SOMMARIO n. 93 - Centro Studi Cinematografici
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SOMMARIO n. 93 - Centro Studi Cinematografici
SOMMARIO Anno XIV (nuova serie) n. 93 maggio-giugno 2008 Bimestrale di cultura cinematografica Edito dal Centro Studi Cinematografici 00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6 tel. (06) 63.82.605 Sito Internet: www.cscinema.org E-mail: [email protected] Aut. Tribunale di Roma n. 271/93 Abbonamento annuale: euro 26,00 (estero $50) Versamenti sul c.c.p. n. 26862003 intestato a Centro Studi Cinematografici Spedizione in abb. post. (comma 20, lettera C, Legge 23 dicembre 96, N. 662 Filiale di Roma) Si collabora solo dietro invito della redazione Direttore Responsabile: Flavio Vergerio Direttore Editoriale: Baldo Vallero Cast e credit a cura di: Simone Emiliani Segreteria: Cesare Frioni Redazione: Marco Lombardi Alessandro Paesano Carlo Tagliabue Giancarlo Zappoli Hanno collaborato a questo numero: Veronica Barteri Elena Bartoni Loredana Braccini Gianluigi Ceccarelli Chiara Cecchini Fabio de Girolamo Marini Silvio Grasselli Elena Mandolini Maria Luisa Molinari Fabrizio Moresco Francesca Piano Manuela Pinetti Ivan Polidoro Valerio Sammarco Giuliano Tomassacci Stampa: Tipostampa s.r.l. Via dei Tipografi, n. 6 Sangiustino (PG) Nella seguente filmografia vengono considerati tutti i film usciti a Roma e Milano, ad eccezione delle riedizioni. Le date tra parentesi si riferiscono alle “prime” nelle città considerate. n. 93 Amore di testimone (Un) .................................................................... Amore non basta (L’) .......................................................................... Amore secondo Dan (L’) .................................................................... Anno in cui i miei genitori andarono in vacanza (L’) ........................... Bratz .................................................................................................. Caravaggio ........................................................................................ Cargo 200 .......................................................................................... Certamente, forse .............................................................................. Chiamami Salomè ............................................................................. Chiamata senza risposta ................................................................... Charlie Bartlett ................................................................................... Chi nasce tondo… ............................................................................. Ci sta un francese, un inglese e un napoletano ................................ Colpo d’occhio ................................................................................... Corazones de mujer .......................................................................... Cover-Boy .......................................................................................... Divo (Il) .............................................................................................. 12 ....................................................................................................... Estate al mare (Un’) ........................................................................... Eye (The) ........................................................................................... Family Game ..................................................................................... Feel the Noise - A tutto volume ......................................................... Gardener of Eden - Il giustiziere senza legge ................................... Gone Baby Gone ............................................................................... Hitcher (The) .......................................................................................... Hunting Party (The) ........................................................................... Improvvisamente l’inverno scorso ..................................................... Interview ............................................................................................ Maradona .......................................................................................... Nessuna qualità agli eroi ................................................................... Noi due sconosciuti ........................................................................... Nostro messia (Il) .............................................................................. Notte brava a Las Vegas .................................................................... Notte non aspetta (La) ....................................................................... Once .................................................................................................. Quando tutto cambia ......................................................................... 14 anni vergine .................................................................................. Questa notte è ancora nostra ............................................................ Rabbia (La) ........................................................................................ Racconti da Stoccolma ...................................................................... Reservation Road .................................................................................. Riprendimi ......................................................................................... Rolling Stones’ Shine a Light ............................................................. Rovine ............................................................................................... Sex and the City ................................................................................. Sonetàula .......................................................................................... Sopravvivere coi lupi .......................................................................... Tropa de elite ..................................................................................... Tutti i numeri del sesso ...................................................................... Tutti pazzi per l’oro ................................................................................. Tutto torna ......................................................................................... Ultimi della classe .............................................................................. Underdog – Storia di un vero supereroe ........................................... Vogliamo anche le rose ..................................................................... 18 53 10 47 59 46 27 28 52 54 40 6 20 5 58 4 2 56 12 11 57 55 44 15 60 21 22 24 34 45 42 35 26 14 34 41 31 3 49 16 62 36 39 38 29 50 32 8 7 63 51 19 23 48 Film Tutti i film della stagione IL DIVO Italia, 2008 Fonico: (presa diretta) Emanuele Cecere Canzoni/Musiche estratte: “Toop Toop” di P. O. Cerboneschi, H. Blanc-Francard, M. A. Chedid (Cassius); “Pavane op. 50 per coro e orchestra di G. Fauré (Choeur de l’Orchestre Symphonique de Montréal diretta da Charles Dutoit; “Allegro” dal concerto per flauto e archi op. 10 n. 3 “Il gardellino” di Antonio Vivaldi; “Pohjola’s Daughter op. 49” di J. Sibelius (Iceland Symphony Orchestra diretta da Petri Sakari; CRS Symphony Orchestra diretta da Kenneth Schermerhorn); “Sinfonia n. 3 in Do minore op. 78” di C. Saint-Saens (Muncher Symphonye Orchestre diretta da Alberto Lizzio); “Nux Vomica” di F. Andrews (The Veils) Interpreti: Toni Servillo (Giulio Andreotti), Anna Bonaiuto (Livia Andreotti), Piera Degli Esposti (sig.ra Enea, segretaria di Andreotti), Paolo Graziosi (Aldo Moro), Giulio Bosetti (Eugenio Scalfari), Flavio Bucci (Franco Evangelisti), Carlo Buccirosso (Paolo Cirino Pomicino), Giorgio Colangeli (Salvo Lima), Alberto Cracco (Don Mario), Lorenzo Gioielli (Mino Pecorelli), Gianfelice Imparato (Vincenzo Scotti), Massimo Popolizio (Vittorio Sbardella), Aldo Ralli (Giuseppe Ciarrapico), Giovanni Vettorazzo (magistrato Scarpinato), Achille Brugnini (Fiorenzo Angelini) Durata: 110’ Metri: 3020 Regia: Paolo Sorrentino Produzione: Francesca Cima, Nicola Giuliano, Andrea Occhipinti, Arturo Paglia, Isabella Cocuzza per Indigo Film/Lucky Red/Parco Film. In coproduzione con Babe Films/Studiocanal/Arte France Cinéma. In collaborazione con Sky Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 28-5-2008; Milano 28-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Paolo Sorrentino. Con la consulenza di Giuseppe D’Avanzo Direttore della fotografia: Luca Bigazzi Montaggio: Cristiano Travaglioli Musiche: Teho Teardo Scenografia: Lino Fiorito Costumi: Daniela Ciancio Organizzazione generale: Viola Prestieri, Gennaro Formisano Coproduttori: Maurizio Copolecchia, Fabio Conversi Produttori associati: Stefano Bonfanti, Gianluigi Gardani Casting: Annamaria Sambucco Aiuto regista: Davide Bertoni Arredamento: Alessandra Mura Trucco ed effetti speciali: Vittorio Sodano Acconciature: Aldo Signoretti I l film narra alcune delle vicende più salienti che hanno segnato la vita di Giulio Andreotti, dagli anni Novanta in poi. Si parte dal 1991, quando gli viene affidato l’incarico – il settimo – di formare un nuovo governo. Da qui, seguendo una struttura narrativa non lineare, all’interno della quale viene inserita anche una serie di flash back – vedi, ad esempio, il rapimento e l’assassinio di Aldo Moro si tenta di illuminare le tessere di un mosaico complesso, costruito con frammenti di vita pubblica e privata, per far luce attorno a un personaggio che ha dominato la scena politica italiana dal secondo dopoguerra ai giorni nostri. In tale originale costruzione narrativa, si susseguono sullo schermo fatti drammatici, come gli assassinii di Lima, Falcone, Borsellino; episodi di cronaca politica, come la gestione della corrente democristiana di cui Andreotti era il referente, o il fallimento dell’operazione per eleggerlo presidente della repubblica; scene di vita quotidiana, segnate da un rapporto con una moglie sempre discreta e vicina al marito in ogni circostanza, anche in quelle più drammatiche e sofferte, o la lotta diuturna con una persistente emicrania, che lo ha perseguitato per tutta una vita; infine, la lunga e complessa vicenda processuale che ha visto Andreotti prima assolto, poi condannato e, successivamente, scagionato del tutto, nel 2003, dall’accusa di collusione con la mafia e come mandante dell’omicidio Pecorelli. N ei molti – articolati, appassionati e variegati – interventi critici, che si sono succeduti all’uscita in sala di Il divo, nessuno, a quanto ne so, si è soffermato sul sottotitolo di questa ultima fatica di Paolo Sorrentino: la spettacolare vita di Giulio Andreotti; una sorta di sottolineatura esplicita che, fin dall’inizio, induce lo spettatore più attento a operare una scissione interpretativa di fronte alla duplice valenza attorno la quale l’intero film è costruito. Dio fatto, il termine spettacolare incasella la figura del protagonista in quell’aura quasi mitologica che ha accompagnato costantemente l’immagine pubblica di Andreotti. Basti pensare alle molteplici definizioni – a volte anche simpatiche, a volte denigratorie –, con le quali, nel cosiddetto immaginario collettivo, è 2 Film stata denotata la sua persona, oppure alle frasi storiche da lui pronunciate (o a lui, sempre mitologicamente attribuite): una su tutte – anche se nel film di Sorrentino non viene ricordata –, ma che certamente connota, più di ogni altra, l’idea largamente diffusa del personaggio è la famosa e citatissima “Il potere logora chi non ce l’ha”. Allo stesso modo, in questa ottica spettacolare, arricchita spesso da una dose notevole di grottesco, rientrano alcune figure della sua corrente politica come Sbardella, Cirino Pomicino, Evangelisti, oppure quella del procuratore Caselli, rappresentato sempre alle prese con una confezione dl lacca per capelli. La seconda valenza del film, quella più problematica, è rappresentata dal tentativo da parte di Sorrentino di cercare di svelare quello che per lui è l’enigma Andreotti: una maschera – sempre fotografata con una metà in ombra e interpretata da uno straodinario Toni Servillo –, che non mostra mai il suo vero volto, perennemente impassibile, senza mai dare spazio a emozioni di sorta, anche nei momenti più drammatici della sua vita. L’unico istante, in cui Andreotti abbozza un tentativo di sorriso è quando, davanti alla televisione, assiste alla famosa battuta di Beppe Grillo, che recita più o meno così: “La gobba di Andreotti è la scatola nera, dove sono custoditi tutti i segreti d’Italia”. Su tale aspetto del personaggio è costruito anche stilisticamente quasi tutto l’intero film: Sorentino procede narrativamente per scintillazioni, schegge di verità, tentativi di svelamento di un enigma, forse più grande dello stesso personaggio rappresentato, del quale, del resto, questo film certamente non intende costruire una biografia. In questo modo, Andreotti diventa paradigma di un potere, spesso indecifrabile e costretto a fare i conti con una realtà non sempre totalmente illuminata da una luce piena, che permetta l’esclusione di ogni sua zona d’ombra. Una fotografia dai toni cupi, la presenza quasi ossessiva di interni, o di scene notturne quando il film si svolge in esterni sottolineano eloquentemente tutto questo. Lo stesso succedersi delle sequenze, giustapposte come tessere disordinate di un puzzle, contribuiscono ancora maggiormente a creare una atmosfera di frammentarietà, nella quale risulta difficile individuare un disegno unitario. È interessante notare come Sorrentino rompa tale andamento antilineare della struttura narrativa del suo film, in un solo momento: quello della lunga sequenza, Tutti i film della stagione dove viene riportato il dialogo tra Andreotti e Eugenio Scalfari. Il giornalista reiterando la frase è un caso che..., incalza il protagonista, marcando il suo coinvolgimento in tutte le vicende più discusse, oscure e irrisolte (Ambrosoli, Sindona, Calvi, ecc) della storia della prima repubblica. Andreotti gli risponde che il suo intervento ha evitato che il quotidiano La Repubblica finisse nelle mani di Berlusconi. Al che, Scalfari replica: “La mia situazione è più complessa”. E Andreotti: “Anche per me”. Ecco, forse il termine più giusto per capire fino in fondo il film di Sorrentino è racchiuso proprio in quell’aggettivo complesso, che sembra accompagnare non solo l’uomo di potere, ma il potere stesso, il suo esercizio correlato a delle situazioni, nelle quali convivono in maniera inestricabile forze contrapposte; in ultima analisi, il Bene e il Male. Su questo ultimo punto, poggia anche uno degli elementi fondanti di quell’enigma a cui accennavamo, il quale si concretizza in un inquietante interrogativo, posto dal protagonista a se stesso: “Quanto male occorre fare per produrre il bene?”. Significativo, a questo proposito, è uno dei dialoghi che il protagonista ha con il suo confessore, il quale gli rimprovera di circondarsi di persona non sempre di specchiate virtù. All’obiezione, Andreotti risponde che quello è l’esercito esistente e con quegli uomini bisogna combattere le proprie battaglie: una sorta di cosciente resa di fronte a una realtà complessa, appunto. L’immagine che certamente riassume per tutte il senso finale di quest’opera è quella del protagonista che cammina nevroticamente, per tutta una notte, percorrendo i corridoi di una casa-prigione, dalla quale non sembra scorgersi alcuna via d’uscita: un uomo chiuso nel labirinto di un potere che lo ha catturato al suo interno; un labirinto del quale non si intravede la struttura, la trama, la direzione da percorrere. Non a caso, una delle frasi chiave che pronuncia il protagonista è: “Credo solo nella volontà di Dio”: un atto di fede?, una sconsolata ammissione di sconfitta della propria avventura umana e politica?, una cinica dichiarazione per liberarsi della proprie responsabilità? Il film di Sorrentino, pur nel suo tentativo di squarciare il velo che avvolge una verità sempre sfuggente e mai capace di produrre certezze, lascia aperti molti interrogativi, i quali pesano come macigni e che vanno ben al di là e al di sopra della personale vicenda dell’uomo Andreotti. Carlo Tagliabue QUESTA NOTTE È ANCORA NOSTRA Italia, 2007 Regia: Paolo Genovese, Luca Miniero Produzione: Fulvio e Federica Lucisano per IIF/Buena Vista International Distribuzione: Walt Disney Motion Pictures Italia Prima: (Roma 19-3-2008; Milano 19-3-2008) Soggetto: Gianfranco Giagni, Xiang Yang Li Sceneggiatura: Paolo Genovese, Luca Miniero, Massimiliano Bruno, Gianfranco Giagni, Chiara Laudani, Faustro Brizzi, Xiang Yang Li Direttore della fotografia: Gian Filippo Corticelli Montaggio: Alessandro Lucidi Musiche: Maurizio Filardo, Daniele Silvestri Scenografia: Emita Frigato Costumi: Cristina Francioni Suono: Tullio Morganti Aiuto regista: Chantal Toesca Canzone/Musica estratta: “Il mondo stretto in una stanza” (Daniele Silvestri) Interpreti: Nicolas Vaporidis (Massimo), Valentina Izumi (Jing), Maurizio Mattioli (padre di Massimo), Massimiliano Bruno (Andrea), Ilaria Spada (Maria), Franco Califano (dott. Cicchillitti), Paola Tiziana Cruciani (Rita), Hal Yamanouchi (Laowang), Taiyo Yamanouchi (Quian Fu), Zhang Xu (Yuan Fu), John Yat Liu (Cheng Fu), Nishino Massatosi (nonno Zhiong), Shi Yang (Banlong), Luca Angeletti, Ettore Bassi, Giovanni Floris, Michele La Ginestra, Francesco Pannofino Durata: 99’ Metri: 2600 3 Film M assimo e Andrea sono due ragazzi impiegati in un’agenzia di pompe funebri, il loro sogno, però, è sfondare nel mondo della musica. Un giorno, un discografico propone loro un contratto a patto che inseriscano nel gruppo una vocalist cinese. I due ragazzi speranzosi si mettono alla ricerca di una cantante dagli occhi a mandorla e, dopo i primi tentativi fallimentari, si imbattono per caso in Jing, una cinese dall’ugola d’oro. La ragazza, però, non vuole saperne di cantare in pubblico e per questo Massimo inizia a corteggiarla nella speranza che si innamori di lui e ceda. A Jing non interessa Massimo, ma si vede costretta ad accettare le sue attenzioni per evitare un matrimonio combinato dai suoi genitori con il nipote di un connazionale a cui devono molti soldi. Inizia così una finta relazione che vede i protagonisti ignari l’uno delle reali intenzioni dell’altro. Dopo sotterfugi, bugie e improbabili scambi culturali i due, però, si innamorano. Tutto va bene fino a quando Massimo si ritrova per caso in mano il dvd, in cui il promesso sposo di Jing fa la sua dichiarazione. Confuso chiede spiegazioni al fratello di lei che ingenuamente gli racconta che la sorella lo ha usato per evitare le nozze. Jing, a sua volta, scopre il piano originario di Massimo e la storia d’amore finisce tra lacrime e insulti. La ragazza, per far piacere ai genitori, decide di sposare il connazionale. Durante la cerimonia, però, compare Massimo che le chiede di tornare con lui. Jing, in un primo momento, lo manda via, poi ci ripensa, annulla le nozze, corre al locale dove lui e il suo gruppo stanno suonando e si unisce a loro. S quadra che vince non si cambia. È banale? Ma dopo aver visto l’ultimo film di VaporidisBrizziMartani (scritti rigorosamente attaccati) viene normale usare lo stesso “metro operativo” per giudicarli visto l’indecoroso trattamento che riservano allo spettatore. Sia chiaro Questa notte è ancora nostra (sì, sì come la canzone di Venditti, ma è un “caso”) non è un film brutto, anzi a tratti è anche divertente, ma è l’ennesimo film giovanilistico con Nicolas Vaporidis. Nulla contro film generazionali o l’attore romano, il biasimo nasce dal fatto che se Notte prima degli esami è stato una ventata di freschezza, accolto bene da tutti, con attori semisconosciuti, ed il gusto nostalgico per gli anni Ottanta, non è detto che ogni due mesi puntualmente bisogna riproporre, con piccole variazioni sul tema, Tutti i film della stagione la stessa solfa. L’onda si cavalca, va bene, ma quando è troppo è troppo. Viene in mente, a questo proposito, lo scketch del marito che dice alla moglie “buone le uova” e quest’ultima gliele prepara tutti i giorni fino a quando il poveretto non ha la nausea. Giusto per rendere l’idea. L’ingrediente in più questa volta, atto a far credere che sia qualcosa di diverso, è l’aspetto multietnico. Ci sono, infatti, due ragazzi che cercano disperatamente di convincere una cinesina a far parte della loro band. Il belloccio (oddio!) dei due per indurla ad accettare si finge innamorato. La ragazza, a sua volta, fa lo stesso gioco per evitare un matrimonio per procura. Si scoprono, si insultano e poi finiscono insieme. Nel mezzo una guerriglia gastronomico-culturale fra Italia e Cina che si svolge nel terreno (ormai) neutro di Piazza Vittorio dove i giovani sono aperti allo scambio, mentre gli adulti, di entrambe le fazioni, guardano con sospetto tutto ciò che è diverso, salvo poi apprezzarlo lontano da occhi indiscreti, come fa il padre del protagonista, Maurizio Mattioli, che in una riuscitissima scena davanti a un piatto di spaghetti di soia prende dal taschino un’immaginetta di Alberto Sordi chiedendogli sostegno. Per il resto ben otto sceneggiatori si sono sforzati di fare minor fatica possibile riproponendo un copione macerato da anni di commedia italiana che vede come pilastro le facili gag da funerale di fantozziana memoria o, per chi crede nell’osmosi artistica, del più recente film di Verdone. Anche la storiella d’amore non ha nulla di originale, ma a sua discolpa c’è il fatto che cinematograficamente è difficile trovarne una che lo sia poiché solitamente si usa il canovaccio classico incontro-allontanamento-ritorno. Dunque non infieriremo oltre. Il cast attoriale è senza dubbio riuscito, specialmente per i comprimari di cui si apprezza la verace recitazione romana. Per il protagonista Nicolas Vaporidis, invece, ci sono molte riserve dovute al fatto che non si notano sfumature o cambio di toni fra questo e i personaggi precedentemente interpretati (eccezione fatta per Cemento armato) con il risultato di trovarsi di fronte sempre allo stesso soggetto e al suo, ormai, stancante accento “romanello”. Tutto sommato, la commedia dei registi Genovese e Miniero nella sua inconsistenza, nella sua povertà di idee (non hanno sudato neanche per la locandina) piace molto al pubblico a cui è rivolta: quei giovanissimi che la definiscono (leggere nei blog per credere) un “capolavoro” e che, soprattutto, riempiono i cinema per vederla. E siccome c’est l’argent qui fait la guerre, dobbiamo aspettarci a breve un altro “capolavoro” della premiata ditta VaporidisBrizziMartani, magari con “notte” nel titolo, magari con storie di ragazzi, magari girato al centro della Capitale e se se siamo veramente fortunati con Nicolas Vaporidis che per l’occasione sfoggia l’accento di Roma Nord. Francesca Piano COVER-BOY (LULTIMA RIVOLUZIONE) Italia, 2006 Regia: Carmine Amoroso Produzione: Augusto Allegra, Giuliana Gamba, Arturo Paglia per Filand Srl Distribuzione: Istituto Luce Prima: (Roma 21-3-2008; Milano 21-3-2008) Soggetto: Carmine Amoroso Sceneggiatura: Carmine Amoroso, Filippo Ascione Direttore della fotografia: Paolo Ferrari Montaggio: Luca Manes Musiche: Marco Falagiani, Okapi Scenografia: Maria Adele Conti, Biagio Fersini Costumi: Alessandro Bentivegna Produzione esecutiva: Isabella Cocuzza per Paco Cinematografica Interpreti: Eduard Gabia (Ioan), Luca Lionello (Michele), Chiara Caselli (Laura), Francesco Dominedò (Mimmo), Gabriel Spahiou (Florin), Luciana Littizzetto (Luciana) Durata: 97’ Metri: 2670 4 Film R omania, oggi: Florin e Joan, due giovani in cerca di futuro. Il primo convince il secondo a partire per l’Italia, Paese dove, secondo lui, le possibilità sono tante e da cogliere al volo. Alla frontiera, però, solo Joan passa mentre l’altro resta per qualcosa che non va nel passaporto. A Roma Joan non ci mette molto a capire come stanno le cose: nessun aiuto, nessun lavoro, nessuna opportunità per chi viene da fuori solo con un permesso turistico e senza documenti stabili per ottenere i quali occorre chissà quanto, chissà cosa. Joan è però di buona volontà e sa fare bene il meccanico: trova così un’occupazione, in nero, presso uno dei “cimiteri” di veicoli rottamati dove i motori e gli altri pezzi sono smontati e riutilizzati. Contemporaneamente il romeno conosce Michele, un quarantenne di Lanciano, uomo dai mille lavori, tutti precari, ora pulitore alla stazione Termini a tempo, naturalmente, determinato. Michele propone a Joan, in cambio di un piccolo contributo, di andare a abitare da lui, in una casa fatiscente della periferia romana, di proprietà di Luciana, un’attrice senza arte né parte che abita solitaria e incattivita al piano di sopra. La coabitazione tra i due non va male, almeno fino a quando il lavoro c’è per entrambi; Michele però perde presto il proprio per un ridimensionamento degli appalti, poi lo riconquista, poi lo riperde, definitivamente, per dare spazio a chi ha una famiglia da mantenere. L’altro è costretto a lasciare il posto perché la polizia stringe da presso il padrone sulla presenza di lavoratori senza documenti e non accetta poi di prostituirsi insieme al suo amico Florin, finalmente in Italia e incontrato per caso. Ioan però sembra avere un colpo di fortuna: conosce Laura, fotografa professionista che, colpita dalla semplicità e dalla naturalezza della sua persona, gli propone di seguirla a Milano negli ambienti della fotografia di moda e della pubblicità. Joan cambia così completamente vita, una volta introdotto nel mondo dei soldi veri e nel letto di Laura, da cui si accorge presto di essere sfruttato come ragazzo-copertina in progetti falso-buonisti. Il ragazzo lascia tutto e alla guida finalmente della sua automobile nuova ritorna a Roma per prelevare Michele con cui realizzare in Romania ciò di cui hanno tanto parlato: aprire un ristorante italiano. Purtroppo Joan arriva tardi: Michele si è ucciso non riuscendo più a sostenere la miseria di una vita senza speranze. L a vita difficile e precaria raccontata dal film fa eco ai continui e sovrumani sforzi sopportati dagli Tutti i film della stagione autori (produttori e regista su tutti) che questo film fortissimamente hanno voluto: un budget che via via si è ridotto e ha quindi tagliato fuori, tranne la scena iniziale, i fatti della “finta” rivoluzione romena dell’89; i contributi statali pressocchè inesistenti e la conseguente realtà distributiva fantasmatica e imprendibile; il disinteresse della stessa cinematografia romena, boccheggiante sotto i colpi dell’invasione commerciale dei prodotti americani. Nonostante tutto, però, dopo una lontana apparizione alla prima festa del cinema di Roma del 2006, ora il film riesce a farsi vedere, a raccogliere ovunque gli applausi che merita, a ottenere il rispetto e la considerazione per i temi trattati e la sensibilità umana che li ha portati sullo schermo. Abbiamo sentito parlare di Rossellini, di Pasolini e di Ken Loach nell’accomunare il ritratto dei paria e degli sfruttati fatto da questo film alle grandi storie di imbarbarimento civile e morale dei tre autori suindicati; pur non essendo mai d’accordo sui confronti semplicistici tra opere e autori, riconosciamo che non poco di questo degnissimo film può far ricordare i racconti di vita disumanizzata e sanza regole dei tre cineasti, a cominciare dal realismo senza struggimenti con cui sono toccati case, luoghi di lavoro e quartieri; con un distinguo però che ci porta a fare delle riflessioni per ora senza futuro. Non manca in nessuna delle opere di questo argomento di quei tre autori, indipendentemente dai riferimenti che si vogliano adottare, quella rabbia, quello slancio, quella passione derivanti, ma sì, usiamola questa espressione desueta che sembra non voler dire più nulla, da quella lotta di classe, da quella differenziazione ideologica di cui si andava fieri. Non c’è nulla di tutto ciò in questo onestissimo film e forse la sua onestà poggia proprio sul racconto di come la globalizzazione dell’economia, dell’industria, del commercio abbia coperto, con un manto di grigia omogeneità e di inazione, ogni sforzo rivendicativo, ogni pulsione, ogni orgoglio di appartenere a qualcosa, ma sì, a un’idea. Non servono più neanche i sogni in questo film ma forse, questi davvero non sono serviti mai. Resta la dignità personale da difendere, non commerciabile, senza baratto e senza prezzo, ma neanche questo è sufficiente, perché, alla fine della strada, ci si può solo uccidere, dopo avere sentito in televisione politici di ogni sorta dire che in fin dei conti in Italia va tutto bene. No, non basta davvero tutto questo per dare alla solitudine e allo sfruttamento una forza espressiva, una forza d’urto. Resta la sensibilità dei due protagonisti, restano i loro sguardi, l’abnegazione della loro sincerità a mostrarci che non deve essere più “ovvio” togliersi la vita, perché non c’è più nulla da fare, ma bisogna davvero trovarlo, pretenderlo questo qualcosa da fare, qualcosa di diverso. Fabrizio Moresco COLPO DOCCHIO Italia, 2007 Regia: Sergio Rubini Produzione: Riccardo Tozzi, Marco Chimenz, Giovanni Stabilini per Cattleya/Rai Cinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 21-3-2008; Milano 21-3-2008) Soggetto e sceneggiatura: Angelo Pasquini, Carla Cavalluzzi, Sergio Rubini Direttore della fotografia: Vladan Radovic Montaggio: Giogiò Franchini Musiche: Pino Donaggio Scenografia: Luca Gobbi Costumi: Patrizia Chericoni, Florence Emir Casting: Gianluca Greco Aiuto regista: Gianni Costantino Suono: Tullio Morganti Effetti: Leonardo Cruciano Interpreti: Sergio Rubini (Lulli), Riccardo Scamarcio (Adrian), Vittoria Puccini (Gloria), Richard Sammell (Svensson), Paola Barale (Sonia), Emanuele Salce (Righi), Giancarlo Ratti (Nicola), Giorgio Colangeli (funzionario di polizia), Alexandra Prusa (Emma Bauer), Flavio Parenti (Claudio) Durata: 110’ Metri: 3030 5 Film R oma. Nella collettiva di artisti esordienti, l’opera del giovane scultore Adrian Scala viene notata da Gloria, affascinante studiosa d’arte, ma soprattutto compagna del famoso critico Pietro Lulli. Tra i due nasce, immediata, la passione e, ben presto, Gloria si ritroverà tra le braccia del bel Adrian. Un tranquillo casolare di campagna, lontano dai clamori della città, sarà il loro rifugio. Il maturo Lulli non può far altro che accettare l’evidenza. Tutto sembra procedere tranquillo, fino a quando, a decidere chi dovrà costruire una fontana nello sperduto paesino abruzzese, sarà proprio Lulli. Tra gli artisti che hanno presentato un progetto, c’è Adrian. Sarà lui a vincere la gara. Comincia da qui un interessamento ossessivo del critico nei riguardi del giovane scultore. Questi, da par suo, consapevole della potenza di Lulli, lo lascia fare, lo asseconda, segue i suoi consigli. Desideroso com’è solo di affermare il proprio talento, ne diventa quasi succube, fino all’annientamento più assoluto. Lulli allora insiste affinchè il suo protetto torni in città. Motivo: organizzare per lui una personale. Adrian è così accecato, così smanioso, che neppure si avvede che Lulli ha orchestrato il tutto solo e unicamente per “riprendersi” la sua amata. Gloria, questo, lo ha capito già da tempo. Prova a spiegarlo ad Adrian, intanto che il loro amore si deteriora, si incattivisce. Ma inutilmente. Da qui in poi, sarà solo un precipitare di eventi. La personale si rivelerà un fiasco e Adrian entrerà in una spirale dalla quale non ne saprà uscire, se non con la morte. A sparargli sarà proprio Lulli, a coronamento del suo disegno diabolico. Tutti i film della stagione A pprofittando di una banale storia d’amore, Rubini si interroga sul mondo dell’arte e la passione che lo muove. Quasi a voler sottolineare la difesa a oltranza di qualsivoglia scelta artistica, in quanto tale, non evita i luoghi comuni né le caratterizzazioni di un certo ambiente, anzi le amplifica, rendendole così smaccatamente plausibili. Non usa sotterfugi, tutto è chiaro e leggibile. Viene dunque da pensare che, dietro l’arroganza a tratti grottesca del potentissimo Lulli, si celi una critica all’attuale sistema in cui l’arte in genere è costretta a destreggiarsi. Ed è per questo che Adrian (Scamarcio) altri non è che un oggetto a servizio del potere che, sebbene privo di talento, riuscirà ugualmente ad affermarsi con un’opera non sua. Di suo ha solo una sete irrefrenabile di successo. Il desiderio di ottenere ciò che ci si è prefissi, sembra essere l’unica ragion di vita dei due protagonisti. Alla maturità del Lulli, al suo essere cinico fino all’estreme conseguenze, si contrappone l’innocenza del giovane Adrian, la sua infantile spavalderia. Ma sono in fondo due facce della stessa medaglia. Il Lulli di Rubini è magistrale, accattivante, perfido. Disegna per sé un personaggio dalle molteplici sfaccettature che, ancora una volta, ci rivelano, se ve ne fosse ancora bisogno, il suo straordinario bagaglio attoriale. Lo Scamarcio, in versione artista irrequieto, è credibile. Così pure la Puccini nel ruolo di Gloria, il cui personaggio è forse quello meno incisivo. La fisicità e il calore de La terra, qui sono solo un ricordo. Una regia attenta e minuziosa, che poco concede allo spettatore, è a servizio di un’elegante schermaglia verbale, dove i colpi di scena sembrano essere volutamente prevedibili. L’azione procede come fosse un thriller psicologico, senza però averne i sussulti né i patemi d’animo. Rimane dunque l’impressione di un’opera cervellotica che, seppur riuscita, non lascia il segno. Va dato atto però, a Rubini, d’essere un autore che non si ripete, sempre pronto a mettersi in discussione. Coraggioso. Ivan Polidoro CHI NASCE TONDO Italia, 2008 Regia: Alessandro Valori Produzione: Andrea Marotti, Piergiorgio Bellocchio per Digital Desk Soc. Coop. In collaborazione con Rai Cinema Distribuzione: Istituto Luce Prima: (Roma 16-5-2008; Milano 16-5-2008) Soggetto: Valerio Mastandrea, Adamo Dionisi Sceneggiatura: Adamo Dionisi, Pierpaolo Picarelli, Alessandro Valori. Con la collaborazione di Valerio Mastandrea Direttore della fotografia: Beppe Gallo Montaggio: Fulvio Molena Musiche: Giorgio Baldi Scenografia: Emanuele Germano Costumi: Daria Calvelli Suono: Fabrizio Bacherini Interpreti: Valerio Mastandrea (Mario), Raffaele Vannoli (Righetto), Sandra Milo (Anna Tre Culi), Tiberio Murgia (Connetto), Anna Longhi (sora Ines), Regina Orioli (Flaminia), Corrado Fortuna (Gigino), Glauco Onorato (Padre Ignazio) Durata: 90’ Metri: 2500 6 Film R oma. Proprio pochi giorni prima del suo imminente matrimonio con Flaminia, Mario, che lavora nella ditta di antifurti e porte blindate del suocero, viene a sapere che sua nonna è fuggita dalla casa di cura Villa Quiete. Fin qui niente di strano, se non fosse che l’ultraottantenne nonna Italia non solo è scappata, ma ha persino rubato 10.000 euro dalla cassaforte del direttore della casa di cura. Cassaforte, ovviamente, della ditta del suocero. Con relativo antifurto, sempre della ditta. Per nonna Italia è stato un gioco da ragazzi, dal momento che ha il vizio di rubare da quand’era bambina si può dire. Ma c’è di più. Il passato di Mario, fatto di una miriade di bugie, non deve per nulla al mondo trapelare, altrimenti addio matrimonio e, di conseguenza, addio la tanto agognata “sistemazione definitiva”. Subito si mette alla ricerca della nonna. Per fare questo, va da suo cugino Righetto. Uno squinternato che vive occupando palazzine abbandonate, per poi affittarle, a caro prezzo, a poveri disgraziati provenienti da ogni parte del mondo. Righetto non ne vuole sapere nulla della nonna, che a suo dire è stata abbandonata a Villa Quiete da Mario. Però gli fanno gola i 10,000 euro. Quindi, detto fatto, i due si Tutti i film della stagione ritrovano su un motorino a girare per Roma alla ricerca di nonna Italia. Incontrano diversi personaggi che, in un modo o nell’altro, l’hanno frequentata e ora che la sanno libera vogliono proteggerla. Da loro, Mario ricaverà ben poco. I giorni passano, i cugini cominciano a conoscersi meglio e a sapere cose di cui non sospettavano minimamente. Una su tutte, che nonna Italia è la madre di Righetto e che li ha cresciuti insieme alla morte dei genitori di Mario. Da lì in poi la ricerca si fa più affannosa. Fino a quando, sulle sponde del Tevere, vedono alcuni sommozzatori in azione. Sono alla ricerca del corpo di un’anziana. Sara nonna Italia? C ommedia gradevole che, approfittando di un esile pretesto, la ricerca di un’arzilla nonna, mette i due protagonisti in sella a un motorino e li fa girare per Roma. Si ha così modo non solo di spulciare negli storici quartieri della capitale, ma anche di incontrare varia umanità, ognuna con caratteristiche ben diverse. I personaggi sono tutti ben disegnati, oltre che ben recitati e il più delle volte riescono a strappare un sorriso. Tuttavia hanno il sapore del già visto. Ma è questo il pregio e il difetto del film, che vuole essere un omaggio alla romanità perduta, a quei modi di dire e di essere che oramai fanno parte solo del ricordo. A sottolinearlo ulteriormente, la presenza di attori, quali Sandra Milo o Tiberio Murgia, protagonisti di una stagione cinematografica gloriosa e indimenticabile. Su tutti un bravo Mastrandrea che conferisce al suo personaggio uno spessore e una verità, pur non rinunciando alla battuta facile. Quella sua espressione perennemente stanca e vinta, sono una marcia in più e gli consentono cose che altrimenti non avrebbero ragion d’essere. Vedi, ad esempio, il bel duetto con Sora Ines, una splendida Anna Longhi. Così come è credibile il Righetto del Vannoli, sebbene grottesco e simpatico al limite del caricaturale. Va detto che il progetto nasce da una collaborazione, in fase di preparazione, con alcuni studenti del liceo e di scuole di cinema. Girato in digitale e con un budget modesto, è un buon risultato, se messo a confronto con tante pellicole più pretenziose. Comunque da vedere. Ivan Polidoro TUTTI I NUMERI DEL SESSO (Sex and Death 101) Stati Uniti, 2007 Trucco: Deborah K. Larsen Acconciature: K. G. Ramsey Interpreti: Simon Baker (Roderick Blank), Winona Ryder (Gillian De Raisk/Death Nell), Leslie Bibb (dr. Miranda Storm), Mindy Cohn (Trixie), Robert Wisdom (Alpha), Patton Oswalt (Fred), Tanc Sade (Beta), Julie Bowen (Fiona Wormwood), Neil Flynn (Zack), Dash Mihok (Lester), Sophie Monk (Cynthia Rose), Frances Fisher (Hope Hartlight), Marshall Bell (Victor Rose III), Natassia Malthe (Bambi), Corinne Reilly (Lizzie), Cindy Pickett (madre di Roderick), Winter Ave Zoli (Alexis), Bryan Fuller (bodyguard), Jessica Kiper (Carlotta Valdes), Amanda Walsh (Kathleen), Candice Coke (Greta Samsa), Thom Bishops (Malcolm il barista), Polyanna McIntosh (Thumper), Patrick Holland (cameriere), Ryan Cutrona (agente Krupke), Nicole Bilderback (dr. Mirabella Stone), Cean Okada (Edwina Massey), Siobhan Flynn (Esther Fenchel), Christopher Stapleton (Terry Fenchel), Lauren Hill (Amberette), Retta (Ethel Walters), Akyler James Sandak (Roderick Blank jr.), Keram Malicki-Sanchez Durata: 100’ Metri: 2800 Regia: Daniel Waters Produzione: Cary Brokaw, Lizzie Friedman, Greg Little per Avenue Pictures Productions/S and D Productions/Sandbar Pictures Distribuzione: Moviemax Prima: (Roma 14-3-2008; Milano 14-3-2008) Soggetto e sceneggiatura: Daniel Waters Direttore della fotografia: Daryn Okada Montaggio: Trudy Ship Musiche: Rolfe Kent Scenografia: John Larena Costumi: Julia Caston Produttore esecutivo: Aaron Geller Co-produttore: Jerry P. Jacobs Direttore di produzione: Jerry P. Jacobs Casting: Andrea Stone Aiuti regista: Eric A. Pot, Robert ‘Skid’ Skidmore, Leah King Operatore/Operatore steadicam: Eric Fletcher Art director: Helen Harwell Arredatore: Peggy Paola R oderick Blank è un uomo di successo, ha una vita perfetta e sta per sposarsi con la donna che ama. Pochi giorni prima della nozze, però, riceve una strana e-mail contenente l’elenco di tutte le donne con cui ha fatto e farà 7 sesso. Si rende conto che dopo la fidanzata ci sono ben 72 donne che lo attendono e per questo decide di annullare il matrimo- Film nio e dedicarsi alla ricerca di queste “facili conquiste”. Tutto va alla grande, fin troppo per Roderick, ma, a un certo punto, la lista diventa una sorta di droga che governa la sua esistenza. Impossibilitato a vivere una vita normale, allora, la seppellisce in giardino. Ma la tentazione di riprenderla è forte e, dopo i primi buoni propositi, la dissotterra e continua le sue esperienze fino a quando scopre che l’ultimo nome è di una famosa serial killer Death Nell che manda in coma tutti gli uomini che vanno a letto con lei. L’uomo capisce che l’unico modo per non arrivare a quel nome e smettere di fare sesso. Un giorno, però, durante un incidente stradale, rimane vittima di una scolaresca di sole donne decise a perdere la verginità che in poco tempo gli fa cancellare tutti i nomi della lista eccetto l’assassina. In un primo momento, per ovviare all’inconveniente pensa soluzioni alternative tipo scappare o rimettersi con una ex, poi comprende che è il suo destino e quindi decide di affrontarlo. Vestito di tutto punto va all’albergo dove alloggia Death Nell, ma non la trova. Si dirige allora in una trattoria dove per caso sta cenando anche la ragazza. I due iniziano a chiacchierare e lei gli Tutti i film della stagione confida che agisce così a causa di un passato sentimentale particolarmente doloroso e gli confessa, inoltre, che lui sarà l’ultimo uomo che manderà in coma perché prenderà il veleno anche lei subendo la stessa sorte. Passano degli anni Roderick e Death Nell non sono né morti né in coma, ma felicemente sposati con un bambino e una vita serena. I n Italia c’è il malcelato costume di storpiare i titoli originali dei film in favore di soluzioni apparentemen te più simpatiche e allettanti. Un caso per tutti Eternal Sunshine of Spotless Mind di Michel Gondry ribattezzato nel banalissimo Se mi lasci ti cancello che tutto faceva presagire tranne un film cervellotico e surreale. Partendo da questo presupposto il titolo Tutti i numeri del sesso (in originale Sex&Death 101) alimentava la speranza di un film di un certo livello, magari con l’atavico connubio eros e thanatos. Mai speranze (cinematografiche) furono così mal riposte. Dopo dieci minuti di pellicola, si capisce subito cosa si vedrà per i prossimi novanta minuti: nulla. Se la trama, i dialoghi o i momenti comici fossero stati appena gradevoli si sarebbe potuti passare sopra il sessismo fa- stidioso che inzacchera la pellicola, ma siccome ci si annoia molto (non succede sostanzialmente nulla) tutta l’attenzione viene canalizzata sulle idiozie del personaggio principale con il risultato di vedere lo spettacolo e borbottare come una vecchia caffettiera. Non riesce a salvare il salvabile neanche la presenza di Winona Ryder nel ruolo della cattiva, anche se qualcosina di utile nei sui cinque minuti di gloria la fa: libera per un po’ lo spettatore dal faccione gongolante del protagonista Roderick/ Simon Baker. Qualcuno dall’animo buono ha voluto vedere in lui un novello Ulisse alla ricerca di una metaforica Itaca. Personalmente credo non ci sia bisogno di scomodare né Omero né Joyce per capire la pellicola e nemmeno sforzarsi di trovare sottotesti e significati nascosti, perché sarebbe puro e inutile masochismo. Ma c’è una fetta di pubblico che potrebbe apprezzare molto il film, quella composta da uomini frustrati ed emotivamente impotenti per cui la “lista” di Roderick rappresenterebbe l’equivalente adulto di ciò che per le bambine (di qualche anno fa) erano i vestiti della principessa Sissi: un sogno. Francesca Piano TROPA DE ELITE GLI SQUADRONI DELLA MORTE (Tropa de elite) Brasile/Argentina, 2007 Aiuti regista: Rafael Salgado, Clara Linhart, Laura Flaksman, Daniel Lentini, Pedro Peregrino Operatori: Pablo Baiao, Lula Carvalho Arredatore: Odair Zani Trucco: Martin Macias, Sandro Valerio Acconciature: Ignacio Posadas Coordinatore effetti speciali: Bruno Van Zeebroeck Suono: Leandro Lima Interpreti: Wagner Moura (capitano Nascimento), Caio Junqueira (Neto), André Ramiro (André Matias), Milhem Cortaz (capitano Fabio), Fernanda Machado (Maria), Maria Ribeiro (Rosane), Fabio Lago (Baiano), Fernanda de Freitas (Roberta), Paulo Vilela (Edu), Marcelo Valle (capitano Oliveira), Marcelo Escorel (colonnello Otavio), André Mauro (Rodrigues), Paulo Hamilton (soldato Paulo), Thogun (caporale Tião), Ricardo Sodré (caporale Bocão), Rafael D’Avila (Xuxa), Alexandre Mofatti (arvalho), Patrick Santos (Tinho), Erick Oliveira (Marcinho), Emerson Gomes (Xaveco), Thelmo Fernandes (sergente Alves), Bruno Delia (capitano Azevedo), André Santinho (tenente Renan) Durata: 115’ Metri: 3134 Regia: José Padilha Produzione: José Padilha, Marcos Prado per Zazen Produções/ Posto 9/Feijão Filmes/ The Weinstein Company. In coproduzione con Universal Pictures do Brasil/Costa Films/ Estudios Mega/Quanta Centro de Producão Distribuzione: Mikado Prima: (Roma 6-6-2008; Milano 6-6-2008) V.M.: 14 Soggetto: dal romanzo omonimo di André Batista, Luis Eduardo Soares Sceneggiatura: José Padilha, Braulio Mantovani, Rodrigo Pimentel Direttore della fotografia: Lula Carvalho Montaggio: Daniel Rezende Musiche: Pedro Bromfman Scenografia: Tulé Peake Costumi: Claudia Kopke Produttori esecutivi: Bia Castro, Eduardo Costantini, Genna Terranova Direttori di produzione: Maria Clara Ferreira, Lili Nogueira, Edu Pacheco, Fernando Zagallo Co-produttori: James D’Arcy, Eliana Soarez Casting: Fatima Toledo 8 Film Tutti i film della stagione R io de Janeiro, 1997. C’è una festa funk nella favela dominata dagli spacciatori di droga. Il capitano Nascimento, a capo di una squadra speciale della polizia brasiliana, il BOPE (Batalhão de Operações Especiais), sta organizzando una spedizione nel territorio assieme a Neto e Matias, due poliziotti che ambiscono a entrare nella sua squadra. L’operazione si risolve alla fine in una tragica sparatoria 6 mesi prima. Nascimento è felicemente sposato con Rosane e sta per avere un bambino. Vorrebbe trovare un successore al comando del BOPE, anche perché la moglie gli chiede continuamente di abbandonare la prima linea del Battaglione, ma al momento non è riuscito a trovare nessuno all’altezza. Molti dei poliziotti che hanno cercato di entrare nella sua squadra, alla fine se ne sono andati: o sono troppo deboli, o troppo corrotti o entrambe le cose. Nel frattempo viene seguito il destino di due ragazzi che poi entreranno nella sua squadra, Neto e Matias. Il primo è estremamente ligio al dovere e cerca di seguire alla lettera la procedura ufficiale per ogni operazione. I suoi sforzi sono, però, inutili visto che il suo comando è pieno di gente corrotta. L’altro invece è estremamente intelligente e oltre a essere poliziotto, studia legge all’università. Qui entra in contatto con un gruppo di giovani ragazzi provenienti da famiglie benestanti, che aiutano i bambini delle favelas ma hanno anche rapporti diretti con gli spacciatori e con il loro boss, Baiano. Matias nasconde inizialmente la sua identità di agente di polizia. Entra particolamente in confidenza con una ragazza del gruppo, Maria; i due finiscono per innamorarsi. Nel frattempo Nascimento, durante una scalata su una roccia, accusa un dolore. Pensa possa essere un problema fisico mentre invece è mentale; l’uomo non riesce a reggere più lo stress, essendo continuamente sotto tensione.Verrà affidato alle cure di una psicologa e questo evento lo porta ad accelerare la ricerca del suo successore. Dopo l’attacco agli spacciatori alla festa funk, Maria e gli altri studenti universitari scoprono che Mathias è un poliziotto; lo si riconosce infatti da una foto sul giornale. C’è uno scontro violentissimo e tra lui e Maria è piena rottura. Nel luglio 1997, circa 2 mesi prima dell’arrivo di Giovanni Paolo II a Rio, le esercitazioni si fanno ancora più intense. L’addestramento al BOPE è durissimo e i metodi sono al limite del lecito. Molti lasciano. Neto e Matias resistono. Nascimento resta molto colpito dalla loro costanza, ma vede che in ognuno di loro manca qualcosa; vorrebbe infatti unire il cuore del primo con il cervello del secondo. Se entrambe queste doti fossero in un’unica persona, avrebbe finalmente trovato il suo successore. Intanto gli scontri si susseguono. Una studentessa e un altro uomo vengono barbaramente uccisi. Un giorno Mathias costringe un suo collega dell’università a farlo entrare nella favela senza fargli avere problemi; deve infatti consegnare un paio d’occhiali a un bambino che ne ha bisogno. Quello stesso giorno però viene chiamato per un colloquio. Al suo posto va Neto che però è vittima di un agguato e viene ucciso. Matias a quel punto si trasforma e diventa più coraggioso. Sarà lui alla fine che si troverà faccia a faccia col boss Baiano con il proiettile pronto per farlo fuori. P uò accadere che della ricchezza di una cinematografia possa arrivare la parte sbagliata, quella più furba e meno sincera. Negli ultimi anni, per quanto riguarda il cinema brasiliano, ciò è avvenuto con City of God (2001) di Fernando Meirelles e quest’ultimo Tropa de elite. Gli squadroni della morte, primo lungometraggio di finzione del documentarista José Padilha (che aveva diretto anche l’ottimo Ônibus 174 nel 2002) che si è aggiudicato a sorpresa e immeritatamente l’Orso d’Oro al 58° Festival di Berlino. Tra Meirelles e Padilha cambia la forma ma non la sostanza. City of God era ambientato in una degradata favela di Rio de Janeiro e si svolgeva lungo tre decen- 9 ni, mettendo a fuoco la quotidiana lotta per la sopravvivenza dei protagonisti. Anche Tropa de elite è spostato indietro nel tempo, esattamente il 1997, e concentra l’attenzione sulla lotta senza quartieri tra gli spacciatori dentro le favelas e il BOPE, la squadra speciale di polizia brasiliana. Per dare forma alla dimensione infernale, sia Meirelles che Padilha hanno utilizzato uno stile narcisisticamente esibito, caratterizzato da suoni fortissimi e colori ipnotici che vorrebbero portare a una soggettiva allucinazione. L’ipnosi del film di Padilha, però, è solo di maniera. Certo il suo sguardo deforma lo spazio e il tempo. Ciò è evidente nell’uso della macchina a mano che sta addosso ai protagonisti e del fermo-immagine, oppure nell’ossessiva voce fuori-campo del Capitano Nascimento che racconta la vicenda di Neto e Matias e come entrambi hanno scelto di abbandonare la polizia per entrare nella sua squadra d’azione. Il pubblico si incrocia col privato, ma le motivazioni sono superficiali e semplicistiche. Si vedono le immagini della famiglia di Nascimento con la moglie e il bambino, o brevi frammenti della provvisoria attrazione tra Maria e Matias. Inoltre Padilha tenta anche un’analisi sociologica cercando di mostrare i vari livelli di corruzione della polizia ufficiale, o la complicità tra gli studenti cresciuti nelle famiglie benestanti e gli spacciatori che vivono nelle favelas. Manca, però, stavolta l’oggettività del suo sguardo da documentarista. Anzi, al contrario, il realismo che porta sullo schermo è solo di facciata. Ciò avviene perché Tropa de elite rappresenta uno dei livelli Film più bassi del cinema della manipolazione, che sembra danzare davanti ciò che filma (le inquadrature circolari dall’alto di Rio), alternandole talvolta con le immissioni di frammenti-documento (come quelli di Giovanni Paolo II), ma che, in realtà, sposta e ricompone tutto a suo piacimento, imponendo un unico punto di vista. Dietro questa rappresentazione apparentemente degradata, che mostra attraverso un lunghissimo flashback le difficoltà che i protagonisti hanno avuto nel passato come per giustificare il loro presente nella squadra speciale, Tropa de elite si smaschera nel momento in cui mostra le scene di addestramento del BOPE. In Tutti i film della stagione quel momento è come se un film sia finito (la pellicola comincia sulle immagini di una festa funk dentro una favela dove è intervenuto il ‘commando’ presieduto da Nascimento e ritorna su questo stessa scena dopo oltre metà pellicola) e ne comincia, da lì, un altro, che appare come un’autentica esaltazione militaresca con urla, piedi gonfi degli aspiranti, cibo schifoso da far mangiare agli allievi. Padilha non usa vie di mezzo. Filma quello che c’è da mostrare, rifugiandosi nella crudezza dei contenuti, mentre, in realtà, il suo compiacimento sembra andare oltre l’esibizione formale. Ciò è evidente nel modo in cui viene mostrata la brutalità nelle ese- cuzioni degli spacciatori (un uomo bruciato vivo) e nel finale, dove Matias prende coscienza del suo ruolo e dell’eredità che sta per prendere. Davanti allo spacciatore Baiano, c’è lui con la pistola in mano, poi una dissolvenza bianca. Chissà quali metafore profonde nasconde questo stacco di montaggio. Padilha magari pensa che potrà essere oggeto in futuro di approfonditi studi di carattere semiologico. In realtà, è l’ultimo colpo di testa di un film solo imbarazzante nella forma e depecrabile, non tanto per quello che mostra ma per come lo mostra. Simone Emiliani LAMORE SECONDO DAN (Dan in Real Life) Stati Uniti, 2007 Acconciature: Nathan J. Busch II, John James, Emma C. Rotondi Supervisore effetti speciali: Steven Kirshoff Coordinatore effetti speciali: Gregory Morell Supervisore effetti visivi: David Lingenfelser (Furious FX) Supervisore costumi: Hope Slepak Supervisore musiche: Dana Sano Interpreti: Steve Carell (Dan Burns), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch Burns), Alison Pill (Jane Burns), Brittany Robertson (Cara Burns), Marlene Lawston (Lilly Burns), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen), Jessica Hecht (Amy), Frank Wood (Howard), Henry Miller (Will), Ella Miller (Rachel), Cameron “C.J.” Adams (Elliott), Jessica Lussier (Jessica), Seth D’Antuono (Gus), Margot Janson (Olivia), Willa Cuthrell-Tuttleman (Bella), Emily Blunt (Ruthie Draper), Felipe Dieppa (Marty Barasco), Matthew Morrison (poliziotto), Bernie McInerney (James Lamson), Amy Landecker (Cindy Lamson), Steve Mellor (commesso libreria), Pauline Gregory (anager bowling), Shana Carr (Suzanne Burns), Nicole Morin (Jane a 13 anni), Charlotte Davies (Cara a 11 anni), Zoe Pauliks (Lilly a 4 anni), Sondra Lerche (se stessa) Durata: 98’ Metri: 2630 Regia: Peter Hedges Produzione: Brad Epstein, Jonathan Shestack per Dan In Real Life Productions/Focus Features/Touchstone Pictures Distribuzione: Eagle Pictures Prima: (Roma 28-3-2008; Milano 28-3-2008) Soggetto e sceneggiatura: Pierce Gardner, Peter Hedges Direttore della fotografia: Lawrence Sher Montaggio: Sarah Flack Musiche: Sondra Lerche Scenografia: Sarah Knowles Costumi: Alix Friedberg Produttori esecutivi: Darlene Caamano, Noah Rosen, MaryJo Winkler Co-produttore: Dianne Dreyer Direttore di produzione: Mary-Jo Winkler Casting: Bernard Telsey Aiuti regista: Stephen P. Dunn, Paul Byrne Prenderville, Daniela Barbosa, Brad Robinson Operatore: Daniel C. Gold Operatore steadicam: Faires Anderson Art director: Mark Garner Arredatore: Kyra Friedman Trucco: Matiki Anoff, LuAnn Claps, Trish Seeney D an, vedovo, cura una rubrica sui rapporti familiari. Dopo la morte della moglie non ha avuto altre relazioni e si è dedicato completamente alla crescita delle tre figlie. Durante una gita a casa dei suoi, conosce in libreria Marie, una bella signora di cui si invaghisce. Tornato a casa racconta a tutti della sua nuova conoscenza; mentre parla, però, arriva suo fratello Mitch con la nuova fidanzata: Marie. Dan non rivela a nessuno che la misteriosa donna conosciuta la mattina e la fu- tura cognata sono la stessa persona e chiede a Marie di fare lo stesso. Purtroppo l’uomo non riesce a mantenere un atteggiamento normale e il weekend si trasforma in un incubo. I parenti, vistolo particolarmente nervoso, gli organizzano un’uscita con una bella ragazza del luogo, Ruthie, nella speranza che lo svago lo metta di buon umore. Ma la situazione non cambia. Anche Marie è molto confusa circa i suoi sentimenti, per questo lascia Mitch e la casa che la ospitava. Dopo pochi chilometri, però, chiama Dan e gli chiede 10 di raggiungerla per parlare di quello che è successo tra loro. I due si confessano i loro sentimenti e decidono d svagarsi con una partita a bowling. Casualmente tutta la famiglia di Dan va allo stesso locale e vede i neo-amanti baciarsi. Tutti sono increduli e delusi, in particolare Mitch. Marie, compreso il danno, scappa in lacrime dicendo che non vuole più rivederli. Il clima in famiglia dopo questa scoperta è molto teso, ma tutti sono pronti a perdonare Dan, incluso Mitch che intanto ha messo gli occhi su Ruthie, a patto che Film vada a riprendersi Marie. L’uomo non se lo fa ripetere due volte, corre da lei e convola a giuste nozze. I n una della scene iniziali del film appare un’affascinante Juliette Binoche che scambiando il protagonista Dan per un commesso, gli chiede di procurargli un libro con queste caratteristiche “divertente, ma non troppo, che prenda alla sprovvista, che ti faccia realizzare che quello che pensavi non solo era giusto in un modo sbagliato, ma che se anche sbagliavi c’era qualcosa di giusto nei tuoi sbagli. Un libro che ti coinvolga completamente, ma non troppo.” Queste pochissime battute avrebbero fatto capire a qualunque uomo che la donna in questione era un tipetto particolare da cui stare il più possibile alla larga, se non si è alla disperata ricerca di complicazioni sentimentali Dan, invece, dopo tre anni di castigata vedovanza trova in lei la donna a cui affidare i suoi sentimenti assopiti. Peccato che poche ore dopo il destino, crudele e bizzarro, gli faccia scoprire, durante una riunione d famiglia, che la pretenziosa lettrice non è altri che la fidanzata del fratello. Inevitabilmente equivoci Tutti i film della stagione e imbarazzi attendono il poveretto dietro l’angolo. Sotto queste simpatiche premesse si apre la pellicola L’amore secondo Dan, diretta da Peter Hedges, regista che ha rispolverato il mai troppo abusato contesto familiare per raccontare delle storie di quotidiana umanità in cui sentimenti e piccole recriminazioni si fondono nel bisogno di comprensione da parte di chi è più vicino a noi. L’impostazione è quella della commedia, una commedia dalla scrittura fluida, dai tempi comici ben scanditi e dai dialoghi pacatamente realistici. Si potrebbe obiettare che la trama assomigli vagamente a La neve nel cuore di Thomas Bezucha, ma tutto lo svolgimento risulta sicuramente più riuscito perché privo di elementi drammatici e situazioni di forte tensione che indeboliscono la natura brillante della pellicola. Interessante la scelta di collocare la riunione familiare in un ambiente apparentemente isolato, come a voler rendere la convivenza necessariamente forzata e priva di ogni possibilità di evasione. Lo stesso scantinato, ricercato da Dan per riflettere, infatti, diventa luogo in cui far convergere tutta la verbosità dell’invaden- te famiglia, con l’inevitabile implosione finale che mette a dura prova le convinzioni di ciascun personaggio. A questo proposito, c’è da segnalare l’interpretazione di Steve Carrel che, dopo 40 anni vergine e Little miss Sunshine , conferma la sua attitudine a quei ruoli che permettono di incastrare leggerezza e introspezione, confezionando un personaggio impacciato e fragile per cui non si può che parteggiare. Non da meno gli altri interpreti tra cui spicca l’eleganza recitativa di Juliette Binoche che nel ruolo della viveuse fa da ottimo contrappeso alla strabordante famiglia Burns. Peter Hedges ha fatto un buon lavoro; L’amore secondo Dan è una commedia lieve, scorrevole senza troppe pretese, ma con qualche spunto riflessivo da non sottovalutare, inoltre è farcita da una comicità senza bardature che nella sua genuinità strappa il sorriso e, allo stesso tempo, rassicura. Rimane solo un dubbio: nella descrizione del libro cercato dalla Binoche il regista voleva per caso suggerire la recensione voluta per il suo film? Francesca Piano THE EYE (The Eye) Stati Uniti, 2008 les, Carlton Coleman, Aaron Koons, Matthew W. Mungle, GeRegia: Xavier Palud, David Moreau off Redknap, Graham Schofield, Clinton Wayne Produzione: Don Granger, Paula Wagner per Lionsgate/ParaTrucco: Monica Huppert, Blair Leonard mount Vantage/Cruise-Wagner Productions. In associazione Acconciature: RaMona Fleetwood con Vertigo Entertainment Supervisore e coordinatore effetti speciali: Jak Distribuzione: Mediafilm Osmond Prima: (Roma 4-4-2008; Milano 4-4-2008) Responsabile effetti speciali: Randy E. Moore Soggetto: dalla sceneggiatura di Jo Jo Yuet-chun Hui, Danny e Supervisori effetti visivi: Mike Uguccioni, Marc Varisco Oxide Pang del film del 2002 Supervisore costumi: Melissa Moody Sceneggiatura: Sebastian Gutierrez Supervisore musiche: Jay Faires Direttore della fotografia: Jeff Jur Interpreti: Jessica Alba (Sydney Wells), Alessandro Nivola (dr. Montaggio: Patrick Lussier Paul Faulkner), Parker Posey (Helen Wells), Rade Serbedzija Musiche: Marco Beltrami (Simon McCullough), Fernanda Romero (Ana Christina MartiScenografia: James H. Spencer nez), Rachel Ticotin (Rosa Martinez), Obba Babatundé (dr. Costumi: Michael Dennison Haskins), Danny Mora (Miguel), Chloe Moretz (Alicia Millstone), Produttori esecutivi: Peter Block, Peter Chan, Doug DaviBrett Haworth (‘uomo ombra’), Kevin K. (Tomi Cheung), Tamlyn son, Mike Elliott, Roy Lee, Michelle Manning, Darren Miller, Tomita (sig.ra Cheung), Esodi Geiger, Ryan J. Pezdirc (infermieMichael Paseornek ri), Karen Austin (sig.ra Hillman), James Salas (Jim), Brett O’MaProduttore associato: Sarah E. Barker ra (Brett), Landall Goolsby (Alex), Sarah E. Baker (cugina SaCasting: Nancy Nayor, Kelly Wagner rah), Laura Slowinski (Cynthia), Richard Redlefsen (Richard), Aiuti regista: Eric Tignini, Sunday Stevens, Frank Tignini, Eric Amanda Shamis (Amanda), Kisha Sierra (Kisha), Mark Bankins Glasser, Michael Curtis, Albert Cho, Jeff Bilger, Chad Belair (Peekaboo), David Milchard, Kimani Ray Smith (camerieri café), Operatore: Don Devine Kam Hing Chau (cuoco Kam Lam Yuen), Jasmin Dring (cameOperatore steadicam: Bob Gorelick riera Kam Lam Yuen), Zak Santiago (Emilio), James H. Spencer Art director: Nayton Vane (fantasma ascensore), Ingrid M. Nurse (infermiera del bambino) Arredatore: Joseph Litsch Durata: 98’ Effetti speciali trucco: Richard Redlefsen, Stephen Bett- Metri: 2700 11 Film S ydney Wells carinissima e brillante primo violino dell’orchestra filarmonica di Los Angeles è cieca dall’età di cinque anni in seguito a un incidente occorso con la sorella, che ora ha non pochi sensi di colpa. Finalmente è giunto il momento per Sidney del doppio trapianto di cornea: l’intervento riesce perfettamente dal punto di vista clinico, ma segna l’inizio di problemi inaspettati. La ragazza infatti comincia a “vedere” una serie di immagini che non appartengono alla propria vita, allucinazioni, scene spaventose che possono far pensare a un ipotetico contatto con il mondo dei morti, causato o dovuto a sollecitazioni che non si comprendono. Il Dott. Paul Faulkner che è stato affiancato a Sidney per seguirla nel difficile passaggio dalla cecità alla realtà visiva, ipotizza si tratti del cosiddetto fenomeno della memoria cellulare per cui chi riceve il trapianto di un organo, recepisce anche delle caratteristiche del donatore. Le visioni che aumentano, il vedere allo specchio una figura diversa dalla propria immagine, una vita professionale e di relazione ridotta allo zero spingono Sidney e il dottore a individuare in Messico le tracce della ragazza da cui sono state prelevate le cornee. È Anna Cristina, una giovane considerata una strega nel borgo messicano, che, per il dolore di non avere potuto salvare un gruppo di persone dall’incendio scoppiato in una fabbrica, si è impic- Tutti i film della stagione cata. Ora è la stessa Anna Cristina che vuole trasmettere degli avvertimenti a Sidney che sfrutterà questa strana comunicazione per salvare insieme a Paul un gran numero di persone da un incendio divampato in autostrada, a causa dell’esplosione di una cisterna di combustibile. R emake del film omonimo di Oxide Pan Chung e Danny Pang del 2002 (primo di una trilogia che man mano ha perso smalto, finendo dimenticata col terzo capitolo), questo film spinge all’interrogativo canonico di ogni remake: perché? Pur non presentando una risposta precisa, la pellicola si ritaglia un suo territorio: il film progenitore proponeva il particolare rapporto con l’inconoscibile proprio della cultura asiatica che comprende un possibile andirivieni diurno di presenze o di entità appartenenti al mondo dei morti; un comune contatto quotidiano quindi tra la realtà empirica di chi è vivo e la dimensione sconosciuta di chi non c’è più. Questo lavoro occidentale, legato a una distinzione netta tra vivi e morti, il cui confine non può essere superato, né confuso, sfrutta lo spunto di base della storia che in passato ha inspirato tanti altri film, cioè la cecità, e va oltre. Il fatto di non vedere è, da solo, già un elemento inquietante perché pone chi non vede in una dimensione di particolare supremazia psichica (contemporaneamente all’handicap fisico, certo) costruita e collaudata grazie all’affinamento degli altri sensi e delle altre percezioni che portano chi non vede a “vedere” ciò che i normali vedenti, invece, non vedono. Qui si aggiunge anche un’altra cosa: proprio quando il non vedente vede e tutto dovrebbe quindi andare meglio, cominciano i problemi perché il nuovo vedente vede ciò che non dovrebbe (né vorrebbe) vedere e che gli altri non vedono e a cui, naturalmente, non credono. Questo però non basta perché il mistero, l’inquietudine, la paura devono farsi immagine, presentati da attori, sia pure con l’aiuto di qualche effetto: qui gli attori non ci sono perché tutto il cast sembra addormentato, meccanico, spinto e provocato dagli effetti speciali rappresentati dal fantasma di turno, dal vento, dall’incendio, dal buio in fondo alle scale che non trascinano nella partecipazione e nella suspence, ma insistono sul frastuono esplosivo sull’inquadratura quasi subliminale senza coinvolgimento né passione. Peccato, perché la figura degli “accompagnatori”, ectoplasmi minacciosi che vengono a prendere i vivi per introdurli nel mondo dei morti, un po’ di turbamento lo trasmette e lascia sedimentare quel piacere da inquietudine che avrebbe potuto (e dovuto) ispirare tutto il resto; ma così non è stato. Fabrizio Moresco UNESTATE AL MARE Italia, 2008 Francesco Mancini, Desy Luccini, Pamela Camassa, Humberto Glaffò, Francesco Ciampi, Andrea Muzzi. Ep. “Traffico sulla Pontina”: Enrico Brignano (Italo), Nancy Brilli (Luciana), Riccardo Rossi (Giovanni Morabito), Paola Minaccioni (Patrizia), Giovanni Fiorillo, Giorgia Ceccarelli, Maria Novie Casin Belludo, Stefano Dragone. Ep. “L’isola dell’amore”: Biagio Izzo (Dudù), Alena Seredova (Debbie), Gennaro Cannavacciuolo, Rosaria De Cicco, Francesco Mastandrea, David Zed, Roberto Albin. Ep. “Il giovedì”: Enzo Salvi (Enzo), Francesca Nunzi (ex-moglie di Enzo), Stefano Ambrogi, Massimo Marino, Alex Di Fede, Nicola Di Gioia, Tiziano Lepone, Mariano D’Angelo, Stefano Bendula, Valentina Avanzi. Ep. “Extralarge”: Ezio Greggio (Ugo Persichetti), Anna Falchi (Cosima), Giovanna Rotellini, Maria Bolignano, Corrado Taranto, Mario Zucca, Salvatore Misticone, Domenico Sepe, Clotilde De Spirito, Enzo Casertano, Franco Pinelli, Antonio Romano. Ep. “La signora delle camelie”: Gigi Proietti (Giulio), Maurizio Micheli (Giorgio Adonazzi), Loredana Piedimonte, Claudio Pallottini, Susanna Proietti, Roberto Della Casa, Marco Simeoli, Marco Di Folco, Benito Urgu, Lucio Salis Durata: 115’ Metri: 3270 Regia: Carlo Vanzina Produzione: Medusa Film Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 27-6-2008; Milano 27-6-2008) Soggetto e sceneggiatura: Enrico e Carlo Vanzina Direttore della fotografia: Claudio Zamarion Montaggio: Raimondo Crociani Musiche: Manuel De Sica, Luigi Mas Scenografia: Serena Alberi Costumi: Nicoletta Ercole Organizzatore generale: Totò Gallo Direttore di produzione: Leonardo Recalcati Suono: (presa diretta) Candido Raini Interpreti: Gigi Proietti (narratore), Michele Gammino, Giorgio Gobbi, Gianni Franco, Paola Giannetti (sala doppiaggio). Ep. “Il conte di Montecristo”: Lino Banfi (Nicola), Victoria Silvestedt (Eva) Giovanni Mancini, Amalia Ponziano, Nicomede Maretti, Nicola Vieste, Marco Zingaro, Giovanni D’Addario, Charlotte Crona, Massimo Papappicco, Nicola Nocella, Elena Cantarone, Leonardo Cassio. Ep. “Saracinesca”: Massimo Ceccherini (Cecco), Alessandro Paci (Manfredi), Marisa Jara (Mercedes), 12 Film F ilm a episodi. Nel primo Nicola torna dopo tanti anni nel suo paesino in Puglia insieme a una moglie bellissima per prendersi una rivincita sui suoi compaesani che l’avevano ribattezzato “il cornuto”. Preleva tutti i suoi risparmi e li dona al reparto di geriatria locale nella speranza che il suo nome venga associato a quello di benefattore. Purtroppo, però, la donna che lui aveva pagato per fingersi sua moglie va a letto con mezzo paese riconfermando la sua fama di cornuto. Nel secondo, a Forte dei Marmi, un tifoso sfegatato della Fiorentina cerca in tutti i modi di scoprire se Manzanas firmerà il contratto con la sua squadra del cuore. Il calciatore è in vacanza con una annoiatissima fidanzata che, all’ennesimo rifiuto da parte sua di fare sesso, si butta fra le braccia del tifoso. Manzanas scopertolo comunica per mezzo stampa che non firmerà mai un contratto con una squadra con dei sostenitori così poco rispettosi. Nel terzo, Italo e Luciana, amanti da tempo, si apprestano a raggiungere i rispettivi coniugi al Circeo, ma rimangano bloccati in ascensore e iniziano a litigare furiosamente. Intanto i loro partner al mare approfittano del ritardo per passare del tempo insieme in camera da letto. Nel quarto, a Capri un antiquario si finge gay per attrarre più clienti. Un giorno nel suo negozio si presenta un miliardario americano che gli chiede di arredare la sua villa e di badare, sotto compenso, all’avvenente moglie in sua assenza. L’antiquario accetta e cerca di portare a termine il suo compito brillantemente, ma, una sera, ubriaco va a letto con la donna. Al suo ritorno, il miliardario gli propone di andare ad arredare anche la sua villa a Palm Beach. L’antiquario accetta pregustando altre notti con la donna, ma sotto il tavolo l’americano gli fa il piedino costringendolo a scappare adducendo un impegno improrogabile. Nel quinto, sul litorale di Ostia un padre divorziato cerca di guadagnarsi l’affetto del figlio raccontandogli tante bugie: gli dice di essere ricco, amico di gente famosa, ma il bambino scopre presto tutto. Per non deludere il padre, però, finge di credere a tutto e lo ringrazia per la bella giornata passata insieme. Nel sesto, il ragionier Persichetti è in vacanza a Ischia con la moglie, una corpulenta cantante lirica. Nello stesso albergo alloggia Cosima l’amante di lui in perenne attesa che lasci la moglie. L’uomo si divide maldestramente fra le due donne fino a quando la moglie, scoperto il tradi- Tutti i film della stagione mento, lo lascia e Cosima stanca di aspettare si mette con un tenore. Nell’ultimo episodio, a Porto Rotondo, un doppiatore smemorato sostituisce, nel ruolo di Armando, un attore malato nella rappresentazione di “La signora delle camelie”. Non conoscendo a memoria il copione è aiutato da un suggeritore. Le battute, però, gli arrivano distorte ed il dramma diventa uno spettacolo comico di grande successo. I fratelli Vanzina sono in fase nostalgica ultimamente e non bisogna essere degli espertoni di cinema per notare questa tendenza. La commedia all’italiana di cui sono figli, discepoli e, per alcuni, maestri è diventata qualcosa da esaltare, da riproporre, da ricodificare, a modo loro naturalmente. Da questa intuizione nasce Un’estate al mare, pellicola a episodi nel più classico degli stili balneari che racconta il costume dell’Italia contemporanea con un occhio puntato al passato, alla ricerca di quel “sapore” che aveva contraddistinto molte celebri produzioni anni SessantaSettanta. O almeno questo è negli intenti. Sette località turistiche per sette situazioni tipo: un uomo alla ricerca del riscatto sociale, un tifoso che pedina il suo idolo, un uomo che si finge gay, un padre che vuole conquistare il figlio a suon di bugie, due amanti chiusi in un ascensore, un uomo diviso fra una moglie brutta e un’amante pretenziosa e, infine, un attore alle prese con uno spettacolo improvvisato. Una domanda tutt’altro che inappropriata vista la fama dei registi di specchio 13 della cultura nazionalpopolare, ma è questa l’Italia? Forse, ma non quella odierna. I Vanzina, infatti, sembrano cristallizzati in un modello di comicità troppo obsoleto, a un immaginario comune che è lontano dalla realtà, che rievoca situazioni e personaggi datati che non hanno purtroppo più nulla da dire al pubblico. Nonostante sia apprezzabile il forte citazionismo nel film ( da Quelle strane occasioni a Il giovedì solo per citarne alcuni) che lo rende quasi un omaggio alla commedia italiana, la comicità grossolana, le situazioni prevedibili e i tormentoni fuoriluogo lo rendono un prodotto assolutamente scadente. Quando si va a vedere un film del genere, lo scopo è sicuramente l’evasione e la risata facile, ma tutto ciò può avvenire se in fase di scrittura c’è miseria d’ idee? Si può ridere ascoltando per la millesima volta la stessa battuta o vedendo perpetuarsi all’infinito un cliché che già una decina d’anni fa era ricoperto di muffa? Evidentemente sì e, a questo proposito, va un grande plauso ai Vanzina perché dimostrano intelligenza nell’usare il minimo sforzo ottenendo il massimo rendimento, perché loro, a onor del vero, ci hanno provato a fare film di taglio differente, o ad aggiornare la loro comicità, ma il pubblico li premia solo e soltanto quando mettono su pellicola storie pruriginose di “corna e curve” e quindi perché strafare? Un estate al mare, in sostanza, offre questo: una carrellata di bellone mozzafiato, uomini allupati, qualche racchia e qualche comico intenti ad allietare le giornate afose dell’italiano schiacciato dal malcontento quotidiano. Film Questi giullari di corte o salvatori della patria (fate un po’ voi), hanno le sembianze di Lino Banfi, indeciso fra Oronzo Canà e Nonno Libero, Biagio Izzo, con il suo solito gay “fri fri”, Ezio Greggio, rimasto bloccato agli anni Ottanta, Enzo Salvi, incapace di non sporcare la sua performance con i tormentoni, Enrico Brignano, simpatico, ma non esaltante, Massimo Ceccherini, piuttosto anonimo ed infine Gigi Proietti, magnifico. E sì, lui è veramente bravo, l’indiscus- Tutti i film della stagione so mattatore della commedia con un episodio che dura solo una decina di minuti, ma che vale la sofferenza della precedente ora e mezza di film. Lo scarto recitativo con i colleghi è incolmabile e la risata scoppia (finalmente!) fresca sia dentro che fuori lo schermo grazie alla rivisitazione di uno sketch di Dino Verde. Ma un episodio su sette è un po’ poco per promuovere una commedia! Non ammorbidiscono il giudizio neanche il tono nostalgico o il messaggio subliminale (“il film russo che ha vinto a Cannes du’ palle”) anzi lo sviliscono ulteriormente. In questi casi è consuetudine fare il paragone con Totò, bistrattato a ogni uscita e ora osannato come il “principe della risata”. Con questo illustre esempio ai Vanzina non resta dunque che aspettare: il tempo è galantuomo, darà loro la giustizia negata oppure li farà dimenticare. Francesca Piano LA NOTTE NON ASPETTA (Street Kings) Stati Uniti, 2008 Coordinatore effetti speciali: Bruno Van Zeebroeck Supervisore effetti visivi: Chris Watts Supervisore effetti digitali: Danny Braet Supervisore effetti animazione: Rif Dagher Supervisori musiche: John Houlihan, Season Kent Interpreti: Keanu Reeves (detective Tom Ludlow), Forest Whitaker (capitano Jack Wander), Hugh Laurie (capitano James Biggs), Chris Evans (detective Paul Diskant), Cedric the Entertainer (Scribble), Jay Mohr (sergente Mike Clady), Terry Crews (detective Terrence Washington), Naomie Harris (Linda Washington), Common (Coates), The Game (Grill), Martha Higareda (Grace Garcia), John Corbett (detective Dante Demille), Amaury Nolasco (detective Cosmo Santos), Cle Shaheed Sloan (Fremont), Noel Guglielmi (Quicks), Michael Monks (patologo), Daryl Gates (il Capo), Clifton Powell (sergente Green), Angela Sun (Julie Fukashima), Kenneth Choi (boss Kim), Walter Wong (delinquente Kim), Kerry Wong (commesso Union Market), Aaron McPherson, Paul Anthony Barreras (poliziotti Union Market), Yonda Davis, Siobhan Parisi (prostitute), Kevin Benton (tenente Van Buren), Kirstin Pierce (moglie di Clady), Kate Clarke (ragazza di Demille), Garret Sato, Victor Kobayashi Durata: 109’ Metri: 2880 Regia: David Ayer Produzione: Lucas Foster, Alexandra Milchan, Erwin Stoff per Regency Enterprises/Yari Film Group/3 Arts Entertainment/ Emmett-Furla Films Distribuzione: Twentieth Century Fox Prima: (Roma 27-6-2008; Milano 27-6-2008) V.M.: 14 Soggetto: James Ellroy Sceneggiatura: James Ellroy, Jamie Moss, David Ayer Direttore della fotografia: Gabriel Beristain Montaggio: Jeffrey Ford Musiche: Graeme Revell Scenografia: Alec Hammond Costumi: Michele Michel, Michelle Liu Produttori esecutivi: Bruce Berman, Michele Weisler, Bob Yari Produttore associato: Julian Wall Co-produttore: John Ridley Casting: Mary Vernieu Aiuto regista: Julian Wall Operatori: Marc Cole, Jay Herron, Tom Schnaidt Arredatore: Hilton Rosemarin Supervisore effetti trucco: Dean Jones Effetti speciali trucco: Ken Niederbaumer Effetti acconciature: Nicole Michaud, Liz Pisano Trucco: Starr Jones D opo la perdita della moglie la vita di Tom Ludlow, poliziotto del Dipartimento di Polizia di Los Angeles, non è più la stessa. La donna, che aveva una relazione extraconiugale, era stata abbandonata dallo stesso amante morente sui gradini dell’ospedale. Anima in pena alimentata a vodka, il detective Tom trova conforto solo nella violenza. Vive di notte sulle strade, armato da testa a piedi ed è incapace di provare paura. È lui che garantisce la sicurezza dei cittadini e crea terrore nei sobborghi della città. Affronta infatti gli aspetti più degradanti della società, applicando una giustizia personale e priva di compromessi. Per i suoi capi è un uomo prezioso, nessuno come lui sa fare certi lavori con qualsiasi mezzo, falsificando prove e mentendo. Anche perché a proteggerlo c’è sempre il capitano Jack Wander, che lo copre, sgombrandogli il terreno da ogni pericolo. Insieme formano una coppia che non teme rivali; li chiamano i “re delle strade”. I problemi iniziano quando, durante una rapina, muore un collega che da tempo stava indagando sulle attività illecite di Tom. E da quanto emerge dalle prove il mandante, se non l’autore del delitto sembrerebbe proprio lui, che si trovava “casualmente” sulla scena del delitto. Anche questa volta il capitano riordina tutti i pezzi, alterando le prove, affinché il puzzle risulti perfetto. Tuttavia Tom non è soddi14 sfatto, un’inquietudine lo tormenta, anche perché quel poliziotto era un suo amico e vuole fargli onore. Così, parte un’indagine personale, nonostante al Dipartimento lo invitino tutti a lasciar perdere. Riesce a coinvolgere nel suo vortice anche una giovane matricola, animata come lui dalla voglia di andare fino in fondo per trovare la verità. Lacerato dalla sensazione, da una parte, di avere la protezione della sua squadra e, dall’altra, di non essere dalla parte giusta, Tom si trova pure alle costole il capitano Biggs della commissione disciplinare del Ministero, sempre pronto a incastrarlo al primo passo falso. Quello che scopre è una realtà torbida e corrotta, dove gli stessi poliziotti si fanno le scarpe gli Film uni con gli altri. E la ragione è sempre quella: il denaro e il raggiungimento del potere. Tom, dopo aver versato l’ennesimo sangue e aver perduto anche il giovane collega durante una sparatoria, arriva finalmente a completare la sua indagine. A tirare le fila di tutto c’è il vecchio Jack, suo amico fidato da cui mai avrebbe pensato di essere tradito, intenzionato a incrementare sempre più il suo patrimonio e a diventare il re assoluto di Los Angeles, diventandone il sindaco. Tom completa la sua missione uccidendo il capo, per uscirne ancora una volta pulito, con il distintivo protetto ora dal capitano Biggs. N oir contemporaneo che lascia poco spazio alla speranza La notte non aspetta è il film di David Ayer, regista dal realismo estremo che adatta il soggetto originale Street Kings, scritto da James Ellroy, autore dallo stile frammentario, dal ritmo serrato e dall’humour nero che ricordiamo soprattutto per Tutti i film della stagione le sceneggiature di L.A. Confidential o Black Dahlia. Riconosciuto come il più significativo rappresentante del romanzo noir contemporaneo e il più incisivo scrittore di crimini, James Ellroy è autore di una straordinaria tetralogia dedicata alla sua Los Angeles, con la quale ha raccontato quell’inestricabile, disperato intreccio di corruzione e violenza che vive nelle parti più oscure di quella metropoli. Servendosi di un buon cast, sostenuto da un ritmo mozzafiato, Ayer anche lui californiano, porta la macchina da presa in questi luoghi dove non batte il sole, espletando gli effetti dell’abuso del potere e della corruzione in America. Di certo, un prodotto del genere in Italia non ce lo saremmo potuti permettere, se già con La piovra c’è stato chi urlava allo scandalo per l’aver infangato il nome e l’onore delle forze dell’ordine. Di nuovo, si capisce come la forza della società americana, nonostante tutti i suoi problemi e difetti, sia invece nella capacità e nel coraggio di raccontare storie come questa. Crudo, violento, bagnato di sangue, questo thriller urbano non brilla per originalità, ma è un buon prodotto di genere. Tutta la storia sembra innescare una spirale senza compromessi: non c’è un personaggio che non sia violento, che il mito dei soldi e del potere, non abbiano corrotto. Il film ha un montaggio serrato e in particolare la seconda parte risente di un sovraccarico di eventi, che non è altresì supportato da dialoghi all’altezza delle immagini. Keanu Reeves ha perso finalmente i connotati da bravo ragazzo per assumere quelli maturi e cinici del giustiziere della notte, che si muove assecondando una propria morale piuttosto che la legge. Accanto a lui, da menzionare, Forest Whitaker, nel ruolo a lui congeniale dell’ambiguo e malvagio doppiogiochista capo di polizia e un Hugh Laurie, che non riesce a togliersi di dosso l’ingombrante Dr. House. Veronica Barteri GONE BABY GONE (Gone Baby Gone) Stati Uniti, 2007 Coordinatore effetti speciali: Conrad V. Brink jr. Supervisore effetti visivi: Henrik Feet Coordinatore effetti visivi: Andy Simonson Supervisore costumi: Hope Slepak Supervisore musiche: Nic Harcourt Interpreti: Casey Affleck (Patrick Kenzie), Michelle Monaghan (Angie Gennaro), Morgan Freeman (Jack Doyle), Ed Harris (Remy Bressant), John Ashton (Nick Poole), Amy Ryan (Helene McCready), Amy Madigan (Bea McCready), Titus Welliver (Lionel McCready), Michael K. Williams (Devin), Edi Gathegi (Cheese), Mark Margolis (Leon Trett), Madeline O’Brien (Amanda McCready), Slaine (Bubba), Trudi Goodman (Roberta Trett), Matthew Maher (Corwin Earle), Jill Quigg (Dottie), Sean Malone (Skinny Ray Likanski), Brian Scannell (Lenny), Jay Giannone (Steve Penteroudakis), William Lee (‘Big Dave’), Nicholas Donovan, Joseph-Thomas-O’Brien (ragazzini in bicicletta), Jimmy LeBlanc (Chris Mullen), Mary Bounphasaysonh (ragazza di Cheese), Fanshen Cox (segretaria di Doyle), Kippy Goldfarb (Francine Doyle), Elizabeth Duff (sig.ra Bressant), Cathie Callanan (sig.ra Poole), Cameron Henry (Jimmy Pietro), Bobby Curcuro (Bobby) Durata: 114’ Metri: 2892 Regia: Ben Affleck Produzione: Sean Bailey, Alan Ladd jr., Danton Rissner per Live Planet/Miramax Films/The Ladd Company Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures Italia Prima: (Roma 4-4-2008; Milano 4-4-2008) V.M.: 14 Soggetto: dal romanzo La casa buia di Dennis Lehane Sceneggiatura: Ben Affleck, Aaron Stockard Direttore della fotografia: John Toll Montaggio: William Goldenberg Musiche: Harry Gregson-Williams Scenografia: Sharon Seymour Costumi: Alix Friedberg Produttore esecutivo: David Crockett Produttori associati: Amanda Lamb, Aaron Stockard Co-produttore: Chay Carter Direttore di produzione: David Crockett Casting: Donna Morong Aiuti regista: Chris Surgent, Takahide Kawakami, Bill Purple, Matt Power Operatore/Operatore steadicam: P. Scott Sakamoto Art director: Chris Cornwell Arredatore: Kyra Friedman Trucco: John E. Jackson, Trish Seeney Acconciature: Mary L. Mastro, Brenda McNally P atrick Kenzie e Angie Gennaro sono una coppia di giovani detective di Boston. Un giorno vengono contattati dalla zia di una bambina scomparsa che chiede il loro aiuto; infatti la polizia non riesce a trovare la piccola Amanda, figlia di una tossicodipendente sbandata. Patrick e Angie accettano e iniziano a collaborare con la polizia, in particolare 15 con i detective Remy Bressant e Nick Poole e con il capitano della polizia locale Jack Doyle. Patrick, che vive nel quartiere da sempre e che conosce praticamente tutti, ha Film più facilità nel trovare informazioni utili. Viene cosi a sapere che la madre di Amanda, Helene McCready, insieme al suo compagno Ray ha rubato i soldi a Cheese, malavitoso tra i più potenti del quartiere. Cheese ha rapito Amanda per avere come riscatto i soldi rubati; viene organizzato l’incontro per lo scambio vicino a un lago, ma tutto va storto, inizia una sparatoria e Amanda affoga nel lago. Il caso viene chiuso, anche se il corpo di Amanda non viene ritrovato. Qualche mese dopo, viene rapito un altro bambino e Patrick inizia a chiedersi se non ci sia un legame con il rapimento di Amanda. Inizia delle indagini per conto proprio e, grazie a un suo amico spacciatore, trova l’uomo che ha rapito il bambino; facendo irruzione nella casa con Bressant e Poole, il quale morirà nella sparatoria, Patrick si trova faccia a faccia con il pedofilo che aveva rapito e ucciso il bambino. Il disgusto e la rabbia lo assalgono e Patrick gli spara un colpo in testa. Durante una conversazione, Bressant, ubriaco, si tradisce e svela che Ray, il compagno di Helene, era da molto tempo un suo informatore. Iniziano a questo punto una serie di colpi di scena: il rapimento di Amanda era stato organizzato dallo zio e da Bressant per prendersi i soldi che Helene ave- Tutti i film della stagione va rubato, Cheese non c’entrava nulla con il rapimento, Amanda era viva e viveva felice con il capitano Doyle andato in pensione. Nonostante la sua compagna Angie lo supplichi di non riportare Amanda dalla madre e di lasciarla vivere felice con Doyle, Patrick chiama la polizia e fa riportare Amanda dalla vera madre credendo di fare il meglio per la bambina e sperando che Helene avrebbe cambiato stile di vita, dopo il ritrovamento della figlia che oramai pensava morta. Questa forte scelta morale porterà alla rottura del rapporto con Angie. Il film si chiude con Helene che si prepara a uscire con un uomo e Patrick che rimane a badare ad Amanda. Patrick rimarrà per sempre con il dubbio di aver fatto o meno la scelta giusta. I l film è tratto dal romanzo di Denis Lehane “La casa buia” ed è l’esordio alla regia di Ben Affleck, che magistralmente cura tutti i dettagli, dalla scelta degli attori alla fotografia. Nonostante il tema delicato e forte, la violenza sui bambini, Affleck non mostra immagini scioccanti e narra la vicenda il modo asciutto ma mai superficiale. L’attore protagonista, Casey Affleck, coglie tutte le sfumature del suo personaggio nella continua scelta tra bene e male. Buoni e cattivi, in questa vicenda, si confondono, ponendo allo spettatore dei quesiti morali di difficile risoluzione. Gli adulti vengono dipinti dubbiosi, senza morale, attaccati al denaro, sbandati, egoisti. Forse i veri cattivi di questa storia sono proprio loro, i “grandi”, incapaci di badare a se stessi e quindi incapaci anche di prendersi cura degli altri. I bambini sono vittime innocenti delle distrazioni e vizi di un mondo che non sa più proteggerli. Il film tratta anche il tema della libertà. La libertà di scegliere secondo la propria coscienza e morale, spesso in contrato con quella di tutti. Patrick sceglie. Le sue azioni sono pensate e guidate da un forte senso di giustizia assolutamente privo di luoghi comuni. Ciò che tutti credono sia giusto, non sempre lo è. Spesso manca il coraggio di contrastare il perbenismo comune, ma Patrick questo coraggio ce l’ha ed è disposto anche a essere lasciato dalla sua compagna Angie per fare ciò che lui ritiene sia la cosa giusta. Il personaggio di Patrick, prigioniero di pensieri e dubbi, in realtà, è l’emblema dell’uomo libero. Un film interessante, che fa riflettere e che ci mette di fronte alla nostra coscienza forse non così libera come pensiamo sia. Maria Luisa Molinari RACCONTI DA STOCCOLMA (När mörkret faller) Svezia/Germania, 2006 Operatore: Henrik Dahnsjö Operatore steadicam: Michael Ole Nielsen Interpreti: Oldoz Javidi (Leyla), Lia Boysen (Carina), Reuben Sallmander (Aram), Peter Engman (Håkan), Bahar Pars (Nina), Per Graffman (Peter), Mina Azarian (madre di Leyla), César Saracho (padre di Leyla), Bibi Andersson (madre di Håkan), Annika Hallin (Stella Forsberg), Nisti Sterk (Nadja), Anja Lundqvist (Susanne), Zeljko Santrac (zio), Jonatan Blode (Johnny), Christopher Wolter (Frank), Tuva Sällström (Tella), Toni Haddad (zio anziano), Simon Engman (Max), Ashkan Ghods (Dana), Magnus Rossman (Johansson), Tomas Bolme (Ove Ternberg), Patrik Karlson (Åklagaren), Fredrik Eriksson (Lasse), Fyr Thorwald (Tony), Tobias Aspelin (Benny), Ralph Carlsson (giudice) Durata: 133’ Metri: 3150 Regia: Anders Nilsson Produzione: Joakim Hansson per Sonet Film AB/Multimedia Film und Fernsehproduktions GmbH Distribuzione: Teodora Film Prima: (Roma 30-4-2008; Milano 30-4-2008) V.M.: 14 Soggetto e sceneggiatura: Anders Nilsson, Joakim Hansson Direttore della fotografia: Per-Arne Svensson Montaggio: Darek Hodor Musiche: Bengt Nilsson Scenografia: Dave Marshall Costumi: Marie Flyckt Produttore esecutivo: Peter Possne Direttore di produzione: Frida Jonason Co-produttori: Tomas Eskilsson, Claudia Schröder Casting: Mikael Kyrklund Aiuti regista: Michael Lundin, Helena Larsson I l film si sviluppa seguendo tre tracce narrative intrecciate. Leyla Nina, ragazza appena maggiorenne di origine turca, viene sospettata dalla fami- glia di avere un ragazzo. Il padre, furioso, la picchia con violenza. Nina, esasperata, fugge da casa. La famiglia la cerca da amici e compagni di scuola. È la sorella Leyla a trovarla e a convincerla a tornare. 16 A casa, però, ha una bruttissima sorpresa. I parenti le intimano di suicidarsi. Nina ha il tempo di prendere il passaporto e fuggire dalla finestra. Passato qualche tempo Nina telefona Film a casa. Parla con Leyla e con la madre. Di nuovo viene convinta a tornare a casa. Le viene detto che per risolvere ogni problema basterà che accetti di sposarsi con un uomo scelto dalla famiglia. Nina cede alla richiesta. Tutti insieme partono alla volta di Amburgo, dove risiede la famiglia della madre. La notte, però, Nina viene costretta ad attraversare più volte una strada molto trafficata. La ragazza corre fino a quando, esausta, crolla a terra e viene travolta da un tir in corsa. Leyla, accortasi degli strani movimenti notturni, assiste impotente alla scena. In base alle testimonianze la polizia archivia il caso come suicidio. Leyla decide di recarsi alla polizia e di denunciare l’omicidio della sorella. Ricorda anche di una cugina, morta anni prima per annegamento in circostanze sospette. Mentre gli agenti indagano e confermano le indicazioni di Leyla, la ragazza incontra la madre. La donna la narcotizza e la porta via. Di nuovo tutta la comitiva familiare si avvia verso il luogo dove era morta Nina. Uno dei fratelli, però, d’accordo con la polizia, blocca l’auto del padre e permette l’arresto dei responsabili dell’omicidio di Nina. Carina Carina vince un importante premio di giornalismo televisivo. Durante la cerimonia, ringrazia i collaboratori, ma dimentica il marito Hakan, cameraman. Al rientro a casa l’uomo picchia la moglie. Carina, rimasta sola, chiama la sorella, che insiste perché denunci il marito alla polizia. Ma la donna non se la sente. Qualche giorno dopo, Hakan torna a casa. Si scusa, si dichiara pentito. Si riappacificano. Una sera, Carina esce di casa per partecipare a una conferenza seguita da un cocktail party. Hakan, geloso, abbandona a casa i due figli e la pedina. Carina avvicina un uomo politico membro del consiglio europeo per vagliare con lui l’ipotesi di partecipare alle prossime elezioni. Il marito la osserva da fuori. A casa Hakan picchia la moglie a sangue. Finalmente Carina si decide a chiamare la polizia. Il marito viene arrestato. Carina deve inoltre affrontare il giudizio della madre di Hakan, la quale è invece solidale perché reduce dalla stessa esperienza col marito. Carina è inoltre decisa a dedicarsi a un’inchiesta sulla violenza sulle donne. Chiede a un collega del suo canale televisivo di essere intervistata per parlare della sua esperienza personale. L’uomo, sotto la pressione della dirigenza della rete, non accetta. Carina si rivolge allora all’uomo politico con cui aveva parlato. Lui Tutti i film della stagione le offre di candidarsi per il suo partito con lo scopo di affrontare, a livello di parlamento europeo, il tema. In più, le chiede di rappresentare il partito in una tribuna politica che si svolgerà in un programma della rete per cui lavora. Al momento opportuno la donna parla della sua esperienza, anche se i conduttori fanno di tutto per fermarla. Alla fine del programma il direttore di rete le comunica il licenziamento. Il giorno delle elezioni, Carina ha poche speranze di farcela, ma i risultati la smentiscono. È prima fra i candidati del suo partito. Aram Durante la festa di Halloween, un gruppo di tre uomini viene buttato fuori da un locale da Peter, capo della sicurezza. I tre si ripresentano all’ingresso di lì a poco. Peter li dirotta verso un vicolo buio vicino al locale e fa a botte con quello che sembra essere il capo. I tre si allontanano di nuovo. Poco dopo, però, il capo del piccolo gruppo torna al locale e spara a Peter. Aram, il proprietario del luogo, fa scudo col suo corpo e lo salva, vedendo in faccia il malvivente. La polizia chiede di poter visionare i filmati delle telecamere a circuito chiuso. Aram mostra ai detective il killer. In breve tempo viene identificato come Johnny Lundberg, pregiudicato. Al rientro a casa, Aram trova ad attenderlo la banda al completo. Lundberg dapprima tenta di corromperlo, poi minaccia ritorsioni se deciderà di testimoniare contro di lui al processo. All’arrivo della polizia, i malviventi fuggono. Dopo alcuni giorni di pedinamenti e 17 minacce, la polizia avverte Aram che Lundberg è stato catturato. Non i suoi uomini, però. La sera stessa, infatti, il fratello di Aram viene aggredito. Negli stessi giorni, Peter esce dall’ospedale. Confessa ad Aram di aver accettato i soldi per non testimoniare. Poi spiega le dinamiche dello scontro nel vicolo. I tre uomini lo avevano provocato insinuando una relazione omosessuale con Aram. Al processo testimonia solo Peter, che poi decide di lasciare il paese. In aeroporto lo attendono gli uomini di Lundberg, uno dei quali lo segue fino all’imbarco. I due si affrontano e Peter ha la meglio. All’imbarco ci sono Peter, Carina e Leyla, ciascuno pronto a salire su un aereo diverso per iniziare una nuova vita. L a prassi di intrecciare più racconti in un solo film è oggi tanto diffusa da aver assunto i connotati di un vero e proprio genere. I registi che la praticano sentono quasi come un dovere morale quello di osservare la realtà da diversi punti di vista, di dare spazio a personaggi di provenienza culturale e appartenenza sociale quanto più differenziata possibile. Il film in questione non sfugge alla regola. Sceglie un tema e lo sviluppa in tre tracce narrative che si chiudono in una unità spazio-temporale (l’aeroporto) che assume un valore simbolico. A un livello più superficiale, potremmo identificare nell’osservazione e nella denuncia delle piccole violenze quotidiane, che in modo poco visibile ma sempre più diffuso caratterizzano il tessuto relazionale delle società Film occidentali, il tema che accomuna i tre Racconti da Stoccolma. Violenze che nell’episodio Leyla hanno una matrice culturale, esasperata fino alle estreme conseguenze, in Carina derivano da tare psicologiche dovute a traumi infantili (il figlio di un uomo che usa violenza sulla moglie è destinato a fare lo stesso sulla propria) e in Aram sono il risultato del degrado sociale (la microcriminalità che nella propria zona di appartenenza detta legge). Ma il film si sofferma ancor più sulle conseguenze, sull’omertà che accomuna Tutti i film della stagione le vittime e sulle cause della stessa. La difficoltà a denunciare quelli che sono pur sempre dei famigliari, come nel caso di Nina, la paura dell’isolamento, comune a Nina, Layla e Carina, anche se con motivazioni diverse, o di ritorsioni da parte di una criminalità che in questo modo ha buon gioco nel mantenere l’impunità (Aram e Peter). Il film chiude ottimisticamente le tre vicende mostrandosi fiducioso nei confronti delle qualità legislative e giudiziarie della Svezia e, soprattutto, dell’Euro- pa. Da parte nostra osserviamo uno sviluppo narrativo ben articolato per tre quarti del racconto, che diventa frettoloso e approssimativo (si potrebbe anche dire schematico, con particolare riguardo al finale in aeroporto, con i tre aerei dei protagonisti che incrociano le rotte verso direzioni diverse, ma ugualmente orientate a dare una nuova vita ai personaggi) quando è chiamato a tirare le fila del discorso. Fabio de Girolamo Marini UN AMORE DI TESTIMONE (Made of Honor) Stati Uniti/Gran Bretagna, 2008 Supervisore effetti speciali: Stuart Brisdon Supervisori effetti visivi: Edson Williams (Lola Visual Effects), Angela Barson Coordinatori effetti visivi: Marissa L. Fraering (Lola Visual Effects), Toby Langley (MPC) Supervisore costumi: Jessica Pazdernik Supervisore musiche: Nick Angel Coreografie: Dave Scott Interpreti: Patrick Dempsey (Thomas ‘Tom’ Bailey), Michelle Monaghan (Hannah), Kevin McKidd (Colin McMurray), Kadeem Hardison (Felix), Chris Messina (Dennis), Richmond Arquette (Gary), Busy Philipps (Melissa), Whitney Cummings (Stephanie), Emily Nelson (Hilary), Kathleen Quinlan (Joan), Selma Stern (nonna Pearl), Sydney Pollack (Thomas Bailey Sr.), James Sikking (reverendo Foote), Beau Garrett (Gloria), Christine Barger (blogger psicopatico), Lilly McDowell (commessa lingerie), Kelly Carlson (Christie, moglie), Craig Susser (avvocato di Christie), Corinne Reilly (hostess ristorante), Trip Davis (cameriere), Valerie Edmond (cugina Kelly), Hannah Gordon (madre di Colin), Cathleen McCarron (cugina Cathy), Eoin McCarthy (cugino Ewan), Clive Russell (cugino Finlay), Myra McFadyen (zia Minna), Iain Agnew (padre di Colin), Mary Birdsong (Sharon), Elisabeth Hasselbeck (se stessa), Te’onna Simone Tye (figlia di Felix), Brandon Saario (Paul) Durata: 101’ Metri: 2750 Regia: Paul Weiland Produzione: Neal H. Moritz per Columbia Pictures/Original Film. In associazione con Relativity Media Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia Prima: (Roma 12-6-2008; Milano 12-6-2008) Soggetto: Adam Sztykiel Sceneggiatura: Adam Sztykiel, Deborah Kaplan, Harry Elfont Direttore della fotografia: Tony Pierce-Roberts Montaggio: Richard Marks Musiche: Rupert Gregson-Williams Scenografia: Kalina Ivanov Costumi: Penny Rose, Rebecca Hale Produttori esecutivi: Callum Greene, Aaron Kaplan, Tania Landau, Amanda Lewis, Sean Perrone Direttori di produzione: Dustin Bernard, Erica Bensly Casting: Justine Baddeley, Kim Davis, Nina Gold Aiuti regista: Alexander H. Gayner, Courtney Getter, Bruce Franklin, Conte Matal, Kirk Michael Rogers, Oscar Beuselinck, Leah King, Candy Marlowe, Andrew Mannion, Adam Byles Operatori: Victor Alvarez, Henry Cline, David Morgan, P. Scott Sakamoto Art director: Sue Chan Arredatore: Melissa M. Levander Trucco: Linda Vallejo, Jane Galli, Beverly Binda, Ely Jim, Jan Sewell Acconciature: Merribelle Anderson, Suzy Mazzarese-Allison, Richard De Alba, Lori McCoy-Bell A lla festa di fine anno del college, Tom, dongiovanni impenitente e contento di esserlo, si infila per sbaglio nel letto di Hannah, compagna di stanza della sua ultima conquista. Dopo la sorpresa e l’imbarazzo, i due diventano amici. Dieci anni dopo sono ancora inseparabili, fino a quando Hannah non parte per un lungo viaggio di lavoro in Scozia. Tom si ritrova solo per la prima volta e si rende conto di essere innamorato di lei. Quando Hannah ritorna, il giovane è finalmente pronto a confessarle il suo amore, ma una brutta sorpresa lo attende: Hannah è accompagnata da Colin, ricco e affascinante duca scozzese con cui sta per convolare a nozze. Deciso a non perdersi d’animo, Tom accetta di farle da “damigella d’onore”, ruolo che per tradizione spetta all’amica più cara della sposa. Con pazienza e fantasia, Tom segue Hannah in tutti i preparativi per la cerimonia che si svolgerà nel castello avito di Colin, cercando di far valere i lati migliori del proprio carattere e di mostrarsi degno del suo amore. Purtroppo le cose non vanno come previsto e Hannah, pur innamorata di Tom, è comunque decisa a sposare Colin, che le dà quella stabilità e quel18 la sicurezza che il carattere di Tom sembra non poter promettere. Convinto che ormai non ci sia più niente da fare, Tom sta per ripartire per l’America, ma, all’ultimo momento, si rende conto di non poter lasciare Hannah: irrompe a cavallo nella chiesa interrompendo la cerimonia e dichiarando alla ragazza tutto il suo amore. Dopo aver piantato Colin all’altare, Hannah e Tom si sposano a New York. N on tutte le ciambelle, si sa, riescono con il buco e quella che sulla carta sembra una comme- Film dia divertente, con interpreti affascinanti e con una trama, sì scontata, ma interessante nel suo capovolgere la situazione di Il matrimonio del mio migliore amico in realtà si rivela un film mediocre e insipido, in alcuni momenti gratuitamente e stupidamente volgarotto, che strappa a mala pena qualche risata. Visto il successo della serie televisiva Grey’s Anatomy, Patrick Dempsey è ormai deciso a diventare una stella anche del grande schermo. Dopo aver interpretato con grazia e simpatia lo splendido Come d’incanto, l’affascinante attore incappa però in questa commedia che sembra puntare tutto su di lui, lo skyline sempre efficace di New York e le meravigliose Highlands scozzesi, infischiandosene di tutto il resto. Un amore di testimone è una commedia che non fa ridere, con un lungo preambolo introduttivo (si fa per dire, visto la povera caratterizzazione dei personaggi) che si trascina svogliatamente Tutti i film della stagione fino alla svolta del fidanzamento a sorpresa di Hannah. Per misurare il tempo impiegato da Tom per passare da perfetto idiota, sciocco e vanesio, tutto preso a conquistar donzelle senza accorgersi di aver già la ragazza giusta per lui sotto il naso, a altrettanto perfetto innamorato, sincero e sensibile, sarebbe sufficiente un timer per le uova. A un’ evoluzione così repentina e eccessivamente semplicista non sono certo d’aiuto né la regia smorta di Paul Weiland, né l’interpretazione “carina” di Dempsey, tutta ammiccamenti, sorrisini e smorfie slapstick che vorrebbero essere quelli di un Cary Grant, o di un Jimmy Stewart. Anche il personaggio di Hannah è poco sviluppato e il merito di renderla credibile spetta tutto alla brava Michelle Monaghan, qui come altrove purtroppo ridotta al ruolo quasi di comprimaria. Colin, il terzo incomodo, è praticamente una macchietta così come gli amici di Tom, una versione ma- schile del quartetto di Sex and the City. Ottimi i caratteristi, come sempre in pellicole del genere. Nel ruolo del padre di Tom spiace e al tempo stesso commuove ritrovare il grande Sidney Pollack: in un ruolo assolutamente poco approfondito in fase di sceneggiatura, il grande regista premio Oscar e attore di pregio fa la sua ultima apparizione cinematografica. E suoi sono comunque alcuni dei momenti migliori del film e alcune fra le battute più intelligenti in un’opera che certo non brilla per quello (in particolare lo scambio di battute sul mito di Bogart che rinuncia alla sua amata in Casablanca – del quale Pollack diresse quasi un remake nel 1990 dal titolo Havana, con Robert Redford al posto di Bogey). L’ambientazione scozzese è folkloristica, ma i tramonti sul lago del castello di Eilean Donan salvano il film. Chiara Cecchini ULTIMI DELLA CLASSE Italia, 2007 Suono: Piero Parisi Interpreti: Andrea De Rosa (Michele), Giulia Elettra Gorietti (Federica), Marco Iannone (Stiff), Sara Tommasi (Barbara), Nathalie Rapti Gomez (Cecilia), Ludovico Fremont (Matteo), Marco Messeri (Preside), Marco Battelli (Scott), Azzurra Mastrangelo (Chiara), Valentino Campitelli (Bidè), Clizia Fornasier (Giulia), Cecilia Sagnelli (aleria), Giovanni Garofalo (Alberto, padre di Cecilia), Francesca Nunzi (Morena, mamma di Cecilia), Chiara Sani (Francesca, mamma di Michele), Enzo Saturni (Mario, padre di Michele), Nicoletta Boris (prof.ssa Capozzi), Stefania Bogo (prof.ssa Iesa), Corrado Oddi (prof. Gransasso), Giacomo Gonnella (Lillo, l’idraulico), Enio Drovandi (prof. De Toma) Durata: 90’ Metri: 2460 Regia: Luca Biglione Produzione: Luciano Martino per Devon Cinematografica/Dania Film/Surf Film/Rai Cinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 16-5-2008; Milano 16-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Luciano Martino, Luca Biglione Sceneggiatura: Luca Biglione Direttore della fotografia: Giancarlo Ferrando Montaggio: Alessandro Cerquetti Musiche: Paolo Vivaldi Scenografia: Alessandro Rosa Costumi: Giovanni Ciacci Casting: Angelo Riccardo Aiuto regista: Stefano Anselmi M ichele è un liceale svogliato che colleziona insuccessi sia nel campo scolastico che in quello sentimentale. È innamorato di Federica, ma l’altezzosa ragazza preferisce donare le sue grazie a tutti fuorché a lui. Le sue uniche vie di fuga sono gli amici, Stiff e Cecilia (quest’ultima segretamente innamorata di lui) e il suo blog dove può fingere di essere quello che non è. Un giorno, nella sua classe giunge una bella e giovane supplente, Barbara, che scatena l’interesse di tutti gli alunni di sesso maschile. Cercando qualche notizia su di lei vengono a scoprire che la donna in passato ha fatto un calendario sexy, cosa che alimenta ulteriormente le loro fantasie. A metà anno arrivano le prime pagelle e i genitori di Michele visti i risultati disastrosi decidono di ritirare il figlio e di fargli fare a giugno gli esami da privatista. Per aiutarlo nello studio gli affiancano due docenti. Con grande sorpresa di Michele, uno dei due è proprio la supplente Barbara. Il ragazzo, allora, ne approfitta e propone un insolito patto all’insegnante: a ogni suo progresso dovrà mostrarle dal vero una posa del calendario partendo da quelle più castigate fino ad arrivare a quella più esplicita in caso di promozione. La donna accetta, anche perché il preside le ha promesso l’assunzione nel caso in cui Michele superasse gli esami. 19 Passa del tempo ed il ragazzo effettivamente migliora tanto da passare brillantemente gli esami. Barbara, allora, pronta a mantenere la promessa si autoinvita a cena a casa di Michele. All’ora prestabilita, però, quando apre la porta, il giovane si trova di fronte Cecilia. L’insegnante, infatti, aveva capito della cotta della ragazza e aveva escogitato tutto per regalarle una serata romantica con lui. Michele all’inizio è sorpreso, poi abbraccia l’amica e le confessa di amarla. P artiamo dalla “perla” finale del film di Luca Biglione: Non è colpa degli studenti se non studiano, è Film colpa degli insegnanti incapaci a stimolarli. La tipica difesa che ogni somaro invoca quando gli si rende conto del suo operato! Nel paese creato dalla penna di Collodi forse una frase del genere avrebbe il terreno per allignare, ma nella realtà è piuttosto infelice e non dovrebbe avere alcun tipo di propaganda. Come in tutti i mestieri anche in quello dei docenti c’è gente più preparata, più professionale, più appassionata ed altra meno, ma mai come negli ultimi anni questa professione è stata continuamente bistrattata. Una volta il professore era l’incubo di ogni studente, oggi è lo zimbello da mettere su youtube, da buggerare con versioni, temi, compiti copiati in pochi secondi da internet. E se ciò non bastasse ci sono i genitori, sempre pronti a difendere a spada tratta il “genio incompreso”. Molti docenti, per adeguarsi, si sono armati di iniziativa e hanno proposte le soluzioni più originali per far amare lo studio ai ragazzi, anche se il vero ostacolo è fargli comprendere che sui libri bisogna sudare almeno un po’, altrimenti non c’è stimolo che tenga, i risultati non ci sono. Un’idea alternativa in merito viene dalla pellicola sopraccitata chiamata appunto Ultimi della classe, in cui, per far studiare lo svogliatissimo Michele, un’insegnante privata cede alla proposta di fare uno spo- Tutti i film della stagione gliarello via via sempre meno casto a ogni suo progresso negli studi. La docente in questione, però, arriva a tanto, non per un amore spasmodico per l’insegnamento, ma grazie alla promessa da parte del preside di un contratto nel caso in cui lo studente venisse promosso. Il fine giustifica i mezzi (?). Tutto intorno a questo strano esperimento che farebbe rivoltare la Montessori, le classiche tiritere giovanili: amori non ricambiati, esami, genitori assenti, crisi d’identità. Il plot del film di Biglione è dunque aderente alla corrente giovalistica in voga al momento, con l’aggiunta, però, di qualche accenno alla commedia sexy all’italiana. Accenni molto castigati, è doveroso aggiungere, che non involgariscono la pellicola e non le danno quel taglio scollacciato che caratterizzava i film di Alvaro Vitali e company, come la promozione (partita mesi fa) voleva far credere. Ultimi della classe più che altro è un film leggero, da teenagers che tuttavia non è esente da difetti primo fra tutti la ripetitività. Per usare un paragone scolastico, si limita a copiare dal “compagno di banco” senza quel minimo di originalità che ogni furbetto aggiungerebbe al proprio elaborato per non essere scoperto. La sceneggiatura, inoltre, è scialba, frammentata, non ci sono battu- te simpatiche a rimpolparla e tutto è molto, inclusi i tormentoni, prevedibile. Gli attori sono in gran parte giovanissimi, ma già conosciuti. Michele, è interpretato dal bravo Andrea De Rosa che, però, non ha il piglio del protagonista e paradossalmente risulta più incisivo nel ruolo della spalla che gli permette di stare meno sulla scena ed evitare quel senso di smarrimento che “sporca” un po’ la sua performance. A contendersi, invece, il ruolo di reginetta della classe, Giulia Elettra Gorietti che, vista la giovane età, dovrebbe seriamente pensare di dedicarsi ad ambiti diversi dal cinema e la rossa Nathalie Rapti Gomez decisamente più portata rispetto alla giovane collega. La sexy professoressa ha il volto, e, soprattutto, le curve, della soubrettina Sara Tommasi che impacciata nei movimenti sembra più che altro la caricatura della sensuale Edwige Fenech a cui dichiara di ispirarsi. Come dice il protagonista “Ci sono ragazze che sono un cono da un euro e trenta e ragazze che sono un cono 10 euro”; anche in ambito cinematografico è così, peccato che il costo del biglietto sia lo stesso anche per un ghiacciolo insipido come questo. Francesca Piano CI STA UN FRANCESE, UN INGLESE E UN NAPOLETANO Italia, 2008 Aiuto regista: Lorenzo Grasso Produttore esecutivo: Alessandro Tartaglia Interpreti: Eduardo Tartaglia (Salvatore), Veronica Mazza (Noemi), Mario Porfito (Mario), Biagio Izzo (Enzino), Regina Bianchi (madre di Noemi), Teresa Del Vecchio (Marilena), Elian Khan (Majena), Genti Kame (Jean André), Eddie Roberts (capitano Redwell), Francesco Procopio (Timoteo), Ciro Ceruti, Ciro Villano (litiganti), Peppe Miale (vicedirettore dell’hotel), Stefano Saracinelli (commesso al supermercato), Massimo De Matteo (verificatore), Patrizio Rispo (pizzaiolo), Gianni Parisi (giudice) Durata: 95’ Metri: 2670 Regia: Eduardo Tartaglia Produzione: Eduardo Sr. e Alessandro Tartaglia per Mitar Group Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 11-4-2008) Soggetto: dalla commedia teatrale omonima di Eduardo Tartaglia Sceneggiatura: Eduardo Tartaglia Direttore della fotografia: Marco Pieroni Montaggio: Antonio Siciliano Musiche: Daniele Falangone Scenografia: Ettore Guerrieri Costumi: Sabrina Chiocchio Organizzatore generale: Paolo Lucarini D urante una missione all’estero, un gruppo di militari si appresta a sorteggiare il nome di colui che deve compiere un’importante missione umanitaria: sposare proforma una donna del luogo, incinta di un militare scomparso per evitarle la pena capitale. Il destino sceglie Salvatore, soldato napoletano, in procinto di convolare a nozze con la storica fidanzata Noemi. Que- st’ultima non prende bene l’intera faccenda specialmente quando scopre che Majena, la donna in questione, è particolarmente avvenente. La compassione, però, ha la meglio e ritornati in patria i tre iniziano a convivere. Per non destare i sospetti dell’ufficio Immigrazione Noemi si finge la cameriera della coppia, ma la gelosia e il tormento di non potersi sposare la rendono ogni giorno più irascibile. 20 A salvare il suo umore ci pensa un soldato francese, Jean, che inizia a corteggiarla mandando su tutte le furie Salvatore. Tutto il parentado consiglia alla ragazza di lasciar perdere il fidanzato e di cedere alle proposte dello straniero, ma lei continua a sperare nel suo vecchio amore. Più passano i giorni, più l’animo di Noemi e Salvatore si riempie di un astio che esplode durante una tavolata in cui i due Film iniziano a rinfacciarsi i comuni sbagli. Dopo le urla, però, realizzano di amarsi e quindi decidono che, dopo aver garantito la cittadinanza a Majena e al suo bambino con un matrimonio, si sarebbero sposati anche se non nel modo in cui avrebbero voluto. Noemi, sollevata, accetta di buon grado la finta unione di Salvatore e insieme assistono al parto plurigemellare della donna. Passano diversi anni, ottenuto il divorzio da Majena, i due fidanzati possono finalmente convolare a nozze. I sso, issa e o’ malamente è la tipica situazione della sceneggiata napoletana dove all’interno della coppia si inserisce un terzo uomo che ne mina la stabilità. Eduardo Tartaglia, celebre commediografo partenopeo, la ripropone in chiave “femminista” sostituendo il malamente con una donna bisognosa d’aiuto nella sua ultima fatica cinematografica Ci sta un francese, un inglese e un napoletano. La pellicola è, tratta dall’omonima opera teatrale dello stesso Tartaglia. Tutti i film della stagione Le atmosfere scelte dal regista sono quelle della Napoli di De Filippo chiassosa, colorata nei toni e nel linguaggio, dove parenti, amici e bottegai si sentono in “dovere” di impicciarsi, fare e rifare alle spalle del disgraziato di turno. Sono quelle della Napoli spassosa del professor Bellavista, fatta più di uomini “d’amore” che “di libertà”, dove, alla fine, tutto torna a posto, ma niente è in ordine; la Napoli che per antonomasia si ha nella mente e che, forse, è solo la visione esasperata dell’italianità stessa. Tartaglia regala, dunque, allo spettatore delle situazioni folcloristiche che seducono gli amanti del genere, però nella sua direzione non riesce a scrollarsi di dosso la lezione teatrale che va fortemente a influire sulla pellicola e sugli attori stessi che nella mimica e nella recitazione risultano un po’ troppo eccessivi. In particolare il tono di voce urlato che a teatro ha un impatto vincente, mentre al cinema risulta alquanto innaturale. Gli interpreti, però, sono bravissimi, e dopo qualche minuto, si entra facilmente nella “tarantella della strillata” e non ci si fa più caso rivolgendo completamente l’attenzione alla battute no-stop che nella loro banalità funzionano perché supportate da personaggi che sono di per sé delle caricature ambulanti. Fra tutti, il più riuscito e, senza dubbio, Noemi, che Veronica Mazza ha abilmente trasformato in un concentrato di femminea napoletanità, in cui dramma e comicità si fondono senza lasciar percepire dove inizia l’una o finisce l’altra. I duetti fra lei e Salvatore, interpretato dallo stesso regista, sono veramente godibili e sopperiscono interamente alla carenza di mezzi tecnici che avrebbero reso la pellicola più “cinematografica”. Il vero limite del film, però, è il napoletano che impedisce a chi non è avvezzo a questo dialetto di apprezzarlo al meglio, ma, d’altro canto, senza questo l’effetto finale sarebbe stato decisamente più fiacco e avrebbe relegato l’opera in quel mucchietto piuttosto nutrito di commedie che hanno la pretesa di sollazzare e invece atrofizzano ogni tendenza al sorriso. Francesca Piano THE HUNTING PARTY (The Hunting Party) Stati Uniti/Croazia/Bosnia-Erzegovina, 2007 Supervisore effetti speciali: Garth Inns Supervisore effetti visivi: Lon Molnar (Intelligent Creatures Inc.) Supervisore musiche: Liza Richardson Interpreti: Terrence Howard (Duck), Richard Gere (Simon), Jesse Eisenberg (Benjamin Strauss), Diane Kruger (Marjana), Ljubomir Kerekes (Boghdanovic, ‘la Volpe’), James Brolin (Franklin Harris), Goran Kostic (Srdjan), Mark Ivanir (Boris), Kristina Krepela (Marda), Gordana Vukres (ragazza alla premiazione), Damir Saban (Gert), Scott Anderson, Harald Doornbos, Philippe Deprez, Erich Rathfelder, Zan Marolt (giornalisti), Snezana Markovic (Una), Joy Bryant (ragazza di Duck), Branko Smiljanic (uomo con 9 dita), Semir Krivic (cameriere Roadhouse), Nitin Ganatra (Eknath Bharwani), R. Mahalakshmi Devaraj (Miriam), Damir Kukuly (uomo solitario), Zdravko Kocevar (Sascha), Dylan Baker (uomo CIA), Marinko Prga (uomo di Fox), Arif Alaibegovic (uomo anziano con chitarra), Luka Peros (commando), Miraj Grbic, Mladen Vulic (delinquenti), Lucio Slama (uomo con la cicatrice), Kata Ivkovic (signora anziana), Srecko Franovic (ragazzo), Sasa Dodik, Amer Isanovic, Sanela Seferagic, Aleksandra Grdic Durata: 101’ Metri: 2830 Regia: Richard Shepard Produzione: Mark Johnson, Scott Kroopf, Paul Hanson per Intermedia/The Weinstein Company/Cherry Road Films/Cherry Hill Productions/Jadran Film/QED International/Scout Film Distribuzione: Mikado Prima: (Roma 30-4-2008; Milano 30-4-2008) Soggetto: basato sull’articolo What I Did On My Summer Vacation di Scott Anderson apparso sulla rivista “Esquire” Sceneggiatura: Richard Shepard Direttore della fotografia: David Tattersall Montaggio: Carole Kravetz Musiche: Rolfe Kent Scenografia: Jan Roelfs Costumi: Beatrix Aruna Pasztor Produttori esecutivi: Bill Block, Elliot Ferwerda, Paul Hanson, Bo Hyde, Adam Merims, Martin Schuermann Direttori di produzione: Alejandra Cardenas, Ricardo Del Rio Casting: Stephanie Corsalini, Joyce Nettles Aiuti regista: Richard L. Fox, Alison Banks, Tomo Palikovic Art director: Mario Izevic Arredatore: Anuradha Metha Trucco: Ana Bulajic-Crcek Effetti speciali trucco: Katia Sisto I l giornalista televisivo Simon Hunt e il suo operatore Duck hanno affrontato insieme imprese ardue e pericolose per informare i telespettatori dalle zone di guerra più calde di tutto il mondo. Dall’Africa al Medioriente, dal Sudamerica ai Balcani, in compagnia del fidato amico cameraman, il reporter è scampato alle situazioni più pericolose e ha già collezionato diversi Emmy. Tuttavia nessuno può rimanere indenne a quel continuo teatro di orrori e Simon, durante una diretta televisiva da un paese bosniaco, ha un crollo psicologico. In seguito all’accaduto Duck vie21 ne promosso, mentre Simon sparisce dalla circolazione. In realtà, l’uomo continua a rischiare la pelle girando le zone di guerra da free lance per emittenti sconosciute e il compagno di un tempo si imborghesisce e fa carriera al seguito di un famoso giornalista televisivo. Cinque anni dopo, il came- Film raman ritorna a Sarajevo con Benjamin, reporter alle prime armi laureato ad Harvard, in occasione del quinto anniversario della fine della guerra. Qui i due amici si ritrovano e Simon propone a Duck uno scoop sensazionale: ritrovare “la Volpe”, il più efferato criminale di guerra bosniaco che sia Nato che Onu non sembrano aver avuto alcun interesse a catturare. Simon convince l’amico di essere a conoscenza del nascondiglio del criminale; così i tre si avventurano in una missione oscura e pericolosa. Iniziano le loro indagini, armati soltanto di notizie, per lo più anche incerte. Messo alle strette, Simon confessa a Duck di non sapere dove realmente si nasconda la volpe. Ciò che lo anima è soltanto la vendetta personale. Infatti anni prima il criminale aveva barbaramente ucciso la donna da lui amata e devastato il suo piccolo villaggio bosniaco. Con l’aiuto di alcuni guerriglieri del posto, capitanati da un’affascinante e misteriosa donna, i tre arrivano a spacciarsi per uomini della Cia e vengono catturati direttamente dagli uomini della Volpe. Scampati per poco alla morte grazie all’intervento delle autorità locali, Simon e i compagni devono riprendere da capo le loro ricerche perché il criminale è di nuovo riuscito a scappargli sotto il naso. Ma questa volta decidono di sorprenderlo in un momento inaspettato, proprio durante la sua attività preferita: la caccia alla volpe. Così, dopo averlo legato e malmenato, lo portano in uno dei tanti villaggi distrutti, perchè lo finiscano gli stessi cittadini sopravvissuti alla tragedia. I spirato a un fatto di cronaca, tre reporter americani che si misero sulle tracce del criminale di guerra Radovan Karadzic nel 2000, cinque anni dopo Tutti i film della stagione la fine del conflitto, The Hunting Party è un thriller hollywodiano di forte impatto, presentato fuori concorso all’ultima Mostra del Cinema di Venezia. Il fatto fu pubblicato su un giornale da un gruppo di giornalisti americani (presenti anche nel film come comparse) che, dopo aver seguito la guerra in Bosnia, erano tornati nei Balcani nella speranza di scoprire dove si nascondesse il criminale più ricercato di tutta Europa, tutt’oggi in libertà e con una taglia di cinque milioni di dollari posta sul capo. L’idea che se ne potesse ricavare un film venne a Mark Johnson, il produttore di Donnie Brasco, che si rivolse per vederla realizzata a Richard Shepard, il quale, dopo aver intervistato i giornalisti autori dell’articolo, partì alla volta di Sarajevo per rendersi conto di fatti, situazioni e luoghi adatti a servire da base a una vicenda che, pur conservando il ricordo della documenta- zione giornalistica, si prestasse anche a diventare uno spettacolo accettabile per i modelli hollywoodiani. “Solo i particolari incredibili della storia sono veri”, avverte la didascalia iniziale. Ma, in realtà, si parla di cose molto vere. A partire dalle brutalità della guerra serbo-bosniaca con le documentazioni e i materiali di repertorio delle atrocità perpetrate in quei territori. Per non parlare poi dell’indifferenza delle autorità giudiziarie e delle organizzazioni internazionali, che danno la caccia da anni a molti responsabili di crimini di guerra, senza riuscire a cavare un ragno dal buco. Nel frattempo, i latitanti diffondono memoriali, rilasciano addirittura interviste, si nascondono nelle luci dei riflettori, evidentemente protetti da una rete di connivenze. Un film di denuncia, insomma, che fa riflettere lo spettatore. E a conciliare cronaca e spettacolo ci pensa un’abbondante dose di humour nero che avvolge tutta la vicenda. Tra orrori della guerra e sguardo disincantato, si fa strada la morale di un protagonista che vuole farsi giustizia da solo, non con le armi, ma con l’informazione. Emerge bene, inoltre, la psicologia dell’inviato di guerra, fatta di adrenalina e incoscienza, unita a una dose massiccia di razionalità. Il film è ben costruito, la linea è originale e scorrevole, sebbene ci siano numerosi flashback. Peccato che, alla fine, un dramma mondiale assuma esclusivamente le dimensioni di una vicenda personale. Nella parte del disincantato protagonista un Richard Gere, sempre più versatile, dallo stile volutamente dimesso e, a tratti, romantico, che infonde al suo personaggio credibilità e spessore. Veronica Barteri IMPROVVISAMENTE LINVERNO SCORSO Italia, 2007 Regia: Gustav Hofer, Luca Ragazzi Produzione: Hiq Productions Distribuzione: Prima: (Roma 9-5-2008; Milano 9-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Gustav Hofer, Luca Ragazzi Montaggio: Desideria Rayner Produttore esecutivo: Maria Teresa Tringali Produttore associato: Jacqueline Lustig Suono: Silvia Moraes Interpreti: Veronica Pivetti, Frank Dabell (voci narranti), Gustav Hofer, Luca Ragazzi (se stessi) Durata: 80’ Metri: 2200 22 Film I l film è un documentario sulla vita di Gustav Hofer e Luca Ragazzi, una coppia gay che sta insieme da otto anni. Quando, nel 2006, il governo Prodi presentò una proposta di legge per le unioni civili estesa anche alle coppie omosessuali, nei cuori dei due si accende la speranza di avere, finalmente, dei diritti in quanto coppia. Ma le cose, purtroppo, non vanno come dovrebbero e, piano piano, nel nostro paese sembra crescere una forte omofobia. Chiesa, opposizione, partiti interni alla maggioranza, gente comune, televisioni, attuano un’offensiva generalizzata contro le unioni omosessuali. Per questo, Gustav decide di realizzare un documentario sulla vicenda sentendo l’opinione della gente comune, delle associazioni religiose, dei politici di destra e di sinistra come Rocco Buttiglione, Paola Binetti, Barbara Pollastrini, Franco Grillini, Cesare Salvi, etc. Gustav, insieme al suo compagno Luca, partecipa a manifestazioni favorevoli ai Tutti i film della stagione Di.Co, al Family Day, a manifestazioni di estrema destra e manifestazioni di estremisti religiosi e segue la discussione della legge in Senato. Il risultato delle loro interviste lascia un senso di disagio ai due protagonisti e, a un certo punto Luca è sul punto di mollare disgustato dall’ignoranza della gente. Con ironia viene raccontato l’iter di questa legge mai arrivata in porto e con ironia, alla fine Gustav e Luca si sposano nel discount “Dico” lasciando un sorriso amaro sulle labbra. I l film ha vinto la sezione Panorama della 58esima Berlinale ed è stato premiato come miglior documentario al festival di Cordova. Dalle interviste dei due protagonisti esce fuori un paese ignorante e contradditorio, che non conosce più il vero significato delle parole e che parla a frasi fatte. Le opinioni della gente sembravano come registrate in un nastro magnetico celebrale e mandate in loop. Si evince anche la confusione che le persone avevano sull’argomento, mescolando omosessualità, pedofilia e aborto, dicendo luoghi comuni e addirittura urlando “Se diamo la possibilità agli omosessuali di sposarsi, il genere umano si estinguerà!” Apoteosi dell’ignoranza popolare. Per fortuna una signora chiede: “Ma se si fanno questi Di.Co, la famiglia tradizionale, mica viene attaccata! Chi la tocca? Rimane li, con i suoi diritti intatti.” Verissimo. Ma nonostante ciò, molti politici all’interno del governo, Binetti in prima fila, hanno fatto di tutto affinchè questa legge non passasse. E hanno vinto. L’amore tra due persone dello stesso sesso, qui in Italia, dovrà ancora aspettare ad avere i suoi diritti. Nell’attesa non ci resta che guardare un buon film-documentario con le mani nei capelli, increduli di vivere in un paese così fesso. Maria Luisa Molinari UNDERDOG STORIA DI UN VERO SUPEREROE (Underdog) Stati Uniti, 2007 Regia: Frederik Du Chau Produzione: Gary Barber, Roger Birnbaum, Jonathan Glickman, Jay Polstein per Have No Fear Productions/Walt Disney Pictures/Maverick Film Company/Classic Media/Spyglass Entertainment Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures Italia Prima: (Roma 16-5-2008; Milano 16-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Joe Piscatella, Craig Williams, Adam Rifkin Direttore della fotografia: David Eggby Montaggio: Tom Finan Musiche: Randy Edelman Scenografia: Garreth Stover Costumi: Gary Jones Produttori esecutivi: Todd Arnow, Eric Ellenbogen, Bob Higgins Co-produttori: Rebekah Rudd, Erin Stam Direttori di produzione: Todd Arnow, Donna E. Bloom Casting: Gail Goldberg Aiuti regista: Philip A. Patterson, Ellen M. Hillers, Dominick Scarola, Richard E. White Operatori: Daniel C. Gold, Michael J. Walker Art director: James F. Truesdale Arredatore: Maggie Martin Trucco: Joe Rossi Acconciature: Peggy Nicholson Suono: Tom Williams I l perfido Dottor Barsinister, aiutato dallo sciocco assistente Cad, sta conducendo esperimenti illega- Supervisore effetti speciali: David Peterson Coordinatore effetti speciali: Paul J. Lombardi Supervisori effetti visivi: Robert Duncan (Framestore CFC), Matt Johnson, Ben Shepherd (Cinesite), Mark Dornfeld, Joel H. Thornton, Hoyt Yeatman Coordinatori effetti visivi: Gareth Murphy (Cinesite), Tracy L. Kettler, Paulina Kuszta, Shiraz Peer Liberman Supervisore costumi: Caroline Errington Interpreti: Jason Lee (voce di Underdog), Peter Dinklage (dr. Simon Barsinister), James Belushi (Dan Unger), Patrick Warburton (Cad), Alex Neuberger (Jack), Taylor Momsen (Molly), John Slattery (sindaco), Amy Adams (voce di Polly), Brad Garrett (voce di Riff Raff), Samantha Bee (Direttore), Timothy Crowe (capo della polizia), Larry Vigus (guardia sicurezza), Mario Mariani (agente polizia), Bates Wilder (poliziotto), Alexander ‘Alex’ Garde (ragazzo magro), Christopher Francis Byrnes (postino), Jon Pierce (venditore di hot dog), Susie Castillo (Diana Flores), Bob Jaffe (professore), Anthony Estrella, Ellen Withrow (insegnanti), Nalik McMullen (agente), Aaron Dorsey (ragazzino), Walter Covell (uomo anziano), Kate Lohman (casalinga), John M. Deluca (giornalista), Lewis D. Wheeler (tipo strano con gli occhiali), Frank Ridley (sergente di polizia), Joseph Siriani, Sujoy De, Michele Proude, Albert M. Chan, Bruce-Robert Serafin Durata: 84’ Metri: 2253 li su dei cani. Un beagle, ex cane poliziotto, riesce a fuggire dal laboratorio, senza accorgersi però di essere stato contaminato 23 da alcune pozioni. Ad aiutarlo arriva il vigilante Dan, ex poliziotto anche lui, che lo adotta e lo porta a casa dal figlio Jack. Film Sarà proprio il ragazzo a scoprire e sviluppare i superpoteri di Shoeshine, nome dato al beagle, che riesce perfino a parlare con gli umani. Nasce così il supereroe Underdog. Intanto Barsinister, che ne segue le peripezie in tv, realizza un nuovo piano criminale per distruggere la città; rapisce Dan per fare uscire Underdog allo scoperto e metterlo fuori combattimento. Grazie all’aiuto di Dan e Jack, Underdog riuscirà a sventare il piano criminale e salvare Polly e Molly, rispettivamente cocker e padroncina, di cui i protagonisti sono innamorati. U nderdog nasce in America intorno agli anni ’60 come cartoon. Dato il grande successo del prodotto (è uscito anche in dvd), la Disney ha ben pensato di riesumare la figura del supereroe canino, per donarle carne e ossa. I titoli di testa, per omaggiare la storica serie, sono accompagnati da una piccola tv che ne trasmette la sigla originale. Il regista Frederik Du Chau, si muove egregiamente in un genere cinematografico che è pane per i suoi denti. Da sempre infatti si dedica a film per famiglie come Tom e Jerry-Il film (1992) ed Alla ricerca della valle incantata 3 (1995), qui aiutato da una tecnologia che, compiendo l’ennesimo passo avanti, ci mostra sul grande schermo animali parlanti senza restarne infastiditi. Tutti i film della stagione James Belushi (La saga di Un poliziotto a quattro zampe), nei panni del papà Dan risulta un po’ sottotono; mentre il giovane Alex Neuberger si cala perfettamente nella parte del tipico adolescente arrabbiato con tutto e tutti; convincente anche la prova di Peter Dinklage, che rivedremo tra poco nel secondo capitolo de Le cronache di Narnia. Nella versione originale Shoeshine è doppiato da Jason Lee (Almost Famous; Alvin Superstar), mentre in quella italiana da un valente Pasquale Anselmo, già voce di Nicholas Cage. Il messaggio del film è semplice ma efficace: tutti possono essere supereroi, anche senza l’uso di poteri speciali. In effetti, è Shoeshine e non Underdog, a capire fiutando, dove si trova la bomba innescata dal cattivo di turno. Underdog, termine americano che designa chi è un perdente e da cui non ci si aspetta nulla, diventa quindi il simbolo di chi invece può emergere e compiere buone azioni nella propria vita, sia che si tratti di un uomo o di un animale. Non a caso, i percorsi di Shoeshine e Dan vanno in parallelo: entrambi sono stati degradati a lavoro e vengono derisi dai colleghi, finché con le loro forze riacquistano la stima in loro stessi e, cosa più importante per Dan, il rispetto di suo figlio. Molte e divertenti, sono le citazioni di altri film di supereroi. La cagnolina Polly che si innamora dell’alterego mitico senza sapere che accanto a sé ha l’eroe senza maschera, ricorda la Mary Jane di Spiderman; la sequenza della mutazione genetica che si compie in Shoeshine e quella delle prove per trovare il costume idoneo, sono una perfetta parodia di quello che accade a Peter Parker. La figura di Underdog, con tanto di mantello svolazzante che sorveglia la città dall’alto, ricorda la figura di Batman che troneggia dal grattacielo; mentre il logo del supereroe roteante per cambiare scena ricorda quello del telefilm di Batman degli anni Sessanta. Essendo un film della Disney, non potevano certo mancare dei rimandi ad altri cartoni della stessa casa: proprio come Aladdin che rapisce Jasmin per farle conoscere il vero mondo, così Underdog porta la sua Polly sopra i grattacieli della città, per poi cenare con un piatto di spaghetti e polpette che richiama la famosa e tenera scena di Lilli e il Vagabondo. Nei titoli di coda, ritroviamo infine, il divertente espediente già visto in film come Monsters & Co. (2001): i finti errori dei protagonisti. È sicuramente un film per bambini, non a livello di altri della Disney, ma ben girato e che può divertire anche gli adulti. Elena Mandolini INTERVIEW (Interview) Stati Uniti/Canada/Olanda, 2007 Direttore di produzione: Mark Kamine Aiuti regista: Doesjka van Hoogdalem, Nancy Herrmann, Michael L. Walker Operatori: Martijn van Beenen, Menke Visser Arredatore: Christina K. Tonkin Interpreti: Steve Buscemi (Pierre Peders), Sienna Miller (Katya), Michael Buscemi (Robert Peders), Tara Elders (Maggie), David Schechter (maitre), Molly Griffith (cameriera), Elizabeth Bracco (donna al ristorante), James Villemaire (uomo al ristorante), Jackson Loo (fan al ristorante), Craig Mums Grant (tassista), Doc Dougherty (camionista), Donna Hanover (cronista), Wayne Wilcox (attore), Danny Schechter (esperto di politica), Philippe Vonlanthen, Yan Xi (cacciatori di autografi), Steve Sands, Craig Grant, JoJo Whilden (paparazzi), Katja Schuurman (ragazza nella limousine), James Franco (voce del fidanzato al telefono) Durata: 84’ Metri: 2200 Regia: Steve Buscemi Produzione: Scott Hornbacher, Gijs van de Westelaken, Bruce Weiss per Cinemavault Releasing/Column Productions/ Ironworks Productions/Kiss the Cactus Distribuzione: Fandango Prima: (Roma 11-4-2008; Milano 11-4-2008) Soggetto: dalla sceneggiatura originale di Theodor Holman del film del 2003 diretto da Theo van Gogh Sceneggiatura: Steve Buscemi, David Schechter Direttore della fotografia: Thomas Kist Montaggio: Kate Williams Musiche: Evan Lurie Scenografia: Loren Weeks Costumi: Victoria Farrell Produttore esecutivo: Nicolas Stiliadis Co-produttore: Ellen Verbeek Produttori associati: Alan Delsman, Barbara Delsman, Ellen Havenith, Harry Pappas, Michael Paszt N ew York. Il giornalista Pierre Peders, inviato di guerra che ha viaggiato per mezzo mondo, ri- ceve l’incarico di intervistare Katya, famosa star di una soap opera di successo. Irritato perché deve abbassarsi a fare 24 un’intervista così futile, Pierre si reca all’appuntamento con l’attrice in un ristorante alla moda. Fin dalle prima battute, Film tra i due c’è aria di lite. Katya si è fatta attendere a lungo e si atteggia a star. Dal canto suo, Pierre confessa all’attrice di non aver visto nessuno dei suoi lavori e di non aver letto neanche il materiale informativo che aveva ricevuto. Lui è seccato, lei è distratta, litigano e Katya va via. Pierre sale su un taxi, ma il tassista distratto dalla bellezza di Katya finisce per andare a sbattere. Pierre rimedia una ferita alla testa e Katya lo soccorre portandolo a casa sua. Nel loft della ragazza, la tensione tra i due si stempera. L’attrice confessa i suoi segreti e le sue operazioni di chirurgia estetica. Katya provoca Pierre, lo stuzzica, lo bacia. Quando Katya si allontana per parlare al telefono, Pierre si mette a curiosare nel computer della ragazza. L’uomo legge il suo diario nel quale l’attrice confessa di non amare il fidanzato Ewan. Pierre invia quelle confidenze al suo indirizzo di posta elettronica. Il clima tra i due ora è rilassato e le confidenze si fanno più intime. Proprio allora, Ewan suona alla porta, Katya non lo fa entrare e mente dicendo di essere sola. Immediatamente dopo, Pierre dice di essere certo che lei non ama più il fidanzato e le mostra le prove: accende il computer della ragazza e le legge alcune frasi del suo diario. Katya va su tutte le furie. Pierre è convinto che la donna non le abbia raccontato nulla di lei e insiste per sapere cosa la tormenta. La ragazza gli propone un accordo, lei confesserà la verità solo a patto che anche lui le riveli il suo segreto più intimo. Katya legge un brano del suo diario, in cui dichiara di avere un cancro. Pierre registra la confessione e le promette che dirà al suo direttore di non aver fatto quell’intervista. È la volta di Pierre: l’uomo racconta di aver perso la figlia e di aver passato un inferno con la moglie, tanto che un giorno, trovandola svenuta per overdose di alcool e pillole, non solo non la soccorse ma si addormentò ubriaco: aveva praticamente ucciso la moglie. Prima di salutarsi, Katya, senza essere vista, sostituisce la cassetta con la sua confessione. Per le scale, Pierre si affretta a telefonare al suo capo per dirgli che Katya ha il cancro e che l’intervista sarà uno scoop. Subito dopo, Katya telefona a Pierre dicendogli che la sua confessione era in realtà uno dei suoi esercizi di recitazione. La ragazza dice al giornalista di essere in possesso della sua confessione e chiede cosa deve farne: mandarla al suo direttore o alla polizia? B ugie e videotape. Il sesso è solo accennato, suggerito, stimolato... per posa divistica o per bisogno di verità? Un confronto a due, stretto, in- Tutti i film della stagione calzante, serratissimo. Prima violento, poi pacato. Un uomo e una donna distanti in apparenza anni luce. Lui tutt’uno con la sua professione di giornalista politico, il look dimesso, l’età non più giovane, la passione per il lavoro e basta, lei una donna bellissima, vestita alla moda, imitata, inseguita, adorata, famosa per un ruolo in una soap opera di successo. Il film ha molti meriti. Il primo, richiamarsi direttamente alla teoria della celebrità di Andy Warhol, la tendenza a mescolare l’alto con il basso, l’impegno con la frivolezza. Seconda nota di merito, un impianto prettamente teatrale che tiene concentrato lo spettatore su temi come media, bugie e verità. Tranne una parentesi iniziale in un ristorante, quasi tutta l’intervista del titolo si svolge nel loft della protagonista. Non può non venire alla mente, anche perché uscito nella stessa stagione cinematografica, l’incontro messo in scena da Sleuth. Anche qui, un solo luogo teatro dello scontro, anche qui una casa privata, la fortezza iper-tecnologica del ricco scrittore Michael Caine, violata dal belloccio amante della moglie Jude Law. Anche qui, uno scontro fra due mondi e due generazioni, una continua confusione di ruoli tra il più forte e il più debole. Anche qui, menzogne e verità, capovolgimenti e sorprese. E soprattutto, il rapporto con i media e con la celebrità (rieccoci a Wahrol) e la confusione tra realtà e rappresentazione. Dov’è il confine tra messa in scena e verità? Cosa è recitazione e cosa è vita vera? Nella vita valgono gli stessi inganni del palcoscenico? O si utilizza la menzogna per sopravvivere sul palcoscenico della vita? Il finale a doppio inganno lascia gli interrogativi aperti. 25 Gran parte del merito della resa drammatica perfetta di tutto il film, della tensione che resta alta e palpabile per tutta l’intervista, è certamente di Buscemi, uomo dall’aspetto ordinario dotato di cervello stra-ordinario, attore e regista della pellicola. Il film è il remake dell’omonimo film del 2003 del regista olandese Theo Van Gogh, ucciso da un fondamentalista islamico ad Amsterdam nel novembre 2004 dopo aver girato Submission, un film sulla violenza contro le donne nella società islamica. Ebbene solo Buscemi poteva raccogliere una sfida così difficile, lui, figlio di quella New York dei primi anni Ottanta con tutti i suoi fermenti culturali, lui con una lunga storia fatta di tanto teatro e cinema indipendenti. E l’ultima sua scommessa, girare di nuovo un film di Van Gogh e puntare su un’attrice finora troppo prigioniera del suo glamour come Sienna Miller, è davvero vinta. Il film si regge unicamente sui due protagonisti, due volti della comunicazione attuale, ma soprattutto due istrioni. Nel finale cala giù la maschera e scattano gli applausi. Ecco il vero volto dell’oca bionda e il vero animo del giornalista impegnato. Tutto bene finora. Il guaio è invece quando i tanti, forse troppi, protagonisti dell’attualità comunicativa dei nostri tempi (che comprende ormai tutto, dal cinema, alla televisione, alla cultura, alla politica) non riescono più a togliersela quella maschera .... E le bugie davanti a un videotape sono la sola e unica agghiacciante realtà. Elena Bartoni Film Tutti i film della stagione NOTTE BRAVA A LAS VEGAS (What Happens in Vegas) Stati Uniti, 2008 Regia: Tom Vaughan Produzione: Michael Aguilar, Shawn Levy, Jimmy Miller per 21 Laps Entertainment/Mosaic Media Group/Penn Station Entertainment/Penn Station Entertainment/Regency Enterprises. In associazione con Dune Entertainment III Distribuzione: Twentieth Century Fox Prima: (Roma 9-5-2008; Milano 9-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Dana Fox Direttore della fotografia: Matthew F. Leonetti Montaggio: Matt Friedman Musiche: Christophe Beck Scenografia: Stuart Wurtzel Costumi: Renee Ehrlich Kalfus Produttori esecutivi: Joseph M. Caracciolo jr., Dean Georgaris, Arnon Milchan Direttore di produzione: John A. Machione Casting: Avy Kaufman Aiuti regista: Glen Trotiner, Eddie Micalef, Justin Ritson, Joseph Aspromonti Operatore/Operatore steadicam: Andrew Casey Art director: W. Steven Graham Arredatore: Susan Bode Trucco: Tania Ribalow, Mary Anne Spano, Persefone Karakosta, Sheri Kornhaber, Robin Fredriksz, Tracey Levy N ew York. Joy Mc Nally è una broker bella e dinamica, Jack Fuller uno scapolo scioperato e inconcludente. Lei ha appena perso il fidanzato per eccesso di sollecitudine, lui il lavoro per mancanza di impegno. Due persone completamente diverse. Ma il destino vuole che si incontrino con i rispettivi amici a Las Vegas dove, dopo una notte di sfrenato divertimento, si ritrovano marito e moglie. L’indomani, smaltiti gli effetti dell’alcool, Joy e Jack sarebbero pronti a divorziare se il caso non decidesse per loro altrimenti. Con il quarto di dollaro di Joy, Jack vince alla slot machine tre milioni di dollari. Ma perché la somma possa essere divisa equamente, un giudice tradizionalista li obbliga a sei mesi di convivenza forzata con relativa terapia di coppia, pena la confisca del denaro. Inizia così un vero e proprio tour de force matrimoniale senza esclusione di colpi -bassi- per liberarsi dell’altro e incassare l’intera vincita. Ma, al di là di crisi isteriche, liti e dispetti di ogni sorta, la convivenza quotidiana li costringe a conoscersi meglio e scoprirsi più vicini di quanto non siano all’apparenza. Così Joy entra lentamente nella vita di Jack, conosce i suoi genitori e ne conquista la stima. Lui invece, recitando la parte del “marito” spiritoso e brillante durante un ritiro di lavoro, riesce a farle ottenere la sperata promozione. È il segno che qualcosa è cambiato per entrambi. Trascorsi i sei mesi di convivenza i due Acconciature: Lona Vigi Coordinatore effetti speciali: John Stifanich Supervisore effetti visivi: Eric J. Robertson Supervisore costumi: Kathy Oberlin Supervisore musiche: Deva Anderson Interpreti: Ashton Kutcher (Jack Fuller), Cameron Diaz (Joy McNally), Rob Corddry (Hater), Lake Bell (Tipper), Jason Sudeikis (Mason), Treat Williams (Jack Fuller Sr.), Deirdre O’Connell (Judy Fuller), Michelle Krusiec (Chong), Dennis Farina (Richard Banger), Zach Galifianakis (Dave), Queen Latifah (dr. Twitchell), Krysten Ritter (Kelly), Ricky Garcia (operaio), Andrew Daly (Curtis), Benita Robledo (cameriera), Dennis Miller (Giudice R. D. Whopper), Ben Best (tassista), Caroline Willman (Sammy), Thomas McGoldrick (zio Pat), Maddie Corman (avvocato di Joy), Jerry V. Lindsay (prete matrimonio), Samantha Ridge (turista), Jennifer Trier (zia Fuller), Adam Zuniga (sig. Chng), Aaron Nuta, Christopher Negrin (amici di Hater), Sheena Alonzo (Amanda Diamond), Bradley Morone (manager club). Eric Zuckerman (guida turistica), Richard M. Schaeffer, Michael P. Molnar, John Eisenberg, Ciaran T. O’Kelly (commercianti NYMEX) Durata: 99’ Metri: 2800 ritornano nell’aula di tribunale. Joy annuncia a sorpresa di rinunciare al denaro pur di ottenere il divorzio. Ma Jack, che finalmente ha capito di essere innamorato, non può certo essere felice per la vittoria della causa. Deciso ad affrontare la vita con maggior serietà, rincorrerà Joy, che nel frattempo ha rinunciato a lavoro e promozione, per chiederle di sposarlo di nuovo. E sei mesi dopo li ritroveremo ubriachi davanti a un prete a celebrare l’ennesima commedia del matrimonio. L a vita matrimoniale è già di per sé difficile, impegnativa. Lo è ancor di più se a ritrovarsi insieme, per incauta leggerezza, sono due persone dal carattere e stile di vita opposti. Lei una donna in carriera maniaca dell’ordine e della pulizia, preoccupata di essere sempre all’altezza delle situazioni e abituata a portare a termine tutto ciò che inizia. Lui un fannullone incapace di assumersi responsabilità come di portare a termine alcunché. La convivenza forzata tra i due non potrà allora che trasformarsi in una sfrenata guerra tra i sessi, al termine della quale Joy apprenderà l’arte del rilasciare, Jack quella del trattenere. Notte brava a Las Vegas è una divertente commedia sull’amore e le relazioni di coppia con un messaggio più o meno esplicito: il matrimonio come modo per recuperare la pienezza di sé attraverso il confron26 to con l’altro. Guardando con nostalgia alla notte di Frank Capra, Tom Vaughan realizza, senza troppa originalità, una screwball comedy incentrata sull’incontro/scontro tra due personalità eccentriche e perfettamente sospesa tra la verticalità dei grattacieli di New York e le architetture a tema di Las Vegas. Due città che nella loro profonda diversità – una è la capitale del lavoro, della finanza e della cultura, l’altra il tempio del divertimento e del piacere – sembrano come amplificare il dualismo dei protagonisti. Certo, in questa commedia che ci rivela tutti i segreti della vita coniugale (anche quelli che vorremmo rimanessero tali), non mancano momenti esilaranti. La matura Cameron Diaz è perfettamente nella parte quando interpreta una donna in piena crisi di nervi di fronte a lenzuola maleodoranti o lavelli incrostati. Come decisamente apprezzabili sono due figure di contorno: il consulente legale e miglior amico di Jack, Steve Hader, e la terribile amica di lei, Tipper, personaggi destinati a replicare con le loro continue schermaglie la coppia Diaz/Kutcher. Ma, al di là della pur nobile idea di fondo – la vita di relazione come momento di crescita personale – tutto rimane volutamente in superficie. E alla fine il vero deus ex machina di questa storia d’amore altro non è che l’alcool, sotto i cui effluvi Jack e Joy si sposeranno per ben due volte. Loredana Braccini Film Tutti i film della stagione CARGO 200 (Gruz 200) Russia, 2007 Regia: Aleksei Balabanov Produzione: Sergei Selyanov per Kinokompaniya CTB Distribuzione: Archibald Enterprise Film Prima: (Roma 9-5-2008; Milano 9-5-2008) V.M.: 14 Soggetto e sceneggiatura: Aleksei Balabanov Direttore della fotografia: Aleksandr Simonov Montaggio: Tatyana Kuzmichyova Scenografia: Pavel Parchomenko Costumi: Nadezhda Vasilyeva Direttore di produzione: Vladislav Maevskiy Aiuti regista: Roman Kovalyov, Anastasiya Pavlovich, Tatyana Lelik, Mikhail Medvedev, Yelizaveta Melnikova I l Colonnello Michail e Artem, docente di Ateismo all’Università, sono fratelli, e sul terrazzo della casa di Michail, bevendo e mangiando, parlano dei rispettivi figli: Lisa, figlia di Michail, l’indomani all’alba partirà con il suo amico/fidanzato Valerij per trascorrere il fine settimana nella dacia di un’amica di classe. Lisa è una brava ragazza e studia con profitto, Michail non si può davvero lamentare. Invece il figlio di Artem passa più tempo alle feste che alle lezioni universitarie, e, a conferma di ciò, Artem mostra a Michail una foto in cui è ritratto suo figlio che si diverte con un gruppo di amici. In quel mentre sopraggiungono Lisa e Valerij (la maglietta che indossa, di colore rosso e con l’enorme scritta CCCP, diventerà un elemento importante) e i due fratelli commentano che Valerij, pur non essendo studente, non è a combattere in Afghanistan perché “straniero” (è in parte georgiano). Siamo nell’Unione Sovietica di metà anni Ottanta. In serata, Artem parte alla volta di Leningrado, dove vive la madre; Valerij va a ballare in una discoteca arrangiata alla bell’e meglio in un casolare abbandonato, nella quale c’è una predominanza femminile per via della chiamata alle armi. Lì incontra Angelica, amica di Lisa e figlia del Segretario del Comitato Regionale del Partito, nonché proprietaria della dacia della festa; Valerij propone di andare in un posto poco lontano da lì, per rifornirsi di superalcolici. Nel frattempo, Artem è in panne con l’auto sulla strada di Leningrado e chiede aiuto presso l’unica abitazione del circondario: conosce così i distillatori illegali Aleksej, Antonina e il vietnamita che lavora per loro, soprannominato Sunka, mentre un terzo, inquietante, uomo presente Operatore: Zaur Bolotayev Suono: Mikhail Nikolayev Trucco: Natalya Krymskaya, Darya Vasilkova, Kseniya Yakhnina Interpreti: Agniya Kuznetsova (Angelica), Aleksei Poluyan (capitano ¦urov), Leonid Gromov (Artem), Aleksej Serebryakov (Aleksej), Leonid Bichevin (Valerij), Natalya Akimova (Antonina), Yuri Stepanov (Michail, colonnello), Mikhail Skryabin (Sunka) Durata: 89’ Metri: 2253 non dice una parola. Tra una bottiglia di vodka e l’altra, mentre Sunka ripara l’auto, Artem e Aleksej discutono di ateismo e utopia: Aleksej vuole costruire la Città del Sole di Campanella e attacca duramente le posizioni di Artem, perché, secondo la sua opinione, il Comunismo ha eliminato dal paese la presenza di Dio per non doversi giustificare delle proprie azioni, non sempre corrette. Sistemata l’auto, Artem torna a casa di Michail, perché è molto ubriaco. Senza incontrarsi, Valerij e Angelica giungono nello stesso luogo; il ragazzo esagera con l’alcool e finisce in terra svenuto. Antonina nasconde la ragazza nel deposito degli alcolici per proteggerla dagli uomini, ubriachi dunque potenzialmente molesti, ma il taciturno la trova, uccide Sunka che vorrebbe difenderla e le usa violenza con una bottiglia vuota. Inutili i tentativi della giovane di appellarsi al ruolo di potere del padre e alla forza fisica fidanzato al fronte in Afghanistan. Al mattino, l’uomo rapisce Angelica e la porta con sé a Leningrado a casa della madre, un’anziana signora mentalmente poco presente che trascorre le giornate guardando la televisione, non badando a quel che accade a un metro da lei. La ragazza subisce altre umiliazioni, ammanettata alla testiera di ferro di un letto. L’uomo si chiama ¦urov ed è capitano della Polizia. Nel frattempo, a casa di Michail giunge la notizia della scomparsa di Angelica e che il suo fidanzato Kolja è caduto da eroe al fronte; inoltre, Lisa è disperata perché Valerij non è passata a prenderla. Il capitano ¦urov, per mancanza di personale; incaricato contemporaneamente delle indagini sulla morte di Sunka e delle ricerche di Angelica, e deve anche occuparsi del rientro in patria del corpo 27 del povero Kolja. Senza fatica, farà condannare Aleksej alla pena di morte per omicidio, incolperà un ragazzo di nome Valerij che indossa una maglietta con la scritta CCCP della scomparsa di Angelica, si farà consegnare dai genitori della ragazza le lettere che Kolja le spediva dal fronte e, infine, si impossesserà del cadavere, che sistemerà nel medesimo letto di Angelica. Artem, di nuovo sulla strada per Leningrado, ha assistito all’arresto di Aleksej e scoperto, grazie al dettaglio della maglietta, che Angelica è stata in quella casa con Valerij, ma non riesce a fare nulla di utile perché non vuole compromettersi: come in seguito dirà a Antonina, è un padre di famiglia e non può rischiare di perdere il lavoro. Angelica, in un orrore senza fine, subisce violenze da un uomo arrestato da ¦urov, dividendo il letto con il cadavere ormai decomposto del fidanzato, mentre ¦urov assiste imperturbabile, leggendo ad alta voce le lettere d’amore di Kolja. Poi uccide l’uomo e lascia nel letto anche il suo corpo. Qualche tempo dopo, irrompe nella stanza Antonina, che armata di fucile uccide ¦urov; sorda alle grida di Angelica, abbandona la giovane in una specie di cimitero, chiudendo la porta della stanza dietro di sé. Artem, turbato dagli avvenimenti, trova rifugio in una chiesa con l’intenzione di battezzarsi. Ad un concerto, in uno dei soliti locali arrangiati, Valerij conosce il figlio di Artem e insieme si avviano lungo una strada, farneticando progetti per il futuro. O rrore e violenza caratterizzano Cargo 200, undicesima opera del regista Aleksej Balabanov (anche sceneggiatore), e film di apertura del- Film le Giornate degli Autori – Venice Days alla 64° Mostra del Cinema di Venezia. Ma Cargo 200 è anche un’analisi sorprendentemente lucida della fase terminale dell’Unione Sovietica, grigia e quasi senza speranza alla vigilia della Perestrojka. Balabanov non offre una visione facile del “suo” 1984, così come lo ricorda e lo immagina: per lo spettatore non ci sono appigli, né consolazioni, né tantomeno è prevista la sua presenza – in senso spirituale – a fare da guida e supporto. Abbandonato nella sperduta provincia della Leningrado di quasi venticinque anni fa, lo spettatore è dunque solo e si trova a dover fronteggiare immagini talvolta insopportabili, supportate da pensieri e ideali ancora più terribili. Ad aumentare – volutamente – il senso di straniamento e smarrimento è la totale assenza di ogni tipo di riferimento temporale, storico, spaziale: la vicenda è colta in medias res e ogni tipo di informazione va carpita dai dialoghi, dalla cartellonistica stradale, dalle azioni e dai comportamenti. Balabanov pretende – e ottiene – una partecipazione attiva da parte dello spettatore e, pur di ottenerla, non si ferma davanti a nulla. Deriva – anche – da questa volontà la serie di violenze che si susseguono, sempre più forti, apparentemente senza limiti, che danno la sensazione di autoalimentarsi l’una conseguentemente all’altra. Soltanto nel finale, svuotato anche l’ultimo residuo di umanità, appare in sovrimpressione l’informazione sull’anno, quel 1984 così importante per la storia del paese e per quella personale di chi ha diretto il film. Ma se il regista vuol prenderci per mano dopo novanta minuti è una magra consolazione e ha quasi il sapore della beffa. Eppure, tra morte e orrore, non è difficile scorgere il pensiero che sottende tutto ciò: una sorta di affresco allegorico della coeva situazione dell’Unione Sovietica, in cui ogni personaggio è chiamato a incarnare una corrente politica o un ideale, la classe dirigenziale o la milizia, o il futuro stesso del paese. Lo spettro del presente ormai passato (il giovane Valerij) si aggira indifferente tra i ruderi di un paese al collasso, dove la forza-lavoro è altrove e chi è rimasto si arrangia come può. Ciò che potrebbe essere (la povera Angelica, non a caso discendente di un dirigente del partito, e altrettanto non a caso preoccupatissima, tra tanto orrore, di non smarrire né sporcare le sue lucide, eleganti – e fuori contesto – scarpette rosse) è abbandonata al proprio destino. Maltrattata da alti rappresentanti della forza militare, abbandonata per una missione in Afghanistan da chi dovrebbe Tutti i film della stagione occuparsi di lei, privata anche di uno sguardo comprensivo dalle due donne che potrebbero salvarla – la madre del suo aguzzino e la vendicativa Antonina, che sa solo imporle di non piagnucolare – finirà presumibilmente i suoi giorni ammanettata, umiliata e rinchiusa in una stanza fetida tra cadaveri in decomposizione, in una casa le cui uniche aperture sul mondo esterno sono una televisione sempre accesa sintonizzata su programmi di canzonette e una finestra che affaccia su una ferrovia, lentamente e perennemente attraversata da ciechi treni merci. Più duro il trattamento che il regista riserva al docente di Ateismo Artem, predicatore ed esponente del pensiero del partito: alle prime difficoltà, dopo aver debolmente difeso i propri ideali, correrà a rifugiarsi in una chiesetta di campagna, domandando a un’anziana fedele la “procedura” per battezzarsi – “è una cerimonia”, gli risponderà la signora. Poco prima l’abbiamo visto nega- re aiuto, ovvero la sua preziosa testimonianza, a un innocente altrimenti condannato alla pena di morte, nascondendosi dietro il molto pragmatico “tengo famiglia” pensiero. Forse il futuro del paese sarà in suo figlio, quel giovane per il quale Artem ha fatto tutto, risultato degli sforzi di una vita, che lo ripaga con indifferenza, mancanza di rispetto, intolleranza al senso del dovere. È quel giovane che, senza averla neanche cercata, troverà l’occasione per un guadagno facile in terra natìa. Accompagnandosi proprio a quel giovanotto con la maglietta rossa e la scritta CCCP. Come a suggerire, forse, che tutto cambia e tutto resta uguale. Il cargo 200 del titolo è l’espressione con cui i sovietici definivano i grandi aerei che riportavano in patria i caduti dell’Afghanistan. Manuela Pinetti CERTAMENTE, FORSE (Definitely, Maybe) Stati Uniti/Gran Bretagna/Francia, 2008 Regia: Adam Brooks Produzione: Tim Bevan, Eric Fellner per Universal Pictures/Ringerike Erste Filmproduktion/Studio Canal/Working Title Films Distribuzione: Universal Prima: (Roma 16-5-2008; Milano 16-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Adam Brooks Direttore della fotografia: Florian Ballhaus Montaggio: Peter Teschner Musiche: Clint Mansell Scenografia: Stephanie Carroll Costumi: Gary Jones Produttori esecutivi: Liza Chasin, Bobby Cohen Direttore di produzione: Christopher Goode Casting: Ali Farrell, Laura Rosenthal Aiuti regista: Timothy Bird, Joan G. Bostwick, Matthew Mason Operatore: Thomas Lappin Operatore steadicam: David J. Thompson Art director: Peter Rogness Arredatore: Ellen Christiansen Supervisore effetti visivi: Randall Balsmeyer Supervisore musiche: Nick Angel Coreografie: Cynthia Onrubia Interpreti: Ryan Reynolds (Will Hayes), Abigail Breslin (Maya), Elizabeth Banks (Emily), Isla Fisher (April), Rachel Weisz (Summer Hartley), Kevin Kline (Hampton Roth), Derek Luke (Russell T. McCormack), Jaime Tirelli (Rafael), Dale Leigh (Bill Clinton), Daniel Eric Gold (Charlie), Adam Ferrara (Gareth), Liane Balaban (Kelly), Anne Parisse (Anne), Nestor Serrano (Arthur Robredo), Kevin Corrigan (Simon), Isla Fisher (April Hoffman), Stephen Richardson (Pollster), Orlagh Cassidy (infermiera), Robert Klein (se stesso), Adam Brooks, Kerri Kwinter (proprietari libreria), Alexie Gilmore (Olivia), Marc Bonan (Kevin), Lief Riddell (tassista), Amy Safrankiova, Caryn Osofsky (cameriere café gitano), Sakina Jaffrey (madre scuola), Bob Wiltfong (padre scuola), Ryder Chasin (ragazzo col libro), Fiona Lane (ragazzina arrabbiata), Dana Eskelson (madre ragazzina arrabbiata), An Nguyen Durata: 112’ Metri: 2800 28 Film R yan Reynolds è Willl, ragazzotto del Wisconsin che decide di trasferirsi a New York per lavorare alla campagna elettorale di Bill Clinton del 1992. Qualche anno dopo, si sposa e ha una figlia, Maya. A un passo dal divorzio, Will dovrà raccontare a Maya come è complicato l’amore attraverso le sue tre storie più importanti e Maya dovrà indovinare quale delle tre è sua madre. Inizia quindi un lungo flashback, interrotto a piccoli tratti dalle domande di Maya, incuriosita dal mondo degli adulti e dalle sue dinamiche. Le tre donne sono: la ragazza del liceo, Emily, l’eterna amica innamorata che non riesce a dichiararsi, April, e una giornalista molto passionale, Summer. Quando Will è in procinto di chiedere la mano alla sua fidanzata storica del liceo, lei confessa di averlo tradito e quindi si lasciano. Quando, dopo qualche tempo, vorrebbe sposare Summer, ma lei scrive un articolo che mette nei guai il suo capo. Will Tutti i film della stagione la lascia sentendosi nuovamente in qualche modo tradito. Con l’amica April c’è sempre un buon rapporto che Will rovinerà ubriacandosi e dicendole che la ama. Ma April si sente presa in giro e, nonostante sia innamorata, non si farà più sentire. Un giorno, per caso, Will incontra la giornalista che lo invita a una festa. Will accetta l’invito e alla festa rincontrerà il suo primo vero amore del liceo. È a questo punto che Maya si intrufola nel racconto perché ha oramai capito chi delle tre è sua madre. Ed è proprio Emily, la prima ragazza che Will sposerà, da cui avrà una figlia e da cui divorzierà. Maya però non è ancora convinta dei sentimenti del padre verso April e lo spinge cosi ad andare a trovarla per dichiarare il suo amore per lei. Se, in un primo momento, la donna è restia; quando capisce che Will la ama veramente si scioglie e il film si chiude con un bacio tra i due. N onostante sia una commedia, il film presenta una struttura da thriller che tiene sulle spine lo spettatore per riuscire a capire chi è la donna che alla fine Will sposerà. Seppure il film non faccia da contenitore a veri e propri concetti su cui riflettere troppo, procede con ritmo e rilassa la mente, senza mai coinvolgere totalmente l’attenzione del pubblico. L’argomento è l’amore, ma il regista Adam Brooks non pretende di dare risposte su cosa sia questo sentimento. La leggerezza è il tratto fondamentale di questo film tipicamente hollywoodiano, che strizza l’occhio a Woody Allen (senza raggiungere nemmeno lontanamente la sua ironia e poesia). La figura della figlia è una sorta di specchio per Will, che attraverso le due domande capirà i suoi sentimenti, o meglio, li renderà vivi. Maria Luisa Molinari SEX AND THE CITY (Sex and the City: the Movie) Stati Uniti, 2008 Acconciature: Suzy Mazzarese-Allison, Lorna Reid, Anita Roganovic, Valerie Gladstone-Hapel, Thom Gonzales Supervisore effetti speciali: J. C. Brotherhood Coordinatore effetti speciali: Mark R. Byers Supervisori effetti visivi: Randall Balsmeyer, Lesley Robson-Foster Supervisore costumi: Mark Agnes Interpreti: Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw), Kim Cattrall (Samantha Jones), Kristin Davis (Charlotte York), Cynthia Nixon (Miranda Hobbes), Chris Noth (Mr. Big), Candice Bergen (Enid Frick), Jennifer Hudson (Louise), David Eigenberg (Steve Brady), Evan Handler (Harry Goldenblatt), Jason Lewis (Jerry ‘Smith’ Jerrod), Mario Cantone (Anthony Marentino), Lynn Cohen (Magda), Willie Garson (Stanford Blatch), Joanna Gleason (terapeuta), Joseph Pupo (Brady Hobbes), Alexandra Fong, Parker Fong (Lily York Goldenblatt), Malcolm Gets (agente immobiliare), Lorna Kelly (banditore), Patrick DeMarchelier (fotografo moda Vogue), André Leon Talley (executive Vogue), Plum Sykes (scrittore Vogue), Lawren Howell (redattore moda Vogue), Gucci Westman (trucco Vogue), Serge Norman (parrucchiere Vogue), Mary Howard (arta Vogue), Dave Bradford (tipo che consegna i fiori), Gilles Marini (Dante), Monica Mayhem, Michelle Minjung Kim, Erica K. Evans, Roxi Devill (ragazze di Dante), Gilbert Cruz (Raoul), Damian Young (Karl), Rogelio T. Ramos (Paulo), Rene L. Moreno (Felix), Josh Henry (Will) Durata: 148’ Metri: 4000 Regia: Michael Patrick King Produzione: Eric M. Cyphers, Michael Patrick King, John P. Melfi, Sarah Jessica Parker, Darren Star per Darren Star Production/HBO Films/IFP Westcoast/New Line Cinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 30-5-2008; Milano 30-5-2008) Soggetto: Michael Patrick King dalla serie tv ispirata agli articoli di Candace Bushnell apparsi sulla rubrica del “New York Observer” e raccolti nel libro omonimo Sceneggiatura: Michael Patrick King Direttore della fotografia: John Thomas Montaggio: Michael Berenbaum Musiche: Aaron Zigman Scenografia: Jeremy Conway Costumi: Patricia Field Produttori esecutivi: Richard Brener, Kathryn Ann Busby Produttori associati: Tiffany Hayzlett Parker, Melinda Relyea Direttore di produzione: Dana Robin Casting: Tiffany Little Canfield, Bernard Telsey Aiuti regista: Jessica Faires, Andrew T. Wood, Alexander James, Guy Efrat, Andrew Fiero, Aaron D. Forste, Stephen W. Moore Aurora Warfield Operatore: Joseph R. Collins Art director: Ed Check Arredatore: Lydia Marks Trucco: Marjorie Durand, Persefone Karakosta, Asnita Brabec, Rondi Scott S ono passsati cinque anni. Carrie è felicemente fidanzata con Big, Miranda si barcamena tra la carriera e la famiglia, Samantha vive a Los Angeles dove fa la manager al fidanzato e Charlotte è mamma a tempo pieno della piccola Lily. Nonostante i differenti impegni e la di29 stanza, le quattro amiche trovano sempre il tempo per vedersi e chiacchierare. Proprio in uno di questi incontri, Carrie annuncia che presto sposerà Big. Miranda e Film Samantha storcono un po’ il naso alla notizia, Charlotte, invece, è entusiasta tanto da “prestarle” come regalo di nozze il suo amico, e wedding planner, Anthony. Carrie è molto presa dall’organizzazione del suo matrimonio che, da cerimonia per pochi intimi, si trasforma con il passare dei giorni in un evento mondano pubblicizzato sui giornali. Miranda, intanto, scopre che Steve l’ha tradita e, nonostante sia sinceramente pentito, lo caccia di casa. Il giorno prima delle sospirate nozze Carrie organizza una cena con tutti gli amici. Big è piuttosto sconcertato e involontariamente Miranda aumenta la sua confusione dicendogli che è da pazzi sposarsi. Durante la notte, allora espone le sue paure a Carrie che lo rassicura dicendogli che nulla cambierà nel loro rapporto di coppia. Il giorno seguente, tutti sono riuniti per la cerimonia, ma Big non arriva. Carrie è molto tesa, Big la chiama e le dice che inspiegabilmente è stato preso dal panico ed è andato via. La cerimonia viene annullata. Carrie è a pezzi e le amiche per distrarla la portano in vacanza in Messico, ma senza risultati apprezzabili. Ritornata in città la ragazza decide di prendere un’assistente per farsi aiutare nella riorganizzazione della sue nuove giornate senza Big. La scelta cade sulla giovane e dinamica Louise che, in breve tempo, riesce a mettere ordine sulla sua agenda e a regalarle qualche sorriso. Miranda, vedendo l’amica così sofferente, decide di confessarle ciò che ha detto a Big prima delle nozze. Carrie, saputolo, la insulta violentemente. Miranda nei giorni Tutti i film della stagione seguenti le chiede scusa in tutti i modi e, alla fine, riesce a strapparle il perdono. Durante questa vicenda comprende, inoltre, di essere stata troppo dura con suo marito Steve e, grazie all’aiuto di una terapeuta, rimette in piedi il suo matrimonio. Charlotte, intanto scopre di essere incinta mentre Samantha a Los Angeles inizia ad avere dei dubbi sulla possibilità di essere monogama e lascia il fidanzato per ritornare all’amata New York. Passa del tempo, Charlotte durante una passeggiata incontra Big e coglie l’occasione per dirgli tutto ciò che pensa di lui. Mentre espone la sua disapprovazione, però, le si rompono le acque ed è costretta a farsi accompagnare da lui in ospedale. Nasce una bella bambina e Carrie si precipita a complimentarsi con l’amica. Il marito di lei, a un certo punto, la prende in disparte e le dice che Big l’ha accompagnata in clinica e le è stato vicino per tutta la durata del parto. Carrie commossa torna a casa e chiede alla sua assistente di darle la password per poter leggere i file che lei le aveva chiesto di nascondere. Louise prontamente gliela comunica e, davanti a Carrie, si apre una pagina piena di lettere di Big. Presa dalla nostalgia con la scusa di dover prendere un paio di scarpe corre nella casa che lei e Big avevano comprato insieme. Con sua sorpresa lui è lì. I due si guardano e iniziano a baciarsi, poi lui le chiede di sposarlo. Carrie accetta e, in una cerimonia che vede solo loro come protagonisti, convolano a nozze. L e donne di tutto il mondo hanno risposto all’invito che campeggiava sulle locandine “le ragazze so- 30 no tornate” e, armatesi di tacchi a spillo hanno affollato i cinema per rivedere le loro beniamine Carrie, Samantha, Miranda e Charlotte alle prese con il “sesso e la città”. Naturalmente stiamo parlando dalla riduzione cinematografica di Sex and the city la serie cult che ha stregato il pubblico femminile e ha dato un nuovo significato alla frase “due chiacchiere tra amiche”. Il perché di tanto successo è facilmente rintracciabile in una fortunata sinergia di elementi. Tra i tanti quello che balza subito agli occhi è il rivoluzionario concetto di sessualità vista dalle donne, epurata da ogni moralismo e messa a tavolino insieme a qualche stuzzichino e all’immancabile cosmopolitan. Già in passato la psicologa e scrittrice sudamericana Clarissa Pinkola Estés aveva teorizzato la potenza curativa del parlare di sesso fra donne, dello sviscerare emozioni che per un retaggio culturale sono sempre state dominio esclusivo dell’universo maschile. La serie segue questa filosofia alla lettera ecco perché, già, dalle prime puntate ha fatto storcere il naso a molti benpensanti e naturalmente agli uomini, minacciati nella loro inossidabile virilità. Ma bisogna andare oltre l’aspetto erotico-sentimentale, Sex and the city piace soprattutto perché rappresenta un traguardo difficile e agognato da molte donne: l’amicizia femminile. Le quattro protagoniste, infatti, subiscono delusioni amorose, lavorative, familiari, ma mai amicali e sono sempre pronte a fare quadrato quando una del gruppo è in crisi. Non c’è invidia, sopraffazione, ma solo tanta complicità, una complicità che è quasi irraggiungibile nella vita normale. Ma di irreale questo serial ha molte cose, dallo stile di vita, alla rappresentazione fiabesca di una New York pronta ad abbracciare ed avverare i sogni di qualsiasi provinciale così come accade alle quattro ragazze che dopo una novantina di puntate hanno salutato il loro pubblico con un finale memorabile. Perché fare un film allora distruggendo un bel commiato? Per lo stesso motivo per cui i due contadini hanno squartato la gallinella delle uova d’oro: il denaro. Rispetto ai protagonisti della fiaba citata, però, i produttori hanno avuto certamente più fortuna, o meglio, sono andati sul sicuro perché non c’erano dubbi sul fatto che la pellicola sbancasse il botteghino. Non per questo, però, al pubblico è stato offerto un contentino mediocre. Il cast tecnico, infatti, capitanato da Michael Patrick King, ha dato il meglio di sé per tra- Film durre in formato cinematografico la struttura perfetta della versione televisiva. Che non è la solita puntata lo si capisce già dai titoli di testa ipercolorati, scintillanti e molto glamorous e dall’assenza della domanda iniziale che solitamente creava un preciso percorso narrativo. Dopo un brevissimo riassunto (fatto a uso e consumo dei malcapitati fidanzati costretti ad accompagnare le loro dolci metà alla proiezione) la storia parte. Carrie sta per sposarsi (incredibile!) con Big, Samantha vive la sua relazione con Smith in completa e sofferta monogamia (cosa ancora più incredibile della precedente) e Charlotte e Miranda assaporano le gioie della vita familiare. Ma questo è solo l’inizio, ben presto questa placida tranquillità verrà soverchiata da eventi infelici che metteranno a dura prova il cuore (ed i nervi) delle quattro protagoniste nell’attesa del lieto fine. Sembra tutto perfetto se consideriamo queste premesse, ma, in realtà, la commedia si regge su pericolosissimi tacchi (da 12 ovviamente) che le danno un’andatura traballante. Cosa non funziona? Presto detto. Nell’insieme si percepisce la necessità di dare spazio a tutti (pena lunghissime cause legali) e quindi ogni personaggio viene risolto con la caratteristica base che lo contraddistingue, ben lontana dalle piacevoli sfumature, dalle titubanze a cui gli spettatori erano abituati. E la sceneggiatura, inevitabilmente, segue questo modello dimenticandosi di inserire fra le righe (e tutto intorno) un pizzico di freschezza e di verve. Tutto troppo costruito, troppo patinato. Tanti bei vestiti, ma poche Carrie, Samantha, Charlotte e Miranda sostituite da quattro signore che si sforzano di entrare in una commedia romantica con tanto di censura a seguito, la bambina di Charlotte. Il linguaggio è molto pudico e il sesso da protagonista è passato a semplice figurante; di sigarette fumate nervosamente, poi, neanche a parlarne. L’amore, invece, è ovunque (anche nei portachiavi!) a conferma che per quanto siano spregiudicate, modaiole, emancipate le ragazze di tutto il mondo hanno sempre questo chiodo fisso originato da anni di fiabe da cui, lo ammette la stessa Carrie, bisogna prendere un po’ le distanze. Eppure lei ci crede sempre, nonostante sia incappata nel peggior esemplare di genere maschile, egoista, indeciso ed estremamente codardo che, nella versione cinematografica, compie l’estremo sacrilegio abbandonandola all’altare. Tutti i film della stagione Per fortuna (o sfortuna è questione di punti di vista) ci sono oltre due ore per riparare allo smacco e regalare il lieto fine sospirato per sei serie televisive. Per le attrici Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis e Cynthia Nixon questo film è un ritorno al gradimento del pubblico dopo una serie di pellicole poco riuscite in cui un ruolo importante ha giocato l’effetto identificazione. Purtroppo per tutti resteranno, che piaccia o no, “quelle di Sex and the city” così com’è successo per altri colleghi che hanno preso con i serial il pacchetto completo che include un successo repentino e smisurato e un guinzaglio per non poter correre troppo lontano. Pur mancando di quella pungente ironia, di quella carica innovativa post-femminista sintetizzabile nel motto latino non ducor, duco , la pellicola è indubbiamente gradevole e appaga le speranze di tutte quelle donne che gli “anta” li hanno passati da un pezzo, ma non credono nel detto (fin troppo abusato nelle commedie rosa) “è più facile per una quarantenne morire in un attentato terroristico che sposarsi”. Francesca Piano 14 ANNI VERGINE (Full of It) Stati Uniti/Italia/Sudafrica, 2007 Regia: Christian Charles Produzione: Steve Barnett, Mark Canton per New Line Cinema/Anaada Films/Atmosphere Entertainment MM/Firstar Films/Jazz Spirit/Relativity Managment/Relativity Media/Surf Films Distribuzione: Videa-CDE Prima: (Roma 13-6-2008; Milano 13-6-2008) Soggetto: Yoni Berkovits, Tony Dreannan, Tom Gammill, Max Pross Sceneggiatura: Jon Lucas, Scott Moore Direttore della fotografia: Kramer Morgenthau Montaggio: Susan Shipton Musiche: John Swihart Scenografia: Kathleen Cimie Costumi: Abram Waterhouse Produttori esecutivi: Charlie Gogolak, Ryan Kavanaugh, J. C. Spink, Lynwoos Spinks Co-produttori: Scott Fischer, Jeffrey Lampert Produttore associato: Silenn Thomas Direttore di produzione: Regina Robb Casting: Robin D. Cook, Marci Liroff Aiuti regista: Charles Crossin, Martin Ellis Art director: Réjean Labrie Arredatore: Stephen Arndt Trucco: Doug Morrow Acconciature: Pina Robinson, Lori Caputi Coordinatore effetti speciali: Joel Whist Supervisore effetti visivi: Michael Shand (Frantic Films) Supervisore musiche: Dave Hnatiuk Coreografie: Sarah Murphy-Dyson Interpreti: Ryan Pinkston (Sam Leonard), Kate Mara (Annie Dray), Teri Polo (sig.ra Moran), Craig Kilborn (Mike Hanbo), John Carroll Lynch (sig. Leonard), Cynthia Stevenson (sig.ra Leonard), Amanda Walsh (Vicki Sanders), Derek McGrath (Preside Hayes), Joshua Close (Kyle Plunkett), Matt Gordon (coach Henderson), Garth Merkeley (Kevin), Carmen Electra (se stessa), Chas Lawther (sig. Von der Ahe), Martin Trudel (sig. Moran), Onalee Ames (poliziotto), Kelsey Koenig (studente), Jennifer Luree (amica di Vicky), Alex House, Nick Ouellette (compari Kyle), Sean Hewlett (ragazzino misterioso), Benjamin Beauchemin (ragazzino calmo), Matthew J. Kok, Devin Stuart (facce brufolose), Courtney-Jane White, Tiffany Swift (ragazze), Suzanne Kelly (suonatrice di basso), John Bluethner (arbitro), Muriel Hogue (vicina di passaggio), Mike Bell, Spencer Duncanson, Rick Skene (fans che tornano a casa) Durata: 93’ Metri: 2600 31 Film È il primo giorno di liceo e Sam, unico figlio dell’affettuosissima famiglia Leonard, viene accompagnato davanti alla scuola da mamma e papà che, dopo un caloroso abbraccio, lo lasciano andare. Nemmeno il tempo di entrare nella nuova scuola che il ragazzo, timido e impacciato, un piccolo genio in matematica, viene subito ridicolizzato a causa dei suoi lunghi capelli alla Beatles e della sua statura decisamente al di sotto della media. Massacrato dai pesanti giudizi degli altri studenti, Sam, preso dallo sconforto, decide di cercare aiuto presso il consulente psicologico della scuola. Tuttavia, l’unico consiglio che riceve è quello di mentire; solo così potrà essere un “vincitore”. Deriso dai compagni e snobbato dalle ragazze, Sam riesce a fare amicizia solo con Annie, una ragazza semplice e di poche pretese, che vive i suoi stessi problemi. Appurato, dunque, che l’unica via di salvezza è la menzogna, Sam inizia a spacciarsi per quello che non è. Sparare balle infatti lo fa stare meglio e sentire più sicuro: le sue storie diventano sempre più grandi e lui acquista una certa popolarità. Eppure qualcosa inizia a cambiare e le tante frottole immaginate nella sua testa iniziano ad avverarsi. Il ragazzo si sveglia in una mattina in una casa completamente trasformata con due genitori artisti a metà tra gli hippy e i figli dei fiori. La ragazza più carina della scuola, Vicky, dietro cui lui moriva, lascia il ragazzo e casca ai suoi piedi, la squadra di basket lo ingaggia per il torneo, il padre rockettaro gli lascia la sua Porsche, la sua insegnante sexy gli si propone e tutto sembra andare per il ver- Tutti i film della stagione so giusto. Sam continua ad accumulare successo a scuola, con le ragazze e nello sport; tuttavia, non è sempre oro quello che luccica. La sua nuova vita comincia ad andargli stretta. Le persone che risultano vincenti sembrano vivere solo nell’apparenza e sono superficiali e vuote. È troppo scontato e perfetto e Sam non ci si sente più a suo agio. Inoltre la sua unica amica, dopo avergli confessato il proprio amore ed essere stata rifiutata, si è anche allontanata da lui. Il ragazzo, in continuazione sotto i riflettori, comincia a rimpiangere la sua situazione di adolescente portato in giro, le porte chiuse in faccia e il rimanere sempre in ombra. Improvvisamente ritorna tutto nella normalità e Sam può finalmente riprendersi la sua vita, la dolce Annie, e questa volta però non c’è bisogno di mentire. F ull of it (questo il titolo originale) è la simpatica commediola senza pretese di Christian Charles. Partendo dalle tematiche care al genere tenn movie quali le difficoltà ad ambientarsi in un nuovo liceo, il dramma essere-apparire e gli stereotipi dei bulli senza cervello 14 anni vergine ha i caratteri di una favola sulla fantasia dei piccoli e sulla credulità dei grandi. Un adolescente qualsiasi, poco considerato dal prossimo, in un mondo dove i vincenti sembrano essere persone fatue, amanti del lusso e senza l’ombra di uno scrupolo o di un buon sentimento, viene spinto da uno rassegnato e sfiduciato consulente scolastico a seguire il consiglio di mentire per raggiungere il successo. Il risultato è un groviglio di situazioni divertenti e imbarazzanti, in cui il protago- nista da “sfigato” cronico e brutto anatroccolo si trasformerebbe nell’idolo della scuola. E l’incantesimo avverrebbe proprio attraverso uno specchio, chiaro simbolo, quando intatto, dell’identità e dell’apparenza oggettiva, da rotto restituisce, al contrario, un’immagine di sé alterata, buffa, grottesca. Quando i desideri diventano realtà la professoressa di lettere diventa più fedele di un cagnolino, la reginetta della scuola non gli dà più scampo e Sam non sbaglia più un canestro da qualsiasi posizione del campo. La realtà tanto sognata sembra tuttavia rivelarsi più ostile del previsto. La morale, facile e prevedibile, insegna infatti che il “troppo stroppia” e il sogno può diventare incubo. Ciò che veramente conta è sempre stato lì a portata di mano. Il protagonista ritrova la felicità nella sua vita semplice, a volte noiosa, che però gli calza a pennello. L’andamento della trama, in certi momenti, risulta piuttosto prevedibile e poco originale; tuttavia la comicità di alcune scene vale la visione del film, che non aspira comunque a essere un capolavoro. Il titolo di certo non aiuta, anzi piuttosto potrebbe fuorviare. Verrebbe da chiedersi infatti se si è di fronte all’ennesimo sequel di American Pie o High School; per fortuna non è così. Anzi, dal punto di vista registico, sono state adottate alcune moderne scelte che richiamano l’essenza del videoclip e impreziosiscono una pellicola, che se non altro non annoia lo spettatore. Il tutto anche grazie alla facciona simpatica di Ryan Pinkston, che ci riporta indietro agli anni ’80, in cui si trascorrevano pomeriggi in compagnia di Arnold o della mitica famiglia Bradford. Veronica Barteri SOPRAVVIVERE COI LUPI (Survivre avec les loups) Francia, 2007 Produttore associato: Jean-François Geneix Aiuti regista: Julie Navarro, Caspar Arnhold, Baudouin du Bois Trucco: Mika Korkida Effetti speciali trucco: Laetitia Hillion, Olivier Afonso Supervisore effetti visivi: Olivier Poujaud Interpreti: Mathilde Goffart (Misha), Yaël Abecassis (Gerusha), Benno Fürmann (Reuven), Marie Kremer (Janine), Guy Bedos (Jean), Michèle Bernier (Marthe), Franck de la Personne (sig. Valle), Anne-Marie Philipe (sig.ra Valle), Paul Emile Petre (Léopold), Georges Siatidis (il medico), MariaLorna Vaconsin Durata: 90’ Metri: 3220 Regia: Véra Belmont Produzione: Véra Belmont per Stéphan Films/Saga Film/Motion Investment Group/Daniel Zuta Filmproduktion Distribuzione: Videa CDE Prima: (Roma 30-4-2008; Milano 30-4-2008) Soggetto: dal bestseller omonimo di Misha Defonseca Sceneggiatura: Véra Belmont Direttore della fotografia: Pierre Cottereau Montaggio: Martine Giordano Musiche: Emilie Simon Scenografia: Anette Reuther Co-produttori: Jeremy Burdek, Nadia Khamlichi, Adrian Politowski, Hubert Toint, Daniel Zuta 32 Film Tutti i film della stagione M isha è una bambina belga di religione ebraica, costretta a nascondersi insieme ai sui genitori a causa delle persecuzioni razziali nella Seconda Guerra Mondiale. Durante una retata della Gestapo i suoi genitori vengono catturati, ma lei, grazie a un accordo preventivo fatto con una famiglia di cristiani, riesce a salvarsi. La vita nella nuova famiglia è particolarmente dura. La bambina viene trattata come una sguattera e obbligata a fare ogni tipo di lavoro, tra cui andare a ritirare le provviste da un fattore, Ernest. Quest’uomo e sua moglie si affezionano molto a Misha, che ritrova in loro una parvenza di affetto familiare. La guerra incalza e la famiglia dove la bambina è ospite decide di denunciarla alle autorità per non avere problemi. Misha, che ha sentito tutto, scappa da Ernest. La permanenza è breve perché l’uomo e sua moglie vengono arrestati. La ragazzina, allora, armatasi di bussola si incammina verso Est, dove le hanno detto che i tedeschi portano i prigionieri nella speranza di ritrovare i genitori. Inizia un viaggio lungo per i boschi. Misha soffre la fame, il freddo e la continua paura di essere arrestata, ma incontra anche un amico, un lupo bianco che la protegge e divide con lei il cibo. La bambina, a stretto contatto con gli animali, si inselvatichisce e inizia ad assumere i loro stessi comportamenti, ma il fisico non le regge e, a un certo punto, stremata, sviene. In suo soccorso arriva una famiglia ucraina che la accoglie benevolmente in casa e la rimette in sesto. Intanto la radio annuncia che la guerra è finita. Misha considerando inutile continuare ad andare a Est, torna a casa nella speranza di trovare i genitori. Con l’aiuto di alcuni compaesani chiede alle autorità di avere loro notizie, ma nessuno le sa dire nulla. Presa dallo sconforto e indebolita dal peregrinare, si ammala gravemente. Ernest ritornato in paese riconosce nell’inferma Misha e si offre di occuparsi di lei. Una scritta prima dei titoli di coda dice che purtroppo la bambina non rivedrà più i genitori perché sono morti Q ualche anno fa, il mondo letterario si commosse all’uscita del libro autobiografico di Misha Defonseca Sopravvivere coi lupi, straziante racconto di una bambina ebrea di otto anni che attraversa l’Europa per ritrovare i genitori deportati in un campo di concentra- mento tedesco durante la Seconda Guerra Mondiale. Purtroppo la fantasia (o la mitomania) fa brutti scherzi e recentemente si è scoperto che di vero il libro non ha nulla. Misha Defonseca, in sua difesa, ha detto di aver scritto questa triste favola per riabilitare la figura dei suoi genitori considerati traditori dalla resistenza belga e di essersene talmente affezionata da considerarla quasi una proiezione della sua vita reale. Fra le persone conquistate dal racconto, la regista francese Vera Belmont che ne ha curato la difficile trasposizione cinematografica. Difficile perché ha dovuto tradurre in immagini due aspetti di per sé estremamente delicati, la percezione infantile e il dramma delle persecuzioni. Cadere nell’errore in questi casi è facile, perché si rischia di assolutizzare caratteri e situazioni riducendo il tutto a degli stereotipi precostituiti e già ampiamente utilizzati. Dietro l’angolo, inoltre, c’è sempre il problema della banalizzazione degli eventi che può irritare le diverse sensibilità dello spettatore. Vera Belmont, però, è riuscita a superare brillantemente questi ostacoli confezionando un film che segue lo stile di una fiaba per bambini, dove viene oscurato parzialmente il mondo adulto per dare spazio alle suggestioni della piccola Misha con l’effetto di non vedere nulla, ma di percepire sensibilmente le atmosfere che circondano la storia. La protagonista Misha non ha nulla di speciale. È una bambina come tante che gioca, sogna, fa i capricci che addirittura, invidiosa, sputa sugli altri bambini che possono vivere sereni. Ma è la sua normalità, in una situazione così tragica, che coin- 33 volge, partendo dalla semplice simpatia per le sue buffe trovate fino a diventare completa compassione durante la traversata nei boschi europei. Il viaggio nella fabula ha come significato recondito l’evoluzione, la crescita della consapevolezza in vista del premio finale. Per Misha questa accezione ha una valenza più forte perché per lei diventa l’unico mezzo per sopravvivere. La Belmont cura con particolare grazia questo momento del film abbandonando ogni dialogo in favore di riprese realisticamente poetiche, dove troneggia la natura in tutta la sua ferinità. E, come un’unica orma sulla neve immacolata, la bambina. Sporca, disumana, aggressiva, ma allo stesso tempo splendida. Così vicina a quei lupi che l’hanno adottata, tanto da sbranare un animale e a ululare alla luna e così lontana da quegli umani che le hanno tolto non solo l’affetto, ma anche il diritto alla vita tanto che è lecito pensare che i “lupi” del titolo abbiano poco a che vedere con le belve dei boschi, ma si identifichino piuttosto con i nazisti. Questi ultimi costituiscono un’ombra nel film, una voce incomprensibile fuoricampo, l’unico spazio importante concesso loro è quello degli occhi di Misha in cui tutto l’orrore dei loro misfatti si riflette con forza e trasparenza. Straordinaria l’interpretazione della giovanissima Mathilde Goffart che con disinvoltura riesce a modellare sul suo viso un ventaglio piuttosto ampio di emozioni che arrivano dritte al cuore dello spettatore. Francesca Piano Film Tutti i film della stagione ONCE UNA VOLTA (Once) Irlanda, 2006 Without Words” di Felix Mendelssohn-Bartholdy (Markéta Irglová); “Falling Slowly” composta ed eseguita da Glen Handard, Markéta Irglová; “The Fair City Waltz” di Hugh Drumm, Adam Lynch; “If You Want Me”, “The Hill” composta ed eseguita da Markéta Irglová; “Lies” di Glen Hansard, Markéta Irglová (Glen Hansard); “Whiskey in the Jar” tradizionale; “Gold” di Fergus O’Farrell (Fergus O’Farrell, Glen Hansard, James O’Leary, Colm McCaughey, Kevin Murphy; “When Your Mond’s Made Up” di Glen Hansard (Glen Hansard, Markéta Irglová) Interpreti: Glen Hansard (lui), Markéta Irglová (lei), Bill Hodnett (padre di lui), Danuse Ktrestova (madre di lei), Marcella Plunkett (ex fidanzata), Hugh Walsh (Timmy percussionista), Gerald Hendrick (chitarrista), Alastair Foley (bassista), Geoff Minogue (Earnon), Darren Healy (tossicodipendente), Mal Whyte (Bill), Niall Cleary (Bob), Witold Owski, Krzysztos Tlotka, Tomek Glowacki, Attila Kouvacs (uomini che guardano la tv), Sean Miller (direttore di banca), Pat McGrath (ubriaco), Praghosa (Hari Krishna), Kate Haugh (bambina), Senan Haugh (marito), Catherine Hansard, Pete Short, Fergus O’Farrell (cantanti al party), Bob Hoban (commesso Bogarts), Bernard Gibsenen, Paul Clarke (commessi), Maire Walsh (donna sul bus), Dave Cleary (ospite al party) Durata: 85’ Metri: 2650 Regia: John Carney Produzione: Martina Niland per Bórd Scannán na hÉireann/Samson Films/Summit Entertainment. In associazione con RTE Distribuzione: Sacher Distribuzione Prima: (Roma 30-5-2008; Milano 30-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: John Carney Direttore della fotografia: Tim Fleming Montaggio: Paul Mullen Musiche: Glen Hansard, Markéta Irglová Scenografia: Tamara Conboy Costumi: Tiziana Corvisieri Produttore esecutivo: David Collins Casting: Maureen Hughes Aiuti regista: John Burns, Cathriona Glynn, Nic Jay, John O’Donoghue, Gail Munley, Adrienne Greenhalgh Operatori: Ron Coe, Tanya Doyle, Tim Fleming Art director: Riad Karin Trucco: Barbara Conway Acconciature: Conor McAllister Canzoni/Musiche estratte: “And the Healing Has Begun” di Van Morrison (Glen Hansard); “Say It To Me Now”, “All the Way Down”, “Leave”, “Trying To Pull Myself Away”, “Fallen from the Sky”, “Once” composte ed eseguite da Glen Hansard; “Song D ublino. Lui è un cantautore in cerca di successo che si mantiene suonando per strada e riparando aspirapolveri nel negozio del padre. Lei, una ragazza emigrata dalla Repubblica Ceca, con mamma e figlia e carico, pianista di talento, ma costretta dagli eventi ad arrabattarsi fra mille mestieri. Tormentato dal ricordo di un amore perduto lui, sposata con un uomo lontano e che probabilmente nemmeno ama, lei. Sarà la passione per la musica a unirli, a guidarli in una di quelle settimane che capitano una sola volta nella vita: così, canzone dopo canzone e, grazie al coinvolgimento di altri due musicisti, affittano uno studio e incidono una serie di brani in cui raccontano le loro vite, i loro amori passati e decidono di presentarlo a una casa discografica di Londra. O nce è tutto qui. Ed è proprio in questo il suo merito più grande: John Carney, filmmaker indipendente irlandese, già bassista nel gruppo “The Frames” (frontman del quale è proprio Glen Hansard, qui attore protagonista), dimostra in poco meno di 90’ quanto – a volte – basti un’idea e una serie di belle canzoni per raccontare una storia attraverso le immagini. Apparentemente povero nella forma – non inganni però l’approccio quasi documentaristico e si dia il giusto risalto ad alcune scelte tutt’altro che sbrigative, come il carrello indietro che accompagna la camminata della ragazza (Markéta Irglová, polistrumentista appena diciassettenne durante le riprese, poi diventata moglie dello stesso Hansard) mentre intona la bellissima If You Want Me – e spogliato di qualsiasi inutile pretesa, Once (premiato dal pubblico del Sundance, amatissimo in patria e capace di incassare – magari anche grazie alla benedizione di Spielberg – qualcosa come 10 milioni di dollari negli Stati Uniti) si può a tutti gli effetti considerare “musical proletario”: sorta di album visivo incentrato su una possibile storia d’amore, vincitore di un Oscar (per la miglior canzone, Falling Slowly) e difficile da non amare, così come è difficile non rimanere ogni volta sorpresi di fronte alla genuinità delle cose semplici. Distribuito in Italia dalla Sacher di Nanni Moretti. Valerio Sammarco MARADONA DI KUSTURICA Francia/Spagna, 2007 Regia: Emir Kusturica Produzione: José Ibáñez per Estudios Piccaso/Exception Wild Bunch/Pentagrama Films S.L. Distribuzione: Bim Prima: (Roma 30-5-2008; Milano 30-5-2008) Soggetto: Emir Kusturica Direttore della fotografia: Rolo Pulpeiro Montaggio: Svetolik Mica Zajc Musiche: Stribor Kusturica, No Smoking Orchestra Produttori esecutivi: José Ibáñez, Belén Atienza, Olivier Delbosc, Marc Missonnier, Gael Nouaille Aiuti regista: Ignacio Charrabe, Dounja Kusturica Coordinatore effetti visivi: Virginie Wintrebert Canzoni/Musiche estratte: “La vida tombola” di Manu Chao Interpreti: Diego Armando Maradona, Emir Kusturica, Manu Chao (se stessi) Durata: 90’ Metri: 2630 34 Film Tutti i film della stagione B uenos Aires, 2 aprile 2005. Da qui parte il viaggio di Kusturica con “El Pibe de Oro”. Si festeggia il compleanno di Dalma, la figlia più grande di Maradona. Il regista, con una piccola troupe, comincia a filmare. Giorni dopo, al Soul Café, i grandi della musica latinoamericana festeggiano il campione argentino e Kusturica viene invitato sul palco. Nel maggio 2005, al festival di Cannes, Emir Kusturica è Presidente della Giuria. Comunica la sua intenzione di girare un film su Maradona. El Pibe è visibilmente commosso. Da qui in poi, come due vecchi amici che si conoscono da tempo, girano il mondo, in piena sintonia e attestandosi reciproca stima. A Napoli, a Buenos Aires nel programma televisivo di Dieguito, dove si esibiscono persino in qualche palleggio insieme, a Cuba, a Belgrado, e così via. A Madrid, durante un concerto della NoSmoking Orchestra, balleranno insieme. Infine, il ritorno a Buenos Aires. U n ‘road movie’ sulla straordinaria vita di Diego Maradona, intervallato, forse un po’ troppo spesso, dalla presenza ingombrante del geniale Kusturica. Ciò nulla toglie alla piacevole chiacchierata tra due amici, che tocca temi come la fede, il calcio, la famiglia, la politica e, ovviamente, la cocaina. Il campione argentino ne ha per tutti. Da Bush a Blair, da Ferlaino a Matarrese, salvando il solo Fidel Castro, a suo dire “un santo”, oltre naturalmente il Che. Kusturica è con lui. Si va avanti così, in un fiume di parole in libertà e presto ci si rende conto che a colpire non sono i concetti, opinabili il più delle volte, ma le immagini. Allora ci dedichiamo a esse, facendo a meno (per quanto possibile) del sonoro. Ed emoziona quando torna nei quartieri poveri delle sue origini di Villa Fiorito, o quando, con occhi appena lucidi, parla della cocaina. E fa tenerezza vederlo giocare a Belgrado, nello stadio vuoto della Stella Rossa, dimagrito di ben quaranta chili. Ma, soprattutto, sono una gioia per gli occhi, quei fotogrammi di repertorio che lo vedono calciatore immenso e ci restituiscono il campione di sempre. Regia Kusturica, musiche di Manu Chao, protagonista assoluto Diego Armando Maradona detto “El Pibe de Oro”, “Mano de Dios”, “Dieguito”, o come meglio preferite, comunque lui: il miglior calciatore del secolo (FIFA 2000). E sono di parte. Ivan Polidoro IL NOSTRO MESSIA Italia, 2006 Regia: Claudio Serughetti Produzione: Maurizio Santarelli per Trees Pictures Distribuzione: Apocalypse Flower Prima: (Roma 23-5-2008; Milano 23-5-2008) Soggetto: Claudio Serughetti Sceneggiatura: Claudio Serughetti, Luisa Mazzetti Direttori della fotografia: Stefano D’Amadio, Marco Carosi Montaggio: Giovanni Ziberna Musiche: Claudio Serughetti, Danile Falangone, Dolcenera, Mister Blabs Scenografia: Ivana Gargiulo, Geraldine Dardano Costumi: Alessia Condò Suono: Corrado Azzariti, Francesco Lorandi, Frank Rousselle Aiuti regista: Michele Banzato, Giacomo Di Niro, Filippo Meneghetti, Lucilla Cristaldi, Ilaria Santi, Erika Aversa I n una generica soffitta parigina, seduto al computer, Julien sta portando a conclusione una sceneggiatura che gli ha richiesto mesi di lavo- Interpreti: Claudio Serughetti (Julien), Sarah Maestri (Tita), Vanessa Scalera (Pauline), Veronica Barbatano (Sofia), Sarah De Marchi (Vanessa), Maria Rita Cardella (Victoria), Tinto Brass (il critico), Dolcenera (la tassista), Stefano Salvi (se stesso), Rosalinda Celentano (Mara Roversi), Marcello Prayer (Saverio), Fabrizio Rongione (Marrani), Ignazio Oliva (Saro), Renato De Carmine (Santarelli), Fioretta Mari (signora autostop), François Montagut (Jean-Paul), Cristina Moglia (Helen), Gianluca De Maria (Bandini), Gianni Franco (Santucci), Angelo Colazingari (chirurgo plastico), Noemi Serracini (segretaria di Santucci), Guido Roncalli (facchino), Valeria Marcellini (fidanzata di Saro) Durata: 94’ Metri: 2774 ro. Mesi sottratti alla compagna, che, proprio mentre lui è intento a digitare le ultime parole, prepara i bagagli e lo lascia. 35 Poche ore dopo, il grasso scapigliato regista è nello studio del suo produttore, dal quale spera di ottenere un contratto e il denaro necessario per girare Film il suo film. Ma le cose vanno diversamente; l’amico lo rimprovera, gli nega i soldi e lo invita ad andare a cercare i finanziamenti che gli servono in Italia, da Alfonso Marrani, figlio d’un influente uomo politico. Passata la furia e lo sgomento, Julien chiama Tita, una sua vecchia fiamma, che vive a Roma insieme ad altre quattro ragazze e le chiede ospitalità. A un tratto, Tinto Brass nei panni d’un critico cinematografico interrompe il film per un “a parte” sul senso della vicenda e la logica che muove il personaggio del protagonista. Poi la narrazione riprende. Il primo incontro con Marrani si risolve in una lite furiosa tra Julien e il losco faccendiere: le richieste del potenziale finanziatore sono pesanti e inaccettabili imposizioni, che il regista rifiuta con sdegno. La notte stessa Julien è invitato dalle ragazze a una festa. È l’occasione per conoscere le coinquiline di Tita una per una, e per diventare in breve l’oggetto del desiderio di tutte. La prima a farsi avanti è Sofia. La mattina seguente la festa, la ragazza lo porta con sé al maneggio e lo seduce. Poi Julien è accompagnato dalle cinque amiche a rendere omaggio al monumento eretto a Ostia in memoria di P.P. Pasolini. Tita organizza una cena a due per parlare con l’uomo che spera di conquistare, ma Julien rifiuta le insistenti avances dell’ospite. Il mattino seguente è la volta di Pauline, altra aspirante attrice, estroversa commessa in un sexy shop, che, dopo un breve scambio, si offre al regista. Ogni volta il meschino Julien approfitta dell’in- Tutti i film della stagione genuità e dell’ambizione delle ragazze, incantandole con schiocchi complimenti e ripetendo a ciascuna la stessa formula adulatoria. Julien, convinto dall’amico francese, si ripresenta poi da Marrani, disposto a firmare alle condizioni dell’italiano: ma la quantità di denaro offerta al regista per il suo film è talmente piccola che Julien, per la seconda volta, corre via sbraitando. E né l’incontro con un produttore amico dell’assistente di Marrani, né quello – ottenuto da Pauline – con l’esperta autorevole produttrice Mara Roversi hanno esito diverso. Prima della conclusione del film, di nuovo Brass ferma l’avanzare della storia per analizzare le vicende del protagonista; e per annunciare l’epilogo. In una lettera, Julien saluta le sue ospiti amanti, che lascia dopo averle ascoltate in una lite furibonda, apice della tensione erotico-agonistica scatenata dall’arrivo del misterioso straniero. Solo, sulla strada, l’uomo ottiene un passaggio per l’aeroporto: il prezzo della corsa sarà il monologo della signora sulla nuova generazione di giovani sfaticati – proprio come il figlio che Julien le ricorda tanto – troppo dediti a coltivare sogni insulsi e troppo poco interessati alle proprie responsabilità di adulti. I l lungometraggio è il risultato di due anni d’impegno, discontinuo e “irregolare”, d’un piccolo gruppo d’interpreti e di tecnici, convinti dal regista/protagonista Claudio Serughetti a lavorare ricevendo al posto del cachet quote percentuali sugli incassi. Tra l’ormai folto gruppo degli indipendenti che nell’arco della stagione già alle spalle ha ottenuto una distribuzione in sala, questo sembra essere a suo modo il più indipendente, con un budget ufficiale definitivo di appena trentacinquemila euro. Purtroppo però all’esiguità dei mezzi economici si associa quella dei risultati estetici. Fin dalle prime inquadrature la regia di Serughetti esibisce totale mancanza di cura, assenza di idee, improvvisazione di marca dilettantesca. Il regista sceglie evidentemente di concentrare il proprio lavoro sulla storia – scontato schematico apologo sul genio incompreso d’un artista d’oggidì –, ma dimentica poi di dedicarsi con il giusto impegno e la necessaria precisione dello script. La sceneggiatura resta, così, un abbozzo sbilenco e incongruente, zeppo d’errori e leggerezze, apparentemente da collegare con una certa inesperienza che marca il film da cima a fondo: la pellicola avanza faticosamente per scene alle quali manca misura e approfondimento, il collegamento tra di esse poi è vistosamente difficile, immotivato e senza alcuna necessità, tanto da ottenere alla fine una narrazione frammentata, priva di alcuna grazia e del tutto inefficiente. Le partecipazioni più e meno eccellenti che costellano il film (Dolce Nera, Titno Brass, Rosalinda Cementano, Stefano Salvi) non servono a Serughetti per dare al suo film quel minimo sindacale di “qualità” che ne giustificherebbe la visione. Silvio Grasselli RIPRENDIMI Italia, 2008 Canzone/Musica estratta: “Riprendimi” (Gianna Nannini e Pacifico) Interpreti: Alba Rohrwacher (Lucia), Marco Foschi (Giovanni), Valentina Lodovini (Michela), Alessandro Averone (Eros), Marina Rocco (Tiziana), Cristina Odasso (Mara), Francesca Cutolo (Tosca), Massimo De Santis (Francesco), Giulia Weber (Sara), Hossein Taheri (Mario), Stefano Fresi (Giorgio), Giacomo Giorgi Alberti (Antonio), Antonio Sinisi (Fabio), Antonio Serrano (tizio del bar), Marco Calvani (Francesco), Giovanni Mori (psicologa), Raimondo Brandi (medico ECG), Pamela Sabatini (Marina), Rosa Canova (maestra asilo), Jacob Oleson (medico pronto soccorso), Enzo Cocomero (pompiere) Durata: 93’ Metri: 2530 Regia: Anna Negri Produzione: Francesca Neri per Bess Movie. In collaborazione con Medusa Film/Sky Cinema Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 11-4-2008; Milano 11-4-2008) Soggetto: Anna Negri Sceneggiatura: Anna Negri, Giovanna Mori Direttore della fotografia: Gian Enrico Bianchi Montaggio: Ilaria Fraioli Musiche: Dominik Scherrer Scenografia: Roberto De Angelis Costumi: Antonella Cannarozzi Casting: Stefania De Santis Aiuto regista: Stefano Botta Suono: Mauro Lazzaro, Marzia Cordò, Claudio Chiossi, Paolo Frati 36 Film U n fonico, Giorgio, e un cameraman, Eros, hanno investito molto – anche dal punto di vista umano – sul progetto che, sperano, cambierà le loro vite: girare un documentario sul lavoro precario nel mondo del cinema. I prescelti sono il loro amico Giovanni, attore di fiction con il sogno autoriale del teatro mai sopito e sua moglie, Lucia, montatrice costretta a lavorare esclusivamente con contratti a progetto. I due hanno anche un bambino, Paolo, che, quando inizia il documentario, ha pressappoco un anno di vita. Ma, di punto in bianco, Giovanni lascia moglie e figlio e, la sera stessa, dell’abbandono conosce Michela, otorinolaringoiatra fresca di laurea, precaria anche lei nel suo tirocinio ospedaliero pagato meno del lavoro di qualunque infermiere. Ora che la coppia è scoppiata anche il documentario si trasforma, diventando un occhio sulla precarietà sentimentale di chi non ha un posto di lavoro fisso: Giorgio segue Giovanni nelle sue allegre scorribande sentimentali, Eros resta invece con Lucia, che, oltre ad avere il cuore a pezzi e un lavoro precario, deve anche combattere con i problemi quotidiani di madre neo-single. A starle accanto, ma non sempre di grande aiuto, le sue tre amiche più care: Mara, felicemente sposata e in attesa del primo figlio; Tosca, un matrimonio ormai fallito e un amante per consolazione; Tiziana, libera e candidamente ingenua, ma con le idee poco chiare sul proprio futuro. A completare il quadro di amicizie femminili è Sara, che abita alla porta accanto di Lucia ed è stata lasciata anche lei dal suo uomo, fra l’altro proprio nello stesso giorno. Lucia non riesce a farsi una ragione dell’abbandono di Giovanni: lo supplica di tornare, poi non vuole più vederlo, lo segue di nascosto, lo minaccia, lo tempesta di domande. Lui tentenna, insiste nell’egoistico desiderio di libertà e indipendenza, nega di avere una storia con un’altra donna, rivendica vagamente i suoi diritti di padre. Quando Lucia scopre l’esistenza di Michela, prova il tutto per tutto: approfitta di una visita a Paolo da parte del padre per abbandonarli a casa entrambi. In questo modo, spera lei, Giovanni capirà cosa sta perdendo per sempre. La riappacificazione dura il tempo di un incontro con Tutti i film della stagione una psicologa di coppia e i due avviano le pratiche di separazione e affido del bimbo. Mentre Lucia, lentamente, prova a tornare alla vita – si rivede con l’exfidanzato, ricomincia a uscire la sera, perfino un regista/collega di lavoro inizia a interessarsi a lei –, le cose tra Giovanni e Michela prendono la piega della routine e lui freme nuovamente per la voglia di libertà. Intanto Giorgio ed Eros si interrogano sull’utilità delle riprese: per quanto ancora potranno proseguire? Come faranno con i debiti accumulati? E c’è di più: Eros si è innamorato di Lucia... Una sera, approfittando dell’assenza di Michela, Giovanni convince Lucia a un ultimo, fugace, incontro in hotel; subito dopo Eros si dichiara a Lucia, e un bacio tra i due sembra sancire la nascita di una nuova coppia. La notte stessa, la vicina di casa Sara mette in pratica quel suicidio di cui spesso parlava: forse è stata nuovamente abbandonata dal proprio uomo. Nel frattempo, Michela confessa a Giovanni di aspettare un bambino, e, forse, anche la storia di lui è destinata a ricominciare daccapo. Una scritta in sovrimpressione ci comunica il grande successo che il documentario di Giorgio ed Eros ha ottenuto, almeno su internet. L a regista Anna Negri, qui anche soggettista e sceneggiatrice, ha l’ambizione di raccontare una storia dai molteplici punti di vista: c’è quello di Lucia e quello di Giovanni, del cameraman e del fonico, nonché quello di tutti gli altri personaggi (le amiche, la vicina di casa, la psicologa e chiunque altro sia coinvolto anche marginalmente nell’intricata vicenda), modulati a mo’ di intervista grazie alla struttura falso-documentarista del film. In realtà, il frazionamento degli sguardi sulla storia resta tutto in superficie e l’unico punto di vista realizzato in maniera soddisfacente resta soltanto quello dell’abbandonata Lucia, cui l’interpretazione di Alba Rohrwacher – finalmente in un ruolo da protagonista – regala sfumature preziose, che vanno dalla disperazione più acuta alla felicità, passando anche per l’(auto)ironia. Un film declinato interamente al femminile (la produzione è affidata alla Bess Movie di Francesca Neri e del suo compagno Claudio Amendola), contemporaneamente un pregio – in 37 Italia non accade spesso –, ma anche un limite, se avviene a discapito dell’universo maschile. Quello di Lucia è un personaggio a tutto tondo, talmente ben scritto da riflettersi e moltiplicarsi negli altri ruoli femminili: in Mara ritroviamo la Lucia piena di speranze sul grande amore dell’inizio del matrimonio; in Tosca, delusa e infelice, quello in cui potrebbe trasformarsi se restasse con il Giovanni; nella fragile Sara la disperazione dei giorni dell’abbandono, che culmina in un lasciarsi andare senza ritorno; in Tiziana scorgiamo la Lucia libera, indipendente, e anche sola, quale forse era prima di incontrare il futuro marito; in Michela, infine, la donna che a suo tempo lo fece innamorare. Alla controparte Giovanni è riservato ben altro trattamento: dipinto come un uomo in fuga dalle responsabilità di marito e di padre, troppo spesso attraversato da crisi pseudo-adolescenziali, questo personaggio è talmente privo di carattere da non poter fare altro che ripetersi nelle scelte e negli accadimenti. Con estrema facilità e leggerezza, pronuncia dichiarazioni d’amore, salvo poi, subito dopo, rifugiarsi nel desiderio di distacco e indipendenza da ciò che le sue stesse parole e comportamenti costruiscono: una casa e una famiglia. È lui il vero precario, nei sentimenti come nell’intera esistenza. Dietro la patina del mockumentary, o finto documentario che dir si voglia, batte dunque il cuore di una donna innamorata e abbandonata: che la regista abbia attinto alla propria esperienza personale non è certo un segreto, come non lo è la scelta della forma, dettata anche dal basso budget (700.00 euro) imposto dalla produzione. Anna Negri ci ha messo la sua formazione internazionale (Parigi, Londra), che le ha permesso senz’altro di far emergere una bella libertà espressiva, e le ha aperto le porte del mercato estero. Riprendimi è stato infatti l’unico film italiano in concorso al Sundance Film Festival 2008 e sembra ormai realtà l’ipotesi di un remake statunitense: a produrre ci sarebbe la Plan B di Brad Pitt e pare che il titolo scelto sia Good Morning Heartache, il brano preferito da Lucia nel film, cantato da Billie Holiday. Manuela Pinetti Film Tutti i film della stagione ROVINE (The Ruins) Australia/Stati Uniti, 2008 Trucco: Debbie Zoller, Jennifer Lamphee, Laura Kennard, Paige Badenoch, René Dashiell Kerby Acconciature: Paige Badenoch, Laura Kennard Supervisore effetti speciali: David Fletcher Coordinatore effetti speciali: Bruce Bright Coordinatori effetti visivi: Tara Schellenberg (Frantic Films), Beverly Abbott, Suzanne Evans-Booth Supervisori effetti visivi: Dn Lee (Pixel Playground), Ken McGaugh (Rising Sun Pictures), Gregory L. McMurry Supervisore costumi: Kerry Thompson Interpreti: Jonathan Tucker (Jeff), Jena Malone (Amy), Shawn Ashmore (Eric), Laura Ramsey (Stacy), Joe Anderson (Mathias), Dimitri Baveas (Dimitri), Sergio Calderon (guida Maya), Balder Moreno (cavaliere Maya), Mario Jurado (arciere Maya), Patricio Almeida Rodriguez (tassista), Luis Antonio Ramos, Walter Quispe (fucilieri Maya), Pauline Whyman (donna che piange), Nathan Vega (ragazzo Maya), Tanisha Marquez-Munduate (ragazza Maya), Chris Argirousis, Alexander Gregory (greci), Michelle Atkinson, Bra Paly (greci), Jordan Patrick Smith (Heinrich), Jovina Riveros Padilla, Lucia Caballero (donne Maya), Rufino Hernandez, Charlos Enrique Delgado, Mario Freire Rivera, Elmer Alaya, Jesus Tugumbango (guardie Maya) Durata: 93’ Metri: 2330 Regia: Carter Smith Produzione: Chris Bender, Stuart Cornfeld, Jeremy Kramer per BenderSpink/DreamWorks SKG/Red Hour Films/Spyglass Entertainment Distribuzione: Universal Prima: (Roma 27-6-2008; Milano 27-6-2008) V.M.: 14 Soggetto: dal romanzo omonimo di Scott B. Smith Sceneggiatura: Scott B. Smith Direttore della fotografia: Darius Khondji Montaggio: Jeff Betancourt Musiche: Graeme Revell Scenografia: Grant Major Costumi: Lizzy Gardiner Produttori esecutivi: Gary Barber, Roger Birnbaum, Trish Hofmann, Ben Stiller Direttori di produzione: Troy Clarke, Trish Hoffmann, Sharon Miller Casting: Denise Chamian Aiuti regista: Jamie Crooks, Angela McPherson, Paul Schmitz, Charles Mann, Bish Bishop Operatore: David Williamson Operatore steadicam: Jörg Widmer Supervisore art direction: Brian Edmonds Art directors: Michelle McGahey, John Wingrove Supervisore trucco e acconciature: Shane Thomas U na ragazza si trova in un luogo angusto e privo di luce. Chiede aiuto disperatamente. Infine qualcosa la colpisce. Amy assieme a Stacy e i rispettivi ragazzi Jeff ed Eric, sono in vacanza in Messico. Per caso conoscono Mathias. Il gruppo decide di aiutare il ragazzo a cercare il fratello, mai tornato da una gita presso alcune rovine Maya, fuori dell’ordinario giro turistico. Al gruppo si unisce anche un altro amico di Mathias: il greco Dimitri. Con un po’ di difficoltà i ragazzi ritrovano sia la jeep del fratello che una piramide a terrazze tipica dei Maya, avvolta da un’edera dai fiori rossi. Improvvisamente aggrediti dai nativi che uccidono Dimitri, sono costretti a rifugiarsi sulla cima della piramide, dove trovano una tenda con lo zainetto e le chiavi della jeep. I ragazzi non comprendono il perché, ma i nativi invece di inseguirli preferiscono accamparsi attorno alla piramide. Nonostante il cellulare di Eric non prenda, dal profondo pozzo interno della piramide giunge il trillo di un cellulare. Mathias decide di scendere, aiutato da Jeff ed Eric che girano l’argano. La corda si spezza: Mathias cade ritrovandosi così con la spina dorsale rotta. Per andare ad aiutarlo, Stacy si ferisce gravemente al ginocchio. Con una rudimentale barella, il gruppo riesce a riportare in superficie Mathias. Fra loro c’è chi vorrebbe provare a fuggi- re e chi vorrebbe aspettare i greci, amici di Dimitri, che non vedendoli tornare potrebbero dare l’allarme. Durante la notte, l’edera sembra prendere vita: attirata dal sangue, si introduce sia nelle ferite di Stacy che in quelle di Mathias. I loro compagni riescono apparentemente a liberarli. La situazione precipita quando le due ragazze decise a recuperare il cellulare che continua a squillare, scendono nuovamente nel pozzo. Trovano il cadavere di una ragazza,(quella del prologo) che tiene in mano un cellulare rotto. Emy e Stacy fanno una scoperta inquietante: sono i fiori a riprodurne il suono. Vengono salvate in extremis dai loro ragazzi, mentre la pianta tenta di bloccarle. Jeff decide di amputare le gambe di Mathias ormai in cancrena, col risultato che l’edera si impossessa del corpo del giovane per nutrirsi. La pianta inizia a crescere nel corpo di Stacy; inutili sono gli sforzi di Jeff per cercare di salvarla. La ragazza in preda a una crisi isterica, si procura tagli profondi in tutto il corpo per cercare di liberarsene. Eric tenta di fermarla, ma Stacy per sbaglio lo uccide. La pianta porta via anche il suo corpo. Stacy, allo stremo, chiede di essere uccisa. Jeff esaudisce il suo desiderio. Il ragazzo escogita un piano: scende dalla piramide portando fra le braccia Amy che si finge morta. La lascia distesa ai suoi piedi, mentre distrae i nativi iniziando a cam38 minare attorno al perimetro del monumento e inveendogli contro. Al momento giusto, Amy fugge verso la jeep con in mano le chiavi. Jeff viene ucciso. La ragazza raggiunge la macchina: riesce a scappare. Nel mentre, i greci giungono davanti alla piramide. L a natura contro l’uomo. Terreno fertile per il cinema che da sempre esplora questo conflitto con svariate sfaccettature e diverse linee di pensiero. Hitchcock, tanto per fare un signor nome, aveva terrorizzato il pubblico con Gli Uccelli (1963), che senza ragione apparante terrorizzavano la piccola Bodega Bay. Da allora api, ragni, serpenti, cavallette e chi più ne ha più ne metta, hanno letteralmente infestato il piccolo e grande schermo. Ora tocca alle piante. Non piante comuni naturalmente, ma piante carnivore, intelligenti ed evolute al punto tale, da riprodurre suoni umani e non, per poter attirare le proprie prede in una trappola mortale. Attenzione però, qui non si tratta di un atto di ribellione contro l’uomo, come nell’ultima grande fatica di M. Night Shyamalan (E venne il giorno), ma bensì di una lotta per la sopravvivenza: semplicemente le piante si devono nutrire. Certo, quando per sfamarsi usano carne umana, allora è il caso di porre un freno. Qui entra in gioco l’uomo: i nativi, apparentemente violenti e cattivi, si scoprono essere una sorta di guardiani col compito di non far propaga- Film re questa vegetazione maligna e far infestare tutto il pianeta. Il film segue la struttura classica di genere thriller horror, con un prologo, lo svolgimento vero e proprio della storia, per finire con l’epilogo seguito generalmente dal colpo di scena finale, qui presente con l’arrivo dei greci giunti ad aiutare i loro amici: per la serie se non vi foste mossi e non aveste fatto nulla, vi sareste salvati ( o magari faranno anche loro la stessa fine?). Esempi di altre strutture similari si possono riscontrare anche in Wrong Turn (2003), 28 settimane dopo (2007) e The Hole (2001), senza contare che la lista potrebbe continuare ancora. A differenza di altri film di genere che hanno per protagonisti giovani coppie di ragazzi, sicuramente Rovine ha un guizzo in più; basti pensare agli anni Novanta dove c’erano i vari So cosa hai fatto e Urban Legend che sicuramente regalavano brividi, ma in fondo l’assassino con l’impermeabile e il coltello, o mannaia aveva stufato e risultava un po’ ambiguo. Meglio quindi il balzo in avanti, con meno scene splatter e più sostanza ai personaggi e le loro vicende personali, in modo tale da giustificare maggiormente determinate azioni, che altrimenti risulterebbero campate per aria. Magari il livello Tutti i film della stagione psicologico o la tensione non sono ai livelli di The Ring (2002) o The Descent (2005), ma Rovine con una dignità tutta sua, prova a scandagliare la follia che può colpire l’uomo in una situazione di claustrofobia, senza vie di fuga con il cibo che giorno dopo giorno diminuisce. A quel punto come reagirebbe ognuno di noi? Chi manterrebbe il sangue freddo per tutto il gruppo? Chi invece cederebbe al delirio per poi lasciarsi uccidere? E chi, infine, potrebbe compiere l’ultimo sprint per salvarsi la pelle? Smith Scott autore dell’omonimo best seller, nonché sceneggiatore del film, può ritenersi soddisfatto del risultato. Brava Jena Malone, la Amy del film, che non è il solito classico bel visino solo capace di sorridere, ma ammicca e convince. Elena Mandolini ROLLING STONES SHINE A LIGHT (Shine a Light) Stati Uniti/Gran Bretagna, 2008 Acconciature: Caroline Clements, Jeffrey Rebelo Supervisore effetti visivi: Ben Grossmann (The Syndicate) Supervisore effetti digitali: Danny Braet Canzoni/Musiche estratte: “Jumping Jack Flash”, “Shattered”, “She Was Hot”, “All Down the Line”, “Loving Cup” con Jack White, “As Tears Go By”, “Some Girls”, “(Just My) Imagination”, “Far Away Eyes”, “Champagne & Reefer” con Buddy Guy, “Tumbling Dice”, “You Got the Silver”, “Connection”, “Sympathy for the Devil”, “Live With Me” con Christina Aguilera; “Start Me Up”, “Brown Sugar”, “Satisfaction”, “Shine A Light” Interpreti: Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Ron Wood, Cristina Aguilera, Buddy Guy, Jack White, Darryl Jones, Lisa Fischer, Bernard Fowler, Blondie Chaplin, Chuck Leavell, Bobby Keys, Tim Ries, Martin Scorsese, Bill Clinton, Robert Richardson, Byrdie Bell, Hillary Rodham Clinton, Aleksander Kwasniewski, Kimberlu Magness, Albert Maysles (se stessi), Gary Cherkassky (Paparazzi), Rebecca Merle (Vip sul red carpet) Durata: 122’ Metri: 3228 Regia: Martin Scorsese Produzione: Steve Bing, Michael Cohl, Victoria Pearman, Zane Weiner per Concert Promotions International/Shangri-La Entertainment Distribuzione: Bim Prima: (Roma 11-4-2008; Milano 11-4-2008) Direttore della fotografia: Robert Richardson Montaggio: David Tedeschi Scenografia: Stat Theodos Produttori esecutivi: Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Ron Wood Direttore di produzione: Carol Cuddy Aiuti regista: Joseph P. Reidy, Amy Lauritsen, John Silvestri, Richard E. White, Eric Richard Lasko Operatori: Mitchell Amundsen, Patrick Capone, Stuart Dryburgh, David M. Dinlap, Robert Elswit, Tony C. Jannelli, Lukasz Jogalla, Ellen Kuras, Andrew Lesnie, Emmanuel Lubzeki, Anastas N. Michos, Declan Quinn, Andrew Rowlands, Gerard Sava, John Toll Operatore steadicam: Chris Haarhoff Trucco: Caroline Clements, Patricia Regan I l film racconta il concerto dei Rolling Stones al Beacon Theatre di New York nell’autunno del 2006. L’idea iniziale era quella di realizzare un documentario sull’intero tour della band, “A Bigger Bang”, ma Martin Scorsese ha 39 preferito immortalare gli Stones in un ambiente che potesse dar risalto all’intimità che si viene a creare durante un’esibizio- Film ne tra pubblico e artisti, utilizzando 18 macchine da presa e il lavoro di molti tra i più grandi direttori della fotografia del mondo. L a diabolica spontaneità dei Rolling Stones e la leggendaria metodicità di un regista come Martin Scorsese: questa fusione ha creato Shine a Light, concert-pic di impatto devastante ed esempio di rockumentary dalla valenza tecnica straordinaria (18 macchine da presa e i più grandi direttori della fotografia, guidati da Robert Richardson, tra i quali John Toll, Andrew Lesnie, Stuart Dryburgh, Robert Elswith, Emmanuel Lubezki). Ed è proprio la magia simbiotica di montaggio (ancora curato da David Tedeschi, già collaboratore di Scorsese per No Direction Home: Bob Dylan) e luci, esplosione di energia con Tutti i film della stagione cui avvolgere la carica altrettanto esplosiva di Mick Jagger, a dettare i tempi di un’opera che vive sì di vita propria, ma che, al tempo stesso, sembra non poter prescindere dall’occhio che è lì ad immortalarla: Scorsese appare all’inizio (alle prese con i tormenti di una scaletta che poi si rivelerà invece grandiosa, con le hits solo in apertura e in chiusura di concerto, e in mezzo tanti capolavori come Shattered, Tumbling Dice, You Got the Silver – cantata da Keith Richards – e i duetti di Jagger con Buddy Guy, Christina Aguilera e Jack White III, questo il meno trascinante) e, sempre dietro le quinte, alla fine dello show, ma non “si” mette in scena ulteriormente, privilegiando le ragioni dello spettacolo che – senza grossi fronzoli – viene raccontato (intramezzato da qualche spezzone d’epoca, con le interviste ai giovani Stones ancora non “leggendari” ma già ac- compagnati da straordinario successo), insistendo molto sui primi piani, su quell’incredibile mistero che avvolge i volti e i corpi rugosi di ragazzini ultrasessantenni (Jagger ancora salta e balla ininterrottamente come se quarant’anni non fossero mai passati, cosa tra l’altro che lo stesso front-man aveva in qualche modo predetto a un giornalista molti anni prima...), su quella linea pressoché invisibile che separa Jagger, Richards, Wood e Watts dal pubblico entusiasta, sicuramente “ben selezionato” (c’è di mezzo lo zampino della Clinton Foundation), ma non per questo meno partecipe: l’ingresso da una porta sul retro di Jagger e la successiva Sympathy for the Devil sono lì a dimostrarlo. Evento speciale d’apertura al 58° Festival di Berlino. Valerio Sammarco CHARLIE BARTLETT (Charlie Bartlett) Stati Uniti, 2007 Trucco: Linda Dowds Acconciature: Jenny Arbour Supervisore costumi: Lindsay Jacobs Supervisori musiche: Dave Jordan, Jojo Villanueva Interpreti: Anton Yelchin (Charlie Bartlett), Robert Downey jr. (Preside Nathan Gardner), Hope Davis (Marilyn Bartlett), Kat Dennings (Susan Gardner), Tyler Hamilton (Murphey Bivens), Mark Rendall (Kip Crombwell), Dylan Taylor (Len Arbickle), Megan Park (Whitney Drummond), Jake Epstein (Dustin Lauderbach), Jonathan Malen (Jordan Sunder), Derek McGrath (sovrintendente Sedgwick), Stephen Young (dr. Stan Weathers), Ishan Davé (Henry Freemont), David Brown (agente Hansen), Eric Fink (Thomas), Noam Jenkins (Dean West), Lauren Collins (Kelly), Annick Obonsawin (Daisy), Sarah Gadon (Priscilla), Aubrey Graham (A/V Jones), Michael D’Ascenzo (Scott), Dwayne McLean (autista bus), Quancetia Hamilton (sig.ra Albertson), Richard Alan Campbell (dr. Sam Costell), Kim Roberts (dr. Linda Jenkins), David Fraser (dr. Jacob Kaufmann), Marvin Karon (dr. P. Sarossy), Abigail Bernandez, Laura Jeanes, Annamaria Janice McAndrew (cheerleaders), Amelia Tenttave, Amabelle Singson (ragazze di Len), Abby Zotz (madre di Kip) Durata: 97’ Metri: 2620 Regia: Jon Poll Produzione: William Horberg, Barron Kidd, Sidney Kimmel, David Permut, Jay Roach per Sidney Kimmel Entertainment/Everyman Pictures/Texon Entertainment/Permut Presentations/ Granite Rock Films/Madacy Entertainment Distribuzione: DNC Prima: (Roma 30-5-2008; Milano 30-5-2008) Soggetto e sceneggiatura: Gustin Nash Direttore della fotografia: Paul Sarossy Montaggio: Alan Baumgarten Musiche: Christophe Beck Scenografia: Tamara Deverell Costumi: Luis M.Sequeira Produttori esecutivi: Trish Hofmann, William Horberg, Jennifer Perini, Bruce Toll Co-produttori: Steve Longi, Gustin Nash Direttore di produzione: Whitney Brown Casting: Robin D. Cook, Richard Hicks, David Rubin Aiuti regista: Libby Hodgson, Tim Singh, Patrick Murphy, Neesha Patki, Andrew Pritchard Operatori: Mark Willis, Tim Merkel Operatore steadicam: Tim Merkel Art director: Joshu de Cartier Arredatore: Zeljka Alosinac C harlie Bartlett è un ricco e brillante adolescente che viene cacciato dall’ennesima scuola privata; la madre decide, quindi, di iscriverlo a un liceo pubblico, dove inizialmente trova difficoltà di inserimento. Senza mai perdersi d’animo, Charlie riesce a conquistare tutta la scuola, persino il bullo che prima lo picchiava ma che ora è suo socio in affari, diventando lo “psichiatra” dei suoi compagni, dispensando sedute nei bagni maschili e distribuendo psicofarmaci a pagamento. Conquista anche l’amore di Susan, figlia del preside Nathan. Quando l’amico Kip tenta il suicidio con gli antidepressivi da lui “prescritti”, sembra che il terreno gli frani sotto i piedi; sempre a causa sua, Susan e Nathan litigano violentemente. Ancora una volta Charlie non si lascia sopraffare dagli eventi e riesce ad aiutare tutte le persone che lo circondano, persino il preside. Ormai cresciuto, Char40 lie trova finalmente la forza per andare dal padre, detenuto in carcere per evasione fiscale. C harlie Bartlett ricalca la più antica storia da sempre raccontata: il passaggio dall’adolescenza all’età adulta. Il ragazzo attraverso eventi esterni riesce a comprendere se stesso e quali sono i suoi reali bisogni, trovando il coraggio di crescere e diventare uomo; Film passaggio simbolicamente rappresentato nella sequenza finale del film, dove Charlie entra in carcere per andare a salutare il padre per la prima volta da quando è stato arrestato. Un nuovo modo di descriverci gli adolescenti, che si avvicina più a film come Fuga dalla scuola media (1996), che non ai goliardici scherzi di Porky’s (1981). Adolescenti che sono molto più di quello che non sembrano. Un esempio per tutti è il classico bullo, sotto i cui pugni passa anche il protagonista, che in realtà è in cerca di una storia d’amore seria e che ha dovuto abbandonare la recitazione. Sentirsi ben accetti: è questo l’obiettivo che tutti i ragazzi ricercano nel film, perché come dice lo stesso Charlie “ A 17 anni è la cosa più importante”. Una delle tematiche affrontate è lo scontro generazionale, qui rappresentato da due coppie: il protagonista con la madre che prende antidepressivi e Susan che vive con un padre dedito all’alcool, portandoci così ad altri temi, essenziali, del film: Tutti i film della stagione figli che fanno da genitori e l’assenza di dialogo nei rapporti familiari. Non a caso, i compagni di Charlie trovano in lui la figura del confidente che non riscontrano in casa; in seguito, tutti continueranno ad andare alle sue sedute di psicoanalisi nonostante non venda più psicofarmaci. Morale della storia? È meglio parlare, essere ascoltati e capiti, che trincerarsi dietro medicinali. La storia dei due protagonisti, Charlie e Susan, è complementare e inversa: lui non ha più il padre, mentre lei non ha più la madre. Simili, sentono subito nascere un legame fra loro dato dal passato che li accomuna (Proprio come i protagonisti in Chinatown); ma finché non comprendono fino in fondo cosa li unisce, non riescono ad amarsi: Charlie riuscirà a baciarla, solo quando scoprirà la sua storia. Robert Downey Jr (Fur, Zodiac, Uno strano caso) lo troviamo qui in gran forma; forse grazie anche ai trascorsi dell’attore, che in parte lo accomunano alle vicende del preside Nathan, la sua interpretazione convince in pieno. Su tutti primeggia Anton Yelchin, giovane promessa del cinema, che si era già fatto notare in Alpha Dog (2005) di Cassavetes e in Cuori in Atlantide (2001), accanto ad Anthony Hopkins. Il personaggio di Charlie ricalca il Seth Cohen del telefilm O.C.: brillante, ironico, irriverente, ma buono d’animo e sensibile. La prova registica di Jon Poll è soddisfacente; con una trama lineare e semplice da seguire. Interessante la scelta di non mostrarci mai il padre, né in foto né tramite flashback. Solo grazie a Susan, quasi alla fine della storia, scopriamo perché non è più a casa: si trova in carcere per evasione fiscale. Il film si può suddividere in due parti: la prima è più sarcastica e brillante (occhio alla divertente sequenza delle conseguenze del Vitaril sugli adolescenti), mentre la seconda cerca di scendere più in profondità, senza purtroppo riuscirci in pieno; alcuni personaggi e le loro storie vengono lasciate a sé, senza conoscerne l’esito. Peccato. Elena Mandolini QUANDO TUTTO CAMBIA (Then She Found Me) Stati Uniti, 2007 Operatore: Charles Libin Operatore steadicam: Parris Mayhew Arredatore: Cristina Casanas Supervisore effetti visivi: Michael Caplan Supervisore costumi: Sheila Gentile Interpreti: Helen Hunt (April Epner), Colin Firth (Frank), Bette Midler (Bernice Graves), Matthew Broderick (Benjamin ‘Ben’ Green), Lynn Cohen (Trudy Epner), Ben Shenkman (dr. Freddy Epner), David Callegati (Gianni), John Benjamin Hickey (Alan), Rachel Konstantin (cougino di April), Stacie Linardos (Anne), Tommy Nelson (Jimmy Ray), Salman Rushdie (dr. Masani), Rabbi Kenneth Stern (Rabbi), Daisy Tahan (Ruby), Schuster Vance (moglie al PTA Meeting), Tim Robbins, Edie Falco, Janeane Garofalo (se stessi), Geneva Carr (ospite talk show), Cherise Boothe (madre), Floanne Ankah (assistente produzione), Chris Chalk (inserviente), Brother Eden Douglas. Audrey Elizabeth Fafard (ospiti Penthouse), Andy Miller (autista limousine), Jonathan Roumie (uomo che va a una festa) Durata: 100’ Metri: 2640 Regia: Helen Hunt Produzione: Helen Hunt, Pamela Koffler, Katie Roumel, Connie Tavel, Christine Vachon per Blue Rider Pictures/John Wells Productions/Killer Films/Less Is More Pictures Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 6-6-2008; Milano 6-6-2008) Soggetto: dal romanzo omonimo di Elinor Lipman Sceneggiatura: Helen Hunt, Alice Arlen, Victor Levin Direttore della fotografia: Peter Donahue Montaggio: Pam Wise Musiche: David Mansfield Scenografia: Stephen Beatrice Costumi: Donna Zakowska Produttori esecutivi: Jeff Geoffray, Louise Goodsill, Walter Josten, Ralph Kamp, Chip Signore, John Wells Produttore associato: Moon Blauner Direttore di produzione: Matthew Myers Co-produttore: Matthew Myers Casting: Bernard Telsey, David Vaccari Aiuti regista: Chip Signore, Brian Kenyon, Lauren Guilmartin A pril Epner è un insegnante di scuola elementare che si sposa con rito ebraico con Ben, suo amico d’infanzia, nonché collega di lavoro. Trascorre circa un anno dal matrimonio e il desiderio di April di maternità è sempre più forte. La donna ha ormai trentanove anni e i suoi tentativi non hanno avuto alcun successo, tanto più si rifiuta di adottare un figlio. Lei stessa da bambina, dopo essere stata abbandonata dalla madre naturale, fu adottata e questo la fece sempre sentire diversa dagli altri. In tutto questo, di certo Ben non migliora la situazione. Adolescente cresciuto, non riesce a reggere la pressione e un giorno, dopo aver fatto l’amore con la moglie, le comunica di sentirla 41 come un’amica e la pianta in asso ritornando a casa della madre. April è sconvolta; a peggiorare le cose anche le condizioni di salute di sua madre adottiva. Il giorno del funerale della madre, la donna viene messa al corrente che la madre naturale, una certa Bernice, nota conduttrice di talk show locali, la sta cercando. Intanto, a scuola, April cono- Film sce Frank, il padre premuroso di un suo alunno. L’uomo, anche lui abbandonato in tronco dalla moglie, si dimostra da subito attratto da April, che non sembra disprezzarlo. April decide di incontrare Bernice e tra le due donne inizia uno strano e conflittuale rapporto. La donna chiede spiegazioni circa il suo abbandono e la conduttrice continua a raccontarle leggendarie storie (addirittura di essere figlia di Steve McQueen) per farle apparire meno doloroso e grave il suo gesto. April e Frank intanto iniziano a frequentarsi e tutto sembra andare per il meglio, fino a quando la donna scopre di essere rimasta incinta del suo ex marito. Ben non sembra ancora volersi assumere le sue responsabilità, ma Avril decide di avere quel tanto desiderato bambino, rimanendo al fianco di Frank. Il destino vuole che ci sia un aborto naturale. L’insegnante cade di nuovo nella depressione e chiede l’aiuto di Bernice per effettuare la fecondazione assistita. Finalmente madre e figlia sono una di fronte all’altra e si ritrovano come se tutti quegli anni di assenza fossero stati cancellati. Tut- Tutti i film della stagione tavia la confusione di April la porta di nuovo tra le braccia di Ben, scatenando la reazione del povero Frank. I due si lasciano, ma poi si ritrovano ancora più uniti di prima, perché adesso c’è una nuova bimba che fa parte della famiglia: una bellissima cinesina che April ha deciso di adottare. E sordio alla regia di Helen Hunt, Quando tutto cambia è una commedia a tinte drammatiche, tratto dall’omonimo romanzo di Elinor Lipman Then She Found Me. La Hunt si era già messa dietro la macchina da presa per alcune puntate di un serial tv e, pur essendosi ripromessa di non doversi mai trovare a dirigere e interpretare lo stesso film, l’attrice non ha saputo resistere al richiamo della regia. Vincitrice del premio Oscar per la sua interpretazione accanto a Jack Nicholson in Qualcosa è cambiato (di cui ironicamente si riprende il titolo), Helene Hunt veste i panni di una donna la cui vita subisce un’impennata improvvisa. A differenza del romanzo, incentrato soprattutto sul rapporto tra madre e figlia, il film aggiunge la delica- ta tematica della maternità e dell’innamoramento. Elegante riflessione anche sul tradimento e sulla vita di coppia il film punta i riflettori sulle ambivalenze, sulle contraddizioni e i timori che caratterizzano la maturazione emotiva e affettiva della protagonista. Pur affrontando argomenti controversi la storia mantiene un sapore agrodolce e a tratti ironico. L’unico problema è che spesso e volentieri l’attenzione è troppo accentrata sulla Hunt, che tra l’altro non dà neanche il meglio di sé, mettendo un po’ in ombra gli altri personaggi. Attorno a lei infatti gravitano attori quali Matthew Broderick, che convince grazie al suo personaggio irretito in un infantilismo senza via di uscita, Colin Firth divertente nei suoi scoppi di rabbia e nelle sue “passeggiate” liberatorie e Bette Middler, animata da un’insostenibile vitalità, nei panni della madre naturale che sembra più giovane della figlia, segnata invece dalle rughe dei quaranta. Tanto di cappello alla Hunt che, nonostante tutto, le porta a testa alta. Veronica Barteri NOI DUE SCONOSCIUTI (Things We Lost in the Fire) Stati Uniti/Gran Bretagna, 2007 Coordinatore effetti speciali: Alex Burdett Supervisore costumi: Steve Holloway Supervisore musiche: Susan Jacobs Interpreti: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio Del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alison Lohman (Kelly), Robin Weigert (Brenda), Omar Benson Miller (Neal), Paula Newsome (Diane), Sarah Dubrowski (Spring), Maureen Thomas (nonna Ginnie Burke), Patricia Harras (moglie di Howard), V. J. Foster (uomo afflitto), Caroline Field (Teresa Haddock), Marlues Dick, Todd Charles Mosher (agenti di polizia), James Lafazanos (Arnie), Liam James (cugino Dave), Quinn Lord (cugino Joel), Alejandro Chavarria (ragazzino cortile), Ken Tremblett (arito di Brenda), Hilary Strang (direttore incontro N:A), Jessica McLeod, Victoria Campbell (amiche di Harper), Gerry Rosseau (John nel vicolo), Abraham Jedidiah (sig. Skopes), James R. Baylis (Alvin il tossicodipendente), James R. Baylis, Adrian Hough, Kendall Cross, Lorena Gale, R. Nelson Brown Durata: 118’ Metri: 3000 Regia: Susanne Bier Produzione: Sam Mendes, Sam Mercer per DreamWorks Pictures/DreamWorks SKG/Neal Street Productions Distribuzione: Teodora Film Prima: (Roma 12-6-2008; Milano 12-6-2008) Soggetto e sceneggiatura: Allan Loeb Direttore della fotografia: Tom Stern Montaggio: Pernille Bech Christensen, Bruce Cannon Musiche: Johan Söderqvist Scenografia: Richard Sherman Costumi: Karen L. Matthews Produttori esecutivi: Pippa Harris, Allan Loeb Co-produttore: Barbara Kelly Direttore di produzione: Barbara Kelly Casting: Debra Zane Aiuti regista: Paul Barry, Misha Bukowski, Philip Nee Nee, Rhonda Taylor Operatori: Glen A. Dickson, Morten Søborg Art director: Geoff Wallace Arredatore: Dominique Fauquet-Lemaitre Trucco: Connie Parker Acconciature: Ian C. Ballard A udrey e Brian Burke sono una coppia felicemente sposata con due bambini: Harper di dieci anni e Dory di sei. Una sera Brian, uscito per comprare il gelato ai bambini, tro- va una morte tragica. Nel tentativo di salvare una donna vittima della violenza del marito, viene ucciso dall’uomo che gli spara in mezzo alla strada. La notizia di quella morte così improvvisa e assurda 42 getta Audrey nella completa disperazione. La donna decide di ospitare a casa sua Jerry, il migliore amico di Brian. Jerry è, per certi versi, l’opposto di Brian, marito e padre affettuoso e professioni- Film sta affermato: conduce una vita di eccessi, è tossicodipendente, è senza fissa dimora e senza un lavoro stabile. Passa il tempo ma Audrey non riesce a riprendersi. Jerry invece cerca di uscire dal tunnel della droga prendendo parte alle sedute dei “Narcotici Anonimi”. Howard, caro amico di Brian nonché suo vicino di casa, propone a Jerry di lavorare con lui. L’uomo accetta e si prepara a sostenere l’esame come intermediario per i mutui ipotecari. Jerry si affeziona sempre più ai bambini mostrandosi un valido sostegno per loro. Un giorno, riesce a insegnare a Dory a mettere la testa sott’acqua, cosa che non era riuscita neanche a Brian. Qualche giorno dopo, Jerry riesce a ritracciare Harper che si era isolata in un cinema per vedere vecchi film mentre la madre la cercava disperatamente. Jerry sapeva che una volta l’anno la bambina andava col padre a vedere una rassegna cinematografica, mentre Audrey era all’oscuro di quella occasione che legava la figlia al padre. Seccata e gelosa di quel segreto di cui Jerry era a conoscenza, Audrey caccia l’uomo di casa. Dopo poco Jerry precipita di nuovo nella dipendenza dalla droga. Audrey va a recuperarlo e lo riporta a casa in condizioni pietose. I giorni successivi, Jerry passa l’inferno in preda di violente crisi di astinenza. Audrey si prende cura di lui con l’aiuto di Kelly, una giovane che Jerry ha conosciuto alle riunioni dei Narcotici Anonimi. Dopo qualche tempo, Jerry inizia a riprendersi e accetta la proposta di Audrey di ricovero in una casa di cura per disintossicarsi. Il distacco dai bambini è doloroso. Nell’ultima scena del film, Jerry invia un mazzo di rose a Audrey nella speranza di andare avanti, giorno dopo giorno, per un futuro migliore. I l bel titolo originale del film Things We Lost in the Fire colpisce dritto al cuore. Le cose perse in un incendio sono quelle che Brian, marito e padre fin troppo perfetto, destinato a una morte improvvisa e prematura, aveva perso senza drammi perché quello che conta non sono i beni materiali ma gli affetti. Quello di sua moglie e quello dei suoi figli innanzitutto. Nel titolare il film per l’edizione italiana si è scelto di riferirsi direttamente ai due protagonisti. Noi due sconosciuti, due persone distanti sebbene si conoscano formalmente da anni. Lei, moglie bellissima di un uomo dolce e premuroso, non cono- Tutti i film della stagione sce affatto il migliore amico di suo marito, ne è invece infastidita e a tratti gelosa. Ed eccoci al punto nodale, la perdita. Una perdita, tante perdite, devastanti e insostenibili. Tutti in questo film hanno perso qualcosa o qualcuno: Audrey ha perso un marito meraviglioso, i bambini un padre affettuoso e sempre presente, Jerry il suo migliore amico. Audrey e Jerry sono due anime distanti. Ma la distanza è solo apparente. Il percorso catartico incrociato conduce necessariamente a una guarigione. I due devono vedersela con le tragedie che stanno vivendo, per Jerry è l’abitudine mentre per Audrey un dolore così profondo è la novità. La regista ha dichiarato di non voler fare un film con un messaggio. Troppo facile, troppo scontato. Ed è riuscita nell’intento: in effetti la forza della pellicola sta proprio qui, nel suo non contenere un messaggio. Ciò che resta è il contenuto. Un contenuto che fa riflettere e che non offre un finalino scontato con happy end amoroso, ma solo l’incertezza di un futuro che deve ancora accadere. Si va avanti un passo alla volta, come accade nella vita. L’elaborazione del lutto è un passo necessario a entrambi i protagonisti, Audrey deve “uccidere” la morte del marito, Jerry deve “uccidere” il vecchio Jerry tossicodipendente e smarrito per ritrovare una nuova vita. Per entrambi si tratta di liberarsi dalle dipendenze, siano esse da un marito fin troppo protettivo, o da droghe che facilitano l’oblio dei sensi. Una regista europea (la danese Su43 sanne Bier cresciuta a “pane e Dogma” che si è imposta all’attenzione della critica con Non desiderare la donna d’altri e Dopo il matrimonio) e il suo primo film americano, con due star del cinema a stelle e strisce. Due mondi sconosciuti come i due protagonisti. L’incontro ha prodotto un film senza sbavature e senza ridondanze, in cui la regista descrive con stile asciutto il dolore servendosi di inquadrature parche ed essenziali. Gli attori aderiscono alla perfezione alla tempesta di sentimenti che la regista descrive: con grazia e toni sommessi la splendida (anche con poco trucco) Halle Berry e con straordinario saggio di performance che alterna delirio da tossico e muta sofferenza da anima persa, un sempre più immenso Benicio Del Toro (giù il cappello davanti a tanta bravura). L’incontro tra i due protagonisti è lo scontro tra due elementi opposti come l’acqua e il fuoco. Ecco la forza dirompente dei due elementi primordiali. La pioggia cade sui giocattoli sparsi in giardino mentre una pioggia di lacrime bagna il viso di chi sta soffrendo. Dopo un grave dolore le lacrime inondano l’anima e il cuore sembra bruciare, tutto crolla come un muro bombardato e la vita sembra finire, ma continua, deve continuare: è solo diversa, dura e diversa. Ma forse è ancora capace di sorprenderci. E magari il sole può ancora splendere dopo la pioggia, al mattino, sulle nostre notti insonni. Elena Bartoni Film Tutti i film della stagione GARDENER OF EDEN IL GIUSTIZIERE SENZA LEGGE (Gardener of Eden) Stati Uniti, 2007 Trucco: Sheri Kornhaber Acconciature: Elizabeth Martinelli Coordinatore effetti speciali: Fred Buchholz Operatori steadicam: David Isern, Peter Vietro-Hannum Supervisore musiche: Tracy McKnight Interpreti: Erika Christensen (Mona), Lukas Haas (Adam Harris), Giovanni Ribisi (Vic), Yolanda Ross (Yasmine), Tim Hopper (Bill Huxley), Andrew Fiscella (agente Bob), David Bortolucci (Richard ‘Hands’ Pope), Emily Wickersham (Kate), Tyler Johnson (Chuck), Laura Bittner (Laura), John Arocho (TJ Buck), Danny A. Abeckaser (Ami), Greg Bello (Luke Scott), Amelia Kallman (Angela), David Patrick Kelly (Pa Harris), Vincent Laresca (Pavon), Jim Parsons (Spim), Ori Pfeffer (Uri), Yolanda Ross (Jasmine), Caitlin Van Zandt (Sara), Joli Julianna, Danielle Rees (cheerleader), Chris LaPlanta (avvocato di Richard Pope), Jim Tooey (spaccone), R. J. Romano (tipo duro), Anthony Fazio, Khan Baykal, Anthony Fazio, Jon Abrahams Durata: 88’ Metri: 2430 Regia: Kevin Connolly Produzione: Leonardo Di Caprio, Allen Bain, Bradford Simpson per The 7th Floor/Appian Way/Gardener of Eden Productions/IEG/Virtual Studios Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 20-6-2008; Milano 20-6-2008) V.M.: 14 Soggetto e sceneggiatura: Adam ‘Tex’ Davis Direttore della fotografia: Lisa Rinzler Montaggio: Pete Beaudreau Musiche: Paul Haslinger Scenografia: Happy Massee Costumi: Amy Westcott Produttori esecutivi: Darren Goldberg, Graham King, Jesse Scolaro, Lemore Syvan, Ben Waisbren Produttore associato: Denis O’Sullivan Direttore di produzione: Michele Giordano Casting: Sheila Jaffe, Meredith Tucker, Georgianne Walken Art director: Marc Benacerraf Arredatore: Emily Heller A dam vive nel piccolo paese di Bickleton, vicino a New York. È un ragazzo intelligente, pieno d’amici, con alle spalle una madre ossessiva e un padre esaltato eroe di guerra. Espulso dall’Università di N.Y. perché sorpreso con una prostituta, ritorna nella città natale. Inizia così la routine spezzata solo dalle goliardate con gli amici. Un giorno, assiste all’incidente mortale dell’anziana Maggie: qualcosa gli si spezza dentro. Una sera, sentendosi un fallito, arrabbiato con tutto e tutti, decide di picchiare il primo ragazzo che incontrerà. Senza volerlo ferma così Pope, pluristupratore che ha appena aggredito la sua ultima vittima: Mona, nipote di Maggie. Adam diventa un eroe e vuole continuare a esserlo. Rifiutato dalla polizia, sarà il padre a diventare il suo allenatore. Mentre inizia a frequentare Mona, comincia anche a pattugliare le strade di notte e, prende di mira Vic lo spacciatore locale che rappresenta la feccia più grande da debellare, ma che comunque subirà solo un pestaggio. Durante un giro di ricognizione a N.Y., Adam uccide un ladro, ma non sembra comprendere la gravità della situazione: anzi ne è contento, come anche suo padre. In seguito a un identikit fatto da testimoni, non potrà tornare in città. Grazie all’amore di Mona, si iscrive all’università del Kansas. Presente al processo contro Pope, sarà lui a dare la pistola al padre di Mona, con la quale ucciderà il criminale. Adam continua a sentirsi un eroe. I l nuovo film di Kevin Connolly, attore di telefilm (E vissero infelici e contenti) e film (John Q del 2002) ci racconta il delirio di un giovane uomo alle prese con le ingiustizie della vita. Un’America costituita da esaltati eroi di guerra, che si fanno giustizia da soli e sono ben contenti di farlo. Al bando, quindi, il Paese perbenista a cui film precedenti ci avevano abituato finora; come in Rocky IV (1985), dove un incontro di pugilato diventava metafora della guerra fredda, con il bravo e pulito atleta americano che vendica l’amico ucciso in un precedente incontro dal cattivissimo e glaciale russo, che fa anche uso di steroidi. Ancora in Pearl Harbor (2000), in cui tutti gli americani si buttano come arieti in difficili azioni militari al limite del ridicolo. In seguito ai più recenti accadimenti storici, gli stessi americani non vedono più la propria terra come il mondo dei sogni possibili e realizzabili: molti registi seguono questa stessa linea di pensiero. Film come il recente e bellissimo Rendition (2007) di Gavin Hood, dimostrano che ormai il confine fra l’America buona e il resto del mondo cattivo è oramai superato; mentre Hood si giostra nell’internazionalità, qui entriamo nella realtà di una piccola cittadina, piena di marcio e “scarafaggi da calpestare”, come afferma lo stesso padre di Adam. Un paradosso appare evidente per tutto il film: il ricorso alla violenza per debellare altra violenza, o per sentirsi migliori; proprio come Adam che compie atti 44 vandalici. Sicuramente spinto da buone intenzioni (chiunque vorrebbe avere il coraggio di fare in concreto qualcosa per migliorare il nostro mondo), il protagonista cade in un altro paradosso, affrontato da sempre: chi si fa giustizia da solo, alla fine diventa egli stesso un criminale. Il fatto che il protagonista non riesca fermare lo spacciatore Vic, la minaccia più grande nella propria città, è la dimostrazione che da soli non si può far nulla; solo con l’unione di più persone si possono cambiare le ingiustizie. Adam cerca aiuto, ma nessuno verrà in suo soccorso: purtroppo è più facile voltare le spalle e non vedere. Nonostante le tematiche interessanti il film, prodotto tra l’altro da Leonardo di Caprio e presentato al Tribeca Festival, non convince e coinvolge come dovrebbe per la maggior parte del tempo. L’unico guizzo si ha nella sequenza finale dove, inaspettatamente, è il padre di Mona ad uccidere Pope e non Adam. Le piccole note ironiche disseminate nel corso della storia, con lo scopo di deridere la figura dei supereroi da fumetto, come Adam che assume la tipica posa “braccia sui fianchi”, stonano col resto del film. Una nota positiva per l’attore Lukas Haas (Adam); era lui il bambino di Witness-Il testimone (1990), offuscato comunque dalla presenza di Giovanni Ribisi (Salvate il soldato Ryan, The Gift) che qui interpreta lo spacciatore Vic; viene da chiedersi come mai non venga sfruttato maggiormente. Elena Mandolini Film Tutti i film della stagione NESSUNA QUALITÀ AGLI EROI Italia/Svizzera, 2007 Regia: Paolo Franchi Produzione: Beppe Caschetto, Anastasia Michelagnoli, Donatella Botti, Elda Guidinetti, Andres Pfaeffli per I.T.C. Movie/ Bianca Film/Ventura Film. In collaborazione con Rai Cinema/ RTI/RTSI Televisione Svizzera. Con il sostegno di Mibac e Film Commission Torino Piemonte Distribuzione: Bim Prima: (Roma 28-3-2008; Milano 28-3-2008) V.M.: 14 Soggetto e sceneggiatura: Paolo Franchi, Daniela Ceselli. Con la collaborazione di Michele Pellegrini Direttore della fotografia: Cesare Accetta Montaggio: Alessio Doglione B runo Ledeux è un quarantenne di origini svizzere, in apparenza tranquillo e riservato, fin troppo. Ha da poco consultato un medico, la cui diagnosi non lascia scampo: non potrà avere figli. Bruno ha deciso di non dir nulla alla moglie (francese) Anna, sua unica ragione di vita; e non è l’unico segreto che non ha deciso di condividere con lei: Bruno ha contratto un grosso debito con Giorgio Neri, la cui la facciata di rispettabile direttore di banca cela quella di uno strozzino. La vita di Bruno non ha ricordi, quei pochi di un’infanzia senza affetto li ha cancellati a causa del padre, un artista famoso quanto egoista e incapace di pensare agli altri. Inchiodato a essere solo e sempre figlio, il percorso di Bruno comincia qui, come se scendesse piano dinanzi a lui una nebbia che lo chiude in una gabbia senza uscita. E comincia con l’incontro, in apparenza fortuito, con Luca, uno strano ragazzo nel cui sguardo si alternano ingenuità e dolore, determinazione e follia. Un incontro che risveglia i ricordi sopiti di Bruno e a cui fanno seguito nuovi incontri: Luca è attanagliato da un pulsante, disperato dolore, che lo porta a tentare, proprio davanti agli occhi di Bruno, il suicidio. Comincia a seguire e a osservare di nascosto Bruno; sa molte cose su di lui, incluso il debito. Poco a poco, vengono fuori delle imprevedibili affinità: anche Luca, come Bruno, nasconde qualcosa. Soffre di attacchi di panico, ha una relazione tormentata con la fidanzata Elisa, ma soprattutto è il figlio di Giorgio Neri, l’uomo che ha rovinato Bruno ed è da poco scomparso nel nulla. Bruno si rende presto conto che è stato il ragazzo a uccidere il proprio odiato padre, come avrebbe voluto fare Bruno con la semplice arma del- Musiche: Martin Wheeler Scenografia: Gian Maria Cau Costumi: Grazia Colombini Casting: Stefania De Santis Suono: (presa diretta) Alessandro Zanon Interpreti: Elio Germano (Luca), Bruno Todeschini (Bruno Ledeux, l’assicuratore), Irène Jacob (Anna Ledeux), Maria de Medeiros (Cécile), Paolo Graziosi (Giorgio Neri, direttore di banca), Mimosa Campironi (Elisa), Alexandra Stewart (madre di Bruno), Rinaldo Rocco (relatore mostra) Durata: 102’ Metri: 2800 la procreazione. Saprà però trovare un’estrema quanto dolorosa soluzione, rubando un frammento di vita altrui: autoaccusandosi del delitto commesso da Luca, il parricidio di Bruno verrà infine portato a compimento. N on si può dire che a Paolo Franchi difetti l’ambizione: la sua opera seconda (a seguire il felice esordio di La spettatrice) ne è piena, peraltro fieramente esibita nel corso dei 102’ di pellicola. Autore appassionato di psicanalisi (è laureato in Lettere Moderne con indirizzo Critica Psicoanalitica dell’Arte presso la Sapienza di Roma), Franchi ha intriso un potenziale soggetto da noir esistenziale di psico (pseudo) simbolismi nemmeno troppo arcani, dove è l’archetipo del conflitto edipico a farla da padrona in una confezione formalmente accurata ma sciabordante di uno sperimentalismo a tratti irritante. Il film, in concorso alla 64. Mostra del Cinema di Venezia, è stato letteralmente massacrato oltre i suoi oggettivi demeriti: colpa, probabilmente, dell’attesa febbrile e inevitabilmente sproporzionata che accende pubblico e critica ogni qualvolta un titolo italiano è in lizza per il Leone d’Oro (e in questo caso specifico, le polemiche pre - proiezione sul nudo integrale di Elio Germano non hanno giovato); ma va obiettivamente riconosciuto che Franchi, sospeso in modo innaturale tra formalismo e autorialità (e uno spirito della provocazione fine a se stesso), fa ben poco per non attirarsi gli strali finora gettati. Ciò che viene fatalmente a mancare in Nessuna qualità agli eroi è l’ossatura, quella da cui non si può e non si deve prescindere: la storia. Dal punto di vista dinamico, il film difetta sensibilmente: il numero di scene volutamente slegate le une 45 dalle altre sono decisamente troppe e impediscono alla trama di svilupparsi in una direzione, per compiacersi della rarefatta desolazione delle proprie inquadrature, frutto di una messa in scena dalla forte valenza simbolica, ma assolutamente nulla se letta sul fronte del realismo. Che, va da sé, deve esistere nei momenti chiave di uno script se si vuole che lo spettatore accetti ciò che sta vedendo e vi “entri”, anche quando il plot sconfina nell’improbabile (ma possibile). Del realismo, nel copione di questo film (a opera dello stesso Franchi con Daniela Ceselli e la partecipazione di Michele Pellegrini), non c’è traccia: la vicenda psicologica ha un sopravvento eccessivo sul vivere quotidiano, la cui grigia presenza non avrebbe sfigurato in una storia cupa e monocroma come questa (Bruno ha un’impresa in fallimento, ma non sembra preoccuparsene; Neri, l’usuraio, scompare nel nulla, ma la polizia non entra mai “di peso” come converrebbe; e così via). È questa carenza di realistiche fondamenta narrative, forse, la responsabile principale del fallimento del film agli occhi di chi lo vede; il che rende parecchio traballante anche le successive, provocatorie trovate (su tutte il sound design sperimentale, con impennate in levare della colonna audio tanto repentine quanto immotivate a fronte di ciò che è inquadrato nello spazio filmico); mentre altre, come la raffigurazione di una cruda sessualità e l’utilizzo di una fotografia livida, finiscono per non essere sfruttate come avrebbero potuto. Lavorare di sottrazione è un’arte, spesso il fine per raggiungere l’Arte: da Ozu a Bresson, la storia del cinema ha conosciuto autori in grado di arrivare, con la scarna Film essenzialità della mise en scéne, a una purezza di linguaggio più eloquente di mille parole. Ma si è trattato quasi sempre di un risultato figlio di una filmografia corposa, in cui il lavoro di sottrazione aumentava via via che si andava avanti. Al suo Tutti i film della stagione secondo film, Franchi ha alzato il tiro in maniera eccessiva, addirittura più che in La spettatrice. E scarnificando il racconto di ciò che ha inopinatamente bollato come superfluo a vantaggio di una programmatica lettura psicanalitica dei (po- chi) eventi che si succedono, ha finito per investire lo spettatore di una freddezza che, inevitabilmente, non può che tornare indietro. Al mittente. Gianluigi Ceccarelli CARAVAGGIO Italia, 2007 Melandroni), Jordi Mollà (Cardinal Del Monte), Paolo Briguglia (Mario Minniti), Benjamin Sadler (Onorio Longhi), Elena Sofia Ricci (Costanza Colonna), Sarah Felberbaum (Lena), Ruben Rigillo (Fabrizio Colonna), Marta Bifano (Lucia Merisi), Maurizio Donadoni (Ranuccio Tomassoni), Maria Elena Vandone (Beatrice Cenci), Simone Colombari (Zuccari), Marcello Catalano (Ippolito Malaspina), Francesco Siciliano (Strozzi), Paolo Giovannucci (Giovanni De Ponte), Luigi Diberti (Scipione Borghese), Roberto Bisacco (rettore), Blas Roca Rey (Baglione), Florian Teichmeister (cavalier d’Arpino), Leslie Csuth Durata:135’ Metri: 3700 Regia: Angelo Longoni Produzione: Ida Di Benedetto per Titania Produzioni per Rai Fiction Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 20-6-2008; Milano 20-6-2008) Soggetto e sceneggiatura: James Carrington, Andrea Purgatori Direttore della fotografia: Vittorio Storaro Montaggio: Mauro Bonanni Musiche: Luis Enriquez Bacalov Scenografia: Giantito Burchiellaro Costumi: Lia Francesca Morandini Interpreti: Alessio Boni (Caravaggio), Claire Kleim (Fillide M ichelangelo Merisi a Porto d’Ercole è vicino a esalare il suo ultimo respiro e, in preda all’agonia inizia a ricordare la sua vita. Già da bambino, a Caravaggio, mostra un innato senso artistico, tanto che sua madre lo spinge ad andare a Milano, presso la bottega di Peterzano, per imparare a dipingere. Qui il giovane impara a miscelare i colori sotto la guida piuttosto discutibile del suo maestro. Qualche anno dopo sua madre muore e, non avendo più motivo per restare in Lombardia, tenta la fortuna nelle botteghe romane. Molte porte gli sono chiuse a causa del suo stile rivoluzionario fino a quando il maestro D’Arpino decide di investire su di lui. A Roma, intanto, conosce anche un pittore, Mario Minniti e con lui inizia a compiere le prime scorribande nelle osterie, comportamento che gli procura non pochi nemici. Tra i tanti Ranuccio Tomassoni, protettore della cortigiana Fillide di cui Michelangelo si invaghisce. Nonostante una vita pubblica piuttosto dissoluta la fama dell’artista cresce tanto che il cardinal Del Monte decide di accoglierlo sotto la sua ala protettiva. Nascono in questo periodo le sue opere più famose e, grazie all’appoggio cardinalizio, molti suoi guai giudiziari vengono risolti con una pacca sulla spalla. Muore il vecchio papa e al suo posto sale il cardinal Borghese ostile al cardinal Del Monte che perde ogni potere. Michelangelo, però, continua la sua vita spericolata e in un duello uccide Ranuccio Tomassoni, colpevole di aver difeso l’aggressore della sua amante e musa Lena. Il nuovo papa, allora, pronuncia la sentenza di morte per l’artista che scappa a Napoli sotto la protezione della marchesa Costanza Colonna. Ma anche nella città campana Michelangelo non è al sicuro; per questo accetta l’invito del Gran Maestro dei Cavalieri di Malta e si dirige verso l’isola del mediterraneo che ospita l’ordine. Qui viene accolto talmente bene che in poco tempo viene investito cavaliere. Un giorno, però, provocato ferisce un suo superiore e viene arrestato. Riesce a scappare, grazie all’aiuto di alcuni amici e raggiunge Minniti in Sicilia dove passa un breve periodo in completato anonimato. Intanto a Roma Fillide e Costanza Colonna, aiutate da Scipione Borghese, implorano la grazia per il loro amico. Ottenutala mandano un’ambasciata in Sicilia da Michelangelo che subito parte verso Roma. A Palo, però, viene arrestato per errore. Il carcere e le condizioni precarie di salute unite a una liberazione tardiva lo portano moribondo sulla spiaggia di Porto d’Ercole, mentre la marchesa Colonna cerca disperatamente di salvarlo. 46 L a fiction italiana negli ultimi anni sta producendo dei lavori veramente notevoli. Quella linfa che manca al cinema sembra in gran parte assorbita dal piccolo schermo, ormai lontano dall’essere considerato un canale per sottoprodotti come accadeva un tempo. Lo hanno capito anche molti professionisti del cinema che non di rado prestano le loro maestranze in favore di miniserie sempre più curate destinate non solo al mercato nazionale, ma riviste e accorciate anche a quello estero con un gradimento mai in calo. È questo il caso del Caravaggio firmato RAI, proposto qualche tempo fa in due puntate televisive e ora reimpastato per il grande schermo sotto la regia di Angelo Longoni. Dal punto di vista storico-biografico qualche puntiglioso estimatore del pittore potrebbe rimarcare alcune imprecisioni nel racconto che porta Michelagelo Merisi dalle botteghe lombarde, al successo romano fino al tragico epilogo a Porto d’Ercole, mentre è chiaro fin da subito che l’intento registico non è fornire il racconto di una vita, piuttosto rendere partecipe lo spettatore della gestazione di un’opera d’arte e di ciò che si cela dietro questo grande artista, le sue luci e le sue ombre. Non si può parlare di Caravaggio, infatti, e omettere tale aspetto della sua esistenza, reso immortale dalle sue tele in cui luce e ombra sembrano ricordare che l’una Film non può esistere senza l’altra, nella vita e nell’animo. Questa dualità, nella pellicola, è perfettamente disegnata dalla notevole interpretazione di Alessio Boni, un Caravaggio sanguigno, drammatico, isterico che non lesina emozioni e rimanda a quell’immaginario comune per cui l’artista è un’animale sensibile, capace di percepire il mondo in maniera esasperata, trasformando il tutto in un utero dove far crescere copiosa la creatività. Le scazzottate, la sessualità promiscua, o la Roma corrotta sono la didascalia inutile a delle immagini che hanno il pregio di non sfigurare troppo con le originali, merito della cura fotografica di Vittorio Storaro, pluripremiato agli Oscar nonché grande caravaggista, che in questo lavoro offre il suo personale tributo d’amore al pittore lombardo. Ed ecco riconoscere nelle smorfie di Minniti il “bacchino” o nella sensualità sfrenata di Fillide la Vergine, in una sorta di traslazione emotiva vero-tela che li rende palpitanti e, se possibile, ancora più “divinamente terreni”. Ottimo è indubbiamente il lavoro di Tutti i film della stagione Longoni che ha saputo calibrare il rigore del film storico con delle riprese oniriche, a tratti surreali, che descrivono il genio e la sua sofferenza, al limite della follia. Un film intenso, dotato di notevole senso estetico, dunque, ma, allo stesso tem- po, di facile fruizione, la conferma che il Cinema non è l’arte dell’improvvisazione: quando c’è mestiere si vede, nonostante le “ombre”. Francesca Piano LANNO IN CUI I MIEI GENITORI ANDARONO IN VACANZA (O Ano em que Meus Pais Sairam de Férias) Brasile, 2006 Regia: Cao Hamburger Produzione: Caio Gullane, Fabiano Gullane, Cao Hamburger per Gullane Filmes/Caos Produções Cinematograficas/Miravista/Petrobas. In coproduzione con Globo Filmes Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 6-6-2008; Milano 6-6-2008) Soggetto: Claudio Galperin, Cao Hamburger Sceneggiatura: Claudio Galperin, Cao Hamburger, Braulio Mantovani, Anna Muylaert Direttore della fotografia: Adriano Goldman Montaggio: Daniel Rezende Musiche: Beto Villares Scenografia: Cassio Amarante Costumi: Cristina Camargo Produttori esecutivi: Caio Gullane, Fabiano Gullane, Sonia Império Hamburger Co-produttori: Daniel Filho, Fernando Meirelles Produttori associati: Débora Ivanov, Paulo Eduardo Ribeiro, Patrick Siaretta B rasile 1970. Mauro viene lasciato dai genitori, apparentemente partiti per una vacanza, davanti alla casa del nonno, senza sapere che è appena morto d’infarto nella sua bottega di barbiere. Mauro si ritrova così da solo. Ad aiutarlo c’è il vicino Shlomo, anziano ebreo, a cui viene affidato dalla sua comu- Direttore di produzione: André Montenegro Casting: Patricia Faria Aiuti regista: Kity Féo, Carol Lutz Setubal Operatore: Rodrigo Carvalho Trucco: Anna Van Steen Interpreti: Michel Joelsas (Mauro), Germano Haiut (Shlomo), Pablo Autran (nonno Motel), Daniela Piepszyk (Hanna), Simone Spoladore (Bia), Caio Blat (Italo), Liliana Castro (Irene), Eduardo Moreira (Daniel), Gabriel Eric Bursztein (Boris), Felipe Hanna Braun (Caco), Haim Fridman (Duda), Hugueta Sendacz (Eidel Schwestern), Silvio Boraks (rabbino Samuel), David Kullock (Haza), Einat Falbel (madre di Hanna), Abrahão Farc (Anatol), Fabio Ferreira Dias (Robson), Rodrigo dos Santos (Edgar), Sérgio Siviero (Carlão), Edu Guimaraes (Alfredo), Fredy Delatolas (Ianis) Durata: 104’ Metri: 2800 nità. Da ora in poi sarà chiamato da tutti loro Moishele (Mosè). Attorno imperversa la guerra fredda; l’unica nota positiva per Mauro è il campionato mondiale di calcio, sport di cui è appassionato da sempre. Inizia a conoscere gli usi e le cerimonie ebraiche, nonché la coetanea Hanna, 47 la giovane barista Irene di cui si invaghisce e il rivoluzionario Italo, a cui Shlomo chiede aiuto per ritrovare i genitori del bambino. Il Brasile si avvicina alla finale, ma la situazione politica precipita: Italo fugge e Shlomo viene trattenuto per una notte con l’accusa di filocomunismo. Il Brasile vince la coppa e Mauro, tro- Film va ad aspettarlo a casa soltanto la madre. Partiranno poco dopo, andando in esilio volontario; porterà con sé gli insegnamenti di Shlomo ed il cappello del nonno. P resentato alla Berlinale del 2007, L’anno in cui i miei genitori andarono in vacanza è un bel film. Il piccolo protagonista Mauro ci porta per mano, raccontandoci in prima persona l’estate del ’70; quella dei mondiali di calcio, della guerra fredda, delle lotte politiche e dei movimenti giovanili presenti anche in Brasile. Una commedia sì, che fa ridere, ma che pende con uno sguardo più attento verso la periferia di San Paolo fatta di negozi, case, abitudini e una comunità multietnica. Ci sono italiani, polacchi, spagnoli, tutti uniti dalla passione per il calcio; in primis, Mauro, che non si lascia sfuggire l’occasione per giocarci sia in campo (il portiere è il suo ruolo) che con un gioco da tavolo. “Arrivò il 3 giugno e Tutti i film della stagione l’intero Brasile si fermò”: con queste parole entriamo nel paese dove più di chiunque altro vive il calcio come riscatto, ma anche come forma d’aggregazione. Si chiudono tutti i negozi. Anziani, giovani, rabbini: nessuno escluso, tutti presenti e pronti a tifare e gridare gol. Talmente tanta è la partecipazione dei protagonisti, che avresti voglia di gridare assieme a loro. Attorno gira la guerra fredda a cui Mauro assiste senza ben comprendere: è solo un guizzo, un’intuizione. Le deportazioni, gli arresti, gli interrogatori sono presenti ma in maniera aleatoria. Quando Shlomo gli dice la verità, non lo vediamo; siamo noi stavolta a intuire cosa l’anziano ebreo stia rivelando al bambino: i suoi genitori sono fuggiti perché ricercati dalla polizia. Shlomo accoglie Mauro nella sua vita, con non poche conseguenze. Nonostante ciò, riesce a insegnargli alcuni dettami di vita, come mangiare il pesce per colazione (cosa che poi Mauro insegnerà al fug- giasco Italo), e avvicinarlo all’ebraismo, religione paterna. Il bambino assiste passivamente, ma con curiosità, alle celebrazioni (come il Bar mitzvà) e le preghiere mattutine di Shlomo. Mauro diventa così Moishele, ossia un nuovo piccolo Mosè che, come lui, ritroverà solo la madre; da quanto possiamo intuire, infatti, il padre non è riuscito a sopravvivere. Tutta la comunità ebraica si prende cura del bambino, facendolo mangiare a profusione, perché troppo magro. Mauro, dal canto suo, conoscerà meglio suo nonno e le sue radici al punto tale, da portare via con sé alcune sue foto e il cappello. Una buona prova per il regista Cao Hamburger che già si era cimentato con il curioso Il castello di Ra-tim-bum (1999), qui accompagnato dal giovanissimo attore Michel Joelsas, perfettamente calato nella parte di Mauro. Elena Mandolini VOGLIAMO ANCHE LE ROSE Italia/Svizzera, 2007 Supervisore testi: Silvia Ballestra Ricerca immagini darchivio: Riccardo Lacché, Annamaria Licciardello Suono: Benni Atria Animazione e titoli: Cristina Seresini Consulente storico: Diego Giachetti Riprese video: Sabrina Varani Fotografie di repertorio: Paola Agosti Montaggio suono: Francesca Genevois Voci narranti: Anita Caprioli (diario di Anita), Teresa Saponangelo (diario di Teresa), Valentina Carnelutti (diario di Valentina) Durata: 85’ Metri: 2330 Regia: Alina Marazzi Produzione: Gianfilippo Pedote, Francesco Virga per MIR Cinematografica. Con Rai Cinema. In associazione con Fox Channels Italy. In coproduzione con Ventura Film/RTSI Televisione Svizzera. Con la partecipazione di Aamod Distribuzione: Mikado Prima: (Roma 7-3-2008; Milano 7-3-2008) Soggetto: Alina Marazzi Direttore della fotografia (post-produzione): Mario Masini Montaggio: Ilaria Fraioli Musiche: Ronin Producer: Gaia Giani Co-produttori: Andres Pfaeffli, Elda Guidinelli L a storia dell’emancipazione femminile dall’inizio degli anni Sessanta alla fine degli anni Settanta. Le lettere che arrivano alle redazioni delle riviste femminili, le testimonianze dirette di diverse ragazze, le immagini del celebre documentario “Helga”. Tra tante voci ne emergono alcune. La testimonianza di Anita di Milano e le parole del suo diario datato 1967. Anita vive gli anni Sessanta con tutte le sue contraddizioni, vive la paura di compiere i suoi primi diciannove anni, si sente turbata all’idea del sesso, non può sentir parlare di amori saltuari e di cambi di partner, ha paura degli uomini che pensano al piace- re fisico, ha timore delle convenzioni sociali. Anita si trova a vivere la grande contestazione del 1968, le manifestazioni di piazza, le occupazioni delle università e delle fabbriche. Anita si chiede a quale modello aderire, a quello dei genitori o a quello del ’68? La seconda testimonianza è quella di Teresa di Bari. È il 1975, Teresa ha scoperto l’amore e il sesso a vent’anni ed è rimasta incinta. Per lei è una tragedia, vorrebbe solo morire e si trova invece ad affrontare il tema dell’aborto che è ancora illegale in Italia. Crede di non aver avuto scelta ed è un’esperienza molto dolorosa. Si mostrano le immagini delle lotte del 48 partito radicale per la legalizzazione dell’aborto. Il terzo diario è quello di Valentina, una ragazza di Roma che scrive nel 1979. Valentina è una giovane femminista attiva nei circoli politici, frequenta la Casa delle Donne al Governo Vecchio. Il suo diario si concentra sul ruolo delle donne, sul rapporto con gli uomini, con la politica. Giovani uomini e giovani donne si riuniscono per mettere in discussione i ruoli in cui per decenni sono stati imprigionati, partendo dalla revisione del vecchio “primato” maschile, dalla protesta contro una società patriarcale, maschilista e maritale. La regista riassume le tappe della storia del- Film l’evoluzione del rapporto tra i sessi in Italia, ricordandone le date cruciali. Molta strada è stata fatta dal 1966, anno in cui la legge italiana considera la contraccezione un reato contro la stirpe, passando per il cruciale 1978 anno in cui viene legalizzato l’aborto con la legge 194, arrivando fino al 2007 anno della proposta di legge per il riconoscimento delle coppie di fatto, i Dico (Diritti e Doveri delle persone stabilmente conviventi), che viene contestata da molte parti politiche. Ma c’è ancora molto da fare per raggiungere una vera parità. “V ogliamo il pane ma anche le rose” con questo slogan nel 1912 in Massachusetts le operaie del settore tessile parteciparono a uno sciopero di diverse settimane. A questo slogan si è ispirata Alina Marazzi, regista milanese di cui ricordiamo il bel film-documentario d’esordio dietro la macchina da presa nel 2002, Un’ora sola ti vorrei, accolto favorevolmente da critica e pubblico ai Festival di Locarno e Torino. Nel film la regista raccontava la dolorosa storia di una ragazza in cerca della madre. Era la sua storia, era sua madre, Liseli Hoepli (figlia dell’editore Ulrico), morta suicida nel 1972 quando la figlia aveva solo sette anni. Una storia personale, privatissima, ricostruita attraverso foto e filmati di famiglia. Ora, dopo aver firmato Per sempre, documentario sulle monache di clausura (ancora una storia di donne), la regista torna dietro la macchina da presa con una storia corale, la storia di una generazione di donne e di un’epoca, l’età d’oro del femminismo. Singolare e plurale. Da un lato, una Tutti i film della stagione donna sola con il suo male di vivere, dall’altro molte donne alla prese con le difficoltà di una generazione, donne che univano le loro forze alla ricerca di grandi cambiamenti. La regista focalizza l’attenzione su tre di loro e sui loro diari (con l’aiuto delle voci narranti di Anita Caprioli, Teresa Saponangelo e Valentina Carnelutti). C’è un filo conduttore diretto con il suo film d’esordio. Come se il fatto che da più parti sia stata data una lettura “femminista” alla dolorosa storia di sua madre abbia fatto venire alla regista la voglia di lavorare proprio su quegli anni di trasformazione profonda del mondo femminile. Vogliamo anche le rose è uscito nelle sale il 7 marzo 2008 (alla vigilia quindi del fatidico 8 marzo), proprio nell’anno in cui si celebra il quarantennale del ‘Sessantotto’. Anche il nucleo forte della “rivoluzione delle donne” risale al 1968. E oggi, tra le tante voci chiamate a riflettere sul “mitico” ’68, colpisce quella dello psicologo politico Panayotis Kantzas che, proprio a proposito di quell’anno, ha pronunciato lo slogan “Il mondo è diventato femmina”. Eh già, chi meglio di uno psicologo politico (la psicologia politica analizza i fenomeni politici interrogando le masse in base alle oscillazioni tra la legge, che nella società è funzione maschile, e il desiderio di infrangere la legge, che è la funzione femminile) poteva analizzare cosa è successo nel ’68? Per le donne la parola d’ordine allora fu una sola: liberazione. Liberazione del corpo, liberazione del linguaggio, liberazione sessuale. Certo è che, al di là delle polemiche, restano aperti molti interrogativi: qual è il rovescio della medaglia della cosiddetta liberazione del ’68? Quali e quante sono le conseguenze negative dello sfaldamento di tanti valori tradizionali? Che dire dello stato di giovinezza infinita di tanti “figli del ’68”? E le donne? Come erano, cosa hanno passato, e come sono oggi? Il film-documentario della Marazzi è un lavoro originalissimo: una vera festa delle immagini per l’occhio più attento, un montaggio di filmati d’epoca, pubblicità, animazioni, ritagli di giornali, fotoromanzi, cinema sperimentale e racconti in prima persona tratti dai diari di tre giovani donne rintracciati nell’Archivio Nazionale dei Diari di Pieve Santo Stefano. Ancora un gioco di rimandi tra pubblico e privato. Il pubblico e il privato di un’epoca. Ma che pugno nello stomaco quel disagio, quella solitudine, quell’oppressione! La solitudine è il sentimento dominante che traspare dalle confidenze dei diari da cui prende le mosse la rabbia prima privata (la donna che si ribella all’idea del matrimonio, del vestito bianco, degli obblighi di rinchiudersi nel cliché di moglie e madre) e poi pubblica delle manifestazioni di piazza, dei collettivi, delle “case delle donne”. La regista (che nel ’68 aveva solo quattro anni) vuole capire cosa è successo tanti anni fa per prendere coscienza da dove veniamo. E la parola gratitudine della regista cade come dire, “a pennello”, a nome delle donne di oggi. La gratitudine nei confronti delle ragazze di ieri che le “libere” ragazze di oggi dovrebbero provare. “Essere più liberi fa bene a tutti” ha osservato la regista. Parole sagge, parole di donna. Elena Bartoni LA RABBIA Italia, 2007 Regia: Louis Nero Produzione: Franco Nero, Louis Nero per L’Altrofilm Distribuzione: L’Altrofilm Prima: (Roma 29-2-2008; Milano 29-2-2008) Soggetto: Louis Nero Sceneggiatura: Louis Nero, Timothy Keller Direttore della fotografia: Louis Nero Montaggio: Louis Nero Musiche: Teho Teardo, Luis Enriquez Bacalov Scenografia: Vincenzo Fiorito Costumi: Elena Valenti Canzone/Musica estratta: “La rabbia” di Luis Bacalov S enza troppe distinzioni tra il sonno e la veglia, il film racconta il difficile travagliato percorso d’un Interpreti: Faye Dunaway (madre), Franco Nero (mentore), Nico Rogner (regista), Corin Redgrave (produttore intellettuale), Giorgio Albertazzi (produttore commerciale), Philippe Leroy (nonno), Lou Castel (spazzino), Arnoldo Foà (attore), Tinto Brass (produttore erotico), Corso Salani, Giampiero Lisarelli (sceneggiatori), Jun Ichikawa (donna Cics), Barbara Enrichi (segretaria del distributore), Hal Yamanouchi (orientale), Gregorio Napoli (distributore), Antonella Salvucci (segretaria), Selene Cibelli, Asia Cibelli (Lucilla), Lucia Luciano (fidanzata del regista) Durata: 104’ Metri: 2850 regista verso il finale approdo della produzione del suo primo film. Dopo l’ennesimo, sterile incontro con 49 i suoi due sceneggiatori, il regista in crisi fa visita al Mentore. Altro personaggio decadente e irrisolto; il Mentore è in real- Film tà un vecchio regista al termine della carriera: in preda allo sconforto e alla depressione, convinto ormai d’aver perso tutte le sue battaglie artistiche ed esistenziali; l’uomo passa il suo tempo dialogando con i colleghi defunti (Fellini è citato esplicitamente) e dando sollievo al proprio tormento con l’alcol. Poi è il momento per il giovane artista di tornare, con un flashback, all’infanzia, riascoltare le parole della nonna, ripassare le paure e i dubbi di bambino. Il ragazzo ha in mano il progetto per un film e inizia il pellegrinaggio dai vari produttori che invariabilmente, per vigliaccheria, per dabbenaggine o per reale mancanza di risorse, lo respingono sempre. Scoraggiato e pieno di rabbia il giovane incontra un amico e collega mentre sta lavorando su un set; con lui in passato ha condiviso ideali e aspirazioni. Ma si tratta di pubblicità, di quella della peggior specie, e l’invito a lasciare da parte le idee rivoluzionarie e cambiar strada è per il protagonista ulteriore motivo d’indignazione e amarezza. Nell’ennesimo sogno, il misterioso spirito/voce dell’inconscio nominato Gran Cane gli parla dell’opera d’arte, del ruolo dell’artista e del rifiuto, al quale i contemporanei sempre lo condannano. Così, il giovane regista “arrabbiato” si Tutti i film della stagione decide a risolvere con le proprie mani l’empasse e rapina una banca. Con i soldi frutto dell’azzardo gira e rifinisce il suo film. Il Mentore gli nega la sua benedizione e, una volta rimasto solo, ne ridiscute i motivi con la voce del Gran Cane, che poi compare dal buio d’un angolo. È il momento in cui ciascuno rivendica la paternità dell’opera d’arte cinematografica, il merito del senso finale del/d’un film: prima il regista demiurgo, poi lo sceneggiatore che, attraverso la parole, dà la vita all’universo della narrazione e l’attore, che col suo corpo e col suo volto scrive l’ultimo compiersi in immagini delle vaghe idee di sceneggiatore e regista. Il giovane cineasta, ormai convinto d’aver superato ogni possibile ostacolo, si scontra con l’ultimo e decisivo rifiuto del distributore che nega al film l’uscita in sala. Rimasto solo, l’artista incompreso e reietto getta nella spazzatura la pellicola, il suo lavoro e di nuovo fa irruzione in banca. Al risveglio dall’ennesimo sonno, il Mentore si ritrova misteriosamente tra le mani il film del pupillo; ammirato, ne passa in rassegna fotogramma dopo fotogramma. I l quarto lungometraggio del giovane Loius Nero è un maldestro e presuntuoso riecheggiamento dell’8 e ½ di Federico Fellini, che nel film compare citato per nome (“caro Federico” dice a un tratto il Mentore) messo in scena come luce d’una lampada da scrivania (!). Nero fa il filmaker a tutto tondo, dalla scrittura della sceneggiatura al montaggio, dalla fotografia alla regia del film. Ed è forse sul piano della perizia tecnica che mostra maggior talento. Perché invece la vicenda del giovane “artista” talentuoso e incompreso che maledice la mediocrità e l’ipocrisia dei vecchi adulti attorno a lui è di un’ovvietà oltre ogni spettatoriale sopportazione. A peggiorare le cose, una sceneggiatura retorica, ovvia, insultante per la puerilità con la quale cerca di spacciare per lucida saggezza l’accozzaglia di luoghi comuni e simbolismi d’accatto che sostanziano i quattro quinti del film. E la regia non è che conseguenza coerente di tanto sproloquio. L’arbitrio è la regola e il grottesco il suo più chiaro ottenimento: dalla direzione degli attori alla concezione delle scene Nero impronta il suo lavoro alla più sfacciata prosopopea. Così più che il dramma mistico d’un artista incompreso, s’assiste alla ridicola farsa d’un inetto che non sa farsi ragione della propria mediocrità. Silvio Grasselli SONETÀULA Italia/Francia/Belgio, 2007 Scenografia: Marianna Sciveres Costumi: Loredana Buscemi Suono: Stefano Campus, Valentino Gianni’ Arredatrice: Daniela Cavallo Interpreti: Francesco Falchetto (Sonetàula), Manuela Martelli (Maddalena), Antonio Crisponi (Giuseppino da ragazzo), Serafino Spiggia (Cicerone), Giuseppe ‘Peppeddu’ Cuccu (zio Giobatta), Lazar Ristovski (Egidio Malune), Giselda Volodi (Rosa Tanchis) Durata: 158’ Metri: 4356 Regia: Salvatore Mereu Produzione: Andrea Occhipinti, Gianluca Arcopinto per Lucky Red/Haut et Court/Artemis S.A. Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 7-3-2008) Soggetto: dal romanzo omonimo di Giuseppe Fiori Sceneggiatura: Salvatore Mereu Direttori della fotografia: Vladan Radovic, Vittorio Omodei Zorini, Massimo Foletti, Ivan Casalgrandi Montaggio: Paola Freddi Musiche: Enzo Favata, Coro di Castelsardo L e luci fredde dell’alba, i volti segnati dal tempo, la campagna polverosa accompagnano la partenza del padre di Zuanne Malune, mandato al confino per un delitto che non ha commesso. Siamo nel 1938. Zuanne, giovane pastore sardo, ha tredici anni. Fragile esistenza la sua, già rivelata espressivamente dal soprannome: Sonetàula («perché ogni colpo dato a lui faceva rumore di legna»). Zuanne corre dietro alla corriera che con- durrà il padre lontano. È un ultimo addio all’uomo, che morirà in Libia nel ’40, e all’innocenza del mondo adolescenziale. Ha così inizio l’amara vicenda di formazione del protagonista, che da allora cresce sotto la guida del nonno e dello Zio Giobatta. Entrambi hanno la funzione di iniziare il giovane pastore alle verità del mondo adulto. La reale destinazione del viaggio del padre, che Zuanne crede sia andato in continente a cercare lavoro, è una prima e dolo50 rosa scoperta. Poi la rabbia, il sordo rancore nei confronti di quell’uomo, Murrighile, che ha fatto ricadere sul padre le colpe di un delitto che lui ha compiuto. Maddalena Irde e Giuseppino Bande sono gli altri due personaggi cui si lega l’epica individuale di Sonetàula. Maddalena rappresenta la salvezza negata, l’oggetto di un amore sofferto, disperato, impossibile. Giuseppino incarna, invece, il progressivo distacco dall’arcaica vita pastorale, la Film disponibilità a confrontarsi con la modernità. Servo-pastore, si trasferisce prima a Nuoro per lavorare come lamierista in un’officina. Poi, nel dopoguerra, viene assunto come autista dall’Erlaas, l’ente preposto alle bonifiche delle zone malariche. Diversamente da Giuseppino, Zuanne sceglie di rimanere legato al mondo tradizionale del nonno e dello zio Giobatta, al tempo ciclico delle stagioni, alla transumanza del bestiame, alla miseria di una vita che vede morire le pecore come gli uomini. In questo chiuso mondo anche la guerra risuona come eco lontana, in quell’incontro con i soldati di ritorno dal continente, che scambiano armi con carne o formaggio. Alla fine della guerra, mentre nel paese di Orgiadas arriva miracolosa la luce elettrica, l’isolamento di Zuanne si fa assoluto. Denunciato dal pastore Bulluzzadu per aver fatto scempio del suo gregge, Zuanne rifiuta di costituirsi. Sceglie la latitanza. Ha venti anni quando si unisce a un gruppo di banditi. Per cinque anni vive nei boschi, braccato come un animale in fuga. Una vita solo provvisoriamente temperata dal dolce incontro con Angelino, figlio del brigante Gorinnari. Zuanne è ferito, Angelino si offre di aiutarlo andando a chiamare il medico, da cui viene a sapere che Maddalena ha avuto un figlio da Giuseppino. Zuanne scende allora in paese. Compiendo un ultimo atto etico, propone alla donna di denunciarlo per ottenere i due milioni della sua taglia. Maddalena rifiuta. Ormai solo, privo di autentici affetti, tagliato fuori dal corso della storia, Zuanne va incontro alla morte. B ellissima opera seconda questa di Salvatore Mereu, ispirata all’omonimo romanzo di Giuseppe Fiori. Dopo Ballo a tre passi (vincitore della Settimana della Critica di Venezia 2003), il regista dorgalese decide di mettere in scena la storia di una vita bruciata, non vissuta. E lo fa dirigendo attori non professionisti (fra cui il memorabile Francesco Falchetto), che parlano la loro lingua (barbaricina, campidanese o logudorese). Mereu ricerca verosimiglianza ed espressività nell’uso del sardo, aderenza fra facce e personaggi, corrispondenza fra linguaggio gestuale e verbale. Con uno stile di regia asciutto, essenziale, antispettacolare ricrea il respiro di un mondo basato su valori e codici tradizionali, costretto a confrontarsi con la miseria e la fame. Ma non c’è traccia di nostalgia nella rievocazione di questo mondo. Ecco perché in questo film si percepisce la lezione del Visconti di La terra trema, prima ancora che di Banditi a Orgosolo di De Seta. Mereu sembra infatti dare veste epica ai nuovi Tutti i film della stagione “vinti” verghiani, rappresentando una società agro-pastorale che si apre alla modernità e conosce profonde trasformazioni economiche. Alla base del film c’è poi il romanzo di Giuseppe Fiori, di cui viene conservata la struttura per atti. Ma la vera novità dell’adattamento letterario sta nella concentrazione psicologica e drammaturgica, con ellissi continue e una narrazione che procede per scarti, lasciando molto al non detto. Dentro questa concentrazione, resta lo sfondo storico: l’idea, mutuata da Fiori, che quella di Zuanne non fosse l’unica vita possibile, ma solo una delle sue biforcazioni. Non a caso, Giuseppino dirà: « il vero coraggio è non scegliere il male, anche quando conviene». Come ha giustamente notato Gianni Olla in “La Nuova Sardegna”, “Sonetaula” travalica comunque storia, geografia e mitologia per far risaltare una sorta di messaggio nascosto: la violenza e la solitudine sentimentale, sessuale, repressiva, rabbiosa, come tabù visivo e prima ancora verbale dell’intera cultura sarda non metropolitana. Loredana Braccini TUTTO TORNA Italia, 2008 Regia: Enrico Pitzianti Produzione: Andrea Fornari, Gianluca Arcopinto, Enrico Pitzianti per Zaroff Film Distribuzione: Zaroff Film Prima: (Roma 12-6-2008; Milano 12-6-2008) Soggetto: Enrico Pitzianti, Paolo Maccioni Sceneggiatura: Enrico Pitzianti, Antonia Iaccarino Direttore della fotografia: Mauro Falorni Montaggio: Ilaria Fraioli Musiche: Gavino Murgia Scenografia: Gabriele Lasio Costumi: Stefania Grilli Organizzazione generale: Emanuele Nespeca Fonico: Piero Fancellu Interpreti: Antonio Careddu (Massimo), Piero Marcialis (zio Giuseppe), Yonaiki Broch Montano (Lorena), Massimiliano Medda (sig. Deiana), Regina Porcu (la vecchia), Pascal Zullino (carabiniere), Nino Nonnis (scrittore), Lea Gramsdorff (giornalista) Durata: 86’ Metri: 2360 51 Film M assimo ha venti anni quando decide di trasferirsi a Cagliari per lavorare nel locale gestito dallo zio. Per lui, scrittore in erba cresciuto in un paese del nord della Sardegna, il capoluogo sardo è il primo contatto con una città moderna. Una realtà nuova e insolita quindi, inusuale come quella varia umanità che brulica nelle vie della Marina. Nel quartiere a ridosso del porto Massimo divide l’appartamento con lo zio, in uno stabile fatiscente abitato da bizzarri inquilini: dal signor Deiana, portiere furbo e ficcanaso, a una vecchia barbona che vive raccattando stracci e rifiuti di ogni sorta e di cui si favoleggiano nascoste ricchezze. Qui conosce Lorena, una giovane danzatrice cubana di cui si innamora. E scopre l’interesse per un gruppo di artisti che, lavorando con materiali riciclati, hanno eletto a propria filosofia di vita il tutto torna del titolo. Ma l’incontro con la città impone a Massimo anche un nuovo sguardo sul mondo. E lo costringe a confrontarsi non solo con la rovina economica dello zio (che, pieno di debiti, finirà nelle mani di un usuraio), ma con una realtà complessa che spingerà a mettere in discussione sogni e certezze. Sarà un duro colpo per lui scoprire che Lorena è in realtà un trans. Come sarà doloroso affrontare la disonestà dello stimato scrittore Nino Nonnis o la meschinità dei condomini del palazzo in cui vive. Il primo pubblicherà col proprio nome il manoscritto che Massimo gli ha affidato. Gli altri, pur di liberarsi della sgradita barbona, la daranno per morta Tutti i film della stagione anche senza sapere quale sorte le sia veramente toccata. Alla fine, la vecchia farà ritorno nel palazzo. E, mentre lo zio si “ riciclerà” come ristoratore, Massimo partirà con Lorena per affrontare un nuovo viaggio. I l riciclaggio dei materiali come metafora dei percorsi umani: questa l’idea che ispira Tutto torna sin dal titolo. Dedicato a chi parte, a chi arriva e a chi ritorna, il primo lungometraggio di fiction del documentarista Enrico Pitzianti narra i sogni, le aspirazioni e le delusioni di un giovane che tenta di trovare lavoro nella sua terra per non dover emigrare nel “continente”. Quella di Massimo è dunque una vicenda di formazione. Un itinerario (reale e metaforico insieme) che si snoda lungo le vie di una Cagliari inedita, città mediterranea di cui il regista ci restituisce il volto attuale, moderno e multietnico. In linea con la nuova generazione di registi sardi (pensiamo, ad esempio, a Enrico Pau che con Pesi leggeri o Jimmy della Collina ci parla della difficile vita nella periferia urbana), Pitzianti sceglie di raccontare la propria terra evitando i tanti e abusati stereotipi e costruendo una storia odierna, “metropolitana”. Una storia che tocca tematiche importanti, d’attualità (dall’ambiente del malaffare ai problemi d’integrazione) senza rinunciare ai toni leggeri della commedia. Non a caso lo stesso regista ha voluto definire Tutto torna una sorta di commedia sociale, nei modi del cinema sudamericano o ispanico: capace, cioè, di coniugare impegno e intrattenimento. Da qui l’attenzione costante per il ritmo della narrazione, al fine di garantire al film dinamismo e fruibilità. Tutto torna, dunque, non è solo un “romanzo di formazione”. Alla base c’è quella filosofia del flusso continuo della vita fatta propria dal gruppo di artisti che lavorano con materiali riciclati. O dalla vecchia barbona, fulcro simbolico intorno al quale ruotano i diversi personaggi, ognuno con un proprio percorso narrativo. È lei ad attirare tanto la curiosità di Massimo, quanto l’ostilità dei condomini che, nella loro sottile crudeltà, ricordano i bizzarri inquilini della Comunidad di Alex de la Iglesia. Fedele al principio del “tutto torna”, ogni personaggio sembra, quindi, seguire una traiettoria circolare in cui la fine coincide con un nuovo inizio. È il caso dello zio, che riesce ad aprire una nuova attività dopo il fallimento economico. E dello stesso Massimo, che, nel capoluogo sardo, chiude un ciclo della sua vita per cominciarne un altro. Il film di Pitzianti vuole essere anche un omaggio alla cultura sarda: prova ne siano i riferimenti ad importanti scrittori isolani come la Deledda, Sergio Atzeni e Nino Nonnis (che nel film interpreta ironicamente se stesso) e il ricorso alle musiche originali di Gavino Murgia, che propone sonorità etniche riadattate in world-music. Il cinema sardo mostra così di attraversare una fase di estrema vitalità, contribuendo a rinnovare l’immagine di un’isola sospesa fra modernità e tradizione. Loredana Braccini CHIAMAMI SALOMÈ Italia, 2005 Organizzazione generale: Franco Cremonini, Carmine Parmigiani Suono: (presa diretta) Francesco Lorandi Coreografie: Ilaria Sacchetta Interpreti: Ernesto Mahieux (Erode), Carolina Felline (Salomé), Elio Germano (Giovanni), Caterina Vertova (Erodiade), Gilberto Idonea (Tigellino), Riccardo Cicogna, Manuel Oliverio, Elizabeth Fajuygbe (bodyguards), Genti Kame (Sirio) Durata: 96’ Metri: 2800 Regia: Claudio Sestieri Produzione: Pietro Innocenti per Star Plex Distribuzione: Mediaplex Prima: (Roma 9-5-2008; Milano 9-5-2008) V.M.: 14 Soggetto: ispirato all’omonima opera teatrale di Oscar Wilde Sceneggiatura: Claudio Sestieri Direttore della fotografia: Marco Onorato Montaggio: Claudio Di Mauro Musiche: Luigi Ceccarelli Scenografia: Antonello Geleng, Mario Fontana Arnaldi Costumi: Lia Francesca Morandini, Stefania Svizzeretto U n non più giovane boss della camorra, Erode, invita nel suo covo, una vecchia fabbrica in disuso dal nome fin troppo eloquente (The Last Emperor), i rappresentanti di una banda americana al cui vertice siede Tigellino. È il posto ideale per una festa, a base di donne e droga, con la quale Erode spera di riconquistare la visibilità perduta. Tutto procede nel migliore dei modi, c’è una splendida luna piena e gli invitati sembrano divertirsi. Ma a turbare l’atmo52 sfera ci pensa la piccola Salomè, figlia di primo letto di Erodiade e Erode Filippo I, fratello del boss. La ragazza ha soli 16 anni, ma un corpo, un viso e delle movenze di una sensualità accattivante e pericolosa. L’anziano Erode è il primo a far- Film ne le spese. Per Salomè farebbe di tutto, pur di averla. Lei, intanto, nutre una passione non ricambiata per Giovanni, un giovane ragazzo rapito dal patrigno e mai riscattato dalla famiglia. Rinchiuso ormai da tempo in un furgone adibito a cella, Giovanni è in preda a un furore visionario e religioso che lo porta a urlare frasi apparentemente sconnesse e a condannare, come fosse un profeta, il matrimonio incestuoso di Erodiade e la sua condotta amorale. Ovvio che anche la figlia, di tal madre, appaia ai suoi occhi come una sgualdrinella. Nel vederla non può che vomitarle addosso tutta la sua rabbia. Il risultato è che al termine della serata, quando Erode riesce finalmente a convincere l’amata Salomè a danzare per lui, lei, in cambio, gli chiederà la testa di Giovanni. Tutti i film della stagione R ivisitazione della “Salomè” di Oscar Wilde in chiave moderna, dove il bravo Ernesto Mahieux dà al boss Erode una fisicità e una cattiveria al limite del grottesco. La pellicola ruota intorno alla figura di questo malavitoso, il cui incedere un po’ sopra le righe sembra essere il filo narrativo dell’intera vicenda. Anche la follia da profeta invasato dell’ottimo Elio Germano, sembrano confermare questa direzione. Purtroppo però non tutti gli interpreti sono sulla stessa lunghezza d’onda; pertanto si avvertono momenti dove la tensione inevitabilmente cala per dar spazio a un qualcosa di difficilmente classificabile. L’Erodiade della Caterina Vertova è tutta sguardi e ammiccamenti, così l’esile figura di Salomè, interpretata dalla Caroli- na Felline, diventa a tratti impalpabile, se non nelle movenze. Ma è l’operazione in sé che non convince. E se da un lato il presunto aggiornamento di un testo teatrale un po’ vecchiotto (siamo nel 1893), con un’attualizzazione ai giorni nostri, ha in sé un tentativo encomiabile e comunque da considerare, da un altro c’è il pericolo, ahimé spesso confermato, che tale tentativo altro non fa che rendere ancora più vecchiotto il testo stesso. Detto questo, c’è una bellissima Salomè con la testa del Battista, datata 1515, di tal Tiziano Vecellio, alla Galleria Doria Pamphilj. Alle volte, magari, un’immagine vale molto più di tante parole. Vedere per credere. Ivan Polidoro LAMORE NON BASTA Italia, 2007 Costumi: Sabrina Beretta Aiuto regista: Alessandro Pambianco Suono: Brando Mosca, Daniela Bassani, Marzia Cordò, Marco Saitta Interpreti: Giovanna Mezzogiorno (Martina), Alessandro Tiberi (Angelo), Rocco Papaleo (Nicola), Alessandro Haber (Fernando), Marit Nissen (Marit), Andrea Pierantoni (Daniele, il bambino), Ivan Franek (Cesare), Emanuela Scipioni (Elisa, amica di Martina), Carlo Luca De Ruggieri (astrologo) Durata: 84’ Metri: 2483 Regia: Stefano Chiantini Produzione: Fabio Antonelli, Selvaggia Sada per Liupo Film s.r.l. Distribuzione: Mediafilm Prima: (Roma 18-4-2008; Milano 18-4-2008) Soggetto: Stefano Chiantini Sceneggiatura: Stefano Chiantini, Rocco Papaleo Direttore della fotografia: Giulio Pietromarchi Montaggio: Cristina Flamini Musiche: Pernicola Di Muro Scenografia: Mariangela Capuano M artina è una giovane assistente di volo. Un giorno trova un diario a bordo di un aereo, lo legge, poi incontra il ragazzo che lo ha scritto, è Angelo. I due intrecciano un legame sentimentale. Ma né Angelo né Martina sono sereni con loro stessi. Martina ha una vita super impegnata, tra il suo lavoro, i corsi di violino, le lezioni all’università. La madre della ragazza poi è fonte di preoccupazioni: si è infatti legata a Leonardo, un uomo egoista e arido che la tradisce di continuo. Anche Angelo trascorre un’esistenza irrequieta. Il giovane è ossessionato dalle sue mille manie: ascolta gli oroscopi sentendosi perennemente perseguitato dalla sfortuna, cambia mille lavori, passa molto tempo a scrivere poesie e racconti, in cui mette dentro tutte le sue paure ma soprattutto è ossessionato dal fantasma di suo padre, un magistrato che anche da morto continua a influenzare la sua vita seguendolo in ogni momento e in ogni luogo dispensando consigli e giudicando. Martina e Angelo si lasciano e si riprendono diverse volte, ma le insicurezze del giovane fanno sì che la ragazza si allontani in diverse occasioni. A complicare le cose ci si mette anche un affascinante professore universitario che si mette a fare la corte a Martina. Per Angelo quel professore è fonte di ulteriore instabilità. Martina inoltre deve occuparsi della madre che cade nella più completa disperazione dopo che i tradimenti di Fernando diventano sempre più sfacciati. Una notte, Martina cerca di confortare la madre perché Fernando non è tornato a casa. Angelo va a recuperare l’uomo in un locale notturno. Ma il legame tra Martina e Angelo è sempre più fragile. Una mattina, Martina se ne va di casa. Angelo è solo, ha paura che questa volta Martina non tornerà. 53 L ’amore e la paura. Forse non esiste storia d’amore senza paura. Martina e Angelo sono due giovani come tanti altri, e come tanti sono due anime alla deriva. Una deriva sentimentale prima di tutto, frutto di uno stato di disagio e insicurezza continui. Accade quando la tensione verso qualcun altro, l’attrazione, il sentimento, restano imprigionati fino a ripiegarsi su se stessi. I due giovani vivono in uno stato di continua sospensione ma reagiscono in modi opposti. Lei super impegnata tra un lavoro a tempo pieno, lo studio a tempo perso, una madre fragile e bisognosa di appoggio. Lui che passa da un lavoro all’altro, che trascorre le giornate ad ascoltare ossessivamente gli oroscopi, a mettere in ordine meticoloso i più banali oggetti di uso quotidiano, a scrivere poesie e racconti seguito sempre dal fantasma del padre. Ma il fantasma più Film grande in realtà è quello della paura, una paura che fa rinchiudere in sé stessi e nella propria solitudine. Di entrambi i protagonisti ci è dato vedere un solo genitore: lei ha una madre cui fare da madre, lui all’esatto opposto deve affrontare di continuo il fantasma di un padre dominate che gli è sempre addosso e che gli parla come se fosse la voce della sua contraddittoria coscienza. Film minimo più che minimalista, L’amore non basta è un’opera sospesa e indefinibile, anzi, più che un film, sembra Tutti i film della stagione un esercizio incompiuto. È una commedia? È un dramma? Forse si … forse no si potrebbe rispondere così usando il titolo con cui Stefano Chiantini esordì alla regia nel 2004, un film generazionale su tre ragazzi e la loro paura di diventare adulti. L’amore non basta sembra avere ambizioni maggiori rispetto al film d’esordio ma il risultato è sfuggente e troppo confuso. E invece di parlare di deriva sentimentale dovremmo parlare di deriva cinematografia. È come se il film rispecchiasse lo stato di congenita indecisione dei due protagonisti. Stefano Chiantini, regista abruzzese classe 1974, qui forse mira troppo in alto. Per parlare di disagio, di stati psichici mutevoli, per scandagliare gli oscuri meandri dei processi affettivi, probabilmente non si ha ancora la sufficiente maturità artistica. E non basta prendere una delle giovani attrici italiane più brave per cogliere nel segno. Parafrasando il suo titolo, no, un’attrice non basta. Elena Bartoni CHIAMATA SENZA RISPOSTA (One Missed Call) Stati Uniti/Germania/Giappone, 2008 Acconciature: Taylor Knight, Thomas Real, Linda Thompson, Jay Wejebe Effetti speciali trucco: Mike Elizalde, Tim Larsen, Yoichi Art Sakamoto, Thomas Floutz Supervisore effetti speciali: David Fletcher Coordinatore effetti speciali: Thomas Kittle Supervisore effetti visivi: Randy Goux Supervisore musiche: Deva Anderson Interpreti: Shannyn Sossamon (Beth Raymond), Edward Burns (detective Jack Andrews), Ana Claudia Talancón (Taylor Anthony), Ray Wise (Ted Summers), Azura Skye (Leann Cole), Johnny Lewis (Brian Sousa), Jason Beghe (Ray Purvis), Margaret Cho (detective Mickey Lee), Meagan Good (Shelley Baum), Rhoda Griffis (Marie Layton), Dawn Dininger (Marie mostruosa), Ariel Winter (Ellie Layton), Sarah Jean Kubik (Ellie mostruosa), Raegan Lamb (Laurel Layton), Karen Beyer (sig.ra Ford), Alana Locke (Beth bambina), Dave Spector (Gary), Mary Lynn Owen (dr. Julie Cohn), Roy McCrerey (dr. Painter), Lauren Peyton (infermiera reception), Greg Corbett (John), Donna Biscoe (medico legale), Edith Ivey (anziana signora), Wilbur Fitzgerald (tenente), Bart Hansard (Howie), Randy McDowell (commesso Boost Mobile), Katie Kneeland (Maddie), Bob Seel (tassista), Jason Horgan (dr. Brown), Jody Thompson (assistente EMS) Durata: 87’ Metri: 2370 Regia: Eric Valette Produzione: Broderick Johnson, Andrew A. Kosove, Scott Kroopf, Jennie Lew Tugend, Lauren Weiisman per Alcon Entertainment/Missed Call Productions/Kadakowa Pictures/Intermedia Films/Equity Pictures Medienfonds GmbH & Co. KG IV Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 4-6-2008; Milano 4-6-2008) Soggetto: dal romanzo Chakushin ari di Yasushi Akimoto e ispirato alla sceneggiatura di Miwako Daira di The Call – Non rispondere (2003) Sceneggiatura: Andrew Klavan Direttore della fotografia: Glen MacPherson Montaggio: Steve Mirkovich Musiche: Reinhold Heil, Johnny Klimek Scenografia: Laurence Bennett Costumi: Sandra Hernandez Produttori esecutivi: Timothy M. Borne, Shinya Egawa, Josef Lautenschlager, Martin Schuermann, Andreas Thiesmeyer Co-produttori: Alison Haskovec, Manfred D. Heid, Gerd Koechlin, Elizabeth Kushman, Steven P. Wegner Direttore di produzione: Timothy M. Bourne Casting: Shay Griffin, Nancy Nayor, Kelly Wagner Aiuti regista: Todd Turner, Michele Ziegler, Heather Grierson Operatore: Paul Varrieur Art director: Christina Ann Wilson Arredatore: Frank Galline Trucco: Susan Ransom, Sarah Mays, Char Coats D urante una festa universitaria, la studentessa Leann riceve una misteriosa chiamata senza risposta sul cellulare. La suoneria è differente da quella normalmente impostata dalla ragazza e la data e l’ora di notifica della telefonata differiscono notevolmente da quelle reali. Il messaggio registrato nella casella vocale è ancor più sconvolgente: dall’altra parte della cornetta, c’è la voce della stessa Leann che, disperata, implora aiuto. Poi giù la linea. Di fronte a lei, l’amica Beth riascolta impietrita la registrazione, mentre la sua impaurita compagna di corso le racconta di come anche un’altra amica comune – recentemente uccisa in circostanze inspiegabili –, le avesse parlato di simili avvenimenti prima della morte. Beth tenta di sdrammatizzare consolandola, ma qualche ora più tardi, proprio nel giorno indicato nel messaggio, riceve una chiamata di Leann che si conclude con la macabra richiesta d’aiuto precedentemente ascoltata. Beth non può far altro che trovarla cadavere sotto un treno, con una biglia rossa vicino al corpo esanime. Il panico inizia a serpeggiare tra gli studenti: si teme che la maledizione rica54 da ora su qualcuno degli amici, il cui numero telefonico è contenuto nella rubrica di Leann. Beth, che continua a essere la più scettica, deve ricredersi quando un altro caro conoscente, destinatario di un’altra chiamata premonitrice, viene ucciso sotto i suoi occhi. La ragazza viene raggiunta da un giovane detective, Jack Andrews, che crede di poter ricondurre la morte della sorella ai macabri accadimenti della comunità universitaria. E di cui la piccola sfera rossa, travata su tutti i malcapitati dopo la morte, continua a essere una costante. Ma Beth Film deve dedicarsi a una compagna: l’ultima ad aver ricevuto sul cellulare il messaggio di morte. Accetta comunque di aiutare Jack a ripercorrere la storia delle telefonate fino al primo chiamante, un’anziana infermiera morta in un ospedale durante un incendio. Nella sua casa, gli indizi sono molti, ma l’unico davvero valido è la traccia della piccola figlia della donna, divenuta completamente muta dopo la tragedia e attualmente affidata alle cure di un orfanotrofio. Dopo aver tentato inutilmente di sventare la morte dell’ultima predestinata, è a Beth che arriva la telefonata omicida. Non le rimane che recarsi nell’ospedale, orami abbandonato, dove tutto sembra aver avuto inizio. Mentre Jack cerca di raggiungerla, si ritrova occhi negli occhi con il cadavere dell’anziana infermiera. Le ultime parole della donna sembrano metter fine alla maledizione, ma tornata a casa Beth ricevere una nuova telefonata. Deve infine confrontarsi con la vera responsabile dell’orrore: il fantasma dell’altra figlia dell’infermiera, deceduta atrocemente in giovanissima età, mentre tentava di chiamare aiuto con il cellulare della madre. A nche se non deve essere letto aprioristicamente come un detraente pregiudiziale, il fatto che in America la produzione di Chiamata senza risposta abbia preferito evitare la normale proiezione per la stampa prima dell’uscita ufficiale, non depone a favore del film. Vi- Tutti i film della stagione sti i risultati, è facile pensare poi che il motivo di tanta segretezza abbia poco a che fare con una strategia di marketing e molto con una corsa ai ripari dell’ultim’ora, un disperata presa di vantaggio per far arrivare la pellicola nelle sale prima del previsto fuoco incrociato della critica (che comunque si è sprigionato all’indomani della distribuzione), contando magari di racimolare quel minimo garantito di irriducibili del neo-horror. A “scovare” i molti (e alcuni decisamente eclatanti) difetti della pellicola si farebbe caccia grossa. A iniziare dalle ingenuità di sceneggiatura e dalle improponibili inverosimiglianze, che non possono passare inosservate già alla prima visione e che esulano dall’indulgenza fruitiva normalmente accordata al genere. Ci sono, poi, la sciattezza di messinscena e di regia, la rozzezza nella definizione psicologica dei personaggi e – conseguentemente – l’ennesimo ritratto dell’ambiente universitario statunitense, condotto con tutta la melensaggine, il pressappochismo e la conciliante accondiscendenza, tipica di una certa, inarrestabile filmografia americana contemporanea (si finisce col credere che il contesto giovanile e studentesco sia, in fondo, così piatto e stolido, se non fosse per il volto della protagonista, Shannyn Sossamon, che dovrebbe rimandare al ben più critico e corrosivo sguardo sugli atenei proposto da Roger Avary in Le regole dell’attrazione). Ma a interessare di più è la consapevolezza di fondo, con cui tutte queste insufficienze vengono espletate dai realizzatori. Dovrebbe essere il prototipo del film da disconoscere (la mancanza della suddetta proiezione stampa ne alimenterebbe la convinzione); fosse uscito prima del 2000, ci si sarebbe aspettato un generico ed espiatorio “Alan Smithee” sui titoli di coda. Invece Eric Valette dà la sensazione di non pretendere altro dalla sua prova: il lungometraggio scorre con una sorta di guida cieca, su tappe che riassumo i minimi comun denominatori del thriller sofisticato, verso un traguardo di assoluta inconsistenza. La trascuratezza evidente in molte articolazioni del discorso filmico è la distanza tra una retorica e l’altra. La consapevolezza della mediocrità verso cui il film aspira non può che concedergli la possibilità di un novero tra i prodotti di genere in sede di eventuali studi sistematici sul filone d’appartenenza. Sorvolando sul languire dei saccheggi dai Japan-movie che Chiamata senza risposta attesta (è il remake di Chakushin Ari), si rischia di licenziarlo, frettolosamente, con l’etichetta di mestiere e professionismo. Ma si farebbe torto all’anima e al vigore del low-budget e del cinema di serie B, dove le aspirazioni dei mestieranti di professione spesso anelano – e non di rado approdano – a risultati di maggiore dignità artistica. Giuliano Tomassacci FEEL THE NOISE A TUTTO VOLUME (Feel the Noise) Stati Uniti, 2007 Trucco: Brian Abbott, Tinka White Acconciature: Theodora Katsoulogiannakis, Tinka White Canzone/Musica estratte: “Get Away With That” di Michael Baiardi, Daniel Salvatore (Caliber) Interpreti: Omarion Grandberry (Rob Vega), Zulay Henao (Carol “CC” Reyes), James McCaffrey (Jeffrey Skyler), Kellita Smith (Tanya), Malik Yoba (sindaco), Melonie Diaz (Mimi), Victor Rasuk (Roberto), Marc Anthony, Jennifer Lopez (se stessi), Karl W. Morales (Emcee), Joel ‘Fido’ Martinez (Fido), Shydel James (DJ Trippe), Rosa Arredondo (Marivi), Giancarlo Esposito (Roberto Verga), Luis Cruz, Carlos Flores (DJ), Charles Duckworth (Nodde), Alexis Isaac Garcia (Peter), John Garcia (Mr. Chico), Jerome Jones (Rome giovane), Luis Lozada (Vico C.), Cesar A. Lugo (DJ Buda), Raul Ortiz (Alexis), Meredith Ostrom (Noelia), Rafael Perez-Veve (mixer), Julio Ramos (Voltio), Cisco Reyes (Pito), Jose Miguel Rocafort (peroduttore), Rodolfo Rodriguez (nuovo sindaco), Carlos Vega Durata: 86’ Metri: 2470 Regia: Alejandro Chomski Produzione: Aida Bernal, Simon Fields, Jennifer Lopez, Sofia Sondervan per Nuyorican Productions/Sony BMG Feature Films Distribuzione: Mediafilm Prima: (Roma 13-6-2008; Milano 13-6-2008) Soggetto e sceneggiatura: Albert Leon Direttore della fotografia: Zoran Popovic Montaggio: Suzy Elmiger, Bill Pankow Musiche: Andrés Levin Scenografia: Monica Monserrate Costumi: Gladyris Silva Produttore esecutivo: Andrew Lack Direttori di produzione: Ellen Gordon, Andrea A. Friedland Casting: Patricia Alonso, Kim Coleman Aiuti regista: Josh Newport, Christopher Wedding, Kara Doherty, Jason Fesel Operatori: Adam Troeger, Brian Wengrofsky Operatore steadicam: Jon Myers Arredatore: Nydia Gonzalez 55 Film R ob è un ragazzo newyorkese di origini portoricane che vuole sfondare nel mondo del rap. L’estrema violenza dell’ambiente e in particolare, una sparatoria durante un’esibizione convincono sua madre a farlo andare a vivere in Portorico dal padre. Il ragazzo trova un’ottima ospitalità nella nuova casa. La moglie del padre e il fratellastro, Javi, lo trattano come uno di famiglia e gli insegnano usi e costumi del loro paese. Rob, fra le tante cose, è molto attratto dal tipo di musica locale il raggaeton e, con l’aiuto di Javi, inizia a produrre dei demo con questa sonorità nella speranza di trovare un produttore che creda nel loro progetto. Una sera, in un locale, Rob conosce C.C., una ballerina che sogna di sfondare negli Stati Uniti e con lei intraprende una relazione che rende la sua permanenza nella nuova terra sempre più piacevole. La ragazza, però, ha altre idee e, grazie a Jeffrey, un produttore in vacanza in Portorico, riesce ad avere un ingaggio per lei e per il fidanzato negli Stati Uniti. Rob, suo malgrado, insieme a Javi e C.C., torna a New York. Le richieste e i compromessi della casa discografica, però, non convincono i due fratelli che decidono di mollare tutto e continuare a fare musica secondo il loro stile. C.C., invece, è entusiasta di tutto e accetta ogni proposta fattagli da Jeffrey. Rob, preso dalla gelosia per il troppo tempo passato dalla Tutti i film della stagione ragazza con il produttore, la lascia brutalmente. C.C. va a vivere da Jeffrey che ben presto le mostra le sue reali intenzioni: sesso in cambio di successo. Lei non accetta e scappa via. Dall’altra parte della città, Rob, pentito della sua decisione manda un messaggio di scuse alla ragazza, ma subito dopo viene pestato da un gruppo di ragazzi e perde il cellulare. C.C. impossibilitata a contattarlo va alla parata annuale dei portoricani dove è invitato Rob come cantante e, vistolo, si riappacifica con lui mentre impazza il reggaeton. F eel the noise altro non è che un “musicarello” moderno come ce ne sono stati tanti negli ultimi anni dove la musica e la ricerca della fama si mescolano con i sentimenti e i dolori adolescenziali. Nel caso specifico, a questi elementi si aggiunge anche la componente biografica perché dietro la pellicola ci sono i “verdoni” della cantante-attrice di origine portoricana Jennifer Lopez ed è quasi scontato ravvisare, negli umori e nei sogni dei protagonisti, i suoi stessi pensieri di quando sconosciuta cercava una collocazione nello showbusiness. Probabilmente è proprio tramite C.C., la bella ballerina che fa perdere la testa a Rob, interpretato dal musicista Omarion Grandberry, che la Lopez racconta la sua storia che, nella pellicola, è fatta di tanta ingenuità, ma di nessun compromesso. Dobbiamo crederle? A tal proposito viene in mente l’aneddoto su Matilde di Canossa che a un suo biografo si dice abbia detto: “Io metto l’oro, tu metti quello che dico io”. A buon intenditor... Ritornando alla pellicola, non ci sono particolari carenze da riscontrare. Lo stile è semplice, ma efficace, i toni non troppo drammatici e la parte musicale-danzereccia particolarmente coinvolgente. Il film, infatti, ha come scopo la sponsorizzazione del reggaeton che, da fenomeno locale, negli ultimi anni, sta cercando di farsi largo nelle piste di mezzo mondo con il suo ritmo martellante e il suo ballo estremamente sensuale (e non proprio adatto alle educande) di cui la bella C.C., Zulay Henao, ci mostra le movenze che fanno innamorare il rapper Rob e convincono addirittura un produttore a puntare su di lei. Il resto è un’esaltazione, piuttosto innocua, della cultura portoricana che culmina in una chiassosa parata capitanata proprio da Jennifer Lopez, che saluta con la manina e incita i suoi conterranei in una maniera un po’ troppo autocelebrativa. La pellicola chiaramente ha un suo pubblico di riferimento che, sicuramente, apprezzerà alcune sottigliezze di sound che sfuggiranno ai moltissimi spettatori che considerano questa musica semplice e fastidioso noise. Francesca Piano 12 (12) Russia, 2007 Musiche: Eduard Artemyev Scenografia: Victor Petrov Coordinatore effetti speciali: Ilya Churinov Operatore: Martin Grosup Interpreti: Sergei Makovetsky, Sergei Garmash, Aleksei Petrenko, Yuri Stoyanov, Sergei Gazarov, Nikita Mikhalkov, Mikhail Yefremov, Valentin Gaft, Aleksei Gorbunov, Sergei Artsybashev, Viktor Verzhbitsky, Roman Madyanov, Aleksandr Adabashyan, Apti Magamaev Durata: 159’ Metri: 4300 Regia: Nikita Mikhalkov Produzione: Nikita Mikhalkov, Leonid Vereschagin per Studio Trite Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 27-6-2008; Milano 27-6-2008) Soggetto: dalla sceneggiatura del 1957 di Reginald Rose di La parola ai giurati Sceneggiatura: Nikita Mikhalkov, Vladimir Moiseyenko, Aleksandr Novototsky Direttore della fotografia: Vladislav Opelyants Montaggio: Andrej Zaitsev, Enzo Meniconi F a freddo e c’è la neve, a Mosca. In una palestra scolastica, si riuniscono 12 persone, 12 giurati: dal semplice operaio della metropolitana all’amministratore delegato di una jointventure russo-giapponese, dal custode di un cimitero al produttore di una piccola emittente televisiva, poi un tassista e anche un uomo di spettacolo. Devono stabilire la colpevolezza o meno di un giovane ceceno, accusato di aver ucciso il padre adottivo, un ufficiale dell’esercito russo. 56 La sorte del ragazzo, all’inizio della riunione, sembra essere segnata: solamente grazie a uno dei giurati, l’unico ad avere votato contro il capo d’accusa, gli altri 11 finiranno per convincersi che prima di giudicarlo sia necessario almeno discuter- Film ne. Sarà così che ciascuno di loro si aprirà, parlando di ciò che li inquieta individualmente, della preoccupante situazione in cui versa il paese, stretto in un difficile momento di transizione. Tutte le argomentazioni che i giurati sollevano sono generate non tanto dalla dimostrazione formale della colpevolezza o meno dell’imputato, quanto da quello che ognuno di loro ha maturato nel proprio animo: il più acceso sostenitore della colpevolezza del ragazzo, il tassista, è un nazionalista convinto della sua reità soltanto per il fatto che è un ceceno, dunque “malvagio” e “assassino” per definizione. Più avanti però, si scoprirà il tormentato rapporto tra questi e il proprio figlio, portato sull’orlo del suicidio a causa del suo comportamento. Anche l’operaio della metropolitana, solidale in un primo momento con il tassista, si mette a raccontare di un suo zio, un idraulico, trovatosi in una difficile, tragicomica situazione, e che, a causa di una perdita al casinò, stava per diventare un terrorista, prendendo in ostaggio alcune persone. Persino il cinico intrattenitore, in ritardo per la sua tournée e deciso a trarre ispirazione dalla riunione per i prossimi spettacoli, all’improvviso si produce in un monologo dai toni tragici sull’unico sorriso che abbia mai guadagnato quando, bambino, al capezzale della nonna morente, aveva cercato di farla svagare. Tanto discordano le loro opinioni, che talvolta i giurati quasi dimenticano il motivo che li ha condotti lì, la necessità di emettere un verdetto nei confronti del ragazzo ceceno; alla fine, comunque, considerato innocente da tutti, ma condannato ugualmente: più sicuro mandarlo in prigione che rischiare di lasciarlo in strada e farlo uccidere dopo qualche giorno. L a parola ai giurati, cinquant’anni dopo (e dieci più tardi dall’adattamento tv di William Friedkin). Prendendo spunto dal testo di Reginald Rose, magnificamente trasposto da Sidney Lumet nel 1957, il russo Nikita Michalkov mantiene, per certi versi integra, la struttura da camera, “claustrofobica”, dell’originale, manipolandone comunque sia forma che contenuto: da una parte inseguendo una spettacolarizzazione che si traduce in finale circolare (i bombardamenti in esterna), dilatazione del racconto (155’ contro gli 87’ del film con Henry Fonda e Martin Balsam) ed esasperazione nell’uso di flashback, dall’altra politicizzando – con non poco cerchiobottismo – l’attuale contesto storico/sociologico russo, ovviamente tirando in ballo la situazione cecena. Ne viene fuori un’opera Tutti i film della stagione posticcia, estremamente “teatrale”, di una furbizia nemmeno troppo sottile, esteticamente ricercata e rude: in questo esacerbante crescendo Michalkov fa di tutto per “apparire”, laddove non bastasse, il lavoro dietro la macchina da presa, eccolo trasformarsi in definitivo protagonista allorquando – giurato silenzioso fino, a una ventina di minuti dalla fine – non decide di prendere la parola e sancire definitivamente la sorte dell’imputato. Realizzato durante una pausa forzata della lavorazione del sequel di Sole ingannatore (situazione analoga che, nel 1978, portò Michalkov a concepire la trasposizione di Cinque serate, per poi terminare Oblomov l’anno successivo), 12 è stato presentato in Concorso alla 64° Mostra di Venezia, vincendo un “Leone Speciale per l’insieme dell’opera”. Valerio Sammarco FAMILY GAME Italia, 2007 Regia: Alfredo Arciero Produzione: Marina Polla De Luca, Riccardo Tomasi per Videodrome Visual Productions/Rai Cinema/Italian Dream Factory/Iron Production Distribuzione: Revolver Prima: (Roma 9-5-2008; Milano 9-5-2008) Soggetto: Alfredo Arciero Sceneggiatura: Marina Polla De Luca Direttore della fotografia: Stefano Paradiso Montaggio: Paolo Benassi Musiche: Louis Siciliano Scenografia: Laura Artini Costumi: Costanza Bastanti Aiuto regista: Monica Fontanese Suono: Roberto Alberghini Interpreti: Sandra Ceccarelli (Lisa), Stefano Dionisi (Vittorio), Fabio Troiano (Andrea), Elena Bouryka (Martina), Mattia Cicinelli (Matteo), Ugo Pagliai (prof. Moroni), Eros Pagni (padre), Anna Teresa Eugeni (madre), Emanuela Spartà (Valeria), Gianluca Fogacci (Don Carlo), Katarzyna Zurakowska (Nina), Maurizio Santilli (maresciallo), Marco Calvani (Patrizio), Paolo Triestino (Achille), Chiara Stampacchia (Valentina), Carlotta Cerulli (ragazza al parco), Veronica Gentile (segretaria) Durata: 90’ Metri: 2460 57 Film L isa e Vittorio sono sposati, hanno ciascuno la propria carriera di professionista affermato, e due figli, Martina, la più grande, un’irrequieta adolescente in piena fase contestatoria, e Matteo, il piccolo, introverso e acuto osservatore, che dedica il suo tempo libero a una simulazione di famiglia digitale. La controllata routine familiare, un giorno, viene attraversata e messa a soqquadro dall’arrivo di Andrea, fratello di Vittorio, ex tossicodipendente appena uscito dalla comunità di recupero e già rifiutato dal padre. Così, per la partenza improvvisa dei genitori, Vittorio si vede costretto ad accogliere e dare ospitalità al fratello minore. Attraverso gli occhi del giovane, iniziano ad affiorare le bugie, le meschinità e le incomprensioni tra i quattro: Vittorio tradisce la moglie e, intanto, grazie ai suoi sotterfugi, riesce a compiere la scalata alla direzione della clinica dove lavora come chirurgo; Lisa, a sua volta, nasconde, dietro l’immagine di professionista e madre soddisfatta, un mare di solitudine e di frustrazione; Martina vive la sua crescita tra mille tormenti, e tace ai genitori – verso i quali nutre un forte risentimento – una relazione omosessuale con l’amica del cuore; Matteo catalizza su di sé tutte le tensioni e i malumori della famiglia e prova a scaricarli nel suo modello virtuale, dal quale spera di ottenere la serenità che gli manca. Andrea, l’anticonformista e l’outsider, è la causa scatenante d’una crisi che investe tutti e quattro i suoi ospiti, fino al punto Tutti i film della stagione che sembra non esserci via d’uscita: una sera, dopo aver riportato a casa Martina, fuggita dal padre per l’esasperazione, Andrea si ritrova coinvolto in un tragico incidente: Matteo impugna l’arma trovata nel cassetto del padre e colpisce involontariamente lo zio, che cade a terra mezzo morto. Mesi dopo, sembra che il peggio sia dietro le spalle. Vittorio ha confidato a Lisa il suo inconfessabile segreto (il chirurgo esercita da sempre la professione medica senza possedere nessuno dei titoli necessari) e ha trovato il modo di chiudere i conti con il passato, dedicando nuove energie a moglie e figli. Andrea, dopo essersi completamente ristabilito grazie alle cure del fratello, è emigrato in Australia, dove finalmente è riuscito a realizzare il sogno di guadagnarsi da vivere lavorando come coltivatore di piante e fiori. A lfredo Arciero giunge al secondo lungometraggio dopo una lunga gavetta al fianco di Ettore Scola, e una carriera più che decennale di sceneggiatore cinematografico e televisivo. Il film esce dopo due anni d’inerzia, durante i quali, nonostante “l’imprimatur” produttivo di Rai Cinema e l’apporto artistico d’attori di nome, poco o niente è accaduto,. Dopo la visione, non è difficile comprendere i motivi di un tale destino. L’originalità d’una storia, di base grandemente banale, starebbe, secondo le esplicite dichiarazioni del regista, nell’accostamento tra vita reale e simulazione virtual- digitale: nella considerazione, deludentissima, che la Vita sappia sorprendere ben oltre i limiti dell’immaginazione umana, e che sappia disporre gli umani destini secondo traiettorie ben più stupefacenti e “sane” di quanto non riesca a fare chi progetta la propria esistenza con regolo e compasso. Il problema maggiore della pellicola è proprio la completa inutilità della trovata narrativa (il videogioco, il Family game del titolo), che, oltre a tutto, si ritrova nel film sempre costantemente scollata rispetto al resto delle vicende. Ma le origini della fragilità stanno prima: è già nella fase di rifinitura tecnica che il film mostra grossi punti deboli. Soggetti fuori fuoco, suono in presa diretta spesso sporco, o peggio, grossolano, altre inesattezze costellano un film già di per sé poco incisivo. Al bilancio negativo si somma poi una recitazione imprecisa, probabile risultato d’un lavoro con gli attori parziale o mal tarato. Tra i pochi, piccoli, punti a favore, si può forse citare la messa in scena dei non consueti “paesaggi visivi” abruzzesi, il coraggioso tentativo di raccontare il presente d’un paese – il nostro – allo sbaraglio, l’aspirazione di tenere come riferimento stabile il grande cinema (le citazione cinematografiche abbondano, da Il Padrino a American beauty). Ma il film, nel complesso, manca di carattere e personalità, e il finale consolatorio – innegabilmente legato alle narrazioni televisive – non fa che confermare per l’ennesima volta il basso profilo dell’operazione. Silvio Grasselli CORAZONES DE MUJER Italia/Marocco, 2007 Musiche: Enrico Sabena Scenografia e costumi: Francesca Fusari Produttore associato: Enrico Sabena Suono: (presa diretta) Maria Da Silva Interpreti: Aziz Ahmeri (Shakira), Ghizlane Waldi (Zina), Mohammed Wajid (figlio di Shakira), Medi, Hoja (se stessi) Durata: 85’ Metri: 2500 Regia: Davide Sordella, Pablo Benedetti (Kiff Kosoof) Produzione: Pablo Benedetti, Davide Sordella, Flavio Sordella per 011Films Distribuzione: Movimento Film Prima: (Roma 13-6-2008; Milano 13-6-2008) Soggetto e sceneggiatura: Davide Sordella, Pablo Benedetti Direttore della fotografia: Pablo Benedetti Montaggio: Davide Sordella T orino. Zina, giovane araba, è disperata. Non solo dovrà sposare un uomo che non ama, ma, avendo perso la verginità con un altro, porterà il disonore sulla sua famiglia. Ad aiutarla c’è il sarto gay Shakira, il quale le confida di conoscere un medico a Casablanca che potrà operarla per farla tornare a Km 0. Con la scusa di comprare tessuti adatti al Souk di Fez, partono per il Marocco, con la promessa di tornare prima che il tatuaggio all’hennè di Zina sparisca dalla caviglia: pena l’annullamento del matrimonio. Durante il viaggio in nave, Shakira deve abbandonare i suoi abiti da donna, per tornare uomo e non disonorare la sua famiglia: getta, così, la sua bionda parrucca in mare. Nel vederlo uomo, Zina ne resta subito affascinata. 58 In Marocco, il sarto, ritrova la sua famiglia e suo figlio, il quale non conosce la verità: gli hanno raccontato che il padre è morto da tempo. Dopo aver assistito a un matrimonio, Shakira viene picchiato a causa della sua omosessualità. Zina trova il coraggio di rivelare per telefono il vero motivo del viaggio alla madre, dicendole anche che non desidera sposarsi. Dopo l’operazione, Shakira le confida Film che non tornerà in Italia; anche Zina rimarrà in Marocco. La madre le lascia un messaggio sul cellulare dicendole che essendo prima di tutto una donna, comprende i suoi perché e le chiede di restare a Casablanca. Shakira trova il coraggio di rivelarsi a suo figlio. C orazones de Mujer è una piccola commistione fra un road movie e un documentario. Una storia vera raccontata e rivissuta dai veri protagonisti: Aziz Ahmeri e Ghizlane Waldi, che con estrema naturalezza riescono a regalarci una parte della loro vita, mostrandoci un Marocco fatto di severità ed estrema tradizione. Un film che coinvolge e commuove, realizzato con delicatezza e rispetto, pur affondando temi come l’omosessualità e le conseguenze sociali derivanti dalla perdita della verginità per una donna araba. Un viaggio a ritroso per tornare a km 0, simboleggiato dalle foto che Shakira spedisce al figlio con sotto il countdown dei km per arrivare a Casablanca e dall’operazione che Zina dovrà affrontare per tornare nuova- Tutti i film della stagione mente vergine. Tornare a km 0, non sarà tanto un viaggio concreto, quanto metaforico: il più difficile da affrontare per i due protagonisti. Non c’è bisogno né di operazioni, né di foto, ma solo del coraggio per rivelare a sé stessi e poi agli altri la verità. Solo alla fine, quando si confida con la madre e, riceve da lei una risposta tanto agognata, Zina si sente finalmente arrivata 0 km; così anche Shakira, avrà la forza di chiamare suo figlio e presentarsi come suo padre. Nonostante sia completamente sottotitolato, il film, non risulta pesante, né difficile da seguire. La regia, affidata a Paolo Benedetti e Davide Sordella nascosti sotto lo pseudonimo di Kiff Kosoof, ci regala un film con atmosfere altamente suggestive, donateci anche grazie all’ottima fotografia, sempre firmata da Benedetti. Suggestive le sequenze dei sogni di Zina nel deserto, accompagnate da musiche orientali. Uno per tutti: lei che cammina nell’immensità del deserto vestita di bianco con un velo nero che le copre il volto. Il film è quasi interamente realizzato in seppia, tranne qualche sequenza con toni più accesi, come quella dell’atelier per la sposa; questa scelta ci dà l’impressione di vivere una scena onirica. Cuori di donna, raccontati da ogni punto di vista: una ragazza, una madre e un uomo che si sente donna dentro. Molto forte un dialogo fra i due protagonisti, in cui Zina l’accusa di non capirla, perché per essere donna, non basta indossare una parrucca. Coinvolgente il momento in cui Zina si sfoga con la madre e le rivela il desiderio di non sposarsi, ma che comunque farà il suo dovere per la famiglia; toccante, infine, la risposta della madre che, essendo prima di tutto donna, ben la comprende e le dice di restare in Marocco. Sarà però un uomo, Shakira, a rivelarci il perché è bello essere donna: è semplicemente meraviglioso. Un altro piccolo ritratto del mondo femminile, raccontatoci, già egregiamente in precedenza, da Almodóvar con Tutto su mia madre (1999). Elena Mandolini BRATZ (Bratz) Stati Uniti, 2007 Acconciature: Candace Neal, Catherine Childers, Audrey L. Anzures, Suzan Bagdadi, Sheila Stotts Supervisore effetti visivi: Avi Das Coordinatore effetti visivi: Ron R. Anantavara Supervisore costumi: Paula Truman Coreografie: Kishaya Dudley Interpreti: Logan Browning (Sasha), Janel Parrish (Jade), Nathalia Ramos (Yasmin), Skyler Shaye (Cloe), Chelsea Staub (Meredith), Anneliese van der Pol (Avery), Malese Jow (Quinn), Ian Nelson (Dylan), Stephen Lunsford (Cameron), Jon Voight (Preside Dimly), Lainie Kazan (Bubbie), William May (Manny), Emily Rose Everhard (Cherish), Chet Hanks (Dexter), Carl Rux (sig. Whitman/DJ Wax), Kim Morgan Greene (Katie, madre di Cloe), Sasha Cohen (Bethani), Andrea Edwards (Goalie), Constance Hsu (Julie, madre di Jade), Tami-Adrian George (Allison, madre di Sasha), Kadeem Hardison (padre di Sasha), Sean McNamara (Tom McShavie), Lee Reherman (vice preside Sludge), Daniel Booko (Jock), Kelly Crean (sig.ra Funk), Paula Froelich (se stessa), Zach Cumer (nerd), Madison Riley (ragazza trendy), Scot Nery (giocoliere), Brando Murphy (ragazzo solitario) Durata: 110’ Metri: 2630 Regia: Sean McNamara Produzione: Avi Arad, Isaac Larian, Steven Paul per Avi Arad & Associates/Crystal Sky Pictures/MGA Entertainment Distribuzione: Eagle Pictures Prima: (Roma 6-6-2008; Milano 6-6-2008) Soggetto: Adam De La Peña, David Eilenberg dai personaggi dell’omonima serie tv Sceneggiatura: Susan Estelle Jansen Direttore della fotografia: Christian Sebaldt Montaggio: Jeff Canavan Musiche: John Coda Scenografia: Rusty Smith Costumi: Bernadene Morgan Produttore esecutivo: Benedict Carver Co-produttore: Kyla Kraman Direttori di produzione: Eric M. Breiman, Don J. Hug Casting: Joey Paul Aiuti regista: Jeffrey F. January, Hope Garrison, Jill Hoppy, Jill Maxcy, Ken Twohy, Roger Udwin Operatore: Samuel Buddy Fries Art director: Rosario Provenza Arredatore: Karen Agresti Trucco: Nicole Sortillon, Sherri Simmons, Mandi Crane, Rocky Faulkner, Gilbert A. Mosko S asha, Cloe, Yasmin e Jade sono grandi amiche. Le loro giornate trascorrono spensierate fra shopping e lunghe chiacchierate. Qualcosa cambia, però, con l’entrata al liceo. La scuola, infatti, sotto l’egemonia di Meredith, figlia del preside, è suddivisa in gruppi e le quattro amiche con interessi differenti vengono assorbite ciascuna dal proprio. Passano due anni e le ragazze, ormai, 59 a stento si salutano, fino a quando un giorno, costrette a condividere un’ora di punizione insieme, confessano di sentire la mancanza l’una dell’altra e decidono di ribaltare l’ordine scolastico non apparte- Film nendo più a nessun gruppo, ma cercando di essere amiche di tutti. Meredith, furiosa, cerca in ogni modo di umiliare le ragazze e di farle litigare fra loro, ma ogni suo tentativo non fa che rinforzarne l’amicizia. Come ogni anno, nella scuola, c’è un Talent Show; in palio, questa volta, oltre al trofeo, c’è una borsa di studio per il college. Le quattro amiche decidono di parteciparvi e, in caso di vittoria, consegnare il premio a Cloe che tra loro è la più svantaggiata economicamente. Meredith, vista in pericolo la sua vittoria, minaccia Yasmin di rivelare dettagli poco piacevoli del passato delle sue amiche se non si fosse ritirata. La ragazza è costretta ad accettare e con Sasha, Cloe e Jade inventa una scusa per non partecipare al concorso. Loro, estremamente deluse, però, non accettano le sue ragioni e dichiarano finita l’amicizia con lei. Qualche giorno prima dello show, la mamma di Cloe fa notare alle ragazze che il comportamento di Yasmin è sospetto e le invita a indagare. Messa sotto pressione, lei cede e confessa loro il ricatto. Dopo una lunga discussione, decidono di non darla vinta alla compagna e di partecipare comunque al concorso. La vendetta non si lascia attendere e, davanti a tutti gli spettatori, Meredith racconta aneddoti e mostra immagini che, secondo la sua visione della vita, dovrebbero imbarazzarle. Il pubblico, invece, apprezza molto l’umanità e le spiegazioni che le quat- Tutti i film della stagione tro amiche hanno da dare in proposito e le lascia esibire con la loro canzone. È un trionfo e la giuria, a pari merito con Meredith, consegna loro il primo premio. Fra il pubblico, un produttore di MTV nota la bravura delle ragazze e decide di scritturarle come cantanti per la prima di un importante film e assicura loro un futuro da star della musica sotto gli occhi inviperiti di Meredith. P er chi non fosse assiduo frequentatore di negozi di giocattoli le Bratz sono quelle bamboline sgraziate con i labbroni e le zeppe che hanno preso il posto nel cuore delle bambine della più affascinante Barbie. Sulla fortuna di questo nuovo giocattolo si è scherzato molto e parecchi comici lo hanno preso come bersaglio per battute sagaci facendolo conoscere al grande pubblico più che con il suo nome commerciale con la simpatica definizione di Barbie “disinibita”(il termine preciso non è proprio questo), ma alle ragazzine piace tanto e questo è sufficiente per sfornare gadget di tutti i tipi e, perché no, un bel filmetto estivo. La pellicola in questione, diretta da Sean McNamara, racconta le vicende di un gruppo di ragazze Yasmin, Jade, Sasha e Cloe (le Bratz appunto) pronte a difendere a ogni costo la loro amicizia. Il plot, non c’erano dubbi in proposito, rispetta il classico schema delle commedie girate nelle High School americane con tutti gli elementi del caso ben distribuiti: la rigida divisione in caste, l’importanza dell’appari- re, la “capetta” (in gergo adolescenziale si chiama così), ossigenata che detta legge, il fantomatico concorso per i nuovi talenti e l’immancabile stile di vita a stelle e strisce. Unica chicca le protagoniste che sono l’alter ego in carne e ossa delle mitiche bamboline. In verità, con la versione di plastica e con quella animata (si, ci sono anche dei cartoni su di loro) le giovani attrici hanno poco in comune, perché sono tutte molto graziose e con il cervello intento a pensare a cose differenti oltre che ai capi firmati. Il live movie, infatti, rispetto alle precedenti operazioni, si propone anche un intento pedagogico: invogliare le giovani spettatrici ad accettarsi, a credere nell’amicizia e ad avere rispetto per il prossimo. Niente di nuovo all’orizzonte e tutto strettamente programmato dall’ufficio marketing, ma non è male ricordare a questo mare magnum di adolescenti in crisi ciò che è importante e spesso un film arriva dove non riescono le parole di un adulto; quindi, ben venga la predica pure se la fonte è una commedia alquanto esilina e stupidotta che si muove tra vestitini rosa confetto e lucidalabbra alla fragola! Ma sorge un dubbio…le ragazzine che vedranno la pellicola capiranno dove si vuole andare a parare o si lasceranno conquistare dalle villone con piscina, dai party strabordanti e dal concetto di “successo”? Bel dilemma! Francesca Piano THE HITCHER (The Hitcher) Stati Uniti, 2007 Arredatore: Randy Huke Trucco: Carla Palmer, Troy Breeding, Sheila Trujillo Acconciature: Kelly Nelson, Frank Parrish, Susan Pfifer Effetti speciali trucco: Howard Berger, Jake Garber, Gregory Nicotero Supervisore trucco: Mike McCarty (K.N.B.) Coordinatore effetti speciali: John D. Milinac Supervisore effetti visivi: Kelly Port Supervisore musiche: Jojo Villanueva Interpreti: Sean Bean (John Ryder), Sophia Bush (Grace Andrews), Zachary Knighton (Jim Halsey), Neal McDonough (tenente Esteridge), Skip O’Brien (sceriffo Harlan Bremmer Sr.), Travis Schuldt (vicescriffo Harlan Bremmer jr.), Danny Bolero (agente Edwards), Yara Martinez (Beth), Lauren Cohn (Marlene), Jeffrey Hutchinson (giovane padre), Michael J. Fisher, Joseph Michael Self (guardie), Brad Robinson (agente correzionale), Kurt Grossi (agente Franklin), Kurt Bryant (medico), Dick Hancock (guardia di Ryder), Jesse De Luna (agente), Lance Strumpf (pilota elicottero), Kurt E. Soderling (copilota elicottero), Damon Carney (negoziatore) Durata: 84’ Metri: 2300 Regia: Dave Meyers Produzione: Michael Bay, Andrew Form, Bradley Fuller, Alfred Haber, Charles R. Meeker per Focus Features/Intrepid Pictures/Platinum Dunes Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 30-5-2008; Milano 30-5-2008) V.M. !4 Soggetto: ispirato alla sceneggiatura di Eric Red nel 1986 Sceneggiatura: Eric Red, Jake Wade Wall, Eric Bernt Direttore della fotografia: James Hawkinson Montaggio: Jim May Musiche: Steve Jablonsky Scenografia: David Lazan Costumi: Leeann Radeka Produttore associato: Matthew Cohan Co-produttore: Alma Kuttruff Direttore di produzione: Alma Kuttruff Casting: Lisa Fields Aiuti regista: Phil Hardage, Katie Tull, Doug Carter, Chemen Ochoa Operatori: Gary Jay, Dan Kneece Art direector: Rob Simons 60 Film J im e la fidanzata Grace, due studenti di un college, partono in macchina di buon mattino, per una vacanza sul lago. Nel corso del viaggio, lungo il deserto del Nuovo Messico, si imbattono in una notte buia e piovosa e, di lì a poco, in un’automobile in panne. Jim vorrebbe fermarsi, Grace lo dissuade. Poco dopo, in una stazione di servizio, i due incontrano l’automobilista in panne, portato lì da un camionista. L’uomo, John Ryder, deve raggiungere un motel a pochi chilometri, per passare la notte. Stavolta Jim accetta di dargli un passaggio. Dopo pochi minuti, Ryder comincia a dare segni di squilibrio, fa a pezzi il telefonino di Jim ed estrae un coltello. Ne segue una colluttazione: Jim riesce a buttar fuori Ryder dall’abitacolo con un calcio. La mattina dopo, Jim e Grace, che hanno dormito in macchina sul bordo di una strada, sono ancora traumatizzati; ma decidono comunque di proseguire il viaggio. Nel corso del quale, quando tutto sembra essere finito, l’incubo si materializza di nuovo: nella macchina davanti a loro, con dentro una tranquilla famigliola, c’è Ryder che li saluta beffardo. Jim e Grace si affiancano con la macchina nel tentativo di avvertire i malcapitati del pericolo, ma dalla corsia opposta sbuca un tir che li fa uscire di strada. La situazione è disperata: la macchina è fuori uso, quella con le potenziali vittime di Ryder si allontata. A Jim e Grace non resta che incamminarsi a piedi sotto il sole: un Suv rosso passa in direzione opposta, ignorando la loro richiesta di aiuto. Pochi metri dopo, ai bordi della strada, Jim e Grace trovano la macchina: Ryder ha sterminato l’intera famigliola, è un bagno di sangue. Il padre, ancora vivo, è agonizzante; Jim decide di prendere la macchina e di cercare soccorso. Appena partiti, vengono raggiunti dal Suv rosso guidato da Ryder, che li tampona ripetutamente per poi eclissarsi. Sorpresi per l’inaspettato, scampato pericolo, Jim e Grace si fermano in un diner. Grace chiede aiuto alla cameriera, ma la polizia, una volta intervenuta, arresta i due ragazzi, un attimo prima che il padre, unico sopravvissuto, muoia. Al commissariato locale, Jim viene chiuso in cella e Grace sottoposta a interrogatorio: nel corso di una pausa, lo sceriffo e il suo vice vengono trucidati dal temibile Ryder, sempre più determinato a inguaiare i due. Che, difatti, sono costretti a fuggire, ormai ricercati dalla polizia: anche se il tenente Esteridge, che ha preso in cura il caso, capisce ben presto che dev’esserci qualcuno di ben altro che due studentelli dietro l’inaudita scia di sangue. Tutti i film della stagione Ancora inseguiti da Ryder, Jim e Grace si rifugiano in un capanno: vengono snidati da un agente, che riescono a disarmare. Tentano di ragionarci, ma Ryder da lontano centra il poliziotto con un colpo in fronte. L’agente sopravvissuto assiste da lontano e non esita a incolpare i due via radio, che nel frattempo se la sono data a gambe con la macchina della polizia. In breve, i due ragazzi sono inseguiti da cinque volanti e un elicottero: irrompe in auto Ryder che, armato di pistola, fa strage di poliziotti (compreso quello in elicottero) e se ne va. Jim e Grace abbandonano l’auto della polizia, ormai inservibile, e si incamminano a piedi. Raggiungono un motel, dove decidono di passare la notte. Jim forza la porta di una stanza, i due hanno finalmente un momento di tranquillità. Jim esce per telefonare, ma non torna. Grace si addormenta e, quando si risveglia, c’è qualcuno nel letto con lei: non Jim, ma Ryder. Grace lotta con tutte le sue forze e riesce a chiudersi nel bagno. Ryder sembra desistere. Grace, dopo essersi rivestita, esce nel cortile del motel: qui trova Jim legato mani e piedi con pesanti catene a due tir: Ryder è al volante di uno dei due automezzi, gli basta dar gas per tranciare in due il ragazzo. Grace gli punta contro una pistola, ma Ryder non ha alcuna paura di morire, anzi invoca di essere ucciso. La ragazza è fragile, non riesce a premere il grilletto: Ryder fa partire il mezzo e sventra Jim sotto gli occhi suoi e della polizia, sopraggiunta in quel momento. Al commissariato, il tenente Esteridge rassicura come può la ragazza, sconvolta dall’accaduto: Ryder (che ha preso nome e documenti in prestito a un altro malcapitato) è in isolamento e presto sarà trasferito in carcere. Il poliziotto accompagna la ragazza con la propria macchina, mentre davanti a loro fa strada il cellulare con dentro Ryder. Il quale, tutt’altro che datosi per vinto, riesce a liberarsi delle manette (a costo di scorticarsi le mani) e a uccidere le guardie nel cellulare, che si ribalta in mezzo alla strada. Esteridge, appena dietro, non può evitare l’impatto: la macchina si infrange contro il cellulare. Esteridge è imprigionato nelle lamiere, impossibilitato a muoversi; Grace, determinata a mettere la parola fine alla vicenda, prende la pistola del tenente e si dirige verso il cellulare ribaltato. Apre l’anta e viene immediatamente sopraffatta da Ryder, che la chiude dentro e dà fuoco alla vettura. Grace riesce, dalla griglia divelta, a prendere il fucile a pompa nella cabina di guida del furgoncino; fa fuoco contro il portellone del retro, riuscendo a uscire. Ma 61 è troppo tardi per salvare l’inerme Esteridge, impossibilitato a muoversi: Ryder gli spara in testa, poi si allontana come se niente fosse. Grace, sopraggiunta col fucile, gli spara alla schiena, poi alla gamba; dopodichè si avvicina per finirlo. Ryder è sprezzante, le chiede ammiccante se è una bella sensazione quella che sta provando. “Io non sento niente” è la risposta della ragazza, prima di sparargli in testa col fucile da distanza ravvicinata. N on si sentiva esattamente la mancanza di un remake di quello che può essere considerato un autentico cult movie degli anni ’80. Il The Hitcher originale di Robert Harmon (con un indimenticabile Rutger Hauer) era un film piccolo ma perfetto, che fece dell’asciuttezza formale la sua grande forza e seppe ritagliarsi un angolo tutto suo nell’alveo dei gioielli da riscoprire. Per non ottenere lo stesso effetto, era sufficiente muoversi in due direzioni: la prima, tradire il soggetto originale (che prevedeva un confronto innanzitutto psicologico tra i due contendenti), con cambiamenti alquanto discutibili, tipo eliminare (fisicamente) il protagonista maschile e regalare alla scollacciata fidanzata superstite il compito di giustiziera; l’altra, consequenziale alla prima, affidare la produzione a Michael Bay, la cui longa manus provvede al solito ad asciugare ogni traccia di incorrect al plot originale (vedasi remake di Non aprite quella porta per credere). Manca, soprattutto, l’ambiguità dell’originale, l’incarnazione del male in cui il Jim Halsey del 1986 finiva per rispecchiarsi con tutte le sue frustrazioni, quasi tentato di perdere, di fronte all’operato del luciferino Ryder, i propri borghesi freni inibitori; manca quella riuscita assenza di spiegazioni o facili sociologie che ben poco ha da spartire con il non detto di questo film che nulla spiega, perché, semplicemente, non c’è assolutamente nulla da spiegare. Tutto è infatti tristemente mostrato e il manicheismo pervade pedantemente ogni minuto, per di più rimarcato nel finale con una fucilata ben assestata, da giustizia sommaria intensamente cercata e finalmente ottenuta. Aggiungete la solita insopportabile confezione a uso e consumo di adolescenti con montaggio ipercinetico e insulso pop in colonna sonora e il quadro è completo. Eric Red, lo sceneggiatore originale, avrà poco da ridire perché è nella terna degli sceneggiatori di questo pallido remake, realizzato, con tutta probabilità, per motivi alimentari anziché artistici. Gianluigi Ceccarelli Film Tutti i film della stagione RESERVATION ROAD (Reservation Road) Stati Uniti/Germania, 2007 Regia: Terry George Produzione: A. Kitman Ho, Nick Wechsler per Focus Features/ Random House Films/Reservation Road/Miracle Pictures/Nick Wechsler Productions/Volume One Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 25-5-2008; Milano 25-5-2008) Soggetto: dal romanzo di John Burnham Schwartz Sceneggiatura: John Burnham Schwartz, Terry George Direttore della fotografia: John Lindley Montaggio: Naomi Geraghty Musiche: Mark Isham Scenografia: Ford Wheeler Costumi: Catherine George Produttori esecutivi: Dean M. Leavitt, Gina Resnick Direttore di produzione: Lori Johnson Casting: Amanda Mackey Johnson, Cathy Sandrich Aiuti regista: Glen Trotiner, Eddie Micallef, Chris DeAngelis Operatori: Stephen Consentino, Dennis A. Livesey Operatore steadicam: Stephen Consentino Art director: Kim Jennings Arredatore: Chryss Hionis Trucco: Lori Hicks, Sandra Linn Koepper E than Learner ha una bella famiglia. Due figli, Emma e Josh, una moglie, Grace, con cui ha uno splendido rapporto. Una sera, di ritorno da una gita, una macchina pirata investe il piccolo Josh lasciandolo morto sul ciglio della strada. L’incauto guidatore è Dwight Arno che, preso dal panico, non soccorre il bambino e scappa occultando l’automobile. La famiglia Learner è distrutta dal dolore, ma è fiduciosa che la polizia possa ritrovare il colpevole. Passano i giorni e, siccome le indagini non apportano nessun elemento nuovo, Ethan inizia a occuparsi personalmente della vicenda attraverso siti internet e avvalendosi di un legale. Il caso vuole che l’avvocato scelto sia proprio Dwight. Quest’ultimo, attanagliato dai sensi di colpa vorrebbe costituirsi, ma gli manca il coraggio e per un po’ manda avanti la finzione sicuro di non essere scoperto. Intanto la vita di Ethan è completamente cambiata. Il dolore e la sete di giustizia lo fanno diventare un padre e un marito assente, convinto che nessuno, tranne gli utenti internet nella sua stessa situazione, possa comprendere il suo dolore. Nella sua mente un solo pensiero: scoprire l’assassino di cui ricorda perfettamente il cappellino e la vettura. Un giorno, dopo un saggio scolastico, Acconciature: Jerry De Carlo, Jackie Payne Suono: Gary Alper, Paul Urmson Supervisore effetti speciali: Mark Freund (Pacific Title) Supervisori costumi: Michael Anzalone, Kathy Karbowski Supervisore musiche: Budd Carr Interpreti: Joaquin Phoenix (Ethan Learner), Mark Ruffalo (Dwight Arno), Jennifer Connelly (Grace Learner), Mira Sorvino (Ruth Wheldon), Elle Fanning (Emma Learner), Sean Curley (Josh Learner), Eddie Alderson (Lucas Arno), Antoni Corone (sergente Burke), Gary Kohn (Norris Wheldon), John Slattery (Steve Cutter), Cordell Clyde (Jimmy McBride), Nora Ferrari (Nora Fannelli), Linda Dano (nonna), John Rothman (Ministro), Geisha Otero (Blanca), Brett Haley (Brett), Armin Amiri (Rashid), Jonathan Tchaikovsky (Jock), Stephanie Weyman (Cheryl), Raum-Aron (Gerry), Michael Anzalone (vicino di Dwight), David Anzuelo (Raul), Lee Goffin-Bonenfant, Americk Lewis (studenti), Sinead Daly (ragazza americana), Susan Powell (genitore elegante), Samuel Ryan Finn (violoncellista), Debra Robinson (genitore), Kevin Herbst, Danny Johnson, Bill Camp Durata: 102’ Metri: 2800 Ethan scorge il suo avvocato intento ad applaudire il figlio e nota che indossa un copricapo familiare. Gli si accende una lampadina e approfitta di una visita a casa dell’ex moglie di Dwight, maestra di musica della figlia Emma, per svolgere qualche indagine. Scopre una foto dove troneggia l’automobile dell’incidente e realizza che i suo sospetti erano fondati. Armatosi di pistola, allora, corre a casa di Dwight e lo costringe a seguirlo nel luogo dell’incidente. L’uomo non fa opposizione, anche perché aveva deciso di costituirsi. Arrivati sul posto, Ethan inizia a picchiarlo e minaccia di ucciderlo con la pistola, ma Dwight riesce a disarmarlo e gli dice che è talmente addolorato per quello che ha fatto che è disposto a suicidarsi davanti a lui se glielo chiedesse. Ethan è tentato, poi lo guarda e ritorna a casa dalla moglie Grace. Dwight butta la pistola nel lago, mentre suo figlio, a casa, ascolta in lacrime la confessione su cassetta che il padre aveva fatto per lui. C he bella la famiglia Learner! Una mamma carina e intelligente, una coppia di bambini educati e un padre protettivo che insieme vanno in cerca di lucciole, chiacchierano, sorretti da un sostrato affettivo molto forte. Una famiglia 62 che, banalmente, si potrebbe definire “da pubblicità”. Gli antichi Greci sostenevano che gli dei, gelosi della perfezione umana, ogni tanto giocassero qualche tiro mancino per acquietare l’invidia, e così, come nella più classica delle tragedie, i Learner, in una sera d’estate, pagano lo scotto della loro felicità. Artefice materiale della punizione è Dwight Arno, che involontariamente investe il piccolo Josh Learner e poi scappa via lasciandolo morente sul ciglio della strada. Tratto dall’omonimo romanzo di John Burnham Schwartz Reservation road è una pellicola che tocca il delicato argomento delle vittime della strada, intrecciando i vissuti e i percorsi rielaborativi di chi subisce il dramma e di chi ne è la causa. Il regista Terry George non a caso sceglie come “volti narranti”due padri Ethan e Dwight, due tipologie di uomini agli antipodi, creando una particolare simmetria che permette di studiarne le metamorfosi in vista di un unico fine con la doppia faccia del perdono e della vendetta. Ethan, padre del bambino, è vittima di un duro lavoro di elaborazione del lutto che lo porta a trasformare il dolore in rabbia e la sofferenza in alienazione. La sua ricerca ossessiva della verità, oltretutto, lo rende incapace di dare un minimo conforto alla sua famiglia che, già logorata dalla Film perdita, precipita nel più duro degli abissi: l’incomunicabilità. Dwight, invece, dopo aver realizzato l’accaduto combatte contro i laceranti sensi di colpa e la continua presenza del volto consumato di Ethan che, ironia della sorte, lo sceglie come legale nelle indagini. Quest’uomo, dalla vita già tormentata, deve scegliere tra ciò che è giusto e ciò che è comodo nella continua attesa che il rimorso si stanchi di bussare alla sua porta e lo lasci in pace. Il dolore cambia, la paura rende sporchi sembra echeggiare in questa storia che ha il gran pregio di permettere allo spettatore di sedersi in un cantuccio della stanza e osservare da varie angolazioni la vicenda. In questa singolare visione è inevitabile avvicinarsi emotivamente a Ethan e non Tutti i film della stagione perché è colui che ha subito, ma perché Dwight è un pavido, uno che cerca l’alternativa facile, un perdente, di cui si poteva avere pena se solo si fosse preso in tempo le sue responsabilità. Ma la situazione è estremamente complessa e giudicare da una morbida poltrona risulta alquanto ridicolo. Lascia, invece, molto perplessi il ruolo della polizia, incapace di svolgere il suo operato. Se non fosse stato, infatti, per la caparbietà del padre della vittima che intraprende un’indagine parallela, il caso sarebbe stato archiviato. È un’accusa pesante che si perde un po’ nell’umanità del racconto, ma non va sottovalutata, perché diventa un sottile invito a sbrigarsela da soli se si vuole avere giustizia in una società che non può garantirla. Come poi accade nel finale, quan- do i due uomini si ritrovano faccia a faccia per un confronto rimandato per tutta la durata del film che però ha più il sapore di un’esecuzione. La pellicola, superfluo dirlo, è di quelle a forte impatto drammatico la cui riuscita è relegata solo all’interpretazione degli attori che devono tradurre in emozioni una sceneggiatura standard priva di situazioni originali. Nel caso specifico, Mark Ruffalo, Joaquin Phoenix e Jennifer Connelly ( rispettivamente Dwight, Ethan e sua moglie Grace ) sono veramente all’altezza del ruolo con una recitazione robusta, di “pancia”, che bilancia il voluto distacco dal racconto e fa percepire quel senso di smarrimento di fronte all’imprevedibilità della vita. Francesca Piano TUTTI PAZZI PER LORO (Fools Gold) Stati Uniti, 2008 Regia: Andy Tennant Produzione: Donald De Line, Bernie Goldmann, Jon Klene per Warner Bros. Pictures/De Line Pictures Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 23-4-2008; Milano 23-4-2008) Soggetto: Daniel Zelman, John Clafin Sceneggiatura: Daniel Zelman, John Clafin, Andy Tennant Direttore della fotografia: Don Burgess Montaggio: Tracey Wadmore-Smith, Troy Takaki Musiche: George Fenton Scenografia: Charles Wood Costumi: Ngila Dickson Produttori esecutivi: Jim Dyer, Wink Mordaunt Co-produttore: Stephen Jones Direttore di produzione: Jennifer Cornwell Casting: Juel Bestrop, Seth Yanklewitz Aiuti regista: Toby Pease, Drew Bailey, Paul Sullivan, Bish Bishop, Brett Robinson Operatori: Peter McCaffrey, Calum McFarlane Supervisore art direction: Ray Chan Art director: Damien Drew Trucco e acconciature: Paige Badenoch, Nikki Gooley, Georgia Lockhart-Adams, Anita Morgan, Nadine Wilkie N el lontano 1715 la nave “Aurelia” che trasportava il tesoro della regina, dote della promessa sposa del re di Spagna, affondò con tutto il suo preziosissimo carico a largo delle isole Keys in Florida. Oggi, il giovane Finn ha fatto della ricerca al famoso tesoro la sua ragione di vita: sono anni che scandaglia il fondo nella zona di mare dove avvenne il naufragio aiutato dal suo collaboratore Alfonz. Finn si è appena separato dalla moglie Tess, proprio a causa delle Coordinatori effetti visivi: Jayne Herrmann, Ingrid Johnston (Animal Logic), Suzanne Evans-Booth, Danielle Rubin, Andy Simonson Supervisore effetti visivi: David Nelson (Animal Logic) Supervisore musiche: Julianne Jordan Interpreti: Matthew McConaughey (Benjamin Finnegan), Kate Hudson (Tess Finnegan), Donald Sutherland (Nigel Honeycutt), Alexis Dziena (Gemma Honeycutt), Ewen Bremner (Alfonz), Ray Winstone (Moe Fitch), Kevin Hart (Bigg Bunny), Malcolm-Jamal Warner (Cordell), Brian Hooks (Curtis), David Roberts (Cyrus), Michael Mulheren (Eddie), Adam LeFevre (Gary), Rohan Nichol (Stefan), Roger Sciberras (Andras), Elizabeth Connolly (infermiera), Duncan Young (Jim), Xavier Fernandez (Petruchio), Peter Whitford (giudice), Laurence Coy (avvocato di Finn), Linda Cropper (avvocato di Tess), A. Ramel El, Nicholas Cooper, Andrew Allen, Glenn Suter (autisti di Moe), Luke Pegler, Clementine Heath, Ashley Cheadle, Jason Dundas, Ray Bull, Valentino Del Toro, Frank Turner, Bill Watson, Henry Browne Durata: 113’ Metri: 2900 continue discussioni sulla ricerca del tesoro. Decisa a portare a termine i suoi studi e a stare lontana dall’ex marito, Tess si guadagna da vivere lavorando a bordo del lussuoso yacht del milionario Nigel Honeycutt. La giovane deve recarsi a Key West per la sentenza di divorzio. All’appuntamento in tribunale, Finn arriva in ritardo perché reduce da una fantastica scoperta in mare, un frammento di un piatto il cui stemma inciso riconduce direttamente al capitano della nave che trasportava il te63 soro della regina. Alla vista di quel reperto, in Tess si riaccende la voglia di mettere le mani sul famoso carico affondato tanti secoli prima e a cui ha dedicato anni e anni di studi insieme all’ex marito. Tess fa salire Finn a bordo dello yacht di Honeycutt: i due ex coniugi raccontano la storia del tesoro a Nigel e a sua figlia, la viziata e futile Gemma. Il milionario decide di aiutare i ragazzi. Ma anche il boss malavitoso Bigg Bunny Dinns è sulle tracce del tesoro e minaccia Finn anche per- Film ché il giovane deve restituire al boss una cospicua somma di denaro. Bunny assolda per la caccia al tesoro un vecchio amico di Finn, Moe, che, a bordo di una barca, batte la stessa zona del panfilo di Honeycutt. Una sera, durante un temporale, Finn ha un’illuminazione: capisce in quale tratto di mare il vecchio capitano poteva aver fatto riparare la nave “Aurelia” durante una bufera. Finn e Tess si recano in una chiesetta dove dissotterrano una mappa con le esatte indicazioni del tesoro. I due trovano il prezioso carico ben nascosto in una grotta tra gli scogli di difficile accesso a causa delle correnti marine. Tess si cala nella grotta e trova le casse con il tesoro, ma sul posto arrivano anche gli uomini di Bunny. Dopo una lunga lotta con gli sgherri di Bunny, Finn riesce ad avere la meglio. Ma Bunny prende in ostaggio Tess e parte con la ragazza e il bottino a bordo di un idrovolante. Finn riesce a salire sul velivolo in fase di decollo e a sbarazzarsi di Bunny. Dopo una serie di pericolose manovre nei cieli e un ammaraggio non proprio tranquillo, Tess e Finn riescono a mettere in salvo se stessi e il prezioso carico. Il famoso tesoro della regina è ora visibile a tutti in un museo. N o, questa volta non ci sono i pirati, ma la caccia al tesoro sugli splendidi mari dei Caraibi è la Tutti i film della stagione stessa. No, questa volta non ci sono gli sguardi assassini di Johnny Depp ad ammaliare, ma i super bicipiti del biondo Matthew McConaughey. E a sedurre non c’è il sorriso incantatore della bella Keira Knightley ma la risata e le curve della bionda e spumeggiante (almeno quanto mamma Goldie Hawn!) Kate Hudson. E invece di vascelli pieni di spettri ci sono yacht ipertecnologici e lussuosissimi. Ma la caccia è aperta comunque. Il film mescola, piuttosto furbescamente non c’è che dire, scene d’azione ambientate negli splendidi scenari delle isole di fronte a Key West (ricostruite nei mari australiani) a schermaglie amorose tra i due bellocci protagonisti. Naturalmente la storia del vascello affondato col carico di un prezioso tesoro nel Settecento è un puro pretesto. Di storielle che mescolano avventura e amore il cinema è zeppo. Il filone è divenuto una macchina per sbancare i botteghini negli anni Ottanta; chi non ricorda la coppia feticcio di quel periodo, Michael Douglas – Kathleen Turner, impegnata All’inseguimento della pietra verde, o a caccia di un prezioso Gioiello del Nilo? Certo, tra un bacio e una scazzottata, il rischio fumettone è dietro l’angolo. A fare compagnia ai due biondi protagonisti, ci sono un riccone sornione e simpatico con mega-yacth da urlo cui presta il volto un attore di razza come Donald Sutherland (con quella carriera alle spalle gli si perdona tutto, anche una vacanza nei mari esotici), una rampolla viziata fashion victim e quasi-anoressica che sembra la versione castana di Paris Hilton (la giovane Alexis Dziena) e un gangster nero davvero da fumetto (Kevin Hart). I due protagonisti sono davvero un bel vedere in costume da bagno, ma la palma della simpatia spetta sicuramente ai due cuochi gay del lussuoso panfilo, divertiti e sornioni spettatori-commentatori della vicenda. Divertito, sicuramente, anche lui dietro la macchina da presa, il regista Andy Tennant di cui ricordiamo la commedia Hitch – Lui si che capisce le donne con Will Smith. Certo che i distributori italiani ne hanno combinata un’altra delle loro mal traducendo l’originale Fool’s Gold (letteralmente “l’oro degli sciocchi”) con Tutti pazzi per l’oro, nel tentativo di scopiazzare il titolo di una famosa commedia dei fratelli Farrelly, in cui l’oggetto della caccia non era l’oro, ma una esplosiva bionda di nome Mary. Ma qui non c’è traccia del graffio dei Farrelly, il film è evasione pura da gustare con bibita ghiacciata tra le mani. Sprofondate sulle poltrone e rilassatevi! Il cinema, ogni tanto, serve anche a questo. Elena Bartoni VALUTAZIONI PASTORALI Amore di testimone (Un) – n.c. Amore non basta (L’) – discutibile / velleitario Amore secondo Dan (L’) – inconsistente / banalità Anno in cui i miei genitori andarono in vacanza (L’) – n.c. Bratz – inconsistente / superficialità Caravaggio – n.c. Cargo 200 – n.c. Certamente, forse – discutibile / problematico Chiamami Salomè – discutibile / scabrosità Chiamata senza risposta – n.c. Chiarlie Bartlett – accettabile-problematico / dibattiti Chi nasce tondo... — inconsistente / volgarità Ci sta un francese, un inglese e un napoletano – accettabile / brillante Colpo d’occhio – discutibile / superficialità Corazones de mujer – discutibile / superficialità Cover-Boy – discutibile / scabrosità Divo (Il) – discutibile-problematico / dibattiti 12 – accettabile-problematico / dibattiti Estate al mare (Un’) – accettabile / brillante Eye (The) – accettabile / crudezze Family Game – discutibile / ambiguità Feel the Noise – n.c. Gardener of Eden – Il giustiziere senza legge – n.c. Gone Baby Gone – n.c. Hitcher (The) – inaccettabile / violento Hunting Party (The) – accettabile-problematico / dibattiti Il nostro messia – inconsistente / scabrosità Improvvisamente l’inverno scorso – n.c. Interview – discutibile / problematico Maradona – n.c. Nessuna qualità agli eroi – discutibile / scabroso Noi due sconosciuti – accettabile / problematico Notte brava a Las Vegas – inconsistente / grossolanità Notte non aspetta (La) – n.c. Once – accettabile / semplice Quando tutto cambia – inconsistente / velleitario 64 14 anni vergine – n.c. Questa notte è ancora nostra – inconsistente / grossolanità Rabbia (La) – inconsistente / banalità Racconti da Stoccolma – discutibileproblematico / dibattiti Reservation Road – n.c. Riprendimi – discutibile / problematico Rovine – n.c. Sex and the City – discutibile / scabrosità Shine a Light – accettabile / semplice Sonetàula – n.c. Sopravvivere coi lupi – discutibile / velleitario Tropa de elite – discutibile / ambiguità Tutti i numeri del sesso – inaccettabile / volgare Tutti pazzi per l’oro – accettabile / brillante Tutto torna – accettabile-problematico / dibattiti Ultimi della classe – inconsistente / grossolanità Underdog – Storia di un vero supereroe – n.c. Vogliamo anche le rose – discutibileproblematico / dibattiti