moglie e un figlio come i suoi e
forse, alla fine, li avrà. Quando è consapevole di essere forte, solidamente feroce,
olimpicamente duro, vuol dire che ha messo a frutto le lezioni apprese con tanto impegno e può dare la svolta finale, gettare il
vecchio boss nella polvere, umiliarlo di fronte a chi lo temeva, trasformarlo in un morto
che cammina. Gli uomini che sono venuti a
prenderlo alla fine della detenzione e che
accennano a uscire dalle macchine nere,
forse per baciargli la mano come a un nuovo padrino, vengono bloccati, allontanati per
la conquista del tassello mancante, l’onorabilità, la dignità di fronte al sociale, dopodichè il cerchio può considerarsi chiuso.
Dà corpo a tutto questo il regista Jacques Audiard che, con tecnica artigianale,
quindi altissima, ci delinea il senso storico
dei rapporti umani, delle situazioni esistenziali in cui tutti devono confrontarsi, almeno chi vuole essere protagonista, nel bene
come nel male; differenza che, in fin dei
conti, non c’è, c’è solo questo, questa realtà che Audiard espone senza intenti moralistici né finalità didattiche. Ama il cinema Audiard e lo si vede da come gestisce
i personaggi e le scene, portando gli uni a
scontrarsi nelle altre quando è utile e poi a
I
tenerli da parte senza mai abbandonarli,
accompagnandoli con la macchina a
mano, o spiazzandoli con la disponibilità
e la varietà di inquadrature che non lasciano scampo: brutalità, violenza, tradimenti,
incubi, sparatorie (mai vista al cinema quella che avviene tutta all’interno di una macchina) compongono un personalissimo
noir che si scioglie sui titoli di coda nella
brechtiana “Mack the Knife” da “L’Opera da
tre soldi”, l’omaggio, il sugello di un forte
senso dello spettacolo.
Due grandi interpretazioni sostengono
il disegno registico e contribuiscono alla
pari a questa composizione d’autore: Tahar
Ahim, uno degli ultimi lanci fortunati del ci-
nema francese, concentrato, tesissimo nel
personaggio di Malik, già capace di sofisticati, seduttivi momenti di recitazione; un
monumento la figura del boss fatta dal
“grande vecchio” della caratterizzazione
del cinema d’oltralpe, Niels Arestrup, un
attore nato e vissuto sul palcoscenico, che
nonostante la fortuna sullo schermo non
ha mai abbandonato, una forza granitica,
devastante nel comporre la padronanza
del crimine, la delicata, infida soddisfazione dell’insegnamento del male, la degradazione umiliante di un’uscita di scena
senza appello.
Fabrizio Moresco
TEZA
(Teza)
Etiopia/Germania/Francia, 2009
Regia: Haile Gerima
Produzione: Philippe Avril, Karl Baumgartner, Marie-Michèlegravele Cattelain, Haile
Gerima, Johannes Rexin per Negod-Gwad Productions/ Pandora Filmproduktion/
Unlimited/ Westdeutscher Rundfunk (WDR)
Distribuzione: Ripley’s Film
Soggetto e sceneggiatura: Haile Gerima
Direttore della fotografia: Mario Masini
Montaggio: Haile Gerima, Loren Hankin
Musiche: Vijay Iyer, Jorga Mesfin
Scenografia: Patrick Dechesne, Alain-Pascal Housiaux, Seyum Ayana
Costumi: Wassene Hailu-Klotz
Suono: Umbe Abduraman Adan, Martin Langenbach
Interpreti: Aron Arefe (Anberber), Abiye Tedla (Tesfaye), Takelech Beyene (Tadfe),
Teje Tesfahun (Azanu), Nebiyu Baye (Ayalew), Mengistu Zelalem (Anberber piccolo), Wuhib Bayu (Abdul), Zenahbezu Tsega (Ministro), Veronika Avraham (Gabi),
Asrate Abrham, Araba Evelyn Johnston-Arthur
Durata: 140’
Metri: 3900
27
Film
tiopia 1990. Anberber torna nel
suo villaggio natale, dove imperversano bande paramilitari che
rastrellano la zona in cerca di uomini, ma
spesso anche bambini, da assoldare per
proseguire la lotta che insanguina il paese
ormai da molti anni. Assillato dai rimorsi
di fronte alla situazione di impotenza in cui
si trova costretto con una gamba claudicante dopo un linciaggio subito in Germania, Anberber ripensa alla sua vita passata. Cresciuto in un’Etiopia arcaica dove,
dopo la dominazione italiana, si è insediato
nuovamente il negus Haile Selassié, appena superata l’adolescenza, decide di partire per l’Europa. Arrivato in Germania,
si stabilisce a Colonia, dove frequenta le
riunioni politiche del movimento studentesco. Stringe amicizia con il connazionale Tesfaye che si lega a Gabi, una ragazza
tedesca. A loro, giovani idealisti, il comunismo sembra essere la giusta cura. Nel
settembre 1974, Haile Selassié viene deposto dal DERG (Consiglio Amministrativo Provvisorio), una giunta composta prevalentemente da militari. Nel marzo successivo, l’Etiopia diventa una Repubblica: il
colonnello Haile Mariam Menghistu è eletto presidente. Anberber e suoi amici vedono le immagini dell’accaduto in televisione
e gioiscono per l’Etiopia libera. Tesfaye dice
ad Anberber che sono loro il futuro del loro
paese. Negli anni Ottanta, Anberber e Tesfaye, giovani medici, si stabiliscono ad
Addis Abeba. Anberber viene contagiato
dall’entusiasmo di Tesfaye per la ricerca in
campo batteriologico: il suo desiderio è
prendersi cura del suo popolo vessato da
malattie infettive curabilissime. Tesfaye è
impegnato politicamente nei movimenti di
opposizione al regime di Menghistu che si è
modellato secondo un modello marxista-leninista, ma con un’accentuazione particolarmente autoritaria. Anberber viene coinvolto nell’attività politica dal suo amico ma
ben presto si accorge che è solo la violenza
a dominare. Cerca di distaccarsi dall’impegno politico, ma il clima si fa sempre più
teso: il giovane medico è ora nel mirino
della frangia più violenta dei rivoluzionari. Anberber viene processato come nemico della rivoluzione. Tesfaye lo avverte del
pericolo che corre e lo invita a ritirare le
sue affermazioni antirivoluzionarie. Anberber finisce per cedere e ritrattare. Tesfaye
concede all’amico un congedo di tre mesi
per andare a trovare la madre. Al suo ritorno, Anberber non troverà Tesfaye perché ha avuto ordine di trasferimento in
Germania est. I due giovani medici prendono atto del fallimento dei loro sogni. Anberber è felice della decisione dell’amico
che in Germania ha lasciato la compagna
E
Gabi e il figlio Tedros. Ma Tesfaye non fa
in tempo a tornare in terra tedesca, perché viene massacrato da un gruppo di rivoluzionari. Anberber riesce a fuggire, ma
viene ritracciato dai rivoluzionari che gli
ordinano di andare in Germania al posto
dell’amico. Anberber parte per Berlino
ovest, dove incontra Gabi che gli confessa
che il giovane Tedros ha dei problemi a
causa dell’abbandono del padre. Il giovane, vittima del razzismo, nutre odio per i
bianchi e per la madre. Anberber non riesce a rivelare la notizia della morte di Tesfaye. Il crollo del muro di Berlino segna
la fine di un’epoca. Anberber è vittima di
un agguato razzista, in cui viene pestato a
sangue da un gruppo di estrema destra.
Negli anni Novanta, Anberber torna malconcio nel suo villaggio natale, dove trova
ancora un clima di guerriglia e si lega alla
giovane Azanu che ha sofferto per la morte di un figlio, ucciso per non essere andato al fronte. Azanu dà alla luce il figlio di
Anberber che decidono di chiamare Tesfaye nella speranza che riesca davvero a
creare una società nuova.
e ogni guerra è una sorta di
viaggio all’inferno, l’Africa è la
sua scorciatoia”: racchiude una
grande verità questa frase di Arturo Pérez
Reverte. Il colonialismo italiano (il Monte di
Mussolini era stato il parco giochi dell’infanzia del protagonista), il regime di Haile
Selassié, poi il famigerato regime marxista
instaurato da Haile Mariam Menghistu (tanto autoritario che si meritò l’appellativo di
“socialismo da caserma”): la terra d’Etiopia
appare come una delle tante terre d’Africa
prima massacrate e poi “consumate” da noi
spettatori occidentali attraverso i media internazionali con il filtro di tanto (inutile e dannoso) “giornalismo della pietà”.
Teza fa qualcosa di diverso: intreccia
la storia collettiva di un paese e la storia
individuale di un uomo in un’epopea intrisa di sangue e sofferenza, sospesa tra tradizione e modernità. La narrazione procede con un ritmo sincopato tra sbalzi temporali continui e potenti suggestioni visive.
Durante la narrazione di trent’anni di storia, si incrociano complessi nodi politici e
spinose questioni ideologiche, in primis l’illusione del socialismo reale coniugato con
la intricata realtà terzomondista degli anni
Settanta-Ottanta. Il protagonista vive sulla
propria pelle la difficoltà di conciliare il suo
spirito progressista e la sua volontà di alleviare le sofferenze del proprio popolo con
un quotidiano fatto di sopraffazione e violenza. Ed ecco farsi strada la dura presa
di coscienza, ormai in età matura, di quanto sia nefasto l’abuso del potere indipen-
“S
28
dentemente dal colore politico. Anberber
si scontrerà con un duro senso di frustrazione e di inutilità e sceglierà di rifugiarsi
nella terra natia e nei ricordi dell’infanzia
quando tutto appariva bello e idilliaco.
Il film ha un sapore fortemente epico e
lirico, centoquaranta minuti di narrazione che
il regista Haile Gerima mostra di padroneggiare alla perfezione. Il regista etiope, classe 1946 che oggi vive e lavora negli States
dove insegna alla Howard University di
Washington, ha mostrato la sua felice vena
di cantore dell’Africa in alcuni indimenticabili opere: da Harvest: 3000 Years (recentemente restaurato da Scorsese), al pluripremiato Sankofa, ad Adwa - An African Victory
(sulla resistenza etiopica contro l’esercito
coloniale italiano). Con Teza è sceso nel profondo della sua storia personale, scavando
nell’intimo, scendendo nei meandri dei propri ricordi, ripercorrendo tre fasi cruciali nella vita di un uomo, infanzia, giovinezza ed
età adulta. Il personaggio di Anberber è una
specie di suo alter-ego: come il protagonista
del suo film, anche il regista è tornato in Etiopia dopo molti anni di assenza e si è sentito
un estraneo, uno sfollato e, come lui, ha scelto la fuga nei ricordi dell’infanzia. Come il ‘suo’
Anberber, Gerima è cresciuto con il marxismo, credendo nella funzione dell’intellettuale come educatore collettivo, fiducioso nella
dottrina marxista che eleva il principio scientifico a suprema verità a disposizione dell’uomo. Ed è qui l’azzardo. Questa dottrina,
importata dall’Europa in Africa ha comportato un salto in avanti troppo grande, quasi
“gigantesco, inumano” per usare le parole
del regista. Ed ecco i sogni e le sconfitte di
un uomo, quelle di una generazione, i giovani etiopi degli anni Settanta, la meglio gioventù e le sue ferite. Ed ecco ancora la violenza, la sofferenza, la lacerazione interiore
e poi il silenzio, solo quello, che vale più di
mille spari. Ed è qui che il cinema diviene
poesia.
La tragica storia dell’Etiopia continua
oggi a parlare con gli occhi di registi come
Haile Gerima o con la penna di scrittori
come il giovane Dinaw Mengestu, una sorta di ‘figlio ideale’ del nostro Anberber, sospeso tra due continenti, fra il miraggio
dell’Occidente e il ritorno difficile al paese
d’origine. Nato ad Addis Abeba nel 1978,
a due anni ha lasciato la sua terra con il
padre in fuga dal “Terrore Rosso”. Immigrato negli States, Mengestu è tornato in
patria per la prima volta a venticinque anni,
ora vive a Parigi. Anch’egli, come Gerima,
parla e scrive di diaspora e la sua storia è
emblematica, come quella di Anberber, di
un paese. Come emblematico è il titolo del
suo libro semi-autobiografico “Le cose che
porta il cielo”. E forse queste cose sono le
Film
stesse in cui non smette di sperare Anberber nel finale del film: suo figlio (che il
cielo ha portato) si chiamerà come il suo
indimenticato amico Tesfaye.
Tesfaye vuol dire ‘coraggio’, Anberber
‘guerriero’. Due nomi, due destini, e le (belle) cose che può ancora portare il cielo.
Premio Speciale della Giuria e Osella
per la migliore sceneggiatura alla Mostra
di Venezia 2008. Meritatissimi
Elena Bartoni
IO, DON GIOVANNI
Italia/Spagna/Austria, 2009
Regia: Carlos Saura
Produzione: Andrés Vicente Gómez, Andrea Occhipinti, Igor
Uboldi per Lucky Red/Lola Films/Edelweiss Cinematografica
Distribuzione: Lucky Red
Soggetto: Raffaello Uboldi
Sceneggiatura: Carlos Saura, Raffaello Uboldi, Alessandro
Vallini
Direttore della fotografia: Vittorio Storaro
Montaggio: Julia Juaniz
Musiche: Nicola Tescari
Scenografia: Paola Bizzarri, Luis Ramírez
Costumi: Marina Roberti, Birgit Hutter
Line producers: José Manuel Garasino, Dirk K. van den Berg
Direttore di produzione: Kurt Werner ‘Mingo’ Krusche
Casting: Judith Doppler, Laura Muccino
Aiuti regista: Sara Casani, José María González Sinde, Juan
n una chiesa di Venezia del 1763,
quattro ragazzi ebrei sono battezzati cristiani; tra loro Emanuele
Conegliano muta il nome in Lorenzo Da
Ponte e, una volta adulto, prende gli ordini
sacerdotali. L’amicizia e il sostegno di Giacomo Casanova conducono Lorenzo sulla
strada del libertinaggio e verso un forte spirito anticlericale che lo porta a scrivere versi
contro la Chiesa e il tribunale dell’Inquisizione. Successivamente, Lorenzo conosce
Annetta, figlia di un giocatore che come lui
ha perso una fortuna e inizialmente promette
al padre che la proteggerà, ma, ben presto,
fugge. Intanto a Venezia le guardie dell’Inquisizione stanno facendo piazza pulita:
Lorenzo è arrestato, processato come massone e autore di opere che offendono la
Chiesa e condannato a quindici anni d’esilio. È la svolta della sua vita, perchè questo
gli permette di trasferirsi a Vienna che le
ampie vedute dell’imperatore Giuseppe
stanno trasformando nel centro della cultura e della musica europea. Qui Lorenzo conosce Salieri e Mozart e, per il secondo,
scrive il libretto di “Le nozze di Figaro”
conquistando il suo primo successo. Ma è
con la stesura della nuova opera, Don Giovanni, che l’accoppiata Da Ponte/Mozart
consoliderà definitivamente il passaggio
alla storia, anche se fra i due il modo di
condurre la vita e quindi il futuro non potrebbe diventare più netto e differente.
Lorenzo incontra di nuovo Annetta e cerca di conquistarla definitivamente, anche se
la strada è resa difficile dalla stessa fama
I
José López Angosse, Federico Nuti, Sara Rosato, Alessio
Spinelli, Dirk K. van den Berg
Operatori: Alessandro Chiodo, Roberto Gentili
Trucco: Alessandro D’Anna, Frédérique Foglia
Acconciature: Luca Vannella
Supervisore effetti visivi: Fabrizio Storaro
Suono: Stefano Savino
Interpreti: Lorenzo Balducci (Lorenzo da Ponte), Lino Guanciale (Mozart), Emilia Verginelli (Annetta), Tobias Moretti (Casanova), Ennio Fantastichini (Salieri), Ketevan Kemoklidze
(Adriana Ferrarese/Donna Elvira), Sergio Foresti (Leporello),
Borja Quiza (Don Giovanni), Francesca Inaudi (Costanza),
Franco Interlenghi (padre di Annetta), Cristina Giannelli (Caterina Cavalieri), Francesco Barilli (sacerdote), Alessandra
Marianelli (Zerlina), Sylvia De Fanti (Tipoletta)
Durata: 127’
Metri: 3500
del giovane: lui è amante della Ferrarese, la
cantante che interpreta nell’opera la parte
di Donna Elvira e la cui gelosia fa recapitare nelle mani di Annetta l’elenco (il famoso
catalogo!) di tutte le donne sedotte in passato. L’amore è però grande e tutto trasforma,
anche l’immagine di Don Giovanni che nell’opera brucia all’inferno la sua vita dissoluta in un parallelismo tra gli eventi teatrali
e l’amore tra Lorenzo e Annetta.
Mozart invece peggiora, la sua salute è
compromessa, minata definitivamente dalla notizia della morte improvvisa del padre:
il genio della musica si spegne dopo tre anni
dalle vicende, mentre Lorenzo, trasferitosi
in America vivrà sereno fino a novant’anni.
arlos Saura ripropone un suo
personalissimo gusto di fare cinema e cioè quello di utilizzare i
piani diversi del canto e dell’immagine, della
storia da teatro e quella vera per farne
un’espressione unica: il canto, l’immagine, il
teatro e la realtà si scompongono e si riuniscono in continuazione nutrendosi l’uno dell’altra per offrire allo spettatore un’opera fatta d’arte e mistero, inquietudine e piacere di
livello raffinato. La materia non manca in
quanto Mozart era un grande cineasta ante
litteram, vista la sua capacità di creare scene e intrecci di forte impatto visivo che successivamente la gente di spettacolo avrebbe saccheggiato per duecento anni. Né sono
mancati i supporti tecnologici e artistici, in
questa occasione in mano al maestro della
luce Vittorio Storaro che ha utilizzato al limi-
C
29
te delle possibilità la fotografia, l’illuminazione e il colore a comporre immagini pittoriche dense, plastiche, di profonda suggestione: come il modo di sottolineare vistosamente i fondali dipinti che, secondo il maestro,
avrebbero dovuto indicare il confine tra la
realtà e l’immaginario, proponendo quasi una
didascalia di carattere brechtiano. Noi preferiamo andare anche oltre e vedere nei fondali dipinti non un limite ma una possibilità
offerta allo spettatore di rendersi ancora più
complice, entrando e uscendo dal reale e
dall’immaginario per partecipare più pienamente al gioco artistico e intellettuale che
Saura voleva ottenere.
Con queste premesse, sarebbe dovuto
uscire un film col botto; così non è stato.
Quello che abbiamo visto, pur composto da
tante cose belle, è un risultato diseguale, in
più punti noioso. Come se l’intento registico
di amalgamare i vari piani narrativi fosse riuscito solo in parte e quindi avesse reso visibile la disparità tra la grandezza della musica di Mozart, la compiuta espressione teatrale degli interpreti d’opera e la storia reale
priva di passione vera e per di più impoverita da dialoghi inconsistenti; purtroppo ha
pesato come una lapide l’interpretazione
degli attori generalmente misera e zoppicante (ci riferiamo a Mozart/Da Ponte/Annetta).
Davvero un peccato che Saura abbia
curato così poco quest’ultimo aspetto, forse preso dietro una composizione che non
riusciva a fare sua. Resta il “Don Giovanni”,
restano le musiche di Mozart, non il film.
Fabrizio Moresco
Film
CHE FINE HANNO FATTO I MORGAN?
(Did You Hear About the Morgans?)
Stati Uniti, 2009
Trucco: Gretchen Bright, Svetlana Britt, Judy Chin, Sunday
Englis, Vanessa Jaramillo, Nuria Sitja, Sheila Trujillo, Carla
White
Acconciature: Patricia Grande, Mandy Lyons
Coordinatore effetti speciali: Drew Jiritano
Supervisore effetti visivi: Justin Ball (brainstorm digital)
Supervisore musiche: Robert Schaper
Interpreti: Hugh Grant (Paul Morgan), Sarah Jessica Parker
(Meryl Morgan), Natalia Klimas (Monique Rabelais), Vincenzo
Amato (Girard Rabelais), Jesse Liebman (Adam Feller), Elisabeth Moss (Jackie Drake), Michael Kelly (Vincent), Seth Gilliam (Lasky), Sándor Técsy (Anton Forenski), Kevin Brown (Henderson), Steven Boyer (Ferber), Sharon Wilkins (King), Sam
Elliott (Clay Wheeler), Mary Steenburgen (Emma Wheeler), Kim
Shaw (infermiera Kelly), David Call (Simmons), Dana Ivey (Trish
Pinger), Wilford Brimley (Earl Granger), Gracie Lawrence (Lucy
Granger), Bobbie Bates, Carol J. Connors, Brad Dulin, Laura
Fremont, Michael Higgins, Brent Keast, Anthony Marciona (ballerini), Beth Fowler, Christopher Atwood
Durata: 100’
Metri: 2750
Regia: Marc Lawrence
Produzione: Liz Glotzer, Martin Shafer per Columbia Pictures/
Relativity Media/ Castle Rock Entertainment/ Banter Films
Soggetto e sceneggiatura: Marc Lawrence (II)
Direttore della fotografia: Florian Ballhaus
Montaggio: Susan E. Morse
Musiche: Theodore Shapiro
Scenografia: Kevin Thompson
Costumi: Christopher Peterson
Produttori esecutivi: Anthony Katagas, Ryan Kavanaugh
Produttore associato: Sara Woodhatch
Co-produttore: Melissa Wells
Direttore di produzione: Anthony Katagas
Casting: Ilene Starger
Aiuti regista: Julie A. Bloom, Greg Gilman
Operatori: Thomas Lappin, David J. Thompson, Justin Whitacre
Operatore Steadicam: David J. Thompson
Art director: Steve Carter
Arredatore: Susan Bode
aul e Meryl Morgan, avvocato lui
e immobiliarista lei, sono separati. Il loro matrimonio è naufragato a causa di un’avventura di una notte
che Paul ha consumato durante una trasferta di lavoro. Vivono a New York e hanno entrambi carriere brillanti. L’uomo,
però, non si rassegna ad aver perso la
moglie per un errore e continua a perseguitarla con messaggi, regali e inviti a
cena.
Meryl, non è disposta a perdonarlo, ma
gli concede una serata al ristorante per
chiarire la situazione.
Durante l’uscita, sono testimoni involontari di un omicidio. L’assassino riconoscendoli nei giorni seguenti prova a ucciderli. L’FBI, allora, per proteggerli, decide spedirli in una minuscola cittadina del
Wyoming con un’altra identità.
Per la coppia all’inizio è un duro colpo, in particolare per Meryl abituata al
ritmo della Grande Mela, ma con il passare dei giorni la situazione diventa meno
drammatica.
La lentezza, la genuinità delle persone
rendono Paul e sua moglie meno nevrotici
e più disposti al dialogo e, tra la natura
selvaggia e qualche rodeo, riscoprono il
loro amore.
Intanto a New York il killer, grazie a
una intercettazione telefonica, riesce a scoprire il loro nascondiglio e, armatosi di
pistola, parte per il Wyoming.
Trovare la coppia, in una piccola cittadina, è molto semplice, ma il malvivente
P
nel momento in cui prova a mettere in atto
il suo piano viene fermato dall’intero paese, pronto a difendere Paul e Meryl, e arrestato.
La coppia, ormai libera dalla minaccia, ritorna a New York e inizia una nuova
vita insieme coronata dall’adozione di una
bimba.
arah Jessica Parker è ormai a pieno titolo uno dei simboli della New
York d’inizio millennio. E sono proprio il suo glamour, il suo stile e, soprattutto,
l’amore per “la città che non dorme mai”che
la rendono la candidata ideale per il ruolo di
Meryl in Che fine hanno fatto i Morgan?.
Ammettiamolo, la Parker e la sua New
York fiabesca hanno un po’ stancato e,
quindi, non si può che approvare il gustoso contrappasso del regista Marc Lawrence che la spedisce senza troppi complimenti in uno sperduto paesino del Wyoming alla mercé di due rustici federali.
A farle compagnia in questa “terribile”
avventura Hugh Grant, ex marito fedigrafo
dalla battuta pronta, che approfitterà del
silenzio della natura per farle udire la sua
disperata richiesta di perdono.
Lawrence, è bene dirlo senza troppi giri
di parole, gioca “sporco”. Confeziona una
commedia di facile presa sul pubblico, al
solo fine di raccontare, o meglio, ridicolizzare gli Stati Uniti.
Broadway, Sunset Boulevard, Rodeo
Drive, solo per citarne alcune, rappresentano nell’immaginario collettivo, l’America
S
30
e i suoi abitanti. La versione stereotipata
creata a tavolino per alimentare l’American dream, specialmente negli Europei. La
terra degli hamburger e della Coca-cola è
altro, Lawrence lo sa bene; per questo fa
conoscere dei personaggi e delle situazioni
che di primo acchito stonano palesemente con il contesto tanto da sembrare irreali. Eppure lo sono, fin troppo.
Volendo essere particolarmente cattivi si potrebbe azzardare che il regista abbia voluto sottolineare le differenze fra
l’America repubblicana e quella democratica. Come non pensare, infatti, a Sarah
Palin vedendo una donna imbracciare un
fucile e mostrare con orgoglio i suoi trofei
di caccia appesi al muro, o ascoltare i discorsi degli avventori di un bar e non paragonarli a quelli di George W. Bush?
Ovviamente la sintassi della commedia non permette ulteriori speculazioni in
merito e probabilmente lo stesso Lawrence non aveva intenzione di infierire oltre,
visto che poi nel finale premia, senza riserve, la genuinità degli abitanti del Wyoming. Uno a uno palla al centro.
In fondo, Che fine hanno fatto i Morgan nasce come pellicola d’intrattenimento e svolge il suo compitino senza particolari intoppi: è leggera, scritta bene e ogni
tanto fa anche riflettere. Può bastare. Se
poi si cerca qualcosa di intellettualmente
più stimolante, conviene cambiare genere. O almeno regista.
Francesca Piano
Film
2009
INDICE
DELLANNATA
INDICE
DEI FILM
A
Abbracci spezzati
(Gli)
2/101-102
Alibi perfetto
(Un)
34/101-102
Alieni in soffitta
23/100
Amici del bar Margherita (Gli)
11/99
Amore che vieni, amore che vai
37/97
Anamorph
27/100
Angeli e Demoni
18/99
Antichrist
27/99
Appaloosa
32/99
Aspettando il sole
23/98
Astroboy
10/101-102
Australia
16/97
Avventure del topino
Despereaux (Le)
51/100
Capitalism: A Love
Story
20/101-102
Cattivo Tenente (Il)
– Ultima chiamata
New Orleans
15/100
Che la fine abbia inizio
53/98
Chrstimas
Carol (A)
42/101-102
Cinema Universale
d’essai
43/100
500 giorni insieme 33/101-102
Come Dio comanda
44/97
Come un’uragano
25/98
Coniglietta di casa
(La)
39/97
Control
9/100
Cose in te nascoste
(Le)
31/100
Cosmo sul comò (Il)
45/98
Cosmonauta
42/100
Crossing Over
50/100
Fortapàsc
15/99
Franklyn
36/99
Fronzen River
48/97
Frost/Nixon –
Il duello
20/98
Fuga dal Call Center
47/99
Funny People
30/101-102
Fuori menù
21/99
G
Garage
Giardino dei limoni (Il)
Gioco da ragazze (Un)
Giulia non esce la sera
Gran Torino
Grande sogno (Il)
H
Hackiko – Il mio
migliore amico
19/101-102
Hannah Montana –
The Movie
17/99
Home – Casa dolce
casa?
19/100
B
Baarìa
24/100
Baby Love
14/100
Baby Mama
56/100
Ballare per un sogno
6/98
Bambino con il pigiama
a righe (Il)
13/97
Banda Baader Meinhof
(La)
34/97
Barbarossa
38/101-102
Basta che funzioni
2/100
Bastardi senza
gloria
23/101-102
Battaglia per la Terra
in 3D
38/99
Beket
50/98
Biancaneve e gli 007
Nani
3/101-102
Bordeland – Linea di
confine
28/100
Bride Wars – La mia
migliore nemica
4/98
Brothers
26/101-102
C
Cadillac Records
41/100
Cado dalle nubi
13/101-102
Canarina assassina
(La)
36/97
Canto di Paloma (Il)
46/99
4/99
44/98
15/97
35/100
2/98
47/100
D
Dall’altra parte del
mare
28/98
Defiance – I giorni
del coraggio
35/98
Denti
38/98
Diari
46/100
17 Again – Ritorno
al liceo
25/99
Disastro a Hollywood
33/99
District 9
37/101-102
Dorian Gray
17/101-102
Dubbio (Il)
35/97
Duchessa (La)
23/97
Due partite
40/98
2012
28/101-102
Dura verità (La)
25/101-102
I
I Love Shopping
14/98
I Love You, Man
59/100
Immagina che
57/100
Impy e il mistero
dell’isola magica
28/97
Informant (The)
21/100
International (The)
16/98
Io & Marley
13/99
Io non ci casco
41/97
Io, loro e Lara
48/101-102
Isola delle coppie
(L’)
52/101-102
Italians 4/97
E
Ember – Il mistero
della città di luce
27/98
Estate ai Caraibi (Un’)
3/99
Eva e Adamo
12/101-102
Ex
29/97
L
Lago
58/98
Land of the Lost
7/101-102
Legami di sangue
10/98
Legge del crimine (La) 29/100
Lezioni d’amore
35/99
Lezioni di felicità
12/97
Look Both Ways –
Amori e distratti
45/99
Louise-Michel
42/99
Lower City
25/97
Lui, lei e Babydog
24/97
M
Madagascar
2 29/98
Mar Nero
11/101-102
Matassa (La)
56/98
Matrimonio all’inglese
(Un)
20/97
Max Payne
43/97
Messaggero (Il)
22/100
Milk
26/97
Millionaire (The)
2/97
Miss Marzo
5/100
Moon
49/101-102
N
Natale a Beverly
Hills
44/101-102
Natale a Rio
32/97
Nemico del mio
nemico (Il)
42/97
Nemico pubblico
8/101-102
Nemico pubblico N.1
– L’ora della fuga
49/100
Niente velo per Jasira
6/100
Notorius B.I.G.
58/100
Notte al museo 2 (Una)
– La fuga
20/99
J
Jennifer’s Body
Julie & Julia
Just Friends –
Solo amici
22/101-102
55/101-102
O
Obsessed
Operazione Valchiria
37/100
10/97
34/100
P
F
K
Fà la cosa sbagliata –
The Wackness
43/101-102
Katyn
31
36/98
Palermo Shooting
Pantera rosa 2 (La)
12/100
22/98
Film
Passato è una terra
straniera (Il)
54/98
Peso dell’aria (Il)
31/97
Piede di Dio
53/100
Polvere
44/100
Pride and Glory –
Il prezzo dell’onore
57/98
Prima linea (La)
50/101-102
Principessa
13/100
Principessa e il ranocchio (La)
16/101-102
Pugile e la ballerina (Il)
46/97
Q
Quarantena
Quel che resta di mio
marito
Quell’estate felice
Questione di punti
di vista
Questo piccolo grande
amore
29/99
22/97
39/98
30/100
St. Trinian’s
Star System
Star Trek – Il futuro
ha inizio
Star Wars – La Guerra
dei Cloni
State of Play
Strangers (The)
Sul lago Tahore
54/100
9/99
Appaloosa
Astro Boy
Australia
17/100
Baader Meinhof Komplex (Der)
34/97
Baby Mama
56/100
Bad Lieutenant: Port
of Call New Orleans 15/100
Beyond a Reasonable
Doubt
34/101-102
Bonneville
22/97
Borderland
28/100
Boy in the Striped
Pyjamas (The)
13/97
Bride Wars
4/98
Brothers
26/101-102
10/99
24/99
40/99
45/97
4/100
11/98
19/98
52/98
C
Cadillac Records
Capitalism: A Love
Story
Christmas Carol
(A)
Cidade baixa
City of Ember
Comme les autres
Confessions of a
Shopaholic
Control
Couples Retreat
Crossing Over
42/98
U
R
Racconti dell’età
dell’oro
57/101-102
Rachel sta per
sposarsi
9/97
Ragazza che giocava
con il fuoco (La)
5/101-102
Ragazza del mio migliore amico (La)
45/100
Reader (The) –
A voce alta
30/99
Respiro del diavolo (Il) – Whisper
9/98
Revolutionary Road
7/97
Ricatto d’amore
47/101-102
Riunione di famiglia
26/99
Rivolta delle ex (La)
8/100
Rocknrolla
23/99
S
Sacro e profano
7/99
Sangue dei vinti (Il)
38/100
Saw V
30/97
Sbirri
6/99
Scuola per canaglie
26/100
S.Darko
39/101-102
Segnali dal futuro
32/100
Segreti di famiglia 35/101-102
Senza amore
9/101-102
Serious Man (A)
53/101-102
Sette anime
30/97
Sherlock Holmes
31/101-102
Siciliana ribelle (La)
41/98
Smile
40/101-102
Sogno nel casello (Il)
5/99
Sol dell’avvenire (Il)
46/98
Soul Kitchen
14/101-102
Spirit (The)
13/98
Frost/Nixon
Frozen River
Fuera de carta
Funny People
20/98
48/98
21/99
30/101-102
B
11/97
11/100
19/97
39/100
T
Terazza sul lago (La)
Terminator Salvation
Ti stramo
Tony Manero
Trasformers – La vendetta del caduto
Tutta colpa di Giuda
Tutti insieme inevitabilmente
Two Lovers
32/99
10/101-102
16/97
Ultimatum alla Terra
6/97
Ultimo crodino (L’)
43/99
Underworld – La ribellione dei Lycan
49/98
Uninvited (The)
14/99
Uomini che odiano le
donne
39/99
Uomo che fissa le
capre (L’)
46/101-102
41/100
20/101-102
42/101-102
25/97
27/98
14/100
14/98
9/100
52/101-102
50/100
V
D
Valzer con Bashir
40/97
Verità è che non gli piaci abbastanza (La)
5/98
Verso l’Eden
24/98
Viaggio di Jeanne (Il) 4/101-102
Vincere
2/99
Visions
52/100
Vuoti a rendere
18/100
Day the Earth Stood
Still
6/97
Defiance
35/98
District 9
37/101-102
Dorian Gray
17/101-102
Doubt
35/97
Duchess (The)
23/97
G
Garage
Ghost of Girlfriends
Past
Gran Torino
Grandes Personnes
(Les)
4/99
8/100
2/98
4/101-102
H
Hachiko: A Dog’s
Story
19/101-102
Hannah Montana:
The Movie
17/99
Happily N’Ever
After
2 3/101-102
Haunting in Connecticut (The)
22/100
He’s Just Not That
Into You
5/98
Heavy Petting
24/97
Home
19/100
House Bunny (The)
39/97
How to Lose Friends
& Alienate People
9/99
I
I Love You, Man
Imagine That
Informant! (The)
Inglourious
Basterds
International (The)
59/100
57/100
21/100
23/101-102
16/98
J
Jennifer’s Body
Julie & Julia
Just Friends
22/101-102
55/101-102
34/100
E
W
Watchmen
Women (The)
Wrestler (The)
Easy Virtue
20/97
Eden à l’Ouest
24/98
Elegy
35/99
En mand kommer hjem
26/99
Ennemi public n. 1 (L’)
49/100
Etz Limon
44/98
8/98
3/97
17/98
TITOLI
ORIGINALI
A
F
Abrazos Rotos (Los) 2/101-102
Aliens in the Attic
23/100
Amintiri din epoca
de aur
57/101-102
Anamorph
27/100
Angels & Demons
18/99
Antichrist
27/99
Filth and Wisdom
(500) Days of
Summer
Flickan som lekte
med elden
Four Christmases
Franklyn
32
7/99
33/101-102
5/101-102
19/98
36/99
K
Katyn
Knowing
36/98
32/100
L
Lakeview Terrace
Land of the Lost
Look Both Ways
Luise-Michell
10/99
7/101-102
45/99
42/99
M
Madagascar: Escape
2 Africa
Make It Happen
29/98
6/98
Film
Män som hatar kvinnor
39/99
Marley & Me
13/99
Max Payne
43/97
Men Who Stare at
Goats (The)
46/101-102
Milk
26/97
Miss March
5/100
Moon
49/101-102
Mu Enemy’s Enemy
42/97
My Best Friend’s Girl
45/100
N
Night at the Museum:
Battle of the Smithsonian
Nights in Rodanthe
Notorious
20/99
25/98
58/100
O
Obsessed
Odette Toulemonde
37/100
12/97
State of Play
Strangers (The)
11/100
19/97
B
Ball Alan
Bay Michael
Bellocchio Marco
Berman Zev
Bertino Bryan
Billingsley Peter
Blomkamp Neil
Bondi Federico
Bowers David
Boyle Danny
Brizzi Fausto
Burchielli Roberto
T
Tale of Despereaux
(The)
51/100
Te acuerdas de
Lake Tahoe?
39/100
Teeth
38/98
Terminator Salvation
24/99
Terra
38/99
Teta asustada (La)
46/99
Tetro
35/101-102
Tony Manero
45/97
Towelhead
6/100
Trasformers: Revenge
of the Fallen
4/100
Trenta) 36 vues
du Pic Saint-Loup
30/100
Two Lovers
52/98
2012
28/101-102
C
Calvagna Stefano
Cascella Daniele
Cecinelli Luigi
Cesena Marcello
Chelsom Peter
Cino Beppe
Clements Ron
Coen Ethan
Coen Joel
Coixet Isabel
Columba Paola
Coppola Francis
Ford
Corbijn Anton
Cornwell Peter
Costa-Gravas
Costantini Daniele
U
P
Palermo Shooting
12/100
Pink Panther 2 (The)
22/98
Premier cercle (Le)
29/100
Pride and Glory
57/98
Princess and the Frog
(The)
16/101-102
Prom Night
53/98
Proposal (The)
47/101-102
Public Enemies
8/101-102
Q
Quarantine
V
10/97
40/97
18/100
9/97
30/99
7/97
23/99
Saw V
30/97
School for Scoundrels
26/100
S.Darko
39/101-102
Serious Man (A)
53/101-102
Seven Punds
18/97
Seventeen) 17 Again
25/99
Sherlock Holmes
31/101-102
Slumdog Millionaire
2/97
Soul Kitchen
14/101-102
Spirit (The)
13/98
St. Trinian’s
54/100
Star Trek
17/100
Star Wars: The Clone
Wars
11/97
35/101-102
9/100
22/100
24/98
37/97
Daldry Stephen
30/99
Darnell Eric
29/98
De Biasi Volfango
58/98
De Kervern Gustave
42/99
De Maria Renato
50/101-102
De Paola Bruno
5/99
D’Epiro Massimiano
44/100
Delépine Benoît
42/99
Demme Jonathan
9/97
Derrickson Scott
6/97
Deutch Howard
45/100
Dibb Saul
23/97
Donna Riccardo
42/98
Dowdle John Erick
29/99
Wackness (The)
43/101-102
Watchmen
8/98
What Just Happened
33/99
Whatever Works
2/100
Whisper
9/98
Women (The)
3/97
Wrestler (The)
17/98
INDICE
DEI REGISTI
S
31/97
36/97
52/100
45/98
17/99
39/98
16/101-102
53/101-102
53/101-102
35/99
10/98
D
W
29/99
R
Rachel Getting Married
Reader (The)
Revolutionary Road
RocknRolla
Ugly Truth (The)
25/101-102
Underworld: Rise of
the Lycans
49/98
Uninvited (The)
14/99
Urmel aus dem Eis
28/97
Valkyrie
Vals Im Bashir
Vratné iahve
6/100
4/100
2/99
28/100
19/97
52/101-102
37/101-102
11/101-102
10/101-102
2/97
29/97
6/99
A
E
Abrahamson Leonard
4/99
Abrams J.J.
17/100
Akin Fatih
14/101-102
Alfredson Daniel
5/101-102
Allen Woody
2/100
Almodóvar Pedro
2/101-102
Amenta Marco
41/98
Apatow Judd
30/101-102
Aronofsky Darren
17/98
Avati Pupi
11/99
Avellino Gianbattista
56/98
Azzola Attilio
46/100
Eastwood Clint
2/98
Edel Uli
34/97
Eimbcke Fernando
39/100
Elliott Stephan
20/97
Emmerich Roland 28/101-102
English Diane
3/97
Ephron Nora
55/101-102
F
Falcone Pasquale
Fell Sam
33
41/97
51/100
Ferrario Davide
11/98
Ficarra Salvatore
56/98
Filoni Dave
11/97
Fisher Chris
39/101-102
Fletcher Anne
47/101-102
Folman Ari
40/97
Fontana Giorgio Arcelli 13/100
Frankel David
13/99
G
Garenq Vincent
Gasperoni
Francesco
Giordano Renato
Gordon Seth
Gordon Steven E.
Grant Darren
Gray James
Gregger Zach
Guard Charles
Guard Thomas
14/100
40/101-102
9/101-102
19/98
3/101-102
6/98
52/98
5/100
14/99
14/99
H
Hackl David
Hallström Lasse
Hamburg John
Harris Ed
Hendler Stewart
Herman Mark
Herzog Werner
Heslov Grant
Höfer Hanno
Hogan P.J.
Howard Ron
Hunt Courtney
Hyams Peter
30/97
19/101-102
59/100
32/99
9/98
13/97
15/100
46/101-102
57/101-102
14/98
20/98, 18/99
48/98
34/101-102
I
Insegno Pino
40/99
J
Jones Duncan
49/101-102
K
Kenan Gil
Kirkland Boyd
Kirkpatrick Karey
Kloos Reinhard
Kramer Wayne
Kumble Roger
Kusama Karyn
Kwapis Ken
27/98
3/101-102
57/100
28/97
50/100
34/100
22/101-102
5/98
L
LaBute Neil
Larraín Pablo
Levine Jonathan
Levinson Barry
10/99
45/97
43/101-102
33/99
Film
Levy Shawn
20/99
Lichtenstein Mitchell
38/98
Llosa Claudia
46/99
Luhrmann Baz
16/97
Luketic Robert
25/101-102
M
Macdonald Kevin 42/97, 11/100
Machado Sérgio
25/97
Madonna
7/99
Mann Michael
8/101-102
Manuli Davide
50/98
Marculescu
Razvan
57/101-102
Martin Darnell
41/100
Martinelli Renzo
38/101-102
McCormick Nelson
53/98
McCullers Michael
56/100
McG
24/99
McGrath Tom
29/98
McMorrow Gerald
36/99
Meier Ursula
19/100
Mendes Sam
7/97
Micali Federico
43/100
Miller Frank
13/98
Miller Henry
27/100
Monteleone
Enzo 40/98
Moore John
43/97
Moore Michael
20/101-102
Moore Trevor
5/100
Moroni Vittorio
12/101-102
Muccino Grabiele
18/97
Mungiu Cristian
57/101-102
Musker John
16/101-102
Richet Jean-François
Riklis Eran
49/100
44/98
Vinterberg Thomas
Von Trier Lars
R
Risi Marco
Ritchie Guy
Ritchie Guy
Rivette Jacques
Rizzo Federico
Rovere Matteo
Rowley
Christopher N.
W
15/99
23/99
31/101-102
30/100
47/99
15/97
Wajda Andrzej
Waters Mark
Watt Sarah
Webb Marc
Weide Robert B.
Wenders Wim
Winick Gary
Wolf Fred
Wolfe George C.
22/97
O
O’Connor Gavin
Oplev Niels Arden
57/98
39/99
P
Panini Ago
23/98
Pannone Gianfranco
46/98
Parenti Neri
32/97
Parenti Neri
44/101-102
Parker
Oliver
54/100, 17/101-102
Phillips Todd
26/100
Piccioni Giuseppe
35/100
Picone Valentino
56/98
Placido Michele
47/100
Popescu
Constantin
57/101-102
Proietti Danilo
44/100
Proyas Alex
32/100
36/98
8/100
45/99
33/101-102
9/99
12/100
4/98
39/97
25/98
S
Zemeckis Robert
Zwart Harald
Zwick Edward
42/101-102
22/98
35/98
INDICE
DEGLI AUTORI
B
Barteri Veronica 20/97, 29/97, 6/
98, 23/98, 52/98, 56/98, 14/99,
21/99, 33/99, 19/100, 45/100,
53/100, 7/101-102, 8/101-102,
17/101-102, 30/101-102
Bartoni Elena 25/97, 37/97, 39/
97, 45/97, 14/98, 25/98, 42/98,
53/98, 4/99, 5/99, 7/99, 36/99,
40/99, 42/99, 43/99, 4/100, 8/
100, 9/100, 46/100, 54/100, 2/
101-102, 12/101-102, 50/101102, 55/101-102, 57/101-102
Tappe Holger
28/97
Tarantino Quentin 23/101-102
Tatopoulos Patrick
49/98
Thompson Barnaby
54/100
Tillman jr. George
58/100
Tornatore Giuseppe
24/100
Tsirbas Aristomenis
38/99
Tuel Laurent
29/100
Tykwer Tom
16/98
C
Caruso Luca 44/101-102
Ceccarelli Gianluigi 13/98, 20/98,
45/98, 57/98, 6/100, 17/100,
21/100, 35/100, 41/100, 49/
100, 22/101-102, 25/101-102,
35/101-102, 37/101-102, 40/
101-102, 53/101-102
Cecchini Chiara 11/97, 28/97, 19/
98, 29/98, 17/99, 25/99, 13/
100, 57/100, 10/101-102, 42/
101-102, 47/101-102
U
57/101-102
V
Van Sant Gus
Vanzina Carlo
Velilla Nacho G.
Verdone Carlo
Veronesi Giovanni
Vicari Daniele
Vinci Vito
Emiliani Simone 26/97, 30/97, 32/
97, 43/97, 17/98, 29/99, 22/
100, 23/100, 24/100, 27/100,
28/100, 37/100, 47/100, 23/
101-102
G
Grasselli Silvio 31/97, 47/97, 46/
98, 50/98, 54/98, 18/99, 27/99,
31/100, 39/100, 43/100, 11/
101-102
M
T
Uricaru Ioana
E
Z
Salvatores Gabriele
44/97
Sardiello Luigi
53/100
Sarmiento Marcel
24/97
Sarto Jean
28/98
Schmitt Eric-Emmanuel 12/97
Schultz John
23/100
Shanley John Patrick
35/97
Sheridan Jim
26/101-102
Shill Steve
37/100
Silberling Brad
7/101-102
Singer Bryan
10/97
Snyder Zack
8/98
Soavi Michele
38/100
Sodaro Gianluca
40/99
Soderbergh Steven
21/100
Spinazzola Umberto
43/99
Steers Burr
25/99
Stevenhagen Robert
51/100
Suriano Francesco
47/97
Sverak Jan
18/100
N
Nicchiarelli Susanna
42/100
Novion Anne
4/101-102
Nunziante Gennaro 13/101-102
26/99
27/99
Mandolini Elena 13/97, 19/97, 36/
97, 10/98, 39/98, 48/98, 6/99,
20/99, 38/99, 47/99, 11/100,
18/100, 26/100, 29/100, 32/
100, 38/100, 44/100, 51/100,
56/100, 59/100, 3/101-102, 9101-102, 31/101-102, 33/101102, 52/101-102
Mondella Diego 34/97, 40/97, 44/
97, 2/99, 15/99, 30/99, 45/99,
58/100, 14/101-102, 20/101102, 39/101-102, 49/101-102
Moresco Fabrizio 10/97, 16/98,
24/98, 35/98, 41/98, 32/99, 15/
100, 50/100, 34/101-102, 38/
101-102, 46/101-102, 48/101102
P
Petacco Danila 16/97, 18/97, 22/
98, 58/98, 19/101-102
Piano Francesca 2/97, 3/97, 4/97,
6/97, 7/97, 9/97, 12/97, 15/97,
22/97, 23/97, 4/98, 5/98, 40/98,
3/99, 9/99, 13/99, 5/100, 4/101102, 16/101-102
Pinetti Manuela 2/98, 27/98, 36/
98, 44/98, 10/99, 2/100, 34/
100, 5/101-102, 26/101-102,
28/101-102, 43/101-102
Polidoro Ivan 25/97, 42/97
S
Sammarco Valerio 35/97, 8/98,
28/98, 23/99, 24/99, 26/99, 39/
99, 46/99, 14/100, 42/100, 53/
100
D
26/97
3/99
21/99
48/101-102
4/97
54/98
31/100
De Girolamo Marini Fabio 11/99,
12/100
Dell’Aquila Marianna 13/101-102
Di Giacomantonio Tania 35/99
Di Giorgio Davide 9/98, 38/98, 49/
98
34
T
Tomassacci Giuliano 41/97
V
Vergerio Flavio 11/98, 30/100
Film
LUOMO NERO
Italia, 2009
Regia: Sergio Rubini
Produzione: Donatella Botti per Bianca Film in collaborazione
con Rai Cinema
Distribuzione: 01 Distribution
Soggetto e sceneggiatura: Domenico Starnone, Carla
Cavalluzzi, Sergio Rubini
Direttore della fotografia: Fabio Cianchetti
Montaggio: Esmeralda Calabria
Musiche: Nicola Piovani
Scenografia: Luca Gobbi
Costumi: Maurizio Millenotti
Location Manager: Fabio Marini
Organizzatore: Ezio Orita
Aiuti regista: Leopoldo Pescatore, Fabrizio Procaccini
Operatore: Luigi Andrei
abriele Rossetti arriva dalla Svizzera, dove vive da anni, in Puglia nel suo paese d’origine chiamato al capezzale del padre morente. L’uomo ripensa alla sua infanzia. 1967, il padre, Ernesto Rossetti, è il capostazione di
un piccolo paese che coltiva la passione
della pittura vivendo nel rimpianto di non
aver potuto frequentare il liceo artistico.
Ernesto è sposato con Franca, bella professoressa di lettere. Nello stesso appartamento abita anche il fratello di Franca, zio
Pinuccio, commerciante scanzonato e farfallone, compagno di giochi e maestro di
vita del piccolo Gabriele. Oltre alle chicche di saggezza dispensate dallo zio, Gabriele ha un’altra segreta via di fuga: le
evasioni visionarie a cui fa ricorso grazie
a una accesa fantasia che gli permette di
vedere una realtà che agli altri rimane
nascosta. Nel paese, la vocazione artistica di Ernesto si scontra con due rappresentati del ceto colto, il professor Venusio
e l’avvocato Pezzetti. I due lo giudicano
con sufficienza e con aria di superiorità
considerandolo un dilettante che farebbe
meglio a dedicarsi al suo lavoro di capostazione e alla famiglia.
Un giorno, Ernesto porta il figlio a Bari
a vedere un famoso autoritratto del suo
pittore preferito, Cézanne. Rapito dalla
bellezza del quadro, decide di farne una
copia destinata a una sua mostra personale nel suo paese. Nell’estate del 1967, si
inaugura la mostra “Omaggio a Cézanne” di Ernesto Rossetti. La serata dell’evento, Gabriele ne combina una delle
sue: scappato via dalla mostra con un
amico, stacca la corrente a tutto il paese.
Il giorno dopo, sul giornale locale, viene
G
Trucco: Vincenzo Mastrantonio
Acconciature: Maria Teresa Corridoni
Supervisore effetti visivi: Corrado Rizzo
Suono: Tullio Morganti
Interpreti: Sergio Rubini (Ernesto Rossetti), Valeria Golino
(Franca Rossetti), Riccardo Scamarcio (Pinuccio), Fabrizio
Gifuni (Gabriele Rossetti), Guido Giaquinto (Gabriele bambino), Anna Falchi (Donna Valeria Giordano), Maurizio Micheli
(Avvocato Pezzetti), Vito Signorile (Venusio), Margherita Buy
(Anna adulta), Vittorio Ciorcalo (Tonino Zucca), Mario Maranzana (direttore Dalò), Mariolina De Fano (signorina Lo Turco),
Adelaide Di Bitonto (zia Graziella), Pierluigi Corallo (nonno di
Gabriele), Nicoletta Carbonara (Dora Spadella), Isabella Ragno (Melina Spadella)
Durata: 116’
Metri: 3200
pubblicata una severa stroncatura della
mostra e in particolare della copia di Cézanne firmata dal professor Venusio. Ernesto è completamente a terra, pensa che
la sua vita sia un fallimento e si rinchiude
nella stazione ferroviaria. Pochi giorni
dopo, Ernesto affronta il professore chiedendo un’altra possibilità: vuole provare
a fare un’altra copia del dipinto. Gabriele
torna col padre a Bari. Nel museo, mentre
Ernesto si mette al lavoro, Gabriele dà il
suo primo bacio alla piccola Anna, nipote
del direttore del museo. Al ritorno, in treno, il piccolo si allontana dalla sua carrozza. Giunto alla locomotiva mentre il treno è fermo in una stazione, Gabriele vede
affacciarsi dal locale macchine l’uomo
nero che aveva visto in ricorrenti sogni,
che, dal finestrino, getta caramelle alla
gente. Durante la festa per gli otto anni di
Gabriele, Ernesto mostra la nuova copia
di Cézanne al professore. Il critico parla
di miglioramenti ma di un risultato finale
ancora mediocre dicendo a Rossetti che è
impossibile raggiungere il livello di un
maestro. Ernesto si sfoga dicendo che il
suo quadro non è identico a quello di Cézanne perché il suo è addirittura migliore.
E loro, critici miopi, non possono vederne
il valore perché hanno i paraocchi. Subito
dopo, esplode in una crisi di rabbia, cacciando tutti gli invitati da casa sua. Il piccolo Gabriele, rifugiatosi sotto un tavolo,
piange. Si torna al presente, Gabriele adulto prende il dipinto del padre e si reca a
Bari. Alla pinacoteca chiede notizie del
dipinto di Cézanne, lo gira e riconosce da
un segno dietro la tela che si tratta della
copia del padre. Poco dopo, viene a sapere da Anna che suo padre aveva sostituito
35
l’originale di Cézanne con il suo dipinto.
In tutti quegli anni nessuno si era accorto
della sostituzione. Al funerale del padre,
Gabriele rivede tutti personaggi che lo
hanno accompagnato nella sua infanzia,
poi ha una visione del padre: ha fretta di
raggiungere la mamma e di rimettersi a
dipingere.
iccolo mondo pugliese. La Puglia
delle origini, un piccolo paese del
sud quarant’anni fa e la sua stazione ferroviaria, un luogo simbolico, ricco
di suggestioni e amatissimo. Così Sergio
Rubini, firmando un film dal forte sapore
autobiografico, ripercorre, ancora una volta, la sua storia, i suoi ricordi, le sue suggestioni: persone, luoghi, oggetti, immagini. Il padre di Rubini era davvero un ferroviere e non a caso da La stazione è iniziata
nel 1990 la sua avventura alla regia, un’avventura passata spesso per la sua amata
terra di Puglia, dal Viaggio della sposa nella Puglia del Seicento, continuando a raccontare i giovani nella sua terra negli anni
Settanta (Tutto l’amore che c’è) e a parlare di sortilegi d’amore nel ‘suo’ meridione
popolato da fattucchiere e barbieri truffaldini (L’anima gemella). In anni più recenti,
il poliedrico attore regista continua a percorrere sempre più scopertamente la strada delle suggestioni autobiografiche con La
Terra, titolo emblematico per il racconto del
ritorno nella natia terra di un professore
trasferitosi da anni al nord. E oggi torna
ancora alle sue origini e si ferma di nuovo
in una stazione, la stazione ferroviaria di
un piccolo paese dove lavora il protagonista di questa sua decima prova registica.
E siamo alla piena maturità d’artista.
P
Film
Ci troviamo davanti a un vero racconto di formazione, una specie di favola moderna come l’ha ribattezzata lo stesso regista citando il modello di “Pinocchio”. Il
film ha effettivamente molto della favola di
Collodi, con quell’uomo nero che ricorda
da vicino il mitico ‘mangiafuoco’, con quello zio giocherellone e un po’ fatuo che sembra un Lucignolo cresciuto ma, sotto sotto, ancora bambinone, con quella mamma così bella e così dolce quasi fosse una
novella fata turchina pronta a consolare il
povero Pinocchio. E chi sembra il papà
Ernesto se non un novello Geppetto la cui
passione non è lavorare il legno ma dipingere su una tela? E quei due tronfi intellettualoidi di paese non ricordano molto da
vicino il gatto e la volpe di collodiana memoria?
Il Pinocchio di Rubini si chiama Gabriele. È un bambino che vive in un universo
metà reale, metà onirico, un piccolo che
cerca fughe da una realtà in cui soffre per
un padre fallito. Sotto un tavolo, dopo l’ennesima crisi di nervi e l’ennesima frustrazione sfogata davanti ad un saccente critico d’arte di provincia che ancora una volta stronca le sue velleità artistiche, il piccolo giura a sé stesso di non voler diventare mai come suo padre. Molto più divertente la compagnia del vanesio e superficiale zio Pinuccio. Ma ecco l’età adulta e
la prospettiva quasi magicamente si capovolge: la vergogna provata per quel padre “senza qualità” viene messa alla pro-
va dai ricordi del passato ma, soprattutto,
dell’emergere di una scottante verità. Già,
se si è capaci di guardare “dietro” e di leggere “in filigrana” la realtà che abbiamo
davanti, si arriva a capire come la distinzione tra vero e finto sia molto sottile e difficile da vedere anche per un occhio esperto. D’altronde dietro ogni sforzo creativo
non c’è spesso fatica, amore, passione?
E davvero la lezione più grande di un grande-piccolo padre è proprio quella sussurrata guardando il paesaggio dal finestrino
di un treno: i colori della realtà sono tantissimi, molti di più di quelli che si colgono al
primo superficiale sguardo.
Il film è recitato benissimo, come di
rado accade nel cinema italiano. Tutti, ma
proprio tutti, sono in parte, dai protagonisti, Rubini, Scamarcio, Golino, fino ai ruoli
di contorno. Unica nota “stonata”: quella
musica che Nicola Piovani sembra aver
composto mentre dormiva e sognava la
melodia de La vita è bella.
Le parti più belle ci sono sembrate
quelle dedicate all’universo dei bambini,
quei bambini che giocano scalzi e felici per
le strade del piccolo paese, che sognano,
immaginano, hanno paura, che sono vivi
e scalpitanti, contrapposti alla compostezza di quelli ingessati e ordinati che sono la
fotocopia degli adulti che li stanno plasmando a loro immagine e somiglianza
(davvero gustoso il grasso figliuolo del
pedante professore). Un racconto di formazione, un viaggio compiuto dal figlio di
un capostazione, attraverso i colori del
passato, le sue luci, le sue ombre, le sue
immagini più vivide e i suoi ricordi più sfocati. Ma, soprattutto, una necessaria revisione del mestiere della critica attraverso
una delle figure più azzeccate del film, un
professorucolo nonché critico d’arte borioso, altezzoso, ipocrita. Qualcuno che nasconde, dietro una facciata di arroganza e
sicurezza, il vuoto, qualcuno che fonda
sulla facile arma della stroncatura la propria pretestuosa autorità. Una miopia che
impedisce di mettere a fuoco le mille sfumature di un’opera d’arte, sia essa pittura, scultura, architettura o ... cinema. E proprio nella sua penultima regia, Colpo d’occhio, Rubini aveva trattato le problematiche derive del rapporto tra l’artista e il critico. Con un risultato non troppo felice.
Ecco invece giungere ora forte e chiaro il messaggio di questa bella favola ricca di suggestioni oniriche e cinefile con
echi che vanno dall’Amarcord felliniano al
Ferroviere di Germi, con sorpresina finale. Sogni e incubi, fantasmi di nonni danzanti e di genitori sereni alle soglie del cimitero, ombre oscure e minacciose per le
buie scale e poi lui, l’uomo nero che ha
terrorizzato tutti noi bambini, che altri non
è che il macchinista di uno stantuffante treno a vapore che getta caramelle con le
mani sporche di carbone. Che bel sogno
cinematografico!
Elena Bartoni
DEPARTURES
(Okuribito)
Giappone 2008
Scenografie: Fumio Ogawa
Interpreti: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi ), Tsutomu
Yamazaki (Ikuei Sasaki), Ryoko Hirosue (Mika Kobayashi),
Kazuko Yoshiyuki ( Tsuyako Yamashita ), Kimiko Yo (Yuriko
Kamimura), Takashi Sasano (Shokichi Hirata), Tetta Sugimoto (Yamashita), Tôru Minegishi (Yoshiki Kobayashi), Tasuo Yamada (Togashi), Tarô Ishida (Sonezaki ), Sanae Miyata ( Naomi Togashi), Mitsuyo Hoshino ( Kazuko Kobayashi)
Durata: 131’
Metri: 3600
Regia: Yojiro Takita
Produzione: Amuse Soft Entertainment, Asahi Shimbunsha,
Dentsu, Mainichi Hoso, Sedic, Shochiku Company, Shogakukan, Tokyo Broadcasting System
Distribuzione: Tucker Film
Soggetto: Dal racconto di Shinmon Aoki
Sceneggiatura: Kundo Koyama
Direttore della fotografia: Takeshi Hamada
Montaggio: Akimasa Kawashima
Musiche: Joe Hisaishi
aigo, violoncellista in un’orchestra giapponese, perde il posto
perchè il gruppo musicale si scioglie, colpito dalla crisi dei tempi che porta
la gente verso altri più facili spettacoli piuttosto che a riempire le platee di un auditorium. Daigo e la moglie Mika lasciano,
così, la città per ritornare al paese di provenienza, dove lui risponde a un’inserzio-
D
ne che cerca personale, apparentemente
per un’organizzazione turistica. In realtà,
a causa di un errore di stampa, i viaggi di
cui parla l’annuncio non riguardano il turismo ma l’ultimo tragitto verso l’aldilà.
Al dunque, Daigo si trova a imparare un
lavoro specialistico e particolare: lavare, ricomporre, rivestire con ricchi abiti
il corpo di un morto prima di consegnar36
lo alla famiglia per la sepoltura o la cremazione.
L’impatto per il giovane è inizialmente
terribile, poi, sotto la saggia guida del suo
maestro, Daigo diventa un bravissimo accompagnatore dei morti per l’ultimo saluto, come se questo lavoro gli fosse appartenuto da sempre. All’inizio, lui tiene la situazione nascosta perchè teme la reazione
Film
della moglie e dei conoscenti, ma non può
occultare tutto all’infinito; cosicchè quando si sparge la voce come lui si guadagna
da vivere, le conseguenze sono quelle temute: cioè, l’abbandono della moglie e il vuoto che la gente gli fa intorno. Si tratta però
di un breve periodo transitorio: Daigo infatti insiste, forte della sua serietà e dell’amore con cui svolge il suo mestiere e, pian
piano, tutti si riavvicinano, moglie compresa. Il rispetto definitivo si scioglie del tutto,
quando la cooperativa di pescatori di una
zona vicina riconsegna al giovane il corpo
del padre morto improvvisamente e che lui
non vede da più di trent’anni. La devozione
e l’amore che Daigo mette nella composizione del corpo del genitore risolve tutte le
problematiche del presente e placa le incomprensioni e gli odi di un triste passato.
l film è davvero giapponese nel ripescare temi carissimi a quel popolo come il ritorno al paese natale e riprendere contatto con le radici più
profonde di una tradizione antichissima
composta di civiltà, rispetto, culto della
cortesia e, quindi, culto dei morti perchè
tutto da lì parte e lì finisce. Il culto dei morti e tutte le relative azioni che accompagnano il defunto verso l’ultraterreno è privo di qualsiasi aspetto religioso (se non
guardassimo l’ambientazione e la tipologia umana degli interpreti potremmo dire
di trovarci ovunque nel mondo) e non è
influenzato né oppresso da una simbologia ridondante, caratteristica di una qualsiasi forma di potere liturgico: è il grande
merito di questa proposizione cinematografica. Così ognuno può trovarvi i simboli, gli accostamenti e le metafore più vicine
alla propria sensibilità nella convinzione,
nella sensazione assoluta di appartenere
a un clima rarefatto di emozioni, di intimi
approfondimenti, di pensieri inespressi, di
una sacralità, insomma, del tutto aderente alla dimensione dell’umano.
A sottolineare il livello poetico di questa contiguità con i morti c’è la musica: il
giovane interprete è infatti un violoncellista costretto a lasciare la strada che amava per trovarne un’altra, guarda caso, ricca di un uguale amore per la vita e per la
dignità che assume ogni sua forma espressiva; il violoncello così non è mai accantonato ma continua a essere un dolcissimo
complice nei momenti di abbandono, come
una forte e lirica presenza quando la famiglia del morto gradisce della musica a punteggiare e addolcire l’ultimo saluto al proprio congiunto.
Certo non è facile per noi spettatori
occidentali sentirsi vicino a questo film in
ogni momento, abituati come siamo a rin-
I
correre sempre, nella vita come sullo
schermo, una giovinezza smagliante e laccata che tenga lontano lo “scandalo” della
vecchiaia, del decadimento e della morte;
abituati come siamo ad assistere, nella vita
come sullo schermo, a comportamenti
aggressivi e privi di rispetto, intelligenza e
sensibilità, dove è visto scomodo e fuori
ruolo lo slancio di una stretta di mano, figurarsi il susseguirsi di inchini dalla mattina alla sera. Dobbiamo, però, essere convinti che quando l’anno scorso i signori
dell’Academy Award dettero a quest’opera l’Oscar per il migliore film straniero, vol-
lero reclamare con forza la necessità di
guardare oltre gli effetti speciali per considerare con rispetto qualcosa, a cui ci si
sta disabituando a vedere sullo schermo:
il riserbo, l’impalpabile intimità con cui l’essere umano deve porsi di fronte alla vita e
alla morte; per non dimenticare poi che
anche per conquistare una forma espressiva che, diversa dalle solite, potesse aiutarlo a cogliere questo immenso confronto, l’essere umano ha inventato il cinema
tanti anni fa.
Fabrizio Moresco
IO SONO LAMORE
Italia, 2009
Regia: Luca Guadagnino
Produzione: Luca Guadagnino, Tilda Swinton, Alessandro Usai, Francesco Melzi
D’Eril, Marco Morabito e Massimiliano Violante per Mikado film, Firstsun in collaborazione con Rai Cinema, La Dolce Vita Productions, Pixel Dna
Distribuzione: Mikado
Soggetto: Luca Guadagnino
Sceneggiatura: Luca Guadagnino, Barbara Alberti, Ivan Cotroneo, Walter Fasano,
Direttore della fotografia: Yorick Le Saux
Montaggio: Walter Fasano
Musiche: John Adams
Costumi: Maria A. Cannarozzi, Jil Sander
Aiuti regista: Cinzia Castagna, Berenice Vignoli
Effetti visivi: Paolo Trisoglio
Scenografie: Francesca Balestra Di Mottola
Arredatore: Monica Sironi
Interpreti: Tilda Swinton (Emma Recchi), Flavio Parenti (Edoardo Recchi Jr.), Edoardo Gabbriellini (Antonio Biscaglia), Alba Rohrwacher (Elisabetta Recchi), Pippo Delbono (Tancredi Recchi), Maria Paiato (Ida Marangon), Diane Fleri (Eva Ugolini), Waris
Ahluwalia (Mr. Kubelkian), Gabriele Ferzetti (Edoardo Recchi Sr.), Marisa Berenson
(Allegra Recchi), Martina Codecasa (Delfina), Mattia Zaccaro (Gianluca Recchi)
Durata: 120’
Metri: 3280
37
Film
’anziano imprenditore Edoardo
Recchi, da anni a capo di una
delle più ricche famiglie di Milano, è costretto a lasciare il timone dell’azienda per problemi di salute. Individua
allora il suo successore nelle figure del figlio Tancredi e del nipote Edoardo Jr.
Questo ultimo, che è in procinto di sposarsi con la fidanzata Eva, fa amicizia con
Antonio, un bravissimo cuoco che gestisce
assieme al padre un piccolo ristorante fuori
città. Le sue doti di grande chef conquistano a tal punto il giovane erede Recchi,
da indurre questo ultimo ad aprire un nuovissimo locale a Milano ed entrare così in
società con lui.
Anche la madre di Edoardo, Emma (di
origini russe), rimane affascinata dal talento culinario del ragazzo: non appena assaggia i suoi piatti raffinati, le capita infatti di
provare un piacere che non provava più da
tanto tempo. Durante un viaggio a Sanremo,
la donna rincontra, per caso, Antonio: lui la
porta a visitare il suo rifugio in campagna e
qui, presi da una travolgente passione, finiscono per passare la notte assieme.
Da quel momento, cominciano a vedersi
di nascosto e sempre più frequentemente. Nessuno ha il benché minimo sospetto della loro
relazione. Fino a quando una sera, durante
un ricevimento in casa Recchi preparato da
Antonio, viene servito a tavola un piatto della cucina russa molto amato da Emma, di
cui soltanto lei conosce la ricetta... .
Edoardo affronta allora la madre chiedendole spiegazioni. Ma, mentre discutono
vicino la piscina, il ragazzo scivola in acqua
sbattendo violentemente la testa sul bordo.
Muore in ospedale a seguito di una forte
emorragia cerebrale. Subito dopo il funerale del figlio, Emma confida al marito di essersi innamorata di un altro uomo e, poco
dopo, fa le valige e lascia la villa di famiglia.
L
toria debole e personaggi poco
credibili. Messa in scena tronfia
e velleità da autore consumato.
Io sono l’amore di Luca Guadagnino ha
tutto quello di cui il cinema italiano farebbe volentieri a meno. L’ambizione di rinverdire i fasti del melò classico naufraga
in un freddo esercizio di stile.
E non è soltanto l’atmosfera austera e
invernale di Milano a respingere lo spettatore, ma l’intera vicenda scritta addirittura
a otto mani con Ivan Cotroneo, Barbara
Alberti e Walter Fasano.
Il tentativo di riportare in vita un mondo
decadente-borghese (come solamente maestri quali Visconti e Antonioni erano riusciti
a fare) sa tanto di “operazione nostalgia”.
Le insistenti inquadrature sui palazzi
milanesi, sulle loro linee geometriche, sulle superfici asettiche e rifrangenti hanno
indubbiamente un fascino particolare. Ma
non comunicano nulla di quell’ansia di
modernità e, al contempo, di quella condi-
S
zione di frustrante alienazione che si vivevano, ad esempio, cinquanta anni fa in una
delle città simbolo del boom economico.
I tempi sono cambiati e anche i rapporti
e le dinamiche fra i diversi strati sociali sono
mutati, divenendo più flessibili. Eppure Guadagnino & Co. preferiscono inscrivere i loro
personaggi in un universo chiuso, ingessato, quasi in un blocco di marmo (finemente
levigato), in cui bisogna salvaguardare il
buon nome e la rispettabilità di una famiglia in lento stato di decomposizione.
Emozioni, desideri e speranze vengono taciute, fino a quando la donna (ribelle
per necessità al sistema patriarcale) infrange il rigido “protocollo”. Ecco allora che sia
Elisabetta che sua madre Emma (Alba
Rohrwacher e Tilda Swinton hanno una
somiglianza impressionante) “rivendicano”
finalmente i loro sentimenti a lungo repressi: la prima, confessando il suo amore saffico per una ragazza straniera, la seconda
lasciandosi andare ad una travolgente avventura con lo chef Antonio.
È proprio la liaison tra l’elegante donna
e l’anonimo ragazzotto Antonio Biscaglia, interpretato da Edoardo Gabbriellini (lanciato
da Virzì in Ovosodo, nel 1997) a non convincere. La glaciale signora Recchi viene “rapita” prima ancora che dal giovane in persona
(che ha l’età di suo figlio Edoardo) dalla sua
cucina. È sufficiente infatti un piatto da gourmet assaggiato nel suo ristorante per farla
capitolare: il suo alto tasso afrodisiaco la
manda per un attimo in estasi, costringendola ad astrarsi dal resto dei commensali, quasi come la Vergine Maria nel momento del-
l’illuminazione dello Spirito Santo! Il binomio
cibo-amore o cibo-sesso ha conosciuto francamente rappresentazioni più felici in passato, mentre qui non risveglia affatto i sensi
del pubblico, né tanto meno li scombussola.
La Swinton, che negli anni si è imposta oltre che per le sue doti artistiche anche per la sua peculiare fisicità, diafana e
spigolosa, in questo film risulta per la prima volta perfino seducente. Merito anche
dei raffinati abiti di scena, creati apposta
per lei dallo stilista Jil Sander. La sua è,
forse, l’unica figura davvero compiuta e con
qualcosa di interessante da dire. Purtroppo, invece, dispiace constatare che gli altri personaggi siano poco più che delle
comparse, visto la loro labilissima. per non
dire inesistente, caratterizzazione.
Come se non bastasse, alcuni attori appaiono totalmente fuori parte o, peggio, risultano sprecati nel ruolo che sono chiamati
a impersonare. Un nome su tutti: Pippo Delbono. Ci piange il cuore vedere un talento
estemporaneo e “non allineato” come lui
vestire i panni di Tancredi, impassibile e taciturno uomo d’azienda in doppio petto.
Questo è solo uno dei tanti lati oscuri e
inspiegabili di Io sono l’amore, il cui imbarazzante finale ambientato nel salotto di villa
Recchi è accompagnato da una musica frastornante; un rombare inutile che distrugge
i timpani e che, nuovamente, suscita in noi
una domanda legittima: ma che cosa avrà
voluto dire il regista? Chissà, forse neppure lui saprebbe rispondere... .
Diego Mondella
SECONDO TEMPO
Italia, 2010
Regia: Fabio Bastianello
Produzione: Thisa SRL Production in collaborazione con Clic Communication/Sdt Music
Distribuzione: Thisa SRL Production
Soggetto: Fabio Bastianello
Sceneggiatura: Davide De Marinis, Fabio Bastianello, Daniela Calcagnini, Alessia
Crespi, Giuseppe Della Misericordia
Direttore della fotografia: Luca Coassin
Musiche: Davide De Marinis
Scenografia: Giulio Maseri
Voce fuori campo: Natale Ciravolo
Interpreti: Natale Ciravolo (narratore), Yan Agusto, Bruce Ketta, Beppe Convertini,
Lisa Mastroianni, Elena Doronina, Davide Colavini, Riccardo Bocor, Massimo Pieriboni, Roberto De Marchi, Gianluca Beretta, Thomas Incontri, Samuel Brocherio,
Davide Messina, Giacomo Occhi, Jean Paul Dal Monte, Carlotta Comello, Gigi Travostino, Marco Benedetti, Debora Mancini, Marcello Santiago, Vladimir Barbera,
Melania Dalla Costa, Daniele Giulietti, Claudio Margiotta, Alexandro Sentinelli, Alessandro Castellucci, Alberto Sala, Ivan Menga, Ramiro Besa, Andrea Appi, Silvia
Vernò, Renzo Sinacori, Alberto D’Amico, Mattia Sorgon, Claudio Salvati, Emanuel
Bellassai, Domenico Vangone, Omar Cescut, Fernanda Carucci, Fabio Torriani
Durata: 105’
Metri: 2900
38
Film
ick è un poliziotto infiltrato da
due anni in un gruppo di tifosi di
una non meglio specificata squadra rossa, per indagare su una sorta di terrorista facente parte dell’organizzazione tifosa. Con la sua telecamera nascosta seguiamo lo svolgersi di una partita dal punto di
vista interno al microcosmo sociale che si
crea nella curva dello stadio, attraverso le
relazioni tra i sostenitori della stessa squadra e gli scontri con la tifoseria avversaria e
la polizia.
Durante uno scontro con i sostenitori
nemici, Nick viene smascherato da uno de
tifosi e denunciato come poliziotto presso
il capo, detto il Lupo; dopo aver tentato di
difendersi, viene trascinato all’interno dei
bagni dello stadio e malmenato sotto gli
occhi della telecamera che gli viene trovata addosso. Il Lupo, pur minacciandolo di
morte, si trova alla fine diviso tra i suoi
doveri di capogruppo e il rispetto per la
legalità al quale lo invita Nick.
N
er diversi minuti all’inizio di Secondo Tempo di Fabio Bastianello, ci si chiede se si stia assistendo a un documentario, o a un’opera di finzione: è un po’ la domanda che ci si poneva, nell’ignoranza infantile, di fronte alla
visione di opere prettamente neorealiste
come Roma città aperta di Rossellini,
quando si pensava che per qualche misteriosa ragione in casa dei personaggi
fosse capitato qualcuno con una cinepresa, mentre questi facevano la loro vera vita.
Si tratta invece di finzione, organizzata
in modo talmente maniacale da sembrar
vita vissuta al momento: Luca Bastianello
decide di mostrarci, tramite il lunghissimo
piano sequenza che fa tutto il film, ciò che il
poliziotto Nick vede tra i tifosi, rivelandoci
ciò che già sappiamo ma che visto da vici-
P
no assume una dimensione antropologica
interessante. Senza addentrarci troppo in
argomenti che potrebbero non competerci,
possiamo affermare che il film in questione
cerca di spiegare la logica delle dinamiche
che portano al crearsi, nelle tifoserie, di piccoli agglomerati umani sostenuti da regole
non scritte eppure ferree.
Come in una comunità religiosa, c’è la
divinità da rispettare e venerare, ma volendo
anche da mettere in discussione, ossia la
squadra di calcio; c’è un’autorità che garantisce il rispetto della divinità, ma più che altro
di quelle regole non scritte costruite sul dovere del rispetto per la squadra, che garantiscono il mantenimento delle gerarchie e le
ascese più opportune all’interno del gruppo.
Le regole morali sono semplici: al di là
di qualsiasi fede politica, questa comunità
prettamente maschilista, basa la propria
convivenza sulla lealtà reciproca e al capogruppo, sulla difesa un po’ goffa - e un
po’ giustificante di altre azioni - dei più piccoli e delle donne; sul rifiuto dell’ordine
costituito. Insomma, in curva, si torna un
po’ ai primordi, all’essenziale: e basta mostrarsi leggermente fuori dalle righe per
essere escluso; basta nulla a scatenare
una rissa intestina, basta nulla a perdere
il rispetto come leader: in curva è come se
le conquiste della moderna convivenza
sociale non siano mai avvenute.
Il Lupo è il capo della compagine tifosa
e, in quanto tale, ha diversi doveri: ha delle
regole, anche se elementari, da far rispettare e, sulla base di ciò, deve mantenere la
propria leadership. Non è un pacificatore,
anche se cerca di non agire e non far agire
nessuno dei suoi per istinto. La sua preoccupazione maggiore è che tutti gli siano leali e a
questo scopo osserva con cura il comportamento dei compagni di curva: bada che partecipino alle riunioni organizzative, controlla
che i più capaci siano sempre in prima linea
negli scontri con la polizia. Nel sapere che
tutto questo accade anche nella realtà, ci si
domanda, lungo lo svolgersi della pellicola,
cosa sia la vita di queste persone al di fuori
degli stadi e del loro microcosmo tifoso, di
quanto possa far male una presa di coscienza da parte di costoro. Ed è proprio quello
che sembra accadere al Lupo: durante il
pomeriggio allo stadio, filmato in segreto da
Nick, un componente della tifoseria che torna in curva dopo un periodo di assenza, riconosce in Nick uno dei poliziotti che lo ha
pestato al G8 di Genova. Il tifoso, che gode
della fiducia del Capo, non impiega molto a
diffondere la notizia tra gli altri tifosi e, mentre
qualcuno parteggia per Nick (che si difende
negando la propria identità), il grosso del gruppo è già pronto al linciaggio del traditore. Il
Lupo, deluso per aver riposto fiducia nel poliziotto infiltrato, impiega un po’ di tempo prima di comprendere la realtà dei fatti, autorizzare il pestaggio, e non permette che questo arrivi alle estreme conseguenze.
Il finale aperto, filmato dalla videocamera nascosta trafugata al poliziotto, ci mostra il Lupo solo, su un pianerottolo delle
scale interne dello stadio, con Nick ferito e
rannicchiato in un angolo e il tifoso indagato da Nick, pestato dal Lupo, rannicchiato
da un’altra parte: è il momento in cui, come
in ogni pellicola di moderno respiro, quand’anche supportata da una storia e da figure dai contorni precisi, nessuno ha davvero
ragione, “pirandellianamente” parlando.
Nello squallore dell’ambiente e delle cause
di tutto l’accaduto, si rivela la miseria delle
motivazioni di ognuno dei tre personaggi e
le inaspettate lacrime del Lupo rendono finalmente (e magistralmente) il profondo
senso di angoscia esistenziale e smarrimento che sottende tutto il film.
Sara Ceracchi
VENDICAMI
(Vengeance/Fuk sau)
Hong Kong/Francia, 2009
Regia: Johnnie To
Produzione: John Chong, Peter Lam, Laurent Pétin, Michèle
Pétin, Johnnie To, Ka-Fai Wai per ARP Sélection/Media Asia
Films/Milky Way Image Company
Prima: (Roma 30-4-2010; Milano 30-4-2010) V.M: 14
Soggetto e sceneggiatura: Wai Ka-Fai
Direttore della fotografia: Cheng Siu-keung
Montaggio: David M. Richardson
Musiche: Lo Tayu
Scenografia: Silver Cheung
Costumi: Stanley Cheung
Produttore associato: Yuin Shan Ding
C
ostello, ex gangster, da anni cuoco e affermato ristoratore in un
locale importante di Parigi, ar-
Line producers: William Cheng, Elaine Chu
Direttore di produzione: Jackson Ha
Aiuto regista: Ka-kit Cheung
Art director: Silver Cheung
Suono: Steve Chan
Interpreti: Johnny Hallyday (Costello), Sylvie Testud (Irene
Thompson), Anthony Wong Chau-Sang (Kwai), Simon Yam
(George Fung), Lam Suet (Lok), Lam Ka Tung (Chu), Maggie
Siu (ispettore Ong), Felix Wong (Python), Vincent Sze (signor
Thompson), Cheung Siu-Fai (Wolf), Yuk Ng Sau (Crow)
Durata: 108’
Metri: 2960
riva a Macao chiamato da un avvenimento sanguinoso: tre killer al soldo della Triade hanno assalito la casa di sua figlia fa39
cendo strage del marito, dei due bambini
e lasciando la giovane in fin di vita. A lei,
intubata in un letto d’ospedale, Costello
Film
giura vendetta: assolda tre professionisti
scovati per caso durante l’esecuzione di un
loro lavoro e si mette in caccia degli assassini della sua famiglia. Tutto ciò nonostante Costello sia alle prese con la memoria
che lo sta abbandonando per un proiettile
rimasto conficcato vicino al cervello durante
una sparatoria di tanti anni prima.
L’azione si sposta a Hong Kong; è un
cugino degli uomini di Costello che indica
come e dove trovare gli assassini. La risoluzione è ovvia e preventivata: la caccia
ha presto fine con due sparatorie, una in
un bosco da pic-nic e la finale in un fatiscente studio medico dove i tre responsabili dell’eccidio iniziale sono eliminati.
La svolta è data dal fatto che i tre killer assunti da Costello sono al soldo di
George Fung, uno dei capi della Triade,
responsabile dell’esecuzione della famiglia
del francese. È su una spiaggia e poi tra le
stradine buie del porto vecchio che avviene la carneficina liberatoria. Solo Costello si salva: dopo aver colpito a revolverate Fung, può tornare a passare il suo tempo, ormai quasi completamente senza memoria, insieme a una famiglia cinese carica di bambini che lo aveva accolto e sfamato insieme ai suoi uomini qualche giorno prima.
ohnnie To, regista cinese di Hong
Kong, si è sempre considerato
debitore dei maestri del cinema
occidentale (Ford e Walsh soprattutto) e
ha cercato nella sua carriera ormai corposa di riprodurre le atmosfere, la violenza e
quel senso di lirica commedia che ha caratterizzato l’opera dei grandi cineasti di
cui si sente discepolo. Contemporaneamente, Johnnie To ha messo mano al ci-
J
nema francese dei grandi noir per ricreare
e fare propria una modalità espressiva che
tenesse conto di un’estetica cult e delle esigenze di una produzione moderna.
Vendicami vuole rispettare tutto questo ed effettivamente ha un inizio di grande livello e sostenuto da un ottimo montaggio: le atmosfere sono quelle giuste,
dipinte da una cromatura spessa e sontuosa, immerse in luci e ombre di città aliene, oltre Blade Runner; la figura del vecchio gangster che, intenerito dal dolore
della figlia, ripesca quella crudeltà e quella spietatezza che sperava sepolte tanto
tempo prima è perfetta; così i killer, una
composizione senza sbavature di ferocia
e stralunatezza immobili, alla Tarantino. Poi
il film chiude, diventa un’altra cosa e, sull’onda ritmica del crepitio di migliaia di colpi sparati da tutte le armi automatiche esistenti al mondo, assume le impreviste sem-
bianze di un cartone animato: via l’atmosfera, via il sentimento, via la crudeltà; tutto è trasformato in un grottesco sterile, i
killer in pupazzi senza intelligenza e il gangster misterioso venuto da lontano ha solo
il nome, Costello, a ricordare la provenienza alta del personaggio (capiamo ora perchè Delon abbia rifiutato questo film) e
sprofonda senza nerbo né dignità nel dileggio di se stesso; tanto da risultare perfino privo di quell’ancora di salvataggio che
poteva essere rappresentata da un decadente tardoeroismo.
La violenza stessa, che proprio il cinema tanto amato da Johnnie To ha sublimato
in alcune memorabili occasioni in una riflessione epica e pessimistica sulla vita, sulla
morte, sull’essere umano (pensiamo al Mucchio selvaggio di Peckinpah), qui scolora e
inaridisce in una serie di immagini deboli e
prive di credibilità, di fascino e anche di quell’incanto surreale che in alcuni momenti il
film sembrerebbe abbracciare.
Avevamo lasciato Johnny Hallyday in
L’uomo del treno dove ci aveva colpito, inaspettatamente dobbiamo riconoscere, la
forza della sua finissima malinconia, la
dolorosa consapevolezza che nemmeno
la successiva, ultima azione violenta
avrebbe potuto riscattare una vita perduta
e rifiutata; bene, dimentichiamo quell’emozione. Hallyday ci delude ora e doppiamente, pensando a quel film. Il suo immobilismo, la sua inespressività è ora vuota,
senza passato né futuro, massacrata e
svergognata da primi e primissimi piani
senza un perchè, senza giustificazioni.
Sembrerebbe che Johnnie To, dopo
questo Vendicami, da lui presentato come
un omaggio al cinema di Melville, abbia
intenzione di girare direttamente un remake di I senza nome.
Lo scongiuriamo a mani giunte.
Fabrizio Moresco
OCEANI 3D
(OceanWorld 3D)
Gran Bretagna, 2009
Regia: Jean-Jacques Mantello, François Mantello
Produzione: François Mantello per 3D Entertainment/ Gavin McKinney Underwater
Productions
Soggetto e sceneggiatura: Jean-Jacques Mantello, François Mantello
Direttore della fotografia: Gavin McKinney
Musiche: Christophe Jacquelin
Voce originale: Marion Cotillard (tartaruga marina)
Voci italiane: Aldo, Giovanni e Giacomo
Durata: 82’
Metri: 2250
40
Film
na tartaruga marina ospita tre
“voci” che raccontano il viaggio
che stanno compiendo attraverso l’oceano. Incontreranno murene, squali di diverse razze, orche assassine, delfini, cernie, meduse, balenotteri e altre creature ancora e vedranno luoghi meravigliosi come la Kelp Forest in California,
la Grande Barriera Corallina Australiana, o la Roca Partida in Messico. Alla fine
del viaggio, viene svelato che le tre voci,
altro non sono che uova che la madre depone sulla spiaggia alla fine della traversata.
U
i inizia con la vita: una piccola tartaruga marina nasce e raggiunge il mare. Poi un breve stacco e
la tartaruga è ormai grande e compie il viaggio che la porterà a deporre le sue uova.
Oceani è un documentario ben congeniato
ed emozionante che il regista Jean-Michel
Costeau, figlio non a caso del famoso esploratore oceanico Jacques Costeau, costrui-
S
sce per mostrarci un ecosistema suggestivo ma fragile, con le proprie leggi, sotto cui
i suoi abitanti devono assolutamente sottostare, se vogliono sopravvivere. Un documentario che regala piccole nozioni scientifiche e mostra pesci e mammiferi comuni
ma anche rari; talmente rari da lasciare letteralmente a bocca aperta come la Ballerina Spagnola, bella quanto strana creatura.
Una sequela di immagini nitide e splendide
e l’ottima fotografia di Gavin McKinney trasformano il grande schermo in un immenso acquario, in una finestra sull’oceano.
Complice anche la colonna sonora del
compositore Christophe Jacquelin che per
ogni specie crea una propria melodia in
sintonia con le caratteristiche peculiari
della specie stessa, come, ad esempio,
uno stile più divertente per i leoni marini e
più armonioso per le aquile marine. Oltre
alla colonna sonora, Costeau lascia il giusto spazio anche ai rumori e suoni naturali dell’oceano, come i guizzi dei delfini o i
canti delle balene. Per sublimare le belle
atmosfere, Oceani vanta d’esser il primo
film subacqueo girato interamente in 3d,
che, naturalmente, acuisce l’idea di trovarsi proprio nei fondali marini accanto alla tartaruga.
Per doppiare il film, che nella versione
originale era affidato a Marion Cotillard, è
stato chiamato il trio comico Aldo, Giovanni e Giacomo. Una scelta in parte comprensibile per poter meglio attrarre e divertire
anche il pubblico più piccolo, ma che a
un’analisi più attenta molte volte stanca
anche chi il Trio lo segue e ama. Troppe,
infatti, sono le battute forzate e i dialoghi
insipidi, che in altri momenti vanno quasi
a disturbare le belle atmosfere del documentario.
Il film si chiude mostrando i protagonisti del film, che sono ormai quasi tutte specie a rischio d’estinzione se non addirittura ad altissimo rischio.
Sicuramente da vedere.
Elena Mandolini
GLI AMORI FOLLI
(Les herbes folles)
Francia, Italia, 2009
Regia: Alain Resnais
Produzione: F Comme Film, France 2 Cinéma, Canal+, Studio
Canal, Bim, Cnc
Distribuzione: Bim
Soggetto:Dal romanzo “L’incident” di Christian Gailly
Sceneggiatura: Alex Reval, Laurent Herbiet
Direttore della fotografia: Eric Gautier
Montaggio: Hervé de Luze
Musiche: Mark Snow
Costumi: Jackie Budin
Aiuti regista: Christophe Jeauffroy
Effetti visivi: Sarah Moreau
Scenografie: Jacques Saulnier
arguerite Muir, una affascinante
ed elegante dentista di mezza
età, abita a Sceaux, quartiere
sud di Parigi, ma fa acquisti di scarpe in
un negozio del centro. All’uscita viene scippata della borsetta da un ladro su pattini a
rotelle. Georges Palet, un ricco borghese
nulla facente, depresso ma dalla fervida
immaginazione, sposato stancamente con
Suzanne, negoziante di pianoforti, trova il
portafogli con l’agenda della donna vicino alla sua macchina nel parcheggio sotterraneo di un centro commerciale di
L’Hay Les Roses, altro quartiere satellite
di Parigi, ove abita una bella villetta con
giardino e pelouse. Ha due figli e un genero, con cui si incontra la domenica per
M
Interpreti: Sabine Azéma (Marguerite Muir),André Dussollier
(Georges Palet), Anne Consigny (Suzanne), Emmanuelle
Devos (Josépha), Mathieu Amalric (Bernard De Bordeaux),
Michel Vuillermoz (Lucien D’Orange), Annie Cordy (Vicina),
Sara Forestier (Elodie), Nicolas Duvauchelle (Jean-Mi), Vladimir Consigny (Marcelin Palet), Dominique Rozan (Sikorsky),
Jean-Noël Brouté (Mickey), Roger-Pierre (Marcel Schwer),
Paul Crauchet (Primo paziente), Jean-Michel Ribes (Secondo paziente), Nathalie Kanoui (Terzo paziente), Adeline Ishiormin (Quarto paziente), Lisbeth Mornet-Arazi (Quinto paziente), Françoise Gillard (Venditore di scarpe), Magaly Godenaire (Venditore di orologi)
Durata: 104’
Metri: 2850
dei pasti di famiglia. Dopo aver a lungo
tergiversato circa l’opportunità di telefonare alla rapinata, si reca alla polizia per
segnalare l’accaduto e consegnare il portafoglio. In effetti, Georges ipotizza una
possibile storia d’amore con la sconosciuta. Segue una serie di pedinamenti, appuntamenti mancati, telefonate allusive e inconcludenti. Georges rivela a Marguerite in uno
scritto la sua vita complicata e segretamente
segnata da un trauma, il complesso rapporto
con i genitori e immagina che la donna sia
un’aviatrice. Non ottenendo interesse da
parte della donna, che gli chiede di lasciarla tranquilla, arriva a tagliarle le gomme
della macchina. Nel conseguente interrogatorio che subisce dalla polizia rivela la
41
sua depressione e la sua inquietudine. La
moglie favorisce tuttavia l’incontro fra i
due. All’uscita da un cinema, dove si proietta un classico mélo americano dagli anni
’50, i due alfine si incontrano e sembra che
abbia inizio un idillio. Marguerite va a trovare Georges, ma questi ha anche un imprevedibile approccio sessuale nella macchina parcheggiata proprio davanti a casa
con Josepha, amica di Marguerite e sua
collega nello studio dentistico. Alla fine,
Marguerite, che in effetti pilota aerei da
turismo, invita George sul suo Spitfire a
fare un giro sui cieli di Bretagna, iniziandolo al volo. Ma gli arditi volteggi di questi sfiorano le punte degli alberi e l’aereo
finisce per precipitare.
Film
ncora una volta il titolo italiano è
riduttivo rispetto ai veri temi del
film: le contraddizioni delle relazioni affettive e sessuali, le pulsioni di
morte, il buio che è in tutti noi. Resnais è
qui più che mai surrealista nel cogliere
l’aspetto incontrollato e segreto della vita
intima dei suoi personaggi.
In una delle prime immagini, viene indicata una delle possibili chiavi simboliche con
cui interpretare il film: su una superficie
d’asfalto che dovrebbe essere liscia e uniforme si aprono alcune fessure, in cui si insinuano piccoli ciuffi d’erba. Erbe matte, erbe
selvagge, erbe inattese e impreviste, eppure irresistibili e sempre risorgenti. Simbolo,
quindi, di una natura che si manifesta contro
ogni logica dell’uomo architetto o urbanista.
Simbolo già usato più volte in chiave polisemica e non deterministica dal regista in altri
film. Si ripensi, ad esempio, all’erba che riprende il sopravvento sull’orrore del campi
di sterminio nel finale di Nuit et bruillard, quasi
a farci dimenticare l’orrore stesso; oppure
all’erba spuntata pochi giorni dopo l’esplosione della bomba atomica, che appare nei
titoli di testa di Hiroshima mon amour; o, ancora, agli indistruttibili licheni abbarbicati alle
rocce in Mon Oncle d’Amérique. Simbolo
insomma della vita che rinasce o che continua, ma che non risponde ad alcuna legge
morale, o banalmente ottimista.
Nell’exergue del romanzo (che Resnais
colloca a tre quarti del film, dopo il fallimento dell’incontro all’uscita del cinema), tratto
da Flaubert, si parla della disperazione
d’amore e di ciò che rimane di amori falliti:
“N’importe, nous serons bien-aimés”.
Nella bella locandina del film, firmata
dal disegnatore Blutch, i due protagonisti
sono ridotti a uno stato semi-vegetale, piantati come alberi solitari su un campo giallo.
La testa della donna, sottoposta evidentemente alle cure assidue del giardiniere, è
stata modellata a mò di palla. Dal collo dell’uomo spunta invece una ramificazione libera e disordinata. Due modelli umani,
espressione del rapporto conflittuale fra
ordine e disordine, fra pulsioni incontrollate
A
del nostro immaginario e il tentativo vano
di controllarle , fra natura e cultura, sono
messi ironicamente a confronto. In effetti,
Resnais gira un “documentario” sulla vita
quotidiana dei suoi personaggi, alludendo
misteriosamente alla loro vita interiore, al
loro passato, ai loro desideri (tutto si colloca, ancora una volta fra eros e tanatos,
come suggerisce soprattutto la sequenza
finale). Georges è privo dei suoi diritti civili.
Perché? È vittima di un errore giudiziario?
Colpevole o innocente? Marguerite è apparentemente una donna in carriera sempre cosciente di sé. Ma ha un’attrazione
quasi erotica per le scarpe di lusso e il rito
dello shopping… Anche lei ha avuto un’infanzia difficile, con i gernitori divorziati. Si
potrebbe parimenti fare un lungo elenco
delle biforcazioni e degli interrogativi che il
film propone. Tutto è sospeso fra realtà e
immaginario. Il racconto è debitore, come
in tutti i film di Resnais, della lezione surrealista: inizia con l’immagine apparentemente gratuita di una torre-piccionaia colta in
Bretagna, luogo ove si formano sogni e incubi, e finisce con la domanda alla Lewis
Carroll di una bambina anch’essa apparentemente estranea al soggetto, che chiede
alla madre: “Quando sarò un gatto, potrò
mangiare le crocchette?”. L’apertura sul
possibile è segnalata anche da una citazione significativa di Flaubert, posta a commento del possibile idillio fra i due: “Che
importa, comunque ci siamo amati”.
Ma la ricchezza del film consiste nella
straordinaria capacità del regista di manipolare e reinventare tempo e spazio. Il fulminante romanzo da cui è tratto il film L’incident di Christian Gailly (1996) inventa un
linguaggio allusivo, pieno di monologhi interiori dei personaggi, con frasi interrotte
(Resnais le chiama “sincopi”), giochi di parole, trabocchetti e calembours. Gli sceneggiatori, obbedienti alle consegne del regista, hanno riempito questi “buchi” del racconto, non per svelare i misteri dell’anima
di Georges e Marguerite, ma per conferire
loro una dimensione plastica ancora più
sfuggente e inquietante. Si veda la meravigliosa sequenza del pasto con i figli, in cui,
in un’unica inquadratura, si sente l’inane
trascorrere del tempo e l’inquietudine montante di Georges, che è forse la nostra...
Di che parla Les herbes folles? Di cinema e di vita. Quando vediamo Georges
uscire assorto dal cinema di quartiere ove
ha rivisto un film d’amore e guerra della sua
infanzia, I ponti di Toko-Ri di Mark Robson
(1954), la voce-off commenta. “Quando si
esce dal cinema, nulla vi stupisce. Può succedere qualsiasi cosa. Ciò non vi sorprende. Tutto può succedere...”. Il cinema non è
la vita, ma può invitarci a sognare, a inventarci la vita, a darle nuovi significati.
Flavio Vergerio
DRAQUILA-LITALIA CHE TREMA
Italia, 2010
Regia: Sabina Guzzanti
Produzione: Sabina Guzzanti per Secol Superbo e Sciocco Produzioni/ Ambra Produzioni/ BIM Distribuzione/ Alba Produzioni/ Gruppo Ambra
Distribuzione: BIM
Soggetto e sceneggiatura: Sabina Guzzanti
Direttori della fotografia: Mario Amura, Clarissa Cappellani
Montaggio: Clelio Benevento
Musiche: Riccardo Giagni, Maurizio Rizzuto
Produttori esecutivi: Sergio Bernardi, Sandro Frezza, Ferdinando Vicentini Orgnani
Direttore di produzione: Anita Lamanna
Fonico di presa diretta: Erwan Kerzanet
Grafica e animazione: Sergio Gazzo
Durata: 93’
Metri: 2550
42
Film
on è ancora l’alba del 6 Aprile
2009, quando in una delle città
più ricche d’arte e di passato del
nostro Paese si scatena l’inferno: a
L’Aquila il terremoto uccide più di trecento persone, fa centinaia di feriti e trasforma la popolazione superstite che ha
perso tutto, di tutto ha bisogno e in tutto
è manovrabile, gestibile, ricattabile, l’oggetto di un piano criminoso; o, quantomeno, l’officina dove sperimentare un
progetto che prevede di assoggettare definitivamente un popolo al culto del dio
denaro, rappresentato da Silvio Berlusconi e dalla sua immagine televisivamente
e ossessivamente riflessa. È importante
avere presente che in quei giorni di Aprile i sondaggi di gradimento del Presidente del Consiglio e dell’operato del suo
governo sono ai minimi storici per le incapacità palesemente e quotidianamente
dimostrate e per la sua abilità di non presentarsi responsabilmente nelle aule giudiziarie, grazie a una serie di provvedimenti legislativi costruiti ad arte dal suo
stuolo di avvocati. Il terremoto è la carta
piovuta dal cielo che permette a Silvio
Berlusconi tre cose: definire completamente la gestione organizzativa, edile,
commerciale etc di un terremoto e di altri
eventi calamitosi, ma anche di qualsiasi
altro evento grazie a una dilatazione legislativa che permette alla sua longa manus, la Protezione Civile di Guido Bertolaso, di occuparsi di tutto; tenere sotto
scacco una parte sempre più allargata
della popolazione sfruttandone i bisogni
e la dislocazione territoriale; rafforzare
lo sfruttamento mediatico del consenso
così ottenuto per superare del tutto ogni
resistenza democratica, ogni diritto civile, ogni libertà fondamentale e consolidare unicamente il culto della propria
personalità.
Sabina Guzzanti intuisce tutto questo
e arriva a L’aquila con qualche collaboratore e una macchina da presa con cui
gira più di settecento ore di filmato per
raccontarci ciò che vede e cioè la realizzazione del golpe dolce, strisciante, invisibile della Protezione Civile che si realizza in vari stadi: la mancata ricostruzione del centro storico che resta una desolante e tristissima pietraia; la rapidissima e costosissima costruzione di false
cittadine tutte uguali e prive di qualsiasi
forma di aggregazione sociale (case non
regalate ma che dovranno essere restituite così come trovate, neanche un chiodo
piantato sulle pareti); lo sradicamento
della popolazione confinata in una spe-
N
cie di “campi” dalla vita militarizzata
dove non sono ammesse riunioni, né assemblee, né l’uso del caffè o cocacola (sostanze forse troppo eccitanti??), ma dove
è lecito il filo spinato e il controllo poliziesco; il massimo sfruttamento della ricostruzione edilizia in luoghi impensati e
una volta protetti, capace così di generare un fiume di denaro, di appalti e di incarichi confluenti nella “cricca” famelica che circonda il Presidente del Consiglio. Risultato: un popolo di zombie disperati e impotenti che non sa come fare
arrivare il proprio senso di ribellione e
che può solo brindare con lo spumante
“donato” nei frigo delle casette da cartone animato alla figura santificata di
Silvio Berlusconi.
Non tutto però è possibile: proprio
quando la Costituzione dei Padri sembra
lasciare il posto a una costituzione scritta
sul campo, grazie alla formazione di un
potere smisurato e invincibile che risulterebbe dalla trasformazione in SPA della
protezione Civile, con a capo Bertolaso e
un consiglio di amministrazione nominato
da Berlusconi, piomba sulle teste di tutti il
fulmine delle intercettazioni, delle indagini e delle inchieste che svelano le frodi, le
truffe, gli arricchimenti dolosi degli sciacalli ridenti sulle macerie di quella tragica alba.
Così l’incubo della SPA svanisce, tutto rientra in una visione più analitica e
storicizzata degli eventi e di quanto fatto
che certo non può essere cancellato, ma
almeno non è stato seguito dalla realizzazione del piano devastante che era stato progettato. Un aiuto soprannaturale,
perchè se qualcuno avesse auspicato e
atteso l’intervento delle forze d’opposizione...: triste da stringere il cuore l’inquadratura della tenda del PD, presente
sì sul territorio ma sempre chiusa, per
nulla aggregante di persone e di idee, incastonata nel gelo come un igloo artico,
frustrata e frustrante nella sua totemica
inutilità.
ene ha fatto Sabina Guzzanti ad
apparire pochissimo nell’imitazione del Presidente del Consiglio,
varie scene che si vedevano nella presentazione del film prima che uscisse
sono state opportunamente eliminate; il
risultato complessivo dell’opera sarebbe stato infatti un’altra cosa con un taglio decisamente virato sul comico; solo
all’inizio, dopo che la voce fuori campo
di Sabina ha raccontato come sia nata
la decisione di andare a L’Aquila per ve-
B
43
rificare di persona le voci che cominciavano a propagarsi, vediamo l’esplosivo arrivo sul territorio di lei/Berlusconi con l’uscita imperiale dalla macchina
nera d’ordinanza e relative guardie del
corpo.
Del resto, non c’è necessità per Sabina imitare né interpretare alcunchè: quello che lei fa vedere senza alcun ritocco, le
uscite di Berlusconi barzellettiere sullo
spumante italiano come collante di ogni
famiglia sinistrata, sulle casette colorate
presentate con grande tecnica di promozione immobiliare (il suo iniziale campo di
attività in cui era maestro), le sue battute
agli operai su dove stessero le ragazze
domandando se loro fossero tutti gay, non
hanno bisogno di recita né di imitazione;
sono perfette così perchè rappresentano
l’essenza di ogni “recita” fin dalla notte dei
tempi, cioè un misto di comico e tragico, di
benevolo e violento, di falso e di rassicurante, di agghiacciante, di terribile che oggi
lascia nello spettatore solo il senso appassito della morte.
Il lavoro di Sabina Guzzanti si avvicina quindi molto a un’operazione alla Michael Moore di cui segue l’insegnamento, presentando la “normalità” delle cose
che proprio in questo modo diventano dirompenti: gli sguardi allucinati e grati della gente che ha da mangiare grazie al
benefattore Silvio stringente al petto vecchie e bambini; l’incapacità di non protestare di chi non può tacere perchè ha capito e non ci sta; le norme, le restrizioni, i
picchetti di carabinieri, poliziotti e soldati
divenuti un esercito spettrale, da “Pianeta
proibito”, lontano dalla gente, dalla loro
disperazione, lontano dall’umanità; l’alternarsi dei ragionamenti lucidi di quelli
che non si sono fatti intimidire dalle minacce e non hanno lasciato le loro case;
straordinaria la testimonianza di un cocciuto professore che, con poco più di tremila euro e operai volonterosi, ha ristrutturato la propria casa lesionata ed è rimasto lì, arroccato e padrone della propria indipendenza e della propria ragione, solo con i suoi libri e i suoi pensieri,
ma uomo libero.
Non dà soluzioni né prospettive il racconto di Sabina, tutt’altro. Le parole dell’ultimo intervistato sono senza speranza: “tutto questo è nato e si regge sul futile e allora tanti hanno pensato durante
gli anni – ...è troppo futile, non dura... –,
non è vero invece, proprio perchè è futile
dura, dura”.
Fabrizio Moresco
Film
CODICE: GENESI
(The Book of Eli)
Stati Uniti, 2010
Regia: Albert Hughes, Allen Hughes
Produzione: Broderick Johnson, Andrew A. Kosove, Joel Silver, David Valdes, Denzel Washington per Alcon Entertainment/ Silver Pictures
Distribuzione: 01 Distribution
Soggetto e sceneggiatura: Gary Whitta
Direttore della fotografia: Don Burgess
Montaggio: Cindy Mollo
Musiche: Atticus Ross
Scenografia: Gae S. Buckley
Costumi: Sharen Davis
Produttori esecutivi: Susan Downey, Erik Olsen, Steve Richards, Richard D. Zanuck
Produttore associato: Brad Arensman
Co-produttori: Yolanda T. Cochran, John David Washington,
Steven P. Wegner
Direttore di produzione: Alton Walpole
Casting: Mindy Marin
Aiuti regista: Paul Schneider, Jeffrey Wetzel
Operatori: Peter McCaffrey, Marc Ehrenbold
Art director: Christopher Burian-Mohr
Arredatore: Patrick Cassidy
Supervisore effetti speciali trucco: Gregory Nicotero
Trucco: Georgia Allen, Tarra D. Day, Vanessa Jaramillo, Liz Lash,
Michelle Webb, Corey Welk Patricia Greer
opo una guerra nucleare da tutti
perduta, che ha fatto del pianeta
Terra un cumulo di rovine, solo
il viaggiatore solitario Eli pare avere uno
scopo, quello di raggiungere un certo punto verso ovest per consegnare un libro che
gelosamente custodisce. La gente che Eli
incontra lungo il cammino, che è costretto, per difendersi, a sfoltire un po’ a colpi
di daga, è alla deriva: ladri, tagliagole e
cannibali, disposti a uccidere la madre per
un bicchier d’acqua, vagano in un paesaggio dominato da carcasse di metallo bruciate, un tempo automobili, da voragini
desertiche, da dune spettrali.
C’è un altro tipo, Carnegie, padrone
di una comunità di reietti assassini che
sa il valore del libro che può dare il controllo sul mondo; per questo continua a
mandare in giro i suoi uomini senza mai
entrare in possesso della preziosa scrittura. Nel palazzo di Carnegie arriva Eli
e il fatto che questi si liberi senza un graffio dei suoi assalitori insospettisce Carnegie che capisce che lui ha il libro e vuole impadronirsene: nulla può contro la
forza assoluta di Eli, che riesce a riprendere il suo cammino. Ora lui non è più
solo, lo segue Solara, figliastra di Carnegie, affascinata dallo spirituale mistero che accompagna il cocciuto viaggiatore solitario.
D
Acconciature: Enid Arias, Geordie Sheffer, Teri Ann Uccan
Supervisore effetti speciali: Yves De Bono
Supervisori effetti visivi: Jon Farhat, Justin Jones, Allan
Magled (Soho VFX), Chris Wells (Hydraulx), Edson Williams
(Iola visual effects),
Coordinatori effetti visivi: Katie Godwin, Eric A. Kohler
(Hydraulx)
Supervisore animazione: Pimentel A. Raphael
Supervisore effetti digitali: Keith Sellers (Soho VFX)
Supervisore costumi: Elaine Ramires
Supervisore musiche: Deva Anderson
Interpreti: Denzel Washington (Eli), Gary Oldman (Carnegie), Mila Kunis (Solara), Ray Stevenson (Redridge), Jennifer Beals ( Claudia ), Evan Jones (Martz ), Joe Pingue
(Hoyt), Frances de la Tour (Martha), Michael Gambon (George), Tom Waits (ingegnere), Chris Browning (capo dei
dirottatori), Richard Cetrone, Lateef Crowder, Keith Davis,
Don Tai, Thom Williams, Lora Cunningham (dirottatori), Scott
Wilder (uomo di mezza età), Heidi Pascoe (donna di mezza età), Jennifer Caputo, Eddie Perez, Spencer Sano, Karin Silvestri (motociclisti), Mike Gunther, John Koyama, Mike
McCarty (cecchini), Arron Shiver (barista), Scott Morgan,
Sala Baker
Durata: 117’
Metri: 3200
I due trovano una casa diroccata dove
vive una vecchia coppia di cannibali carichi di armi; il gruppo cerca di sostenere
l’assedio delle truppe di Carnegie, ma alla
fine soccombe; il libro, passato nelle mani
di Carnegie è scoperto per quello che è,
una scrittura in Braille, quella per ciechi
e quindi inservibile.
Eli, gravemene ferito, raggiunge con
l’aiuto di Solara la destinazione tanto desiderata: è una stamperia vecchio stile
guidata da uomini in possesso dell’ultimo
palpito di intelligenza e speranza. Eli si
rivela cieco, detterà al capo di questa illuminata comunità tutto il libro che conosce
a memoria, per poi morire.
La Bibbia, perchè di questo si tratta,
finalmente di nuovo su carta, potrà guidare ancora gli uomini a un futuro di civiltà.
un film carico di simboli e infarcito di accostamenti con i più svariati generi cinematografici. C’è il
paesaggio, che più postnucleare non si
può, dove gli ultimi esseri viventi amano
ammazzarsi con machete, archi e frecce (lo sappiamo no che Eistein diceva
che la quarta guerra mondiale sarebbe
stata combattuta con archi e frecce...);
c’è l’eroe solitario, silenzioso, invincibile, a cui Denzel Washington conferisce
una buona dose di noia nella sua pietri-
È
44
ficata saggezza; la cittadina, con annesso saloon d’ordinanza, mezzo western,
mezzo “Blade Runner”; ci sono i cattivi:
quello colto, che sa e quindi è ancora più
cattivo; c’è la bella in pericolo che anche
nelle situazioni più terribili non rinuncia
a trucco e tette e che sa fare al momento buono la sua brava catasta di morti;
c’è la proiezione biblica di colui che, unico, “vede” pur non vedendo, mentre il
cattivo che vede benissimo invece non
“vede”, o vede a modo suo.
Insomma un bel polpettone messianico, sottolineato dal ridondante doppiaggio che sfibra anche lo spettatore più artigliato alla poltrona. Preferiamo altre cose
del film, non sappiamo se sfuggite di
mano ai suoi autori, i fratelli Albert e Allen Hughes, allenati da anni in una bassa
televisione, oppure effettivamente volute.
Ci riferiamo alla stordita serietà regalata
da Tom Waits al suo personaggio del vecchio emporio, mezzo rigattiere, mezzo
idraulico, mezzo ladro e ai due vecchietti,
cannibali picchiatelli con le loro armi micidiali. E non possiamo non prediligere le
tonnellate di gigioneria gettate sul personaggio di Carnegie da Gary Oldman,
amatissimo fino dai tempi di Dracula e
Leon.
Fabrizio Moresco
Film
AIUTO VAMPIRO
(Cirque du Freak: The Vampires Assistant
Stati Uniti, 2009
Regia: Paul Weitz
Produzione: Ewan Leslie, Lauren Shuler Donner per Universal Pictures/ Relativity Media/ Donners’ Company/ Depth of
Field Productions
Distribuzione: Universal
Soggetto: i personaggi sono tratti dalla saga di dodici romanzi
di Darren Shan
Sceneggiatura: Paul Weitz, Brian Helgeland
Direttore della fotografia: J. Michael Muro
Montaggio: Leslie Jones
Musiche: Stephen Trask
Scenografia: William Arnold, David Smith (III)
Costumi: Judianna Makovsky
Produttori esecutivi: Kerry Kohansky, Dan Kolsrud, Rodney Liber, Andrew Miano, Courtney Pledger, Sarah Radclyffe
Co-produttore: John Swallow
Direttore di produzione: Ray Quinlan
Casting: Joseph Middleton
Aiuti regista: K.C. Colwell, Craig Comstock
Operatori: Brian Bernstein, Dana Gonzales
Operatore Steadicam: Glenn Brown
Art director: Seth Reed
Arredatore: David Smith
Effetti speciali trucco: Lance Anderson, David A. Brooke,
Mark Garbarino, Akihito Ikeda
Trucco: Steven E. Anderson, Fionagh Cush, Allison Gordin,
Darryl Lucas, Dave Snyder
Supervisore effetti speciali: Casey Pritchett
Coordinatore effetti speciali: Darrell Pritchett
arren è un adolescente modello:
bravo a casa, diligente a scuola,
persino corteggiato dalle ragazze. Il suo migliore amico, Steve, è l’opposto: introverso, tormentato e ribelle. Darren è appassionato di ragni, mentre Steve
legge saggi e romanzi sui vampiri. Una
sera, decidono di andare di nascosto al
Cirque du Freak, dove conoscono il ragazzo serpente, la donna barbuta, e altri “mostri” da cui restano affascinati. Quando
entra in scena Crepsley col suo ragno addestrato, Steve lo riconosce come uno dei
vampiri in una delle sue litografie da collezione. Lo spettacolo viene interrotto da
un gruppo di perbenisti inferocito, così i
due ragazzi si dividono per scappare. Darren si ritrova a spiare, nascostosi nel camerino del vampiro, l’amico che rivela la
sua deprimente vita e il desiderio di diventare vampiro. Crepsley assaggia il suo sangue e lo rifiuta perché non è “buono”: Steve furibondo, giura che si vendicherà.
Darren viene anche a scoprire che sta per
rompersi la pace fra vampiri buoni e vampiri killer. Dopo aver liberato il ragno addomesticato, Darren scappa portandolo
D
Supervisore effetti visivi: David Wallace Allen (TeamWorks
Digital)
Coordinatori effetti visivi: Nick Hyman, Taylor W. Rockwell,
Aashima Taneja
Supervisore effetti digitali: Will Telford
Supervisore animazione: Matt Logue
Animazione personaggi: Yogesh Kaushal, Tim Pixton
(Rhythm & Hues)
Animazione: Jason Malinowsky, Zach Parrish, John Vassallo,
Emil Bidiuc, Scott Claus, Amanda Dague, Elisabeth Franklin,
Abhijit Parsekar, Nikhil Salvi, Jeetendra G. Bhagtani (Rhythm
& Hues), Ryan Bradley, Nikhil Deshmukh (Rhythm & Hues),
Mack Kablan
Interpreti: John C. Reilly (Larten Crepsley), Josh Hutcherson
(Steve), Chris Massoglia (Darren Shan), Jessica Carlson (Rebecca), Michael Cerveris (sig. Tiny), Ray Stevenson (Murlaugh), Patrick Fugit (Evra), Daniel Newman (Pete), Morgan Saylor
(Annie), Don McManus (sig. Shan), Colleen Camp (sig.ra
Shan), Ken Watanabe (sig. Tall), Salma Hayek (Madame Truska), Orlando Jones (Alexander Ribs), Frankie Faison (Rhamus Twobellies), Willem Dafoe (Gavner Purl), Kristen Schaal
(Gertha Teeth), Patrick Breen (Sig. Kersey), Tom Woodruff Jr.
(Uomo Lupo ), Jane Krakowski (Corma Limbs), John D.
Crawford (membro del pubblico), Ritchie Montgomery (pastore), Ted Manson (poliziotto), Ann Mckenzie (donna dalla città), Monica Monica (insegnante), Adella Gauthier (infermiera ), Beau Holden ( camionista ), Patrick Fulton, Tyler
Chetta,Drew Rin Varick
Durata: 108’
Metri: 2960
via con se. Il giorno dopo, a scuola, Steve
viene accidentalmente morso dal ragno,
che si rivela essere mortale: per salvare
l’amico Darren torna al Cirque e chiede
l’aiuto del vampiro. Crepsley lo aiuterà se
diventerà un mezzo vampiro, il suo assistente e tutto fare, che potrà girare anche
di giorno: il ragazzo accetta. Dopo alcune
reticenze, Darren inscena la sua morte con
l’aiuto di Crepsley, perché ormai dovrà
seguire il Cirque nei suoi spostamenti e
abbandonare la sua famiglia. Intanto Steve, che si sente ancora più solo e triste dopo
la morte dell’amico, viene avvicinato da
Mr. Tiny, vampiro killer che vuole rompere
la pace e farlo diventare uno dei suoi collaboratori: Steve accetta. Darren inizia ad
ambientarsi nel mondo del circo, innamorandosi persino di Rebecca, ragazza con
la coda di una scimmia. Il Cirque viene attaccato: non si comprende il reale motivo,
ma Mr. Tiny vuole anche Darren nelle sue
file. Il ragazzo viene a scoprire che la sua
famiglia è stata rapita. Tornato nel luogo
dove si era tenuto lo spettacolo dei Freak
e dove i cattivi lo attendono per ricattarlo,
il ragazzo scopre che anche Rebecca era
45
stata rapita e, soprattutto, che il suo migliore amico Steve è ormai diventato un
vampiro killer. Debole, perché ancora non
ha accettato di bere sangue umano, Darren non riesce a sconfiggere i cattivi, ma
in suo aiuto arriva Crepsley che lotta contro Murlaugh, galoppino spietato di Mr.
Tiny che già aveva tentato di ucciderlo.
Rebecca si libera e offre il suo sangue a
Darren che accetta per aiutare il suo mentore. Infine Crepsley uccide Murlaugh; così
facendo rompe la pace fra i due clan di
vampiri. Mr. Tiny che aveva assistito a tutta la scena e che aveva organizzato tutto
appositamente, riporta in vita Murlaugh e
accenna a una profezia che coinvolge sia
Darren che Steve. Detto questo, i tre se ne
vanno. Darren confessa il suo amore a
Rebecca che lo ricambia. Crepsley cancella la memoria dalla famiglia di Darren,
che finalmente accetta appieno il suo ruolo e incomincia a sviluppare i poteri dei
vampiri. Tutti si preparano alla guerra.
È
la moda del momento: vampiri. Il
non morto è risorto, diventando
protagonista di nuovi film e facen-
Film
do tornare alla ribalta in Italia diverse saghe letterarie che non erano ancora giunte da noi. Per la gioia di editori e produttori
cinematografici. Due le scuole di pensiero: i buoni e bravi, come Edward di Twilight, oppure i cattivi bevitori di sangue come
l’altro film a tema più recente, DaybreakersL’ultimo vampiro. Attenzione però, anche
nel film più truci e splatter, alla fine si scopre sempre che qualcuno con i canini ben
affilati, prova ancora compassione per la
razza umana, salvandoci dall’apocalittica
estinzione. In fondo, è una soluzione di comodo: come farebbero a sopravvivere senza sangue?
Aiuto Vampiro non fa eccezione per
queste regole di base. Vi sono, infatti, i
vampiri che si nutrono di sangue umano
senza ucciderli, per cui senza diventare
spietati assassini, e i vampiri killer, che
come suggerisce la parola stessa, non
sono avvezzi a buone maniere. Nessuna
novità per il resto del film: lotte di potere,
scambi di sangue, scontri fra buoni e cattivi. L’unica vera sorpresa è la rottura della
bella amicizia fra Darren e Steve, che inevitabilmente si vedranno schierati nelle file
opposte della lotta, arrivando anche a uno
scontro fisico vero e proprio nel finale del
film. L’unico vero motivo che punzecchia
la curiosità e spingerebbe a vedere un
possibile seguito. Per il resto calma piatta.
Compreso il protagonista: troppo ingenuo
e buono. Meglio costruito il personaggio di
Steve che essendo pervaso da sentimenti
più umani, quali passione, senso di solitudine e incomprensione e ancora rabbia e
delusione, risulta più simpatico e accattivante. Giocoforza i due attori: Chris Massoglia, belloccio senza espressività, che
accentua la piattezza del protagonista,
contrapposto alla bravura di Josh Hutcherson, che contribuisce a rendere ancor più
credibile il personaggio di Steve.
Una nota in più per John C.Reilly, ottimo
nei panni del vampiro capo dei Freak e la
piccolissima parte di Willem Dafoe, che oscura persino la bella e brava Salma Hayek.
L’elemento che meglio resta impresso
e più colpisce di tutto il film è la fotografia.
Ottimo uso delle luci e dei colori, che vanno a ricreare un’atmosfera surreale ed
evocativa quanto basta a impressionare
anche lo spettatore più adulto. Interessante, in tal senso, è la costruzione del Cirque du Freak: decisamente inquietante e
affascinante allo stesso tempo.
In sostanza, Aiuto Vampiro resta un film
per adolescenti, tratto dai primi libri della
saga di Darren Shan, che, nella speranza
del regista Paul Weitz, dovrebbe andare a
sostituire quello che sarà il vuoto nei cinema, dopo l’ultima avventura del maghetto
Harry Potter.
Elena Mandolini
HALLOWEEN II (Halloween II)
Stati Uniti, 2009
Supervisore effetti speciali: Robert Vazquez
Coordinatori effetti speciali: Drew Jiritano, Ron Trost
Coordinatori effetti visivi: Paulina Kuszta
Supervisore costumi: Daniel G. North
Supervisori musiche: Tom Rowland, Rob Zombie
Interpreti: Sheri Moon Zombie (Deborah Myers), Chase Wright Vanek (Michael piccolo), Scout Taylor-Compton (Laurie
Strode), Brad Dourif (Sceriffo Lee Brackett), Caroline Williams
(Dr. Maple), Malcolm McDowell (Dr. Samuel Loomis), Tyler
Mane (Michael Myers), Dayton Callie (Coroner Hooks), Richard Brake (Gary Scott), Octavia Spencer (Infermiera Daniels), Danielle Harris (Annie Brackett), Richard Riehle (Buddy il guardiano di notte), Margot Kidder (Barbara Collier), Mary
Birdsong (Nancy McDonald), Brea Grant (Mya Rockwell),
Howard Hesseman (Zio Meat), Angela Trimbur (Harley David), Diane Ayala Goldner (Jane Salvador), Jeffrey Daniel
Phillips (Howard Boggs/Zio Seymour Coffins), Adam Boyer
(Bruce Cabot), Duane Whitaker (Sherman Benny), Betsy Rue
(Jazlean Benny), Mark Boone Junior (Floyd), Brian Rae (Conte
di Pumpkin/Deputato), Michael Deak (Re Jack/Deputato), Mike
Kasiske (Lord Treat/Deputato), Jake McKinnon (Vescovo Trick/Deputato), Nicky Whelan (Wendy Snow), Daniel Roebuck
(Big Lou), Catherine Dyer (Reporter)
Durata: 101’
Metri: 2800
Regia: Rob Zombie
Produzione: Malek Akkad, Andy Gould, Mike Elliott, Rob Zombie per Dimension Films/ Spectacle Entertainment Group/ Trancas International Films
Distribuzione: Mediafilm
Soggetto e sceneggiatura: Rob Zombie
Direttore della fotografia: Brandon Trost
Montaggio: Joel Pashby, Glenn Garland
Musiche: Tyler Bates
Scenografia: Garreth Stover
Costumi: Mary E. McLeod
Produttori esecutivi: Andrew G. La Marca, Matthew Stein,
Bob Weinstein, Harvey Weinstein
Line producer: Joseph Zolfo
Direttore di produzione: Andrew G. La Marca
Casting: Monika Mikkelsen
Aiuti regista: Alexander H. Gayner, Emily McGovern, Glen
Trotiner
Operatori: David Daniel, BJ McDonnell
Operatore Steadicam: BJ McDonnell
Art director: T.K. Kirkpatrick
Arredatore: Lori Mazuer
Effetti speciali trucco: Bart Mixon
Trucco: Adrienne Lynn, Douglas Noe
addonfield, Illinois. Laurie è coperta di sangue e sta camminando per strada. Viene poi condotta in ospedale. Lì arriva Michael Myers
che fa fuori tutti. Lei cerca di fuggire, ma,
nel momento in cui lui la raggiunge e cerca di ucciderla, la ragazza si risveglia. Era
tutto un sogno. Le sue notti però continuano a essere tormentate.
H
È passato un anno dai fatti avvenuti in
Halloween: the Beginning e Laurie ora vive
a casa dello sceriffo Lee Brackett e della
figlia Annie e cerca faticosamente di ritornare alla normalità tramite una terapia.
Intanto il dottor Loomis ha pubblicato un
nuovo libro riguardante la storia di Michael. L’uomo, sempre proteso alla ricerca
della fama e del denaro, con questo suo
46
ultimo lavoro scatena la rabbia dei genitori delle vittime. Dall’ultimo Halloween,
poi, il corpo del killer, che si presume sia
morto, non è stato però mai ritrovato. Egli
infatti è sopravvissuto ed è vissuto in una
capanna abbandonata, dove ha convissuto con il fantasma di sua madre Deborah e
anche con quello di lui stesso da bambino.
Lo sceriffo Brackett, dopo che ha avu-
Film
to tra le mani l’ultima fatica letteraria di
Loomis, scopre che lì dentro sono contenuti dei fatti scottanti. Chiama, così, la figlia al telefono e gli chiede di evitare che
Laurie legga quel testo. Ma invano. Da
quel libro, Laura scopre di essere Angel
Myers, proprio la sorella di Michael. L’assassino intanto è tornato ad Haddonfield
per cercare la sorella. In questo suo viaggio, uccide tutti coloro che si mettono in
mezzo al suo cammino, comprese le amiche di Laurie Mya ed Harley e poi anche
la figlia dello sceriffo Annie. Trovata Laurie, la rapisce e la porta nel suo covo. Nel
frattempo, Loomis, accortosi che il suo expaziente non è morto e forse in preda ai
sensi di colpa, cerca di convincere Michael a liberare Laurie ma viene ucciso. Poi il
serial-killer viene pugnalato al petto e al
volto dalla sorella.
olti fans del capolavoro di John
Carpenter del 1978 ma anche
quelli della saga di Halloween
avevano già storto il naso in occasione
dell’uscita di Halloween: the Beginning,
tanto è vero che, in origine Rob Zombie
non doveva dirigere questo sequel. È chiaro che quando ci si confronta con uno dei
capisaldi della storia del cinema horror i
detrattori si troveranno sempre. Ed anche
alcuni gli ammiratori della prima ora del
regista, che erano rimasti colpiti da La casa
dei 1000 corpi e La casa del diavolo sono
rimasti quantomeno perplessi. Eppure, forse, mai come in questo caso, bisognerebbe dimenticarsi del modello originario e
M
vedere Michael Myers come una nuova
reincarnazione del male, inserito all’interno di un’opera piena di sbalzi, dove le immagini sembrano corrispondere alle note
di uno spartito rock. In Halloween II, il cineasta depura il genere della sua tensione. Il protagonista uccide le proprie vittime con meccanica serialità. Si è già consapevoli che nessuno avrà scampo. Non
conta più il come, ma il quando. Si sente
continuamente il respiro di Michael anche
quando è assente. Come una continua ossessione, la stessa che caratterizza l’esistenza della sorella Laurie, Zombie sembra confondere la sua ombra con un’oscurità persistente che ne cancella come la
sagoma e lo fa apparire come una specie
di spettro che però all’improvviso prende
forma. La scommessa è quindi estremamente rischiosa soprattutto per il fatto che,
per molti aspetti, Zombie gestisce il suo
personaggio negativo come una figura che
appare e scompare e agisce per istinto,
senza seguire una precisa linea narrativa.
Eppure questo film, come del resto il precedente, non solo ha il merito di discostarsi
dalla recente produzione horror del cinema statunitense, e in particolar modo dai
piatti remake di alcuni capisaldi di quello
degli anni ’70 (come, per esempio, quello
di Le colline hanno gli occhi da Craven),
ma di trasportare in un labirinto onirico
senza via di uscita.
Halloween II si apre con una sequenza
potentissima, quella di Laurie coperta di
sangue che cammina per strada prima di
arrivare in ospedale. Lì, Zombie inizia a gio-
care con il genere facendo riapparire il
mostro prima del risveglio della ragazza. In
realtà, discostandosi dalla linea narrativa,
proprio da lì inizia una specie di sogno ininterrotto. I colori danno l’impressione di
espandersi nell’inquadratura e l’immagine
sembra possedere qualcosa di pittorico. I
contorni sono sfumati, le prospettive volutamente sfalsate. Forse, anche per questo,
si sente di meno l’impatto degli omicidi che
sembrano avere non un rumore forte ma
sordo. Zombie riesce ad andare ben oltre
l’horror realizzando con Halloween II un film
quasi sperimentale, dove i protagonisti diventano delle apparizioni (come il dottor
Loomis interpretato da Malcolm McDowell)
e i tempi tipici del genere tendono a dilatarsi (la scena dell’uccisione della figlia dello
sceriffo). Il regista lavora quasi manualmente sulle immagini del film confondendole con
i rumori e i brani musicali, e interrompendone la loro continuità (lo sfondo nero) con
alcuni contrasti accesi (il cavallo bianco, la
luce accecante dell’ospedale, la madre di
Michael). Il finale è un flash visionario incredibile, una mutazione choc tipo Fuller in
Il corridoio della paura che dimostra come
quello di Zombie sia un film mai finito, che
può riprendere in ogni momento dal punto
in cui si è fermato. Ma non come il ciclo di
una saga attraverso i suoi sequel ma come
un’opera artistica che rimette in discussione se stessa e ha bisogno di essere continuamente modificata, quasi manipolata, per
poter poi riprendere a respirare.
Simone Emiliani
IL CACCIATORE DI EX
(The Bounty Hunter)
Stati Uniti, 2010
Acconciature: Kelsie Gigandet
Coordinatore effetti speciali: Drew Jiritano
Supervisore effetti visivi: Dan Schrecker
Coordinatori effetti visivi: Niko Tavernise, Matt Kushner
Interpreti: Jennifer Aniston (Nicole Hurley), Gerard Butler
(Milo Boyd), Gio Perez (zio Sam), Joel Garland (Dwight),
Jason Kolotouros (Gelman), Matt Malloy (Gary), Jason Sudeikis (Stewart), Adam Rose (Jimmy), Christine Baranski
(Kitty Hurley), Dorian Missick (Bobby), David Costabile (Arthur), Lynda Gravatt (giudice), Peter Greene (Mahler), Jeff
Garlin (Sid), Siobhan Fallon (Teresa), Jayne Houdyshell (padrona di casa), Cathy Moriarty (Irene), Ritchie Coster (Ray),
Mark Budd (Stickman), Mary Testa (cameriera), Charles Techman (veterinario), Tracy Thorne (membro della Direzione), Christian Borle (Caddy), Amanda Dutton (Darla), Carol
Kane (Dawn), Edward Mitchell (Jonathan), Adam LeFevre
(Edmund), Charlie Hewson (Rich Guy), Lou Sumrall,Harry
Zittel
Durata: 110’
Metri: 3040
Regia: Andy Tennant
Produzione: Neal H. Moritz per Columbia Pictures/Relativity
media/Original Film/Madhouse Entertainment
Soggetto e sceneggiatura: Sarah Thorp
Direttore della fotografia: Oliver Bokelberg
Montaggio: Troy Takaki
Musiche: George Fenton
Scenografia: Jane Musky
Costumi: Sophie Carbonell
Produttori esecutivi: Ryan Kavanaugh, Donald J. Lee Jr.,
Ori Marmur, Robyn Meisinger
Direttore di produzione: Donna E. Bloom
Casting: Kathleen Chopin
Aiuti regista:Tudor Jones, Murphy Occhino, Richard Patrick
Operatori: Craig Haagensen, Phil Oetiker, Howard Smith
Operatore steadicam: Howard Smith
Arredatore: Ellen Christiansen
Trucco: Angela Levin, Nicky Pattison
47
Film
icole è una fascinosa e affermata
giornalista, nei guai con la giustizia per aver urtato con l’auto
il didietro di un cavallo della Polizia e,
quando non si presenta in tribunale per il
rinnovo della cauzione, diventa ufficialmente una ricercata.
L’ex marito, Milo Boyd, è giustappunto un cacciatore di taglie, ossia un ex poliziotto ora dedito al recupero di fuorilegge
in libertà: si trova per questo a dare la
caccia alla ex moglie, la quale ad arrendersi al carcere non ci pensa neanche. Infatti la rampante giornalista sta indagando su un omicidio mascherato da suicidio,
in cui sono invischiati spacciatori, tatuatori poco raccomandabili, e presunti poliziotti corrotti.
Catturata la moglie, Milo si trova ad
affiancarla nelle sue ricerche, sempre però
con l’obiettivo ultimo di consegnarla alla
giustizia e ricevere la propria ricompensa.
Durante le loro peripezie, lungo un interminabile fuga in auto, in risciò, a piedi,
attraverso grand hotel, casinò, campi da
golf e stagni maleodoranti, i due ex coniugi scoprono di amarsi ancora, ammettendo di aver sbagliato a separarsi. In tutto
questo, riescono anche a risolvere il giallo in questione, assicurando tutti i cattivi
alla giustizia.
Anche Milo decide di portare a termine la sua missione, consegnando spietatamente Nicole alla polizia: ma appena fuori dal commissariato l’ex poliziotto pren-
N
de a pugni un ex collega, ottenendo di poter passare la notte da detenuto, vicino alla
ex moglie. I due suggellano così il loro
amore e il gran finale scambiandosi un
appassionato bacio attraverso le sbarre
che dividono le loro celle.
l Cacciatore di ex è ciò che può
essere tranquillamente catalogato come prodotto di consumo, così
come lo sono le gomme da masticare, i
fazzolettini di carta o i pneumatici per l’auto: ossia, è una di quelle pellicole, i cui lineamenti principali potrebbero essere descritti solamente osservandone la locandina. Facciamo l’esperimento: in quella del
film in oggetto, sullo sfondo di un cielo azzurro abbiamo lei a sinistra e lui sulla destra, tenuti legati da un paio di manette che
troneggiano nel centro; lo stile grafico scelto per il titolo e per i credits più rilevanti
ricorda molto da vicino le locandine dei film
della saga James Bond: è proprio come
quando si compra un pacchetto di gomme
alla fragola, uno sguardo al colore della
carta e si ha subito un idea del sapore che
si avrà in bocca. Osserviamo loro due, che
si guardano: se non stanno insieme dato il
titolo del film lo saranno stati senz’altro e,
comunque, che lo saranno nel finale è sicuro; a ben guardare il titolo alla 007, si
capisce subito che la storia d’amore si snoderà sul pericoloso, ma senz’altro qui edulcorato, terreno del poliziesco, o della spy
story. Il Cacciatore di Ex è insomma uno
I
di quei film che si sceglie di guardare per
le certezze che offre: rispetto a ciò che ci
aspettiamo da una classica commedia
sentimentale statunitense non troviamo infatti nessuna sorpresa, sia nel soggetto,
che nella caratterizzazione di tutti i personaggi, che nella facile comicità e nelle elementari metafore sentimentali. In nessuna circostanza, lui e lei riescono a sembrare reali e concreti, come vorrebbe dare
a intendere il tono del film: sono entrambi
perfetti, anche quando siedono sui wc, o
camminano scalzi, o si sporcano, in qualsiasi modo cerchino di fingersi in simbiosi
col mondo reale non riescono a essere
credibili; la loro comicità è fredda e calcolata, non si sbilancia mai se non su una
volgarità soft e largamente accettabile dal
pubblico; il giallo serpeggia quasi invisibile negli spazi lasciati vuoti dalla storia
d’amore, costruita lungo il film su fughe,
rimandi e scaramucce idiote e tutto non è
altro che il pretesto per bearsi della visione di due personaggi dai corpi perfetti, che
s’insultano in modo impeccabile e si muovono benissimo in qualsiasi situazione fisica o non.
Ma, d’altronde, si sa, la cinematografia d’oltreoceano vive e prospera anche e,
forse, soprattutto grazie alla produzione più
becera che ne tiene vivo il mercato: purché si faccia cinema, senza puntare necessariamente al capolavoro.
Sara Ceracchi
BASILICATA COAST TO COAST
Italia, 2010
Effetti visivi: Adriano Di Ricco
Scenografie: Elio Maiello, Sonia Peng
Interpreti: Alessandro Gassman (Rocco Santamaria), Paolo
Briguglia (Salvatore Chiarelli), Max Gazzè (Franco Cardillo),
Rocco Papaleo (Nicola Palmieri), Giovanna Mezzogiorno (Tropea Limongi), Claudia Potenza (Maria Teresa), Michela Andreozzi (Lucia), Antonio Gerardi (Carmine Crocco), Augusto
Fornari (Press Agent), Gaetano Amato (Onorevole Limongi)
Durata: 105’
Metri: 2890
Regia: Rocco Papaleo
Produzione: Isabella Cocuzza e Arturo Paglia per Eagle Pictures, Paco Cinematografica, Ipotesi Cinema
Soggetto e Sceneggiatura: Valter Lupo, Rocco Papaleo
Direttore della fotografia: Fabio Olmi
Montaggio: Christian Lombardi
Costumi: Claudio Cordaro
Aiuto regista: Livio Bordone
icola Palmieri insegna matematica in un liceo artistico di Maratea. La sua passione, però,è la
musica, un amore condiviso con gli amici
Salvatore, un ex studente di medicina, Rocco, un divetto alla ricerca della celebrità e
Franco, muto dopo una delusione d’amore, con cui fonda un gruppo.
L’occasione per farsi conoscere arri-
N
va con il festival di Scanzano. Nicola, però,
vuole rendere questa esperienza indimenticabile e propone agli amici di andarci a
piedi in un viaggio coast to coast dal Tirreno allo Ionio, utilizzando le strade secondarie e passando per i paesini della
Basilicata.
I ragazzi sono entusiasti all’idea, così
come un piccolo giornale parrocchiale che
48
manda con loro una giornalista, Tropea, a
fare il reportage dell’avventura.
La ragazza, in verità, non condivide
l’euforia degli altri e segue piuttosto annoiata il gruppo.
Durante il tragitto, nonostante i disagi, ogni occasione è buona per cantare,
scambiare quattro chiacchiere ed esaltare
le bellezze del paesaggio. Anche Tropea
Film
cede e, abbandonata ogni resistenza, si lascia contagiare dall’ottimismo della band.
Il gruppo è affiatatissimo, fino a quando arriva la telefonata dell’agente di Rocco che gli comunica di aver chiuso l’attività per una crisi religiosa. L’attore indispettito, allora, chiude il telefono e abbandona gli amici al loro destino.
Il viaggio prosegue e, fra Tropea e
Franco, nasce un tenero sentimento fatto
di piccoli gesti e tanti silenzi, mentre Salvatore, dopo aver aiutato un uomo in fin
di vita, riscopre il suo antico amore per la
medicina.
Scanzano è vicina. Mancano poche ore
al festival, i vestiti sono pronti, l’adrenalina è alle stelle, ma un sentiero sbagliato
fa arrivare la band in notevole ritardo. È
tutto finito. Della manifestazione rimangono solo qualche bottiglia vuota e un palco
desolato. C’è, però, Rocco ad attenderli e
un’unica fan ancora disposta ad ascoltarli: la moglie di Nicola. Per lei tutta la band
suona un inno d’amore alla loro terra.
na boccata d’aria fresca ogni tanto è necessaria. Anche al cinema. Purtroppo l’eccessiva sofisticazione, la voglia di sorprendere, o l’insensata gara all’intellettualismo rende questi
momenti tanto rari quanto preziosi. Ma è
proprio quando si arriva alla saturazione
ecco spuntare qualche piccolo film che,
senza pretese, riesce a farti passare un
paio d’ore di sano divertimento.
Basilicata coast to coast, ad esempio.
Esordio alla regia di Rocco Papaleo,
la pellicola racconta l’insolito viaggio a
piedi di una band da Maratea a Scanzano Ionico per partecipare a un festival
canoro. Durante il tragitto, filmato da una
svogliatissima giornalista, conosceranno
personaggi strampalati, paesini nascosti
U
e, grazie alla condivisione di un progetto,
se stessi.
A Papaleo, lucano doc, non va proprio
giù che la sua regione nell’immaginario comune sia legata al racconto di Carlo Levi
Cristo si è fermato ad Eboli. Già in passato,
in risposta all’autore torinese, aveva composto una divertente canzone, Basilicata is
on my mind; ora, con più vigore, ripropone
lo stesso concetto in chiave cinematografica nel duplice ruolo di regista-attore.
Ne viene fuori una pellicola genuina,
intrisa di comicità semplice che (finalmente!) non si abbassa a grossolane volgarità
per strappare il sorriso, piuttosto fa ricorso
ad un’ironia popolare e garbata, ma non
per questo meno apprezzabile. La scena
del “pane con la frittata”, a esempio, è
umorismo puro, non ci sono battute, ma è
la stessa mimica dei protagonisti a renderla strepitosa.
Papaleo, infatti, si è scelto bene i com-
pagni di viaggio. Alessandro Gassman,
Paolo Briguglia e Max Gazzè, con i loro
registri antitetici, risultano un mix perfetto,
che non perde “sapore” per tutto il film.
Certo, ogni tanto la pellicola rallenta la
sua corsa, ma è una stanchezza fisiologica che si perdona e permette di ammirare
il paesaggio e i volti di questa terra sconosciuta nel delicato omaggio di uno dei suoi
figli più famosi.
Non è difficile leggere il reale impegno
e la motivazione profonda che hanno portato il regista e tutto il cast a credere in questo progetto e proprio per questo le poche,
ma asprissime critiche che gli sono pervenute meriterebbero qualche considerazione in più. Anche perché il cinema, il più delle
volte, è solo cinema e adibirlo a terreno di
lotte culturali significa snaturarne l’essenza, in certi casi, sfiorare il ridicolo.
Francesca Piano
LE PREMIÈRE ÉTOILE
(Le première étoile)
Francia 2009
Regia: Lucien Jean-Baptiste
Produzione:Pierre Kubel, Marie-Castille Mention-Schaar per
Vendredi Film, France 2 Cinéma, Rhône-Alpes Cinéma, Mars
Distribution, Cinémage 3, La Banque Postale Image, Cinécinéma, Canal+
Distribuzione: Nomad Film
Soggetto e Sceneggiatura: Lucien Jean-Baptiste, MarieCastille Mention-Schaar
Direttore della fotografia: Myriam Vinocour
Montaggio: Hugues Darmois
Musiche: Erwann Kermorvant
Costumi: Laurence Benoit
Aiuti regista: Philippe Larue
Effetti visivi: Stephane Bidault
Scenografie: Hérald Najar
Interpreti: Firmine Richard (Bonne Maman), Lucien JeanBaptiste ( Jean-Gabriel ), Anne Consigny ( Suzy ), Jimmy
Woha-Woha (Yann), Ludovic François (Ludovic), Loreyna
Colombo (Manon), Bernadette Lafont (Madame Morgeot),
Michel Jonasz (Monsieur Morgeot), Gilles Benizio (Tecnico/garagista/animatore), Astrid Berges-Frisbey (Juliette),
Edouard Montoute (Jojo), Jacques Frantz (René), Marie
Parauty (Amie Suzy), Monique Mauclair (Madame Marie),
Clémence Lassalas (Sophie), Baldo Gueye (Luc), Denis
Maréchal (Ahmed)
Durata: 90’
Metri: 2460
49
Film
el sobborgo parigino di Créteil
vive Jean-Gabriel, figlio di emigrati antillani, sposato con una
francese bianca e padre di tre figli, Yann,
Ludovic e Manon. L’uomo non ha un lavoro
fisso, vive di espedienti, passa tutto il giorno
al bar e ha il vizio delle scommesse ippiche.
La moglie Suzy, stufa delle sue bugie e del
suo comportamento spesso irresponsabile,
vorrebbe che facesse domanda di lavoro alle
poste. La donna va su tutte le furie il giorno
in cui Jean-Gabriel promette ai figli una vacanza sulla neve pur sapendo che non potrà
mai permettersela. Ma una promessa è un
promessa e, anche per riconquistare la fiducia di Suzy che minaccia di lasciarlo, l’uomo si impegna per raccogliere le attrezzature necessarie con prestiti e regali qua e là e
la somma di denaro per affittare uno chalet.
L’uomo è consapevole che la settimana bianca, anche per i costi elevati, è un privilegio
dei bianchi di status sociale medio-alto. Nel
giro di qualche giorno, riesce a raccogliere
solo settecento euro sui duemila che gli serviranno. Il rifiuto di Suzy di partire inguaia
ancora di più Jean-Gabriel che chiede aiuto
alla madre, invitandola ad andare con loro
sulla neve. Sulle prime restia, l’anziana decide di aiutare il figlio e di partire. Arrivata
a destinazione con un’auto prestata e dopo
innumerevoli ‘scivoloni’ senza catene sulle
strade ghiacciate, la famiglia lascia di sasso
i signori Morgeot, proprietari dello chalet
affittato, che non pensavano di ritrovarsi una
famiglia di neri sulle bianche nevi alpine. Ha
inizio, così, la vacanza della famiglia a colpi
di sonore cadute e azzardati tentativi di salire sullo skilift. Per di più, Jean-Gabriel non
dispone ancora della somma necessaria a pagare l’affitto dello chalet. Ma i figli si divertono: Manon esibisce le sue doti durante una
gara canora e Yann, il più grande, intreccia
una tenera relazione con Juliette, una bella
ragazza bianca parigina dei quartieri alti.
Una sera, siedono tutti attorno alle stessa
tavola e la madre di Jean-Gabriel promette
la sua casa alle Antille alla signora Morgeot
che rinuncia a pretendere l’intero affitto dello chalet dalla famiglia. Il piccolo Ludo, complice l’aiuto del signor Morgeot, impara a
sciare ottenendo la ‘première étoile’, primo
importante riconoscimento per gli allievi
principianti delle scuole di sci. Suzy sopraggiunge proprio durante la gara del figlio e fa
pace con Jean-Gabriel.
Tempo dopo, Jean-Gabriel ha coronato il suo sogno di lavorare in radio facendo pronostici sulle corse dei cavalli ed è
un uomo felice.
N
N
eri sugli sci. A essere sinceri se
ne vedono pochi, se è vero che
in molti sport gli atleti dalla pelle
nera sanno davvero eccellere, gli sci sono
ancora privilegio dei bianchi. Soprattutto
in Europa, in particolare in terra d’oltralpe,
dove difficilmente gli antillani, figli e nipoti
di emigranti delle ex colonie caraibiche che
popolano soprattutto le banlieue, dispongono di budget così elevati per poter villeggiare sulle rinomate Alpi. Pelle nera settimana bianca, su questo binomio dunque si fonda la commedia “razziale” La première étoile, esordio alla regia dell’attore
protagonista Lucien Jean-Baptiste (arrivato dalla Guadalupa in Francia negli anni
Sessanta quando era ancora adolescente
e oggi apprezzato attore al cinema e in televisione), che attinge dai suoi personali
ricordi di gioventù per raccontare le buffe
avventure di una famiglia di neri sulla neve
delle Alpi.
A parte qualche frecciatina, messa lì
al punto giusto a colpire lo strisciante razzismo e i luoghi comuni che si nascondono ancora in gran parte della popolazione di pelle bianca, anche in quelli che
si professano aper tamente tolleranti
(come l’incredula reazione dei proprietari dello chalet all’arrivo degli inquilini
neri), la sceneggiatura gronda banalità
e la regia è davvero scolastica. Sulle promesse risate ha la meglio qualche timido sorriso che il film può al massimo riuscire a strappare in poche scene. Due
su tutte: l’avventuroso viaggio della colorata brigata a bordo di una Mercedes
sportiva gialla, attrezzata con vistoso
alettone e disegni di colore viola sulle
fiancate e il gustoso siparietto della co-
lorata nonna antillana (la veterana Firmine Richard, la più brava di tutti), che
canta fieramente un motivetto patriottico inneggiante a De Gaulle.
A trionfare è, però, una morale da
scuola elementare, corredata da immancabile finale alla “vogliamoci bene”, in barba al razzismo, tipico della classica “commedia per famiglie”. Certo, al confronto con
le svariate Vacanze di Natale tra le nevi di
Cortina, Aspen, St. Moritz targate anni
Novanta (ma il capostipite della serie risale al lontano 1983 e reca la firma dei Vanzina) e firmate dalle ‘italiche ditte’ Oldoini
e Parenti (prima che il ‘cinepanettone’ si
spostasse negli anni duemila verso mete
sempre più calde ed esotiche), popolate
da borghesi arricchiti, cafoni e superficiali,
almeno qui non si spinge sul pedale della
volgarità. Gentilezza e garbo non mancano, ma certo non bastano per incidere. E
l’impronta lasciata dal film è come quella
lasciata da un doposci sulla neve fresca,
destinata a disciogliersi al primo raggio di
sole.
E così la “première étoile” del titolo,
vale a dire il riconoscimento che il piccolo figlio del protagonista riesce a ottenere sul campo da sci, con tutto il sapore
del riscatto sociale che può portarsi dietro, resta l’unica stella di cui il film può
fregiarsi.
Grande successo di pubblico in Francia e nomination al César 2010 per la migliore opera prima.
Elena Bartoni
LARTISTA
(El artista)
Argentina, Italia, 2009
Regia: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Produzione: Eduardo Costantini e Alfredo Federico per Costa Films, Fernando Sokolowicz per Aleph Media, Leon Ferrari, Gianluigi Gardani e Tore Sansonetti per
Barter, Istituto Luce
Distribuzione: Cinecittà Luce
Soggetto e Sceneggiatura: Andres Duprat
Direttore della fotografia: Riccardo Monteoliva
Montaggio: Santiago Ricco
Musiche: Diego Bliffeld
Costumi: Lorena Llaneza
Scenografie: Lorena Llaneza
Interpreti: Sergio Pangaro (Jorge Ramirez), Alberto Laiseca (Romano), Enrique
Gagliese (Losada), Ana Laura Loza (Ana), Marcello Prayer (Segretario della galleria italiana), Andres Duprat (Emiliano), Horacio Gonzáles (Primo vecchio), Rodolfo
Fogwill (Secondo vecchio), Luciana Fauci (Carmen), Arturo Caravajal (Bernardo),
Diego Perdomo (Polo), Roberto Tacón (Giornalista)
Durata: 110’
Metri: 3050
50
Film
uenos Aires. Jorge Ramirez lavora come infermiere in un istituto
geriatrico ma ha velleità artistiche. Le sue giornate monotone prendono
una piega improvvisa quando inizia a occuparsi di un anziano paziente autistico
dotato di un grande talento pittorico, Romano. Jorge porta l’anziano a casa sua:
l’uomo vive come un vegetale, non parla
ma disegna di continuo. Jorge porta i disegni di Romano in una galleria d’arte
spacciandoli per suoi. La galleria espone
le opere che incontrano successo di pubblico e di critica. Il direttore della galleria chiede a Jorge altri disegni, sta preparando una mostra, e poi gli consegna
un assegno con una somma considerevole. La sua vita inizia a cambiare: ora è
ricercato dai critici, dai galleristi, dalle
donne. Insieme ad Anna, una ragazza con
cui ha allacciato una relazione, Jorge ristruttura il suo appartamento e assume
un’infermiera per l’anziano paziente. Ad
un certo punto però Romano smette di
disegnare. Per Jorge sono guai, tenta di
produrre dei disegni di suo pugno ma non
piacciono, mentre il direttore della mostra continua a chiedergli altre opere.
Romano riprende a disegnare, mentre Jorge viene informato che una galleria d’arte è disposta a mettere su una sua mostra
personale. Romano cambia tecnica e, seguendo una sua silenziosa ispirazione,
realizza un’opera utilizzando l’inchiostro
nero steso con le mani. Un critico d’arte
va a fare visita a Jorge, vede l’opera e ne
rimane impressionato, pensa che apra una
nuova fase nella sua produzione, il “periodo nero”. Romano continua a realizzare opere nere. Il direttore della Franklyn
Art Gallery di Roma di passaggio a Buenos Aires, vuole incontrare Jorge. L’uomo gli propone di far parte della scuderia di artisti che la sua galleria ha sotto
contratto ma dovrà trasferirsi a Roma. Intanto, mentre fervono i preparativi per la
sua mostra personale, Jorge confida ad
Anna che i disegni non sono opera sua
ma del suo paziente autistico. All’inaugurazione della mostra, Jorge rimane nascosto nel sottoscala con Anna. Al ritorno a casa, Jorge confida alla ragazza di
voler restare solo. Pochi giorno dopo, Jorge si prepara a partire per Roma, ma, all’improvviso, Romano muore per un attacco cardiaco. Jorge parte lo stesso per
Roma dove prende possesso dell’appartamento che la galleria gli ha messo a disposizione.
B
arcel Duchamp diceva che l’arte non è nell’opera ma nello
spettatore, l’arte dunque sarebbe nell’occhio di chi guarda. Così le creazioni dell’anziano autistico di cui si appropria il suo infermiere sono paragonate da
un critico (dal suo occhio per meglio dire)
al movimento nato attorno agli anni Quaranta del Novecento dell’Art Brut (in italiano Arte grezza), un concetto inventato
dal pittore francese Jean Dubuffet per indicare le produzioni artistiche realizzate
da non professionisti o pazienti di ospedali psichiatrici, che operano al di fuori
delle norme estetiche convenzionali e
sono completamente digiune di cultura artistica.
Ecco, noi spettatori non vediamo mai
l’opera di Romano, geniale (a quanto pare)
artista autistico che realizza disegni che
incontrano il plauso di severi critici d’arte.
Ed è a questo primo livello di lettura che il
film sembra fare proprio l’assunto duchampiano. Ma non solo. Al centro del film ci
sono due uomini, due identità misteriose,
vittime di un fatale e beffardo incrocio di
destini. Chi è Jorge? Chi è Romano? Un
infermiere frustrato da una grigia esistenza che non sembra avere direzione e con
il sogno dell’arte, e un anziano autistico
che ha perso l’uso della parola ma che sa
prendere in mano una matita e dare libero
sfogo alla sua espressività (è forse un ex
artista geniale o semplicemente un matto
che sfoga i suoi fantasmi in creazioni artistiche?). In mezzo a queste due figure si
sviluppa una storia di frode artistica che
prende di mira gli snobismi di certe élite
intellettuali (o presunte tali) e le macchine
fabbrica soldi di tanta arte contemporanea
in cui il bluff può essere davvero di facile
portata.
Interrogandosi sul grande paradosso
dell’arte contemporanea e sulla problematicità di dare un significato del termine
“arte”, il film è, appunto, un’opera d’arte
già da sé: allinea inquadrature fisse che
sembrano quadri, gioca con le immagini
che compone come quadri, in cui i confini
dello schermo si pongono come cornice
ideale, gioca con luci, colori, volumi e superfici.
Un esercizio di stile su un tema difficile e affascinante, girato con indubbia
maestria e grande rigore da due registi
argentini con una lunga esperienza di video artisti, Mariano Cohn e Gastòn Duprat, sospeso in un universo rarefatto, intriso di citazioni (da Pollock a Duchamp,
M
51
passando per Cechov e Picasso), ma forse un po’ troppo estenuante nei suoi raffinati giochi stilistici e nei suoi lunghi silenzi. La mano in fase di sceneggiatura di
Andrés Duprat, architetto, curatore di arte
contemporanea e manager di programmi
culturali, si sente. A impreziosire il quadro d’insieme, sono stati chiamati per piccole partecipazioni personalità del mondo della cultura come Leon Ferrari, (anche co-produttore) artista concettuale
contemporaneo argentino, vincitore del
Leone d’oro alla Biennale d’Arte di Venezia 2007, che ha anche disegnato il manifesto del film.
Cosa è l’arte è una questione dibattuta da secoli e un film come questo non
fa che mostrare come la linea di confine
tra ciò che è arte e ciò che non lo è sia
diventata sempre più sottile, o, per meglio dire, confusa. Oggi assistiamo al
moltiplicarsi di oggetti, istallazioni, performance, idee, che si professano arte, ma
cosa davvero lo è? Mai interrogativo è
destinato a restare tanto sospeso. Impagabile, quanto a sottile ironia, la scena in
cui il nostro novello artista Jorge, catapultato di colpo in un mondo fatto di mostre, eventi, critici, collezionisti, si trovi in
un affollato vernissage a contatto con artisti che dire singolari è dire poco, come
una ragazza che realizza polaroid di peluche o quella che fa installazioni dentro
un microonde per poi bruciarle. Ma ce n’è
anche per i critici che, di fronte ai silenzi
del giovane nuovo genio dell’arte contemporanea sono capaci di interpretarli come
risposte alla crisi della società contemporanea.
Lunghi silenzi, chiacchiere vuote di tanti critici o presunti tali e poi la matita (o, più
semplicemente, la mano sporca di inchiostro) di un uomo con disturbi mentali, che
realizza opere che sono riconosciute come
capolavori, ma che non vengono, guarda
caso, mai mostrate.
Prospettive e punti di vista. Bugie o
verità?
Per Picasso l’arte è una bugia che aiuta
a realizzare una verità. Una verità che può
essere diversa per ogni spettatore che la
osserva come affermava Duchamp. E ciò
può succedere davanti a un quadro, una
scultura, o anche davanti a un film. E così
ognuno è libero di rintracciare la ‘propria’
verità di fronte a un film del genere. A voi
spettatori il gioco.
Elena Bartoni
Film
GREEN ZONE
(Green Zone)
Stati Uniti/Gran Bretagna/Francia/Spagna, 2010
Acconciature: Francesco Alberico, Zineb Bendoula, Tricia
Cameron, Kay Georgiou, Loulia Sheppard
Supervisore effetti speciali: Joss Williams
Coordinatore effetti speciali: Jess Lewington
Supervisori effetti visivi: Zoltán Benyó (Cube Effects),
Peter Chiang, Charlie Noble (Duble Negative)
Coordinatori effetti visivi: Szvák Antal (Cube Effects),
Antonella Ferrari, Peter Olliff, Rob Shears
Supervisori costumi: Cristina Sopeña, Nicole Young
Interpreti: Matt Damon (Roy Miller),Greg Kinnear (Clark Poundstone), Brendan Gleeson (Martin Brown), Khalid Abdalla
(Freddy), Amy Ryan (Lawrie Dayne), Jason Isaacs (tenente
colonnello Briggs), Yigal Naor (generale Al Rawi), Michael
O’Neill (colonnello Bethel), Antoni Corone (colonnello Lyons),
Raad Rawi (Zubaidi), Martin McDougall (sig. Sheen), Sean
Huze (Conway), Edouard H. R. Gluck (Ed Johnson), Allen
Vaught (Jonathan Vaught), Nicoye Banks (Perry), Paul Rieckhoff (maggiore Gonzalez), Aymen Hamdouchi (Ayad Hamza), Soumaya Akaaboune (Sanaa), Bijan Daneshmand (Mazin Aide Zubaidi), Said Faraj (Seyyed Hamza), Brian VanRiper (Brian Bonner), Adam Wendling (Adam Michaels), Amar
Adatia (Zain), Faycal Attougui (guardia del corpo di Al Rawi),
Jerry Della Salla (Wilkins), John Roberson (sergente), Troy
Brown (soldato), Bijan Daneshmand (assistente di Zubaidi),
Bryan Reents (assistente di Poundstone), Michael Judge (tecnico JMOC), Patrick St. Esprit (militare), Michael J. Dwyer,
Brian Siefkes, Abdul Henderson, Paul Karsko, Robert Miller,
Eugene Cherry, Alexander Drum, Matthew Knott, Nathan
Lewis,
Durata: 156’
Metri: 4300
Regia: Paul Greengrass
Produzione: Tim Bevan, Eric Fellner, Paul Greengrass, Lloyd
Levin per Universal Pictures/Studio Canal/Relativity Media/
Working Title Films/Antena 3 Films
Soggetto: tratto dal libro Imperial Life in the Emerald City: Inside Iraq’s Green Zone di Rajiv Chandrasekaran
Sceneggiatura: Brian Helgeland
Direttore della fotografia: Barry Ackroyd
Montaggio: Christopher Rouse
Musiche: John Powell
Scenografia: Dominic Watkins
Costumi: Sammy Sheldon
Produttori esecutivi: Liza Chasin, Debra Hayward
Produttori associati: Alvaro Ron, Tadeo Villalba hijo
Co-produttori: Mairi Bett, Michael Bronner, Jo Burn, Christopher Rouse, Kate Solomon
Line producer: Zakaria Alaoui
Direttori di produzione: Yousaf Bokhari, Sasha Harris, Angus More Gordon, Mark Mostyn, Ben Rimmer
Casting: Daniel Hubbard, John Hubbard, Amanda Mackey Johnson, Cathy Sandrich
Aiuti regista: Tom Brewster, Chris Carreras, Hedi El Ayoubi,
Yann Mari Faget, Carlos Gil, Ahmed Hatimi, Amine Louadni,
Michael Michael, Jairo Murray, Jae-sung Oh, Mohammed
Hamza Regragui, Mounir Saguia, Nick Shuttleworth
Operatori: Barry Ackroyd, Klemens Becker, Rory Hinds
Operatore Steadicam: Roger Tooley
Arredatore: Lee Sandales
Trucco: Helen Barrett, Julie Dartnell
aghdad, 2003, il paese è nel caos.
Il soldato Roy Miller è a capo
dell’unità Delta, in missione fuori
dalla zona verde protetta per trovare le
famose armi di distruzione di massa che
Saddam Hussein avrebbe nascosto sul territorio iracheno. La squadra ha un solo
obiettivo: sgomberare una lunghissima lista di siti nei quali queste sono apparentemente custodite. Indirizzate dall’Intelligence; queste squadre rischiano la vita per
riuscire a sgomberare i siti in questione,
trovandoli però sempre vuoti. Dopo l’ennesima soffiata inesatta da parte di una
misteriosa fonte dell’Intelligence soprannominata “Magellano”, Miller sospetta
dell’inesistenza delle armi, nonché della
fondatezza stessa dei presupposti per la
guerra in Iraq e si prefigge di scoprire la
verità sulla fonte e i suoi rapporti coi servizi segreti statunitensi. In questo scenario, negli uffici di comando si scontrano
da una parte le direttive del capo dell’ufficio Cia a Bagdad, Martin Brown e quelle
del responsabile delle operazioni del Pentagono Clark Ploundstone, che insabbia e
B
svia le operazioni. Se il primo insiste affinché venga favorita la nascita di uno stato
iracheno, cui possano partecipare anche
personaggi di spicco della precedente amministrazione, il secondo è per la creazione di un apparato di governo che, di fatto,
faccia a meno dei sunniti a favore di curdi
e sciiti, proponendo di mettere a capo dello stato un ex profugo americanizzato da
decenni. Non può non partecipare a questo banchetto anche la stampa: Lawrie
Dayne, inviata del Wall Street Journal, assetata di informazioni da sbattere in prima
pagina. Dalla parte opposta, ci sono gli iracheni: il generale Al Rawi, che rivendica
all’esercito un ruolo di stabilizzazione nel
dopo Saddam, mentre Freddy, una gamba
persa in Iran, è un giovane che è pronto a
sacrificare la vita per il proprio paese. Da
un sito all’altro, Miller entra ed esce dalla
“Green Zone”, un’area di dieci chilometri
quadrati nel centro di Baghdad, dove si concentrano le operazioni di facciata inerenti
al conflitto iracheno. Al di là del confine di
sicurezza, invece, comincia la zona rossa: è
uno scompiglio senza sosta, proprio lad-
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dove si svolgerà l’azione più cruenta. Preso nell’intrigo delle operazioni, Miller, coraggiosamente alla ricerca della verità,
porta avanti il suo compito, scontrandosi
con gli intrighi dell’apparato militare.
Capirà che si tratta di un’enorme messa
in scena, montata solo con il fine di provocare una guerra infondata, quella degli
States all’Iraq, nata e portata avanti esclusivamente su menzogne.
spirato al libro Imperial Life in the
Emerald City: Inside Iraq’s Green
Zone di Rajiv Chandrasekaran, il
film di Paul Greengrass, più che una pellicola di guerra, risulta un thriller tutto giocato sul sapiente uso della camera a mano,
delle panoramiche e delle camere a infrarossi sistemate sugli elicotteri. Il regista
mescola le teorie complottistiche con una
ricostruzione dettagliata e minuziosa degli avvenimenti narrati, assumendo un punto di vista scomodo e sicuramente non in
linea con quanto gli americani avrebbero
voluto fosse raccontato. Green zone è stato
infatti poco amato in patria, anche perché,
I
Film
nonostante l’apparente realismo e la volontà di denuncia, non va troppo a fondo
con le sue mezze verità, ma resta abbastanza in superficie. Il film indaga la finzione “mediatica” architettata per invadere il
paese iracheno, ma poi si ferma lì. Dopo
due ore di ritmo senza sosta, di actionmovie adrenalinico all’insegna della crudeltà e della violenza, al termine della corsa si rimane a bocca asciutta. La morale è
banale e il marcio viene sempre a galla: la
rivelazione che la presenza di armi di distruzioni di massa in Iraq fu solo una gigantesca montatura del governo americano. All’interno dello stesso esercito, spaccato tra vere e proprie faide di potere, l’unica vera arma di distruzione di massa da
combattere è la verità, là dove gli stessi
soldati americani sono i veri cattivi, bugiardi
e pronti a tutto pur di non far uscire a galla
le loro menzogne. La guerra in Iraq viene
affrontata con l’occhio di chi vuole sottolineare la differenza fra chi comanda ed è
sempre attento ai suoi fini, oltre che a “nutrire” in maniera adeguata l’opinione pubblica attraverso i media, e chi, sul campo,
invece si trova ad affrontare, rischiando la
propria vita, le difficoltà di una guerra. Significativa, in tal senso, una scena girata
in piena “green zone”, la zona verde protetta, corrispondente al quartiere dei palazzi di governo, con ufficiali, giornalisti e
politici intenti a sorseggiare drink alcoolici
sdraiati su lettini in piscina.Tecnicamente
impeccabile, e con una realistica ricostruzione di Baghdad bombardata (le location
si sono girate tra Marocco, Spagna e Inghilterra), il film intrattiene per il ritmo e la
velocità con cui procede incalzante senza
pause, tra sparatorie, inseguimenti mozzafiato e bombardamenti. Aiutato da un
montaggio frenetico e martellante, con una
regia che segue concitatamente ogni azione bellica, grazie all’utilizzo della telecamera in spalla, Green zone si affida completamente al suo attore feticcio, Matt Damon. Con il personaggio dell’agente Jason Bourne, che l’ha reso ormai un’icona,
anche in questo caso Damon riveste i panni del giustiziere che vuole solo trovare la
verità, andando contro i propri superiori e
mettendo a repentaglio la sua stessa vita.
Veronica Barteri
PUZZOLE ALLA RISCOSSA
(Furry Vengeance)
Stati Uniti, 2010
Arredatore: Jennifer Engel
Trucco: Desne J. Holland, Trish Seeney
Acconciature: Mary L. Mastro
Coordinatore effetti speciali: Ray Bivins
Supervisore effetti visivi: David Lingenfelser (Furious Fx)
Supervisore costumi: Virginia Johnson
Supervisore musiche: Patrick Houlihan
Animazione personaggi: Kiel Figgins (Furious Fx), Nicole
Herr (Furious Fx)
Interpreti: Brendan Fraser (Dan Sanders), Ricky Garcia
(Frank), Eugene Cordero (Cheese), Patrice O’Neal (Gus), Jim
Norton (Hank), Brooke Shields (Tammy Sanders), Matt Prokop (Tyler Sanders), Billy Bush (sergente Drill), Ken Jeong
(Neal Lyman), Angela Kinsey (Felder), Samantha Bee (fornaia), Alice Drummond (sig.ra Martin), Toby Huss (Wilson), Skyler Samuels (Amber), Gerry Bednob (sig. Gupta), Alexander
Chance ( guardia ), Dee Bradley Baker ( voce degli
animali),Wallace Shawn (dr. Christian Burr), Susan Farese
(donna alla fiera), Haytham Kandil (patrono del festival), Rob
Riggle (Riggs), Charlie Alejandro, Salvatore Santone
Durata: 91’
Metri: 2500
Regia: Roger Kumble
Produzione: Keith Goldberg, Robert Simonds per Imagenation Abu Dhabi FZ/ Participant Media/ Summit Entertainment
Soggetto e sceneggiatura: Josh Gilbert, Michael Carnes
Direttore della fotografia: Peter Lyons Collister
Montaggio: Lawrence Jordan
Musiche: Ed Shearmur
Scenografia: Stephen J. Lineweaver
Costumi: Alexandra Welker
Produttori esecutivi: Mohamed Khalaf Al-Mazrouei, Brendan Fraser, Ira Shuman
Produttore associato: Molly O’Keefe
Co-produttore: Terri Goddard
Direttore di produzione: Todd Arnow
Casting: Jennifer Euston
Aiuti regista: Jim Brebner, Mark S. Constance, Michael McCue
Operatori: John Connell, Brant S. Fagan
Operatore Steadicam: Brant S. Fagan
Art director: E. David Cosier
ssoldato da una grande società
immobiliare come supervisore di
un centro residenziale immerso
nel verde, Dan Sanders trascina sé e la
propria famiglia nell’Oregon. Mentre la
moglie accetta in quanto amante del quieto vivere, il figlio sedicenne Tyler sente
più acutamente la nostalgia della sua Chicago. Ma, il patto è chiaro: tutti i componenti del nucleo familiare dovranno “abbozzare” di fronte alla possibilità di rimanere un intero anno fermi in quell’avamposto, dopodiché non ci sarà più
alcuna remora paterna e si potrà finalmente tornare a essere radicati nel mon-
A
do globale. La situazione precipita allorché lo spregiudicato capo di Dan, Ken
Jeong, obbliga il suo dipendente a trattenersi nei boschi per un periodo di quattro
anni, in modo che l’uomo possa seguire
anche la fase successiva dei lavori con
annessa speculazione edilizia. Inevitabile la reazione contrariata dei congiunti.
Neppure la fauna del luogo la prende tanto bene e dichiara guerra all’intruso profittatore. A capo della rivolta animale si
pone un piccolo orsetto lavatore, coadiuvato nel suo intento da orsi, scoiattoli,
uccelli, puzzole, etc. Queste fiere si accaniscono allora sul nemico, meditando la
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giusta punizione per l’invasore. La loro
offensiva prevede mezzucci di ogni genere: dalla razzia degli abiti a sonni impediti da martellanti rumori alla finestra,
fino al ricorso a gas puzzolenti e molto,
molto altro ancora. Sebbene Dan si sia
reso conto con chi ha effettivamente a che
fare, egli non viene creduto, né dal figlio
né, tantomeno, dalla sposa che gli fissa
un appuntamento con lo strizzacervelli locale. Intanto, la situazione precipita dal
momento che Dan trascura il lavoro, il
superiore e i suoi operai, pur di spuntarla contro la gang del bosco. Richiamato
all’ordine dal presidente, il protagonista
Film
è costretto a escogitare un piano atto a
far sì che alcuni compratori indiani accettino di firmare il progetto immobiliare. Dan intravede uno spiraglio nel progetto scolastico d’ispirazione ambientalista, curato dalla moglie: se la multinazionale di Ken Jeong accettasse di finanziare la giornata dell’albero, si potrebbe
(chissà) riuscire a fare colpo sugli acquirenti stranieri. Il boss profittatore si getta
subito sulla ghiotta occasione, snaturando però il senso di questo laboratorio di
pratica ecologista. Tanto è vero che, nel
frattempo, il farabutto non ci pensa su due
volte prima di mettere in gabbia tutti gli
animali, alterando così il loro habitat naturale. Resosi conto di come stanno effettivamente le cose, Dan ascolta l’appello
del figlio Tyler e spezza i lucchetti che tengono serrate le piccole celle in cui le bestie sono state rinchiuse. Spinti da un desiderio di vendetta e giustizia, gli animali
si scaraventano su Ken Jeong e i suoi ospiti orientali, impedendo la stipula del contratto. Dal canto suo, il protagonista getta via gli abiti da yuppie rampante per
indossare la divisa da guardaboschi.
a crescita economica e il benessere industriale aggrediscono
sempre più, con il trionfo dell’apparenza, le ragioni ideologiche, sociali e
culturali rivendicate a favore di un ambiente
sostenibile. La pellicola Puzzole alla riscossa mostra questa realtà, liberandosi in un
sol colpo della pesante zavorra della verosimiglianza a tutti i costi. Infatti, tale film
per famiglie sembra essere dotato di tutte
le conoscenze base del mestiere per far
ridere con un occhio rivolto alla causa verde. Guardando avanti, però, l’umorismo
rasoterra e l’eccessiva ironia da slapstick
comedy sembrano essere due delle cause in grado di immettere una certa dose di
noia all’interno di una cornice pensata su
misura di bambino. Purtroppo, gli attimi
d’imprevedibilità sono l’unica cosa che il
copione non riesce proprio a prevedere.
Apprezzabile la decisione di non aver
cercato di imporre allo spettatore animali di
pixel, trovando invece complicità in graziose bestiole in carne, ossa e pelliccia. Fortunatamente al regista Roger Kumble non gli
è neppure mai solleticata l’idea di doppiare
le sue villose star con voci umane, magari
L
ricorrendo all’ausilio di attori famosi dell’industria hollywoodiana. Insomma, l’autore si
è tenuto alla larga rispetto al rinnovamento
dei “fasti” di alcuni film-spazzatura come Il
dottor Dolittle oppure Garfield. Kumble imbocca, però, la strada della discesa libera
affidando la parte da protagonista all’ex
muscoloso Brendan Fraser dal fisico ora
debordante e dalla mono-espressione (sugli schermi anche con il film drammatico
Misure straordinarie). Neppure Brooke
Shields, passata dalle lagune blu alle passeggiate nei boschi, ci fa una gran bella figura. A rubare le scene ci pensano allora
quei pazzi animali che attraversano la strada e invadono la quiete domestica con fare
fin troppo antropomorfo.
Curioso come, nel grande gioco dei titoli filmici, i produttori italiani abbiano deciso di modificare l’originale Furry vengeance (“vendetta pelosa” tradotto alla lettera) con Puzzole alla riscossa, sebbene le
puzzole sopracitate siano soltanto dei comprimari rispetto al procione, ovvero la mente dell’intera organizzazione.
IL CANTO DELLE SPOSE
(Le chant des mariées)
Francia, 2008
Scenografia: Khaled Joulak
Costumi: Tania Shebabo-Cohen
Direttore di produzione: Karim Canama
Operatore Steadicam: Loïc Andrieu
Casting: Maya Serulla
Interpreti: Lizzie Brocheré (Myriam), Olympe Borval (Nour),
Najib Oudghiri (Khaled), Simon Abkarian (Raoul), Karin Albou
(Tita)
Durata: 100’
Metri: 2750
Regia: Karin Albou
Produzione: Laurent Lavolé, Isabelle Pragier per Gloria Films/
France 3 Cinéma con la partecipazione di Canal+/ CinéCinéma/ Centre National de la Cinématographie (CNC)
Distribuzione: Archibald Film
Soggetto e sceneggiatura: Karin Albou
Direttore della fotografia: Laurent Brunet
Montaggio: Camille Cotte
Musiche: François Eudes
unisi 1942. La Tunisia è protettorato francese, ma la Francia è
occupata dai tedeschi che sono
giunti anche nello stato nordafricano. Nello stesso quartiere vivono due giovani sedicenni amiche per la pelle: Nour, musulmana, e Myriam, ebrea.
Ognuna delle due sogna la vita dell’altra: Nour vorrebbe andare a scuola
come Myriam, mentre quest’ultima sogna
l’amore. Nour deve accontentarsi dell’educazione sommaria prevista per le
musulmane povere, mentre Myriam è invidiosa del fatto che la sua migliore amica sia fidanzata con Khaled. Ma il ragazzo non trova un lavoro e i genitori di
Nour, per questo motivo, non le permet-
T
tono di sposarlo. Nel novembre 1942,
l’esercito tedesco invade Tunisi: perseguendo la politica di Vichy, i nazisti sottomettono la comunità ebraica a una
pesante ammenda. Tita, la madre di
Myriam, non ha più il diritto di lavorare. Sommersa dai debiti, decide di far
sposare sua figlia con un ricco medico,
Raoul. Intanto la famiglia di Nour e il
suo promesso Khaled impediscono alla
ragazza di frequentare Myriam.
Le due amiche vivono un momento di
crisi. Dopo essere stata sottoposta al brutale rituale della depilazione integrale per
arrivare “pulita” alla prima notte di nozze, Myriam è costretta a sposare Raoul
dalla madre, desiderosa di garantirle un
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futuro dignitoso. Nel frattempo, Nour vive
con sofferenza il suo rapporto con Khaled che diventa collaborazionista. Gli
ebrei vengono sottoposti a dure vessazioni e, durante un’irruzione in un hammam,
Nour salva Myriam facendo credere che
sia musulmana. Poco dopo, la ragazza ha
un duro scontro con Khaled. Il ragazzo la
tiene in scacco perché non è più vergine:
potrebbe rivelare quell’onta alla sua famiglie se lei lo lasciasse. Nour è costretta
a rinunciare all’amicizia di Myriam. Le
due giovani hanno un diverbio, durante
il quale ognuna difende la propria religione; Nour soffre per le restrizioni alla
sua libertà: non è libera di uscire, di non
portare il velo, di andare a scuola. Per
Film
capire meglio i precetti della sua religione, inizia a leggere il Corano. Poco tempo dopo, Nour si sposa. Durante la prima notte di nozze, discute con Khaled sulla sua amicizia con Myriam e sulla loro
religione. Il mattino dopo, Khaled macchia un lenzuolo di sangue e lo mostra ai
parenti come prova della sua deflorazione. Nour si sente libera.
Poco dopo, durante un bombardamento, Nour scappa in un rifugio sotterraneo
pieno di ebrei dove riabbraccia l’amica
Myriam.
e conseguenze della guerra. Tragedia universale e dramma individuale. La storia ‘grande’ e la storia ‘piccola’, la storia ‘fuori’ e la storia ‘dentro’. La Tunisia degli anni Quaranta e l’invasione tedesca. La storia ‘fuori’: la propaganda antiebraica e le promesse di indipendenza, l’interdizione dalle professioni,
i bombardamenti, i rastrellamenti, le depredazioni, le deportazioni. La storia ‘dentro’: due amiche e le loro case, i loro cortili, i loro terrazzi, i loro incontri e le loro confidenze nell’intimità di un hammam. E poi
il corpo femminile, coccolato dalle cure
degli hammam, torturato dai rituali cui viene sottoposta una promessa sposa. È il
corpo femminile il vero centro del film.
L’esposizione delle nudità femminili è offerta con eleganza allo spettatore, la regista sembra davvero accarezzare con la
macchina da presa le curve dei corpi con
grazia e levità. Anche quando la dolcezza
lascia il posto alla durezza nella scena del
rituale della depilazione integrale della giovane ebrea in vista della prima notte di
nozze. Il corpo diviene oggetto, oggetto da
preparare in funzione dell’appagamento
del desiderio maschile. La scena della
depilazione, posta non a caso al centro del
film, è così un vero rito di passaggio, rito
‘liminare’ attraverso cui si giunge alla scoperta del sesso ma non del piacere. Due
donne, due corpi, due modi di vivere l’amore e il sesso.
La regista franco-tunisina Karin Albou
(che qui si ritaglia il ruolo della madre di
Myriam) ha già dimostrato di avere a cuore certe tematiche, affrontando nella sua
opera prima del 2005 (La petite Jérusalem) il rapporto tra individuo e fede religiosa. Su questo delicato rapporto ruota la
storia di un’amicizia speciale sullo sfondo
di un’epoca e di una terra poco mostrata
sul grande schermo, la Tunisia dell’occupazione nazista nell’inverno tra il 1942 e il
1943, dilaniata dalla crescente acredine tra
musulmani nativi e ebrei. I tunisini musul-
L
mani e la comunità ebraica, fino ad allora
pacificamente conviventi, vissero una difficile coabitazione sotto la Francia collaborazionista dopo l’invasione nazista del
Nordafrica. E la popolazione locale si fece
contagiare dallo spirito antisemita.
Un film seduttivo con atmosfere che a
tratti ricordano quelle della suadente commedia Caramel, firmata anch’essa da una
mano femminile, quella della regista libanese Nadine Labaki. Due ginecei a confronto: lì il salone di bellezza in cui le donne si confidavano a colpi di messe in piega e cerette al caramello, qui l’hammam
in cui le due amiche scoprono i loro corpi
come fonti di piacere e dolore, due corpi
destinati ad accettare supinamente le manipolazioni e le sofferenze necessarie all’altrui volere. Comune ai due film è anche
il gioco spazio interno – spazio esterno,
l’uno intimo e complice, l’altro fatto di soprusi autoritari. Oggi, come allora, le donne sono ancora e spesso tradite, usate,
prigioniere (di religioni, norme sociali o
razziali).
Un’opera intimista e fascinosa, come i
visi e corpi delle due giovani attrici protagoniste, Lizzie Brocheré (l’ebrea Myriam)
e Olympe Borval (la musulmana Nour),
dall’andamento lento e sinuoso come un
dolente pas-de-deux eseguito da due danzatrici: gesti cadenzati, sguardi dolenti, silenzi densi di emozioni. Tragedia universale e dramma individuale sono pervasi
da un sottile erotismo arricchito da una
bellissima fotografia che gioca con maestria con luci e ombre. In mezzo a tanto
dolore, il dolore della storia con la ‘s’ maiu-
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scola e il dolore intimo e sofferto che s’insinua fra obblighi e imposizioni morali e
fisiche (la scena della depilazione è filmata con impressionante e fin troppo crudele
verismo), resta l’amicizia vera e il comune
dolore della condizione di donna.
È proprio qui il valore aggiunto del film,
nel suo declinarsi al duale. Si, quella declinazione usata dagli antichi greci quando il discorso era ‘a due’. Un duale oggi
sconosciuto, laddove la nostra cultura conosce solo il singolare e il plurale, il privato (e la sua, spesso dolorosa, solitudine)
e il pubblico (e il suo inconsistente e grigio
anonimato). È fra i meandri più nascosti di
un’amicizia speciale che la regista ha il
merito di farci entrare: dell’amicizia vera
che conosce unicamente il duale, dell’amicizia che consente di svelare la nostra intima verità. Quell’amicizia che corrisponde alle sfaccettature della nostra anima:
solo a lei possiamo svelare il nostro segreto e seguire il ritmo dell’anima, solo lei
ha il dono di favorire e propiziare la vera
scoperta di ognuno di noi.
Gli sguardi, le parole sussurrate, le
movenze lievi delle due amiche del film
sembrano far proprie le parole usate da
Platone nell’ “Alcibiade”: “Se uno, con la
parte migliore del suo occhio, che noi chiamiamo pupilla, guarda la parte migliore
dell’occhio dell’altro, vede se stesso”.
Al di là delle guerre, al di là delle viltà,
al di là dei divieti e delle oppressioni: di
sesso, razza, cultura, religione. Ieri come
oggi. Bella lezione.
Elena Bartoni
Film
NOTTE FOLLE A MANHATTAN
(Date Night)
Stati Uniti, 2010
Arredatore: Jay Hart
Trucco: Steve Artmont, Rick Sharp
Acconciature: Guy Bayo, John Isaacs, Miia Kovero
Supervisore effetti speciali: Barry McQueary
Coordinatori effetti speciali: J.C. Brotherhood, R. Bruce
Steinheimer
Coordinatori effetti visivi: Alden Anderson, Sharon Stetzel
Supervisore costumi: John Casey
Interpreti: Steve Carell (Phil Foster), Tina Fey (Claire Foster),
Mark Wahlberg (Holbrooke), Taraji P. Henson (Detective Arroyo), Jimmi Simpson (Armstrong), Common (Collins), William Fichtner (Frank Crenshaw), Leighton Meester (Katy),
Kristen Wiig (Haley Sullivan), Mark Ruffalo (Brad Sullivan),
James Franco (Taste), Mila Kunis (Whippit), Bill Burr (Detective Walsh), Jonathan Morgan Heit (Oliver Foster), Savannah
Paige Rae (Charlotte Foster), Nick Kroll (Maitre D’), Olivia Munn
(Hostess), Gal Gadot (Natanya), Lauren Weedman (Wendy),
Darren Le Gallo(Teaneck Waiter), Jaye Razor (portiere), Jon
Berthal (ragazzo), Will i Am (Se stesso), Sho Brown (teppista), Jahnel Curfman, Stella Angelova (ballerine esotiche), Joe
Starr, Gillian Vigman, Chayim Frenkel
Durata: 88’
Metri: 2420
Regia: Shawn Levy
Produzione: Shawn Levy, Tom McNulty per Twentieth Century
Fox Film Corporation/ 21 Laps Entertainment/ Media Magik
Entertainment
Distribuzione: 20th Century Fox
Soggetto e sceneggiatura: Josh Klausner
Direttore della fotografia: Dean Semler
Montaggio: Dean Zimmerman
Musiche: Christophe Beck
Scenografia: David Gropman
Costumi: Marlene Stewart
Produttori esecutivi: Joseph M. Caracciolo Jr., Josh McLaglen
Produttore associato: Billy Rosenberg
Direttori di produzione: Joseph M. Caracciolo Jr., Dana
Robin
Casting: Donna Isaacson
Aiuti regista: Josh McLaglen, Michael Musteric
Operatori: Kris Krosskove, Thomas Lappin, Richard Merryman,
Andrew Rowlands
Operatore Steadicam: Andrew Rowlands
Art director: Dan Webster
hil e Claire Foster sono una coppia del New Jersey, sposata da
anni e con due figli molto esuberanti. Le loro giornate trascorrono tra lavoro, figli e impegni familiari. Unici svaghi, incontrarsi periodicamente con gli
amici per discutere di libri e un appuntamento settimanale che dedicano a se stessi, mangiando sempre al medesimo ristorante. Un giorno, vengono a sapere che una
coppia di amici si sta separando, perché
ormai è finita la passione. Phil, toccato
dalla notizia, per dare una svolta al loro
rapporto, affidati i bambini alla baby-sitter, propone a Claire una serata a Manhattan, nel locale più alla moda della zona.
Non avendo trovato tavoli liberi, si
fingono i coniugi Tripplehorn, che, pur
avendo prenotato, non si sono presentati.
Scelta sbagliata perché i veri Tripplehorn
sono invero una coppia di ladri, braccati
da due poliziotti corrotti in combutta con
un boss della malavita. La coppia, nel corso della notte, si rivolge a un ex cliente
dell’agenzia immobiliare di Claire, Holbooke, playboy da strapazzo, che li aiuta
a rintracciare i Tripplehorn, rispettivamente spacciatore e spogliarellista. Intanto, la polizia sta indagando sul caso. Venuti in possesso della famosa chiavetta per
cui sono ricercati, che contiene foto compromettenti di un noto procuratore, Phil e
Claire rintracciano il boss malavitoso Joe
Miletto nel suo locale a luci rosse. Qui tro-
P
vano anche il procuratore, ricattato dal
boss con le foto, in cambio di svariate proprietà. Quando sembrano ormai spacciati, minacciati con le armi in cambio delle
prove, arriva la polizia a salvarli. Trascorsa una notte all’insegna della follia,
finalmente la coppia può farsi una romantica colazione in un self service e tornare
a casa ancora più innamorata e affiatata
di prima.
iretta da Shawn Levy, regista
esperto nel genere “notte ai musei” e prodotti per famiglie, Notte
folle a Manhattan è una commedia degli
equivoci sul classico tema dello scambio
d’identità. Condita con un po’ di azione,
la pellicola, pur non vantando alcuna pretesa, è riuscita negli States a raggiungere i vertici del box office. Partendo dai
valori della famiglia e dallo stress quotidiano di mantenere vivo un legame affettivo, sovrastati dalle esigenze dei figli, il
film ripropone la classica parabola americana. Il viaggio, tutto interno a New York,
rappresenta il percorso simbolico di un
marito e di una moglie che si riscoprono
al di là della banalità. Tutto è come da copione: la metropoli incarna l’incubo notturno, senza apparente via d’uscita, ci
sono i boss malavitosi e i poliziotti corrotti e, alla fine, arrivano i nostri a fare giustizia. Si tratta di un processo piuttosto
familiare in tutte quelle società in cui le
D
56
metropoli diventano nucleo pulsante, attraverso una vita notturna speculare a
quella di giorno, in cui le cose più normali
diventano impossibili.
Prendendo spunto da Tutto in una notte, il regista costruisce la pellicola intorno
alle due icone brillanti della televisione
americana, Tina Fey e Steve Carell; tuttavia, realizza un prodotto dalla trama già
vista e capace, in realtà, di suscitare pochissime risate, soddisfacendo, probabilmente, solo gli spettatori meno esigenti.
Senza contare che si avverte una traccia
di sottile moralismo: l’avventura non spinge i protagonisti a evolvere e cambiare, ma
solo ad accettare serenamente la loro esistenza inquadrata e “per bene”, riportandoli sui binari rassicuranti di una vita ordinaria, che gli fa ritrovare giusto qualche
stimolo ormai sopito e forse un po’ di “pepe”
in più.
Comicità e azione sono infatti un connubio delicato e il risultato non premia le
attese, probabilmente anche a causa della traduzione e del doppiaggio italiano, che
fa fatica a decollare. Azzardata inoltre risulta la scelta di girare il film in digitale con
una fotografia sgranata, che non si addice
a un prodotto progettato per famiglie. Il film
alterna action a una comicità ridondante,
fatta di gag e situazioni grottesche, che rivoltano le figure tipiche dei racconti americani e giocano con umorismo sui modi
della messa in scena. Nel plot, una serie
Film
di camei illustri, tra cui Mark Ruffalo e Ray
Liotta, fanno colore, improvvisando siparietti per lo più divertenti. Certamente riuscito è quello affidato a Mark Wahlberg, il
quale, perennemente a torso nudo nella
parte di Holbrooke, vecchio cliente dell’agenzia immobiliare di Claire, finisce per
strappare qualche sorriso, seppure a den-
ti stretti, per alcune delle situazioni più divertenti della pellicola.
Veronica Barteri
OLTRE LE REGOLE-THE MESSENGER
(The Messenger)
Stati Uniti, 2009
Arredatore: Cristina Casanas
Effetti speciali trucco: Joseph Farulla
Trucco: Sharon Burke
Acconciature: Colleen Callaghan, Fabian Garcia
Supervisori effetti visivi: John Bair
Supervisore musiche: Tracy McKnight
Interpreti: Ben Foster (sergente Will Montgomery), Woody
Harrelson (capitano Tony Stone), Jena Malone (Kelly), Eamonn Walker (colonnello Stuart Dorsett), Yaya DaCosta (Monica Washington), Portia (signorina Burrell), Lisa Joyce (Emily), Steve Buscemi (Dale Martin), Peter Francis James (dr.
Grosso), Samantha Morton (olivia Pitterson), Paul Diomede
(poliziotto in moto), Jahmir Duran-Abreau (Matt Pitterson),
Gaius Charles (Brown), Brendan Sexton III (Olson), Brian
Adam DeJesus, T.J. Allen (adolescenti), Halley Feiffer (Marla Cohen), Peter Friedman (sig. Cohen), Jeremy Strong (soldato di ritorno), Fiona Dourif (moglie del soldato), Lindsay
Michelle Nader (Claire), Merritt Wever (Lara), Carl Anthony
Payne II (padre di Pitterson), J. Salome Martinez (capitano
Garcia), Angel Caban (sig. Vasquez), Kevin Hagan (sig. Flanigan), Marceline Hugot (sig.ra Flanigan), Michael Chernus
(Alan), Stevie Ray Dallimore (padre di Kelly), Francis A.
Adams
Durata: 105’
Metri: 2900
Regia: Oren Moverman
Produzione: Benjamin Goldhirsh, Mark Gordon, Lawrence Inglee, Zach Miller per Oscilloscope Laboratories/ Omnilab
Media/Sherazade Film Development/ BZ Entertainment/ The
Mark Gordon Company/ Good Worldwide/ All the Kings Horses/ Reason Pictures
Distribuzione: Lucky Red
Soggetto e sceneggiatura: Alessandro Camon, Oren Moverman
Direttore della fotografia: Bobby Bukowski
Montaggio: Alexander Hall (II)
Musiche: Nathan Larson
Scenografia: Stephen Beatrice
Costumi: Catherine George
Produttori esecutivi: Steffen Aumueller, Nathaniel Bolotin,
Claus Clausen, Christopher Mapp, Shaun Redick, Glenn M.
Stewart, Matthew Street, David Whealy, Bryan Zuriff
Co-produttore: Gwen Bialic
Direttore di produzione: Carrie Fix
Casting: Ali Farrell, Laura Rosenthal
Aiuti regista: Scott Larkin, Curtis Smith
Operatori: Ron Egozi, Guillaume Renberg, Michael Simmonds
Operatore Steadicam: Sergei Franklin
Art director: Scott Anderson
l sergente William Montgomery
è sopravvissuto alla guerra in
Iraq ed è stato rimpatriato prima del tempo previsto per aver riportato
una ferita vicino all’occhio. Costretto per
qualche giorno in un letto d’ospedale, si
rende conto che nulla è più come prima,
neanche il suo rapporto con la ragazza,
interrotto bruscamente dalle sue numerose reticenze. A pochi mesi dal congedo, viene affiancato al capitano Tony Stone, un
veterano all’apparenza molto freddo e cinico e assegnato al Casualty Notification
Officer. Si tratta del servizio di notifica dei
decessi dei soldati: gli ufficiali devono recarsi presso le famiglie tempestivamente
per fare in modo che ricevano la comunicazione del decesso di un congiunto in
guerra prima che questo divenga di pubblico dominio. Nonostante un rigido codice da rispettare, che richiede un’assoluta
mancanza di coinvolgimento personale e
umano, Will e Tony cercano di fronteggiare le diverse reazioni dei parenti delle vittime. I due iniziano la loro attività trovandosi dinanzi agli atteggiamenti più diver-
I
si: c’è chi esplode in crisi di pianto e chi li
aggredisce accusandoli di vigliaccheria.
Stone, all’apparenza impassibile e solido
come una pietra, ormai abituato a svolgere questa difficile incombenza, cerca di
trasmettere al suo nuovo partner delle
regole da rispettare. Si tratta di rigidi confini da non oltrepassare, che cercano di
codificare dolore e lutto, come in un manuale militare e vietano una partecipazione emotiva e un benché minimo contatto
fisico con le “vittime” della comunicazione. Tra i due si forma uno strano legame,
fatto di comprensione reciproca, ma anche
di rifiuto, che viene messo in discussione
solo quando Will capisce di essere attratto
da una neo-vedova. Un giorno, infatti, i due
militari bussano alla porta di Olivia Pitterson, per informarla della morte del marito. Will rimane molto colpito dalla donna e dalla sua reazione di fronte alla terribile notizia. Incuriosito, l’uomo inizia a
farle sentire la sua presenza, standole il
più vicino possibile. Tuttavia, la donna,
nonostante non fosse più legata al marito
da tempo, si confessa ancora non pronta
57
per una relazione. I due colleghi, dopo l’ennesimo litigio, si ritrovano vicini a confidarsi di fronte a una birra. Will, scampato
alla morte in battaglia si sente colpevole,
per essere sopravvissuto, nei confronti delle
persone cui deve annunciare le notizie. Stone, invece, vittima di un passato da alcolista, si porta dentro la desolazione e la sofferenza che non ha mai potuto esternare
nel suo lavoro.
ebutto alla regia per Oren Moverman, lo sceneggiatore del noto
film su Bob Dylan I’m Not There,
Oltre le regole, che in originale s’intitola
semplicemente The Messenger, è stato
presentato in anteprima al Sundance Film
Festival e successivamente in concorso al
Festival di Berlino, dove ha vinto l’Orso
d’Argento per la miglior sceneggiatura. Il film
racconta la guerra, ma in maniera inedita,
dal punto di vista dei sopravvissuti, focalizzando l’attenzione su due militari dell’esercito. Così, da un lato, ci sono le famiglie delle vittime, che, nonostante sappiano i loro
cari sul fronte, non riescono ad accettarne
D
Film
la scomparsa. Un padre, un figlio, un marito,
un fratello non torneranno più e il dolore della notizia diventa rabbia, impotenza e disperazione. Dall’altro lato, ci sono i “messaggeri”, coloro che notificano le scomparse. Ma
questi sono loro stessi vittime e reduci di
guerra e ne portano ancora incise le ferite e
il dolore. Così la guerra, anche se lontana,
viene raccontata come unica fonte di dolore
per chi muore e per chi sopravvive. Il regista
mette dunque al vaglio quella matassa di
sentimenti contrastanti: c’è la paura di non
farcela a sopravvivere, la solitudine e il senso di colpa, ma anche, di contro, la voglia e il
desiderio di ricominciare. Come in un purgatorio, a metà strada tra inferno e paradiso, il sergente Will Montgomery si trova so-
speso tra una vita normale e il dramma a cui
è sopravvissuto. Il suo ufficiale capo, Tony e
Olivia, la donna di cui si innamora, l’unica
tra l’altro che capisce il loro dramma di messaggeri di sventura, sono le persone che lo
aiuteranno a uscire allo scoperto e a fare i
conti con se stesso. Il regolamento prevede
di “non toccare mai il PP (parente prossimo)
in nessun modo”. Qualsiasi cosa succeda,
chi deve notificare la scomparsa di un militare vittima sul campo deve resistere alla tentazione di offrire la propria vicinanza, attraverso una banale stretta di mano, o un semplice abbraccio. Qui non c’è modo di ripararsi dal nemico come in guerra, non si può far
altro che guardare in faccia il dolore e subirlo. Will e Tony sono simili e, al contempo, di-
stanti. Mentre il primo si porta dentro le ferite aperte della campagna irachena, l’altro si
trincera dietro un cinismo irrigidito dalle regole da rispettare sempre e comunque. Tuttavia Will ha forse guadagnato dall’esperienza tragica una ricerca di umanità nel contatto con il prossimo, che l’altro sembra invece
aver sepolto nel profondo di se stesso. Nonostante il film sia un succedersi di situazioni amare e toccanti, la scena finale contiene
una chiara nota di speranza. La coppia degli
“angeli della morte” è interpretata in maniera efficace e intensa da Ben Foster e Woody
Harrelson, tra l’altro candidato all’Oscar
come miglior attore non protagonista.
Veronica Barteri
IL PICCOLO NICOLAS E I SUOI GENITORI
(Le petit Nicolas)
Francia, 2009
Operatori Steadicam: Alessandro Branbilla, Nicolas Dollander, Jan Rubens
Supervisore effetti speciali: Julien Poncet de la Grave
Supervisore effetti visivi: Benoit Philippon
Supervisori musiche: Jean-Pierre Arquie, Marie Sabbah
Canzone estratta: «On est pas à une bêtise près» di Renan
Luce
Interpreti: Maxime Godart (Nicolas), Valérie Lemercier (madre di Nicolas), Kad Merad (padre di Nicolas), Sandrine Kiberlain (maestra), François-Xavier Demaison (Le Bouillon),
Michel Duchaussoy (direttore), Daniel Prévost (sig. Moucheboume), Michel Galabru (ministro), Anémone (sig.na Navarrin), François Damiens (Blédurt), Louise Bourgoin (fioraia),
Vincent Claude (Alceste), Charles Vaillant (Geoffroy), Victor
Carles (Clotaire), Benjamin Averty (Eudes), Germain Petit
Damico (Rufus), Damien Ferdel (Agnan), Virgile Tirard (Joachim)
Durata: 90’
Metri: 2470
Regia: Laurent Tirard
Produzione: Fidélité Productions/Wild Bunch/M6 Films/Mandarin Films/Scope Pictures e la partecipazione di Orange Cinéma Séries/M6/Région Wallne
Distribuzione: BIM
Soggetto: tratto dal romanzo Il piccolo Nicolas di René Goscinny e Jean-Jacques Sempé
Sceneggiatura: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron, Anne
Goscinny, Grégoire Vigneron, Alain Chabat
Direttore della fotografia: Denis Rouden
Montaggio: Valérie Deseine
Musiche: Klaus Badelt
Scenografia: Françoise Dupertuis
Costumi: Pierre-Jean Larroque
Co-produttore: Genevieve Lemal
Aiuti regista: Alan Corno, Nicolas Smlynarczyk, Alexandre Tisseyre
Operatore: Gilbert Lecluyse
icolas è un bambino di otto anni
dalla vita serena. A scuola, non
sa che scrivere sul tema relativo
a cosa farà da grande, perché la sua vita è
così bella che non vuole assolutamente che
cambi. Ha due genitori che gli vogliono
bene e un gruppo di compagni di scuola
con cui si diverte. C’è il ricchissimo Geoffroy, il perenne affamato Alceste, il peggiore della classe Clotaire, l’occhialuto
primo della classe Agnan, il litigioso Eudes, l’aspirante poliziotto in erba Rufus, il
buffo Joaquim. Un giorno, Joaquim arriva a scuola sconvolto: la sua vita è diventata di colpo infelice, perché ha avuto un
fratellino e i suoi genitori non sono più gli
stessi. Col passare dei giorni, Nicolas inizia a nutrire dei sospetti. Il padre gli porta
una bella trottola dono del suo capoufficio, è estremamente gentile con la mamma, va a buttare la spazzatura senza bron-
N
tolare, è affettuoso, la aiuta in cucina.
Questi semplici gesti quotidiani fanno maturare nella testa di Nicolas la convinzione che i genitori stiano aspettando un fratellino. Il bambino precipita nella disperazione arrivando a credere che i genitori
lo abbandoneranno nel bosco come nella
favola di Pollicino. Nicolas cerca così di
assecondare la mamma in tutto e per tutto
e non fa resistenza quando si tratta di andare con lei a prendere il tè dalle amiche,
anche se il prezzo da pagare è passare il
pomeriggio ostaggio della piccola e prepotente Marie Edwige. A scuola, i suoi
amici costituiscono la banda degli “Invincibili” per aiutarlo a sbarazzarsi del piccolo nascituro. Intanto i genitori di Nicolas pensano di invitare a cena il capo del
papà, il signor Moucheboume, per cercare di ottenere un aumento. Ma la sera della cena, la mamma in preda all’ansia, com58
mette una serie di gaffes con i coniugi
Moucheboume, compromettendo irrimediabilmente la serata. L’ultima impresa in
cui si impegnano Nicolas e i suoi amici è
rimediare del denaro per assoldare un
esperto in grado di sbarazzarsi del pesante ‘fardello’. L’idea di inventare una pozione magica che rende invincibili si rivela vincente: i ragazzini ottengono un tale
successo da rimediare in breve tempo
un’ingente somma. Ma, dopo aver visto
l’amico Joaquim felice con il suo fratellino piccolo, cambia idea alla prospettiva
di avere un fratello e non mette in atto il
piano che aveva in mente. A casa dichiara
apertamente ai genitori di essere felice per
la nascita del fratellino. Il papà e la mamma restano sconcertati dal momento che
non c’è nessun piccolo in arrivo. Il bambino si arrabbia, accusando i genitori di non
volerlo rendere felice. Ma, dopo un po’ di
Film
tempo, un giorno per Nicolas arriva la
bella notizia. Dopo la nascita della sorellina, la vita di Nicolas è diventata migliore di prima. Parenti e amici in visita alla
piccola sono molto divertiti dalle esternazioni di Nicolas nei confronti della sorellina. Ora sa cosa scrivere sul tema cosa farà
da grande: vuole far ridere la gente.
etite peste (intendiamoci un bambino, non una vettura di una nota
casa automobilistica francese)
torna a far danni. Un discolo combina guai
insieme a un simpatico gruppo di amichetti.
Si, proprio un discolo, e il sostantivo un po’
desueto nel vocabolario di oggi ci sembra il
più appropriato per parlare di Nicolas. Il piccolo Nicolas sembra una specie di Gianburrasca anni Cinquanta ‘made in France’ (il celebre eroe italiano inventato da Vamba, alias
Luigi Bertelli, risaliva ai primi del Novecento) ma in una versione più “signorile”: indossa calzoni corti, camicia, gilet, cravattino e
ha i capelli sempre in ordine.
Il personaggio di Nicolas è nato nel 1959
dalla penna del narratore René Goscinny (il
geniale creatore di “Astérix & Obelix”) e del
disegnatore Jean-Jacques Sempé. Il primo
dei racconti umoristici illustrati venne pubblicato sulla rivista “Soud Ouest Dimanche”, in
seguito le avventure fanno la loro comparsa
nel celebre periodico di fumetti “Pilote” e il
successo diventa clamoroso.
Al di là degli ovvi richiami a classici del
cinema d’oltralpe sul modo dei ragazzi
come I quattrocento colpi di Truffaut, o a
Zero in condotta di Vigo, le avventure di
Nicolas nella Francia di fine anni Cinquanta
ricordano quelle narrate da Louis Pergaud
P
in “La guerra dei bottoni”, pietra miliare
della letteratura per ragazzi, la cui versione cinematografica più celebre resta quella
del 1961 per la regia di Yves Robert.
Trasferendo sullo schermo i disegni anni
Sessanta di Sempé e Goscinny, si è fatta
una scelta stilistica particolare, a metà strada tra l’universo stralunato e colorato del cinema di Wes Anderson e il favoloso mondo
di Amélie. Il debito con l’universo di JeanPierre Jeunet (cromatismi squillanti, voce
fuori campo, deformazione scenica) è evidente in alcune sequenze come quella della
fioraia che cade tra i cactus mentre i bambini le rubano un mazzo di fiori, o la cena con
il capo di papà che si risolve in una serie di
gaffes imbarazzanti della mamma, o ancora
di più in quel pomeriggio di giochi particolari
in cui è coinvolto il piccolo Nicolas nella stanza della viziata amichetta Marie Edwige.
A dare cuore ed emozione a queste
avventure, una serie di volti azzeccatissimi. Su tutti quella ‘faccia un po’ così’ di Kad
Mérad, eroe pasticcione dell’esilarante Giù
al nord, affiancato dalla bravissima Valérie
Lemercier, perfetta casalinga anni Cinquanta, e dalla diafana bellezza dai tratti
preraffaelliti di Sandrine Kiberlain (non
avremmo potuto immaginare volto migliore di lei per il ruolo della maestrina). Non è
da meno, nonostante la giovane età, il piccolo protagonista Maxime Godart.
C’è però una notevole differenza con lo
stucchevole e iperbolico universo da ‘fantasticheria’ di Amélie in cui era evidente lo
sconfinamento antirealistico. Nonostante la
Francia degli anni Cinquanta in cui si svolge
la vita del piccolo eroe sia effettivamente un
po’ idealizzata (era un mondo da fiaba che
non esisteva già all’epoca della sua creazione, come ha ricordato lo stesso regista),
Nicolas e suoi amichetti vivono pienamente
le loro giornate in microcosmi dalle dimensioni comunque ‘reali’ come la scuola, la strada, la casa e non ‘virtuali’ come i nostri bambini iper-informatizzati e super impegnati ma,
spesso, affettivamente poveri di oggi. Il nostro piccolo eroe non sa cosa scrivere sul
tema che ha per oggetto cosa farà da grande, perché la sua vita è così bella che non
vuole che cambi: sfidiamo qualcuno a trovare simili parole nel diario di un bambino di
oggi, ansioso di bruciare le tappe e di diventare grande sempre più presto. Tutto sembra perfetto nel mondo della piccola borghesia inventata da Goscinny e Sempé, portata
sullo schermo da Laurent Tirard, con l’ausilio di Grégoire Vigneron per la sceneggiatura e di Alain Chabat per i dialoghi, che ha
saputo scegliere, nella grande mole di materiale a disposizione, alcune situazioni narrative che racchiudono il meglio delle avventure del piccolo francese.
È così bello crogiolarsi nell’infanzia,
perché mai desiderare una vita più bella
di questa?
Nel ‘favoloso mondo’ di Nicolas le maestre sono bionde signorine acqua e sapone dal cuore d’oro, le visite dei ministri
nelle scuole hanno un sapore solenne e
autentico, i genitori invitano a cena il capo
di papà perché vogliono un aumento (si,
magari bastava un invito a cena), le madri
di famiglia vogliono ‘emanciparsi’ imparando a guidare, che mondo! Magari ne fosse
sopravvissuto almeno un pezzettino!
Elena Bartoni
LUOMO FIAMMIFERO
Italia, 2009
Regia: Marco Chiarini
Produzione: Marco Chiarini, Dimitri Bosi, Fabrizio Cico Diaz
per Cineforum Teramo
Distribuzione: Cineforum Teramo
Soggetto: Marco Chiarini, Giovanni de Feo
Sceneggiatura: Marco Chiarini, Giovanni de Feo, Pietro Albino Di Pasquale
Direttore della fotografia: Pierluigi Piredda
Montaggio: Lorenzo Loi, Marco Chiarini
Musiche: Enrico Melozzi
Costumi: Chiara Ferrantini
imone vive insieme a suo padre
nelle campagne abruzzesi. Ancora bambino, rimasto orfano della madre, Simone trascorre la sua ultima
estate prima dell’adolescenza, coltivando
S
Aiuti regista: Federica Borghi
Effetti visivi: Ermanno Di Nicola
Scenografie: Michele Modaferri
Interpreti: Francesco Pannofino (Il padre), Marco Leonzi (Simone), Greta Castagna (Lorenza), Davide Curioso (Rubino),
Tania Innamorati (La mamma), Matteo Lupi (Giulio Buio), Anastasia Di Giuseppe (Dina Lampa), Daniele De Fabiis (Armando Armadio), Giuseppe Mattu (Zio Disco), Franco Di Sante
(Mani Grandi), Daniele Irto (L’uomo fiammifero), Armando
Castagna (Ocram)
Durata: 81’
Metri: 2240
l’attesa dell’incontro con il misterioso
Uomo Fiammifero.
7 agosto 1982, mancano cinque giorni
al momento in cui, secondo i calcoli di Simone, l’Uomo Fiammifero tornerà da lui.
59
Nel frattempo, i pomeriggi estivi trascorrono tra giochi e passeggiate nei boschi,
rubati alla rigida sorveglianza del padre
che lo vorrebbe sempre accanto a sé.
Nelle fantasticherie di Simone, perso-
Film
ne e animali, luoghi e oggetti sono trasfigurati e avvolti da un alone di mistero fiabesco, dotati di prodigiose facoltà, immersi
in un orizzonte epico.
Fin da piccolo, Simone ha esplorato le
terre attorno alla fattoria, alla ricerca di
tracce e indizi dell’Uomo Fiammifero. Nel
pagliaio dietro casa, il bambino nasconde
la sua collezione di reperti, le prove che
l’Uomo Fiammifero esiste, gli elementi
grazie ai quali Simone è certo di poter prevedere le sue mosse.
Nel piccolo universo intorno alla fattoria, l’unico nemico è Rubino, il figlio
scemo e antipatico del padrone di tutti i
terreni del circondario. Al fianco di Simone, però, stanno schierati i suoi amici immaginari dai prodigiosi poteri: Armando
Armadio, gigante nano, incredibilmente
grosso e forte; Dina Lampadina, la sua fidanzata, bizzarra bambina che lampeggia
e sparisce quando si emoziona, andando a
finire “nei film noiosi di papà”; Giulio
Buio, amante dell’oscurità e impossibile a
catturare sulla pellicola fotografica;
Ocram, potente solitario nato vecchio e,
ormai ottantenne, prossimo a morire infante, che parla al contrario ed è capace di
cancellare con la matita e scrivere con la
gomma e di invertire il corso degli eventi.
Simone, però, ha anche degli amici reali. Tra i più amati Zio Disco e Mani Grandi.
Il primo è un vecchio che ha perso la voce
da bambino e che ora parla solo attraverso
le migliaia di dischi che conserva nell’archivio dove vive; il secondo, invece, è capace di
produrre il sale fine stritolando i grossi cristalli salini con le mani poderose e, con esse,
rese lucenti dai minuscoli frammenti di sale,
può far tornare ricordi lontani come se fossero fatti presenti. Se il primo aiuta Simone
nelle sue indagini sull’Uomo Fiammifero,
Mani Grandi permette al bambino di rivedere la mamma, di sentirne ancora la voce,
avere l’impressione che sia ancora con lui.
A due giorni dall’evento tanto atteso,
Simone incontra e conosce Lorenza, la
cugina di Rubino. I due fanno amicizia, al
punto che il bambino le rivela tutti i suoi
segreti, le fa conoscere i suoi amici, la presenta al padre con il quale proseguono senza sosta le liti e gli scontri.
Arriva la sera tanto attesa. Simone e
Lorenza aspettano nella volpaia che la silhouette dell’Uomo Fiammifero si stagli
contro il cielo al tramonto. Quando il momento sembra essere ormai giunto, il gallo
canta e al suo strillo si sovrappone l’urlo
disperato di Simone che crede il suo sogno
perso per sempre. Lorenza riparte per la
città senza che il bambino riesca a dirle il
suo amore. Tutto sembra irrimediabilmente sciupato. Simone guarda andare in fumo
tutti i suoi giocattoli, le raccolte di indizi, i
quaderni. Ma, nel silenzio della sera, si alza
a un tratto la voce del padre che lo chiama
a gran voce: è l’Uomo Fiammifero, è tornato a incendiare il cielo sulla collina.
ungometraggio d’esordio di Marco Chiarini, il film rappresenta
uno dei sempre più numerosi
“casi” di progetti indipendenti ideati e prodotti fuori dei luoghi e degli ambienti istituzionali nostrani. La prima scintilla scaturisce
dalla pittura. Poi viene la narrativa. Così a
finanziare i primi passi produttivi del progetto è la vendita del libro con la storia di Chiarini e De Feo e i disegni dello stesso regista,
che eredita dal padre la familiarità con la
matita e i pennelli. Il resto è l’ormai consueto
ma irripetibile percorso a ostacoli per arrivare dal film scritto al lungometraggio montato
e postprodotto, pronto per la sala. La sala però
per qualche tempo resta vietata. Soprattutto
perché in Italia più che altrove produzione e
distribuzione sono le due facce di una stessa
e unica, triste, medaglia. Poi la forza del lavoro di alcuni e il passaparola di molti concedono l’uscita ufficiale, i riconoscimenti in giro per
il mondo, l’onore delle cronache. La storia di
un caso che, se non invitasse la speranza,
farebbe cascare le braccia. Perché il film è
un buon esordio; perché per una volta si è
lavorato per il pubblico e per un pubblico
L
quasi del tutto abbandonato dalla produzione nostrana, quello in età scolare; perché
invece di tentare il colpo a effetto, la battutaccia, l’emotività da due soldi di molta paccottiglia pseudocinematografica e televisiva
“pensata per i più piccoli”, Chiarini prova a
scrivere una storia avvincente, a girare facendo le cose con cura, a narrare cercando
lo stupore degli spettatori, mai la soddisfazione dei loro stomaci. Un progetto che sceglie d lavorare ai margini, facendo della propria marginalità una forza distintiva ed efficiente. Seppure con più di qualche incertezza nell’inquadrare e nell’orchestrazione della messa in scena, Chiarini ottiene una buona coerenza visiva, arricchita dalla fotografia e dai giochi d’animazione dotati di grazia.
L’uomo fiammifero è il percorso di un
bambino che cresce, che si trova costretto
a passare la soglia che lo conduce verso
l’età adulta, verso quell’ottusa severità che
Simone non capisce, verso l’incapacità di
stupirsi, verso la fretta e l’indifferenza delle
persone che hanno troppi pensieri e troppe poche idee in testa. Simone accetta con
rammarico di bruciare i suoi giochi come
una dolorosa necessità, ma non smette di
sperare e di aspettare. E, alla fine, con la
sua vitale purezza, concede al padre di ritrovare lo stupore smarrito.
Silvio Grasselli
PIAZZA GIOCHI
Italia, 2010
Regia: Marco Costa
Produzione: Massimo Ferrero per Ellemme Group
Distribuzione: Ellemme Group S.P.A.
Soggetto e sceneggiatura: Marco Costa
Direttore della fotografia: Francesco Di Giacomo
Montaggio: Lorenzo Peluso
Musiche: Radiosa Romani
Scenografia: Stefano Pica
Costumi: Alessandro Bentivegna
Organizzatori generali: Giorgio Ferrero, Vanessa Ferrero
Casting: Dino Giarrusso
Aiuti regista: Dino Garrusso, Jacopo Gualtieri
Effetti: Marco Bordignon
Supervisore effetti visivi: Fabio Tomassetti
Supervisore musiche: Radiosa Romani
Trucco: Massimo Toppi
Acconciature: Alessandra Alessandroni
Interpreti: Luca Ward (Luciano Coscarello), Susanna Smit (Alba Coscarello), Cecilia Albertini (Cassandra Tirone), Laura Adriani (Aurora Coscarello), Andrea Montovoli (Nico), Lorenzo De Angelis (Romano Curcio), Nausica Benedettini (Leopoldina
Rubbio), Fabrizio Sabatucci (Mimi), Laura Glavan (Joyce Maccaferro), Alessandra
Valenti (Domizia), Dino Giarrusso (finanziere)
Durata: 100’
Metri: 2750
60
Film
Q
uando la madre, ostetrica hippy
e un po’ sui generis, entra in
coma, la sedicenne toscana Cassandra viene mandata a vivere a Roma da
Luciano, il padre che non ha mai conosciuto.
Cassandra si trova, così, sbalzata in un mondo nuovo per lei, quello dei giovani ricchi dei
quartieri bene di Roma Nord, tra ville, party,
sesso droga e hip pop. La ragazza viene accolta freddamente dalla moglie di Luciano,
ricca erede di una dinastia di costruttori per
la quale il marito è solo un palazzinaro arricchito e senza fortuna, mentre Aurora, l’altra
figlia di Luciano coetanea di Cassandra, la
porta subito a far conoscere agli amici della
comitiva di Piazza dei Giuochi Delfici. Inizialmente perplessa di fronte ai divertimenti dei
suoi nuovi amici, Cassandra inizia, piano piano, ad abituarsi all’ambiente, mentre l’atteggiamento di Aurora nei suoi confronti si fa sempre più invidioso, soprattutto a causa dell’interesse che la ragazza ha suscitato in Nico,
suo cugino e amante. Cassandra si risveglia
bruscamente dal sogno, quando, durante una
festa, Aurora sviene dopo aver assunto della
droga. La ragazza allora decide di rimettere
la testa apposto e di tenersi alla larga da questi eccessi, iniziando anche a frequentare Romano, il miglior amico di Nico. Nel frattempo,
Luciano viene arrestato per bancarotta; mentre la moglie e la figlia lo abbandonano, Cassandra decide di trasferirsi con lui in un residence, per stargli più vicino e per staccarsi
ancora di più da piazza Giochi. Il tempo passa, la madre di Cassandra esce dal coma, lei
trova un’amica in Joyce, la ragazza più alternativa della scuola, il legame con Romano finisce mentre si fa più forte l’interesse per Nico,
che non è così fatuo come vuole far sembrare,
Luciano riconquista la società grazie all’aiuto della moglie, finalmente convinta delle sue
capacità, Aurora capisce di aver nella sorel-
lastra non una nemica ma una sorella vera e
una confidente, mentre la comitiva si riunisce,
come sempre, a piazza Giochi.
quattro anni da Ma l’amore... sì,
pellicola simpatica che cercava di
crearsi una nicchia di successo
tra l’isterismo alla Muccino e la volgarità
della commedia vanziniana grazie a una
sceneggiatura intelligente, una buona storia e un bel cast, Marco Costa ci riprova in
solitario tentando la carta del film generazionale. Romano di Roma Nord, Costa dice
di voler raccontare quello che conosce
meglio, cioè la vita della meglio gioventù
romana, quella delle minicar, dei festoni
alcoolici, delle discoteche pomeridiane.
Rispetto al precedente lungometraggio
di Costa, Piazza Giochi segna una deludente inversione di marcia. La sceneggiatura è il trionfo dello stereotipo e del già
visto. Il tentativo di trapiantare il serial americano adolescenziale upper class come
The O.C., Mean Girls, 90210 a Ponte Milvio naufraga miseramente. Non basta inserire qualche battuta sghignazzante su
Federico Moccia per smarcarsi da quello
che è diventato il cantore ufficiale – ahinoi
– delle nuove generazioni innamorate.
Il film avrebbe dovuto chiamarsi inizialmente Avere 16 anni, mentre poi si è scelto
di dargli il nome di una delle piazze simbolo
della Roma bene. Un dettaglio, magari insignificante, che però sposta l’attenzione fin
dal titolo da quello che poteva essere (una
rappresentazione di ciò che significa avere
oggi 16 anni) e quello che è (una rappresentazione già vista e rivista di un certo tipo
di adolescenza ricca ma non ancora traviata, capace di salvarsi, se saprà ritornare a
una dimensione ludica più vera e autentica).
La protagonista Cassandra è una novella Cenerentola, che però si trova subito
a proprio agio nel mondo vacuo delle so-
A
rellastre, dove basta avere un bel faccino e
ancheggiare con disinvoltura, salvo poi ritornare sui propri passi dopo essersi lasciata coinvolgere troppo nella loro vita spericolata. A vederla così, Cassandra sembrerebbe essere un personaggio distillatore di
valori positivi, la sua presenza così sana
dovrebbe cambiare tutto quanto intorno a
lei. Invece resta tutto gattopardescamente
come è sempre stato. Sembra che tutto
cambi, mentre, in realtà, si perpetua la stessa vacua mancanza di valori. Luciano si
salva dal carcere, ma sempre ladro e truffatore è, anche se riconquista la moglie.
Nico è più sensibile di quello che sembra,
la sua è solo una maschera vuota, che però
non accenna minimamente a voler mettere
da parte, perché è una componente del suo
status sociale; anche quel “bonaccione” di
Romano come si riconquista l’amicizia dell’amico dopo aver litigato per l’amore di Cassandra? Accorrendo in suo aiuto facendogli da testimone falso, quando questi ha
provocato un incidente con il motorino. La
stessa Cassandra, tanto alternativa, tanto
fuori dagli schermi, in realtà, anche lei finisce contenta sugli scalini di piazza Giochi
e non ci pensa proprio a tornare sulle colline toscane a fare meditazione zen.
L’intera storia è solo il pretesto per mostrare gioventù allo sbando, ignoranti che
sanno e gioiscono di esserlo, educati al culto del divertimento e dello sballo e del sesso
facile, viziati figli di papà che credono di guadagnarsi un po’ di autonomia facendo i dj
nelle discoteche pomeridiane per preadolescenti ancora più smaliziati di loro, sempre
con una birra in mano dalla mattina alla sera
(ma l’alcool non è illegale a 16 anni?); ma, in
fondo, sembra dire Costa, sempre bravi ragazzi, pronti a prendersi a cuscinate in piazza e tenersi per mano. So’ ragazzi.
Chiara Cecchini
DRAGON TRAINER 3D
(How to train Your Dragon)
Stati Uniti, 2010
Regia: Dean DeBlois, Chris Sanders
Produzione: Bonnie Arnold per DreamWorks Animation/ Mad
Hatter Entertainment/ Mad Hatter Films/ Vertigo Entertainment
Distribuzione: Universal Pictures
Soggetto: tratto dal romanzo How to Train Your Dragon di Cressida Cowell
Sceneggiatura: Dean DeBlois, Adam F. Goldberg, Chris
Sanders, Peter Tolan
Montaggio: Maryann Brandon, Darren T. Holmes
Musiche: John Powell
Scenografia: Kathy Altieri
Produttori esecutivi: Kristine Belson, Tim Johnson
Co-produttori: Michael A. Connolly, Doug Davison, Karen
Foster, Roy Lee
Direttori di produzione: Jennifer Dahlman, Lori Korngiebel, Craig Rittenbaum
Art director: Pierre-Olivier Vincent
Supervisore effetti visivi: Craig Ring
Effetti:Craig Ring, Damon Crowe, Apryl Knobbe
Animazione personaggi:David Stodolny, Carlos M. Rosas
Animazione: Olivier Staphylas, Kevin Andrus, Mike Beaulieu,
Julien Bocabeille, Wee Brian, Laurent Caneiro, Katrina Conwright, Melanie Cordan, David Couchariere, Denis Couchon, Lou
Dellarosa, Bill Diaz, Adam Dotson, Cameron Fielding, Tomoyuki Harashima, Leif Jeffers, Morgan R. Kelly, Scott Lafleur, Eric Lees, Steven J. Meyer, Fredrik Nilsson, Irene Parkins,
Gabriele Pennacchioli, Rebecca Perez, Ron Pucherelli, George Schermer, Sean Sexon, Mike Stern, Dane Stogner, Adam
Strick, Alexis Wanneroy, Greg Whittaker, Scott Wright, Kathy
Zielinski
Durata: 98’
Metri: 2700
61
Film
«Q
uesta è Berk. É 12 giorni a
nord di disperazione e pochi gradi a sud di morire di
freddo, si trova esattamente sul meridiano
della miseria. Il mio villaggio, in una parola: solido, ed è qui da 7 generazioni, ma
ogni singola costruzione è nuova. Abbiamo la pesca, la caccia e un incantevole vista del tramonto, l’unico problema sono le
infestazioni: in molti posti hanno topi, zanzare, noi abbiamo i draghi!»
Berk è un antico villaggio vichingo,
assillato dal problema delle incursioni dei
draghi. Qui vive Hiccup, un adolescente
mingherlino, sensibile e intelligente, che
non riesce a far proprio quello che sembra essere l’unico interesse dei suoi coetanei e della gente di Berk: sconfiggere
definitivamente i draghi o ucciderne più
possibile. Hiccup è però figlio del capo del
villaggio, un corpulento guerriero vichingo che ha dedicato la propria esistenza alla
difesa di Berk dagli attacchi delle terribili
bestie e che non riesce ad accettare l’evidente inadeguatezza fisica e morale dell’unico suo figlio a continuare la sua opera. Per questo motivo, Hiccup tenta, per
quel che può, di gratificare il genitore (nonché attirare le attenzioni di Astrid, la ragazza dei suoi sogni), cercando di impegnarsi nella caccia ai draghi. Così, una
notte, durante l’ennesima incursione, il
ragazzino riesce fortuitamente a colpire
con una catapulta una Furia Buia, specie
di drago velocissima in volo, inafferrabile
ed estremamente pericolosa. Nessuno gli
crede, così Hiccup il giorno successivo si
mette alla ricerca della sua vittima. Quando la trova, nel bosco, scopre che la Furia
Buia è viva, e immobilizzata da alcune corde: è sul punto di finire l’animale, quando
mosso da pietà decide di liberarlo.
I giorni successivi, il ragazzo continua
a far visita alla bestia, che non si muove
dalla radura dove l’ha trovata e ne scopre
con grande sorpresa l’intelligenza e l’affettuosità; le mette nome Sdentato, per via
della capacità del drago di ritrarre i denti.
Poiché quando è stato colpito da Hiccup, Sdentato ha perso la metà di quella
che è una sorta di pinna caudale, fondamentale per farlo volare, Hiccup gliene
costruisce una posticcia, che azionata da
un ingegnoso meccanismo si apre e si chiude permettendogli di manovrare il volo di
Sdentato.
I giorni scorrono e, osservando Sdentato, Hiccup impara sempre di più su come
domare i draghi e farseli amici: tant’è vero
che al corso per sterminatori di draghi che
frequenta insieme ad altri cinque coetanei,
il ragazzo si rivela il migliore allievo, poi-
ché senza spada e scudo riesce a far fare
quel che vuole ai draghi usati per l’addestramento. Diventa, in breve, una celebrità nel villaggio, e l’orgoglio del padre, che,
ignorando i reali metodi di domatura di
Hiccap, si convince che il figlio sia finalmente un vero cacciatore di draghi.
Così Hiccup viene a furor di popolo
reso protagonista di uno spettacolo di combattimento contro i draghi nell’arena del
villaggio, che dovrebbe essere per lui una
sorta di esame finale del corso d’addestramento. Subito il ragazzo si disfa di tutte le
armi che ha in dotazione, e inizia a domare coi propri pacifici metodi il primo drago che viene a sfidarlo: sennonché il padre, spaventato nel vedere il figlio disarmato di fronte alla bestia, invita gli altri
guerrieri a intervenire in difesa del ragazzo. Il drago si spaventa e reagisce di conseguenza, creando non pochi malintesi tra
gli astanti; Sdentato, dalla radura dove
vive in attesa delle visite di Hiccup, sente
il trambusto nel villaggio, e in volo raggiunge l’arena, dove viene catturato nel
tentativo di difendere il padroncino, senza
che questi possa far nulla per difenderlo.
Il padre del ragazzo è molto deluso, ma
discutendo animatamente col figlio, viene
a sapere che durante uno dei suoi voli in
groppa a Sdentato, ha scoperto dove si trova il nido dei draghi che infestano il villaggio. Organizza subito una spedizione,
ignorando le preghiere del figlio che lo
implora di non sfidare il nido delle belve,
poiché, all’interno di esso, un drago ben
più grande e spaventoso attende che i suoi
simili più piccoli gli forniscano il cibo per
non essere mangiati a loro volta – ed ecco
spiegato il motivo delle razzie.
Cionondimeno, incatenato Sdentato su
una delle galène da guerra perché lo guidi, il padre di Hiccup parte con gli altri
guerrieri alla volta del nido, che altro non
è che un isola rocciosa non troppo lontana
da Berk. Giunti qui, aperto un varco nella
montagna cava che contiene il nido, i guerrieri vichinghi si trovano presto a doversi
scontrare con l’enorme drago, che, uscito
fuori, inizia a devastare tutto quel che incontra sul proprio cammino. Giungono in
soccorso dei guerrieri, Hiccup e i suoi compagni, che, cavalcando i draghi dell’arena, cercano di rendere difficile la vita all’enorme bestia. Il padre di Hiccup si rende conto del valore del figlio, e liberato
Sdentato lascia che il ragazzo tenti di neutralizzare l’enorme bestia con l’aiuto della Furia Buia ammaestrata.
La sfida va a buon fine, e la belva viene sconfitta. Hiccup non ne esce completamente illeso, ma da quel giorno i draghi
non rappresentano più un problema per il
62
villaggio di Berk, che, anzi, si lascia conquistare dalle loro affettuose doti di animali da compagnia e da lavoro.
’ultimo lavoro della Dreamworks
(che poi ultimo non è, dato che è
in arrivo l’ultimo capitolo della saga di Shrek), gode di un felicissimo equilibrio tra scrittura ed eccellenza tecnica.
Quest’ultima, ormai possiamo dirlo, non
stupisce più: la grafica tridimensionale ha
raggiunto livelli di rappresentazione finissimi, quest’anno lo abbiamo visto in Avatar di Cameron in particolare, e quello che
adesso può intervenire a fare la differenza
tra le ormai numerosissime pellicole che
si avvalgono dell’utilizzo della CGI e che
rappresentano un vero e proprio genere
cinematografico a parte – a nostro avviso
più definito di altri- è senz’altro la cura per
le sceneggiature e i contenuti. Passata ossia la smania di mostrare cosa sia in grado di fare la computer grafica, resta la possibilità di sfruttarne le infinite potenzialità
a fini artistici.
Dragon Trainer può permettersi di fare
sfoggio discreto della propria finezza formale, ed è per questo che essa merita la
nostra considerazione.
La rappresentazione realistica, degli
ambienti del villaggio vichingo e della natura circostante, è di qualità superba: d’altronde la Dreamworks si è distinta sin dagli esordi (Zeta la Formica, 1998) per una
cura maniacale nella resa degli ambienti
naturali, e la saga di Shrek è senz’altro
l’esempio che fa al caso nostro. In Dragon
Trainer, l’avanzamento tecnologico si vede
tutto, e ciò che in questa pellicola lascia
particolarmente a bocca aperta è la resa
della luce, in quasi ogni frangente: è lei ad
accompagnare il racconto, quella dei fuochi nel villaggio di notte, quella limpida e
frizzante della mattine nei boschi, quella
riflessa dalle acque del mare,o quella filtrata dalle nubi o dalla nebbia. Per non
parlare di quando s’insinua nelle case dei
personaggi, di notte, a raccontare i sorprendenti dettagli della fisicità dei protagonisti, o i particolari degli arredamenti.
Questa grandiosa confezione è inoltre
coronata dalla possibilità di fruire la pellicola con una proiezione 3d, che in un film
come Dragon Trainer proprio non guasta.
Su questo ambiente naturale sublimemente classico, s’impernia una trama altrettanto classica.
Se, ai loro inizi, i film in CGI vantavano
una considerevole portata innovativa anche a livello di scrittura, motivata da cause di interdipendenza tra possibilità tecnologiche e sceneggiature, stabilizzatesi
le prime, le seconde si sono riadagiate su
L
Film
canoni fiabeschi tradizionali; soggetti come
quelli di Toy Story o del primo e secondo
Shrek, si sono distinti distinti per aver risollevato dal baratro un genere, l’animazione, che andava spegnendosi negli sclerotici canoni produttivi disneyani grazie alle
originali tematiche trattate: ma assestatosi il prodotto “film realizzato con grafica 3d”,
nei suoi processi produttivi, e rassicuratosi quanto ad accoglienza di pubblico, da
qualche anno le produzioni Pixar, Dreamworks e Blu Sky Studios –solo per citare le principali- procedono per lo più sui
tranquilli e dritti binari del racconto classico. Ma esistono modi e modi di affrontare
la classicità e lo si può fare cadendo nei
tranelli del facile moralismo, o, come accade in Dragon Trainer, utilizzando le figure di eroi positivi tradizionali, per ribadire
concetti ovvi, ma in modi e tempi più che
opportuni.
Abbiamo qui la solita “storia delle storie”, lo scontro tra desiderio e legge, tra
personalità e società, dove il protagonista debole e inadeguato trae forza dalle
proprie motivazioni, guadagnando rispetto e migliorando la vita della comunità: ma
sarà, forse, per i tempi che viviamo, la storia di Hiccup e dell’incontro con Sdentato, pone opportunamente l’accento sulla
necessità del reciproco scambio tra esseri di specie e razze differenti (d’altronde, Dean DeBlois e Chris Sanders, registi di Lilo & Stitch, non sono nuovi nel creare accoppiate improbabili). Mentre umani
e draghi basano la propria esistenza sulla necessità di soggiogare il nemico, o di
sfruttarne le risorse a proprio favore, un
ragazzino trova il coraggio di tendere una
mano sul muso di un drago per scoprirne
la mansuetudine, la voglia di tenerezza,
l’intelligenza e la possibilità di coopera-
zione: tutto questo non ci è sembrato già
visto o già sentito, ma piuttosto qualcosa
che non è mai sbagliato ribadire, specialmente in pellicole tradizionalmente indirizzate al pubblico meno svezzato; inoltre, pienamente padrone delle più recenti
conquiste del cinema d’animazione, anche se in modo latente Dragon Trainer non
teme di proporre i concetti del male e della
morte come conseguenze del disaccordo e dello scontro, nonché del sacrificio
a beneficio della pace. Dunque, benché
lontani dall’ironia dissacratoria di un prodotto come Shrek (I e II, poiché per il terzo sarebbe da fare un discorso a parte),
la Dreamworks gode e lascia godere ai
massimi livelli questa fiaba vichinga di
sentimenti buoni e dolci, ma mai sdolcinati.
Sara Ceracchi
IL RICHIAMO DELLA FORESTA 3D
(Call of the Wild)
Stati Uniti, 2009
Aiuti regista: Stacy Fish, Barbara Lontkowski
Operatore: Katie Boyum
Operatore Steadicam: Katie Boyum
Art director: Caitlin Pashalek
Arredatore: Anne Devereux
Effetti speciali trucco: Megan Comiskey
Trucco: Leah Christiansen
Acconciature: Lauri Ann Fisher-Stoos
Interpreti: Christopher Lloyd (nonno Bill Hale), Ariel Gade
(Ryann Hale), Wes Studi (Hatcher), Aimee Teegarden (Tracy),
Timothy Bottoms (Heep ), Veronica Cartwright ( Sceriffo
Taylor), Christopher Dempsey (John Thornton), Joyce DeWitt
(Jolene), Devon Graye (Ozz Heep), Devon Iott (Marla), Kameron Knox (Jack), Russell Snyder (Hal), Jaleel White (Dr.
Spencer)
Durata: 90’
Metri: 2470
Regia: Richard Gabai
Produzione: Nancy Draper, Richard Gabai per Braeburn Entertainment/ Check Entertainment/ 21st Century 3D/ Call of
the Wild Productions
Distribuzione: Moviemax
Soggetto: liberamente ispirato al romanzo omonimo di Jack
London
Sceneggiatura: Leland Douglas
Direttore della fotografia: Scott Peck
Montaggio: Axel Hubert, Lawrence A. Maddox
Musiche: Deeji Mincey, Boris Zelkin
Scenografia: Mark Nordhagen
Costumi: Annalisa Adams
Produttore esecutivo: Richard Iott
Co-produttori: Stacy Fish, Larissa Michael
Casting: Billy DaMota
yann Hale, capricciosa bambina
bostoniana di nove anni, viene
affidata controvoglia al nonno
Bill, durante le vacanze in Europa dei genitori. L’anziano vive in una baita immersa nei boschi innevati del Montana. La vita
del luogo che scorre monotona annoia la
bambina, abituata a passatempi ben diversi, come cercare l’approvazione delle odiose compagne di scuola sempre vestite all’ultima moda, o annotare sul suo quaderno dei desideri le foto degli oggetti da possedere, tra cui cellulari e vestiti. Per cercare di distrarla, il nonno le inizia a leggere un libro d’avventura “Il richiamo del-
R
la foresta” di Jack London. Una sera, il
nonno trova fuori dalla sua baita un bellissimo esemplare di cane incrociato con
un lupo selvatico, un husky dagli occhi di
ghiaccio. L’animale sta male e, insieme a
Ryann, decidono di portarlo dal veterinario. Pochi giorni dopo, il cane si riprende
e la bambina decide di chiamarlo Buck
come l’eroe del libro che il nonno le sta
leggendo. Ma il signor Heep e suo figlio
Oz rivendicano il possesso del cane. In realtà, l’uomo ha fiutato la possibilità di
sfruttare la forza dell’husky per guidare la
sua muta di cani. Ryann è irremovibile,
vuole a tutti costi tenere l’animale con sé,
63
anche se il nonno tenta di farle capire
l’istinto selvaggio dell’animale con l’aiuto del romanzo che le sta leggendo.
Nella disputa, interviene lo sceriffo che
stabilisce che il vincitore dell’annuale gara
di slitte trainate da cani, la “Montana’s
Race to the Sky” si aggiudicherà Buck. Con
l’aiuto del giovane Jack, Ryann inizia gli
allenamenti: lega Buck a una muta di cani
e parte con loro su uno slittino. Ma il cane
corre troppo veloce e in un pendio la slitta
si ribalta. Jack toglie l’imbracatura a Buck
che scappa immediatamente. Si fa buio, il
nonno si preoccupa perché non li vede tornare, ma Buck capisce l’emergenza e cor-
Film
re da Hatcher, un indiano solitario che vive
in una baita in mezzo ai boschi e lo conduce da Ryann e Jack. L’uomo li libera e li
conduce nella sua baita, dove telefona allo
sceriffo. A casa, il nonno rimprovera la
nipotina e pensa che Buck sia diventato una
fonte di problemi. Ma quella notte, leggendo il tema della piccola sulla sua vacanza
e le belle parole su di lui, si commuove. È
il giorno della gara, dopo una combattuta
corsa, Jack, con la muta guidata da Buck,
ha la meglio su Oz. Ma il nonno dice a
Ryann che non può portare Buck con sé in
città. Lo sceriffo si dice costretto a portare
l’animale al canile perché non può lasciarlo libero. Sopraggiunge Hatcher che vuole con sé Buck per guidare la sua muta di
cani. A casa, Ryann finisce di leggere il
libro di Jack London. Dal romanzo la piccola ha ricavato una bella lezione: non si
può imprigionare nella vita di città un animale abituato a vivere in libertà. La vacanza è finita e, prima di tornare in città,
la bambina riceve in dono dal nonno una
bella cagnolina che chiama Cucciola.
n pretesto, un’ispirazione. Niente di più. Così questa versione cinematografica diretta da Richard
Gabai con la tecnica del 3D sta al romanzo Il richiamo della foresta di Jack London,
pubblicato per la prima volta nel 1903 e
U
pietra miliare nella storia della letteratura
d’avventura per ragazzi. Il libro vanta infatti già diverse trasposizioni per il grande
e per il piccolo schermo (le più celebri, una
libera rilettura del 1935 diretta da William
A. Wellman con Clark Gable e Loretta
Young e una, più fedele al libro di London,
diretta nel 1972 da Ken Annakin con Charlton Heston). La “scusa” di questa libera rivisitazione di un classico è la tecnologia
in tre dimensioni. Il tema del legame tra un
animale e la civiltà rappresentata dall’uomo, vero fulcro del romanzo, qui è solo lievemente accennato. Complice la tecnica
in 3D, si è naturalmente dato più spazio
alle scene d’azione che si concentrano in
una serie di corse di cani da slitta tra le
nevi del Montana.
Ma sono proprio gli inserti metanarrativi, con gli stralci del romanzo che viene
letto tutte le sere dal nonno alla nipotina
prima di addormentarsi, la cosa più interessante del film.
Veniamo agli interpreti: il volto più famoso in campo è quello del nonno Christopher Lloyd l’indimenticabile ‘scienziato
pazzo’ Doc della saga di Ritorno al futuro;
a fargli compagnia la piccola Ariel Gade,
classe 1997 e un curriculum di rispetto al
cinema e in serie tv; Veronica Cartwright,
una lunga carriera nelle serie televisive
americane, nei panni della saggia scerif-
fo-donna. Ma, la vera star del film è lui, il
bellissimo esemplare di cane husky siberiano Bubba, un attore a tempo pieno, addestrato fin da cucciolo. Come ogni attore
che si rispetti, il cane è andato in sala trucco dove il suo muso è stato fatto assomigliare maggiormente a un lupo e ha avuto
perfino una controfigura, Merlin, un vero
cane da slitta del Montana.
Tornando alla scelta del 3D, ci sembra
una decisione puramente commerciale
che non sembra giovare molto al film. I
paesaggi innevati del Montana infatti, già
splendidi di per sé, non hanno certo bisogno della tecnologia 3D per essere valorizzati.
Fin qui è ciò che arriva gli occhi di un
adulto.
Ma se dell’opera cui ci si ispira nel titolo, si prendono i messaggi positivi per offrirli come eternamente validi anche ai ragazzi di oggi (mai togliere dal proprio habitat naturale una creatura selvaggia; per
questo è importante l’attaccamento di ogni
forma di vita al proprio ambiente), ben venga allora che il film sia ‘abbigliato’ del suo
corredo in 3D all’ultima moda, per attirare
le platee dei giovanissimi affascinati, oggi
più che mai, dai miracoli delle nuove tecnologie.
Elena Bartoni
VALUTAZIONI PASTORALI
Aiuto Vampiro – consigliabile / semplice
Amori folli (Gli) – consigliabile-problematico / dibattiti
Artista (L’) – consigliabile / velleitario
Avatar – consigliabile / semplice
Bangkok Dangerous – Il codice dell’assassino – complesso / violento
Basilicata Coast to Coast – consigliabile / poetico
Cacciatore di Ex (Il) – consigliabile /
brillante
Canto delle spose – consigliabile-problematico / dibattiti
Cella 211 – complesso / problematico
Che fine hanno fatto i Morgan? –
consigliabile / brillante
Codice: Genesi – consigliabile-problematico / dibattiti
Daddy Sitter – consigliabile / semplice
Dear John – futile / superficialità
Departures – raccomandabile / poetico
Draquila – L’Italia che trema – complesso-superficialità / dibatiti
Dragon Trainer – consigliabile / semplice
Francesca – consigliabile-problematico / dibattiti
Green Zone – consigliabile / problematico
Halloween II – sconsigliato-non utilizzabile / violento
Io, Don Giovanni – consigliabile / semplice
Io sono l’amore – complesso / scabrosità
Legion – futile / violento
Manolete – consigliabile / velleitario
Misure straordinarie – consigliabileproblematico / dibattiti
Mondo dei replicanti (Il) – consigliabile
/ problematico
Notte folle a Manathan – consigliabile
/ grossolanità
Oceani 3D – consigliabile / semplice
Oltre le regole – The Messenger –
consigliabile-problematico / dibattiti
Piazza gioch1 – n.c.
Piccolo Nicolas e i suoi genitori (Il) –
Première Étoile – n.c.
64
Prima cosa bella (La) – consigliabile /
problematico
Profeta (Il) – complesso / violento
Puzzole alla riscossa – n.c.
Richiamo della foresta 3D (Il) – n.c.
Scusa ma ti voglio sposare – futile /
superficiale
Secondo tempo – n.c.
Shutter Island – complesso / problematico
Teza – complesso-problematico / dibattiti
Ti amerò sempre – complesso / problematico
Tutto l’amore del mondo – futile / superficialità
Uomo fiammifero (L’) – n.c.
Uomo nero (L’) – consigliabile / semplice
Up – raccomandabile / poetico
Vendicami – complesso / violento
Vita è una cosa meravigliosa (La) –
Whiteout – Incubo bianco –
consigliabile / semplice

SOMMARIO n. 104-105 - Centro Studi Cinematografici

Transcription

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